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HEIMATDESIGN 

Hochzeitsmekka 

Marxloh 

Anke Bernotat 

über Industriedesign 

Mario Lombardo 

über die Emscher 

Winter 2008/2009 Nr. 5 

Modestrecken: yvonne wadewitz Schwarzwaldkirsch FYM Mazine

BRIDGES 

Fotoprojekt Emscher Zukunft 

www.bridges-projects.com 

REDESIGN 

aus grau wird blau 

Es passiert etwas im Ruhrgebiet. 

Das Mega-Projekt Emscher-Umbau, 

getragen von der Emschergenos- 

senschaft, verwandelt den alten, 

vom Industriezeitalter schwer ge- 

zeichneten Emscherlauf in einen 

blauen Fluss. Es stoßen Zukunft 

und Vergangenheit, Erinnerung und 

Vision, Altes und Neues aufein- 

ander und das sorgt für jede Menge 

Diskussionsstoff und kreative Ener- 

gie. Mit BRIDGES Fotoprojekt 

Emscher Zukunft hat die Emscher- 

genossenschaft ein Projekt ins 

Leben gerufen, das diese Energie 

nutzen will. Seit 2005 laden wir 

jährlich Fotografen ein, sich künst- 

lerisch mit dem Wandel aus- 

einanderzusetzen. 

Mit Mario Lombardo hat das Foto- 

projekt einen Künstlerischen Leiter 

gefunden, der mit der Neuausrichtung 

des Projekts auf Qualität und 

künstlerischen Anspruch setzt. 

Neugierig geworden? 

Noch bis zum 12. Januar 2009 

können Arbeiten und Konzepte 

zum Thema »destroy/create« ein- 

gereicht werden. 

Mehr Infos unter: 

www.bridges-projects.com

Editorial 

Heimatdesign Nr. 5 

Prokrastination ist ein doofes neues Trendwort. 

Im Aufschieben wichtiger Dinge schwelgen wir 

aber nicht, auch wenn es so aussieht: Das Gegenteil 

von fauler Zögerlichkeit ist der Grund, 

warum seit der letzten Ausgabe von Heimatdesign 

gute zwei Jahre vergangen sind. Das liegt 

zum einen daran, dass der Herausgeber wechselte. 

Vor allem aber waren wir mit den anderen Bereichen 

dieser Plattform für Ruhrgebietsdesigner 

derart beschäftigt, dass das Magazin plötzlich 

weit hinten auf der Dringlichkeitsliste landete. 

Zunächst einmal war da die Geschichte mit 

dem Laden: Im ehemaligen Hotel Rombergpark 

eröffnete Heimatdesign im Frühjahr 2007 ein 

Büro mit Ausstellungsräumen, Café und Laden. 

Bis zur letzten Minute werkelte unser Team mit 

Farbeimern und Pinseln in dem leerstehenden 

Gebäude, das die Stadt Dortmund für eine begrenzte 

Zeit zur Verfügung stellte. Ein Pop-Up- 

Store, in den es die Leute auch zu Lesungen und 

Partys zog – und in dem sich immer mehr Designer 

aus dem Ruhrgebiet mit Mode, Möbeln und 

Accessoires präsentieren wollten. 

Deswegen machten wir aus dem temporären 

Projekt eine Dauereinrichtung und zogen 

Anfang 2008 – wieder mit städtischer Unterstützung 

– in die Dortmunder Innenstadt. Auch 

dort finden Ausstellungen statt; inzwischen haben 

wir mit „Bildheimat“ auch eine Fotografenrepräsentanz 

eröffnet. Ganz nebenbei organisieren 

4 

wir außerdem Messen und Veranstaltungen an 

anderen Orten im Ruhrgebiet. Auf Pecha Kucha- 

Nächten beispielsweise führen allerlei kreative 

Menschen das Klischee langatmiger Powerpoint- 

Präsentationen ad absurdum: 

20 Folien á 20 Sekunden lautet das Motto, unter 

dem in jeweils knapp sieben Minuten Projekte 

vorgestellt werden. 

Etwas mehr Zeit haben wir uns mit dem vorliegenden 

Magazin genommen. Der Idee, damit 

kreative Menschen aus dem Ruhrgebiet nach 

vorne zu bringen, bleibt es treu – auch, was die 

direkt Beteiligten betrifft: Die Art Direction 

wechselt grundsätzlich alle zwei Ausgaben, 

damit immer wieder neue Grafik-Experten dem 

Magazin ihre gestalterische Duftmarke aufdrücken 

können. Nach Lisa Schweizer und Thomas 

Armborst haben wir diesmal gleich ein Trio ins 

Boot geholt: Jannis Reichard, Amir Rezaloo und 

Stefan Tuschy sind die „Bande – Für Gestaltung!“. 

Ganz heimatverbunden haben sie „I Love U“ 

gestaltet, einen T-Shirt-Kommentar zum Dortmunder 

U(niongebäude). Und gleich neben 

ihrem Büro haben sie kürzlich die Galerie 

Werkbank eröffnet – eine Fundgrube für unsere 

Reihe „Designer illustrieren Heimat“. Außerdem 

brachte die Bande uns auf die Idee, uns in dieser 

Ausgabe mit dem Thema Typografie zu befassen. 

Zum Beispiel ist es gar nicht so einfach, sich 

für ein Magazin auf eine geeignete Schriftart zu 

einigen. Elena Schneider gestaltete die Schrift 

„Klebo“, die wir für die Überschriften dieser Ausgabe 

verwenden durften. Und für die kommende 

Ausgabe werden wir einen Schrift-Wettbewerb 

ausschreiben. 

Auch mit dem wiederauferstandenen Magazin 

im Nacken bleibt Heimatdesign ein Hansdampf 

auf allen Laufstegen: Mitten in der Produktion 

gab es eine Heimatdesign-Messe, und im Januar 

werden wir die „designers fair“ ausrichten, eine 

Möbelmesse im Kölner Rheintriadem, die wir 

gerade in Zusammenarbeit mit den „Passagen“ 

planen – inklusive Rahmenprogramm aus Vorträgen, 

Diskussionen und Unterhaltung. Diesmal 

soll uns das nicht vom Magazinmachen abhalten: 

Im Sommer 2009 wird die nächste Ausgabe 

aus der Druckerei kommen. Für einen Moment 

halten wir inne – und wünschen viel Spaß beim 

Lesen! 

Marc Röbbecke (Heimatdesign-Erfinder) und 

Petra Engelke (Chefredakteurin)

heimatdesign – laden und büro 

Kleppingstraße 43 

44135 Dortmund 

mo-fr 10-19, sa 10-18 Uhr 

www.heimatdesign.de 

fotorepräsentanz 

www.bildheimat.de 

ausstellungen im laden 

bis 30.12. 

Kay Thoss (Möbeldesign) und 

Mason (Gestaltung) 

Januar: 

Anna Kopylkow (Fotografie) und 

Kirschkern (Mode) 

Februar: 

Julian Faulhaber (Fotografie) 

typografie-wettbewerb 

Beginn der Bewerbungsfrist: März 2009 


www.JAN-KATH.com 

designers fair 

Messe für junges Möbel- und Interiordesign 

18. -25.01.2009, Rheintriadem, Köln 

www.designersfair.de 

pecha kucha night dortmund 

27.03.2009, 20.10 Uhr im Kundenzentrum DEW, 

Ostwall 51 , Dortmund 

www.pechakucha-dortmund.de 

u-shirt 

www.u-und-du.de 

5

heimatkunde | nr. 5 

Heimatdesign Nr. 5 

Winter 2008/2009 

Sascha Abel, Mark Ansorg, Thomas 

Armborst, Bande – Für Gestaltung!, 

Stefan Becker, Volker K. Belghaus, 

Kay Berthold, Petra Engelke, 

Alexander Gegia, Marc Hinz, Frauke 

Hoffschulte, Annika Janssen, Anna 

Kopylkow, Reinhild Kuhn, Wolfgang 

Kienast, Nina Maaßen, Frank 

Machoczek, Grobilyn Marlowe, Reza 

Nadji, Jens Oellermann, Albert 

Palowski, Julia Reschucha, Marc 

Röbbecke, Dirk Rose, Peter Roth, 

Mathias Schmitt, Elena Schneider, 

Mario Schulte, Thomas Skroch, Kim 

Sperling, Christine Steiner, Tom 

Thelen, Stephanie Julia Wagner, 

Tanja Wißing, Jan-Peter Wulf, 

Dennis Yenmez 

6

Inhalt 

04 Editorial 

07 Inhalt 

82 Impressum 

0 8 heimatkunde 

08 Neues aus der Heimat 

12 Da schau her 

14 heimatobjekt 

14 Wer den Pfennig nicht ehrt 

Wie wertsteigernd Schmuck sein kann 

16 Wundersames Talent 

Was Klamotten plötzlich festkletten lässt 

18 »Der erste Gedanke ist nicht 

immer der richtige.« 

Wie gutes Design entsteht: Interview 

mit Anke Bernotat, Professorin für 

Industriedesign 

20 heimatbild 

20 Designer illustrieren Heimat 

26 Time after Times 

Wie Schrift die Designwelt bewegt 

28 Über den Fluss 

Was der „Bridges“ Fotopreis will, 

kommentiert von Mario Lombardo 

30 heimatkultur 

30 Der stille Maschinist 

Wie Gereon Lepper Kunst baut 

32 Mit Puschen ins Theater 

Wo Regisseur Kristo Šagor eine 

neue Heimat fand 

34 heimatkleid 

34 Die rettende Robeninsel? 

Wie die Hochzeitsmodenmeile in 

Duisburg-Marxloh aussieht 

40 Die Mischung machts 

Was die Essener Wohngemeinschaft 

so alles hat 

42 jungehelden 

die Modestrecken 

42 Yvonne Wadewitz 

48 Schwarzwaldkirsch 

54 fym 

60 Mazine 

6 6 heimatlied 

66 Indie-Arien von nebenan 

Was eine Eichbaumoper ist 

68 Kitsch-Kanonen auf 

Spaß-Spatzen 

Wie Philipp Bückle zum Eurodance 

gekommen ist 

70 heimatlust 

70 Über den Durst 

Wie Bergmannbier wiederauferstanden ist 

72 Ortsbegehung 

Neue Reihe, diesmal: Brauerei 

der Schelme 

74 heimatgedanke 

74 Die Revolution des 

Selbermachens 

Was das Buch „Marke Eigenbau“ zu 

erzählen hat 

76 Die Ästhetik des Untergangs 

Wie es im Essener Hauptbahnhof zugeht 

78 Monstergeschichten 

Fabelhaftes von Martini 

80 Kolumne: Birgit Graf 

7


Neues aus der heimat 

Blick nach innen 

Studenten kommen und gehen, und so sind 

ihre gemeinsamen Projekte oft nur von kurzer 

Dauer. Doch dies ist bereits die vierte Ausgabe 

des Magazins „Steppenhexe“: Vorwiegend 

illustrative Arbeiten in Schwarz-Weiß zeigt darin 

ein ambitioniertes studentisches Kollektiv aus 

dem Dunstkreis der Essener Uni. Für jedes Heft 

denkt es sich ein neues Schwerpunktthema aus. 

Über eine Myspace-Seite verbreiten die Magazinmacher, 

was genau für die nächste Ausgabe 

gefragt ist, und sammeln Beiträge ein. Die Bandbreite 

reicht von Fotografien über digitale Zeichnungen 

bis hin zu Scribbles, schnell dahingekritzelten 

Skizzen. All das verbirgt sich diesmal 

unter einem ganz besonderen Cover: Das farbige 

Siebdruck-Motiv lässt sich zum Poster ausklappen. 

Inhaltlich wählte das Steppenhexen-Team 

Werke aus, die sich mit dem Thema „Introspektion“ 

beschäftigen. Mit selbstverliebtem Kreisen 

ums Ego hat die nun erschienene Ausgabe aber 

nichts zu tun. Für Ernsthaftigkeit hatten die Studenten 

schließlich schon im Vorfeld gesorgt: Um 

die Aufgabe zu beschreiben, zitierten sie in der 

Ausschreibung den griechischen Philosophie- 

Paten Plato. ◆ 

www.myspace.com/steppenhexe 

8 

Freistecken 

Knapp daneben ist in diesem Falle trotzdem ge- 

wonnen: Den ersten Platz beim Bochumer Designpreis 

hat Stefan Piotrowski nicht eingesackt. 

Aber den zweiten. Und er ist der einzige Designer 

aus dem Ruhrgebiet, der es überhaupt geschafft 

hat, in diesem Jahr bei der Bochumer Jury 

zu punkten – immer wieder haben Menschen 

aus anderen Regionen die Nase vorn. Aber mit 

seinem modularen Raumteiler stößt Piotrowski 

auf gute Resonanz. Ganz gezielt sucht er in seiner 

Firma Holz Total die Materialien aus, fühlt 

sich in die Ansprüche seiner Kunden ein und 

achtet schließlich auf vielfältige Verwendbarkeit. 

So kam er auf die Idee mit dem Raumteiler, den 

man ganz leicht auch zum Regal oder Tresen 

umfunktionieren kann. Dazu erfand der gelernte 

Schreiner in rund 1000 Skizzen ein Stecksystem: 

Die beiden Grundelemente lassen sich beliebig 

verändern und mit einem dritten Modul zum 

geschlossenen Möbel erweitern – ganz ohne An- 

leitung und Werkzeug. Viele Menschen schätzen 

schließlich die Freiheit, ihre Wohnung oder 

ihren Laden immer wieder umzugestalten. Die 

hohe Variabilität war denn auch der Grund, 

warum die Designpreis-Jury ihm einen Preis 

verlieh. ◆ 

www.holz-total.de 

Kreativität 

findet Stadt 

Die einen wollen kreative Arbeit partout nicht 

mit Kommerz in Verbindung bringen, die anderen 

sehen gerade dies als Hoffnung des Ruhrgebiets. 

Kreativwirtschaft soll die Region vor der 

Ödnis retten, die fliehende Geldbringer hinterlassen. 

Kohle, Stahl, Braukunst und Autobau 

garantieren eben schon lange keine Arbeitsplätze 

mehr. Deshalb pflegt die Wirtschaftsförderung 

Dortmund seit vielen Jahren den Kontakt zu 

kreativen Unternehmen der Stadt – in Branchen 

wie Musikproduktion, Computerspielprogrammierung 

und allen möglichen Designrichtungen. 

Seit Anfang 2008 ist dieses Wissen im Netz 

gebündelt: Vom Firmenregister über Erfolgsstorys 

bis zum Veranstaltungkalender bekommt 

man dort einen Überblick, wo und wie Kreativität 

sich in Dortmund ausdrückt. An zwei 

Veranstaltungsreihen ist Heimatdesign beteiligt: 

„DORTMUND.KREATIV.stars“ präsentiert 

eben diese in monatlich wechselnden Ausstellungen, 

während „DORTMUND.KREATIV. 

trends“ die Grundidee als Vortragsveranstaltung 

mit Referenten umsetzt, die sich beispielsweise 

mit Werbestrategien für Kulturhäuser auskennen 

oder von Ergebnissen der Hirnforschung 

zum Thema Kreativität berichten. Am 14. Januar 

2009 wird es im Jazzclub domicil um das Thema 

„Design“ gehen. ◆ 

www.kreativwirtschaft-dortmund.de

Was macht 

eigentlich … Jana? 

Sie ist eine alte Bekannte: Jana Januschewski war 

mit einer Modestrecke in der ersten Ausgabe 

von Heimatdesign vertreten – als neues Talent. 

Danach hat sie weitergearbeitet, sich aber auch 

auf ihr Studium konzentriert und im Januar 2008 

einen glänzenden Abschluss an der Akademie 

Mode und Design Düsseldorf hingelegt. So ist 

nun die Bahn frei, um sich Neues für ihr „Streetwear 

Chic“-Label Jot Jot auszudenken. Zum 

Beispiel eine verspielte Website, auf der sie ihre 

Damen- und Herrenmode so unkonventionell 

päsentiert, wie die Teile selbst geschnitten sind: 

Hosen mit tiefergelegtem Schritt, Jacken mit 

spitzer, weit hinausgezogener Schulterpartie – 

und auch bei den Shirts sind die Proportionen 

eigenwillig interpretiert. Gemeinsam mit Partner 

Carlos Howard arbeitet Januschewski derzeit 

am Ausbau des Vertriebs. Auch beim neuesten 

Shooting setzt sie auf Kooperation: Die Hüte 

sind von Christina Wallrodt, Fotos, Make-Up 

und Styling von Tanja de Maan, das Artwork 

machte das Designbüro 1zunull. Zu haben ist die 

neue Kollektion unter anderem in der Essener 

Boutique Uniquat. ◆ 

www.jotjot-mode.de 

Uniquat, Rellinghauser Str. 110, Essen 

Umgarnt 

Verlust und Tod sind die Kernthemen von 

Pierre Krachts Diplomarbeit an der Dortmunder 

Fachhochschule im Studienschwerpunkt „Objekt- 

und Raumdesign“. Kronleuchter, Stehlampe, 

Lehnstuhl: Die Formen dieser Alltagsgegenstände 

sind uns so vertraut, dass wir sie auch 

erkennen, wenn sie verhüllt sind. Filmemacher 

nutzen das zuweilen, indem sie ein Zimmer mit 

zugedecktem Mobiliar zeigen – und so an ein 

vergangenes oder verlassenes Leben erinnern. 

Pierre Kracht nähert sich diesem Phänomen mit 

Fäden: Wie eine Spinne wickelt er seine Objekte 

ein, nimmt sie in Besitz, um ihnen dann den 

Körper zu klauen. Zum Schluss bleiben nur die 

Fäden übrig. Auf den ersten Blick ergibt das 

ein chaotisches Gewirr, aber siehe da: Langsam 

ordnet das Auge, aus der Oberfläche scheint sich 

allmählich eine Struktur herauszubilden – und 

obendrein die Silhouette des verschwundenen 

Gegenstands. Funktionieren können die „wrapped 

prototypes“ nicht mehr, aber der Geist der 

Gegenstände ist noch da. Um diese Vergänglichkeit 

festzuhalten, brauchte Pierre Kracht etwa 

sechs Kilometer Garn und zwei Liter Epoxitharz. 

Und wer weiß, wen oder was er als Nächstes 

einwickelt. ◆ 

Unsere 

Stadt 

lebt. 

Kultur für Heimatverbundene: 

Lesungen 

Musik 

Theater 

Comedy 

NightWash Club 

Kabarett 

Ausstellungen 

Mehr Infos findest Du im Internet 

unter: www.dew21kultur.de


Neues aus der heimat 

Zufallsspiel 

Internationale Aufmerksamkeit hat Nils Deneken 

mit dem Computerspiel „Rückblende“ erregt. 

Dabei wollte er anfangs gar nicht spielen: Zunächst 

ging es ihm nur um Musik, doch für eine 

Abschlussarbeit in Kommunikationsdesign 

war das zu mager. Als die visuelle Gestaltung 

hinzukam, entschied er sich gleich noch für 

Interaktion: Und ab geht die nostalgische Reise 

durch ein Haus. Seitdem ist auch Nils Deneken 

unterwegs. Nach dem Studium in Essen entschließt 

er sich, in Kopenhagen zu arbeiten. 

Und er reist zu Festivals in die USA. Schließlich 

ist Deneken inzwischen als Indiegame-Kenner 

gefragt. Die folgen einer anderen Logik als die 

gängigen Autorennen, Monsterjagden und 

Militärschachzüge, die zig Fortsetzungen nach 

sich ziehen. Indiegames schwirren an der Grenze 

zur Kunst entlang, sie können durchaus 

verrückten Geschichten folgen, nachdenklich 

oder traurig machen. Kleine Teams mit noch 

kleineren Budgets arbeiten an Gesamtwerken 

aus Programmierung, Grafik, Story und Musik – 

hochgeschätzt von Insidern. Mit seinem ersten 

Spiel gewann Deneken im Oktober 2008 den 

„Developers Choice Award“ beim „Indiecade“- 

Festival. ◆ 

www.gutefabrik.com 

www.indiecade.com 

10 

Europamodelle 

Das Goethe-Institut macht jetzt auch in Mode. 

Mit dem Wettbewerb „create europe: The Fashion 

Academy Award“ stellt es die Frage, wie 

sehr Mode die europäische Kulturgeschichte 

und -gegenwart beeinflusst. Im ersten Jahr geben 

die Teilnehmer mit ihren Entwürfen ganz unterschiedliche 

Hinweise: Futuristisch, romantisch 

oder funktional sind die rund 180 Modelle angelegt, 

die in der Finalisten-Gala im Oktober 2008 

gezeigt werden. Aus Spanien kommen Herren 

im Rock, aus Bosnien-Herzegowina Damen mit 

Helm, die Niederlande warten mit einem Kragen 

auf, der wie ein Strahlenkranz wirkt. Die Materialien 

sind mal an Landestraditionen, mal an Vorbildern 

aus der Kunst orientiert. Mit alldem ist 

die Frage nicht eindeutig beantwortet, aber das 

Goethe-Institut sieht den Wettbewerb vielleicht 

gerade deswegen als Erfolg. Und zwar so sehr, 

dass Ende Januar 2009 bereits die Einreichfrist 

für den nächsten Wettbewerb beginnt. Diesmal 

dürfen nicht mehr nur Designer und Studenten 

aus Europa teilnehmen, sondern auch aus Afrika. 

Sie alle aber sollen zwischen 18 und 32 Jahren alt 

sein. ◆ 

www.createurope.com 

Schriftführer 

Von der Dortmunder Fachhochschule direkt in 

den Fokus des Art Directors Club – das hat 

Daniel Göttling geschafft. Damit liefert Dortmund 

schon zum zweiten Mal in Folge den 

Nachwuchs für die Auszeichnung „Talent des 

Jahres“. 2007 gewann der Diplomand Christoph 

Große Hovest mit „die.art“, einer Kombination 

aus Animationsfilm und Buch. Daniel Göttling 

schaffte den Sprung aufs Siegertreppchen mit 

Typografie: Er entwarf vier Schriften mit illustren 

Namen. „Cutout“, und „Bauhouse“ bindet er 

in Illustrationen ein, „Mayonnaise“ sieht aus wie 

aus der Tube gedrückt, und je größer „Birotimes“ 

wird, desto mehr sieht man von den Unregelmäßigkeiten 

beim Ausmalen. Aber nicht nur 

die gute Gestalt allein überzeugt Experten. Der 

Art Directors Club verlieh Göttling auch deswegen 

den Titel „Talent des Jahres 2008“, weil er 

in seine Abschlussarbeit „Welcome to Fontmess“ 

auch gleich die eigenen Werbemittel einbindet. 

Bücher, T-Shirts, Plakate, Animationsfilme und 

eine Website vervollständigen sein Konzept. Der 

Erfolg hat Folgen: Daniel Göttling zieht nach 

Hamburg – dort wartet eine Festanstellung bei 

einer Agentur. ◆ 

www.fontmess.com

Pfau im Auge 

Nadine Wiesner hat den Wettbewerb „DesignArt 

Kunst und Mode“ gewonnen, den der Verband 

deutscher Mode- und Textildesigner im September 

2008 vergab. Vorgegeben war das Thema 

„Virtuelle Natur“: Die Teilnehmer sollten mit 

Stoffen arbeiten, die eigentlich für Vorhänge 

oder Rollos vorgesehen sind. Wiesner nähte 

daraus das Modell „Pfau“: Ein mehrlagiger, sommergrasgrüner 

Rock bauscht sich unter einem 

dunkleren Oberteil mit Pfauenaugen. Das Spiel 

mit Stoffqualitäten liegt der Kölner Designerin 

ohnehin: Ob sie nun mit feinster Baumwolle 

oder mit grobem Molton arbeitet, ihre Schnitte 

entstehen stets im Experiment mit dem jeweiligen 

Stoff an der Puppe. Hier hat ein weiches 

Oberteil weite, keulenförmige Ärmel mit engem, 

langen Bund, da ist es nur ein schmales Band, 

kombiniert mit einer überlangen Hose, dann 

kommt ein Kleid stilvoll zerrissen daher. In ihren 

Kollektionen ist Wiesner auf der Suche nach 

dem perfekten Chaos – es ist Absicht, dass sie 

damit ein Paradoxon jagt. Diese Vielschichtigkeit 

lässt sie auf ihrem eigenen Leben gründen: 

Aufgewachsen in der DDR, kennt sie sich mit 

Umbrüchen und Strukturwandel bestens aus. ◆ 

www.nadine-wiesner.com 

Reh Plus Bus 

Der größte Rebus der Welt: So nennt die Essener 

Werbe- und Designagentur Marcellini ihr 

rätselhaftes Projekt. Zusammen mit Schülern der 

Goetheschule und Auszubildenden des Berufskollegs 

Ost arbeiteten die Designer an der Frage, 

wie man das Verständnis zwischen ganz unterschiedlichen 

Menschen fördern kann. Schnell 

war klar: Es braucht eine Sprache ohne Barrieren, 

international verständlich. So enstanden 88 

Würfel, die zusammen ein Bilderrätsel ergeben – 

das man auch auf der Marcellini-Website erknobeln 

kann. Der Lösungssatz des Rebus ist zwar 

auf Deutsch formuliert, aber die Bilder selbst 

lassen sich auch ohne Sprachkenntnisse erfassen: 

Ein maskierter Mann hat einen dicken Beutel 

geschultert, ein gesichtsloser Kopf hat immerhin 

Ohren, in einem dampfenden Haufen steckt 

ein Arbeitsgerät. Mal denkt man an den Kölner 

Dom, mal an einen ICE. Ganz frei von kulturell 

bedingtem Insiderwissen ist das Bilderrätsel also 

nicht; diese Wörter muss man aber nicht kennen. 

Dafür mag der Rebus insgesamt bekannt 

werden: Das Projekt schaffte den Weltrekord als, 

na was wohl: größter Rebus der Welt. ◆ 

www.marcellini.de 

herzglück 

check dein herz 

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Da schau her 

fotografie Anna Kopylkow 

12. 

1. RettungsRing 

Von NIXE schmuckdesign, ca. 75 Euro 

nicolekoetter@gmx.de 

2. Turnbockleder-Geldbörse 

Von elkedag, ca. 45 Euro 

www.elkedag.de 

3. „Der Herr Seltsam“, „Hoppel“, „Zipfel“ 

Von Jagdschloss, ab ca. 15 Euro 

www.jagdschloss-frankfurt.de 

12 

1. 

13. 

4. Taschenbegleiter 

Von Roterfaden, ab ca. 49 Euro 

www.roterfaden.com 

5. Lieblingsplätzchen „Zoom“ und „U“ 

Von Ruhrperle, ca. 4,90 Euro 

www.ruhrperle.com 

6. Handgelenkportemonnaie Leder 

Von Rockidz, ca. 32,50 Euro 

www.rockidz.de 

11. 

10. 

2. 

7. Schuhe „Bolero“ und „Oxford“ 

Von Romika, ca. 39,95 Euro 

www.romika.de 

3.

5. 

9. 

8. Hüte 

Von beautyfullthinks, ca. 30 Euro 

www.beautyfullthinks.com 

9. Lampe „Minikomat“ 

Von Komat, ca. 47 Euro 

www.komat-berlin.de 

10. Ledertaschen „Seitenlinie“ 

Von Haeute, ab ca. 109 Euro 

www.haeute.info 

8. 

4. 

11. Lederbuch “Once Upon A Time” 

Von Jeremy Fish, ca. 35 Euro 

www.gingkopress.com 

12. Handy- und iPod-Taschen 

Von Lipbert, ab ca. 17 Euro 

www.lipbert.de 

6. 

13. dalaki limited edition box 002 

Von dalaki, ca. 25 Euro 

www.dalaki.net 

… und das alles gibt es auch im Heimatdesign-Laden, 

Kleppingstr. 43, Dortmund 

7. 

nr. 5 | heimatkunde 

13

heimatobjekt | nr. 5 

Christina Boch 

Wer den Pfennig nicht ehrt 

text Tanja Wissing 

Christina Boch ist sparsam. Deshalb hat sie sich Pfennige 

zur Seite gelegt. Heute schlägt der günstigste Pfennig bei ihr 

mit 140 Euro zu Buche. 

„Wer den Pfennig nicht ehrt…“, zitiert die blonde 

Essenerin die alte Redensart, und ihre blauen 

Augen blitzen humorvoll auf. Scherze wegen ih- 

res Umrechnungskurses darf sich die Schmuckdesignerin 

auf Messen und Ausstellungen in 

ganz Deutschland anhören. Es gibt jedoch auch 

keinen Grund, ob des Preises nickelig zu reagieren. 

So dient der gute alte Glückspfennig 

nur als Vorlage für einen Abguss in Silber oder 

Gold. Die veredelte Ausgabe liegt auf einem 

schmalen Silberreif oder thront gar auf einem 

breiten Goldring mit gekrönter Fassung. Dann 

allerdings fällt der Wechselkurs für den deut- 

14 

schen Glücksbringer deutlich höher aus. Diesen 

sind selbst Männer bereit zu zahlen, um sich 

den Pfennig – klar, nicht in die Tasche – sondern 

ins Knopfloch zu stecken. Seit einigen Monaten 

fertigt die Katernbergerin nämlich silberne und 

goldene Manschettenknöpfe mit Hilfe ihres 

Sparstrumpfes. „Sie kommen als schlichtes und 

doch edles Accessoire gut an“, stellt sie fest. Warum 

Manschettenknöpfe seit zwei Jahren wieder 

gefragt sind, kann sich Christina Boch nicht er- 

klären. Auch nicht, warum Männer sich heute 

vermehrt schmücken. „Ich beobachte nur, dass 

bei ihnen der Trend vom Ohrring weg- und hin 

zu Fingerring, Kette und Manschettenknöpfen 

geht“, schildert sie ihre Eindrücke von Messen. 

Dort hört sie von älteren Besuchern häufig 

Anekdoten über das einstige Zahlungsmittel. 

„Jüngere erkennen den Pfennig meist erst nicht“, 

staunt die 31-Jährige, die stets einen solchen 

Glücksbringer in der Geldbörse hatte. 

Aus ihren kostbaren Pfennigen macht Christina 

Boch auch Ohrhänger oder -stecker. An zarten 

kurzen und langen Silberketten bilden sie die 

Schließen, oder sie säumen als Anhänger opulente 

Perlenketten aus geschliffener Lava. Auf 

dem Werktisch liegen Pfennige in unterschiedlichen 

Verarbeitungsstadien. Ein bisschen sieht 

der Holzsekretär aus wie der Arbeitsplatz einer 

Geldfälscherin. Dass ihr die alte Währung ausgehen 

könnte, fürchtet Christina Boch nicht: „Das 

Material ist strapazierfähig. 20 bis 30 Güsse steht 

ein Pfennig durch.“ So muss sie nicht irgendwann 

zum Cent greifen. „Der Sinnspruch ist eh 

nicht übertragbar“, glaubt sie. „Obwohl der Euro 

eine stabile Währung ist, wird der Cent nicht so

Kommunikationsdesign | Film/Regie | Fotodesign | Computeranimation | Illustration | Freie Kunst 

Hagener Straße 241 

58239 Schwerte 

0 23 04 - 99 60 00 

www.ruhrakademie.de 

bewerbung@ruhrakademie.de 

Ruhr akademie 

~ 

geschätzt.“ Christina Boch findet es spannend, 

der alten Münze mit ihrer Kollektion „Wer den 

Pfennig nicht ehrt…“ neuen Glanz verliehen 

zu haben und sie mit ihrer zweiten Kollektion 

„Kröne dich“ sogar zu adeln. Vor allem freut es 

sie aber, dass die Serie harmonisch Kunsthandwerk 

und Schmuckdesign vereint – etwas, das 

sie schwierig findet. Als Goldschmiedin hat sie 

das Kunsthandwerk von der Pieke auf gelernt, 

sich dann aber gegen die Meisterprüfung und 

für das Schmuck- und Produktdesignstudium 

entschieden. 

„Das Handwerk gefiel mir richtig gut“, sagt die 

diplomierte Designerin, „doch ich fühlte mich 

dadurch eingeschränkt, nur Entwürfe anderer 

umzusetzen.“ Im Studium lag ihr Augenmerk 

nicht mehr auf der Verkäuflichkeit, sondern der 

Konzeption von Schmuck – vom Materialspiel 

bis zum Prototyp. Die Arroganz mancher Dozenten 

versteht Christina Boch allerdings nicht: 

„Ohne die klassische Ausbildung ist Schmuckdesign 

nicht möglich – da fallen einem im Stu- 

dium schon mal Arbeitsstücke auseinander.“ 

Wehe also dem, der die Goldschmiedekunst 

nicht ehrt. ◆ 

www.cb-schmuckdesign.de 

Privates Studium 

Medien, Design und Kunst 

15


Klette Shop-System 

Wundersames Talent 

text Nina Maassen 

Sie stand schon oft Modell, doch noch nie wurde aus ihr ein 

ganzes Shopsystem entwickelt – eine Pflanze als Idol. 

Es war ein leidiges Thema auf Schulausflügen: 

Man spazierte durch Wiesen, schon klebte etwas 

am Pullover und eine Horde Mitschüler lachte, 

wenn man vergeblich versuchte, das unliebsame 

Teil von der Kleidung zu entfernen. Und das 

war schwer genug, schließlich handelte es sich 

um eine Klette. Vielleicht klang Susanne Henke 

dieses Lachen während der Ideenfindung für 

ihre Diplomarbeit noch in den Ohren. 

Diesmal will sie jedoch die natürliche Klett- 

Funktion positiv nutzen, und so entwickelte die 

Dortmunderin ein neues Shopsystem – mit der 

Klette als großer Hauptdarstellerin. Die Eigen- 

schaft, an jeder Struktur kleben bleiben zu können, 

sollte zum Leitgedanken für die Gestaltung 

von Läden werden: „Die Distanz zwischen Pro- 

dukt und Shopsystem wird komplett aufgelöst 

und verschmilzt zu einem stimmigen Gesamtbild.“ 

Wie ihr diese Verschmelzung nun gelingen sollte, 

darüber machte sich Susanne Henke intensiv 

Gedanken und entwarf vom Klette-Logo über 

eine Ladentheke bis hin zu Umkleidekabinen alles 

nach den Vorgaben der vorbildlichen Pflanze. 

In ihren Läden kann man die Kleidungsstücke 

ohne Bügel direkt von den Wänden nehmen – 

16 

denn sie kletten einfach daran fest. Über 

velourbezogene Etiketten können T-Shirts, 

Pullis oder Hosen an spezielle Wand-Bezüge 

gehängt werden, und das – zur Freude der 

Kunden – vollkommen ohne Ordnung. Hat man 

sich ein Teil von der Wand geangelt, so muss 

man sich nicht merken, wohin das gute Stück 

zurückgeklebt werden soll, sondern sucht sich 

schlicht ein neues Wandfleckchen. 

Diese Läden sollen nach dem Willen der Designerin 

einen starken Bezug zur Natur schaffen. 

Daher sind Kleidungsstücke nicht nur an den 

Wänden ausgestellt, sondern sie lassen sich auch 

an Halmen auf- und abhängen, die zu kleinen 

Büscheln zusammengefasst im Laden aufgestellt 

sind. „Wie eine wilde Wiese“, so beschreibt 

Susanne Henke ihre Idee, die Kunden bei ihrem 

Einkauf durch eine fiktive Naturlandschaft 

zu geleiten. So wird nicht nur das Einkaufen, 

sondern schon allein der Besuch zum entspannten 

Erlebnis. Als Erinnerung daran kann man die 

erworbenen Lieblinge zuhause mit einem Stück 

Klettband direkt auf die Wände heften. ◆ 

www.klette.cc 

susehenke@gmx.de


Anke Bernotat 

»Der erste Gedanke 

ist nicht immer der 

richtige.« 

interview Petra Engelke | fotografie Julia Reschucha 

Anke Bernotat ist Professorin 

für Industriedesign an der Uni 

Essen-Duisburg – und gestaltet 

in ihrer Firma Bernotat & Co 

Produkte wie die Pflastersteine 

„Greenspot“ mit einem Loch 

für Pflanzen oder das „Campus 

Abfallsystem“, das 2008 den 

Red Dot Award bekam. Sie 

räumt mit dem Vorurteil auf, 

dass solche Ideen allein auf Talent 

beruhen – und quasi über 

Nacht entstehen. 

18 

Frau Bernotat, wenn jemand Design studieren 

will, hört man öfter: Ich möchte Mode machen 

oder Illustration – als Industriedesign. 

Ich denke nicht, dass Industriedesign einen 

schlechten Ruf hat. Industriedesigner haben das 

Ziel, technische Entwicklungen begreifbar oder 

nutzbar zu machen. Das sehe ich als etwas Positives. 

Der große Unterschied zum Modedesign ist 

der Zeitablauf: Projekte aus dem Industriedesign 

sind meistens ziemlich langwierig. Wenn ein 

Produkt entwickelt wird, muss es vom Nutzer 

geliebt werden, es muss funktionell sein, man 

muss die geeignete Technik finden, damit es 

effizient produziert werden kann, und es muss 

bezahlbar sein. Für mich ist es ein gutes Produkt, 

wenn ich es nicht übermorgen wieder in den 

Mülleimer werfe. Ich will damit nicht sagen, dass 

Mode das tut – aber der Zeitdruck ist dort ein 

anderer: Heutzutage hat man in vielen Läden 

schon mehr als vier Saisons pro Jahr. Das hat 

auch seinen Charme: Ich mache etwas, das ich 

bald auf dem Markt sehe. Bis man bei einem 

Industriedesignprodukt mal etwas auf der Straße 

sieht, das kann lange dauern. 

Wo Sie die Straße schon erwähnen: Wie lange 

haben denn die Pflastersteine gedauert, die Sie 

entwickelt haben? 

Begonnen hat es mit der quadratischen Form, 

die wir durchbrechen wollten. Wir suchten 

nach einer Lösung, die im öffentlichen Raum 

besonders anmutet und dazu technisch mach- 

bar ist. Bei selbst initiierten Projekten liegt die 

Entwicklungszeit oft darin, jemanden zu finden, 

der es produzieren kann. Wir sind soweit. 

Ist es Teil der Ausbildung, diese Vermarktung zu 

lernen? 

Nein, wir lehren unsere Studenten nicht, wie sie 

gute Unternehmer werden können, sondern 

wie sie gute Gestalter werden. Wir haben ganz 

gute Kontakte zur Industrie, viele Absolventen 

gehen zu VW, Audi, Bosch-Siemens, Philips und 

in Agenturen. 

Was entwickeln die Absolventen dann? 

Beispielsweise elektronische Produkte, Küchen, 

Haushaltsgeräte, Autos. Wenn man sich fragt, 

was Industriedesign überhaupt kann, muss man 

sich nur umschauen: Eigentlich ist alles gestaltet, 

nur die Natur nicht. 

Wie viel Technikverstand braucht man als 

Industriedesigner? 

Es ist wichtiger, zu wissen, was man gut kann. 

Wenn technisches Interesse und Verständnis 

weniger groß sind, kann ich mir andere Schwerpunkte 

zum Gestalten suchen. Technisches 

Wissen ist durchaus nützlich, vor allem ist 

dreidimensionales Denken wichtig. Das kann 

man aber alles lernen. 

Was muss ein Industriedesigner noch unbedingt 

lernen? 

Man muss üben: Bei uns wird viel gezeichnet, 

auch digital. Und man muss verinnerlicht haben: 

Der erste Gedanke ist nicht immer der richtige. 

Man braucht Methode und Experiment, um 

kreativ zu sein und um ein Projekt angstfrei 

durchführen zu können. Planung ist ein großes 

Thema: Es gibt Themen, die so komplex sind, 

dass man sie nicht über Nacht entwickeln kann. 

Daran muss man sich herantasten. Selbst die 

Dinge, die wir gut kennen, zum Beispiel Türgriffe 

oder Lichtschalter, muss man noch einmal 

erforschen. Das transdiziplinäre Wissen wie 

Gebrauch, Technologie und Markt wird bei uns 

ebenso gefördert wie alles rund um Gestaltung. 

Dabei wiederum geht es um Form, Fläche, 

Farbe, um perspektivisches Sehen, die Arbeit am 

Computer. 

Bekommen Sie Anfragen von Firmen, die möchten, 

dass Ihre Studenten etwas gestalten? 

Ja. Dieses Jahr hatten wir ein Projekt mit VW, 

Abteilung Konzern Zukunftsforschung und 

Trendtransfer, und eines mit der Ikea Stiftung. 

Die Studenten sind dann gefragt, die Situation 

zu analysieren, sie quasi auf den Kopf zu 

stellen, ganz anders zu betrachten und mit 

neuen Lösungen zu kommen. Sie sollen sich

von dem Gewohnten entfernen und etwas neu 

interpretieren. Deshalb gibt es auch ungewöhnliche 

Lösungen: zum Beispiel Brillen, die das 

Gegenüber erkennen können, um Sehbehinderten 

Informationen mitzuteilen. Oder Produkte, 

die sprechen können. Wir versuchen ja, bei 

neuen technischen Entwicklungen zu schauen: 

Was hat der Mensch davon? Als Gestalter ist 

man ein ganzes Stück weit pragmatisch und 

möchte sofort in Lösungen denken. Dann wird 

entweder für das Jahr 2025 vorausgedacht – oder 

wir arbeiten an Entwicklungen, die man morgen 

schon produzieren könnte. 

Sie bilden Studenten aus, haben aber auch Ihre 

eigene Designfirma. Wie geht das? 

Die Lehre ist etwas, bei dem man viel gibt. Um 

das zu können, ist es wichtig, zu wissen, wie 

der Alltag im Design aussieht. Mich faszinieren 

hauptsächlich Dinge, die ich erfassen kann. 

Produkte im Außenraum, Büro, Home Accessoires 

oder Möbel, alles, was quasi Menschgröße 

hat, was ich ablaufen, begreifen, anfassen kann. 

Mich hat auch Architektur immer interessiert, 

aber der Maßstab ist dann doch nicht der meine. 

Was hat Sie überhaupt dazu bewogen, Industriedesign 

zu studieren? 

Ich habe gern an Autos herumgeschlüsselt. Dann 

habe ich eine Schreinerausbildung gemacht 

und in einer Keramikwerkstatt gelernt, wie man 

mit Ton und Porzellan umgeht. Das war mir alles 

nicht genug. Industriedesign war der einzige 

Beruf, in dem man querdenken kann, mit den 

verschiedensten Materialien und Fertigungstechniken 

zu tun hat und sie mischen kann. 

Wie ist das heute bei Ihren Studenten: Warum 

wollen die Industriedesign studieren? 

Es gibt individuelle Triebfedern. Als Gestalter ist 

man oft skeptisch. Ich zum Beispiel gehe nicht 

so gern einkaufen, weil mir vieles nicht gefällt. 

Ich würde das selbst oft anders gelöst haben. 

Manche Studenten stören sich wie ich so sehr an 

Dingen, sie ärgern sich, dass ein Produkt nicht 

so und so funktioniert. Oder sie sind Bastler. 

Die meisten Industriedesigner wollen bilden, 

formen, zeichnen. 

So entsteht dann irgendwann etwas, das Sie 

bewerten müssen. Wie definieren Sie dabei gutes 

Design? 

Gutes Design ist ästhetisch und kulturell wert- 

voll, es setzt neue Maßstäbe und ist wirtschaftlich 

überzeugend. Die Studenten müssen in 

ihrer Dokumentation und Präsentation auch die 

Sensibilität zeigen, mit der sie dieses Projekt- 

problem bearbeitet haben: Können sie es wahrnehmen, 

durchspielen und mit einer adäquaten 

Lösung auf den Punkt bringen? Es wird also 

nicht nur das Design, sondern auch der Plan 

bewertet. Wenn jemand nicht innerhalb der 

geplanten Zeit fertig wird, hat er in Zukunft bei 

seinem Auftraggeber verloren. 

Sie arbeiten lösungsorientiert. Ist es einfacher, 

sich ein Problem zu suchen, statt frei zu sagen: 

Ich gestalte mal eine Vase? 

In der Hochschule arbeite ich immer problemorientiert 

– das ist auch in der Industrie so. 

Man macht nicht einfach mal ein Mobiltelefon, 

schließlich ist das mit Riesenkosten, Zeit- und 

nr. 5 | heimatobjekt 

Arbeitsaufwand verbunden. Und wenn jemand 

eine Vase einfach so entwickelte, müsste er 

überlegen: Gibt es die schon? Und was habe ich 

davon, warum ist sie so besonders? Es ist sehr 

sinnvoll, sich stattdessen erst einmal grundsätzlich 

mit der Aufbewahrung von Blumen im Haus 

auseinanderzusetzen. Vielleicht hat man am Ende 

einen Glastisch, in dem man selbstgezüchtete 

Tomaten wachsen lässt. Man kommt auf ganz 

neue Ideen, wenn man das Problem aufschlüsselt 

und danach auf den Punkt bringt. ◆ 

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heimatbild | nr. 5 

designer illustrieren 

heimat 

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nr. 5 | heimatbild 

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Albert Palowski 

Albert Palowski hat Sehnsucht. Sehnsucht nach 

der Welt, die er in sich trägt. Daher hat sich 

der 36-Jährige aufgemacht: Mit seinem Semesterticket 

suchte er, damals noch Grafikdesign- 

Student, im ganzen Ruhrgebiet nach Zwischenorten. 

„Wirklich und zugleich nicht-wirklich“, 

beschreibt er. Er hat sie gefunden und ihnen den 

fantastischen Namen „Irdenlen“ gegeben. Über 

200 solcher Orte hat er zwischen Dortmund und 

Duisburg mit seiner Kamera analog festgehalten 

und in einem Buch für sein Diplom zusammengestellt. 

Sei es nun der Schatten eines Baumes, 

der auf eine Mauer fällt, oder eine Häuserfassade, 

die sich fast unwirklich gegenüber einer dunklen 

Ausfahrt erhebt: Allen Arbeiten ist eine 

verhaltene Romantik, eine stille Poesie zu eigen. 

Auch die für Heimatdesign ausgewählte Arbeit 

strahlt etwas Surreales aus. Albert Palowski hat 

so seine Sehnsucht nach einem paradiesischen 

Zustand künstlerisch ausgelebt. „Ich bin in Polen 

aufgewachsen, lebe aber schon 17, 18 Jahre in 

Deutschland – meine Heimat ist meine innere 

Welt“, erklärt er. Und so wird für den Suchenden 

auch ein mobiler Anhänger, der vor einem Neubaugebiet 

für Wohnungstüren wirbt, zu einem 

Symbol für Heimat. 

Geboren 1971 in Laurahütte/Polen, 2003-2008 

Studium Fachhochschule Dortmund, Ausstellungen: 

2007 Gruppenausstellung „Sieben im Park“, Hotel 

am Rombergpark, Dortmund, „bleibt alles anders“, 

Dortmunder Kunstverein. www.palowski.de 

Frank Machoczek 

Heimat – das ist für Frank Machoczek ein Begriff, 

der neu definiert werden muss. Die traditio- 

24 

nelle Auffassung davon als einem Ort, „an 

dem man aufgewachsen ist und vielleicht noch 

die Arbeit seines Vaters fortgeführt hat“, greift 

für ihn nicht mehr. „Diese Lebensweise wird 

heute immer mehr aufgebrochen, allein schon 

dadurch, dass man öfter seinen Arbeitsplatz 

wechseln muss.“ Er selbst ist in Bonn geboren, 

in Siegen aufgewachsen und hat in Dortmund 

studiert. In den Augen des 27-Jährigen verzweigen 

sich die Lebenswege der Menschen immer 

stärker. Die wachsende Individualisierung der 

Gesellschaft bringt für Frank Machoczek, der 

sich mit dem Thema bereits während seines 

Studiums beschäftigt hat, einen Zuwachs an 

Selbstbestimmung, damit aber auch an Selbstverantwortung 

mit sich. Als „eine zunehmende 

Vernetzung“ beschreibt er den gesamten 

Prozess. Auf einem linierten Bogen seines grün 

eingefärbten Collegeblocks hat er diese Gedanken 

festgehalten: Vor einem Auge, Symbol für 

die Wahrnehmung, entfaltet sich ein Netzwerk 

aus schwarzer Tusche. Wie ein Trichter wird es 

breiter und breiter, wächst gar über den Rand 

der Zeichnung hinaus. 

Geboren 1981 in Bonn, 2002-2008 Studium Fachhochschule 

Dortmund, Ausstellungen: 2008 „Arena 

und Agora“, Galerie Werkbank, Dortmund, 

www.frank-machoczek.com 

Alexander Gegia 

Es gibt Bilder, die bleiben im Kopf. Die Schlägereien, 

die Alexander Gegia nach einem Fußballspiel 

und zu viel Alkohol erlebte, zählen dazu. 

Seine Arbeiten in Öl auf Leinwand zeugen von 

dem Erlebten. Ein Jugendlicher hat sich auf 

dem Straßenpflaster zum Schlafen zusammengerollt. 

Barfuß. Seine Schuhe? Sind irgendwann 

irgendwo im Rausch verloren gegangen. In einer 

anderen Arbeit ist ein Jugendlicher auf der Mittellinie 

einer Straße betäubt von der Wucht des 

Alkohols liegen geblieben. Die Bierflasche noch 

in der Hand. Beide sind typische Opfer einer 

Freitag- oder Samstagabend-Zechtour. Doch 

Alexander Gegia will nicht werten, er will aber 

auch nicht wegschauen. Für den jungen Maler 

drückt seine Arbeit, die aus einer vierteiligen 

Serie stammt, nicht unbedingt Heimat aus. „Es 

sind jedoch vertraute Szenen aus dem Alltag“, 

sagt er. Auf den ersten Blick wirken sie vielleicht 

banal. Doch der ehemalige Immendorff-Schüler 

sieht sie als Dokumentation: „Ich mag es, wenn 

Malerei politische, gesellschaftliche Konnotationen 

trägt.“ Als Appell möchte Alexander Gegia 

seine Werke dennoch nicht verstanden wissen. 

Geboren 1980 in Tiflis/Georgien, 1998-2004 

Studium Kunstakademie Tiflis, seit 2006 Studium 

Kunstakademie Düsseldorf, Ausstellungen: u. a. 

2007 „Klasse Immendorff, von Pferden und Affen“, 

Ludwig Museum, Koblenz; 2008 Gruppenausstellung 

„Project Flux“, Sino-German Contemporary 

Art Exchange Exhibition, Sichuan University, Art 

Gallery Chuan Da Lu, Shuangliu, Chengdu, China 

Peter Roth 

Wo Peter Roths Heimat liegt? Ganz sicher nicht 

an einem bestimmten Ort. Heimat lässt sich für 

ihn weder geografisch noch zeitlich fassen. „Sie 

ist eher ein Gefühl“, sagt der 27-Jährige. „Ein 

Gefühl der Vertrautheit.“ Dieses entzündet sich 

für ihn an einer Sache, Farbe oder Person, die 

eine Erinnerung auslöse. Und gerade dies mache 

das Heimatgefühl flüchtig. Wer sich Peter Roths 

Foto- und Grafikarbeit erschließen möchte, muss 

auf eigene Erfahrungen zurückgreifen. Denn 

der Designer hat sowohl die Fotos als auch ein 

Diagramm so verfremdet, dass die Collage eine 

Unbestimmtheit und Leere produziert, die der 

Betrachter selbst füllen muss. Die theoretische 

Basis für die abstrakte Arbeit bildet Peter Roths 

Diplomprojekt: Mit der Aneignung von Welt hat 

sich der Dortmunder für „f.0 – Nullpunkt – Die 

Entdeckung der Leere“ befasst. „Im Mittelpunkt 

steht der Zustand der Leere und Unbestimmtheit 

– ein Zustand des ständigen Wechsels zwi- 

schen konzentrierter Betrachtung und umherschweifender 

Suche“, schildert er. Grafisch umgesetzt 

hat er das Thema, indem er z.B. Karten 

ihrer beschreibenden Elemente „beraubte“ und 

sie mit Fotostrecken oder Handzeichnungen 

kombinierte. 

Geboren 1981 in Lüdenscheid, 2002-2008 Studium 

Fachhochschule Dortmund, Ausstellungen: 2006 

Gruppenausstellung „Campus NRW“ – „Entry- 

2006“, Zeche Zollverein, Essen; 2007 Gruppenausstellung 

„On The Move“ - Stuttgarter Fotosommer, 

Sympra, Stuttgart; 2008 Diplomausstellung 

„Unkontrolliert“, Künstlerhaus Dortmund, 

www.peterroth.net


Typografie 

Time after Times 

text Volker K. Belghaus | illustration Stefan Becker 

Grafikprogramme haben den 

Umgang mit Schrift auch für 

den Otto-Normal-Anwender 

ermöglicht. Diese Amateurtypografie 

hat durchaus ihren 

Charme – an guten Schriften 

kommt man trotzdem nicht 

vorbei. 

26 

Wahrscheinlich ist Bill Gates mal wieder an 

allem schuld. Oder Steve Jobs, je nach Weltanschauung. 

Man könnte jetzt die Systemfrage 

stellen und Äpfel mit Fenstern vergleichen, das 

führt aber nicht weiter. Es bleibt festzustellen: 

Die Einführung von Home-Computern hat den 

Umgang mit Typografie leichter gemacht und 

infolgedessen ein kreatives Inferno ausgelöst, 

dem nur schwer beizukommen ist. Zu Zeiten des 

Bleisatzes waren die Setzer noch unter sich; sie 

saßen in Werkstätten, betrieben richtiges Handwerk 

mit Buchstaben aus Blei und wogen die 

Schrifttypen in Kilo. Durch die Digitalisierung 

änderte sich das, sie nahm der Typografie die 

Schwere. In den 90er Jahren wurde der Blei- 

satz immer mehr von Computern und deren 

Grafikprogrammen abgelöst. Bedienerfreundli

che Betriebssysteme und Monitore konnten 

die Bilder und Schriften endlich naturgetreu ab- 

bilden, und damit war die Zeit, in denen ein 

grünliches Gepixel auf schwarzem Hintergrund 

Buchstaben darstellen sollte, endgültig vorbei. 

Auch die Nadeldrucker, die, wie Schreibmaschinen, 

nur mit wenigen Schrifttypen bestückt 

waren, um diese unter größtmöglichem Radau 

auf das Endlospapier zu knattern, waren reif für 

die Tonne. Eine bunte Grafikwelt tat sich auf, ein 

gestalterisches Teletubbie-Land für die breite 

Masse. 

Die Digitalisierung bedeutet die Demokratisierung 

der Schriftkunst. Anfangs arbeiteten 

wirklich nur Profis mit der Technologie, aber 

seitdem dicke Grafikprogrammpakete auf den 

Discount-Rechnern vorinstalliert sind, können 

sich auch Laien als Gestalter versuchen. Dabei 

bleiben sie meistens erst einmal an den vor- 

eingestellten und deshalb meistgenutzten Schriften 

hängen: „Times New Roman“ und „Arial“. 

Die „Times“ ist eine klassische „Antiqua“, die 

aus dem Zeitungsdruck kommt und von der 

englischen Zeitung „The Times“ verwendet 

wurde. Die Schriftart basiert auf der „Capitalis 

Monumentalis“, einer Schrift, die die Römer 100 

v. Chr. in Großbuchstaben (Versalien) in Gra- 

nit meißelten. Von dieser Technik sind die 

Serifen übriggeblieben, jene kleinen An- und 

Abstriche am Buchstaben, die gerade bei längeren 

Texten die Lesbarkeit erhöhen. Dagegen ist 

die „Arial“ eine „Serifenlose Linear-Antiqua“, 

„Grotesk“ oder „Endstrichlose“ – diese Variante 

entstand im ersten Drittel des 19. Jahrhundert. 

Also eine Art „Times“ ohne Häkchen, aber 

anders konstruiert: sachlicher, von Schnörkeln 

befreit. 

Die „Arial“ ist ein Sonderfall: Sie ist ein Klon. In 

den 50er Jahren entwarf der Schweizer Typograf 

Max Miedinger eine Schrift namens „Helvetica“, 

die sich zu einer der erfolgreichsten Schriften 

überhaupt entwickelte. Was früher Bleipakete 

waren, sind heute Dateien – gleich bleibt: Wenn 

man eine Schrift nutzen will, muss man sie kaufen. 

Wenn nun ein Computerhersteller alle seine 

Rechner mit der „Helvetica“ ausliefern will, 

muss er dafür teure Lizenzen bezahlen. Deswegen 

veränderte Microsoft die Helvetica minimal 

und installierte sie als „Arial“ im Betriebssystem. 

Ein weiteres Helvetica-Imitat ist die „Swiss“, 

die dem Grafikprogramm Corel Draw beiliegt, 

und die von 2001 an vom ZDF als Hausschrift 

eingesetzt wird. Dem ist nur schwer beizukommen, 

da es für Schriftdateien so wie gut keinen 

Kopierschutz gibt. Hinter einem Schriftentwurf 

steckt aber oft monatelange Entwicklung, und 

so ist es perfide, sich die Arbeit anderer eigen zu 

machen, in dem man ein Häkchen weglässt oder 

die Strichstärke verändert. 

Man liest unwissend darüber hinweg, aber Ge- 

stalter benötigen gerade für umfangreiche 

Satzarbeiten gut ausgebaute Qualitätsschriften 

mit möglichst vielen Sonderzeichen. Dazu 

gehören immer noch die oben erwähnten Stan- 

dards. In den letzten Jahren besonders beliebt 

sind „Frutiger“ (Leitsystem des Flughafens 

Charles de Gaulle), „Thesis“ (ARD und Tagesschau) 

oder „DIN“ (Deutsche Autobahnbeschilderung) 

– diese Schriftfamilien sind mittlerweile 

bis hin zu den abseitigsten osteuropäischen Son- 

derzeichen ausgebaut. Nicht nur die Schrift 

selber, sondern auch die Art, mit ihr zu gestalten, 

ist Moden unterworfen. So war in den 90ern, 

den Zeiten des „anything goes“, der kalifornische 

Surfer und Gestalter David Carson der 

Lebensabschnittsheilige der Szene. Der lagerte 

Text- und Bildebenen bis zur Unlesbarkeit über- 

einander und entwarf auch experimentelle, fast 

unleserliche Schriften für Magazine wie „Ray 

Gun“. Aber irgendwann ist auch der schönste 

Kindergeburtstag vorbei und das große Aufräumen 

angesagt. Um die Jahrtausendwende kamen 

Magazine wie „brand eins“ auf den Markt, die 

gemäß der Parole „Quiet is the new loud“ den 

Gegenentwurf probten: Sie verwenden edle 

Antiquaschriften wie die „Sabon“ und bauen die 

Magazinseiten ruhig und mit viel Weißraum auf. 

Unter Hobbytypografen am heimischen PC 

sind weiterhin die krudesten, vorinstallierten 

Dekoschriften wie die infantile „Comic Sans“ 

verbreitet, womöglich hinterlegt mit einem 

Regenbogenverlauf. Warum? Weil es geht. Und 

weil viele Menschen, die ihre Einladungskarten 

selbst zusammenschrauben, es eben nicht 

besser wissen. Das zeigt, dass für gute Typografie 

Experten gefragt sind. Und Schriften jenseits 

der großen Namen – die eben Geld kosten. 

Die besten Schriften sind für Satzarbeiten ge- 

eignet und weisen kleine Details auf, die das 

Schriftbild neu und einzigartig machen, ohne 

die Lesbarkeit einzubüßen. Man nennt so etwas 

Charakter. ◆ 

Heimatdesign 

sucht … 


… neue Schriften. Für die kommende Ausgabe 

schreibt Heimatdesign einen Typografie-Wettbewerb 

aus. Gefragt ist jeweils 

eine Schrift für Überschriften (Headline), 

Vorspann (Lead) und Text. Die Teilnehmer 

können Vorschläge für alle drei einreichen 

oder sich eine der Aufgaben vornehmen. 

Der Wettbewerb beginnt im März. Die 

Fristen und Teilnahmebedingungen stehen 

dann auf www.heimatdesign.de. 

27


Bridges – Fotoprojekt 

Emscher Zukunft 

Über den Fluss 

text Tom Thelen 

„destroy/create“ heißt das Thema des diesjährigen Wettbewerbs 

zum Fotoprojekt über die Emscher. Ein Thema, das zur Geschichte 

des Flusses zwischen Holzwickede und Dinslaken passt. 

Rund 80 Kilometer lang ist dieser Fluss, dessen 

Geschichte für die Region typischer ist als jene 

der Ruhr. Die Emscher wurde zum offenen Ab- 

wasserkanal der Industrialisierung: Sie stank 

zum Himmel. Seit 1991 wird sie renaturiert, ein 

gewaltiges Vorhaben mit einem Gesamtvolumen 

von 4,4 Mrd. Euro. Im Jahr 2005 hat die verantwortliche 

Emschergenossenschaft „Bridges – 

Fotoprojekt Emscher Zukunft“ ins Leben gerufen, 

angeregt durch die mehr als 200.000 Archivfotos 

des Wasserwirtschaftsverbandes. Das Projekt 

28 

lädt zur fotografischen Auseinandersetzung mit 

dem Wandel des Flusses und seines Umfeldes 

ein und soll „dokumentieren, kommentieren, fo- 

kussieren und vermitteln.“ 

Damit erinnert „Bridges“ an das Fotoprogramm 

der Farm Security Administration in den USA 

der 30er Jahre. Sie beauftragte Künstler wie 

Walker Evans und Gordon Parks, die Nöte der 

Bevölkerung zu zeigen und darüber zu berichten. 

„Bridges“ versucht Ähnliches. In diesem Jahr 

etwa steht die Frage nach dem prekären Verhält- 

Beispiele aus den Serien der Sammlung (von links): 

Marita Bullmann „ZOB/Berliner Platz“, Christian Diehl 

„Betreten Verboten“, Henk Wittinghofer „Schwaden“, 

Dominik Asbach „Die Taubenzüchter“ 

nis zwischen Zerstörung und (Wieder-)Aufbau 

im Vordergrund. Bis zum Ende des Emscher- 

Umbaus 2020 sollen dann Fotos „eine zweite 

Landschaft zeigen: eine, die aus Erinnerungen, 

Visionen, Wünschen – aus Sichtbarem und 

Unsichtbarem besteht.“ 

In diesem Jahr ist der Wettbewerb mit insgesamt 

20.000 Euro dotiert – verteilt auf mehrere Preise. 

Mitglied der Jury ist Mario Lombardo, bekannt 

als Art Director von Spex, Dummy oder Liebling. 

Weitere Jurymitglieder stammen aus den 

Bereichen Publizistik, Soziologie, Fotografie, 

Akademie und Planung. Die Zusammenarbeit 

mit eben diesen Planern ist ein weiterer Ansatz 

des Projekts: Idealerweise soll ein konkreter 

Dialog zwischen dokumentarischen, gleichwohl 

auch ästhetischen Positionen und den verantwortlichen 

Planern des konkreten Umbaus 

stattfinden. Gefragt sind Ideen, die die vielfältigen 

wirtschaftlichen, kulturellen, landschaftlichen 

und sozialen Verhältnisse kreativ abbilden. 

Bisher wurden jedes Jahr um die 100 Fotoserien 

eingereicht – mit steigender Tendenz und zumeist 

von heimischen Künstlern, die professionell 

mit dem Medium arbeiten. 

Einsendeschluss für den Wettbewerb 2008 

ist der 12.01.2009. 

www.bridges-projects.com

© Markus Mrugalla 

Fünf Fragen an Mario Lombardo 

Als Art Director hat Mario Lombardo für Maga- 

zine wie Spex, Dummy und Page gearbeitet. 

Er trägt unter anderem den Designpreis der 

Bundesrepublik Deutschland und den Red Dot 

Award, 2008 wurde er von der Lead Academy 

zum „Visual Leader of the Year“ gewählt. Als 

Künstlerischer Leiter des Bridges-Fotoprojekts 

erzählt er vom Austausch zwischen Kunst und 

Planung, von besonderen Bildsprachen – und der 

Emscher. 

Herr Lombardo, was sagen Sie, wenn Sie gefragt 

werden: Was ist denn die Emscher? 

Ich sage: Das ist ein spannender Fluss, der mit 

der Zeit geht und sich den Bedürfnissen seiner 

Umwelt anpasst. Er erlebt jetzt gerade seine dritte 

Formveränderung. Erst war er ein gewöhnlicher 

Fluss, der in seiner Vergangenheit sogar 

zum Weinbau diente. Dann hat er jahrzehntelang 

als Kanal das Abwasser und Grubenwasser des 

Ruhrgebiets transportiert und wurde zur offenen 

Kloake einer ganzen Region. Und nun setzt man 

buchstäblich Himmel und Hölle in Bewegung, 

diesen Fluss wieder in einen „natürlichen“ Fluss 

zu verwandeln. Großartig. 

Mit den Planern dieses Prozesses soll das Fotoprojekt 

in den Dialog treten. Klappt das? 

Das kommt darauf an, was man sich davon ver- 

spricht. In diesem Fall kann man nicht davon 

ausgehen, dass die Rechnung „eins plus eins“ 

zwei ergibt. Diese Planungsergebnisse, von de- 

nen wir hier sprechen, sind die Folge weitreichender 

kalkulierbarer Zusammenhänge und 

Fakten. Einem künstlerischen Ergebnis wohnen 

solch feste Parameter nur zu einem Teil bei. Ich 

versuche in meiner Aufgabe als Künstlerischer 

Leiter, zwischen den Parteien zu vermitteln und 

eine Sensibilität zu erzeugen. Es gibt beispielsweise 

Podiumsdiskussionen, bei denen sich Vertreter 

der verschiedenen Bereiche austauschen. 

Mit welchem Effekt? 

Ob das dann ganz konkrete Auswirkungen auf 

den Prozess des Emscher-Umbaus hat, bleibt 

eine Hoffnung. Das hängt nämlich auch von der 

eben erwähnten Sensibilität der Planenden ab 

und kann deswegen nicht das Erfolgsbarometer 


des Fotoprojekts sein. Eine Zweckorientierung 

empfinde ich als hinderlich, wenn zugleich der 

freie, künstlerische Anspruch hochgehalten werden 

soll. Wenn die Arbeiten dennoch konkreten 

Einfluss auf die Planung haben – um so besser. 

Einige, wie beispielsweise die Nachtaufnahmen 

von Stefan Bayer, haben diesen ja auch schon 

gehabt. 

Gibt es eine Gemeinsamkeit in den Arbeiten, 

etwas, das in anderen Medien „Sprache“ oder 

„Sound“ genannt würde? 

Nostalgie vielleicht, und ein gewisser Stolz. Bis- 

her haben besonders Menschen teilgenommen, 

die im Emschergebiet leben oder aus dem Ruhrgebiet 

stammen. Das merkt man den Arbeiten 

sehr stark an. Sie sind alle sehr unterschiedlich, 

aber ihnen gemeinsam ist ein liebevoller Umgang 

mit der Region – trotz der ebenso vorhandenen 

Kritik. 

Wie idyllisch darf ein Abwasserkanal denn 

aussehen? 

Das hängt ganz von der subjektiven Perspektive, 

dem Geist und der Idee des Fotografen ab. 

Eine idyllische Inszenierung kann beispielsweise 

eine bewusst eingesetzte Verfremdung zum 

Ausdruck bringen, vielleicht spiegelt sie eine Er- 

innerung oder ist als Kommentar zu verstehen. 

Es geht bei diesem Fotoprojekt nicht um reali- 

tätsgetreue Dokumentationsfotografie. Ich 

wünsche mir sogar abstrakte oder modellhafte 

Arbeiten. Ich suche nicht nur gute Umsetzungen, 

sondern vor allem gute Ideen. Ich wünsche 

mir von den Teilnehmern einen möglichst 

inspirierten, freien und künstlerischen Umgang 

mit dem Thema Emscher-Umbau. ◆ 

29

heimatkultur | nr. 5 

Gereon Lepper 

Der stille Maschinist 

text Volker K. Belghaus | fotografie Kim Sperling „Kapiere ich auch nicht alles, was ich so baue.“ 

Wie jetzt? Gereon Lepper schickt ein Lächeln 

Und sie bewegen sich doch: 

Gereon Leppers Installationen 

suchen Technik und finden 

Natur. 

30 

hinterher, aber der Satz ist raus. Klingt kokett, ist 

aber ehrlich gemeint. Manche der Bewegungsabläufe 

seiner Installationen sind halt nur durch 

Fummeln zu finden, wie er sagt. Dabei kann man 

Leppers Werk durchaus eine angewandte Komplexität 

unterstellen, die viel Wissen in Physik 

und Maschinenbau zu erfordern scheint. Fotos 

bringen den Betrachter nicht weiter: Man muss 

schon erleben, wie die Konstruktionen durch 

Motoren, Wind, Wasser und Gravitation zum 

Leben erwachen – wie Sperriges poetisch wird. 

Wie der „Lockruf der Berge“, eine stählerne, mit 

bröckeligen Steinen gefüllte Trommel, die, sich 

langsam drehend, die Steine zu einem Berg aufhäuft; 

irgendwann fällt der dann in sich zusammen, 

wobei die Steine immer mehr zerkrümeln. 

Ab einem bestimmten Punkt überlässt Lepper 

die Kontrolle seiner Arbeiten den natürlichen 

Einflüssen. Nahe seines Ateliers, einer Werkhalle 

auf der Hattinger Henrichshütte, steht an einem 

Kreisverkehr sein überdimensionierter Wegweiser 

mit dem Titel „Die Kenntnis der einzuschlagenden 

Richtung“. Vertrauen kann man dem 

roten Pfeil aber nicht – schon ein leichter Wind 

dreht ihn eine andere Richtung. Das sind sanfte 

Veränderungen der Umwelt; eine Zähmung 

der Natur liegt Lepper fern, es geht ihm eher um 

das spielerische Sichtbarmachen von Energie. 

Schon wirft der Künstler „Drei Bucks auf Charlie“ 

an, ein Kreissegment, an dessen oberen Ende 

sich zwei gegenüberstehende Flugzeugpropeller 

gegenseitig stabilisieren. Der Höllenlärm vertreibt 

Leppers Rehpinscher Leo in die hintere 

Ecke des Ateliers. Lepper steht im entfachten 

Sturm und bekennt: „Das Aggressive stellt für 

mich auch eine Poesie dar – eine Poesie der 

Gewalt.“ Selbstironisch gibt der Künstler seinen 

Höllenmaschinen Namen wie „Babette“ oder 

„Käthe Hermann“. Wenn alles klappt, ist der 

stille Maschinist bald auf französischen Wasserstraßen 

zu finden. Dann hätte sich sein Traum 

vom solarbetriebenen Atelier-Hausboot erfüllt. 

Die Konstruktionspläne für diesen Traum hängen 

schon im Atelier – ganz ohne Fummeln. ◆ 

www.gereonlepper.de

Jedes Material hat spezielle Qualitäten. 

Eine unserer Spezialitäten ist, Sie darüber zu informieren. 

Die Begegnung erlesener, natürlicher und innovativer Materialien in Symbiose mit handwerklicher Perfektion und reduziertem Design, ist 

das Wesen eines 3form Unikates. Das Wissen um die Güte und Beanspruchung ausgewählter Materialien, ist der Garant für Dauerhaftigkeit. 

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heimatkultur | nr. 5 

Wohnen unter Tage 

Mit Puschen ins Theater 

text Tom Thelen | fotografie Kim Sperling 

„Neue Heimat“ heißt ein aktuelles Projekt zur kreativen 

Nutzung des Bochumer Theaters unter Tage: Kristo Šagor, 

32-jähriger Autor und Regisseur, wohnt jetzt dort. 

Das Bochumer Schauspielhaus sorgte in der 

Spielzeitpause für ein schönes neues Heimat- 

Design. Wo in den letzten Jahren der Nachwuchs, 

das Experiment und die Partypeople das 

Sagen hatten, ist jetzt eine funktionstüchtige 

Wohnung entstanden. Inklusive Sanitärbereich 

und Küche mit Herd und Waschmaschine, zentralem 

Bett, vielen Sofas, einem Fernseher und 

Bücherregalen, die aber bei näherer Betrachtung 

mit reichlich viel Schrott befüllt sind. 

In diesem fensterlosen Riesenraum lebt und arbeitet 

Kristo Šagor bis zum Ende der Spielzeit. 

Das heißt, er veranstaltet dort Konzerte, Karaoke, 

Lesungen und Vorlesungen, bittet Schauspieler, 

ihre Lieblingsplatten vorzuspielen und dazu 

aus dem wilden Nähkästchen zu plaudern, holt 

32 

sich Bochumer Bürger und ihre mittelinteressanten 

Geschichten in die Wohnung und zeigt 

dort auch seine Inszenierungen. Allein die Wohn- 

situation „unter Tage“ gibt dabei dann schon 

konzeptionelle Vorgaben. 

Geschichten von unten will der Theatermacher 

(„Genannt Gospodin“) immer wieder hervorholen, 

manchmal ganz konkret: mit den Storys 

eines Bestattungsunternehmers oder von Bergleuten. 

Dazu dann eben diejenigen Geschichten, 

die quasi nur subkutan überall verborgen lie- 

gen – wie die zu den Lieblingsliedern seiner En- 

semblekollegen. Daneben thematisiert und 

theoretisiert er das Wohnen und das Zusammenleben 

gelegentlich als Großprojekt, mit Wissenschaftlern 

und anderen Experten, der Rest 

des Theaterfests ist Spiel und Spaß mit Musik, 

Literatur und Küchenparty. Dabei kommen 

dem theoriefesten Betrachter avantgardistische 

Konzepte des 20. Jahrhunderts in den Kopf, von 

der Auflösung der Kunst in Lebenspraxis bis hin 

zur Kommune 1 – doch der Spaß im Keller an 

der Königsallee soll gar nicht so tief gelegt sein. 

Natürlich kenne er diese Dinge, sagt Šagor, man 

sei unterschwellig in der künstlerischen Arbeit 

immer dadurch beeinflusst. Doch dieses Konzept 

sei einfach eine Idee gewesen, die aus einer 

Anfrage zur Nutzung des Raumes entstand. Man 

habe dann dieses sehr offene Projekt entworfen, 

zu dem jeder Zugang hätte. 

Eines der Hauptanliegen des Theatermachers ist 

es, den Zuschauer in der „Neuen Heimat“ zum 

Überdenken, zum Zweifeln an Alltagskategorien 

zu bringen. Wer einmal hierher gekommen sei, 

ein Theaterstück als Zuschauer zu sehen, dann 

aber beim nächsten Mal lässig in der Küche sitze, 

bemerke womöglich das Zerfallen von Kategorien 

wie „Wohnung“ oder „Bühne“. Eine recht 

optimistische Idee, bedenkt man, dass sich das 

alles ja in der Institution Stadttheater abspielt. 

Und doch ist es interessant fürs kulturelle Leben,

wenn sich diese Institution mit ihren – auch 

ökonomisch – vielfältigen Möglichkeiten öffnet 

und versucht, ein anderes Publikum anzulocken 

als jenes, das sich humanistisches Bildungsgut 

auf der Guckkastenbühne vorführen lassen will. 

Im besten Fall wird das Theater so zu einem 

Zentrum von akademischen, theoretischen und 

auch Party-Diskursen, die befreit sind von den 

Zwängen ihrer üblichen Umgebungen wie Uni 

oder Club. Bisher läuft Šagors Wohnclub aber 

noch etwas heimelig und bieder ab. Nach der 

Premiere des grandiosen Stückes „Haus der 

tausend Zungen“ von Jonathan Garfinkel präsentierte 

sich der Regisseur etwa in blauen Pantoffeln 

– ganz der gemütliche, stolze Hausherr. 

Vielleicht muss es sich noch etwas herumsprechen, 

dass sich dort unten etwas befindet, das 

auch denjenigen eine Heimat verspricht, die sich 

in den letzten Jahren vom Bochumer Schauspielhaus 

– aus welchen Gründen auch immer 

– abgewandt haben. Oder für jene, die bisher 

überhaupt nicht auf die Idee verfallen sind, eine 

Heimat ausgerechnet im Theater zu suchen. Deren 

Design muss quasi geschärft werden. Wenn 

das schief läuft, hat der junge Mann allerdings 

auch kein Problem: Sein „Mietvertrag“ läuft 

sowieso mit Spielzeitende aus. Dann wohnt er 

halt wieder woanders – dort, wo niemand seine 

blauen Puschen sehen kann. ◆ 

Neue Heimat – Wohnen unter Tage 

bis zum 28.02.2009 

Öffnungszeiten: mo-fr 10-18, sa 10-14 & 18 Uhr bis 

Öffnung der Abendkasse, so 17-18 Uhr. 

www.wohnenuntertage.de 

technische universität 

dortmund 

gefördert durch 

www.kultur-unternehmen-dortmund.de 

für Unternehmensgründungen in der Kultur- und Kreativwirtschaft

heimatkleid | nr. 5 

Hochzeit in Marxloh 

Die rettende Robeninsel? 

text Petra Engelke | fotografie Dennis Yenmez 

Prinzessinnenparadies, Hochzeitsmekka: 

Es gibt viele 

Schlagworte für die Geschäfte, 

die sich an der Weseler Straße 

in Duisburg-Marxloh ballen. 

Im Mittelpunkt steht die Mode. 

Rettet sie am Ende den Stadtteil? 

34 

Meterweise schneeweißer Tüll über dem Reifrock 

– ja, so stellt man sich die Brautmode vor. 

Daneben brilliert eine plissierte Empire-Linie 

in Champagner. Schon der erste Schaufensterbummel 

in Duisburg-Marxloh hinterlässt zwei 

Eindrücke: Sowohl Designs als auch Preise ge- 

hen weit auseinander. 

Es gibt Brautkleider in allen erdenklichen Aus- 

maßen, tief dekolletierte, fließende Neckholder 

in leuchtenden Farben, reich bestickte, dunkelrot-golden 

schimmernde Zweiteiler mit knappen 

Korsagen und passenden Boleros, außerdem 

Anzüge aus edlem Stoff in gedeckten Farben, ver- 

wegene violette Rüschenhemden und Herrenwesten 

mit aufwändigem floralen Muster in 

Schwarz-Silber. 

Die Ladenbesitzer lassen zusätzliche Perlen auf 

die zum Kleid passenden Handschuhe sticken 

oder entwerfen gleich das ganze Outfit speziell 

für die Kundin – Extraservice und Maßanfertigungen 

sind hier sozusagen Standard. Von der 

Stange kommen nur Modelle, die in die Ausrichtung 

des jeweiligen Ladens passen; einer hat sich 

auf Extravagantes spezialisiert, der nächste auf 

schlichte, junge Mode. Ein Brautkleid ist schon 

für etwa 300 Euro zu haben, Abendkleider knapp 

unter 100 Euro – beides gibt es aber auch im 

deutlich vierstelligen Bereich. Nach oben gibt 

es keine Grenzen. Nur billigen Ramsch verkauft 

hier niemand. Das wiederum ist eines der Vorurteile, 

gegen die diese Einkaufsmeile täglich 

nadelstichhaltige Beweise liefert. Die Geschäfte

gehören Türken oder türkischstämmigen Deutschen; 

sie kämpfen gegen die Vorstellung, dass 

türkische Festkleidung aus Rüschen, Schleifchen 

und Billigstoffen besteht. Schließlich ist die Textilindustrie 

in der Türkei längst nicht mehr für 

hastig gefertigte Ware bekannt; mit den Preisen 

der asiatischen Großproduktionen konnte sie 

schon vor Jahren nicht mehr Schritt halten – so 

besann man sich auf Qualitätsarbeit. 

Heute bestellen auch internationale Designer 

hochwertige Stoffe in der Türkei – etwa aufwändige 

Stickereien und Seidentaft, wie man ihn 

in Deutschland schwerlich bekommt. Von entsprechenden 

Kontakten profitieren die Händler 

in Marxloh. Und was das Design betrifft: Klare 

Schnitte sind derzeit bei türkischen Designern 

beliebter als ein Overkill an Dekoration. Vielen 

deutschen Bräuten hingegen bedeutet Traumhochzeit 

häufig genau das - ein uferloses weißes 

Kleid in Zuckerbäckermanier. 

Gebannt blicken zwei junge Damen auf ein rosa 

Kleid, das in einem Geschäft namens White 

Lady effektvoll auf eine Puppe drapiert ist. Die 

Korsage ist mit Perlen bestickt, die an runde 

Blüten erinnern, und geht in einen ausladenden 

Rock über, dessen unzählige Tüllvolants an den 

Seiten zu großen Rosen zusammenlaufen. Darin 

könnte die Braut Dornröschen sein und von 

einem märchenhaften Erwachen träumen. In 

Nach oben gibt es keine Grenzen. 

Nur billigen Ramsch verkauft hier niemand. 

voller Rüstung wird der Bräutigam wohl nicht 

erscheinen, aber schimmern, das geht: Ein paar 

hundert Schritte weiter steht ein Modell im 

Schaufenster, das zu einem schlichten, weißen 

Hemd einen goldglänzenden Anzug trägt – mit 

glitzernden Manschettenknöpfen. 

Die Braut lässt sich derweil von einer Verkäuferin 

ein weißes, schulterfreies Modell mit Spitze 

und Stickerei von einer der Puppen zupfen. 

Während beide in der geräumigen Umkleidekabine 

verschwinden, schaut sich die Begleiterin 

die Schuhe an, die auf stilisierten Säulen am Ein- 

gang wie zur Parade stehen: hochhackige, aus 

Seide gearbeitete Modelle in zartrosa, leuchtendlila, 

moosgrün, apfelbäckchenrot, katzenfell- 

schwarz. Sie passen exakt zu den Abendkleidern, 

es gibt sie mit Glitzerspange oder Seidenapplikation. 

Über all dem schwebt die Stimme eines türkischen 

Sängers. Weiter hinten im Laden steht ei- 

ne Recamiere aus rotem Plüsch, davor ein Tischchen 

mit einer Schale voller Zuckerstückchen. 

Tee wird gerade nicht serviert. Eine Kopftuch- 

nr. 5 | heimatkleid 

trägerin hockt am Rand, über die Lehne hat sie 

einen goldglänzenden Rock ausgebreitet, auf 

dem Tisch liegen passende Perlen und daneben 

ein Stück hauchzarten weißen Stoffs: ein Schleier, 

dem vielleicht auch noch etwas Dekoration 

fehlt. 

Hochzeitskleider, so erzählen die Verkäuferinnen 

nebenan bei Duett, werden grundsätzlich zusammen 

mit Schleier und Spange oder Diadem 

verkauft – es soll glitzern, auch wenn bei ihnen 

die Kleider weniger pompös ausfallen. Röcke 

mit vielen Volants liegen zwar im Trend, aber 

diejenigen mit zig Stofflagen laufen nicht mehr. 

Erst recht nicht die Zweiteiler. Stattdessen holen 

die beiden einige lange Abendkleider in leuchtenden 

und gedeckten Farben: ein dunkelrotes 

Satinkleid mit zierlichen, aus Perlen gestickten 

Blütenranken am Dekolletee, ein unschuldig 

aussehendes Spaghettiträgerkleidchen in altrosa, 

ein gerafftes Chiffon-Cocktailkleid in einem 

Blumenmuster auf grünem Grund. Ein Blick in 

die Auslagen des Tresens verrät, dass sich nicht 

35


nur die Bräute gern den Kopf passend zum Kleid 

schmücken: In allen Farben des Regenbogens 

schillern hier Stoffblüten, die sich in Hochsteckfrisuren 

einarbeiten lassen. 

Die Unterschiede im Brauchtum zeigen sich in 

Details: In einem großen Regal reihen sich reich 

verzierte Minikörbchen, Seidenblumenarrangements 

oder Muscheln, in denen sich Süßes ver- 

steckt. Denn während es in Deutschland nach 

der Trauung meist einen Sektempfang gibt, verschenkt 

man in anderen Kulturen Bonbons an 

die Gäste. Kürzlich orderte eine Libanesin 500 

Stück – so viel zahlen andere für die Saalmiete. 

Und Türkische Hochzeiten werden groß gefeiert. 

Mehrere hundert Gäste sind Standard, es 

kann auch vierstellig werden. Für manche Mädchen, 

die nicht in Clubs gehen dürfen, ist das ein 

Disco-Ersatz: Sie tanzen jedes Wochenende auf 

einer anderen Hochzeit. Es gilt schließlich als 

Tabu, eine Hochzeitseinladung auszuschlagen. 

Eine Gruppe Frauen, von denen nur die Gesich- 

ter und Finger zu sehen sind, fachsimpelt über 

Kleider, die viel Haut zeigen. Auch das hat sei- 

nen Grund: Das Pendant zum Polterabend 

oder Junggesellenabschied ist in der türkischen 

Tradition der Hennaabend. Hier feiern Männer 

und Frauen getrennt. Ganz unter sich, können 

die Frauen mit spektakulären Abendkleidern 

prunken. Auch Gewänder in der Tradition roter 

36 

Trachten finden sich bei Duett, es gibt sie sogar 

in Kindergrößen. Eigentlich tragen Kinder so 

etwas nicht, „aber manche Eltern finden das 

eben putzig“, sagt die Verkäuferin. Aufgerüscht 

werden die Kinder bei Hochzeitsfeiern durchaus: 

Ganze Ständer hängen voller Satinkleider 

in Miniformat, und bei den niedlichen Anzügen 

reihen sich die Größen wie für einen Fototermin. 

Zum klassischen Outfit beim Hennaabend ge- 

hören kleine Täschchen, in die die Braut ihre 

Hände stecken kann, nachdem ihre Freundinnen 

und Verwandten diese mit Henna bemalt haben. 

Und die Braut bekommt einen Schleier, hinter 

dem sie ihr Gesicht verbergen kann, wenn sie zu 

In voller Rüstung wird der Bräutigam wohl nicht erscheinen, 

aber schimmern, das geht. 

weinen beginnt. Schließlich soll sie den Abschied 

von den Eltern dramatisch in Szene setzen. 

Manchmal geht das schief: „Die Braut heult 

nicht!“, krakeelte kürzlich ein Kind, das von der 

Damenrunde zu den Herren lief. Ein Fauxpas, 

von dem die Verkäuferin berührt erzählt. 

Doch nicht alles muss so traditionell laufen. Vie- 

le türkische Paare kommen gemeinsam in den 

Laden, einige leben bereits vor der Hochzeit zusammen, 

erzählt das junge Fachpersonal. Aber 

es gebe natürlich nach wie vor Mädchen, die 

jungfräulich in die Ehe gehen möchten. Traditionell 

tragen diese Bräute ein rotes Band um 

die Taille – „das ist etwas, das man in der großen 

Gesellschaft dann stolz präsentieren möchte.“ 

Auch die Herren sind an einem solchen Tag voller 

Stolz: Südländische Kunden kaufen durchaus 

Figurbetontes und haben keine Scheu vor leuch- 

tenden Farben, zum Beispiel, wenn sie das 

Hemd zum Anzug aussuchen. Sie interessieren 

sich oft für Finessen und sind es gewohnt, sich 

richtig schick macht. Die deutschen Männer 

hingegen bevorzugen gedeckte Farben, machen 

weniger Experimente. Allenfalls die Krawatte 

darf bei ihnen einen farblichen Akzent setzen. 

Leider gebe es in Deutschland nicht so viele 

Anlässe, bei denen man sich feinmache, bedauert 

eine Ladenbesitzerin ein paar Häuser weiter. 

Manchmal kämen dann aber doch Frauen, die 

zur Theaterpremiere auftrumpfen möchten. 

Schützenfeste hingegen sind ein Anlass zum 

Kleiderkauf, den man hier häufig hört: Da werden 

König und Königin gekürt, die mit einem 

ganzen Hofstaat feiern – und sich der Parallelgesellschaft 

ihrer Schützenwelt in Galaroben 

zeigen. 

Dass das Hochzeitsmekka von Marxloh auch 

Teil einer Parallelgesellschaft sei, ist allerdings 

ein Trugschluss. Knapp 18.000 Einwohner zählte 

die Duisburger Statistik Ende 2006 in Marxloh, 

davon etwa 6.000 Ausländer, von denen wiederum 

4.000 Türken waren. Sie sind eine Minderheit, 

die rechtsradikale Begriffe wie „Überfremdung“ 

mit den Waffen der Logik schlägt. 

Ebenso falsch ist es aber, ein gezuckertes Multikultitörtchen 

des Stadtteils zu backen. Viele le- 

ben schlicht aneinander vorbei – und es gibt Rei- 

bungspunkte. Ein kleines Fräulein, das mit gesenktem 

Blick ihr Kopftuch zurechtzurrt, erntet 

den missbilligenden Blick einer Blondine, die

eindeutig zu lange auf der Sonnenbank war. Der 

leichte Alkoholgeruch, der ihren Begleiter umhüllt, 

spricht Bände darüber, dass Arbeits- und 

Perspektivlosigkeit keine Staatsangehörigkeit 

kennt. Eine türkische Frau im Businesskostüm 

schreitet elegant an ihnen vorbei, klackert in 

Stilettos auf ihren Wagen zu – und schimpft. 

In zweiter Reihe parken manchmal klischeehafte 

Jung-Machos, die einem womöglich vor die 

Füße rotzen oder „Fotze“ als Begrüßungsformel 

verwenden. Schön ist das nicht. Ebenso trifft 

man hier eine deutsche Mittfünzigerin, die 

sich lautstark beklagt, seit so viele Ausländer 

herzogen und der Stadtteil so heruntergekommen 

sei, gebe es in Marxloh nicht einmal mehr 

einen Metzger. Schräg hinter ihrer Schulter 

sind Fleischauslagen zu sehen. Abgesehen von 

Schweineschnitzeln bekäme die Dame in dieser 

türkischen Metzgerei, was auch immer sie in die 

Pfanne hauen möchte. Wenn sie denn wollte. 

Dem Niedergang des Viertels haben die Deutschen, 

die seit Generationen hier wohnen, 

jedenfalls nicht entgegengewirkt. Immer wieder 

erzählen einem die türkischen Ladeninhaber: 

„Wir wollen mehr Deutsche.“ Damit meinen sie 

nicht nur die Kundschaft – den Anteil der 

Deutschen schätzen sie, je nach Laden, bereits 

zwischen 20 und 40 Prozent. Es hat sich herumgesprochen, 

dass die Mode hier internationale 

Geschmäcker trifft. Von dem der Schützenköniginnen 

ganz zu schweigen. Außerdem geht der 

Trend dahin, Abiturfeiern zu festlichen Bällen zu 

machen. Mit gezielten Anzeigen in Schülerzeitungen 

haben die findigen Geschäftsleute längst 

auf sich aufmerksam gemacht. „Aber wir wollen 

auch deutsche Fachgeschäfte“, sagt Hatice Kök, 

die gerade einen Laden namens Hatice an der 

Kreuzung Weseler Straße und Kaiser-Wilhelm- 

Straße eröffnet. 

Sie kam mit zwei Jahren ins Ruhrgebiet – ging 

später für ihre Schneiderlehre aber in die Türkei: 

In Deutschland sei die Ausbildung einfach 

nicht gut genug. Ihre Kleider schneidert sie den 

Damen auf den Leib. „Jede Frau träumt doch 

davon, einmal im Leben Prinzessin zu sein“, sagt 

sie. „Und meine Aufgabe ist es, herauszufinden, 

wie dieser Traum aussieht.“ Die Zeichnung 

ist dabei ein unwesentlicher Teil: Erst bei den 

37


zahlreichen Anproben zeige sich, wie man die 

Maßanfertigung weiterentwickeln muss. Es gibt 

Kleider, die in wenigen Tagen fertig sind – andere 

brauchen fast ein halbes Jahr. Und manchmal 

muss Hatice Kök dem Glück ein bisschen nach- 

helfen. Gerade ist eine Frau im Laden, die unbedingt 

ein schwarzes Kleid haben möchte – für 

ihre Hochzeit. Kök ist sicher, dass das nur zu 

einem Ärgernis führen würde: Manche Gäste 

würden der Braut die Schau stehlen. Stundenlang 

lässt sie sie Kleider probieren, arbeitet sich 

langsam zu braun vor, der Bräutigam sieht immer 

erleichterter aus. Nun hofft Kök, die Dame 

von einem feinen Bordeauxrot überzeugen zu 

können. 

Es muss ja nicht weiß sein – ein Credo, das deutsche 

und türkische Bräute vereint. Ein grünes, 

tief ausgeschnittenes Modell ist mit einem 

Spitzenstoff überzogen, in den Goldfäden eingewirkt 

sind. An einem weich fallenden lila Kleid 

baumeln zierliche Perlenstränge, und an einem 

hellblauen Modell schlängelt sich eine gestickte 

Blütenranke. Solche Arbeiten schafft Kök in ein 

bis zwei Stunden. Aber sie hat es schwer, gute 

Stickerinnen in Deutschland zu finden – vielen 

fehle die nötige Routine. Qualität setzt sich in 

Marxloh durch. 

Danach sieht es im Duisburger Norden längst 

nicht überall aus. Die Faszination von dampfenden 

Kühltürmen, rostigen Rohren, verlassenen 

Lagerhäusern und düsteren Tunneln zieht immer 

wieder Kamerateams her. In Ruhrort trotzt 

ein Stück des Duisburger Hafens dem Image mit 

riesigen Stapeln bunter Container: Hier gehen 

Das Engagement, das den Stadtteil aus dem Dreck ziehen könnte, 

kommt sehr oft von der so genannten anderen Seite. 

immer noch Güter die Ruhr herunter. Nicht weit 

entfernt künden blinde Schaufensterscheiben 

von längeren Leerständen. Eine Imbissstube 

wirbt in schreienden Farben um ein bisschen Um- 

satz, und gleich nebenan fällt der Blick auf 

leere Käfige und Glaskästen, zurückgelassen im 

geschlossenen Zoohandel. Hinter vorgehaltener 

Hand, so hört man, raten selbst Angestellte der 

Stadt den Bewohnern dieser Viertel, sich so viel 

zu bilden wie möglich – und dann wegzuziehen. 

Stadtteile wie Ruhrort, Bruckhausen und Marx- 

loh sind als Filmlocation gefragt, weil sie verschiedene 

Stadien des Verfalls dokumentieren. 

Fährt man mit der Straßenbahn vom Hauptbahnhof 

nach Marxloh, geht es im schnellen 

Wechsel vorbei am neu eröffneten Riesensupermarkt 

und am Gründerzeithaus, von dessen 

38 

Fassade die Farbe abblättert – und doch scheint 

hier die Zeit stehen geblieben zu sein. Jedenfalls 

ging das Produzententeam von „Das Wunder 

von Bern“ (2003) zum Drehen nicht, wie ihm 

geraten wurde, nach Polen. Der Film entstand zu 

einem großen Teil in Marxloh, weil sich hier eine 

Atmosphäre wie die von 1954 leicht herstellen 

ließ. 

Gerne nehmen Medien jetzt darauf Bezug: „Das 

Wunder von Marxloh“ titeln sie, weil doch 

der Bau der Ende Oktober eröffneten Merkez- 

Moschee so friedlich vollendet wurde. Auch 

Zeitungen in Großbritannien, Indonesien, 

Taiwan und Indien richteten ihren Blick auf den 

Ort, an dem es im Gegensatz zu Köln, München 

oder Berlin keinerlei Proteste gegeben hat. 

Unter dem Stichwort „Bürgerbeteiligung“ ist 

dann aber oft nur vom Wohlwollen toleranter 

Deutscher die Rede. Doch schaut man sich 

ein wenig in Marxloh um, stellt man bald fest: 

Das Engagement, das den Stadtteil aus dem 

Dreck ziehen könnte, kommt sehr oft von der 

so genannten anderen Seite. Auf Initiative eines 

türkischen Unternehmervereins entstanden die 

rund 40 Geschäfte, die an der Weseler Straße 

und der Kaiser-Wilhelm-Straße für Betrieb 

sorgen. Der Politiker Cem Özdemir besuchte 

Marxloh im Juni – und besichtigte nicht nur 

die fast fertige Moschee, sondern schaute sich 

auch an, was sonst noch so passiert in diesem 

Stadtteil, an dem das Etikett „sozialer Brennpunkt“ 

kokelt. Sein Fazit: „Die türkischstämmigen 

Unternehmer schaffen es, Kaufkraft nach 

Duisburg zu lenken.“

Denn zum Hochzeits-Shopping kommen Menschen 

nicht nur aus Duisburg; auch nicht nur 

aus dem restlichen Ruhrgebiet. Die Kundschaft, 

so erzählen alle Ladenbesitzer einmütig, kommt 

insbesondere am Wochenende auch aus den 

Niederlanden, Belgien und Frankreich. Die 

Läden heißen Topkapi, Prestije oder La Mariée. 

„Wenn Sie anderswo nach einem Brautkleid 

schauen, müssen sie weite Wege in Kauf 

nehmen“, sagt eine Verkäuferin. „Dann haben 

Sie spätestens im dritten Laden vergessen, wie 

das beste Kleid im ersten Laden aussah, und am 

Ende kaufen Sie irgendetwas, das Sie gar nicht 

so gut finden – bloß weil Sie das Herumfahren 

leid sind.“ 

In Marxloh lässt man sich von einem Geschäft 

ins nächste treiben, kann noch einmal zurück- 

laufen, hier probieren, dort nachfragen – das ist 

einzigartig. Darauf ist längst auch der Amtsschimmel 

aufmerksam geworden: Mit rund 

360.000 Euro unterstützten das Land NRW 

und die EU diesen Standort. Man hofft sogar, 

internationale Konzerne anzulocken. So sitzt 

Oberbürgermeister Adolf Sauerland im Beirat 

des 2006 eigens gegründeten IHZ (Internationales 

Handelszentrum Duisburg) – unter anderem 

mit Murat Yalcintas, dem Vorsitzenden der 

Istanbuler Handelskammer. 

Für die Menschen, die zum Einkaufen nach 

Marxloh kommen, ist das stahlgraue Theorie. 

Sie bestaunen ein giftgrünes Kleid mit reichlich 

Applikationen aus grün-weißen Seidenblumen 

mit Funkelstein in der Mitte, eine Abendrobe 

aus so dunklem Taft, dass sie tief lila zu glühen 


scheint, oder die Nadelstreifen eines glänzenden 

Satin-Anzugs, den eine Schaufensterpuppe mit 

gegelter Sturmfrisur trägt. 

An einem trüben Donnerstagmittag hält eine 

Limousine direkt vor dem Fotoladen. Ein junger 

Mann kontrolliert rasch den Sitz seiner Krawatte 

im Seitenspiegel und öffnet die Tür: Perfekt 

geschminkte Damen in großer Garderobe steigen 

aus, immer darauf bedacht, ihre kunstvoll 

aufgetürmten Frisuren nicht zu ruinieren. 

Menschen mit Einkaufstüten laufen an dieser 

Szene vorbei, ohne ihr Beachtung zu schenken. 

Das ist eben Marxloh. „Ich lüg dich nicht an“, 

ruft ein Mann in sein Handy und geht wieder ins 

Türkische über. Vielleicht braucht auch er bald 

einen neuen Anzug für seinen großen Tag. ◆ 

39


Wohngemeinschaft Essen 

Die Mischung macht's 

text Tanja Wissing | fotografie Anna Kopylkow 

Judith Haselroth hat gerne 

Leute um sich. Daher hat 

die 36-Jährige im April eine 

WG gegründet. Was all die 

Gäste dort zu suchen haben? 

Nichts. Ist ja alles da. 

40 

„Bei uns findet man was“, sagt Judith. „Ich glaube, 

wir verkaufen Dinge, die Bestand haben und 

Herzensangelegenheiten sind.“ Mit ihrem Ge- 

schäft hat die Textilwissenschaftlerin für sich 

und andere Kreative eine Verkaufsplattform 

geschaffen. Schauen die Fassade, Decken und 

Wände des einstigen Ruhrmöbel-Hauses in 

ihrem frischen Weiß auch kühl und nüchtern 

aus: Die „Wohngemeinschaft Essen“ lädt zum 

Stöbern ein. Wer durch die Eingangstür hereinspaziert, 

an der Papst Benedikt handgroß in 

Plastik baumelt, ist herzlich willkommen. In 

aller Seelenruhe können Besucher auf elegant 

geformten Küchenstühlen probeweise Platz 

nehmen, das neueste Outfit von Schaufensterpuppe 

May beäugen oder Judith zuschauen, wie 

sie eine „gerda“ näht, denn das Arbeitszimmer, 

in dem die Tornister-gleichen Umhängetaschen 

mit den Reflektorschließen entstehen, ist für alle 

offen. Hier summt ein gut gefüllter Kühlschrank 

und gluckert die Kaffeemaschine. 

Sieht man von Judith und der stets stillen May 

ab, zählt die WG drei weitere Mitglieder. Archi- 

tekt Björn Dadek richtet sein Augenmerk auf 

das große Ganze. „Er weiß, welche Lampen 

wo und wie hängen müssen“, beschreibt Judith 

und blickt auf die Leuchten mit den großen 

gelb-grünen Schirmen, die über einem Esstisch 

sanft Licht spenden und zum Verkauf stehen. 

Kellerkind Heike Kollakowski zeigt sich wenig, 

rückt dafür aber wirkungsvoll die WG ins Bild – 

z. B. im Internet. „Andreas Bischoff hat den 

Superoberhammerblog gestaltet“, lobt Judith den 

eigentlich letzten Mitbewohner. 

Doch auch Wil Borgmann und Else Walter sind 

mehr als bloße Dauergäste. Mit fantasievollen 

Kindersachen sind sie in der WG vertreten. Wil 

macht aus alten Blümchenstoffen knisternde 

Greiflinge, Kinderwagenketten und Spieluhren; 

von Else gibt es farbenfrohe Gürtel mit Eulen, 

Fliegenpilzen oder Wikingerhelmen zu kaufen. 

„Else kommt immer mit einem großen Koffer“, 

berichtet Judith. Wann Else wieder mit neuer 

Ware auftaucht, kann die WG-Chefin allerdings 

selten genau sagen: „Ich freue mich einfach, 

wenn sie da ist.“ Diese Unbeschwertheit des WG- 

Lebens schätzt Judith. In der Wohngemeinschaft 

hat auch die liebe Familie ihren Raum. So fin

den sich im Regal Babymützen von „Häkel onsight“ und auf Bügeln 

Kleidchen von „Oma Usch“. Die beiden Designerinnen sind Mutter 

und Tochter und fertigen nicht mehr nur fürs eigene (Enkel-)Kind. 

Neben solchen Unikaten ist die WG mit ausgesuchten Serienprodukten 

wie der schneeweißen Etagere „Babell“ von Koziol ausgestattet. 

Auf schwarz-weiß gesprenkelten Resopaltischen, die wie überdimensionale 

Frühstücksbrettchen aussehen, ist das Rentier „Rudi“ – ein Teelichthalter 

aus Walnussholz – ebenso liebevoll arrangiert wie auf den 

Sofalehnen die Armstulpen im Raubtierlook von „Glückskind“. Der 

abendliche Kassensturz zeigt: Diese Mischung macht’s. „Die Großen 

unterstützen indirekt die Kleinen“, erklärt Judith. Wichtig ist ihr, dass 

die meisten Stücke selbst gemacht sind. Individualität ist das Stichwort. 

Das Konzept kommt an: So erhielt die Wohngemeinschaft, die sich 

für „Essens kreative Klasse“ mit einigen Rüttenscheider Nachbarn zur 

„rü-union“ zusammengeschlossen hatte, die Auszeichnung als bester 

Newcomer 2008. „Der Preis ist mir superwichtig, weil er sagt, dass das, 

was wir machen, richtig ist“, freut sich Judith. Scheu vor Konkurrenz 

haben sie und ihre Mitbewohner nicht: „Es ist besser, zusammenzuarbeiten.“ 

◆ 

Wohngemeinschaft 

Annastraße 51, 45130 Essen 

Öffnungszeiten: mo-fr 11-19, sa 10-16 Uhr 

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Yvonne Wadewitz 

Viel Talent, wenig Zeit 


Yvonne Wadewitz ist wie ihre Espressokanne: unter Druck. 

Vielleicht bringt das ihr hektischer Alltag als Herren- 

maßschneiderin am Aalto-Theater mit sich. Oder es liegt an 

den zig Entwürfen, die sie im Kopf hat für ihr „eijenes Zeuch“. 

Yvonne Wadewitz hat viel Talent – nur nie genug Zeit. 

Der Kaffee kocht fast über. Die 26-Jährige gießt ein, löffelt schnell Milchschaum ins Glas. In einer 

Stunde muss sie wieder im Theater sein. Nachdem sie den ganzen Tag Pumphosen für die Oper 

„Fürst Igor“ genäht und Kostüme für das Ballett „Dornröschen“ angepasst hat, muss sie noch ein 

Sakko ändern. Ausgerechnet. 

„Ick krieje Krämpfe, wenn ick Änderungen machen muss“, sagt die gebürtige Brandenburgerin. Lieber 

würde sie fix ein neues Sakko nähen. Das ist eher der Arbeitsstil der quirligen Brünetten. Wenn 

sie selbst eine Idee hat, hockt sie stundenlang in ihrem überquellenden Heimatelier und rattert – bis 

das Teil fertig ist. Was sie so antreibt? „Ick will wissen, ob et funktioniert und aussieht.“ 

Hat die grazile Essenerin eine ihrer Schaffensorgien, sind die Ideen „zack, einfach da“. In ihren Sinnkrisen 

hat sie nicht mal „Bock, Nadel und Stoff anzufassen“. Das passiert ihr gerne im Sommer, 

wenn die Sonne sie nach draußen treibt. Joggen geht die frühere Ballerina schon, bevor sie sieben 

Stunden an ihrer Nähmaschine in der Kostümschneiderei sitzt. Letzteres ist für das Energiebündel 

eine Nervenprobe. In der hellen Werkstatt arbeitet Yvonne Wadewitz jedoch „saujerne“. Stoffe, 

Schnitte und Verarbeitungen bringen sie auf Ideen für ihre Mode, die Historisches futuristisch 

entstaubt. Der Kostümfundus ist für sie ein Traum. 

Das war ihr Leben als Ballerina auch. Doch vor drei Jahren verschwand die zarte Tänzerin hinter den 

Kulissen. Der Fuß, die Bänder … Ein wenig Wehmut wird wach, wenn sie eine Kollegin im Tutu 

hinter der Bühne trifft. Dafür genießt sie es, nun weniger selbstzerstörerisch zu leben. Nur: Wo und 

wie sie leben möchte, hat sie noch nicht entschieden. 

„Ick würde jerne Gewandmeisterin werden und eijene Kostüme entwerfen. Oder in ’nem kleenen 

Laden mein eijenes Zeuch verkofen. Ick könnte och Hausfrau und Mutter sein. Ick würde superjeile 

Sachen für mein Kind nähen.“ In ihre ehemalige Wahl-Heimat Berlin würde sie wohl nicht zurückkehren. 

Zu viel Konkurrenz, zu viele Pleiten unter Designern. Eher würde es sie aufs Land ziehen – zu 

ihren Eltern, nach Neutrebbin. Doch das Ruhrgebiet hat auch seinen Reiz: „Die Leute sind noch 

nicht so übersättigt.“ Dabei geht es ihr nicht ums Geld. „Det ist eenfach schön, dass denen meene 

Sachen jefallen“, sagt sie leise – nur um dann wieder aufzuspringen. ◆ 

Yvonne Wadewitz ist am 30. Mai 1982 in Neutrebbin nahe Frankfurt/Oder geboren. Nach der Grundschule 

besuchte sie die Staatliche Ballettschule Berlin. Ab 2000 tanzte sie am Aalto-Theater. Von 2005 bis 2007 

schulte sie dort zur Herrenmaßschneiderin um. Seit 2007 entwirft sie neben der Theaterarbeit ihre eigene 

Mode, die es exklusiv im Heimatdesign-Shop gibt. Kontakt: www.yvonne-wadewitz.de 

Fotografie Reza Nadji, Studio Zirkus | Make-Up/Haare Hanna Meier 

Models Karin, Sascha | Mode Yvonne Wadewitz 

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Schwarzwaldkirsch 

Klappe, die zweite! 

text Nina Maassen 

Das junge Designer-Duo „Schwarzwaldkirsch“ entführt mit 

seiner neuen Kollektion in die Eleganz einer Filmära – und legt 

sich kurzerhand ein neues Image zu. 

Es war die Zeit der Nouvelle Vague – der dunklen Filme mit Schauplätzen meist in spärlich beleuchteten 

Gassen von Paris –, die mit neuer Bildästhetik die gesamte Filmbranche revolutionierte. 

Erinnert man sich an die alten Schwarz-Weiß-Bilder, so ist es vor allem der Kleidungs-Stil, der 

unweigerlich mit den Klassikern verbunden bleibt – und natürlich ein Vertreter des Genres, der diese 

Mode wie kein anderer verkörperte: Jean-Paul Belmondo. Seine geradlinige Eleganz feiert nun ein 

nicht minder graziöses Revival. 

Das Designer-Duo vom noch jungen Mode-Label Schwarzwaldkirsch (SWK) entwarf seine zweite 

Kollektion ganz in Gedanken an die großen Nouvelle Vague-Klassiker und betitelten die Reihe überaus 

passend: „Love me like Belmondo!“ Enge Röcke, große Knöpfe und schmale Krawatten dürfen 

so auch in der SWK-Serie nicht fehlen, dabei setzen Jörn Quellmann und Sara Bönsch auf exklusive 

Qualität, die bis zu kleinen Kunstwerken aus reiner Seide reichen. 

Mit ihrer ersten Kollektion „Trallafitti“ hatten sich die beiden Modekünstler auf knallige Streetwear 

konzentriert und somit ein junges Käufer-Publikum angesprochen. Den Mix aus unterschiedlichen 

Materialien und Farben ersetzen sie nun in der Belmondo-Serie durch eine bewusste Reduzierung 

der Farben auf Schwarz-Weiß-Cocktails. Die edlen Stoffe und femininen Schnitte sollen neue 

Käuferschichten ansprechen und bewusst das Image des anfänglich wilden Jugend-Labels hin zu 

eleganter Fashion verschieben. 

Auch wenn sich ab dem nächsten Sommer manche bisherige Kundin vielleicht von der neuen 

Kollektion nicht begeistert zeigen wird, erweist „Schwarzwaldkirsch“ mehr denn je seinem Namen 

alle Ehre: „Schwarze“ Eleganz, kombiniert mit „waldiger“ Natürlichkeit und „kirsch“-roter Leidenschaft 

werden mit der Belmondo-Kollektion in idealer Weise interpretiert. Das Hattinger Label setzt 

auch weiterhin auf ökologisch gefertigte Materialien aus regionaler Produktion und hofft, mit diesem 

Konzept seinen Platz auf dem europäischen Markt weiter ausbauen zu können. 

Letztlich enthält „Love me like Belmondo“ alles, was einer rundum gelungenen Hommage an den 

Kult einer Filmära bedarf. Trotzdem bewegt sich die Kollektion abseits bloßer Nostalgie, denn 

Schwarzwaldkirsch schafft es, die klassisch-strengen Schnitte mit gegenwärtiger Lässigkeit zu verknüpfen. 

Eine filmreife Gasse für den Belmondo-würdigen Auftritt findet sich so nicht nur in Paris. ◆ 

Sara Bönsch (30) und Jörn Quellmann (25) lernten sich während ihrer Schneiderausbildung kennen. 

Gemeinsam kreierten sie 2006 das Mode-Label „Schwarzwaldkirsch“, unter dem sie im Januar 2007 ihre 

erste Kollektion präsentierten. Für das Frühjahr 2009 entwarfen sie nun ihre zweite Mode-Reihe, die in 

Deutschland bei 25 Einzelhändlern erhältlich sein wird. Sie wohnen in einem Reihenhaus in Hattingen. 

www.schwarzwaldkirsch.de 

Fotografie Mathias Schmitt | Styling Laura Azura Feldhoff 

Make-Up Sabrina Holtmann | Models Sandra & Patrick 

Mode Sandra trägt Schwarzwaldkirsch, Patrick trägt Diesel/Diesel Black Gold 

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fym 

Mittsommernachtstraum 

für Mädchenfrauen 

text Sascha Abel 

Namen sind Schall und Rauch. Nur gut, dass hinter Fym mehr 

steckt als ein schöner Klang. 

Fym – das klingt nach Feenwald und zarten Elfenwesen. Barfuß huschen sie durch einen lauen 

Sommerregen. Tänzeln über Stock und Stein, von Ast zu Ast und halten sich an den Händen. Wenn 

Fym aber nicht mehr wäre als das – es wäre ganz schön langweilig. Das Designduo „Frida y Maya“ 

macht Fym zu einem zeitgemäßen Label für selbstbewusste Mädchenfrauen. 2007 haben Frida 

Staeckel und Maya Jakobs sich zusammengetan. Sie wollten Mode entwerfen für Frauen, die das 

Besondere zu schätzen wissen. Dass sie sich dabei von Vorbildern wie Yves Saint Laurent oder 

Givenchy haben anregen lassen, ist nicht von der Hand zu weisen. Während Givenchy für sinnliche 

Weiblichkeit und eine perfekte Schnittkunst steht, verstand es Yves Saint Laurent seit jeher, Traditionen 

durch unerwartete Neuerungen zu brechen. Ein Spagat, vor dem die beiden Designerinnen mit 

ihrer Kollektion „Moritzburg“ nicht zurückschrecken. Inspirieren ließen sie sich dazu vom gleichnamigen 

Barockschloss bei Dresden. Herausgekommen ist eine Mode, die den Betrachter ins 17. 

Jahrhundert zurückversetzt: etwa in Gestalt eines königsblauen Kleids mit einem in hundert kleine 

Fältchen gelegten Rüschenkragen. Die nötige Modernität kommt durch die Länge: Es reicht seiner 

Trägerin bis zum Knie. Frida und Maya zitieren vergangene Epochen, ohne sich in ihnen zu verlieren. 

Eine schneeweiße Bluse mit historisch nachempfundenen, hammelkeulenartigen Ärmeln erinnert an 

die Biedermeierzeit. Ein extra hoher Stehkragen und die dazu kombinierte Taillenhose mit Dreigürtelsystem 

übersetzen den Look ins Hier und Jetzt. Und dann die Details: eingearbeitete Biesen, 

Paspeln und Borten, aufgenähte Stickereien und Blenden, verdeckte Knopfleisten, ganze Kleider sind 

in Falten gelegt. All das zeugt von viel Arbeit – und einer akribischen Detailverliebtheit: Vom Schnitt 

bis zur Veredelung entsteht Fym in Handarbeit. Auf sorgfältige Verarbeitung, auf Fasern, die sich 

auf der Haut gut anfühlen, legen Frida und Maya viel Wert. Damit die Fym-Frau ganz unbeschwert 

durch den lauen Sommerregen huschen kann. Über Stock und Stein, von Ast zu Ast, direkt ins Büro. ◆ 

Frida Staeckel, 32, stammt aus Bautzen bei Dresden. Nach Zwischenstationen in Argentinien, Montreal 

und Panama ließ sie sich an der Elly-Heuss-Knapp-Schule in Köln zur Damenschneiderin ausbilden. 

Im gleichen Jahrgang traf sie dort auf Maya Jakobs (28). Nach der Ausbildung entschieden sich beide, in 

Köln das Damenlabel Fym zu gründen. 

www.fymkosmos.de 

Fotografie Mark Ansorg | Assistenz Dorit Eichmann | Make-Up Sabrina Holtmann 

Models Luise, Esther, Kathlyn Marie 

Mode FYM, Kollektion Moritzburg | Location Schloss Nordkirchen 

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fym


Mazine 

Wer bist du denn? 

text Petra Engelke 

Streetwear von Mazine ist für Individualisten gedacht. Die Köpfe 

hinter dem Label bleiben lieber incognito. 

Schaut man sich Tom Ford, Karl Lagerfeld oder Wolfgang Joop an, bekommt man den Eindruck, 

jeder Modeschöpfer mache einen Riesenbohei um seine Person. Dabei engagieren immer mehr 

große Modelabels inzwischen Designer, die sich hinter dem Markennamen bescheiden zurücknehmen. 

Das Mülheimer Streetwear-Label Mazine geht noch einen Schritt weiter und gibt die Ego- 

politur einfach weiter: Who are you?, fragt es in seinem Claim. Schließlich unterstreichen die Leute, 

die ihre Kollektionen mögen, damit ihre Persönlichkeit. 

Bei den Entwürfen denkt das siebenköpfige Design-Team nicht kleinteilig über Schnitte, sondern 

über ganze Silhouetten nach. Die sind recht langlebig, wenn sich die Nuancen auch ständig ändern – 

das bedeutet Zentimeterarbeit in Länge und Weite. Eins ist allen gemein: Die Klamotten sind 

seit einer Weile eher eng als „baggy“. Hosen, Hemden, Soft Shell-Jacken, Strickpullover, Kapuzensweater, 

T-Shirts: Rund 250 Teile hat die aktuelle Kollektion, und die wiederum gibt es in verschiedenen 

Farben – und mit erfrischenden Details, zum Beispiel violett abgesetzten Reißverschlüssen 

oder Neon-Kapuzenbändern. Blockstreifen laufen bei Mazine gerne mal diagonal, grafische Muster 

ziehen sich fein ziseliert über sportliche Jacken. 

Verkaufen lässt sich das an vielen Orten, aber die Mazine-Macher suchen sich sehr genau aus, in welchen 

Läden sie herumhängen möchten. Und Firmenporträts oder Modestrecken-Shootings lehnen 

sie konsequent ab. Mit dieser einen Ausnahme. Dafür denkt man sich erst recht etwas Passendes 

aus: Als hätte es ein zickiger Modegott so verordnet, wird der Zwirn in der Heimat präsentiert – von 

Menschen auf der Straße. Für sie hat man bei Mazine noch mehr Fragen, die sich jeder stellen soll: 

Ist mir das zu weit, zu groß, zu schmal, zu lang zu eng, zu kurz – passt das zu mir? Bei der Antwort, so 

versichern sie, hilft nur zweierlei: anprobieren und ausprobieren. ◆ 

Fotografie Jens Oellermann 

Models Annika, Elena, Simone, Christian, Peter 

Mode Mazine 

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heimatlied | nr. 5 

Eichbaumoper 

Indie-Arien von nebenan 

text Volker K. Belghaus | fotografie Christine Steiner 

Applaus: Aus der Straßenbahnhaltestelle „Eichbaum“ soll 

eine Oper werden. 

So sieht also die Moderne aus, wenn sie alt geworden 

ist: rissiger Beton, beschmierte Wände, 

siffige Ecken. Vor 30 Jahren stand die Haltestelle 

„Eichbaum“ der Linie U18 zwischen Essen und 

Mülheim für moderne Infrastruktur; auf dem 

Mittelstreifen der A40 fuhr die U-Bahn dem 

Stau davon. Heimaterde heißt der dazugehörige 

Mülheimer Stadtteil zwar ganz betulich, die 

Haltestelle ist aber zum Schauplatz für Überfälle 

und Vergewaltigungen verkommen. Dieser Ort 

braucht Veränderung, dachten sich die Architekten 

vom „raumlabor_berlin“. Gemeinsam mit 

dem Schauspiel Essen, dem Musiktheater im 

Revier Gelsenkirchen und dem Ringlokschuppen 

Mülheim fordern sie: „Eichbaum muss Oper 

werden!“ 

Bemerkenswert am Standort „Eichbaum“ ist 

erstens seine Lage abseits der Kulturhochburgen 

66 

wie Zollverein, zweitens die Indie-Ausrichtung 

des ganzen Projekts. Ein Opernhaus stellt man 

sich anders vor – aber Puccini fürs Abendkleidpublikum 

darf man hier ohnehin nicht erwarten. 

Dafür sorgen schon Namen wie Bernadette la 

Hengst: Die Berliner Elektro-Chanteuse schreibt 

mit an der Oper, die speziell für diesen Ort gedacht 

ist und hier im Juni 2009 Premiere feiern 

wird. Neben la Hengst arbeiten Komponisten 

und Theaterleute wie der New Yorker Dirigent 

Ari Benjamin Mayers an dem Projekt mit. 

Damit die Musik den Charakter des Ortes ein- 

fängt, werden die Komponisten in der Opern- 

bauhütte arbeiten, einem Pavillon, der gleichzeitig 

Raum für Konzerte und Vorträge bietet – 

hoffentlich keine vorübergehende Aufhübschung 

widriger Architektur, die sich nach dem 

Kulturhauptstadtjahr 2010 erledigt hat. 

Immerhin arbeiten beim Eichbaum-Projekt drei 

Ruhrgebietsstädte zusammen, was in der hie- 

sigen Kulturpolitik nicht selbstverständlich ist. 

Die Macher geben sich optimistisch: Sie setzen 

auf den Erfolg dieses ungewöhnlichen Konzertortes, 

weil sie die Bevölkerung und speziell 

die Anwohner explizit einbinden. So ist die 

geplante Opernpremiere nur Zukunftsmusik, in 

der Zwischenzeit geben Veranstaltungen wie 

die OpernbauBar Gelegenheit, den künftigen 

Kulturort kennenzulernen. ◆ 

Opernbauhütte an der U18-Haltestelle Eichbaum, 

mi & do 14-19 Uhr 

OpernBauBar: DJs, Konzerte, Vorträge, Kino etc. 

18.12./15.01./19.02., jeweils 20 Uhr, Eintritt frei. 

www.eichbaumoper.de

WWW.DESIGNERSFAIR.DE 

www.kuenstlerhaus-dortmund.de 

2009 

MESSE FÜR JUNGES 

MÖBEL‐ UND INTERIORDESIGN 

BY SUPPORTED BY 

18. ‐ 25. JANUAR 2009 

RHEINTRIADEM KÖLN

heimatlied | nr. 5 

68 

Philipp Bückle 

Kitsch-Kanonen auf 

Spaß-Spatzen 

text Tom Thelen | illustration Thomas Armborst 

„Never Forget“ von Take That ertönt – und wildfremde 

Menschen liegen sich in den Armen. Über das Retro-Phänomen 

„Eurodance“ spricht der Dortmunder DJ Philipp Bückle. 

Niemals vergessen haben wohl viele die 80er 

und 90er. Doch was ist passiert, dass jetzt 

auf immer mehr Partys die musikalischen Mainstream-Ergüsse 

jener Jahre gefeiert werden? 

Billige Techno-Beats mit gepitchten Stimmen, 

hirnzersetzenden Texten und „Melodien“, 

schmierige Boygroup-Schmachtfetzen und 

lausiger deutschsprachiger HipHop der frühen 

Tage liegen im Trend. 

Der 29-jährige Philipp Bückle ist eigentlich einer, 

von dem man eine Party-Reihe wie „Eurodance“ 

gerade nicht erwartet. In den Tagen seiner 

musikalischen Sozialisation war jener Sound für 

ihn schließlich der Staatsfeind Nummer Eins: 

Von punkiger Gitarrenmusik kommt er her, seit 

Mitte der 90er veröffentlich er als „team|forest“ 

intelligente elektronische Klänge auf Liebhaberlabels 

wie Morr Music oder Aesthetics und macht 

inzwischen hauptberuflich Musik. 

Und doch legt er als DJ bei Abenden auf, die 

von ironiefesten Akademiker-Hipstern genauso 

besucht werden wie von voll tätowierten Hardcorejüngern 

mit Attitüde und echten Fans mit 

Strähnchen und Lebensalter. Wie kommt das? 

„Ich habe immer auch Partymusik aufgelegt und 

dabei festgestellt, dass ‚Musik, die jeder kennt‘ 

einfach gut läuft. Wir haben dann gelegentlich 

diese ‚Special’-Abende gemacht, etwa zu Karneval 

oder als Borussia Meister wurde.“ Diese Musik, 

die jeder kennt, sind Knaller wie „I Like To Move 

It“, Hüpfmusik von den Rednex oder Whigfields 

„Saturday Night“. 

Bückle spricht manchmal von „schwer auszuhaltender 

Musik“, sieht bereits die Kelly Family am 

Horizont erscheinen und schwärmt doch von 

der Stimmung bei den Partys. Fast alle Gäste 

wünschen sich Songs, inzwischen geht schon ein 

Klemmbrett durch die Reihen zum Notieren der 

Hits, Hits, Hits. Wie lange das wohl zu erleben 

sein wird, vermag der DJ nicht zu beurteilen. 

„Die Ü30-Partys gibt es jetzt schon ewig, mit den 

Eurotrash-Abenden sind wir erst am Anfang 

der Welle.“ Es bleibt also abzuwarten, ob dieses 

tendenziell regressive Phänomen Bestand 

haben wird, oder ob es nur ein kurzes, spaßiges 

Gastspiel in der immer schnelleren Folge der 

Retro-Wellen ist. Zum Glück ziehen sich die Partygäste 

wenigstens nicht so an wie damals. ◆ 

Eurodance 

jeden 1. Samstag im Monat ab 23 Uhr 

Silent Sinners, Rittershausstr. 65, 44137 Dortmund

www.ruhr2010.dortmund.de 

nectar

heimatlust | nr. 5 

Bergmann Bier 

Über den Durst 

text Jan-Peter Wulf | fotografie Julia Reschucha 

Jahre nach dem Niedergang von Dortmunds Ruf als Bierstadt 

braut einer ein Bier in Kleinauflage – die Branche hält das für 

eine Schnapsidee. So kann man irren. 

Akkurater Haarschnitt, kariertes Hemd, sympathisches 

Auftreten, Doktortitel im Fach Mikrobiologie: 

Einen verrückten Menschen stellt man 

sich irgendwie anders vor. Doch als Thomas 

Raphael Branchenkennern von seiner Idee erzählte, 

ein Mikrobier auf den Markt zu bringen, 

hieß es: Total verrückt sei er, ein Spinner. Ohne 

großen Industriepartner im Rücken? Ohne 

Marketingkonzept? In kleinen Mengen? Und 

dann auch noch ein Exportbier? Das trinkt doch 

keiner mehr. Funktioniert doch alles nicht. 

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„Man muss sich an etwas herantrauen, das 

eigentlich gar nicht geht. Das hat mir ganz neue 

Perspektiven eröffnet“, berichtet Thomas Raphael. 

Auch in Bezug auf Dortmund. Dort gefiel 

seine Idee, ein eigenes Vintage-Bier zu brauen. 

Die Stadtväter ließen speziell für das Unternehmen 

Bergmann einem alten Kiosk am Hohen 

Wall, schmuckes Relikt aus den Fünfzigern, neues 

Leben einhauchen. Ein Dachdecker stellte 

dem Team spontan seinen stilechten Kleinlaster 

(Barkers Framo, Baujahr 1961) zur Verfügung. 

Rund 50 Läden und zahlreiche Gastronomien 

verkaufen das Bier mittlerweile. Es gibt es ein 

Bergmann-Brot und sogar ein Bergmann-Eis. 

Regelmäßig treffen E-Mails von Leuten ein, die 

dem Bier zu weiterem Erfolg verhelfen wollen. 

Ehrenamtlich. „Es sind die vielen kleinen Punkte 

der Unterstützung, von denen unsere Idee lebt“, 

so Raphael. Noch während wir uns am Bergmann-Kiosk 

unterhalten, tritt ein örtlicher Büdchenbesitzer 

auf Thomas Raphael zu und fragt, 

fast etwas verschüchtert, ob auch er Bergmann 

verkaufen dürfe. 

Da kommen Erinnerungen an große Zeiten 

hoch: Dortmund war mal die Bierstadt Nummer 

Eins in Europa. 1796 gegründet, verkaufte die 

Bergmann Brauerei ihr Bier bis in die frühen 

70er Jahre in der Stadt und hatte, als kleinste der 

acht städtischen Brauereien, stets einen festen 

Nischenplatz neben den großen Marken. Als 

dann alle Betriebe dicht gemacht oder von Kon- 

zernen geschluckt wurden, verschwand auch die 

Marke Bergmann von der Bildfläche.

2005 wurde sie vom zwischenzeitlichen Eigentümer, 

der Union-Ritter Brauerei, endgültig aufgegeben. 

Lichter aus. Doch schon nach kurzer 

Zeit gehen die Lichter wieder an: Mehr durch 

Zufall stößt Thomas Raphael im Markenregister 

auf den Löschungsvermerk. Eigentlich hatte er 

dort etwas ganz anderes gesucht. Prompt sichert 

er sich die Rechte – „ohne wirklich zu wissen, 

was man damit anfangen soll.“ 

Erst dann keimt die Idee, selbst Bierbrauer zu 

werden. Zusammen mit Freunden setzt er die 

ersten Sude auf, Gebräue im wahrsten Sinne, 

denn die Bergmann-Originalrezepte sind nicht 

mehr verfügbar. Also entwerfen die Bergmann- 

Pioniere in umliegenden Kleinbrauereien eigene 

Kreationen in Anlehnung an klassische Sorten 

wie Pils, Schwarzbier oder Export – einst der 

Biertypus der Stadt schlechthin. „Wenn sich herausgestellt 

hätte, das wird nichts, dann hätten wir 

den Rest eben selbst ausgetrunken.“ Doch das 

Ergebnis schmeckt nicht nur ihnen, sondern 

vielen freiwilligen Testern. Nächste Aufgabe: 

der Auftritt der „Marke Eigenbrau“. Dafür geht 

es erst einmal in das private Archiv von Theo 

Sobkowiak, einem fleißigen Sammler alter 

Bergmann-Requisiten vom Bierdeckel bis zur 

Leuchtreklame. 

Ein wunderbares Sammelsurium, leider ohne 

stringentes Corporate Design: „Das Logo und 

die Schriften wurden von den alten Markeninhabern 

sehr oft gewechselt oder durcheinander 

verwendet“, erklärt Nardin Moadel. Die 

Diplom-Designerin vereint im neuen Etikett das 

traditionelle, kräftige Rot, die Buchstaben DBB 

(für Dortmunder Bergmann Bier) sowie Hammer 

und Schlägel als Symbole des Bergbaus. Das 

ist alles. Das reduzierte, farbintensive Design 

gibt den Flaschen eine enorme Fernwirkung. 

Schließlich ist die Gestaltungsmaxime „weniger 

ist mehr“ bei Bier-Etikettierungen eher Ausnahme 

denn Regel. 

Auch mit neuen Flaschenmodellen, die die bis- 

lang genutzten Standardflaschen ergänzen oder 

ersetzen könnten, liebäugelt das Bergmann- 

nr. 5 | heimatlust 

Team. Zum Beispiel mit weinflaschenartigen 

Formen oder Bügelflaschen in Sondergrößen. 

Kostspielige Umrüstzeiten und Spezial- 

Abfüllmaschinen, die es bis dato nur fernab des 

Verkaufsgebiets gibt, lassen diese Pläne vorerst 

Visionen bleiben. Aber in der eigenen Braustätte, 

die gerade in der Dortmunder Schäferstraße 

entsteht, werden sich die „Bergmänner“ bald so 

richtig austoben können. Ein neues, altes Bier 

ist bereits in Planung: „Es heißt Adambier und 

stammt aus dem Mittelalter“, verrät Thomas 

Raphael. Mittelalter? Total verrückt. Funktioniert 

doch alles nicht. ◆ 

Bergmann-Kiosk: Hoher Wall 36, mo-fr 16-20, 

sa 10-20 Uhr 

www.bergmann-bier.de 

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heimatlust | nr. 5 

Ortsbegehung 

Brauerei der Schelme 

text Grobilyn Marlowe | fotografie Thomas Skroch 

Zwei Adlige namens Gisbert, ein torkelnder Hans Albers, eine 

antike Brauerei, mutige belgische Kriegsgefangene und der Strukturwandel 

im Ruhrgebiet: Im alten Gut Brünninghausen am 

Eingang des Dortmunder Rombergparks laufen die Fäden zusammen. 

Geballte Ruhrpotthistorie trifft hier auf westfälische 

Schnurren, politischer Irrweg auf den wachsenden Widerstand 

der Steuerzahler. 

Wenn man die Treppe der U-Bahnhaltestelle 

„Rombergpark“ hinabsteigt, liegt es gleich zur 

Linken: Ein Ensemble aus fast 200 Jahre alten 

Gebäuden in einer seltenen Mischarchitektur 

aus den Anfängen der Industriellen Revolution. 

Von dem ursprünglichen Gutshof erhalten sind 

u.a. ein villenartiges Herrenhaus, Stallungen, 

eine Schmied-Wohnung sowie ein rotgeziegeltes 

Brauereigebäude samt Katakomben. Erbauen 

lassen hat dies alles um 1820 Freiherr Gisbert I. 

von Romberg (1778-1859), als Ergänzung zu sei- 

nem heute nicht mehr erhaltenen Schloss. Gisbert 

I. residierte hier bis zu seinem Tod als ziem- 

72 

lich reicher Adliger, Bergwerksbesitzer, Politiker 

und Reformer. Nicht nur der eigentliche Tiefbau 

wurde auf seinen Zechen begründet, er war es 

auch, der 1799 die erste Dampfmaschine aufstellen 

ließ. Der erste Strukturwandel von Landwirtschaft 

zur Industrie war eingeleitet. Sein wilder 

Enkel und Erbe, Gisbert II. (1839-1897) verstand 

Opas Reichtum zwar zu mehren – schmiss aber 

mit der Kohle nur so um sich. 

Gern zerdepperte er bei seinen volksnahen Gela- 

gen sämtliches Geschirr, zerschoss die Scheiben 

seines Schlosses, raste mit seinem Gespann über 

Stock und Stein und foppte die anderen Adligen, 

wo er nur konnte. Heute ist er landesweit legen- 

där und gilt als westfälisches Äquivalent zu 

Eulenspiegel und Münchhausen (und so ganz 

nebenbei auch als Erfinder des Dortmunder 

Rennsports): „Der Tolle Bomberg“ nannte 

Joseph Winckler ihn in seinem Roman, der 

in den fünfziger Jahren mit Hans Albers und 

Harald Juhnke äußerst berauschend verfilmt 

wurde. Doch das Gut weist noch andere historische 

Bezüge auf. Während des Nationalsozialismus 

waren hier belgische und französische 

Kriegsgefangene interniert. Die erlaubten sich 

eine damals lebensgefährliche Schelmerei: 1943 

verewigten sie sich und die belgische Krone 

mit Hammer und Meißel im Sandsteinbogen 

der Brauerei. Man kann ihre Namen noch heute 

dort lesen. Ob das so bleibt, ist fraglich. Dem Gut 

droht laut städtischem Wirtschaftsförderungsbericht 

der Komplett-Abriss, wenn ein zukünftiger 

Wellness-Investor es denn so wünscht. Eine 

Bürgerinitiative läuft dagegen Sturm: Wären die 

faszinierenden Gemäuer restauriert nicht ein 

genialer Ort, sich im Jahr 2010 als echte Kulturhauptstadt 

zu präsentieren? Der Tolle Bomberg 

hatte damals jedenfalls schon ein passendes 

Trinklied: „Wir bleiben, was wir waren, der 

Schrecken der Barbaren.“ ◆

heimatgedanke | nr. 5 

Marke Eigenbau 

Die Revolution des 

Selbermachens 

text Jan-Peter Wulf | illustration Annika Janssen 

Raus aus den Kellern: 

Handwerken ist sexy! 

74 

Do it yourself: einst belächelt, jetzt begehrt. Das 

Web 2.0 macht möglich, dass handgemachte 

Lampen, Stofftiere, Schmuckstücke, Schuhe und 

viele andere Dinge heutzutage weltweit erstan- 

den werden können. Ein Webshop lässt sich als 

Plugin kinderleicht auf dem eigenen Blog installieren, 

große Reichweiten für Selbstgemachtes 

bieten einschlägige Portale wie DaWanda oder 

Etsy. Mit dem Phänomen, das Holm Friebe 

(Mitautor von „Wir nennen es Arbeit“) und 

Thomas Ramge (schreibt u.a. für brand eins) in 

ihrem Buch „Marke Eigenbau“ beschreiben, 

verhält es sich ein bisschen wie mit der neuen 

Hinwendung zur Ökologie: früher kratzender 

Idealismus in Schafwollsocken, heute salonfähiger 

Pragmatismus in selbst entworfener Eco- 

Chic-Kleidung. Früher schrulliges Selbstbau- 

Liegerad, heute liebevoll handgefertigte Holzfahrräder 

für den Nachwuchs. 

Das Buch dazu ist Hintergrundliteratur für den 

gut sortierten Werkzeugkasten – voller Beispiele 

und Erfolgsgeschichten. Die Marke Eigenbau, 

sagen Friebe und Ramge, schüttelt die Welt der 

Massenproduktion kräftig durch: Skalen- und 

Verbundeffwekte, früher Vorteile auf Fabrikseite, 

stechen nur noch bedingt. Jetzt trumpfen die 

Kleinen: Wir machen es besser, schöner, in- 

dividueller. Oft auch teurer. Aber das wird ge- 

würdigt: Denn die Selbermacher verschleiern 

die Herstellung nicht mehr, sondern legen sie 

offen, machen Wertschöpfung und Wert sichtbar. 

„True Economy“ heißt das Stichwort. Oder 

„Fabrikation Open Source“. 

Das birgt Möglichkeiten über unsere direkte 

Umgebung hinaus: Offene Bauanleitungen für 

lokal benötigte Produkte, hergestellt von DIY- 

Teams vor Ort, könnten eine zeitgemäße 

Variante der Entwicklungshilfe werden, die 

früher nur Waren anlieferte. Schon jetzt gibt es 

in Regionen, die von den Güterzyklen der 

Welt abgeschnitten scheinen, so genannte „fab 

labs“: kleine Labore, in denen mit modernster 

Technologie beispielsweise Ersatzteile für 

Fahrzeuge hergestellt werden. Da bekommt der 

abgenutzte Begriff der Selbsthilfe auf einmal 

ganz neuen Glanz. ◆ 

Holm Friebe, Thomas Ramge: Marke Eigenbau. 

Der Aufstand der Massen gegen die Massenproduktion. 

Campus Verlag, 240 Seiten, 19,90 Euro.

Ein Ansprechpartner, viele Experten... 

Der Mittelstand ist 

der wichtigste Impulsgeber 

für Wirtschaftswachstum 

und Innovation. 

Wir fördern ihn seit 

unserer Gründung. 

http://dovoba.mobi www.dovoba.de 

Das Ergebnis: 

Eine gewachsene, 

enge Partnerschaft, 

in der wir unsere Ziele 

gemeinsam erreichen.


Essen Hauptbahnhof 

Die Ästhetik des 

Übergangs 

text Volker K. Belghaus | fotografie Marc Hinz 

Das Ziel ist der Weg: Der Essener Hauptbahnhof wird bei laufendem 

Betrieb umgebaut, was zu gewissen Irritationen führt. 

Richtung Freiheit geht’s nach links. Eigentlich. 

Erst mal ist nämlich kein Durchkommen zu die- 

sem Platz hinter dem Essener Hauptbahnhof, 

dessen U-Bahn-Zugänge bis vor kurzem mit 

Würstchenbuden und kargem Restgrün umstellt 

waren. Es braucht schon Fantasie, eine urbane 

Mittelmäßigkeit wie diese „Freiheit“ zu nennen. 

Der direkte Weg dorthin ist durch eine hohe 

Bretterwand versperrt – darauf ein Plakat: Ein 

surrealistischer Comic-Maulwurf in Trenchcoat 

und Hütchen, der einen Hund Gassi führt, steht 

vor einem Lageplan. „Wir bauen für sie!“ 

76 

Ja, schön. Abgesehen davon, dass man lieber 

nicht wissen möchte, welchem Hirn dieses biedere 

Bahn-Baustellenmaskottchen entwichen 

ist – ist denen schon mal aufgefallen, dass ein 

Maulwurf zwar buddelt, aber gleichzeitig blind 

wie die Nacht ist? Unter dem Plakat hocken 

zwei gleichgültige, dönerkauende Jugendliche; 

nebenan, bei McDonald’s, ein Aushang: Heute 

kein Kaffee wegen defekter Maschine. Nicht 

einmal darauf ist noch Verlass. 

Der Essener Hauptbahnhof ist seit einigen Monaten 

ein Ort der Veränderung. Schöner soll er 

werden und heller – kulturhauptstadtiger eben. 

Das bedeutet Komplettumbau bei laufendem 

Betrieb. Trotz Baustelle werden weiterhin täglich 

rund 150.000 Fahrgäste durch die Baustelle ge- 

lotst, müssen Umwege gehen und täglich neue 

Überraschungen erleben. Wo gestern noch der 

Zugang zum Gleis möglich war, enden Wege 

heute im Nichts. Die Menschen legen eine 

zielstrebige Orientierungslosigkeit an den Tag; 

sie erregen sich laut oder ertragen es stumm. 

Aber man kann sich ja durchfragen. Im Zugang 

der S-Bahngleise hinter McDonald’s stehen zwei 

Mitarbeiter der Bahnhofsmission unter einer 

defekten Uhr, die mit Klebeband „durchgestrichen“ 

wurde. Auf den blauen Thermowesten 

prangt das Missionskreuz; ist es schon so weit 

gekommen? Hilft jetzt nur noch beten? Nein, 

die beiden machen sich ganz weltlich nützlich, 

geben Auskunft oder tragen Kinderwagen an die 

Gleise. 

„Ich hab mich so an dich gewöhnt“ sang die Knef 

vor Jahren, und wie mit Lebenspartnern scheint 

es auch mit Gebäuden zu sein: Es wird einem 

doch melancholisch zumute, wenn etwas verän- 

dert oder abgerissen wird. So ist der geschlossene 

Kiosk auf Gleis 11 zum Pausenraum für die 

Bauarbeiter geworden. An der Tür hängt noch 

der Abschiedsgruß der Vorgänger, die sich bei 

den Kunden „für das jahrelange Vertrauen“ be- 

danken. In der angeschlossenen Trinkhalle stan- 

den vor dem Umbau schon morgens jene Men- 

schen mit zuviel Zeit beim Bier in der zugequalmten 

Stehtischgemütlichkeit. Die Bahnsteige 

davor haben sich (noch) wenig verändert,

nr. 5 | heimatgedanke 

auf den gesperrten Treppen liegt Baustaub, von 

unten lärmen die Bohrhämmer. Es fehlt der typische 

Bahnhofsgeruch, dieser warme Bratwurst- 

Döner-Pommes-Kaffee-Drogerie-Dampf. Den 

Bäcker Kamps haben sie passenderweise in der 

ehemaligen DB-Betriebskantine untergebracht; 

turnhallengroß, mit Wänden in Klinkeroptik und 

der Atmosphäre eines Gemeindezentrums der 

80er Jahre. 

An der ehemaligen „Freiheit“, die bald ganz anders 

aussehen soll, sind die Buden verschwunden. 

Am Parkhaus brüllt ein fassadenhohes Pla- 

kat den Betrachter an, dass der Spieltreff trotz 

Umbaus geöffnet sei und weist mit einem 

riesigen Pfeil auf den Eingang eines Automatencasinos, 

das leider nicht dem Bagger anheim fiel. 

Ein Stück Asphalt ist quadratisch abgesperrt; 

außer einem Berg trockenen Laubs ist aber 

nichts zu sehen. Könnte Kunst sein, ist aber in 

seiner Sinnlosigkeit fast schon wieder rührend. 

Ein kleiner Stillstand in der Bahnhofshektik. 

Das Alte verschwindet, das Neue ist noch nicht 

ganz erkennbar. Diese Phase des Übergangs 

erzeugt eine ganz eigene, improvisierte Ästhetik 

des Gegenwärtigen. Die Kofferrampen, die mit 

ein paar Schaufeln Teer an den Bordsteinkanten 

aufgehäuft wurden, werden bald der Vergangenheit 

angehören. Richtig schön ist das alles nicht, 

aber wenn alles fertig ist, werden solche Eingriffe 

in den öffentlichen Raum nur noch Erinnerung 

sein. Wehmut? Das dann doch nicht. Eher die 

Trauer der Vollendung. ◆ 

77


Martinis 

Monstergeschichten 

78 

Das Monster und die Wahrheit 

„Warum hast du mich angelogen?” fragte der 

Dachs. 

„Ich bin nicht schwindelfrei”, sagte das Monster. 

• 

Das Monster zeigt sich tolerant 

Auf heiße Badetage oder lauschige Sommernächte 

hatte man in diesem Jahr vergeblich ge- 

wartet. Nach der allgemein als zu feucht empfundenen 

Jahreszeit, nach kühlen wie trüben 

Monaten August und September, färbten sich 

die ersten Blätter erst weit nach kalendarischem 

Herbstanfang rot. 

„Na endlich”, seufzte erleichtert der Fuchs, der 

seiner Meinung nach sowieso und jährlich über 

einen viel zu langen Zeitraum koplementärfarben 

durch Wald und Wiese schnüren musste 

und wünschte sich nichts lieber, als ein grünes 

Fell ab Mai und für den ganzen Sommer. 

„Meinetwegen, soll er doch machen”, gab sich 

das Monster konziliant. „Hauptsache, es beeinflusst 

nicht den Geschmack.” 

• 

Das Monster und die Hasen 

„Natürlich”, sagte der Dachs, „wenn du es so 

siehst, ist Morgenstern eher etwas für Weicheier.” 

Er gab dem Monster ein Paket echt fieser 

hardboiled Krimis mit, die es Abend für Abend 

verschlang. Es dauerte knapp zwei Wochen, 

dann träumte es nicht mehr in breitwandigem 

Technicolor, sondern in den harten Schwarz- 

Weiß-Kontrasten des film noir. ‚Geschafft‘, 

dachte das Monster kühl, als es am Morgen des 

dreizehnten Tages wach wurde. Kalter Niesel 

prasselte von bleigrauem Himmel aufs Dach. 

Das Monster frühstückte schwarzen Kaffee in 

sehr wenig Wasser und dazu Toastbrot mit Tabasco. 

Dann verließ es das Haus. Der Wind trieb 

jetzt Schneeflocken vor sich her. Das Monster 

streckte seine Pranke aus, eine Flocke landete, 

ohne zu schmelzen, unter eisblauen Blicken. 

Kaltblütig wie es war, schritt es aus und auf den 

Bau der Hasen zu. 

„Hallo Monster”, sagte der Hasenpapi. 

„Hallo Hasenpapi”, sagte das Monster. 

„Hallo Monster”, sagte die Hasenmami. 

„Hallo Hasenmami”, sagte das Monster. 

„Hallo Monster”, schrien fünf kleine Häschen im 

Chor. 

„Hallo Häschen”, sagte das Monster, „verdammt, 

ich bringe es einfach nicht fertig.” 

Zum Trost fraß es den Fuchs. 

„Danke, liebes Monster”, sagten die Häschen. 

Auch das noch. 

• 

Das nicht existierende Monster 

Der Tag begann gut für den kleinen Cockerspaniel. 

Die Sonne schien und er durfte zeitig 

raus um auf der Wiese vor dem Haus zu spielen. 

Mutig verbellte er den Briefträger und anschließend 

jagte er die getigerte Nachbarskatze. Dabei 

sprang er übermütig über den niedrigen Zaun, 

der den Garten begrenzte. Die Katze konnte fliehen, 

aber er entdeckte das Kaninchen, das aufs 

offene Feld flüchtete. Das verflixt schnelle Tier 

schlug Haken und raste mit einen Affenzahn 

auf ein niedriges Gebüsch am Rand des Ackers 

zu. Um Haaresbreite entkam es in seinem Bau. 

Schade, aber ein früher Schmetterling lenkte den 

kleinen Hund ab. Der taumelte knapp über dem 

Boden durch die warme Frühlingsluft. Beherzt 

setzte der Spaniel zum Sprung an, aber er konnte 

das im Licht bunt schillernde Flattermännchen 

nicht erwischen. Egal, Spaß machte es trotzdem 

und dann hatte er mit einem Mal die würzige

Witterung von Rebhuhn in der Nase. Der folgte 

er, bis er an den Waldrand kam. Dort verlor sich 

zwar diese Spur, aber tausend und ein anderer 

Duft lockten ihn immer tiefer in den Wald. Bis er 

merkte, dass er sich verlaufen hatte. 

Er versuchte, auf der eigenen Fährte zurückzufinden, 

aber da waren so viele Düfte und Gerüche, 

die ihn verwirrten. Ängstlich schaute er sich um. 

Panik kam auf. Dunkel und drohend standen 

mächtige Bäume um ihn herum, tief hingen die 

Zweige der Fichten, er spürte feuchtes Moos und 

glitschigen Moder an den Pfoten. Und er hatte 

schon so viel vom Monster gehört, dass es auch 

Hunde fressen würde, dass es sogar die schnellen 

Windhunde gejagt, gefangen und verschlungen 

habe. Und schlimmeres. All die Geschichten fielen 

ihm wieder ein, die man ihm in Welpentagen 

vorgelesen hatte. Aber der Cockerspaniel wusste, 

dass das Märchen waren, die nur erzählt wurden, 

um kleinen Hunden Angst zu machen. Damit sie 

nicht allein in den Wald liefen. 

Jetzt war er im Wald. Ein Wind kam auf und trieb 

raschelnd altes Laub vom letzten Herbst vor 

sich her. War der Wind nicht unnatürlich kalt? 

Spürte er nicht den eisigen Griff? Der nach 

ihm griff? 

„Äh... griff griff ”, lachte der gefleckte Stöberhund 

hysterisch, „griff griff ”, ging es in ein schrilles 

Bellen über. 

„Es gibt gar keine Monster”, sagte er sich. 

„Monster existieren nicht. Nur im Märchen gibt 

es die.” Er versuchte, sich zu beruhigen. Plötzlich 

knackte es hinter ihm im Unterholz. Der Cockerspaniel 

zuckte zusammen, drehte sich um. Ein 

roter Blitz raste auf ihn zu, drehte im letzten 

Moment ab und hetzte senkrecht den Stamm 

einer Buche empor. „Ein Eichhörnchen”, entfuhr 

es dem Hund. „Das hatte bestimmt genau so 

viel Angst wie ich. Da haben wir aber beide Glück 

gehabt.” Das Herz schlug ihm dennoch bis zum 

Hals und er zitterte am ganzen Leib. „Es gibt 

keine Monster, es gibt keine Monster, gibt keine 

Monster, gibt keine Monster”, wiederholte er 

immerfort, murmelte es als Sedativum mantraartig 

vor sich hin. 

Dann fraß ihn der Bär. 

Das Monster als Hypochonder 

„Bei den Kühen ist das Fleckfieber ausgebrochen”, 

sagte der Kräuterdachs. „Du könntest dich 

mal nützlich machen und mir helfen.” 

Das Monster kam, sah und siechte. 

• 

Das Monster und die 

Wollhandkrabbe 

Bei einem Abendspaziergang bei Ebbe am Meer 

stolperte das Monster über einen verfilzten 

Klumpen aus blau-weißem Material, fand keinen 

Anfang und kein Ende, aber komische Sachen 

darin. Es bückte sich, das Knäuel näher zu 

untersuchen. 

„Hallo Monster”, sagte die Wollhandkrabbe, die 

über den nassen Sand gelaufen kam. 

„Hallo Wollhandkrabbe”, sagte das Monster. 

„Was ist das?” 

„Seemannsgarn”, erwiderte die Krabbe, „Soll ich 

dir einen Matrosen stricken?” 

„Warum nicht”, entgegnete das Monster. 

Das Krustentier begann, behend bewegten sich 

die beiden Scheren und in kurzer Zeit war das 

Werk vollbracht. 

„Ahoi Monster”, sagte der Matrose, fand ein 

Boot und stach in See. 

„Es geschehen Dinge am Meer, die glaubst du 

nicht”, erklärte das Monster später dem Dachs. 

• 

Das Monster und das 

gefundene Fressen 

Der Fuchs. 

nr. 5 | heimatgedanke 

79


Birgit Graf 

Brief aus Berlin 

text Birgit Graf | illustration Thomas Armborst | portrait Dirk Rose 

Als ich nach Berlin umzog, war ich sehr erstaunt: 

In vielen Gesprächen mit Freunden und Be- 

kannten aus dem Ruhrgebiet musste ich herausfinden, 

dass einem Umzug in diese Stadt immer 

etwas nahezu Ideologisches zugrunde gelegt 

wird. Meine Gründe hingegen waren so banal, 

dass mir oftmals unterstellt wurde, ich würde 

meine wahren Beweggründe verschweigen. 

Tatsache ist, ich bin ein sehr ortsgebundener 

Mensch und ich kann noch heute guten Gewissens 

behaupten, ich hätte in Dortmund alt 

werden mögen. Ich glaube, vielen Bewohnern 

dieser etwas seltsamen Stadt ist überhaupt nicht 

klar, wie schön es dort ist. Regelmäßig, wenn 

ich zu Besuch bin, wandere ich stundenlang um- 

her und erfreue mich wahllos an allem, was ich 

sehe. Ein Sommer in Berlin ist aber tatsächlich 

etwas Tolles. Man kann jeden Tag zu einem 

anderen See fahren, in Parks rumlungern und 

Schiffen nachschauen. Wenn man sich jedoch 

darüber schlau machen möchte, was gerade 

getragen wird, so wird man zunächst in eine 

unbegrenzte Zahl an Sackgassen gejagt, gefüllt 

mit Klischees und Vorurteilen. Jeder Stadtteil ist 

ein Modeghetto. Kreuzberger gehen nicht zu den 

Zecken nach Friedrichshain, Neuköllner nicht 

nach Mitte, Ossis nicht in den Westen und so 

weiter. 

In Friedrichshain tragen die Menschen Bundeswehrchic 

mit Sebstgestricktem und oft bis in den 

späten Herbst hinein keine Schuhe. In Kreuzberg 

gibt es mehr Bioläden als Menschen, doch 

die sind in diesem Winter besonders schön. 

Oft wird die enge Jeans, die auch hier nicht 

totzukriegen ist, zu Hause gelassen und durch 

schwarze Strumpfhosen mit kurzen bunten 

Stoffröcken ersetzt, kombiniert mit schlichten 

80 

schwarzen Stiefeln bis knapp über die Waden. 

Selbst die bunte Inkamütze mit Ohrenschützern 

kann mich nicht stören. Und sogar die Männer 

sehen irgendwie gut aus. Wer schöne Menschen 

sehen will und nur einem Tag Zeit hat, sich in 

Berlin umzusehen, dem empfehle ich einen 

langen Spaziergang durch Kreuzberg. Doch wer 

wirklich was erleben will, der fährt nach Mitte, 

vorrausgesetzt, er hat sehr viel Humor. Dieser 

Stadtteil ist voll mit Fashionvictims à la Victoria 

Beckham: Leute, die Geld haben, aber eben 

nicht die geringste Ahnung, wie man den ganzen 

teuren Quatsch tragen soll. Hier kann man 

sehen, was garantiert nicht hip werden wird. 

Ein weiteres Phänomen ist der Prenzlauer Berg, 

der schon seit einiger Zeit ‚Pregnancy Hill’ 

genannt wird, was ich richtig doof finden würde, 

wenn es nicht so sehr stimmen würde. Dieser 

Stadtteil ist ein riesiges Reiche-Mädchen- 

Zimmer. Ihre Männer tragen weite braune oder 

graue Anzüge, sie selbst und ihre ein bis zwei 

Kinder sehen aus wie ökologisch gefärbtes 

Holzspielzeug. Ein Spaziergang durch Prenzlauer 

Berg ist ein bisschen wie ein Zoobesuch, in dem 

Sinne, dass man es gerne mal sehen würde, aber 

auch nicht stören will. Die zwei lustigsten Dinge 

sind mir dann aber doch in Neukölln aufgefallen: 

Der 16-jährige Junge trägt Vokuhila-Iro mit 

Strähnchen, was mich erfreulich an die Schwulenbewegung 

der frühen Achtziger erinnert. 

Das zweite ist das Ensemble aus Chucks und 

engen Jeans, das bei Jugendlichen im Mainstream 

gelandet ist, bei den Alternativen, genau 

wie zur meiner Zeit, aber auch immer noch 

getragen wird. Bewegung und Gegenbewegung 

sehen gleich aus, vielleicht mit dem kleinen Unterschied, 

dass die Modebewussten die Schuhe 

wegschmeißen, wenn sie Löcher kriegen, und 

die anderen sich erst dann damit raustrauen. Am 

Ende weist nun wirklich nichts darauf hin, dass 

es irgendwann mal langweilig werden könnte. 

Und wenn doch, ignorieren wir es.

www.macht–mich–schlau.de

Impressum 

Heimatdesign – Winter 2008/2009 

Verlag 

Heimatdesign GbR, 

Kleppingstr. 47, 

44135 Dortmund 

Fon: 0231- 950 03 28 

Fax: 0231 – 950 03 58 

info@heimatdesign.de 


Herausgeber 

Heimatdesign GbR 

Chefredaktion 

Petra Engelke (V.i.S.d.P.) 

Konzept, Marketing 

Marc Röbbecke 

Schlussredaktion 

Reinhild Kuhn 

Vertrieb 

Kay Berthold 

Art Direktion und Bildredaktion 

Bande – Für Gestaltung! 

(bandefuergestaltung.de) 

dasa-workflow-heimatdesign.qxd 13.10.2008 16:49 Uhr Seite 1 

J U N G E V I D E O - K U N S T I N D E R D A S A 

Sehschärfe: Die Welt hinter dem Bildschirm entdecken 

10 Videos und eine Installation reflektieren Mensch 

und Gesellschaft in der medialen Gegenwart 

5. September 2008 – 4. Januar 2009 

DASA 

Friedrich-Henkel-Weg 1–25, 44149 Dortmund 

Telefon 0231 9071-2479 (Information) 

Telefon 0231 9071-2645 (DASA-Terminbüro) 

www.dasa-dortmund.de 

Typografie „Klebo“ (Überschriften) 

Elena Schneider (radau-gestaltung.de) 

Titelbild 

Mark Ansorg 

Autoren dieser Ausgabe 

Sascha Abel, Volker K. Belghaus, Petra Engelke 

(p-eng.de), Wolfgang Kienast (Martini), Nina 

Maaßen, Grobilyn Marlowe, Mario Schulte 

(Birgit Graf), Tom Thelen, Tanja Wißing, 

Jan-Peter Wulf 

Fotografen dieser Ausgabe 

Mark Ansorg (markansorg.de), Bande – Für 

Gestaltung!, Marc Hinz (marchinz.com), 

Anna Kopylkow (photodesign-kopylkow.de), 

Reza Nadji (studiozirkus.de), Jens Oellermann 

(freelens.com/jens-oellermann), Julia 

Reschucha (reschucha-design.de), Dirk Rose, 

Mathias Schmitt (mathiasschmitt.com), 

Thomas Skroch (thomas-skroch.de), Kim 

Sperling (kimsperling.de), Christine Steiner 

(christinesteiner.net), Dennis Yenmez 

(dennisyenmez.de) 

Öffnungszeiten 

dienstags bis samstags 9 bis 17 Uhr 

sonntags 10 bis 17 Uhr 

montags geschlossen 

Illustratoren dieser Ausgabe 

Thomas Armborst (thomasarmborst.com), 

Stefan Becker (bckr.eu), Annika Janssen 

(radau-gestaltung.de) 

Anzeigen 

Marc Röbbecke (Ltg.), Frauke Hoffschulte 

Druck 

Druckverlag Kettler, Bönen 

papier 

Tauro Offset 120g/m2 

Auflage 15.000, Erscheinungsweise halbjährlich 

Ein Nachdruck der Texte oder Fotos in Heimatdesign 

– auch im Internet – ist nur mit schriftlicher 

Genehmigung des Verlages gestattet. Für 

unverlangt eingesandtes Text- und Bildmaterial 

wird keine Haftung übernommen.

www.medion.de

Kult[ur]getränk 

www.bionade.com

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