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Deutschland<br />
1. und den allzu transparenten Wänden im 2. Akt gern in Kauf. (Ausnahme:<br />
Die geschwenkten schwarzen Fahnen beim feierlichen Tedeum<br />
in der Kirche waren deplatziert und machten die gespenstische Situation<br />
dieses 1. Aktschlusses zur Farce.)<br />
Das allgegenwärtige Übergewicht der Technik-Show machte es denen,<br />
die das Stück mit ihrer Hände und ihrer Stimme Arbeit zu tragen hatten,<br />
nicht gerade leichter. Am stärksten waren davon Orchester und Dirigent<br />
betroffen. Will Humburg führte dennoch mit gediegener Werkkenntnis<br />
und dirigentischer Umsicht das Saarländische Staatsorchester<br />
sicher durch schwelgerische Kantilenen wie durch veristische Exzesse und<br />
sorgte, komplettiert vom gewohnt sicher singenden Opernchor unter<br />
Jaume Miranda, für einen unfallfreien Verlauf und ausgewogene musikalische<br />
Proportionen. An manchen Stellen wäre aber etwas mehr agogische<br />
Intuition bei der Begleitung der Sänger hilfreich gewesen.<br />
Die Sängerbesetzung hätte kaum unterschiedlicher sein können. Weder<br />
die Regie noch die musikalische Leitung konnten aus der Mischung von<br />
hauseigenen Kräften und speziell für diese Produktion engagierten Sängern<br />
ein homogenes Ensemble schweißen.<br />
Von den vielen Stichwortträgern, die leicht zu besetzen sind, seien nur<br />
zwei umfangreichere Partien genannt: der solide Angelotti Hiroshi Matsui<br />
und der betuliche Mesner Markus Jaursch. Und die melancholische Hirtenmelodie,<br />
die das Morgengrauen des 3. Akts atmosphärisch anreichert,<br />
sollte, wie von Puccini gewünscht, von fern zu hören sein, Hier singt sie<br />
der Hirtenknabe, fern von seiner Herde, auf der Plattform der Engelsburg,<br />
auf der gleich danach die Exekution stattfindet. Wie kommt er hierher?<br />
Von den drei Protagonisten stammte immerhin einer aus dem hauseigenen<br />
Ensemble: <strong>Der</strong> isländische Charakterbariton Olafur Sigurdarson, noch<br />
in bester Erinnerung als Jago und als Mephisto, bringt das nötige erzene<br />
Volumen mit, das Scarpia braucht, um gegen die gepanzerten Klangballungen<br />
des Tedeums zu bestehen. Nur fehlt dem untersetzten Sänger optisch<br />
die nötige Mischung von aalglatter Eleganz und Dämonie, um auch<br />
im 2. Akt die zynische Figur glaubhaft zu machen.<br />
In der Titelpartie war die Russin Victoria Yastrebova zu erleben. In der<br />
Gestaltung eher zu konventionellen Gesten neigend, überzeugte sie doch<br />
durch musikalische Sensibilität ebenso wie durch den dynamisch differenzierten<br />
Einsatz ihres klangvollen Spinto-Soprans. Die hymnischen Aufschwünge,<br />
die Puccini ihr anbietet, wusste sie wirkungsvoll auszusingen.<br />
Besonders beeindruckend gelang ihr das in ihrem überzeugenden Gebet.<br />
Ihr Cavaradossi, der Spanier Alex Vicens, versuchte es ihr gleichzutun, besitzt<br />
aber weder die dafür erforderliche Stimmtechnik noch das für diese<br />
Partie unerlässliche edle Timbre. Er gab ihr seine trompetenhaften hohen<br />
Töne – und blieb ihr den Rest schuldig. Die Kantilenen in der Mittellage<br />
(also das meiste) klang eng und farblos. Doch das Publikum schien beschlossen<br />
zu haben, dass dies ein festlicher Abend zu sein hat, und bejubelte<br />
seine beiden Arien, zumal der sympathische Sänger lebendig spielte<br />
und gute Figur machte.<br />
Jetzt beginnt das geduldige Warten auf eine Produktion, bei der die <strong>neue</strong><br />
Bühnentechnik nicht nur effektvoll, sondern auch künstlerisch überzeugend<br />
eingesetzt wird. Johannes Schenke<br />
Weimar:<br />
„Die Entführung aus dem Serail“<br />
– 7.11.<br />
Nach der Vorstellung wurde ein Jugendlicher von seiner Mutter vom<br />
DNT abgeholt. „Das Stück hat aber lange gedauert!?“ „Ja, Über drei Stunden.“<br />
„Worum ging es eigentlich?“ „Um Liebe und Sex.“ Mehr bekam ich<br />
von diesem Dialog nicht mit, aber er bringt treffend das zum Ausdruck,<br />
was ich auch empfand. Das Stück zieht sich. Das liegt daran, dass die<br />
Regisseurin Elisabeth Stöppler sehr eigenwillig und eigenmächtig in<br />
die Vorlage eingreift, indem sie mit der Dramaturgin Martina Stütz<br />
eine Dialogfassung erstellte, die in ihrer Länge beinahe schon musikalischen<br />
Anteilen ebenbürtig ist. Nur hat sie nicht deren Qualität! U. a.<br />
werden Auszüge aus Briefen von Wolfgang an Constanze zitiert. Aber<br />
nicht nur das: Die Dialogfassung bedient sich genüsslich der schlüpfrigen<br />
und banalen Alltagssprache der Gegenwart. Verfremdungen gibt es<br />
auch im musikalischen Bereich. <strong>Der</strong> Reihe nach.<br />
Lange bevor es losgeht, gewahrt man auf der Bühne (Karoly Risz), deren<br />
einziges Requisit hohe Palastmauern sind, die in spitzem Winkel im<br />
Hintergrund aufeinander treffen, einen barfüßigen Mann. Ab und an<br />
knallt er gegen die Palastmauern, dann wiederum kauert er sich in den<br />
besagten Winkel, schließlich schaut er sinnierend in den Orchestergraben.<br />
Ist das Belmonte? Sucht er nach einem Weg, um in den Palast zu<br />
kommen? <strong>Der</strong> Chor betritt, aus dem Zuschauerraum kommend, in modernem<br />
Outfit die Bühne. Nun meldet sich der Mann zu Wort. Bevor<br />
der Maestro den Taktstock heben darf, hat der Mann, der sich als Bassa<br />
Selim entpuppt, einige Fragen an die Damen und Herren des Chores.<br />
„Glauben Sie an die Kraft der Liebe?“, „Möchten Sie Ihre Frau sein?“ Noch<br />
ehe die Musik zu ihrem Recht kommt, wird dieses und jenes in Bezug<br />
auf Liebe und Partnerschaft erfragt. Spätestens hier wird klar, dass die<br />
Regisseurin Mozarts Singspiel nutzt, um auf diese Fragen eine Antwort<br />
zu finden. Sie möchte ein zeitloses Kammerspiel entwickeln, in dessen<br />
Mittelpunkt eben diese Probleme stehen.<br />
Diejenigen, die Mozarts Singspiel nicht kennen, fanden das alles ziemlich<br />
cool. Wer seinen Mozart liebt, fragt sich, warum ausgerechnet die<br />
„Entführung“ für diese Polemik herhalten musste. Es mussten Dinge<br />
verändert werden, die es so in diesem Singspiel nicht gibt. Beispielsweise<br />
stehen im „Saufduett“ nicht nur Pedrillo und Osmin auf der Bühne,<br />
sondern auch Blonde und Belmonte. <strong>Der</strong> Einzige, der sich nicht am<br />
Gelage beteiligt, ist Osmin. Folglich verfällt er auch in keinen Rausch.<br />
Kurzerhand greift Belmonte zu einem Damenschuh, haut damit dem<br />
Aufseher eins über den Schädel, so dass dieser erst einmal handlungsunfähig<br />
ist und in die Knie geht. Um ihre Lesart durchzuboxen, ignoriert<br />
die Regisseurin eigentlich alles, was an Auftritten vorgegeben ist.<br />
Sie erfindet die Figurenkonstellationen neu. Und jeder hat das Recht,<br />
die Darbietungen des anderen zu kommentieren, sei es durch eindeutige<br />
obszöne Gesten und Bemerkungen oder individuelle Geräuschkulissen<br />
in Comic-Manier. Besonders derb darf sich Blonde geben. Frank<br />
Lichtenberg, der für die Kostüme verantwortlich zeichnet, steckte sie<br />
nicht umsonst in einen Kampfanzug. Auch die Musik bleibt nicht vor<br />
Eingriffen verschont. So sind Ausschnitte aus Klaviersonaten und -konzerten<br />
von Mozart zu hören. Auch Brahms meldet sich unfreiwillig zu<br />
Wort. Und im Verdi-Jahr darf sich Belmonte ein kräftiges „All‘armi“ abdrücken.<br />
Manrico lässt grüßen! Mitunter sind die Aktionen temporeich,<br />
mitunter treten sie auf der Stelle. Interessant ist der Schluss. Was fängt<br />
man mit der gewonnenen Freiheit an? Man lyncht erst einmal Osmin<br />
und bekundet, dass nichts so hässlich wie die Rache sei.<br />
Musikalisch bot die Aufführung ein recht unausgewogenes Niveau. Begeistern<br />
konnte lediglich Heike Porstein. In der vorausgegangenen Inszenierung<br />
war sie noch die Blonde. Ihr Sopran ist hörbar gereift und hat<br />
mit der schwierigen Tessitura der Konstanze keinerlei Probleme. Selbstbewusst<br />
singt sie trotz der Fesselspiele, die sie auf der Bühne zu ertragen<br />
hat, ihre „Martern-Arie“. Auch sonst nimmt sie mit ihrer klangschönen<br />
und –intensiven Stimme für sich ein. Ihr Spiel ist glaubhaft. Dass einiges<br />
nicht ganz nachvollziehbar ist, liegt sicher nicht an ihr. Völlig unterbelichtet<br />
ist die Beziehung zwischen ihr und Belmonte. <strong>Der</strong> versteckt sich<br />
in Frauenkleidern, schminkt sich und lungert wie ein Häufchen Elend<br />
über weite Strecken an der Wand. Warum ihn Konstanze, die bis dato<br />
eigentlich nur mit dem Bassa Kontakt hatte, aus diesem jammervollen<br />
Dasein befreit, indem sie ihn abschminkt und Männerkleidung reicht,<br />
bleibt unklar. Jaesig Lee gefällt mit schöner Stimmgebung, bleibt als<br />
Belmonte darstellerisch allerdings viel zu passiv.<br />
Steffi Lehmann kommt mit ihrem burschikosen Auftreten als Blonde<br />
beim jugendlichen Publikum gut an. Sie singt gefällig, wobei es in der<br />
Obertonreihe noch Reserven gibt. Jörn Eichler war der Pedrillo. Er<br />
wurde als indisponiert angesagt, so dass sich seine vokale Leistung einer<br />
sachlichen Einschätzung entzieht. Auch er muss in Frauenkleidern<br />
68 | DER NEUE MERKER 12/2013