Fräulein Gaby Hoffmann (Vorschau)

Gaby Hoffmann
Unser Fräulein Gaby Hoffmann ist
witzig, schlau und dabei wahnsinnig
ehrlich. Auch darum legt die amerikanische
Schauspielerin und Tochter von
Andy Warhols Superstar Viva großen
Wert auf die Privatsphäre. Die Bilder
auf diesen ersten, persönlichen Seiten
sind vor allem Snapshots von ihrer
Kunstsammlung.
Nr.13
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MAXMARA.COM

Nr.13
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Nr.13

EDITORIAL
Liebe Leserinnen und Leser,
von allen Wetterumschwüngen ist der anbrechende Frühling
der unmittelbarste und intensivste. Wenn die ersten
wärmenden Sonnenstrahlen die Menschen auf die Straße
locken, die Pollen die Sinne benebeln, einem überall küssende
Paare im Weg herumstehen und ganz verliebt tun,
dann regt sich etwas in uns. Ein Gefühl der Schwerelosigkeit
und Euphorie kommt auf.
Das beeinflusst sicher die „Temperatur“ und Stimmung
in unserer Redaktion, die auch im neuen Jahr wieder Zuwachs
bekommmen hat durch junge, hungrige Kollegen.
Ihre Ideen und Fragen haben uns bewegt und Spuren in
der Fräulein hinterlassen. Vielleicht ist das neue Heft ein
wenig ernster als die vorherigen geworden, so beginnt das
Interview mit unserem Titelfräulein Gaby Hoffmann, einer
der spannensten Independent Schauspielerinnen der USA
und Tochter von Andy Warhols Superstar Viva, mit ihrer
Wut auf die politische Kultur in den USA. Der Autor Etgar
Keret sorgt sich um seinen kleinen Sohn, der mitten
im Nahostkonflikt aufwächst und die Anti-Atomkraft-Aktivistin
Helen Caldicott gibt sich frustriert über die Lage
in Fukushima.
Der anbrechende Jahreszeit hat eben zwei Gesichter. Im
Frühlingserwachen lauert immer etwas negatives, zerstörerisches.
Wettgemacht wird dies nur von der rauschhaften
Wiedergeburt der Natur, die uns selbst ein kurzes
Gefühl der Unsterblichkeit schenkt.
Also keine Sorge, Gaby Hoffmann entflieht zum Ende unseres
Gesprächs in die Wälder „upstate“ New York, um
dort mit „verdammt gut aussehenden Waschbären“ zu Oris
Redding zu tanzen und Helen Caldicott ruft alle Leserinnen
auf zur Revolte!
Wieder in der Fräulein zu finden sind außerdem das
Schnittmuster, diesmal von Tory Burch, Modestrecken
und Must-Haves, eine Tagesreise in die kommende
Kunst-Hauptstadt Detroit und ein tiefer Blick in die Sterne,
der diesmal Formidables verspricht.
Am wichtigsten ist mir hier zu sagen, dass die Fräulein
einmal mehr mit Leidenschaft und Liebe geschrieben, fotografiert
und gelayoutet worden ist. Uns geht es um die
persönlichen Geschichten abseits der allzeitigen Aufregungsökonomien,
wir wollen jene Stimmen zu Wort kommen
lassen, die vielleicht nicht die lautesten sind, unserer
Meinung nach aber relevantes zu erzählen haben.
Genießen sie nun den Frühling, nehmen Sie die Fräulein
mit nach draußen in den Park oder die Natur und erzählen
sie von uns, ob den Freunden, der Familie oder den Kollegen,
denn nur mit Ihnen, den Leserinnen und Lesern, hat
unabhängiger Magazinjournalismus eine Zukunft.
Ihr Götz Offergeld
P.S. Neben den Lesern möchte ich nicht vergessen, mich
bei all den hervorragenden Fotografen, Illustratoren und
Schreibern herzlich zu bedanken, ohne die das Fräulein
Magazin nicht wäre was es ist. Insbesondere aber möchte
ich mich bei einem Menschen bedanken, der mich in letzer
Zeit sehr inspiriert hat, nicht nur durch sein Talent, sondern
vor allen Dingen durch seine menschliche Größe und
seinen unwiderstehlichen Charme. Vielen Dank André für
den neuen Fräulein Schriftzug.
Nr.13
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MAISON KITSUNÈ
PARIS • NEW YORK • TOKYO
www.kitsune.fr

Illustration: Elena Xausa — www.ex-designer.it
GABY HOFFMANN
...ist echter New Yorker „Downtown Adel“ und eine der
aufregensten Schauspielerinnen ihrer Generation.
S.66
HELEN CALDICOTT
Aktivistin gegen den Atomaren Holocaust.
PHARMAKON
Fräuleins höllisches Talent macht keine Gefangenen.
S.18
POSTMIGRANTISCHE
REVOLTE
Shermin Langhoff bricht am Gorki-Theater mit der Tradition.
S.98
SCHNITTMUSTER
Tory Burch schickte uns das Schnittmuster für ein
elegantes und frühlingshaftes Leinen-Kleid.
S.60
90‘S RIOT
Jutha Köther und Kim Gordon über ein Leben nach der
Digitalen Revolution.
S.46
DARKTECH
Fuck Pop, hier kommt die echte Subkultur.
S.100
S.110
FRAUEN IN DER MAFIA
Fräuleins Netzwerkkarte portraitiert die harten Bräute der Cosa Nostra.
S.26
NARZISS 3.0
Der Hype ums Selfie nervt. Selbstbespiegelungen gibt es
seit Anbeginn der Kultur. Hier geht es um das Selbstportrait
heute und so Mythen wie „Narziss „und „Spieglein
Spieglein an der Wand“.
S.22
Nr.13
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Nr.13

CONTRIBUTORS
JOHI VON BRUISES
Schweiß, Sex und schwarze Tränen:
die Bilder der Darktech-Szene von Johi
von Bruises dampfen vor lauter Street
Credibility.
KATRIN FUNCKE
Die Illustration von Katrin für das
Antifräulein oszilliert wie immer großartig
zwischen DaDa und Pop.
ROMINA ROSA
So realistisch wie verspielt, sind Rosas Zeichnungen
für unsere Rubrik „Sachen gibt’s“ ein
toller Anschluss zur Fräulein.
MIRJAM WÄHLEN
Shermin Langhoff war ganz begeistert, als sie erfuhr,
dass Mirjam sie für unsere Rubrik „Der Körper“
fotografieren würde. Zurecht!
CHRISTIAN FAHRENBACH
Die Damen waren hart drauf, aber Christian
stellte Kim Gordon und Jutta Koether in
New York die richtigen Fragen.
HANNO HAUENSTEIN
In Tel Aviv traf Hanno den Autoren Etgar
Keret für ein so nachdenkliches wie
lustiges Gespräch über das Fremdgehen
und „beschissene Literatur“.
SABINE VOLZ
Ihr Foto zum Rezept definiert den selbstgemachten,
persönlichen Fräulein-Ton.
JAKOB KRAKEL
So einen pedantischen Grübler wie
Jakob Krakel zur Einhaltung der
Deadline zu zwingen, ist schwer. Sein
Interview mit Helen Caldicott kam
kurz vor Zwölf.
WÄIS KIANI
Antifräulein ist immer ein echter
Aufreger im Fräuleinkosmos. Diesmal
geht es Cara Delevigne an den Kragen.
FABIAN BLASCHKE
In der Staatsoper traf Fabian die Sängerin
Anna Prohaska und portraitierte sie
für unseren „Durchbruch“.
LENIA HAUSER
hat die schöne und persönliche
Illustration zu unserem Rezept
gezeichnet.
PARASKEWI PALASKA
Paraskewis Illustration für das Horoskop
gibt dem Spährenklang der Sterne
die notwendige „edginess“.
MAXIMILIAN MÄRZINGER
Großen Dank für sein Styling der Candy
Boy und Shadowplay Modestrecke,
sieht gut aus!
JAN PHILIPP LESSNER
hat keine Mühen gescheut um sein Model,
eine süße aber etwas moppelige Biene, in
Szene zu setzen.
NORA LUTHER
ist Fräuleins gestalterische
Allzweckwaffe.
IRINA GAVRICH
So cool und kontrolliert Irinas Fotografien
auch sein mögen, sie haben
den Soul in sich.
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STEFAN ARMBRUSTER
Ohne eine Modestrecke von Stefan
Armbruster läuft in der Fräulein wenig.
Sein Candy-Boy ist Zucker für
euch Ladys da draußen!
ELENA XAUSAS
italienisches Herz lodert im Fräulein-Inhaltsverzeichnis
hell auf.
CRISTINA KEUTER
Ihre Illustrationen für Fräulein sind
so rätselhaft wie super chic.

TALENT
Text: Sina Braetz
rebecca
minkoff
IHRE MUTTER KAUFTE IHR
EINE NÄHMASCHINE UND
MOTIVIERTE SIE, IHREN
TRAUM ZU LEBEN. BIS
REBECCA MINKOFF IHREN
PLATZ FAND, DAUERTE ES
ALLERDINGS.
Rebecca Minkoff ist eine toughe,
zielstrebige Businessfrau und gleichzeitig
eine liebevolle, junge Mutter. In
New York wird sie schon seit Längerem
gehypt, nicht nur wegen ihrer
Mode, sondern besonders, weil die
junge Designerin die Geschichte eines
beeindruckenden Familienzusammenhalts
erzählt. Was klein angefangen
hat, ist heute ein florierendes Unternehmen:
Das Haus Minkoff zählt
900 Verkaufsstellen weltweit, designt
eine Jeans- und Ready-to-wear-Linie,
seit Kurzem auch für Männer, Accessoires
und Schuhe.
Minkoff war 18 Jahre alt, als sie allein
nach New York zog und versuchte,
ihre eigene Firma auf die Beine zu
stellen. Dann, als die gebürtige Kalifornierin
kurz davor war aufzugeben,
stieg ihr Bruder ein ins Business und
wurde CEO. Heute ist Minkoff eine
der vier größten Handtaschendesignerinnen
in den USA. Es sind starke
Frauen, die Minkoff inspirieren, wie
beispielsweise Soldad Gompf von
der Non-Profit Organisation „Foundation
for International Community
Assistance“ (FINCA), die finanziell
schwache Unternehmen unterstützt
und in der auch Minkoff aktiv ist. Die
„American Apparel & Footwear Association“
zeichnete das junge Talent
vor zwei Jahren als Designerin des
Jahres aus, der „Accessoires Council“
verlieh ihr den „Breakthrough Design
Award“.
Info: Rebecca Minkoff ist ein Accessoireund
Ready-to-wear Label mit Sitz in
New York. Eine eigene Interpretation der
„I love New York“-T-Shirts brachten ihr
2001 den Durchbruch.
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TALENT
Text: Maja Hoock
Foto: Jane Chardiet
pharmakon
PHARMAKON MACHT
NOISE-MUSIK, DIE VON
GANZ WEIT UNTEN
ZU KOMMEN SCHEINT,
UND DENJENIGEN, DER
SICH IHR HINGIBT, WIE
NEUGEBOREN UND
GEREINIGT ZURÜCK-
LÄSST.
Alleine ihr Name deutet auf etwas
hin, das wehtut – Pharmakon bedeutet
Medizin, aber auch Gift und so klingt
auch die Musik der 22-jährigen New
Yorkerin Margaret Chardiet: Sie schreit,
bearbeitet Metall und schlägt mit einem
Holzbrett auf den Boden. Es entsteht ein
musikalischer Schock, Noise-Musik, die
von irgendwo ganz weit unten herrührt.
Diese wird, wenn man sich überwindet
und hingibt, zur Reinigung, da man alles
Dunkle und Brutale durchlebt und von
Gänsehaut geschüttelt wird, um wie neu
geboren aus ihrem Konzert zu kommen.
Dass diese Musik von einer zarten, blonden
Frau kommt, bildet dabei einen wunderbaren
Kontrast, denn für gewöhnlich
dominieren Männer die Szene. Nach ihrem
ersten Album „Abandon“ (Hingabe)
tourte Pharmakon durch die Welt und
löste auch abseits der Noise-Welt Begeisterung
aus.
Am 25. Mai spielt Pharmakon
im „Vera“ in Groningen, NL.
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20 21
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THEMA
Text: Robert Grunenberg
selfie
Interview: Jakob Krakel
Foto: Elfie Semotan
ELFIE
DAS SELFIE IST IN
ALLER MUNDE. DABEI
IST DER DRANG,
SICH ÜBER BILDER
ZU DEFINIEREN
UND MIT ANDEREN
ZU VERGLEICHEN,
KEIN PHÄNOMEN
DER DIGITALEN
MODERNE ALLEIN.
AM ANFANG DIESER
KULTURGESCHICHTE
STEHT NARZISS.
Immer wieder werden über die medialen
Kanäle überspitzte Behauptungen
zur vermeintlichen Volkskrankheit
Narzissmus in die Welt entlassen: Wir
würden in einer Ellenbogen-Gesellschaft
voller Egoisten leben, soziale Interaktion
– das berühmte Socializen –
diene nur den eigenen Vorteilen, dann
heißt es, unsere Zeitkultur begünstige
sogar die Ausbildung narzisstischer
Verhaltensformen und letztlich narzisstischer
Neurosen. Es klingt, als sei
Narzissmus die Epidemie einer ganzen
Generation. Doch so ganz haut das
nicht hin. Denn die Ausbildung einer
narzisstischen Störung im klinischen
Sinne ist weit komplexer und betrifft
tatsächlich nur einen kleinen Prozentsatz
der Bevölkerung. Was sich im
Alltag als narzisstisch darstellt, ist vielmehr
ein übersteigertes Streben nach
Anerkennung: ein Wille zur totalen
Selbstoptimierung. Doch der Wunsch
perfekt zu sein, fördert keine Individualität,
sondern führt im Gegenteil
dazu, dass die Menschen sich immer
ähnlicher werden. Der Frankfurter Sozialpsychologe
Erich Fromm schrieb
in seinem Buch „Authentisch leben“,
dass mit dem Beginn der westlichen
Wohlstandsgesellschaft ein Drang
nach Konformität und permanenter
Selbstverbesserung entstand. Gefühle
wie Zweifel, Leere oder Unsicherheit
würden einfach wegoptimiert oder
durch kulturelle Opiate zerstreut. Das
war zu Zeiten Erich Fromms bereits
so, gilt in der heutigen paradoxen Konsumkultur
aber umso mehr. Auf der
einen Seite gibt es ausgeklügelte Serviceangebote
wie „Quantified Self Apps“,
die jeden Lebensreich datenmäßig
erfassen, um ihn zu optimieren. Auf
der anderen Seite gibt es Opiate fürs
Volk, die unsere inneren Widersprüche
vermeintlich ausschalten: Alkohol,
Drogen, Zucker, Porno, Fernsehen und
natürlich Angebote im Internet. Das
führt zu Entfremdung, zu einem Loch
im Selbstgefühl. Das Ergebnis und
vermeintlicher Ausweg zugleich ist
eine verzerrte Selbstbespiegelung. Das
Bild, das entsteht, kommt nicht von
innen heraus, sondern ist ein um die
Ecke gedachtes Außenbild. Selbstwert
wird über Selbstvermarktung erzeugt
und Vermarktung denkt immer den
Wunsch der anderen mit. So wird das
Dasein zu einer Art Ware, das Umfeld
und deren Nachfrage wird zum Wertemesser.
Die Selbstbespiegelung in
und durch die Massenmedien ist die
logische Konsequenz. Die Schaffung
sozialer Avatare auf Plattformen wie
Instagram und Facebook dient schließlich
der Aufmerksamkeit anderer Menschen,
womit Selbstwertgefühle von
außen befriedigt werden. Doch mehr
als das: Mit unseren Profilen in sozialen
Netzwerken setzen wir uns selbst
ein Denkmal, ein idealer Abguss, ein
Götzenbild, von dem, was wir eigentlich
nur teilweise sind. Widersprüche,
Zweifel, Schwäche und Zufall – keine
Chance. Unsere Avatare aus Selfies,
kuratierten Profilinformationen und
obligatorischen Humblebrags sind bis
ins letzte Detail kalkuliert und damit
weit davon entfernt echt zu sein. Die
Kreativität und Energie, die dafür aufgebracht
werden, sind enorm. Allein 70
Millionen Selfies werden jeden Monat
bei Instagram geposted. Viel Energie
für viel Ablenkung, mit der es sich erübrigt,
sich seiner selbst bewusst zu
werden. Man lebt seine eigene Illusion.
Transzendiert seine Komplexität in
eine eindimensionale und völlig beschönigte
Selbstbespiegelung. Diese
Überhöhung des Ichs findet sich über
alle Zeiten und ist nicht nur ein Phänomen
unserer Gegenwart. Zu einem
gewissen Grad ist sie sogar natürlich:
Denn um sich selbst zu erkennen, muss
der Mensch sich ein Bild von sich selbst
machen. Kulturelle Ausdrucksformen
dieser Selbstbilder, die jedoch über das
Ziel hinaus schossen, gab es schon immer:
Sei es die Selbstvergewisserung
der eigenen Schönheit, wie sie die Königin
in „Schneewittchen“ mit ihrem
„Spieglein, Spieglein“ befragt oder der
bildhübsche Dorian Gray, der für seine
jugendhafte Makellosigkeit sein Altern
in einem Selbstbildnis auslagert. Am
Anfang dieser Kulturgeschichte steht
Narziss selbst, eine mythologische Figur
Ovids, der sich in einem Tümpel in
sein eigenes Spiegelbild verliebt und
davor verschmachtet bis zum Tod. Im
Selfie der digitalen Bildwelten stecken
viele dieser Mechanismen. Wir verleihen
unseren Abbildern eine Aura,
warten darauf, dass diese geschönten
Selbstbilder viele Likes und Kommentare
kassieren, schließlich will man
nicht untergehen in den vierstelligen
Freundeslisten bei Facebook und abertausenden
Followern auf Instagram.
Die Frage, die sich immer wieder stellt:
Begünstigten unsere Zeit, die Smartphones
und sozialen Netzwerke dieser
Welt wirklich eine kollektive Neurose,
eine narzisstische Akzentuierung unserer
Persönlichkeit? Schwierig. Wahrscheinlich
ist ein verzerrtes Selbstbild
nichts Neuartiges, auch nicht in seiner
gegenwärtigen Dimension. Wir sind
also nicht alle Narzissten, vielleicht
einfach nur ein bisschen am Staunen
über die Möglichkeiten der DIY-Selbstinszenierungen.
Wirklich neu hingegen
ist die Zugänglichkeit zu diesen
Selbstbildern. Denn die sozialen
Medien bieten zum ersten Mal eine
demokratische, systemisch verankerte
Plattform, um diese inszenierten Bilder
unserer selbst zu visualisieren und zu
verbreiten.
ELFIE SEMOTAN ARBEITET SCHON
SEIT JAHRZEHNTEN ERFOLGREICH ALS
MODE- UND MAGAZINFOTOGRAFIN.
NEBEN KOOPERATIONEN MIT
MARTIN KIPPENBERGER UND HELMUT
LANG VERÖFFENTLICHTE SIE IN DER
„VOGUE“,DER „ELLE“ UND DEM „NEW
YORKER“. ZUM THEMA SELFIE
SCHICKTE SIE UNS EIN STILLLELEBEN
MIT CHRYSANTHEMEN.
Fräulein: Frau Semotan, als wir
Sie um einen Beitrag zum Thema
Selfie gebeten haben, schickten sie
uns ein Stillleben. Was ist darauf
zu sehen?
Elfie Semotan: Das Bild habe ich erst
vor Kurzem aufgenommen. Sie sehen
darauf nichts Besonderes. Es sind zwei
Chrysanthemen und ein Schaffell. Ich
mag die Lichtstimmung und die ungewöhnliche
Kombination der Elemente.
Was sagt dieses Bild über Sie persönlich
und als Fotografin aus?
So genau möchte ich das gar nicht erklären.
Da würde mir wohl jeder erfahrene
Psychiater sofort widersprechen
(lacht).
Es gibt mittlerweile einen wahnsinnigen
Überschuss an Bildern,
insbesondere an Selbstportraits.
Ja.
Ist Ihr stilles (Selbst-)Bild hierzu
als Antithese zu verstehen?
Auch. Einerseits gibt es in diesem ganzen
Irrsinn der sich ununterbrochen
selbst fotografierenden Menschen immer
wieder mal ein paar bemerkenswerte
Fotos. Andererseits kommt es in
der Fotografie wie in jeder sinnvollen
Arbeit auf Kontinuität an, auf eine klare
Vorstellung davon, was man denn
eigentlich ausdrücken möchte.
Was macht ein gelungenes Selbstportrait
aus?
Da gibt es natürlich unheimlich viele
Zugänge. Aber es muss eine Wichtigkeit
und Bedeutung für einen selbst in
der Arbeit, im Fotografieren, im Bild
liegen. Das zu bewerten ist aber sehr
schwer. Ich saß einmal in der Jury eines
Fotowettbewerbs, in der immer
nur die sichere Nummer ausgewählt
wurde. Doch es gab auch diese Bilder
von einem jungen Mädchen, das
sich selbst mit wenig Licht in einem
kleinen Raum fotografiert hatte. Diese
Bilder waren ... ungewöhnlich. Man
hat mitbekommen, dass es für dieses
Mädchen wichtig war, diese Bilder in
diesem Moment zu machen. Es muss
nicht immer alles neu sein, aber ein
Funken Unbekanntes, der muss schon
mitschwingen.
Können Sie verstehen, dass sich
grade junge Menschen ständig
selbst fotografieren, weil sie Angst
haben, in der digitalen Moderne
ansonsten einfach unterzugehen?
Man kann das sicher so sehen. Man
will sich bestätigen, das Erlebte und
Gesehene kommentieren, anderen
zeigen, dass man überhaupt noch existiert.
Darin liegt aber auch ein gewisser
Narzissmus. So bleibt nur das Äußere,
das Shopping und die Kleider.
Sie haben vor diesem Gespräch
gesagt, dass Sie die Diskussion um
das Phänomen Selfie eigentlich
langweilt, haben aber selbst in Ihrer
langen Karriere immer wieder
Selbstportraits fotografiert. Was
wollten Sie damit herausfinden?
Das ist ein unheimliches Gemisch von
Dingen. Anfänglich ging es um die
Selbstverortung, auch als Frau, in meiner
künstlerischen wie sozialen Umgebung.
Aber es geht wohl grundsätzlich
um das Einnehmen, Festlegen und Sichtbarmachen
einer Position.
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DURCHBRUCH
Text: Willy Katz
Foto: Fabian Blaschke
SIRÈNE
ANNA PROHASKA IST EINE AUFREGENDE, JUNGE OPERN-SÄNGERIN UND EIN LIEBLING DER SZENE. GRUND GENUG
FÜR FRÄULEIN NACHZUFRAGEN, WAS MOZART MIT RAMMSTEIN UND DEM ERSTEN WELTKRIEG ZU TUN HAT UND
WARUM DAS HIRN MEISTENS SCHNELLER SCHALTET ALS DIE STIMME.
Morgens um zehn ist noch nicht viel
los in Sarah Wieners schönem weitläufigen
Café im Hamburger Bahnhof. Eine
Etage höher im gegenüberliegenden
Flügel des Museums für moderne Kunst
liegt Joseph Beuys, außen erstrecken sich
die Reste des Berliner Niemandslandes.
Anna Prohaska ist schon da. Erster Eindruck
nach der Begrüßung und ein paar
Kennenlernfloskeln, da scheint mehr
Grunge als gedacht in der immer leicht
nervösen Hochkultur zu schlummern.
Einen Café, dann geht’s los.
- „Du hast dieses Label weg, junger, schöner
Klassikstar, der auch noch Rammstein
hört. Das nervt doch bestimmt.“
- „Gar nicht! Ich rede gerne über Rammstein.
Das kommt doch eigentlich aus der
linken, ostdeutschen Punkecke. Rammstein
ist total skurril, fast schon Varieté.
Die Tragödie braucht immer auch Humor
...“
... sagt Anna Prohaska lässig, die schon
mit 23 Jahren an die Staatsoper kam
und mit eigentlich allen Wichtigen, mit
Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Pierre
Boulez, Simon Rattle UND Christoph
Schlingensief gearbeitet, die 2012 den
Echo als beste Nachwuchskünstlerin
für ihr Soloalbum „Sirène“ bekommen
hat. Die schwarzen Haare sind zurückgebunden,
die Gesichtsfarbe geht im Januarlicht
über ins elfenbeinerne. Derweil
kurze Verschwisterung: Ihre Mutter ist
nordenglisch, so wie die der Pressedame,
die daneben sitzt, so wie die Mutter des
Autors. Und die Beatles? Das waren doch
die „Schuberts der Popmusik“. Guter
Vergleich, weil es stimmt!
- „Als Kind und Jugendliche, hast du da
gegen dein Umfeld, deine singenden und
Musik unterrichtenden Eltern rebelliert?“
- „Ich war schon Außenseiter, aber eher
in der Schule, habe Alte Musik und
Oper gehört, mich erst später in die
Heavy-Metal-Ecke geflüchtet. Das war
episch, emotional, dramatisch, nicht Pop,
aber so bombastisch wie Wagner.“
Was hasst sie? Das Label „bildungsbürgerlich“.
Ist sie natürlich trotzdem. Aber
man verzeiht das. Wer so emphatisch unprätentiös
über klassische Musik spricht,
wer sagt „ich bin ein wenig crazy“ und
über so was Blödes selbst lachen muss,
wer die eigenen Ängste zugibt, aber letztendlich
immer cool bleibt, wer glaubhaft
sagen kann: „Ich bin mit U-3000 auf
MTV aufgewachsen“ und erzählt, dass
Schlingensief auf Proben zwar ab und an
rumgeschrien habe, es aber immer nur
als „die Verarschung eines Regisseurs,
der das so machen würde“ gemeint war,
dem ist man natürlich wohlgesonnen.
Schlingensief hat Anna Prohaska einmal
spontan bei einer Liveperformance
gesagt: „Geh raus und sing die Mathäus-Passion“.
Und dann wäre auf einmal
die Angst weggewesen: „Du hast durch
Christoph den Respekt verloren vor der
Bühnensituation. Sonst sitzt da das Publikum
und du bist das Opferlamm, was in
der Arena geschlachtet wird. Er gab dir
Mut.“
Letztes Jahr hat sie den Abend „Behind
the Lines“ mit Liedern über Soldaten
„METAL IST SO
EMOTIONAL UND
BOMBASTISCH
WIE WAGNER“
gesungen. Der Erste Weltkrieg, das sei
die erste moderne Materialschlacht gewesen.
Stichwörter: Panzer, Flugzeuge,
Schützengräben, Menschen als Kanonenfutter.
Wie Menschenleben verbraucht
und weggeschmissen wurden.
Um das zu verstehen, sang sie Georg Trakls
Gedicht „Der Untergang“. Trakl, der
kurz nachdem er diese Zeilen geschrieben
hat, halb wahnsinnig verendet ist in
einem Lazarett in Galizien. Dann Brecht /
Eisler-Lieder aus dem 30-jährigen Krieg.
So wird Singen zum Erforschen nicht
nur von Klang-, auch von Zeiträumen.
Für Anna Prohaska geht es um Intensitäten,
um historische Konstellationen:
Wagner, Weltkrieg 1, Rammstein, da
führt die Spur entlang.
Und sie mag Kino, erzählt von Jim Jarmuschs
Vampirfilm „Only Lovers Left
Alive“, von Nickcaveartigem, Renaissance-Motiven,
Schubert, Byron, alten
sowjetischen Röhrenfernsehern. So wie
bei Jarmusch, so abseitig fühle sie sich
manchmal. Und dass der alles in den
Beschleuniger schmeißt und klar wird,
Schubert, Beatles, Motown, Black-Metal,
irgendwie alles aus derselben dionysischen
Quelle. Und alles hier und jetzt.
Weil: Jede mögliche Melodiekombination
hat der Pop schon produziert und für den
Rest gab es Frank Zappa und Musik ist
trotzdem toll. Aber auch die Klassik, das
war Pop, die ist nicht tot, die riecht auch
nicht komisch, früher hat man Mozart
auf der Straße gepfiffen. D’accord zu all
dem. Sie bekommt jetzt ihren zweiten
Earl Grey serviert, noch immer ist es
früh, noch immer sitzen wenige Gäste
im Café. Wir sprechen über Rituale am
Morgen, das notwendige Schonen der
Stimme, über großen Diven, von deren
Allüren hält sie wenig.
Manchmal führt Prohaska stattdessen
schizophrene Zwiesprachen mit der eigenen
Stimme, lobt bald ihr Gehirn, das
oft schneller ist als die Gesangsmuskeln,
freut sich über Adrenalinschübe, mit denen
man die c-Moll-Messe von Mozart in
Salzburg überlebt, auch wenn man sich
in die Hose macht vor Ehrfurcht, findet,
dass auch hässliche Stimmen schön
sein können und der Gesang von Anna
Netrebko nach Schokolade und Rotwein
schmeckt.
Auf der Bühne der Staatsoper ist sie
grade in „Le vin herbé“ zu sehen, zwölf
Sänger, sieben Streicher, ein Klavier, „armes
Theater“, sagt sie. Theater aber mit
Wucht, ohne Schnörkel, mit einfachen
Mitteln. Die Geschichte, das sei eigentlich
„Tristan und Isolde“, „aber aus französischer
Sicht und ein wenig anti-deutsch“.
Man kann auch sagen: Punk.
Für den klassisch ungebildeten Autor, der
sich immer doch bereitwillig vom Schönen,
von ein wenig Erhabenheit ohne
Feierlichkeit verführen lässt, für den ist
ein solches Theater auch ein Geschenk.
Und das postmoderne Pop-Prekariat
der Fräulein-Leserschaft jetzt mal die
Ohren gespitzt: Schaut euch die Anna
Prohaska an, wie sie da auf der Bühne
der Staatsoper spät-modernistisch leidet
und durchsichtig schaut und so schön
singt. Es ist ein Fest.
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NETZWERK
Text: Robert Grunenberg
Illustration: Patricia Keller
Rosetta Cutolo (*1937)
Camorra
Spitzname: Eisauge
Info: Sie ist die Schwester des notorischen
Camorra-Bosses Raffaele Cutolo, Anführer
der Nuova Camorra Organizzata. Bekannt
dafür, dass sie aus dem Off operierte, entgingen
der Polizei ihre tatsächlichen Aktivitäten.
So half sie zum Beispiel ihrem Bruder bei der
Flucht aus einem Gefängniskrankenhaus.
Sie selbst war bis 1993 auf der Flucht, dann
bis 1999 im Gefängnis. Rosetta statuierte
mit ihrer eiskalten Professionalität ein erstes
Beispiel für eine neue Frauenrolle in der
Mafia.
Erminia Giuliano (*1955)
Camorra, Giuliano-Clan
Spitzname: „Celeste“, die Himmlische, wegen
ihrer blauen Augen.
Info: Leitete bis zur ihrer Verhaftung im Jahr
2000 den Guiliano-Clan. Sie gilt als extrem
aggressiv; erdolchte eine andere Mafiafrau
und fuhr aus Wut einen Wagen in den
Einkaufsladen eines gegnerischen Clans.
Als Erminia nach zehn Monaten Flucht in
einem Geheimzimmer im Haus ihrer Tochter
entdeckt und verhaftet wurde, bestand sie
auf einen Besuch von ihrem Friseur; zog sich
High Heels, einen falschen Leoparden-Mantel
und schwarze Handschuhe an und ließ
sich so in Handschellen abführen.
Giusy Vitale (*1972)
Cosa Nostra
Spitzname: Boss im Rock
Info: Als Schwester der drei Mafiabosse
Leonardo, Michele und Vito Vitale wurde
sie nach deren Verhaftung Clan-Anführerin.
Schon mit 13 Jahren arbeitete sie als Übermittlerin
von vertraulichen Informationen,
die sie bei Gefängnisbesuchen ihrer Kollegen
nach außen kommunizierte. Nach erfolgreicher
Karriere in der Cosa Nostra wurde
sie später zur „Penita“, zur Verräterin, weil
sie die Schweigepflicht brach, als sie nach
ihrer sechsjährigen Gefängniszeit gegen ihre
eigene Familie aussagte.
Nr.13
Maria Licciardi (*1951)
Camorra, Licciardi-Clan
Spitzname: Die Patin
Info: Maria ist wahrscheinlich die bislang
einflussreichste Frau in der italienischen
Mafia. Nachdem ihr Bruder, der Clan-Boss
Gennaro in der Camorra, verhaftet wurde,
füllte sie als erste Frau an der Spitze das
Machtvakuum. Von 1993 – 2001 saß Maria
als Chefin mit anderen Clan-Bossen an einem
Tisch und traf Entscheidungen über Leben
und Tod. Ab 1999 auf der Flucht, gehörte
sie zu den 30 meistgesuchten Verbrechern
Italiens. Seit 2001 im Gefängnis, ist sie eine
der wenigen weiblichen Kriminellen, die in
Italiens härtestem Strafvollzug verwahrt
werden und deren Kontakt zur Außenwelt
streng beschränkt ist.
Pupetta (Assunta) Maresca (*1935)
Camorra
Spitzname: Madame Camorra
Info: Ehemalige Beautyqueen. Sie machte
internationale Schlagzeilen, weil sie Mitte
der 1950er den Mörder ihres Ehemanns
am helllichten Tag tötete. Während der
Gerichtsverhandlung sagte Pupetta: „Ich
würde es immer wieder tun“, woraufhin die
Anwesenden Beifall klatschen. Sie saß bis
1964 im Gefängnis, wurde später die Ehefrau
des Drogenbarons Umberto Ammaturo und
trat als verhandlungsstarke Partnerin an
seiner Seite auf.
Maria Serraino (*1931)
Ndrangheta
Spitzname: Mamma Heroin
Info: Maria ist eines der raren Beispiele
für eine weibliche Führungsperson im
Ndrangheta-Clan. Gemeinsam mit ihren zwei
Söhnen und ihrer Tochter etablierte sie in den
1980ern eines der größten Drogengeschäfte
im Mittelmeerraum. Drogenlieferanten
verhandelten ausschließlich mit Maria. Das
Kartell wurde zwischen 1993 – 95 aufgedeckt,
wobei über 180 Mitglieder verhaftet wurden,
darunter Maria und ihre Tochter Rita. Schon
mit zwölf Jahren wurde sie aus der Schule
genommen, um beim Umpacken von Kokain
in Shampoo-Flaschen zu helfen. 1997 wurde
Maria wegen ihrer Drogendelikte und wegen
Mordes zu lebenslanger Haft verurteilt.
26 27
FRAUEN
IN DER
MAFIA
Es gab entgegen der landläufigen
Meinung immer Frauen, die eine zentrale
Rolle in der italienischen Mafia
gespielt haben. Und es gibt sie noch. Es
sind selbstbewusste Frauen, oftmals
charismatische, risikofreudige Persönlichkeiten
mit einer ordentlichen Portion
Aggressivität und Gewaltbereitschaft.
Zum einen schaffen es Frauen genau wegen
dieser Persönlichkeitsstruktur in die
obersten Positionen der Mafia. Zum anderen
gibt es immer wieder Personalnot
bei den Mafiamännern, die den Aufstieg
der Frauen erst möglich macht. So halten
oft Witwen von Gangsterbossen oder
Ehefrauen, deren Männer im Gefängnis
sitzen oder auf der Flucht sind, die Zügel
in der Hand. Sitzt ein Boss im Kittchen,
geben Mütter, Töchter, Schwestern und
Schwägerinnen die Befehle des Clanbosses
weiter oder steigen sogar selbst
zum Leittier auf. Die italienische Mafia ist
heute eine merkwürdige Mischung aus
Tradition und Moderne, aus verkrusteten
alten Strukturen, archaisch und primitiv
vollzogenen Operationen und modernem
wirtschaftsgetriebenen Handeln.
Trotz oder grade wegen dieser Struktur
widersteht die Mafia allen Bestrebungen,
sie endgültig zu besiegen. Währenddessen
bedeutet für die Frauen in der Mafia
die Anpassung an Emanzipation, Öffentlichkeit
oder Kapitalismus unterm Strich
mehr Einfluss. Zwar erfüllen sie oftmals
nach wie vor eher traditionelle Rollen,
schneiden und verpacken beispielsweise
Kokain und Heroin in ihrer Küche. In
der Camorra hingegen erpressen Frauen
Schutzgelder von Händlern, beteiligen
sich an millionenschwerem Drogenhandel
oder sind in Morde verwickelt.
Die Netzwerkkarte stellt sechs der bekanntesten
Verbrecherinnen vor.
Das Thema Frauen in der Mafia ist noch
wenig erforscht. Einen guten Überblick bietet
der Sammelband „Women and the Mafia.
Female Roles in Organized Crime Structures“
herausgegeben von Giovanni Fiandaca. Seit
2007 erhältlich bei Springer science.
Nr.13

KUNST
Text: Robert Grunenberg
Fotos: Circle Culture Gallery & Corita Art Center
sister
corita
KUNST, NÄCHSTENLIEBE UND FREIGEISTIGKEIT – DIE
AMERIKANISCHE NONNE UND KÜNSTLERIN SISTER CORITA
LEBTE ZWISCHEN DEN EXTREMEN GLAUBE, FREIER KUNST
UND POLITISCHER AKTIVISMUS. FÜR IHRE ÜBERZEUGUNG
BRACHTE SIE HARTE OPFER. EINE ANDERE GESCHICHTE
DER AMERIKANISCHEN POP-ART.
Sister Coritas Lebensgeschichte ist
Stoff für einen großen Spielfilm. Ein Leben
voller Wendungen und Grenzüberschreitungen
– das ganze kondensiert
zwischen großen Eckpunkten amerikanischen
Zeitgeschehens. Ihre Geschichte
ist auch die Geschichte der Emanzipation
der Frau, der Counterculture- Bewegung,
der Rolle der katholischen Kirche,
der Entwicklung der modernen Kunst
und des Aufkommens der Pop- und
Konsumkultur. Betrachtet man die Welt
durch Sister Coritas Augen, dann zeigt
sich ein neuer, lebhafter und vielseitiger
Blickpunkt auf die großen Veränderungen
Amerikas zwischen 1940 und 1980.
Als Sister Corita 1936 dem Schwesternorden
Immaculate Heart of Mary in Los
Angeles im Alter von 18 Jahren beitrat,
lag Amerika nach dem Schock der Weltwirtschaftskrise
im Dornröschen Schlaf.
Die großen Veränderungen, die es zur
politischen und kulturellen Supermacht
werden ließ, sollten noch kommen und
Sister Corita sollte dieses neue Amerika
mit gestalten. Im humanistisch und
künstlerisch ausgerichteten Orden der
katholischen Kirche experimentierte sie
in allen kreativen Bereichen, fand ihr
Ausdrucksmedium im Siebdruck und
entschloss sich schließlich für eine Laufbahn
als Kunstlehrerin. 1941 erlangte sie
einen Bachelor of the Arts, lehrte zwischenzeitlich
in Kanada und kehrte 1951
zum Orden nach Los Angeles zurück,
dessen Leitung sie später übernahm.
Bevor Sister Corita die amerikanische
Pop Art Szene mit ihren Siebdruck-Arbeiten
aufmischte, beschäftigte sich
intensiv mit Fragen der Kunstlehre. Prägend
war die Begegnung mit dem Designer
Charles Eams, der später ein enger
Freund wurde. Mit ihm sprach sie darüber,
was es bedeutet, ein guter Lehrer zu
sein. Beide stimmten darüber ein, dass
man Schülern nicht
Nr. 13
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Nr. 13

KUNST
Vorherige Seite:
Bild oben:
Corita Kent, circa 1976
Courtesy of the Corita Art Center,
Immaculate Heart Community, Los Angeles
Bild links:
Corita lehrt im Immaculate Heart College,
circa 1967, courtesy of Circle Culture Gallery and
Corita Art Center, unbekannter Fotograf
Bild oben:
Yes #3, 1979, Siebdruck auf Papier,
Foto: Joshua White
Rechte Seite:
Bild oben:
Sister Corita: Give The Gang Our Best, 1966,
serigraph on pellon, courtesy of Circle Culture Gallery
and Corita Art Center, Foto: Joshua White
Bild rechts:
Maria-Himmelfahrt-Prozession am
Immaculate Heart College, 1964
beibringen sollte originell zu sein, das
führe dazu, dass man imitiert. Hingegen
solle man rational sein. So lehrte Sister
Corita mit harter Hand, wie Kunst dabei
helfen kann die eigenen Sinne und Kreativität
zu sensibilisieren. Dabei gab sie ihren
Schülern teilweise unmögliche komplexe
Aufgaben, forderte erschöpfende
Wiederholungen der gleichen Übungen,
wie das hundertfache Zeichnen von serifen
und serifenlosen Alphabeten. Sie
erklärte, dass in der Wiederholung und
der Konzentration die Freiheit und Kreativität
liegen, mit denen man Klischees
und vorhersehbare Ausdrucksformen
überwinden kann. Doch neben der eisernen
Arbeit am Schreibtisch und im
Atelier ging sie mit ihren Schülern in
die Natur, saß abends am Strand, veranstaltete
Happenings im Park und auf
der Straße, organisierte Proteste und
Charity-Events. Dabei ging es um politische
Themen, Bürgerrechte, Vietnamkrieg,
sowie um eine Haltung zu einem
authentischen und erfüllten Leben. Was
immer mitschwang war ein Credo für
das Hier und Jetzt: „You shouldn’t blink,
you should not close your eyes or turn
your head away“ – you will miss part of
life, you will skip the full picture.“ Sister
Corita und ihr Kunstdepartment waren
am Puls der Zeit. Ihr ästhetischer Formalismus,
die Konzentration auf die Art und
Weise wie die Dinge gemacht sind, passt
zu den Bildern der Abstrakten Expressionisten,
die in den 1950er und 60er-Jahren
populär wurden. Denn hier wurde
visualisiert, was sie selbst wichtig fand.
Die Arbeiten von Künstlern der New
York School – Jackson Pollock, Barnett
Newman und Mark Rothko – zeigten
dass Bilder im Grunde aus schwarzen,
weißen und bunten Formen bestehen.
Die Abstraktion des Dargestellten visualisiert
wie es aussieht, wie es gemacht ist
und nicht was es repräsentiert, symbolisiert
oder erzählt. Diese Konzentration
auf Formen wandte sie auch auf Sprache
an. Ihr Interesse für Poesie und Texte
galt den Buchstaben, der Typographie
und der formalen Ästhetik, weniger den
Bedeutungen. Diese Idee bezog sie auf
den Pop-Zeitgeist, der seit den 1950ern
immer größere Wellen schlug. Sister
Corita sah die Konsumwelt und Massenmedien
mit ähnlicher Begeisterung
wie Andy Warhol, wobei es ihr weniger
um die Warenästhetik von Produktverpackungen
und Werbung ging. Sie
staunte über die Poesie in der Werbesprache,
sie sah etwas Positives in der
materiellen Popkultur, eine Huldigung
auf das, was der Marktplatz verspricht,
aber nicht einhält. In ihren knallbunten
Siebdrucken vermengte sie Markennamen,
Werbeslogans, Popsongtexte und
Zeitungsüberschriften, kombinierte sie
mit Gedichten von Rainer Maria Rilke,
Texten von E.E. Cummings und Albert
Camus. Sie zerschnitt Wörter, drehte
sie um und verfremdete sie. So löste sie
die Sprache von ihren Produkten und
nutzte sie für ihre künstlerischen und
sozialphilosophischen Überzeugungen.
Ihr Statement lautete: „In a way all the
words we need are in the ads, they can
be endlessly re-sorted and reassambled,
it is a huge game, a way of confronting
mystery.“ Sie kondensierte aus dem
Sprachmaterial der Konsumkultur, aus
dem Alphabet des Pop, eine Philosophie
des Lebensglücks. Die Beschäftigung
mit Pop-Art machte sie zu einer der bekanntesten
und einflussreichsten Grafikkünstlerinnen
der USA dieser Zeit;
sie entwarf populäre Briefmarken mit
Schlagwörtern wie „love“ und ragte 1967
vom Cover der amerikanischen Newsweek.
Doch anders als Andy Warhol
oder James Rosenquist überschritten
ihre Textspielereien die Ideen der frühen
Pop-Art. Sister Corita zählt zu den Pionieren
der zweiten Generation Pop-Art,
die sich kritisch zur scheinbar perfekten
Wohlstandsgesellschaft der USA äußerten
und ihre Verwundbarkeit aufzeigten.
So entfachten einige ihrer Plakate zum
Vietnamkrieg und zu sozialer Diskriminierung
politische Kontroversen. Sie
provozierte und sprach Themen an, die
man von einer Frau und Nonne nicht
erwartete. Plötzlich stand Sister Corita
in der Öffentlichkeit, hatte großen Erfolg,
medialen Druck und Widersacher. Damit
hatte sie zu kämpfen. Auch die katholische
Kirche beäugte die ungewöhnlichen,
progressiven Aktivitäten von ihr
kritisch. Vor allem ihre mehrdeutige Verwendung
von Sprache rief Irritation und
Argwohn bei der katholischen Kirche
hervor. Ihr Siebdruck „the juiciest tomata
of all“ (1964), in der Corita spielerisch
auf die Jungfrau Maria verwies, führte
zu Empörung, zu Vorwürfen der Gotteslästerung
und schließlich zu Zensuren.
Eine Umdeutung einer geistlichen Ikone
wie Maria in einem poppigen, vielleicht
sogar lasziven Kontext – ein Skandal,
das ging der Kirche zu weit. Sister Corita
zeigte sich nach außen unbeeindruckt,
doch innerlich löste es eine emotionale
Krise aus, die im Sommer 1968 zu ihrem
Austritt aus dem Schwesternbund
führte. Ihre Glaubenskrise erklärte sie
damit, dass die christliche Lehre Ideen
befördern sollte, statt diese zu definieren
oder zu beschneiden. Sie fühlte sich
eingeengt, ging nach Boston und kam bis
zur ihrer schweren Krankheit nicht mehr
zurück. Sie hielt Kontakt zu Schülern
und Kollegen, doch ihr soziales Umfeld
änderte sich in Boston, sie traf Künstler,
Kunsthändler und hatte Freunde an der
Harvard Universität – eine Partnerschaft
ging sie nicht ein und sie blieb bis zu
ihrem Tod im Herbst 1986 unverheiratet.
Ihre Arbeiten aus der Bostoner Zeit
waren weiterhin politisch. Sie promotete
einen tiefgründigen Aktivismus, der sich
aus Gefühlen und Bedenken ableitet.
Sie propagierte Bürgerrechte, prangerte
Rassismus und Diskriminierung an
und engagierte sich im sozialen Bereich.
In den letzten Jahren vor ihrer Krebserkrankung
zog sie sich zunehmend
zurück. Ihre Arbeiten wurden introvertierter,
kontemplativer und stilistisch
konventioneller. Wurden die meisten
männlichen Künstler der Pop-Art-Generation
zu Ikonen der zeitgenössischen
Kunstgeschichte, so verstummte die Aufmerksamkeit
um Sister Corita. Vielleicht
lag es daran, dass sie sich nicht vereinnahmen
lies und immer nach vorne
arbeitete. Der Kunstmarkt interessierte
sie nicht, sie wollte keinerlei Erwartung
erfüllen, genauso wenig wollte sie eingegrenzt
werden. Lange Zeit galt sie als
Nonne, die poppige Arbeiten machte und
politisch Aktiv war. Erst in den letzten
Jahren bekommt sie Aufmerksamkeit als
eigenständige künstlerische Position der
amerikanischen Pop-Art. So erlebt Sister
Corita und Ihr Werk zurzeit ein Comeback.
Alleine drei große Museumsausstellungen
werden mit ihren Arbeiten bis
2015 in den USA gezeigt. Sister Coritas
technische Fähigkeiten, ihre komplexen
Arbeiten aus Text und Bild, ihr pädagogisches
Talent, ihr Humanismus und
soziales Engagement – diese Vielseitigkeit
ermöglicht aus unserer heutigen
Perspektive einen ganz neuen Zugang
zur Kunst- und Zeitgeschichte Amerikas.
Nicht zuletzt begegnet man einer unabhängigen
Frau, bereit, Widersprüche,
Entbehrungen für ihre Überzeugungen
zu leben.
Sister Corita, 1918 als Frances Elizabeth Kent
in Iowa geboren. Ihren künstlerischen Nachlass
betreut heute das Corita Art Institut in
Kalifornien. Ihre Arbeiten befinden sich u.a.
in der Sammlung des Whitney Museums in
New York, des Museum of Fine Art in Boston
und dem Metropolitan Museum of Art in
New York. In Deutschland sind ihre Arbeiten
bis zum 10. Mai in einer Retrospektive in der
Circle Culture Gallery in Berlin zu sehen.
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Nr. 13

BIENEN
Text: Adrian Fekete
Foto: Jan Lessner
Ohne Bienen geht es nicht, das
weiß jedes Kind. Sie bestäuben Pflanzen,
produzieren Honig und Wachs. Neben
Rindern und Schweinen sind sie das
wichtigste Nutztier überhaupt. Doch je
mehr der Mensch in Natur und Umwelt
eingreift, desto schlechter scheint es den
kleinen Brummern zu gehen. Seit einiger
Zeit macht die Angst vor dem „großen
Bienensterben“ die Runde und wird Jahr
für Jahr von den Medien aufgegriffen.
Gegen diese Aufmerksamkeit ist erst
einmal nichts zu sagen, zeugt sie doch
von einem ausgeprägten Umweltbewusstsein.
Und es stimmt, dass die Biene
empfindlich ist. Schon bei kleinsten
Veränderungen in ihrer natürlichen Umgebung
reagiert sie drastisch: Sie stirbt.
Für Imker ist eine tote Biene jedoch
nichts Dramatisches. „An kalten Wintern
stellen wir uns immer darauf ein, dass
circa 30 Prozent unserer Bienen sterben
werden“, sagt Marc-Wilhelm Kohfink,
der Vorsitzende des Imkerverbandes
Berlin. „Das wird Imkern seit Generationen
so beigebracht und ist kein neues
Phänomen.“ Die Statistik, die die Anzahl
an Honigbienen in Deutschland festhält,
weist zwar auf eine drastische Abnahme
von Bienenvölkern seit der Wiedervereinigung
hin, doch das ist nur die eine
Seite der Medaille, denn die DDR hat in
ihrem Subventionierungsprogramm für
Landwirte besonderen Wert auf Imker
gelegt. Nach der Wende gab es deutlich
weniger Unterstützung für diesen Zweig
der Agrarwirtschaft, deshalb auch weniger
Bienen. Also keine Angst, in nächster
Zukunft werden wir nicht auf den süßen
Nektar verzichten müssen.
Wer Imker werden, einen Bienenschaden melden
oder mit seinem Bienenvolk nach Berlin
einwandern will, der wende sich an:
post@imkerverband-berlin.de.
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BUCH
DER BLICK
Foto: © Ascot Elite Filmverleih
DOGGYSTYLE
ZUM CLOWN
AUFGEDONNERTE PUDEL
UND FLIPPIGE BICHONS MIT
LEOPARDENMUSTER – DER
BILDBAND „GROOMED“
VERSAMMELT WILDE UND
KRASSE ARBEITEN VON
HUNDESTYLISTEN.
Groomed, das heißt soviel wie gestriegelt
und zurechtgemacht, aber beschreibt
schlecht, was Stylisten mit Hunden anstellen:
Sie rasieren und färben ihnen
Schildkröten, Papageien und Löwenmähnen
ins Fell oder föhnen Ihnen Puschelpalmen
auf dem Kopf zurecht. Auf
den Fotografien von Paul Nathan findet
man ein zwischen Groteske und Witz
changierendes Kleintier-Bestiarium,
welches „Schönheit der Schönheit willen“
portraitieren möchte, dabei Hunde
am Abgrund des guten Geschmacks
zeigt. Es ist schlimm ... aber wir stehen
drauf.
Groomed von Paul Nathan, PelluceoPublishing
(2014), www.paulnathanstudio.com
mia wasikowska
Mia Wasikowskas braune Augen
laden ein, etwas in sie hineinzulesen.
Erst scheinen sie freundlich und aufgeschlossen,
um dann in einen gewissen
Rühr-mich-nicht-an-Trotz umzuschlagen.
Sie kann mit ihrem Blick Opfer, Eigensinnige
und Verlassene spielen. So
bändigt sie in ihrem neuen Film „Spuren“
diverse australische Outback-Rüpel
und vier Kamele. Ein Mädchen im
Kampf mit der feindlichen Umgebung.
„Spuren“ ist ein schöner Film nach
einer wahren Geschichte: Die Hippiefrau
Robyn Davidson durchquerte
1977 die australische Wüste mit ihren
Kamelen und einem Hund. Regisseur
John Curran zeigt diese Reise im spektakulären
National-Geographic-Look
in im Sekunden-Rhythmus aneinander
geschnittener Szenen, schreckt
aber leider davor zurück, die Ödnis
und Langeweile einer solchen Reise
zu zelebrieren. Dabei würden wir der
zierlichen 163 cm großen Mia gerne in
langen Einstellungen dabei zuschauen,
wie sie ganz allein durch weite, weite
Wildnis läuft. Nur ein Ziel vor Augen:
Das Meer.
Info: „Spuren“ mit Mia Wasikowska
läuft seit 10. April im Kino.
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ESSAY
Text: Maja Hoock
Inseln waren schon immer ein
utopischer Rückzugsort, an dem
man die Last der Zivilisation
einfach abstreifen konnte. Für
eine Robinsonade muss man
aber nicht in die Ferne schweifen,
sie beginnt bei uns zu Hause.
Ich habe mir gestern Nacht eine Insel
gekauft. Bei PrivateIslands.com, für
fünf Millionen Euro, in der REM-Phase.
Sie lag bei Sizilien und als ich aufwachte,
war sie nicht mehr da. Es gab
dort keine Politik, keinen Kapitalismus,
keine Media-Markt-Werbung und keine
Chips-Schmatzer. Allen Menschen,
die Uli Hoeneß für einen Helden halten
oder die Tagesschau für gute Nachrichten,
wird der Fuß von einem Schwarm
Piranhas abgekaut, bevor sie ihn an
Land setzen können. Und weil an solchen
Traumgebilden alles perfekt ist,
ragen sie so selbstbewusst aus dem
Wasser wie Elfenbeinbusen vom Leib
schöner Frauen. Sie sind stolz, weil sie
etwas Besseres sind als das Festland
mit seinem hässlichen Alltag. Menschen
gehen sich auf die Nerven. Da
scheinen Inseln als isolierte Monolithen
wie sandgewordene Intimität.
Und Ursprung. So kommt der latent
rückwärts-gewandte Inseltraum auch
vom Konflikt zwischen Hochkultur
und dem Affen in uns. Robinson wurde
nicht zufällig zu Zeiten der Aufklärung
schiffbrüchig.
Er landete auf einer Insel, die noch
nicht mit Vernunft in Berührung gekommen
ist und sein einziger Freund
Freitag war das wilde Spiegelbild des
Angespülten. Mit dem Stranden, das
als Motiv in Literatur und Kino von
Crusoe über Gilligan’s Island und Lost
reicht, erlangen wir Zugang zur Natur
– und zur Freiheit: Auf Inseln dürfen
Gemeinschaften nach eigenen Regeln
leben, rosa Pferde anbeten und anarchistisch
gefärbten Marxismus mit
polyamourösen Zügen erproben. Thomas
Morus schrieb vor 500 Jahren von
dem abgeschnittenen Ort „Utopia“, wo
es weder Armut noch Neid gibt. Im 18.
Jahrhundert sprach man viel von der
sagenhaften Liebesinsel der Aphrodite
namens Kythera, wo es nur Schönes
und Gutes gebe. Und heute treibt im
Houellebecq-Roman die „Möglichkeit
einer Insel“ seine Figuren an, weiterzuleben
– die Aussicht auf ein besseres
Leben als Daseinsgrund. Manchmal
wird die abstrakte Idee der perfekten
Lebensweise auch real.
Lamu ist so ein manifestierter Inseltraum.
Auf der zehn mal sechs Kilometer
kleinen Insel vor Kenia leben
seit Generationen Schriftsteller weit
weg von Beton und Grau. Prinzessin
Soraya von Persien suchte dort Ruhe
und Hippies die Freiheit. Sie wussten:
Durch die Isolation kann man sich auf
das Wesentliche konzentrieren, auf
den Geschmack einer am Lagerfeuer
gebratenen Dorade. Regisseurin Frauke
Finsterwalder ist dort hingezogen,
weil es keine Autos gibt, und Christian
Kracht, weil er auf Eseln reiten kann.
Sicher dachte er beim Schreiben seines
Kolonialisten-Romans „Imperium“ an
das blaue Wasser mit den Hummern
und die Mango-Palmen. „Lamu darf
nicht verschwendet werden“, schrieb
Hemingway, denn er wusste, dass man
Inseln verteidigen muss. Sonst entwickeln
sie einen Ballermann.
Man muss sich ja nicht gleich eine eigene
Insel kaufen. Es reicht, sich ab und
zu eine in der Stadt zu schaffen. Auch
die eigene Wohnung kann einen retten,
wenn man den Tag in der Stadt getrieben
ist. Und dann gibt es Menschen, die
Inseln sind, wenn sie aus der Masse,
die einen nicht kümmert, herausragen
wie unser ganz persönliches, psychologisch
warmes Lamu. Natürlich wissen
wir, dass man sich nicht zu tief in die
Idee des perfekten Ortes flüchten darf,
denn Atlantis ist bekanntlich untergegangen.
Doch auf die Möglichkeit einer
Insel will ich nicht verzichten. Sie ist
das Rettungsboot, auf dem ich aufrecht
treibend der Welt den Stinkefinger zeigen
kann.
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Nr.13

STIL
REBELL:
PATCHWORK
JEANS
Die Geburtsstunde der
Patchwork-Jeans liegt
mittlerweile über 40
Jahre zurück. Entstanden
ist sie nämlich in
der Hippie-Bewegung
der 1970er Jahre, in der
Zeit, in der der Jeansstoff die Welt der
friedlichen Rebellen eroberte. Die Jeans
wurde symbolisch getragen um sich mit
der Arbeiterschicht zu solidarisieren.
Man bemalte, bestickte und verzierte sie.
Modern interpretierte sie diese Saison
u.a. DKNY in Blazer- und Parka-Kombination.
1
2
3
5
4
How to „sweater“! In den 80ern erlebte
er seine goldenen Jahre und zwar
als treuer Begleiter der Leggings, bis er
sich kurze Zeit später in der Rolle des
Nerds wiederfand, als Markenzeichen
der „Popper“. Die trugen ihn nämlich
am liebsten ganz klassisch, schlicht,
um nicht zu sagen extrem spießig. Der
„Sweater“ hat seinen Kultstatus längst
wieder erobert, je auffälliger die Farbe,
der Print oder das Logo, desto besser.
Ob Céline, Kenzo, Carven, Givenchy
oder Kitsuné: Sie alle sind Schöpfer
des „It-Sweaters“ und diese lieben wir
in dieser Saison besonders in Kombination
mit edlen Röcken, ob in kurzer
oder langer Version.
6
Schön dazu: schlichte High Heels
oder ganz sporty mit Chucks oder
Sneakern.
1. Sweater von Maison Kitsuné,
ca. 180 Euro
2. Lippenstift von Tom Ford,
ca. 45 Euro
3. Sweater von Carven
über farfetch.com, ca. 229 Euro
4. Seidentuch von Louis Vuitton &
André Saraiva, ca. 635 Euro
5. Twin Bag von Prada, ca. 2100 Euro
6. Kamera Clutch von Charlotte Olympia,
ca. 1685 Euro
7. Chucks Converse & Nate Lowman
für justoneeye.com, Preis auf Anfrage
7
MEISTERWERK VON
STEFANO PILATI
Mit der neuen „CARA Bag“ hat die italienische Luxus-Marke Agnona
unter der neuen Führung von Stefano Pilati eine Tasche für die Ewigkeit
geschaffen. Wir lieben sie besonders für ihr klassisches, perfekt
verarbeitetes Design und ihr weiches Kalbsleder mit natürlicher Narbung.
Von Agnona, ab Mai/Juni 2014 erhältlich, Preis auf Anfrage
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2
STIL
1
3
DAS WUNDERKIND
SERGE LUTENS
Create your own happiness! Es ist das
Credo, dass den französischen Fotografen,
Filmemacher, Haar-Stylisten, Modedesigner
und Parfümeur Serge Lutens
seit seiner Kindheit begleitet. Berühmt
sein wollte er - bis heute - nie. Vielmehr
genießt es die weltbekannte Nase seiner
Leidenschaft nachzugehen, stets mit einer
Tendenz zur Antikonformität. Denn
was er kreieren will, ist nichts als Kunst,
so maximal es irgend geht, ohne erst
einmal einen Gedanken dem Kommerz
zu schenken. Seit der Nachkriegszeit,
so meint das Allround-Talent, ist unsere
sinnliche Wahrnehmung nämlich viel
zu stark zensiert worden. Was Lutens
zudem abschreckt, ist unsere überparfümierte
Welt. Eigentlich rieche in dieser
Welt alles, aber nichts dufte mehr. Nun ja,
sagen wir doch lieber „wenig“, denn ein
perfektes Gegen-Beispiel ist dieser sommerlich-blumige
Orangenblüten-Duft.
Chic Running Shape! Er ist nicht neu,
der Suit‘n‘Sneaker-Trend, aber zeigt sich
auf den Straßen immer wieder in neuer
Variante. Was in Skandinavien anfing mit
dem Trend, Sneaker zu Seidenkleidern
zu tragen, zeigt sich jetzt sogar als kleine
Revolution bei Chanel, denn selbst Karl
Lagerfeld ist dem Sneakerhype verfallen.
In Paris haben wir uns verliebt, in die
Variante mit puristischen Anzügen und
Laufschuhen, am liebsten in Farbe.
1. Ring von Aurélie Bidermann
(über netaporter.com), ca. 410 Euro
2. Ring von Valentino, ca. 220 Euro
3. Kette von Maison Martin Margiela
über netaporter.com, ca. 175 Euro
4. Uhr von Emporio Armani,
ca. 950 Euro
5. Tasche von Dior, ca. 2700 Euro
6. Rouge Creme „Multi-Blush Candy“
von Clarins, ca. 24 Euro
7. Limited Edition,
Nike x Liberty Air Max, ca. 120 Euro
8. & 9. Nike Roshe Run, ca. 95 Euro
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PERLENFIEBER
Wiederentdeckt: die Perle! Salonfähig machte sie Coco
Chanel, die damals ihre Abneigung offenbarte gegenüber
Frauen, die mit üppigen Brillanten behangen waren.
Pearis Treasure von Chanel, 2170 Euro.
Serge Lutens, „Fleurs d´Oranger“
50 ml, ca. 82 Euro
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STIL
Fotos: Jan Lessner
shop at santonishos.com
AIR FORCE
LOW
Entstanden ist der ursprüngliche Basketballschuh bereits im
Jahr 1982. In den letzten 25 Jahren wurden über 1700 Modelle
von ihm auf den Markt gebracht. Wir lieben das Modell für seinen
perfekten Mix aus Sport- und Streetstyle-Chic.
Nike Air Force, ca. 110 Euro
LIMITED EDITION
Frischer Kult aus Italien: Das 2000 gegründete Label hat mit
diesen Sneakern eine moderne Version von puristischer
Zeitlosigkeit entworfen. Clean, simple und feminin in seinem
Design sichert er sich seinen Platz unter unseren Top 3.
Golden Goose White Out Leather Limited Edition, ca. 300 Euro
CLASSIC
LEATHER
„Let‘s put on our classics and have a little dance!“ Es waren die
ersten Reebok-Laufschuhe im Casual-Look, die die UK-Marke
1987 auf den Markt brachte. Seither kann ihm, wie wir finden,
keine andere Version das Wasser reichen: klassisch, schlicht
und komfortabel.
Reebok Classic, ca. 85 Euro
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HANDTASCHE
Text: Maja Hoock
Foto: Revan Baysal
BASCHA MIKA
1
2
3
5
9
Ob Pfefferspray, Philosophie-Buch oder
Gleitgel - Was Fräuleins in ihrer Handtasche
spazierentragen, sagt oft mehr über
sie aus, als ein komplettes Interview.
Darum zeigen wir an dieser Stelle ab
sofort private Einblicke in die Clutches,
Shopping- und Hobo-Bags spannender
Persönlichkeiten. Unser erstes Opfer war
Bascha Mika, eine der bekanntesten Feministinen
des Landes und Erfolgsfrau
par excellence. Sie war Chefredakteurin
der taz, leitet nun die Frankfurter
Rundschau, hat eine eigene Talkshow,
veröffentlichte soeben ein neues Buch
und wurde dafür bekannt, sich öffentlich
mit Alice Schwarzer anzulegen.
Ihre Lieblingstasche im Animal-Print
beweist: Auch Feministinnen schminken
sich; Bascha Mika sogar schon, seit sie
15 war. Weiblichkeit und Eigenständigkeit
schließen sich also nicht aus. Also
Schwestern, ran an die guten Jobs, und
vergesst dabei den Chanel-Lippenstift
nicht!
1. Ihr neues Buch „Mutprobe“, 2. Chanel Lippenstift „Rouche Coco Shine“ No. 62, 3.
Lippen Balsam, 4. iPad 2 – ihr kompakter Computer für unterwegs, 5. Weleda Handcreme
Granatapfel, 6. Montblanc Schreibset - ein Geschenk von Freunden, 7. Moleskine
Notizheft - für die wichtigsten Einfälle, 8. Lippenstift von M.A.C. Relentlessly Red, 9.
Antikes Puderdöschen, 10. Kleiner persönlicher Duft, 11. Lid-Schatten von Artdeco in
den Farben 203 & 314, 12. Kindle Notepad, 13. Einladung zum Dinner mit Freunden, 14.
Gabs-Tasche aus dem Italein-Urlaub, 15. Pochette, mit allem drin, was man für Notfälle
braucht.
4
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ANGEKOMMEN
Interview: Christian Fahrenbach
Mitarbeit: Robert Grunenberg
Fotos: © Moderna Museet, Stockholm
KLICKS,
LIKES,
FOLLOWER
UND DAS
ERBE DER
90ER
SEIT DEN 90ER-JAHREN LÖSEN JUTTA KOETHER UND KIM GORDON DIE GRENZEN VON
MUSIK, PERFORMANCE UND BILDENDER KUNST AUF UND DENKEN SIE NEU. VOR EINER
GEMEINSAMEN PERFORMANCE ZUM ENDE DER MIKE-KELLEY-RETROSPEKTIVE IM NEW
YORKER MOMA PS1 SPRACHEN WIR MIT BEIDEN ÜBER EINE ZEIT VOR DEM INTERNET,
DEN AMERIKANISCHEN TRAUM UND DIE BERÜCHTIGTEN 15 MINUTEN RUHM.
Fräulein: Frau Koether und Frau
Gordon, zuletzt gab es einen auffälligen
90er-Jahre-Hype, der sich
in unzähligen Retrospektiven mit
Künstlern wie Jeff Koons, Paul Mc-
Carthy, John Baldessari und eben
Mike Kelley zeigt. Woran liegt das?
Kim Gordon: Ich denke, der Hype
speist sich vor allem aus einem Interesse
an einer Vor-Internet-Zeit, an die
wir uns kollektiv nur noch vage erinnern
können.
Warum gibt es so eine Nostalgie
nach dieser Zeit?
Jutta Koether: Ich glaube nicht, dass es
nur Nostalgie ist. Viele Retrospektiven
und auch Trends in der Main stream-
Kultur versuchen zu analysieren, wie
es uns mit der digitalen Revolution
ergangen ist, wie neue kulturelle Ausdrucksformen
funktionieren. Man
denkt zurück an ein Zeitalter, in dem
die Medien noch nicht derart präsent
in unserem Alltag waren. Damals wurden
Inhalte und Gefühle anders ausgedrückt.
Inzwischen wird man sich
darüber bewusst, dass seit dem etwas
verloren gegangen und unwiderrufbar
geworden ist. Doch diese vermeintliche
Unschuld einer vor-mediatisierten
Sphäre ist selbst eine problematische
Empfindung. Denn auch die 90er-Jahre
waren natürlich durch Kanäle wie das
Fernsehen stark mediatisiert. Allein
der technologische Aspekt der Digitalität
spielt heute eine größere Rolle.
Kurz, es gibt einen Realisierungsprozess,
dass ein Wandel eingetreten ist.
So etwas dauert 20 bis 30 Jahre, deshalb
fällt er genau in unsere Zeit.
Das Internet hat zahlreiche solcher
Verschiebungen bewirkt,
Stars werden immer zugänglicher,
es hat sich eine DIY-Starkultur herausgebildet
...
KG: Sicher. Jeder beruft sich heute
auf Warhols „15 minutes of fame“, auf
seine Prognose, dass jeder Mensch in
der Zukunft kurz berühmt sein wird.
Ruhm oder das, was wir darunter heute
verstehen, ist für jeden zugänglich.
Die Selbstvermarktungsmöglichkeiten
im Internet haben unsere Vorstellung
von Stars und Starkultur verändert.
JK: Ich denke, dass Stars vor allem ein
Markt sind. Das ist ein Konsum-Konzept.
Das Begehren richtet sich nicht
auf Objekte und Dinge, sondern auf
Status. Dieser zirkuliert als eine Art
Währung, mit dem eine Form des
Seins gehandelt, gekauft und verkauft
werden kann.
KG: Insgesamt ist das eine amerikanische
Entwicklung; es ist ein wesentlicher
Bestandteil des amerikanischen
Traums.
Wie hat sich der amerikanische
Traum seit den 90er-Jahren verändert?
Ist das amerikanische Versprechen
vom Tellerwäscher zum
Millionär noch gültig?
JK: Ich gebe die Frage lieber zurück.
Unter welchen Bedingungen arbeiten
wir heute? Offensichtlich gibt es eine
Veränderung, eine technologische Erreichbarkeit
und eine Beschleunigung,
die jeden beeinflusst: Arbeiter, Kulturschaffende,
wen auch immer. Wir
sind heute nicht weiser als noch in den
90er-Jahren. Wir haben auch keine besonderen
Werkzeuge.
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ANGEKOMMEN
Es ist vielmehr eine Art der Intuition.
Man geht zurück zu dem, was man
gelernt hat; Techniken, die man sich
innerhalb seiner eigenen Geschichte
angeeignet hat. Was wir hier heute bei
der Performance platzieren oder herausarbeiten
wollen, das sind Partikel
einer geteilten Geschichte zwischen
Kim, Mike Kelley und mir, einer Zeit
und einem Ort.
Stichwort: geteilte Geschichte. Wie
wurden Sie beide Freunde?
JK: Wir trafen uns während der Arbeit.
KG: Das war 1987. Jutta interviewte
mich und Sonic Youth für das „Spex
„SOCIAL-MEDIA-STATUS
IST HEUTE EINE WÄHRUNG
DES SEINS“
Magazin“. Das erste gemeinsame Projekt
machten wir dann 1994. Jutta hatte
eine Show bei Pat Hearn in New York
1999 und fragte, ob sie ein paar Arbeiten
installieren könnte. Unsere erste
gemeinsame Installation „The Club in
the Shadow“ machten wird dann 2003
bei Kenny Schachter ConTEMPorary
in New York.
JK: Uns verbindet ein geteiltes Interesse,
ein geteilter Austausch, der gleichermaßen
Kunst und Musik berührt.
Gibt es andere jüngere Künstlerinnen,
die in Ihrer Tradition arbeiten,
die in den Fokus gehören?
JK: Mich interessieren künstlerische
Positionen, die etwas verändern, die
wirklich neue Ideen und Behauptungen
aufstellen und nicht die Modelle
aus den 90ern oder sonst irgendeiner
Zeit wiederholen. Neue Rollenmodelle
sollten aus ihrer eigenen Zeit kommen.
Es ist doch viel interessanter etwas
wachsen zu sehen, das anders ist und
eine Verbindung zu den Fragen der Gegenwart
herstellt.
Was hat heute zeitgenössische Relevanz?
JK: Die Frage ist eher, wie wird zeitgenössische
Relevanz konstituiert. Wir
sind in einem System der Klicks, Likes
und Follower gefangen. Ich glaube, das
ist nicht der einzige Weg zu denken. Es
wird eine neue Generation geben, die
das nicht mehr mitmacht, die wirklich
versuchen wird, andere Möglichkeiten
und Wertesysteme herauszuarbeiten.
Wer oder was das ist, kann man zurzeit
noch nicht sagen, wir stecken mitten
im Prozess. Das braucht Zeit.
Vielleicht hat sich der Glaube gefestigt,
dass eine mediale Popularität
kulturellen Einfluss verleiht ...
KG: Es gibt diese Vorstellung und den
Wunsch in der Kunstwelt, über die
Maße populär und einflussreich zu
sein. Das sind ähnliche Mechanismen
wie in der Politik. Zudem begünstigen
die sozialen Medien eine Auflösung der
Grenzen zwischen Kunst und Mainstream.
Jay-Zs Song, seine Performance
mit Marina Abramovic in der Pace
Gallery 2013, steht sinnbildlich dafür,
wie Mode, Pop und Kunst verschmelzen.
Es zeigt, dass einiges falsch läuft
in der Kunstwelt.
Was lässt hoffen?
JK: Es gibt Bereiche, etwa in den Kunsthochschulen
oder nerdigen Gruppierungen,
in denen neue Philosophien oder
kulturelle Praktiken ausprobiert werden.
Leute, die wirklich Dinge in neuen Formen
durchdenken. Ich kann nicht sagen,
dies oder das ist oder wird das heißeste
oder beste Zeug. Interessant ist es, danach
zu schauen, wo kommen kleine
Gruppen zusammen, die diskutieren
und darüber nachdenken, unter welchen
Bedingungen sie selbst arbeiten
und leben, wie es dazu kam und was
man tun kann, um das alles zu verändern
oder zu beeinflussen.
Jutta Koether (*1958) ist eine deutsche
Malerin, Performancekünstlerin und
Theoretikerin. Seit 2010 ist sie Professorin
für Malerei an der Hochschule für bildende
Künste in Hamburg.
Kim Gordon (*1953) ist eine US-amerikanische
Musikerin, Kuratorin und Künstlerin.
Bis zur Auflösung 2011 war sie Sängerin
und Bassistin der Band Sonic Youth.
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AGENDA
ILMENAU STATT LA:
EIN FILM-FESTIVAL IN
DER WALACHEI
Dass Goethe in Ilmenau sein letztes
Gedicht „Über allen Wipfeln ist ruh“
geschrieben hat, trägt nicht gerade
zum Ruf des Städtchens als Film-Metropole
bei. Trotzdem gibt es dort seit
einem Jahr ein Kurzfilmfestival, das
genau deshalb so gut ist, weil es nicht
in Berlin oder München stattfindet.
Der Eintritt ist frei, die hochwertige
Filmauswahl und die Location am
Thüringer Wald sprechen für sich.
Am Berg Kickelhahn, auf Seebühnen,
bewachsenen Häuserbaracken oder
Freilichtbühnen im Stadtpark gibt es
Filme aller Genres. Am Abend kann
man noch zu Goethes Wald-Häuschen
wandern.
Ilmenau, 22. bis 25. Mai
EUROPE 14|14
Vom 7. bis 11. Mai treffen auf dem
History Campus in Berlin bis zu 500
junge Menschen aus ganz Europa im
Maxim Gorki Theater aufeinander.
Gemeinsam wollen sie die Bedeutung
des Ersten Weltkrieg für sich
persönlich, die jeweilige nationale
Identität und für das heutige Europa
als gemeinsames Friedensprojekt erkunden.
Weitere Infos unter www.bpb.de
LIEBE ALS KUNST
Gegenwartskunst und Liebe? Bei zeitgenössischen
Arbeiten denkt man eher
an Provokationen aus Politik, Konsum
und Sex oder an völlig abstrakte Konzeptkunst.
Doch was ist mit Gefühlen
oder sogar Romantik – nicht cool genug?
Dabei spielt die Liebe doch genauso
wie die Kunst mit unserer Fantasie,
befeuert unsere Vorstellungskraft,
kann wie die Kunst als unordentliche
Emotion Grenzen überschreiten. Das
Wilhelm-Hack-Museum in Ludwigshafen
will diskutieren, wie, warum
und was Liebe in der Gegenwartskunst
bedeutet und zeigt dabei Arbeiten von
Marina Abramovic, Sophie Calle, Tracey
Emin und Tino Sehgal.
„Liebe“, Wilhelm-Hack-Museum Ludwigshafen,
bis 29. Juni
AUF DEN BESEN,
SCHWESTERN! ES IST
WALPURGISNACHT
In der Nacht vom 30. April zum ersten
Mai werden Feuer angezündet
und es wird wild getanzt. Überall in
Deutschland finden große Feste statt,
besonders in Berlin. Traditionell gilt die
Nacht vom 30. April auf den 1. Mai als
die Nacht, in der die Hexen insbesondere
auf dem Blocksberg (Brocken),
aber auch an anderen erhöhten Orten
ein großes Fest abhalten.
In der Nacht vom 30. April auf 01. Mai
FANATIKER DES
AUGENBLICKS
Düsseldorf ist eine Kunst-Stadt par
excellence. Die Quadriennale, die dort
alle vier Jahre stattfindet, gleicht einem
kreativen Vulkanausbruch, an dem alle
führenden Düsseldorfer Kunstmuseen,
Ausstellungshäuser und die Kunstakademie
beteiligt sind. Alles dreht sich
um ein zentrales Leitthema, auf das
sich alle teilnehmenden Institutionen
entsprechend ihrer programmatischen
Ausrichtung mit Werkschauen, Ausstellungen
und einem umfangreichen
Begleitprogramm beziehen. Thema
dieses Mal: der Augenblick und die
Zukunft.
Kunst-Quadriennale Düsseldorf,
5. April bis 10. August
Foto: Frank Hurley, 1917
FILM ALS DOKUMENT
Vier Tage lang werden auf dem 3. Berlin
Documentary Forum verschiedenste
Modi des Dokumentierens, Erinnerns
und Abbildens in Life-Präsentationen,
Screenings und Ausstellungen reflektiert.
Thema des zum 3. Mal von Hila
Peleg kuratierten Forums soll die Auseinandersetzung
mit der Tradition des
Narrativen Realismus sein, der sich
Künstler wie Harun Farocki, Elfriede
Jelinek und Uriel Orlow stellen.
Berlin Documentary Forum 3:
29. Mai bis 1. Juni
FEUERBACHS MUSEN – LAGERFELDS MODELS
Musen und Models sind das beflügelnde
Opiat der Kunst und Mode. Ohne sie
wäre es sehr langweilig, weil weniger
schön und rauschhaft. Die Hamburger
Kunsthalle zeigt nun eine Doppelschau,
in der Gemälde von Anselm Feuerbach
mit noch nie gezeigten Fotografien von
Karl Lagerfeld zusammengeführt werden.
Von Feuerbach sind über vierzig
Arbeiten aus den Jahren 1860 bis 1870
zu sehen. Karl Lagerfeld schuf speziell
für die Ausstellung eine Serie von rund
sechzig Schwarz-Weiß-Aufnahmen.
Hamburger Kunsthalle, bis 15. Juni
Parallel zur Ausstellung ist bei STEIDL
der Band „Karl Lagerfeld – Moderne
Mythologie“ erschienen.
Foto: “Veracruz/Virginia,” performance Maria Thereza Alves and Jimmie Durham, 1992, Monterrey,
Mexico, courtesy Museo de Monterrey
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AGENDA
BALLKLEIDER
FÜR ALLE!
Charles James war im zwanzigsten
Jahrhundert einer der wichtigsten Modeschöpfer
der Vereinigten Staaten. In
der Schau im Metropolitan Museum wird
seine Karriere nachgezeichnet – unter
Anderem seine Arbeit an mathematisch
und wissenschaftlich angelegten Entwürfen
für revolutionäre Abendkleider.
Zu sehen sind etwa 80 der markantesten
Entwürfe, Ballkleider aus den 40er- und
50er-Jahren, die zum Schönsten zählen,
was die Mode jener Zeit hervorgebracht
hat: weibliche Silhouetten, mehrlagige
halb transparente Stoffe, extrem betonte
Taillen und extrava gante Details.
Charles James Beyond Fashion, New
York, Metropolitan Museum of Art, 8.
Mai bis 10. August
BIRDS
OF
PARADISE
So luxuriös wie fragil, haben Federn
immer schon die Phantasie von Modedesignern
und Künstlern angeregt. Nun
erzählt die Ausstellung „Birds of Paradise“
von der Arbeit der Plumassier,
der Federarbeiter, Federn in der Kunstgeschichte
und ihrer Bedeutung für
so schillernde Stilikonen wie Marlene
Dietrich und Yves Saint Laurent.
„Birds of Paradise - Federn und
Daunen in der Mode“, bis 24. August im
MMAntwerpen
EUROPEAN MEDIA
ART FESTIVAL
Wir sind der Feind: Dass wir überwacht
werden, ist insofern ein hausgemachtes
Problem, weil es keinen
Widerstand, sondern vorauseilenden
Gehorsam gibt. Damit beschäftigt
sich das European Media Art Festival.
Seit über 25 Jahren ist Osnabrück
der Treffpunkt für den künstlerischen
Nachwuchs im Medienbereich. Dieses
Jahr steht es unter dem Motto „We, the
enemy“. Was George Orwell in seinem
Roman „1984“ noch wie eine tumbe
Überwachungsdiktatur gestaltet hat,
hat sich viel subtiler in unseren Alltag
eingeschlichen: Die Gesellschaft der
Selbstkontrolle zielt auf eine optimierte
Bewirtschaftung der Menschen und
beutet sich selbst aus. In der Ausstellung,
in Performances, Filmprogrammen
und Gesprächen wird reflektiert,
wie wir zu allseitig überwachten
„Feinden“ wurden und wie die aktuelle
internationale Kunstszene darauf
antwortet.
Osnabrück, 23. bis 27. April, Ausstellung
bis 25. Mai
Alice und Matt, seit 2 Jahren ein Paar
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DAS BILD
Interview: Robert Grunenberg
Zeichnung: Brode Dalle
DIE PUNKROCK-SÄNGERIN BRODY DALLE LIEBT KRAWALL UND KONTEMPLATION. SCHON MIT 15 JAHREN HATTE SIE
EINEN PLATTENVERTRAG UND SPIELTE SPÄTER ALS FRONTFRAU UND GITARRISTIN DER BANDS THE DISTILLERS UND
SPINNERETTE AUF ALLEN GROSSEN FESTIVALS. EIN GESPRÄCH ÜBER IHRE TEENAGER-ZEIT, ZWEI SCHWANGERSCHAFTEN
UND ANDERE METAMORPHOSEN DES ALLTAGS. DAZU MALTE SIE UNS EIN EINÄUGIGES SELBSTPORTRAIT.
„I WANT TO
KICK ASS“
Fräulein: Wie oft sind Sie in
Ihrem Leben durch eine Metamorphose
gegangen?
Brody Dalle: Wahrscheinlich ist mein
ganzes Leben eine einzige Metamorphose.
Man entwickelt sich die ganz
Zeit. Mein Vater sagte mir, das Einzige,
was im Leben konstant ist, sei Veränderung.
Das ist wahr. Wenn du eine
miese Zeit durchlebst, ist es das Beste,
wenn man das in irgendeiner Form
ausdrücken kann. Insbesondere, wenn
man den Wunsch hat, voranzukommen,
eine glückliche Person zu sein.
Wenn nicht, kannst du dich in deinem
Unglück suhlen!
Inwiefern reflektieren Sie diese
Transformationen in Ihrer Musik?
Ein Song, ein Album ist immer eine
Momentaufnahme der eigenen Lebensphase.
Die Aufnahmen speisen
sich aus allem, was einen umgibt.
Ein Song hat deshalb oft mehrere
Geschichten, die alle miteinander zusammenhängen.
Mit meinem ersten
Solo-Album „Diploid Love“ begann ich
kurz vor der Schwangerschaft 2011.
Im Song „Dont Need Your Love“
hört man Kinderstimmen im Hintergrund
quietschen. Sind das Ihre
Kinder?
Ja, das sind die Stimmen meines Sohnes
und meiner Tochter. Ich nahm sie
auf, während sie in der Badewanne
spielten. Der Song ist ursprünglich
für eine Person, enthält aber zwei Geschichten.
Es geht um mich und meinen
Sohn.
Was hat sich nach der Geburt Ihres
Sohnes verändert?
Während der Schwangerschaft und
nach der Geburt fühlte ich mich wirklich
gut. Ich fühlte mich selbstsicher
und glücklich. Als meine Tochter 2006
geboren wurde, hatte ich so was wie
eine persönliche Krise. Ich wusste
nicht, wer ich bin, wo ich bin und was
ich mache. Da kam ich nicht richtig
raus. Erst nachdem mein Sohn geboren
wurde, fühlte ich mich wirklich
als Mutter. Ich gewöhnte mich an mein
neues Leben, an das Erziehen meiner
kleinen Tochter und daran, mit meinen
eigenen Problemen umzugehen, ohne
es auf sie abzuwälzen.
Persönliche Krisen führen oft zu
einem Gefühl der Entfremdung.
Kennen Sie das Gefühl, eine Außerirdische
zu sein?
Ich fühle mich bereits mein ganzes Leben
wie ein Außerirdischer. Als Kind
war ich ein Außenseiterin. Ich war
schüchtern, fühlte mich seltsam und
passte nicht so richtig dazu. Doch je
älter ich wurde, desto mehr entdeckte
ich, dass es unzählige Leute gibt, die
genauso fühlen, dass es ein ziemlich
menschlicher Zustand ist.
Sie texten und singen darüber, wie
man überlebt, seine Probleme in
den Griff bekommt. Was gibt Ihnen
Kraft und Energie?
Ich habe von Natur aus viel Energie.
Um mein Gehirn auszuschalten, gehe
ich lange joggen. Joggen ist großartig,
denn man findet einen eigenen Rhythmus.
Man kann es überall machen,
man ist frei. Es ist wie Meditation.
Mein Ehemann versucht mich schon
seit Längerem von Transzendentaler
Meditation (TM) zu überzeugen.
Was passiert da?
Man denkt an überhaupt nichts. Es
ist eine unglaublich kraftvolle Erfahrung.
Angeblich soll es sogar Körperzellen
regenerieren. Es gibt eine kleine
Stadt in den USA, die total von einer
TM-Welle ergriffen wurde. Dinge liefen
in dem Dorf nicht gut, die Leute waren
depressiv, dann gab es eine Stadtversammlung,
eine Frau überzeugte alle
Bewohner, Transzendentale Meditation
auszuprobieren. Plötzlich fingen die
Leute an gut zu arbeiten, ihr Leben erfüllter
und glücklicher zu gestalten. Ich
schätze, ich sollte es ausprobieren.
Mit Meditation kann man verschiedene
Charaktereigenschaften ins
Gleichgewicht bringen. Was sind die
Extreme Ihrer Persönlichkeit?
Ich bin von Natur aus sehr aggressiv.
Wenn ich auf die Bühne gehe, dann
transformiere ich zu diesem wilden
Tier. Es gibt ein Element in mir, das
überleben, den Leuten in den Arsch treten
will. Ich habe keine Lust mir Scheiße
anzuhören. Als Kind habe ich so viel
Mist erlebt, dass ich manches jetzt komplett
ablehne. Meine Mutter war auch
eine energische Person. Sie ist eine politische
Aktivistin. Somit bin ich von Kind
an mit einem aggressiven weiblichen
Archetyp aufgewachsen, die zu Protesten
ging und Prügeleien mit Polizisten
führte. Solche Erlebnisse prägen.
Wie fühlten Sie sich damals?
Als Kind war das sehr peinlich und
auch beängstigend. Heute kann ich
diese Energie und kritische Haltung in
meiner Musik ausdrücken.
Im Video zu Ihrem Song „Meet the
Foetus“ empören Sie sich über viele
gegenwärtige Ereignisse ...
Es gibt viele Dinge, die mir nicht gefallen.
Ich haue keine Statements raus,
sondern stelle lieber Fragen. Denn es
gibt einige Fragen zu stellen: Schau
nach Syrien, nach Fukushima oder auf
die Missbrauchsfälle in der katholischen
Kirche. All dieser Scheiß macht
mich sehr wütend. Im Video zu „Meet
the Foetus“ sind Traumsequenzen zu
sehen, die meine Angst zeigen, Kinder
in diese Welt zu bringen.
Was bedeutet es für Sie jetzt, eine
Familie zu haben?
Meine Kids und mein Ehemann sind
meine Heimat. Wir leben in Kalifornien,
teilen dort unser Leben, spielen
und singen viel zu zusammen. Das vereint.
Mein Sohn spricht schon sehr gut,
singt unentwegt und erfindet seine eigenen
Texte. Mein absoluter Favorit ist,
wenn er in der Küche steht und schreit:
„I don’t like you, don’t like you, don’t tell
me what to do!“
Auf ihrem ersten Solo-Album „Diploid Love“
entlässt Brody Dalle wieder bebende Sounds
und nachdenkliche Texte in die Welt. Dalle
singt über das Leben: wie man es erschafft,
darin lebt und überlebt. Musikalisch mischt
sie dabei Punkrock mit einem Schimmer Pop.
EV: Ende April 2014
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EIN TAG
Text: Maja Hoock
Fotos: Miles Michael
„Detroit ist nicht tot, Detroit wird leben“,
sagt Tilda Swinton im Vampir-Film
„Only Lovers Left Alive“. „Spätestens,
wenn die Städte im Süden brennen.“
Miami brennt zwar nicht, aber seine
Künstler suchen sich trotzdem günstigere
Alternativen. Auch New York ist so
teuer, eng und seit dem 11. September polizeikontrolliert,
dass es fast anti-kreativ
geworden ist. Künstler brauchen Platz
für Ateliers, haben oft wenig Geld und
wollen sich austoben. Darum erobern sie
sich jetzt Detroit.
Die Stimmung dort ist von einem Vampir-Film
tatsächlich nicht weit entfernt.
Als die Autoindustrie die Stadt verließ,
haben auch die Bürger ihre Wohnungen
teils komplett eingerichtet zurückgelassen.
In den 1950er-Jahren lebten in Detroit
fast zwei Millionen Menschen, heute
sind es nur noch 700.000. Viele Straßen
sind verwaist, Steine brechen von den
Bordsteinen und aus den Kanalisationen
dampft es.
Obwohl die Warnung ausgesprochen
wurde, besser nicht alleine durch die
Stadt zu fahren, führt Miles Michael Besucher
bereitwillig abseits der toten Innenstadt
herum. Er arbeitet eigentlich im
neun Stunden entfernten New York als
Künstler und Bühnenbildner, doch gerade
hat er sich ein Haus in Detroit gekauft.
Nicht zuletzt die New Yorker Vernissagen,
die eher Marketing-Events ähneln,
haben ihn wie viele seiner Kollegen aus
der Stadt getrieben.
Er will als Künstler leben, nicht als Abziehbild
seines Berufes, sich nicht weiter
von Sekt auf Ausstellungseröffnungen
nähren. In Detroit kann er durchdrehen:
Gerade hat er ein Auto in die Luft
gesprengt, denn es gehörte niemandem
und die Polizei hat andere Sorgen. Die
Stadt in Michigan ist einer der kriminellsten
Orte der USA. Die berüchtigte
„Eight Mile Road“ trennt die innere
Stadt, in der zu 80 Prozent Schwarze
leben, von den Vororten der Weißen. Statistisch
passiert dort jeden Tag ein Mord
und es gibt einen eigenen Gewaltfeiertag,
die „Detroit Devil’s Night“, in der Brände
gelegt werden. Das ist gefährlich, führt
aber auch dazu, dass man sich frei und
lebendig fühlt, so als wäre alles erlaubt.
Miles’ neues Haus liegt direkt am belebten
Eastern Market, hat nur 15.000
Dollar gekostet und noch weiß er gar
nicht wohin mit dem ganzen Platz. Im
Keller hat er sein 60 Quadratmeter großes
Atelier, oben ein riesiges Büro. „New
York klingt für mich vor allem nach Geld
und Polizei“, sagt er. „Hier kann ich machen,
was ich will.“ Neben ihm hat sein
Nachbar aus New York ein Haus gekauft
und die original Zwanzigerjahre-Bar im
Erdgeschoss renoviert. Daneben haben
Freunde ein eigenes Café mit Konzertraum;
eine befreundete Fotografin aus
Los Angeles errichtet sich gerade ein eigenes
Museum mit Buch-Verlag in einer
ehemaligen Bank samt verschlossenem
Safe für 500 Dollar. Wieder eine andere
lebt in einer Art Schloss und Bekannte
haben sich das „Treasure Nest“ eingerichtet,
eine verdrogte Villa Kunterbunt
für Erwachsene. Nirgends ist es so einfach,
selbst etwas auf die Beine zu stellen
wie hier. Mit 2.000 Dollar im Monat
kann man sich schon ein Loft leisten, im
Prinzip kann man aber auch einfach in
eines der 78.000 leer stehenden Häuser
ziehen. Die Aufbruchstimmung erinnert
an Berlin in den Achtzigern: Alles ist
möglich, die Ästhetik ist roh und selbstgemacht.
Detroits Künstler sind anti-akademisch,
sozial engagiert und machen
Outsider-Art wie im „Italian American
Pizza Museum“, im „Heidelberg Projekt“,
einem riesigen Outdoor-Kunst-Ort, oder
im „African Beat Museum“, das einfach
seine Umgebung übernommen hat und
im ganzen Viertel Kunst verbreitet natürlich
ohne Erlaubnis der Stadt. Brachliegende
Flächen werden zu riesigen
Gärten, in denen Gemüse und Obst angebaut
werden, und im Sommer baut man
etwas aus dem Schrott, der überall herumliegt,
oder badet im Erie-See. Miles
hat seinen Strand „Miles Beach“ getauft.
Die Stadt ist ein Abenteuerspielplatz aus
leeren Wolkenkratzern, Museen, Banken
und Theatern.
Detroit muss in den 50er-Jahren aufregend
gewesen sein, als die Art-déco-Hochhäuser
noch belebt waren, man
ohne Grenzkontrollen über den Fluss
nach Kanada fahren konnte, um Alkohol
zu kaufen, und an jeder Straßenecke
Bands spielten, die hofften, vom Motown-Label
entdeckt zu werden. Heute
ist es ein Modell, wie sich eine amerikanische
Stadt nach dem Kapitalismus entwickeln
kann: kreativ und alternativ. Eine
Oase. Dass es nicht ganz einfach ist, hier
zu leben, bewahrt es sie davor, zu einem
zweiten Brooklyn zu werden.
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LEGENDE
Text: Lorenz Schröter
Fotos: The Ayn Rand® Institute
SIE WAR MIT EINEM GUT AUSSEHENDEN SCHAUSPIELER
VERHEIRATET, AMPHETAMINABHÄNGIG UND SCHRIEB
MEHRERE BESTSELLER. SILICON-VALLEY-MILLIARDÄRE,
BOLLYWOODSTARS UND MODEDESIGNER WIE RALPH
LAUREN LASSEN SICH VON IHREM WERK LEITEN. AYN
RANDS ULTRA-KAPITALISTISCHE WELTSICHT MUSS
MAN SICHER NICHT TEILEN. OHNE SIE LÄSST SICH DIE
AMERIKANISCHE GESELLSCHAFT ABER NICHT VERSTEHEN.
„The right to agree is not a problem in
any society. It is the right to disagree
that is crucial. It is the institution of
private property that protects and implements
right to disagree.“
Alissa Rosenbaum, wie Ayn Rand ursprünglich
hieß, war die Tochter eines
wohlhabenden Apothekers in Sankt
Petersburg, der außerhalb des Judenviertels
leben durfte. Mit der russischen
Revolution verlor die Familie
ihr Geschäft und floh auf die Krim. Anschließend
studierte Rand Geschichte
in Sankt Petersburg, führte Proletarier
durch Museen und emigrierte mit
zwanzig in die USA. Sie arbeitete als
Kellnerin, Garderobiere und Drehbuch-Mitarbeiterin
in Hollywood. Im
Film „King of Kings“ ist die Atheistin
ein Teil der Jesus zujubelnden Menge.
Während der Dreharbeiten lernte sie
Frank O’Conner kennen und heiratete
ihn. Nebenbei schrieb sie. Buch um
Buch, Theaterstücke, Drehbücher. Sie
nahm Benzedrin (Speed), das war damals
nicht verschreibungspflichtig, in
den James-Bond-Büchern ist oft von
„Bennies“ die Rede. Mit 38 schrieb Ayn
Rand, so ihr angenommener Name,
ihren ersten Bestseller: „The Fountainhead“,
der ewige Quell, 1943 mit Gary
Cooper verfilmt. Es handelt von einer
Frau zwischen zwei Architekten, der
eine ein willensstarker Modernisierer,
der Wolkenkratzer baut, der andere ein
erfolgreicher Opportunist.
Es ist die Art von Büchern, die einen
jungen idealistischen Geist entflammen
können. Yaron Brook, heute Präsident
der Ayn Rand Society, war in
seiner Jugend ein guter Sozialist gewesen:
„Das war jeder in Israel. Dann las
ich mit 16 Jahren Ayn Rand und war
komplett geschockt. Am Ende war ich
überzeugt, ich hatte Unrecht und sie
Recht.“
Rands Ansichten sind stets dafür
gut, um Gemeinschaftskundelehrer,
Gewerkschaftler und Sozialisten zu
ärgern. Warum Hungersnöte fast ausschließlich
in sozialistischen Staaten
vorkommen? Es im Sozialismus keine
Meinungsfreiheit gibt? Für Rand eine
klare Angelegenheit:
„The basic issue is only: is man free?
In mankind’s history, capitalism is the
only system that answers yes.“
In ihrem nächsten Buch „Atlas Shrugged“,
Atlas wirft die Welt ab, verschwinden
die Erfinder und Unternehmer. Sie
wollen weg von einem Staat, der sie
mit Vorschriften drangsaliert und sie
durch Steuern enteignet. Sie gründen
eine kapitalistische Utopie, über dem
Eingang erhebt sich ein gewaltiges
Dollarzeichen aus purem Gold. In einer
berühmten Szene in „Atlas Shrugged“
heißt es: „If you saw Atlas, the giant
who holds the world on his shoulders,
if you saw that he stood, blood running
down his chest, his knees buckling,
his arms trembling but still trying to
hold the world aloft with the last of his
strength, and the greater his effort the
heavier the world bore down upon his
shoulders - What would you tell him?“
„I don‘t know. What could he do? What
would you tell him?“
„To shrug.“
Dagny Taggert, die Hauptperson von
„Atlas Shrugged“, gilt vielen als erste
richtige Heldin der Literaturgeschichte.
Sie entscheidet selbstbewusst und
unabhängig, dient dabei aber auch
gern Männern. Die Liebesszenen
schwanken irgendwo zwischen Vergewaltigung
und stummem SM. Feministinnen
verachten und verehren sie,
sowohl Dagny als auch ihre Schöpferin,
die energische Kettenraucherin mit
herrischer Stimme und dem goldenen
Dollarzeichen als Brosche, die ihren
Mann jeden Dienstag und Samstag aus
dem gemeinsamen Apartment in der
120 East 34th St schickt, um ihren halb
so alten Liebhaber Nathaniel zu empfangen.
Dessen Frau Barbara schrieb
dann eine liebevolle Biografie über Ayn
Rand. Als sich dann Nathaniel eine
wesentlich jüngere Geliebte aussuchte,
waren sowohl Barbara als auch Ayn
sehr böse.
„Tell me what a person finds sexually
attractive and I will tell you their entire
philosophy of life.“
Ayn Rand war in den 50er-Jahren ein
Superstar in Amerika. Ihre Vorträge
waren extrem populär, sie hatte eine
eigene Radio-Show, trat im Fernsehen
auf; die Gesamtauflage ihrer Bücher
beträgt 25 Millionen allein in den USA.
Alan Greenspan, der fast zwanzig Jahre
die amerikanische Notenbank leitete,
war ihr eifriger Schüler. Auch wegen
solcher Lehren:
„It is morally obscene to regard wealth
as an anonymous tribal product and to
talk about redistributing it. The view
that wealth is the result of some undifferentiated
collective process, that we
all did something and it is impossible to
tell who did what, therefore some sorted
equalitarian distribution is necessary
might have been appropriate in
the primary jungle with a savage horde
moving boulders by brute physical labor.
To hold that view in an industrial
society where individual achievements
are a matter of public record is so crass
an evocation that even to give the benefit
of the doubt is an obscenity.“
Es sind demnach die Erfinder, die die
„THE BASIC
ISSUE IS ONLY:
IS MAN FREE?”
Welt am Laufen halten, es sind die
Unternehmer, die Werte schaffen, und
nicht der Staat, der nichts anderes tut,
als fremdes Eigentum zu verteilen.
Laut Ayn Rand sollte der Leviathan,
wie Hobbes den Staat nennt, nur für
die Sicherheit seiner Bürger sorgen, als
sogenannter Nachtwächterstaat. Kultur,
Bildung, Transport- und Gesundheitswesen
sollten sich frei am Markt
entfalten, Steuern seien unmoralisch.
Monopole gäbe es nur, wo der Staat
eingreift, Zölle erhebt, Vorschriften
erlässt. Sie beruft sich dabei auf die
Ökonomen der österreichischen Schule
Hayek und Mises, die darauf hinwiesen,
dass in einer staatlich geleiteten
Wirtschaft Misswirtschaft entstehen
muss, da es in der Planwirtschaft keine
Nachfrage-Information gibt. In einem
freien Markt signalisieren steigende
Preise einen Mangel, der in Folge unternehmerische
Kräfte anzieht und den
Mangel behebt.
„The difference between a welfare state
and a totalitarian state is a matter of
time.“
Die Gründungsväter der USA und danach
die Einwanderer aus Europa waren
vor absolutistischen Herrschern
und anderen Diktaturen geflohen. So
wurde Freiheit für die Ausgestoßenen
aus den herrschenden Systemen,
der Wohlfahrtsstaat für die in Europa
verbliebenen Nutznießer der Regimes
zum Ideal.
„The question isn‘t who is going to let
me; it‘s who is going to stop me.“
Die kleine Frau mit dem Pagenschnitt
und der silberblauen Zigarettenspitze,
geflohen vor den Sowjets, Selfmade-Millionärin,
ist die Stimme dieses
amerikanischen Ideals. Die Rechten
von der Tea Party übernehmen zwar
gern ihre Wirtschaftsideologie, ihr
kämpferischer Atheismus stößt ihnen
hingegen sauer auf.
Ayn Rands Sprüche zieren heute
T-Shirts, Universitäten tragen ihren
Namen, die Internet-Unternehmer
preisen sie, zurzeit wird die dritte
Kino-Folge von „Atlas Shrugged“ gedreht.
Die ersten beiden Teile floppten
allerdings.
1982, mit 77, starb sie an Lungenkrebs.
Ihr Mann war ein paar Jahre vorher
gestorben, ihre Schwester, enttäuscht
vom Kapitalismus, war längst zurück
in die Sowjetunion gezogen. Ayn Rand
hinterließ keine Kinder. Bis zuletzt bestritt
sie, dass ihre geliebten Zigaretten
Marke Tareytons mit dem Krebs
etwas zu tun haben könnten. Ihr sollt
alle rauchen, hatte sie verkündet, wer
raucht, ist ein Prometheus.
Laut Gore Vidal ist die Philosophie von
Ayn Rand (1905 – 1982) nahezu perfekt in
ihrer Immoralität. Paul Ryan, Vizepräsidentschaftskandidat
der Republikaner, und
Amber Heard, die bisexuelle Freundin von
Johnny Depp, sind Fans. Anne Hathaway liebt
ihre Romane. Die meisten Google-Anfragen zu
ihr kommen aus den USA und Indien.
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SCHNITTMUSTER
Interview: Sina Braetz
TORY
BURCH
EINST EIN TOMBOY AUF EINER FARM IN PENNSYLVANIA, HEUTE EINE DER WELTWEIT REICHSTEN FRAUEN MIT
EINEM GLOBALEN MODEIMPERIUM: TORY BURCH HAT EINE MÄRCHENHAFTE METAMORPHOSE DURCHGEMACHT. DIE
AMERIKANISCHE DESIGNERIN GESTALTET IN IHREM HELLEN, WEISSEN NEW YORKER ATELIER NICHT NUR FEMININE
FRAUENMODE MIT KLASSISCHER SILHOUETTE, SONDERN AUCH BRILLEN, ACCESSOIRES, SCHUHE – DARUNTER IHRE
BERÜHMTEN REVA BALLERINAS – UND EIN BREITES SORTIMENT AN BEAUTY-PRODUKTEN. UHREN FOLGEN IN DIESEM
HERBST, EINE SPORTKOLLEKTION KOMMT NÄCHSTES JAHR NOCH DAZU. FRÄULEIN STELLTE DIE SELFMADE-MILLIARDÄRIN
EIN SCHNITTMUSTER EINES KLEIDES AUS IHRER AKTUELLEN SOMMERKOLLEKTION ZUR VERFÜGUNG.
Fräulein: Sie haben Ihr Label 2004
gegründet. Hat sich Ihrer Meinung
nach die Mode seither verändert?
Tory Burch: Mode entwickelt sich stetig
weiter – Designer wechseln ihre Häuser,
Firmen schließen, neue Talente entwickeln
sich. Die kontinuierliche Veränderung
ist Teil von dem, was diese Industrie
so spannend macht.
Ihre Inspiration schöpfen Sie hauptsächlich
aus den 60er- und 70er-Jahren,
was fasziniert Sie so an der Zeit?
Mit den 60er- und 70er-Jahren verbinde
ich so viele, fantastische Stilikonen wie
Faye Dunaway, Julie Christie, Marisa Berenson,
Charlotte Rampling. Sie verbindet
ein ungezwungen-einzigartiger Stil.
Diese Ära erinnert mich zudem an meine
Eltern, die oft nach Italien, Marokko und
Griechenland gereist sind. Ich liebe es,
Fotos von ihren faszinierenden Reisen
anzuschauen.
Ihre Eltern sind also eine Inspirationsquelle
für Sie?
Absolut! Nicht nur ihre Reisen, auch ihr
Stil. Die Vintage Militärjacke meiner Mutter
beispielsweise war einmal der Startpunkt
einer ganzen Kollektion.
Was macht eine Frau schön und sexy?
Selbstvertrauen und ein Sinn für Humor.
Ich denke, sexy zu sein hängt sehr stark
mit Selbstbewusstsein zusammen, viel
mehr mit einem Seelenzustand als mit
einem persönlichen „Style“. Das hat auch
die wahren Stilikonen ausgemacht und
abgehoben von der Masse.
Sie sind Mutter von drei Jungs sowie
CEO, als auch Designer Ihres Labels.
Das hört sich nach verdammt viel Arbeit
an. Wie schaffen Sie das alles?
Arbeit und Familie unter einen Hut zu
bringen ist eine meiner größten Herausforderungen,
aber ich habe einen guten
Weg gefunden, alles zu managen, indem
ich klare Prioritäten setze. So etwas muss
man lernen. Ich fokussiere mich heute
stark auf Zeitmanagement und muss
manchmal einfach Grenzen setzen.
Was sind das teilweise für Grenzen,
die Sie setzen müssen?
Zeit zu managen bedeutet sich klarzumachen,
was man an einem Tag schaffen
kann. Jeder Tag in meinem Leben ist
anders und mein Terminkalender ändert
sich ständig. Dennoch bringe ich meine
Söhne jeden Tag zur Schule und schaffe es
meistens, abends zum Essen zu Hause zu
sein, selbst, wenn das bedeutet, auf dem
Heimweg ein Meeting im Auto zu haben.
Meine Söhne kommen immer an erster
Stelle. Wenn ich keine gute Mutter wäre,
wäre ich auch kein guter CEO.
Sie selber sind auf einer Farm in Philadelphia
aufgewachsen. Vermissen
Sie manchmal diese Zeit im Vergleich
zu dem rasanten, stressigen Leben in
New York?
Ich liebe es, in New York zu leben – die
Stadt besitzt eine großartige Energie und
tolle Persönlichkeiten. Ich empfand New
York von Beginn an inspirierend, bis heute.
Aber ich liebe auch das Landleben. Meine
Jungs und ich gehen so oft wie möglich
nach Long Island am Wochenende und
verbringen so viel Zeit wie möglich.
Sie waren früher eher ein Tomboy,
stimmt das?
Ja, ich wuchs mit drei Brüdern auf und
war ziemlich bubenhaft. Ich habe fast
meine ganze Zeit draußen verbracht, bin
überall herumgerannt, habe Tennis gespielt
und bin geritten. Ich habe bis zur
High School fast nie Kleider getragen.
Heute kleiden Sie sich sehr weiblich,
auch der Stil Ihrer Marke ist sehr
feminin…
Das stimmt, aber eigentlich ist er feminin
und „tomboyish“ zugleich. Ich mag den
unerwarteten Mix und spiele gerne mit
Kontrasten.
2009 haben Sie Ihre Tory Burch
Foundation gegründet, um Frauen
wirtschaftlich zu unterstützen und
zu stärken. Was hat Sie zu dieser
Gründung motiviert?
Als ich meine eigene Firma gegründet
habe, sah ich zum ersten Mal die Herausforderungen,
mit denen Frauen konfrontiert
sind. Ich wollte anderen Frauen
helfen und ihnen Kraft geben, ein eigenes
Business zu gründen. Unsere Programme
bieten mittlerweile Zugang zu Darlehen,
Ausbildungsangeboten und Mentorenprogrammen.
Wie arbeiten Sie im Design Department
von Tory Burch? Wie gehen Sie
an eine Kollektion heran?
Das Konzept für eine Kollektion kommt
meist zuerst - eine Idee, zu der wir dann
Bilder und Stoffe sammeln. Dann folgen
Skizzen und die Schnittmuster. Manchmal
inspiriert ein Teil auch ein anderes.
Warum haben Sie sich für das
Schnittmuster dieses Kleides entschieden?
Es ist simpel, aber sehr ausdrucksstark.
Ich liebe die leichte A-Silhouette des
Rocks. Das Kleid ist die perfekte Leinwand
für großartige Verzierungen.
Auch wenn Sie es oft gefragt werden
als einer der reichsten Frauen weltweit:
Was bedeutet Luxus für Sie
wirklich?
Für mich äußert sich Luxus in der Art und
Weise, wie man sein Leben lebt, angefangen
von der Zeit, die man mit seiner Familie
und seinen Freunden verbringt, bis hin
zu wie man anderen Menschen begegnet,
wie man sie behandelt. Darauf lege ich
großen Wert.
Sie investieren viel in Social Media
und E-Commerce. Wie gehen Sie mit
sozialen Medien um als Individuum
auf der einen Seite und als Business-Frau
auf der anderen Seite?
Das ist schwierig zu trennen. Ich kümmere
mich in der Firma um Twitter und Instagram,
mein Team dafür um Facebook,
Pinterest, YouTube, Google+ und Co. Ich
mag es, eine mehr oder weniger direkte
Konversation zu führen mit den Kunden
und von ihnen Feedback zu bekommen
– dafür sind solche Kanäle ideal. Wir glauben,
dass soziale Medien der Schlüssel
zum Erfolg sind, um ein Business aufzubauen.
Was wird Ihr nächstes Projekt sein?
Uhren! Die werden in diesem Herbst gelauncht,
sowie eine Sport-Kollektion im
nächsten Jahr.
Tory Burch gründete ihr namensgleiches
Modelabel 2004 in New York und ist heute
mit 100 eigenen Stores weltweit vertreten. Die
Marke ist bekannt für ihren typischen „preppy-bohemian“
Stil und umfasst mittlerweile
ein Sortiment an Ready-to-wear, Accessoires
und Beauty-Produkten.
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HEAVY BURLAP LONG DRESS
1. FA1 HEAVY BURLAP (2X)
LÄNGE: 4.4 YARDS
BREITE: 55“
2. FA2 ORGANZA (3X)
LÄNGE: 1.05 YARDS
BREITE: 51“
3. FUSIBILE MBB40 (2X)
LÄNGE: 1.1 YARDS
BREITE: 57/58“
4. LINING COTTON VOILE (2X)
LÄNGE: 3.74 YARDS
BREITE: 55“
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PIN-UP
Text: Sina Braetz
Foto: Adam Fedderly
ANDRÉ SARAIVA
ANDRÉ SARAIVA SIEHT SELBST DANN NOCH SEXY AUS, WENN ER ALS HUND VERKLEIDET NACH WÜRSTCHEN
LECHZT. SCHON AUF DEN GESCHMACK GEKOMMEN? FÜR UNS IST DER GRAFFITIKÜNSTLER, CLUBBESITZER
UND CHEFREDAKTEUR DER L‘OFFICIEL HOMMES FRANKREICH NÄMLICH EINFACH UNWIDERSTEHLICH!
Monsieur André? Das ist ein Mann, der vor Leidenschaft
sprüht und einen riesigen Durst hat
nach Leben, Spaß, Frauen und natürlich: Sex!
André Saraiva verdreht Frauenköpfe mit einer
Taktik, die er wahrscheinlich gar nicht mal beabsichtigt.
Mit seinem Charme macht er einem
erst Appetit, bis man dann einen richtigen Heißhunger
bekommt. Auf mehr. Mehr von ihm, seiner
Lässigkeit und von Fotos, auf denen er seine
Klamotten fallen lässt – damit hat er nämlich
kein Problem, erst recht nicht, wenn es sein bestes
Stück zu sehen gibt. André ist ein Kumpeltyp
und erfüllt davon – ganz hypothetisch natürlich
-, ein perfekter Lover zu sein: keine Divaallüren,
keine nervige Eitelkeit, kein Rumgezicke. Ein
richtiger Mann eben. Spätestens seit man den
nackten, sexy definierten Oberkörper des 40-Jährigen,
fotografiert von Terry Richardson, auf
dem Cover des „Purple Magazins“ gesehen hat,
war klar: He´s got it! Ich erinnere mich an den
Abend, an dem ich ihn das erste Mal in persona
gesehen habe. Geschäftig lief er durch das Restaurant
seines Pariser Hotels „Amour“. Es war
Fashion Week, Full House. An fast jedem Tisch
blieb der Halbschwede/Halbportuguiese stehen
und begrüßte seine Leute. Die lieben ihn, egal ob
Mann, Frau oder Kind. Es ist eben Master André.
Seine Lederjacke und seine Jeans wirkten extrem
heiß an ihm. Das eng sitzende Shirt ließ seinen
muskulösen Körperbau erkennen. Selbst seine
gegelte Mini-Rockabilly-Locke, die fast jeden
anderen Kerl zu einem unattraktiven Macho machen
würde, stand ihm genau wie sein Englisch
mit französischem Akzent. Que beau grosse! In
seinem Hotel, das ihm mit Thierry Costes gehört,
spürt man den puren Sex gemischt mit einer
Liebe zur Ästhetik. In den dunklen Fluren, die
fast ein bisschen anrüchig wirken (aber stets mit
Stil), sieht man den Mon sieur an einigen Wänden
hängen, ziemlich gut getroffen und natürlich mit
den schönsten Frauen. André lebt puren Sex und
Spaß, lebt das Leben eines Jetsetter-Rockstars.
Er ist Chefredakteur eines der besten Männermagazine,
Hotel- und Clubbesitzer, Hero of the
Night, kurz gesagt „Mr Allrounder“. Hinzu ist er
der Mann hinter „Le Baron“, einem der angesagtesten
Clubs in Paris. Affige VIP-Bereiche gibt es
hier nicht – das wäre auch einfach nicht „André“,
denn er ist bodenständig und hasst es, wenn
Leute nach Geld und Ansehen urteilen. Mit dem
Graffiti fing André an, als er als Kind von Schweden
nach Paris zog. Anstelle von Liebesbriefen
– denn mit denen hatte er es nicht so – schrieb
er die Namen seiner Liebsten an die Wände –
einfach zuckersüß, das Enfant Terrible! So wild
der Künstler auch sein mag, in ihm schlummern
romantische Vorstellungen von der einen, wahren
Liebe. Für seinen Humor steht sein Mr A, mit
dem er bekannt wurde, sein zwinkerndes, rosa
Strichmännchen mit breitem Grinsen und coolem
Zylinder. Das alles macht ihn nicht nur sexy, sondern
auch noch extrem sympathisch!
André Saraiva ( *1971, Uppsala, Schweden, aufgewachsen
in Paris) wurde in den späten 90er-Jahren mit
seinem Graffiti-Charakter „Mr. A“ bekannt. Saraiva ist
Chefredakteur der französischen „L‘Officiel Hommes“
und der Mastermind hinter dem Club „Le Baron“.
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COVER
Mantel Vintage Russel Bennett
ALL
AMERICAN
INDIE
GABY HOFFMANN HAT GENUG VOM PRÜDEN AMERIKA, EINEM MEGALOMANEN
HOLLYWOOD UND DEN TOURISTEN, DIE IHRE HEIMATSTADT NEW YORK ÜBERRENNEN.
AUFGEWACHSEN IM BERÜHMTEN „CHELSEA HOTEL“, IHRE MUTTER WAR ANDY WARHOLS
SUPERSTAR VIVA, SIE SELBST EINER DER KINDERSTARS DER 90ER-JAHRE, WIRD SIE HEUTE
ALS HOFFNUNG DES INDEPENDENT-FILMS GEFEIERT UND GEHT FÜR MEHR BÜRGERRECHTE
PROTESTIEREN. EIN ECHTES FRÄULEIN EBEN.
Interview Ruben Donsbach
Fotos Tony Cox
Styling Bernat Buscato
Styling-Assistenz Anais Codina
Cover: Jumpsuit Agnès B.
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COVER
Fräulein: Hallo Miss Hoffmann,
wie geht es Ihnen?
Gaby Hoffmann: Ehrlich gesagt bin ich
gerade ziemlich krank. Ich habe mir einen
schrecklichen Schnupfen während
einer Demonstration durch den Bundesstaat
New Hampshire zugezogen.
Worum ging es da?
In New Hampshire werden 2016 die
ersten parteiinternen Vorwahlen abgehalten.
Wir wollten Aufmerksamkeit
für die Reform der Wahlkampf-Finanzierung
schaffen. Nur 150.000
Amerikaner, also 0,5 Prozent der Bevölkerung,
finanzieren die Politik in
unserem Land. Nur ihre Interessen
spielen in Washington eine Rolle.
Engagieren Sie sich regelmäßig politisch?
Das kann man so nicht sagen. 1999
begann ich mit dem College. Ein Jahr
später wurde George W. Bush gewählt.
Dann kamen die Anschläge auf das
World Trade Center und der Krieg. All
dieser Mist. Damals habe ich mich
obsessiv mit dem politischen Leben
beschäftigt. Seit zehn Jahren war das
etwas eingeschlafen. Bis jetzt.
Was hat 9/11 bei Ihnen ausgelöst?
Es schien mir damals so, als zerbräche
die Welt in tausend Teile. Das hat
mir verdammt noch mal Angst eingejagt.
9/11 war schon an sich tragisch
und traumatisch. Dann wurde dieses
Trauma von der Bush-Administration
instrumentalisiert um den Krieg gegen
Afghanistan, später den Irak zu rechtfertigen.
Das öffnete mir die Augen für
die Welt, ihre Konflikte und Spielregeln
und die Rolle der Amerikaner darin.
Sie sind in den 80er-Jahren in New
York aufgewachsen. Wie hat sich
Amerika, wie hat sich die Stadt seit
Ihrer Kindheit verändert?
Viele Ecken in Manhattan sind nicht
wiederzuerkennen. Wir wohnten im
„Chelsea Hotel“. Ich wuchs in West-Village
und in der Lower East Side auf.
Und was einst der Gay-Pornshop an
der Ecke war, ist nun ein schicker
Klamottenladen mit einem X-Millionen-Dollar-Apartment
darüber. Ich
will die Vergangenheit nicht romantisieren,
das Verbrechen, die Probleme
der 80er-Jahre, und ich liebe New York
noch immer, aber es ist zu einer Stadt
für Shopper und Immobilien-Mogule
geworden.
Wie war es im „Chelsea Hotel“ aufzuwachsen?
Als Kind wollte ich eine Zeit lang lieber
in den Vororten leben, in einem Haus
mit weißen Gartenzäunen, weil ich
dachte, das würde uns zu einer normalen
Familie machen. Als wenn das
den Charakter meiner Mutter geändert
hätte! Es war in Wahrheit ein großes
Glück, im „Chelsea Hotel“ aufzuwachsen.
Ich rann barfuß durch die zehn
Stockwerke, verschwand für Stunden
in Apartments von Freunden, ob es
nun ein Kind meines Alters war, das
mir beibrachte Dope zu rauchen, oder
eine 45-jährige Sängerin, die an ihrem
neuen Album arbeitete.
Sie haben dann als sehr junges
Mädchen begonnen Filme wie
„Schlaflos in Seattle“ mit Tom
Hanks zu drehen.
Das stimmt. Ich liebte es, am Set zu
sein. Aber ich liebte es wegen der
Menschen, liebte es, mit Erwachsenen
zusammen zu sein und für jeweils drei
Monate in einer transformierten Welt
zu leben. Mehr war das nicht.
In Ihrem aktuellen Film „Crystal
Fairy“ spielen Sie eine sich in Chile
herumtreibende Amerikanerin, die
auf der Flucht vor ihrem eigenen
Leben ist. Wie bereiten Sie sich auf
so eine Rolle vor?
Ich denke vorher viel über die Psychologie
einer Figur nach, so wie ich selbst
viel über meine eigene Psychologie und
Psyche nachdenke. Spielen tue ich aber
aus dem Instinkt heraus. Wenn jemand
am Ende einer Szene „Cut“ sagt und ich
das Gefühl habe, ich erwache aus einem
Blackout, dann war das meistens gut.
Der Film scheint eine Antithese
zum digitalen Lebensstil zu sein,
wie ihn zumindest die kalifornische
Tech-Elite zelebriert.
Da ist was dran. Ich versuche selbst so
„disconnected“ wie möglich zu leben.
Es gibt eine Verbindung von zwischenmenschlichen
Kontakten, Empathie,
Zuneigung und Technologie, die ziemlich
kompliziert ist. Offensichtlich haben
das Internet und unsere technischen
Fortschritte viel Gutes bewirkt. Auf der
anderen Seite gibt es dadurch aber immer
mehr Trennendes, Desintegrierendes,
darüber mache ich mir Sorgen. Ich
versuche mich aus dieser ganzen Social-Media-Geschichte
rauszuhalten und
die Dinge so einfach und old school wie
möglich zu halten. Menschliche Interaktion,
in all ihrer Komplexität und Merkwürdigkeit,
Nuanciertheit und Problematik
ist schwer zu finden in einer SMS.
Sie sind im Film mehrfach nackt zu
sehen und dabei im Intimbereich
nicht rasiert. Das hat in den USA zu
einer kuriosen Debatte geführt.
Das ist eines dieser amerikanischen
Themen, über die man sprechen muss,
weil es die Leute umtreibt. Ich wünschte
„ICH VERSUCHE
SELBST SO
,DISCONNECTED‘
WIE MÖGLICH ZU
LEBEN“
mir einfach, es wäre nicht so ein fucking
Deal. Ich bin damit aufgewachsen, weder
meine Achseln zu rasieren noch
meine Pussy zu waxen. In Chile sagte
der Regisseur Sebastián Silver zu mir:
„Wie wäre es, wenn du high bist und alle
Sachen ausziehst?“ Ich sagte: „Klingt super.“
Wir wollten damit kein politisches
Statement abgeben! Ich war grade in
ein paar Folgen von dieser HBO-Serie
„Girls“ nackt von der Hüfte abwärts zu
sehen und jetzt geht die Debatte in die
nächste Runde. Das alles unterstreicht
Amerikas puritanisches Verhältnis
zum eigenen Körper und zum Sex. Das
interessiert mich aber nicht. Was als
schön und ästhetisch empfunden wird,
scheint sich eh alle zehn Jahre zu ändern.
Irgendwann werde ich mit meinem
Busch also wieder angesagt sein.
Wie geht es Ihnen wirklich damit?
Das stößt mich alles richtig ab und
ist die totale Entstellung vermeintlich
christlicher Werte. Wir sagen: Krieg,
ja! Sex, nein! Gewalt, na klar! Nacktheit,
eine Sünde! Das ist alles fucking
durcheinander! Ich hoffe so sehr, dass
wir wieder anfangen, die Schönheit
und Bedeutung des Natürlichen, des
Schönen und des Sex zu zelebrieren.
In „Cristal Fairy“ hat Ihr Charakter
den Hintergrund, eine Domina
gewesen zu sein. Interessiert Sie
diese Form der Sexualität?
Nein, S&M, schwarzes Leder, Ketten,
das alles hat mich nie sonderlich interessiert.
Also ein wenig Aggression, na
klar. Aber ansonsten ... vielleicht verpasse
ich da ja was?
Vor Kurzem haben Sie in einem Interview
gesagt, dass Sie froh sind,
dass das Hollywood-System zu einem
Ende kommt und es einfacher
wird, Filme zu drehen. Klingt nach
„do it yourself“ und einer neuen
Form der Selbstermächtigung.
Es gibt immer mehr erfolgreiche
DIY-Filmemacher. Das geht sicher mit
einer Demokratisierung des Filmemachens
einher ... Entschuldigung, ich bin
auf so viel Erkältungsmedizin, dass ich
kaum grade denken kann ... also, es ist
zwar einfacher geworden, einen Film
zu drehen, nicht aber als Filmemacher
ein Auskommen zu finden. Währenddessen
hat Hollywood völlig den
Verstand verloren, was Inhalte und
die Größe der Produktionen angeht.
Während die gesellschaftliche und
ökonomische Mittelschicht in Amerika
wegbricht, gibt es auch im Film keinen
wirklichen Mittelbau mehr. Das war in
den 90er-Jahren noch gänzlich anders
und ist ein Riesenproblem. Die Welt
wird offener, aber dabei extremer. Ich
setzte auf das Comeback der Mittelschicht.
Als das New Hollywood dem Studiosystem
den Rest gab, stand dies
in Verbindung mit großen gesellschaftlichen
Umbrüchen. Könnte
das heute wieder so sein?
Keine Ahnung. Vielleicht bin ich grade
auch viel zu high auf diesen Medikamenten,
aber manchmal habe ich einfach
die Hoffnung, dass dieses ganze
Chaos, alles, was wir versaut haben in
Amerika, dass das irgendwann besser
werden wird.
Outfit Costume National
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Outfit Costume National
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Mantel Vintage Russel Bennett
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COVER
Top Vintage Helmut Lang
Es gibt derzeit nichts, was Ihnen
an Amerika gefällt?
Doch ... als ich nach New Hampshire
fuhr um diesen Marsch durch den
Bundesstaat mitzumachen um das
Land wieder für uns Bürger zurückzufordern,
da hörte ich ein Interview
mit der russischen Journalistin Masha
Gessen, die grade ein Buch über Pussy
Riot geschrieben hat.
Das Interview auf dem liberalen
Sender NPR?
Ja, genau. Sie sprach über die politische
Situation in Russland. Da wurde mir
noch mal klar, wie ambivalent mein
Verhältnis zu meinem Land ist. Nur
knapp 50 Jahre nach der Bürgerrechtsbewegung
haben wir einen schwarzen,
wiedergewählten Präsidenten. Auch
wenn sie immer wieder verwässert
und vergessen wird, die Vision, auf der
Amerika gegründet worden ist, die Vision,
dass jeder Mensch gleich sei und
sagen könne, was er wolle, sie ist trotz
allem noch immer greifbar. Dafür bin
ich dankbar.
Masha Gessen erzählt in dem Interview
auf NPR davon, dass man
ihr als lesbischer Frau und kritischer
Journalistin in Russland
gedroht hat zumindest eines ihrer
Kinder wegzunehmen.
Ja, das ist wirklich gruselig.
Es mag abwegig sein, aber wurde
Ihrer Mutter wegen ihrer unkonventionellen
Lebensweise jemals
Ähnliches in den USA angedroht?
Oh, nein! Was denken Sie. Klar war bei
uns alles etwas anders und wir gingen
sonntags nicht in die Kirche. Aber natürlich
besuchte ich die Schule, wurde
vernünftig ernährt und betreut.
Verstehen Sie mich nicht falsch, es
geht mir eher um den gesellschaftlichen
Konsens: In den 80er-Jahren
war es zumindest in Deutschland
völlig normal, dass Kinder
auch noch spät mit ihren Eltern
zu irgendwelchen Veranstaltungen
gingen und dann einfach unter
dem Tisch einschliefen. Heute
wäre das undenkbar und würde
sanktioniert. Da gab es einen Paradigmenwechsel.
Okay, das stimmt allerdings und darüber
spreche ich oft mit meinen Freunden.
Es ist ja schön, dass Eltern heute
so obsessiv mit ihren Kindern beschäftigt
sind, aber das wird zunehmend
extrem. In meinem Umfeld kommen
Kinder mit zur Galerieeröffnung und
sind trotzdem rechtzeitig im Bett. Wir
sollten alle etwas relaxen. Auch wenn
es in Anbetracht all dieses ökonomischen
Stresses immer schwerer wird,
Kindern ein gutes Zuhause zu bereiten,
bin bin meiner Mutter einfach für ihre
anti-autoritäre Erziehung dankbar.
Gibt es auch etwas, auf das Sie sich
dieses Jahr freuen?
Ich und mein Freund haben ein kleines
Bauprojekt am laufen. Wir haben einen
alten Anhänger nördlich von New
York in den Wäldern und bauen davor
seit einiger Zeit eine Art Wintergarten.
Dieses Frühjahr wollen wir damit fertig
werden. Darauf freue ich mich sehr. Es
gibt dann diesen völlig transparenten
Raum in den Wäldern, in dem wir viele
Freunde und Familienmitglieder willkommen
heißen und selbst eine Familie
gründen wollen.
In den Wäldern geschehen manchmal
merkwürdige Dinge. Was war
Ihr skurrilstes Erlebnis?
Ich habe mich sehr an das Heulen der
Kojoten gewöhnt, an die Coydogs ...
Aber eine Nacht tanzten mein Freund
und ich im Wohnzimmer dieses kleinen
Trailers. Es war Vollmond und
es lief Otis Redding. Wir tanzten sehr
eng umschlungen und alles war sehr
romantisch, was uns selten unterläuft
(lacht). Nein, das stimmt nicht ... Also
wir tanzten, die Lichter waren aus und
plötzlich zeigt mein Freund nach draußen
auf die Veranda ... und das klingt
jetzt nach einem Scherz, aber es ist
wahr ... da standen zwei Waschbären
auf den Hinterbeinen, sie tanzten ebenso
eng umschlungen wie wir. Ich liebe
Waschbären. Sie hinterlassen zwar
eine Riesensauerei, aber sie sehen dabei
verdammt gut aus!
Gaby Hoffmann war durch Filme wie
„Feld der Träume“ mit Kevin Costner und
„Schlaflos in Seattle“ neben Macaulay
Culkin einer der großen Kinderstars der
frühen 90er-Jahre. Ihr letzter Kinofilm
„Cristal Fairy“ wurde auf dem Sundance
Festival gefeiert. Aktuell ist sie in Transparent,
einer Amazon Original Series online
zu sehen.
Outfit Costume National
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Nr.13

Fotos Stefan Armbruster
Haare & Make-up Patrick Glatthaar
Styling Götz Offergeld & Maximilian Märzinger
Model Ares / wienermodels.com
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Jeans Diesel
Schuhe Dr. Martens
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Nr.13
Nr.13

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Nr.13

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Shorts Levi‘s Made & Crafted
Schuhe Gucci
Jeansweste G-Star
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SHADOW
PLAY
Anzug Lanvin
Top Pirmin Blum
Schuhe Musette
Ohrringe Stine Goya
Fotos Irina Gavrich
Assistenz Patrick Melech
Styling Maximilian Märzinger
Haare & Make-up Patrick Glatthaar using Chanel und bumble&bumble
Model Helena Severin / wienermodels.com
Special thanks to Pirmin Blum Artspace
Nr.13
Nr.13

Blazer M Missoni
Ohrringe Anton Heunis
Anzug Petar Petrov
Ohrringe Gemma Redux
Schuhe Madeleine
Nr.13
86
Nr.13

Anzug Petar Petrov
Schuhe Madeleine

Anzug Wendy & Jim
Sandalen Marni
Sonnenbrille Robert La Roche Vintage
Blazer Theory
Ohrringe Cadenzza by Gemma Redux
Nr.13
91
Nr.13

Top Bottega Veneta
Hose Prada
Gürtel Prada
Schuhe Versace
Fotos Stacey Mark
Assistenz Colin Michael Simmons
Styling Bernat Buscato
Styling-Assistenz Anais Codina & Antwyone Ingram
Haare Thanos Samaras / L‘Atelier
Make-up Robert Greene / See Management
Model Britany Nola / APM
Nr.13
92 92 93 93 Nr.13

Bluse Bottega Veneta
Rock Tory Burch
Schuhe Bottega Veneta
BH Chantelle
Mantel Burberry Prorsum
Höschen Donna Karan
Strumpfhose Wolford
BH La Perla
Schuhe Bottega Veneta
Nr.13
94
Nr.13

Outfit Prada
BH Chantelle
Outfit Miu Miu
Nr.13
97
Nr.13

DER KÖRPER
Interview: Ruben Donsbach
Foto: Mirjam Wählen
trotz schiller,
trotz heine,
trotz humboldt
SHERMIN LANGHOFF IST EINE DER MEISTDISKUTIERTEN THEATERMACHERINNEN
DER REPUBLIK. IN DEM VON IHR CO-GELEITETEN GORKI-THEATER BRINGT SIE DIE
LEBENSWIRKLICHKEITEN DER EINWANDERUNGSGESELLSCHAFT AUF DIE BÜHNE. EIN
GESPRÄCH ÜBER MODERNES THEATER UND DEN KÖRPER ALS WAFFE.
Fräulein: Frau Langhoff, bei den
antiken Griechen wurde Fremdheit
als zunehmende Distanz zum
Zentrum Athen verstanden. Je
fremder, desto fantastischer und
monströser stellte man sich die
Körper vor. Ist das heute in gewisser
Weise noch immer so?
Shermin Langhoff: Das ist jetzt eine
hochphilosophische und dabei mehrschichtige
Frage. Aber natürlich gibt es
im zeitgenössischen Rassismus einen
sehr archaischen Umgang mit Körper
und Physiognomie. Der „Andere“ wird
ausgehend von Haar-, Augen- und
Hautfarbe markiert. Da mag jemand
seit fünf Generationen als schwarzer
Deutscher leben und ...
... Bayerisch sprechen ...
... und Bayrisch sprechen, ja! Es gibt
eine Szene in unserer Produktion
„Übergangsgesellschaft“. Der wunderbare
Schauspieler Falilou Seck kommt
nach vorne an den Bühnenrand und
sagt: „Deutsch? Du willst wissen, was
Deutsch ist? Ich zeig dir, was Deutsch
ist!“ Er zieht sich das Hemd vom Leib,
zeigt auf seinen Körper, seinen schwarzen,
und sagt: „Das ist Deutsch!“
Warum haben wir hierzulande
noch immer so einen eingeschränkten
Identitätsbegriff ?
Erst mal ist die Identifizierung des eigenen
Ich eine geringe intellektuelle
Herausforderung: Ich werde ein „Ich“
und behaupte es. So weit so gut. Nun
aber gibt es parallel Millionen von
Ich-Perspektiven, die sich auf ein und
dieselbe Welt beziehen. Mit diesem
„Schmerz“, dass eben nicht alle so sind
wie ich, muss ich umgehen lernen.
Denn wir sind alle Individuen und weder
körperlich, politisch, philosophisch
noch moralisch gleich. Aber jedes kluge
Individuum weiß, dass man nur mit
anderen etwas verändern kann.
Was kann das Theater hier für einen
Beitrag leisten?
Als Künstlerin und Intellektuelle muss
man, um mit Ai Weiwei zu sprechen,
nicht auf den Tiananmen Platz gehen,
um politisch zu sein. Zunächst hat man
die soziale Verantwortung, die eigene
Position, den eigenen Ausdruck zu entwickeln.
Das ist nicht selbstverständlich.
Gerade im Kulturbetrieb leben
wir relativ bequem, gesponsert und in
Anführungszeichen gekauft. Statt in alten
Mustern zu verharren, müssen wir
anerkennen, dass wir geprägt sind von
Gleichzeitigkeiten und Komplexitäten.
Diese Komplexität der Lebenswirklichkeiten
wird zunehmend
als Überlastung wahrgenommen.
Sicher. Aber nicht immer zu Recht. Ich
nehme jetzt mal Ihr Bild vom Anfang
auf: Je weiter wir von Athen wegkommen,
desto eher wird uns ein Bild
vermittelt, dass alles so fürchterlich
komplex wäre, dass da eh keiner mehr
durchblicken kann – „da“ bei den Arabern
oder Jugoslawen. Das ist natürlich
Quatsch. In allen Konflikten mag es
individual-psychologische Vorurteile
und „Ängste vor dem Fremden“ geben.
Doch die eigentliche Frage ist ja, was
dem zugrunde liegt. Denn oft liegen
diesen Konflikten knallharte ökonomische
Interessen zugrunde, die aber
verschleiert werden. In unserer Gesellschaft
gilt die Prämisse des Kapitals:
Wer ist nützlich? Wir definieren uns
weniger über Werte als über Verwertungsmöglichkeiten.
Ist der Körper in diesem Sinne nur
noch eine Form von Rohstoff oder
Kapital?
Vielleicht. Aber Körper und Sprache
können tatsächlich auch Waffen sein.
Am Gorki-Theater versuchen wir Erwartungen,
die an den Körper gestellt
werden, zu unterlaufen. Auch kulturell.
In „Verrücktes Blut“ stehen am Anfang
zehn junge Männer und zwei Frauen
auf der Bühne und produzieren, was
man so von „dem“ Migrantenkind
erwartet. Am Ende aber entwickelt
sich ihre Lehrerin, mit der Fahne der
Aufklärung und Schiller in der Hand,
körperlich wie sprachlich zur Leitkulturchauvinistin.
Sie selbst wird zur
größten Gegnerin der Aufklärung, weil
sie mit der Waffe in der Hand Schönheit
erzwingen will. Und zwar Schönheit
im Sinne der von ihr selbst aufgestellten
Kategorien. Das Wahre und
das Schöne und das Gute liegt aber in
der Komplexität begraben und wird
oftmals nur als Assimilationsstrategie
missbraucht. Aber diese Kategorien
ändern sich. Und für die Änderbaren
machen wir Theater.
Auf dem Majdan und auf dem Taksim
haben Menschen ihren Körper
eingesetzt, um sich politisch und
auch künstlerisch zu äußern. Wie
nahe, wie fern ist ein solcher Protest
noch von der Bühne, dem politischen
Theater?
Erst mal befinden Sie sich auf der Bühne
in einem geschützten Raum. Es gibt
nicht dieses Risiko, welches die Versehrung
des Leibes einschließt.
Gibt es auch Parallelen?
Die gibt es, denn in beiden Fällen gibt
es eine öffentliche Äußerung. Manche
unserer Performances würden auf
dem Tahrir, dem Majdan oder Taksim
vollzogen zu politischen Akten und
gegebenenfalls verfolgt werden. Es ist
aber ein Unterschied, ob Pussy Riot in
einer Kirche einen Protest zelebriert,
mit Musik und mit dem Körper als
Waffe, oder ob sie auf einem Event von
Amnesty International in London open
air auftreten, vor bezahlenden, spendenden
Menschen.
Inwiefern kann und soll Kultur
überhaupt aufklären?
Hierzulande gibt es dafür ja ein prägendes
Beispiel. Nach der monokulturellen
Zuspitzung in Deutschland ...
... während des Dritten Reichs ...
... ist die Freiheit der Kunst und des
Ausdrucks und damit fest verbunden
die Förderung der Kunst zum konstituierenden
Prinzip unserer Demokratie
geworden. Man begriff, dass man
besser auf die Künstler und die Kritik
hören sollte. Im Kern hat das Heinrich
Heine schon 1822 gewusst und geschrieben:
„Wo man Bücher verbrennt,
verbrennt man auch bald Menschen.“
Und zwar trotz Heine, trotz Schiller,
trotz Goethe, trotz Herder, trotz Lessing,
trotz Humboldt.
In der Vorbereitung auf dieses Interview
ist mir aufgefallen, dass die
Kultur, mit der ich mich persönlich
umgebe, trotz vieler Freunde mit
Migrationshintergrund, trotz Neugier
und vermeintlicher Offenheit,
„IM WESTEN
LEBEN WIR
OFTMALS BEQUEM,
GESPONSERT UND
GEKAUFT”
recht gradlinig, westlich und weiß
geprägt ist.
Genau Ihre Wahrnehmung teile ich
auch, dass man auf der einen Seite grade
in seinen Alltagsrealitäten in einer
großen Diversität lebt, dann aber die
Szenen, in denen man sich bewegt,
oft homogener sind, als man sich das
zugestehen will. Ich glaube tatsächlich,
dass diesen Heterogenität der Gesellschaft
in den Medien noch zu wenig
auftaucht, zu wenig selbstverständlich
ist. Am Gorki versuchen wir für die im
Werden befindliche Stadtgesellschaft
heutige Bilder und Geschichten zu erzählen
und die Stadtbewohner dazu
einzuladen. Das hilft übrigens, aus
diesem banalen Integrationsdiskursen
herauszukommen und den Blick auf
Deutschland, auf Berlin, zu schärfen.
Wir wollen ein wirkliches Stadttheater
sein.
Am Ende aber sollen die vermeintlichen
Unterschiede hinter einer
neuen Stadtkultur verschwinden?
Selbstverständlich nicht, aber es geht
eben auch um die Gemeinsamkeit.
Hier ist der Weg das Ziel. Jeden Tag
verändern sich Möglichkeiten, Normen,
Ökonomien, und die Verhandlung
dessen muss ja irgendwo stattfinden.
Wir haben nicht mehr die eine Agora,
um noch mal bei den Griechen zu landen.
Aber das Theater kann EIN Ort
der öffentlichen Debatte sein. Diesen
Anspruch haben wir, unseren Raum zu
öffnen als Performanz-, aber auch als
Denk- und Diskussionsraum. Und hier
kann man die individuelle Verantwortung,
die Ai Weiwei beschreibt, teilen.
Damit stehen Sie am Gorki in einer
langen Tradition.
Als sich das Haus als Sing-Akademie
im 19. Jahrhundert konstituierte, befand
man sich am Übergang von einer
rein feudalen hin zu einer bürgerlichen
Kunst und Gesellschaft. Als dann in der
DDR das Gorki von einer Singakademie
zum Sprechtheater umgewidmet
worden ist, da spielte der Gedanke der
Übergangsgesellschaft hin zur Utopie,
vom Sozialismus zum Kommunismus,
eine wichtige Rolle. Der neue Mensch,
der Arbeiter oder Proletarier, er sollte
hier durch Autoren wie Heiner Müller
und Volker Braun neue Geschichten,
seine Geschichte erzählt bekommen.
Das Ganze stellt sich natürlich viel
komplexer dar. Aber an diesem Haus
und in der Tradition solcher Ideen zu
arbeiten, das ist mir immer eine große
Ehre gewesen.
Shermin Langhoff (1969* Bursa, Türkei) ist
mit neun Jahren nach Deutschland gekommen.
Sie war Kuratorin am Hebbel am Ufer
Theater Berlin und bearbeitete dort das
Projekt „X-Wohnungen“. Von 2008-2013 war
Langhoff Künstlerische Leiterin des Ballhaus
Naunynstraße, seit der Spielzeit 2013/14 teilt
sie sich mit Jens Hillje die Intendanz des
Gorki Theaters in Berlin.
Nr.13
98 99
Nr.13

REPORTAGE
Text: Maja Hoock
Fotos: Johi von Bruises
DARKTECH IST DER
BÖSE BRUDER DES
TECHNO. JENSEITS DES
BALLERMANN-FLAIRS DER
GROSSRAUMDISCOS,
OHNE FESTE
ROLLENZUSCHREIBUNG UND
DEFINIERTE SEXUALITÄT,
ERINNERT DIE SZENE AN
DIE ANFÄNGE DES RAVE. SO
WANDERT DER CLUB VON
DER KIRCHE RUNTER IN DIE
KRYPTA UND WIRD ZUM
KRAFTWERK DER GEFÜHLE
DER GENERATION Y.
Es gibt eine Szene, die riecht nach
Schweiß, schmeckt nach Club-Mate
mit MDMA. und fühlt sich nach Muskelkater
vom Tanzen an. Entsprechend
athletisch sehen die Körper aus. Es ist
eine Nachtclub-Kultur, in der es egal ist,
ob man eine Frau, ein Mann oder etwas
dazwischen ist. Jeder kann lieben, wen
er will, und sein, wer er will. Es ist dort
ohnehin so dunkel und verraucht, dass
es keine Rolle mehr spielt und nach drei
Tagen im Club sieht jedes Make-up aus
wie das einer Drag-Queen. Das erinnert
an die 1990er-Jahre, als die ersten
Raves in Londoner Abrisshäusern eine
Szene mit eigenen Stars wie Leigh Bowery
hervorbrachten. Der präsentierte
im Club „Taboo“ seine Outfits, die Ganzkörper-Kunstwerke
waren, und zeigte
damit, dass die Club-Kultur mehr als nur
Party bedeutete: die Party des Lebens.
Damals kam die Utopie der „Raving
Society“ auf, einer Gesellschaft, in der
freie Liebe und das Recht auf Verrücktheit
massenkompatibel sind. Daraus
ist offensichtlich nichts geworden und
Mainstream-Techno erinnert heute eher
an Ballermann auf Speed. Darum ist
die Darktech-Szene als Techno-Underground,
trotz ihrer teils populären Clubs
wie dem „Berghain“, wieder als Subkultur
zu verstehen. Sie fühlt sich eher von
der „Fuck Parade“ als von der „Love Parade“
angezogen, und das sagt viel: Erstere
ist die anti-kommerzielle, von der Musik
her wesentlich härtere und hedonistisch
geprägte Gegenveranstaltung zum Massenphänomen.
Dieses Prinzip lässt sich
auf alle Clubs übertragen, in denen sich
diese Leute treffen, ob nun „Berghain“,
„Gegen Berlin“ / „KitKat“, „Loophole“,
ihre teils namenlosen Äquivalente in
Nr.13
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Nr.13

REPORTAGE
„ICH SPARE
15.000 EURO
FÜR MEINE
BEERDIGUNG UND
LEGE SCHON DIE
PLAYLIST FEST“
London und New York, sowie auf ihre
illegalen Abrisshäuser-Partys. Natürlich
geht es dort in erster Linie um das Feiern.
Aber eben nicht nur. Darktech hat mehr
mit den ausschweifenden Orgien der
20er-Jahre-Bohème als mit Techno-Kids
in Massendiscos gemein. Es geht um alternative
Lebensstile. Doch im Gegensatz
zu den 20ern ist das ausschweifende Leben
in den Großstädten kein wirkliches
Tabu mehr und muss ständig extremer
werden, um eine Steigerung zu erfahren:
Feiern dauern drei Tage am Stück, Sex
gibt es auf der Tanzfläche und die Musik
schaltet in ihrer Massivität den Verstand
völlig aus. Der Soundtrack kommt
von amGod, Tri-State, Empty Set, Voilet
Shaped oder IVVVO und klingt wie ein
rhythmischer mütterlicher Herzschlag,
den man aus dem Bauch heraus wahrnimmt,
also laut und all-einnehmend.
Dabei hat die Musik etwas Zerstörerisches
an sich: Stör-Töne und Bässe wie
dreckige Tsunamis, die einen überrollen
und die Kleidung am Körper vibrieren
lassen. Mit dieser Musik sind Leute erwachsen
geworden, die als Teenager
Punk und Gothic mochten, denn sie
klingt ähnlich hart und düster, ist aber
nicht auf bestimmte Einstellungen festgelegt.
Das ist die Disco der Generation Y, also
ein „Taboo“-Publikum 2.0. Auch im Londoner
„Taboo“ traf sich die Queer-Szene.
Und auch heute hat die Szene ihre Stars;
vielleicht nicht so expressiv wie einst
Leigh Bowery, doch zumindest haben sie
sich durch ihr regelmäßiges Auftreten
einen Namen gemacht. Dazu zählt Johi
von Bruises, die mit 18 Jahren aus der
Punk-Welt zum Darktech gekommen ist,
seitdem „permanent Party“ macht und
ihr Club-Leben mit einer analogen Kamera
festhält. Die Bilder der 22-Jährigen
erinnern an Nan Goldin, doch statt New
York um 1980 zeigen sie das Berlin der
Jetzt-Zeit. Johi ist halb Britin und reist
viel, doch sie weiß, dass das Zentrum des
Darktechs momentan dort liegt: „Ich bin
so froh, dass ich in Berlin wohne, weil
hier gerade alles Wichtige passiert.“ An
anderen Orten wird ihr langweilig, denn
sie braucht die Aufmerksamkeit als Szene-Ikone.
„Ein absolutes Main stream-
Leben zu führen, wäre für mich Selbstmord“,
sagt sie. Für das nötige Aufsehen
sorgt sie durch ihre Stylings. Sie führt
entweder ihr pompös gekleidetes Alter
Ego „Stacey AB“ oder die trashigere „Johi
von Bruises“ aus. „Wenn ich feiern gehe,
dann exzessiv mit Full-Body-Outfit und
immer anderen Persönlichkeiten: vom
stillen Charakter bis zum Plappermaul,
das alle beleidigt.“ Ihren Stil bezeichnet
sie als „weibliche Transe“. Das bedeutet
viel Schwarz, Leopardenmuster, Gold
und High Heels. Außerdem liebt sie Tätowierungen
und sticht sie sich teilweise
selbst. Auf dem Oberschenkel trägt sie
ein Portrait des Sängers Klaus Nomi; ein
Zeichen ihrer Vorliebe für Extravaganz
und das Spiel mit Geschlechterrollen.
Der ästhetische Code der Darktech-Szene
erinnert an eine New-Age Version
des Goth-Punk und ist untrennbar mit
der 90er-Jahre-liebenden Hipster-Kultur
verbunden: Kleider und Röcke in
Schwarz oder Weiß, bauchfreie
Nr.13
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Nr.13

REPORTAGE
„EIN ABSOLUTES
MAINTSTREAM-
LEBEN WÄRE
SELBSTMORD“
Nr.13
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Nr.13

REPORTAGE
„IN DER DESTRUKTIVEN DARKTECH-
ÄSTHETIK LIEGT IMMER AUCH
EIN MOMENT DES KREIERENS.
DIESES ZERSTÖRERISCHE MOMENT
HAT EINE GROSSE KRAFT: MAN
SCHALTET SICH AUF NULL UND
DRÖHNT SICH SO MIT DROGEN
ZU, DASS AUS DIESER LEERE
NEUE LEBENSENERGIE GESCHÖPFT
WIRD.“
Tops und hüfthohe Shorts. Mit fließenden
Stoffen und durchsichtigen Elementen
geben sich die Frauen weibliche
Silhouetten und kontrastieren sie mit
hartem Leder oder Lack. Ketten, Bänder
und Harnesse sind der Fetischszene
entliehen, dazu kommen Statement-Schmuck,
Perücken oder gefärbte
Haare, strenge Pony-Frisuren und ein
aussagekräftiger Lidstrich. Wer diesen
Look trägt, will auch Teil der Szene sein.
So auch Danai Moshona. Die 21-jährige
Produktdesignerin ist als Tochter von
Diplomaten um die Welt gereist und in
Berlin gelandet. Durch ständige Umzüge
musste sie sich immer wieder von
Dingen trennen, die ihr wichtig waren.
So erklärt sie sich ihren Hang dazu,
durch das Aussehen in Erinnerung zu
bleiben: „Schon in der Schulzeit bin ich
mit Kopftuch und Hut darüber rumgelaufen.
Irgendwann hatten wir einen Danai-Mottotag.
Ich musste helle Jeans mit
Blümchenhemd anziehen. Ich habe mich
noch nie so unwohl gefühlt - als würde
ich nackt über die Straße laufen und jeder
kann in mich hineinblicken.“ Wenn
sie heute ausgeht, bereitet sie sich mehrere
Stunden darauf vor und kombiniert
Elemente aus dem Punk mit klassischen
Accessoires, also etwa eine Vintage-Lederjacke
mit Kleid, Hut, Sonnenbrille und
Ketten. Ihre schwarz-gefärbten Haare hat
sie sich im Afro-Shop flechten lassen, die
Haut ist weiß und die Lippen sind dunkelrot.
So wurde sie zu einer zentralen
Figur des Berliner Darktechs und macht
in ihrer Freizeit seit drei Jahren über das
Wochenende nichts anderes, als zu tanzen.
Im Club findet sie Konstanten, da sie
jeder kennt. „Hier kann ich mich spüren.
Ich gehe elf bis zwölf Stunden ins Berghain
und nur raus, um etwas zu essen.
Alle Sorgen sind weg und ich komme in
eine Trance.“
Auch die 25-jährige Japanologie-Studentin
Maike Schmidt bezeichnet die
Szene als Ort, an dem die Leute ähnliche
Dinge erwarten. Es verbindet sie eine
Einstellung, die sie als „für den Moment
sorgenfrei“ beschreibt. „Es geht vor allem
um die Freiheit“, sagt sie. „Neulich
hatte ich eine sehr schöne Erfahrung. Ich
war vorher am Boden zerstört, dann bin
ich alleine Tanzen gegangen und konnte
nicht mehr aufhören. Morgens um elf
Uhr bin ich aus dem Club gekommen
und habe mich gut gefühlt. Das hatte eine
reinigende Wirkung, eine Katharsis - als
wäre alles gut.“ Die zierliche Frau mit den
langen blonden Haaren zieht das Düstere
und Tabuisierte an, das in der Szene offen
ausgelebt wird. Die triebgesteuerte Seite
der Psyche bekommt, was sie fordert:
Rausch, kurzen Ruhm, Sex, Drogen und
Musik, die den Kopf ausschaltet. „Das war
am Anfang sogar ein bisschen Ehrfurcht
einflößend. Nach und nach kann man
diese Abgründe erkunden und etwas für
sich selbst mitnehmen. Ich bin dann froh,
dass ich genau zu dieser Zeit und an diesem
Ort lebe.“ Auch die neunzehnjährige
Lara Wehrs ist eine Art Szene-Institution
und experimentiert mit dem Verbotenen:
„Ich finde es interessant, dass in der destruktiven
Ästhetik immer auch ein Moment
des Kreierens liegt; dass also dieser
zerstörerische Moment eine Kraft hat,
die in der Szene gefeiert wird. Man schaltet
auf null und versucht sich auch mit
Drogen so zuzudröhnen, dass aus dieser
Leere wieder Lebensenergie geschöpft
wird.“ Ketamin hat teilweise das Ecstasy
der Raver abgelöst, aber auch MDMA
oder Speed werden verwendet: „Es ist
fast wie ein telepathischer Moment in
der Masse, wenn alle im gleichen Lichtspiel
etwas Besonderes sehen und im
Beat mitschwimmen.“ Das Portrait- und
Aktmodel wirkt, während sie das sagt,
lasziv wie eine französische Lolita. Ihre
hellrot gefärbten Haare trägt sie sorglos
hochgesteckt. Die erotische Energie
und der überaus wache Geist springen
einen an. Junge Frauen wie Johi, Maike,
Danai und Lara suchen und finden in der
Darktech-Szene einen Ort, an dem sie
sich abseits der Mainstream-Partys ausprobieren
können. „Die Szene ist mein
Mind-Set“, sagt Lara dazu. „Ein Ort, um
Fragen zu stellen, aber keine Antworten
zu finden. Dort sind die Mittel gegeben,
um etwas zu beginnen. Das kann man
auf andere Bereiche übertragen – und
dann seine Freiheit aus anderen Quellen
schöpfen.“
Wie immer in einer Szene, die besonders
individuell sein will, ist niemand mehr
wirklich anders. Und einer Feier-Kultur
einen intellektuellen Überbau zu zimmern
wäre sicher übertrieben. Dennoch
bekommt die Generation Y mit dem
Darktech ihren Underground zurück,
nachdem Indie, Punk, Wave und Rave im
Mainstream angekommen sind und sich
damit irrelevant gemacht haben. Jede
Generation braucht ihr zeitgemäßes „Taboo“;
einen „verbotenen“ Ort, an dem sie
wie einst Leigh Bowery Extreme erprobt,
komplett ausklinkt und jenseits der
Norm durchdrehen kann. Darum bedeutet
die Darktech-Szene für einige mehr,
als nur ein paar Nächte im Club. Johi von
Bruises sieht sie als Möglichkeit, ein Leben
zu gestalten. Ihre letzte Party plant
sie darum bereits: „Ich spare 15.000 Euro
für meine Beerdigung und lege schon
die Playlist fest, darunter ‚Haus Arafna‘
und ‚Grauzone‘. Es soll für die Gäste die
beste Party ihres Lebens werden.“ Bis
dahin feiert sie jedes Wochenende die
beste Party ihres Lebens. Zumindest, bis
sich irgendwann ein neues Ventil und ein
neuer Sinn ergeben.
Nr.13
106 107
Nr.13

SO STELL‘ ICH MIR DIE LIEBE VOR
Protokoll: Lorenz Schröter
Foto: Joegh Bullock
„AUCH
PORNOSTARS
WERDEN ÄLTER“
ANNIE SPRINKLE HAT 18 JAHRE LANG ALS PROSTITUIERTE GEARBEITET UND
ANGEBLICH MIT 3452 MÄNNERN, 371 FRAUEN UND 83 ½ TRANSLEUTEN
GESCHLAFEN. SPÄTER ENTDECKTE SIE DIE EROTIK DER NATUR UND VERANSTALTETE
ZUSAMMEN MIT IHRER PARTNERIN SEX-PERFORMANCES IN DER SHOW „ECOSEX
BOOTCAMP“. EIN ETWAS EXZENTRISCHER BLICK AUF DIE LIEBE.
„Vor sechs Jahren habe ich die Erde
geheiratet und betreibe seitdem Öko-
Sex. Die Erde ist mein Liebhaber und
ich liebe es, mit der Natur erotisch
eins zu werden. Es ist eine eigene
Weltanschauung, dazu habe ich ein
Öko-Sex-Manifest auf meiner Website
sexecology.org veröffentlicht. Die Erde
ist nicht nur Mutter, sondern auch Geliebte.
Ja, wir haben die Erde geheiratet,
das war transgender, die Erde ist
allgender. Wir hatten eine große Hochzeit,
zusammen mit meiner Ehefrau
Beth Stephens, sie ist auch Künstlerin.
Wir heiraten öfter, in Frankreich, Kroatien,
überall in Europa und Amerika.
Mit der Erde war es meine 17. große
Hochzeitsfeier.
Natürlich haben wir die Erde vorher
gefragt und wir denken, sie hat Ja gesagt.
Wir haben gefragt! Zustimmung
ist sehr wichtig. Wir umarmen auch
nur Bäume, wenn wir sie vorher um
Erlaubnis gebeten haben. Wenn so ein
Baum es nicht mag, stirbt er. Öko-Sex
ist eine Erweiterung der Sexualität,
„WENN MAN NACKT IST,
SIND ALLE MENSCHEN SCHÖN”
man erotisiert alles, auch den Sternenhimmel.
Das machen viele unbewusst,
wenn sie nackt sind oder in der Badewanne,
dann haben sie Sex mit dem
Wasser oder wenn man nackt unter
der heißen Sonne liegt. Die Menschen
haben dauernd erotische Gefühle mit
der Natur, nur geben sie das nicht zu.
Auch der Anblick von schönen Blumen
gehört dazu. Wenn man auf einem Motorrad
den Fahrtwind spürt, kann man
den Wind als Wind spüren oder ihn als
erotisch annehmen und zulassen, dass
er mit dir Liebe macht.
Ich habe 20 Jahre als Prostituierte gearbeitet,
damals war ich 18, und war
sehr promiskuitiv. Ich mochte meine
Arbeit als Prostituierte, ich mag Menschen,
ich habe mit mehr als 3000
von ihnen geschlafen und ich bin sehr
stolz darauf. Ich hatte eine schöne Zeit,
manchmal war es nicht nett, aber ich
wurde nie vergewaltigt. Manchmal war
es wirklich hart, aber das gehört zu
meinen Erfahrungen. Das gehört zum
Leben.
Ich war in Pornomagazinen und habe
Burlesque gemacht. Danach war ich
15 Jahre monogam. Und dann wurde
ich öko-sexuell und habe jeden Tag
erotische Erfahrungen. Ich bin ja fast
sechzig und es ist nicht langweilig.
Auch wenn ich nackt durch die Natur
laufe und die Redwoods umarme. Alles
ist Liebe, Sex ist ein Teil der Liebe. Mit
meiner Partnerin mache ich seit 17 Jahren
Liebes-Projekte, denn die meisten
Menschen haben so eine langweilige
Vorstellung von Liebe wie diese Hallmark-Grußkarten
mit den Liebessprüchen
drauf.
Ich gehe so oft ich kann ins Gym und
wir gehen mit dem Hund spazieren.
Ich versuche meinen Körper so zu lieben,
wie er ist, und gebe auf ihn acht
so gut ich kann. Wenn ich in den Spiegel
schaue, kann ich mich sehr hart
kritisieren oder meinen Körper schön
finden, meist mache ich beides. Man
sollte sich selbst lieben, das ist sehr
wichtig. Auch wir Pornostars werden
älter und sich mit früher zu vergleichen
ergibt keinen Sinn, das macht einen
nur unglücklich. Ich mache immer
noch Performances und zieh mich auf
der Bühne nackt aus und habe in unserer
Show „Ecosex Bootcamp“ zusammen
mit meiner Freundin in großen
Schlammhaufen öffentlichen Sex. Ich
liebe Menschen und das mochte ich an
meiner Arbeit als Prostituierte: Wenn
man nackt ist, sind alle schön.“
Annie Sprinkle, 59, zeigte als Sex-Performance-Künstlerin
dem Publikum gern ihren
Gebärmutterhals. Ist sehr stolz, als erste
Pornodarstellerin einen Doktortitel erworben
zu haben. Thema: Arbeitsbedingungen von
Sexarbeitern. Auf ihrer Website:
www.anniesprinkle.org(asm).
AUS DEM VORGESPRÄCH
Fräulein: Sie haben mit 3452
Männern, 371 Frauen und 83 ½
Trans-Leuten geschlafen. Was hat
es mit dem ½ auf sich?
Annie Sprinkler: Oh, der/die war vermutlich
im Übergang.
Kann man queer sein, wenn man
heterosexuell ist?
AS: Absolut! Queer ist eine Geisteshaltung,
man ist anders. Sie sehen für
mich ziemlich queer aus.
Ist das ein Kompliment?
AS: Natürlich ist das als Kompliment
gemeint. Wenn man als Mann für
eine Frauenzeitschrift arbeitet, kann
das schon ein wenig queer sein. Und
du, bist du in eine Frau verliebt, einen
Mann, Transgender oder einem Baum?
Da muss ich mal nachschauen.
AS: Ich nenne das radikal, radikal traditionell.
Straight zu sein ist auch ziemlich
queer.
Manchmal denke ich, es ist abenteuerlicher
straight zu sein.
AS: Queers haben mitunter ein hartes
Schicksal. Wenn man Frauenkleidung
trägt, ist das schon queer. Viele von ihnen
haben Probleme und passen nicht
in die Gesellschaft. Mein Hund ist auch
queer.
Umarmt er auch Bäume?
AS: Nein, er pisst sie an.
Und dann umarmen Sie den Baum
und entschuldigen sich für den
Hund?
AS: Den Bäumen scheint es nichts auszumachen.
Da bin ich anderer Meinung.
AS: Da könnten Sie recht haben. Aber
es sind sehr große Bäume, Redwoods,
die werden über 100 Meter hoch und
können älter als 600 Jahre werden.
Nr.13
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Nr.13

EINE STIMME
Protokoll: Jakob Krakel
HELEN CALDICOTT
HELEN CALDICOTT WAR LANGE ZEIT EINE DER PROFILIERTESTEN ANTI-ATOMKRAFT-
AKTIVISTINNEN DER WELT. IHRE PERSÖNLICHE HINGABE FÜR DIE ZIVILGESELLSCHAFT IST
BEISPIELHAFT. EIN GESPRÄCH ÜBER DIE LANGZEITFOLGEN ATOMARER VERSTRAHLUNG,
WESTLICHE SCHURKENSTAATEN UND DIE TICKENDE ZEITBOMBE FUKUSHIMA.
Als ich Ende der 50er-Jahre mit
etwa 17 Jahren das Buch „On the Beach“
von Nevil Shute las, war ich noch
eine sehr unschuldige junge Frau. Ich
wollte Menschen helfen, einer meiner
großen Helden war Robin Hood. In „On
the beach“ bricht durch ein Missverständnis
ein nuklearer Krieg aus, der
in kurzer Zeit große Teile der Weltbevölkerung
auslöscht. Als sich die
radioaktive Wolke Melbourne nähert,
verteilt die Regierung Gift, sodass die
Menschen ihre Babys töten können,
bevor sie jämmerlich zugrunde gehen.
Damals war das alles noch eine
Dystopie, doch kurze Zeit später gab
es genug atomare Waffen auf der Erde,
um dieses Szenario plausibel werden
zu lassen. Das hat meine Perspektive
grundlegend verändert. Ich fühlte mich
seitdem nie wieder sicher.
Ich bin eine auf interne Medizin spezialisierte
Kinderärztin. Ich verstehe sehr
gut, was atomare Waffen und Strahlung
Menschen antun können. Ich habe an
der Harvard Medical School über zystische
Fibrose geforscht und hätte Professorin
werden können. Es war sehr
schwierig für mich, meine Karriere für
meinen Aktivismus aufzugeben. Ich
liebe die Medizin. Doch mir blieb einfach
keine Wahl. Als ich nach meiner
Kündigung hinaus auf die Straße trat,
fühlte ich mich nackt. Ich war kein cleverer
Doktor der Harvard Universität
mehr. Wer war ich? Also co-gründete
ich „Physicians for Social Responsibility
(PSR)“, eine Organisation, die bald
von 23.000 Ärzten unterstützt wurde.
Ein Agent in Hollywood arbeitete umsonst
für mich und vermittelte mich in
die Sendung „60 Minutes“, auch war
ich in den Magazinen „Vogue“, „Time“
und „Life“ vertreten.
1985 bekam unsere Dachorganisation
„Internationale Ärzte für die Verhütung
des Atomkrieges (IPPNW)“ für
ihr Engagement den Friedensnobelpreis
überreicht. Nach dem Ende des
Kalten Krieges hätten die USA und
Russland dann einen weitreichenden
Vertrag zum Abbau von Atomwaffen
unterzeichnen müssen. Es kam anders.
Beide besitzen noch heute 94 Prozent
der Wasserstoffbomben. Sie sind
die waren Schurkenstaaten und gefährden
nachhaltig das Leben auf der
Erde. Das ist extrem frustrierend. Firmen
wie Lockheed Martin und Boeing
beherrschen Politik und Wirtschaft.
Zudem gibt es zu viele Unternehmen
und Staaten, die von Soziopathen geleitet
werden, die vielleicht brillant und
charmant sind, aber kein moralisches
Gewissen besitzen.
Der Zwischenfall von Fukushima 2011
und seine Folgen bedeuten trotz allem
eine neue Stufe der Eskalation. Die Reaktoren
dort stehen mittlerweile auf
einer Art weichgespültem Dreck, weil
ständig Wasser aus den Bergen die
Fundamente unterspült. Im Gebäude
4 gibt es einen frischen Kern, der kurz
vor dem Tsunami aus dem eigentlichen
Reaktorbecken gehoben wurde. Sollte
es ein neues Erdbeben mit der Stärke
7 oder höher geben, dann könnte das
Gebäude einstürzen und eine Explosion
auslösen. Zehnmal mehr Cäsium
als während des Unglücks von Tschernobyl
oder das Äquivalent von 14.000
Hiroshima-Bomben würden dann in
die Atmosphäre gelangen. Das würde
je nach Windrichtung die komplette
nördliche Hemisphäre mit Radioaktivität
verseuchen und zu einem gewaltigen
Anstieg der Krebsfälle und zu
genetischen Deformationen führen.
In Fukushima gab es zudem drei Kernschmelzen
in den Einheiten 1-3. Sollte
auch nur eines dieser Gebäude kollabieren,
würde auch hier eine Unmenge
an Radioaktivität freigesetzt werden.
Jeder der Kerne enthält etwa 100 Tonnen
Uran. Wir haben keine Ahnung,
wo sie sich genau befinden. Ob sie auf
dem Grund der Gebäude liegen oder
sich bereits in den Untergrund eingeschmolzen
haben. So oder so nimmt
das Wasser, das aus den Bergen das
Kraftwerk unterspült, die radioaktiven
“IN DER GESCHICHTE DER
MENSCHHEIT GAB ES NOCH NIE EINE
SOLCHE GEFAHR WIE FUKUSHIMA”
Isotope der Kerne auf und trägt sie bis
ins Meer. Diese geschmolzenen Kerne
können mit größter Wahrscheinlichkeit
niemals geborgen werden. Selbst
Roboter würden von diesen stark
strahlenden Kernen zerstört werden.
Pro Tag werden 300 Tonnen des verseuchten
Wassers aus den Reaktoren
in Container abgepumpt, von denen es
mittlerweile ca. 1100 Stück auf dem Gelände
über dem Kraftwerk gibt. Diese
Tanks wurden von unqualifizierten Arbeitern
errichtet, manche der Dichtungen
sind aus Gummi, die Schrauben
korrodieren. Bei einem starken Erdbeben
würden diese Tanks kollabieren
und all das gespeicherte Wasser in den
Pazifik fließen.
In der Geschichte der Menschheit
gab es noch nie eine solche Situation.
Es gibt für Fukushima keine Lösung.
Und wenn einmal Radioaktivität in die
Nahrungskette, darüber in den Körper,
die Leber oder das Gehirn eingedrungen
ist, wird man das nicht mehr los.
Dadurch steigt die Wahrscheinlichkeit
Krebs zu bekommen. Die Inkubationszeit
dafür liegt zwischen 2-80 Jahren.
Wir sprechen also über einen langfristigen,
stummen, kryptogenetischen
Prozess, den die meisten Menschen
nicht überschauen können.
Aber es geht nicht nur um Fukushima,
sondern um die 400 Reaktoren in der
Welt, die ein latentes Sicherheitsrisiko
darstellen. Alleine 23 der Reaktoren
in Amerika sind vom selben Typ wie
Fukushima. Dazu kommt der ganze radioaktive
Müll, 77.000 Tonnen in Amerika
alleine, und keiner weiß wohin damit.
Kein Container hält länger als 100
Jahre, doch dieser Müll muss von der
Ökosphäre für Millionen von Jahren
isoliert bleiben. Das ist unmöglich.
Schon während des Manhattan-Projektes
wusste man von den Gefahren
der Strahlung. Man wusste, dass Marie
Curie und ihre Tochter am Radium
zugrunde gegangen sind. Es gibt aber
diesen Mythos, dass Atomkraft sauber
und billig sei. Das ist eine Lüge. Selbst
Wallstreet investiert nicht in sie. Die
Kosten der Uranminen, der Anreicherungsprozess,
der Bau der Reaktoren,
die Kosten der Zwischen- und Endlagerung
und nicht zuletzt die Kosten
für die Gesundheit großer Teile der
Bevölkerung, all dies wird nicht mit
einkalkuliert. 53 Prozent der Weltbevölkerung
sind Frauen, aber wir sind
ziemliche Angsthasen. Es ist an der
Zeit, sich zu erheben. Ich habe drei
großartige Kinder und sieben Enkel.
Ich mache mir wahnsinnige Sorgen um
deren Zukunft. Ich werde trotz aller
Zweifel nicht aufhören, auf Missstände
hinzuweisen. „On the beach“ darf niemals
Realität werden.
Von Helen Caldicott (*1938 in Melbourne) ist
auf Deutsch das Buch „Atomgefahr USA. Die
nukleare Aufrüstung der Supermacht“ im
Diederichs Verlag, München erschienen.
Europa
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Nr.13
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Nr.13

ANTIFRÄULEIN
Text: Wäis Kiani
Illustration: Katrin Funcke
DAS 22-JÄHRIGE „UBER-MODEL“ CARA DELEVINGNE HATTE LANGE ZEIT
NARRENFREIHEIT. MITTLERWEILE GEHEN UNS IHRE SAUF-ESKAPADEN EINFACH NUR
NOCH AUF DIE NERVEN. EIN ABGESANG.
Unser Anti-Fräulein ist nicht nur
Topmodel, „Super-It-Girl“, und A-Celebrity,
und sie wird nicht nur als das
Gesicht des Jahres bezeichnet, sondern
der DEKADE, wenn man der britischen
Zeitung „Guardian“ glauben darf.
Yes, UBER-Model Cara Delevingne ist
ein 22-jähriger Mega-Weltstar, deren
Ruhm sogar Kate Moss von ihrem
Thron gestoßen hat. Aber wie kommt
es, dass ein Engelsgesicht mit La-Perla-Wäsche-Body,
stinkreichen Eltern,
aristokratischem Background (ihre
Grossmutter war Prinzessin Margrets
Hofdame), Patenkind von Denver-Biest
Joan Collins, best Buddy von Leuten
wie Rihanna, Giorgia May Jagger, Rita
Ora und Lieblingsmodel von Chanel-Karli
ausgerechnet hier als Anti-Fräulein
endet? Nun, Miss Delevingnes
Auftritte ausserhalb der Catwalks
haben das, was man einen „süssen
rebellischen Fratz“ nennen kann, leider
lange verlassen. Die Tatsache dass
Klein-Cara schon als Baby ein Tomboy
war, am Schlagzeug genauso gut
performen kann wie auf einem Fussballfeld,
ihr Markenzeichen eine umgedrehte
Baseballkappe ist, so wie sie
Bart Simpson tragen würde, und Röcke
hasst, war ein erfrischender Bruch zu
der perfekten Oberfläche, die sie Werbenden,
Designern und luxusliebenden
Tusneldas in aller Welt bot. Aber Cara
scheint der Erfolg tatsächlich nicht in
den Kopf gestiegen zu sein, sondern
woandershin. Die ewigen Schielaugen,
verzogenen Gesichter, herausgestreckten
Zungen und andere Fratzen
kann man auch noch verstehen. Wer
hat schon Lust, immer nur schön zu
sein? Das machen doch nur die, die es
nur mithilfe von Schönheits-OPs und
Transen-Make-up und Instagram-Filtern
sind, sowie die Kardashians, Paris
Hilton und ihre Anhängerinnen. Cara
ist natural blonde, natural beauty und
natural fresh, sie darf in ausgeleierten
Shirts und dreckigen Turnschuhen
die Fotografen anschielen, soviel sie
will, wir sind keine Spießer, wirklich
nicht. Auch dass sie sich weniger für
die Jungs, mit denen die Presse sie
lange vergeblich versucht hat zu verlinken,
wie zum Beispiel dem Brit-Star
Harry Styles, mit dem sie nach einer
Burberry-Show knutschend erwischt
wurde, sondern für Frauen interessiert,
finden wir und die Welt vollkommen in
Ordnung. Das Foto von Rihannas Hand
auf Caras nacktem Hintern bekam auf
Instagram mehr als 150.000 Likes, das
war letzten Sommer auf der Yacht, die
der Popstar gemietet hatte, um vor der
Küste Südfrankreichs in aller Ruhe mit
ihren Freunden Orgien zu feiern. Aber
was nicht mehr lustig ist, sind die bierdosenbreiten
Bilder einer Proletin, die
sich mit ihrer lesbischen Freundin Michelle
Rodriguez bei einem Baseballspiel
dermaßen volllaufen lässt, dass
die beiden sich danach mit Paparazzi
prügeln und auf dem Boden wälzen
müssen. Genau wie das Bild einer komatösen
Cara, die huckepack aus dem
Londoner Club „Chinawhite“ herausgetragen
wird, weil sie sich einfach nach
dem Beyoncé-Konzert zu sehr amüsiert
hat. Kate Moss hat es immerhin bis
heute geschafft, von ihrem Begleiter gestützt
auf ihren zwei Beinen nach dem
Feiern herauszutorkeln. Auch wenn es
schön ist, dass sich die britische Presse
nicht zu schade ist, das versiffte Sweatshirt
der Cara-Leiche als It-Piece und
Kaufanregung zu hypen, haben wir bei
den Fotos einer auf Vamp gestylten Cara
ab jetzt das Gefühl, einer fatalen Lüge
aufzusitzen.
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Nr.13

INTERVIEW
Interview: Sina Braetz
Fotos: Hadley Hudson
PATRICIA BLACK
PATRICIA BLACK WEISS
GENAU, WIE DAS
MODEBUSINESS TICKT,
NUR SO KONNTE SIE ZU
EINER DER TOP-STYLISTEN
NEW YORKS WERDEN. SEIT
2003 ARBEITET SIE ALS
KREATIVDIREKTORIN DES
SHOWROOMS ALBRIGHT
FASHION LIBRARY, DER
STYLISTEN, BLOGGERN,
STARS UND DESIGNERN ALS
BEGEHRTER STILBERATER
GILT.
„Sie ist süß, ich weiß nicht. Alle sind
sie süß.“ Patricia Black grinst verschmitzt,
zwinkert mit dem Auge und
lässt sich lässig auf einen Stuhl fallen.
Ihre kobaltblaue Mütze, ihr schwarzer
Swea ter und ihre Wedges lassen sie
noch größer und tougher erscheinen,
als sie eigentlich schon ist. Dann schaut
sie wieder zu dem jungen, hübschen
Mädchen, das gerade in ein neues
Outfit schlüpft. „Sie ist eine Bloggerin,
eine von vielen, die wir beim Styling
beraten. Frage mich nicht, warum sie
hier ist.“ Black schnappt ein neues Outfit
von einer der endlos scheinenden
Kleiderstangen, die den hellen, 7000
Quadratmeter großen Showroom des
Mode-Verleihs „Albright Fashion Library“
in New Yorks East Village zu
einem wahren Paradies machen. Aus
einem Riesenrepertoire an Kleidern –
über 15.000 an der Zahl – Anzügen, Röcken,
Blusen, Schuhen, Accessoires und
Schmuck von Alexander Wang bis hin
zu Valentino stellt Black mit Albright
Outfits für unterschiedlichste Kunden
zusammen.
Fräulein: Mrs. Black, Sie haben es
bis an die Spitze der New Yorker
Fashion-Szene geschafft. Wichtige
Trendsetter trauen Ihrem Rat. Wie
haben Sie das gemacht?
Patricia Black: Erst einmal glaube ich,
dass es wichtig ist, sich für alles außer
Mode zu interessieren, so komisch das
klingt. Denn es ist das Leben, Kunst,
Literatur, die Theatergeschichte, alles,
was uns umgibt, das Trendsetter und
Tastemaker inspiriert oder zumindest
inspirieren sollte und was letztendlich
unsere Mode formt.
Sie arbeiteten lange als Stylistin
in Atlanta. Was hat Sie nach New
York verschlagen?
Ich ließ mich damals grade in Atlanta
scheiden und bekam dann über Umwege
einen Job in New York, den ich
nach 9/11 gleich wieder verlor. Ich arbeitete
dann für einen Setdesigner, bis
ich hier bei Albright landete. Das ist
mittlerweile 10 Jahre her. Es ist okay, es
ist ein Job (lacht).
Das hört sich nicht nach großer
Leidenschaft an!
Meine Motivation sind die Leute, mit
denen ich arbeite. Ich mag es, von Menschen
umgeben zu sein, die kämpfen,
das inspiriert mich. Etwa Künstler, die
ohne Geld zu uns kommen und kurz
vor ihrer ersten Galerie-Eröffnung stehen.
Und es macht mir Spaß, Frauen zu
beobachten, die sich in unserem Spiegel
auf einmal anders wahrnehmen,
sich neu entdecken und Selbstvertrauen
finden.
Wie schaffen Sie es, diesen Mädchen
und Frauen zu helfen, einen
eigenen Stil zu finden?
Indem ich ein guter Zuhörer bin und
ihr Verhalten beobachte. Heutzutage
vergessen wir oft den menschlichen
Austausch und die Signale, die wir immerzu
aussenden. Natürlich hat jede
meiner Kundinnen auch ein unterschiedliches
„Publikum“, unterschiedliche
Zielgruppen, ob Magazinleser
oder Eventgäste. Es ist wichtig, ob die
Kundin mit ihrem Mann zu einer Veranstaltung
geht oder vielmehr einen
finden möchte, ob sie mit ihrem Chef
oder mit ihren Kollegen unterwegs ist.
Das Publikum kennt immer die Wahrheit.
Aber man muss dem Geschmack
des Publikums nicht hundertprozentig
folgen. Und so kann ein Outfit einen
ganz anderen Menschen entstehen lassen
– Kleider machen Leute.
Man braucht also ein trainiertes
Auge!
Ja, nur das Traurige ist, dass wir alle
kaum noch aufmerksam sind. Wir
schauen auf die Diamanten und lassen
uns davon blenden. Das ist das „Fashion-Game“.
... ein Spiel, das mittlerweile einem
immensen Demokratisierungsprozess
unterlaufen hat. Mode wird
immer offener und erreichbarer
für eine große Gruppe. Inwiefern
macht sich das in Ihrem beruflichen
Alltag bemerkbar?
Eine Beobachtung, die ich in den letzten
Jahren machen musste, war, dass
sich Freunde von mir, die schon ewig
in der Fashion-Szene arbeiten, von
heute auf morgen in der zweiten oder
„DAS LEBEN IST
KEIN ,DESPERATE
HOUSEWIVES’“
dritten Reihe bei den Shows wiederfanden.
Hinter irgendwelchen Bloggern.
Das verwirrt erst einmal. Auf der
anderen Seite ermöglicht dieser Trend
auch Menschen außerhalb des inneren
Zirkels einen Zugang zur Mode, besonders
zur High Fashion. Sie entwickeln
so einen Sinn für Ästhetik, ohne allerdings
ein fundiertes Wissen zu haben,
woher Modetrends oder Designer
kommen und was für eine Geschichte
hinter ihnen steckt. Vielleicht bedeutet
das heute auch nicht mehr so viel,
ich bin mir da nicht so sicher. Aber ich
glaube, wir haben die Poesie verloren.
Was macht diese Poesie aus?
Zeit zu haben zu reflektieren, zu reisen,
sich inspirieren zu lassen. Heute
scheint es, als würde jeder tagtäglich
seinen eigenen roten Teppich entlangschreiten.
Wenn wir aber alle nur in
unseren Glashäusern sitzen und wegschauen,
dann gibt es keine Entwicklung!
Haben wir im Vergleich zu früher
die Idole mit „Seele“ verloren?
Ja. Das Leben ist weder „Desperate
Housewives“ noch ein „Projekt Runway“.
Es ist wichtig, dass eine Frau
Selbstvertrauen hat, dass sie weiß, wer
sie ist. Wenn nicht, dann hilft es auch
nicht viel, sie in das schönste, sexieste
Kleid einzuhüllen. Wir handeln mit Beträgen,
die sich an Erziehung und Ausbildung,
an Herkunft und Jobs messen.
Es muss aber mehr geben an einer Person,
eine Seele eben.
Was inspiriert Sie persönlich?
Meine Inspiration kommt aus meinem
Filmwissen, aus meinem Alltag, aus
Dingen, die ich auf der Straße oder in
der Subway sehe. Unser Office liegt
direkt gegenüber der Cooper Union
School für Schüler, denen die finanzielle
Unterstützung fehlt. Ich schaue
gerne, was die Kids dort tragen. Das,
was wir in der Mode machen, ist doch
eigentlich nichts anderes als Beobachtetes
zu glorifizieren, es in Kaschmir
oder in die beste Seide der Welt zu verwandeln.
Welche Erfahrungen haben Sie
persönlich mit der Modeszene in
New York gemacht?
Es ist ein Club und Teil dieses Club zu
werden kostet. Also zahlst und zahlst
du, mit Geld, das du dir oft borgen
musst, bevor du dort hinkommst, wo
du hinwillst. Dabei geht das Ursprüngliche
verloren. Die Herausforderung in
New York ist meiner Meinung nach,
etwas von dir zu erhalten, ohne dich
von der Stadt auffressen zu lassen. Du
musst bereit sein zu scheitern. Jeder
liebt einen Gewinner, aber am meisten
lieben wir diejenigen, die auf ihrer
Strecke auch mal gefallen und wieder
aufgestanden sind.
Im März 2014 hat die Albright Fashion
Library ihr zehnjähriges Jubiläum in
Kooperation mit New Yorks Fashion Institute
of Technology und einem Team aus Moderedakteuren,
Stylisten und Kostümdesignern
gefeiert. In einem Kurzfilm, der zurzeit im
Rahmen der Ausstellung „Albright goes to
school“ gezeigt wird, diskutiert das Team
unter anderem die Bedeutung von Albright
für ihren beruflichen Alltag.
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FEIERABEND
Interview: Hanno Hauenstein
Foto: Jonas Opperskalski
Etgar Keret ist einer der bedeutensten
zeitgenössischen Schriftsteller
Israels und ein zwischen lustvoller Ironie
und eigentümlicher Melancholie umhertreibender
Geist. So darf an dieser Stelle
zum ersten Mal auch ein Mann in der
Fräulein auftauchen! Ein Gespräch in Tel
Aviv über das wohl schmalste Haus der
Welt, Miranda Julys E-Mail-Projekt „We
Think Alone“ und das Schreiben zwischen
Kunst und Politik.
Fräulein: Herr Keret, was inspiriert
Sie?
Etgar Keret: Ich hatte mal eine Lesung
in Chicago mit älteren jüdischen Damen.
Eine von ihnen stand am Ende
auf und sagte, ich sei gar kein richtiger
Schriftsteller. Ich hätte gar keine Beschreibungen
von Szenerien in meinen
Geschichten. Warum schreibst du nicht,
wie Dinge aussehen? Ich sagte, es interessiert
mich nicht, wie Dinge aussehen.
Was mich interessiert, sind lebende Kreaturen.
Du kannst mir den schönsten
Sonnenuntergang zeigen, den grünsten
Hügel, die bezauberndste Blume, das
interessiert mich alles einen Dreck. Der
Blick eines Kindes, eine kichernde Frau,
das ist das Spektrum, in dem ich Dinge
fühle.
Hier in Israel haben Sie eine Art
Zwischenstellung als Schriftsteller
und Kommentator. Letztes Jahr interviewten
Sie Benjamin Netanjahu.
Wo liegt für Sie die Grenze zwischen
Kunst und Politik?
In der Kunst geht es um die menschliche
Verfassung – die ist von Haus aus ambivalent.
Wenn jemand kommt und sagt,
guck mal, hier passieren schreckliche
Dinge, darüber solltest du schreiben,
dann ist das ein Missverständnis. Das
Stärkste an der Kunst ist, dass sie keine
Funktion hat. Mit einem Buch kannst
du nicht jagen oder googlen, es ist zu
nichts gut, es spricht über Leute, die nie
existiert haben, ist eine große Lüge, hat
die Kraft der Infragestellung. Politische
Kommentare dagegen haben etwas sehr
Pragmatisches, das ist fast eine Art Anti-Schreiben.
Der Titel einer Ihrer Geschichten
lautet „Creative Writing“. Sie unterrichten
selbst kreatives Schreiben.
Kann jeder Schriftsteller werden?
Das Erste, was ich meinen Studenten
sage: Das ist keine echte Klasse hier.
„ICH WUCHS
OHNE WURZELN
AUF, OHNE
GROSSELTERN,
OHNE SPRACHE“
Schreiben kann man niemandem beibringen.
Bei mir läuft das eher wie bei
den Anonymen Alkoholikern. Da kommt
wer, sagt, hey, mein Name ist Yaakov, ich
schreibe Geschichten – wir antworten:
Es ist okay Yaakov, wir auch! In den USA
gibt es diese Tendenz zu denken, Schreiben
sei Handwerk, einer lernt Schriftsteller,
der nächste Zimmermann. Daran
glaube ich nicht.
Im deutschen Kanon gilt Schreiben
eher als Produkt unerreichten
Genies.
Schreiben ist auch kein Geniewerk. Ich
kann schlecht damit umgehen, wenn
Leute Schriftsteller anhimmeln. Ich
glaube, ein Schriftsteller ist jemand mit
vielen Problemen, die er in Geschichten
kanalisiert. Das ist ein aufrichtiger Akt,
in dem man die intimsten Unfähigkeiten
zugibt, aus fiktionalem Sicherheitsabstand.
In meiner letzten Sammlung gibt
es eine Geschichte namens „Teamwork“,
über einen Vater und seinen Sohn, der
von einem fetten Mädchen im Kindergarten
gemein gezwickt wird. Der Vater
sieht das, schubst das Mädchen und
verletzt sie am Kopf. Später leugnet er,
es getan zu haben. Auf einer Lesung
in Berkeley sagte mir eine Frau, es sei
großartig, dass ich einen so gewundenen
Charakter erfinden konnte. Ich antwortete,
ich habe ihn nicht erfunden, das bin
ich selbst! Wann immer ich mit meinem
Sohn rausgehe und ein anderes Kind ihn
mit Sand bewirft, will ich dem Kind am
liebsten ins Gesicht treten und wenn es
blutet, sagen: Na, wie fühlt sich das an,
du Stück Scheiße? In der Realität sage
ich mir, es ist eben doch nur ein Kind,
außerdem könnte ja die Polizei kommen.
Ich schreibe über meine eigenen
Abgründe.
Hat das auch einen therapeutischen
Aspekt?
In erster Linie einen deklarativen. Meine
Frau sagte mal, es nerve sie, dass ich
so oft über verheiratete Männer schreibe,
die ihre Frauen betrügen. Ich fragte
sie, ob sie es lieber hätte, wenn ich von
loyalen Männern schreiben und sie betrügen
würde? Die Geschichten handeln
davon, dass ich Frauen kenne, in die ich
mich verlieben und mit denen ich schlafen
will. Indem ich es deklariere, löse ich
mich davon.
Die erste Geschichte Ihrer jüngsten
Sammlung handelt von drei aufdringlichen
Typen in Tel Aviv, die Sie
zwingen, eine Geschichte zu erzählen.
Wie gehen Sie mit der israelischen
Mentalität um?
Ich liebe es hier. Die Kehrseite zu der
Aufdringlichkeit ist unsere Großzügigkeit.
Ich vermisse das, wenn ich in
Europa oder den USA bin, das ist wie
in einem guten Restaurant zu essen,
mit dreckigen Toiletten. Was mich an
Israel eher stört, ist ein Kind hier großzuziehen.
Mein Sohn ist sieben. Bei den
letzten Missile-Attacken auf Tel Aviv
mussten wir uns alle ziemlich plötzlich
auf den Boden legen. Er weigerte sich,
meinte, der Boden sei nicht sauber genug.
Ich fand mich in einer Situation
wieder, wo ich ihn überreden und zusehen
musste, wie er zum ersten Mal Hass
empfindet und Rache nehmen will. Ich
erklärte ihm dann, was Besatzung heißt.
Solche Sachen würde ich von einem
Siebenjährigen lieber fernhalten, so wie
die Leute in Gaza ihre Kinder wohl auch
lieber unter anderen Bedingungen großziehen
würden.
Es scheint schwierig, damit umzugehen,
dass Tel Aviv und Gaza lediglich
40 Kilometer voneinander
entfernt liegen.
Früher war das einfacher für mich, da
lebte ich komplett in der Gegenwart. Mit
einem Kind wird die Vergangenheit und
die Zukunft ein Teil deines Lebens.
Für viele scheint die Entscheidung,
in Israel zu bleiben oder von hier
wegzugehen, sehr emotional besetzt,
mehr als in Europa.
Da stimme ich zu. Der Unterschied ist,
sowohl die Argumente hier zu bleiben,
als auch die dafür, Israel zu verlassen,
gehen auf mein Jüdisch-Sein zurück.
Das Argument zu bleiben nährt sich aus
dem Konzept von Zuhause. Mich mit
dem Premierminister, Bürgermeister
oder sonst wem zu streiten ist etwas,
das ich tun kann, ohne dass wer sagt:
Geh verdammt noch mal dahin zurück,
wo du herkommst. Das ist ein Geschenk,
das meine Eltern nie hatten – ein starkes
Erbe.
Sehen Sie Unterschiede darin, wie
sie selbst, als Vertreter der zweiten
Generation Holocaust-Überlebender,
und die dritte Generation mit
diesem Erbe umgehen?
Große Unterschiede! Ich wuchs ohne
Wurzeln auf, ohne Großeltern, ohne
Sprache, die ich mit meinem Großvater
hätte teilen können. Dieser Bruch
erzeugt ein Verlangen, Dinge zu verstetigen.
Meine Eltern hatten so ein Verlangen
nie. Deshalb hat Immigration für
mich auch immer den Beigeschmack,
dem Sterben einen Schritt näher zu sein.
Dazu kommt: Ich bin ein Hakenkreuzmagnet.
Symbolisch gesprochen?
Nein, physisch! Ich gehe wohin, sehe
mich um und finde eins! Das scheint mir
so eine Art Disposition zu sein. Auf der
anderen Seite erinnert mich dieses Erbe
auch daran, dass wir überlebt haben,
weil wir zu der Zeit, als die Nazis gewählt
wurden, die Ersten waren, die unsere
Sachen packten und abhauten. Heute
gibt es wieder Leute um uns herum, die
meinen Sohn gerne tot sehen würden.
Deshalb gibt es auch diese Seite, die mir
sagt, wir sollten schleunigst raus hier.
Der Architekt Jakub Szczesny hat in
Warschau ein Haus nach dem Vorbild
Ihrer Geschichten erbaut. Waren
Sie schon dort?
Ja, und es ist nicht so klaustrophobisch,
wie man denken könnte! Auf kleinstem
Raum liefert es alles, was ein Haus
braucht, das sind die Proportionen, die
er meinen Geschichten entnimmt. Es
liegt an einem Ort, den meine Mutter gut
kannte, da sie ins Warschauer Ghetto
Essen schmuggelte. Das Haus steht genau
an der Stelle, wo man früher vom
kleinen ins große
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Ghetto gelangte.Für mich war es ein
bewegendes Projekt, weil es meinen Familiennamen
am Leben erhielt an dem
Ort, wo er ausradiert wurde. Polen ist ein
wichtiger Ort für mich, dort werde ich
am meisten gelesen, der Charakter und
der Humor meiner Geschichten funktioniert
dort wohl sehr gut. Als meine
Mutter meine Geschichten auf Polnisch
las, meinte sie, ich sei eigentlich ein polnischer
Schriftsteller im Exil.
In Israel und in Deutschland hat
man manchmal das Gefühl, die Erinnerung
an den Holocaust werde
zu einem starren Staatsnarrativ institutionalisiert.
Ist das Keret-Haus
eine alternative Form von Erinnerung?
Erinnerung war für mich immer etwas
Lebendiges und Dynamisches. Mein
Problem mit Mahnmalen ist, dass sie
von Vergangenheit handeln, nicht von
Gegenwart. Das Keret-Haus wird immer
von einer Gruppe von vier Menschen
besichtigt. Das letzte Mal, als ich da war,
standen da vier Leute, die Witwe des
Pianisten Władysław Szpilman, ein italienischer
Architekt, eine polnische Frau,
die ein großer Fan meiner Geschichten
ist, und ein Kind. Szpilmans Witwe war
den Tränen nahe, wegen diesem Stück
jüdischer Kultur mitten im Ghetto, ein
Fakt, den niemand verleugnen kann. Der
Italiener war begeistert, dass das Haus
nicht auseinanderfiel, für ihn ging es um
Architektur. Mein Fan sagte: „Wow, ich
sehe die Verbindung, so minimalistisch
und so funktional zugleich!“ Und das
Kind sagte: „Yeah, ein Piratenschiff, dort
gibt’s eine Leiter, da kann ich hochklettern!“
Es gibt etwas sehr undefiniert-offenes
an dem Projekt, das ist genau
das, was es ausmacht. Wie in einer Geschichte,
die immer auch eine Mischung
ist aus dem Text und dem Rätsel, das
darin versteckt liegt. So funktioniert das
Gebäude. Die Leute suchen und finden
etwas. Das ist übrigens auch, was ich an
der Kunst mag, sie soll mir keine Lektionen
erteilen, sie soll etwas liefern, womit
ich selbst etwas anfangen kann.
„ES INTERESSIERT
MICH NICHT, OB
MAN BÜCHER
VERBRENNT,
NACHDEM MAN
SIE SCHREIBT, OB
MAN AUF SIE
SCHEISST,
NACHDEM MAN
SIE LIEST“
Zusammen mit Lena Dunham,
Kirsten Dunst und anderen haben
Sie an „We Think Alone“ mitgewirkt,
Miranda Julys letztem Online-Projekt,
in dem man die privaten
E-Mails bekannter Personen einsehen
konnte. Liegt hier die Zukunft
der Literatur? Werden sich Bücher
überleben?
Mich interessieren die Geschichten. Die
überleben immer.
Das Medium spielt keine Rolle?
Nein. Die Diskussion, ob Kindles nun
Bücher ablösen, gab es so ähnlich ja
schon zu der Zeit, als der Film erfunden
wurde. Meine erste Geschichte schrieb
ich auf einem Computer, in einer dieser
48-Stunden-Schichten in der Armee. Als
meine Ablöse kam, fragte ich ihn, ob er
sie lesen wollte, er verneinte, also sagte
ich: Fuck off, druckte die Story, nahm sie
mit zum Haus meines Bruders nach Tel
Aviv und fragte ihn. Es war sechs Uhr
morgens und seine Freundin war jetzt
wach und angefressen, trotzdem sagte
er, okay, wir machen einen Spaziergang
mit dem Hund. Wir gingen los, er fing an
zu lesen und, nun ja, der Hund musste
scheißen. Es war ein sehr entschlossener
Hund, mein Bruder las, doch der
Hund hüpfte und zog ihn wie ein Gummiball
über den Boulevard. Zum Glück
sind meine Geschichten sehr kurz, zwei
Minuten später hatte mein Bruder also
fertig gelesen, sah mich mit funkelnden
Augen an und sagte, sie sei großartig.
In dem Moment setzte sein Hund einen
dicken Haufen in die Mitte des Boulevards.
Mein Bruder fragte, ob ich eine
Kopie der Geschichte hätte. Die hatte ich,
also nahm er das Papier und räumte die
Scheiße damit weg. In diesem Moment
verstand ich, dass ich Schriftsteller werden
wollte. Mein Bruder lehrte mich:
Geschichten liegen nicht im Papier – ein
Argument für Bücherverbrennung. Es
interessiert mich nicht, ob man Bücher
verbrennt, nachdem man sie schreibt,
ob man auf sie scheißt, nachdem man sie
liest. Ein Buch kann dich an einen anderen
Ort bringen, darauf kommt es an.
Was sind Ihre schriftstellerischen
Einflüsse?
Kafka war eine Befreiung. Ich verstand,
dass es einen Menschen auf dieser Welt
gab, der abgefuckter war als ich selbst,
das half mir, etwa in der Armee, wo ich
ständig mit meiner absoluten Inkompetenz
konfrontiert war. Für Individuelles,
Andersartiges, Fettes, Kleines ist da kein
Platz.
Sehen Sie sich in einer Linie mit
israelischen Schriftstellern wie
Amos Oz, David Grossman, Yoram
Kaniuk?
Mit Oz wuchs ich auf, er ist begnadet.
Generell glaube ich aber, das israelische
Modell von Schreiben findet oft vor einem
befriedenden Horizont statt, vor
dem die Autoren dann als so eine Art säkulare
Propheten dastehen. Auch wenn
ich diese Art Literatur gern lese, ich fühle
mich dem nicht zugehörig.
Weil Sie das als bevormundend
empfinden?
Nicht bevormundend, nein. Es ist ein
junges Land, die Leute hier sind auf der
Suche. Als Leser könnte ich mich darin
verlieben. Ich hatte nur immer den Eindruck,
die Protagonisten sind bessere
Menschen als ich. Da fühle ich mich verzweifelter,
jüdischer Literatur von Leuten
wie Shelly Singer, Shaul Ha’Melech
oder Phillip Roth mehr verbunden, Leute
in der Diaspora, wo sich der Dialog
zwischen Schriftsteller und Protagonist
in die Geschichten einpasst. Nicht, dass
ich das in mir hätte. Nur will ich eben
keine Antworten liefern, ich habe eben
keine. Wenn du und ich jetzt Intelligenz
vergleichen, besteht eine gute Chance,
dass du gewinnst. Wenn wir Stress und
Angst vergleichen, verlierst du. So bin
ich gebaut. Wenn ich Zigaretten kaufe,
denke ich darüber nach, was passieren
würde, wenn mir der Verkäufer einen
Kuss auf den Mund gibt. In meinen Geschichten
hat man immer diese Vorahnung
davon, es könnte etwas Schlimmes
passieren. Ich wäre lieber jemand, der
meint eine Idee zu haben, wie er den
Konflikt löst. Stattdessen bin ich jemand,
der, wenn der Konflikt eskaliert, weiß, wo
man sich am besten versteckt.
Etgar Keret, 1967 in Tel Aviv geboren, ist einer
der bedeutendsten zeitgenössischen Schriftsteller
Israels. Er schreibt Kurzgeschichten,
politische Kommentare, Graphic Novels, Theaterstücke
und Drehbücher. Sein erster Film
„ Jellyfish“ wurde 2007 auf den Filmfestspielen
in Cannes als bestes Debüt ausgezeichnet.
Heute lebt Keret mit seiner Frau Shira und
seinem Sohn Lev in Tel Aviv. Bei Fischer erscheint
demnächst „Die sieben guten Jahre“ ,
ein nicht-fiktionales Buch, das sechseinhalb
Jahre in Kerets Leben wiedergibt, die er auf
Tonband aufnahm – von der Geburt seines
Sohnes bis zum Tod seines Vaters.
www.madame.de | Instagram: @madamewinter | Twitter: @MadamePetra | im AppStore
Das Luxusmagazin
jeden Monat neu im Handel
Nr.13
118
Sophisticated fashion & luxury since 1952

REZEPT
Illustration: Lenia Hauser
Foto: Sabine Volz
Nr.13
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Nr.13

DAS TRAGE ICH FÜR DIE EWIGKEIT
Protokoll: Robert Grunenberg
Foto: Jan Lessner
Styling: Adrian Fekete
„ICH WEISS,
WIE ES IST, WENN MAN
TRAUERT“
DIE US-AMERIKANERIN LUCINDA CHILDS GEHÖRT ZU DEN PRÄGENDSTEN
CHOREOGRAFEN UNSERER ZEIT. SIE ARBEITETE MIT DEM MINIMALISTEN SOL
LEWITT, DEM KOMPONISTEN PHILIP GLASS UND DEM REGISSEUR ROBERT WILSON
AN WEGWEISENDEN WERKEN WIE „DANCE“ UND „EINSTEIN ON THE BEACH“. MIT
IN DIE EWIGKEIT WÜRDE SIE EIN SCHWARZES
COCKTAILKLEID VON ARMANI NEHMEN.
„Mit einem Kleid für die Ewigkeit
verbinde ich die Idee, dass man passend
gekleidet ist, egal wo man ist oder
was man tut. Mir gefällt die Vorstellung,
dass ein Design so zeitlos und elegant
ist, dass man es zu jeder Tageszeit
tragen kann, ohne dabei komisch oder
unmodisch auszusehen. Ich habe mir
in den 80er-Jahren ein Armani-Cocktailkleid
gekauft, es ist ein schwarzer
einfacher Dress, wunderschön geschnitten.
Etwas, das zu jedem Anlass
passt, zeitlos schön und für die Ewigkeit
designt. Ich halte es immer bereit.
Giorgio Armani ist ein feiner Mann.
Sein Auge fürs Detail macht aus etwas
ganz Einfachem etwas, das sich sehr
elegant anfühlt. Ich habe ihn kennengelernt,
als er sich Aufführungen anschaute,
die ich mit Regisseur Robert
Wilson produzierte. Das war Mitte der
1970er-Jahre in Paris. Damals wurden
mein Interesse und mein Gespür für
Mode sensibilisiert, als ich die Designs
von Issey Miyake und Yves Saint Laurent
sah. Auch Robert Wilson inspirierte
mich. Sein Feingefühl für jedes
Detail im Theater und der Oper ist außergewöhnlich,
auch was die Kostüme
angeht.
Ich bewundere Mode, für mich ist sie
eine Kunstform, auch wenn Designer
wie Saint Laurent das vehement verneinten.
Als Tänzerin habe ich es unglaublich
genossen, mich in Kostümen
zu bewegen. Ich erinnere mich gerne
an das Stück „Maladie de la Mort“,
eine Adaption von Robert Wilson für
„IN DER OPER
GEHT ES UM DIE
ELEMENTAREN
FRAGEN DES
LEBENS“
die Berliner Schaubühne, für das die
Kostümbildnerin Frida Parmeggiani
ein fantastisches Kleid für mich entwarf.
Es hatte eine Schleppe, die über
die ganze Bühne fiel. Meine gesamten
Bewegungen wurden durch das
Design vorgegeben. Ich musste das
Kleid von seiner Fabrikation komplett
analysieren, verinnerlichen und auch
manipulieren. Ich entwickelte Augen
in meinen Händen und Füßen, denn
ich konnte bei der Choreografie nicht
auf den Boden schauen. Ich musste
das Kleid mit meinem ganzen Körper
spüren; eine außergewöhnliche und
extreme Erfahrung. Das Stück „Maladie
de la Mort“ selbst dreht sich um
die Ohnmacht der Gefühle, das Kranksein
und Todsein der Gefühle, nicht um
das Sterben selbst, sondern die Unfähigkeit
zu lieben. In der Postmoderne
arbeiten Theater, Ballett und Oper
mit semidramatischen Elementen.
Sie vermeiden die direkte Darstellung
von Tod, es gibt kein Playacting wie in
„Giselle“ oder „Schwanensee“. Gefühle
werden zum Beispiel gezeigt, indem
man etwas weglässt: das Fehlen von
Menschen, das Auslassen von Text
und Musik oder das Nicht-Zeigen von
Bewegung auf der Bühne. Diese Form
der Auseinandersetzung mit Emotionen
gefällt mir. Es ist ein Angebot,
jeder kann es zu Ende denken, wie er
will, manche verbinden zum Beispiel
mit dem Fehlen von Musik in der Oper
etwas wie den Tod, andere nicht. Jeder
Zuschauer kann sich seine eigenen Gedanken
machen.
Wenn ich persönlich an den Tod denke,
habe ich Schwierigkeiten, mir das
Sterben vorzustellen. Jeder denkt darüber
nach, jedem wird es passieren.
Ich habe mir nahe stehende Menschen
verloren und ich weiß, wie es ist, wenn
man trauert. Doch den Prozess des
Sterbens habe ich gedanklich noch
nicht examiniert. Vielleicht ist es naiv,
doch es fällt mir schwer. Die Auseinandersetzung
damit durch Kunst hingegen
kann mir persönlich einen anderen
Zugang gewähren. In der Oper geht es
oft um diese elementaren Fragen des
Lebens.
Ein Stück wie „Einstein on the Beach“
arbeitet mit Wiederholungen und Variationen
von gleichen Mustern. Das
zwingt einen selbst, den Gang zu wechseln,
denn es führt einen aus den gewohnten
Strukturen heraus. Mit John
Cage und Merce Cunningham begann
eine Periode der performativen Künste,
in der diskutiert wurde, dass persönliche
Entscheidungen und Seinszustände
sehr limitiert sind. Ich selbst begann
in diese Richtung zu arbeiten, was dazu
führte, dass man völlig außerhalb der eigenen
Limitation zu denken beginnt. Es
befreit und man sieht plötzlich ganz viele
Optionen. Man fragt sich: Okay, ich arbeite
mit dem Raum auf der Bühne, wie
viel Möglichkeiten gibt es, diesen Raum
zu betreten, ihn zu verlassen, mit und
in diesem Raum zu arbeiten? Man hat
ein Thema und man wiederholt es und
variiert es unendlich lang. Man verlässt
nicht das Erste, was man hat, bis man
wirklich herausgefunden hat, was man
damit tun kann. Das ist für mich etwas
Wunderschönes. Dieser intellektuelle
Ansatz, dieses postmoderne Fühlen, hat
für mich eine Unendlichkeit der Möglichkeiten
aufgetan. In dieser Weise ist
es auch etwas, das ich in mir für die
Ewigkeit trage.“
Lucinda Childs und ihre Dance Company
performen das Tanzstück DANCE am 17. &
18. Mai 2014 in Macao, eine Kollaboration
mit dem Komponist Philip Glass und dem
Künstler Sol LeWitt. DANCE zählt zu den
bahnbrechendsten Werken postmoderner
Choreografie.
Nr.13
122
Nr.13

HOROSKOP
Illustration: Paraskewi Palaska
PANTA RHEI – ALLES FLIESST
KREBS
22. Juni - 22. Juli
WAAGE
24. September - 23. Oktober
FÜR DIE ALTEN GRIECHEN WAREN ORDNUNG UND SCHÖNHEIT IDENTISCH. DANN SAHEN SIE IN DEN
NÄCHTLICHEN STERNENHIMMEL. ER WAR VÖLLIG UNORDENTLICH UND DOCH WUNDERSCHÖN. SIE NANNTEN
IHN KOSMOS: WELTORDNUNG, GLANZ. DAS WORT KOSMETIK STAMMT DAHER. WAS DAS ALLES MIT IHREM
HOROSKOP ZU TUN HAT? LESEN SIE SELBST.
STEINBOCK
22. Dezember - 20. Januar
Es gibt zu viele Häuptlinge, da braucht
es Diplomaten mit emotionaler Intelligenz.
Mit der Zeit merkt man, dass es
auf Sie ankommt. Und während die
Genies noch mit 50 auf den Durchbruch
als Popstar warten, sind die
Indianer längst Abteilungsleiter oder
Marketingleiter geworden. Zu welchem
Stamm gehören Sie? Achten
Sie darauf, nicht zu kurz zu kommen.
Muss ja nicht jeder merken, dass Sie
nicht völlig selbstlos sind. Malen Sie
ein großes Bild. Hören Sie Barockmusik.
Schauen Sie mal bei Joyclub oder
OKcupid vorbei (das sind Websites,
NSFW, das heißt No save for work).
WASSERMANN
21. Januar - 19. Februar
Selbstbewusstsein kann auch einsam
machen. Visionen können Anderen auf
die Nerven gehen. Zum Glück sind Sie
eine Schnellmerkerin, smart und witzig.
So wird es auch in der Liebe nicht
langweilig – und falls doch, verabschieden
Sie sich, aber Hallo! Sie sind
anspruchsvoll. Sie können gut delegieren,
manchmal wird dann protestiert:
„Ich bin nicht deine Sekretärin.“ Dann
schnell einen Witz machen, damit alles
gut ist. Üben Sie sich in Geduld. Versuchen
Sie in einem Chor die Stimmen
zu unterscheiden. Bedanken Sie sich
heute drei Mal bei drei verschiedenen
Menschen.
FISCHE
20. Februar - 20. März
Es gibt viel zu tun. Aber bringen Sie
es zu Ende. Sie lassen sich leicht ablenken,
auch emotional. Man kann
Ihre Gedanken nicht lesen. Sie jedoch
glauben, Sie könnten Gedanken lesen.
Es stimmt, Ihr Einfühlungsvermögen
ist groß, wenn Sie sich nicht gerade
als Prinzessin aufführen. Was die wenigsten
vermuten: Sie nehmen sich
die Sachen zu Herzen. Sie sind nicht
störrisch. Manchmal sind Sie schwer
greifbar, ein Fisch eben. Werfen Sie alte
Sachen weg, alles, was Sie seit einem
Jahr nicht angefasst haben (außer Bücher).
Fragen Sie nicht, was die Gesellschaft
für Sie tun soll, fragen Sie, was
Sie für die Allgemeinheit tun können.
Besteigen Sie einen hohen Berg.
WIDDER
21. März - 20. April
Mitten auf dem einmal eingeschlagenen
Weg umzukehren ist nicht Ihre Sache,
auch wenn er in die falsche Richtung
führt. Schauen Sie deshalb auch
mal in den inneren Rückspiegel. Die
größten Verletzungen fügen Sie nicht
anderen, sondern sich selbst zu. Damit
sie nicht als einsame Eisprinzessin auf
der schwarzen Insel enden: Lust vor
Life! Beweg deine Hüften! Setzen Sie
sich eine Maske auf, spielen Sie eine
andere Rolle. Lassen Sie den Würfel
entscheiden, ob Sie Tofu oder Schweinebraten
essen, Wein oder Wasser
trinken, treu oder untreu sind.
STIER
21. April - 20. Mai
Von Natur aus Hedonistin, fällt Ihnen
das Genießen erstaunlich oft schwer.
Was würde X sagen? Und dann die
Kopfschmerzen nach der Party. Und so
jung sind wir auch nicht mehr. Stopp!
Aufhören mit dem inneren Monolog
der schlechten Laune. Lassen Sie los,
hören auf Ihren Atem und zählen alles
auf, was positiv ist. Sie sind nicht für alles
verantwortlich. Der Friedhof ist voller
Menschen, die sich für unersetzbar
hielten. Testen Sie einen Wein, ganz
langsam und vorsichtig. Streicheln Sie
ein Tier. Bleiben Sie eine halbe Stunde
im Bett liegen und träumen. Schalten
Sie das schlechte Gewissen aus, das
klappt.
ZWILLING
21. Mai - 21. Juni
Natürlich ist das Leben lustig. Man
sollte es nicht zu ernst nehmen. Doch
Einstein, Bill Gates und viele andere
glückliche Menschen meinten im hohen
Alter: Ich bereue nichts in meinem
Leben, nur hätte ich mich mehr
um meine Zähne kümmern sollen.
Bei aller Nonchalance: Zahnweh bezwingt
jeden Dandy. Irony is over. Es
ist ja nicht so, dass Spaß und Ernst
Gegensätze sein müssen. Machen
Sie morgens Gymnastik und zwanzig
Liegestütze. Lesen Sie „Madame Bovary“.
Schalten Sie das Smartphone
aus und raten, was die anderen gerade
mit dem ihren machen.
Eigentlich sind Sie eine pragmatische
Persönlichkeit und kommen gut im Leben
zurecht. Das wird erledigt und das,
und zwar rechtzeitig. Doch in Ihnen
stürmen die Gefühle. Sie haben viel
Liebe in sich. Das ist gut, aber manchmal
fühlen Sie sich zurückgestoßen.
Die anderen verstehen nicht, dass Sie
nur das Beste wollten. Wie? Der Depp
will meine Liebe nicht? Ich will doch
nur ein bisschen streicheln - kann ich
was dafür, dass grade Fußball läuft?
Kümmern Sie sich deshalb mal nur um
sich. Kaufen Sie sich eine Hautcreme.
Nehmen jemandem die Vorfahrt. Strecken
einem Kind die Zunge raus.
LÖWE
23. Juli - 23. August
Seinem Image entkommt man nur
schwer. Vor allem gute Freunde bleiben
dabei, Sie für beratungsresistent
und herrisch zu halten. Das ist doch
ungerecht. Sie haben es denen schon
oft genug gesagt, aber niemand hört
auf Sie. Sollen die mit ihrer repressiven
Toleranz doch hingehen, wo der Pfeffer
wächst. Langweilige Leute gibt es eh
genug, da müssen Sie doch nicht auch
noch so werden. Gründen Sie eine Sekte.
Ärgern Sie Ihre Beifahrer. Erfinden
Sie Zitate von Kurt Cobain oder Goethe.
Gehen Sie als Erste ans Buffet. Ist
der Ruf erst ruiniert, lebt es sich ganz
ungeniert. Wer angibt, hat mehr vom
Leben. Mit Größenwahn fängt´s meistens
an.
JUNGFRAU
24. August - 23. September
Es gibt für Sie eine klare Trennung von
Draußen und Drinnen, vom Ich und
den anderen. Sie wissen selbst, dass
Sie manchmal wie eine Trutzburg wirken.
Das kommt von Ihrem Blick und
der Körperhaltung. Da kommt man
nicht so leicht raus. Die anderen, die
stecken da nicht drin. Ist wie eine Ritterrüstung.
Aber: You are not the only
one who is lonely. Umso überraschender,
wenn Sie mal sehr laut lachen.
Oder, wenn Sie eher von der redelustigen
Fraktion sind, mal nichts sagen.
Mit gaaanz langen Pausen die andern
verunsichern. Sagen Sie so oft „Das
macht doch nichts“, bis die anderen
sich über Sie wundern.
Der Möglichkeitssinn bedeutet, stets
einen Plan B im Kopf zu haben. Aber
im Konjunktiv zu leben lässt einen
leicht zum Träumer werden. Wachen,
Schlafen, sonst nichts? Träumen,
ja Träumen! heißt es irgendwo bei
Shakespeare. Ist ja okay, nur irgendwann
müssen die Sachen erledigt
werden. Probieren Sie mal die Baby-Step-Methode:
Ein kleiner Schritt
nach dem anderen. Genug von Politik?
Online-Petitionen bringen nichts?
Stimmt. Aber irgendwo gibt es ein Feld,
auf dem Sie etwas erreichen können:
Mit Baby-Steps. Spenden Sie zehn
Euro für die Welthungerhilfe. Lächeln
Sie einen Tag armen Menschen zu. Rufen
Sie eine alte Freundin an.
SKORPION
24. Oktober - 22. November
Ich launisch? Nur weil ich weiß, was
ich will? Und die andern irgendwie
stumm in der Ecke verharren, auf das
man ihre Gedanken lesen soll? Bin
ich Jesus? Stimmt, Jesus sind Sie eher
nicht. Aber mal ehrlich: Wären Sie
gerne mit jemanden wie Ihnen zusammen,
wenn Sie mal laut werden oder
beleidigt sind? Kommen Sie besser mit
ruhigen Menschen zurecht? Das heißt
natürlich nicht, dass Sie launisch sind,
um Gottes willen, nein. Überhaupt,
was heißt hier launisch? Dafür gibt es
doch viel schönere Bezeichnungen wie
emotional und spontan. Schließen Sie
Freundschaft mit einem Tier. Putzen
Sie eine Maschine (Spülmaschine,
Motorraum des Autos). Lesen Sie ein
englisches Buch.
SCHÜTZE
23. November - 21. Dezember
Lassen Sie es sich nicht zu deutlich anmerken,
wenn man Sie langweilt oder
jemand etwas irrsinnig Blödes sagt.
Als Optimist lassen Sie gern mal ein
Projekt unbeendet. Immer diese Frage:
Soll man sich treu bleiben oder sich ändern?
Kann man das überhaupt? Bleibt
man nicht irgendwie dieselbe? Nur in
Grün? Schreiben Sie alle Ihre schlechten
Eigenschaften auf. Das reicht ja oft.
Probieren Sie neue Lebensmittel (Kimchi,
Haggis, Runkelrübe). Nehmen Sie
mal einen ganz anderen Standpunkt
ein, so als Neoliberale oder Katholikin,
und versuchen Sie jemanden zu
überzeugen, dass Sie es wirklich ernst
damit meinen.
Nr.13
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Nr.13

IMPRESSUM
RÄTSEL
Illustration: Christina Keuter
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Funcke, Lenia Hauser, Paraskewi Palaska, Patricia
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Nr.13
126
127
Nr.13

SACHEN GIBT ES
Text: Maja Hoock
Illustration: Romina Rosa
TIERISCHE
KOMMUNIKATION
Man kann nicht nicht kommunizieren. Das wusste schon der Soziologe Niklas Luhmann und gilt nicht
nur für Menschen, sondern ebenso für Elefanten, Vögel, Delfine und sogar Bäume! Die Natur ist ein
sagenhafter Resonanz- (und Tanz)raum. Wir müssen einfach besser hinschauen und hinhören. Ein
Best-of tierischer und pflanzlicher Kommunikation, das Lust darauf machen soll, wieder aufmerksamer
gegenüber der eigenen Umwelt zu werden.
Manche Vögel machen so täuschend
echt Handy-Klingeltöne nach, dass
man keinen Unterschied mehr hört.
Je mehr Handys es gibt, desto öfter
klingeln die Vögel. Die großstädtischen
Stare, Eichelhäher und Dohlen singen
das „Quantum Bell“, „Rollin Tone“ oder
„Old Telephone“ nicht nur um ihr Territorium
abzustecken oder um potenzielle
Partner zu beeindrucken, sondern
weil es ihnen gefällt, ihre Stimmen
auszureizen. Die natürliche Tonleiter
deckt aber nur einfache Klingeltöne ab,
Songs sind davon ausgeschlossen.
Viel komplexer kann der Leierschwanz
seine Umwelt imitieren. Der „Menura“
genannte Vogel hat ein eigenes Repertoire
und imitiert dazu jedes Geräusch,
das er einmal im Leben gehört hat.
Dazu gehört der Gesang anderer Vögel,
das Bellen von Hunden, das Miauen
von Katzen, menschliche Stimmen,
Instrumente, Maschinen, Explosionen,
Motorsägen, Alarme, Gewehrschüsse,
Klicken von Kameraverschlüssen und
alles, was sie sonst noch zu hören bekommen.
Diese Gesänge gibt es mittlerweile
sogar als CD und in Orchesterfassung.
Bäume sprechen miteinander – zwar
nicht hörbar, aber doch messbar: Sie
senden Informationen mithilfe von
chemischen Botenstoffen von Baum
zu Baum und warnen sich gegenseitig
vor Fressfeinden. So schüttet etwa die
Akazie einen Stoff aus, der für Rehe
unbekömmlich ist, und verbreitet die
Botschaft mit dem Wind. Die Bäume
in der Umgebung produzieren dann
ebenfalls den Stoff. Damit können Bäume
auch Regenwolken anlocken, wenn
sie Wasser brauchen. Die Moleküle
steigen über ihnen in die Luft und binden
Wasserteilchen, die gebündelt als
Regen über den Bäumen wieder herunterkommen.
Angeblich sollen Messungen
ergeben haben, dass die Warnungen,
die Bäume ausstoßen, wenn
sie gefällt werden, so extrem sind, dass
sie in Ohnmacht fallen.
Wale, die von Menschenhand aufgezogen
werden, klingen wie Menschen. Sie
imitieren ihre Pfleger und versuchen,
Wörter nachzusprechen. Dazu verändern
sie die Tonbildung: Die Grundfrequenzen
liegen dabei zwischen 200
bis 300 Hertz, sind damit der menschlichen
Stimme ähnlich und liegen
mehrere Oktaven unter den üblichen
Lauten der Wale. Außerdem sind Wale
dafür bekannt, die Gesänge ihrer Artgenossen
zu imitieren und so zu regelrechte
Superhits zu kreieren.
Laut wie ein Elefant? Von wegen. Eigentlich
kommunizieren Dumbos
lautlos, singen stille Paarungsgesänge
und verständigen sich über Infraschall.
Diese für Menschen unhörbaren
Schwingungen werden über Luft und
Erde kilometerweit übertragen. Über
das bekannte Tröten äußern sie sich
nur im Ausnahmefall. Dafür klingen
balzende Koalas wie laute Elefanten.
Delfine rufen sich beim Namen. Sie
reagieren auf bestimmte, festgelegte
Pfeiftöne, wenn sie ein Artgenosse ruft.
Jeder Delfin hat eine eigene Tonfolge.
So erkennen sie sich, sprechen sich an
und wissen, wann sie wohin kommen
sollen.
Bienen drücken sich durch Tanzen
aus. Durch die Art, wie sie im Kreis
schwänzeln, sagen sie deutlich, wo sie
was gefunden haben, wie es schmeckt
und ob es sich lohnt, dahin zu fliegen.
Je intensiver sie tanzen, desto besser
ist der Fund. Twerking deutet auf eine
Blumenwiese hin. Kein Witz.
Nr.13

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