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ennpunkt 

3/2012 4,00 Euro 28. Jahrgang 

Magazin für Fotografie 

Juli bis September 2012 

Galerien • Buchbesprechungen • Fotoszene 

Portfolio Detlef Christel • Stephan Hederich

2 brennpunkt 3/2012 

FÜR ORIGINALE 

„Ich fotografiere für den Fine Art Druck. Erst die Kombination von hochwertigen traditionellen 

Büttenpapieren und modernster Drucktechnik bringt die sinnliche Qualität meiner Bilder optimal 

zur Geltung.“ Manfred Kriegelstein Die Digital FineArt Collection bietet exklusive Künstlerpapiere 

mit edler Haptik und bestechender Optik für den Inkjetdruck. Brillante Schwarz-Weiß-Aufnahmen 

oder subtile Farbfotografie werden dank unserer feinen Papiere der Individualität Ihrer Kunstwerke 

mehr als gerecht. Mehr Papierkunst unter www.hahnemuehle.de 

P A P I E R E M I T M U S E U M S Q U A L I T Ä T, A L T E R U N G S B E S T Ä N D I G U N D M E H R F A C H P R Ä M I E R T .

Impressum: 

brennpunkt 

Magazin für Fotografie 

Erscheint vierteljährlich, 

erhältlich in Fotogalerien, 

Geschäften, Buchhandlungen 

und über Abonnement. 

Jahresabo 13,50 Euro 

Einzelpreis 4,00 Euro 

Konten: 

Postbank Berlin 

Konto-Nr. 3751 06-104 

BLZ 100 100 10 

Redaktionsschluss: 

jeweils am 10. vor dem Erscheinungsmonat 

Herausgeber: 

edition buehrer 

c/o Dietmar Bührer 

Odenwaldstraße 26 

12161 Berlin 

Telefon u. Telefax: (0 30) 8 53 35 27 

e-Mail: buehrer-berlin@t-online.de 

Internet: www.edition-dibue.de 

Copyright bei Edition 

Druck: 

schöne drucksachen 

Bessemerstraße 76a, 12103 Berlin 

ISSN 0932-7231 

Redaktion: 

Dietmar Bührer V.i.S.d.P. 

Michael Gebur 

Klaus Rabien 

Manfred Kriegelstein 

Hinweis: 

Für unverlangt eingesandte 

Manuskripte und Fotografien 

wird keine Haftung übernommen. 

Helmut Newton 

Rue Aubriot, French Vogue 

from the series White Woman, Paris 1975 

© Helmut Newton Estate 

Galerien 

� Ulrike Ottinger »Portraits« ................................................................................. 5 

� Alfred Ehrhardt »Portugal 1951–1961« ............................................................... 6 

� Hartmut Neumann »Mit und neben der Natur« ................................................. 7 

� Helmut Newton »WHITE WOMEN/SLEEPLESS NIGHTS/BIG NUDES« .............. 8 

� Ralph Gibson .................................................................................................... 10 

� Michael Harms »Zeit–doppelt belichtet« ............................................................ 12 

� Annegret Klemens, Ralf Klingelhöfer »ÜberLebenskünstler. Kuba« ..................... 13 

� Jörg Rubbert »Kids in the backyard« .................................................................. 14 

� Diane Arbus ...................................................................................................... 15 

� Fabien Scheidler »Displaced Places« ................................................................... 16 

� Sylt im Spiegel zeitgenössischer Fotografie ......................................................... 17 

� Fred Baumgart »AKT mit HUT und MANTEL« ..................................................... 18 

� Charlotte Thömmes »Recycled Memories« ......................................................... 19 

� Gruppe Blaue Ampel »Berlin, 18.15« .................................................................. 20 

� Daisaku Oozu »INVISIBLESCAPES« .................................................................... 22 

� Hildegard Ochse (1935–1997) »Das Vermächtnis ...« .......................................... 23 

� Kathrin Tschirner »Tracks – Moskau-Burjatien-Ulan Bator« ................................. 24 

� Guy Batey, Thomas Graichen »Absence / Presence« .......................................... 25 

� Faszination New York ......................................................................................... 26 

� Dirk Alvermann »Streiflichter 1956–65« ............................................................. 27 

� Hans Hocheim »Kaffee-Kultur« ........................................................................... 28 

� Leo Pompinon »Beauty of Decay« ...................................................................... 28 

� Intermezzo Collection Regard ............................................................................ 29 

� Larry Clark .......................................................................................................... 30 

� Edward Burtynsky »Oil« ...................................................................................... 31 

� Zeitlos Schön ...................................................................................................... 32 

� Volker Wartmann »Wartmann Polaroid Collection« ............................................ 34 

� Michael Ruetz »THE FAMILY OF DOG« ............................................................. 35 

� Jens Knigge »Le Thoronet – La Tourette« ............................................................. 36 

� Menschenbilder, Teil 1 ........................................................................................ 38 

� Mirjana Vrbaski »Verse of Emptiness« ................................................................. 39 

� Lotti Nass, Kamila Zimmermann »Insel aus Versehen« ........................................ 40 

� Lee Miller ........................................................................................................... 41 

� Hans Martin Sewcz »Zeitachsen« ........................................................................ 53 

Galeriebesprechungen 

� So siehst du aus! (Klaus Rabien) ......................................................................... 42 

Ausstellungen in Berlin ............................................................................................ 47 

Ausstellungen 

� Tomas Erhart »Deconstructive Nudes« ................................................................ 48 

� Inessa Dolinskaia ............................................................................................... 49 

Portfolio 

� Detlef B. Christel »Berliner Gören« ..................................................................... 54 

� Stephan Hederich »The Vanishing Breed« ........................................................... 62 

Fotoszene 

� berlin daily ......................................................................................................... 46 

� Fotowettbewerb »Landleben« ............................................................................ 51 

� 5. Europäischer Monat der Fotografie Berlin 2012 ............................................... 51 

� Ein Paradies für analoge Fotografie ...................................................................... 52 

� Inhalt versus Form? (Manfred Kriegelstein) .......................................................... 70 

Buchbesprechungen 

� Me and my Idol, Peter Werner ........................................................................... 50 

� Gute Fotos – simple Technik .............................................................................. 71 

� Porträt-Retusche-Tricks ...................................................................................... 71 

� Recht für Fotografen ........................................................................................... 71 

� Leserbriefe – Leserfotografien ............................................................................. 72 

Vorschau 4-2012 ..................................................................................................... 74 

brennpunkt 3/2012 

3

Ulrike Ottinger 

Fotografin und 

Sammlerin 

»Portraits« 

Das Verborgene Museum präsentiert 

erstmals ausgewählte Schwarz-Weiß- 

Portraits der Filmemacherin und Fotografin 

Ulrike Ottinger. Ihre Portraits 

werden in einem visuellen Dialog mit 

historischen Portraitfotografien aus der 

gemeinsamen Sammlung Ottinger/ 

Sykora gezeigt, in der sich u.a. Arbeiten 

von Lotte Jacobi, Gisèle Freund, Yva, 

Willy Maywald sowie Herbert Tobias 

befinden. 

Ulrike Ottinger ist eine der renommiertesten 

Autorinnen des Neuen Deutschen 

Films und zugleich eine international 

anerkannte Fotografin. Ihre künstlerische 

Laufbahn hat sie 1962 bei Johnny 

Friedlaender in Paris aufgenommen, wo 

sie sich durch die Schriften und Vorlesungen 

von Michel Leiris, Claude Lévi- 

Strauss und Pierre Bourdieu inspirieren 

ließ. 1969 gründet sie in ihrer Geburtsstadt 

Konstanz die Galerie »galeriepress« 

und macht Ausstellungen, u.a. 

mit Wolf Vostell, David Hockney und 

R.B. Kitaj. 

Nach der Realisierung ihres ersten 

Spielfilms »Laokoon & Söhne« 1973 

geht sie nach Berlin. Den visuellen 

Bildphantasien verschrieben, wird für 

Ulrike Ottinger das Filmemachen zu 

ihrem Metier: den Spielfilmen »Die 

Betörung der blauen Matrosen« (1975) 

und »Madame X« (1979) folgt die 

Berlin-Trilogie mit »Bildnis einer Trinkerin« 

(1979), »Freak Orlando« (1981) 

und »Dorian Gray im Spiegel der Boulevardpresse« 

(1984) – bis heute Quell der 

Erinnerung an atmosphärisch einmalige, 

inzwischen verschwundene Orte der 

ehemals geteilten Stadt. Die Kulturen 

des Fernen Ostens werden in den dokumentarischen 

Filmen zur bleibenden 

Faszination: u.a. »China. Die Künste – 

Der Alltag« (1985), »Taiga« (1992) und 

die jüngste Produktion »Unter Schnee« 

– eine poetische Geschichte aus dem 

Schneeland in Japan (2011). 

© Ulrike Ottinger, »Tabea Blumenschein«, 

Berlin 1975 

Von Beginn ihrer künstlerischen Tätigkeit 

an widmet sich Ulrike Ottinger der 

Fotografie. 

Neben der Arbeit an den Filmen, den 

Fotografien zur Drehortbestimmung 

und der Motivsuche hat Ulrike Ottinger 

das Fotografieren immer auch als 

eigenständige Kunst betrieben. Im Zentrum 

ihres fotografischen Werks stehen 

dokumentarische und inszenierte Portraits 

von Künstlerinnen und Künstlern. 

Ihnen allen ist die Freude an der Selbstdarstellung 

anzusehen, mit der sie auf 

den Blick der Fotografin reagieren. 

Ihre fotografischen Arbeiten waren in 

großen Kunstausstellungen wie der 

Biennale Venedig, der Documenta 

Kassel und der Berlin Biennale zu sehen 

und reisen in Einzelausstellungen um 

die ganze Welt. 

Über Jahrzehnte durch die Filmarbeit 

mit der Grotesktänzerin Valeska Gert 

in Freundschaft verbunden, hat Ottinger 

die große Mimin in unvergesslichen 

Portraits festgehalten. 

In der Ausstellung werden sie neben 

historischen Portraits von Valeska Gert, 

z.B. von Lotte Jacobi, Willy Maywald, 

Suse Byk, Herbert Tobias zu sehen sein, 

die – wie auch Künstlerportraits von 

Cami Stone, Man Ray, Gisèle Freund 

u.v.m. – aus der Sammlung Ottinger/ 

Sykora stammen. Im Zentrum des Interesses 

der Sammlerin Ottinger stehen 

Portraits von Künstlerpersönlichkeiten 

Gertrud Arndt, »Selbst«, Dessau 1930 


Galerien 

© Ulrike Ottinger, »Valeska Gert«, Sylt 1975 

aus den 1920er, zunehmend auch den 

1950er und 1960er Jahren. Die erstmalige 

Präsentation von Fotografien aus der 

Sammlung mit den Werken von Ulrike 

Ottinger eröffnet überraschende Korrespondenzen. 

bis 5. August 2012 

DAS VERBORGENE MUSEUM 

Schlüterstraße 70 

10625 Berlin-Charlottenburg 

Do & Fr 15 – 19 Uhr 

Sa & So 12 – 16 Uhr 

5

Galerien 

Alfred Ehrhardt 

»Portugal 1951–1961« 

Fotografie und Film 

1951 hielt sich der Kulturfilmer Alfred 

Ehrhardt fünf Monate in Portugal auf, 

um den 92minütigen Schwarz-Weiß- 

Film Portugal – Unbekanntes Land am 

Meer zu drehen, für den er seinen dritten 

Bundesfilmpreis erhielt. Es war der 

erste abendfüllende Kulturfilm, der nach 

1945 von einem Deutschen im Ausland 

gedreht wurde. Aus dem Material entstand 

der Kurzfilm Das steinerne Antlitz 

Portugals, der das Prädikat Besonders 

Wertvoll erhielt. Sieben Jahre später 

führte ihn eine zweite Reise nach 

Portugal, wo er, unterstützt von der portugiesischen 

Regierung, die Kurzfilme 

Die Küste der Fischer (Prädikat Wertvoll), 

Korkland Portugal (Prädikat Besonders 

Wertvoll), Portwein (Prädikat Wertvoll), 

Das Boot von Torreira (Prädikat Wertvoll) 

sowie Iberische Skizzen drehte – in 

Farbe. 

Wie so häufig fotografierte Ehrhardt 

parallel zur Filmarbeit. Das annähernd 

400 Fotografien umfassende Konvolut 

wird nun erstmals in einer Auswahl 

der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. 

Ebenfalls zu sehen sein wird der preisgekrönte 

Film Portugal – Unbekanntes 

Land am Meer. Fritz Kempe, Leiter der 

Staatlichen Landesbildstelle Hamburg, 

befand: »Was sonst bei programmfüllenden 

Kulturfilmen selten zutrifft, das 

ist hier weitgehend gelungen, nämlich 

einen spannenden und in sich zusammenhängenden 

Bogen zu schlagen. 

Besonders lobenswert scheint mir die 

meisterhafte Fotografie, die auch die 

geographische Struktur Portugals außerordentlich 

wirksam hervorhebt.« 

Portugal in den 1950er Jahren – das sind 

Bilder aus einer Zeit, als man noch Lasten 

auf dem Kopf trug und barfuß lief, das 

Korn auf den Feldern mit einer Handsichel 

schnitt, den Wein unter Musikbegleitung 

erntete und die Trauben mit den Füßen 

kelterte, Sardinen und Thunfische mit 

Netzen per Hand einholte und Kork 

das einzige Material war, mit dem man 

Flaschen stopfte. Die auch für dama- 


Alfred Ehrhardt, »Uralte Windmühlen am Atlantik«, 1951, 17,5 x 23,5 cm, Vintage, Silbergelatineabzug, 

© Alfred Ehrhardt Stiftung 

lige Verhältnisse exotische Anmutung 

der archaischen Produktionsmethoden 

erscheinen nicht nur dem heutigen 

Betrachter wie Bilder aus einer anderen 

Welt, sondern übten schon auf Ehrhardt 

sichtbar große Faszination aus. Für ihn 

war das Leben der Portugiesen »von 

einer biblischen Einfachheit und von 

besinnlicher Heiterkeit«. 

Wenngleich der Schwerpunkt des 

Films – und somit auch der Fotografien 

– auf der folkloristischen Tradition des 

Handwerks liegt, so wird Portugal doch 

auch als Land der Gegensätze zwischen 

Vergangenheit und Gegenwart 

gezeigt. Ehrhardt filmt und fotografiert 

die Luxusdampfer und den Flugboot- 

Landeplatz im Hafen von Lissabon 

oder die Neubauviertel im Norden der 

Hauptstadt genauso wie die maschinelle 

Fabrikation von Sardinenkonserven und 

Korkprodukten. 

Wie bei allen seinen Filmen zeichnete 

Ehrhardt für Regie, Kamera, Schnitt und 

Produktion verantwortlich. Aber er verwendete 

auch vor Ort aufgenommene 

Geräuschkulissen und portugiesische 

Musik wie die Choräle der Gläubigen 

in der Wallfahrtskirche zu Fatima. Alfred 

Ehrhardt fertigte mit seinem geschulten 

Blick für Komposition, Abstraktion und 

Grafik eine »künstlerische Reportage 

von dokumentarischem Wert« (Die Welt, 

1952). »Ehrhardt gelingen betörend 

schöne Bilder; selbst wenn er so nüchterne 

Gegenstände wie eine Korkfabrik 

beschreibt, entdeckt er reizvolle und 

verblüffende Perspektiven. So wird dieser 

Film ein ästhetischer Genuss; seine 

dichten Stimmungsbilder erschließen 

unserem Bewusstsein das Land Portugal 

vielleicht eher als es strenge Sachlichkeit 

vermocht hätte.« (Berliner Morgenpost, 

1952) 

bis 15. Juli 2012 

Alfred Ehrhardt Stiftung 

Auguststraße 75 

10117 Berlin-Mitte 

Di – So 11 – 18 Uhr 

Do 11 – 21 Uhr 

www.alfred-ehrhardt-stiftung.de

Hartmut Neumann 

»Mit und neben der 

Natur« 

Neue Fotoarbeiten 

Hartmut Neumanns abstrakte, skulpturale, 

utopische und inszenierte Sicht 

auf Natur bildet einen vorgegebenen 

Bezugsrahmen zu den Arbeiten von Alfred 

Ehrhardt, auf die sich der Künstler in dieser 

für die Alfred Ehrhardt Stiftung konzipierten 

Ausstellung bezieht. Neumann 

nimmt den dialogischen Ansatz der 

Ausstellungstätigkeit der Stiftung auf, 

der in der Gegenüberstellung der historischen 

Fotografie und Filmkunst von 

Alfred Ehrhardt mit zeitgenössischen 

Fotografen und Fotografinnen liegt, 

die sich in ihrem Werk grundlegend 

mit dem Begriff der »Natur« und den 

»Konstruktionen des Natürlichen« auseinandersetzen. 

Hartmut Neumann komponiert ausgestopfte 

Tiere, pflanzliche Elemente, 

natürliche Materialien und künstliche 

Erzeugnisse assemblageartig 

zu Bildwelten von erschreckender 

Künstlichkeit. Er konstruiert Natur, die 

sich zwar aus erkennbaren natürlichen 

Formen zusammensetzt, die aber dennoch 

irritierend fremdartig erscheint. Er 

inszeniert absurde Bildwelten zwischen 

Abstraktion und Gegenständlichkeit. 

Präparierte Finken und Maisen verstecken 

sich in aus Bauschaum aufgeworfenen 

Eisgrotten, Sittiche brüten vor 

einer Wand aus Plastikpflanzen und 

Tierfell, Styroporkugeln, Kunststoffringe 

und Isoliermaterialien mutieren zu einer 

stellaren Konstellation im tiefschwarzen 

Kosmos. Einen Schwerpunkt der 

Ausstellung bilden Arbeiten, die sich 

mit dem Thema des Kosmos befassen. 

Sowohl in seinen Fotografien als auch in 

der Malerei konstruiert er außerirdische 

Welten aus Formen und Gegenständen, 

deren kosmologischer Charakter sich 

erst durch die Art und Weise erschließt, 

wie er sie zueinander in Beziehung setzt. 

Nachdem Hartmut Neumann seine 

Arrangements fotografiert hat, werden 

sie wieder zerstört. Sie überdauern einzig 

im Medium der Fotografie. 

Hartmut Neumann, Kosmonauten 1, 2011, 

92x116 cm, Pigmentdruck auf Barytpapier 

© Hartmut Neumann / VG BildKunst, Bonn 

Die schier unerschöpfliche Fülle seines 

Formenrepertoires ist getragen von der 

Idee der »Kunst- und Wunderkammer«, 

wo »artificialia« und „naturalia“ wie in 

einem Mikrokosmos des Universums eng 

verzahnt wurden. Aber auch naturkundliche 

Dioramen und Naturdarstellungen 

historischer Fachbücher haben die 

Formensprache des Künstlers angeregt. 

Als Motivquelle diente ihm seine über 

Jahrzehnte hinweg zusammen getragene 

eigene Sammlung ausgestopfter 

Tiere, angereichert durch weitere 

Naturversatzstücke, allerlei Objekte 

verschiedensten Materials und etliche 

Alltagsgegenstände. Neumanns 

rätselhafte Bilderfindungen zeichnen 

sich durch Opulenz und überbordenden 

Detailreichtum aus. Seine theatralischen 

Natur-Inszenierungen von selten 

gesehenem Wahnwitz hinterlassen 

einen intensiven Eindruck. Etwas 

unheimlich kommen sie daher, die von 

Präparatoren geformten Häute, Federn 

und Felle verstorbener Lebewesen. Ihr 

stierer Blick, ihre räudige Hülle, die 

Unbeweglichkeit ihrer den natürlichen 

Bewegungsabläufen angelehnten 

verlebendigenden Pose, geeint mit 

der Erstarrung des Moments im fotografischen 

Bild, lässt uns erschauern. Die 

künstlerisch überformten Naturstücke 

halten das Tote wie eine Reliquie lebendig 

und hauchen ihm ein zweites, künstlich-künstlerisches 

Leben ein. 

Die von heimischen und exotischen 

Tieren bevölkerten utopischen Gärten 

beschreiben eine Paradieswelt, in der 

es keine Menschen gibt. Der Künstler 

wird zum Welten-Neuschöpfer, der alte 

Wettstreit des Künstlers mit der Natur 

ist hier als mehrschichtiger Prozess präsent. 

Aber Hartmut Neumanns unge- 

21. Juli bis 7. Oktober 2012 

Alfred Ehrhardt Stiftung 

Auguststraße 75 


Di – So 11 – 18 Uhr 

Do 11 – 21 Uhr 

www.alfred-ehrhardt-stiftung.de 


Galerien 

mein faszinierenden wie beunruhigenden 

Bilder sind alles andere als abbildhafte 

Naturstücke oder Darstellungen 

einer paradiesischen Urnatur. Es sind 

Artefakte und Konstruktionen, deren mit 

den Mitteln der Malerei, Grafik, Skulptur 

und Fotografie erstellte Künstlichkeit 

deutlich im Vordergrund steht. Hatte 

Stefan Berg 1999 geschrieben, Neumann 

sei »maßlos im Anspruch, alles, restlos 

alles in Malerei zu verwandeln und dabei 

Maßstäblichkeit, Verhältnismäßigkeit 

und malerische Konventionen komplett 

zu opfern«, so gilt Gleiches in 

der Zurückführung der skulpturalen 

Objekt-Assemblagen in die zweidimensionale 

schwarz-weiße Fläche der 

Fotografie. Die Fotografie erlaubt ihm 

den Freiraum, sich mit scheinbar verdächtigen 

Themen ohne Rücksicht auf 

bildnerische Konventionen uneingeschränkt 

auseinanderzusetzen. 

Hartmut Neumann, 1954 in Delmenhorst 

geboren, studierte an der Hochschule 

für Kunst in Bremen bei Prof. Rolf 

Thiele. 1983 »Kunstpreis Junger 

Westen«, 1985/86 Stipendiat der 

Villa Massimo, 1988 Kunstpreis des 

Deutschen Künstlerbundes. Zahlreiche 

Gruppen-und Einzelausstellungen 

(u.v.a. Kunstmuseum Düsseldorf 

1991, Kunsthalle Recklinghausen 

1992, Ludwig Forum Aachen 1998, 

Von der Heydt-Museum Wuppertal 

2000, Herzog-Anton-Ulrich-Museum 

Braunschweig 2003, Forum Kunst 

Rottweil 2009). Seit 1992 Professur für 

Malerei an der Hochschule für Bildende 

Künste Braunschweig. 

In Zusammenarbeit mit Sabine Schmidt 

Galerie, Köln. 

Vernissage: 

Freitag, 20. Juli 2012, 19 Uhr 

7

Galerien 

HELMUT NEWTON 

»WHITE WOMEN / 

SLEEPLESS NIGHTS / 

BIG NUDES« 

Helmut Newton gehört zweifellos zu 

den bedeutendsten Photographen des 

20. Jahrhunderts, seine unnachahmlichen 

Mode- und Aktaufnahmen sowie 

die Porträts werden bis heute veröffentlicht. 

Seine erste Buchpublikation 

unter dem Titel »White Women« 

erschien erstaunlicherweise erst 1976, 

als Newton bereits 56 Jahre alt war, 

dafür jedoch gleich in mehreren Ausgaben 

und Sprachen: Es ist ein legendäres 

Buch geworden, wurde kurz 

nach Erscheinen mit dem »Kodak Fotobuchpreis« 

ausgezeichnet und seitdem 

immer wieder aufgelegt. Newton 

landete mit »White Women« einen 

Clou, weil er einer visuellen Erotisierung 

der Mode den Weg bereitete, die 

1980/1981 in seinen berühmten Serien 

»Big Nudes« und »Naked and Dressed« 

kulminierte. Den ungewöhnlichen Einfall, 

zeitgenössische Mode mit bekleideten 

und unbekleideten Modellen in 

Form von Diptychen zu präsentieren, 

hatte Helmut Newton bereits Mitte der 

1970er Jahre vorbereitet. In der europäischen 

Kunstgeschichte existierte dafür 

ein berühmtes Vorbild aus der Zeit um 

1800 – nämlich Goyas querformatige 

Gemälde der nackten und bekleideten 

Maja, die nebeneinander im Prado 

hängen. 

Newtons herausfordernder Idee einer 

radikalen Nacktheit in der Mode (oder 

besser als Randbereich der Mode) folgten 

später viele Kollegen, aber auch ein 

Regisseur: 1994 zeigte Robert Altman 

in der Schlussszene seines Filmes »Prêtà-porter« 

Modelle, die bei den Pariser 

Modenschauen vollkommen nackt über 

den Laufsteg defilierten und das Publikum, 

nach einiger Skepsis, begeisterten. 

Der Verzicht auf die Mode selbst 

und die Konzentration auf den eigentlich 

durch die Mode verhüllten (weiblichen) 

Körper sind vermutlich eine Übernahme 

des damals bereits berühmten 

Newton’schen Leitmotivs. 


Helmut Newton, »Sie kommen«, from the series Big Nudes, Paris 1981, © Helmut Newton Estate 

Dass Damenmode verführen und die 

beauftragten Photographen dies unterstützen 

sollen, ist hinlänglich bekannt. 

Newton ging in seinen Bildern in den 

1970er Jahren einen entscheidenden 

Schritt weiter – er vereinte subtil Nacktheit 

und Mode: Im Ambiente luxuriöser 

Hotels rutschte der einen oder anderen 

Frau schon einmal lasziv der Träger 

des Kleides herunter und ließ eine Brust 

zum Vorschein kommen. Oder aber 

Newton stellte in einer Nachtaufnahme 

in einer Gasse in Paris neben ein Modell 

im Yves-Saint-Laurent-Damensmoking 

eine zweite nackte Frau. Solche ungewöhnlichen 

Bilder haben die Szene 

überrascht und provoziert, vor allem 

aber haben sie die Modephotographie 

revolutioniert. Überdies begleiten und 

kommentieren solche Aufnahmen den 

Wandel der Rolle der Frau in der westlichen 

Gesellschaft jener Zeit. 

Neben die Schwarz-Weiß-Bilder aus 

dem erweiterten Modekontext stellte 

Newton in seiner ersten Publikation 

Farbaufnahmen nackter weiblicher 

Modelle in Swimmingpools unter süd- 

licher Sonne. In einem kurzen Kommentar 

im Buch erklärte der Photograph, 

dass er nie Kulissen im Studio 

aufbauen, sondern vielmehr immer passende 

Schauplätze für seine Bilder vor 

Ort suchen würde. Und so benutzte er 

beispielsweise einen Ankleidespiegel 

in der Villa d’Este für ein inszeniertes 

Modeporträt, auf dem sich ein Modell 

in enger Reiterhose und bloßen Brüsten 

bewundert. Newton macht uns Bildbetrachter 

so unweigerlich zu Voyeuren. 

Ebenso raffiniert und perfekt arrangierte 

er die Aufnahmen in Schwarz-Weiß und 

Farbe, die 1978 in seinem zweiten Buch 

»Sleepless Nights« vereint wurden und 

zuvor in so unterschiedlichen Magazinen 

wie der amerikanischen oder italienischen 

Vogue, dem Playboy oder dem 

Spiegel publiziert worden waren. Auch 

hier geht es um Frauen, ihre Körper und 

Kleider; viele Aufnahmen sind nicht nur 

Modebilder, sondern gleichzeitig Porträts, 

manche könnten auch Aufnahmen 

von Kriminalschauplätzen sein. Hier 

tauchen erstmals drei kleinere Bildserien 

auf, die später zu Newtons iko-

Helmut Newton, »Self Portrait with Wife and Models«, Vogue Studio, Paris 1981, 

© Helmut Newton Estate 

nischen Aufnahmen gezählt werden 

sollten: weibliche halbnackte Modelle 

mit orthopädischen Stützprothesen, die 

kurz nach J.G. Ballards Roman »Crash« 

entstanden, oder mit Hermès-Ledersatteln, 

die besonders kontrovers diskutiert 

wurden, sowie die sogenannten 

Dummies: 1978 begann Newton für 

Modeaufträge der französischen Vogue 

mit Schaufensterpuppen zu arbeiten, die 

er etwa spät abends mit Drähten an der 

Seine-Brücke Pont Alexandre III befestigen 

ließ. Diesen wurden von Stylisten 

die neuesten Kollektionen angezogen 

und so lebendig zurecht gemacht, dass 

man den Unterschied zwischen Lebewesen 

und Puppe erst auf den zweiten 

Blick feststellen konnte. Auch in 

seiner zweiten Publikation »Sleepless 

Nights« tauchen Schaufensterpuppen 

auf, meist in amouröser Kombination mit 

einem Menschen. Durch die Interaktion 

der beiden Protagonisten baute Newton 

eine für die Modephotographie seiner 

Zeit einzigartige inhaltliche Spannung 

auf. Mode scheint für ihn häufig nur ein 

Vorwand gewesen zu sein, etwas anderes, 

eigenes zu realisieren. 

Spätestens seine dritte Publikation 

»Big Nudes« sicherte dem inzwischen 

Anfang 60-jährigen Helmut Newton 

einen festen Platz auf dem photographischen 

Olymp: Das Buch wird seit 1981 

bis heute verlegt, inzwischen hunderttausendfach 

gedruckt, in mehreren Verlagen 

und Sprachen. Karl Lagerfeld, mit 

dem und für den Newton seinerzeit viel 

photographierte, steuerte für die deutsche 

Ausgabe ein Vorwort bei. 

Newton erklärt die Entstehung der »Big 

Nudes« in seiner Autobiographie: Er sei 

durch die großformatigen RAF-Fahndungsplakate 

der deutschen Polizei 

auf die Idee gekommen, auch ganzfigurige 

Aktaufnahmen mit der Mittelformatkamera 

im Studio zu machen, die 

er dann später lebensgroß abzog. Die 

monumentalen Bilder wurden bald 

nach ihrem Entstehen in verschiedenen 

Museen gezeigt; Newton stieß mit 

den hier veröffentlichten »Big Nudes« 

sowie den später ebenfalls lebensgroß 

bis 18. November 2012 

Helmut Newton Stiftung 

Museum für Fotografie 

Jebensstraße 2 


Di – So 10 – 18 Uhr 

Do 10 – 22 Uhr 


Galerien 

abgezogenen Bildern der »Naked and 

Dressed«-Serie in eine neue Dimension 

des photographischen Menschenbildes 

vor. Letztgenannte Sequenz realisierte 

er zunächst pleinair im Frühjahr 

1981 für die italienische Vogue, einige 

Monate später im Studio für deren französische 

Ausgabe. Das Diptychon »Sie 

kommen«, das in diese Reihe gehört, 

hängt als Dauerpräsentation seit der 

Eröffnung der Helmut Newton Stiftung 

in deren oberer Lobby– gegenüber den 

»Big Nudes«. 

Die aktuelle Ausstellung in Berlin, die 

für das Museum of Fine Arts in Houston 

erdacht wurde und zuvor bereits 

dort zu sehen war, ist diesen ersten 

drei legendären Publikationen gewidmet 

– die in den Büchern publizierten 

Motive verwandeln sich hier in 

Ausstellungsprints. Zu seinen Lebzeiten 

wurden die frühen, teilweise ikonischen 

Bilder an der Schwelle von der 

Mode- zur Aktphotographie nie zusammen 

gezeigt. Mit dieser Präsentation 

folgt die Helmut Newton Stiftung der 

Ausstellungsidee, Newtons Werk unter 

unterschiedlichen Aspekten und mit 

Blick auf verschiedene Genres auch aus 

den eigenen Publikationen heraus zu 

beleuchten. Das geschah bereits zuvor 

in der Gruppenausstellung »Wanted 

(Newton, Gibson, Clark)« mit der Fokussierung 

auf das von Newton zwischen 

1987 und 1995 herausgegebene eigene 

Magazin »Helmut Newton’s Illustrated« 

oder später mit »Helmut Newton 

SUMO«, als anlässlich der Neuauflage 

des legendären Bildbandes, zehn 

Jahre nach seinem ersten Erscheinen, 

die Berliner Ausstellungssäle mit allen 

394 Bildmotiven jener bahnbrechenden 

Publikation gefüllt wurden. Inzwischen 

interessieren sich immer mehr Sammler 

auch für historische Photobücher; Newtons 

frühe Bildbände gehören selbstverständlich 

in diesen Kanon. 

Matthias Harder 

9

Galerien 

Ralph Gibson 

Die über 60 Photographien umfassende 

Einzelausstellung gibt Einblick in das 

beeindruckende Gesamtwerk des Photographen, 

der u.a. mit Diane Arbus 

und Garry Winogrand als einer der 

berühmtesten Mitglieder der Photographenszene 

New Yorks der Geschichte 

gilt. Zweifellos zählt der Amerikaner zu 

den wegweisenden Vertretern der Photokunst 

und ist vor allem für seine grenzüberschreitende 

Darstellung künstlerischer 

Stilrichtungen im Medium der 

Photographie bekannt. 

»The camera was leading me to other 

dimensions, to expressions of entirely 

new feelings.« 

Bereits das Frühwerk von Ralph Gibson 

zeugt von einer besonderen künstlerischen 

Gestaltungsweise, wodurch 

Form und Motiv zu einer neuen Ausdrucksform 

verschmelzen und direkt 

beim Betrachter Emotionen evozieren. 

So verhält es sich auch bei der Serie 

»The Somnambulist«, aus der zahlreiche 

Photographien in der Ausstellung 

zu sehen sind. Anlehnend an den Titel 

erzählt Gibson darin die Geschichte 

eines Traumwandlers – narrativ, mystisch, 

spirituell und gepaart mit transzendentalen 

Erlebnissen, die der Rezipient 

visuell erfahren kann. Bereits zur 

Entstehungszeit Ende der 1960er Jahre 

galt die Serie aufgrund des photokünstlerisch 

experimentellen Charakters und 

Gibsons Selbstverständnisses, die Phototechnik 

allein definiere noch nicht die 

Kunst, als herausragendes Werk, welches 

als gleichnamiges Photobuch bis 

heute hoch geschätzt wird. Das wohl 

bekannteste und am meisten zitierte 

Bild aus der Serie – das Motiv zeigt eine 

solarisierte Hand im Spalt einer offenen 

Tür – diente u.a. auch als LP-Innencover 

des Albums »Unknown Pleasures« 

von Joy Division. 

»I love photographing women and 

could say that the form of the female 

body is absolute and perfect.« 

Faszinieren ihn seit jeher Motive mit surreal-metaphysischen 

Stimmungen, hat 

sich Ralph Gibson im Laufe seiner Karriere 

stärker auf die photographische Dar- 


© Ralph Gibson, Untitled, 1969 

stellung des weiblichen Aktes konzentriert. 

Gibson vermag es, den Blick für 

den besonderen Ausschnitt zu haben, 

einen bestimmten Teil des weiblichen 

Körpers zu isolieren, herauszuarbeiten 

und zu betonen. Die naturgetreue 

Wiedergabe, Formverehrung des Körpers 

und leidenschaftliche aber dennoch 

subtile Erotik bestimmen die Akte, 

deren reizvolles Spiel in der Bildsprache 

zwischen Realismus und abstrak- 

ter Form Ralph Gibsons Ästhetik kennzeichnet. 

Verstärkt wird dieser Effekt 

durch den wirkungsvollen Kontrast zwischen 

Schwarz und Weiß. 

Über Ralph Gibson 

Geboren im Jahr 1939 in Los Angeles, 

trat Ralph Gibson im Alter von 16 Jahren 

der U.S. Navy bei, um anschließend am 

San Francisco Art Institute zu studieren. 

Mit 22 Jahren wurde er Assistent der

© Ralph Gibson, Umbrella and Car, 1954 

beiden Photographenlegenden Dorothea 

Lange und später Robert Frank, 

bevor er Ende der 1960er nach New 

York übersiedelte und sich als selbstständiger 

Photograph etablierte. Internationale 

Anerkennung erhielt Ralph 

Gibson, der seit über 50 Jahren ausschließlich 

mit Leica photographiert, 

bereits zu Beginn seiner Karriere mit 

der Photoserie »The Somnambulist« 

und dem gleichnamigen Photobuch, 

welches 1970 erschien. Diese Serie ist 

mit ihrer narrativen Prägung charakteristisch 

für Gibsons stetiges Streben nach 

einer innovativen künstlerischen Darstellungsform. 

Für sein photographisches 

Schaffen – zu dem auch zahlreiche 

hochwertige Photobände gehören 

– wurde Ralph Gibson bis dato u.a. mit 

dem John Simon Guggenheim Memorial 

Fellowship (1985), Leica Medal of 

Excellence Award (1988), Lucie Award 

© Ralph Gibson, 1991 


Galerien 

(2007) oder FOTOmentor Lifetime 

Award (2011) geehrt. Über 150 Museen 

weltweit, darunter das Metropolitan 

Museum of Art und Museum of Modern 

Art in New York sowie die National Gallery 

of Art in Washington, führen Werke 

von Ralph Gibson in ihren Sammlungen. 

Der Künstler lebt in New York. 


Galerie Camera Work 

Kantstraße 149 


Di – Sa 11 – 18 Uhr 

Homepage: 

www.camerawork.de 

Facebook: 

www.facebook.com/cameraworkberlin 

11

Galerien 

Michael Harms 

»Zeit–doppelt 

belichtet« 

Mit 15 zum ersten Mal in Berlin. Zusammen 

mit einem Freund erkundete ich 

die uns faszinierende Großstadt. Besonders 

das morbide Kreuzberg, die brutalen 

und unvorstellbaren Mauersituationen, 

die nüchternen »Trabantenstädte« 

Gropiusstadt und das märkische Viertel 

zogen uns an. Die Kameras wurden vorwiegend 

auf Motive gerichtet, die der 

Reiseführer nicht, oder nur oberflächlich 

erwähnte. Eine Sichtweise, der ich 

seitdem beim Erkunden fremder Städte 

treu geblieben bin. Auch ein Besuch 

Ost-Berlins wurde möglich durch die 

Begleitung eines volljährigen Begleiters, 

jemand den wir in der Jugendherberge 

kennenlernten. Die Einreise gestaltete 

sich gleich als Angst einflößendes 

Erlebnis, da unser Begleiter ein Buch im 

Gepäck hatte und wir alle drei daraufhin 

ausführlich und getrennt im Bahnhof 

Friedrichstrasse verhört wurden. Die 

folgende Erkundungstour fand daher 

unter diesem beängstigen Erlebnis statt 

und die Kamera wurde nur vorsichtig 

benutzt, um weiteren Ärger zu vermeiden. 

Etliche Bilder dieser Reise konnte 

ich noch im gleichen Jahr unter dem 

Titel »BERLIN - Bilder einer Insel« in 

mehreren Sparkassenfilialen in meiner 

Heimatstadt Oldenburg ausstellen. Die 

vergleichende Erkundung der Trabantenstädte 

ist als Nächstes geplant. 

Seit zehn Jahren lebe ich wieder in 

Berlin, diesmal im Ostteil der Stadt. 

Viele der damals besuchten Orte in 

Berlin sind zum alltäglichen Erlebnisraum 

geworden. Ich geniesse immer 

noch die Atmosphäre dieser Stadt, die 

man nun ohne trennende Mauer durchqueren 

kann. Genau nach 30 Jahren 

mache ich mich auf den Weg, um die 

damals photographierten Situationen 

erneut in der Veränderung aufzunehmen. 

Anhand der Negative rekontruiere 

ich die damals gelaufenen Routen, mit 

dabei Abzüge der früheren Bilder und 

ich versuche die Motive möglichst identisch, 

oder in gleichem Sinne abzulichten. 

Drei besondere Aspekte wurden für 

mich immer deutlicher: Berlin ist deut- 


© Michael Harms 

lich grüner geworden. Oft konnten frühere 

Standpunkte wegen der gewachsenen 

Bäume nicht wieder eingenommen 

werden. Die Mauer und die damals 

völlig absurden Situationen im Verlauf 

der Mauer sind kaum noch erfahrbar. Die 

Umgebungen der wenigen verblieben 

Mauerreste sind eher »Rummelplätze« 

geworden, das Gedenken an das durch 

die Mauer verursachte Leid und die 

nunmehr fast unvorstellbare Teilung der 

Stadt wird nur an der Bernauer Strasse 

ermöglicht. Während der Suche nach 

damals gesehenen Blickwinkeln fallen 

mir auch die Unterschiede in meiner 

heutigen Wahrnehmung der Orte auf, 

aber auch das über viele Jahre erhalten 

gebliebene Interesse an eher skurrilen 

und düsteren Motiven. 

Michael Harms, August 2010 


Fotogalerie Friedrichshain 

Helsingforser Platz 1 

10243 Berlin-Friedrichshain 

Di, Mi, Fr, Sa 13 – 18 Uhr 

Do 10 – 18 Uhr

Annegret Klemens 

Ralf Klingelhöfer 

»ÜberLebenskünstler. 

Kuba« 

Kuba: zwei fotografische 

Annäherungen 

Kuba, Castro-Land in der Karibik, hat 

eine junge, heroische Vergangenheit. 

Die Gegenwart ist eher melancholisch 

gestimmt. Der k.u.k. Staat - kommunistisch 

verwurzelt, kapitalistisch angehaucht, 

ökonomisch eingezwängt zwischen einheimischer 

und konvertibler Währung 

(CUC) - befindet sich in einer schwierigen 

Lage. Für Reisende ist Kuba ein Ort 

mit hoher Anziehungskraft - besonders 

für Fotografen. Annegret Klemens 

(*1961) und Ralf Klingelhöfer (*1956) 

aus Berlin haben sich, jeder auf seine 

Weise, in Schwarzweiß oder Farbe, 

mit dieser Gegenwart auseinandergesetzt: 

Kuba ist für sie kein Vorzeigeland, 

weder der einen noch der anderen Art. 

Der Versuchung Klischees zu erfüllen 

widerstehen sie. Sie nähern sich 

dem Land mit behutsamer Neugier an 

- unterschiedlich eher im Detail als im 

großen Ganzen. Ihre Bilder sind fotografische 

Empathiebekundungen. Das 

Leben auf Kuba bietet viel Augenfutter, 

nicht blendend, glänzend, vollmundig, 

sondern einfach, unverstellt, poetisch. 

Wer die fast global herrschende 

konsumistische Technifizierung urbaner 

Zonen gewohnt ist, wird auf Kuba 

eine andere Wirklichkeit vorfinden. Sie 

ist weniger hektisch, beschaulich, ländlich. 

Der Alltag weist entspannte, auch 

kuriose Züge auf, zuweilen verschattet 

von Kargheit und Verfall. Improvisationsgeist 

und Spiellust kontrastieren mit 

Stillstand und Ruinen. Geschäfte stehen 

halbleer. Von den Wänden mahnt der 

Comandante. Aufgemotzte Straßenkreuzer 

und Pedalkraft, auch Pferdebusse, 

beherrschen die Straßen. Überall 

findet sich handwerkliches Treiben. 

Offen und selbstbewusst schauen die 

Menschen in die Kamera, Kinder und 

Jugendliche allemal. Ihnen gehört die 

Zukunft - eine hoffentlich friedliche. 

Michael Nungesser 

© Annegret Klemens 

© Ralf Klingelhöfer, (Original in Farbe) 

Vernissage: 

12. Juli 2012, 19 Uhr 

13. Juli bis 24. August 2012 

Fotogalerie Friedrichshain 

Helsingforser Platz 1 


Di, Mi, Fr, Sa 13 – 18 Uhr 

Do 10 – 18 Uhr 


Galerien 

13

Galerien 

Jörg Rubbert 

»Kids in the backyard« 

Bei der Serie »Kids in the Backyard« 

handelt es sich um ein sehr persönliches 

Projekt des Fotografen Jörg Rubbert, 

das Ende der achtziger Jahre bei 

zahlreichen Reisen in die Metropolen 

Paris und New York seinen Anfang 

nahm. 

Bei seinen Besuchen hat Jörg Rubbert 

die Vielschichtigkeit der beiden Städte 

dokumentiert: insbesondere Straßenszenen 

und Straßenportraits von sog. 

Großstadtkindern – aufgenommen in 

den Strassen, Hinterhöfen und Ghettos 

von Paris und New York. 

Der größte Teil der Paris-Aufnahmen 

entstand in den stark von Einwanderern 

bewohnten Vierteln des Pariser Nordens 

– den sogenannten »Banlieues« – 

mit seinen sozialen Brennpunkten. Die 

Bilder setzen sich dabei besonders mit 

den Problemen der Integration der arabischen 

Bevölkerung auseinander. In 

diesen Vorstadtghettos ist die einheimische 

Bevölkerung im Vergleich zu den 

Einwanderern aus dem Maghreb, also 

aus Algerien, Tunesien und Marokko 

mittlerweile in der Minderheit. 

Die hohe Arbeitslosigkeit und Perspektivlosigkeit 

unter den arabischen Jugendlichen 

in den Pariser Vorstädten ist sozialer 

Sprengstoff: »Die Jungen identifizieren 

sich mit den Palästinensern, weil 

sie sich gleichfalls ausgeschlossen und 

entrechtet fühlen« und streben eine Re- 

Islamisierung der Gesellschaft an. 

Zitat: Hassan Arfaoui, Institut du 

Monde Arabe, Paris 

Für Jörg Rubbert sind es vor allen Dingen 

die jungen Menschen, die die Stadt verkörpern. 

Die beiden Metropolen sind 

mit ihrer urbanen Atmosphäre allgegenwärtig 

– mit ihren Licht- und Schattenseiten, 

mit ihrer Weltläufigkeit – aber 

auch mit ihrer Ausgrenzung wirtschaftlich 

und ethnisch Benachteiligter. 

Die Bilder und die sie abbildende Szenerie 

wirken zeitlos und atmosphärisch 

verdichtet. Die Stimmung wandelt sich 

dabei stetig. So mischt sich oft der Ernst 

der Realität in das Spiel der Kinder, die 


© Jörg Rubbert, »Partnerlook«, Barbés Rochechouart, Paris 1989 

in den Immigrantenvierteln von Paris aufwachsen: 

Ein Regenschirm vom Sperrmüll 

verheißt aufregende Abenteuer und 

ersetzt teures Spielzeug. Andere Jugendliche 

versuchen sich mit Graffiti Respekt 

zu verschaffen, und im vergitterten Hinterhof 

verabredet man sich zum Abhängen 

und raucht einen Joint. 

Das Prinzip von Jörg Rubbert’s Arbeit mit 

der Kamera gilt hingegen für alle Orte: 

Für ihn ist die analoge Schwarzweißfotografie 

die ideale Form, das Leben in 

den Großstädten einzufangen. 

Vernissage: 

10. August 2012, ab 19 Uhr 

11. August bis 2. September 2012 

carpentier galerie 

Meinekestraße 13 


Öffnungszeiten nach Vereinbarung

Diane Arbus 

Diane Arbus (New York, 1923 – 1971) 

hat die Kunst der Fotografie revolutioniert. 

Mit ihren kühnen Sujets und 

ihrem fotografischen Zugang schuf sie 

ein Werk, das in seiner Unverfälschtheit 

oftmals schockiert. Ihre Gabe, die 

uns besonders vertraut erscheinenden 

Dinge in etwas Fremdes zu verwandeln 

und das Vertraute im Exotischen aufzudecken, 

erweitert unser Selbstverständnis. 

Die meisten ihrer Sujets findet Arbus in 

New York – einer Stadt, die sie sowohl 

wie etwas Vertrautes als auch wie ein 

fremdes Land erkundet hat. 

Für Diane Arbus ist Fotografie ein 

Medium, das sich mit den Fakten anlegt. 

Ihre zeitgenössische Anthropologie – 

ihre Portraits von Paaren, Kindern, Jahrmarktartisten, 

Nudisten, Mittelklassefamilien, 

Transvestiten, Exzentrikern und 

Prominenten – ist auch eine Allegorie 

der menschlichen Erfahrungen, eine 

Erkundung der Beziehung zwischen 

Schein und Identität, Einbildung und 

Glauben, Theater und Realität. 

In dieser Retrospektive zeigt der Martin- 

Gropius-Bau eine Auswahl von etwa 

zweihundert Fotografien, die es ermöglichen, 

Ursprünge und Inspiration in der 

Fotografie von Diane Arbus kennenzulernen. 

Die Ausstellung zeigt neben 

berühmten Aufnahmen auch zahlreiche 

Bilder, die bisher noch nie veröffentlicht 

wurden. 

Der letzte Raum der Ausstellung ist einer 

ausführlichen und kritischen Dokumentation 

von Diane Arbus Leben und Werk 

gewidmet. 

Die fotografischen Arbeiten von Diane 

Arbus wurden nur mit denjenigen Titeln 

beschriftet, die ihnen die Künstlerin 

selbst gegeben hat. Es wird auf eine chronologische, 

thematische oder wissenschaftliche 

Ordnung verzichtet. Somit 

können alle Ausstellungsbesucher den 

Bildern so begegnen, wie auch die Fotografin 

ihren Sujets begegnet ist: unmittelbar 

und unvoreingenommen. 

Junger Mann mit Lockenwicklern zu Hause in der West 20th Street, N.Y.C., 1966 

Copyright © The Estate of Diane Arbus 

Junge mit Strohhut, der darauf wartet, in einer 

Pro-Kriegsparade mitzumarschieren, N.Y.C.,1967 


Bildband: 

Diane Arbus: Revelations 

Schirmer Mosel Verlag 

Englisch / Hardcover 

ISBN 978-3-8296-0089-7 

Buchhandelsausgabe Euro 58,– 

Identische Zwillinge, Roselle, N.J., 1967 


bis 23. September 2012 

Martin-Gropius-Bau 

Niederkirchnerstraße 7 

10963 Berlin-Kreuzberg 

Mi – Mo 10 – 19 Uhr 

Dienstags geschlossen 


Galerien 

15

Galerien 

Fabian Scheidler 

»DISPLACED PLACES« 

Foto-Synthesen 

imago fotokunst präsentiert Arbeiten 

des Berliner Fotokünstlers und Autors 

Fabian Scheidler. Zu sehen sind drei 

Triptychen und 15 Einzelbilder aus den 

Jahren 2007 bis 2012. Mit der Technik 

der digitalen Fotomontage schafft 

Fabian Scheidler surreale, teils absurde, 

verstörende oder auch erheiternde Bildwelten, 

die den Betrachter an entwurzelte, 

heimatlose Orte versetzen – an 

»DISPLACED PLACES«. 

Wüstenlandschaften, Orte des Durchgangs 

wie Flughäfen und verlassene 

Bahnsteige, zerfallende Überreste großtechnischer 

Strukturen verbinden sich 

zu Räumen, die im Grenzbereich zwischen 

Traum und Wirklichkeit angesiedelt 

sind. 

»Die Montagen«, so Scheidler, »sind im 

Grunde Filme, die in einem Bild kondensiert 

sind. Wie in einem Hologramm. 

Es gibt darin Geschichten, Charaktere, 

Dramaturgien, Schauplätze, Bewegung, 

Zeitqualitäten, Montage – alles, was es 

in einem Film gibt. Nur ohne Film. Der 

Film entfaltet sich im Kopf des Betrachters.« 

Fabian Scheidler (geboren 1968) lebt 

und arbeitet in Berlin. Nach ersten filmischen 

Arbeiten studierte er Theaterregie 

in Frankfurt/M. bei Hans Hollmann 

und Luc Bondy. Es folgten Regiearbeiten 

in München, Hamburg und Berlin u.a in 

Zusammenarbeit mit dem japanischen 

Noh-Theater-Meister Akira Matsui. Von 

2003 bis 2007 war Fabian Scheidler 

Dramaturg am Berliner Grips Theater, 

wo 2007 auch sein Stück »Prima 

Klima« uraufgeführt wurde. Seit 2007 

ist er selbständig als Autor, Dramaturg 

und bildender Künstler tätig. 2009 gründete 

er zusammen mit dem Journalisten 

David Goeßmann das unabhängige TV- 

Nachrichtenmagazin Kontext TV. 

Die Arbeit an digitalen Fotomontagen 

begann im Jahr 2003, von 2008 bis 2011 

folgten drei Einzelausstellungen und 

drei Gruppenausstellungen in Berlin. 


© Fabian Scheidler, »Die neue Heimat«,(Original in Farbe) 

www.counter-images.de 

info@counter-images.de 

© Fabian Scheidler, »Department Store«,(O.i.F.) 

Vernissage: 

17. August 2012, 19 Uhr 


imago fotokunst 

Linienstraße 145 


Di – Fr 12 – 19 Uhr 

Sa 14 – 18 Uhr

Sylt 

im Spiegel 

zeitgenössischer 

Fotografie 

Sylt ist ein Mythos. Sylt ist schön. Sylt 

ist vom 6. Juli bis 26. August 2012 in 

Berlin zu sehen. 

Fünf Jahre lang haben ausgewählte 

Fotografen und Stipendiaten die Insel 

besucht und sammelten mit der Kamera 

ihre ganz persönlichen Eindrücke. 

Zusammen mit Aufnahmen, die bereits 

in den 60er und 70er Jahren von den 

stern-Fotografen Robert Lebeck und 

Volker Hinz fotografiert wurden, entstand 

ein Bilder-Kaleidoskop, das Sylt, 

seine Landschaften und Menschen aus 

den unterschiedlichsten Blickwinkeln 

reflektiert. 

Die Bildautoren rieben sich an den 

bestehenden Klischees und gelebten 

Widersprüchen, ließen sich aber auch 

anregen und entdeckten ihre eigenen 

Themen und besonderen Sichtweisen, 

mal dokumentarisch, mal künstlerisch. 

Die Ausstellung bietet, ohne den 

Anspruch auf Vollständigkeit oder den 

Zwang, touristische Sehnsüchte befriedigen 

zu müssen, ein weitgefächertes 

fotografisches Panorama. 

Fotografen der Ausstellung sind: Julia 

Baier, Peter Bialobrzeski, Jörg Brüggemann, 

Denis Brudna, Tine Casper, 

Christian Diehl, Christoph Engel, Hans 

Hansen, Volker Hinz, Britta Isenrath, 

Martin Kollar, Ingar Kraus, Martin Liebscher, 

Robert Lebeck, Julia Maria Max, 

Dita Pepe, Christian Popkes, Martin 

Pudenz, Anja Schaffner, Evzen Sobek, 

Grit Schwerdtfeger, Susanne Schleyer 

und Michael J. Stephan, Thomas 

Wrede. 

Organisation: Das Fabrik Fotoforum 

Hamburg in Zusammenarbeit mit dem 

kunst:raum syltquelle, Photonews und 

mit Unterstützung der Sylter Kommunen 

und der Hewlett-Packard GmbH. 

© Peter Bialobrzeski, (Original in Farbe) 

© Robert Lebeck 

Vernissage: 

5. Juli 2012, um 19 Uhr 


Freundeskreis Willy-Brandt-Haus 

Willy-Brandt-Haus 

Stresemannstraße 28 

10963 Berlin-Kreuzberg 

Di – So 12 – 18 Uhr 


Galerien 

17

Galerien 

Fred Baumgart 

»AKT mit HUT und 

MANTEL« 

Fred Baumgart, 1942 geboren und 

seit 1968 selbstständig im Bereich 

Gesellschaftsfotografie. 

Aus Liebe zur Fotografie entstehen 

oft neue Ideen, die den täglichen 

Arbeitsrhythmus 

neu beleben . So entstand auch diese 

Serie , Akt mit Hut und Mantel. 

Ein Model nur teilweise nackt zu 

fotografieren finde ich unter Umständen 

reizvoller als einen totalen Akt. 

Im Sommer 2004 habe ich mit meinem 

Model an verschiedenen Orten in 

Berlin 

zahlreiche Aufnahmen gemacht. Unter 

anderem am Spreeufer, an Resten der 

Berliner Mauer, an der Oberbaumbrücke 

sowie in einer stillgelegten Fabrik, usw. 

Alle Aufnahmen sind analog in SW und 

Color entstanden. 

© Fred Baumgart 


© Fred Baumgart 

Vernissage: 

7. September 2012, um 19 Uhr 

7. September bis 30. September 2012 

DIE AKTGALERIE 

Krossener Straße 34 


Fr, Sa, So 16 – 20 Uhr

Charlotte Thömmes 

»Recycled Memories« 

Nichts ist so, wie es auf den ersten Blick 

scheint. Hinter jeder Oberfläche verbergen 

sich weitere Ebenen. Die Berliner 

Fotokünstlerin Charlotte Thömmes zeigt 

vom 7. Juli bis zum 18. August im Luxad 

ihre Sicht auf unsere Welt. 

Wo liegen diese Orte? Sind sie real 

oder blicken wir in die Tiefen eines 

Traums? Die Bilder von Charlotte Thömmes 

scheinen aus einer anderen Welt 

zu stammen. Landschaften, Menschen, 

verlassene Straßen, Einöde – es sind 

poetische Momentaufnahmen, auf Polaroid 

erstarrte Emotionen, mit denen der 

Betrachter konfrontiert wird. 

Die Fotografin hat auf ihren Reisen 

durch die Welt Eindrücke festgehalten, 

die geheimnisvoll wirken, befremdlich 

surreal. Sie zeigt uns eine Welt, die dem 

normalen Reisenden verborgen bleibt. 

Konturen verschwimmen, Farben verändern 

sich, Schatten ziehen auf, Landschaften 

zeigen sich als Silhouette aus 

Gefühlen. Charlotte Thömmes hat kein 

Abbild der Wirklichkeit erschaffen, sondern 

sie offenbart ihre Gefühlswelt in 

diesen Bildern. 

Der Entstehungsprozess endet oft nicht 

mit dem fotografieren. Das gewonnene 

Bildmaterial nutzt die Künstlerin experimentell. 

Auf unterschiedlichste Weise 

werden die Polaroids manuell weiter 

bearbeitet, um zusätzliche Dimensionen 

freizulegen. 

Im Luxad wird eine Auswahl ihrer Bilder 

in einzigartigen Rahmen aus recyceltem 

Holz gezeigt. 

© Charlotte Thömmes, »Charlys Hände«, (Original in Farbe) 

Vernissage: 

6. Juli 2012 um 19 Uhr 


Luxad 

Mommsenstraße 42 


Mo – Fr 10 – 19 Uhr 

Sa 12 – 18 Uhr 


Galerien 

© Charlotte Thömmes, »Spiegelmeer«, (O.i.F.) © Charlotte Thömmes, »Vogel im Käfig«, (O.i.F.) 

19

Galerien 

Gruppe Blaue Ampel 

»Berlin, 18.15« 

Ulrike Altekruse, Sydonia Duczek, Karl 

Förster, Peter Krabbe, Marcel Schock, 

Carola Thielecke, Monika von Wegerer 

18.15 ist eine Zwischenzeit, ein Übergang: 

der Tag endet und der Abend 

beginnt. In den Berliner Zentren ist eine 

sehr lebendige Zeit auf den Straßen, mit 

viel Verkehr und viel Bewegung. Es ist 

eine Zeit, in der für viele der Arbeitstag 

endet, zu der nur hier und da ist 

noch ein Bürofenster erleuchtet ist, wo 

jemand lange arbeitet. Für die Nachtarbeiter, 

von denen es in der Großstadt 

viele gibt, beginnt dagegen die Arbeit. 

Die Verkehrsmittel füllen sich, an den 

Haltestellen und Fußgängerampeln 

bilden sich Menschentrauben, die Bürgersteige 

sind voll, hier und da gibt es 

Stau. In den Lebensmittelläden gibt es 

einen letzten Ansturm, schnell werden 

noch ein paar Kleinigkeiten eingekauft. 

Es ist aber auch die Zeit, in der die Leute 

zur Ruhe kommen, ihren Abend planen. 

Familien treffen sich daheim am Abendbrottisch. 

Andere Menschen sitzen beim 

»Feierabendbier« oder gehen zur »Afterwork-Party«. 

18.15 Uhr ist eine Zeit, 

zu der viel gewartet wird: Die einen 

warten auf den Feierabend, andere auf 

den Bus, wieder andere auf ihre Verabredung, 

ihr »Date«, den Beginn des 

Abendprogramms im Fernsehen oder 

eines Volkshochschulkurses. In den 

Theatern warten die Garderobenfrauen 

auf das Publikum, in den Restaurants 

die Kellner auf die Gäste. Bald wird sich 

alles mit Leben füllen. Es ist auch eine 

erwartungsvolle Zeit. Gleichzeitig gibt 

es – vor allem an der Peripherie - Orte, 

wo um 18.15 Uhr alles still und ausgestorben 

ist . 

Die Stimmung um 18.15 Uhr verändert 

sich mit der Jahreszeit. Während die 

Menschen im Winter schnell ins Warme 

möchten und eilig zu ihrem Ziel streben, 

ist die Stimmung im Sommer gelassener, 

die Menschen verweilen auf der 

Straße, sitzen in den Straßencafés, trinken 

auf dem Weg in den Abend noch 

etwas und beobachten das Leben auf 

der Straße. Auch die Lichtstimmung ist 

verschieden: Im Winter ist es um 18.15 


© Karl Förster, (Original in Farbe) 

© Ulrike Altekruse, (Original in Farbe) 

schon dunkel, im Sommer noch hell, für 

eine kurze Zeit des Jahres ist um 18.15 

Uhr die »Blaue Stunde«, diese stimmungsvolle 

Zeit, in der sich der Berliner 

Himmel azurblau färbt. In der Ausstellung 

will die Blaue Ampel versuchen, 

sowohl die winterliche Stimmung um 

18.15 Uhr wie auch das sommerliche 

Pendant einzufangen.

© Peter Krabbe, (Original in Farbe) 

© Sydonia Duczek, (Original in Farbe) 

© Marcel Schock, (Original in Farbe) 

© Carola Thielecke, (Original in Farbe) 

© Monika von Wegerer, (O.i.F.) 

bis 14. Oktober 2012 

Café Aroma Photogalerie 

Hochkirchstraße 8 

10829 Berlin-Schöneberg 

Mo – Fr 18 – 24 Uhr 

Sa + So 14 – 24 Uhr 

und nach Vereinbarung 


Galerien 

BLAUE AMPEL ist ein Zusammenschluss 

von einer seit dem Jahr 2000 bestehenden 

Gruppe von Berliner Foto KünstlerInnen. 

Die Mitglieder der Blauen 

Ampel arbeiten sowohl an gemeinsamen 

als auch an individuellen Projekten. 

Die Arbeiten werden in Form von 

Ausstellungen, auf der Web-Seite (www. 

blaue-ampel.de) und seit 2009 in Jahrbüchern 

der Gruppe präsentiert. 

Gruppenausstellungen 

2011 OpenAir Gallery 2011, Mauerpark, 

Berlin 

2010 »Bewegte Stille«, Offener Kunstverein, 

Potsdam 

2009 »Bitte wenden«, Galerie in der 

Neuen Kauffahrtei, Chemnitz, »Es ist 

alles eitell«, Seenlandkunst, Woserin, 

»Blaustelle 1«, Alte Schule, Wiesenburg, 

»Von beiden Seiten betrachtet«, Galerie 

Konvex 99, Berlin 

2006 »Kleine Welten«, Duncker 15, 

Berlin 

2005 »Heimatkunde«, Offene Ateliers, 

Berlin 

2002 »Am Anfang war das Rot«, Galerie 

Engler & Piper, Berlin 

21

Galerien 

Daisaku Oozu 

»INVISIBLESCAPES« 

Der Fotograf Daisaku Oozu, der sowohl 

Fotografie in Osaka wie auch Philosophie 

in Kyoto studiert hat und jetzt in Yokohama 

lebt, hatte bisher als Schwerpunkt seiner 

Arbeit die Themen Landschaft, Meer und 

Licht. Seine neueste Ausstellung in der 

galerie son greift diese wieder auf, neuerdings 

auch in Zusammenhang mit der 

Nuklearkatastrophe in Fukushima. Seit 

2009 ist es ihm ein wichtiges Anliegen, 

seine Sorge um heutige Umweltprobleme 

künstlerisch in die Fotografie zu transponieren. 

Der Atomreaktorunfall im 

vergangenen Jahr hat ihn in diesem 

Bestreben bestärkt. So ist ein Teil der 

Bilder, die in Berlin zu sehen sein werden, 

ein Jahr nach der Katastrophe in der 

betroffenen Präfektur Fukushima aufgenommen 

worden. Es geht Oozu aber 

nicht um eine journalistische Perspektive, 

vielmehr zeigt er Szenerien des Alltags 

außerhalb des Sperrgebiets. 

Der mehrdeutige Ausstellungstitel 

»Invisiblescapes« verweist sowohl auf 

eine versteckte (innere) Landschaft wie 

auch auf die unsichtbare Strahlung und 

die sich darin bewegenden und innerlich 

absentierten Menschen. Die Bilder sind 

schwarzweiß, deren Licht ist mehrdeutig, 

gibt keine Tageszeiten zu erkennen 

und wirkt leicht künstlich. Durch dieses 

merkwürdige dunkle Licht, Wolken 

oder Schatten wirken die Motive nie 

ganz harmlos, immer ist eine latente 

Bedrohung spürbar. Die Titel verdeutlichen 

und ergänzen das 

Unheilvolle, z. B. dasjenige eines in 

Iitate, Fukushima aufgenommenen 

Bildes: »Deathly silence in heavily-polluted 

area«. 

Oozu verwendet traditionsreiche Motive 

wie einen blühenden Kirschbaum oder 

das Tor zu einem Shinto-Schrein, die 

geradezu als Symbol für Japan gedeutet 

werden können, und kontrastiert 

sie mit der Gegenwart: Unter der 

Kirschblüte ist statt einer sich vergnügenden 

Menschenmenge ein aufgetürmter 

Schutthaufen zu sehen, das Tor zu 

einem Tempel in Nagasaki ist aufgrund 

des zweiten Atombombenabwurfs 1945 


© Daisaku Oozu / galerie son 

© Daisaku Oozu / galerie son 

nur zur Hälfte erhalten und dient als 

Mahnmal. Die verheerenden Folgen 

des Reaktorausfalls werden so auch mit 

den Folgen der Atombombenabwürfe in 

Hiroshima und Nagasaki verglichen. 

In »Dumpsite / Niigata City«, 2010 in 

einer der großen Hafenstädte Japans 

aufgenommen, blickt ein Mann von 

einem Café durch eine Glasscheibe auf 

eine riesige Schutthalde am Meer. Ein 

Kontrast entsteht zwischen dem verloren 

wirkenden Menschen à la Edward 

Hopper und einer radikal veränderten 

Landschaft, ob sichtbar oder unsichtbar. 

Eine Landschaft, die in Form von Meer, 

umgepflügter Erde oder aufgetürmten 

Trümmern dem Menschen keine Heimat 

mehr bietet, sondern etwas ganz wesensfremdes 

ist. Die gezeigten Menschen 

sind die Opfer: die Anwohner, die ihr 

Leben inmitten von Ruinen und Chaos 

stoisch weiterleben und mit der dauernden 

Bedrohung einer verseuchten 

Umwelt leben müssen. Ein Ausweg ist 

nicht in Sicht. 

Verena ALVES-RICHTER 


galerie son 

Mauerstraße 80 


Di – Sa 11 – 18 Uhr 

www.galerie-son.com

Hildegard Ochse 

(1935 – 1997) 

»Das Vermächtnis 

einer 

Autorenfotografin« 

Die kommunale Galerie HAUS 

am Kleistpark zeigt die Ausstellung 

Hildegard Ochse (1935 – 1997). »Das 

Vermächtnis einer Autorenfotografin«. 

Damit engagiert sich die Galerie ein weiteres 

Mal für die Berliner Autoren-und 

Stadtfotografie. Die Ausstellung wurde 

von dem Fotohistoriker und Publizisten 

Dr. Enno Kaufhold kuratiert. 

Als Schülerin und Workshop- 

Teilnehmerin der von Michael Schmidt 

gegründeten und inzwischen legendären 

Kreuzberger Werkstatt für Photografie 

hat sich Hildegard Ochse einen kritischen 

Blick als Fotografin angeeignet. 

Ihre im Stil der Dokumentarfotografie 

gehaltenen Arbeiten durchdringen die 

Oberfläche einer Situation bzw. eines 

Gegenstandes und zeigen auch das, 

was sich hinter dem primär Sichtbaren 

verbirgt. Das macht ihre eindrucksvollen 

Fotografien zu Bild gewordenen 

Metaphern. 

Die nach sieben Werkgruppen 

thematisch geordnete Ausstellung 

präsentiert mehr als 190 Originalabzüge 

der Fotografin. Zu sehen sind Motive 

der frühen achtziger Jahre aus dem 

angesagten Künstler-Café Mitropa in 

der Goltzstrasse um Musiker wie Blixa 

Bargeld, eine Serie von Fotografien, die 

entlang der Westberliner S-Bahnstrecken 

aufgenommen wurde, des weiteren 

Porträts von Berliner Beamten sowie 

von Mitarbeitern der KPM-Betriebe und 

schließlich abstrahierende Bilder der 

Berliner Mauer, die unmittelbar nach 

deren Fall entstanden. 

Die Arbeiten von Hildegard Ochse wurden 

in Berlin, in Deutschland sowie im 

Ausland ausgestellt. Teile ihrer Arbeiten 

befinden sich in der fotografischen 

Sammlung der Berlinischen Galerie. 

15 Jahre nach dem Tod von Hildegard 

© Hildegard Ochse, aus der Serie: »Beamte« 

© Hildegard Ochse, »Cafe M« 

Ochse erlaubt diese erste Retrospektive, 

das Werk dieser Autorenfotografin neu 

zu entdecken. Begleitend zur Ausstellung 

zeigt Benjamin Ochse, ihr Sohn, zwei 

Videos zu den fotografischen Arbeiten 

von Hildegard Ochse. 


HAUS am KLEISTPARK 

Grunewaldstraße 6 


Di – So 10 – 19 Uhr 

www.hausamkleistpark.de 

www.hildegard-ochse.de 


Galerien 

23

Galerien 

Kathrin Tschirner 

»Tracks – Moskau- 

Burjatien-Ulan Bator« 

Die sibirische Republik Burjatien ist 

selbst vielen Russen kein Begriff, obwohl 

sie die gleiche Fläche wie Deutschland 

einnimmt. Eine Reportage über Electro- 

Dance-Kids im Rahmen ihres Master- 

Studiums verschlug Kathrin Tschirner 

im Spätsommer 2011 in die Hauptstadt 

der Region, Ulan Ude. Dabei entstand 

das Fotoprojekt »Tracks«. 

Von Moskau aus machte sich die Fotografin 

auf den Weg, um jene Gebiete zu 

erkunden, die schon immer durch ihre 

Superlative die Phantasien der Menschen 

beflügelt haben. Ein Meer aus 

Landschaft und Laub musste durchfahren 

werden. Viele Tage und Nächte mit 

mehr als fünfzig Menschen in einem 

Wagon und Freundschaften ohne eine 

gemeinsame Sprache prägten die Reise. 

Der Weg führte sie über die Grenze in die 

Mongolei, einem ruhigen Land, atemberaubend 

durch seine Natur und Tradition, 

doch der sich stets selbst beschleunigende 

Fortschritt ist allgegenwärtig. 

© Kathrin Tschirner 

»Tracks« erzählt von der Suche nach den 

Erwartungen und Erlebnissen am Wegesrand. 

Ohne Begleitung unterwegs, war 

es das Ziel der Fotografin, ganz persönliche 

Eindrücke im Stil eines visuellen 

Tagebuchs festzuhalten. 


© Kathrin Tschirner 

© Kathrin Tschirner © Kathrin Tschirner 

Vernissage: 17. August 2012, 19 Uhr 


aff Galerie 

Kochhannstraße 14 


Sa + So 14 – 17 Uhr 

www.aff-berlin.com

Guy Batey 

Thomas Graichen 

»Absence | Presence« 

Guy Bateys Fotografien erforschen die 

menschliche Abwesenheit und die 

verschiedenen Arten, in denen diese 

Abwesenheit fühlbar werden kann. Es ist 

die Erforschung eines Paradox: Es finden 

sich keine Menschen in irgendeinem 

seiner Bilder und dennoch kann der 

Betrachter einen Hauch menschlicher 

Präsenz spüren. Guy Batey entdeckt Orte 

und Objekte, die eher alltäglich sind – 

eine gewöhnliche Straße, eine Ecke oder 

ein zurückgelassener Gegenstand. Und 

dennoch stechen diese Orte und Objekte 

aus dem Alltäglichen hervor, durch 

einen besonderen Nachklang und durch 

eine besondere ihnen innewohnende 

Eigenschaft, die das Gefühl von etwas 

noch immer Lebendem und Atmendem 

vermittelt. 

In einigen der Bilder verfügen die 

Objekte über eine nicht zu ihnen 

passende Präsenz. Die Objekte scheinen 

ihre menschliche Geschichte wie einen 

Abdruck zu tragen, so als würden sie 

Spuren der Menschen verkörpern, die 

sie berührt haben. 

Andere Fotografien erscheinen wie 

gerade verlassene Bühnenbilder mit 

ihren jetzt nutzlosen Requisiten. Sie 

sind Orte, an denen die Echos der 

Aufführungen noch immer nachklingen. 

Dieses Gefühl der Leere fungiert fast als 

ein Vakuum, das den Betrachter ins Bild 

zieht, um die Szene wiederzubeleben. 

Die bisherigen fotografischen Arbeiten 

von Thomas Graichen beschäftigen sich 

oft mit der Erforschung des städtischen 

Raumes. Darunter befinden sich 

Aufnahmen von gebauten Strukturen, die 

das Wahrgenommene in einen neuen 

Kontext stellen, leicht übersehbares 

fokussieren und sichtbar machen. Die 

reine Betrachtung des Ortes und seiner 

Strukturen hat er nun erweitert durch 

dessen Wechselwirkung mit einzelnen 

Menschen in ihm. 

© Thomas Graichen © Thomas Graichen 

© Guy Batey, (O.i.F.) 

Für die Arbeit mit seinen Protagonisten 

im Raum verwendet Thomas Graichen 

- meist abgelegene - Orte in der Stadt. 

Orte die er zuvor „gefunden“ hat, die 

ihn berührt haben, die ihm etwas 

verborgenes, noch unbelebtes und 

geheimnisvolles vermitteln. Für seine 

eingeladenen Protagonisten sind diese 

Orte dagegen meist vollkommen neu. 

Die Fotografien entstehen während 

der gemeinsamen Entdeckung und 

Erforschung dieser Orte zusammen mit 

der portraitierten Person und werden 

beeinflusst davon, wie sie mit dem Raum 

interagiert und sich in ihm positioniert. 

Der Fotograf fängt dabei ein, wie sie 

zu einem neuer Bestandteil des Ortes 

wird. 

Die Aufmerksamkeit der Protagonisten 

in Thomas Graichen’s Fotografien ist 

nicht auf den Betrachter gerichtet – 

sie ist anderswo. Sie sind eingetaucht 

in ihre neue Umgebung und befinden 

sich ganz in ihr. Der Betrachter kann 

Vernissage: 21. September 2012, 

19 Uhr 


Galerien 

ihnen dabei unbeobachtet vom Rand 

des Bildes her beiwohnen. 

Guy Batey ist ausgebildeter Schriftsetzer. 

Er hat 15 Jahre als abstrakter Maler in 

London gearbeitet und ausgestellt. 

Danach hat er sich der Fotografie 

zugewandt. Vor kurzem wurden seine 

jüngsten Arbeiten in der Getty Gallery 

London und der aff Galerie Berlin 

gezeigt. Außerdem wurden zahlreiche 

seiner Bilder in Online-Galerien 

vorgestellt. 

Thomas Graichen, in Berlin geboren, 

lebt und arbeitet in Berlin. In den 

vergangenen Jahren waren seine 

Fotografien in mehreren Einzel- und 

Gruppenausstellungen in Berlin, sowie 

im Museum Schloß Wilhelmshöhe in 

Kassel zu sehen. Im Jahr 2008 war er 

mit einer zweiteiligen Ausstellung am 

Europäischen Monat der Fotografie in 

Berlin beteiligt. 

22. September bis 14. Oktober 2012 

aff Galerie 

Kochhannstraße 14 


Sa + So 14 – 17 Uhr 

www.aff-berlin.com 

25

Galerien 

Faszination 

NEW YORK 

Zwölf Fotografinnen und Fotografen 

sehen New York und zeigen ihr ganz 

persönliches Bild der Stadt. Das quirlige 

Leben auf der Straße mit dem Einfluss 

von so vielen verschiedenen Kulturen, 

das Leben in der Metropole mit seinen 

Licht- und Schattenseiten und die grandiose 

Architektur stehen im Fokus der 

Fotografien von 1948 bis heute. 

© Leonard Freed 

Fotografien von: 

Will McBride, Karol Kállay, Sibylle Bergemann, 

René Burri, Lutz Dille, Arno 

Fischer, Leonard Freed, Clemens Kalischer, 

Max Jacoby, Erika Stone, George 

Friedman, Norbert Bunge 

© Max Jacoby 


© Clemens Kalischer 

© René Burri 

© Norbert Bunge 

30. Juni bis 28. Juli 2012 

Galerie argus fotokunst 

Marienstraße 26 


Do – Sa 14 – 18 Uhr

DIRK ALVERMANN 

»Streiflichter 1956–65« 

Fotografien aus Warschau, Tirana, 

Neapel, Peniscola, Sheffield 

Dirk Alvermanns frühe Fotografien 

zeigen uns Bilder von persönlicher 

Anteilnahme. Sein wacher und unsentimentaler 

Blick gibt uns einen Hinweis 

auf soziale Umbrüche der letzten 50 

Jahren in Warschau, Tirana, Neapel und 

Sheffield. Sein Interesse galt immer den 

Menschen in ihrem sozialen Umfeld. 

Dirk Alvermanns Fotografien sind erst 

in den letzten Jahren wieder in unser 

Bewusstsein gerückt worden - besonders 

durch seine Fotobücher, die jetzt 

im Steidl Verlag erschien sind. 

© DIRK ALVERMANN, »Scheffield« 

© DIRK ALVERMANN, »Scheffield« 

© DIRK ALVERMANN, »Neapel« 

© DIRK ALVERMANN, »Warschau« © DIRK ALVERMANN, »Scheffield« 

© DIRK ALVERMANN, »Neapel« 

25. August bis 6. Oktober 2012 

Galerie argus fotokunst 



Do – Sa 14 – 18 Uhr 


Galerien 

27

Galerien 

Hans Hochheim 

»Kaffeehaus-Kultur« 

»Die Leidenschaft von Hans Hochheim, 

Jahrgang 1951, gehört der klassischen 

analogen schwarz-weis Fotografie, 

der er seit seinem 12. Lebensjahr 

nachgeht. Ihn interessieren insbesondere 

Menschen in ihren Lebenszusammenhängen. 

Er ist der Auffassung, 

dass Gesichter mehr erzählen als 1000 

Worte. Dabei ist ihm das wichtigste, die 

Würde der fotografierten Personen nicht 

zu verletzen. In zahlreichen Reisen in 

europäische Städte fotografierte er mit 

der Leica M Personen in Kaffeehäusern. 

Es sind Aufnahmen von einer sich 

rapide verändernden Kultur die in wenigen 

Jahren so nicht mehr möglich sind, 

weil diese Strukturen und Lebensweisen 

verschwunden sein werden. Die 

Ausstellung zeigt erzählende Bilder die 

nicht, wie heute üblich, digital bearbeitet 

und damit verändert wurden. Bei den 

Leo Pompinon 

»Beauty of Decay« 

Stillgelegte Zechen, verlassene Hotels 

oder verfallene Brauereien haben alle 

eines gemeinsam: Waren sie einst noch 

Mittelpunkt und Heimstätte von Ideen 

und Entwicklungen, sind sie nun vergessen, 

dem Verfall preisgegeben und 

werden von der Natur zurückerobert. 

In die Höhe ragende Türme, im Licht 

schimmernde Metalltüren, eine marode 

Bausubstanz oder verblasste Farben hinterlassen 

dann nicht nur Bilder einer 

verschwindenden Zeit, sondern geben 

auch einen Einblick in eine einstige 

Welt wider. 

Im Chaos der räumlichen Entleerung 

und ökonomischen Abwicklung sucht 

der Fotograf Leo Pompinon nach den 

Geschichten des Vergangenen. Dabei 

interessiert ihn nicht nur die Architektur 

der Räume, sondern er sucht nach 

Spuren, die die Geschichte des verwaisten 

Ortes auch heute noch deutlich 


© Hans Hochheim, »Berlin« 

Ausstellungsbilder handelt es sich um 

Silber-Gelatine-Papiervergrößerungen, 

die vom Photographen selbst angefertigt 

wurden«. 

lesbar machen. Reste elektrischer Leitungen 

fungieren als »Wandstudie« vor 

abfallendem Putz, in »Fernsehen« wird 

die Poesie des Morbiden deutlich, »OP- 

Saal« ist Zeugnis von Vandalismus. 

Seine Bilder sind stets menschenleer. 

Zudem ist der Fotograf ein Spezialist in 

der räumlichen Ästhetik und Komposition. 

In der einfühlsamen Stille seiner 

Aufnahmen und in der Detailgenauigkeit 

seiner Bilder liegt eine außergewöhnliche 

Kraft. Sie sind Stillleben, 

die in ihrer Farbigkeit und einzigartigen 

Qualität eine Kulisse für die Fantasie 

des Betrachters bilden und ihn in 

eine vergangene Welt entführen. 

Die Melancholie verlassener Stätte mit 

all ihren Rudimenten menschlichen 

Daseins erzeugt das Gefühl von Faszination 

und Beängstigung. In Leo Pompinons 

Fotografien erscheint die Wirklichkeit 

surreal, aber authentisch. Im 

Spiel aus Licht und Schatten werden 

vorhandene Zusammenhänge aufgegeben, 

neue Strukturen bilden sich. Die 

Grenze zwischen Fotografie und Malerei 

wird dabei ebenso aufgelöst wie jene 

zwischen Schöpfung und Verfall. 

© Hans Hochheim, »Krakau« 

15. Juli bis 4. September 2012 

Photoplatz »Kabinett« 

im Hotel Bogota 



www.bogota.de 

© Leo Pompinon, (Original in Farbe) 

Ein Schirm dient als Hutständer, eine 

Vase ist auf dem Kaminsims drapiert – 

wurden sie gestern oder vor 50 Jahren 

dort platziert? 

Miriam Stewering 


Photoplatz 

im Hotel Bogota 



www.bogota.de

Intermezzo 

Collection Regard 

Die Ausstellung zeigt besondere 

Highlights aus den wichtigsten Gebieten 

der Sammlung: Deutsche Fotografie und 

das Thema Berlin. Der Fokus liegt hierbei 

auf Bildern der Neuen Sachlichkeit 

und der Subjektiven Fotografie. 

Es sind Fotografien von Siegfried 

Lauterwasser, Magritte, Chargesheimer, 

Hein Gorny, Heinrich Riebesehl, Hans 

Martin Sewcz, Henri Cartier-Bresson 

und Will McBride, sowie von anonymen 

Fotografen zu sehen. 

Kuratiert wird die Ausstellung von 

Antonio Panetta, dem künstlerischen 

Leiter der Collection Regard. 

Das Intermezzo kann als eine Art 

Vorbereitung auf die nächstgeplante 

Ausstellung im Rahmen des Europäischen 

Monats der Fotografie in Berlin - »Hein 

Gorny und Heinrich Riebesehl« - gesehen 

werden, die im letzen Quartal 2012 

stattfinden wird. 

Über die Collection Regard: 

»Regard« (frz.) bedeutet »Blick« oder 

»Aufmerksamkeit«. Unter »Collection 

Regard« versteht der Gründer Marc 

Barbey daher weniger eine Galerie, 

sondern vielmehr einen fotografischen 

Salon. »Es geht darum, … einen Ort zu 

schaffen, an dem gute Ausstellungen 

zu sehen sind, an dem man sich austauschen 

und mit Fotografie auseinandersetzen 

kann«. Die Steinstraße 

in der Spandauer Vorstadt, rund zehn 

Minuten vom Alexanderplatz entfernt, 

wurde dank dieses Ansatzes innerhalb 

des letzten Jahres zu einem wichtigen 

Treffpunkt für Fotointeressierte, Sammler 

und Gleichgesinnte. Und vor allem ein 

Ort für (wieder-) entdeckte Fotografen 

und ihre Arbeiten. 

Marc Barbey sammelt seit 2005 

Lichtbilder von ihren Anfängen bis 

etwa in die 1970er Jahre. Schwerpunkt 

der Sammlung sind Fotografien aus 

Deutschland und das Thema Berlin. 

Mittlerweile gehören zur Collection 

Regard das umfangreiche Oeuvre 

von Hein Gorny, weiterhin Werke 

der Fotografen Lotte Jacobi, Siegfried 

Lauterwasser, Heinrich Riebesehl, Toni 

Schneiders, Friedrich Seidenstücker, 

und Will McBride, sowie ausgewählte 

Hein Gorny (1904-1967), »Untitled« (Ruth Gorny lying on boat), 1936 

Gelatine silver print, 22,8 x 11, 9cm (23,2 x 17,4cm), © Hein Gorny / Collection Regard 

Heinrich Riebesehl (1938-2010) »331/74«, 1974 

Gelatine silver print, 23,6 x 34,6cm (30,3 x 

40,3cm), © Heinrich Riebesehl 

Fotografien von Paul Almasy, Bruno 

Barbey und Robert Capa. 


Collection Regard 

Marc Barbey 

Steinstraße 12 


Fr 14 – 18 Uhr 

Do 11 – 21 Uhr 

www.collectionregard.com 


Galerien 

29

Galerien 

Larry Clark 

Jugendliche Schönheit, Sexualität und 

drogeninduziertes Treiben – Larry Clark 

dokumentiert radikal-realistisch den 

Alltag amerikanischer Teenager jenseits 

bürgerlicher Moralvorstellungen. Von 

den Jugendlichen in seiner Heimatstadt 

Tulsa in den früheren 1960er Jahren bis 

zu heutigen Skatern in Los Angeles halten 

seine Werke zutiefst intime Momente 

fest. In ihrer Authentizität decken seine 

Bilder die Folgen einer dysfunktionalen 

Gesellschaft auf und hinterfragen die 

soziale Verantwortung und moralische 

Haltung ihrer Mitglieder. 

Das Revolutionäre und Einzigartige 

seiner Fotografien ist – bis heute – die 

Nähe und Vertrautheit zu den dokumentierten 

Personen und Situationen. 

Denn im Gegensatz zum klassischen 

Fotojournalisten, der von außen auf eine 

ihm fremde Welt blickt, nimmt Larry 

Clark nicht nur Anteil am Leben seiner 

Protagonisten. Vielmehr ist er selbst jenseits 

jeglichem Voyeurismus elementarer 

Teil seiner fotografierten Szene. Die 

Porträtierten wirken eher wie Vertraute 

und nicht wie Beobachtete. Ohne Larry 

Clark hätte sich die Fotografie nicht vom 

Zwang der Objektivität befreit. So hat 

kaum ein Fotograf die Direktheit und 

Intensität, mit der er in sein Thema eintaucht, 

jemals erreicht. Hier lässt der 

Künstler immer wieder seine eigene 

Jugend aufleben – jeweils mit neuen 

Protagonisten. 

Larry Clark verwendet eine direkte 

Bildsprache im Spannungsverhältnis zwischen 

klassischer Bildkomposition und 

besonderer Themenwahl, die zugleich 

berührt und verstört. Sein Werk konzentriert 

sich auf eine gelebte Sexualität in 

vollkommener Offenheit. Bei dessen 

Darstellung ist der Künstler nie denunzierend 

oder anklagend, sondern überlässt 

das Urteil dem Betrachter. 

C/O Berlin präsentiert erstmals in 

Deutschland ca. 200 Arbeiten von Larry 

Clark. Neben den Serien »Teenage Lust« 

und »Los Angeles« sowie Videos liegt der 

Fokus der monografischen Ausstellung 

auf Collagen, in denen der Künstler 

Fundstücke kombiniert. Ähnlich einem 

Film oder einer Fotoserie entstehen diese 


© Larry Clark, (Original in Farbe) 

© Larry Clark © Larry Clark 

in der Ergänzung durch Zeitungsausrisse, 

Briefe, Plakate und weitere Objekte. Zur 

Ausstellung produziert C/O Berlin exklusiv 

eine Publikation. 

Der Zutritt für Kinder und Jugendliche 

unter 18 Jahre ist nur in Begleitung 

eines Erwachsenen möglich, da Teile 

dieser Ausstellung gegen moralisches 

Empfinden verstoßen könnten. 


C/O Berlin 

International Forum For Visual 

Dialogues 

Oranienburger Straße 35/36 


täglich 11 – 20 Uhr

Edward Burtynsky 

»Oil« 

Fotografien 

»The Gulf of Mexico is a very big ocean. 

The amount of volume of oil and dispersant 

we are putting into it is tiny in relation 

to the total water volume.« 

Tony Hayward, CEO British Petrol 

Abgeräumte Schieferhalden, rostende 

Fördertürme, verklebte Pumpen, 

chromblitzende Leitungen, rauchende 

Raffinerien – mächtig regiert Öl die 

Welt. Seit über 100 Jahren ist der fossile 

Energieträger der Treibstoff der 

modernen Weltordnung mit massiven, 

zerstörerischen Eingriffen in die Natur. 

Das Zeitalter des Öls hat sich tief in die 

Umwelt gebrannt, Landschaften deformiert 

und Lebensweisen verändert. Und 

doch sind seine Produktion, die Basis 

der petrochemischen Zivilisation und 

ihre Folgen in ihrem ganzen Ausmaß 

bis heute eine terra incognita. Wie kein 

Fotograf zuvor dokumentiert Edward 

Burtynsky lückenlos den weitläufigen 

Kreislauf der globalen Erdölindustrie. 

In seinen großformatigen Aufnahmen 

werden en detail die Zusammenhänge 

zwischen Ölkonsum, seiner Förderung 

und Weiterverarbeitung bis hin zur 

Müllentsorgung und den nachhaltigen 

Auswirkungen auf die Landschaft sichtbar. 

So hinterfragt er in seiner fotografischen 

Serie eindringlich das Strebens nach 

Wohlstand sowie die Handlungen und 

deren Konsequenzen jedes einzelnen 

Menschen. 

»Oil« ist eine einzigartige Kartografie 

des Rohstoffes und deckt in vier 

Kapiteln dessen enorme Auswirkungen 

auf. In »Extraction & Refinement« 

liegt Burtynskys Fokus rein auf der 

Förderung – von kargen Ölfeldern 

bis hin zu labyrinthischen Fabriken. 

»Transportation & Motor Culture« 

zeigt mehrspurige Highways mit gordischen 

Verkehrsknoten, die sich endlos 

durch Metropolen und Lanschaften 

ziehen. Zugleich entlarvt Edward 

Burtynsky durch die Aufnahmen endloser 

Reihenhaussiedlungen, gigantischer 

Parkplätze und spielerischer Wettrennen 

© Edward Burtynsky, (Original in Farbe) 

die allgegenwärtige Dominanz des Autos 

als gesellschaftlich-kultureller Fetisch. 

Müllkippen für Stahlschrott, stillgelegte 

Förderpumpen, ausrangierte Flugzeuge, 

Halden voller Autoreifen und ölverschmierte 

Fässer – das dritte Kapitel 

»The End of Oil« zeigt das schmutzige 

Ende der Verwertungskette in all 

ihrem umweltschädlichen Ausmaß. Die 

Ausstellung fügt ein weiteres, aktuelles 

Thema hinzu: Edward Burtynskys »Oil 

Spills« von der Ölkatastrophe im Golf 

von Mexiko im Jahr 2010. 

Seine Panoramen stehen in ihrer makellosen 

Ästhetik und faszinierender Schönheit 

in der Tradition der Landschaftsmalerei 

des 19. Jahrhunderts – und gleichzeitig 

jedoch im völligen Kontrast zu ihrem 

dramatischen Inhalt. Sie lösen im selben 

Moment Faszination und Scheu, 

Anziehung und Beängstigung aus. Aus 

der Distanz oder Vogelperspektive 

fotografiert wirken Edward Burtynskys 

Sujets in ihrer Geometrie wie betörend 

reizvolle Landschaften. Wie ein 

Maler oder Bildhauer erzeugt er visuelle 

Abstraktion verbunden mit perfekter 

Bildkomposition und weichen farblichen 

Übergängen, die seinen Arbeiten 

ihren widersprüchlichen Charakter verleihen. 

Edward Burtynsky, geboren 1955 in St. 

Catharines, begann in den frühen 1970er 

Jahren Fotografie-Kurse zu nehmen. 

Er studierte bis 1976 Grafische Künste 

am Niagara College in Welland. An der 


C/O Berlin 


Dialogues 



täglich 11 – 20 Uhr 


Galerien 

Ryerson Universität Toronto machte er im 

Anschluss seinen Bachelor in Fotografie 

und begann als freier Fotograf zu arbeiten. 

Er hält drei Ehrendoktorwürden – 

in Rechtswissenschaft von der Queen‘s 

University Kingston, in Fotografie von 

der Ryerson University Toronto sowie 

für Schöne Künste vom Montserrat 

College of Art Boston. 2005 erhielt er 

den TED Prize. Im April 2006 wurde 

Edward Burtynsky zum Ritter des 

Order of Canada ernannt. 2007 hat er 

den Dokumentarfilm »Manufactured 

Landscapes« produziert und auf dem 

Sundance Festival präsentiert. Seine 

Serien »Oil«, »Quarry«, »Mines« und 

»Homesteads« wurden weltweit ausgestellt 

– unter anderem im Solomon 

R. Guggenheim Museum New York, in 

der National Gallery of Canada und 

der Bibliothèque Nationale de France. 

Edward Burtynsky lebt und arbeitet in 

Toronto. 

Vernissage: 27. Juli 2012, 19 Uhr 

31

Galerien 

Zeitlos Schön 

Modefotografie von 

Man Ray bis Mario 

Testino 

Der Traum von Schönheit und 

Berühmtheit ist zeit- und grenzenlos. 

Ob in Amerika, England, Frankreich 

oder Deutschland – die glanzvolle Welt 

der Mode bedient diese Sehnsucht und 

übt überall eine außergewöhnliche 

Anziehungskraft aus. Der legendäre 

Verleger Condé Nast hat mit dem 

von ihm 1909 erworbenen Magazin 

Vogue sowie weiteren aus seinem 

Haus stammenden Publikationen wie 

Vanity Fair und Glamour nicht nur 

der Mode eine große Bühne gegeben, 

sondern auch der Fotografie. Bis heute 

bilden diese Magazine den Ursprung 

für die Karrieren der renommiertesten 

Modefotografen. 

Edward Steichen, American Vogue, 

December 1923, © Condé Nast 

Condé Nast hat nicht nur einen die 

Modefotografie bis heute prägenden Stil 

entworfen. Darüber hinaus hat er ein 

einzigartiges Gespür für die Entdeckung 

neuer Talente. Seine Studios waren Orte 

der Kreativität, die die Haute Couture 

erst zur Kunst erhoben. Der erste von 

Condé Nast engagierte Fotograf war 

Baron Adolphe de Meyer; ihm folgten 

für die großen Bildstrecken Irving Penn, 

William Klein, Helmut Newton und 


Albert Watson, American Vogue, May 1977, (Original in Farbe), © Condé Nast 

Nickolas Muray, Vanity Fair, October 1929, © Condé Nast 

David Bailey. Die Liste der Namen 

über die Jahrzehnte ist beeindruckend 

und lang: Ellen von Unwerth, Mario 

Testino sowie Steven Klein, einer der 

stilprägendsten Fotografen dieses 

Genres im letzten Jahrzehnt. 

Modefotografie hat inzwischen Einzug 

in Museen gehalten. Internationale 

Galerien und Auktionshäuser erzielen 

Höchstpreise für die Werke von Edward 

Steichen oder Erwin Blumenfeld. Für 

die Ausstellung hat Condé Nast sein 

umfangreiches Archiv geöffnet und eine 

Ausstellung mit insgesamt 200 Werken 

ermöglicht – von seltenen Fotografien 

der Anfänge bis hin zu spektakulären 

zeitgenössischen Werken. 

C/O Berlin ist der erste Ausstellungsort 

einer weltweiten Tournee. Sie wurde 

von der Foundation for the Exhibition 

of Photography, Minneapolis/Schweiz 

in Zusammenarbeit mit C/O Berlin

Clifford Coffin, American Vogue, June 1949, (Original in Farbe), © Condé Nast 

Norman Parkinson, Glamour, October 1949, 

(Original in Farbe), © Norman Parkinson 

Limited. Courtesy Norman Parkinson Archive 

organisiert sowie von Nathalie 

Herschdorfer, William Ewing und Todd 

Brandow kuratiert. Zur Ausstellung 

erscheint ein Katalog. 

Diane Arbus, Glamour, May 1948, 

(Original in Farbe), © Condé Nast 

Sebastian Kim, Teen Vogue, December/January 

2011, (Original in Farbe), 

© Sebastian Kim 


C/O Berlin 


Dialogues 



täglich 11 – 20 Uhr 


Galerien 

John Rawlings, American Vogue, August 1944, 

(Original in Farbe), © Condé Nast 

Erwin Blumenfeld, American Vogue, 

March 1945, (Original in Farbe), © Condé Nast 

Vernissage: 

Freitag, den 17. August 2012, 19 Uhr 

33

Galerien 

Volker Wartmann 

»Wartmann Polaroid 

Collection« 

Ein Fotograf – ein Ort in Berlin! So lautet 

das Konzept des Berliner Salons für Fotokunst. 

Gasometer Schöneberg, Trabrennbahn 

Mariendorf, Flugfeld Tempelhof, 

Tierpark Friedrichsfelde, Winterfeldtplatz, 

Regierungsviertel, Neue 

Nationalgalerie – das waren die Themen 

der vergangenen Ausstellungen. 

Von Ende Juli bis Ende August macht 

der Berliner Salon für Fotokunst erstmals 

eine Ausnahme und präsentiert 

in seinen Räumlichkeiten eine Arbeit, 

die an verschiedenen Orten produziert 

wurde: eine Auswahl der Wartmann 

Polaroid Collection. 

Die Polaroid-Sofortbilder von Volker 

Wartmann sind eine einmalige Sammlung 

von Originalen – poetisch, originell 

und geheimnisvoll. Die Wirkung der 

abstrakten und konkreten Motive wird 

durch die Einzigartigkeit des Materials 

nochmals verstärkt. Gezeigt werden 

unter anderem Fotografien vom Jüdischen 

Museum, Adenauer in der Arktis, 

vom Hauptbahnhof, Pinguinen am Südkreuz, 

der Berlinischen Galerie und 

eisige Aussichten. 

Vernissage am Freitag, den 20. Juli 2012, 

ab 19 Uhr 


Berliner Salon für Fotokunst 

Kulturhaus Schöneberg 

Kyffhäusserstraße 23 


Di 11 – 17 Uhr 

Mi 12 – 20 Uhr 

Do 11 – 17 Uhr 


Telefon 0179 591 351 6 


© Volker Wartmann 

© Volker Wartmann © Volker Wartmann

MICHAEL RUETZ 

»THE FAMILY OF 

DOG« 

Michael Ruetz hat mit »Family of Dog« 

in den letzten fünfzig Jahren eine einzigartige 

fotografische Werkgruppe realisiert, 

die zugleich eine subtile und 

aufschlussreiche Darstellung der Menschen 

und ihres Sozialverhaltens ist. 

Denn Hunde sind das, was wir in ihnen 

sehen und was wir aus ihnen machen. 

Schlicht und einfach Tier, das ist der 

Hund uns selten. 

Michael Ruetz fotografierte Hunde auf 

der Straße, im Haus, am Strand oder vor 

dem Fernseher, wo sie regelmäßig einschlafen. 

Er zeigt sie allein, mit Katze 

und Kuh und immer wieder im Zusammensein 

mit dem Menschen. Doch 

Ruetz verzichtet auf Inszenierungen 

und rückt den Tieren mit der Kamera nur 

selten auf den Pelz. Wo sich eine provokante 

Bildpointe ergibt, ist sie das Produkt 

genauer Beobachtung. Denn wie 

im Leben von Menschen sind auch im 

Leben von Hunden komische Situationen 

unvermeidbar. 

Michael Ruetz, geboren 1940 in Berlin, 

lebte dreizehn Jahre im Ausland und 

war dann bis 2005 Professor für Kommunikationsdesign 

an der Hochschule 

für Bildende Künste Braunschweig. Er 

erhielt den Otto-Steinert-Preis, den Villa 

Massimo Preis sowie den Ordre des Arts 

et des Lettres. Ruetz ist Mitglied der Akademie 

der Künste. 

© Michael Ruetz, »Shampoo«, 1988, 

Courtesy Johanne Breede PHOTOKUNST 

© Michael Ruetz, »Yin und Yang«, 1976, Courtesy Johanne Breede PHOTOKUNST 

© Michael Ruetz, »Narziss«, 1976, Courtesy Johanne Breede PHOTOKUNST 

© Michael Ruetz, »Schatzgräber«, 1988, 

Courtesy Johanne Breede PHOTOKUNST 


Johanna Breede 

PHOTOKUNST 

Fasanenstraße 69 


Di – Fr 11 – 18 Uhr 

Sa 11 – 16 Uhr 


Galerien 

35

Galerien 

Jens Knigge 

»Le Thoronet 

– La Tourette« 

Synergie der Künste 

Platinum-Prints 

Romanisches Mauerwerk, Rundbögen 

und Würfelkapitelle neben Quadern, 

Pfeilern und Wandflächen aus Beton – 

Jens Knigge portraitiert in seinen Photographien 

zwei auf den ersten Blick völlig 

unterschiedliche Bauwerke. Die Zisterzienser-Abtei 

Le Thoronet wurde zwischen 

1160 und 1190 nach den Vorgaben 

von Bernhard von Clairvaux in der 

Provence erbaut. Durch die Verwendung 

des örtlichen Kalksteins hat der 

unbekannte Baumeister die in mehreren 

Ebenen gestaffelte Anlage in die Umgebung 

eingebunden, während der weltberühmte 

Architekt Le Corbusier 1956- 

60 mit dem Konvent Sainte-Marie de 

la Tourette einen die Landschaft beherrschenden 

Solitär erschuf. Einem gestrandeten 

Raumschiff gleich liegt der kompakte 

Großbau, Ausbildungsstätte der 

französischen Dominikaner, an einem 

abfallenden Hang auf dem Gelände 

eines ehemaligen Landgutes bei Lyon. 

Für den Minimalisten Le Corbusier war 

Le Thoronet gleichwohl Vorbild, eine 

»Architektur der Wahrheit, der Stille 

und der Stärke«. Um die konzeptionelle 

Reinheit und Geistigkeit der mittelalterlichen 

Sakralkunst in zeitgenössische 

Raumvorstellungen zu überführen, 

nutzte er das geometrische Element 

des Quadrats, etwa für die wabenartigen 

Öffnungen der Wohnzellen an den 

Außenfassaden wie für die Wände der 

Gemeinschaftsräume mit ihrem rhythmischen 

Wechsel aus offenen Glasflächen 

und geschlossenen Betonplatten. 

Hier wie dort spiegelt die Architektur 

die Spiritualität des monastischen 

Lebens wider, ist die Formensprache 

aufs Äußerste reduziert. Dem Prinzip 

der Versenkung und Reflektion folgen 

auch Jens Knigges Photographien, konzentrieren 

sich auf Licht und Raum, 

erkennen die Schönheit im Kargen und 

das Komplexe im Einfachen. Die Kraft 

sparsam eingesetzter architektonischer 

Details, die Struktur der Oberflächen 


© Jens Knigge, »Le Thoronet« 

© Jens Knigge, »La Tourette« 

und die Beschaffenheit der Materialien, 

des grob behauenen oder geglätteten 

Steins, werden in aufwendig hergestellten 

Platinabzügen kontrastreich 

und differenziert umgesetzt. »Die Seele 

muss das Licht suchen, indem sie dem 

Licht folgt«, schrieb Bernhard von Clairvaux. 

Photographie ist Licht-Kunst, und 

dem Photographen Jens Knigge gelingt 

es eindrucksvoll eine Brücke zwischen 

den Künsten und den Zeiten zu schlagen 

und gleichzeitig zur Kontemplation 

einzuladen. Susanne Schmid 

Vernissage: 

29. August 2012, 19 bis 21 Uhr 


Johanna Breede 

PHOTOKUNST 

Fasanenstraße 69 


Di – Fr 11 – 18 Uhr 

Sa 11 – 16 Uhr

© Jens Knigge, »La Tourette« 


Galerien 

37

Galerien 

Menschenbilder 

Teil 1 

Das Thema »Menschenbilder« lässt 

Vieles zu und gibt der Phantasie 

freien Lauf. Diese Weite ausschöpfend, 

mit unterschiedlichen Techniken 

und Perspektiven arbeitend, sind 

sehr verschiedene Interpretationen 

entstanden. 

Larissa Honsek entführt uns mit ihrem 

Blick durch die Lochbildkamera in 

eine mystische Zauberwelt. Das Foto 

wird zum Gemälde, welches zum 

Träumen verführt. - Eine Frau wie im 

Märchen - unheimlich oder unschuldig? 

Unberührbar und verführerisch, 

flüchtiges Glück oder tiefe Ruhe? 

Beklemmend und doch beglückend - 

ein Moment, ein Blick ändert alles. 

Dann Rollentausch. Harte Realität 

in den Bildern von Ronald Gierth. 

Ungeschminkt werden Portraits 

von Bewohnern eines Heimes für 

Suchtkranke gezeigt. Menschenbilder 

vom Leben gezeichnet, entrückt unserer 

Realität, nah gebracht, und voller 

Wärme. Die Männer scheinen uns 

vertraut auf den Bildern, der Blick in die 

Seele wird zugelassen und respektvoll 

vom Fotografen aufgenommen. 

Was passiert, wenn der Mensch sich 

zurückzieht? Heike Molkentin fängt 

in ihren Bilder die Flüchtigkeit des 

menschlichen Schaffens ein. Eine 

verlassene alte Geflügelfarm, von der 

Natur zurückerobert, zu einer morbiden 

Schönheit verfallen. 

Meike Kenns Portraits ihrer Nachbarn 

in einem Neuköllner Mietshaus zeigen 

die Kontaktaufnahme zu den Menschen, 

deren unmittelbare Nähe in der Regel 

durch Fremdheit geprägt ist. Ihre 

Bilder durchbrechen die Anonymität 

und spiegeln unterschiedliche 

Lebensentwürfe und Schicksale 

wider; ein lebendiger Querschnitt der 

Gesellschaft, den es in dieser Form 

vielleicht bald nicht mehr geben wird. 


© Meike Kenn 

© Larissa Honsek 

Vernissage: 

2. August 2012, um 18.30 Uhr 

Einführung: Ursula Kelm 

© Ronald Gierth 

© Heike Molkentin 


Caritas-Galerie Berlin 

Residenzstraße 90 

13409 Berlin-Reinickendorf 

Mo, Do, Fr 8 – 16 Uhr 


www.caritas-berlin.de 

Telefon 666 331 044

Mirjana Vrbaski 

»Verses of Emptiness« 

In »Verses of Emptiness« setzt sich 

Mirjana Vrbaski mit dem eigentlichen 

Wesen der Porträtfotografie auseinander 

und erkundet die Möglichkeiten, auf 

ein Bild die unendliche Ambiguität und 

Komplexität zu bannen, die in etwas so 

einfachem und an sich so klarem wie in 

einem Gesicht enthalten sind. Ihr Projekt 

»Verses of Emptiness« gründet auf der 

Hypothese, in der Leere sei das größte 

Potential an Bedeutungen enthalten. 

Während ihrer Aufnahmesessions ist die 

Fotografin stets darum bemüht, ihre sorgfältig 

ausgesuchten Models aus sämtlichen 

kulturellen und sozialen, zeitlichen 

und räumlichen Kontexten herauszulösen. 

Aus den vielen Schichten 

kulturell kodifizierter Wahrnehmung 

hervorgeholt treten die so fotografierten 

Menschen aus ihrer oberflächlichen 

Persönlichkeitsebenen heraus, um 

einen viel wahrhaftigeren und ursprünglicheren 

Zustand zu erlangen – nämlich 

eine solche Leere, dass man sich auch 

in einem anderen wiederfinden kann. 

Ein anonymes Model kann so zu einer 

Ikone werden. Es ist einem zwar vertraut, 

es bleibt aber dennoch allgemein 

und universell – tief versunken in seiner 

meditativen Stille. So gesehen erzählen 

die »Verses of Emptiness« sowohl von 

der Unmöglichkeit, jemanden in seiner 

Ganzheit erfahren zu können, als auch 

von dem allgemeinen Unvermögen des 

Menschen, seinem Nächsten voll gerecht 

zu werden. Aus der Erkenntnis heraus, 

dass sich die menschliche Persönlichkeit 

in einem zweidimensionalen Abbild 

ohnehin nicht erfassen lässt, begibt sich 

die Fotografin auf neues Terrain, nämlich 

dorthin wo sie selber, die Fotografierte 

und der Betrachter zusammenfinden 

und eins werden. Daraus entsteht das 

Bild von jemandem, der so zwar nicht 

wirklich existiert, der uns aber ein Gefühl 

großer Vertrautheit vermittelt. 

Die in Montreal geborene Mirjana 

Vrbaski studierte Englische Literatur an 

der University of Guelph in Kanada und 

danach 2006-2010 Fotografie an der 

Royal Academy of Arts in Den Haag in 

den Niederlanden. Seit kurzem wohnt 

sie in Berlin. Sie wird von der Wim van 

Krimpen Gallery in Amsterdam vertreten. 

»Verses of Emptiness« wurde u.a. 

mit dem 4. Platz beim renommierten 

Taylor Wessing Photographic Portrait 

Prize 2009 der National Portrait Gallery 

London ausgezeichnet und gewann 

2011 Jörg M. Colbergs Conscentious 

Portfolio Competition. Die Porträtserie 

ist nun erstmals in Deutschland bei 

exp12 / exposure twelve zu sehen. Die 

Produzentengalerie freut sich, nach dem 

nicht ganz freiwilligen Umzug in die 

Greifswalder Straße 217 damit wieder 

an ihren Ausstellungsreigen im Berliner 

Prenzlauer Berg anknüpfen zu können. 

www.mirjanavrbaski.com 

© Mirjana Vrbaski, »Girl«, (O.i.F.) 

© Mirjana Vrbaski, »Nare«, (O.i.F.) 

© Mirjana Vrbaski, »Hannah«, (O.i.F.) 

© Mirjana Vrbaski, »Irma«, (O.i.F.) 

Vernissage: 

14. September 2012, 19 Uhr 


Galerien 


exp12 / exposure twelve 

Greifswalder Straße 217 

10405 Berlin-Prenzlauer Berg 

Sa – So 14 – 20 Uhr 

www.exp12.com 

39

Galerien 

Lotti Nass 

Kamila Zimmermann 

»Insel aus Versehen« 

Zwischen der Schlossbrücke Charlottenburg 

und dem Bahnhof Jungfernheide 

liegt eine unbemerkte Insel. Sie 

ist 1956 aus Versehen entstanden, nachdem 

der Westhafenkanal fertiggestellt 

wurde. Die Fotografinnen lenken den 

Blick auf einen Raum in Berlin, dem 

jegliches Spektakuläre fehlt. 

Es gibt wenige Sehenswürdigkeiten, 

keine Szene, keine Schlagzeilen. Dieser 

nördliche Teil von Charlottenburg war 

schon immer geprägt von der Mischung 

aus Wohnen und Arbeiten, Gewerbebauten 

kontrastieren mit Schrebergärten 

und stille verschlafene Ecken 

mit Straßen, auf denen sich Staus bilden, 

wenn auf der nahe liegenden Autobahn 

der Verkehrsfluss gestört ist. 

© Kamila Zimmermann 

Die Kaiserin-Augusta-Allee in ihrem 

Dornröschenschlaf – ihre Ladengeschäfte 

zeigen, hier gibt es noch Nischen, 

kleine Händler, Individualisten. Wer 

diese Zeitlosigkeit mit offenen Augen 

sucht, wird hier fündig. 


© Lotti Nass, (Original in Farbe) 

© Kamila Zimmermann 

Wie viele Inseln entwickelte sich das 

Gebiet nicht von einem Zentrum aus, 

sondern ist nach wie vor durch seine 

Ufer und Ränder geprägt. In der Mitte 

der Mierendorffplatz, ein gut gemeinter 

Kompromiss. Die Stadt als Mosaik, Berliner 

Stadtentwicklung im Kleinen. 

Die Fotografinnen 

Kamila Zimmermann und Lotti Nass 

interessieren sich für die Schönheit im 

Unspektakulären. Mit ihren Fotografien 

bilden sie die Identität dieser Insel ab 

und erkennen in ihr einen durchaus typischen 

Teil von Berlin. Die Fotografinnen 

gehören zu der Künstlergruppe KunstInsel.InselKunst, 

die Anfang 2011 gegründet 

wurde. 

Vernissage: 

1. September 2012, 19 Uhr 

2. September bis 29 September 2012 

Haus am Mierendorffplatz 

Mierendorffplatz 19 


Mi – Fr 16 – 18 Uhr 

Sa 15 – 18 Uhr

Lee Miller 

In Zusammenarbeit mit dem Lee Miller 

Archive in Chiddingly, East Sussex, 

Südengland, zeigt die galerie hiltawsky 

ab dem 3. August bis zum 6. Oktober 

2012 eine Auswahl von ca. 40 Photographien 

der amerikanischen Künstlerin 

Lee Miller (1907 – 1977). 

Während sich die Ausstellung ihrer 

Photos auf der dOKUMENTA 13 auf 

Lee Millers Aufenthalt 1945 in München 

in Hitlers Wohnung konzentriert, 

zeigt die galerie hiltawsky Arbeiten aus 

allen Perioden ihres Schaffens: photographische 

Experimente aus der Zeit 

mit Man Ray, Portraits von Picasso und 

ihren Freunden aus dem Kreis der Surrealisten, 

Modephotographien aus ihrer 

Pariser Zeit und während des Krieges 

in London und Werke, die in Ägypten 

und während ihrer Arbeit als ‚embeddedjournalist’ 

an der Seite der amerikanischen 

Truppen bei der Befreiung 

Deutschlands vom Faschismus 1945 

entstanden. 

»Fire Masks«, London 1941, 

All images by Lee Miller are © Lee Miller 

Archives, England 

»Model wearing a Hardie Amis suit«, London 

1949 (rechtes Bild) 

All images by Lee Miller are © Lee Miller 

Archives, England 

»Solarized Portrait of Unkown Woman«, Paris 1930, 

All images by Lee Miller are © Lee Miller Archives, England 


galerie hiltawsky 

Tucholskystraße 41 


Mi – Sa 14 – 18 Uhr 


Galerien 

41

Galeriebericht 

So siehst du aus! 

….müssen wir uns sagen lassen, wenn 

wir mal wieder voll daneben liegen. 

Fürs fotografische Porträt ist der Slogan 

ein herbes Urteil. Kaum mal gelingt 

gestandenen Fotografen ein ehrliches 

Selbstbildnis. Am liebsten verstecken sie 

sich hinter ihrer Kamera, wie Doisneau 

auf unserem Titel Heft 1/2012. Deshalb 

liefern sie sich gern einem kompetenten 

Kollegen aus. Ein solcher war für den 

deutschen Sprachraum von 56 bis 84 

des vorigen Jahrhunderts Fritz Kempe, 

vorgestellt von Norbert Bunge bei argus 

fotokunst. Die 50 schlichten, handwerklich 

versierten Fotografenporträts lockten 

hauptsächlich ihresgleichen an. 

Vor allem die »Gehängten« waren auf 

der Vernissage anzutreffen, u.a. Robert 

Lebeck, Will McBride und Stefan Moses. 

Kempe war mehr Archivar als Künstler, 

auch Anreger und Lehrer. Seinen soliden 

Porträts fehlt ein wenig Pep, eine 

Prise Humor vielleicht. 

Ein bedeutendes Lebenswerk haben alle 

seine Kollegen aufzuweisen. Das von 

Stefan Moses besteht vor allem in seiner 

Darstellung der »Deutschen«, einst in 

West und dann in Ost nach 89. Begonnen 

hat er damit schon in der Nachkriegszeit. 

Er arbeitet so systematisch 

wie einst August Sander, aber seine 

Menschen sind heiter und locker arrangiert, 

man kommt aus dem Schmunzeln 

nicht heraus. So auch seine bezaubernden 

»großen Alten im Wald«, von denen 

wir einen, Willy Brandt, auf unserem 

letzten Titel hatten. Zur Eröffnung der 

»Emigranten« bei Johanna Breede hielt 

Christoph Stölzl die Laudatio. 

Der Berliner Jim Rakete arbeitet ebenfalls 

konzeptuell und hat sich vor allem 

dem Film und der Musik verschrieben. 

Neben seinen großen Filmporträts »Der 

Stand der Dinge« hat er kürzlich mit 

»Rockpoeten« entsprechend poetische 

Schwarzweißbilder gemacht, auch von 

weniger bekannten Musikern. Seine 

kraftvolle Fotografie adelt sie alle. In der 

hellen neuen Galerie Münzing-Claasen 

am Hohenzollernplatz kamen sie gut 

zur Geltung. 


© Fritz Kempe, »Robert Lebeck«, 1979 

Mit Arnold Newman stellte uns c/o 

Berlin etwas marktschreierisch den 

»kreativsten und erfolgreichsten Porträtfotografen 

der 2. Hälfte des 20. Jahrhunderts« 

vor. Er hat damit 1938 in einem 

Kaufhaus in Philadelphia angefangen 

und sich später an die Prominenz herangemacht, 

hat Dalí, Warhol und die 

Monroe vor die Kamera geholt, nebst 

Max Ernst, Ansel Adams, Cecil Beaton 

und schließlich Alfried Krupp, dämonisch 

in seiner Werkhalle, mit unschuldigem 

Blick und gefalteten Händen. 

Newman gestaltete vor seiner Großformatkamera 

jedes Bildnis sorgfältig im 

Umfeld und sagte: »5 % sind Eingebung, 

95 % das Verrücken der Möbel«. 

Ganz anders der Niederländer Anton 

Corbijn bei Camera Work. Er fotografiert 

nicht Menschen sondern Namen. 

Seine – zugegeben imposanten – harten 

schwarzweißen Quadrate im breiten 

dunklen Rahmen sind aggressiv. Mick 

Jagger und Tom Waits werden zu Monstern, 

Damien Hirst zum Untoten mit 

schwarzen Augenhöhlen. Der Clou sind 

die Preise: 17.900.- Euro für den armen 

nackten Iggy Pop am Waldbach. Bei 

Gerhard Richters Hinterkopf hat Corbijn 

noch dessen aktuellen Marktwert 

draufgeschlagen: 23.800.- Euro. 

Mir sind die Fotografen lieber, denen 

es um den Menschen geht. Um für 

ein soziales Anliegen Aufmerksamkeit 

zu wecken, sind schon mal drasti- 

© Stefan Moses, »Thomas und Katja Mann«, 

Weimar, 1949 

© Jim Rakete, »Moritz Bleibtreu« 

sche Mittel angebracht. Die Fotografie 

hat trotz aller Manipulierbarkeit eine 

Überzeugungskraft, die sich direkt überträgt. 

Das bewies schon Diane Arbus, 

die uns der Gropiusbau bis 23. September 

präsentiert. Allerdings: Vieles, 

was vor 50 Jahren Provokation war, ist 

heute jugendfrei. Arbus ging es auch 

nicht um den Schock, sondern um die 

Verwundbarkeit des Individuums, vor 

allem des von der Gesellschaft ausgegrenzten. 

Das mag auch für Larry Clark 

die Motivation gewesen sein, als er um

© Anton Corbijn 

© Diane Arbus, »Zwillinge« 

1970, selbst betroffen, die Kids aus der 

Drogenszene seiner Heimatstadt Tulsa, 

Oklahoma, fotografierte. Die erschütternden 

Skizzen frühen Leids sind bei 

c/o Berlin bis 12. August zu sehen. 

Vor 5 Jahren, in der Newton Foundation, 

wurden zartbesaitete Besucher noch vor 

dem Eintritt gewarnt. Das Milieu seiner 

Jugend hat Clark bis heute, mit 69, nicht 

losgelassen. Damals hätte es ihn fast verschlungen. 

Die starke Resonanz seiner 

© Bruce Davidson, (O.i.F.) 

Bilder hat ihn auf andere Weise abhängig 

gemacht. Er hat die eigene Zukunft 

darauf aufgebaut, und mancher Youngster 

lässt für ihn die Hose runter, nun in 

Farbe. Seinen Lieblings-Skater, Jonathan 

Velasquez, nennt er seine Muse. Zuvor 

bei c/o Bruce Davidson. Er war in den 

Achtzigern mit der Kamera zu jeder 

Tages- und Nachtzeit todesmutig in der 

New Yorker U-bahn unterwegs. Seine 

fast lichtlosen intensiven Farbbilder sind 

manchmal sogar geblitzt. Ein andermal 

wirkt ein aufgeschlagenes Buch als Aufheller 

für ein Gesicht. Davidson sagt, er 

hätte nur mit Zustimmung fotografiert. 

Das ehrt ihn. 


Fotos: Afghanistan 1953, © Yvonne v. Schweinitz 

Zigeunerkinder auf der Müllkippe , Rumänien, 

Medias, Juli 1991, © Hans Madej, (O.i.F.) 

Und über seine Bilder: »Sie wollen nicht 

predigen. Und sie wollen sich nicht als 

Kunst ausgeben«. Auch bei Yvonne 

von Schweinitz, die 1953 als 20-jährige 

beherzt durch das wilde Afghanistan 

gestreift ist, gibt es keinen Kunstanspruch. 

Die geborene Gräfin von Kanitz 

muss dort sehr exotisch gewirkt haben. 

Aber sie fand Kontakt und Offenheit. 

Ihre Bilder, mit Leica und Rollei perfekt 

komponiert, sind heute wertvolle Zeitdokumente. 

Parallel im Willy-Brandt- 

Haus Hans Madej mit seinen »Bildern 

aus dem Osten«. Gemeint ist Osteuropa, 

in den Jahren der Wende, die hier 

nur eine politische war. An den noch 

immer archaischen Lebensbedingungen 

änderte sich vor allem auf dem 

Lande nur wenig. »Am Ende der Straße 

beginnt das Mittelalter«, sagt der Fotograf. 

Seine Bilder zeigen Straßenkinder, 

Rußarbeiter, Zigeuner auf der Müllkippe 

und das einfache Leben in den Wohnräumen. 

Madej arbeitet seit 83 u.a. für 

den Stern und Geo. Im selben Haus 

im Juni Harald Schmitt mit Sportaufnahmen 

der anderen Art. Sie handeln 

»Von Siegern und Verlierern«, mit allen 

Begleiterscheinungen des Leistungs- 


43


sports, Stress und Erschöpfung neben 

Glück und Triumph. Schmitt hat schon 

6 Mal den World Press Award gewonnen 

und ist seit 1977 beim Stern. Um so 

mehr verwundert, was er 2002 in einem 

Planet-Interview gesagt hat: »Das Fotografieren, 

ja, das finde ich ganz nett, es 

ist für mich ein Vehikel, um mir die Welt 

anzugucken. Ich würde das eigentlich 

viel lieber ohne Kamera machen und 

den Leuten nur zugucken.« Können wir 

ihm das glauben? 

Fast versteckt hängt im Deutschen Technikmuseum 

eine Reportage von Roland 

Köhler, der das so bestimmt nicht sagen 

würde. Er ist seit 2002 sehr engagiert in 

der Uckermark unterwegs, der »Toskana 

des Nordens«, auf der Spur der Zugezogenen, 

die dort eine neue Heimat 

fanden. Das ausdrucksvolle Schwarzweiß 

harmoniert wunderbar mit den 

Texten der Neusiedler, die frisch und frei 

von ihren Erfahrungen berichten. Man 

wird erinnert an das Lebenswerk von 

Fotografen wie Roger Melis und Gerhard 

Weber, deren Schaffen über die 

reine Dokumentation weit hinausgeht. 

Gerhard Weber hat im letzten Sommer 

Furore gemacht mit einer Freiluftausstellung 

in Grimma. Bis April war er im 

Photoplatz des Hotel Bogotá zu sehen 

mit Beispielen aus seiner Serie »Privatleben«. 

Mit den »100 Bildern des Jahres 

2011« der GfF wandern derzeit 5 Werke 

von ihm durch ganz Deutschland. Im 

Photoplatz, ihm zur Seite, Göran Gnaudschun 

mit sehr einfühlsamen Porträts 

in Farbe, und die schrillen mexikanischen 

Konterfeis »Chimuelos« von 

Laura Silleras. 

Eine Überraschung war Beta Siebel in 

Gino Puddus Galerie-Café Aroma. 

Zuerst denkt man über die verwischten 

Farben mit dem Titel »Flüchtige 

Begegnung«: Alles unscharf, soll wohl 

Kunst sein. Aber bei näherer Betrachtung 

schwindet das Vorurteil. Mit den 

»Short Stories« aus und in der Berliner 

S-bahn gelingt es der Fotografin, unser 

aller Eindrücke, wenn wir im Getriebe 

der Stadt unterwegs sind, auf wunderbare 

Weise festzuhalten, genau so flüchtig, 

wie wir sie wahrnehmen, aber nicht 

von der nächsten Beobachtung sofort 

verwischt. 


© Beate Siebel, (O.i.F.) 

© Benita Suchodrev, »Ilona«, 2011 

So können wir eindringen in eine Zwischenwelt, 

die uns in der Realität verborgen 

bleibt. Die Fotografie macht’s 

möglich. 

Unsere großen Galerien sind schon 

durch ihr Raumangebot festgelegt 

auf Retrospektiven und weit gefasste 

Themen. Die kleinen privaten können 

sich einer Idee, einem mutigen Projekt 

widmen und es wird doch ein Ganzes 

daraus. 

Ein Gespür dafür hat Manfred Carpentier, 

der seinen »Raum für Kunst« in der 

Meinekestraße im April der »Woman 

in Heat« geöffnet hat, der Frau über 40, 

von Benita Suchodrev. Die attraktive 

Amerikanerin mit russischen Wurzeln 

möchte die reife Frau »nicht als Objekt, 

sondern als Subjekt auch ihrer Sexualität 

zeigen«. Kurze Statements ihrer 

»models«, die ihr Outfit und ihr comingout 

selbst bestimmen können, sind den 

ausdrucksvollen Studioaufnahmen beigegeben. 

Jede intensive Porträtsitzung 

setzt starkes Vertrauen voraus, vor allem 

von Seiten der fotografierten Person. Die 

Hemmschwelle, Privates öffentlich zu 

machen, ist heute niedrig. Aber ich 

frage mich doch, ob den so offenherzigen 

Frauen klar war, dass der intime 

Moment, mit der Fotografin als einziger 

Zeugin, dann Tausenden offenbar wird 

durch Presse und Internet, zum Ruhme 

der Künstlerin, via www.stern.de und 

www.womaninheat.com. 

Jetzt wechseln wir die Spezies. Kunstfans 

wissen, dass die diesjährige Documenta 

in Kassel schon den Spitznamen 

Dogumenta hat, weil der Hund die 

Szene beherrscht, freilaufend in natura 

und zugleich als Bestandteil der Kunst, 

Vielleicht ist die Galeristin Johanna 

Breede dadurch auf die Hunde des 

Michael Ruetz gekommen. Seine 

»Family of Dog« ist bei ihr noch bis 11.

© Michael Ruetz, »Wahrscheinlich guckt wieder kein Schwein«, ca. 1998 

© Gerhard Weber 

© Göran Gnaudschun, (O.i.F.) 


August zu erleben. Wir lernen da, in 

edelstem Schwarzweiß, dass Joschka 

Fischer und andere VIPs auf dem Bildschirm 

schlafende Hunde nicht wecken. 

Hunde gucken nur Hunde. Schön, dass 

Ruetz auch mal eine Katze vor der Glotze 

erwischt. Die verfolgt höchst interessiert 

einen Zeichentrickfilm. 

Aufregend ist das alles nicht gerade. 

Aber jemandem, der Berlins politische 

Hundejahre um 68 so packend dokumentiert 

hat, dass er heute Akademiemitglied 

ist, sollte man das nicht ankreiden. 

Johanna Breedes Besucher tun es 

nicht, sie haben schon einige Hunde 

von der Wand weggekauft. Kein geringerer 

als Professor Klaus Honnef hat 

zur Eröffnung und für das Buch »The 

Family of Dog« (bei Steidl 2012) einen 

geistreichen und wohl fundierten Bogen 

gespannt von Goyas »Hund« aus dem 

Prado, gemalt um 1820, sodass sich 

niemand schämen muss, 900.- Euro für 

einen Ruetzschen Hund zu berappen. 

Ein Rassehund ist dafür kaum zu haben, 

ein Goya schon gar nicht. 

Wau! Nein: Wow! 

Klaus Rabien 


45

Fotoszene 

berlin daily 

»Die neue 

Editionsgalerie für 

bildjournalistische 

Photographie« 

Als erste Photoedition konzentriert 

sich »berlin daily« auf bildjournalistische 

Photographie zum Thema Berlin. 

Sie bietet einzigartige Bilder täglicher 

Augenblicke der Stadt, würdigt die historischen 

Momente, zeigt Privates und 

Schräges. 

Die von Pulitzer-Preisträger Karsten 

Thielker kuratierte Kollektion bietet ausgewählte 

Werke internatonaler Photographen 

verschiedener Epochen und 

deren individuellen Blick auf die Stadt. 

In offener und limitierter Auflage, mit 

Passepartout im Rahmen oder auf Aluminium 

kaschiert bietet »berlin daily« 

Photographie in verschiedenen Größen 

und Preisklassen an, die sowohl für Liebhaber 

und Sammler als auch für Entdecker 

attraktiv ist. 

Ergänzt wird das Bildsortiment durch 

Produkte, die sich mit photojournalistischen 

oder photokünstlerischen Themen 

beschäftigten und mit der Bildkollektion 

in Verbindung stehen, darunter mehrheitlich 

Publikationen. 

Die Online-Galerie www.berlindaily. 

net verschafft einen Überblick über die 

Gesamtkollektion und bietet die Möglichkeit, 

sich auch aus der Ferne ein 

Stück Berlin nach Hause zu holen. Mit 

seinem Angebot versteht sich »berlin 

daily« als Mittler und Förderer des Bildjournalismus. 

Neben der wechselnden Präsentation 

zum Schwerpunktthema wird die Photoedition 

durch Ausstellungen, Diskussionsrunden 

oder durch Bildershows 

junge Photographen vorstellen und 

gleichzeitig Werken bekannter Photographen 

zu Themen jenseits von Berlin 

ein Forum bieten. 

»In einer Zeit, in der der Bildjournalismus 

zunehmend willkürlich wird, Anerkennung 

und Relevanz verliert, möchten 

wir mit »berlin daily« nicht nur vorhandenen 

Bildreportagen einen neuen 


© Benjamin Tafel & Dennis Orel / berlin daily, »Berliner Luft«, (Original in Farbe) 

Rahmen geben, sondern die Photoreporter 

auch weiterhin dafür begeistern, 

neue Bilder zu machen und neue 

Geschichten zu erzählen«. 

(Karsten Thielker, Bildjournalist und 

Gründer von »berlin day«) 

Photographie, die Geschichte schreibt 

– »berlin daily«. 

© Karsten Thielker / berlin daily, 

»Christopher Street Day« 

© Wolfgang Kunz / berlin daily, 

»Dutschke rennt« 

© Unbekannt, akg-images – Imgano / berlin 

daily, »Tanz am Wannsee«, (OiF) 

berlin daily 

Sophienstraße 18 


Mo – Sa 12 – 20 Uhr 

Kontakt: photo@berlindaily.net 

www.berlindaily.net

galerie hiltawsky 


Michael Zibold 

»Passagen« 

19. Oktober bis 22. Dezember 2012 

The Hilton Brothers 

»Andy Dany and other works« 

Tucholskystraße 41 


Mi – Sa 14–18 Uhr 

Museum für Fotografie 

20. Juli bis 21. Oktober 2012 

Das Koloniale Auge – 

Frühe Porträtfotografie 

Jebensstraße 2 


Di–So 10–18 Uhr 

Do 10–22 Uhr 

Galerie für Moderne 

Fotografie 


Roger Melis 

»Die Sibylle Jahre 

Modefotografien 1967-1987« 

Schröderstraße 13 


Do, Fr, Sa 12–18 Uhr 

loftgalerie 

31. August bis 30. November 2012 

Christian von Alvensleben 

»Das Apokalyptische Menu« 

Friesickestraße 10 

13086 Berlin-Weißensee 

FENSTER61 


Andreas Albrecht 

»Bart« 


Christoph David Drange 

»Die Haut der Stadt« 


Holger Biermann 

»Lichtenberg« 


Jan Michalko 

»Nice Try« 

17. Oktober bis 13. November 2012 

Soliman Lawrence 

»Old World Succulence« 

Torstraße 61 


Galerie 

Mutter Fourage 


Monika Schulz-Fieguth 


Siegfried Lachmann 

Walter Wawra 

Peter Frenkel 

Anita Reinsch 

Wilfried Müller 

Eberhard Klöppel 

»Menschen & Landschaften« 

Chausseestraße 15a 

14109 Berlin-Wannsee 

Fr 14–18 Uhr 

Sa + So 12–17 Uhr 

Johnen Galerie 


Dan Graham 



Di–Sa 11–18 Uhr 

Ausstellungen 

Land Brandenburg 


Klaus D. Fahlbusch 

»Südamerika – die Magie des Alltags« 

Dortusstraße 36 

14467 Potsdam 

Mo–Fr 7.30–17.30 Uhr 

Galerie im Rathaus 

Tempelhof 


Frank Silberbach 

»Panoramafotos aus Berlin« 

Tempelhofer Damm 165 

12099 Berlin-Tempelhof 

Mo–Fr 9–18 Uhr 

Swedish Photography 


KULTURAMA School of Photography, 

Stockholm 

The best of 2005–2012 

Karl-Marx-Allee 62 


Mi–Sa 12–18 Uhr 

Akademie der Künste 

7. September bis 4. November 2012 

Heinz Hajek-Halke 

Hanseatenweg 10 

10557 Berlin-Moabit 

Di–So 11–20 Uhr 

Photoplatz 


Heike Steinweg 

»Im Stillen» 

Hotel Bogota 




47

Ausstellungen 

Tomas Erhart 

»Deconstructive 

Nudes« 

»Capturing the moment« - unter diesem 

Motto und »bewaffnet« mit seiner 

Handycam begeisterte der Fotograf und 

Kameramann Tomas Erhart bereits 2009 

die Berliner Kunstszene. Sein Projekt 

‚CellPhonology‘, eine tägliche fotografische 

Bestandsaufnahme, hielt Einzug in 

diverse Galerien im In-und Ausland. 

Tomas Erhart, «Blue Eyes«, Berlin 2008 

© Tomas Erhart, (O.i.F.) 

Ab dem 11. Juni 2012 meldet sich Erhart 

zurück und präsentiert in den Räumen 

der Hamburger Inner Circle Consultants 

10 großformatige Fotoarbeiten sowie 

5sequentielle Werke, angelehnt an sein 

erstes digitales Projekt – 5PM. 

Erneut nimmt uns Erhart mit auf eine 

sinnliche Entdeckungsreise - provoziert, 

lockt und teilt letztendlich intime 

Momente, in poetischen, melancholischen 

und erotischen Bildern von großer 

Ausdruckskraft. Dabei bricht er die 

üblichen Sehgewohnheiten auf und 

sucht eine neue Interpretation des klassischen 

Akts. 


Tomas Erhart, »Catwalking«, Berlin 2008, © Tomas Erhart, (Original in Farbe) 

Tomas Erhart, »Herself«, Berlin 2007 

© Tomas Erhart, (O.i.F.) 


Inner Circle Consultants 

Rothenbaumchaussee 21/23 

20148 Hamburg 

Öffnungszeiten nur nach 

telefonischer Vereinbarung. 

Carolin Holdt 

Telefon: 040 / 41 62 49 16

Inessa Dolinskaia 

»СТРАНА ЧУДЕС – 

WUNDERLAND« 

In der Reihe »Next Generation« zeigt die 

Hamburger Galerie Hilaneh von Kories 

die Ausstellung »СТРАНА ЧУДЕС– 

WUNDERLAND« mit Fotografien von 

Inessa Dolinskaia. 

Die Berliner Fotografin hält in ihren 

subjektiven Bilderwelten flüchtige 

Momente des Großstadtlebens fest. Ob 

Berlin, Moskau oder Florenz: immer 

sind es Augenblicke zwischen Bewegung 

und Stillstand, Nähe und Fremde 

oder Detail und Übersicht die in sehr 

persönlichen Schwarzweißbildern eingefangen 

wurden. Mit genauem Gespür 

für die Poesie des Alltags überrascht 

die Künstlerin den Betrachter stets aufs 

Neue. Die Stunden der Dämmerung 

am Morgen oder am Abend sind bevorzugte 

Tageszeiten vieler ihrer Aufnahmen. 

Neben den Fassaden und Gebäuden 

der Stadträume gilt ein besonderer 

Blick den Bäumen und Pflanzen, 

die sich im urbanen Umfeld behaupten 

müssen. Oft sind es die normalerweise 

übersehenen urbanen Zwischenräume, 

die in den Mittelpunkt der Aufnahmen 

gerückt sind. Vor allem durch 

die engen Ausschnitte und vielfache 

Unschärfen und Überlagerungen verschiedener 

Bildebenen ergeben sich 

immer wieder neue Einblicke und Interpretationen 

des Stadtraumes. In ihren 

Kompositionen erscheint die Stadt nicht 

real, sondern vielmehr als Traumgebilde 

aus Gefühlen und Sehnsüchten. 

Die Bildserien tragen Titel wie »Berlin 

pastell«, »Geflüster«, »Fiktive Heimat« 

oder »Wunderland1. Diese Serien dokumentieren 

nicht, sondern sprechen den 

Betrachter vor allem auf emotionaler 

Ebene an. Denn nicht jedes Bild muss 

erklärt und verstanden werden, sondern 

die Künstlerin variiert eine irrationale 

Bildsprache der Fotografie. So 

führt und verführt sie in zarte, manchmal 

auch schwermütige Zwischenwelten 

der Stadt. Traum und Wirklichkeit 

gehen in den sensiblen Bilderzählungen 

eine ganz eigene Verbindung ein. Im 

© Inessa Dolinskaia, Galerie Hilaneh von 

Kories, Wunderland #1, 2009 

fotografischen Material hat die Künstlerin 

ihre ideale Projektionsfläche gefunden. 

Die Ausstellung zeigt in 48 Arbeiten 

die ganz eigene, poetische Wunderwelt 

von Inessa Dolinskaia: 

»...ich ziehe mich an, mache das Fenster 

auf. Wichtig ist dabei, keinen zu wecken, 

sonst werden Fragen gestellt, auf die 

man keine Antwort hat. / Waren Sie 

schon um 5 Uhr morgens in Berlin spazieren? 

/ Es ist wunderschön. Und da ich 

nicht laufen mag, fliege ich. / Ich liebe 

Berlin morgens, wo noch alle schlafen 

und die wenigen, die von der oder zur 

Arbeit eilen, schauen nicht nach oben, 

also bewege ich mich die meiste Zeit in 

stolzer Einsamkeit, abgesehen von ein 

paar verschlafenen Vögeln. / Ich sehe 

Hinterhäuser mit verstaubten Fenstern, 

die eine andere Wirklichkeit widerspiegeln. 

Dächer mit unzähligen Antennen, 

die tagsüber außerirdische Schatten 

werfen, aber in dieser Morgenstunde 

wie aus einem Märchenbuch entsprungen 

wirken. / Ich mag große Kreuzungen 

mit noch blinzelnden einäugigen 

Ampeln, wo die einzigen Fußgänger 

Tauben und Spatzen sind. Die Bäume 

fühlen sich im Morgengrauen auch noch 

unbeobachtet und flüstern miteinander. 

/ Ein Spielplatz. Umgewühlter Sandkasten, 

man kann noch die Stimmung vom 

vorigen Tage fühlen. / Die aufgemalte 

Sonne auf dem Asphalt lächelt mich an. 

Ich setze mich auf eine Bank und mache 

die Augen zu. Es klingelt«. 

Die Fotografin Inessa Dolinskaia wurde 

1980 im russischen Saratov geboren. Seit 

2006 arbeitet sie freiberuflich als Fotografin; 

sie ist Absolventin der Neuen 

Schule für Fotografie Berlin (Abschluss- 

Ausstellungen 





klasse 2009). Erste Ausstellungen hatte 

sie in den letzten Jahren in Berlin, Köln 

und München. 2010 wurde sie mit 

dem Canon Profifoto Förderpreis ausgezeichnet. 

Mit dem Anliegen jungen Fotokünstlern 

ein Forum zu geben, startete Hilaneh 

von Kories 2010 die Reihe »Next Generation«. 

Nach der Hamburger Fotografin 

Béatrice Klein ist in diesem Jahr Inessa 

Dolinskaia die zweite Position der Ausstellungsreihe. 


Galerie Hilaneh von Kories 

Stresemannstraße 384a (im Hof) 

22761 Hamburg 

Tel.: 040 / 42 32 01 0 

Web: www.galeriehilanehvonkories.de 

Di – Fr 14 –19 Uhr 



49

Buchbesprechung 

Peter Werner 

ME AND MY IDOL, Mai 2012 

128 Seiten, Farbe, Hardcover mit 

Schutzumschlag, 26 x 34 cm 

Euro 39,95 / CHF 56,90 

ISBN 978-3-86787-234-8 

Presse: Helmuth Täuber 

helmuth.taeuber@brunogmuender.com 

Telefon: +49-30-615 003-51 

Eine Hommage an schwule Ikonen 

Kaum hatte Fotograf Peter Werner 

damit angefangen Männer abzulichten, 

die sich aufwändig aufgefummelt 

vor den Ikonen unserer Zeit verneigen, 

konnte er sich vor Anfragen kaum 

retten. Denn egal ob Marilyn Monroe 

oder Lady Gaga, Bette Davis oder Evita: 

Schwule Männer haben seit jeher eine 

besondere Art, ihre Zuneigung gegenüber 

ihren Idolen auszudrücken. Und 

erst wenn eine Frau auf den Bühnen 

der Subkultur von einer ambitionierten 

Tunte parodiert wird, hat sie es wirklich 

geschafft. In »Me and my Idol« präsentiert 

Werner jetzt eine Auswahl seiner 

besten Bilder. Eine zauberhafte Hommage 

an unsere weiblichen Idole, mit 

erstaunlichen Vorher-Nachher-Vergleichen. 

Dazu gibt es noch eine kleine 

Divenkunde – Autor Kriss Rudolph stellt 

jede der abgebildeten Ikonen in kurzen, 

cleveren Texten vor und erklärt, warum 

sie alle in die glanzvolle Hall of Fame 

unserer Heldinnen gehören. 

»Da mich Dragqueens genauso faszinieren 

wie die Diven, die Originale ebenso 

wie die Kopien, habe ich Männer foto- 


© Peter Werner, (Originalbild in Farbe) 

© Peter Werner, (Originalbild in Farbe) © Peter Werner, (Originalbild in Farbe) 

grafiert, die beides glaubhaft darstellen 

– als eine Inspiration, alle Facetten von 

uns auszuleben.« Peter Werner 

Über den Künstler: 

Geboren in Bayern zog es ihn Ende der 

1980er Jahre nach Berlin, wo er eine 

Schauspielausbildung machte. 

Später ging Werner nach Los Angeles 

und entdeckte seine wahre Leidenschaft: 

die Arbeit hinter der Kamera. 

2002 begann er sein Fotografie-Studium 

und etablierte sich als Fotograf für 

Künstlerportraits. 2009 begann er in San 

Francisco mit der »Me and My Idol«- 

Serie, die auf beiden Seiten des Atlantiks 

Wellen schlug. Peter Werner lebt und 

arbeitet in Berlin und Kalifornien. 

www.wernerimages.com 

BRUNO GMÜNDER VERLAG GMBH, 

KLEISTSTR. 23-26, D-10787 BERLIN, 

WWW.BRUNOGMUENDER.COM 

© Peter Werner, (Originalbild in Farbe)

FOTOWETTBEWERB 

»LANDLEBEN – 

LANDFRAUEN MAL 

ANDERS« 

2012 feiert der Brandenburger Landfrauenverband 

e.V. (BLV) sein 20-jähriges 

Bestehen. 

Anlässlich dieses Jubiläums rufen wir 

zum Fotowettbewerb auf. 

Landfrauen – das sind Frauen von der 

gestandenen Landwirtin bis zur modernen 

Managerin, von der jungen Mutter 

bis zur Seniorin, von der Hausfrau bis 

zur selbstständigen Unternehmerin. Der 

BLV hat über 1.100 Mitglieder – Frauen, 

die sich ehrenamtlich in ihren Gemeinden 

engagieren und damit zu einem 

attraktiven und aktiven Landleben beitragen. 

5. Europäischer 

Monat der Fotografie 

Berlin 

5. Europäischer Monat der Fotografie 

Berlin 

Vom 19. Oktober 2012 bis 25. November 

2012 rückt der Europäische Monat 

der Fotografie Berlin (MdF Berlin) erneut 

die Hauptstadt als Fotometropole in den 

Mittelpunkt der lokalen und internationalen 

Aufmerksamkeit. Der MdF Berlin 

findet seit 2004 statt und wird von der 

Kulturprojekte GmbH organisiert. Von 

anfänglich 83 Institutionen mit 93 Ausstellungen 

und 135.000 Besuchern steigerte 

sich die Beteiligung auf über 120 

Partner, die 2010 mehr als 140 Ausstellungen 

sowie 250 Veranstaltungen zu 

historischer und zeitgenössischer Fotografie 

präsentierten und so mehr als 

eine halbe Million Besucherinnen und 

Besucher anlockten. Seit dem 15. Februar 

2012 ist Katia Reich Kuratorin des 

Fotofestivals, das in seiner fünften Ausgabe 

2012 ausgewählte Ausstellungen 

und Veranstaltungen in Berliner und 

Potsdamer Museen, Galerien, Kulturin- 

Fotografieren Sie gern? Sie möchten Ihre 

Bilder einmal im Rahmen einer Fotoausstellung 

zeigen? Landfrauen sind für 

Sie eine Unbekannte oder Ihnen bestens 

bekannt? Dann machen Sie mit 

bei unserem Fotowettbewerb »Landleben 

– Landfrauen mal anders«! Teilnehmen 

kann jeder – ausgenommen 

sind Berufsfotografen. Mitmachen lohnt 

sich! Auf die drei Erstplatzierten warten 

tolle Sachpreise. 

Bitte richten Sie Ihre Einsendungen 

(max. 4 Bilder) an: Brandenburger Landfrauenverband 

e.V. 

Dorfstraße 1 

14513 Teltow-Ruhlsdorf 

. blv_eV@t-online.de 

Einsendeschluss ist der 15.08.2012. 

Die besten Fotos werden anlässlich 

des 20-jährigen Jubiläums des BLV am 

19.10.2012 im Rahmen unserer Wanderausstellung 

in der Heimvolkshochschule 

»Seddiner See« präsentiert und 

prämiert. 

stitutionen und Fotofachschulen zum 

Thema »Der Blick des Anderen« vorstellen 

wird. 

Die internationalen Migrationsbewegungen 

sind ein zentrales Phänomen 

einer sich derzeit rapide verändernden 

Weltordnung. Menschen werden aus 

politischen, wirtschaftlichen oder sozialen 

Motivationen zu modernen Nomaden 

und sind gezwungen, sich immer 

wieder mit dem »Fremden« und dem 

»Anderen« im Verhältnis zur eigenen 

Identität auseinanderzusetzen. Durch 

die grenzenlose Mobilität der Menschen, 

Waren und Güter scheinen einerseits 

»das Eigene« und »das Fremde« kaum 

noch voneinander trennbar – vielmehr 

verstärken sich sogar ihre sozio-politischen 

Abhängigkeiten. Andererseits 

bezeichnet der »Der Blick des Anderen« 

aber immer auch eine Trennung, 

eine Isolierung, die zugleich durch den 

geworfenen Blick eine aktive Überschreitung 

vornimmt. Sie ist der Beginn 

einer Reflexion und Teil unserer alltäglichen 

Wahrnehmung, Dokumentation 

und Instrumentalisierung. Die Medien 

und ihre Kanäle, darunter auch die sozialen 

Netzwerke, unterstützen diesen 

Prozess: ungefiltert und in Echtzeit pro- 

Fotoszene 

Teilnahmebedingungen 

Gewertet werden Originalabzüge im 

Format 13 x 18 cm oder Digitalfotos 

mit mindestens 1900 Pixel für die kleinere 

Seite im Dateiformat JPG (bei Mailversand 

bitte nicht mehr als 4 MB pro 

Mail im Anhang). 

Mit Einsendung der Fotos versichern Sie, 

dass Sie über alle Rechte an den eingereichten 

Fotos verfügen, die Fotos frei 

von Rechten Dritter sind und keine Persönlichkeitsrechte 

verletzt werden. Für 

die eingereichten Fotos wird dem BLV 

das einfache Nutzungsrecht, auch über 

die Wettbewerbsdauer hinaus, eingeräumt. 

Veröffentlichungen werden nicht 

honoriert. 

Nähere Informationen zum Fotowettbewerb 

unter. 

www.brandenburger-landfrauen.de. 

duzieren, distribuieren, manipulieren 

und konsumieren Menschen Bilder in 

unterschiedlichster Form und liefern so 

einen Beitrag zur vielfältigen Beschreibung 

der Welt. 

Durch die Auswahl der Teilnehmer 

werden die Ausstellungen der beteiligten 

Fotografinnen und Fotografen 

in einen »Dialog« treten und damit 

die Verfasstheit unserer gegenwärtigen 

Gesellschaft(en) abbilden. 

Parallel zu den Ausstellungen der Partner 

findet 2012 das Ausstellungsprojekt 

DistURBANces statt, das im europäischen 

Netzwerkverbund mit Bratislava, 

Budapest, Ljubljana, Luxemburg, Paris 

und Wien (EMoP) gemeinsam erarbeitet 

wurde und in jeder Partnerstadt seinen 

eigenen thematischen Fokus erhält. 

Ein umfangreiches Programm mit Vorträgen, 

Portfolio-Sichtungen und performativen 

Vermittlungsformaten wird 

zudem neue Akzente setzen. 

19. Oktober bis 25. November 2012 


51

Fotoszene 

Ein Paradies für 

analoge Fotografie 

»FOTOIMPEX 

alles für die analoge 

Fotografie seit 1992« 

FOTOIMPEX bietet seit 1992 ein umfangreiches 

Sortiment für Fotokünstler. 

Dabei wurde von Anfang an der Marketingschwerpunkt 

auf künstlerische 

Anwendung gesetzt und ein Vertrieb 

direkt vom Produzenten zum Kunden 

aufgebaut. 

Angefangen haben wir 1992 mit dem 

Import von efke und Foma. 

Schnell sind andere Hersteller hinzugekommen. 

Heute liefert FOTOIMPEX seinen 

Kunden ein großes Sortiment an Laborgeräten 

und Verbrauchsmaterialien für 

den analogen fotografischen Prozess. 

In Bad Saarow betreiben wir ein eigenes 

S/W Fachlabor. Wir entwickeln 

Filme von Minox bis 5x7“ und printen 

als letztes Fachlabor in Berlin vollständig 

analog auf PE oder Barytpapier bis 

40x50 cm. 

FOTOIMPEX ist der ofizielle Vertrieb für 

ADOX, FOMA, Paterson, Superheadz 

(Blackbird Fly und andere Kameras) 

und Nova. 

ADOX bietet ein umfassendes Sortiment 

an ausgefallenen und einzigartigen 

analogen Fotoprodukten zu erfreulichen 

Preisen. 

FOMA ist ein Hersteller von Fotomaterialien 

aus der Tschechischen Republik 

mit einem sehr großen Sortiment an 

Fotopapieren. 

Paterson und Nova sind englische Hersteller 

von Fotolaborprodukten. 

Nahezu alle in unserem Katalog oder 

in unserem online Angebot gelisteten 

Artikel sind im eigenen Warenlager vorrätig. 

Wir sind in der Lage auch umfangreiche 

Bestellungen sofort aus dem eigenen 

Lager zu bedienen und möglichst 

noch am selben Tag versandbereit zu 

stellen. 


Ladengeschäft, © FOTOIMPEX 

Bestellungen die uns bis 13 Uhr erreichen, 

können oft schon am selben Tag 

der Post übergeben werden. 

Sämtliches sensibilisierte Material 

lagern wir fachgerecht in klimatisierter 

oder gekühlter Umgebung. 

Von der Ladentheke aus können Sie 

nur einen kleinen Teil unseres Angebotes 

direkt sehen. 

Das meiste Material lagert in den hinteren 

Räumen wo sich auch unser S/ 

W Fachlabor befindet oder in unserem 

großen Versandlager in Bad Saarow. 

Unsere kompetenten Fachberater stehen 

Ihnen im Laden in Berlin und am Telefon 

zur Verfügung. 

Wir freuen uns auf Ihren Besuch ! 

FOTOIMPEX GmbH 

Pieskower Str. 30 A 

15526 Bad Saarow | Germany 

Telefon: +49 (0)33631/6459-0 | 

Freecall: 0800 IMPEXDE 

Telefax: +49 (0)33631/6459-190 

info@fotoimpex.de 

Öffnungszeiten: 

Mo-Fr 8:45-17:15 Uhr 

Ladengeschäft: 

Alte Schönhauser Str. 32 B 


Mo bis Sa 12 – 20 Uhr

Hans Martin Sewcz 

»Zeitachsen« 

Mit der Werkgruppe »Sequenzen 1987- 

1992« gibt Hans Martin Sewcz Einblick 

in eine Zeit schneller politischer und 

gesellschaftlicher Veränderungen. Autobiographisch 

angelegt steht dabei der 

Wechsel und die Suche nach der eigenen 

Identität im Berlin der Wendejahre 

mit im Bild. Rückblickend beschreibt 

Sewcz: »Mit der Kamera auf mich zielend 

bezog ich mich selbst in das politische 

Geschehen ein. Entstanden zwischen 

1987 und 1992 verschmelzen 

meine Lebensabschnitte in Ost-Berlin 

bis zur Ausreise auf die West-Berliner 

Insel, die Wendezeit nach der Maueröffnung 

und die Einheit Deutschlands«. 

Fünf große Arbeiten zeigen mehrere 

aufeinander folgende Aufnahmen, 

(140x190cm), wie auf einem Kontaktabzug. 

Die Prozesshaftigkeit der Arbeit und 

das narrative Element jeder Sequenz 

werden betont durch die sichtbare Perforation 

der Negativstreifen für den 

Filmtransport. 

Den Schnittpunkt der Zeitachsen und 

den Übergang von Ost nach West symbolisiert 

das »Selbstportrait Checkpoint 

Charlie 1988«, aufgenommen 

in der Leipziger Straße Ecke Jerusalemer 

Straße. Als Sinnbild für Übergang, 

gleichzeitig aber auch von Eingeschlossensein 

steht der Checkpoint Charlie für 

Hans Martin Sewcz zudem für die Zerrissenheit 

des Menschen angesichts der 

Ambivalenz des historischen Augenblicks, 

»weil ich meine DDR-Existenz 

als unfreiwillig empfand - schwankend 

trotzdem zwischen Abneigung und 

Identifikation«. 

Deutlich wird dies auch in der Sequenz 

»Selbstporträt mit Agnès B. und Gorbatschow 

1987«. Die französische 

Designerin Agnès B. hatte Künstler in 

der DDR gebeten, eine modische Jacke 

aus ihrer Collection in ein Kunstwerk 

zu integrieren. Anlässlich des Besuchs 

des jungen sowjetischen KPdSU-Chefs 

entstand so ein Selbstporträt mit der 

Kolonne schwarzer Limousinen im Hintergrund. 

© Hans Martin Sewcz, »Cinderella«, Berlin 1989 

© Hans Martin Sewcz, »Selbstportrait«, 

Berlin- Friedrichstraße 1987 

© Hans Martin Sewcz, »Selbstportrait mit 

Agnés B. und Gorbatschow«, 1987 

Nach der Übersiedlung nach West- 

Berlin bleibt Sewcz’ Blick kritisch. Die 

Sequenz »Cinderella 1989« reflektiert 

den Reichtum, aber auch die Täuschung 

und die Eitelkeit der Konsumwelt – die 

Suche nach der Flüchtigen, der der goldene 

Pantoffel passt. 

Hans Martin Sewcz 

1955 Geboren in Halle/Saale 

1975-81 Studium an der Hochschule für 

Graphik und Buchkunst, Leipzig 

1981 Abschlussarbeit »Berliner Gesichter« 

1984-1988 Übersiedlung nach Berlin- 

West 

Lebt und arbeitet in Berlin als Fotograf 

und Konzeptkünstler 

© Hans Martin Sewcz, »Selbstportrait«, 

Berlin, Checkpoint Charlie 1988 

:pixelgrain 

Rosenstraße 16/17 


Mo – Fr 10 – 19 Uhr 

So 14 – 19 Uhr 


Galerien 

53

Portfolio Detlef B. Christel 

Detlef B. Christel 

»Berliner Gören« 

Geboren 1943 in Berlin. 

Abitur, Werkzeugmacher, Ingenieur. 

1976-1981 Fernstudium Fotografie an 

der HS für Grafik und Buchkunst Leipzig. 

1982-1991 Bildreporter der Illustrierten 

Zeitschrift »Freie Welt«. 

Seit 1992 freiberufliche Tätigkeit und 

Mitarbeit in geförderten Projekten des 

Luisenstädtischen Bildungsvereins. 

Anliegen: Kennen wir ihn wirklich, den 

Alltag unserer Kinder? 

Ich habe versucht mit meinen Bildern 

eine Antwort zu finden, die auch eine 

Brücke sein soll zur Welt der Erwachsenen. 

Die Zeit zwischen Schuleintritt 

und Jugendweihe wählte ich für mein 

Anliegen. 

Dabei wollte ich die Individualität 

der Heranwachsenen in ihrem sozialen 

Umfeld und damit auch die gesellschaftlichen 

Verhältnisse dokumentieren. 

Die Kinder sollten von ihrem ureigensten 

Lebensgefühl, von den Umständen 

ihres großstädtischen Daseins Auskunft 

geben. 

So sammelte ich Eindrücke aus den 

unterschiedlichsten vom unbekümmerten 

Treiben berichten, wie auch selbstbewusstes 

Verhalten dokumentieren. 

Wichtig war für mich dabei, das Typische, 

das Alltägliche im Verhalten der 

Kinder festzuhalten. 

Meine Begegnungen wollte ich für die 

eigene Erinnerung bewahren sowie 

anderen mitteilen. 

Und diese anderen sind aufgefordert 

zum eigenständigen Entdecken dieser 

Welt der Kinder. 


© Detlef B. Christel 

© Detlef B. Christel




55



56 brennpunkt 3/2012




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Portfolio Stephan Hederich 

Stephan Hederich 

The Vanishing Breed 

»Die Letzten ihrer 

Art« 

Es ist ein trauriges Phänomen unserer 

Zeit, dass die Anzahl derer, die versuchen, 

Nahrungsmittel für die urbane 

Gesellschaft zu produzieren, täglich 

abnimmt, und zwar sowohl in Deutschland 

bzw. Europa als auch in Nordamerika. 

Familienbetriebe (family farms) werden 

unrentabel und zwangsläufig von großen 

Agrarinvestoren verdrängt. Demzufolge 

werden auch der dazugehörige Lebensstil 

und soziale Strukturen ein für allemal 

zerstört. 

Wie sieht es eigentlich aus, wenn man 

die Dorfstrasse hinunter geht und hinter 

die Kulissen der Bauernhöfe (farms) 

schaut? Wer sind die Menschen, die uns 

bei unserem Marktbummel mit üppigen 

Obst- und Gemüseständen erfreuen? Bei 

genauem Hinsehen erkennt man, dass 

»der freundliche Bauer von nebenan« 

ganz anders ist als der, den wir uns in 

unserem Klischeedenken vorstellen! 

Mit welchem Eindruck verlässt man den 

besuchten Ort? Bleibt die Würde hart 

arbeitender Menschen in Erinnerung, 

vielleicht ein wettergegerbtes Gesicht? 

Oder empfindet man die Existenzangst 

und die schier unerträgliche Arbeitslast? 

Und beschleicht uns nicht die Befürchtung, 

dass es in anderen Gegenden der 

Welt vermutlich nicht viel anders aussehen 

könnte? 

Die Photoserie »The Vanishing Breed« ist 

eine Bestandsaufnahme! Sie soll warnen 

vor der Verödung unserer Gesellschaft 

und vor der Gefahr, uns in eine vernichtende 

Abhängigkeit zu begeben, indem 

wir unsere Fähigkeit aufgeben, unsere 

Nahrungsmittel in Menge und Qualität 

zu beeinflussen. Die Überflussgesellschaft 

lässt diese Gefahr nur subtil 

erkennen, umso wichtiger ist es jedoch, 

immer wieder darauf aufmerksam zu 

machen. 

Die Tatsache, dass »The Vanishing 

Breed« in Nova Scotia an der Ostküste 

Kanadas entstanden ist, hat im Wesentlichen 

mit dem Wohnort des Photogra- 


phen zu tun. Ein ebensolches Thema ist 

auch in jedem anderen Winkel der Welt 

vorstellbar. 

»The Vanishing Breed« ist auf S-W Negativmaterial 

(120) entstanden, darunter 

einige Agfa APX Filme, die die Zeit 

erstaunlich gut überstanden haben. Es 

ist einfach sinnvoll, ein Thema, das vom 

Verschwinden handelt, mit einer Technik 

zu bearbeiten, die in den letzten 10 

Jahren mehr und mehr verschwunden 

ist und - von einigen Kunstprojekten mal 

abgesehen - sicherlich nicht wieder in 

die alltägliche »Brot und Butter« – Photographie 

zurückkehren wird. 

Die Serie umfasst 40 Motive. Jedes Bild 

ist 1 von 10 Belichtungen pro Motiv. 

Kein Motiv wurde nach geschlossen und 

kein Motiv blieb unverwertet. 

Es hat von 2008 bis 2012 gedauert, um 

dieses Projekt zu realisieren und die 

Portraits bis hin zur Vergrößerung zu 

erstellen. Letztlich hat ein großzügiges 

Stipendium des »Nova Scotia Art Council« 

die Vervollständigung des Projekts 

ermöglicht. 

Die erste Sequenz von 10 Bildern wurde 

in ihrem Heimatort Tatamagouche mit 

großem Erfolg gezeigt, die volle Serie 

wird im Herbst 2012 in Halifax, Nova 

Scotia, zu sehen sein. 

»The Vanishing Breed« wurde unter 

anderem inspiriert durch das Werk 

von Edward S. Curtis, der Ende des 19. 

Jh. die wohl umfassendste historische 

Bestandsaufnahme der verschwindenden 

nordamerikanischen indianischen 

Kulturen photographisch dokumentierte. 

Stephan Hederich 

geboren im März 1965 in Leverkusen 

aufgewachsen in Köln. 

1989 – 1991 

Ausbildung zum Photographen am 

»Lette-Verein«, Berlin und tatsächlich 

abgeschlossen. 

1991 - 2000 

freier Photograph in Köln 

1996 

Januar: Photoreise nach Vietnam 

Ausstellung im »Museum Zündorfer 

Wehrturm« 

© Stephan Hederich, »Alan Haym« 

April – Juli: 

Reportage über die sozialen und gesellschaftlichen 

Einflüsse der Tagebaue in 

Garzweiler, NRW, Cottbus, Brandenburg 

und der Kohletagebaue im Norden 

Arizonas auf der Navajo-Reservation. 

Die Reportage wurde in Zusammenarbeit 

mit dem INFOE - Institut für Ökologie 

und Aktions-Ethnologie erstellt 

und wurde von Ökofond NRW mitfinanziert. 

Aus den Photos ist eine Ausstellung 

entstanden die in Freiburg/ Br 

und Köln gezeigt wurden. 

Seit 2000 

Gründung und Führung von »Green 

Dragon Oranic Farm and B&B« in Tatamagouche, 

Nova Scotia, Kanada 

ab 2008 

Editorials über verschiedene ungewöhnliche 

Handwerksberufe wie Vergolder, 

Feuerzeugreparateur und Reportagen 

über Ahornsirupproduktion und 

Fischerei in Nova Scotia. 

Beginn des Projektes »The Vanishing 

Breed« Portäts von Bauern in Colchester 

County, Nova Scotia. Die ersten 10 

Photos waren Teil einer Photoshow in 

Tatamagouche. 

Zahreiche Ausstellungen im In- und 

Ausland.

© Stephan Hederich, »Loyd Baillie« 



63


© Stephan Hederich, »Jack Aitchison« 


© Stephan Hederich, »Jack Ferguson« 



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© Stephan Hederich, »Nick & Vicky« 


© Stephan Hederich, »Eddy Locke« 



67


© Stephan Hederich, »Elizabeth Aspen« 


© Stephan Hederich, »Reg Delorey« 



69

Fotoszene 

Inhalt versus Form? 

In der letzten Zeit gab es im Deutschen 

Verband für Fotografie (DVF) eine interessante 

Diskussion um die Frage, ob der 

Inhalt oder die Gestaltung eines Bildes 

wichtiger sei. 

Anlass war mein Tipp für die Teilnehmer 

zur Deutschen Fotomeisterschaft 2012, 

dass die Gestaltung vorrangiger ist, als 

der Inhalt eines Bildes. 

Es gab dazu einige kritische Stimmen, 

die aber offensichtlich den Zusammenhang 

dieser Aussage übersehen haben 

- es ging um Tipps für einen Wettbewerb! 

Bei einer Veranstaltung dieser Größenordnung 

liegen Bilder jeden Genres 

(Inhalts) in großer Anzahl vor - natürlich 

wählt die Jury die aus, die die perfekteste 

fotografische Umsetzung haben. 

Es wäre im höchsten Maße unseriös, 

Teilnehmer in dem Glauben zu 

lassen, sie hätten mit Bildern die vielleicht 

einen interessanten Inhalt haben, 

aber schlecht gestaltet sind, eine Erfolgschance! 

Ich denke allerdings, dass diese Diskussion 

geeignet ist, hier einmal grundsätzliche 

Gedanken zu dem Thema zu 

äußern. 

Es gibt natürlich keine Bilder ohne Inhalt 

- schon aus der Tatsache, dass ein fotografisches 

Werk existiert, begründet sich 

sein Inhalt! 

Dieser Bildinhalt kann gesehen oder 

inszeniert sein - entscheidend ist aber 

letztlich die fotografische Umsetzung! 

Was wir in Ausstellungen sehen, was 

wir bewundern oder auch ablehnen, ist 

immer das Produkt der Auseinandersetzung 

des Fotografen mit seiner Umwelt 

- das Bild! 

Diese Kunst der Interpretation ist das, 

was Fotografen unterscheidet - nicht 

das Motiv, was in gewisser Weise ja dem 

Bildinhalt gleich zu setzen wäre. 

Die individuelle Handschrift die ein 

Topfotograf im Laufe seiner Schaffensperiode 

entwickelt, ist nicht vorrangig 

geprägt durch seine Bildinhalte sondern 

im Wesentlichen durch die spezifische 

Art der Umsetzung. 

Jeder Fotograf ist frei in der Wahl seines 

Themas und damit seiner Motive, und 


© Manfred Kriegelstein, »Spiel«, Auch – oder gerade - Lifebilder brauchen eine klare 

Bildgestaltung um den Inhalt optimal transportieren zu können. 

es gibt keine Dominanz der Bildinhalte. 

Es ist völlig unsinnig anzunehmen, dass 

zB. Street- oder Lifefotografie höher zu 

bewerten sei, als eine Architekturaufnahme 

oder ein Stillleben. 

Wenn man das verstanden hat, ist die 

Konsequenz doch völlig klar - die Bewertung 

des Bildes kann dann nur noch die 

adäquate gestalterische Umsetzung 

berücksichtigen. Und adäquat bedeutet 

in diesem Zusammenhang natürlich, 

dass Gestaltung, Nachbearbeitung und 

Präsentation zu dem Bildinhalt passen 

müssen. 

Gestaltung ist eine notwendige, wenn 

auch keine hinreichende Bedingung, für 

ein gutes Bild. 

Mit anderen Worten, Gestaltung ist 

nicht alles, aber ohne Gestaltung ist 

alles nichts! 

Kritiker dieser Thesen verweisen gelegentlich 

auf historische Sichten von Feininger 

oder auch zum Beispiel Dr. Walter 

Boje, die insbesondere bei »emotionalen 

Bildern« Fehler im Bildaufbau zu 

entschuldigen wussten. 

Nun muss man wissen, dass man zu analogen 

Zeiten schon etwas nachsichtiger 

gegenüber gestalterischen Mängeln war 

- und auch sein musste! 

Die digitale Entwicklung hingegen hat 

zu deutlich höheren Anforderungen an 

bildnerischer Gestaltung und Präzision 

in der Fotografie geführt. 

Um mal ein gängiges Beispiel zu 

nennen. 

Hätte man früher ein Landschaftsbild 

im tollen Licht und beeindruckenden 

Farben auch mit eigentlich störenden 

Telegrafenmasten akzeptiert, würde 

man heutzutage so etwas nicht mehr 

entschuldigen. 

Auch ein laienhafter »Knipser« ist 

mit seiner Kamera in der Lage einen 

bestimmten Bildinhalt festzuhalten. Der 

ambionierte Fotograf hingegen bringt 

diesen Inhalt durch perfekte Gestaltung 

zusätzlich in eine künstlerische Form. 

Sollte dieses nicht gelingen, hilft auch 

hier die digitale Technik weiter - es gibt 

da an der Kamera so einen Knopf mit 

einem Papierkorbsymbol... 

Manfred Kriegelstein

Gute Fotos - simple Technik 

Fotografieren ohne Hightech 

Bernd Daub 

Verlag: dpunkt.verlag 

ISBN: 978-3-89864-783-0 

304 Seiten,komplett in Farbe 

29,95 Euro 

Wer sich an meinen Artikel »Der Weg 

zum Subjektiv« im brennpunkt 2/2012 

erinnert, wird sofort einen Einstieg in 

das Buch von Bernd Daub bekommen. 

Der Autor zeigt, dass es nicht auf die 

teure Kameraausrüstung ankommt, sondern 

auf das Bild - also auf die gestalterische 

Fähigkeit des Fotografen. 

Viele Bildbeispiele in seinem Buch 

beruhen noch auf analoger Technik, 

sind aber mit digitalen Mitteln genauso 

erreichbar. 

Die Kombination fototechnischer 

Mängel mit innovativer Bildkomposition 

machen die Faszination dieser 

Bilder aus. 

Wer sich nicht nur für Hightech der 

Kameraindustrie interessiert, sondern 

für Bilder, sollte sich dieses Buch unbedingt 

mal ansehen. 

Man muss sich ja nicht unbedingt die 

kameratechnischen Raritäten anschaffen 

die in dem Buch beschrieben werden 

um in dieser Bildsprache zu experimentieren 

- ich denke entsprechendes 

Equipment für gängige Digitalkameras 

führt zu ähnlichen Ergebnissen. 

Mein Rat - einfach mal probieren! 


Porträt-Retusche-Tricks 

Für Photoshop 

Scott Kelby 

Verlag: ADDISON-WESLEY 

ISBN: 978-3-8273-3082-6 

368 Seiten, 4-farbig, Bilderdruck 

39,80 Euro 

Der wohl produktivste Fachautor in 

Sachen Photoshop hat sich der Schönheit 

des Menschen gewidmet oder 

besser gesagt, wie man sie digital optimieren 

kann. 

Wenn man an digitale Porträt-Retusche 

denkt, hat man ja häufig die schrecklichen 

Ergebnisse der Titelbilder gängiger 

TV-Zeitschriften vor Augen. 

Na ja, deren Macher haben wahrscheinlich 

das Buch von Kelby eher nicht gelesen! 

Wie immer, hat der Autor auch in diesem 

Werk sein Wissen humorvoll und didaktisch 

eingängig vermittelt. 

Seine »Branchentricks« illustriert er mit 

zahllosen Abbildungen jedes kleinen 

Arbeitsschrittes und macht es so auch 

Anfängern sehr einfach, die verschiedenen 

Stufen nachzuvollziehen. 

Er bietet verschiedene Workflows an in 

denen gezeigt wird, wie man Porträts 

in 5, 15 oder 30 Minuten digital optimieren 

kann. 

Wer sich mit Porträt - oder Beautyfotografie 

beschäftigt, sollte sich unbedingt 

dieses Buch anschaffen. 

Wer Scott Kelby - Fan ist, für den ist es 

sowieso ein absolutes Muss! 


Buchbesprechung 

Recht für Fotografen 

Der Ratgeber für die fotografische 

Praxis 

Wolfgang Rau 

Verlag: Galileo Design 

ISBN: 978-3-8362-1795-8 

352 Seiten, geb. 

34,90 Euro 

Während man sich vor 20 Jahren 

Bildrechten gegenüber eher unbekümmert 

verhalten hat, sollte man heutzutage 

die Gesetzeslage gut kennen, wenn 

man fotografiert. Denn heutzutage steht 

fast jeder Fotograf mit einem Bein im 

Gefängnis. 

Das Werk von Wolfgang Rau, (er ist 

übrigens Präsidiumsmitglied und Justitiar 

des DVF,) ist sehr hilfreich um sich 

in dem Paragrafen - und Entscheidungsdschungel 

zurecht zu finden. 

Ich rate dringend, sich dieses Buch mal 

anzusehen. Man lernt nicht nur berechtigte 

gesetzliche Einschränkungen zu 

respektieren, sondern auch unberechtigten 

Ansprüchen selbstbewusst entgegen 

zu treten. 

Wer mehr als nur heimische Stillleben 

für den Privatgebrauch fotografieren 

will, sollte seine Rechte kennen - und 

die der anderen respektieren... 



71

Fotoszene 

Leserbriefe 

Hallo Herr Bührer, 

auf diesem Wege einmal vielen Dank 

für die tolle Arbeit! Ausgabe 2/2012 des 

Brennpunktes ist ja wirklich schon fast 

eine Bibel; unglaublich, was in Berlin 

zum Thema Fotografie an Ausstellungen 

läuft. Diesmal mit dem Browse Festival 

natürlich umso mehr. 

Wieder habe ich mir eine Reihe von 

Ausstellungen markiert; leider werde 

ich wieder nicht alles schaffen. Aber 

der Brennpunkt hilft mir, interessante 

Sachen zu finden, auszuwählen und 

vorzumerken. 

Am Freitag war ich noch bei Herrn 

Wartmann im Salon für Fotokunst 

(»Neue Nationalgalerie« von Sonja 

Reich), und wir haben beide darüber 

gesprochen, was für eine Leistung Sie 

da erbringen. 

Ihnen weiterhin viel Schaffenskraft und 

die besten Wünsche. 

Viele Grüße, 

Raschid Sinayokho 

Hallo Herr Bührer, 

ja, das 168seitige Magazin war toll! Die 

Ausstellungen gehen etwas unter, aber 

es hat sich allemal gelohnt... 

Andreas David, Luxad Galerie 


Lieber Dietmar, 

der aktuelle Brennpunkt ist wirklich gut, 

schönes Format, kompakt, voller Bilder 

und Informationen. 

Dazu kommt ein Fotofestival mit internationales 

Charakter mit sehr interessanten 

und vielversprechenden Ausstellungen. 

Du hast wieder für eine Bereicherung 

gesorgt. 

Ein mal mehr beweist Du, deine Leidenschaft, 

deine Engagement und deine 

Lust an machen und organisieren. 

Danke. 

Gino Puddu 

Cafe Aroma Photogalerie 

Hallo Dietmar Bührer 

Zuerst mal Respekt und Anerkennung zu 

der sehr umfangreichen Letzen Ausgabe 

von brennpunkt. 

Mit freundlichem Gruß 

Hans-Peter Zimmer 

Lieber Dietmar, 

das voluminöse brennpunkt- Sonderheft 

ist ein wunderbarer Wegweiser durch 

den Irrgarten der fotografischen 

Stilrichtungen. Es beweist aber auch das 

immense Interesse an der Fotografie. Mit 

dem 166 Seiten starken brennpunkt hast 

Du eigentlich den Monat der Fotografie 

im November schon vorweggenommen 

- Gratulation!! 

Norbert Bunge, argus fotokunst 

Lieber Herr Bührer, 

Die extrastarke letzte Ausgabe hat mir 

übrigens sehr gut gefallen und wir haben 

auch dieses mal schon wieder alle uns 

von Ihnen zugesandten Exemplare verkauft. 

Liebe Grüße vom Boxhagener Platz 

Thomas Graichen, aff-Galerie 

Gratulation zu dieser Ausgabe! 

Willy Borgfeldt, DVF-Präsident 

Der dicke brennpunkt 2-2012 fand 

viel Lob! 

Klaus Rabien 

Leserfotografien 

© Jens-Uwe Bartusch 

© Jens-Uwe Bartusch 

© Jens-Uwe Bartusch

© Barbara Semper, »Kilmainham-Gaol«, (Original in Farbe) 

Fotoszene 

© Barbara Semper, »street« © Wolfgang Meinecke, »Türkei« 

© Barbara Semper, »Schräglage«, (O.i.F.) 


73

Vorschau 4/2012 

brennpunkt 4-2012 

erscheint am 

4. Oktober 2012 

Nachtrag zum 

Browse Fotofestival Berlin 

2012 

Bericht über den Berliner 

Fotomarathon 2012 

Viele Leserfotografien 

Portfolio: Anna Thiele 

Seit 2004 geht Anna Thiele intensiv ihrer 

Passion nach, der Fotografie. 

2008-2009 folgten erste Ausstellungen. 

2010 wurde die Fotografin Meisterschülerin 

bei Professor Arno Fischer. 

Ein Schwerpunkt ihrer Fotografien sind 

Menschen im Stadtraum. Über Jahre 

durchstreift Anna Thiele dabei bevorzugt 

Orte in Berlin, die einem starken 

Wandel unterliegen. Dort gelingt es ihr 

in besonderer Weise, »Geschichten« zu 

Portfolio: Anita Reinsch 

1944 in Oranienburg geboren 

1966-1976 wissenschaftliche Mikrofotografie 

und Elektronenmikroskopie 

1970-1989 analoge schwarz/weiß-Fotografie 

mit eigener Dunkelkammer 

1990 digitale Fotografie- bevorzugt in 

Farbe 

2004 Freischaffende Fotografin mit 

Schwerpunkt Natur- und Landschaftsfotografie 

2011 Back to the roots: rasterelektronenmikrokopische 

Aufnahmen 


© Marion Schwan 

Leserfotos: 

© Marion Schwan 

Marion Schwan, Berlin © Marion Schwan 

erzählen und den Bildern gleichzeitig 

eine außerordentliche grafische Kraft zu 

verleihen. 

Im nächsten Heft zeigen wir eine Auswahl 

von Fotografien, die Anna Thiele 

zwischen 2007 und 2011 im Berliner 

Regierungsviertel aufgenommen hat. 

© Anna Thiele 

2012 Mitglied der Photographen Lounge 

Potsdam 

Mit beeindruckenden Bildern zeigt 

sie die Schönheit und außerordentliche 

Vielfalt pflanzlicher und tierischer 

Ultrastrukturen. 

Als nunmehr freischaffende Fotografin 

steht nicht mehr die wissenschaftliche 

Interpretation sondern vielmehr die 

künstlerische und ästhetische Aufarbeitung 

im Vordergrund. © Anita Reinsch, »Farnunterseite mit Sporen«, 

ca. 500fache Vergrößerung

ennpunkt 3/2012 

75

Galerien

brennpunkt 3-2012 .indd - Edition dibue

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