Saisonvorschau 2010/11 - Schauspielhaus ZÃƒÂ¼rich

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Schauspielhaus 

Zürich 

Saison 2010/11 

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80% B C M Y B C M Y 40% 80% B C M Y B C M Y Prinect/FOGRA 4 Dipco 2.0 Format 74 © 2003 FOGRA/Heidelberger Druckmaschinen AG 80% B C M Y B C M Y 40% 80% B C M Y 

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Spielplan Seite 

4 

Gastspiele/Extras Seite 30 

Junges 

Schauspielhaus Seite 38 

Sitzplan Seite 46 

Preise Seite 47 

Abonnements Seite 49 

MitarbeiterInnen Seite 55 

Adressen Seite 59 

Essays/Gespräche Beilage 

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Spielplan 

2010 11

6 7 

Fleisser 

Fegefeuer 

in Ingolstadt 

Regie Barbara Frey 

Ab 16. September 2010 im Pfauen 

Aischylos/ 

Miller 

Tod 

eines Handlungsreisenden 

Regie Stefan Pucher 

Ab 17. September 2010 im Schiffbau/Halle 

Sophokles/ 

Shakespeare 

Viel 

Lärm um nichts 

Regie Karin Henkel 

Ab 30. September 2010 im Pfauen 

Euripides 

Ödipus 

Regie Sebastian Nübling 

Ab Januar 2011 im Schiffbau/Halle 

Dürrenmatt 

Die 

Panne 

Regie Lars-Ole Walburg 

Ab 23. Oktober 2010 im Pfauen 

Gotthelf 

Die 

schwarze Spinne 

Regie Frank Castorf 

Ab 20. Januar 2011 im Pfauen 

Frisch 

Stiller 

Regie Heike M. Goetze 

Ab 10. November 2010 im Schiffbau/Box 

Euripides 

Medea 


Ab Februar 2011 im Pfauen 

Shakespeare 

Der 

Sturm 


Gastspiel im Herbst 2010 im Pfauen 

N.N. 

Ein 

Stück 

Regie Sebastian Baumgarten 

Ab Februar 2011 im Schiffbau/Box 

Tardieu 

Der 

Schalter 

Regie Anca Munteanu Rimnic 

Ab 13. November 2010 im Pfauen/Kammer 

Kleist 

Das 

Käthchen von Heilbronn 

Regie Dušan David Pařízek 

Ab März 2011 im Pfauen 

Grimm 

Dornröschen 

(Theaterstück von Katharina Schlender) 

Regie Philippe Besson 

Ab 20. November 2010 im Pfauen 

Stendhal 

Rot 

und Schwarz 

Regie Hannes Weiler 

Ab März 2011 im Pfauen/Kammer 

Waltz 

Continu 

Regie und Choreographie Sasha Waltz 

Wiederaufnahme vom 25.–27. November 2010 im Schiffbau/Halle 

Tschechow 

Platonow 


Ab April 2011 im Pfauen 

Suter/Eicher 

Geri 

Regie Stefan Bachmann 

Ab 11. Dezember 2010 im Pfauen 

Jonigk 

Täter 

Regie Daniela Löffner 

Ab Mai 2011 im Schiffbau/Box 

Ionesco 

Les 

chaises 

Regie Luc Bondy 

Gastspiel/Série française am 15. und 16. Dezember 2010 im Pfauen 

N.N. 

Ein 

neues Stück 

Regie Mélanie Huber 

Ab Mai 2011 im Pfauen/Kammer 

Poe 

A 

Dream Within a Dream. Ein Edgar Allan Poe-Projekt 


Ab 18. Dezember 2010 im Schiffbau/Box 

Pollesch 

Fahrende 

Frauen (Arbeitstitel) 

Regie René Pollesch 

Ab Mai 2011 im Pfauen 

Saneh/Mroué 

Biokraphia 

Regie Thomas Jonigk 

Ab Januar 2011 im Pfauen/Kammer 

Kaegi/Arias 

Ciudades 

Paralelas/Parallele Städte 

kuratiert von Stefan Kaegi und Lola Arias 

Ab Juni 2011 an verschiedenen Orten in Zürich

8 9 

Fegefeuer inIngolstadt 

von Marieluise Fleisser 


Bühne Bettina Meyer 

Kostüme Bettina Walter 

Die Schülerin Olga Berotter erwartet ein Kind von Peps, der aber in 

Hermine Seitz bereits eine neue Freundin gefunden hat. Olga, von ihrer 

katholischen Klostererziehung geprägt, wird von dem als hässlich und 

übel riechend charakterisierten Mitschüler Roelle verfolgt und gerät immer 

weiter ins Abseits. Roelle giert nach Olga und versucht, sie mit seinem 

Wissen um ihre Schwangerschaft zu erpressen. Als er im religiösen Wahn 

mit Engelserscheinungen prahlt und entlarvt wird, bewirft man ihn mit 

Steinen. So sind Olga und Roelle abwechselnd dem „Fegefeuer“ und den 

Aggressionen ihrer Mitschüler ausgesetzt. Um ihr Aussenseiterdasein zu 

überwinden, diffamieren sie sich gegenseitig. 

Von Orientierungslosigkeit, Vorurteilen und Gruppenzwang geleitete 

Jugendliche und Ministranten, herrschsüchtige Eltern, zwielichtig-kafkaeske 

Gestalten bevölkern Fleissers Ingolstadt, das für jegliche Art von 

kleinstädtischer Unterdrückungsgesellschaft stehen kann. Die provinzielle 

Enge bietet keinen Ausweg – und trotz der omnipräsenten Kirche scheint 

Gott unerreichbar fern. 

Ein Stück „über das Rudelgesetz und die Ausgestossenen“ nannte 

Marieluise Fleisser ihr 1926 uraufgeführtes Werk, das nicht nur von ihrer 

eigenen katholischen Erziehung im Kloster geprägt ist, sondern mindestens 

genauso sehr von ihren Begegnungen mit Lion Feuchtwanger und Bertolt 

Brecht. Mit diesem Erstlingswerk begründete sie, gerade 22-jährig, ihren 

Ruhm als Autorin und wurde nicht zuletzt aufgrund ihrer sprachlichen Kraft 

mit Autoren wie Else Lasker-Schüler, Arnolt Bronnen oder später Ödön von 

Horváth verglichen. Eine ganze Generation von Stückeschreibern (Rainer 

Werner Fassbinder, Peter Turrini, Franz Xaver Kroetz, Martin Sperr) sahen in 

ihr ein literarisches Vorbild und nicht nur Elfriede Jelinek hält sie für die 

„grösste Dramatikerin des 20. Jahrhunderts“. 

Mit „Fegefeuer in Ingolstadt“ – das, wie auch die anderen Stücke von 

Marieluise Fleisser, noch nie am Schauspielhaus Zürich gespielt wurde – 

eröffnet Barbara Frey ihre zweite Saison als Künstlerische Direktorin. In der 

vergangenen Saison waren ihre Inszenierungen von Schillers „Maria Stuart“, 

Marivaux’ „Triumph der Liebe“, Heiner Müllers „Quartett“, Shakespeares 

„Was ihr wollt“, „Trommel mit Mann“ sowie „Malaga“ von Lukas Bärfuss 

zu sehen. 

Premiere am 16. September 2010 im Pfauen 

Todeines Handlungsreisenden 

von Arthur Miller 

Regie Stefan Pucher 

Bühne Stéphane Laimé 

Kostüme Marysol del Castillo 

Video Sebastian Pircher 

Willy Loman, Zeit seines Lebens reisender Handelsvertreter, ist beruflich am 

Ende. Seine Stammkundschaft ist verzogen oder verstorben, die aggressiven 

Verkaufsmethoden der jüngeren Kollegengeneration sind effektiver und 

profitabler als seine und die ständigen Auto-Touren, das Leben auf Achse, 

werden für Loman zu einer unerträglichen Belastung. Auch das 

Familienleben stagniert: Seine erwachsenen Söhne sind faul, antriebs- und 

erfolglos und belügen sich selbst ebenso wie ihr Vater, was den beruflichen 

und privaten Erfolg betrifft. Als ihn der neue Juniorchef feuert, sieht Loman 

seine Existenz vollständig in Frage gestellt. In dieser Sinnkrise scheint ihm 

Selbstmord, als Autounfall getarnt, die einzige Möglichkeit zu sein. 

„Tod eines Handlungsreisenden“ wurde 1949 in New York von Elia Kazan 

uraufgeführt. Die gesellschaftsanalytische Tragödie ist bis heute Millers 

berühmtestes Stück, er erhielt dafür den Pulitzer-Preis. Das Stück wurde 

vielfach adaptiert und verfilmt, unter anderem 1986 von Volker Schlöndorff 

mit Dustin Hoffmann in der Hauptrolle. 

Der Autor erzählt mit realistischen und expressionistischen Mitteln von Willy 

Lomans Scheitern und vom Scheitern des „American Dream“: 

als (Geschäfts-)Mann und als Vater. 

Der 1965 in Giessen geborene Regisseur Stefan Pucher ist dem Zürcher 

Publikum bestens bekannt. Der an den renommiertesten deutschsprachigen 

Theatern arbeitende Künstler war in Zürich unter Christoph Marthaler 

Hausregisseur. Seine in dieser Ära entstandenen Inszenierungen von 

Tschechows „Drei Schwestern“, Shakespeares „Richard III“ und Max Frischs 

„Homo Faber“ wurden zum Berliner Theatertreffen eingeladen, ebenso wie 

seine Inszenierung von William Shakespeares „Der Sturm“ an den Münchner 

Kammerspielen 2008. Am Schauspielhaus Zürich brachte Stefan Pucher 

zuletzt das Projekt „The Iron Curtain Star“ auf die Bühne und inszenierte 

Shakespeares „Der Kaufmann von Venedig“ und „Die Perser“ von Aischylos. 

Premiere am 17. September 2010 im Schiffbau/Halle

10 11 

Viel Lärm um nichts 

von William Shakespeare 

Regie Karin Henkel 

Bühne Muriel Gerstner 

Der Krieg ist aus, es kann geheiratet werden. Bevor aber die füreinander 

bestimmten Paare sich für immer binden dürfen, entspinnt sich eine 

Geschichte, die es in sich hat. Don Juan nämlich, der im Krieg unterlegene 

Befehlshaber, meint sich auf einem anderen Schlachtfeld, dem der Liebe, an 

seinem siegreichen Bruder, dem Prinzen von Aragonien, rächen zu müssen. 

Gar unschön sind die Pläne, die er sich hierfür unterbreiten lässt und für 

deren Durchführung er gut bezahlt: Sein Bruder solle getäuscht werden, der 

Gouverneur getötet, dessen Tochter Hero zugrunde gerichtet und deren 

Brautwerber Claudio gequält. Die öffentliche Blossstellung und (Beinahe-) 

Zugrunderichtung Heros in der Kirche gerät zum Höhepunkt einer Intrige 

unter lädierten Seelen. Erst der glückliche Ausgang der Komödie gibt Anlass 

zum titelgebenden Stossseufzer: „Viel Lärm um nichts.“ 

Berühmter noch als für seine Handlung ist Shakespeares Stück aus dem 

Jahr 1600 allerdings für ein zweites Liebespaar, das um ein Haar keines 

würde: Beatrice und Benedikt, zwei überzeugte Singles, die über ihre 

wechselseitig empfundene Abscheu zueinander finden. 

Der Shakespeareforscher Harold Bloom schreibt zu diesem „hübschesten 

nihilistischen Drama“, Beatrice und Benedikt hielten sich mit der Klinge des 

Witzes die drohende Sinnlosigkeit vom Hals. „Sie machen viel Lärm um 

nichts, weil sie wissen, dass von nichts nichts kommt, und so fangen sie 

immer wieder zu reden an.“ 

Karin Henkel, geboren 1970 in Köln, begann ihre Regielaufbahn 1993 am 

Hessischen Staatstheater Wiesbaden. Am Burgtheater Wien debütierte sie 

1995 mit „Kabale und Liebe“. Es folgten Inszenierungen am Schauspielhaus 

Bochum, am Thalia Theater Hamburg, an der Volksbühne am Rosa- 

Luxemburg-Platz in Berlin und am Schauspiel Leipzig. Ihre Stuttgarter 

Inszenierung von „Platonow“ wurde 2006 zum Berliner Theatertreffen 

eingeladen. Im selben Jahr verlieh ihr die Stadt Leipzig den Caroline-Neuber- 

Preis. Am Schauspielhaus Zürich waren in ihrer Regie „Woyzeck“ (1999), 

„Das weite Land“ (2004) sowie in der vergangenen Spielzeit „Alkestis“ von 

Euripides zu sehen. 

Premiere am 30. September 2010 im Pfauen 

Die Panne 

von Friedrich Dürrenmatt 

Regie Lars-Ole Walburg 

Bühne Robert Schweer 

Kostüme Moritz Müller 

Alfredo Traps hat eine Autopanne. Im Haus eines pensionierten Richters 

findet er Unterschlupf. Auch die übrigen Gäste sind bereits im Ruhestand: 

Staatsanwalt Zorn, Verteidiger Kummer und Henker Pilet. Traps wird zu 

einem festlichen Essen eingeladen, einzige Bedingung: Die greisen Männer 

spielen Abend für Abend ihre alten Berufe, Traps müsse den Angeklagten 

geben. „Ein Verbrechen lässt sich immer finden“, beschwichtigt der 

Staatsanwalt Traps’ Bedenken, der schon nach kurzer Zeit einen Mord 

gesteht, von dem er nichts geahnt hatte... 

„Die Panne“ existiert als Hörspiel, Erzählung, Fernsehspiel und 

Theaterstück. Das Hörspiel entstand 1955 im Auftrag des Bayerischen 

Rundfunks und wurde mit dem Hörspielpreis der Kriegsblinden 

ausgezeichnet. Die gleichnamige Erzählung erschien mit dem Untertitel 

„Eine noch mögliche Geschichte“ im Jahr 1956; der zur Komödie 

umgearbeitete Stoff schliesslich wurde im Comödienhaus Wilhelmsbad/ 

Hanau in der Regie des Autors 1977 uraufgeführt. Unterschiedlich sind bei 

allen vier Versionen die Enden: In der Erzähl- und der Dramenfassung lässt 

Dürrenmatt Traps Selbstmord begehen, im Hör- und Fernsehspiel schüttelt 

der Angeklagte das Erlebte ab und fährt am nächsten Morgen weiter. 

Für Lars-Ole Walburg ist „Die Panne“ die erste Auseinandersetzung mit 

dem Werk Friedrich Dürrenmatts, dessen Todestag sich am 14. Dezember 

2010 zum 20. Mal jährt. Walburg war von 2003 bis 2006 Schauspieldirektor 

am Theater Basel und übernahm 2009 die Intendanz am Schauspiel 

Hannover. Er arbeitete als Regisseur an Theatern wie dem Deutschen 

Schauspielhaus in Hamburg, den Münchner Kammerspielen oder dem 

Burgtheater Wien und stellt sich mit dieser Arbeit dem Zürcher Publikum 

erstmalig vor. 

Premiere am 23. Oktober 2010 im Pfauen

12 13 

Stiller 

nach dem Roman von Max Frisch 

Regie Heike M. Goetze 


Kostüme Inge Gill Klossner 

Der Schalter 

von Jean Tardieu 

Regie und Bühne Anca Munteanu Rimnic 

Kostüme Elisabetta Pian 

Musik Arno Kraehahn 

Bei seiner Einreise in die Schweiz wird der amerikanische Staatsbürger 

Jim White festgenommen. Man meint, in ihm den Schweizer Anatol Ludwig 

Stiller, einen seit sechs Jahren verschollenen Bildhauer, zu erkennen. 

Mit dem Satz „Ich bin nicht Stiller“ leugnet er beharrlich, der Gesuchte zu 

sein. Doch die Menschen, die Stiller vor dessen Verschwinden am besten 

kannten, bestätigen den Verdacht: Stillers Frau Julika, sein Bruder, seine 

ehemalige Geliebte, Freunde und Bekannte identifizieren den 

Festgenommenen. In immer neuen Erzählungen will er der Fixierung 

entgehen, doch unter der Last der Beweise nimmt der Widerstand 

zunehmend ab. White muss Stillers Identität, die seine eigene ist, 

akzeptieren. Damit einher geht der Abschied von alten Rollen: Die 

Überzeugung, sein Leben verfehlt zu haben sowie das Wissen um die 

begrenzende Alltagsrealität liessen Stiller aus seinem alten Leben fliehen 

und sein Glück mit gefälschtem Pass suchen. 

Max Frischs 1954 erschienener Roman stellt den Konflikt mit der eigenen 

Identität ins Zentrum. Die Flucht erweist sich als trügerische Illusion, Stillers 

Sehnsucht nach einem anderen Ich und einem erfüllteren Leben löst sich 

nicht ein. In einer Phase des wirtschaftlichen Aufbruchs erschienen, ist 

dieser Roman –wie Peter von Matt erläutert –auch eine Auseinandersetzung 

mit Vaterstadt und Vaterland des Schriftstellers Frisch. Die Kernthemen von 

„Stiller“ – Identität, Rolle und Ich-Verlust – bleiben auch für seine späteren 

Arbeiten von Bedeutung, wie für die Romane „Mein Name sei Gantenbein“ 

(1964) und „Montauk“ (1975) sowie das Stück „Biedermann und die 

Brandstifter“ (1958). Im Jahr 2011, am 15. Mai, jährt sich zum 100. Mal der 

Geburtstag von Max Frisch. 

Heike M. Goetze, 1978 in Osnabrück geboren, studierte Regie an der 

Zürcher Hochschule der Künste. Für ihre Diplominszenierung von Juli Zehs 

Roman „Spieltrieb“ gewann sie 2008 den Preis der Körber-Stiftung als beste 

Nachwuchsregisseurin. Zuletzt entstanden Inszenierungen am Schauspiel 

Essen („Blick zurück im Zorn“) und am Schauspiel Hannover („Boys Don’t 

Cry“). Am Schauspielhaus Zürich war ihre Inszenierung „Warum läuft Herr 

R. Amok?“ nach dem Film von Rainer Werner Fassbinder zu sehen. 

„Bin ich hier richtig... beim Auskunftsbüro?“, fragt der Kunde. 

„Ja“, entgegnet der Beamte, öffnet geräuschvoll den Schalter und übergibt 

dem Fragenden die Wartenummer 3640. Doch statt einer Auskunft erhält der 

Kunde einen unfreiwilligen Einblick in die kafkaesken Untiefen der Bürokratie, 

des Zugverkehrs und einer durchaus persönlich zu nehmenden 

Schicksalhaftigkeit des Seins. Am Ende stirbt er, der Beamte setzt sich 

wieder an seinen Schreibtisch und vertieft sich zufrieden in seine Papiere. 

Der französische Dichter und Dramatiker Jean Tardieu (1903–1995) schrieb 

dieses absurde Theaterstück 1955, seine deutschsprachige Erstaufführung 

erlebte es 1958 am Theater am Neumarkt Zürich. Tardieu machte nicht nur 

als Verfasser surrealistisch-absurder Lyrik und Einakter, sondern auch als 

Rundfunkpionier auf sich aufmerksam; u.a. fungierte er von 1954 bis 1969 

als Leiter des UKW-Programms „France IV Haute Fidélité“ (später „France 

Musique“). 

Die junge Regisseurin Anca Munteanu Rimnic empfindet eine besondere 

Nähe zum Absurden Theater – sie ist in Rumänien geboren wie Tardieus 

Zeitgenosse Eugène Ionesco und schreibt eigene, absurde Texte, die sie in 

den Kosmos von Tardieu integrieren wird. Als bildende Künstlerin wird sie 

durch renommierte Galerien in den USA und Europa vertreten und feiert in 

den Bereichen Video, Fotografie, Skulptur sowie Performance weltweit 

Erfolge, beispielsweise war sie im Jahr 2009 für den „Audi Art Award for 

New Positions“ der Art Cologne nominiert. Sie arbeitete als Performerin, 

Schauspielerin und Ausstatterin u.a. an der Berliner Volksbühne am 

Rosa-Luxemburg-Platz, auf Kampnagel Hamburg und am Staatstheater 

Wiesbaden. Als Regisseurin im Bereich Musikvideo arbeitete sie u.a. für 

„Die fantastischen Vier“ und „2raumwohnung“. 

Premiere am 13. November 2010 im Pfauen/Kammer 

Premiere am 10. November 2010 im Schiffbau/Box

14 15 

Dornröschen 

oder Das Märchen vom Erwachen 

von Katharina Schlender nach 

den Brüdern Grimm 

Schweizerische Erstaufführung 

Regie Philippe Besson 

Bühne und Kostüme Henrike Engel 

Zwölf Feen laden der König und die Königin zur Feier der Geburt ihrer 

Tochter ein – für die dreizehnte fehlt es leider an Geschirr. 

Als diese von ihrer Ausladung Wind bekommt, verflucht sie das Königshaus: 

Das Kind solle eines Tages an einer Spindel sterben. Und obwohl der König 

daraufhin alle Spindeln verbrennen lässt, ist das Unglück nicht aufzuhalten. 

Dornröschen entdeckt im Turmzimmer eine letzte Spindel, sticht sich und 

fällt samt Schlossbesatzung in einen Jahrhundertschlaf. Rosen, Hecken 

und Dornen überwuchern das Schloss. Erst hundert Jahre später lockern sie 

ihren Griff und geben die Prinzessin frei für den schönsten Kuss der 

Märchenwelt… 

Katharina Schlender hat eines der bekanntesten Märchen der Welt auf 

originelle Weise modernisiert und ihm zugleich seinen verwunschenen 

Märchencharakter gelassen. Ein listiges Feenduo spinnt hier die Geschichte 

voran, die Königin denkt übers Älterwerden nach, dem Koch wachsen seine 

Aufgaben über den Kopf und sein Sohn Martin bandelt mit Dornröschen an. 

Als der adlige Erlöser kommt, ist der geschäftstüchtige König hoch erfreut, 

aber Dornröschen hat ihre Kindheitsliebe nicht vergessen. 

Die Autorin studierte „Szenisches Schreiben“ an der Hochschule der Künste 

in Berlin. 2001 bekam sie den Kleist-Förderpreis für junge Dramatik, 

2003 den Autorenpreis des Heidelberger Stückemaktes für ihr Stück 

„Wermut“ und 2004 wurde ihr Stück „Sommer Lieben“ für den Deutschen 

Jugendtheaterpreis nominiert. 

Philippe Besson begann 1986 seine Theaterlaufbahn als Regieassistent am 

Schauspielhaus Zürich. Er war Oberspielleiter am Ulmer Theater, arbeitete 

als freier Regisseur, bis er von 1999 bis 2007 die Leitung der Kinder- und 

Jugendtheatersparte am Hans Otto Theater in Potsdam übernahm. Seine 

Inszenierung „Wir alle für immer zusammen” wurde für den Deutschen 

Kindertheaterpreis 2008 und den Theaterpreis „Der Faust“ 2007 nominiert. 

Seit der Spielzeit 2009/10 ist er Oberspielleiter am Theater Junge 

Generation Dresden. Auch am Schauspielhaus Zürich ist Philippe Besson 

bereits als Regisseur in Erscheinung getreten: 1998 inszenierte er im 

Schauspielhaus-Keller eine eigene „Pinocchio“-Fassung. 

Premiere am 20. November 2010 im Pfauen 

Ab 6 Jahren 

Geri 

Singspiel von 

Martin Suter &Stephan Eicher 

Uraufführung 

Regie Stefan Bachmann 

Bühne Hugo Gretler 

Kostüme Esther Geremus 

Musikalische Leitung 

Stephan Eicher &Reyn Ouwehand 

„Was dörfs sii? Die schwerschti Frag im Läbe!“ Bloody Mary oder Cüpli? 

Red Bull Rum oder doch einen einfachen Campari Soda? Entsetzlicherweise 

beschränken sich die Entscheidungen im Limbo nicht nur auf die 

Getränkekarte, sondern sind auch zu treffen, wenn es um die richtige 

Begrüssung, politische Einstellung oder die nächste Freundin geht. 

Gemeinsam mit den anderen ebenso trendbewussten Stammgästen – Susi 

Schläfli, Trendbarometer Robi Meili oder Carl Schnell – geht Geri durch alle 

Hochs und Tiefs, die Freunden (und bisweilen auch Konkurrenten) zustossen 

können. Bis eines Tages Aira in sein Leben tritt… 

Die Geschichten von Geri Weibel, der mit allen Mitteln versucht, mit dem 

alltäglichen Wahnsinn mitzuhalten und dabei kaum ein Fettnäpfchen 

auslässt, entstanden in einer mehrjährigen Folge von Kolumnen, die Martin 

Suter für das NZZ Folio schrieb und die nicht nur in Zürich Kultstatus 

erlangten. Nun macht Geri den Schritt auf die Pfauenbühne – als 

schweizerdeutsches Ensemble-Singspiel mit einem liebevoll kritischen Blick 

auf Geris Heimatstadt. 

Der Zürcher Schriftsteller, Kolumnist und Drehbuchautor Martin Suter 

arbeitete als Werbetexter und Creative Director, bevor er sich ausschliesslich 

fürs Schreiben entschied. Seine Romane – zuletzt erschien „Der Koch“ – 

sind internationale Bestseller. Mit Stephan Eicher verbindet ihn eine 

produktive Arbeitsverbindung – für viele der wunderbar melancholischen und 

poetischen Songs von Eicher schrieb Suter die Texte. Stephan Eicher, 

aufgewachsen in Münchenbuchsee bei Bern, gehört seit den achtziger 

Jahren zu den herausragenden und erfolgreichsten Musikern insbesondere in 

der Schweiz und in Frankreich. Er hat eine Vielzahl an Alben veröffentlicht – 

zuletzt „Eldorado“ (2007). Regisseur Stefan Bachmann, 1966 in Zürich 

geboren, inszeniert seit Jahren an den grossen Bühnen des 

deutschsprachigen Raums. Zur Zeit ist er fester Regisseur am Wiener 

Burgtheater, wo er u.a. Alfred de Mussets „Lorenzaccio“ auf die Bühne 

brachte. Am Schauspielhaus Zürich inszenierte er in der vergangenen Saison 

„Martin Salander“ von Thomas Jonigk nach dem Roman von Gottfried Keller. 

Premiere am 11. Dezember 2010 im Pfauen

16 17 

ADream Within aDream 

Ein Edgar Allan Poe-Projekt 

Uraufführung 


Raum und Kostüme Penelope Wehrli 

Musik Fritz Hauser 

Biokraphia 

von Lina Saneh &Rabih Mroué 

Deutschsprachige Erstaufführung 

Regie Thomas Jonigk 

Bühne und Kostüme Ricarda Beilharz 

Video Andi A. Müller 

Die Arabesken und Grotesken, wie der amerikanische Dichter Edgar Allan 

Poe (1808–1849) seine Erzählungen nannte, gehören zum festen Kanon der 

Literatur. Seine abgründigen Welten haben die Literatur, den Film und die 

bildende Kunst beeinflusst, sowohl in der populären als auch in der 

Hochkultur. Poe hat den modernen Detektivroman erfunden, seine 

traumverlorenen, pittoresken Welten haben den Symbolisten und 

Surrealisten den Weg gewiesen. Als Dichter setzte er seine Mittel höchst 

bewusst ein. Die Instrumente, mit denen er die Spannung in seinen 

Geschichten aufbaute, führte er mit hoher Präzision und ordnete alles dem 

Ziel unter, den grösstmöglichen Effekt auf den Leser zu erzeugen. Was der 

Künstler so meisterlich beherrschte, ging dem Menschen Poe allerdings 

verloren. Er taumelte von Katastrophe zu Katastrophe, magisch angezogen 

von jenen Abgründen, die er so kunstvoll in seinen Texten beschrieb, 

der erste „poète maudit“. Diese Spannung zwischen Macht und Ohnmacht, 

zwischen Kontrolle und Hingabe ist der Ausgangspunkt für einen 

multimedialen Theaterabend. 

Die Regisseurin und Schauspielhaus-Intendantin Barbara Frey hat sich 

früh und immer wieder für literarische Grenzgänger und theatrale 

Überschreitungen interessiert. Selbst gelernte Schlagzeugerin, sind ihre 

Inszenierungen stets von einer hohen Musikalität geprägt. Mit dem 

Schlagzeuger Fritz Hauser verbindet sie eine langjährige Zusammenarbeit. 

So war in der letzten Spielzeit Fritz Hausers Schlagzeugsolo „Trommel 

mit Mann“ in ihrer Regie zu sehen. 

Premiere am 18. Dezember 2010 im Schiffbau/Box 

Ein Mann. Eine Frau. Sie ist Künstlerin, Theaterschauspielerin und 

Performerin, er ihr Interviewer. Aus einem zunächst rein informativen, 

öffentlichen Dialog über ihre Biografie sowie ihr künstlerisches und 

politisches Wirken entwickelt sich eine zunehmend beklemmende 

Gesprächssituation, in der Gegensatzpaare zu Feinden werden: Mann und 

Frau, Kunst und Kommerz, Individuum und Zensur. Die Künstlerin wird mehr 

und mehr in die Defensive getrieben, ihre Autonomie, ihre Individualität, ihre 

Existenzberechtigung als Theaterschaffende und als Frau wird auf immer 

surrealere Weise in Frage gestellt. Ein spannendes Stück über das 

Unheimliche, in dem der Mensch einen vollständigen Wahrnehmungs- und 

Kontrollverlust erleidet, da sich ihm die Werkzeuge von Logik, Kausalität und 

Diskurs immer mehr entziehen. 

Lina Saneh und Rabih Mroué, 1966 bzw. 1967 im Libanon geboren, sind 

Autoren, Performer, Videokünstler und oft auch ihre eigenen Darsteller: so 

auch bei der Uraufführung von „Biokraphia“ in Beirut, die Mroué inszenierte. 

In Frankreich sind sie bereits gefeierte Theaterkünstler, nun wird zum ersten 

Mal einer ihrer Texte in deutscher Sprache aufgeführt. Ihre Arbeiten 

beschäftigen sich nicht vorrangig mit dem Islam – ein Thema, auf das das 

Abendland Kunst aus dem arabischen Kulturkreis zur Zeit gerne reduziert. 

Thomas Jonigk arbeitet neben seiner Tätigkeit als Autor immer wieder als 

Regisseur. Er inszenierte sowohl eigene Texte wie „Rottweiler“ an der 

Berliner Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, „Liebe Kannibalen Godard“ 

am Luzerner Theater oder das Dramolett „Ach, da bist du ja!“ am 

Düsseldorfer Schauspielhaus als auch Theaterstücke anderer Autoren, u.a. 

„Ich leckte das Deodorant einer Nutte“ von Jim Cartwright oder „Bestien im 

Frühling“ von Monika Helfer am Schauspielhaus Wien. Mit „Biokraphia“ stellt 

sich Jonigk, der seit Beginn der Intendanz von Barbara Frey als Autor und 

Dramaturg am Schauspielhaus Zürich tätig ist, dem hiesigen Publikum 

erstmals als Regisseur vor. 

Premiere im Januar 2011 im Pfauen/Kammer

18 19 

Ödipus 

Ein Projekt nach Aischylos, Sophokles 

und Euripides 

Regie Sebastian Nübling 

Bühne und Kostüme Muriel Gerstner 

Musik Lars Wittershagen 

„Oedipus, der Sohn des Laïos, Königs von Theben und der Iokaste, wird als 

Säugling ausgesetzt, weil ein Orakel dem Vater verkündet hatte, der noch 

ungeborene Sohn werde sein Mörder sein. Er wird gerettet und wächst als 

Königssohn an einem fremden Hofe auf, bis er, seiner Herkunft unsicher, 

selbst das Orakel befragt und von ihm den Rat erhält, die Heimat zu meiden, 

weil er der Mörder seines Vaters und der Ehegemahl seiner Mutter werden 

müsste.“ So beschreibt Sigmund Freud den Ausgangspunkt eines der 

bekanntesten Mythen der abendländischen Kultur und bereitet seine 

bahnbrechende Theorie vom Ödipus-Komplex vor. „Wo findet sich die 

schwer erkennbar dunkle Spur der alten Schuld?“ fragt Freud mit Sophokles. 

Denn Ödipus muss, nach zehn Jahren friedlicher Regentschaft in Theben, 

unwissend sich selbst als Mörder des Laios suchen. 

Der Ödipus-Mythos erzählt von der Unterwerfung des Menschen unter das 

Lustprinzip, von den Trieben des Vatermords und Inzests, von der Gier nach 

der Macht und dem unbedingten Willen, für die eigenen Überzeugungen in 

den Tod zu gehen, und stellt damit Fragen nach dem Wesen des Menschen, 

den Grenzen menschlicher Selbstbestimmung und den Möglichkeiten eines 

gesellschaftlichen Miteinanders. Sebastian Nübling erzählt die Geschichte 

von Ödipus und seinem Geschlecht neu und von ihren Anfängen bei Laios 

und Iokaste bis hin zu den Schicksalen seiner Kinder Polyneikes, Eteokles, 

Antigone und Ismene und greift dafür auf weitere antike Tragödien zurück: 

Aischylos’ „Sieben gegen Theben“, Sophokles’ „Antigone“ und „Ödipus auf 

Kolonos“ sowie Euripides’ „Die Phönizierinnen“. 

Sebastian Nübling wurde 1960 in Lörrach geboren und studierte 

Kulturwissenschaften und angewandte ästhetische Praxis in Hildesheim. 

In den letzten Jahren inszenierte er vor allem am Theater Basel, an den 

Münchner Kammerspielen und am Deutschen Schauspielhaus in Hamburg. 

Nach seiner Inszenierung von Gogols „Der Revisor“ (2009) setzt er seine 

Arbeit am Schauspielhaus Zürich nun fort. Seine Arbeiten, die meist in 

Zusammenarbeit mit der Bühnenbildnerin Muriel Gerstner und dem Musiker 

Lars Wittershagen entstehen, wurden mehrfach mit Preisen ausgezeichnet 

und zum Berliner Theatertreffen eingeladen. 

Premiere im Januar 2011 im Schiffbau/Halle 

Die schwarze Spinne 

nach der Novelle von Jeremias Gotthelf 

Regie Frank Castorf 

Bühne Hartmut Meyer 

Kostüme Joki Tewes &Jana Findeklee 

„Über die Berge hob sich die Sonne, leuchtete in klarer Majestät in ein 

freundliches, aber enges Tal und weckte zu fröhlichem Leben die Geschöpfe, 

die geschaffen sind, an der Sonne ihres Lebens sich zu freuen.“ Jeremias 

Gotthelfs Novelle von 1842 beginnt mit einem biedermeierlichen Idyll, einem 

sonntäglichen Tauffest in einem reichen Emmentaler Bauernhof. Doch führt 

eine harmlos gestellte Frage nach der Beschaffenheit eines schwarzen 

Fensterpfostens tief hinein ins finsterste Mittelalter und in eine vom Teufel 

regierte Welt, wohl auch in die Abgründe des menschlichen Wesens. In 

dieser von Gotthelf heraufbeschworenen Welt müssen die Bauern harte 

Fronarbeit für fremde Herren verrichten. Der (deutsche) Ritter Hans von 

Stoffeln verbreitet auf seiner Burg Angst und Schrecken. Und als dessen 

Anforderungen ins Unermessliche steigen, wagt Christine, eine als wild und 

gottlos beschriebene Frau, den Pakt mit dem Teufel, dem „Grünen“. Ihr 

Teufelskuss bringt für die Talbewohner vorübergehend Entlastung, auf lange 

Sicht aber wird der Schrecken zur Apokalypse. Christine wächst an der 

Kussstelle ein schwarzes, spinnengleiches Zeichen, bald wird sie selbst zur 

Spinne, die mordlüstern Menschen anfällt. Besiegt wird sie erst durch eine 

gottesfürchtige Mutter, die unter Einsatz ihres Lebens die Spinne in eben 

jenem Fensterpfosten einlocht, bei dem die Geschichte ihren Ausgang 

nahm. Aber auch dieser Sieg über das Böse ist nur vorübergehend… 

Jeremias Gotthelf (1797–1854) hat mit „Die schwarze Spinne“ eine der 

literarisch einflussreichsten Erzählungen der Schweiz geschaffen. Sowohl auf 

der allegorischen als auch auf der sozialen Ebene wird das Bild eines latent 

gefährdeten Friedens gezeichnet. Das Kollektiv scheint einem Teufelskreis 

von Sorge um sich selbst und Verantwortung für den anderen unterworfen. 

Ihre Sprachkraft hebt die Geschichte weit über eine Moralverkündigung 

hinaus. 

Frank Castorf, geboren in Ost-Berlin und seit bald 20 Jahren Intendant der 

Berliner Volksbühne, ist als Bearbeiter von Prosa für die Bühne eine Instanz. 

Er inszenierte die grossen Romane Fjodor Dostojewskis, ausserdem Werke 

von Michail Bulgakow, Louis-Ferdinand Céline und Alfred Döblin („Berlin 

Alexanderplatz“, Premiere 2001 in der Schiffbau-Halle). 2010 gab er sein 

Schweiz-Comeback mit „Der Hofmeister“ von Jakob Michael Reinhold Lenz. 

Premiere am 20. Januar 2011 im Pfauen

20 21 

Medea 

von Euripides 



Kostüme Gesine Völlm 

Viel hat Medea getan und auf sich genommen, um mit dem Abenteurer 

Jason in Griechenland, fern ihrer Heimat Kolchis am Schwarzen Meer, ein 

neues Leben beginnen zu können: Sie hat ihm geholfen, das „Goldene Vlies“ 

zu erobern, hat mit ihrer Familie gebrochen und sogar ihren Bruder töten 

lassen, damit die Flucht mit Jason gelingen konnte. Zehn Jahre später 

empfindet Medea nur noch Enttäuschung und Wut. In Korinth, wo sie mit 

Jason und den beiden Kindern lebt, ist sie eine Fremde, Rechte werden ihr 

verweigert. Nun will Jason sie auch noch verlassen und die junge Tochter 

des Königs heiraten – als Schutzmassnahme für Medea und die Kinder, wie 

er sich zu rechtfertigen versucht. 

Dass Medea bei ihrem Rachefeldzug nicht nur die von Jason auserwählte 

neue Braut in Flammen aufgehen lässt, sondern auch die eigenen Kinder 

tötet, ist eine Erfindung des Dichters Euripides, der seine Tragödie 431 v.Chr. 

der Athener Öffentlichkeit vorstellte. Seitdem ist der Kindsmord Bestandteil 

des Medea-Mythos, der von zahlreichen Autoren wie Seneca, Corneille, 

Grillparzer, Anouilh, Christa Wolf oder Heiner Müller bearbeitet wurde. Wie 

eine Frau zum Mord an den eigenen Kindern getrieben werden kann und 

welche Konstruktionen von Weiblichkeit durch den Kindsmord enthüllt und 

problematisiert werden, sind Fragen, die bis heute zu immer neuen 

Deutungen anregen. 

Barbara Frey inszenierte das Stück ursprünglich am Deutschen Theater 

Berlin, zum ersten Mal in der wörtlich konkreten Neuübersetzung von Hubert 

Ortkemper. Die Titelrolle verkörpert Nina Hoss, die für diese Darstellung mit 

dem wichtigsten deutschen Schauspielerpreis, dem Gertrud Eysoldt-Ring, 

ausgezeichnet wurde (dem Zürcher Publikum stellte sich Nina Hoss in der 

vergangenen Spielzeit als Viola in „Was ihr wollt“ vor); ihren Gatten Jason 

spielt Michael Neuenschwander, neu im Ensemble des Zürcher 

Schauspielhauses. Nach mehr als 50 ausverkauften Vorstellungen in Berlin 

wird die Aufführung nun ins Repertoire des Schauspielhauses Zürich 

übernommen. 

Premiere im Februar 2011 im Pfauen 

Übernahme vom Deutschen Theater Berlin 

Eine Inszenierung von 

Sebastian Baumgarten 

Bühne Thilo Reuther 

Kostüme Tabea Braun 

Seit etlichen Jahren ist Sebastian Baumgarten als Grenzgänger zwischen den 

grossen Schauspiel- und auch Opernhäusern unterwegs. Geboren 1969 in 

Ostberlin, studierte er Opernregie an der Hochschule für Musik „Hanns 

Eisler“ in Berlin und war Assistent von Ruth Berghaus und Robert Wilson 

sowie Mitarbeiter von Einar Schleef. Von 1999 bis 2002 war er 

Oberspielleiter für Musiktheater in Kassel und von 2003 bis 2005 

Chefregisseur des Meininger Theaters. Für seine Inszenierung von Händels 

„Orest“ an der Komischen Oper Berlin wurde er 2006 zum Opernregisseur 

des Jahres gewählt. Zu seinen Inszenierungen der letzten Jahre gehörten 

überwiegend Arbeiten am Sprechtheater und spartenübergreifende 

Inszenierungen, am HAU Berlin, am Schauspiel Köln, am Düsseldorfer 

Schauspielhaus (u.a. „Die schmutzigen Hände“ 2006 und „Der Meister und 

Margarita“ 2008), am Schauspiel Hannover („Faust“ 2007), an der 

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz Berlin und am Schauspiel Frankfurt/ 

Maxim Gorki Theater („Der Fremde“ 2008). Zuletzt inszenierte er 

„Der goldne Topf“ nach E.T.A. Hoffmann am Staatsschauspiel Dresden 

sowie „Dantons Tod“ von Georg Büchner am Maxim Gorki Theater in Berlin. 

Sebastian Baumgartens Inszenierungen, denen oft ein projekthafter Zugang 

zu den jeweiligen Stoffen zugrunde liegt, thematisieren politische, 

philosophische und kulturtheoretische Fragestellungen – und versuchen auch 

die historischen Stoffe aus einer heutigen Sicht zu untersuchen und 

weiterzudenken. Mit seiner Inszenierung in der Box im Schiffbau führt 

Sebastian Baumgarten zum ersten Mal am Schauspielhaus Zürich Regie. 

Premiere im Februar 2011 im Schiffbau/Box

22 23 

Das Käthchen von Heilbronn 

von Heinrich von Kleist 

Regie und Bühne Dušan David Pařízek 

Kostüme Kamila Polívková 

Musik Roman Zach 

Rot und Schwarz 

nach dem Roman von Stendhal 

Regie Hannes Weiler 

Bühne Georg Keller 

Kostüme Nina Sophie Wechsler 

Kleist nennt sein Stück im Untertitel „Ein grosses historisches 

Ritterschauspiel“ und das ist nicht zu viel versprochen: „Das Käthchen von 

Heilbronn oder Die Feuerprobe“ ist an Dramatik wie an Romantik kaum 

zu überbieten. Ein 16-jähriges Mädchen, Tochter eines schwäbischen 

Waffenschmieds, erkennt in einem zufälligen Laufkunden ihres Vaters den 

Mann, für den es sich lohnt, von jetzt auf gleich alles hinzuwerfen. 

Wie der Blitz schlägt der Graf Wetter vom Strahl in ihrem Leben ein und 

fortan folgt sie ihm auf Schritt und Tritt, nicht einmal seine Peitschenhiebe 

bringen sie davon ab. Der Graf aber steht bald zwischen zwei Frauen: 

Die standesgemässe Partnerin Kunigunde von Thurneck arbeitet auf eine 

baldige Vermählung hin, während Käthchen nichts ausser der Gewissheit 

und dem (Gott-)Vertrauen auf ihrer Seite weiss. Auf diese Weise besteht 

Käthchen sogar die von der eifersüchtigen Kunigunde angezettelte 

„Feuerprobe“… 

Um seiner Kusine das Werk anzupreisen, verglich Heinrich von Kleist seine 

Titelheldin mit der männermordenden Amazone Penthesilea, deren 

„Kehrseite“ und „anderer Pol“ Käthchen sei: „ein Wesen, das eben so 

mächtig ist durch gänzliche Hingebung wie jene durch Handeln.“ Kein 

Zweifel, dass sich Kleist mit beiden leidenschaftlichen Frauengestalten im 

Innersten identifizierte. Sein Traumtheater spielt im Kopf und in der Seele 

und überforderte die Theatermittel seiner Epoche – zeitlebens brachten es 

nur „Die Familie Schroffenstein“, „Der zerbrochne Krug“ und, 1810 im 

Theater an der Wien uraufgeführt, „Das Käthchen von Heilbronn“ auf die 

Bühne. 1811, erst 34-jährig, tötete Kleist sich und seine Seelenfreundin 

Henriette Vogel am Berliner Wannsee. Die Zürcher Neuinszenierung des 

„Käthchens“ fällt in das 200. Todesjahr eines Dichters, dessen Unruhe und 

Unbedingtheit uns ungebrochen beschäftigen. 

Dušan David Pařízek, aus Prag stammender Theaterleiter und Regisseur, hat 

sich dem Zürcher Publikum 2010 mit einer Theateradaption von Agota 

Kristofs Roman „Gestern“ vorgestellt. Parallel zu seiner zeitgenössischen 

Theaterarbeit am „Prager Kammertheater“ (in Tschechien 2010 als „Theater 

des Jahres“ ausgezeichnet) begleitet ihn das Werk von Kleist: Am 

Staatsschauspiel Dresden inszenierte er „Prinz Friedrich von Homburg“, am 

Deutschen Schauspielhaus in Hamburg „Die Hermannsschlacht“. 

Es ist seine niedere Herkunft, der Julien Sorel zu entrinnen sucht. 

In der französischen Gesellschaft der nachnapoleonischen Restaurationszeit 

hat der schwächliche Sohn eines Zimmermanns ohne Schulbildung denkbar 

schlechte Karten im Kampf um Anerkennung und soziale Position. Für alle 

körperlichen Arbeiten ungeeignet, ist er dem Spott und der Misshandlung 

seiner Familie ausgesetzt. Doch sein wacher Verstand, sein unbändiger 

Ehrgeiz und der Zorn eines Gedemütigten helfen dem hübschen jungen 

Mann, der Provinz zu entkommen. Rot und Schwarz – das sind die Farben 

der Republik bzw. der Geistlichkeit. Beide Anschauungen bringt Julien, 

solange es der Karriere dient, unter einen Hut. Gezwungen, seine Verehrung 

für Napoleon zu verheimlichen, lernt Julien schon früh die Kunst der 

Verstellung. Anfangs unbeholfen und scheu, entwickelt er sich zu einem 

eleganten Dandy, der das Vertrauen der schönen und naiven Frau des 

Bürgermeisters sowie der hochmütigen wie geistreichen Tochter eines 

Marquis gewinnen kann. Und Julien gelingt schliesslich das Unvorstellbare: 

Er heiratet in den Adelsstand. Doch bedroht ein Brief der ehemaligen 

Geliebten all seine Träume… 

Stendhals Roman, 1830 erstveröffentlicht, erzählt vom Aufstieg und vom 

dramatischen Fall des jungen Opportunisten Julien Sorel sowie von seiner 

komplizierten Liebe zu zwei sehr unterschiedlichen Frauen. Bei den 

zeitgenössischen Lesern hinterliess „Rot und Schwarz“ einen verstörenden 

Eindruck, nicht zuletzt aufgrund Stendhals illusionsloser Wahrheitssuche, 

seiner mitleidslosen Analyse und nüchternen Sprache. 

Hannes Weiler wurde 1981 in Stuttgart geboren. Während seines Studiums 

der Literaturwissenschaften und Philosophie an der Freien Universität in 

Berlin entwickelte er Projekte im öffentlichen Raum, darunter die Aktionen 

„Hören soll stören“ und „Hartz IV im deutschen Wald“ in Berlin und „Berlin = 

überall“ im Museum Abteiberg Mönchengladbach. Er war Regieassistent am 

Deutschen Theater Berlin (u.a. bei Barbara Frey, Barrie Kosky und Karin 

Henkel) und inszenierte ebenda 2009 in der Box seine Fassung von Michail 

Bulgakows Groteske „Teufelei“. Seit der Spielzeit 2009/10 ist Hannes Weiler 

Regieassistent am Schauspielhaus Zürich. 

Premiere im März 2011 im Pfauen/Kammer 

Premiere im März 2011 im Pfauen

24 25 

Platonow 

von Anton Tschechow 



Kostüme Bettina Munzer 

Das Landhaus der Generalswitwe Anna Petrowna: Hier trifft man sich. 

Alle sind knapp bei Kasse und brauchen Geld. Materielle Sicherheit gibt es 

nicht mehr, Moral, Perspektiven und innere Überzeugungen auch nicht. 

Obwohl keiner den anderen sonderlich mag, versucht man gemeinsam Zeit, 

Traurigkeit und Melancholie totzuschlagen – man flirtet, man lacht, man ist 

borniert, zynisch oder selbstmitleidig, man quält sein Gegenüber. Vor allem 

aber redet man, redet, um zu überleben. 

Täter 

von Thomas Jonigk 

Regie Daniela Löffner 

Bühne und Kostüme Claudia Kalinski 

Petra wird seit Jahren von ihrem Vater missbraucht; ihre Mutter sieht weg. 

Paul wird zum Opfer seiner übergriffigen Mutter, doch niemand nimmt ihn 

ernst. Das Schicksal, das die beiden Kinder teilen, führt sie zusammen: 

Zu zweit versuchen sie mehr oder weniger erfolgreich, die durch ihre Eltern 

erfahrene Gewalt zu verarbeiten und zu stoppen. Die Täter zur Rede zu 

stellen ist erst nach vielen Ansätzen möglich: Scham, Schuldzuweisungen 

und Sprachlosigkeit sind schwer zu überwinden und das Benennen des 

Ungeheuerlichen (und doch so Alltäglichen) bringt schliesslich sogar das 

Drama ins Wanken. 

Eine Komödie hochtrabender Hoffnungen in einer drückenden Welt, von 

Tschechow verstanden als eine „Enzyklopädie des russischen Lebens“. 

„Ich wollte den Menschen nur ehrlich sagen: ‚Schaut, wie schlecht und 

langweilig ihr lebt!’ Die Hauptsache ist, dass die Menschen das begreifen.“ 

Diese Erkenntnis hat niemand tiefer verinnerlicht als der zum Dorfschullehrer 

herabgesunkene Liebling der Frauen Platonow, dessen Ausruf „Das Leben! 

Warum leben wir nicht so, wie wir könnten?“ exemplarisch für die 

Unfähigkeit des Einzelnen steht, Entscheidungen zu treffen und die eigenen 

Sehnsüchte Realität werden zu lassen. Doch was fatalistisch klingt, liest sich 

bei Tschechow leicht und zart. Der Autor vermittelt uns tiefe Einsichten in 

das menschliche Dasein, in Figuren, die auch in Momenten grösster 

Lächerlichkeit mit liebevoller Zuneigung gezeichnet werden. 

Tschechow widmete sein erstes, 1880 entstandenes Stück der 

Schauspielerin Marija Jermolowa. Er gab das von seinem Bruder akribisch 

abgeschriebene Manuskript persönlich am Maly-Theater ab, wo die 

Künstlerin engagiert war; es wurde abgelehnt. Enttäuscht vernichtete 

Tschechow das Manuskript, so dass das Stück erst 1923, zwanzig Jahre 

nach seinem Tod, entdeckt wurde. Die ursprünglich namenlose Komödie, 

die auch unter dem Alternativtitel „Die Vaterlosen“ geführt wurde, hätte 

ungekürzt eine Aufführungsdauer von sieben bis acht Stunden gehabt. 

Für die Regisseurin Barbara Frey bedeutet „Platonow“ nach einer 

Inszenierung von „Onkel Wanja“ am Bayerischen Staatsschauspiel München, 

die 2004 zum Berliner Theatertreffen eingeladen wurde, und nach „Der 

Kirschgarten“ am Deutschen Theater Berlin die dritte Auseinandersetzung 

mit dem Werk Anton Tschechows. 

Thomas Jonigk – Schriftsteller und Dramaturg am Schauspielhaus Zürich – 

hat sich in der vergangenen Spielzeit mit seiner Theaterfassung von 

Gottfried Kellers „Martin Salander“ vorgestellt. In dem 1999 am Hamburger 

Schauspielhaus uraufgeführten Stück „Täter“ hat er sich des brisanten 

Themas Kindesmissbrauch angenommen. Der Zuschauer begibt sich 

gemeinsam mit zwei Opfern auf eine groteske, schmerzhafte und oft auch 

überraschend komische Reise durch eine mit Tätern durchsetzte 

Gesellschaft: eine durch Machtmissbrauch, Verleugnung und emotionale Not 

gekennzeichnete (Familien-)Welt. 

Daniela Löffner begann ihre Arbeit am Theater 2003 als Regieassistentin am 

Theater Freiburg und am Düsseldorfer Schauspielhaus (u.a. bei Jürgen 

Gosch und Volker Lösch). Ihre erste Inszenierung realisierte sie 2007 in 

Düsseldorf: „Der Kissenmann“ von Martin McDonagh. Mittlerweile brachte 

sie drei Stücke von Juliane Kann zur Uraufführung: „Siebzehn“ und „Piaf. 

Keine Tränen“ in Düsseldorf und „Bleib mein schlagendes Herz“ am 

Schauspiel Frankfurt. Mit Beginn der Spielzeit 2010/11 wird Daniela Löffner 

als Hausregisseurin am Staatstheater Braunschweig arbeiten. Nach Anne 

Nathers „Im Wald ist man nicht verabredet“ (2009) ist „Täter“ ihre zweite 

Regiearbeit am Schauspielhaus Zürich. 

Premiere im Mai 2011 im Schiffbau/Box 

Premiere im April 2011 im Pfauen

26 27 

Ein neues Stück 

Regie Mélanie Huber 

Bühne Anja Kerschkewicz 

Kostüme Eva Krämer 

Fahrende Frauen (Arbeitstitel) 

von René Pollesch 

Uraufführung 

Regie René Pollesch 

Die Kammer im Untergeschoss des Pfauen ist mit rund 70 Sitzplätzen die 

intimste Bühne des Schauspielhauses. Bereits in der Saison 2009/10 

bot sich an diesem Ort jungen Regietalenten die Möglichkeit, ihre 

Handschriften zu erproben. 

Mélanie Huber, 1981 in Zürich geboren, studierte Filmregie und Drehbuch an 

der ZHdK und belegte Kurse in Theaterregie, Schauspiel und Dramaturgie. In 

ihrer Abschlussarbeit „Zwischen 2 und 6“ – der Kurzfilm zeigt zwei Menschen 

in ihrer zufälligen Zweisamkeit –untersuchte sie die Berührungspunkte 

zwischen Theater und Film und den Raum dazwischen. Ihre erste 

Schauspielinszenierung realisierte Mélanie Huber 2005 mit dem freien 

Projekt „Billie der Bub – Monolog eines jungen Mannes“ von Stephan 

Teuwissen. 2008 entstand die Auftragsarbeit der Pestalozzi-Bibliothek 

„Begegnung – eine Zwischenmenschlichkeit“. Mélanie Huber arbeitete 

ausserdem in der Hörbuchabteilung der Schweizerischen Bibliothek für 

Blinde und Sehbehinderte in Zürich. Seit der Spielzeit 2009/10 ist sie 

Regieassistentin am Schauspielhaus Zürich, wo sie u.a. den Salon in der 

Box „Don’t be late, Alice“ einrichtete. In der Kammer wird sie nun ein 

zeitgenössisches Stück inszenieren – welches, stand bei Redaktionsschluss 

noch nicht fest. 

Premiere im Mai 2011 im Pfauen/Kammer 

Auch das neue, für das Schauspielhaus Zürich geschriebene Stück von René 

Pollesch mit dem Arbeitstitel „Fahrende Frauen“ stellt eine Fortschreibung 

dar: Von Theaterstation zu Theaterstation, an denen Pollesch seine eigenen 

Texte inszeniert, wandeln, variieren, plagiieren und konfrontieren sich die 

darin verhandelten Inhalte. War es in „Calvinismus Klein“, uraufgeführt 2009 

im Pfauen, das „interpassive Theater“, das zu erregten Diskussionen 

zwischen den Darstellern Carolin Conrad und Martin Wuttke führte, 

so wurde im darauf folgenden Stück „Ich schau dir in die Augen, 

gesellschaftlicher Verblendungszusammenhang!“ die Seele als „eine 

Aussenbeziehung des Körpers mit sich selbst“ beschrieben, während im 

übernächsten, „Mädchen in Uniform. Wege aus der Selbstverwirklichung“, 

die liebende Protagonistin darunter leidet, sich nicht zwischen „Chor“ 

und „Einzelwesen“ entscheiden zu können. In diesen Diskurs über Kollektiv 

und Individuum fädelt sich auch „Fahrende Frauen“ ein: nach dem 

Reissverschlussprinzip, versteht sich. 

Die intellektuellen Boulevardkomödien von René Pollesch verbinden 

persönliche und politische Fragestellungen mit Melodramatik und 

theatralischem Nonsens. In diesem Kontext können die Schauspieler ständig 

ihre Identitäten, ihr Geschlecht und ihre Perspektiven wechseln. Pollesch 

sucht in Texten von Philosophen, Soziologen und Essayisten nach neuen 

Denk- und Lebensmodellen und verbindet diese Diskurse bühnentauglich mit 

klassischen Angeboten der Unterhaltungskultur. 

René Pollesch, 1962 in Friedberg/Hessen geboren, studierte Angewandte 

Theaterwissenschaft in Giessen, bevor er sich mit Inszenierungen eigener 

Texte einen Namen machte. Als alleiniger Regisseur seiner Texte arbeitete 

er zuletzt hauptsächlich an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz in 

Berlin, an den Münchner Kammerspielen, am Wiener Burgtheater und am 

Deutschen Schauspielhaus in Hamburg. Für seine Dramen gewann er bereits 

zweimal den renommierten Mülheimer Dramatikerpreis: 2001 für „World 

Wide Web-Slums“ und 2006 für „Cappucetto Rosso“. „Calvinismus Klein“ 

war seine erste Arbeit am Schauspielhaus Zürich. 

Premiere im Mai 2011 im Pfauen

28 29 

Ciudades Paralelas/Parallele Städte 

kuratiert von Lola Arias und Stefan Kaegi 

Uraufführung 

Hotelzimmer, Bibliotheken, Fussgängerzonen, Supermärkte, Bahnhofshallen... 

Funktionale Orte sind meistens keine Sehenswürdigkeiten. Sie existieren in 

jeder Stadt. Sie machen die Stadt als Stadt bewohnbar. Sie sind so 

gestaltet, dass sich jeder Mensch darin zurechtfinden kann und bei ihrer 

Benutzung kein Reibungsverlust entsteht. Für das Festival „Ciudades 

Paralelas/Parallele Städte“ laden Lola Arias und Stefan Kaegi eine Reihe 

von KünstlerInnen ein, Interventionen für öffentliche Räume zu erfinden. 

Es sind Projekte, die einen täglich benutzten Raum in eine Bühne 

verwandeln und Zuschauer dazu verführen, Zeit darin zu verbringen, bis sich 

ihre Wahrnehmung verändert. Das Schauspielhaus breitet sich als Methode 

über die ganze Stadt aus. 

Dominic Huber bespielt ein Wohnhaus, dessen Bewohner die Zuschauer von 

der anderen Strassenseite her beobachten und abhören wie Detektive eines 

nie begangenen Verbrechens. Gerardo Naumanns Fabrikarbeiter führen die 

Zuschauer auf eine subjektive Reise entlang ihrer Fertigungsstrasse. 

Ant Hampton legt Zuschauern über Kopfhörer im Lesesaal einer Bibliothek 

Fussnoten von Tim Etchells zwischen die Buchseiten. Christian Garcia 

schreibt einen Renaissancechor für Laiensänger in die durch Schicksale 

aufgeladene Säulenhalle eines Gerichts. Mariano Pensotti lässt vier 

Schriftsteller als literarische Überwachungskameras Bahnhofszenen 

beschreiben, während die Zuschauer die Texte als live entstehenden Roman 

über den Köpfen der real existierenden Romanfiguren lesen. Die Aktivisten 

von Ligna inszenieren ihre Hörer in einem Shoppingcenter zu einem 

verschwörerischen Radio-Ballett. Lola Arias inszeniert Hotelzimmer mit 

Geschichten über den Putzdienst, der vorwiegend aus Ausländerinnen 

besteht, die für andere Ausländer saubermachen. Und Stefan Kaegi führt 

diese Projekte zu einem Festivalzentrum auf einem Dach über Zürich 

zusammen, wo das Rollenspiel der parallelen Stadt jeden Abend von neuen 

Experten weitergedacht wird. In Berlin, Buenos Aires und Zürich werden die 

Projekte jeweils neu mit Darstellern aus der Stadt inszeniert. 

Stefan Kaegi – am Schauspielhaus verwirklichte er zuletzt „Heuschrecken“ 

im Schiffbau/Box – gehört zum Dokumentartheaterlabel „Rimini Protokoll“. 

Die argentinische Autorin und Regisseurin Lola Arias zeigte in Zürich 2009 

„Mi vida después“ beim Theaterspektakel. 

Seit 2006 inszenierten Arias und Kaegi zusammen „Soko São Paulo“ und 

„Airport Kids“. 

Geplante Wiederaufnahmen 

Malaga 

von Lukas Bärfuss 


Pfauen 

Vera und Michael leben getrennt. Michael muss an 

einen wichtigen Kongress, Vera will mit ihrem neuen 

Freund nach Malaga reisen. Wer passt auf die 

gemeinsame Tochter auf? In seinem im Mai 2010 

uraufgeführten Auftragswerk für das Schauspielhaus 

Zürich erzählt Lukas Bärfuss von Schuld, 

Verantwortung und Schicksal. 

Was ihr wollt 



Pfauen 

Viola strandet in Illyrien. Sie beschliesst, als Mann 

verkleidet in den Dienst des Herzogs Orsino zu treten. 

Für ihn muss sie – ganz gegen ihre eigenen 

Herzenswünsche – Liebesbotendienste verrichten. 

Unter dem Deckmantel der Komödie erzählt 

Shakespeare von der Beliebigkeit des Begehrens und 

der Flüchtigkeit des Ichs als menschliche Dilemmata. 

Die Schwärmer 

von Robert Musil 

Regie Robert Borgmann 

Pfauen/Kammer 

Robert Musils vier „Schwärmer“ haben ihre Kindheit 

miteinander verbracht. Jetzt sind alle um die dreissig 

und verfestigt. Hitzig und sprachsüchtig sortieren die 

Figuren ihre Beziehungen, intellektuell brillant und 

neurotisch getrieben. 

Die Verwandlung 

nach der Erzählung von Franz Kafka 

Regie Nina Mattenklotz 

Pfauen/Kammer 

Indem der Handlungsreisende Gregor Samsa sich von 

einem Tag auf den anderen in einen Käfer verwandelt, 

irritiert er die diffizilen Machtverhältnisse innerhalb 

seiner Familie. Die Bühnenfassung lenkt das 

Augenmerk vor allem auf die familiären 

Machtstrukturen und die Fragilität der menschlichen 

Identität. 

Der Hodler 

Musiktheatralische Einsicht von 

Ruedi Häusermann 

Schiffbau/Box 

Der Schweizer Komponist und Regisseur Ruedi 

Häusermann wendet sich mit Ferdinand Hodler zum 

ersten Mal einem bildenden Künstler und einem der 

wichtigsten Maler der Schweiz zu. Mit vier 

Schauspielern und vier Musikern macht Häusermann 

das Werk Hodlers auf poesievolle Art und Weise 

hör- und sichtbar. 

Gestern 

nach dem Roman von Agota Kristof 

Regie Dušan David Pařízek 

Schiffbau/Box 

Der Exilant Sándor liebt fanatisch eine Abwesende, 

eine in der Heimat Gebliebene: Sie heisst Line und 

hat Sándor zum letzten Mal gesehen, als die beiden 

gemeinsam die Schulbank drückten. Die ungarische 

Schriftstellerin Agota Kristof erzählt in ihrem Roman 

von einer süssen Lebenslüge, deren bittere Wahrheit 

sich langsam entfaltet. 

Werner Schlaffhorst – Ein Leben, zu wahr, 

um schön zu sein 

Musikalische Gedenkveranstaltung von 

Clemens Sienknecht & Freunden 

Schiffbau/Box 

Der Musiker Clemens Sienknecht hat eine Mission: 

Mit hinreissenden Songs, skurrilen Tänzen, 

abgefahrenen Tondokumenten und zärtlichen 

Rezitationen huldigen er und vier Freunde aus dem 

Schauspielhaus-Ensemble einem Mann, 

dessen Existenz höchst ungewiss ist. 

Rechnitz (Der Würgeengel) 

von Elfriede Jelinek 

Regie Leonhard Koppelmann 

An wechselnden Schauplätzen in der Stadt, 

Treffpunkt Pfauen/Kassenfoyer 

Man will schnell weg von Schloss Rechnitz an der 

österreichisch-ungarischen Grenze, die Rote Armee 

steht vor der Tür, mehrere Schlossgäste hatten 

sich eben noch, im März 1945, eines Massakers 

schuldig gemacht. Aber die Schlossherrin, die 

„Gräfin“, hat ja noch eine Adresse im Tessin... 

Im Juni 2011 an verschiedenen Schauplätzen in Zürich 

Eine Koproduktion von Schauspielhaus Zürich und HAU Berlin. 

Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes, Pro Helvetia und 

das Goethe Institut Buenos Aires.

30 

Gastspiele 

Extras

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Der Sturm 




Kostüme Bettina Munzer 

Prosperos Insel ist ein Nirgendirgendwo, ein Reich der Phantasie: 

Shakespeares Theater. Prospero, vor Jahren auf einer Insel gestrandet, 

inszeniert dort ein Stück der Strafe, Busse und Umkehr, will die Figuren 

seines Lebens für ihre Verbrechen zur Verantwortung ziehen. Doch sie 

kommen über ihre alten Rollen, die Wiederholung vergangener Verbrechen 

und Intrigen, nicht hinaus. Schliesslich droht Prosperos Spiel von der 

Bestrafung in Rache umzukippen. Prospero, der Menschlichkeit sucht, ist in 

Gefahr, sie selbst zu vergessen und findet ausgerechnet durch einen 

Luftgeist namens Ariel die Kraft zu Gnade und Vergebung. Diese für ihn 

übermenschliche Anstrengung verlangt ihm alles ab. Am Schluss zerbricht 

er, erlöst, erleichtert, aber auch resigniert, seinen Zauberstab, der ihm die 

Macht gegeben hat, über Zauber und Magie zu herrschen. 

In diesem seinem letzten Stück benutzt Shakespeare erstmals keine 

literarische Vorlage für seinen Text, sondern erfindet sich selbst eine Welt. 

In und mit Prospero schafft er eine Konstruktion, die es ihm ermöglicht, den 

Antagonismus von Tragödie und Komödie aufzuheben. Diese Welt ist die 

Insel, das Theater, ein Blick auf die Welt, nicht aber die Wirklichkeit selbst. 

So ist das ganze Stück auch eine Idee in Prospero-Shakespeares Kopf, 

ein Blatt Papier, das im Laufe des Abends, alle Herrschaftsspiele noch 

einmal durchlaufend, mit der Vision von einem humanen Ausgleich 

beschrieben wird. Das Glück der Erfüllung beinhaltet den Verzicht auf Rache 

und die Erkenntnis der eigenen Unzulänglichkeit. 

In Barbara Freys Wiener „Sturm“-Inszenierung gibt es nur drei Schauspieler. 

Drei zentrale Gestalten – Prospero, Ariel und Caliban – leben in 

Shakespeares Labor der Phantasie. Sie erfinden und durchleben 

Machtkämpfe, die bereits auf Becketts „Herr-Knecht“-Konstellationen 

verweisen. Und sie sehnen sich wie das Erdtier Caliban nach Verwandlung: 

um einer Liebe willen, die denk- und lebbar würde, wäre es ihm nur möglich, 

Prosperos schöne Tochter Miranda zu werden... 

Premiere im Herbst 2010 im Pfauen 

Ein Gastspiel des Wiener Burgtheaters 

Continu 

von Sasha Waltz 

Regie und Choreographie Sasha Waltz 

Bühne Pia Maier Schriever, 

Thomas Schenk &Sasha Waltz 

Kostüme Bernd Skodzig 

Musikalische Leitung Michael Rauter 

Musik Solistenensemble Kaleidoskop 

Tanz Sasha Waltz &Guests 

Eine Produktion von Sasha Waltz & Guests in Koproduktion mit dem 

Schauspielhaus Zürich, den Zürcher Festspielen, spielzeit europa, den 

Berliner Festspielen und Sadler’s Wells, London 

In „Continu“ – Uraufführung im Juni 2010 im Schiffbau – verdichtet Sasha 

Waltz das Ergebnis ihrer beiden grossen Museumsprojekte aus 2009 zu 

einem abendfüllenden Stück. Die Choreographin weihte das Neue Museum 

Berlin von David Chipperfield und das MAXXI Rom von Zaha Hadid 

künstlerisch ein. Das entstandene kontrastreiche choreographische Material 

bildet mit seinen archaischen Komponenten in der Auseinandersetzung 

u.a. mit mythologischen Stoffen sowie dem inspirierenden Dialog mit 

zeitgenössischer Musik die Ausgangsbasis für das neue Bühnenwerk von 

Sasha Waltz, in dem sie universelle Fragen an die Gruppe, das Paar 

und das Individuum stellt. Zu hören sind u.a. zeitgenössische Werke von 

Claude Vivier. 

Sasha Waltz, 1963 in Karlsruhe geboren, studierte Tanz und Choreographie 

in Amsterdam und New York. Die Compagnie Sasha Waltz & Guests, die 

1993 von Sasha Waltz und Jochen Sandig in Berlin gegründet wurde, 

versteht sich als Künstlerkollektiv, das sich aus über 150 Künstlern – 

Architekten, bildenden Künstlern, Choreographen, Filmemachern, Musikern, 

Schauspielern und Tänzern – zusammensetzt. Mit weltweit über 100 

Vorstellungen pro Jahr stellen Sasha Waltz &Guests eines der erfolgreichsten 

internationalen Kulturunternehmen dar. Durch die Gründung der Sophiensaele 

im Jahre 1996 wurde eine bedeutende europäische Produktionsstätte für 

freies Theater in Berlin etabliert. War man 1999–2004 an der Schaubühne 

am Lehniner Platz tätig, so ist der zentrale Produktionsort für Sasha Waltz 

& Guests inzwischen das 2006 eröffnete Radialsystem V in Berlin – ein 

interdisziplinäres Produktions- und Ausbildungszentrum für Musik, Tanz und 

Bildende Kunst. Neben der Uraufführung von „Continu“ war in der 

vergangenen Spielzeit am Schauspielhaus Zürich von Sasha Waltz & Guests 

ausserdem das Gastspiel „Körper“ zu sehen. 

Wiederaufnahme vom 25. bis 27. November 2010 im Schiffbau/Halle

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Öper Öpis 

von Zimmermann &de Perrot 

Konzept, Regie und Bühnenbild 

Zimmermann &de Perrot 

Komposition Dimitri de Perrot 

Choreographie Martin Zimmermann 

Das Theater von Zimmermann & de Perrot basiert auf der exakten 

Beobachtung, der humorvollen Wiedergabe, der Verdrehung und der 

künstlerisch herausragenden Umsetzung von alltäglichen Begegnungen 

und gibt somit den kleinen Dingen des Lebens eine grosse Bühne. 

Seit den ausverkauften Vorstellungen in der Box im Februar 2009 spielte 

„Öper Öpis“ über 100 Mal von London nach Paris, Madrid, Barcelona, 

Athen, Napoli, Sevilla, Marseille, Luxemburg... Das Stück wurde mehrfach 

ausgezeichnet, u.a. mit dem Schweizer Choreographiepreis 2009. Zum 

Abschluss dieser langen Tournée kommt das Zürcher Regieduo mit seinen 

fünf fabelhaften Tänzern und Artisten für vier Vorstellungen zurück ans 

Schauspielhaus. 

Ort des Geschehens ist ein unstabiler Bühnenboden, der durch jede 

Bewegung der Protagonisten kippen kann. Er ist die unsichere Plattform, 

auf der sich die Figuren einzeln oder im Paar exponieren und dabei Kopf 

und Kragen riskieren. Die Begegnungen sind leise, flüchtig, spektakulär und 

wagemutig und führen nicht selten in Schräglage. Nimmermüde suchen 

die Figuren in der Verbindung mit dem Anderen die Herausforderung, setzen 

dabei das Gleichgewicht aufs Spiel und drohen dabei den Boden unter den 

Füssen zu verlieren. Situationen drehen vom Alltäglichen ins Absurde. 

Mit viel Zärtlichkeit und Humor erzählt „Öper Öpis“ von der Unmöglichkeit, 

im Anderen den zu finden, den man eigentlich sucht: sich selber. 

Koproduktion: Schauspielhaus Zürich, Théâtre Vidy-Lausanne, Théâtre de la 

Ville Paris, Grand Théâtre de Luxembourg, Migros-Kulturprozent, 

La Filature scène nationale – Mulhouse, Le Merlan – scène nationale à 

Marseille, Le-Maillon, Théâtre de Strasbourg – Scène européenne, 

La Ferme du Buisson scène nationale de Marne-la-Vallée, Equinoxe – scène 

nationale de Châteauroux, Opéra Dijon, Theater Chur, London International 

Mime Festival, Verein Zimmermann & de Perrot 

Gastspiel vom 23. bis 26. Februar 2011 im Schiffbau/Halle 

Série française: 

Les chaises 

d’Eugène Ionesco 

Mise en scène/Regie Luc Bondy 

Décors/Bühne Karl-Ernst Herrmann 

Deux vieux, âgés de 94 et 95 ans, vivent isolés dans une maison située sur 

une île battue par les flots. Pour égayer leur solitude et leur amour désuet, 

ils remâchent inlassablement les mêmes histoires. Mais le vieil homme, 

auteur et penseur, détient un message universel qu’il souhaite révéler à 

l’humanité. Il a réuni pour ce grand jour d’éminentes personnalités du 

monde entier. Un orateur, spécialiste dans l’art des mots, est missionné 

pour traduire cette pensée. Un à un, les invités invisibles se présentent à la 

porte de leur demeure et viennent prendre place sur les chaises préparées 

pour les accueillir. Bientôt la maison est encombrée de ces fantômes 

auxquels vient se joindre l’Empereur en personne. Cette multitude 

d’absences devient un piège dont ils sont prisonniers, éloignés l’un de 

l’autre, aux deux confins de la scène. Submergés par ce flot de chaises 

vides qui ne cesse de monter, ils ne peuvent se rejoindre et se jettent 

chacun par une fenêtre au moment où l’orateur sourd et muet trace au 

tableau des hiéroglyphes illisibles. Cette pièce où le drame devient cocasse 

confère au tragique un sens nouveau, celui de l’inaccomplissement de 

l’homme face à son impossibilité de communiquer. 

Né à Zurich en 1948, Luc Bondy passe une partie de son enfance en 

France. Après deux ans à la Städtische Bühnen de Francfort, il travaille 

surtout à la Schaubühne de Berlin, qu’il co-dirige de 1985 à 1987. Toujours 

entre opéra et théâtre, entre classiques et contemporains, sa carrière se 

poursuit en toute l’Europe. En dernier Luc Bondy dirige Cate Blanchett, en 

2010, dans „Grand et petit“ de Botho Strauss. Il est le Directeur Artistique 

des Wiener Festwochen depuis 2001. 

Spectacle en tournée au Pfauen, le 15 et 16 décembre 2010 

Le lancement d’une nouvelle Série française au Schauspielhaus Zürich 

Ein Ehepaar, 94 und 95 Jahre alt, lebt isoliert in einem Haus am Meer. Um die Einsamkeit 

erträglich zu machen, erzählen sie sich die immer gleichen Geschichten. Seit undenklicher Zeit 

hat der Alte an seiner Botschaft für die Menschheit geschrieben, und zum Zweck ihrer 

Verkündigung lädt er prominente Persönlichkeiten aus der ganzen Welt ein. Und in der Tat: 

Sie kommen. Die beiden Alten öffnen ihnen die Tür, holen ihnen Stühle und unterhalten sich 

mit ihren Besuchern, die nur ihnen sichtbar und nur durch sie für die Zuschauer „da“ sind. 

Bald ist das Haus überfüllt von diesen Gespenstern… 

Eugène Ionesco hat in seinem Klassiker des Absurden Theaters das Tragische neu interpretiert: 

Es begründet sich in der Absurdität und Unvollkommenheit des menschlichen Daseins und 

in der Unmöglichkeit sinnstiftender Kommunikation. Luc Bondy, 1984 in Zürich geboren, ist als 

Theater- und Opernregisseur auf den grossen Bühnen der Welt zuhause. Seit 2001 ist er 

ausserdem Intendant der Wiener Festwochen, wo er 2010 „Helena“ von Euripides in Peter 

Handkes Neuübersetzung inszeniert. 

„Les chaises“ ist der Auftakt der Série française, zwei weitere französischsprachige 

Gastspiele werden folgen.

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Extras 

Schiffbaufest: 10 Jahre Schiffbau 

Konzerte, Theater und Tanz 

Tag der offenen Tür 

Ende September/Anfang Oktober im Schiffbau 

Der Schiffbau wird 10 Jahre alt – Grund genug, seine 

Tore weit zu öffnen und ihn ausgiebig zu feiern! Das 

Schauspielhaus Zürich und seine Schiffbau-Nachbarn 

„moods“ und „LaSalle Restaurant“ laden herzlich zur 

gemeinsamen Feier des 10-jährigen Jubiläums ein. 

Mehrere Stunden lang bespielt das Ensemble des 

Schauspielhauses den gesamten Schiffbau mit kurzen 

und langen, lustigen, verrückten und melancholischen 

Auftritten und begibt sich dafür an ungewöhnliche 

Orte wie die Werkstätten, den Requisitenfundus oder 

den Malsaal, wo auch die technischen Abteilungen zu 

erleben sind. Später am Abend – in Kooperation mit 

dem „moods“, Zürichs erster Adresse für Jazz, Funk, 

Soul, Blues, Electro und World Music – gibt es 

Konzerte und DJs legen auf. Es kann getanzt werden! 

Neu: Wer hat das Sagen? 

präsentiert vom Schauspielhaus Zürich 

und DIE ZEIT 

Eine Diskussionsreihe zum Stand der Demokratie 

Konzept und Moderation: 

Peer Teuwsen (DIE ZEIT), Lukas Bärfuss 

Ab Oktober 2010 sechs Mal im Pfauen 

Die Demokratie steht unter Druck wie wohl nie in den 

letzten Jahrzehnten. Heute stellt sich die Frage, ob 

und wie sich diese „beste aller schlechten 

Staatsformen” den Herausforderungen des 21. 

Jahrhunderts stellen kann. Politische Strukturen, 

die zu langsam und zu schwerfällig sind, um einer 

entfesselten Wirtschaft Grenzen zu setzen. 

Volksrechte, die immer öfter dazu benutzt werden, 

die Rechte der Bevölkerung einzuschränken. Die 

Integration der ausländischen Wohnbevölkerung, die 

mit der Idee der Staatsbürgerschaft zusammenprallt. 

Die Notwendigkeit einer internationalen 

Zusammenarbeit, um eine neue Wirtschaftsordnung 

oder eine Klimapolitik durchzusetzen, zum Wohle der 

Menschen, die sich jedoch kaum mit übernationalen 

Strukturen identifizieren. Das Bedürfnis nach 

Sicherheit, das in den Überwachungsstaat führt. 

Ein schwindender Freiheitsbegriff, der einmal der 

republikanische Wesenskern war. Eine Öffentlichkeit, 

die sich immer weniger als solche begreift und 

jederzeit in elektronischen Netzwerken die privatesten 

Geheimnisse offenlegt – wer führt die Gesellschaft 

durch diese Widersprüche, wie lösen die Demokratien 

im 21. Jahrhundert ihre Probleme? Wer hat das 

Sagen? Über diese Fragen streiten an sechs Abenden 

Gäste, die auf ihrem Gebiet Meinungsführer sind. 

Série noire 

präsentiert von Werner Morlang 

Ein literarischer Zyklus mit rabenschwarzen 

Kriminalgeschichten, schnarrenden Schauspielern 

und Tote erweckendem Whisky 

Ab Oktober 2010 monatlich im Pfauen/Kammer 

Nachdem Edgar Allan Poe, H.P. Lovecraft und ihre 

verschrobenen Kollegen am Pfauen nächtelang ihr 

Unwesen trieben, hat Werner Morlang die Pforte zur 

Nachtmahrabtei vorläufig geschlossen. Aber die Reise 

in die Finsternis der menschlichen Seele geht weiter! 

Von nebelumflorten Hochmooren und halbzerfallenen 

Schlössern wechseln wir in die Strassen der 

Grossstadt. Wo uns in der vergangenen Spielzeit das 

Übernatürliche das Blut in den Adern gefrieren liess, 

sind es nun die sehr menschlichen Abgründe, in die 

uns Werner Morlang entführen wird. Eifersucht und 

Habgier, Mord und Totschlag beherrschen die 

Geschichten von Autoren wie Raymond Chandler, 

Dashiell Hammett, Jim Thompson, Patricia Highsmith 

und Friedrich Glauser. Werner Morlang und 

Schauspieler aus dem Ensemble werden uns die 

spannendsten und abgründigsten Erzählungen der 

besten Vertreter dieses rabenschwarzen Genres 

präsentieren. Wir dürfen charmante Mörder, 

verkommene Gesetzeshüter und natürlich eine Menge 

Pulverdampf erwarten. Und selbstverständlich wird 

uns auch in der nächsten Spielzeit der wunderbare 

Duft von uraltem Whisky empfangen, kredenzt von 

Glen Fahrn. Denn eine Stärkung haben wir nötig, vor 

unserem Abstieg in die Kammer, hinein in das 

schwarze Reich der menschlichen Niedertracht. Und 

auch dieses Mal gilt, wenn auch aus etwas anderen 

Gründen: Man komme unbedingt in Begleitung! 

Denken Sie an den späten Heimweg! 

Weisse Flecken 

präsentiert von Lukas Bärfuss 

Gespräche an den Grenzen unseres Wissens 

Ab Oktober 2010 wieder monatlich im 

Pfauen/Kammer 

Moderne Computer, die so kompliziert sind, dass 

selbst Fachleute sie nicht mehr verstehen; das 

Geheimnis des Schlafes, das bis heute nicht gelüftet 

ist; die Aporien der Geschichtsschreibung und die 

Frage, warum man sich in der Schweiz immer noch 

darüber streitet, ob Wilhelm Tell tatsächlich existiert 

hat; die unbekannte Welt des Islam und der Streit 

darüber, wie seine Glaubenssätze mit einer 

freiheitlichen Gesellschaft zu vereinen sind; die 

neuesten Theorien der Astrophysik über die so 

genannten Paralleluniversen, die so unglaublich 

klingen, dass man sich die Frage stellt, ob die 

Wissenschaftler verrückt geworden sind; und 

schliesslich die Irrfahrt der modernen Wirtschaft, die 

jede Orientierung verloren hat – das waren die 

Erkundungen in den Grenzbereichen unseres Wissens, 

auf die uns Lukas Bärfuss in der vergangenen 

Spielzeit mit seinen Gästen mitgenommen hat. 

Mit weissen Flecken verhält es sich so, dass man, 

wenn man sich einmal damit beschäftigt, immer mehr 

davon entdeckt. Scheinbar sicheres Wissen entpuppt 

sich als Esoterik und wo gerade noch Gewissheiten 

behauptet wurden, ist plötzlich alles in Frage gestellt. 

Und deshalb geht die Reise weiter! Auch in der 

kommenden Spielzeit wird Lukas Bärfuss mit seinen 

Gästen die Ränder der bekannten Welt beschreiten, 

und alle Neugierigen, die keine Angst vor dem 

Unbekannten haben, sind herzlich eingeladen! 

In Zusammenarbeit mit Glen Fahrn 

www.glenfahrn.ch

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Junges 

Schauspiel 

Haus

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Produktionen 

Weit ist der Weg 

von Charles Way 

Deutschsprachige Erstaufführung 

Ab 9 Jahren 

Regie Enrico Beeler 

Bühne Marc Totzke 

Kostüme Karoline Young 

Musik Tom Tafel 

Mutter Gaia hat jahrelang in einem Dorf im Wald 

gelebt. Jetzt, wo ihr Mann tot und die Söhne fort sind, 

will sie dahin zurück, wo sie herkommt. 

Die Dorfbewohner versuchen sie umzustimmen und 

auch ihr toter Mann will, dass sie bleibt. Es gelingt 

ihnen nicht. Mutter Gaia zieht trotzdem los, Richtung 

Meer. Auf ihrem Weg findet sie einen verängstigten, 

verwilderten Jungen, der sich wie ein Hund verhält. 

Mutter Gaia gibt ihm zu trinken, säubert seine Wunde. 

Sie sucht für ihn ein Zuhause, findet aber keins. 

Die beiden ziehen gemeinsam weiter. Die alte Frau 

bringt dem Jungen das Sprechen bei, gibt ihm einen 

Namen: Andreas. Andreas entwickelt sich, begegnet 

den Ecken und Kanten des Lebens – wird erwachsen. 

Schliesslich erreichen sie das Meer. Im Heimatdorf 

von Gaia aber hat sich alles verändert, nichts ist mehr 

so, wie es war. Sie bleiben trotzdem. 

Charles Way lebt in Wales, war am „Theatre Centre“ 

in London Hausautor für das Kinder- und 

Jugendtheater und schreibt nunmehr für Erwachsene 

und Kinder. Zu seinen wichtigsten Stücken gehören 

u.a. „Blutrote Schuhe“ („Red Red Shoes“), nach 

dem gleichnamigen Märchen von Hans-Christian 

Andersen, „Eye of the Storm“, frei nach Motiven 

aus Shakespeares „Der Sturm“ und „Auf der Suche 

nach Odysseus“. 

Enrico Beeler eröffnet mit dieser Produktion die neue 

Saison am Jungen Schauspielhaus. Sowohl „Ein 

himmlischer Platz“ als auch „Stones“, die er in der 

vergangenen Spielzeit inszenierte, werden in der 

neuen Spielzeit wieder aufgenommen und bilden den 

Kern des Repertoires. Die viel beachtete Produktion 

„Titus“ des belgischen Autors Jan Sobrie, die er 2010 

mit der freien Gruppe jetzt&co. Theaterproduktion 

Zürich herausbrachte, ist in der Saison 2010/11 zu 

zahlreichen internationalen Gastspielen eingeladen. 

Das Geschenk des weissen Pferdes 

von Rudolf Herfurtner 


Ab 7 Jahren 

Regie Antonia Brix 

Bühne und Kostüme Cornelia Koch 

Es wird Frühling. Der kleine Tasi bittet seinen 

Grossvater Ulan, mit ihm zum Fluss zu reiten und dem 

brüllenden Bullen zuzuschauen. Aber Ulan ist alt und 

schwach. Deshalb erzählt er lieber zusammen mit 

Grossmutter Nuri die Geschichte der Pferdekopfgeige. 

Es ist die Geschichte von dem Knecht Suhe und 

seinem kleinen weissen Pferdchen, das er pflegt und 

beschützt. Es wächst zum schönsten Pferd des 

Landes heran und selbst die Prinzessin ist von ihm 

bezaubert. Doch aus Eifersucht wird Suhes Pferd 

getötet. Suhe ist untröstlich, da erscheint ihm 

im Traum das Pferd und zeigt ihm, wie er aus 

seinen Knochen, der Haut und den Haaren eine Geige 

baut. Die Musik der Pferdekopfgeige schliesslich kann 

Suhes Kummer heilen. 

Rudolf Herfurtner hat über 40 Erzählungen, Romane, 

Theaterstücke, Hörspiele, Drehbücher und 

Opernlibretti verfasst. Zu seinen bekanntesten 

Büchern zählen „Mensch Karnickel“ (1990), „Milo und 

die Jagd nach dem grünhaarigen Mädchen“ (2000) 

und „Ohne Musik ist alles nichts – Geschichten über 

die Musik“ (2008). Stücke wie „Das Geheimnis der 

Blätter“, „Spatz Fritz“ und „Nachtvögel“ gehören zum 

festen Repertoire des Kinder- und Jugendtheaters. 

Für „Die Geschichte des weissen Pferdes“ erhielt 

Rudolf Herfurtner 2010 den Autorenpreis des Festivals 

„Kaas & Kappes“. 

Die Regisseurin Antonia Brix wurde in Frankfurt a. M. 

geboren, absolvierte Regieassistenzen am Theater 

der Jugend in München, an der Staatsoper Stuttgart 

und am Vorstadttheater Basel. Seit 1992 ist sie 

freischaffende Regisseurin und inszenierte am Thalia 

Theater Halle, Staatstheater Braunschweig, Jungen 

Theater Zürich, Landestheater Linz, Theater an der 

Sihl Zürich, am Staatstheater Stuttgart und am 

schnawwl Mannheim. 

Premiere am 22. Oktober 2010 im Schiffbau/Matchbox 

Da gehören zwei dazu (Arbeitstitel) 

von Eva Rottmann 

Uraufführung 

Ab 11 Jahren 

Regie N.N. 

„Ceylor Hot Shot“ – so heisst das auch für 

Jugendliche geeignete Kondom, das die Aids-Hilfe 

Schweiz in diesem Jahr auf den Markt brachte 

(in Zusammenarbeit mit der Stiftung für sexuelle 

Gesundheit „Planes“, dem Verein Gütesiegel und dem 

Hersteller Lamprecht AG). Boulevardmedien tauften 

das Verhüterli bald „Kinderkondom“ und beklagten die 

Sexualmoral der „Generation Porno“. Ohne sich von 

dieser hysterisch geführten Debatte anstecken zu 

lassen, geht Eva Rottmann in ihrem neuen Stück 

Fragen nach, die Kinder und Jugendliche in diesem 

Zusammenhang beschäftigen: Wie finden sie inmitten 

der stark erotisch aufgeladenen Bilderwelt von MTV 

zu einer individuellen sexuellen Identität und Reife? 

Welche Vor-Bilder haben sie im Kopf, wenn sie an Sex 

denken? Inwiefern prägen Musikvideos von 50 Cent, 

Rihana und Co ihre Auffassung von Erotik und Körper? 

Wo oder bei wem suchen sie Antworten bezüglich 

ihrer keimenden Lust und körperlichen Veränderung? 

Wie erträumen sie sich ihr „Erstes Mal“? Und wie 

begegnen sie der Liebe? Die Autorin erzählt die 

Geschichte einer jungen Liebe, die im Sturm der 

Ausseneinflüsse, im Wechselspiel zwischen „Ich“ und 

den „Anderen“ zu einem selbst gewählten Tempo 

finden will. Das Stück entsteht im Austausch mit 

Kindern zwischen 11 und 14 Jahren als 

„Fachpersonen“. 

Eva Rottmann wurde 1983 in Würzburg geboren. 

Ihr erstes Theaterstück „Eidechsen und Salamander“ 

entstand im Rahmen von „Schreib für die Bühne, 

4. Jahrgang“, wurde im Oktober 2008 mit dem 

„Kathrin-Türks-Preis“ des Landestheaters Burghofbühne 

Dinslaken und 2009 mit dem Jugenddramatikerpreis 

des Festivals „Kaas & Kappes“ ausgezeichnet. 

2008/09 nahm sie am Stück Labor Basel teil und 

erhielt den Publikumspreis für ihr Stück „Skills“. 

Mit „Unter jedem Dach (ein ach)“ war sie zum 

Heidelberger Stückemarkt 2010 eingeladen. 

In der Spielzeit 2009/10 arbeitete sie als 

Theaterpädagogin am Schauspielhaus Zürich. 

Apropos… 

Angeregt durch Theatererlebnisse im Schauspielhaus 

schreiben Kinder und Jugendliche Geschichten, 

Tagebucheinträge, Liedtexte, Dialoge, Gedichte. 

Schauspieler, Musiker, Regisseure erarbeiten daraus 

kleine Theaterereignisse. Die Uraufführungen durch 

die professionellen Darsteller finden in Anwesenheit 

der Autorinnen und Autoren statt. 

Apropos Weit ist der Weg 


Premiere im November 2010 im Schiffbau/Matchbox 

Apropos Dornröschen 

Regie N.N. 

Premiere im Dezember 2010 im Schiffbau/Matchbox 

Apropos Dürrenmatt 


Premiere im April 2011 im Schiffbau/Matchbox 

Apropos Schwarze Spinne 

Regie N.N. 

Premiere im Juni 2011 im Schiffbau/Matchbox 

Premiere am 18. September 2010 im Schiffbau/Box 

Neueinrichtung einer Produktion des Theaters 

an der Sihl 

Premiere im Mai 2011 im Schiffbau/Matchbox 

Im Rahmen des europäischen Pausenplatz-Projektes 

„platform 11+“

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Gastspiele und Wiederaufnahmen 

Festival 

Mehr als Zuschauen 

Gastspiele und Lesungen 

Thematisch, ästhetisch oder personell an den 

Spielplan des Schauspielhauses Zürich angebundene 

Gastspiele und Lesungen ergänzen den Spielplan 

des Jungen Schauspielhauses. Titel und Termine sind 

dem jeweiligen Monatsspielplan und der Website zu 

entnehmen. 

Ein himmlischer Platz 

von Guus Kuijer 

Ab 10 Jahren 


Bühne Flurin Madsen 

Kostüme Isabel Schumacher 

Musik Simon Hostettler 

Im Januar/Februar 2011 im Schiffbau/Matchbox 

Eigentlich ist es ein ganz gewöhnlicher Tag. Aber 

dann fliegt ein Spatz auf Florians Kopf und bleibt in 

seinen Haaren sitzen. Fortan passieren ungewöhnliche 

Dinge: Katja aus der Schule überfällt ihn mit einer 

Liebeserklärung, zusammen lernen sie die alte Frau 

Raaphorst kennen, in deren Welt ein Schlüssel eine 

Gabel ist und vorvorgestern heute, dann stellt er fest, 

dass seine Eltern ständig zu diskutieren, in 

Wirklichkeit aber aneinander vorbei reden... 

Stones 

von Tom Lycos und Stefo Nantsou 


Ab 12 Jahren 


Bühne und Kostüme Karoline Young 

Musik Nicolas Dauwalder 

Im November 2010/März 2011 im Schiffbau/Matchbox 

Zwei Jugendliche versuchen der Langeweile zu 

entkommen und fordern sich gegenseitig mit immer 

gefährlicheren Mutproben heraus, bis eine davon 

tödlich endet. „Stones“ erzählt eine wahre 

Begebenheit: 1994 warfen zwei Jugendliche Steine 

von einer Autobahnbrücke bei Melbourne und töteten 

dabei einen Universitätsprofessor. Zwei Schauspieler 

verkörpern sowohl die Jugendlichen als auch die 

beiden Ermittler. Bekannte Muster der 

Schuldzuweisung werden dadurch hinterfragt. 

Blickfelder – Künste für alle (Schul-)Klassen 

vom 14. bis 27. März 2011 im Schiffbau/Box, 

im Schiffbau/Matchbox und im Pfauen 

Das internationale Festival „Blickfelder“ ist zu Gast 

im Schauspielhaus Zürich. Während zwei Wochen 

werden Bühnen und Säle von vielen verschiedenen 

Kulturinstitutionen mit Theater, Tanz, Literatur, Film, 

Musik und Kunst für ein junges Publikum bespielt. 

Das Junge Schauspielhaus spiegelt mit seiner 

professionellen Theaterarbeit und deren Vermittlung 

das Programm des Festivals. 

Während des Festivals setzen sich Kinder und 

Jugendliche mit den verschiedenen Künsten 

auseinander. Sie spielen und reden mit. Sie werden 

mit unerwarteten Klängen, rätselhaften Geschichten 

und unbequemen Bildern konfrontiert. Kinder und 

Jugendliche kommen in Kontakt mit Künstlern. 

Das Programm des Festivals besticht durch seine 

Qualität und Innovation und fördert den 

internationalen Austausch der Zürcher Kulturszene. 

Zwölf Mal ging „Blickfelder“ bereits über die Zürcher 

Bühnen, dreimal tanzte es aus der Reihe und brachte 

Kinder und Jugendliche damit in den Genuss von 

zeitgenössischem Tanz. 

Veranstaltet von der Bildungsdirektion Kanton Zürich 

Das Junge Schauspielhaus bietet Kindern, 

Jugendlichen und Erwachsenen auch in der neuen 

Spielzeit ein breit gefächertes theaterpädagogisches 

Angebot. Sowohl Schulen als auch die Öffentlichkeit 

sind eingeladen, sich das Theater auch aktiv aus 

verschiedenen Perspektiven zu erschliessen: spielend, 

forschend, schreibend und begleitend. Bezugspunkte 

dafür sind sowohl der Spielplan des Jungen 

Schauspielhauses als auch ausgewählte Produktionen 

des Abendspielplans. 

Spielen 

Spielclubs 

Kinder, Jugendliche und Erwachsene spielen unter 

professioneller Anleitung selbst Theater. Sie 

improvisieren, entwickeln eigene Geschichten, 

schlüpfen in fremde Rollen, trainieren Körper und 

Stimme, erproben verschiedene Theatermittel und 

stehen mit anderen zusammen vor Publikum auf der 

Bühne. 

Ferienangebote: „Theater trifft…“ 

Im Sommer, Herbst, Winter, Frühjahr erobern sich 

Kinder zwischen 7 und 11 Jahren spielend einen 

Bereich ausserhalb des Theaters. Sie treffen auf 

Spezialisten der Wissenschaft, des Verkehrs, der 

bildenden Kunst, der Literatur und anderen Bereichen. 

Matchpoint – offene Bühne 

Regelmässig gibt es in der Matchbox die Möglichkeit, 

selbst auf der Bühne zu stehen – jeweils thematisch in 

Anlehnung an eine Produktion des Jungen 

Schauspielhauses. 

Forschen 

Wie entsteht ein Spielplan? 

Kinder zwischen 9 und 11 Jahren bringen Geschichten, 

Figuren und Fragen ins Theater und lesen alte und 

neue Stücke. Sie reden mit Regisseuren über das, 

was sie im Theater sehen wollen, treffen sich mit 

Autoren und beeinflussen damit den Spielplan im 

Jungen Schauspielhaus. 

Kritikerclub 

Man trifft sich, um gemeinsam Vorstellungen 

anzuschauen, diese auszuwerten und im Gespräch 

Kriterien für das Beobachten zu finden. Man stellt 

öffentlich Fragen an das Theater und die Welt, führt 

Interviews mit Schauspielern, Musikern, Regisseuren 

etc. Die entstandenen Ton-, Bild- und Textbeiträge 

werden auf junges.schauspielhaus.ch veröffentlicht. 

Schreiben 

Kinder, Jugendliche und Erwachsene entdecken die 

Welt der Sprache, spielend und schreibend. Die 

entstandenen Gedichte, Erzählungen, Szenen und 

Liedtexte werden durch Autoren und professionelle 

Schauspieler öffentlich vorgestellt. 

Theater und Schule 

Premierenklassen 

Schulklassen sind eingeladen, die Entstehung neuer 

Inszenierungen unmittelbar mitzuerleben, sie zu 

begleiten und sich einen eigenen Zugang zu diesen 

Produktionen zu erarbeiten. 

Einstimmung/Nachbereitung 

Für Schulklassen werden Einstimmungen und 

Nachbereitungen sowie Begleitmaterialien angeboten. 

Führungen 

Termin und inhaltliche Ausrichtung nach Anmeldung, 

für alle Altersklassen. 

Praktika 

Für Schülerinnen und Schüler, Schulabgänger und 

Studierende bestehen durch die Spielzeit hindurch 

Praktikumsmöglichkeiten in den Berufsfeldern 

Dramaturgie, Bühnenbild, Theaterpädagogik, 

Kostüm und Regie. 

Das Gesamtprogramm des Jungen Schauspielhauses 

erscheint gesondert im August 2010.

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Kasse, Vorverkauf 

Theaterkasse 

für alle Vorstellungen Pfauen und Schiffbau 

Rämistrasse 34, 8001 Zürich 

Neue Öffnungszeiten 

Montag bis Samstag 11–19 Uhr 

Telefon 044 258 77 77 

Telefax 044 259 77 77 

theaterkasse@schauspielhaus.ch 

Vom 28. Juni bis 15. August bleibt die 

Theaterkasse geschlossen. 

Kreditkarten 

Wir akzeptieren EC-Direkt (Maestro), Postcard, 

VISA, MasterCard, American Express. 

Online-Buchungen 

Unter www.schauspielhaus.ch 

Theaterkarten sitzplatzgenau buchen, mit 

Kreditkarte bezahlen und mit print@home 

bequem zuhause ausdrucken. 

Vorverkauf 

Der Vorverkauf beginnt jeweils am 

15. des Monats für den Folgemonat. 

Vorverkauf für AbonnentInnen 

2 Tage vor dem freien Verkauf, 

jeweils am 13. jeden Monats 

Vorverkauf für Mitglieder der Gesellschaft 

der Freunde des Schauspielhauses 

1 Tag vor dem freien Verkauf, 

jeweils am 14. jeden Monats 

Vorverkauf für September 2010 

ab Montag, 16. August 

Generell: Fällt der 13., 14. bzw. 15. eines 

Monats auf einen Sonn- oder Feiertag, so 

verschiebt sich der jeweilige Vorverkaufsbeginn 

auf den nächsten Arbeitstag. 

Tages-/Abendkasse 

Jeweils 1 Stunde vor Vorstellungsbeginn 

Für Schiffbau/Matchbox und Pfauen/Kammer: 

jeweils ½ Stunde vor Vorstellungsbeginn 

Auskunft über freie Plätze 

Für die jeweiligen Tages-/Abendvorstellungen 

im Pfauen und im Schiffbau: Täglich ab 

11 Uhr unter Telefon 044 258 77 00 

Karten per Post 

Sie können schriftlich, telefonisch oder per 

Fax Karten reservieren und sich diese per 

Post zusenden lassen. Die Bezahlung erfolgt 

unter Angabe Ihrer Kreditkartennummer. 

Die Bestellung muss spätestens 5 Tage 

vor dem gewünschten Vorstellungstermin 

bei der Theaterkasse eingetroffen sein. 

Für die Postzustellung berechnen wir einen 

Kostenbeitrag von 5 Franken. 

Sitzplan im Pfauen 

Bühne Bühne 

Reihe 1 

018 017 016 015 014013012011 010009 008 007 006 005 004 003 002 001 Reihe 1 

2 

020 021 022 023 024 025 026 027 028 029 030 031 032 033 034 035 036 037 038 039 040 2 

3 

064063062061 060059 058057 056 055 054053 052051 050049048 047 046 045 044 043 3 

4 

067 068 069 070 071 072073074075 076 077 078 079 080 081 082 083 084 085 086 087 088 089 4 

5 

117 116 115 114 113 112 111 110 109108 107106105104 103 102 101100 099 098097 096 095 094 093092 5 

6 

120 121 122 123 124 125 126127128 129130 131132 133 134 135136137138 139140 141142 143 144 145146 6 

7 

176 175 174 173 172 171 170 169 168 167 166 165 164 163 162 161 160 159 158 157 156 155 154 153 152 151 150 149 7 

8 

179 180 181182 183 184 185 186187188 189190191 192 193 194 195 196 197 198 199 200 201 202 203 204 205 206 207 8 

9 

239 238 237 236 235 234 233 232 231 230 229 228 227 226 225 224 223 222 221 220 219 218 217 216 215 214213212211 210 9 

10 

242 243 244 245 246 247 248 249 250251 252253254255 256 257 258259 260261 262263264265 266 267 268269 270 271 272 10 

11 

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Loge 2 

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Loge 2 

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Loge 2 

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Loge 3 

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Loge 3 

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Loge 4 

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Loge 4 

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Loge 5 

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Loge 5 

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Loge 5 

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12 

R 313314315 316 317 318319 320 321 322 323 324 325 326 327 12 R 

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14 

350351 352353354355 356 357 358359 360361 362363364 14 

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16 

385 386 387 388 389 390391 392393 394395 396 397 398399 400 401 16 

17 

421 420 419 418417 416 415 414413412 411 410409408 407 406 405 404 17 

18 

423 424 425 426 427 428 429 430 431 432 433 434 435 436 437 438 439 440 441 18 

19 

460459 458457 456 455 454453452451 450449448 447 446 445 444 443 19 

20 

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531530 529528 527526525524 523 522 521520 519 518 517 516 515 514 23 

Balkon Balkon 

Reihe 1 

582 583 584 585586587588 589590591 592 593 594 595 596 597 598 599 600 Reihe 1 

2 

619 618 617 616 615 614 613 612 611 610 609 608 607606605604 603 602 2 

3 

621622 623 624 625626627628 629630 631 632 633 634 635636637638 639 3 

4 

659 658 657 656 655 654 653 652 651 650 649 648 647646645644 643 642 641640 4 

5 

661 662 663 664 665 666 667 668 669 670 671 672 673 674 675 676 677 678 679 5 

6 

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R = Rollstuhlplätze 

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539 Loge 7 

Preise 

Pfauen Tagespreis Ermässigt Premiere 

1. Kategorie 108.– 74.– 123.– 

2. Kategorie 89.– 57.– 99.– 

3. Kategorie 68.– 40.– 77.– 

4. Kategorie 46.– 23.– 52.– 

5. Kategorie 20.– 10.– 20.– 

Pfauen/Kammer 30.– 20.– 30.– 

Schiffbau/Halle 

1. Kategorie 70.– 50.– 90.– 

2. Kategorie 50.– 30.– 70.– 

Schiffbau/Box 40.– 20.– 60.– 

Theater-Montag 

alle Spielstätten 30.– 20.– 

Alle Preise in Schweizer Franken 

Gruppentarife 

Ab 10 Personen 10% Rabatt 

Ab 20 Personen 15% Rabatt 

Ermässigte Preise 

• Für SchülerInnen, Auszubildende und 

Studierende bis 30 Jahre mit Legi-Ausweis 

• Für Erwerbslose (Kulturlegi), EmpfängerInnen 

von Sozialhilfeleistungen und IV-BezügerInnen 

AHV-BezügerInnen erhalten 50% Rabatt für 

Vorstellungen am Sonntagnachmittag. 

Theatermontag 

Montags kostet jeder Platz – unabhängig von 

der Kategorie – in allen Spielstätten des 

Schauspielhauses nur 30 Franken (mit Legi 

20 Franken). Ausgenommen sind Premieren, 

Fremdveranstaltungen und die Zürcher 

Festspiele. Die Karten können bereits im 

Vorverkauf reserviert bzw. bezogen werden. 

Der Theater-Montag wird unterstützt von 

Migros-Kulturprozent. 

Die Reservation von ermässigten Karten im 

Vorverkauf ist möglich. Entsprechende 

Ausweise müssen beim Einlass unaufgefordert 

vorgezeigt werden. Keine Ermässigungen 

bei Premieren, Fremdveranstaltungen und den 

Zürcher Festspielen. 

Geschenkgutscheine 

sind erhältlich an der Theaterkasse. 

Der Betrag ist frei wählbar. 

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Angebote und Service 

Monatsspielplan per Post 

Den aktuellen Monatsspielplan (Leporello) schicken 

wir Ihnen gerne kostenlos zu. 

Bitte teilen Sie Ihre Anschrift mit an 


Einführungen 

Zu verschiedenen Produktionen bieten 

wir Ihnen vor der Aufführung eine kostenlose 

Einführung an. Angaben dazu finden Sie 

jeweils im Monatsspielplan oder unter 

www.schauspielhaus.ch 

Publikumsgespräche 

An den im Monatsspielplan gekennzeichneten 

Terminen finden im Anschluss an die Vorstellungen 

Gespräche mit Regisseuren, Dramaturgen oder 

Schauspielern statt. 

Schauspieler im Gespräch 

Nach einzelnen Vorstellungen haben Sie 

die Möglichkeit, Schauspielerinnen und Schauspieler 

im Gespräch kennen zu lernen. 

Die entsprechenden Termine finden Sie 

im Monatsspielplan. 

Blick hinter die Kulissen 

Regelmässig finden öffentliche Führungen im 

Schiffbau statt. Die Daten finden Sie jeweils 

unter www.schauspielhaus.ch oder im 

Monatsspielplan. 

Gruppen ab 10 Personen bieten wir Führungen 

im Pfauen und im Schiffbau an. 

Kontakt: marketing@schauspielhaus.ch oder 

Telefon 044 258 72 33 

Ihr Event im Schiffbau oder im Pfauen 

Der Schiffbau verfügt nicht nur über einen 

aussergewöhnlichen Charme, sondern 

bietet auch ein exklusives Ambiente für Ihre 

Veranstaltung im grossen oder kleinen Rahmen. 

Im traditionsreichen Pfauen lassen sich 

Veranstaltungen sowohl im grossen Theatersaal wie 

auch in der Kammer oder im Foyer realisieren. 

Kontakt: ron.lux@schauspielhaus.ch oder 

Telefon 044 258 72 04 

Mit dem Rollstuhl ins Theater 

Gerne reservieren wir einen Rollstuhlplatz für Sie. 

Ein kurzer Anruf an der Theaterkasse genügt. 

Telefon 044 258 77 77 

Hörbügel 

Der Pfauen und neu auch der Schiffbau sind mit einer 

Verstärkeranlage ausgerüstet. Die Hörbügel lassen 

sich individuell auf die gewünschte Hörstärke 

einstellen. Sie können (gegen Depot) kostenlos am 

Büchertisch bezogen werden. 

Taxiservice 

Ihre Taxibestellung nimmt das Foyerpersonal vor der 

Vorstellung und in der Pause gerne entgegen. 

Snack-Bar 

Vor Vorstellungsbeginn und in der Pause 

stehen im Pfauen und im Schiffbau Snack-Bars 

zur Verfügung. 

Restaurant „terroir“ im Pfauen 

Im terroir werden Schweizer Spezialitäten serviert. 

Kurzfristige Tischbestellungen für Theaterbesucher 

nimmt das Foyerpersonal gerne entgegen. 

www.terroir.ch 

terroir@bindella.ch 

Telefon 044 262 04 44 

Restaurant „LaSalle“ im Schiffbau 

Das LaSalle Restaurant & Bar ist Teil des 

architektonisch beeindruckenden Schiffbaus. 

Es werden hauptsächlich Gerichte aus der 

französischen und italienischen Küche serviert. 

www.lasalle-restaurant.ch 

info@lasalle-restaurant.ch 

Telefon 044 258 70 71 

Übernachtungsmöglichkeiten 

Infos zu Hotelunterkünften finden Sie im Internet 

unter www.hotels.ch und www.zuerich.ch. 

Die Accor Hotels „Novotel“, „Ibis“ und „Etap“ 

befinden sich in unmittelbarer Nähe des Schiffbaus 

(www.accorhotels.com). 

In der Nachbarschaft des Pfauens befindet 

sich das Hotel Florhof (www.florhof.ch) sowie das 

Claridge Hotel Tiefenau (www.claridge.ch). 

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Abonnements 

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Abonnements mit freier Wahl von 

Sitzplatz und Daten 

General-Abo Schauspielhaus 

Freier Eintritt – 1 Jahr lang, so oft Sie wollen 

Mit dem General-Abo haben Sie ab Kaufdatum 1 Jahr 

lang freien Eintritt zu allen Vorstellungen und 

Veranstaltungen des Schauspielhauses. 

Ausgenommen sind Premieren, Fremdveranstaltungen 

und die Zürcher Festspiele. 

Ab der Spielzeit 2010/2011 können Sie Ihre 

gewünschten Plätze bequem von zuhause aus 

sitzplatzgenau und mit der GA-Ermässigung im 

Webshop auf www.schauspielhaus.ch buchen. 

Das General-Abo ist nicht übertragbar. 

Single-Abo 890.– 

Legi-Abo 450.– 

Paar-Abo 1500.– 

Das General-Abo wird Ihnen nach Zahlungseingang 

zugesandt. Es ist auch jederzeit an der Theaterkasse 

erhältlich und sofort nach dem Bezug gültig. 

Halbtax-Abo Schauspielhaus 

Immer für die Hälfte ins Theater – 1 Jahr lang, 

so oft Sie wollen 

Das Halbtax-Abo ermöglicht Ihnen, ab Kaufdatum 

1 Jahr lang Karten zum halben Preis für alle 

Vorstellungen und Veranstaltungen des 

Schauspielhauses zu erwerben. Ausgenommen 

sind Premieren, Fremdveranstaltungen und die 

Zürcher Festspiele. 

Ab der Spielzeit 2010/2011 können Sie Ihre 

gewünschten Plätze bequem von zuhause aus 

sitzplatzgenau und mit der Halbtax-Ermässigung im 

Webshop auf www.schauspielhaus.ch buchen. 

Das Halbtax-Abo ist nicht übertragbar. 

Halbtax-Abo 190.– 

Das Halbtax-Abo wird Ihnen nach Zahlungseingang 

zugesandt. Es ist auch jederzeit an der Theaterkasse 

erhältlich und sofort nach dem Bezug gültig. 


Neu: 

10er-Wahlabo 

Das Wahlabo beinhaltet zehn Gutscheine für freie 

Stück- und Terminwahl und bietet Ihnen einen 

beträchtlichen Preisvorteil gegenüber Einzelkarten. 

Es können pro Vorstellung beliebig viele Gutscheine 

eingelöst werden. Bei Premieren zahlen Sie einen 

Premierenzuschlag. Sie können beliebig viele 

Wahlabos erwerben und Sie profitieren von einem um 

2 Tage vorgezogenen Vorverkaufsbeginn. Das Einlösen 

der Gutscheine ist auch im Webshop möglich. 

1. Kategorie: 930.– 





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Abonnements mit festem Sitzplatz 

und fixen Daten 

5er-Abo 

5x Pfauen auf Ihrem Stammplatz 

Mit dem 5er-Abo haben Sie einen beträchtlichen 

Preisvorteil gegenüber den Einzelkarten, einen 

Stammplatz und feste Daten. Den Abo-Platz können 

Sie auch verschenken oder gegen eine Gebühr von 

10 Franken auf ein anderes Vorstellungsdatum der 

gleichen Inszenierung verlegen. Der Umtausch ist bis 

spätestens 1 Tag vor der Vorstellung möglich. 

Bei Umtausch auf Premieren wird ein Zuschlag 

verrechnet. 

1. Kategorie 465.– 






Die Abo-Daten für die erste Spielzeithälfte: 

(die Daten für die zweite Spielzeithälfte werden bis 

Dezember 2010 bekannt gegeben) 

Dienstag Abo 5A 

Fegefeuer in Ingolstadt • Die Panne • 

Die schwarze Spinne • Das Käthchen von Heilbronn • 

Fahrende Frauen (AT) 

05. Oktober 

09. November 

Dienstag Abo 5B 

Die Panne • Geri • Die schwarze Spinne • Platonow • 


26. Oktober 

28. Dezember 

Mittwoch Abo 5A 

Viel Lärm um nichts • Die Panne • Die schwarze 

Spinne • Platonow • Fahrende Frauen (AT) 

20. Oktober 

22. Dezember 

Mittwoch Abo 5B 


Die schwarze Spinne •Medea •Fahrende Frauen (AT) 

27. Oktober 

29. Dezember 

Donnerstag Abo 5A 

Viel Lärm um nichts • Die Panne • 

Die schwarze Spinne • Das Käthchen von Heilbronn • 


28. Oktober 

23. Dezember 

Donnerstag Abo 5B 

Viel Lärm um nichts • Die Panne • 

Die schwarze Spinne • Medea • Platonow 

14. Oktober 

06. Januar 

Freitag Abo 5A 

Viel Lärm um nichts • Die Panne • Die schwarze 

Spinne • Medea • Platonow 

15. Oktober 

05. November 

Freitag Abo 5B 


Die schwarze Spinne • Medea • Platonow 

29. Oktober 

03. Dezember 

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8er-Abo 

8x Pfauen auf Ihrem Stammplatz 

Mit dem 8er-Abo haben Sie einen beträchtlichen 

Preisvorteil gegenüber den Einzelkarten, einen 

Stammplatz und feste Daten. Den Abo-Platz können 

Sie auch verschenken oder gegen eine Gebühr von 

10 Franken auf ein anderes Vorstellungsdatum der 

gleichen Inszenierung verlegen. Der Umtausch ist bis 

spätestens 1 Tag vor der Vorstellung möglich. 

Bei Umtausch auf Premieren wird ein Zuschlag 

verrechnet. 









Dienstag Abo A 

Fegefeuer in Ingolstadt • Viel Lärm um nichts • 

Die Panne • Geri • Die schwarze Spinne • Medea • 

Das Käthchen von Heilbronn • Fahrende Frauen (AT) 

05. Oktober 

09. November 

21. Dezember 

11. Januar 

Dienstag Abo B 

Viel Lärm um nichts • Die Panne • Geri • 

Die schwarze Spinne • Medea • Das Käthchen von 

Heilbronn • Platonow • Fahrende Frauen (AT) 

26. Oktober 

23. November 

28. Dezember 

22. Februar 

Mittwoch Abo A 


Die Panne • Die schwarze Spinne • Medea • 

Das Käthchen von Heilbronn • Platonow • 


13. Oktober 

17. November 

22. Dezember 

09. Februar 

Mittwoch Abo B 





27. Oktober 

01. Dezember 

29. Dezember 

16. Februar 


Donnerstag Abo A 





23. September 

28. Oktober 

23. Dezember 

27. Januar 

Donnerstag Abo B 



Das Käthchen von Heilbronn • Platonow 

14. Oktober 

02. Dezember 

06. Januar 

10. Februar 

Freitag Abo A 




17. September 

15. Oktober 

05. November 

17. Dezember 

Freitag Abo B 

Fegefeuer in Ingolstadt • Die Panne • Geri • 



29. Oktober 

03. Dezember 

07. Januar 

11. Februar 

Sonntag Abo A 


Die Panne • Geri • Medea • Das Käthchen von 


19. September 

17. Oktober 

14. November 

09. Januar 

Sonntag Abo B 




03. Oktober 

24. Oktober 

12. Dezember 

23. Januar 

53 



Migros-Abo 

8 Neuinszenierungen zum Sonderpreis, 

plus Gutschein 

Im Migros-Abo enthalten sind 8 Neuinszenierungen im 

Pfauen und 1 Gutschein im Wert von 60 Franken für 

einen Vorstellungsbesuch Ihrer Wahl im Schiffbau 

(Halle oder Box). Vor jeder Vorstellung im Migros-Abo 

findet eine Einführung statt. 

Mit dem Migros-Abo haben Sie einen beträchtlichen 

Preisvorteil gegenüber Einzelkarten. Die 

Vorstellungsdaten sind variabel auf die Wochentage 

verteilt. Migros-Abo-Plätze können nicht auf andere 

Daten und Produktionen umgetauscht werden. 









Migros-Abo 

Viel Lärm um nichts • Die Panne • Geri • 



08. Oktober 

16. November 

26. Januar 

17. Februar 


Premieren-Abo 

Alle 9 Premieren im Pfauen 

Mit dem Premieren-Abo haben Sie an allen 

Premieren im Pfauen Ihren festen Sitzplatz. 

Den Abo-Platz können Sie auch verschenken oder 

auf ein anderes Vorstellungsdatum der gleichen 

Inszenierung verlegen. Der Umtausch ist bis 

spätestens 1 Tag vor der Premiere möglich. 






Premieren-Abo 





16. September 

30. September 

23. Oktober 

11. Dezember 

20. Januar 

Die Premieren-Daten für Februar bis Mai werden bis 

Dezember 2010 bekannt gegeben. 

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Fester Sitzplatz an fixen Daten im Schiffbau 

Schiffbau-Abo 

2x Schiffbau/Halle und 3x Schiffbau/Box auf Ihrem 

nummerierten Stammplatz 

Mit dem Schiffbau-Abo besuchen Sie beide 

Neuinszenierungen in der Halle sowie 3 Produktionen 

in der Box. Den Abo-Platz können Sie auch 

verschenken oder gegen eine Gebühr von 10 Franken 

auf ein anderes Vorstellungsdatum der gleichen 

Inszenierung verlegen. Der Umtausch ist bis 

spätestens 1 Tag vor der Vorstellung möglich. Bei 

Umtausch auf Premieren wird ein Zuschlag 

verrechnet. 






Tod eines Handlungsreisenden (Halle) • Stiller (Box) • 

A Dream Within a Dream – Ein Edgar Allan Poe- 

Projekt (Box) • Ödipus. Ein Projekt (Halle) • Eine 

Inszenierung von Sebastian Baumgarten (Box) 

21. September 

11. November 


Spezialabos 

Programmheft-Abo 

Mit dem Programmheft-Abo bekommen Sie die 

Programmhefte zu allen Stücken Ihres jeweiligen 

Abonnements im Voraus nach Hause geschickt. 

5er-Abo 40.– 

8er-Abo 64.– 

Schiffbau-Abo 35.– 

Abo Série française 

3x au Schauspielhaus à votre place attitrée 

A nouveau au programme, trois spectacles en 

français, tous donnés au Pfauen. 

1. catégorie 279.– 



4. catégorie 117.– 


La saison débute avec „Les chaises“ d’Eugène 

Ionesco, les deux pièces suivantes, ainsi que les 

dates auxquelles elles seront jouées, vous seront 

communiquées fin mai par courrier. 

Les chaises 15/16 décembre 

L’abonnement est automatiquement prolongé 

d’une année s’il n’est pas résilié par écrit avant 

le 15 juin 2011. 

Für alle Abonnements gilt: 

Der Abo-Ausweis wird Ihnen nach Zahlungseingang 

zugesandt. Ein Abo verlängert sich automatisch 

um eine Spielzeit, sofern es nicht bis zum 15. Juni 

der laufenden Saison gekündigt wird. 

Ausserdem erhalten Sie als AbonnentIn auf 

zusätzliche Kaufkarten 10%Rabatt (ausgenommen 

sind Premieren, Fremdveranstaltungen, bereits 

vergünstigte Vorstellungen wie beispielsweise der 

Theater-Montag und die Zürcher Festspiele). 

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Mitarbeiterinnen 

und Mitarbeiter 

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Leitung 

Direktion 

Barbara Frey, Künstlerische Direktorin 

Ernst Jäggli, Kaufmännischer Direktor 

Johanna Grilj, Künstlerische Referentin 

Silke Slevogt, Künstl. Direktionsassistentin 

Barbara Ballini, Kaufmännische 

Direktionsassistentin 

Künstlerische Leitung 

Barbara Frey, Künstlerische Direktorin 

Andrea Schwieter, Chefdramaturgin und 

stv. Künstlerische Direktorin 

Tom Till, Künstlerischer Betriebsdirektor 

Bettina Meyer, Ausstattungsleiterin 

Petra Fischer, Leiterin Junges Schauspielhaus 

Dramaturgie 

Andrea Schwieter, Chefdramaturgin 

Lukas Bärfuss, Schriftsteller/Dramaturg 

Katja Hagedorn, Dramaturgin 

Thomas Jonigk, Schriftsteller/Dramaturg 

Roland Koberg, Dramaturg 

Meike Sasse, Dramaturgieassistentin 

Flurina Ribi Forster, Mitarbeiterin 

Künstlerisches Betriebsbüro 

Tom Till, Künstlerischer Betriebsdirektor 

Walther Schorn, Disponent 

Marcus Paetzold, Disponent für Junges 

Schauspielhaus und Gastspiele 

Mandy Leistner, Betriebsbüro 

Marianne Korn, Mitarbeiterin und Archiv 

Junges Schauspielhaus 

Petra Fischer, Leiterin und Dramaturgin 

Enrico Beeler, Regisseur/Stv. Leiter 

Caroline Ringeisen, Theaterpädagogin 

Kommunikation/Medien&PR 

Kathrin Gartmann, Leiterin 

Sebastian Steinle, Assistent 

Tanja Dorendorf, Fotografin 

Matthias Horn, Fotograf 

Toni Suter, Fotograf 

Silke Slevogt, Medienarbeit Junges 

Schauspielhaus 

Kommunikation/Marketing&Verkauf 

Bea König, Leiterin 

Claudio Rizzo, Mitarbeiter Marketing/ 

Webmaster 

Robert Zähringer, Leiter Foyer&Empfang 

Jörg Wegenaer, Leiter Theaterkasse 

Ron Lux, Events 

Rafael Koch, Grafik 

Bühne 

Schauspiel/Ensemble 

Franz Beil 

Jan Bluthardt 

Ludwig Boettger 

Gottfried Breitfuss 

Klaus Brömmelmeier 

Carolin Conrad 

Jean-Pierre Cornu 

Ursula Doll 

Nadine Geyersbach 

Patrick Güldenberg 

Robert Hunger-Bühler 

Niklas Kohrt 

Julia Kreusch 

Franziska Machens 

Michael Maertens 

Miriam Maertens 

Aurel Manthei 

Klara Manzel 

Sean McDonagh 

Isabelle Menke 

Fabian Müller 

Michael Neuenschwander 

Nicolas Rosat 

Markus Scheumann 

Siggi Schwientek 

Frank Seppeler 

Lilith Stangenberg 

Friederike Wagner 

Susanne-Marie Wrage 

Jirka Zett 

Schauspiel/Gäste 

Robert Baranowski 

Gabor Biedermann 

Matthias Bundschuh 

Wowo Habdank 

Nina Hoss 

Frauke Jacobi 

Daniel Kasztura 

Ruth Oswalt 

Caroline Peters 

Tim Porath 

Jörg Schröder 

Barbara Sukowa 

Suzanne Thommen 

Kathrin Veith 

Lukas Waldvogel 

Jeroen Willems 

Regie 

Lola Arias 

Stefan Bachmann 

Sebastian Baumgarten 

Enrico Beeler 

Philippe Besson 

Luc Bondy 

Robert Borgmann 

Antonia Brix 

Frank Castorf 

Barbara Frey 

Heike M. Goetze 


Karin Henkel 

Mélanie Huber 

Thomas Jonigk 

Stefan Kaegi 

Leonhard Koppelmann 

Daniela Löffner 

Anca Munteanu Rimnic 

Sebastian Nübling 

Dušan David Pařízek 

Stefan Pucher 

René Pollesch 

Clemens Sienknecht 

Lars-Ole Walburg 

Sasha Waltz 

Hannes Weiler 

Bühne und Kostüme 

Ricarda Beilharz 

Duri Bischoff 

Tabea Braun 

Marysol del Castillo 

Henrike Engel 

Jana Findeklee 

Esther Geremus 

Muriel Gerstner 

Hugo Gretler 

Lena Hiebel 

Claudia Kalinski 

Georg Keller 

Anja Kerschkewicz 

Inge Gill Klossner 

Cornelia Koch 

Eva Krämer 

Stéphane Laimé 

Flurin Madsen 

Barbara Maier 

Pia Maier Schriever 

Bettina Meyer 

Hartmut Meyer 

Moritz Müller 

Anca Munteanu Rimnic 

Bettina Munzer 

Dušan David Pařízek 

Elisabetta Pian 

Kamila Polívková 

Agnes Raganowicz 

Thilo Reuther 

Silke Rudolph 

Sarah Schittek 

Jochen Schmitt 

Bernd Skodzig 

Michael Sontag 

Nadia Schrader 

Isabel Schumacher 

Robert Schweer 

57 

Joki Tewes 

Marc Totzke 

Gesine Völlm 

Bettina Walter 

Nina Sophie Wechsler 

Penelope Wehrli 

Karoline Young 

Musik 

Jean-Paul Brodbeck 

Nicolas Dauwalder 

Stephan Eicher 

Fritz Hauser 


Simon Hostettler 

Arno Kraehahn 

Reyn Ouwehand 

Clemens Sienknecht 

Tom Tafel 

Lars Wittershagen 

Roman Zach 

Michael Rauter 

Léon Schaetti 

Videodesign 

Andi A. Müller 

Sebastian Pircher 

Regieassistenz 

Julia Burger 

Mélanie Huber 

Jörg Schwahlen 

Hannes Weiler 

Simone Karpf (Gast) 

David Koch (Gast) 

Bühnenbildassistenz 

Anja Kerschkewicz 

Barbara Pfyffer 

Nadia Schrader 

Demian Wohler (Gast) 

Kostümassistenz 

Eva Krämer 

Agnes Raganowicz 

Nina Sophie Wechsler 

Sprechtraining 

Jürgen Wollweber 

Statisterie 

Rudolf K. Rath, Leiter 

Inspizienz 

Aleksandar Sascha Dinevski 

Michael Durrer 

Ralph Fuhrmann 

Hansruedi Herrmann 

Soufflage 

János Stefan Buchwardt 

Rita von Horváth 

Gerlinde Uhlig Vanet 

Geeri Seifert (Gast) 

Administration 

Ernst Jäggli, Kaufm. Direktor 

Peter Hüttenmoser, Leiter 

Finanzen und Controlling und 

Stv. Kaufm. Direktor 

Kurt Spahr, Buchhaltung 

Stefan Bachmann, Buchhaltung 

Rudolf K. Rath, Hauptkasse 

Yvonne Kunz, Personalleiterin 

Harry Kulmitzer, 

Lohnadministration 

Juan Cifuentes, Interne Dienste 

NN, Auszubildende/r 

Theaterkasse 

Jörg Wegenaer, Leiter 

Monika Lutz, Stv. Leiterin 

Silvia Fürst 

Roland Hüttner 

Jasmine Johnston 

Uwe Lammersdorf 

Christa Müller 

Davide Pellandini 

Verena Surber-Käslin 

Empfang Schiffbau&Pfauen 

Robert Zähringer, Leiter 

Antonietta Ballini 

Carina Divéky 

Gabriella Muratori 

Rita Planzer 

Foyer Schiffbau&Pfauen 

Robert Zähringer, Leiter 

NN, Stellvertreterin 

Maja Messerli, Abenddienst 

Carola Bachmann, Abenddienst 

Rebekka Stutz, Abenddienst 

Said Aniba, Abenddienst 

Rafael Adame 

Petra Auer 

Reto Bass 

Franziska Beeli 

Norina Binkert 

Damaris Bucher 

Aline Burla 

Zorka Ciklaminy 

Madlaina Degen 

Lorenzo Demenga 

Samuel Erzinger 

Manuela Fuchs 

Julien Gendre 

Gerda Geser 

Annina Gull 

Anna Harff 

Selina Kyburz 

Jael Lendi 

Rebecca Löhrer 

Anina Meier 

Mirka Meier-Sledz 

Rita Planzer 

Gun-Britt Puppato 

Fortunat Reiser 

Saskia Sanders 

Oli Studer 

Graziella Turelli 

Maxine van Eerd 

Doris Vogel 

Kantine Pfauen 

Rosmarie Schmid 

Edward Schmid 

Roland Muster 

Silvan Luzzi 

Dario Pollice 

Pausenbuffet Pfauen 

Kevin Dröscher 

Patrick Imhof 

Nora Spiri 

Kantine/Foyerbar Schiffbau 

Elfie Schneider, Leiterin 

Informatik 

(mit dem Opernhaus Zürich) 

Theodor Scherrer, Leiter 

Andy Gut, System-Administrator 

Raphael König, IT-Support 

Wolfgang Theewen, IT-Support 

und Ticketsystem 

Manuela Leu, Helpdesk/Support 

Cristina Scagnoli, Informatik 

Assistentin 

Beni Dari, Auszubildender 

Luca Sommer, Auszubildender 

Technischer Hausdienst 

Dieter Fenner, Leiter 

Hugo Wey, Stellvertreter 

Heiko Hornung 

Niko Meier 

Roger Siegrist 

Hansueli Tischhauser 

Marco Troxler 

Raphael Staub, Auszubildender 

Fabio Sousa, Auszubildender 

Reinigungsdienst 

Nada Boss, Vorarbeiterin 

Ana Maria Bianco 

Goretti Carneiro da Silva 

Ulrich Geissbühler 

Rosa Lima Oliveira Lima 

Olinda Maria Montalvao Fernandes 

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Technik 

Dirk Wauschkuhn, 

Technischer Direktor 

Ralf Kranzmann, Stv. 

Technischer Direktor 

Paul Lehner, Produktionsleiter 

Jens Lorenzen, Techn. Assistenz 

Bettina Rizzi, Mitarbeit 

Technische Direktion 

Dominik Schluep, 

Veranstaltungstechniker Events 

Albert Brägger, Konstrukteur 

Martin Caflisch, Konstrukteur 

Maya Harrison, Konstrukteurin 

Bühnentechnik 

Ralf Kranzmann, Leiter 


Angelo Rosenfelder, Co-Leiter 


Florin Dora, Bühnenmeister 

Daniel Lötscher, Bühnenmeister 

Ruedi Schuler, Bühnenmeister 

Räthus Veraguth, Bühnenmeister 

Alex Barmettler, Vorarbeiter 

Bronijc Cipolli, Vorarbeiter 

Constantino Martinez, Vorarbeiter 

Lorenz Storrer, Vorarbeiter 

Johann Strauss, Vorarbeiter 

Anton Tomic, Vorarbeiter 

Noëmi Trautmann, Vorarbeiterin 

Beat Dind, Maschinist 

Thomas Germann, Maschinist 

Boris Kerin, Maschinist 

Etienne Porret, Maschinist 

Dominik Binggeli, Möbler 

Lukas Brunner, Möbler 

Kaspar Reumer, Möbler 

Martina Stoisser, Möblerin 

Daniel Treichler, Lagerlogistiker 

Rolf Schiesser, Chauffeur 

Daniel Beck 

Bruno Bigger 

Mario Brack 

Philipp Coebergh 

Paul Dorn 

Walter Dünner 

Andreas Ecknauer 

Rolf Fauser 

Bruno Flammer 

Volker Jaussi 

Riki Jerjen 

Hans Kothgassner 

Jan Kriesi 

Gianluca Sani 

Jean-Pierre Schawalder 

Jem White 

Beleuchtung 

Rainer Küng, Leiter 

Sascha Haenschke, Stellvertreter 

Frank Bittermann, 

Beleuchtungsmeister 

Ginster Eheberg, 

Beleuchtungsmeisterin 

Markus Keusch, 

Beleuchtungsmeister 

Jérôme Bueche, Stellwerk 

Rouven Keller, Stellwerk 

Benedikt Kreutzmann, Stellwerk 

Alexander Oberlis, Stellwerk 

Udo Raible-Sameli, Stellwerk 

Jannes Reineke, Stellwerk 

Carsten Schmidt, Stellwerk 

Uwe Dietert, Vorarbeiter 

Philippe Hofstetter, Vorarbeiter 

Johannes Bruderer 

Franz Eheberg 

Adrian Fry 

Farid Laid 

Silvio Nagele 

Mutja Nils Engel 

Nik Ott 

Leentje Ramm 

Josef Solymosi 

Manuel Spycher 

Rasmus Stahel 

Ton/Video 

Jens Zimmer, Leiter 

Christoph Finé Renfer, 

Stellvertreter 

Katrin Brändli 

Nicolas Dauwalder 

Paul Hug 

Markus Keller 

Fabian Kubelik 

Andi A. Müller 

Joaquin Rivas 

Dorian Rudis 

Thomas Schneider 

Renata Vonarburg 

Holger Wendt 

Requisite 

René Kümpel, Leiter 

Marianne Boos, Stellvertreterin 

Jarek Awgulewicz 

Rock Battaglia 

Urs Bruderer 

Seraina Heinz 

Isabella Keldany 

Daniel Läuchli 

Randolf Matthies 

Peter Polin 

Dagmar Renfer 

Sonja Tezacki 


Maske 

Erich Müller, Leiter 

Judith Janser Ruckstuhl, 

Stellvertreterin 

Salome Bigler 

Doris Göpfert 

Winnie Heinz 

Dana Hesse 

Julia Schmincke 

Alexandra Scherrer 


Malsaal 

Thomas Unseld, Leiter 

Hans Keller, Stellvertreter 

Annette Erismann 

Ursina Klemenz 

Oskar Rindlisbacher 

Flurina Trachsel 

Christine Rippmann, 

Theaterplastikerin 

Varina Oberholzer, Auszubildende 

Schlosserei 

Guido Brunner, Leiter 

Hanspeter Fick, Stellvertreter 

Norbert Franke 

Fritz Spiess 

Schreinerei 

Ivano Tiziani, Leiter 

Daniel Härri, Stellvertreter 

Lars Bachmann 

Andy Hohl 

Claude Kaiser 

Mirjam Kuhn 

Martin Leuenberger 


Tapeziererei 

Michel Jenny, Leiter 

Christian Mauerhofer 

Mario Steiner 

Damenschneiderei 

Katharina Schmid, Leiterin 

Brigitta White, Stellvertreterin 

Marion Kaspar 

Karin Metzler 

Karin Siegrist Okocha 

Herrenschneiderei 

Anita Lang, Leiterin 

Andres Eggimann, Stellvertreter 

Maurizio Bello 

Dechen Minder 

Christian Tritscher 


Ankleidedienst 

Katharina Schmid, Leiterin 

Eva Allemann 

Elisabeth Brunner 

Sandra Caviezel, Assistentin 

Simone Choffat 

Esther Elsässer 

Zora Garcia 

Nicole Jaggi 

Reni Lindauer Wey 

Catherine Zimmermann 

59 

Adressen und Ansprechpartner 

Künstlerische Direktion 

Johanna Grilj 

Referentin 

Telefon 044 258 75 01 

Telefax 044 259 75 01 

johanna.grilj@schauspielhaus.ch 

Silke Slevogt 


Telefon 044 258 75 03 

Telefax 044 259 75 03 

silke.slevogt@schauspielhaus.ch 

Kaufmännische Direktion 

Barbara Ballini 


Telefon 044 258 72 01 

Telefax 044 259 72 01 

barbara.ballini@schauspielhaus.ch 

Künstlerisches Betriebsbüro 

Mandy Leistner 

Telefon 044 258 75 13 

Telefax 044 259 75 13 

mandy.leistner@schauspielhaus.ch 

Technische Direktion 

Bettina Rizzi 

Telefon 044 258 71 09 

Telefax 044 259 71 09 

bettina.rizzi@schauspielhaus.ch 

Dramaturgie 

Flurina Ribi Forster 

Telefon 044 258 75 02 

Telefax 044 259 75 02 

flurina.ribi@schauspielhaus.ch 

Junges Schauspielhaus 

Administration 

Schiffbau 

Giessereistrasse 5 

8005 Zürich 

Telefon 044 258 75 18 

Telefax 044 259 75 18 

junges@schauspielhaus.ch 

Kommunikation – Medien &PR 

Kathrin Gartmann 

Telefon 044 258 72 39 

Telefax 044 259 72 39 

kathrin.gartmann@schauspielhaus.ch 

Kommunikation – Marketing&Verkauf 

Bea König 

Telefon 044 258 72 07 

Telefax 044 259 72 07 

bea.koenig@schauspielhaus.ch 

Events im Pfauen und im 

Schiffbau 

Ron Lux 

Telefon 044 258 72 04 

Telefax 044 259 72 04 

ron.lux@schauspielhaus.ch 

Personal 

Yvonne Kunz 

Telefon 044 258 72 40 

Telefax 044 259 72 40 

yvonne.kunz@schauspielhaus.ch 

Postadresse 

Schauspielhaus Zürich AG 

Zeltweg 5 

8032 Zürich 

Theaterkasse 

Telefon 044 258 77 77 

Telefax 044 259 77 77 


Zentrale 

Telefon 044 258 70 70 

Telefax 044 259 70 70 

Verwaltungsrat 

Bruno Bonati, Präsident 

Dr. Brigitte von der Crone, 

Vizepräsidentin 

Dr. Gerhard Brunner 

Victor Gähwiler 

Irene Herbst 

Anne Keller Dubach 

Thomas E. Kern 

Norbert Müller 

Dr. Fritz Wehrli 

(Stand 23. 4. 2010) 

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Gesellschaft der Freunde 

des Schauspielhauses 

Mit der Gesellschaft der Freunde des 

Schauspielhauses erleben Sie exklusive 

Theater-Momente vor und hinter der Bühne. 

Als Mitglied feiern Sie mit den Mitarbeiterinnen 

und Mitarbeitern des Schauspielhauses 

jedes Jahr ein grosses gemeinsames Fest. 

Sie sind dabei, wenn die Freunde des 

Schauspielhauses für besondere Verdienste 

auf und hinter der Bühne jährlich 

„Die Goldene Maske“ verleihen. 

Sie profitieren von einer Vielzahl weiterer 

Veranstaltungen wie Führungen durch das Haus, 

Theaterreisen, Gesprächen mit Künstlerinnen 

und Künstlern und anderem mehr. 

Und: Für Mitglieder der Gesellschaft der Freunde 

beginnt der Vorverkauf 1 Tag vor dem regulären 

Start – also jeweils am 14. des Monats. 

Zudem erhalten Sie an der Theaterkasse einen 

Rabatt von 20% auf alle Karten (ausgenommen 

sind Premieren, die Zürcher Festspiele und 

Fremdveranstaltungen). 

Interessiert? 

Gerne senden wir Ihnen unser Programm 

für die Spielzeit 2010/2011 zu. 

Kontakt: 

Gesellschaft der Freunde 

des Schauspielhauses 

Irene Beerli, Geschäftsstelle 

Zeltweg 5 

8032 Zürich 

Telefon 079 646 99 52 

freunde@schauspielhaus.ch 

Wir danken für die Unterstützung 

Unsere Vorstellungen werden ermöglicht 

dank der Subventionen der Stadt Zürich, 

des Kantons Zürich sowie der folgenden 

Partner, Sponsoren und Mäzene: 

Partner 

Credit Suisse AG 

Swiss Re 

Migros-Kulturprozent 

Sponsoren und Stiftungen 

Ars Rhenia Stiftung 

René & Susanne Braginsky-Stiftung 

Stiftung Corymbo 

Gesellschaft der Freunde des Schauspielhauses 

Ernst Göhner Stiftung 

Hans Imholz-Stiftung 

Pro Helvetia 

Ringier AG 

Truus und Gerrit van Riemsdijk Stiftung 

Georg und Bertha Schwyzer-Winiker Stiftung 

UBS Kulturstiftung 

Vontobel Stiftung 

Zuger Kulturstiftung Landis & Gyr 

Zürcher Theaterverein 

Medienpartner 

Keystone Schweiz 

Tamedia AG 

Offizielle Ausstatter 

Arctic Paper Schweiz AG 

Confiserie Sprüngli AG 

Eichhof Getränke AG & Kellerei St. Georg 

Glen Fahrn 

Optiker Zwicker 

Philips AG 

Shiseido 

Vispota AG 

Waser Bürocenter AG 

Kooperationen 

APG Affichage 

Arthouse Commercio Movie AG 

Buchhandlung im Volkshaus 

Kino Xenix 

Kino Riffraff 

Kunsthaus Zürich 

Plot Factory Weisslingen 

Speck Print AG, Baar 

Spoiled Milk 

Zürcher Gesellschaft für Personalmanagement 

Unser Dank gilt auch allen 

Gönnerinnen und Gönnern, 

die nicht genannt werden möchten. 

61 

Impressum 

Herausgegeben von der 

Schauspielhaus Zürich AG 

Zeltweg 5 

8032 Zürich 

Saison 2010/11 

Künstlerische Direktorin: Barbara Frey 

Kaufmännischer Direktor: Ernst Jäggli 

Redaktion: Dramaturgie 

Serviceteil: Marketing 

Redaktionsschluss: 23. April 2010 

Auflage: 30 000 Exemplare 

Druck: Speck Print AG, Baar 

Verpackungsfolie: Plastipac Zürich AG, Obfelden 

Konzeption und Gestaltung: 

Studio Cornel Windlin 

Cornel Windlin, Gregor Huber, Ivan Sterzinger 

Der Bildteil entstand durch Recherchen auf den 

Internet-Suchmaschinen Google, Bing, Tineye, 

oSkope und verschiedener Tageszeitungen. 

Der Grossteil der Abbildungen stammt von der 

Zürcher Bildagentur Keystone. 

Wir bedanken uns für die grosszügige Unterstützung 

und die angenehme Zusammenarbeit. 

www.keystone.ch 

Zusätzlich wurden Bilder von Produktionen der 

vergangenen Spielzeit 2009/10 verwendet, 

aufgenommen von Matthias Horn, Berlin und 

T+T Fotografie, Zürich. 

Es wurden alle Anstrengungen unternommen, 

die Urheber der in dieser Publikation enthaltenen 

Abbildungen korrekt zu identifizieren. Sollte es trotz 

aller Sorgfalt zu unbeabsichtigten Fehlangaben oder 

Unterlassungen gekommen sein, bitten wir um 

Nachsicht und entsprechende Kontaktnahme mit 

dem Schauspielhaus Zürich. 

© Die Urheberrechte liegen bei den jeweiligen Autoren 

und/oder deren Vertretern. 

Wir danken für Hilfe und Unterstützung 

Kulturbüro Zürich 

Alberto Balsalm 

Tom Kadlcik 

Ted Kaczynski 

Werner Semmler 

Radek Sidun 

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Wir setzen uns für Menschen und Kultur ein. 

Bretter, die die Welt bedeuten, deuten die 

Welt auf ganz besondere Weise. 

Als Darstellerin am Schauspielhaus Zürich steht Carolin Conrad sowohl auf der Bühne als auch im Leben fest am 

Boden, denn nur wersich in jeder Rolle selbsttreuist,kann sein Bestesgeben. Mit Können, Fleiss und Herzblut. 

Ein Engagement, das wir mit Überzeugung unterstützen. Mehr über unsere Partnerschaft mit dem Schauspielhaus 

Zürich erfahren Sie auf unserer Website. 

Besuchen Sie uns auf www.swissre.com 

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Vorverkauf 

044 258 77 77 

schauspielhaus.ch

1 

Beilage zur Saisonvorschau 2010/11 

Mit Originalbeiträgen von 

Barbara Frey, Annemarie Pieper, Lola Arias, Stefan Kaegi, Thomas Jonigk, Lukas Bärfuss, 

René Pollesch, Werner Morlang, Udo Rauchfleisch, Christian Geyer, Regula Schwager, Katja Hagedorn, 

Jens Bisky, François Höpflinger, Reinhard Fatke, Allan Guggenbühl, Meike Sasse, Roland Koberg

2 

3 „Auf was für einer Erde bin ich?“ —Vorwort von Barbara Frey 

4 „Verzweifelt ihr?“ —Annemarie Pieper über Gott 

6 „Was finde ich hier?“ —Lola Arias und Stefan Kaegi über Zürich, Buenos Aires und Berlin 

8 „Sind die Tore verriegelt?“ —Thomas Jonigk über Deutschsein und In-der-Schweiz-Sein 

10 „Was heisst hier Heimat?“ —Lukas Bärfuss in Betrachtung der Schweizer Natur 

11 „Wie soll ich mich in diesem Falle fassen?“ —René Pollesch über Sprache und Berührung 

12 „Hat das Verhör etwa schon begonnen?“ —Werner Morlang über Krimis 

13 „Was verschweigst du?“ —Udo Rauchfleisch über das Schweigen 

15 „Göttliche Vorhersagen, wo seid ihr?“ —Christian Geyer über Willensfreiheit 

17 „Ist das Missbrauch?“ —Regula Schwager über sexuellen Missbrauch 

20 „Ward, seit die Welt steht, so etwas erlebt?“ —Jens Bisky über Ritter bei Kleist 

22 „Wann haltet ihr Hochzeit?“ —François Höpflinger über Familien 

24 „Darf ich mir erlauben, mich ein wenig zu wundern?“ —Reinhard Fatke und Allan Guggenbühl über Märchen 

27 „Worin liegt, Ihrer Meinung nach, die Bedeutung des Theaters?“ — 20 Zürcher Passanten geben Antwort 

28 „Was sagt man dazu?“ —Das Schauspielhaus 2009/10 in Fakten und Zahlen 

30 „Woher kommst du?“ —Autorenverzeichnis 

3 

„Auf was für einer Erde bin ich?“* 

Vorwort von Barbara Frey 

Ich habe als Schweizerin zehn Jahre lang in 

Deutschland gelebt. Es war eine gute Zeit. Meinen 

noch immer deutlich hörbaren Schweizer Akzent 

werde ich nie ablegen; ich muss ja zum Glück auch 

nicht, da ich nicht Schauspielerin bin. 

Wenn an meinem alten Wohnort Berlin Leute mich 

reden hörten, fragten sie mich immer, obich 

Schweizerin, Österreicherin oder Bayerin sei. 

Interessanterweise fragten sie das unabhängig von 

ihrer eigenen Herkunft. Sie hörten alle die Musikalität, 

die sprachlichen Farbtöne, die offenbar 

gleichermassen für das Schweizerische, das 

Österreichische und das Bayerische charakteristisch 

sind. Ich dachte immer, das seien bestimmt die zum 

„o“ tendierenden „a“s oder die typische 

Initialbetonung oder dergleichen. Jedenfalls 

antwortete ich jeweils nicht ohne einen Anflug von 

verborgenem heimatlichem Hochgefühl, ich sei 

Schweizerin. Und verblüffenderweise waren die 

Reaktionen ausnahmslos heiter bis feierlich. Ich 

bekam eine ganze Reihe von teilweise abenteuerlichen 

Komplimenten zu hören: Was für eine unglaubliche 

Landschaft esdagäbe, was für Berge, Seen, Wälder, 

welch herrliches Essen, welche Sprachvielfalt. Da 

mochte ich natürlich denken: Naja, das kann man 

auch irgendwo gelesen haben und das gilt ja nicht nur 

für die Schweiz… Aber aufhorchen musste ich 

tatsächlich stets, wenn betont wurde, wie offen, 

freundlich und tolerant die Menschen in der Schweiz 

im Allgemeinen seien und dass dies doch 

international gesehen eine fantastische Besonderheit 

sei. Mir wurde immer ein wenig mulmig, weil ich 

dachte, dass dem nicht immer und überall so sei und 

man da offensichtlich übertreibe. Gleichzeitig war 

ich überzeugt, es müsse ja etwas dran sein, und 

wahrscheinlich sei ich schon zu lange weg und hätte 

darum den Kontakt zur „Schweizer Realität“ verloren. 

Letztlich habe ich mich insgeheim doch auf 

merkwürdige Art gefreut, obwohl ich mich nie als 

besonders patriotisch empfunden habe. 

Weit weniger gefreut habe ich mich dann allerdings, 

als in der ersten Spielzeit –ich war mittlerweile gut in 

Zürich angekommen und rund um die Uhr am 

Schauspielhaus beschäftigt –immer wieder neu 

engagierte deutsche Kolleginnen und Kollegen vor mir 

standen und mich etwas betreten fragten: „Sag mal, 

was läuft hier eigentlich ab? War das in Zürich immer 

so?“ Sie waren teilweise amüsiert und noch etwas 

unschlüssig hinsichtlich der immer lauter werdenden 

Attacken gegen Deutsche, teilweise aber auch 

schockiert und verärgert über die unsägliche 

Geschmacklosigkeit und Lautstärke, die in dieser 

„Debatte“ vorherrsch(t)en. 

Und ich? Ich war zuallererst irritiert. In zehn Jahren 

Berlin (mit Wohnort Kreuzberg-Südost, in einem 

sozialen Brennpunkt) war ich nicht ein einziges Mal 

als SCHWEIZERIN beleidigt worden, wegen meiner 

Herkunft veräppelt, angefeindet oder diskreditiert 

worden. (An andere, für die Stadt typische Berliner- 

Schnauze-Frechheiten hatte ich mich schnell 

gewöhnen können.) Ich musste umdenken, und zwar 

rasch. Das wars wohl tatsächlich gewesen mit der 

vielbeschworenen Schweizer Offenheit, Toleranz und 

Feingeistigkeit? Dann geschah etwas Erstaunliches: 

Ausgerechnet die Deutschen selbst, die 

Angefeindeten, formierten sich immer wieder zu 

kleinen Schweiz-Verteidigungstrupps und betonten, 

das sei nur eine schwierige Phase und die gegen sie 

als Deutsche formulierten Frechheiten seien bestimmt 

nicht so gemeint. Insgesamt müsse man den Zorn der 

Schweizer ja auch verstehen und man hätte ihnen 

mittlerweile fast alles weggenommen, zuletzt noch 

das Bankgeheimnis, welches genau besehen gar nicht 

so eine grosse Schweinerei sei, wie immer gesagt 

würde, und zu guter Letzt sei die Lebensqualität hier 

enorm und die Schönheit unbezahlbar und die 

Respektlosigkeiten nur ein vorübergehendes 

Phänomen und und und... 

Welch seltsame Situation. Während ich also als 

Schweizerin noch händeringend Ursachenforschung 

betrieb und meine Wut imZaum zu halten suchte, 

waren esDeutsche, die mir auf die Sprünge halfen. 

Was Selbstreflexivität und Analysefähigkeit der 

eigenen Geschichte angeht, macht ihnen niemand 

etwas vor. Das hat eben genau mit ihrer Geschichte 

zu tun. Wir alle wissen das. Ihre Fähigkeit zur 

Selbstkritik sollte uns anspornen, uns Mut machen, 

über die EIGENEN Bücher zu gehen, anstatt dauernd 

in erkennungsdienstlichem Übereifer auf die „Fehler“ 

der anderen zu zeigen. 

Ich hatte das Glück, mit deutscher Literatur 

aufzuwachsen. Sie begleitet mich bis heute 

permanent und ich freue mich darauf, mit „Fegefeuer 

in Ingolstadt“ zu Beginn der Spielzeit ein Stück einer 

grossen, eigensinnigen deutschen Schriftstellerin zu 

inszenieren, die sich gnadenlos mit der Geschichte 

ihres Landes beschäftigt hat und eine Gesellschaft 

zwischen zwei Kriegen zeigt, der Gott abhanden 

gekommen ist und die in Provinzialismus und 

Ressentiments erstarrt. Marieluise Fleisser war eine 

hochsensible Beobachterin, eine hellwache 

Seismographin. Sie ist amSchauspielhaus noch nie 

gespielt worden. 

Ich freue mich auf unsere zweite Spielzeit am 

Schauspielhaus Zürich und auf ein offenes, 

neugieriges Publikum –hoffentlich auch aus unsern 

Nachbarländern. Übrigens: Wir leben und arbeiten 

alle sehr gerne hier in Zürich. 

Ihre Barbara Frey 

Herausgegeben von der Schauspielhaus Zürich AG, Zeltweg 5, 8032 Zürich, Saison 2010/11 

Künstlerische Direktion: Barbara Frey, Kaufmännische Direktion: Ernst Jäggli, Redaktion: Dramaturgie 

Konzeption: Cornel Windlin, Gestaltung: Cornel Windlin und Gregor Huber 

Druck: Speck Print AG, Baar 

*aus: Marieluise Fleisser, „Fegefeuer in Ingolstadt“ 

„Fegefeuer in Ingolstadt“ —abSeptember im Pfauen 

„A Dream Within aDream“ —abDez. im Schiffbau/Box 

„Platonow“ —abApril im Pfauen

4 5 

„Verzweifelt ihr?“* 

Die Philosophin Annemarie Pieper über Gott 

In der ‚Gretchenfrage’ „Nun sag’, wie hast du’smit 

der Religion?“ schwingt eine Frage mit, die seit jeher 

nicht nur die einfachen Leute, sondern ganz 

besonders auch die Theologen, die Philosophen und 

die Dichter umgetrieben hat: Glaubst duanGott? So 

selbstverständlich man im Zuge der sozio-kulturellen 

Prägung mit dem Bezirk des Heiligen und den 

überlieferten rituellen Gebräuchen vertraut gemacht 

wurde, so zweifelhaft erschienen diese anerzogenen 

Gewohnheiten in Krisensituationen und Notlagen. 

In der griechischen Antike war es jedoch undenkbar, 

dass jemand die Frage „Glaubst duanGott?“ mit 

einem Nein beantwortete. Die Leugnung des 

Göttlichen hätte das Menschen- und Weltbild zerstört, 

das sich auf eine kosmische Gemeinschaft von 

Menschen und Göttern gründete. Dennoch kommen in 

Sophokles’ Dramen Personen vor, denen ein Mangel 

an Glaube zum Verhängnis wird. So möchte Kreon 

erst einen Seher um Rat und Weisung bitten, bevor er 

seinen als Vatermörder und Mutterschänder entlarvten 

Schwager Ödipus aus dem Land verbannt. Auf 

Ödipus’ Frage „Um solch unseligen Mann schickt ihr 

zum Gotte?“ antwortet Kreon: „Ja, und auch du wirst 

wohl jetzt an ihn glauben.“ Ödipus hatte zwar das 

Orakel immer ernst genommen und alles daran 

gesetzt, dem geweissagten Schicksal zu entgehen – 

anders als seine Frau/Mutter Iokaste, die von 

Vorhersagen nichts hielt und das Leben dem 

Zufallsprinzip unterstellte. Aber Ödipus glaubt dem 

blinden Seher Teiresias nicht, als dieser ihm die 

Wahrheit offenbart. Und dies kommt einer 

Verleugnung des Göttlichen gleich. Indem er sich 

blendet, gesteht Ödipus seine Verblendung ein und 

bekennt sich schuldig. Als Blinder erst ist erzum 

Sehenden geworden, nachdem er eingesehen hat, 

warum er den Hass der Götter erregte. Nicht sie 

haben sein Schicksal vorherbestimmt, sondern er hat 

es selbst gewählt. Sie haben ihn vor Gefahren 

gewarnt, die er mit grösserem Gottvertrauen vielleicht 

hätte vermeiden können, indem er etwa das Leben 

eines Mönchs führte und sich konsequent jeglicher 

Gewaltausübung enthielt. 

Ödipus’ Schuld ist vergleichbar mit jener von Adam 

und Eva. Auch sie verleugneten Gott, als sie sich dem 

göttlichen Verbot widersetzten und vom Baum der 

Erkenntnis assen. Sie schlugen die Weissagung, dass 

sie sterben würden, in den Wind und entschieden sich 

für jene Zukunft, die die Schlange ihnen versprach: Ihr 

werdet sein wie Gott. Doch ohne Gott kann man als 

Mensch nicht wie Gott sein. Ausserhalb des 

Paradieses sind die Menschen den Bedingungen von 

Raum und Zeit unterworfen, Naturkatastrophen 

ebenso hilflos ausgesetzt wie feindlichen Angriffen 

seitens der Mitmenschen. Das christliche Heilmittel 

gegen die durch den Sündenfall herbeigeführte 

Gottferne sind Schuldbekenntnis und Reue. Dadurch 

wird Gott ausdrücklich als Gott anerkannt und in die 

menschliche Lebenswelt zurückgeholt. Man glaubt 

wieder an Gott. In der Moderne taucht ein neuer 

Typus von Gottesleugnern auf, innerlich zerrissene 

Persönlichkeiten, die sich wie Faust mit Gott messen 

und schliesslich mit dem Teufel einlassen, um die 

eigene Ohnmacht zu überwinden. Gretchens Frage 

läuft bei Faust ins Leere, denn mit Religion hat er 

nichts mehr am Hut, nachdem er in allen 

Wissenschaften an der Frage gescheitert ist, was die 

Welt im Innersten zusammenhält, und am Ende als 

armer Tordasteht. Von dieser Enttäuschung ist es 

dann nur noch ein kleiner Schritt bis zur vollständigen 

Negation Gottes, wie sie Friedrich Nietzsche als Tod 

Gottes beschreibt. Allerdings hatte die Zerstörung des 

christlichen Gottesbildes einen hohen Preis, so dass 

schon eine gewisse Tollheit dazu gehörte, Gott zu 

leugnen. In der „Fröhlichen Wissenschaft“ lautet 

Aphorismus 125, der überschrieben ist mit „Der tolle 

Mensch“, folgendermassen: 

„Habt ihr nicht von jenem tollen Menschen gehört, 

der am hellen Vormittage eine Laterne anzündete, auf 

den Markt lief und unaufhörlich schrie: ‚Ich suche 

Gott! Ich suche Gott!‘ —Dadort gerade Viele von 

Denen zusammen standen, welche nicht an Gott 

glaubten, so erregte er ein grosses Gelächter. Ist er 

denn verloren gegangen? sagte der Eine. Hat er sich 

verlaufen wie ein Kind? sagte der Andere. Oder hält 

er sich versteckt? Fürchtet er sich vor uns? Ist erzu 

Schiff gegangen? ausgewandert? —soschrieen und 

lachten sie durcheinander. Der tolle Mensch sprang 

mitten unter sie und durchbohrte sie mit seinen 

Blicken. Wohin ist Gott? rief er, ich will es euch 

sagen! Wir haben ihn getödtet, —ihr und ich! Wir Alle 

sind seine Mörder! Aber wie haben wir dies gemacht? 

Wie vermochten wir das Meer auszutrinken? Wer gab 

uns den Schwamm, um den ganzen Horizont 

wegzuwischen? Was thaten wir, als wir diese Erde von 

ihrer Sonne losketteten? Wohin bewegt sie sich nun? 

Wohin bewegen wir uns fort? Fort von allen Sonnen? 

Stürzen wir nicht fortwährend? Und rückwärts, 

seitwärts, vorwärts, nach allen Seiten? Giebt es noch 

ein Oben und ein Unten? Irren wir nicht wie durch ein 

unendliches Nichts? Haucht uns nicht der leere Raum 

an? Ist esnicht kälter geworden? Kommt nicht 

immerfort die Nacht und mehr Nacht? Müssen nicht 

Laternen am Vormittage angezündet werden? Hören 

wir noch Nichts von dem Lärm der Todtengräber, 

welche Gott begraben? Riechen wir noch Nichts von 

der göttlichen Verwesung? —auch Götter verwesen! 

Gott ist todt! Gott bleibt todt! Und wir haben ihn 

getödtet. Wie trösten wir uns, die Mörder aller 

Mörder? Das Heiligste und Mächtigste, was die Welt 

bisher besass, es ist unter unseren Messern 

verblutet, —und wer wischt dieses Blut von uns ab? 

Mit welchem Wasser können wir uns reinigen? 

Welche Sühnfeiern, welche heiligen Spiele werden wir 

erfinden müssen? Ist nicht die Grösse dieser That zu 

gross für uns? Müssen wir nicht selber zu Göttern 

werden, um nur ihrer würdig zu erscheinen?” 

Der tolle Mensch —ein Narr einerseits, der 

ungeschminkt die Wahrheit sagen darf, andererseits 

ein Verrückter, der den Verstand verloren hat 

angesichts seiner Zeitdiagnose —weist auf die 

Konsequenzen der Eliminierung Gottes hin. Die 

Spötter, die sich zu Beginn des Textes über den 

Redner lustig machen, haben das Drama noch gar 

nicht begriffen, in welchem eine gottlos gewordene 

Menschheit die Hauptrolle spielt. Sie, denen Gott 

nichts mehr bedeutet, haben nicht erkannt, dass 

seine Abwesenheit andere Folgen hat, als wenn 

jemand sich verlaufen hat oder ausgewandert ist. 

In dem Fall wäre Gott noch vorhanden und könnte 

ausfindig gemacht werden. Aber jemand, der getötet 

wurde, kommt nicht zurück. Er ist nicht bloss 

vorübergehend, sondern für immer abwesend. Wenn 

Nietzsche hier von Mord spricht, dann spielt er zwar 

auch auf die Kreuzigung Jesu Christi an, aber was er 

im übertragenen Sinn meint, ist die radikale Loslösung 

von Gott als dem Schöpfer dieser Welt. Gott wird 

gleichsam aus dem menschlichen Selbstverständnis 

gestrichen und sein Name auf den Müllhaufen der 

Geschichte geworfen. 

Doch die Lücke, die Gott hinterlässt, ist nicht einfach 

eine Leerstelle, sie bringt vielmehr das gesamte 

Weltgefüge ins Wanken. Die Bilder, durch die 

Nietzsche dies anschaulich macht, sind eindrücklich. 

Sie beschwören ein Endzeitszenario herauf. Was wird 

aus der Welt, wenn man sie der Sonne beraubt? 

Es wird dunkel und kalt. Horizontlos und ohne 

Mittelpunkt, um den sie kreisen kann, stürzt die Erde 

ins Nichts. Was Nietzsche hier beschreibt, ist die 

Erfahrung, die jemand macht, der keinen Gott mehr 

anerkennt und ohne religiöse Beziehung, allein und 

orientierungslos auf sich selbst gestellt, plötzlich 

gewahr wird, dass er jene sinnstiftenden Leistungen, 

die er zuvor Gott zugeschrieben hat, nun selbst, aus 

eigener Kraft erbringen muss, ohne in gleicher Weise 

dazu befähigt zu sein. 

Und nicht nur das, er muss auch mit den 

Schuldgefühlen fertig werden, die sich bei ihm als 

‚Gottesmörder‘ unausweichlich einstellen. Sie 

suggerieren ihm, dass der Befreiungsschlag zwar dazu 

geführt hat, dass er die Kette losgeworden ist, an die 

er gebunden war, dass er gleichzeitig aber jeglichen 

Halt verloren hat. Das Positive der Kette war ja 

gerade, dass sie den Lebensbereich des Menschen 

auf ein überschaubares Mass begrenzte und ihn daran 

hinderte, sich im Nichts zu verlieren. Nunmehr 

bindungslos, stellt er fest, dass er zwar radikal frei 

geworden ist, aber nichts mehr hat, woran ersich 

halten kann. Die Stütze, die ihm die an Gott 

angepflockte Kette bot, hat er weggeschlagen, mit 

dem Ergebnis, dass alles, was bisher als wahr, gut 

und schön gegolten hat, keine Geltungskraft mehr 

besitzt, weil aller Sinn in Gott verankert war. Indieser 

verzweifelten Situation ist aus Nietzsches Sicht nur 

eine Rettung möglich: Der Mensch muss sich auf sich 

selbst besinnen und alle seine Kräfte sammeln, um 

dem Sinnvakuum Widerpart zubieten. 

„Es giebt einen See, der es sich eines Tages 

versagte, abzufliessen, und einen Damm dort aufwarf, 

wo er bisher abfloss: seitdem steigt dieser See immer 

höher. Vielleicht wird gerade jene Entsagung uns auch 

die Kraft verleihen, mit der die Entsagung selber 

ertragen werden kann; vielleicht wird der Mensch von 

da an immer höher steigen, wo er nicht mehr in einen 

Gott ausfliesst.“ 

Durch den Glauben an einen Gott entmachtete sich 

der Mensch, indem er alle Macht Gott zuschrieb. 

Nun muss er —wie es das Bild vom steigenden See 

suggeriert —die zuvor vergeudeten Kräfte in sich 

sammeln, um autark zu werden. Mit steigendem 

Wasserspiegel wächst sein Eigenwert. All das Wasser, 

das vorher keinen See zustande brachte, weil es 

sofort abfloss, wird nun gestaut. Das ist die Situation 

des autonom gewordenen Menschen im 21. 

Jahrhundert. Es steht ihm frei, an einen Gott zu 

glauben oder nicht. Doch unabhängig davon, ob er 

den Menschen als Produkt einer göttlichen Schöpfung 

oder als Zufallsergebnis der Evolution betrachtet, 

verpflichtet ihn seine neu gewonnene Freiheit dazu, 

die Rechte, die er für sich selbst fordert —das 

Recht auf freie Selbstbestimmung und auf die 

Unverletzlichkeit seiner Person —auch jedem anderen 

menschlichen Wesen zuzugestehen. Menschenwürde 

—wie oft sie auch missachtet und verletzt wird — 

ist jener fundamentale Wert, der ein humanes 

Miteinander ermöglicht und dem Leben Sinn gibt. 

*aus: Sophokles, „König Ödipus“ 


„Ödipus“ —abJanuar im Schiffbau/Halle 

„Das Käthchen von Heilbronn“ —abMärz im Pfauen 

„Platonow“ —abApril im Pfauen

6 7 

„Was finde ich hier?“* 

Die Autorin und Regisseurin Lola Arias und der Regisseur Stefan Kaegi über Zürich, Buenos Aires und Berlin 

Für das Schauspielhaus Zürich und das HAU Berlin 

entwickeln wir ein Festival. In der nächsten Spielzeit 

werden in Berlin, Buenos Aires und Zürich öffentliche 

Räume bespielt, die es in jeder Stadt gibt und die 

doch in jeder Stadt wieder anders sind. Seit bald 

einem Jahr suchen wir für die von uns eingeladenen 

Künstler in den drei Städten nach Orten, die 

Bühnenbilder für temporäre Fiktionen sein könnten. 

Hier porträtieren wir acht Stationen unserer 

Recherche: 

Buenos Aires und Zürich, Bahnhof 

Der Bahnhof „Retiro“ in Buenos Aires und der Zürcher 

Hauptbahnhof sind weitläufig und hoch gebaut mit 

riesigen Fenstern, die alles beleuchten. In der Mitte 

finden sich eine Reihe Kioske, Imbissbuden und 

Geschenkboutiquen. In beiden Bahnhöfen erinnert die 

Architektur an eine vergangene Zeit, als wären Züge 

ein Medium, das die Vergangenheit mit der 

Gegenwart und der Zukunft verbindet. In Zürich 

warten die Menschen im Sitzen oder Stehen wie 

menschliche Skulpturen. In Retiro lassen die Züge auf 

sich warten und die Reisenden stellen sich in 

Schlangen, die an den Zugängen zu den Bahnsteigen 

beginnen. An beiden Orten scheint es, dass das 

Warten die Grundhaltung der Darsteller dieses 

Stückes ist, das Warten auf die Abreise oder das 

Warten nach der Ankunft ineiner Stadt, in der man 

niemanden kennt. Wir gehen über den Bahnhof und 

überlegen, wo Schriftsteller am besten sitzen könnten, 

um aufzuschreiben, was sie beobachten, während ihre 

Worte auf grosse Leinwände zwischen die 

Werbeblöcke projiziert werden. Während wir die 

Passanten beobachten, stellen wir uns ihre 

Geschichten vor, wir konstruieren ihren Roman in 

unseren Köpfen. Manchmal beschreiben wir die 

Choreographien der Ankommenden und Abreisenden 

mit Worten, die Untertitel für Taubstumme sein 

könnten. Wir fragen uns, welche Romane die 

argentinischen und Schweizer Schriftsteller wohl über 

die Reisenden schreiben werden. Werden die 

Schriftsteller im Bahnhof zu einer Art literarischer 

Überwachungskamera? 

Buenos Aires, Hotel Ibis 

Dieses Ibis sieht genauso aus wie jedes andere Ibis 

Hotel auf der Welt, nur dass es neben dem Kongress 

steht. Von den Fenstern des Hotels sieht man die 

Plaza, wo täglich Demonstrationen vorbeiziehen und 

Familien in Kartonschachteln neben einem Brunnen 

leben, Büroangestellte auf Holzbänken zu Mittag 

essen und Politiker den Platz auf dem Weg zur 

nächsten Abstimmung überqueren. In der 

automatischen Glastür, die das Hotel von der Stadt 

trennt, scheint sich dieses Chaos in die Farben Weiss, 

Rot und Grün aufzulösen –die Farben der Flagge 

eines Landes: Ibisland. Sechs Frauen mit grün-rotweissen 

Uniformen setzen sich vor uns wie 

Soldatinnen mit drei blitzenden Sternen auf ihren 

Brüsten. Als wir sagen, dass wir etwas von ihrem 

Leben und ihrer Arbeit erfahren möchten, scheinen 

sie erst Verdacht zu schöpfen, wir seien Spione, die 

das Hotel schickt, um sie auszuhorchen. Aber nach 

und nach merken sie, dass wir uns tatsächlich für ihre 

Geschichten interessieren und beginnen vorsichtig: 

Eine Frau erzählt, wie sie sich in einen Gast verliebte 

und Briefe in seine Tasche steckte. Die nächste, wie 

sie sich über die Gäste ärgert, die sich verliebte 

Botschaften mit Lippenstift auf den Badezimmerspiegel 

schreiben, den zu putzen dann mindestens zehn der 

maximal 15 Minuten veranschlagten Zeit pro Zimmer 

in Anspruch nimmt. Die dritte, dass sie am besten 

putzt, wenn sie dazu Telenovelas schaut. Ihre 

Geschichten werden lebendig wie die von 

Gespenstern, die unser Bettzeug wechseln, unseren 

Müll wegwerfen, unsere Kleider ordnen, wenn wir 

nicht da sind. 

Berlin, Hotel Ibis 

Das Ibis in der Anhalter Strasse befindet sich nur 

wenige Meter von der ehemaligen Grenze entfernt. 

Die Mauer steht hier nicht mehr, dafür das historische 

Museum „Topographie des Terrors“. Das Hotel zeigt 

keine Spuren von Geschichte. In den achtziger Jahren 

gebaut, reiht es sich in eine Reihe von ähnlichen 

Hotelketten in anderen Preissegmenten ein –alle mit 

neutral einladendem Rezeptions-Design. Ein Manager 

nimmt uns mit auf eine kleine Tour durch sein Hotel. 

Die Zimmer sind fast identisch mit denen in Buenos 

Aires, nur das Muster der Bettdecken und die Grösse 

der Mini-Shampoo-Flaschen variieren. Wir bitten 

darum, die Räume für das Dienstpersonal zu sehen 

und der Manager nimmt uns mit in den Friedhof der 

schmutzigen Bettwäsche, die Essecke und die 

Umziehkabinen der Zimmermädchen. Die Schliessfächer 

sind alle gleich bis auf ein aufgeklebtes Herzchen 

oder einen klein geschriebenen Namen, der verrät, 

wem welches Schliessfach gehört. Wir wollen 

jemanden vom Reinigungspersonal treffen, aber der 

Manager sagt, dass die Reinigung von einer anderen 

Firma erledigt würde und er da seinen Chef fragen 

müsse. Er selber kennt das Putzpersonal nicht, weiss 

aber, dass die meisten Angestellten aus Ex- 

Jugoslawien oder von den Philippinen kommen. 

Wir fragen uns, aus welchen Kriegen und 

Wirtschaftskrisen die Gespenster dieses Hotels wohl 

kommen. 

Zürich, Stadtpolizei 

Es ist nicht einfach, in Zürich ein Gerichtsgebäude zu 

finden, das eine ähnliche Wucht wie das Gericht 

„Tribunales“ in Buenos Aires hat. Offenbar hat die 

Scheu vor Machtkonzentration in der Eidgenossenschaft 

die Gerichtsbarkeit in unscheinbare Verwaltungstrakte 

verdrängt. Dafür zeugt der Eingang der Stadtpolizei 

von Monumentalwillen. Schon durch die Glasscheibe 

sehen wir die Säulenbemalung von Augusto 

Giacometti, dem grossen Koloristen des 20. 

Jahrhunderts. Als wir am frühen Samstagabend 

fragen, ob wir hineinschauen dürfen, wendet der 

Beamte ein, dass jetzt „rush hour für Verhaftungen“ 

sei. Wer imKreis 1oder 2gegen Gesetze verstösst, 

wird durch dieses rotgoldene Gemälde geführt, als 

gälte es in der Zwinglistadt, die mit Sünde Befleckten 

in Farbe zu tauchen. Schliesslich lässt uns der 

Beamte doch zwischen die Säulen, wo sich jeder 

Schritt akustisch zu einem Kirchengang multipliziert. 

Wir sehen zwar keine Verhafteten, aber wir hören 

ihre Schritte. 

Buenos Aires, Bibliothek 

Die Nationalbibliothek ist eine Art Raumschiff, das in 

einem Park gelandet ist. Man betritt das Gebäude mit 

seinen U-Boot-runden Fenstern und befindet sich in 

einer Folge von Star Wars aus den sechziger Jahren. 

Man geht auf eine Reise. 

Wir gehen die Treppen hoch, weil die Fahrstühle 

kaputt sind und landen im Lesesaal, von dem aus 

man durch riesige Fenster die Stadt bis zum Rio de la 

Plata überblickt. Dieser Lesesaal hat fast keine Leser. 

Nur einige Studenten und Angestellte, die neben 

einem Miniaturlift für Bücher auf Bestellungen warten. 

Aber es gibt nicht viele Bestellungen, weil offenbar 

alle zum Studieren ihre eigenen Bücher mitbringen. 

Es heisst, dass der Bestand der Bibliothek ständig 

schrumpft, dass keine neuen Bücher gekauft werden 

und dass es kein Geld für gar nichts gibt. Das einzige, 

was sich hier jeder ausleihen kann, ist Ruhe zum 

Arbeiten. Ruhe von Buenos Aires. Wir gehen flüsternd 

zwischen den schweigend Studierenden und probieren 

verschiedene Positionen aus, in denen man zu zweit 

ein Buch lesen könnte, während man Anweisungen 

von einem Band hört. Lesen ist ein intimer Akt und es 

ist seltsam, eine öffentliche Veranstaltung zwischen 

so vielen lesenden Köpfen abzuhalten. Wir versuchen, 

die Ohren zu spitzen, um zu hören, was umuns 

herum gelesen wird. 

Berlin, Bibliothek 

Die Staatsbibliothek hat schon im Film „Der Himmel 

über Berlin“ von Wim Wenders mitgespielt. Sie ist ein 

sehr weiter, lichtdurchfluteter Raum mit mehreren 

Stockwerken, von denen aus man hunderte von in 

Büchern gesteckte Köpfe sehen kann. Wir sprechen 

die Öffentlichkeitsbeauftragte und den Zuständigen für 

die Rechte der Leser. Letzterer sagt, die Bibliothek sei 

ein Ort zum Studieren und Arbeiten, dass man Ruhe 

brauche und deshalb Theater zwischen den Lesern 

nicht erlaubt sei. Wir erklären, das Stück bestehe 

aber nur aus zwei Tonspuren, die zwei Menschen auf 

zwei Kopfhörern anhören, und niemand werde 

merken, dass ein Theaterstück gespielt werde. Es 

wird von aussen so aussehen, als würden die zwei in 

einem Buch lesen und darüber im Flüsterton reden. 

Wir merken, wie schwierig es ist, zu erklären, dass 

Theater auch aus einem Tonband an einem 

bestimmten Ort bestehen kann, ohne Schauspieler, 

nur für Zuschauer, die bestimmten Instruktionen 

folgen, die den Raum nicht besetzen, sondern nur 

sichtbar machen, lesbar. 

Buenos Aires, Untergrund 

In einer cozina popular (Volksküche) schiebt die Frau 

am Tresen eine Sitzbank zur Seite und öffnet die 

dahinter versteckte Türinden Keller. Hier kommen wir 

ins fensterlose Büro der NGO von Gustavo Vera. 

„Parallele Stadt?“, fragt er und skizziert Buenos Aires 

auf ein knittriges Papier: „Hier im Süden sind 

dreitausend Sweatshops, wo Bolivianer unter 

sklavereiähnlichen Bedingungen Kleider nähen, die in 

Shopping Malls im schickeren Norden der Stadt 

verkauft werden. Man hat ihnen Arbeit und Wohnung 

versprochen und sie mit einem Bus nach Argentinien 

gefahren. Hier müssen sie dann erst einmal arbeiten, 

um die Reise zurückzubezahlen. Sie schlafen auf 

Pritschen neben dem Arbeitsplatz und trauen sich 

nicht aus der Fabrik, weil man ihnen sagt, dass sie 

auf der Strasse sofort verhaftet würden. Irgendwann 

verpfeift man sie dann und sie werden ohne Geld 

zurück nach Bolivien abgeschoben –von der Polizei, 

die sich für ihren Teil am mafiösen System bezahlen 

lässt.“ Gustavo ist aufgeregt, wenn er erzählt. Er 

verspricht, dass er uns die Fenster der Sweatshops 

zeigen wird. Von aussen erkennt man sie nicht, aber 

er weiss, wo sie sind. 

Zürich, Dachterrasse 

Eine der grössten Uhren der Stadt findet sich direkt 

an der Hardbrücke aneinem Hochhaus, dessen 

Treppenhaus wie der Lauf eines Revolvers inden 

Himmel ragt: Das Gemeindezentrum Wipkingen. 

Der Hauswart sagt: „Der Fahrstuhl ist kaputt, aber auf 

die Dachterrasse kommen Sie ganz einfach. Gehen 

Sie aufwärts, bis es nicht mehr weiter geht.“ 

Zehn Stockwerke später stehen wir im Himmel über 

Zürich. Von hier oben sieht man die lange Achse der 

Hardbrücke, den Schiffbau, das Dach des 

Hauptbahnhofs... Die Häuserblocks wie Bauklötze, 

die Abstände zwischen ihnen scheinen ein System zu 

bilden. Jedes Auto da unten und jeder winzige 

Fussgänger schreibt seinen Weg als roten Faden in 

die Stadt. Hier und dort überkreuzen sich die 

Geschichten. Anderswo verlaufen sie parallel. 

Wer aus dieser Feldherrenperspektive auf die Stadt 

herunterschaut, kann die Stadt aufschlagen wie 

ein Buch. 

*aus: Stendhal, „Rot und Schwarz“ 

„Ciudades Paralelas“/„Parallele Städte“ — 

im Juni an verschiedenen Orten in Zürich

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„Sind die Tore verriegelt?“* 

Der Autor Thomas Jonigk über Deutschsein und In-der-Schweiz-Sein 

Als die Berliner Mauer fiel, war ich in den USA. Vor 

mir der Bildschirm eines alten Miniaturfernsehers. 

Darauf zu sehen: jubelnde Menschen. Man sank 

(Fussballfans nicht unähnlich) in fremde Arme, Tränen 

der Freude und der Erleichterung wurden geweint und 

Begrüssungsbananen kistenweise verteilt. Die 

Gesichter der Menschen waren grell gefärbt und ihre 

Stimmen schrill (historisch nicht verbürgt, eher auf die 

schlechte Qualität des Fernsehers zurückzuführen): 

Das Volk vereinigte und feierte sich. 

Ich war versteinert. Nein: panisch. Vor meinem 

inneren Auge erstand ein vereinigtes 

Grossdeutschland, das ich mit Machtmissbrauch, 

Weltherrschaft, Ausgrenzung, Vernichtung und 

Konzentrationslagern in Verbindung brachte. Das 

Deutschland der Gegenwart war für mich die BRD, die 

DDR hatte mit mir nichts zu tun. Die Zusammenführung 

dieser beiden Länder konnte nur die Wiederkehr des 

Immergleichen bedeuten: der Nazi-Zeit. Das war es, 

was bis dahin meine Identität als Deutscher 

ausgemacht hatte: Kam ich nach Israel, war ich 

schuldig am gewaltsamen Todvon sechs Millionen 

Juden. Was man mir auch immer wieder zu verstehen 

gab (und ich selbst genauso sah). Kam ich nach 

Ägypten, gratulierte man mir zu genau diesen sechs 

Millionen Toten („Das habt ihr Deutschen gut 

gemacht!“) oder bat mich flehentlich um Fotografien 

von Adolf Hitler, die ich (hoffentlich unnötig zu 

erwähnen) nicht dabei hatte (und sah mich 

verständnislos bis gelangweilt an, wenn ich zu einem 

empörten Aufklärungsmonolog anhub). Kam ich in die 

USA, dachte man entweder, Berlin sei eine Insel und 

Bertolt Brecht ein Gegenwartsautor (was ein anderes 

Thema ist) oder aber man provozierte mich mit der 

Unterstellung, ich hätte doch als Deutscher sicher ein 

Exemplar von „Mein Kampf“ auf dem Nachttisch 

liegen (weil ich gewagt hatte, etwas Kritisches in 

Bezug auf die USA zusagen). Nicht alle Amerikaner 

waren so: Manchmal wurde man aufgrund der 

Tatsache, Deutscher zu sein, besonders freundlich 

behandelt (so geschehen bei einer Freundin, die als 

Austauschschülerin nach Texas kam und von ihrer 

Gastfamilie am Flughafen mit dem Hitlergruss 

empfangen wurde. Man hatte sich extra informiert, 

dass das bei uns so Sitte sei.). Kam ich nach Holland 

und setzte mich in ein Café, konnte es passieren, 

dass die freundliche ältere Dame mit praktischer 

Kurzhaarfrisur und regenabweisendem Rucksack 

angewidert aufstand und Abstand von mir nahm, weil 

ich unvorsichtigerweise meine Nationalität geäussert 

hatte. 

Ausnahmen. Natürlich. Aber Ausnahmen bestätigen 

die Regel. Deutscher zu sein war für mich nicht 

einfach. Ich wäre für deutschsprachige Kleinstaaten 

(nach dem Vorbild der Fürstentümer) gewesen, um 

eine gefährliche Wiedererstarkung Deutschlands von 

vornherein zu unterbinden, aber die Geschichte hat 

mich nicht unterstützt: Gegen meinen Willen wuchs 

zusammen, was angeblich zusammen gehört. 

Ich begann zu schreiben, meine als persönlich 

empfundene Schuld zu verarbeiten und als 

historisches Erbe zu begreifen, für das es kollektiv 

Verantwortung zu übernehmen gilt. Eine Befreiung. 

Ich zog nach Österreich und musste lernen, dass Hitler 

deutsch und die deutsche Wehrmacht 1938 gegen den 

Willen der widerständischen, österreichischen 

Bevölkerung einmarschiert war. Die auf Photos und 

Filmen dokumentierten jubelnden österreichischen 

Massen entsprachen nicht den historischen 

Tatsachen, die man in Wien auch um das Jahr 2000 

herum in Richtung Deutschland verdrehte. Und obwohl 

die Parteienlage inÖsterreich (Haider), Frankreich (Le 

Pen) oder Italien (Berlusconi) extrem problematisch 

(weil rechtsextrem) war und der Demokratiebegriff 

gedehnt wurde, galt Deutschland als zeitübergreifende 

Gefahr: abonniert auf Rechtsradikalismus. 

Faschismus. Ich wurde wütend. Auf alle. Aber vor 

allem auf mich. Ich begann, mitfühlender auf mein 

Geburtsland zu blicken, in dem man sich immerhin um 

Aufarbeitung bemühte, anders als beispielsweise in 

Österreich, wo man den Deutschen aus all den 

falschen Gründen skeptisch gegenüber steht: weil sie 

grösser, einflussreicher und mächtiger waren. Und 

mehr Schlagzeilen gemacht hatten. 

Erkenntnisse. Einsichten. Dennoch fühlte ich mich 

fortwährend schuldig und verantwortlich. Ich fragte 

mich, weshalb Deutsche die einzigen waren, die sich 

bei einer Fussball-Weltmeisterschaft wünschten, ihr 

eigenes Team möge nur ja nicht gewinnen. Weshalb 

bekam ich Angstzustände, wenn Deutsche ihre Flagge 

schwenkten oder in den Vorgarten hängten? Damit 

keine Missverständnisse aufkommen: Ich plädiere 

nicht für Nationalgefühl. Ich plädiere für eine 

Selbstverständlichkeit und grundsätzliche Möglichkeit 

des individuellen Seins. Und verordnete Schuld oder 

Scham für die eigene Herkunft (national, sozial oder 

familiär) macht unglücklich und ist gefährlich. Ich 

beschloss, mich nicht mehr schuldig zu fühlen. Statt 

als Deutscher bezeichnete ich mich als Schriftsteller, 

Homosexueller, Aussenseiter oder was auch immer. 

Deutsch zu sein verlor seine Bedeutung, nachdem ich 

mir selbst gestattet hatte, es zu sein. 

Bis ich in die Schweiz kam. Viele wunderbare 

Schweizer, die ich im letzten Jahr kennengelernt habe, 

bekräftigten mir gleich beim ersten Treffen 

(unmittelbar nach dem ersten Händeschütteln), sie 

hätten kein Problem mit Deutschen und bestätigten 

damit vor allem eines: „deutsch“ ist inder Schweiz 

ein Reizwort. Plötzlich finde ich mich wieder 

identifiziert mit einer Zuordnung, die ich glaubte, 

hinter mir gelassen zu haben: deutsch. Was auch 

immer das heisst. „Schweizer sein, heisst nicht 

Deutscher zu sein.“, erfahre ich beispielsweise in einer 

Talkrunde des Schweizer Fernsehens, auf Plakaten 

lese ich von „ausländischer Arroganz“ (wobei 

ausländisch mit deutsch gleichzusetzen ist) und 

„deutschem Filz“ (und bin auf fatale, verkehrte Weise 

wieder an die Nazi-Zeit gemahnt bzw. anVokabeln, 

die damals üblich waren). Und selbst aufgeklärte, 

liberale Köpfe bitten mich vorsichtig, Verständnis für 

hiesige Ängste und Stigmatisierungen zu haben, denn 

immerhin „sei Deutschland doch sehr gross.“ Dazu 

kann ich nur eins sagen: Gross ist keine Kategorie. 

Man fühlt sich nämlich trotzdem klein. Und noch eins: 

Ich bleibe erstmal hier (und zwar nicht nur, weil man 

mir von Amtsseite aus eine fünfjährige Arbeits- und 

Aufenthaltserlaubnis erteilt hat). Ich bleibe als 

Schriftsteller, Dramaturg, Regisseur, Privatmensch, 

Tramfahrer, Cumulus-Karteninhaber, Steuerzahler 

(nicht Hinterzieher!), als Hochdeutsch sprechender 

und Schwitzerdütsch immer besser verstehender 

Ausländer. Und damit lässt essich (als Deutscher und 

als Schweizer) schampar guet leben. 

*aus: Euripides, „Die Phönizierinnen“ 

„Stiller“ —abNovember im Schiffbau/Box 

„Geri“ —abDezember im Pfauen 

„Biokraphia“ —abJanuar im Pfauen/Kammer 

„Täter“ —abMai im Schiffbau/Box

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„Was heisst hier Heimat?“* 

„Wie soll ich mich in diesem Falle fassen?“* 

Der Autor Lukas Bärfuss in Betrachtung der Schweizer Natur 

Der Theatermacher René Pollesch über Sprache und Berührung 

Erinnerte mich neulich an eine Begegnung in Maroua, 

einer Wüstenstadt im Norden Kameruns, an der 

Grenze zum Tschad. In der Mittagszeit, im Zedernhain 

am Rande der Hauptstrasse, wohin sich die halbe 

Stadt vor der Hitze geflüchtet hatte, traf ich einen 

jungen Mann, einen Grundschullehrer, den ich zuerst 

für einen fliegenden Händler hielt und abzuwimmeln 

versuchte. Er aber wollte mir nichts verkaufen, 

sondern wissen, woher ich komme. Und ich erklärte 

in wenigen Worten die Schweiz, die Staatsform, das 

Klima, die Jahreszeiten, die vier Landessprachen, die 

Geschichte, den Reichtum –und obwohl ich meine 

Ausführungen knapp hielt, schien der Mann ungeduldig 

zu werden, und als ich mit meinem Abriss schliesslich 

zu Ende war, stellte er mir die Frage, um die sich 

seiner Ansicht nach alles drehte: Et alors, vous étiez 

colonisés par qui? 

Natürlich lachte ich über seine Einfältigkeit, wandte 

mich ab und beeilte mich, die knappe Zeit zu nutzen 

und die Hossère zu besteigen, den Hügel am Rande 

der Stadt. Und wie ich hinanstieg, beäugt von 

Kindern, die nicht verstanden, weshalb man freiwillig 

auf Berge klettert, da ging mir auf, wie berechtigt 

seine Frage war. Wer hat mir beigebracht, von Bergen 

sei mehr zu erfahren als von Menschen? Vielleicht 

waren mein Misstrauen und die Bevorzugung der 

Natur die Übernahme eines kolonialen Denkens? 

Der Urtourist Johann Wolfgang von Goethe beschreibt 

in den Briefen seiner Schweizreise aus dem Jahre 

1779 akribisch die geologischen, botanischen 

Gegebenheiten der Alpen. Über viele Seiten hinweg 

gibt er die Wege wieder, die Felsenschlünde, die 

Bewaldung, das Wetter, eine höchst detaillierte 

Beschreibung jener Gegend –und dann, am neunten 

November 1779, in Leukerbad, ganz unvermittelt dies: 

„Ich bemerke, dass ich in meinem Schreiben der 

Menschen wenig erwähne, sie sind auch unter diesen 

grossen Gegenständen der Natur, besonders im 

Vorbeigehen, minder merkwürdig.“ Einen Tagspäter, 

in Leuk, betritt er dann doch ein Haus. Aber: „Wie 

man auch nur hereintritt, so ekelts einem, denn es ist 

überall unsauber; Mangel und ängstlicher Erwerb 

dieser privilegierten und freien Bewohner kommt 

überall zum Vorschein.“ 

Knapp vierzig Jahre später folgt ihm die junge Mary 

Shelley. Die Idee zu Frankenstein soll ihr bekanntlich 

in Genf zugefallen sein und man müsste einmal 

untersuchen, wie stark die autochthone Bevölkerung 

als Vorbild für ihr Monster diente. Aber das ist eine 

andere Geschichte. Wie Goethe ergeht sich Mary 

Shelley inden Naturbeschreibungen und wie bei 

Goethe fehlen die Menschen. „Die Schweizer 

erschienen uns damals, und die Erfahrung hat uns in 

dieser Meinung bestärkt, als ein Volk von langsamer 

Auffassungsgabe und Schwerfälligkeit.“ Mehr erwähnt 

sie nicht. Wenn einmal Menschen auftauchen, dann 

nur als Bedrohung. Über die Passagiere auf einer 

Diligence, einem Postboot, schreibt sie: „Für Gott 

wärs einfacher, den Menschen neu zu erschaffen, als 

diese Monster sauber zu bekommen.“ 

Es waren nicht nur die Literaten und Touristen, die 

dieses spezifische Bild der Schweizer zeichneten. Das 

helvetische Direktorium, von Napoleon (unbestreitbar 

auch unser Kolonialisator) nach der Abschaffung der 

alten Eidgenossenschaft eingesetzt, schreibt an den 

französischen Oberkommandierenden, man solle von 

Vergeltungen an den aufständischen Innerschweizern 

absehen, denn: „Es sind Wilde, die aufzuklären und 

der gesellschaftlichen Vervollkommnung näher zu 

bringen wir uns zur Aufgabe gemacht haben.“ 

Vielleicht liegt darin ein Grund für die schweizerische 

Verschwindungssucht, die ihren Niederschlag unter 

anderem bei Robert Walser findet. Zu Carl Seelig 

meinte er einmal, vor der Natur seien wir alle 

Stümper. Das Bankgeheimnis, überhaupt die 

sprichwörtliche Diskretion der Schweizer, ist vielleicht 

nichts anderes als die Einsicht, vor dem Hintergrund 

der Naturschönheiten unweigerlich als Wilde 

dazustehen. Und vor dieser Tatsache ist esbesser, so 

wenig wie möglich aufzufallen. In der Landschaft zu 

verschwinden. Vielleicht ist Scham der Grund, der 

Europäischen Union nicht beizutreten. Vielleicht aber 

auch eine Folge der fortdauernden touristischen 

Kränkung. Auch nach Goethe und Shelley hat kein 

Tourist jeunser Land besucht, um die Kultur 

kennenzulernen. Niemand interessiert sich für 

Schweizer Geschichte (am wenigsten wir selber), 

Schweizer Küche oder Schweizer Musik. Nein, dieses 

Land besucht man auch heute ausschliesslich der 

Natur wegen. Sie ist unsere wahre Kultur. Den 

Menschen aber, dessen Kultur die Natur ist, nennt 

man einen Wilden. Dessen schämen wir uns, wie sich 

jeder Knecht für das Bild schämt, das der Herr von 

ihm zeichnet. Und wie jeder Knecht fürchten wir, das 

Bild könnte die Wahrheit über uns enthalten. 

Eine andere Frage wäre –umdie gewöhnliche 

wegzukriegen: warum etwas nicht mehr funktioniert 

–eine richtige Frage wäre: „Warum hat es jemals 

funktioniert?“ Wir können nicht nach einem verloren 

gegangenen Rezept oder nach einem verloren 

gegangenen Sinn suchen, das Rad muss immer 

wieder neu erforscht werden. Wir können uns auf das 

Rad nicht verlassen. 

Alles, was man uns hinterlassen hat, ist für uns völlig 

unverständlich. Jede Quelle. Jeder Text. Das denke ich 

gerade bei diesem Dreissiger-Jahre-Farbfilm, bei dem 

die Leute sich gegenseitig berühren, als wären sie in 

unverständliche Klassiker verwickelt. 

Ich muss sehen, dass deine Hände nicht in Gesten 

verwickelt sind, sondern in die Erfindung von 

Berührungen, in die Erforschung dieser Werkzeuge. 

Ich hätte sehen müssen, dass es da nichts zu lesen 

gab in deinen Blicken, dass die Augen etwas ganz 

anderes machten als irgendwas zu signalisieren. Das 

war vielleicht der Schock, weisst dunoch, dieses eine 

Mal, als ich das in deinen Augen gesehen habe. 

Diesen Blick, der weder Sehen noch eine Geste war. 

Und es gab da keinen bekannten Grund mehr, warum 

die Augen existieren, als dieses Rätsel an Intensität. 

Sie wollen nichts signalisieren, sie wollen nichts 

sehen. Aus ihnen sprudelt nur der Verlust oder das 

Rätsel an Intensität. 

Meine Sprache stirbt jetzt schon aus. Das, was ich 

rede, wurde mir klar, kann schon in zwei Stunden 

nicht mehr verstanden werden. Die Sprache, die 

Sprache, war schon, in äh, einer Zehntel-Sekunde, 

ich, er und wir, meine Sprache, ich, er, meine Sprache 

weiss schon, die Sprache weiss schon in der 

nächsten Zehntel-Sekunde nichts mehr von mir. Sie 

wird, sie wird, und ich werde ineine ganz andere 

Richtung. Wir müssen das, leider leider leider, alles 

neu erfinden. Wir müssen ein, zwei Semester 

einschieben an einer unkreativen Universität. In denen 

es nur darum geht, schon bereits Erfundenes, bereits 

Erforschtes, noch ein Mal zu erforschen. Und so zu 

tun, als gäbe es das alles noch nicht. Das Problem 

auf einer Bühne ist, man soll sich da als Schauspieler 

mit etwas beschäftigen, mit dem man sich gerade 

nicht beschäftigt. Don Carlos, zum Beispiel. Wir 

brauchen das Abenteuer, sozutun, als gäbe es das 

alles noch gar nicht. Die Werkzeuge, wie Arme und 

Beine, und wie man die berührt, wie man ihnen 

begegnet. Es reicht leider leider leider nicht, dass wir 

unsere Knochen ausgraben. Und die Faustkeile und 

die Speere, um das hier zum Arm zu machen, das 

hier zum Bein. Das liegt leider nicht auf, in, auf der 

Hand. 

Wir können uns nicht auf den Flirt verlassen, der in 

der Luft liegt, als Grundlage einer gelungenen 

Kommunikation. Wie viele fette Komiker denken, dass 

sie Verführer sind, sie könnten sich auf den Flirt 

verlassen, der in der Luft liegt. (Besonders, wenn 

sie mit Frauen arbeiten.) Dieses widerliche Zeug, 

das dazu taugt, dass nichts gehört werden kann. 

Wissen Sie denn, wovon ich rede? Ich rede von dem 

diffusen Funkeln in der Luft, das eine Sphäre blinden 

Verstehens sein soll, das aber nur blind ist. 

*aus: Max Frisch, „Stiller“ 

„Die Panne“ —abOktober im Pfauen 

„Stiller“ —abNovember im Schiffbau/Box 

„Weisse Flecken“ —abOktober im Pfauen/Kammer 

„Wer hat das Sagen?“ —abOktober im Pfauen 

*aus: Heinrich von Kleist, „Das Käthchen von 

Heilbronn“ 

„Fahrende Frauen“ (Arbeitstitel) —abMai im Pfauen

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„Hat das Verhör etwa schon begonnen?”* 

„Was verschweigst du?”* 

Der Literaturwissenschaftler Werner Morlang über Krimis 

Der Psychoanalytiker Udo Rauchfleisch im Gespräch über das Schweigen 

Man glaubt zu wissen, was esmit dem Kriminalroman 

oder der kosewörtlich „Krimi“ genannten Gattung auf 

sich hat. Das anrüchige Flair haben ihre Produkte 

längst eingebüsst. In den Buchhandlungen liegen sie 

säuberlich vereint in den Regalen. Im Fernsehen 

laufen sie täglich serienweise nach dem gleichen 

Muster ab: Was immer Schreckliches geschieht, am 

Ende werden die Übeltäter gefasst und die Welt ist so 

weit so gut wieder in Ordnung. Erst recht hat das 

Genre inden literarischen Längen und Breiten 

Hochkonjunktur. Renommierte Autoren wie John 

Banville und Julian Barnes mögen nicht darauf 

verzichten, sich zumindest pseudonym unter die 

Kollegen von der kriminalistischen Zunft zumengen. 

Andere wiederum hoffen, mit handfesten 

Erzeugnissen jenen Erfolg auf dem Markt zu erzielen, 

den sie sich anderweitig nicht zutrauen. Und sogar 

ehemalige Zürcher Stadtpräsidenten sind nicht davor 

gefeit, schreibend in die lichtscheuen Regionen 

einzutauchen. 

Näher besehen erweist sich das Genre als unendlich 

vielfältige Angelegenheit, aber jeder Leser eines 

Krimis kann von vornherein abschätzen, welch 

literarisches Spezifikum seiner Lektüre harrt. Allein 

schon das zügige Lesetempo ist gewissermassen 

vorgegeben. Die Spannungsdramaturgie des Textes 

lässt keine säumige, behaglich auskostende Lektüre 

zu. Und wie unterschiedlich die Romane im Einzelnen 

auch konzipiert sind, stösst man doch immer wieder 

auf drei grundlegende Bestandteile, die den Reiz des 

Krimis ausmachen. Manche Autoren ersinnen 

raffinierte Plots, sei es, dass sie ein verrätseltes, mit 

lauter Irrgängen und Fallgruben ausgestattetes 

Konstrukt bauen, sei es, dass sie es eher auf unser 

Gemüt abgesehen haben, das mittels ausgeklügelter 

erzählerischer Verhaltensweisen auf die Folter 

gespannt wird. Andere Romane überzeugen vor allem 

durch atmosphärische Elemente, sorgsam 

ausgeleuchtete Milieus, die gesellschaftliche und 

politische Rückschlüsse ermöglichen. Die meisten 

Autoren gehen freilich von ihren Figuren aus, zumal 

jene des Detektivs, der bald als „Mastermind“ auftritt, 

der selbst den ingeniösesten Verbrechern auf die 

Schliche kommt und „en passant“ die Polizei erheblich 

blamiert, bald als geschundene Kreatur, die durch den 

Dschungel der Grossstädte pirscht und sich 

fortwährend ihrer Haut zu wehren hat. Nur wenigen 

gelingt es –amehesten vielleicht Ross Macdonald – 

in sämtlichen Bereichen zu glänzen, aber jeder 

Meister seines Fachs kultiviert eben kraft seiner 

Fähigkeiten die ihm gemässe Sache. 

Jedenfalls findet der Leser ein wünschenswert weites 

Territorium vor, in dem er seinerseits, oft nach dem 

Gütezeichen der Detektiv-Figur, Felder absteckt und 

seine Lieblinge erkürt. Nicht immer wählt man auf 

Anhieb die „via regia“ zu seinem Leseglück. Auch ich 

liess mich in unvordenklichen Knabenzeiten 

beschwatzen, es sei unmöglich, von Edgar Wallace 

nicht gefesselt zu sein und nicht einmal die 

grässlichen Hercule Poirot und Miss Marple haben 

mich damals davor bewahrt, die gehäkelten Textilien 

von Agatha Christie zu würdigen. Doch schon als 

Gymnasiast durfte ich dann die finstere Welt der 

hartgesottenen („hard-boiled“) amerikanischen 

Autoren kennenlernen und bin dieser Tradition seither 

treu beblieben. Raymond Chandler hat an seinem 

Mentor Dashiell Hammett gerühmt, er habe den Mord 

aus der venezianischen Vase auf die Strasse 

verpflanzt und in der Tatempfand ich etwa nach 

Wallaces properen Inspektoren von Scotland Yard 

Hammetts gröbliche Polizisten von San Francisco, die 

den Gangstern zum Verwechseln ähnlich sahen, als 

realistisches Plus. Und als Labsal! 

Hammett und Chandler gelten wohl als die 

herausragenden Stammväter der „Hartgesottenen“, 

aber zu ihnen gesellt sich eine Reihe weniger 

bekannter Autoren, die durchaus neben diesen 

gefeierten Grössen bestehen können. 

Jim Thompson, der für Stanley Kubrick an zwei 

Filmdrehbüchern mitschrieb, ist vielleicht der 

begabteste Vertreter der zweiten „hard-boiled“- 

Generation. Geboren als Sohn eines Sheriffs im 

oberen Stock eines Gefängnisses, hat er aus beiden 

Lebensumständen das Kapital seines schwarzen 

Humors geschlagen. In „The Killer Inside Me“ und 

„Pop 1280“ treten schizoide Sheriffs als Serienkiller 

auf, die mal da, mal dort eine Person zur Strecke 

bringen und dabei ungeschoren davonkommen, ohne 

von Gewissensbissen geplagt zu werden. Unbedingt 

erwähnen möchte ich auch Horace McCoy, den 

Provinzler aus Tennessee, der in seiner gnadenlosen 

Parabel „They Shoot Horses, Don’t They?“ den 

amerikanischen Traum entzauberte. Wie Chandler und 

Hammett hat McCoy ursprünglich für das aus 

minderwertigem Papier herstellte Groschenheft „Black 

Mask“ Kurzgeschichten geschrieben. Indessen 

konnten alle drei Autoren einige Romane bei Alfred 

Knopf, dem amerikanischen Verlag von Thomas 

Mann, publizieren. Von diesen unverdächtigen 

Papieren gelangten ihre Romane übersetzt ins 

erlauchte Haus Gallimard, wo 1945 die von den 

Existenzialisten begierig verschlungene Krimi-Reihe 

„Série noire“ gegründet wurde. So geschah es, dass 

Horace McCoy, der in den USA längst in 

Vergessenheit geraten war, 1947 aus der 

Modezeitschrift „Vogue“ erfahren durfte, zur Zeit 

würden in den intellektuellen Zirkeln von Paris 

insbesondere drei Autoren eifrig diskutiert: 

Hemingway, Faulkner und Horace McCoy. 

Bei solch odysseisch anmutenden Rezeptionswegen 

mag es nur recht und billig erscheinen, dass die 

Kammer des Schauspielhauses diesen Sonderlingen 

während einer Saison Gastrecht gewährt. 

Katja Hagedorn –Ist man als Psychoanalytiker 

Fachmann, wenn es um das Thema Schweigen geht? 

Udo Rauchfleisch –Ingewisser Weise schon. Es kann 

in der Analyse ja unter anderem darum gehen, zu 

Dingen vorzustossen, über die ein Patient lange Zeit 

geschwiegen hat. Und als Analytiker bin ich bei der 

Arbeit selbst ziemlich schweigsam: Wenn ein Patient 

bei mir auf der Couch liegt und ich hinter dem 

Kopfende sitze, rede ich kaum, damit ein Raum 

entsteht, in dem der Patient seinen Vorstellungen 

nachhängen kann. Manche Gedanken und Gefühle 

tauchen überhaupt erst in der Stille auf. Es gibt 

Sitzungen, die sehr ruhig verlaufen und in denen auf 

beiden Seiten sehr wenig geredet wird. Die können 

mindestens so ergiebig sein wie eine Sitzung, in der 

sehr viel gesprochen wird. 

Katja Hagedorn –Esgibt sehr viele Formen des 

Schweigens. Wie können Sie wissen, um was für ein 

Schweigen es sich bei dem Schweigen handelt, das 

gerade im Raum liegt? 

Udo Rauchfleisch –Man kann es nicht immer wissen. 

Aber als Analytiker kann ich versuchen, dem Gefühl 

nachzuspüren, welches das Schweigen des Patienten 

in mir auslöst, und versuchen, daraus auf sein Gefühl 

zu schliessen. In der Analyse nennt man das 

Gegenübertragung. Aber auch im Alltag bildet die 

eigene Reaktion die Art des Schweigens meistens 

ganz gut ab. Man hat ja oft gar kein anderes Kriterium 

für die Beurteilung eines Schweigens als diese 

Beobachtung des eigenen Gefühls. 

Katja Hagedorn –Warum ist ein Schweigen oft so 

schwer zu ertragen? 

Udo Rauchfleisch –Weil man im Schweigen eben auf 

sich selbst und die eigenen Gefühle zurückgeworfen 

wird und damit möchte man sich vielleicht gerade 

nicht beschäftigen. Und dann leben wir in einer Kultur, 

die sehr auf das Wort ausgerichtet ist und der Bruch 

mit der verbalen Kommunikation löst üblicher Weise 

Irritation aus. Und zwar nicht, weil im Schweigen nicht 

kommuniziert würde. Im Gegenteil. Aber das 

Gegenüber erhält keine präzise Rückmeldung, warum 

geschwiegen wird. Das weckt das Bedürfnis, der Form 

des Schweigens auf die Spur zu kommen. 

Katja Hagedorn –Könnte man also sagen, dass ein 

Schweigen immer eine Reaktion auslöst und den 

anderen Menschen dadurch in eine Aktivität zwingt? 

Udo Rauchfleisch –Nicht immer, aber sehr oft. Ein 

Schweigen löst auf der Gegenseite häufig den Versuch 

aus, den undefinierten Raum der Stille in den 

definierteren Raum der Sprache zu überführen. 

Schweigen ist nicht gleich Schweigen und der 

Angeschwiegene wird sich meistens bemühen, das 

Schweigen zu verstehen und zu brechen oder bewusst 

verweigern, darauf einzugehen. In beiden Fällen 

bewirkt das Schweigen, dass der andere Mensch eine 

Haltung einnimmt. 

Katja Hagedorn –Welchen Formen des Schweigens 

begegnen Sie? 

Udo Rauchfleisch –Wirklich allen möglichen. Man 

kann Schweigen sehr gut als Strafe einsetzen, das 

erlebe ich oft. Es gibt Familien, in denen es die 

sogenannte „stille Woche“ gibt. Da wird eine Woche 

lang nicht mit einem bestimmten Familienmitglied 

gesprochen, als ob der Betreffende gar nicht 

anwesend wäre. Esgibt das gespannte Schweigen, 

in dem darauf gewartet wird, dass endlich einer zu 

sprechen beginnt, das feindselige Schweigen, das 

hilflose und ratlose Schweigen. Es wird aus Scham 

geschwiegen und aus Schuldgefühlen. Man könnte 

diese Reihe wahrscheinlich endlos fortsetzen. 

Katja Hagedorn –Und welcher Art begegnen Sie als 

Analytiker am häufigsten? 

Udo Rauchfleisch –Ich würde sagen: Scham und 

Schuld. Und Traumatisierungen. Bei Traumata handelt 

es sich ja um Erlebnisse, die so schrecklich sind, 

dass sie verbal kaum mitteilbar sind. Das wäre noch 

eine andere Art des Schweigens: Folteropfer oder 

Missbrauchsopfer schweigen, weil sie keine Sprache 

für das Erlebte haben, weil die Sprache unzulänglich 

ist. Bei Traumatisierungen im frühkindlichen Bereich 

ist das besonders einsichtig: Das Erlebte fällt in eine 

Zeit, in der die verbalen Fähigkeiten noch nicht 

entwickelt waren und entsprechend schwer ist es, 

diese Erlebnisse zu versprachlichen. 

Katja Hagedorn –Würden Sie aus Ihrer Antwort 

schliessen, dass in unserer Gesellschaft viel Scham 

und Schuld empfunden wird? 

Udo Rauchfleisch –Ineiner psychoanalytischen Praxis 

bildet sich natürlich nicht die ganze soziale Realität 

ab, aber ich finde tatsächlich, dass Scham, 

Schuldgefühle und Traumatisierungen und das zu 

ihnen gehörige Schweigen unsere Gesellschaft 

auszeichnen. Eine Gesellschaft, die ja –und das ist 

das Paradoxe –fast alles ausspricht. Intimste Details 

werden in den Medien breit ausgewalzt. Aber wenn 

man sich diese Berichte genau anschaut, fehlt 

meistens der Gefühlsanteil. 

Katja Hagedorn –Was bedeutet das? 

Udo Rauchfleisch –Eswerden sehr intime Fakten 

mitgeteilt, aber man spürt nicht, worum es emotional 

geht. Das Emotionale wird abgespalten. Man kann 

*aus: Friedrich Dürrenmatt, „Die Panne“ 

„Série noire“ —abOktober im Pfauen/Kammer 

*aus: Sophokles, „König Ödipus“

14 15 

„Göttliche Vorhersagen, wo seid ihr?”* 

Der Journalist Christian Geyer über Willensfreiheit 

das ganz gut am Einsatz bestimmter 

Kommunikationsmittel sehen: Natürlich ist esideal, 

sich per Mail oder Sms zu verständigen. Aber ich 

höre von meinen Patienten immer wieder, dass sie 

massive Beziehungskonflikte per Sms zu regeln 

versuchen. Man ist also einerseits überall erreichbar 

und kommuniziert extrem viel und andererseits ist 

man sehr weit voneinander entfernt, weil man über 

vieles nicht mehr redet. 

Katja Hagedorn –Scham und Schuld sind Gefühle, die 

je nach kulturellem Kontext aus sehr unterschiedlichen 

Gründen entstehen können. Wie sieht es damit in der 

Schweiz aus? 

Udo Rauchfleisch –Die Schweizer Kultur kennt ja sehr 

viele Verbote und Regeln. Als Psychoanalytiker würde 

man sagen: Es handelt sich um eine Über-Ichzentrierte 

Kultur. Und je mehr Regeln es gibt, desto 

öfter kann man sie verletzen. Da kann sehr schnell 

das Gefühl entstehen: „Ich habe wieder etwas falsch 

gemacht.“ „Widrigenfalls“ ist ein Wort, das einem in 

der Schweiz sehr oft begegnet. Das fällt Patienten aus 

Frankreich auf. Die sagen dann: In Frankreich ist es 

viel legerer. Andere Kulturen lassen also vermeintlich 

mehr Freiräume als die Schweiz und provozieren 

damit vielleicht weniger schnell Schuldgefühle. 

Katja Hagedorn –Und was hat es mit dem Schweigen 

aus Schuldgefühlen auf sich? 

Udo Rauchfleisch –Dasollte man vielleicht noch mal 

zwischen dem unbewussten und bewussten 

Schweigen unterscheiden. Wenn ein Schuldgefühl 

unbewusst ist –vielleicht auch, weil es für mich ein 

Teil meines Alltags oder meiner Kultur ist -,kann ich 

schwer darüber sprechen. Es ist mir einfach nicht 

bewusst. Aber wenn ich mir über eine Schuld im 

Klaren bin und darüber schweige, handelt es sich um 

ein gezieltes Verschweigen von Informationen. 

Straftäter wären daein gutes Beispiel. Die wollen oft 

nicht mitteilen, was sie sich zuschulden haben 

kommen lassen, und zwar aufgrund eines manifesten 

Delikts. Da geht es auch darum, dass man nicht die 

strafrechtlichen Konsequenzen tragen will. 

Katja Hagedorn –Was bedeutet das für Ihre Arbeit mit 

einem Straftäter? 

Udo Rauchfleisch –Ich muss von vornherein mit dem 

Verschweigen rechnen und mir die relevanten 

Informationen gegebenenfalls anderswo besorgen. Ich 

kann zum Beispiel Einsicht in die Akten beantragen, 

um mir ein realistisches Bild machen zu können. Aber 

wenn ein Täter im Verlauf der Therapie delinquiert, 

wird man das als Therapeut oft nicht erfahren. Das 

habe ich schon ein paar Mal erlebt. Dabei bin ich nur 

anzeigepflichtig, wenn es um Vergehen gegen Leib 

und Leben geht. Aber die Taten werden trotzdem 

verschwiegen, weil der Täter sich schämt oder 

fürchtet, ich könnte zur Selbstanzeige drängen. 

Katja Hagedorn –Ist ein solches Schweigen nicht ein 

Vertrauensbruch? 

Udo Rauchfleisch –Eswäre ein Vertrauensbruch, 

wenn ich davon ausginge, dass dieser Mensch eine 

vertrauensvolle Beziehung aufbauen kann. Das ist bei 

solchen Persönlichkeiten und ihrer Entwicklung aber 

kaum möglich. Bei diesen Menschen existiert kein 

Urvertrauen, eher ein Ur-Misstrauen. Das drückt sich 

durch ihr Schweigen aus. Sie können sich einem 

anderen Menschen höchstens phasenweise 

anvertrauen. Denn über etwas zu reden, hat ja mit 

Vertrauen zu tun –das steckt in dem Wort 

„anvertrauen“ drin. 

Katja Hagedorn –Und dieses Wissen um das Nicht- 

Wissen-Können wäre nicht unangenehm? 

Udo Rauchfleisch –Eskommt darauf an. Straftäter, 

die ambulant behandelt werden, sind in der Regel 

nicht hochgefährlich. Aber bei der Arbeit mit 

pädosexuellen Straftätern fragt man sich als 

Therapeut schon oft: Kann ich mich darauf verlassen, 

dass kein Kontakt zu Kindern besteht? Kann ich mich 

darauf verlassen, dass kein Internetkonsum besteht? 

Da ist die Ungewissheit manchmal wirklich schwer 

auszuhalten, weil das Verschweigen so schlimme 

Folgen haben kann. 

Katja Hagedorn –Wird inunserer Gesellschaft zuviel 

oder zu wenig geschwiegen? 

Udo Rauchfleisch –Über Traumatisierungen wird 

definitiv zu wenig gesprochen. Das sieht man ja jetzt 

wieder an dem jahrelangen Schweigen über die Fälle 

von sexuellem Missbrauch in der katholischen Kirche. 

Andererseits nutzen wir die Möglichkeiten, die 

Schweigen und Stille bieten, nicht genug. Im 

Schweigen können Gefühle entstehen, die sprachlich 

erstmal nicht vermittelbar wären. Darum kann es ja 

auch in der Kunst gehen: Wenn ich ein Bild betrachte 

oder eine Skulptur, wenn ein Schauspieler oder ein 

Instrument schweigt, wird mir etwas Nonverbales 

mitgeteilt. Auch bei einer intensiven Naturbetrachtung 

kann das so sein oder wenn ich mit einem Menschen 

schweige, mit dem ich mich wohl fühle. Sprache hat 

ihre Grenzen, und der Raum und die Gefühle, die ein 

Schweigen öffnet, können sehr kostbar sein. 

Diese Art von Schweigen sollten wir vielleicht öfter 

entstehen und stehen lassen und nicht gleich 

zerreden. Insofern wäre meine Antwort auf Ihre Frage: 

Wahrscheinlich beides. 

Der Verhängniszusammenhang, in den antike Dramen 

den Menschen stellen, findet seine moderne 

Entsprechung paradoxerweise in den 

Biowissenschaften, vornehmlich der Hirnforschung. 

Dass der Mensch von Kräften hinter seinem Rücken 

gesteuert wird, von anonymen Antrieben, die ihm als 

solche nicht bewusst sind –das ist die 

deterministische Annahme, die dem griechischen 

Götterglauben ebenso zugrunde liegt wie bestimmten, 

besonders lautstark vorgebrachten Wortmeldungen 

aus der Neurowissenschaft. Die Frage ist, warum in 

unserer aufgeklärten, entmythologisierten 

Wissenschaftskultur die deterministische Idee so viel 

Zuspruch erfährt. Warum sie nicht als Ladenhüter der 

antiken Dramentheorie abgetan wird, sondern ihr im 

Gegenteil eine ungeahnte Erklärungskraft für 

menschliches Verhalten zugeschrieben wird. 

Tatsächlich sitzt der Stachel tief, den Hirnforscher in 

unsere Kopfhaut getrieben haben und der in 

populären Publikationen für immer neue Sensationen 

sorgt, weil er dem abendländischen Subjekt mit 

seinem Freiheitspathos definitiv den Abschied zu 

geben scheint. Menschliche Antriebe erscheinen als 

unkontrollierbares Naturgeschehen, unsere 

Kommunikation als Echo einer plappernden Biomasse, 

deren Gefühle und Gedanken von neuronalen 

Verschaltungen festgelegt werden. Ob die Götter, die 

Gene oder die Neuronen –der Mensch findet stets 

neue Antworten auf sein Bedürfnis, sich als 

vorherbestimmt zu erfahren. Woher rührt dieses 

Bedürfnis? Was macht es in Zeiten, in denen Mobilität 

und Flexibilität, Selbstverantwortung und 

Multioptionalität das Bild vom „unternehmerischen 

Selbst“ (Ulrich Bröckling) prägen –was macht es in 

einer solchen forcierten Freiheitskultur attraktiv, von 

der eigenen Unfreiheit zu lesen und zu hören? 

Unser Leben ist eine Illusion. Das ist der lapidare 

Befund, mit dem Neurowissenschaftler die Szene 

aufmischen. Sie sagen: Wenn du denkst, du denkst, 

dann denkst dunur, dudenkst. „In Wirklichkeit“ denke 

niemand, sondern das Gehirn spiele ein Spiel der 

Neuronen, bei dem das Selbst kein Wörtchen 

mitzureden habe. Um so schlimmer, heisst es, dass 

das Selbst auch noch auf die Illusionen hereinfällt, die 

ihm vom Neuronenspiel permanent vorgeführt werden. 

Zu diesem Illusionstheater gehört die Idee eines 

kohärenten, sich selbst steuernden Selbst sowie die 

ganze Art, wie es seine Lebenswelt erlebt –also nicht 

nur sein Denken, sondern auch sein Fühlen und 

Wollen, sein Glauben, Hoffen und Lieben. 

Die Hirnforschung liefert damit genau jene Entlastung, 

nach der sich das überangestrengte Ich in den Zeiten 

von Wirtschaftskrise und prekärer Existenz sehnt. 

„Vieles spricht dafür, dass die Biowissenschaften ein 

Versprechen mit sich führen, das niemand sonst im 

Angebot hat, nicht einmal die wirkungsmächtigste 

Diesseitsreligion, die Ökonomie: es ist das 

Versprechen, uns von den Strapazen der Freiheit zu 

entlasten, von den Mühen der Autonomie. Denn im 

Gegensatz zuden sonnigen Zeiten der 

Achtundsechziger ist Freiheit heute weniger ein 

Zauberwort als eine Einschüchterungsformel“ 

(Thomas Assheuer). In Freiheit, so fordern politökonomische 

Programme in der Tat, möge der 

Einzelne sein Schicksal in die Hand nehmen. In 

Freiheit solle er nicht mehr fragen, was der Staat für 

ihn, sondern was erselbst für seine eigene 

Optimierung tun könne. So erscheint die Freiheit als 

Pflicht, sein eigener Lebensunternehmer zu sein und 

das angeborene Humankapital zu maximieren. 

Freiheit –eine Drohung. 

In dieser Situation tritt die Hirnforschung als 

Tröstungsreserve hervor, sie verheisst ein umfassendes 

Ruhiggestelltsein, eine Lossprechung von Verantwortung 

und Schuld. Der „homo celebralis“ (Michael Hagner) 

ist gegen alles eigentlich Individuelle gleichgültig. 

Das Wesen der neurobiologischen Blasiertheit ist die 

Abstumpfung gegen die Unterschiede der Seelen, nicht 

in dem Sinn, dass sie nicht wahrgenommen würden 

wie von den Stumpfsinnigen, sondern so, dass die 

Bedeutung der Unterschiede der Seelen und damit die 

Seelen selbst als nichtig empfunden werden. Indem 

sich das Neuron zum Generalnenner der Psyche 

aufwirft, wird esihr Nivellierer, eshöhlt den Kern der 

Dinge, ihre Eigenart, ihren spezifischen Wert, ihre 

Unvergleichbarkeit rettungslos aus. Oberflächlich 

betrachtet nimmt sich solche Vereinfachung als 

Stressminderung aus. Denn in der vermeintlichen 

Freiheit von Verantwortung und Schuld liegt der Witz 

der neurobiologischen Anthropologie und lässt sie wie 

eine therapeutische Massnahme aussehen. 

Unversehens weiss man sich entlastet von den 

tausend Gründen, die einem täglich durch den Kopf 

rauschen und nun, da sie sich in neuronale 

Kausalbeziehungen übersetzen lassen, ihr drückendes 

Gewicht verlieren. Bereitwillig nimmt man die Evidenz 

seiner Erlebens-Perspektive („Ich kann auch anders“) 

zu den Akten und übernimmt statt dessen die 

Perspektive des Labors („Freiheit ist eine Illusion“). 

Es ist imKern das erzkonservative Weltbild des 

Nicht-Mehr-Änderbaren, welches sich hier – 

naturwissenschaftlich vermittelt –zur umfassenden 

Selbstberuhigung empfiehlt. Das Mentale ist bloss ein 

Epiphänomen des Neuronalen, so heisst dieser 

Entlastungsvorgang in der Sprache der Hirnforschung. 

Sie bringt Distanz ins oft viel zu nahe gehende Leben. 

Der Wunsch nach einer souveränen Existenz inmitten 

ihrer Bedrohungen, nach einer durchgreifenden 

Verhaltenslehre der Kälte hätte damit eine wirkliche, 

eine naturale Perspektive bekommen. Warum an 

seiner Freiheit verzweifeln, statt sein Bewusstsein von 

den Transmittern in einen Tiefschlaf versetzen zu 


„A Dream Within aDream“ —abDez. im Schiffbau/Box 

„Die schwarze Spinne“ —abJanuar im Pfauen 

„Täter“ —abMai im Schiffbau/Box 


16 17 

„Ist das Missbrauch?”* 

Die Psychologin Regula Schwager im Gespräch über sexuellen Missbrauch 

lassen? Welch eine Möglichkeit zum Ausruhen hält 

die Hirnforschung für den reizüberfluteten Kopf 

unserer Tage bereit. Es gibt es also doch: ein 

richtiges Leben im falschen. 

Und doch helfen alle Überlegungen, warum ein Leben 

auf der neurowissenschaftlichen Intensivstation das 

wahre Leben wäre, nicht recht weiter. Sir John Searle, 

einer der renommiertesten Vertreter der sogenannten 

Philosophie des Geistes, drückt das Dilemma 

folgendermassen aus: „Wir können unseren freien 

Willen nicht wegdenken.“ Searle geht der 

Unvereinbarkeit der Sichtweisen –also von 

Erlebensperspektive und Laborperspektive –auf den 

Grund. Stellen Sie sich vor, sagt er, Sie haben in 

einem Restaurant die Wahl zwischen Kalb- und 

Schweinefleisch und sollen sich entscheiden. Man 

könne sich nicht einfach weigern, in einem solchen 

Fall den freien Willen auszuüben. Wenn man zum 

Kellner sage: „Sehen Sie, ich bin Determinist –che 

serà, serà, ich werde einfach warten und sehen, was 

ich bestelle“, dann werde einem diese Weigerung, den 

freien Willen auszuüben, als eigene Handlung nur 

verständlich, wenn man sie als Ausübung des freien 

Willens auffasst. So prallt die Perspektive der 

Hirnforschung regelmässig an jener der Lebenswelt 

ab. 

Das ist für die Bewertung der neurowissenschaftlichen 

Anthropologie keine Kleinigkeit. Denn selbst wenn sie 

zuträfe, könnten wir es nicht wissen, weil sie sich in 

ihrer Eigenlogik in unserem Bewusstsein nicht geltend 

machen kann. Die verheissungsvolle 

Laborperspektive, in der man sich selbst als eine 

unfreie Funktion autopoietischer Nervennetze zu 

denken hätte, erweist sich als alltagsuntauglich. Sie 

gewinnt vor unserem inneren Auge keinerlei 

Anschaulichkeit, sie hat nur als Abstraktum Bestand. 

Wir können uns beim besten Willen nicht ausmalen, 

dass die psychologische Erfahrung von Freiheit eine 

einzige Zwangsvorstellung sein soll. Damit verliert die 

Aufforderung mancher Neurobiologen, die 

Unvereinbarkeit der Perspektiven gefälligst 

„auszuhalten“, ihren Sinn. Es gibt nichts auzuhalten, 

weil es nichts gibt, was einem unvereinbar vorkäme. 

Die Laborperspektive kann sich in unserer 

Erlebensperspektive nicht bemerkbar machen. 

Deshalb scheinen auf der Suche nach Entlastung von 

der eigenen Freiheit am Ende doch die Götter über 

die Gene und Neuronen zu obsiegen. Die Erzählungen 

der Dramen lassen sich bei näherem Hinsehen 

allemal leichter verinnerlichen als die Erzählungen der 

Hirnforscher. Alle Vorbehalte, die gegen das 

experimentelle Erklärungsschema vorgebracht 

werden, laufen –von Nuancen abgesehen –auf jene 

Einwände hinaus, mit denen man sich immer schon 

gegen naturwissenschaftliche Totalerklärungen von 

Mensch und Welt zur Wehr gesetzt hat. Diese 

Einwände sind schnell aufgezählt: die einseitige 

Strukturierung des experimentellen Befunds durch die 

Situation des Experiments; die Reduktion des 

lebendigen Organismus auf das behaviouristisch 

gefasste Reflexmodell von Reiz und Reaktion; die 

Tatsache, bei der Erklärung der Befunde auf das 

Vokabular der Lebenswelt angewiesen zu sein, der 

man seitens der Neurowissenschaften doch gerade 

ein falsches Bewusstsein unterstellt. 

Zu retten ist das Tröstungsangebot der Hirnforschung 

eigentlich nur, wenn man sich eine völlig neue Welt 

ausmalt. Dazu jedoch bedürfte eseiner dezidiert 

poetischen Energie. Die Lebenswelt selbst müsste 

in ein Labor verwandelt werden, das menschliche 

Individualschicksal in eine Folge von Neuro- 

Experimenten. Damit stünden wir vor einer 

Denksportaufgabe, die uns wirklich aus dem 

Häuschen bringt. Doch nur wer sie löst, würde in der 

Lage sein, sich vorzustellen, was der Hirnforscher 

meint, wenn er sagt, der Mensch sei nichts anderes 

als sein Gehirn und höre deshalb auf, Subjekt zu sein. 

Tatsächlich gehört eszur methodischen Ironie der 

Neurowissenschaften, dass sie die von ihr selbst 

leergeräumte Funktionsstelle des kohärenten Subjekts 

neu besetzt. An die Stelle eines sich selbst 

organisierenden Bewusstseins tritt das sich selbst 

organisierende neuronale Erregungsmuster. 

Die Altlasten der Subjektphilosophie tauchen im 

naturwissenschaftlichen Design wieder auf. 

„Die Erfahrung“, soresümiert der Dramatiker Friedrich 

Schiller schon vor zweihundert Jahren, „beweist die 

Freiheit. Wie kann die Theorie sie verwerfen?“ An der 

Freiheit lässt sich schlecht vorbei leben, egal was die 

Götter auf der Bühne von Theater und Wissenschaft 

uns weismachen wollen. 

Katja Hagedorn –Wie viele Kinder werden in der 

Schweiz sexuell missbraucht? 

Regula Schwager –Das weiss niemand. Bei 

„Castagna“, der Beratungsstelle für sexuell 

ausgebeutete Kinder und Jugendliche in Zürich, wird 

jährlich in ungefähr 1100 Fällen von sexueller 

Ausbeutung beraten, aber man weiss, dass die 

Dunkelziffer sehr viel höher liegt. Man kann davon 

ausgehen, dass in Westeuropa jede dritte bis fünfte 

Frau und jeder sechste bis zehnte Mann als Kind 

schwer sexuell ausgebeutet wurde. Aber auch das ist 

eine Schätzung, bei der man die Zahlen sicherlich 

nach oben korrigieren könnte. 

Katja Hagedorn –Als Co-Leiterin von „Castagna“ 

geben Sie auch Weiterbildungen zum Thema sexueller 

Missbrauch, bei denen Sie unter anderem über die 

Klischees sprechen, die zu diesem Thema existieren. 

Wie sehen die aus? 

Regula Schwager –Eines der gängigsten Klischees ist 

sicherlich, dass die Kinder sich gegen den sexuellen 

Kontakt wehren können, wenn sie ihn nicht wollen. 

„Die hätten ja nur ‚nein’ sagen müssen, dann wäre 

das alles gar nicht passiert“ ist ein häufiges 

Argument, das man natürlich absolut nicht gelten 

lassen kann. Ein Kind kann sich gegen den Täter nie 

zur Wehr setzen, es kann nicht ‚nein’ sagen, weil 

zwischen Täter und Opfer ein grosses Machtgefälle 

herrscht und eine Abhängigkeit des Kindes vom Täter 

besteht. Die ebenso falsche Behauptung, das Kind 

hätte den Erwachsenen zur Tatprovoziert, hört man 

auch oft. Man sieht an diesen Reaktionen, dass die 

Schuld meistens dem Opfer zugewiesen wird. Das ist 

ein typisches Verhalten in unserer Gesellschaft: Man 

gibt dem Opfer die Schuld und solidarisiert sich mit 

dem Täter. 

Katja Hagedorn –Warum ist das so? 

Regula Schwager –Weil auf der Täterseite die Macht, 

die Kraft, die Energie liegen und es deshalb 

angenehmer ist, auf dieser Seite zu stehen. Auf der 

Opferseite sind wir mit Ohnmacht, Demütigungen, 

Hilflosigkeit konfrontiert. So erklären wir uns das 

Phänomen: Die Menschen ertragen es nicht, mit 

Ohnmachtsgefühlen konfrontiert zusein und schlagen 

sich deshalb auf die Seite der Täter. 

Katja Hagedorn –Thomas Jonigks „Täter“ ist ein 

Stück, das sich mit sexuellem Missbrauch beschäftigt. 

Es wurde 1999 am Hamburger Schauspielhaus 

uraufgeführt. Würden Sie sagen, dass sich die Zahlen 

in den Missbrauchsstatistiken und das Gesicht des 

Missbrauchs in den letzten zehn Jahren verändert 

hat? Oder erleben Sie eher die traurige Wiederkehr 

des Immergleichen? 

Regula Schwager –Sowohl als auch. Wir sind ziemlich 

sicher, dass die Anzahl sexuell ausgebeuteter Kinder 

in den letzten paar hundert Jahren nicht zugenommen 

hat. Kinder wurden immer sexuell ausgebeutet und 

zwar in hohem Masse. Aber das Gesicht der 

sexuellen Ausbeutung verändert sich. Es wird zum 

Beispiel noch nicht so lange wahrgenommen, dass 

auch Frauen zu den Tätern gehören. Laut unserer 

Statistik sind knapp 10 Prozent der Täter weiblich, 

aber es besteht überall ein grosser Widerstand, das 

anzuerkennen. 

Katja Hagedorn –Warum? 

Regula Schwager –Für das Empfinden der meisten 

Menschen ist das nicht „weiblich“. Dabei haben 

Frauen leichteren Zugang zu Kindern und können die 

sexuelle Ausbeutung als Körperpflege oder als 

mütterliche Zuwendung kaschieren. Eine weitere 

Veränderung der letzten Jahre ist die massive 

Zunahme von Jugendlichen, die Übergriffe begehen. 

Da hat laut unseren Zahlen eine Verschiebung 

stattgefunden: demnach sind 20 bis 25 Prozent der 

Täter Jugendliche oder sogar Kinder. 

Katja Hagedorn –Was sind die Definitionskriterien für 

sexuellen Missbrauch? 

Regula Schwager –Bei sexueller Ausbeutung besteht 

immer ein Machtgefälle. Es gibt also einen stärkeren 

und einen schwächeren Menschen und der stärkere 

nutzt seine Machtposition aus, um den anderen zur 

Kooperation zu zwingen. Ein anderes 

Definitionskriterium ist, dass zwischen Täter und 

Opfer meistens ein Abhängigkeits- und 

Vertrauensverhältnis besteht. Weit über 90 Prozent 

der ausgebeuteten Kinder werden durch nahe 

Bezugspersonen sexuell ausgebeutet. Fremdtäter, die 

ein Kind entführen, sexuell ausbeuten und manchmal 

sogar umbringen, sind sehr selten. Die Kinder haben 

also eine tiefe Bindung an den Täter und werden 

dadurch widerstandsunfähig gemacht. Sie vertrauen 

dem Täter und es ist dieses Vertrauen, das 

missbraucht wird, um die Bedürfnisse des Täters zu 

stillen. 

Katja Hagedorn –Warum missbraucht ein 

erwachsener Mensch ein Kind? 

Regula Schwager –Laut einschlägiger Literatur sind 

ungefähr die Hälfte der Täter Pädosexuelle: 

Menschen, die ausschliesslich Interesse an Sex mit 

Kindern haben. Die Anziehungscodes liegen für diese 

Menschen auf kindlichen Körpern und kindlichem 

Verhalten –anders können sie sich nicht sexuell 

erregen. Und dann gibt es die andere Hälfte der Täter, 

die nicht im eigentlichen Sinne pädosexuell sind, die 

durchaus sexuelles Interesse für Erwachsene 

„Ödipus“ —abJanuar im Schiffbau/Halle 

„Medea“ —abFebruar im Pfauen 

*aus: Thomas Jonigk, „Täter“

18 19 

entwickeln können, die aber Sex mit Kindern haben, 

weil Kinder leichter verfügbar sind, weil sie sich nicht 

wehren können und schwächer sind. Da geht es 

darum, Macht auszuüben und dadurch einen „Kick“ zu 

bekommen, sich stärker zu fühlen –also den eigenen 

Ohnmachtsgefühlen zu entkommen, indem man einen 

anderen Menschen demütigt. 

Katja Hagedorn –Eskommt immer wieder vor, dass 

nahe Angehörige, oft sogar ein Elternteil, ignorieren, 

dass ein Kind sexuell missbraucht wird. Warum 

schauen diese Menschen weg? 

Regula Schwager –Das ist eine sehr komplexe Frage, 

für die man viel weiter ausholen müsste, als es hier 

möglich ist. Ganz klar ist, dass für viele Menschen die 

blosse Anerkennung der Tatsache, dass diese Dinge 

geschehen sein könnten oder immer noch geschehen, 

viel zu gefährlich ist für die eigene Existenz, für das 

eigene wackelige Lebensgebäude. Diese Menschen 

sind oft emotional oder finanziell abhängig vom Täter 

und nicht in der Lage, ihm etwas entgegenzusetzen 

–auch wenn sie ahnen oder wissen, dass die 

Ausbeutung passiert. Da fehlt die Kraft, sich gegen 

den Partner zu stellen und das Kind zu schützen. Sie 

bleiben auf der Seite des Täters, damit sie nicht 

verlassen werden, damit sie vor den Mitmenschen 

nicht zugeben müssen, was dapassiert. Es gibt auch 

Angehörige, die selber belastet und zum Teil schwer 

traumatisiert sind, und die ihre eigenen Erfahrungen 

so stark abspalten, dass sie andere 

Missbrauchsvorfälle gar nicht sehen. Das sind aber 

wirklich sehr komplizierte Vorgänge. 

Katja Hagedorn –Was macht der sexuelle Missbrauch 

mit den Opfern? 

Regula Schwager –Ich bin froh, dass Sie nach den 

Opfern fragen, denn sie bekommen meistens viel 

weniger Aufmerksamkeit als die Täter. Sexuell 

ausgebeutete Kinder sind zutiefst verwirrt und verstört 

über das, was passiert, weil sie es nicht verstehen. 

Eine nahe Bezugsperson, die sie lieben und mit der 

sie auch schöne Dinge erleben, tut auf einmal etwas, 

das sie nicht begreifen und das überhaupt nichts mit 

kindlicher Sexualität zu tun hat. Wenn Sie als 

erwachsene Frau ein Sexualdelikt erleben würden, 

wäre das schlimm genug, aber Sie hätten dafür wohl 

ein klares Bewertungssystem: „Das ist ein 

Sexualdelikt, das ist verboten. Ich zeige esan.“ 

Das haben Kinder nicht. Sie fühlen sich zutiefst 

ohnmächtig und haben massive Ängste, zum Teil 

Todesängste. Es können sich verschiedene Symptome 

bilden, zum Beispiel depressive Erscheinungen, 

Schlafstörungen, Essstörungen, 

Verhaltensauffälligkeiten, Konzentrationsstörungen 

usw. Diese Menschen sind extrem beeinträchtigt, 

selbst, wenn man ihnen das Erlebte mitunter nicht 

anmerkt, weil sie sich normal verhalten. Sie sind oft 

schwer traumatisiert und ein Trauma kann einen 

Menschen ein Leben lang beeinträchtigen, weil es wie 

in einer Konservendose im Gehirn aufbewahrt bleibt 

und weiter seine Wirkung zeigt. 

Katja Hagedorn –Warum schweigen so viele 

Missbrauchsopfer über die Tat? 

Regula Schwager –Das begründet sich durch die 

Abhängigkeit und Bindung, die die Opfer an die Täter 

haben. Die Opfer mögen den Täter und wollen ihn 

schützen. Und natürlich wollen sie auch sich selbst 

und ihre Lebenswelt schützen. Schon sehr kleine 

Kinder spüren, dass da etwas passiert, was ihre 

Grenzen fundamental verletzt. Die Kinder schützen mit 

dem Schweigen auch ihre Familien, ihre Mütter und 

Geschwister vor der schlimmen Tatsache. Oft meinen 

die Kinder auch, ihre Geschwister beschützen zu 

können, wenn sie schweigen –damit die nicht auch 

noch ausgebeutet werden. Das ist aber leider 

meistens ein Irrglaube. 

Katja Hagedorn –Täter wenden auch oft 

Einschüchterungsstrategien an. 

Regula Schwager –Das stimmt. Dabei muss man die 

meisten Kinder nicht bedrohen, damit sie schweigen. 

Sie reden so oder so nicht, aus den oben genannten 

Gründen. Aber natürlich gibt es die typischen 

Sprüche: „Sag das niemandem, sonst wird der Papi 

traurig“ oder „Die Mami wird krank, wenn du das 

erzählst“. Das müssen sich sehr viele Kinder anhören. 

Katja Hagedorn –Unterstützt das Rechtssystem die 

Opfer ausreichend? 

Regula Schwager –Esexistieren gesetzliche 

Möglichkeiten, aber sie werden oft zuwenig genutzt. 

Die Rechtsprechung bei Sexualdelikten ist eine 

schwierige Angelegenheit, denn Sexualdelikte spielen 

sich in der Regel zwischen zwei Menschen in einem 

geschlossenen Raum ab. Das macht die Beweislage 

so schwierig und darum werden sehr viele Fälle 

mangels Beweisen eingestellt. Häufig kommt es nicht 

bis zur Gerichtsverhandlung, weil der Täter eine 

Gegenaussage macht, das Ganze abstreitet. Da steht 

dann Aussage gegen Aussage. So werden schwere 

Verbrechen niemals gesühnt, manchmal auch, weil 

den Tätern einfach mehr geglaubt wird. Dabei ist esja 

nun wirklich nicht so, dass Kinder ihre nächsten 

Bezugspersonen einfach so anklagen würden. Warum 

sollte ein Kind eine Falschaussage machen? Die 

meisten betroffenen Kinder schweigen unendlich 

lange und beginnen erst aus enormem Leidensdruck 

endlich zu reden. Aber unser Rechtssystem ist noch 

nicht ausreichend darauf sensibilisiert, eine Aussage 

von einem Kind richtig zu verstehen. Es gibt wenig 

Wissen darüber, wie es diesen Kindern geht und wie 

ihre Aussagen zu verstehen sind. So wird der 

mögliche Strafrahmen leider oft nicht ausgeschöpft. 

Katja Hagedorn –Heisst das: Wenn eine Bestrafung 

erfolgt, fällt sie eher niedrig aus? 

Regula Schwager –Diese Strafen können bagatellhaft 

ausfallen. Und man könnte darüber nachdenken, ob 

das Strafmass, das eine Gesellschaft für bestimmte 

Taten hat, nicht auch etwas über ihre Werte und 

Normen aussagt. Kinder, Frauen, Opfer sind in der 

Schweiz nicht ausreichend geschützt. Wenn Sie Ihr 

Kleinkind vergewaltigen, bekommen Sie dafür 

meistens nur eine Bewährungsstrafe. 

Katja Hagedorn –Wenn man sich näher mit dem 

Thema befasst, ist man fassungslos über die 

Perversität und Brutalität der Übergriffe. Man liest 

zum Beispiel, dass Kindern die abwegigsten 

Gegenstände eingeführt werden, von Haarspraydosen 

und Weinflaschen bis zu Messern. In den 

Berichterstattungen zu diesem Thema tauchen solche 

Details oft nicht auf. Wie bewerten Sie das? 

Regula Schwager –Das ist eine schwierige Frage und 

Gratwanderung zwischen Aufklärung und 

Enttabuisierung einerseits und reiner Effekthascherei 

andererseits. Diese Gratwanderung gelingt gewissen 

Medien eindeutig nicht. Dabei ist essehr wichtig, 

dass über das Thema der sexuellen Ausbeutung von 

Kindern klar, kompetent und sorgfältig informiert wird. 

Aber manchmal wird sehr voyeuristisch berichtet und 

die Intimsphäre von Betroffenen verletzt oder es wird 

beschönigt. Das hat zum Teil auch mit der 

Öffentlichkeit zu tun, die Blut- und Tränengeschichten 

hören will, aber nicht so, dass sie sich wirklich mit 

dem ganzen Schrecken, den die Kinder da erleben, 

konfrontieren muss. Eine Mischung aus Neugier und 

Berührungshemmung. 

Katja Hagedorn –Wie gehen Sie damit um, dass Sie 

täglich mit diesen Dingen konfrontiert werden? 

Regula Schwager –Das ist tatsächlich nicht einfach, 

weil man jeden Tagdie Versehrung der Betroffenen, 

ihr unsägliches Leid miterlebt. Mein Weltbild hat sich 

in den Jahren, die ich diese Arbeit mache, sicherlich 

verändert. Es ist unglaublich, wozu Menschen fähig 

sind. Andererseits finde ich meine Arbeit 

wunderschön, weil sie wirklich etwas bewirken kann 

–sei es, dass eine Zwölfjährige zum ersten Mal über 

ihre Erlebnisse reden kann, sei es, dass jemand 

wieder Hoffnung schöpft. Man kann Betroffenen mit 

Traumatherapien sehr gut helfen, man kann ihnen 

Hoffnung geben und zeigen, dass der Tunnel ein Ende 

haben kann. 


„Täter“ —abMai im Schiffbau/Box

20 21 

„Ward, seit die Welt steht, so etwas erlebt?“* 

Der Kleist-Biograph Jens Bisky über Ritter 

Ritter waren populär. Spätestens seit Goethes „Götz 

von Berlichingen“ las man gern von ihnen, glaubte 

sich mit Ritterschauspielen trefflich zu unterhalten. 

Wie beliebt sie waren, erfuhr ein ehemaliger 

preussischer Leutnant und Studienabbrecher, als er 

im Spätsommer des Jahres 1800 eine Würzburger 

Lesebibliothek aufsuchte. 

„,Wir wünschen ein paar gute Bücher zu haben.’ – 

Hier steht die Sammlung zu Befehl. –,Etwa von 

Wieland.’ –Ich zweifle fast. –,Oder von Schiller, 

Göthe.’ –Die mögten hier schwerlich zu finden sein. 

–,Wie? Sind alle diese Bücher vergriffen? Wird hier 

so stark gelesen?’ –Das eben nicht. –,Wer liest denn 

hier eigentlich am meisten?’ –Juristen, Kaufleute und 

verheirathete Damen. –,Und die unverheiratheten?’ 

–Sie dürfen keine fordern. –,Und die Studenten?’ 

–Wir haben Befehl ihnen keine zu geben. –,Aber 

sagen Sie uns, wenn so wenig gelesen wird, wo in 

aller Welt sind denn die Schriften Wielands, Göthes, 

Schillers?’ –Halten zu Gnaden, diese Schriften 

werden hier gar nicht gelesen. –,Also Sie haben sie 

gar nicht in der Bibliothek?’ –Wir dürfen nicht. – 

,Was stehn denn also eigentlich für Bücher hier an 

diesen Wänden?’ –Rittergeschichten, lauter 

Rittergeschichten, rechts die Rittergeschichten mit 

Gespenstern, links ohne Gespenster, nach Belieben.“ 

Die Verhältnisse ähnelten offenkundig denen eines gut 

sortierten Media Marktes. –Mit einem „So, so“ hat 

der zweiundzwanzigjährige Heinrich von Kleist die 

Bücherei damals verlassen. Die Omnipräsenz der 

Rittergeschichten schien ihm damals kennzeichnend 

für den zurückgebliebenen Geist der Bischofsstadt, wo 

man vergebens nach Vergnügungen frage, weil die 

Einwohner nichts im Sinn hätten „als die zukünftige 

himmlische Glückseligkeit“ und darüber die 

„gegenwärtige irdische“ vergässen. Kleist, der 

während der Reise noch an die Verheissungen 

fortschreitender Aufklärung glaubte und gewiss war, 

kraft seiner Vernunft den „sicheren Weg des Glücks“ 

zu finden, hätte sich damals wohl kaum vorstellen 

können, dass er nur sieben Jahre später ein „grosses 

historisches Ritterspiel“ verfassen würde. „Das 

Käthchen von Heilbronn oder Die Feuerprobe“ – 

gehört esauf die linke oder die rechte Seite, zu den 

Werken mit Gespenstern oder zu denen ohne? 

Kann man den Cherub, der das Käthchen aus dem 

brennenden Schloss rettet und die hexenhafte 

„Giftmischerin“ Kunigunde als vollwertige 

Bühnengespenster gelten lassen? Die Frage muss 

nicht entschieden werden. Die Bibliothek einer gut 

katholischen Stadt, in der man sich vor Wieland, 

Goethe, Schiller grauste, hätte Kleists „Käthchen“ 

kaum angeschafft. Denn das Ritterschauspiel taugte 

gut zum Skandal. Zunächst dank des Stoffes, des 

Sujets: Der Kaiser geniesst unerkannt einen One- 

Night-Stand mit einer Bürgersfrau, ohne sich weiter 

um die Folgen zu kümmern. Zur Erinnerung an den 

schönen Augenblick schenkt er der bis dahin 

Unbescholtenen, die er schwängerte, ein Bildnis des 

Papstes. Aber damit nicht genug, das ist nur 

Vorgeschichte. Eine Fünfzehnjährige, eine 

Minderjährige also, verlässt gegen den Willen des 

brav sorgenden Vaters ihr Elternhaus und läuft, einer 

„Metze“ gleich, einem sozial höher stehenden Mann 

hinterher, kaum dass sie drei Worte mit diesem 

gesprochen hat. Kein Einreden bringt sie davon ab, 

die bedingungslose Hingabe an diesen Einen, die 

Selbstaufgabe zu seinen Gunsten, für ihre 

Bestimmung zu halten, unbekümmert darum, dass 

dies in den Augen der Welt schlimmster Erniedrigung 

gleichkam, einer Schmach, die nur durch 

märchenhafte Wunder getilgt werden kann. „Mein 

hoher Herr“ –Käthchens Verehrungsformel kaschiert 

nur notdürftig eine Machtdifferenz, eine Ungleichheit 

innerhalb des Paares, die uns schwer erträglich ist. 

Dass Friedrich Wetter, Graf vom Strahl, die Frucht des 

kaiserlichen Fehltritts ehelicht, nachdem er die 

eheliche Tochter eines ehrsamen Bürgers stur 

abgelehnt hat, diese heroische Schwachheit hat Leser 

immer wieder verärgert. Auch Motive und Form des 

Stücks provozierten. Kleist hat wenig ausgelassen: 

Feme, unterirdische Höhle, Grotte, Schlossbrand, 

Frauenraub, Gottesgericht –die Motive 

schauerromantischer Unterhaltungsliteratur sind 

nahezu vollzählig versammelt. Das Genre hatte selbst 

durch Schillers „Jungfrau von Orleans“ nicht die 

Wertschätzung der Kritiker gewonnen. Das „Käthchen“ 

sei, schmähte ein Kritiker, „unterhaltend für alle, die 

mit der Vernunft fertig geworden sind“. Ein anderer 

registrierte verwundert den Wechsel von Prosa und 

Jamben und resümierte: „Romantisch ist die Anlage 

des Ganzen gewiss, wenn man darunter unbegreiflich 

versteht.“ Dascheint die Anekdote gut und treffend 

erfunden, Goethe habe in den zwanziger Jahren das 

„Käthchen“ mit dem Ausruf „Verfluchte Unnatur!“ ins 

Feuer geworfen. 

Und was für Ritter sind es denn, die Kleist da 

aufbietet? Was ist ritterlich an ihnen ausser Helm, 

Schild und Schwert? Der Graf vom Strahl, aber auch 

der Burggraf von Freiburg ähneln in mancher Szene 

mehr einem verliebten Jäger. Selbst wenn man die 

Anforderungen an historische Genauigkeit nicht zu 

hoch schraubt und zugesteht, dass ein Stück, in dem 

die Kreuzzüge wie das Reichskammergericht zu 

Wetzlar als gegenwärtig heraufgerufen werden, nur in 

der Traumzeit der Phantasie spielen kann, selbst dann 

wird man den Rittern des Stücks nicht allzu viel 

Plausibilität unterstellen. Sie sind moderne Charaktere 

in mittelalterlich anmutenden Kostümen –das 

unterscheidet sie von den räuberischen Junkern in 

„Michael Kohlhaas“ oder den Rittern in Kleists 

moralischer Erzählung „Der Zweikampf“. Dort stimmen 

die Kulissen, dort herrscht –soweit nötig –poetische 

Wahrscheinlichkeit und auch eine Art psychologischer 

Stimmigkeit. Die Kostüme passen. Im „Käthchen“ 

bleibt das Rittertum Schablone. Es macht Effekt, aber 

es ist ein Theaterrittertum. Und eben darin liegt die 

Herrlichkeit dieses Ritterschauspiels. Es handelt wie 

alle Kleist-Stücke von Liebe und Krieg und zeigt, wie 

man richtig Krieg führt und dass die Liebe eine 

Himmelsmacht ist. 

Vor allem aber ist eseine Liebeserklärung an das 

Theater, andessen Schauseite, an Effekt, Maschinerie 

und Donner. Nicht umsonst zitiert Kleist imersten Akt 

den Mann, von dem er sein Handwerk gelernt hat und 

der vor ihm der Theatervirtuose der grossen Gefühle 

war: Friedrich Schiller. Wodieser in seiner 

Mannheimer Rede sagte, auf der Bühne halte „die 

Wahrheit unbestechlich wie Rhadamanthus Gericht“, 

lässt Kleist inder unterirdischen Höhle des 

Femegerichts –wo, der griechischen Mythologie 

zufolge, Rhadamanthus richtet –behaupten: „Die 

Gerichtsbarkeit der Bühne fängt an, wo das Gebiet 

der weltlichen Gesetze sich endigt.“ 

Mit dem Monolog des Grafen vom Strahl im zweiten 

Akt, in dem dieser eine poetische Rolle erprobt und 

spricht wie ein Empfindsamer, geht Kleist noch weiter. 

Er gründet sein Schauspiel nicht mehr in einem 

moralischen Konflikt. Der Graf ist verliebt, und diese 

Liebe steht im Widerspruch zu seiner sozialen Rolle. 

Er kann, Nachfahr stolzer Ahnen, kein Bürgermädchen 

freien, und er hat zu viel moderne Literatur gelesen, 

um sie umstandslos zur Mätresse zu nehmen. Gefühl 

und Kultur widerstreiten einander. Vernünftig wäre 

eine Ehe im dynastischen Interesse, Kunigunde zeigt, 

wie man nach Bedürfnissen liebt. Die nicht zuletzt von 

Dichtern propagierte Kultur der Bindung durch Gefühl 

verträgt sich schlecht mit der Heirat aufgrund zu 

erwartender Vorteile. Den glücklichen Ausgang sichert 

Kleist bekanntermassen durch den Doppeltraum der 

Sylvesternacht. Dem Käthchen erscheint der Graf, 

diesen wiederum entführt ein Cherub nach Heilbronn, 

wo der Käthchen erblickt und erfährt, dass sie eine 

Kaiserstochter ist. Der Graf selbst und seine 

Umgebung deuten dies gut aufklärerisch. Aber die 

Vision, die Kleist inszeniert hat, ist mehr als eine 

Erscheinung im Schlaf. Dass sie theatralisch wahr ist, 

zeigt das Auftauchen des Cherubs zur Rettung 

Käthchens. Er fundiert das Geschehen in einer Poetik 

des Wunderbaren, beschwört mit Traum und Cherub 

einen anderen, der alltäglichen Welt entrückten 

Zusammenhang. Im Zeichen dieses Wunderbaren 

gelingt eine Wiederverzauberung der aufgeklärten 

Welt. Das Wunderbare weist allem seinen Platz zu. 

Die Vision, der Traum, die Phantasie stiften einen 

neuen Zusammenhang der Dinge und Personen. Dem 

entspricht die Fülle der Tonlagen und Szenen, der 

grossen und kleinen Bühneneffekte. „Die Schaubühne 

als moralische Anstalt betrachtet“, hatte Schiller seine 

Mannheimer Rede überschrieben, die Kleist aufruft 

und überschreibt. Wollte man eine ähnliche Rede über 

sein „Käthchen“ verfassen, müsste sie heissen: 

„Die Schaubühne als theatralische Anstalt betrachtet“. 

*aus: Heinrich von Kleist, „Das Käthchen von Heilbronn“ 

„Das Käthchen von Heilbronn“ —abMärz im Pfauen

22 23 

„Wann haltet ihr Hochzeit?”* 

Der Soziologe François Höpflinger über Familien 

Obwohl der Begriff „Familie“ an die altrömische 

Bezeichnung „familia“ anknüpft, haben moderne 

Familien mit früheren Familienformen seit langem 

wenig gemeinsam. Speziell in nord- und 

westeuropäischen Ländern haben sich 

Familienverhältnisse und Generationenbeziehungen 

grundlegend anders entwickelt als in Ost- und 

Südeuropa, Asien und Afrika. Weltweit betrachtet war 

und ist die Entwicklung der west- und 

nordeuropäischen Familien in wichtigen Aspekten eine 

Ausnahmeerscheinung und die Schweiz war ein Land, 

in der sich das nord- und westeuropäische Ehe- und 

Familienmodell schon früh durchzusetzen vermochte. 

Das zentrale Kennzeichen des nord- und 

westeuropäischen Familienmodells ist eine starke – 

und teilweise überstarke –Betonung der Kernfamilie 

(Ehepaarbeziehung, Eltern-Kind-Beziehungen). 

Die horizontalen Verwandtschaftsbeziehungen sind 

gegenüber den vertikalen Generationenbeziehungen 

weitaus weniger bedeutsam. Die Einbindung der 

Kernfamilien in umfassendere Clan- und 

Sippenstrukturen wurde früh gebrochen. Zum einen 

brach das Christentum –als Gemeindereligion – 

radikal mit früheren Haus-, Familien- und 

Ahnenkulten. Damit wurden Ansehen und Stellung 

alter Familienangehöriger von vornherein geschwächt 

(im Vergleich zur altrömischen „familia“). Zum anderen 

wurde die monogame Zweierbeziehung (Ehe) ins 

Zentrum des Familienlebens gerückt. Im Gegensatz zu 

vielen aussereuropäischen Kulturen wurde die 

Beziehung zwischen den Ehegatten –und nicht die 

Beziehung zur Sippe oder zum Clan –betont. Clanund 

Sippenstrukturen wurden in Europa schon im 

Mittelalter durch die Kirche gezielt abgewertet, etwa 

durch das Verbot sippenstärkender Gebräuche, wie 

Polygamie, Brautkauf und Kinderehen. So setzte sich 

in West- und Nordeuropa das Konsensprinzip der Ehe 

schon früh weitgehend durch, und eine Ehe ohne 

Einwilligung beider Ehepartner wurde zur Ausnahme. 

Das Konsensprinzip schloss ein, sich auch gegen Ehe 

und Familie entscheiden zu können und das 

europäische Ehe- und Familienmodell ist durch eine 

lange Tradition später Ehen und hoher Ledigenanteile 

charakterisiert. 

Das vom aufstrebenden Bürgertum ab dem 18. 

Jahrhundert durch eine Flut von Eheratgebern 

vertretene Modell der bürgerlichen Liebesehe und 

engen Mutter-Kind-Beziehung verstärkte die Stellung 

der engeren Kernfamilie zusätzlich, indem nur 

Mitglieder der Kernfamilie überhaupt zur 

Familiengemeinschaft gezählt wurden. Der Durchbruch 

der bürgerlichen Liebesehe (mit ihrer Dreieinigkeit von 

Liebe, Ehe und Sexualität) verringerte den Einfluss 

der Eltern und übrigen Verwandten auf Partnerwahl 

und Familiengestaltung weiter. Liebe lässt sich nicht 

befehlen und wenn eine Ehe auf Liebe begründet 

wird, muss die Wahl des Ehepartners der jungen 

Generation überlassen werden. Die Gestaltung des 

Familienlebens wurde immer stärker zur Privatsache 

der Beteiligten. Entsprechend wurde auch das Prinzip 

der Nicht-Einmischung der ältesten Generation 

(Grosseltern) in die Erziehung der jüngsten Generation 

durchgesetzt. Mit dem Durchbruch der (romantischen) 

Liebesehe und der „Entdeckung der Mutterliebe“ 

(seit Rousseau) hat sich die europäische Kleinfamilie 

sozusagen immer stärker auf intime emotionale 

Lebensdimensionen „spezialisiert“ und tatsächlich ist 

die Familie heute derjenige Lebensbereich, in der 

persönliche Emotionen und Intimität nicht nur toleriert, 

sondern grundsätzlich erwartet werden. Mann/Frau 

heiratet aus Liebe und auch die Beziehung zwischen 

Eltern und Kindern ist durch die Norm der Liebe 

geprägt (Eltern müssen ihre Kinder lieben, auch wenn 

sie nerven). Die emotionale Beziehungsarbeit wurde 

primär den weiblichen Familienmitgliedern übertragen. 

Der öffentliche Raum (Politik, Wirtschaft) –eher 

männlich dominiert –wurde dagegen einer „Ent- 

Emotionalisierung“ unterworfen. Während Liebe und 

gegenseitiges Verständnis das Idealbild der Familie 

prägen, wird die Arbeitswelt durch Sachlichkeit und 

kühle Rationalität bestimmt. Das Auseinanderfallen 

zwischen einer (weiblich geprägten) familialen 

Gefühlswelt –mit teilweise zu engen Mutter-Sohn 

bzw. Mutter-Tochter-Beziehungen –und einer 

(männlich geprägten) unterkühlten Berufswelt war bis 

Mitte des 20. Jahrhunderts eine Hauptursache für 

viele Familientragödien. Der seither erfolgte 

Durchbruch partnerschaftlicher Familienstrukturen und 

nicht-autoritärer Erziehungsstile führte zu mehr 

persönlicher Autonomie innerhalb von Familien, und 

während früher Frauen bei schlechter Ehe ihre 

Hoffnungen aufgaben, geben sie heute ihre Ehe auf. 

Europaweit kam es in den letzten Jahrzehnten zu einer 

deutlichen Verschiebung von der „Institution Familie“ 

zur verstärkten Gewichtung der persönlichen 

Beziehungen zwischen Familienmitgliedern. In diesem 

Rahmen lassen sich folgende bedeutsame 

Wandlungen feststellen: 

Erstens kam es zu einer Entbündelung oder sogar 

Auflösung des christlich-bürgerlichen Ehe- und 

Familienmodells, welches eine klare Verknüpfung von 

Sexualität, Zusammenleben, Kinderhaben innerhalb 

einer definierten Lebensform –der Ehe –vorsah. Die 

Ehe wurde zur Wahloption und nicht-eheliche Lebensund 

Familienformen verbreiteten sich. Gleichzeitig 

setzte sich –was Generationenbeziehungen betrifft – 

das Muster von „Intimität auf Abstand“ endgültig 

durch und Dreigenerationenfamilien –woGrosseltern, 

Eltern und Kinder zusammenleben –wurden selten. 

Die Generationenbeziehungen zwischen jungen 

Familien und Grosseltern haben sich gerade dadurch 

verbessert, dass jede Generation selbständig lebt. 

Zweitens erhöhte sich die Frauen- und 

Müttererwerbstätigkeit deutlich, womit familialberufliche 

Vereinbarkeitsfragen und Formen der 

familienexternen Kinderbetreuung an Bedeutung 

gewannen. Die Schwierigkeit für Frauen, Beruf und 

Familie zu verbinden, hat in den jüngsten 

Generationen dazu geführt, dass mehr Frauen 

überhaupt auf Kinder verzichten oder in der Phase mit 

Kleinkindern vielfach Teilzeitarbeiten übernehmen. 

Zwar hat die Mithilfe von Männern an den Haus- und 

Familienarbeiten in den letzten Jahren allmählich 

zugenommen, aber die Angleichung der familialen 

Arbeitsteilung verlief nur langsam. Partnerschaftliche 

Familien, in denen sich Frau und Mann in egalitärer 

Weise Familien- und Hausarbeit teilen, sind weiterhin 

eine Minderheit. 

Drittens wurden patriarchale Familiennormen 

zurückgedrängt und die Familien wurden 

partnerschaftlicher. Dies betrifft nicht nur die 

Beziehung zwischen den Eltern, sondern auch die 

Beziehung zu den Kindern. Dank nicht-autoritären 

Erziehungsformen und hoher Mediengewandtheit 

schon junger Kinder haben Kinder heute weitaus mehr 

Einfluss etwa auf Medien-, Konsum- und 

Ferienverhalten ihrer Eltern als frühere Generationen. 

Wenig Geschwister, aber auch der Einfluss der 

Medien tragen dazu bei, dass Kinder schon früh stark 

erwachsenenorientiert sind. 

Viertens erhöhte sich die Scheidungshäufigkeit in 

starkem Masse. Wurden 1970 erst 15 Prozent aller 

Ehen durch eine Scheidung aufgelöst, waren es1990 

schon 33 Prozent, und 2007 wurde schon eine 

Scheidungsrate von über 50 Prozent festgestellt. 

Die erhöhte Scheidungshäufigkeit ist kein Hinweis auf 

einen Bedeutungsschwund von Paarbeziehungen, 

sondern in der Hauptsache ein indirektes Kompliment 

an das Ideal der modernen Paarbeziehungen und 

gleichermassen ein Zeugnis für deren Schwierigkeiten. 

Aufgrund steigender Scheidungshäufigkeit hat sich 

das Risiko von Kindern erhöht, zeitweise getrennt vom 

Vater zu leben. Gegenwärtig erlebt jedes zehnte Kind 

bis zum Alter von 10Jahren eine Trennung oder 

Scheidung, und bis zum Alter von 18Jahren erhöht 

sich der Anteil der von einer Scheidung betroffenen 

Kinder auf gut einen Sechstel. An Bedeutung 

gewonnen haben in diesem Zusammenhang auch 

Zweitfamilien, wodurch biologische und soziale 

Elternschaft auseinander fallen können. Wie kein 

anderer familialer Wandel hat die erhöhte 

Scheidungshäufigkeit und ihre Folgen (mehr Einelternund 

Fortsetzungsfamilien) zur Relativierung der 

Vorstellung einer ‘Normalfamilie’ geführt. 

Fünftens hat sich gerade in der Schweiz aufgrund 

starker Einwanderung und höherer Geburtenraten 

ausländischer Familien der Anteil an ausländischen 

Kindern erhöht. Aktuell weist mehr als ein Viertel der 

Neugeborenen eine ausländische Nationalität auf. 

Werden noch Neugeborene dazu gezählt, wo entweder 

Mutter oder Vater eine nicht-schweizerische 

Staatsangehörigkeit besitzen, weisen mehr als zwei 

Fünftel der Generationenerneuerung der Schweiz 

einen Migrationshintergrund auf. Das Familienleben in 

der Schweiz ist heute oft multikulturell geprägt (wobei 

sich teilweise europäische und aussereuropäische 

Familiennormen gegenüber stehen). 

Insgesamt zeigt sich weniger ein Bedeutungsverlust 

der Familie als ein Wandel in Richtung einer 

verstärkten Vielfalt gelebter Familienformen. Auch 

jüngere Generationen bewerten ein „glückliches 

Familienleben“ stark, aber sie haben häufig andere 

Vorstellungen, was ein gutes Familienleben ist, als 

ältere Generationen. Obwohl auch wirtschaftliche 

Aspekte -wie gegenseitige wirtschaftliche 

Absicherung, gemeinsames Haushalten -relevant 

sind, bilden emotionale Gesichtspunkte das Kernstück 

moderner Partnerschaften und Familien, mit allen 

Vor- und Nachteilen, welche mit einer dichten 

Emotionsgemeinschaft verbunden sind. 

Die Wohlstandsentwicklung der letzten Jahrzehnte hat 

den Trend zu einer Familie als intime 

Lebensgemeinschaft weiter gestärkt und die 

emotionale Zweiteilung der Gesellschaft (Intimität und 

Emotionalität im familialen Rahmen, Emotionslosigkeit 

und Rationalität im beruflichen Bereich) verstärkt. 

Es ist offensichtlich, dass die „emotionale Aufrüstung“ 

des Familienlebens auch ihre Kehrseiten aufweist. 

So können neben positiven auch negative 

Gefühlsäusserungen zum Vorschein treten und 

familiale Beziehungen sind teilweise durch zu enge 

Eltern-Kind-Bindungen, Schuldgefühle und Gewalt 

gekennzeichnet. Intime Emotionsgemeinschaften 

stehen immer im Spannungsfeld, eine idealisierte 

Gefühlswelt mit der alltäglichen Lebenswirklichkeit ins 

Gleichgewicht zu bringen, und dieses Gleichgewicht 

ist und bleibt prekär. 

*aus: William Shakespeare, „Viel Lärm um nichts“ 


„Tod eines Handlungsreisenden“ —abSeptember 

„Ödipus —abJanuar im Schiffbau/Halle 

„Medea“ —abFebruar im Pfauen

24 25 

„Darf ich mir erlauben, mich ein wenig zu wundern?“* 

Der Erziehungswissenschaftler R. Fatke und der Psychoanalytiker A. Guggenbühl über Märchen 

Meike Sasse –Schiller schrieb: „Tiefere Bedeutung 

liegt in den Märchen meiner Kinderjahre als in der 

Wahrheit, die das Leben lehrt“ (Die Piccolomini). Was 

ist das Geheimnis von Märchen? Was macht den 

Zauber für Kinder, aber auch für Erwachsene aus? 

Reinhard Fatke –Esist sicherlich richtig, dass durch 

die Generationen hindurch Märchen sowohl für Kinder 

als auch für Erwachsene eine grosse Bedeutung 

haben. Wenn Schiller sagt, dass die Bedeutung sogar 

grösser sei als die Wahrheit, die das Leben lehrt, 

dann ist das eine pointierte Äusserung und will wohl 

darauf hinweisen, dass sich die früh erfahrenen 

Märchenstoffe in der Seele und im Geiste 

sedimentieren und man so immer wieder darauf 

zurückgreifen kann. Was ist es nun, was sich da 

ablagert? Man muss die interessante Beobachtung 

vorausschicken, dass die Erwachsenen nicht nur in 

der Erinnerung an ihre Kindheit Märchen schätzen, 

sondern diese auch wieder neu lesen und darin 

Neues entdecken. In jedem Lebensalter kann man aus 

den Märchenstoffen unterschiedliche Themen für sich 

als wichtig und relevant herausfiltern. Sie sind 

vielgestaltig, es sind Themen, die das menschliche 

Leben oder die menschliche Existenz überhaupt 

betreffen, zum Beispiel die ambivalente Beziehung zu 

den Eltern, die Angst vor Liebesverlust, die 

Rivalitätsauseinandersetzungen mit den Geschwistern. 

Das ist, glaube ich, die tiefere Bedeutung des 

Märchens und der Grund dafür, warum sie uns 

lebenslang als bedeutsame Quelle von Erkenntnissen 

zu diesen grundlegenden, existenziellen Themen 

begleiten. 

Allan Guggenbühl –Ein weiterer Punkt ist die bildliche 

Vereinfachung. Es sind Bilder, wie Archetypen 

gestaltet, die nachvollziehbar sind und die das 

primär-prozesshafte Denken ansprechen. Wir haben 

ein Bedürfnis nach Narrativem, das die Komplexität 

des Lebens einfangen kann und verstehbar, aber auch 

emotionalisierbar macht. Märchen können als Folie 

dienen oder als Raster, umsich und die Aussenwelt 

zu verstehen. Märchen greifen oft versteckte Themen 

auf, zum Beispiel Hassgefühle, die eine Mutter ihrem 

Kind gegenüber haben kann. 

Reinhard Fatke –Sie meinen mit der Vereinfachung 

wahrscheinlich auch die Symbolisierung von solchen 

Themen, die in bildhaften Metaphern vorkommen. 

Man kann zum Beispiel den Punkt der ambivalenten 

Gefühle von Liebe und Hass der Mutter gegenüber 

den Kindern oder auch umgekehrt aufgreifen. Die 

Kinder hassen ihre Eltern ja genauso, wie sie sie 

lieben. Da vollziehen viele Märchen einen 

wunderbaren Kunstgriff. Es gibt eine gute Mutter, die 

aber schon gestorben ist, und es gibt eine böse 

Mutter, die Stiefmutter. Sokönnen Kinder die 

Ambivalenz, dass die Mutter zugleich gut und böse ist 

und sie selbst gute und böse Gefühle gegenüber der 

Mutter haben, in gerechtfertigte Hassgefühle 

gegenüber der Stiefmutter und der bewahrenden 

Liebe und Zuneigung gegenüber der guten Mutter 

auseinanderdividieren. 

Meike Sasse –Warum sind Geschichten, das Hören 

und Erleben, für Kinder so wertvoll? Was für Prozesse 

werden angeregt? 

Allan Guggenbühl –Sie enttabuisieren. Sie können 

Dinge erklären, die Kinder spüren, fühlen, aber nicht 

benennen können. Märchen geben Bilder vor. Auch 

dem Schrecklichen verleihen sie damit Ausdruck. 

Märchen geben Kindern die Möglichkeit, sich an die 

Psychologie des Menschen heranzutasten. 

Reinhard Fatke –Die Phantasie, das Phantasieren der 

Kinder –und Märchen sind natürlich Gestalt 

gewordene Phantasien in symbolischer Form –ist 

eine Erkundungsfahrt indie Möglichkeit hinein. In der 

Phantasie kann man neue Lebenswelten ausprobieren. 

Und wenn man sagt, Phantasieren ist eine Vorstufe 

zum Denken, wobei Denken das rationale Erfassen 

von Zusammenhängen ist, dann dient das 

Phantasieren im Kindesalter im Medium des 

Symbolischen als Vorbereitung, um später die Welt 

rational erfassen zu können. Und so wie das 

Phantasieren die Vorstufe zum Denken ist, gilt ja das 

Denken als Vorstufe zum Handeln. 

Meike Sasse – Wurden die Märchen ursprünglich 

explizit den Kindern erzählt? 

Reinhard Fatke –Die Sammlung der Brüder Grimm 

heisst bekanntlich „Kinder- und Hausmärchen“. Man 

muss sozialhistorisch dabei bedenken, dass die 

Trennung der Kinder vom Leben der Erwachsenen 

erst eine Entwicklung ab Mitte des 19.Jahrhunderts 

als Folge der Industrialisierung ist. Das heisst, die 

Märchen wurden schon immer im Haus im 

Familienkreis erzählt und die Kinder waren 

automatisch dabei. 

Meike Sasse –Das Geschichtenerzählen hat sich im 

Laufe der Zeit verändert. 

Allan Guggenbühl –Geschichten weiter zu erzählen, 

ist ein ganz alter psychologischer Mechanismus. Vor 

hundert Jahren war zum Beispiel die Erzähltradition im 

Oberwallis noch lebendig, der Abusitz inden 

Alpenhütten verbreitet. Im Wandel von der 

traditionellen Agrar- zur modernen 

Dienstleistungsgesellschaft verstummten die 

traditionellen Erzählerinnen und Erzähler. Andere 

Akteure inder Gesellschaft haben das Erzählen von 

Geschichten übernommen –Fernsehen, Filme, 

Klatschhefte, Nachrichten. Geschichten werden heute 

weniger im Familienkreis erzählt, sondern medial 

vermittelt. Dort sind im Grunde die heutigen Märchen 

zu finden, viel weniger in den ritualisierten 

Zusammenkünften innerhalb der Familie. 

Reinhard Fatke –Dass abends im Kreise der Familie 

noch Geschichten erzählt werden, kommt, denke ich, 

nur noch in bestimmten Milieus vor. Es wird allgemein 

als ein grosser Verlust beklagt. Denn das, was andie 

Stelle getreten ist –das Fernsehen ist omnipräsent 

–geht mit einem grossen Verlust von emotionaler 

Nähe und Vertrautheit, die nur im Erzählen selbst 

stecken, einher. 

Meike Sasse –Man wird heute also vielmehr in die 

Rolle des passiven Konsumenten gedrängt, als dass 

man aktiv zu phantasieren beginnt? 

Allan Guggenbühl –Bei Märchen –dem 

Geschichtenhören –geht es auch um Imagination, die 

Fähigkeit, Bilder eigenständig zu entwickeln und das 

auch als etwas Autonomes zu erleben. Imagination 

passiert nicht per Knopfdruck. Es braucht bestimmte 

Rituale, Stimmungen, Begegnungen... Schwierig ist 

dieser Vorgang natürlich, wenn den Kindern 

Geschichten plakativ –über Sensationen –präsentiert 

werden. Sie haben dann nicht die Möglichkeit, über 

die Geschichten eine eigene, innere Bilderwelt zu 

entwickeln und zu erforschen. Kinder und Jugendliche 

sprechen sehr stark auf direkt erzählte Geschichten 

an, das merke ich immer wieder in meiner Therapie, 

dem Mythodrama, bei dem ich mit Geschichten 

arbeite. Aber diese Momente brauchen Platz, ein 

gemeinsames Beisammensein, ein Hinhören, Aufsich-hören... 

In unserer Kultur ist Betriebsamkeit, 

Abwechslung die Maxime. Der interaktive Moment ist 

beim Erzählen auch wichtig. 

Meike Sasse –Erinnern Sie sich an Ihr 

Lieblingsmärchen? 

Reinhard Fatke –Inletzter Zeit habe ich mich wieder 

mit „Hänsel und Gretel“ beschäftigt. Ausgehend von 

der Frage, die man mir stellte, wie das Märchen 

eigentlich weiter gehe, nachdem die Hexe inden Ofen 

geworfen wurde. Das weiss fast keiner mehr. An 

diesem Punkt ist für die meisten das Märchen aus. 

Hänsel und Gretel räubern nämlich erst einmal das 

Hexenhäuschen aus, das voll von Schätzen ist. Auf 

dem Weg zurück müssen sie über einen See, da hilft 

ihnen eine Ente, und dann kommen sie nach Hause, 

und die böse Stiefmutter ist inzwischen gestorben. 

Zum Glück. Der Vater war von Anfang an dagegen, die 

Kinder im Wald auszusetzen. In der Folge davon habe 

ich mit Kindern im Alter von elf, zwölf Jahren ein 

kleines Projekt gemacht. Sie sollten das Märchen 

nach ihren Vorstellungen umschreiben. Dabei kommen 

die interessantesten Sachen heraus. Kinder in dem 

Alter haben grosse Freude an Variationen. 

Meike Sasse –Nehmen die Geschichten dieser Kinder 

ein gutes Ende? 

Reinhard Fatke –Indiesem Alter tatsächlich ja. 

Interessant ist, dass die Geschichten bei Kindern im 

Alter von fünf, sechs Jahren überwiegend in einer 

Katastrophe enden. Doch sie leiden nicht unter dem 

schrecklichen Ausgang. Sie haben es ja selber 

gestaltet. Es scheint nötig zu sein, das Schreckliche in 

übertriebener Weise zuzulassen, wodurch man es 

bannen kann. Wenn ich es gestalte, habe ich es unter 

Kontrolle. 

Meike Sasse –Hat der Vorgang des Erzählens ein 

generationenverbindendes Moment? 

Allan Guggenbühl –Rituale, an denen verschiedene 

Generationen teilnehmen, verbinden. Unsere 

Gesellschaft hat begonnen, Tätigkeitsfelder 

generationsspezifisch auseinander zu halten. Wenn 

der Erzählakt in einer altersdurchmischten 

Gemeinschaft erfolgt, Eltern ihren Kindern vorlesen, 

dann ist das stark verbindend. 

Reinhard Fatke –Und darum wäre es nötig, dass 

Eltern, deren Kinder vor dem Fernseher sitzen oder 

vor dem Computerspiel und da ihre neuen Märchen 

oder ihren Märchenersatz erleben, dabei sind und mit 

ihren Kindern darüber ins Gespräch kommen. 

Meike Sasse –Generationenbeziehungen wandeln 

sich, sie reagieren auf gesellschaftliche 

Veränderungen. Wo stehen wir heute? 

Allan Guggenbühl –Für junge Menschen ist esoft 

sehr schwierig, einen eigenen Distinktionscode zu 

entwickeln. Verständlicherweise wollen ältere 

Menschen die Jungen verstehen, wollen wissen, was 

in ihnen vorgeht, und suchen einen Konsens. Die 

Jungen wollen diesen Konsens gar nicht, sie suchen 

die Abgrenzung. Wenn diese nicht offiziell erfolgt, 

dann inszenieren sie sie zum Beispiel durch 

Kleidercodes oder durch die Art und Weise, wie man 

sich bewegt. In Schulhäusern beobachte ich zum 

Beispiel, dass diejenigen, die schnell die Treppe 

hinaufrennen, oft die Lehrpersonen sind. Diejenigen 

aber, die die Langsamkeit inszenieren und durch ihre 

Schleppgänge auffallen, sind die Jugendlichen. 

Ich merke, dass das aus einem Dilemma entsteht. 

Die Abgrenzung zwischen Jung und Alt ist nicht mehr 

ganz so klar. 

Reinhard Fatke –Des Weiteren muss man sehen, 

dass sich die Jugendlichen mehr und mehr 

Verhaltensformen aneignen, die vor 50Jahren 

ausschliesslich den Erwachsenen vorbehalten waren. 

*aus: Tardieu, „Der Schalter“

26 27 

„Worin liegt, Ihrer Meinung nach, die Bedeutung des Theaters?”* 

20 Zürcher Passanten geben Antworten 

Beispielsweise Rauchen, Alkohol, Sex. „Erwachsen“ 

war definiert als ökonomisch selbstständig. Also, 

wenn man einen Beruf hatte und selbstständig Geld 

verdiente. Diese Generationenunterschiede sind 

verwischt, was eben nicht dazu führt, dass die 

Generationen näher zusammenwachsen. Offenbar 

bedarf esdieser Trennungen, damit 

Selbstständigkeiten ausgeprägt werden können. 

Abgrenzung ist nötig, um eigene Identitäten zu 

entwickeln in persönlicher, aber auch in 

gruppendynamischer Hinsicht. 

Meike Sasse –Zerfällt zudem die altbekannte 

Generationenhierarchie? 

Reinhard Fatke –Ich glaube, wenn man 

sozialhistorisch zurückschaut, hat es noch nie in dem 

Ausmass wie heute eine Kindergeneration, eine 

Jugendgeneration gegeben, die in so vielen Bereichen 

der älteren Generation überlegen ist. Vorher waren es 

immer die Eltern, sie waren die Erfahreneren – 

vielleicht weiser, mit gewissen beruflichen 

Kompetenzen –, und die Kinder waren die Lernenden. 

Heutzutage sind die Kinder, was den gesamten 

elektronischen Bereich betrifft –zum Beispiel die 

Bedienungsanleitung für den Videorecorder, 

Computerprogramme oder die Installation der neuen 

Telefonanlage und des Internets –, sehr viel 

fachkundiger. Das könnte zu einer gewissen 

Entfremdung beitragen. Die Eltern, die das 

bewundernd zur Kenntnis nehmen, sind natürlich 

besser dran als die, die sich darüber ärgern. 

Allan Guggenbühl –Die Älteren verfügen nicht mehr 

über die gleichen Kompetenzen und die gleiche Macht 

wie früher. Das Wissensmonopol ist nicht mehr sicher. 

Wissen kann man sich heute auf ganz 

unterschiedliche Weise beschaffen, übers Internet 

zum Beispiel. Erwachsene müssen sich heute 

gegenüber den Jungen anders legitimieren. 

Meike Sasse – Und im besten Fall führt eszueiner 

Austauschbeziehung... 

Welche Bedeutung hat die Tatsache, dass die 

westlichen Gesellschaften immer älter werden? Und 

wie wirkt sich das auf die Familienstrukturen aus? 

Allan Guggenbühl –Das ist ein Problem. Der Anteil 

der Jungen wird kleiner, wodurch sich Standards in 

der Gesellschaft durchzusetzen beginnen, die 

eigentlich mehr für die Älteren gemacht sind, zum 

Beispiel in puncto Gesundheit und Sicherheit. Diese 

Bedürfnisse werden dann zu unhinterfragten Werten, 

die allerdings einen Fünfzehnjährigen nicht 

interessieren. Für sein Empfinden ist das Leben noch 

ewig und Gesundheit eine Selbstverständlichkeit. Das 

führt dann dazu, dass in der Gesellschaft für Risiko 

oder Experimentierfreude weniger Platz ist, dadie 

Standards der Alten auf die Jugend herunter 

gebrochen sind. Junge Leute würden wahrscheinlich 

gerne wie früher hier in Zürich dem 6er-Tram hinterher 

rennen, aufspringen, ein risikoreiches Erleben daraus 

machen. 

Reinhard Fatke –Ich versuche, dieser Tatsache der 

zunehmenden Alterung unserer Gesellschaft dennoch 

auch etwas Positives abzugewinnen. Die Tatsache, 

dass die Grosseltern länger gesund sind, länger 

leben, führt dazu, dass sehr viel mehr Kontakt 

zwischen den Kindern und den Grosseltern zustande 

kommt. Das war schon immer die viel leichtere 

Beziehung aus Kindersicht, es begegnet ihnen eine 

andere Interaktionskultur. Mit den Eltern haben sie die 

üblichen Ambivalenzkonflikte. Kinder haben oft den 

Eindruck, dass die Grosseltern viel mehr Verständnis 

haben, und das schätzen sie, sodass der Besuch bei 

den Grosseltern ein Fest ist. 

Gehen Sie ins Theater? 

(1) Ja. (2) Wenn ich eingeladen werde. (3) Ja. (4) Nur 

wenn mich meine Freundin dazu zwingt. (lacht) Nein, 

nein, ich käme einfach nicht selber auf die Idee, aber 

wenn mir jemand vorschlägt, dass man da hin könnte, 

dann geh ich schon. (5) Ja. (6) Sehr selten. (7) Nein, 

in die Oper. (8) Selten. (9) Manchmal. (10) Nein. (11) 

Ja. (12) Ja, aber eher selten. (13) Eher selten, leider. 

(14) Nein. (15) Ja, sehr gerne. (16) Ja. (17) Ja. (18) Ja. 

(19) Ja. (20) Nein. 

Wenn ja, was zum letzten Mal? 

(1) „Alkestis“ im Pfauen. (2) „High School Musical“ als 

Theaterstück. (3) Ähh... „Im Wald ist man nicht 

verabredet”. (4) „Shopokalypse” im Kanti Theater 

Rämibühl. (5) Erinnere mich nicht mehr, schon lange 

her. Ich gehe lieber in die Oper als ins Theater. (6) In 

Zofingen, etwas Englisches, weiss aber nicht mehr 

genau. (7) „Tristan und Isolde” in Bayreuth. (8) Kann 

mich nicht erinnern. (9) In Ungarn etwas, aber ich 

kann mich nicht mehr genau erinnern, was eswar. 

(11) „La Muerte” in Genf. (12) „Romeo und Julia” am 

Schauspielhaus. (13) Im Schiffbau von der 

Needcompany „The Deerhouse”. (15)„Amphytrion” in 

Wien. (16) Erinnere mich nicht mehr, die Frau nimmt 

mich immer mit, wahrscheinlich ein Ballett. (17) „Emil 

–Drei Engel”. (18)„Caveman” (19) „Elektra” (Oper). 

Wenn nein, warum nicht? 

(2) Zu teuer. (4) Ich bin zu faul, um von mir aus ins 

Theater zu gehen. Ich habe nie wirklich damit 

angefangen. Am Anfang habe ich mich geweigert, 

weil alle andern gingen. Mit 17 finden es die einen 

mega toll, da muss man halt die Gegenposition 

beziehen. (6) Ich kann nicht sagen, warum ich selten 

ins Theater gehe, das hat keinen Grund. (8) Ich gehe 

eher selten ins Theater, obwohl ich es sehr mag, weil 

ich einfach nicht auf die Idee komme. Mir fehlt der 

Impuls. (10) Weil ich es mir nicht leisten kann, es ist 

zu teuer. Sonst würde ich mehr gehen. (13) Weil ich 

einfach zu wenig Zeit habe im Moment. (14) Eigentlich 

finde ich es interessant, aber ich informiere mich 

einfach nicht darüber und meine Freunde gehen alle 

nicht und allein macht es nicht so Spass. (19) Lieber 

Musiktheater. (20) Ich würde gerne mehr gehen, habe 

aber keine Zeit. 

Was macht einen guten Theaterabend aus? 

(1) Wenn ich rauskomme und ich weiss, dass ich mir 

Gedanken über etwas machen kann. Entweder hats 

mir total gut gefallen und ich komme beglückt raus 

oder, was ich manchmal auch spannend finde, wenn 

ich etwas richtig schlecht finde und mir Gedanken 

darüber machen muss, warum es mir nicht gefallen 

hat. Die Auseinandersetzung mit dem Thema und mit 

mir selber. (2) Gute Akteure. (3) Gute Schauspieler, 

ein guter Text, dass die Stimmung des Stückes durch 

ein gutes Bühnenbild rübergebracht wird. (4) Wenn ich 

mich nicht schämen muss für die Leute auf der 

Bühne. (5) Gerade am Schauspielhaus sind mir die 

Stücke zumodern, zu aggressiv. Ich meine, ich gehe 

ins Theater, ummich zu amüsieren und nicht, dass 

ich mir vorkommen muss wie in einem Sexclub. Das 

muss nicht sein. Ich will mich amüsieren, aber nicht 

so, wie die sich aufführen. (7) Die Darsteller müssen 

gut sein oder die Sänger. Naja, alles was dazu gehört 

halt. Was eine Aufführung schlecht macht, ist ein 

Regisseur, der sich zu fest inden Mittelpunkt stellt, 

ein Schlingensief oder ein weiss ich was. (8) Ich mag 

es mit viel Dynamik, humorvoll, wenn der Ausdruck 

der Schauspieler gut rüber kommt. (9) Es soll lustig 

und interessant sein. (10) Es soll spannend sein, 

etwas Neues, Kreatives, Anderes, mit Humor. (11) 

Wenn man unterhalten wird, aber nicht zu 

oberflächlich. Die Stücke sollen auch tiefgründig sein. 

(12) Nicht altmodisch, modern, nicht zu viel Gerede, 

Action solls haben. (13) Ein intensives Erleben, die 

direkte Begegnung... wenn es einen Transfer von der 

Bühne auf die Zuschauer gibt. (15) Dass man aus dem 

Theater kommt und sich sagt, dass man alles anders 

machen muss. (16) Gute, klassische Stücke. Es soll 

schön sein, gediegen, verständlich. Nichts Modernes 

wie da im Schauspielhaus. (17) Wenn ich nicht einmal 

den Impuls habe, mich im Sitz zurückzulehnen. (18) 

Wenn ich viel lachen kann. (19) Die Musik muss mir 

gefallen, die Inszenierung, die Sänger. (20) Ich finde 

es ganz toll, wenn die Schauspieler in eine andere 

Rolle schlüpfen können. 

(1) Schweizerin, 19 Jahre, Maturandin, wohnhaft im 

Kreis 4(2) Amerikanerin aus Alaska, Gärtnerin, 29 

Jahre, wohnhaft imKreis 5(3) Tschechin, 22 Jahre, 

Studentin, wohnhaft imKreis 4(4) Schweizerin, 19 

Jahre, Maturandin, wohnhaft inFällanden (5) 

Schweizerin, 75 Jahre, Rentnerin, wohnhaft imKreis 

11 (6) Schweizer, 50Jahre, Laborant, wohnhaft in 

Zofingen (7) Schweizer, 69Jahre, Informatiker, 

wohnhaft inAarau (8) Schweizerin, 42 Jahre, 

Tanztherapeutin, wohnhaft imKreis 11 (9) Ungarin, 23 

Jahre, lernt Deutsch, wohnhaft inBallenbühl (10) 

Schweizerin, 18 Jahre, Studentin, wohnhaft imKreis 5 

(11) Schweizerin, 19 Jahre, Studentin, wohnhaft im 

Kreis 6(12)Schweizerin, 20 Jahre, Maturandin, 

wohnhaft imAargau (13) Schweizerin, 38 Jahre, 

Kommunikationsberaterin, wohnhaft imKreis 6(14) 

Schweizerin, 18 Jahre, Friseuse, Kreis 6(15) 

Schweizer, 31Jahre, Student, wohnhaft inSt. Moritz 

(16) Schweizer, 65Jahre, Elektroingenieur, wohnhaft 

Oberächtiken (17) Schweizerin, 22 Jahre, 

Schauspielschülerin, wohnhaft imKreis 4(18) 

Schweizerin, 26 Jahre, Kundenberaterin, wohnhaft in 

Horgen (19)Schweizerin, 42 Jahre, Juristin, wohnhaft 

in Männedorf (20) Schweizerin, 20 Jahre, Praktikantin, 

wohnhaft inOerlikon. 

Umfrage: David Koch 

„Weit ist der Weg“ —abSeptember im Schiffbau/Box 

„Das Geschenk des weissen Pferdes“ —abOktober 

„Dornröschen“ —abNovember im Pfauen 

„Die schwarze Spinne“ —abJanuar im Pfauen 

*aus: Saneh/Mroué, „Biokraphia“

28 29 

„Was sagt man dazu?“* 

Listen, die die Welt bedeuten: Das Schauspielhaus 2009/10 inFakten und Zahlen 

Inszenierungen 2009/10, geordnet nach der Anzahl der 

Darsteller (einschliesslich Kleindarsteller und Musiker): 

Der Revisor (20); Was ihr wollt, Der Hofmeister, Unterm 

hohen Himmel: Parzival (alle 13); Maria Stuart, Martin 

Salander (beide 11); Der Hodler (8), Volpone, Triumph 

der Liebe, Die Schwärmer (alle 7); Alkestis, Warum 

läuft Herr R.Amok? (beide 6); Gestern, Werner 

Schlaffhorst, Heuschrecken, Ein himmlischer Platz, 

Das Leben ist eigentl. schön (alle 5); Der Tausch, 

Calvinismus Klein, Die Verwandlung (alle 4); Malaga, Im 

Wald ist man nicht verabredet, Stones, Der zerbrochene 

Schlüssel (alle 3); Rechnitz (Der Würgeengel), Trommel 

mit Mann (beide 1) 

Die ersten Worte der Intendanz von Barbara Frey: 

„Verwegener! Hier liegen die Geheimnisse der Lady.“ 

(Hanna Kennedy in „Maria Stuart“) 

Die längste Vorstellung der Spielzeit 2009/10: 

„Der Hofmeister“ am 14.Januar 2010 

(5 Stunden, 5Minuten, inkl. Pause) 

Die kürzeste Vorstellung der Spielzeit 2009/10: 

„Calvinismus Klein“ am 5. Dezember 2009 

(58 Minuten) 

Sieben prägnante erste Sätze: 

„Wir fangen mit dem Ende an. Wir lesen in der 

Offenbarung des Johannes.“ („Heuschrecken“); „Mir ist 

heute was passiert.“ („Warum läuft Herr R.Amok?“); 

„Entschuldigung. Mir händ es Problem.“ („Der 

Revisor“); „Unter all den vergessenen Geschichten, 

unter allen Schichten des Vergessens, unter Bergen 

von Tradition, am Meeresgrund des Obskuren liegt 

etwas Kostbares, das zart und nachdrücklich auf sich 

aufmerksam macht und hervorgeholt, betrachtet sein 

will, wie die kleine Erbse in der Matratzengruft.“ 

(„Werner Schlaffhorst“); „Liebling, lass uns in ein 

interpassives Theaterstück gehen.“ („Calvinismus 

Klein“); „Liebe Eltern, so geht es nicht weiter.“ („Die 

Verwandlung“); „Ich frühstückte herrlich und in 

Freuden.“ („Der Hodler“) 

Sieben abschliessende letzte Sätze: 

„Der Lord lässt sich entschuldigen, er ist zuSchiff nach 

Frankreich.“ („Maria Stuart“); „Hallo? Was? Wer? Wo? 

Was für ein Beamter?“ („Der Revisor“); „Mir wird das 

immer als meine aufregendste Zeit in Erinnerung 

bleiben, und die Erinnerung ist jaalles, was bleibt.“ 

(„Rechnitz (Der Würgeengel)“); „Ich weiss nicht, was ich 

tun werde.“ („Der Tausch“); „Gold, Gold, Gold.“ 

(„Volpone“); „Ich schreibe nicht mehr.“ („Gestern“); 

„Ach, nichts. Das hat Zeit bis morgen.“ („Malaga“) 

Lagerverbrauch Schreinerei (2009/10): 

Sperrholz Pappe 12 mm 4.210 qm 

Lagerverbrauch Tapezierer/Deko: Baumwolltücher 

Kettsatin schwarz 171,5lfm; Samt Palermo 56,90 lfm 

Batterien-/Akku-Verbrauch in „Der Hodler“: 

(pro Vorstellung): 60 AA, 24 LR14, 49V-Blocks 

Besondere Anschaffungen und Materialien der 

Abteilung Ausstattung* 

99 lfm Vorhangstoff Uni voile/Poesie (für „Schwärmer“) 

220 kg Jupernikuszweige (für „Malaga“) 

105qmPlafond Stahl (für „Der Hodler“) 

256 qm Teppich, Spezialdesign (für „Was ihr wollt“) 

200 lfm Vorhangstoff Blacky (für „Alkestis“) 

101lfm Viskose Taft für Fahne (für „Hofmeister“) 

60 lfm Rubin Effektgewebe (für „Calvinismus Klein“) 

33 Podesttische (für „Werner Schlaffhorst“) 

36 kg Belcofix Kleber für Bodenklappen 

27 000 Stk Buchsbaumbüschel (für „Triumph der Liebe“) 

50 lfm Glasklarfolie (für „Heuschrecken“) 

195qmSperrholz (für „Warum läuft Herr R., Amok?“) 

40 Stk Spaghettistühle (für „Martin Salander“) 

*verarbeitet von Tapeziererei, Malerei, Schlosserei und 

Schreinerei 

Höchste Anzahl an Videobeamern: 

9Stk. In „Industry &Idleness“ 

Von der Maskenabteilung während der Spielzeit 

2009/10 angefertigte… 

…Glatzen: 80 

…Blutkissen: 50 

…Perücken (Echthaar): 34 

…Perücken (Kunsthaar): 24 

…Bärte (Oberlippen): 9 

…Toupets: 5 

…Bärte (Kinn): 4 

…Ponys: 4 

Ausgewählte Fortbewegungsmittel in 

Inszenierungen 2009/10: 

Bus für 50 Personen („Rechnitz (Der Würgeengel)“) 

Traktor („Der Hofmeister“) 

Rollstuhl („Volpone“) 

Drehbühne („Calvinismus Klein“) 

Zwei Laufbänder („Warum läuft Herr R.Amok?“) 

Maximale Leuchtkraft bei einer Inszenierung des 

Schauspielhauses Zürich: 

173’481 Watt in der Produktion „Der Hofmeister“, 

im Einsatz waren: Tageslichtscheinwerfer: 1x 4kW HMI 

Fresnel /7x2,5kW HMI Fresnel /2x2,5kW HMI Profil 

Movinglights: 4x Clay Paky 1,2kW /4xVari lite 575W / 

6x Amptown Wash 575W Kunstlicht / 

Halogenscheinwerfer: 1x 10kW Fresnel /3x5kW 

Fresnel /27x 2kW Profil /551kW Par 64/1xElipsoid 

575W Leuchtstoff: 8x LDDE 4x58W 

Zehn Liebesbezeugungen, die Wirkung zeigen sollen: 

„Was ist mir alles Leben gegen dich und meine 

Liebe!“ (Mortimer zu Maria in „Maria Stuart“); „Ich 

habe Ihnen mein Leben geweiht, ich brenne darauf, 

es mit Ihrem zu vereinen!“ (Agis zu Phokion in 

„Triumph der Liebe“); „Ich will schwören, dass ich in 

meinem Leben keines andern Menschen Frau werden 

will als Deine und wenn der Kaiser von Russland 

selber käme.“ (Gustchen zu Fritz in„Der Hofmeister“); 

„Wenn Sie meine rasende Leidenschaft nicht 

gebührend befrieden, bin ich der irdischen Existenz 

nicht mehr würdig.“ (Chlestakow zu Anna in „Der 

Revisor“); „Wenn du mich nicht umbringen willst für 

meine Liebe, so musst dumir erlauben, dass ich dir 

diene.“ (Antonio zu Sebastian in „Was ihr wollt“); „Ich 

werde dich baden in Goldwasser, inEssenzen von 

Rosen und Orchideen, in der Milch des Einhorns“ 

(Volpone zu Celia in „Volpone“); „Ich will Ihr Leben 

besitzen. Der Gnade Ihres Seins teilhaftig werden!“ 

(Anselm zu Maria in „Die Schwärmer“); „Line, ich 

liebe dich. Ich liebe dich –wirklich…! Aber ich habe 

keine Zeit daran zu denken, es gibt so vieles, woran 

ich denken muss.“ (Sandor in „Gestern“); „Verehrtes 

Fräulein Glawicz, liebe Myrrha, darf ich vom 

förmlichen Sie zum du wechseln? Dann tue ich es 

jetzt. Ich habe dir soviel zu sagen, soviel 

mitzuteilen…“ (Salander in „Martin Salander“); „Ich 

liebe dich, aber ich will das lieber an jemand anderen 

delegieren.“ („Calvinismus Klein“) 

Zehn gemeine Sätze, die weh tun sollen: 

„Geht in die Hölle! Was hängt Ihr Euch an meine 

Fersen! Fort! Ich kenn Euch nicht, ich habe nichts 

gemein mit Meuchelmördern.“ (Leicester zu Mortimer 

in „Maria Stuart“); „Es würde ihm freilich nicht 

schaden, wenn er eine nicht allzu derbe Lektion 

erhielte. Schon wegen seiner ewigen Wühlhuberei 

verdiente er einen etwelchen Nasenstüber.“ (Weidelich 

in „Martin Salander“); „Grausame Prinzessin, wie ich 

dich hasse!“ (Agis zu Phokion in „Triumph der Liebe“); 

„Ihr Dreckschweine, ihr miesen Blutsauger.“ 

(„Der Revisor“); „Stirb doch, Simon. Stirb endlich!“ 

(Anton in „Im Wald ist man nicht verabredet“); „Ich 

will Dir den Kopf zurecht setzen, Heiduk Du!“ (Major 

zu Leopold in „Der Hofmeister“); „Du bleicher Frosch, 

schliess endlich deine Glotzaugen!“ (Corvino zu 

Volpone in „Volpone“); „Simulant! Schwindler! Wenn 

du die Augen nicht aufmachst, zerstampfe ich dich!“ 

(Thomas zu Anselm in „Die Schwärmer“); „Frau 

Gräfin, schwingen Sie sich zum Olymp in der Schweiz 

hin, schwingen Sie Ihren Arsch dorthin, genau nach 

Westen, die Weste werden Sie doch wohl noch 

finden!, aber dalli, Tempo!, ich habe selber gesehen, 

was Ihnen sonst blüht, wo der Russe ist, wächst und 

blüht nichts mehr, fürchte ich.“ („Rechnitz (Der 

Würgeengel“); „Wie kannst dueigentlich damit leben, 

sie getötet zu haben?“ (Vater zu Admet in „Alkestis“) 

Die Wochentage, geordnet nach Zuschauerandrang 

(Auswertung: September 2009 bis März 2010): 

1. Freitag 

2. Donnerstag 

3. Samstag 

4. Sonntag 

5. Mittwoch 

6. Montag 

7. Dienstag 

Die am häufigsten bestellten Getränke vor und nach 

der Vorstellung im Pfauen-Foyer: 

1. Weisswein 

2. Wasser 

3. Prosecco 

Die beliebtesten Heissgetränke inder Pfauen-Kantine: 

1. Milchkaffee 

2. Latte Macchiato 

3. Diverse Tees 

Drei herausragende Kreationen für Premierenfeiern: 

1. „Amok-Burger“ (für „Warum läuft Herr R.Amok?“) 

2. Trio vom Rogen (für „Was ihr wollt“) 

3. Wolle Bohne?! (Chili con carne für „Volpone“) 

Der Küchenchef empfiehlt –Ein Rezept zum 

Selberkochen für den kleinen Hunger vor dem 

Theaterbesuch: „Amok-Burger“ 

1. Hacktätschli herstellen nach eigenem Gusto 

2. Im Ofen backen 

3. Mit viel, sehr viel Ketchup anrichten 

Zusammenstellung (mit besonderem Dank an die 

beteiligten Abteilungen): Roland Koberg 

*aus: Tschechow, „Platonow“ 

„Der Schalter“ —abNovember im Pfauen/Kammer

30 31 

„Woher kommst du?”* 

Autorenverzeichnis 

Lola Arias 

1976 in Buenos Aires geboren, arbeitet als Autorin, 

Regisseurin, Performerin und Komponistin und ist 

Mitbegründerin des interdisziplinären Künstlerkollektivs 

Compañía Postnuclear. Ihre Inszenierungen 

(„Striptease/Revolver-Traum/Die Liebe ist ein 

Heckenschütze“, „Airportkids“, „Mi vida futura“) 

wurden an deutschsprachigen Bühnen und Festivals 

zur Aufführung gebracht. 

Lukas Bärfuss 

1971 in Thun geboren, arbeitet seit 1997 als 

Schriftsteller in Zürich. Er schreibt Prosatexte 

(„Hundert Tage“), Hörspiele und vor allem 

Theaterstücke („Die Sexuellen Neurosen unserer 

Eltern“, „Der Bus“, „Die Probe“, „Öl“ u.a.), die in 

Basel, Bochum, am Thalia Theater Hamburg, an den 

Münchner Kammerspielen und am Deutschen Theater 

uraufgeführt wurden. Seit der Spielzeit 2009/10 

arbeitet er als Autor und Dramaturg am 

Schauspielhaus Zürich; hier entstand „Malaga“. 

Jens Bisky 

1966 in Leipzig geboren, studierte Kulturwissenschaft 

und Germanistik an der Humboldt-Universität. Seit 

2001 ist er Redakteur im Feuilleton der Süddeutschen 

Zeitung und arbeitet als Autor („Geboren am 13. 

August –Der Sozialismus und ich“, „Die deutsche 

Frage –Warum die Einheit unser Land gefährdet“, 

„Kleist –Eine Biographie“). 

Reinhard Fatke 

in Kiel geboren, studierte Germanistik, Theologie, 

Erziehungswissenschaft und Psychologie in Kiel, 

Tübingen, New York und Ann Arbor. Erist Professor 

emeritus für Pädagogik an der Universität Zürich. 

Seine Arbeitsschwerpunkte sind Entwicklung und 

Ausdrucksformen im Kindes- und Jugendalter, 

Phantasie, Partizipation, soziale Auffälligkeit, Suizid, 

Psychoanalytische Pädagogik. Von 2006 bis 2009 

war erDekan der Philosophischen Fakultät der 

Universität Zürich. 

Barbara Frey 

1963 in Basel geboren, ist seit der Spielzeit 2009/10 

Künstlerische Direktorin am Schauspielhaus Zürich. 

Sie spielte Schlagzeug in verschiedenen Schweizer 

Bands und arbeitet seit 1992 als Regisseurin in der 

freien Szene und am Theater Basel, Neumarkttheater 

Zürich, Nationaltheater Mannheim, Deutschen 

Schauspielhaus Hamburg, an der Schaubühne Berlin, 

am Bayerischen Staatsschauspiel, Burgtheater Wien, 

bei den Salzburger Festspielen, am Schauspielhaus 

Zürich, Deutschen Theater Berlin und an der 

Bayerischen Staatsoper. 

Christian Geyer 

1960 in Aachen geboren, studierte Philosophie, 

Geschichte und Germanistik in Bonn und Köln. 

Seit 1992 Feuilletonredakteur bei der F.A.Z., zuständig 

für die Beilage „Geisteswissenschaften“ und das 

Ressort „Neue Sachbücher“. Ausserdem ist er 

Herausgeber zweier Suhrkamp-Bände („Biopolitik. 

Die Positionen“, „Hirnforschung und Willensfreiheit. 

Zur Deutung der neuesten Experimente“). 

Allan Guggenbühl 

aufgewachsen in Omaha/Nebraska und Zürich, 

Psychologe FSP und diplomierter analytischer 

Psychotherapeut. Leiter der Abteilung für 

Gruppenpsychotherapie für Kinder und Jugendliche an 

der kantonalen Erziehungsberatung der Stadt Bern 

sowie des Instituts für Konfliktmanagement und 

Mythodrama (IKM) in Bern und Zürich/Stockholm. 

Guggenbühl ist als Dozent für Psychologie und 

Pädagogik an der Pädagogischen Hochschule des 

Kantons Zürich und am HAP in Zürich tätig. Zuletzt 

veröffentlichte er „Anleitung zum Mobbing“, 2008. 

Katja Hagedorn 

1976 in Hamburg geboren, studierte Komparatistik, 

Germanistik und Anglistik in Dublin und Berlin. 

Regie- und Dramaturgieassistentin am Deutschen 

Theater in Berlin. Arbeitete mehrfach mit dem 

schwedischen Autor und Regisseur Lars Norén in 

Schweden. Sie ist als freiberufliche Dolmetscherin 

und Übersetzerin tätig. Seit der Spielzeit 2009/10 

arbeitet sie als Dramaturgin am Schauspielhaus 

Zürich. 

François Höpflinger 

1948 in Zürich geboren, studierte Soziologie und 

Sozialpsychologie an der Universität Zürich. Er ist als 

Titularprofessor für Soziologie an der Universität 

Zürich tätig. Seine Forschungsfelder sind 

Familiensoziologie, Demografie, Sozialpolitik und 

Alters- und Generationenfragen. Zuletzt veröffentlicht 

„Einblicke und Ausblicke zum Wohnen im Alter“, 2009; 

„Die Babyboomer. Eine Generation revolutioniert das 

Alter“ (zusammen mit Pasqualina Perrig-Chiello), 2009. 

Thomas Jonigk 

1966 in Eckerförde geboren, studierte Neuere 

deutsche Literaturwissenschaft und 

Theaterwissenschaft ander Freien Universität Berlin. 

Jonigk schreibt Romane („Vierzig Tage“, „Jupiter“), 

Theaterstücke („Täter“, „Rottweiler“, Hörst du mein 

heimliches Rufen“ u.a.), Libretti und Drehbücher. 

Seit der Spielzeit 2009/10 arbeitet er als Autor und 

Dramaturg amSchauspielhaus Zürich. 

Stefan Kaegi 

1972 in Solothurn geboren, studierte Kunst inZürich 

und Angewandte Theaterwissenschaft inGiessen. 

Er inszenierte in verschiedensten Konstellationen 

dokumentarische Theaterstücke, Hörspiele und 

Stadtrauminszenierungen. Gemeinsam mit Helgard 

Haug und Daniel Wetzel gründete Kaegi das 

Theaterlabel „Rimini Protokoll“, das 2008 mit dem 

europäischen Preis „New Realities in Theatre“ 

ausgezeichnet wurde. 

Roland Koberg 

1967 in Linz an der Donau geboren, arbeitete 

journalistisch für „Falter“, „DIE ZEIT“, „Berliner 

Zeitung“. 2001 wechselte er als Dramaturg ans 

Deutsche Theater. Seit der Spielzeit 2009/10 arbeitet 

er in gleicher Funktion am Schauspielhaus Zürich. 

Koberg ist Autor von Büchern über Claus Peymann 

und Robert Hunger-Bühler. Gemeinsam mit Verena 

Mayer veröffentlichte er „Elfriede Jelinek. Ein Porträt“. 

Werner Morlang 

1949 in Olten geboren, lebt und arbeitet als 

Literaturkritiker, Buchautor und Übersetzer für 

englischsprachige Texte in Zürich. Während 

acht Jahren leitete er das Robert Walser-Archiv 

und war seit 1981 Mitherausgeber von Walsers 

mikrographischem Nachlass. Zu seinen Publikationen 

gehören das Gesprächsbuch mit Gerhard Meier 

„Das dunkle Fest des Lebens“ und zuletzt „Robert 

Walser in Bern“. 

Annemarie Pieper 

1941 in Düsseldorf geboren, arbeitet als 

Universitätsdozentin und Professorin für Philosophie 

an der Ludwig-Maximilians-Universität München und 

an der Universität Basel. Piepers Arbeitsschwerpunkte 

liegen auf dem Gebiet der Ethik, der feministischen 

Philosophie und der Existenzphilosophie, wobei ihre 

Publikationen („Einführung in die Ethik“) zu den 

Standardwerken der Philosophie gehören. Einem 

grösseren Publikum wurde sie durch ihre 

Fernsehsendung „Sternstunde Philosophie“ bekannt. 

René Pollesch 

geboren 1962 in Friedberg/Hessen, inszeniert 

seit seinem Studium der Angewandten 

Theaterwissenschaft inGiessen eigene Stücke in 

Luzern, Hamburg, Stuttgart, Berlin, München und 

Wien. Seine Stücke tragen Titel wie „Ich schau dir in 

die Augen, gesellschaftlicher 

Verblendungszusammenhang“ (2010), „Ein Chor irrt 

sich gewaltig“ (2009) oder „Calvinismus Klein“ 

(Schauspielhaus Zürich, 2009). Für seine Dramen 

gewann er bereits zweimal den renommierten 

Mülheimer Dramatikerpreis: 2001 für „World Wide 

Web-Slums“ und 2006 für „Cappucetto Rosso“. 

Udo Rauchfleisch 

1942 in Osnabrück geboren, studierte an den 

Universitäten Kiel und Lubumbashi Psychologie 

und liess sich als Psychoanalytiker ausbilden. Er war 

als klinischer Psychologe amLandeskrankenhaus 

Schleswig und an der Psychiatrischen 

Universitätspoliklinik in Basel tätig, sowie 

ausserordentlicher Professor für Klinische Psychologie 

an der Universität Basel. Er arbeitet als 

Psychotherapeut in einer privaten Praxis in Basel. 

Meike Sasse 

1982 in Kiel geboren, studierte Theater-, Film- und 

Medienwissenschaft (TFM) sowie Komparatistik in 

Wien. Regie- und Kostümassistenzen in Wien und 

Hamburg. Am Institut für TFM der Universität Wien 

war sie als Lektorin und Redakteurin („Maske und 

Kothurn –Internationale Beiträge zur Theater-, Filmund 

Medienwissenschaft“) sowie als Lehrbeauftragte 

tätig. Seit der Spielzeit 2009/10 arbeitet sie als 

Dramaturgieassistentin am Schauspielhaus Zürich. 

Regula Schwager 

1960 in Winterthur geboren, studierte Psychologie in 

Zürich und liess sich als Psychotherapeutin ausbilden. 

Sie spezialisierte sich auf Psychotraumatherapie, 

insbesondere Therapie von komplex traumatisierten 

Menschen. Seit 2001 ist Regula Schwager Co-Leiterin 

der Beratungsstelle „Castagna“ für sexuell 

ausgebeutete Kinder, Jugendliche und in der Kindheit 

betroffene Erwachsene in Zürich. Sie arbeitet in einer 

eigenen psychotherapeutischen Praxis in Winterthur.

Saisonvorschau 2010/11 - Schauspielhaus ZÃƒÂ¼rich

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