Der neue Merker

Deutschland
schend, klar, duftig und schuf somit die feine, zarte Instrumental-Atmosphäre
für dieses antike Epos. Paula Murrihy (Dido) verfügt zwar über eine
angenehme, höhensichere Stimme, doch vermisste ich die warme Mittellage,
welche der desparaten Königin die tragische Tiefe verleiht. Kernige, baritonale
Substanz schenkt hingegen Sebastian Geyer dem bestens interpretierten
Aeneas. Keck, angenehm im Timbre bezaubert Kateryna Kasper als
Belinda. Elizabeth Reiter (Second Woman) steht ihr in nichts nach. Köstlich
im Spiel, vokal überzeugend die drei Counter-Tenöre Martin Wölfel,
Dmitry Egorov, Roland Schneider als Sorceress, first and second Witch.
Ebenso trefflich fügen sich Michael Porter (Spirit/Sailor) sowie die prächtig
agierenden Mitglieder des Opernchores ins turbulente Geschehen.
„Herzog Blaubarts Burg“:
Szenen einer ungewöhnlichen Eheverbindung á la Strindberg vermittelt
Kosky auf der beweglichen Scheibe der dunklen Bühne mit den schwarzen
Kostümen (Katrin Lea Tag), alles schwarz, abgrundtief wie die Seelenzustände
der Protagonisten, welche sich mit großer darstellerischer Intensität
schier bis zur Selbstaufgabe zerfleischen. Diese optischen Eindrücke
gingen regelrecht unter die Haut. Mit schönen baritonalen Couleurs und
markanter Diktion singt Johannes Martin Kränzle den Blaubart. Mir
fehlte bei seinem bewundernswerten Schöngesang lediglich die dämonische
Hintergründigkeit. Expressiv, flackernd in dynamischen Fortebereichen
bewegte sich der Mezzo von Claudia Mahnke, doch seien ihr bei
dieser intensiv gestalteten Judith jene weniger klangvollen Töne verziehen.
Maestro Carydis entfesselt mit dem nun vollzähligen Orchesterapparat
und ausgeklügelter Klangfarben-Dramaturgie eine spannende Analyse der
gestörten Geschlechterbeziehungen. In blendender Verfassung vermittelt
Blaubart und Judith - Johannes Martin Kränzle mit Claudia Mahnke
(© Wolfgang Runkel)
das bestens disponierte Orchester die ausdrucksstarke Tiefenschärfe, jede
Phase, jede motivische Regung dieser gewaltigen Partitur. Bravo! Ein großer,
packender Opernabend wurde lauthals bejubelt.
Auf weitere Aufgaben dieses vortrefflichen Dirigenten hier am Hause und
ganz besonders der Wiederaufnahme von „Tristan und Isolde“ darf man
mit Spannung entgegen sehen.
Gerhard Hoffmann
„Ezio“ (Gluck) – Pr. 10.11.
Mit „Ezio“ von Christoph Willibald Gluck hat an der Frankfurter Oper
eine frühe Oper des späteren Reformers und Schöpfers einiger Repertoiregängiger
Werke Premiere. Das Dramma in musica, auf ein Libretto des
Balance an der Kante - Max Emanuel Cencic (Valentiniano)
(© Barbara Aumüller)
großen Barockdichters Pietro Metastasio. erlebte 1750 in Prag seine Uraufführung.
Natürlich war der Ezio (Aethius)-Stoff eine große Barocknummer,
und auch Händel schrieb eine Oper mit diesem Sujet. Später
kommt der Held in Verdis „Attila“ vor.
Ezio kehrt nach siegreicher Schlacht gegen die Attilas Hunnen nach Rom
zurück, und Kaiser Valentinian eröffnet ihm, dass er sich mit seiner Geliebten
Fulvia vermählen will und bietet ihm seine Schwester Onoria als
Gattin an. Gleichzeitig plant der Vertraute des Kaisers, Massimo, einen
Anschlag auf denselben, da er seine Frau vergewaltigt hatte. Das Attentat
auf den Kaiser schlägt aber fehl. Ezio, der zu seiner Liebe steht und Onoria
ausgeschlagen hat, gerät in Verdacht und wird verhaftet. Auf Bitten
Fulvias und Onorias lässt Valentiniano den Feldherrn wieder frei, ordnet
aber seine heimliche Ermordung durch Varo an. Da inzwischen der beauftragte
Kaisermörder seinen Mordanschlag gestanden hat, lenkt Onoria
den Verdacht auf Massimo, worauf dieser aufsteht, um den Kaiser selber
zu erstechen. Da taucht der lebende, von Varo nicht getötete Ezio auf
und verhindert die Ermordung des Kaisers, der daraufhin ihn und sogar
Massimo begnadigt. Er verzichtet auf Fulvia und bleibt in diesem „lieto
fine“, wie auch seine Schwester Onoria, die Ezio ebenfalls liebte, allein.
Die Oper zeichnet sich durch viele spannende Secco-Rezitative aus, die
die Handlung immer kurz vorantreiben. Dazwischen befinden sich meist
längere Arien, alle mit Wiederholung des ersten Teils, die oft sehr empfindsam
dahinplätschern. Einige Juwelen befinden sich aber auch darunter,
besonders wenn sie so erfrischend gespielt werden wie vom stark reduzierten
Frankfurter Museumsorchester, das mit kaum Vibrato, aber
umso größerer Verve unter dem Dirigent Christian Curnyn agiert, der
schon einige Preise mit diversen Barockensembles eigeheimst hat.
Beim Regieteam mit Vincent Boussard (Inszenierung), Kaspar Glarner
(Bühnenbild), Christian Lacroix (Kostüme), Joachim Klein/Licht
und Bibi Abel/Video haben sich die Ideen anscheinend gegenseitig etwas
neutralisiert, so dass die großen Akzente in der szenischen Umsetzung
fehlten. In einem zur Bühne etwas versetzten rechteckigen Raum,
der aber meist nach rechts offen war, spielten sich die vielen Szenen ohne
Innen-Interieur (mit Ausnahme einer kleinen weißen Bank) ab. Zu Beginn
soll eine Videoprojektion mit vielen Stuka-Fliegern wohl die Hunnenschlacht
nach heute holen, danach sieht man nur reduzierte Projektionen
und Schattenspiele, und zweimal fährt ein ominöses Eisenteil von
oben herab, das seine Schatten wirft. Durch verschiedene, manchmal ab-
62 | DER NEUE MERKER 12/2013