Der neue Merker

Deutschland
der von Ulrich Nolte gut einstudierte und gut geführte Chor mit Extrachor
und Statisten. Unglücklich wirkt auch die Reginas Stilisierung per
Kostüm zu einer Mischung aus Gretchen und Germania. Adelheid Fink
spielt mit ihrem darstellerischen und sängerischen Charme tapfer gegen
dieses doppelte Klischee an.
Den übrigen Darstellern bleibt die Rolle hinter der Rolle erspart. Der
Bassist Christoph Stegemann gibt mit Würde den alternden Unternehmerpatriarchen.
Daniel Kim als Kilian und Ludovica Bello geben mit
frischen Stimmen ein charmantes Dienerpaar. Pfalztheater-Urgestein Geertje
Nissen, die bei ihrem Barbara-Couplet das sprichwörtliche Hühnchen
tatsächlich rupft, glänzt wieder als Charakterdarstellerin. Sehr eindrucksvoll,
mit prägnant geführtem Bariton und darstellerischem Feuer,
verleiht Daniel Henriks dem verzweifelten Stephan zunehmend dämonische
Züge. Und wie Daniel Böhm als Wolfgang hinter dem Freiheitskämpfer
den Zyniker aufblitzen lässt, hat darstellerische Klasse. Überzeugend
finde ich die Regieidee, die Schulbank im Vordergrund durch ein
schlichtes Holzkreuz zugleich als Altar erscheinen zu lassen. Denn in dieser
Oper wird umso mehr gebetet, je gefährlicher die Situation sich zuspitzt.
Da richtet sich dann der Blick zum Kreuz, aber zugleich zu dem daneben
sitzenden Knaben als anwesendem Zeugen des Geschehens.
In der Verlobungsfeier lässt Heyme die Tänzer einfrieren. Stattdessen wird
zu Lortzings Tanzmusik ein kleiner Totentanz eingelegt, in dem ein Skelett
einem kleinen Jungen in Uniform und einem kleinen Mädchen mit
einer Puppe ein Schwert in die Hände gibt. Die von Éva Adorján konzipierte
Tanzhandlung illustriert die Erziehung zum Militärischen im Deutschen
Kaiserreich, aber auch die fatale Todessehnsucht der Deutschen, die
sie bis in die Endphase des Zweiten Weltkriegs hinein trieb. Diese Einstellung
wirft tatsächlich schon im Finale der Oper ihre Schatten voraus,
wenn es in Stoltzes „Deutscher Hymne“ heißt: „Fließ hin, o Blut, fließ in
den Sand, o süßer Tod fürs Vaterland.“ Zur Ehre des Komponisten sei gesagt,
dass die Musik beim Eintritt dieser Zeilen vom strahlenden C-Dur
in ein nachdenkliches c-moll kippt. Der Pazifist Lortzing war niemand,
der über Tod und Schrecken hinwegkomponierte wie viele seiner Kollegen!
Spätestens im 3. Akt weitet sich die Spieloper in Richtung Grand-Opéra
aus. Die Macht, der Sog und die Durchschlagskraft der Chöre erinnern
an Verdis „Nabucco“. Hätte die Revolution gesiegt, wäre „Regina“ wohl
die deutsche Nationaloper geworden. So aber fristet ihr Komponist nur
mehr ein Mauernblümchen-Dasein im Spielbetrieb der Opernhäuser.
Unter seinem 2. Kapellmeister Rodrigo Tomillo, der die Aufführung von
GMD Uwe Sandner übernommen hat, kostet das Orchester des Pfalztheaters
die Nuancen der Partitur von Mozartischer Delikatesse bis zu
düsterer romantischer Leidenschaft voll aus. Obwohl der Dirigent manchmal
das Tempo leicht überzog und einige Spannungspausen zu wenig auskostete,
gelang doch eine sehr eindrucksvolle Aufführung. Man geriet ins
Staunen darüber, was Lortzing geleistet hat und noch hätte alles leisten
können, wäre er nicht unter armseligen Umständen schon 1852 in Berlin
gestorben.
Andreas Hauff
Düsseldorf: „BILLY BUDD“ – WA 8.11.
Die Rheinoper hatte in der vergangenen Spielzeit einige herbe Kritik einzustecken,
so dass man glücklich war, zum Britten-Jahr eine hervorragende
Präsentation der aus dem Jahre 2011 stammenden Inszenierung von Immo
Karaman im Bühnenbild und mit Kostümen Nicola Reicherts zu erleben.
Dunkle Stahlwände, die leicht verschiebbar sind, beherrschen die Bühne
und unterstützen den düsteren Charakter der Novelle von Melville. Nur
sehr wenige bunte Lichter hellen die Szene auf. Besonders gelungen ist die
Personenführung der zahlreichen Darsteller. Für jede – auch die kleinste
Figur – ist eine Individualisierung zu erkennen, was bei 17 Männerrollen
eine enorme Leistung ist. Allein anfechtbar ist die hinzugedachte Figur
einer Krankenschwester, die Captain Vere in einem Pflegeheim betreut,
und die auch in der rückblickend erzählten Handlung auf dem Schiff
auftaucht. Vielleicht sollte dadurch die reine Männerriege der Darsteller
durchbrochen werden, wirklich erkennbar wird der Sinn der Aktion nicht.
Die Lichteffekte von Volker Weinhart sind ausgesprochen eindrucksvoll,
da zum Beispiel der Nebel in dieser Oper eine besondere Rolle spielt.
Der Dirigent Peter Hirsch hat offenbar eine besondere Beziehung zur
Britten‘schen Tonsprache. Wie er einzelne Instrumente hervorhebt, sie aber
auch wieder in den Orchesterklang einwebt, ist meisterhaft. Die Sängerführung
ist höchst genau. Man hört das Düsseldorfer Orchester selten
in einer so fabelhaften Form. Was an Farben und Instrumentalbrillanz zu
Tage trat, begeisterte den Hörer. Selbst in den aufbrausenden Klangmassen
blieb alles durchhörbar und schlank, so dass die Sänger nie forcieren
mussten. Die gewaltigen Männerchöre, die für dieses Werk von entscheidender
Bedeutung sind, sangen tonschön und dynamisch glänzend abgestimmt.
Ein Bravo für den Chorleiter Gerhard Michalski.
Lauri Vasar, ein schlanker Blondin, gab einen zunächst unbekümmerten
Titelrollenträger. Erst als der einfache Bursche in für ihn unentwirrbare Situationen
gerät, machen sich seine Schwächen – Stottern – bemerkbar. Sein
Gesicht verzerrt sich und er wird zur geschundenen Kreatur, die vergeblich
beim Kapitän Hilfe sucht. In der zunächst angstvollen Erwartung seiner
Hinrichtung löst sich langsam seine Verkrampfung und er geht ruhig seinem
Tod entgegen. Hier müssen auch schon härtere Gemüter schlucken, um
die Tränen zurückzuhalten, zumal der Sänger diese Szene geradezu beängstigend
intensiv gestaltet. Seine samten timbrierte lyrische Baritonstimme ist
in allen Lagen gleich gut durchgebildet und besonders ausdrucksvoll. Eine
solche absolute Spitzenleistung hört man selten.
Raymond Very als Captain Vere zeigt eine gebrochene Figur. Dieser Intellektuelle
passt kaum auf ein Kriegsschiff und zerbricht an der Ausweglosigkeit
seiner Situation. Er möchte Billy retten, sein Pflichtgefühl gestattet es
ihm aber nicht. Mit wenigen sparsamen Bewegungen vermag der Sänger
dies ausgezeichnet darzustellen. Seine jugendliche Heldenstimme bewältigt
die nicht einfach zu singende Partie glänzend. Sami Luttinen als John Claggart
ist der Bösewicht im Jago‘schen Sinne schlechthin. In der Tat scheint
er sich in einer Ordnung wie in der Hölle wohlzufühlen, was er in seiner
Darstellung deutlich zum Ausdruck bringt. Seine düstere Bassstimme prädestiniert
ihn geradezu für diese Rolle.
Die Offiziere – Michael Druiett, Ashley Holland, Torben Jürgens –
sind darstellerisch und stimmlich sehr zufriedenstellend. Unter den vielen
Comprimari fallen die beiden Buffotenöre Cornel Frey und Florian
Simson als Novize und Squeak durch ihre hellen Stimmen besonders auf,
zumal sie den Leidensdruck der gequälten Matrosen hervorragend zum
Ausdruck bringen. Der 77-jährige Carlos Krause gestaltet den alten Seebären
Dansker, der Billy in seiner Todesstunde beisteht, höchst ergreifend
und singt seine wenigen Sätze mit immer noch markantem Bass. Das restliche
Herrenensemble, das durch keinen Ausfall gekennzeichnet ist, sei
mit einem Pauschallob bedacht.
Das Publikum dankte der überaus bewegenden Aufführung mit langem
und starkem Beifall.
Johann Schwarz
Frankfurt:
„DIDO AND AENEAS/
HERZOG BLAUBARTS BURG“ – 16.11.
Eine glanzvolle Wiederaufnahme von zwei konträren Werken bescherte
die Oper Frankfurt seinem begeisterten Publikum und zwar „Dido and
Aeneas“ (Henry Purcell) sowie dem knapp 2 ½ Jahrhunderte später komponierten
Werk „Herzog Blaubarts Burg“ des ungarischen Meisters Bela
Bartók. Vortrefflich setzte Barrie Kosky die Kurzopern in Szene, verstand
es auf wunderbare Weise, sinnliche Lebensfreude mit dem tragischen Ende,
dem Erstickungstod der Dido, zu verschmelzen – er steckte, mit Anklängen
an die Shakespeare-Ära, bärtige Männer mit langen Haaren in Frauenkleider.
Unter der temperamentvollen Leitung von Constantinos Carydis musizierte
die kleine Besetzung des Opern- und Museumsorchester herzerfri-
DER NEUE MERKER 12/2013| 61