brennpunkt 3-2011 .indd - Edition dibue

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BLUMEN
Schönheit und Vergänglichkeit, Liebe
und Tod. Kein Lebewesen findet in
der Symbolik häufiger Verwendung
als die Blume, und kaum ein Thema
ist aus kunsthistorischer Sicht so komplex
wie die Geschichte des Blumenbildes
– auch zeitgenössische Fotografen
wenden sich immer wieder diesem
jahrhundertealten Bildmotiv zu. Dies ist
der Grund für eine erste Übersichtsausstellung
zum Thema mit unterschiedlichen
formalen und inhaltlichen Ansätzen.
Die Geschichte der Fotografie kennt
bereits seit ihrer Pionierzeit Aufnahmen
von Blumen, angesiedelt meist
zwischen Systematik und Erotik, Naturkontext
und Materialstudie. In jüngster
Zeit ist das Motiv Ausgangspunkt neuer,
experimenteller Betrachtungen: Blumenvasen
werden zerschossen und im
Moment der Zerstörung dokumentiert,
Blüten werden mit Farbe übermalt, Blütenstängel
und Staubblätter für sexuelle
Anspielungen verwendet, Blumen werden
beim Vertrocknen, Verblühen oder
Verwesen beobachtet, gescannt oder als
überbordende Bouquets inszeniert.
Das Schweizer Künstlerduo Fischli/
Weiss beispielsweise paraphrasiert mit
ihren doppelt belichteten Blumenbildern
althergebrachte Schönheitsvorstellungen
bis hin zum Kitsch. Wilfried Bauer
hingegen verwandelt verblühte und vertrocknete
Sonnenblumen in Todesmetaphern.
So spartanisch die Blumen bei
ihm in Szene gesetzt werden, so opulent
arrangiert die holländische Fotografin
Margriet Smulders ihre Blumenstillleben
– auch als Referenz an die flämische
und holländische Barockmalerei;
der bürgerliche Wohlstand fand dort im
17. Jahrhundert bekanntlich unter anderem
in den sogenannten Blumenstücken
seinen Ausdruck. Die Rose, von
Smulders in Bloody Roses eindrucksvoll
enigmatisch dargestellt, steht wie
kaum eine andere Blume für den Dualismus
von Liebe und Tod. Thomas
Florschuetz fotografierte die Blütenblätter
einer Rose aus nächster Nähe;
die für sein Werk so typische motivische
Verdoppelung wirkt hier fleischlich-barock.
Michael Wesely wiederum
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© Holger Niehaus, »o.T.«, 2009, (O.i.F.) © Martin Klimas, »o.T.«, 2008, (O.i.F.)
hält in seinen Langzeitaufnahmen den
Prozess des Verblühens fest. Wir sehen
dabei zu, wie die Blumenstängel und -
blätter der Tulpen während der mehrtägigen
Belichtung ihre Spannkraft verlieren.
Hier steckt noch eine große Portion
Schönheit im Prinzip der Vergänglichkeit.
Bei Amin El Dib sind wir hingegen
mit einem anderen Aspekt des Verfalls
konfrontiert: er fotografiert u.a. die aufgequollenen
Schnittkanten der Blumen,
die zu lange in der Vase standen. Vanitas
hat mehrere Gesichter, hier zeigt sie
sich als Fratze.
Der selbst gepflückte Wiesenstrauß entspringt
freilich einem anderen, naturnahen
Grundverständnis. Dies bringt
Sofia Koukoulioti prägnant zum Ausdruck:
Sie pflückt in naturbelassenen
Brachen Griechenlands gewissermaßen
mit der Kamera wild wachsende
Blumen und andere Pflanzen, die sie
im Nebeneinander der Bilder zu einem
großen Strauß arrangiert. Hier wähnt
man sich der naturgegebenen Liebesbeziehung
zwischen Blumen und Insekten
auf der Spur. Vera Mercer reduziert in
ihren Stillleben die Farbigkeit mit Hilfe
späterer Bildbearbeitung zu einem kolorierten
Schwarzweiß: Mal sind es einzelne
Blumen, etwa eine Amaryllis, mal
sind es Blumenpaare, etwa zwei weiße
Rosen, deren große Blüten so schwer zu
sein scheinen, dass sie sich am Rand der
Vase herunter biegen. Miron Schmückle
wiederum inszeniert sich in seinen Blumenbildern
gleich mit: er hält sich in
seinen Selbstporträts eine einzelne
Blüte oder einen Blütenstrang vor den
eigenen nackten Körper – das Präsentieren
der Blüte zwischen den abgespreizten
Fingern gerät zu einer religiös-symbolischen
Geste.
Manche Blumensträuße dieser Ausstellung
hat man selbst beim Floristen so
noch nie gesehen, etwa diejenigen von
Holger Niehaus; er wählt ungewöhnliche
Versuchsanordnungen, wenn er
beispielsweise ein Blumenarrangement
so in eine geometrische Form
schneidet, dass dieses der Außenform
der Vase entspricht. Einen ebenfalls irritierenden
Ansatz wählt Martin Klimas:
Sein Bildgegenstand sind in einer Vase
arrangierte Schnittblumen, einzeln oder
im Paar. Mit Hilfe eines Hochdruckschussgeräts
lässt er die Vase zerbersten
und fotografiert exakt den Moment
bevor die Blumen zur Seite wegkippen
und ins Bodenlose stürzen. Schönheit
und Vergänglichkeit, Statik und Bewegung
finden in einem Bild zueinander,
einem Sinnbild des Vergehens alles Irdischen.
Makellose Schönheit und zeitlose
Eleganz begegnen uns demgegenüber
in den Blumenbildern von Jean-
Baptiste Huynh. Er beschäftigt sich in
seinem Werk intensiv mit Materialität
und Oberfläche und demaskiert den
Gegenstand im Hinblick auf eine hinter
aller Sachlichkeit verborgenen Sinnlichkeit,
so auch eine einzelne, puristisch
inszenierte Blüte vor dunklem Grund.
Christian Rothmann dagegen vermeidet