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Schutzgebühr 3 Euro<br />
1303<br />
Kunstmagazin.de
WWW.SKD.MUSEUM<br />
Editorial<br />
Text: Julika Nehb<br />
Translation: Brian Poole<br />
ALBERTINUM<br />
16.3.–14.7.2013 /GALERIE NEUE MEISTER<br />
Hauptförderer<br />
Gefördert durch die<br />
Bundeskunsthalle<br />
nur hier<br />
sammlung zeitgenössischer kunst<br />
der BundesrepuBlik deutschland<br />
ankäufe von 2007 – 2011<br />
Bis 14. April 2013 in Bonn<br />
Hans-Peter Feldmann, 100 Jahre, (Ausschnitt), 1996 bis 2000, Neuproduktion 2009<br />
Abb.: David Claerbout / The Quiet Shore / 2011 (Still) // Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, Paris // © VG Bild-Kunst, Bonn 2013<br />
© VG Bild-Kunst, Bonn 2012, und Der Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM) –<br />
Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland<br />
In dieser Ausgabe – unserer 70sten – werfen wir einen<br />
Blick auf Ausstellungshäuser fernab der größeren Kunstmetropolen<br />
Deutschlands und wagen uns dafür in die<br />
Provinz. Wer dort zeitgenössische Kunst sehen will,<br />
muss in der Regel selbst aktiv werden. Bürgerschaftlich<br />
initiierte Kunstvereine in winzigen Dörfern und kleineren<br />
Städten stellt Inga Oppenhausen, Geschäftsführerin<br />
der Arbeitsgemeinschaft Deutscher Kunstvereine<br />
(ADKV), im Leitartikel vor und macht deutlich, dass es<br />
dort oft alles andere <strong>als</strong> provinziell zugeht – ob man<br />
das im Umkehrschluss auch von den Kunstbetrieben in<br />
Berlin, Hamburg, München oder Frankfurt behaupten<br />
kann? Zusätzlich nennt sie einige der diesjährigen Nominierten<br />
für den ADKV-Art-Cologne-Preis für Kunstvereine.<br />
Dieser unterstützt Orte und Institutionen, die auch<br />
noch nicht gesicherten Positionen eine Plattform geben,<br />
Kunst kulturell und gesellschaftlich einordnen und eine<br />
öffentliche Debatte anregen. Oft arbeiten Kunstvereine<br />
noch weitgehend ohne den Legitimationsdruck von<br />
Politik und Gesellschaft, welche Kunst und Kultur gern<br />
unter den Prämissen des Repräsentativen oder Massentauglich-Unterhaltsamen<br />
sehen. 1<br />
„Provinz steht auch für all das, was der Städter vermisst<br />
und wonach er sich sehnt: Überschaubarkeit,<br />
Slow Down, Fleisch vom Bauern aus der Region und<br />
Gemüse aus dem Garten sowie soziale Verbindlichkeiten.<br />
Gleichzeitig löst sie Angst aus vor eben jener Überschaubarkeit,<br />
Enge, sozialen Kontrolle und der eigenen<br />
Bedeutungslosigkeit. Provinz ist <strong>als</strong>o in jedem Falle<br />
eine Konfrontation, zumindest mit sich selbst.“ Barbara<br />
Caveng wurde im Rahmen des Projekts Kunst fürs Dorf<br />
– Dörfer für Kunst der Deutschen Stiftung Kulturlandschaft<br />
ausgewählt, sechs Monate im mecklenburgvorpommerschen<br />
Blankensee – circa 534 Einwohner –<br />
zu leben und zu arbeiten. Ihre bisherigen Eindrücke und<br />
ihr grundsätzliches Misstrauen dem Idyllischen gegenüber<br />
schildert die partizipativ arbeitende Bildhauerin im<br />
Interview.<br />
Weitere Perlen der Provinz – ausgewählte Ausstellungen<br />
auf dem Lande – finden Sie auf den Seiten 28–35.<br />
Ihre <strong>KUNST</strong> <strong>Magazin</strong> Redaktion<br />
1<br />
Vgl. Astrid Weges Laudatio auf den Badischen Kunstvereins während der<br />
Preisverleihung 2012<br />
In this edition—our 70th—we’re taking a close look<br />
at the exhibition facilities far from the larger German<br />
art metropolises. We’re off to the provinces. Those<br />
who want to see contemporary art there usually have<br />
to become active themselves. In our lead article, Inga<br />
Oppenhausen, the managing director of the Society of<br />
German Art Associations, offers us an introduction to<br />
the world of community-initiated art associations in<br />
tiny villages and smaller cities. And as her introduction<br />
suggests, there’s often clearly nothing provincial about<br />
what’s happening there. The question is rather whether<br />
one can say the same thing about the art business in<br />
Berlin, Hamburg, Munich and Frankfurt in return. She<br />
<strong>als</strong>o names some of this year’s nominees for the ADKV<br />
Art Cologne Prize for art associations. The prize helps<br />
to support locations and institutions that provide a<br />
platform for as yet unestablished artistic positions<br />
and that <strong>als</strong>o help to assess art culturally and socially<br />
while stimulating a public debate. Often these art associations<br />
still operate largely without the pressures to<br />
legitimize themselves—pressures placed upon art and<br />
culture by politics and society, which like to see things<br />
in terms of representative or potentially mass-market<br />
entertainment. 1<br />
“The province stands for everything the city-dweller<br />
misses and longs for: for comprehensibility, for slowing<br />
down, for meat from the local farmer and vegetables<br />
from the garden, and for social commitments. At the<br />
same time, the province <strong>als</strong>o triggers the fear of precisely<br />
that comprehensibility: the fear of narrowness, of<br />
social control, and of one’s own meaninglessness. The<br />
province is certainly <strong>als</strong>o a confrontation at least with<br />
oneself.” Barbara Caveng, quoted here, was selected as<br />
an artist for the project “Art for the Village—Villages<br />
for Art” funded by the German Foundation for Cultural<br />
Landscapes, and she will thus be spending six months<br />
living and working in the town of Blankensee (population<br />
534) in Mecklenburg-Vorpommern. In our interview,<br />
this interactively working sculptress reports on her impressions<br />
to-date and on her basic mistrust of the pastoral<br />
idyll.<br />
You will find other pearls of the provinces (selected exhibitions<br />
in rural areas) on pages 28-35.<br />
Your <strong>KUNST</strong> <strong>Magazin</strong> Team<br />
kunst- und ausstellungshalle der Bundesrepublik deutschland<br />
Museumsmeile Bonn, Friedrich-Ebert-Allee 4, 53113 Bonn, T +49 228 9171-200<br />
www.bundeskunsthalle.de<br />
2<br />
1<br />
See Astrid Wege’s euglogy of the Baden Art Association during<br />
the award ceremony in 2012.<br />
3
Diesen Monat auf www.kunst-magazin.de<br />
1. März 2013<br />
Tierisches in Liesborn<br />
17 Gemälde niederländischer Maler aus dem 17. Jahrhundert<br />
gepaart mit 74 Werken zeitgenössischer Künstler<br />
aus der SØR Rusche Sammlung sind bis Ende April im<br />
Museum Abtei Liesborn zu sehen. Im Mittelpunkt dabei:<br />
das Tier.<br />
Inhalt<br />
Content<br />
Noriko Yamamoto, Alles gehört<br />
nur zur Aufgabe, 2011<br />
6. März 2013<br />
Anweisung für die Welt in Delmenhorst<br />
Die Städtische Galerie Delmenhorst präsentiert die erste<br />
Ausstellung der japanischen Künstlerin Noriko Yamamoto.<br />
Ihre Installationen, Skulpturen, Zeichnungen und<br />
Videos kreisen um das Verhältnis von Innen und Außen,<br />
Plan und Zufall.<br />
11. März 2013<br />
Die Essenz des Lichts in Unna<br />
Das Zentrum für Internationale Lichtkunst Unna ist<br />
weltweit das erste Museum, in dessen Mittelpunkt ausschließlich<br />
die Lichtkunst steht. Der im Wienand Verlag<br />
publizierte Katalog erschien anlässlich des zehnjährigen<br />
Jubiläums des Hauses.<br />
15. März 2013<br />
Castor & Pollux – Das Schlusswort<br />
Matthias Planitzer ist passionierter Kunstkritiker und<br />
Blogger. Für sein Schlusswort ist er für uns jeden Monat<br />
in der Berliner Kunstszene unterwegs und nimmt eine<br />
aktuelle Ausstellung unter die Lupe.<br />
19. März 2013<br />
Im Mittelpunkt von Bietigheim-Bissingen<br />
Zentral in der Altstadt liegt die Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen.<br />
1989 eröffnet und 2000 um einen<br />
Erweiterungsbau ergänzt, präsentiert sie auf mehr <strong>als</strong><br />
1000 Quadratmetern vor allem zeitgenössische Kunst<br />
aus der Region.<br />
25. März 2013<br />
Kunst im Hohen Norden<br />
1827 wurde mit der Eisengießerei Carlshütte das erste<br />
Industrieunternehmen der Herzogtümer Schleswig<br />
und Holstein gegründet. Seit 1999 sind die historischen<br />
Hallen des Kunstwerk Carlshütte Spielfläche für Kultur,<br />
unter anderem die jährlich stattfindende Ausstellung<br />
NordArt.<br />
Auf in die Provinz! Kunstvereine fernab der Metropolen<br />
Off to the Provinces! Art Associations far from the Metropolises<br />
Inga Oppenhausen ............................................................................................................................................................................ 6<br />
„Das Idyll macht mich misstrauisch“<br />
Barbara Caveng über das Projekt „Kunst fürs Dorf – Dörfer für Kunst“<br />
“The idyllic countryside makes me suspicious”<br />
Barbara Caveng about her project: “Art for the Village—Villages for Art”<br />
Interview: Steffi Weiss ..................................................................................................................................................................... 12<br />
Sammlergespräch mit Tobias Gombert und Samuel Leuenberger – Keine definierte Sache<br />
Conversations with Collectors: Tobias Gombert and Samuel Leuenberger – Not a clearly defined activity<br />
Interview: Jan Kage .........................................................................................................................................................................20<br />
Review: Kitty Kraus bei Galerie Neu<br />
Text: Matthias Planitzer ................................................................................................................................................................. 24<br />
Buchvorstellungen<br />
Book Reviews .....................................................................................................................................................................................26<br />
Ausstellungshinweise<br />
Gallery Announcements ................................................................................................................................................................ 28<br />
Ankündigung: Sammlergespräch mit Marc Fiedler ...............................................................................................................50<br />
Impressum<br />
Imprint ................................................................................................................................................................................................50<br />
Bildnachweise<br />
Titelbild: Julius von Bismarck, Benjamin Maus, Richard Wilhelmer: Fühlometer, 2010, Stahl, Aluminium, Kaltkathoden, Motoren, Fotokamera,<br />
Laptop, Gesichtserkennungssoftware, 700 x 500 x 400 cm, Smiley 500 cm Durchmesser. Courtesy Galerie Alexander Levy.<br />
Das „Fühl-o-meter“ (2010), ein überdimensionales Smiley-Gesicht, wurde für die PROVINZ-Ausstellung in Lindau im Sommer 2010 <strong>als</strong><br />
Krone des Leuchtturms an der Hafeneinfahrt installiert. Es übertrug verschiedene Gesichtsausdrücke direkt von den Gesichtern der Einwohner<br />
und Gäste Lindaus. Die Emotionen wurden durch eine Fotokamera, die kontunierlich eine bestimmte Stelle am Hafen beobachtete,<br />
aus Gesichtern ausgelesen, analysiert und an die Installation weitergeleitet.<br />
VG Bild-Kunst Bonn 2013<br />
Dietmar Binger, Barbara Caveng, Marc Chagall, Thea Djordjadze, Eva & Adele, Lyonel Feininger, Hans-Peter Feldmann, Gunda Förster,<br />
Francois Morellet, Georg Netzband, Max Regenberg, Robert Rehfeldt, Hansjörg Schneider, Karl Schwarzenberg, Maya Schweizer, Florian Slotawa,<br />
Steffen Volmer, Thomas Wagner<br />
4<br />
5
Auf in die Provinz!<br />
Kunstvereine fernab der Metropolen<br />
Off to the Provinces!<br />
Art Associations far from the Metropolises<br />
In den Räumen des Kunstvereins Langenhagen sind derzeit die Filme „Passing Down Frame One“ (2007)<br />
und „Au dos de la carte postale“ (2010) von Maya Schweizer installiert. (Vgl. Ausstellungshinweis S. 48)<br />
Foto: C. Dootz, Courtesy Maya Schweizer / Galerie Katharina Bittel<br />
Text: Inga Oppenhausen<br />
Haben Sie den Namen Tosterglope schon mal gehört?<br />
Wissen Sie, wo Tosterglope liegt? Waren Sie sogar schon<br />
mal dort?<br />
Tosterglope ist ein Zweihundertfünfzig-Seelen-Dorf im<br />
niedersächsischen Landkreis Lüneburg, gute dreißig<br />
Kilometer von Lüneburg entfernt. Nach Tosterglope gelangt<br />
man weder zufällig noch weil man ohnehin gerade<br />
in der Gegend ist; es gibt keinen Bahnhof, und sogar<br />
die Bundesstraße macht um das Dorf einen Bogen. Tosterglope<br />
ist tiefste Provinz.<br />
Dem Kulturstaatsminister Bernd Neumann ist Tosterglope<br />
spätestens seit dem letzten Jahr durchaus<br />
ein Begriff. Er weiß, dass es dort einen Verein gibt, der<br />
herausragende Kunstvermittlungsarbeit leistet: der<br />
Kunstraum Tosterglope e.V. Denn dieser Kunstverein ist<br />
im Herbst 2012 von Bernd Neumann auf Schloss Genshagen<br />
für das Projekt „AMBULANZ – Kunstvermittlung<br />
auf dem Lande“ mit dem BKM-Preis Kulturelle Bildung<br />
ausgezeichnet worden. Damit ist der Kunstraum Tosterglope<br />
eine von drei Institutionen, die im vergangenen<br />
Translation: Brian Poole<br />
Have you ever heard of Tosterglope? Do you know where<br />
Tosterglope is? Have you ever been there?<br />
Tosterglope is town of some 250 souls in the rural district<br />
of Lüneburg in Lower Saxony, about 30 kilometres<br />
south of the city of Lüneburg. Anyone who gets to<br />
Tosterglope didn’t get there by coincidence or because<br />
they just happened to be in the neighbourhood. There’s<br />
no train station, and even the local highway takes a detour<br />
around the village. Tosterglope is in the middle of<br />
provincial nowhere.<br />
Jahr den mit jeweils 20.000 Euro dotieren Preis für ein<br />
Projekt der kulturellen Bildung erhalten haben, das bundesweit<br />
modellhaft und innovativ ist, sowie bislang unterrepräsentierte<br />
Zielgruppen besonders berücksichtigt.<br />
Mit anderen Worten: Deutschland – schau auf dieses<br />
Dorf, wenn du neue und erfolgreiche Ansätze kultureller<br />
Bildungsarbeit suchst!<br />
Der Bildungsauftrag, das heißt die Vermittlung zeitgenössischer<br />
Kunst, ist neben der Förderung ihrer Produktion,<br />
ihrer öffentlichen Präsentation und ihres Verkaufs<br />
seit jeher selbstgesetzte Kernaufgabe der Kunstvereine,<br />
die auf eine über zweihundertjährige Geschichte zurückblicken<br />
können. In der Folge der Aufklärung – eine<br />
erste Gründungswelle gab es zwischen 1815 und 1850<br />
– entstehen <strong>als</strong> Ausdruck der Emanzipation der Bürger<br />
gegenüber dem Ständestaat in vielen deutschen Städten<br />
sogenannte Salons, Clubs und Gesellschaften, die<br />
sich zum Ziel gesetzt hatten, zeitgenössische Kunst zu<br />
präsentieren, zu vermitteln, zu diskutieren und auch<br />
anzukaufen und zu sammeln. Zu den ersten noch existierenden<br />
Vereinen dieser Art in Deutschland, die sich<br />
nach wie vor der ganz jungen, aktuellen Kunst widmen,<br />
Since last year at the latest, the state’s Minister of Culture<br />
Bernd Neumann has come to hear of Tosterglope.<br />
He now knows that there’s an association there that<br />
does wonderful work for art and artists: the “Kunstraum<br />
Tosterglope”. At the Genshagen Castle in the fall of 2012<br />
this cultural association received from Bernd Neumann<br />
the BKM-Prize for Cultural Education for their project<br />
“Ambulance—Art Mediation in Rural Areas”. Thus the<br />
Kunstraum Tosterglope is one of just three institutions<br />
to have received the € 20,000 prize for a project in cultural<br />
education that is considered both a federal model<br />
and innovative while at the same time addressing hitherto<br />
underrepresented audiences. In other words: Germany—look<br />
to this town if are looking for new and successful<br />
approaches to cultural education!<br />
Art associations can look back upon a more than twohundred-year-old<br />
history, and their mandate to educate—to<br />
promote contemporary art—has always been<br />
their central goal, in addition to supporting art production,<br />
its public presentation, and sale. In the wake of<br />
the Enlightenment (the first wave of newly founded<br />
associations took place between 1815 and 1850) salons,<br />
clubs and societies arose as an expression of bourgeois<br />
emancipation from the aristocratic and absolutist class<br />
structure; their common goal was to present, promote<br />
and discuss contemporary art, but <strong>als</strong>o to buy it and collect<br />
it. Among the first, and still active, associations of<br />
this kind in Germany, which are still dedicated to young<br />
contemporary art, are: The Art Association in Nurnberg<br />
known as the Albrecht Dürer Society (founded in 1792),<br />
the Baden Art Association (founded in 1818 in Karlsruhe),<br />
and the Art Association in Hamburg (founded in 1822).<br />
6<br />
7
gehören der Kunstverein Nürnberg – Albrecht Dürer<br />
Gesellschaft, gegründet 1792, der Badische Kunstverein,<br />
gegründet 1818 in Karlsruhe, und der Kunstverein<br />
in Hamburg, gegründet 1822. Die Auseinandersetzung<br />
mit zeitgenössischer Kunst sollte dem selbstbewusst<br />
gewordenen Bürgertum zu seiner eigenen, von innen<br />
heraus gestalteten kulturellen Identität verhelfen. Von<br />
großer Wichtigkeit waren in diesem Zusammenhang<br />
der gesellige Aspekt des Vereinslebens und dessen demokratische<br />
Strukturen, <strong>als</strong>o die Gleichberechtigung<br />
aller Mitglieder.<br />
Dieses Feld, das das Bürgertum vor zweihundert Jahren<br />
dem Adel abgerungen hat, ist heute längst nicht<br />
mehr den Kunstvereinen vorbehalten. Die grobe Aufgabenteilung<br />
zwischen Museen, Galerien und Kunstvereinen<br />
sah – neben der obligatorischen Präsentation<br />
der Kunst – für die Galerien die Vermarktung und den<br />
Verkauf, für die Museen die Erforschung, den Ankauf<br />
und die Sammlung und für die Kunstvereine die Vermittlung<br />
und Verhandlung der mit zeitgenössischen<br />
Kunst verbundenen Diskurse vor. Diese Kategorisierung<br />
mochte noch bis vor wenigen Jahrzehnten zutreffend<br />
gewesen sein, ist heute jedoch nahezu vollständig aufgeweicht.<br />
Viele Museen verfügen infolge kommunaler<br />
Sparzwänge heute beispielsweise über keinen oder nur<br />
noch einen geringen Ankaufsetat. Das jedoch, was den<br />
Kunstverein nach wie vor von allen anderen sich im Feld<br />
der zeitgenössischen Kunst tummelnden Institutionen<br />
unterscheidet, ist seine unmittelbare Anbindung an das<br />
Bürgertum: Kunstvereine werden von Bürgern gegründet,<br />
sie werden durch ehrenamtliches Engagement und<br />
bürgerschaftliches Mäzenatentum getragen, sie ermöglichen<br />
grundsätzlich jedem die unmittelbare Teilhabe<br />
an künstlerischen Prozessen und müssen ihr Handeln<br />
und Wirken dem Mehrheitsbeschluss der Mitgliederversammlung,<br />
die aus Bürgerinnen und Bürgern besteht,<br />
unterwerfen.<br />
Gemeinhin herrscht die Auffassung vor, dass künstlerische<br />
Innovation vor allem in den großen Städten,<br />
insbesondere in den Metropolen, entsteht, gedeiht, verstanden<br />
und geachtet wird. Und die Anzahl und Dichte<br />
von Ateliers, namhaften Galerien, Museen von Weltrang<br />
untermauern dies. Kunstvereine sind jedoch Bürgerinitiativen,<br />
sie werden nicht dort gegründet, wo es ökonomisch<br />
und standortpolitisch günstig erscheint, sondern<br />
wo eine gewisse Notwendigkeit von ihren Gründern<br />
empfunden wird. Und das ist oft gerade fernab der Metropolen<br />
in Klein- und Mittelstädten und sogar in ländlichen<br />
Gemeinden der Fall: Knapp 45 Prozent aller Kunstvereine<br />
sind in Städten und Kommunen mit weniger <strong>als</strong><br />
50.000 Einwohnern ansässig; bis zur Großstadtmarke<br />
von 100.000 Einwohnern sind es rund zwei Drittel; in<br />
den Millionenstädten Deutschlands – in Berlin, Hamburg,<br />
München und Köln – finden sich gerade einmal<br />
drei Prozent aller Kunstvereine. 1<br />
The interaction with contemporary art was supposed<br />
to help the increasingly confident bourgeoisie develop<br />
their own cultural identity. The convivial aspect of these<br />
associations and their democratic structures, offering<br />
equal rights to all its members, were of great importance<br />
here.<br />
The field the bourgeoisie managed to wrest away<br />
from the aristocracy two hundred years ago is, today,<br />
no longer reserved to just the art associations. Since<br />
then, museums, galleries and art associations have all<br />
played a role in the obligatory presentation of art. But<br />
there was a general distinction between the functions<br />
they performed. Galleries took on the role of marketing<br />
and sales; museums were responsible for research,<br />
acquisition and collection; and finally, the art associations<br />
played a role in mediating and negotiating the discourses<br />
related to contemporary art. This categorical division<br />
was perhaps still accurate just a few decades ago,<br />
but it has since been almost completely undermined.<br />
Today, due to the fiscal need to reduce municipal budgets,<br />
many museums have very limited resources or no<br />
resources at all to purchase new artworks. But what still<br />
distinguishes the art association from all other institutions<br />
roaming around in the field of contemporary art is<br />
the immediate connection with the citizens—the bourgeoisie.<br />
Art associations are founded by citizens, the are<br />
supported and operated by voluntary involvement and<br />
citizens’ patronage, and they allow everyone to participate<br />
in artistic processes while ensuring that their activities<br />
and influence is subjected to a majority vote of<br />
its members, who are themselves citizens.<br />
It is a widespread and common opinion that artistic innovation<br />
arises and thrives in large cities: above all in<br />
the metropolises, where innovation is both understood<br />
and respected. The number and density of ateliers, renowned<br />
galleries, and internationally acclaimed museums<br />
there support this view. But art associations are<br />
citizen initiatives: they are not founded wherever they<br />
are economically viable or politically advantageous locally,<br />
but where their founders feel a certain need for<br />
them. And that need is felt most poignantly far from the<br />
metropolises, in the small and medium-sized cities, and<br />
even in the rural communities. Almost 45 percent of all<br />
the art associations are in cities and rural towns with<br />
less than 50,000 inhabitants. Indeed, two thirds of all<br />
art associations are in towns with less than 100,000 inhabitants—and<br />
thus below the “big city” bar. Only three<br />
percent of all art associations are located in German<br />
cities with more than one million inhabitants—Berlin,<br />
Hamburg, Munich and Cologne. 1<br />
Art associations fulfil an extremely important function<br />
regionally in Germany’s cultural landscape. One could<br />
say that they secure the necessary cultural blood-flow<br />
nationwide by spreading contemporary art as well as<br />
its discourses and cultural values across all regions,<br />
Maya Schweizer: „A Memorial, A Synagogue, A Bridge and A Church“ (2012), Filmstill<br />
Courtesy Maya Schweizer / Galerie Katharina Bittel<br />
Kunstvereine in der Region erfüllen eine äußerst wichtige<br />
Funktion innerhalb der Kulturlandschaft Deutschlands.<br />
Man könnte sagen, sie sorgen für die notwendige<br />
„kulturelle Durchblutung“ des Landes, indem sie<br />
für eine flächendeckende Verbreitung und Aneignung<br />
aktueller Kunst und der mit ihr verbundenen Diskurse<br />
und kulturellen Werte sorgen – und zwar grundsätzlich<br />
in beide Richtungen: von der Stadt in die Provinz, aber<br />
auch, wie das Beispiel des Kunstraum Tosterglope lehrt,<br />
zurück von der Provinz in die Stadt. Während jedoch<br />
Kunstvereine in Kleinstädten und im Ländlichen oftm<strong>als</strong><br />
die einzigen Anbieter zeitgenössischer Kunst, nicht selten<br />
auch Kultur im Allgemeinen, sind und ihnen damit<br />
eine Art „kulturelle Grundversorgung“ obliegt, können<br />
Kunstvereine in Großstädten ein differenziertes Profil<br />
und spezifisches Programm entwickeln, was sie bisweilen<br />
angesichts einer überbordenden konkurrierenden<br />
Angebotsvielfalt auch müssen. Dieses wiederum erhöht<br />
bei entsprechender Qualität die überregionale Sichtbarkeit<br />
der Großstadtvereine und verhilft ihnen mitunter<br />
zu bundesweitem Renommee.<br />
Und dennoch schaffen es Jahr für Jahr auch Kunstvereine<br />
aus der Provinz auf die Liste der Nominierten für<br />
den ADKV-Art-Cologne-Preis für Kunstvereine, der die<br />
innovative Ausstellungs- und Vermittlungsarbeit eines<br />
and in both directions: from the city to the rural areas,<br />
but <strong>als</strong>o from those rural areas back to the city, as the<br />
Kunstraum Tosterglope shows. But whereas art associations<br />
in small towns and rural communities are often<br />
the only purveyors of not only contemporary art, but<br />
<strong>als</strong>o of culture in general—thus obliging them to supply<br />
these areas with something like their “basic cultural<br />
needs”—the art associations in large cities can develop<br />
a more differentiated profile. And in view of the superfluity<br />
of competing options in large cities, they often<br />
have to. This in turn raises the over-regional visibility of<br />
the big-city associations offering corresponding quality,<br />
and that helps them to establish their national renown.<br />
Nevertheless, each year there are <strong>als</strong>o art associations<br />
from rural areas that manage to make the list of those<br />
nominated for the ADKV-Art-Cologne prize: an award<br />
given in appreciation for an art association’s innovative<br />
work in exhibiting and promoting art. Since 2006 the<br />
Society of German Art Associations and the Cologne Art<br />
Fair have been awarding this prize following independent<br />
rules for nominating and selecting prize winners. In<br />
recent years certain associations have been suggested<br />
and nominated by several individu<strong>als</strong> and on several occasions,<br />
among them: the Art Association Springhornhof<br />
in the Lower Saxon town of Neuenkirchen (popula-<br />
8<br />
9
Kunstvereins würdigt. Der Preis wird seit 2006 jährlich<br />
im Rahmen eines unabhängigen Nominierungs- und<br />
Auswahlverfahrens von der Arbeitsgemeinschaft Deutscher<br />
Kunstvereine und der Kölner Kunstmesse vergeben.<br />
In den letzten Jahren vorgeschlagen und zum Teil<br />
wiederholt und mehrfach nominiert wurden beispielsweise<br />
der Kunstverein Springhornhof im niedersächsischen<br />
Neuenkirchen (5.700 Einwohner), der Kunstverein<br />
Neuhausen bei Stuttgart (11.000 Einwohner), der Kunstverein<br />
Heppenheim (25.000 Einwohner), der Kunstverein<br />
Schwerte (48.000 Einwohner), der Kunstverein<br />
Lingen (51.000 Einwohner) und übrigens auch der<br />
Kunstraum Tosterglope. Und bereits der erste Preisträger,<br />
die ACC-Galerie Weimar, wurde in einer Stadt ausfindig<br />
gemacht, die sich zwar durchaus <strong>als</strong> Kulturstadt<br />
begreift und 1999 auch Kulturhauptstadt Europas war,<br />
die mit 65.000 Einwohnern jedoch alles andere <strong>als</strong> eine<br />
Großstadt darstellt.<br />
Auch in diesem Jahr finden sich einige Kunstvereine aus<br />
sogenannten Mittelstädten zum wiederholten Male auf<br />
der Liste der Preiswürdigen: der Kunstverein Arnsberg,<br />
nach 2007 zum zweiten Mal nominiert (74.000 Einwohner),<br />
der Kunstverein Langenhagen, bereits dreimal nominiert<br />
(53.000 Einwohner), und die Halle für Kunst in<br />
Lüneburg, die nun bereits zum fünften Mal für den Preis<br />
vorgeschlagen wurde (73.000 Einwohner). 2<br />
Paradigmatisch schlägt der Kunstverein Arnsberg den<br />
Bogen von der Hauptstadtmetropole Berlin in die sauerländische<br />
Mittelstadt Arnsberg: Nach der Retrospektive<br />
von Alfredo Jaar im Sommer 2012 in der Neuen Gesellschaft<br />
für Bildende Kunst (NGBK), einem Großstadtkunstverein,<br />
in der Berlinischen Galerie und der Alten<br />
Nationalgalerie in Berlin war der Kunstverein Arnsberg<br />
im Herbst 2012 die vierte Institution in Deutschland, die<br />
Jaar eine Einzelausstellung widmete. Aktuell präsentiert<br />
der Kunstverein Arnsberg die niederländische Künstlerin<br />
Viviane Sassen. In der Ausstellung „Three Magi“, zu<br />
sehen vom 25. Januar bis 10. März 2013, werden Arbeiten<br />
aus ihren Projekten „Parasomnia“ und „Flamboya“<br />
gezeigt, die in verschiedenen Ländern Afrikas entstanden<br />
sind und Kindheitserinnerungen der Künstlerin aus<br />
Kenia mit neuen Erfahrungen verknüpfen.<br />
Der Kunstverein Langenhagen zeigt noch bis zum 31. 3.<br />
in der Ausstellung „Edith Seeshow’s Notes“ vier Filme<br />
der französischen Künstlerin Maya Schweizer, die sich<br />
mit der Frage nach Geschichte und Erinnerung in der<br />
alltäglichen Gegenwart beschäftigen. In drei Filmen<br />
widmet sie sich dem öffentlichen Raum im Heute und<br />
seinen geschichtlichen Bezügen, im vierten Film nähert<br />
sie sich den Holocaust-Erfahrungen ihrer Großmutter.<br />
In Anlehnung an die zweihundertjährige Tradition der<br />
Jahresgaben – das sind Kunstwerke einer geringen Auflage<br />
für die Vergabe oder den Verkauf an die Mitglieder<br />
des jeweiligen Kunstvereins, nicht selten aber auch für<br />
den freien Verkauf – präsentiert die Halle für Kunst in<br />
tion 5,700), the Art Association Neuhausen/Stuttgart<br />
(population 11,000), the Art Assocation Heppenheim<br />
(population 25,000), the Art Association Schwerte<br />
(population 48,000), the Art Association Lingen (population<br />
51,000), and—last but not least—the art Association<br />
Kunstraum Tosterglope. The first prize-winner, the<br />
ACC-Gallery in Weimar, was discovered in a city that<br />
cultivates its image as a cultural centre and that was<br />
selected as one of Europe’s “cultural capit<strong>als</strong>” although,<br />
with its population of 65,000, it is not even close to being<br />
a large city.<br />
This year there are again art associations from the socalled<br />
mid-sized cities that have repeatedly figured on<br />
the list of prize-worthy contestants: the Art Association<br />
Arnsberg (population 74,000), nominated for the second<br />
time since 2007, the Art Association Langenhagen<br />
(population 53,000), nominated for the third time, and<br />
the Gallery for Art in Lüneburg (population 73,000), here<br />
nominated for the fifth time. 2<br />
The Art Association Arnsberg managed to trace a path<br />
from the capital city and metropolis of Berlin to the midsized<br />
Sauerland city of Arnsberg. In 2012, following the<br />
retrospective on Alfredo Jaar at the New Society for Fine<br />
Art (or NGBK, a large-city art association), at the Berlinerische<br />
Galerie, and at the Old National Gallery in Berlin,<br />
the Art Association of Arnsberg was the fourth institution<br />
in Germany in 2012 to dedicate a solo exhibition to<br />
Jaar. Currently the Art Association Arnsberg is exhibiting<br />
the Dutch artist Viviane Sassen. At the exhibition entitled<br />
“Three Magi” (running from the 25th of January to<br />
the 10th of March, 2013), works from Sassen’s projects<br />
“Parasomnia” and “Flamboya” will be shown; the works<br />
were created in various countries in Africa and they link<br />
the artist’s childhood memories from Kenya with her<br />
later experiences.<br />
Running to the 31st of March, the Art Association Langenhagen<br />
will be showing four films by the French artist<br />
Maya Schweizer at the exhibition “Edith Seeshow’s<br />
Notes”. The films deal with the question of history and<br />
memory in everyday contemporary life. In three of the<br />
films the artist reflects upon contemporary public space<br />
and its historical dimensions, and in the fourth film she<br />
touches upon her grandmother’s holocaust experience.<br />
Following the 200-year-old tradition of annual gifts—<br />
i.e. artworks printed in small numbers as gifts or sold<br />
to members of the corresponding art association, although<br />
they are <strong>als</strong>o often sold publically—beginning<br />
on the 8th of March, the Gallery for Art in Lüneburg will<br />
be presenting for sale editions of those artists who feel<br />
particularly attached to the association: artists who<br />
have been exhibited there in recent years. This benefit<br />
exhibition (50% of the proceeds will be donated to<br />
the Gallery for Art) will thus <strong>als</strong>o give you an overview<br />
of the association’s programme. Here you can expect<br />
Maya Schweizer: „Which Story Would You Prefer Not to Recall? “ (2009/13), Fotoinstallation im Schaufensterraum des Kunstvereins Langenhagen<br />
Foto: C. Dootz, Courtesy Maya Schweizer / Galerie Katharina Bittel<br />
Lüneburg ab dem 8. März käuflich zu erwerbende Editionen<br />
von Künstlerinnen und Künstlern, die sich dem<br />
Verein verbunden fühlen, weil sie beispielsweise in den<br />
letzten Jahren dort ausgestellt haben. So vermittelt<br />
diese Benefiz-Ausstellung (50 Prozent der Einnahmen<br />
gehen an die Halle für Kunst) gleichzeitig einen präzisen<br />
Einblick in das Programm des Vereins: Zu sehen und<br />
zu erwerben sind Arbeiten unter anderem von Michael<br />
Krebber, Josephine Pryde, Jan Timme, Mirjam Thomann,<br />
Wolfgang Breuer, Amelie von Wulffen, Lucie Stahl, Will<br />
Benedict, Nick Mauss, Megan Francis Sullivan, Ulla Rossek,<br />
Michaela Eichwald, Annette Kelm, Birgit Megerle,<br />
Michaela Meise, Sabine Reitmeier, Nora Schulz, Phillip<br />
Zach, Simon Denny und Loretta Fahrenholz.<br />
Klingt das nach „Provinz“?<br />
Möglich.<br />
Klingt das „provinziell“?<br />
Mitnichten.<br />
Inga Oppenhausen (*1973) ist Geschäftsführerin der<br />
Arbeitsgemeinschaft Deutscher Kunstvereine (ADKV),<br />
dem Dachverband der Kunstvereine.<br />
www.kunstvereine.de<br />
to see works by Michael Krebber, Josephine Pryde, Jan<br />
Timme, Mirjam Thomann, Wolfgang Breuer, Amelie von<br />
Wulffen, Lucie Stahl, Will Benedict, Nick Mauss, Megan<br />
Francis Sullivan, Ulla Rossek, Michaela Eichwald, Annette<br />
Kelm, Birgit Megerle, Michaela Meise, Sabine<br />
Reitmeier, Nora Schulz, Phillip Zach, Simon Denny and<br />
Loretta Fahrenholz.<br />
Does that sound like it’s from the province?<br />
Perhaps.<br />
Does that sound provincial?<br />
Not at all!<br />
Inga Oppenhausen (*1973) is the director of the Society<br />
of German Art Associations (ADKV), the umbrella organisation<br />
of German art associations.<br />
www.kunstvereine.de<br />
1<br />
Die Zahlen beziehen sich auf die rund 300 Mitglieder der Arbeitsgemeinschaft<br />
Deutscher Kunstvereine.<br />
The statistics are based upon the 300 members of the ADKV—<br />
The Society of German Art Associations.<br />
2<br />
Kunstverein Langenhagen: 2006, 2010 und 2012; Halle für Kunst in<br />
Lüneburg: 2006, 2007, 2010 und 2012.<br />
The “Kunstverein Langenhagen” in 2006, 2010 and 2012; and the “Halle<br />
für Kunst” in Lüneburg in 2006, 2007, 2010 and 2012.<br />
10<br />
11
„Das Idyll macht mich misstrauisch“<br />
“The idyllic countryside makes me suspicious”<br />
Interview mit der Künstlerin Barbara Caveng über das<br />
Projekt „Kunst fürs Dorf – Dörfer für Kunst“<br />
Interview with the artist Barbara Caveng about the project:<br />
“Art for the Village—Villages for Art”<br />
Interview: Steffi Weiss<br />
Translation: Brian Poole<br />
Die Deutsche Stiftung Kulturlandschaft engagiert sich<br />
unter dem Motto „Land schafft Zukunft“ für die Vielfalt<br />
und Identität der deutschen Landschaften. Mit dem<br />
Projekt „Kunst fürs Dorf – Dörfer für Kunst“ setzt die<br />
Stiftung auf die Impuls gebende Kraft der Kunst. In drei<br />
Dörfer wird je ein zusammen mit den Dorfbewohnern<br />
ausgewählter Künstler gesandt, der für sechs Monate<br />
mit ihnen lebt, arbeitet und den Alltag mit seinen Impulsen<br />
und Interventionen durchbricht. Von April bis<br />
September 2013 werden Barbara Caveng aus Berlin nach<br />
Blankensee in Mecklenburg-Vorpommern, Frank Bölter<br />
aus Köln nach Sachsenberg in Hessen und Helmut<br />
Lemke aus Bielefeld nach Sehlis in Sachsen ziehen. Aber<br />
nicht nur die Künstler mussten sich um einen Ort, sondern<br />
auch die Dörfer um einen Künstler bewerben.<br />
Barbara Caveng arbeitet ortsspezifisch und bezieht Einheimische<br />
in ihre „sozialen Plastiken“ ein. So reflektiert<br />
sie neben dem eigenen Charakter der Orte auch das<br />
gesellschaftliche Verhalten der Bewohner. Wir sprachen<br />
mit der Künstlerin über persönliche Wunschorte, Konfrontationen<br />
in der Provinz und Erwartungen an das<br />
Projekt.<br />
Frau Caveng, für Ihre vergangenen Projekte arbeiteten<br />
Sie mit Fundstücken und mit Menschen, die zu den von<br />
Ihnen gewählten Orten gehören. Was ist ihr künstlerisches<br />
Anliegen?<br />
Ich würde meine künstlerische Arbeit nicht <strong>als</strong> Anliegen<br />
formulieren. Der Impetus kommt aus dem täglichen Erstaunen<br />
über Erscheinungen, Vorkommnisse und das<br />
menschliche Tun im Allgemeinen und Besonderen. Ist<br />
die Verwunderung groß genug, bildet sich daraus eine<br />
Frage, die ich dann in der künstlerischen Arbeit untersuche.<br />
Under their motto of “Landscaping the Future,” the German<br />
Foundation for Cultural Landscape is dedicated to<br />
the diversity and identity of German landscapes. With<br />
its project “Art for the Village—Villages for Art” the foundation<br />
is setting its sights on the impulse-giving power<br />
of art. Three artists have been chosen to live and work in<br />
three villages for six months, permeating the villagers’<br />
day-to-day life with their ideas and initiatives. From April<br />
to September 2013 the Berlin-based artist Barbara Caveng<br />
will move to Mecklenburg-Vorpommern; the Cologne-based<br />
artist Frank Bölter will move to Sachsenberg<br />
in Hessen; and the Bielefelt-based artist Helmut Lemke<br />
will move to Sehlis in Saxony. But not only did these artists<br />
have to apply to the programme—the villages <strong>als</strong>o<br />
had to apply for an artist.<br />
Barbara Caveng works specifically on location, and she<br />
involves the local population in her “social sculptures”.<br />
Thus she manages to reflect not only the particular character<br />
of places but <strong>als</strong>o the social behaviour of their<br />
inhabitants in her work. We spoke with the artist about<br />
her own favourite places, her encounters in the provinces,<br />
and her expectations for the project.<br />
Barbara Caveng, for your past projects you’ve worked<br />
with the artefacts and people that belong to the locations<br />
you’ve chosen. What is your artistic concern in all<br />
of this?<br />
I wouldn’t refer to my artistic work as my own concern.<br />
My motivation comes from the astonishment I experience<br />
every day at the phenomena, the events, and,<br />
more generally and particularly, the human activities<br />
I encounter. When one’s sense of wonder is large<br />
enough, a question arises that I then investigate in my<br />
artistic work.<br />
Blankensee fotografiert von Olaf Lesener<br />
Auf welche Fragen sind Sie bisher gestoßen?<br />
Im Jahr 2003 realisierte ich mein erstes partizipatives<br />
Kunstprojekt mit dem Titel „Ready Now“. Auslöser war<br />
ein Foto im Tagesspiegel, unmittelbar vor dem Ausbruch<br />
des Irakkrieges. Die Luftaufnahme zeigt die fünfhundert<br />
Mann starke Besatzung des amerikanischen Flugzeugträgers<br />
Abraham Lincoln auf Deck. Die Soldaten<br />
bilden den Schriftzug „Ready Now“ mit ihren Körpern.<br />
Das war für mich eine große Frage, der ich ein Jahr gewidmet<br />
habe: Was heißt „Ready Now“? Fertig – wofür?<br />
Es war die Zeit, <strong>als</strong> der damalige US-Präsident George<br />
W. Bush mit der Formulierung von der „Achse des Bösen“<br />
die Welt gespalten hat. Die zweite Frage, die ich<br />
mir stellte, war: Was bedeutet kulturelle Identität? Aus<br />
diesen beiden Fragen entstand über einen Zeitraum von<br />
sechs Monaten ein elf Quadratmeter großer Teppich<br />
mit 330.000 Knoten, der von über 250 Menschen aus 55<br />
Nationen geknüpft wurde. Teil der Installation ist eine<br />
Soundbibliothek der Gespräche, die die Teilnehmer zu<br />
dieser Frage führten. Identität und Zugehörigkeit sind<br />
Themen, die in unterschiedlichen Aspekten immer wieder<br />
in meinen Arbeiten auftauchen. So zum Beispiel in<br />
der Trilogie der „Sozialen Bodenbeläge“. Die Frage, wer<br />
sich in welcher Form <strong>als</strong> Teil der Gesellschaft versteht,<br />
wurde durch die ausufernden Formationen von ausrangierten<br />
Möbelstücken im öffentlichen Raum ausgelöst.<br />
What questions have you already encountered?<br />
In 2003 I completed my first participatory art project,<br />
entitled “Ready Now”. It was inspired by a photo in the<br />
newspaper Tagespiegel that appeared just before the<br />
beginning of the war in Iraq. The aerial photo showed<br />
the five-hundred-member crew of the aircraft carrier<br />
Abraham Lincoln standing on the deck. The soldiers<br />
formed the words “Ready Now” with their bodies. This<br />
raised a large question that preoccupied me for one<br />
year: What does “Ready Now” mean? Ready for what?<br />
This was a time when the then acting American president<br />
George W. Bush had divided up the world with his<br />
notion of the “axis of evil”. The second question I asked<br />
myself was: What does cultural identity mean? Based<br />
on these questions, over a period of six months an 11<br />
cubic metre carpet was assembled containing 330,000<br />
stitches linked together by more than 250 people from<br />
55 different nations. Part of the installation is a sound<br />
library with recordings of the conversations the participants<br />
had on this subject. Identity and ‘belonging’ are<br />
topics that reoccur in my work in various ways—for example,<br />
in the trilogy “Social Floor Surfaces”. The question<br />
who considers themselves a part of society, and in<br />
what form was triggered by the sprawling accumulation<br />
of discarded pieces of furniture in public space.<br />
12<br />
13
Wählen Sie die Orte nach bestimmten Kriterien aus,<br />
oder können Sie überall arbeiten?<br />
Es kommt eigentlich nie vor, dass ich die Orte bewusst<br />
auswähle. Es gibt eine Liste, unbeschriebene Gebiete<br />
auf meiner inneren Landkarte, welche plötzlich an Kontur<br />
gewinnen und mich zur Erforschung des Unbekannten<br />
einladen. Russland stand achtzehn Jahre auf dieser<br />
Liste, bevor ich durch ein Stipendium einige Monate<br />
nach Moskau kam. Bei Syrien waren es acht Jahre. Ich<br />
möchte nach Albanien, Rumänien, Ulan Bator, Baku und<br />
Myanmar.<br />
Der Locus amoenus lässt sich an diesen Orten nicht vermuten<br />
– sie werden durch politische und soziale Umwälzungen<br />
bestimmt. Suchen Sie unbewusst nicht die<br />
Idylle, sondern Orte im Umbruch?<br />
Für mich waren das Orte, die ein Geheimnis haben – ob<br />
es sich dabei um eine Bedrohung oder um eine freudvolle<br />
heitere Überraschung handelt, bleibt verborgen.<br />
Ich mag Orte, zu denen es noch keine festgelegten beschreibenden<br />
Adjektive gibt. Oft ist es der Klang, der<br />
diese sehnsüchtige Neugier auslöst. Deswegen bin ich<br />
auch gerne an Flughäfen. Das physische Erleben ist mir<br />
die liebste Art des Lernens, auch wenn das zuweilen mit<br />
Schwierigkeiten verbunden ist. Es ist für mich eine Möglichkeit,<br />
überhaupt etwas innerhalb der Komplexität<br />
der Welt zu verstehen. Das Idyll macht mich immer eher<br />
misstrauisch. Ich weiß nicht, was ich da soll. Das Leben<br />
in seiner brüchigen Schönheit reizt mich mehr.<br />
Entwickeln Sie ein Konzept, bevor der Aufruf zur Teilhabe<br />
folgt?<br />
Ja, das kann man so sagen. Wichtig ist mir das Wort<br />
„Teilhabe“ in Ihrer Formulierung. Es geht mir nicht um<br />
das Ausführen von etwas, sondern eben um die Teilhabe<br />
des Einzelnen. Ich bin eine Vertreterin des Individualansatzes:<br />
Ich spreche die Menschen einzeln an und lade<br />
zur Teilhabe an der Idee ein. Das hilft den Angesprochenen<br />
zu verstehen, wonach ich suche. Nach Blankensee<br />
gehe ich ohne bestehendes Konzept. Das ist für mich<br />
neu, eine Idee ganz von null vor Ort – und in diesem<br />
Falle natürlich zusammen mit den Menschen – zu entwickeln.<br />
Seit 2003 sind partizipative Kunstprojekte zu<br />
einem Schwerpunkt meiner Arbeit geworden. Sie folgen<br />
einer einfachen Regel: ohne Partizipation kein Werk. Das<br />
gilt auch für Blankensee.<br />
Sie leben und arbeiten größtenteils in Berlin. Welchen<br />
Bezug haben Sie zur Provinz?<br />
Provinz steht ja auch für all das, was der Städter vermisst<br />
und wonach er sich sehnt: Überschaubarkeit,<br />
Slow Down, Fleisch vom Bauern aus der Region und<br />
Gemüse aus dem Garten sowie soziale Verbindlichkeiten.<br />
Gleichzeitig löst sie Angst aus vor eben jener Überschaubarkeit,<br />
Enge, sozialen Kontrolle und der eigenen<br />
Bedeutungslosigkeit. Provinz ist <strong>als</strong>o in jedem Falle<br />
eine Konfrontation, zumindest mit sich selbst. Es ist ein<br />
wichtiges Anliegen. Ich finde es fatal, wenn die Stadt<br />
Do you choose the locations according to certain criteria,<br />
or can you work anywhere?<br />
Actually I’ve never consciously chosen the locations.<br />
There is a list—unwritten areas in my inner map that<br />
suddenly acquire contours, inviting me to study the unknown.<br />
Russia was on the list for 18 years before I received<br />
a stipend that allowed me to travel to Moscow for a few<br />
months. Syria was on the list for eight years. I’d like to<br />
go to Albania, Rumania, Ulan Bator, Baku, and Myanmar.<br />
The locus amoenus is not something you’d expect to find<br />
at these locations; they are more characterised by poli -<br />
tical and social upheav<strong>als</strong>. Do you unconsciously search<br />
not for idyllic places, but places caught up in change?<br />
For me, these places held a secret, and it was impossible<br />
to tell whether it was a threat or a pleasurable and<br />
cheerful surprise. I like places for which there are still no<br />
established descriptive adjectives. Often it’s the sound<br />
of the name that triggers the longing curiosity. That’s<br />
why I <strong>als</strong>o like to be at airports. Physical experience is<br />
my favourite way of learning something, even when<br />
that brings with it its own difficulties. It offers me the<br />
opportunity to understand something about the complexity<br />
of the world. Idyllic places have always made me<br />
suspicious. I’m not sure why I should be there. I’m more<br />
intrigued by life in its fragile beauty.<br />
Do you develop a concept before others are called upon<br />
to participate?<br />
Yes, that’s one way you can look at it. For me, the word<br />
you used, “participate”, is important. I’m not interested<br />
in carrying something out, but rather in the participation<br />
of the individual. I’m an advocate of the individual<br />
approach: I speak to people individually and invite<br />
them to participate in an idea. That helps those I speak<br />
with to understand what I’m looking for. But I’m going<br />
to Blankensee without a pre-existing concept. For me,<br />
that’s something new: developing, on site, an idea from<br />
the ground up, in this case of course together with the<br />
people there. Participatory art projects have been the<br />
focus of my work since 2003. They follow a simple rule:<br />
without participation there’s no work. That will <strong>als</strong>o be<br />
the case in Blankensee.<br />
You live and work largely in Berlin. What relationship do<br />
you have to the “province”—to rural areas?<br />
The notion of the “province” <strong>als</strong>o stands for whatever<br />
the city-dweller misses and longs for: for comprehensibility,<br />
for slowing down, for meat from the local farmer<br />
and vegetables from the garden, and for social commitment.<br />
At the same time, there is a fear of precisely that<br />
comprehensibility: the narrowness, the social control,<br />
and one’s own meaninglessness. The province is certainly<br />
<strong>als</strong>o a confrontation at least with oneself. That’s<br />
an important concern. I think it’s terrible when the city<br />
is presumed to be the only possible space to live in, filled<br />
with promises that turn into chimeras for most people,<br />
and with hopes that remain unfulfilled.<br />
Barbara Caveng im Salon Fiona Bennett, Foto: Joachim Gern<br />
14<br />
15
Barbara Caveng: Neuköllner Sozialparkett, Begehbare Bodeninstallation, 125qm, 4000 Teile, Materialien aus dem Bezirk Neukölln, 2010, Foto: Christian Reister<br />
16<br />
17
zum vermeintlich alternativlosen Lebensraum wird, mit<br />
Verheißungen, die sich für viele Menschen in Schimäre<br />
verwandeln und Hoffnungen, die sich nicht erfüllen.<br />
Wie stellen Sie sich Ihr Leben und Arbeiten in den sechs<br />
Monaten auf dem Dorf vor?<br />
Das Gute ist ja, dass ich mir mein Leben und meine Arbeit<br />
in Blankensee nicht vorstellen kann. Bei meinem<br />
Erstbesuch im Dorf führten mich die letzten Kilometer<br />
über eine komplett vereiste Landstraße. Das ist vielleicht<br />
eine ganz gute Metapher für die vorsichtige Annäherung<br />
an ein fremdes Gebiet. Später kann man dann auf<br />
dem Eis Pirouetten drehen. Ein Gefühl der Erwartung<br />
habe ich nicht – eher die Hoffnung, dass aus dem Unerwarteten<br />
ein Wunder wird. Ich vermisse auf Mission<br />
selten etwas. Abwesenheiten gehören dazu.<br />
Welchen Eindruck hat Blankensee beim ersten Besuch<br />
hinterlassen?<br />
Am meisten hat mich beeindruckt, welchen Wert und<br />
welche Bedeutung die Bewohner von Blankensee und<br />
dem Ortsteil Pampow diesem Projekt und meiner bevorstehenden<br />
Anwesenheit beimessen. Die Neugier,<br />
Offenheit und Herzlichkeit, mit welchen ich von den<br />
Bewohnern in den beiden Ortsteilen empfangen wurde,<br />
haben mich sehr berührt. Die Bewohner haben mir die<br />
Ehre erwiesen, mir jeweils den Platz an der Stirnseite der<br />
langen Kaffeetafeln in den Gemeindesälen von Pampow<br />
und Blankensee zuzuweisen. Dann haben sie mir Fragen<br />
gestellt, die den Ihrigen gar nicht unähnlich sind. Das<br />
fand ich sehr schön. Dieses Dorf hat ein Anliegen, ich<br />
weiß nur noch nicht genau welches. Möglicherweise ist<br />
es auch in den beiden Ortsteilen nicht dasselbe. Natürlich<br />
ist Sprache ein Thema. Wie viele Menschen sowohl<br />
auf der einen <strong>als</strong> auch der anderen Seite der Grenze die<br />
Sprache des Nachbarn nicht sprechen, hat mich überrascht.<br />
Es sind weniger Fragen, die ich im Kopf habe,<br />
<strong>als</strong> die Bilder dieses ersten Besuches und viel positive<br />
Spannung auf dieser Reise. Es ist ja für beide Seiten ein<br />
Abenteuer.<br />
Herzlichen Dank für das Gespräch!<br />
Die Gemeinde Blankensee mit dem Ortsteil Pampow hat 534 Einwohner<br />
und befindet sich direkt an der deutsch-polnischen Grenze. Nur 25 Kilometer<br />
entfernt liegt die nächstgrößere Stadt Stettin. Auf die Frage der<br />
Dorfbewohner beim Erstbesuch der Künstlerin, was Frau Caveng in Blankensee<br />
plant, stellte diese ihre interaktive Vorgehensweise vor und fügte<br />
hinzu, dass sie damit begonnen habe, Polnisch zu lernen. Die Dorfbewohner<br />
zeigten sich zunächst erstaunt, griffen jedoch dieses Vorhaben auf und<br />
schmiedeten Pläne für eine Initiative – wir lernen Polnisch! Ein erster Impuls<br />
mit Auswirkung. Was folgt, wird im ZDF und bei ARTE zu sehen sein.<br />
www.doerfer-fuer-kunst.de<br />
What do you anticipate your life and work to be like during<br />
the six months in the village?<br />
The good thing is that I can’t imagine what my life and<br />
work will be like in Blankensee. During my first visit to<br />
the village, the last kilometres of the trip there led me<br />
through a completely ice-covered country road. Perhaps<br />
that’s a good metaphor for the cautious approach to a<br />
strange area. Later you can turn pirouettes on the ice.<br />
I don’t have the feeling of expectation—it’s rather a<br />
feeling of hope that from this unexpectedness a wonder<br />
will arise. Whenever I’m on a mission I rarely miss<br />
anything. Absences are part of it all.<br />
What impression were you left with after your first visit<br />
to Blankensee?<br />
I was most impressed by the value and significance the<br />
inhabitants of Blankensee and the community of Pampow<br />
attribute to this project and to my future presence<br />
there. The curiosity, open-mindedness and warmth with<br />
which I was received by the inhabitants in both communities<br />
touched me deeply. The inhabitants gave me the<br />
honour of seating me at the head of the long coffee table<br />
in the community centres of Pampow and Blankensee.<br />
Then they asked me questions that are not much<br />
different from the ones you’ve asked me. I thought that<br />
was beautiful. This village is showing an interest, although<br />
I’m not yet sure what that interest is. Perhaps it<br />
will be different in each community. Of course language<br />
will be a topic. I was surprised by just how many people<br />
on one side of the border and on the other don’t<br />
speak the language of their neighbours. These are not<br />
so much questions in my mind as images of my first visit<br />
and of the positive excitement for the forthcoming trip.<br />
It will be an adventure for both sides.<br />
Thank you for the conversation!<br />
The Blankensee community, which includes the community of Pampow,<br />
has 534 inhabitants and is located on the German-Polish border. The next<br />
large city, Stettin, is located just 25 kilometres away. When the village inhabitants<br />
asked Barbara Caveng what she planned for Blankensee, she<br />
introduced her interactive approach, adding that she had begun to learn<br />
Polish. The inhabitants were at first astonished, but they soon adopted the<br />
idea and constructed plans for the initiative “We’re learning Polish!” This<br />
first initiative has already borne fruit. What follows will be televised by the<br />
stations ZDF and ARTE. www.doerfer-fuer-kunst.de<br />
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Sammlergespräch mit Tobias Gombert und Samuel<br />
Leuenberger – Keine definierte Sache<br />
Conversations with Collectors: Tobias Gombert and<br />
Samuel Leuenberger – Not a clearly defined activity<br />
Interview: Jan Kage<br />
Text: Alexandra Panzert<br />
Translation: Brian Poole<br />
Im ersten Sammlergespräch 2013 erzählen Tobias Gombert,<br />
der hauptberuflich in einer Bank arbeitet, und Samuel<br />
Leuenberger, der in Basel den Kunstraum SALTS<br />
leitet und freiberuflich <strong>als</strong> Kurator tätig ist, was sie zum<br />
Sammeln bewegt und welche Erfahrungen ihre Leidenschaft<br />
prägen. In ihren Sammlungen befinden sich<br />
unter anderem Werke von Christian Awe, Beni Bischof,<br />
Wade Guyton, William Kentridge, Sara Masüger, Kenneth<br />
Noland, Ned Vena, Michael Sailstorfer und Karsten<br />
Födinger.<br />
Sammlerfreunde, gibt es das? Geht ihr zusammen auf<br />
Messen – oder gibt es da Konkurrenz?<br />
TG: Die gibt es nicht, vielmehr ergänzen wir uns. Wir<br />
lernen unheimlich viel voneinander – wir verfolgen dasselbe<br />
Interesse und Ziel. Natürlich freut man sich, wenn<br />
man etwas entdeckt, was der andere noch nicht kennt.<br />
Die Menge der Leute, die sich in Basel für junge zeitgenössische<br />
Kunst interessiert, ist sehr überschaubar.<br />
Tobias, du hattest mit 16 Jahren ein prägendes Erlebnis<br />
in der Sammlung Beyeler.<br />
TG: Ich war noch Schüler, <strong>als</strong> ich in Riehen das neu eröffnete<br />
Museum besuchte. Ein älterer Herr hatte mich angesprochen<br />
und gefragt, wie mir Museum und Sammlung<br />
gefallen. Wie sich im Nachhinein herausstellte, war<br />
dieser Mann Ernst Beyeler – das habe ich aber erst nach<br />
seinem Tod herausgefunden. Er hat mich durch das Gebäude<br />
geführt. Es war eine sehr interessante Stunde, die<br />
ich dort verbrachte, da ich mit einer verhältnismäßig naiven<br />
Grundeinstellung die Bilder betrachtete. Erst zehn<br />
Jahre später habe ich den Stellenwert dieser Person<br />
begriffen. Es war ein Schlüsselerlebnis und mein erster<br />
Kontakt mit Kunst.<br />
In the first of our Conversations with Collectors for 2013<br />
Tobias Gombert, who works in a bank, and Samuel Leuenberger,<br />
who is the director of the art gallery SALTS in<br />
Basel and is <strong>als</strong>o a freelance curator, talk about what<br />
got them started in collecting art and what experiences<br />
have roused their passions. In their collections the have<br />
works by Christian Awe, Beni Bischof, Wade Guyton,<br />
William Kentridge, Sara Masüger, Kenneth Noland, Ned<br />
Vena, Michael Sailstorfer and Karsten Födinger.<br />
Do collector-friendships exist? Do you go to art fairs together,<br />
or is there competition between you?<br />
TG: There isn’t. In fact we tend to complement each<br />
other. We learn a lot from each other—we pursue the<br />
same interests and go<strong>als</strong>. Of course it’s pleasing to discover<br />
something the other person doesn’t know yet. The<br />
number of people in Basel who are interested in contemporary<br />
art is rather limited.<br />
Tobias, you had a formative experience while taking in<br />
the Beyeler Collection.<br />
TG: I was still going to school when I visited the recently<br />
opened Museum in Riehen. An old man approached me<br />
and asked how I liked the museum and the collection.<br />
It turned out that that man was Ernst Beyeler—something<br />
I discovered only after his death. He guided me<br />
through the building. I spent a highly engaging hour<br />
there—I had a comparatively naïve approach to the<br />
pictures. I finally understood the status of this person<br />
ten years later. That was a key experience and my first<br />
contact with art.<br />
Samuel Leuenberger (links) und Tobias Gombert (im Vordergrund)<br />
Foto: Daisy Loewl<br />
Samuel, was hast du in den acht Jahren im Kunstbetrieb<br />
gelernt, während du andere beraten hast, ihre Sammlung<br />
aufzubauen? Was waren die Grundlehren, wenn es<br />
denn welche gibt?<br />
SL: Es gibt sie nicht wirklich. Ich habe gelernt, dass jeder<br />
Sammler eine andere Herangehensweise hat, aber ich<br />
denke, es ist wichtig, sich auf irgendeine Art und Weise<br />
einzugrenzen. Entweder gleich am Anfang – man beschließt<br />
beispielsweise, nur Werke auf Papier, nur jüngere<br />
Künstler oder nur preislich günstige Arbeiten zu<br />
sammeln. Oder man macht es genau umgekehrt: Am<br />
Anfang kauft man, was immer einem ins Auge sticht,<br />
und die Qualitätsbeurteilung kommt dann später im<br />
Rückblick. Das Sammeln von Kunst ist keine definierte<br />
Sache. Ich wusste zunächst nicht, dass ich eine Vorliebe<br />
für abstrakte Malerei habe, bis ich anfing, sie zu kaufen.<br />
Man muss einfach offen genug sein und sich auch Fehler<br />
eingestehen – denn daraus kann man lernen.<br />
Tobias, hast du irgendwann einen Sammlungsschwerpunkt<br />
festgelegt?<br />
TG: Ich will mich nicht festlegen. Er dreht sich um Grenzgebiete<br />
in der zeitgenössischen Malerei und Skulptur im<br />
Hinblick auf die Abstraktion – immer mit zeitgeschichtlichem<br />
Hintergrund. Ich habe auch Bilder des deutschen<br />
Informel und des abstrakten Expressionismus erworben,<br />
die mich angesprochen und diese Schnittmenge<br />
ergänzt haben. Grundsätzlich ist mein Interesse jedoch<br />
zeitgenössisch ausgerichtet.<br />
Samuel, what have you learned during the past eight<br />
years in the art business while advising others on how<br />
they should build up their collections? What were the<br />
fundamental precepts—or are there any?<br />
SL: There really aren’t any. I learned that every collector<br />
has a different approach. But I think it’s important<br />
to limit yourself in some manner. Either right from the<br />
start: for example, you decide to collect only works on<br />
paper, only young artists, or only inexpensive works. Or<br />
you go at it the other way around: you start by buying<br />
whatever appe<strong>als</strong> to your eye, and allow the judgement<br />
of quality to come later, retrospectively. Collecting art<br />
is not a clearly defined activity. When I started I didn’t<br />
know that I had a preference for abstract painting until<br />
I began to buy it. You simply have to be open enough<br />
and you have to admit your mistakes—the mistakes are<br />
what you learn from.<br />
Tobias, did you establish a focus for your collection at<br />
some point?<br />
TG: I don’t want to tie myself down. My focus lies somewhere<br />
on the frontier of contemporary painting and<br />
sculpture—abstract works that are rooted in the background<br />
of contemporary history. I <strong>als</strong>o have pictures<br />
from the German art informel movement and from abstract<br />
expressionism that appealed to me, and I’ve added<br />
works with complementary features. But basically my<br />
interest is aimed at contemporary art.<br />
20<br />
21
Was ist für dich der signifikante Unterschied zwischen<br />
den Kunsträumen Basel und Berlin?<br />
TG: Es sind sehr viele Künstler hier, auch viele Schweizer<br />
Künstler. Es gibt ein reichhaltiges kulturelles Angebot,<br />
Sammlungen und Museen, die ein sehr gutes Programm<br />
machen. Wenn man den Vergleich zu Basel zieht, ist da<br />
immer die Frage, was Berlin wiederum für seine Künstler<br />
übrig hat und inwiefern die Stadt ihre Künstler unterstützt.<br />
Man schmückt sich gerne mit diesem Logo, aber<br />
gibt relativ wenig dafür. In der Schweiz ist die Förderpolitik<br />
der Kunst und die Identifikation mit der Kunst aus<br />
meiner Sicht eine andere. Kulturelle Belange werden in<br />
größerem Rahmen unterstützt, die Förderung wird auch<br />
sichtbarer nach außen getragen<br />
Samuel, du hast Mitte der 1990er-Jahre in London gelebt.<br />
Das war die Zeit der Young British Artists. Gemeinsam<br />
mit anderen jungen Galeriearbeitern habt ihr Listen<br />
gemacht und dann Tipps abgegeben, wer in zehn<br />
Jahren noch ein großer Name sein wird. Wen hast du<br />
aufgeschrieben? Wie oft habt ihr richtig gelegen?<br />
SL: Wir lagen fast immer daneben. Die Kunstszene Londons<br />
dieser Jahre war sehr spannend, <strong>als</strong> ich ankam. Die<br />
Young British Artists feierten gerade ihren Höhepunkt.<br />
Vor ein paar Jahren haben ein Freund und ich die Listen<br />
gefunden: Es ist beängstigend, dass nur so wenige<br />
Künstler einer ganzen Generation Bestand haben. Allein<br />
schon bei den Young British Artists, der dam<strong>als</strong> bekanntesten<br />
Gruppe, war es für uns nicht vorstellbar, dass<br />
lediglich Tracey Emin, Jake und Dinos Chapman, Damien<br />
Hirst, vielleicht noch Liam Gillick und Angela Bulloch<br />
und wenige andere weiterhin so erfolgreich arbeiten<br />
werden. Das zeigt, wie wir grundsätzlich in unserer<br />
Wahrnehmung von Zeitgeist und Zeitgeschmack gefangen<br />
sind. Im Hinblick auf den eigenen Sammlungsstil<br />
sind solche Erfahrungen wichtig, um nicht nur einem<br />
Mainstream hinterherzulaufen.<br />
Ist die abstrakte bildende Kunst, auf die ihr euch momentan<br />
konzentriert, davor gefeit, einem ähnlichen<br />
Hype zu unterliegen?<br />
SL: Es ist alles eine Welle. Die Leipziger Maler und die figurative<br />
deutsche Malerei waren noch bis vor ein paar<br />
Jahren wahnsinnig erfolgreich. Mittlerweile muss man<br />
diese Art von Malerei suchen.<br />
Es ist ja nicht nur der Sammler, der etwas Neues entdecken<br />
möchte. Es ist auch Populärkultur, unsere Gesellschaft,<br />
die nach acht Jahren Young British Artists<br />
einfach die Nase voll hat: Man schaut sich nach Neuem<br />
um, und das ist auch gut und gesund.<br />
Du betreibst den Kunstraum SALTS in Basel. Was wird<br />
dort gezeigt?<br />
SL: SALTS ist eine umgebaute ehemalige Metzgerei, ein<br />
loftartiger Raum, den ich seit drei Jahren bespiele und<br />
der den Zweck hat, junge internationale Kunst zu fördern.<br />
Es ist natürlich für mich auch eine Möglichkeit,<br />
meine eigenen Interessen, auch im Sinne des Sam-<br />
Kasper Sonne: Borderline (new territory) No. 14, 2013, Industriefarbe, Feuer<br />
und Wasser auf Leinwand, 150 x 120 cm, Foto: Gunnar Meier<br />
What, for you, is the significant distinction between the<br />
galleries in Basel and in Berlin?<br />
TG: There are a lot of artists here, <strong>als</strong>o a lot of Swiss artists.<br />
There is a rich array of cultural activities to choose<br />
from—collections and museums that offer great programmes.<br />
If you compare that with Basel, you always<br />
have to raise the question of what Berlin actually does<br />
for its artists and to what extent the city supports its<br />
artists. The city of Berlin likes to wear the logo of an art<br />
haven, but it actually does relatively little for it. In Switzerland<br />
the state subsidies for art and the identification<br />
with art are, in my view, different. Cultural affairs are<br />
supported on a larger scale, and this patronage is <strong>als</strong>o<br />
communicated more visibly beyond the borders.<br />
Samuel, you were in London during the mid-90s. That<br />
was the age of the Young British Artists. Together with<br />
other young gallerists, you created lists and offered tips<br />
on who would become a big name in ten years. Who did<br />
you add to the list? How often were you right?<br />
SL: We were almost always wrong. The London art scene<br />
of those years was very exhilarating; when I arrived, the<br />
Young British Artists had just then reached their peak.<br />
A few years ago, a friend of mine and I found those lists<br />
again. It’s terrifying that only so few of the artists of<br />
an entire generation managed to survive. Among the<br />
Young British Artists alone (then the best known group)<br />
melns, zu hinterfragen. Durch die Zusammenarbeit mit<br />
einem Künstler beim Aufbau einer Ausstellung entwickelt<br />
sich eine enge Beziehung. Ich glaube, das Wissen<br />
hinter dem Bild und hinter der Skulptur – was leider die<br />
meisten Leute, wenn sie eine Ausstellung anschauen,<br />
nicht sehen oder erfahren können – ist eigentlich das,<br />
was mir das Werk näherbringt.<br />
Was macht für dich das Sammeln aus?<br />
SL: Die entscheidende Frage ist nicht, was du sammelst,<br />
sondern auf was du verzichtest. Für mich ist Sammeln<br />
vor allem eine Frage des Editierens und der richtigen<br />
Auswahl. Es ist eine Passion. Man will immer etwas<br />
entdecken und weiterentwickeln, neu erfragen, und vor<br />
allem reizt die Herausforderung, Werke zu entschlüsseln.<br />
Man ist an einem Prozess, an einer Denkweise, die<br />
gerade aktuell ist, interessiert, vielleicht auch an einer<br />
Szene, einer Stadt oder einer Gruppe von Künstlern.<br />
Bei einer Sammlung ist es fast egal, was du dir <strong>als</strong> Ausgangspunkt<br />
setzt. Jeder muss selbst einen Weg finden,<br />
ein Qualitätsurteil zu fällen.<br />
Vielen Dank für das Gespräch!<br />
we could not have imagined that only Tracey Emin, Jake<br />
and Dinos Chapman, Damien Hirst, and perhaps <strong>als</strong>o<br />
Liam Gillick and Angela Bulloch and very few others<br />
would continue to work so successfully. That just shows<br />
you how we are basically trapped in our perception by<br />
the spirit and the taste of the age we live in. As far as<br />
one’s own style of collecting is concerned, such experiences<br />
are important in order to prevent one from just<br />
following the mainstream.<br />
Is the abstract fine art you are both currently focused<br />
on protected against falling prey to comparable hype?<br />
SL: Everything is just a wave. The Leipzig painters and<br />
figurative German painting were still successful just a<br />
couple of years ago. But now you have to search for it if<br />
you still want to find this type of painting.<br />
And it’s not only the collector who wants to discover something<br />
new. It’s <strong>als</strong>o pop culture and our society. And<br />
after eight years of Young British Artists, they’d simply<br />
had enough. So you start looking for something new—<br />
and that’s good, and healthy.<br />
You operate the gallery SALTS in Basel. What’s being exhibited<br />
there?<br />
SL: SALTS is located in a former butcher’s shop that’s<br />
been renovated into a loft-like space where I’ve been<br />
exhibiting art for three years. The goal of the gallery is<br />
to support young international art. Of course it <strong>als</strong>o offers<br />
me the opportunity to call into question my own<br />
interests as a collector. Thanks to the cooperation with<br />
artists during the construction of an exhibition, a close<br />
relationship develops. I believe that the knowledge lying<br />
behind the picture and behind the sculpture—something<br />
that, unfortunately, most people who visit an<br />
exhibition cannot see or experience—is actually what<br />
makes art more accessible to me.<br />
What does collecting ultimately mean to you?<br />
SL: The decisive question is not what you collect, but<br />
what you can do without. For me, collecting is above all<br />
a question of editing and of making the right choices. It<br />
is a passion. You always want to discover something and<br />
develop it, and raise new questions, and the challenge<br />
of deciphering works is most stimulating. You get interested<br />
in a process, a manner of thinking that is currently<br />
topical—perhaps a scene, a city or a group of artists.<br />
When you’re collecting, it almost doesn’t matter what<br />
you’ve taken as your point of departure. Each collector<br />
has to find his own way of judging quality.<br />
Thank you for the conversation!<br />
22<br />
23
Review: Kitty Kraus bei Galerie Neu<br />
Text: Matthias Planitzer<br />
Auf der Pilgerschaft zur vergangenen Kitty-Kraus-Schau<br />
musste der entschlossene Besucher einige Hürden nehmen.<br />
Schließlich stellte die Künstlerin ihre neusten Arbeiten<br />
an einem von der Außenwelt abgeschotteten Ort<br />
aus. Zunächst war der Weg zu den Räumen der Galerie<br />
Neu in der Philippstraße zu bewältigen, die sich dort<br />
abseits der großen Kunst-Hotspots an den Campus der<br />
Charité schmiegt. Dieser Weg ist auf der Berliner Kunstkarte<br />
ein besonderer, denn an der Galerie Neu spaziert<br />
man nicht einfach vorbei, wie man es bei einem Bummel<br />
durch die Potsdamer Straße pflegt, wo man auf diese<br />
Weise immer wieder eine Überraschung erlebt. Nein,<br />
den Weg zur Galerie Neu geht man stets nur festen<br />
Entschlusses. In den vergangenen Wochen war es Kitty<br />
Kraus, die zur Pilgerschaft in die Philippstraße lockte.<br />
Dort angekommen, blieb die Tür jedoch versperrt. Man<br />
möge den Seiteneingang nehmen. Auch dort: klopfen<br />
und warten.<br />
Dann wurde einem die schwere Tür in den hermetisch<br />
abgeriegelten Bunker geöffnet, in den Kraus das zierliche<br />
Gebäude verwandelte. Durch das Büro gelangte<br />
man in den Ausstellungsraum, wo sich das Geheimnis<br />
um diese penible Isolation lüftete. Wo einst Fenster und<br />
Türen waren, schlossen sich nun die kalten Wände um<br />
den kleinen Raum und nahmen in sich schützend das<br />
Sanktuarium auf, das Kraus den Besuchern eröffnete.<br />
Hier inszenierte die Künstlerin abgeschottet von der Außenwelt<br />
die strenge, aber fragil vibrierende Kühle ihres<br />
bekannten, reduzierten Formeninventars. Foucault hätte<br />
an diesem Ort sicherlich seine Freude gehabt.<br />
Das selbstgewählte Exil war jedoch gewiss kein Selbstzweck.<br />
Ebenso wie sich Mönche auf ihrer Peregrinatio<br />
vom Lärm ihrer profanen Umwelt ab- und dem Geist<br />
zuwenden, braucht auch Kraus’ Kunst einen stillen Ort,<br />
um sich darin behutsam entfalten zu können. Im Trubel<br />
der hektischen Metropole ginge sie hinter der Glasfront<br />
jedes gewöhnlichen Ausstellungsraumes unter. Schließlich<br />
sind ihrer Arbeiten <strong>als</strong> das schwache Licht, das erst<br />
im Dunkeln funkelt, bekannt – hier, in der Galerie Neu,<br />
war dies durchaus wörtlich zu nehmen.<br />
Materialität hat einen großen Stellenwert in Kraus’<br />
Installationen, ist oftm<strong>als</strong> sogar der Schlüssel zu einer<br />
stummen Dramatik. Dieses Mal war es Licht, ein für die<br />
Kitty Kraus: Untitled, 2012, Painted plywood, painted glass, 1000W light bulb, 127 x 35.5 x 29cm<br />
Courtesy the Artist and Galerie NEU, Berlin<br />
tung unter dem Schlagwort „Autofaschismus“ in einer<br />
kuratierten Ausstellung auf den Prüfstand gestellt wurde.<br />
Unter dem Titel „UEBERMODELS“ legten die Kuratoren<br />
den Fokus „auf eine Strategie der Reduktion, die zu<br />
einer Steigerung der Komplexität führt. Der Ausgangspunkt<br />
ist ein intellektueller Prozess und kein formaler<br />
Ansatz, der nur zu einem sterilen Minimalismus führt.“ 1<br />
Diehl und Prokop sehen in dem Überfluss an Informationen,<br />
Bildern, Einflüssen und Wahlmöglichkeiten und<br />
dem daraus entstehenden Entscheidungszwang eine<br />
Scheinfreiheit die das „Bedürfnis nach etwas Scharfen<br />
und Klaren, nach einem ästhetischen Felsen in der Brandung“<br />
begründet. Sie konstatieren, dass die Positionen<br />
der autofaschistischen Kunst „von einer Sehnsucht nach<br />
einer genuinen und zeitgemäßen Form von Authentizität<br />
gesteuert zu sein [scheinen], … und sie bringen dabei<br />
eine Art von Ironie zum Einsatz, die ein Ausdruck von<br />
gleichzeitigem Kommitment und Detachiertheit ist.“<br />
Zwar war Kitty Kraus in der Ausstellung bei der Galerie<br />
Program nicht vertreten, doch hätten sich ihre leuchtenden<br />
Stelen gut dort eingereiht.<br />
Das unerwartete Verhalten des Materi<strong>als</strong> Licht führt zu<br />
eben einer solchen Steigerung der Komplexität, auf die<br />
der forschende Betrachter mit dem Versuch reagiert,<br />
Künstlerin ungewöhnliches Medium. Zwei gleichartige<br />
Stelen, ihrer Natur nach eher etwa einen Meter hohe<br />
Sockel quadratischen Querschnittes, die mit hellem Linden-<br />
oder Ahornholz ringsum verkleidet und oben mit<br />
einer getrübten Glasplatte abgeschlossen waren, standen<br />
je mittig in einem der Räume. Zwischen Stele und<br />
Glas drang durch einen schmalen Spalt nach allen Seiten<br />
ein helles, weißes Licht hervor. Als einzige Beleuchtung<br />
in dem sonst von allem künstlichen und Tageslicht<br />
abgeschotteten Raum beschien es die umliegenden<br />
Wände, aber so schwach, dass die Stelen wie Leuchttürme<br />
in der Dunkelheit standen. Jedoch, ein schwarzer<br />
Streifen blieb frei. Auf Höhe der Stele zog er einmal rings<br />
über die Wände, von einem Raum in den anderen, und<br />
teilte sie in ein lichtbeschienenes Oben und Unten –<br />
aber warum blieb er selbst im Schatten?<br />
Diese Frage beschäftigt den ratlosen Besucher, sie bohrt<br />
in ihm, und so erkennt er auch bald handwedelnd, dass<br />
sein eigener Schatten sich nur dann scharf abzeichnet,<br />
wenn er seine Hand unmittelbar vor den Spalt hält.<br />
Ein Hindernis muss hinter dem Spalt eingebracht sein,<br />
so vermutet er drängenden Forschens – aber nein, berühren<br />
verboten. Es scheint bald, dass die Stele gar kein<br />
Licht ausstrahle, sondern, im Gegenteil, das gesamte<br />
Licht des Raumes in sich aufsauge. Die undurchdringlichen<br />
Wände schützen demnach nicht den Raum, den<br />
sie umfangen, sondern schirmen die Umwelt vor der<br />
Gefahr ab.<br />
Im Kontakt mit den Installationen von Kitty Kraus entstehen<br />
oftm<strong>als</strong> solche lebhaften Fantasien. Das braucht<br />
die Künstlerin nicht zu kümmern, denn die kühle Strenge<br />
ihrer bis aufs Äußerste reduzierten Formen und die<br />
stumme Dramatik ihrer bis an ihre Grenzen gebrachten<br />
Materialien sprechen mit beeindruckender Gewalt<br />
und doch wortlos für sich. Dies <strong>als</strong> minimale Kunst zu<br />
bezeichnen, würde ihre Essenz verfehlen, denn dieses<br />
Destillat, das langsam tröpfelnd aus der Reduktion der<br />
Formen gerinnt, ist weder Objektivität noch Entpersönlichung,<br />
sondern die heiße Wallung eines brodelnden<br />
Gemüts, das nicht der Künstlerin, sondern dem Material<br />
entspringt. In diesem Sinne entsprechen die Stelen Kitty<br />
Kraus’ einem wilden Konzept, das 2010 von Niels Betori<br />
Diehl und Barbara K. Prokop nach eingehender Beobachsie<br />
mit Gehalt aufzuladen. In der Verweigerung solcher<br />
Erklärungsmuster (der Detachiertheit) entsteht jene<br />
magische Ästhetik, die bereits in vielen anderen Arbeiten<br />
Kraus’ den Betrachter fesselt. Er ist es gewohnt, dass<br />
der Alltag im Überfluss an Informationen, Bildern und<br />
Einflüssen solche Deutungsmuster anbietet. Wenn nun<br />
aber das Wesen der Dinge hinter einem Rätsel versteckt<br />
wird, zumal einem solch geschickten Rätsel wie Kraus’<br />
Schattenstreifen, und seine Lösung zurückgehalten<br />
wird, entsteht daraus eine starke Anziehung.<br />
Das Prinzip ist kein neues, man kennt es schon von anderen<br />
Installationen der Künstlerin, die die Besucher vielerorts<br />
verwundert zurückließen: Wie kann Glas sich so<br />
stark biegen? Warum kann es so starr und der Schwerkraft<br />
zum Trotz im Raum haften bleiben? Wie kann ein<br />
Eisblock schwarze Tinte bluten und damit den Raum besudeln?<br />
Auf diese Fragen gibt Kitty Kraus keine Antwort.<br />
So hält schließlich die Begeisterung über diese fragile,<br />
stille Ästhetik an.<br />
1<br />
aus: „UEBERMODELS” (Katalog zur gleichnamigen Ausstellung bei<br />
PROGRAM e.V.), Berlin 2010, aus dem Vorwort (ohne Seitenangabe)<br />
24<br />
25
Farbe bekennen – Was Kunst macht<br />
Wie kann Kunst zu gesellschaftspolitischen Themen Stellung beziehen? Mit<br />
den Mitteln der Kunst verwehren sich die elf internationalen ausgestellten<br />
Künstler und Künstlerinnen gegen jede Form von Ideologie. Sie konzentrieren<br />
sich dagegen auf Widersprüche in bestehenden Systemen und verweisen<br />
auf grundsätzliche Fragestellungen. Ausgehend von der Vorstellung der<br />
vielfältigen Werkauswahl, die unter anderem Beiträge von Sam Durant, Claire<br />
Fontaine und Thomas Hirschhorn umfasst, beschäftigen sich die Essays mit<br />
dem Verhältnis von Kunst und Politik, Form und Wirkung. Statements der<br />
Künstler runden den Ausblick auf die Möglichkeiten einer politisch engagierten<br />
Kunst ab.<br />
Marta Herford (Hg.): Farbe bekennen – Was Kunst macht. Kettler, Bönen 2013, Dt.,<br />
240 S., 90 farb. Abb., Klappenbroschur, gebunden, 29, 90 €. ISBN: 978-3-86206-222-5<br />
Grenzgänger – die Sammlung Reydan Weiss<br />
Die Sammlung der Immobilienmanagerin Reydan Weiss vereint Werke von<br />
amerikanischen, asiatischen, europäischen und islamischen Künstlern und<br />
Künstlerinnen. Der Katalog führt die Heterogenität der Sammlung vor Augen<br />
und damit auch Reydan Weiss` persönliches Interesse an einem weiten Blickwinkel<br />
auf die Welt. Mit Fragen zu den Themen Identität, Heimat und Kultur<br />
setzen sich die Werke provokant und aggressiv wie bei Olaf Metzel oder auch<br />
ruhig und sinnlich wie bei Rosilene Luduvico auseinander. Der Fokus liegt auf<br />
Fragestellungen der Interkulturalität. Auch feministische und postkoloniale<br />
Positionen werden aufgenommen und runden den Einblick ab.<br />
Karin Pernegger (Hg.): Überall und Nirgends. Kerber, Bielefeld/Berlin 2013, Dt., ca. 208 S.,<br />
ca. 170 farb. Abb., Softcover, 38 €. ISBN 978-3-86678-805-3<br />
Das Gewebe <strong>als</strong> Skulptur<br />
Jan Albers ist ein Grenzgänger zwischen dem Zwei- und dem Dreidimensionalen.<br />
Ein Katalog anlässlich einer Einzelschau zum Werk des Künstlers in<br />
der Kunsthalle Gießen gibt nun Einblick in sein Œuvre und zeigt Bilder und<br />
Skulpturen, die man nicht eindeutig einer der beiden Gattungen zuordnen<br />
kann. Aus Holz, Metallgestängen, alter Keramik, Sprühfarben und Wolle ergeben<br />
sich reliefartige Werke, die mit kunsthandwerklichen Traditionen und<br />
klassischen Positionen des 20. Jahrhunderts korrespondieren. Zwei Aufsätze<br />
analysieren Jan Albers’ Werk in Hinblick auf kunsthistorische Referenzen, den<br />
materiellen, gewebeartigen Aufbau der Bricolagen und veranschaulichen das<br />
Spektrum seiner Werke.<br />
Kunsthalle Gießen, Ute Riese: Jan Albers – Up & Down. Distanz Verlag, Berlin 2013, Dt./<br />
Engl., 64 S., ca. 65 farb. Abb., Softcover, 24,90 €. ISBN 978-3-95476-013-8<br />
Von Idealbildern, Wunschbildern und Wahlverwandtschaften<br />
Die Sammlung Würth stellt verschiedene Aspekte des modernen und zeitgenössischen<br />
Menschenbildes in 13 Kapiteln vor: Von menschlichen Idealbildern<br />
in Form von Skulpturen von Jaume Plensa über Selbstbildnisse und abstrakte<br />
Porträts von Dieter Roth hin zu allegorischen Darstellungen von Anselm Kiefer<br />
gibt der Ausstellungskatalog Einblick in den künstlerischen Umgang mit<br />
dem Körper und untersucht die Wechselwirkungen oder Konstanten, die sich<br />
dabei ergeben. Die Ausstellung in der Kunsthalle Würth in Schwäbisch Hall ist<br />
noch bis zum 2. Juni 2013 zu sehen.<br />
Sylvia Weber (Hg.), Beate Elsen-Schwedler: Von Kopf bis Fuß. Menschenbilder im Fokus<br />
der Sammlung Würth. Swiridoff Verlag, Künzelsau 2012, Dt., 256 S., über 200 Farbtafeln,<br />
Leinenband mit Schutzumschlag, 38 €. ISBN 978-3899292565<br />
Provinz im Spiegel<br />
Was ist Provinz? Was ist eine Metropole? Angesichts des zunehmenden Rückzugs<br />
ins Private in den Städten und der Möglichkeit, sich auch in der Provinz<br />
mit der Welt vernetzen zu können, stellen sich solche Fragen heute neu. Diese<br />
Entwicklung aufgreifend, distanzierte sich Lindau mit der Ausstellung im Jahr<br />
2010 von seinem provinziellen Etikett, indem es sich selber in den Werken von<br />
16 europäischen Künstlern und Künstlerinnen spiegelte. Die eigens für die<br />
Ausstellung entwickelten Positionen unter anderem von Julius von Bismarck<br />
und Thilo Frank setzen sich im öffentlichen Raum mit Perspektiven der Provinz<br />
und Provinzialität auseinander. Drei Essays führen tiefer in die Thematik.<br />
Arne Fehmel, Korbinian Kainz, Felix Rundel (Hg.): PROVINZ – Eine Ausstellung im<br />
Sommer 2010. Verlag Robert Gessler, Friedrichshafen 2010, Dt., 95 S., farb. Abb.,<br />
Softcover, 19,80 €. ISBN 978-3-86136-142-8<br />
Malerei <strong>als</strong> Schaufenster<br />
Leere Schaufenster in den Straßen werden von leuchtenden monochromen<br />
Leinwänden in Regenbogenfarben ausgefüllt. Im Jahr 2009 bot sich Bewohnern<br />
und Besuchern der Stadt Loitz in Vorpommern dieser ungewöhnliche<br />
Anblick: „Window Shopping“ zeigt die fotografischen und zeichnerischen<br />
Ergebnisse des gleichnamigen Projekts der Künstlerin Barbara Camilla Tucholski,<br />
die ihre Heimatstadt Loitz in früher Kindheit verließ und erst 36 Jahre<br />
später zurückkehrte. Die Bilder erinnern an den Wandel, dem Städte unterworfen<br />
sind: War Loitz einst eine belebte Einkaufsstadt, so ist sie heute von<br />
Landflucht und schrumpfender Bevölkerung geprägt. Das Künstlerbuch lenkt<br />
den Blick auf dennoch Sehenswertes.<br />
Barbara Camilla Tucholski: Window Shopping. Ein Künstlerbuch. Wienand Verlag,<br />
Köln 2012, Dt./Engl., 192 S., 135 farb, 2 S/W-Abb., ca. 29,80 €. ISBN 978-3-86832-123-4<br />
www.kremer-pigmente.de<br />
26<br />
Otto Modersohn<br />
Landschaften der Stille<br />
Die Natur subjektiv sehen, sie beseelen,<br />
ist meine Art., Otto Modersohn, 1895<br />
Zahlreiche Gemälde und Zeichnungen Otto<br />
Modersohns versammelt der retrospektiv<br />
angelegte Band und würdigt damit die stillen<br />
Landschaften des Malers, die auf eindrückliche<br />
Art und Weise Blicke durch die Augen<br />
des Künstlers auf eine gesehene und doch in<br />
erster Linie gefühlte Wirklichkeit gewähren.<br />
www.kerberverlag.com<br />
26 x 23 cm, 208 Seiten,<br />
164 Abbildungen,<br />
Hardcover, gebunden<br />
Deutsche Ausgabe<br />
isbn 978-3-86678-754-4<br />
Englische Ausgabe<br />
isbn 978-3-86678-755-1<br />
1 38,–<br />
27
Plakate, Plakate<br />
Das Museum Bautzen beherbergt eine bedeutende<br />
kultur- und kunstgeschichtliche Sammlung in der Oberlausitz,<br />
die unter den Aspekten Region, Stadt und Kunst<br />
präsentiert wird. Die 1000-jährige Geschichte der Stadt<br />
Bautzen wird durch Kunstwerke von der Renaissance<br />
bis zur Gegenwart bebildert. Anlässlich des 100-jährigen<br />
Jubiläums des Gebäudes am Kornmarkt – dam<strong>als</strong><br />
eines der modernsten seiner Zeit – werden begleitend<br />
zur Schau „Ein Haus voller Schätze und Geschichten“ in<br />
einer Kabinettausstellung Plakate gezeigt, die Einblicke<br />
in ein Jahrhundert Plakatgestaltung zu Ausstellungen<br />
des Museums geben.<br />
Franz Gertsch: Schwarzwasser I (Detail 8), 1992, Holzschnitt,<br />
Handabzug auf Kumohadamashi-Japanpapier von Heizaburo Iwano<br />
48 x 42 cm / 36 x 40 cm<br />
Franz Gertsch: Natascha II, 1986, Holzschnitt,<br />
Handabzug auf Hanga-Shi-Japanpapier,<br />
Auflage: VIII 7/7, 116 x 94 cm / 105 x 90,5 cm<br />
Bautzener Künstler von hüben und drüben, 1956, Hölzel, Steindruck farbig<br />
84,5 x 59 cm, Foto: Museum Bautzen<br />
Museum Bautzen<br />
Kornmarkt 1, 02625 Bautzen<br />
bis 28.4.13, Di–So 10–18 Uhr<br />
www.bautzen.de/museum-bautzen.asp<br />
Don Van Vliet<br />
Franz Gertsch<br />
Holzschnitte. Aus der Natur gerissen<br />
Der Schweizer Künstler Franz Gertsch (*1930) gab 1986<br />
für einige Jahre die Malerei auf und wandte sich dem<br />
Holzschnitt zu. Gertsch, der Ende der 1970er-Jahre zunächst<br />
mit hyperrealistischen Gemälden bekannt wurde,<br />
fand in den Holzschnitten das Medium, das ihm die<br />
serielle Bearbeitung eines Motivs mit unterschiedlichen<br />
Farben ermöglichte. Die Ausstellung im Museum<br />
Sinclair-Haus zeigt eine repräsentative Auswahl der<br />
Holzschnitte von Franz Gertsch, die überwiegend aus<br />
großformatigen Drucken und Serien mit Natur- und<br />
Landschaftsdarstellungen besteht. Gertsch nimmt in<br />
den fein gearbeiteten Holzschnitten seichte Bewegungen<br />
an der Wasseroberfläche auf, lässt auf dem Papier<br />
Waldwege entstehen und lenkt den Fokus auf Gräser in<br />
Nahsicht. Durch fotografische Vorlagen zunächst aus<br />
der realen Umwelt gegriffen, verwandeln sich die Motive<br />
im Laufe eines mehrstufigen Entstehungsprozesses<br />
in die faszinierende Immaterialität eines atmosphärischen<br />
Farbraums. Gertsch überträgt während dieses<br />
Prozesses die Bildvorlage in ein filigranes Schema aus<br />
Lichtpunkten und treibt mit dem Hohleisen das Motiv<br />
Punkt für Punkt in eine Holzplatte. Hinter dem durchlässigen<br />
Vorhang monochromer Farbe entsteht eine völlig<br />
neue Sicht auf vertraute Naturmotive und Porträts. Die<br />
in Zusammenarbeit mit Franz Gertsch konzipierte Ausstellung<br />
führt die drei entscheidenden Werkkomponenten<br />
Zeit, Motiv und Farbe zusammen.<br />
Museum Sinclair-Haus<br />
Löwengasse 15, Eingang Dorotheenstr.<br />
61348 Bad Homburg v. d. Höhe<br />
10.3.–26.5., Di 14–20h, Mi–Fr 14–19h, Sa, So, Feiertage 10–18h,<br />
geschl.: montags und 18.-20.4., www.altana-kulturstiftung.de<br />
VLZ 160/00, Don Van Vliet, Ohne Titel, 1986, Tusche, Gouache<br />
50,9 x 35,6 cm © Estate of Don Van Vliet<br />
Courtesy Galerie Michael Werner Märkisch Wilmersdorf, Köln & New York<br />
Im August 2009 verlagerte die Galerie Michael Werner<br />
ihre Berliner Geschäftsstelle nach Märkisch Wilmersdorf,<br />
einem Ortsteil der Stadt Trebbin südlich von Potsdam<br />
und zeigt seither verschiedene Künstler aus ihrem<br />
Programm wie Markus Lüpertz, A.R. Penck, Per Kirkeby<br />
und Jean Fautrier. Don Van Vliet (1941-2010), wohl eher<br />
unter dem Pseudonym Captain Beefheart <strong>als</strong> Autor und<br />
Sänger experimenteller Rock- und Bluesmusik bekannt,<br />
ist noch bis Ende März mit Gouachen in der Galerie vertreten.<br />
In gedeckten Farben schafft er assoziative Werke,<br />
die sich zwischen Abstraktion und Figuration bewegen.<br />
Galerie Michael Werner<br />
Märkisch Wilmersdorf, Alte Parkstr. 3c, 14959 Trebbin<br />
bis 22.3. Mo–Fr 11–16h, www.michaelwerner.de<br />
28 Thema Provinz<br />
Thema Provinz 29
Thea Djordjadze, our full, Installationsansicht Kunsthalle Malmö, 2012<br />
Foto: Helene Toresdotter<br />
Thea Djordjadze – our full<br />
Seit die Kunsthalle Lingen im Jahr 1997 in einem Gebäude<br />
auf dem Gelände des ehemaligen Reichs- und später<br />
Bundesbahn-Ausbesserungswerks eröffnet wurde, widmet<br />
sie sich in vier Ausstellungen pro Jahr regionalen,<br />
nationalen und internationalen Kunstpositionen. Träger<br />
des Ausstellungsraumes ist der örtliche Kunstverein<br />
mit seinen zahlreichen Mitgliedern. Zurzeit wird eine<br />
Einzelschau von Thea Djordjdaze –„our full“ – gezeigt<br />
sowie „Von gelb bis Mitternacht“, eine experimentelle<br />
Ausstellung bestehend aus Werken angewandter und<br />
bildender Kunst, die versucht, den Blick des Betrachters<br />
jenseits kultureller Voreinstellungen zu führen.<br />
Kunst am See<br />
Das Buchheim Museum der Phantasie, vom Architekturbüro<br />
Behnisch, Behnisch & Partner entworfen, beherbergt<br />
die Sammlung des Malers, Fotografen, Verlegers<br />
und Autors Lothar-Günther Buchheim. Diese umfasst<br />
deutsche Expressionisten, Kunsthandwerk, volkskundliche<br />
Gegenstände aus aller Welt sowie Buchheims eigene<br />
Werke und wird in dem Gebäude, das beinahe zwölf<br />
Meter in den Starnberger See hineinreicht, in wechselnden<br />
Ausstellungen präsentiert. Noch bis April kann man<br />
japanische Farbholzschnitte aus der Sammlung von<br />
Kitagawa Utamaro, Utagawa Kunisada oder Utagawa<br />
Kuniyoshi bewundern.<br />
Kunsthalle Lingen<br />
Kaiserstr. 10a, 49809 Lingen<br />
bis 28.4., Di–Fr 10–17h, Sa–So 11–17h<br />
www.kunsthalle-lingen.de<br />
Buchheim Museum © Müller-Naumann<br />
Buchheim Museum der Phantasie / Sammlung Buchheim<br />
Am Hirschgarten 1, 82347 Bernried<br />
bis 7.4.13, Di–So 10–17h, www.buchheimmuseum.de<br />
Appropriated Landscapes<br />
Zeitgenössische afrikanische Fotografie<br />
Das bewachsene Wohnhaus in Burlafingen, das sogenannte<br />
grüne Haus, lässt auf den ersten Blick nicht vermuten,<br />
dass es einen Teil der bedeutendsten privaten<br />
Sammlungen zeitgenössischer Fotografie beherbergt.<br />
Die Sammlung Walther integriert sich in die ländliche<br />
Umgebung und ermöglicht einen Austausch zwischen<br />
internationalen und lokal ansässigen Kunstinteressierten.<br />
In ihrer Architektur greift sie so die Auseinandersetzung<br />
mit dem sozialen Aspekt der Raum- und<br />
Landschaftsnutzung auf, der auch der thematische<br />
Schwerpunkt der Sammlung ist. Die zweite Ausstellung,<br />
„Appropriated Landscapes“, zeigt zeitgenössische afrikanische<br />
Landschaftsfotografie und Videokunst. Die Zusammenstellung<br />
der Positionen der 14 Künstler eröffnet<br />
eine erweiterte Perspektive auf Landschaft im Kontext<br />
von Erfahrung, Ideologie und Erinnerung.<br />
Florian Slotawa, Atelier (Raum 5/Raum 4), 2009, Schwarz-Weiß-Fotografie<br />
Courtesy Galerie Nordenhake, Berlin/Stockholm; Galleria Suzy Shammah,<br />
Mailand, Sies+Höke, Düsseldorf<br />
Florian Slotawa – Andere Räume<br />
Der Bahnhof Rolandseck, ein Zeugnis des frühen deutschen<br />
Eisenbahnbaus, wurde nach seiner Stilllegung<br />
nach dem Zweiten Weltkrieg seit den 1960er-Jahren zu<br />
einem Zentrum kulturellen Lebens. Seit 2004 befindet<br />
sich dort das Arp-Museum, in dessen Zentrum die Kunst<br />
von Hans Arp und Sophie Taeuber-Arp steht und das in<br />
Wechselausstellungen Werke zeitgenössischer Künstler<br />
präsentiert. Die momentane Ausstellung „Florian Slotawa<br />
– Andere Räume“ zeigt minimalistische Schwarz-<br />
Weiß-Fotografien seines Berliner Ateliers, die den Fokus<br />
auf den gegenstandslosen Baukörper legen: Details wie<br />
Rohre und Steckdosen werden so zu skulpturalen Elementen.<br />
David Goldblatt: In Boksburg: Flag-raising ceremony for Republic Day<br />
at Christian Brothers College, Boksburg, 1979- 1980<br />
Fotografie © David Goldblatt<br />
Courtesy the artist and Goodman Gallery, Johannesburg<br />
The Walther Collection<br />
Reichenauer Str. 21, 89233 Neu-Ulm/Burlafingen<br />
bis 12. 05., Do–So, 11–17 Uhr<br />
nur nach Voranmeldung und mit Führung<br />
www.walthercollection.com<br />
Arp-Museum Bahnhof Rolandseck<br />
Hans-Arp-Allee 1, 53424 Remagen<br />
bis 1.4.13, Di–So 11–18h, www.arpmuseum.org<br />
30 Thema Provinz<br />
Thema Provinz<br />
31
When Violence becomes Decadent<br />
Die auf nachhaltige Kulturarbeit und die fundierte Auseinandersetzung<br />
mit gesellschafts- und kunstkritischen<br />
Fragen ausgerichtete Perspektive des ACC-Weimar<br />
kommt dem experimentellen Konzept des Kurators der<br />
aktuellen Ausstellung, Shaheen Merali, sicher entgegen.<br />
Verschiedene Ansätze der künstlerischen Bearbeitung<br />
von Aspekten der indischen Kultur werden gezeigt und<br />
lenken in der Diskussion mit dem Werk des Poeten und<br />
Sozialreformers Rabindranath Tagore den Blick auf die<br />
Probleme und Widersprüche der zeitgenössischen indischen<br />
Nation. Mit den tagesaktuell hochbrisanten<br />
Themen der sexuellen Ausbeutung und Unterdrückung<br />
setzen sich Leena Kejriwal und Simit Raveshia in großen<br />
Rauminstallationen auseinander. Aber auch schwelende<br />
Konflikte wie die Schattenseiten der Billiglohnarbeit<br />
und des Lebens <strong>als</strong> Wanderarbeiter werden von Binu<br />
Bhaskar künstlerisch bearbeitet.<br />
Karl Schwarzenberg, Numerischer Horizont, 2001, Öl auf Leinwand<br />
100 x 110 cm, © Karl Schwarzenberg<br />
Karl Schwarzenberg – Numerische Bilder und Objekte<br />
Der 1999 gegründete Kunstverein Vieringen versteht<br />
sich <strong>als</strong> Experimentierfeld, in dem sich primär junge MedienkünstlerInnen<br />
präsentieren können. Viele der bisherigen<br />
Ausstellungen wurden eigens für den großen<br />
Gewölbekeller, den hauptsächlichen Ausstellungsraum<br />
des Kunstvereins, entwickelt. Im Kunstraum Viernheim,<br />
der seit 2006 <strong>als</strong> zusätzlicher Ausstellungsraum dient,<br />
werden derzeit Karl Schwarzenbergs sogenannte numerische<br />
Bilder gezeigt, bei denen die Zahl 1 <strong>als</strong> bildnerisches<br />
Element eine zentrale Rolle spielt. Dabei arbeitet<br />
er mit leuchtenden Farben auf Ölpapier oder Leinwand,<br />
mit Farbfeldern, Fotorissen und Nummernschildern.<br />
ACC Weimar e.V.<br />
Burgplatz 1+2, 99423 Weimar<br />
bis 5.5., Mo–So 12–18h, Fr–Sa 12–20h<br />
www.acc-weimar.de<br />
Kunstverein Viernheim / Kunsthaus Viernheim<br />
Rathausstr. 36, 68519 Viernheim<br />
bis 17.3., Do–Fr 15–18h, Sa 10–13h and by appt.<br />
www.kunsthaus-viernheim.de<br />
Dietmar Binger: Erinnerte Jetzt-Zeit, 2000-2012<br />
Fotografie © B&K St. Wendel<br />
Dietmar Binger<br />
Fein sortiert – aus den Werksätzen 2000-2012<br />
Neben Objekten der regionalen Kunst- und Kulturgeschichte<br />
zeigt das Stadtmuseum St. Wendel in wechselnden<br />
Ausstellungen Werke der nahe gelegenen<br />
„Straße der Skulpturen“, die vom Bildhauer und Maler<br />
Otto Freundlich initiiert wurde. Die aktuelle Ausstellung<br />
widmet sich dem Schaffen des im Saarland ansässigen<br />
Künstlers Dietmar Binger. Präsentiert werden zwei jüngere<br />
Werksätze des Künstlers: „Erinnerte Jetzt-Zeit“ und<br />
„Idole“, in denen er sich mit fotografischen Techniken<br />
auseinandersetzt. Großformatige Momentaufnahmen<br />
und Porträts werden in Quadrate zerlegt und wieder zu<br />
Rasterstrukturen zusammengefügt. Während die Fotografien<br />
aus der Nähe betrachtet auseinanderfallen und<br />
erst aus einer gewissen Entfernung ein geschlossenes<br />
Motiv ergeben, verweisen sie auf Fragen der Wahrnehmung,<br />
Erinnerung und Zeit.<br />
Hella Gerlach – Ein gedanklicher Stretch<br />
Der Kunstverein Schwerin wurde im Jahr 2002 gegründet<br />
und zeigt zeitgenössische Kunst in einem ehemaligen<br />
Schweriner E-Werk. Ab März ist dort die erste institutionelle<br />
Einzelausstellung Hella Gerlachs zu sehen:<br />
eine installative und performative Arbeit, die explizit<br />
für diesen Ort entstand. Gerlach entwickelte ein Raumkonzept,<br />
bei dem Stoffbahnen die sieben Meter hohen<br />
Räume des Kunstvereins unterteilen und so ein neues<br />
Raumerleben schaffen. Dabei befinden sich in den<br />
Trennwänden Objekte aus Keramik und Porzellan, die<br />
von den Besuchern angefasst oder zu zweit <strong>als</strong> Kommunikationsmodul<br />
genutzt werden können.<br />
Stadtmuseum St. Wendel<br />
Mia- Münter- Haus<br />
Wilhelmstr. 11/ In der Mott , 66606 St. Wendel<br />
bis 10.3., Di–Fr 10–13 h, 14–16.30 h<br />
Do 14–18 h, Sa 14–16:30 h, So 14–18 h<br />
www.museum-wnd.de<br />
Hella Gerlach, Teil für Einen, zum Luftmelken, 2011<br />
Keramik, glasiert, 18,5 x 19 x 5 cm, Courtesy the artist<br />
Copyright Linda Fuchs<br />
Kunstverein Schwerin e.V.<br />
Spieltordamm 5, 19055 Schwerin<br />
Mi–Do, Sa–So 15–18h, Fr 16.30–19.30h und auf Anfrage<br />
www.kunstverein-schwerin.de<br />
32 Thema Provinz<br />
Thema Provinz 33
Alles golden. Die 20er-Jahre<br />
Als eines der größten Museen Schleswig-Holsteins richtet<br />
der Museumsberg Flensburg mit der kommenden<br />
Ausstellung einen weiten Blick auf die goldenen 1920er-<br />
Jahre. In diesem Rahmen wird die ständige Sammlung<br />
im Hans-Christiansen-Haus, die unter anderem Werke<br />
von Emil Nolde zeigt, mit einer Sonderausstellung ergänzt.<br />
Diese thematisiert den Blick auf das frühe Jahrhundert<br />
aus der Perspektive von Künstlern des Expressionismus,<br />
der neuen Sachlichkeit und Art Déco wie<br />
Erich Heckel, Nikolaus Wöhlk und Heinrich Stegemann.<br />
Gesellschaftspolitische Fragen werden außerdem in einem<br />
dokumentarischen Ansatz aufgegriffen, indem das<br />
Augenmerk auf das Stadtbild und die zeitgenössischen<br />
tagesaktuellen Ereignisse von Flensburg und Schleswig-<br />
Holstein in der Zeit nach dem ersten Weltkrieg gerichtet<br />
wird.<br />
ROTesque<br />
„Alles über eine Farbe“ lautet das Motto der neuen<br />
Ausstellung im SCHAUWERK Sindelfingen. „ROTesque“<br />
umfasst eine große Vielfalt künstlerischer Positionen,<br />
bei denen Rottöne die Hauptrolle spielen. Die Farbe Rot<br />
verweist auf zentrale Bereiche der menschlichen Existenz,<br />
und mit ihr verbinden sich viele Emotionen. Durch<br />
die Fülle an Bedeutungen und Mate rialien der Werke<br />
ergibt sich eine spannende vergleichende Betrachtung.<br />
Zu sehen sind 56 Arbeiten von 45 Künstlerinnen und<br />
Künstlern – unter ihnen Martin Creed, Lucio Fontana,<br />
Katharina Grosse und Anish Kapoor.<br />
Tim Noble und Sue Webster: Fucking Beautiful Beautiful Fucking<br />
2000, Neoninstallation, 163 x 156 x 6 cm<br />
© Tim Noble und Sue Webster<br />
Heinrich Stegemann: Cinthia, 1928, Öl auf Hartfaser, 107 x 67 cm<br />
© Museumsberg Flensburg<br />
Museumsberg Flensburg<br />
Museumsberg 1, 24937 Flensburg<br />
bis 18.8., Di–So 10–17h, www.museumsberg-flensburg.de<br />
SCHAUWERK Sindelfingen<br />
Eschenbrünnlestr. 15/1, 71065 Sindelfingen<br />
bis 12.1.2014, Sa u. So 11–17h, Di u. Do. 15–16.30h (Führung)<br />
www.schauwerk-sindelfingen.de<br />
Bruno Goller: Große Tasse, 1957<br />
Aus den Beständen der Insel Hombroich.<br />
Bruno Goller – Bilder und Zeichnungen<br />
Karl-Heinrich Müller schuf mit seiner Stiftung einen<br />
vielgestaltigen Kulturraum, eingebettet in die Landschaft<br />
an der Erft. In dieser einzigartigen Umgebung<br />
wird Kunst und Kultur von der Frühgeschichte bis ins<br />
20. Jahrhundert zugänglich gemacht. Gefördert durch<br />
den Stifter ist die Insel Hombroich mit Künstlerateliers<br />
und Ausstellungsgebäuden ein Ort geworden, an dem<br />
sich sowohl Kunstinteressierte <strong>als</strong> auch Kunstschaffende<br />
verschiedener Nationen begegnen. Die aktuelle<br />
Ausstellung auf der ehemaligen Raketenstation stellt<br />
den Bezug zu Karl-Heinrich Müller her. Denn sie zeigt 39<br />
Zeichnungen und Ölgemälde aus 70 Jahren Schaffenszeit<br />
von Bruno Goller – aus dem Besitz des Sammlers.<br />
Die eigenen Bildwelten Gollers, die sich zwischen expressiver<br />
und surrealistischer Formensprache bewegen,<br />
werden in der offenen Architektur des Siza-Pavillons<br />
präsentiert.<br />
Steffen Volmer.<br />
Herz – Grafische Arbeiten – Künstlerbücher<br />
In historischen Gebäuden des 16. Jahrhunderts, direkt<br />
am Marktplatz in Wernigerode, zeigt der Kunst- und<br />
Kulturverein Werke des Chemnitzer Künstlers Steffen<br />
Volmer. Mit feinen Linien und leicht verlaufenden Farbflächen<br />
erschafft Volmer fantastische Bildwelten. Die<br />
lyrische Wirkung seiner Grafik entfaltet sich in der Verbindung<br />
von vereinzelten Figuren in nicht zu definierenden<br />
Räumen. Mit seiner Kunst geht Volmer essentiellen<br />
Fragen wie der Vereinzelung des Individuums und der<br />
Verbindung von Mensch und Welt nach. Die Wirkung<br />
von Hoffnung und Würde ist dabei jedoch immer ein<br />
Grundton seiner Kompositionen.<br />
Stiftung Insel Hombroich<br />
Raketenstation Hombroich 4, 41472 Neuss<br />
bis 07.04., Sa–So 12–17 h, www.inselhombroich.de<br />
Steffen Volmer<br />
Wernigeröder Kunst- und Kulturverein e. V.<br />
Galerie im ersten Stock, Marktstr. 1, 38855 Wernigerode<br />
Di–So 14–17h, Sa 11–17h, www.kunstverein-wernigerode.de<br />
34 Thema Provinz<br />
Thema Provinz 35
Hommage à Cy Twombly<br />
Vater und Sohn: Lyonel und T. Lux Feininger<br />
Andy Warhol: Car Crash, 1978, Siebdruck, Unikat, 89 x 114 cm<br />
© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts Inc./ ARS, New York<br />
Cy Twomblys Werk hat durch die Verbindung von Bild<br />
und Schrift und die Vergegenwärtigung der Geschichte<br />
und Mythenwelt des Mittelmeerraumes zahlreiche<br />
Künst ler unserer Zeit nachhaltig beeinflusst. Twombly<br />
selbst war am intellektuellen Austausch mit anderen<br />
Künstlern ebenso interessiert wie an der Kunst- und<br />
Kul turgeschichte. Die Ausstellung vereint Werke von<br />
Vorgängern, Zeitgenossen und Freunden Twomblys<br />
mit Arbeiten jüngerer Künstler, die sich mit seinem<br />
Werk auseinandergesetzt haben. Sie umfasst sowohl<br />
historisch bedeutende Arbeiten wie ein Drip Painting<br />
von Jackson Pollock <strong>als</strong> auch neue, eigens für die Ausstellung<br />
„Hommage à Twombly“ konzipierte Arbeiten<br />
wie ein Wandbild von Richard Long. Vertreten sind Joseph<br />
Beuys, Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Richard Long,<br />
Brice Marden, Gerhard Merz, Jackson Pollock, Robert<br />
Rauschenberg, Emma Stibbon und Andy Warhol.<br />
Lyonel und T. Lux Feininger, New York, 1951<br />
Foto: Andreas Feininger<br />
Gezeigt werden 20 Aquarelle und Zeichnungen von<br />
Lyonel Feininger (1871-1956) aus den Jahren 1909 bis<br />
1919. Daneben sind 60 Holzschnitte sowie geschnitzte<br />
und handbemalte Holzzüge, -figuren und -häuser aus<br />
der persönlichen Sammlung von Lyonel Feininger und<br />
erstm<strong>als</strong> in Deutschland 15 Gemälde seines jüngsten<br />
Sohnes T. Lux Feininger (1910-2011) zu sehen.<br />
Moeller Fine Art<br />
Tempelhofer Ufer 11, 10963 Berlin-Kreuzberg<br />
bis 12.4., Mo–Fr 11–18h, www.moellerfineart.com<br />
Jim Rakete – Vertigo<br />
Ausstellungsansicht<br />
© Roman März<br />
Galerie Bastian<br />
Am Kupfergraben 10, 10117 Berlin-Mitte<br />
verlängert bis 6.4., Do–Fr 11–17.30h, Sa 11–16h<br />
Tue Greenfort. GASAG Kunstpreis 2012<br />
Tue Greenfort (*1973 in Holbæk, Dänemark) ist Träger des<br />
GASAG Kunstpreises 2012 und erhält in diesem Rahmen<br />
eine Einzelpräsentation in der Berlinischen Galerie. Der<br />
international tätige Künstler mit Wahlheimat Berlin war<br />
zuletzt auf der dOCUMENTA (13) vertreten. In der Ausstellung<br />
konzentriert sich Greenfort auf die Elemente<br />
Gas und Glas und führt diese in raumgreifenden Installationen<br />
zusammen. In der Kombination aus neuen<br />
Arbeiten und Archivmaterialien untersucht er dabei sowohl<br />
die künstlerische <strong>als</strong> auch die soziale Bedeutung<br />
von Glas und (Gas-)Licht.<br />
Jim Rakete: Lulu (Aenne Schwarz), 2012, Archival Pigment Print auf Baryt<br />
100 x 100 cm (Ausschnitt), Ed. 6<br />
Drei Schauspielerinnen in Rollen, denen sie ihre Engagements<br />
verdanken. Figuren wie Lulu von Wedekind oder<br />
Albertine von Proust, die sie beim Vorsprechen spielen,<br />
aber später nicht umsetzen können. Die ungespielten<br />
Rollen sind lebendig im Leben der Darstellerinnen: Sie<br />
markieren Wegbiegungen einer Künstlerlaufbahn und<br />
Momente, in denen man einen anderen Weg nehmen<br />
musste. Jim Rakete schaut mit der Kamera auf die Rollen,<br />
die sich ein Schauspieler zutraut, und die Gedanken,<br />
die in den Texten dazu stecken. Die Ausstellung wird<br />
durch einen Kurzfilm ergänzt.<br />
MÜNZING CLAASSEN GALERIE<br />
Holsteinische Str. 29 (am Hohenzollernplatz)<br />
10717 Berlin-Wilmersdorf, bis 13.4. (29.3.–1.4. geschlossen)<br />
Di–Fr 12–18h, Sa 11–15h, www.muenzingclaassen.de<br />
Sharon Back – I trust my image<br />
Weltweit hat die israelische Fotografin Sharon Back bereits<br />
herausragende Persönlichkeiten aus Politik, Modeund<br />
Filmwelt porträtiert. Erstm<strong>als</strong> stellt sie nun in Berlin<br />
aus. Ihre neuen Arbeiten zeigen deutsche Frauen, deren<br />
Stärke und Präsenz Back beeindruckt haben: Katja Riemann,<br />
Anna Thalbach, Sahra Wagenknecht, Magdalena<br />
Neuner, Julia Jentsch, Jeanette Hain, Bettina Zimmermann<br />
u.a.<br />
Berlinische Galerie<br />
Alte Jakobstr. 124-128, 10969 Berlin-Kreuzberg<br />
bis 8.4., Mi–Mo 10–18h, Eintritt: 8 €, erm. 5 €<br />
www.berlinischegalerie.de<br />
www.facebook.com/berlinischegalerie<br />
Sharon Back: Jeanette Hain, 2013<br />
Print auf Acryl-Glas/Alu-Dibond, 80 cm x 110 cm<br />
Temporary Gallery Berlin (tgb)<br />
Mommsenstr. 42, 10629 Berlin-Charlottenburg<br />
Opening: 2.3., 19h, 28.2.–26.3., Mi–Fr 15–18h and by appt.<br />
0160-9027454, www.temporary-gallery-berlin.com<br />
36<br />
37
Avantgarde für den Alltag<br />
Jüdische Keramikerinnen in Deutschland 1919–1933<br />
Im Rahmen des Berliner Themenjahrs „2013 – Zerstörte<br />
Vielfalt“ zeigt das Bröhan-Museum eine Sonderausstellung<br />
mit etwa 180 Exponaten zu drei jüdischen<br />
Keramikerinnen der Avantgarde: Marguerite Friedlaender-Wildenhain,<br />
Margarete Heymann-Marks und Eva<br />
Stricker-Zeisel. In der angewandten Kunst vor 1933 waren<br />
es gerade Frauen, die großen Anteil an der Entwicklung<br />
einer „Avantgarde für den Alltag“ in Deutschland<br />
hatten. Exemplarisch soll dies anhand der Werke und<br />
Biografien der genannten Keramikerinnen gezeigt werden.<br />
Alle drei schufen wegweisende Formen und Dekore<br />
für Objekte des täglichen Gebrauchs.<br />
Max Regenberg – Der Gebrauch der Landschaft<br />
Seit den 1970er-Jahren dokumentiert der Kölner Fotograf<br />
Max Regenberg Großflächenplakate im öffentlichen<br />
Stadtraum. Den Künstler interessieren dabei vor<br />
allem die zufälligen Konstellationen von Architektur,<br />
Plakatinhalt und Umgebung, da diese seiner Ansicht<br />
nach Auskunft über die Zeit geben, in der die Aufnahmen<br />
entstanden sind. Sie sind gleichzeitig Zeitzeugen<br />
und Gedächtnisspeicher und zeigen das kulturelle und<br />
politische Bewusstsein der Gesellschaft. Die Städtische<br />
Galerie Wolfsburg widmet dem 1951 in Bremerhaven geborenen<br />
Regenberg nun eine umfangreiche Ausstellung<br />
und stellt damit das wichtige Œuvre erstm<strong>als</strong> in einer<br />
großen Museumsschau vor.<br />
Teeservice, Entwurf Margarete Heymann-Marks, Ausführung Haël-<br />
Werkstätten für künstlerische Keramik, Marwitz, um 1925/30, Steingut mit<br />
Mattglasur, Bröhan-Museum, Berlin, Foto: Martin Adam, Berlin<br />
Bröhan-Museum, Schloßstr. 1a, 14059 Berlin-Charlottenburg<br />
28.2.–20.5., Di–So 10–18h, Eintritt: 6 €, erm. 4 €,<br />
jeden ersten Mi im Monat frei, www.broehan-museum.de<br />
Max Regenberg, Lichtung # 2005, L.B. System Köln, C-Print<br />
© Max Regenberg, Courtesy Galerie Thomas Zander, Köln<br />
Städtische Galerie Wolfsburg, Schlossstr. 8, 38448 Wolfsburg<br />
Opening: 9.3. 18h, 10.3.–27.10., Di 13–20h, Mi–Fr 10–17h,<br />
Sa 13–18h, So 11–18h, www.staedtische-galerie-wolfsburg.de<br />
François Morellet figuratif – Gunda Förster konkret<br />
im Kunst-Raum des Deutschen Bundestages<br />
Amélie Grözinger – elapsed Utopia<br />
Skulpturen, Installation<br />
© François Morellet<br />
François Morellet – Wandelbare Wand<br />
im Mauer-Mahnmal des Deutschen Bundestages<br />
Weiße Neonröhren und farbige Glaskugeln lassen den<br />
Kunst-Raum erstrahlen und stellen ironisch den Mythos<br />
vom Künstler infrage – ebenso die „Wandelbare Wand“<br />
im Mauer-Mahnmal, deren bewegliche Elemente wechselnde<br />
geometrische Bilder gestalten.<br />
Kunst-Raum und Mauer-Mahnmal des Deutschen Bundestages<br />
Marie-Elisabeth-Lüders-Haus, Schiffbauerdamm<br />
16.1.–5.5., Eintritt frei<br />
Kunst-Raum: Di–So 11–17h, Mauer-Mahnmal: Di–So 11–17h<br />
www.kunst-im-bundestag.de, www.mauer-mahnmal.de<br />
Amélie Grözinger: Ailantery, 2013, Fotografie, 30 x 30 cm<br />
Courtesy Wendt+Friedmann, Berlin<br />
Amélie Grözingers Werk ist von Fragen der Transformation<br />
und der plastischen Umdeutung beherrscht. Sie<br />
schafft Objekte, die ihre Künstlichkeit nicht verleugnen,<br />
aber zugleich <strong>als</strong> Hervorbringung einer pulsierenden<br />
Vitalität bezeichnet werden können. Wiederholt verwendet<br />
sie Äste, Stämme und andere organische Fundstücke<br />
in Kombination mit glatten, durchgearbeiteten<br />
Oberflächen in Verweis auf die fließenden Grenzen<br />
zwischen Natur und Kunst. Ihre Skulpturen bestehen<br />
aus armen Materialien wie Gips, Epoxidharz oder Beton,<br />
wobei der Zusammenhalt der Teile mitunter bewusst<br />
provisorisch gehalten wurde.<br />
WENDT+FRIEDMANN, Heidestr. 54, 10557 Berlin-Mitte<br />
Opening: 1.3., 28–21h, 2.3.–13.4., Mi-Fr 12-18h, Sa 12-17h<br />
www.wendt-friedmann.com<br />
Helmut Newton: Amica, Mailand 1982<br />
Helmut Newton: World without Men/ Archives de Nuit<br />
François-Marie Banier: Portraits<br />
Lange vor seinen ersten Publikationen arbeitete Helmut<br />
Newton im Auftrag von renommierten Modemagazinen<br />
und -häusern. Manche dieser Aufnahmen veröffentlichte<br />
er 1984 unter dem ironischen und programmatischen<br />
Titel „World without Men“. In dem Buch finden sich<br />
pointierte Selbstäußerungen Newtons sowie zahlreiche<br />
Bildikonen, aufgenommen in Paris, Saint-Tropez, Los<br />
Angeles, Berlin und London zwischen den 1960er- und<br />
1980er-Jahren – und gelegentlich doch schon mal einen<br />
Mann. Das Buch wird nun erstm<strong>als</strong> in einer Ausstellung<br />
präsentiert.<br />
Helmut Newton Stiftung im Museum für Fotografie<br />
Jebensstr. 2, 10623 Berlin-Charlottenburg<br />
bis 13.10., Di–So 10–18h, Do 10–20h<br />
www.helmutnewton.com<br />
Ralf Peters: Baum 3, 2011, C-Print auf Aludibond (Diasec), 110 x 101 cm<br />
Courtesy Galerie Kornfeld, Berlin<br />
Ralf Peters<br />
In einer Zeit, in der die digital gestalteten, virtuellen Welten<br />
der Filme, Videospiele und der Werbung zum Alltag<br />
gehören und vielfach realer <strong>als</strong> die Wirklichkeit selbst erscheinen,<br />
spielt der deutsche Künstler Ralf Peters (*1960,<br />
Lüneburg) geschickt mit unseren Erwartungen an das<br />
Medium Fotografie. Seine konzeptuellen Fotografien<br />
lassen bewusst offen, ob der Künstler eine beobachtete<br />
Szene unverfälscht wiedergibt oder ob seine Bilder nicht<br />
doch eine raffinierte digitale Manipulation des Sichtbaren<br />
sind. Die nüchtern registrierende Fotografie kann<br />
dabei fremder wirken <strong>als</strong> das digital veränderte Bild –<br />
und genau aus diesem Paradoxon beziehen die Werke<br />
ihre Spannung.<br />
Galerie Kornfeld, Fasanenstr. 26, 10719 Berlin-Charlottenburg<br />
Opening: 1.3., 18–21h, 1.3.–6.4., Di–Sa 11–18h<br />
www.galeriekornfeld.com<br />
38<br />
39
Hans-Peter Feldmann – Kunstausstellung<br />
Die Ausstellung in den Deichtorhallen Hamburg ist den<br />
zentralen Serien, Installationen, Skulpturen und Bildern<br />
aus über vier Jahrzehnten gewidmet, die Feldmanns<br />
wunderbare Fähigkeit aufzeigen, humorvoll wie intellektuell<br />
den Trubel des Lebens in seinen Werken einzufangen.<br />
Von geisterhaften Schattenspielen über die für<br />
500 Euro von Passantinnen erstandenen Handtaschen,<br />
deren Inhalt in der Ausstellung präsentiert wird, bis zu<br />
dem künstlerischen „Funkturm“ der Ausstellung auf<br />
dem Deichtorplatz – Michelangelos „David“, in schriller<br />
Farbigkeit und neun Meter groß – findet sich alles in der<br />
Schau, was das Werk des Künstlers ausmacht.<br />
ARTE POSTALE<br />
Bilderbriefe, Künstlerpostkarten und Mail Art<br />
Die Akademie zeigt mit „ARTE POSTALE“ erstm<strong>als</strong> Künstlerpost<br />
aus den hauseigenen Archiven, der Akademie-<br />
Kunstsammlung sowie der Sammlung Staeck. Neben<br />
Briefen und Karten unter anderem von George Grosz,<br />
Max Pechstein, Else Lasker-Schüler, von Mail-Artisten<br />
wie Ray Johnson, Robert Rehfeldt und Clemente Padín<br />
werden auch Korrespondenzen von Joseph Beuys, Diter<br />
Rot oder Hanne Darboven mit Klaus Staeck präsentiert.<br />
Hans-Peter Feldmann: David<br />
Deichtorhallen Hamburg, Deichtorstr. 1-2, 20095 Hamburg<br />
Opening: 28.2., 19.30h, 1.3.–2.6., Di–So 11–18h,<br />
1. Do im Monat 11–21h, Eintritt: 9 €, erm. 6 €,<br />
bis 18 Jahre frei, www.deichtorhallen.de<br />
Robert Rehfeldt: Kunst ist, wenn sie trotzdem entsteht<br />
Mail-Art-Postkarte mit Stempelaufdrucken, 1990<br />
Akademie der Künste<br />
Pariser Platz 4, 10117 Berlin-Mitte<br />
Opening: 29.8., 19h, 30.8.–8.12., Di–So 11–19h, www.adk.de<br />
EVA & ADELE: Tides, 2012-12, Aquarell, Graphit auf Bütten, 14 Werke<br />
38 x 56 cm, Foto: Hans Schröder © Marta Herford<br />
EVA & ADELE – Obsidian<br />
EVA & ADELE kommen aus der Zukunft. Seit 1991 erscheinen<br />
sie stets gemeinsam, stets gleich gekleidet<br />
und verwandeln die Orte ihres Auftretens: „Wo immer<br />
wir sind ist Museum“. Neben ihrem umfassenden Performance-<br />
und Medien-Werk und dem breiten malerischen<br />
Œuvre ist das in großen Zyklen entstehende<br />
zeichnerische Werk kaum bekannt. Erstm<strong>als</strong> reißen EVA<br />
& ADELE Löcher in die perfekte Hülle ihrer Zwillingsidentität.<br />
„Obsidian“ bezeichnet schwarzes, vulkanisches<br />
Glasgestein und ist der Titel der ersten Ausstellung,<br />
die die andere Seite von EVA & ADELE zeigt. Sie führt in<br />
eine Welt zwischen rosafarbenem Licht und schwarz getränkten<br />
Schatten.<br />
Marta Herford, Goebenstr. 2-10, 32052 Herford<br />
10.3.–26.5., Di–So, feiertags 11–18h, jeden 1.Mi im Monat 11–21h,<br />
www.marta-herford.de<br />
Philippe Starck: Marie Coquine, 2011, Baccarat © Baccarat<br />
Isn’t it romantic? Zeitgenössisches Design zwischen<br />
Poesie und Provokation<br />
Die Ausstellung „Isn’t it romantic?“ versucht, das gegenwärtige<br />
Verständnis von Romantik sowie die neue<br />
Sehnsucht nach Romantik zu ergründen. Romantische<br />
Tendenzen zeigen sich zum Beispiel an Mustern, Materialien<br />
und Verarbeitungsmethoden, aber auch an Konzepten,<br />
die poetische, ironische und sogar abgründige<br />
Prinzipien aufgreifen oder widerspiegeln. Die präsentierten<br />
Positionen sind durch 40 international bedeutende<br />
Designer vertreten wie Philippe Starck, Ronan<br />
und Erwan Bouroullec, Patricia Urquiola, Hella Jongerius,<br />
Formafantasma und Robert Stadler.<br />
MAKK – Museum für Angewandte Kunst Köln<br />
An der Rechtschule, 50667 Köln<br />
bis 21. 4. Di-So 11-17 Uhr, 1. Do im Monat 11-22 Uhr, www.makk.de<br />
Deutsche Wohnen – GEHAG Forum<br />
K. H. Hödicke – Malerei, Skulptur, Film<br />
Im GEHAG Forum werden drei in Berlin arbeitende<br />
Künstlerinnen mit Werken außerordentlicher Techniken<br />
vorgestellt.<br />
Die fantastisch-absurden „Kitchenplastics“ von Anke<br />
Eilergerhard aus Silikon und Geschirrteilen erscheinen<br />
<strong>als</strong> humorvoller Kommentar zur Geschlechterfrage.<br />
Heike Jeschonneks Bilder aus Öl- und Paraffin zeigen<br />
Szenen der Wirklichkeit traumhaft entrückt, während<br />
Tatjana Schülkes Skulpturen aus Kappaplatten und gefundenen<br />
Objekten zwischen Abstraktion und Figuration<br />
pendeln.<br />
K.H. Hödicke: Der Europäische Reisekoffer, 1967/1976<br />
Sammlung Berlinische Galerie, Berlin<br />
Seit mehr <strong>als</strong> einem halben Jahrhundert ist das Schaffen<br />
von K. H. Hödicke fest mit der Stadt Berlin verknüpft.<br />
Der 1938 in Nürnberg geborene Künstler schuf in seiner<br />
Wahlheimat von 1957 bis heute ein vielseitiges, gattungsübergreifendes<br />
Werk, das mit zahlreichen Gemälden,<br />
Skulpturen, Objekten und grafischen Arbeiten in<br />
der Sammlung der Berlinischen Galerie repräsentativ<br />
vertreten ist. In seiner Offenheit gegenüber zahlreichen<br />
Medien, die neue Formen von Malerei und Skulptur<br />
ebenso umfassen wie Objekte und Film, prägte K. H.<br />
Hödicke nachhaltig die Berliner Kunstszene. Die Berlinische<br />
Galerie zeigt zentrale Werkgruppen mit einem<br />
Schwerpunkt auf den 1960er- und 1970er-Jahren.<br />
Anke Eilergerhard: Annuschka und Annegretchen, 2012<br />
Deutsche Wohnen AG – GEHAG Forum<br />
Mecklenburgische Str. 57, 14197 Berlin-Wilmersdorf<br />
bis 22.3., Mo–Fr 9–19h, www.deutsche-wohnen.com<br />
Berlinische Galerie, Alte Jakobstr. 124-128, 10969 Berlin-Kreuzberg,<br />
bis 27.5., Mi–Mo 10–18h, www.berlinischegalerie.de<br />
www.facebook.com/berlinischegalerie<br />
40<br />
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Karl Schmidt- Rottluff: Beim Torfstechen, 1922, Aquarell<br />
Sammlung Hermann Gerlinger, Foto: Archiv Gerlinger<br />
Karl Schmidt-Rottluff: Starke Farben – Klare Formen<br />
Aquarelle und Zeichnungen. Sammlung Hermann<br />
Gerlinger<br />
Karl Schmidt-Rottluffs Schaffen in der Zeichnung und<br />
im Aquarell ist durch eine knappe Formensprache und<br />
rhythmische Bewegtheit gekennzeichnet. Bereits in<br />
seinen frühen Jahren erreicht der junge Künstler in<br />
seinen Werken eine künstlerische Gültigkeit, die von<br />
Spontaneität und Leichtigkeit geprägt ist. Ab Mitte der<br />
1920er-Jahre steht das Aquarell nahezu gleichberechtigt<br />
neben dem Gemälde und wird in der Folge zu seinem<br />
bevorzugten künstlerischen Ausdrucksmittel. Für den<br />
sinnbildhaften Ausdruck seiner Arbeiten entwickelt er<br />
eine eigene Bildsprache, die von den Themenkomplexen<br />
der Landschaft und dem Stillleben beherrscht wird. Das<br />
Schaffen Schmidt-Rottluffs ist bis zum Spätstil von Kontinuität<br />
geprägt und zeigt sein meisterliches Können im<br />
kompositorischen Aufbau wie im Zusammenspiel der<br />
Farben.<br />
„Daumier ist ungeheuer!“<br />
Die Stiftung Brandenburger Tor widmet sich in einer<br />
umfangreichen Ausstellung dem Lebenswerk des französischen<br />
Künstlers Honoré Daumier (1808–1879).<br />
Erstmalig werden in Deutschland über Hundert selten<br />
gezeigte Arbeiten des vielseitigen Künstlers ausgestellt.<br />
Max Liebermann verehrte Daumier <strong>als</strong> den „größten<br />
Künstler des 19. Jahrhunderts“ und war ein leidenschaftlicher<br />
Sammler seiner Werke. Er fand ihn „ungeheuer“.<br />
Die Leihgaben für die Sonderschau im Max–Liebermann-Haus<br />
wurden von zahlreichen europäischen<br />
und amerikanischen Museen sowie Privatsammlern zur<br />
Verfügung gestellt.<br />
Stiftung Brandenburger Tor<br />
Pariser Platz 7, 10117 Berlin-Mitte<br />
2.3.–2.6., Mo, Mi, Do, Fr 10–18h, Sa 11–18h<br />
www.brandenburgertor.de<br />
Marc Chagall – Poesie & Traum<br />
Eske Kath: Blackboard Sunset, 2012<br />
Acryl und Kreide auf Schiefertafel, 122 cm x 122 cm<br />
Tom Anholt: The Insomniac, 2013<br />
Öl auf Leinwand, 130 cm x 150 cm<br />
Stiftung Moritzburg<br />
Friedemann-Bach-Platz 5, 06108 Halle (Saale)<br />
bis 20.5., Di–So 10–18h, www.kunstmuseum-moritzburg.de<br />
Eske Kath – Blackboard Sunset<br />
Tom Anholt – Man Made<br />
Der dänische Künstler Eske Kath zeigt erstm<strong>als</strong> in Europa<br />
seine Gemälde auf Tafeln. Das an Schulzeit erinnernde<br />
Präsentationsmedium ist normalerweise temporärer<br />
Informationsträger. Neben üblicher Kreide benutzt Kath<br />
auch haftendes Acryl und nimmt der Tafel somit das<br />
Flüchtige, macht sie zum dauerhaften Bildträger. Die<br />
an hyperbolische Geometrie erinnernden leuchtenden<br />
Linien und Kreisformen sind Wiedererkennungsmerkmale<br />
des Künstlers.<br />
Die Ausstellung „Man Made“ präsentiert neue Arbeiten<br />
des jungen Engländers Tom Anholt. In seinen großformatigen<br />
Bilderwelten ist der Betrachter Beobachter, der<br />
die Gleichzeitigkeit der unbeständigen Perspektiven zu<br />
durchdringen versucht. Denn der Bildinhalt ist oft mit<br />
persönlichen Erinnerungen behaftet und liegt jenseits<br />
des sinnlich Erfahrbaren.<br />
Galerie Mikael Andersen<br />
Pfefferberg Haus 4, Christinenstr. 18/19, 10119 Berlin-Mitte<br />
Opening: 22.3., 18–21h, 23.3 –11.5., Di–Sa 12–18h<br />
www.mikaelandersen.com<br />
Marc Chagall: Cirque (M.522), 1967, Lithografie, 51,5 x 37,5 cm<br />
© Galerie Lessenich<br />
Georg Netzband: Der Sieger, Mai 1939, Öl auf Leinwand, 59,9 x 68,8 cm<br />
Sammlung Gerhard Schneider, Olpe, Foto: Fotoatelier Sasch Fuis, Köln<br />
Dank hochkarätiger Leihgaben bedeutender Sammlungen<br />
zeigt die Ausstellung eine Auswahl von über 140<br />
Werken: Neben dem zentralen Ölgemälde „Die Nacht“<br />
aus der Sammlung Würth und Gouachen wie „Der<br />
Strassenkehrer und der Wasserträger“ aus der Sammlung<br />
Rosengart, Luzern, präsentiert die Kunsthalle mit<br />
handkolorierten Radierungen, Lithografien und seltenen<br />
Monotypien auch ausgewählte Arbeiten aus dem<br />
druckgrafischen Werk. In Riegel erhält der Besucher<br />
damit die einmalige Möglichkeit, die ganze Vielfalt von<br />
Chagalls künstlerischem Schaffen zu erleben und in seine<br />
märchenhafte Welt abzutauchen.<br />
kunsthalle messmer<br />
Grossherzog-Leopold-Platz 1, 79359 Riegel am Kaiserstuhl<br />
bis 30.6., Di–So 10–17h, www.kunsthallemessmer.de<br />
verfemt, verfolgt – vergessen?<br />
Mit der NS-Aktion „entartete Kunst“ wurden Künstler<br />
ausgegrenzt, verfolgt, teilweise in KZs deportiert und<br />
eine ganze Reihe von ihnen, vor allem Juden und politisch<br />
kritische Gegner, ermordet. Die Ausstellung mit<br />
Werken aus der Sammlung Gerhard Schneider entreißt<br />
diese Menschen dem Vergessen und rekonstruiert den<br />
Facettenreichtum ihres bildnerischen Schaffens vor<br />
dem Hintergrund der politischen Ereignisse. Das Berliner<br />
Themenjahr 2013 ist eine Initiative des Landes Berlin,<br />
in Koordination durch die landeseigene Gesellschaft<br />
Kulturprojekte Berlin und in Kooperation mit der Humboldt-Universität<br />
zu Berlin. Weitere Infos unter kulturprojekte-berlin.de.<br />
Ephraim-Palais | Stadtmuseum Berlin<br />
Poststr. 16, 10178 Berlin-Mitte, 16.3.–28.7., Di, Do–So 10–18h,<br />
Mi 12–20h, Eintritt: 5 €, erm. 3 €, www.stadtmuseum.de<br />
42<br />
43
Cristina Barroso – Locating<br />
Hansjörg Schneider – Tunnel<br />
„Landkarten und topografische Städtefotografien bilden<br />
in Cristina Barrosos Arbeiten den Untergrund für<br />
Farben und Texturen in ihrer Malerei. … Geografische<br />
Texturen und malerische Strukturen interpretieren sich<br />
gegenseitig <strong>als</strong> Systeme und Muster. Namen und Zahlen<br />
unterstreichen die konzeptuelle Idee, die Malerei wiederum<br />
zu vermessen und mit Bedeutungen dem Bildraum<br />
Orientierungen zu geben und imaginäre Territorien zu<br />
schaffen. In den Bildern findet man das Staunen des<br />
Reisenden, das Gedächtnis der Geschichte, literarische<br />
Anspielungen und die abstrahierende, malerische Gegenwart<br />
der Künstlerin.“ (Werner Meyer)<br />
In der Ausstellung widmet sich Hansjörg Schneider dem<br />
Tunnel <strong>als</strong> gesellschaftsrelevantes, architektonisches<br />
Ge bilde. Bekannt ist er für meist großformatige Papierschnitte<br />
von beeindruckender Präzision und Klarheit.<br />
Zwischen dynamischer Räumlichkeit und komplexer<br />
Flächenorganisation changierend, deformiert und verflüssigt<br />
der Künstler starre Gittersysteme zu raumgreifenden<br />
Formationen. Die Erfahrung des sich zum Tunnel<br />
verengenden Raumes durchzieht die Ausstellung wie<br />
ein roter Faden. Der virtuelle Sog in die Tiefe des Raumes<br />
wird zum Gegenentwurf der beherrschenden Architektur<br />
des rechten Winkels.<br />
Cristina Barroso: From here to there, 2012, Acryl auf Leinwand, 80 x 110 cm<br />
TS art projects<br />
Oranienburger Str. 45, 2 OG, 10117 Berlin-Mitte<br />
bis 21.4., Di–Sa 13–18h and by appt., 0151 - 22 94 66 38<br />
www.toresuessbier.com<br />
Hansjörg Schneider: Maelström XL 1, 2011, Papierschnitt/-riss, Grafit<br />
250 x 205 cm, gerahmt<br />
AANDO FINE ART<br />
Tucholskystr. 35, 10117 Berlin-Mitte<br />
Opening: 15.3., 18–21, 16.3.–19.4., Di–Sa 12–18h<br />
030-28 09 34 18, www.aandofineart.com<br />
Tung-Wen Margue<br />
Onsen – Heiße Quelle<br />
Seine Bilder charakterisiert der freie Farbverlauf, der in<br />
Anlehnung asiatischer Maltechniken Präsenz und Ausdruck<br />
erfährt. Abstrahierte Formen wirken assoziativ,<br />
lassen Landschafts- oder Naturdarstellungen ahnen.<br />
Tung-Wen Margue, geboren in Luxemburg, offeriert metaphorische<br />
Bildwelten, die ein spannendes Seherlebnis<br />
garantieren.<br />
different lines<br />
Die Ausstellung nähert sich dem Raum auf besondere<br />
Weise: greift den Raum neu, sichtbar, unsichtbar. Führt<br />
vorbei am fragilen Oberflächengerüst alltäglicher Wahrnehmungen<br />
und öffnet den Raum dahinter. Klangräume<br />
entstehen. Die Positionen eint das Basiselement: die<br />
Linie. Werke von Silke K. Hahn, Claudia Kallscheuer, Lisa<br />
Mayerhofer, Ev Pommer und Rebekka Uhlig mit dem Performance<br />
Chor für Experimentellen Gesang.<br />
Tung-Wen Margue: Mondlicht, 2012, Acryl auf Leinwand, 40 x 40 cm<br />
GALERIE PETRA LANGE<br />
Pestalozzistr. 4, 10625 Berlin-Charlottenburg<br />
Opening: 13.3., 19:30h , 14.3.–14.4., Di–Fr 12–19h, Sa 11–16h<br />
geschl.: 29.3.–1.4., www.galerielange.de<br />
Ev Pommer: Feld V 2009, Holz/Pigment, 140 x 62 x 10 cm<br />
mianki. Gallery<br />
Kalckreuthstr. 15, 10777 Berlin-Schöneberg<br />
bis 13.4., Di–Fr 15–19h, Sa 11–16h<br />
030-36 43 27 0, www.mianki.com<br />
Norbert Schwontkowski – Blind Man’s Faith<br />
Songwen Sun-von Berg – Das Werden der Formen<br />
Norbert Schwontkowski (*1949, lebt in Bremen und Berlin)<br />
hält in seinen Arbeiten die Welt und die scheinbaren<br />
Nichtigkeiten des Alltags fest. Melancholie und<br />
Sehnsucht bestimmen vieler seine Bilder, die er aber<br />
durch seinen Humor zu brechen weiß. Dieser entsteht<br />
vor allem im Zusammenspiel zwischen Bildidee und<br />
Werktitel. Neben Ölfarbe, Kreide, Wasser oder Pigmenten<br />
fügt er seinen Bildern oft Metalloxyde zu, was zu<br />
unvorhersehbaren Veränderungen der Farbe führt. Der<br />
Kunstverein Hamburg präsentiert 30 ausgewählte Arbeiten<br />
aus den Jahren 1999 bis 2013, neben großformatigen<br />
Leinwandarbeiten auch zahlreiche Skizzenbücher.<br />
In drei verschiedenen Serien zeigt Sun-von Berg auf<br />
überraschende Weise die gegensätzliche Einheit von<br />
menschlichen Empfindungen und deren Dialog mit<br />
dem Werden und Vergehen der Natur. Dem Betrachter<br />
begegnen Seelenlandschaften, die emotionale Bilder<br />
hervorrufen. Ihre Tuschzeichnungen schaffen eine Verbindung<br />
zwischen der traditionellen chinesischen Malkunst<br />
und Elementen der westlichen Moderne.<br />
Norbert Schwontkowski: Surrealistenstammtisch, 2009<br />
Öl auf Leinwand, 150 x 131 x 2cm, Courtesy Contemporary Fine Arts, Berlin<br />
Kunstverein Hamburg<br />
Klosterwall 23, 20095 Hamburg<br />
bis 14.4., Di–So 12–18h, www.kunstverein.de<br />
Songwen Sun-von Berg: Ginkgo biloba, 2013<br />
Tusche auf China-Papier, 100 x 100 cm<br />
gallery yumachi<br />
Knaackstr. 80, 10435 Berlin-Prenzlauer Berg<br />
Opening: 1.3., 19h, 2.3.–30.3., Mi–Sa,12–18h,<br />
Finissage: 30.3., 16–20h, www.gallery-yumachi.com<br />
44<br />
45
Fabian Knecht/Andreas Greiner: Entladung, 2012/2013<br />
Fotografie von Intervention<br />
interferenz_en 013 –<br />
Eine Ausstellung mit KünstlerInnen der Klasse Olafur<br />
Eliasson, Institut für Raumexperimente, Universität der<br />
Künste, Berlin<br />
Der Begriff „Interferenzen“ definiert „Überlagerungserscheinungen<br />
beim Zusammentreffen von Wellen“. In<br />
der Ausstellung treffen künstlerische Arbeiten aufeinander,<br />
die in den Medien Film, Fotografie, Zeichnung<br />
und Installation verortet sind. Interferenzen – zwischen<br />
den einzelnen Werken, aber auch zwischen den ausgestellten<br />
Arbeiten und dem Betrachter – spielen hier eine<br />
zentrale Rolle, angefangen von der künstlerischen Bildproduktion<br />
bis hin zur Rezeption der künstlerischen Arbeit.<br />
Frei nach dem Motto: „Was nicht zu sehen ist, kann<br />
dennoch wahrgenommen werden.“ Die Ausstellung<br />
wurde kuratiert von Marisa Maza.<br />
Eelco Brand (NL), BL.movi, 2012, digital animation 40”HD / 2 x steel<br />
sculpture ø 800 mm – ø 600 mm<br />
The Act of Bringing to Life –<br />
25 frames per second and more<br />
Der Wille zur Imitation der Natur ist ein klassischer<br />
Topos der Kunstgeschichte. Eelco Brand nimmt diesen<br />
Nachahmungs- und Schöpfungswillen in ironischer<br />
Weise auf und schafft teils absurde 3D-Arbeiten und<br />
Objekte. Die Natur entzieht sich in seinen animierten<br />
Loops der Kontrolle des Menschen und schlägt im Bild<br />
zurück.<br />
DAM GALLERY<br />
Neue Jakobstr. 6, 10179 Berlin-Mitte<br />
bis 13.4., Di–Fr 12–18h, Sa 12–16h, www.dam.org<br />
Olaf Bastigkeit<br />
EnBW Showroom Berlin<br />
Schiffbauerdamm 1, 10117 Berlin-Mitte<br />
Opening: 28.2., 19h, 1.3. –31.5., Mo–Fr 11–19h, Sa 11–16h<br />
Eintritt frei, www.enbw.com<br />
Bietz & Calò | Discoveries = Entdeckungen<br />
In der Rauminstallation konfrontiert Olaf Bastigkeit<br />
(*1978) skulpturale Collagen mit unsichtbaren Spuren<br />
einer früheren Nutzung der Galerieräume. Sein Umgang<br />
mit dem Material <strong>als</strong> Objekt und Farbe untersteht<br />
einer übergeordneten künstlerischen Idee von einer<br />
dreidimensionalen bildhauerischen Form, die ihren<br />
eigenen Gesetzmäßigkeiten folgt. Den zweiten Raum<br />
bestimmen malerische Kompositionen auf recycelten<br />
Offsetplatten.<br />
Christa Bietz: CUT, Mischtechnik, 50 x 64 cm, gerahmt<br />
Christa Bietz (Malerin) nimmt in ihren neuen Arbeiten<br />
vor allem Baumrinden, Steine und Mauerwerk unter<br />
präzise Beobachtung. Es reizt sie, im Alltäglichen das<br />
Besondere, Sinnliche und Erregende zu entdecken. Fantasievoll<br />
legt sie Formen und Strukturen frei. Der Betrachter<br />
wird eingeladen, sich auf Entdeckungsreise zu<br />
begeben, in den Bildern „spazieren zu gehen“ und dabei<br />
eigene imaginäre Bildwelten ausfindig zu machen.<br />
Die Werke von Alessandra Calò (Fotografin) führen den<br />
Menschen an seine Ursprünge zurück, an die Geschichte,<br />
die ihn mit seinem Land verbindet und an seine familiären<br />
Wurzeln.<br />
Olaf Bastigkeit: Sketch for softmaschine installation in situ<br />
2013, digital image Galerie Thore Krietemeyer<br />
Großbeerenstr. 83, 10963 Berlin-Kreuzberg<br />
Opening: 1.3., 18–21h, 2.3.–20.4., Di–Sa 11–18h and by appt.<br />
www.thore-krietemeyer.com<br />
Tina Beifuss, 2013, © Galerie cubus-m/Tina Beifuss<br />
Tina Beifuss – Optic Echo<br />
Im Mittelpunkt der zweiten Einzelausstellung von Tina<br />
Beifuss bei cubus-m steht ihre neue Serie „Of Shadow<br />
and Projection“. Beifuss verbindet skulpturale und bildhafte<br />
Ansätze, ihre Bildkompositionen entstehen unter<br />
Einbeziehung des Raumes. Im Fokus stehen der Zeichenbegriff<br />
und Produktionsformen von Sichtbarkeit. Es entstehen<br />
Bilder, die zwischen formaler Komposition und<br />
erzählerischen Momenten oszillieren.<br />
Alessandra Calo: NDT 01, Berlin Edition<br />
print on hahnemuehle, 100% cotton paper, gerahmt<br />
Berlin Avantgarde<br />
Nollendorfstr. 11-12, 10777 Berlin-Schöneberg<br />
Opening: 1.3., 19h, 2.3.–10.4., Di–Fr 12–19h, Sa 10–17h<br />
030-27575908, www.berlin-avantgarde.com<br />
Galerie cubus-m<br />
Pohlstr. 75, 10785 Berlin-Tiergarten<br />
Opening: 15.3., 19h, 16.3.–20.4.<br />
Mi–Fr 14–19h, Sa 11–19h and by appt., ww.cubus-m.com<br />
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Frank Darius – Das Paradies ist hier<br />
Frank Darius präsentiert Bilder der Leere, in denen die Natur auf minimale Spuren<br />
reduziert ist: Er geht das Wagnis ein, seinen Beitrag zur Wiederverzauberung<br />
der Welt in Bildern von unverbrüchlicher Schönheit zu leisten. Er zeigt auf,<br />
dass sich das Paradies im Innersten eines jeden von uns findet, versteckt unter<br />
vielen Schichten der Wahrnehmung.<br />
Gerhard Altenbourg (1926-1989)<br />
Die Ausstellung mit über 40 Zeichnungen sowie zahlreichen druckgrafischen<br />
Blättern und originalen Holzreliefs von Gerhard Altenbourg gewährt einen Einblick<br />
in das vielschichtige und detailreiche Werk des Thüringer Künstlers, in seine<br />
„geisterhaft schwebenden Dämmerzonen, oszillierenden Zwischenreiche<br />
und verwunschenen Traumgefilde“.<br />
Frank Darius: Hopfen I, 2011, 70 x 82 cm<br />
© Frank Darius<br />
Alfred Ehrhardt Stiftung, Auguststr. 75, 10117 Berlin-Mitte<br />
Opening: 22.3., 19h, 23.3.–17.5., Di–So 11–18h, Do 11–21h<br />
www.alfred-ehrhardt-stiftung.de<br />
Gerhard Altenbourg:<br />
März: Dolmar-Vorland, 1974, Aquarell u.<br />
Farbkreiden auf Japanpapier, 62 x 92,5 cm<br />
Galerie Dr. Irene Lehr<br />
Sybelstr. 68, 10629 Berlin-Charlottenburg<br />
bis 28.3., Mo–Fr 11–18h, www.irene-lehr.de<br />
Francesco Jodice: What We Want, Aral, T51<br />
2008, C-Print, 100 x 200 cm<br />
Francesco Jodice – What We Want<br />
In seiner Arbeit nimmt Francesco Jodice geopolitische Themen in den Blick und<br />
erforscht mittels Fotografie, Film, Texten und performativen Interventionen die<br />
Veränderungen der zeitgenössischen Landschaft. Die ausgestellten Fotoarbeiten<br />
aus der Serie „What We Want“ zeigen einen „geografischen Atlas“ landschaftlicher<br />
Modifizierungen, die auf menschlichen Einwirkungen beruhen. Er<br />
arbeitet seit 1995 an diesem Projekt.<br />
Podbielski Contemporary, Koppenplatz 5, 10115 Berlin-Mitte<br />
Opening: 22.3., 19h, 23.3.–18.5., Di–Sa 12–18h<br />
www.podbielskicontemporary.com<br />
Beytrag zur Naturgeschichte der Vögel,<br />
Joachim Johann Nepomuk Spalowsky, Wien,<br />
1791-1792 © Kunstkammer Georg Laue,<br />
München<br />
WONDERFUL – Humboldt, Krokodil & Polke<br />
Die Wunderkammer ist seit der Eröffnung des me Collectors Room im Jahr 2010<br />
fester Bestandteil des Ausstellungshauses in der Auguststraße und die einzige<br />
ihrer Art in Berlin. Mit „WONDERFUL – Humboldt, Krokodil & Polke“ werden<br />
spektakuläre Neuzugänge der Wunderkammer und zeitgenössische Werke aus<br />
der Olbricht Collection, die ebenfalls um die Thematik der Wunderkammer kreisen,<br />
präsentiert.<br />
me Collectors Room Berlin / Stiftung Olbricht<br />
Auguststr. 68, 10117 Berlin-Mitte<br />
bis 28.4., Di–So 12–18h, www.me-berlin.com<br />
Irreführung – Malerei von Thomas Wagner<br />
Auf großformatigen Leinwänden lässt Wagner durch das Überlagern verschiedener<br />
Bildebenen und Materialien eine ganz eigene räumliche Tiefe entstehen.<br />
Er, der Linien fließen und sich zu Gegenständen, Figuren und Zeichen entwickeln<br />
lässt, die er mit Farbschichten überdeckt, um sie erneut mit Linien zu bedecken,<br />
experimentiert auch mit Fotografien, die er übermalt. Als T. W. Blum ist<br />
er zugleich <strong>als</strong> Musiker bekannt.<br />
Schachspiel<br />
Die Geschichte des Schachspiels begann vermutlich im Fernen Osten und ist<br />
seit Jahrhunderten Thema für Künstler. Das Ausstellungchen zeigt Malerei,<br />
Zeichnungen, Grafiken und Skulpturen alter und neuer Meister rund um das<br />
Thema. In Reproduktionen werden alte Werke und Objekte zu sehen sein, die<br />
bis ins Jahr 1275 zurückgehen. Daneben finden sich Originale aus dem 20. Jahrhundert<br />
von Künstlern aus Afrika, Asien, Europa und Amerika.<br />
Thomas Wagner: Hellersdorf, 2009<br />
Tusche, Acryl, Kreiden auf Leinwand<br />
150 x 250 cm<br />
198 Galerie in Tempelhof, Tempelhofer Damm 198, 12099 Berlin-Tempelhof<br />
Opening: 2.3., 16–20h, 3.–30.3., Finissage: 30.3., 14–18h, Mi–Fr 15–19h, Sa 14–18h u. n. V.<br />
www.198Galerie.de<br />
Tomasz Zielinski (*1954): Ein drolliger Zug,<br />
1999, Öl auf Leinwand, 190 x 120 cm<br />
Scorpion Galerie für Kunst + Objekte<br />
Mansteinstr. 56, 20253 Hamburg-Eppendorf<br />
1.3.–30.4., Di–Fr 10–16h and by appt. 0173-4579459, www.scorpion-galerie.de<br />
One-Artist-Show: Alexandra Huber<br />
Auf der Art Karlsruhe präsentiert die Galerie Horst Dietrich die Künstlerin Alexandra<br />
Huber in einer One-Artist-Show. Gezeigt werden neue großformatige Arbeiten<br />
in Mischtechnik sowie Collagen, Malerei und Zeichnungen, die kürzlich<br />
in der Galerie in der Ausstellung „Sich täglich neu begegnen“ die unbändige<br />
Schöpfungskraft, bildnerische Fantasie und kluge Poesie von Alexandra Huber<br />
eindrucksvoll demonstrierten.<br />
Andrey Grositsky – Materie und Materialien<br />
Andrey Grositsky ist ein Revolutionär der Bildsprache. In seinen Werken erwachen<br />
Stoffe zum Leben, und Formen und Farbenspiel werfen Fragen auf. Ist<br />
es ein Tuch, eine eben erblühte Rose oder eine Flüssigkeit, die im Nichts verschwindet?<br />
Grositsky ist ebenso ein „Poet der Dinge“ wie ein Kämpfer für die<br />
Freiheit der Kunst. Auch seine Bilder verlangen, wie der Künstler, kraftvoll nach<br />
ihrer Freiheit und ziehen den Betrachter so in ihren Bann.<br />
Alexandra Huber: enjoy it, 120 x 120 cm<br />
Galerie Horst Dietrich, Stand-Nr. H3/J25, Art Karlsruhe<br />
Messegelände, Messeallee 1, 76287 Rheinstetten<br />
0172-321 26 61, www.GalerieDietrich.de<br />
Andrey Grositsky: Faltenwurf und<br />
Bilderrahmen, 2010, Öl auf Karton und Holz<br />
98 x 110 cm<br />
Galerie pop/off/art Moskau-Berlin<br />
Mommsenstr. 35, 10629 Berlin-Charlottenburg<br />
bis 30.3., Di–Fr 10–19h, Sa 11–15h and by appt., www.popoffart.de<br />
Maya Schweizer: Die Fassade (des<br />
ehemaligen Palais de la Porte Dorée, Paris),<br />
Filmstill, 2011, Courtesy Maya Schweizer /<br />
Galerie Katharina Bittel<br />
Maya Schweizer - Edith Seeshow’s Notes<br />
In vier Filmen nähert sich Maya Schweizer der Geschichte abseits des historischen<br />
Faktenwissens. Die Künstlerin bedient sich in ihren<br />
Filmessays verschiedener Techniken, um Spuren der Vergangenheit mit dem<br />
Alltag in Austausch zu bringen. Geschichte und Erinnerung wird anhand von<br />
Denkmalen und Architektur im öffentlichen Raum sowie an der Lebensgeschichte<br />
von Schweizers Großmutter thematisiert.<br />
Kunstverein Langenhagen<br />
W<strong>als</strong>roderstr. 91 A, 30851 Langenhagen<br />
bis 31.3., Mi/Fr 14–15h, Do 10–18h, Sa 15–17h, www.kunstverein-langenhagen.de<br />
Neonilla Medvedeva: Sisters, 2009, Öl auf<br />
Leinwand, 25 x 25,5 cm<br />
Neonilla Medvedeva und Sebastian Rudko – Zeichnung und Malerei<br />
Die Arbeiten beider Künstler sind inspiriert vom täglichen Leben, von den<br />
Menschen, der Natur und der Kultur ihres jeweiligen Heimatlandes. Sebastian<br />
Rudko aus Krakau fängt Augenblicke ein, in denen Reflexion und Brechung des<br />
Lichts innere und äußere Welt vereinen. Neonilla Medvedeva aus Riga konzentriert<br />
sich auf menschliche Figuren und deren Beziehung zur Umgebung, Vergangenheit<br />
und universalen Werten.<br />
Galerie Förster, Schröderstr. 2, 10115 Berlin-Mitte<br />
bis 6.4., Di–Fr 16–19h, Sa 12–18h u. n. V., www.galerie-foerster.de<br />
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Ankündigung: Sammlergespräch mit Marc Fiedler<br />
Marc Fiedler ist Gründer der Berliner Ausstellungs- und<br />
Sammlungsinstitution Epicentro art. Vor dem Hintergrund<br />
seiner eigenen Kunstsammlung zeigt der Creative<br />
Director hier seit 2007 wechselnde Ausstellungen<br />
zeitgenössischer Kunst. Zum Kunstsammeln kam der<br />
Hamburger Inhaber der Werbe- und Kommunikationsagentur<br />
Gruppo del Café Palermo über den intensiven<br />
Austausch und gemeinsame Reisen mit eng befreundeten<br />
Künstlern. Die hieraus geschöpfte Inspiration und<br />
Dynamik brachte den Impuls, über das Sammeln hinaus<br />
eigene Ausstellungsräume zu eröffnen und diese einem<br />
breiten Publikum öffentlich zugänglich zu machen.<br />
In Einzel- und Gruppenausstellungen zeigt und fördert<br />
das Epicentro art neben etablierten Namen junge,<br />
aufstrebende Künstler. Einen Schwerpunkt im Ausstellungsprogramm<br />
wie in der Sammlung Fiedler bilden die<br />
Medien Fotografie, Malerei und Video. Darüber hinaus<br />
versteht sich das Epicentro art <strong>als</strong> Plattform, die in Kooperationen<br />
mit Künstlern, Institutionen sowie Galerien<br />
und anderen Kunstsammlungen Raum für neue Ausstellungskonzeptionen<br />
und deren Umsetzung bietet.<br />
Ein feststehendes Profil gibt es daher ausdrücklich nicht,<br />
was ein Blick in den Ausstellungskalender bestätigt:<br />
Hier finden internationale Namen wie Imi Knoebel oder<br />
Christian Boltanski ihren Platz neben politischen und<br />
diskursorientierten Ausstellungen wie beispielsweise<br />
„GVOON – 2000 inhaftierte Zeichnungen“ – eine Zusammenarbeit<br />
mit der Gedenkstätte Hohenschönhausen<br />
für Gefangene der Stasi-Untersuchungshaftanstalt.<br />
Bis zum 2. März sind aktuell Schwarz-Weiß-Fotografien<br />
von Kai Bornhöft zu sehen.<br />
Foto: Roberto Hegeler<br />
Ähnlich differenziert äußert sich auch Marc Fiedlers Interesse<br />
<strong>als</strong> Sammler: Neben Nam June Paik, H.P. Adamski,<br />
Marc Séguin, Steve Schapiro oder Wolfgang Staehle<br />
kauft er auch Werke zahlreicher junger, noch weitläufig<br />
unbekannter Künstler.<br />
Wir freuen uns auf das <strong>KUNST</strong> <strong>Magazin</strong> Sammlergespräch<br />
mit Marc Fiedler, moderiert von Jan Kage, am<br />
MITTWOCH, den 27. Februar, in der Bar Tausend.<br />
Einlass ab 20h, Beginn ca. 20.30h. Wir bitten um Anmeldung<br />
unter sammler@kunstmagazin.de<br />
Impressum | Imprint<br />
<strong>KUNST</strong> <strong>Magazin</strong> / <strong>KUNST</strong> Verlag, Berlin<br />
Wrangelstr. 21, 10997 Berlin<br />
Tel.: 030 - 61 20 23 24 und 030 - 43 92 58 29<br />
Fax: 030 - 61 20 23 17 und 030 - 43 91 70 59<br />
info@kunstmagazin.de | ISSN 1862 - 7382<br />
Herausgeberin: Jennifer Becker (v. i. S. d. P.)<br />
Chefredaktion: Julika Nehb<br />
Redaktion & Texte: Susanne Erichsen, Isabella Hammer,<br />
Katharina Helwig, Alexandra Panzert, Agathe Power,<br />
Stefanie Raupach, Sarah Weckert, Steffi Weiss<br />
Gastautoren: Inga Oppenhausen, Matthias Planitzer<br />
Übersetzungen: Brian Poole<br />
Lektorat: Sina Gesell<br />
Gestaltung: Carola Büscher<br />
Onlineredaktion: Julia Schmitz<br />
Webdesign: Marius Bruns, www.robinson-cursor.de<br />
Druck: Druckerei Conrad GmbH, www.druckereiconrad.de<br />
Distribution: DHL GoGreen – wir versenden klimaneutral,<br />
Deutsche Post Pressevertrieb<br />
Erscheinungsweise: 40 000 Exemplare, 10-mal im Jahr,<br />
Doppel ausgaben: Jul./Aug. und Dez./Jan. Es gelten die Mediadaten<br />
2013.1<br />
Alle Ausstellungshinweise im <strong>KUNST</strong> <strong>Magazin</strong> sind für<br />
Galerien, Museen und Ausstellungshäuser kostenpflichtig.<br />
Eine tagesaktuelle Übersicht zu allen Veranstaltungen im<br />
<strong>KUNST</strong> Kontext in Deutschland finden Sie im Kalender auf<br />
www.kunstmagazin.de<br />
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TANGENTE<br />
In der Tradition von Eames: GOOD DESIGN Award für Tangente Datum. Wie bereits im Vorjahr<br />
ging der weltweit angesehenste Preis für Produktdesign auch diesmal an NOMOS Glashütte.<br />
Der GOOD DESIGN Award, von Charles und Ray Eames, Eero Saarinen und Edgar Kaufmann, Jr.<br />
1950 erstm<strong>als</strong> vergeben, schmückt bis heute nur weltbeste Formen. Mit entsprechenden<br />
inneren Werten: allerfeinsten Kalibern aus Glashütter NOMOS-Manufaktur.<br />
Tangente-Modelle gibt es ab 1180 Euro etwa bei: Augsburg: Bauer & Bauer; Berlin: Brose, Christ KaDeWe, Leicht, Lorenz; Bielefeld: Böckelmann;<br />
Bonn: Hild; Bremen: Meyer; Darmstadt: Techel; Dortmund: Rüschenbeck; Dresden: Leicht; Düsseldorf: Blome; Erfurt: Jasper; Hamburg: Becker;<br />
Kiel: Mahlberg; Koblenz: Hofacker; Köln: Berghoff, Kaufhold; Lübeck: Mahlberg; Ludwigsburg: Hunke; München: Bucherer, Fridrich, Kiefer;<br />
Münster: Freisfeld, Oeding-Erdel; Trier: Hofacker; Ulm: Scheuble. Überall: Wempe. www.nomos-store.com und www.nomos-glashuette.com<br />
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