Homosexual's Film Quarterly - Sissy

frisch ausgepackt
Neu auf DVD
von Maike schultz, Paul schulz und Jan küneMund
DAS BILDNIS DES DORIAN GRAY
GB 2009, regie: oliver Parker, Concorde Home Entert.
Diesmal gibt Ben Barnes
den Dorian Gray, der
Prinz Kaspian von Narnia.
Er ist alles andere als
eine Schlampe. Eher einer
dieser kein-Sex-vor-der-
Ehe-Vampir-Typen. Wie
grenzenlos naiv er sich
durch die zynische Londoner
Gesellschaft stottert. Wie süß er sich in
die Spelunken verirrrt, ohne wirklich getrieben
zu sein. Wie er beim Verkauf seiner Seele
einfach nur zu denken scheint: ewige Jugend,
ja, warum eigentlich nicht? Ist das nicht eigentlich
die perfekte Castingidee, diese Oberfläche
eines jungen Mannes in die oberflächengeile
Welt zu schicken, auf die filmisch oberflächlichste
Art und Weise? Die Teenies kreischen:
„Ein Film mit Ben Barnes!“ Und der Verleih
empfiehlt ihn der SISSY mit den Worten: „Die
Kostüme sind so schön!“ Das Bildnis aber
faucht und sabbert und die Maden kriechen aus
ihm heraus. „Die Anstrengungen in der Welt
des Films, das eigene jugendliche Ideal-Bild zu
konservieren, haben – welch böse Ironie – oftmals
dazu geführt, sich nicht die Merkmale
Dorian Grays, sondern die seines Zauber-Porträts
anzueignen, nämlich maskenhafte Erstarrung
und fratzenhafte Entstellung.“ (Christoph
Meyring in SISSY 1/10)
DIE REGENSCHIRME
VON CHERBOURG
Fr 1964, regie: Jacques Demy, Arthaus Kinowelt
„Wie trist!“, sagt die in
bonbonrosa ausstaffierte
Mutter der Protagonistin
vor einer lachsroten Tapete
und gießt Tee in ein
weißes Service mit rosaroten,
floralen Mustern.
Und falsch: Sie sagt es
nicht, sie singt es! Wie
auch der Automechaniker die Frage nach der
Überstunde singend beantwortet, die Geliebte
den Kriegsbericht ihres Freundes aus einem
Brief vorsingt und der Briefträger sein „Bonjour
Madame“ trällert. In Die Regenschirme
von Cherbourg, dem französischen Hitmusical
der 1960er Jahre, wird tatsächlich alles gesungen,
alles in Knallfarben dekoriert, in jedem
40
(auch sehr ernsten) Moment eine atemberaubende
Künstlichkeit zelebriert, dem das puppenhaft
in Perfektion erstarrte Gesicht von Cathérine
Deneuve in ihrer ersten Rolle wie von
Ferne zuschaut. Selbst der Regen in der Titelsequenz
scheint direkt von der Kamera herunterzufließen,
nicht vom Himmel. Diese kleine
Geschichte vom insolventen Regen schirmladen
und einer Liebe, die vom Algerienkrieg vereitelt
wird, stammt von Jacques Demy, dem französischen
Queer-Film-Pionier und Träumer
der Nouvelle Vague, auf den sich heute Ozon
und Honoré berufen, und erscheint hiermit
zum ersten Mal auf DVD (zusammen mit einem
Porträt des Regisseurs von seiner Frau Agnès
Varda, die sich seit dem Aids-Tod Demys
1990 darum bemüht, dass seine Filme angemessen
gewürdigt werden). Die Knalligkeit der
Farben konnte man leider nur annähernd rekonstruieren,
aber die Musik strahlt noch und
der Hauptdarsteller Nino Castelnuovo auch.
Und der Camp des Films zeigt sich nicht zuletzt
im Vermögen, Kitsch ernst zu nehmen
und sich gleichzeitig über sich lustig zu machen:
„Aus Liebe stirbt man nur in Filmen“,
sagt die Mutter zur armen Cathérine Deneuve.
Und: Er hasse „alle Sachen, in denen nur gesungen
wird“, singt (!) ein Automechaniker und
empfiehlt als Alternative: das Kino! jk
MEIN SÜSSER KLEINER ARSCH
CH 1997, regie: Simon Bischoff, GMFilms
In der Welt drehe sich ja
alles nur um das Geld und
um den Arsch, findet Jean
Neuenschwander. In seiner
kleinen Welt ist das
tatsächlich so. Neuenschwander
ist ein rüstiger
Frührentner, der dauerhaft
nach Tanger gezogen
ist, wo Geld und Ärsche keine Probleme mehr
bereiten. Seine Freunde sind ein Zirkel europäischer
Herren in ähnlicher Situation, für die
Hubert Fichte mal den Ausdruck „Ricard-Tanten“
geprägt hat: Sie genießen das Leben, teilen
sich die Jungs, sorgen für Ordnung (Neuenschwander
war mal Postangestellter) und
schwärmen von den großen „Riemen“. Simon
Bischoffs Film lässt sich ganz auf ihre Welt ein,
lauscht ihrer Selbstdarstellung, findet die naheliegenden
Bilder zu ihrer etwas angestrengt
deftigen Sprache. Hat sich Neuenschwander im
Verlauf von dreizehn Jahren angewöhnt, seine
Liebhaber gleichen Namens durchzunummerieren,
so listet auch der Film Mohammed 1,
Mohammed 2 und Mohammed 3 als Protagonisten
auf. Ein einziger Marokkaner darf nach
70 Minuten auch mal seine Geschichte erzählen
(ohne dass es dabei um mehr als um Geld
oder Ärsche ginge). Und so wächst die Faszination
dieses Films, gerade weil er im Ricard-Tanten-Milieu
so völlig verloren geht. Er zeigt europäische
Ordnungsfanatiker, die das Begehren
in die chaotische Fremde treibt, gestandene
Männer, die sich auf ihren Arsch reduzieren.
Und Paul Bowles (über den eine großartige Geschichte
erzählt wird) blickt für einen kurzen
Augenblick alt und stumm in die Kamera. Der
Regisseur lebt jetzt angeblich auch in Marokko
und hat wohl mit dem Filmen aufgehört. jk
VERzAUBERt
D 1993, regie: diverse, Edition Salzgeber
1977 kam der Dokumentarfilm
„Word is Out“ in
den USA heraus und setzte
damit einen Trend.
Schwule und Lesben erzählten
darin von ihren
Erfahrungen und aus ihren
Erinnerungen und damit
setzte sich für die lesbischschwule
Community ein selbstbewusstes
Bild des eigenen Lebensstils zusammen, das
man den Vorurteilen und Klischees der (Film-)
Geschichte entgegensetzen konnte. Anfang der
1990er begannen Studentinnen und Studenten
der Uni Hamburg etwas ähnlich Naheliegendes
und Verdienstvolles: sie fragten ältere Lesben
und Schwule in ihrer Stadt, wie sie ihre
Jugend erlebt haben. Also: als Verfolgte, Illegale,
Verfemte und erst spät (wenn überhaupt)
Rehabilitierte in den 1930er bis 1950er Jahren.
Da fallen Sätze wie: „Eigentlich war ja unser
ganzes Leben auf ständigen Lügen aufgebaut“.
Es wird vom Rosa Winkel gesprochen, von
„Schutzhaft“, von Anschwärzungen, Selbstmorden
und „Freundesehen“. Und auch davon,
dass viele Homosexuelle, die halbwegs heil
durch die NS-Zeit gekommen waren, schließlich
im ebenso repressiven Nachkriegsdeutschland
zugrunde gegangen sind. Aber das Bild ist
facettenreicher, es schließt mit ein, wie tatsächlich
der Alltag aussah, wie man „verzaubert“
ausgehen, sich verlieben, lange Partnerschaften
eingehen konnte. Die Filmemacher
stellen die richtigen Fragen und halten sich an-
genehm zurück, und die Protagonisten erzählen
stolz, mit Witz und Würde. Nur einmal
setzt man sich über sie hinweg. Da erzählt
Wally, die mal auf der Reeperbahn gearbeitet
hat, was für ein „alter Wichser“ Hans Albers in
Wahrheit gewesen war, doch ausgerechnet ihm
gehört das letzte Wort: sein „Goodbye, Johnny“
liegt als verklemmte und ungeplante Homohymne
über den Abschlusstiteln. Ein Film
für jedes DVD-Regal von selbstbewussten Lesben
und Schwulen! jk
POStCARD tO DADDY
DE 2010, regie: Michael Stock, Edition Salzgeber
„Michael Stock suchte
den Kontakt zum Vater,
besuchte den inzwischen
längst in einer neuen Familie
lebenden, schwer
kranken Mann, stellte die
Kamera auf und forderte
eine Stellungnahme,
mehr noch: eine Entschuldigung
ein. Der Selbstmord eines Freundes,
der Ähnliches mit seinem Vater erlebt
hatte und an dessen Kälte zerbrach, löste diese
Initiative aus. Das Mindeste geschah, der Alte
gab die Einwilligung, diese Szene der Selbstentblößung
im Film zu verwenden. Was er
über sich und den Missbrauch an seinem Sohn
sagt, ist erschütternd. In Postcard to Daddy
spielt es keine Rolle, dass es äußerst schwer
ist, adäquate Bildebenen für das Erzählte zu
finden, die nicht von den Genre-Konventionen
kontaminiert sind. Michael Stocks Film berührt,
weil er bei seinen glaubwürdigen persönlichen
Ausdrucksmitteln bleibt.“ (Clara
Brink in SISSY 2/10)
PRINz IN HöLLELAND
DE 1993, regie: Michael Stock, Edition Salzgeber
Nachdem Regisseur Michael
Stock seit der diesjährigen
Berlinale für seinen
autobiografischen
D o k u m e n t a r fi l m Postcard
to Daddy ganz zu Recht
einen Filmpreis nach dem
anderen bekommt und
das öffentliche Interesse
an seinem Werk groß ist, wird nun dankenswerter
Weise auch Prinz in Hölleland, sein
Spielfilmdebüt, wieder veröffentlicht. Das ist
inzwischen 17 Jahre alt, aber erstaunlicherweise
noch genauso sehenswert wie zu Beginn
der 90er Jahre, wenn auch aus anderen Gründen.
Was seinerzeit scheinbar vor allem als
komplett gelungene Momentaufnahme eines
schwulen Nachwende-Westberlins zu faszinieren
schien, entpuppt sich jetzt einfach als
hervorragendes Drama, wunderbar gebaut,
großartig gespielt und fein beobachtet. Natür-
lich kann der Film aber auch einfach als nostalgischer
Trip an Orte und in Umstände gesehen
werden, die längst Geschichte sind. Aber
dafür ist das herzzerreißende Kasperletheater
und böse Junkiemärchen, das Stock hier erzählt
und in einer der Hauptrollen auch selber
spielt, fast zu schade. ps
tIMIMOUN
DE/Dz 2010, regie: Michael roes, Edition Salzgeber
Zwei Freunde auf einer
Reise. Laid und Nadir sind
auf dem Weg ins algerische
Hinterland, zu Laids
Familie, in Laids Vergangenheit.
Nadir kommt
mit, weil er Laids Freund
ist. Und diese Freundschaft
wird mehr und
mehr zur Möglichkeit, aus den alten Familienstrukturen
auszubrechen, in der immer wieder
nur die Ehre beschädigt wird und gewaltsam
wiederhergestellt werden muss. Die Reise
der beiden Freunde behält gegen dieses starre
System ihre Leichtigkeit, ihre Beweglichkeit
und ihren Humor. Wie auch dieser Film, der
mit einfachsten Mitteln Großes wagt. Ob das
noch Freundschaft ist oder schon Liebe, bleibt
dahingestellt. Auf jeden Fall eine Utopie. Mehr
auf Seite 36.
ANDER
ES 2009, regie: roberto Castón, Bildkraft
Die „Süddeutsche Zeitung
fand: „Ein richtiger
Schwulenfilm ist Ander
nicht.“ und hat ein bisschen
Recht damit. Nichts
an der langsam, in der
großartigen Kulisse des
spanischen Baskenlandes
erzählten Bauer-sucht-
Mann-Geschichte, erinnert an den lärmenden,
ironisch unterfütterten Habitus, mit dem
Storys über moderne Homosexuelle gemeinhin
erzählt werden. Ander ist 40 und bricht
sich bei der Arbeit mit den Tieren ein Bein,
weshalb der junge peruanische Hilfsarbeiter
auf dem Hof ankommt, um das Vieh zu versorgen.
Die beiden verlieben sich ineinander und
am Ende kann auch Anders Rabenaas von alter
Mutter nichts daran ändern, dass die Beziehungsmoderne
Einzug hält und alle irgendwie
glücklich werden. Regisseur Roberto
Castón ist für Ander mit Lob und Preisen überhäuft
worden, weil er keine Angst vor der Stille
hat, mit der die Liebe manchmal eben einfach
passiert und vor der Kraft, mit der seine
Schauspieler den totalen Wandel in ihren Leben
ruhig und gelassen darstellen. Ein bemerkenswertes,
ganz und gar wunderbares Stück
spanisches Kino, das es auf Anhieb in den Ka-
non der schönsten schwulen Filme aller Zeiten
schafft, egal, was in der „Süddeutschen“
steht. ps
SPINNIN’
ES 2007, regie: Eusebio Pastrana, Edition Salzgeber
„In Form einer recht losen
Erzählstruktur mit unzähligenNebenschauplätzen
umreißt der Film die
Schwierigkeiten, mit denen
sich ein schwules
Paar mit Kinderwunsch
herumschlägt. Dabei geht
es ihm darum, nachvollziehbar
zu machen, wie kreativ und produktiv
der einzelne Mensch werden kann, wenn er
versucht, für sich eine den eigenen Wünschen
und Sehnsüchten entsprechende Zukunftsperspektive
zu entwickeln. Für dieses Plädoyer für
individuelle Lebenslösungen hat der Regisseur
die Form des mit Skurrilitäten durchsetzten
und zugleich warmherzigen „Feelgood-Movies“
im Geiste von Jean-Pierre Jeunet‘s Amélie
oder Michel Gondrys Science of Sleep gewählt.
Soll heißen, dass gerade in tragischen Situationen
auch gerne mal ältere Herren in Tütüs
durchs Bild tanzen oder munter die Filmküsse
durch das Hochhalten handgemalter Nummernschilder
gezählt werden. Und natürlich
fehlt auch das für diese Art von Filmen obligatorische
Plädoyer für die Liebe als alles am
Laufen haltende Urkraft nicht.“ (Hanno Stecher
in SISSY 2/10)
JAY
frisch ausgepackt
HK 2008, regie: Francis Xavier Pasion, CMV Laservision
Auf den Philippinen, einem
politischen Operettenstaat
ohne Kinoszene,
entstehen seit einigen
Jahren ziemlich aufregende
und facettenreiche
Filme, die vor allem auf
westlichen Festivals gefeiert
werden. Obwohl
der Blick der Filme auf die Realität des Landes
oft präzise und erbarmungslos ist, erschöpfen
sie sich selten im dokumentarischen Stil. Der
Pseudo-Ratgeber „Wie man auf den Philippinen
Dokumentarfilme macht“ liegt auf dem
Nachttisch des TV-Produzenten Jay, dem Helden
des gleichnamigen Films. Das ist eine böse
Pointe. Eigentlich recherchiert er zwar den
Mord an einem anderen Jay, einem schwulen
Lehrer – doch von Recherche kann eigentlich
keine Rede sein. Es soll ein wüstes, manipulatives
Format werden mit heulenden Müttern,
betretenen Kollegen, wilden Verbrecherjagden
und herzzereißenden Liebesbekenntnissen
des Exfreundes. Und wie man es wiederum
in medienkritischen Spielfilmen erwartet,
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