WAS HOLLYWOOD NICHT ERLAUBT - Sissy

sissy Ausgabe 

Homosexual’s Film Quarterly 

drei · September bis November 2009 · kostenlos 

s Ang Lee: Das Recht auf ein bisschen Glückseligkeit s Emma & Marie: Geheimes Geisterreich der Gefühle s Liebeslied für Yngve: 

Exzentrisch frisierte Heterojungs s Kommt Mausi raus?! Endlich! s Opern-Schwärmerei: Herb-zarte Jungmännlichkeit s Charlie David: 

Nischenexistenz s Louise hired a contract killer: Es braucht mindestens zwei Helden s Der Hochspringer: Sebastian Urzendowsky 

s Jack Smith: Endlich aus dem Safe befreit s Eck-Stacy: 15 Jahre „Oscar Wilde“ s „Ein Star ist eine Frau“: Ein kurzer Flirt mit Anna Magnani

Sissy drei 

Was, schon wieder ein Coming-Out-Film? Brauchen wir so was noch? 

Haben wir das nicht schon tausend Mal gesehen? Ist Queer Cinema 

nicht mehr als das? 

Der Junge mit den roten Haaren und der supercoolen Sonnenbrille 

(Modell von 1989) auf unserem Titel heißt Jarle und er ist Der 

Mann, der Yngve liebte. Also die Hauptfigur eines jener Coming-Out- 

Filme, die wir in der Tat unbedingt brauchen und den man so noch nie 

gesehen hat. Wie unser Autor bestenfalls anreißen kann, werden in 

der vor zwanzig Jahren angesiedelten Geschichte eines jugendlichen 

Möchtegern-Punksängers aus der immerhin viertgrößten 

Stadt Norwegens ganze Geflechte von popkulturellen Querverweisen, 

Jugend-Codes und Subkultur-Zeichen in einem 

handfesten und äußerst rührenden Identitätskonflikt queer 

infrage gestellt. Gleichzeitig sieht man mit Mitte/Ende Dreißig 

oder auch älter mit Nostalgie darauf, denn Subkulturen 

gibt es ja heute kaum noch. Wie die Jugendlichen von heute 

ihr Coming-Out erleben, wird sich in den Filmen der nächsten 

Jahre zeigen. Wir freuen uns auf sie. 

„Das Kino mit seinen klassischen Genres kann die Vorurteilskästchen 

nicht schließen, in die man Schwule immer 

noch steckt. Nur schwule Regisseure selbst können die klischeetriefenden 

Abziehbilder aus den Kinos und von den „Der Mann, der Yngve liebte“ 

Bildschirmen verdrängen“, schrieb 1987 Hermann J. Huber 

in seinem Klassiker „Gewalt und Leidenschaft. Das Lexikon 

– Homosexualität in Film und Video“. Das war mit Visconti, 

Schroeter und Speck gegen die „Fummel-Spektakel“ und 

tragisch endenden „Hollywood-Melodramen“, gegen die 

komisch-exotischen Dreingaben homosexueller Figuren 

in die Massenunterhaltung gerichtet, denen Huber gerne 

eigene Bilder entgegenstellen wollte, die er aus 90-jähriger 

Kino- und Pornofilm(!)-Geschichte herausgesucht hatte. 

Bei nicht wenigen Schwulen und Lesben hatte er damit eine 

Filmleidenschaft entfacht und ein Gespür für die filmische 

Repräsentation schwuler Lebensentwürfe. Unser lieber 

Kollege, Wegbereiter, Schwärmer und Genießer Hermann 

J. Huber ist – viel zu früh – am 28. Juli gestorben. Bis zuletzt 

hat er, u.a. für die Zeitschrift „Adam“, das Queer Cinema auf Hermann J. Huber 

seine ganz persönliche Art begleitet und weiterhin „kantige 

Filme, glaubwürdige Antworten auch auf Aids und unerschrockene 

Auseinandersetzungen“ eingefordert. 

Wir tun das auch auf den folgenden Seiten und wünschen viel Spaß 

mit der SISSY III. 

vorspann 

3

mein dvd-regal 

4 

Rosa von Praunheim, 

Filmemacher 

OlivER SEcHtiNG 

5

kino 

Taking Woodstock 

von Ang Lee 

USA 2009, 120, DF und OmU 

Tobis, www.tobis.de 

Im Kino 

Bundesstart 3. September 

www.takingwoodstock.de 

Brokeback Mountain 

von Ang Lee 

CA/USA 2005, 134 Min 

Ufa, www.universumfilm.de 

Das Hochzeitsbankett 

von Ang Lee 

TW/USA 1993, 106 Min 

Arthaus, www.kinowelt.de/dvd 

JUST GO 

WITH THE FLOW 

von Thomas abelTshauser 

Nach „Das Hochzeitsbankett“ und „Brokeback Mountain“ geht es auch in Ang lees neuem Film um die 

Story eines schwulen Mannes. in der Komödie „taking Woodstock“ organisiert der junge Elliot ein Festival 

auf der grünen Wiese, das sich zum Geschichte machenden Ereignis auswächst und Elliot dabei hilft, sich 

selbst zu finden. im interview mit SiSSY am tag nach der Weltpremiere in cannes erklärt der 56-jährige UStaiwanesische 

Filmemacher seine vorliebe für schwule Figuren, seinen Außenseiterblick und warum er sich 

nicht auf ein Genre festlegen lassen will. 

s sissy: Was interessierte Sie an Woodstock? Der Mythos 

oder die Geschichte dieses Jungen? 

Ang Lee: Ich bin Elliott Tiber eher zufällig begegnet, in 

einer Fernsehstation in San Francisco, als gerade mein 

letzter Film Gefahr und Begierde herauskam. Er war 

wegen seiner Autobiographie dort und hinter den Kulissen 

gab er mir einen 1-Minuten-Pitch mit den besten 

Woodstock-Anekdoten, wie er das Festival initiierte und 

auch überlebte – und das hat mich überzeugt. Mir wurde 

vor allem klar, dass ich seit Der Eissturm nur Tragödien 

gedreht habe, sechs Stück in 13 Jahren, und dass es 

höchste Zeit war, etwas Leichtes zu machen, ohne jeden 

Zynismus. Ich hatte das Gefühl, dass ich mir nach all dem 

Drama das Recht auf ein bisschen Glückseligkeit und 

unschuldige Unterhaltung verdient hätte. Ich habe dann 

das Buch gelesen und wusste: Die Geschichte ist einfach 

perfekt dafür. 

Als Woodstock stattfand, im August 1969, lebten Sie noch 

in Taiwan. Was bedeutet Ihnen Woodstock? 

Damals sah ich es nur im Fernsehen und hörte die Musik. 

Erst später erkannte ich die symbolische Kraft, die es 

hatte. Es ging um die Unschuld einer jungen Generation, 

die sich vom alten Establishment löste, auf der Suche 

nach einer Möglichkeit, mit Menschen anderer Kulturen 

friedlich zusammenzuleben. Und auch mit der Natur 

selbst. Klar ging es auch um Sex, Drogen und Rock’n’roll. 

Damals wurden einige Dinge gepflanzt, die wir heute 

sehr viel ernster nehmen. Es ist ein ikonischer Event, 

tOBiS 

ohne Frage. Und es wurde romantisiert, verherrlicht. Als ich mit 

der Recherche begann, stellte ich schnell fest, dass es auch ziemlich 

schmutzig zuging, und ich meine damit nicht nur den Schlamm auf 

den Wiesen. Es war auch ein dreckiges Geschäft. Aber man muss der 

halben Million Hippiekinder zugute halten, dass es tatsächlich drei 

Tage voller Liebe, Friede und Musik wurden, gewaltfrei. Das wäre 

heute unvorstellbar und das vermisse ich. 

Was war das Schwierigste an diesem Dreh? 

Dass die Komparsen echt wirkten. Junge Leute heute haben einfach 

eine völlig andere Körperhaltung und sehen ganz anders aus. Das hat 

gar nicht so viel mit den Frisuren zu tun. Es war wirklich schwer, 

Jungs zu finden, die schlank und fit aussehen, ohne wie Sportstudio- 

Abonnenten zu wirken und komplett rasiert zu sein. Damals hatten 

Typen noch Schamhaare und sahen nicht aus wie Ken-Puppen! 

Das sagt viel mehr über den Unterschied von 40 Jahren aus als alles 

andere. 

Nach „Das Hochzeitsbankett“ und „Brokeback Mountain“ hat Ihr 

neuer Film wieder eine schwule Hauptfigur. Zufall? 

Wir alle sind doch unglaublich komplizierte Wesen und schwer in 

Schubladen zu stecken. Nehmen Sie nur Wilma, die Securitytranse in 

Taking Woodstock. Sie ist unglaublich stark und schwer zu definieren. 

Wer oder was ist er oder sie? Wir alle bestehen aus unendlich vielen, 

teilweise widersprüchlichen Elementen. Mich interessieren vor allem 

großartige, dramatische Geschichten, und die haben – zufällig oder 

nicht – oft mit Homosexualität zu tun. Sie faszinieren mich und ich 

versuche, sie so wahrhaftig wie möglich darzustellen und hoffe, die 

Zuschauer reagieren darauf ebenso komplex. Die drei Filme, die Sie 

hier vergleichen, sind doch grundverschieden, auch wenn zumindest 

die ersten beiden von Tabus handeln. Das Hochzeitsbankett ist ein 

traditionelles asiatisches Familiendrama, Brokeback Mountain ein 

epischer Western. Die Idee zu Das Hochzeitsbankett kam mir beim 

Duschen, das Drehbuch habe ich selbst geschrieben und es beinhaltet 

viel meiner eigenen Welt, etwa die Elternfiguren. Brokeback Mountain 

ist das krasse Gegenteil: Meine Lebenserfahrung könnte gar nicht 

weiter entfernt sein vom Dasein schwuler Rancher in Wyoming. Im 

Gegensatz zu den ersten beiden Filmen ist in Taking Woodstock das 

Schwulsein nicht das Thema oder der Kern der Geschichte, sondern 

Teil des Ganzen und wir nehmen es wie Hippies: Anything goes. Just 

go with the Flow. Alles geht, lass dich nur treiben. Wissen Sie, ich bin 

in Taiwan aufgewachsen, aber ich war immer ein Fremder, immer 

ein Außenseiter. Deshalb hasse ich es, in Schubladen oder Kategorien 

gesteckt zu werden. Ich möchte auch nicht mit einem bestimmten 

Genre identifiziert werden. Ich möchte als ich selbst gesehen werden, 

so kompliziert oder simpel ich auch sein mag, deswegen mache ich 

diese Art Filme. Aber ich möchte nicht, dass sie kategorisiert werden. 

Sie wechseln scheinbar problemlos zwischen Projekten in den USA und 

Asien… 

Ich arbeite sehr hart. So problemlos ist das nicht. 

Wo fühlen Sie sich eher zu Hause? Sie leben seit über 30 Jahren in Amerika. 

Die ehrlichste Antwort wäre: Ich lebe in meinen Filmen. Ich borge 

mir einen Film nach dem anderen als meine Heimat. So sehe ich das. 

Daneben ist natürlich New York mein Zuhause, weil dort meine Familie 

lebt, meine Frau, meine Kinder. Wenn ich nach Taiwan zurückkehre, 

um meine Mutter und meine Geschwister zu besuchen, fühlt 

sich das ein bisschen wie Heimkommen an, aber zugleich fühle ich 

mich wie ein Gast. Ich kann dort nicht auf die Straße, weil mich sofort 

Passanten erkennen und auf mich zustürzen. Ich habe dort keine 

Freiheit, keine Entspannung. 

Warum wechseln Sie so häufig die Genres? Nach dem Riesenerfolg 

von „Tiger & Dragon“ gab es doch bestimmt weitere Angebote, einen 

Schwertkampffilm zu drehen… 

Viele! Aber das hat mich nicht interessiert. Ich hatte das hinter mir. 

Und ich möchte als Regisseur nicht gemietet werden. Die Leute sollen 

Ang Lee (rechts) bei den Dreharbeiten zu „Taking Woodstock“. 

nicht wissen, was sie von mir erwarten können, das würde mir Angst 

machen. Wie können sie es wissen, wenn ich es selbst noch nicht mal 

weiß? Das gibt mir Freiheit und die Möglichkeit, den Nervenkitzel 

zu erleben, was ich in einem bestimmten Material entdecken könnte. 

Man muss sich wohl auf eine Art Genre einigen, damit sie es verkaufen 

können, auch dem Publikum. Aber davon abgesehen, finde ich, ist 

es besser, möglichst schwer durchschaubar zu sein. Glücklicherweise 

habe ich mir das Recht dazu verdient. 

Viele Ihrer Filme drehen sich um Identitätsfragen… 

Ja, die Konfrontation mit dem was man will und die Angst davor. Das 

ist so etwas wie mein roter Faden. Man kann vor sehr vielem Angst 

haben und man fühlt sich machtlos. Es ist wie eine negative Kraft. 

Je mehr man dagegen ankämpft, umso stärker zieht es einen an. Wie 

ein schwarzes Loch. Ich rede oft auf diese Weise über Filme und deshalb 

wähle ich auch so unterschiedliche Projekte, weil für mich auch 

Filme solche schwarzen Löcher sind. Sie können mich zerstören, aber 

wenn ich heil wieder rauskomme, ist es eine große Befriedigung. Das 

Erlebnis ist es wert. 

Sie fühlen sich von Themen angezogen, die Ihnen Angst machen? 

Die fremdartig sind, ja. Wenn sie mir zu vertraut sind, langweilen sie 

mich. Dann wird es nur noch Malen nach Zahlen. Ich beschäftigte 

mich ein, zwei Jahre mit einem Projekt und wenn ich erst am Ende 

herausbekomme, worum es wirklich geht, vielleicht auch erst, wenn 

der Film fertig ist und ich in Gesprächen meine Situation reflektiere, 

finde ich das faszinierend. Aber diesmal stand wie gesagt eher im Vordergrund, 

nach den belastenden Drehs der letzten Jahre etwas Optimistisches, 

Lebensbejahendes zu drehen. 

Haben Sie nach dieser „leichten“ Erfahrung mehr Lust auf Komödien 

bekommen? 

Auf jeden Fall. Es war eine sehr schöne, aber auch enervierende 

Erfahrung. Wenn in einer Komödie keiner lacht, hast du versagt. 

Bei einem anspruchsvollen Drama kann man immer behaupten, das 

Publikum hat es halt nicht geschnallt. Ich würde gerne einmal eine 

richtig platte Komödie ohne jede Bedeutung machen. Das muss die 

höchste Kunst sein. s 

6 7 

kino 

tOBiS

kino 

Mulligans 

von Chip Hale 

CA 2008, 90 Min, OmU 

Edition Salzgeber, www.salzgeber.de 

Im Kino 

Gay-Filmnacht im September 

www.gay-filmnacht.de 

Charlie David 

„Dante’s Cove“, Staffel 1 und 2, 

sind bei Pro-Fun Media erschienen. 

Charlie Davids Roman zum Film 

„Mulligans“ (250 Seiten, Paperback, 

$14.95) sowie das Nachfolgewerk 

„Boys Midflight“ (230 Seiten, 

Paperback, $16,95), die Geschichte 

der ersten schwule Liebe eines 

19-jährigen Models, sind bei Palari 

Publishing, Richmond erschienen. 

KEINE EXPLOSIONEN, 

KEINE VERFOLGUNGS JAGDEN, 

KEINE KINDER 

von axel schock 

Das kanadische Multitalent charlie David hat sich beim Spielfilm „Mulligans“ erstmals auch als 

Drehbuchautor und Produzent ausprobiert. Ein Gespräch über Schauspielangebote nach dem coming-Out, 

die schwule Kulturnische, enttäuschte Frauen und harte vorgaben für die ersten Eigenproduktionen. 

s Die Davidsons scheinen eine geradezu perfekte, 

glückliche Familie zu sein. Der Vater Nathan ein sportiver 

Golfnarr, die Mutter eine verständnisvolle beste Freundin 

für alle und Sohn Tyler (Derek James) ein smarter Strahlemann. 

Der hat seinen besten Freund Chase (Charlie 

David) eingeladen, den Sommer gemeinsam am idyllisch 

gelegenen Haus am See zu verbringen. Kurz bevor das 

Idyll in Pilcher-Kitsch abzudriften droht, bringt es Chase 

mit seinem eher beiläufigen Coming-Out jedoch ins Wanken. 

Der 27 Jahre junge Charlie David hat sich bereits in 

vielen beruflichen Feldern sehr erfolgreich ausprobiert: 

Er arbeitete als Model, war einige Jahre Mitglied der US- 

Boyband 4Now, bevor er sich als Schauspieler etablierte. 

Mit seiner Rolle in der Mystery-Soap Dante’s Cove, einer 

Hochglanz-Trashperle des schwul-lesbischen Fernsehsenders 

here! TV, schuf sich der Kanadier David in den 

USA einen ersten Fankreis. Für Out TV, das kanadische 

Pendant zu here tv, steht er bereits in der vierten Staffel 

als Moderator des lesbisch-schwulen TV-Reisemagazins 

Bump! vor der Kamera (hierzulande bei TIMM zu sehen). 

Mit dem Spielfilm Mulligans hat sich Charlie David nun 

erstmals auch als Drehbuchautor und Produzent ausprobiert. 

SISSY hat sich mit ihm getroffen. 

sissy: Du bist derzeit als Schauspieler sicherlich nicht 

gerade unterbeschäftigt. Wieso produzierst du denn jetzt 

auch noch? 

Charlie David: So habe ich wesentlich mehr Einfluss auf 

das Gesamtprojekt, als ich es als Schauspieler allein 

je haben könnte. Und als Schauspieler bist du ständig 

von der Gnade von Castingchefs, Regisseuren und Produzenten 

abhängig, die entscheiden, ob du einen Job 

bekommst. Jetzt stehe ich nun auf der anderen Seite der 

Macht und kann selbst entscheiden, welche Leute ich für 

ein Projekt haben will. 

„Bump!“, „Dante’s Cove“ oder Spielfilme wie „A Four Letter 

Word“ (2007) und „Kiss the Bride“ (2008) – Werden 

dir als offen schwuler Schauspieler keine anderen Rollen 

angeboten? 

Während meiner Zeit in der Boyband musste ich mein 

Schwulsein in der Öffentlichkeit verschweigen. Das wollte 

die Plattenfirma so. Damit war dann Schluss, nachdem 

ich die Rolle bei Dante’s Cove übernommen hatte. Meine 

Managerin Linda Carter hatte mir damals prophezeit: 

„Du wirst durch dein Coming-Out einige Rollen verlieren, 

und du wirst deshalb einige andere bekommen. Das Beste 

aber ist, wenn du dir deine eigenen Rollen schaffst, dann 

hast du die komplette Kontrolle über deine Karriere.“ Das 

war ein kluger Rat und ich habe ich daran gehalten. 

Du hast also eine schwule Nische entdeckt, die dir die passenden 

Rollen und ausreichend Arbeit verschafft? 

Die schwule Community ist in den USA zum Glück 

groß genug, dass sie mich durchfüttern kann (lacht). 

Die nächste Herausforderung wird sein, darüber hinauszukommen. 

Ich weiß allerdings noch nicht, was das 

für mich heißen soll. Dass ich Heteros spiele? Dass ich 

alles, nur keinen Schwulen mehr spielen möchte? Oder 

lieber Parts, bei denen die sexuelle Orientierung der 

Figur überhaupt keine Rolle spielt oder vielleicht sogar 

gar nicht bekannt ist… 

EDitiON SAlzGEBER 

„Mulligans“ ist dein Debüt als Drehbuchautor… 

Ich hatte mich vorher schon an Drehbüchern versucht. Meine Managerin 

Linda Carter, die auch meine Co-Produzentin ist, fand sie alle 

ganz gut, aber für mein Debütfilm stellte sie mir harte Regeln auf: 

keine Explosionen, keine Autoverfolgungsjagden, keine historischen 

Kulissen, keine Kinder und Tiere. (lacht) Also möglichst unproblematische 

Szenarien und eine überschaubare Zahl Charaktere und 

Schauplätze. Für mich lag es da nahe, eine Familiengeschichte zu 

erzählen. 

Mit dem Coming-Out deiner Filmfigur Chase eröffnen sich gleich zwei 

Konfliktherde: zum einen das Verhältnis der beiden Ehepartner, zum 

anderen das zwischen den beiden Freunden. Mit Derek James, dem Darsteller 

von Tyler bist du auch im wahren Leben sehr eng befreundet. 

Ich hatte von vornherein vor, ein Drehbuch für mich und Derek zu 

schreiben, denn unsere Freundschaft (zwischen einem heterosexuellen 

und einem schwulen Mann), ist eigentlich schon ein spannender 

Stoff für sich. Aber noch dynamischer macht es die zweite Ebene 

des Plots: Ein verheirateter Mann und Familienvater jenseits der 40 

hat sein Coming-Out und stellt damit das bisherige Familienleben 

völlig in Frage. 

Hattest du dabei ebenfalls ein reales Vorbild im Kopf? 

Mein eigenes Leben! Schließlich gab es Zeiten, da ich auch noch mit 

Frauen liiert war. Manchen habe ich erzählt, dass ich manchmal auch 

mit Männern schlafe, aber ihnen immer versichert, dass ich nur mit 

ihnen zusammen sein möchte. Manche zeigten sich auch sehr verständnisvoll. 

Aber ich habe mich gefragt: Kann ein Mann seine Ehefrau 

von Herzen lieben und doch auch erotische oder sexuelle Gefühle 

zu einem anderen Mann entwickeln? Natürlich ist das möglich, denke 

ich. In Mulligans spiele ich den Fall durch. 

Thea Gyll (Lindsay „Linz“ Peterson aus „Queer as Folk“) war ein großes 

Glück für die Realsierung wie auch nun für die Vermarktung des 

Films. Wie konntest du Sie dazu gewinnen? Mit außerordentlichen 

Gagen wohl kaum, oder? 

Nein, das in der Tat nicht. Aber sie ist eine gute Freundin von mir. 

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Wir haben beide ein Haus in Victoria/Kanada, dort haben wir auch 

PRESENT 

den Film gedreht. Die meiste Zeit des Jahres sind wir aus beruflichen 

Gründen allerdings in Los Angeles. Ich habe sie schon lange bewun- LIVE FILM! JACK SMITH! 

dert und in der zweiten Staffel von Dante’s Cove haben wir dann endlich 

auch zusammen gearbeitet. Bei einem Abendessen habe ich sie 

einfach mal gefragt: „Ich hab da dieses Drehbuch, nur eine kleine 

Sache, hast du mal Zeit da reinzuschauen – und vielleicht wäre die 

Rolle ja was für dich…“ Sie hat es dann tatsächlich über Nacht gelesen 

und mir am nächsten Tag bereits zugesagt. Für sie war die Rolle 

der Ehefrau Stacey eine neue Herausforderung und sie hat an mich 

geglaubt. 

Und wird es bei deinem nächsten Film nun Explosionen, Autojagden, 

Tiere und Kinder geben? 

(lacht) Tiere eher nicht. Vielleicht ein Rentier, für den Fall dass es 

doch noch ein Weihnachtsfilm werden sollte. Eine richtige Autojagd 

gibt es auch nicht, aber immerhin eine lange Autofahrt. Das Drehbuch 

FIVE FLAMING DAYS IN A RENTED WORLD 

BERLIN, OCT. 28 – NOV. 1, 2009 

stammt diesmal übrigens von Derek, eine Familienkomödie mit dem SPECIAL GUEST – MARIO MONTEZ LIVE!!! 

Titel Happy Hour. Darin muss ein Typ schleunigst heiraten, damit er 

das Erbe seiner verstorben Großmutter bekommen und legal im Land OVER 50 INTERNATIONAL GUESTS! 

bleiben darf. Und weil die Familie denkt, dass es sowieso Zeit für Mr. 

Right ist, setzen sie alles in Bewegung, um einen Ehemann für ihn zu 

FILM & PERFORMANCE PREMIERES! 

finden. Er überredet allerdings seinen besten heterosexuellen Freund, LECTURES! CONCERTS! INSTALLATIONS! 

den schwulen Lover und Bräutigam zu spielen… 

Und wie weit seid ihr? 

Ich bin gerade dabei, das Geld dafür aufzutreiben. Im November oder 

Dezember können wir hoffentlich drehen. Es wird etwas völlig anderes 

als Mulligans; das eine ist ein Drama, das andere eine Komödie. 

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TO RONALD TAVEL! 

Und du wirst auch mitspielen? 

Ich denke schon und ich hoffe, ich kriege den Part des Heterofreundes 

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(lacht). s JACK SMITH IN COLOGNE, 1974. PHOTO: E. MICHELIS 

8 9 

kino

kino 

SIE IST NICHTS. 

SIE IST NIEMAND. 

von birgiT binder 

Jesús Garays coming-Out-Drama „Eloïse“ läuft im September in der l-Filmnacht und 

ist ab 18. Oktober regulär im Kino zu sehen. 

s Ein blauer Wal hatte sich in den Mond verliebt. Während die anderen 

Wale nach Plankton suchten, stieg sie auf, um den Mond zu sehen. 

Sie war traurig. Nacht um Nacht sah sie den Mond, ohne ihn erreichen 

zu können. Und der Wal weinte und weinte. Eines Nachts schwamm 

der Wal in die tiefste Region des Meeres und sprang an die Oberfläche, 

höher als alle Wale jemals gesprungen waren. Aber der Mond war zu 

hoch und da sie ihn nicht erreichen konnte, warf sie ihm einen Kuss 

zu. Dieser Kuss war so voll von Liebe, dass das Wasser in der nächsten 

Nacht ein Abbild des Mondes reflektierte. (Eloïse zu Asia) 

Asia, 18, liegt im Krankenhaus im Koma, umsorgt von ihrer Mutter 

und ihrem Freund Nathaniel. Die filmischen Rückblenden, in denen 

der katalanische Regisseur Jesús Garay die Ereignisse vor Asias Einweisung 

erzählt, schrauben sich Schritt für Schritt immer weiter in die 

Vergangenheit der Architekturstudentin. Es ist ein langer Weg bis zu 

Asias Sprung, beginnt er doch, wie es sich für eine Tochter aus „besserem“ 

Hause mit klammernder Über-Mutter gehört: Am Mensatisch 

mit zwei Freundinnen (die keine sind), den perfekten Boyfriend in spe, 

Nathaniel, beobachtend. Der hat zwar nur Augen für Asia, lädt aber 

dann doch alle Drei zum Kinobesuch mit zweien seiner Freunde ein. 

Wäre zuvor nicht Eloïse an ihrem Mittagstisch vorbei geschritten, über 

die sich Eríka und Norah abfällig äußern, bis Asia ihnen, ohne Eloïse 

kennengelernt zu haben, widerspricht, schauten wir dem Beginn einer 

bis zur Ödnis normierten Heterobeziehung in Barcelona zu. 

Garay inszeniert dieses auf dem Drehbuch von Christina Moncunill 

basierende Drama ohne Knalleffekte, ruhig, als atme man mühelos 

unter Wasser. Wenn Nathaniel und Asia in der Frontalen im Kino 

nebeneinander sitzen und auf die Leinwand, uns also, schauen, dann 

ist das wohl alltäglich zu nennen. Wenn Asia in einer kurzen Einstellung 

ihren Kopf zur Seite wendet und die Reihe entlang auf ein sich 

küssendes Paar schaut und erst dann Nathaniel ihre Hand halten lässt, 

ist das gleichzeitig ein kurzes Kommentar und eine feine Sequenz auf 

den vermeintlich natürlichen Zwang zur Reproduktion heterosexuellen 

Begehrens. Asia scheint die Situation zu genießen, nicht, weil sie 

agiert, sondern qua Imitation – Kino plus Händchenhalten mit Freund 

gleich prima, die da drüben machen’s ja genauso. 

Vielleicht ist es (nicht) der Kuss zwischen ihrem Freund Nathaniel 

und Uni-Freundin Eríka in der Disco, nachdem sich beide gut gelaunt 

ihres gemeinsamen homophoben Einverständnisses vergewissert 

haben, und (auch nicht) die Äußerung von Asias Mutter, die ihre Tochter 

von 23 Uhr bis 1 Uhr morgens mit den Worten „Du wirst mich endlich 

stolz auf dich machen!“ zum Lernen zwingt, die Asia eines Tages 

dem Aushang „Modelle gesucht“ in der Uni folgen lassen. Gewiss ist es 

ihre erste Abweichung vom geordneten Plankton-Ritual. „Ich wollte 

einmal etwas Impulsives tun“, wird sie Eloïse erklären, nachdem sie 

den ersten Schock, die offen lesbische Kommilitonin als Urheberin des 

Aufrufs im Zeichenraum wiederzufinden, überwunden hat. Im weiteren 

Verlauf des Films wird Asia dieses erste Auftauchen nicht mehr 

vergessen. 

Die am schwierigsten zu betrachtenden Szenen sind nicht die des 

inneren Mit-Sich-Selbst-Ringens von Asia, sondern die, deren erster 

Schein nicht eingelöst wird. Die ins Krankenhaus hastende Mutter (sie 

trägt bezeichnenderweise keinen Namen) findet Nathaniel am Krankenbett 

ihrer Tochter und stößt, Eloïse erwartend, hervor: „Wo ist 

sie?!“, woraufhin Nathaniel verwirrt zurückfragt: „Wer ist ‚sie‘?“ und 

die Mutter antwortet: „Sie ist nichts. Sie ist niemand“. Gerade diese 

beiden Figuren, die Mutter und Nathaniel, nie zur fratzenhaften Karikatur 

ach so normaler gesellschaftlicher Verhältnisse zu überzeichnen, 

ist ein besonderer Verdienst der Inszenierung. Bei allen stumpfen 

Äußerungen und tumbem Verhalten der beiden scheinen sie direkt aus 

jedermenschens Nachbarschaft auf die Straße getreten zu sein, nach 

jedem Gesetzbuch zu gewaltlos, um weggesperrt zu werden, aber nicht 

minder zerstörerisch, und zu ignorant-arrogant, um jemals ihren Status 

quo hinterfragt zu haben. Oder mit den Worten der Mutter: „Ich 

werde es verhindern!“, darauf Eloïse: „Was? Asias Glück?“ 

„Eloïse“ ist bestes Schauspiel-Kino mit zwei Titelheldinnen, die 

eine Entdeckung sind. Dieser Film macht Mut, auch jenseits wohlbekannter 

Planktonbänke zu tauchen. Mit einer FSK 12 sind ihm in 

diesem Herbst viele junge Kino-ZuschauerInnen zu wünschen – 

Händchenhalten und Knutschen sind nicht obligatorisch. Und wenn 

wir tauchen wollen, um zu springen, dann so ungeduldig wie möglich, 

ohne Zögern. Geduld gehört sowieso zu den völlig überschätzten 

Tugenden. s 

Eloïse von Jesús Garay, ES 2009, 90 Min, OmU 

Pro-Fun Media, www.pro-fun.de 

Im Kino: L-Filmnacht im September, www.l-filmnacht.de 

Bundesstart: 18. Oktober 2009 

PRO-FUN MEDiA 

MAUSI KOMMT 

IM KINO RAUS 

von silvy Pommerenke 

Kaum ein lesbischer coming-Out-Film hat in Deutschland soviel Spaß gemacht wie „Kommt Mausi raus?!“, 

Angelina Maccarones erster Film. Unsere Autorin erinnert sich an einen Abend vor 14 Jahren. 

s Wieder einer dieser Abende, an denen kein Schwein anruft und 

alle anderweitig verabredet sind. Okay, dann also die Zeit mit Glotze, 

Chips und Bier verbringen. Es ist Mittwoch, der 7. Juni 1995 und 

gerade fängt auf dem Ersten ein Film an. Na, wenigstens etwas. Ich 

hasse es, wenn ich den Beginn verpasse, auch wenn der Titel Kommt 

Mausi raus?! mich jetzt nicht wirklich umhaut. Aus Ermangelung 

einer Fernbedienung bleibe ich auf meiner Couch und bei dem Film 

hängen und sehe eine freche Göre, die ihre Freundin zum Spielen 

abholen will. Na, das sieht doch schon mal ganz witzig aus. Womit 

ich allerdings nicht gerechnet habe ist, dass die nächste Szene eine 

typische Hamburger Altbauwohnung mit Pappbett, totalem Chaos, 

überfülltem Mülleimer und – jetzt wird es spannend – zwei nackten 

Frauen im Bett zeigt! Völlig überrascht vergesse ich Chips & Bier und 

bin die nächsten neunzig Minuten Feuer und Flamme! 

Damals war mir bereits klar, dass hier ein ganz besonderer 

Coming-Out-Film gezeigt wurde, der sich deutlich von den vorwiegend 

schwermütigen „Ich bin lesbisch und mir bleibt nur der Suizid 

oder die Zwangsheterosexualität übrig“-Filmen abhob. Wie sehr dieser 

Film Kultstatus erreichen würde, war Mitte der Neunziger allerdings 

noch nicht abzusehen. Angelina Maccarone, die damals noch 

unbekannte Drehbuchautorin und Co-Regisseurin, verpackte dabei 

auf äußerst humorvolle Weise das Coming out einer Kleinstadtlesbe 

in Klischees und Komik. Die damals ebenfalls noch unbekannte Julia 

Richter als Kati „Mausi“ Breuer verursachte mit ihren großen braunen 

Augen eine Revolution in hungrigen Lesbenherzen, und selbstredend 

sorgte auch Inga Busch als obercoole Jo für feuchte Träume. 

Eine der witzigsten Figuren ist aber wohl Katis Mutter, die von Gisela 

Keiner im tiefsten westfälischen Dialekt gegeben wird. Ganz großes 

Kino! Sämtliche Erfahrungen, die „datt Kati“ mit ihrer heterosexuellen 

Umwelt machte, hatte man ebenfalls erlebt. Sei es die bange Frage 

der besten Freundin, warum sie denn nie sexuell etwas von ihr wollte, 

über den Vorwurf, sie sei immer schon renitent gewesen und deswegen 

sei das Lesbischsein nur eine logische Konsequenz dieser Lebenseinstellung 

bis hin zu den Mackersprüchen, sie müsse es nur einmal 

richtig besorgt bekommen… Also Identifikationsfläche pur, die das 

Publikum in den Bann zog und zieht. Selbst die Heteros dürften ihren 

Spaß dabei haben. 

Angelina Maccarone hat diese urkomische Komödie mit extrem 

leichter Hand geschrieben. Vor allem die Szenen, als Mausi nach 

Hause in die Pampa irgendwo in Westfalen fährt, um sich endlich 

vor ihrer Mutter zu outen. Nachdem sie sich schließlich unter dem 

Deckmäntelchen der Verschwiegenheit der Mutter und der besten 

Freundin anvertraut hat, weiß es bereits eine halbe Stunde später 

das ganze Dorf. Ausgerechnet an diesem Wochenende ist auch noch 

Schützenfest, so dass die Nachricht wie eine Bombe einschlägt. Aber 

Kati hält sich wacker, auch wenn ihre Mutter ihr immer wieder Wurst 

auftischen will (obwohl sie doch jetzt Vegetarierin ist), die spießige 

Schwester sie mit Vorwürfen überhäuft, weil sie selbst keinen Mann 

abbekommen hat (und jetzt auch nicht mehr wird) und der Lover 

ihrer besten Freundin totalen Ärger macht, weil er Angst hat, dass 

Mausi seine Süße umpolt. Als dann auch noch die ehemalige Französisch-Lehrerin 

– Mausis erste große Liebe – mit Kind und Kegel auf 

dem Rummelplatz auftaucht und ihr einen Kuss abpflückt, da weiß 

Kati, dass ihr Platz definitiv nicht mehr in der Provinz ist. Aus dem 

langhaarigen Kleinstadtküken ist eine kurzhaarige Großstadtlesbe 

geworden und sehnsüchtig fährt sie nach Hamburg zu ihrer Liebsten 

Yumiko (Alexandra Wilcke) zurück, die ihr während der kritischen 

Tage in Westfalen am Telefon moralischen und seelischen Beistand 

gegeben hat. 

Kommt Mausi raus?! war der Anfang der Karriere Angelina Maccarones, 

denn zwei Jahre später folgte die ebenfalls unglaublich witzige 

Lesbenschmonzette Alles wird gut, und neben anderen Kinofilmen 

hat sie mit Fremde Haut von 2004 bewiesen, dass sie sich nicht 

nur auf Komödien versteht. Es ist wirklich höchste Zeit, dass Mausi 

endlich im Kino und als DVD rauskommt, denn es handelt sich hierbei 

auch um ein Stück lesbischer Zeit- und Kulturgeschichte. Außerdem 

kann man dann die in einem völlig desolaten Zustand befindliche 

VHS-Kassette (auf der man damals irgendwann zu nächtlicher Stunde 

den Film aufgezeichnet hatte) endlich gegen ein Medium des digitalen 

Zeitalters austauschen. 

Apropos damals: Es stellte sich am nächsten Tag heraus, dass 

ein Großteil meiner Freund/innen abends zuvor auch Kommt Mausi 

raus?! gesehen hatte. Einig waren wir uns schnell: Wir hatten lesbische 

Fernsehgeschichte live miterlebt und waren hellauf begeistert 

von dieser Coming-Out-Komödie, die auch heute nichts an Faszination 

eingebüßt hat! s 

Kommt Mausi raus?! von Alexander Scherer und Angelina Maccarone, D 1995, 90 Min, dt. OF 


Im Kino: L-Filmnacht im Oktober, www.l-filmnacht.de 

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kino 

EDitiON SAlzGEBER

kino 

s Stavanger, eine norwegische Stadt im 

Jahre 1989. Es ist das Jahr, in dem die Berliner 

Mauer fällt. Doch das ist Jarle Klepp ziemlich 

egal. Er befindet sich gerade mitten in der 

Pubertät, die eigenen Befindlichkeiten sind 

wichtiger als die Weltpolitik. „Eher fällt die 

Berliner Mauer, als dass wir in einen coolen 

Club kommen“, sagt einer aus Jarles Clique zu 

Beginn des Films, nachdem die Freunde mal 

wieder von Türstehern nach Hause geschickt 

worden sind. Die Betonung liegt auf den 

„coolen Clubs“, Berlin dagegen ist weit weg. 

Etwas später fällt die Mauer dann tatsächlich, 

Fernsehbilder von dem Ereignis flackern 

im Hintergrund, als Jarle und seine Mutter 

im Wohnzimmer sitzen. Beide beachten den 

Fernseher kaum, Jarle schießen ganz andere 

Dinge durch den Kopf. Er will seiner Mutter 

endlich gestehen, dass er in zwei Menschen 

gleichzeitig verliebt ist, in ein Mädchen und in 

einen Jungen. Doch wieder einmal bringt er es 

nicht über die Lippen… 

Stian Kristiansen klammert die historischen Ereignisse von 1989 

in seinem Spielfilmdebüt Der Mann, der Yngve liebte nicht aus, sondern 

legt den Schwerpunkt auf das, was für die Jugendlichen in dieser 

Zeit tatsächlich eine Rolle spielte. Man hatte sich zu entscheiden: cool 

oder uncool. Punk oder Popper. Skateboard oder Tennis. Nietengürtel 

oder pastellfarbene Lacoste-Hemden. Sonic Youth oder Synthiepop. 

Für Jarle ist die Entscheidung von Anfang an klar, er fällt sie in 

den ersten Minuten des Filmes – Jarle will zu den Coolen zählen. Bei 

einem Klassenausflug geht er auf seinen Mitschüler Helge zu, der mit 

seinen halblangen Haaren und dem verwaschenen Parka bereits zu 

den Coolen gehört. Beide tasten einander ab, typische Checker-Fragen 

werden ausgetauscht. Nachdem sie sich darüber einig sind, dass 

„Psychocandy“ von The Jesus And Mary Chain zu den besten Alben 

der Achtziger gehört, kommt es zum Handschlag, die neue Freundschaft 

ist besiegelt. 

Mit Liebe zum Detail rekonstruiert Regisseur Kristiansen eine 

Zeit, als Jugendkulturen noch übersichtlich waren. Die Trennlinie 

verlief zwischen Angepassten und Nichtangepassten. Zwischenstufen 

und Ambivalenzen schienen auf den ersten Blick nicht zu existieren. 

Die Wahl der Musik war bereits ein klarer Ausdruck von 

POP ALS 

LEBENSHILFE 

von marTin büsser 

Jarle, ein norwegischer teenie und angehender Popstar, schreibt für seine Freundin 

ein liebeslied und nimmt es auf tonband auf. Dann verliebt er sich in Yngve und 

schenkt stattdessen ihm die cassette. Weil in „Der Mann, der Yngve liebte“ coming- 

Out und Popmusik untrennbar miteinander verbunden sind, ist unser Autor diesem 

zusammenhang mal auf den Grund gegangen. 

Weltanschauung. Wer Punk und Indie-Rock hörte, gab sich als Nonkonformist 

zu erkennen, war politisch tendenziell eher links. „Wahrer 

Kommunismus hat ja nie existiert“, wirft Helge beispielsweise im 

Schulunterricht ein, als der Lehrer mit glänzenden Augen das Ende 

des Sowjetkommunismus verkündet. Die anderen hingegen, die Disco 

und Elektropop hören, gelten als angepasste Konsum-Kids, unreflektiert, 

unkritisch, schnöselige Kinder reicher Eltern. So zum Beispiel 

ein Mitschüler, stets in hellblauem Anorak gekleidet, der Jarle und 

Helge hinterher läuft, auch zu den Coolen gehören möchte, aber deren 

Codes nicht kennt. Als er mitbekommt, dass die Band, in der Jarle und 

Helge spielen, demnächst einen Auftritt hat, fragt er allen Ernstes: 

„Klingt eure Musik so wie die Dire Straits?“ 

Mit den Dire Straits hat die Mathias Rust Band rein gar nichts zu 

tun. Sie spielen Punk, ihr heimlicher Hit heißt „Pussy Satan Anarchy 

Commando“, eine Aneinanderreihung von allem, was sich irgendwie 

skandalös und verrucht anhört. Selbstverständlich handelt es sich 

um eine reine Jungs-Combo. Die einzige Frau im Proberaum, Jarles 

Freundin Cathrine, darf lediglich zuhören und kritische Kommentare 

zur Musik beisteuern, die bei den Jungs allerdings auf taube 

Ohren stoßen. 

ARSENAl 

Bereits in diesen Proberaum-Szenen deutet Kristiansen 

mit subtilem Humor an, dass die Coolen vielleicht doch 

nicht so nonkonformistisch sind, wie sie gerne wären. Die 

Verbissenheit, mit der sie für ihren ersten Liveauftritt 

proben, hat eher etwas von protestantischem Arbeitsethos 

als von lockerer Scheißegal-Haltung. Ähnlich verbissen, 

nämlich als reines Pflichtprogramm, erscheint 

längst auch die Beziehung von Jarle zu seiner Freundin 

Cathrine. In einer Band zu spielen und eine Freundin zu 

haben, erweisen sich als unhinterfragte hetero normative 

Statussymbole, die für Jarle erst ins Wanken geraten, als 

ein neuer Mitschüler auftaucht – Yngve. Der spielt hervorragend 

Tennis, liebt die „Synthiepop“-Band Japan 

und gehört damit eigentlich zu den Uncoolen, zu den 

Poppern. Trotzdem fühlt sich Jarle zu Yngve hingezogen, 

eines Nachmittags besucht er ihn, beide liegen in Yngves 

Zimmer, lauschen der leicht ätherischen Stimme von 

Japan-Sänger David Sylvian, während Yngve verträumt 

in den Himmel blickt und Jarle erzählt, was für Figuren 

er gerade in den Wolken sieht. Um Jarle ist es geschehen. 

Er verliebt sich in diesen Mitschüler, der so gar nicht in 

das Bild des angepassten Poppers passen will, sondern 

eine Fähigkeit besitzt, die der Punk-Clique völlig fremd 

ist: den Tagtraum, das Abschweifen, die poetische Flucht 

aus der provinziellen Enge. 

Es gehört zu den Stärken von Der Mann, der Yngve 

liebte, dass alle Gender-Fragen, die der Film aufwirft, 

auch auf der Ebene der Musik und der jugendkulturellen 

Codes aufgegriffen werden, ohne dass die Musik dabei 

nur illustrierenden oder nostalgischen Soundtrack-Charakter 

hat. Sie demonstriert vielmehr auf einer zweiten 

Ebene, dass ein bestimmter Sound, ein bestimmter Habitus 

und ein bestimmtes Outfit unmittelbar mit Gender- 

Positionierung einhergehen. Es gibt keinen von Gender 

losgelösten Pop. Und es gelingt Regisseur Kristiansen, 

die Coolness-Codes seiner Protagonisten infrage zu stellen, 

denn Jarle wird immer stärker von Zweifeln über seinen 

bisherigen Lebensentwurf heimgesucht. 

Die Punk-Clique und das Auftreten der Mathias Rust 

Band erweisen sich letztlich als das, was der Musikwissenschaftler 

Matthew Bannister in seinem Buch „White 

Boys, White Noise: Masculinities and 1980s Indie Guitar 

Rock“ als „homosoziale Gemeinschaften“ bezeichnet hat. 

„Homosozialität“, führt er aus, „bedeutet eine männlich 

definierte soziale Hierarchie, die darauf aufbaut, dass 

man jederzeit der Homosexualität bezichtigt werden 

kann“. Es ist ein wenig wie im Fußball: Männerkörper reiben 

aneinander, prallen aufeinander, sie duschen gemeinsam, 

doch gerade wegen dieser extremen körperlichen 

Nähe wird homosexuelles Begehren zum größten Tabu. 

Obwohl „Punk“ ursprünglich eine Slang-Bezeichnung 

für ein homosexuelles Vergewaltigungsopfer im Gefängnis 

war, ist Punk sehr schnell zu einer heteromaskulinen 

Bewegung geworden. Hatten Mitte der 1970er noch 

Punk-Musikerinnen wie The Slits oder der transsexuelle 

Musiker Wayne/Jayne County herkömmliche Geschlechterrollen 

in Frage gestellt, so sollte sich Punkrock – mit 

Betonung auf Rock – im Laufe der 1980er endgültig 

zu einem maskulinen Stil entwickeln, der kaum mehr 

Gefühle jenseits von Aggressivität zuließ. Genau dieses 

Bild spiegelt auch die Mathias Rust Band im Film wider, 

kontrastiert von der eigenartig amorphen Musik Japans, 

die dem gegenüber so flüchtig und fragil erscheint wie 

die Bewegung der Wolken, die Yngve beobachtet. Der 

Gesang von David Sylvian steht für das Brüchige, Tastende, 

Nicht-Festgelegte, ist deswegen also tendenziell 

queer. Denn erst mit dem von vielen Punks abgelehnten 

Synthiepop, mit New Wave und so genanntem Postpunk, 

kam es in den 1980ern zu einer gravierenden Verqueerung 

der Popmusik. Im Vorwort zu Simon Reynolds 

Postpunk-Exegese „Rip It Up And Start Again“, schreibt 

Klaus Walter: „Die Auswirkungen der von Postpunk ausgelösten 

geschlechter- und stilpolitischen Erschütterungen 

lassen sich in den Achtzigern bis an die Spitze der 

Charts nachverfolgen. Nie zuvor – und auch danach nie 

wieder – gab es derart viele Hits von Acts, die so offensichtlich 

von der heterosexuellen Norm abwichen: Soft 

Cell, Bronski Beat, Frankie Goes To Hollywood, Culture 

Club, Wham!, Marilyn… und selbst Heterojungs wie die 

Gebrüder Kemp kamen mit Spandau Ballet daher, als 

wollten sie beim Maskenball der Friseur innung auftreten.“ 

Zu diesen exzentrisch frisierten Heterojungs zählte 

auch David Sylvian von Japan. 

Die hier nur kurz skizzierte Widersprüchlichkeit des 

1980er-Pop zwischen schwulen und androgynen Chartstürmern 

und nonkonformistischen, aber heteronormativen 

Punkrockern wird in Der Mann, der Yngve liebte in 

ihrer ganzen Komplexität anhand von Jarles Coming-Out 

durchgespielt – ein Wechselbad der Gefühle, hin- und 

hergerissen zwischen schwuler Hingabe und zwanghaft 

aufrecht erhaltener Homophobie, von Darsteller Rolf 

Kristian Larsen so brillant gespielt, als sei es sein eigenes 

Dilemma. 

Pop und Alltag koexistieren im Film wie zwei einander 

umkreisende, aber doch höchst unterschiedliche 

Planeten. Pop ist Verheißung, bunte und abenteuerliche 

Glam-Welt, die so gar nichts mit dem eigenen Lebensumfeld 

gemein hat. Im Pop werden ungelebte und uneingestandene 

Träume kompensiert. Jarle traut sich nicht, 

seinen Freunden und seinen getrennt lebenden Eltern zu 

gestehen, dass er einen Jungen liebt. Doch schon vor dem 

Coming-Out hängen in seinem Zimmer homoerotisch 

aufgeladene Poster von The Smiths, einer Band, die auch 

in Jarles Punk-Clique akzeptiert wird. Solche Details 

werden in Der Mann, der Yngve liebte immer wieder eingestreut, 

um zu zeigen, wie wichtig Pop zumindest in den 

1980ern für die jugendliche Identitätsfindung war und 

wie stark über Pop auch sexuelle Präferenzen verhandelt 

wurden. Indem man zum Beispiel Fan von The Smiths 

sein konnte, ohne deswegen gleichzeitig unter Gleichaltrigen 

als schwul zu gelten, half Pop, mit sexuellen Identitäten 

zu spielen, bevor man sich zu entscheiden hatte, sie 

auch zu leben. 

Nach Cam Archers Wild Tigers I Have Known ist mit 

Der Mann, der Yngve liebte ein weiterer Film entstanden, 

in dem Musik als Begleitung des Coming-Out eine zentrale 

Rolle spielt. Während Musik in Archers Film jedoch 

Soundtrack bleibt, der die innere Zerrissenheit des jungen 

Protagonisten klanglich umsetzt, wird sie in Der Mann, 

der Yngve liebte zum Kommunikationsmittel, mit dessen 

Hilfe die Protagonisten untereinander mal bewusst, mal 

unbewusst sexuelle Identitäten aushandeln. Damit ist der 

Film letztlich eine große Liebeserklärung an die symbolpolitische 

Kraft des Pop. s 

Der Mann, der Yngve liebte von Stian Kristiansen, NOR 2008, 98 Min 

Arsenal, www.arsenalfilm.de 

Im Kino: Gay-Filmnacht im Oktober, www.gay-filmnacht.de 

On the Wild Side. Die wahre 

Geschichte der Popmusik. 

von Martin Büsser 

EVA, www.europaeischeverlagsanstalt.de 

Testcard. Beiträge zur Popgeschichte. 

Hrsg. Martin Büsser 

www.testcard.de 

White Boys, White Noise 

von Matthew Bannister 

Barnes & Noble, 

www.barnesandnoble.com 

Rip it up and start again 

von Simon Reynolds 

Faber and Faber, www.faber.co.uk 

Wild tigers I have known 

von Cam Archer 


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kino

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zUM 

FRESSEN 

GERN 

von rüdiger suchsland 

Sophie laloys glänzendes Kinodebüt „Emma & Marie“, 

ein Psychothriller über liebe und sexuelles Erwachsen, 

durchlöchert die nur scheinbar festgefügte Grenze zwischen 

Autorenkino und Genre. 

s Harmonische Musik erklingt aus dem Off, man sieht Bilder eines 

Aufbruchs, eine Familie fährt im Auto von zu Hause weg. Während 

die Filmtitel noch über die Leinwand laufen, zeigen die ersten Bilder 

das Auto in der Fahrt: aus der Distanz, von oben, von der Seite. Man 

glaubt diese Bilder ganz vage wiederzuerkennen, und vielleicht ist es 

ein subtil gesetztes Zeichen der Regisseurin Sophie Laloy, vielleicht 

auch nur zufällige Koinzidenz, dass diese allerersten Einstellungen 

jenen ähneln, mit denen Michael Haneke seine Funny Games beginnen 

lässt. Auch die Musik, die einen hellen, harmonischen Grundklang 

mit leichten Disharmonien mischt, betont eher das Vage der Situation, 

baut subtil Atmosphären der Unsicherheit, ja: Bedrohung auf. 

Noch ist dies versteckt in der Freude der Wiederbegegnung der 

beiden Kindheitsfreundinnen Emma und Marie, die sich hier erstmals 

nach Jahren sehen. Doch die Blicke sprechen bereits eine andere 

Sprache: Verwunderung ist bemerkbar, genaue Beobachtung, Reserve. 

Noch weiß Marie vermutlich selbst nicht, wie ihr genau geschieht: zu 

überwältigend ist die Macht des Neuen. In Lyon wird sie am Konservatorium 

eine Ausbildung zur Pianistin beginnen, darum ist sie bei 

Emma eingezogen. „Ich werde im Zimmer meiner Eltern schlafen“, 

sagt diese zu Beginn, offenbar ist mit deren schneller Rückkehr nicht 

zu rechnen. Marie wird in Emmas alten Raum ziehen. Etwas später 

erfahren wir, dass Emmas Vater tot ist, die Mutter in den USA lebt. 

So weit der äußere Rahmen. Nach wenigen Minuten schon ist die 

Meisterschaft dieses Films offensichtlich: Bewunderswert, wie Laloy 

ein spannungsreiches Beziehungsnetz entfaltet, bestimmt von wechselseitiger 

Irritation, versteckten Vorwürfen, Misstrauen und heimlichem, 

ungelenktem Begehren. Die Beziehung der beiden jungen 

Frauen ist nicht aufrichtig. Schon früh steht viel Unausgesprochenes 

im Raum: Eine Vergangenheit, die offenbar Narben auf der Seele hinterließ 

– Emma habe sich sehr verändert, bemerkt Marie. „Ich war 

früher sehr schüchtern“, sagt Emma, und dann der Vorwurf, dass 

die Freundin irgendwann nicht mehr angerufen habe… Irgendetwas 

scheint vorgefallen. Immer rätselhafter wird das Verhältnis der beiden 

– intensiv und großartig gespielt von Judith Davies und Isild Le 

Besco – und mündet in einen Zweikampf der Gefühle. Die Musik ist 

jeweils als dramaturgisches Zeichen eingesetzt: Ob Ravels „Pavane 

pour une enfante défunte“ oder Schumanns „Carnaval“, Mussorgskys 

„Bilder einer Ausstellung“ – immer wieder geht es um Parallellwelten 

des Phantastischen, um das geheime Geisterreich der Gefühle. 

Die beiden sind denkbar unterschiedlich. Marie entspricht dem 

Klischees eines jungen Provinzmädchens: neugierig, offen, aber auch 

brav und langweilig. Emma gibt dem Betrachter mehr Rätsel auf: 

irgendwie spröde und streng, altklug und viel stärker als die Freundin. 

Eine Femme Fatale, auf ihre Art. Das entspricht durchaus dem 

schon früh angedeuteten Horror-Genre, in dem ein unschuldiges 

Wesen das Stahlbad der Todesgefahr überstehen muss, um stark zu 

werden – oder mindestens erwachsen. 

Aber in der Dynamik, die der Film entfaltet, verändern sich die 

Figuren bald, wechseln ihre Rollen. Und so wie im Film Noir die 

Dunkelhaarige meist die Femme Fatale und Stärkere, die der Nacht 

Verfallene ist, die Blonde dagegen das Unschuldige, Engelhafte, 

Reine verkörpert, so bekommt auch hier plötzlich Marie die Oberhand, 

erscheint Emma als die Verletzliche, Sensible. Und dann wieder 

doch nicht. Und doch wieder… Keine der beiden Seiten scheint 

hier klar unterlegen, hin und her reißt der Film die Sympathien der 

Zuschauer. 

Sophie Laloys glänzendes Kinodebüt Emma & Marie (Je Te Mangerais) 

ist ein Psychothriller über sexuelles Erwachen und Begehren. 

Nahe der Ästhetik des Horrorkinos durchlöchert dieser Film die nur 

scheinbar festgefügte Grenze zwischen Autorenkino und Genre. Ein 

eindrucksvolles Debüt, ein Noir-Melo mit Anleihen an Cocteau und 

Tourneur, mit dem sich Laloy als neue, eigenständige Stimme im 

französischen Kino zu erkennen gibt und zugleich die große Tradition 

des französischen Autorenfilms fortsetzt. 

Eine ganz radikale Sicht auf den Film würde hervorheben, dass 

Emma fast nur als Nachtgestalt existiert, dass sie nur abends auftaucht, 

dunkle Kleider trägt… Dass sie also fast ein Phantom ist, vielleicht 

zu großen Teilen nur in Maries Einbildung existiert. Emma 

& Marie ließe sich ganz und gar aus Maries Sicht beschreiben: Als 

Geschichte eines netten, aber etwas unbedarften Provinzgirls, das 

seine sexuelle Identität erst noch finden muss, das zwischen den 

Gefühlen für die Jungs im Konservatorium und die beste Freundin 

nicht recht gewichten kann, das diese Freundin so ungemein bewundert, 

dass es eins werden will mit ihr, die Erwachsensein und stilvolles 

Leben, Selbstständigkeit und große Welt verkörpert, den Abschied 

von den Eltern, den es selbst noch nicht vollzogen hat. Auch als emotionale 

Biographie einer Künstlerin, die unter Lampenfieber leidet, und 

sich mit der geheimnisvollen Pianistin Brigitte Engerer identifiziert. 

Umgekehrt, aus Emmas Sicht, geht es um Aneignung und Verschmelzung: 

Sie trägt schwer an einer unbewältigten Vergangenheit, 

versteckt ihre Verletzlichkeit hinter spröden, kühlen Gesten – bevor 

sie sich in hysterischen Ausbrüchen entlädt. Marie hat für Emma die 

unbelastete Normalität und festgefügte Identität, nach der sie sich 

sehnt. Sie findet ihren Halt nur im Schein: in Lügen und der Mode. 

Nur so erhält sie die Aufmerksamkeit, die sie offenbar so dringend 

benötigt. 

Ist dies nun eine Liebesgeschichte? Vielleicht. Jedenfalls aber 

keine einfache Coming-Out-Geschichte oder eine unglückliche lesbische 

Love-Story. Bestimmt aber sind Emma und Marie einander in 

einer ganz eigenen Form von Liebe verbunden. Das zeigt sich gerade 

am Ende des Films: Da löst sich in einer finalen Erschütterung die 

Härte in Maries Blick, und in den letzten Minuten des Films kulminiert 

alles, was die Regisseurin Sophie Laloy zuvor über 90 Minuten 

aufgebaut hat. s 

Emma & Marie 

von Sophie Laloy 

FR 2009, 96 Min, OmU 


Im Kino 

L-Filmnacht im November 

www.L-Filmnacht.de 

Danach regulär in den Kinos 

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kino

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ALLES, WAS HOLLYWOOD 

NICHT ERLAUBT 

von sascha WesTPhal 

Der eitle Hollywood-Star Guy Stone bezaubert auf der leinwand die Hausfrauen und vernascht in seinem 

Bungalow heimlich seine männlichen Fans. Das kann nicht lange gut gehen. „Straight Jacket“ ist eine grelle 

Satire über Pirouetten in der zwangsjacke und bunte Dekors in einer moralpolitisch schwarzen zeit. 

s Hollywood in den frühen 50er Jahren. Über dem Tor zu den mittlerweile 

schon ein wenig heruntergekommenen SRO-Studios prunkt 

in großen schwarzen Lettern vollmundig der Reklamespruch: „Where 

the stars don’t burn out“. Wo die Sterne nicht ausbrennen – das ist 

das große Versprechen nicht nur der Traumfabrik, sondern Amerikas 

in dieser Dekade. Doch die Wirklichkeit sieht natürlich ganz anders 

aus. Die großen Träume und Hoffnungen nach dem Ende des Zweiten 

Weltkriegs sind Sternen gleich explodiert. Was danach noch von 

ihnen übrig war, konnte nur zu einem schwarzen Loch namens Kalter 

Krieg kollabieren. Und das ist 1953 schon auf dem besten Weg, Hollywood 

und mit ihm gleich auch noch alles andere zu verschlucken. 

Guy Stone, der gerade am hellsten strahlende Stern am SRO- 

Himmel, bekommt von all dem allerdings kaum etwas mit. Dafür ist 

der „begehrteste Junggeselle Amerikas“ viel zu sehr mit sich selbst 

beschäftigt. Ihn interessiert nur, ob er die Titelrolle in Ben Hur 

bekommt, dem prestigeträchtigen Monumentalfilm, den der Filmmogul 

und SRO-Besitzer Saul Ornstein gerade vorbereitet. Auch wenn er 

Abend für Abend durch dieses andere, verborgene Los Angeles streift, 

durch die Welt, die John Rechy so treffend „City of Night“ genannt 

hat, denkt er nur an sich. Einmal betritt er eine Schwulen-Bar gar mit 

den Worten: „Und wer ist heute der glückliche Gewinner?“. 

Eroberungen für eine Nacht, mehr will Guy gar nicht. Und die 

fallen ihm, seinem Starruhm sei’s gedankt, wahrhaftig in den Schoß. 

Aber einmal kommt es dann, wie es kommen musste. Schließlich 

hat Guy mit seiner Arroganz und seiner Sorglosigkeit wenn nicht 

das Schicksal, so doch zumindest all die herausgefordert, denen ein 

schwuler Kinostar ein Dorn im Auge ist. Er gerät in eine Razzia des 

berüchtigten Vice Squad des LAPD und wird mit Handschellen aus 

dem Club geführt, vor dem schon ein Photograph eines der Skandalblättchen 

dieser Zeit wartet. Diese Photos könnten Guy für immer 

ruinieren. Also greift seine Agentin, die toughe Jerry Albrecht, nach 

einem letzten Strohhalm: Guy muss heiraten und zwar sofort. Ein 

williges und zudem auch noch unsterblich in den Star verliebtes Opfer 

ist in Gestalt Sallys, der blonden Sekretärin Saul Ornsteins, schnell 

gefunden. Schon bald läuten die Hochzeitsglocken und das neue 

Traumpaar Hollywoods ist erschaffen. Dass Sally nicht einmal ahnt, 

warum Guy auf getrennten Schlafzimmern besteht, ist dabei ganz im 

Sinne der Drahtzieher dieser Ehe-Scharade, um so besser spielt sie 

die ihr zugedachte Rolle. 

Wer nun bei dem von Carrie Preston und Matt Letscher gespielten 

Paar an Rock Hudson und seine kurzzeitige Ehefrau Phyllis Gates 

denkt, hat natürlich Recht. Straight-Jacket, Richard Days Verfilmung 

seines gleichnamigen Theaterstücks, bedient sich schon geradezu 

schamlos bei dieser besonders traurigen Episode aus Hollywoods (Celluloid) 

Closet. Im November 1955 hat der in Wirklichkeit allerdings eher 

zurückhaltende Rock Hudson die Sekretärin seines mächtigen Agenten 

Henry Wilson auf dessen Betreiben hin geheiratet. Die Hochzeit sollte 

endgültig alle Gerüchte aus der Welt schaffen, die den aufstrebenden 

Star damals umschwirrten. 1958, nach nicht einmal drei Jahren Ehe, 

reichte Phyllis Gates die Scheidung ein und bezichtigte Hudson „seelischer 

Grausamkeit“ und konsequenter Vernachlässigung. Er willigte 

ein, und so endete dieses Kapitel in seinem Leben erstaunlich unspektakulär, 

zumindest so weit es die Öffentlichkeit betraf. 

Day folgt weitgehend der Version der Geschichte, die Gates nach 

dem Tod Hudsons in ihrer Autobiographie „My Husband, Rock Hudson“ 

erzählt, und streut auch sonst noch jede Menge Anspielungen auf 

das Paar ein. So sollen die Dreharbeiten zu Ben Hur in Italien stattfinden. 

Dort hat Hudson Wem die Stunde schlägt gedreht. Die Affäre, die 

er in diesen Monaten mit einem italienischen Schauspieler hatte, ist 

seiner Frau zu Ohren gekommen, die daraufhin sofort die Scheidung 

eingeleitet hat. Gates hat später dann als Innenarchitektin Karriere 

gemacht. Das erste, was Sally nach der Hochzeit in Angriff nimmt, ist 

eine komplette Umdekoration von Guys Haus, das übrigens wie Hudsons 

in den Hügeln über dem Sunset Boulevard liegt. 

Aber trotz all dieser kleinen und großen Verweise ist Days Technicolor-bunte 

Camp-Version der 50er Jahre und ihrer Popkultur kein 

film à clef, kein Schlüsselfilm, im eigentlichen Sinne. Die Geschichte 

dieser Ehe und die sie umgebenden Gerüchte sind für ihn genauso 

wie der wild wuchernde Antikommunismus, den er dann in der 

zweiten Hälfte seiner Satire ins Visier nimmt, nur ein Symptom des 

ganzen Wahnsinns einer durch und durch repressiven Ära. Straight 

Jacket – das ist die Zwangsjacke der so genannten Normalität, in die 

das heteronormative, kapitalistische und zutiefst paranoide Amerika 

der 50er wie der 00er Jahre ohne Rücksicht auf Verluste jeden steckt, 

der anders ist. s 

Straight Jacket von Richard Day, USA 2004, 96 Min, OmU 


Im Kino: Gay-Filmnacht im November, www.gay-filmnacht.de 


WARUM BRINGEN WIR 

DEN CHEF NICHT UM? 

von jessica ellen 

Der Arbeitsmarkt bestimmt das Geschlecht. Der neue Film der „Aaltra“-Regisseure Gustave de Kervern 

& Benoît Delépine betreibt unglamouröses Gender-Bending in einer rabenschwarzen Komödie. Unsere 

Autorin findet nicht nur das suchtbildend. 

s Schon die Eingangsszene ist von jener makabren Komik, die einen 

einstimmt auf das was kommt: Eine Einäscherung zu den Klängen 

der Internationalen als ironischer Abgesang – und alles klemmt. Also 

muss mit ein bisschen Gewalt nachgeholfen werden. Hier wird mehr 

zu Asche werden als nur der anonyme Verstorbene auf dem Foto. 

Der Sozialismus mag tot sein, aber die Anarchie, auch die sexuelle, 

ist höchst lebendig, wenn sich Protagonisten wie Louise (Yolande 

Moreau) und Michel (Bouli Lanners) ihrer annehmen. 

Doch bevor sie sich begegnen, muss der Turbo-Kapitalismus noch 

seine hässliche Fratze zeigen. Dafür brauchte das Regie-Duo Gustave 

de Kervern und Benoît Delépine nur die Zeitung zu lesen: Ein netter 

Unternehmer hatte seinen Arbeitern neue Arbeitskleidung spendiert 

und am darauf folgenden Wochenende alle Maschinen „ihres“ Betriebes 

nach Osteuropa transferieren lassen. Genau das passiert Louise 

samt Kolleginnen. Sie legen ihre Abfindungen zusammen und überlegen, 

was damit getan werden könnte. Louise meldet sich zu Wort: 

„Was haltet ihr davon, den Boss abknallen zu lassen?“ Eine gute Idee, 

finden alle, der Vorschlag wird einstimmig angenommen und Louise 

mit der organisatorischen Umsetzung betraut. Wir erfahren, dass 

Louise als Mann im Knast war und nur den Fummel angelegt hat, 

um den mies bezahlten Job als Näherin zu kriegen. Da der ehemalige 

Mit-Knacki bedauerlicherweise nicht mehr im Geschäft ist und so als 

Auftragsmörder ausfällt, sucht Louise weiter und findet den Wachmann 

Michel, der sich eine Fremdenlegionärsbiographie zugelegt 

hat, aber nicht schießen kann. Was hier nicht stimmt, wird schnell 

klar: Ein dickes Mädchen, das Michel verblüffend ähnelt, schwingt 

den Wurfhammer, der in der Ferne verschwindet. „Meinst Du nicht, 

dass Du mal über eine Hormonbehandlung nachdenken solltest“, 

fragt die Sportlehrerin spitz. Aber aus der Sportlerkarriere ist trotz 

allem nichts geworden, statt dessen langweilt sich Michel in seinem 

Job als Wachmann im Trailerpark. 

Mit Hilfe von Lebensmüden kommen Louise und Michel ihrem 

Plan und einander Schritt für Schritt näher – von der Picardie nach 

Brüssel und schließlich auf die Insel Jersey. Nur müssen sie jedes Mal 

feststellen, dass der gerade Umgelegte gar nicht der Oberboss ist… 

Die Regisseure verstehen ihren Film als schwarze Komödie für 

alle, die von gierigen Bossen und Bankstern die Nase voll haben, 

und als eine Hommage an die Anarchistin Louise-Michel, die nicht 

zögerte, Waffen in die Hand zu nehmen und ein Attentat gegen Napoleon 

III. anzuzetteln. „Um so viel Energie und Entschlossenheit zu 

verkörpern, braucht es mindesten zwei Helden.“ 

Darüber hinaus wird auch eine fröhliche Geschlechterrollenunordnung 

gestiftet. Selten ist im Kino ein „Genderbending“ so ruppig 

und unglamourös daher gekommen: Louise, der Knacki, ist überhaupt 

nicht weiblich, und das wirkt umso komischer, als er von einer 

Frau gespielt wird. Das Pendant Michel ist eine Frau, die als Mann 

auftritt und von einem Mann dargestellt wird und dabei mehr auf 

Köpfchen als auf selbstgeübte Brutalität setzt. So entsteht ein bissiger 

Kommentar über die brüchige Inszenierung von Geschlechtsidenti- 

täten, die nicht mehr das Pathos eigentlicher Selbstverwirklichung 

beschwört, sondern die Absurdität einer Anpassung an die Gegebenheiten 

des Arbeitsmarktes auf die Spitze treibt, um ihr eine höchst 

radikale Absage zu erteilen. 

Beide Hauptdarsteller sind auch als RegisseurInnen (und KomikerInnen 

mit Mut zur Hässlichkeit) dem deutschen Kinopublikum 

bekannt geworden. Yolande Moreau führte gemeinsam mit Gilles 

Porte Regie bei Quand la mer monte und spielte die weibliche Hauptrolle. 

Bouli Lanners erster Langspielfilm Ultranova wurde auf der 

Berlinale 2006 gezeigt, und Eldorado, bei dem er auch eine Hauptrolle 

übernahm, lief erst vor kurzem in hiesigen Kinos. Im Winter 

wird Yolande Moreau auch als Seraphine im dem gleichnamigen 

Biopik zu sehen sein. Warnung: Yolande Moreaus Leinwandpräsenz 

kann suchtbildend sein! s 

Louise hires a contract killer 

von Gustave de Kervern & 

Benoît Delépine 

FR 2008, 94, DF 

Kool Film, www.koolfilm.de 

Im Kino 


16 17 

kino 

KOOl FilM

kino 

zWISCHEN 

MENSCHEN 

UND 

KAMERAS 

von andré Wendler 

Petr kehrt Prag den Rücken und nimmt eine Stelle als lehrer in 

der tschechischen Provinz an. Seinen Schülern will er Biologie 

vermitteln, über seine eigene Natur aber ist er sich nicht im 

Klaren. „Der Dorflehrer“ von Bohdan Sláma läuft ab dem 27. 

August in den Kinos. SiSSY hat viel Schönes darin entdeckt. 

s „Und damit endete alles Schöne, was zwischen uns war.“ Wenn 

einer so etwas über eine Beziehung zu einem anderen Menschen sagen 

muss, wie soll man darauf reagieren? Wie soll man mit so etwas umgehen? 

Bohdan Slámas Film umkreist diese Aussage in zwei unglaublich 

schönen und mit Vorsicht konstruierten Plansequenzen. Ein junger 

Mann kommt zu seinen Eltern in die Großstadt und wird ihnen mitteilen, 

dass er homosexuell ist. So wie er das schon seiner Ex-Freundin 

gegenüber getan hat, worauf hin alles Schöne endete, was zwischen 

ihnen war. Vater, Mutter, Sohn und Kamera umtanzen sich in dieser 

Prager Wohnungs-Sequenz wie Bienen, wie sie der Vater auf dem Balkon 

züchtet, einander beim Honigtanz. Immer wieder und fast wie 

zufällig kommen Kamera und Filmfiguren zum Stillstand, schauen 

sich frontal an oder taxieren ihre Profile. Am Rand des Bildes die beiden 

Köpfe von Mutter und Sohn. Ihre hochgesteckten blonden Haare, 

die schwarze, etwas altmodische Brille, das leichte blau-grüne Sommerkleid, 

ihre sorgenfaltige Stirn. Sein Schädel, der manchmal etwas 

dümmlich, manchmal etwas teilnahmslos, immer aber traurig von der 

Leinwand glotzt. Und zwischen ihnen: soviel Schönes. Ein silbernes 

Morgenlicht, das Summen der Bienen, gleich die traurige Arie, die der 

Vater dreimal am Tag hört und die die Mutter nicht mehr ertragen 

kann. Wenn die Musik losgeht, springen Mutter und Kamera auf, sie, 

die Mutter, wirft fast ihre Kaffeetasse hinunter und geht in ein anderes 

Zimmer. Die Kamera bleibt im Flur und sieht von ferne zu. Dann 

einer der wenigen Schnitte. Die vier stehen auf dem Balkon und rauchen, 

wie um die Leere zwischen sich mit Rauch zu füllen. „Rauch 

nicht“, sagt der Vater und gibt ihr eine Zigarette. 

Das Schönste dieser Szene, die wunderbar melancholische Frauenstimme, 

die von einer weinenden Bratsche und einem trägen Cembalo 

begleitet wird, bleibt über diesen und auch den nächsten Schnitt, 

zurück aufs Land, erhalten. Dort rudert eine Frau einen alten grauen 

Kahn ans Ufer, steigt barfuß in den Uferschlamm und bringt Blumen 

und eine Flasche frische Milch. Erst als der Dorflehrer seine Kopfhörer 

abnimmt und die Frau begrüßt, wird die Musik auch auf der 

Tonspur leiser. Die Dinge wandern aus der Geschichte ins Kino und 

zurück. Für uns als Publikum ist die Musik so real, so greifbar und 

ergreifend, so wirksam wie für die Filmfiguren, die sie einmal aufregt, 

einmal tröstet und einmal traurig macht. Unsere Gefühle sind 

ihre Gefühle und wir leihen sie ihnen gern, denn außer Licht und 

Kamerabewegung haben sie in dieser Welt wie aus dem Bilderbuch 

nicht viel. Aber dieses Licht teilen sie bereitwillig mit uns. Da gibt es 

das schreiende Sommermittagslicht, das sich in roten Kirschen und 

grünen Blättern verfängt. Es gibt das Spätnachmittagslicht, das sich 

in der Oberfläche eines Sees bricht. Es gibt das Licht bunter Lichterketten 

auf einem etwas lausigen Dorffest mit zu lauter Musik. Und es 

gibt das müde gewordene Licht einer Nachttischlampe, das man kurz 

vor dem Einschlafen mit einem leisen Klick ausknipst. 

Der Film weiß bis zum Schluss nicht so recht, ob diese realen oder 

ausgedachten Probleme sich irgendwie lösen lassen, ob es zu viele 

oder zu wenige sind, ob man vor ihnen davon laufen soll oder zu ihnen 

zurückkehrt, ob die Jungen morgen eine Antwort finden werden oder 

die Alten gestern schon immer gewusst haben, was man tun soll. Mir 

ist es im Grunde genommen auch egal: Ich bin nicht homosexuell, sondern 

schwul, ich lebe nicht in Tschechien, bin kein Lehrer und muss 

keine Kälber zur Welt bringen. Insofern berührt mich die kritische 

Aufregung, die der Film wegen seiner etwas altmodischen und vielleicht 

stellenweise klischeehaften Geschichte verursacht hat, auch 

nicht. Ich weiß nichts über das Leben homosexueller Männer auf dem 

Land. Aber ich habe von diesem Film etwas Wunderbares über das 

Schöne, was zwischen Menschen sein kann, erfahren. Weil es etwas 

ist, was es so vielleicht nur im Kino gibt: ein Klang, ein Blick, die zärtliche 

Geste einer Kamerafahrt, die Unerbittlichkeit einer Einstellung, 

die einfach drauf bleibt: auf einem peinlichen Annäherungsversuch, 

auf der blutigen Geburt einer kleinen Kuh oder auf den schrecklichen 

Flirtversuchen eines Dorftrunkenboldes. Wo man sich als dritte Person 

abwenden müsste, kann die Kamera dabei bleiben, stumm mitreden, 

zurückhaltend intervenieren und diesen Raum, der die Menschen voneinander 

trennt, mit schönen, hellen, lauten und schnellen Dingen füllen. 

Was ich deswegen vom Schicksal des Dorlehrers halte, spielt keine 

Rolle: Er hat sich am Ende mit seiner Familie, seinen Beziehungen, seinen 

Männern und Frauen, seinen Aufgaben und seinen Orten soweit 

versöhnt, dass ich ihn mit seinen zauberhaften Traumkitschbildern 

getrost allein lassen kann, bis ich ihn eines Tages wieder sehen werde. 

Oder auch nicht, aber auch das macht nichts, denn das Kino vergisst so 

schnell nichts und auch den Dorflehrer, dem vorgeworfen wird, dass er 

immer vor allem wegläuft, werde ich hier wieder zu finden wissen. s 

Der Dorflehrer 

von Bohdan Sláma 

CZ/DE/FR 2008, 110, DF und OmU 

Neue Visionen, www.neuevisionen.de 

Im Kino 

Bundesstart 27. August 

NEUE viSiONEN 

AUF TEUFEL KOMM RAUS 

von PaTrick heidmann 

Wenn er mal lust auf eine Spielfilmhauptrolle hat, kann man sich auf etwas gefasst machen. in „Berlin ’36“ (Kinostart am 10. 

September) spielt Sebastian Urzendowsky eine von den Nazis geförderte leichtathletin(!) – eine Abwechslung nach seinen Rollen 

als Serienmörder, jugendlicher Pädophiler und Kz-Häftling. Ein Porträt über den vielleicht intensivsten deutschen Schauspieler 

seiner Generation. 

s Männer in Frauenkleidern – das gibt es nicht oft zu sehen im 

deutschen Kino, und wenn doch, dann hat man meistens das Pech, in 

einen Film mit bewegten Männern oder, schlimmer noch, mit Thomas 

Gottschalk geraten zu sein. In Berlin ’36 aber ist es Sebastian 

Urzendowsky, der sich schnell das Blümchenkleid überzieht, bevor 

seine Mutter ihn wieder in kurzen Hosen erwischt – und wer die hiesige 

Filmlandschaft in den vergangenen Jahren ein wenig verfolgt 

hat, weiß, dass das eine gute Nachricht ist. 

Die meisten anderen Kollegen in seinem Alter blicken nach gut 

zehn Jahren Schauspielerei zurück auf eine Handvoll Teenie-Komödien 

und ein paar Nebenrollen in Fernsehkrimis. Was man eben so 

spielt, wenn es einen schon in jungen Jahren und ohne Ausbildung mit 

aller Macht vor die Kameras zieht. Ganz anders Urzendowsky. Eigentlich 

habe er nie Schauspieler werden wollen, behauptet der zurückhaltende 

24-Jährige von sich, weswegen er sich nach seinem Auftritt mit 

dreizehn im TV-Film Paul Is Dead immer nur für ausgewählte Projekte 

entschiede habe, auf die er richtig Lust hatte. 

Eher als Hobby also drehte der zierliche junge Kerl mit den 

braunen Teddy-Augen mit renommierten Regisseuren wie Dominik 

Graf (Der Felsen) und Hans-Christian Schmid (Lichter), hielt sich 

geschmackssicher fern von alterstypischen Banalitäten und Albernheiten 

und spielte all die Rollen, an die man sich nur traut, wenn man 

keinen Gedanken an Ruhm oder Image verschwendet. In Ein Leben 

lang kurze Hosen tragen teilte er sich mit Tobias Schenke die Rolle 

des Serienmörders Jürgen Bartsch, im kammerspielartigen Drama 

Pingpong spielte er ebenso furios wie feinsinnig einen traumatisierten 

Jugendlichen, der eine Affäre mit der Mutter seiner besten Freundin 

beginnt, im Oscar-Gewinner Die Fälscher war er ein KZ-Häftling 

und in Guter Junge mit beeindruckender Intensität ein Pädophiler, 

der sich an kleine Jungs ranmacht. Demnächst läuft außerdem Es 

kommt der Tag in den Kinos, in dem er den Sohn einer von Iris Berben 

gespielten Terroristin gibt. 

Die Rolle der erst von der eigenen Mutter, später von den Nazis 

zum Frausein verdammten Hochspringerin Marie Ketteler in Berlin 

’36 ist nun ein weiterer Stein in Urzendowskys Mosaik komplexer 

Charakterstudien, und einmal mehr legt er dabei eine Subtilität an 

den Tag, wie sie auf der Leinwand nicht an der Tagesordnung ist. Sehr 

wenig verrät der auf wahren Begebenheiten basierende Film über diesen 

Menschen, sein Innenleben oder auch nur seine sexuelle Orientierung 

und positioniert gar Karoline Herfurth als jüdische Konkurrentin 

als eigentliche Protagonistin der Geschichte. Doch wann immer 

die Kamera die weichen, von dunklen Locken umrahmten Gesichtszüge 

Urzendowskys streift, tut sich wie von selbst ein Blick in die 

verstörte und verunsicherte Seele seiner Figur auf, die erahnen lässt, 

wovon dieses konventionelle Drama alles hätte erzählen können. 

Kein Wunder, dass sich der Berliner das mit dem unbedingten 

Willen zum Leben als Schauspieler längst anders überlegt hat: Nach 

dem Abitur entschied er sich für eine klassische Ausbildung an der 

Schauspielschule, deren Abschluss diesen Herbst bevorsteht. Der 

Schritt auf die Theaterbühnen reizt ihn momentan sehr, außerdem 

natürlich filmische Herausforderungen wie etwa seine erste internationale 

Produktion The Way Back, die er gerade mit Regisseur Peter 

Weir und Kollegen wie Colin Farrell und Ed Harris drehte. Gar nicht 

auszudenken, was für darstellerische Sternstunden Urzendowsky 

dem deutschen Kino noch bescheren wird, jetzt wo er die Sache endlich 

ernsthaft angeht. s 

Berlin ’36 

von Kaspar Heidelbach 

D 2009, 100 Min, dt. OF 

X Verleih 

www.x-verleih.de 

Im Kino 


18 19 

portrait 

PEtER ROHlFS

tellerrand 

20 

O BEAUTY, 

O HANDSOMENESS, 

GOODNESS! 

von klaus kalchschmid 

Der Opern-Film von heute hat für den homosexuellen Mann einiges zu bieten. 

Auch SiSSY gerät ins Schwärmen! 

WilFRiED HöSl 

s Wer heute in die Oper geht – und die Schwulen unter den Männern 

zwischen 25 und 50 machen da geschätzte 50% aus –, erwartet 

nicht nur schönen Gesang und Sexappeal in der Stimme. Heute 

muss das, was sich auf der Bühne zwischen den handelnden Personen 

ereignet, müssen die großen Gefühle, wenn sie denn intensiv über die 

Rampe kommen sollen, von Sängerdarstellern gespielt und gesungen 

werden, denen man ihre Figuren in jeder Minute glaubt; von Menschen, 

die auch altersmäßig keine Lichtjahre von einem Tamino oder 

Romeo, Oktavian oder Lenski entfernt sind. An der Rampe stehen und 

wunderbar singen, das genügt erst recht nicht, wenn Gesichter und 

Gestik in Nahaufnahme auf der großen Leinwand oder auf DVD zu 

sehen sind. In den letzten Jahren, ja bereits Jahrzehnten hat sich da 

viel geändert. Heute überzeugen viele, wenn nicht die meisten Sänger 

auch als Darsteller. Nicht erst mit Anna Netrebko und Rolando Villazón 

hat das begonnen, sondern wohl schon vor mittlerweile über 

dreißig Jahren mit der bis heute faszinierenden Inszenierung Patrice 

Chéreaus von Wagners „Ring des Nibelungen“ in Bayreuth. Nicht 

umsonst war und ist der bei der Premiere 1976 gerade mal 31-jährige 

Franzose zugleich Theater-, Film- und Opernregisseur. 

Männerpaare 

Die schwule Operntrulla oder -tucke, wie man sich unter Gleichgesinnten 

gerne augenzwinkernd und selbstironisch nennt, liebt die 

großen Diven à la Maria Callas, Edita Gruberova oder Renée Fleming, 

aber ein Männer-Paar wie im neuen Salzburger „Don Giovanni“ beflügelt 

schwule Fantasien doch erheblich mehr: Zwei Machos, die beiden 

verdammt sexy aussehenden und spielenden Darsteller von Giovanni 

und seinem Diener Leporello, knien da im düsteren Grimm’schen 

Märchenwald hintereinander und spielen eine Verführungsszene 

zwischen Mann und Frau. Christopher Maltman und Erwin Schrott 

macht das sichtlich Spaß, wie umgekehrt der Zuschauer sich bei den 

nicht selten nackten, muskulösen Oberkörpern der beiden wie ein 

Voyeur fühlt. Und erinnert sich vielleicht an ein nicht minder erotisches 

Paar in der gleichen Oper: Denn in der Verfilmung von Peter 

Sellars aus dem Jahr 1990 verhalfen sich zum Verwechseln ähnlich 

sehende schwarze Zwillingsbrüder, die ebenfalls mit Lust am Sichzur-Schau-Stellen 

und mit enormer physischer Präsenz spielten, 

wechselseitig zu Liebesabenteuern. Bei diesen Brüdern im realen 

Leben war der Identitätswechsel auch ohne Kleidertausch verwirrend. 

Zwei Männer waren das hier wie dort, von denen man nicht 

genau weiß, was und wieviel sie eigentlich verbindet, mehr wohl als 

das Verhältnis von Herr und Diener. In Salzburg ist das Leben des 

schon zu Beginn angeschossenen Giovanni vom Fixen abhängig, von 

den Schüssen, die ihm der Diener immer wieder setzt, ohne die der 

Frauenheld das finale Aufbäumen in der letzten Nacht seines Lebens 

nicht mehr so lange hätte hinauszögern können. 

Die Beziehung der Freunde Lenski und Onegin in Tschaikowskys 

„Eugen Onegin“ geht mutmaßlich über Freundschaft hinaus, wie 

Krzysztof Warlikowski das in München zeigen wollte. Da sind die 

beiden ein verkappt schwules Paar, das sich seine Neigungen nicht 

einzugestehen traut. Auch wenn Andrea Breth mit Peter Mattei und 

Joseph Kaiser in Salzburg 2007 den aus der Biographie des Komponisten 

gewonnenen Subtext nicht mitinszenierte, hatten wir es doch 

ebenfalls mit zwei attraktiven Männern zu tun, deren Intensität die 

breite Bühne des Großen Festspielhauses mühelos füllte: Vor allem 

der junge Kanadier Joseph Kaiser, mit seiner großen, mächtigen 

Gestalt und den durchdringend blauen Augen ein Bild und Baum von 

einem Mann, konnte in seiner Eifersucht bei Tschaikowsky wie ein 

Berserker wüten, besaß aber auch als Tamino in der „Zauberflöten“- 

Verfilmung von Kenneth Branagh eine enorm männliche und zugleich 

sensibel weiche Ausstrahlung. Man denke nur an die Szene gleich zu 

Beginn, wenn er da im Schützengraben traumverloren eine Blume 

pflückt oder an die schwarz-weiße Traumsequenz, in der er mit 

Pamina in slow motion Walzer tanzt. 

Oben: Erwin Schrott und Christopher Maltman in Claus Guths„Don Giovanni“. 

Unten: Rolando Villazón in Bartlett Shers „Roméo et Juliette“. 

Ganze Seite links: Pavol Breslik und John Mark Ainsley in Dieter Dorns „Idomeneo“. 

tellerrand 

Auch Annette Dasch ist mit Partien in Mozart-Opern berühmt 

geworden. Nach „Figaro“-Gräfin, Aminta in „Il re pastore“ zum 

Mozartjahr in Salzburg und Donna Elvira an der Mailänder Scala gab 

sie letztes Jahr ihr Debüt als Elettra im Münchner „Idomeneo“ und 

war gleichzeitig in Salzburg die andere der großen leidenschaftlich 

liebenden Frauen im „Giovanni“, die Donna Anna. In München gab sie 

die zwischen Furor und Sehnsucht nach Idylle schwankende mykenische 

Königstochter, die vergeblich den Kreterprinzen Idamante 

begehrt, als sinnliche Frau, die von ihrem eigenen Zorn schließlich 

verzehrt wird. Ein voller, saftiger Sopran stand ihr als Stimme dafür 

zur Verfügung. Claus Guth machte in Salzburg ebenfalls aus der vermeintlich 

von Don Giovanni gleich zu Beginn der Oper sexuell Genötigten 

eine leidenschaftlich Liebende. Keinen Zweifel ließ Guth an der 

Frage, was sich zwischen ihr und dem Don abgespielt hat, während 

im Orchestergraben noch die Ouvertüre tobte: Hier ist es nicht die 

Verlobte Don Ottavios, die den potentiellen Vergewaltiger loswerden 

will, hier ist es Don Giovanni, der sich von der aktiven Frau bedroht 

sieht und dann doch einen besonderen Thrill dabei erlebt, wenn sie 

ihm das Hemd vom Leib reißt. Traumpaar könnte man die beiden 

dennoch kaum nennen, weil sie in der Oper auch zu keinem werden. 

Traumprinzen und -prinzessinnen 

Anna Netrebko und Rolando Villazón dagegen machten in Jules Massenets 

„Manon“ an der Berliner Lindenoper von der ersten bis zur letzten 

Sekunde glaubhaft, dass hier zwei Menschen, wie sie unterschiedlicher 

nicht sein könnten, bis in den Tod voneinander nicht loskommen. 

Anfangs trifft Student auf verwöhntes, gelangweiltes Mädchen in einem 

Straßencafé, dann zeigt Regisseur Vincent Paterson beide barfuß und 

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ORF / Ali ScHAFlER 

cläRcHEN BAUS-MAttAR UND MAttHiAS BAUS

BAYERiScHE StAAtSOPER 


tellerrand 

in Dessous als glühend Verliebte in einer Mansarde, von Netrebko und 

Villazón erotisch aufgeladen gesungen und gespielt, während sie sich 

später als glamouröses Paar der Goldenen 20er auf dem Parkett der 

Eitelkeiten bewegen. Schließlich begegnet die als leichtes Mädchen 

Eingekerkerte ein letztes Mal dem Mann ihres Lebens, den sie ein 

Leben lang immer wieder betrog. Wie der Mexikaner und die Russin 

das spielten, war zu recht 2007 trotz aller Kritik an der vermeintlichen 

Oberflächlichkeit der Regie ein Ereignis. In Salzburg hätten die beiden 

ihren Erfolg des Jahres 2005 mit Verdis „Traviata“ fortsetzen sollen, 

doch die Schwangerschaft der jungen Russin, die von Erwin Schrott 

einen Sohn bekam, war die große Chance für Nino Machaidze: An der 

Seite von Villazón war sie in Charles Gounods „Roméo et Juliette“ eine 

Julia, der man das schwärmerische naive Mädchen, die plötzliche Reife 

zur Frau und die Intensität der Sterbeszene gleichermaßen glaubte. 

Und Villazón konnte einmal mehr den Ausdruck des schwärmerisch 

Liebenden in sein burschikoses Spiel und die verzehrende Intensität 

seiner unverwechselbaren Tenor-Stimme legen. 

Oben: Anja Harteros und Jonas Kaufmann in Richard Jones’ „Lohengrin“. 

Unten: Joseph Kaiser in Kenneth Branaghs Verfilmung der „Zauberflöte“. 

Das jüngste Traumpaar der Oper freilich heißt Jonas Kaufmann 

und Anja Harteros. Bei den diesjährigen Münchner Opernfestspielen 

sangen sie im „Lohengrin“ Wagners Schwanenritter und Elsa. Selten 

haben der Gralsgesandte und die des Brudermords Verdächtigte, 

die er vor dem mutmaßlichen Tod errettet, so natürlich gespielt und 

gesungen wie hier. Der fesche, schöne Zimmermann auf der Walz 

und das Mädel mit seinen geflochtenen Zöpfen in der weiten Latzhose 

waren so sichtbar verliebt, dass das geheimnisumwitterte Frageverbot, 

das Lohengrins Herkunft verschleiert und schon in der ersten 

Brautnacht zur Katastrophe führt, hier eine Beziehung zerstörte, die 

in der Inszenierung von Richard Jones gerade auf zunehmende Nähe 

baute – in einem drei Akte immer weiter fortschreitenden Verfertigen 

eines Hauses. Ohne den smarten Jonas Kaufmann mit seinen dunkelbraunen 

Locken und die Halbgriechin mit nicht minder schönem Profil 

und großartiger Haarpracht wäre das kühne Konzept von Richard 

Jones wohl kaum aufgegangen. 

Travestie und Frauenpaare 

Wagner liegt ihm denkbar fern, aber wer Pavol Breslik als Mozarts 

Idamante im „Idomeneo“ live in München, im Kino oder auf DVD 

erlebt hat, weiß, warum Regisseur Dieter Dorn unbedingt einen 

Tenor und keinen Mezzosopran in der Rolle des noch 1781 für einen 

Kastraten komponierten Kreter-Prinzen haben wollte. So viel herbzarte 

Jungmännlichkeit, so viel Ausstrahlung, Präsenz in Spiel und 

fein timbrierter heller Stimme sind überaus selten. An der Seite von 

Edita Gruberova verkörperte der 30-jährige Slowake an der Bayerischen 

Staatsoper zuletzt den Sohn der berüchtigten Giftmischerin 

Lucrezia Borgia in Donizettis gleichnamiger Oper. Sein Gennaro 

an der Seite von einem Dutzend Freunde – hübscher junger, immer 

latent aggressiver Männer in wadenfrei hochgekrempelten Anzügen 

– singt das eigentliche Liebesduett der Oper, die keine Liebeshandlung, 

sondern vor allem einen Mutter-Sohn-Konflikt enthält, mit der 

wunderbar androgyn wirkenden Alice Coote als Maffio Orsini: „Ah! 

non posso abbandonarti! Mio Gennaro! – Ich kann dich nicht verlassen, 

mein Gennaro!“ und „Ah! non io lasciar ti vo! Caro Orsini! – Ich 

will dich nicht lassen, liebster Orsini!“ singen sie sich minutenlang 

zu und beider Stimmen mischen sich aufs Schönste. Ein Schelm, der 

Böses dabei denkt! 

Nicht minder aufregend ist der Oktavian einer Sophie Koch, 

auch sie ein Mezzo, der in der Baden-Badener Inszenierung des 

Strauss’schen „Rosenkavaliers“ in der Hosenrolle des Oktavian schon 

zu Beginn in weißem Hemd und kurzer Hose seine Marschallin in 

Gestalt der schönen Renée Fleming anschmachten darf und das mit 

ausgesuchter Eleganz und Charme tut: Zwei Damen, die sich da küssen 

und herzen als 35-jährige Frau und ihr 17-jähriger Geliebter – wie 

im Text Hugo von Hofmannsthals vorgesehen – nach einer leidenschaftlichen 

Liebesnacht, über die das Orchestervorspiel keinerlei 

Zweifel aufkommen lässt. Im zweiten Akt stößt Oktavian als Überbringer 

der silbernen Rose, also als „Rosenkavalier“, auf die gleichaltrige 

Sophie der Diana Damrau, die einem geilen Halbedelmann vom 

Lande verheiratet werden soll. Schöner als die beiden zusammen singen, 

kann ein Duett zwischen einem hohen Sopran und einem glühenden 

Mezzo nicht klingen und nicht aussehen. Im dritten Akt freilich 

wird die Geschlechterverwirrung perfekt: Denn nun muss der junge 

Mann in Gestalt einer Frau den Burschen spielen, der ein Mädel mimt, 

um so dessen Sexsucht öffentlich bloßzustellen. 

Mann und Frau, Männerpaare, Frauenpaare, die Frau, die einen Mann 

spielt, der eine Frau darstellt: Das Spiel der Geschlechteridentitäten 

bedient die Oper virtuos und treibt es gerne auch mal auf die Spitze. 

Vielleicht ist es ja das, was so richtig „queer“ ist an dieser Gattung 

und den Anteil der schwulen Männer jeden Abend prozentual weit 

ausschlagen lässt. s 

Roméo et Juliette von Charles Gounod, Inszenierung: Barlett Sher, Bildregie: Brian Large 

Salzburger Festspiele, D/A 2008, ca. 163 Min, frz. OF mit dt. UT 

Im Kino: Classica im Kino im September 

Don Giovanni von Wolfgang Amadeus Mozart, Inszenierung: Claus Guth, Bildregie: Brian Large 

Salzburger Festspiele, D/A 2008, 176 Min, OmU 

Im Kino: Classica im Kino im Oktober 

Otello von Giuseppe Verdi, Inszenierung: Stephen Langridge, Bildregie: Peter Schöndorfer 

Salzburger Festspiele, D/A 2008, ca. 142 Min, ital. OF mit dt. UT 

Im Kino: Classica im Kino im November 

Alice in Wonderland von Unsuk Chin, Inszenierung: Achim Freyer, Bildregie: Ellen Fellmann 

Münchner Opernfestspiele, D 2007, 123 Min, engl. OF mit dt. UT 

Im Kino: Classica im Kino im Dezember 

Kinos und Termine unter www.classica-im-kino.de 

KiNOWElt 

Der Moment 

von EgbErt Hörmann 

Egbert Hörmann, der die SiSSY auch gerne einmal mit der Frage, ob sie zu lange in der Maske gesessen 

hätte, darauf hinweist, wenn sie cary Grant mit Gary cooper verwechselt, ist freier Autor, Filmkritiker, 

Kulturjournalist und Übersetzer und lebt in Berlin und St. Petersburg. Er sichtet seit Jahren für die Berlinale 

und hat 1984 mit Wieland Speck zusammen das Drehbuch zu „Westler“ geschrieben. zuletzt erschien von 

ihm der wunderbare Essayband „cruising mit den Wonderboys (Und andere schwule Erkenntnisse)“, im 

September erscheint „F*ck – Wenn Sex daneben geht“, für das er einige Geständnisse einschlägiger Autoren 

gesammelt hat. Außerdem arbeitet er seit längerem an seinem Meister- bzw. Monsterwerk, den intimen 

Memoiren „Weiße Nächte eines alten Kindes“. 

s Orson Welles beantwortete einmal die Frage „Was ist 

ein Star?“ mit dem delphischen Satz: „Ein Star ist eine 

Frau.“ Auf weitere Erklärung gedrängt, antwortete er: 

„Wenn es jetzt keine Stars mehr gibt, liegt das daran, 

dass es keine Frauen mehr gibt.“ Er meinte sicher damit, 

dass es diese geheimnisvollen, entrückten Hollywood- 

Lichtgestalten nicht mehr gibt, die die Logik außer Kraft 

setzen und sich auf eine Art und Weise benehmen, die 

ein Mensch weder verstehen kann noch möchte. Man 

muß sie ja nicht immer mögen, aber Bette Davis, Mae 

West, Joan Crawford, Rita Hayworth, Marlene Dietrich, 

Eli za beth Taylor und Greta Garbo waren einfach ein 

anderes Kaliber als Whoopie Goldberg, Sandra Bullock 

oder Meryl Streep. 

Schwule haben eine ganz spezifische Beziehung zu 

den klassischen weiblichen Stars. Wir haben, der Camp- 

Theorie Susan Sontags folgend, einfach eine Schwäche 

für das Extreme, Außerordentliche, Barocke, Schmuckvolle, 

Künstliche. Aufgrund ihrer kollektiven Geschichte 

verstehen Schwule das Spiel mit den Masken und Sexualitäten, 

sie schätzen das Synthetische und genießen das 

Theatralische, das an sich zum Wesen der Frau gehört. 

Und niemand war so cool wie die großen Diven, und 

Schwule verstehen das instinktiv: Cool sein ist der Ort 

wirklicher, unangestrengter Männlichkeit, das Hemingwaysche 

„grace under pressure“, wie es am besten von 

Frauen gehandhabt wird. 

Ein solches Ausnahmefleisch wird es nicht mehr 

geben – die größte italienische Schauspielerin war die 

1908 geborene Anna Magnani, der 1945 mit Roma, città 

aperta die seltene Besonderheit gelang, 

„ihre eigene meteorische Flugbahn mit 

dem geheimnisvollen und widersprüchlichen 

Orbit jenes Kometen zu kreuzen, 

der Geschichte genannt wird.“ (Alberto 

Moravia) 

1972. Eine 60-Sekunden-Sequenz, 

die letzte, ehrlichste und verstörendste 

eines doch recht „verkochten“ Films. Es 

ist Nacht, es ist schon spät. Das Klappern 

hochhackiger Schuhe auf dem 

Kopfsteinpflaster. Wir sehen von hinten 

eine Frau, die allein die Via degli Astalli 

hinuntergeht, zum Palazzo Altieri. Ein 

Mann folgt ihr. Es ist derselbe Mann, der 

1948 in Rossellinis skandalösem Amore 

den Schafhirten spielte, den Magnani in 

einem Anfall religiöser Trance für einen Heiligen hält, 

sich ihm hingibt und den Dörflern dann erzählt, sie sei 

das auserwählte Instrument einer unbefleckten Empfängnis 

geworden. 

„Anna“, ruft der Mann flehend. Anna Magnani geht 

ungerührt weiter. „Anna, Anna“, hört man ihn noch 

einmal. Magnani bleibt stehen, ohne sich umzudrehen. 

„Was ist deine Meinung zu Rom? Wie du weißt, bist du 

fast ein Symbol von…“ Sie dreht sich um und starrt ihn in 

der Dunkelheit mit funkelnden Augen an. „Was weiß ich! 

Was soll das Zeug!“ Er läßt nicht locker. „Wölfin und Vestalin, 

Aristokrat, Bettler, Gaukler… wie würdest du sagen 

bist du Rom ähnlich?“ – „Geh weg, geh nach Hause. Geh 

schlafen.“ Anna Magnani wendet sich ab und betritt den 

Palazzo. In der Tür wendet sie ihm die tragische Maske 

ihres Gesichts zu. Sie sagt die letzten Worte, die sie auf 

der Leinwand sprechen sollte: „Ich vertraue Dir nicht.“ 

Und das schwere Portal schließt sich hinter ihr. Verwirrt 

und unsicher bleibt der Mann zurück. Es ist Federico 

Fellini, der Kollege aus neorealistischen Tagen. Der Film 

ist sein Roma, und er enthält Magnanis finale Zurückweisung 

aller öffentlichen Personae und all der Rollen 

(Mutter, Hure, Krawallschwester, „popolana“, Vorstadtpflanze), 

die auf sie projiziert worden waren, und sie läßt 

uns mit einem kurzen, fragmentarischen Blick in ihre 

intime Einsamkeit zurück. s 

Fellinis Roma 

von Federico Fellini 

United Artists 

Rom, offene Stzadt 

Roberto Rossellini 

Arthaus, www.kinowelt.de/dvd 

Cruising mit den Wonderboys 

von Egbert Hörmann 

Querverlag, www.querverlag.de 

F*ck – Wenn Sex daneben geht 

Hrsg. Egbert Hörmann 

Querverlag, www.querverlag.de 

22 23 

film-flirt

profil 

Uzi PARNES 

MR. SMITH 

GOES TO 

BERLIN 

von Paul schulz · inTervieW von Paul schulz und jan künemund 

im Oktober findet in Berlin fünf tage lang an zwei Orten mit über 50 Gästen ein 

Festival mit dem titel „live Film! Jack Smith! Five Flaming Days in a Rented World“ 

statt. viele werden sich jetzt fragen: Jack wer? 

s Erstmal: Jack Smith ist einer der wichtigste Künstler der amerikanischen 

Postmoderne. Ohne ihn würde es unabhängiges Kino und 

experimentelles Theater in ihrer jetzigen Form nicht geben. Er gilt 

als Erfinder der modernen Performancekunst und hat Drag schon 

gelebt, als Susan Sontag noch nicht mal darüber geschrieben hatte. 

Er wohnte von 1953 bis 1989 in New York und schuf dort aus Müll 

und überaltertem Film sein eigenes gedankliches Universum. Sein 

bekanntester Film Flaming Creatures ist in den USA bis heute wegen 

Obszönität und Pornografie offiziell verboten. Sein größtes Idol war 

die Schauspielerin Maria Montez, Star zahlloser Hollywood-Kostümschinken 

der 1940er. Für Federico Fellini, John Waters, David 

Lynch, Nan Goldin, Laurie Anderson, Cindy Sherman, Todd Haynes 

und viele andere war wiederum Smiths Arbeit so beeindruckend, 

dass sich sein Einfluss in ihren Werken direkt nachweisen lässt. 

Andy Warhol, Ken Jacobs und Robert Wilson haben mit ihm zusammen 

gearbeitet, ihn sehr bewundert und sich künstlerisch bei ihm 

bedient, wo es nur ging. 

Daraus folgt: Jack Smith kennt außerhalb relativ enger cineastischer 

und künstlerischer Zirkel kein Mensch. Obwohl er Regisseur, 

Schauspieler, Fotograf, Performer und multimedialer Künstler war. 

Das liegt hauptsächlich daran, dass Smith wirklich etwas gegen den 

Kapitalismus und seine Vermarktungsstrategien hatte: Er war Anarchist. 

Und als solcher ein Kontrollfreak, was seine Arbeit, und eine 

Nervensäge, was seine Kontakte zum Kunstbetrieb anbelangte. Er 

war Zeit seines Lebens arm. Und der vielleicht erste wirklich queere 

Mensch der Welt. 

Außerdem: Jack Smith war über den Skandal, den sein erster Film 

Flaming Creatures auslöste, und das nachfolgende Verbot des Films, 

so schockiert und enttäuscht, dass er danach nur noch einen anderen 

Langfilm (Normal Love) und einige wenige Kurzfilme fertig stellte. 

Diese und der Rest seines filmischen Werkes waren Teil von Performances, 

bei denen der Künstler die Filme ständig und noch während 

der Aufführung umschnitt, kommentierte und inhaltlich ergänzte. 

Als Smith 1989 an den Folgen von Aids starb, gründeten Underground-Performerin 

Penny Arcade und der Filmhistoriker J. Hoberman 

die „Plaster Foundation“ zur Verwaltung seines Nachlasses. Der 

Non-Profit-Organisation gelang es im Laufe von 15 Jahren, Smiths 

Film-Material restaurieren zu lassen und eine große Retrospektive 

im P.S. 1 auszurichten. Im Jahr 2004 wurde Smiths Erbe vor Gericht 

seiner Schwester zugesprochen, die sich für seine Homosexualität 

und für seinen Aids-Tod geschämt hatte und Smiths Gesamtwerk 

ohne Umschweife an eine New Yorker Galerie verkaufte. 

Und so kommt es, dass: Vom 28.Oktober bis einschließlich 1. November 

veranstalten das Kino Arsenal und das „Hebbel am Ufer“ in 

Berlin eine fünftägige Jack-Smith-Offensive, kuratiert von Schauspielerin 

Susanne Sachsse, Kulturwissenschaftler Marc Siegel und 

Stefanie Schulte Strathaus, eine der Leiterinnen des Arsenal Instituts 

für Film und Video e.V. Unter dem Motto „Live Film! Jack Smith! Five 

Flaming Days in a Rented World“ werden so gut wie alle von Smiths 

Filmen zum ersten Mal gemeinsam zu sehen sein. Aber um Smiths 

Anspruch an Film als Performance auch zwanzig Jahre nach seinem 

Tod gerecht werden zu können, reicht die einfache Projektion seiner 

Werke nicht. Deswegen haben die Kuratoren über 50 Künstler, 

Autoren und Wissenschaftler eingeladen, sich 2009 mit Smiths Werk 

auseinander zu setzen. Darunter so unterschiedliche Menschen wie 

Bruce LaBruce, Diedrich Diederichsen, Rainald Goetz, Eric D. Clark, 

Ulrike Ottinger, Guy Maddin, Tim Stüttgen und Katharina Sieverding. 

Dabei sind Konzerte, Performances, Installationen, Vorträge 

und eine ganze Reihe neuer Filme herausgekommen, die im Laufe der 

Offensive unter Teilnahme der Macher gezeigt und aufgeführt werden. 

Stargast der Offensive ist der Hauptdarsteller vieler Jack-Smith- 

Filme, Warhol-Superstar Mario Montez, der aus diesem Anlass zum 

ersten Mal seit dreißig Jahren in der Öffentlichkeit auftritt. Darüber 

musste SISSY reden. 

sissy: Könnt ihr uns als erstes mal erklären, warum es das Festival erst 

jetzt gibt? Smith ist ja schon eine ganze Weile tot. 

Stefanie: Na weil wir die Filme erst jetzt haben! Und zwar alle. Das 

Arsenal ist weltweit die einzige Institution, die das sagen kann. Wir 

haben die gesammelten restaurierten Jack-Smith-16mm-Positive 

sowie Digitalisierungen der Super8-Filme in den letzten Jahren von 

der „Plaster Foundation“ sozusagen „geerbt“. 

Warum erbt das Arsenal das Gesamtwerk eines New Yorker Undergroundstars 

und nicht zum Beispiel das MoMA? 

Marc: Jerry Tartaglia, der die Filme im Auftrag der Foundation restauriert 

hatte, hat ein sehr gutes Verhältnis zu Berlin, weil er einige 

wenige Jack-Smith-Filme schon im Rahmen der Berlinale gezeigt 

hatte und hier immer gut aufgenommen worden war. Als die „Plaster 

Foundation“ sich im letzten Jahr aus verschiedenen Gründen auflösen 

musste, wurde ein Nachfolger gesucht. 

Es gab angeblich Erbstreitigkeiten. Kannst du die kurz erklären? 

Marc: Ich kann es versuchen. Als Jack Smith 1989 starb, war seine 

Schwester nicht an den Filmen interessiert. Alles was sie wollte, war 

Jacks Modeschmuck und ihren schwulen, an Aids gestorbenen Bruder 

so schnell wie möglich vergessen. Penny Arcade und die Foundation 

haben sich über zehn Jahre um die Filme und den Nachlass gekümmert, 

alles restauriert, geordnet, aufbewahrt und dafür gesorgt, dass 

Smith wieder bekannter wurde. Dann hat die Schwester irgendwo 

gehört, der Smith-Nachlass wäre jetzt Millionen wert und hat die 

Foundation auf Herausgabe ihres Erbes verklagt. Und den Prozess 

natürlich gewonnen, weil leider auch in den USA Blutsverwandschaft 

mehr Gewicht hat. Sie bekam die Rechte an allen Negativen und am 

Gesamtwerk. Und hat alles sofort an die Gladstone Gallery in New 

York verkauft. Jack Smith ist einer dieser klassischen Fälle, wo die 

Familie nach dem Aids-Tod eines schwulen Mannes das Erbe einfach 

an sich reißt, obwohl Smith mit seiner Schwester schon lange keinen 

Kontakt mehr hatte und seine Freunde seine eigentliche Familie 

waren. 

Jetzt bin ich verwirrt. Wer hat denn nun die Rechte, das Arsenal oder 

die Gladstone Gallery? 

Stefanie: Die Rechte liegen bei der Galerie, dort sind auch die Negative. 

Aber wir können die restaurierten Positive im Rahmen unseres 

Kulturauftrags und im „educational context“ aufführen. Als wir 

angefragt wurden, ob wir hier archivierend tätig werden wollen, 

haben wir uns natürlich sehr gefreut und waren sehr aufgeregt. Das 

ist schon eine richtig schöne Sache. 

Susanne: Die Frage war aber: Wie kriegt man das jetzt zu den Leuten, 

wie organisiert man 2009 die Rezeption seiner Filme. 

Stefanie: Du kannst sie ja nicht einfach ins Kino bringen, weil sie bis 

auf wenige Ausnahmen Teil einer performativen Praxis waren und 

auch weiter sein sollen. 

Susanne: Also haben wir Künstler, Wissenschaftler und Filmemacher 

gefragt, ob sie Lust haben, sich wieder oder ganz neu mit Jack Smiths 

Werk auseinander zu setzen. Und aus ihren Ideen, zusammen mit den 

Filmen, entsteht nun das Festival. Es war uns dabei wirklich wichtig, 

Theorie und künstlerische Praxis zueinander zu bringen. 

Soweit zum Hintergrund. Jetzt werden wir persönlich: Was ist das 

Tolle an Jack Smith? 

Marc: Als ich Flaming Creatures zum ersten Mal gesehen habe, hat 

der Film mein Leben verändert. Weil er mir eine ganz neue Welt aufgemacht 

hat, in der Gender und Sexualität auf eine Art zusammengebracht 

wurden, die ich so vorher noch nie gesehen hatte. Jack Smiths 

Arbeiten zeigen uns, dass einen Schwanz zu haben nicht bedeutet, 

dass man ein Mann ist, oder eine Vagina zu haben nicht heißt, dass 

man eine Frau ist. Die Geschlechter lassen sich durch die Fragmen- 

24 25 

profil

profil 

Foto Links: Mario Montez als Meerjungfrau. Foto Rechts: Francis Francine als Rosa Fee. Beide Fotos aus „Normal Love“ 

Susanne Sachsse 

ist Schauspielerin, 

Regisseurin 

und Künstlerin. 

Engagements an 

verschiedenen 

Staatstheatern, seit 

2000 freiberuflich. 

2001 gründete 

Sachsse mit anderen Künstlern das 

Kollektiv CHEAP. Im Film ist sie u.a. 

als Gudrun in Bruce LaBruces „The 

Raspberry Reich“ (2004) und Hella 

Bent in LaBruces „Otto; or, Up With 

Dead People“ (2008) zu sehen. 

Marc Siegel 

ist wissenschaftlicher 

Mitarbeiter im 

Sonderforschungsbereich 

„Kulturen 

des Performativen“ 

an der Freien 

Universität Berlin. 

Schwerpunkte 

seiner Forschung sind Experimentalfilm 

und Queer Studies. 

Mitherausgeber von „Outside: Die 

Politik queerer Räume“ (bbooks, 

2005). Er arbeitet als freie Filmkurator 

und ist auch Mit-Begründer 

des Künstlerkollektivs CHEAP. 

Stefanie Schulte-Strathaus 

Film- und Videokuratorin, 

lebt und 

arbeitet in Berlin. 

Vorstandsmitglied 

im Arsenal – Institut 

für Film und Videokunst. 

Mitglied 

im Auswahlkomitee 

des Forums und verantwortlich für 

Forum Expanded im Rahmen der 

Berlinale. Veröffentlichungen u.a. 

in „Frauen und Film“, „The Moving 

Image“, „Texte zur Kunst“, „Ästhetik 

& Kommunikation“, „Schriftenreihe 

Kinemathek“ sowie in Festivalund 

Ausstellungskatalogen. 

LIVE FILM! JACK SMITH! 

Five Flaming Days in a Rented World 

28. Oktober bis 1. November im Kino Arsenal und im HAU 1 Berlin 

www.arsenal-berlin.de, www.hebbel-am-ufer.de 

tierung des Films den Körpern nicht mehr 

klar zuordnen. Das fand ich unglaublich 

befreiend. Weil es eine der Bedeutungen von 

„queer“ ist, die ich sehr wichtig finde. Eine 

junge Studentin von mir sagte mal, nach dem 

ich den Film in einem Seminar gezeigt hatte: 

„Ich habe noch nie eine solche Vielfalt an 

Weiblichkeit gesehen.“ 

Susanne: Das kann ich so bestätigen. Flaming 

Creatures aber auch Normal Love waren 

Offenbarungen für mich, weil ich an viel 

von dem glaube, was er da zeigt: die Auflösung 

geschlechtlicher Kategorien und sexueller 

Identitäten, oder auch sein Umgang 

mit Drag. Da geht es nicht um die perfekte 

Imitation von Weiblichkeit, sondern um die 

Repräsentation von Weiblichkeit in männlichen 

Körpern. Brustbehaarung macht Drag 

für mich als Frau einfach gleich noch mal 

so sexy. Ich habe das gesehen und gedacht, 

in dieser Welt – die sehr queer ist – in der 

könnte ich mich zurechtfinden, da käme ich 

klar. Denn: Ich kann mich nicht als homosexuell 

oder heterosexuell beschreiben und 

will das auch gar nicht. Und müsste das in 

dieser utopischen Jack-Smith-Welt auch 

nicht. Aber was heißt utopisch – es hat sie ja 

gegeben, diese Welt. Zumindest in der Drehsituation 

und in der Szene, in der Smith sich 

bewegt hat. 

Marc: Es ist in diesem Zusammenhang auch 

wichtig zu erwähnen, dass die Filme ja nicht 

narrativ sind. Geschlechterkategorien und 

andere soziale Kategorien werden genau so 

außer Kraft gesetzt wie filmische. 

Das macht die Filme aber auch schwerer 

zugänglich als die von Warhol oder anderen 

Smith-Zeitgenossen. 

Susanne: Was ja nichts Schlimmes ist. Warhol 

war ein Marketinggenie, das verkaufen wollte. 

Sich und seine Kunst. Smith war ganz anders. 

Marc: Ich finde, man kann die beiden eigentlich 

nicht vergleichen. Warhol war der 

reichste Experimentalfilmer aller Zeiten und 

hat im Gegensatz zu Smith ganz klar für einen 

Markt produziert, auf dem er seine Kunst verkaufen 

wollte. Smith fand das Verkaufen von 

Kunst eher widerlich. 

Ist er deshalb nicht berühmt? 

Marc: Vielleicht. Da kommt viel zusammen. 

Er mochte Kommerzialität insgesamt nicht. 

Er fand das ganze kapitalistische System, das 

er in „Landlords“ (Vermieter) und „Tenants“ 

(Mieter) aufgeteilt hatte, schrecklich. 

Susanne: Aber er war dabei nicht unromantisch. 

Mein Lieblingszitat von ihm lautet: 

„Anarchy is the giving part of politics.“ Ist das 

nicht toll? 

Kommen wir noch mal zum Festival selbst. Wie 

habt ihr Mario Montez dazu bekommen, nach 

dreißig Jahren wieder aufzutreten? 

Marc: Als wir im März die teilnehmenden 

Künstler eingeladen haben, um mit ihnen 

zusammen die Filme zu schauen, war auch 

der Warhol-Drehbuchautor Ronald Tavel 

dabei, der eng mit Smith, Warhol und Montez 

zusammengearbeitet hatte. Er hatte viel Spaß 

an der Auseinandersetzung mit einer ganz 

neuen Generation von Smith-Fans. Während 

seiner Heimreise ist er dann ganz überraschend 

gestorben. Wir hatten Mario schon 

angefragt und er hatte abgelehnt. Tavels Tod 

hat Mario Montez sehr getroffen und dazu 

gebracht, noch einmal neu darüber nachzudenken, 

ob und wie er Smith, dem er ja viel zu 

verdanken hat, jetzt ehren kann. Deswegen 

kommt er nach Berlin, um seine Erinnerungen 

einer jüngeren Generation mitzuteilen. 

Stefanie: Was natürlich schön für uns ist, 

obwohl der Anlass ein trauriger ist. 

Zu Ehren von Tavel inszeniert Ihr sein Stück 

„The Life of Juanita Castro“. Wer ist daran 

beteiligt? 

Stefanie: Rainald Goetz übernimmt die Rolle 

Tavels als Regisseur, Bruce LaBruce spielt 

Juanita und Katharina Sieverding wird Fidel 

sein. Darauf freue ich mich schon sehr. Das 

wird sicher einer der Höhepunkte des Festivals. 

Bleibt es denn bei dieser einmaligen Aktion, oder 

gibt es Nachfolgeprojekte? 

Stefanie: Teile des Festivals werden in Frankfurt 

noch einmal aufgeführt werden. Und die 

entstandenen Filme können natürlich überall 

gezeigt werden. Es gibt schon Interesse aus 

Toronto, New York und noch von ein paar 

anderen Orten, zu denen wir gute Beziehungen 

haben, etwas Ähnliches zu machen. 

Marc: Das Festival soll eher ein Anfang als ein 

einmaliges Ereignis sein. Es soll dazu führen, 

Jack Smith wieder dauerhaft in die Welt zu 

bringen. s 

LITTLE SHOP OF CULTURE 

ein Film-TreaTmenT von ciTizen_b 

Frankfurt am Main. Außen, Nacht, Regen. Die Alte Gasse, die schwule Hauptstraße der hektischen 

Bankenmetropole. Montage: Die Fassaden einiger schwuler Szenekneipen, ein paar attraktive Edelstricher, 

die nach dem nächsten zahlungskräftigen Sugardaddy Ausschau halten, Autos mit potentiellen Freiern 

fahren vorbei und hupen. Es blitzt und donnert. zoom auf das hell erleuchtete Schaufenster der schwullesbischen 

Oscar Wilde Buchhandlung, die jetzt im Herbst ihr 15-jähriges Bestehen feiert. 

s Die Oscar Wilde Buchhandlung. Innen. Der Inhaber, Harald Eck, 

ein bemerkenswert gut aussehender Endvierziger mit Schnauzbart 

und Brille, thront hinter seinem Tresen, zählt die Tageseinnahmen 

und kichert so unbekümmert wie der Dalai Lama, während er von 

den Gründerjahren seines Medienimperiums berichtet. 

Rückblende in schwarz-weiß: Wir sehen eine Lesung mit Armistead 

Maupin, eine Signierstunde mit Ralf König, eine bewegende 

Lesung mit Erica Fischer, einen Auftritt von Mirjam Müntefering. 

Populäre Szeneautoren wie Bernd Aretz, Detlef Meyer, Mario 

Wirz oder Boris von Brauchitsch geben sich die Klinke in die Hand. 

Schwule und Lesben sitzen auf einer gemütlichen Ottomane und blättern 

in Büchern und Hochglanzmagazinen. Eine tätowierte LKW- 

Lesbe parkt ihren riesigen Supertruck mit Anhänger direkt vor der 

Buchhandlung und fragt nach der neuen „Lespress“. Matthias, ein 

attraktiver rothaariger Mitarbeiter von Oscar Wilde, winkt mit einer 

Regenbogenfahne und küsst seinen Freund. Ein harter Lederkerl in 

Chaps kauft eine Billy-Puppe. Claudia, eine ehemalige Mitarbeiterin 

von Oscar Wilde, hält ihr Baby in die Kamera und lacht. Ein Schimpanse 

im Smoking läuft auf Rollschuhen durch den Laden und dreht 

Pirouetten. Karin, eine resolute Mitarbeiterin von Oscar Wilde, fährt 

mit ihrem Fahrrad bei der CSD-Parade mit und präsentiert eine 

Oscar-Wilde-Fahne. Die homosexuelle Intelligentia der Mainmetropole 

diskutiert und lamentiert zwischen Türmen von Büchern, DVD- 

Hüllen und kitschigem Regenbogentinneff, während Eck und seine 

Crew Kaffee und Kuchen servieren und Sektflaschen öffnen. Im Hintergrund 

läuft „I Will Survive“ von Gloria Gaynor. 

Voice-over (Eck): „Das war 1994. Wir wollten schon ein bisschen 

mehr bieten als nur ein paar schwule Schmöker, Photobände, Coming- 

Out-Ratgeber, Reiseführer und Postkarten. Uns schwebte eine allumfassende 

homosexuelle Medienhandlung vor. Mit Büchern, Magazinen, 

CDs und Videokassetten für Lesben, Schwule und Transgender. 

Damals gab es noch Videokassetten (seufzt). Wir setzten nicht nur auf 

kurzfristig aktuelle Filmhits, an die sich heute kein Schwein mehr 

erinnern kann, sondern auch auf etwas anspruchsvollere Kost wie 

Derek Jarman, Almodóvar oder James Bidgood. Oscar Wilde ist quasi 

ein Hotspot, in dem sich (beinahe) alles, was mit schwulem und lesbischem 

Film zu tun hat, konzentriert und wo Mann oder Frau ohne 

große Sucherei findet, was er oder sie sucht. Wir haben eine Backlist, 

die sich sehen lassen kann. Insgesamt bestimmt mehr als 800 Titel. 

Über die Filme informieren wir unsere Kunden regelmäßig durch 

einen speziellen Newsletter.“ 

Eck, der gut ein Drittel seiner Studentenzeit im Heidelberger 

Gloria-Programmkino verbrachte, und so schon früh zu einem homophilen 

Cineasten wurde, kennt sich nicht nur mit den Spielfilmen, 

Komödien, Dokus und Fernsehserien von Edition Salzgeber, Pro Fun, 

Arthaus, CMV Laservision und Absolut Medien aus. Auch die Meisterwerke 

von Cazzo, Bel Ami, Cadinot, Titan, Wurstfilm und Dolphin 

sind dem charismatischen Dandy keineswegs fremd. Viele von ihnen 

hat er sogar eigenhändig durchgeprüft. 

Harald Ecks Lieblingsfilme: 1. Ein Mann namens Herbstblume, 2. Der Mann meines 

Herzens, 3. Felix, 4. Taxi zum Klo, 5. Wiegenlied für eine Leiche. 

„Schon bald wurde Oscar Wilde ein fester Bestandteil der Community. 

Der Laden war und ist eine Institution, ein Auskunftsbüro 

für alles Mögliche und Unmögliche in der Frankfurter Szene“, erzählt 

Eck, während er eine Mentholzigarette anzündet. „Drei Jahre später 

haben wir dann unseren Onlineshop eröffnet, der 1999 zur besten 

Themenbuchhandlung im Internet gekürt wurde und den E-Commerce-Oscar 

auf der Frankfurter Buchmesse gewann.“ Der Internetshop 

ist gerade rechtzeitig zum Jubiläum generalüberholt und modernisiert 

worden. 

Überhaupt planen Eck und seine MitarbeiterInnen eine grandiose 

Festwoche zum 15. Geburtstag, zeitgleich zur diesjährigen Buchmesse. 

„Eine Fotoausstellung zur Geschichte des Ladens, eine Ausstellung 

mit weiblichen und männlichen Aktbildern, mindestens drei 

Lesungen, ein großer Sektempfang am 17. Oktober mit Prominenz und 

bis zu 50% Rabatt auf alle DVDs (vom 1. bis 17. Oktober) und Pipapo“, 

verspricht Eck – und schaut optimistisch in die Zukunft. „Und 2019 

kommt ja auch schon das 25. Jubiläum. Dann sehen wir weiter!“ 

Die Kamera fährt auf den sympathischen Unternehmer zu, der 

einen Rauchring ins Kameraobjektiv haucht und leicht diabolisch 

strahlt wie ein Honigkuchenpferd auf Eck-Stacy. – The End – s 

Keiner küsst wie Daddy Cool 

von Citizen_b 

Himmelstürmer Verlag, 

www.himmelstuermer-verlag.de 

Webshop: www.oscar-wilde.de 

26 27 

profil 

PRivAt

frisch ausgepackt 

Neu auf DVD 

von jan künemund, Paul schulz und axel schock 

TEENAGE ANGST 

D 2008, Regie: thomas Stuber, Edition Salzgeber 

Tief fliegt die Kamera 

über eine Flussidylle 

und nimmt das malerische 

Schlossinternat in 

den Blick. Was wie ein 

öffentlich-rechtlicher 

P r i met i me -T V-F i l m 

beginnt, mit hochglänzenden 

Aufnahmen 

deutscher Landschaften 

und attraktiven Gesichtern deutscher 

Jungschauspieler (Dinda, Kohrt, Ginsburg und 

Kocaj), wird schnell zu einer eisigen aktuellen 

Version der „Verwirrungen des Knaben Törless“. 

Die Söhne aus besten Kreisen, unterfordert 

von einem pseudo-liberalen Lehrpersonal, 

finden ihre eigenen sadistischen Herren-Rituale, 

um sich stets und ständig zu beweisen, 

dass sie die Auserwählten sind, eine natürliche 

Selektion künftiger Manager und Führer, für 

die die „Kinderkacke“ der bürgerlichen Ideale 

keine Perspektive darstellt. Ein Ideologe, 

sein brutaler Handlanger, ein feiger Mitläufer 

und ein masochistisch veranlagter Außenseiter, 

von ihren Eltern „abgeparkt am Arsch der 

Welt“ – eine brodelnde Mischung aus pubertärem 

Größenwahn, Gewaltphantasien und 

pseudointellektueller Rechtfertigung dumpfster 

Triebe. Für einen Augenblick deutet sich 

eine homoerotische Allianz zwischen Opfer 

und Mitläufer an, die aber vom Gruppenzwang 

erstickt wird. Thomas Stubers engagierte 

Jugendgewalt-Studie wird konsequent bis zum 

bitteren Ende durchgespielt und schlägt sich 

keinesfalls auf die Seite der moralisch argumentierenden 

Erwachsen – diese erscheinen 

allenfalls als Witzfiguren mit hohlen Sprüchen 

und selbstgefälliger Ignoranz, die am Ende 

dafür (gerechterweise?) die Strafe zahlen müssen. 

Shootingstar Franz Dinda spielt die spannendste, 

weil ambivalenteste Figur des Mitläufers 

Stürmer. jk 

REICH MIR DEINE HAND 

F/D 2008, Regie: Pascal-Alex vincent, Edition Salzgeber 

Antoine und Quentin sind Brüder, achtzehn, 

von zu Hause abgehauen und auf dem Weg 

zu sich selbst. Zwillinge, die noch niemals 

getrennt waren, in Hassliebe vereint und von 

großer Attraktivität für ihre Umwelt. Zum 

Maultrommel-Sound der Band Tarwater (den 

28 

Soundtrack gibt es bei 

der DVD dazu) rückt 

der Spielfilm mit großer 

Intensität den fast identischen 

Jungs auf den 

Leib. Reich mir deine 

Hand, das poetischatmosphärischeLangfilmdebüt 

des französischen 

Filmemachers 

Pascal-Alex Vincent, ist auch eine Hommage 

an die amerikanischen Filme der 70er Jahre, 

dem so genannten ‚New Hollywood‘, und wie 

diese ein Roadmovie. Das Unterwegssein der 

Figuren ist dabei ganz wörtlich zu verstehen: 

Sie gehen auf eine Reise, sind auf der Suche – 

nach Liebe, nach Orientierung, nach Glück, 

nach dem Leben und nach sich selbst. Am 

Ende werden die Erfahrungen sie verändert 

haben. Wie bei jedem Roadmovie geht es nicht 

um das Ziel der Reise, sondern um die Reise 

selbst, geprägt von zufälligen Begegnungen 

und Erlebnissen. Die Landschaft wird fast 

zu einer dritten Hauptfigur, die die Reisenden 

einverleibt, abstößt, ihre Gefühle spiegelt 

und sie immer wieder herausfordert. Die beiden 

Jungs müssen sich selbst behaupten und 

hinterfragen, gegen den anderen durch- und 

absetzen. „Wer bin ich?“ – diese Frage wird für 

die beiden auf dieser Reise existenziell. Auf der 

Suche nach einer Antwort werden sie ein Stück 

weit erwachsen.“ (Thomas Abeltshauser in der 

SISSY 01/09) 

MA MÈRE – MEINE MUTTER 

FR 2007, Regie: christophe Honoré, cMv laservision 

Papa ist tot. Mama 

und ihr Sohn bleiben 

allein auf Gran Canaria 

zurück. Mama sagt: 

„Vergiss nicht, so zu tun, 

als wärst du traurig!“ 

und „Wenn du mich 

wirklich liebst, sagst 

du mir, wie abscheulich 

ich bin!“ Mama ist Isabelle 

Huppert. Ihr Sohn vermisst seinen Vater 

dann doch und äußert das, wie es in französischen 

Skandalfilmen Brauch ist: Er läuft sehr 

lange nackt herum, uriniert auf die Familienfotos 

und verliert sich in einem Strudel aus 

polymorphen Perversionen, Drogen und Alkohol, 

um am Ende wieder in Mamas Armen und 

zwischen ihren Schenkeln zu landen. Inzest 

als die finale Rückkehr in den Schoß der Familie. 

Ma mère ist die Verfilmung eines posthum 

veröffentlichten Romans von Georges Bataille 

und ist nach Chansons D’amour und Dans Paris 

schon die dritte Zusammenarbeit von Hauptdarsteller 

Louis Garrel und Regisseur Christoph 

Honoré. Man kann den Film als Kritik 

an einem System sehen, in dem alles und jeder 

käuflich ist und auch die Familie keinen Schutz 

vor Verletzungen mehr bietet. So hat Honoré 

ihn wohl gemeint. Aber wenn man Ma mère 

einfach als erotische Schlacht zwischen einer 

phänomenalen Isabelle Huppert und dem in 

jeder Hinsicht unterlegenden Louis Garrel 

guckt, hat man mehr Spaß. ps 

PALERMO ODER WOLFSBURG 

D 1980, Regie: Werner Schroeter, Filmgalerie 451 

Werner Schroeters 

Gastarbeiter-Oper aus 

dem Jahr 1980 ist drei 

Stunden lang. Langeweile 

kommt nicht auf, 

denn der Film wechselt 

zweimal komplett 

den Ton und den Ort. 

Der schöne Nicola (das 

‚Lämmchen‘) bricht aus 

Sizilien auf, geht in Deutschland vor die Wölfe 

und schließlich wird ihm in einer grellen 

Gerichtsverhandlung der Prozess gemacht. Der 

Film, 1980 immerhin mit dem Goldenen Bären 

der Berlinale ausgezeichnet, verbindet grandios 

gewagt die größten Gegensätze: Palermo 

und Wolfsburg, sinnliche Landschaften ohne 

Perspektive und kalte Industrieorte voller 

Gewalt, weinende Männer und harte Frauen, 

sizilianische Volksgesänge und das von Juliane 

Werding anmoderierte und von Isolde Barth 

kaputtgekrächzte „Zwei kleine Italiener“. Eine 

größenwahnsinnige Sensation, doch – wie 

immer bei Schroeter – zutiefst humanistisch. 

Man muss den Regisseur selbst darüber reden 

hören, um das alles zu verstehen – und das 

kann man auch in dieser vorbildlichen DVD- 

Ausgabe, denn es gibt noch ein kurzes Interview 

mit ihm aus 2008 als Bonus. jk 

ABFALLPRODUKTE DER LIEBE 

D 1996, Regie: Werner Schroeter, Filmgalerie 451 

Vielleicht ist es ein 

Missverständnis, große 

Opernkünstler zu fragen, 

was sie privat über 

Liebe und Tod denken, 

und sich davon zu 

versprechen, dadurch 

hinter das Geheimnis 

ihrer besonderen 

Ausdrucksfähigkeit zu 

kommen. Doch was in diesem Dokumentar- 

film des ausgesprochenen Opernliebhabers 

Werner Schroeter aus diesem Missverständnis 

heraus entsteht, ist vielleicht noch schöner 

als der musiktheoretische Erkenntnisgewinn. 

Zehn Lieblingssänger(innen) Schroeters in 

einer mittelalterlichen Abtei, Freunde, Schauspieler, 

nackte Jünglinge auf Pferden, eine 

Korrepetitorin und ein Stab an Licht-, Kostüm- 

und Makeup-Künstlern erwecken Arien zum 

Leben, stellen einander Fragen, werden vom 

Regisseur herumgescheucht. Die Anstrengung 

schwankt zwischen grandioser Inszenierung 

der Stimmen, Körper und Gesichter (was vor 

allem der Kamerafrau Elfi Mikesch zu verdanken 

ist), der Herstellung eines perfekten dramatischen 

Moments in und durch Kunst, und 

dem Versuch, hinter die Masken zu schauen 

– Musikclip und Making-Off zugleich. Und so 

sieht man Opernstars joggen, tanzen, weinen, 

Suppe kochen und zuhören, Isabelle Huppert 

Mozart singen und die große Anita Cerquetti 

die Lippen zu ihrer fast vierzig Jahre alten Aufnahme 

von „Casta Diva“ bewegen. Und einen 

Regisseur, der von den vielen an Aids verstorbenen 

Freunden erzählt und sich seinen privaten 

Callas-Gottesdienst aus Liebes- und Todesarien 

zusammenstellt. Das ist großartig und 

vermessen zugleich, doch alle machen mit. „Im 

Theater wird man von jedermann fortwährend 

beleidigt“, erzählt Martha Mödl. jk 

SÜNDIGER SOMMER 

USA 1970, Regie: Barbara Peeters, Edition Salzgeber 

Sie hatten Titel wie 

Caged Heat, 10 Violent 

Women oder Chained 

Girls – die Filme der 

‚Lesploitation‘-Welle 

der 1960er und frühen 

1970er, die lesbische 

Themen als Vorwand 

nahmen, um bei jeder 

nur möglichen Gelegenheit 

unbekleidete Frauen zu zeigen. Das Lesbischsein 

wird darin oft dröge diskutiert, und 

die meisten Frauen waren am Ende entweder 

geheilt oder tot. Sündiger Sommer ist, obwohl 

er eindeutig in dieser Tradition steht, etwas 

Besonderes. Natürlich ist die technische Ausstattung 

aufs Schönste billig und die Sets zeitbedingt 

ein Alptraum aus giftgrünen Flokatis, 

pseudoindischen Wandbehängen und niedlichen 

Blümchentapeten. Auch treten Hippiebands 

auf und Tanzgruppen in unvorteilhaften 

Ganzköpertrikots. Und natürlich ist Adria und 

Denise, den beiden gelangweilten Hausfrauen, 

die beim Beobachten eines jungen lesbischen 

Paares auf Ideen kommen, kein männerloses 

Happy-End bestimmt. Aber völlig unbeeindruckt 

davon ist die Geschichte wirklich 

ergreifend, die Hauptdarstellerin Elizabeth 

Plump ein Traum und Regisseurin Barbara 

Pe(e)ters gelingen immer wieder Bilder von 

großer poetischer Kraft – wie die unbewegten, 

in Grimassen erstarrten Karussellpferde 

am Anfang, die auf die gezügelte Energie und 

die boykottierten Selbstverwirklichungen der 

Hausfrauen hindeuten, die sich in ihren lesbischen 

Fantasien viel eher mit echten Pferden in 

weite Landschaften träumen, dem Sonnenuntergang 

entgegen reitend… jk 

ANNA & EDITH 

D 1975, Regie: Gerrit Neuhaus, Edition Salzgeber 

Ein warmherziger und 

kämpferischer Lesbenfilm-Klassiker 

aus 

Deutschland, von vier 

Frauen ins dröge deutsche 

Fernsehen der 

1970er Jahre gehievt: 

Cristina Perincioli 

und Cillie Rentmeister 

schrieben, Regina Ziegler 

produzierte und Alexandra von Grote setzte 

durch. „Auf der einen Seite ist Anna & Edith 

ein klassischer Agit-Prop-Film jener Zeit, auf 

der anderen Seite ein wichtiges Zeitdokument 

und der erste selbstbewusste Lesbenfilm der 

deutschen Fernsehgeschichte, in der lesbische 

Liebe nicht direkt ins Verderben führt, in dem 

zum ersten Mal ein leidenschaftlicher Kuss 

zwischen zwei Frauen zu sehen war. Wenn 

man sich den Film heute ansieht, ahnt man 

nicht, welche Bedeutung er zum Zeitpunkt seiner 

Entstehung für vier daran beteiligte Frauen 

erlangte. Für die einen als Lebenselixier, für 

die anderen als Albtraum und Sprungbrett 

zugleich.“ (Diana Näcke in der SISSY 02/09) 

LOVE STORIES – 

JUNGS ZUM VERLIEBEN 

USA/cA/FR/SE 2007, Edition Salzgeber 

Plötzlich ist er da, der 

Moment, der so oder so 

alles verändern wird. 

Ein Liebesgeständnis 

dem ‚besten Freund‘ 

gegenüber wird im besten 

Fall erwidert – im 

anderen Fall wird er 

die Freundschaft verändern, 

vielleicht sogar 

zerstören. Insofern sind das alles hier eigentlich 

Beinahe-Love-Stories, die das Potential 

großer Liebesgeschichten in sich tragen, aber 

eigentlich nur diesem entscheidenden Moment 

entgegenfiebern. 

Wie sie das tun ist natürlich wieder ganz 

unterschiedlich. Die WG der schwedischen 

Jungs in Mitbewohner scheint so selbstverständlich 

jungshaft wortkarg, das jedes emotionale 

Geständnis quasi unmöglich erscheint. 

Die Teenies auf dem Land in Silver Road und 

Heartland müssen wahrscheinlich erst in die 

Stadt ziehen, bevor das möglich wird, was sie 

sich wünschen. In einigen Geschichten spielt 

die verrinnende Zeit eine Rolle, bis der Traummann 

heiratet oder weggeht, um sein Studium 

zu beginnen. Filme, die sich auf einen besonderen 

Moment konzentrieren, funktionieren hervorragend 

auch in der Kurzform. Hintereinander, 

das heißt 96 Minuten am Stück, ist das eine 

ziemlich aufwühlende Angelegenheit. jk 

COMING OF AGE, VOL. 2 

cMv laservision 

Zwei Jungs treffen sich 

am Rande einer Sportveranstaltung. 

Mit 

Sport haben sie beide 

nichts zu tun, der eine 

liest Dickens und hört 

Velvet Underground 

mit dem Walkman (es 

ist 1997!), der andere 

will nur zu seinem Lieblingsort 

auf dem Dach der Anlage. Zwischen 

beiden funkt es sofort, sie können über Dickens 

und Rimbaud reden, über depressive Musik 

sowieso, über Schule & Französisch Lernen… 

da liegt es nahe, dass der eine den anderen 

irgendwann küssen will. Leider ist der noch 

nicht soweit und flüchtet. Der allein Gelassene 

spiegelt sich schließlich im wegfahrenden 

Auto. Nicht mehr und nicht weniger erzählt 

Robert Little in seinem Kurzfilm The Good 

Son, dem schönsten Beitrag auf dieser Sammlung 

über das schwule Großwerden. Ansonsten 

variieren die Filme dieses Thema eher experimentell 

– als Spielerei eines diskriminierten 

Hetero-Teenagers, der unter lauter Homosexuellen 

aufwächst oder als persönlicher Essay 

eines Beziehungsgestörten, der sich selbst mit 

der Kamera analysiert, obwohl er eigentlich ein 

schwules Märchen drehen will. jk 

LIEB MICH! GAy SHORTS 2 

MX 1996–2008, Pro-Fun Media 


Unter diesem etwas 

verzweifelten Befehl 

sind hier sechs Kurzgeschichtenversammelt, 

die sich bis auf 

Mr_Right_ 22 vor allem 

auf Bilder, Körper und 

Musik verlassen und 

nicht auf Dialoge. Am 

witzigsten funktioniert 

das in den 3½ Minuten Brüderliebe der 

Geschwister Pfister, deren Ferkeleien von der 

Mutter einfallsreich vereitelt werden. In Arie 

ereignet sich ein Coming-Out als Tanz, im 

Duett eines Choreographen mit einem verlieb- 

29


ten Tänzer, vor den Augen der verschmähten 

Freundin und des Konkurrenten. Erfasst hier 

die Kamera den Tanz dreier Männer, so ist der 

grandiose Bramadero von Julián Hernández 

selbst ein Tanz – in der Art und Weise, wie 

zwei Körper im Raum inszeniert werden, wie 

die Kamera sie umschleicht, ohne eigentlich 

eine Geschichte zu erzählen. Auch in dieser 

‚entschärften‘ (d.h. um 2½ explizite Minuten 

gekürzten) Version ist das atemberaubend: 

Zwei Jungs treffen in einem Hochhaus-Rohbau 

über der urbanen Kulisse von Mexico City aufeinander, 

betrachten sich, bedrohen sich, ficken 

– bis einer von beiden ausrastet und den anderen 

tötet. Die Szenerie umfasst einen gesamten 

Tag, bis die Nacht die Großstadt in Schwarz 

hüllt. Kein Wort fällt zwischen den beiden. Auf 

der Tonspur nur entfernte Baugeräusche und 

Verkehrslärm, ein leicht sich steigerndes elektronisches 

Wabern, am Ende ein Tango, „En 

esta tarde gris“ („An diesem grauen Abend“). 

Hernández, mehrfacher TEDDY-Gewinner 

(Mil Nubes und zuletzt Rabioso Sol, Rabioso 

Cielo) umkreist mit seinen Filmen eigentlich 

immer das schwule Begehren an sich, gerne 

auch mal drei Stunden lang. Hier inszeniert er 

knapp 20 Minuten Rausch und berauscht sich 

selbst dabei. jk 

BROADWAy FIEBER 

USA 1997, Regie: victor Mignatti, Edition Salzgeber 

Diese drei haben wirklich 

keinen blassen 

Schimmer. Marc und 

Robert wollen ins ‚Village‘ 

ziehen und den 

Broadway erobern. 

Doch der eine kann 

nicht sprechen und 

der andere stirbt vor 

Nervosität (und will 

sowieso lieber Songwriter werden). Modeopfer 

Cynthia will bei Tina Brown arbeiten, hat 

statt eines Lebenslaufs aber nur einen reichen 

Vater vorzuweisen. Außerdem sind dummerweise 

schon die 1990er angebrochen – Stephen 

Sondheim hat schon lange kein erfolgreiches 

Musical mehr geschrieben und Tina Brown 

ist bei Vanity Fair schon auf dem Absprung. 

Auch in Manhattan ist es chic geworden, cool 

zu sein – da ist nicht viel Hoffnung für Träumer 

wie die drei. Oder gerade doch: Eine Wohnung 

findet Marc, weil der Hausmeister gerade 

etwas körperliche Zuwendung nötig hat und 

auch das Dilettieren im Songwriting fällt nicht 

so auf, wenn das Liebeslied an den Angehimmelten 

ins Schwarze trifft. Victor Mignatti 

hat eine warmherzige Komödie über kunst- 

und liebeshungrige Spinner gedreht, mit viel 

Greenwich Villager Lokalkolorit und wirklich 

schönen Gags – wie dem mit den beiden betagten 

Touristinnen, die den damals noch zweit- 

30 

größten New Yorker Wolkenkratzer betrachten 

und ausrufen: „Sieh mal, das Entire State 

Building!“ Oder von Robert, der auf der Christopher 

Street einen Souvenirladen betritt und 

nach einer Geburtstagskarte für seine Mutter 

sucht: „Haben Sie auch welche ohne Erektionen?“ 

jk 

BIG EDEN 

USA 2000, Regie: thomas Bezucha, Pro-Fun Media 

Henry Hart ist Ende 30 

und muss nach Hause. 

Sein Großvater liegt 

im Sterben. Also fährt 

der eingefleischte New 

Yorker Single zurück 

nach Big Eden, ein Nest 

in den Bergen von Montana, 

dahin wo er großgeworden 

ist. Dort wird 

die Stadtmaus erst langsam wieder zur Landmaus 

und trifft dabei den Mann ihres Lebens. 

Kein anderer Film mit schwuler Thematik hat 

je so viele Preise gewonnen wie Big Eden. Wohl, 

weil er auf so vielen Ebenen gut funktioniert: 

als romantische Komödie, als amerikanischer 

Heimatfilm, als queere Utopie über das Zusammenleben 

der Geschlechter und Generationen 

und als großartiges Schauspielerkino. Oscarpreisträgerin 

Louise Fletcher, Tim DeKay und 

Eric Schweig als schwuler Indianer werfen sich 

so elegant die emotionalen Bälle zu, dass es eine 

Freude ist, ihnen dabei zuzusehen. Regisseur 

und Drehbuchautor Thomas Bezucha hat mit 

Big Eden ein kleines Meisterwerk geschaffen, 

das leicht und schlüssig eine Menge komplexer 

Themen anspricht, ohne dabei je belehrend 

oder gar langweilig zu sein. ps 

3-DAy WEEKEND 

USA 2008, Regie: Bob Williams, Pro-Fun Media 

Ein Ritual. An jedem 

langen Wochenende 

treffen sich die Ex-Partner 

Jason und Cooper 

in einer abgelegenen 

Berghütte mit ihren 

jeweils aktuellen Liebhabern. 

Diesmal soll es 

etwas spannender werden, 

also lädt jeder von 

ihnen noch einen Single-Mann ein. Also acht 

Typen im Nirgendwo, drei Doppel-, ein Einzelbettzimmer 

und eine Couch, ein Whirlpool, 

Wanderkarten und drei Tage Zeit. Es passiert, 

was passieren muss: Beziehungen vertiefen 

sich, bahnen sich an, ein Paar trennt sich. In 

jeder Nacht entscheidet sich neu, wer mit wem 

ins Bett geht. Zwischendurch Yogaübungen, 

Befindlichkeiten und Gespräche – über Heirat, 

Beziehung, Treue, Coming-Out und Aids. Das 

einzige, was am Ende klar ist, ist, dass Jason 

und Cooper an ihrem Ritual festhalten werden. 

Irgendwann geraten die Älteren mit den Jüngeren 

über die Frage aneinander, wie Schwule 

im Film repräsentiert werden sollen – die einen 

finden die aktuellen Komödien zu oberflächlich, 

die anderen wollen keine verklemmten 

Dramen vom Typ The Boys in the Band mehr 

sehen. 3-Day Weekend ist jedenfalls weder das 

eine noch das andere. jk 

I THINK I DO 

USA 1998, Regie: Brian Sloan, Pro-Fun Media 

I think I do ist Vier Hochzeiten 

und ein Todesfall 

oder Die Hochzeit 

meines besten Freundes 

durch die Augen 

des Queer Cinemas 

Ende der 1990er. Eine 

gemischtgeschlechtliche 

College-Clique 

trifft sich bei einer 

Hochzeit wieder. Zwei der Jungs, Brendan und 

Bob, waren mal ineinander verliebt, haben sich 

das aber nicht mal selbst eingestanden. Jetzt 

wären sie dann soweit, trauen sich aber immer 

noch nicht. Die Freunde eilen zu gutgemeinter 

statt gutgemachter Hilfe und richten dabei 

heilloses Chaos an. Die Zutaten von I think I do 

sind die einer klassischen Screwball-Komödie: 

messerscharfe Zungen, schnittige Dialoge und 

ein bisschen alberner Slapstick rund um ein 

niedliches, romantisches Paar, das zueinander 

finden soll. Wenn man darüber hinweg sieht, 

dass nichts so alt ist, wie die Mode und Frisuren 

von vor zehn Jahren, kann man mit I think 

I do jede Menge Spaß haben. ps 

CUT SLEEVE BOyS 

tH 2006, Regie: Ray Yeung, cMv laservision 

Als Mitteleuropäer hat 

man in den letzten 15 

Jahren dabei zusehen 

können, wie das asiatische 

Kino 100 Jahre 

queere Kinogeschichte 

im Zeitraffer nachvollzog. 

Dabei wurde das 

Publikum mit einer ganzen 

Reihe von Filmen 

konfrontiert, die es entweder nicht schafften, 

über bloße Elendsromantik hinauszukommen, 

oder ihren queerpolitischen Impetus mit dem 

cinematischen Holzhammer vortrugen. Die 

dritte Variante waren Adaptionen westlicher 

Genres für den asiatischen Markt. Hierzu zählt 

Cut Sleeve Boys (im Chinesischen ein liebevoller 

Ausdruck für Schwule). Die etwas hysterische 

romantische Komödie, die zwei chinesische 

Mittdreißiger in London beim Erwachsen- 

werden begleitet, ist streckenweise wirklich 

witzig, am Puls der Zeit und optisch ein Feuerwerk, 

bleibt aber auch mal im blanken Kitsch 

stecken, wozu das chinesische Verständnis von 

Tuntentum nicht unwesentlich beiträgt. Cut 

Sleeve Boys ist kein Iron Ladies-Nachfolger, 

hat aber alle Zutaten für einen vergnüglichen 

Videoabend mit Freunden. ps 

BINyAG – DIE VERLORENE UNSCHULD 

PH 2008, Regie: Miko Jacinto, cMv laservision 

Binyag (eigentlich „Die 

Taufe“) ist der erotische 

Monolog eines jungen 

Mannes. Von Leo, 

elternlos im Paradies 

aufgewachsen, das hier 

San Joaquin heißt, aber 

eigentlich die Essenz 

des Paradieses schlechthin 

ist: kein Ort, an dem 

man Kleidung trägt. Die Vertreibung daraus 

setzt weniger durch Leos schwules Erwachen 

ein, als durch die Filmindustrie – ein Talentscout 

verführt den Jungen, nimmt ihn mit nach 

Manila, wo er an weitere Produzenten, Fotografen 

und Autoren weitergegeben wird, die 

alle „einen Star“ aus ihm machen wollen und 

dann doch nur einen Körper aus ihm machen. 

Leo nimmt das alles hin und allzu viel macht es 

ihm auch nicht aus, denn er will sich selbst finden 

und das geht nur durch Erfahrung. Seine 

Stimme führt uns durch die verschiedenen 

Episoden, durch die Traumkulissen der Heimatstrände 

und die Smog-Glocke des Molochs. 

Und wieder zurück ins Paradies. Und nach 

knapp 60 Minuten kennt man jede Muskelfaser 

des ziemlich schönen Ran Domingo. Ein bisschen 

ins Nachdenken kommt man allerdings 

schon, wenn ein zynischer Filmproduzent 

auftritt und sagt: „Zeig nackte Männer… die 

Schwulen stehen Schlange… die haben Geld.“ 

Verbuchen wir es mal unter Selbstironie. jk 

BURN THE BRIDGES 

MX 2007, Regie: Francisco Franco, Pro-Fun Media 

Die Ameisen fallen 

bereits über das alte 

Stadtpalais her. Die 

Mutter, eine populäre 

Sängerin, liegt im 

Sterben. Das Regiment 

hat Helena übernommen, 

die junge Tochter, 

unterstützt von einem 

fragilen Netzwerk aus 

Ärzten, Nachbarn, einer Haushälterin. An 

ihren Wänden hängen Sehnsuchtsbilder von 

Winterurlaubsorten. Doch sie kann nicht weg, 

solange es die Mutter und ihre traurigen Chansons 

gibt. Ihren Bruder Sebastian, den Träu- 

mer, packt sie in Watte und lässt andere Jungs 

sich um ihn kümmern. Doch Sebastian erwacht 

trotzdem, denn ‚Scarface‘, der Einzelgänger 

und Rebell, kommt neu an die Schule. Juan 

lehrt Sebastian das Springen – von Dächern 

und aus der selbstbezogenen dunklen Welt des 

sterbenden Hauses. Da Juan ihm vom Meer 

erzählt und Sebastian sich in ihn verliebt hat, 

malt er sein Zimmer blau. Und Helena spürt, 

dass ihr ihre kleine Welt entgleitet. 

Schließlich stirbt die Mutter und zunächst verwirklicht 

niemand seine Pläne für das Danach. 

Aneinander gekettet ziehen sich die Geschwister 

ins Haus zurück, bis sie einsehen, dass es so 

nicht weiter gehen kann. 

Burn the Bridges: Wer Brücken hinter sich 

abbrennt, muss nach vorne schauen. Man verliebt 

sich auf Anhieb in alle Figuren und glaubt 

alle behaupteten Gefühle. Jedes Bild sitzt, 

alle Gegenstände, alle Geräusche, alle Blicke 

erzählen etwas, auch in den Randgeschichten 

(Nonnen, die sich voller Lust die Kleider der 

verstorbenen Diva anhalten…). Ein traurigschönes 

Werk jk 

WÄRE DIE WELT MEIN – 

EIN TRAUM WIRD WAHR 

USA 2008, Regie: thomas Gustafson, Pro-Fun media 

Ihre Schule legt Wert 

auf eine breit gefächerte 

Ausbildung, so müssen 

sie Sport genauso 

ernstnehmen wie den 

musischen Unterricht. 

Doch die Jungs in 

Timothys High School 

toben sich am liebsten 

beim Rugby aus und 

finden den Theaterunterricht schwul. Timothy, 

der offen schwule Außenseiter, traut sich 

weder das eine noch das andere und ist der 

willkommene Kandidat für Hänseleien und 

pubertäre Spaße. Spießrutenlaufen in Röhrenjeans 

– bis die Literaturlehrerin eine Inszenierung 

des „Sommernachtstraums“ auf den 

Lehrplan setzt („Shakesqueer“ nennen das 

die Rugbyspieler). Da schlägt plötzlich Timothys 

Stunde und das ist die erste Zauberei des 

Films – ungeahnterweise kann er singen und 

spielen und verschafft sich bei seinen Kameraden 

zum ersten Mal Respekt. Doch der Film 

von Tom Gustafson und seinem Co-Autor Cory 

James Krueckeberg geht noch einen queeren 

Schritt weiter in seinem Mix aus Internatsgeschichte 

und Musical, Shakespeare und Take 

That: Nicht nur, dass Jungs in Frauenrollen 

schlüpfen, aus homophoben Schülern Feen 

werden und dass die schönen Songs von Jessica 

Fogle auf original Sommernachtstraum-Versen 

beruhen – wie der Puck bei Shakespeare verzaubert 

auch Timothy mit einem Feen-Nektar 

alle Menschen um sich herum, macht aus ihnen 

Liebende, vorzugsweise gleichen Geschlechts. 

Nur bei seinem Schwarm, so die Pointe, hätte 

er das gar nicht gebraucht – die Liebe war im 

Geheimen schon gegenseitig. Ein Fairy-Tale in 

mehrfacher Hinsicht. Schön, dass mit Gustavsons 

Kurzfilm Fairies auch die Vorstudie zu diesem 

Musical auf der DVD enthalten ist. jk 

WITH GILBERT & GEORGE 

UK 2007, Regie: Julian cole, Edition Salzgeber 

Gilbert und George 

geben in dem intimen 

Filmporträt ihres 

Freundes Julian Cole 

104 Minuten lang „Gilbert 

& George“ – das 

skurrilste Herrenpaar 

der Kunstgeschichte. 

„Es gelingt Cole, den 

queeren Charakter ihrer 

Kunst herauszuarbeiten, ohne dass das Leben 

der beiden Künstler als schwules Paar näher 

thematisiert wird. Das ist jedoch keine falsche 

Scheu, vielmehr setzen alle am Film Beteiligten 

diese Lebensform als Selbstverständlichkeit 

voraus. Das Wort ‚gay‘, erklärt George im Film, 

habe er nie gemocht. Er bevorzuge das Wort 

‚sexy‘ als neutrale, von Geschlechtszuweisung 

unabhängige Zustandsbeschreibung. ‚Niemand 

sagt ‚I feel heterosexy tonight‘‘, scherzt 

George, gerade deshalb sei der Begriff ‚sexy‘ so 

gut, um eine universelle Lust zu bezeichnen. 

‚Erst kämpften die Heterosexuellen um sexuelle 

Befreiung, dann kämpften die Homosexuellen, 

doch die nächste Schlacht wird für alle 

sein‘, erklärt George an einer anderen Stelle im 

Film.“ (Martin Büsser in der SISSY 02/09) 

CLANDESTINOS 

ES 2007, Regie: Antonio Hens, Pro-Fun Media 


Xabi und zwei Kumpels 

gelingt die Flucht 

aus dem Jugendknast. 

Irgendwie schaffen sie 

es nach Madrid, einer 

von ihnen reißt unterwegs 

zwei Mädchen auf 

und Driss, der jüngste, 

ist froh, dass sie ihn 

überhaupt mitgenommen 

haben. Xabi allerdings hat andere Pläne 

als unterzutauchen und Party zu machen. Eine 

Liebesaffäre mit einem Terroristen hat aus ihm 

einen glühenden ETA-Jünger gemacht, also will 

er jetzt im Untergrund für ‚die Sache‘ kämpfen. 

Unter seiner Anleitung basteln die Jungs also 

Bomben, klauen ein bisschen, randalieren und 

Xabi verdient sich noch ein bisschen Geld auf 

dem Strich. Ganz schön, wie Regisseur Antonio 

Hens das erzählt, als jugendliches Chaos zwi- 

31


schen Sex, Biertrinken, große Sprüche klopfen, 

Wohnungen verwüsten und den ‚echten‘ Terroristen 

dabei in die Quere kommen. Und der 

junge Israel Rodríguez spielt den Xabi grandios, 

fiebrig, nervös, physisch. Dass der kleine 

Gangster sich auf dem Strich wieder von einem 

älteren Mann aufreißen lässt – diesmal aber 

von einem ‚guten‘ Polizisten – und dadurch 

erst die Kurve kriegt, wird nicht weiter problematisiert. 

Ein Date im Knast jedenfalls ist eine 

interessante Happy-End-Variante. jk 

DRIFTER 

D 2007, Regie: Sebastian Heidinger, Edition Salzgeber 

Der junge dffb-Absolvent 

Sebastian Heidinger 

hat in seinem 

Dokumentarfilm Drifter 

Daniel, Angel und 

Aileen begleitet, drei 

Jugendliche, die sich 

am Bahnhof Zoo ihre 

Drogen besorgen, anschaffen 

gehen oder in 

Notunterkünften unterkommen. Es geht ihm 

um ihren Alltag, nicht um ihre Geschichte. 

Um das tägliche Durchhalten, Weitermachen 

und ‚Driften‘, ohne familiären Halt und mit 

wenig öffentlicher Unterstützung. Ein schonungsloser 

und sehr menschlicher Film über 

die Sucht und die prekären Beziehungen der 

um sie Kreisenden. „Es war unser Anspruch, 

uns als Personen komplett da reinzugeben. Auf 

der anderen Seite bist du als Regisseur natürlich 

ganz stur auf Material und gute Szenen 

angewiesen. Einerseits mussten wir im Sinne 

des Films überall dabei sein, andererseits aber 

auch das Gefühl behalten, dass wir ein paar Sachen 

nicht zeigen wollen, um die Jugendlichen 

zu schützen. Und natürlich ist es auch für uns 

hart, eine Fixszene zu drehen.“ (Sebastian Heidinger 

in der SISSY 02/09) 

MILK 

USA 2008, Regie: Gus van Sant, Highlight 

Ob Milk in 20 Jahren 

noch so sehenswert 

sein wird wie My own 

private Idaho heute, 

bleibt abzuwarten. Wo 

sich Idaho wegen van 

Sants intim-privater 

Metaphern in Bild 

und Figuren nie ganz 

erschließt und geheimnisvoll 

anziehend bleibt, ist Milk filmisch gesehen 

ein politisches Pamphlet. Ein wichtiges, 

großartig gespieltes und gesellschaftlich wirksames, 

keine Frage. Aber das Celluloid-Denkmal 

für den ersten offen schwulen Politiker der 

Welt ist nicht mit Preisen überhäuft worden, 

weil ein Meisterregisseur hier etwas filmisch 

wirklich Bemerkenswertes abgeliefert hätte. 

Sondern weil die Gesamtgesellschaft so weit 

war, Schwule im Kino 30 Jahre alte politische 

Forderungen stellen zu lassen, die zum großen 

Teil immer noch unerfüllt sind. Wer ihr dafür 

dankbar ist, hat Harvey Milk nicht verstanden. 

Es geht nicht darum, ihn zu feiern und sich 

über Erreichtes zu freuen, sondern darum, die 

alten Forderungen endlich umzusetzen. Als 

Anregung dafür ist van Sants Film so geeignet 

wie kaum einer vor ihm und sollte genau deswegen 

jetzt von jedem schwulen Mann auf diesem 

Planeten gesehen werden. ps 

ROSAS RACHE 

Filme und tagebücher seit 1960. Hrsg. v. Anke vetter. 

Martin Schmitz verlag 2009 

MEINE MÜTTER – 

SPURENSUCHE IN RIGA. 

D 2008, Regie: Rosa von Praunheim, Basis Film 

„Das Private ist politisch“, 

fand nicht nur 

die bundesrepublikanischeSchwulenbewegung 

der 70er Jahre, 

sondern findet bis heute 

Rosa von Praunheim. 

15 Jahre nach seiner 

Autobiografie mit Tagebuchausschnitten 

„50 

Jahre pervers“ lässt er nun ein weiteres Mal in 

seine Aufzeichnungen blicken. Keine einfache 

Aufgabe für die Herausgeberin Anke Vetter, 

aus den zahlreichen Kladden eine Auswahl zu 

treffen und zur 336 Seiten starken, reich bebilderten 

„Rosas Rache“ zusammenzustellen. 

Die ersten Einträge aus 1960. Der 17-jährige 

Holger nennt sich noch lange nicht Rosa und 

vom selbstbewusst kämpferischen Schwulenaktivisten 

Praunheim ist noch nichts zu 

spüren: Einen Freund, den er in Verdacht hat, 

„widergeschlechtlich veranlagt“, zu sein, will 

er sich lieber vom Leib halten. Als frischgebackener 

Student an der HdK Berlin bereitet ihm 

die von Schwulen bevölkerte Welt der Künstler 

heftige Sorge: „Es ist so schwer, charakterfest 

zu bleiben“. 1962 schließlich hat er zum ersten 

Mal Sex mit einem Mann: „Es war ein großes 

Erlebnis für mich. Obwohl ich nicht pervers zu 

sein glaube, war es für mich so ästhetisch, dass 

ich es nicht bereue“. „Rosas Rache“ enthüllt 

Praunheims Persönlichkeit wie seine künstlerischen 

Überzeugungen: „Ich brauche Leute, 

die darauf eingehen, mich anzuregen.“ Solch 

Inspirationsquellen findet er immer wieder, 

meist sind es kämpferische Frauen und Exzentrikerinnen 

wie Lotti Huber, Charlotte von 

Mahlsdorf und seine Tante Luzi Krynn (Die 

Bettwurst). Nicht mit allen klappt die kreative 

Symbiose. Die Faszination für die „völlig ver- 

rückte“ und „irre provozierende“ Nina Hagen 

schlägt nach wenigen Wochen der Zusammenarbeit 

um. „Ich sehe sie immer mehr als kapitalistische 

Glamourhure. Erfolg um jeden Preis, 

absolut egozentrisch. Ich sehe nichts Progressives 

mehr an ihr.“ 

Aber auch gegen sich selbst ist Praunheim 

schonungslos. Er klagt über Geldsorgen und 

mangelnde Anerkennung und gesteht seinen 

Neid auf den Erfolg von Regiekollegen wie 

Werner Herzog, Tom Tykwer und Rainer Werner 

Fassbinder. 

„Filme zu machen ist nicht die Hauptsache, die 

Hauptsache ist, intensiv zu leben: Erfahrungen, 

Abenteuer, Erkenntnisse“ (1972). 

„Auf den Friedhof zu 

Mutter, anschließend 

in das Pornokino“ 

heißt es einmal lapidar. 

Erst kurz vor ihrem 

Tod hatte Gertrud 

Mischwitzky, mit der 

er viele Jahre zusammen 

in seiner Berliner 

Wohnung zusammengelebt 

hatte, ihm offenbart, dass er nicht ihr 

leiblicher Sohn, sondern ein Kind aus einem 

Rigaer Waisenhaus ist. Die Suche nach seiner 

wahren Mutter, die ihn tief in die Geschichte 

Lettlands und in die Zeit der Besatzung durch 

die deutsche Wehrmacht führte, dokumentiert 

Praunheim in seinem berührenden Film 

Meine Mütter, der nun als DVD erschienen ist. 

Die Recherche ist nach vielen Irrwegen zuletzt 

schließlich erfolgreich. „Der Tag, vor dem ich 

mich gefürchtet hatte, der Dreh im Zentralgefängnis 

von Riga. Ich bekam Panik, als ich 

vor dem Tor stand. (…) Ein Oberarzt und eine 

Wärterin führten uns in einen kleinen Raum 

mit einem gynäkologischen Stuhl. Sehr wahrscheinlich 

bin ich hier geboren worden“, notiert 

er während der Dreharbeiten im Tagebuch. 

Im Interview, das der DVD als Bonus beigegeben 

ist, resümiert Praunheim: „Mein Passname 

ist Holger Mischwitzig, mein Geburtsname 

Holger Radke. Mein Künstlername ist Rosa 

von Praunheim (…) Das ist der Name auf den 

ich stolz bin. Ich habe mich selbst geschaffen, 

so wie ich mich empfinde und trotzdem bin ich 

meinen beiden Müttern dankbar.“ as 

NACHRUF 

von jan künemund 

zum tod von Pina Bausch (1940–2009) 

s www.youtube.com/watch?v=8rK6TJyGAHw: Ein Mann mit unbeweglichem 

Gesichtsausdruck. Nach dem Orchestervorspiel singt eine 

Frau „The Man I Love“ von George Gershwin. Der Mann übersetzt 

die Zeilen des Lieds in Gebärden. Bei „big and strong“: großer Bizeps. 

Bei „smile“: nach oben gerichtete Mundwinkel. Bei „understand“: 

Zeigefinder, der von der Stirn auffährt. Bei „who would? would you?“: 

ein mehrfaches Hin und Her der Hand zu sich und von sich weg. 

Lutz Förster tanzt „The Man I Love“ im Stück „Nelken“ von Pina 

Bausch, die am 30. Juni verstarb. In ihrem Tanztheater waren die 

Tänzer nie abstrakte Zeichen im Raum, sondern Körper, angefüllt mit 

Begehren, Aggression, Zärtlichkeit, Sehnsucht. Der Tanz von Förster 

entstand aus dem erinnerten Versuch, einem tauben Mann seine 

Liebe zu gestehen – Pina Bausch machte daraus die bewegte Tragödie 

eines Menschen, der seine Gefühle nicht artikulieren kann. 

Some day he’ll come along, the man I love; 

And he’ll be big and strong, the man I love; 

And when he comes my way, I’ll do my best to make him stay. 

Eine gestreckte 

Hand zwischen 

den Augen („The“) 

wird zur Brust 

heruntergenommen 

(„Man“), vor 

der Brust bilden 

die drei mittleren 

Finger eine Höhle, 

der Daumen zeigt 

zum Brustkorb, 

der gespreizte kleine Finger zeigt nach außen („I“), beide Arme werden 

über der Brust verschränkt, die Hände zur Faust geschlossen 

(„Love“). 

Pina Bausch im Film: Was tun Pina Bausch und ihre Tänzer in Wuppertal? 

(Klaus Wildenhahn 1983), Fellinis Schiff der Träume (Federico 

Fellini 1983), Eines Tages fragte mich Pina (Chantal Akerman 1985), 

A Primer for Pina (Susan Sontag 1985), Die Klage der Kaiserin (Pina 

Bausch 1989), Damen und Herren ab 65 (Lilo Mangelsdorff 2002), 

Sprich mit ihr (Pedro Almodóvar 2002), Coffee with Pina (Lee Yanor 

2003, Bild oben) s 

32 33 

lEE YANOR (FilMStill AUS „A cOFFEE WitH PiNA“) 

PiNA BAUScH (FilMStill AUS „NElKEN – lES OEillEtS“, 1983) 

nachruf 

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· SATURN EUROPACENTER Tauentzienstraße 9 · VIDEO WORLD Kottbusser 

Damm 73 · VIDEODROM Fürbringer Straße 17 BOCHUM SATURN Kortumstraße 

72 DARMSTADT SATURN Ludwigplatz 6 DORTMUND LIT- 

FASS DER BUCHLADEN Münsterstraße 107, 0231/834724 DÜSSEL- 

DORF BOOKXXX Bismarckstraße 86, 0211/356750 · SATURN Königsallee 

56 · SATURN Am Wehrhahn 1 FRANKFURT/MAIN OSCAR WILDE 

BUCHHANDLUNG Alte Gasse 51, 069/281260 · SATURN Zeil 121 HAM- 

BURG BUCHLADEN MäNNERSCHWARM Lange Reihe 102, 040/436093 

· BRUNO’S Lange Reihe/Danziger Straße 70, 040/98238081 · CLEMENS 

Clemens-Schultz-Straße 77 · EMPIRE MEGASTORE Bahrenfelder Straße 

242–244 · MEDIA MARKT Paul-Nevermann-Platz 15 KöLN BRUNO’S 

Kettengasse 20, 0221/2725637 · MEDIA MARKT Hohe Straße 121 · SATURN 

Hansaring 97 · SATURN Hohe Straße 41–53 · VIDEOTAXI Hohenzollernring 

75–77 LEIPzIG LEHMANNS BUCHHANDLUNG Grimmaische Straße 

10 MANNHEIM DER ANDERE BUCHLADEN M2 1, 0621/21755 MÜN- 

CHEN BRUNO’S Thalkirchner Straße 4, 089/97603858 · LILLEMOR’S FRAU- 

ENBUCHLADEN Barerstraße 70, 089/2721205 · MAX & MILIAN Ickstattstraße 

2, 089/2603320 · SATURN Schwanthalerstraße 115 · SATURN Neuhauser 

Straße 39 STUTTGART BUCHLADEN ERLKöNIG Nesenbachstraße 52, 

0711/639139 TRIER MEDIA MARKT Ostallee 3–5 TÜBINGEN FRAU- 

ENBUCHLADEN THALESTRIS Bursagasse 2, 07071/26590 

HANDLUNG LöWENHERz Berggasse 8, + 43/1/13172982 

WIEN BUCH- 

KINOS 

Nicht-heterosexuelle Filme können Sie unter anderem in den folgenden Kinos sehen. Die Auswahl 

wird laufend ergänzt. Bitte helfen Sie uns dabei! 

ASCHAFFENBURG CASINO FILMTHEATER Ohmbachsgasse 1, 

06021/4510772 AUGSBURG CINEMAXX Willy-Brandt-Platz 2, 

01805/24636299 BERLIN ARSENAL Potsdamer Straße 2, 030/26955100 

· KINO INTERNATIONAL Karl-Marx-Allee 33, 030/24756011 · XENON KINO 

Kolonnenstraße 5–6, 030/78001530 · CINEMAXX POTSDAMER PLATz Potsdamer 

Straße 5, 01805/24636299 · EISzEIT Zeughofstraße 20, 030/6116016 

· FSK AM ORANIENPLATz Segitzdamm 2, 030/6142464 BIELEFELD CI- 

NEMAXX Ostwestfalenplatz 1, 0521/5833583 BOCHUM ENDSTATION 

KINO IM BHF. LANGENDREER Wallbaumweg 108, 0234/6871620 BRE- 

MEN KINO 46 Waller Heerstraße 46, 0421/3876731 · CINEMAXX Breitenweg 

27, 01805/24636299 DRESDEN KID – KINO IM DACH Schandauer 

Straße 64, 0351/3107373 · CINEMAXX Hüblerstraße 8, 01805/24636299 ES- 

SEN CINEMAXX Berliner Platz 4–5, 01805/24636299 ESSLIN- 

GEN KOMMUNALES KINO Maille 4–9, 0711/31059510 FRANKFURT/ 

MAIN MAL SEH’N Adlerflychtstraße 6, 069/5970845 · ORFEOS ER- 

BEN Hamburger Allee 45, 069/70769100 FREIBURG KOMMUNALES 

KINO Urachstraße 40, 0761/709033 · CINEMAXX Bertholdstraße 50, 

01805/24636299 GöTTINGEN KINO LUMIèRE Geismar Landstraße 

19, 0551/484523 HAMBURG METROPOLIS KINO Steindamm 52–54, 

040/342353 · CINEMAXX WANDSBEK Quarree 8–10, 01805/24636299 HAN- 

NOVER APOLLO STUDIO Limmerstraße 50, 0511/452438 · CINEMAXX 

Nikolaistraße 8, 01805/24636299 · KINO IM KÜNSTLERHAUS Sophienstraße 

2, 0511/16845522 KARLSRUHE KINEMATHEK KARLSRUHE KINO IM 

PRINz-MAX-PALAIS Karlstraße 10, 0721/25041 KIEL DIE PUMPE – KOM- 

MUNALES KINO Haßstraße 22, 0431/2007650 · CINEMAXX Kaistraße 54–56, 

01805/24636299 KöLN FILMPALETTE Lübecker Straße 15, 0221/122112 

· KöLNER FILMHAUS Maybachstraße 111, 0221/2227100 KONS- 

TANz zEBRA KINO Joseph-Belli-Weg 5, 07531/60162 LEIPzIG PAS- 

SAGE KINO Hainstraße 19 a, 0341/2173865 MAGDEBURG CINEMAXX 

Kantstraße 6, 01805/24636299 MANNHEIM CINEMA qUADRAT Collinistraße 

5, 0621/1223454 MARBURG CINEPLEX Biegenstraße 1a, 

06421/17300 MÜNCHEN NEUES ARENA FILMTHEATER Hans-Sachs- 

Straße 7, 089/2603265 · CITY KINO Sonnenstraße 12, 089/591983 · CINE- 

MAXX Isartorplatz 8, 01805/24636299 MÜNSTER CINEMA FILMTHEA- 

TER Warendorfer Straße 45–47, 0251/30300 NÜRNBERG KOMMKINO 

Königstraße 93, 0911/2448889 OFFENBACH CINEMAXX Berliner Straße 

210, 01805/24636299 OLDENBURG CINE K Bahnhofstraße 11, 

0441/2489646 · CINEMAXX Stau 79–85, 01805/24636299 POTSDAM 

THALIA ARTHOUSE Rudolf-Breitscheid-Straße 50, 0331/7437020 RE- 

GENSBURG WINTERGARTEN Andreasstraße 28, 0941/2980963 · CINEMAXX 

Friedenstraße 25, 01805/24636299 SAARBRÜCKEN KINO ACHTEINHALB 

Nauwieser Straße 19, 0681/3908880 · KINO IM FILMHAUS Mainzer Straße 

8, 0681/372570 SCHWEINFURT KUK – KINO UND KNEIPE Ignaz-Schön- 

Straße 32, 09721/82358 STUTTGART CINEMAXX AN DER LIEDERHALLE 

Robert-Bosch-Platz 1, 01805/24636299 TRIER BROADWAY FILMTHEATER 

Paulinstraße 18, 0651/96657200 WEITERSTADT KOMMUNALES KINO 

Carl-Ulrich-Straße 9–11 / Bürgerzentrum, 06150/12185 WUPPERTAL CI- 

NEMAXX Bundesallee 250, 01805/24636299 1181 

Veitshöchheimer Straße 5a, 01805/24636299 

WÜRzBURG CINEMAXX 

34 

Impressum 

Herausgeber Björn Koll 

Verlag Salzgeber & Co. Medien GmbH 

Mehringdamm 33 · 10961 Berlin 

Telefon 030 / 285 290 90 · Telefax 030 / 285 290 99 

Redaktion Jan Künemund, presse@salzgeber.de 

Art Director Johann Peter Werth, werth@salzgeber.de 

Autoren Thomas Abeltshauser, Birgit Binder, Martin Büsser, Citizen_B, Jessica 

Ellen, Patrick Heidmann, Egbert Hörmann, Klaus Kalchschmidt, Jan 

Künemund, Silvy Pommerenke, Rosa von Praunheim, Oliver Sechting, 

Axel Schock, Paul Schulz, Rüdiger Suchsland, André Wendler, Sascha 

Westphal 

Dank an Harald Eck, Sarah Jäckel, Tobias Rauscher, Nadja Talmi 

Lektorat Rut Ferner 

Anzeigen Jan Nurja, nurja@salzgeber.de 

Druck Westermann, Braunschweig 

Rechte Digitale oder analoge Vervielfältigung, Speicherung, Weiterverarbeitung 

oder Nutzung sowohl der Texte als auch der Bilder bedürfen einer 

schriftlichen Genehmigung des Herausgebers. 

Verteilung deutschlandweit in den schwul-lesbischen Buchläden, in den CinemaxX- 

Kinos in Augsburg, Berlin, Bielefeld, Bremen, Dresden, Essen, Freiburg, 

Hamburg-Wandsbek, Hannover, Kiel, Magdeburg, München, Offenbach, 

Oldenburg, Regensburg, Stuttgart, Wuppertal, Würzburg und weiteren 

ausgewählten Orten. 

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Termin-Angaben entsprechen dem Stand des Drucklegungstages. 

Bildnachweise Die Bildrechte liegen bei den jeweiligen Anbietern. 

Anzeigen Es gilt die Anzeigenpreisliste Nr. 1 vom Januar 2009. 

Abo Sie können SISSY kostenfrei abonnieren. E-Mail genügt: 

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SISSY erscheint alle drei Monate, jeweils für den Zeitraum Dezember/ 

Januar/Februar – März/April/Mai – Juni/Juli/August – September/ 

Oktober/November. Auflage: 40.000 Exemplare (Druckauflage). 

Unterstützung SISSY bedankt sich bei der Filmförderungsanstalt FFA 

Esst mehr Obst! 

ISSN 1868-4009 

Aus „Kameraden“ von Steve Kokker 

Gay-Filmnacht 

im CinemaxX 

SEPTEMBER 

Mulligans 

von Chip Hale 

OKTOBER 

Der Mann, der Yngve liebte 

von Stian Kristiansen 

NOVEMBER 

Straight Jacket 

von Richard Day 

L-Filmnacht 

im CinemaxX 

MULLIGANS ELOÏSE 

SEPTEMBER 

Eloïse 

von Jesús Garay 

OKTOBER 

Kommt Mausi raus?! 

von Alexander Scherer und Angelina Maccarone 

NOVEMBER 

Emma & Marie 

von Sophie Laloy 

INFOS UND TERMINE: GAY-FILMNACHT.DE · L-FILMNACHT.DE · KARTEN: CINEMAXX.DE

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WAS HOLLYWOOD NICHT ERLAUBT - Sissy

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