Der neue Merker

Europa
„ANSCHLAG“ von Wertmüller/Bärfuss (Musiktheater) –
10.11.
Die Koproduktion des Lucerne Festival mit dem Theater Basel im Rahmen
der Journées Contemporaines war eine Auftragsarbeit für das Lucerne
Festival. Es gilt deutlich die Devise „prima le parole“, und Lukas
Bärfuss ließ sich für sein Libretto – ein Zyklus von 12 Liedern – von Jean-
Jacques Rousseau inspirieren. Allerdings nicht von dessen philosophischen
Höhenflügen, sondern den minutiösen Klagen über seine Harnleiterverengung.
Thema ist die eigene Hinfälligkeit als Spiegel des Verfalls
der Gesellschaft, der Vergleich von Krankheitssymptomen und Gesellschaftsproblemen
– ob die faule Stelle nun aus dem Körper oder der Gesellschaft
geschnitten werden muss, ist da irrelevant. Ziel ist immer der
Kampf gegen den Verfall, den Tod, schlussendlich: die Zeit. Denn die
Zeit ist ja schließlich ein „Anschlag auf das Leben“.
Dabei ist eine klare Spiegelachse in der Mitte der 6 Lieder zu erkennen:
Während Linda Lovelace sich in „It really took time“ über die beste Atemtechnik
bei einer Fellatio auslässt, wird in „Für immer erlöst“ die richtige
Atmung nach der hinduistischen Baghavad Gitā erklärt. Die grausame
Ermordung und Enthauptung der Marie-Louise von Savoyen-Carignan
alias Prinzessin von Lamballe am Septembermassaker im Verlauf der französischen
Revolution findet ihre logische Entsprechung in der grausamen
„Sektio“ an lebendigen Tieren. Die kleine Erzählung „L‘écoulement“ über
die Heilung einer eiternden Wunde nach dem Revolutionär und Arzt Jean
Paul Marat wird einer Äußerung vom Anhänger von Robespierre, Louis
Antoine de Saint-Just, gegenübergestellt, der in „Sans doute“ beweist, dass
es noch nicht an der Zeit ist, etwas bestimmtes Gutes zu tun, da es dafür
erst eines großen allgemeinen Übels (bei Saint-Just eben der Wunde)
bedürfe. Bärfuss schöpft seine Texte aus dem Umkreis der französischen
Revolution, stellt den Körper der Gesellschaft gegenüber, vergleicht den
sittlichen Verfall mit dem körperlichen. Die Texte berühren, manche sind
schreiend komisch („It really took time“), manche schockieren („Sektio“).
Dem Komponisten Michael Wertmüller bleibt da bei jedem Satz die
Entscheidungsfreiheit, diesen zu untermauern oder den Text durch die
Musik zu torpedieren, kaputtzumachen, abzuklemmen. Ein Anschlag ist
für den Komponisten naturgemäß nicht in erster Linie ein Angriff auf
die Zeit, sondern der Berührungsmoment zwischen Musiker und Instrument.
Doch mit diesem Anschlag produziert ein Musiker Musik und damit
Neues, Innovation oder Neuinterpretation, und reiht sich damit wieder
in den Kampf gegen die Zeit und den Verfall ein. Im Gegensatz zum
Libretto ist bei Wertmüller eine klare Steigerung gegen Schluss festzustellen.
Singen die 3 Soprane (Anne-May Krüger, Clara Meloni und Ruth
Rosenfeld) die „Ballade vom Tod der Fürstin von Lamballe“ noch opernhaft
(wenn auch etwas kreischend), wird der staccato-artige Sprechgesang
in der „Sektio“ (Sprecher: Karl-Heinz Brandt) mehr zum Instrument als
zur Lesung, in der „Vollendung“ und im „Big Chill“ ist der Text dann
ganz nebensächlich. Funk-Jazz ist die Devise, ein klassisches Streichquartett
liegt im Wettstreit mit dem „Hammond-Avantcore-Trio“ von Steamboat
Switzerland. Dass Wertmüller auch Schlagzeuger ist, wird schon zu
Beginn durch die militärischen Trommelwirbel klar und bleibt auch der
musikalische rote Faden.
Das Projekt kann man als einigermaßen geglückt klassifizieren, die Texte
sind spannend, die Verschmelzung zwischen Musik und Text interessant,
die Gegenüberstellung zwischen alter und neuer Musik innovativ. Ärgerlich
ist da lediglich, dass man die Hälfte der Texte akustisch schlicht
nicht versteht (vor allem wenn die drei Soprane gleichzeitig singen). Einige
Texte sollte man außerdem deutlich kürzen (der Text der „Lamballe-
Ballade“ ist doch stark redundant).
Es ist aber bezeichnend, dass das Publikum erleichtert aufatmet, wenn das
altmodische Streichquartett ein ruhiges, einigermaßen melodisches Intermezzo
hinlegt. Mit schrillen Sopranstimmen unterlegte funkige Rhythmen
sind eben nicht jedermanns Sache. Bongotrommeln, Splitterkanonen,
Opernarien, Jazz, Funk: Dirigent Titus Engel behält bei dieser
fulminanten Mischung aller Stilrichtungen und Instrumenten-Äras souverän
die Übersicht. Die Inszenierung (Marie-Thérèse Jossen, Georges
Delnon) ist zurückhaltend, aber leider auch nicht viel spannender als
eine Orchesterfassung.
Fazit: Wer es schafft, sich vorher die Texte zu verschaffen, erlebt einen interessanten
Abend.
Alice Matheson
Biel: „Das Rheingold“ (halbszenisch) –
Kongresshaus 23.11.
Ein modernes Opernprojekt (© Priska Kelterer)
Seit Dieter Kägi Intendant und Musikdirektor das „Theater Orchester
Biel Solothurn“ (auch TOBS genannt) leitet, fanden immer wieder ereignisreiche
Aufführungen statt, die weit über die Kantonsgrenzen hinaus
für Aufsehen sorgten. Für dieses aufwändige Projekt gelang es der Spielleitung,
international gefragte Sänger nach Biel zu holen, einige von Ihnen,
deren Karriere einst hier am Opernstudio begonnen hatte; Jordanka
Milkowa, Vitalij Kowaljow und Marion Ammann. Und noch etwas ist
für die doch eher provinzielle Industriestadt ebenso erstaunlich wie bewundernswert;
das TOBS wird sich dem Weltendrama um Macht, Verrat
und Gier nun jährlich mit einer Produktion widmen.
Es lohnte sich, das Musikdrama ohne Bühnenbild und Orchestergraben
aufzuführen. Denn, was sonst im Graben sich versteckt, konnte frei und
offen voll zur Geltung kommen. Das Orchester und die Darsteller standen
im Mittelpunk. Es wurde ein Hörgenuss der besonderen Art auf allerhöchstem
Niveau geboten. umrahmt mit einer Videoproduktion
Die musikalische Leitung übernahm der Wiener Hans Urbanek. Dem
Bieler Publikum war er bestens bekannt, da er von 2002 bis 2005 als
künstlerischer Leiter und Chefdirigent für die Konzerte der Orchestergesellschaft
Biel verantwortlich war. Und jetzt arbeitete er intensiv und erfolgreich
mit dem Sinfonie Orchester Biel zusammen. Der volltönende
Orchesterklang und die satte Farbigkeit sprachen für sich. Das Klangbild
war pointiert, transparent und flüssig. Umso bewundernswerter für ein
Orchester, das nicht oft mit den monumentalen epischen Werken von
Wagner betraut wurde.
Sehr überzeugend war die gesamte Besetzung. Groß und mächtig die
Stimme von Jo Pohlheim, der als Alberich mit seinem Fluch viel in Bewegung
setzte. Er imponiert vor allem mit der fabelhaften Diktion, dem
intensiven, ausgelassenen Spiel und einer sonoren Stimme. In den Mittel-
DER NEUE MERKER 12/2013| 75