Musik im Raum - ZKM

Präsentieren jeweils neuer technischer Möglichkeiten, ohne zu wirklich gelungenen Kunstwerken zu
gelangen. Nur von relativ wenigen Werken glaube ich, dass sie das Ziel einer Zeit und Raum überwindenden
„mehrdimensionalen Setzung“ erreicht haben, welches Menschen dazu antreibt, dieses
Werk immer wieder zu hören, weiter zu studieren.
Das ist aber eigentlich nichts Besonderes und auch nichts Schlimmes. Schon immer war die
Produktion singulärer Kunstwerke begleitet von einer großen Zahl von eher experimentellen Versuchen,
Studien und spielerischen Improvisationen. Das ist auch im Bereich der traditionell komponierten
Musik und der anderen Kunstformen nicht anders.
Fatalerweise schreitet die technologische Entwicklung so schnell voran, dass man sich durchaus
ein Leben lang damit beschäftigen kann, die gerade wieder neuen technischen Errungenschaften, sei
es in Software oder Hardware, spielerisch auszuprobieren und eben mal damit ein Stück zu machen,
ohne ein einziges Mal lange darüber nachzudenken, was man gerade im ästhetischen, künstlerischen
Sinne fabriziert.
Vor dreißig Jahren waren das immer neue Synthesemodelle, dann kam die Sampling-Ära, wo
man jeden beliebigen Klang bearbeiten konnte, dann kamen Audioprogramme mit tollen Plugins,
die aus jedem beliebigen Signal einen bombastischen Knaller machen. Ich denke z.B. an die so beliebten
GRM-Tools. Schließlich kam – zum zweiten Mal – Surround und damit einhergehend immer
größere Lautsprechermatrizen, die man viel gezielter einsetzen kann, weil die heutigen Audiosysteme
es erlauben, Dutzende diskreter Kanäle = Lautsprecher individuell anzusteuern, also auch für
jeden Kanal eigene Berechnungen von Laufzeit etc. anzustellen.
Zwar gab es früher schon erstaunliche Lautsprechersysteme – man denke an den Phillips-Pavillon
mit seinen 400 Lautsprechern, für den Varése und Xenakis Werke schufen – aber diese waren in
der Regel zu wenigen Gruppen zusammengefasst, konnten also nicht einzeln angesteuert werden.
Anders ausgedrückt: Wir haben heute fantastische musiktechnologische Möglichkeiten im Vergleich
zu der Situation in den 1960er und 1970er Jahren, aber nutzen wir sie eigentlich auch künstlerisch
adäquat Manchmal hat man ja schon den Eindruck, dass das künstlerische Potential vieler
Werke aus der „Steinzeit“ der Computermusik keineswegs geringer ist als das, was heute mit viel
bequemeren Software- und Hardware-Instrumenten produziert wird. Vielleicht hatten die Zeiten,
in denen man einen Kaffee trinken gehen konnte, bevor der Computer ein klingendes Ergebnis ausspuckte,
zumindest diesen einen Vorteil hatten: Man musste mehr über sein Stück nachdenken und
konnte nicht so leicht und schnell etwas hinzaubern.
Heute sehe ich angesichts von Wellenfeldsynthese und immer mehr Studios, die sich mit der Zahl
ihrer Lautsprecher brüsten – ich tue das ja auch, gebe ich zu – die Gefahr, dass wir Musiker allzu
leicht der Versuchung erliegen, die Klänge auf unseren mit vielen Lautsprechern bestückten Decken
und Wänden hin und her und im Kreis zu schicken und dabei zu glauben, dass das alleine zusammen
mit anderen netten Effekten schon ausreiche, um ein Werk zum Kunstwerk zu machen. Wir vergessen
dabei vor lauter Spielfreude gern, wie schnell sich Effekte abnutzen, und dass der Einsatz von
akustischen Effekten nur dann erträglich bleibt, wenn er einem übergeordneten künstlerischen Ziel
untergeordnet ist, welches in sich tragfähig ist.
Übrigens ist eine solche Situation nichts grundsätzlich Neues: Wenn man einmal die etwa hundert
Jahre studiert, die von der Entwicklung des Klaviers zur heutigen standardisierten Form geprägt
sind, so findet man in dieser Epoche eine unglaubliche Zahl von immer verrückteren Klavieroder
Flügelmodellen mit Dutzenden von Hebeln für alle möglichen Effekte, vom Donnerschlag bis
zum Katzenmiauen oder Kettengerassel, und parallel dazu die entsprechenden längst vergessenen
Kompositionen, in denen diese exotischen Klaviererweiterungen zum Einsatz kamen.
Thomas A. Troge „Musik im Raum“
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