Schauspielhaus Zürich Zeitung #9

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Schauspielhaus
Zürich
Zeitung
#9

2 3 Vorwort von Barbara Frey
Abgründigkeit des
Augenblicks
Als Partner stehen wir dem Schauspielhaus Zürich
tatkräftig zur Seite.
Grosse Auftrittesind ohne starke Partner im Hintergrund nicht denkbar.
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Heinrich von Kleist war fasziniert von der
Magie und Abgründigkeit des Augenblicks.
Legendär ist seine Beschreibung jenes
Moments, in dem er vor Caspar David
Friedrichs „Mönch am Meer“ stand
und eine unerhörte Erfahrung machte.
Er fühlte sich, als sei er „der einzige
Lebensfunke imweiten Reiche des Todes,
der einsame Mittelpunkt im einsamen
Kreis“. Er verglich das Gemälde „in seiner
Einförmigkeit und Uferlosigkeit“ mit
der Apokalypse. Wenn man es betrachte,
sei es, „als ob einem die Augenlider
weggeschnitten wären“. Er verpflanzte
sich gewissermassen selbst indas Bild
hinein, empfand sich als der dargestellte
Mönch, der ins Nichts schaut –und es
war ihm klar, wie sehr Friedrich als Maler
eine neue, andere Welt entwarf und
damit auch einen neuen Blick einforderte.
Was Kleist sah, war keine lediglich
virtuos gemalte Landschaft, war nichts
Dekoratives oder ästhetisch Tröstliches,
sondern die höchst beunruhigende
Öffnung in eine monumentale Innenwelt,
in welcher der betrachende Mensch ohne
Halt umhergleitet, als flöge erdurch
sein eigenes Ich wie durchs All. Kleist
erkannte in Friedrich einen Bruder im
Geiste.
Wenn Sosias in „Amphitryon“ nach Hause
kommt und dort sich selbst erblickt (den
Gott Merkur in seiner, Sosias’ Gestalt),
verliert eraugenblicklich den Boden
unter den Füssen und kommt, sich
selbst sehend, sich selbst abhanden.
Penthesilea fühlt sich im nach ihr
benannten Drama beim Anblick des
Achill „in dem Innersten getroffen“, vom
Donner gerührt, als sähe sie in einem
einzigen Augenblick das ganze Schicksal
aufblitzen, das ihr und Achill blüht.
Gleichzeitig aber ist der verhängnisvolle
Augenblick auch ein ekstatischer
erotischer Moment; Penthesilea stürzt
gleichsam in Achill hinein.
Kleists Heldinnen und Helden folgen
keinerlei moralischen Handlungsmustern,
ihr Hunger nach Liebe ist rücksichtslos
und unberechenbar und niemals geprägt
von einer Sehnsucht nach Ordnung,
Zugehörigkeit oder gar Bequemlichkeit.
Sein Personal gewinnt keinerlei Aufschluss
über sich selbst, keine Erkenntnis,
die irgendwie verwertbar wäre und eine
„Lebensoptimierung“ nach sich zöge,
wie der heutige Mensch sie unablässig
anstrebt. Genau deswegen sind
seine Figuren so unwiderstehlich.
Ihre Unfähigkeit, pragmatisch zu sein,
sich an Nützlichkeitskriterien zu
orientieren oder irgendeinem „Plan“
zu folgen, macht sie für uns anmutig
und furchterregend zugleich. Ihre
Zärtlichkeit ist somonumental wie ihr
Zorn, und die Masslosigkeit ihrer
Empfindungen so befremdlich wie
anrührend.
Kleists eigene Erfahrung vor Friedrichs
Gemälde macht ihn zu einem Komplizen
all der Männer und Frauen, Knaben
und Mädchen, die sein Werk bevölkern
und unablässig unbeirrbar auf alle
erdenklichen Abgründe zugehen, auf der –
unbewussten –Suche nach dem
Augenblick, der sie in die Ekstase, die
blitzartige Erkenntnis, den erotischen
Taumel, ins Nichts stürzen lässt.
Weder mit psychologischem noch mit
literaturwissenschaftlichem Deutungsfuror
ist ihnen beizukommen. Je mehr wir
von ihnen zu verstehen glauben, desto
mehr entziehen sie sich uns. Und somit
bleiben wir, an ihre Fersen geheftet,
selbst hungrig und verletzlich.
Inhalt
3 Vorwort
4 Die Umkehrung
Kaspar Surber über „Der Prozess“
und „Woyzeck“
8 ImAusnahmezustand
Gwendolyne Melchinger über
„Amphitryon und sein Doppelgänger“
im Pfauen
10 Nichts, was nicht möglich ist
Gespräch mit Henrike Johanna
Jörissen und Nils Kahnwald über den
Regisseur Antú Romero Nunes
12 Sagen Sie jetzt nichts, Herbert Fritsch
Der Regisseur im Porträt
14 Filmwissenschaftler Günter Krenn
über den Zauber der Bohème
16 Schon gesehen? Szenen aus dem
Repertoire –Fotogalerie
20 Der Glücks(er)finder
Claudius Körber im Porträt
22 VonOdysseus bis Darth Vader
Kinderreporter interviewen
Schtärneföifi
24 Ganz diskret und zoologisch privat
Karolin Trachte über den „club
diskret“ und die erste Theaterserie
in der Kammer
26 Geglückte Verwandlung
Schicht mit Judith Janser, Leiterin der
Maskenbildnerei
28 Ins Theater mit Brigitte von der Crone
„Der Prozess“ im Pfauen
Titel
Markus Scheumann in „Der Prozess“
Rückseite
Fritz Fenne, Michael Neuenschwander,
Lena Schwarz und Carolin Conrad
in „Amphitryon und sein Doppelgänger“

4
5 Essay
Die Umkehrung
Woyzeck und Marie: Jirka Zett und Henrike Johanna Jörissen
Zum Saisonauftakt sind am
Schauspielhaus mit Franz Kafkas
„Der Prozess“ und Georg Büchners
„Woyzeck“ zwei grosse Stoffe der
Weltliteratur zu sehen, die auf sehr
unterschiedliche Weise die Frage
nach dem Verhältnis von Gesellschaft
und individueller Freiheit stellen.
VonKaspar Surber
Franz Woyzeck und Josef K. sind beide
dreissig Jahre alt, K. wird exakt an
seinem 30. Geburtstag in seiner Wohnung
verhaftet. Das gleiche Alter kann ein
Hinweis sein, dass die beiden Figuren
etwas miteinander zu tun haben.
Wer selbst schon den 30. Geburtstag
erlebt hat, weiss, dass an diesem
Tagdie Erinnerung an die Vergangenheit,
an Kindheit, Jugend, Liebe, Beruf
zusammenfällt mit dem Ausblick in die
Zukunft, in die Möglichkeiten, die folgen
werden. Jetzt kann, könnte nochmals
alles geändert werden! Der 30. Geburtstag
handelt vom Verhältnis des Einzelnen zur
Gesellschaft. Ich rief drei meiner Freunde
an, wir trafen uns und sprachen lange.
Ein friedlicher, nur leicht bedrohlicher Tag.
Woyzeck ist zudiesem Zeitpunkt bereits
verfolgt, Josef K. wird gleich verhaftet.
Sie werden vom Gesetz zugerichtet
oder verlieren sich selbst darin. Georg
Büchner hat, selbst noch jünger,
das Drama seines 30-Jährigen zu Beginn
des 19.Jahrhunderts niedergeschrieben.
Damals wurden die Freiheitsrechte
erkämpft und doch war schon absehbar,
dass sie in eine neue, industrialisierte
Ordnung führen, wo einer wie Woyzeck
zur Disziplinierung, die nun in der Gestalt
wissenschaftlicher Forschung aufscheint,
seine Erbsen zu essen hat. Franz Kafka
beginnt mit der Arbeit am „Prozess“ im
Sommer 1914,als der mittlerweile kolonial
expandierte, nationalistisch hochgeputschte
Kapitalismus in den Ersten Weltkrieg
übergeht.
Dass beide Texte Fragmente bleiben,
macht sie nur stärker, weil das Verhältnis
des einen zu den anderen zwangsläufig
offen bleibt. Sie zählen deshalb zu
den wichtigsten Texten der modernen
Literatur, weil sie klar machen, dass es
eine Gesellschaft gibt, was auch immer
uns die gegenwärtig vorherrschende
Ideologie an individueller Freiheit gerade
verspricht. Eine Gesellschaft, deren
Recht die Menschen herrichtet, sie im
glücklicheren Fall aber auch berechtigt,
ermächtigt. Woyzeck und Josef K.
sind keine glücklichen Fälle.
Woyzeck: Ja, wahrhaftig, ich möcht mich
nicht blutig mache.
Käthe: Aber was hast duandie Hand?
Woyzeck: Ich? Ich?
Käthe: Rot! Blut.
(Es stellen sich Leute um sie.)
Woyzeck: Blut? Blut?
Wirt: Uu Blut.
Woyzeck: Ich glaub ich hab mich
geschnitte, da an die rechte Hand.
Wirt: Wie kommts aber an de Ellenbog?
Woyzeck: Ich habs abgewischt.
Wirt: Was, mit de rechten Hand an de
rechte Ellboge? Ihr seid geschickt.
Karl: Und da hat der Ries gesagt: ich
riech, ich riech, ich riech Menschefleisch!
Puh! Der stinkt schon.
Woyzeck: Teufel, was wollt ihr? Was
gehts euch an? Platz! Oder der erste –
Teufel! Meint ihr, ich hätt jemand
umgebracht? Bin ich Mörder? Was gafft
ihr? Guckt euch selbst an! Platz da.
(Er läuft hinaus.)
Woyzeck, von der Wissenschaft und
dem Militär diszipliniert, von der Freundin
Marie betrogen, ist ein Gehetzter. Was
Innenwelt ist und was aussen, verwischt
sich in Büchners flirrender, fiebriger
Montage. Es pocht hinter Woyzeck, unter
ihm, er hält das Ohr an den Erdboden:
„Hör ichs da auch, sagt es der Wind
auch? Hör ichs, immer, immer zu, stich
tot, tot?“ Woyzeck wird zur Tatgetrieben:
Er bringt Marie um. Der Gerichtsdiener
wird imSchlusssatz festhalten: „Ein guter
Mord, ein ächter Mord, ein schöner
Mord, so schön als man ihn nur verlangen
tun kann, wir haben schon lange so
kein gehabt.“
Bin ich Mörder? Guckt euch selbst an!
Kafkas Prozess braucht keine Tatmehr,
der Text beginnt mit ihrer Abwesenheit:
„Jemand musste Josef K. verleumdet
haben, denn ohne dass er etwas Böses
getan hätte, wurde er eines Morgens
verhaftet“, heisst der berühmte erste Satz.
Einer der Wächter erklärt die Verhaftung:
„Unsere Behörde, soweit ich sie kenne,
und ich kenne nur die niedrigsten Grade,
sucht doch nicht etwa die Schuld in
der Bevölkerung, sondern wird, wie es im
Gesetz heisst, von der Schuld angezogen
und muss uns Wächter ausschicken, das
ist Gesetz. Wo gäbe es da einen Irrtum?“
„Dieses Gesetz kenne ich nicht“, sagte K.
„Desto schlimmer für Sie“, sagte der
Wächter.
„Es besteht wohl auch nur in Ihren
Köpfen“, sagte K., er wollte sich
irgendwie in die Gedanken der Wächter
einschleichen, sie zu seinen Gunsten
wenden oder sich dort einbürgern.
Aber der Wächter sagt nur abweisend:
„Sie werden es zu fühlen bekommen.“
Ein Jahr lang bemüht sich Josef K.,
mehr über das Gericht zu erfahren, irrt
vergeblich durch Gerichtssäle, die sich
in den Dachkammern heruntergekommener
Stadtviertel befinden. Am Vorabend
seines 31.Geburtstages kommen
zwei Herren und bringen ihn in einen
Steinbruch ausserhalb der Stadt. Einer
legt ihm die Hand an die Gurgel,
der andere stösst ihm das Messer ins
Herz. „Wie ein Hund!“, lauten die
letzten Worte von Josef K.
Woyzeck ist ein Opfer der
gesellschaftlichen Umstände, die
Büchner, der Mediziner und Dramatiker,
in all ihren Widersprüchen seziert.
Die Menschen in seinen Stücken spielen
nicht, sondern werden gespielt: Eine
politisch aktuelle Erfahrung, die bei
Büchner, dem Revolutionär, gerade nicht
zu einer Ohnmacht führt. Er schlägt
sich nicht parteiisch auf Woyzecks Seite,
sondern schildert, ein weit stärkeres
Plädoyer für den Schwachen, die
existenzielle Dimension seines Schicksals.
Josef K., und hier ist Kafkas Zeit einen
Schritt weiter, macht sich im Prozess
das Gesetz zueigen, indem er sich
dagegen verteidigen will. Je mehr er sich
wehrt, umso dominanter wird esin
seinem Kopf. Kafka ist stark von der
jüdischen Mystik geprägt: In der Parabel
des Gefängniskaplans kommt ein Mann
vor die Türdes Gesetzes, wo er ein
Leben lang auf Eintritt wartet. Am Ende

6 7
„Machen Sie keinen solchen Lärm
mit dem Gefühl Ihrer Unschuld.“
aus „Der Prozess“ von Franz Kafka
Vorhersage der Bedürfnisse, die uns als
Kunden zugeschrieben werden. Was
wir im Internet finden, ist die Vorhersage
unserer bisherigen Datenspur. Das Wort
„googeln“ ist treffend: Wir arbeiten für
einen Konzern, und das auch noch gratis.
Zeichnete sich die Ordnung bis zum Ende
des Kalten Krieges durch die Organisation
von Massen aus, setzt die gegenwärtige
Ideologie des Neoliberalismus die
Individualität absolut –der Vorgang ist
eine gesellschaftliche wie persönliche
Privatisierung, was als vermeintliche
Freiheit erscheint, ist häufig ein Kauf- oder
Konsumzwang.
Claudius Körber, Christian Baumbach, Nils Kahnwald und Markus Scheumann in „Der Prozess“
fragt er den Türwächter, weshalb niemand
ausser ihm Eintritt verlangte: „Hier konnte
niemand sonst Einlass erhalten, denn
dieser Einlass war nur für dich bestimmt.
Ich gehe jetzt und schliesse ihn.“ Josef K.
tritt im Prozess gegen einen vermeintlich
labyrinthischen Kontrollapparat doch nur
gegen sich selbst an. Kafkas Folgerung
daraus war nicht die Revolution, sondern
das Gelächter: Als er Freunden Teile
aus dem „Prozess“ vorgelesen hat, soll
er unbeherrscht gelacht haben.
Wie zeigt sich die Gesellschaft und
ihre Justiz heute, zu Beginn des
21. Jahrhunderts? Ich habe den Eindruck,
die Zeit mache gerade einen Salto:
War der Einzelne, wie Woyzeck, ein von
der Gesellschaft Gehetzter, war er
daraufhin, wie Josef K., ihre Spiegelung,
so ist der Einzelne heute seine
Vorhersage: Unser künftiges Verhalten
erscheint als Prognose aus unseren
digitalen Spuren, beim Einkauf wie bei
der Überwachung.
Einige Feststellungen zur derzeitigen
Ordnung: In ihrer wirtschaftlichen Logik
zielt sie, angeleitet von der neoklassischen
Schule, auf den kurzfristigen Eigennutz,
wie er im Shareholder-Value-Denken
zum Ausdruck kommt, in bloss noch in
Sekundenschnelle gehaltenen Wertpapieren
an der Börse, in flexibilisierten
Arbeitsverhältnissen, in der jede und
jeder zum eigenen Unternehmen
wird.
Der Wettbewerb zwischen kleinstmöglichen
Einheiten wurde technisch durch die
Erfindung der relationalen Datenbank
in den 1970er-Jahren möglich: Die Daten
werden nicht hierarchisch gespeichert,
sondern von den Nutzern zueinander
in Beziehung gesetzt. Die Programmierer
in Kalifornien stellten sich als Nutzer
einen Manager vor, dem es möglich sein
sollte, folgende Frage zubeantworten:
„Wie feuere ich alle Mitarbeiter, die im
ersten Stock arbeiten?“
Heute arbeiten wir als Userinnen und
User von sozialen Medien für die grossen
Internetkonzerne wie Google, Facebook
oder Amazon: Alles, was wir sharen
und liken, dient einer noch präziseren
Die Disziplinierung bei Woyzeck läuft
über die Pathologisierung, die
Zuschreibung des Wahnsinns. Josef K.
hat die Kontrolle verinnerlicht, bis er
sich ihr hingibt als nackter Körper,
„wie ein Hund“. Heute sind es die
individuellen Wahlmöglichkeiten, welche
die Individualität auf die des künftigen
Konsumenten beschränkt. Wehe bloss,
er oder sie könnte stören!
Juristisch zeichnet sich die neue
Ordnung durch die Umkehrung
der Unschuldsvermutung aus. Sie wird
legitimiert mit Floskeln wie: „Wer
nichts zu verbergen hat, der hat auch
nichts zu befürchten!“ Oder, im
städtischen Alltag: „Erlaubt ist, was
nicht stört!“
In der Schweiz begann die Umkehrung
in der Asylpolitik: Hier wurden erstmals
Rayonverbote für einzelne Personen
festgesetzt, die bestimmte Räume
nicht betreten dürfen. Diese Verbote
sind nichts anderes als ein dauernder,
institutionalisierter Verdacht. Sie
gelten heute in den Städten über
Wegweisungsartikel auch für sogenannte
Randgruppen wie beispielsweise
Alkoholiker. Mit dem Hooligan-Konkordat
wurde der Verdacht auf Fussballfans
ausgedehnt.
Der derzeitige Skandal um den
US-Geheimdienst NSA zeigt die
unermessliche Dimension der
Entwicklung: VonBürgern rund um den
Globus werden Mails, Telefone und
Kreditkarten präventiv überwacht, um
terroristische Anschläge zuverhindern.
„Woyzeck“ (Ensemble)
Die Dokumentarfilmerin Laura Poitras,
welche die Dokumente des ehemaligen
NSA-Mitarbeiters Edward Snowden
enthüllt, wurde selbst jahrelang überwacht.
Sie sagt: „Man setzt Menschen auf
eine Liste, verhört sie während sechs
Jahren bei ihren Reisen und sagt
ihnen nie, warum. Das ist sowie bei
Kafka.“
Bradley Chelsea Manning, Edward
Snowden oder Laura Poitras sind
vielleicht am ehesten Figuren wie Franz
Woyzeck oder Josef K. Sie machen
die heutige Kultur der Vorbestimmung
sichtbar und durchbrechen sie. In ihrem
Widerstand erscheinen Gesellschaft
und Individualität gleichzeitig. Ein
glücklicher Ausgang ist steht für für sie sie vorläufig
nicht zu erwarten. Wir, die wir keine
Romanfiguren oder Internethelden sind,
sollten zumindest mit der alltäglichen
Abweichung von unseren Konsumprofilen
beginnen.
Kaspar Surber, geboren 1980, ist
Journalist bei der Wochenzeitung WOZ
in Zürich. Vonihm ist imEchtzeit-Verlag
das Buch „An Europas Grenzen. Fluchten,
Fallen, Frontex“ über die europäische
Migrationspolitik erschienen.
Der Prozess
von Franz Kafka
Fassung von B.Frey und C. Besier
Regie Barbara Frey, Bühne Bettina Meyer,
Kostüme Bettina Munzer, Video
Andi A. Müller, Dramaturgie Christine Besier
Mit Christian Baumbach, Klaus
Brömmelmeier, Nils Kahnwald, Claudius
Körber, Dagna Litzenberger Vinet,
Markus Scheumann, Siggi Schwientek
Seit 12.September im Pfauen
Unterstützt von der René und Susanne
Braginsky-Stiftung
Woyzeck
von Georg Büchner
Regie Stefan Pucher, Bühne
Stéphane Laimé, Katharina Faltner,
Kostüme Marysol del Castillo,
Musikalische Leitung Christopher Uhe,
Video Meika Dresenkamp,
Dramaturgie Andreas Karlaganis
Mit Jan Bluthardt, Ludwig Boettger, Irm
Irm Hermann, Hermann, Lukas Robert Holzhausen, Hunger-Bühler, Robert
Hunger-Bühler, Henrike JohannaHenrike Jörissen, Johanna Isabelle Jörissen, Menke,
Isabelle JohannesMenke, Sima, Johannes Jirka Zett Sima, sowie Jirka Zett,
Roger Greipl, Christof Hipp Mathis,
Jörg Hurschler, Becky Lee Walters
Seit 13.September im Schiffbau/Halle
Unterstützt von Swiss Re

8
9Essay
Im
Ausnahmezustand
„Träum ich etwa?“ Michael Neuenschwander, Fritz Fenne, Lena Schwarz und Carolin Conrad
Nach einer grossartigen „Elektra“-
Inszenierung in der Schiffbauhalle
(Wiederaufnahme im November) wendet
sich die Regisseurin Karin Henkel
nun Kleists „Amphitryon“ mit seiner
Doppelgängerthematik und seiner
grenzenlosen Identitätsverwirrung zu.
VonGwendolyne Melchinger
Es gibt diese Momente, in denen man
spürt, dass man wirklich und unwiderruflich
man selbst ist und dass man lebend aus
sich selbst und aus seinem Körper nicht
mehr herauskommt. „Das Ich stösst dabei
unvorbereitet auf sich selbst“, schreibt
Peter Sloterdijk, „als voraussetzungslosen
Fund. Der Selbstfindling erfährt sich
in diesem Moment als das unheimliche
Wesen, das schlechterdings kein Ding
ist und das auch nicht im Widerschein
der Dinge verstanden werden kann.“
Aber was passiert, wenn ich mit diesem
unverstandenen Bewusstsein auf andere
Menschen treffe? Wir spiegeln einander
unsere Zerrissenheiten und agieren –je
nach Eignung und Neigung –miteinander
auf glattem Boden.
Während unsere Vorstellungen, Bilder, ja
auch das Bewusstsein von uns selbst uns
nur vermittelt durch andere zur Verfügung
stehen, sind die daraus resultierenden
Aktionen unvermittelt, direkt, real. Darin
findet das Ich sich unverstellt. Und zwar
ähnlich wie im Traum. Der nur mir gehört
und dessen Bilder nur für mich allein
sichtbar sind. Handelnd und träumend,
im Realen und Irrealen, erlebt das Ich
sich unmittelbar.
In Kleists „Amphitryon“ geht es um
die Urfrage der Existenz: Wer bin ich? Die
Frage ist tückisch, denn wer bin ich, dass
ich mir selbst fragwürdig geworden bin?
Der fragwürdige Mensch hat bereits
einen Bruch seines Selbstbewusstseins
erlebt. Der sich in ungebrochener Identität
mit sich selbst befindet, fragt so nicht.
Trotzdem ist die Frage existentiell. Das
„Selbst“ gehört zum Wesentlichen des
Menschseins. Durch das Auftreten des
Doppelgängers wird das Selbst-Bewusstsein
gänzlich erschüttert. Und wenn Sosias
fragt: „Bin ich mir meiner selber nicht
bewusst?“, so offenbart seine Frage
Unsicherheit und Zweifel an der eigenen
Existenz.
Der Mensch bei Kleist ist ein
eigentümliches, widersprüchliches
und vieldeutiges Wesen, weil er
zugleich den unterschiedlichen Sphären
und Registern zugehört und in jedem
Versuch logischer Feststellung scheitern
muss. Er ist ein Wesen, das Kategorien
der Unterscheidung durcheinanderwirft:
Geliebter und Gemahl, Gott und Tier.
Selbstbewusstsein und Bewusstlosigkeit,
Herrscher und Beherrschter, innigstes
Gefühl und übelste Täuschung.
Und wenn dann noch die Liebe ins
Spiel kommt mit ihrem Anspruch
auf Einzigartigkeit, Unverwechselbarkeit,
Unwiederholbarkeit –wer liebt dann
wen? Der eine den anderen oder im
anderen den einen? Wo führt das hin?
Natürlich ins Chaos der Gefühle. In
Turbulenzen, die alles, was zuseinem
sicheren Gang durchs Leben nötig ist,
hinwegfegen. Wo das Gefühl die Sinne
Lügen straft und umgekehrt, wo die
Gedanken ins Trudeln geraten und ich
steuerungslos dem Spiel preisgegeben
bin, das die Götter mit mir treiben …
Und ich merke dabei, dass ich mich im
Kreis drehe. Ohne mir ins Gesicht sehen
zu können. „Ich kann nicht um mich
herumsegeln“, sagt Kierkegaard dazu.
Kleist stürzt das Personal des „Amphitryon“
in eine Identitätskrise, die im Verlust
der Identität ihren Höhepunkt findet.
Die Strukturen, die über das menschliche
Leben bestimmen, sind nicht mehr
verlässlich. Die Welt befindet sich im
Ausnahmezustand. Auch die Verständigung
mittels Sprache bietet keinen Halt.
Erst recht nicht sie. Das Sprechen ist ein
einziges Versprechen, man missversteht
sich und die anderen. Kleists Figuren
gelingt es ebenso wenig, sich selbst von
den anderen wie Sein von Schein zu
unterscheiden.
Während die Diener Charis und
Sosias versuchen, Kapital aus ihrer
Identitätsverletzung zu schlagen,
hat Jupiters Betrug existentielle Folgen
für Amphitryon und Alkmene. Besonders
Alkmene wird sukzessiv bis in ihr
Innerstes erschüttert, so sehr, dass sie
beginnt, an ihrem „innersten Gefühl“
zu zweifeln. Sie stürzt ins Bodenlose.
Zwar gibt sich Alkmene dem falschen
Amphitryon freiwillig hin –wie kann sie
auch wissen, dass sie nicht den richtigen
in den Armen hält? –Jupiters Betrug
zerstört aber ihr Selbstgefühl, das ganz
von dem Ideal einer ungeteilten Liebe
zu Amphitryon erfüllt ist.
Doch Jupiter genügt das noch nicht.
In seinem grenzenlosen Narzissmus
steigert ernoch sein Verlangen. Er will
als Jupiter und nicht als Amphitryon
geliebt werden. So zwingt er Alkmene in
einem Verhör zu einer Stellungnahme,
die sie nicht geben kann, weil sie
die wahren Umstände nicht kennt. Sie
versucht an ihrer Liebe zu Amphitryon
festzuhalten und demütigt damit Jupiters
Verlangen. Auch Amphitryon wird
an die äusserste Grenze des Erträglichen
getrieben. Er, der Kriegsheld, verliert
ohne eigenes Verschulden von einem
Moment zum anderen alles, seine
Ehefrau, sein Haus, seine Machtposition.
Und seinen Verstand, auf den er immer
bauen konnte. Sein Doppelgänger
hat ihm Platz, Name, Bild, Erscheinung
genommen, hat ihn ausgetauscht,
ersetzt, ohne dass die anderen den
Betrug bemerkten. Steht er an der Grenze
zum Wahnsinn oder ist esnur ein Traum?
Am Ende, wenn der Deus ex Machina
regelrecht eingreift und der göttliche
Jupiter die Situation aufklärt und
damit scheinbar die Welt wieder in
Ordnung bringt und Amphitryon
zur Wiedergutmachung die Geburt des
Halbgotts Herakles prophezeit, bleibt
Alkmene fassungslos. Ihre Liebe und ihre
Beziehung sind erschüttert und vielleicht
sogar zerstört. Die Unschuld ihrer
Liebe ist vernichtet. Sie wurde unschuldig
schuldig. Alkmenes „Ach“ zeigt ihren
und schliesslich den anhaltenden
Ausnahmezustand aller.
Amphitryon und sein Doppelgänger
nach Heinrich von Kleist
Regie Karin Henkel, Bühne Henrike Engel,
Kostüme Klaus Bruns, Musik
Tomek Kolczynski, Dramaturgie
Gwendolyne Melchinger
Mit Carolin Conrad, Fritz Fenne,
Michael Neuenschwander,
Lena Schwarz, Marie Rosa Tietjen
Seit 27.September im Pfauen

10 Gespräch
Nichts, was nicht
möglich ist
11
„Ich bin ein Papier und werd’
niemals beschrieben.“
aus „Peer Gynt“ von Henrik Ibsen
Es ist sind kaum vier Jahre vergangen,
da feierte das Feuilleton den Regisseur
Antú Romero Nunes als das Wunderkind
der deutschsprachigen Theaterlandschaft.
Seither ist der Regisseur dem Label –
Gott sei Dank! –entwachsen. Magischen
Stoffen und seinen Wegbegleitern ist
er aber erfreulicherweise treu geblieben.
Ein Gespräch mit den neuen
Ensemblemitgliedern Nils Kahnwald
und Henrike Johanna Jörissen über
ihre Arbeit mit dem Regisseur.
VonJulia Reichert
„Alles was hier passiert, ist Lüge“ –
mit diesen Worten betritt ein Zauberer
eine Bühne und beginnt dann,
wahrhaftig zu zaubern. Dieser Moment,
der Beginn von Antú Romero Nunes’
Diplominszenierung, Schillers Fragment
„Der Geisterseher“, hat bereits in vielerlei
Hinsicht Marken gesetzt. Er verrät etwas
von einer theatralen Arbeitsweise, die
augenzwinkernd die Illusion zerstört,
um ihre Splitter erst recht zum Funkeln zu
bringen. Und er markiert den Beginn einer
aussergewöhnlichen Theaterlaufbahn (der
Zauberer war übrigens Ensemblemitglied
Jirka Zett, mit dem Nunes jetzt
regelmässig in Zürich zusammenarbeitet).
Mit spielerischer Unbeschwertheit nahm
sich der damals Mitte 20-jährige
Regisseur noch des grössten Klassikers,
der universellsten Fragestellung an. 2010
folgte die Wahl zum Nachwuchsregisseur
des Jahres, er war jüngster Hausregisseur
am Maxim Gorki Theater Berlin,
inszenierte in Hamburg, Frankfurt, Zürich
(„Solaris“), Wien –ein „romantischer
Skeptiker (…), der an die Wahrheit von
Gefühlen mit der gleichen Trotzigkeit
glaubt wie an die Notwendigkeit, Wahrheit
immer wieder zu befragen“ (so Till
Briegleb in der Süddeutschen Zeitung).
Eine Traumkarriere, klar. Im Gegensatz zu
vielen anderen selbst- oder fremderklärten
Wunderkindern ist Nunes keineswegs
an den Erwartungen gescheitert, im
Gegenteil. Seine Inszenierungen –knapp
20 in nur vier Jahren –sind nach wie
vor trotzig-ehrlich im Zugriff, jovial in der
Handschrift und dabei zu melancholisch,
zu existentiell, zu universell, um bloss
jugendlich zu sein. In dieser Spielzeit gibt
es von ihm in Zürich gleich zwei Arbeiten
zu sehen: „Peer Gynt“, die
Peer Gynt in den Armen seiner Mutter: Henrike Johanna Jörissen und Nils Kahnwald
Neueinstudierung einer Produktion
des Schauspiels Frankfurt, und
eine Bearbeitung von Lewis Carolls
„Alice“-Romanen –bevor er an
die Bayerische Staatsoper in München
weiterzieht, um dort zuinszenieren –
mit kaum 30 Jahren. Ungelogen.
Julia Reichert –Mit Antú Romero Nunes
verbindet euch eine längere gemeinsame
Geschichte, ihr kennt euch seit dem
Studium. Was ist das Besondere ander
Zusammenarbeit?
Henrike Johanna Jörissen –Dass auch
Schnapsideen ernsthaft auf die Bühne
kommen können und dass die Grundidee
für eine Szene erst einmal Spass machen
kann. Da ist Antú wirklich ein Macher –
der macht das dann wirklich (lacht).
Nils Kahnwald –Tatsächlich verbringe ich
mit ihm als Mensch einfach gerne
Zeit. Sein Humor –den ich nicht immer
komplett teile (lacht) –ist ein wesentlicher
Verbindungsfaktor. Ich finde, dass er
sehr humorvolles Theater macht, Theater,
das etwas mit mir zu tun hat.
JR –Ich habe den Eindruck, in seinen
Arbeiten gibt es den Mut, auch naiv an
eine Geschichte heranzugehen, ohne
Zynismus und ohne klüger sein zu wollen
als die Geschichte ...
NK –Esgibt auch immer eine sehr gute
Portion Grössenwahn, die ich sehr schön
finde. Es gibt bei Antú erst einmal nichts,
was nicht möglich ist ...
HJJ –…weil er auch gerne zaubert!
NK –Ja, er macht gerne Zaubertricks.
HJJ –Erstellt eine Windmaschine mitten
auf die Bühne, um dann so zu tun, als
wäre sie nicht da ... (lacht) Das ist schon
grossartig. Dabei ist sie ja offensichtlich da.
JR –Aus solchen Mechanismen ziehen
die Abende ihre Poesie, oder? Dass sie
zaubern, mit einem Augenzwinkern ...
HJJ –…und die Theatermittel
Theatermittel sein lassen –eben weil
sie so schön sind. Man spielt die
schönste Liebesszene mit Windmaschine
und Konfettikanone, um dann zu sagen:
„Moment mal, das war jajetzt ganz
schön. Aber kommen wir auf den Boden
der Tatsachen zurück: es ist nur eine
Windmaschine und nur eine
Konfettimaschine …“
NK –Esgibt immer wieder diese Brüche,
die darauf verweisen, dass man auch
selbst, als Schauspieler dort oben auf der
Bühne, weiss, wo man ist. Dass man nicht
gezwungen ist, so zu tun, als wäre man
anderswo als im Theater.
HJJ –... und dass klar ist, dass unten
Leute sitzen und zuschauen. Die sind ja
auch beteiligt und tragen ihren Teil dazu
bei.
JR –Jemand sagt: „Alles was hier passiert,
ist Lüge“. Und trotzdem oder deswegen
kann ich erst recht darauf hereinfallen.
NK –Allein die Situation, wie „Peer Gynt“
beginnt: Da kommen Schauspieler auf
die Bühne, sammeln beim Publikum drei
Begriffe ein und dann erzählt einer daraus
eine Lügengeschichte. Und sofort ist
das Thema greifbar, weil es mit allen im
Raum zu tun hat.
JR –Und am Schluss wird die
Lügengeschichte doch wahr. Aber das
dürfen wir hier noch nicht verraten ...
NK –Nein, das dürfen wir nicht.
JR –Diese Arbeitsweise hat ja auch eine
gewisse Romantik ...
NK –Eshat Kitsch. Da gehört auch Mut
dazu. Wenn ich Inszenierungen von ihm
sehe, in denen ich nicht selbst mitspiele,
denke ich oft: „Oh nee, Antú, das kann
man doch nicht machen.“ Und dann geht
es doch, berührt eseinen doch.
JR –Fehlt euch das manchmal sonst im
Theater? Mut zum Gefühl?
NK –Ich finde, im Theater gibt es auch
oft einen falschen Mut zum Gefühl.
Das kann auch sehr unangenehm sein
beim Zuschauen.
HJJ –Ich finde das schon ganz besonders
an Antú, auch an ihm privat. Das ist
wirklich seine Persönlichkeit.
JR –Ist „Alice“ nicht auch so ein Stoff,
in dem sich Magie und Theater treffen?
Das Wunderland ist eine Welt, wo die
Regeln nicht mehr gelten, wo man alles
neu verhandeln kann und muss. Das
kann verstörend sein, aber auch ganz
befreiend. Ist das eine Metapher fürs
Theaterspielen?
HJJ –Häufig wird dieser Stoff jakomplett
verniedlicht. Es gibt diesen Film mit
Johnny Depp. Ich weiss es gar nicht,
ist der für Kinder?
JR –Der möchte wohl einfach beide
Segmente bedienen.
HJJ –Eigentlich verniedlicht er aber die
Situation. Ich finde auch, es ist eher
verstörend, was dapassiert.
NK –Antú hat den schönen Satz gesagt,
dass „Alice im Wunderland“ beginnt wie
eine Geburt. Wenn du auf die Welt kommst,
hast dunoch keine Realität –dann fällst
du durch ein Loch und es geht los. Ich
glaube jedenfalls, dass es ein idealer Stoff
ist für Antú, weil er auch die Möglichkeit
zum Zaubern eröffnet. Es ist jaein Märchen
und ermöglicht einem, andere Realitäten
zu öffnen, als die, die man lebt.
JR –Auch ein wiederkehrendes Motiv,
oder? Peer Gynt lügt sich eine andere Welt
zusammen, weil die Welt, in der er lebt,
nicht besonders wünschenswert ist. Auch
Alice träumt sich weg aus einer strengen,
viktorianischen, regelorienterten Welt.
NK –Esgeht immer um die Sehnsucht
nach etwas anderem.
JR –Peer Gynt sagt ja bei euch: Die
Realität ist keine Schuhsohle wert.
NK –Das ist tatsächlich mein Lieblingssatz
im Stück. Weil er so zutreffend ist. Ich
würde das komplett unterschreiben.
JR –Was ist für euch als Schauspieler
wichtiger: Die Realität abzubilden oder
eine Gegenwelt zu zaubern?
HJJ –Letzteres. Auf jeden Fall.
NK –Das geht mir auch so. Ich finde
es immer schöner, Utopien zu entwickeln.
Ich glaube auch nicht daran, dass die
Menschen eine einzige Realität haben.
Die Grundannahme bei „Peer Gynt“ war
ursprünglich: Da kommt jemand und
sagt, „Ich bin Peer Gynt“. Dann kommt
ein anderer und sagt: „Nein, bist
du nicht.“ Und dann gibt es die Suche
danach, wer man eigentlich ist ... Mit
diesem Faust-Motiv: Wer bin ich? wird
auch die Realität in Frage gestellt.
Viele interessante Stücke drehen sich
darum. Die tiefste menschliche Frage,
die die Menschen seit Jahrhunderten,
Jahrtausenden beschäftigt. Und die sie
dennoch nicht in den Griff kriegen.
JR –Die Frage nach Identität ist jaauch
eine Parallele zu Alice: Sie wächst
und schrumpft und vergisst ihren Namen.
NK –Andieser Frage kann man sich
immer abarbeiten, weil sie auch ein
Schmerzpunkt ist. Man kann sich damit
arrangieren, aber es hat mit einer
Trauer zu tun –darüber, was man ist und
was man gerne wäre. Und sowohl mit
Alice als auch mit Peer Gynt hat man die
Möglichkeit, dass phantastische Dinge
geschehen –darin gleichen sie sich ja auch.
JR –Darin, dass doch alles möglich ist?
NK –Ja. Aber es ist eben auch ein
Kraftaufwand, alles möglich zu machen.
Das kommt auch mit dem gesunden
Grössenwahn, von dem ich vorhin
gesprochen habe. Sich nicht zu
beschneiden, sich nicht einzuschränken,
sondern erst einmal zu sagen: Los
geht die Reise und mal sehen, wo wir
ankommen! Ich würde Probenarbeiten
mit Antú auch immer als eine gute
Art von Reise beschreiben. Die einen
guten Startpunkt hat, dann geht es auch
mal hoch und auch mal runter. Da ist
Platz zum Atmen.
Peer Gynt
von Henrik Ibsen
Regie Antú Romero Nunes, Bühne
Florian Lösche, Kostüme Judith Hepting,
Musik Johannes Hofmann,
Video Sebastian Pircher,
Dramaturgie Sibylle Baschung
Mit Michael Goldberg,
Henrike Johanna Jörissen, Nils Kahnwald
Seit 20.September im Schiffbau/Box
Neueinstudierung einer Produktion des
Schauspiel Frankfurt
Alice im Wunderland
nach Lewis Carroll
Regie Antú Romero Nunes, Bühne
Florian Lösche, Kostüme Judith Hepting,
Musik Johannes Hofmann,
Dramaturgie Julia Reichert
Mit Hilke Altefrohne, Henrike Johanna
Jörissen, Nils Kahnwald, Claudius Körber,
Jirka Zett sowie Anna Katharina Bauer,
Lisa Marie Neumann
Ab 8. November im Pfauen

12 Porträt
Sagen Sie jetzt
nichts, Herbert
13
„Die Gerechtigkeit macht zum ersten
Male Ferien, ein immenses Gefühl.“
aus „Die Physiker“ von Friedrich Dürrenmatt
Fritsch
Nach mehr als 15 Jahren wird ab
dem 19.Oktober am Schauspielhaus
wieder eine Neuinszenierung von
Dürrenmatts „Die Physiker“ zu sehen
sein. Regie führt Herbert Frisch, dessen
Inszenierungen u.a. an der Volksbühne
am Rosa-Luxemburg-Platz inBerlin, am
Residenztheater München, in Hamburg
oder Bremen zu sehen sind und mehrfach
zum Berliner Theatertreffen eingeladen
wurden, zuletzt „Murmel Murmel“
von Dieter Roth. Seine erste Opernarbeit
war vergangene Spielzeit mit Eötvös’
„Drei Schwestern“ am Zürcher Opernhaus
zu sehen.
VonSabrina Zwach
Man trifft Herbert Fritsch am ehesten
auf der Strasse. Er ist ein Geher. Er geht
zur Probebühne und wieder zurück. Das
sind lockere acht Kilometer Fussmarsch.
Jeder Schritt auf dem Weg dorthin ist
ein Gedanke. Herbert Fritsch bereitet
sich auf seine Arbeit vor, indem er seinen
Körper in Bewegung setzt. Auf der
Probe angekommen, setzt er die Körper
der Schauspieler in Bewegung. Schnell
erhitzen sich alle bei Fritsch auf der
Bühne, verrenken und verdrehen sich.
Dabei geht es um etwas. Er inszeniert
nicht mit dem Textbuch in der Hand,
sondern mit einem schweissnassen
Regie-Hemd am Leib, denn auch auf der
Probe bleibt Herbert Fritsch in Bewegung.
Den Inszenierungen sieht man die
Körperlichkeit des Regisseurs an. Fritsch
ist jedoch kein Zirkusdirektor oder
Turnlehrer, sondern er verkörperlicht und
sexualisiert jeden seiner Gedanken
zum Stück. Die Geschichten werden bei
ihm über die Körper erzählt, die dabei
auch und unter anderem sprechen.
Die Prioritäten und Erzählgewohnheiten
verschieben sich dadurch bei Herbert
Fritsch extrem. Man wirft ihm gerne
vor, dass er die Geschichten nicht ernst
nähme oder nicht erzähle, dass er
sie nicht verstehe und auch nicht auf den
Punkt bringen könne. Dem muss man
entgegensetzen, dass alle Geschichten
erzählt werden, nur eben anders.
Nichts auf Herbert Fritschs erfolgreichem
beruflichen Weg ist geradlinig. Er ist nicht
geradlinig! 1951 in Augsburg geboren, wirft
es ihn als Jugendlichen mit katholischer
Prägung gehörig aus der Bahn. Ein kluger
Jugendrichter verschont ihn vor allzu langer
Haft und formuliert die Bewährungsauflage,
unverzüglich eine Ausbildung anzufangen.
Fritsch bewirbt sich an der Otto-
Falckenberg-Schule in München, wird
aufgenommen und nach dem Abschluss
(heute sagt er, er hätte die Schule
nur ein Jahr regulär besucht) an grosse
Häuser als Schauspieler engagiert.
Sein Weg als Regisseur und Bühnenbildner
ist beispiellos und kerzengerade. Allerdings
findet er ihn vergleichsweise spät.
Anfang der 2000er-Jahre beginnt Fritsch
zu inszenieren und kommt über Luzern,
Halle, Oberhausen, Wiesbaden, Schwerin,
Berlin, Hamburg, München nun –
nachdem er in der letzten Spielzeit am
Opernhaus inszenierte –nach Zürich.
Seine Inszenierungen „Nora oder
Ein Puppenhaus“, „Der Biberpelz“,
„Die (s)panische Fliege“ und „Murmel
Murmel“ wurden zum Berliner
Theatertreffen eingeladen. 2013 wurde
Herbert Fritsch Bühnenbildner des Jahres.
Fritschs Grundannahme als Regisseur
ist, dass alle Körper in einem Verhältnis
stehen: Ganz naturwissenschaftlich
und einleuchtend. Seine Grundannahme
ist Physik: Er erzählt von der Ordnung
der Dinge. Und sie ist Metaphysik, weil er
von dem, was dahinter liegt, noch mehr
erzählt. Während man sich im Theater
nun gemeinhin darauf geeinigt hat, sich
auf die Psychologie der Figuren zu
konzentrieren, konzentriert Fritsch sich
auf die Körper, auf alle Komplexe,
unbewusste und bewusste Begierden, auf
alle Verkrampfungen und Ekstasen oder
eben –ganz naturwissenschaftlich –
auf die Energie der Dinge, also der Körper.
Keine Energie geht verloren, alles bleibt
erhalten: Der Energieerhaltungssatz –
ganz einfach und physikalisch. Das heisst,
Fritsch versieht die Körper und den
Raum mit einer sehr spezifischen, meist
sexualisierten Energie, unter deren
Einfluss dann die jeweiligen Figuren
agieren und sich verhalten. Ausgedehnt
wird die naturwissenschaftliche
Herangehensweise durch die Gestaltung
klarer Arrangements. Die Körper verhalten
sich zueinander im Raum.
Der Fritsch’sche Bühnen-Raum wird
durch die Schauspieler-Körper sichtbar
gemacht und vereinnahmt. Figuren
begegnen sich über grosse Distanzen
oder supernah. Räume werden
aufgemacht und verteidigt –ähnlich
wie in Feldsportarten, wie beim Fussball.
Energie –Körper –Raum! Dürrenmatt
beschrieb die Schweiz als Gefängnis.
Fritsch hat dazu einen Raum gebaut,
in dem er seinen physik-basierten
Theateransatz mit den „Physikern“ und
einem grossartigen Ensemble in
Zürich zusammenbringen will. Für Herbert
Fritsch ist nicht die Schweiz, sondern fast
alles darum herum ein Gefängnis. Frei
fühlt er sich auf den Proben und befreiend
ist sein Lachen dort. Überhaupt: Eine
Sache wird bei Herbert Fritschs Arbeiten
ganz gross geschrieben, die die Physik
leider nicht als Naturkraft erkennt: der
Witz. Der Fehler, Fundament des Humors,
Ironie, Zweideutigkeit, das Stolpern:
All das wird der Physik für immer verborgen
bleiben. Vielleicht, weil es menschlich,
allzu menschlich ist und mit der Ordnung
der Dinge imeigentlichen Sinn nichts
zu tun hat? Für Fritsch jedenfalls ist es
die Kraft, die hinter allem steht.
Die Physiker
von Friedrich Dürrenmatt
Regie und Bühne Herbert Fritsch,
Kostüme Victoria Behr, Dramaturgie
Sabrina Zwach
Mit Jan Bluthardt, Gottfried Breitfuss,
Jean-Pierre Cornu, Corinna Harfouch,
Wolfram Koch, Julia Kreusch,
Miriam Maertens, Friederike Wagner,
Susanne-Marie Wrage, Milian Zerzawy
Ab 19.Oktober im Pfauen
Unterstützt von der Charlotte Kerr
Dürrenmatt-Stiftung
Sie stecken mitten in den Proben zu
Dürrenmatts „Physikern“. Können Sie uns
eine kleine Kostprobe geben?
Und wie hat man sich Sie beim
Inszenieren vorzustellen?
Dürrenmatt beschrieb die Komödie als
schlimmstmögliche Wendung einer
Geschichte. Teilen Sie seine Ansicht?
Was schätzen Sie am Schauspielerberuf?
Wie stellt man sich gemeinhin den Beruf
des Regisseurs vor?
Sie inszenieren zum zweiten Mal in
Zürich. Wie erleben Sie die Stadt bzw.
die Zürcherinnen und Zürcher?

14 Essay
15
Zauber der Bohème
„Mir gefallen diese Dinge, die einen sosüssen
Zauber haben, die von Liebe sprechen,
vom Frühling, von Träumen und Hirngespinsten,
diese Dinge, die Poesie heissen.“
aus „Das Leben der Bohème“ von Aki Kaurismäki
Aki Kaurismäki
Was versteht man eigentlich unter
der „Bohème“ und worauf beruft
sich Aki Kaurismäki in seinem Film
„Das Leben der Bohème“? Der
Filmwissenschaftler Günter Krenn
geht der Frage auf den Grund.
Die Regisseurin Corinna von Rad,
die sowohl im Schauspiel als
auch im Musiktheater tätig ist, und
zuletzt „Zwerg Nase“ im Pfauen
inszenierte, wird sich ausgehend von
Kaurismäkis „Leben der Bohème“
diesem poetischen Stoff zusammen mit
einem Ensemble von Schauspielern
und Musikern widmen.
VonGünter Krenn
Bordellhalter, Lastträger, Literaten,
Orgeldreher, Lumpensammler,
Scherenschleifer, Kesselflicker, Bettler –
solcherart bunt personifizierte Karl
Marx einen Mitte des 19.Jahrhunderts
in Mode gekommenen Begriff, „kurz
die unbestimmte, aufgelöste, hin und her
geworfene Masse, die die Franzosen
la Bohème nennen.“ Honoré deBalzac,
der den Begriff 1840 im Titel eines
Bandes seiner „La Comédie humaine“
verwendete („Ein Fürst der Bohème“)
sah in ihnen Leute aus gutem Hause,
Aristokraten und Bürgersöhne, aber auch
Journalisten, Schriftsteller und Künstler,
also eine Halbwelt aus Begüterten und
Lebenskünstlern. Der Name selbst
spielt auf Böhmen an, dem Land,
aus dem nach der zeitgenössischen
französischen Meinung die Roma
herstammten (spätestens seit Monsieur
Sarkozy wird inFrankreich anders
zugeordnet).
In der, quod erat demonstrandum,
immer schon recht willkürlich auslegbaren
Metapher Bohème vereint sich heute
die idealisierte Vorstellung von nicht
bürgerlichem Leben und künstlerischem
Talent. Ihre Anhänger formierten sich
nach der Juli-Revolution 1830 und
rekrutierten sich vor allem aus dem
Kleinbürgertum. Unter ihnen waren der
Maler Gustave Courbet sowie die
Schriftsteller Henri Murger und Jules
Champfleury, die in Konkurrenz zu
begüterten Künstlern wie Flaubert oder
den Brüdern Edmond und Jules de
Goncourt standen. Murger hat allerdings
immer betont, dass sein Werk nicht
1830 in Paris sondern „zu allen Zeiten
und allerorts“ spiele. Er bezeichnet
in seiner Vorrede zu seinem Buch
„Scènes de la vie de Bohème“ mit dem
Terminus Maler, Musiker, Schriftsteller,
Bildhauer und Philosophen, die um
ihre Existenz ringen, bestand aber
darauf, dass für echte Bohémiens ihr
unbürgerliches Leben nur ein
Übergangsstadium darstellt, bis sie
vom Ertrag ihrer Werke mehr als gut
leben können.
Die bühnentaugliche Bearbeitung der
Buchvorlage erfolgte zunächst durch
Murger selbst, der seinen Roman
gemeinsam mit Théodore Barrière 1849
in das Theaterstück „La vie de Bohème“
umwandelte. Nicht zuletzt durch die
Adaptierung des Stoffes durch zwei
italienische Opernkomponisten, Ruggero
Leoncavallo und vor allem Giacomo
Puccini (1896), blieb der Bohème-Begriff
denn auch in Murgers phantasievoller
Ausprägung der geläufigste. Durch
die ungebrochene Popularität von Puccinis
Version liest sich Bohème heute als
flexible Metapher zwischen überlebter
Historie und verklärter Idylle, mit
Akzentuierung auf letzterer. Bereits
in der ersten literarischen Manifestation
zeichnet sich ab: Die Ungebundenheit
ihrer Lebenssituation erlaubt den witzigüberhobenen
Tonder Bohémiens.
Der Galgenhumor der Lebenskünstler
schuf eine eigene Sprach- und Begriffswelt,
um deren Akkordanz Murger sich sehr
bemühte: „Alle Stilmischungen finden
sich in diesem unerhörten Idiom,
wo apokalyptische Wendungen neben
Unsinn stehen, wo die Derbheit der
Volkssprache sich mit phantastischen
Perioden verbindet (...) ein Jargon,
dessen Kühnheit die freiesten Sprachen
übertrifft. Dieses Wörterbuch der
Bohème ist die Hölle der Rhetorik und
das Paradies des Neologismus.“
In diesem Umfeld ist vermutlich der
eigentliche Kern des Begriffes zu
suchen, dort finden alle dramaturgischen
Varianten Unterschlupf, von Murger
über Puccini bis zu filmischen Variationen
von Géza von Bolvary („Zauber der
Bohème“, 1937) über Aki Kaurismäki
(„Das Leben der Bohème“, 1992) bis hin
zu Baz Luhrman („Moulin Rouge!“, 2001).
Der Film hatte das populäre Thema
früh für sich entdeckt. „Men die
and governments change but the songs
of ‚La Bohème‘ will live forever“ –
lauten die Worte eines Briefes, mit dem
Thomas Alva Edison im September
1920 seinem Respekt für Puccinis Oper
Ausdruck verleiht. Zehn Jahre zuvor
hatte seine Gesellschaft „La Bohème“
erstmals verfilmt, zahlreiche Stummund
Tonfilmadaptierungen sollten folgen,
die meist auf Puccini und weniger
auf Murger basierten. Zu den Ausnahmen
zählt Aki Kaurismäki, der bei seinem
Film Wert auf die Feststellung legte,
dass er sich nicht auf die Oper, sondern
ausschliesslich auf Murger bezog.
„Die Oper ist eine aussterbende Gattung“,
heisst esbezeichnenderweise in
seinem Film. Puccini hatte „La Bohème“
allerdings nicht als Oper sondern
wie das literarische Vorbild als „Szenen“
bezeichnet. Die lyrische Komponente
überwiegt gegenüber der dramatischen,
wenngleich letztere sich speziell
gegen Ende als unverzichtbar erweist.
Die illustrative Kolorierung einzelner
Situationen tritt an vielen Stellen vor die
eigentliche Handlung, ohne dass diese
jedoch dadurch vernachlässigt wird.
Murger schrieb seine „Bohème“ in betont
heiterem Stil, für „ein Lachen, das
nahe den Tränen“ liegt. Die Handlung
des Romans zentriert ziemlich
gleichmässig jeden der vier männlichen
Charaktere, einige Kapitel sind Mimi,
ihrer Vorgängerin Francine und Musette
gewidmet. Puccinis Oper balanciert
in der Introduktion das männliche
Quartett, um sich im weiteren Verlauf auf
die beiden Paare und schliesslich das
tragische der beiden zu konzentrieren. In
der Vorlage Murgers verdingt sich Mimi
ihren Unterhalt als Maitresse wechselnder
Herrenbekanntschaften und nimmt auch
ihre Liebe zu Rudolf als Teil eines grossen
Spiels, dessen Einsatz sie stets selbst zu
bestimmen trachtet. Die Oper wählte das
unhappy end, also die, gemessen am
literarischen Vorbild, nicht zu Ende erzählte
Geschichte, denn Murgers Roman
schliesst nicht mit Mimis Tod, sondern
beschreibt danach noch die gutbürgerliche
Karriere von Rodolphe und Marcel.
Kaurismäkis „Das Leben der Bohème“
zeigt moderne Bohémiens, über seine
Version wurde geschrieben, dass, während
bei Puccini die Pariser Atmosphäre die
eigentliche Heldin sei, sich der Finne mehr
für den Lebensstil seiner Protagonisten
interessiere. Diese wären zwar nach
wie vor von den Sehnsüchten des
19.Jahrhunderts gesteuert, aber dennoch
unverkennbar Menschen von heute:
„So wie sie sich ihre Kleider beim Trödler
zusammenstellen, kommen auch all
ihre Eigenschaften heute vor. Sie sind
postmoderne Individualisten.“
Was wir heute als klassische Kunst
definieren, meint Baz Luhrman, war
bei ihrer Entstehung Pop: „Man glaubte,
dass Shakespeare nicht von Dauer
sein werde. Oder die griechischen
Skulpturen. Die Akropolis war inbunten
Disco-Farben bemalt –das ist die
Wahrheit! ‚La Bohème‘ war die TV-Show
ihrer Zeit.“ An einer Weiterdichtung
des Bohème-Begriffs ist demnach wohl
nicht zu zweifeln, zu gut kann sich
jede neue Generation darin wiederfinden,
sich ihre eigene Interpretation davon
erstellen. Der offenbar unverzichtbare
Mythos wird weiter gedeihen, wie es in
„Bohemian Rhapsody“ von Queen heisst
(um dem eingangs zitierten Personal
noch die Rockmusiker zu addieren):
„Any way the wind blows ...“
Das Leben der Bohème
nach dem Film von Aki Kaurismäki
Regie Corinna von Rad, Bühne
Piero Vinciguerra, Kostüme
Sabine Blickenstorfer, Musik
Jürg Kienberger, Dramaturgie
Gwendolyne Melchinger
Mit Klaus Brömmelmeier, Daniel Sailer,
Jürg Kienberger, Dagna Litzenberger Vinet,
Peter Conradin Zumthor, Nicolas Rosat,
Vreni Urech
Ab 2. November im Schiffbau/Box
Unterstützt von der Gesellschaft der
Freunde des Schauspielhauses

16 Fotogalerie
Schon gesehen?
17
Szenen aus
dem Repertoire
oben: „Die Geschichte von Kaspar Hauser“, Regie Alvis Hermanis; unten: „Peer Gynt“ von Henrik Ibsen, Regie Antú Romero Nunes
„Elektra“ nach Sophokles/Hofmannsthal/Aischylos/Euripides, Regie Karin Henkel –Wiederaufnahme im November!

18 19
„Woyzeck” von Georg Büchner, Regie Stefan Pucher

20
21 Porträt Claudius Körber
Der Glücks(er)finder
Neu im Ensemble: Der Schauspieler Claudius Körber
Claudius Körber ist seit dieser Spielzeit
Ensemblemitglied am Schauspielhaus
Zürich. In Barbara Freys Bühnenadaption
von Kafkas Roman „Der Prozess“ steht
er zum ersten Mal auf der Pfauenbühne.
VonAndreas Karlaganis
Claudius Körber stammt aus keiner
Theaterfamilie. Auch in seinem
Freundeskreis hatte keiner direkt etwas
mit Theater zu tun. Jedenfalls nicht,
wenn man sich unter Theater eine
herkömmliche Bühne vorstellt.
Aufgewachsen im Dresden der 80er-Jahre,
hatte er als Kind eine viel weiter gehende
Vorstellung davon, was Theater sein
kann. Die prägt ihn bis heute.
Theater –das bedeutete für den jungen
Claudius Körber erst einmal das famose
mütterliche Geschichtenerzählen. Oder
die vielen Feiern, die in der
Nachbarschaft zujeder Zeit und an
allen Orten begangen wurden, wenn etwa
eine Waschküche ausgebaut oder ein
Treppenhaus renoviert worden war. Das
Zelebrieren des Alltags also, sobald
es eine Gelegenheit dazu gab. Ein Haus
konnte auch ein Schiff und die Veranda
deren Kommandozentrale sein. Im
„Wünscheland“ durfte sich jeder einen
Wunsch ausdenken, der augenblicklich
von den anderen erfüllt wurde. So wurde
gemeinsam überlegt und improvisiert,
wie man dem Kollegen einen Amerika-
Auswanderungsausflug herbeizaubern
konnte.
Wenig später kam dann das „eigentliche“
Theater. Am Staatstheater suchte man
Knaben, die singen konnten. Kurzerhand
fand sich der Elfjährige auf der
gewaltigen Dresdner Bühne und sang
in einer Inszenierung von „Was ihr wollt“
Vertonungen von Shakespeares Sonetten.
Natürlich wurde auch dieses Ereignis
zelebriert: Der grosse Bruder sah fast alle
Vorstellungen und nahm seine Freunde
mit. So erlebte man erneut gemeinsam
einen schönen Abend. Ob man als
Beteiligter auf der Bühne stand oder als
Zuschauer dabei war, spielte weniger
eine Rolle. Hauptsache, man hatte
zusammen eine gute Zeit. Claudius war
dabei mehr Vermittler und Mitagierender
als Mittelpunkt.
Diese soziale Komponente in seiner
Sicht auf das Theater hat sich gehalten.
An Stelle seiner Freunde sind es nun
meist die Kollegen auf und hinter der
Bühne, die von Bedeutung sind. „Woman
hingeht –man ist sofort aufgefangen in
einem Netz von Menschen, die irgendwo
dasselbe wollen.“
Zum Schauspielstudium reiste er ans
renommierte Max Reinhardt Seminar
nach Wien. Eine Schule, die ihm weniger
einen bestimmten Stil vermittelte. Eher
wurde er in Wien mit Theaterästhetiken
konfrontiert, die er bislang nicht
kannte und hatte die Gelegenheit, von
verschiedensten Schauspielerkalibern
zu lernen, die am Seminar als Dozenten
tätig waren. Ist aus ihm ein Intellektoder
Bauchschauspieler geworden? Er
selbst beschreibt sich als Ausprobierer,
der durchaus das genaue, reflektierte
Arbeiten schätzt. Dinge bei den Proben
zu erspielen ist ihm jedoch wichtiger
als langes Reden. Zu Regisseuren sucht
er eine Vertrauensbasis. Er schätzt es,
wenn er das Gefühl hat: Da ist jemand,
der einen lenkt, der alles sieht und
der versteht, was man gerade probiert.
Die Aufgabe des Schauspielers wiederum
sei es, ein Gefühl dafür zu entwickeln,
wo der Regisseur mit seinem Instinkt
gerade hin wolle und dort anzudocken.
Mit Sensibilität, mit Gespür, mit Hilfe des
Intellekts und des Handwerks. Begreiflich,
dass er es ablehnt, wenn in der
Probenarbeit der gemeinsame Prozess
ausbleibt, die Dinge imVornherein
feststehen, der Schauspieler Ausführender
bleibt.
Wie geht er mit dem Fremdbestimmten
um, dem man als Schauspieler in
einem Ensemble oftmals ausgesetzt ist?
Am Schauspielhaus Graz, wohin er
direkt nach dem Studium engagiert
wurde, hatte er aus nachvollziehbaren
Gründen wenig Probleme damit. Er hatte
stets das Glück, gute Rollen spielen zu
dürfen. Gleich nach seinem Engagement
wurde er als Ödipus besetzt. Nach
dem Erfolg der Inszenierung folgten
weitere Titelrollen, in denen er über die
Stadtgrenze hinaus Aufmerksamkeit
erregte. Für seine Darstellung als Hamlet
(Regie Theu Boermans) und Peer Gynt
(Regie Ingo Berk) erhielt er eine
Nominierung für den österreichischen
Theaterpreis Nestroy in der Kategorie
„Bester Nachwuchsschauspieler“. Ein Jahr
später wurde ihm der Publikumspreis
übergeben. Fast zeitgleich entdeckte ihn
Barbara Frey bei einem Vorsprechen.
Seit ein paar Wochen ist ernun in der
Schweiz. Was sind seine Eindrücke?
Natürlich hatte er hier –einmal mehr! –
Glück. Er fand gleich eine tolle Wohnung,
während der Arbeit am „Prozess“ konnte
er vor der Probe morgens direkt vom
Haus aus ein Bad in der Limmat nehmen.
Und er lernte interessante Menschen
kennen, die Gelegenheit und Lust haben,
Dinge weiterzuentwickeln, zu optimieren.
Er erkennt hier „immer ein verstecktes
Prozent Anarchie. Das gehört zur
Optimierung vielleicht schon wieder dazu –
das verrückte Moment, das freie Radikal,
was ein sehr sympathischer Faktor ist.“
Folgt ihm das Glück auf den Fersen?
Und ist Glück überhaupt gut für den
kreativen Prozess –woesamTheater
doch vor allem darum geht, Probleme und
Konflikte auszuloten? Beim Erarbeiten
von Theaterrollen sucht Körber nicht in den
tiefsten Abgründen und traumatischsten
Erfahrungen aus dem eigenen Leben.
Private Erlebnisse mag er nicht benutzen,
um Gefühle auf der Bühne herzustellen.
Es geht ihm viel mehr darum, die Phantasie
für Konflikte im Umgang mit Menschen
zu finden. Ein Verständnis füreinander
zu entwickeln. Abzutasten, wie man
miteinander reagiert, agiert, umgeht –
daraus entsteht Kreativität. Das Verständnis
für das Gemeinsame ist mit dem Theater
verhaftet geblieben. Es scheint ihm Glück
gebracht zu haben.

22 Kinderreporter
VonOdysseus bis
23
Darth Vader
Semfira –Und habt ihr schon einmal den
Text vergessen?
Sibylle –Ja, und auch kein anderes
Bandmitglied wusste, wie es weiterging.
Ich fragte also die Kinder. Und ein
Mädchen kam dann auf die Bühne und
hat mir gesagt, wie die zweite Strophe geht.
Boni –Solche Aussetzer sind aber selten.
Eher kommt es vor, dass sich beim
Singen mal eine Textzeile verdreht.
Manchmal wird der Sinn dadurch total
verändert. Dann muss man aufpassen,
dass man keinen Lachkrampf bekommt.
Semfira –Sibylle, wann hattest duam
meisten Lampenfieber?
Sibylle –Vor den Konzerten habe ich kein
grosses Lampenfieber mehr. Aber vor
dem Theaterspielen. Also weiss ich, wann
ich bestimmt das nächste Mal grosses
Lampenfieber haben werde: nämlich vor
der Odyssee!
Sibylle Aeberli und Boni Koller im Gespräch mit den Kinderreportern
Zum diesjährigen Familienstück
„Die Odyssee“ für Kinder schreibt die
Zürcher Band Schtärneföifi neue Songs
und ist auch live auf der Bühne mit
dabei. Unsere zwei Kinderreporter, die
Schtärneföifi-Fans Semfira und Emil,
haben die beiden Sänger Sibylle und Boni
zum Gespräch in der Kantine im Schiffbau
getroffen –und alles gefragt, was sie
schon immer von ihnen wissen wollten ...
Semfira –Sibylle, wie lange kannst du
schon so gut singen?
Sibylle –Ich weiss nicht, wie lange
ich schon gut singe ... danke vielmals
übrigens! Angefangen zu singen
habe ich vermutlich gleichzeitig mit
meinen ersten Sprechversuchen!
Semfira –Boni, wie lange gibt es die
Band schon unter diesem Namen und wie
viele Konzerte habt ihr schon gespielt?
Boni –Schtärneföifi gibt es seit 18 Jahren.
Und den Bandnamen haben wir ebenfalls
schon so lange. Pro Jahr spielen wir
50 bis 70 Konzerte. Unser allererstes Lied
„Heicho –ohni Znacht is Bett“ haben
wir schon weit über 1000 Mal gesungen.
Emil –Ist das Lied „Mir mached Fride“
in Dur oder Moll?
Boni (beeindruckt) –Soetwas hat noch
nie jemand gefragt. Es ist inMoll und
endet in Dur. Oder umgekehrt!
Semfira –Sibylle, ich bin ja dein Fan!
Hast duals Kind auch eine
Lieblingssängerin gehabt?
Sibylle –Nein, eigentlich nicht. Aber es
gab ja auch keine Kinderbands damals.
Ich liebte schon sehr früh die Beatles und
meine erste Platte war „Ho-chi-ka-ka-ho”
„Ho-chi-ka-ka-ho“
von Sweet. Das klang wie Hosegaggi ho.
Das fand ich super.
Semfira –Ist euch mal was Peinliches
auf der Bühne passiert?
Sibylle –Einmal musste ich nach einem
anstrengenden Lied extrem viel Wasser
trinken, Wasser mit Bläterli. Als ich dann
wieder ans Mikrophon ging, musste ich
sehr laut rülpsen. Das kam direkt über die
Lautsprecher. Und als mir dann auch
noch „Scheisse“ rausrutschte, wollte ich
vor Scham im Boden versinken.
Semfira –Ich kenne die Geschichte.
Odysseus wird darin fast von einem
einäugigen Riesen gefressen. Der hat
ihm versprochen, ihn als letzten zu
verspeisen, um ihm einen Gefallen zu tun.
Aber das ist jagar kein Gefallen! (lacht)
Emil –Welche Rollen spielt ihr in der
Geschichte?
Sibylle –Wir spielen verschiedene Rollen.
Unter anderem spiele ich die Zauberin
Circe, die Odysseus verzaubern will und
es nicht schafft. Daverliebt sie sich in
Odysseus –denn sie ist noch nie einem
Mann begegnet, der ihren Zauberkräften
widerstehen konnte.
Boni –Und ich spiele einen Gefährten von
Odysseus, denn er ist mit zehn starken
Männern auf seinem Schiff unterwegs.
Sie kommen alle zusammen aus dem
Krieg und obwohl sie alle ziemlich mutig
und unerschrocken sind, wollen sie jetzt
vor allem eins: nach Hause. Aber auf dem
Weg dahin müssen sie viele Abenteuer
überstehen. Zum Beispiel auch den
einäugigen Riesen, von dem Semfira
erzählt hat. So wird erbei uns im Stück
aussehen. (Boni zeigt eine Skizze der
Bühnenbildnerin, auf der der Zyklop mit
seinen Schafen zu sehen ist.) Findet
ihr den zum Fürchten?
Emil –Nein, ich fürchte mich eher vor
den Schafen, die haben Hörner und
Schtärneföifi-Fans Semfira (7) und Emil (6)
haben die Köpfe so nah zusammen.
Ich finde übrigens, dass Töme, der
Schlagzeuger von Schtärneföifi, sehr gut
den Zyklopen spielen könnte. Welche
Lieder werdet ihr denn spielen? Auch
„Königin“?
Sibylle –Nein, das spielen wir nicht,
es gibt komplett neue Lieder! Lieder mit
Geschichten aus der Odyssee.
Emil –Sind sie schon fertig?
Boni –Viele Liedtexte sind schon
geschrieben. Die Ideen dazu sind
zusammen mit der Regisseurin Meret
Matter entstanden. Und die Musik
schreiben wir derzeit. Allerdings werden
wir auch während der Proben, die im
Oktober beginnen, einiges
weiterentwickeln. Das ist deswegen so,
weil auch die anderen Schauspieler
mitsingen werden. Das ist für uns auch
etwas Neues.
Semfira –Eine Frage zum Schluss: Habt
ihr gewusst, dass in einem eurer Lieder
Darth Vader mitspielt, nämlich im
„Trotselbähnli“?
Sibylle –Nein! Wie das denn?
Semfira –Esgibt diese Stelle mit einem
Blasebalg. Das hört sich genau an wie
der Atem von Darth Vader!
Boni –Dasind wir ja platt. So gut hat
noch nie jemand zugehört! Und wir selber
haben es gar nicht gemerkt!
Dank an Theaterpädagogin
Manuela Runge, die das Gespräch
begleitet hat.
Die Odyssee für Kinder
nach Homer
Familienstück ab 6Jahren
mit Musik von Schtärneföifi
Regie Meret Matter, Bühne
Sara Giancane, Kostüme Renate Wünsch,
Musik Schtärneföifi, Dramaturgie
Karolin Trachte
Mit Christian Baumbach, Fritz Fenne,
Aaron Hitz, Lisa-Katrina Mayer,
Johannes Sima, Dimitri Stapfer,
Barbara Terpoorten und der Band
Schtärneföifi:
Sibylle Aeberli, Adrian Fiechter,
Töme Haldimann, Boni Koller, Jean Zuber
Ab 30. November im Pfauen

24 Zoo der Zeitgenossen /club diskret
25
Ganz diskret und
zoologisch privat
Mit dem „club diskret“ wird am
24.Oktober eine Art öffentliches
Wohnzimmer eröffnet: der ganz und
gar mit Teppich überzogene Raum,
den die Bühnenbildnerin Bettina
Meyer für das neue Kammerformat
entworfen hat, hat eine Bar –aber
keine Bühne. Karolin Trachte stellt das
neue Programm vor.
Im „club diskret“ sind sie alle zu Hause:
Der Basler Theatermacher Marcel Schwald
verfasst für sein Konversationsformat
„Host Club“ mit dem Zürcher Autor,
Performer und Regisseur Andreas
Liebmann und der Choreographin Lea
Martini vier „conversation pieces“.
Der Wissenschaftsjournalist Roland
Fischer hat eine Live-Studie entwickelt,
bei der alle Zuschauer zugleich Teilnehmer
sind. Der Berner Autor Jonas Lüscher ist
in „Geschichten verstrickt“ und berichtet,
warum komplexe Zusammenhänge
wie die Finanzkrise durch Erzählungen viel
besser zu verstehen sind. Die drei
jungen Autoren Anna Papst, Konstantin
Küspert und Lukas Linder werden
auf halber Strecke zum neuen Stück ihr
Recherchematerial offenlegen –sogeht
Neue Dramatik auch. Das Game-Designer
Kollektiv „UrbanOut“ entwickelt ein
interaktives Live-Computerspiel. In der
„Radioshow“ bearbeitet Alexander Keil
spielerisch Trends der Zeitgenossenschaft
als Radio-Feature. In einer Stadtreportage
begeben sich Magdalena Drozd, Liliane
Koch und Lea Schregenberger auf die
Spuren des Privaten im Öffentlichen und
kommen Erstaunlichem auf die Spur.
Donnerstags zum „club diskret“, das ist
wie Fernsehschauen, aber live ... und
nicht ganz so diskret! Die Bar ist bei jeder
Vorstellung eine Stunde vor Beginn
geöffnet.
Im Format „club diskret spezial“ geht
es dann weiter: Es entstehen zwei
Theaterserien, die aus jeweils vier bzw.
fünf Premieren bestehen und am Ende
als Marathon nochmals zur Gänze
gesehen werden können. Für die erste
der beiden Serien hat die Münchner
Regisseurin Antje Schupp das Projekt
„Zoo der Zeitgenossen“ entworfen.
Darin beschäftigt sie sich gemeinsam mit
vier Schauspielstudierenden der ZHdK
mit vier herrlichen Stereotypen: dem
Hipster, dem Moneymaker, dem Nerd
und dem Idealisten. Antje Schupp
nennt das eine „Feldforschung“, weil sie
sich gemeinsam mit den vier Spielern
auf die Spur der Zeitgenossen begibt –
jenen Wesen, über die man in einigen
Jahrzehnten sagen wird: Das war
2013!–und die heute natürlich trotz
aller Klischees bald jeder Eindeutigkeit
entbehren. Und obwohl es zunächst
scheint, dass jeder dieser Typen nur in
seiner ganz eigenen Währung rechnet –
sei es der Lifestyle, der Kontostand,
das Spezialwissen oder eben nichts
geringeres als die Rettung der Welt –
stellt sich bald heraus, dass die vier
sich viel zu erzählen haben, ja sich
vielleicht sogar ergänzen können. In vier
zoologischen Kurzporträts stellen wir
die Zeitgenossen vor ...
club diskret
Konzept Alexander Keil und Karolin Trachte,
Grundraum Bettina Meyer
Vonund mit Marcel Schwald,
Andreas Liebmann, Lea Martini,
Anna Papst, Jonas Gygax, Lukas Linder,
Konstantin Küspert, Roland Fischer,
Peter Jüni, Jonas Lüscher,
Magdalena Drozd, Lea Schregenberger,
Liliane Koch, Maike Thies und
Nuria Krämer („UrbanOut“) sowie
Schauspielern des Ensembles und vielen
anderen
Bar ab 19.30 Uhr, Beginn 20.30 Uhr
Ab 24.Oktober im Pfauen/Kammer,
jeden Donnerstag
Unterstützt von Ittinger Amber
Zoo der Zeitgenossen
Eine Feldforschung
Projekt von Antje Schupp
Regie Antje Schupp,
Grundraum Bettina Meyer, Ausstattung
Prisca Baumann, Dramaturgie
Karolin Trachte
Vonund mit Steffen Link,
Magdalena Neuhaus, Pascal Vogler,
Alina Vimbai Strähler
Eine Kooperation mit der ZHdK,
Departement Darstellende Künste und Film
Ab 1. November im Pfauen/Kammer
#1 Der Hipster
In seinem natürlichen Lebensraum im
Umfeld von Vintage-Shops, Shared
Workspaces und temporären Stadtgärten
bewegt sich der Hipster in
gemischtgeschlechtlichen Kleingruppen
von meist zwei bis drei Exemplaren.
Der Hipster ist ein natürlicher Nomade:
Indem er durch seine Niederlassung
in bestimmten Stadtteilen die dortige
Gentrifizierung befördert, zerstört erseine
eigene Lebensgrundlage –und muss in
ein neues Habitat weiterziehen. Zwar
lebt er meist infriedlicher Koexistenz
mit der Familie der sogenannten
Medienintellektuellen, doch bleiben
die von ihm gewählten Orte der Balz
und Nahrungsaufnahme durch den
arttypischen Wissensvorsprung exklusiv:
Wo der Mainstream ankommt, hat der
Hipster die Bildfläche gerade verlassen.
Natürliche Feinde der Hipsterpopulationen
sind neben dem Mainstream wie auch
dem Tourismus gerade die eigenen
Artgenossen: Hipster hassen Hipster.
Denn sie sind als Modeopfer, pseudopolitisch
und „spoilt kids“ der oberen
Mittelschicht in Verruf geraten. Auch die
Ironie und ein vertiefter, unaufdringlicher
Hedonismus sind Merkmale der
„hipsteresken“ Lebensweise.
#2 Der Moneymaker #3 Der Nerd #4Der Idealist
Selbst infreier Wildbahn ist diese
Art für Trapper und Fallensteller leicht
aufzufinden: Der Moneymaker ist da,
wo das Geld ist. Als Berater, Banker,
Jung-Unternehmer und Gründer von
Internet-Start-Ups treibt er sich in BWL-
Studiengängen, auf Technologiemessen
und in VIP-Lounges herum. Der
Moneymaker ist umtriebig, aber sesshaft,
im Beruf meist leistungsfreudig, belastbar
und unabhängig. Der Moneymaker
rechnet in bestechend ehrlichen
Währungen: Geld und Flugmeilen. Im
Umgang damit schwankt der Moneymaker
stark zwischen dem arttypischen
„hamstern“ und –bei Schlecht-Zins-
Wetterlage und hoher Inflation –
publikumswirksamem Verschleudern.
Laufen die Wetten gut, ist kein Destillat
zu teuer, kein Restaurant zu exquisit,
keine Suite unbezahlbar –alles ist gerade
gut genug. Zwar hat der Moneymaker
mit dem Hipster ein gewisses Savoir vivre
gemeinsam, seine Jagdgründe verteidigt
er allerdings nicht mit dem besagten
Exklusivwissen. Der karnivore Meilenkönig
flaniert auf den Dachterrassen, von
denen er den Aasfressern auf den Kopf
spuckt, deswegen alleine, weil er es
bezahlen kann.
Unbeirrt von Mode, finanziellen Anreizen
und der weit verbreiteten Sehnsucht
nach kurzfristiger sozialer Anerkennung
durch andere Bewohner des Ökosystems
beackert der Nerd ein meist abseitiges
oder unbekanntes Wissensfeld. Wo er
fischt, fischt er allein –was seinem
leicht soziophoben Temperament
entgegenkommt: Der Nerd meidet das
offene Feld und die direkte Konfrontation
mit Artgenossen und Tieren anderer
Arten. Die kleinen, über Jahre gewachsenen
Sozialverbände zeichnen sich durch
hohen Zusammenhalt und gemeinsame
Interessensausrichtung aus. Statistisch
kann in durchschnittlichen Nerdpopulationen
eine überproportionale Anzahl von extrem
intelligenten Exemplaren nachgewiesen
werden. Auch weil Paarung und Balz
im Leben des Nerds keine zentrale Stellung
einnehmen, gilt er als ausgesprochen
verspielte Gattung, kann er sich doch
mehrere Stunden am Tagden für ihn
charakteristischen Spielereien widmen,
darunter Science-Fiction-Comics,
Doppelspaltexperimente, programmierbare
Taschenrechner, mittelalterliche
Rollenspiele und selbstprogrammierte
Browserspiele.
Der Idealist konnte bisher selten längere
Zeit erfolgreich in Gefangenschaft
gehalten werden: Das freiheitsliebende
Rudeltier lebt in unabhängigen, grösseren
Sozialverbänden, in welchen er
Lebensraum und Nahrung teilt. Als
Lebensraum werden von klein- und
mittelgrossen Idealisten-Gruppen
leerstehende Häuser am Rande
grosser urbaner Gebiete zwischengenutzt
oder besetzt. Dort festigen sich
die weitestgehend autonomen
Zusammenschlüsse und bleiben häufig
über Jahre stabil –dabei verteidigen sie
die Orte der Niederlassung teils vehement
gegen Habitatsansprüche anderer
Gruppen. Neben hoher Standorttreue und
besonderer Sensibilität für die
Ausgeglichenheit im ihn umgebenden
Ökosystem zeichnen den Idealisten seine
besonderen Ambitionen zur langfristigen
Veränderung der bestehenden
Sozialsystems aus: Neuordnung oder
Aufhebung der bestehenden Hackordnung
zu Gunsten gleichberechtigter
Machtverhältnisse, Neuverteilung von
eroberten Nahrungsräumen, Verhinderung
von Überfischung, besonderer Schutz
für Minderheiten und geschwächte
Rudelmitglieder etc.

26 27 Schicht mit Judith Janser Ruckstuhl
Geglückte
Verwandlung
Seit 26 Jahren am Schauspielhaus Zürich: Judith Janser Ruckstuhl, Leiterin der Maskenbildnerei
Judith Janser Ruckstuhl, deren
Vater schon am Schauspielhaus
Beleuchtungsmeister war, war
bereits als kleines Kind vom Theater
fasziniert und liebte die Verwandlung.
Mittlerweile arbeitet sie selbst seit
26 Jahren am Schauspielhaus Zürich,
seit Beginn der Spielzeit 2013/14
ist sie Leiterin der Maskenbildnerei.
Eva-Maria Krainz hat sie bei ihrer
Arbeit im Schiffbau begleitet.
10:00 Uhr Judith und ich treffen uns
im ersten Stock des Schiffbaus im
Schminkraum, wo sie gerade mit der
Bestellung eines ganz speziellen
Teint-Make-ups beschäftigt ist: „Homer
Simpson-Gelb“, für die Gesichter
jener Physiker-Darsteller, die sich in
der Irrenanstalt aufhalten. Der richtige
Farbton ist gemäss Katalog nur
als Wasser-Make-up lieferbar, das
im Ergebnis allerdings mehr wie
Faschingsschminke denn professionelles
Theater Make-up aussieht, erklärt Judith.
Daher konnte sie die Herstellerfirma
schliesslich zur Anfertigung eines
Spezialprodukts für das Schauspielhaus
überreden.
10:22 Uhr Neben dem Computer,
an dem Judith gerade arbeitet, ist eine
ihrer Mitarbeiterinnen gerade mit der
Herstellung von Kunsthaartressen für die
„Physiker“ beschäftigt: In Herbert Fritschs
Inszenierung werden die drei Herren
Newton, Einstein und Möbius Perücken
aus sehr langem Kunsthaar tragen, die
Judith und ihre Kolleginnen nach einiger
Suche schliesslich in einem chinesischen
Online-Shop für Manga-Produkte gefunden
haben. Damit diese jedoch nicht zu
unnatürlich einfarbig aussehen, werden
nachträglich noch Haartressen in
verschiedenen Farbtönen eingearbeitet.
11:19 Uhr Neben den Manga-Haaren und
zahlreichen anderen Perücken entdecke
ich eine, die anscheinend verkehrt herum
auf ihrem Modellkopf sitzt, die Haare
stehen in alle Richtungen. Mit Absicht,
wird mir erklärt: Jan Bluthardts Haare als
Tambourmajor in „Woyzeck“ sollten
besonders verrückt und schräg aussehen –
die Idee, seine Perücke einfach verkehrt
herum aufzusetzen, ist zufällig bei einer
Anprobe entstanden und funktioniert
offensichtlich richtig gut. Ganz allgemein
würden Kostümbildner ihre Phantasie oft
von Dingen, die sie zufällig hier sehen,
inspirieren lassen, meint Judith –weshalb
sie nicht viel von klinisch aufgeräumten
Theaterwerkstätten hält.
11:53 Uhr Die eigentliche Werkstatt der
Maske ist aktuell (noch) eine Baustelle –
sie wurde über den Sommer renoviert,
um den technischen Anforderungen sowie
den Auflagen des Gesundheitsschutzes zu
entsprechen, die die modernen (durch
den Film mitgeprägten) Sehgewohnheiten
und die dafür verwendeten Materialien an
die Maskenbildnerei stellen. Daher
sieht es im Schminkraum, in dem die
Schauspieler bald wieder für die
Vorstellungen geschminkt und frisiert
werden, zur Zeit noch etwas anders
aus als sonst: Die Schminkstühle wurden
bis zu den Endproben für Büchners
„Woyzeck“ in den Keller gebracht, um
Platz inder provisorischen Werkstätte zu
schaffen. Etwas eng ist estrotzdem,
aber Judith und ihre Kolleginnen haben
beschlossen, das Beste aus der Situation
zu machen: So oft esdas Wetter zulässt,
übersiedeln sie etwa zum Perückenknüpfen
ins Freie –imAtrium des Schiffbaus
lässt essich bei warmen Temperaturen
sogar besser arbeiten als in der „alten“
Werkstatt im 3. Stock, wo es in den
Sommermonaten oft unerträglich heiss
gewesen sei.
14:32 Uhr Auf meine Frage, was man
als Maskenbildnerin alles können müsse,
beginnt Judith aufzuzählen: Neben allen
Fertigkeiten, die mit Make-up, Haaren
und Perücken zu tun haben, zählen dazu
natürlich auch Spezialeffekte wie z.B.
das Schminken von Hautverletzungen,
weiters das Modellieren von Masken und
Gesichtsteilen oder manchmal sogar von
ganzen Tieren. Wichtig ist es, bei alldem
immer Ruhe zu bewahren und über viel
psychologisches Feingefühl zu verfügen –
beispielsweise, um sich vor Premieren
nicht von der Nervosität der Schauspieler
anstecken zu lassen. Last but not least
muss man auch loslassen können: Wenn
man z.B. zahlreiche (etwa 40bis 60)
Arbeitsstunden in die Herstellung einer
Perücke investiert hat, diese jedoch nach
nur einer Bühnenprobe schon wieder
verworfen wird –das eigene „Baby“ so
schnell wieder aufgeben zu müssen, ist
manchmal hart, gehört aber auch dazu.
15:02 Uhr In ihren 26 Jahren hier am Haus
hat Judith schon fast alles erlebt: Sie hat
ihren Beruf hier erlernt und dann zunächst
eine 50 Prozent-Stelle angenommen,
die es ihr ermöglicht hat, daneben auch
für Film und Fernsehen, verschiedene
Theater- und Opernhäuser und sogar für
einen Zirkus zu arbeiten. So unterliegt
auch der Stellenwert, den die Maske
am Theater hat, den unterschiedlichsten
Strömungen –imMoment wird Judiths
Abteilung zu ihrer grossen Freude wieder
viel mehr geschätzt und genutzt, als dies
in der Vergangenheit teilweise der Fall
war, und die Zusammenarbeit mit dem
Schauspielensemble macht grossen
Spass.
15:28 Uhr Zum Abschluss machen
Judith und ich einen Rundgang durch
die noch nicht ganz bezugsfertige
Maskenwerkstatt und deren Herzstück,
den neuen „Kapellenraum“, in dem
künftig dank permanenter Versorgung mit
Frischluft auch Lösungsmittel (die etwa
bei der Herstellung von Glatzen zum
Einsatz kommen) ohne Mundschutz (wenn
auch nach wie vor inSchutzanzügen)
verarbeitet werden können.
16:12 Uhr Bald ist die neue Werkstatt
fertig und der Endproben- und
Vorstellungsbetrieb kann losgehen.
Judith freut sich auf die neue Spielzeit
und meint, das grösste Kompliment
für sie sei immer, wenn Zuschauer ihre
Arbeit gar nicht bewusst wahrnehmen
und nach einer Vorstellung sagen,
bei dieser Produktion hätte die Maske
doch gar nichts zu tun gehabt. Das
hört sie gerne, weil sie dann weiss: Die
Verwandlung, von der sie bereits als
Kind fasziniert war, ist geglückt.

28 Ins Theater mit ...
Brigitte von der
29
Crone
„Der Prozess“: Dagna Litzenberger Vinet und Markus Scheumann
Seit März dieses Jahres ist Dr. Brigitte
von der Crone Verwaltungsratspräsidentin
des Schauspielhauses. Sie arbeitet als
Rechtsanwältin in Zürich.
Am 12.September besuchte sie die
Premiere von „Der Prozess“ in der Regie
von Barbara Frey. Am Tagnach der
Premiere hat sie unseren Fragebogen
beantwortet.
Vonwoher kamen Sie zu der Vorstellung
ins Schauspielhaus?
Ich kam von einem kleinen Znacht zu
Hause. Da wir gleich um die Ecke wohnen,
habe ich nur fünf Minuten zum Theater.
Kannten Sie den Text vorher?
Ja, ich kannte den Text. Ich habe ihn in
jungen Jahren gelesen. Auch wusste
ich, dass er einmal von Orson Welles
verfilmt wurde, habe diesen Film
aber nicht gesehen. Dass bzw. ob es
auch Bühnenfassungen gibt, war mir
nicht bekannt. In diesem Sinne war es
für mich am Donnerstag in doppelter
Hinsicht eine Premiere.
In welcher Stimmung waren Sie in dem
Moment, als im Zuschauerraum das Licht
ausging?
Ich war infreudiger Anspannung,
Saisoneröffnung mit Kafka, wunderbar!
Haben Sie während der Vorstellung
gelacht, und wenn ja, worüber?
Die Szene mit Siggi Schwientek als alter
Anwalt senkrecht im Bett fand ich
grossartig, ja, da habe ich gelacht.
Ansonsten eigentlich nicht. Es gibt nach
meiner Auffassung auch keine lustigen
Passagen im Stück.
Hat Sie etwas an der Vorstellung berührt?
Wenn ja, was?
Das einsame Leben von Josef K. ist
trostlos, das hat mich berührt. Im Theater
ist das aber weniger ausgeprägt als im
Text selbst.
Entsprach die Aufführung Ihren
Erwartungen? Wenn ja, wie sahen diese
aus? Wenn nein, warum nicht?
Ich hatte keine konkreten Erwartungen.
Anders als bei Stücken, die für die Bühne
geschrieben sind, weiss man nicht,
was einen erwartet und wie der Text
umgesetzt werden wird. Bei Barbara
Frey weiss ich, und ging deshalb davon
aus, dass sie sich sehr intensiv mit
dem Text auseinandersetzen und eine
perfekt durchdachte Arbeit machen
würde. Das hat auch zugetroffen, ich fand
die Inszenierung ausgezeichnet.
Hatten Sie während des Zusehens den
Gedanken, dass es besser gewesen
wäre, wenn Sie sich vor Ihrem Besuch
noch einmal genauer über den Text
und den Autor informiert hätten?
Ich hatte noch Zeit, das Programmheft zu
studieren. Das hat mir weitere
Informationen geliefert.
Finden Sie, dass die Aufführung etwas
mit Ihnen zu tun hat? Wenn ja, was?
Da ich selbst Anwältin bin, habe ich der
damaligen Reputation meines Berufsstandes
natürlich etwas mehr Beachtung geschenkt
als wahrscheinlich jemand anderer.
Mein Schluss war aber, dass sich der
Rechtsstaat –obwohl er auch im Text
mehrfach als solcher vorkommt –seit
Kafkas Lebzeiten deutlich weiter entwickelt
hat. Da muss man daher abstrahieren.
Zudem lebte er in einer generell schwierigen
Zeit. Im Übrigen bin ich überzeugt, dass
wir Anwälte heutzutage gerade wegen
der grösseren Rechtssicherheit in unserem
Rechtsstaat einen besseren Ruf geniessen
als damals –ich jedenfalls erlebe das
glücklicherweise so.
Was denken Sie als Juristin über Kafkas
Werk? Gibt es Parallelen zur heutigen
Rechtsprechung?
Schauspielhaus Zürich
Zeitung #9
Herausgegeben von der
Schauspielhaus Zürich AG
Zeltweg 5, 8032 Zürich
www.schauspielhaus.ch
Intendanz Barbara Frey
Kafka hat eine Welt beschrieben, die
mit dem damaligen unsicheren und
intransparenten System zusammenhing
und überdies war erjemand, der die
Welt als schwieriges Umfeld erlebte.
Direkte Parallelen sehe ich in unserer
Rechtsprechung glücklicherweise keine.
Hingegen scheint mir das Stück ein
flammendes Plädoyer für „due process“
zu sein. Das ist auch bei uns wichtig und
sollte nie verloren gehen. Unser Problem
liegt heute aber mehr bei Instanzen
staatlicher Verwaltung im Umgang mit
Bürgern oder etwa imöffentlichen
und kurzen Prozess der Medien als
beispielsweise im Strafprozess, in dem
diese Standards weitgehend gewährleistet
sind.
Wie zufrieden waren Sie mit dem
Publikum? Haben Sie sich geärgert oder
gefreut? Worüber?
Es wurde oft anStellen gelacht, an
denen ich nichts Lustiges entdecken
konnte. Aber darüber geärgert habe
ich mich nicht. Ich erlebe das fast
bei jeder Vorstellung. Die Menschen
sind unterschiedlich und haben
auch einen unterschiedlichen Humor.
Der Applaus am Schluss war toll,
in diesem Sinne habe ich mich über
das Premierenpublikum gefreut!
Haben Sie sich nach der Vorstellung
über das Stück unterhalten? Oder haben
Sie auf dem Heimweg noch über etwas
nachgedacht, das mit der Aufführung zu
tun hatte?
Ja, wir haben uns mit Bekannten gefragt,
was wohl die Beweggründe waren,
diesen Text überhaupt für die Bühne zu
Redaktion Andreas Karlaganis,
Eva-Maria Krainz, Gwendolyne Melchinger,
Julia Reichert, Andrea Schwieter
(Redaktionsleitung), Karolin Trachte
Fotos
Prisca Baumann S.24/25, Raphael Hadad
S.22/23, Matthias Horn S.1/6/8/16 unten/
17/28/32, Birgit Hupfeld S.10,
T+T Fotografie S.4/7/13/16 oben/
18/20/26, PD S.14
adaptieren. Später haben wir uns darüber
unterhalten, dass die Schauspieler
wieder einmal eine grossartige Leistung
gezeigt haben, insbesondere auch
deshalb, weil jeder etwa vier Rollen
spielte, die z.T. unterschiedlicher nicht
hätten sein können. So spielt etwa
Klaus Brömmelmeier einerseits den scharf
bellenden Onkel und unmittelbar darauf
kommt er als Künstler barfuss auf
die Bühne. Nur Herr K.spielt immer sich
selbst –Markus Scheumann auch
ganz wunderbar, keine Frage –aber alle
anderen wandeln sich laufend. Diese
Regie passt hervorragend zum Stück, ja,
setzt die ganze Ambivalenz des Textes
perfekt um, fanden wir.
Welche Frage würden Sie dem Regieteam
dieser Aufführung gerne stellen?
Was waren die Beweggründe, den Text
auf die Bühne zu bringen? Kafka als
Person oder der Inhalt des „Prozesses“?
Welches Stück würden Sie gerne als
nächstes sehen?
Da ich lange Theaterstücke liebe,
hätte ich gegen eine Bühnenadaption
von „Anna Karenina“ absolut gar
nichts einzuwenden. Ein wunderbares
Gesamtkunstwerk. Ich würde aber
gerne auch einmal etwas von Ernest
Hemingway sehen, z.B. eine meiner
Lieblingsgeschichten „The Short
and Happy Life of Francis Macomber“
aus „The Snows of Kilimanjaro“.
Gestaltung velvet.ch/Nina Oppliger
Druck Speck Print AG, Baar
Auflage 20000
Erscheint am 4.Oktober 2013
Partner des Schauspielhauses Zürich

30 31
ROMAIN
DURIS
AUDREY
TAUTOU
GAD
ELMALEH
OMAR
SY
AÏSSA
MAÏGA
CHARLOTTE
LE BON
leS aMIS Du
DER SCHAUM DER TAGE
EIN FILM VON
MICHEL GONDRY
NACH DEM ROMAN VON
BORIS VIAN
AB 10. OKTOBER IM KINO
★★★★★
«Grossartig und
berührend!»
LE MATIN
★★★★★
«…eine Hymne an
die Jugend.»
LE TEMPS
★★★★★
«Ein Festival der
Bildsprache!»
20MINUTES
Mehr Kultur für ZürICh.
Die Credit Suisse ist langjähriger Partner
des Schauspielhauses Zürich.
credit-suisse.com/sponsoring

32
„Ward, seit die Welt steht,
so etwas erlebt?“
aus „Amphitryon und sein Doppelgänger“
nach Heinrich von Kleist, Regie Karin Henkel
Jetzt im Pfauen!