Programmheft - Badisches Staatstheater - Karlsruhe

PÄrt
ProkoFJeW
SIBeLIUS
2. SInFonIekonzert 2. SINFONIEKONZERT
Arvo Pärt Cantus in Memoriam Benjamin Britten /
Arbos
Sergej Prokofjew Klavierkonzert Nr. 4 B-Dur
Jean Sibelius Sinfonie Nr. 6
Jean Sibelius Sinfonie Nr. 7 C-Dur
Ein russisch-nordisches Programm führt in prächtig leuchtende
Klangwelten. Der Este Arvo Pärt fand spät, aber umso
13/14
intensiver zur Musik Benjamin Brittens; zum Gedenken an dessen
Tod 1976 schrieb er das Stück Cantus für Streicher und
Glocken. Den Kontrapunkt hierzu bieten die sich aufrankenden
Stimmen der Blechbläser in Arbos, gipfelnd in einem imposan-

pärt PROKOFJEW SIBELIUS
2. SINFONIEKONZERT
Arvo Pärt Arbos 3‘
(*1935) für acht Blechbläser und Schlagzeug
Cantus in Memoriam Benjamin Britten 6’
für Streichorchester und Glocke
Sergej Prokofjew Klavierkonzert Nr. 4 B-Dur für die linke Hand 25’
(1891 – 1953)
I. Vivace
II. Andante
III. Moderato
IV. Vivace
– Pause –
Jean Sibelius Sinfonie Nr. 6 30’
(1865 – 1957)
I. Allegro molto moderato
II. Allegretto moderato
III. Poco vivace
IV. Allegro molto
Sinfonie Nr. 7 C-Dur 22’
in einem Satz
Leon Fleisher Klavier
Justin Brown Dirigent
BADISCHE STAATSKAPELLE
20.10.13 11.00 GROSSES HAUS
21.10.13 20.00 GROSSES HAUS
Dauer ca. 2 ¼ Stunden

Neues
aus dem
Norden
Gelingt es einem Künstler, etwas Neuartiges
zu erfinden, geschieht dies häufig als
Distanzierung vom unmittelbar Vorherigen
und Zeitgenössischen, häufig aber auch
im Rückgriff auf lange zurückliegende
Elemente. Oft als Ziel benannt, müssen
meistens einige Jahre verstreichen, bis
sich das Neue als wirklich neu herauskristallisiert.
Die Suche nach dem Neuartigen
treibt wohl letztlich jeden Künstler an.
Die Komponisten des heutigen Sinfoniekonzerts
haben es jeder auf seine eigene
Weise mit ihren Werken künstlerisch formuliert.
Der estnische Komponist Arvo Pärt vertrat
in den siebziger Jahren des 20. Jahrhunderts
eine radikale Reduktion der musikalischen
Mittel: „Ich habe entdeckt, dass
es genügt, wenn ein einziger Ton schön
gespielt wird [...] Ich arbeite mit wenig
Material, ich baue aus primitivstem Stoff,
aus einem Dreiklang, einer bestimmten
Tonalität.“
Sergej Prokofjew wird gerne mit den
künstlerischen Ideen in Verbindung
gebracht, die zu Beginn des letzten
Jahrhunderts unter anderen in der St.
Petersburger Kunstzeitschrift Apollon
artikuliert wurden: „Schlanke Strukturen“,
„Schönheit der Form“, „Vorgefühle einer
neuen Kultur und eines neuen Menschen“
wurden in der ersten Ausgabe 1909 postuliert,
vor allem in Abgrenzung zu symbolistischen
Strömungen.
Strukturelle Klarheit und die Abkehr von
überbordenden Gefühlen waren auch die
erklärten Ziele des finnischen Komponisten
Jean Sibelius, der 1911 über seine
Vierte Sinfonie schrieb: „Sie ist gleichsam
ein Protest gegen die heutigen Kompositionen.
Es gibt wirklich kein bisschen Zirkus
darin.“ Führt die Vierte Sinfonie sicher am
weitesten in die Moderne, überraschen
seine letzten beiden Sinfonien durch ihre
modale Harmonik in der Sechsten und die
kurze einsätzige Form in der Siebten Sinfonie.
2 Arvo Pärt

Arvo Pärt
Cantus in Memoriam Benjamin Britten
(1977, rev. 1980)
Arbos (1977/86, revidiert 2001)
Drei extrem leise Glockenschläge eröffnen
Arvo Pärts Cantus in memoriam Benjamin
Britten, der 1977 entstand und 1980 revidiert
wurde. An den Klang von Glocken
wurde Pärt bei seinem Rückbezug auf
die drei Noten eines Dreiklangs erinnert.
Daraus entwickelte sich ein Stil, den Pärt
nach dem lateinischen Wort für Glöckchen
nannte: „Tintinnabuli, das ist ein erstaunlicher
Vorgang – die Flucht in die freiwillige
Armut: die heiligen Männer ließen all ihren
Reichtum zurück und gingen in die Einöde.
So möchte auch der Komponist das ganze
Arsenal zurücklassen und sich durch die
nackte Einstimmigkeit retten, bei sich nur
das Notwendigste habend – einzig und
allein den Dreiklang.“ Pärts neuer Stil ging
einher mit einem zunehmenden Interesse
an religiösen Themen in der Musik, wovon
die später populär gewordenen Werke
Passio (1982), Te Deum (1985), Magnificat
(1988) und Berliner Messe (1990) zeugen.
Cantus in memoriam Benjamin Britten ist
eines der ersten Werke im Tintinnabuli-Stil
und lässt sich auch als geistliches Werk
verstehen. Pärt würdigt darin den englischen
Komponisten Britten, indem er auf
die mittelalterliche Form des Cantus, des
einstimmigen Solo-Gesangs zurückgreift.
Die jeweils als punktierte Halbe auf dem
Ton a geschlagene Glocke zieht sich durch
das gesamte, knapp sechsminütige Stück
in einem genauen rhythmischen Ablauf:
Jeweils drei Schläge erklingen nacheinander
mit je einem Takt Pause dazwischen,
gefolgt von drei Takten Pause, worauf sich
die drei Schläge wiederholen. Lediglich am
Ende kommt es zu einem längeren Schweigen
der Glocke, die dann umso effektvoller
das Stück beendet.
Das Streichorchester spielt ebenfalls in
klar erfassbarer Struktur: Die fünf Gruppen
aus ersten und zweiten Geigen, Bratschen,
Violoncelli und Kontrabässen setzen kanonisch
ein, indem sie den Notenwert des
höher klingenden Instruments verdoppeln.
Langsam schwebend sinkt die wiederholte
Melodie nach unten, während die Lautstärke
stetig zunimmt.
Pärt etabliert mit seiner Musik seine eigene
Zeit, die gerade im religiösen Kontext
mit Begriffen wie Ewigkeit und Vergänglichkeit
in Verbindung gebracht werden
kann. Die sehr genaue Organisation seiner
Klänge beeinflusst die subjektive zeitliche
Wahrnehmung des Zuhörers, wohl auch
deshalb, weil das Stück von Pärts subjektiver
Erfahrung inspiriert ist: „In den zurückliegenden
Jahren haben wir sehr viele
Verluste für die Musik zu beklagen gehabt.
Warum hat das Datum von Benjamin
Brittens Tod – 4. Dezember 1976 – gerade
eine Saite in mir berührt Offenbar bin
ich in dieser Zeit reif dafür geworden, die
Größe eines solchen Verlustes zu erkennen.
Unerklärliche Gefühle der Schuld, ja
mehr als das, entstanden in mir. Ich hatte
Britten gerade für mich entdeckt. Kurz vor
seinem Tod bekam ich einen Eindruck von
der seltenen Reinheit seiner Musik – einer
Reinheit, die dem Eindruck vergleichbar
ist, den ich von den Balladen Guillaume de
Machauts erhalten hatte. Außerdem hatte
ich schon lange den Wunsch gehabt, Britten
persönlich kennen zu lernen. Es kam
nicht mehr dazu.“
Biographisch brachten diese Jahre für
Pärt eine einschneidende Veränderung:
1980 emigrierte er über Wien nach Berlin,
4

wo er seitdem lebt. In der Sowjetunion
wurde Pärt zwar während seiner Studienzeit
bei Heino Eller in Talinn 1962 für seine
tonal komponierten Werke geehrt, später
aber für seine seriellen Stücke gerügt.
Als bei der Ausreise die sowjetischen
Beamten in Brest in seinem Gepäck Noten
und einen Reiseplattenspieler vorfanden,
musste er ihnen angeblich etwas vorspielen
und rührte die Polizisten mit seinem
Cantus in memoriam Benjamin Britten.
„Ich sah, wie die Macht der Musik Menschen
verändert“, wird als Zitat seiner
Frau überliefert.
Einer ähnlich klaren Struktur wie Cantus
folgt auch Pärts kurzes Stück Arbos, mit
dem das heutige Konzert beginnt. Ursprünglich
1977 entstanden für sieben
oder acht Blockflöten und drei Triangeln ad
libitum, bearbeitete Pärt Arbos 1986 und
2001 für je vier Trompeten und Posaunen,
Pauke und Schlagzeug. Auch hier überlagert
der Komponist verschiedene zeitliche
Ebene, diesmal drei, die für die Elemente
Äste, Stamm und Wurzeln mit ihrer eigenen
Lebenszeit des titelgebenden Baumes
stehen, wie Paul Hillier in seiner maßgeblichen
Studie über Arvo Pärt erläutert.
Sergej Prokofjew
Klavierkonzert Nr. 4 B-Dur (1931)
Im deutlichen Kontrast zu Pärts schwebenden
Klangflächen stehen Sergej
Prokofjews akzentuierten Akkorde und
schnellen Skalen, die das Vierte Klavierkonzert
prägen. Der russische Komponist
schrieb es im Auftrag des amerikanischösterreichischen
Pianisten Paul Wittgenstein,
der im Ersten Weltkrieg in Russland
so stark verwundet wurde, dass sein
rechter Arm amputiert werden musste. Er
beschloss jedoch, seine Karriere mit der
ihm verbliebenen linken Hand fortzusetzen,
arrangierte zahlreiche Werke und ließ
sich von Komponisten wie Maurice Ravel
und eben Prokofjew neue schreiben. Dessen
Klavierkonzert wies Wittgenstein 1931
jedoch in einem Brief zurück: „Ich danke
Ihnen für das Konzert, aber ich verstehe
darin keine einzige Note und werde es
niemals spielen!“ Tatsächlich dauerte es
weitere 25 Jahre, bevor das Konzert 1956
in Berlin uraufgeführt wurde.
Bereits während der Arbeit am Konzert
kamen Prokofjew Zweifel, ob sein Konzert
den Erwartungen des Pianisten gerecht
werden würde. Er zerbreche sich den Kopf,
schrieb er Wittgenstein, „bei der Vorstellung,
welchen Eindruck es als Musik wohl
auf Sie machen wird. Schwieriges Problem!
Sie sind ein Musiker des neunzehnten
Jahrhunderts, ich – des zwanzigsten.“ In
Prokofjews Viertem Konzert dominiert
das motorische Element; scharf akzentuiert
begleiten die kurzen Staccati des
Orchesters die äußerst virtuosen Skalen
des Solo-Klaviers. Deutlich lässt sich hier
der Einfluss von Prokofjews Arbeit für das
Ballett erkennen. Ab 1922 lebte Prokofjew
in Paris und schrieb mehrere Werke für
Sergej Djaghilews revolutionäre Truppe
Ballet russes.
Unaufhaltsam springt das Werk vor allem
im ersten und dritten Satz durch unerwartete
harmonische Kombinationen,
wechseln sich schnelle Läufe im Klavier
mit harten Tonwiederholungen sämtlicher
Instrumente und drängenden Pizzicati
der Streicher ab. Im zweiten Satz, einem
ausgedehnten Andante, ändert sich plötzlich
die Stimmung, nun dominieren breite
Streicherklänge statt des peitschenden
Motors; in den lyrischen Melodien der
5

Holzbläser und Streicher kündigt sich
bereits das Liebesthema seines späteren
Erfolgsballett Romeo und Julia an, das
1938 in Brünn uraufgeführt wurde. Der
immer dichter werdende Orchestersatz
führt schließlich ins fast genauso lange
Moderato des dritten Satzes, dem ein
äußerst kurzer vierter Satz folgt. Formal,
harmonisch, spieltechnisch und klanglich
bleibt dieses Konzert auch heute noch eine
große Herausforderung, was zu Wittgensteins
Unverständnis geführt haben mag.
Jean Sibelius
Sinfonie Nr. 6 (1923)
Sinfonie Nr. 7 C-Dur (1924)
Die Möglichkeit, zwei Sinfonien, die am
Beginn des 20. Jahrhunderts entstanden,
in einer Konzerthälfte spielen zu können,
überrascht. Seit Ludwig van Beethoven
gewann diese Gattung immer mehr an
Länge, Werke wie Anton Bruckners Fünfte
oder Gustav Mahlers Dritte, Siebte und
Achte Sinfonie füllen heute ganze Konzertabende.
Der finnische Komponist Jean Sibelius
steht einerseits in der Tradition der großen
Symphoniker des 19. Jahrhunderts
und suchte gleichzeitig nach neuen Ausdrucksformen
dieser Gattung, die zumindest
im Fall seiner letzten vollständigen
Sinfonie, der Siebten, die Verkürzung auf
einen durchkomponierten Satz von kaum
mehr als zwanzig Minuten bedeutet. Er sah
dieses Werk im Verbund mit seiner Fünften
und Sechsten Sinfonie, wie er 1918 in
einem Brief bekannte: „Meine neuen Werke
– zum Teil schon skizziert und im Plan
fertig. [...] Die Sechste Sinfonie ist wild
und leidenschaftlich im Charakter. Düster
mit pastoralen Kontrasten, wahrscheinlich
in vier Sätzen mit einem Schluss, der zu
einem düsteren Toben des Orchesters gesteigert
wird, worin das Hauptthema verschwindet.
Die Siebente Sinfonie: Freude
des Lebens und Vitalität, mit appassionato
Passagen. [...] Es sieht so aus, als ob diese
drei Sinfonien gleichzeitig kämen.“
Trotz oder gerade wegen der gleichzeitigen
Konzeption unterscheiden sich die
Sechste und Siebte Sinfonie immens.
Lässt besonders der erste Satz der Sechsten
einen recht vertrauten formalen Rahmen
vermuten, enthüllt sich das Neuartige
darin vor allem in der düsteren Harmonik
und dem transparenten Orchestersatz,
während die Siebte sich immer deutlicher
zu einem lebhaften Strom in strahlendem
C-Dur steigert. Beginnt die Sechste mit
einer zart entrückten Einleitung, eröffnet
die Siebte mit einem leisen Paukenschlag,
dem eine ebenfalls langsame,
aber kreisende Bewegung der dunkelsten
Klangfarben des Orchesters folgt: Fagott,
Violoncello und Kontrabass. Selbst wenn
die Sechste mit einem zweiten, motorischen
Thema Fahrt aufnimmt, bleiben
die Bläser- und Streichergruppen häufig
klanglich getrennt und treten in Dialog. In
der Siebten hingegen folgt dem an Richard
Wagners Tristan und Isolde gemahnenden
Akkord zunehmend breiter Streicherklang
und satte Tutti-Stellen des Orchesters.
Auch für seine letzten beiden Sinfonien
gilt also, was der Komponist 1915 in sein
Tagebuch notierte: „À propos Sinfonien.
Für mich sind es Glaubensbekenntnisse
aus meinen verschiedenen Altersstufen.
Deswegen sind die meinigen alle so verschieden.“
Die Sonatenform des ersten Satzes der
Sechsten weicht an entscheidenden Stel-
6 Sergej Prokofjew

len vom Lehrbuch ab. Die langsame Einleitung
exponiert bereits das Hauptthema,
denn dem raschen zweiten Thema folgt
sogleich die Durchführung. Kurz vor Ende
des Satzes hält die Coda an, „poco tranquillo“
schließt der Satz mit einem Fragezeichen
statt einem klaren Finale. Er endet
mit einem Akkord über dem Ton b und
stellt damit das d-Moll des Hauptthemas
in Frage. Obgleich Sibelius der Sinfonie die
Tonart d-Moll gab, dominiert der dorische
Modus das Werk. Wie Arvo Pärt bezieht
sich Sibelius damit auf das mittelalterliche
Tonsystem, wofür auch das fehlende
Vorzeichen in der Partitur spricht, das ein
eindeutiges d-Moll erforderte.
Sibelius erwähnte bereits 1896 in einer
Vorlesung die alten Tonsysteme: „Die
ältesten finnischen Volkslieder wurzeln
in einem Tonsystem, in dem Tonika und
Dominante – so wie wir sie verstehen –
fehlen, wie auch die Finalis* der alten griechischen
Tonarten. Dort gibt es einfach
fünf Töne – d, e, f, g, a – an die noch zwei
Töne h und c anschließen, wenn die Fülle
des Ausdrucks der Melodie wächst“ (*Die
Finalis ist der Zielton des Tonsystems).
Enthüllt die Sechste Sinfonie diese harmonischen
Besonderheiten innerhalb der
vertrauten Form, überrascht bei der Siebten
vor allem die kurze Einsätzigkeit. Sibelius
dirigierte die Uraufführung allerdings
unter dem Titel Fantasia sinfonica, zählte
das Werk zunächst nicht zu seinem sinfonischen
Werk. Dennoch wagt sich die Siebte
Sinfonie nicht so weit auf ungewöhnliches
Terrain, wie es die Sechste oder gar die
Vierte zuvor getan hatten. Gefragt nach
einer Einordnung des Werks in sein Schaffen,
antwortete Sibelius: „Wenn man
mein Alter erreicht hat, dann hat man sich
selbst gefunden und sucht nicht länger in
den grenzenlosen Verstecken der Seele.
Was im Rahmen des seelischen Bewusstseins
eines Menschen liegt, erscheint bloß
deutlicher und bestimmter. Man versteht,
was man ist, und bleibt, was man ist. Ich
weiß nicht, ob ich mich richtig ausdrücke,
es ist so schwer, sich selbst zu analysieren,
aber ich meine, dass ich als schöpferischer
Musiker bis dahin gekommen bin,
wo man ist, was man ist, und sich nicht
mehr verändert.“
Der Komponist verbarg mit diesen Sätzen
seine Schwierigkeiten, die er seinem Tagebuch
anvertraute: „Ich kriege meine Sachen
jetzt nicht fertig. Hoffe jedoch, dass
ich vielleicht die eine vollenden kann. Ein
notwendiges Muss. – Aber – mein Leben
ist entgleist. Der Alkohol, um die Nerven
zu betäuben + das Gemüt. Wie unendlich
tragisch ist nicht das Schicksal eines alternden
Komponisten! Es geht nicht mehr
mit demselben Schwung wie früher, und
die Selbstkritik wächst ins Unmögliche.“
Doch gerade Schwung wird zu einem entscheidenden
Charakteristikum der Siebten
Sinfonie: Schnelle Tonrepetitionen der
Streicher bieten gegen Ende des Werks
tänzerisch anmutenden Floskeln ein sicheres
Fundament, das sich immer stärker
zu einer opulenten Stretta ausbreitet,
als wollte Sibelius damit seine eigenen
sorgenvollen Jahre übertönen. Sein Schaffen,
dessen Kern seine Sinfonien bilden,
erfährt in der Siebten Sinfonie gleichsam
eine Symbiose und wird zum universalen
Glaubensbekenntnis an die Musik.
8 Jean Sibelius

Leon Fleisher
Klavier
Die Karriere der inzwischen 84-jährigen
Pianisten-Legende Leon Fleisher als
Solist, Dirigent, Kammermusiker und
Lehrer führt immer noch um die ganze
Welt. Bereits 1944 gab er sein Debüt mit
dem New York Philharmonic, sechs Jahre
später gewann er als erster Amerikaner
den prestigeträchtigen Reine Elisabeth-
Wettbewerb. Dies war der Auftakt zu
einer Weltkarriere, die auf ihrem Gipfel
plötzlich unterbrochen wurde. „Fokale
Dystonie“ hieß die Diagnose für zwei
gelähmte Finger der rechten Hand. Nach
einer Zeit des kompletten Verstummens
verlegte sich Fleisher neben dem Unterrichten
und Dirigieren auf das Repertoire
für die linke Hand. Erst vor wenigen
Jahren gab die Entdeckung der heilenden
10
Wirkung von Botox seiner rechten Hand
Gefühl und Beweglichkeit zurück.
Im Laufe seiner langen Laufbahn trat
Fleisher mit allen wichtigen Orchestern
und Dirigenten auf und gastierte in
nahezu jedem wichtigen Konzertsaal. Alleine
in den letzten beiden Saisons spielte
er u. a. beim Lucerne Festival, bei den
Bamberger Symphonikern, mit dem London
Philharmonic Orchestra, solistisch
in der Tonhalle Düsseldorf, dirigierend
beim Scottish Chamber Orchestra. Einen
Überblick über sein immenses Repertoire
gibt die jüngst bei Sony erschienene Retrospektive
auf 23 CDs. 2006 erschien der
für den Emmy nominierte Dokumentarfilm
Two Hands, basierend auf seinen Lebenserinnerungen
Meine neun Leben.

Justin brown
Dirigent
Justin Brown studierte in Cambridge und
Tanglewood bei Seiji Ozawa und Leonard
Bernstein und arbeitete später als Assistent
bei Leonard Bernstein und Luciano Berio.
Als Dirigent debütierte er mit der gefeierten
britischen Erstaufführung von Bernsteins
Mass. Für seine Programmgestaltung beim
Alabama Symphony Orchestra, wo er fünf
Spielzeiten als Chefdirigent wirkte, wurde er
drei Mal mit dem ASCAP-Award ausgezeichnet.
Auf Einladung des renommierten „Spring
for Music Festival“ dirigierte er 2012 das
Orchester in der Carnegie Hall. Brown leitete
zahlreiche Uraufführungen und dirigierte
wichtige Stücke bedeutender Zeitgenossen
wie Elliott Carter und George Crumb. Er musizierte
zudem mit namhaften Solisten wie
Yo-Yo Ma, Leon Fleisher und Joshua Bell.
Zahlreiche Gastengagements führten ihn an
renommierte Opernhäuser und zu Orchestern
weltweit, in Deutschland u. a. an die
Bayerische Staatsoper München und zu den
Dresdner Philharmonikern. Komplettiert wird
sein Erfolg durch viele CD-Einspielungen,
2006 wurde er für einen Grammy nominiert.
Als Generalmusikdirektor am STAATS-
THEATER KARLSRUHE, der er seit 2008
ist, wird Brown v. a. für seine Dirigate von
Wagners Ring sowie den Werken Berlioz‘,
Verdis und Strauss’ gefeiert. Unter seiner
Leitung stehen auf dem facettenreichen
Konzertspielplan Werke wie Amériques von
Edgar Varèse, Mahlers 9. Sinfonie oder die
Gurre-Lieder von Schönberg. Gemeinsam mit
seinem Team erhielt er hierfür die Auszeichnung
„Bestes Konzertprogramm 2012/13“.
11

die
badische
staatskapelle
Als sechstältestes Orchester der Welt kann
die BADISCHE STAATSKAPELLE auf eine
überaus reiche und gleichzeitig gegenwärtige
Tradition zurückblicken. 1662 als
Hofkapelle des damals noch in Durlach residierenden
badischen Fürstenhofes gegründet,
entwickelte sich aus dieser Keimzelle
ein Klangkörper mit großer nationaler und
internationaler Ausstrahlung. Berühmte
Hofkapellmeister wie Franz Danzi, Hermann
Levi, Otto Dessoff und Felix Mottl leiteten
zahlreiche Ur- und Erstaufführungen, z. B.
von Hector Berlioz, Johannes Brahms und
Béla Bartók, und machten Karlsruhe zu
einem der Zentren des Musiklebens. Neben
Brahms standen Richard Wagner und
Richard Strauss gleich mehrfach am Pult
der Hofkapelle; Niccolò Paganini, Clara
Schumann und viele andere herausragende
Solisten waren gern gehörte Gäste.
Hermann Levi führte 1856 die regelmäßigen
Abonnementkonzerte ein, die bis heute als
Sinfoniekonzerte der BADISCHEN STAATS-
KAPELLE weiterleben.
Allen Rückschlägen durch Kriege und
Finanznöten zum Trotz konnte die Tradition
des Orchesters bewahrt werden.
Generalmusikdirektoren wie Joseph Keilberth,
Christof Prick, Günther Neuhold
und Kazushi Ono führten das Orchester in
die Neuzeit, ohne die Säulen des Repertoires
zu vernachlässigen. Regelmäßig
fanden sich zeitgenössische Werke auf
dem Programm; Komponisten wie Werner
Egk, Wolfgang Fortner oder Michael
Tippett standen sogar selbst vor dem
Orchester, um ihre Werke aufzuführen.
Die große Flexibilität der BADISCHEN
STAATSKAPELLE zeigt sich auch heute
noch in der kompletten Spannweite zwischen
Repertoirepflege und der Präsentation
zukunftsweisender Zeitgenossen,
exemplarisch hierfür der Name Wolfgang
Rihm. Der seit 2008 amtierende Generalmusikdirektor
Justin Brown steht ganz
besonders für die Pflege der Werke
Wagners, Berlioz’, Verdis und Strauss’
sowie für einen abwechslungsreichen
Konzertspielplan, der vom Deutschen
Musikverleger-Verband als „Bestes
Konzertprogramm 2012/13“ ausgezeichnet
wurde. Auch nach dem 350-jährigen Jubiläum
2012 präsentiert sich die BADISCHE
STAATSKAPELLE – auf der reichen Aufführungstradition
aufbauend – als lebendiges
und leistungsfähiges Ensemble.
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esetzung
1. Violine
Janos Ecseghy
Lutz Bartberger
Yin Li
Rosemarie Simmendinger-
Kàtai
Susanne Ingwersen
Thomas Schröckert
Werner Mayerle
Herbert Pfau-von Kügelgen
Ayu Ideue
Juliane Anefeld
Bettina Knauer
Oralndo Fellows
Sabina Bunea
Anne Rothaupt
2. Violine
Annelie Groth
Shin Hamaguchi
Toni Reichl
Gregor Anger
Uwe Warné
Andrea Böhler
Diana Drechsler
Birgit Laub
Eva-Maria Vischi
Tamara Polakovicová
Moritz von Bülow*
Katrin Dusemund*
Viola
Michael Fenton
Christoph Klein
Anna Pelczer
Joachim Steinmann
Ortrun Riecke-Wieck
Kyoko Kudo
Sibylle Langmaack
Akiko Sato
Nicholas Clifford
Susanna Liang-Qing Ling
Violoncello
Thomas Gieron
Samuel Lutzker*
Benjamin Groocock
Norbert Ginthör
Wolfgang Kursawe
Alisa Bock
Hanna Gieron
Domonkos Nagy
Kontrabass
Joachim Fleck
Peter Cerny
Monika Kinzler
Karl Walter Jackl
Roland Funk
Christoph Epremian
Harfe
Km. Silke Wiesner
Flöte
Georg Kapp
Jihae Lee
Oboe
Stephan Rutz
Ilona Steinheimer
Klarinette
Daniel Bollinger
Martin Nitschmann
Leonie Gerlach
Fagott
Lydia Pantzier
Martin Drescher
Horn
Susanna Wich-Weißsteiner
Jörg Dusemund
Thomas Crome
Jürgen Danker
Trompete
Jens Böcherer
Ulrich Dannenmaier
Ulrich Warratz
Michael Maisch*
Posaune
Damian Schneider*
Sandor Szabo
Holger Schinko
Tuba
Dirk Hirthe
Pauke & Schlagzeug
Helge Daferner
Hans-Joachim Göhler
Rainer Engelhardt
Raoul Nies
* Gast der Staatskapelle
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NEUE MITGLIEDER DER STAATSKAPELLE
Tamara Polakovičová
2. VIOLINE TUTTI
Die tschechische Geigerin Tamara
Polakovičová studierte zunächst am Prager
Konservatorium. Ein Stipendium des DAAD
führte ihre Wege nach Karlsruhe, wo sie
2007 den Master of Music absolvierte. 2005
war sie zudem als Stipendiatin in Madrid an
der Escuela Superior de Música Reina Sofía.
Bereits während ihres Studiums gewann sie
1. und 2. Preise bei nationalen und internationalen
Wettbewerben und war bei der
Tschechischen Kammerphilharmonie und
der Prager Kammerphilharmonie engagiert.
Von 2007 bis 2008 war sie als Praktikantin bei
der BADISCHEN STAATSKAPELLE tätig, nun
wurde sie als festes Mitglied der 2. Violinen
aufgenommen.
Hanna Gieron
VIOLONCELLO TUTTI
Hanna Gieron wurde 1981 in Hildesheim
geboren. Bereits in jungen Jahren gewann
sie mehrfach Bundespreise in Solo- und
Kammermusikwertungen des Wettbewerbs
„Jugend musiziert“. Sie studierte Cello in
Sydney, Hannover und Hamburg und erhielt
ihr Diplom mit Auszeichnung an der Hochschule
für Musik in Karlsruhe. 2011 machte
sie ihr Konzertexamen in Saarbrücken.
Von 2006 bis 2008 spielte sie bereits aushilfsweise
als Mitglied der Cello-Gruppe in der
BADISCHEN STAATSKAPELLE., nun wurde
sie als festes Mitglied aufgenommen. Hanna
Gieron ist Stipendiatin der Yehudi Menuhin-
Stiftung.
16

KONZERT-
Pädagogik
Angebote für kinder & jugendliche
Welche Möglichkeiten gibt es, um Interesse
und Neugier für Musik zu wecken Wie
lassen sich Brücken bauen zwischen Zuhörern
und Musikern Wie kann ein Bewusstsein
für klassische Musik geschaffen und
der Zugang zu ihr vereinfacht und vertieft
werden Mit all diesen Fragen beschäftigt
sich die Konzertpädagogik.
Angefangen bei den Kinderkonzerten
ab sechs bis hin zu den Jugendkonzerten
ab zwölf Jahren bietet die BADISCHE
STAATSKAPELLE für nahezu alle Altersstufen
Konzertprogramme an. In den
Kinderkonzerten lernen die Kinder auf
eingängige und unterhaltsame Weise Komponisten
und Gestalten aus dem Musiktheater
kennen. Die Kinderkammerkonzerte
entführen ihre kleinen Besucher musikalisch
in Fantasiewelten. Einen direkten
Kontakt zu den Orchestermusikern können
Kinder und Jugendliche in den Schulkonzerten
im Klassenzimmer erhalten.
Die Jugendkonzerte bereiten Werke der
sinfonischen Literatur jugendgerecht auf,
in den Jugendkammerkonzerten stellen die
Musiker der Staatskapelle selbst ihre Lieblingswerke
vor. Und natürlich sind auch
zahlreiche Mitglieder der STAATSKAPELLE
selbst als Lehrer An Musikschulen und
Hochschulen tätig.
Ein ganz besonders Projekt in dieser Saison
sind die aus der Orchesterpatenschaft
erwachsenen gemeinsamen Konzerte mit
den Orchestern des Helmholtz Gymnasiums.
Im 2. Kinderkonzert und im Sonder-
Jugendkonzert teilen sich die jungen
Nachwuchsmusiker mit einem Orchestermusiker
das Notenpult.
Konzertpädagogin Lena Jaeger
17

Abonnenten
werben
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der BADISCHEN STAATSKAPELLE Dann
empfehlen Sie uns doch weiter und begeistern
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– ob für eines unserer Kinder- oder Jugendkonzerte,
für die Oper, das Ballett oder das
Schauspiel – die Türen stehen Ihnen offen
(Premieren, Galas und Sonderveranstaltungen
ausgenommen).
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der BADISCHEN STAATSKAPELLE ist
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möglich, diese können also auch jetzt
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einsteigen. Entsprechend des Zeitpunkts
reduziert sich die Höhe des Betrages und
man zahlt nur anteilig für die besuchten
Konzerte.
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abonnementbuero@staatstheater.karlsruhe.de
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HERAUSRAGENDE
PIANISTEN
BEI SONY CLASSICAL
LEON FLEISHER
THE COMPLETE ALBUM COLLECTION
Diese Edition mit 23 CDs erschien zum 85. Geburtstag
der Pianistenlegende Leon Fleisher.
Mit den berühmten Konzerten von Beethoven,
Mozart, Brahms, Schumann und Grieg mit
dem Cleveland Orchestra unter George Szell,
exzellenten Soloaufnahmen und späten
Studioeinspielungen in Originaloptik
der damaligen LPs.
ARCADI VOLODOS
PLAYS MOMPOU
Anzeige
LANG LANG
PROKOFJEW 3
BARTÓK 2
Für diese hochgelobte CD hat Volodos
impressionistische Werke des spanischen
Komponisten Frederic Mompou eingespielt.
„Klar wie kleine Glasperlenspiele. Enigmatisch
und orakelhaft, aber nicht romantisch umdunkelt
oder verklärt.“ Interpretation & Klang
★★★★★ Fono Forum
Eine grandiose Neueinspielung
des Klavierkonzerts
Nr. 3 von Prokofjew
und des zweiten Klavierkonzerts
von Bartók durch Lang Lang und die Berliner
Philharmoniker unter Sir Simon Rattle. Limitierte Deluxe-
Edition mit „Making-of“-DVD.
WWW.SONYMUSICCLASSICAL.DE 19

ildnachweise
UMSCHLAG Eli Turner
S. 3 Tonejoy.com
S. 5 Library of Congress
S. 7 Counter-currents
S. 7 Privat
S. 10 Eli Turner
S. 11 Ari Sokol
S. 14, 15 Uli Deck
S. 16 Privat
S. 17 Privat
TEXTNACHWEISE
S. 2 – 8 Originalbeitrag von
Olaf A. Schmitt
Sollten wir Rechteinhaber übersehen
haben, bitten wir um Nachricht.
WIR DANKEN
Eventfloristik für die Blumen
STAATSTHEATER KARLSRUHE
Saison 2013/14
Programmheft Nr. 142
www.staatstheater.karlsruhe.de
impressum
Herausgeber
BADISCHES STAATSTHEATER
Karlsruhe
Generalintendant
Peter Spuhler
VERWALTUNGSDIREKTOR
Michael Obermeier
Chefdramaturg
Bernd Feuchtner
ORCHESTERDIREKTOR &
KONZERTDRAMATURG
Axel Schlicksupp
REDAKTION
Axel Schlicksupp
KONZEPT
DOUBLE STANDARDS Berlin
www.doublestandards.net
GESTALTUNG
Kristina Pernesch
DRUCK
medialogik GmbH, Karlsruhe
Unser Abonnementbüro berät Sie gerne!
Ab 10,00 bzw. 5,00 Euro PRO Konzert
ABONNEMENTBÜRO
T 0721 3557 323
F 0721 3557 346
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20

DIE nächsten
Konzerte
OPERA SWING QUARTET
20 JAHRE OS4
Beim Orchesterfest 2012 rissen sie das
Publikum zu Begeisterungsstürmen hin –
für ihr 20jähriges Bühnenjubiläum kehrt
das Opera Swing Quartet nun zurück ins
STAATSTHEATER. Mit Best of OS4 servieren
die Weltenbummler zwischen Klassik
und Jazz ihre beliebtesten Tonmalereien.
Wolfgang Heinzel Klavier & Arrangements
Wolfgang „Muffel“ Weth Klarinette Peter
Cerny Bass Rainer Engelhardt Schlagzeug &
Moderation
3.11. 19.00, 17.11. & 1.12. 20.00 KLEINES HAUS
NACHTKLÄNGE 1
MEISTERKLASSE HANS-WERNER HENZE
Die Meisterklasse innerhalb der NachtKlänge
widmet sich dem Gedenken des kürzlich verstorbenen
Hans Werner Henze. Dieser war
nicht nur ein großer und weltweit vielfach
aufgeführter Komponist, sondern auch ein
bedeutender Lehrer. Besonders die „mittlere
Generation“ zeigte sich stark durch ihn
geprägt, viele ihrer wichtigsten Vertreter
gingen durch seine Schule. Ulrich Wagner
wird die Komponisten und ihre Arbeit vorstellen
und dabei auch sicher die eine oder
andere Querverbindung zu Karlsruhe aufdecken.
Ulrich Wagner Dirigent & Moderator
Mitglieder der BADISCHEN STAATSKAPELLE
8.11. 21.00 INSEL
3. SINFONIEKonzert
Claude Debussy Ibéria (Images Nr. 2) Wolfgang
Amadeus Mozart Sinfonie Nr. 40 g-Moll KV 550
& Sinfonie Nr. 31 D-Dur KV 297 „Pariser“
Maurice Ravel Rapsodie espagnole
Das Publikum des Young Conductors Award
der Salzburger Festspiele erklärte Antonio
Méndez wegen seines Mozart-Dirigats zum
heimlichen Sieger. Zwei Sinfonien des Salzburgers
werden ergänzt mit französischen
Sichtweisen auf das iberische Nachbarland:
Debussys „Vision spanischer Landschaft, spanischen
Treibens, spanischer Atmosphäre“ und
Ravels sowohl sinnlich-geheimnisvolles wie
tänzerisches Meisterwerk.
Antonio Méndez Dirigent
24.11. 11.00 & 25.11. 20.00 GROSSES HAUS
1. KAMMERKONZERT
Die ausdrucksstarke Musik des Polen
Krzysztof Meyer zeichnet sich durch die
harmonische Verbindung von Tradition und
Moderne aus. Bei der Erstaufführung von
Robert Schumanns 2. Klaviertrio 1850 saß
Gattin Clara am Klavier. 30 Jahre später
ermutigte sie Johannes Brahms, die Arbeit
an zwei Trios wieder aufzunehmen. Eines
ist unbekannt, doch das C-Dur-Klaviertrio
wurde von Brahms selbst am Flügel aus der
Taufe gehoben.
Stephan Skiba Violine Johann Ludwig
Violoncello Günter Ludwig Klavier
8.12. 11.00 KLEINES HAUS
Anschließend Brunch im MITTLEREN FOYER