Ausgabe siebzehn · März bis Mai 2013 · kostenlos ... - Sissy

Ausgabe siebzehn · März bis Mai 2013 · kostenlos
s Mauerwerk: Versunkener Stummfilmpianist s Verkappte Künstlerin: Barbiepuppen zur Verwaltung s Geblähte Zeit: Zum Sterben ein hart
gekochtes Ei s Kinderwunschklinik: „Du“ als Druckmittel s Mythos Casablanca: Altern ist so Bäh! s Vage Porno-Definition: Abhängen in
Unterhose s Beatfähiges Alter: Schreiben ohne Führerschein s Fortbildung: Arschverkäufer, Aschenbach, armer Wurm s Familienbetrieb:
Tanz im Paillettenfummel s Wochenschauaufnahmen: Groteske Diva s Landung in Washington: Fast wie eine Puffmutter s Kampf an der
Moralfront: „Emphatisches Vermögen von Kindern“ s Flashback: Neues aus Nahost s Wohltemperiert: Identitätskonzept auf dem Prüfstein

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Sissy siebzehn
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Eine „Umarmung der Wirklichkeit“ machte Ben Walters in seinem
vielbeachteten Guardian-Artikel „New-Wave Queer Cinema: Gay
Experience in all its Complexity“ (Oktober 2012) in einigen neuen
queeren Kinofilmen aus. Andrew Haighs Weekend, Ira Sachs’ Keep
The Lights On und die Filme von Travis Mathews hätten sich von
den „großen Themen“ und dem metaphorischen Erzählen nichtheterosexueller
Erfahrungen verabschiedet und wären sozusagen
im genauen Blick auf die queere Normalität gelandet. Auch in den
deutschen Medien wurde der Versuch aufgegriffen, eine erste Charakterisierung
der neuen „Welle“ vorzunehmen – Daniel Sander auf
Spiegel Online freute sich mit, dass schwule Geschichten endlich
außerhalb des „Ghettos“ erzählt werden, wohingegen Carsten Moll in
seiner Filmgazette-Kritik von Keep The Lights
On diese Filme als weißes, schwules Mittelschichts-Phänomen
abtat, aus dem windige
Geschäftsleute flugs schon wieder ein Markt-
Label machen.
NEW WAVE QUEER CINEMA? Was soll das
schon wieder sein? Ein Kino, das lockerer,
leichter, sinnlicher, unproblematischer nichtheterosexuelle
Geschichten erzählt als die
Coming-Out-Dramen („Wann sagt sie, dass sie
es ist?“) oder romantische Komödien („Ist er es
auch?“) der letzten zwanzig Jahre? Oder gibt
es nur die Sehnsucht danach, seitdem die großen
Kämpfe um Anerkennung und angemessene
Repräsentanz halbwegs durchgestanden
sind? Angesichts von Travis Mathews’ erstem
Spiefilm I Want Your Love (Seite 10) und David
Lamberts Cannes-Erfolg Jenseits der Mauern Travis Mathews bei den Dreharbeiten zu „I Want Your Love“
(Seite 6) kann das in der SISSY mal wieder diskutiert
werden. Wo dagegen bleibt der Mainstream-Film mit nichtheterosexuellem
Konflikt, zumal der deutsche, seit Sommersturm (der
war 2004!)? Fragt SISSY und wird ihrerseits in diesem Heft bei Freier
Fall fündig (Seite 12). Und wo beschäftigt sich das Queer Cinema mit
Milieus außerhalb der schwulen weißen Mittelschicht? Da gibt es z.B.
gerade eine Mehrzahl an Filmen zu sehen, die im Israel-Palästina-
Konflikt angesiedelt sind. Und außerdem – auch das noch! – gab’s mal
wieder Berlinale, auf der u.a. zwei deutsche Frauen in einem Dokumentarspielfilm
(!) miteinander ein Kind zeugen wollten. So viel
Queerfilmstoff war selten.
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www.m-maenner.de
Her damit!
Available in the iTunes-Store.
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titel: Cine Qua non
Titelbild: Charles Laughton in „Sturm über Washington“ von Otto Preminger (Seite 36)
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mein dvd-regal
Vaginal Davis, Künstlerin, Kuratorin und Gastgeberin der monatlichen Reihe „Rising Stars, Falling Stars – We must have Music!“ des Arsenal Instituts für Film und Videokunst, Berlin
Richard Gersch
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kino
kino
»In der Liebe
wird man zur
Kinofigur«
von Christoph Meyring
Eine Begegnung mit Filmemacher David Lambert, ein
Gespräch über sein formal klassisches, aber in vielen
Momenten in improvisatorische Leichtigkeit abhebendes
Liebesdrama „Jenseits der Mauern“.
s „Ich weiß nicht, ob mein Film pessimistisch oder optimistisch
ist“, sagt der belgische Drehbuchautor und Regisseur David Lambert,
ein eher ruhiger und unaufgeregter 39-Jähriger, im Interview
am Rande des Filmfests Hamburg 2012, in dessen Programm sein
erster abendfüllender Spielfilm Jenseits der Mauern (Hors les murs,
2012) zu sehen war. Ihre viel beachtete Uraufführung erlebte die belgisch-kanadisch-französische
Koproduktion bereits einige Monate
zuvor im Rahmen der „Semaine de la Critique“, einer Nebensektion
der Internationalen Filmfestspiele von Cannes, in der ausschließlich
Debütfilme gezeigt werden und in der Vergangenheit schon solche
Regiegrößen wie Bernardo Bertolucci, Ken Loach, Wong Kar Wai,
François Ozon und Alejandro Gonzalez Iñarritu mit ihren Erstlingen
vertreten waren: kein schlechtes Omen und für Lambert ein
Grund, sich zumindest hinsichtlich seiner Karriereaussichten für
den Optimismus zu entscheiden. Auch deshalb, weil sein Film von
einigen Beobachtern an der Côte d’Azur in eine Reihe mit Andrew
Haighs Weekend (2011, SISSY zwölf) und Ira Sachs’ Keep The Lights
On (2012, SISSY fünfzehn) gestellt wurde und somit zu einem Vorreiter
der vom britischen „Guardian“ ausgerufenen „New Wave Queer
Cinema“ geadelt wurde, „die“, so formuliert Spiegel Online, „klassische
Coming-Out-Geschichten als mittlerweile auserzählt annimmt
und sich unaufgeregt mit der schwulen Gegenwart beschäftigt“. „Ja“,
bestätigt Lambert, „Jenseits der Mauern wurde schon in Cannes mit
diesen Filmen verglichen, obwohl ich beide zu diesem Zeitpunkt noch
nicht gesehen hatte. Insofern stellt der Film sich nicht von sich aus in
diese Reihe, aber ich sehe auch die Ähnlichkeiten und glaube auch,
dass hier etwas Neues entsteht. Schwulsein ist hier nicht mehr das
Thema, es geht nicht darum, Identität zu erzählen − aber es ist notwendiger
Bestandteil dessen, was erzählt wird, es gehört unbedingt
zur Geschichte dazu. Das ist eine neue Entwicklung in der Form und
in den Inhalten, wie wir ‚unsere Geschichten‘ erzählen.“
Die Geschichte, die Jenseits der Mauern erzählt, ist eine Liebesgeschichte
zwischen zwei Männern, „die zwar − wie jede Liebesgeschichte
− ihre Eigenheiten hat, einen eigenen Ton, eine eigene Art
der Kommunikation etc., und die sicher auch deswegen eigen ist, weil
sie sich zwischen zwei Männern ereignet, die sich jedoch so ähnlich
genauso gut zwischen zwei Frauen oder zwischen einer Frau und
einem Mann abspielen könnte“: Eines Abends nimmt der Barkeeper
Ilir einen jungen Mann, der sich fast bis zur Besinnungslosigkeit
betrunken hat, kurzerhand mit in seine Wohnung und lässt ihn in
seinem Bett übernachten. Paulo, so dessen Name, verschwindet am
Edition Salzgeber
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kino
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nächsten Tag zwar gleich nach dem Frühstück, doch die beiden treffen
sich danach noch häufiger wieder und beginnen, sich ineinander
zu verlieben. Als Paolos Freundin davon Wind bekommt, muss er
ihre Wohnung sofort verlassen und steht wenig später mit Sack und
Pack vor Ilirs Wohnungstür. Ilir ist davon zunächst wenig begeistert,
nimmt den Obdachlosen aber dennoch auf: Eine Romanze nimmt
ihren Lauf, zärtlich, leidenschaftlich und verspielt. An dem Tag, an
dem die beiden beschließen, für immer zusammen zu bleiben, verlässt
Ilir die Stadt für ein paar Tage wegen eines Jobs. Rätselhafter
Weise kehrt er nicht wieder zurück. Es dauert lange, bis Paulo den
Grund dafür erfährt – und das nächste Wiedersehen findet im Besucherraum
eines Gefängnisses statt. Der Kampf um die Beziehung
scheint aussichtslos. Als Ilir entlassen wird, trifft er einen deutlich
veränderten Paulo wieder, der nun mit einem anderen Mann zusammenlebt.
Dennoch verbringen sie eine letzte Nacht zusammen in
einem Hotelzimmer, die zeigen muss, was von ihren Gefühlen für
einander noch übrig ist.
Lambert präsentiert diesen Plot in einer klassischen Drei-Akt-
Struktur: Verlieben, Trennung und kurzes Wiedersehen. „Diese sehr
klare und schlichte Struktur habe ich gewählt, weil ich mich als Autor
immer noch am Anfang fühle, außerdem erschien sie mir ganz einfach
sehr geeignet zu sein, um genau das zu erzählen, was ich erzählen
wollte. Eine Kritikerin hat Jenseits der Mauern deshalb mit Jacques
Demys Musicalfilm Die Regenschirme von Cherbourg (Les parapluies
de Cherbourg, 1964) verglichen, mit Catherine Deneuve und Nino
Castelnuovo in den Hauptrollen – den ich auch noch in einer anderen
Hinsicht sehr beeindruckend finde, weil er nämlich den Algerienkrieg,
über den zu sprechen in Frankreich immer noch ein großes
Tabu darstellt, umso eindringlicher betont, je mehr er ihn in den Hintergrund
drängt. Etwas Ähnliches habe ich mit der grausamen Realität
des Gefängnisses, die Ilir erleiden muss, versucht, auch sie wird in
Jenseits der Mauern nur angedeutet, aber nie direkt gezeigt.“
Zu der Gefängnisthematik hat Lambert sogar einen persönlichen
Bezug, denn einen seiner Freunde konnte er zeitweilig nur sehr selten
sehen, da dieser gerade eine längere Haftstrafe verbüßte. „Zu
dieser Zeit“, erinnert sich der Regisseur, „habe ich mich sehr darüber
geärgert, wie diese Besuchssituationen gewöhnlich im Kino dargestellt
werden, nämlich als glückliche Wiedersehensszenen, bei denen
unglaublich viel ausgetauscht wird. In Wirklichkeit ist das ganz
anders, man kann sich in diesen Situationen eben nicht wirklich ausdrücken,
es gibt viele Momente des Schweigens, viele Missverständnisse.
In meinem Film sollte sich dies unbedingt widerspiegeln. Auch
die Tatsachen, dass ein solcher Besuch nur 30 Minuten dauert, und
dass man vorher, weil die Haftanstalt vom eigenen Wohnort mitunter
sehr weit entfernt liegt, oft stundenlang mit dem Auto, dem Bus oder
der Bahn unterwegs ist, sollten sichtbar und spürbar werden.“
Obwohl die Handlung filmsprachlich sehr komplex konzipiert ist,
da spätere Szenen auf frühere inhaltlich und formal bezogen werden,
ihnen also quasi zu antworten scheinen, Symbole und Metaphern
dabei ständig variiert werden, wirken die Dialoge oft sehr spontan
Edition Salzgeber
und improvisiert. Das liegt sicherlich am Können der beiden wirklich brillant agierenden
Hauptdarsteller Matila Malliarakis (Paulo) und Guillaume Gouix (Ilir), die übrigens zunächst
beide für die Rolle Paulos gecastet wurden, andererseits aber auch an der Art und Weise, wie
Lambert mit ihnen gearbeitet hat: „Ich habe ihnen gesagt, dass die Dialoge nicht von Shakespeare
sind. Sie konnten verändert, angepasst, ergänzt oder ignoriert werden. Ich verstehe
mein Team nicht als eine Gruppe von Ausführenden, sie sollen kreativ sein, sich einbringen.
Nur in bestimmten Szenen, wo ich etwas ganz Bestimmtes einfangen wollte, war alles festgelegt:
die Momente im Besucherraum des Gefängnisses zum Beispiel.“
Festgelegt auf einen bestimmten Typus scheinen zunächst auch die beiden Hauptfiguren
zu sein: Während Ilir eher die selbstsichere, sehr virile Rolle eines Beschützers und großen
Bruders spielt, wirkt Paulo sehr kindlich, verloren und anlehnungsbedürftig. Doch im Verlauf
der Geschichte werden die Positionen immer wieder vertauscht, Dominanz verwandelt
sich in Unterlegenheit, Schwäche in Stärke. „Diese Dynamiken deutlich herauszuarbeiten“,
erklärt Lambert, „war mir sehr wichtig, denn sie gehören einfach zu Liebesbeziehungen dazu,
sie liegen in der Natur der Sache: Mal begehrt der eine Partner den anderen mehr, woraus letzterem
eine gewisse Überlegenheit erwächst, mal ist es umgekehrt.“ Diese Entwicklungen und
Umschwünge zeigen sich bei beiden Figuren am Ende des Films am deutlichsten, wenn Ilir
durch seinen Gefängnisaufenthalt mitgenommen und gezeichnet erscheint und Paulo sich die
fast schon kühl und überheblich wirkende Attitüde eines Dandys zugelegt hat. Diese Attitüde
spiegelt sich auch in seinem neuen Kleidungsstil wider, der, das gibt Lambert lachend zu, „an
dieser Stelle ein wenig dick aufgetragen ist.“
Trotz des Realismus des Schauspiels und der Dialoge und trotz des dramatischen und
bisweilen auch vor dem Melodramatischen nicht zurückschreckenden Verlaufs der Liebesgeschichte
kommen im Film immer wieder auch Witz und Ironie zum Zuge, „weil ich es mag“,
so Lambert, „Genres und verschiedene Stimmungen zu mixen. Wenn es mir selbst zu dramatisch
oder melodramatisch wird, dann muss ich einen Witz oder ein melodramatisches
Element einbauen, um dem etwas entgegenzusetzen und es dadurch zu relativieren bzw.
eine Distanz dazu zu schaffen. Ich mag Filme, die einen innerhalb von zwei oder drei Minuten
sowohl zum Weinen als auch zum Lachen bringen können, denn ich glaube, so ist das
Leben, das macht die Magie des Lebens aus. Im günstigsten Fall haben auch die Darsteller
ein Gefühl dafür, wann ein komischer Moment nötig ist, um die allgemeine Dramatik etwas
aufzulockern.“
Frédérique Jaeger (critic.de) schrieb nach der Vorführung des Films beim Festival von
Karlovy Vary: „Manchmal geht es einem mit Filmen wie mit Menschen: Wenn sie den einen
richtigen Satz sagen, die eine Szene präsentieren und dabei ihre Haltung en passant offenbaren,
dann schmelzen wir dahin. Jenseits der Mauern ist so ein Fall.“ Und der Film präsentiert
nicht nur eine, sondern eine ganze Reihe von Szenen, deren visuelle Originalität und Poesie
einem nachhaltig im Gedächtnis bleiben und die schlagartig einen bestimmten Charakterzug
oder eine bestimmte Gefühlslage erhellen. „Eine wichtige Szene in der Phase des Verliebens“,
auf die der Regisseur selbst hinweist, „findet in einem Kino statt: Ilir betrachtet den in einen
Film versunkenen Stummfilmpianisten Paulo, dessen Gesicht genau wie sein eigenes allein
durch das Flackerlicht auf der Leinwand aus dem Dunkel des Kinosaals herauspräpariert wird
und der so für ihn quasi zum Teil eines Films wird. Das ist mir sehr wichtig: zu zeigen, dass
das Leben, die Beziehungen, Identitäten immer auch Fiktionen brauchen. Man macht sich für
andere und für sich zu einer Kinofigur, man tritt ins Licht und aus dem Licht heraus, man
will eine Figur werden, man probiert Kostüme aus, so wie Paulo im letzten Drittel. Auf der
anderen Seite versucht der Film ja auch, die Beziehung, die Geschichte zu reflektieren. Beim
ersten Kuss gibt es einen Zoom auf die Lippen der beiden, beim letzten einen Zoom von beiden
weg. Das klang im Buch furchtbar konstruiert, und mein Kameramann hat aufgestöhnt und
die Augen verdreht, als er das gelesen hat, aber tatsächlich funktioniert das im Film sehr gut,
weil man sich in diesem Moment buchstäblich ein Bild davon macht, was sich in der Beziehung
der beiden verändert.“
Die Mauern, von denen der Titel des Films spricht, tauchen darin materiell wir immateriell
in vielfältiger Form immer wieder auf, als reale Gefängnismauern, als soziale und psychologische
Barrieren, als Hindernisse der Beziehung. Sie bilden somit eine Art Leitmotiv. Ob
es denn nun eine Möglichkeit gibt, hinter die Mauern des anderen zu gelangen, zum Beispiel
durch die Liebe? „Gute Frage. Ich glaube, jeder von uns hat mit diesen Mauern zu tun, mit
den eigenen und mit denen, die die anderen um sich gezogen haben oder die um sie gezogen
wurden. Liebe ist sicher immer der Versuch, diese Mauern zu überwinden − oder deren Existenz
zumindest vergessen zu machen, was vielleicht nur eine gewisse Zeit lang funktioniert.
Vielleicht schaffen es manche aber auch, die Mauern nicht zu leugnen und trotzdem irgendwie
mit ihnen klarzukommen. Ich weiß wirklich nicht, ob ich in dieser Hinsicht optimistisch
oder pessimistisch sein soll, und daher weiß ich tatsächlich auch nicht, ob mein Film pessimistisch
oder optimistisch ist.“
s
Jenseits der Mauern
von David Lambert
BE/CA/FR 2012, 98 Minuten,
französische OF mit deutschen UT
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
Im Kino in der Gay-Filmnacht im März,
www.Gay-Filmnacht.de
Kinostart: 28. März 2013
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kino
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Das Zeigen ist politisch.
Das Nicht-Zeigen auch.
Von Enrico Ippolito
I Want Your Love
von Travis Mathews
US 2012, 71 Minuten,
englische OF mit deutschen UT
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
Im Kino in der Gay-Filmnacht im April,
www.Gay-Filmnacht.de
Ja, in diesem Film gibt es echten Sex zu sehen, eine Pornofirma hat ihn produziert. Doch im Kern ist
„I Want Your Love“ eine ganz kleine, alltägliche Geschichte über ein Wochenende und eine Party, in der
sich Männer von ihren Freunden verabschieden, neue Männer kennen lernen oder ihre Beziehungen neu
gestalten. Die großen Fragen, die dabei nebenher behandelt werden, grundieren diese Begegnungen, ohne
sie zu erdrücken. Travis Mathews’ erster Spielfilm steht für ein neues, sinnliches, lässiges queeres Kino.
Edition Salzgeber
s Alles begann mit dem Kurzfilm I Want Your Love. Ein Film über
zwei Männer, die Wein trinken, über das Leben philosophieren und
am Ende miteinander schlafen. Sanft, zärtlich und mit einer gewissen
Unsicherheit. Die Kamera hält drauf, zeigt erigierte Penisse, haarige
Ärsche und einen Samenerguss.
Kaum ein anderer Regisseur benutzt explizite Sexszenen wie Travis
Mathews. Für ihn entsteht dadurch ein ungeheures Potential für
die Story- und Plot-Entwicklung und gleichzeitig tragen die Szenen
auch zur Definition eines Charakter bei.
Mathews legte zwei Jahre nach dem Kurz- seinen Langfilm mit
dem gleichen Namen nach. Die Hauptfigur Jesse (Jesse Metzger),
ein Künstler, hat jahrelang in San Francisco gelebt und dort ein sehr
lässiges Leben geführt. I Want Your Love, der Spielfilm, beginnt
mit Jesses letztem Wochenende in der Stadt, bevor er wieder in den
mittleren Westen zu seinem Vater zieht. Er muss sich von allen verabschieden:
seinen Mitbewohnern, seinen Freunden und von seinem
Ex. Das sorgt für einige emotionale Verwirrungen. Leicht, intim und
nah beschreibt Mathews diesen Abschied. Der amerikanische Filmemacher
beherrscht perfekt die Inszenierung einer zunächst banal
wirkenden Geschichte.
Der 37-jährige Travis Mathews scheint vor allem Filme über sein
Umfeld zu drehen, über Menschen, die er kennt. Er selbst lebt in San
Francisco. 2009 erschien seine Internet-Doku-Reihe In Their Room
über schwule Männer, ihr Schlafzimmer und ihr Sexleben. Die Folgen
San Francisco und Berlin wurden auf Filmfestivals rauf und runter
gespielt, mittlerweile ist auch die Episode London fertig. Mathews
gewann den Preis für den „Besten erotischen Film“, Good Vibrations.
2010 veröffentlichte die Pornofirma NakedSword seinen ersten Kurzfilm
I Want Your Love.
Travis Mathews ist „eine neue Stimme, die dem Queer Cinema
eine dringend benötigte Injektion emotionaler Intimität verpasst“,
ist Shortbus-Regisseur John Cameron Mitchell überzeugt. Intimität.
Immer wieder werden die Filme von Mathews mit diesem
Begriff beschrieben.
Doch seine Filme bieten mehr. Mathews’ Darstellung ist vieles,
aber niemals entschuldigend. Sexuelle Orientierungen interessieren
ihn nur marginal. Er verliert sich nicht in Repräsentationsfragen und
vor allem nicht in Dramen, die um das Thema der schwulen Identität
kreisen. Für ihn ist das reine Erzählen einer Liebesgeschichte schon
politisch genug. „Verpflichtet zu sein, eine historische Geschichte
über Aktivismus, Aids oder Coming-Out zu machen, ist sehr defensiv“,
meint Mathews. Er entscheidet sich bewusst gegen diesen Weg
und zeigt hingegen die alltäglichen Hürden, die diese Männer mit
sich selbst, mit One-Night-Stands und in Beziehungen haben. Alltägliche
Probleme also, mit denen sich jede_r Zuschauer_in identifizieren
kann. Und hier spielt auch wieder die Intimität eine Rolle. Denn
genau durch diese Nähe schafft Mathews das hohe Identifikationspotenzial.
Seine Figuren sind nie platt, sondern dreidimensional. Sie dürfen
Fehler machen, sie dürfen widersprüchlich sein und auch mal seltsam.
Wenn Ben, Jesses Ex-Freund, auf der Abschiedsparty mit Brontez
vögelt, ist das erst mal irritierend. Gleiches gilt für Jesse selbst, der
anstatt auf seiner Abschiedsparty beim Nachbarn Keith in Unterhose
abhängt. Als dieser unerwartet nach Hause kommt und die zwei sich
näher kommen, bricht Jesse den Sex ab.
Es sind diese Widersprüche, dieses Negieren eines romantischen
Moments, die I Want Your Love dynamisch gestalten. Mit der
Debatte um den Identifikationswert kommt auch die Diskussion um
Authentizität. Mathews spielt damit bewusst. Seine Darsteller haben
den gleichen Vornamen wie die Figuren, die sie spielen. Mathews
will keine Welt kreieren, in die die/der Zuschauer_in flüchten kann.
Er will Filme drehen, die bewegen, mit Figuren, die verständlich
rezipiert werden können. Es geht ihm nicht um Eskapismus, sondern
halt um das „Authentische“.
Und noch ein Label haftet dem amerikanischen Filmemacher
an. Er habe den „Indie-Porno“ erfunden, heißt es. Das ist natürlich
Schwachsinn, schon allein weil Mathews’ Filme keine Pornos sind –
noch nicht mal annähernd. Die Definition der Pornografie ist vage,
mittlerweile gar fast unformulierbar und vor allem eins: subjektiv.
Wenn aber Pornografie das reine Ziel hat, den meistens männlichen
Zuschauer zum Orgasmus zu bringen, gilt I Want Your Love nicht als
Porno. Denn Travis Mathews arbeitet genau gegen die gängigen Konventionen
des klassischen pornografischen Films; seine Werke erzählen
eine Geschichte und arbeiten nicht auf den Höhepunkt hin, auch
wenn sie roh und explizit sind.
Seine Sexszenen sind oft verstörend, nicht im Sinne eines Affronts,
sondern weil sie gerade so ungewöhnlich intim, so nah und so authentisch
sind. Wenn die Männer Sex haben, sagt das etwas über sie, ihren
Charakter, ihre Welt aus. Wie das Paar, das sich für einen Dreier entscheidet,
dabei unsicher und zugleich leicht hysterisch ist. Oder wie
Jesse, der sich nicht ficken lassen kann und bei einem One-Night-
Stand nicht kommt. Oder halt sein Ex, der auf Jesses Abschiedsparty
mit einem Freund von Jesse schläft – und beide sich regelrecht diese
Freiheit erkämpfen.
Mathews’ Blick ist niemals der eines Voyeurs – im Gegenteil.
Der Close-Up auf Schwänze und Körperöffnungen lässt ihn kalt.
Es geht ihm nicht darum, sein Publikum zu erregen. Und auch der
Money Shot, der zwingende Höhepunkt eines jeden Pornos und
auch des Mannes, interessiert ihn nicht. Er wählt einen eher spielerischen
Zugang. Mathews lässt seine Figuren während des Sex mal
eine Pause einlegen, in der sie miteinander reden, was trinken, ganz
aufhören oder danach weiter ficken. Sexualität ist divers, das scheint
uns Mathews ständig vor Augen zu halten. Es gibt nicht nur eine Art,
miteinander zu schlafen, sondern viele verschiedene. Mal zärtlich,
mal lieblos, mal rau, mal hart, mal alles zusammen. Der Filmemacher
durchleuchtet das ganze Spektrum – und das mit einer Unaufdringlichkeit,
die einmalig ist.
Gleichzeitig beweist Travis Mathews in seinem Film I Want Your
Love auch ein Gespür für Vielfältigkeit außerhalb des sexuellen Konstrukts.
Seine Figuren können nicht unterschiedlicher sein, was Race,
Körper und Machtstrukturen angeht. Er hebt diese Mechanismen
auf. Jede Körperform ist willkommen, Menschen mit verschiedener
Herkunft treffen aufeinander. Und so wenig, wie er sexuelle Identität
thematisiert, spricht er von Körperschemata oder Herkunft – und ist
doch genau mit diesem Verschweigen politisch. Mathews verschweigt
nicht aus Angst, sondern eher aus fast schon utopistischen Gründen.
Er kreiert eine Welt in seinen Filmen, in welcher Probleme der sexuellen
Identität, des eigenen Körpers und der eigenen Herkunft keine
Rolle spielen oder längst schon verarbeitet sind. Mathews muss sich
nicht an Klischees abarbeiten, nicht den moralischen Zeigefinger
erheben und auch nicht auf Missstände aufmerksam machen. Gerade
mit seiner intimen Darstellungsweise hebelt er das alles aus, es geht
ihm um die kleinen und doch großen Problem des Alltags. Schwul,
lesbisch, bisexuell, dick, dünn, schwarz, weiß – das alles spielt keine
Rolle, sondern es geht um etwas Universelleres: um Liebe, um Zuneigung,
um eine ungewisse Zukunft und eben nicht darum, wer oder
was ich bin.
Mit dieser Haltung, mit diesem Film gilt Travis Mathews zu
Recht als einer der Wegbereiter einer neuen Welle des queeren
Kinos, ohne sich an Genredefinitionen abzuarbeiten. Seine Filme
haben schon längst eine Ebene erreicht, auf der Fragen nach Identitätszuschreibungen
keinen Sinn mehr ergeben. Auf der aber auch
sexuelle Identität nicht problembehaftet sein muss oder nicht mehr
ist. Auf der seine Figuren schon längst über diese Themen hinaus
sind. Auf der seine Charaktere ein Potential haben und sich nicht
durch Herkunfts- und Orientierungszuschreibungen definieren lassen.
Und genau das ist queer, das ist radikal, das ist anders. Auf eine
leise Art.
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Provinzbullen
(oder: Dahinter, daneben und drauf)
von Paul Schulz
„Freier Fall“, der gerade auf der Berlinale die „Perspektive“ eröffnete und im Mai in die Gay-Filmnacht und
auch sonst ins Kino kommt, ist der beste deutsche queere Film seit „Sommersturm“. Unser Autor macht
sich Gedanken darüber, warum es nicht mehr davon gibt.
s Große Momente der Filmgeschichte: Nathan Lane als Michelle
Pfeiffers Nachbar in Frankie and Johnny, Rupert Everett als Julia
Roberts bester, genervter Freund auf einer Hochzeit, Matthew Broderick
in Das Kuckucksei, Niels Bormann in Mondlkalb, Beautiful
Thing. Die, in denen ich mich selbst auf der Leinwand entdecke. Das
ist meistens irgendwo hinter, wenn ich Glück habe neben und, in ganz
seltenen Fällen, auf dem Hauptdarsteller. Auch deswegen gehe ich ins
Kino, immer noch. Seit 30 Jahren.
Die ersten 12 davon, bis Coming out, sah ich überhaupt niemanden,
der wie ich war. Es gab schon Homosexuelle: bei Visconti oder
Pasolini oder John Schlesinger, aber die hatten mit meinem jungen,
schwulen Leben in der ostdeutschen Provinz ungefähr so viel zu
tun wie Robert Preston in Victor/Victoria: nüscht. Trotzdem war ich
dankbar für ihre Existenz. Harvey Fierstein hat diesen Effekt in The
Celluloid Closet mal so zusammengefasst: „I like the sissy. Is it used
in negative ways? Yeah, but … I’d rather have negative than nothing.“
Ich gewöhnte mich daran, dass man als Homosexueller im Film im
Wesentlichen drei Möglichkeiten hatte: Arschverkäufer, Aschenbach
oder armer Wurm. Dann kam das New Queer Cinema und eröffnete
neue Möglichkeiten: Arschverkäufer, Aidskranker oder Araki. Ich
war hingerissen. Bis ich nach einigen Jahren merkte, dass mir was
fehlte: ich. Da war ich genervt. Und bin es noch. Kleinlich, oder? Welches
Recht habe ich schließlich, von dem großen leuchtenden Viereck
vor mir zu erwarten, gerade mich abzubilden? Jedes.
Weil, immer wenn ich mich sehe, und das ist so gut wie nie, durchfährt
mich ein unendliches Gefühl der Erleichterung: Es gibt mich.
Im Licht, da oben. Und alle können es sehen.
Dieses Gefühl ist nicht besonders. Jede Minderheit (Frauen, Farbige,
Fette) kennt es, musste und muss sich einen Umgang damit erarbeiten,
hat damit zu kämpfen. Frauen sind nicht nur Huren oder Heilige,
sondern eben auch Marge Gunderson, Farbige nicht nur Beverly
Hills Cops oder Sklaven, sondern auch Precious, Fette nicht nur Annie
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Edition Salzgeber (3)
Wilkes sondern auch Melissa McCarthy in Mike & Molly. Normalität
ist inzwischen fast normal. Für Homos ist der Anspruch nur relativ
neu: Sie sind immer noch vor allem Stricher, Feingeister oder Comic
Relief. Bei jeder Diskussion über Homosexualität im Kino, bei der ich
verlange, so was wie gewöhnliche Homosexuelle sehen zu wollen,
schlagen mir von queerer Seite Variationen zweier alter Denkmuster
entgegen, die noch mehr nerven als die alten Bilder, und ungefähr
so klingen: „Sei froh, dass es uns im Kino überhaupt gibt“, oder: „Sei
froh, dass die nicht wissen, wie langweilig wir wirklich sind.“ Was das
Heteronormierteste ist, was man so sagen kann, weil es sich eben an
angenommenen heterosexuellen Sehgewohnheiten orientiert und das
Außergewöhnliche liefern will, um zu gefallen. In den letzten Jahren
kommt der „James-Franco-Effekt“ hinzu: Heterosexuelle Filmemacher,
die die Belastbarkeit ihrer eigenen Toleranzgrenzen testen,
indem sie sexuell explizite Homofilme drehen, in denen sie schwule
Sexualität nicht zeigen, sondern ausstellen, danach auf Filmfestivals
mit ihrem minimalen Erkenntnisgewinn protzen und von mir Dankbarkeit
für die durch sie hergestellte Sichtbarkeit meiner Leute oder
ein Lob für ihren „queeren“ Wagemut erwarten. Sorry James, not
gonna happen.
So richtig schwierig wird es aber erst, wenn ich immer mal wieder
mitbekomme, wie filmmächtige Queerlinge selbst mit Filmen umgehen,
die einen eher durchschnittlichen schwulen Lebensentwurf
anbieten: Wieland Speck sagte in einem Interview vor der diesjährigen
Berlinale, so was wie Freier Fall, ein wunderbarer, deutscher Film
über zwei schwule Polizisten, könne jetzt überall laufen und bräuchte
eine Einladung zum Panorama deswegen nicht. Echt? Wo sind denn
die offensichtlich im Dutzend vorhandenen und überall gespielten
Filme über schwules Leben in Deutschland? Hab ich was verpasst?
Gab es seit Sommersturm, der immerhin neun Jahre auf dem schmalen
Buckel hat, auch nur einen einzigen schwulen Mainstreamerfolg
im deutschen Kino? Den Teddy hat mit W Imie … 2013 ein poetisches
Meisterwerk über einen polnischen Priester gewonnen, das mit meiner
eigenen Lebensrealität und der der allermeisten schwulen Kinozuschauer
ungefähr so viel zu tun haben dürfte wie jeder Film über
einen schwulen Priester: nüscht. Haben wir es wirklich so satt oder
haben wir einfach nur solche Angst davor, das, was wir in der breiten
Masse sind, im Kino zu sehen? Böse Frage, ich weiß.
Deutsche Produzenten und Redakteure könnten jetzt antworten,
dass schwule Durchschnittlichkeit doch niemand sehen will oder,
dass die echt durch ist. Und tun das oft. Ich halte mal die Zuschauerzahlen
von Brokeback Mountain, Aimee und Jaguar und The Kids Are
All Right und die Kritiken für Weekend dagegen. Vielleicht muss man
nur angstfrei eine queere Geschichte erzählen, vor deren Allgemeingültigkeit
man nicht davonrennt, sondern die man voraussetzt, und
hat dann Erfolg?
Diesen Versuch unternimmt der eben schon erwähnte Freier Fall.
Und bekommt etwas hin, was ich eben seit Sommersturm nicht im
deutschen Homo-Kino gesehen habe: Er traut sich an die ganz großen
Brocken und jongliert publikumswirksam mit ihnen.
Das sieht so aus: Hanno Koffler spielt Marc, einen Polizisten,
der mit seiner schwangeren Freundin Bettina (Katharina Schüttler)
gerade ins Haus neben seinen Eltern gezogen ist, irgendwo in der
deutschen Provinz. Er lernt bei einer Fortbildung den Kollegen Kay
(Max Riemelt) kennen. Der kifft und fährt einen dicken Jeep und
kann schneller laufen als Marc. Beim gemeinsamen Training passiert
ein erster, zufälliger Kuss, dann nichts. Marc fährt nach Hause,
schläft mit Bettina, lässt sich von seiner spießigen Mutter (Maren
Kroymann) bekochen, geht zum Dienst. In der zweiten Runde der
Fortbildung trifft er Kay wieder, der ihn während eines gemeinsamen
Waldlaufs nochmal küsst und mehr macht, woraufhin Marc ihm wegrennt.
Wieder geht es nach Hause. Und es passiert nichts, außer, dass
Marc grübelt. Bis Kay sich in seinen Zug versetzen lässt. Und etwas
anfängt, von dem man weiß, dass es kein gutes Ende nehmen kann.
Obwohl Freier Fall so was wie ein Happy-End hat, wenn auch kein
herkömmliches.
Und im Mauerwerk die Haustüren:
massiv, Plastik, wie ein luftdichter
Deckel für all die Lügen und
Geheimnisse, die hinter ihnen lauern
Drehbuchautor Karsten Dahlem war Tom Tykwers Regieassistent
bei Drei, es ist sein erstes Drehbuch. Regisseur Stephan Lacant
hat noch nie vorher einen Langfilm gedreht. Beides merkt man nicht.
Die Szenen und Bilder sitzen, die Handlung nimmt in eleganten Bahnen
ihren Lauf, 100 Minuten sind schnell um, weil hier drei Schauspieler
(Koffler, Riemelt, Schütler) auf der Höhe ihrer Kunst zu sehen
sind, die darin besteht, dass man die Kunst nicht sieht, sondern echte
Menschen. Ein Regisseur weiß, was er zeigen, und ein Autor, was
er erzählen will. Ein Freund und ich sitzen atemlos im Großstadt-
Kino und gruseln uns vor den Insignien unserer Herkunft: einstöckige
Einfamilienhäuser mit einem Stück Rasen dahinter, davor
mit Wicken umrankte Carports. Und im Mauerwerk die Haustü-
ren: massiv, Plastik, wie ein luftdichter Deckel für all die Lügen und
Geheimnisse, die hinter ihnen lauern.
Von denen es im Laufe des Films immer mehr gibt, bis Bettina mit
Kind geht und Marc begreift, wer er ist und was das heißt. Dazwischen
gibt es die eindringlichsten Sexszenen zwischen zwei Männern,
die mir im deutschen Kino je begegnet sind. Weder Koffler
noch Riemelt scheuen sich davor, ihre Körper zu blanken, schauspielerischen
Instrumenten zu machen, an denen voyeuristische Augen
schlicht abrutschen, weil sie viel mehr als nur Nacktheit erzählen.
Glück ist schwierig und gelingt nur in Momenten, wenn man sich
nicht sehr darum bemüht.
Nichts davon drängt sich einem auf, weder Dahlem noch Lacant
verraten ihre Figuren ans Publikum und das Ensemble weiß, dass alle
gebraucht werden, um die Geschichte zu erzählen. Selbst Kroymann,
die ihre Rolle als homophobe Mutter als offensichtliche Karikatur
hätte anlegen können, spielt auch nur eine Frau, der ihr Lebensentwurf
entgleitet und die nicht weiß, was werden soll. Niemand ist das
Arschloch, aber alle sind im Arsch. Klischees werden gezeigt, aber
schnell umschifft oder als solche ausgestellt. Es darf gelacht und
geflennt und mitgelitten werden.
Kino eben. Für den Kopf und den Bauch und den Schritt. Freier
Fall ist ein Film, der das ganz Außergewöhnliche in komplett gewöhnlichen
Existenzen findet, die Momente, an denen sich Leben drehen.
Und der dann in der Lage ist, einfach zu beobachten, wie sich Menschen
in solchen Situationen verhalten.
Hanno Koffler ist kein Neuling, was schwule Rollen anbelangt.
Vielleicht deswegen gelingt ihm mit Marc die vollständigste vielleicht
schwule Figur seit langer Zeit. Es ist einfach nur eine große Freude,
was er hier macht und wie er das tut. Freier Fall ist sein Film, auch
wenn es vielleicht Riemelt sein wird, der mehr Aufmerksamkeit
bekommt, weil er das bekanntere Gesicht ist. Die beiden Schauspieler
sind seit Jahren befreundet, was dazu beigetragen haben dürfte, dass
ihre gemeinsamen Szenen eine leichte, ganz und gar realistische Intimität
haben. Was die heißt, bleibt dankenswerter Weise offen. Man
kann Freier Fall als Coming-Out-Drama sehen, macht den Film damit
aber vielleicht kleiner, als er ist. Der erste der vorschlägt, Marc könnte
schwul sein, ist weit in der zweiten Stunde des Films Kay, während
eines Wutanfalls, um den Geliebten zu einer Entscheidung zu zwingen,
die dieser verweigert. Als wenig später Bettina wissen will, ob
Marc schwul ist, verneint der das und bekommt ein halb gefluchtes
„Was bist du dann?“ zur Antwort. Eine Frage, die er sich selbst in den
verbleibenden Filmminuten beantwortet, aber nicht notwendiger
Weise dem Zuschauer.
Der Film nimmt nicht vor der komplexen Gefühlslage reiß aus,
die hier erzählt wird, sondern lässt seinem Publikum Raum, um sich
selbst einen Reim auf das Gesehene zu machen. Ich erzähle das sofort
jedem, der es hören will.
Das Resultat: Noch während der Berlinale streite ich mich mit
einer Freundin, die den Film noch nicht gesehen hat, per Facebook-
Chat darüber, ob sie reingehen soll oder nicht. „Zwei Bullen in der
deutschen Provinz, und einer hilft dem anderem aus dem Schrank.
Na Hilfe! Wie oft soll ich das denn noch sehen? Das ist doch garantiert
wieder so Kram für’s geneigte Heteropublikum ohne jeden queeren
Ansatz und die fassen sich nicht an. Stimmt’s?“ „Wirklich nicht. Guck
ihn doch einfach.“ „Ich will das überhaupt nicht sehen. Bewegungskino!
Aber kannst du mir Karten für den Franco besorgen?“ Ich sitze
mit knirschenden Zähnen im Büro. „Nein, kann ich nicht.“ „Wieso
denn nicht?“ „Da hätten wir also einen Film, der eine Annäherung
an deutsche, schwule Realität versucht, mit tollem Buch, großartigen
Schauspielern, feiner Regie, realistischen Sexszenen und einer Reihe
spannender Fragen an seine Figuren und sein Publikum. Und einen
heterosexuellen Hollywoodstar, der Schwule beim Blasen filmt, sich
dabei von Travis Mathews helfen lassen muss und zwischendurch mit
seinem Hauptdarsteller darüber diskutiert, wie freaky schwuler Sex
doch ist, aber dass man bestimmt ein besserer Mensch wird, wenn
man es aushält, sich das anzusehen. Während er das dann tut, macht
er ein Gesicht, als ob er einer Augen-Operation beiwohnt.“ „Klingt
doch aufregend.“ „Wir brechen die Diskussion an dieser Stelle ab.“
Es ist so: Es mag auch 2013 noch merkwürdig sein, queere Figuren
im Kino zu sehen, die noch mehr zu tun haben, als queer zu sein,
weil sie in einer Welt leben, die großen Teilen Deutschlands aufs Haar
gleicht. Aber vielleicht, und das ist meine Vermutung, wartet das Publikum
auf genau solche Figuren, weil es die Bodenhaftung braucht,
die sie vermitteln, um sich den komplexen Fragen zu stellen, die
queeres Leben heute bereit hält. Freier Fall unterbreitet genau dieses
Angebot. Es nicht anzunehmen, wäre dämlich.
s
Freier Fall
von Stephan Lacant
DE 2013, 100 Minuten, deutsche OF
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
Im Kino in der Gay-Filmnacht im Mai,
www.Gay-Filmnacht.de
Kinostart: 23. Mai 2013
www.freierfall-film.de
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kino
kino
Bei Anruf Sex
von Maike Schultz
In „A Perfect Ending“ zeigt Nicole Conn einmal mehr das sexuelle Erwachen einer reifen Frau. Am 29. März
läuft die Liebesgeschichte mit einem Callgirl in der L-Filmnacht.
s Um es gleich vorwegzunehmen: A Perfect Ending ist kein Film
über Sexarbeit. Oder besser gesagt über Frauen, die gegen Geld mit
Frauen schlafen. Ein hoch interessantes Tabuthema, das sich auch auf
der soeben zu Ende gegangenen Berlinale großer Beliebtheit erfreute:
Concussion heißt der dort gezeigte Film über eine lesbische Ehefrau
und Mutter, die nach einer Gehirnerschütterung beginnt, sich für
andere Frauen zu prostituieren.
Doch weder in Stacie Passons Regiedebüt Concussion (bei der
Teddy-Verleihung gewann sie damit den Special Jury Award) noch in
A Perfect Ending, dem neuen Film von Nicole Conn, geht es darum,
diese Tätigkeit moralisch zu hinterfragen. Sie inszenieren keine
Milieu studie oder die in einem solchen Beziehungsgeflecht angelegten
Konflikte, wie es etwa Steven Soderbergh in Girlfriend Experience
tut. Vielmehr erzählt Conn jene Geschichte, die sie in all ihren Filmen
erzählt: Von der Reise einer Frau zu ihrer sexuellen Identität.
Conns Arbeiten Claire of the Moon (1992) und Elena Undone
(2010) gehören zu den Klassikern im DVD-Regal lesbischer Haushalte.
Es sind Selbstfindungstrips, die durch das Zusammenspiel
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bildschöner Hauptfiguren, genüsslich ausgekosteter Klischees und
einer unangestrengten Balance zwischen Drama, Komödie und
sexy Romanze funktionieren. Ihr Spannungsfeld ziehen sie aus dem
Mythos des ersten Mals: Reife, zuvor hetero-orientierte Frauen erleben
ihr sexuelles Erwachen in einer gleichgeschlechtlichen Begegnung.
In Claire of the Moon war es die männerliebende Satirikerin, die
das Appartement bei einer Tagung mit einer völlig gegensätzlichen
Sexualtherapeutin teilt und – nach endlosen philosophischen Debatten
– deren Anziehung erliegt; in Elena Undone verfiel die Gattin
eines homophoben Pfarrers einer lesbischen Schriftstellerin (und lieferte
mit dreieinhalb Minuten den längsten Kuss der Filmgeschichte).
Dabei geht die Initiative stets von den Unerfahrenen aus: Nicht bloß
neugierig, sondern lebens- und liebeshungrig wagen sie den Ausbruch
aus einem gewohnheits- und fremdbestimmten Dasein.
Mit der Darstellung dieser Routine beginnt auch A Perfect Ending.
Wir sehen Rebecca (Barbara Niven), reiche Unternehmergattin und
Charity Lady, wie sie ihrem Ehemann die Krawatte bindet und die
pro-fun media
Papiere hinterher trägt. Diese Aufnahmen schneidet Conn gegen Szenen
aus dem Alltag von Paris (Jessica Clark): Als Domina führt sie
Kunden am Halsband umher. Sie ist ein Callgirl, doch eines macht
spätestens die zärtlich-schrullige Darstellung ihrer Zuhälterin (eine
operierte All-American-Blondine im pinken Salon, die Aufträge ihrer
Escort-Damen mit Hilfe optisch passender Barbiepuppen verwaltet)
deutlich: Sie macht den Job freiwillig und gern.
Ein Mix aus Langeweile, sexueller Frustration und der Überredungskunst
eines befreundeten Lesbenpaares treibt Rebecca in die
Arme der jungen Paris, die spontan für eine verhinderte Kollegin einspringt.
Es braucht freilich einige Fluchten aus dem Hotelzimmer, bis
sich die Luxus-Hausfrau auf das neue Abenteuer einlassen kann, das
sie alsbald süchtig zurücklässt und die eigentliche Geschäftsbeziehung
verdrängt.
Eine Menge Probleme treiben die beiden außerhalb des Bettes um
und wohl auch in dieses hinein. Rebecca ist zwanghafte Perfektionistin
(„Vergiss nicht das Atmen“, sagen ihre Kinder) und vernachlässigt
darüber doch ihre Tochter; Paris indes trauert um eine verlorene
Liebe und leidet unter Schuldgefühlen, die sie in düsteren Skizzen auf
Papier bannt.
Verstärkt wird der Fokus auf die verkappte Künstlerin durch
immer wieder kehrende Traumsequenzen, in denen sich Paris in
einer Art White Cube räkelt, und die Conn ebenso eifrig einsetzt wie
Nahaufnahmen unwichtiger Details, etwa das Ornamentmuster einer
Blumenvase. Leider bringt weder das eine noch das andere Stilmittel
einem die Figuren näher, was vor allem daran liegt, dass Jessica
Clarks schauspielerisches Talent sich auf einen Gesichtsausdruck
beschränkt. Fans der HBO-Serie True Blood werden das britische,
offen lesbische Model als attraktive Vampirgöttin Lilith aus der fünften
Staffel wiedererkennen. Allerdings bestand ihre Rolle dort darin,
schweigend, nackt und blutverschmiert andere Vampire zu betören.
Immerhin, letzteres gelingt ihr auch in A Perfect Ending, wenn auch
nicht durch ihren Sprechpart.
Die Handschrift der Regisseurin ist dabei nicht nur thematisch
unverkennbar. Was in A Perfect Ending der White Cube als Kunstgriff
darstellt, bildete schon in Elena Undone die Konstante eines Liebesgurus,
der Paare als lebende Beweise für Seelenverwandtschaft interviewt.
In beiden Filmen fällt ein fast identisch formulierter Satz: „Verwechsle
nie körperliche Leidenschaft mit emotionaler Nähe“, warnen
sich die Protagonistinnen gegenseitig. Und doch bleibt es nie beim
rein sexuellen Experiment, bringt dieses doch die ersehnte Erfüllung.
„Mein ganzes Leben habe ich darauf gewartet“, sagt Rebecca
am Ende.
So wie Elena Undone sich mit dem Ausruf „I’m done with it!“ (Ich
bin fertig damit) befreite, spielt auch Conns aktueller Filmtitel mit
mehreren Bedeutungsebenen. Das „Happy Ending“, wie man es von
Massagen mit Orgasmus-Finale kennt, spielt dabei ebenso hinein wie
der Wunsch nach dem glücklichen Abschluss eines Lebens. Ein Erlebnis,
das sich für kein Geld der Welt erkaufen lässt.
s
A Perfect Ending
von Nicole Conn
US 2012, 106 Minuten,
englische OF mit deutschen UT
Pro-FUn Media, www.pro-fun.de
Im Kino in der L-Filmnacht im März,
www.L-Filmnacht.de
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kino
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„Lipstikka“ von Jonathan Sagall
Auf der Flucht
von Malte Göbel
Gleich drei Filme mit palästinensich-israelischem Hintergrund
kommen in den nächsten Monaten in die Kinos: Das
Drama „Lipstikka“ erzählt die Geschichte zweier Frauen,
die einst gemeinsam aus Palästina flüchteten und sich
nun wiedertreffen. „Out in The Dark“ handelt von einem
palästinensisch-israelischen schwulen Liebespaar und der
Dokumentarfilm „Invisible Men“ begleitet drei schwule Araber/
Palästinenser auf dem Weg ins Exil.
Edition Salzgeber
s „Es hätte auch alles ganz anders kommen können“, ist der erste
Satz in Lipstikka. Aus dem Off erzählt Lara, dass ihr Ehemann fremdgeht.
Dass Lara dabei ganz andere Probleme hat, wird schnell klar –
aber nicht, welche. Memory Fools ist der Untertitel von Lipstikka (was
übrigens finnisch für Liebstöckel ist, sich aber auf einen wiederholt
auftauchenden Lippenstift bezieht): Erinnerung ist trügerisch. Erinnerung
an ihre Freundin und Geliebte Inam, mit der Lara in Ramallah
(Palästina) aufwuchs, dann in London zusammenlebte und Sprachkurse
besuchte, die dann aus ihrem Leben verschwand. Und auf einmal
wieder auftaucht, in Laras neuer Lebensrealität mit Kind und
Ehemann im gesichtslosen Londoner Vorort. Inam steht eines Morgens
einfach vor Laras Tür, „Was willst Du hier?“, fragt Lara, lässt sie
aber herein in die helle Wohnung, in ihre fast schon sterile Idylle.
In Flashbacks erzählt der Film von der gemeinsamen Vergangenheit,
doch die Rückblicke auf die erste Zeit in London und die
Jugend in Palästina verstärken die Unklarheit. Wer liebte jetzt wen?
Wie eng waren die Frauen? Was trieb sie auseinander? Die Ebenen
verschwimmen. Zeigen die Rückblicke eine absolute Wahrheit oder
eine gefühlte, konstruierte, zurechtgelogene? Die Erinnerung ist trügerisch,
und so wird das Psycho-Drama fast zu einem Thriller. Vor
dreizehn Jahren büxten Inam und Lara als Teenager aus, um in Israel
in den neuesten Mel-Gibson-Film zu gehen – trotz elterlichen Verbots
und Ausgangssperre. Auf dem Rückweg griffen zwei Soldaten sie auf.
Ein Flirtversuch endet in einer Vergewaltigung, so zumindest eine
der angebotenen Deutungen.
Lipstikka lief unter dem Titel Odem vor zwei Jahren auf der Berlinale
und wurde in der Kritik als tiefgründig und filmisch ambitioniert
gewürdigt. Einen Skandal hatte der Film schon hinter sich:
Regisseur Jonathan Sagall hatte die Geschichte eigentlich vor Shoah-
Hintergrund erzählen wollen, mit den beiden Frauen als Überlebenden
des Holocaust – basierend auf der Geschichte seiner Mutter.
Der Regisseur machte aus den Jüdinnen aber Palästinenserinnen –
und sah sich dem Vorwurf ausgesetzt, die israelische Besatzung der
Palästinensergebiete mit dem Holocaust gleichzusetzen. Er wollte
aber politisch sein: „Für uns ist der Nahost-Konflikt Alltag. Als Israeli
wollte ich die menschliche Seite unserer direkten Nachbarn beleuchten.
Und am besten ging das durch zwei junge Mädchen, die nichts
mit dem Konflikt zu tun haben.“ Erst der politische Konflikt macht
aus der Boy-meets-Girl-Situation nach dem Kino-Besuch ein Trauma.
Ähnlich Out in the Dark: Eine klassische Boy-meets-Boy-
Geschichte wird zum Drama. In einem Club in Tel Aviv kommen der
Psychologie-Student Nimr aus Ramallah und der Rechtsanwalt Roy
ins Gespräch, sie treffen sich wieder – und verlieben sich. Doch dann
erpresst der Mossad Nimr: Wenn er seine Einreisegenehmigung für
Israel behalten will, soll er seinen Bruder ausspionieren, der aktiv in
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kino
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gm-films
pro-fun media
„Invisible Men“ von Yariv Mozer
„Out In The Dark“ von Michael Mayer
einer militanten Palästinenser-Organisation ist. Nimr lehnt ab und
kann Roy nicht mehr treffen. Dann wird Nimr in Ramallah geoutet
und muss vor seinem Bruder flüchten. Er schlägt sich nach Tel Aviv
durch und zieht bei Roy ein. Doch dann verhaftet die israelische
Armee Nimrs Bruder und sucht nun auch Nimr …
Die Geschichte von Israel als sicherem Ort für schwule Palästinenser
wurde schon oft erzählt und hat es mit The Bubble von Eytan
Fox schon vor Jahren ins Mainstream-Kino geschafft. Out in the Dark
erzählt die gleiche Geschichte ohne große Schnörkel, fast erwartbar.
Um so erstaunlicher, dass der Film trotzdem berührt und gefangen
nimmt. Vielleicht liegt das auch an den Bildern. Wo Lipstikka hell
und kühl war, scheint Out in the Dark in warmen Farbtönen, man ist
bei Partys oder im Wohnzimmer von Ramallah direkt dabei. Und die
Figuren haben Ambivalenzen: Nimr verschweigt Roy die Sache mit
seinem Bruder, Roy fürchtet um seine Stellung als Anwalt, die er erstmal
nicht für Nimr aufs Spiel setzen möchte.
Nachfühlbar auch in Deutschland ist die Frage des Andersseins
als Schwuler – wenn auch Nimr als schwuler Palästinenser in Tel
Aviv doppelt Minderheit ist. Oder nicht? „Als ich anfing in Tel Aviv
auszugehen, dachte ich, die anderen Leute würden mich nur schwer
akzeptieren“, erzählt Nimr an einer Stelle. „Aber dann habe ich herausgefunden,
dass das Schwulen egal ist.“ Roy antwortet lakonisch:
„Ein Schwanz ist halt ein Schwanz.“ Er meint das positiv, in der
Schwulenszene sind alle gleich. Aber andersrum gilt: Wenn es nur um
Schwänze geht, ist es egal, dass Nimr in Tel Aviv Hilfe braucht. Er
hat im Film keine anderen Freunde, die ihm helfen. Nimrs Tragödie
müsste eigentlich die Solidarität anderer Schwuler hervorrufen. Tut
sie aber nicht. Irrt Nimr also? Ist der Gegensatz zwischen Palästinensern
und Israelis stärker als schwule Solidarität?
Eine Antwort darauf gibt der Dokumentarfilm The Invisible Men.
Er begleitet drei schwule Palästinenser bzw. israelische Araber, die
weder in Palästina noch in Israel bleiben können und in Europa Asyl
beantragen. Hier ist klar: Ein schwules Leben in Palästina, ein palästinensisches
schwules Leben in Israel ist nicht möglich. „Jede Woche
flüchten Dutzende von schwulen Palästinensern nach Israel, wo sie
sich wieder verstecken müssen, nicht als Homosexuelle, sondern als
Palästinenser. Aus Sicherheitsgründen ist es weiterhin israelische Politik,
sie sofort wieder in die Besetzten Gebiete abzuschieben, wo der
sichere Tod auf sie wartet“, beginnt der Film, während im Hintergrund
schnelle Fußtritte und ein Keuchen zu hören sind – hier ist jemand auf
der Flucht. Es ist Louie, der seit zehn Jahren in Tel Aviv lebt, ab und
zu von der Polizei aufgegriffen und in den besetzten Gebieten wieder
ausgesetzt wird, um dann irgendwie wieder nach Tel Aviv zurück zu
kommen. Louie hat Freunde, die ihn abholen, die es in Out in the Dark
nicht gibt. Und Louie will eigentlich nicht fort, er kann sich ein Leben
woanders nicht vorstellen. Obwohl er Narben im Gesicht hat, weil sein
Vater ihn mit einem Messer angriff, als er sich outete. Und obwohl er
einen Davidstern als Tarnung um den Hals tragen muss.
Der Film begleitet Louie zu Hilfsorganisationen, die ihm ein
Schreiben ausstellen, falls die Polizei ihn wieder aufgreift, mit der
Information, dass er mit dem Tode bedroht wird, mit Nummern von
Anwälten. Doch mehr können sie nicht tun: Es gibt kein Asyl in Israel
für schwule Palästinenser. Und anders als in Deutschland können sie
sich auch nicht durch Heirat eine Aufenthaltsgenehmigung verschaffen:
Es gibt in Israel keine Zivilehe.
Ähnlich wie Louie geht es auch Abdu und Faris. Sie sind auf der
Flucht, weil ihre Eltern sie herausgeworfen haben und sie in Israel
nicht willkommen sind. The Invisible Men zeigt das Schicksal der drei
Männer eindrücklich, auch anders als in Out in The Dark. Dort verstecken
sich Palästinenser auf einem Dach, haben es sich freundlich
hergerichtet mit Möbeln und gespannten Tüchern. Als Louie auf der
Flucht ist, schläft er auf einer dreckigen Matratze neben einem Haufen
Sperrmüll, Fliegen krabbeln über seine Beine. Insofern gehören
die beiden Filme zusammen: So ist die Romanze, und so ist es wirklich.
Als sich am Ende Louie, Abdel und Faris in einem Bergdorf in
Europa treffen, atmet man auf.
Gleichzeitig ist das auch nicht das ganze Bild, sondern sei nur
ein Teil des israelischen „Pinkwashing“, wie Aktivist_innen vor Ort
bemängeln. Je stärker palästinensische Schwule als verfolgt dargestellt
werden, desto besser steht Israel da. Dabei sei auch die Situation
in Palästina komplex, große Städte wie Ramallah oder Nablus
seien toleranter. Dem könnte man entgegnen, dass Israel in keinem
der Filme wirklich gut wegkommt. Um die Kritik aufzunehmen,
müsste ein nächster Film mal die Situation von Schwulen und Lesben
betrachten, die in Palästina leben können – falls es sie gibt. s
Lipstikka
von Jonathan Sagall
US/IL 2011, 90 Minuten,
englische OF mit deutschen UT
Edition Salzgeber,
www.salzgeber.de
Im Kino in der L-Filmnacht
im April, www.L-Filmnacht.de
Out in The Dark
von Michael Mayer
IL/US 2012, 96 Minuten,
deutsche SF / OmU
Pro-Fun Media,
www.pro-fun.de
Im Kino ab 9. Mai 2013
Invisible Men
von Yariv Mozer
IL/NL 2012, 69 Minuten,
arabisch-englisch-hebräische OF
mit deutschen UT
GM-Films, www.gmfilms.de
Im Kino ab 26. März 2013
20 21

kino
kino
Go for Gold
von Tania Witte
Zwei Frauen beschließen, gemeinsam ein Kind zu zeugen. Einen „dokumentarischen Spielfilm“ nennt Anne
Zohra Berrached ihre aus dokumentarischen und inszenierten Elementen kunstvoll verzahnte Nahaufnahme
eines lesbischen Paares, das an einer rechtlichen Unklarheit und am inneren und äußeren Druck verzweifelt,
den ihr einfacher und naheliegender Wunsch auslöst. Auf der Berlinale wurde „Zwei Mütter“ mit dem Preis
der Perspektive Deutsches Kino, „Dialogue en perspective“, ausgezeichnet.
Zwei Mütter
von Anne Zohra Berrached
DE 2013, 75 Minuten, deutsche OF
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
Im Kino in der L-Filmnacht im Mai,
www.L-Filmnacht.de
Kinostart: Ende Mai 2013
www.zweimuetter.de
Edition Salzgeber
s Ein Paar beim Sex. Echt und nah und glaubwürdig. Könnte so oder
so ähnlich hier oder da stattfinden. Und dann, währenddessen, die
Frage: Was wäre, wenn aus dieser Liebe ein Kind entstehen würde?
Namenssuche und die unvermeidliche Zigarette danach. Auch das
könnte, so oder so ähnlich, gerade nebenan stattfinden. Dass die
Geliebten zwei Frauen sind, nimmt der Situation die Schwerelosigkeit.
Aber doch: Wir leben in Deutschland, 2013, was spricht dagegen,
diese Liebe mit einem Kind zu besiegeln? Nichts, finden Katja (Sabine
Wolf) und Isabella (Karina Plachetka) und beschließen, den Traum
wahr werden zu lassen.
In ihrem ersten abendfüllenden Spielfilm Zwei Mütter folgen
Regisseurin Anne Zohra Berrached und ihr Team den beiden Frauen
auf dem Weg zur Wunscherfüllung. Die Handlung ist frei erfunden,
basiert aber auf Fakten – so wahr, wie sie nur sein können. Isas Telefonmarathon
mit Ärzten, Beratungszentren und Kinderwunschkliniken
ist beklemmend real und ihr schwant, dass der Kinderwunsch zu
einem alltagsfüllenden Projekt werden könnte.
Als ihre Partnerin Katja einen Arzt findet, der die Befruchtung
vornehmen würde, stellt sich heraus, dass eine Enddreißigerin ohne
Ausbildung und mit Minijob und die Filialleiterin einer Videothek
sich schon wegen ihrer Einkommensverhältnisse keine Chancen
ausrechnen dürfen. Der Anwalt, den sie auf Wunsch des Arztes im
Vorfeld aufsuchen müssen, erklärt ihnen nämlich unmissverständlich,
dass sie ein Einkommen von mindestens 3.500 Euro pro Partnerin
nachweisen müssen, um von seinem Mandanten inseminiert
zu werden.
„Aber ich fühle mich ungerecht behandelt!“, sagt Isa.
„Dafür bin ich der falsche Ansprechpartner“, erwidert der
Anwalt, der sich selbst spielt und ja irgendwie auch nichts dafür
kann. Weil es vor dem Gesetz eben so ist, dass der Mensch, der den
Samen in die Frau bringt, der Vater ist. Also, theoretisch. Es sei denn,
die Frau ist mit einem Mann verheiratet, dann ist der Ehemann der
Vater. Immer, und egal, wie nachdrücklich und einvernehmlich
beide Ehepartner widersprechen mögen. Aus diesem Grund tun sich
die Kliniken so schwer damit, Frauenpaare zu befruchten. Denn,
auch das rein theoretisch, das werdende Kind und die werdenden
Mütter könnten den Arzt auf Unterhalt verklagen. So sieht es aus.
Folglich gibt es eine künstliche Befruchtung nur für heterosexuelle,
verheiratete Paare oder Lesben, die es sich leisten können. Pech für
Isa und Katja.
Und weiter.
Gerade mal eine Handvoll Ärzte gibt es in Deutschland, die Frauenpaare
befruchten – einer davon erklärt sich bereit, Isa zu inseminieren.
Ein Happy End zeichnet sich ab. Doch viele Monate und ebenso
viele Befruchtungen später ist das Konto geplündert, eine Schwangerschaft
aber noch immer nicht in Sicht. Immerhin hatte dieser Arzt
die beiden vorgewarnt: In 70 bis 80 Prozent der Fälle verläuft eine
Insemination erfolglos. Auch bei heterosexuellen Paaren besteht bei
Sex am perfekten Tag lediglich eine 25- bis 27-prozentige Chance auf
eine erfolgreiche Befruchtung.
Wo Katjas Kräfte schwinden und sie ans Aufgeben denkt, sucht
Isa verbissen weiter nach neuen, kostengünstigen Möglichkeiten.
Im Internet trifft sie auf jemanden, der Inseminationssets für den
lesbischen Hausgebrauch verkauft. Und wieder: Hoffnung. In einem
Privathaus erklärt ein fremder, heterosexueller Mann den beiden
Frauen, wie sie sich das Sperma einzuführen haben, damit alles seinen
Lauf nimmt, und gibt zudem Ratschläge, auf welcher Internetseite
sich Spender finden lassen. Eine Szene, wie sie in dieser Skurrilität
nur das Leben schreiben kann – und nicht zufällig spielt sich auch
dieser Protagonist selbst.
Und wieder findet Katja, wann immer sie nach Hause kommt, ihre
Frau vor dem Computer kauernd, wo sie Vor- und Nachteile jedes einzelnen
Spenders abwägt. Isas fast neurotischer Eifer schleicht sich in
die Beziehung der beiden. Dennoch geht Katja den Weg weiter mit
– aus Liebe und obgleich sich ihr Zweifel aufdrängen. Zweifel ob des
Geldes, Zweifel auch ob ihrer eigenen Rolle in dem Familienmodell.
„Du bist die Mutter, und dann kommt noch ein zweiter dazu, das ist
der Vater, und was bin ich denn dann?“, wird sie Isa wenig später
fragen. Eine Antwort bleibt aus, weil der nächste Spender schon auf
Begutachtung wartet.
Sie treffen die Männer im Sushiladen und im Fastfoodrestaurant
und begegnen den Abgründen, die hinter den Anzeigen lauern.
Sperma gegen Sex ist die Offensichtlichste. Angesichts der Realität
rückt Isa Stück für Stück von den gemeinsam festgesetzten Regeln
ab – dass sie das Angebot, mit einem Spender zu schlafen, überhaupt
ernsthaft erwägt, zeigt nicht nur ihre Verzweiflung, sondern auch
eine Rücksichtslosigkeit, die Katja überrascht. Für Isa wird der Kinderwunsch
zur Obsession, zum einzig möglichen Fokus, zum Egotrip,
dem zu opfern sie alles bereit ist. Auch ihre Partnerschaft. Aus dem
gemeinsamen Wunsch wird eine Stolperfalle für die Beziehung.
Der letzte Spender, den sie treffen, nennt sich „Go for Gold“ und
hat nach eigener Aussage in drei Jahren 20 Kinder gezeugt. Isa setzt
sich ein weiteres Mal über die getroffenen Abmachungen hinweg
und sichert ihm zu, das Kind sehen zu dürfen. Katja spritzt Isa das
Sperma. Was folgt, ist eine Szene eindringlicher Traurigkeit: Isa will
unbedingt einen Orgasmus, weil das die Fruchtbarkeit steigert und
Katja, überfordert und gedemütigt, zieht sich zurück. Während Isa
beseelt masturbiert, steht Katja in der Küche und raucht.
Und so sind die Gefühle des Liebespaares
und die Veränderungen in ihrer Beziehung
das eigentlich Spannende an dem Film
Berrached verwebt Realität und Fiktion zu einem dokumentarischen
Spielfilm – sie nimmt Gesetzeslage, Statistiken und Prognosen,
vermischt sie mit Wunschbildern und lässt ihre Protagonistinnen
mehr als einmal an der Wirklichkeit scheitern. Das Drehbuch fußt
auf Gesprächen mit und Erfahrungsberichten von lesbischen Paaren
und das macht die Geschichte in weiten Teilen so schmerzhaft real.
Zwei Mütter balanciert auf der Grenze zwischen den Genres – die
Farben, die Kameraarbeit, die Protagonist_innen, die sich teils selbst
spielen, teils Schauspieler_innen sind, die Art der Dialogführung –
alles, wirklich alles atmet Dokumentationscharakter. Das ist sicherlich
nicht nur gewollt, sondern vor allem dem Budget geschuldet; ihr
Ziel erreicht Berrached dadurch erst recht. Der Film öffnet den Blick,
ohne den Zeigefinger allzu großräumig zu schwenken. Ohne ein
Übermaß an Klischees zu bemühen entsteht eine feine Nähe zu den
beiden Protagonistinnen, die von Sabine Wolf und Karina Plachetka
pur und überzeugend dargestellt werden.
Und so sind denn auch die Gefühle des Liebespaares und die Veränderungen
in ihrer Beziehung das eigentlich Spannende an dem
Film. Der leidvolle Weg, auf dem das „Wir“ sich wieder in „Du“ und
„Ich“ aufspaltet und das „Du“ sogar zum Druckmittel wird … Es ist
kein Zufall, dass Isa sich immer wieder verspricht: „Ich will“, sagt
sie dann und korrigiert sich rasch: „Ich meine wir. Wir wollen!“ Und
erinnert ihre Frau mit dem Totschlagargument: „Du wolltest das
doch auch.“ Am Ende bleibt Entfremdung, Einsamkeit, Stille.
Zwei Mütter ist ein Film, der Menschen(paaren), die sich vergeblich
ein Kind wünschen, schmerzlich vertraut vorkommen
wird. Bestenfalls verblassen Diskussionen darüber, was „natürlich“
bedeutet und was „normal“ und die Zuschauenden kommen zu dem
Schluss, dass Liebe und der Wunsch, sie weiterzugeben, diese Kategorien
nicht braucht. Das schafft Raum für die andere Ebene: die
Geschichte von unkontrollierbarem Sehnen, von Liebe und dem Verlust
der Zweisamkeit – gefangen in einem Film, in dem der Anfang
über das Ende stolpert.
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kino
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Aufgeladen mit Zeit
von Gunther Geltinger
Drei Männer aus drei Generationen treffen in Nanouk Leopolds bewegend stillstehender Adaption des
Romans „Oben ist es still“ von Gerband Bakker in einem Hof in der niederländischen Provinz aufeinander.
Der gleichnamige Spielfilm mit dem überraschend im Dezember verstorbenen Jeroen Willems in einer
seiner letzten großen Rollen war auf der diesjährigen Berlinale zu sehen und startet Ende Mai / Anfang Juni
deutschlandweit in den Kinos.
Edition Salzgeber / Victor Arnolds
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Edition Salzgeber / Victor Arnolds
Edition Salzgeber / Victor Arnolds
s Schilf und Gras, so weit das Auge reicht. Ein paar Schafe, Gräben
mit dunklem Wasser, ein Deich. Dort ein Horizont, unbedeutend, weil
die Landschaft dahinter vermutlich genauso leer ist wie die davor.
Helmers Blick schweift, ohne zu suchen. Er ist ein großer Mann in
der Mitte des Lebens, das seinem Gesicht markante Züge verliehen
und ihm das dichte schwarze Haar nicht genommen hat. Trotz seines
kräftigen Körpers bricht er auf der steilen Treppe fast zusammen, als
er den kranken Vater hinaufschleppt, über die Schultern gelegt wie
ein totes Stück Vieh. Er schafft ihn zum Sterben nach oben, in das
Stockwerk, wo Helmer zuvor selbst gewohnt hat. Die alte, stehengebliebene
Standuhr kommt mit.
Die Geräusche des Umzugs im Haus, das Rumpeln und Renovieren,
dominieren die ersten Filmminuten und erzählen all das, was
Vater und Sohn, die sich noch nie viel zu sagen hatten, nicht miteinander
ausmachen: den Überdruss, die Langeweile, die Angst vor dem
Tod, der gleichzeitig, als durch den Zimmertausch endlich Bewegung
in das Haus kommt, zum Weg wird, eine Perspektive – Tapetenwechsel.
Und doch bleibt es merkwürdig still auf diesen Bildern, es ist die
Stille des Wartens, der geblähten Zeit. Helmer räumt auf. Doch wie
er energisch alte Erinnerungsstücke und blühende Zimmerpflanzen
auf den Misthaufen wirft, wirkt sein Trotz hilflos, verzweifelt; dieses
Haus lässt sich nicht mehr modernisieren, die alten Geister wohnen
tief im Gemäuer. Ein Ölgemälde mit Schafen, alte Fotos an der
Wand des Zimmers, wo einst der Bruder wohnte, das vergilbte Bild
einer Schöpfmühle, die für die beiden Brüder einmal eine Bedeutung
gehabt haben muss, all die Gegenstände, die einst zu nahestehenden
Menschen gehörten und diese noch immer verkörpern, heute sind sie
seelenlos, Avatare aus einer versunkenen Welt, ohne Geschichte, die
sie erzählen könnten, weil sie nur noch Vergangenheit sind, kondensiert
zu Staub und Stille.
Zu Beginn seines gleichnamigen Romans beschreibt Gerbrand
Bakker diesen Blick, der sich im Erinnern aus dem Jetzt rückwärts
richtet und dabei, gespiegelt von einem Ding oder Menschen, der
uferlosen Gegenwart eine Richtung verleiht, Grenze oder Horizont;
es ist das Gesetz des biographischen Erzählens. In der Romanszene
steht Helmer vor dem Wohnhaus, als an einem Sommertag zwei Jungen
mit entblößtem Oberkörper in einem Kanu auf einem der Kanäle
vorbeifahren, die, gespeist vom Ijsselmeer, das Waterland durchziehen.
Sie betrachten den Hof, der „zeitlos“ sei, sagt der eine, „der
könnte von heute sein, aber genauso gut von 1967 oder 1930.“ Die
Esel, die auf der Koppel stehen, nennt der andere „altmodisch“. Dabei
sieht er Helmer vorm Haus, „einen Bauern schon recht fortgeschrittenen
Alters in einem verschossenen blauen Overall (…), der an der
Seitenmauer eines Bauernhofs stand, im Schatten, und dort nichts zu
tun hatte, außer zu beobachten, reglos, mit angehaltenem Atem“, so
beschreibt der Ich-Erzähler, was der rotblonde Junge wahrnimmt;
es ist der von den Augen des anderen zurückgeworfene und so erst
mit Leben gefüllte Blick Helmers auf sich selbst, die unüberbrückbare
Kluft zwischen dem Damals und dem Heute, zwischen dem Jungen
und dem Alten, zwischen Begehren und Erstarren, Bewegung und
Stillstand. Die Jugendlichen ziehen mit sonnenverbrannten Schultern
weiter, Helmer, immer noch an der Mauer, bleibt zurück. „Der
Rest des Nachmittags“, heißt es im Roman, „war unwirklich und leer.“
Die Natur geht verschwenderisch mit dem
Leben um, doch sie geizt mit dem Glück
Dieser gebrochene und gespiegelte Blick auf die Hauptfigur ist das
einzige, was die niederländische Regisseurin Nanouk Leopold direkt
aus Bakkers Roman übernimmt, in dem die Vergangenheitserzählung
mehr als die Hälfte der Geschichte beansprucht. Ihrer Biographien
fast gewaltsam entrissen und in ein ewiges Jetzt gesperrt, wo nur
die Gegenstände lose Eckpunkte eines früheren Lebens markieren,
bewältigen die Protagonisten im Film ihren Arbeitsalltag auf dem
Bauernhof, ihre schwerfälligen Bewegungen stemmen sich gegen die
Zeitlast, die sie zu erdrücken scheint; auch Ada, die Nachbarin, hat
sich längst dem Trott ergeben, und ihre Kinder tragen nicht wirklich
eine Hoffnung: Wie sie ganz im Hier und Jetzt spielen, die Esel strei-
cheln oder ungeduldig auf die Geburt der Lämmer warten, wissen sie
noch nicht, was auch ihnen später einmal bevorsteht.
Aber Helmer weiß es. Das Lamm wird tot geboren, er wirft es zu
den anderen Kadavern unter das Blech; die Natur geht verschwenderisch
mit dem Leben um, doch sie geizt mit dem Glück. Als Helmer
den Vater wäscht und neu ankleidet, breitet der seine mageren weißen
Arme aus, hängt für einen Moment im Bild wie ein Kreuz. Ich will sterben,
sagt er, und Helmer: Jetzt, wo du so schön sauber bist? Im Baum
vor dem Fenster sitzt seit einigen Tagen eine Nebelkrähe, das Gefieder
des Todesvogels, der auf den Vater wartet, ist mehr weiß als schwarz.
Dann liegt Helmer auf seinem Bett in seinem neuen Zimmer, untätig,
wie selbst zum Sterben bereit. Die Kamera wandert an ihm herab
zum Unterleib, die Körpermitte vital, lebenshungrig, eingezwängt
zwischen Sehnsucht und Verweigerung; nach dem Duschen stellt er
sich nackt vor den Spiegel. Während er onaniert, ist sein Blick starr
geradeaus gerichtet. Bloß nicht nach unten schauen, nicht sehen, was
da pulst und sich aufbäumt.
Der Milchfahrer aber, auch schon jenseits der Lebenshälfte, mit
grauem Bart und Bauch, hat es an Helmer gesehen, obwohl der sich
stets in den Stall verdrückt, wenn der andere die tägliche Milchration
in seinen Tanklaster pumpt. Er habe ihn die letzten Male vermisst,
sagt er zu Helmer, als er ihm schließlich doch noch in der
Milchkammer begegnet. Die Sympathiebekundung, seine fragenden,
einladenden Blicke fallen ins Leere; er habe mit seinem kranken
Vater zu tun, weist Helmer ihn zurück und ist dabei so unglücklich
über diese Abfuhr, so wütend auf sich selbst. Im Smalltalk, der
Liebesgeständnis sein will und es nicht kann und darf, erzählt der
Milchfahrer vom unerwarteten Tod seines Kollegen Arie, der kurz
vor der Rente an einem Herzanfall starb, und auf der Beerdigung,
wo alle Bauern der Gegend zusammenkommen, versucht die Nachbarin
Ada vergeblich, das Gespräch zwischen den beiden in Gang zu
bringen; auch sie hat längst gesehen, was Helmer so grimmig zu verdrängen
versucht.
Seine fehlgegangene Sehnsucht bekommt dann der Vater zu spüren:
Die Griffe, die ihn im Bett aufsetzen, gleichen hilflosen Liebkosungen,
irgendwann irrgelaufen und zu Ruppigkeit und Grobheit verzerrt
drängen sie hin zum Vater und fliehen gleichzeitig vor seinem
ausgemergelten, dem Tode geweihten Körper, dem Piss im Bett, der
schlaffen, an den Armen und Beinen entzündeten Haut. In diesen
fast zärtlichen Einstellungen, nahen Kamerablicken, die den Alten,
weil der Sohn es nicht kann, fast zu streicheln scheinen, gewinnt der
überkommene Vaterleib eine eigentümliche Anmut, auch etwas Trotziges,
Rebellisches; da ist ein im Leben zu kurz gekommener Mann im
Körper eines Greises, der jetzt gehalten, geliebt, vielleicht sogar noch
einmal begehrt werden will.
Schon in ihrem letzten Film Brownian Movements setzt Nanouk
Leopold die Körper der Entstellten auf eine ästhetische, den Ekel
entmachtende Art in Szene: die Großnasigen, Fettleibigen und Ganzkörperbehaarten,
die sich die junge Ärztin, gespielt von Sandra Hüller,
als Liebhaber aussucht, obwohl oder gerade weil der Mann, mit
dem sie eine glückliche Ehe führt, so schön ist, dass sein Anblick fast
schmerzt. Später wird Helmer, zusammengekrümmt auf dem Boden
wie ein Kind, eine hervorgetretene Ader an der Totenhand des Vaters
streicheln, eine scheue, staunende, in ihrer Unschuld noch gänzlich
offene Berührung, ähnlich wie auch Sandra Hüller in Brownian
Movements staunend über ihre eigene unerklärliche Begierde in die
Kamera lächelt, während sich der monströse Leib ihres übergewichtigen
Liebhabers auf ihren zarten, hellen Körper senkt.
Schmerzhaft, ja fast unerträglich zart und hell auch das Gesicht
des Knechts Henk, den Helmer sich eines Tages als Arbeitskraft auf
den Hof holt. Bei Bakker trägt er die zentrale Geschichte, er ist die
Schnittstelle zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Leben und
Tod. Leopold aber drängt ihn in den Hofalltag wie einst Pasolini in
Teorema den geheimnisvollen Gast in die bürgerliche Familie, wo
er alle verführt, vom Vater bis zur Dienstmagd, allein um des Verführens
willen, die Geliebten aber wirft er zurück auf ihre nackte
Existenz, ihre Sehnsüchte und Ängste. Henk ist schön und jung,
unerhört jung, zu jung, um schon eine Vergangenheit zu haben. Er
ist das geballte Leben, das kommen muss, die Veränderung, ohne die
der Vater nicht sterben und Helmer nicht zu fühlen beginnen kann.
26 27

kino
kino
Er taucht auf ohne Herkunft und Geschichte, doch aufgeladen
mit Zeit, wie die Dinge im Haus, wie das Bild der
Schöpfmühle, unter dem er fortan schläft, im hergerichteten
Zimmer von Helmers verstorbenem Bruder. Henk
setzt das stehen gebliebene Pendel der Uhr wieder in
Bewegung, und Helmer kann es nicht verhindern, dass
der Junge ihn rührt.
Wie er im Bad an Henks Sachen schnüffelt, seinem
Haargel, dem After-Shave, und dabei brummende Laute
von sich gibt, verächtliche oder wohlige, hat Helmer
plötzlich selbst etwas von einem Vater, der sich über die
jugendliche Naivität seines Sohnes lustig macht, und
auch etwas von der Geziertheit eines verschmähten Liebhabers.
Jetzt ist da plötzlich Henk mit seinen jungen,
anpackenden Händen auf der einen, der immer magerer
werdende, zusehends verschwindende Körper des Vaters
auf der anderen Seite. Ein Blick Helmers, vom Fenster
aus zum Hof, wo Henk arbeitet, und zurück zum Bett,
in dem der Vater liegt, verbindet die beiden und hält sie
gleichzeitig voneinander fern, eifersüchtig und misstrauisch.
Henk verkörpert das Begehren, das zurückgewiesen
werden muss, weil er keine andere Aufgabe hat, als
für Helmer das neue Leben zu sein, der Luftzug in der
Glut eines fast erloschenen Feuers. Ein kräftiger Junge,
sagt der Milchfahrer lächelnd, für den der Knecht ebenso
Katalysator ist; an ihm, durch ihn erkennt er, dass Helmer
noch oder jetzt wieder in Schwingung ist, angestoßen
durch Henks Kraft.
Das nächste Lamm wird lebend geboren. Auf den
Kacheln der Abfüllkammer bleiben Milchreste zurück.
Helmer und der Fahrer kommen sich bei den alltäglichen
Verrichtungen an der Melkmaschine körperlich näher,
ohne dass tatsächlich Nähe entsteht. Doch sie spüren
beide, dass etwas ins Rollen gekommen und nicht mehr
aufzuhalten ist. Lange saugt das Kalb am Finger des
Knechts, während Helmer im Hintergrund zuschaut,
vielleicht die erotischste Szene dieses Films, in dem die
Männer mit ihren Körpern so hilflos umgehen, während
sie ihr Vieh routiniert-zärtlich anfassen, als wären Kuh,
Schaf und Esel alte, ein wenig lästig gewordene Geliebte.
Dann verkündet der Milchfahrer plötzlich, dass er die
Gegend verlässt. Die erste körperliche Berührung zwischen
Helmer und ihm ist der Handschlag zum Abschied.
Im Stall legt Helmer sich ins Stroh und presst sich das
Lämmchen an die Brust. Henk aber, der nachts plötzlich
zu ihm ins Bett steigt, weist er zurück, um den Jungen,
der sich weinend abwendet, dann doch noch in die Arme
zu schließen, während Henk ihm übers Gesicht streichelt,
vorsichtig, zaghaft, als könnte der starke Körper
des Mannes, wenn er ihn zu fest, zu fordernd berührt, in
seinen jugendlichen Händen zerbrechen, so, wie die Zeit
in der Redewendung zwischen den Fingern zerrinnt.
Von diesen Händen erzählt Helmer dem todkranken
Vater, dessen eigene Hände, so der Sohn, nur zum Schlagen
nützlich waren. Die Nebelkrähe erschießt Henk
nicht, obwohl er das Gewehr auf sie richtet. Stattdessen
verlässt er den Hof, so unangekündigt wie er gekommen
ist. Was er jetzt machen wolle, fragt Helmer ihn noch.
Mal sehen, erwidert Henk; glücklich werden vielleicht –
doch das sagt nur sein Blick, bevor er davonradelt.
Vierzehn Lämmer auf zehn Mutterschafe hat dieser
Frühling gebracht. Der Vater brachte es auf zwei Söhne;
der eine, den er mehr liebte, wie beide, Vater und Sohn,
wissen, ertrank, der andere übernahm gezwungenermaßen
den Hof, den er leidenschaftslos führt. Keine Enkel,
keine Zukunft; eine schlechte Ausbeute für ein so langes
Leben, insgesamt. Zum Sterben wenigstens soll Helmer
ihm noch ein hart gekochtes Ei bringen. Der Vater
hat Hunger. In der nächsten Szene ist das Wohnzimmer
ungewöhnlich hell, man hat das Gefühl, in einem anderen
Haus zu sein, eine Einstellung wie nach einem Zeitsprung.
Oben ist es jetzt still.
Man kann in Nanouk Leopolds Romanadaption den
Geschichtenreichtum der literarischen Vorlage vermissen,
die ineinander verschränkten Schichtungen von Vergangenheit
und Gegenwart, die zentrale Erzählung um
Helmers geliebten Zwillingsbruder, dem Henk, der junge
Knecht, so sehr gleicht und dessen Namen er sogar trägt.
Man kann es für unglaubwürdig halten, dass in diesem
gottverlassenen, nur von Bauern besiedelten Landstrich
alle Männer, die auftreten, schwul sind, und daran scheitern,
die gestörte Vater-Sohn-Beziehung als psychologische
Folie für das verhinderte Coming-Out eines in die
Jahre gekommenen Mannes sehen zu wollen. Man kann
den Film unterm Mikroskop der detail- und personenreichen
Romanhandlung betrachten und wird sich im weitwinkligen
Panorama der Bilder verloren fühlen. Kein
Roman und kein am romanhaften Erzählen orientiertes
Drehbuch führt hier die Figuren, sondern die Zufälle
eines Schicksals, aus dem Nirgendwo irgendwohin.
Der Milchfahrer ist zurückgekommen, zur Beerdigung
des Vaters. Hat Helmer ihn doch noch angerufen?
Er trägt Wunden im Gesicht, die ihm wehtun. Woher
stammen sie? Das Leben selbst hat sie geschlagen, könnte
die Antwort sein, die der Film nicht mehr gibt. Es kennt
alle Fragen und kontert unerbittlich. Jeroen Willems, der
so kraftvolle, so lebendige Darsteller des Helmer, starb
wenige Wochen nach Abschluss der Dreharbeiten an
einem Herzanfall. Er wurde nur fünfzig Jahre alt, acht
Jahre jünger als im Film Arie, der Kollege des Milchfahrers,
von dem wir nichts kennen als seinen Namen und
die Umstände seines Todes, ein schmaler, verschwindend
kleiner Ausschnitt eines menschlichen Daseins wie ein
zitternder Schilfhalm in der weiten, leeren, horizontschweren
Landschaft der Zeit.
s
Gunther Geltingers langerwarteter zweiter Roman „Moor“
erscheint, wie schon die Taschenbuchausgabe seines ersten,
„Mensch Engel“, bei Suhrkamp (September 2013).
Sämtliche Romane von Gerbrand Bakker sind in deutscher
Übersetzung ebenfalls bei Suhrkamp erschienen, darunter
natürlich auch „Oben ist es still“.
Oben ist es still
von Nanouk Leopold
NL/DE 2013, 93 Minuten,
deutsche SF, niederländische OF mit
deutschen UT
Edition Salzgeber, www.salzgeber.de
Im Kino im Mai/Juni 2013
Let’s talk about
age, baby
von Biru David Binder
Als Ort mit einer klassischen Infrastruktur zur operativen Geschlechtsangleichung
war Casablanca lange Zeit ein Mythos. Der Dokumentarfilm „I Am a Woman Now“
befragt fünf Transfrauen, was sie dort und damit erlebt haben.
s Das Leben ist schön! Um diese alltägliche
Ungeheuerlichkeit aus Angst vor ihrem
Entschwinden prophylaktisch auszubalancieren,
schrieb ich den ersten Absatz zum
Dokumentarfilm von Michiel van Erp, die,
wie ich beim ersten Lesen des Filmtitels in
mir aufschreien hörte, i-di-otischer-wei-se I
Am a Woman Now heißt. Die erste Einleitung
ist gemein, ein bisschen amüsiert. Sie geht so,
die erste Einleitung:
Ein Dokumentarfilmtitel wie I Am a
Woman Now scheint vortrefflich gewählt,
changierend zwischen der Absurdität, die
eigene geschlechtliche Identität zu verzeitlichen
(„now“), und dem Glück derer, die sie
sich als Zeit, die ihre, erkämpften. Das „jetzt“
zieht eine scheinbare Grenze zwischen aller
Zeit zuvor, als Mädchen, als Kind, zum Beispiel.
Weiß mensch, dass es in I Am a Woman
Now um die Lebensgeschichte von fünf
Transfrauen geht, die eine vor Jahrzehnten
unternommene Reise zu einem mittlerweile
verstorbenen Genitalchirurgen aus Casablanca
verbindet, dann kräuseln sich die
Fußnägel in der gedanklichen Verlängerung
von „pussy = woman“. Einige Trans* dürften
an dieser Stelle vermeintlicher Kausalität
müde lächeln bis zynisch auflachen. Einige
supermegalo-natürliche Frauen wie Männer
und alle anderen Geschlechter hoffentlich
ebenso. Allen denen, die bei dieser Gleichung
heftig mit dem Kopf nicken, kann nach allen
Regeln der Wahrscheinlichkeit sowieso
nicht geholfen werden. Dream on!
Das Einzige, was den Verfasser jetzt noch
retten kann, ist ein zweites Sichten des Films
selbst. Jedenfalls nicht das Sichten solcher
Paradoxa in Filmkritiken wie der in „Variety“
verbrochenen, die I Am a Woman Now
einerseits transrespektlos und glänzend in
Ignoranz beschreiben („Michiel van Erp’s
affecting look at five European men [?] who
were reborn as women“), während es ihrem
Autor andererseits nicht gelang, das Alleinstellungsmerkmal
dieses Dokumentarfilms
zu verpassen. Und dieses Alleinstellungsmerkmal,
es ist schmutzig. Und eklig. Und
transhumanoid, genannt: Altern. Let’s talk
about age, baby! Irgendwie ist das fies, weil,
come on, niemand denkt ernsthaft daran,
jemals alt zu SEIN. Altern, ja, on a distant
foggy future shore some day, perhaps, possibly,
maybe. Rather NOT.
Denn: Altern ist so Bäh! April Ashley, eine
der fünf Portraitierten, drückt das mit sehr
viel mehr noblesse aus, das Ergebnis scheint
dasselbe (Bäh!), sich zu verunsichtbaren, der
zentrale Inhalt. Das Medium, der alternde
neue Visionen
Körper, ist dabei die Botschaft. Nicht mehr
sichtbar zu werden, ist jedoch nicht die Botschaft,
sondern das, was darin hinein gelesen
wird (von wem? mit welcher Funktion?) und
das, womit sich die meisten Menschen abfinden
(und so begonnen haben, zu altern).
April Ashley beschreibt das Unsichtbarwerden
bei einem Glas, ich wünsche es
ihr, Champagner, und wird flugs auf meine
Who’sAtBiru’sWishpartyFORSURE-Liste 1
geschrieben, und müsste ich sie selbst die
Tür hineintragen. Mhm. Oder besser: alle
fünf, Jean Lessenich, Corinne van Tongerloo,
Marie-Pierre Pruvot, April Ashley und
Colette Berends!
Und, was machen alternde Frauen in I
Am a Woman Now so? Zum Beispiel im See
herumschwimmen. Cool. Oder eine windige
Bootstour mit einer Freundin. Oder spazieren
mit dem Hund im Park. Mhm. Dr. Burou,
Trans* und geschlechtsangleichende Operationen
habe ich vergessen. Was für schöne
Frauen! Wenn, dann beim Altern mit so viel
Style, Charme und Power, bitte. Bleibt nur
zu hoffen, dass die weniger selbstbewussten
Statements generationenbedingt abgegeben
wurden. Und die offene Ansprache eines
nach wie vor Trans* diskriminierenden
Arbeitsmarktes und einer Trans* diskriminierenden
Lebenswelt zu merklichen positiven
Veränderungen auf ebensolchen führt.
Die vor nicht allzu langer Zeit in britischen
Medien geführte Debatte (siehe
hierzu Patrick Barkhams „Guardian“-Artikel
„Voices from the trans community: ‚There
will always be prejudice‘“) lässt keine Zweifel
offen, dass eine ach so zeitgemäße „Toleranz“
im Sinne von Duldung, nicht von
Respekt und Inklusion, die Tagesordnung
darstellt, mit der Trans* sich heutzutage
glücklich schätzen dürfen. Hach ja, die lieben
„richtigen“ Frauen und Männer, die liebe
„richtige“ Demokratie.
s
I Am A Woman Now
von Michiel van Erp
NL 2011, 80 Minuten, dänisch-englisch-französisch-deutsche
OF
mit deutschen UT
Neue Visionen FIlmverleih,
www.neuevisionen.de
Im Kino ab 18. April 2013
1 Ich bilde mir ein, einer der wenigen Männer zu sein, der
mühelos innerhalb von Sekunden mindestens acht Ladies
aufzählen kann, die ihn maßgeblich positiv, quasi vorbildlich,
beeinflusst haben und ergo bei der Party ihre Tanzbeine
schwängen, könnte mensch sich seine Gäste für eine
Party aussuchen, gleich aus welcher Ecke dieses Planeten.
Nur bei Gentlemen, das ist schwieriger … Ich bin jetzt bei
rund zehn auf der Liste angekommen, die Hürde ist hoch,
sie sollten doch bitte, so wie alle Eingeladenen, nach Möglichkeit
noch leben. Ich denke seit über einem Jahr darüber
nach. Mageres Ergebnis? Damit abfinden? Niemals! La vie
est belle.
28 29

wir verreisen
wir verreisen
Wohltemperierte
Anordnung
von André Wendler
Wenig Außergewöhnliches sah unser Reporter im queeren Programm der diesjährigen Berlinale, so fern es
nicht in der Form der Filme schon angelegt war. Eine Vorschau auf (vielleicht) kommende Attraktionen.
„Zwei Mütter“ von Anne Zohra Berrached
Edition Salzgeber
s Es gehört wohl zum queeren Kino dazu, dass es sich regelmäßig
und absichtlich zwischen alle Stühle setzt. Die schönsten Beispiele
der diesjährigen Berlinale zeigten einmal mehr, wie die Hybriden, die
dabei entstehen, formal und inhaltlich zentrale queere Fragen ausbuchstabieren
können. Zwei Mütter (siehe Seite 22) von Anne Zohra
Berrached ist eine Hybride aus Spiel- und Dokumentarfilm über ein
lesbisches Pärchen, das alle Schwierigkeiten durchleben muss, die
sich bei einem Kinderwunsch einstellen. Die Regisseurin hat das
Drehbuch aus eigenen Recherchen und Gesprächen mit betroffenen
Paaren entwickelt. Im Film werden die beiden Frauen Katja und
Isabelle von zwei Schauspielerinnen dargestellt. Die meisten Personen,
auf die sie treffen, spielen aber sich selbst: eine Apothekerin, ein
Arzt, der künstliche Befruchtungen vornimmt, ein Anwalt, mögliche
Samenspender usw. Oft geht es dabei um die tausend Formen kleinlicher
täglicher Diskriminierung, die mich nicht gewundert, aber doch
traurig gemacht haben. Irgendwann bekommt der Film aber noch
einen anderen Ton. Während nämlich für eine der beiden Frauen
der Kinderwunsch über allem anderen steht, kommen der anderen
Zweifel. Sie merkt, dass ihre Konzeption einer lesbischen Beziehung
herausgefordert wird, wenn sich ihre Konfiguration ändert: Ein
Samenspender, der womöglich das Kind sehen will, das Kind selber
verändern alles. So wie der Film keine „ordentliche“ Dokumentation
und auch kein „richtiger“ Spielfilm ist, so bohrt die Frage, was lesbisches
Zusammenleben ist und wann es zu einer heteronormativen
Familie geworden sein könnte. Und ob das überhaupt ein Problem ist
oder sein muss. Das alles erzählt der Film jedenfalls nicht nur über
seine Geschichte, sondern vor allem über seine eigene Experimentalanordnung.
Ein ganz anderes, aber mindestens ebenso gelungenes Beispiel
ist Will You Still Love Me Tomorrow. Der Regisseur Arvin Chen ist ein
Kind taiwanesischer Eltern und in den USA geboren und aufgewachsen.
Seit einigen Jahren lebt und arbeitet er in Taiwan. In seinem
Film, den man vielleicht am ehesten als Romantic Comedy bezeichnen
könnte, geht es die ganze Zeit um alle (un)möglichen Mischbeziehungen.
Ein schwuler Mann heiratet, bekommt ein Kind und verliebt
sich irgendwann wieder in einen Mann. Ein anderer Schwuler
ist mit einer Lesbe verheiratet. Diverse Heterosexuelle haben Eheprobleme,
die dann von einer schwulen Clique in einer Schwulenbar
gelöst werden sollen. Das Ganze wird von einer wunderbaren
Wärme zusammengehalten. Egal nämlich, wer hier wen begehrt,
liebt oder mag: Der Film zeichnet alle diese komplexen und komplizierten
Fälle mit einer wirklich zu Herzen gehenden Menschenfreundlichkeit
nach. Die Liebe von Eheleuten, Freunden, Eltern und
Kindern, Großeltern, Kollegen, besten Freunden, ja selbst die Verbindung
zum liebsten Seifenopernstar werden alle mit dem gleichen
Respekt vor menschlichen Beziehungen behandelt. Filmisch könnte
man das alles kaum in schrilleren Farben zeichnen. Da fliegen die
Menschen vor Liebesglück durch die Straße, ein Augenoptiker wird
irgendwie zu einer Art Mary Poppins. Aus einer Karaoke-Bar wird
eine große Showbühne und die Parapluies de Cherbourg haben einen
Wiederauftritt, vor dem sich keiner verstecken muss. Ich vermute,
dass kein europäischer Regisseur das so hinbekommen hätte, weil
Slapstickhumor dieser Art hierzulande gerade nicht hoch im Kurs
steht. Der Film holt mich aber über seinen Soundtrack oder seine
Filmzitate immer wieder ab und bittet mich mit der selben Freundlichkeit
in seine Welt, die irgendwo zwischen Asien, Amerika und
Europa liegt, mit der er alle seine Protagonist_innen behandelt.
Offensichtlich – und das wäre für mich das Queere daran – entsteht
in der Begegnung dieser unterschiedlichen (Film)kulturen etwas
Wundervolles, das überrascht, ohne zu verschrecken.
Eine andere Gruppe von Filmen versucht nicht so sehr im inhaltlichen
und formalen Experiment unsere bekannten Identitätskonzepte
herauszufordern, sondern fragt nach ihrer Herkunft und Geschichte.
Dem filmischen Zwang zur Konkretion folgend, geht das immer über
die Beschreibung von Einzelgeschichten, so wie etwa in Fifi az khoshhali
zooze mikeshad, einem Dokumentarfilm von Mitra Farahani über
den iranischen Künstler Bahman Mohassess, der seine große Zeit
noch während der Schahregierung erlebte. Mohassess, von dem viele
glaubten, er sei gar nicht mehr am Leben, wird von der Regisseurin
in Rom gefunden, und der Film gibt ihm viel Zeit, über sich und seine
Kunst im Iran zu sprechen, seine Werke zu kommentieren und einfach
seine Lebensweisheiten zum Besten zu geben, von denen er mehr
als genug zu teilen hat. Irgendwann stecken zwischen all den Gedichten,
die er rezitiert und seinen ungezählten Anekdoten auch einige
Überlegungen dazu, was es für ihn heißt, schwul zu sein. Homoehe?
Der reinste Teufel für ihn. „Wissen Sie, was das beste an der Homosexualität
früher war? Dass sie verboten war!“ Tuntige Männer? Bloß
nicht! Mohassess hat immer Wert darauf gelegt, dass seine Jungs
verlobt waren. Abgesehen davon, dass das alles unglaublich skurril
ist, frage ich mich während des Films, ob es nicht einen notwendigen
Zusammenhang gibt zwischen seiner fast unüberschaubaren Kunstproduktion,
dieser grenzenlosen Kreativität und seinen teilweise
etwas abseitigen Identitätsvorstellungen. Kann man so eine Kunst
nur dann schaffen, wenn man seinen Begehrenshaushalt jenseits der
landläufigen Konzepte eingerichtet hat?
Eine ähnliche Konstellation, wenn auch mit anderem Ausgang,
gibt es im Gewinnerfilm des Teddy-Awards für den besten Dokumentarfilm.
Bambi von Sébastien Lifshitz ist das selbsterzählte Porträt
der 1935 in Algerien als Jean-Pierre geborenen Marie-Pierre Pruvot,
die sich irgendwann entschloss, kein Junge mehr sein zu wollen. Ihr
Weg führte sie in Pariser Kabarett Carrousel, wo sie jahrelang ein
gefeierter Revuestar war. Später studierte sie und fand ihren Weg
als gewöhnliche Lehrerin in der französischen Provinz, nicht jedoch
ohne die Angst, als Protagonistin ihrer früheren Karriere entdeckt
zu werden. Was für Mohassess Lebensprogramm ist, wird für Pruvot
nur ein dankbarer Umweg, der sie an den Ort führt, an dem sie sich
wohl fühlt.
Der persönliche Nachdruck, mit dem diese Lebensgeschichten
erzählt werden und der es für mich leicht macht, meine eigenen Identitätskonzepte
mit ihnen auf den Prüfstein zu legen, fehlt vielleicht an
einer Stelle, an der er unbedingt notwendig gewesen wäre. Im zweiten
Jahr in Folge lief dieses Jahr ein Dokumentarfilm über queeres Leben
in der DDR. Schon die Sprachfassung des Titels zeigt die gegenwärtigen
Interessenlagen an diesem Thema an. Out in Ost-Berlin – Lesben
und Schwule in der DDR hat zwar viele interessante Geschichten und
Personen zu erzählen, nimmt aber keine_n von ihnen ernst genug, um
sie aus ihrer Slideshow-Ästhetik und ihrer historisch recht einfachen
Dramaturgie herauszuheben. Abgesehen davon, dass er zum Teil die
gleichen Personen wie der letztjährige Unter Männern von Ringo
Roesener und Markus Stein vor die Kamera bringt, bleibt das dort
entworfene Infotainment-Panorama für mich folgenlos. Das bedauere
ich um so mehr, als ich selbst ein Kind dieses Staates bin und mir
ein Leben als einer ihrer schwulen Bürger vielleicht nur knapp entgangen
ist. Gerade Filme, die immer auch als ein Stück von uns für
uns gemacht werden, müssen ihren Blick ein wenig weiter schweifen
lassen als auf die unmittelbaren Verwertungsmöglichkeiten.
Vor diesem Hintergrund ist die Berlinale 2013 weder besonders
außergewöhnlich, noch besonders ernüchternd gewesen. Ob man
diese sanfte Wohltemperiertheit wiederum als Problem begreift oder
nicht, sei allen selbst überlassen.
s
30 31

tellerrand
tellerrand
verque(E)re Zensur in
Deutschland
s Als im Jahr 1919 Anders als die Andern §175 von Richard Oswald
in die Kinos kam, gab es in Deutschland eine flüchtig währende Periode
ohne Zensur. Der Rat der Volksbeauftragten hatte kurz nach dem
Zusammenbruch des Kaiserreichs beschlossen: „Eine Zensur findet
nicht statt. Die Theaterzensur wird aufgehoben.“
Doch schon der Zusatz auf die Instanz des Theaters, verstanden
als kulturellen Primat, sah wohl kaum die aufsteigende Macht
der neuen Lichtspielhäuser voraus. Die durch Oswald und andere
(Hygiene-)Filme entfachte gesellschaftliche Debatte führte schließlich
zu den 1920 erlassenen Reichslichtspielgesetzen. Und schon elf
Jahre später brannten Bücher und die Zensur und Moralsadismen,
maßgeblich um den Paragraphen 175, verschärften sich. Anstelle von
Filmen wie Metropolis, Nosferatu oder Das Cabinett des Dr. Caligari
herrschte von nun an das Schreckenskabinett des Dr. Goebbels, mitverantwortlich
für Hetz- und Propagandafilme der Diktatur.
Unrühmliches Beispiel und Synonym für die Verhurung des
Mediums Films unter den Nazis wurde Jud Süß. Deshalb klingt es
absurd, dass dessen Regisseur Veit Harlan, von allen gegen ihn erhobenen
Anklagepunkten freigesprochen, 1957 mit Anders als du und ich
§ 175, einen der ersten bundesrepublikanischen Filme mit einer queeren
Handlung vorlegte und zumindest im Titel eine Annäherung an
Oswalds Tradition suchte. Harlans vielleicht redlicher Ansatz wirkt
aber aus heutiger Sicht schlicht homophob, dass Zitat auf Oswald
regressiv. Sein Film, der Schwule als heilbare Opfer präsentiert und in
einem Abwasch auch noch die bildenden Künste und moderne Musik
als entartet deklassiert, bekam keine Freigabe. Doch der seit 1948 von
den westlichen Siegermächten gegründete, in Wiesbaden sesshaften
FSK stießen nicht die faschistoiden Tendenzen auf, sondern der zu
positive und ausgestellte Umgang mit Homosexuellen. Nach mehreren
Veränderungen an Schnitt, Text und Bild konnte eine ab-18-Einstufung
erreicht werden.
Zunächst mögen diese Beispiele wie aus längst vergangenen
Tagen wirken. Alles passé und überwunden. Antiquiert liest sich auch
die damalige Ablehnung der ersten Schnittfassung von Anders als du
und ich § 175: „Alle Bevölkerungskreise, die noch ein Gefühl für Sitte
und Recht haben (und dies ist der weitaus überwiegende Teil des Volkes),
werden in ihren Empfindungen aufs schwerste getroffen …“
von Andreas Heimann
Kunst und wie ein Staat mit ihr umgeht kann immer als Gradmesser der Freiheit dienen. Man denke etwa an das Beispiel des
Filmemachers Jafar Panahi, der gegenwärtig Inhaftierung und Berufsverbot durch den iranischen Staat erleidet. Hierzulande
alles undenkbar und kein Thema. Doch wie steht es um die Freiheit der Kunst in Deutschland? Ist Deutschland wirklich frei von
staatlicher Zensur – und wann beginnt sie? Ein Debattenbeitrag zur Freiwilligen Selbstkontrolle der Filmwirtschaft (FSK)
Umso mehr mag es schockieren, dass folgender Abschnitt aus dem
Jahre 2011 stammt und den Film Romeos … anders als du denkst! von
Sabine Bernardi auf ein FSK 16 bewertet: „Der Film spiegelt eine verzerrte
Realität wider, die Kinder auf Grund keiner oder zu geringer
Erfahrung nicht erkennen können.“
Die verzerrte Welt von queeren Menschen, die nicht der Realität
der im Durchschnitt 50-jährigen FSK-Mitglieder abbildet, begehrte
jedoch auf. Es ist dem Druck des LSVD, der Presse und Bernardis
öffentlichem Aufbegehren zu verdanken, dass ihr Film einer Neuprüfung
unterzogen wurde und die fragwürdige FSK 16 in eine FSK 12
umgewandelt wurde. Doch was war geschehen?
Voreilig von homophoben Tendenzen zu sprechen wäre töricht.
Die deutsche Schere schnitt bekanntlich auch schon in Filme von
Hitchcock. Auch „Disneys Lustiges Taschenbuch“ und das „Sailor
Moon Magazin“ waren vom deutschen Zensus nicht gefeit, dessen
Regeln seit 1951 unverändert sind.
Um aber den neokonservativen Umgang mit Bernardis Film zu
verstehen, muss man sich das Jahr 2010 vergegenwärtigen. Eine neue
Debatte, maßgeblich um die Differenzierung zwischen einer FSK 12
zu einer FSK 16 gestrickt, wurde dort durch die Sittenwächter der FAS
und FAZ entfacht und 2011 erneut aufgenommen. Mit markigen Überschriften
wie „Das FSK-12-Siegel ist jugendgefährdend“, oder „Diese
Filme gefährden ihre Kinder“, hatte die FAS 100 „zufällig“ gewählte
FSK-12-Werke neu geprüft und kam zu dem Ergebnis, dass fast 50%
aller geprüften Filme eigentlich viel eher eine FSK 16 erhalten müssten.
(Auffällig an der Zufälligkeit der ausgewählten Filme ist, dass
nur fünf der 46 beanstandeten Filme vor 2000 produziert wurden, es
sich nahezu nur um Hollywoodproduktionen handelte und dass kein
Film als zu streng bewertet empfunden wurde.) Die Zensorenkompetenz
vertraute die FAS übrigens nicht dem Feuilleton an, sondern dem
Politikressort. Von solchen Feinheiten unbeeindruckt entblödeten
sich mehrere Politiker – meist aus dem konservativen Lager – nicht,
die Arbeit der FSK zu kritisieren.
Erika Steinbach, Mitglied des CDU-Bundesvorstands und stellvertretendes
Mitglied im Ausschuss für Kultur und Medien des Deutschen
Bundestags, sah gar schon das Abendland untergehen: „Leider
muss man feststellen, dass nicht nur in diesen Filmen, sondern in
unserer Gesellschaft insgesamt natürliches Schamgefühl, aber auch
Gewaltlosigkeit im Miteinander der Menschen und in der Fürsorge
für Kinder immer mehr in den Hintergrund gedrängt worden sind.“
Aufgabe der FSK ist es aber auch gar nicht, das natürliche Schamgefühl
zu bewahren oder gar zu einer gewaltfreieren Gesellschaft
beizutragen. Leider wurde auch nicht nachgefragt, welche Filme
Frau Steinbach hier meinte. Schindlers Liste etwa, dessen Wertung
mit einer FSK 12 die FAZ als ebenso falsch ansah wie die für Capote.
In ihren Begründung merkten sie zu Letzterem an, dass der Inhalt
„das Leben eines homosexuellen Künstlers mit all seinen Stilisierungen,
Schwierigkeiten und Nöten zeigt, die sowohl das kritische als
auch das emphatische Vermögen von Kindern überschreiten.“ Jene
Sequenz, in der Capote sein Anderssein mit den Empfindungen eines
pubertierenden Mädchens vergleicht und dadurch ein Gefühl der
Empathie evoziert wird, scheint den selbsternannten Zensoren der
FAS entgangen zu sein.
Der Streit um die FSK, angefacht durch Drohworte etwa seitens
der bayerischen Familienministerin Christine Haderthauer (CSU)
(„Sollte es tatsächlich so sein, dass zu lax geprüft wird, tut sich die
FSK selbst keinen Gefallen“), gipfelte im Auftritt der Bundesfamilienministerin
Schröder (CDU). In ihren eigenen Wahlkreis Wiesbaden
wiederkehrend, beeinflusste die von der FAZ gesteuerte Diskussion
ihren Besuch bei der FSK. In der Folge schickte die FSK ihre
Mitglieder vermehrt in Weiterbildungskurse, die das Thema „FSK 12
oder 16?“ erneut aufnahmen.
Und wenn man auch nicht gleich homophobe Tendenzen innerhalb
der FSK konstatieren möchte, so muss doch erwähnt werden,
dass es mehr als bedenklich ist, dass im Sog einer solchen künstlichen,
nicht künstlerischen, Moraldebatte Romeos wie ein Bauernopfer
wirkt. Christina Schröder hat hier zumindest moralisch eine Verantwortung
zu tragen und sich selbst zu fragen, wie sie, die promovierte
Politikwissenschaftlerin, als Expertin für Film auftreten kann. Dass
die FSK politisch unabhängig arbeiten soll und mit Schröders Besuch
eine Demarkationslinie der Demokratie überschritten wurde, steht
ungeklärt im Raum. Schröders Kampf an der Moralfront trieb indes
auch in jüngster Zeit seltsame Blüten. (So löste sie unlängst eine
Debatte um „bedenkliche“ Wörter in Skandalbüchern wie „Die kleine
Hexe“, „Jim Knopf“ und „Pippi Langstrumpf“ aus.)
Der Umgang mit Romeos zeigt indes eine spezielle Rezeptionsgeschichte
für Filme in der BRD. Es ist eine Vorgehensweise der
Aussparungen, der Retuschen und des scheinbar nicht Vorhandenen.
Zu diesen Beispielen der „freiwilligen“ Selbstkontrolle (FSK)
kommen die der staatlichen Kontrollinstanzen, wie die dem Familienministerium
unterstellte Bundesprüfstelle jugendgefährdender
Medien (BPjM). Denn alleinig die BPjM kann Medien indizieren und
beschlagnahmen lassen.
Besonders beklagenswert sind aber die durch eine Indizierung
entstehenden Folgen auf dem sogenannten freien Markt. Im Handel
tauchen immer wieder Produkte auf, die den vermeintlichen gesuchten
Film enthalten. Raimis indizierter Film Tanz der Teufel etwa, ist
in einer FSK-16-Version erhältlich und dabei um doch nennbare 14
Minuten zerstückelt. Eine Neuprüfung des Originals 2012 hatte eine
Neuindizierung zur Folge, was den Film für nun insgesamt 50 Jahre
auf den Index verbannen wird. Doch die Indizierung trifft nicht nur
Horrorklassiker. Unter den indizierten Filmen findet sich z.B. auch
Die 120 Tage von Sodom. Schon in der damaligen Debatte um Pasolinis
Werk warf die FAZ der FSK Untätigkeit vor. Der seinerzeit 78-jährige
Leiter der FSK, Ernst Krüger, der erst 1986 mit 88 Jahren seinen Posten
aufgab, ließ sich im Zuge der Kontroverse zu der sehr bedenklichen
Aussage bringen, dass diejenige Zensur oder Prüfeinrichtung
am besten sei, „die und deren Einwirkung man nicht bemerkt.“
Doch seitdem ist die Machtauswirkung der Moralsadisten für
Filmfreunde immer sichtbarer geworden. Die Vorsitzende der BPjM,
Elke Monssen-Engberding, seit über 20 Jahren im Amt, konnte 2008
die neuen, gesetzlich vorgeschriebenen FSK-Kennungen auf DVDs
zum Schutz von Jugendlichen erreichen. Die jahrelange Diskussion
über eine Ampelregelung von Lebensmitteln ist in der Filmwelt längst
Realität. Der so belehrte Bürger wird aber nicht darüber in Kenntnis
gesetzt, dass es sich bei dem angebotenen Produkt oft nicht um
das vermeintlich beworbene handelt. Eine Praxis, die sich auch im
deutschen Fernsehen widerspiegelt und vor der nicht einmal mehr
Sender wie Arte mit staatlichem Bildungsauftrag zurückweichen.
Doch FSK-16-Filme sind gesetzlich erst ab 22.00 Uhr, FSK-18-Filme
ab 00.00 Uhr erlaubt. Werden sie früher gesendet, handelt es sich
um Neuschnitte der Sender. Somit ist die nachfolgende Sendung
für Zuschauer unter 16 Jahren zwar nicht geeignet, es handelt sich
aber eh um eine Kunstruine – ohne Abspann, mit Werbeblöcken
und dem Einblenden von Bauchbinden und Seitenrandgeblinke. Ein
Umgang mit Filmen, der in Deutschland dem Medium sukzessive
seinen Kunstcharakter abspricht. Undenkbar wäre etwa das seitliche
Abschneiden an einem Gemälde Picassos, weil es jugendgefährdend
sein könnte. Aber Ausstellungen oder Bücher tragen ja auch kein FSK-
Siegel. Ähnliche „Aufklärungsabsichten“ sind sonst nur bei Zigaretten
üblich. Anscheinend wird, so der zu ziehende Rückschluss, eine
visuelle Gefährdung Jugendlicher, die von Videospielen und Filmen
ausgeht, höher eingeschätzt, was sich auch in den Indizierungsanträgen
und Indizierungen selbst widerspiegelt, die dadurch aber nicht an
Richtigkeit gewinnt. Filme bilden mit doppelt so vielen Indizierungen
gegenüber Tonträgern in den veröffentlichten Listen der BPjM
die größte Gruppe. Zwar wurden in den letzten Jahren, rein statistisch
betrachtet, weniger Filme als in den Jahren davor indiziert, alte
Indizierungen aber bleiben bestehen. Eine Neuprüfung ist erst nach
25 Jahren möglich (Ausnahmen darf nur die BPjM selbst bestimmen).
Sowohl Indizierung als auch ungekennzeichnete Neuschnitte
müssen als Zensur verstanden werden. Nicht nur die Indizierung,
sondern vielmehr eine generell schleichende Zensurpolitik sind das
Bedenkliche der heutigen deutschen Kulturlandschaft. Die Demokratie
zeichnet sich gegenüber Systemen wie dem Iran oder China
eben durch Dissens aus, dessen Impulsgeber die Kunst sein kann.
Kinder und Jugendliche sollten dabei sicherlich vor einigen Medien
geschützt werden, sie sollten aber nicht in Volte dazu missbraucht
werden, eine Kultur der Zensuren zu rechtfertigen.
Ein unaufgeregter Umgang mit Kunst und ein Umdenken im
Kunstverständnis wären aber nichts Revolutionäres, sondern nur die
Erfüllung von Artikel 5, Absatz 1, des Grundgesetztes: „Jeder hat das
Recht, seine Meinung in Wort, Schrift und Bild frei zu äußern und zu
verbreiten und sich aus allgemein zugänglichen Quellen ungehindert
zu unterrichten. Die Pressefreiheit und die Freiheit der Berichterstattung
durch Rundfunk und Film werden gewährleistet. Eine Zensur
findet nicht statt.“
s
Was ist die FSK?
Die Freiwillige Selbstkontrolle der Filmwirtschaft,
kurz FSK, hat ihren Sitz in Wiesbaden
und wurde 1948 gegründet. Nach dem Vorbild
des US-amerikanischen Production Codes
sollte sie, politisch unabhängig, behördlichem
Eingreifen und staatlicher Reglementierung
vorbeugen. Als Prüfungsorgan der westlichen
Besatzungsgebiete wurde zudem der Jugendschutz
als Bestandteil der Prüfungsziele erklärt.
Ab 1949 übernahm die FSK die Aufgabe der
Filmprüfung in der BRD. Die Einteilung in die
bis heute gültigen Alterskategorien 6, 12 und
18 Jahre erfolgte 1957 und wurde 1985 um die
Kategorie ab 0 Jahre erweitert. Träger der FSK
ist die Filmwirtschaft (SPIO). 250 ehrenamtliche
Prüfer arbeiten in den FSK-Gremien, 46%
davon sind Frauen, das Durchschnittsalter
der Prüfer beträgt 50 Jahre. Jährlich werden
in Wiesbaden ca. 400 Medien geprüft.
Zum Weiterlesen
1. Roland Seim und Josef Spiegel (Hrsg.):
Der kommentierte Bildband zu „Ab 18“.
„Zensiert, Diskutiert, Unterschlagen.
Zensur in der deutschen Kulturgeschichte“
2. Julia Köhne, Ralph Kuschke und Arno
Meteling (Hrsg.): „Splatter Movies.
Essays zum modernen Horrorfilm“
3. Johanne Noltenius: „Die freiwillige
Selbstkontrolle der Filmwirtschaft und
das Zensurverbot des Grundgesetz“
4. Roland Seim: „Zwischen Medienfreiheit
und Zensureingriffen. Eine medien- und
rechtssoziologische Untersuchung
zensorischer Einflussnahmen auf
bundesdeutsche Populärkultur“
5. Stephan Buchloh: „Pervers, jugendgefährdend,
staatsfeindlich. Zensur
in der Ära Adenauer als Spiegel
des gesellschaftlichen Klimas“
32 33

dvd
dvd
concorde filmverleih
Laufen lassen
von Jan Künemund
„On The Road“ von Walter Salles, die für viele enttäuschende
Verfilmung eines unverfilmbaren Buchs, ist nun auf DVD
erschienen. Ein kleines Plädoyer für einen schönen Film.
On The Road – Unterwegs
von Walter Salles
BR/FR/UK/US 2012, 134 Minuten,
deutsche SF, englische OmU
Auf DVD bei Concorde Home Entertainment,
www.concorde-home.de
s Als ich kürzlich mal unterwegs (!) war, saßen zwei Jungs im beatfähigen
Alter neben mir im Flugzeug, die offensichtlich eng befreundet
waren, aber nicht miteinander sprachen. Beide lasen in ihrer eigenen
Ausgabe von „On The Road“ und beide waren damit ungefähr
gleich weit gekommen. Das Schöne an diesem Bild war weniger der
Beweis für die Kontinuität alters-und geschlechtsspezifischer Lektüren
(ich z.B. habe das nie gelesen), sondern eher das Bild einer Nebeneinanderher-Bewegung
im gleichen Stoff.
On-The-Road-dem-Film ist große Ungerechtigkeit widerfahren.
Mir ist auch klar warum, obwohl ich keine empirischen Beweise habe:
Männer, die zwischen 30 und 70 sind und in einen Film gehen, der
ihre Pubertätsekstasen in Bilder fassen soll, haben, nicht nur, was das
Kino angeht, etwas nicht verstanden. Auch die Idee, man müsse doch
darstellen können, was die Kerouacs, Ginsburgs und Cassadys 1947
damals auf die Straße getrieben habe, scheint mir eher dem Bedürfnis
von Englischlehrern zu entsprechen als dem von Kinogängern.
Allerdings steht Verleger Jörg Sundermeiers in der Taz geäußerte
Kritik am Film, dieser würde über die Dinge „reden, ohne sie zeigen zu
können“, als Einforderung spezifisch visueller Qualitäten eines Films,
schwer und unbewegt im Raum. Der Film ist aber nicht eine Erzählung
über junge Männer (und eine junge Frau), die sich aus den Fesseln
einer engen und normierten, stillstehenden Gesellschaft herausbewegen,
sondern ein Film über junge Männer, die aus dem Traum davon
und aus der Beobachtung einiger Weniger, die das tatsächlich versuchen,
Literatur machen. Frei nach Hubert Fichte: über das Leben, das
nur dazu da ist, um eine Form der Darstellung zu erlangen.
Und so wird auch dem Film von Walter Salles alles zum Stoff, was
erst in seinem Medium etwas hergibt: jugendliche Babyfaces, aus
denen tiefe (Hedlund) und heisere (Riley) Stimmen sprechen, rote
Trucks vor staubigen Bergen, glitzernde Eidechsen in Bäumen, und
immer wieder Asphalt, hektisch abgefilmt, als könne man auf ihm
einfach nicht stillstehen. Sam Paradise, die Verwandlung von Kerouac
in Literatur, wird deshalb von diesem Film etwas gemein behandelt,
denn er war, soweit man weiß, schon etwas mehr als der Eckensteher
und Abstauber, der seinem Freund Cassidy hinterstiefelte und das an
Leben, Frauen, Wörtern und Ideen aufsammelte, was dieser für ihn
übrig ließ. Mehr als der literarische Ausbeuter, der den wilden Outlaw
für seinen Roman benutzte, ihn aber als Freund verriet. Doch Salles,
seinem Drehbuchautor Jose Rivera und seinem grandiosen Kameramann
Eric Gautier, ging es eben darum, in Sam Paradise das Kontruktionsprinzip
ihres Films zu verankern: Nichts ist, bevor es nicht zur
Kunst wird. Und deshalb wird die Welt von 1947 im Buch zur Kette
freier sprachlicher Assoziationen und die wiederum im Film zum Bilderfluss.
Ein Film, dem alles zum Stoff geworden ist, nimmt Anhalter
mit: einen Twilight-Star, der Proust liest, Sam aus Tron: Legacy,
der Texte von Slim Gaillard rappt, und Aragorn, ohne Unterhose,
im Orgon-Akkumulator. Unglaublich schöne Menschen, Gesichter,
Körper. Landschaften, Autos. Die Straßenbilder zittern, die Tonspur
knistert, Detailaufnahmen und große Gesten nehmen sich einen
sinnlichen Entwurf vor, für den sich der Ausbruch lohnt, zumindest
ins Kino.
Die beiden Mitreisenden lasen beim Einstieg in Bilbao, beim
Umsteigen in Frankfurt und noch in der U7 in Berlin-Neukölln im
Kerouac-Buch. Wahrscheinlich fanden sie die Frauenfeindlichkeit
und Homophobie des Textes (beides gibt der Film – als Material –
sehr genau wieder) ziemlich altmodisch. Aber wie man sich aus
den heutigen Fesseln löst, geschlechtsidentitätsspezifischen zum
Beispiel, und daraus keinen akademischen Diskurs, sondern Kunst
macht, sollen die nächsten Kerouacs schreiben. Oder die nächsten
Eric Gautiers zeigen.
Im wahren Leben hatte Kerouac noch nicht mal einen Führerschein,
lese ich gerade.
s
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Ein höllischer Spuk
von Fritz Göttler
In seinen Filmen das zu zeigen, was man damals in Hollywoodfilmen eigentlich nicht zeigte, war immer eine
Spezialität des Regisseurs Otto Preminger. In „Advise and Consent“ (dt. „Sturm über Washington“), seinem
großen Senatsdrama aus dem Jahr 1962, gibt es zum Beispiel eine Szene, die in einer New Yorker Gay Bar
spielt. Und damit macht sich Hollywood zum ersten Mal überhaupt ein Bild von der Schwulenszene. Nun
ist er auf DVD herausgekommen, in einer Dreierbox, zusammen mit zwei Premingers der Fünfziger, „Saint
Joan“ und „The Moon Is Blue“
cine qua non
s Wann werden wir in Washington sein, fragt der junge Mann,
gegen Mitternacht, sagt der ältere auf dem Sitz neben ihm – Senator
Brigham Anderson aus Utah und der Vizepräsident der Vereinigten
Staaten von Amerika. Sie haben sich zufällig getroffen, auf dem nächtlichen
Flug von New York nach Washington. Eine Linienmaschine, es
ist 1962, damals verkehrten auch hohe Politiker so.
Otto Premingers Advise and Consent ist einer der großen Filme
der Sechziger, ein elegisches Melodram aus dem amerikanischen
Senat. Und: Ein Phantomfilm. Die ihn rühmen, beziehen sich dafür
bevorzugt auf seine ‚films noirs‘ aus den Vierzigern, Laura, Whirlpool,
Where the Sidewalk Ends, Angel Face, aber seine Filme aus den Fünfzigern
und Sechzigern sind weit schwärzer als diese, The Man With the
Golden Arm, Carmen Jones, Anatomy of a Murder. Advise and Consent
hat einen Möchtergernpolitiker, der vor einem Senatsausschuss lügt
zu seiner kommunistischen Vergangenheit, einen US-Präsidenten,
der diesen Mann dennoch durch den Ausschuss gebracht sehen will.
Und einen Senator, der eine schwule Vergangenheit hat und sich mit
dem Rasiermesser die Kehle durchschneidet.
Man hat Preminger immer wieder des Sensationalismus bezichtigt,
François Truffaut hat gegen derartige Vorwürfe Premingers
Risiko-Konzept erläutert – das dem der Rennfahrer von Le Mans
gleiche: „Er bietet uns ein Schauspiel, dessen Geheimnis er bewahrt,
ein Schauspiel, das nur ihn betrifft … Wenn er vor Skandalen nicht
zurückschreckt, so nur, um seine Reinheit besser zu bewahren.“
Es wird Regen geben, sagt der Vizepräsident nach der Ankunft
in Washington zu Brig, ich kann Sie nach Hause bringen. Der Senator
lehnt dankend ab. Lew Ayres ist der Vizepräsident, Don Murray,
der tumbe Cowboy aus Bus Stop, der junge Senator. Ob er ihm helfen
könne, hat der Vizepräsident ihn gefragt, ob er sich aussprechen
wolle. Er sieht, der Junge ist unter starkem Druck, er war in New
York, um sich mit seiner Vergangenheit zu konfrontieren. Nun hat er
eine Entscheidung getroffen. Why are you going it alone, meint der
Vizepräsident, that’s what I don’t understand.
Washington, eine unheimliche, eine Phantomstadt. Ruhelose
Menschen sind nachts unterwegs, intrigierend, drohend, erpressend.
In den Monumenten der Stadt sind die Phantome der Vergangenheit
präsent, der Geschichte, der amerikanischen Tradition. Preminger
hat an Originalschauplätzen gedreht, auf den Straßen der Stadt, in
den Büros, das Capitol, das Washington Monument, das Sheraton. Die
Ausstattung hat er aus Museen und von reichen Familien zusammengeborgt,
Teppiche, Möbel, Artefakte. Gene Tierney wandelte durch
die abendlichen Partys, als Gastgeberin, wie seinerzeit durch die drei
films noirs, die sie mit Preminger machte.
Der Präsident hat einen Kandidaten für das Amt des Außenministers
benannt, Robert Leffingwell, gespielt von Henry Fonda. Der
Senat soll diesem Kandidaten empfehlend zustimmen, advise and
consent, und prüft ihn in einem Unterausschuss. Brigham Anderson
ist der Vorsitzende des Ausschusses. Der alte Senior Senator von
South Carolina, Charles Laughton, will den neuen Mann verhindern,
Leffingwell spricht mit einer fremden Stimme – er vertritt den neuen
Realismus in der Politik, gegen die Unbedingtheit der Prinzipien, will
durchaus mit den Russen verhandeln. Der Kennedy-Sound, Amerikas
Stimme für die Zeit nach dem Kalten Krieg.
Ein Zeuge wird vorgeladen, er kennt Leffingwell von früher,
spricht von Beziehungen zu einer kommunistischen Zelle, Leffingwell
leugnet, er will einen Freund von damals, heute ebenfalls ein
angesehener Politiker, nicht verraten. Er bittet den Präsidenten, seine
Nominierung zurückzunehmen. Der Präsident weigert sich, er glaubt
an Leffingwell, die Lüge nimmt er in Kauf.
Die beste Politik, zeigt der Film, ist immer noch ein schmutziges
Geschäft. Politik verlangt mehr als große menschliche Qualitäten,
sagt Preminger, sie verlangt eine Kombination von Idealismus
und Zynismus, und jene, die eine dieser Qualitäten besitzen ohne die
andere, werden versagen. Idealismus und Zynismus vereint, so hat
es auch Steven Spielberg dargestellt in seinem Film Lincoln, der den
großen Präsidenten als Trickser zeigt. Und die Redeschlachten der
Abgeordneten mit all ihren Fetzereien, Grobheiten, Beleidigungen,
die Verletzungen.
Was Preminger, anders als Spielberg, nicht braucht, ist das
Pathos, die Inszenierung ist bei ihm ganz lakonisch und gelassen. Die
Senatoren haben Sinn für elegante Ironie. Brig Anderson, der Ausschussvorsitzende,
erfährt von Leffingwells Lüge, er will, dass die
Nominierung zurückgenommen wird. We have to make the best of
our mistakes, sagt der Präsident zu ihm, das muss Brig böse in den
Ohren klingen. Plötzlich wird er erpresst, von einer radikalen Gruppe
im Senat, die mit allen Mitteln Leffingwell durchsetzen will. In der
Militärzeit, auf Hawaii, hatte Brig einen jungen Mann geliebt, Ray.
Zurück in den USA hat er die Beziehung abgebrochen, hat geheiratet,
ein Kind, die Politik, die Tradition. Er trägt den Vornamen eines der
großen Mormonenführer.
Ray meldet sich aus der Vergangenheit, droht, will Geld. Brig
fliegt nach New York, will ihn aufsuchen. Der Club 602, die Schwulenbar.
Für ein, zwei Minuten verändert sich der Rhythmus des
Films, wird nervös, fiebrig. Eine geschlossene Gesellschaft, zwischen
Aggressivität und Anpassung. Scharf konturiert, also an der Kippe
zur Karikatur – aber hat es das nicht auch bei Todd Haynes gegeben,
in Far From Heaven? Kein Hollywoodianer hätte sich die Gelegenheit
entgehen lassen, ein wenig höllischen Spuk nach Brueghel oder Bosch
zu malen.
Brig schreckt zurück, von oben sieht er in den großen dunklen
Raum, dicht aneinander die Männer. Zwei Scheinwerfer schieben
sich durch den Saal, die Männer sind durchaus bürgerlich, Leinenjackets
oder T-Shirts, mit nicht ungezwungener Lässigkeit. Die Haare
ein wenig länger als gewöhnlich, die Hemdkrägen ein wenig weiter
ausschwingend, die Schatten unter den Augen ein wenig dunkler, die
Augen selbst ein wenig stumpfer. Hinter der Theke ein mephistophelischer
Barkeeper, kommen Sie rein, ruft er, als er Brig sieht, bleiben
Sie nicht stehen. Aus dem Plattenautomaten Frank Sinatra, Let me
hear a voice, a secret voice. A loser’s song.
Das Fremde, das Andere, Preminger zeigt es mit neugieriger
Unbefangenheit. Das Allerletzte, was ihn interessiert, ist Normalität.
Wie bei Shakespeare sind uns die Leute aus dem Volk, die Narren
auch, lieber als die Höflinge und ihre Royals. Vor dem Intermezzo in
der Bar hatte Brig eine verrückte Begegnung mit dem unförmigen
Larry Tucker, der tuntig durch sein Apartment schlappt, wie eine
Puffmutter fast, dem verunsicherten Brig Tee einschenkt, sich ein
paar Scheine auf den Tisch legen lässt, den Tip mit dem Club 602 gibt,
Ray und du, ihr könnt ja dann herkommen, ihr habt ja bezahlt. Ein
Jahr später wird der boshafte naive Larry Tucker Peter Breck heftig
malträtieren in Sam Fullers Melodram aus einer anderen geschlossenen
Gesellschaft, dem Irrenhaus: Shock Corridor.
Was Brig zerstört, schrieb Mark Shivas, im Septemberheft von
„Movie“ 1962, ist, dass er sich als Richter über einen anderen setzen
muss und selbst einen dunklen Punkt in seiner Vergangenheit
hat. Und dass er in sich, bei der Wiederbegegnung mit der anderen
Welt, die alten Impulse wieder spürt. Ein anderes Leben, eine andere
Freiheit. Zu groß für Brig, er wird, nach Washington zurückgekehrt,
Selbstmord begehen.
Brig stürzt aus dem Club auf die Straße, Ray läuft ihm nach, in
weißem T-Shirt. Es ist wie ein ganzes verlorenes, verdrängtes Leben
in ein paar kurzen Einstellungen, lass dir erklären, ich brauchte Geld,
du hast nicht auf meine Anrufe reagiert. Taxi, ruft Brig, heftig winkend.
Er steigt in das Taxi, Ray will ihn fassen, durchs Fenster greift
Brig nach Rays Kopf, schiebt ihn weg, als der Wagen anfährt, und Ray
fällt in die Pfütze im Rinnstein.
Nach seinem Tod sieht man Brigs Frau den Abschiedsbrief an Ray
lesen, den die Erpresser ihr zugeschickt haben. What happened between
us in Hawaii could not have happened but for the war and the
exhaustion and the loneliness.
s
Sturm über Washington
Als Teil der Kollektion
„Otto Preminger – Meisterwerke“
deutsche SF, englische OmU
Auf DVD bei Cine Qua Non,
www.cinequanon.de
36 37

dvd
My Girl Götz
von Oliver Sechting
Im Zuge der deutschen Komödienwelle kam Mitte der 1990er Jahre auch Hermine
Huntgeburths „Das Trio“ in die deutschen Kinos, dessen Schwulenrollenbilder
allerdings nichts mit den Klischees der vorab bewegten Männer zu tun haben. Ihr
Besetzungs-Clou, ausgerechnet den „Lieblings-Macho der Deutschen“ (Berliner
Zeitung) Götz George in den Fummel des schwulen Kleinganoven Zobel zu stecken,
ohne diese Figur auch nur einem Hauch von Lächerlichkeit auszusetzen, ist
erinnerungs- und wiedersehenswürdig. „Das Trio“ erscheint im März erneut auf DVD.
s Ein wunderschönes Beispiel für eine
kurzfristige Flucht aus dem Alltag ist eine
Szene in dem Wohnmobil. Nach dem Liebesspiel
lässt sich Karl (Christian Redl), der
in die Jahre gekommen ist und ein Toupet
trägt, zunächst widerwillig auf Zobels (Götz
George) Bitte darauf ein, sich in sein altes
glamouröses Glitzerkleid zu zwängen. Kaum
steckt er aber im blauen Paillettenfummel
drin, fängt er an, hingebungsvoll und lasziv
zu dem Schnulzen-Klassiker „My Girl“
zu performen, während Zobel entspannt
auf dem Bett liegt und ihm genüsslich dabei
zuschaut. Für ein paar Momente wirkt es
so, als wären die beiden an einem anderen
Ort, in einer anderen Welt, in der alles etwas
leichter und unbeschwerter ist.
Doch kaum ist der Song zu Ende, fällt
Karl wieder ein, dass er eigentlich zu dick für
sein Kleid geworden ist („Du bist nicht fett,
du bist stark!“, Zobel), und schlägt seine Stirn
kummervoll in tiefe müde Falten. Zobel und
Karl sind wieder das alte schwule Paar im
klapprigen Wohnmobil.
Sie stehen, gemeinsam mit Zobels Tochter
Lizzi (Jeanette Hain), im Zentrum des
38
edition Salzgeber
Films, als Kleinkriminelle, die sich buchstäblich
durch die Gegend tricksen und stehlen.
In ihrem charmant heruntergekommenen
Wohnmobil tourt das eingespielte Trio durch
ein Verlierermilieu aus Schaustellern, Preisboxern
und Gaunern, im Volksgedränge und
unter einfachen Menschen immer auf der
Suche nach der nächsten, wenigstens halb
gefüllten Geldbörse.
Zobel, von George auf seine unnachahmliche
Art durch den Film genuschelt, wirkt
auf den ersten Blick wie ein herrischer raubeiniger
Kerl, aber auf den zweiten erkennt
man einen brüchigen, verletzbaren Mann,
dessen Charme immer wieder in seiner Liebe
zu Karl deutlich, durch den gemeinsamen,
tristen Alltag aber regelmäßig eingeholt
wird.
Als der junge Taschendieb Rudolf (Felix
Eitner) plötzlich in das Leben der drei stolpert,
erweckt dieser nicht nur das Interesse
von Lizzi, sondern auch das ihres Vaters. Der
unerwartete Tod von Karl stößt den verzweifelten
Zobel in die Arme von Rudolf, der sich
parallel in eine Affäre mit Lizzi begibt. Als
das heimliche Doppelspiel des schnell überforderten
Rudolf auffliegt, kommt es zum
Eklat zwischen Vater und Tochter und die
eingespielt kumpelhafte Beziehung droht zu
entzweien. Klassische Themen also: Schuld
und Eifersucht, Liebe und Verlust.
Götz George wurde einem breiten Publikum
durch seine TV-Rolle als grober, großmäuliger
Tatort-Kommissar Schimanski
bekannt und avancierte durch diese Rollenprägung
zum deutschen Parade-Darsteller
für Machos und zu einer heterosexuellen
Männer-Ikone einer ganzen Generation. In
Hermine Huntgeburths Film bricht er, wie
schon zuvor in Romuald Karmakers Der Totmacher
(1995), mit dem George als erstzunehmender
Charakterschauspieler wiederentdeckt
wurde, mit diesem Bild und zeichnet
mit seiner einfühlsamen Darstellung einen
markanten und brüchigen schwulen Mann.
George spielt Zobels Widersprüche aus: die
cholerischen und verletzenden Ausfälle, die
immer dann kommen, wenn ihm Situationen
entgleiten, die dahinter aber einen Liebenden
sichtbar machen, der versucht, seinen
engen Kreis mit undiplomatischen Mitteln
zusammenzuhalten und zu schützen. Es ist
dann auch die Liebe, die ihn immer wieder
dazu zwingt, in letzter Konsequenz nicht an
seinen Vorstellungen festzuhalten.
Gespiegelt wird Zobels Ambivalenz
innerhalb des bemerkenswerten Spektrums
des Films durch Jeannette Hains tomboyhafte
Lizzi und Felix Eitners in seinem
Begehren undurchschaubaren Rudolf – beide
Charaktere lassen sich schwer in Schubladen
stecken und wollen zudem gar nicht in das
Bild eines Milieus passen, das von klaren
Geschlechterstereotypen beherrscht scheint.
Im zeitlichen Kontext der späten 90er Jahre
überrascht der Film vor allem dadurch, dass
er nicht an dem starren Bild von Homo- und
Heterosexualität festhält, sondern einen
vielfältigeren Ansatz vermittelt, der am Ende
in einer besonderen Familienzusammenführung
gipfelt. Der Film war rückblickend mit
seiner queeren Themenbesetzung seiner Zeit
voraus und passt mit der DVD-Veröffentlichung
umso mehr in den heutigen Zeitgeist:
als queeres Familienroadmovie, das abseits
der Szene unterwegs ist, und als Film über
Menschen am Rand der Gesellschaft, der für
ein großes Publikum gemacht ist. s
Das Trio
von Hermine Huntgeburth
DE 1997, 97 Minuten, deutsche OF
Auf DVD bei der Edition Salzgeber,
www.salzgeber.de
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DVD-Dschungel gefällig?
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info@buchladen-erlkoenig.de

film-flirt
frisch ausgepackt
Der
Moment
Schriftsteller sehen Filme: Martin Arz
Kaum einer kennt die Geheimnisse,
Abgründe und Irrwege der Stadt
München so gut wie der Künstler, Autor
und Verleger Martin Arz. Seine vor
Lokalkolorit berstenden Kriminalromane,
vor allem die bislang vier Fälle um
den schwulen Kriminalrat Max Pfeffer,
profitieren davon genauso wie seine
„Reiseführer für Münchner“ und sein
Sammelsurium „Absolut München“.
Naheliegend, dass Arz auch als
Reiseführer arbeitet und „München-
Safaris“ anbietet. Für die SISSY verlässt
er die Wahlheimat und begibt sich auf
einen Ausflug ins selbstironische, aber
nicht weniger mörderische Hollywood.
s Es ist der Auftritt aller Auftritte: Die
größte Diva aller Zeiten steht geschminkt
und in großer Robe oben an der Treppe.
Es soll ihr fulminantes Comeback werden.
Die Kamera läuft, alle Nebenpersonen sind
ehrfurchtsvoll erstarrt. Es gibt nur noch
sie! „Ich bin soweit für die Großaufnahme“,
sagt sie. Jeder Schritt die Treppe hinab eine
große Pose. Doch das, worauf der Zuschauer
gemeinsam mit der Diva Norma Desmond
den ganzen Film über hingefiebert hat, findet
nicht statt. Die Kamera fängt keine Großaufnahme
von Normas grotesk verzerrtem
Gesicht ein – das Bild löst sich allmählich
auf. Regisseur Billy Wilder setzt mit diesem
Schluss seinem Film Sunset Boulevard ein
40
würdiges Ende. Denn der ganze Film ist ein
Film im Film und das Ende erinnert daran,
dass es eben nur ein Zelluloidstreifen ist,
der durch den Projektor läuft. Und der große
Auftritt ist gar keiner: Der Regisseur, der
„Action“ ruft, ist nur ihr Butler. Die Kamera
macht Wochenschauaufnahmen. Die Nebenfiguren
sind nicht ehrfurchtsvoll, sondern
peinlich berührt erstarrte Reporter und Polizisten
– denn die wahnsinnumnebelte Diva
schreitet ihrer Verhaftung entgegen.
Wilders Sunset Boulevard aus dem Jahr
1950 war ebenso Erfolg wie Skandal. Vor
allem die mächtigen Filmbosse tobten über
Wilder, diesen Nestbeschmutzer. Nie zuvor
hatte jemand es gewagt, mit Hollywood filmisch
so böse abzurechnen, nie zuvor wurde
der Markt der schönen Lügen so demaskiert.
Der Film ist gespickt mit Zitaten, große Stars
spielen sich selbst, Szenen aus Stummfilmklassikern
werden in die Handlung eingebaut.
Und dann beginnt diese Ohrfeige auch
noch mit einem Toten im Pool, der aus dem
Jenseits seine Geschichte erzählt. Hyperskandal!
So darf man doch einen Film nicht
beginnen.
Doch, man darf. Die Geschichte ist relativ
einfach: Der Tote im Pool ist Joe. Warum
er tot ist, wird in der Rückblende erzählt. Der
junge, erfolglose Schriftsteller Joe landet auf
der Flucht vor Gläubigern in der Villa des
einstigen Stummfilmstars Norma Desmond
(gespielt vom einstigen Stummfilmstar
Gloria Swanson). Norma lebt in dem Wahn,
weiterhin umjubelt zu sein. Ihr Faktotum,
der einst große Stummfilmregisseur Max
von Meyerling (gespielt vom einst großen
Stummfilmregisseur Erich von Stroheim)
schreibt dazu extra fingierte Fanpost. Norma
schaut ständig ihre alten Filme (zu sehen ist
die junge Swanson in Queen Kelly unter der
Regie Erich von Stroheims). In ihrer Bridge-
Runde treffen sich Stummfilmstars, die den
Sprung zum Tonfilm nicht geschafft haben
– darunter Buster Keaton. Norma macht Joe
screenshot: youtube
mit Geld und Geschenken zu ihrem Toy-Boy
und verlangt von ihm, neben Sex, ihr ein
Drehbuch für ein grandioses Comeback zu
schreiben. Joe lässt sich kaufen, obwohl er
ein anderes Mädel liebt. Letztendlich aber
kann Joe Normas Wahn nicht mehr ertragen,
entschließt sich, Schluss zu machen und
besiegelt so sein Schicksal. Norma lebt nur
noch in ihrer Scheinwelt. „Einen Star verlässt
man niemals“, sagt sie, „das ist es, was einen
zum Star macht!“ Und sie erschießt Joe. Zeit
für den ganz großen Auftritt – Hauptsache,
das Make-up sitzt … Inzwischen tausendfach
kopiert, besonders gerne in der Travestie.
Ursprünglich sollte Sunset Boulevard
eine Burleske mit Mae West in der Hauptrolle
werden. Doch weil das Skript immer
ernster wurde, suchte man nach einer anderen
Ex-Diva, Mary Pickford und Pola Negri
sagten ab. Schließlich unterschrieb Gloria
Swanson. Immer wieder hieß es, sie würde
sich selbst spielen, was Unfug ist. Die Swanson
war auch nach Ende des Stummfilms gut
im Geschäft, arbeitete fürs Fernsehen, als
ihr die Norma Desmond angeboten wurde.
Der Film wurde ihr Leinwandcomeback; und
für den damals unbekannten, aber verteufelt
gut aussehenden William Holden alias Joe
der Start einer großen Karriere. Die Rolle
des Joe sollte ursprünglich Montgomery
Clift spielen, damals ein Megastar. Doch der
sprang ab, weil er seinen Fans nicht zumuten
wollte, eine Affäre mit einer mehr als doppelt
so alten Frau vorzuspielen.
s
www.martin-arz.de
www.muenchen-safari.de
Sunset Boulevard
von Billy Wilder
US 1950, 110 Minuten,
deutsche SF + OmU
Auf DVD bei Paramount Home,
www.paramount.de
Das geschenkte Mädchen
von Martin Arz
Roman, 256 Seiten,
Hirschkäfer 2011
Pechwinkel
von Martin Arz
Roman, 224 Seiten,
Hirschkäfer 2011,
www.hirschkaefer-verlag.de
Reine Nervensache
von Martin Arz
Roman, 295 Seiten,
Hirschkäfer 2010
Neu auf DVD
von Sebastian Markt (SM), Jan Künemund (JK) und Paul Schulz (PS)
STURM ÜBER WASHINGTON
US 1962, Regie: Otto Preminger, DVD-Box
„Otto Preminger Meisterwerke“ bei Cine Qua Non
„Brig schreckt zurück,
von oben sieht er in den
großen dunklen Raum,
dicht aneinander die
Männer. Zwei Scheinwerfer
schieben sich durch
den Saal, die Männer sind
durchaus bürgerlich, Leinenjackets
oder T-Shirts,
mit nicht ungezwungener Lässigkeit. Die Haare
ein wenig länger als gewöhnlich, die Hemdkrägen
ein wenig weiter ausschwingend, die
Schatten unter den Augen ein wenig dunkler,
die Augen selbst ein wenig stumpfer. Hinter
der Theke ein mephistophelischer Barkeeper,
kommen Sie rein, ruft er, als er Brig sieht, bleiben
Sie nicht stehen.“ (Seite 34)
Ulrike Ottinger –
Die Nomadin vom See
DE 2012, Regie: Brigitte Kramer, Edition Salzgeber
Ulrike Ottingers im Laufe
von bislang drei Jahrzehnten
entstandene Filme
bilden einen großen
Solitär in der Landschaft
des deutschen Kinos. Brigitte
Kramer, so wie die
Regisseurin in Konstanz
aufgewachsen und zeitweilige
Mitarbeiterin, hat ein Portrait über die
Filmemacherin gestaltet, das sich nicht in Kanonisierung
versucht, sondern einige Tangenten
an Werk und Person legt: Beobachtungen
und Gespräche mit der Künstlerin, Erinnerungen
von Freund_innen, Mitarbeiter_innen und
Wegbegleiter_innen und nicht zuletzt vielsagend
ausgewählte Szenen ihrer Filme. Kramer
versucht dabei weder das Werk aus der Person
zu erklären, noch umgekehrt die Person im
Werk aufzulösen. Ein verregnetes Geburtstagsessen
mit Freunden im Freien; Ottinger beim
Auspacken und Deuten von Geschenken, die
sie von japanischen Protagonist_innen aus Unter
Schnee erhalten hat; Ottinger beim Arrangement
ihrer großen Ausstellung im Haus der
Kulturen der Welt: Die schönsten und eindringlichsten
Bilder, die das Portrait selbst
entwirft, vermitteln eine spezifische Haltung,
oder vielleicht einen Ethos im Umgang mit
Menschen, Dingen und Bildern, der auch in
Ottingers künstlerischem Werk greifbar wird.
Eine Haltung, die sich nicht allein damit begnügt,
die Welt in ihrem Gegebensein zu verzeichnen,
sondern sich zum gestaltenden Dokumentieren
einer Fantasie erweitert.
Dass der Film die Fantasien von vielen Leuten,
die etwas Anderes wollten, beflügelt habe, sagt
sie einmal über den Erfolg ihres dritten Kinofilms
Madame X – Eine absolute Herrscherin.
Dieses Andere zu kartographieren und zu situieren,
hätte ein Anliegen dieses Dokumentarfilms
sein können. Dass er es nicht abschließend
tut, und er deshalb auf die Kenntnis von
Ottingers Arbeiten setzt, ist gleichzeitig seine
große Stärke, als Einladung zum Eintauchen
in einen Kosmos, der die Sehgewohnheiten
aller, die sich darauf einlassen, nicht unverändert
lassen wird.
sm
Man for a day
DE 2012, Regie: Katarina Peters, Edition Salzgeber
„Was klingt wie Selbsterfahrung
mit esoterischem
gegenseitigen Oberarmstreicheln,
ist – aufgrund
des Themas – eher das
Gegenteil: Bei einem
‚Drag King‘-Workshop
von Diane Torr geht es um
Gender-Bewusstwerden
durch handfestes Erleben. ‚Gender is gestures‘,
sagt die US-amerikanische Performancekünstlerin,
die 1948 geboren wurde, in den 70ern
nach New York ging und seit 1989 Gender-Bender-Workshops
anbietet. Die Filmemacherin
Katarina Peters hat einen der einwöchigen
Workshops in Berlin begleitet, hat die Kamera
auf sämtliche Teilnehmerinnen des Experiments
gerichtet und ihre unterschiedlichen
Agenden gefilmt. (…) Dass Peters die Denkanregungen,
die Torr mit ihren Workshops gibt,
in Szene setzt, ohne albern, plakativ oder flach
zu werden – denn die angesprochenen, überspitzten
Verhaltensweisen müssen all das
manchmal sein – ist das Verdienst ihres Dokumentarfilms.
Zudem kommt sie ohne zuviel
Psychologisierungen aus, ohne so augenzwinkernde
wie ärgerliche Frauen-Venus-, Männer-Mars-Schubladen.
In Torrs Fall kann das
Aufzeigen von Unterschieden zwischen männlichen
und weiblichen Verhaltensweisen zu
besserem Verständnis führen. Sogar, wenn der
Kerl, der da gerade vor einem wichtigtuerisch
auf den Zehenspitzen wippt, ein totales Arschloch
ist.“ (Jenni Zylka in SISSY 14)
MEINE FREIHEIT, DEINE FREIHEIT
DE 2011, Regie: Diana Näcke, Edition Salzgeber
Vier Jahre lang hat Diana
Näcke den schwierigen
Weg zweier gefangener
Frauen in die Freiheit mit
der Kamera verfolgt. Immer
wieder war sie alleine
in der „JVA für Frauen“
in Berlin Lichtenberg
und hat für Meine Freiheit,
deine Freiheit so intime Bilder aus einem
Frauenknast gedreht wie kaum jemand zuvor.
Zwangsläufig ist ihr Film auch ein philosophischer
Exkurs zum Thema Freiheit an sich geworden.
„Ich hatte keine Ahnung von Ton und
keine Ahnung von Kamera, geschweige denn
von Szenen-Auflösung. Ich musste einfach
drehen. Und ich wusste, dass viel passieren
wird. Kübra hat mich manchmal nachts angerufen
und gesagt: ‚Jetzt!‘ Und dann musste ich
eben los, egal wann und egal wie. Da kannst
Du nicht noch einen Tonmann oder eine Kamerafrau
anrufen. Und es gab eben kein Geld.
Und wenn man realistisch ist, wer gibt einem
Debüt-Filmemacher ohne Filmschulhintergrund
Geld? Alle Entscheidungen waren aus
heutiger Sicht richtig. Das gedrehte Material
hat dann überzeugt, vor allem die Kraft der
beiden Protagonistinnen und wahrscheinlich
auch meine Dokwütigkeit!“ (Diana Näcke in
SISSY 14)
LIFE IN STILLS
IL/DE 2011, Regie: Tamar Tal, good!movies
In den Jahrzehnten nach
seiner Einwanderung
1936 schuf der Fotograf
Rudi Weissenstein ein
Werk, das zu den umfangreichsten
bildlichen Dokumentationen
der Geschichte
des israelischen
Staates zählt. Ikonischen
Status halten seine Fotografien der Unabhängigkeitserklärung,
aber die Blicke, die Weissenstein
auf eine sich entwickelnde Gesellschaft
warf, erstreckten sich ebenso auf
alltägliche Szenen, Portraits, das sich ständig
wandelnde Gesicht von Stadt und Land im Aufbau.
Den archivalische Niederschlag dieser Arbeit
beherbergt das Pri-Or Photohouse in Tel
Aviv, das Weissensteins Frau Miriam seit seinem
Tod allein weiterführt. In den letzten Jah-
41

frisch ausgepackt
frisch ausgepackt
ren erhielt sie dabei Unterstützung von ihrem
Enkel Ben Peter. Tamar Tals Film, der in erster
Linie ein Portrait der Beziehung dieser beiden
Menschen ist, setzt ein, als der Fotoladen vom
drohenden Abriss des Hauses gefährdet ist.
Der generationelle Abstand zweier konträrer
Temperamente, des sanften, offene Enkels und
der schroffen, wenn auch nicht unherzlichen
Großmutter, macht sich dabei auch in unterschiedlichen
Ideen über die beste Pflege des
fotografischen Erbes bemerkbar, während Miriam
widerwillig damit ringt, sich mit den Realitäten
ihres Alters – sie ist in ihren Neunzigern
– auseinanderzusetzen und Ben Peter, der dabei
ist, mit seinem Lebensgefährten Ofir zusammenzuziehen,
sich bemüht, neben der Arbeit
im Laden und der Pflege seiner Oma noch
Raum für sich zu bewahren. Über all das wirft
zu alledem immer wieder eine private Tragödie
ihre Schatten: Miriam Weissensteins
Tochter, Ben-Peters Mutter, wurde von nach
30 Jahren Ehe von ihrem Mann ermordet, der
sich danach selbst das Leben nahm. Tal montiert
diese Ebenen und die dazugehörigen
Bilderwelten: die dokumentarischen Beobachtung
der Gegenwart von Miriam und Ben Peter,
alte Super-8-Familienfilme und Weissensteins
Archiv der Landesgeschichte in sachter
Kollision zu einem zärtlichen Portrait einer
innigen Amour fou in stürmischen Gewässern
und einer von reichlich sarkastischem Humor
empor gehaltenen Lebensfreude.
sm
Vito
US 2012, Regie: Jeffrey Schwarz, Pro-Fun Media
Mit Vito setzt Regisseur
Jeffrey Schwarz seine Dokumentations-Reihe
über
außergewöhnliche Protagonisten
der queeren Geschichte
fort. Und liefert
ein Standardwerk ab.
Nichts an der Montage
von O-Tönen, Zeitzeugeninterviews
und eigenen Beobachtungen ist neu
oder originell, dafür wird für nicht-heterosexuelle
Filmfans kaum ein Leben so spannend sein
wie das von Vito Russo. Schließlich ist der Autor
von The Celluloid Closet der Vater der queeren
Filmwissenschaften und hat Homos beigebracht,
sich selbst in Filmen auch unter dicken
Schichten von Heteronormativität wiederzufinden.
Zwanzig Jahre lang, bis in seinem letzten
Lebensjahrzehnt der Kampf gegen Aids
wichtiger wurde, schon, weil er sich vielleicht
selbst das Leben retten wollte. Was man hier
lernen kann: Fröhlichkeit an politischer Arbeit,
dass ein intellektueller Geist ohne eine Utopie
vielleicht nichts weiter ist als eine große Vergeudung,
dass der Stolz auf die eigene Person
und das eigene Tun als Vorbild für andere vielleicht
fast so wichtig sind wie das Tun selbst.
Das haben viele, viele andere Queerlinge von
42
Vito Russo gelernt und Schwarz bietet hier Gelegenheit,
diesen Gedanken wieder zu entdecken.
Man sollte das tun.
ps
Yossi
IL 2012, Regie: Eytan Fox, Pro-Fun Media
Zehn Jahre nach der sensationell
erfolgreichen
Soldatenromanze Yossi &
Jagger erzählt Regisseur
Eytan Fox mit seinem
Darsteller Ohad Knoller
Yossis Geschichte weiter
– als Einsamkeits- und
Verpanzerungsstudie.
„Etwas hängt ihm an. Eine unerledigte Liebe,
auch nach dem Tod des Geliebten noch. Das
plakative sexy Grün des Soldatenoveralls ist
nur fadenscheinig ersetzt worden durch den
grünen Ärztekittel und das bis obenhin zugeknöpfte
grüne Ausgeh-Hemd. Für das Online-
Date hängt er ein Foto von früher an, nicht, um
zu täuschen, sondern weil er sich nur als Yossi
von damals erträgt. Schließlich lüftet Fox das
Geheimnis in einem Aktivitätsschub Yossis: Er
besucht die zufällig als Patientin in sein Leben
getretene Mutter von Jagger – zu Hause, das
auch mal Jaggers Zuhause war, noch gibt es
ein unangetastetes Jugendzimmer, mit Gitarre,
Lavalampe, einem Modellpanzer und ganz
vielen Musik-CDs. Dort, vor den Eltern, outet
sich Yossi und outet Yossi den Sohn der beiden
Ahnungslosen, die vor ihm sitzen und ihm
Kekse anbieten. ‚Er wollte, dass Sie das wissen.‘
Aber eigentlich muss er aussprechen, was
ihn lähmt, seit zehn Jahren: dass er damals
erst gar nicht, dann zu spät ‚Ich liebe dich‘ sagte
und nicht weiß, ob der sterbende Freund es
noch gehört hat. Das ist nicht das Problem der
Eltern – es ist das Problem des Gefühlsamputierten
und Herzkranken, und es war schon
vorher da, bevor er Jagger kennen lernte und
wieder verlor. 45 Minuten staut der Film bis
hierher Yossis Selbsthass auf. Und entlädt es in
einem Bild von Palmen, Meer und Wüste – einem
Poster in Jaggers Jugendzimmer, das der
Vater ihm öffnet.“ (JK in SISSY 16)
Skinny
US 2012, Regie: Patrick-Ian Polk, Pro-Fun Media
Skinny ist eine interessante
afro-amerikanische
Variation eines altbekannten
schwulen Themas:
Sex and the City.
Eine Gruppe von Freunden
versucht, während
eines Wochenendes in
New York so viel Freude
und Geschlechtskontakte wie irgend möglich
zu haben und unterhält sich dabei, in auf
Windschnittigkeit getrimmten, hochgradig
ironischen Dialogen, über nichts als Liebe, Sex
und Oberflächlichkeiten. Wer nur auf der Suche
nach Wahrhaftigkeit und einem Sinn im
Leben ist, der sich auf etwas anderes als Konsum
jeder Art reduziert, kann sich das hier
sparen. Alle anderen machen sich vielleicht
einfach eine Flasche Prosecco auf und kichern
fröhlich mit, während auf dem Flachbildschirm
mehr oder weniger nackte Jungs durch
allerlei Absurditäten purzeln und dabei keine
andere Botschaft haben als ihre eigene Schönheit
und die Freude daran. Regisseur und
Drehbuchautor Patrick-Ian Polk stellt hier filmisch
nichts Neues auf die Beine und schreckt
nicht mal davor zurück, seinen Film mit Wilson
Cruz und Darryl Stephens zu garnieren,
hat daran aber, genau wie das willige Publikum,
einen Heidenspaß.
ps
GAYBY
US 2012, Regie: Jonathan Lisecki, Pro-Fun Media
Die Konjunktur der Romantic
Comedy währt ungebrochen
und eine Tendenz
dazu, auch und
gerade im Herzen der Industrie
an den Parametern
der Genrekonventionen
zu schrauben, ist seit
einiger Zeit unübersehbar
und bescherte uns Konstellationen wie die von
gescheitert bleibenden Paaren zu Bromances
zu unerlöst bleibenden Problemheldinnen, die
gegen eine ganze Batterie von Regeln dessen
verstoßen, was einem Mainstream-Publikum
an weiblicher Hauptfigur angeblich zumutbar
ist. Jonathan Liseckis Langfilmdebut Gayby lotet
nun die Genregrenzen in queerer Hinsicht
aus, mit Figuren, die eindeutig einem Independent-Kosmos
entstiegen sind, wobei das Genre-
Territorium andererseits nie aufgegeben wird.
Das Setup bilden als dann Jenn, Yoga Lehrerin
im Lebensabschnitts-Niemandsland, und ihr
bester, schwuler Freund seit Collegetagen:
Matt, der von Jenn in eine Kinderaufzuchtszweckgemeinschaft
rekrutiert wird. Das solchermaßen
anvisierte Gayby, dessen Zeugung
zudem noch au naturelle vonstatten gehen soll,
droht dann freilich mit den durchaus vorhanden
zentrifugalen romantischen und sexuellen
Aspirationen der beiden Hauptfiguren zu kollidieren.
Sein beträchtliches komödiantisches
Potential bezieht der Film dabei daraus, ein
Figuren ensemble gegen eine dramaturgische
Kon stellationen in Stellung zu bringen, wobei
die Naturelle dieser Figuren mit den Konventionen
einer Dramturgie unvereinbar sind, die
Held_innen stets dazu anhält, einen Prozess
der persönlichen Reifung zu durchlaufen. Regisseur
Lisecki gibt in einem Nebenrollenauftritt
Matts Arbeitskollegen und Buddy Nelson.
Dieser ‚feminine bear‘ mit Inseminationsexpertise
ist komödiantischer Kulminationspunkt
wie Bruchstelle eines Kinos, dessen
Motto „Own Your Cliches“ sein könnte. Dennoch,
und gerade deswegen: The Kid will be
allright.
sm
NATE & MARGARET
US 2012, Regie: Nathan Adloff, Edition Salzgeber
Die Witze, die Margaret
erzählt, sind Witze, die einen
Schmerz verdecken
oder, genauer, solche, die,
indem sie erzählt werden,
den Erzähler besser damit
leben lassen. Von Margarets
Geschichte erfahren
wir nur in Ahnungen, von
ihrer Gegenwart erfahren wir mehr: In einem
Apartmenthaus in Chicago lebt sie Tür an Tür
mit Nate. Es ist eine unwahrscheinliche
Freundschaft, die die beiden verbindet: die sarkastische
Margret, Anfang fünfzig und Bedienung
in einem Coffee-Shop, und der schüchterne
Nate, neunzehn, schwul und angehender
Filmemacher. Aus der weltvergessenen Selbstgenügsamkeit
wird ihre Freundschaft gerissen,
als Nate eine Beziehung mit dem extrovertierten
James beginnt, und Margarets
Wünsche nach einer Karriere als Stand-Up-
Komikerin in Erfüllung zu gehen scheinen.
Adloff inszeniert darin eine toll gespielte
(Roseanne-Regular Natalie West und Newcomer
Tyler Ross), an der eigenen Achse gespiegelte
Coming-Of-Age-Geschichte. Margaret,
einsam, aber nach außen gewandt, im Versuch,
einem nicht eben glücklich verlaufenen
Leben späten Sinn und Würde zu verleihen,
Nate, Everybody’s Darling, aber zurückhaltend,
im Versuch herauszufinden, was er vom
Leben erwarten darf. Zwei Figuren, deren
Verbundensein in dem Maß, in dem sie dabei
sind, sich selbst zu entwerfen, einer neuen
Begründung bedarf. Das Außen, gezielt auf
weniger-dimensionale Nebenfiguren reduziert,
gibt dafür die Begrenzung einer Welt,
die auf Rechtfertigung drängt. Der Witz von
Nate & Margaret, dessen Anklänge an Harold
and Maude deutlich sind, von dem er sich aber
auch emanzipiert, erschöpft sich nicht in der
Dopplung von Margarets (auto-)aggressiven
Stand-Up-Scherzen, sondern findet zu seinem
eigenen, zwischen Lakonie und Drama changierenden
Witz. Ein kleiner Film, der es nicht
nötig hat, Ahnungen größerer Ambitionen
zu insinuieren, weil er den Raum, den er sich
schafft, ganz ausfüllt.
sm
Liebesrauschen
P WWW.L-FILMNACHT.DE
FR/CH 2012, Regie: Cyrill Legan, Pascal Latil, Adrienne
Bovet u.a., Pro-Fun Media
Sur le Départ heißt der
wichtigste Grund, sich
diese Sammlung guter
französischer Kurzfilme
anzuschaffen. Michael
Dacheux’ mehrfach ausgezeichnetes
Debüt erzählt
in etwas weniger als
einer Stunde eine Geschichte
über Provinz und Paris, erste Liebe
und den nächsten Schritt, Homos und Heteros.
Seine Protagonisten haben keine Namen, sondern
werden nur über die Instrumente beschrieben,
die sie spielen: Klavier und Klarinette.
Und während es das Klavier nach Paris
zieht, wo „die Dämmerung ein Tor zu tausend
Möglichkeiten“ ist, bleibt die Klarinette dort,
wo die beiden aufgewachsen sind. Über Jahre
lernen die beiden, was sie trennt, aber auch
verbindet, und wo wer welche Melodie spielen
muss, um er selbst zu werden oder zu bleiben.
Ein hinreißendes Gefühlskaleidoskop, das von
zwei jugendlichen Darstellern mehr als adäquat
umgesetzt wird. Sacht und leise, sehr
intensiv, aber nie kitschig. Ergänzt durch drei
weitere kleine Filme, in denen es genauso liebesversessen
zugeht, die ihren Schwerpunkt
aber fleischlicher anlegen, ist Liebesrauschen
der perfekte Ersatz für einen Kurztrip ins
Französische. Sehr gut.
ps
ON THE ROAD
US/BR/FR/UK 2012, Regie: Walter Salles, Concorde Video
„Ein Film, dem alles zum
Stoff geworden ist, nimmt
Anhalter mit: einen Twilight-Star,
der Proust
liest, Sam aus Tron: Legacy,
der Texte von Slim
Gaillard rappt, und Aragorn,
ohne Unterhose, im
Orgon-Akkumulator. Unglaublich
schöne Menschen, Gesichter, Körper.
Landschaften, Autos. Die Straßenbilder
zittern, die Tonspur knistert, Detailaufnahmen
und große Gesten nehmen sich einen
sinnlichen Entwurf vor, für den sich der Ausbruch
lohnt, zumindest ins Kino.“ (Seite 37)
ELLIOT LIEBT DICH
US 2012, Regie: Terracino, Pro-Fun Media
Elliot liebt dich ist deswegen
eine so unbändige
Freude von einem Film,
weil Regisseur und Drehbuchautor
Terracino seine
Indie-Fabel über die Suche
nach der großen Liebe,
bei der einem die eigene
Kindheit immer im
Weg steht, mit großartigen Schauspielern besetzt
hat und die sich die Seele aus dem Leib
spielen. Nicht dumm, erotisch, witzig, sehr an-
A PERFECT ENDING · LIPSTIKKA · ZWEI
MÜTTER · JENSEITS DER MAUERN · I WANT
YOUR LOVE · FREIER FALL
WIR SEHEN UNS IM KINO: AACHEN, AUGSBURG, BERLIN, BREMEN, DARMSTADT,
DRESDEN, FRANKFURT, FREIBURG, HALLE, HAMBURG, HANAU, HANNOVER,
KARLSRUHE, KIEL, MAGDEBURG, MANNHEIM, MARBURG, MÜNCHEN, MÜNSTER,
NÜRNBERG, OLDENBURG, POTSDAM, REGENSBURG, STUTTGART
P WWW.GAY-FILMNACHT.DE

frisch ausgepackt
profil
rührend, mit einer Almodóvar-Mutter (Elena
Goode) vom Allerfeinstem als geliebtem Hassobjekt
– es ist kein Wunder, dass sich das Publikum
auf Festivals rund um den Globus auf den
Film als Favoriten einigen konnte. Und auch
filmisch wird hier von Animationen über
Flashbacks und eine hochintelligente Montage
alles geboten, das Spaß macht, ohne einen Film
zu überfrachten. Wie Terracino es schafft, die
Perspektiven seines 21-jährigen Clubkids in
New York mit der des verträumten neunjährigen
Mamasöhnchens zu verschränken, das der
einmal war, sollte man sich unbedingt ansehen
und vielleicht auch anderen zeigen. ps
LOST IN PARADISE
VN 2011, Regie: Vu Ngoc Dang, Pro-Fun Media
In seinem Bemühen,
schwule Männer als sympathische
Protagonisten
darzustellen, ertränkt Vu
Ngoc Dang sein Junger-
Mann-kommt-nach-Ho-
Chi-Min-Stadt-und-erlebt-jedes-vorstellbareschwule-Klischee-in-unter-anderthalb-Stunden-Werk
fast in Kitsch.
Aber nur fast. Lost in Paradise will alles gleichzeitig
sein: Stricherballade, Komödie, Erotikstreifen,
Aufklärungsfilm für Heterosexuelle,
Kulturstudie, weiß dabei nicht, in welche
Richtung er zuerst kippen soll und bleibt deswegen
einfach aufrecht stehen. Er ist der erste
Film seiner Art aus Vietnam und bekommt einen
dicken Goodwill-Bonus. Und wenn man
ihn als Studie darüber guckt, wo Filmemacher
in anderen Ländern inzwischen beim Thema
Homofilm gelandet sind, kann man hiermit
amüsante 103 Minuten haben.
ps
El sexo de los ángeles –
The Sex of Angels
ES 2012, Regie: Xavier Villaverde, Pro-Fun Media
A (Bruno, Student, zielorientiert)
liebt B (Carla, Studentin
aus gut situiertem
Haus und Fotografin für
ein selbstverwaltetes Uni-
Magazin), und die beiden
leben etwas, das man im
Kontext ihres studentisch-bohemistischen
Milieus
wohl eine erwachsene Beziehung nennen
könnte. Auftritt C (Rai, Street-Breakdancer, aus
marginalisiertem Milieu, Freigeist). A verfällt C
nach Zufallsbekanntschaft, sehr zum Leidwesen
von B, die sich wiederum nach anfänglichem
Schock aus Trotz Cs Reizen aussetzt, wobei
auch aus diesem Spiel schnell Ernst wird.
Rai, der proletarische Breakdancer und Karate-
Lehrer, ist in dieser nicht ganz neuen Menage à
trois ganz Körper, der mit der Kraft der Sehnsüchte,
die er weckt, die domestizierte Beziehung
des studentischen Paares aus den Fugen
geraten lässt. Versuche, das im neuen Verlangen
verlorene Gleichgewicht in allerlei Reglementierungen
wieder herzustellen, scheitern und
zünden die Idee, ob nicht die neue Unordnung
der Geschlechter in Richtung eines größeren
gemeinsamen Glücks zu sortieren wäre. Villaverdes
kräftig-bunte Bilderwelt scheint aus einigen
Erasmus-Arthouse-Hits der letzten Jahre
vertraut, gerade dort, wo er aber in ein unbestimmtes
Offene hinaustreten will, muss der
Film sich allzuoft mit den Selbsterklärungen
seiner Charaktere bescheiden, als dass es ihm
gelänge, dieses Offene Bild werden zu lassen.
Und ein Film, der dezidiert vom Anliegen beseelt
ist, einem Begehren Raum zu schaffen, das
die eingefahrenen Klischees heteronormativen
Zweierbeziehungsglücks aufsprengt, muss sich
die Frage gefallen lassen, warum er dafür einen
ästhetischen Weg wählt, der penibel darauf bedacht
ist, männlich-heterosexuelle Schauwert-
Erwartungen nicht zu enttäuschen. sm
MY WEEK WITH MARILYN
US/UK 2011, Regie: Simon Curtis, Ascot Elite
WHO KILLED MARILYN?
FR 2011, Regie: Gérald Hustache-Mathieu, Koch Media
Ein platinblondes Gespenst
wird gejagt in den
beiden Marilyn-Filmen,
die gerade zu ihrem 50.
Todestag erschienen sind.
Verspielte Annäherungen
an eine Gestalt aus Projektorlicht,
mit schreibstubenfixiertem
Interesse
am Zusammenhang von
Mensch und Rolle, Identität
und Maske am Beispiel
der Kino-Verführerin
schlechthin. Den etwas
gediegeneren Versuch
unternimmt Simon Curtis
mit seiner Erzählung
von den Dreharbeiten zu
Der Prinz und die Tänzerin, bei der Marilyns
Actors-Studio-Hysterie auf klassisch britisches
Theaterschauspiel stößt, vor den Augen eines
Verführten, Verbündeten, Geliebten und Enttäuschten:
Eddie Redmayne spielt den ‚dritten
Regieassistenten‘, der hier seine aufregende
Woche mit Marilyn erlebt und sie – das ist die
eigentliche Männerphantasie dahinter – im
privatesten Moment erlebt und im biblischen
Sinn erkennt. Würde nicht Michelle Williams’
Verkörperung noch eine weitere Geschichte erzählen
über Rätsel und Mimikry, man könnte
den Film auf den blondgefärbten Versuch reduzieren,
an das gute, alte, folgenlose Hollywoodspiel
anzuschließen.
Ganz anders, doch nicht weniger verspielt,
die französische Marilyn-Huldigung, die
gleich ein paar Farbfilter mehr einzieht zwischen
heutiger Kinomagie und historischer
Verführungskraft. Marilyn taucht hier als
Leiche einer Wiedergängerin auf, eines Provinz-Models
für Weichkäse, deren Spiel mit
doppelten Identitäten erst posthum von einem
erfolglosen, mausgrauen Krimischriftsteller
entdeckt wird. Immer mehr Parallelen tun
sich auf zwischen Candice, dem Star des Niemandslands
der französisch-schweizerischen
Grenzregion, und dem, was man über den großen
Hollywoodstar weiß, dessen Weg Candice
dann doch nicht bis zum Ende gehen will. Im
weißen Ödland ist der Hobbykriminalist ihr
auf der vereisten Spur, umworben von Pensionswirtinnen
und muskulösen Nachwuchspolizisten,
wird dabei immer mehr zu ihr,
d.h. zu Marilyn, mit der er sich ins sonnige
Hollywood träumt, „California Dreaming on
such a Winter’s Day“. Eifrig hat das Drehbuch
hier die Referenzen aufgetürmt, den Kartoffelsack,
JFK, Happy Birthday und die Fotoshootings
des Milton Greene – und trotzdem
ein Höchstmaß an Reibung zur französischen
Jetztzeit-Kleinstadt herausgeschlagen, die
aus dem Porträt einer Ungreifbaren ein skurriles
Vergnügen macht.
jk
MAGIC MIKE
US 2012, Regie: Steven Soderbergh, Concorde Video
Das große Vorbild für Magic
Mike war, so haben Regisseur
Steven Soderbergh
und Mastermind und
Hauptdarsteller Channing
Tatum immer wieder
betont, Saturday Night Fever.
Der ja kein wirklich
guter Film ist, wenn man
mal ehrlich ist und 30 Jahre Kult und die Bee-
Gees abzieht. Vielleicht bleibt deswegen auch
von der ungeraden Mischung aus sexualfeindlichem
Sozialdrama und lustvoller Stripper-Posse,
die Magic Mike ist, wenig übrig, wenn man
die Aufregung um fünf nackte Hollywoodstars
und die beste PR-Strategie des Jahres 2012 weg
lässt. Aufregend wird es erst, wenn man die
Stellen überspringt, in denen Cody Horn wie
ein moralinsaures Stück Holz herumläuft und
Soderbergh versucht, die Männerärsche im
Film als Begründung für irgendwas zu benutzen,
und sich nur die 50 Minuten des Films anguckt,
in denen Matthew McConaughey als eitle,
aber alternde Drecksau die beste Vorstellung
seiner bisherigen Karriere abliefert und Channing
Tatum, ohne ein Wort zu sagen, zugibt,
dass er ein mittelmäßig begabtes, aber relativ
gutaussehendes Menschenkind ist, das anderen
mit seinem Körper gern Freude macht. Denn
dann entwickelt man plötzlich eine unbändige
Vorfreude darauf, was Magic Mike 2 in zwei
Jahren werden könnte, wenn er sich traut:
Showgirls mit Jungs.
ps
Nogger dir einen!
von Harald Blaull
„Linkes und Schönes“ so war das Motto des Anderen Buchladens, als er im Oktober 1977 in Mannheim
eröffnet wurde. Er war damals wie heute nicht nur ein Buchladen, sondern eine Anlaufstelle und
Kommunikations-Plattform. Schöne, nicht-heterosexuellen Filme auf DVD gibt es hier natürlich auch längst.
Ein kleines Ladenporträt, vom Chef persönlich
s „Was ist denn an eurem Buchladen so anders?“ Das ist
eine Frage, die mir immer mal wieder gestellt wird. Dass
er anders ist, erkennen dann die FragestellerInnen sehr
schnell, wenn sie sich das Angebot ansehen. Ein großes
Angebot von Büchern über die Nazi-Zeit findet man zum
Beispiel sonst nicht so in den Mannheimer Buchhandlungen.
Ziemlich undogmatisch für einen Linken Buchladen.
Auch, dass man sich von Anfang an an Schwule und
Lesben wandte, war vielen Nicht-Eingeweihten ziemlich
suspekt. Und sowas in der „Provinz“ … Gründer Tommy
Herrwerth hatte es nicht gerade einfach.
So kümmerte sich in den Anfangszeiten nicht nur der
Verfassungsschutz um den Laden, nein, auch die Firma
Langnese beschwerte sich über die Verwendung ihres
Werbespruchs „Nogger dir einen“ in Zusammenhang mit
einem Foto, das einen nackten Mann darstellte. Nebenbei
nahm sich der damalige Eigentümer, der heute noch den
Buchladen sehr prägt, Zeit, um seinem Hobby zu frönen
und drei Bücher zu schreiben, die sich um den Deutschen
Schlager drehten.
Als ich ihn 1999 übernommen habe, gehörte der Andere
Buchladen schon zu den „alt eingesessen“ Geschäften
in Mannheim, aber seine Zielgruppe ist dieselbe geblieben.
Der Buchladen bietet alles, was die „LSBTTIQ“-
Gemeinde so begehrt, nicht nur Bücher, sondern auch eine
große Auswahl an Regenbogenartikeln und DVDs, wobei
sich gerade im DVD-Bereich, der einen immer größeren
Stellenwert einnimmt, doch Einiges getan hat.
Der Buchladen bringt sich aktiv in das Leben der
Community mit ein. Hier trifft sich schon seit Jahren
die Schwul-Lesbische Initiative Mannheim (SchLIMM)
und er ist auch Sitz des CSD Rhein-Neckar; gemeinsam
wollen wir eine Verbesserung unserer Lebenssituation
erreichen. Für mich geht es dabei auch darum, etwas
zurückzugeben: als Schwuler, der auch in der Szene sein
Geld verdient.
Viele KundenInnen danken es auch dadurch, dass
sie ihre Bücher nicht im Internet, sondern bei mir im
Anderen Buchladen kaufen, auch Fachliteratur, die sich
nicht im Buchladen-Sortiment befindet. Dies ist auch
ein Ausdruck der gelebten LSBTTIQ-Familie! Gerade
kleine Buchläden mit eigenem Profil sind Kleinode in den
Innenstädten, die immer mehr von eintönigen Filialisten
geprägt werden.
s
privat / Rentadesigner
44
45

abspann
DVD-Bezugsquellen
Nicht-heterosexuelle DVDs erhalten Sie unter anderem in den folgenden Läden. Die Auswahl
wird laufend ergänzt. Bitte helfen Sie uns dabei!
Berlin b_books Lübbenerstr. 14, 030/6117844 · Bruno’s Bülowstr.
106, 030/61500385 · Saturn Potsdamer Platz Alte Potsdamer Straße 7 ·
Bruno’s Schönhauser Allee 131, 030/61500387 · Dussmann Friedrichstr.
90 · Filmgalerie 451 Torstr. 231, 030/23457911 · Galerie Janssen Pariser
Str. 45, 030/8811590 · KaDeWe Tauentzienstr. 21–24 · Media Markt Alexa
Grunerstr. 20 · Media Markt Neukölln Karl-Marx-Str. 66 · Negativeland
Dunckerstr. 9 · Prinz Eisenherz Buchladen Lietzenburger Str.
9a, 030/3139936 · Saturn alexanderplatz Alexanderplatz 7 · Saturn
Europacenter Tauentzienstr. 9 · Video World Kottbusser Damm 73 · Videodrom
Fürbringer Str. 17 bochum saturn Kortumstr. 72 darmstadt
saturn Ludwigplatz 6 Düsseldorf Bookxxx Bismarckstr. 86,
0211/356750 · Media Markt Friedrichstr. 129–133 · Saturn Königsallee 56
· Saturn Am Wehrhahn 1 Essen Müller Limbecker Str. 59–65 Frankfurt/main
Oscar Wilde Buchhandlung Alte Gasse 51, 069/281260 · Saturn
Zeil 121 Hamburg Buchladen Männerschwarm Lange Reihe
102, 040/436093 · Bruno’s Lange Reihe/Danziger Str. 70, 040/98238081
· Media Markt Paul-Nevermann-Platz 15 Köln Bruno’s Kettengasse
20, 0221/2725637 · Media Markt Hohe Str. 121 · Saturn Hansaring
97 · Saturn Hohe Str. 41–53 leipzig Lehmanns Buchhandlung
Grimmaische Str. 10 · Müller Petersstr. 28 · Saturn Hauptbahnhof
Willy-Brandt-Platz 1 Mannheim Der Andere Buchladen M2 1,
0621/21755 München Bruno’s Thalkirchner Str. 4, 089/97603858
· Lillemor’s Frauenbuchladen Barerstr. 70, 089/2721205 · Saturn
Schwanthalerstr. 115 · Saturn Neuhauser Str. 39 nürnberg Müller
Königstr. 26 Stuttgart Buchladen Erlkönig Nesenbachstr. 52,
0711/639139 trier media markt Ostallee 3–5 Tübingen Frauenbuchladen
Thalestris Bursagasse 2, 07071/26590 Wien Buchhandlung
Löwenherz Berggasse 8, + 43/1/13172982 Würzburg Müller
Dominikanerplatz 4
kinos
Nicht-heterosexuelle Filme können Sie unter anderem in den folgenden Kinos sehen. Die Auswahl
wird laufend ergänzt. Bitte helfen Sie uns dabei!
Aachen Apollo Pontstr. 141, 0241/9008484 aalen Kino am Kocher
Schleifbrückenstr. 15, 07361/5559994 Aschaffenburg Casino filmtheater
Ohmbachsgasse 1, 06021/4510772 Bad Füssing Filmgalerie
Sonnenstr. 4, 08531/980555 bamberg lichtspiel Untere Königstr. 34,
0951/26785 Berlin acud Veteranenstr. 21, 030/44359498 · arsenal
Potsdamer Str. 2, 030/26955100 · Kino International Karl-Marx-Allee 33,
030/24756011 · Xenon Kino Kolonnenstr. 5–6, 030/78001530 · Cinemaxx
Potsdamer Platz Potsdamer Str. 5, 01805/24636299 · eiszeit Zeughofstr.
20, 030/6116016 · FSK am Oranienplatz Segitzdamm 2, 030/6142464 · Tilsiter
Lichtspiele Richard-Sorge-Str. 25a, 030/4268129 · Zukunft Laskerstr.
5, 0176/57861079 bochum Endstation Kino im Bhf. Langendreer
Wallbaumweg 108, 0234/6871620 braunschweig C1 Cinema Lange Str.
60 Bremen city 46 Birkenstr. 1, 0421/44963582 dortmund schauburg
Brückstr. 66, 0231/9565606 · sweetsixteen Immermannstr. 29,
0231/9106623 Dresden Kid – Kino im Dach Schandauer Str. 64,
0351/3107373 · Thalia Görlitzer Str. 6, 0351/6524703 Erlangen Manhattan
Güterhallenstr. 4, 09131/22223 Esslingen Kommunales
Kino Maille 4–9, 0711/31059510 Frankfurt/Main Lesbisch-schwules
Kulturhaus Klingerstr. 6, 069/293045 · Mal Seh’n Adlerflychtstr.
6, 069/5970845 · Orfeos Erben Hamburger Allee 45, 069/70769100
Freiburg Kommunales Kino Urachstr. 40, 0761/709033 · Harmonie
Grünwälderstr. 16–18, 0761/3866510 Göttingen Kino Lumière
Geismar Landstr. 19, 0551/484523 Halle Lux kino am zoo Seebener
Str. 172, 0345/5238631 · Zazie Kleine Ulrichstr. 22, 0345/7792805 Hamburg
Metropolis Kino Kleine Theaterstr. 10, 040/342353 · B-Movie
Brigittenstr. 5, 040/4305867 · 3001 Schanzenstr. 75–77, 040/437679 Hannover
kino im künstlerhaus Sophienstr. 2, 0511/16845522 · Kino
im Sprengel K.-M.-Kilian-Weg 2, 0511/703814 karlsruhe Kinemathek
Karlsruhe Kino im Prinz-Max-Palais Karlstr. 10, 0721/25041 ·
Schauburg Marienstr. 16, 0721/3500018 Kiel Die Pumpe – Kommunales
Kino Haßstr. 22, 0431/2007650 · Traum Kino Grasweg 48,
0431/544450 Köln filmpalette Lübecker Str. 15, 0221/122112 Konstanz
Zebra Kino Joseph-Belli-Weg 5, 07531/60162 Leipzig Passage
Kino Hainstr. 19 a, 0341/2173865 · Schaubühne Lindenfels
Karl-Heine-Str., 0341/4846211 magdeburg Studiokino
Moritzplatz 1, 0391/2564925 Mannheim Cinema Quadrat Collinistr.
5, 0621/1223454 · Cinemaxx N7 17, 01805/625466 Marburg Cineplex
Biegenstr. 1a, 06421/17300 München Neues Arena Filmtheater
Hans-Sachs-Str. 7, 089/2603265 · City Kino Sonnenstr. 12, 089/591983
· CinemaxX Isartorplatz 8, 01805/24636299 Münster Cinema Filmtheater
Warendorfer Str. 45–47, 0251/30300 Nürnberg Kommkino
Königstr. 93, 0911/2448889 Offenburg forum Hauptstr. 111,
0781/4350 Oldenburg Cine K Bahnhofstr. 11, 0441/2489646 Potsdam
Thalia Arthouse Rudolf-Breitscheid-Str. 50, 0331/7437020 Regensburg
Wintergarten Andreasstr. 28, 0941/2980963 Saarbrücken
kino achteinhalb Nauwieser Str. 19, 0681/3908880 · Kino im
Filmhaus Mainzer Str. 8, 0681/372570 Schweinfurt KuK – Kino und
Kneipe Ignaz-Schön-Str. 32, 09721/82358 Stuttgart Cinemaxx an
der Liederhalle Robert-Bosch-Platz 1, 01805/24636299 Trier Broadway
Filmtheater Paulinstr. 18, 0651/96657200 Weiterstadt Kommunales
Kino Carl-Ulrich-Str. 9–11 / Bürgerzentrum, 06150/12185
Impressum
Herausgeber Björn Koll
Verlag
Salzgeber & Co. Medien GmbH
Mehringdamm 33 · 10961 Berlin
Telefon 030 / 285 290 90 · Telefax 030 / 285 290 99
Redaktion Jan Künemund, presse@salzgeber.de
Art Director Johann Peter Werth, werth@salzgeber.de
Autoren Martin Arz, Biru David Binder, Harald Blaull, Vaginal Davis, Gunther
Geltinger, Richard Gersch, Malte Göbel, Fritz Göttler, Andreas Heimann,
Enrico Ippolito, Jan Künemund, Sebastian Markt, Christoph Meyring,
Paul Schulz, Maike Schultz, Oliver Sechting, André Wendler, Tania Witte
Anzeigen Jan Nurja, nurja@salzgeber.de
Es gilt die Anzeigenpreisliste 01/2013 (www.sissymag.de/media).
SISSY erscheint alle drei Monate, jeweils für den Zeitraum Dezember/
Januar/Februar – März/April/Mai – Juni/Juli/August – September/
Oktober/November. Auflage: 20.000 Exemplare (Druckauflage).
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Möller Druck, Berlin
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Buchläden und in den L- und Gay-Filmnacht-Kinos. potsdam
Hochschule für Film und Fernsehen „Konrad Wolf“. berlin BarbieBar,
Deutsche Film- und Fernsehakademie, La Dolce Vita Naturkost. bochum
Orlando. kiel Birdcage. hamburg Café Gnosa, Café unter den Linden,
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Medien. münchen Moro, Kraftakt, Sub e.V. stuttgart Rubens Home,
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Linde e.V.. düsseldorf Café Seitensprung. hannover Café Caldo, Café
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Am Rande der Berlinale: Solidarität für Pola Kinski.
ISSN 1868-4009
daniel Ammann
Tripper und Chlamydien gehören zu den häufigsten sexuell übertragbaren Infektionen (STIs). Betroffen sind vor allem die Harnröhre,
der Enddarm und der Rachen. Im Arsch ist die Infektion aber auch häufig symptomlos. Lass Dich deshalb mindestens einmal im Jahr auf STIs
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»Das neue Traumpaar des deutschen Kinos!«
RBB RADIO EINS
»Die deutsche Antwort auf BROKEBACK MOUNTAIN!«
3SAT
»FREIER FALL beeindruckt mit seiner ausgespielten Körperlichkeit, der gekonnten Beiläufigkeit
der Dialoge und einer vibrierenden Darstellungskraft bis in die Nebenrollen!«
FRANKFURTER ALLGEMEINE ZEITUNG
Ab 23. Mai im Kino