Neu auf DVD! - Sissy

Ausgabe vierzehn · Juni bis August 2012 · kostenlos
s Welterschütterung: Zartes Rosa, sanftes Grün s Machomarotten: Ausgestopfte Liebestöter s Neun Tage Paris: Anders- und
Dagegensein s Fröhliches Treiben: Liebe auf VHS s Wellenritt: Musikeinsatz am Meer s Filmgeschichte: Die Q-Frage s Mutterfreuden:
Kiss Kiss, Cin Cin, Bye Bye s Kernspaltung: Sich endlich lieben s Visconti: Schminke und Begehren s Die Dokwütige: Das kann doch
alles nicht sein! s Very precious: Malerisch angeschossen mit nacktem Oberkörper s Amüsanter Fehler: Darf ich das? s Kostümorgie:
Weltgeschichte bleibt draußen s Wasserfestspiele: Mülltüten auf Branchenköpfen s Die Archivarinnen: Kultur in elf Sprachen

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titeL: Neue ViSiONeN
Sissy vierzehn
Zugegeben, im letzten Heft haben wir ein bisschen arg über die
Berlinale gemeckert, beziehungsweise darüber, wie dort über das
Kino geredet wird, das auch die SISSY interessiert. Wobei uns ja
bewusst ist, dass dieses Festival eines der wenigen Foren zumindest
in Deutschland ist, in dem überhaupt über „Queer Cinema“ geredet
wird – und sei es auch nur in Form von Gemecker. Um diesen Impuls
auch mal anders, nämlich konstruktiver, aufzugreifen, haben wir
Menschen, die mit diesem Begriff arbeiten, zu einem Gespräch überredet,
dessen Ergebnis wir in diesem Heft präsentieren.
Die ewige Frage, was das Q-Wort
überhaupt bedeutet, ist dabei die eine, ob der
Begriff für Menschen, die Filme lieben, überhaupt
relevant ist, die andere Leitfrage.
Bei unserer Recherche trafen wir selbstkritische
Filmkritiker, geschichtsbewusste Kuratoren,
Fragen aufwerfende Filmwissenschaftler
und FilmemacherInnen, die das meiste, was
heutige Queerfilme entwerfen, defensiv und
rückschrittig finden.
Dass so wenig darüber geredet wird, wie wir
„unsere“ Geschichten filmisch erzählen,
scheint daran zu liegen, dass es seit den 1990er
Jahren eine gut funktionierende Nische für
schwullesbisches Kino gibt, das, abgesehen
vom „Zielpublikum“, nicht wahrgenommen
wird, das keinerlei Austausch mehr mit dem Hilfreich beim Straßenkampf, etwas einsilbig, was das Kino angeht: Der Teddy
Weltkino eingeht, aber dennoch das subjektive
Gefühl vermittelt, queeres Kino sei ja präsent genug. Diese Filme
werfen innerhalb und außerhalb ihrer Nische keine Fragen auf.
Jenseits davon ist Queerness wiederum kein Thema – die wenigsten
Cinephilen fragen sich, was in Filmen ihrer Helden wie Weerasethakul,
Chéreau, Mendoza, Almodóvar, ja selbst Ozon jetzt so besonders
„queer“ sei.
Verstand sich die SISSY schon immer als eine Reaktion auf das immer
leiser werdende Nachdenken über Queerness im Film und queere
Filme in den queeren Szenepublikationen, so schien es uns nur konsequent,
das Gespräch darüber wieder anzuregen. Fortsetzung folgt,
ganz bestimmt.
vorspann
Wenn Sie SISSY kostenlos abonnieren möchten: E-Mail an abo@sissymag.de
3
jAN KüNeMuND

mein dvd-regal
Christian Rudolph, Sissy-Leser
4 5
Christian rudolph

kino
PaRadieS /
infeRno
von AlexAndrA Seitz
Drei junge Männer leisten Militärdienst bei der französischen
Marine. Die uniformen stammen aus den 1970ern, der einsatzort
ist das Mururoa-Atoll. Was man heute über die historischen
Atomwaffenexperimente Frankreichs weiß, trifft die Hauptfiguren
jäh und unvermittelt. Der Anblick des unfassbaren markiert
in Marion Hänsels sensitivem und homoerotisch eingefärbtem
Spielfilm „Schwarzer Ozean“ die Grenze, an der sich jugendliche
empfindsamkeit gegenüber einer kalten und gefühllosen
Welt behaupten kann. Ab 7. juni in ausgewählten Kinos, ende
juni auf DVD.
s „Ich bin der Tod, der alles raubt, Erschütterer der Welten.“ Dieser
Satz aus der hinduistischen Heldensaga „Bhagavadgita“ fiel Julius
Robert Oppenheimer angesichts der Testexplosion einer Atombombe
ein. An deren Entwicklung und Herstellung war er als Leiter des
Manhattan Project in den Dreißiger und Vierziger Jahren in Los
Alamos, New Mexico, maßgeblich beteiligt. Die erhaben schreckliche
Schönheit des sprichwörtlich gewordenen Atompilzes, der kilometerhoch
in den Himmel stieg, beeindruckte den Mann nachhaltig.
Das Ausmaß und die schiere Wucht der entfesselten (Zerstörungs-)
Kraft ließen ihn jedoch wie seinen Kollegen Albert Einstein bald zu
einem Kritiker der Nutzung von Atomkraft durch den Menschen
werden. Oppenheimer ahnte, was eine derart potente Waffe in den
Händen von Politikern, Militärs, Mächtigen würde anrichten können.
Leider hat man nicht auf ihn gehört. Deswegen sitzen wir nun
auf unserem Heimatplaneten wie auf einem Pulverfass, auf Bruttoregistertonnen
von Bomben, die uns und die Erde gleich doppelt und
dreifach ins Nirvana und wieder zurück katapultieren könnten. Diese
potenzielle Leichtigkeit und Leichtfertigkeit totaler Auslöschung ist
eine Bedrohung, ein immer präsenter Schrecken, der nur auszuhalten
ist, indem man ihn verdrängt. Was aber, wenn sie einen unmittelbar
trifft, die Erkenntnis unmittelbar möglicher Vernichtung? Was, wenn
mit einem Mal ein Bombenpilz voll schön-schrecklicher Erhabenheit
vor einem aufstiege, immer höher und höher aufragte, dabei immer
bestimmender und ausschließlicher würde, so lange, bis alles um ihn
her unbedeutend, winzig und entbehrlich erschiene?
Moriaty weiß, was er gesehen hat. Und er kommt nicht damit
zurecht. Der Erschütterer der Welten erschüttert ihn, den kaum
Zwanzigjährigen, bis ins Mark. Moriaty tut Dienst auf einem Kriegsschiff
der französischen Marine, das 1972 im pazifischen Ozean in
der Nähe des Mururoa-Atolls kreuzt. Inzwischen weiß man, was die
Franzosen in dieser entlegenen Gegend der Welt unternahmen; zwischen
1966 und 1995 führte La Grande Nation im Südpazifik über 170
Atombombentests durch. Einen dieser Tests wählt die Regisseurin
Marion Hänsel als Anker ihres Films Schwarzer Ozean. Das heißt,
dass die Explosion weniger Motor der Handlung als vielmehr sinnstiftendes
Motiv ihres Films ist. Ein Thema im lang Verborgenen, um
das herum sich etwas anderes lagert: Gefühle, Verhältnisse, Überlegungen.
Das Blau des gleichmütigen Meeres. Das eintönige Grau des
Dampfers. Der Ennui und die Schikanen. Zartes Rosa, sanftes Grün.
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eDitiON SALZGeBeR
kino
7

kino
Das Paradies und das Inferno. Über 50 Minuten des knapp anderthalbstündigen
Films vergehen, bis sich am fernen Horizont ein Pilz
entfaltet. Nichts hatte zuvor auf sein Erscheinen hingedeutet. Lange
beobachtet Hänsel ihre Protagonisten – die Rekruten Moriaty, Massina,
Da Maggio, die ihnen vorgesetzten Offiziere, den Schiffshund
Giovanni – bei ihren alltäglichen Verrichtungen auf dem Schiff.
Bis es mit einem Mal heißt: Brillen anlegen, in Deckung gehen und
vom Licht wegdrehen. Als die Dampfsäule der Explosion sich in der
Ferne in die Höhe bohrt, ist allenfalls ein sanftes Grollen zu hören.
Aber nichts ist danach mehr so, wie es war. Diese Setzung der Nicht-
Gleichgültigkeit gegenüber den Verheerungen einer Atombombenexplosion,
und werde sie auch „nur“ zu Testzwecken durchgeführt,
diese Rückholung des Schreckens aus zur Gewohnheit gewordener
Verdrängung, diese Ernsthaftigkeit ist es, die Schwarzer Ozean letztlich
ungewöhnlich macht.
Für ihr Drehbuch adaptierte Hänsel zwei autobiografisch inspirierte
Erzählungen Hubert Mignarellis, der sich als junger Mann
freiwillig zur französischen Marine gemeldet hatte und auf dem Mururoa-Atoll
eingesetzt war. Lange unterlagen die Ereignisse jener Zeit
der Geheimhaltung, erst vor wenigen Jahren wurden die Akten, die
sie dokumentieren, der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Anlässlich
der Premiere ihres Films 2010 bei den Filmfestspielen in Venedig
meinte Hänsel in einem Interview, es sei ihr wichtig erschienen, eine
Geschichte über diese nuklearen Tests zu erzählen. Nicht nur, weil in
Frankreich kaum darüber geredet werde. Vor allem, weil sich Parallelen
herstellen ließen zwischen den jungen Soldaten, die damals im
Pazifik eingesetzt wurden, und jenen, die heute im Irak oder in Afghanistan
Dienst tun. Jünglinge in jenem fragilen Alter an der Schwelle
zum Erwachsensein, in dem das Bewusstsein von der Frage beherrscht
ist, wie das Leben sich wohl gestalten und was die Zukunft bereit halten
werde. Damals wie heute, so Hänsel, fänden diese Jungen sich
ausgerechnet in dieser schwierigen psychologischen Phase in einer
unübersichtlichen, schwer einzuschätzenden, kriegerischen Situation
wieder und wüssten im Grunde nicht genau, warum sie dort seien, was
eigentlich sie verteidigten und welche Waffen sie dabei einsetzten.
Welche Brisanz dieser schlüssigen Überlegung im gegenwärtigen
Kontext global eher verwalteter, denn befriedeter, in jedem Fall
aber propagandistisch schön geredeter Krisenherde innewohnt, lässt
sich daran ermessen, dass Hänsel für ihr Projekt zunächst Zusagen
der Unterstützung seitens des französischen Verteidigungsministeriums
sowie der Marine hatte. Diese wurden dann mit der Begründung
zurückgezogen, das Drehbuch „gäbe die historische Atmosphäre und
den Enthusiasmus der Mannschaften nicht akkurat wieder“. Hänsel
– unwillig, sich vor den Rekrutierungskarren spannen zu lassen –
drehte Schwarzer Ozean schließlich auf einem unter russischer Flagge
fahrenden historischen Marineschiff vor Sardinien und Guadelupe,
ein Veteran half ihr bei der Rekonstruktion der militärischen Rituale.
In ihrem Werk beschäftigt sich die belgische Filmemacherin
Marion Hänsel immer wieder mit der Relation zwischen Politik
und menschlichen Beziehungen. Nie in Form oberflächlicher Kurzschlüsse
oder simpler Darlegung vermeintlicher Ursache-Wirkungs-
Muster. Erklärungen machen sich in Hänsels Filmen eher rar. Vielmehr
setzt die Filmemacherin auf eine emotionale Mitwirkung ihres
Publikums, auf dessen Bereitschaft, den Zusammenhang herzustellen
zwischen Denken, Fühlen und Handeln ihrer Figuren, und diesen wiederum
rückzubeziehen auf den jeweils gegebenen gesellschaftlichen,
sozialen, politischen Kontext. Zuletzt 2006 in Als der Wind den Sand
berührte (Si le vent soulève les sables), nach dem Roman „Chamelle“
von Marc Durin-Valois, in dem sie einer afrikanischen Familie auf der
Suche nach Wasser durch die Wüste und in den Schrecken militanter
Auseinandersetzungen folgt. Oder in Dust (1985), der, beruhend auf
J.M. Coetzees gleichnamigem Roman, von den Gefühls- wie Machtverstrickungen
zwischen abweisendem Vater, lediger Tochter und
schwarzen Farmangestellten irgendwo in Südafrika handelt. Oder in
Verschwörung der Kinder (Sur la terre comme au ciel, 1992), der davon
erzählt, dass die Babys nicht mehr geboren werden, sondern lieber im
Mutterleib sterben wollen, weil die Welt, die sie draußen erwartet, ein
schrecklicher Ort ist. Immer gelingt es Hänsel, eine stark ausgeprägte
emotionale Textur in ein nicht minder differenziertes soziopolitisches
Biotop einzubetten, ohne plakativ oder manipulativ zu werden.
Nüchternheit, Kraft, Schmucklosigkeit zeichnen Marion Hänsels
Schaffen aus. Und eine Sehnsucht nach Wahrhaftigkeit, die wohl auch
Moriaty antreibt, das schweigsame Zentrum von Noir Océan.
„Der, der es gewagt hat, den Fluss zu durchqueren, verdient ein
gutes Leben!“ Dies hatte Moriaty sich einst versprochen, da war er
noch ein kleiner Junge und querte als eine Art Mutprobe ganz allein
einen eiskalten Fluss. Das Wasser stand ihm dabei bis zum Hals, seine
Angst war groß und sein Glaube an sich selbst geriet ins Wanken.
Aber er hat es geschafft und es bewiesen und das gute Leben würde
Wirklichkeit werden – soviel war nunmehr ausgemacht zwischen
ihm und mit wem auch immer kleine Jungen dergleichen Wetten
eingehen. Dass Moriaty sich Jahre später in einer Situation wiederfindet,
die ihn in einen zerstörerischen, vernichtenden, Schöpfungsverachtenden
Kontext stellt, gegen den er sich nicht zur Wehr setzen
kann, bricht ihm das Herz. Moriaty begreift sehr gut, dass er Verantwortung
hat nicht nur für das, was er tut, sondern auch für das, was
er bezeugt – in dem Fall: zu bezeugen gezwungen wird, eine Wunde,
die der Erde geschlagen wird – und er ist untröstlich. Sein zwanzigster
Geburtstag, den er gemeinsam mit Massina und Da Maggio auf
Landgang und am Strand verbringt, wird von ihm denn auch weniger
gefeiert als vielmehr deprimiert zur Kenntnis genommen.
Sie habe einen Film drehen wollen, sagt Hänsel, der zart sei wie
der Atem eines Kindes und trotzdem aufgeladen mit einer immer
präsenten, unterschwelligen Gewalt. Also verstellt sie den Blick auf
ihre Figuren weder mit Klischees des Soldatischen noch mit wohlfeilen
Vorstellungen von jungmännerhaftem Draufgängertum. Sie
schafft stattdessen einen Raum, in dem der einzelne Charakter auf
subtile Weise aus der Ausschließlichkeit des militärischen Kontextes
herausgeholt und vertieft wird – und dabei insgesamt doch
skizzenhaft bleibt. Die üblichen Eckdaten konventioneller Charakterisierung
fehlen; soziale Herkunft, Bildungsstand, Träume und
Pläne bleiben Leerstellen. Auch darüberhinaus ist wenig Konkretes
zu erfahren: Der übergewichtige Da Maggio, der von allen getriezt
wird, ruft nachts im Schlaf nach seiner Mutter. Er schickt Fotos nach
Hause, auf denen er sich wie ein Abenteurer in der großen weiten
Welt präsentiert. Massina wurde von Giovanni zum Boss erwählt;
einmal bekommt er Post, ein Buch voll Mathematik und einen Brief,
der wider Erwarten nicht vorgelesen wird. Was hat es mit dem Buch
auf sich? Wer schreibt? Ist es wichtig? Moriaty mag der Älteste der
drei sein; er erzählt Massina von seiner Mutprobe, er reagiert auf das
übermütige Kräftemessen der Kameraden und Da Maggios kindische
Quälerei eines Kraken mit einer Mischung aus Enttäuschung und
Verachtung. Alle drei werden sie im Lauf des Films wie die Kinder in
Tränen ausbrechen: Da Maggio, als er von den anderen beiden allein
am Strand zurückgelassen wird. Massina, weil er eines Nachts das
unschuldige Opfer eines gewalttätigen Angriffs wird. Moriaty, weil
die angerichtete Zerstörung, deren Zeuge er wird, ihm wie Verrat am
eigenen Leben vorkommt.
So erscheinen Moriaty, Massina und Da Maggio als genau jene
zarten, noch etwas ungebildeten, nicht ganz gefestigten Charaktere,
die Jünglinge in ihrem Alter eben sind. Ihr Gefühlsleben ist komplexer
als ihr Artikulationsvermögen. Ihr moralisches Empfinden mag
diffus sein, aber es ist da. Es wohnt eine noch kindliche Unschuld in
ihren Herzen, die sich zur Wahrhaftigkeit wandeln mag oder korrumpiert
werden wird. Hänsel trifft über den Ausgang der Entwicklung
ihrer Protagonisten, über deren Zukunft keine Aussage. Sie setzt aber
Zeichen möglicher Bedrohung, indem sie Moriaty, Massina und Da
Maggio in eine Umgebung stellt, deren hierarchische Strukturen,
Mannbarkeitsrituale und mehr oder minder latente Konfliktträchtigkeit
innere Verhärtung wie äußere Kontrolle erfordern. Sie entwirft
einen vom Kriegerischen und von militärischer Disziplin determinierten
Ort, der die eben erst entfaltete Sensibilität dieser jungen
Menschen schon wieder zu ersticken droht. Die richtigen Worte wollen
sich nicht mehr finden, die Sprache ist verschlagen – und sich einander
mitzuteilen, ist ebenso schwierig wie überhaupt zu begreifen,
was vorgeht und wie ihnen geschieht. s
Schwarzer Ozean
von Marion Hänsel
BE/FR/DE 2010, 88 Minuten, französische
OF mit deutschen UT
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
Im Kino
ab 7. Juni 2012
8 9
kino
eDitiON SALZGeBeR (3)

kino
UntergehendeS
Begehren
von ekkehArd knörer
Während draußen, im juli 1798, das Volk die bisherige Ordnung zu Fall bringt,
zieht sich der verliebte Kamera-Blick in die weibliche intimsphäre der Königin
Marie Antoinette, ihrer favorisierten Herzogin und ihrer jungen Vorleserin
zurück. ein mutmaßlich fiktionaler lesbischer Begehrensraum wird so im
starbesetzten Historienfilm „Leb wohl, meine Königin“ zum instrument queerer
Geschichtsschreibung. im Kino ab 31. Mai.
Leb wohl, meine Königin
von Benoît Jacquot
FR/ES 2012, 100 Minuten, deutsche
SF, frz. OF mit dt. UT
Capelight Pictures, www.capelight.de
Im Kino
ab 31. Mai 2012
www.lebwohlmeinekoenigin-film.de
CApeLiGHt piCtuReS
s Aufblende. Versailles, der 14. Juli 1789,
der Ort, das Datum kurz als Schriftzug im
Bild, erwacht wird am französischen Hof.
Nichts wird groß etabliert, Weltgeschichte
ja, aber nur flüsternd, auch die Uhr schlägt
leise, die Uhr später Dingsymbol, hier erst
einmal nur goldene Uhr, es ist früher Morgen,
um sechs. Der Blick geht nicht in die
Höhe, nicht in Richtung Königin oder König
oder Französische Revolution, sondern unter
die Kleidung, die Stiche der Flöhe, später treten
dann auch noch auf: tote Ratten. Sidonie
Laborde (Léa Seydoux), Marie-Antoinettes
Vorleserin, kratzt sich am Arm und ahnt
nichts vom Untergang ihrer Welt. Mit diesen
ersten Bildern ist alles, eine Zeit, ein Milieu,
der Hof von Versailles, wie auf einen Schlag
da, mühelos-unangestrengt, es klopft an der
Tür und die Verhältnisse beginnen sich nun,
Zug für Zug, ohne große Erklärung zu erhellen.
Leb wohl, meine Königin ist ein Kostümfilm,
der seine Kostüme, die Fremde, die die
Vergangenheit ist, von Anfang bis Ende mit
Leichtigkeit trägt.
Ein einziger Schwenk, der zur Titelsequenz
wird: Er führt vom grauen Pöbel vor
dem goldenen Zaun um das Schloss von Versailles
zu von rechts in Reih und Glied ins Bild
marschierenden uniformierten Musikanten.
Schnitt, Titeleinblendung, die Musikanten
marschieren auf die Kamera zu durchs sich
öffnende goldene Tor des Schlosses, die
schmutzige Masse zum einen, die saubere
Ordnung zum anderen, das ist in nuce und
in Bildopposition der Konflikt, während die
Bewegung der Kamera klar macht, dass sich
der Film nicht für die Revoltierenden, sondern
für den Hof, gegen den revoltiert wird,
interessiert. Aber auch da wieder nicht in
klassenkämpferischer Weise. Das Porträt ist
gerade und ausdrücklich nicht politisch vorstrukturiert.
Es fällt ein anderer Blick, und
weil dieser Blick anders fällt, wird auch die
politische Geschichte anders erzählt.
Sidonie Labordie ist die, deren Blick der
Film unterstellt ist; sie ist die, deren Blick er
sich wie ein Liebender anschmiegt, gleich zu
Beginn in einer schnellen Schritts Richtung
Gemächer der Königin eilenden Subjektiven,
und man weiß ja, dass Benoît Jacquot ein
Regisseur ist, der seine Darstellerinnen – wie
sonst vielleicht nur Rudolf Thome – bedingungslos
verehrt und begehrt. (In Interviews
versichert er, dass das auch für seine Darsteller
gelte, aber im Zentrum stehen die selten
– kein Geringerer als Xavier Beauvois spielt
hier als Louis XVI eine ausgesprochene
Nebenrolle.)
Das darf man nicht übersehen: Der
Film erzählt vom Begehren, aber bei Jacquot
begehrt immer auch der Film selbst. Er
begehrt Sidonie, die reine Erfindung ist, eine
Hinzufügung zur sonst grosso modo und
mit manchen Freiheiten wahren Geschichte,
und zwar begehrt er sie im Körper von Léa
Seydoux, mädchenhaft frühreif, die Haare
meist hochgesteckt, die leise Zahnlücke, das
zu Grimassen fähige, von frech zu verstockt
und zurück huschende, etwas puppenhafte
Gesicht. Er begehrt Marie-Antoinette, also
Diane Kruger, die in blonder Hingestrecktheit
wie auch sonst immer etwas zu sehr den
Eindruck macht, sie hätte für jede Szene eifrig
geübt und dann noch diesen Eindruck aus
ihrem Spiel eifrig wegzutrainieren versucht.
(Keiner sagt, dass der Kritiker mitlieben
muss.) Und er begehrt Virginie Ledoyen als
die dunkelhaarige Favoritin und vielleicht
auch Geliebte der Königin, Gabrielle de Polignac,
die undurchsichtig und hochmütig ihr
Spiel treibt mit allen, traditioneller Darstellung
nach ein besonders schlimmer Fall von
Ancien-Régime-Entitlement-Hochnäsigkeit.
Auf alle drei wirft Jacquot mit Romain
Windings lebendiger Kamera liebende Blicke
und mischt sich so in ihren eigenen Liebende-
Blicke-Verkehr. Sidonie liebt die Königin, die
Königin liebt Gabrielle und was genau Gabrielle
fühlt, denkt und will, bleibt eher unklar.
Statt Politik und Geschichte also Liebe oder
jedenfalls: Durchs Politische kreuzt die
Liebe, das eine ist vom anderen hier nicht
zu trennen. Zweimal noch tritt die Objektivität
des Historischen auf im eingeblendeten
Datum, der 15. und der 16. Juli im Jahre
des Herrn 1789. Die Bastille ist erstürmt, der
Hofstaat geht nach und nach in Auflösung
über, der König berät und doch bleibt all das
Hintergrund für die Dreiecksgeschichte, die
wiederum ständig auf Sidonie perspektiviert.
Sidonie ist Fiktion (aus der Romanvorlage
von Chantal Thomas), aber als Fiktion
ist sie auch Agentin einer anderen Wahrheit:
Sie quert die Geschichte und queert sie. Sie
gehört zum minderen Adel, ist der Königin
als Vorleserin zu Diensten, darf dabei aber
doch mehr als eine Bedienstete wagen. Dieses
ganze innere Regiment aus Schleusen,
gewinkten Befehlen der wie stets großartigen
Noémie Lvovsky, Blicken zu Boden und
verstohlen nach oben, das Lesen aus richtigen
Büchern und falschen, das Eilen durch
Gänge, das von Kerzen beleuchtete Spiel aus
Lichtern und Schatten, Gabrielles Nacktheit
im Schlaf, die vorbeitreibende Ratte, das
Glück, Beachtung zu finden, das Unglück,
nicht beachtet zu sein, dieses ganze schöne,
lässig entfaltete Universum aus Konkretionen:
In all diesen wunderbar unterbetont
hingetupften Details ist Leb wohl, meine
Königin ganz virtuoses Kammerspiel und
eleganter Kostümfilm.
Es bleibt aber die Frage, wie sehr es eine
politische Deutung ist, wenn Jacquot hier
behauptet, dass die politische Perspektive
nicht die einzig mögliche ist. Implizit sagt er:
Was aus Sicht der Beteiligten hauptsächlich
stattfand, waren die Liebe, das Leben. Die
Haupt- und Staatsaktionen, die, wie jeder
weiß, den einen oder anderen Kopf kosten
werden, sind das Schauspiel dahinter. Wahrscheinlich
ist das wahr, ohne die Wahrheit
übers Geschehen zu sein. Eine Subjektive,
die ihr Recht hat, der Sidonie-Blick gegen
die Politorthodoxie, das Sidonie-Begehren
gegen die Hierarchie und die Heteroliebe.
Jeder der filme
von Benoît Jacquot
seit „Villa amalia“
verlangt nach einem
Postscriptum, das
eigentlich in die
Kritik selbst mitten
hineingehört, so wie
die Tonspur, auf der die
Musik spielt, immer
mitten im film ist.
Dies alles formuliert mit dem seinerseits liebenden
Blick des Regisseurs, des Films auf
seine Figuren, ihre Wörter und Körper, von
angenehmer Stofflichkeit alles. Und doch
fragt man sich, was sonst daraus folgt, denn
wer sich in etwas so Großes und Bedeutendes
und Weltgeschichtliches wie „Versailles,
14. Juli 1789“ hineinschreibt, setzt sich, ob er
will oder nicht, unter den Druck, zwischen
den toll gemachten Konkretionen und dem
Queeren von Liebe und Politik eine Linie,
eine These zu finden, die mehr sagt als: Das
war der Stoff, aus dem der Alltag war, von
sechs Uhr morgens bis in die Nacht, selbst in
den Tagen der Revolution. Diese Linie und
diese These finde ich nicht, darum hat mich
der Film in letzter Instanz (und erst in dieser)
dann doch ein wenig enttäuscht.
P.S.: Jeder der Filme von Benoît Jacquot seit
Villa Amalia verlangt nach einem Postscriptum,
das eigentlich in die Kritik selbst mitten
hineingehört, so wie die Tonspur, auf der die
Musik spielt, immer mitten im Film ist. Wie
nämlich die frei weit ins Schroffe und Eigenständige
drängende Musik von Bruno Coulais
– der sonst von Schlöndorffs Ulzhan bis
Selicks Coraline gekonnte, aber keineswegs
experimentelle Soundtracks komponiert –
mit den Einstellungen korrespondiert, ist
einzigartig zur Zeit, höchstens an Christoph
Hochhäuslers Arbeiten mit Benedikt Schiefer
könnte man denken. Mit Untermalung
und Illustration hat das nichts zu tun; es ist
ein Wechselverkehr: Die Bilder und Stimmungen
des Films reagieren auf die im vorhinein
komponierte Musik von Coulais, die auf
die Vision des Regisseurs vom späteren Film
reagiert. Was dabei so alles passiert, wäre
einmal die genaue Beschreibung Einstellung
für Einstellung wert. s
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kino
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BReiTBeinig gegen
TuSSi-MaRoTTen
von Jenni zylkA
ein eintagsmann zu sein, mag für viele Frauen reizvoll erscheinen. Die charismatische Drag-King-pionierin
Diane torr bietet das seit jahren an und lädt die unterschiedlichsten Frauen zu Workshops ein. Katarina
peters war mit der Kamera dabei und hat einen differenzierten und sehr lustigen Film über Geschlecht als
Gesten-Set gemacht. „Man For A Day“, der eröffnungsfilm der diesjährigen Berlinale-Sektion „perspektive“,
kommt am 19. juli für mehr als einen tag ins Kino.
s „Walk like man / Talk like a man / Walk like a man my son / No
woman’s worth / Crawling on the earth / So walk like a man my son“.
Das sagt Frankie Valli.
„You’ll stumble in my footsteps / Keep the same appointments I
kept / If you try walking in my shoes“. Das sagt Dave Gahan von Depeche
Mode.
„Der Mann besitzt das Stück Boden, auf das er tritt.“ Das sagt
Diane Torr. Dann stapft sie, natürlich in flachen Männerschuhen
(unter anderem wegen der größeren Bodenhaftung), in der Fabriketage
herum. Ein Dutzend andere Frauen stapfen mit. Und versuchen,
den Boden allein durch amtliches Auftreten kleinzukriegen.
Was klingt wie Selbsterfahrung mit esoterischem gegenseitigen
Oberarmstreicheln, ist – aufgrund des Themas – eher das Gegenteil:
Bei einem „Drag King“-Workshop von Diane Torr geht es um Gender-Bewusstwerden
durch handfestes Erleben. „Gender is gestures“,
sagt die US-amerikanische Performancekünstlerin, die 1948 geboren
wurde, in den 70ern nach New York ging und seit 1989 Gender-
Bender-Workshops anbietet. Die Filmemacherin Katarina Peters hat
einen der einwöchigen Workshops in Berlin begleitet, hat die Kamera
auf sämtliche Teilnehmerinnen des Experiments gerichtet und ihre
unterschiedlichen Agenden gefilmt: Susann, die junge, blonde Ex-
Miss Oberhavel, Ex-Miss Prenzlau, Ex-Miss Spreewald, die zu Hause
noch einige andere Miss-Titel herumliegen hat, und die Männer einfach
„nicht versteht“; Theresa, die 50plus-Mutter von drei Söhnen, die
sich zwar „nie dekorieren wollte“, sämtliche Spielarten der sichtbaren
Weiblichkeit immer abgelehnt hat, sich dennoch mit dem Thema
beschäftigen will, vielleicht auch, um typisch weibliche Attribute
wieder genießen – oder einsetzen - zu können; Eva-Maria, die Politikberaterin,
die bei im Rampenlicht stehenden PolitikerInnen den
unbeirrten Machtwillen bewundert und sich fragt, ob männlicheres
Verhalten oder das Fehlen der weiblichen Unsicherheit bezüglich des
Aussehens und der Gesten diesen verstärken kann; Rosa, die eine
Tochter hat und vor ihrem gewalttätigen Ex schon zweimal ins Frauenhaus
flüchten musste; Tal, die nicht für eine Butch gehalten werden
will, weil sie sich selbst eher als „Sissy“, als Waschlappen, sieht.
Die „Physiophilosophin“ Diane Torr ist eine beflissene, unterhaltsame
Beobachterin von angeblich geschlechtsspezifischem Körperverhalten.
Ihr Workshop baut sich in mehreren Stufen auf, die auch
den Film chronologisch gliedern: Nachdem die Teilnehmerinnen
ihre Motive für den Workshop klargestellt haben, schaut man sich
um, sucht Männertypen, die man darstellen will. Dianes Mann heißt
Multiple Ex-Miss Susann als Andi
Danny King, trägt Anzug und Krawatte und ist eine „Komposition aus
Stereotypen“ sagt Diane, wenn er die Augen bewegt, dreht er den Kopf
mit, wenn er vor einer Gruppe Menschen steht, wippt er sich manchmal
nachdrücklich auf die Zehenspitzen und macht sich damit größer
und bedeutsamer. Er glaubt, dass Männer den Frauen von Natur aus
überlegen sind, und seine Ehefrau kümmert sich um die Kinder, während
er arbeiten geht. (An manchen Wochenenden nimmt er ihr aber
auch mal etwas Arbeit ab, da muss man fair bleiben.)
Solche Männer leben immer noch unter uns, erklärt Torr anschließend,
schaut nur mal in sämtliche Chefetagen. Er darf ruhig etwas
übertrieben sein, der Mann, den man imitiert, informiert sie die amüsierten
Workshopteilnehmerinnen, man muss ihn nicht mal mögen:
„Es geht nicht darum, der beste Mann zu sein, sondern darum, aus der
Frauenrolle herauszukommen.“
Dazu gehört am Anfang auch ein Körperbewusstwerden, eine Art
Bewegungsfindung; Stellt euch vor, ihr seid Einzeller, sagt Torr, und
lässt die Teilnehmerinnen wild in der Fabriketage herumkreuchen
und -fleuchen. Regisseurin Peters hat diesen merkwürdigen Tanz mit
der Wärmekamera gefilmt, und umschifft so elegant die vom Betrachter
oft empfundene Peinlichkeit Erwachsener, die sich einfach mal
ganz frei bewegen sollen. Nach dem Einzellertanz und der Mannsbildsuche
geht es ans Verkleiden, Brüste wegbinden, Baggy-Hosen
über ausgestopfte Liebestöter streifen, sich in Anzüge, Hüte werfen,
dann die fisseligen Härchen, die man mit Körperkleber zu farbechten
Koteletten, Bartflaum und Bärten komponieren kann. Die Männer
werden vorgestellt, man muss sich also auch Biografie, Namen, Alter,
Job, Status für seinen männlichen Counterpart ausgedacht haben.
dinge so tragen, als wüsste man um
die muskulöse Stärke im oberkörper
kino
Hernach geht Torr mit ihren Teilnehmerinnen ans Eingemachte:
An die Körpersprache. Mimik: Nicht lächeln, „du kannst dir einfach
von innen auf die Wangen beißen“, rät ein designierter Drag King dem
anderen. Die Sprachmelodie des landläufigen Mannes geht am Ende
eines Satzes entschieden nach unten, nicht fragend und beifallheischend
nach oben. Breitbeinig sitzen, nicht zu sehr oder zu blumig
mit den Händen herumfuchteln, Dinge so tragen, als wüsste man um
die muskulöse Stärke im Oberkörper. Peters’ Dokumentarfilm lässt
sich dabei immer wieder Zeit, die Frauen nach ihren Erfahrungen zu
befragen. Sie zeigt den Moment, an dem das erste Mal ernst gemacht
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kino kino
Workshopleiterin Diane Torr (mit Krawatte), Teilnehmerinnen
wird, an dem der Man For A Day in Drag nach Hause, zu Freunden,
Eltern, Kindern geht, wie Susanns Eltern über ihren zierlichen Sohn
kichern, und Rosas Tochter der Mutter über das bärtige Kinn streicht.
Das Besondere an den nachvollziehbaren und vorstellbaren
Erlebnissen ist das Format, das Torr in über 20 Jahren Man-for-aday-Performances
optimiert hat: Es am eigenen Leib zu erfahren,
unterscheidet sich eben doch davon, es nur nachzulesen oder drüber
zu fachsimpeln. Denn theoretisch weiß jede Frau, wie man sich
behauptet, hat eventuell seit Jahren schon gegen ungerechtes Verhalten
zwischen den Geschlechtern gekämpft, kontrolliert bereits einige
der typischen Attitüden, die immer wieder genannt werden, wenn es
um Unterschiede in der Körpersprache geht: Kopf schief legen, Hinterngewackel,
besänftigendes oder zustimmendes Lächeln. Vielleicht
hat sie sich von sämtlichen Angewohnheiten losgesagt, vielleicht aber
setzt sie jene Tussi-Marotten sogar längst so ein, wie sie es möchte,
und ist damit höchst zufrieden.
Und selbstverständlich kann eine Woche falscher Bart und falscher
Schwanz bei allem Pseudotestosteron keiner Frau jahrzehntelanges
gelebtes Mannsein beibiegen. Genauso wenig wie umgekehrt.
Peters’ Film macht deutlich, dass das aber auch nicht das Ziel ist.
Allein das Erkennen der „Gender-Identitäten“ ist interessant genug,
um sich damit zu beschäftigen.
Und so fragt man sich, welche Frauen zugeschriebenen unsinnigen
Eigenschaften man selbst mit sich herumschleppt: Macht man
Männern tatsächlich auf der Straße unwillkürlich Platz? Ist man
unsicherer, als man sein müsste? Wenn man sich auf die Fingernägel
schaut, streckt man dabei die Finger und schaut auf den Handrücken,
oder guckt man auf die geballte Faust? Oh Gott, was bedeutet es, wenn
man beides macht? Oder ist das ohnehin nicht eigentlich scheißegal,
so lange es einem gut geht?
eDitiON SALZGeBeR (2)
Peters’ Film geht über den Workshop hinaus. Monate später hat
die Regisseurin einige der Teilnehmerinnen besucht. Susann, die
multiple Ex-Miss, hat ihre Haarfarbe inzwischen von Blond zu Braun
gezaubert, ist Mutter eines Kindes geworden und trifft sich anscheinend
noch immer von Zeit zu Zeit mit einer der Workshop-Kolleginnen,
um Männlichkeit zu demonstrieren: Peters zeigt, wie Susann
als Alter ego Andi zusammen mit einer Freundin, ebenfalls als Mann
ausstaffiert, in eine Tabledance-Bar geht, um sich dort wie die anderen
Männer von gelenkigen Tangaslipträgerinnen antanzen zu lassen.
Wieso sie das macht, wird offen gelassen. So muss man selbst
überlegen, ob es die pure Lust am Drag oder die subjektiv empfundene
größere Freiheit einer Frau ist, deren Weiblichkeit normalerweise
so stark strahlt, dass sie ihr vielleicht manchmal auch im Weg
sein könnte. Die Politikberaterin Eva-Maria möchte ihre Erkenntnisse
über Machtdemonstrationen, Sicherheit und Signifikanz nicht
missen. Und die Israeli Tal fährt zwar erst mit Fake-Koteletten zu
ihrer irritierten Familie, sitzt aber später im Kleid Hand in Hand mit
ihrer Freundin zufrieden in Berlin herum und scheint sich mit ihrer
unsichtbaren Sissy-Seite angefreundet zu haben.
Torr selbst, die der Regisseurin großzügig Einblick in Fotos und
Filmmaterial aus der Vergangenheit gewährte, und von der als kleine
Ausflüge in die Körpersprache immer wieder Ausschnitte aus älteren
Performances, aus ihrer Vergangenheit als Gogotänzerin geschnitten
werden, macht mit ihrer erwachsenen Tochter eine gemütliche Italienreise.
Während die beiden in Blumenkleidern durch die Altstadt
flanieren, sinniert die Tochter darüber, warum andere Menschen sich
stets Sorgen wegen ihrer angeblich ungewöhnlichen Kindheit machten:
Ist eine alleinerziehende Mutter, die die Grenzen der Gender-
Identitäten erforscht, denn wirklich problematischer als ein Macho-
Vater?
Aber wie wäre es wohl umgekehrt? Wenn 15 Männer bei einer
Drag Queen eine Woche lang das Stöckeln übten? Außer einem kurzweiligen
Erfahrungsgewinn bestimmt sehr anders. Erstens, weil
Unisex-Mode seit Jahrzehnten aus Männerklamotten (flache Schuhe,
Hose, T-Shirt) besteht, während Rock und Pumps ausschließlich von
Frauen getragen werden. Das bedeutet, dass ein Mann in Damengarderobe
von vorneherein eine stärkere Aussage macht. Zweitens, weil
es eine funktionierende, oft queere Drag-Queen-Kultur gibt, die häufig
eine exaltiert feminine Attitude beinhaltet, und schon längst spaß-
und lustvoll zelebriert wird, genauso wie der große sexuelle Fetischbereich
Frauenklamotten bei Heteros. Drittens, weil es für den Rest
der Männer, die keine wie auch immer geartete Freude am Tragen
von Frauenkleidung haben, auch keine Notwendigkeit gibt, dies zu
tun, um ihre Position zu verbessern: Sie sind ohnehin oben.
Dass Peters die Denkanregungen, die Torr mit ihren Workshops
gibt, in Szene setzt, ohne albern, plakativ oder flach zu werden – denn
die angesprochenen, überspitzten Verhaltensweisen müssen all das
manchmal sein – ist das Verdienst ihres Dokumentarfilms. Zudem
kommt sie ohne zuviel Psychologisierungen aus, ohne so augenzwinkernde
wie ärgerliche Frauen-Venus-, Männer-Mars-Schubladen. In
Torrs Fall kann das Aufzeigen von Unterschieden zwischen männlichen
und weiblichen Verhaltensweisen zu besserem Verständnis führen.
Sogar, wenn der Kerl, der da gerade vor einem wichtigtuerisch
auf den Zehenspitzen wippt, ein totales Arschloch ist. s
Man for a day
von Katarina Peters
DE 2012, 96 Minuten, deutsch/
englisch/hebräische Fassung mit
deutschen Untertiteln
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
Im Kino
ab 19. Juli 2012
gesang des Meeres
von nicky nAiSh
Aus der Schaumkrone des Nischen kinos erleben wir die Geburt eines neuen Genres, denn nach „tan Lines“,
„Shelter“ und „Newcastle“ erzählt auch „Off Shore“ eine homoerotische Surfergeschichte. Dass Musik in
Surferfilmen eine große Rolle spielt, ist bekannt. Doch für unsere Autorin bildet sich in „Off Shore“ von Sven
j. Matten (Start in ausgewählen Kinos am 5. juli) schnell ein etwas monotoner Ohrwurm heraus.
s Dünen, Wellen, Strand und Surfer. Ein
Schiff bringt Andi nach Fuerteventura. Tina,
die Surf-Lehrerin, holt Andi ab. Andi vertraut
ihr direkt seine Geschichte an: Sein
Vater, den er nie kennen gelernt hat, war Surfer
und lebt irgendwo auf der Insel. Um ihm
nahe zu kommen, hat sich Andi in einen Surfkurs
eingebucht. Direkt nach seiner Ankunft
macht sich Andi schließlich auf, um seinen
Vater zu suchen und findet ihn auch sofort.
Doch bis er es schafft, ihn anzusprechen,
nimmt er erst einmal Surfstunden bei Tina,
die offenbar bereits Gefühle für ihn hegt. Am
Strand begegnet Andi einem jungen athletischen
Surfer, Pedro, dessen Ausstrahlung
ihn magisch anzieht. Dünen, Wellen, Strand
und Surfer.
Andi wird seinen Vater noch einmal aufsuchen,
sich vor ihn stellen und sagen: „Hallo
Vater!“ Und der Vater wird ihn sofort freundlich
aufnehmen, was Andi verwirrt. Schließlich
lässt sich Andi auf die Begegnung mit
dem Vater und auch auf Tina ein, immer wieder
durcheinandergebracht von der Begegnung
mit dem jungen geheimnisvollen Pedro,
der ihn bei einer flüchtigen Begegnung liebevoll
berührt und seine nassen Locken in
der Abendsonne schüttelt. Dünen, Wellen,
Strand und Surfer.
Andi und Tina sitzen in der Abendsonne
am Strand, bei Gitarrenmusik und Lagerfeuer.
Am nächsten Morgen erwacht Andi in
Tinas Bett. Nachdem das Eis mit Tina gebrochen
ist, wagt sich Andi alleine mit seinem
Surfbrett ins Meer. Und da kommt Pedro
und beginnt einen spielerischen Ringkampf
mit Andi im flachen Wasser. Dünen, Wellen,
Strand und Surfer.
Als Andi zu einer erneuten Verabredung
mit seinem Vater aufbricht, erscheint dieser
nicht. Andi ist sauer, sucht ihn und stellt ihn
zur Rede. Dazu singt eine Männerstimme:
„You pull out my strength …“ Und genau
das macht dieser Film. Wie überhaupt alles
in diesem Film wörtlich genommen werden
muss. Die Handlung wird über Dialoge
erzählt. Die Emotionen, die man den Schauspielern
nicht ansehen kann, werden über
Musik und über eine Anreihung von schönen
Bildern erzeugt, die Dünen, Wellen, Strand
und Surfer zeigen. Bei Filmminute 45 sind
bereits über 20 Songs angeklungen.
Als Andi schließlich Pedro zum Surfen
trifft, beginnen beide ein Gespräch über
pRO-FuN MeDiA
Väter. Auf Song 21 verkündet Pedro mit
wehendem Haar und Tränen in den Augen:
„Ich glaube, er möchte gerne lieben, aber
er schafft es nicht.“ Kurze Stille, dann sagt
Pedro unter erneutem Musikeinsatz: „Er hat
mir nie gesagt, dass er mich lieb hat!“ Dünen,
Wellen, Strand und Surfer.
Bei ausklingendem Song 23 sitzt Andi mit
seinem Vater im Auto und bei Musikeinsatz 24
läuft Andi davon. Andi trifft schließlich Tina
bei Geigenmusik und mit Song 26 besäuft er
sich bis zum Blackout. Das waren 10 Minuten
Film mit sechs verschiedene Musikstücken.
Trotzdem surfen Tonebene und Bildebene in
der Regel aneinander vorbei.
Der dramaturgische Höhepunkt des Filmes:
Gerade als Andi Pedro im Wasser küssen
will, verrät ihm Pedro sein Geheimnis. Daraufhin
stolpert Andi unter Schock durch die
Dünen und sieht immer wieder wie im Fieber
ein lachendes Grüppchen auftauchen, bestehend
aus seinem Vater, Pedro und Tina. Jetzt
wird auch noch Sigmund Freud verfilmt.
Also Psychoanalyse mit Happyend: Der
einsichtige Vater mit versonnenem Lächeln
zu Andi: „Warum bleibst Du eigentlich
nicht länger hier?“ Und Pedro mit Surfbrett
unterm Arm: „Hey Tiger, komm! Bist
Du bereit?“ Musikeinsatz. Dünen, Wellen,
Strand und Surfer. s
Off Shore
von Sven J. Matten
DE 2011, 89 Minuten, dt. OF
Pro-Fun Media, www.pro-fun.de
Im Kino
ab 5. Juli 2012
14 15

kino kino
16
BARNSteiNeR FiLM MUtterLIeBe
aUf aBwegen
von MichAel eckhArdt
Die großartige schwedische Charakterschaupielerin und
Regisseurin pernilla August spielt in diesem Debütspielfilm
„Miss Kicki“, die sich auf die Suche nach dem späten Glück
begibt und ihren fremden Sohn mitnimmt. in taiwan entdeckt
sie die Mutterliebe, ihr Sohn dagegen die erste zu einem
anderen jungen. Lauwarme Mutter-Sohn-Beziehungen
gibt es bekanntlich nicht. Lauwarme Filme darüber schon.
„Miss Kicki“ (Kinostart 26. juli) gehört nicht dazu.
s Mütter und Söhne. Da sei zuallererst nun wirklich nicht an den
ollen Heidi-Kabel-Fernsehschwank gedacht, eher an eine Art metaphysisches
Bündnis, denn die Konstellation „Mutter und Sohn“ ist
eine spezielle. Sie darf gar als Fundament für alles Grundsätzliche
betrachtet werden: Ohne Mütter gibt es keine Söhne und ohne Söhne
keine neuen Mütter. Ja, schon klar, da ächzt das Psychologiegebälk,
da spuckt die Feministin wütend den Kautabak aufs Linoleum, aber
doch und ganz im Ernst: Das Verhältnis von Mutter und Sohn ist ein
besonderes, ein sich über alles in der Gesellschaft, in der Familie, im
Zwischenmenschlichen ordnendes Bündnis. Ein Sohn löst sich nie
ganz von seiner Mutter, der Frau, die ihn gebar, ihn aufzog, schützte,
prägte und im besten Fall davor bewahrte, ein Abbild seines Vaters
zu werden. Natürlich gilt auch hier und sogar insbesondere: Das Maß
von allem entscheidet, ob diese Bande später von Dankbarkeit oder
Abscheu geprägt ist. Ein lauwarmes Mutter-Sohn-Verhältnis scheint
nicht möglich, ist es doch vor allem auch ein zärtlicher, ein bittersüßer,
ein zweifelsfrei fragiler Bund, es gilt eine Art Geheimabsprache.
Das Verhältnis zwischen Mutter und Sohn ist – in den häufigeren Fällen
– durch eine unbeirrbare Liebe geprägt. Eine an sich nicht trennbare
Allianz, weswegen – und das ganze Freudsche Gezerre um Ödipus
lassen wir jetzt mal aus – bei Verletzung, Trennung oder Verlust
das Leben des anderen in Schieflage gerät. Jeder Sohn, der seine Mutter,
jede Mutter, die ihren Sohn verlor, weiß, wovon hier geschrieben
steht. Manche kommen da wieder halbwegs heil raus, andere nicht.
Von solch vulnerabler Komplexität wussten schon große Filmemacher
zu erzählen, man denke nur an Bertolucci, Bergman, Almodóvar,
Sheridan und Ozon. Und nun reiht sich da ein Regieneuling
ein, Håkon Liu heißt er, und man möchte wirklich nicht glauben, dass
Miss Kicki sein erster Langfilm ist. Warum? Nun, weil Liu viel von
vielem versteht: Ihm gelingt es auf geradezu augenreibende Weise,
ganz verschiedene Erzählstränge zu einem homogenen Ganzen zu
verknüpfen, er vermag es, geerdet an exotischen Orten zu erzählen,
und er führt ein ganz wunderbares Schauspielerensemble zu Höchstleistungen.
Und das Schönste an seinem Erstling – Miss Kicki trifft
voll auf die 12, also mitten ins Herz. Doch dazu später, denn erst einmal
erzählt Håkon Liu diszipliniert und chronologisch: Bereits die
ersten Bilder suggerieren Einsamkeit, Sehnsucht, Orientierungslosigkeit.
Eine Frau am Fenster, draußen schneit es, sie raucht, trinkt
Wein, sie langweilt sich. Dann leuchtet ihr Gesicht auf, sie chattet mit
einem Taiwanesen, er umschwärmt sie, gratuliert ihr zum Geburtstag
und insistiert, sie solle ihn besuchen. Hoch die Tassen, „Kiss Kiss,
Cin Cin, Bye Bye …“
17

kino kino
Es bleibt beim einsamen Vorglühen für ihre behauptete Geburtstagsfeier
mit ein paar Freunden. Wenig später liegt Miss Kicki, so
heißt die Dame, schlafend-trunken auf ihrem klappbaren Zweisitzer.
Man spürt es bereits, und man erfährt es kurz darauf: Sie
hat hier keine Freunde, ist ziemlich allein, war wohl lange weg.
Am nächsten Tag bleiben nur das Wegräumen der Weinpulle, das
Zusammendrücken der Pizzaschachtel, das Putzen der Herdplatten.
Doch dann kommt Leben in die Bude: Kickis Mutter taucht auf,
kurzer Austausch von einigen sanften Gemeinheiten, dann ist Viktor
da. Etwas schüchtern, linkisch, sympathisch verloren und mit
ein paar Geschenken. Die zwei singen Kicki ein wenig hölzern ein
Geburtstagsständchen, dann nimmt die Mutter ihre Tochter kurz
zur Seite. Man sieht, wie Kicki sich windet, wie schwer es ihr fällt,
und fragt sich, was ist da eigentlich geschehen? Doch Håkon Liu mit
seinem beeindruckenden Gespür für filmische Syntax verrät nichts
zu früh, Kicki erfüllt ihrer Mutter den Wunsch und lädt Viktor zu
einer gemeinsamen Reise ein. Zum Kennenlernen, Anvertrauen,
Beschnuppern. Eine Woche nach Taipeh. Kicki hat die Anschrift von
Chang dabei, ihrem Chatflirt.
Natürlich hat man so seine Ahnung, die Blicke, die ungelenken,
von scheuer Liebe geprägten Umarmungen verraten es, doch Håkon
Liu als Freund der Ellipse löst seine Aussparungen fristgerecht auf.
Kicki war sehr lange im Ausland, bei ihrer Mutter ließ sie den vierjährigen
Viktor zurück – ihren Sohn. Das Wissen darum stellt Kicki
in ein differenziertes Licht. Warum tut eine Frau, eine Mutter so
etwas? Um darüber mehr zu erfahren, gibt es eben Filme wie diesen,
die einen an die Hand nehmen, in dem Fall in ein fernes Land führen,
um Seelen zu entblättern, in einer Sorgfalt, wie es allenfalls großen
Romanciers zuzutrauen wäre.
In einer Absteige kommen Kicki und Viktor unter, „very cheap!“,
versichert der umtriebige Betreiber. Es ist schön, welch einfache Mit-
tel greifen, um die Neugier aufeinander, die Scheu voreinander, die
Angst umeinander zu bebildern – die dünnen Zimmerwände, durch
die liebevolle und noch etwas unsichere Gutenacht-Rufe kriechen.
Der nächste Tag bringt eine Trennung – Viktor erkundet die Stadt,
Kicki sucht das Büro von Chang auf. Hier entstehen nun Parallelgeschichten:
Der Junge verläuft sich, trifft auf den hilfsbereiten Didi,
auch er im Teen-Alter. Viktor misstraut der Hilfe des Taiwanesen –
ein gebranntes Kind. Doch Didi kann er vertrauen, man sieht es an
dessen Augen. Er nimmt ihn mit in seine Bude, kocht ihm Nudeln,
zeigt ihm das Meer, Viktor bringt ihm dafür Schwedisch bei. Dann
gibt es da immer wieder diese merkwürdig-eindeutigen Blicke zwischen
den beiden.
Kicki hingegen wagt nicht den letzten Schritt, sie beobachtet
Chang nur aus der Ferne. Sie braucht sicher einen zweiten Anlauf.
Dass sie damit Viktor unverblümt brüskiert, ihm regelrecht wehtut,
indem sie abends vorschlägt, am nächsten Tag wieder getrennte
Wege zu gehen, passt zu ihrem auch egoistischen Wesen. Kicki ist ein
großes Kind, das um Aufmerksamkeit buhlt, das Zärtlichkeit braucht,
selbst wenn es die nur im Suff mit dem durchaus sympathischen
Hotelbetreiber gibt. Der hat übrigens Kickis Wesen ganz gut erkannt:
„Sad inside, happy outside!“ Er tickt wohl ganz ähnlich. Viktor enttarnt
die Pläne seiner Mutter, er fühlt sich instrumentalisiert, ist verletzt
und richtig sauer. Kicki kriegt von Chang eine Abfuhr, die ihr
zusetzt, die sie aber auch für ihre mädchenhafte Naivität und ihren
mütterlichen Egoismus abstraft. Chang gibt ihr Geld, mit der Bitte,
ihn nie wieder zu kontaktieren. Diskret im Schutzumschlag vor den
Augen seiner Frau und Kinder … Life sucks!
Hier nun explodiert der Film förmlich zu einer ganz großen Ballade
über zerbrochenes Vertrauen, verletzte Seelen und diese ewig
pochende Sehnsucht. Da scheut sich Håkon Liu auch nicht vor der
ungebremsten Symbolik aus einsamen Hotelzimmern, dem dazu pas-
senden Platzregen und den richtigen Songs. Doch das Leben geht weiter, und so fahren die
beiden mit Didi kurz darauf an den Sun Moon Lake. Håkon Liu weigert sich auch hier, dem
Märchenhaften seiner Geschichte auf den Leim zu gehen. So lässt er Viktor im Boot ein wenig
träumen, Didi streichelt ihm in diesem sehr schönen Moment zärtlich den Bauch, nur um ihm
kurz darauf zu sagen, dass es da trotzdem ein ganz nettes Mädchen gibt.
Miss Kicki entpuppt sich als herzzerreißende Parabel über das Glück in seiner ganzen Zerbrechlichkeit.
Ohne Pilcher-Anstrich wird davon erzählt, wie schwer es zu finden und wie
viel schwerer es zu halten ist. Vom Ponyhof wagte sich Viktor ohnehin nicht zu träumen, da
ist er schon Realist genug, aber die eigene Insel mit Didi als Präsident, die hätte doch drin sein
dürfen!
Es ist Liu hoch anzurechnen, dass er sich nicht für die Blaupause einer Schmonzette entschied,
denn wie kann es anders sein, als dass es richtig kracht, wenn sich eben Mutter und
Sohn, dieses untrennbare Gestirn, neu begegnen, nach so langer Zeit, nach so vielen unterschiedlichen
Erfahrungen und dennoch im richtigen Moment, als beider Leben neue Fahrt
braucht und richtig Fahrt gewinnt. Und auch wenn Kicki manchmal ein großes Kind, eine
ziemliche Bitch gar ist, sie weiß genau, was mit ihrem Sohn gerade passiert, was mit ihm und
Didi geschieht. Das ist so angenehm selbstverständlich und ohne all das sattgehörte Outing-
Gedöns erzählt. Und auch Didi ist keineswegs nur Randfigur. Seine Geschichte ist zentral,
sie schwebt über dem zerbrechlichen Glück von Viktor und Kicki, denn er hat seine Mama
früh verloren. Der Vater trinkt und spielt. Es gibt ihn eigentlich gar nicht. Das ist auch eine
Parallele zu Viktors Leben. Damit wird Miss Kicki fast nebenher auch zu einem Film über
die Absenz, das Versagen der heutigen Väter. Das hier zu vertiefen, führte zu weit, nur das
gehört jetzt noch hierhin: Miss Kicki ist atemberaubend gespielt. Von allen! Ludwig Palmell
spielt als Viktor seine erste große Kinorolle. In dieser Mischung aus Unsicherheit, Hoffnung,
Verliebtheit und Misstrauen rührt er den Zuschauer an, dieser Blick, dieses Hände-in-den-
Taschen, diese vorgeschobene Oberlippe – perfekt. Der junge Huang He River hält da gut mit
– da reicht ein Blick aus den auch von Kicki als schön erkannten Augen, die Didis zerrissenen
Familienhintergrund bestens illustrieren! Und dann natürlich Pernilla August! Eine große,
die bisher vielleicht größte Pernilla August. Unvergleichbar, wie uneitel, wie kämpferisch,
wie selbstvergessen sie die sture, die ängstliche, die liebeshungrige und über Umwege zu
echter Mutterliebe fähige Kicki spielt. Man könnt beim Schreiben schon wieder heulen. s
BARNSteiNeR FiLM (2)
Miss Kicki
von Håkon Liu
SE/TW 2009, 85 Minuten,
Originalfassung mit deutschen UT
Barnsteiner Film,
www.barnsteiner-film.de
Im Kino
ab 26. Juli 2012
18 19

kino
WiR Sind
Kein
PRoduKT
von JAn küneMund
Zwei jungs fahren nach paris, gehen in einen Club und verlaufen
sich im Wald. Was sie an Zurückweisungen, Desillusionierungen
und Faustschlägen erfahren, wird durch den Zauber der
Filmsprache aufgehoben. Hélèna Klotzs magisches Spielfilmdebüt
„Atomic Age“ schafft ihren jugendlichen Helden einen
poetischen Freiraum für große Gesten und große Worte und
grenzt sich damit selbst vom handelsüblichen Coming-of-Age-
Film ab. im Kino ab 18. August.
atomic age
von Héléna Klotz
FR 2011, 70 Minuten, französische OF
mit deutschen UT
Pro-Fun Media, www.pro-fun.de
Im Kino
ab 16. August 2012
s Songs. An einem kalten und grauen Morgen in Chicago wird ein
armes Baby geboren und die Mutter denkt: nicht noch eins. In the
Ghetto. As the snow falls … singt Victor auf der Zugfahrt nach Paris,
beim Vorglühen mit Wodka Red Bull und seinem Freund Rainer.
Aber eigentlich hört er gerade die Stone Roses. Diese Band aus Manchester,
aus einer Zeit, als er noch lange nicht geboren war. Kindheit
und Jugend im urbanen Zusammenhang, ob in Chicago, Manchester
oder Paris – dieses Thema ist schnell gesetzt in diesem schnellen
Film.
groß und klein. Zum ersten Mal taucht der Eiffelturm auf, ein unwirkliches
Bild am Nachthimmel, weit weg. Ein großes Zeichen für eine
kleine Geschichte, zumal auf der Tonspur ein amerikanischer Präsident
(Reagan? Bush Sr.?) gerade ungläubig davon erzählt, dass man in
der UdSSR zehn Jahre lang auf ein Auto warten musste. Aus diesen
Andeutungen großer Gesten bahnt sich die unglaublich tolle Kamera
von Hélène Louvart (Pina, Im Alter von Ellen) im Gefolge von Victor
und Rainer ihren Weg in die bunte Höhle eines Pariser Clubs und
filmt das Tanzlicht wie einen Eiffelturm. Reflexe von Stroboskopblitzen
auf verschwitzter jugendlicher Haut, in kunstvoll verwuschelten
Haaren von Mädchen und Jungs, einige schauen, andere haben die
Augen geschlossenen, die Kamera blinzelt ins Licht, der Ton geht
von der Tanzfläche ab und mischt im Off Dialoge und Musik. Zum
ersten Mal blitzt Victor bei einem Mädchen ab. Er weiß, dass sie ihn
will, aber sie redet nicht mit ihm, also existiert er nicht. Kompliziert.
Erstes Krisengespräch der beiden Jungs. Victor, der aufbrausende
Schönling, der in unbeobachteten Momenten noch ein Kind ist, geht
auf Konfrontation mit der Welt. Rainer, der Fremde, Introvertierte,
Orts- und Elternlose, die „Schwuchtel“ (wie ihn jeder sofort etikettiert)
zieht sich zurück, lernt im Einschlafen Gedichte und macht sich
dadurch seine Träume selbst. Am Anfang, noch im Zug, schenkt er
Victor seinen Schal und streicht ihm über’s Haar.
abgrenzungen. Für Rainer ist der Sänger der Stone Roses ein Affe und
der Junge, der ihn auf der Tanzfläche anmacht, hat einen Fischblick.
– Worauf stehst du? – Jedenfalls nicht auf dich. Alle anderen haben
scheiß Klamotten an, alle dieselben. Alle Mädchen wollen Jennifer
oder Loana heißen, bloß nicht Rose, ein schöner & altmodischer Name.
Doch so klar das Urteil über „die anderen“ ist – die beiden Jungs kommen
doch nicht an sie heran. Und was sie selbst sind, wissen sie nicht
und wollen sie nicht wissen, Hauptsache, die innere Leere geht weg,
etwas passiert oder etwas wird besser. Victor blitzt ein zweites Mal
ab, er sagt: „Du bist schön“, das Mädchen antwortet: „Warum?“ Rainer
möchte ein schwuler Matrose sein und niemals das Schiff verlassen,
vielleicht doch lieber nicht schwul, aber auf jeden Fall Matrose.
Die Kamera erfasst diese tanzenden Ich-Rätsel in ausgeschnittenen
Porträts vor beweglichen Lichtern, am Ende vervielfältigen sich die
Gesichter in Kaleidoskopen. Sie folgt Victor und Rainer raus aus dem
Club, in die schwarze Pariser Nacht.
Sprache und fäuste. Auftritt Theo, gespielt von Niels Schneider, dem
„Herzensbrecher“ aus Xavier Dolans gleichnamigem Film. Eine
Szene wie aus einem Koltès-Stück, brutal, großkotzig, verzweifelt
und verletzend. Theo und Victor zünden sich Zigaretten an und liefern
sich einen Kampf, erst mit Worten, dann mit Fäusten. Wer hat’s
raus, wer ist cooler, wer trifft den anderen am empfindlichsten. Theo
protzt mit Auto und Check, Victor verleumdet ihn als „Produkt“: der
gleiche Haarschnitt, die gleichen Klamotten, die gleichen Träume, die
gleichen Bauchmuskeln wie alle, zum Gebrauch und anschließendem
Wegwurf, wenn du kein Parfüm auflegst, stinkst du nach Scheiße. Die
Traurigkeit über sich wird zum Hass auf andere, der schöne Schal,
das Geschenk von Rainer, geht dabei drauf. Diese Szene dauert ewig,
ein rasender Stillstand. Orientierungslos, handlungsunfähig scheinen
Jungs und Kamera, kein Mätzchen à la Dolan, kein Rollen-Posing,
kein Sehnsuchtsbilderklau aus der umliegenden Filmgeschichte. Atomic
Age traut zwei unsicheren Jungs große Worte zu, große Bilder,
große Blicke. „Hohle Pseudo-Philosophie“, stöhnte da das Auf-dem-
Teppich-Bleiber-Feuilleton. Dabei ist die Sprache das einzige, was
Victor und Rainer zur Verfügung haben auf ihrem Drift durch die
Nacht. Die Dinge existieren nicht, wenn man nicht darüber spricht
(Victor). Bei Rainer sind das Träume oder Gedichte, er redet von toten
Soldaten, die vom Gras gewiegt werden, von Selbstmördern, die sich
in die Seine stürzen, dann aber von dort bis nach Afrika schwimmen,
von der einzig wahren Amour Fou, die sich zwischen Wind, Sternen,
Totems und Zauberern enthüllt. Der Eiffelturm scheint wieder auf,
sein Scheinwerferlicht wird vom Nebel verschluckt.
Kernspaltung. In der blauen Stunde nehmen die beiden eine Abkürzung
zu Victor nach Hause, wo aus Ideen endlich Körper werden
dürfen. Da kommt der Film allerdings nie an. Die Abkürzung führt
schnurstracks und märchengemäß durch einen Zauberwald, in dem
Käuze rufen, Bäche plätschern und Bäume rascheln. Der Stadt sollten
die Lichter ausgehen, wünscht sich Rainer. Und endlich können sich
zwei Menschen sagen, dass sie sich lieben, sich beruhigen und einschlafen.
Nach der ersten Kernspaltung war für die Menschen alles
anders. Seitdem befindet man sich im Atomzeitalter und weiß nicht,
wann es wieder aufhört.
atomic age ist ein eigenwilliger Film, intim und großspurig, formlos
und konsequent zugleich. Er nimmt seine Protagonisten ernst und ist
entschieden in sie verliebt, enthebt sie aber gleichzeitig einer scharf
konturierten Welt. Die poetische Nachtstimmung, die mitatmende
Kamera und der knisternde Soundtrack liegen wie ein melancholischer
Hauch über der kleinen Geschichte, in der es eigentlich um
Jugendliche geht, bei denen noch gar nichts passiert ist. Die bewusstseinsverändernde
Filmsprache er innert an Werner Schroeter, der ja
zuletzt auch nur noch entrückte Nächte verfilmt hat. Gleichzeitig will
dieser Film mehr, er will ein Statement sein gegen die Logik hübsch
aufgelöster Coming-of-Age-Geschichten, mag seine Jugendlichen
nicht ambitionslos, angepasst, unpolitisch oder rebellisch finden,
sondern spielt die Flucht in die Hipster-Unverbindlichkeiten (kein
Produkt sein, kein Labelträger, kein User) als traurige Rettungsmaßnahme
vor der drohenden Bewegungslosigkeit zurück. Die Poesie des
Films ist mitfühlend: Sie ist als Freiraum für Sprache, Identitäten und
Körper gedacht. Und wenn das auch nur heißen sollte, dass sie sich
für einen kurzen Moment verlaufen dürfen. s
20 21
kino
pRO-FuN MeDiA (2)

ahmenhandlung
22
eDitiON SALZGeBeR
geT uSed
To iT
von enrico ippolito
ein paar Leute reden ab und zu vom „Queer Cinema“, aber
niemand kann genau sagen, was das ist. Da sich alles Queere
grundsätzlich von festen Konzepten und identitären Fixierungen
befreien will, hat sich das mit klaren Definitionen eben
erledigt. und trotzdem muss es doch etwas geben, was diesen
Begriff immer wieder ins Spiel bringt, nötig macht, präziser
erscheinen lässt als z.B. „schwul“, „lesbisch“ oder all die
anderen Kategorien für „nicht-heterosexuell“. Aber was wiederum
hat das Ganze mit Kino zu tun? Hat Kino eine sexuelle
identität? Gibt es ein Kino, das sich identitären Zuschreibungen
entziehen will? SiSSY hat sich auf Recherche begeben und
Regisseurinnen, Kuratorinnen, journalistinnen und Wissenschaftlerinnen
die verzwickte Q-Frage gestellt.
s Wolken am Himmel. Über den Wolken schweben androgynen
Figuren. Zoom auf den Protagonisten, Dialoge, eine Frau interpretiert
für die Zuschauer das Gesagte. Hinter ihr schweben immer
noch die androgynen Figuren. Das alles in Schwarzweiß. Nach zwei
Minuten ist klar: Es handelt sich um ein Filmset. So beginnt Swoon
(1992) von Tom Kalin. Welchem Genre würde man Kalins Erstlingswerk
über zwei Männer und deren sadomasochistische Beziehung
zuschreiben? Ist es ein Film Noir? Ein Drama? „New Queer Cinema“?
„Queer Cinema“? Die Genredebatten im Film sind müßig und oft
zwecklos. Doch was soll das überhaupt sein, „Queer Cinema“? Existiert
es überhaupt als Kategorie? Ist es ein Genre? Oder gar eine
Bewegung?
Terminologisch eingekreist, geht „Queer Cinema“ von B. Ruby
Richs Begriff des „New Queer Cinema“ aus, den die Kulturtheoretikerin
in den Neunzigern prägte. Sie sah eine große Gemeinsamkeit
in vielen queeren Filmen an Anfang dieses Jahrzehnts, einen Stil –
der nicht nur als inhaltliche Kategorie, sondern auch formal verstanden
werden sollte. Rich sah das Neue im New Queer Cinema darin,
dass die Filmemacher_innen mit dem etablierten „humanistischen
Ansatz“ brachen. „In erster Linie sind [diese Filme] voller Lust“,
schrieb sie in ihrem Aufsatz „New Queer Cinema“ in der britischen
Filmzeitschrift „Sight & Sound“.
B. Ruby Rich war vor allem fasziniert von Tom Kalins Swoon,
Derek Jarmans Edward II (1991), Todd Haynes Poison (1991), Jeannie
Livingstons Paris is Burning (1990) und The Living End (1992) von
Gregg Araki. Alles Filme, die zwischen 1990 und 1992 in den Kinos
oder erfolgreich auf Festivals liefen. „Queer is hot!“, formulierte Rich
fast schon ketzerisch in ihrem Artikel. Neben dem Erfolg hatten die
Filme jedoch noch eine Gemeinsamkeit: Sie alle sprengten das konventionelle
Kino und brachten eine neue Ästhetik und Art der Erzählung
hervor. „New Queer Cinema“-Filme waren anders, sie machten
Lust, probierten sich am Medium Film aus. Rich sah darin eine
„Homo Pomo“, eine Art homosexuelle Postmoderne.
„I Want Your Love“ von Travis Mathews (2011)
rahmenhandlung
Michael Aaron definiert das „New Queer Cinema“ in seinem
gleichnamigen Buch wie folgt: „Erstens geben die Filme den Marginalisierten
eine Stimme. […] Zweitens, die Filme sind nicht entschuldigend,
was die Schwäche oder gar Verbrechen ihre Charaktere angehen.
[…] Drittens, die Filme widersetzen sich der Unantastbarkeit der
Vergangenheit, vor allem der homophoben. […] Viertens, die Filme
widersetzen sich der filmischen Konventionen in Form, Inhalt und
Genre. […] Und letztens, die Filme widersetzen sich in vielfältiger
Weise dem Tod.“
Zwanzig Jahre später ist die Diskussion verstummt, gilt fast schon
als anachronistisch. „New Queer Cinema“ ist schon längst aus dem
filmischen Diskurs verschwunden. Der Wunsch nach einer Kategorisierung
eines „Queer Cinema“ besteht, es bleiben vor allem Fragen
zurück: Ist der queere Filme immer Avantgarde? Oder ist ein queerer
Film einfach das Sichtbar-Machen von schwulen, lesbischen, bisexuellen
und transidentischen (LGTB-) Inhalten?
Wieland Speck, Leiter der Berlinale-Panorama-Sektion, bemüht
sich, „queeren“ Filmen ein Forum zu geben. Und er engagiert sich für
den Teddy Award, einen Preis für queere Filme. Interessanterweise
haben viele Vertreter des „New Queer Cinema“, wie Kalin, Jarman
oder Haynes, bereits einen Teddy Award gewonnen. „Queeres soll
präsent sein“, sagt Speck. Ihm geht es vor allem um das emanzipatorische
Moment, gar um die Repräsentanz von queeren Elementen,
um das Sichtbar-Machen. Für Speck ist „Queer Cinema“ kein eigener
Begriff, „New Queer Cinema“ allerdings schon. Wie er die Filme für
sein Programm aussuche, sei unvermittelbar, sagt er. Und dennoch
fällt auf, dass es vor allem Filme in das Panorama-Programm schaffen,
die sich mit den Themenkomplexen Coming-Out, Diskriminierung
und sexuelle Identitätsfindung beschäftigen. Das politische
Moment ist hier ganz offensichtlich inhaltlich verankert. Damit wäre
queeres Kino nicht zwingend experimentell, sondern vor allem thematisch
zu denken.
Für die Filmemacherin Angelina Maccarone besteht die Gefahr
für das queere Kino in einer Rückwärtsgewandtheit. „Wir befinden
uns in einem gewaltigen Backlash“, sagt sie. Man müsse sich von dem
Gedanken der Progression im queeren Kino verabschieden, sagt sie,
weil eine Sehnsucht nach alten Werten herrsche. Als Maccarone
ihren ersten Film Kommt Mausi raus?! (1995) drehte, war die Wahl
des Genres für sie eine „subversive“ Entscheidung, denn lesbische
Komödien gab es damals eigentlich nicht.
Und heute gilt ein Film wie Parada von Srdjan Dragojevic als radikal
und mutig: Die Komödie, in welcher schwule Aktivisten Exkombattanten
als Sicherheitskräfte für den Belgrader Gay Pride 2010
anheuern, gewann bei der Verleihung der diesjährigen Teddy Awards
den Publikumpreis der Zeitschrift „Siegessäule“.
Subversiv? Wohl kaum – weder inhaltlich noch ästhetisch ist der
Film interessant. Dragojevic bedient sich veralteter Klischees und der
alten Dichotomie homosexuell/heterosexuell und erinnert damit an
eine schlechten Version von Ein Käfig voller Narren. „Parada ist kein
Film für liberal denkende Menschen, sondern für Homophobe. Diese
Leute erreicht man nicht mit einem hermetischen Kunstfilm, sondern
mit Unterhaltung“, sagte Dragojevic in einem Interview in der „taz“
(12.2.2012).
Wieland Speck, der den kontroversen Film in die Panaroma-Sektion
aufnahm, steht hinter Parada. „Es bewirkt was, macht was mit
den Menschen. Jede Abarbeitung ist gewinnbringend“, sagt Speck.
Das stimmt zwar, aber sollte man 34 Jahre nach Ein Käfig voller Narren
international nicht weiter im Diskurs über das Sichtbar-Machen
von LGTB-Figuren im Film sein? Also doch Backlash?
Vielleicht beginnt das Problem des „Queer Cinema“ schon mit
dem Begriff „Queer“. Wenn „Queer“ die Norm in Frage stellt, dann
muss das „Queer Cinema“ dies erst recht tun. Gleichzeitig wird der
Begriff „queer“ aber längst schon im Mainstream verwendet. Dilek
Kolat, Senatorin für Arbeit, Frauen und Integration in Berlin, verwen-
23

ahmenhandlung
dete bei den Teddy Awards 2012 in Berlin „queer“ als Sammelbegriff
(Umbrella Term) für alles, was nicht heterosexuell ist. Und auch in
der Filmbranche scheint der Begriff eher diffus als Label verwendet
zu werden – für LGTB und das Andere im Film, das Nicht-Heterosexuelle
– all das auf Kosten seines eigentlich subversiven Potentials.
Der Filmkritiker Lukas Foerster gibt zu, das Wort auch „manchmal
als Synonym [für „schwul“, „lesbisch“ etc., — Red.] zu verwenden“.
Er sehe jedoch, dass es nicht deckungsgleich sei. Wenn der Begriff
also als Umbrella Term verwendet wird, ist „queer“ in der Mitte der
Gesellschaft angekommen. Doch keine Avantgarde?
Marc Siegel, wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Goethe-
Universität Frankfurt und Mitbegründer des Künstlerkollektivs
CHEAP, bei dem Lukas Foerster schon mal ein Queer-Cinema-
Seminar besucht hat, beschreibt „queer“ als ein „Infragestellen der
Fixiertheit von Identitätspositionen.“ Für ihn hat „queer“ etwas mit
Begehren, sexueller Begierde, Fantasien zu tun, aber ebenso mit
sozial-politischer Identifikation und auch mit der Bereitschaft – so,
wie Queer-Theoretikerin Eve Kosofsky Sedgwick es mal formuliert
hat – sich selbst als „queer“ zu bezeichnen, und dabei die eigene
fixierte Identität zu hinterfragen. „Queer“ ist mehr als die Repräsentation
des Anderen, es geht über eine Abgrenzung von Heterosexualität
hinaus, stellt Dichotomien wie männlich/weiblich und
homo/hetero in Frage und erschöpft sich somit nicht in einem reinen
Sichtbar-Machen.
In Amerika wurde das Wort „Queer“ als Schimpfwort verwendet.
In den neunziger Jahren wurde der Begriff im akademischen und
politischen Diskurs resignifiziert und neu bewertet (reclaiming) – im
Zuge einer Selbstermächtigung mit dem Wunsch verbunden, sich der
Opferrolle zu entziehen – der Slogan dazu: „We’re here, we’re queer,
get used to it!“
In dem anonymen Manifesto von „Queer Nation“ vom Juni 1990
mit dem Titel „Queers Read This“ steht: „Gay ist gut. Es hat seinen
Platz. Aber wenn viele Lesben und Gay-Männer morgens aufwachen,
fühlen wir uns wütend und angeekelt, nicht gay. […] Die Verwendung
von ‚queer‘ ist ein Weg, uns daran zu erinnern, wie wir vom Rest der
Welt wahrgenommen werden.“ Queer Nation verwendete vor allem
das Wort als listige und ironische Waffe, die die „Queers“ von den
Homophoben stehlen könnten, um sie gegen sie zu verwenden. Auch
heute noch wird „queer“ gerade in der Wissenschaft kritisch diskutiert.
Wenn B. Ruby Rich von „New Queer Cinema“ spricht, scheint sie
auch von einem „Old Queer Cinema“ auszugehen – also einem queeres
Kino vor 1990. In den Sechzigern wurde so etwas wie eine Untergrund-Film-Bewegung
sichtbar. Selbstverständlich gab es schon
davor Filme, die als „queer“ zu beschreiben wären – wie Kenneth
Angers Fireworks (1947). Doch vor allem das filmische Schaffen Andy
Warhols ist von zentraler Bedeutung. In seinem Werk Flesh (1968) ist
ein Mann Sexualobjekt, in Kitchen (1965) hinterfragt er die Positionen
Weiblichkeit und Männlichkeit, in Blowjob (1964) spielt er mit dem
Genre der Pornographie: Ein Mann wird oral befriedigt und das – so
der Mythos – von einem anderen Mann.
Ähnliches gilt für Jack Smith, der mit Warhol eng verwurzelt
war. Sein einziger vollendeter Film Flaming Creatures (1963) ist sinngebend
für das „Queer Cinema“. Smith sprengt jegliche Konventionen
des Kinos, lässt sich nicht festlegen, will es auch nicht. Nichts ist
greifbar, die Sexualität der Performer_innen nicht mehr identifizierbar.
Die Geschichte fast schon zweitrangig. Es entsteht was Neues,
Anderes, das vor allem ästhetisch und formal interessant ist.
Laut dem Buch „Now You See It“ des Filmwissenschaftlers
Richard Dyer lassen sich vor allem zwei Strategien des Sichtbar-
Machens nicht-heterosexueller Utopien im Kino definieren: Die Konfrontationsfilme
und Affirmationsfilme.
Die Konfrontationsfilme spielen mit den klassischen Repräsentationsformen,
wie zum Beispiel Rosa von Praunsheims Nicht der
24
Homosexuelle ist pervers, sondern die Situation, in der er lebt (1971)
oder Frank Ripplohs Taxi zum Klo (1980), der für seine Zeit unglaublich
explizit von schwulem Sex erzählt. Ähnliches gilt für Rainer
Werner Fassbinders letzten Film Querelle (1982), einen Film über
sexuelle Begierde.
Die Affirmationsfilme stehen ebenfalls den gängigen normativen
Geschlechterbildern und Familienmodellen kritisch gegenüber,
unterliegen aber den gängigen Konventionen des Erzählkinos. Es
geht um die positive Zuschreibung, positive LGTB-Bilder im Kino,
vereinfacht um Repräsentanz. Hierzu zählen auch viele der Coming-
Out-Filme, die um Verständnis für ihre homosexuelle Figuren warben
und Nicht-Heterosexuellen zeigen sollten, dass sie nicht alleine
sind.
Vor allem der Affirmations-Strategie wurde durch das „New
Queer Cinema“ eine Absage erteilt. Rotzige, punkige, experimentelle
Bilder von schwulen und lesbischen Bösewichtern, Virenträgern und
Serienkillern waren wenig mainstreamtauglich, schufen durch ihren
Erfolg aber neue Independent-Strukturen, die wiederum schnell in
den Mainstream integriert wurden.
Und heute? Was passiert in der Ära des Post-„New Queer
Cinema“? Reicht das Sichtbar-Machen nicht? Mittlerweile scheint
das „Andere“ fern der Heterosexualität sehr präsent zu sein. Schwule
und Lesben tauchen in jeder Soap-Opera auf und können gar Hauptfiguren
in Filmen sein, oder etwa nicht? „Gut, dass es in Filmen sichtbar
wird. Nur dieses zwanghafte ‚Wir wollen das auch‘ – das ist ähnlich
wie mit der Homo-Ehe. Ich habe kein Problem damit, aber man
müsste die Ehe an sich in Frage stellen“, sagt Maccarone.
Der Regisseur Travis Mathews arbeitet gegen die gängigen
Regeln von klassischen Pornos. Seine Filme erzählen eine Geschichte
und arbeiten nicht auf den Orgasmus hin – trotzdem sind sie roh,
explizit. „Meine Filme I Want Your Love und In Their Room resultieren
aus einer Frustration über den Zustand des Gay Cinema und
wie die Darstellungen darin nichts über mein Leben aussagt. Es ging
erst mal um Präsenz – darunter litten aber oft die Produktion und die
Geschichte“, sagt Mathews.
Offenbar unterscheidet Mathews hier zwischen „Queer“ und
„Gay“ Cinema, wobei „Gay Cinema“ dann auch bei ihm eher die
Affirmationsfilmen meint. „In den letzten zwanzig Jahren hatte ich
das Gefühl, dass es den Geschichten an Authentizität mangelt. Es
gab Aids-Filme, Coming-Out-Filme, und dann kam das neue Queer
Cinema“, sagt er.
Für ihn ist das Erzählen einer Liebesgeschichte politisch, die
gerade nicht Probleme mit der Suche nach der sexuellen Identität
thematisiert. „Verpflichtet zu sein, eine historische Geschichte über
Aktivismus, Aids oder Coming-Out zu machen, ist sehr defensiv“,
meint Mathews. Er zeigt hingegen die alltäglichen Probleme, die
Männer mit Sex und Beziehungen haben. Seine Figuren sind dreidimensional
und haben hohen Identifikationswert.
Ähnliches gilt für Andrew Haighs und seinen Film Weekend
(2011), der die Geschichte zweier Männer nach einem One-Night-
Stand erzählt. Dass die Männer scheitern, liegt nicht an ihrer Homosexualität
oder an einer homophoben Gesellschaft, sondern an verschiedenen
Beziehungsmodellen. Sowohl Haigh als auch Mathews
eint ihre Affinität zur dokumentarischen Form. Beide machen nicht
die sexuelle Identität zum Thema, sie wird vorausgesetzt, nicht problematisiert
und schon gar nicht tabuisiert. Hier liegt das „Queere“ in
der Verweigerung des Identitätsdiskurses.
Während vor allem Weekend in der englischsprachigen Presse
Anerkennung fand, blieb es in Deutschland bei vereinzelten Rezensionen
– ähnliches gilt für Mathews’ Filme. Offenbar herrscht hierzulande
immer noch die Idee von einer Art Nische. Queeres Kino, schön
und gut, doch sollen die Filme auf ihren eigenen Festivals laufen, die
Kritiken in den eigenen „Special Interest“-Magazinen stehen und der
Vertrieb im eigenen Verleih laufen.
rahmenhandlung
Die „Vernischung“ des „Queer Cinema“ ist vielleicht eins der
größten Probleme heutzutage. Es sorgt auch dafür, dass viele Regisseure_innen
nach ein oder zwei „queeren“ Filmen das Sujet (wenn
man davon sprechen mag) wechseln und sich in den Mainstream
werfen. Das beste Beispiel hierfür ist der amerikanische Regisseur
John Cameron Mitchell, der nach Hedwig & The Angry Inch (1998)
und Shortbus (2006) mit Rabbit Hole (2010) in Hollywood angekommen
ist.
Auch Geld ist ein Problem: Oft entstehen queere Filme unter katastrophalen
finanziellen Bedingungen. Die „queeren“ Regisseure_
innen suchen nach neuen Modellen der Bezahlung. Mathews ließ sein
Spielfilm von einer Pornofirma finanzieren, und um sein Dokureihe
In Their Room – London zu drehen, griff er auf Crowdfunding zurück.
Natürlich tauchen von Zeit zu Zeit Filme auch in Hollywood auf,
die Homosexuelle als Hauptfiguren zeigen, siehe Milk (2008) oder
Brokeback Mountain (2005). In beiden Fällen änderte sich das Rezeptionsverhalten
und auch die Kritiker-Resonanz deutlich. Das gleiche
gilt für Tom Tykwers Film Drei (2010), der von einem Ehepaar
erzählt, das sich in den gleichen Mann verliebt. Die Kritik durchweg
positiv, überschlug sich vor Freude, lobte Tykwers Mut, eine solche
Geschichte zu erzählen.
Aber sind Drei, Brokeback Mountain oder Milk queere Filme? Sie
alle überschreiten keine gegenwärtigen filmischen Grenzen – weder
in der Narration noch in der Ästhetik. Das Sichtbar-Machen hier ist
reine Repräsentanz von queeren Inhalten, aber noch lange nicht progressiv.
Was diese drei Beispiele zeigen, ist, dass das konventionelle
Erzählkino offenbar über ein Zeigen von LGTB-Inhalten nicht hinaus
kommt.
Doch „Queer Cinema“ kann mehr. „Queer Cinema hat die Möglichkeit,
die Darstellung von Gender und Sexualität neu zu denken“,
sagt Marc Siegel. Ist das auch mit einer klassischen Narration möglich?
„Es passiert meistens im Avantgardekino“, meint er. Wichtig sei,
dass die Narration des Films nicht darauf gerichtet sei, eine schwules
oder lesbisches Subjekt am Ende aufzubauen, oder durchgehend zu
porträtieren. Anstelle eindeutiger Identitäten könnten stattdessen
perverses Begehren stehen oder einzelne Aspekte aus der queeren
Kultur.
Für B. Ruby Rich war das „New Queer Cinema“ „ein Moment,
keine Bewegung.“ Doch queeres Kino muss mehr sein als nur einem
Moment verhaftet oder ein Zusammenspiel diverser und zufällig
aufeinander treffender Faktoren – es muss über den Zeitgeist hinaus
gehen.
Wenn der queere Film nur ein Sichtbar-Machen der verschiedenen
sexuellen Identitäten und Lebensformen ist, verliert er seinen
rebellischen Charakter. Dennoch muss queeres Kino präsent sein,
weil es vor allem das eigene Medium und dessen Konventionen sprengen
kann. Dafür müsste das „Queer Cinema“ immer experimentell
sein. Kein „Queer Cinema“ ohne Avantgarde? s
--enrico
Ippolito ist Volontär bei der taz. wieland Speck wird zwischen
dem 7. und 17. Februar 2013 eine neue Berlinale-Panorama-Ausgabe mit
einer großen Anzahl queerer Filme präsentieren. angelina Maccarones
experimentelles Dokumentarfilmporträt der Schauspielerin Charlotte
Rampling („The Look“) ist gerade auf DVD erschienen. Lukas foerster
ist Redakteur der Filmkolumne „Im Kino“ auf perlentaucher.de, die
jeden Mittwoch zwei aktuell startende Kinofilme vorstellt. Marc Siegel
hat gerade zusammen mit Susanne Sachsse im Berliner HAU das
Festival „Camp/Anti-Camp“ organisiert. travis Mathews’ „In Their
Room“-Filme sind auf DVD erhältlich. Das nächste Queer-Film-Festival
in Deutschland ist das Berliner XPOSed, das vom 20. – 22. Juni
stattfindet (www.xposedfilmfestival.com).
---
25
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Neu auf DVD!
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William S. Burroughs – A Man Within
Ein intimer Dokumentarfilm, der ungeahnte Einblicke verschafft
in die verstörende Welt eines brillanten, aber auch gequälten Mannes.
William S. Burroughs ist die Ikone der Beat Generation und war der
erste Schriftsteller, der die amerikanische Drogen- und Schwulen-
kultur der 50er und 60er Jahre beschrieb. Burroughs‘ bekanntester
Roman »Naked Lunch« gehört zu den wichtigsten literarischen
Werken des 20sten Jahrhunderts und hat Generationen von
Schriftstellern inspiriert.
Ein Zusammenschnitt aus exklusivem Archivmaterial von Burroughs,
sowie Interviews mit einigen seiner engsten Freunde, unter ihnen
John Waters, Patti Smith, Laurie Anderson, David Cronenberg,
Iggy Pop, Gus Van Sant und viele mehr!

kino
„Jetzt!“
interview: JAn küneMund
Vier jahre lang hat Diana Näcke den schwierigen Weg zweier gefangener Frauen
in die Freiheit mit der Kamera verfolgt. immer wieder war sie allein in der „jVA für
Frauen“ in Berlin-Lichtenberg und hat für „Meine Freiheit, deine Freiheit“ so intime
Bilder aus einem Frauenknast gedreht wie kaum jemand zuvor. Zwangsläufig ist
ihr Film, der gerade sehr erfolgreich auf Festivals läuft und am 31. Mai ins Kino
kommt, auch ein philosophischer exkurs zum thema Freiheit an sich geworden. im
folgenden interview erzählt Diana Näcke von ihren persönlichen erfahrungen und den
nervenaufreibenden Dreharbeiten.
SeBAStiAN NOACK
sissy: Bist du mit einer bestimmten (Film-)Idee in den
Knast gegangen oder kanntest du deine Protagonistinnen
vorher?
diana näcke: Nein, das war Zufall. Ich war für ein anderes
Projekt im Knast und habe diese beiden Frauen gesehen,
die haben mich dann nicht mehr losgelassen. Ich
habe meine eigene innere Wut, die Zerrissenheit und
Unruhe bei diesen beiden Frauen gesehen, aber eben
nicht nur bei ihnen, sondern auch in dem, was man
schnell als ‚die andere Seite‘ bezeichnet, bei den Beamten,
die sie wegschließen müssen. All das trägt man in
sich, diese beiden Seiten. Ich habe Antworten gesucht
auf das, was uns Menschen antreibt, wo Verantwortlichkeiten
liegen. Aber ich habe begreifen müssen, dass Verantwortung
genau so ein Konstrukt ist wie Freiheit. Es
existiert faktisch nicht, es gibt nur ein Gefühl dazu, eine
Einstellung, ein Moment, ein Verhalten. Salema hat sich
vor meinen Augen einmal einen Goldenen Schuss gesetzt.
In solchen Situationen reicht das Nachdenken über Freiheit
nicht mehr, da stehst Du eben mittendrin und hasst
dieses Konstrukt und Dich dafür, dass Du Freiheit selbst
als allumfassend wahrnimmst und den Menschen, der
Dir gerade gesagt hat: „Lass mich sterben, das ist meine
Freiheit und ich will, dass Du das filmst.“ Aber man kann
doch einen Menschen nicht einfach so sterben lassen.
Ich habe Hilfe geholt, danach hat Salema sechs Wochen
nicht mehr mit mir gesprochen. Das passt gar nicht alles
in diesen Film. Den Wahnsinn Dokfilm, vier Jahre lang
und dann erst mal zwei Jahre lang ohne Geld, nimmst Du
nicht auf Dich, wenn Du nicht einen eigenen ganz ganz
starken inneren Antrieb hast.
Du hast dich auf Kübra und Salema konzentriert. Wofür
stehen sie für dich?
Es waren Kübra und Salema, die mich von Anfang an
begeistert haben und die für einen Dokumentarfilm
wichtige Offenheit mitbrachten. Die beiden stehen allerdings
für viele dieser Frauen, die einfach das Pech hatten,
in eine so krasse Biografie hineingeboren zu werden.
Was nicht heißen soll, jeder mit krasser Biografie wird
kriminell. Es geht nicht darum, ihre Straftaten zu rechtfertigen.
Ich wollte einfach verstehen, wo der Punkt war,
wo man den Bezug verliert, wann man in den Abgrund
springt, der Moment, wo einem alles scheißegal wird.
Ob solche Dinge auch klare Entscheidungen sind und vor
allem, durch was sie beeinflusst werden. Dieses System
Knast macht Dich kaputt, es hilft Dir nicht. Kübra hat
mal gesagt: „Was passiert denn? Die Tür geht zu für vier
Jahre, aber wenn Du rauskommst, bist Du noch derselbe
Mensch, wenn nicht sogar schlimmer …“ Und trotzdem
gibt es da auch noch mehr, man lacht da auch …
Wie intensiv hast du in diesen drei Jahren an dem Film
gearbeitet? Wie sahen die Produktionsbedingungen aus?
Oh je, das war krass. Hätte ich am Anfang gewusst,
was das heißt, hätte ich – glaube ich – nicht angefangen.
Als ob man in einen Strudel gerät. Andres Veiel hat
mich mal eine Dokwütige genannt, er war in der Jury
des Bayrischen Dokumentarfilmwettbewerbes, wo ich
einen Preis für das Treatment gewonnen habe. Ich hab
damals nicht verstanden, was er meint, weil das normal
für mich war, mich so durchzuboxen. Er hat es liebevoll
gemeint, in Anlehnung an seinen Film Die Spielwütigen,
eine Bezeichnung für jemanden, der extrem für das, was
er macht, brennt, mit voller Leidenschaft dabei ist, die
aber auch gewisse Gefahren in sich birgt. Man kann sich
nämlich verlieren, vor allem auf der Gratwanderung zwischen
Nähe und Distanz. Du lernst bei so einem Film fürs
Leben. Danach kannst Du fast alles stemmen. Wie auch
immer, ich habe mein Saxophon verkauft, meine Taucherausrüstung,
meine Gitarre, alles, was ich an Wert hatte,
um mir Kamera- und Tonequipment besorgen zu können.
Ich hatte keine Ahnung von Ton und keine Ahnung von
Kamera, geschweige denn von Szenen-Auflösung. Ich
musste einfach drehen. Und ich wusste, dass viel passieren
wird. Kübra hat mich manchmal nachts angerufen
und gesagt: „Jetzt!“ Und dann musste ich eben los, egal
wann und egal wie. Da kannst Du nicht noch einen Tonmann
oder eine Kamerafrau anrufen. Und es gab eben
kein Geld. Und wenn man realistisch ist, wer gibt einem
Debüt-Filmemacher ohne Filmschulhintergrund Geld?
Alle Entscheidungen waren aus heutiger Sicht richtig.
Das gedrehte Material hat dann überzeugt, vor allem die
Kraft der beiden Protagonistinnen und wahrscheinlich
auch meine Dokwütigkeit, zuerst die Produktionsfirma,
dann das ZDF.
Aber das Schönste dabei ist: Kübra und Salema lieben
den Film und sie sind stolz auf ihn. Sie haben sonst nichts,
auf das sie stolz sind, zumindest bis zu diesem Moment.
Sie kriegen das erste Mal im Leben Respekt für das, was
sie sind. Kübra hat den Film im Knast anschauen müssen
und ihn regungslos verfolgt. Am Ende hat sie sehr
geweint, weil sie drei Jahre ihres Lebens an sich vorbeiziehen
gesehen hat und ihr Bild von sich verändern
musste.
In dem Film sieht man einen sehr offenen Umgang mit
Drogen innerhalb des Gefängnisses. War das eine Offenheit
dir gegenüber oder sind Drogen dort wirklich so präsent?
Es ist so: In jedem Knast dieser Welt gibt es Drogen. Vor
allem aber da, wo drogenabhängige Frauen sitzen. Die
JVA Lichtenberg ist der größte Frauenknast Berlins,
in dem vor allem drogenabhängige Frauen ihre Strafen
verbüßen müssen. Das heißt, diese Frauen finden aufgrund
des enormen Suchtdrucks immer wieder Wege,
Drogen illegal in den Knast zu schmuggeln. Ich habe
ihre Kreativität, was das betrifft, zur Genüge kennen
gelernt. Natürlich ist das illegal, nur wird die Knastleitung
dieses Problems nicht Herr. Trotzdem hat sich die
Knastleitung entschieden, Spritzenautomaten zu installieren,
um zumindest die Hepatitis-C- und HIV-Infektionsgefahr
einzudämmen. Das wird oft angegriffen. Ich
finde das aber richtig und gut. Aber die Frauen dürfen
natürlich nichts reinschmuggeln und auch nichts besitzen,
geschweige denn Drogen konsumieren. Das ist ein
Paradox. Natürlich gibt es auch Sanktionen und Anzeigen
gegen sie. Ich wollte das nicht im Film zum Thema
machen, das kann eine Reportage besser. Deshalb habe
ich es subtil erzählt und das Spritzen in der Zelle wie
26 27
kino

kino
Salema Wad’deres (oben), Kübra Baytok
selbstverständlich gezeigt. Die Frauen handhaben
das so, es gehört zu ihrem Alltag. Es ist
nur noch nie in dieser Selbstverständlichkeit
in einem deutschen Knast gefilmt worden.
Ich durfte mich in diesem Knast frei
bewegen, ich habe einfach mit den Frauen
unbeobachtet teilweise sogar acht Stunden
am Stück auf der Zelle bzw. der jeweiligen
Station verbringen können. So wurde ich zu
so etwas, was halt immer da ist, die Frau mit
der Kamera gehörte zum Inventar. Ich war
ja alleine, ohne Crew. Und dann passiert das
einfach, dass Du in deren Alltag eingebunden
bist und das Heroin gehört dazu. Es ist
ein offenes Geheimnis, was der Bevölkerung
nicht so klar ist, dem Justizsystem allerdings
schon. Das ist es auch nicht, was ich für einen
Skandal halte. Ich finde es dagegen ungeheuerlich,
dass es in Berlin keinen Ort für weibliche
jugendliche Straftäter im Alter von 14 bis
21 Jahren gibt. Jemand wie Kübra wird dann
halt mit 14 Jahren im Erwachsenenstrafvollzug
für drogenabhängige Frauen untergebracht,
obwohl laut Gesetzgeber Jugendstrafen
getrennt vom Erwachsenenstrafrecht
vollzogen werden muss. Und dann kommen
diese kleinen Mädchen auch mit Heroin in
Kontakt. Die Frauen setzen eben auch anderen
die Spritze. So ist das eben. Das ist der
eigentliche Skandal und unverzeihlich, wie
ich finde. Und Drogenabhängige sind nicht
wirklich in einem Knast gut aufgehoben, es
ist eine Krankheit, die eben auch Kriminalität
mit sich bringt. Es ist eine Sucht.
Im Gegensatz zur Drogensucht spielt Sexualität
in deinem Film kaum eine Rolle. Salema
erwähnt einmal, dass sie mit Heroin angefangen
hat, um „in der Welt“ ihrer abhängigen
Freundin sein zu können. Habt ihr ansons-
eDitiON SALZGeBeR (2)
ten nicht über Sexualität und Beziehungen
gesprochen – oder ist das dann doch der
Bereich, der im Gefängnis tabu ist?
Na, klar haben wir darüber gesprochen, das
machen wir bis heute, leider sind viele schöne
Szenen dazu der Dramaturgie des Filmes
und seinem Rhythmus zum Opfer gefallen.
Einiges haben wir auch herausgenommen,
um die Protagonisten zu schützen. Kübra ist
Muslimin und egal, was sie in ihrem Leben
schon für Dinge gemacht hat, sie wollte auch
ihre Familie schützen und einige Dinge
waren ihr heilig. Wenn Du eine Biografie
hast wie Kübra, gewöhnst du dir an, in verschiedene
Welten und Persönlichkeiten zu
schlüpfen. Um nicht durchzudrehen, weil
die Dinge zu ertragen, die einem passiert
sind, manchmal unmöglich ist. Natürlich
gibt es auch Liebe im Knast, auch Sexualität.
Viele Frauen haben Beziehungen untereinander.
Kübra hatte das meines Wissens nach
nie. Salema, die Frauen liebt, ist da offener.
Aber sie hat Angst, Angst davor wieder so
schwere Verluste zu erleiden, dass sie nicht
mehr aufstehen kann. Ich habe sie im Knast
vor der Kamera gefragt, was Liebe für sie ist.
Ihre Antwort war: „Ich habe noch nie einem
Menschen gesagt, dass ich ihn liebe. Liebe
ist für mich so unselbstverständlich, dass
ich das nicht mal aussprechen kann.“ Als ich
Salema vor zwei Wochen besucht habe, war
sie gerade wieder am Boden zerstört, weil
sich ihre neue Freundin gerade das Leben
genommen hatte. Da haut es Dich einfach
nur weg und Du kannst nichts tun und ehrlich
gesagt, kann ich verstehen, warum sich
Salema wegbeamt. In Salemas Leben scheinen
sich Dinge auf gespenstische und absolut
unvorstellbar schmerzhafte Art zu wiederholen.
Sie hatte ja ihre erste Liebe mit fünfzehn
genauso verloren, das Mädchen starb in
ihren Armen, sie hatte sich einen Goldenen
Schuss gesetzt. Dabei wollte sie sich gar nicht
mehr auf einen Menschen so tief einlassen.
Danach ist sie wieder abgestürzt. Wenn man
das so hört, denkt man immer: Das kann doch
alles nicht sein! Und trotzdem sind diese beiden
Menschen auf beeindruckende Weise so
stark, wie ich es niemals sein könnte. s
Meine freiheit, deine freiheit
von Diana Näcke
DE 2011, 84 Minuten, deutsche OF
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
Im Kino ab 31. Mai
Harry Baer und Günther Kaufmann in „Whity“ von Rainer Werner Fassbinder (1971)
eVen
RighT
noW
von hArry BAer
Am 10. Mai starb der Schauspieler Günther Kaufmann in Berlin.
in der presse war viel von einem prozess, von Gefängnis und
Dschungelcamp die Rede, wenig von den mit stets verliebtem
Blick inszenierten Auftritten in vielen Fassbinder-Filmen. Wir
haben Harry Baer, Wegbegleiter und Kollege, um einen persönlicheren
Nachruf auf den „weißen Neger vom Hasenberg“ (so
der titel von Kaufmanns Autobiografie) gebeten.
whity
von Rainer Werner Fassbinder
DE 1971, 92 Minuten, dt. OF
götter der Pest
von Rainer Werner Fassbinder
DE 1970, 88 Minuten, dt. OF
alle drei auf dVd bei Studiocanal, www.studiocanal.de
niklashauser fart
von Michael Fengler
DE 1970, 86 Minuten, dt. OF
StuDiOCANAL
s Servus Günther,
in Bonn, oder besser gesagt Bad Godesberg, haben wir am 4. Juni
2005 zum 60. Geburtstag von Rainer Werner Fassbinder sein Stück
„Katzelmacher“ aufgeführt. Nur an einem einzigen Abend, der auch
eingehüllt war von Liedern, die der Peer Raben geschrieben hatte.
Das Motto des Abends war „Schlafen kann ich, wenn ich tot bin“, und
die Regie hat damals Werner Schroeter geführt. Die Freunde triffst
du ja demnächst auf deiner langen Reise.
Günther, ich habe dich eigentlich erst richtig wahrgenommen,
als wir beide in dem Schwarzweißfilm Götter der Pest böse Buben
gespielt haben. In München war das, im Herbst 1969. Ich wurde ja
nur in einem banalen, mit Neon beleuchteten Supermarkt am Rotkreuzplatz
erschossen, während du nachts in der Sonnenstrasse,
angeschossen, malerisch und mit nacktem Oberkörper, an den Schaufenstern
mit Hochzeitsgewändern entlang torkeln durftest. Sogar in
die Wohnung von der Carla hattest du es noch geschafft und konntest
das Miststück erledigen, vor deinem Abtritt mit den Worten: „Life is
very precious … even right now“. Da war ich schon ein wenig neidisch,
weil eigentlich ja ich die Hauptrolle hatte und dann mit so einen blöden
Satz enden musste: „Schuster, bleibe bei deinen Leisten“. Das war
nicht so schön für mich, aber dafür konntest du ja eh nichts. Da hatte
ich aber auch noch gar nicht so richtig begriffen, wie sehr sich der
Rainer in Dich verknallt hatte. Bei den Dreharbeiten zu Baal vom
Schlöndorff hat es gefunkt zwischen euch beiden. Wahrscheinlich
wusstest du es auch noch nicht so richtig, wie das alles geht mit der
Liebe unter Männern; aber ihr hattet euren Spaß und wir das Nachsehen.
Durch den Film Katzelmacher gab es ja Kohle ohne Ende und
der Rainer hat dir jeden Wunsch von den Augen abgelesen. Immerhin
durftest du einige Sportwagen zerlegen, die nicht ganz billig
waren: Stingrays von Corvette. Sogar einen Western hat er für dich
gemacht: Whity! In dem Film bist du richtig gut und darfst auch noch
den Titelsong beisteuern, den der Willy (Peer Raben) erfunden hatte,
weil er auch in dich verknallt war, aber Rainer war halt zu Lebzeiten
immer der Matchwinner. Ich werde mal wieder bestraft für entgangenes
Liebesglück und zum Albino degradiert, der auch noch von dir
erschossen wird. Wenigstens hattest du Tränen in den Augen, auch
wenn die Anweisung vom Regisseur kam.
In der Niklashauser Fart spieltest du einen aufsässigen Bauernführer
und siegst und siegst. Ums Haar verbrenne ich fast auf einem
Scheiterhaufen. Die Pyrotechnik hat damals der Charlie Bumm-
Bumm gemacht, den triffst du übrigens auch noch.
Danach wurde es ruhiger mit Rainer und dir, im Amerikanischen
Freund hattest du die Titelrolle nicht bekommen, obwohl sie eigentlich
für dich geschrieben war. Warst wohl nicht ganz artig … Aber
besetzt hat er dich danach immer wieder, auch weil die Liebe wohl
nicht wirklich erloschen war. Noch in Querelle hattest du ’ne wichtige
Rolle. Bei Rainers letzter Geburtstagsfeier in der „Deutschen Eiche“
habt ihr euch lange mitten im Lokal geküsst, das war der beste Beweis
für den Spruch: „Alte Liebe rostet nicht“. Das war Ende Mai 1982.
Bei dem Stück „Katzelmacher“ in Bad Godesberg hast du die Rolle
vom Rainer im Film gespielt. Bei dem Satz: „Du … Augen wie Sterne“
warst du ihm noch nie so nahe.
Habe dich lange nicht mehr gesehen. Aber so spielt Leben. Schade. s
--harry
Baer hat eines der schönsten Bücher über Fassbinders Leben und
Werk geschrieben: „Schlafen kann ich, wenn ich tot bin – Das atemlose
Leben des Rainer Werner Fassbinder“ (Kiepenheuer & Witsch, Köln).
---
28 29
nachruf

kino
Wagner,
eine Boyband
von pAul Schulz
Der englische entertainer Stephen Fry überlegt sich in „Wagner and me“, ob er als
jude eine „Ring“-inszenierung in Bayreuth sehen darf und macht dabei auf amüsante
Weise alles falsch. im Kino ab 21. juni.
30
FiLM KiNO text
s Vor drei Jahren hat die schottische Band Chumbawamba auf
ihrem Album „ABCDEFG“ ein Lied veröffentlicht, das „Wagner at
the Opera“ heißt. Es erzählt die wahre Geschichte davon, wie sich
ein älterer Herr mit einer Nummer auf dem Arm während der Aufführung
eines Streichquartetts von Richard Wagner in einem israelischen
Opernhaus im Jahr 2000 auf seinen Stuhl stellt und solange
eine Rassel schwingt, bis Sicherheitskräfte ihn an den Füßen aus dem
Saal schleifen. Die letzte Strophe des Liedes geht so:
For everyone we lost
I swing the rattle loud and long
I swing it ’til I drown out
All the music and the songs
This tattoo will last forever
And my memory is long
Here’s to no more playing Wagner at the opera
Seit der „Reichskristallnacht“ 1937 war es lange Zeit verboten, Wagners
Musik in Israel öffentlich aufzuführen und es ist immer noch ein
Tabubruch. Der Grund ist einfach: Richard Wagner war ein Antisemit.
Er hat das Wort „Judenfrage“ erfunden, als erster eine mögliche
„Endlösung“ postuliert und mit als Musikwissenschaft getarnten
Hetzschriften wie „Das Judenthum in der Musik“ und „Deutsche
Kunst und Deutsche Politik“ schon im 19. Jahrhundert den ideologischen
Nährboden gelegt, mit dem seine Landsleute 80 Jahre später
jüdische Massengräber zuschaufelten. Wagner hat laut und öffentlich
darüber nachgedacht, ob man seinen sehr viel erfolgreicheren
jüdischen Kollegen Meyerbeer „nicht einfach beseitigen“ könne, um
„wahrer deutscher Kunst“ Platz zu machen. Er war, streng ideologisch
gesehen, ein echtes Schwein, ein narzisstisches, verblendetes Monster,
das von seinem eigenen Genie so überzeugt war, dass er bis weit in
seine 50er warten konnte, um es sich selbst und allen anderen endlich
zu beweisen. Denn nachdem er schon andere reiche GönnerInnen um
Teile ihres Vermögens und oft auch um einen Großteil ihres Anstands
gebracht hatte, fand Wagner in Ludwig II. endlich einen Bewunderer,
dessen Taschen tief genug waren, um seine gigantischen Träume
zu finanzieren. Dann Bayreuth, Villa Wahnfried, der Ring, Hitler
pro und Nietzsche contra, blah, alles hinlänglich bekannt. Im ersten
Jahrzehnt des neuen Jahrtausends ist der Grüne Hügel der Ort, an
dem sich das wallende Dekolleté der Kanzlerin und die Verklemmtheit
des Außenministers Gute Nacht sagen, der Inbegriff bürgerlicher
Spießigkeit, die es sich leistet, die jungen Wilden einzufliegen, um sie
den alten Meister inszenieren zu lassen und dann zu buhen oder Tränen
des stillen Dankes zu vergießen, weil man nach fünf Stunden auf
unbequemen Stühlen endlich wieder aufstehen darf.
Wie Sie, liebe Leser, vielleicht schon merken: Ich hasse Wagner.
Das was andere „Überwältigungsmusik“ nennen, gibt mir das Gefühl,
jemand würfe mir über Stunden immer größer und immer schwerer
werdende Torten ins längst wunde Gesicht und hätte eine diebische
Freude daran. Wagner-Libretti gehören zum Miesesten, was man in
sogenanntem Deutsch überhaupt lesen kann. Wo andere überschwellende
Wortkaskaden ins emotional Bodenlose stürzen sehen und sich
einfach mitreißen lassen, schreie ich nach einem, oder besser gleich
mehreren, Lektoren. Wo manche ein sturmgelocktes Genie sehen,
sehe ich einen ekelhaften, missgünstigen Zwerg, der sich bei nichts
und niemandem in seinem Leben je beherrscht hat und Glück genug
hatte, nützliche, meistens relativ kaputte Idioten zu finden, die ihm
seinen Irrsinn zu Lebzeiten bezahlten, um den nach seinem Tod noch
zum Kult auszubauen. Wäre Wagner ein Roman, er hätte 6000 wirre
Seiten und niemand würde ihn lesen, weil man so viel selbstverliebtes
Gerede eben überhaupt nur mit musikalischer Untermalung aushält.
Ich kenne niemanden, der Wagner wirklich verehrt, von dem ich
nicht finde, dass er in Therapie gehört. Wagner ist Folter und Men-
schen, die Wagner lieben, lassen sich gerne foltern. Womit wir bei
Stephen Fry wären.
Denn der hat einen Dokumentarfilm gedreht, der Wagner & Me
heißt, in dem er ein paar hoch interessante Fragen aufwirft: Darf man
als Jude – und Fry ist einer – Wagner lieben? War Wagner überhaupt
ein Antisemit? Hat Hitler Wagner einfach nur falsch verstanden?
Lässt sich ein künstlerisches Werk von seinem Verursacher trennen?
Meine Antwort auf all diese Fragen ist in der Reinfolge: Ja, Ja, Nein
und noch nicht, Fry macht es sich nicht ganz so einfach. Allerdings
offenbart der einzig wahre Erbe von Peter Ustinov in anderthalb
Stunden unabsichtlich, dass auch er in seiner Liebe zu Wagner vernünftigen
Argumenten längst nicht mehr zugänglich ist, besonders
nicht den eigenen. Was den Film zu einem spannenden, aber letztendlich
gründlich schiefgegangenen Experiment macht.
Von vorn: Fry spaziert – ganz der schwule, englische Bonvivant
– über den Grünen Hügel, berichtet von seinen ersten, frühen Begegnungen
mit Wagners Musik und der daraus resultierenden Verehrung,
möchte gern endlich auch eine Wagner-Oper am Ort ihrer Entstehung
sehen, besucht schüchtern die Proben, schüttelt erschüttert
die Hand der Festivalleiterin und fragt sich und den Zuschauer die
ganze Zeit, ob er als Jude hier sein darf oder ob er dabei die Seinigen
verrät. Das ist süß, aber auch ein bisschen peinlich. Weil Fry so gern
fry spaziert – ganz der schwule, englische
Bonvivant – über den grünen hügel
kino
dazugehören möchte, dass er eine Swastika und das Bild ermordeter
Juden in der neuen Ring-Inszenierung zu einer ernsthaften Auseinandersetzung
mit dem antisemitischen Gehalt von Wagners Schriften
hochjazzt; weil er sich im Wesentlichen nur Protagonisten sucht,
die ihm in seiner Sinnsuche zustimmen; weil er nach Nürnberg fährt,
wo er versucht, Hitler und Wagner auseinander zu dividieren, sich
aber gleichzeitig nicht traut, die Führerkanzel zu betreten, von der
Hitler Wagner-Aufführungen abnahm; weil er sich in Russland einen
Regisseur sucht, der ihm natürlich sagt, Wagner sei universell, nicht
deutsch; weil er KZ-Überlebende besucht, die im Lager im Orchester
arbeiten mussten und sie fragt, ob denn da auch Wagner gespielt
worden sei; weil er zum Schluss vor der Wagner-Büste in Bayreuth
beschließt, Wagners Musik sei, Wagner hin oder her, eben doch „On
the side of the angels“ und grundgut. Grundgütiger! Man schämt
sich als Außenstehender hinlänglich für so viel Naivität, bewundert
Fry aber auch ein bisschen für sein Beharren auf dem gewünschten
Ergebnis, egal, was so gesagt wird. Und fragt sich immer lauter,
warum er dabei so einen Bogen um seine Sexualität macht.
Denn aus dem zweiten Band seiner Memoiren „The Fry Chronicles“
kann man erfahren, dass es sein erster Freund war, der Frys
„Wagner education“ vervollständigte, indem er ihn eine Woche nach
London einlud, in der sie gemeinsam den Ring sahen. „A life changing
event“ nennt unser Stephen das. Ich wage das anzuzweifeln.
Ich glaube, dass viele schwule Männer – und Fry ist einer – Wagner
deshalb lieben, weil er so gut in ihr Leben passt. Ohne allzu sehr
psychologisieren zu wollen: Wagner muss sich hier seinen Platz gar
nicht suchen und dabei raumgreifend die Ellenbogen ausfahren: Das
Gefühl, nicht dazuzugehören, die riesige emotionale Leerstelle, die
nach Auffüllung schreit, der Hang zum Überschwang, das Bedürfnis,
einer verschworenen Gemeinschaft anzugehören, es ist bei vielen
von uns alles schon da. So auch bei Fry, den man als smarten, unfassbar
gebildeten Fortsatz von Oscar Wilde und als „the smartest living
Englishman“ (The Guardian) sehen kann, aber in seinen Selbstentäußerungen,
seiner Drogensucht, seinem komplizierten Sexleben, seinem
Hang zu Bonmot und ständiger Ironisierung, seiner Schüchternheit
und der permanenten Behauptung, er sei eben bloß Entertainer,
31

kino
kein wirklicher Künstler (dafür sei er einfach
nicht selbstbewusst genug), als relativ typischen
schwulen Mann in der zweiten Hälfte
des 20. Jahrhunderts. Wagnerverehrung
passt zu Frys Persönlichkeitsbild wie der
Arsch auf den sprichwörtlichen Eimer. Dass
er sich die Frage stellt, ob er das überhaupt
darf, was er da doch längst macht, ist nur ein
weiterer Beleg dafür, dass er sich das eigene
Leben ständig von außen bestätigen lassen
muss. Emanzipiert ist anders.
Damit mich niemand missversteht: Ich
verehre Stephen Fry, zutiefst. Ohne Wilde,
Peter’s Friends, Kingdom, seine Romane, seine
Zusammenarbeit mit Hugh Laurie und vieles
andere aus seinem umfangreichen Werk wäre
mein Leben und das vieler, vieler anderer
Menschen deutlich ärmer. Er ist, auch wenn
er das nicht gerne hören würde, selbst ein
komisches Genie und einer der wichtigsten
schwulen Männer der letzten 50 Jahre, künst-
lerisch und für die Bewegung. Nur macht ihn
das eben nicht unfehlbar. Und Wagner & Me
ist ein Fehler, und zwar ein großer. Weil die
Fragestellung so falsch ist. Wie so oft sollte sie
nicht lauten: „DARF ICH als Jude (und schwuler
Mann) etwas tun (zum Beispiel Wagner
hören)?“, womit man die Beweislast bei sich
ablädt und selbstzerfleischend eine Antwort
finden muss, sondern: „Hat etwas (zum Beispiel
Wagner) mir als Jude (und schwulem
Mann) ETWAS ANZUBIETEN, das mein
Leben bereichert?“, was einen dazu führen
kann, die Filetstücke von Wagner benutzen
zu dürfen, weil es Spaß macht, und den Rest
in den Fleischwolf der Geschichte werfen zu
können. Frys Frage erlaubt es ihm letztendlich
nicht, Wagners Leben vom Zuhörer, also
sich selbst, zu trennen, weil die Beweiskette
„Wagner = Antisemit = untauglich für Juden“
in ihr schon enthalten ist. Das ist schade, aber
macht auch nichts.
FiLM KiNO text (2)
Denn wer von Wagner keine Ahnung
hat, kann Wagner & Me auch als kleines Fry-
Festival der guten Laune gucken. Wenn er
durch Neuschwanstein stolziert und Ludwig
II bescheinigt, „den bizarrsten Fanbrief der
Welt“ gebaut zu haben, wenn er Eva Wagner
auflauert und sie ihm sagt: „I think that’s all
just happening in your own head, dear Stephen“,
wenn er, während sie flieht, beseelt in
die Kamera lächelt und sagt: „I just touched
a Wagner, I really did“, und an 50 anderen
Stellen, wird eine kindliche Sehnsucht spürbar,
die man in jemandem, der auf die 60
zugeht, nicht vermuten würde. Wagner ist
Stephen Frys Boyband. Und seine Verehrung
für den bösen, alten Mann genauso schlicht
und deswegen untauglich für tiefere Analysen
wie die vieler anderer schwuler Männer
für Joe McIntyre oder Marky Mark. Dass er
es trotzdem versucht, gereicht ihm zur Ehre,
ist aber eigentlich völlig unnötig, weil Fry
nur versucht, Wagner für sich mundgerecht
zu machen, ihn „reinzuwaschen“ von Hitler
und den Juden und allem, was damit zusammenhängt.
Das versuchen Fans jetzt seit 60
Jahren, die ernsthafte wissenschaftlich historische
Auseinandersetzung mit dem Phänomen
füllt längst Regale. Und ist immer von
der einen Haltung geprägt: Ja, Wagner war
Antisemit, aber doch nicht wirklich oder nur
ein bisschen, und er war damit im 19. Jahrhundert
in Europa ja weiß Gott nicht alleine,
und das hat doch mit der Musik alles nichts
zu tun, und er war ja lange tot, als Auschwitz
aufgemacht hat, und eigentlich ist ja Cosima
die Böse und Orff und Strauß waren ja auch
nicht besser und werden auch in Israel
gespielt, und das ist doch alles lange her, und
das geht dann tausende Seiten lang relativierend
so weiter. Geschenkt. Wagner war Antisemit.
Er hat „Das Judenthum in der Musik“
1950 unter Pseudonym veröffentlicht und 20
Jahre später unter eigenem Namen noch einmal,
nur in verschärfter Form, er hatte genau
solche jüdischen Freunde wie Ronald Reagan
oder Bush jr. schwule Freunde haben, und die
Wirkungen lassen sich von den Hebeln eben
nicht trennen, ohne dass man die Maschine
kaputt macht. Wagner & Me ist ein Lehrstück
darin, dass man sich nicht wundern
darf, wenn man als Letzter gebissen wird,
wenn man die alten, schlafenden Hunde der
Geschichte weckt und versucht, ihnen neue
Tricks beizubringen. s
wagner & Me
von Stephen Fry
GB 2010, 89 Minuten, englische OF
mit deutschen UT
Film Kino Text, www.filmkinotext.de
Im Kino
ab 21. Juni 2012
der Moment
SchriftSteller Sehen filme: thomaS Böhme
Der 1955 in Leipzig geborene Lyriker, Romancier, essayist und
Fotograf thomas Böhme ist ein begeisterter Kinogeher. in seinen
Gedichten beschäftigte er sich schon mal mit Fassbinder, in
seinem Roman „Der Schnakenhascher“ wird sogar eine erotische
Begegnung mit „Flipper“ geschildert. in unserer literarischen Rubrik
nähert sich Böhme einigen Momenten aus Visconti-Filmen in
Gedichtform.
Die Bühne Luchino Viscontis ist voll von Trauernden.
Doch tragen sie ihre Trauer wie Purpurmäntel
und lüpfen ihre Strohhüte unter Baldachinen
und schweren, mit Kerzen bestückten Lüstern
deren Wachs ihnen über die Stirn rinnt.
Die lautlosen Schritte auf Teppichböden
die hallenden über Steinfliesen und gewachstes Parkett
sind Schritte der Einsamkeit. Und dem Aroma
aus zerlaufener Schminke und heißem Begehren
ist immer schon etwas Modergeruch beigemischt.
Wenn der trunkene König die Bühne betritt
stolpernd über die braunen Jungs von der SA
drängen von Ferne das Rauschen der Ballkleider
der Fischweiber wirres Gekeife und die Schüsse
eines Exekutionskommandos hinein in den Saal.
Wenn der Monsun den faulen Atem der Cholera
über den Strand weht, eine Bettelcanzone den Abend erstickt
fällt das verspätete Aufschauen von einer schlampig
gefalteten Zeitung, fallen die bitteren Brillengläser
der ewig Ungestillten demnach kaum ins Gewicht.
der Schnakenhascher
von Thomas Böhme
Edition Cornelius, Halle 2010
heikles handwerk
von Thomas Böhme
Gedichte, Poetenladen Verlag,
Leipzig 2010
101 asservate
von Thomas Böhme
Connewitzer Verlagsbuchhandlung,
Leipzig 2012
32 33
film-flirt

wir verreisen
„Hors le murs“ von David Lambert (2012)
es regnet auf
unsere Liebe
von JAn küneMund
Vorschau auf kommende Attraktionen: Streifzüge durch das queere programm der
internationalen Wasserfestspiele von Cannes.
FiLMS BOutiQue
s Regen in Cannes. Stilettos versinken in vollgesogenen roten Teppichen.
Straßenhändler verlangen 30 Euro für Regenschirme, die nur
einen Schauer lang halten. Wichtige Filmbranchenvertreter betreten
mit Mülltüten auf dem Kopf das Carlton. Im großen Leichtbau-Aufsatz-Kino
auf dem Dach des Festivalpalastes läuft gerade die Premiere
von Sébastien Lifshitz’ Dokumentarfilm Les Invisibles (Wettbewerb,
außer Konkurrenz), in dem bezaubernde alte Schwule und
Lesben von den Stürmen erzählen, die über ihr bewegtes, offen homosexuelles
Leben hinweggefegt sind – während draußen Wind auf
das Kino prallt, Notausgangtüren aufbläht, die Tonspur überdeckt
und den sonst geübt ins sichere Schwarz eines Kinos Flüchtenden
sich angreifbar und ausgesetzt fühlen lässt. In Xavier Dolans neuem
Exzess Laurence Anyways (Un Certain Regard) werden handgreifliche
Bilder für Überwältigungen, ein Wasserfall beispielsweise, der
sich – mitten im Wohnzimmer – über eine von ihren Emotionen fortgespülte
Frau ergießt, gleich mitgeliefert. In De rouilles et d’os (Wettbewerb)
schließlich wird die elfenhafte Marion Cotillard von einem
Wal entzweigeteilt und durch den dauererigierten Drive des Wunderkörperschauspielers
Matthias Schoenaerts wieder heile gemacht.
Der verwehte Zuschauer wird von Bildern mitgerissen, in denen sich
buchstäblich alles überstürzt.
Wie fragil ein Menschenleben ist, wie augenschlagskurz das
Glück, wie vergänglich das Verliebtsein, wie zerbrechlich die Normalität,
wie zart ein Körper, das brach alles als Komplex banger
Fragen des queeren Filmprogramms der stürmischen Filmfestspiele
von Cannes und seiner Marktvorführungen über einen herein, wenn
man sich dem äußeren Sturm und den inneren Angriffen auszusetzen
traute. Wie naturgemäß schwankend die Temperaturen der Filme
selbst auch ausfielen, ausruhen, fallen lassen in abgesicherte Identitätserzählungen
konnte man sich nie.
Zu bösartig und abgrundtief verständnislos reagiert die Umwelt
auf die Geschlechtstransformation von Laurence, die Cannes-Darling
Dolan drei Stunden lang in eruptiven hysterischen Anfällen durchexerziert.
Um die Entscheidung geht es, die in einer Autowaschanlage
der verstörten Freundin präsentiert wird, und einen Weg zurück gibt
es danach nicht mehr. Wird die Beziehung halten, das ist die Frage,
wird das nonkonforme, punkige, hübsche, junge Paar zusammenbleiben,
wenn sich die Körper und die inneren Koordinaten ändern, wenn
man plötzlich gemeinsam aus der Welt fällt und die eigene dagegen
noch gar nicht entworfen hat. Dolans oberflächliche und doch so
gefährdete Bilder werden nie zum Schutzraum für seine Geschichte,
keine zweite Haut für den makellosen Jungen, der zur Frau mit Makel
wird. Melvil Poupaud, der glatteste unter den schönen jungen französischen
Schauspielern, ist in seiner plötzlichen Angreifbarkeit kaum
auszuhalten. Der Film kommt nicht von der Stelle, wächst auf dieser
Stelle aber über sich hinaus. Wieder liegt ihm ein narzisstisches
Begehren als greller Fixpunkt zugrunde, doch findet er in der Figur
der Frau, die sich leidenschaftlich an ihm abarbeitet, einen grandiosen
Widerspruch.
Ein ganz anderes Paar versinkt in Hors le murs (Semaine de la
Critique) im Strudel seiner Unmöglichkeit. Iliar, Bassist und Kellner,
Post-Coming-Out-Posterboy, legt sich einen betrunkenen Kneipengast
ins Bett, der sich ab sofort mit (porzellanheller) Haut und (blonden)
Haaren kompromisslos an ihn hängt. Paulo ist ein Irrlicht, ständig
auf der Suche nach Menschen, die sich um ihn kümmern, doch in
dieser Suche so klar und entschieden, dass Maß und Realismus keine
Größen mehr für ihn darstellen. Wie Matila Malliarakis das spielt,
hat man noch nicht gesehen, ein Strich in der Landschaft, der für das,
was er will, durch Wände zu gehen gewohnt ist und plötzlich damit
klarkommen muss, dass manche Wände ihm standhalten. Was als
charmante Liebesgeschichte anfängt, die für alle Standards (erster
Kuss, erster Sex, erster Zweifel) tatsächlich neue Bilder findet, erhält
in der zweiten Hälfte einen furchtbar traurigen Sog, der dennoch
ganz aus der schönen Eigensinnigkeit der Figuren entwickelt wird.
Aufgewühlt lässt man sich danach vom warmen Regen auf der Croisette
weiter aufweichen.
Lauter Liebes-Zerreißproben auch in den versteckten Vorführungen
der noch nicht öffentlich präsentierbaren Filme. Da können
zum Beispiel ein israelischer Anwalt und ein palästinensischer Student
einfach nicht ankommen gegen Homophobie, Polizeigewalt,
Erpressung, Mütter, Grenzen, Strukturen. Eine Liebe auf den ersten
Blick, eine Beziehung mit letzter Kraft. Woanders hat Eytan Fox seine
Geschichte von Yossi weitererzählt, der sich einst in den Soldaten
Jagger verliebte und diesen durch eine Mine verlor, seitdem in Traurigkeit
versunken, dick, ängstlich, lebensunlustig geworden ist – bis
er einen findet, der diesen Panzer (vielleicht) zu durchbrechen vermag.
Es gibt eine Brokeback-Mountain-Szene darin: wie Yossi zufällig
Jaggers Mutter trifft, sich an deren Wohnzimmertisch setzt, nicht
anders kann als die Liebe zu ihrem toten Sohn zuzugeben, diesen
damit posthum zu outen und alle in seinen Traurigkeitsstrudel mitzureißen
– bis Jaggers Vater die Initiative ergreift und Yossi in Jaggers
unberührtes Jugendzimmer lässt, als stilles Zeichen des Mitgefühls.
Ganz woanders, in einem Film, der noch gar nicht fertig ist, wird
die Liebe zweier kubanischer Jungs schlicht und einfach dadurch
erdrückt werden, dass sie kaum was zu essen haben, die Bedürfnisse
ihrer Familien, ihrer Frauen und ihrer Freier befriedigen müssen und
gar keine Möglichkeiten haben, ihren eigenen nachzugehen. Was auf
Soap-Niveau erzählt wird, aber zwischendurch eine ungeheure Komplexität
erreicht, in der er diese beiden zerbrechlichen Jungs handlungsunfähig
macht, ohne ihnen seine Liebe zu entziehen.
Und dann gab es da noch im windstillen Raum eines kleinen
Innenstadt-Kinos die Komödie eines lebensunfähigen schwulen
Wirrkopfs, der zu allem Überfluss von traurigen Geistern heimgesucht
wird. Die Geschichte liegt so schief wie ihr Held, aber es kommen
immer wieder Bilder an die Oberfläche, die man vor lauter Verrücktheit
gar nicht an die stürmische Luft lassen möchte. Ein riesiger
Keller voller alternder Transsexueller, die an Nähmaschine sitzen
und über das geheime Wissen der Stadt verfügen, zum Beispiel.
Dass man am Ende in einem Film landet, der in einem Hotel spielt,
an dem ein Hochwasser tragender Mekong vorbeifließt, scheint geradezu
zwangsläufig zu sein. Der Regisseur Apichatpong Weerasethakul
instruiert einen Gitarristen zu einer langen Probe melancholischer
Folksongs, schlägt seinem Lieblingsschauspieler vor, das sexy
Disco-Shirt und die Jeans mit der großen Schrittwölbung für den
Film (Mekong Hotel, Wettbewerb, außer Konkurrenz) anzuziehen,
lässt in einer Dreiergeschichte dann einen Eingeweide fressenden
Geist die Menschenkörper wechseln und entlässt uns am Ende mit
einem Ballett mehrerer Wasserscooter, die den großen schnellen
Fluss im Sonnenuntergang vermessen. Spätestens hier ist man so
hypnotisiert, dass man willenlos in den Fluss springen und sich heraustreiben
lassen möchte aus dem durchnässten Chichi des Festivals.
Wer am Ende die „Queer Palm“, den queeren Filmpreis des Festivals,
gewonnen hat, stand zu Redaktionsschluss noch nicht fest. s
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wir verreisen

dvd dvd
frühreif in
dänemark
von dino heicker
Der dänische Coming-Out-Film „Freunde für immer“ („Venner for altid“) verursachte
1987 einen ziemlichen Wirbel in der internationalen Festivalszene. unter anderem
waren eine eurovision-Song-Contest-teilnehmerin und ein Handballprofi in recht
offenherzigen Sexszenen mit ziemlich jungen Männern zu sehen. 25 jahre später
kommt dieser verhinderte Klassiker der queeren Filmgeschichte endlich auf VHS raus.
Quatsch … auf DVD natürlich.
s Wieder so eine Herausforderung im Auftrag der SISSY: Ich
bekomme eine Videokassette zugeschickt und kann mich erst einmal
auf die Suche nach einem geeigneten Abspielgerät machen. Glücklicherweise
gibt es in meinem Bekanntenkreis noch Männer mit dem
nötigen Equipment. Nachdem nun der DVD-Player aus- und der
Videorekorder eingestöpselt ist, kann die Kassette ihrer Bestimmung
zugeführt werden. Auf der Hülle prangt ein handschriftlicher Vermerk
in rot: „Mutter! Nicht rausgeben!“ Na, wenn das nicht verheißungsvoll
klingt! Schauen wir also mal, was diese Mutter aller Videotapes
so über die Zeiten gerettet hat.
Zu Beginn des Films Freunde für immer kommt ein junger Mann
neu an eine Schule. Zur Begrüßung fliegt ihm auf dem Pausenhof
ein gelber Tennisball an den Kopf. Ein properer Blondschopf hat ihn
geworfen, der lacht, nicht unfreundlich. Der Neue verzieht keine
Miene. Sein Name: Kristian Malmquist (Claus Bender Mortensen),
Ort der Handlung: Dänemark, genauer Kopenhagen, Zeit: 1987.
Als Kristian versucht, sich an der neuen Schule zurechtzufinden,
gerät er in einen Zwiespalt. Da ist zum einen die Clique um den Schulhofrabauken
Patrick (Thomas Sigsgaard), zum anderen der Einzelgänger
Henrik (Thomas Elholm) mit Pferdeschwanzfrisur, der sich
in Tai Chi übt und den die Klassenkameraden als Schwuchtel verspotten.
Zwar fühlt sich Kristian zunächst zu Henrik hingezogen,
hat aber Angst, er könne durch sein Faible für den gemobbten Mitschüler
selbst zum Außenseiter werden. Also schließt er sich immer
stärker Patrick und seinen Kumpeln an. Deren Gespräche drehen sich
hauptsächlich um Mädchen beziehungsweise den Sex, den die Jungs
in aller Regel noch nicht hatten, was sie aber nie zugeben würden.
Ein schöner Effekt des Films ist, dass sich letztlich nicht der
zu allem Überfluss auch noch als Fotomodell jobbende Henrik als
schwul herausstellt, sondern der kerlige Patrick. Er ist es, der in Stefan
Henszelmans Film Kristians Freund für immer wird, und die beiden
jungen Männer entdecken zur selben Zeit die Liebe – der eine
hetero-, der andere homosexuell.
Wer heute an Dänemark denkt, hat häufig ein in sexuellen Dingen
liberales Land vor dem geistigen Auge: Porno (in welcher Form auch
immer) und Dänemark waren für die 1970er-Jahre quasi Synonyme.
Das hatte mit der Gesetzgebung des Landes zu tun, in dem Pornografie
1969 freigegeben wurde, was dazu führte, dass bis Mitte der
1970er Jahre beinahe ein Drittel aller dänischen Filme mit Soft- oder
Hardcoreszenen aufwarteten. Doch so unverklemmt ging man dortzulande
mit Sexualität nicht immer um, schon gar nicht, wenn es sich
um Homosexualität handelte.
So hat der berühmte dänische Schriftsteller Herman Bang seine
eigene homosexuelle Veranlagung beziehungsweise das durch die
gesellschaftliche Stigmatisierung derselben hervorgerufene Leiden
in seinen Werken mehrfach chiffriert thematisiert. Ein Beispiel
dafür ist sein Roman „Michael“ von 1904, in dem ein älterer Maler
sein junges Modell Michael derart verehrt, dass er ihm jede neue Enttäuschung
großherzig verzeiht, ja ihm schließlich sogar sein gesamtes
Hab und Gut vermacht. In diesen Roman flossen nicht zuletzt
eigene schmerzliche Erfahrungen des Autors mit einer schwulen Liebesbeziehung
ein, die ihn mit dem jungen Schauspieler Fritz Boese
verbunden hatte. Doch Bang beließ es nicht nur bei der literarischen
Camouflage seines Begehrens. Anno 1909 machte sich der Schriftsteller
expressis verbis „Gedanken über das Sexualitätsproblem“. Dieser
gemeinsam mit seinem Berliner Arzt Max Wasbutzki auf Deutsch
verfasste Text sollte, so Bangs Forderung, nach seinem Tod in einer
ärztlichen Zeitschrift erscheinen. Nach jahrelangen Streitereien
mit den Erben des 1912 verstorbenen Schriftstellers erschien der
Text 1922 in einem auf sexualwissenschaftliche Texte spezialisierten
Verlag in Bonn, während er in Dänemark erstmals 1957 in einer
,Erotischen Anthologie‘ veröffentlicht wurde. Darin heißt es unter
anderem: „Größeres wird der homosexuelle Dichter leisten können,
wenn eine Zeit kommen wird, wo er seine Gefühle direkt auszudrücken
wagt; wenn er die jetzt nötige Verkleidung überhaupt aufgeben
könnte, würde er erst die volle Ursprünglichkeit und die vollkommene
Stärke seines Talents entfalten können.“ Dass diese Möglichkeit
zu Bangs Lebzeiten nicht bestand, versteht sich von selbst. Es sollte
aber noch bis weit ins 20. Jahrhundert hinein dauern, bis zumindest
in Europa und Nordamerika die Möglichkeiten für schwule Künstler
vorhanden waren, einigermaßen offen mit ihren Gefühlen umzugehen
und diese kreativ umzusetzen. Bei dieser Entwicklung spielten
nicht zuletzt auch skandinavische Filmemacher von Anfang an eine
wichtige Rolle. So drehte beispielsweise der schwedische Regisseur
Mauritz Stiller 1916 den Film Vingarne, der heute Anspruch darauf
erheben kann, einer der ersten Filme mit (dezent) schwuler Thematik
zu sein. Vorlage zu dem nur noch fragmentarisch erhaltenen Streifen
war Bangs Roman „Michael“. Carl Theodor Dreyer, einer der größten
dänischen Regisseure, sollte dann acht Jahre später für die deutsche
Ufa diesen Stoff nach einem zusammen mit Fritz Langs Gattin Thea
von Harbou verfassten Drehbuch neu verfilmen, Walter Slezak spielte
damals den begehrten jungen Mann.
Dass die Verhältnisse in den 1980er-Jahren in Dänemark für
schwule Männer besser, jedoch keineswegs perfekt waren, auch das
macht Freunde für immer deutlich. Das dem Film vorangestellte englische
Motto „Innocence is no excuse“ ist Programm. So reagiert der im
doppelten Sinne ,unschuldige‘ Kristian – anfangs ist er ebenso unberührt
wie unbedacht – hochgradig verstört, als sein bester Freund
Patrick vor seinen Augen mit dem älteren Mads knutscht. Letzterer
wird übrigens von dem Handballprofi und Olympioniken Morten Stig
Christensen dargestellt. Prompt rückt Kristian von seinem Freund ab
und lässt sich auf einen One-Night-Stand mit einer reifen Sängerin
(Lill Lindfors) ein, die ihn auf ihrem Hotelzimmer vernascht. Auch
damit verweist der Film auf Entwicklungen der jüngsten Vergangenheit:
1976 war in Dänemark das Schutzalter für männliche Jugendliche
auf 15 Jahre gesenkt worden, wovon eben nicht nur schwule
Männer profitierten.
Und dass bei aller Liberalität der Gesetzgebung die gesellschaftliche
Wirklichkeit für Schwule in Dänemark Ende um 1985 durchaus
noch so ihre Diskriminierungen bereithielt, wird ebenso wenig
verschwiegen. Auf einer Veranstaltung zur beruflichen Orientierung
outet sich Patrick vor der versammelten Schülerschaft. Auf die allgemein
gehaltene Frage nach besonderen Qualifikationen lautet seine
Antwort, er sei schwul. Prompt gerät der Referent ins Stottern und
die Schuldirektorin löst die Versammlung kurzerhand auf. Immerhin
führt dieser Vorfall bei Kristian dazu, sich mit Patrick zu solidarisieren
und eine Flugblattaktion auf die Beine zu stellen, um das Fehlverhalten
der Schulleiterin öffentlich zu machen. So ist seine Freund-
schaft mit Patrick zwar gerettet, doch wie es mit seinem Verbleib
an der Schule aussieht, bleibt offen. Indem alle Darsteller in bunten
Kostümen auf einer Bühne im Park gemeinsam ein Lied anstimmen,
endet der Film einigermaßen surrealistisch im Stil der Musikvideos
jener Zeit.
Für einen kurzen Augenblick ist in diesem fröhlichen Treiben
auch Regisseur Henszelman zu sehen, dessen erster Spielfilm Freunde
für immer war. Zwei Jahre zuvor hatte der Absolvent der dänischen
Filmhochschule, die er zeitgleich mit Lars von Trier besucht hatte,
mit dem Kurzfilm Try To Remember auf sich aufmerksam gemacht,
seiner Examensarbeit, die 1985 auch auf der Berlinale vorgestellt
wurde. Sein zweiter, 1989 gedrehter Spielfilm Dagens Donna sollte
dann einmal mehr homoerotische Verwicklungen zum Inhalt haben,
wobei hier zwei liebende Frauen im Mittelpunkt standen. Im selben
Jahr war Dänemark dann auch weltweit das erste Land, das gleichgeschlechtliche
Partnerschaften zuließ. Henszelman blieb jedoch keine
Zeit für weitere Filme, er starb am 2. Oktober 1990 im Alter von 31
Jahren an den Folgen von Aids. s
freunde für immer
von Stefan Henszelman
DK 1986, 94 Minuten, dänische OF
mit deutschen UT
ab august auf dVd
bei der Edition Salzgeber,
www.salzgeber.de
36 37
eDitiON SALZGeBeR (2)

dvd
gute alte
hipsterschule
von JAn küneMund
„er war schwul, er nahm Drogen, er erschoss seine Frau und
er sah nicht allzu gut aus.“ Diese Steilvorlage in indirekter
Schmährede von john Waters macht sich der porträtfilm
„William S. Burroughs – A Man Within“ zum programm, um
Nostalgikern und unwissenden den ultimativen schwulen
Rebellen und Antispießer der modernen Literatur vorzustellen.
Wir können nicht anders, als in diesen Heldengesang
einzustimmen. On the Road, à la recherche du temps perdu,
sozusagen
s Auf einer gymnasialen Studienfahrt Anfang der 90er (neun Tage
Paris), drückte mir mein Heterofreund, der damals auf Lou Reed
und Velvet Underground stand, „Naked Lunch“ von Burroughs in die
Hand. Schon auf der Hinfahrt im Bus fing ich an zu lesen. Später lasen
wir beide das Buch laut vor, damit auch unser Zimmergenosse, der
Sitzenbleiber aus der Hippiefamilie, was davon hatte. Während die
Mädchen aus der Klasse nach Eurodisney wollten, zu Dönald Döck,
verließen wir das unromantische Hostel im chinesischen Viertel, um
um 11 Uhr morgens in einem Kellerkino am Centre Pompidou Trash
von Warhol/Morrisey zu sehen, danach wahlweise den toten Jim
Morrison oder den toten Oscar Wilde zu besuchen und jeden Mittag
im gleichen Imbiss einer alten Vietnamesin schlecht zu essen. „Naked
Lunch“ half uns sehr bei diesem Alternativprogramm. Mein Heterofreund
wollte danach Schriftsteller werden. Das Hippiekind Drogen
nehmen. Und ich schwulen Sex haben. Das war alles so schnell
vor Ort nicht umsetzbar.
Aber Freiräume taten sich auf, Gegengifte zum westdeutschen
Kleinstadtleben zwischen Mathe-Dreiminus und Jägermeistercolaparties,
Ahnungen, was das ultimativ Gegensätzliche zu den Anforderungen
des noch überschaubaren Lebens sein könnte. Ich jedenfalls
„studierte“ gerade schwule Sexszenen bei Genet und Pasolini
und hatte dadurch einen erweiterten Literaturbegriff. Und Glück mit
meinen Heterofreunden, denn ansonsten las man ja damals eher den
schrecklichen Bukowski. Und so lag über unserer pubertären Studienfahrt
also plötzlich der knarzende Ton des Beat-Literaten William
S., der von Parasiten faselte, das Bewusstsein und die Sprache
erweitern wollte, Jungs jagte und auf alles einen ziemlichen Hals
hatte. Inspiriert davon landeten wir drei sehr bewusst in einer Pariser
Schwulenbar mit nackten Kellnern, wo meine Heterofreunde ziemlichen
Spaß hatten, Cocteauzeichnungen an den Wänden betrachteten
38
und kostenlos ausliegende Kondome einsteckten, während ich mir
Burroughs-Lookalikes mit schlechten Zähnen und schlechtem Atem
vom Hals hielt, denn ich war jung und hatte noch keinen Respekt vor
dem Alter. Vielleicht doch erst noch ein bisschen lesen und dann was
in die Praxis umsetzen, überlegte ich, während meine Heterofreunde
knutschten.
Ich kann diese nostalgische Erinnerung mühelos einarbeiten
in das Annäherungsgewebe des Burroughs-Films von Yony Leyser,
in dem sich diverse Menschen, denen Burroughs beim Anders- und
Dagegen-Sein half, versuchen, einen Reim auf diesen unmöglichen
Menschen zu machen und der Regisseur wiederum Bilder dafür
sucht. Fantastisches Material hat er zu bieten: sachliche Waffen-
und Schlangenhändler, wehmütige Freunde, lebenskluge Tunten,
exaltierte Biografen wundern und spreizen sich, das hört gar nicht
mehr auf, Genesis P-Orridge schürzt raunend große rote Lippen,
Patti Smith singt ein Schlaflied und alle reden vom schlechten Sex
und den guten Drogen des William S. Burroughs. Pope of Dope, King
of Punk, Shotgun Artist. Held der Gegenkultur. Heiliger der Misfits.
Gay Rights Movement? Burroughs war keinen Tag im Leben „gay“
und niemals Teil einer Bewegung. Das war besser als die nervigen
Hippies wie Ginsberg, findet John Waters. Und doch sind die Szenen
zwischen Ginsberg und Burroughs das Berührendste am ganzen
Film: „Warst du eigentlich mal sexuell an mir interessiert?“ – „Nein.“
– „Aber ich war doch mal ganz süß!“ …
Auf der Rückbank im Bus nach Hause, wahrscheinlich auf der
Périphérique, die letzten Seiten, so laut, dass der Französischlehrer
es hören konnte: „Eine dröhnende Woge von Presslufthämmern in
der purpurbraunen Abenddämmerung, vergiftet vom fauligen metallischen
Gestank der Abwässer … die jungen Gesichter der Arbeiter
verschwimmen in der gelben Aura von Karbidlampen … geborstene
Rohre ragen aus der Erde … Sie krempeln mal wieder die Stadt um.“
Und jetzt? „Howl“ wird verfilmt als schlecht animierte Zensuranklage.
Ausgerechnet Walter Salles dreht On The Road. Und Burroughs
kriegt einen Erinnerungsfilm. Noch immer scheinen gegenkulturell
interessierte Jugendliche Beatliteratur im Gepäck zu haben.
Mein Heterofreund, der Schriftsteller werden wollte, hat später
mal Drehbücher für Sat.1 geschrieben und organisiert jetzt alternative
Stadtführungen. Über die Drogenkarriere des Hippies weiß ich
nichts. Und ich schreibe über einen Film über Burroughs. s
william S. Burroughs –
a Man within
von Yony Leyser
US 2010, 87 Minuten, englische OF
mit deutschen UT
auf dVd bei Neue Visionen,
www.neuevisionen.de
dvd
39
Neue ViSiONeN

frisch ausgepackt frisch ausgepackt
neu auf dVd
von MAike Schultz (MS), pAul Schulz (pS) und JAn küneMund (Jk)
AUf DEr SUChE
De/FR 2011, Regie: jan Krüger, edition Salzgeber
„Schon eine Woche lang
fehlt von Simon jegliche
Spur. In der Klinik, in der
er als Arzt arbeitet, hat er
sich Urlaub genommen,
sein Appartement ist unaufgeräumt,
der Kühlschrank
nicht geleert. Seit
er nach Frankreich gegangen
ist, hatte Valerie nicht mehr viel Kontakt
zu ihrem Sohn. Sie hat Jens aus Berlin
kommen lassen, den Ex-Freund von Simon,
dem er bis zuletzt nahe stand – näher jedenfalls
als ihr, der Mutter. Schon die erste Begegnung
ist aufgeladen von latenter Eifersucht und
Misstrauen. Jens wird Valeries Verbündeter
auf einer Reise ins Ungewisse, aber auch Konkurrent
im Kampf um das Vorrecht an Simons
Leben, der sich irgendwann beiden entzogen
hat. (…) Für Jens wird die Suche zum Selbstzweck.
Es geht nicht mehr darum, jemanden
oder etwas zu finden, vielmehr muss der träge
begehrende Leib in Bewegung gehalten, dem
emotionalen Vakuum entgegengestellt werden.
Im dunkelsten Bild des Films presst sich Jens
an einen jungen Kerl aus dem Maghreb, den er
auf dem Fußballplatz aufgegabelt hat. Doch der
fremde Körper bleibt uneingenommen. Die
schwarzen Augen sind für die Suchenden unlesbar.
Sie stürzen hinein und verlieren sich,
weil sie sich längst schon selbst aufgegeben haben.“
(Gunther Geltinger in SISSY 11)
DIE hAUT, IN DEr ICh WOhNE
eS 2011, Regie: pedro Almodóvar, universum Film
„In der Hülle eines zahlreiche
Vorbilder edler
und billigster Machart
dieses Genres zitierenden
Horror-Streifens begibt
sich der Regisseur auf
eine Forschungsreise
über und unter das größte
Organ des menschlichen
Körpers, die anstatt Klarheit immer weitere
Fragezeichen produziert − und die, wie von
Kritikerseite anlässlich der Uraufführung in
Cannes auch schon bemängelt wurde, zunächst
eine geradezu wissenschaftliche Kälte
ausstrahlt. Je weiter die Handlung allerdings
zu ihrem Gänsehautfinale vordringt, desto
mehr geht sie einem unter die Haut. Und wie
40
nicht selten bei Almodóvar verläuft sie nicht
linear, sondern schälen sich ihre (psycho-)logischen
Voraussetzungen und inneren Zusammenhänge
wie beim Häuten einer Zwiebel
erst allmählich in Form zahlreicher kunstvoller
Rückblenden her aus. Typisch auch, dass
die Geschichte nur in ihrer spezifischen filmischen
Verpackung zu überzeugen vermag und
in ihrer schnöden verbalen Nacherzählung
geradezu haarsträubend wirkt.“ (Christoph
Meyring in SISSY 11)
WILLIAM S. BUrrOUGhS –
A MAN WIThIN
uS 2010, Regie: Yony Leyser, indigo/Good Movies!
„Noch immer scheinen gegenkulturell
interessierte
Jugendliche Beatliteratur
im Gepäck zu haben. Mein
Heterofreund, der Schriftsteller
werden wollte, hat
später mal Drehbücher für
Sat.1 geschrieben und organisiert
jetzt alternative
Stadtführungen.“ (Siehe Seite 38.)
Off BEAT
CH 2011, Regie: jan Gassmann, edition Salzgeber
Rapper Lukas wird von
seinem Produzenten Mischa,
mit dem er auch
eine Affäre hat, fallengelassen.
Außerdem muss er
mitansehen, wie sein
Bruder Sämi auf der Bühne
und bei Mischa seinen
Platz einnimmt. „Der Regisseur
hat seinen Spielern die zu drehende
Szene jeweils mündlich erzählt und die Figuren
danach miteinander konfrontiert. Diese
herangehensweise habe dem Filmteam ‚immer
wieder dokumentarische Geschenke beschert‘
– möglicherweise auf Kosten der Dialoge. Andererseits
führen die Aufnahmen mit einer
sensiblen Handkamera und die Maxime, möglichst
nur mit vorhandenem Licht zu drehen,
zu eindrücklich düsteren, authentischen
Stadtbildern, wie man sie aus der schönen sauberen
Schweiz selten sieht. ‚Mich fasziniert
das Unperfekte, Dreckige und selbst erlebte
viel mehr als die perfekte Kamerafahrt‘, fasst
Gassmann zusammen. Gepaart mit den Rapeinlagen,
den Studiosessions und einem
grandiosen Gesangsduell der beiden Brüder
resultiert daraus ein dichter, oftmals poetischer
Musik- und Milieufilm, der die tot geglaubten
Keller einer geschichtsträchtigen
Zürcher Subkultur wieder aufleben lässt.“ (Simon
Froehling in SISSY 12).
NOOrDZEE, TEXAS
Be 2011, Regie: Bavo Defurne, edition Salzgeber
„Die Welt, die in Noordzee,
Texas kippt, ist die
von Pim, der mit seiner
Mutter Yvette in einem
windschiefen Haus in einem
kleinen Ort an der
Nordseeküste wohnt,
demselben Kaff, in dem
auch Defurne aufgewachsen
ist. Yvette ist Akkordeonspielerin und benimmt
sich wenig mütterlich. Vielleicht ist ihr
Kind deswegen so still. Sein bester Freund ist
drei Jahre älter, heißt Gino und ist genau so,
wie man sich jemanden vorstellt, der Gino
heißt: Wildes schwarzes Haar über glühenden
Augen, Lederjacke, Motorrad, kranke Mutter,
die er sehr liebt, um die er sich aber wenig
kümmert. Außerdem hat er eine Schwester, Sabrina.
Sie ist ziemlich in Pim verliebt. Der
merkt davon nichts, denn er hat nur Gino im
Kopf, und wenn sie nachts im Zelt am Strand
alleine sind oder mit dem Motorrad an einen
abgelegenen Küstenstreifen fahren, hat er Gino
auch noch ganz woanders. (…) Das Grundgefühl
in Defurnes Werk ist, auch wenn er das
vielleicht nicht gerne hört, der Wunsch danach,
die Welt durch Liebe zu heilen. Es geht
immer um Schmerz und die Möglichkeit, dass
er irgendwann aufhört, um Sehnsucht und den
Wunsch danach, dass sie gestillt werden möge,
um Schönheit und die wahnwitzige Vorstellung,
sie könnte von Dauer sein. Schwule Träume
eben.“ (Paul Schulz in SISSY 13)
ThE LOOK – ChArLOTTE rAMPLING
De/ FR 2011, Regie: Angelina Maccarone, indigo / Good
Movies!
„Maccarone, seit ihrem
Debüt Kommt Mausi
raus?! und späteren
Schmuckstücken wie
Fremde Haut und Verfolgt
verlässliche Heldin des
nichtheterosexuellen Kinos,
will hier nicht die Lebensgeschichte
der Ram-
p ling erzählen. Ihre wichtigsten Filme werden
gestreift, Viscontis Die Verdammten natürlich,
und die beiden François-Ozon-Werke Unter
dem Sand und Swimming Pool, aber klassisch
Biografisches, Anekdoten aus Kindheit und Jugend
etwa, gibt es kaum. Es geht darum, wie
diese Frau die Welt sieht, wie sie sich sieht, und
wie wir sie sehen. Die Kühle. Das Monster. Die
Verführerin. Die Künstlerin. Die Geheimnisvolle.
All das ist sie und das spielt sie, im Film
und im Leben. Hauptsache nicht belanglos.
Lieber ein Monster als nett, sagt sie an einer
Stelle, und dafür liebt man sie.“ (Daniel Sander
in SISSY 11)
AUSENTE
AR 2011, Regie: Marco Berger, pro-Fun Media
„Die Story von Ausente
folgt entlang der ersten
zwei Drittel einer Art
queerem Lolita-Motiv:
Ein junger Mann täuscht
während des Schwimmunterrichts
Schmerzen im
Auge vor. Sein Ziel ist es,
von seinem Lehrer, einem
eher unauffälligen, ruhigen Mann, zum Arzt
gefahren zu werden. In seiner Inszenierung erinnert
das alles an einen Thriller mit dem bekannten
Motiv des unbescholtenen Menschen,
in dessen Leben sich unverhofft ein Fremder
einnistet, der die Freundlichkeit seines Gastgebers
ausnutzt. Doch hier führt Ausente den Zuschauer
in die Irre, um bald eine zweite, noch
tragischere Seite zu offenbaren: Kurz nach der
Konfrontation zwischen Lehrer und Schüler
dreht sich die Erzählung um 180 Grad und Berger
rollt alles Geschehene noch einmal neu auf.
Plötzlich wird klar, dass die intime Begegnung
mit dem Jungen bei Sebastián mehr Spuren
hinterlassen hat als bislang verraten. Tiefe
Spuren. Und so widmet sich der zweite Teil des
Films den Leiden eines Mannes, in dem unverhofft
eine Sehnsucht geweckt wurde, die sich
nie einlösen lassen wird. Was der Film vorher
spannungsvoll als ein Zu-viel an (vor allem kör-
PETER KERN-
COLLECTION
Jeder kriegt
sein Fett weg!
www.fi lmgalerie451.de
perlicher) Nähe kommuniziert hat, ist nun
plötzlich ein Viel-zu-wenig. Allerdings ist es
diese Abwesenheit von Nähe und Sex, welche
die eigentliche Spannung des Filmes ausmacht
und das Begehren sowohl auf der Leinwand als
auch beim Zuschauer sogar noch verstärkt.“
(Hanno Stecher in SISSY 12)
BEAUTY
ZA / FR 2011, Regie: Oliver Hermanus, pro-Fun Media
Ein Familienvater aus der
weißen südafrikanischen
Mittelschicht entwickelt
eine unausgesprochene
Leidenschaft für den jungen
Freund seiner Tochter.
„Immer wieder verknüpft
der Film
Über wachungsbilder mit
dem Blick von François: am Strand, an dem
Christian mit einer jungen Frau liegt, in einem
Restaurant, wo zwei Männer miteinander
sprechen und sich küssen. Die Kamera bleibt
jederzeit kalt und unbeteiligt. Sie nimmt den
verrauschten Porno, in dem zwei gut aussehende
Boys mechanisch miteinander ficken, mit
der selben Gleichgültigkeit zur Kenntnis wie
die animalisch grunzenden Männer, die es vor
dem Fernseher miteinander treiben. Bevor die
Figuren des Films irgendeinen Ort in einen
Schauplatz von Gefühlen, Hoffnungen, Ängsten
verwandeln, ist die Kamera oft schon da:
Sie liegt in einem Auto, in das gleich jemand
einsteigen wird, sie steht in einem Büro, das
gleich einer betritt, sie hat sich schon in einem
noch leeren Hotelzimmer niedergelassen. Und
wenn die Filmfiguren längst schon wieder weg
sind, glotzt die Kamera mit der gleichen Neutralität
in die Gegend: Ob hier gerade etwas geschehen
ist, oder ob gleich etwas geschehen
wird, spielt für automatische Bildaufzeichnung
keine Rolle. Die erfüllten oder enttäuschten
Konventionen der Montage und die erfüllten
oder enttäuschten Erwartungen der Zuschauer_innen
sind es, die all das mit Sinn überfluten.“
(André Wendler in SISSY 13)
präsentiert neu auf DVD und als Download:
„amerikanisches independent-kino, wie man es so
wahrhaftig schon lange nicht mehr gesehen hat.“
hamburger morgenpost
Prod. Sprachen subtitles Ländercode System Laufzeit Bildformat Tonformat
D Deutsch English 0 NTSC 152 min 16:9, 4:3 ???
1986 – 2010 English
Code-free
Farbe, s/w
Extras: 8 pages booklet with A-Z index
Dieser Bild/Tonträger ist nur für private Vorführungen bestimmt. Öffentliche Vorführung, Sendung und Vervielfältigungen
jeglicher Art sind untersagt. Vermietung oder Verleih nur mit schriftlicher Genehmigung der Filmgalerie 451.
© 2010 Filmgalerie 451, Berlin | Gestaltung: Moniteurs, Berlin | Screendesign + Authoring: k2film
www.filmgalerie451.de
Wendy (Michelle Williams) ist mit ihrem
Hund Lucy auf dem Weg nach Alaska, in
der Hoffnung dort einen gut bezahlten
Sommer-Job zu finden. Als ihr Auto in
einer Kleinstadt in Oregon seinen Geist
aufgibt und das knappe Budget keine
Reparatur erlaubt, sieht sich Wendy mit
mehr als einem Problem konfrontiert.
Denn sie wird beim Stehlen von Hundefutter
erwischt, und während sie in Polizeigewahrsam
ist, verschwindet auch noch
Lucy.
♥ ♥ ♥ ♥ ♥ ♥ ♥ ♥ ♥ ♥
„ein vollkommenheit dieses f ilms ist
weder kalkuliert noch eingepaukt.
es ist die stimmigkeit von lyrik.
wie von selbst setzen sich ihre diskreten
bilder zueinander in beziehung
und schliesslich unter die haut.“
frankfurter rundschau
„amerikanisches independentkinogheth,
wie man es so wahr-
haftig schon lange nicht mehr
gesehen hat.“ Hamburger morgenpoSt
ISBN 978-3-941540-31-6
domenica
45367
peter Kern-
coLLection
Jeder kriegt
sein Fett weg!
CODEPENDENT LESBIAN
SPACE ALIEN SEEKS SAME
uS 2011, Regie: Madeleine Olnek, pro-Fun Media
Immer wenn man glaubt,
so ziemlich jede queere
Lovestory schon gesehen
zu haben, kommt eine
Idee aus den USA und beweist
das Gegenteil. Auch
wenn die Assoziationen
bei diesem Sci-Fi-Trash
nur so sprießen, ihre Mischung
macht’s: Schon der Trailer wirkt, als
hätte Regisseurin Madeleine Olnek eine Invasion
à la Iron Sky und die Bastelfreude von Ijon
Tichy mit dem Soundtrack von Raumschiff
Edelweiß kombiniert. Nach einem dicken Joint
vermutlich. Denn anstatt einer lesbischen Fantasie
von Star-Trek-Figuren entsprechen ihre
Protagonistinnen eher Nosferatus kleinen
Schwestern, mit ihren Glatzen und den hoch
gestellten Umhangskragen.
Sie stammen vom Planeten Zots und werden
zur Erde verbannt, weil ihre Gefühlswellen
angeblich die Ozonschicht zerstören. Ihre Mission:
Sich von Erdlingen das Herz brechen zu
lassen, denn erst gefühlskalt gestellt und damit
ungefährlich für das Ökosystem dürfen sie
nach Hause zurück. Dabei scheint es zunächst
eher abwegig, dass diese Wesen überhaupt
emotional agieren. Sie verziehen keine Miene,
reden monoton wie Roboter und ihr Lachen
entpuppt sich beim ersten (Kino-)Date als mechanisch-lautes
Ausrufen der Wörter „Ha! Ha!
Ha!“ Ins Herz schließt man Zoinx, Barr und
Zylar dann aber doch. Zum Beispiel, weil sie
stundenlang vor einer selbstdrehenden Dessertauslage
stehen. Zum Heulen, wie der ersehnte
Käsekuchen sich immer wieder von ihnen fortbewegt!
Und all das nur, um sich mit traurigen
Szenen abzustumpfen und so das Liebesverbot
zu umgehen.
Kein Wunder, dass diese Low-Budget-Produktion
ein Publikumshit beim Sundance Festival
2011 war. Sogar Geheimagenten sowie die
echte Nachricht eines Ufos über Chelsea spie-
Die Lebensgeschichte
von Deutschlands
prominentester Hure
DOMENICA DOMENICA
mit der echten
Domenica!
♥ ♥ ♥ ♥ ♥
anDrea FerréoL
nicoLette Krebitz
♥ ♥ ♥ ♥ ♥
Hans michael rehberg
christoph Schlingensief
„Ein spektakulärer Film!“

frisch ausgepackt frisch ausgepackt
len darin eine Rolle. Auch lesbische Klischees
nimmt Madeleine Olnek klug aufs Korn: Barr
und Zylar stellen Lichtjahre von der Heimat
entfernt fest, dass sie eigentlich ganz gut zusammen
passen, wäre da nicht Zylars unverbesserlicher
Hang zur Polygamie. Und dann ist
da noch Erdling Jane, die hinterm Tresen eines
New Yorker Schreibwarenladens verstaubt und
von der großen Liebe träumt. Da kommt Zoinx
gerade richtig. Wen stören schon Kiemen und
ein extravaganter Tanzstil, wenn man endlich
nicht mehr allein einschlafen muss?
Lisa Haas, die schon als wandelnder Geldschein
im schrulligen Kurzfilm Dyke Dollar
amüsierte, gibt das Nerd Girl, als spiele sie sich
selbst und nicht in einer Schwarzweiß-Komödie
über Außerirdische. Die, ganz nebenbei,
eine der charmantesten physischen Liebesbekundungen
der Filmgeschichte serviert. Kultverdächtiges
Zitat inklusive: „Du hast meine
Nase so zärtlich berührt, dass die Haut sich
geschält hat.“ (MS)
SING! INGE, SING!
De 2011, Regie: Marc Boettcher, edition Salzgeber
„Es gab einen Star in
Deutschland, den kennt
heute niemand mehr.
Eine Jazzsängerin, die
nur eine kaum vorbereitete
Platte machen konnte,
eine Diva ohne Gefolgschaft.
Jemand, der zur
falschen Zeit am falschen
Ort war, um es mit Cole Porter zu sagen (beide
wussten, wovon sie sprachen). (…) Marc Boettcher
fährt unglaubliches Material auf, um vom
Leben der Inge Brandenburg zu erzählen, die
Leinwand quillt über davon, sie muss manchmal
geteilt werden, um alles unterzubringen.
Jeder wichtige Augenblick ist dokumentiert,
42
das ganze Nachkriegsdeutschland zieht an einem
vorbei, miefige Innenstädte, anständige
Bürger, Musiker mit Brille, im Anzug. Irgendwann
bellt Hitler, Bomben fallen auf Vietnam,
in der linken Bildhälfte dreht sich Inges erste
Single ‚Goody, goody!‘ Ein Band im Schlagerfilm
auf Schlittschuhen. Das alles ein liebevoller
Irrsinn, aus dem immer wieder Inge Brandenburgs
blitzende Augen aufscheinen, ihr
riesiger Mund mit den perfekten Zähne und
ihre Stimme zu hören ist, neben der alles andere
sofort stillsteht und aufhorcht.“ (Jan Künemund
in SISSY 11)
SEChS MAL VErLIEBT
CH/uK/Au/uS 2009–10, edition Salzgeber
„Kann man mit ziemlich
willkürlichen Vergleichen
tatsächlich das Staunen,
den Witz, die Verwirrung
und das
Angemacht-Sein beschreiben,
dass mich hier
in sechs verschiedenen
Geschichten ergreift?
Muss ich nicht einfach das Besondere erwähnen,
das jede einzelne davon auszeichnet? Die
durchgeknallte Fischi-in-den-1980ern-Szenerie
in Franswa Sharl zum Beispiel oder die verstörende
emotionale Zer ris senheit, die sich am
Ende von L’Ami enthüllt, nachdem man zuerst
eine nette kleine Gay-Teenie-Romanze zu sehen
glaubte? Die Geschichte einer Erniedrigung,
die sich am Ende als Kick entpuppt
(Spring), die großartige Beziehung eines Jungen
und seiner Mutter, die es beide nicht erwarten
können, flachgelegt zu werden (Cappuccino),
die glasklar in den Bildern
durchgespielte Liebesbeziehung, die der Held
durch sein unsicheres Geschwätz beinahe verhindert
(Bedfellows), schließlich das erotische
BARNSTEINER FILM
PERNILLA AUGUST
LUDWIG PALMELL
HUANG HE RIVER
MISS
KICKI
EIN FILM VON
HÅKON LIU
AB 26. JULI IM KINO
Spiel zweier Nachbarn, das zur Katastrophe
führt (Blokes)? Jetzt schreibt man hier gerne
sowas wie ‚eine Reise durch …‘, ‚ein Mix aus …‘
oder betont ein Spektrum oder eine Spannbreite.
Ich kann nur einen Kinoabend empfehlen,
der zwar aus unterschiedlichen Teilen besteht,
der sechs Anfänge hat, sechs Pointen und
sechs Helden, den man aber trotzdem nicht
durch sechs teilen möchte. Dazu hat man am
Ende zu viel erlebt. Im besten Fall: sich sechsmal
verliebt.“ (Richard Garay in SISSY 12)
JITTErS –
SChMETTErLINGE IM BAUCh
iS 2010, Regie: Baldvin Z, edition Salzgeber
„Die ordentliche Welt der
beiden Englischschüler
aus Island gerät ins Zittern,
als sie sich an einem
Abend nach der Kneipe
atemholend unter einem
Baum zu küssen beginnen.
Das Ganze ist unspektakulär,
dauert nicht
lange, vielleicht eine Bildstörung. Der Aufschlag
dann, aus der dünnen Luft dieses Nicht-
Ortes einer School of English lässt, zurück in
Island, scheinbar auf sich warten. Jitters
schwenkt auf die Freundesgruppe Gabriels, deren
Mitglieder alle, ihn mit eingeschlossen, in
ihren jeweiligen jugendlichen Sommerferienalltagen
Ordnung ins Chaos ihrer Lebenszeit
zu bringen versuchen. Zusammengefasst, hier
handelt es sich um einen Film, für den Zuschauende
zwischen, sagen wir, vierzehn und
neunzehn Jahren sein sollten, damit der Spaß
daran am größten ist – gleich, wie ernsthaft
Chaos und Ordnung im Film erzählt werden
(Filmeschauen darf nicht, sondern sollte nach
Möglichkeit Spaß bereiten). Dafür wurde Jitters
verdientermaßen ausgezeichnet. Seine
www.barnsteiner-film.de
Hauptfigur ist ein Held, der zwar scheinbar
nichts mit Bruno’s ‚Superhelden‘ (‚mit Superausstattung‘)
gemein hat, dafür wohl aber für
eine Mehrheit aller jugendlichen Zuschauenden
als Identifikationsfigur dienen kann. Ich
bezweifele nur, dass die Mehrheiten in duftigen
Betten eines kuscheligen Schlafzimmers
ihre späte Adoleszenz verbringen, sei’s drum.
Coming-Out ist in dieser Coming-of-age-Geschichte
dezentral. Und gerade das macht Jitters
zu einer spannenden Bildstörung, die vielleicht
in Klassenzimmern ausgetestet werden
sollte.“ (Biru David Binder in SISSY 11)
BITE MArKS
uSA 2012, Regie: Mark Bessenger, pro-Fun Media
Man muss Trash schon
sehr, sehr mögen und ein
großer Fan von campen
halbnackten Vamps sein,
um an Bite Marks Freude
zu haben. Wenn das gegeben
ist, hat man an diesem
Festival des schlechten
Geschmacks allerdings
einen Höllenspaß, egal wie hanebüchen die
„Zwei schwule Trapper treffen einen Trucker
mit 30 Untoten auf der Ladefläche, die ihnen
nächstens auf einem einsamen Schrottplatz die
Klamotten vom Leib reißen, um sie zu
vernaschen“-Geschichte auch sein mag. Denn
Regisseur und Drehbuchautor Mark Bessenger
schenkt sich und seinen Darstellern nichts, bis
nicht auch das letzte Bisschen cineastisches
Leben aus Bite Marks verschwunden ist. Der
Film will eine Komödie sein, ist allerdings nur
unfreiwillig komisch, es sei denn man steht auf
kompletten Krawall und will seine Blutsauger
absolut beknackt. Aber solche Leute soll es ja
geben, wie sonst wäre der Erfolg der Twilight-
Reihe zu erklären? Seufz. ps
Triff uns auf dem CSD
und auf www.iwwit.de
BULLhEAD
Be 2011, Regie: Michaël R. Roskam, Rapid eye Movies
Um in der Logik des Gezeigten
zu bleiben, müsste
man jetzt sagen: Ein
kraftvoller Film! Allein
die Geschichte haut einen
um: Auf abgeschiedenen
flandrischen Weideställen
wird der Natur mit
Wachstumshormonen
nach geholfen, eine auf den Handel damit spezialisierte
Mafia macht Geschäfte und übt
Druck aus, staatliche Behörden (die „Hormonjäger“)
versuchen, die illegalen Netzwerke zu
durchtrennen und schleusen ihre Spitzel ein.
In diesem gewalttätigen und ziemlich dumpfen
Milieu wird die Geschichte eines entmannten
Jungen erzählt, der seiner eigenen Natur mit
entsprechenden Substanzen nachhilft und dabei
zum Stier wird. Ein Fest ist das für jede
Genderforscherin, zumal die Männer in diesem
Film nichts anderes zu interessieren
scheint als ihre Männlichkeit, ob sie nun als
Gangster, Bullen, Schwule, Flamen, Wallonen,
Opfer, Mörder oder Schwachsinnige agieren.
Aber ob der Film selbst Eier hat, ist die Frage.
Phasenweise wirkt er selbst wie nach einer
Hormonbehandlung, scheint mit einer künstlichen
Muskelschicht über einer ziemlich
schwachbrüstigen Haltung seinen eigenen Figuren
und Themen gegenüber ausgestattet.
Zeitlupen, Streicherorgien, aufgeputschtes
Schauspiel drücken ordentlich auf die Tube,
wo man sich eigentlich an den vernachlässigten,
aber geheimnisvollen Landschaften und
der unglaublichen Hauptfigur, die Matthias
Schoenaerts so gebrochen verkörpert, satt sehen
möchte. (Die schönste Szene: der Rinderzüchter
in der Parfümerie). Am Ende ist das
natürlich (?) eine Geschmacksfrage. Schoena-
erts wurde gleich danach vom nächsten Regisseur
des Testosteron-Arthauskinos engagiert
– Jacques Audiards (Der Prophet) Film Rust
And Bone hatte gerade in Cannes Premiere. Da
geht’s nicht um Rinder, sondern gleich um
Wale. Think bigger. jk
LUCIAS rEISE
it/ AR 2010, Regie: Stefano pasetto, pro-Fun Media
Die Figuren in dieser Girlmeets-Girl-Konstellation
könnten kaum unterschiedlicher
sein: Die lebenslustige
Lea, die in einer
tristen Hühnerfabrik
arbeitet, kein Geld hat,
um ihr undichtes Dach zu
reparieren und sich doch
über jede noch so schwierige Situation mit einer
witzigen Bemerkung rettet. Und Stewardess
Lucia, Gattin eines reichen Arztes, die lebt
wie im goldenen Käfig. Oberflächlich hat sie
alles, was das Herz begehrt, doch eine Fehlgeburt
und ein Selbstmordversuch machen deutlich,
dass ihr Mann zwar Geld, aber kein Gehör
für ihre Probleme hat.
Über das Klavierspiel kommen die beiden
Frauen sich näher. Lucia, deren Arzt ihr dringend
rät, zu lachen und das Leben zu genießen,
gibt Lea Unterricht und lässt sich nach anfänglichem
Fremdeln von ihrer Impulsivität anstecken.
Aus Freundschaft wird Sex, wie als Abschiedsgruß
von Lea, deren Traum von einem
Job als Meeresbiologin in Südamerika plötzlich
erfüllt wird. Kurzerhand reist die Klavierlehrerin
ihr hinterher – und muss feststellen,
dass Leas Freiheitsstreben größere Folgen hat,
als ihr lieb ist.
In Lucias Reise steht die Liebesbeziehung zwischen
zwei Frauen nicht im Mittelpunkt, sie ist
nur der Katalysator eines größeren Selbstfin-

frisch ausgepackt profil
dungsprozesses. Was beide verbindet, ist ihre
Zerbrechlichkeit hinter vermeintlicher Stärke:
Lea, die nicht im Plural denken kann, vor einem
Heiratsantrag abhaut und einem Vater gefallen
möchte, der sich nicht um sie kümmert.
Und Lucia, die eine Diagnose verdrängt, ihre
Gedanken lieber auf Zettel schreibt und diese
anschließend zerknüllt, anstatt sich jemandem
anzuvertrauen.
Sie beide haben einen Befreiungsschlag bitter
nötig. „Was verschlägt einen hierher, die Flucht
vor etwas?“, fragt Lea sie, viele Kilometer von
Zuhause entfernt. „Oder man folgt einem inneren
Ruf, so wie wir. Nur ist der Unterschied
zwischen beiden Gründen nicht immer so
klar“, antwortet Lucia.
In wunderschönen Aufnahmen der kargen
Landschaft von Patagonien und Feuerland hadern
sie mit ihrem Schicksal. Ein Happy End,
das wird schnell klar, muss hier nicht zwangsläufig
gemeinsam stattfinden. Zu oft schweift
die Kamera zurück nach Buenos Aires, um
einzufangen, was der Weggang der beiden
bei den Zurückgelassenen auslöst. Nicht vom
Outing-Prozess zweier Menschen, die aus heterosexuellen
Verhältnissen kommen, erzählt
Regisseur Stefano Pasetto. Sondern von ihrer
Suche nach einem Leben, das sie wirklich führen
möchten. ms
LA-LA LAND
uSA 2012, Regie: Casper Andreas, pro-Fun Media
La-La Land ist eine Literaturverfilmung.
Andy
Zeffers Roman „Going
Down in LA-LA-Land“ ist
eine hübsche, fiese Abrechnung
mit Hollywood:
Adam kommt aus der Provinz
in die Filmhauptstadt
der USA und landet
in einem Strudel aus miesen Jobs, anzüglichen
Angeboten, Prostitution, Pornografie und
Freunden, die nichts interessiert außer Ruhm
und Geld. Ein schlimmes Leben. Aber halt, LA-
LA Land ist eine Komödie mit bitteren Untertönen
und lässt sich, genau wie sein Hauptcharakter,
den Spaß an der Sache durch die
furchtbaren Umstände nicht verderben. Regisseur
und Drehbuchautor Caspar Andreas
schafft den Spagat zwischen sehr, sehr unterschiedlichen
emotionalen Tönen mühelos und
lässt sich dabei noch nicht einmal vom nicht
vorhandenen Talent seines Hauptdarstellers
Matthew Ludwinski unterkriegen, der ungefähr
zwei Dinge spielen kann, dafür aber bei
beiden sehr hübsch aussieht. Die Nebenrollen
füllen einige der bekanntesten Hollywoodhomos
Amerikas, z.B. Alec Mapa und Bruce
Vilanch. Ingesamt: sehr vergnüglich, stellenweise
genüsslich gemein und ein Fleischerladen
für Oberkörper. Könnte alles schlimmer
sein. ps
44
EATING OUT 5: ThE OPEN WEEKEND
uSA 2012, Regie: Q. Allan Brocka, pro-Fun Media
Es hört einfach nicht auf.
Fünf (!) Teile hat die Eating-Out-Reiheinzwischen
und Mastermind Q.
Allan Brocka hat so gut
wie jedes schwule Porno-
Setting durch: Drama
Camps, Studentenwohnheime,
CSDs etc. Weil die
„schöne Jungs erzählen dreckige Witze und
ziehen sich dabei aus“-Filmchen aber jedes Mal
ein solch durchschlagender Erfolg sind, geht es
immer, immer, immer weiter. In The Open
Weekend treffen unsere Helden Zack und Casey
in einem Resort in Palm Springs aufeinander,
in das Zack und sein neuer Freund Benji
eigentlich gefahren sind, um ihre Beziehung
für ein Wochenende zu öffnen. Das Unvermeidbare
geschieht: Sexuelles Kuddelmuddel
vom Allerfeinsten, man muss ab und an zurückspulen
um zu verstehen, wer da jetzt gerade
für wen und warum die Hosen runter gelassen
hat. Das Schöne: Lesben und Transsexuelle
sind immer ein selbstverständlicher Teil des
sexuellen Gesamtpakets, da gibt es gar keine
Diskussion, und die Witze erreichen oft den
politisch unkorrekten Derbheitsgrad von John
Waters. Auf Teil sechs werden wir wohl nicht
lange warten müssen. ps
DIE BANKIErSfrAU
FR 1980, Regie: Francis Girod, Studiocanal
Die Sissi-Trilogie gibt es
schon als Schneekugeledition,
aber dieser Film
hier erscheint dieser Tage
tatsächlich erstmals auf
DVD. Eine gereifte, autoritäre,
makellose Romy
Schneider spielt am Ende
ihrer Karriere die lesbische
Bank-Chefin Emma Eckhert, die immer
wieder zur „Schande“ erklärt wird und sich
doch nie klein kriegen lässt. Inszeniert wird
das in großer Kulisse als beschwingtes Biopic,
in dem alles in Geldwert gemessen wird: „Ich
treibe dich hoch wie eine Aktie!“, sagt Emma
zu ihrem Geliebten; „Als ich dir meine erste
Million gab, hast du mich geliebt!“, beklagt
sich die Freundin. Die Frauenfigur, die Romy
Schneider weniger spielt als ausstrahlt, hat für
jedes Spiel einen Einsatz und zockt besser als
alle anderen. Mit dem Geld von Vätern, Männern,
Geliebten setzt sie sich ins Visier der altherrischen
Konkurrenten, die mit sich selbst
Schach spielen und hilflose Intrigen anzetteln.
Vertrauen kann die Bankiersfrau auf ein
Netzwerk kluger Frauen, emanzipierter Männer
und ihres allwissenden Sohnes, vor dessen
Augen sie schließlich durch eine Gewehrkugel
der Ewiggestrigen hingerichtet wird. Vorher
war die Kamera vor Ehrfurcht in die Untersicht
abgesackt, eine Inszenierung, wie sie
sonst Heiligen und Diktatoren zugestanden
wird.
In den altmodischen Kulissen wirbelt der Star
Staub auf, veredelt das Design, erwirtschaftet
Zinsen und Mehrwerte. Und doch schafft es
Romy Schneider, diese Anwältin der kleinen
Leute, die Rebellin der Finanzwirtschaft und
Inbegriff weiblicher Freiheit als Mensch erscheinen
zu lassen. Wie schon Claude Sautet
über seine Lieblingsschauspielerin gesagt hat:
„Sie hat eine Art von Anständigkeit, die aus ihr
selbst herausstrahlt und die sie unabhängig
macht.“ jk
die Sichtbarmacherinnen
von dAnielA zySk
Normalerweise stellen wir in der Rubrik „profil“ ja Kinos oder insitutionen vor, in denen man nicht-heterosexuelle Filme sehen
oder erwerben kann. Aber bevor man weiß, was man sehen will, muss man ja erst mal wissen, was es gibt. Was insbesondere
die lesbischen Spuren in der Filmgeschichte angeht, kann man sich dank ingeborg Boxhammer und Christiane Leidinger über
mangelnde informationen nicht beklagen: ihr Webportal lesbengeschichte.de ist gerade in der Rubrik „Frauen und Film“ allwissend
und sehr hilfreich – und das in elf Sprachen!
„Lesbian desire is everywhere,
even as it may be nowhere.“
Martha Vicinus
s Mit diesem Satz wird die Webseite www.
lesbengeschichte.de eigenleitet und dies ist
auch Programm und Inhalt dieses wichtigen
Online-Auftritts der zwei verantwortlichen
Macherinnen Ingeborg Boxhammer und
Christiane Leidinger. In thematisch unterteilten
Bereichen wird an die deutsche Lesbengeschichte
erinnert und vieles ausführlich
vorgestellt, was zu ihrer Sichtbarkeit
beiträgt oder beigetragen hat.
So finden sich unter „Politik und Subkultur“
Informationen über die Anfänge der lesbischen
Subkultur zu Zeiten des Kaiserreichs
bis zum Ende des Zweiten Weltkrieges. Dort
erfährt eine/r z.B., dass bereits am 9. Oktober
1904 die selbstbewusste Anna Rüling
(eigentlich: „Theo Anna Sprüngli“) sich und
andere Lesben als homosexuell bezeichnete
und somit die weltbekannte „erste lesbenpolitische
Rede“ schuf.
Unterlegt sind die zahlreichen Informationen
mit verschiedenen Fotobeiträgen damaliger
Frauenzeitschriften wie „Die Freundin“
oder „Frauen-Liebe und Leben“. Auch einige
spannende „Zitate“ früherer Feministinnen
und Vorkämpferinnen der Frauenbewegung
lassen sich nachlesen: Johanna Elberskirchen
verkündete z.B. im Jahre 1904 über die
Diskriminierung von Homosexuellen: „Sind
wir Frauen der Emanzipation homosexuell
– nun dann lasse man uns doch! Dann sind
wir es doch mit gutem Recht. Wen geht’s an?
Doch nur die, die es sind.“ Selbst über 100
Jahre später haben diese starken und kämpferischen
Worte nicht an Kraft verloren.
Die „biografischen Skizzen“ präsentieren
Porträts interessanter Frauen, die mit ihrem
Leben und Wirken in frühen Jahren des 20.
Jahrhunderts einen wichtigen Grundstein
zur Sichtbarkeit lesbischen Lebens in der
heuten Zeit gesetzt haben. Es kann dort nach
Biografien vor und nach 1945 gesucht werden.
Interessantes und historisch Wertvolles
verspricht auch die Kategorie „Regionalgeschichte“,
in der die historischen Anfänge der
Berliner Lesbenszene anhand einer Einführung
des Lesbenclubs „Die lustigen Neun“
in den Zeiten des Nationalsozialismus und
der damit verbundenen Repressionen dokumentiert
werden. Im Umfeld dieses Kegelclubs,
der im Jahr 1924 gegründet worden
war, gab es trotz schwieriger Umstände Veranstaltungen
mit bis zu 200 Gästen – wenn
auch streng beobachtet von der Gestapo. Die
Überwachungsprotokolle dienen aber eben
SCReeNSHOt: LeSBeNGeSCHiCHte.De
Jahre später als Zeitzeugnis über das Selbstverständnis
lesbischer Frauen zu dieser Zeit.
Der Bereich „Lesben und Film“ erscheint
besonders umfangreich. Detailliert und in
Spielfilm- und Dokumentationslisten untergliedert,
liegt hier sicher eine der umfassendsten
Sammlungen von lesbenrelevanten
deutschen oder deutschsprachigen Filmproduktionen
vor.
Beginnend mit einem Spielfilm aus dem
Jahr 1911 (Das Barmädel), der offenbar
wegen „frivoler schwuler Liebesszenen“ verboten
wurde, bis hin zu aktuellen Kino- und
TV-Filmen wie Das traurige Leben der Gloria
S. oder auch der Tatort: Im Abseits aus
dem Jahr 2011, lassen sich hier etliche Filminhalte
nachlesen. Die Sammlung wird von
Ingeborg Boxhammer regelmäßig erweitert,
die sich mit ihrem Buch „Das Begehren im
Blick – Streifzüge durch 100 Jahre Lesbenfilmgeschichte“
(2007) einen Namen als Lesbenforscherin
und Filmkritikerin gemacht
hat. Für sie und ihre Arbeitspartnerin, die
Berliner Politologin Christiane Leidinger,
ist das Projekt „Lesbenfilmgeschichte“, das
im November 2005 online geschaltet wurde,
sicher eine Lebensaufgabe. Die zwei Frauen
leisten damit ihren eigenen bemerkenswerten
Beitrag zur Sichtbarkeit von lesbischen
Leben, der sicherlich kommende Generationen
von lesbischen Frauen nachhaltig positiv
beeinflussen wird. s
www.lesbengeschichte.de
--daniela
Zysk ist Vorstandsmitglied der Filminitiative
„Homochrom e.V.“, die ab Juli neben
der erfolgreichen schwulen auch eine lesbische
Filmreihe starten wird (www.homochrom.de/
lesbisch). Außerdem stellt sie am 1. Juni ihr
eigenes Onlinemagazin für „Lesben, Bisexuelle
und alle Frauen die Frauen lieben“ vor:
www.phenomenelle.de. Dort gibt es natürlich
auch Filmempfehlungen.
---
45

abspann
dVd-BezugSqueLLen
Nicht-heterosexuelle DVDs erhalten Sie unter anderem in den folgenden Läden. Die Auswahl
wird laufend ergänzt. Bitte helfen Sie uns dabei!
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Nicht-heterosexuelle Filme können Sie unter anderem in den folgenden Kinos sehen. Die Auswahl
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auch das noch …
Regisseurin Katarina Peters bei den Dreharbeiten zu „Man For A Day“.
ISSN 1868-4009
eDitiON SALZGeBeR
»Ein großartiges Stück Kino,
aus dem man als Zuschauer
berührter, schlauer und
besser unterhalten rausgeht,
als man es zu Beginn des Films
gewesen ist.«
M Ä N N ER
»Nur wenige Coming-of-Age-
Geschichten sind in so
poetischen und zugleich
so wahrhaftigen Bildern
erzählt wie diese.«
H A MBURGER MORGENPOST
»Ein liebenswertes,
hoffnungsfrohes und
souveränes Debüt!«
FIL MDIENST
»Der Film erzählt
berührend und dicht
von Freundschaft,
Familie und der
Gefühlsachterbahn
erster Liebe.«
T I P
JETZT AUF DVD

DIANE TORR
EIN FILM VON KATARINA PETERS
»Starke Protagonistinnen,
denen man stundenlang
dabei zusehen könnte, wie sie
ganz neue Facetten ihrer
Persönlichkeiten entdecken.«
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»Sensible Einblicke
in ganz unterschiedliche
Frauenleben, eine neue
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