budapest festival ORCHestRa - Meister & Kammerkonzerte

meister&kammerkonzerte
budapest
festival
ORCHESTRA
iván fischer dirigent
alexander toradze klavier
4. meisterkonzert, mo 20. jänner 14, 20 uhr
congress innsbruck, saal tirol

2 meister&kammerkonzerte
—notizen—
Ein Hauch vom Orient
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Aleksandr Borodin (1833–1887)
„Polowetzer Tänze“ (1875–79)
aus dem 2. Akt der Oper „Fürst Igor“
Introduzione: Andantino –
Tanzlied der Mädchen: Con espressivo e dolce –
Tanz der Männer: Allegro vivo –
Lobpreisung des Khans: Allegro –
Tanz der Knaben und Mädchen, allgemeiner Tanz:
Presto – Moderato alla breve –
Presto – Allegro con spirito – Più animato
Sergej Prokofjew (1891–1953)
Konzert für Klavier und Orchester Nr. 3 C-Dur
op. 26 (1917/1921)
I Andante – Allegro
II Tema con Variazioni: Andantino
III Allegro ma non troppo
Pause
Pjotr Iljitsch Tschaikowski (1840–1893)
Symphonie Nr. 6 h-Moll op. 74 „Pathétique“ (1893)
I Adagio – Allegro non troppo – Andante –
Allegro vivo – Andante come prima
II Allegro con grazia
III Allegro molto vivace
IV Finale. Adagio lamentoso – Andante – Andante giusto
Verehrtes Publikum,
Wir danken Alexander Toradze, der den Solopart in Prokofjews Klavierkonzert
Nr. 3 von dem ursprünglich für dieses Konzert angekündigten
Pianisten Alexej Lubimov übernommen hat.
19 Uhr, Kristallfoyer, 1. Obergeschoß:
Einführungsgespräch zum Konzert
Aleksandr Borodins „Polowetzer Tänze“ treffen
ins Herz des russischen Heldentums, führen aber auch
ins Showbiz der USA. Das mittelalterliche „Igorlied“, ein
Epos der Rus, schildert die vernichtende Niederlage des
Heeres des russischen Fürsten Igor gegen die Mannen
der Polowetzer. Die Polowetzer (auch Kiptschaken oder
Kurmanen) waren ein turksprachiges Volk, das es im
Laufe seiner wechselvollen Geschichte
aus dem orientalischen
Süden Russlands und der Nähe
zu Persien über Gebiete an der
Wolga und in der Ukraine bis
nach Ungarn verschlagen hat.
Borodin hat den Stoff des
„Igorliedes“ als Oper nach
einem Szenario des russischen
Historikers und Kunstkritikers
Vladimir Stassow gestaltet. In der
Oper erklingen die „Polowetzer
Tänze“ als Ballett- und Chormusik
am Ende des zweiten Aktes: Der Khan Kontschak
hält im Polowetzer Zeltlager den Fürsten Igor gefangen;
im Morgengrauen beginnen die Mädchen, Knaben und
Soldaten der Polowetzer um das verlöschende Lagerfeuer
zu tanzen und feiern schließlich zusammen mit
dem Khan in wilder Freude den Sieg gegen die Russen.
Als reine Orchesterstücke setzten sich die Tänze
erfolgreich im Konzertsaal durch. In den Fünfzigerjahren
des 20. Jahrhunderts gingen ihre Melodien und Rhythmen
auch dem amerikanischen Musicalpublikum ins Ohr.
Robert Wright und George Forrest bedienten sich für das
Musical „Kismet“ nach einem Theaterstück von Edward
Knoblock der Musik von Borodin. Nach dem Erfolg am
Broadway wurde „Kismet“ auch im Londoner West End
zum Kassen schlager. Die Oboen- und Englischhorn-Weise
aus der Introduktion der Tänze, die im Musical zum „Tanz
der Jungfrauen“ erklingt, landete außerdem in einem
Arrangement als Song „Strangers in Paradise“ einen Hit,
gesungen von Stars wie Bing Crosby und Tony Bennett.

4 meister&kammerkonzerte
—notizen—
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Die verführerischen Melodien, die entfesselte Rhythmik
und viele gewagte harmonische Wendungen ergeben
ein exotisches Kolorit: Durch kreisende Tonfolgen,
verminderte und übermäßige Tonschritte, flimmernde
Akkord rückungen und ritualische rhythmische Muster
weht ein Hauch von Orientalik durch die Tänze. Eine
faszinierende musikalische Schöpfung. Dabei war Borodin
eigentlich nur ein Freizeitkomponist. Denn der studierte
Mediziner und Chemiker wurde von seinem naturwissenschaftlichen
Beruf als Professor für organische
Chemie an der medizinisch-chirurgischen Akademie von
St. Peters burg vollends ausgefüllt. Seine Forschungstätigkeit
in der Chemie führte zu bedeutenden Ergebnissen:
Die Borodinische Silberdecarboxylierung und die
Hunsdiecker-Borodin-Reaktion tragen seinen Namen.
Seine Experimentierfreudigkeit erstreckte sich aber
nicht nur auf die Chemie, sondern auch auf die Musik.
Borodin schloss sich der russischen Künstlergruppe
des „Mächtigen Häufleins“ rund um Mili Balakirew und
Modest Mussorgski an. Er hatte nicht viel Zeit zu komponieren,
leistete aber mit zwei vollendeten Symphonien,
der „Steppenskizze aus Mittelasien“, Liedern und der Oper
„Fürst Igor“, an der er fast zwei Jahrzehnte lang arbeitete,
kühne und zuhöchst originelle Beiträge zur Ausprägung
einer „nationalen“, eigenständigen russischen Musik.
Nach der Revolution
Sergej Prokofjew begann nach erstem Klavierunterricht
bei seiner Mutter im Alter von 13 Jahren mit dem
Musikstudium am St. Petersburger Konservatorium.
St. Petersburg war damals der kulturelle und geistige
Mittelpunkt Russlands. Aus der Musikwelt trafen sich hier
internationale Größen wie Richard Strauss und Max Reger,
Maurice Ravel und Claude Debussy. Parallel zum Klavier
entwickelte Prokofjew ein immer stärkeres Interesse am
Komponieren. Mit seinen ersten beiden Klavierkonzerten
setzte der junge Stürmer und Dränger das Publikum nicht
nur in Erstaunen, sondern schockierte es. Dann brachte
die Politik die Welt, in der Prokofjew lebte, durcheinander.
Der Musiker konnte sich den umwälzenden Ereignissen
in St. Petersburg, das damals Petrograd hieß, im Jahr
1917 zunächst nicht entziehen. „Die Februar-Revolution
wurde von mir und den Kreisen, in denen ich verkehrte,
freudig begrüßt.“ Doch dann schien Prokofjew allmählich
zu erkennen, dass ihm die gerade im Entstehen
begriffene Sowjetunion keine Basis für eine gesicherte
künstlerische Betätigung zu bieten vermochte.
In den Vereinigten Staaten fand Prokofjew uneingeschränkte
Anerkennung – zunächst als Pianist. Der
Komponist Prokofjew musste quasi von vorne beginnen
und sich eine Reputation
erkämpfen. „Ich war viel zu
früh hingekommen: das Kind
Amerika war für neue Musik
nicht erwachsen genug. Wieder
nach Hause? Aber durch welche
Tore? Von allen Seiten war
Russland von den weißen Fronten
eingeschlossen.“ Ein Ausweg war
Westeuropa. Wie viele andere
russische Künstler wurde der
Komponist in Paris mit Begeisterung
aufgenommen. Prokofjew
sah sich im Mittelpunkt der französischen Kunstwelt.
Henri Matisse zeichnete ein Porträt von ihm. Die Sommermonate
1921 verbrachte Prokofjew in der Bretagne, wo
er auf einen russischen Künstlerfreund, den emigrierten
Dichter Konstantin Balmont, traf. Prokofjew vertonte
Verse von ihm und spielte ihm Teile aus seinem neuen
Klavierkonzert Nr. 3 C-Dur vor. Den Dichter inspirierte
die Musik zu einem Sonett unter dem Titel „Troisième
Concerto“. Die Uraufführung des neuen Konzerts fand
dann Ende 1921 in den USA statt – und brachte endlich
einen heißersehnten Erfolg! Prokofjew spielte
selbst den Solopart, begleitet vom Chicago Symphony
Orchestra unter der Leitung von Leopold Stokowski.
Im 3. Klavierkonzert hat Prokofjew seinen avancierten
Stil in ein adrettes Gewand gekleidet, dessen pianistischer
Stoff es aber in sich hat: Toccata-gleiche Abschnitte
mit einer Ballung an Akkordreihen und Oktavgriffen,
dynamische Motorik, expressive melodische Bögen und
zwischendurch extrem schwierige Fingersätze für un-

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—notizen—
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gewöhnliche Akkordstellungen. Vom Orchester werden
rhythmische Raketen gezündet und schillernde und
funkelnde Klangfarbenteppiche ausgelegt. Der Großteil
des Werkes entstand im bretonischen Sommer 1921, aber
Ideen reichen in die revolutionären Jahre zurück, so das
Gavotte-Thema des Mittelsatzes und das scherzo artige
Hauptthema des Finales, das dem Entwurf zu einem
dann nicht ausgeführten Streichquartett mit vorzeichenlosen
Tönen entstammt und im Klavierkonzert auch
ausschließlich auf den weißen Tasten gespielt wird.
Gleichzeitig griff Prokofjew auf Elemente der musikalischen
Geschichte zurück: Schön perlende Skalen im
Geiste Domenico Scarlattis finden Eingang in den modernen
Klaviersatz; Etüdenläufe im Stile des Franzosen
Charles-Louis Hanon werden im ersten Satz nach der
elegischen Klarinetten-Einleitung als Starthilfe für rasante
Motorik genützt; das Gavotte-Thema im zweiten Satz
gerät aus der klassischen Epoche in mondänes Ambiente,
in poetische Zirkel und macht einen Abstecher ins freche
Paris der Zwanzigerjahre; die barock anmutende Bassstimmenführung
im Finale wächst sich zu einer klanggewaltigen
Steigerung aus, die in dieser Art erst im 20. Jahrhundert
möglich wurde. Nach einem letzten großen
melodischen Aufschwung klingt das Konzert mit einem
Perpetuum mobile und rasend schnellen Figurationen aus.
Wie ein Requiem
Pjotr Iljitsch Tschaikowski starb nur neun Tage nach
der von ihm selbst dirigierten Uraufführung seiner
Symphonie Nr. 6 h-Moll op. 74 in St. Petersburg. Sein
Tod so kurz nach der Uraufführung einer im klanglichen
Nirwana endenden Symphonie führte zu Gerüchten. Zwei
verschiedene Varianten kursierten: Tschaikowski habe
in der 1893 von einer Choleraepidemie erfassten Stadt
in selbstmörderischer Absicht ein Glas ungekochten
Wassers getrunken und eine Erkrankung an der Cholera
riskiert, der Krankheit, an der auch seine Mutter gestorben
war; Tschaikowski sei wegen einer sexuellen „Verfehlung“
mit dem Sohn eines ehemaligen Mitschülers
an der Rechtsschule von einem „Ehrengericht“ der
Juristen zum Selbstmord aufgefordert worden, um einen
Skandal zu vermeiden. Beide Varianten bauen aber nur auf
Vermutungen auf. Der Musikwissenschaftler Alexander
Poznansky widerlegt in einer Abhandlung unter dem Titel
„Geschichte und Revision einer Legende“ alle Theorien
von einem „Selbstmord“ und einem „Ehrengericht“ und
kommt zu dem Schluss, dass Tschaikowski wohl eines
natürlichen Todes an den Folgen der Cholera gestorben ist.
Der 6. Symphonie in der
„Todestonart“ h-Moll liegt laut
eigener Aussage Tschaikowskis ein
„Programm“ zugrunde, das „für
alle ein Rätsel bleiben soll und
das durch und durch von meinem
eigensten Sein erfüllt ist, so dass
ich unterwegs in Gedanken komponierend
oft heftig weinte“. Als der
Komponist von dem Großfürsten
Konstantin gebeten wurde, für
den verstorbenen Dichterfreund
Alexander Apuchtin ein Requiem
zu schreiben, antwortete Tschaikowski: „Mich verwirrt der
Umstand, dass meine letzte Symphonie, welche soeben
fertig geworden ist, von einer Stimmung durchdrungen ist,
welche derjenigen des Requiems nahe kommt. Ich fürchte,
mich selbst zu wiederholen, wenn ich sofort ein seinem
Charakter und seinem Wesen nach ähnliches Werk in Arbeit
nehme.“ Tatsächlich finden sich starke Hinweise auf einen
trauermusikalischen Hintergrund. Die Themen des ersten,
zweiten und vierten Satzes enthalten musikalische Seufzermotive
und Trauerzeichen. Ein typisches Klagemotiv, das
Intervall der fallenden Sekund, wird von Tschaikowski bis hin
zu Kulminationen eingesetzt. Im dramatischen Mittelteil des
ersten Satzes zitiert Tschaikowski inmitten orchestraler Aufschreie
eine Melodie aus dem russisch-orthodoxen Totenoffizium:
den Vers „Mit den Heiligen lasse ruhen, Christus,
die Seelen Deiner Diener“. Am Ende des ersten Satzes
stimmt Tschaikowski dann einen tröstlichen Choral an.
Die ganze Symphonie, der Tschaikowskis Bruder
Modest den Titel „Pathétique“ verlieh, wirkt wie ein Abgesang
auf eine versinkende Epoche. Es ist ein typisches
Werk des Fin de Siècle, in dem vieles von dem verklingt,

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wovon die Musik in den Jahrzehnten zuvor geprägt
wurde. Das lässt sich auch an rein kompositionstechnischen
Vorgängen des Werkes nachvollziehen. Verzweifelt
versucht sich der erste Satz gegen den drohenden
Untergang aufzulehnen, aber alle Versuche müssen in
einem fatalen Zusammenbruch enden, da das aus dem
Dunkel aufsteigende Hauptthema keinen Anfang und
kein Ende kennt, also gar keinen Halt finden kann. Im
Seitenthema des Kopfsatzes, in dem schon ein wenig die
Trauer des Finales anklingt, erinnert sich Tschaikowski
wehmütig an vergangene romantische Zeiten.
Die beiden Mittelsätze wiederum sind Tanzsätze, aber
nicht mehr nur von ursprünglicher Kraft erfüllt, sondern
zur Auflösung tendierend. Den Walzer im zweiten Satz
verschleiert Tschaikowski durch eine Ausweitung des
Metrums vom 3/4- zum 5/4-Takt, was den Tanz unwirklich
erscheinen lässt. Durch den Mittelteil zieht sich in
Moll das Klagemotiv. Im dritten Satz, dem Scherzo, kombiniert
Tschaikowski eine Tarantella mit einem Marsch,
dessen anfänglich frohgemute Stimmung während einer
unerbittlichen Steigerung in Bedrohlichkeit übergeht. Je
mehr die im Marsch vereinten Instrumente auftrumpfen,
desto stärker kommt der Eindruck auf, sie übertönen
bloß die wahren Verhältnisse. Ein Potemkinsches
Dorf: hinter der Fassade des Jubels offenbart sich die
Tragik. Über vier Oktaven abwärts rast das Orchester
schließlich dem Boden der Wirklichkeit entgegen.
Im Finale offenbart sich das ganze Ausmaß der
Tragik. Ein erschütterndes Lamento, ein Trauergesang
ohne Worte, dessen schmerzliche Melodik von zerklüfteten
Akkorden getragen wird. Im Mittelteil des
Satzes wechselt Tschaikowski zwar vom schwermütigen
Adagio in ein bewegteres Andante und zwischenzeitlich
von Moll nach Dur, aber die Musik steigert sich zu
höchster Verzweiflung und stürzt regelrecht ab. Noch
einmal stimmt Tschaikowski das Lamento an, das sich
zu einer gewaltigen Klage aufbaut. Dann öffnet ein
leiser Tamtam-Schlag unmissverständlich das Tor in
ein anderes Reich. Die Posaunen und die Tuba spielen
einen Choral. Über dumpfen Kontrabass-Schritten
verschwindet die Symphonie langsam im Nichts.
Rainer Lepuschitz
Alexander Toradze, Sohn des Komponisten David
Toradze, erhielt seinen ersten Musikunterricht in der
Zentralen Musikschule seiner Heimatstadt Tiflis in Georgien.
Mit neun Jahren trat er bereits als Klaviersolist auf.
Am Tschaikowski-Konservatorium Moskau studierte er
bei den angesehenen Klavierpädagogen Jakov Zak, Boris
Zemlianski und Lev Naumov. 1977 gewann er den zweiten
Preis des renommierten Van-Cliburn-Klavierwettbewerbs
in Texas. 1983 suchte Toradze während einer Tournee
mit dem Bolschoi-Symphonieorchester
in der US-Botschaft
von Madrid um Asyl in den
Vereinigten Staaten an. Der
bedeutende Repräsentant
der russischen Klavierschule
setzte seine Solistenlaufbahn
im Westen fort und erhielt
1991 eine Klavier-Professur
an der Indiana University
South Bend, wo er ein einmaliges
Projekt entwickelte. Die
Studenten sind als Mitglieder
des Toradze Piano Studio in
ein Tour- Ensemble eingebunden, das mit Kammer- und
Klaviermusik in den Zentren der Musik wie den Salzburger
Festspielen, den Londoner Proms, den Weißen Nächten
St. Petersburg, dem Edinburgh International Festival, der
Mailänder Scala und in der Hollywood Boyl auftritt. Als
Klaviersolist konzertiert Alexander Toradze mit den führenden
Orchestern der USA sowie den Berliner Philharmonikern,
dem London Symphony Orchestra, dem Orchestre
National de France, den St. Petersburger Philharmonikern
und dem Kirov- Orchester, mit dem er unter der Leitung
von Valery Gergiev auch alle fünf Klavierkonzerte von
Prokofjew für das Label Philips einspielte. Das Konzert
Nr. 3 von Prokofjew mit Toradze wurde vom International
Piano Quarterly zur „historisch besten Plattenaufnahme
dieses Werkes“ gewählt. Auch seine Interpretationen
und CD-Aufnahmen (u. a. für EMI) von Werken Ravels,
Strawinskis, Mussorgskis und Skrjabins ernten hohe
Anerkennung.

10 meister&kammerkonzerte —biografien—
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Iván Fischer studierte Klavier, Violine und Violoncello in
Budapest, eher er in Wien die legendäre Dirigierklasse von
Hans Swarowsky besuchte. Nach einer Assistenzzeit bei
Nikolaus Harnoncourt startete Fischer seine Karriere mit
dem Sieg beim Dirigentenwettbewerb der Rupert Foundation
in London. 1983 gründete Iván Fischer gemeinsam
mit dem Pianisten Zoltán Kocsis das Budapest Festival
Orchester, dem er bis heute als Musikdirektor vorsteht. Die
künstlerische Partnerschaft zwischen ihm und dem Orchester
stellt eine der größten
Erfolgsgeschichten in der Welt
der Klassik der letzten 30 Jahre
dar. Eng verbunden ist Iván
Fischer außerdem mit dem
Konzerthausorchester Berlin,
dessen Chefdirigent er seit
2012 ist, und mit der Wiener
Staatsoper. Er steht auch
regelmäßig an den Opernhäusern
von Zürich, London,
Paris und Brüssel am Pult und
gastiert als Konzertdirigent bei
bedeutenden Orchestern wie
den Berliner Philharmonikern, dem Concertgebouworkest
Amsterdam, dem Cleveland Orchestra, New York Philharmonic,
dem Orchestre de Paris, den Münchner Philharmonikern
und dem Israel Philharmonic Orchestra. Zahlreiche
CD-Aufnahmen bei den Labels Philips und Channel
Classics weisen Iván Fischer als visionären Dirigenten und
exzellenten Orchesterleiter aus. Der auch als Komponist
erfolgreiche Musiker ist Gründer der Ungarischen Mahler-
Gesellschaft und Schirmherr der British Kodály Academy.
In Budapest rief er wichtige musikalische Einrichtungen
wie ein Barockmusik-Festival, das Budapester Mahler-Fest,
Open-Air-Konzerte für Zehntausende Menschen, „Midnight
Music Concerts“ für Studenten und „cocoa concerts“
für Kinder ins Leben. Im Web ist Iván Fischer mit einem
polemischen Blog über nicht nur musikalische Themen
und mit der Video-Serie „frag-fischer“ aus Berlin präsent.
Das Budapest Festival Orchestra wurde 1983 von dem
Dirigenten Iván Fischer und dem Pianisten Zoltán Kocsis
gegründet, die damals die besten ungarischen Instrumentalisten
zu einem Klangkörper um sich scharten. Das ungarische
Ensemble entwickelte sich zu einem der besten Orchester
der Welt, gefeiert bei mehreren Abonnementzyklen
und dem Festival „Bridging Europe“ im Palast der Künste
in Budapest und auf seinen internationalen Tourneen. Das
Orchester konzertiert regelmäßig bei den Salzburger Festspielen,
im Wiener Musikverein und Konzerthaus, in Berlin,
beim Lucerne Festival, bei den Londoner Proms, in Paris,
in der Carnegie Hall und beim „Mostly Mozart Festival“ in
New York. Musikerpersönlichkeiten wie Sir Georg Solti, Kurt
Sanderling, Charles Dutoit, Gidon Kremer, Yehudi Menuhin,
Sándor Végh, Martha Argerich, András Schiff, Radu Lupu,
Yuri Bashmet, Heinz Holliger, Pinchas Zukerman und
Agnes Baltsa konzertierten mit dem ungarischen Orchester.
Neben der vielfältigen Konzerttätigkeit verwirklicht
das Budapest Festival Orchestra regelmäßig Opernprojekte
(u. a. „Die Zauberflöte“ in Budapest, „Don Giovanni“
und „Le nozze di Figaro“ in New York). Inzwischen liegen
mehr als 50 CD-Aufnahmen mit dem Orchester vor, das
für seine Einspielungen von Bartóks „Der Wunderbare
Mandarin“ und Mahlers „Auferstehungssymphonie“
mit dem Grammophone Award ausgezeichnet wurde.
1. Violine: Giovanni Guzzo, Violetta Eckhardt, Ágnes Bíró, Mária Gál-Tamási,
Radu Hrib, Erika Illési, István Kádár, Péter Kostyál, Eszter Lesták Bedó´,
Gyöngyvér Oláh, Gábor Sipos, Emese Gulyás, Csaba Czenke, Balázs Bujtor,
Gábor Selmeczi, Zsuzsa Berentés; 2. Violine: Tímea Iván, Györgyi Czirók,
Tibor Gátay, Krisztina Haják, Zsófia Lezsák, Levente Szabó, Zsolt Szefcsik,
Antónia Bodó, Noémi Molnár, Anikó Mózes, Erika Kovács, Gabriella Nagy, Pál
Jász, Bence Asztalos; Viola: Ferenc Gábor, Ágnes Csoma, Miklós Bányai, Judit
Bende, Cecília Bodolai, Zoltán Fekete, Barna Juhász, Nikoletta Reinhardt, Nao
Yamamoto, Csaba Gálfi, István Polónyi, László Bolyki; Violoncello: Antoaneta
Emanuilova, Lajos Dvorák, Éva Eckhardt, György Kertész, Kousay Mahdi, György
Markó, Rita Sovány, Orsolya Mód, László Bánk, Péter Háry; Kontrabass: Zsolt
Fejérvári, Károly Kaszás, Géza Lajhó, László Lévai, Attila Martos, Csaba Sipos,
Csaba Magyar, Alajos H. Zováthy; Flöte: Erika Sebó´k, Anett Jóföldi, Bernadett
Nagy; Oboe: Victor Aviat, Clement Noel; Klarinette: Ákos Ács, Rudolf Szitka;
Fagott: Dániel Tallián, Sándor Patkós; Horn: Péter Dávida, András Szabó, Dávid
Bereczky, Zsombor Nagy; Trompete: Zsolt Czeglédi, Tamás Póti; Posaune:
Balázs Szakszon, Péter I. Bálint, Mariann Krasznai; Tuba: József Bazsinka;
Pauken: Roland Dénes; Schlagwerk: László Herboly, István Kurcsák, Gáspár
Szente, Boglárka Fábry, Gábor Pusztai; Harfe: Ágnes Polónyi; Orchesterdirektor:
Stefan Englert; Tournee-Manager: Bence Pócs; Tournee-Assistentin:
Christina Schonk; Orchesterwart: Róbert Zentai; Techniker: Sándor Kathi;
Persönliche Referentin des Chefdirigenten: Rita Szabó

Vorschau
4. kammerkonzert
liederabend
daniel behle tenor sveinung bjelland klavier
schubert: die winterreise
mo 27. jänner 14, 20 uhr
tiroler landeskonservatorium
einführungsgespräch 19 uhr
5. meisterkonzert
klavier-rezital
grigorij sokolow klavier
chopin
do 6. februar 14, 20 uhr
congress innsbruck, saal tirol
einführungsgespräch 19 uhr
tiroler landestheater
PARSIFAL
bühnenweihfestspiel
premiere so 16. februar 14, 16 uhr
großes haus
4. symphoniekonzert
tiroler Symphonieorchester innsbruck
benjamin shwartz dirigent
f.p. huber, strawinski, haydn, ravel
do 20. und fr 21. februar 14, 20 uhr
congress innsbruck, saal tirol
tickets meister&kammerkonzerte:
innsbruck information t +43 (0)512 53 56-0
e-mail: ibk.ticket@utanet.at, infos: www.meisterkammerkonzerte.at
tickets tiroler landestheater und symphoniekonzerte:
tiroler landestheater, t +43 (0)512 52 074-4
e-mail: kassa@landestheater.at, infos: www.landestheater.at
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