Pressemappe Jazzfest 04 - Berliner Festspiele

Ambassadors of New Orleans 

Matt ‘Tubop’ Perrine – sousaphone 

Rick ‘Neslort’ Trolsen – trombone 

Eric Lucero – trumpet 

Brent Rose – tenor sax 

Kerry ‘Fatman’ Hunter – snare drum 

Cayetanio Hingle – bass drum 

Do 4. November | 19.00 Uhr 

Philharmonie | Foyer 

Sa 6. November | 20.00 Uhr 

Haus der Berliner Festspiele | Foyer 

Berliner Festspiele | Schaperstraße 24 | 10719 Berlin 

Telefon + 49 - 30 - 254 89 - 223 | Telefax +49 - 30 - 254 89 - 155 | presse@berlinerfestspiele.de | www.berlinerfestspiele.de 

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Ambassadors of New Orleans 

Die Botschafter aus New Orleans kennen sich schon lange aus verschiedenen Gruppen der 

Südstaaten-Met ropole. Als aber George Gruntz, langjähriger Leiter des JazzFests Berlin, für eine 

spezielle Fasnachtsproduktion in Basel eine Mardi-Gras-Band aus New Orleans suchte, rief er seinen 

Freund Matt Perrine an. Dieser trommelte einige seiner besten Freunde zusammen. Geboren waren 

die Ambassadors of New Orleans. 

Die Ambassadors verstehen sich als Botschafter des reichhaltigen musikalischen Erbes von New 

Orleans: Mardi-Gras-Brassfunk trifft auf Blues trifft auf Jazz trifft auf Cajun trifft auf.... Das ist kein 

museales Herunterleiern von repräsentativen Standards, sondern witzig-fröhliches Musizieren auf 

höchstem Niveau mit eigenen Kompositionen und Klassikern. Die gute Laune steckt an und fährt in 

die Beine. 

Der bekannteste Vertreter der Ambassadors ist der Sousaphonist Matt Perrine, der seit Jahren in Ray 

Andersons Pocket Brass Band durch Europa tourt. Er legt als einer der weltbesten Sousaphonisten 

unterstützt von einer packenden Rhythmussektion einen treibenden Bassbeat, über den die weiteren 

Bläser brillieren. Rick Trolsen brachte sich das Posaunenspiel selber bei, bevor er noch Musik 

studierte und während drei Jahren in einer US-Navy-Band spielte. Später blieb er in New Orleans 

hängen und ist heute aus der lokalen Musikszene nicht mehr wegzudenken. Tenorsaxophonist Brent 

Rose hingegen ist in New Orleans geboren und studierte hier an der Universität Musik. Eric Lucero, 

gebürtiger Mexikaner, kam nach New Orleans, um bei Elis Marsalis Musik zu studieren. Seither lebt 

er dort und arbeitet in zahlreichen Bands aller musikalischer Richtungen. Die Schlagzeuger Caytanio 

Hingle und Kerry Hunter schliesslich wuchsen in der Mitte von New Orleans auf und gehören heute 

zu den gefragtestens Musiker der Szene.

Matt Perrine 

Born and raised in Sacramento, CA, Matt Perrine began his musical career, modestly enough, at the 

age of 10, playing trombone in his school band. At the age of 11 he began playing tuba with his fi rst 

Dixieland band. By 12 he had taken up the electric bass, and started writing arrangements for his 

group. By the ripe old age of 15 he had picked up the acoustic bass and begun composing his own 

pieces, as well as writing big band arrangements. It wasn‘t long before his skills and drive brought him 

work with professionals in the Sacramento area and the opportunity to work with Jessica Williams, 

Diane Shure, Joey Calderoza, and the Artie Shaw Orchestra. 

Matt‘s move to New Orleans was an obvious choice, steeped as he was in jazz and dixieland. Since 

his arrival in 1992, he has crossed many musical boundaries. A triple threat, excelling on upright bass, 

acoustic bass and sousaphone, his reputation as a consummate musician has opened doors into 

almost every genre in the New Orleans musical arena. On electric bass his prowess extends from 

rock and roll to reggae to avantgarde and fusion with bands like The Fifth Dimension, Sista Teedy and 

Cool Riddums, Loose Strings, Aaron and Charles Neville, Jason Marsalis and Neslort. He is a fi rst call 

jazz player on upright bass, whether it‘s swing, latin, traditional or be-bop, with world renowned artists 

like Elis and Branford Marsalis, Lillian and John Boutee, Kermit Ruffi ns, The Johnny Vidacovich Trio, 

the Danza Quartet featuring Tom McDermott and Evan Christopher, Henry Butler and Leigh 

„Li‘l Queenie“ Harris. 

All these accolades aside, it is on sousaphone where Matt‘s abilities and imagination soar. Noted 

as a „virtuoso sousaphone player“ by Downbeat magazine, Matt‘s work on sousaphone has kept 

him busy, at home and abroad. In 1995 he co-founded The New Orleans Nightcrawlers, acting as 

tubist, chief composer and arranger, as well as producer of their fi rst eponimously titled recording 

and co-producer of their third, Live at the Old Point. Combining brass band, jazz and funk elements, 

the Nightcrawlers have garnered local awards, toured domestic and European festival circuits and 

produced three recordings which sell internationally. In 1997 Matt brought his talents to the table 

for the fi rst solo recording by Galactic drummer, Stanton Moore. Joining forces with Stanton and 

progressive guitarist Charlie Hunter, All Kooked Out is receiving worldwide acclaim and distribution. 

On the funk front, Matt lends his horn to a longtime musical mainstay of the New Orleans music 

scene, All That. Acting as the sole bass instrument in a funk / brass-band / hip-hop format, an octave 

pedal and bass amplifi er turn the sousaphone into a sonic atom bomb. Equally comfortable in an 

acoustic environment, in 1998 Matt began work with trombone legend Ray Anderson, touring the 

world and recording with „Ray Anderson‘s Pocket Brass Band“ on the Enja label. The Sydney Morning 

Herald said this: „It was a revelation that the mighty sousaphone could be played so dexterously. 

Perrine huffed and puffed great, fat funk lines, slid easily into be-bop walking bass and made solos 

that could describe yearning as readily as beefy effervescence.“ From traditional jazz and dixieland 

to brassband to the occasional rock and roll foray, Matt and his tuba have seen work with the likes of 

New Orleans legend Pete Fountain, Bonerama, Better Than Ezra, Bruce Hornsby, Nicholas Payton and 

Howard Johnson‘s tuba ensemble, Gravity. 

All of this has not gone unnoticed, either creatively or academically. In the states and abroad, Matt 

has acted as a teacher, from private to specialized college level classes and clinics. In New Orleans 

he participates in the Young Audiences Program, bringing special musical presentations to grade 

school children in an interactive environment. Before his move to New Orleans he worked in a similar 

program doing presentations and classes through much of northern California. For 7 years Matt 

was on staff of the Sacramento Traditional Jazz Society Jazz Camp, taking responsibility for private 

lessons on tuba and bass as well as ensemble lessons in arranging, theory and performance. He‘s 

been repeatedly commissioned by Copenhagen‘s Rhythmik Music Conservatory to give academic 

and performance clinics on brass band music. He‘s brought the same program of study to the 

Conservatory‘s sister school in Aahus, Denmark as well. On the home front, Matt has also taught in 

the music studies program at the University of New Orleans under the direction Elis Marsalis and still 

accommodates private students.

His compositions and arranging accomplishments, while not as high profi le as performance credits, 

are broad and expansive as well. His original compositions can be heard on all three New Orleans 

Nightcrawlers records as well as All Kooked Out with Stanton Moore and ...Now Get Out with Guitar 

Vic and the Slicktones. His musical arrangements, spanning the gamut from jazz standards to original 

rock and roll can be heard on: Pledge to my People, -Cool Riddums and Sista Teedy; Jubilee , -Stan 

Mark; Louisianthology, -Tom McDermott; Club Deuce, -Johnny Angel; The Whop Boom Bam, -All That; 

... Now Get Out, -Guitar Vic and the Slicktones; New Orleans Nightcrawlers, Funknicity, Live at the Old 

Point, -The New Orleans Nightcrawlers; Greyhound Afternoons, - Royal Fingerbowl; House of Secrets, 

Polychrome Junction, - Leigh Harris; Live at the Old Point,-Bonerama, 

Today, Matt travels internationally with the New Orleans based band, Tin Men, in which he plays 

the sousaphone. In this band, Matt is joined by songwreiter/guitarist/vocalist Alex McMurray, and 

Washboard phenom „Washboard Chaz“ Leary. The Tin Men‘s fi rst release, „Supergreat Music for 

Modern Lovers“, was nominated by the Big Easy Awards comitee for Album of the Year. When in 

town, Matt also continues to play in the New Orleans Nightcrawlers, Tin Men, Bonerama, the Danza 

Quatet, the Hot Club of New Orleans, as well as many other local bands.

Rick Trolsen 

Largely self-taught, Rick began playing trombone at the age of twelve. After studying with Phil Wilson 

at Berklee College of Music, he volunteered three years of duty with the U.S. Navy Band, stationed 

in New Orleans. Upon his „discharge“ he quickly fell into good company, and was adopted as a 

regular call sideman in town. From 1991 to 1998 he led the jazz/rock group „Neslort“ as a vehicle for 

his original compositions. A perennial favorite for 4 consecutive years at the New Orleans Jazz and 

Heritage Festival, „Neslort“ featured some of the fi nest musicians in town, and has recorded 2 CDs. 

His latest release, Gringo Do Choro was Recorded in Rio De Janeiro, Brazil and features primarily 

Choro music from the early part of the 20th century, with a few Bossas and Sambas thrown in. 

As a freelance trombonist Rick has enjoyed featured performances with all walks of the local music 

life, and has proved Rick to be versatile and at ease with contemporary and traditional jazz, blues, 

reggae, big bands, show music, avante garde, and club dates. Performances and/or recordings 

include The Broadway show “Chicago”, Dr. John, Clarence ”Gatemouth” Brown, Earl King, Marva 

Wright, Allen Toussaint, Al Hirt, The Dukes of Dixieland, The Tommy Dorsey Orchestra, Henry Mancini, 

Rosemary Clooney, Black Top Records, Stan Musial, The Woody Herman Band, The Temptations, 

Al Grey, Barry Manilow, Bob Hope, Steve Allen, Aretha Franklin, Boz Scaggs, The Four Tops, Doc 

Severinsen, Johnny Cash, Harry Connick Jr., The CAC Jazz Orchestra directed by Ellis Marsalis, 

Johnny Adams, Eddie Louiss, as well as many gigs he’d rather not mention. 

Other Honors 

Musicians for Music Louisiana Jazz Composers Award and Grant 1993 

Southern Arts Jazz Federation Jazz South Radio. Selected to appear on two compilation CDs and to 

be interviewed on their internationally syndicated radio broadcasts in recognition of the recording’s 

Mother’s Call (1995) and Martian Circus Waltz (1998) 

Offbeat Magazine’s Awards recipient 1998 

New Orleans Magazine’s Jazz All Star 1998 

Adjunct instructor University of New Orleans 1998

Brent Michael Rose 

Education 

University of New Orleans, New Orleans, LA. 

August 2001 - December 2002 

Masters of music in Jazz Performance 

G.P.A. 4.00 

University of New Orleans, New Orleans, LA. 

August 1994 - December 1998 

Bachelors of Arts in Jazz Performance 

G.P.A. 3.50 

Honors 

Winner Ernest Swenson Jazz composition competition ‘97 

UNO Euro-combo Selectee ‘96 

Outstanding Senior Award ‘98 

Basin street Scholarship awardee ‘01 

Best new Contemporary Jazz band (Quintology) Off Beat Awards ‘‘99 

One’s to watch (Quintology) New Orleans Magazine ‘99 

Best new Latin Band (Otra) Off Beat Awards ‘03 

Nominated Best Saxophonist Off Beat Awards ‘00 

Performing-Current: 

Quintology, Gate mouth Brown, Stanton Moore, New Orleans Night Crawlers, Joe Krown Organ 

Combo, Have Soul Will Travel, Chevere, The Naked Orchestra, Otra, New Orleans Street Beat, N.O. 

R&B Co. 

Past: 

Galactic, New World Funk Ensemble, N.O. Flavor Kings, Naked on the Floor, Adonis Rose, Nicholas 

Payton, Frank Morgan, Ellis Marsallis, The Temptations.

Eric Lucero (Trumpet) 

A native of New Mexico via California, Eric Lucero arrived in New Orleans to study Jazz at the University 

of New Orleans with Ellis Marsalis. For more than ten years following this arrival Eric has gone on 

to perform in a wide array musical styles and bands that New Orleans has to offer. Currently he is 

working with the hard hitting Latin Jazz sextet Otra, Blues and zydeco of ‚Sunpie‘ Barnes, the modern 

jazz orchestra The Naked Orchestra, the New Orleans Jazz Orchestra lead by Irvin Mayfi eld. Along 

with these bands he is also one of the top calls for the work in New Orleans playing in street parades, 

partys as well as studio work. Also leads his own band ‚Electric People‘ that includes all of the styles 

that New Orleans serves up from street beats to brazilian music, to reggae, salsa, mordern jazz and 

Mexican music. And now you can hear his trumpet with the Ambassadors of New Orleans. 

Cayetano „Tanio“ Hingle (Band Leader / Bass Drum) 

Tanio grew up in the Seventh Ward of New Orleans. At the age of nine, he began playing the snare 

and bass drums at Covert Elementary School. While Tanio is strongly infl uenced by traditional players 

such as Lionel Batiste and Benny Jones, he also enjoys playing a more funky, up-tempo style. He has 

played with The Bucketman Brass Band, The Allstars and The Jr. Olympia Brass Band. 

Kerry „Fat Man“ Hunter (Snare Drum) 

Kerry grew up in the Seventh Ward of New Orleans. He started playing the snare drum in the seventh 

grade at Colton School. As a baby, Kerry would beat on everything he could get his hands on 

around the house. He and his little pals would mimic the second line bands in the streets. „Fat Man“ 

is a member of Tambourine and Fan, a community second line club that introduces young kids to the 

New Orleans cultural traditions. Kerry played with the Jr. Olympia Brass Band under Milton Batiste 

before joining The New Birth Brass Band at the age of 18. 

Alle Informationen Ralph Gluck

Michel Portal / Richard Galliano 

Michel Portal – soprano sax, clarinet, bandoneon 

Richard Galliano – accordion 


Philharmonie 

www.richardgalliano.com 



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Richard Galliano - Michel Portal Duo 

„Complete Communion“ was the name of a sixties’ historic record of Don Cherry. It is a model of spiritual-artistic 

symbiosis between two or more musicians. It’s something sprung not only from a long 

and common experience and good understanding but also from an affi nity between the characters 

and the sensitivities of the two. Talking about „Complete Communion“, we can’t help mentioning the 

French multiinstrumentalist Michel Portal (1935) and the French accordionist Richard Galliano (1950). 

A duo springing from its components’ original from jazz tradition to France and other Countries popular 

tradition’s musical excerpts. 

MICHEL PORTAL from the dawning of the seventies is one of the fi rst-rate fi gures of European Jazz, 

always operating between improvisation and academism with equal ability and complete easiness. 

In his curriculum we fi nd performances of Mozart, Brahms, Schumann and Berg’s excerpts; collaborations 

with contemporary composers like Boulez, Berio, Stockhausen, Kagel; „border-line“ experiences 

(The New Phonic Art, constituted by Vinko Globokar, Carlos Alsina, Jean Pierre Drouet and 

him) and other experiences better known as jazz. A very peculiar jazz, fi rst son of the Revolution of 

Free, and then interface among various fragrances and to which Portal has given palpability through 

saxes, clarinets and the bandeon, the king of Argentinean tango. 

His inextinguishable musical bent introduced him also into in the world of dance and above all of 

cinema, as is shown by the three prestigious César prizes, won for his sound tracks, the album „Cinemas“, 

one of his most signifi cant recordings realized in collaboration with „Dejarme Solo“, and „Blow 

up“. The latter is a collaboration with Richard Galliano, with whom Portal has established one of his 

most prolifi c fusions since long. Furthermore, the transalpine multiinstrumentalist is very trustful in 

the instant creativity, that spark which can fl ash (and it usually happens) during a concert. That’s why 

he is used at collaborating with reliable musicians and at reaching prolifi c „entente“ with them. 

RICHARD GALLIANO, the immediate heir of Astor Piazzolla, performs, composes and orchestrates a 

music where swing’s reminiscences, tango’s echoes, Parisian bistro’s waltz, Bill Evans’ ballads, Keith 

Jarrett’s improvisations and the Parker and Coltrane’s Afro-American lesson fl ow one into the other. 

And all of this with that chromatic taste which brings back to the best French tradition from Couperin 

to Debussy and above all to Ravel. 

Therefore Richard’s fi rst merit is the originality: that ability of having synthetized all of these experiences 

in a new and European music made of jazz improvisation and Mediterranean tradition. 

His second merit is that of using the accordion (and the bandoneon), uneasy instruments for jazz 

and learned music. The accordion has been relegated to the second-rate popular music for decades. 

And it is a pity, as that typical melancholic colour would fi t very well to paint blues’ atmospheres. Furthermore, 

in Galliano’s hands, the popular accordion gains now the orchestra’s polychromy, now the 

secluded timbre of a chamber music intimism. 

Furthermore Galliano has taken part in various recording and concert collaborations: from Juliette 

Greco to Cluade Nougaro, from Ron Carter (with whom he recorded the splendid „Panamanattan“) to 

Chat Baker, from Enrico Rava to Martial Solal, from Miroslav Vitous to Charlie Haden, from Trilok Gurtu 

to the great Astor Piazzolla to whom he dedicated a splendid album where we can fi nd memorable 

excerpts as „Oblivion“; „Chiquilin de Bachin“, „Adios nonino“, etc.

From 1994 he has recorded for the French label DREYFUS. He performed solo and as guest of the 

Joe Zawinful group at Umbria Jazz Winter 95, Umbria Jazz 96 and then in the two last U.J. winter editions, 

fi rst in duo with Charlie Haden and after with the New York Tango Quartet, always arousing the 

public and the critics’ consent. He has taken part in many other international festivals among which 

Antibes, Vienna, Houston, New York, Melbourne, San Francisco, Peking, Shanghai. 

He has taken part in the three last Montreal Jazz Festival’s editions: in ‘97 in solo, in ‘98 with fi ve 

different projects and in ‘99 in trio with George Mraz and Al Foster. Together with „New York Tango“ 

he won the „La Victoire de la musique“ Prize for the best ‘96 jazz recording, recorded with Bireli 

Lagrene, George Mraz and Al Foster. With „Blow up“ (in duo with Michel Portal) he won the Italian 

magazine MUSICA JAZZ referendum as „best international recording“; then in 1997 he won again the 

„Victoire de la musique“ Prize and the „Boris Vian“ critics’ Prize. In ‘99 with „French Touch“ he won 

again the MUSIC JAZZ referendum as „best international recording“. Then he recorded „Passatori“ 

together with „I solisti dell’ORT“, the great Florence’s classical music ensemble. In Autumn 2001 he 

set out on a tour with his „American“ group which includes prestigious musicians as Gil Goldstein, 

Mark Feldman, Scott Colley and Clarence Penn. In November 2001 the Dreyfus label published the 

„Face to Face“ CD in duo with the organist Eddy Louiss. In December 2002 it will be published 

„Piazzolla Forever“, recorded alive at 2002 Montreal Jazz Festival. 

http://www.richardgalliano.com/home.htm 

Michel Portal / Richard Galliano 

„Concerts“ 

Ein Live-Album, wie es sein soll: die neue Scheibe von Michel Portal und Richard Galliano transportiert 

die umwerfende Direktheit ihrer Konzerte direkt ins heimische Wohnzimmer. Vor sieben Jahren 

hatten Galliano und Portal ihr erstes Duo unter dem Titel „Blow Up“ veröffentlicht. Seitdem standen 

sie als Duett von Akkordion und Klarinette mehr als 200 mal auf der Bühne. 

Längst gelten ihre Konzerte als legendäre Events – die beiden Franzosen zählen zu den kreativsten 

Improvisatoren der europäischen Jazzszene. So betiteln sie die neue CD auch schlicht Concerts. 

Doch hinter so viel Unscheinbarkeit verbirgt sich in 14 Titeln (darunter sieben bisher unveröffentlichte) 

die Essenz aus sechs Jahren gemeinsamer Konzerte. Von den Aufnahmen aus dem Hamburger 

Funkhaus des NDR bis zum gefeierten Besuch in der Mailänder Scala überzeugt die überaus präsente 

Abmischung, deren brillante Qualität nicht auf Kosten der Live-Atmosphäre geht. 

So ist „Concerts“ eben weitaus mehr als nur die Tondokumentation eines einzigartigen Duos. Portal 

und Galliano mischen unter Klassiker wie Piazzollas „Libertangos“ oder Hermeto Pascoals „Chorinho 

Para Ele“ ihre eigenen Kompositionen, die wie Portals Mozambique teilweise hypnotische Energien 

entfalten. Galliano ließ sich seinerzeit von Astor Piazzolla zur Revision des französischen Musette anregen, 

von dem folkloristisch-populären Genre stammt der zuweilen handfeste Spielwitz seiner Musik. 

Michel Portal, einst Mozart-Interpret wie Stockhausen-Exeget und irrwitziger Derwisch des europäischen 

Free Jazz, steuert die grenzenlose Improvisationslust des Jazz bei. Dabei sind die Aufgaben 

nicht etwa klar verteilt, Portal greift durchaus auch zum Bandoneon und die Klangzungen in Gallianos 

Instrument sind akustisch gar nicht weit entfernt von den Reeds des Holzbläsers. Glücklicherweise 

unterschlägt die Produktion auch nicht den frenetischen Applaus des jeweiligen Publikums, so bleibt 

etwas Zeit, um Durchzuatmen bei diesem buchstäblich fesselnden Hör-Erlebnis. 

Tobias Richtsteig, Jazzdimensions



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George Gruntz, Albert Mangelsdorff, 

mit Dieter Glawischnig und der NDR Bigband 

Leitung 

Dieter Glawischnig, George Gruntz, Albert Mangelsdorff 

Peter Bolte – alto sax 

Lutz Büchner – tenor sax 

Frank Delle – tenor + bariton sax, clarinet, bass clarinet 

Fiete Felsch – alto sax 

Christof Lauer – tenor sax 

Reiner Winterschladen – trumpet 

Ingolf Burkhardt – trumpet 

Claus Stötter – trumpet 

Lennart Axelsson – trumpet 

Jose Gallardo – trombone 

Dan Gottshall – trombone 

Ingo Lahme – trombone 

Stefan Lottermann – trombone 

Stephan Diez – guitar 

Marcio Doctor – percussion 

Lucas Lindholm – bass 

Vladyslav Sendecki – piano 

Danny Gottlieb – drums 


Philharmonie 

www.ndr.de/bigband

„totally bemonked“ 

Arrangements und Leitung George Gruntz 

NDR BIGBAND 

Der Schweizer, Jahrgang ‘32, ist in allen Genres zu Hause: George Gruntz spielte als Pianist mit Louis 

Armstrong, Gerry Mulligan und Phil Woods, improvisierte mit Beduinen, komponierte für das Theater, 

war von 1972 bis 1994 künstlerischer Leiter beim JazzFest Berlin, tourt seit 30 Jahren mit der international 

gefeierten „Concert Jazz Band“ und ist ein gefragter Komponist und Arrangeur. 

1988 führten Gruntz, Liebermann, der Regisseur Robert Wilson und der Poet Alan Ginsberg mit der 

NDR Bigband die viel gepriesene Oper „Cosmopolitan Greetings“ in der Hamburger Kampnagel- 

Fabrik auf. Vom Menuhin Festival in Gstaad erhielt George Gruntz einen Kompositionsauftrag für eine 

weitere Jazzoper: „The Magic of a Flute“ wurde 2003 mit der NDR BIGBAND sowie acht Jazz-Vokalisten, 

unter ihnen Lauren Newton und Mark Murphy, in Gstaad uraufgeführt. „Totally bemonked“ heißt 

es am 4. November 2004 beim JazzFest Berlin mit der NDR BIGBAND unter der Leitung von George 

Gruntz in der Philharmonie. Auf dem Programm stehen Gruntz’ Arrangements von Kompositionen des 

Pianisten Thelonious Monk. 

Stefan Gerdes 

Albert Mangelsdorff: Music for Jazz Orchestra 

Kompositionen, Arrangements, Posaune 

NDR BIGBAND 

Leitung – Dieter Glawischnig 

Vieles ist bereits über ihn geschrieben worden: über den „weltbesten Posaunisten“ laut US-Magazin 

Downbeat, den Träger des Bundesverdienstkreuzes, den ehemaligen Leiter des JazzFests in Berlin, 

den Gründer der Union Deutscher Jazzmusiker und den Schirmherrn des „Deutschen Jazzpreises“: 

den Komponisten, Arrangeur und Bandleader Albert Mangelsdorff. 

Sein Quintett war in den 60ern eine der wegweisenden europäischen Jazz-Formationen. Mangelsdorff 

selbst hat das Spiel auf der Posaune revolutioniert und die Mehrstimmigkeit (Multiphonics-Technik) 

perfektioniert. „Seitdem“, schreibt ein Kritiker, „wird die Geschichte der Posaune unterteilt: in die 

Zeit vor und seit Albert Mangelsdorff.“ 

„Albert ist ein Evoluzzer“, sagt sein guter Freund Dieter Glawischnig – und fügt hinzu: „einer, der die 

guten traditionellen Elemente bewahrt und irgendeine Ecke fi ndet, in der er selbst etwas anbauen 

kann.“ Albert Mangelsdorff bedankt sich für das Lob mit folgenden Worten: „Ich bin immer wieder 

von den Socken, wie die NDR Bigband meine nicht gerade stromlinienförmige Musik spielt.“ 

Auf der CD brilliert nicht nur Albert Mangelsdorff - sondern auch die Mitglieder der NDR BIGBAND 

haben vielstimmig die Möglichkeiten zu zeigen, aus wie vielen hochkarätigen Solisten das Jazz- 

Orchester besteht. Diese Produktion ist im November 2003 mit dem Deutschen Schallplattenpreis 

ausgezeichnet worden. Vom 8. bis 15. Mai 2004 gehen die Künstler auf Tournee. 

Stefan Gerdes

Die NDR BIGBAND 

Die NDR BIGBAND ist ein hochkarätiges Ensemble von Jazz-Solisten. Jeder der 18 Musiker hat 

als Solist einen ausgeprägten persönlichen Stil, eigene musikalische Vorlieben und Interessen. Die 

Vielseitigkeit der NDR BIGBAND zeigt sich in der Thematik ihrer Konzerte, die von den Wurzeln der 

Jazzgeschichte ausgehend bis zum Jazz der Gegenwart reicht. 

„28 Jahre lang war ich bei der NDR BIGBAND, und das Ensemble wurde mit den Jahren immer besser. 

Es ist großartig, dass sich ein Rundfunksender solch exzellente Band leisten und auch erhalten 

kann, und das zu einer Zeit, da Bigbands mehr und mehr zu einer wirtschaftlichen Belastung werden. 

Die musikalische Qualität der NDR BIGBAND ist erstklassig - zwei meiner ehemaligen Studenten 

gehören der Saxophon-Gruppe an, und beide sind herausragende Musiker. Die Band kann sich auch 

glücklich schätzen, über großartige Arrangeure zu verfügen, und sie spielt einfach alles: von Swing 

über Funk und Fusion bis zu Latin oder Avantgarde. Es ist ein gutes Gefühl, dass Bands wie diese 

noch existieren und hervorragende Bigband-Musik spielen. Diese Musik am Leben zu erhalten, ist von 

großer Bedeutung.“ - Herb Geller 

Heutzutage sind Big Bands fast genauso rar wie ehrliche Politiker, dank einer - wie Johnny Griffi n es 

ausdrückt - tödlichen Verbindung von Elektronik mit Wirtschaftlichkeit. Dennoch ist die Big Band ein 

vitales, unverzichtbares Element im Pantheon des Jazz. Ein großer Schatz herausragender Big Band- 

Musik ist in den vergangenen sieben Jahrzehnten geschaffen worden. Und diese Musik, zusammen 

mit der, die gerade von einer neuen Generation talentierter Arrangeure geschrieben wird, verdient es, 

am Leben erhalten zu werden. Das ist ein wichtiger Teil unseres Jazz-Erbes. 

„Während der sechziger, siebziger und auch der achziger Jahre habe ich oft als Gast bei der NDR 

BIGBAND mitgespielt. Dabei fi el mir immer wieder auf, wie sich die Band in den Jahren steigerte. 

Heutzutage ist sie eine der besten Bigbands. Sie hat gute Arrangeure und spielt mit großer Verve und 

Präzision.“ - Benny Bailey 

Ihr erstes Jazz-Konzert spielte die NDR BIGBAND im Mai 1974 in der Hamburger Fabrik - mit einigen 

Star-Solisten wie Trompeter Dusko Goykovich, mit Tenor-Saxophonist Dexter Gordon, Posaunist Slide 

Hampton, Pianist Horace Parlan und dem Schlagzeuger Tony Inzalaco. Über 200 Gast-Solisten sind 

seither mit der Band aufgetreten, darunter Chet Baker, George Coleman, Albert Mangelsdorff, Dee 

Dee Bridgewater, Thomasz Stanko, Benny Wallace, Art Farmer, Clark Terry, Steve Lacy, 

Manfred Schoof, Sal Nistico, Ray Anderson, Palle Mikkelborg, Abdullah Ibrahim, Don Cherry, Heinz 

Sauer, George Adams, Joe Pass, Wolfgang Dauner, Lionel Hampton, Michael Gibbs, Benny Golson, 

Johnny Griffi n, Georgie Fame, Stan Tracey, Lauren Newton, Gary Burton, Dave Friedman, Guy Lafi tte, 

Pedro Iturralde, Richard Galliano, Daniel Humair, Philipp Catherine, George Gruntz, Glenn Ferris, 

Eberhard Weber, Al Jarreau. 

„Ich spielte in der NDR BIGBAND als Howard Johnson, Herb Geller und Roman Schwaller dabei 

waren. Sie spielten neun oder zehn meiner Stücke, und die Arrangements waren ausgezeichnet. Dies 

ist eine phantastische Band - sehr gute Musiker, voller Enthusiasmus. Es war eine Freude, mit ihnen 

zu spielen.“ - Johnny Griffi n

Im Januar 1980 wurde der österreichische Pianist Dieter Glawischnig Chef des Ensembles, ein ausgezeichneter 

Dirigent, besonders geschätzt wegen seiner exzellenten Probenarbeit. Obwohl er sich 

als Avantgarde-Musiker einen Namen gemacht hat, ist er für alle Stilrichtungen, von den Wurzeln des 

Jazz über Swing bis zum Bebop und darüber hinaus, offen. Ohne Zweifel stellen Projekte wie 

„The Spirit of Jimi Hendrix“ oder „Aus der Kürze des Lebens“ mit Gedichten von Ernst Jandl und 

eigens komponierter Musik von Dieter Glawischnig für die Musiker der Bigband eine große Motivationskraft 

dar. 

„Von Januar 1991 bis Januar 1995 habe ich in der Band Bariton-Saxophon, Klarinette, Bass-Klarinette 

und Tuba gespielt. Die Vitalität des Ensembles nahm in dem Maße zu, wie junge, engagierte und 

fähige Musiker zu der Band stießen. Zum letzten Mal habe ich die Band im November 1995 in China 

gehört, als ich mit von der Partie war: Das war hervorragend. Die Saxophon-Gruppe ist jetzt ausgezeichnet. 

Man muss es dem NDR hoch anrechnen, dass er diese wunderbare Bigband aufrechterhält.“ 

- Howard Johnson 

Über die Jahre hinweg hat die Band an musikalischem Format und Ansehen gewonnen und auch ihr 

Repertoire ständig erweitert. Ein weiterer Faktor in dieser Entwicklung ist zweifellos die neue Generation 

talentierter, engagierter und professioneller Musiker auf der deutschen Jazz-Szene, die eine 

gründliche musikalische Ausbildung genossen haben. 

„Was mich beeindruckte, als ich 1995 mit der Band spielte, war ihre Experimentierfreudigkeit und 

Abenteuerlust. Sie will nicht auf der Stelle treten - sie hält immer nach Neuem Ausschau. Und dieser 

Geist bringt den Jazz voran. Abgesehen davon, dass es sich bei ihnen um exzellente Musiker handelt, 

nähern sich die Mitglieder der NDR BIGBAND auf erfrischende Weise der Musik.“ - Benny Golson 

Die NDR BIGBAND hat sich in den vergangen Jahren einen internationalen Ruf erspielt: sie ist nicht 

nur bei Festivals in Hamburg, Nürnberg, Berlin, Salzau, Burghausen, und Freiburg aufgetreten, sondern 

hat auch in Chicago, New York, London, Paris und Peking, in Österreich, der Schweiz, Holland, in den 

skandinavischen Ländern, in Mittel- und Lateinamerika sowie in Portugal gastiert. 

„... es gibt nicht so viele Bigbands auf diesem Planeten, aber Hamburg hat eine der Besten ... diese 

Band ist einfach fabelhaft.“ - Al Jarreau 

www1.ndr.de/bigband/bigband_pages_std/0,2570,SPM252,00.html



presseinfo 

Richard Galliano New York Trio, 

special guest Jean ‘Toots’ Thielemans 

Richard Galliano – accordion 

Scott Colley – bass 

Clarence Penn – drums 

Toots Thielemans – harmonica 


Philharmonie 

www.richardgalliano.com 

www.tootsthielemans.com

Richard Galliano – New York Trio 

The famous French accordianist RICHARD GALLIANO is a jazz improviser of the top rank, yet his 

music makes you think of French movies. You barely notice you‘re in the grip of a dynamic, dramatic, 

highly geared performance full of tickling runs and trills, interlaced with romanticism and nostalgia. 

He can swing the accordian like a saloon door, continually changing the tone of the instrument as he 

tackles straight ahead jazz as well as tangos and waltzes, all originals except for those by the tango 

master, Astor Piazzola. From the Cannes area, Richard started with the accordian at the age of four 

and, by fourteen, was searching to expand his ideas by listening to jazz. He was impressed by the 

playing of the trumpet legend, Clifford Brown and wanted to play in a diffferent way to that of 

the Italian masters or Americans such as Art Van Damme and Ernie Felice. Then he met Astor Piazzola 

who advised him to rediscover his French roots and take up New Musette, just as he had invented 

Tango Neuvo. Today at 50, Galliano interprets, composes and orchestrates a music mix of extraordinary 

diversity - from reminiscences of swing, Piazzola tangos, French bistro waltzes, Bill Evans ballads, 

Debussy, Ravel, and Keith Jarrett improvisations to the bop of Charlie Parker and John Coltrane. His 

performances and records refl ect this eclecticism, featuring Joe Zawinul, Chet Baker, Martial Solal, 

Charlie Haden, Jan Garbarek, Michel Petrucciani, Charles Aznavour, Didier Lockwood, Toots Thielemans, 

Enrico Rava and many more - a marvellous performer 

By 16, the brilliant Los Angeles bassist SCOTT COLLEY had discovered the music of Jaco Pastorius 

and Charlie Haden - and was well on the way to becoming one of the most in-demand players in the 

music today. He started with the great Jimmy Rowles and soon became the double bassist for vocal 

legend Carmen McRae. With his forceful lines, impeccable articulation, assured swing and sensitive 

support, it‘s no wonder that he is the bassist of choice for Herbie Hancock, Jim Hall and Andrew Hill. 

He also appears regularly with Joe Lovano. Roy Hargrove, Chris Potter and Greg Osby, and is a regular 

bandleader in his own right, with albums on many top labels 

At 30, young New York drummer CLARENCE PENN has fi fteen years service under his belt and is 

one of the most sought after players of his generation. He has toured, performed and recorded with a 

veritable ‚who‘s who‘ of jazz including Betty Carter, Wynton Marsalis, Roberta Flack, Dizzy Gillespie, 

Cyrus Chestnut, Dianne Reeves and Mike Stern. As a leader, he‘s on the Criss Cross label and is a 

regular member of the Galliano New York trio Contemporary jazz fused with French musette - a treat 

for the ears! 

www.corkjazzfestival.com/Galliano.html

Toots Sweet 

Artist Biography by Suzi Price 

When most people think of the harmonica, they usually picture Ackroyd and Belushi soulin‘ it up in 

black suits, southern fried wah-wah blues or a scene from within a jail cell at state prison. Now that‘s 

not jazz. But, one man managed to create something unique with the harmonica that no one could 

ever imagine in the complex world of Be Bop. That man is Toots Thielemans. 

Toots’ kaleidoscopic form can take you on a dreamy ride to faraway places, be it Paris, Brazil, New 

York or Brussels. Wherever you choose, it stirs your soul. His Be-Bop can be playful and witty, but 

with a beautiful ballad, his haunting harmonica can bring you to tears in a heartbeat. It is said his 

music is somewhere between a smile and a tear and is to the harmonica, what Segovia‘s music is to 

the violin. 

„It‘s like a painting with a lot of pastel colors,“ Toots says. “It’s not red, it’s not black. It’s some of 

those tones in between. An A Minor 7th chord or Major 7th chord are not major or minor. They’re in 

between. So between major and minor, between happy and not so happy, these are the notes,” Toots 

explains. An example of this can be found on his arrangement of “You Don’t Know What Love Is.” 

Incredibly, no one can reinvent the masterpiece of Be-Bop played on harmonica. It belongs to Toots 

alone. All others are mere reproductions. „To try to duplicate a Charlie Parker piece verbatim, you 

cannot do it,“ says Toots. „The phrasing of the instrument is diffi cult. Like C followed by D, you cannot 

bind them. You hear the break between each note,“ Toots says. „You have to absorb all the notes 

mentally, then squeeze them and put them into a harmonica blender and see what comes out,“ he 

laughs. 

You need only hear Toots speak to understand why his harmonic timbre is so stirring. It is the 

sweetness, the tenderness of the spoken man that translates his deepness, his fullness for life into a 

weeping sorrowful melody, a warm Bossa or a sassy Be-Bop piece. 

As early as age three, Toots showed his love of music by playing a homemade accordion in his 

parents‘ pub. Larry Adler‘s pop harmonica was the inspiration that made Toots start to play the 

harmonica at age 17. Toots‘ dream was to become a mathematician, but fortunately for us, that dream 

changed during the German occupation of Belgium. Toots and his family fl ed to France, until it too 

became occupied. He returned to Belgium in 1941 at the age of 18. 

Musicians told Toots to throw away the harmonica and play a „real“ instrument if he wanted to be a 

good jazz musician. Listening to British radio broadcasts of the swing big bands, he was enthralled by 

the intensity of Django Reinhart. When one of his friends gave him a guitar, Toots just naturally picked 

it up and learned to play. Toots said, „I never went to music school and what I learned was from the 

„horse‘s mouth, so to speak“ Many jazz legends never took any formal training. Some couldn‘t even 

tell you in what key they were playing. Like Chet Baker, it was their passion for the art that compelled 

them to become self-taught geniuses of jazz. 

During the World War II, American music was blacked out from coming into Europe. When Toots 

heard Dizzy Gillespe on the radio he was not unlike many European musicians who fl ipped for the 

new Be-Bop sound. Toots‘ said his fi rst Be-Bop record he bought was a 78rpm with Dizzy on one 

side and Milt Jackson on the other. „Those were very fascinating years,“ said Toots. During that time, 

Toots played in many American GI clubs in Europe and in 1949, he shared the bandstand with Charlie 

Parker at the Paris Jazz Festival. He began to develop his own Be-Bop style on the guitar, but the day 

he put his old harmonica to his lips and played a few Charlie Parker notes, that was it! He never put 

his harmonica away again. Although his original reputation was made as a guitarist, it is his harmonica 

and whistling that have made him a legend in his own time.

Toots fi rst came to the United States in the late forties. He met many jazz legends in New York and 

never missed an opportunity to play. When Benny Goodman heard Toots‘ arrangement of „Stardust,“ 

Benny asked Toots to join his tour in Europe in 1950. Toots was really on the road to success, but 

to further develop his art, he wanted to go back to the United States where the jazz inspiration was 

foremost. „I had to wait six months before I could get a steady job, he said. „I went around to all the 

jazz clubs. There were those Monday nights at Birdland. I got up and checked myself out,“ Toots 

laughed. 

When Toots played with Charlie Parker in Philadelphia, he didn‘t know that George Shearing was 

in the audience. As things and time would have it, in 1953 George asked Toots to join his Quintet 

playing guitar and harmonica. „The Shearing sound was a beautiful sound,“ said Toots. „The 

vibraphone played the melody on top, the guitar played the same melody in unison an octave apart, 

and George made the block chords to make it a total sound with some very elegant harmony.“ Toots 

left Shearing in 1959 to do his own thing. 

In the late 50s, Toots also became known for his whistling. Slam Stewart was an excellent swing 

bassist whose ability to bow the bass and hum an octave apart made him famous. Toots thought he 

might try the same thing while playing his guitar, only whistling instead of humming. You can hear one 

of his fi rst examples of this is with the Shirley Horn Trio recording of „I‘m Beginning to See the Light.“ 

He recorded his most popular composition, „Bluesette,“ in 1960. It became his signature piece and in 

addition to the fame it brought him, he said he considers it his social security check from the royalties 

it continues to receive. The piece has such wide appeal that whenever Toots performs his Bluesette in 

concert, everyone in the audience whistles along. 

In the 60s Quincy Jones heard Toots‘ harmonica and whistling. He had to have Toots record with him. 

Quincy‘s musical scene in the 60s was an emotional one and what better accompaniment than to 

have Toots on his recordings. Quincy made three albums with Toots between 1969 and 1970, the best 

one being „Walking in Space.“ 

Not hindered by conformity, Toots reached out to the world with his harmonica. Picture a toddler 

running to the television when he hears the theme from Sesame Street or the moviegoer who will 

always remember the haunting harmonica on the theme from Midnight Cowboy. Toots became very 

successful in the commercial arena and was much sought after. He was a studio pro. However, after 

much commercial success, Toots became disillusioned with the lack of creativity and felt he had 

become a fad. 

Toots recalled a recording session he did with keyboard/pianist Rob Franken in 1974. „I realized how 

jaded my ideas sounded compared to his. By then Rob had already absorbed. He was deep into 

Chick Correa and Herbie Hancock and what had I been doing?“ Of course, Toots admits he is very 

self-critical, but others, even those outside the jazz scene saw Toots for the serious artist he truly 

was. 

Lionel Richie said, „When I fi rst met Quincy, he kept telling me if I ever need a harmonica player, Toots 

is like, off the planet! When I needed a harmonica player, I called Toots up on the phone and he fl ew 

over to Los Angeles. I almost felt guilty because I wished I had more for him to play. He walked into 

the room, pulled out his harmonica and the fi rst take is what you hear on the record. 

He is unbelievable, a very special guy. What amazed me was he told me his age, but it seemed as 

though I was talking to a very young teenager. His energy was just unbelievable and the smile on his 

face from beginning to end was magical.“

This is not a singular statement. Time and time again, fellow musicians praise Toots for his 

professionalism, personal emotional sound and youthful outlook. Kenny Warner said, „He is very 

much a feeling musician. He doesn‘t relate to things technically. If he doesn‘t feel it immediately, 

then he loses interest. I think Miles was like that too. There are certain people in the world who have 

a magic to the way they play, and that‘s because they are not feeling the music technically. Toots is 

very much a heartfelt person. He makes us feel like he loves us. He connects with people that way 

and connects with music that way, through love.“ 

Bill Evans heard Toots‘ gift for melody and lyrical sounds. Bill said, „Toots, we must play together!“ 

After the session was fi nished and Toots heard the fi nal takes he said, „Bill, I played too much on this 

record. It is your record.“ To that Bill replied, „What, you don‘t want to play? I want people to know 

that you can play like that. Wait a minute, we‘ll double your fee!“ The pairing of Bill and Toots on the 

Affi nity album was emotional chemistry, but Bill Evans wasn‘t the only one to feel it. 

Mad boy bassist, Jaco Pastaurus, and Toots met at the Berlin Jazz Festival in 1979 and the chemistry 

ignited there too. Jaco had a fundamental logic and sense of harmony and elegance that Toots 

shared. They toured throughout Europe, Japan and the United States and in 1981, the release of Word 

of Mouth was issued. 

Toots traveled to Rio to record with Brazilian singer, Alese Regina. To his surprise, he found that 

everyone in Brazil knew his music. Toots returned to Brazil 2 decades later to record „The Brazil 

Project Vol. I & II.“ His improvisational recording with a dozen other prominent Brazilian artists was 

fantastic. 

„Toots continued successful tours and recordings throughout the United States and Europe until 

tragedy struck. Toots had a major stroke. His ability to play the guitar and harmonica looked grim for 

several years. Guitarist Philip Catherine said, „I was very close to Toots after he had his stroke and he 

had so much courage.“ Fortunately, by the age of 71, Toots had fully recovered. He admits he can‘t 

play guitar like he once did, but he can „still play the good ones.“ 

At a concert and celebration of Toots‘ 75th birthday in Brussels, Belgium in 1998, many artists joined 

to pay tribute to this gentle jazzman before an audience of 8,000 people. Toots remains active and 

still has a busy schedule of dates throughout Europe. 

[...] 

The list of albums and CDs Toots has produced and play on with other artists from 1955 is impressive. 

Some of Toots‘ best are Man Bites Harmonica, Captured Alive, Images, Live Volume II, Only Trust Your 

Heart, Brazil Project Volume II and Chez Toots. 

From toddler to jazz veteran, many have been touched by Toots‘ unique gift. His brilliance continues 

toward the twenty-fi rst century as a living legacy to the man in suspenders. It’s Toots Sweet! 

www.jazzreview.com



presseinfo 

Willem Breuker Kollektief and Strings 

‘Rhapsody in Blue’ 

Willem Breuker – saxophones, clarinet 

Hermine Deurloo – saxophones, harmonica 

Maarten van Norden – saxophones 

Boy Raaymakers – trumpet 

Andy Altenfelder – trumpet 

Andy Bruce – trombone 

Bernard Hunnekink – trombone, tuba 

Arjen Gorter – bass 

Henk de Jonge – piano 

Rob Verdurmen – percussion 

EastPark Strings 

Arlia de Ruiter – violin 

Sarah Koch – violin 

Herman van Haaren – violin 

Alison Isodora – violin 

Aimee Versloot – viola 

Norman Jansen – viola 

Susanne Degerfors – cello 

Pascal Went – cello 


Philharmonie 

www.xs4all.nl/~wbk/

Weniger Lärm - Willem Breuker Kollektief 

Ein Porträt von Max Annas 

Willem Breuker, Komponist, Saxofonvirtuose und Free-Jazz-Dissident, bewahrt mit seinem Willem 

Breuker Kollektief die große Musiktradition des 20. Jahrhunderts: Eisler, Weill, Gershwin und 

Morricone. 

Am 10. Januar dieses Jahres kamen in Frankfurt mehr als 30 Musikerinnen und Musiker zusammen, 

um dem in November verstorbenen Bassisten Peter Kowald letzte Töne zu widmen. Auf der Bühne 

trafen sich in unterschiedlichen Konstellationen jene Leute, die im Europa der 60er Jahre den Jazz 

in eine andere musikalische und politische Ästhetik überführt hatten: Alexander von Schlippenbach, 

Peter Brötzmann, Keith Tippett, Han Bennink und andere. 

Alle hatten über Jahre hinweg mit Kowald gespielt. Einer fehlte allerdings in Frankfurt: Willem Breuker. 

Der Saxofonist und Komponist aus Amsterdam teilt sich die Meriten zwar mit den anderen und hatte 

vor allem in den 60er Jahren oft mit Kowald gespielt. Aber er saß gerade an der Fertigstellung eines 

aufwändigen Kompositionswerks, der Vertonung von Murnaus Faust-Film aus dem Jahre 1926, die im 

Februar dann in Paris uraufgeführt wurde. 

Dem nomadenhaften Leben von Peter Kowald, der immer unterwegs war und auf zahllosen Aufnahmen 

zu hören ist, steht Breukers musikalische Biografi e entgegen. Was er auch immer getan hat, 

Amsterdam blieb seine Basis, sein Willem Breuker Kollektief besteht seit fast 30 Jahren, und sein 

zweites Label BVHAAST gibt es beinahe so lange wie die Band. Das Label ICP – Instant Composers 

Pool – hatte er Anfang der 70er Jahre verlassen, weil es mit seinem Kollegen, dem Pianisten Misha 

Mengelberg, Differenzen gab. Breuker wollte Melodien und Geschriebenes, Mengelberg mehr Improvisation. 

In den letzten Jahren waren die Alben Breukers und seines Labels hierzulande kaum präsent 

in den Läden. Jetzt, nach einem Vertriebswechsel, soll alles besser werden. 

Wer ihre letzte CD einlegt, hört vertraute Klänge: Klavier, Schlagzeug und Bass geben ein paar Töne 

vor, nicht viel mehr als ein rhythmisches und tonales Fundament. Dann folgt eine Breitseite der 

beiden Posaunen, die die zwei Trompeten nur wenige Takte so stehen lassen, um ihrerseits den Versuch 

zu unternehmen, das andere Blech niederzuringen. Fast fl üchtig wirken dagegen die Versuche 

der drei Saxofone, friedlich erzählend gegen die hell klingende Wand. Stop: Das Trio vom Anfang ist 

wieder unter sich, einige Takte, bevor die Saxofone endgültig so etwas wie eine melodische Anführerschaft 

übernehmen. »Hap Sap« eröffnet das Album »Misery«, das Kollektief covert das Kollektief, 

denn der Track ist ursprünglich von 1984. Solche Stücke hatte man aber auch schon früher hören 

können, Mitte der 70er Jahre. Der erste Eindruck also wirkt vertraut. Er täuscht aber, denn wenig ist 

so wie vor 20 oder 30 Jahren. 

Willem Breuker, Jahrgang 1944, hat eine Jugend in einem proletarischen Viertel Amsterdams erlebt, 

blieb von Rock’n’Roll unbeeindruckt und komponierte seine ersten Tracks zu Beginn der 60er Jahre. 

Er war bei den frühen Experimenten und Aufnahmen der gesamtwesteuropäischen Jazzszene dabei: 

1967 bei Schlippenbachs Globe Unity Orchestra, 1968 bei den grundlegenden Aufnahmen der 

Brötzmann-Combo »Machine Gun« und »Fuck de Boere«, die den Faktor Politik ins Spiel brachte, und 

dann 1969 bei »The 8th of July« von Gunter Hampel. Eine Aufnahme, auf der sich mit Hampel und 

der Sängerin Jeanne Lee, Breuker und dem späteren Kollektief-Bassisten Arjen Gorter, dazu Anthony 

Braxton und Steve McCall von der Chicagoer Free-Jazz-Vereinigung AACM drei Fraktionen trafen, 

um auszuprobieren, ob die freie Kommunikation auch im Studio umgesetzt werden konnte. Herausgekommen 

ist dabei eine der spannendsten Platten dieser Zeit, auch eine der leisesten, die 

Zurückhaltung ist heute noch spürbar.

Lärm nennt Breuker den Sound dieser Zeit fast ernst und weist darauf hin, dass er damals viel mehr 

Töne gespielt habe als heute. Er verweist auf das Jahr 1974 als Wendepunkt. Das Ende von Free Jazz, 

der Beginn des Kollektiefs – die Geschichte des Musikers Willem Breuker fängt von Neuem an. 

Das Kollektief ist eine Combo von zehn MusikerInnen, eine Größe, die sich nur selten änderte. Die 

Beständigkeit der Besetzung ist erstaunlich. Viele sind schon seit mehr als 20 Jahren dabei, der 

Trompeter Boy Raaymakers und Arjen Gorter gar seit den ersten Tagen. Dem Namen misst Breuker 

keine große Bedeutung bei, irgendeiner musste schließlich gefunden werden, aber fi nanziell funktioniert 

das Kollektief tatsächlich als Kollektiv: Alle verdienen gleich viel. 

Die Abkehr vom Free Jazz dokumentierte sich in Vielem, über die Jahre hinweg am deutlichsten in 

der Bearbeitung von Musik anderer Komponisten. Neben den Arbeiten Breukers stehen vor allem 

drei Namen im Zentrum: Weill, Eisler und Gershwin. Für Breuker sind das die Komponisten, die in 

der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts die Grundlagen geschaffen haben, auf der die heutige Musik 

aufbaut. Kaum ein Album, auf dem nicht wenigstens einer der drei auftaucht. Ein ähnlich enges Verhältnis 

hat Breuker noch zum Filmkomponisten Ennio Morricone, dem er mit »Morribreuk« 1987 auch 

ein Stück widmete. Und den aus der Karibik stammenden Reginald Foresythe, der in den 30er Jahren 

Musik für ungewöhnliche Holzbläserensembles schrieb, adaptiert er auch regelmäßig. Allein schon, 

um ihn nicht dem Vergessen zu überlassen. Was man allen Bearbeitungen Breukers anhört, ist dessen 

fanatische Freude beim Hören von Musik. Und die Achtung vor der Arbeit anderer. 

Zum Geist des Respekts, aus dem heraus diese Bearbeitungen entstehen, gehört die Ernsthaftigkeit, 

mit der das Kollektief sich und ihrem Publikum kleine Freuden am Rande macht. Typisch dafür 

ist das vor 20 Jahren oft gespielte »Ases Death« aus Griegs Suite »Peer Gynt«, zu dessen Ende die 

Musiker in kollektives Schluchzen ausbrachen. Schließlich war jemand gestorben. Der Humor, auch 

Teil von Breukers eigenen Stücken, ist aber nie ein simpler Gag. Da werden auf Platte wie im Konzert 

Da Capos abgebrochen oder vermeintlich logische Dinge angedeutet, aber nicht gespielt. Mitunter 

endet ein ernsthafter Solobeitrag in einer ganz anderen musikalischen Sprache, wird vielleicht zur 

Schnulze. Wer darüber noch lacht, wird nur überrascht sein, mit welcher Konzentration das Kollektief 

eine Ballade vorträgt, wie auf »Misery« Hoagy Carmichaels Klassiker »My Resistance is low« von 1951. 

Das singt der Chef dann selbst. Das alles prägt auch die Auftritte des Kollektiefs. Die Band verlässt 

bis heute gern mal geschlossen den Raum, mit Instrumenten und musizierend, versteht sich. Während 

eines Auftritts auf dem Kölner Roncalli-Platz wurde daraus Mitte der 80er Jahre ein echter Ausfl ug 

durch die Fußgängerzone – zur gehörigen Irritation der Tüten schleppenden Konsumbürger am Samstagnachmittag. 

Breukers Werk und seine Bedeutung enden hier noch nicht. Er hat für zahlreiche Kinofi lme den Score 

geschrieben, so für Jos Stelling (»Der Illusionist«) oder George Sluizer (»Drei Frauen«). Maßgeblich 

war Breuker in den Niederlanden daran beteiligt, die öffentliche Subvention für Jazzmusiker als 

selbstverständlich durchzusetzen. Im Rahmen dieser Bemühungen wurde auch die Amsterdamer 

Jazzbühne BIMHuis etabliert – ein Konzerthaus von MusikerInnen für MusikerInnen. 

Sicherlich ist das Kollektief auch heute noch eine Jazzcombo, Breuker lehnt den Begriff auch nicht 

ab. Prinzipiell schreibt er Partituren, in denen seine Leute Raum fi nden sollen um zu improvisieren. 

Sein Ziel ist, dass man auf einem Album gar nicht hört, was geschrieben und was improvisiert ist. 

Wobei ihm natürlich entgegenkommt, dass er sein Ensemble in- und auswendig kennt. Der »Faust« 

allerdings ist komplett durchkomponiert. Und mit ein bisschen Glück im Herbst oder nächstes Frühjahr 

auch in Deutschland zu sehen und zu hören.

Über den Vertrieb Sunny Moon sind derzeit 57 BVHAAST-Alben zu haben, neben Jazz auch Klezmer 

und Neue Musik. Darunter vierzehn von Willem Breuker und seinem Kollektief. Die Aufnahmen mit 

Alexander von Schlippenbach, Peter Brötzmann und Gunther Hampel sind erschienen auf Unheard 

Music Series, FMP und Birth Records und z.B. über den Kölner Laden Parallel Schallplatten zu beziehen. 

www.stadtrevue.de/index_archiv.php3?tid=445&ausg=07/03 

Biography 

The Willem Breuker Kollektief is one of Europe‘s fi nest ensembles playing contemporary and improvised 

music. They are equally at home in jazz clubs as in philharmonic halls. Led by saxophonist/ 

clarinettist/ composer Willem Breuker, the Kollektief plays a hybrid of music which cuts across traditional 

musical lines. The Kollektief‘s approach involves combinations of jazz and ‚serious‘ (i.e. classical) 

music with many popular genres, from marching band and circus music to latin dance steps and 

music for fi lm and theatre. The result is both humorous and surprising, full of false starts and stops, 

clean breaks, sudden shifts in musical mood, and above all, a fi ne sense of irony. Founded in 1974, the 

Kollektief consists of eleven musicians who are improvisors and journeymen with excellent professional 

credentials, and Breuker writes his refreshing music with these musicians specifi cally in mind. 

And whether playing Breuker, Weill, Gershwin, Morricone, Prokofi ev or Ellington, the Kollektief maintains 

an orchestral precision that, in the words of one critic, „would be the envy of most philharmonics“. 

www.xs4all.nl/~wbk/

George Gershwin‘s 

Rhapsody in Blue and other Symphonic Works 

Backdrop: The 1920s - The Age of Jazz 

The novel rhythms of black America sweep musical America and white band leaders catch on. Jazz 

reshapes the styles and fi res the imaginations of musicians and songwriters, spawning new musical 

ideas. Critics rave about Broadway‘s fast rising tunesmith - George Gershwin, and his innovative treatment 

of jazz. 

How Rhapsody came to be: Sometime in late 1923, the bandleader Paul Whiteman asked George 

Gershwin to think about writing a jazz piece for his band. Gershwin gave it some thought, sketched 

some possible themes, and left it at that. On January 4, 1924 to his surprise, a report appeared in 

the New York Tribune announcing that George Gershwin was at work on a „jazz concerto“ to be 

premiered by the Whiteman Band at the Aeolian Hall in New York on February 12, in a concert to be 

called An Experiment in Modern Music. At the time, he was in the thick of his Broadway commitments 

and the jazz concerto was barely more than a thought, but Gershwin‘s genius rose to the occasion. 

He would later point to the rhythm and rattle of the Boston train he was once on as the source of his 

rhythmic ideas, and to James McNeill Whistler‘s painting Nocturne in Black and Gold as the inspiration 

for Rhapsody‘s title. On February 12, at the appointed time, which was toward the end of the programme, 

he delivered his fi rst large-scale work - to an audience that included luminaries like Sergei 

Rachmaninoff, Jascha Heifetz, and Efrem Zimbalist, Sr. The wailing of the clarinet as the work opened 

could only have seduced the audience. Rhapsody was a huge success, the day‘s most talked about 

musical „experiment“ eclipsing the rest of the programme. It was very American in its daring and its 

energy. And like America, it was a veritable „melting pot“ of the infl uences that shaped Gershwin‘s 

musical language - Scott Joplin‘s tuneful piano rags, the rhythmic jazz of Harlem‘s clubs, the folk music 

of the Yiddish theater, and the new post-Romantic music of Ravel and Schoenberg and Stravinsky. 

It was a stunning performance, with George Gershwin himself playing the piano solo. Rhapsody 

was a great „hit“ through the years and in its fi rst decade (which included the Depression years) 

earned the composer big bucks - over $250,000. A fortune in those days. An uncommon reward for a 

most uncommon composer. 

What the critics said. Enthused by Rhapsody‘s daring novelty, most critics found it possible to think 

of George Gershwin, then only 25, as a composer of „serious“ music. But for many years some critics 

were of two minds about Rhapsody - praising „...the rich inventiveness of its rhythms, the saliency and 

vividness of the orchestral color“ while lamenting the loose, episodic nature of its musical themes 

and „...the lifelessness of its melody and harmony, so derivative, so stale, so inexpressive....“ And when 

it became known that Rhapsody was orchestrated by Whiteman‘s chief arranger, Ferde Grofé (who 

would later compose the Grand Canyon Suite), Gershwin became even more suspect - will he even 

make it to Carnegie Hall? Having never before written for orchestra, and given the time constraints, 

Gershwin had no other choice but to have someone orchestrate the music for him (which to this day 

is standard practice on Broadway). But nothing stands in the way of musical genius. As determined to 

be a composer of „serious“ symphonic music as he was convinced about the validity of popular song, 

Gershwin aided by his mentors honed his compositional skills and would eventually put these doubts 

about him to rest.

The other symphonic works: After Rhapsody, Gershwin did orchestrate every one of his symphonic 

works. Of course it was not possible to silence all the critics and they all had their points. 

But there is fi nal vindication in the continued popularity of Concerto in F (a symphonic masterpiece 

crafted to evoke imageries of New York) and An American in Paris (a delightful vignette about a 

distinctly American fascination with a very European city). Indeed, to this day these works, which 

both debuted at Carnegie Hall, are concert hall staples with Concerto in F one of the most performed 

concertos in the standard repertoire. In each case the themes, the rhythms, and the musical ideas 

are inventively integrated into a satisfying musical whole, just like great works are supposed to be. 

And his spirit of innovation knew no bounds - to capture the urban nuances of Paris, for example, he 

cleverly blended into the music the sounds of real taxi horns! His two later works for orchestra, the 

Second Rhapsody and Cuban Overture, though never quite the public‘s favorites that Rhapsody or 

An American in Paris are (perhaps because the pieces are more experimental and the melodies less 

memorable), have nevertheless remained in the concert repertoire. They reveal Gershwin‘s increased 

mastery of technique and, though musically unrelated, helped him set the stage for his great opus 

Porgy and Bess. 

JB/© FanFaire‘99, www.ffaire.com/gershwin/rhapsody.html

Ernst Reijseger Système D 

Ernst Reijseger – cello, percussion 

Mola Sylla – vocals, m’bira, kongoma, xalam, nose fl ute, bejjen 

Serigne C. M. Gueye – soruba, djembe, bougarabou, leget 

Fr 5. November | 18.00 Uhr 

UdK Konzertsaal Bundesallee 

www.ejn.it 



MaerzMusik 







Ausstellungen 


presseinfo

Système D 

Reijseger aus der holländischen Impro-Szene hat sein Cellospiel vom Vorhersehbaren befreit. Er 

hat die Tra ditionen verinnerlicht, um sich von ihnen zu lösen. Er fädelt den Bogen durch die Seiten, 

schleift sein Instru ment knarzend über den Boden, spielt es wie eine Gitarre und trommelt auf ihm. 

Er pfeift, summt und wird theatralisch. Er zieht die Töne und schlägt die Arpeggien, wobei er den Saal 

ausschreitet und die Spannung hält. 

Das fast Unmögliche, ein unvergeßliches herausragendes Live-Konzert für ein neues, spannendes 

Hörer lebnis Zuhause aufzunehmen, ist Ernst Reijseger mit Mola Sylla und Serigne C. M. Gueye gelungen. 

In Lormont nahe Bordeaux wurde dieses Trio im Rahmen der Konzertreihe „Musique de Nuit 

invite Win ter&Winter“ vorgestellt. Und dort haben sich die drei Musiker für ein paar Tage in einem 

kleinen Theater getroffen, um ihre musikalischen Geschichten einzuspielen. 

Die Drei schaffen jene seltenen Momente knisternder Spannung und irritierender Schönheit, die tief 

emoti onsgeladen sind. Was Ernst Reijseger, Mola Sylla und Serigne C. M. Gueye bieten, ist viel mehr 

als gängige Folklore. Sie sind die siebte Generation, die endlich darüber gemeinsam sprechen kann, 

was die Weißen den Schwarzen angetan haben. 

Mola Sylla, der 1987 aus Dakar nach Amsterdam kam und seither in Holland lebt, spielt Daumenklavier 

oder Flöten. Er singt zumeist in Wolof, dem neben dem Französischen fortbestehenden Idiom, 

das 90% der Sene galesen sprechen. So blickt er auf die Geschichte seines Landes, auf muslimische 

Brüderschaften und histori sche Figuren wie den ins Exil getriebenen Cheikh Achmadou Bamba, dessen 

spirituelle Kraft dort nur ge stärkt wurde. Sein liberaler Schüler Ibra Fall rückt ebenso ins Bild wie 

der Wissenschaftler und Namenspa tron der Universität Dakar Anta Diop. Es geht um die Einnahme 

der alten Hauptstadt Ndar und die Einsam keit in Europa, um Sicherheit und Trauer, um den Enkel 

des Propheten Mohammed und aussichtsloses War ten auf die Falsches versprechenden Fremden. Es 

geht um das, was ist, seine Neumontage und seinen Trans port. 

Ernst Reijseger ist der ideale Partner für solche Begegnungen und Verständigungen, das hat er im 

Zusam menspiel mit den Voches de Sardinna bereits wunderbar gezeigt. Seine immense Spielfreude, 

sein listiger Humor und seine stupende Fingerfertigkeit haben sich nie auftrumpfend verselbständigt. 

Auch das be glaubigt diese Begegnung zweier Welten, deren unkalkulierter Zusammenklang 

jetzt möglich ist. Ein perkus siver, anrührender Dialog voller Kraft ist das, der sinnlich nachvollziehbar 

macht, dass Verständigung mög lich ist. Dieser Dialog der Kulturen ist nicht zufällig Ernst Reijsegers 

Tochter Janna gewidmet worden, die uns zusammen mit ihrem Großvater von dem CD-Cover „grimmig“ 

anschaut. 

Ulrich Steinmetzger

Biographies - Biografi en 

Ernst Reijseger 

(Bussum NL, 1954) started playing the cello when he was 8 years old. 

From the early 70s he became involved in improvised music, playing with Sean Bergin, Martin van 

Duynhoven, Derek Bailey, Michael Moore, Alan Purves, and Franky Douglas. He was a member of the 

Theo Loevendie Consort, the Guus Janssen Septet and the Amsterdam String Trio. In 1985 he received 

the major Dutch jazz-award, the Boy Edgar Prijs „because he is an important innovator in the 

fi eld of improvised music... Ernst Reijseger plays the cello with an unrivalled craftsmanship and uses 

his talent enthusiastically to further the development of improvised music... The humor of his unexpected 

musical turns and the original and unconventional use he makes of his instrument add to the 

accesibility of his music.“ 

He also played with Misha Mengelberg‘s ICP orchestra, the Gerry Hemingway Quintet, and Trio Clusone 

(with Michael Moore and Han Bennink). 

Encounters/collaborations with Trilok Gurtu and Yo-Yo Ma were inspiring and worth mentioning. 

Ernst Reijseger is frequently travelling, performing as a soloist and in a variety of international combinations, 

with such artists as Louis Sclavis, Stian Carstensen, Tenores e Concordu de Orosei. Also The 

Amsterdam String Trio will be active again. 

A television documentary about Ernst Reijseger was made and broadcast in 1994. 

In 1995 the Trio Clusone toured extensively in Australia, China and Vietnam, in addition to their haunts 

at the festivals of Europe. In the same year Ernst Reijseger was presented with the coveted Bird 

Award at the North Sea Jazz Festival. 

Ernst Reijseger spends a good amount of time doing cello workshops for children, schoolconcerts 

and solo concerts. 

Ernst Reijseger 

„Cello sollte der Junge lernen. Und wissen Sie, was er gemacht hat? Er hat hineingeblasen!“ Mutter 

Reijsegers ewiges Klagelied? Von wegen: In einer von vielen haarsträubenden Szenen des Woody 

Allen-Films „Take the money and run“ versuchen verzweifelte Eltern zu erklären, wie ihr Sohn auf die 

schiefe Bahn geraten konnte. 

Auch wenn Ernst Reijseger, 1995 mit dem Bird Award des North Sea Jazz Festivals ausgezeichnet, 

wohl kaum je ins Cello geblasen hat, gab es doch Zeiten, in denen dies niemanden sonderlich überrascht 

hätte. Wer mit Hollands freier Jazz-Szene zu tun hatte, mit Han Bennink oder Misha Mengelberg, 

dem traute man zu deren wildesten Zeiten noch ganz andere Sachen zu. Schräg kann man die Bahn 

also durchaus nennen, auf die sich der Cellist gewagt hat. Konsequent scheint deshalb gleich noch 

eine Parallele zu Woody Allens Filmfi gur: Ernst Reijseger pfeift genüßlich auf alles, was sich gehört - in 

seinem Fall für einen nicht klassikverdächtigen „Dutch Master“(CD von 1991 mit Bennink und Mengelberg), 

der sich erst kürzlich wieder einmal im Trio Clusone mit „Schlachwerker” Bennink und dem 

Bläser Michael Moore über Songs wie „White Chrismas“ hergemacht hat, für einen „musicians Musician“ 

weitab vom Mainstream, mit dem Louis Sclavis oder Yo-Yo Ma ebenso gern zusammenarbeiten 

wie Gerry Hemingway, das Arcado String Trio oder Trilok Gurtu.

Wenn Reijseger nun am Ende seiner ersten Solo-Veröffentlichung ganz beiläufi g Mengelbergs „La 

madre di tutti le guerre“ vor sich hin pfeift, mischt sich das Cello „colla parte“ (dem freien Rhythmus 

der Singstimme folgend) mit Arpeggien ein, wie sie - an Bachs Präludien erinnernd - schon ganz am 

Anfang standen. So bringt er ironisch noch einmal auf den Punkt, was sein gutes Dutzend kürzerer 

Improvisationen abgesehen von aller klanglich spieltechnischen Brillianz außergewöhnlich macht: 

Hier ignoriert ein Musiker mit gelassener Selbstverständlichkeit die Trennung von klassischer Musik 

und Improvisation, volksliedhafter Singbarkeit und Lust am Avantgardistischen. 

Titel wie „ricercare“ spielen auf klassische Instrumentalformen an, die der Improvisation nahestehen. 

Von ein und derselben Basis ausgehend, entwickelt der Cellist so unterschiedliche Versionen, daß 

sie wie „colla parte“ und „violoncello bastardo“ aus gutem Grund unterschiedliche Titel tragen: Die 

gemeinsame Herkunft ist nur noch zu erkennen, wenn man ganz genau hinhört. Reijsegers Improvisationen 

machen ungewöhnlichen Gebrauch von vergleichsweise herkömmlichen Herangehensweisen 

- was abenteuerliches Ziehen der Töne und percussives Schlagen auf den Korpus („toccata“ wörtlich 

genommen) nicht ausschließt, oder virtuose Kombinationen von Streichen und Zupfen, bei denen fürs 

Drücken mancher Saite nur noch das Kinn (!) in Frage kommt. 

Darf ein heutiger Musiker mit einem so innig-eingängigen Thema arbeiten, wie dem des „ricercare“, 

das im „divertimento“ erneut auftaucht? Wie falsch diese Frage gestellt ist, wird nicht erst dann klar, 

wenn sich in die synkopensatte Improvisation Blue Notes und andere sanfte Irritationen einschleichen 

(heftigere erwarten den Jazzpuristen, dessen Stunde mit dem „giocoso“ geschlagen zu haben 

scheint). Nur, wer sich wie Ernst Reijseger auf dem Umweg über den radikalen Bruch mit den Konventionen 

dem Reiz der schlicht schönen Melodie genähert hat, kann dies in neugewonnener Unschuld 

mit so viel unpathetischem Witz tun, kann quasi „barock“ improvisieren oder Abdullah Ibrahims 

volksliedhaftem „gwidza (for janna)“ nachspüren, auf daß dreierlei glücklich zusammenkommt: 

jener untrügliche Instinkt, den Akademiker gern mit freundlicher Herablassung zur „Stärke 

des Vollblutmusikers“ erklären; der unwiderstehliche Ton eines Cellisten, der mit seinem Instrument 

zu singen weiß (wenn es nicht gerade als „violoncello bastardo“ eher wie eine Laute klingt oder 

quasi als E- Gitarre gespielt wird) - und ein unvoreingenommenes Publikum, nicht befangen in Tabus 

bezüglich der verhängnisvollen Frage, welche Wege neue (oder gar Neue) Musik beschreiten darf.

Mola Sylla 

(Dakar - Senegal, 1956) 

writer & composer & performer 

lead vocals / kongoma / m‘bira / xalam 

born 1956 in Dakar / Senegal • founder of the formation ‚Senemali‘ • moved to Europe in 1987 • tries 

to combine the African element with other music styles and backgrounds 

Projects / Formations: 

Performances with Ernst Reijseger (Cello) in Duo or in Trio together with Serigne M. Gueye (percussions) 

or with Alan Purves (percussions). In Quartet with Frankie Douglas (gitars) and/or 

Wolter Wierbos (Trombone). 

Since 2000 

Member of formation ‚Vershki da Koreshki‘, now called `VedaKi‘ (Russian for: ‚Roots and Sprouts‘) a 

mixture of Russian and African music (since 1994) (see also: www.xs4all.nl/wedaki) 

Together with: Alexei Levin (piano, accordeon), Vladimir Volkov (double base), Sandip Bhattacharya 

(tablas) 

Member of Global Village Orchestra‘: vocals. With: Kamil Abbas (violin), Karim Eharruyen (ud), Akos 

Laki (saxen), Tjitze Vogel (accoust.bass), Steven Kamperman (clarinets), Roberto Haliffi (drums, perc.) 

Mark Alban Lotz (fl utes) (since 2001). 

Member of ‘The Chris Hinze Combination‘ (since 2002) 

Member of `Project 2000‘. Singer. Mix of ‚drum & base‘ computerized music and live-performances 

(since1997) 

Member of Turqumstances‘, a tribe of musicians from: Turkey, Serbia, Holland and Africa. Together 

with: Sjahin During (perc.), O _uz Büyükberber(bass clarinet), Qa_layan yildiz (guitars), Arnold Dooyeweerd 

(double base), Ruen van Rompaey (drums), Slobodan Trkulja (saxophones). 

Founder of project Mola Sylla‘s Roots Rally, concerttour in the Netherlands together with: 

Ernst Reijseger (cello), Mansour Lette (gitars), Oene van Geel (violin) and Serigne M. Gueye 

(percussion) (summer 2003) 

‚Windstreken‘, Circus Colourful City Nijmegen o.l.v. Johnny Rahaket. Solist (September 2002) 

‚Akar Akar‘ Singer/performer in Project of Chris Hinze (Autumn 2002) & in “Zen, the fi re within” (Autumn 

2001) 

Initiator project ‘TUKKI, etre en voyage‘. Juni 2001 / BIM & Moers Festival, Germany. 

Met: Mola Sylla (I.vocals, m‘bira, xalam), Ernst Reijseger (cello), Serigne Mbacke (perc.), Praful (saxen) 

Clarence Becton (drums), Wladimir Volkov (double-base), Alexei Levin (piano, accordeon), Bao Sissoko 

(kora), Prosper Kasse (guitar), Bashir Dia (synthesizer), Mola Sylla (lead vocals, m‘bira, xalam) 

(see also: www.moers-festival.com)

Solo-activities‘. 

Since 1995 solo-performances. He sings and accompanies himself on various traditional African instruments 

as xalam, m‘bira, kongoma (s.a. for Arena, Amsterdam with DJ Therapy) 

Opera ‚11 Profumo del Diavolo‘ van Tristan Honsinger; singer & performer (2000) 

Moondive-project VPRO with: Ray Anderson, Michel Godard, Ernst Reijseger, Leslie Joseph, Eddy 

Veldman, Ruben van Roon & Mola Sylla (June 99). Replay at: Moers Festival, Germany (June 2000) 

Guest of project Misja Alperin with the Bulgarian Voices & Moscow Art Trio (Norway, 2000) 

Romance - Love in Fluxus‘ of choreographer/dancer Min Tanaka; musician (Japan, autumn 1999) 

‘Scheppingskabaal‘. Composer. Dutch childrens-theatregroup `Het Waterhuis‘ - Rotterdam (1997) 

Romeo & Julia, project Scapino-Ballet-Rotterdam, singer/musician & composer (1997) 

‚Travelogue I I I‘, Berlin dance-company Sasha Waltz & Guests. Together with Tristan Honsinger composition 

& performing (1995-1998) 

Ìmprovisations/Improvisaties‘, project with Ernst Reijseger, Frankie Douglas, Adema Drame and others 

(1996) 

ÌI Suono Improviso‘, wintertour Jazzstages Holland(1993-1994) 

[Daniello Delgado (Clarinet), Tristan Honsinger (Cello), Ernst Glerum (Base) and Richard Teitelbaum 

(Electronics]. 

Formation ‚Senemali‘, a mixture of Senegalese and Malian musicians. The band came to Europe in 

1987 (till 1993). 

Sylla M(anagement) Anja van Oostrom 

Serigne M. Gueye 

Born in Dakar - Senegal (1963) 

Grown up in a traditional musicians family. His grandfather (griot) tought him and was percussionist of 

the National Ballet of Senegal. 

He started playing professionally at wedding ceremonies and other traditional gatherings already in 

the seventies. 

Was 5 year member of the `Ballet Africaine‘, performing at local and international hotels and offi cial 

parties. 

Born and bred in the rich West African culture, the instruments he playes and masters a large scala 

of rhythms are: The bougarabou, sabar, djembe, leget and congoma. He also sings and knows a large 

repertoire of traditional songs 

He plays drums and was involved in many mixed musical forms that exist in Senegal. 

Serigne M. Gueye came to The Netherlands with the Gambian band of Ifang Bondi , 

With Thijs van Leer (Focus) in `Conxi‘ , Saskia Laroo’s band and “Apa ini” with Jazzprizewinning saxophonist 

Tobias Delius.

Wenn das Cello zum Kreisel wird 

„Total global“: Ernst Reijseger und andere beim Osterjazz-Abschluss im Theaterhaus 

Die Cellosaiten schabend, ein Rhythmussäckchen schüttelnd, auf eine Kalebasse klopfend - so fi ndet 

das holländisch-senegalesische Trio zu seiner Musik: vom Geräusch zum Klang. Der Rhythmus nimmt 

Fahrt auf, und Mola Sylla singt, sich mit einem Daumenklavier begleitend, im nasal- und vokalreichen 

Idiom der Wolofsprache ein Lied. Das ist viel mehr als bloß Folklore. 

Der experimentierfreudige Ernst Reijseger, dessen dadaistischer Humor jedes Kind zum Lachen 

bringt, benutzt sein Cello virtuos als Kontrabass, als Gitarre, als Rhythmusinstrument und dreht es wie 

einen Kreisel. Das Konzert wird zur lustvollen Performance gleichberechtigter Musiker. Der westafrikanische 

Rhythmus - angetrieben und vervielfacht von Serigne Gueye - tanzt mit dem Cello, dass es 

eine helle Freude ist. 

Musik, das wird hier spürbar, kann eine Gegenseite der Globalisierung sein: Wie eine erfüllte Utopie 

nimmt sie Probleme auf, verarbeitet sie und verwirklicht so ein respektvolles Miteinander. Die leichteste 

Art der Existenz, das wusste schon Brecht, ist jedoch nicht in der rauen Realität, sondern in der 

Kunst. Ein Konzert wie das von Sylla, Gueye und Reijseger weist immerhin schöne Möglichkeiten auf. 

Davon lässt sich jedes Publikum begeistern - in Dakar, Amsterdam und im Stuttgarter Theaterhaus. 

Stuttgarter Zeitung, 14.04.2004

ICP Orchestra 

Misha Mengelberg – piano 

Ab Baars – clarinet, sax 

Michael Moore – clarinet, sax 

Tobias Delius – clarinet, sax 

Wolter Wierbos – trombone 

Thomas Heberer – trumpet 

Mary Oliver – violin, viola 

Tristan Honsinger – cello 

Ernst Glerum – bass 

Han Bennink – drums 


Haus der Berliner Festspiele 

www.ejn.it 



MaerzMusik 







Ausstellungen 


presseinfo

ICP Orchestra 

ICP ist die Abkürzung für «Instant Composers Pool», einem lockeren Zusammenschluss von Musikern, 

der von den niederländischen Jazzern Willem Breuker, Han Bennink und Misha Mengelberg um 1967 

ins Leben gerufen wurde. ICP ist eine heute schon klassisch anmutende «Erfi n dung» aus einer Zeit, 

als der Aus tausch im Kollektiv zur Grundnahrung des musikalischen Selbstverständnis ses gehörte 

und Rebellion noch Rebellion war. Umso erstaunlicher, dass im Zuge der unvermeidlichen Verbürgerlichung 

vieler einstiger Rebellen der ICP in wechselnden Besetzungen bis heute überlebt hat und 

stark geblieben ist. 

ICP wurde zu einem viel benutzen Gefäss für Experimente und Kollabo rationen von Musikern aus 

den Berei chen Avant-Jazz, Neue Musik und freie Improvisation. Schon bald kam es zu einem ICP in 

Doppelspur: Entwe der spielte das Kollektiv mit Willem Breuker oder aber mit Misha Mengel berg. Die 

beiden Protagonisten hatten unterschiedliche Auffassungen über die Arbeitsweise und die Ausrichtung 

der Musik. Breuker stand mehr auf regelmässige Proben und die Erarbei tung von Stücken, Mengelberg 

bevor zugte das «Instant composing» ohne Netz. Han Bennink liess sich nicht erschüttern. Er 

tat bei beiden mit. Schon in den frühen Siebziger Jahren kam es zu einer Flurbereinigung: Ein Teil der 

Musiker ging zu Willem Breu kers Kollektief, der andere machte im ICP Orchestra weiter. 

Misha Mengelberg war schon lange vor dem ICP musikalisch aktiv. Er wurde 1935 in Kiev/Ukraine geboren. 

Seine Eltern, die beide Musiker waren, emigrierten nach Amsterdam. Er besuchte das Konservatorium 

in Den Haag, interessierte sich aber schon damals mehr für konzeptionelle und experimentelle 

Musik als für die klassischen Interpretationen. Ein Tref fen mit John Cage beeinfl usste ihn weiter in 

diese Richtung. Dennoch widmete er sich bald darauf dezidier ter dem Jazz. In den frühen Sechziger 

Jahren arbeitete Mengelberg eine kurze Zeit mit Johnny Griffi n und Eric Dolphy, auf dessen Album 

«Last Date» er mitspielte. 

Parallel zu den ICP-Anfängen hatten Mengelberg und Han Bennink ein Trio mit dem englischen Free- 

Saxophoni sten Evan Parker und später ein Quar tett mit dem Saxophonisten John Tchi cai und dem 

Impro-Gitarristen Derek Bailey, das 1970 und 1971 zwei Alben veröffentlichte. Zusammen mit Breu ker 

setzte sich Mengelberg für staatli che Förderungsgelder ein, die von den Musikern selber verwaltet 

werden konnten. Daraus entstanden die Orga nisation BIM und das noch immer bekannte Konzertlokal 

Bimhuis. 1972 wurde Mengelberg künstlerischer Lei ter des Studios for Electro-Instrumen tal Music 

(STEIM) und gab Kurse in der Handhabung der Elektronik. Immer bestrebt, sein freies Piano Spiel mit 

neuen Einfl üssen zu aktivieren, beschäftige er sich um diese Zeit auch mit marokkanischer Musik. 

Die Besetzung des ICP Orchestras ist nach den turbulenten Anfangsjahren inzwischen sehr stabil 

geblieben. Musiker wie Ab Baars (Tenorsax, Kla rinette), Michael Moore (Tenorsax, Klarinette), Wolter 

Wierbos (Posaune) oder Tristan Honsinger sind schon 15 Jahre oder länger mit dabei. Auch das 

ursprüngliche Konzept hat sich sanft gewandelt. Wie die Kritikerin Joslyn Layne bemerkt, hat sich das 

«instant composing» in den letzten Jahren leicht Richtung «conducted improvisa tion» verschoben, 

mit Mengelberg als «Conductor», der am Piano sitzt und Zeichen gibt. Wir sind gespannt, wie jung die 

Orchestra-Musik des grossen alten Instant-Meisters geblieben ist. 

Susanna v. Canon, Stichting ICP

Spannend wie ein Krimi - Das ICP Orchestra in der Roten Fabrik 

Sie schlurfen gedankenverloren auf die Bühne, scheinen ganz spontan mit dem Musizieren zu beginnen, 

spielen mal zu dritt, mal zu viert, mal im Kollektiv. Das Theatralische gehört mit zu jedem 

Auftritt des holländischen ICP Orchestra, das seit nunmehr 35 Jahren die Jazzgeschichte mitschreibt 

(und dem, notabene, die Kritiker der bekannten amerikanischen Jazz-Zeitschrift «Down Beat» dieses 

Jahr den ersten Preis in der Sparte «Talent Descrving Wider Recognition» verliehen hat!). - Zufällig 

und spontan ist aber in Tat und Wahrheit gar nichts, wenn der «Instant Composers Pool» konzertiert 

Der Pianist Misha Mengelberg (zu sammen mit dem Schlagzeuger Han Bennink und dem Saxophonisten 

Willem Breuker Gründer des ICP) ist ein vielseitig gebildeter Musiker, dem weder die Jazzgeschichte 

noch die Welten von Strawinsky und John Cage fremd sind (der be rühmte Dirigent Willem 

Mengelberg war sein Grossonkel). Der mit einer gehörigen Portion skurrilem Humor ausgestattete, 

1935 in Kiew ge borene Musiker gestaltete in der Roten Fabrik mit der aktuellen ICP-Ausgabe einen 

glänzenden Konzertabend, der sich so spannend und so kurz weilig entwickelte wie ein guter Krimi. 

Die so zufällig erscheinende Abfolge von freien Improvisationen, komplexen Eigenkompositio nen 

der ICP-Mitglieder und Beiträgen aus der Jazzgeschichte war bis ins winzigste Detail ge plant-- dies 

bezeugte ein uns nach dem Konzert zugespielter, schriftlich festgehaltener Programm ablauf, der 

allerdings dem Publikum nicht zu gänglich gemacht wurde. Die perfekte Dramatur gie folgte einer minutengenau 

festgelegten Skizze - kein Element dauerte zu lange, die Musiker haben ihr heterogenes 

Publikum nie über- oder unterfordert, nie verloren. 

Mengelberg und Bennink sind unter anderem fi ndige Erforscher der Jazzgeschichte. Meister werke 

aus den Federn des legendären Duke Ellington oder des genialen Sonderlings Herbie Nichols nehmen 

sie als Ausgangspunkt für klin gende Analysen, die Besonderheiten der Vorlagen freilegen, ohne 

den Puls oder die Harmonik der Stücke zu opfern. Ihre raffi nierten Arrangements von Kompositionen 

wie «Caravan», «In My Soli tude» oder «Third World» sorgten für die Höhe punkte des Abends, an dem 

auch in witzig -innovativer Weise frei improvisiert wurde oder eige nes, teilweise hochkomplexes Material 

zur Auf führung gelangte. 

Die Ansprüche, die Mengelberg und Bennink an ihre Mitmusiker stellen, sind hoch. Umso bewundernswürdiger, 

mit welcher Gelassenheit und Selbstverständlichkeit die neun ICP-Mitglieder auf 

höchstem Niveau musizierten. Die Holzbläser Ab Baars und Michael Moore fanden sich mühe los in 

all diesen musikalischen Welten zurecht, der deutsche Trompeter Thomas Heberer erwies sich als ein 

Virtuose erster Güte, und der Posau nist Wolter Wierbos fi el durch seinen archaischen Sound auf. Besonders 

beeindruckend war das Spiel der drei Streicher, die dem Ensemble zu sei ner unverwechselbaren. 

Klangfarbe verhalfen. Die Violinistin Mary Oliver, der Cellist Tristan Hon singer und der Kontrabassist 

Ernst Glerum konn ten sich aber auch als improvisierende Solisten hervorragend profi lieren. 

Nick Liebmann, Neue Zürcher Zeitung, 25. November 2002

INSTANT COMPOSER‘S POOL ORCHESTRA 

„As much as any group anywhere, ICP encompasses a full range of modern musics: Ellington and 

Monk, Kurt Weill and European dance band music of a lost age, lacy Webern – and chamber music, 

South African kwela, free improvisation, conducted improvisation, interactive games, counterpoint 

and simultaneity, catchy melodies, pastel harmonies, order and built–in chaos. 

Post modern composers like to jump cut from one style to another: think Zorn. ICP’s music drifts 

from one locus to another like the action in a dream, where the guiding intelligence may thwart rational 

progress. Some compositions feature glaring wrong notes or brazenly dumb ideas; no piece exists 

in a defi nitive state. Players have the option of making some will fully idiotic melody sound better or 

even worse. From one performance to the next, a piece may sound radically different. 

ICP’s mix is perplexing in the best sense: the music doesn’t give up its secrets on fi rst hearing, or 

second, or third. It keeps you coming back. This is jazz / improvised music at its most deft and sophisticated. 

The musicians treat it with the reverence usually reserved for a chewed–up slipper. 

From New Dutch Swing by Kevin Whitehead (Billboard Books, 1998), Misha Mengelberg (piano, composer): 

was a co-founder of the Instant Composers Pool, the nonprofi t collective of Dutch composerimprovisers-instrumentalists, 

with Han Bennink and Willem Breuker in 1967. He has performed in 

duo with Han Bennink for more than 30 years and led the ICP Orchestra for more than 20. His other 

credits include performing and recording with Eric Dolphy, John Tchicai, Derek Bailey, Steve Lacy, 

Peter Brotzman, and many others. 

Thomas Heberer (trumpet): has performed and recorded with the Berlin Contemporary Jazz Orchestra, 

the European Jazz Ensemble, and the Pata Orchestra. 

Wolter Wierbos (trombone): has performed and recorded with the Gerry Hemingway Quintet, Peter 

van Bergen’s LOOS, Theo Leovendie Quintet, and the J.C. Tans Orchestra. He has recorded two solo 

albums. 

Ab Baars (reeds): has recorded and performed with Guus Jansen, Maarten Altena, Loek Dikker, and 

Orkest de Volharding. He has also recorded as leader of a trio and as an unaccompanied soloist. 

Michael Moore (reeds): is the leader of Available Jelly and has been a member of the Gerry Hemingway 

Quintet, Clusone 3, and Maarten Altena ensembles. 

Ernst Glerum (bass): has played and recorded with Amsterdam String Trio, Guus Jansen, the J.C. Tans 

Orchestra, and Curtis Clark. 

Tristan Honsinger (cello): is the leader of a string quartet that includes Ernst Glerum and the ensemble 

this, that, and other. He has performed and recorded with Cecil Taylor, Derek Bailey, Irene 

Schweitzer, Sean Bergin, and other. 

Han Bennink (drums): is a co-founder of the ICP, long-time associate of Misha Mengelberg, and one 

of the most in-demand drummers in Europe. He has performed and recorded with jazz musicians 

such as Dexter Gordon and Sonny Rollins, as well as European improvisers such as Peter Brotzman, 

Derek Bailey, and Willem Breuker.

Josh Roseman Unit 

Josh Roseman – trombone electronics 

Peter Apfelbaum – tenor sax 

Barney McAll – keyboards 

Liberty Ellman – guitar 

Nathaniel Townsley – drums 



www.joshroseman.com 



MaerzMusik 







Ausstellungen 


presseinfo

Erdige Kraft, ausgeklügelte Raffi nesse 

Sein Konzept ist multistilistisch, voll erdiger Kraft, ausgeklügelter Raffi nesse, hochemotio nell und mit 

einem Schuss Humor. Er baut auf den Errungenschaften vorausgegangener Musikergenerationen 

auf, ist jedoch ganz stark in der Gegenwart verankert, weist aber auch in die Zukunft. Josh Roseman 

war Teil von Free Jazz-Gruppen um die Mitglieder des World Saxophone Quartet. Er brachte eine 

frische Farbe in das Multi-Horn-Ensemble von Roswell Rudd und Steve Turre ein. Er beschäftigte sich 

mit der Arbeit von Rappern und DJs. Er gehört auch zur Big Band von Dave Holland. All das prägt 

seine Musik, die auf „Treats For The Night walker“ prägnanter denn je erkennbar wird. Kern der vielbeachteten, 

von der internationa len Kritik hochgelobten CD ist die Josh Rose man Unit. Mit ihr - in 

Quartett- oder Quintettbe setzung - geht er in regelmäßigen Abständen auf Europatournee. Jüngst 

gastierte er wieder einmal in Deutsch land und bot in kleiner Besetzung Musik von „Treats For The 

Nightwalker“. 

Bei Ihrem Tour-Ensemble liegt der Akzent viel stärker auf Improvisation im Vergleich zu der größeren 

Besetzung der„ Treats For The Night walker“. 

Ich machte ein paar ganz spezielle Arrange ments von einigen der Stücke, die für das größere Ensemble 

geschrieben wurden. Mit „Treats For The Nightwalker“ suchte ich ein üppig klingendes 

Audio-Dokument vorzulegen. Und dafür ging ich mit der größeren Gruppe ins Studio. Wenn du mehr 

Musiker hast, musst du nicht so viele Entscheidungen treffen. Auf einer längeren Tournee mit einem 

kleineren Ensemble kannst du herausfi nden, was am besten funktioniert. Auch in kompositorischer 

Hinsicht. Im Prozess des Nacht für Nacht Spie lens zeigt sich welches die wirklich wichtigen Parts 

einer Komposition sind. Die betonst du stark, weitest sie aus. Die Live-Musik klingt jetzt sogar stärker 

weiterentwickelt als die Musik auf der Platte, und damit bin ich extrem glücklich. 

Würden Sie Ihre Musik als multistilistisch bezeichnen? War es für Sie ganz natürlich all diese verschiedenen 

Musikelemente zusam menzubringen? 

Ich sehe mich selbst als Übersetzer, Integrator. Ich zeige gerne auf, dass die Trennlinien in der Musik 

künstlich gezogen wurden. Hinter jeder Form von Musik steckt ein besonderer Geist. Er informiert 

die communities, die diese Form von Musik kreiert. Es ist von Vorteil sich auf die kul turelle Stärke der 

jeweiligen Menschen zu kon zentrieren, die diese Musik kreieren. Die darin ehrlich sind, einen Weg 

fi nden all die verschie denen Elemente zu vermischen. Ich hörte und höre die ganze Zeit die verschiedensten 

Arten von Musik unserer community, so es ist ganz natürlich, sie zu verbinden. 

Das Konzept Ihrer Musik ist ebenso traditions bezogen wie zukunftsweisend. Auch in Ihrem Posaunenspiel 

verbinden Sie Gestriges mit Heutigem. Wenn Sie mit Dämpfer spielen, erin nert das etwa an die 

alten Ellington-Solisten. Doch Sie schaffen es diese Klänge in einen zeitgemäßen Kontext einzubinden. 

Die Technik der Dämpfer-Spielweise ist eine Mischung zwischen meinem Interesse am Ellington- 

Sound, wie ihn Tricky Sam Nanton oder Cootie Williams prägten, und von meinen Hörerfahrungen seit 

frühester Jugend. Dazu gehört Jimi Hendrix. Er arbeitete mit dem Wah Wah-Pedal, entwickelte eine 

ganz aussagekräf tige Stimme, sie war geradezu greifbar. Er formte den Klang mit den Händen. Das ist 

groß artig.

Neben Tricky Sam Nanton war Gary Valente für Sie noch sehr wichtig. 

Ja, neben Valente sind heute meine Lieblings posaunisten Leute, die normale stilistische Defi nitionen 

transzendieren. Etwa Barry Rogers, er hat eine mächtige Stimme. Er spielte mit Eddie Palmieris La 

Perfecta und war schulebildend für die Latin-Posaunen-Spiel weise. Das ist interessant, denn er ist 

kein Hispanic. Er entwickelte ein tiefgründiges Ver ständnis für die Mambo-Kultur und daran ent faltete 

sich und reifte seine musikalische Per sönlichkeit. Er harmonierte wunderbar mit den Musikern um Eddie 

Palmieri, die zu jener Zeit diese Latin-Music kreierten. 

Er passte sich rhythmisch dieser Spielweise an, entwickelte dafür den passenden Sound. 

Das akkurate rhythmische Spiel ist die Voraus setzung, er war darüber hinaus fähig extrem kreative, 

expressive Dinge zu tun, und das immer in perfekter Time. Zudem passte es zu diesem Stil von Musik, 

ergänzte ihn. Sein Sound klang so wie der von alten Typen, die hoch in den Bergen wohnen. Barry 

Rogers ist für mich ein großer Held der Posaune, ebenso Julian Priester. Er beeinfl usste mich auch, 

nicht speziell im Hinblick auf den Sound, sondern umfassend durch sein Spiel. Es gibt auch eine 

Reihe junger, großartiger Posaunisten, die ich sehr mag, etwa Nils Wogram. Wirklich großartig ist auch 

Robin Eubanks, einer meiner Freunde und zugleich ein Mentor. Dann mag ich auch die Posaunisten 

der Wynton Marsalis Band, sie haben dieses lineare Konzept. 

Wenn Sie Ihre Musik mit Dub-Sounds, Club -Sounds, Electronics anreichern, gilt es sich in der Posaunenspielweise 

anzupassen. 

Ich verwende die Electronics und die Dämpfer um den natürlichen Sound, die Frequenzen des Instrumentes 

auszuweiten. Ich versuche nicht damit etwas Neues zu kreieren. Ich bin ein ziemlich natürlicher 

Posaunist. Es hängt immer von den Musikern ab, wie weit man sich anpasst, gewillt ist anzupassen. 

Was ich an der Unit, vor allem in Quartettbesetzung so mag, ist der Sinn für Dynamik, der allen 

Mitgliedern zu eigen ist. Manchmal ver spürst du Lust eine Phrase mit einem anderen dynamischen 

Level zu blasen, und deine Partner reagieren sofort darauf. Das ist für mich der Geist von großartigem 

Ensemblespiel. 

Die Liner Notes der„ Treats For The Nightwal ker“ sind ziemlich abgehoben. Es heißt da u. a. „Jazz ist 

ein Ausdruck von Sound, der von unbekannten Planeten-Galaxien herrührt“. Sind Sie der Ansicht, dass 

all diese künstlerischen Gestaltungsmomente im Universum vorhanden sind, es nur gilt sie hörbar zu 

machen? 

Ihre Interpretation gefällt mir. So würde ich es auch interpretieren. Ich schrieb nicht die Liner Notes, 

sondern ein Freund von mir, der unter dem Künstlernamen Osiris Black Edgar fi rmiert. Wir teilen 

eine geradezu grenzenlose Liebe für Sun Ra. Und in dessen kosmologischen Begrif fen zu denken, zu 

sprechen und zu schreiben, macht Spaß. Gut, es kann in ein nichtssagen des Blablabla ausarten, aber 

ebenso auch ernsthafte Sachverhalte transportieren. Es geht um eine Perspektive der Existenz, um 

Sinn und Zweck der Musik, um die Frage woher sie stammt. Sowie um den Standpunkt, dass man die 

Musik als ein Werkzeug für die Evolution begreift, dadurch ein tieferes Verständnis für den Bewusstseinsstand 

entwickelt. Art Blakey sagte es so: „Music washes away the dust of every day life“. Musik 

hilft dir alles neu zu sehen, etwas Neues zu sagen, doch das muss nicht etwas sein, was nicht schon 

vorher existierte. Bei all den Dingen, die man im Leben tun muss, ist es schwierig zu verstehen, dass 

wir hier sind um etwas ganz Spezielles zu tun, das Teil eines viel größeren Rahmenprogramms, Plans 

ist. Es ist eine Herausforderung sich dessen bewusst zu sein, wenn man spielt, auch was man spielen 

soll und wie man untereinander reagiert.

Was möchten Sie mit Ihrer Musik beim Hörer erreichen? Dass er seine Alltagssorgen ver gisst, zu einem 

besseren menschlichen Wesen wird, das Leben umfassender versteht? 

Die Reaktion von jedem ist verschieden. Unsere Konzeption, die Stücke, die ich schreibe, zielen 

darauf ab gute Antworten auf ganz spezielle Fragen zu geben. Dinge zu identifzieren, die man verbessern 

möchte, Lösungen auf Fragen zu fi nden. Wenn die Leute der Musik zuhören, dann wollen sie 

auch irgendwie dadurch ihre Probleme lösen. Wir kombinieren eine Menge ästhetischer Prinzipien, indem 

wir Dinge spie len, die stark verwurzelt sind, mächtig grooven, rhythmisch stark akzentuiert sind, 

und zugleich Dingen spielen, die recht exotisch sind, viel leicht auch free, oder in tonalen Regionen. All 

das suchen wir auf eine Art und Weise zu ver binden, die so zuvor noch nicht existierte. Diese Vorgehensweise 

hat eine enge Beziehung zu wirklichen Problemen im Leben. Film, bildende Kunst, Musik 

sollte den Menschen Werkzeuge an die Hand geben, um wesentlichere Fragen zu stellen. 

Ist der „Nightwalker“ so zu verstehen, dass wir in der Nacht, im Dunklen wandern, nicht voll kommen 

den Sinn des Lebens sehen? 

Ja, manchmal kann es so etwas sein. Vielleicht ist das ein Prozess, der auf ein besseres Ver ständnis 

der Sinnsuche abzielt. Ich kam jedoch durch etwas ganz Profanes zu diesem Titel. Ich sah ein Schild 

vor einer Zoohandlung in San Francisco, auf dem stand „Late night treat for the nightwalker“. Da wurden 

also irgendwelche besonderen Knochen für die Hundebesitzer angepriesen, die noch zu später 

Zeit ihre Runde drehen. Unser Grafi k-Designer Manfred Brey hatte ein intuitives Verständnis für den 

Geist unserer Musik. Anfänglich war mir dieser Geist gar nicht so verständlich. Wenn man an einem 

Projekt arbeitet, ist man ganz darin gefangen, hat eine vorwiegend emotionelle Ein stellung dazu. Als 

ich die CD „Cherry“ aufnahm, hatte ich gleich ein ganz exaktes Verständnis für die Bedeutung des 

Albums. „Nightwalker“ ist vielschichtiger, es hat mit spirituellem Hunger zu tun. Die Panther-Figur auf 

dem Cover, die ganz alleine durch die Dämmerung schleicht, signalisiert diesen Hunger. Irgendwie ist 

es Poe sie, man könnte lange Ausführungen dazu machen. 

Sie arbeiten vermehrt Ihre Stücke am Computer aus? 

All meine Musik wird auf dem Computer koordi niert. Ich erzeuge jedoch auf verschiedene Weise 

musikalisches Material. Manchmal höre ich Dinge und schreibe sie auf, erst Wochen oder Monate 

später organisiere ich sie, ent wickle das eine oder andere weiter. Manchmal spiele ich alles auf der 

Posaune, nehme es auf und transkribiere das Gespielte. Bisweilen kom poniere ich auf herkömmliche 

Weise, schreibe alles auf Notenpapier. In jüngster Zeit habe ich verschiedene Clave Grooves, rhythmische 

Motive erforscht. Vor allem seit ich mit Dave Holland arbeite. Wenn du die Musik als eine 

fl e xible Datei vorliegen hast, ermutigt dich das mehr die rhythmische Seite auszuloten, du kannst 

damit so spielen wie ein Bildhauer mit Tonerde arbeitet. Die Musik umgibt dich, wenn du sie am Computer 

erarbeitest. Wenn du jedoch konventionell komponierst, hast du nur Papier und Bleistift, spielst 

vielleicht ein wenig auf dem Instrument, denkst dir aus wie es klin gen könnte. Dabei kann man eine 

phantasti sche Vorstellungskraft entwickeln. Aber ich glaube, dass viele Dinge sich durch Zufall ergeben, 

sie können durch den Sound an sich inspi riert werden. Das Komponieren am Computer bietet dir 

diese zusätzliche Dimension.

Sie haben an der Harlem School of the Arts unterrichtet, dann auch an an der New School in New York 

City. Welche Fragen werden von Ihren Schülern am häufi gsten gestellt? 

Wir sprechen häufi g über die Basis des Posau nenspiels. Ein Posaunist braucht grundlegende Informationen, 

um sich weiterzuentwickeln. Skalen, langausgehaltene Töne; Flexibilität; diverse Übungen, 

das Einordnen der Dinge nach ihrer eigentlichen Bedeutung sind die Hauptthemen und Werkzeuge 

für die Weiter entwicklung. Ich las vor einiger Zeit ein Inter view mit Joe Henderson. Darin wurde ihm 

die Frage gestellt: „Welche Ratschläge erteilen Sie jungen Musikern?“ Und er entgegnete: „To fall in 

love with the scales“! Also wenn du dich in die Skalen verliebst, wendest du sie ganz natürlich an, 

erforschst ihre Identität. Du benutzt sie nicht, sondern du bist Teil von ihnen, sie sind Teil von dir. 

Ihr Wesen wird dir sehr lieb. Aber zurück zum Unterrichten. Daran gefällt mir besonders, dass ich 

meinen Studenten ver mitteln kann, wie sie wirklich ihre Zeit nützen können, die sie mit ihrem Instrument 

verbrin gen. Es gilt zu dem Punkt vorzustoßen, an dem die eigene Stimme auf dem Instrument 

ent wickelt werden kann. Doch niemand gibt dir ausdrücklich die Genehmigung hierfür! Wenn du im 

Schulensemble spielst, von Lehrern unterrichtet wirst, tust du die ganze Zeit Dinge, die andere von dir 

erwarten. Ich war immer fas ziniert von der Musik und durch sie höchst inspiriert, aber niemand sagte 

mir, dass es wichtig sei sich die Zeit zu nehmen für sich selbst zu spielen, die Musik wirklich zu erforschen, 

die eigenen Gesetzmäßigkeiten zu fi n den, einen eigenen Solo-Sound, eine eigene Technik zu 

entwickeln. Überhaupt sich die Zeit zu nehmen die eigenen Talente kreativ auszu loten. Du brauchst 

nicht damit zu warten bis du in irgendeiner verrückten Gruppe landest, um das für dich selbst zu tun. 

Die Literatur, die uns für einige der älteren Instrumente zur Verfü gung steht, möchte ich zwar nicht als 

viktoria nisch bezeichnen, aber sie ist klassisch orien tiert. Gut, es ist ratsam damit zu arbeiten, aber 

dann geht es um die Entfaltung des eigenen Talentes. All das ist nur ein Werkzeug für die Selbstentdeckung. 

Keith Jarrett bezeichnete diesen Vorgang als ein Hinuntersteigen in den eigenen Keller mit 

einer Kerze. Mit meinen Studenten arbeite ich also an der klassischen Behandlung des Instrumentes, 

wir erarbeiten spezielle technische Dinge. Wir improvisieren auch viel. Zunächst beginnen wir mit 

strikten Formen, Bluesformen, verschiede nen Songformen. Dann gebe ich ihnen Finger zeige für ein 

genaueres Hinhören, so dass sie sich anpassen können, im Moment auf alles reagieren. Dann geht es 

auch um ein auf den Prüfstein-Stellen der Lebensweise, so dass man sich dahin entwickeln kann, wo 

man hin kommen möchte. James Baldwin sagte: „If you don‘t live your own life, it‘s not that you live 

somebody elses life, you really don‘t end up living any kind of life at all.“ Er betonte jedoch, dass das 

keine Warnung sei, sondern lediglich eine Beobachtung. 

Gudrun Endress in Jazzpodium 5/2004

Josh Roseman Unit - „Treats For The Nightwalker“ 

Auch der zweite Streich des Posaunisten Josh Roseman könnte Hörer wie Kritiker wieder gleichermaßen 

ins Schwärmen geraten lassen: Dieses Mal hat Roseman ganz tief in die Funk-Kiste gegriffen. 

Und erneut ist ihm ein Album gelungen, das vor Elan und kreativem Spielwitz nur so strotzt. 

„Treats For The Nightwalkers“ wurde teilweise am Computer konzipiert und später mit Sounds aus der 

Clubszene versehen. Vor dem Hintergrund dieser Elektronik bahnen sich Josh Roseman und seine 

„Unit“-Mitstreiter im wahrsten Sinne des Wortes ‚spielerisch‘ ihre eigenen, wunderbar verschlungenen 

Wege. 

Rhythmisch, fast schon besessen ideenreich, grooven sich die Musiker durch langgezogene Improvisations-Passagen; 

verschiedene Stile kollidieren miteinander, um wenig später zu neuen Themen zu 

verschmelzen. Acid-Funk wie er besser, origineller und perfekter nicht sein kann ... frech, witzig und 

wild explosiv! 

Peggy Thiele in Jazzdimensions

Boi Akih 

Monica Akihary – vocals 

Niels Brouwer – guitar 

Sandip Bhattacharya – tabla, percussion 

Ernst Reijseger – cello 


Kesselhaus der Kulturbrauerei 

www.boiakih.com 



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Boi Akih 

Boi Akih feat. Sandip Bhattacharya & Ernst Reijseger gave birth to a new cd entitled UWA I [images], 

where delightful vocal sounds from the island Haruku, one of the Moluccan islands, guides you 

through musical images of jazz, world and contemporary music. 

Eclectic music with a universal appeal’ Cape Times, March 2004 

Boi Akih creates a sound....that at the same time is soothing while it holds you in a state of excitement. 

Die Burger, March 2004 

Akihary is singing in her father’s mother tongue, long considered moribund by academic linguists, 

but still understood and even spoken by a few thousand people in isolated communities on the small 

island of Haruku. All the songs on this album are original, co-written by Akihary and her mate (musical 

and otherwise), composer and guitarist Niels Brouwer. “Brouwer is a virtuoso guitarist, and the moving 

tunes he writes..... beautiful...” Gwen Ansell, Business Day october 2003 

‘a musical experience of exceptional art’ 

Concerto February 2004 

Since 1998 they have been collaborating with linguists from the Netherlands and Australia studying 

the Haruku language, and with their help and support Boi Akih not only keeps the tradition alive, but 

puts it to use in its most authentic form: poetic self expression. 

Uwa I [Images] is Akihary’s third album, and the fi rst one on which she sings exclusively in the Haruku 

language. ‘Akihary belongs to the group of exceptional vocalists, who can let you feel a song’. 

Dagblad de Limburger Nov 2003 

‘You would have to be from another planet not to be moved by the warmth and positive energy of 

Monica Akihary‘ Opzij, November 2003 

Expanding their musical horizon for this project, Akihary and Brouwer teamed up with Indian tablamaster 

Sandip Bhattacharya and Dutch cello-wizard Ernst Reijseger. Their contributions are not just 

adding fl avour, but blend in splendidly, without failing to spice up the mix. ‘Boi Akih has grown into a 

striking voice with an unmistakable musical language of its own’. Nine pieces with an intimate livefeel, 

from varied temperament, gracious (Unde Atoluwe Naiowe), irresistibly groovy (Imi), dreamy 

(Potu Loto Potu) and majestic (Maritirine). A small island in a very big world’ Heaven December 2003 

‘The music is playful and warm, with once in a while, a little breeze of melancholy drifting past. 

Akihary’s strength lies in the intimacy of her humming and her power of improvisation’. 

Het Parool December 2003

Boi Akih 

Monica Akiharys Wurzeln liegen im indonesischen Archipel. Ihre Eltern stammen von der Inselgruppe 

der Molukken. Obwohl die Musik von Boi Akih raffi nierte Anspielungen auf diese Wurzeln enthält 

– besonders auf traditionelle Rhythmen –, sind es vor allem die Songtexte, in denen Monica ihre 

Herkunft thematisiert. Von Kindheitserinnerungen angeregt, singt Akihary in der Muttersprache ihres 

Vaters. Diese gilt bei Sprachforschern seit langem als „aussterbend“, wird aber noch von ein paar 

tausend Menschen auf der kleinen Insel Haruku verstanden und sogar gesprochen. Seit 1998 arbeitet 

Monica mit Linguisten aus Holland und Australien zusammen, die die Haruku-Sprache erforschen. 

Mit ihrer Hilfe erhält sie nicht nur eine Tradition am Leben, sondern macht authentischen Gebrauch 

davon: durch poetische Mitteilung. 

Dennoch: Boi Akih haben keine musealen Ambitionen. Alle Songs auf dem Album sind Originals, 

geschrieben von Akihary und ihrem musikalischen und privaten Partner, dem verblüffenden Komponisten 

und Gitarrenvirtuosen Niels Brouwer, einem Absolventen des Amsterdamer Konservatoriums. 

Die beiden arbeiten seit 1995 zusammen und studierten gemeinsam im Jahr 2002 die klassische 

südindische Musik in Bangalore, die die neue CD stark inspiriert hat. 

“Uwa I” (Bilder) ist Akiharys drittes Album und das erste, auf dem sie nur in der Haruku-Sprache singt. 

Für dieses Projekt haben sich Akihary und Brouwer mit zwei außergewöhnlichen Könnern zusammengetan: 

dem indischen Tabla-Meister Sandip Bhattacharya aus Benares (einem Schüler großer 

Musiker wie Ravi Shankar) und dem holländischen Cello-Zauberer Ernst Reijseger (bekannt für seine 

Aufnahmen mit dem Arcado String Trio, Louis Sclavis und einer Gruppe sardischer Tenöre). Heraus 

kommt ein stimmungsvoller Mix aus instrumentaler Virtuosität, bezaubernden Melodien, raffi nierten 

Strukturen und exotischen, indisch gefärbten Rhythmen. Im Zentrum aber steht Monica Akiharys 

warme, bewegliche Stimme, die den Hörer in eine unbekannte Welt der Gefühle und Farben entführt. 

Sie ist eine außergewöhnliche Sängerin, die direkt ins Herz der Hörer trifft. Gwen Ansell (Business 

Day) schrieb: “Vokalistin, nicht Sängerin, ist die beste Bezeichnung für Akihary: Ihre Stimme swingt 

auf sanfte Weise – und schwebt und stürzt, scattet und fl üstert.“

Boi Akih 

Monica Akihary’s ancestral roots lie deep in the Indonesian archipelago. Her parents hail from a 

group of islands known as the Moluccas. Although the music of Boi Akih contains subtle references 

to Moluccan music – most notably some traditional rhythms –, it is mainly in the lyrics of the songs 

that Monica pays homage to her heritage. Inspired by childhood memories, Akihary is singing in her 

father’s mother tongue, long considered ‘moribund’ by academic linguists, but still understood and 

even spoken by a few thousand people in isolated communities on the small island of Haruku. Since 

1998 she has been collaborating with linguists from the Netherlands and Australia studying the Harukunese 

language, and with their help and support Boi Akih not only keeps the tradition alive, but puts 

it to use in its most authentic form: poetic self-expression. 

However, Boi Akih’s aim is not museological. All the songs on this album are originals, co-written by 

Akihary and her mate (musical and otherwise), intriguing composer and virtuoso guitarist Niels Brouwer 

who graduated from the Amsterdam Conservatory. Having started their cooperation in 1995, the 

two of them also studied South Indian Classical Music in Bangalore in 2002 which very much inspired 

the new CD. 

“Uwa I” (Images) is Akihary’s third album, and the fi rst one on which she sings exclusively in the 

Harukunese language. Expanding their musical horizon for this project, Akihary and Brouwer teamed 

up with Indian tabla master Sandip Bhattacharya from Benares (a disciple of great masters such as 

Pandit Ravi Shankar) and Dutch cello wizard Ernst Reijseger (best known for his work with the Arcado 

String Trio, Louis Sclavis and a group of Sardian folk singers). His and Sandip’s contributions are not 

just adding fl avour, but blend in splendidly, without failing to spice up the mix of instrumental virtuosity, 

charming melodies, refi ned textures and those certain exotic grooves that may remind the listener 

(among other things) of Indian music. Above all, Monica Akihary’s warm and pliant voice leads us into 

an unknown world of subtle feelings and glowing colors. She is an exceptional vocalist who sends her 

song directly into the listener’s soul. Says Gwen Ansell in Business Day: “Vocalist, not singer, is the 

best term for Akihary: her voice swings sweetly – but also soars and swoops, scats and whispers.” 

Woolf (Concerto):” the result is nine compositions, full of lyrical angles and a richness of divers nuances, 

a musical experience of exceptional art. 

Alle Informationen: www.boiakih.com

Dennis Rollins’ Badbone & Co 

Dennis Rollins – trombone, electronics, voice 

Jay Phelps – trumpet 

Johnny Heyes – guitar 

John Escreet – piano, keys 

Zoltan Dekany – bass 

Samuel Agard – drums 



www.dennisrollins.com 



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Biography 

Dennis Rollins 

Dennis Rollins’ Badbone & Co features elements of jazz, funk, groove and drum n’ bass and is regarded 

by some as “. . . currently the most exciting on the UK live scene.” Straight No Chaser 

Born in Birmingham, England in 1964 of Jamaican parents Dennis cut his teeth at the age of 14 studying 

and performing with The Doncaster Youth Jazz Association. After years of concentrated study 

Dennis relocated to London where his unique approach to the instrument was immediately and appreciatively 

recognised resulting in numerous offers of work. 

In the ensuing years Dennis further honed his formidable talent performing with the National Youth 

Jazz Orchestra (NYJO) and the legendary all-black jazz big band, The Jazz Warriors. 

Dennis’ reputation as an artist of excellence who is comfortable performing many genres of music 

has resulted in his working with some of this country’s and, indeed, the world’s top jazz and pop personalities 

including Courtney Pine, US3, The Brand New Heavies, Blur, and Beverley Knight. Consequently, 

Dennis has toured the world extensively. 

Often compared to American trombonist Fred Wesley Dennis Rollins has not only established himself 

as the UK’s defi nitively funky trombonist but also some have gone so far as to say that he is, ”...likely 

to be established as the foremost jazz-funk trombonist in the world today.” Mojo 

First choice musician for band’s such as Jamiroquai and Gorillaz, Dennis Rollins has cultivated a powerful 

groove based style of writing and performance which has gained him a rapidly growing national 

and international fan base. 

Festivals 

Coventry Jazz Festival (2001), Hamilton Jazz Festival (2001), Teignmouth Jazz Festival (2001), Guinness 

Cork Jazz Festival - Ireland (2001), London Jazz Festival (2001), Bath International Music Festival 

(2002), Kaunas Jazz Festival - Lithuania (2002), Tbilisi Jazz Festival - Georgia (2002), Edinburgh Jazz 

Festival - Scotland (2002), Brecon International Jazz Festival (2002), Greenbelt Music Festival (2002), 

London Jazz Festival (2002), Tblisi Jazz Festival (Georgia), (2002), Deepdale Jazz Festival (2002), 

JazzFest Sarajevo (2002), Cheltenham Jazz Festival (2003), MaiJazz, Norway (2003), Marsden Jazz 

Festival (2003), Norwich Jazz Festival (2003). 

Performed / Toured / Recorded with: 

Roy Ayers, The Roots, Dionne Warwick, Jamiroquai, Cyprus Hill, Hermeto Pascoal, Brand New Heavies, 

George Clinton, Lonnie Liston Smith, Blur, US3, Tom Jones, Erykah Badu, Marcus Miller, Courtney 

Pine, Sting, Percy Sledge, Gorillaz, Space Monkeyz

Discography 

Dennis Rollins’ Recordings Include 

Blessing In Disguise Cleveland Watkiss (1991) ) 

To the Eyes of Creation Courtney Pine (1992) 

Hand On The Torch US3 (1993 

Brother Sister Brand New Heavies (1993) 

Space Cowboy Jamiroquai (1994) 

The Jamaican Beat. Blue Note Beat Vol 2 Jazz Jamaica (1995) 

Tribute to Bob Marley Compilation (Prod. Courtney Pine 1995) 

Shelter Brand New Heavies (1997) 

Proco Invaders Baaba Maal (1997) 

Rock With You D-Infl uence (1998) 

Whine and Grine (Levi’s Advert) Prince Buster (1998) 

While You Follow Me Eric Benef (1999) 

So Now You Know Damage (1999) 

Forgive Me Lynden David Hall (1999) 

Greatest Day Beverly Knight (1999) 

Back in the Day Courtney Pine (2000) 

Wild & Free E.P. Dennis Rollins (2000) 

Badbone (Debut Album) Dennis Rollins (2001) 

Laika Come Home GorillazlSpace Monkeyz (2002) 

Make Your Move Dennis Rollins (2003) 

Devotion Courtney Pine (2003) 

TV Appearances Include 

Top of the Pops BBC 

Jools Holland Show BBC 

The Beat Channel 4 

T.F.I. Fridays Channel 4 

M.T.V 

Sting/Aswad Fox Televison 

www.dennisrollins.com

Dennis Rollins‘ Badbone & Co 

Make Your Move 

With a few exceptions, the UK hasn‘t really got much of a track record when it comes to producing 

great trombonists (and most of those are of a certain vintage now). Dennis Rollins is of a newer 

breed, and has been associated with the Jazz Warriors as well as Gary Crosby‘s Jazz Jamaica project. 

He‘s a fi ne player, able to manipulate the ungainly plumbing of the trombone with an easy grace and 

a fat, rounded tone. 

Rollins‘ Badbone project have been wearing out the odd pair of dancing shoes up and down the 

country with their live sets. Like James Blood Ulmer, Badbone believe that while Jazz is the teacher, 

Funk is the preacher, dispensing booty shaking grooves topped off with questing improvisation. Perhaps 

inevitably some of the excitement the band generate onstage has dissipated in the glare of the 

recording studio lighting; the sound seems to lack the necessary punch. 

Turning the volume up goes someway to rectifying this and brings out some of Badbone‘s sparkle. 

The funkier tunes are all delivered with a precision and drive that makes you itch to hear them in a 

live setting. Rollins and keyboardist Benet Mclean (a valuable presence in Kevin Haynes‘ curent band) 

offer concise, sometimes witty solos (I‘m sure I caught quotes from the Magic Roundabout theme as 

well as „A Love Supreme“), while Perry Melius and Peter Martin‘s rhythm section work is a bit more 

compromised by the somewhat clinical production. The exception to this is the closing „Act Like You 

Know“, where squelchy bass synth and bumptious drums unite to create a ridiculously infectious 

groove. 

Other pieces fi nd Rollins in more refl ective or playful mood; the short „Interlude - Forever“ is quite 

lovely, as is „Everlasting“, which has a touch of the Stevie Wonder about it. Rollins is beautifully 

expressive here, and shows off his mellifl uous chops on „Soul Journey“ (a feature for overdubbed 

trombones). 

I could have done without the vocal track („So Real“) and Rollins‘ attempt fo fi nd something interesting 

to do with Tracy Chapman‘s „Fast Car“ fails miserably. Programme these two out and you have the 

makings of a decent album (on an interesting new label), but meanwhile for the full story catch them 

live.... 

Peter Marsh, www.bbc.co.uk/music/jazz/reviews/rollins_makeyrmove.shtml

Doug Wamble Quartet 

Doug Wamble – guitar, vocals 

Roy Dunlap – piano 

Jeff Hanley – bass 

Peter Miles – drums 


Quasimodo 

www.dougwamble.com 



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Doug Wamble 

Country Libations 

Say it as if it were spelled „womble,“ and you’ve got the correct the pronunciation of Doug Wamble’s 

last name. Catch the echoes of such diverse giants as Louis Armstrong, Hank Williams, Robert Johnson 

and Ornette Coleman in Wamble’s music, and you begin to sense the uncommonly broad pool of 

inspiration from which the 30-year-old guitarist, vocalist and composer draws. 

Then take in the full force of Country Libations, his debut disc on Marsalis Music, and marvel at the 

conceptual integrity and singular personality that Wamble has achieved. The Tennessee native offers 

a music that is true to his roots in blues and gospel, his love of jazz and popular song, and his commitment 

to both refl ect his diverse sources and turn them in new directions. A thoroughly modern 

musician with a sense of history, a country boy at home in the city, and a cutting-edge leader of his 

quintet, Wamble is nothing if not an original. 

„I never had a real aspiration toward being a professional musician when I was growing up,“ says 

Wamble, who was born in Clarksville, Tennessee and raised in Memphis. Yet he was quickly caught up 

in the love of music refl ected in the playing and singing of his parents and his grandfather at home. 

An „organic“ guitarist at fi rst who learned chords from his elders, Wamble began his musical studies 

in high school, where he played clarinet and considered a future in symphonic settings. His ambition 

was altered one Sunday afternoon. „I’d go to the library every Sunday, between the morning and 

evening church services, to check out records,” he explains, “and as a clarinet player I checked out 

Benny Goodman. Fortunately, it was a record with Charlie Christian on it. That’s when music really 

grabbed me.” 

Wamble felt that pursuing a degree as a recording engineer would be a wise move („so my family 

wouldn’t fl ip out about me becoming a professional musician”), and he began his journey under a 

full academic scholarship at Memphis State University. “But three months into my freshman year, my 

mom took me to see Harry Connick, Jr.’s band with Russell Malone on guitar. Hearing Russell, I decided 

I had to ditch this `rec tech’ thing, and I changed my major.” Under the tutelage of bassist Scott 

Reed, Wamble began exploring the options facing contemporary guitarists. “I was determined to be a 

jazz musician from the purist perspective at fi rst,” Wamble says. “But my teachers wanted me to hear 

more modern stuff like Pat Metheny and John Scofi eld, and Sco became my man. He was the guest 

artist at Memphis State in ’92, and meeting him was like meeting Elvis. Sco was very important to me. 

His love of Ornette Coleman’s music really got me into Ornette.” 

At the urging of Reed, Wamble transferred to the University of North Florida in Jacksonville, where 

he hooked up with another important mentor, pianist Kevin Bales. Listening to countless records with 

Bales put the young guitarist on the road to his present, expansive conception. “I had that `Wynton 

[Marsalis] is jive, he plays old stuff’ attitude when I got to Florida,” Wamble says by way of example. 

“Kevin showed me how Wynton was using formal ideas like Ellington did, but in a modern rhythmic 

context. It was a revelation, and it came when I was having an identity crisis about my own music in 

terms of getting my own sound and playing my own truth. Listening to Wynton and people like Jelly 

Roll Morton, hearing things in common without putting my fi nger on them, I started hearing connections 

everywhere. Suddenly Trane and Miles were connected to Louis Armstrong and Johnny Hodges. 

That’s when I realized that using effects pedals and other guitar effects was not really me, and began 

the quest to get my own pure sound. My original goal was to work with Wynton, even though everyone 

said `Wynton hates guitar.’ When Cassandra Wilson came to North Florida in ’93, I introduced 

myself, we played some duets, and then playing with Wynton and Cassandra became my goals. I just 

decided to see where working toward my goals would take me.“

The fi rst order of business was fi nding a way to place acoustic guitar in contemporary settings. „I‘d 

go on gigs without an amp, and everybody would give me looks; but I just threw myself into playing 

jazz.“ What ultimately resulted is the all-acoustic sound of Country Libations. „My main guitar is a 

Gretsch 1955 Constellation, an acoustic F-hole guitar, and the sound on the record is basically just a 

microphone on the guitar,“ Wamble explains. „My other instrument is a 1929 National Triolian, a metal 

guitar that I play upright. It belongs to my uncle Stewart, who found it under the bed when his father 

passed away. He made me the `personal custodian’ a couple of years ago. I use it in on `Libation #7: 

Along the Way.’“ 

Wamble’s years at North Florida also provided insights into songwriting and singing, which he had 

enjoyed from his earliest playing days but never really pursued. „You spend a lot of time in your car in 

Florida, going to gigs, and one of my teachers, Jack Petersen, was encouraging me to explore all of 

the songwriters and learn their tunes. So I got all of the Sinatra, Ella and Billie Holiday albums I could 

fi nd, and learned tunes in the car driving to gigs. I also learned their infl ections, note for note. When I 

had to sing a solo in class, I scatted a Bird solo and everyone said, `Man, he can sing.’“ Wamble’s vocal 

skills also helped him pay the bills during his time as a graduate student at Northwestern University. 

„In Chicago, at a wedding, I was asked to sing some Sinatra tunes, and that got me a lot of gigs.“ 

Yet Wamble’s focus remained exclusively on the guitar after he received his Masters from Northwestern 

in 1997 and moved to New York. „I came to New York to hook up with Wynton, be on the scene, 

and shed on guitar. It wasn’t about being a singer.“ He quickly called the trumpet-playing Marsalis, 

who invited Wamble to a rehearsal of the Lincoln Center Jazz Orchestra, where old friend and North 

Florida grad Marcus Printup mentioned that singer Madeleine Peyroux needed a guitarist for a tour. 

Cassandra Wilson also called, recruiting Wamble to record on her Miles Davis tribute disc Traveling 

Miles, and trumpeter Steven Bernstein brought Wamble into his Millennial Territory Orchestra. Doug 

Wamble, guitarist, had quickly become part of the New York jazz scene. 

It was only a matter of time before Doug Wamble, vocalist, also emerged. „Madeleine had me sing 

on the encore one night, and I got a huge response,“ he says. „People like Sarah McLachlan, who we 

were opening for, told me that I sounded great. Then I was at Wynton’s house one day, talking about 

Robert Johnson, and I started singing `Come On in My Kitchen.’ When I said I’m not really a singer, 

Wynton said that maybe I ought to be. Still, I resisted at fi rst, because I knew that players who sing 

often don’t get taken seriously as players. 

„Later, though, I was doing a concert of reefer songs with Steven Bernstein and told him I knew `Viper 

Drag’ and started singing it. Again, people commented that they thought I sang really well, and someone 

offered me a gig. I had an instrumental quartet at the time that was really infl uenced by Branford 

Marsalis’ group, and I liked Steven’s idea of having several bands. So I put a new quartet together 

with Charlie Burnham from Steven’s band on violin, plus bass and drums. The fi rst gig was heavily 

improvised, but the stuff that we played ultimately turned into tunes like `Libation #1: Back of the 

Hymnal’ and `Libation #5: Ranura Del Campo.’“

Some fi ne-tuning of the instrumentation and three talented friends from Wamble’s college days 

helped create the astonishing quintet that is heard on Country Libations. „When I got to North Florida 

in ’92, the fi rst people I hit it off with were [pianist] Roy Dunlap and [drummer] Peter Miles. [Bassist] 

Jeff Hanley is a couple of years younger and another fantastic musician who studied there. After 

I moved North, I still returned to Jacksonville once a year to play gigs, and I would always get those 

three guys. The love and openness we share really became clear to me. And Charlie, who I’d been 

working with in Steven’s band, also has a vibe I love. He comes from a different place, and I knew his 

voice on violin would be another great perspective. As a band, we’ve defi nitely grown into something 

different, more precise, with more intricacy and detail.“ 

The band’s debut features nine stunning Wamble originals that refl ect his personal odyssey. 

“Writing the music was an organic process,” he notes. “Delta blues, gospel and Ornette Coleman are 

the three major sources I see this music drawing from, and those sources came out without my trying.” 

For variety, Wamble includes a cover of Sting’s “Walking on the Moon,” with a guest appearance 

by producer Branford Marsalis on soprano sax, and “Baby If You’re Lying,” which Wamble’s mother 

wrote for a songwriting competition 20 years ago. The inclusion of this last track speaks to the awareness 

of heritage that echoes in all of Wamble’s music. 

“For me, it’s been important to always stay connected with where I come from. I’m the weirdo in the 

family; but everybody always gave me great love and support. The other side of me is that now I’m 

a New Yorker who loves being a part of the city. It’s really been about negotiating those two things 

- taking what New York has to offer, putting myself among all of these great musicians, but always 

remembering where I’m from and who I am. 

“Ignorance is a bliss that I want no part of,” he concludes. “I want to know and be able to play everything 

in music. I don’t put limitations on myself. I’m one of these people who like to have a band, and 

I want to develop a band sound. I put as much seriousness into playing [Duke Ellington’s] “East St. 

Louis Toodle-O” as [John Coltrane’s]”Crescent,” and I want to approach my own music in that way. I 

want to do what Ellington did – to play all of the music of the world through my own sensibility.“ 

That sensibility, heard in all its splendor on Country Libations, promises to be among the most important 

new sounds of 2003. 

www.marsalismusic.com

Presse 

Doug Wamble Country Libations 

...Country Libations is, so far, the debut recording of the year. Thoroughly integrating rural blues, gospel, 

swing, and free jazz into an organic musical conception that owes little to any model, this acoustic 

guitarist, singer, and composer is a one-man compendium of avant Americana. 

The New Yorker, 25. Juni 2003 

...music that.is as fascinating as it is idiosyncratic...Country Libations is an impressive introduction to a 

guitarists-singer and a composer with a bright future. 

Los Angeles Times, Don Heckman 22. Juni 2003 

...Mr. Wamble, the guitarist who has been heard with Wynton Marsalis, Cassandra Wilson and Steven 

Bernstein’s Millenial Territory Orchestra, blends bebop, country, blues, gospel, soul and his own blueeyed 

soul singing. 

The New York Times, Ben Ratliff, 27. Juni 2003 

...it’s defi nitely good. Wamble, a young guitarist and singer, takes us on a soulful foray into the roots of 

music from the Deep South. 

The Boston Globe, Steve Greenlee, 27. Juni 2003 

The constants throughout the disc are Wamble’s razor-sharp yet honey-sweet baritone; the bluesy 

tone of his vintage hollow body Gretsch guitar, recorded without a pickup; the tuneful quality of his 

original compositions; and the easygoing cohesion of a working ensemble. 

JazzTimes, Nate Chinen, July/August 2003 

...jazz, blues and gospel are equally important parts of what acoustic guitarist/singer Doug Wamble 

does on this promising debut album...he makes everything fi t together on this unpredictable yet focused 

debut. 

All Music Guide, Alex Henderson, 20. Mai 2003 

Merging blues, jazz and gospel with unimagined ease, Wamble has devised a unique style all the 

more impressive for its distinctive personal nature. These days, in particular, a rare, inclusive talent 

like this comes as nothing less than a gift. 

Barnes&Noble.com, Steve Futterman 19. Juni 2003 

www.marsalis.music.com

Michael Blake’s Blake Tartare 

Michael Blake – tenor + soprano sax, kalimba 

Søren Kjaergaard – piano, keyboards 

Jonas Westergaard – bass 

Kresten Osgood – drums 

special guest 

Teddy Kumpel – guitar 


Quasimodo 

www.michaelblake.net 

www.teddybut.com 



MaerzMusik 







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Biography 

Michael Blake 

“The saxophonist/leader is a double-horned wonder.” - The Village Voice 

Born: May 19, 1964 in Montreal, Canada 

In the last decade this saxophonist, composer and arranger has established a commanding presence 

in the jazz idiom. His work gracefully erases the borders between fi elds of music. In 2002 he was recognized 

in Downbeat Magazine’s 50th Annual Critics Poll TDWR (Talent Deserving Wider Recognition) 

categories for tenor sax, soprano sax and jazz artist of the year. He was also sighted as a “new jazz 

star” in the July issue of US World News Report. 

His most recent release Blake Tartare is available on the internet (www.cdbaby.com/cd/mblake) and 

is already receiving critical praise. Michael’s disc Elevated (Knitting Factory Records) may be his most 

traditional session to date but the leaders lyrical ear has a way of making the familiar sound fresh. His 

critically acclaimed debut CD Kingdom of Champa was released in 1997. Produced by the legendary 

Teo Macero, it is a mesmerizing musical travelogue featuring a brilliant cast of players. His follow-up 

album Drift hailed by Jazzthing Magazine as Best CD of 2000, showcases his fi rst effort as a producer. 

Blake has made a busy life for himself in New York City. He is a Composer in Residence in the The 

Jazz Composers Collective, a non-profi t, musician run organization dedicated to presenting the 

original works of composers. Michael contributes to many Collective activities including Ben Allison’s 

groups Medicine Wheel and Peace Pipe as well as their repetoire ensemble The Herbie Nichols Project. 

A new ensemble devoted to the compositions of the underrated saxophonist/composer Lucky 

Thompson debuted this spring at NYC’s Jazz Standard where the collective presents an annual festival 

of (mostly) original music. 

Michael’s tenure with John Lurie and the Lounge Lizards spans over a decade and includes numerous 

record dates, TV appearances, a live concert fi lm from Berlin and fi lm soundtracks like the Grammy 

nominated score for Get Shorty. Blake was co-founder of Slow Poke, a band including world-renowned 

slide guitarist David Tronzo, bassist/guitarist Tony Scherr and drummer Kenny Wollesen. Their 

meeting on a summer afternoon in Brooklyn brought forth a CD, Slow Poke at Home. Their debut 

label release Redemption is a sublime journey by one of NYC’s coolest bands. 

Blake kicked off the millennium composing. He wrote the theme music for the Sundance Channel’s 

Conversations in World Cinema then followed that up by scoring the Network ID and Up Next menus. 

His ensemble Free Association was awarded the prestigious Doris Duke Jazz Ensemble’s Project 

Grant from Chamber Music America. The resulting suite, entitled Mr. Carefree is an ambitious effort 

to fuse the 1970’s songwriting artistry of Curtis Mayfi eld and Roberta Flack with the kaleidoscope like 

arrangements of Sly Stone, Quincy Jones and Fela Kuti. Mr. Carefree features Canadian vocalist Kate 

Fenner, whose soulful voice and heartfelt lyrics present Michael’s music in a new light. 

In 2004 Blake continues to actively record, compose and perform. Michael completed a tour of 

Denmark with rising star drummer Kresten Osgood and legendary jazz organist Dr. Lonnie Smith. A 

live CD called Hammond Rens is available online. In March Michael toured Europe with a trio (MB3) 

featuring bassist Ben Allison and drummerJeff Ballard. They will be recording in the fall for the Clean 

Feed label. Last year Michael premiered three new compositions commissioned by Canadian composer 

John Korsrud for his ensemble The Hard Rubber Orchestra. 

This summer he will be touring Canada and Europe with Blake Tartare and will revisit with Korsrud’s 

group. Both the commission and his upcoming Canadian tour were supprted by The Canada Council 

for the Arts. 

Among the many artists Michael has recorded and performed with are Medeski, Martin and Wood, 

Gil Evans’ Orchestra, Lee Konitz, Ben E. King, Tricky, Prince Paul, DJ Logic, Steven Bernstein, Roscoe 

Gordon, The Groove Collective, Jack McDuff, Dr. Lonnie Smith, Hal Wilner, Sir Coxsone Dodd and 

Pinetop Perkins. 

www.michaelblake.net

Blake Tartare 

Michael met Kresten Osgood on a blues tour he was doing with his pal George Kilby Jr. back in 1996. 

Kresten was still in high school at the time but his talent left an impression on Blake. A few years later 

Kresten‘s younger cousin Soren heard Michael‘s band Slow Poke and he and Jonas became instant 

fans. 

They asked Michael if he would come to Copenhagen and play a week of gigs with their trio Fucsia. 

While Michael was in Denmark he discovered that Kresten was becoming a local jazz star and had 

matured into a thoughtful, well-rounded musician. Last year when the three of them received grants 

to live and study in NYC, Michael saw an excellent opportunity to start a new band. 

„I was having a hard time getting Slow Poke together and grew increasingly frustrated about it. These 

guys provided me the edge and energy I was missing“, says Blake. „They are world class improvisers 

and it‘s fun to watch them develop.“ The musicians returned to Copenhagen but that doesn‘t 

stop them from performing as Blake Tartare. „Before they left NYC I made sure to get the band in the 

studio and document what we were doing together. Eventually I hope to release the recording and 

meanwhile it helps keep the project going.“ 

Kresten Osgood is well on his way to becoming one of Europe‘s most recognized jazz visionaries. The 

accomplished 25 year old drummer was Educated at the Rhythmic Music Conservatory in Copenhagen 

where he studied with American drum legend Ed Thigpen, He is also an accomplished composer, 

pianist and plays the Hammond B3 organ. Kresten has released two critically acclaimed jazz albums 

and a hip-hop project co-lead with Soren Kjaergaard which was nominated by the Danish Grammy‘s 

for „Best Newcomer of 2001“. He has been featured in a number of Danish Jazz Magazines and is 

considered a young giant among the jazz community there. 

Last spring Osgood set up a tour of Denmark with Michael and hammond organ legend Dr. Lonnie 

Smith. Their amazing live double CD, Hammond Rens, is now available online. Kresten spent most of 

2002 living in New York City where he played with Blake Tartare, Tim Berne, Brad Mehldau, Johsua 

Redman, Joel Frahm, Peter Brotzman, Peter Bernstein, David Tronzo, Phil Woods, Dr. Lonnie Smith 

and Kurt Rosenwinkel. He has recorded with Monty Alexander, John Tchicai, Derek Bailey, Sam Yahel 

and dozens of Danish musicians. 

The 24 year old keyboardist Soren Kjaergaard started playing piano at age 6. He entered the Rhythmic 

Music Conservatory in Copenhagen, Denmark, at age 19 and is regarded as one of the most 

talented young pianists on the Danish jazz scene, winning the Nordic Talent Launch in 2000. Soren 

leads his own trio Fuscia and is also a partner in Kresten Osgood‘s hip-hop band „Ikscheltaschel“. 

Most recently he has been living and studying in New York City where he has performed/recorded 

with Tim Berne, Derek Bailey, William Parker, Jim Black, Andrew D‘Angelo, Herb Robertson, Tony Malaby, 

Tom Rainey, Steve Bernstein, Dave Tronzo and Michael Blake. 

Bassist Jonas Westergaard has performed with just about everyone in the Danish jazz scene, including 

John Tchichai, Jens Winther, Bent Jaedig and Doug Rainey. The 24-year-old started his life in 

music as a pianist but switched to bass on which he studied with Bo Stief. Jonas attends the Rhythmic 

Music Conservatory in Copenhagen where he is extremely active playing with Soren Kjaergaard‘s 

Fuschia and Jacob Anderskov‘s Award winning group Dr. Structure.

Jonas has toured Europe and the United States extensively with Mad Cows Sing, a Danish New Music 

ensemble. This past year he has been in New York City where he has performed with Tim Berne, 

George Garzone, Curtis Fowkles, Herb Robertson, Tony Malaby, Tom Rainey, Steve Bernstein, Dave 

Tronzo and Michael Blake. 

www.michaelblake.net 

Michael Blake 

Drift 

Dem Saxofonisten Michael Blake ist es schon mit seinem vorigen, in kein Genre einzuordnenden 

Bandprojekt Slow Poke gelungen, seine Hörer nachhaltig zu verwirren. Kein Wunder, hatte er sich 

doch mit dem „Fake Jazz“ der Lounge Lizards und ihrer Nachfolgeband Jazz Passengers einen Namen 

gemacht. Nun geht er einen Schritt weiter: „Drift“ wird von einer kleinen Big Band aus drei Saxofonen, 

drei Blechbläsern und fünfköpfi ger Rhythmusgruppe bestritten, die aber nicht auf allen Titeln 

vollzählig antritt. Blake schrieb die komplette Musik - bis auf das Hawkins-Cover „Maria“ - selbst und 

fungierte darüber hinaus als Produzent. 

Als stilistische Orientierung dienen ihm die offenen Workshops Charles Mingus‘, den er auf „The 

Creep“ auch notengetreu zitiert. Blake interessieren die herkömmlichen, ausgeschriebenen Arrangements 

für solche Besetzungen nicht besonders. Er zieht die nur lose vereinbarten „head arrangements“ 

der Swingära vor, die weniger präzise kommen, dafür aber mehr Hitze erzeugen. Seine Leute 

setzt er vergleichbar spontan als (zuweilen dissonante) Klangfarbe ein wie der „elektrische“ Miles. 

Aber auch den harten, basslastigen Funk James Browns scheint Blake zu lieben - vor allem die oft 

gesampelten, klingelnden Riffs des Gitarristen Jimmy Nolen haben es ihm angetan. 

Überhaupt könnte Blake - selbst ein leidenschaftlicher, gar nicht „weiß“ klingender Tenorist, der mich 

manchmal an den jungen Archie Shepp erinnert - ohne seinen Gitarristen Tony Scherr einpacken, 

der als zweite Leadstimme agiert. Ohne solche Solisten liefen die auch klanglich holzschnittartigen 

Aufnahmen dieser modern abgemischten, aber nostalgisch anmutenden Session ernstlich Gefahr, 

auseinanderzudriften. 

Mátyás Kiss, Rondomagazin, 11.1.2001

Discography 

Michael Blake 

Latest release: Blake Tartare 

The name suggests that this is the raw side of Michael but you might be surprised how subtle this 

music is. Blake and his young friends are playing some of the most exciting contemporary jazz 

around. You may be wondering how Michael ended up with a trio of young Danish cats. 

Elevated 

Michael‘s recently released third CD exists in the spiritual roots of jazz but his concept points in new 

directions. The ever-percussive bassist Ben Allison and visionary pianist Frank Kimbrough join drummer 

Mike Mazor to provide Blake‘s luscious tenor and soprano saxophone room to ascend. 

Drift 

Drift features the saxophonist‘s impressive compositions played by a loyal and versatile group of 

creative musicians, capturing the spirit and energy of Free Association. 

Slow Poke 

Slow Poke is a band that Michael started with slide guitar virtuoso David Tronzo, bassist Tony Scherr 

and drummer Kenny Wollesen. Their latest CD release, Redemption, is now available. 

Kingdom of Champa 

Blake‘s debut CD, Kingdom of Champa was released on Intuition Music in 1997. Produced by Teo 

Macero and featuring a cast of stellar players, Champa was hailed by critics to be one of the best 

CD‘s of the year! 

www.michaelblake.net

Zbigniew Namysłowski Quintet 

Zbigniew Namysłowski – alto + sopranino sax 

Jacek Namysłowski – trombone 

Slawomir Jaskulke – piano 

Olo Walicki – bass 

Grzegorz Grzyb – drums 



www.polishjazz.com 



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Polnische Jazzlegende am Saxophon 

Zbigniew Namyslowski Quintett 

Seit über 35 Jahren herrscht Zbigniew Namyslowski (Jahrgang 1939) auf den Jazz-Bühnen Polens 

und Europas. Mit vier Jahren begann er am Klavier, erhielt zusätzlichen Musikunterricht mit sechs und 

spielte Cello mit zwölf. 1960 ging er zum Altsaxophon über und 1964 waren er und sein Quartett die 

ersten polnischen Jazzmusiker, die eine Platte im Westen aufnahmen. Bis heute folgten über 30 weitere 

Schallplatten und CDs. Er hat eine eigenständige polnische Jazz-Musik entwickelt, die westliche 

Einfl üsse mit dem reichen Erbe der polnischen Volksmusik verbindet. 

Mit der CD »Dances« hat Namyslowski diese Folkloreinspiration auf die ganze Welt erweitert: Tango, 

Walzer, Charleston, Balkantänze, Samba und natürlich polnische Volkstänze: Mazurka, Oberek, Polka, 

Kuyaviak, Krakowiak spielt er in der Art des Jazz »a la Namyslowski«. Neben den »Dances« spielt das 

Zbigniew Namyslowski Quintett neue Kompositionen aus dem aktuellen CD-Projekt »Asimetric«. 

Osnabrück live News am 24.09.2004 

Zbigniew Namysłowski 

Born in Warsaw at september 9 1939. He studied piano and cello in music schools in Krakow and 

Warsaw. He played these two instruments at his fi rst jazz performance at the Sopot International Jazz 

Festival in 1957. He played also trombone in traditional groups. But soon he switched to alto sax witch 

became his main instrument. 

In the early 60s he formed the group Jazz Rockers which included Michal Urbaniak on tenor sax. In 

1962 they both joined The Wreckers quintet for a month-long, coast-to-coast tour in the USA that 

culminated in their appearance at the Newport Jazz Festival. Namyslowski subsequently formed his 

own quartet, scoring a huge success in England, where he recorded an album in 1964 „LOLA“ (Decca 

SLK 4644). He went on to perform all over Europe at almost all major jazz festivals, also in Israel 1992 

and 2002, India, Australia, New Zealand , the U.S.A. 1962, 1978, 1987, Cuba, Mexico 1989, 1999 and 

most recently Israel, Sweden, Brazil, Kuwait and Austria in 2002, South Africa 2003 

Namyslowski albums, which were recorded in Poland, Germany, England, Sweden (with Tony Williams 

on drums), Italy, Greece, Hungary and the USA, demonstrate his outstanding improvisational talent, 

his composing skills and his inventiveness, which is rooted in modern jazz but always open to new 

trends. His two best known recordings “Winobranie” and “Kuyaviak Goes Funky” became hits in Poland 

and won 2nd and 3rd price as the “Best Polish Records Of All Times”, and earned himself a 2nd 

place as personality of Polish jazz of all times. Perhaps the best proof of his originality is his convincing 

fusion of jazz, Polish and other folk music: Little Lamb Lost, Piatawka, Siodmawka, Bop-Berek, 

Mazurka Uborka, Der Schmalz Tango, Gogoszary, and many more. 

Basically his saxophone lines are rooted in Coltrane music. He is fi ne interpreter of jazz standards, yet 

his records are made up almost exclusively of his own compositions, which - if he had been born in 

America - might have become standards. In 2003 Zbigniew Namyslowski produced for the fi rst time a 

whole CD with STANDARDS, which is also the title of the CD. 

Biuro Koncertowe Quartet

Zbigniew Namyslowski Quartet/Quintet 

Exists since 1963. The fi rst performance took place in Warsaw at The Jazz Jamboree Festival October 

’63. Since then concerts and tours at jazz festivals all over Europe. Their fi rst LP was the live recording 

of their fi rst performance. Soon two more LPs were released. One in Poland – „Kwartet Zbigniewa 

Namysłowskiego” and one in England entitled “Lola” for DECCA label. This record was the fi rst Polish 

jazz record ever recorded in the West. The personal, the shape and style of the music has changed 

many times in the meantime. The current formation has played together for more then four years. 

They are very talented young musicians considered to be the absolute top of the present Polish jazz 

scene. Recent tours of the band: In 2002: Israel, Brazil, Sweden, Kuwait, Austria, Germany and in 

2003: Czech Rep. Hungary, The Ukraine, Sweden again and South Africa. 

The last CDs recorded by Zbigniew Namyslowski Quartet or Quintet: 

Standards recorded in Jan.2003 

Three Nights live in Aquarium jazz club in Warsaw, 

Dances with accordion player Cezary Paciorek, 

Mozart Goes Jazz – with string quartet and clarinet player, 

Zbigniew Namyslowski Quartet & Zakopane Highlanders Band, 

Secretly and Confi dentially, 

Last Concert –live from Jazz Jamboree 1993 

Without A Song recorded in Czech Republic 

The always spreading repertory of the Quartet consists almost exclusively of compositions of Zbigniew 

Namyslowski witch is reputed to be the No 1 jazz composer in Poland. 

www.namyslowski.onet.pl

Andrew Robson Trio 

Andrew Robson – alto sax 

Steve Elphick – bass 

Hamish Stuart – drums 



www.andrewrobsontrio.com 



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Biography 

Andrew Robson 

“Alto saxophonist Andrew Robson is one of the most talented jazz musicians to emerge on the Australian 

scene in the last decade.” 

The Sydney Improvised Music Association, September 2002 

“The recorded jazz coming out of New York is seldom on this level.” 

John Shand, Sydney Morning Herald, March 24, 2001 

“He has arrived as an important player. “ 

Shane Nichols, Australian Financial Review, December, 2000 

“Andrew Robson is one of the most exciting saxophonists, composers and leaders to have emerged 

in years.” 

John Shand, The Guide, Sydney Morning Herald, 1997 

Andrew is one of Australia’s premier alto saxophonists and composers who has won, and been nominated 

for a number of prestigious awards. In June 2004 Andrew was nominated for Jazz Instrumental 

Performer of the Year at the 29th annual “MO” Awards, a national performance award. He won the 

distinguished 2003 Freedman Jazz Fellowship, for which only 12 artists nationally were invited to apply. 

Andrew won an Australian Record Industry Association (ARIA) Award in 2001 for Best World Music 

Album for Live In Europe, by the Mara Ensemble. This CD included compositions by Andrew. 

Andrew has also been twice nominated for an ARIA for Best Jazz Album for his recordings Sunman 

(2001), and On (2003). The Andrew Robson Trio’s fi rst album Scrum was short-listed for Rhythm 

Magazine’s Album of the Year and was nominated for the ABC 24 Hours/Classic FM Australian Jazz 

Album of the year 1997. 

Andrew has performed internationally with numerous jazz and world music groups. Tours have included 

performances at the Berlin Jazz Festival, Greenwich and Docklands Festival (London), WOMAD 

(Reading, UK), Bim Haus (Amsterdam), and prestigious jazz clubs in Germany such as Unterfahrt 

(Munich) and Stadtgarten (Cologne). 

As part of the Mara Ensemble (a world music group), Andrew has performed in Vietnam, Laos, Taiwan, 

Singapore, China, the Czech Republic, Italy, Germany, Holland, Belgium, Canada, the United Kingdom 

and New Zealand. 

Andrew has also toured throughout Europe with Hungarian bandleader Jackie Orszaczky, including 

Hungary, Austria and Slovenia. 

Within Australia, Andrew has performed at key venues, concerts and festivals including the Sydney 

Opera House as a guest with the Opera Australia Orchestra, the Wangaratta Jazz Festival, Perth Festival, 

Bellingen Jazz Festival and Manly Jazz Festival. Andrew also performs regularly at the Side On 

Cafe, Sydney’s key contemporary jazz venue. 

Andrew has also performed at key regional centres around Australia, including remote Aboriginal 

communities in Western Australia and the Northern Territory, as part of the Musica Viva in schools 

program.

In Australia, Andrew Robson has performed and recorded with some of the country’s most celebrated 

talents including Mike Nock, Ten Part Invention, James Morrison, Barney McAll, The catholics, Sandy 

Evans Group, The Umbrellas, The World According to James, Clarion Fracture Zone, James Muller, 

Wanderlust, Vince Jones, Monica Trapaga, Ed Kuepper, the Mighty Reapers, Marcia Hines, Tim Finn, 

You am l, Renee Geyer and The Whitlams. 

He has appeared with touring American blues artists Terry Evans, Cornell Dupree and Jon “King” 

Cleary. 

2003 highlights include: 

• Winner of the 2003 Freedman Jazz Fellowship. The purpose of this award is to assist performers 

of the highest achievement to further their career. 

• Quartet recording ON is nominated for an ARIA award. 

• New James Greening quartet recording Way Back (featuring playing and compositions by 

Andrew) is nominated for ARIA award. 

Featured soloist with Mike Nock’s Big Small Band - features on live recording which is subse 

quently nominated for an ARIA award. 


• Tour to Germany and Holland as featured soloist and composer with The World According to 

James (appearing at the prestigious Berlin Jazz Festival and the Bim Haus in Amsterdam) 

• New quartet recording “ON” for ABC jazz released in November 2002 - featuring 8 new com- 

positions and the playing of Andrew, Steve Elphick, Hamish Stuart and Alister Spence; 

• Member of orchestra for Opera Australia’s season of Love in the Age of Therapy, Sydney Op- 

era House, as part of the Sydney Festival 

• Invited to join legendary Australian ensemble Ten Part Invention replacing the retiring Austra- 

lian jazz legend Bernie McGann 

• The Umbrellas CD Bravo Nino Rota (featuring Andrew) nominated for ARIA award (best jazz 

album) 

• Regional NSW touring with the World According to James 

• Andrew Robson Trio performs at Bellingen Jazz Festival 


• Concert and festival tours of Vietnam, Laos, Taiwan and China with MARA; 

• Sunman, the new CD from the Andrew Robson Trio, was nominated for an ARIA award for 

Best Jazz Album 2001 

• Live in Europe the new CD by the Mara Ensemble won the ARIA award for best Australian 

world music release of the year; 

• Playing and compositions on Way Back, the new CD from James Greening’s The World Ac 

cording to James (due for release 2002); 

• Appearances at the Wangaratta Festival of Jazz with Mike Nock’s Big Small Band, James 

Greening and the Andrew Robson Trio; and 

• Featured on ABC TV music series, PULSE with Barney McAll group. 

Academic qualifi cations and study 

Andrew graduated from the Canberra Institute of the Arts in 1991 with a postgraduate degree in performance. 

He completed his Masters (Music), from the Australian National University in 1997. 

Andrew travelled to New York in 1991 where he studied with some of the world’s most celebrated 

saxophonists including David Liebman and Steve Coleman. 

www.andrewrobsontrio.com

Andrew Robson 

This is one Icarus whose wings are not endangered. One of the more arrant pieces of nonsense 

about jazz is that achieving a personal voice on one‘s instrument and having original things to say are 

attributes that may be attained only after years of immersing oneself in the music of the greats; anyone 

who leaps straight out of the musical womb with pretensions to originality is a fake. Across the 

arts, of course, there are those who come up with something of their own, fully formed, at an early 

age, others who take time to fi nd what they wish to say. 

Two examples of the former on the Sydney jazz scene would be guitarist James Muller and saxophonist 

Andrew Robson. Robson‘s second album is a phenomenally mature work in both conception 

and execution. In part, this is due to working with such hugely experienced collaborators as bassist 

Steve Elphick and drummer Hamish Stuart, but primarily it is because Robson simply sounds like noone 

else as he offers ideas of rampant beauty that are unburdened with intellectual inhibitions. 

The combination of earthiness, emotional directness and grace is as ancient as it is futuristic. Above 

all, it seems natural: something a human would inevitably do with a saxophone. Sound has much to 

do with this. Most alto saxophonists make a piping, piercing noise. As well as exploiting this possibility, 

Robson achieves a richness - a munifi cence - across the range of the horn. The melodies themselves 

can have a fl ight-of-fancy lightness about them while being loaded with compelling expressiveness. 

Elphick always opts for the right rather than the clever option. His solo on the sprightly Five Will Get 

You Ten typifi es the commonality of this approach with Robson’s, the seemingly playful lines suddenly 

acquiring unforeseen emotional weight. 

Stuart, always a drummer to make the music feel good, has become ever more adept at also letting 

it breathe, at opening up options rather than closing them down. He fi nds imaginative solutions to the 

complete gamut, from the somber Chant to the dizzy swing of Spin. 

The recorded jazz coming out of New York is seldom on this level. 

John Shand, The Sydney Morning Herald, March 24, 2001



MaerzMusik 







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Huw Warren Trio with special guests 

June Tabor and Iain Ballamy 

Huw Warren – piano, accordion 

June Tabor – voice 

Iain Ballamy – saxes 

Tim Harries – bass 

Martin France – drums 



www.huwwarren.com 

www.junetabor.co.uk 

www.ballamy.com

Biography 

Huw Warren 

“Where the unpredictable meets the unclassifi able” Mojo 1998 

“Music in a class of it’s own” Birmingham Post 1999 

“One of the UK’s truly independent spirits” Guardian 2002 

Huw Warren is one of the leading and most original voices on the current new music scene. As a 

composer and multi instrumentalist, his work is diffi cult to categorise; refusing to accept conventional 

musical barriers, but fi nding fans and admirers in the worlds of Jazz, New Music and World Music. 

Born in Swansea in 1962, he studied piano and cello; and fi rst worked as a teenager playing Hammond 

Organ in the Working Men’s Clubs of South Wales. Having discovered jazz by chance from 

radio broadcasts, Huw also became interested in the English experimental music scene after studying 

with John Tilbury in London in 1980-83. Huw’s eclectic style was infl uenced by hearing (and playing 

with) seminal 80’s big band Loose Tubes, as well as hearing the Brazilian genius Hermeto Pascoal, 

and South African township music of Dudu Pukwana. 

In 1988, Huw started a long collaboration with English singer June Tabor. As pianist/arranger this has 

since included world-wide touring and several CDs (including the 1999 commission “A Quiet Eye” with 

the Creative Jazz Orchestra). 

In 1989 Huw was co-founder of the award winning ensemble Perfect Houseplants (with Mark Lockheart, 

Dudley Phillips and Martin France) Perfect Houseplants have released fi ve critically acclaimed 

recordings, and have established radical new projects with artists such as the Orlando Consort, baroque 

violinist Andrew Manse, and recorder player Pamela Thorby 

A widely experienced performer, Huw has also worked with Kenny Wheeler, Billy Bragg, Steve Arguelles, 

Julian Arguelles, Billy Jenkins, Christine Tobin, Eddi Reader, and African guitarist Mose Se 

“Fan-Fan”. Huw has also been featured on fi lm scores by Stephen Warbeck and Michael Gibbs. 

Having appeared on over 30 CDs, his debut release as a band leader was on the Babel Label in 1997. 

“A Barrel Organ Far from Home”, was a suite of pieces for a nine piece ensemble, based on early 

photographs by English photographer John Topham. 

2001 saw the release of his critically acclaimed solo CD “Infi nite Riches in a Little Room”. His solo 

piano performances have included Bath, Cheltenham, Norwich and Jyväskylä Festivals, as well as 

London and Brecon Jazz festivals. 

Huw has completed several commissions including Riot (for Piano Circus), Steamboat Bill Jnr (a new 

score for the classic Buster Keaton movie), New Folk Songs (for Perfect Houseplants and Pamela 

Thorby), Lullaby Exit Bear (for the RSC) and music for a new production of Jean Cocteau’s Monologues 

at the Lyric theatre in London. He has also written recently for the ABRSM jazz syllabus, the 

Palladian Ensemble, and has co-written a reconstruction Mass with Perfect Houseplants and The 

Orlando Consort to be released by Harmonia Mundi USA in 2003. 

www.huwwarren.com

Huw Warren - Hundreds of Things a Boy can Make 

The Babel Label Babel BOV 2442 

Huw Warren (p, acc, ky), Mark Feldman (vl), Peter Herbert (b), Martin France (d), Mark Lockheart (ss), 

Pete Whyman (cl, bcl), Sonia Slaney (vl), Maria Lamhurn (via), Richard Dulten (clo), Dudley Phillips (b). 

Rec. 2003 

The hundreds of things a boy (and some girls) can make clearly include another excellent album. 

The jokey titles (‘How to make a shocking coil’, ‘More than the average number of legs’, `How to 

make a violin out of a cigar box’) and jaunty air of much of the music belie a serious and wide-ranging 

musical intelligence at work in this impressive outing from the Welsh pianist and com poser. The 

music fl ows in attractive fashion, swept along on urgent rhythmic fi gures in the fast material, but full 

of contrasting shifts in tempo and dynam ics. He makes effective use of the range of musical colour 

and texture generated by the instruments of the core quartet and his various guests, while the shifting 

line-ups add their own sonic varia tion to the mix, and everyone performs impeccably. The generic 

infl uences evoked in the course of his eleven new compositions range from fl irtations with a cool, 

almost Nyman-esque neo- Baroque feel through to an apparent fusion of scratching with calypso that 

opens `Sheep’, and takes in several folky tangents along the way. Whatever the direction, though, it all 

carries Warren’s own distinctive musical stamp. 

Kenny Mathieson in Jazzwise, April 2004

June Tabor 

„Den wahrsten Satz soll man immer zuerst aufschreiben: June Tabor ist die beste Sängerin der Welt.“ 

So Christoph Dieckmann in der ZEIT. Was immer man von derartigen Superlativen halten mag (und 

ganz sicher ist, daß die Künstlerin selbst am allerwenigsten damit anfangen kann...) – ein Fünkchen 

Wahrheit ist darin ganz sicher enthalten. 

Nach dem bejubelten Album „Aleyn“ hat June Tabor nun ein Album veröffentlicht, das einen Höhepunkt 

in ihrer an hervorragenden Alben wahrlich nicht armen Karriere darstellt: „A Quiet Eye“. Die 

Kollaboration mit den Jazzern vom „Creative Jazz Orchestra“ hat deutliche Spuren auf diesem Album 

hinterlassen: „Das stets bravouröse, musikalisch disparate Backing besorgt das CJO, ein Klangkörper 

von chamäleonartigen Eigenschaften“, schreibt Wolfgang Doebeling im Rolling Stone. Huw Warren, 

neben seiner Arbeit als Bandmitglied von June Tabor einer der führenden Jazzer der neuen Londoner 

Szene, war wieder für die Arrangements verantwortlich. 

Besonders ist aber die Auswahl der Lieder, die June Tabor auf „A Quiet Eye“ singt – traditionelle wie 

zeitgenössische Folk-Songs, (Jazz-)Standards und Balladen unterschiedlichster Herkunft. Höhepunkt 

des Albums ist zweifellos das Suite-artige „Writing of Tipperary“. Das führende britische Musikmagazin 

MOJO schrieb dazu: „Bill Caddick’s Writing of Tipperary, resurfacing as one of the best songs of the 

last 30 years, an incredible historical journey into World War One with plenty of poignant, modern relevance. 

Few would have the vision to attempt it. Fewer still could turn it into a triumph. One of June 

Tabor’s fi nest hours.“ 

Das ist genau das, was June Tabor’s Kunst ausmacht – sie fi ndet Lieder, die die Zeiten widerspiegeln, 

und sie interpretiert diese Lieder auf eine Art, die schlichtweg atemberaubend ist. Sie lotet die Tiefen 

moderner Liedkunst aus und befi ndet sich dabei als Künstlerin in einer Reihe, die von Schuberts 

Liederzyklen bis zu den besten englischen Folksongs reicht. Denn „für June Tabor scheint Kunst die 

Entbindung des Wahren vom Geröll. Die Skulptur wird aus Stein befreit. Musik wohnt in der Stille. 

Dichtung lebt vom Ungesagten“ (nochmal Christoph Dieckmann in der ZEIT). 

June Tabors Konzerte sind die logische Fortsetzung dieser Einstellung. Die ungeheuer dichte Atmosphäre 

ihrer Alben wird direkt auf die Bühne übertragen. Niemand kann sich dem Sog dieser faszinierenden 

Sängerin entziehen: 

„Wenn du June Tabor nicht zu schätzen weißt, solltest du aufhören, Musik zu hören!“ 

Elvis Costello 

www.bseliger.de/junetabor.html



MaerzMusik 







Ausstellungen 


presseinfo 

Bennie Wallace 

‘Coleman Hawkins Centennial Project’ 

Bennie Wallace – tenor sax 

Terrell Stafford – trumpet 

Ray Anderson – trombone 

N. N. – alto sax 

Jesse Davis – alto sax 

Adam Schroeder – baritone sax 

Donald Vega – piano 

Danton Boller – bass 

Alvin Queen – drums 


Haus der Berliner Festspiele

100th Birthday Tribute to Coleman Hawkins with the Bennie Wallace Nonet 

If there is one man who made the tenor saxophone matter, it was Coleman Hawkins. Before Hawkins 

came along, the tenor saxophone was used mainly as a way to make dance and military bands 

sound louder, or, in the hands of circus clowns, to produce laughs. But in the 1920s, largely through 

his pioneering work alongside Louis Armstrong in Fletcher Henderson’s orchestra, Hawkins set the 

tenor free. With his legendary 1939 recording of “Body and Soul,” he brought the instrument’s level 

of expression to high art. Hawkins was an important and infl uential force in jazz for more than forty 

years. Every saxophonist who came after owes him a debt of gratitude. 

In honor of the 100th anniversary of Coleman Hawkins‘ birth (November 21), tenor saxophonist 

Bennie Wallace pays tribute by leading his own nine-piece band in a celebratory set. Wallace is a 

Tennessee native who possesses a big, full tone that harkens back to the early masters like Ben 

Webster, Don Byas, and, of course, Hawkins himself. Along with his big sound, Wallace is known for 

the modern and avant-garde aspects he has synthesized into his playing. 

Growing up, Wallace soaked up the musical culture of the South, logging plenty of hours playing in 

roadhouse R&B bands. He moved to New York in the late seventies and began his recording career 

as a leader. Wallace now has over a dozen albums to his credit and was active in creating music for 

fi lms like Bull Durham and White Men Can’t Jump. Several of his most recent recordings, including 

the 2002 release, Moodsville, feature sublime interpretations of ballads and standards. 

www.chicagopublicradio.org/programs/specials/jazzfest2004/performances/jf2004_ 

wallace.asp07.08.2004

Berlin-Concert 

Bennie Wallace live 

Ähnlich wie bei seinem gefeierten Comeback mit einem Gershwin-Tribute vor zwei Jahren (Bennie 

Wallace: „Someone To Watch Over Me“; Enja Records 9356 2) überschlagen sich die Kritiker auch 

diesmal: „Bennie Wallace in Berlin“ (Enja Records 9425 2), das zweite Live-Album des 52-jährigen 

Tenorsaxophonisten, wird einhellig gelobt, ganz gleich ob der Kritiker Peter Rüedi heißt und in der 

Schweizer „Weltwoche“ den Jazz sondiert oder ob sich Mátyás Kiss in „Rondo“ über ein „Konzert der 

Superlative“ begeistert. 

Dabei gäbe es dieses Album gar nicht, wenn es nach Bennie Wallace gegangen wäre: Der Sound des 

beim Jazzfest-Berlin 1999 entstandenen Konzertmitschnitts passte ihm nicht und mit drei Gershwin- 

Nummern schien sich das Repertoire auch zu sehr mit dem Vorgänger-Album zu überlappen. 

Nur zweien ist es zu verdanken, dass der überkritische Bennie Wallace letztlich doch grünes 

Licht für die Veröffentlichung dieses Live-Albums gab: Dem hartnäckig auf einer Veröffentlichung 

beharrenden Enja-Chef Matthias Winckelmann und Bernie Grundman, der dem Konzertmitschnitt 

mit seinen Tonmischkünsten eine Beinah-Studio-Qualität abringen konnte, von der sich auch der 

Sound-Fetischist Bennie Wallace überzeugen ließ. So liegt das Album nun vor und damit – in voller, 

ungekürzter Länge (66 Minuten)! – ein spannender Jazz-Abend in Berlin. Ein Abend, der in der 

Erinnerung des Tenorsaxophonisten auch in die Hosen hätte gehen können: Nach dem kurzfristigen 

Ausfall von zwei (!) gebuchten Pianisten hatte „Ersatzpianist“ Georges Cables Bennie Wallace erst 

zwei Tage vor dem Berliner Auftritt zugesagt; und die einzige gemeinsame Probe der vier in dieser 

Besetzung zum ersten Mal zusammen spielenden Musiker (neben B. Wallace und G. Cables: Peter 

Washington am Bass und Herlin Riley am Schlagzeug) war alles andere als gut ausgefallen. Ganz 

anders das Konzert: Mit „Bennie Wallace in Berlin“ präsentiert sich dem Hörer der ganze Wallace 

– und dies in prachtvoller Spiellaune. Da gibt es den sensiblen Balladeninterpreten, den seit geraumer 

Zeit nichts mehr interessiert als Balladen – Balladen wie Gershwins „I Love You, Porgy“ oder 

„Someone To Watch Over Me“, in die er wie in einen Handschuh schlüpft. Da gibt es den Tenoristen, 

der sich mit einer Calypso-Fassung von „It’s Only A Papermoon“ tief vor Sonny Rollins verbeugt. Und 

da ist auch der frühe Bennie Wallace zu hören, der gerne einmal Saxophonist bei Thelonius Monk 

geworden wäre, und der – wenn er seinem kauzig-schrägen, experimentellen Humor freien Lauf lässt 

– (vgl. „At Lulu White’s“, „It Has Happened To Me“) ein wenig so klingt, als ob der verehrte Monk als 

Tenorsaxophonist zurückgekehrt wäre. 

In Anlehnung an Coleman Hawkins und dessen Schule des großen, fetten Saxophon-Klangs pfl egt 

Bennie Wallace einen Sound, der mit einer großen, körperlich spürbaren Luftverdrängung eine 

unheimliche Präsenz erzeugt. Mal röhrt er mit einem vor Kraft und Süffi gkeit schier berstenden 

Ton, mal streichelt er Noten so zart und mit so viel Luft wie Ben Webster. Die tonliche Qualität 

im Jazz – für Wallace, der einmal ein „Coleman Hawkins der Avantgarde und ein Eric Dolphy der 

Tradition“ genannt wurde, ist sie so essenziell wie der Live-Charakter, die Rhythmem, Melodien und 

Harmonien des Jazz. „Bennie Wallace in Berlin“ ist das Live-Album eines überzeugten Live-Spielers, 

der das jahrelange Herum-Jammen in den schwarzen Jazzclubs von Chattanooga im Country-Staat 

Tennessee als seine beste Jazz-Schule bezeichnet.

Dennoch war Wallace in den 90er-Jahren live jahrelang kaum zu hören gewesen. Der Grund: 

Hollywood. Anfang der 90er-Jahre war Wallace in die Traumfabrik übergewechselt – weil er seit 

dem „Alfi e“-Soundtrack von Sonny Rollins schon immer mal Filmmusik hatte machen wollen und 

weil er das Angebot aus Hollywood als Chance ansah, um zwar nicht dem Jazz, aber dem ihm 

damals verhassten Jazz-Business zu entfl iehen. Wallace komponierte erfolgreich Musik für Filme 

wie den Baseball-Streifen „Bill Durham“, aber die Formel „Filmkomponist + Jazzer = Hollywood“ 

wollte für Bennie Wallace nicht so aufgehen, wie er sich das vorgestellt hatte. Für Tourneen und Live- 

Auftritte blieb kaum mehr Zeit, einmal musste Wallace sogar eine bereits geplante Tour absagen. So 

entschied sich Wallace 1998 wieder für den Jazz und gegen Hollywood. Die Bilanz seiner Hollywood- 

Jahre fällt dennoch nicht allein negativ aus: Hollywood sei eine „unglaubliche Lernerfahrung“ 

gewesen. In der Filmstadt habe er sich ausgiebig mit klassischer Musik und der Instrumentierung 

von Streichorchestern befassen können und dabei auf indirektem Wege auch viel über den Jazz 

gelernt. Außerdem schloss Wallace in Hollywood Freundschaft mit dem Pianisten Jimmy Rowles, 

einem der besten Kenner des „Great American Songbook“. Aus Klavierstunden, in denen Wallace 

sich das harmonische Konzept von Rowles aneignen wollte, wurden schon bald endlose Hör- 

Sessions. Wochenlang unterhielt er sich mit Rowles über die zwei seiner Ansicht nach besten 

Balladen des Jazz: „In A Sentimental Mood“ und „Body And Soul“. Dass Wallace heute, wenn er sich 

Jazz-Standards neu aneignet, interpretiert und studiert, ältere Aufnahmen vorwiegend von Sängern 

wie Frank Sinatra anhört und wie einst Ben Webster auch Lyrics auswendig lernt, hat er von Jimmy 

Rowles gelernt – seinem späten Lehrmeister in der „Art of Song“, mit dem er so gerne noch ein 

Album aufgenommen hätte, wenn Rowles nicht zu früh verstorben wäre. 

Das nächste Album? Bennie Wallace hat noch keine konkreten Pläne. Er weiß nur, dass er demnächst 

irgendwann mal unbedingt „South Of The Border“ aufnehmen möchte. Und dass die defi nitiv beste 

Interpretation dieses Songs von der Country-Legende Willie Nelson stammt. 

Claus Lochbihler, Jazzzeitung 02/2002

Bennie Wallace: Saxophonist, Clarinetist, Composer, Leader 

Growing up in Tennessee, Bennie Wallace absorbed the special fl avors of the music indigenous to 

that part of the country: rhythm and blues, gospel, bluegrass and country. 

In the late 1970s, after graduating from college as a clarinet major, Bennie arrived in New York. His 

early years in the city were marked by diversifi ed playing activity that included the groups of pianist 

Monty Alexander and singer Sheila Jordan. As an indication of his high acclaim, Wallace is a fi ve-time 

winner of Downbeat magazine‘s Talent Deserving Wider Recognition Award. 

In the late 1980s, Wallace signed with the rejuvenated Blue Note Records, for whom he recorded 

two well-received albums, Twilight Time and Bordertown, both of which drew heavily upon the 

musical culture of his native South. Although during most of this period the trio‘s live performances 

featured Gomez and Dannie Richmond, Wallace was recording as a leader with a wide array of artists, 

including David Holland, Elvin Jones, Tommy Flanagan and Chick Corea. 

After hearing Twilight Time, Hollywood director Ron Shelton invited Bennie to provide music for 

his fi lm Bull Durham. That involvement led to Wallace‘s scoring of Shelton‘s next movie, Blaze, and 

following that, White Men Can‘t Jump, for which he composed the score and the song „If I Lose“, 

performed in the movie by Aretha Franklin. The animated short Redux Riding Hood and the short 

Little Surprises with Rod Steiger and Julie Harris, and directed by Jeff Goldblum, also featured his 

music and were nominated for Oscars. 

Having recently returned to the New York area from California, in April of 1998 Wallace recorded his 

second album for AudioQuest, entitled simply Bennie Wallace and featuring Tommy Flanagan, Eddie 

Gomez, and Alvin Queen. In the summer of the same year, Bennie completed an all Gershwin album, 

Someone To Watch Over Me, with Mulgrew Miller, Peter Washington, and Yoron Israel. The latter 

recording was designated Rondo magazines Jazz Album of the Month for February 1999, received 

Swing Journal’s Golden Disc Award, and was listed among Jazz Times magazine’s Critic’s Picks of 

1998. 

As an improviser, Bennie Wallace possesses an uncommon knowledge of the music of his 

predecessors. Not just Dolphy, Coltrane, and Coleman, but their mentors as well; Bennie has spent 

a great deal of time studying such earlier saxophone masters as Johnny Hodges, Coleman Hawkins, 

Ben Webster, and Don Byas. Assimilating much of the history of his instrument, he has remolded 

it into a unique personal style that defi es easy categorization. It is a style that, while refl ecting its 

heritage, is yet fresh sounding and contemporary. Wallace‘s tone is full and resonant whether 

articulating a post-bop expressionism or a quiet romanticism. His prodigious technique is 

indispensable to an approach that at fast tempos explores the extremes of the instrument with 

virtuosic arpeggios, scales, and melodic fragments, but on ballads transforms into a warm, often 

delicate, lyricism. A robust soulfulness is yet a third aspect of the Wallace conception. Bennie‘s music 

is mostly tonal and harmonically oriented, and he favors improvising in relation to the melody of a 

piece rather than simply on its chord structure. „When I learn a tune, I learn the melody in all keys, 

and I‘ll spend more time doing that than on anything else.“ 

Bennie Wallace the composer complements Wallace the performer. While Wallace‘s written 

music refl ects many of the myriad streams of twentieth-century composition, including the French 

Impressionists and American classical composers, as well as Ellington and Strayhorn and such 

songwriters as Gershwin, Porter, and Kern, it, like his playing, is also informed by improvising jazz 

musicians, from Armstrong to the present.

Nur für Frauen 

Für Tenorsaxofonisten ist und bleibt die Ballade das Maß aller Dinge. Deren emotio nale Kraft zu 

beherrschen und sie ohne Substanzverlust weiterzugeben, unterscheidet die Aufschneider von den 

wahren Könnern: eine Art Reifeprüfung am goldenen Horn, der sich Bennie Wallace inzwischen 

ganz bewusst stellt. Der einstige Hoffnungsträger einer ganzen Generation mag sich nicht mehr mit 

Oberfl ächlichkeiten bescheiden, sondern lässt tief in seine Seele blicken. Dabei wird schnell klar, dass 

sich auch Bennies Zielgruppe radikal verän dert hat: Früher spielte er für Ölfässer, jetzt nur mehr für 

Frauen. Sagt er. 

Irgendwas muss mit ihm passiert sein. Früher, da glich sein Cover-Artwork einer kreativen Fund- und 

Schlangengrube und zog jeden zaudernden Plattengucker nahezu magnetisch zum dahinter verborgenen 

Vinyl. „The Fourteen Bar Blues“ von 1979: Ölfässer bis zum Horizont - etwas, das alles und 

nichts bedeu ten konnte, aber auf jeden Fall Aufmerksamkeit erregte. „The Free Will“ aus dem 

gleichen Jahr: Gepresster Müll, der im Aus schnitt wirkt wie die Maserungen einer Baumrinde. „Plays 

Monk“ von 1981: Ein Bretterverschlag mit surrealen Farbspie len, so als hätte sich Picasso darauf ausgetobt 

und jemand un mittelbar danach mit der Kamera draufgehalten. Oder „Swee ping Through The 

City“ von 1984: Der Protagonist, auf dem Fensterbrett eines geschlossenen Ladens hockend, in einer 

gottverlassenen Großstadtstraße. Bennie Wallaces Plattenhül len rochen in jenen Jahren immer ein 

wenig nach Freiheit, Auf bruch und Revolution. Und sie signalisierten das Erscheinen ei nes der wichtigsten 

Tenorsaxofonisten nach Coleman Hawkins, John Coltrane und Sonny Rollins, eines Mannes, 

der dem lah menden Jazzgaul kräftig die Sporen gab, eines Hoffnungsträ gers, der die Tradition in 

beide Hände nahm, um etwas Neues daraus zu formen. Dazu noch dieses draufgängerische Gesicht, 

der wild wuchernde, rötliche, herb-virile Vollbart, häufi g abge rundet von einer Sonnenbrille. Obercool! 

Saustark! Wallace eben. 

Und jetzt steht der Kerl auf der Hülle seiner aktuellen CD „The Nearness Of You“ (enja/Soulfood) 

einfach nur wie eine le bende Statue im Seitenprofi l da, glatt rasiert, und trötet in sein goldenes Horn. 

Dazu drapiert er sich mit einer dunkelhaarigen Schönen, die sich zärtlich an seinen Rücken schmiegt 

und ihn heftig anschmachtet. „A beautiful lady and a very handsome man“: Bennie versucht gewohnt 

cool zu bleiben, wenn er ge fragt wird, warum es, um alles in der Welt, ein solch heillos kit schiges 

Motiv sein musste. „Es passt zur Stimmung der Musik“, sagt er und tut derselben damit himmelschreiendes 

Unrecht. Denn im Prinzip geht es bei solchen optischen Geschmacksent gleisungen in 

Wirklichkeit doch bloß darum, den amerikani schen Markt und mit ihm dessen Schwarzweiß-Klischees 

zu be dienen: Jazz ist gleich Saxofon, und Saxofon ist gleich Erotik. So einfach ist das manchmal mit 

einer Musik, in die viele etwas hineingeheimnissen wollen. „Ich verrate dir was“, sagt das Sax Model, 

das zuvor einem etwas frechen Vergleich des fraglichen Covers mit dem frühen Chet Baker oder Clint 

Eastwood erstaun licherweise gar nicht widersprechen wollte. „Ich spiele nur für Frauen.“ Aha! Wieder 

was gelernt. Und was ist mit meinen männlichen Ohren? „Du darfst dabei zuhören.“ Nun müssen wir 

beide unisono über so viel chauvinistischen Blödsinn lachen. 

Jetzt aber beeilt sich Bennie Wallace doch, die Kurve zu kriegen, um die Sache nicht vollends ins 

Triviale abrutschen zu lassen. Zuhören - das sei schon der Schlüssel. Damit nämlich bekommt er Fans 

beiderlei Geschlechts ziemlich genau dorthin, wo er sie haben will: in seine ganz persönliche Gedanken- 

und Erlebenswelt. „Über die Musik vollzieht sich ein ganz wesentlicher Teil meiner geistigen 

Entwicklung. Sie hilft mir dabei, mit dem, was passiert, besser umzugehen. In jungen Jahren sucht 

man Dinge, an denen man sich reiben kann. Je älter man wird, um so mehr geht es um Einklang, um 

Liebe und Vertrauen. Emotionale Kommunikation besitzt für mich inzwischen einen ungeheuer ho hen 

Stellenwert. Wenn du willst, kannst du aus meinem Spiel heraushören, wie es mir gerade geht, ob ich 

glücklich, traurig, aggressiv oder unternehmungs lustig bin.“

Der Mann, der am Tenorsaxofon das komplette Gefühlsregister beherrscht, ist im vergangenen 

November 57 gewor den. Früher, da galt Bennie als heimli cher König der New Yorker Loft-Scene, der 

alles niederblies, was sich ihm in den Weg stellte. Um zu üben und mit sich ins Reine zu kommen, 

reicht ihm heute der Garten seines Hauses in Greenwich, einer kleinen ländlichen Idylle in Connecticut 

(„Ich habe genug von der Stadt“), wo ihm hin und wieder sogar eine Drossel auf seine Chorusse 

antwortet. Die alten Platten? „Ich höre sie nicht mehr. Die Re aktionen auf so etwas sind doch immer 

die gleichen. Meistens denkst du: Mein Gott, war das schrecklich!“ Beweisen muss einer wie Bennie 

Wallace sowieso niemandem mehr etwas. Höchstens sich selbst, dass er es noch kann nach zwar erfolgreichen, 

aber auch frustrierenden Jahren in der Film-Traumfabrik Holly wood. „Ich will die Zuhörer 

gleichzeitig verführen und herausfordern. Das ist ein ungeheuer schwieriges Unterfangen, so etwas 

wie die Suche nach der inneren Mitte, nach Herz und Kopf. Gene Am mons zum Beispiel oder Ben 

Webster ist das gelungen, Coleman Hawkins dage gen konnte einen entweder nur verfüh ren oder nur 

herausfordern. Beides zu sammen funktionierte nicht.“ 

Der einzig gangbare Weg dorthin, sagt Bennie, sei der von vielen Saxofo nisten aus gutem Grund 

respektvoll ge miedene über die Balladen. Auch das hat er gelernt. „Eine Ballade zu begreifen, ih re 

emotionale Kraft zu beherrschen, das ist auch ein Stück Erwachsenwerden. Schritt für Schritt 

schreitet es voran.“ Und in der Tat gehen seine Interpretatio nen von Klassikern aus dem Great American 

Songbook weit tiefer, als es das schwülstige Cover suggeriert. Was auch an der erlesenen 

schlagzeuglosen Be gleitcrew mit Kenny Barron und Eddie Gomez liegt. Spätestens nach der Zusammenarbeit 

mit Stan Getz weiß die Welt, dass wahrscheinlich niemand eine perfektere Piano-Komplementärfarbe 

für Tenoristen anzurühren versteht als Bar ron. Und „Eddie the Bass“ kannte „Ben nie 

the Sax“ sowieso schon lange bevor dieser überhaupt im Trio von Bill Evans seinen spektakulären Ruf 

erlangte. „Du hörst ihn ohne Verstärker, er hat einen Wahnsinnston. Wir wissen beide, was der andere 

tut, bevor er überhaupt einen Ge danken daran verliert.“ Die drei zusam men sind großes Ohrenkino, 

das Wallace obendrein in Dolby-Surround vorführt. Das Zauberwort für „The Nearness...“ lau tet SACD 

(Super Audio Compact Disc): ein audiophiles Schmuckstück, das der erklärte Fan alter analoger 

Aufnahme technik schon lange im Sinn hatte. „Der Sound bricht nicht wie bei der digitalen Technik, 

sondern nimmt den Verlauf ei ner Kurve. Er ist geschlossener, wärmer, realistischer, einfach näher. Wie 

bei den alten LPs.“ 

Keine Oberfl ächlichkeiten. Nur Quali tät. Wie vor 25 Jahren. Nur eben eine an dere, gereifte Qualität. 

Irgendwie beru higend. Auch dass Bennie keineswegs alles immer so ernst meint. „Es stimmt natür lich 

nicht, dass ich bloß für Frauen spie le“, grinst er. „Ich spiele auch für mich.“ 

Reinhard Köchl, JAZZTHING 4/04

Aki Takase plays Fats Waller 

Aki Takase – piano, toypiano 

Eugene Chadbourne – vocals, banjo, guitar 

Rudi Mahall – bass clarinet 

Thomas Heberer – trumpet 

Paul Lovens – drums 



www.akitakase.com 

www.eugenechadbourne.com 



MaerzMusik 







Ausstellungen 


presseinfo

SWR-Jazzpreis 2002 für die Pianistin Aki Takase 

Mainz - Mit einem einstimmigen Beschluss hat die Jury des vom Südwestrundfunk und vom Land 

Rheinland-Pfalz gestifteten SWR-Jazzpreises die aus Osaka stammende Pianistin Aki Takase zur Preisträgerin 

des Jahres 2002 gewählt. Takase, die seit 1987 in Berlin lebt und mit dem Pianisten 

Alexander von Schlippenbach verheiratet ist, überzeugte bei ihren jüngsten Projekten laut Jurybegründung 

vor allem durch die souveräne Art, mit der sie auf alte Formen des Jazz zurückgreift, um 

diese in einem zeitgenössischen Umfeld zu präsentieren. Das gilt vor allem für Ihre neueste CD »St. 

Louis Blues«, in der Takase - gemeinsam mit Fred Frith, Rudi Mahall, Nils Wogram und Paul Lovens 

- in überzeugender Weise das tradierte Material aus heutiger Sicht beleuchtet. Hervorgehoben von 

der Jury wurden aber auch die ungewöhnliche stilistische Vielfalt und der hohe Gestaltungswille der 

Pianistin, deren ausgeprägt persönlicher Stil trotz des Variantenreichtums stets unverkennbar gewahrt 

bleibt. Zahlreiche Soli (wie »Le cahier du bal«) oder Duos (unter anderen mit dem Posaunisten Conny 

Bauer oder dem Bassklarinettisten Rudi Mahall) belegen neben Arbeiten mit größeren Ensembles das 

breite stilistische Spektrum Takases. 

http://www.swr.de/presseservice/archiv/2002/07/10/print1.html 

Aki Takase 

Ihre professionelle Karriere begann Aki Takase als Pianistin und Komponistin in Japan. Seit 1978 

Konzerte und Aufnahmen in den USA, z.B. mit David Liebman, Lester Bowie, Joe Henderson, Cecil 

McBee, Sheila Jordan, Nils Henning, Orsted Pedersen. 1996 tourte sie mit dem Berlin Contemporary 

Orchestra durch Japan und begann eine Duotour mit Rudi Mahall, mit dem sie 1998 auch beim Berlin 

Jazz Festival und beim Nürnberger Jazzfestival spielte. Sie wurde 1998 mit dem Preis der Deutschen 

Schallplattenkritik ausgezeichnet. Im Jahr 1999 wurde ihr der Kritikerpreis der Berliner Zeitung zugesprochen. 

http://www.akitakase.com/

Aki Takase 

(Pianist, Composer) 

Born in Japan, lessons of piano since 3 years old, later on studies of music at Tohogakuenusic 

University. 

Started professional career as piano player and composer. 

Since 1978 several stays in the USA. Many concerts and recordings with David Liebman, Lester 

Bowie, Joe Henderson, Cecil McBee, Sheila Jordan, John Zorn and many others. 

1981 fi rst concert in Germany at Jazzfestival Berlin/Philharmonie. Lives in Berlin since 1987. 

Intensive work with Alex von Schlippenbach and other musicians of the European New Jazz. 

In Duo with Maria Joao, with David Murray, with N.H.O. Pedersen and Berlin Contemporary Jazz 

Orchestra. 

In Trio with the ex-Coltrane musicians Rashed Ali and Reggie Workman, also in Trio with Rudi Mahall 

and Han Bennink 

InStringquartet (tour with Tristan Honsinger a.o.) Since 1996 in Duo with Rudi Mahall. 

„Berliner Zeitung Award“ 1999 

Prize of the German Records’ Critics 

1990 „Play Ballad for Duke Ellington“ 

1991 „Shima Shoka“ (Solo), 

1994 „Blue Monk“ (Duo with David Murray ), 

1998 „Duet for Eric Dolphy“ (Duo with Rudi Mahall ) 

2002 “St. Louis Blues” (W.C.Handy Project) 

The „SWR-Jazz Award“ 2002 

New Projects: 2000- 

„W.C.Handy Project“ with Fred Frith, Rudi Mahall, Nils Wogram, Paul Lovens. 

„ Klang und Texte“ with Yoko Tawada. 

„Aki and the Good Boys“ with Rudi Mahall, Walter Gauchel, Johannes Fink, Heinrich Köbberling 

„Fats Waller Project“ 

with Eugene Chadbourne, Rudi Mahall, Nils Wogram, Paul Lovens. 

New CDs : 2001-2004 

2001 „Le Cahier du Bal“ solo piano (LEO-LR319) 

2001 „St Louis Blues“ (ENJA-91302) with Rudi Mahall, Fred Frith, Nils Wogram, Paul Lovens. 

2002 „News from Berlin“ (Victo 081) with Conny Bauer 

2002 „Nine Fragments“ (Leo-LR 346) with Tony Buck, Aleks Kolkowski 

2002 November „Diagonal“ (Konkurs buch) with YokoTawada 

2003 March „The Desserts“ (Leo LR 370) with Rudi Mahall 

2004 Feburary „Aki Takase plays Fats Waller“ (EnjaCD 9152-2) with Rudi Mahall, Eugene Chadbourne, 

Nils Wogram, Thomas Heberer, Paul Lovens 

„Aki Takase plays Fats Waller 

Jahrespreis 2004 der deutschen Schallplattenkritik (Prize of the German Records’ Critics) 

www.akitakase.com

Aki Takase Plays „Fats“ Waller 

Enja/helikon harmonia mundo 

(49 Min., aufgenommen 6/2003) 

Über die Ahnen macht man sich nicht lustig. Vielleicht ist das der Grund, weshalb es im modernen 

Jazz so selten etwas zu lachen gibt. Der japanischen Pianistin Aki Takase ist das ziemlich egal. Vor 

drei Jahren begann die Wahlberlinerin ein Projekt, dessen Ziel es zu sein scheint, die Jazzgeschichte 

mit einem breiten Grinsen neu zu schreiben. Dafür knöpfte sich zuerst W.C. Handys ehrenwerten 

„St. Louis Blues“ von 1914 vor, dem sie mit einem hochmögenden Quintett die Patina vom Grabstein 

pustete. Die gleichnamige CD wurde auch prompt mit dem Preis der Deutschen Schallplattenkritik 

ausgezeichnet. 

Jetzt rückt Takase Thomas „Fats“ Waller, dem großen Pianisten der 20er Jahre, auf die Pelle. Das 

Ergebnis ist nichts anderes als ein liebevolles Sakrileg, eine polternde Dekonstruktion, die den Stride- 

Stil in die Nähe des Free Jazz rückt. Dazu hat Takase neben ihren üblichen Mitspiel-Verdächtigen 

Thomas Heberer (Trompete), Rudi Mahall (Bassklarinette), Nils Wogram (Posaune) und Paul Lovens 

(Schlagzeug) den amerikanischen Sänger und Gitarristen Eugene Chadbourne eingestellt. Der ist ein 

Faxenmacher vor dem Herrn, mit kühnen Banjogriffen im Ärmel und Louis Armstrong in der Stimme. 

Die der Hommage zugrunde liegende Überzeugung, dass Fats Waller zum Lachen keineswegs in den 

Keller gegangen ist, kommt nicht von ungefähr. Wer so abstruse Stücke wie „Your Feet’s Too Big“ geschrieben 

hat, kann kein ganz so ernsthafter Mensch gewesen sein. Und Aki Takase hält gut dagegen. 

Beispielsweise mit ihrer zwischen Kaffeehaus-Schmäh und Migräne schwankenden Erfi ndung „Tintenfi 

sch in Wien“. Kein Witz: Fats Waller hätte das bestimmt alles sehr gefallen. 

Josef Engels, Rondo, 22.5.2004

Yakou Tribe 

Kai Brückner – guitar 

Jan von Klewitz – saxophone 

Johannes Gunkel – bass 

Rainer Winch – drums 



www.yakoutribe.de 



MaerzMusik 







Ausstellungen 


presseinfo

Yakou Tribe 

Bands like Slow Poke or Sex Mob from (faraway) New York have shown us that it is possible to 

achieve a new communicative intensity without having to re-invent jazz. We‘ve had to wait a long 

time for the urbane steppes of Germany to produce similar phenomena, but now, fi nally, the time has 

come. Berlin’s 4-piece band Yakou Tribe has devoted itself to a new interpretation of jazz that does 

justice to the tradition’s achievements from Louis Armstrong to Bill Frisell, but doesn’t let itself be 

overtaken by the Rock’n’Roll experience, Blues or other forms of contemporary expression. 

We hear a blues. This blues is powerful and sultry. A ballad that gains ease and richness at the same 

time, that stretches out in all directions. The blues sings a song of life that all listeners can adapt their 

own associations to. It leaves everything open, jumps off the tracks, goes into itself and beyond itself. 

It’s big city blues and at the same time an island that affords peace from the infectious hectic of daily 

life. This blues pervades the whole album with all of its different shades, smells, moods and timbres. 

Tracks with a stimulating fl eetingness that spreads into the soul like a series of short road movies. 

Like the bands mentioned above, Yakou Tribe have found the secret of telling melancholy stories with 

humour, elegance, fi re and curiosity. Feelings which would normally be in the way because of their 

contrasting nature become mutually dependent and produce creative tension. Should one have to 

describe the Tribes’ music with a defi ning term (God help us), it would have to be vibrant melancholy. 

Yakou Tribe is the sum of four exceptional musical personalities. All four were born in the sixties, grew 

up with Led Zeppelin and the Rolling Stones and, one year after the turn of the millenium, have been 

through every conceivable artistic metamorphosis. Kai Brueckner is one of the most innovative and 

expressive guitarists on the young Berlin scene. In New York he was schooled by teachers like John 

Abercrombie and Mike Stern, who left an audible infl uence in his playing. He recorded several albums 

with Jerry Granelli’s band UFB and toured with them through the USA and Canada. Saxophonist Jan 

von Klewitz worked, among others, in groups under the direction of Albert Mangelsdorff and Alexander 

von Schlippenbach, in ensembles with Bill Elgart, Michael Godard and Steve Argüelles as well as 

with the great crossover jazz band Tacabanda. Bass player Johannes Gunkel fi rst studied piano and 

violin before converting to double-bass. He took part in workshops with Dave Liebman and played 

with Matthias Rüegg, Jim Black and John Taylor. And fi ligree groove specialist, Rainer Winch, played 

with Michael Schiefel, Siggi Busch, Marc Levine, Kirk Nurock, and Felix Wahnschaffe, and performed 

on Paul Brody’s CD “Tango Joy”. 

Yakou Tribe doesn’t just stand for four perpetrators of conviction, it is a confl uence of manifold musical 

interpretations into a vast river that pours itself anew into a delta of highly different passions. 

The quartett is by no means an avant-garde band, the constant search for avant-garde motives has 

anyway long since exhausted itself. Yakou Tribe combines all the virtues that once made jazz the hippest 

music on the planet, and may very well do so again. Here, sophisticated musical expertise joins 

concentration on the essential, a distinctive group feeling under which any ego trip unconditionally 

subordinates itself, the joy of romancing, and a fi ne sense of humour.

Biografi en 

Kai Brückner - Gitarren, Dobro 

geb. 1969, 1990-94 Studium an der Hochschule der Künste. 1994 - 1995 Aufenthalt in New York; Unterricht 

u.a. bei John Abercrombie, Mike Stern und Wayne Krantz. 1999 ermöglichte ihm ein Stipendium 

des Berliner Senats den Besuch des International Jazzworkshop in Banff, Kanada (Lehrer: Kenny 

Werner, Dave Holland, Dave Douglas u.a.). Bandprojekte u.a. das Kai Brückner Trio mit Aaron Alexander 

und J. Anthony Granelli, Jerry Granelli‘s UFB, Jacobien Vlasman Quartett, Thärichens Tentett, 

Lone World Trio, Pepe Berns Network, Zoriya, Tilman Dehnhard Quintett, Tanmoy Bose‘s „TaalTantra“. 

Kompositionen für Filmmusik. Touren in den USA und Kanada mit Jerry Granelli, in Deutschland und 

Europa mit diversen Bands und in Indien mit dem Tabla Spieler Tanmoy Bose. 

Diskographie: u.a. Human Factor CD Kalamanya (Biber/In-akustik), Jerry Granelli’s UFB CDs Broken 

Circle und News From The Street (Intuition/Schott), Rinde Eckert CD Story In, Story Out (Intuition/ 

Schott), Willekes Wille „Wilde Schöne Welt“ (Klangräume), Lone World Trio CD Brückner-Beat (Hazelwood), 

Thärichens Tentett (CD Lady Moon (Minor Music) Jacobien Vlasman Quartett CD Infant Eyes 

(Timescraper), Thärichens Tentett „The Thin Edge“ (Minor Music), Brückner „Bukowski“ (Deutsche 

Grammophon), Andreas Schnermann „Welcome To My Backyard“ (Edition Collage), Tilmann Dehnhard 

Quintett „Koala Louge“ (Traumton) Tanmoy Bose „Taaltantra“ (Times Music, India). 

Jan von Klewitz - Saxophon, Percussion 

geb. 1964, Mitglied des Jugendjazzorchesters Rheinland-Pfalz, Studium an der Hochschule für Musik 

in Köln und am Banff Center of the Arts in Kanada. Während der Studienzeit Arbeit mit u.a. Gene 

„Mighty Flea“ Connors, Ulla Osters „Beyond Janis“, HEINZ, Georg Ruby, mehrere Plattenproduktionen 

für Jazzhaus Musik Köln. 

1991 Umzug nach Berlin; Zusammenarbeit live und im Studio u.a. mit Wolfgang Köhler, Bill Elgart, 

Albert Mangelsdorff, Alexander von Schlippenbach, Evan Parker, Aki Takase, Ernst-Ludwig 

Petrowski, dem Doppelquartett „Double Dose“ mit Conny und Matthias Bauer, Gossip, Wolfgang 

Dauner, Markus Burger, Martin Gjakonovski, Uwe Ecker, Stefan Lottermann, Iven Hausmann, Pepe 

Berns, John Schröder, Heinz Sauer, Bob Degen, Michel Godard, Steve Arguelles, Norbert Scholly 

Quartett. 

Mehrfacher Preisträger des Studiowettbewerbs des Berliner Senats. Zahlreiche Auftritte bei Festivals 

im In- und Ausland u.a. in Bukarest, Malta, Freiburg, Stuttgart, Köln, Karlsruhe, München, Würzburg, 

Berlin, Vilshofen, Leipzig, Cottbus, Frankfurt, Poznan ... 

Diskographie: u.v.a CD Bonehenge Suite mit Stefan Lottermann, Iven Hausmann, Pepe Berns, John 

Schröder (Jazzhaus Musik), Spiritual Standards“ 1 und 2 im Duo mit Markus Burger (Alex Merck 

Musik), Nils Wülker Group (Sony Music), Thärichens Tentett CD Lady Moon (Minor Music), Lone World 

Trio CD Brückner-Beat (Hazelwood) und Takabanda (Jazz ForEver), Brückner „Bukowski“ (Deutsche 

Grammophon), Thärichens Tentett „The Thin Edge“ (Minor Music), Nils Wülker „Space Night“ (Sony 

Music).

Johannes Gunkel - Kontrabaß 

geb. 1966, klassischer Unterricht (Violine, Klavier) von 1974-84, danach Wechsel zum Kontrabaß. 

1994-1998 Studium an der HdK Berlin, Workshops bei Dave Liebman, John Taylor, Matthias Rüegg, 

Jim Knapp, Anthony Cox. Festes Mitglied bei Thärichens Tentett, Jacobien Vlasman Quartett, Zabriskie 

Point, Christian Brückners „Beat“, Marianne Rosenbergs „La Vie en Rose“. Rundfunkproduktionen für 

WDR, SWF und DeutschlandRadio. 2001 und 2002 Musiker an der Schaubühne Berlin. 1. Jurypreis 

des „Jazz & Blues Award Berlin 2001“ mit Jacobien Vlasman. Konzerte mit John Ruocco, Michel Herr, 

Jim Black, Sheila Cooper, Özay Fecht, RIAS-Bigband, Peter Weniger, Jochen Rückert, Gitte Haenning. 

Diskographie: Franz Bauer CD Plüschtier (JazzHaus Musik), Lone World Trio CD Brückner-Beat (Hazelwood), 

Jacobien Vlasman Quartett CD Infant Eyes (Timescraper), Brückner „Bukowski“(Deutsche 

Grammophon), Thärichens Tentett „Lady Moon“ (Minor Music), Thärichens Tentett „The Thin Edge“ 

(Minor Music), Zabriskie Point „Mantra“ (Zerozero), Michael Hoffmann „Lieder aus Asurien“ (Brother), 

Frank Paul Schubert „Der Verkauf geht weiter“ (JazzHaus). 

Rainer Winch - Schlagzeug 

geb. 1968, vor 1991 in Hannover Mitglied diverser Bands (Brilliant Corners, Humming Trash, u.a.); Teilnahme 

am Jazzworkshop Salzgitter. 1991 Umzug nach Berlin, Studium an der HdK bei Jerry Granelli, 

Kontaktstudiengang in Hamburg und am Banff Center of the Arts in Kanada; Unterricht bei Keith 

Copeland. 

Zusammenarbeit live und im Studio u.a. mit Siggi Busch, Bernhard Merkner Quartett, Marc Levine, 

Kirk Nurock Trio und Felix Wahnschaffe Trio, Thärichnes Tentett, Wolfgang Muthspiel, Rebekka Bakken. 

Bandprojekte: Jazz Indeed, Dirk Homuth Quartett, Jacobien Vlasman Quartett. 

Diskographie: Mitwirkung an der HdK CD Journey Street; Jazz Indeed CDs Under Water und Who the 

moon is (traumton Records), Dirk Homuth Quartett CD Der Reiz des Unbekannten, Jacobien Vlasman 

Quartett CD Infant Eyes (Timescraper), Paul Brody‘s Tango Toy CD Klezmer Stories (Laika), Julia Hülsmann 

Trio CD Trio (BIT), Stephan Lang „Echoes“ (Heyer Nagel), Lisa Bassenge Trio „A Sigh A Song“ 

(Minor Music).

Pressestimmen 

„Schon das Debüt „Road Works“ lies aufhorchen: Da kamen sirrende und schwirrende Wüstensounds 

ausgerechnet aus Berlin. Genau an der Stelle machen Yakou Tribe jetzt weiter – mit einem 

Unterschied: Sie sind noch besser geworden. Während „Road Works“ von Skizzenhaftigkeit geprägt 

war, was sicher auch seinen Reiz hat, dominieren auf „Red & Blue Days“ die kompakt und schnittig 

formulierten Songs. Und doch atmet diese Musik eine spektakuläre Weite und Gelassenheit, die ihr 

unglaublich gut zu Gesicht steht. Kai Brückners Gitarren kratzen und Schaben, Jan von Klewitz ist 

ein gediegener Erzähler am Saxofon, Johannes Gunkels Bass macht sich auch im Vordergrund gut 

und der schleppende Stil von Rainer Winch am Schlagzeug bleibt auch in den schnellen Stücken 

unaufdringlich. Da ist etwas entstanden, was manchmal nach Calexico oder den Country-Exkursionen 

eines Bill Frisell klingt und was im Jazz doch so selten ist: eine richtige Band nämlich. Halten wir sie in 

Ehren!“ 

Rolf Thomas, Jazzthing, Juni 2004 

„Yakou Tribe ist...Berlins derzeit interessanteste Formation im Grenzgebiet zwischen Jazz, Americana 

und Pop. Auf „Red & Blue Days“ hat man es mit nonverbalen Songs zu tun, die Altsaxofonist Jan 

von Klewitz mit beißendem Pathos singt. Brückner greift dazu die Cowboy-Dobro. Bassist Johannes 

Gunnkel und Schlagzeuger Rainer Winch kommentieren das alles mit unrasierter Outlaw-Finesse.“ 

Josef Engels, Berliner Morgenpost, 16. Juni 2004 

„Die Berliner Band Yakou Tribe überraschte vor drei Jahren mit ihrem CD-Debüt Road Works durch 

einen sehr homogenen, sofort identifi zierbaren Band-Sound. Auf dem Nachfolgealbum Red and Blue 

Days gehen die vier Musiker (und Komponisten) noch konsequenter mit ihren künstlerischen (Gestaltungs-)Mitteln 

um. Der Hörer wird auf eine imaginäre Reise durch verschiedene Stimmungen zwischen 

Melancholie und „Ausbruch“ mitgenommen. Man kann sich im Dschungel der Großstadt (Berlin) 

wähnen oder auf einem verlassenen Highway in Texas.“ 

Ulf Drechsel, rbb Kulturradio 

„Die roten und blauen Tage des Lebens werden von Yakou Tribe bestens eingefangen, mit modernem 

Jazz, der durch schwungvolle Kompositionen, ausgereiftem Zusammenspiel und rhythmischer Vielfalt 

dem Leben sehr nahe kommt.“ 

Christian Bakonyi, Jazz Zeit, 6/2004 Bewertung: sehr gut 

„Road Works enthält einen kräftigen Wüsten-Sound, wie er außerhalb der USA bislang noch kaum 

entstanden ist... Ausgefüllt wird er dann mit folkloristischen Kürzeln oder einem schweren Blues, manchmal 

auch nur mit einem Knarzen oder einem leichten rhythmischen Schlurfen, aber immer mit ganz 

viel Glut und Atmosphäre.“ 

Rolf Thomas, Jazzthing, September 2001

„Wenn Berliner Musik machen, als wären sie lebenslang durchs amerikanische Heartland gekurvt, 

kann das bös krampfi g enden. Nicht so bei den vier Herren vom Stamme Yakou. „Hörenswert“ meint 

Lee Townsend, der als Produzent von Bill Frisell, John Scofi eld & Co. die Credibility jazzverwandter 

Americana bestens beurteilen kann.... In den meisten Songs erzählen die Berliner die ewige Story 

vom Unterwegssein in endloser Weite. Was ist dagegen zu sagen, wenn sie dabei dem Bluesfeeling 

überraschend intime Seiten abgewinnen?“ 

Klaus von Seckendorff, ROLLING STONE, September 2001 

„...Yakou Tribe ist einfach anders. Der Enge des Berliner Klingklüngels setzen sie zuerst einmal Weite 

entgegen, visuell und akustisch. Und Ruhe. Viel Ruhe. Die Musik auf ihrer CD „Road Works“, gerade 

beim Berliner Traumton-Label erschienen, hat Blues. Viel Blues, Coolness und Ruhe eben.... 

Soweit erst mal zur Berliner CD des Jahres ...“ 

Christian Broecking, DER TAGESSPIEGEL, August 2001

Armenian Navy Band 

Arto Tuncboyaciyan – percussion, vocals, bular 

Anahit Artushyan – kanun 

Armen Ayvazyan – kemanche 

Armen Husnounts – tenor, soprano sax 

Ashot Harutiunyan – trombone 

David Nalchajyan – alto sax 

Tigran Suchyan – trumpet 

Norair Kartashyan – blul, duduk, zurna 

Vartan Grigoryan – duduk, zurna 

Arman Jalayan – drums 

Vahagn Hayrapetyan – piano, keys 

Vartan Arakelian – bass 



www.albakultur.de 



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presseinfo

Arto Tunçboyaçiyan & Armenian Navy Band 

Avantgarde Folk Music 

Die ARMENIAN NAVY BAND wurde gegründet von Arto Tunçboyaçiyan. Geboren in Galataria bei 

Istanbul in eine arme Schuhmacherfamilie armenisch-anatolischer Herkunft, spielte Musik schon früh 

eine essentielle Rolle im Leben dieses charismatischen Komponistens, Multi-Instrumentalistens und 

Sängers. Durch Musik versucht er seine höchsten menschlichen Werte „Liebe, Respekt und Wahrheit” 

zu kommunizieren. 

Nach 30 Jahren auf allen grossen Bühnen der Welt gewann er die Erkenntnis, dass er bei seiner langen 

und bewegten Suche nach weltoffenen, begeisterungsfähigen Musikern weder in der westlichen 

Jazz-Szene noch in seinem anatolischen Herkunftsland die Mitstreiter gefunden hatte, die seiner 

Identität und seinen Vorstellungen entsprachen. Um seine Klangwelten hörbar zu machen, beschloss 

Arto Tuncboyaciyan 1998, nach einem ersten Kurzbesuch in Armenien, dem Land seiner Vorväter, 

erneut nach Yerevan zurückzukehren. Dort hatte er den jungen und talentierten Pianisten und Keyboarder 

Vahagn Hayrapetyan getroffen, Sohn einer der berühmtesten Musikerfamilien Armeniens. Er 

bat Vahagn ihm doch einige andere Musikkollegen der Stadt vorzustellen, um eventuell mit ihnen ein 

eigenes Bandprojekt zu starten. Bereits zur ersten Probensession kamen dann zehn hervorragende 

und spielfreudige Musiker, die bis heute die ARMENIAN NAVY BAND bilden. 

Bereits einige Monate später wurde 1999 von der Band in einem kleinen Studio in der Stadt die erste 

CD Bzdik Zinvor aufgenommen, um dann mit ihrer Avantgarde Folk Music sich im Folgejahr auch 

jenseits Armenians in die Herzen des Publikums zu spielen. Bereits die erste Europatournee der ANB 

im Jahr 2000 durch Italien, Deutschland, Österreich und Spanien war ein großer Erfolg. Die darauffolgenden 

Konzerte führten die 12-köpfi ge Formation dann auch nach Frankreich, Belgien und Holland. 

Bei einem Stop in Istanbul nahmen sie dann ihr zweites Album New Apricot auf. 

Seitdem ist die Band mit regelmässigen Auslandsauftritten in zahlreichen europäischen Ländern und 

der Türkei zu Gast gewesen, haben Teilformationen der ANB Kompositionen von Arto Tunçboyaciyan 

in Seitenprojekten auf verschiedene CDs in Istanbul, in Yerevan und den USA eingespielt. Dann im 

Herbst 2003 wurde der erste Teil eines, auf viele Jahre projektierten Klangprojektes in einem Studio 

in Yerevan realisiert: Sound of our Life – Part One: Natural Seeds. Dieses Album erscheint im Frühjahr 

2004 in Europa. Es ist ein fast einstündiges Werk für ANB, Chor und Streichorchester. Im Laufe 

der kommenden Jahre wird Arto Tunçboyaciyans musikalisches Tagebuch seine Fortschreibungen in 

weiteren CD Alben unter dem Titel „Sound of our Life“ fi nden. 

Die Musik ist durchfl utet von Klängen aus der armenischen und anatolischen Tradition, die mit 

Elementen aus vielen verschiedenen musikalischen Richtungen verschmolzen werden – eben der 

Klang seines Lebens und das seiner armenischen Weggefährten. 

Die ARMENIAN NAVY BAND ist zweifellos der Ausdruck von Artos über 30jähriger musikalischer 

Reise, seinen Lebenserfahrungen und seiner Virtuosität. Die Besetzung reicht von traditionellen 

Folkinstrumenten wie Duduk, Zurna, Kemanche, Kanun bis zu zeitgenössisch-westlichen Instrumenten 

wie Posaune, Alt-, Tenor-, Sopransaxophone, Trompete, Bass, Schlagzeug, Keyboard und Piano. Die 

einzigartige Stimme, die fragilen Klänge der, von ihm selbst entwickelten Bular, einer kleinen Laute 

sowie die phantasiereiche Perkussionen von Arto verschmelzen in diesem einzigartigen Ensemble 

und bringen den Klang der Erinnerung an die Vergangenheit und das heutige Lebensgefühl zusammen, 

um darin den Ausdruck einer nie endenden Hoffnung für eine friedfertige Zukunft zu geben. 

Birgit Ellinghaus, Albakultur

Armenian Express 

Der Percussionist Arto Tuncboyaciyan sucht nach der perfekten Symbiose aus Jazz, kaukasischer 

Folklore und Avantgarde-Musik. Mit seiner „Armenian Navy Band“ hat er sie jetzt gefunden 

Vom Stadtzentrum aus kann man die Sendemasten sehen. Auf einem der umliegenden Hügel, die 

Eriwan umschließen, steht die berühmteste Radiostation der Welt: Radio Eriwan. Seit dem Ende der 

Sowjetunion, als unzählige Radio-Eriwan-Witze kursierten, ist es allerdings etwas still geworden um 

den Sender. 

Frage an Radio Eriwan: Liegt Armenien am Meer? 

Antwort: Im Prinzip nein. Sollte der Meeresspiegel aber wieder steigen, besitzt das Land immerhin 

schon eine Schiffskapelle. 

Der biblischen Legende nach soll die Arche Noah einst am Berg Ararat vor Anker gegangen sein, und 

das historische Armenien reichte einmal vom Schwarzen bis zum Kaspischen Meer. Wenn jemand 

seine Band also „Armenian Navy Band“ nennt, kann man das auch als Anspielung verstehen. „Ehrlich 

gesagt, ich habe damit keine politische Botschaft verbunden“, wiegelt Arto Tuncboyaciyan jedoch 

ab. „Ich wollte den Leuten nur sagen: Wenn ihr an euch selbst glaubt, könnt ihr das Boot auch ohne 

Wasser bewegen.“ Der Percussionist Arto Tuncboyaciyan, 1957 in Istanbul geboren, ist in der Jazz- 

Szene eine feste Größe. Er hat an mehreren hundert Alben mitgewirkt, darunter an der Seite von Joe 

Zawinul, Don Cherry und Gerardo Nunez, dem spanischen Flamenco-Gitarristen. 1998 besuchte Arto 

Tuncboyaciyan das erste Mal Armenien. „Ich ging gleich in einen Jazz-Club“, erzählt er beim Gespräch 

in einem gesichtslosen Hotelzimmer in Eriwan. Spontan gesellte er sich zu der Band auf der Bühne. 

Daraus entwickelte sich eine Jam-Session, die bis in den frühen Morgen andauerte. 

Mit der Zeit kam er immer öfter nach Eriwan und begann, die besten Musiker der Stadt um sich zu 

scharen. Bald hatte er eine All-Star-Band im Alter zwischen 20 und 45 Jahren um sich versammelt, 

zehn Männer und eine Frau, die sowohl traditionell-orientalische Folkinstrumente wie die 

Kanun-Zither oder die Kniegeige Kemence beherrschen als auch westlich-moderne Instrumente 

wie Posaune, Schlagzeug und Bass. Mit dieser Besetzung spielte er drei Alben ein, zuletzt „ Natural 

Seeds“: Ein 50-minütiges Opus, das als Teil einer Trilogie angelegt ist, und in dem sich Arto Tuncboyaciyans 

Lebensphilosophie mit einem Schuss Naturmystik paart. 

Es ist die Erfüllung eines langen Musikerlebens. Denn Arto Tuncboyaciyan hat schon eine Menge 

hinter sich. Angeleitet von seinem neun Jahre älteren Bruder Onno Tunc, machte er in den Siebzigerjahren 

in der Türkei zunächst als Studiomusiker Karriere. „Ich habe mit der Musik angefangen, weil 

wir das Geld brauchten“, sagt der Percussionist rückblickend. „Und wenn türkische Musiker gut 

waren, dann mussten wir, als Armenier, noch besser sein.“ Er wurde der Beste und entwickelte auf 

selbst gebauten Instrumenten seinen ganz eigenen Stil. Nach dem Militärputsch in der Türkei ging 

Arto Tuncboyaciyan 1981 in die USA - er war politisch aktiv gewesen und wollte seine Familie nicht 

in Gefahr bringen. Noch heute trägt er bunte Perlen an den Schnürsenkeln seiner Sportschuhe als 

Erinnerung an jene Freunde, die weniger Glück hatten als er. Während Arto Tuncboyaciyan in den 

USA Anschluss an internationale Jazz-Kreise fand, stieg sein Bruder in der Türkei zum gefragtesten 

Komponisten und Arrangeur des Landes auf. Als Lebenspartner der populären Sängerin Sezen Aksu 

beförderte Onno Tunc maßgeblich deren Karriere. Bis heute hegt Arto Tuncboyaciyan große Bewunderung 

für seinen Bruder. „Er war derjenige, der mir mit der Taschenlampe den Weg gewiesen hat. 

Heute laufe ich mit diesem Licht“, sagt er. Bis Mitte der Neunzigerjahre war Arto Tuncboyaciyan an 

vielen Alben beteiligt, mit denen sein Bruder die türkische Musikszene revolutionierte.

Denn wann immer sich Onno Tunc etwas Neues einfallen ließ, ob nun einen Disko-Effekt oder ein 

Darbuka-Solo, folgten ihm die anderen Arrangeure und Komponisten in der Türkei. Dabei war Onno 

Tunc ein Autodidakt: Gerne erzählt Arto Tuncboyaciyan die Anekdote aus den Anfangstagen, wie sich 

sein Bruder über Nacht selbst das Notenlesen beibrachte, weil ihn tags zuvor jemand darauf 

angesprochen hatte. 

Es war denn auch der plötzliche Tod seines Bruders, der Arto Tuncboyaciyans Leben eine neue 

Wendung gab. 1996 kam Onno Tunc bei einem tragischen Flugzeugabsturz ums Leben: Ein Lotse 

hatte dessen Propellermaschine an einem Berg zerschellen lassen. „Als er starb und ich anfi ng zu 

schreiben, kamen all die Sachen wieder, die ich aufgeschnappt hatte, als ich neben ihm saß“, sagt 

Arto Tuncboyaciyan. „Das, was Sie jetzt hören, ist auch ein Teil von Onno.“ So versucht er nun, das 

Werk des Bruders zu vollenden. Und ihm ist damit vergönnt, was diesem Zeit seines Lebens versagt 

blieb: internationale Anerkennung. 

Beide wuchsen zusammen in einfachen Verhältnissen auf, der Vater arbeitete als Schuhmacher. 

„Wenn wir die Tür schlossen, lebten wir wie eine armenische Familie in Anatolien“, sagt Arto 

Tuncboyaciyan. „Wir haben uns auf einem sehr kleinen Territorium bewegt.“ Auf der Schule lernte 

er Armenisch, sein Bruder sang im Kirchenchor, doch zu Hause war die Sprache tabu. Noch heute 

spricht Arto Tuncboyaciyan deshalb nur gebrochen Armenisch. Und seine Mutter habe sogar noch 

auf Besuch in den USA stets die Fenster geschlossen, wenn Armenisch gesprochen wurde, erzählt er. 

Dass er und sein Bruder zwei grundverschiedene Charaktere waren, lässt sich schon an ihren unterschiedlichen 

Nachnamen ablesen: Während der eine seinen Namen der Griffi gkeit wegen auf eine 

Silbe verkürzte, eckte der andere gerne an. Onno Tunc suchte stets den Mainstream-Erfolg und komponierte 

jahrelang die türkischen Beiträge zum Grand Prix. Arto Tuncboyaciyan dagegen traf in den 

USA zuletzt immer wieder mit armenischen Künstlern zusammen: mit dem Oud-Spieler Ara Dinkjan 

oder, für sein jüngstes Projekt „Serart“, mit dem Rockmusiker Serj Tankian von der Band „System of 

a Down“. So entdeckte er spät auch das Land für sich. „Armenien ist wie eine geheime Schachtel, 

die man öffnet“, beschreibt Arto Tuncboyaciyan seine Faszination. Der Kleinstaat in dem zerklüfteten 

Hochland im Kaukasus besitzt nicht nur eine jahrhundertealte Hochkultur, die seit dem 3. Jahrhundert 

christlich geprägt ist, sondern sogar eine eigene Schrift. Doch das 20. Jahrhundert war für die 

Armenier eine fortwährende Katastrophe: Noch immer wirkt das Trauma der türkischen Massaker an 

der armenischen Minderheit von 1895/96 und 1914/15 nach sowie das diktatorische Erbe der Sowjetunion. 

Ein verheerendes Erdbeben im Jahre 1988 sowie der Konfl ikt mit dem Nachbarn Aserbaidschan 

um die Enklave Nagorny-Karabach haben ein übriges getan, das Land zu Boden zu drücken. 

Die Hauptstadt Eriwan macht auf den ersten Blick den Eindruck einer durchschnittlichen Stadt in 

Osteuropa - die Nähe zum Orient, zum Iran und zur Osttürkei ist kaum zu spüren. Die prächtigen Fassaden 

an den großen Boulevards stammen allesamt aus den Zwanzigerjahren des vorigen Jahrhunderts, 

haben aber schon bessere Zeiten gesehen. Dazwischen fi nden sich ein paar typische Dokumente 

sozialistischer Einheitsarchitektur. Am schönsten ist die Stadt bei Nacht, wenn das Licht aus 

den besseren Schaufenstern und an den repräsentativen Amtsgebäuden Glanzpunkte setzt und das 

schmutzige Grau und die Risse in den Häuserwänden gnädig im Dunkeln versinken lässt. 

Der Jazz besitzt in Eriwan, wie in vielen Republiken der ehemaligen Sowjetunion und ihrer Satelliten, 

eine lange Tradition. Schon in den Dreißigern gab es hier erste Bands, die dem US-Vorbild folgten, 

aber allmählich eine eigene Sprache entwickelten, indem sie Elemente aus der armenischen Folklore 

aufnahmen. Bis zum Ende der UdSSR blieb das allerdings eine Angelegenheit von Enthusiasten. 

In letzter Zeit aber hat sich die Szene professionalisiert. Seit einigen Jahren gibt es sogar ein Jazz- 

Festival in Eriwan und man ist stolz darauf, einmal Chick Corea eingeladen zu haben.

Aber auch die traditionelle Musik boomt: Dank der Liebhaber im Ausland haben einheimische Folklore-Stars 

wie der Duduk-Flötist Djivan Gasparijan ein gutes Auskommen gefunden. Doch der Musikmarkt 

in Armenien krankt an der grundsätzlichen Malaise der Wirtschaft: So sind die meisten CDs der 

armenischen Folkstars, die in Eriwan als Raubkopien in den Läden stehen, im Ausland produziert - vor 

allem in Moskau, Paris oder gleich in Kalifornien, den Zentren der armenischen Diaspora. 

Diese traditionellen Stücke, in modernisierte Arrangements verpackt, sprechen in erster Linie den 

Geschmack der weltweiten Diaspora-Kundschaft an. In Armenien könnte sich diese CDs zum Normalpreis 

niemand leisten. Dieses Ungleichgewicht wirft ein Schlaglicht auf die Abhängigkeit der 3 

Millionen Einwohner Armeniens von den rund 9 Millionen Menschen in der Diaspora. An deren Tropf - 

durch Subventionen, private Überweisungen und Investitionen - hängt das Land zum guten Teil. Auch 

Arto Tuncboyaciyan betätigt sich in Eriwan als Investor. Vor kurzem eröffnete er dort einen Musikclub, 

zu dessen Eröffnung er ein gutes Dutzend Journalisten aus ganz Europa nach Eriwan einlud. Fast 

jeden Abend tritt er mit seiner „Armenian Navy Band“ nun dort auf, wenn er nicht gerade auf Tournee 

im Ausland ist. 

Am Eröffnungsabend stehen Nüsse und Knabberkram sowie Flaschen mit Cognac und Rotwein auf 

dem Tisch, und ein buntes Publikum aus lokalen Intellektuellen, befreundeten Musikern und ausländischen 

Gästen hat sich eingefunden. Zunächst gibt es ein ausführliches Vorprogramm: Ein Clown 

trötet „Summertime“ auf der Duduk, dem armenischen Nationalinstrument. Dann folgen ein vierköpfi 

ger polyphoner Chor und ein Duduk-Quartett, bevor endlich die Armenian Navy Band die 

Bühne besteigt: Mit den traditionellen Instrumenten in der ersten Reihe, dahinter Schlagzeug, Keyboard 

und Gitarren, eingerahmt von einer vierköpfi gen Bläsersektion. Vom Seitenrand aus treibt 

Arto Tuncboyaciyan seine Band an, klopft sich die Finger an seinen Congas wund, bläst mal eine 

melancholische Melodie auf einer Flasche, trommelt auf einem Kochtopf oder stimmt schamanische 

Gesänge an: eine armenische Folk-Sinfonie mit jazzigen Ausbrüchen. 

Am letzten Tag führt Arto Tuncboyaciyan seine Gäste zum Ausfl ug in die Berge, zum Geghard-Kloster 

mit seinen in Felshöhlen eingelassenen Kapellen. Auf dem Weg aus der Stadt säumen verrostete 

Skelette ausgeschlachteter Autos den Straßenrand; später werden sie abgelöst von Kindern, die 

Blumen feilbieten. Auf halber Strecke hat man eine prächtige Sicht auf den Berg Ararat, der auf der 

anderen Seite des Tals liegt, in der Türkei. 

Dorthin zieht es Arto Tuncboyaciyan nicht mehr zurück. Seit im vergangenen Jahr auch seine Mutter 

gestorben ist, weniger denn je. „Wenn ich heute nach Istanbul komme, halte ich es keine fünf Minuten 

mehr aus. Mir gefällt Eriwan besser, denn hier bin ich in fünf Minuten in den Bergen“, sagt der 46-Jährige. 

Vor dreißig, vierzig Jahren war Istanbul noch eine andere Stadt. Damals konnte man noch von 

überall in den Bosporus springen. Heute ist es überall schmutzig.“ Und dann stimmt er in die auch in 

Istanbul weit verbreitete Wehklage über den Verlust einstiger Weltläufi gkeit ein: „Die Menschen aus 

Anatolien, die heute die Mehrheit stellen, haben eine andere Kultur mitgebracht, ein anderes Essen, 

eine andere Musik. Das Istanbul von früher besaß einen sehr griechischen Charakter. Aber als die 

letzten Griechen nach 1974 Istanbul verließen, war es so, als hätte jemand das Licht ausgemacht.“ 

Mit diesem Kapitel seiner Biografi e hat Arto Tuncboyaciyan inzwischen abgeschlossen. Und dafür ein 

neues aufgeschlagen. 

Daniel Bax, taz Nr. 7342 vom 24.4.2004

Armenian Navy Band 

Music is considered a crucial means of communication by the founder of The Armenian Navy Band, 

Arto Tunçboyaciyan, a percussionist and vocalist of Armenian descent. Arto claims music as his instrument 

of choice to express his highest aspirations: love, respect and truth. 

The Armenian Navy Band’s compositions are all originals of Arto Tunçboyaciyan which, he insists, 

„have the sound of my life“. This music is founded on Armenian and Anatolian musical traditions and 

infused with jazz and contemporary culture. Arto’s compositions embrace sounds from generations 

past as well as present this is what he calls „avant-garde folk“. As such, the Armenian Navy Band represents 

the synthesis of Arto‘s musical journey and life experiences. 

The Armenian Navy Band is composed of twelve of the fi nest of Armenia’s contemporary musicians, 

ranging in age from 20 to 45. The instruments include the traditional—duduk, zurna, kemanche, 

kanun—and the contemporary—trombone, alto sax, tenor, soprano sax, trumpet, bass, drums, 

keyboard and piano. Together with the unique vocals and percussion and sazabo of Arto, the band’s 

sound is a sort of aural journey from the past to the future. 

The band’s fi rst European tour in February/March 2000 was successfully received in Italy, Germany, 

Austria and Spain. Their next tour, later that year, included Sardinia, France, Bruxelles and Holland, 

ending with a stop in Istanbul for the recording of the album „New Apricot“ under the Turkish label 

„Imaj Müzik“. This was followed by another brief tour in March 2001 and an extended European 

Summer/Fall tour through to November 2001. 

The Armenian Navy Band’s 2004 album Sound of Our Life - Part One: Natural Seed is a nearly 

50-minute-long composition in eleven parts, which is dedicated to nature. Natural Seeds takes the 

listener along part of the path of life that Arto Tunçboyaciyan and his musicians have traveled. The 

recording equally represents the return to the origins of the musical „seed“ of the The Armenian Navy 

Band; the tremendous joy and affection which the band’s musicians feel with and for each other in 

the here and now of their life together – also outside the recording studios and stages; as well as the 

hopeful, self-confi dent view to the future. For Arto Tunçboyaciyan, the project Sound of Our Life is a 

never-ending musical documentation of the future. 

Arto Tunçboyaciyan - percussion, vocals, sazabo 

Anahit Artushyan - kanun 

Armen Ayvazyan - kemanche 

Armen Husnounts - tenor &soprano saxDavid Minasyan - trombone 

David Nalchajyan - alto sax 

Tigran Suchyan - trumpet 

Norair Kartashyan - blul, duduk, zurna 

Vartan Grigoryan - duduk, zurna, clarinet 

Arman Jalalyan - drums 

Vahagn Hayrapetyan - piano, keyboards 

Vartan Arakelian - bass 

www.worldmusiccentral.org/artists/artist_page.php?id=4

Iain Ballamy with Stian Carstensen 

Iain Ballamy – tenor sax 

Stian Carstensen – button accordion 


Quasimodo 

www.ballamy.com 



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Iain Ballamy 

Biography 

Saxophonist and composer Iain Ballamy (b.1964) is a highly original and versatile musician. A supreme 

improviser, he is also an accomplished writer with numerous commissions to his name. 

Renowned in Europe as the „Fantastic Englishman“, Ballamy established himself playing alongside 

notables including Hermeto Pascoal, the late Gil Evans, Cedar Walton, Dewey Redman and Kenny 

Werner. Touring extensively world-wide he has appeared at most major international festivals and 

venues. Ballamy can be heard on over 30 CDs and is a co-director of Feral Records, the label he cofounded 

in 1999 with the renouned fi lm maker and graphic artist Dave McKean. A long time collaborator 

with Django Bates, since the days of Loose Tubes and Bill Brufords Earthworks he is currantly a 

member of Django‘s Human Chain, Delightful Precipice and Quiet nights groups. 

Parallel to his international jazz career, Ballamy has pursued an interest in world music and dance 

projects, playing and studying in India at the Karnataka College of Percussion and has become a 

regular at the celebrated annual Grenzüberschreitungen / Bordercrossings Global music encounter 

hosted by Iwalewa Haus in Bayreuth, Germany. Ballamy has performed and forged strong working relationships 

with renowned musicians from Hungary, Egypt, Spain, Norway, Bulgaria, Brazil and beyond. 

Combined arts projects include tours with Sankalpam the contemporary Indian Dance group and 

Ballamy‘s acclaimed role as ‚Steve the prat‘ in Simon Black‘s stage play ‚Out There‘ which toured Britain 

in 1995 and ‚96. His distinctive saxophone voice can be heard in his improvisations for the BBC 

Radio 4 play ‚Signal to Noise‘ by Neil Gaiman and Dave McKean, the movie ‚Legend‘ and a documentary 

‚Joseph Losey-the Man with Four Names‘. 

Ballamy‘s wide ranging musical interests add depth and creativity to his music which can be clearly 

heard in his album Pepper Street interludes (featuring Stian Carstensen on accordion, Norma Winstone 

vocals and Matthew Sharp on cello). Ballamy received the award for Jazz innovation at this 

years fi rst BBC Jazz awards ceremony 2001 and writes an agony column for Jazz UK magazine called 

„in the saxophonists chair“. 

Iain´s Nordic FOOD project pulls together his diverse musical threads to form a rich, powerful band 

making contemporary British and Norwegian Jazz sound the hottest off the press . 

Ballamy received the BBC award for innovation at the fi rst BBC British Jazz awards in 2001 and was 

re-nominated in 2003 . 

His latest CD release is called ‚the little radio‘ (Sound Recordings 1005) and is made up an unforgetable 

collection of intimate duets with long time collaborator and Norwegian button accordionist Stian 

Carstensen . 

He is currently writing music for a feature fi lm directed by Dave McKean (Columbia Miramax) entitled 

‚Mirrormask“. 

www.ballamy.com

Iain Ballamy / Stian Carstensen, The Little Radio 

Reviews 

Rarely have a jazz-improvising duo sounded so together, yet at the same time inhabited such compatible 

but distinctive separate worlds, as the British saxophonist Iain Ballamy and the Norwegian 

accordionist Stian Carstensen on this warm and craftily lyrical set. 

Ballamy is at his breathily jazziest for much of this session. The imperiously individualistic Carstensen 

sometimes follows him, but sometimes whirls off into a ghostly, glistening soundscape of his own, as 

he does from the off in the opening Body and Soul. 

Ballamy plays with exquisitely tender grace, having begun unaccompanied with a downward whoosh 

of buttery notes like Ben Webster, before Carstensen joins him at a contrastingly limping gait, giving 

the music an almost sinister slow-tango feel. But Ballamy‘s seamless of construction is rarely distracted 

by the irregularities beneath, and he eases between high reedy exhalations and rich, reverberant 

sounds. 

Ballamy, who has been playing in a lyrical class of his own for some years, is at his most subtle on 

the gently dancing ballad Je Te Veux, and Carstensen‘s deep, church-organ chords spread luxuriously 

beneath his poignant high notes on An Den Kleinen Radioapparat. Teddy Bear’s Picnic, beginning with 

a big, fl ouncy overture that never hints a child’s tune is on its way, could be almost too wacky in this 

repertoire - but isn’t, since it develops into a light-stepping improvisation of murmuring new melodies, 

Carstensen’s accordion fi tfully countering Ballamy’s airy sax lines with bursts of military pipe-band 

strutting. 

The Carla Bley-like Last Tango in Paradise is a standout, as is Saving All My Love for You, played with 

cool intimacy. Another highlight is the long-lined interplay on Ballamy’s otherwise emphatically unjazzy 

Sonny Rollins tribute, My Waltz for Newk. Delicious. 

John Fordham, The Guardian, February 6, 2004 

Ballamy & Carstensen: The Little Radio 

In an age when music makers are just as likely to have skills with samplers and computers as they 

are the ability to play an instrument, and with audiences increasingly unable to tell the difference 

between either, Iain Ballamy and Stian Carstensen are a breath of fresh air. By applying old European 

truths to New World values, they have succeeded in creating an album with more allusions than Ezra 

Pound’s Cantos. A curve ball combination of tenor saxophone and accordion has produced a remarkable 

artistic success from about as far left of centre as you can get without actually dropping off the 

board completely. 

Ballamy is one of Europe’s fi nest jazz saxophonists and Carstensen a multi-instrumentalist who is 

also an accordion virtuoso. By going back to basics, by exchanging melodies and elegantly conceived 

linear improvisations spun in endless variations, like double Ferris wheels, they have created music 

that is actually sui generis. Their sophisticated concerns over musical ends as well as means ensure 

elements of composition and improvisation emerge as a tightly woven whole.

Opening with the jazz standard to end all jazz standards, Johnny Green’s ‘Body and Soul’, they succeed 

in completely recontextualising the song, cutting it free from its jazz baggage - the wondrous 

1939 version by Coleman Hawkins; John Coltrane’s stunning reharmonisation; or Sarah Vaughan’s 

transformation of the song into a rococo aria. Together the duo make you consider the song afresh, 

as they do all the material on this album, and fascinating subplots emerge - what are they going do 

next? How are they going to do it? 

This is writ large with ‘Teddy Bears’ Picnic’, fi rst implanted into British consciousness by bandleader 

Henry Hall and the BBC Dance Orchestra in 1933. A kind of Balkan fanfare sets a sinister mood that 

alludes less to teddy bears and a picnic, more to burgers hastily consumed at the forest edge as 

grown-ups nervously watch out for men in long, dirty raincoats. Chopin’s ‘The Minute Waltz’, ‘Tales of 

the Unexpected’ and a piece by Hans Eisler are all condensed into highly compressed simplicities, 

refl ecting both Ballamy’s and Carstensen’s suspicion of jazzers who draw inspiration from their own 

technique. It’s an album that opens doors, aimed not at our highbrow, middlebrow or lowbrow instincts, 

but to something primal in us all that reaches back through the ages to a love of well-crafted 

melodies that speak to everyone. 

The Observer, February 1, 2004 

Ballamy & Carstensen: The Little Radio 

NOTHING is quite what it seems in an album of duos for tenor sax and button accordion. Not only 

does it maintain interest, it represents a little miracle of sustained invention. The instrumentation 

recalls continental cabaret, with its associations of satire, sophistication and decadence. Ballamy 

and Carstensen milk this for all its worth, but Ballamy’s heart-on-the-sleeve romanticism cuts right 

through the artifi ce. ‘An Den Kleinen Radioapparat’ (the English translation gives the album its title) 

is unbearably moving, remembering Brecht’s original: a refugee from Hitler’s Europe has only his 

little radio for comfort, and the news it broadcasts is all bad. Elsewhere, the most beautiful tunes in 

the world are prey to Ballamy’s anarchic imagination and come out fresh and rejuvenated. Here is 

the wildest ‘Danny Boy’ since Jackie Wilson explored his Scottish roots: the sax contrives to sound 

exactly like bagpipes as the button accordion provides a drone. And yet it retains enough poignancy 

to leave a lump in the throat even as it provokes tears of laughter. Incredible. 

Mike Butler, Manchester Music - album reviews, 5th February 2004 

Ballamy‘s tales of the unexpected! 

Who‘d have thought it, Iain Ballamy takes on Teddy Bears‘ Picnic and wins? That‘s what he‘s done, in 

his latest recording - taken on some very familiar pieces and, with the more-than-able Stian Carstenson 

on accordion, has created something new and beautiful with them. Body and Soul is a delight, 

as is Windmills of Your Mind. Danny Boy, which is normally guaranteed to reduce my wife to (happy) 

tears, instead became a reason to smile with pleasure. And he slips in a bit of the theme to Tales of 

the Unexpected too. 

This album proves once again how fertile is Ballamy‘s imagination and how wonderfully he plays - always 

melodic and with a featherlight touch on so many of the pieces. The contrast with Carstensen‘s 

accordion works beautifully, and his contribution shouldn‘t be overlooked, but, as a fan of Iain Ballamy 

I have, once again, reasons to be cheerful. Buy this and laugh with the sheer joy of it all! 

DJPeanuts US - the US Music Database, Buyers‘ Review

Stian Carstensen - Backwards into the Backwoods 

“Wenn du in den Süden von Kentucky gehst und versuchst jemanden zu fi nden, der dir zeigt, wie 

man dort Banjo spielt, kann es dir passieren, dass du irgendwo landest und plötzlich einen verrückten 

Hillbilly mit seinem Gewehr vor dir hast, der dich mit dem Befehl: Hände hoch, rückwärts in den 

Wald jagt - into the Backwoods, den Unterwald, dort, wo sich Fuchs und Hase Gute Nacht sagen Das 

ist auch ein Ort, wo Unsicherheit herrscht, ein Ort, mit dem du nicht vertraut bist. Mit diesem Album 

habe ich das Gefühl, mich selbst musikalisch blindlings an diesen Ort zu begeben. Das klingt etwas 

psychedelisch und zeitgleich ländlich derb.” Stian Carstensen macht Musik beeinfl usst von Ligeti, 

Heavy Metal, traditioneller Folklore aus Bulgarien und natürlich Norwegen, Blue Grass und Barock. 

Stian Carstensen, g/banjo/kaval/v, Ernst Reijseger, cello, Arve Henriksen, tp/spinet/voc, Jarle Vespestad, 

dr, und Haavard Wiik, p/spinet, machen eine musikalische Weltreise, bei der nie feststeht in 

welchem Erdteil man sich gerade befi ndet. Und auch ohne vorgehaltener Waffe folgen wir dem Kommando: 

Sperrt die Ohren auf!! 

Christian Bakonyi in Jazzzeit

Kevin Breit and the Sisters Euclid 

Kevin Breit – guitar 

Rob Gusevs – keyboards 

Ian DeSouza – bass 

Gary Taylor – drums 


Quasimodo 

www.kevinbreit.com 



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Biography 

Kevin Breit 

“an adventurous and oftentimes unpredictable player possessing a seemingly inexhaustible storehouse 

of ideas at his fi ngertips” 

Gary Tate, Blues On Stage 

Kevin Breit (pronounced: bright) was born in the small Northern Ontario hamlet of McKerrow 

(pronounced: very small). He is the youngest of seven children born to musical parents. Breit, selftaught, 

grew up listening and loving the music of the Beatles, Bill Monroe, Stevie Wonder, Little Feat, 

Johnny Winter, Todd Rundgren, Aretha Franklin, Rare Earth, Miles Davis, Rashaan Roland Kirk, Hank 

Williams, and many others. 

At age 17, he moved to Toronto to follow his dream of being a musician. After a period of readjustment, 

Kevin began working in and out of studios and concert settings. He has recorded with 

the likes of Cassandra Wilson (grammy award winning, New Moon Daughter and her follow-up 

Traveling Miles); k.d lang (Drag); Holly Cole (Temptation, It Happened one Night and Dark Dear Heart); 

Janis Ian (Hunger); Dal Bello (She and Whore) as well as new releases from Patti Scialfa, Marc Jordan, 

Quartette, Natalie McMaster, Barra MacNeills, Molly Johnson, Miller Stain Limit, Shelby Starner, Jeb 

Loy Nichols, Sass Jordan, Wendy Lands, Carlos del Junco, to name a few. 

Kevin is currently in Norah Jones’ “Handsome Band” and his song “Humble Me” is featured on her 

new album Feels Like Home. 

Kevin’s new recording John & the Sisters, featuring the funky Sisters Euclid band and blues-belter 

John Dickie, came out on NorthernBlues Music in April 2004. 

www.northernblues.com/bio_breit.html 

Sister Euclid Bio 

Little Italys are everywhere; to the Nickel belt of Sudbury,Ontario to Flatbush in Brooklyn, New York. 

Smack dab in the middle is Toronto‘s vibrant, little Italy, where every Monday night, for the last 2 

years, a quartet takes to the stage at the Orbit Room, to perform on the downbeat of 10:00 pm til the 

small hours of the new day. The band is the Sisters Euclid. 

This residency has produced two, original, all-instrumental discs, Green Pastors and All Babies Go To 

War. Guitarist, Kevin Breit, whose compositions are featured in this ensemble, enlisted the talents of 

bassist, Ian DeSouza; organist, Rob Gusevs and drummer, Gary Taylor. 

There is no typical Sisters Euclid night, for every Monday the audience is treated to an always changing 

repetoire that ranges from modern jazz, rock, bluegrass, hip-hop to the occasional show-tune 

thrown in for good measure. 

www.povertyplaylist.com/home.html#

Acoustic Ladyland 

Pete Wareham – tenor + baritone sax 

Tom Cawley – piano 

Tom Herbert – bass 

Seb Rochford – drums 

So 7. November | 15.00 Uhr 

Palais der Kulturbrauerei 

www.f-ire.com/now/acousticladyland.html 



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Founded by Young Jazz Musician of the Year prizewinner Pete Wareham - ‘a musician of eloquent 

post-Coltrane persuasions’ (John Fordham, The Guardian) Acoustic Ladyland has enjoyed much success 

in a relatively short space of time. Since its inception in September 2001, the band has played 

two residencies at Ronnie Scott’s - the third will be February 24th to March 1st 2003 - completed a 

national Jazz Services tour, recorded a studio album and have been featured in a short fi lm by Peter 

Anderson at ‘Art Hotel’. In December 2002 they will be recording a one hour session to be broadcast 

on radio 3’s Friday night jazz slot, ‘Jazz on Three’ and will also be featured on Radio Two later in the 

year. 

Featuring Young Jazz Musician of the Year and Perrier Award winner Tom Cawley; ex-’Tomorrow’s 

Warriors’ and one of the busiest bassists in Britain Tom Herbert, and Seb Rochford, a drummer whose 

originality and versatility have earned him great national acclaim, the band are now gathering accolades 

from journalists, promoters and audiences alike. Their CD which is still to be released, features 

Pete‘s unusual, entertaining and absorbing arrangements of Jimi Hendrix classics, bridging the gap 

between jazz groups and jam bands. Acoustic Ladyland revisits Hendrix‘s greatest moments with fascinatingly 

original slants....if you were on a downer about the future of British Jazz, tonight would be a 

good time to have your mind changed.‘ 

Jazzwise Magazine, June 2002 

Press 

„The show passed all expectations ... this is a very exciting band“ 

JAZZWISE 

„This virtuoso quartet is one of the most refreshing things I‘ve heard in a long time ... there‘s a rare 

poetic talent working here, and I was delightfully absorbed in their music.“ 

IAN CARR 

„Acoustic Ladyland rock! The UK‘s answer to Medeski, Martin and Wood.. if you didn‘t know London 

jazz could sound this hip then rush out and hear them“ 

DAZED & CONFUSED 

„Pete Wareham is destined to become a new British jazz giant“ EASTERN DAILY PRESS 

Tom Cawley is „ a superb player.... (he) provided several furious, commanding displays.“ 

THE INDEPENDENT 

„Seb Rochford now sounds like the best new percussionist on the UK scene since Mark Mondesir“ 

JOHN FORDHAM - THE GUARDIAN 

www.f-ire.com/now/acousticladyland.html


Pete Wareham and his band have become a national success with their virtually unique project, 

‘reimagining’ the work of Jimi Hendrix, a musician many thought would gravitate towards jazz had he 

lived. In a way he does, with younger musicians such as these devoted to his music. All acclaimed, 

prize-winning players, they recreate it with fl air and imagination, being rewarded with several seasons 

at Ronnie Scott’s, national broadcasts and tours. They also pepper their set with original pieces. They 

have a CD out on Babel Records, entitled ‘Camoufl age’. 

http://www.ali.mistral.co.uk/8thListing.html 

Acoustic Ladyland, Camoufl age 

Good, young, British quartet inspired by the music of Jimi Hendrix, though adapted to a contemporary-jazz 

approach that doesn‘t give Hendrix buffs much to sing or bop to. 

Thoughtfully soulful sax from Pete Wareham, deliberate, Charlie Haden-like bass from Tom Herbert, 

percussive piano from fi ne newcomer Tom Cawley, and the kind of controlled audacity from Seb 

Rochford at the drums that’s nowadays expected of him. Herbert’s clarion bass opening to Routinely 

Denied, using the guitar riff from Voodoo Child, turns into a bright, Latin swinger with Wareham’s gruff 

tenor sound riding on top. 

The barely moving Nagel is an exercise in subtle percussion detail and reed control; Remote Impression 

is a lateral, high-register reverie over trickling piano and ticking bass (like an old Modern Jazz 

Quartet backing); Little Miss Wingate is like Enlightenment-era McCoy Tyner, and Brave Reply is a 

whispering tone poem that occasionally discovers gospelly funk. Hendrix inspiration or no, it doesn’t 

really catch Hendrix’s fi re, and its themes and ensembles are less memorable than those of Babel’s 

Polar Bear quartet, which also features Rochford, Wareham and Herbert. Maybe a little more shamelessly 

direct attention to Hendrix would have ignited it without detracting from the group‘s independence; 

but the playing standards are faultless. 

John Fordham, The Guardian, June 4, 2004

Under Cover 

Determined to banish preconceptions and open jazz audiences‘ ears to rock and other styles of music 

Acoustic Ladyland‘s debut is one of the most eagerly awaited of the year. Tom Barlow talks to the 

group‘s Pete Wareham 

lt brings back some words Jimi Hendrix once uttered: `Knowledge speaks, but wisdom listens.‘ Why? 

Because it‘s been a while since you‘ve seen an audience at Ronnie Scott‘s quite so attentive. Even 

the noisy minority seems fi nally to have realised that it‘s not about getting as drunk as possible while 

a jazz group noodles in the background: it‘s about hearing something that moves you. 

Dressed in black suits and skinny, red ties, Acoustic Ladyland, look like some 80s new wave band. 

And when they take the bandstand there‘s something even more jolting to their music. The sense that 

this is more than a jazz quartet taking turns at solos - a dynamic that takes the raw energy of rock to 

jazz‘s wit and intelligence - engages everyone from the jazz heads to the businessmen sipping Moet. 

Since the group started playing re-imaginings of Hendrix tunes three years ago (more recent inspirations 

draw on The Velvet Underground, The Ramones and The White Stripes) their performances 

have made them a singular voice on the British jazz scene. It‘s hard to think of another band quite like 

them. 

Meanwhile, the group‘s debut album, Camoufl age, looks certain to be one of the outstanding European 

jazz releases of 2004. Its distinctive sounds (played by 32 year-old tenor sax player Pete Wareham, 

Tom Cawley, keys, Tom Herbert, bass and Seb Rochford, drums) veer between head banging 

interpretations of ‚Little Wing‘, a sparsely funky version of Voodoo Chile‘ with a Cuban twist, and the 

lullaby sweetness of `Nagel Neu‘ based on Hendrix‘s ‚Angel.‘ Live, the new repertoire sees the group 

rock out even more ecstatically, fuelled by Sebastian Rochford‘s drum kit on ‚Nico‘, a tribute to The 

Velvet Underground, before delighting the audience with simple grooves or songs as sweet as ‚January 

Mountain‘ (inspired by Neil Young): 

‘The music draws in a lot of people who wouldn‘t otherwise listen to a jazz quartet from London; 

agrees Wareham. ‚The audiences always end up like that. Always. The fi rst time we played [at Ronnie‘s] 

they were so silent you could hear a pin drop.‘ 

Back in 1999, Wareham‘s gutsy tenor playing, drawing on Coltrane, Rollins and young disciples like 

Mark Turner, earned him a prize-winner‘s medal at the (now defunct) Young Jazz Musician of The 

‘Year Awards. 

At that stage I was really into Medeski, Martin and Wood and I read an interview about the Jam 

Bands,‘ he explains. ‚I‘d been looking for an idea for some unifying concept and it made me think, 

What do artists do?‘ Quite offen they create something autobiographieal, like a lot of their work will 

be based on episodes from their childhoods. I used to love Hendrix when I was younger so it made 

sense to explore it.‘ Dealing with your own musical diversity can be a dilemma for young jazz musicians: 

how to fi nd some common ground between the music you grew up listening to and the music 

you play. ‚Often what you love gets divided in two,‘ agrees the sax player, ‚I love Led Zepplin and The 

Velvet Underground, but I also love Coltrane, Jason Moran, Mark Turner and Steve Coleman. And 

I‘ve constantly been going between the two ever since I started, feeling guilty that on the one hand I 

wasn‘t doing this rock thing, which wasn‘t technical-enough, and on the other I wasn‘t polite enough 

to be an authentic jazzer. I ended up thinking I might as well use it all.

At the end of the day you‘re just playing music. At fi rst, Wareham envisioned the band as a Latin 

group, drawing on Hendrix’s repertoire à la Eddie Palmieri. 

‚I was playing a lot of Latin with Roberta Pla. I loved the energ and spirit’, he continues. ‘Latin is all 

about dancing. If people don‘t dance to your music, I think it has a hard time to fi nd its context 

socially. So it‘s weird. The older generation likes jazz because they don‘t necessarily want to go out 

and dance they want to hear something they‘ll be interested in. I felt like our generation was into 

both.‘ Although it would be wrong to label Acoustic Ladyland jazz rock‘ (the quartet is just as Iikely to 

get funky, straight ahead or play with polyrhythmic or Latin grooves in any one tune), the chemistry is 

perhaps at its most powerful when the boys crank up the heat, recalling Hendrix‘s overdriven forays 

into feedback. 

Wareham explains Hendrix‘s compositions, pentatonic harmony and shrapnel-derived guitar riffs 

seemed to channel similar ground to mid 60s Coltrane. 

‘I also realised that the way Hendrix played his guitar was how I wanted to play the saxophone: to be 

that fl uent, although not necessarily as bluesy. I think of Hendrix as grown-out blues, and I wanted to 

do grown- out jazz. Something that has grown and grown until it‘s become something else.‘ 

Instead of recreating Hendrix masterpieces instrumentally, Camoufl age proves that Acoustic Ladyland 

absorb them; rip them up from the inside, and forge them into something original. The results 

feel refreshingly organic rather than gimmicky. 

With bands like Radiohead increasingly `prog‘ in their use of instrumentation, the boundaries between 

genres seem to be becoming blurred, according to the sax player. Ìt‘s like the newer stuff we do in 

Acoustic Ladyland - it isn‘t jazz, although it is. I was wondering what would it be like if people played 

punk on jazz instruments? lt gets quite raucous.‘ 

Quite apart from the arrangements, and a group dynamic which often sees the players working together 

rather than as soloists, Wareham is particularly proud of the band‘s improvisational fi repower, 

from Tom Cawley‘s combination of virtuosity and passion to the versatility and soulfulness of Tom 

Herbert and Seb Rochford (who also gel with the saxophonist in the drummer‘s solo project Polar 

Bear). And like any self-respecting rockers, their ambitions are big: 

‚I want to release a single,‘ Wareham explains. ‚All it would take is some dark, quite heavy band who 

are aware of the pitfalls the general public feel about jazz and it wouldn‘t take long. It‘s like Jade Fox 

too. I reckon we could chart... I fancy the challenge. 

In many ways the rock scene is as predictable and boring as the jazz scene,‘ he continues. `Most of 

the best bands don‘t get airplay because they‘re too different. Then one band does come along, like 

the White Stripes, and are massive because people are so desperate for something refreshing. That‘s 

the reason why we‘re pushing so hard. I think people will love what we do. It‘s not that I want to get 

famous or rich, it‘s because I think people will love it.‘ 

Tom Barlow, JAZZWISE, May 2004

Bill Jenkins & Fun Horns 

‘Jazz gives me the Blues’ 

Billy Jenkins – guitar 

Huw Warren – piano, accordion 

Steve Watts – bass 

Mike Pickering – drums 

Volker Schlott – saxophone, fl ute 

Falk Breitkreuz – saxophone, clarinet, fl ute 

Jörg Huke – trombone 

Rainer Brennecke – trumpet, fl ugelhorn 


Palais der Kulturbrauerei 

www.billyjenkins.com 

www.fun-horns.com 



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Billy Jenkins: Guitarist, Composer, Bandleader & Performer 

As a boy, Billy Jenkins (b.1956, Bromley, Kent) sang in occasional choirs at St. Paul‘s and Westminster 

Abbey, toured and recorded as a teenager with art rock band Burlesque (1972-77), performed as a 

young adult with ‚alternative musical comedy‘ duo Trimmer & Jenkins (1979-82) and drummer Ginger 

Baker before founding (in 1981) the VOGC ( the Voice of God Collective - ‚The voice of the people is 

the voice of God‘ [Plato] - to which BJ adds, ‚...and the religion is music!‘ ). 

Since then he has produced a large body of over 30 recorded albums including ‚Scratches of Spain‘, 

‚Motorway At Night‘, ‚Entertainment USA‘ and ‚Music For Two Cassette Machines‘. Some of his recordings 

are about his SE London environs and include ‚Sounds Like Bromley‘, ‚Greenwich‘, ‚Still Sounds 

Like Bromley‘ and ‚Suburbia‘. 

From 1983 - 93 he lived and worked at Wood Wharf Rehearsal Studios in Greenwich, where he welcomed 

an average of 26.6 musicians through the doors every day. 

Projects have included recording and performing with The Fun Horns of Berlin, improvised musical 

boxing Big Fights, Music For Low Strung Guitar, directing Anglo-Belgium and London Meets Vienna 

ensembles, improvising to fi lm, collaborating in words and music with Ian McMillan, Ben Watson, Kate 

Pullinger a.o., composing and performing with The Gogomagogs, compositions for six guitars, ‚The 

Drum Machine Plays The Battlemarch Of Consumerism‘ for six drumkits and sporadic festival and 

club appearances on the continent and UK. 

In education he was Visiting Tutor in Guitar Techniques at Lewisham F.E.College (1990-96), guest 

lecturer at the Royal Academy of Music ‘95, Guest big band director at Middlesex University ‘96. 

Ensemble Masterclasses at the International Summeracademy Freie Kunstschule, Berlin ‘97. ‚Moving 

On‘ music workshops with Andy Sheppard a.o., Belfast ‘99. Musical Director and workshop leader for 

Greenwich Young People‘s Jazz Orchestra, Blackheath 2000. School Workshops with the Pied Piper 

Project, Yorkshire, March 2001. Visiting Guest Lecturer on both the Jazz Faculty at Trinity College of 

Music (2001-2) and currently at the Royal Academy of Music since 2001. Member of the Arts Council 

of England Improvised Touring panel from 1993 - 98. 

In 2002 he created and presented over forty two hour Sunday lunchtime radio shows in London on 

Resonance 104.4FM. Entitled ‚One Way Single Parent Family Favourites‘, the show still continues with 

other BJ recommended presenters.

Billy Jenkins Selected Press Comments 

‚Only one in 20,000 English bluesmen inhabits a recognisable reality. Step forward Billy Jenkins, anarcho 

guitarmeister and arch-demythologiser. Pure genius‘. 

Mike Butler City Life 

‚American readers will be baffl ed by him; but he is, along with the Princess Royal and Walthamstow 

dog stadium, one of our national treasures.‘ 

Penguin Guide To Jazz On CD [5th ed] 

‚His humour surely springs from a deeply moralistic, even puritanical stance, and surely the adjectives 

normally applied to Jenkins - such as ‚zany‘ and ‚quirky‘ - actually diminish what in reality constitutes 

a serious and savagely satirical attack on commercialism and consumerism.‘ 

Trevor Hodgett Jazzwise 

‚Billy Jenkins has the priceless ability to merge serious music-making with absolute lunacy, and make 

the one feed off the creative energy of the other‘. 

Kenny Mathieson The Scotsman 

‚Next to Jenkins, chroniclers of modern Britain such as Pulp seem like feckless dilettanti‘ 

Richard Cook New Statesman 

www.billyjenkins.com 

Fun Horns 

Das Ensemble spielt im Spitzenfeld des europäischen Jazz. 

1986 gegründet, vereinigen die vier Musiker Volker Schlott, Jörg Miegel, Jörg Huke und Rainer Brennecke 

musikalischen Humor und improvisatorische Fähigkeiten mit der souveränen Virtuosität akademisch 

trainierter Könner. 

Die Fun Horns sind in puncto Kreativität und Aktivität kaum zu bremsen und erobern sowohl nationale 

und internationale Festivalbühnen im Sturm. 

Ihre siebte CD „East & West“ wurde in Großbritannien CD des Jahres 1996 und die achte CD „Der 

Mond ist aufgegangen“ gewann den Preis der Deutschen Schallplattenkritik 1997. 

„Die Fun Horns spielen im Spitzenfeld des europäischen Jazz mit - für eine junge deutsche Formation 

keine Selbstverständlichkeit.“ Frankfurter Rundschau 

„Fun Horns, das ist frischer Wind aus vier unterschiedlich geformten Metallrohren. Der Staub von 

Jahrzehnten wird aufgewirbelt, ein Teil davon wird respektlos weggeblasen, ein anderer mit Neuem zu 

sinnfälliger Originalität verbunden.“ Rhein Zeitung 

www.artefakt-berlin.de/html/fun.htm



MaerzMusik 







Ausstellungen 


presseinfo 

Charles Lloyd ‘Which Way is East’ 

Homage to Billy Higgins with Zakir Hussain and 

Eric Harland 

Charles Lloyd – saxes, fl ute 

Zakir Hussain – tabla, percussion 

Eric Harland – drums 



www.charleslloyd.com

Charles Lloyd: Freigeistig gegen die Macht der Konventionen 

Jeremy White tut Gutes und dokumentiert das auch: Seine White Foundation richtet beim Montreux 

Jazzfestival jedes Jahr die Internatio nal Sax Competition aus. In den beiden letzten Jahren mit 

prominenten Jurymitgliedern und Gästen. Im Jahr 2002 waren es Lee Konitz, Kirk Whalum und David 

Sanborn, in 2003 Charles Lloyd. Beim 2002er Wettbewerb entstanden die CD und die DVD „Virtuosic 

Saxophones“, mit dem strahlenden Gewinner Soweto Kinch und drei weiteren Preisträgern, die alle 

vom Lynne Arriale Trio begleitet wurden, vgl. www.whitefo undation.com. 

Ludwig Jurgelt sprach mit Charles Lloyd in Montreux über Jury-Erfahrungen, Masterclas ses und 

sein neues Quartett, das im Casino von Montreux ein sehr berührendes Konzert gab. Charles Lloyd 

veredelte Jacques Brels Klassi ker „Ne me quitte pas“ zu einer Jazz-Perle, die direkt vor dem glänzenden 

Genfer See schim merte und der Atmosphäre des komplett umge bauten Casinos von Montreux 

eine weitere Facette hinzufügte. Dort, wo sich Mondänes mit Spieltrieb, Urwüchsigem und Kreativität 

in genialer Weise verbindet. 

Sie sind nach Montreux mit ihrem Quartett ein geladen worden, bleiben aber mehrere Tage am Genfer 

See, da Sie einen Meisterkurs geben und Mitglied der Jury des Internationalen Saxo phon-Wettbewerbs 

sind. Wie erleben Sie Ihre Jury-Erfahrung, mitzuentscheiden, wer Erster und Zweiter wird? 

Jeremy White ist ein sehr rühriger Mann, er wohnt in Montreux, hat eine Stiftung gegründet und liebt 

Saxophone und Nachwuchsspieler und ist ein sehr guter Tänzer im modernen Ballett. Er sprach mich 

vor zwei Jahren an, ob ich Interesse an dem Wetbewerb hätte. Ich habe seinen Saxo phonwettbewerb 

erst jetzt richtig kennengelernt, mein Trio begleitet die Kandidaten und probt mit ihnen. Den 12 Saxophonisten 

zuzuhören, ist schon spannend. Neben mir sitzen ja jede Menge Experten, z.B. auch Bruce 

Lundvall. Am wichtigsten ist mir aber mein Konzert, schließlich trete ich wieder im Casino auf, wo ich 

schon beim ersten Montreux Jazzfestival 1967 gespielt habe. 

Mit Geri Allen haben Sie das erste Mal eine Pia nistin in Ihre Live-Band geholt: 

Stimmt, über den Aspekt habe ich noch nicht nachgedacht. Geri Allen ist eine großartige Musikerin. 

Ich mag das Piano, meine Entschei dung entsprang meinem Gefühl, dass sie die Richtige ist. 

Viele Jahre war John Abercrombie Mitglied Ihrer Band. Hier in Montreux spielt er mit seinem eigenen 

Quartett im Vorprogramm, und Sie laden ihn dann im Anschluss an Ihren Set zur Jam Session ein. Wie 

lernten Sie John Aber crombie kennen? 

Oh, das ist eine alte und lange Geschichte. Ich traf ihn in Boston, als er Berklee-Student war, das 

muss Mitte der 60er gewesen sein. Er sagte mir, wie sehr ihn unsere Aufnahmen berührten und 

prägten. Ich hatte damals mit Tony Williams, Gabor Szabo und Ron Carter das Album „Of Course, 

Of Course“ für Columbia aufgenom men. Die Langspielplatte ist bisher leider noch nicht auf CD 

veröffentlicht worden. John war besonders durch diese Aufnahme beeindruckt. Wir sprachen dann 

noch öfter über den Reiz ungarischer Volksmusik und Gypsys und wurden enge Freunde. Er hat eine 

einzigar tige Technik. Ich brachte ihn mit Ravi Shankar zusammen. John baute mir eine spirituelle 

Brücke zur Gitarre. Er ist ein sehr organischer, offener Mitspieler und agiert sehr konzeptionell. Unsere 

Wege passen einfach gut zueinander.

Wenn Sie über die Probleme sprechen, Vinyl auf CD herauszubringen, denke ich auch an die 

Schwierigkeiten, die junge Musiker erleben, die mit lupenrei nen Jazzproduktionen ihren Erfolg suchen. 

Meist ist es leichter, mehrere Richtungen zu verbinden, so wie Sie das ja eigentlich immer in Ihrer Karriere 

erfol greich getan haben. Was würden Sie Nachwuchsmusikern heute raten? 

Nun, zunächst muss natürlich jeder sei nen eigenen künstlerischen Weg suchen und fi nden. Ich habe, 

wie Sie richtig sagen, nie in Kategorien gedacht. Mir war die Vorstellung, künstlerisch in einem Käfi g 

zu landen, zuwider. Ich mag Musik und wenn du Musik liebst, magst du eine Menge Musik. Wer Musik 

macht, setzt geistige Energie frei, die die Men schen berührt. So ein Prozess passt nicht zu diesem 

weitverbreiteten Schub ladendenken. Alle großen Musiker, die ich verehre, klingen zeitlos gut, sie 

stam men aus ganz unterschiedlichen Kultu ren. Mit den ganz unterschiedlichen Wel ten und Anschauungen 

könnten wir hier auf der Erde doch eigentlich ganz har monisch zurecht kommen. Ich bin ein 

Träumer und Weltverbesserer, und meine Musik ist alles andere als konven tionell oder Mainstream. 

Ich will auch gar keinen Mainstream. Mich packt Ekstase, Bescheidenheit und Qualität, alles andere 

lässt mich gleichgültig. Wir haben doch so viele Möglichkeiten. Wenn ich hier in der Jury über einen 

Wettbewerb zu entscheiden habe, dann regt sich in mir ein Stachel von Wider spruch, da ich ein 

kooperativer Typ bin. Ich möchte eigentlich auch nicht, dass junge Musiker nervös werden, wenn sie 

mir vorspielen müssen, aber so ist nun mal die Natur. Selbst ich bin nervös, vor wirklich jedem Auftritt, 

aber wenn ich die ersten Töne spiele, fühle ich mich ganz frei. Die Musik nimmt den Raum ein. 

Was hinter Ihrer Frage auch steht, ist der Aspekt der Kommunikation und Qualität. Ich mache dankenswerter 

Weise Aufnahmen für eine Plattenfi rma, die eine große Breite an Stil richtungen veröffentlicht, 

alle aber auf einem sehr hohen Niveau. Ich empfi nde es in einem sol chen Umfeld immer wieder 

herausfordernd mei nen richtigen Platz zu fi nden, an dem ich meine eigenen Konzepte ohne jede 

Fessel ausbreiten kann. Manfred Eicher und sein Team behandeln uns wie eine kleine Familie. Ich 

fühle mich dort ausgesprochen zu Hause. Sie erlauben mir, mich als Künstler völlig ungebunden zu 

fühlen, nach Ausdrucksmögiichkeiten abseits des konventio nellen Hauptstroms zu suchen. Ich will 

weder Mainstreamer noch Außenseiter sein, die Schwerkraft bringt mich mit Musikern zusam men, die 

tiefe Emotionen miteinander teilen. Das ist auch mit Geri Allen so und der einzige Grund dafür, dass 

sie jetzt in meinem Quartett ist. 

Ich bin gegen jeden Anfl ug von Vorurteil und fi nde es bitter, wenn Leute aus ideologischen, politischen 

und ähnlichen Gründen von einer Sache ausgeschlossen werden. Als Kind habe ich Rassismus 

in den Südstaaten erlebt, es war sehr lehrreich, in solch einem Umfeld aufzu wachsen. Ich habe 

dort aber auch unglaublich kreative Menschen getroffen, die mir innere Sta bilität vermittelt haben. 

Meine Vorfahren stam men aus allen möglichen Kulturen, wir sind doch alle gemischt, das ist doch 

gerade der Lebens weg mit all den besonderen Erfahrungen. Ein reiches Erbe, das mir die Zuversicht 

gab, kein Bürger zweiter Klasse zu sein. Diskriminierung und Feminismus spielen bei mir keine Rolle, 

allein die künstlerische Qualität. Ich höre etwas in der Musik, das mich transzendieren lässt, bei Bobo 

Stenson war mir das auch so ergangen. Nun noch einmal zu Ihrer Frage: Also, junge Musiker müssen 

Musik lieben und wenn das der Fall ist, dann spielst du mit ganzer Hingabe und nicht um Preise zu 

gewinnen oder um Illusionen zu entfachen. Das ist die Lebensschule, in der du vorankommen musst, 

es geht um dein Karma. Taten haben Folgen, das ist Politikern, den sogenannten Führern, die sich 

ständig in die Tasche lügen und die Bevölkerung außen vor lassen oder ausplündern, völlig fremd. Es 

geht im Leben darum, sich nach innen zu wenden, frei zu werden und an den Allmächtigen oder Gott 

oder wie immer du es nennen willst gut angebunden zu sein. Die Welt ist trickreich. 

Wie ich in meinem Meisterkurs gestern erzählt habe, empfehle ich Aufrichtigkeit und Reinheit. Frucht 

mag mehr oder weniger wachsen, das sollte aber nicht dein Hauptanliegen sein. Einige Leute kommen 

ganz gut mit der Suche nach viel Frucht zurecht, indem sie kommerziell gut ver wertbare Musik 

komponieren, das ist aber immer der kleinste gemeinsame Nenner. Mich haben vor allem Bluesmusiker 

geprägt, sie hat ten auch die Frucht im Blick, aber sie hatten auch tief innen einen großen Geist. 

Ich habe mir angewöhnt, hinter die Fassade zu schauen, hinter den Saiten die Tiefe eines Songs zu 

erspüren. Als junger Mensch musst du den Drang spüren, mehr zu erfahren.

Du studierst, wirst besser und mit der Zeit erreichst du vielleicht die Reife, die ein Künstler braucht. 

Als ich 17 Jahre alt war, hatte ich dafür überhaupt keinen Blick, ich wurde durch die Giganten, die 

um mich herum wirkten, quasi mitgeris sen, sie inspirierten mich ungemein. Hier im Wettbewerb sind 

auch drei Australier dabei, die sehr talentiert sind, ganz offensichtlich sehr viele Platten gehört haben, 

aber natürlich nie in direktem Kontakt mit ganz großen Musikern stan den. Wie stark selbst Johann 

Sebastian Bach und Beethoven Jahrhunderte spä ter noch auf mich wirken, oder auch die wunderbare 

Musik von Bartók, das ist ein Wunder. Was du tust, das hast du und das strahlst du auch aus. Ich war 

als junger Mann ein Idealist und Denker. Ich wollte immer die Welt verändern, aber ich hatte natürlich 

damals ziemlich wenig Erfahrungen mit der Welt. Da ich Dishar monien spürte, tauchte ich in meine 

eigene Welt ab, erlernte die Sprache des Herzens und war dann fähig zu geben und machte so meine 

Erfahrungen. Als junger Mensch läufst du doch zwischen schlafenden Elefanten, die jeden Moment 

aufwachen können und dir zur Falle werden können. Du musst also in jedem Moment fl eißig, schlau 

und wach sam sein. Wachsamkeit erfordert aber auch Ruhe. Wenn du mit den Erfahrun gen wächst, 

Modelle kennen lernst, Hel den oder Leute, die dich prägen, dann gelangst du als Musiker hoffentlich 

an den ganz wichtigen Punkt in deinem Leben, dort, wo du deinen ganz eigenen Sound fi ndest, 

den nur du schaffen kannst. Man sagt über mich, dass ich Einfl üsse aus unterschiedlichen Kulturen 

in meiner Musik verarbeite, das stimmt. Ich lasse mich auf meine Umgebung ein, probiere aus und 

artikuliere mich. Ich bin ein lebendes Beispiel dafür, dass alles, was mit Liebe in Songs einfl ießt, 

zu Frei heit und Stärke führt. Wir sind zarte Krie ger mit großen Herzen, aber eben auch mit genug 

Stärke, um entschlossene Schritte nach vorne zu gehen. Junge Menschen müssen sich eine Menge 

Fer tigkeiten aneignen, und dadurch werden sie zwangsläufi g in gewissem Maße kon form, aber wenn 

du echte Musik machen willst, brauchst du auch selbst gelebtes Leben. Das ist der Unterschied zu 

den Übungsstunden. Wenn du aus deinem Übungsraum rausgehst, musst du herausfi nden, was steigt 

und fällt. Es geht um den Geist. Wir sind ja alle gute Geister. Unsere Körper haben keinen Bestand, 

aber einiges von dem, was wir heute machen, ist vielleicht auch noch in 150 Jahren interessant. Ich 

spiele auch nie gegen das Publikum, son dern versuche immer die intensivste Verbin dung zu meinem 

inneren Ich und zum Schöpfer aufzubauen, weil ich gläubig bin. Ich versuche niemanden zu bekehren, 

aber ich glaube daran und wenn wir spielen, entfaltet sich guter Geist im Raum. Wir fi nden darin unsere 

Individualität, und das ist keine Handelsware sondern etwas Schönes und Freies. Dichter erleben 

auch so etwas. Ich habe mit Sounds genug Erfahrungen gesammelt, als dass ich hier in einer Jury 

den Stab über jemandem brechen möchte. Ich möchte durch Musik berührt werden, das erhebt mich. 

Wenn junge Menschen aufwa chen und mit ihren kleinen Flügeln schlagen, ist das schön zu erleben. 

Du brauchst aber Anlei tung, weil du nicht alles allein machen kannst, wir brauchen also mehr Meisterklassen. 

Das Musikgeschäft wird weitergehen, hoffentlich mit auch kleinen Labels, die integer und 

gut arbei ten. Ich bin stolz darauf, mit solch einem Label verbunden zu sein. Sie schätzen mich und sie 

schätzen andere, und das ist gut so. 

Ludwig Jurgelt, Jazzpodium, 04/2004

Charles Lloyd: East is Everywhere 

„One word dominates the recordings: joy. The word ‘play’ can ring trivial when applied to what serious 

musicians do, but here it’s appropriate. Lloyd and Higgins take full advantage to tumble over each 

other in the ultra-free sax-drums format… Those instruments are only the foundation: both players 

pry into every corner of their multiple virtuosities, with some really vivid combinations resulting. Higgins 

gets inside your chest with the thick string overtones of the North African guimbri while Lloyd’s 

tenor dances around his partner’s unwestern scales, and they come to mind-stretching agreements 

somewhere in the middle of the Atlantic.“ 

Greg Burk, LA Weekly 

„An atmosphere of liberation empowers both participants on this uncommonly moving musical document…. 

„Which Way Is East“ gives us a fuller musical portrait of Billy Higgins than we ever expected 

to have.“ 

Steve Futterman, Washington Post 

„In short order, the listener moves through Ornette microtonality, Coltrane/Ali ecstaticism, Arabic 

poetics, pre-depression blues… Territories traversed are immense.“ 

Steve Cline, Earshot Jazz 

„A huge, sprawling record that seems to encompass much of what we understand today by world 

music and yet returns inevitably to the jazz that inspired both Lloyd and Higgins throughout their 

careers.“ 

Duncan Heining, Jazzwise 

As the fi rst, highly positive, reviews of „Which Way Is East“ came in, Charles Lloyd was in Europe, continuing 

to pay tribute to Billy Higgins, who died in May 2001, just four months after the duo recording 

now issued as „Which Way Is East“. 

At the end of March 2004, Lloyd performed a well-received solo concert at the Cully Festival in 

Switzerland, prefaced by extracts from Dorothy Darr’s video „Home“ which documents Lloyd/Higgins 

collaboration. In Cully, and at French dates in Grenoble and Amiens, he also played in duo with pianist 

Geri Allen, the musician who had urged him to make public the tapes with Higgins, originally recorded 

without thought of commercial release. 

Taking the Billy Higgins tributes back to the States, Lloyd played further concerts with Higgins-inspired 

drummer Eric Harland and tabla master Zakir Hussain in San Francisco and Seattle. More such 

memorials are on the way. 

Meanwhile, „Which Way Is East“ has entered the Billboard Traditional Jazz Chart at Number 13, a 

singular achievement for a record as resolutely unconventional, traditional only in the sense that it 

reanimates the tradition of jazz as „the sound of surprise“. 

http://www.ecmrecords.com/New/Diary/41_Charles-Lloyd.php?cat=&we_start=0&lvredir=733

Songs of the Spirit 

Charles Lloyd und Billy Higgins, mehr als ein Dutzend Instrumente und jede Menge Kreativität: „Which 

Way Is East?“ ist noch großartiger als die Summe seiner Teile. 

“We‘re singing songs of the spirit“, erklärte Charles Lloyd im Janu ar 2001 diese Aufnahmen. Mit 

seinem Freund und langjährigen Drum mer Billy Higgins traf er sich damals immer wieder zu Hause 

zum Musizieren, stunden- und tagelang. Die Band maschine galt dabei eher einer privat en Erinnerungshilfe 

an spontane Ideen als einer öffentlichen Dokumentation. Dass es jetzt doch zur Veröffentlichung 

einiger dieser manchmal überraschend en, immer faszinierenden Aufnahmen kommt, liegt auch 

daran, dass Higgins wenige Monate später gestorben ist. Ober fl ächlich betrachtet, präsentiert die 

Doppel-CD sicher auch die Spielfreude zweier alter Freunde, befreit von Zwängen und Konzepten, 

experimentierfreud ig im kreativen Kokon der Privatsphäre. Sie spielen neben ihren „eigentlichen“ Instrumenten 

(Lloyd: Tenorsaxophon, Higgins: Drums) auch allerhand un gewöhnliches Musikmachwerk. 

Higgins etwa Guimbri, Lloyd Taragato und tibet anische Oboe. Dazu singen sie beide, spielen Gitarre 

(Higgins), Bass, Piano, allerlei Flöten und sogar Altsax (Lloyd). Mal meint man fernöstliche Tempelklänge 

zu erkennen, dann afrikanische Chants und einen handfesten, erdrutschigen Blues. Die Tatsache, 

dass man hier zwei Meistermusikern sozusagen während des Schaffensprozesses über die Schulter 

lauscht, ist nur die eine Seite. Viel schwerer wiegt das unbeschreibliche Gefühl Klang gewordener 

Kameradschaft. So klingt es, wenn gute Geister ihren Spirit zum Singen bringen. 

Jazzecho, Nummer 1, Jahrgang 7

Denys Baptiste ‘Let Freedom Ring!’ 

Denys Baptiste – tenor sax 

Nathaniel Facey – alto sax 

Abram Wilson – trumpet 

Trevor Mires – trombone 

Andrew McCormack – piano 

Giorgio Serci – guitar 

Gary Crosby – bass 

Rod Youngs – drums 

Satin Singh – percussion 

Omar Puente – violin 

Jenny Adejayan – cello 

Marc Silver – visuals 

Marc Francis – visuals 



www.dunejazz.com 



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Denys Baptiste: In Brief 

Born in London of St Lucian parents in 1969, Denys studied music at school from the age of 13 and, 

in 1990, went on to study at the West London Institute (Brunel University). In 1992, he continued his 

music education at London‘s Guildhall School of Music, studying under former Jazz Messenger, Jean 

Toussaint. 

From the moment he joined the London jazz circuit, Denys displayed extraordinary talent, energy and 

commitment. Spotted by veteran Jazz Warriors double bassist, Gary Crosby at the bassist‘s regular 

Tomorrow’s Warriors jam sessions, Denys was immediately invited to join Crosby‘s new band, Nu 

Troop. Since then, Denys has soared in his development as a soloist and bandleader, earning enormous 

respect from his peers. 

His colossal talent - based on a powerful technique and an ability to improvise fl uently and effortlessly 

across a wide range of musical styles - is matched only by his unfettered energy which takes 

him and his audiences into the musical stratosphere. An evening with Denys guarantees a display of 

unsuppressed expression; ranging from sweet „saxuality“ to breathtaking, edge-of-your-seat virtuosity. 

Over the years, Denys has evolved into what the Time Magazine describes as „the icon of British 

jazz“, with a most distinctive and immediately recognisable sound. 

A much sought after soloist, Denys has played/recorded with some of the biggest names in jazz and 

other genres including McCoy Tyner, Andrew Hill, Ernest Ranglin, Bheki Mseleku, Marvin „Smitty“ 

Smith, Michael Bowie, Courtney Pine, Manu Dibango, Steve Williamson, Julian Joseph, Jason Rebello, 

Gary Crosby, Martin Taylor, Lonnie Plaxico, Ralph Moore, Billy Higgins, Sean Oliver, Jean Carne, 

Marlena Shaw, Noel McCoy, Juliet Roberts, Incognito, Jazz Jamaica, The Jazz Warriors, and others of 

distinction. 

Denys is an amazingly versatile musician and, although his roots are steeped in the jazz tradition, 

he incorporates ideas from other musical forms and popular culture, producing a repertoire which 

is contemporary, multi-layered and highly accessible. He is also an enormously talented composer/ 

arranger, whose brilliant compositions have already earned him immense critical acclaim. 

1999 Debut album Be Where You Are (Dune Records DUNECD03) 

Mercury Music Prize for An Album Of The Year 1999 

MOBO Award for Best Jazz Act 1999 

2000 British Jazz Award for Rising Star 2000 

2001 Album Release Alternating Currents (Dune Records DUNECD05) 

2003 Album Release Let Freedom Ring! (Dune Records DUNECD010) 

In addition to his musical talents, Denys is also an excellent radio presenter, having presented jazz 

shows for BBC Radio 3 for live and relayed broadcasts. 

Denys is now regarded as one of the leading lights in British jazz. His latest album project, Let Freedom 

Ring! - featuring an explosive international lineup and the voice/poetry of Booker Prize winning 

author, Ben Okri - was released in September 2003, again to great critical acclaim. Let Freedom Ring! 

tours internationally in 2003/04 with an optional synchronised multimedia set mixed by acclaimed VJ 

artists, Yeast.

About Denys Baptiste ... 

Denys took his fi rst lessons in music at the age of 13. He was considered too small to hold a tenor 

sax so, to placate the aspiring saxophonist, he was given a clarinet instead. But he was never happy 

with the instrument; his inner urge was to play tenor sax and, at 14, he had grown the required number 

of inches to merit being awarded his fi rst dream instrument. 

His introduction to jazz came from videos of Morrisey-Mullen shown by the music teacher at his 

school, and from lis tening to recordings by Charles Mingus and Count Basie. At a time when his contemporaries 

were decorating their schoolbook covers with pictures of the likes of Duran Duran and 

Depeche Mode, Denys was covering his with images of John Coltrane and Tubby Hayes. Another hero 

who made it to the front cover of his books was the man who inspired so many young Black British 

musicians, and who later became one of Denys‘ key infl uences and mentors: Courtney Pine. 

In 1990, after completing an HND in Engineering, Denys went on to study music for two years at the 

West London Institute (Brunel University) and, in 1992, was accepted onto the jazz course at London‘s 

Guildhall School of Music. 

Throughout his period of study, Denys participated in workshops led by saxophonist Tim Whitehead, 

often getting the chance to „sit in“ with his band in late night sessions at the 606 Club, Chelsea. He 

also performed with pop and funk bands which led to appearances on BBC Television, including the 

popular chat show, Wogan. 

But it was his performance at Watermans Arts Centre, Brentford in the second half of 1992 that started 

the ball rolling for Denys and opened the door into one of Britain‘s most prestigious jazz networks. 

At this time, Watermans Arts Centre was hosting Tomorrow‘s Warriors, a series of open jam sessions 

for young jazz musicians organised by double bassist and original Jazz Warrior, Gary Crosby. Although 

Gary himself was not there to witness Denys‘ performance, his session leader, alto saxophonist 

Brian Edwards, was suffi ciently impressed to take his details and pass them on. 

Within a week, Denys received a call from Gary inviting him to come to his Jazz Cafe jam sessions in 

Camden the following weekend. Denys demonstrated such remarkable technique, energy, swing and 

commitment that, in a matter of weeks, he was taken on as the tenor saxophonist in Gary Crosby‘s 

Nu Troop. 

Soon after, in 1993, Denys became a member of The Jazz Warriors, the seminal big band founded in 

the mid 1980s by Courtney Pine et al, and which has been responsible for producing some of the UK‘s 

leading lights in jazz. 

1993 and 1994 were hugely successful years for Denys which took him on UK tours with Bheki 

Mseleku (with Marvin „Smitty“ Smith and Michael Bowie) supporting the Brecker Brothers, David Sanborn, 

AI Jarreau and Courtney Pine - and Gary Crosby‘s Nu Troop. He also got to play in bands led by 

Julian Joseph, Jason Rebello, Omar, and Orphy Robinson, to name but a few. 

By 1994, Denys had taken some giant steps, gaining maximum respect from his musical peers. It 

is widely believed that when Courtney Pine handed down one of his treasured Selmer Mk VI tenor 

saxophones to Denys in September 1994, it was a clear sign of the respect he has, and his great 

expectations for this outstanding young player. It is also evidence of his high calibre that, in January 

1995, Denys was called to take his place on stage alongside Courtney Pine and Steve Williamson at a 

concert at the Jazz Cafe, London taking Denys to a new and higher level.

Since then, Denys has been called to record with artists as diverse as Incognito, Jazz Jamaica, Emest 

Ranglin, Gregory Isaacs, Juliet Roberts, Montage, J-Life, Gary Crosby‘s Nu Troop, The Jazz Warriors, 

Ciyo Brown, and on a British all-star Tribute To Bob Marley produced by Courtney Pine (ONE LOVE- 

A TRIBUTE TO 808 MARLEY, Mercury Music Entertainment/Polygram 1996). He also had two of his 

original compositions recorded - 741 and Incentricity-on Gary Crosby‘s Nu Troop album, MIGRA- 

TIONS (Dune Records, 1997). 

In July 1998, Gary Crosby‘s Nu Troop — of which Denys is a member — won the award for Best 

Ensemble 1998 in the International Band Competition at the prestigious Jazz à Vienne Intemational 

Festival in France. The band won FRF 30,000 (£2,900) and performed on the main stage to open the 

last night of the festival in front of an audience of 8,000+ in the spectacular open air Roman amphitheatre 

Théâtre Antique. This performance was recorded and broadcast on French radio and television. 

Denys also won Best Soloist 1998 (3rd) in this major international competition. 

Denys rounded off 1998 with the recording of his debut album, BE WHERE YOU ARE (Dune Records 

DUNECD03, released April 1999). It is an incredible debut recording, featuring seven of his original 

compositions and three superb arrangements of other composers‘ works. The album also features 

a track, Have A Talk With God (Stevie Wonder) performed by the glorious and hugely popular R‘n‘B 

vocalist, Juliet Roberts (courtesy of Delirious Records). 

Jazz on 3, BBC Radio 3‘s Saturday night contemporary jazz programme selected Denys to represent 

the Best of British jazz at the European Broadcasting Union (EBU) Jazz Festival in May 1999 which, 

this year, formed part of the Karlovi Vari International Jazz Festival in Prague, Czech Republic. He performed 

two concerts with his quartet, broadcast worldwide by international broadcasting companies. 

In July 1999, Denys travelled to Canada with Jazz Jamaica at the Ottawa International Jazz Festival 

and Du Maurier Atlantic Jazz Festival, Halifax, immediately followed by a recording with Ernest Ranglin 

for the great Jamaican guitarist‘s new album, MODERN ANSWERS TO OLD PROBLEMS, for Palm 

Pictures (released on Telarc). 

August saw Denys travelling south with the Damon Brown Quintet for an appearance in the Red Sea 

Jazz Festival, and in September 1999, just a week before his 30th birthday, Denys - along with 11 

other top artists including Blur, Manic Street Preachers, Chemical Brothers, and Talvin Singh - was 

the recipient of one of the UK music industry‘s most coveted awards for „An Album Of The Year“ in 

the 1999 Technics Mercury Music Prize, celebrating the top 12 Albums Of The Year across all musical 

genres. To receive such a tremendous accolade so early in his solo career was a signifi cant achievement, 

especially with a debut jazz album. 

Just a few weeks later, at an international star-studded ceremony held at London‘s Royal Albert Hall, 

world champion boxer Chris Eubank announced Denys Baptiste as winner of the prestigious Malibu 

1999 MOBO Award for Best Jazz Act. 

1999 was rounded off with news that one of Britain‘s top soap operas, BBC TV‘s Eastenders was 

to play one of his original tracks from the album, Be Where You Are in a romantic teenage farewell 

scene! Proof indeed of the accessibility of Denys‘ music that it could be used for prime-time television.

In April 2000, yet another award was bestowed on this remarkable artist: The British Jazz Award for 

Rising Star 2000. The year 2000 was a great year for Denys. Not only did he tie the matrimonial knot 

with his partner of 6 years, but also he had an eventful schedule which saw him touring internationally 

in Russia, Netherlands, France, Germany, ltaly, Sweden, Greece and the Caribbean, both with his own 

band and as a special guest with other artists including the Jazz Jamaica All Stars and Martin Taylor. 

He also made his debut, with the Denys Baptiste Quartet, at the prestigious North Sea Jazz Festival in 

The Hague, the RomaEuropa Festival in Rome, and the Berlin Jazz Festival, Germany. 

In 2001, Denys toured extensively with a number of top artists including McCoy Tyner UK All Stars, 

Manu Dibango Afro Funk Orchestra, Jazz Jamaica All Stars, Juliet Roberts, Martin Taylor, and others. 

He also travelled far and wide with performances in Europe, Zimbabwe and New Zealand. September 

2001 saw the release of his much-anticipated second album for Dune Records, Altemating Currents 

(DUNECD05) this time working with a larger band featuring Martin Taylor and Juliet Roberts. As with 

his debut, Alternating Currents received great critical acclaim and consolidated his position as one of 

the top saxophonists in Europe. 

Denys undertook an extensive one-month UK tour with Martin Taylor in October 2001, followed in November 

with a special appearance with his own Alternating Currents band in the prestigious London 

Jazz Festival where he made his debut in the 3,000 capacity Royal Festival Hall, London double billed 

with the top young US saxophon ist, Joshua Redman. The show was broadcast live on BBC Radio 3 

and BBC World Service, and webcast on the BBC Radio 3 website. 

February 2002 was an important month for Denys as it marked the birth of his fi rst child, coinciding 

with the start of a major tour which took his 8-piece band all over the UK and to Hamburg, Germany. 

Both events have proved life-changing but career-wise, the tour, combined with a week-long residency 

at the renowned Ronnie Scott‘s Club, London helped him to make further leaps as a bandleader 

and performing artist, and to considerably broaden public and media awareness of him. His continued 

involvement with the hugely successful skazz (ska/jazz) big band, Jazz Jamaica All Stars has also 

served to broaden his appeal and, following his appearance with the band at the Banlieues Bleues 

Festival in Paris, he has been booked to tour internationally as a featured guest in a quintet led by 

Paris-based US trombonist, Sarah Morrow. 

Exciting news arrived in May 2002 with confi rmation that Denys was to host a number of BBC Radio 

3‘s highly popular Jazz Lineup shows which broadcast on Saturday afternoons. BBC Radio 3 Producer, 

Keith Loxam com mented, „We‘re very excited to have Denys as a presenter for the show. We 

like his fresh new approach and are confi dent that he will bring a new dimension to the programme.“ 

July 2002 saw Denys back in the studio, working again with Juliet Roberts but this time as a featured 

artist on her debut album for Dune, Beneath The Surface (DUNECD07). As well as performing, Denys 

worked on a few arrangements of tracks previously co-written with Juliet. Over the next year, Denys 

worked on a new music commission and toured with Jazz Jamaica All Stars and top US pianist, 

Andrew Hill.

In September 2003, Denys released his third album Let Freedom Ring! (Dune Records DUNECD010). 

Commissioned by the acclaimed Cheltenham International Jazz Festival, Let Freedom Ring! 

celebrates the 40th anniversary of the historic ‚I Have A Dream‘ oration by American black civil 

rights activist, Dr. Martin Luther King, pays tribute to those who have fought to overcome oppression 

and injustice, and encourages us to celebrate our cultural diversity on a global level. Crafted in four 

movements: Have a Dream, With This Faith, Let Freedom Ring!, and Free At Last!, the suite marks 

a key stage in Denys‘ development as a composer, showcasing his immense writing and arranging 

talents. This was the fi rst time that he has written for such a large ensemble, and the fi rst time he has 

incorporated spoken word with his music, collaborating with Booker Prize-winning author Ben Okri. 

Complementing the deep resonance of Denys‘ music, Okri fuses extracts from his epic poem Mental 

Fight to accentuate the simple yet profound ideas exemplifi ed by Dr. King. The message that Baptiste 

shares with Dr King is that we must maintain our faith in a positive outcome, and so Let Freedom 

Ring! is a joyously uplifting, celebratory, and totally accessible piece which is guaranteed to invoke 

the most positive vibes in all who hear it. 

A further development to the piece is a collaboration with the brilliant VJ artists, Yeast to produce 

inspired video projections mixing documentary and live footage synchronised with the live performance 

by Denys‘ band. Let Freedom Ring! tours internationally in 2003/04 with optional synchronised 

multimedia set by Yeast. 

www.denysbaptiste.com 

Denys Baptiste 

Eine der zentralen Figuren der Nu Troop ist Saxofonist Denys Baptiste. Vierzehn Jahre jünger als 

Crosby, gehört auch er zu den Visionären, die den Britjazz von seinen Fashion, Style und Ideologie 

getränkten Fesseln befreien und fi t fürs neue Jahrtausend machen ohne die Tradition aus dem Auge 

zu verlieren. Er hat einen weich eleganten, singenden Ton, dessen Expressivität oft zwischen den 

Noten liegt. Kritiker bescheinigen ihm Swing und Drive. Baptiste klingt wie ein alter Weiser, der die 

Botschaften der Altvorderen des Jazz nicht nur spielerisch übernommen, sondern verinnerlicht und 

sie nun auf federleichte Weise an sein Publikum weitergibt. Von Gary Crosby Anfang der Neunziger 

für die Tomorrow‘s Warriors Jam Sessions entdeckt, lieh er sein Horn unter anderem Courtney Pine, 

Steve Williamson, Bheki Mseleku, Incognito, Jason Rebello, Billy Higgins und Lonnie Plaxico. Pine 

brachte ihm nicht nur bei, sich selbst auszudrücken, sondern sich vor allem selbst treu zu bleiben. 

Der sympatische Glatzkopf, dessen Lachen immer noch wie eines Teenagers wirkt, ist ganz Saxofon. 

Gegenüber der Times witzelte er: »Mein Horn ist niemals weiter als einige Fuß von mir entfernt. Ich 

nehme es sogar mit ins Bett, obwohl ich natürlich auch noch ein paar andere Freunde habe. Nicht 

einmal meine Freundin darf es berühren. Jedes Saxofon hat seinen eigenen Charakter.“ Einen Charakter, 

der trotz aller spielerischen Leichtigkeit unter Händen und Lunge von Denys Baptiste nur an 

Ausprägung gewinnen kann. 

Wolf Kampmann aus einem Text zum Auftritt von The Dune Allstars während des Jazzfest Berlins 2000

Gerd Dudek International Quartet 

Gerd Dudek – tenor + soprano sax 

John Parricelli – guitar 

Chris Laurence – bass 

Tony Levin – drums 


Quasimodo 



MaerzMusik 







Ausstellungen 


presseinfo

Gerd Dudek 

Gerd Dudek, ts.& ss., wurde 1938 in Groß Döbern, dem heutigen Polen geboren. Nach seinem Studium 

spielte er zunächst von 1960 - 64 in der Kurt Edelhagen Big Band, bevor er Mitglied im Manfred 

Schoof Quintett wurde, damals mit Alexander von Schlippenbach und Buschi Niebergall. Als Mitglied 

im Quartett von Albert Mangelsdorff sowie bei den German All Stars unternahm er Tourneen nach 

Asien und Südamerika. 

Gerd spielte im Quartett mit Alan Skidmore und Adelhard Roidinger und war einer der Mitbegründer 

des European Jazz Quintett / Ensemble. Noch heute ist er Mitglied im Contemporary Orchestra von 

Alexander von Schlippenbach und im „Globe Unity“. Dudek unternahm Plattensessions 1971 in Japan 

und machte weitere Aufnahmen mit den unterschiedlichsten Gruppen und Solisten. Tourneen in 

den 60er Jahren mit Don Cherry und Georg Russel. Seit 1982 auch Mitglied in „The Quartet“ mit Ali 

Haurand, Rob van den Broeck und Tony Levin. Er unternahm mit The Quartet und The Trio (Dudek, 

Haurand, van den Broeck) Tourneen durch Kanada, Australien und weiteren 24 europäischen Ländern. 

Gerd Dudek & Smatter 

Die Musik dieses kooperativ geführten Quartetts hat in starkem Maße mit der Tradition und mit 

Erneuerung zu tun und mit dem Bestreben, über die Wertschätzung der Jazzhistorie zu einem eigenen 

und aktuellen Ausdruck zu gelangen. John Coltranes Spiel, Spiritualität, Message, Ausstrahlung 

bedeuten zweifellos für diese vier Musiker eine essentielle (und existentielle) Erfahrung. 

Eben deshalb können und wollen sie die Entwicklung nicht nachahmen, geht es ihnen vielmehr um 

die Fortsetzung, um Eigenes. 

Gerd Dudek zählt seit Anfang der sechziger Jahre zu den herausragenden Saxophonisten der 

deutschen Jazzszene. Unter den vielen Musikern, die sich von John Coltrane inspirieren ließen, kann 

er zu den wenigen gerechnet werden, die auf diesem Weg zu einem unverwechselbaren Ausdruck 

gelangt sind. Gerd Dudek spielte zunächst in der Helmut Brandt Combo, dann bis 1964 bei Kurt Edelhagen 

und anschließend bis 1967 in dem für den neuen Jazz bahnbrechenden Quintett um Manfred 

Schoof. Tourneen mit dem Albert Mangeldorff Quartett und den German All Stars führten ihn nach 

Asien und Lateinamerika. 

Gerd Dudek spielte im Quartett mit Alan Skidmore und war 1976 einer der Mitbegründer des von Ali 

Haurand initiierten EUROPEAN JAZZ ENSEMBLE. Zu den zahlreichen Musikern, mit denen er zusammenarbeitete, 

zählen George Russel, Don Cherry, Rolf und Joachim Kühn. Seit 1982 spielt Dudek in 

THE QUARTET mit Ali Haurand, Tony Oxley und Rob van den Broeck. Gerd Dudek ist Mitglied in der 

Big Band von Manfred Schoof sowie des Berlin Ćontemporary Jazz Orchestra & Globe Unity´ von 

Alexander von Schlippenbach.

Tony Levin 

Tony Levin, dr., wurde 1940 in Shropshire, England, geboren. 

Bereits im Alter von 13 Jahren studierte er Schlagzeug und Jazz-Improvisation. Als Hausschlagzeuger 

im Londoner Ronnie Scott Club gab es sehr früh eine Zusammenarbeit mit internationalen Jazz Stars. 

Um einige zu nennen: Al Cohn, Zoot Zims, Steve Lacy, Hank Mobley, Toots Thielemans, Dave Holland, 

Harry „Sweet“ Edison, Eddie Lockjaw, Davis, Kenny Wheeler, Lee Konitz, Gary Burton und Joe 

Henderson. Von 1966 - 69 war Tony Mitglied im Quartett des legendären Saxophonisten Tubby Hayes 

mit Mick Pyne und dem Bassisten Ron Mathewson. Später im Quintett von Kenny Wheeler und im 

Duett mit John Surman. Konzert und Aufnahmen mit Keith Tippett, Paul Dunmall, Paul Rogers, Elton 

Dean, Larry Stabins, Evan Parker, John Tayior, Andy Sheppard. Tourneen durch Europa mit der Gruppe 

„Nucleus“. 1979 Einstieg bei „Third Eye“ mit Wilton Gaynair und Ali Haurand. Seit 1989 Mitglied im European 

Jazz Ensemble. Über 75 Platten und CDs dokumentieren seine Arbeit in der Welt der Improvisationmusik. 

John Parricelli 

Began his professional guitar playing career in 1982, and has since worked in various areas of music. 

He was one of the founder members of Loose Tubes in the 80‘s, touring and recording three albums. 

Since then he has pursued a varied career, working with Kenny Wheeler, Andy Sheppard, Iain Ballamy, 

Norma Winstone, Lee Konitz, Paul Motian, Julian Arguelles, WDR Band with Peter Erskine and Vince 

Mendoza, and Gerard Presencer amongst others. He leads his own quartet, plays in a trio, Ordesa, 

with Kenny Wheeler and Stan Sulzmann, and has a duo with Andy Sheppard. He is also in demand as 

a studio player for pop artists and movie scores. 

Chris Laurence 

Chris Laurence was born in London and studied at the Guildhall school of music. Since then he has 

maintained a dual carrer in both jazz and classical music. He plays regularly with John Surman, Kenny 

Wheeler, John Taylor and Andy Sheppard. In the classical world he was principal double bass with 

the Academy of St. Martin in the Fields until 1995, playing on many of their famous recordings ranging 

from the fi lm “Amadeus” to Benjamin Britten’s “Curlew River”. Jazz artists he has recorded with 

include J. J. Johnson, Tony Coe, Joe Williams and Norma Winstone. Most recent recordings are John 

Surman’s “Coruscating”, Andy Sheppard’s “Dancing Man and Woman”, Kenny Wheeler’s “Kayak” and 

Norma Winstone’s “Manhattan in the Rain”. He also spends a lot of time recording music for tv, fi lm 

and albums, most notably “Leaving Las Vegas” and “the Man who Cried” with the Kronos Quartet.

Gerd Dudek 

Smatter 

(Psi) 

This second album on Evan Parker‘s Psi label is a bit of a shock in a couple of ways. Though Dudek‘s 

name will be familiar to any fan of European Free Jazz as a member of the Globe Unity Orchestra and 

veteran of sessions with Tony Oxley, Peter Brotzmann. Misha Mengelberg etc, surprisingly this is his 

fi rst outing as solo leader, at the age of 63. 

Secondly, this is an album of tastefully executed, tuneful modern jazz that would be worthy of a label 

like Enja or ECM (not to decry Mr Parker‘s rather excellent imprint). Dudek‘s partners are seasoned 

Britjazzers guitarist John Paricelli, bassist Chris Laurence and drummer Tony Levin. 

Three tunes by trumpeter Kenny Wheeler (also a Globe Unity veteran) open the record. Dudek’s airy 

yet precise phrasing seems ideally suited to Wheeler’s compositional style, particularly the winding, 

aching melody of “Phrase Three” and the mournful “Ma Bel”. 

Though the infl uence of late John Coltrane made itself felt in Dudek’s freer playing, here it’s an 

earlier Coltrane, still steeped in Lester Young and Sonny Rollins, that fi lters through. Dudek marries 

Coltrane’s full, emotive tone with the weightless grace of Wayne Shorter; his unaccompanied solo on 

“Body and Soul” is a tour de force; he then locks horn(s) with Levin’s polyrhythmic assault to provide 

the albums most fi ery moments. The tricky bop pileups of George Coleman’s “By George” is an ideal 

vehicle for some nimble, gently oblique tenor, while Jimmy Rowles’s “The Peacocks” features the 

leader’s sweet toned soprano, plus a fi nely articulated guitar solo from John Paricelli. 

Paricelli’s delayed, swelling chords recall early Bill Frisell, though his soloing eschews quirky fusion 

stylings for a sparkling, vibrant melodicism. The much undersung Laurence is one of the 

UK’s great bassists; whether with bow in hand or with fi ngers, he propels, comment and suggests 

throughout, yet is as unobtrusive as the ground you walk on. His solo on “Ma Bel” is a thoughtful, melodic 

jewel, which is a pretty good way to sum up the whole album. Much credit goes to Evan Parker 

and Emanem boss Martin Davidson for putting this one out. More please... 

Reviewer: Peter Marsh, www.bbc.co.uk/music/jazz/reviews/dudek_smatter.shtml

Die Konferenz 

Karl Godejohann – drums, samples 

Hartmut Kracht – bass 

Veit Lange – tenor sax, bass clarinet 

Uwe Niepel – guitar, samples 


Quasimodo 

www.diekonferenz.de 



MaerzMusik 







Ausstellungen 


presseinfo

Die Konferenz - Jazz Moderne 

Vier Musiker, sechs akustische Instrumente und jede Menge elektronische Sounds und Samples: 

Das ist DIE KONFERENZ, das neue Bandprojekt der ehemaligen „Alte Leidenschaften“-Musiker Uwe 

Niepel und Karl Godejohann. Die beiden Bielefelder gehören zu den wenigen Jazz-Musikern, denen 

es gelingt, akustische Instrumente und elektronische Sounds und Samples live zu einer wirklichen 

Einheit zu verbinden. Verstärkt durch die Essener Musiker Hartmut Kracht, Kontrabass und Bassgitarre 

(Das Böse Ding) und den Tenorsaxophonisten und Bassklarinettisten Veit Lange (Supernova) 

tagt DIE KONFERENZ erneut im Bunker. Die Musik steckt voller Überraschungen: Noise-Sounds und 

elegante Melodielinien, Virtuosität und Herz, Musizierlust und kompositorische Finesse, Groove und 

Expressivität. Ziel ist die Balance zwischen Melodie und Innovation, hochmodern, aber dem Grundsatz 

verpfl ichtet: der Mensch macht die Musik! 

www.bunker-ulmenwall.de/kalender/einzeln_veranstaltung/vnr936.html 

Die Musiker 

Uwe Niepel • Gitarre und Samples. Mit der Gruppe ALTE LEIDENSCHAFTEN in den 90iger Jahren in 

den Jazzclubs Deutschlands unterwegs und auf vielen europäischen Festivals vertreten. Mit dieser 

Gruppe 3 CDs (u.a. mit Ray Anderson,tb). Filmkomponist (u.a. für den besten Kurzfi lm ‚Oberhausener 

Kurzfi lmtage 1998‘) und Produzent multi-medialer Klanginstallationen. Lebt als freiberufl icher Musiker 

in Bielefeld. 

Hartmut Kracht • Kontrabass und Bassgitarre. Sonst Bassist von u.a. DAS BÖSE DING, AUTOFAB, 

SUPERNOVA. Mitwirkung in zahlreichen Bands (u.a. HANS LÜDEMANNS RISM mit MARC DUCRET 

und MARC FELDMAN) und auf entsprechend zahlreichen CDs. Seit 1991 auch Solokonzerte für 

Kontrabass (CD ‚Kontrabass pur‘, JazzHausMusik Nr.103). Lebt als freiberufl icher Musiker in Essen. 

Veit Lange • Saxophone und Bassklarinette. Absolvent des Jazzstudiengangs der Folkwang- 

Hochschule Essen. Gewinner des renommierten Folkwangpreises 1996 mit der Gruppe UNFINISHED 

BUSINESS. Seither u.a. mit SUPERNOVA, ANDREAS WAHL EXPERIMENTAL BAND und PETER 

EISOLDS OKTOGON unterwegs. Lebt als freiberufl icher Musiker in Essen. 

Karl Godejohann • Schlagzeug und Samples. Wie Uwe Niepel Gründungsmitglied der Gruppe 

ALTE LEIDENSCHAFTEN. Seit Ende der 80iger Jahre Spezialisierung auf die Verbindung vom 

Akustik-Schlagzeug und elektronischen Sound/Samples. In diesem Bereich auch Solo- und Duo- 

Konzerte. Außerdem u.a. auch TAUSEND NACKTE MÖNCHE (The Music Of Thelonious Monk) und 

Theatermusik. Lebt als freiberufl icher Musiker in Bielefeld. 

www.diekonferenz.com

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