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1303
Kunstmagazin.de

WWW.SKD.MUSEUM
Editorial
Text: Julika Nehb
Translation: Brian Poole
ALBERTINUM
16.3.–14.7.2013 /GALERIE NEUE MEISTER
Hauptförderer
Gefördert durch die
Bundeskunsthalle
nur hier
sammlung zeitgenössischer kunst
der BundesrepuBlik deutschland
ankäufe von 2007 – 2011
Bis 14. April 2013 in Bonn
Hans-Peter Feldmann, 100 Jahre, (Ausschnitt), 1996 bis 2000, Neuproduktion 2009
Abb.: David Claerbout / The Quiet Shore / 2011 (Still) // Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, Paris // © VG Bild-Kunst, Bonn 2013
© VG Bild-Kunst, Bonn 2012, und Der Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM) –
Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland
In dieser Ausgabe – unserer 70sten – werfen wir einen
Blick auf Ausstellungshäuser fernab der größeren Kunstmetropolen
Deutschlands und wagen uns dafür in die
Provinz. Wer dort zeitgenössische Kunst sehen will,
muss in der Regel selbst aktiv werden. Bürgerschaftlich
initiierte Kunstvereine in winzigen Dörfern und kleineren
Städten stellt Inga Oppenhausen, Geschäftsführerin
der Arbeitsgemeinschaft Deutscher Kunstvereine
(ADKV), im Leitartikel vor und macht deutlich, dass es
dort oft alles andere als provinziell zugeht – ob man
das im Umkehrschluss auch von den Kunstbetrieben in
Berlin, Hamburg, München oder Frankfurt behaupten
kann? Zusätzlich nennt sie einige der diesjährigen Nominierten
für den ADKV-Art-Cologne-Preis für Kunstvereine.
Dieser unterstützt Orte und Institutionen, die auch
noch nicht gesicherten Positionen eine Plattform geben,
Kunst kulturell und gesellschaftlich einordnen und eine
öffentliche Debatte anregen. Oft arbeiten Kunstvereine
noch weitgehend ohne den Legitimationsdruck von
Politik und Gesellschaft, welche Kunst und Kultur gern
unter den Prämissen des Repräsentativen oder Massentauglich-Unterhaltsamen
sehen. 1
„Provinz steht auch für all das, was der Städter vermisst
und wonach er sich sehnt: Überschaubarkeit,
Slow Down, Fleisch vom Bauern aus der Region und
Gemüse aus dem Garten sowie soziale Verbindlichkeiten.
Gleichzeitig löst sie Angst aus vor eben jener Überschaubarkeit,
Enge, sozialen Kontrolle und der eigenen
Bedeutungslosigkeit. Provinz ist also in jedem Falle
eine Konfrontation, zumindest mit sich selbst.“ Barbara
Caveng wurde im Rahmen des Projekts Kunst fürs Dorf
– Dörfer für Kunst der Deutschen Stiftung Kulturlandschaft
ausgewählt, sechs Monate im mecklenburgvorpommerschen
Blankensee – circa 534 Einwohner –
zu leben und zu arbeiten. Ihre bisherigen Eindrücke und
ihr grundsätzliches Misstrauen dem Idyllischen gegenüber
schildert die partizipativ arbeitende Bildhauerin im
Interview.
Weitere Perlen der Provinz – ausgewählte Ausstellungen
auf dem Lande – finden Sie auf den Seiten 28–35.
Ihre KUNST Magazin Redaktion
1
Vgl. Astrid Weges Laudatio auf den Badischen Kunstvereins während der
Preisverleihung 2012
In this edition—our 70th—we’re taking a close look
at the exhibition facilities far from the larger German
art metropolises. We’re off to the provinces. Those
who want to see contemporary art there usually have
to become active themselves. In our lead article, Inga
Oppenhausen, the managing director of the Society of
German Art Associations, offers us an introduction to
the world of community-initiated art associations in
tiny villages and smaller cities. And as her introduction
suggests, there’s often clearly nothing provincial about
what’s happening there. The question is rather whether
one can say the same thing about the art business in
Berlin, Hamburg, Munich and Frankfurt in return. She
also names some of this year’s nominees for the ADKV
Art Cologne Prize for art associations. The prize helps
to support locations and institutions that provide a
platform for as yet unestablished artistic positions
and that also help to assess art culturally and socially
while stimulating a public debate. Often these art associations
still operate largely without the pressures to
legitimize themselves—pressures placed upon art and
culture by politics and society, which like to see things
in terms of representative or potentially mass-market
entertainment. 1
“The province stands for everything the city-dweller
misses and longs for: for comprehensibility, for slowing
down, for meat from the local farmer and vegetables
from the garden, and for social commitments. At the
same time, the province also triggers the fear of precisely
that comprehensibility: the fear of narrowness, of
social control, and of one’s own meaninglessness. The
province is certainly also a confrontation at least with
oneself.” Barbara Caveng, quoted here, was selected as
an artist for the project “Art for the Village—Villages
for Art” funded by the German Foundation for Cultural
Landscapes, and she will thus be spending six months
living and working in the town of Blankensee (population
534) in Mecklenburg-Vorpommern. In our interview,
this interactively working sculptress reports on her impressions
to-date and on her basic mistrust of the pastoral
idyll.
You will find other pearls of the provinces (selected exhibitions
in rural areas) on pages 28-35.
Your KUNST Magazin Team
kunst- und ausstellungshalle der Bundesrepublik deutschland
Museumsmeile Bonn, Friedrich-Ebert-Allee 4, 53113 Bonn, T +49 228 9171-200
www.bundeskunsthalle.de
2
1
See Astrid Wege’s euglogy of the Baden Art Association during
the award ceremony in 2012.
3

Diesen Monat auf www.kunst-magazin.de
1. März 2013
Tierisches in Liesborn
17 Gemälde niederländischer Maler aus dem 17. Jahrhundert
gepaart mit 74 Werken zeitgenössischer Künstler
aus der SØR Rusche Sammlung sind bis Ende April im
Museum Abtei Liesborn zu sehen. Im Mittelpunkt dabei:
das Tier.
Inhalt
Content
Noriko Yamamoto, Alles gehört
nur zur Aufgabe, 2011
6. März 2013
Anweisung für die Welt in Delmenhorst
Die Städtische Galerie Delmenhorst präsentiert die erste
Ausstellung der japanischen Künstlerin Noriko Yamamoto.
Ihre Installationen, Skulpturen, Zeichnungen und
Videos kreisen um das Verhältnis von Innen und Außen,
Plan und Zufall.
11. März 2013
Die Essenz des Lichts in Unna
Das Zentrum für Internationale Lichtkunst Unna ist
weltweit das erste Museum, in dessen Mittelpunkt ausschließlich
die Lichtkunst steht. Der im Wienand Verlag
publizierte Katalog erschien anlässlich des zehnjährigen
Jubiläums des Hauses.
15. März 2013
Castor & Pollux – Das Schlusswort
Matthias Planitzer ist passionierter Kunstkritiker und
Blogger. Für sein Schlusswort ist er für uns jeden Monat
in der Berliner Kunstszene unterwegs und nimmt eine
aktuelle Ausstellung unter die Lupe.
19. März 2013
Im Mittelpunkt von Bietigheim-Bissingen
Zentral in der Altstadt liegt die Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen.
1989 eröffnet und 2000 um einen
Erweiterungsbau ergänzt, präsentiert sie auf mehr als
1000 Quadratmetern vor allem zeitgenössische Kunst
aus der Region.
25. März 2013
Kunst im Hohen Norden
1827 wurde mit der Eisengießerei Carlshütte das erste
Industrieunternehmen der Herzogtümer Schleswig
und Holstein gegründet. Seit 1999 sind die historischen
Hallen des Kunstwerk Carlshütte Spielfläche für Kultur,
unter anderem die jährlich stattfindende Ausstellung
NordArt.
Auf in die Provinz! Kunstvereine fernab der Metropolen
Off to the Provinces! Art Associations far from the Metropolises
Inga Oppenhausen ............................................................................................................................................................................ 6
„Das Idyll macht mich misstrauisch“
Barbara Caveng über das Projekt „Kunst fürs Dorf – Dörfer für Kunst“
“The idyllic countryside makes me suspicious”
Barbara Caveng about her project: “Art for the Village—Villages for Art”
Interview: Steffi Weiss ..................................................................................................................................................................... 12
Sammlergespräch mit Tobias Gombert und Samuel Leuenberger – Keine definierte Sache
Conversations with Collectors: Tobias Gombert and Samuel Leuenberger – Not a clearly defined activity
Interview: Jan Kage .........................................................................................................................................................................20
Review: Kitty Kraus bei Galerie Neu
Text: Matthias Planitzer ................................................................................................................................................................. 24
Buchvorstellungen
Book Reviews .....................................................................................................................................................................................26
Ausstellungshinweise
Gallery Announcements ................................................................................................................................................................ 28
Ankündigung: Sammlergespräch mit Marc Fiedler ...............................................................................................................50
Impressum
Imprint ................................................................................................................................................................................................50
Bildnachweise
Titelbild: Julius von Bismarck, Benjamin Maus, Richard Wilhelmer: Fühlometer, 2010, Stahl, Aluminium, Kaltkathoden, Motoren, Fotokamera,
Laptop, Gesichtserkennungssoftware, 700 x 500 x 400 cm, Smiley 500 cm Durchmesser. Courtesy Galerie Alexander Levy.
Das „Fühl-o-meter“ (2010), ein überdimensionales Smiley-Gesicht, wurde für die PROVINZ-Ausstellung in Lindau im Sommer 2010 als
Krone des Leuchtturms an der Hafeneinfahrt installiert. Es übertrug verschiedene Gesichtsausdrücke direkt von den Gesichtern der Einwohner
und Gäste Lindaus. Die Emotionen wurden durch eine Fotokamera, die kontunierlich eine bestimmte Stelle am Hafen beobachtete,
aus Gesichtern ausgelesen, analysiert und an die Installation weitergeleitet.
VG Bild-Kunst Bonn 2013
Dietmar Binger, Barbara Caveng, Marc Chagall, Thea Djordjadze, Eva & Adele, Lyonel Feininger, Hans-Peter Feldmann, Gunda Förster,
Francois Morellet, Georg Netzband, Max Regenberg, Robert Rehfeldt, Hansjörg Schneider, Karl Schwarzenberg, Maya Schweizer, Florian Slotawa,
Steffen Volmer, Thomas Wagner
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5

Auf in die Provinz!
Kunstvereine fernab der Metropolen
Off to the Provinces!
Art Associations far from the Metropolises
In den Räumen des Kunstvereins Langenhagen sind derzeit die Filme „Passing Down Frame One“ (2007)
und „Au dos de la carte postale“ (2010) von Maya Schweizer installiert. (Vgl. Ausstellungshinweis S. 48)
Foto: C. Dootz, Courtesy Maya Schweizer / Galerie Katharina Bittel
Text: Inga Oppenhausen
Haben Sie den Namen Tosterglope schon mal gehört?
Wissen Sie, wo Tosterglope liegt? Waren Sie sogar schon
mal dort?
Tosterglope ist ein Zweihundertfünfzig-Seelen-Dorf im
niedersächsischen Landkreis Lüneburg, gute dreißig
Kilometer von Lüneburg entfernt. Nach Tosterglope gelangt
man weder zufällig noch weil man ohnehin gerade
in der Gegend ist; es gibt keinen Bahnhof, und sogar
die Bundesstraße macht um das Dorf einen Bogen. Tosterglope
ist tiefste Provinz.
Dem Kulturstaatsminister Bernd Neumann ist Tosterglope
spätestens seit dem letzten Jahr durchaus
ein Begriff. Er weiß, dass es dort einen Verein gibt, der
herausragende Kunstvermittlungsarbeit leistet: der
Kunstraum Tosterglope e.V. Denn dieser Kunstverein ist
im Herbst 2012 von Bernd Neumann auf Schloss Genshagen
für das Projekt „AMBULANZ – Kunstvermittlung
auf dem Lande“ mit dem BKM-Preis Kulturelle Bildung
ausgezeichnet worden. Damit ist der Kunstraum Tosterglope
eine von drei Institutionen, die im vergangenen
Translation: Brian Poole
Have you ever heard of Tosterglope? Do you know where
Tosterglope is? Have you ever been there?
Tosterglope is town of some 250 souls in the rural district
of Lüneburg in Lower Saxony, about 30 kilometres
south of the city of Lüneburg. Anyone who gets to
Tosterglope didn’t get there by coincidence or because
they just happened to be in the neighbourhood. There’s
no train station, and even the local highway takes a detour
around the village. Tosterglope is in the middle of
provincial nowhere.
Jahr den mit jeweils 20.000 Euro dotieren Preis für ein
Projekt der kulturellen Bildung erhalten haben, das bundesweit
modellhaft und innovativ ist, sowie bislang unterrepräsentierte
Zielgruppen besonders berücksichtigt.
Mit anderen Worten: Deutschland – schau auf dieses
Dorf, wenn du neue und erfolgreiche Ansätze kultureller
Bildungsarbeit suchst!
Der Bildungsauftrag, das heißt die Vermittlung zeitgenössischer
Kunst, ist neben der Förderung ihrer Produktion,
ihrer öffentlichen Präsentation und ihres Verkaufs
seit jeher selbstgesetzte Kernaufgabe der Kunstvereine,
die auf eine über zweihundertjährige Geschichte zurückblicken
können. In der Folge der Aufklärung – eine
erste Gründungswelle gab es zwischen 1815 und 1850
– entstehen als Ausdruck der Emanzipation der Bürger
gegenüber dem Ständestaat in vielen deutschen Städten
sogenannte Salons, Clubs und Gesellschaften, die
sich zum Ziel gesetzt hatten, zeitgenössische Kunst zu
präsentieren, zu vermitteln, zu diskutieren und auch
anzukaufen und zu sammeln. Zu den ersten noch existierenden
Vereinen dieser Art in Deutschland, die sich
nach wie vor der ganz jungen, aktuellen Kunst widmen,
Since last year at the latest, the state’s Minister of Culture
Bernd Neumann has come to hear of Tosterglope.
He now knows that there’s an association there that
does wonderful work for art and artists: the “Kunstraum
Tosterglope”. At the Genshagen Castle in the fall of 2012
this cultural association received from Bernd Neumann
the BKM-Prize for Cultural Education for their project
“Ambulance—Art Mediation in Rural Areas”. Thus the
Kunstraum Tosterglope is one of just three institutions
to have received the € 20,000 prize for a project in cultural
education that is considered both a federal model
and innovative while at the same time addressing hitherto
underrepresented audiences. In other words: Germany—look
to this town if are looking for new and successful
approaches to cultural education!
Art associations can look back upon a more than twohundred-year-old
history, and their mandate to educate—to
promote contemporary art—has always been
their central goal, in addition to supporting art production,
its public presentation, and sale. In the wake of
the Enlightenment (the first wave of newly founded
associations took place between 1815 and 1850) salons,
clubs and societies arose as an expression of bourgeois
emancipation from the aristocratic and absolutist class
structure; their common goal was to present, promote
and discuss contemporary art, but also to buy it and collect
it. Among the first, and still active, associations of
this kind in Germany, which are still dedicated to young
contemporary art, are: The Art Association in Nurnberg
known as the Albrecht Dürer Society (founded in 1792),
the Baden Art Association (founded in 1818 in Karlsruhe),
and the Art Association in Hamburg (founded in 1822).
6
7

gehören der Kunstverein Nürnberg – Albrecht Dürer
Gesellschaft, gegründet 1792, der Badische Kunstverein,
gegründet 1818 in Karlsruhe, und der Kunstverein
in Hamburg, gegründet 1822. Die Auseinandersetzung
mit zeitgenössischer Kunst sollte dem selbstbewusst
gewordenen Bürgertum zu seiner eigenen, von innen
heraus gestalteten kulturellen Identität verhelfen. Von
großer Wichtigkeit waren in diesem Zusammenhang
der gesellige Aspekt des Vereinslebens und dessen demokratische
Strukturen, also die Gleichberechtigung
aller Mitglieder.
Dieses Feld, das das Bürgertum vor zweihundert Jahren
dem Adel abgerungen hat, ist heute längst nicht
mehr den Kunstvereinen vorbehalten. Die grobe Aufgabenteilung
zwischen Museen, Galerien und Kunstvereinen
sah – neben der obligatorischen Präsentation
der Kunst – für die Galerien die Vermarktung und den
Verkauf, für die Museen die Erforschung, den Ankauf
und die Sammlung und für die Kunstvereine die Vermittlung
und Verhandlung der mit zeitgenössischen
Kunst verbundenen Diskurse vor. Diese Kategorisierung
mochte noch bis vor wenigen Jahrzehnten zutreffend
gewesen sein, ist heute jedoch nahezu vollständig aufgeweicht.
Viele Museen verfügen infolge kommunaler
Sparzwänge heute beispielsweise über keinen oder nur
noch einen geringen Ankaufsetat. Das jedoch, was den
Kunstverein nach wie vor von allen anderen sich im Feld
der zeitgenössischen Kunst tummelnden Institutionen
unterscheidet, ist seine unmittelbare Anbindung an das
Bürgertum: Kunstvereine werden von Bürgern gegründet,
sie werden durch ehrenamtliches Engagement und
bürgerschaftliches Mäzenatentum getragen, sie ermöglichen
grundsätzlich jedem die unmittelbare Teilhabe
an künstlerischen Prozessen und müssen ihr Handeln
und Wirken dem Mehrheitsbeschluss der Mitgliederversammlung,
die aus Bürgerinnen und Bürgern besteht,
unterwerfen.
Gemeinhin herrscht die Auffassung vor, dass künstlerische
Innovation vor allem in den großen Städten,
insbesondere in den Metropolen, entsteht, gedeiht, verstanden
und geachtet wird. Und die Anzahl und Dichte
von Ateliers, namhaften Galerien, Museen von Weltrang
untermauern dies. Kunstvereine sind jedoch Bürgerinitiativen,
sie werden nicht dort gegründet, wo es ökonomisch
und standortpolitisch günstig erscheint, sondern
wo eine gewisse Notwendigkeit von ihren Gründern
empfunden wird. Und das ist oft gerade fernab der Metropolen
in Klein- und Mittelstädten und sogar in ländlichen
Gemeinden der Fall: Knapp 45 Prozent aller Kunstvereine
sind in Städten und Kommunen mit weniger als
50.000 Einwohnern ansässig; bis zur Großstadtmarke
von 100.000 Einwohnern sind es rund zwei Drittel; in
den Millionenstädten Deutschlands – in Berlin, Hamburg,
München und Köln – finden sich gerade einmal
drei Prozent aller Kunstvereine. 1
The interaction with contemporary art was supposed
to help the increasingly confident bourgeoisie develop
their own cultural identity. The convivial aspect of these
associations and their democratic structures, offering
equal rights to all its members, were of great importance
here.
The field the bourgeoisie managed to wrest away
from the aristocracy two hundred years ago is, today,
no longer reserved to just the art associations. Since
then, museums, galleries and art associations have all
played a role in the obligatory presentation of art. But
there was a general distinction between the functions
they performed. Galleries took on the role of marketing
and sales; museums were responsible for research,
acquisition and collection; and finally, the art associations
played a role in mediating and negotiating the discourses
related to contemporary art. This categorical division
was perhaps still accurate just a few decades ago,
but it has since been almost completely undermined.
Today, due to the fiscal need to reduce municipal budgets,
many museums have very limited resources or no
resources at all to purchase new artworks. But what still
distinguishes the art association from all other institutions
roaming around in the field of contemporary art is
the immediate connection with the citizens—the bourgeoisie.
Art associations are founded by citizens, the are
supported and operated by voluntary involvement and
citizens’ patronage, and they allow everyone to participate
in artistic processes while ensuring that their activities
and influence is subjected to a majority vote of
its members, who are themselves citizens.
It is a widespread and common opinion that artistic innovation
arises and thrives in large cities: above all in
the metropolises, where innovation is both understood
and respected. The number and density of ateliers, renowned
galleries, and internationally acclaimed museums
there support this view. But art associations are
citizen initiatives: they are not founded wherever they
are economically viable or politically advantageous locally,
but where their founders feel a certain need for
them. And that need is felt most poignantly far from the
metropolises, in the small and medium-sized cities, and
even in the rural communities. Almost 45 percent of all
the art associations are in cities and rural towns with
less than 50,000 inhabitants. Indeed, two thirds of all
art associations are in towns with less than 100,000 inhabitants—and
thus below the “big city” bar. Only three
percent of all art associations are located in German
cities with more than one million inhabitants—Berlin,
Hamburg, Munich and Cologne. 1
Art associations fulfil an extremely important function
regionally in Germany’s cultural landscape. One could
say that they secure the necessary cultural blood-flow
nationwide by spreading contemporary art as well as
its discourses and cultural values across all regions,
Maya Schweizer: „A Memorial, A Synagogue, A Bridge and A Church“ (2012), Filmstill
Courtesy Maya Schweizer / Galerie Katharina Bittel
Kunstvereine in der Region erfüllen eine äußerst wichtige
Funktion innerhalb der Kulturlandschaft Deutschlands.
Man könnte sagen, sie sorgen für die notwendige
„kulturelle Durchblutung“ des Landes, indem sie
für eine flächendeckende Verbreitung und Aneignung
aktueller Kunst und der mit ihr verbundenen Diskurse
und kulturellen Werte sorgen – und zwar grundsätzlich
in beide Richtungen: von der Stadt in die Provinz, aber
auch, wie das Beispiel des Kunstraum Tosterglope lehrt,
zurück von der Provinz in die Stadt. Während jedoch
Kunstvereine in Kleinstädten und im Ländlichen oftmals
die einzigen Anbieter zeitgenössischer Kunst, nicht selten
auch Kultur im Allgemeinen, sind und ihnen damit
eine Art „kulturelle Grundversorgung“ obliegt, können
Kunstvereine in Großstädten ein differenziertes Profil
und spezifisches Programm entwickeln, was sie bisweilen
angesichts einer überbordenden konkurrierenden
Angebotsvielfalt auch müssen. Dieses wiederum erhöht
bei entsprechender Qualität die überregionale Sichtbarkeit
der Großstadtvereine und verhilft ihnen mitunter
zu bundesweitem Renommee.
Und dennoch schaffen es Jahr für Jahr auch Kunstvereine
aus der Provinz auf die Liste der Nominierten für
den ADKV-Art-Cologne-Preis für Kunstvereine, der die
innovative Ausstellungs- und Vermittlungsarbeit eines
and in both directions: from the city to the rural areas,
but also from those rural areas back to the city, as the
Kunstraum Tosterglope shows. But whereas art associations
in small towns and rural communities are often
the only purveyors of not only contemporary art, but
also of culture in general—thus obliging them to supply
these areas with something like their “basic cultural
needs”—the art associations in large cities can develop
a more differentiated profile. And in view of the superfluity
of competing options in large cities, they often
have to. This in turn raises the over-regional visibility of
the big-city associations offering corresponding quality,
and that helps them to establish their national renown.
Nevertheless, each year there are also art associations
from rural areas that manage to make the list of those
nominated for the ADKV-Art-Cologne prize: an award
given in appreciation for an art association’s innovative
work in exhibiting and promoting art. Since 2006 the
Society of German Art Associations and the Cologne Art
Fair have been awarding this prize following independent
rules for nominating and selecting prize winners. In
recent years certain associations have been suggested
and nominated by several individuals and on several occasions,
among them: the Art Association Springhornhof
in the Lower Saxon town of Neuenkirchen (popula-
8
9

Kunstvereins würdigt. Der Preis wird seit 2006 jährlich
im Rahmen eines unabhängigen Nominierungs- und
Auswahlverfahrens von der Arbeitsgemeinschaft Deutscher
Kunstvereine und der Kölner Kunstmesse vergeben.
In den letzten Jahren vorgeschlagen und zum Teil
wiederholt und mehrfach nominiert wurden beispielsweise
der Kunstverein Springhornhof im niedersächsischen
Neuenkirchen (5.700 Einwohner), der Kunstverein
Neuhausen bei Stuttgart (11.000 Einwohner), der Kunstverein
Heppenheim (25.000 Einwohner), der Kunstverein
Schwerte (48.000 Einwohner), der Kunstverein
Lingen (51.000 Einwohner) und übrigens auch der
Kunstraum Tosterglope. Und bereits der erste Preisträger,
die ACC-Galerie Weimar, wurde in einer Stadt ausfindig
gemacht, die sich zwar durchaus als Kulturstadt
begreift und 1999 auch Kulturhauptstadt Europas war,
die mit 65.000 Einwohnern jedoch alles andere als eine
Großstadt darstellt.
Auch in diesem Jahr finden sich einige Kunstvereine aus
sogenannten Mittelstädten zum wiederholten Male auf
der Liste der Preiswürdigen: der Kunstverein Arnsberg,
nach 2007 zum zweiten Mal nominiert (74.000 Einwohner),
der Kunstverein Langenhagen, bereits dreimal nominiert
(53.000 Einwohner), und die Halle für Kunst in
Lüneburg, die nun bereits zum fünften Mal für den Preis
vorgeschlagen wurde (73.000 Einwohner). 2
Paradigmatisch schlägt der Kunstverein Arnsberg den
Bogen von der Hauptstadtmetropole Berlin in die sauerländische
Mittelstadt Arnsberg: Nach der Retrospektive
von Alfredo Jaar im Sommer 2012 in der Neuen Gesellschaft
für Bildende Kunst (NGBK), einem Großstadtkunstverein,
in der Berlinischen Galerie und der Alten
Nationalgalerie in Berlin war der Kunstverein Arnsberg
im Herbst 2012 die vierte Institution in Deutschland, die
Jaar eine Einzelausstellung widmete. Aktuell präsentiert
der Kunstverein Arnsberg die niederländische Künstlerin
Viviane Sassen. In der Ausstellung „Three Magi“, zu
sehen vom 25. Januar bis 10. März 2013, werden Arbeiten
aus ihren Projekten „Parasomnia“ und „Flamboya“
gezeigt, die in verschiedenen Ländern Afrikas entstanden
sind und Kindheitserinnerungen der Künstlerin aus
Kenia mit neuen Erfahrungen verknüpfen.
Der Kunstverein Langenhagen zeigt noch bis zum 31. 3.
in der Ausstellung „Edith Seeshow’s Notes“ vier Filme
der französischen Künstlerin Maya Schweizer, die sich
mit der Frage nach Geschichte und Erinnerung in der
alltäglichen Gegenwart beschäftigen. In drei Filmen
widmet sie sich dem öffentlichen Raum im Heute und
seinen geschichtlichen Bezügen, im vierten Film nähert
sie sich den Holocaust-Erfahrungen ihrer Großmutter.
In Anlehnung an die zweihundertjährige Tradition der
Jahresgaben – das sind Kunstwerke einer geringen Auflage
für die Vergabe oder den Verkauf an die Mitglieder
des jeweiligen Kunstvereins, nicht selten aber auch für
den freien Verkauf – präsentiert die Halle für Kunst in
tion 5,700), the Art Association Neuhausen/Stuttgart
(population 11,000), the Art Assocation Heppenheim
(population 25,000), the Art Association Schwerte
(population 48,000), the Art Association Lingen (population
51,000), and—last but not least—the art Association
Kunstraum Tosterglope. The first prize-winner, the
ACC-Gallery in Weimar, was discovered in a city that
cultivates its image as a cultural centre and that was
selected as one of Europe’s “cultural capitals” although,
with its population of 65,000, it is not even close to being
a large city.
This year there are again art associations from the socalled
mid-sized cities that have repeatedly figured on
the list of prize-worthy contestants: the Art Association
Arnsberg (population 74,000), nominated for the second
time since 2007, the Art Association Langenhagen
(population 53,000), nominated for the third time, and
the Gallery for Art in Lüneburg (population 73,000), here
nominated for the fifth time. 2
The Art Association Arnsberg managed to trace a path
from the capital city and metropolis of Berlin to the midsized
Sauerland city of Arnsberg. In 2012, following the
retrospective on Alfredo Jaar at the New Society for Fine
Art (or NGBK, a large-city art association), at the Berlinerische
Galerie, and at the Old National Gallery in Berlin,
the Art Association of Arnsberg was the fourth institution
in Germany in 2012 to dedicate a solo exhibition to
Jaar. Currently the Art Association Arnsberg is exhibiting
the Dutch artist Viviane Sassen. At the exhibition entitled
“Three Magi” (running from the 25th of January to
the 10th of March, 2013), works from Sassen’s projects
“Parasomnia” and “Flamboya” will be shown; the works
were created in various countries in Africa and they link
the artist’s childhood memories from Kenya with her
later experiences.
Running to the 31st of March, the Art Association Langenhagen
will be showing four films by the French artist
Maya Schweizer at the exhibition “Edith Seeshow’s
Notes”. The films deal with the question of history and
memory in everyday contemporary life. In three of the
films the artist reflects upon contemporary public space
and its historical dimensions, and in the fourth film she
touches upon her grandmother’s holocaust experience.
Following the 200-year-old tradition of annual gifts—
i.e. artworks printed in small numbers as gifts or sold
to members of the corresponding art association, although
they are also often sold publically—beginning
on the 8th of March, the Gallery for Art in Lüneburg will
be presenting for sale editions of those artists who feel
particularly attached to the association: artists who
have been exhibited there in recent years. This benefit
exhibition (50% of the proceeds will be donated to
the Gallery for Art) will thus also give you an overview
of the association’s programme. Here you can expect
Maya Schweizer: „Which Story Would You Prefer Not to Recall? “ (2009/13), Fotoinstallation im Schaufensterraum des Kunstvereins Langenhagen
Foto: C. Dootz, Courtesy Maya Schweizer / Galerie Katharina Bittel
Lüneburg ab dem 8. März käuflich zu erwerbende Editionen
von Künstlerinnen und Künstlern, die sich dem
Verein verbunden fühlen, weil sie beispielsweise in den
letzten Jahren dort ausgestellt haben. So vermittelt
diese Benefiz-Ausstellung (50 Prozent der Einnahmen
gehen an die Halle für Kunst) gleichzeitig einen präzisen
Einblick in das Programm des Vereins: Zu sehen und
zu erwerben sind Arbeiten unter anderem von Michael
Krebber, Josephine Pryde, Jan Timme, Mirjam Thomann,
Wolfgang Breuer, Amelie von Wulffen, Lucie Stahl, Will
Benedict, Nick Mauss, Megan Francis Sullivan, Ulla Rossek,
Michaela Eichwald, Annette Kelm, Birgit Megerle,
Michaela Meise, Sabine Reitmeier, Nora Schulz, Phillip
Zach, Simon Denny und Loretta Fahrenholz.
Klingt das nach „Provinz“?
Möglich.
Klingt das „provinziell“?
Mitnichten.
Inga Oppenhausen (*1973) ist Geschäftsführerin der
Arbeitsgemeinschaft Deutscher Kunstvereine (ADKV),
dem Dachverband der Kunstvereine.
www.kunstvereine.de
to see works by Michael Krebber, Josephine Pryde, Jan
Timme, Mirjam Thomann, Wolfgang Breuer, Amelie von
Wulffen, Lucie Stahl, Will Benedict, Nick Mauss, Megan
Francis Sullivan, Ulla Rossek, Michaela Eichwald, Annette
Kelm, Birgit Megerle, Michaela Meise, Sabine
Reitmeier, Nora Schulz, Phillip Zach, Simon Denny and
Loretta Fahrenholz.
Does that sound like it’s from the province?
Perhaps.
Does that sound provincial?
Not at all!
Inga Oppenhausen (*1973) is the director of the Society
of German Art Associations (ADKV), the umbrella organisation
of German art associations.
www.kunstvereine.de
1
Die Zahlen beziehen sich auf die rund 300 Mitglieder der Arbeitsgemeinschaft
Deutscher Kunstvereine.
The statistics are based upon the 300 members of the ADKV—
The Society of German Art Associations.
2
Kunstverein Langenhagen: 2006, 2010 und 2012; Halle für Kunst in
Lüneburg: 2006, 2007, 2010 und 2012.
The “Kunstverein Langenhagen” in 2006, 2010 and 2012; and the “Halle
für Kunst” in Lüneburg in 2006, 2007, 2010 and 2012.
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„Das Idyll macht mich misstrauisch“
“The idyllic countryside makes me suspicious”
Interview mit der Künstlerin Barbara Caveng über das
Projekt „Kunst fürs Dorf – Dörfer für Kunst“
Interview with the artist Barbara Caveng about the project:
“Art for the Village—Villages for Art”
Interview: Steffi Weiss
Translation: Brian Poole
Die Deutsche Stiftung Kulturlandschaft engagiert sich
unter dem Motto „Land schafft Zukunft“ für die Vielfalt
und Identität der deutschen Landschaften. Mit dem
Projekt „Kunst fürs Dorf – Dörfer für Kunst“ setzt die
Stiftung auf die Impuls gebende Kraft der Kunst. In drei
Dörfer wird je ein zusammen mit den Dorfbewohnern
ausgewählter Künstler gesandt, der für sechs Monate
mit ihnen lebt, arbeitet und den Alltag mit seinen Impulsen
und Interventionen durchbricht. Von April bis
September 2013 werden Barbara Caveng aus Berlin nach
Blankensee in Mecklenburg-Vorpommern, Frank Bölter
aus Köln nach Sachsenberg in Hessen und Helmut
Lemke aus Bielefeld nach Sehlis in Sachsen ziehen. Aber
nicht nur die Künstler mussten sich um einen Ort, sondern
auch die Dörfer um einen Künstler bewerben.
Barbara Caveng arbeitet ortsspezifisch und bezieht Einheimische
in ihre „sozialen Plastiken“ ein. So reflektiert
sie neben dem eigenen Charakter der Orte auch das
gesellschaftliche Verhalten der Bewohner. Wir sprachen
mit der Künstlerin über persönliche Wunschorte, Konfrontationen
in der Provinz und Erwartungen an das
Projekt.
Frau Caveng, für Ihre vergangenen Projekte arbeiteten
Sie mit Fundstücken und mit Menschen, die zu den von
Ihnen gewählten Orten gehören. Was ist ihr künstlerisches
Anliegen?
Ich würde meine künstlerische Arbeit nicht als Anliegen
formulieren. Der Impetus kommt aus dem täglichen Erstaunen
über Erscheinungen, Vorkommnisse und das
menschliche Tun im Allgemeinen und Besonderen. Ist
die Verwunderung groß genug, bildet sich daraus eine
Frage, die ich dann in der künstlerischen Arbeit untersuche.
Under their motto of “Landscaping the Future,” the German
Foundation for Cultural Landscape is dedicated to
the diversity and identity of German landscapes. With
its project “Art for the Village—Villages for Art” the foundation
is setting its sights on the impulse-giving power
of art. Three artists have been chosen to live and work in
three villages for six months, permeating the villagers’
day-to-day life with their ideas and initiatives. From April
to September 2013 the Berlin-based artist Barbara Caveng
will move to Mecklenburg-Vorpommern; the Cologne-based
artist Frank Bölter will move to Sachsenberg
in Hessen; and the Bielefelt-based artist Helmut Lemke
will move to Sehlis in Saxony. But not only did these artists
have to apply to the programme—the villages also
had to apply for an artist.
Barbara Caveng works specifically on location, and she
involves the local population in her “social sculptures”.
Thus she manages to reflect not only the particular character
of places but also the social behaviour of their
inhabitants in her work. We spoke with the artist about
her own favourite places, her encounters in the provinces,
and her expectations for the project.
Barbara Caveng, for your past projects you’ve worked
with the artefacts and people that belong to the locations
you’ve chosen. What is your artistic concern in all
of this?
I wouldn’t refer to my artistic work as my own concern.
My motivation comes from the astonishment I experience
every day at the phenomena, the events, and,
more generally and particularly, the human activities
I encounter. When one’s sense of wonder is large
enough, a question arises that I then investigate in my
artistic work.
Blankensee fotografiert von Olaf Lesener
Auf welche Fragen sind Sie bisher gestoßen?
Im Jahr 2003 realisierte ich mein erstes partizipatives
Kunstprojekt mit dem Titel „Ready Now“. Auslöser war
ein Foto im Tagesspiegel, unmittelbar vor dem Ausbruch
des Irakkrieges. Die Luftaufnahme zeigt die fünfhundert
Mann starke Besatzung des amerikanischen Flugzeugträgers
Abraham Lincoln auf Deck. Die Soldaten
bilden den Schriftzug „Ready Now“ mit ihren Körpern.
Das war für mich eine große Frage, der ich ein Jahr gewidmet
habe: Was heißt „Ready Now“? Fertig – wofür?
Es war die Zeit, als der damalige US-Präsident George
W. Bush mit der Formulierung von der „Achse des Bösen“
die Welt gespalten hat. Die zweite Frage, die ich
mir stellte, war: Was bedeutet kulturelle Identität? Aus
diesen beiden Fragen entstand über einen Zeitraum von
sechs Monaten ein elf Quadratmeter großer Teppich
mit 330.000 Knoten, der von über 250 Menschen aus 55
Nationen geknüpft wurde. Teil der Installation ist eine
Soundbibliothek der Gespräche, die die Teilnehmer zu
dieser Frage führten. Identität und Zugehörigkeit sind
Themen, die in unterschiedlichen Aspekten immer wieder
in meinen Arbeiten auftauchen. So zum Beispiel in
der Trilogie der „Sozialen Bodenbeläge“. Die Frage, wer
sich in welcher Form als Teil der Gesellschaft versteht,
wurde durch die ausufernden Formationen von ausrangierten
Möbelstücken im öffentlichen Raum ausgelöst.
What questions have you already encountered?
In 2003 I completed my first participatory art project,
entitled “Ready Now”. It was inspired by a photo in the
newspaper Tagespiegel that appeared just before the
beginning of the war in Iraq. The aerial photo showed
the five-hundred-member crew of the aircraft carrier
Abraham Lincoln standing on the deck. The soldiers
formed the words “Ready Now” with their bodies. This
raised a large question that preoccupied me for one
year: What does “Ready Now” mean? Ready for what?
This was a time when the then acting American president
George W. Bush had divided up the world with his
notion of the “axis of evil”. The second question I asked
myself was: What does cultural identity mean? Based
on these questions, over a period of six months an 11
cubic metre carpet was assembled containing 330,000
stitches linked together by more than 250 people from
55 different nations. Part of the installation is a sound
library with recordings of the conversations the participants
had on this subject. Identity and ‘belonging’ are
topics that reoccur in my work in various ways—for example,
in the trilogy “Social Floor Surfaces”. The question
who considers themselves a part of society, and in
what form was triggered by the sprawling accumulation
of discarded pieces of furniture in public space.
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Wählen Sie die Orte nach bestimmten Kriterien aus,
oder können Sie überall arbeiten?
Es kommt eigentlich nie vor, dass ich die Orte bewusst
auswähle. Es gibt eine Liste, unbeschriebene Gebiete
auf meiner inneren Landkarte, welche plötzlich an Kontur
gewinnen und mich zur Erforschung des Unbekannten
einladen. Russland stand achtzehn Jahre auf dieser
Liste, bevor ich durch ein Stipendium einige Monate
nach Moskau kam. Bei Syrien waren es acht Jahre. Ich
möchte nach Albanien, Rumänien, Ulan Bator, Baku und
Myanmar.
Der Locus amoenus lässt sich an diesen Orten nicht vermuten
– sie werden durch politische und soziale Umwälzungen
bestimmt. Suchen Sie unbewusst nicht die
Idylle, sondern Orte im Umbruch?
Für mich waren das Orte, die ein Geheimnis haben – ob
es sich dabei um eine Bedrohung oder um eine freudvolle
heitere Überraschung handelt, bleibt verborgen.
Ich mag Orte, zu denen es noch keine festgelegten beschreibenden
Adjektive gibt. Oft ist es der Klang, der
diese sehnsüchtige Neugier auslöst. Deswegen bin ich
auch gerne an Flughäfen. Das physische Erleben ist mir
die liebste Art des Lernens, auch wenn das zuweilen mit
Schwierigkeiten verbunden ist. Es ist für mich eine Möglichkeit,
überhaupt etwas innerhalb der Komplexität
der Welt zu verstehen. Das Idyll macht mich immer eher
misstrauisch. Ich weiß nicht, was ich da soll. Das Leben
in seiner brüchigen Schönheit reizt mich mehr.
Entwickeln Sie ein Konzept, bevor der Aufruf zur Teilhabe
folgt?
Ja, das kann man so sagen. Wichtig ist mir das Wort
„Teilhabe“ in Ihrer Formulierung. Es geht mir nicht um
das Ausführen von etwas, sondern eben um die Teilhabe
des Einzelnen. Ich bin eine Vertreterin des Individualansatzes:
Ich spreche die Menschen einzeln an und lade
zur Teilhabe an der Idee ein. Das hilft den Angesprochenen
zu verstehen, wonach ich suche. Nach Blankensee
gehe ich ohne bestehendes Konzept. Das ist für mich
neu, eine Idee ganz von null vor Ort – und in diesem
Falle natürlich zusammen mit den Menschen – zu entwickeln.
Seit 2003 sind partizipative Kunstprojekte zu
einem Schwerpunkt meiner Arbeit geworden. Sie folgen
einer einfachen Regel: ohne Partizipation kein Werk. Das
gilt auch für Blankensee.
Sie leben und arbeiten größtenteils in Berlin. Welchen
Bezug haben Sie zur Provinz?
Provinz steht ja auch für all das, was der Städter vermisst
und wonach er sich sehnt: Überschaubarkeit,
Slow Down, Fleisch vom Bauern aus der Region und
Gemüse aus dem Garten sowie soziale Verbindlichkeiten.
Gleichzeitig löst sie Angst aus vor eben jener Überschaubarkeit,
Enge, sozialen Kontrolle und der eigenen
Bedeutungslosigkeit. Provinz ist also in jedem Falle
eine Konfrontation, zumindest mit sich selbst. Es ist ein
wichtiges Anliegen. Ich finde es fatal, wenn die Stadt
Do you choose the locations according to certain criteria,
or can you work anywhere?
Actually I’ve never consciously chosen the locations.
There is a list—unwritten areas in my inner map that
suddenly acquire contours, inviting me to study the unknown.
Russia was on the list for 18 years before I received
a stipend that allowed me to travel to Moscow for a few
months. Syria was on the list for eight years. I’d like to
go to Albania, Rumania, Ulan Bator, Baku, and Myanmar.
The locus amoenus is not something you’d expect to find
at these locations; they are more characterised by poli -
tical and social upheavals. Do you unconsciously search
not for idyllic places, but places caught up in change?
For me, these places held a secret, and it was impossible
to tell whether it was a threat or a pleasurable and
cheerful surprise. I like places for which there are still no
established descriptive adjectives. Often it’s the sound
of the name that triggers the longing curiosity. That’s
why I also like to be at airports. Physical experience is
my favourite way of learning something, even when
that brings with it its own difficulties. It offers me the
opportunity to understand something about the complexity
of the world. Idyllic places have always made me
suspicious. I’m not sure why I should be there. I’m more
intrigued by life in its fragile beauty.
Do you develop a concept before others are called upon
to participate?
Yes, that’s one way you can look at it. For me, the word
you used, “participate”, is important. I’m not interested
in carrying something out, but rather in the participation
of the individual. I’m an advocate of the individual
approach: I speak to people individually and invite
them to participate in an idea. That helps those I speak
with to understand what I’m looking for. But I’m going
to Blankensee without a pre-existing concept. For me,
that’s something new: developing, on site, an idea from
the ground up, in this case of course together with the
people there. Participatory art projects have been the
focus of my work since 2003. They follow a simple rule:
without participation there’s no work. That will also be
the case in Blankensee.
You live and work largely in Berlin. What relationship do
you have to the “province”—to rural areas?
The notion of the “province” also stands for whatever
the city-dweller misses and longs for: for comprehensibility,
for slowing down, for meat from the local farmer
and vegetables from the garden, and for social commitment.
At the same time, there is a fear of precisely that
comprehensibility: the narrowness, the social control,
and one’s own meaninglessness. The province is certainly
also a confrontation at least with oneself. That’s
an important concern. I think it’s terrible when the city
is presumed to be the only possible space to live in, filled
with promises that turn into chimeras for most people,
and with hopes that remain unfulfilled.
Barbara Caveng im Salon Fiona Bennett, Foto: Joachim Gern
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Barbara Caveng: Neuköllner Sozialparkett, Begehbare Bodeninstallation, 125qm, 4000 Teile, Materialien aus dem Bezirk Neukölln, 2010, Foto: Christian Reister
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zum vermeintlich alternativlosen Lebensraum wird, mit
Verheißungen, die sich für viele Menschen in Schimäre
verwandeln und Hoffnungen, die sich nicht erfüllen.
Wie stellen Sie sich Ihr Leben und Arbeiten in den sechs
Monaten auf dem Dorf vor?
Das Gute ist ja, dass ich mir mein Leben und meine Arbeit
in Blankensee nicht vorstellen kann. Bei meinem
Erstbesuch im Dorf führten mich die letzten Kilometer
über eine komplett vereiste Landstraße. Das ist vielleicht
eine ganz gute Metapher für die vorsichtige Annäherung
an ein fremdes Gebiet. Später kann man dann auf
dem Eis Pirouetten drehen. Ein Gefühl der Erwartung
habe ich nicht – eher die Hoffnung, dass aus dem Unerwarteten
ein Wunder wird. Ich vermisse auf Mission
selten etwas. Abwesenheiten gehören dazu.
Welchen Eindruck hat Blankensee beim ersten Besuch
hinterlassen?
Am meisten hat mich beeindruckt, welchen Wert und
welche Bedeutung die Bewohner von Blankensee und
dem Ortsteil Pampow diesem Projekt und meiner bevorstehenden
Anwesenheit beimessen. Die Neugier,
Offenheit und Herzlichkeit, mit welchen ich von den
Bewohnern in den beiden Ortsteilen empfangen wurde,
haben mich sehr berührt. Die Bewohner haben mir die
Ehre erwiesen, mir jeweils den Platz an der Stirnseite der
langen Kaffeetafeln in den Gemeindesälen von Pampow
und Blankensee zuzuweisen. Dann haben sie mir Fragen
gestellt, die den Ihrigen gar nicht unähnlich sind. Das
fand ich sehr schön. Dieses Dorf hat ein Anliegen, ich
weiß nur noch nicht genau welches. Möglicherweise ist
es auch in den beiden Ortsteilen nicht dasselbe. Natürlich
ist Sprache ein Thema. Wie viele Menschen sowohl
auf der einen als auch der anderen Seite der Grenze die
Sprache des Nachbarn nicht sprechen, hat mich überrascht.
Es sind weniger Fragen, die ich im Kopf habe,
als die Bilder dieses ersten Besuches und viel positive
Spannung auf dieser Reise. Es ist ja für beide Seiten ein
Abenteuer.
Herzlichen Dank für das Gespräch!
Die Gemeinde Blankensee mit dem Ortsteil Pampow hat 534 Einwohner
und befindet sich direkt an der deutsch-polnischen Grenze. Nur 25 Kilometer
entfernt liegt die nächstgrößere Stadt Stettin. Auf die Frage der
Dorfbewohner beim Erstbesuch der Künstlerin, was Frau Caveng in Blankensee
plant, stellte diese ihre interaktive Vorgehensweise vor und fügte
hinzu, dass sie damit begonnen habe, Polnisch zu lernen. Die Dorfbewohner
zeigten sich zunächst erstaunt, griffen jedoch dieses Vorhaben auf und
schmiedeten Pläne für eine Initiative – wir lernen Polnisch! Ein erster Impuls
mit Auswirkung. Was folgt, wird im ZDF und bei ARTE zu sehen sein.
www.doerfer-fuer-kunst.de
What do you anticipate your life and work to be like during
the six months in the village?
The good thing is that I can’t imagine what my life and
work will be like in Blankensee. During my first visit to
the village, the last kilometres of the trip there led me
through a completely ice-covered country road. Perhaps
that’s a good metaphor for the cautious approach to a
strange area. Later you can turn pirouettes on the ice.
I don’t have the feeling of expectation—it’s rather a
feeling of hope that from this unexpectedness a wonder
will arise. Whenever I’m on a mission I rarely miss
anything. Absences are part of it all.
What impression were you left with after your first visit
to Blankensee?
I was most impressed by the value and significance the
inhabitants of Blankensee and the community of Pampow
attribute to this project and to my future presence
there. The curiosity, open-mindedness and warmth with
which I was received by the inhabitants in both communities
touched me deeply. The inhabitants gave me the
honour of seating me at the head of the long coffee table
in the community centres of Pampow and Blankensee.
Then they asked me questions that are not much
different from the ones you’ve asked me. I thought that
was beautiful. This village is showing an interest, although
I’m not yet sure what that interest is. Perhaps it
will be different in each community. Of course language
will be a topic. I was surprised by just how many people
on one side of the border and on the other don’t
speak the language of their neighbours. These are not
so much questions in my mind as images of my first visit
and of the positive excitement for the forthcoming trip.
It will be an adventure for both sides.
Thank you for the conversation!
The Blankensee community, which includes the community of Pampow,
has 534 inhabitants and is located on the German-Polish border. The next
large city, Stettin, is located just 25 kilometres away. When the village inhabitants
asked Barbara Caveng what she planned for Blankensee, she
introduced her interactive approach, adding that she had begun to learn
Polish. The inhabitants were at first astonished, but they soon adopted the
idea and constructed plans for the initiative “We’re learning Polish!” This
first initiative has already borne fruit. What follows will be televised by the
stations ZDF and ARTE. www.doerfer-fuer-kunst.de
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Sammlergespräch mit Tobias Gombert und Samuel
Leuenberger – Keine definierte Sache
Conversations with Collectors: Tobias Gombert and
Samuel Leuenberger – Not a clearly defined activity
Interview: Jan Kage
Text: Alexandra Panzert
Translation: Brian Poole
Im ersten Sammlergespräch 2013 erzählen Tobias Gombert,
der hauptberuflich in einer Bank arbeitet, und Samuel
Leuenberger, der in Basel den Kunstraum SALTS
leitet und freiberuflich als Kurator tätig ist, was sie zum
Sammeln bewegt und welche Erfahrungen ihre Leidenschaft
prägen. In ihren Sammlungen befinden sich
unter anderem Werke von Christian Awe, Beni Bischof,
Wade Guyton, William Kentridge, Sara Masüger, Kenneth
Noland, Ned Vena, Michael Sailstorfer und Karsten
Födinger.
Sammlerfreunde, gibt es das? Geht ihr zusammen auf
Messen – oder gibt es da Konkurrenz?
TG: Die gibt es nicht, vielmehr ergänzen wir uns. Wir
lernen unheimlich viel voneinander – wir verfolgen dasselbe
Interesse und Ziel. Natürlich freut man sich, wenn
man etwas entdeckt, was der andere noch nicht kennt.
Die Menge der Leute, die sich in Basel für junge zeitgenössische
Kunst interessiert, ist sehr überschaubar.
Tobias, du hattest mit 16 Jahren ein prägendes Erlebnis
in der Sammlung Beyeler.
TG: Ich war noch Schüler, als ich in Riehen das neu eröffnete
Museum besuchte. Ein älterer Herr hatte mich angesprochen
und gefragt, wie mir Museum und Sammlung
gefallen. Wie sich im Nachhinein herausstellte, war
dieser Mann Ernst Beyeler – das habe ich aber erst nach
seinem Tod herausgefunden. Er hat mich durch das Gebäude
geführt. Es war eine sehr interessante Stunde, die
ich dort verbrachte, da ich mit einer verhältnismäßig naiven
Grundeinstellung die Bilder betrachtete. Erst zehn
Jahre später habe ich den Stellenwert dieser Person
begriffen. Es war ein Schlüsselerlebnis und mein erster
Kontakt mit Kunst.
In the first of our Conversations with Collectors for 2013
Tobias Gombert, who works in a bank, and Samuel Leuenberger,
who is the director of the art gallery SALTS in
Basel and is also a freelance curator, talk about what
got them started in collecting art and what experiences
have roused their passions. In their collections the have
works by Christian Awe, Beni Bischof, Wade Guyton,
William Kentridge, Sara Masüger, Kenneth Noland, Ned
Vena, Michael Sailstorfer and Karsten Födinger.
Do collector-friendships exist? Do you go to art fairs together,
or is there competition between you?
TG: There isn’t. In fact we tend to complement each
other. We learn a lot from each other—we pursue the
same interests and goals. Of course it’s pleasing to discover
something the other person doesn’t know yet. The
number of people in Basel who are interested in contemporary
art is rather limited.
Tobias, you had a formative experience while taking in
the Beyeler Collection.
TG: I was still going to school when I visited the recently
opened Museum in Riehen. An old man approached me
and asked how I liked the museum and the collection.
It turned out that that man was Ernst Beyeler—something
I discovered only after his death. He guided me
through the building. I spent a highly engaging hour
there—I had a comparatively naïve approach to the
pictures. I finally understood the status of this person
ten years later. That was a key experience and my first
contact with art.
Samuel Leuenberger (links) und Tobias Gombert (im Vordergrund)
Foto: Daisy Loewl
Samuel, was hast du in den acht Jahren im Kunstbetrieb
gelernt, während du andere beraten hast, ihre Sammlung
aufzubauen? Was waren die Grundlehren, wenn es
denn welche gibt?
SL: Es gibt sie nicht wirklich. Ich habe gelernt, dass jeder
Sammler eine andere Herangehensweise hat, aber ich
denke, es ist wichtig, sich auf irgendeine Art und Weise
einzugrenzen. Entweder gleich am Anfang – man beschließt
beispielsweise, nur Werke auf Papier, nur jüngere
Künstler oder nur preislich günstige Arbeiten zu
sammeln. Oder man macht es genau umgekehrt: Am
Anfang kauft man, was immer einem ins Auge sticht,
und die Qualitätsbeurteilung kommt dann später im
Rückblick. Das Sammeln von Kunst ist keine definierte
Sache. Ich wusste zunächst nicht, dass ich eine Vorliebe
für abstrakte Malerei habe, bis ich anfing, sie zu kaufen.
Man muss einfach offen genug sein und sich auch Fehler
eingestehen – denn daraus kann man lernen.
Tobias, hast du irgendwann einen Sammlungsschwerpunkt
festgelegt?
TG: Ich will mich nicht festlegen. Er dreht sich um Grenzgebiete
in der zeitgenössischen Malerei und Skulptur im
Hinblick auf die Abstraktion – immer mit zeitgeschichtlichem
Hintergrund. Ich habe auch Bilder des deutschen
Informel und des abstrakten Expressionismus erworben,
die mich angesprochen und diese Schnittmenge
ergänzt haben. Grundsätzlich ist mein Interesse jedoch
zeitgenössisch ausgerichtet.
Samuel, what have you learned during the past eight
years in the art business while advising others on how
they should build up their collections? What were the
fundamental precepts—or are there any?
SL: There really aren’t any. I learned that every collector
has a different approach. But I think it’s important
to limit yourself in some manner. Either right from the
start: for example, you decide to collect only works on
paper, only young artists, or only inexpensive works. Or
you go at it the other way around: you start by buying
whatever appeals to your eye, and allow the judgement
of quality to come later, retrospectively. Collecting art
is not a clearly defined activity. When I started I didn’t
know that I had a preference for abstract painting until
I began to buy it. You simply have to be open enough
and you have to admit your mistakes—the mistakes are
what you learn from.
Tobias, did you establish a focus for your collection at
some point?
TG: I don’t want to tie myself down. My focus lies somewhere
on the frontier of contemporary painting and
sculpture—abstract works that are rooted in the background
of contemporary history. I also have pictures
from the German art informel movement and from abstract
expressionism that appealed to me, and I’ve added
works with complementary features. But basically my
interest is aimed at contemporary art.
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Was ist für dich der signifikante Unterschied zwischen
den Kunsträumen Basel und Berlin?
TG: Es sind sehr viele Künstler hier, auch viele Schweizer
Künstler. Es gibt ein reichhaltiges kulturelles Angebot,
Sammlungen und Museen, die ein sehr gutes Programm
machen. Wenn man den Vergleich zu Basel zieht, ist da
immer die Frage, was Berlin wiederum für seine Künstler
übrig hat und inwiefern die Stadt ihre Künstler unterstützt.
Man schmückt sich gerne mit diesem Logo, aber
gibt relativ wenig dafür. In der Schweiz ist die Förderpolitik
der Kunst und die Identifikation mit der Kunst aus
meiner Sicht eine andere. Kulturelle Belange werden in
größerem Rahmen unterstützt, die Förderung wird auch
sichtbarer nach außen getragen
Samuel, du hast Mitte der 1990er-Jahre in London gelebt.
Das war die Zeit der Young British Artists. Gemeinsam
mit anderen jungen Galeriearbeitern habt ihr Listen
gemacht und dann Tipps abgegeben, wer in zehn
Jahren noch ein großer Name sein wird. Wen hast du
aufgeschrieben? Wie oft habt ihr richtig gelegen?
SL: Wir lagen fast immer daneben. Die Kunstszene Londons
dieser Jahre war sehr spannend, als ich ankam. Die
Young British Artists feierten gerade ihren Höhepunkt.
Vor ein paar Jahren haben ein Freund und ich die Listen
gefunden: Es ist beängstigend, dass nur so wenige
Künstler einer ganzen Generation Bestand haben. Allein
schon bei den Young British Artists, der damals bekanntesten
Gruppe, war es für uns nicht vorstellbar, dass
lediglich Tracey Emin, Jake und Dinos Chapman, Damien
Hirst, vielleicht noch Liam Gillick und Angela Bulloch
und wenige andere weiterhin so erfolgreich arbeiten
werden. Das zeigt, wie wir grundsätzlich in unserer
Wahrnehmung von Zeitgeist und Zeitgeschmack gefangen
sind. Im Hinblick auf den eigenen Sammlungsstil
sind solche Erfahrungen wichtig, um nicht nur einem
Mainstream hinterherzulaufen.
Ist die abstrakte bildende Kunst, auf die ihr euch momentan
konzentriert, davor gefeit, einem ähnlichen
Hype zu unterliegen?
SL: Es ist alles eine Welle. Die Leipziger Maler und die figurative
deutsche Malerei waren noch bis vor ein paar
Jahren wahnsinnig erfolgreich. Mittlerweile muss man
diese Art von Malerei suchen.
Es ist ja nicht nur der Sammler, der etwas Neues entdecken
möchte. Es ist auch Populärkultur, unsere Gesellschaft,
die nach acht Jahren Young British Artists
einfach die Nase voll hat: Man schaut sich nach Neuem
um, und das ist auch gut und gesund.
Du betreibst den Kunstraum SALTS in Basel. Was wird
dort gezeigt?
SL: SALTS ist eine umgebaute ehemalige Metzgerei, ein
loftartiger Raum, den ich seit drei Jahren bespiele und
der den Zweck hat, junge internationale Kunst zu fördern.
Es ist natürlich für mich auch eine Möglichkeit,
meine eigenen Interessen, auch im Sinne des Sam-
Kasper Sonne: Borderline (new territory) No. 14, 2013, Industriefarbe, Feuer
und Wasser auf Leinwand, 150 x 120 cm, Foto: Gunnar Meier
What, for you, is the significant distinction between the
galleries in Basel and in Berlin?
TG: There are a lot of artists here, also a lot of Swiss artists.
There is a rich array of cultural activities to choose
from—collections and museums that offer great programmes.
If you compare that with Basel, you always
have to raise the question of what Berlin actually does
for its artists and to what extent the city supports its
artists. The city of Berlin likes to wear the logo of an art
haven, but it actually does relatively little for it. In Switzerland
the state subsidies for art and the identification
with art are, in my view, different. Cultural affairs are
supported on a larger scale, and this patronage is also
communicated more visibly beyond the borders.
Samuel, you were in London during the mid-90s. That
was the age of the Young British Artists. Together with
other young gallerists, you created lists and offered tips
on who would become a big name in ten years. Who did
you add to the list? How often were you right?
SL: We were almost always wrong. The London art scene
of those years was very exhilarating; when I arrived, the
Young British Artists had just then reached their peak.
A few years ago, a friend of mine and I found those lists
again. It’s terrifying that only so few of the artists of
an entire generation managed to survive. Among the
Young British Artists alone (then the best known group)
melns, zu hinterfragen. Durch die Zusammenarbeit mit
einem Künstler beim Aufbau einer Ausstellung entwickelt
sich eine enge Beziehung. Ich glaube, das Wissen
hinter dem Bild und hinter der Skulptur – was leider die
meisten Leute, wenn sie eine Ausstellung anschauen,
nicht sehen oder erfahren können – ist eigentlich das,
was mir das Werk näherbringt.
Was macht für dich das Sammeln aus?
SL: Die entscheidende Frage ist nicht, was du sammelst,
sondern auf was du verzichtest. Für mich ist Sammeln
vor allem eine Frage des Editierens und der richtigen
Auswahl. Es ist eine Passion. Man will immer etwas
entdecken und weiterentwickeln, neu erfragen, und vor
allem reizt die Herausforderung, Werke zu entschlüsseln.
Man ist an einem Prozess, an einer Denkweise, die
gerade aktuell ist, interessiert, vielleicht auch an einer
Szene, einer Stadt oder einer Gruppe von Künstlern.
Bei einer Sammlung ist es fast egal, was du dir als Ausgangspunkt
setzt. Jeder muss selbst einen Weg finden,
ein Qualitätsurteil zu fällen.
Vielen Dank für das Gespräch!
we could not have imagined that only Tracey Emin, Jake
and Dinos Chapman, Damien Hirst, and perhaps also
Liam Gillick and Angela Bulloch and very few others
would continue to work so successfully. That just shows
you how we are basically trapped in our perception by
the spirit and the taste of the age we live in. As far as
one’s own style of collecting is concerned, such experiences
are important in order to prevent one from just
following the mainstream.
Is the abstract fine art you are both currently focused
on protected against falling prey to comparable hype?
SL: Everything is just a wave. The Leipzig painters and
figurative German painting were still successful just a
couple of years ago. But now you have to search for it if
you still want to find this type of painting.
And it’s not only the collector who wants to discover something
new. It’s also pop culture and our society. And
after eight years of Young British Artists, they’d simply
had enough. So you start looking for something new—
and that’s good, and healthy.
You operate the gallery SALTS in Basel. What’s being exhibited
there?
SL: SALTS is located in a former butcher’s shop that’s
been renovated into a loft-like space where I’ve been
exhibiting art for three years. The goal of the gallery is
to support young international art. Of course it also offers
me the opportunity to call into question my own
interests as a collector. Thanks to the cooperation with
artists during the construction of an exhibition, a close
relationship develops. I believe that the knowledge lying
behind the picture and behind the sculpture—something
that, unfortunately, most people who visit an
exhibition cannot see or experience—is actually what
makes art more accessible to me.
What does collecting ultimately mean to you?
SL: The decisive question is not what you collect, but
what you can do without. For me, collecting is above all
a question of editing and of making the right choices. It
is a passion. You always want to discover something and
develop it, and raise new questions, and the challenge
of deciphering works is most stimulating. You get interested
in a process, a manner of thinking that is currently
topical—perhaps a scene, a city or a group of artists.
When you’re collecting, it almost doesn’t matter what
you’ve taken as your point of departure. Each collector
has to find his own way of judging quality.
Thank you for the conversation!
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Review: Kitty Kraus bei Galerie Neu
Text: Matthias Planitzer
Auf der Pilgerschaft zur vergangenen Kitty-Kraus-Schau
musste der entschlossene Besucher einige Hürden nehmen.
Schließlich stellte die Künstlerin ihre neusten Arbeiten
an einem von der Außenwelt abgeschotteten Ort
aus. Zunächst war der Weg zu den Räumen der Galerie
Neu in der Philippstraße zu bewältigen, die sich dort
abseits der großen Kunst-Hotspots an den Campus der
Charité schmiegt. Dieser Weg ist auf der Berliner Kunstkarte
ein besonderer, denn an der Galerie Neu spaziert
man nicht einfach vorbei, wie man es bei einem Bummel
durch die Potsdamer Straße pflegt, wo man auf diese
Weise immer wieder eine Überraschung erlebt. Nein,
den Weg zur Galerie Neu geht man stets nur festen
Entschlusses. In den vergangenen Wochen war es Kitty
Kraus, die zur Pilgerschaft in die Philippstraße lockte.
Dort angekommen, blieb die Tür jedoch versperrt. Man
möge den Seiteneingang nehmen. Auch dort: klopfen
und warten.
Dann wurde einem die schwere Tür in den hermetisch
abgeriegelten Bunker geöffnet, in den Kraus das zierliche
Gebäude verwandelte. Durch das Büro gelangte
man in den Ausstellungsraum, wo sich das Geheimnis
um diese penible Isolation lüftete. Wo einst Fenster und
Türen waren, schlossen sich nun die kalten Wände um
den kleinen Raum und nahmen in sich schützend das
Sanktuarium auf, das Kraus den Besuchern eröffnete.
Hier inszenierte die Künstlerin abgeschottet von der Außenwelt
die strenge, aber fragil vibrierende Kühle ihres
bekannten, reduzierten Formeninventars. Foucault hätte
an diesem Ort sicherlich seine Freude gehabt.
Das selbstgewählte Exil war jedoch gewiss kein Selbstzweck.
Ebenso wie sich Mönche auf ihrer Peregrinatio
vom Lärm ihrer profanen Umwelt ab- und dem Geist
zuwenden, braucht auch Kraus’ Kunst einen stillen Ort,
um sich darin behutsam entfalten zu können. Im Trubel
der hektischen Metropole ginge sie hinter der Glasfront
jedes gewöhnlichen Ausstellungsraumes unter. Schließlich
sind ihrer Arbeiten als das schwache Licht, das erst
im Dunkeln funkelt, bekannt – hier, in der Galerie Neu,
war dies durchaus wörtlich zu nehmen.
Materialität hat einen großen Stellenwert in Kraus’
Installationen, ist oftmals sogar der Schlüssel zu einer
stummen Dramatik. Dieses Mal war es Licht, ein für die
Kitty Kraus: Untitled, 2012, Painted plywood, painted glass, 1000W light bulb, 127 x 35.5 x 29cm
Courtesy the Artist and Galerie NEU, Berlin
tung unter dem Schlagwort „Autofaschismus“ in einer
kuratierten Ausstellung auf den Prüfstand gestellt wurde.
Unter dem Titel „UEBERMODELS“ legten die Kuratoren
den Fokus „auf eine Strategie der Reduktion, die zu
einer Steigerung der Komplexität führt. Der Ausgangspunkt
ist ein intellektueller Prozess und kein formaler
Ansatz, der nur zu einem sterilen Minimalismus führt.“ 1
Diehl und Prokop sehen in dem Überfluss an Informationen,
Bildern, Einflüssen und Wahlmöglichkeiten und
dem daraus entstehenden Entscheidungszwang eine
Scheinfreiheit die das „Bedürfnis nach etwas Scharfen
und Klaren, nach einem ästhetischen Felsen in der Brandung“
begründet. Sie konstatieren, dass die Positionen
der autofaschistischen Kunst „von einer Sehnsucht nach
einer genuinen und zeitgemäßen Form von Authentizität
gesteuert zu sein [scheinen], … und sie bringen dabei
eine Art von Ironie zum Einsatz, die ein Ausdruck von
gleichzeitigem Kommitment und Detachiertheit ist.“
Zwar war Kitty Kraus in der Ausstellung bei der Galerie
Program nicht vertreten, doch hätten sich ihre leuchtenden
Stelen gut dort eingereiht.
Das unerwartete Verhalten des Materials Licht führt zu
eben einer solchen Steigerung der Komplexität, auf die
der forschende Betrachter mit dem Versuch reagiert,
Künstlerin ungewöhnliches Medium. Zwei gleichartige
Stelen, ihrer Natur nach eher etwa einen Meter hohe
Sockel quadratischen Querschnittes, die mit hellem Linden-
oder Ahornholz ringsum verkleidet und oben mit
einer getrübten Glasplatte abgeschlossen waren, standen
je mittig in einem der Räume. Zwischen Stele und
Glas drang durch einen schmalen Spalt nach allen Seiten
ein helles, weißes Licht hervor. Als einzige Beleuchtung
in dem sonst von allem künstlichen und Tageslicht
abgeschotteten Raum beschien es die umliegenden
Wände, aber so schwach, dass die Stelen wie Leuchttürme
in der Dunkelheit standen. Jedoch, ein schwarzer
Streifen blieb frei. Auf Höhe der Stele zog er einmal rings
über die Wände, von einem Raum in den anderen, und
teilte sie in ein lichtbeschienenes Oben und Unten –
aber warum blieb er selbst im Schatten?
Diese Frage beschäftigt den ratlosen Besucher, sie bohrt
in ihm, und so erkennt er auch bald handwedelnd, dass
sein eigener Schatten sich nur dann scharf abzeichnet,
wenn er seine Hand unmittelbar vor den Spalt hält.
Ein Hindernis muss hinter dem Spalt eingebracht sein,
so vermutet er drängenden Forschens – aber nein, berühren
verboten. Es scheint bald, dass die Stele gar kein
Licht ausstrahle, sondern, im Gegenteil, das gesamte
Licht des Raumes in sich aufsauge. Die undurchdringlichen
Wände schützen demnach nicht den Raum, den
sie umfangen, sondern schirmen die Umwelt vor der
Gefahr ab.
Im Kontakt mit den Installationen von Kitty Kraus entstehen
oftmals solche lebhaften Fantasien. Das braucht
die Künstlerin nicht zu kümmern, denn die kühle Strenge
ihrer bis aufs Äußerste reduzierten Formen und die
stumme Dramatik ihrer bis an ihre Grenzen gebrachten
Materialien sprechen mit beeindruckender Gewalt
und doch wortlos für sich. Dies als minimale Kunst zu
bezeichnen, würde ihre Essenz verfehlen, denn dieses
Destillat, das langsam tröpfelnd aus der Reduktion der
Formen gerinnt, ist weder Objektivität noch Entpersönlichung,
sondern die heiße Wallung eines brodelnden
Gemüts, das nicht der Künstlerin, sondern dem Material
entspringt. In diesem Sinne entsprechen die Stelen Kitty
Kraus’ einem wilden Konzept, das 2010 von Niels Betori
Diehl und Barbara K. Prokop nach eingehender Beobachsie
mit Gehalt aufzuladen. In der Verweigerung solcher
Erklärungsmuster (der Detachiertheit) entsteht jene
magische Ästhetik, die bereits in vielen anderen Arbeiten
Kraus’ den Betrachter fesselt. Er ist es gewohnt, dass
der Alltag im Überfluss an Informationen, Bildern und
Einflüssen solche Deutungsmuster anbietet. Wenn nun
aber das Wesen der Dinge hinter einem Rätsel versteckt
wird, zumal einem solch geschickten Rätsel wie Kraus’
Schattenstreifen, und seine Lösung zurückgehalten
wird, entsteht daraus eine starke Anziehung.
Das Prinzip ist kein neues, man kennt es schon von anderen
Installationen der Künstlerin, die die Besucher vielerorts
verwundert zurückließen: Wie kann Glas sich so
stark biegen? Warum kann es so starr und der Schwerkraft
zum Trotz im Raum haften bleiben? Wie kann ein
Eisblock schwarze Tinte bluten und damit den Raum besudeln?
Auf diese Fragen gibt Kitty Kraus keine Antwort.
So hält schließlich die Begeisterung über diese fragile,
stille Ästhetik an.
1
aus: „UEBERMODELS” (Katalog zur gleichnamigen Ausstellung bei
PROGRAM e.V.), Berlin 2010, aus dem Vorwort (ohne Seitenangabe)
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Farbe bekennen – Was Kunst macht
Wie kann Kunst zu gesellschaftspolitischen Themen Stellung beziehen? Mit
den Mitteln der Kunst verwehren sich die elf internationalen ausgestellten
Künstler und Künstlerinnen gegen jede Form von Ideologie. Sie konzentrieren
sich dagegen auf Widersprüche in bestehenden Systemen und verweisen
auf grundsätzliche Fragestellungen. Ausgehend von der Vorstellung der
vielfältigen Werkauswahl, die unter anderem Beiträge von Sam Durant, Claire
Fontaine und Thomas Hirschhorn umfasst, beschäftigen sich die Essays mit
dem Verhältnis von Kunst und Politik, Form und Wirkung. Statements der
Künstler runden den Ausblick auf die Möglichkeiten einer politisch engagierten
Kunst ab.
Marta Herford (Hg.): Farbe bekennen – Was Kunst macht. Kettler, Bönen 2013, Dt.,
240 S., 90 farb. Abb., Klappenbroschur, gebunden, 29, 90 €. ISBN: 978-3-86206-222-5
Grenzgänger – die Sammlung Reydan Weiss
Die Sammlung der Immobilienmanagerin Reydan Weiss vereint Werke von
amerikanischen, asiatischen, europäischen und islamischen Künstlern und
Künstlerinnen. Der Katalog führt die Heterogenität der Sammlung vor Augen
und damit auch Reydan Weiss` persönliches Interesse an einem weiten Blickwinkel
auf die Welt. Mit Fragen zu den Themen Identität, Heimat und Kultur
setzen sich die Werke provokant und aggressiv wie bei Olaf Metzel oder auch
ruhig und sinnlich wie bei Rosilene Luduvico auseinander. Der Fokus liegt auf
Fragestellungen der Interkulturalität. Auch feministische und postkoloniale
Positionen werden aufgenommen und runden den Einblick ab.
Karin Pernegger (Hg.): Überall und Nirgends. Kerber, Bielefeld/Berlin 2013, Dt., ca. 208 S.,
ca. 170 farb. Abb., Softcover, 38 €. ISBN 978-3-86678-805-3
Das Gewebe als Skulptur
Jan Albers ist ein Grenzgänger zwischen dem Zwei- und dem Dreidimensionalen.
Ein Katalog anlässlich einer Einzelschau zum Werk des Künstlers in
der Kunsthalle Gießen gibt nun Einblick in sein Œuvre und zeigt Bilder und
Skulpturen, die man nicht eindeutig einer der beiden Gattungen zuordnen
kann. Aus Holz, Metallgestängen, alter Keramik, Sprühfarben und Wolle ergeben
sich reliefartige Werke, die mit kunsthandwerklichen Traditionen und
klassischen Positionen des 20. Jahrhunderts korrespondieren. Zwei Aufsätze
analysieren Jan Albers’ Werk in Hinblick auf kunsthistorische Referenzen, den
materiellen, gewebeartigen Aufbau der Bricolagen und veranschaulichen das
Spektrum seiner Werke.
Kunsthalle Gießen, Ute Riese: Jan Albers – Up & Down. Distanz Verlag, Berlin 2013, Dt./
Engl., 64 S., ca. 65 farb. Abb., Softcover, 24,90 €. ISBN 978-3-95476-013-8
Von Idealbildern, Wunschbildern und Wahlverwandtschaften
Die Sammlung Würth stellt verschiedene Aspekte des modernen und zeitgenössischen
Menschenbildes in 13 Kapiteln vor: Von menschlichen Idealbildern
in Form von Skulpturen von Jaume Plensa über Selbstbildnisse und abstrakte
Porträts von Dieter Roth hin zu allegorischen Darstellungen von Anselm Kiefer
gibt der Ausstellungskatalog Einblick in den künstlerischen Umgang mit
dem Körper und untersucht die Wechselwirkungen oder Konstanten, die sich
dabei ergeben. Die Ausstellung in der Kunsthalle Würth in Schwäbisch Hall ist
noch bis zum 2. Juni 2013 zu sehen.
Sylvia Weber (Hg.), Beate Elsen-Schwedler: Von Kopf bis Fuß. Menschenbilder im Fokus
der Sammlung Würth. Swiridoff Verlag, Künzelsau 2012, Dt., 256 S., über 200 Farbtafeln,
Leinenband mit Schutzumschlag, 38 €. ISBN 978-3899292565
Provinz im Spiegel
Was ist Provinz? Was ist eine Metropole? Angesichts des zunehmenden Rückzugs
ins Private in den Städten und der Möglichkeit, sich auch in der Provinz
mit der Welt vernetzen zu können, stellen sich solche Fragen heute neu. Diese
Entwicklung aufgreifend, distanzierte sich Lindau mit der Ausstellung im Jahr
2010 von seinem provinziellen Etikett, indem es sich selber in den Werken von
16 europäischen Künstlern und Künstlerinnen spiegelte. Die eigens für die
Ausstellung entwickelten Positionen unter anderem von Julius von Bismarck
und Thilo Frank setzen sich im öffentlichen Raum mit Perspektiven der Provinz
und Provinzialität auseinander. Drei Essays führen tiefer in die Thematik.
Arne Fehmel, Korbinian Kainz, Felix Rundel (Hg.): PROVINZ – Eine Ausstellung im
Sommer 2010. Verlag Robert Gessler, Friedrichshafen 2010, Dt., 95 S., farb. Abb.,
Softcover, 19,80 €. ISBN 978-3-86136-142-8
Malerei als Schaufenster
Leere Schaufenster in den Straßen werden von leuchtenden monochromen
Leinwänden in Regenbogenfarben ausgefüllt. Im Jahr 2009 bot sich Bewohnern
und Besuchern der Stadt Loitz in Vorpommern dieser ungewöhnliche
Anblick: „Window Shopping“ zeigt die fotografischen und zeichnerischen
Ergebnisse des gleichnamigen Projekts der Künstlerin Barbara Camilla Tucholski,
die ihre Heimatstadt Loitz in früher Kindheit verließ und erst 36 Jahre
später zurückkehrte. Die Bilder erinnern an den Wandel, dem Städte unterworfen
sind: War Loitz einst eine belebte Einkaufsstadt, so ist sie heute von
Landflucht und schrumpfender Bevölkerung geprägt. Das Künstlerbuch lenkt
den Blick auf dennoch Sehenswertes.
Barbara Camilla Tucholski: Window Shopping. Ein Künstlerbuch. Wienand Verlag,
Köln 2012, Dt./Engl., 192 S., 135 farb, 2 S/W-Abb., ca. 29,80 €. ISBN 978-3-86832-123-4
www.kremer-pigmente.de
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Otto Modersohn
Landschaften der Stille
Die Natur subjektiv sehen, sie beseelen,
ist meine Art., Otto Modersohn, 1895
Zahlreiche Gemälde und Zeichnungen Otto
Modersohns versammelt der retrospektiv
angelegte Band und würdigt damit die stillen
Landschaften des Malers, die auf eindrückliche
Art und Weise Blicke durch die Augen
des Künstlers auf eine gesehene und doch in
erster Linie gefühlte Wirklichkeit gewähren.
www.kerberverlag.com
26 x 23 cm, 208 Seiten,
164 Abbildungen,
Hardcover, gebunden
Deutsche Ausgabe
isbn 978-3-86678-754-4
Englische Ausgabe
isbn 978-3-86678-755-1
1 38,–
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Plakate, Plakate
Das Museum Bautzen beherbergt eine bedeutende
kultur- und kunstgeschichtliche Sammlung in der Oberlausitz,
die unter den Aspekten Region, Stadt und Kunst
präsentiert wird. Die 1000-jährige Geschichte der Stadt
Bautzen wird durch Kunstwerke von der Renaissance
bis zur Gegenwart bebildert. Anlässlich des 100-jährigen
Jubiläums des Gebäudes am Kornmarkt – damals
eines der modernsten seiner Zeit – werden begleitend
zur Schau „Ein Haus voller Schätze und Geschichten“ in
einer Kabinettausstellung Plakate gezeigt, die Einblicke
in ein Jahrhundert Plakatgestaltung zu Ausstellungen
des Museums geben.
Franz Gertsch: Schwarzwasser I (Detail 8), 1992, Holzschnitt,
Handabzug auf Kumohadamashi-Japanpapier von Heizaburo Iwano
48 x 42 cm / 36 x 40 cm
Franz Gertsch: Natascha II, 1986, Holzschnitt,
Handabzug auf Hanga-Shi-Japanpapier,
Auflage: VIII 7/7, 116 x 94 cm / 105 x 90,5 cm
Bautzener Künstler von hüben und drüben, 1956, Hölzel, Steindruck farbig
84,5 x 59 cm, Foto: Museum Bautzen
Museum Bautzen
Kornmarkt 1, 02625 Bautzen
bis 28.4.13, Di–So 10–18 Uhr
www.bautzen.de/museum-bautzen.asp
Don Van Vliet
Franz Gertsch
Holzschnitte. Aus der Natur gerissen
Der Schweizer Künstler Franz Gertsch (*1930) gab 1986
für einige Jahre die Malerei auf und wandte sich dem
Holzschnitt zu. Gertsch, der Ende der 1970er-Jahre zunächst
mit hyperrealistischen Gemälden bekannt wurde,
fand in den Holzschnitten das Medium, das ihm die
serielle Bearbeitung eines Motivs mit unterschiedlichen
Farben ermöglichte. Die Ausstellung im Museum
Sinclair-Haus zeigt eine repräsentative Auswahl der
Holzschnitte von Franz Gertsch, die überwiegend aus
großformatigen Drucken und Serien mit Natur- und
Landschaftsdarstellungen besteht. Gertsch nimmt in
den fein gearbeiteten Holzschnitten seichte Bewegungen
an der Wasseroberfläche auf, lässt auf dem Papier
Waldwege entstehen und lenkt den Fokus auf Gräser in
Nahsicht. Durch fotografische Vorlagen zunächst aus
der realen Umwelt gegriffen, verwandeln sich die Motive
im Laufe eines mehrstufigen Entstehungsprozesses
in die faszinierende Immaterialität eines atmosphärischen
Farbraums. Gertsch überträgt während dieses
Prozesses die Bildvorlage in ein filigranes Schema aus
Lichtpunkten und treibt mit dem Hohleisen das Motiv
Punkt für Punkt in eine Holzplatte. Hinter dem durchlässigen
Vorhang monochromer Farbe entsteht eine völlig
neue Sicht auf vertraute Naturmotive und Porträts. Die
in Zusammenarbeit mit Franz Gertsch konzipierte Ausstellung
führt die drei entscheidenden Werkkomponenten
Zeit, Motiv und Farbe zusammen.
Museum Sinclair-Haus
Löwengasse 15, Eingang Dorotheenstr.
61348 Bad Homburg v. d. Höhe
10.3.–26.5., Di 14–20h, Mi–Fr 14–19h, Sa, So, Feiertage 10–18h,
geschl.: montags und 18.-20.4., www.altana-kulturstiftung.de
VLZ 160/00, Don Van Vliet, Ohne Titel, 1986, Tusche, Gouache
50,9 x 35,6 cm © Estate of Don Van Vliet
Courtesy Galerie Michael Werner Märkisch Wilmersdorf, Köln & New York
Im August 2009 verlagerte die Galerie Michael Werner
ihre Berliner Geschäftsstelle nach Märkisch Wilmersdorf,
einem Ortsteil der Stadt Trebbin südlich von Potsdam
und zeigt seither verschiedene Künstler aus ihrem
Programm wie Markus Lüpertz, A.R. Penck, Per Kirkeby
und Jean Fautrier. Don Van Vliet (1941-2010), wohl eher
unter dem Pseudonym Captain Beefheart als Autor und
Sänger experimenteller Rock- und Bluesmusik bekannt,
ist noch bis Ende März mit Gouachen in der Galerie vertreten.
In gedeckten Farben schafft er assoziative Werke,
die sich zwischen Abstraktion und Figuration bewegen.
Galerie Michael Werner
Märkisch Wilmersdorf, Alte Parkstr. 3c, 14959 Trebbin
bis 22.3. Mo–Fr 11–16h, www.michaelwerner.de
28 Thema Provinz
Thema Provinz 29

Thea Djordjadze, our full, Installationsansicht Kunsthalle Malmö, 2012
Foto: Helene Toresdotter
Thea Djordjadze – our full
Seit die Kunsthalle Lingen im Jahr 1997 in einem Gebäude
auf dem Gelände des ehemaligen Reichs- und später
Bundesbahn-Ausbesserungswerks eröffnet wurde, widmet
sie sich in vier Ausstellungen pro Jahr regionalen,
nationalen und internationalen Kunstpositionen. Träger
des Ausstellungsraumes ist der örtliche Kunstverein
mit seinen zahlreichen Mitgliedern. Zurzeit wird eine
Einzelschau von Thea Djordjdaze –„our full“ – gezeigt
sowie „Von gelb bis Mitternacht“, eine experimentelle
Ausstellung bestehend aus Werken angewandter und
bildender Kunst, die versucht, den Blick des Betrachters
jenseits kultureller Voreinstellungen zu führen.
Kunst am See
Das Buchheim Museum der Phantasie, vom Architekturbüro
Behnisch, Behnisch & Partner entworfen, beherbergt
die Sammlung des Malers, Fotografen, Verlegers
und Autors Lothar-Günther Buchheim. Diese umfasst
deutsche Expressionisten, Kunsthandwerk, volkskundliche
Gegenstände aus aller Welt sowie Buchheims eigene
Werke und wird in dem Gebäude, das beinahe zwölf
Meter in den Starnberger See hineinreicht, in wechselnden
Ausstellungen präsentiert. Noch bis April kann man
japanische Farbholzschnitte aus der Sammlung von
Kitagawa Utamaro, Utagawa Kunisada oder Utagawa
Kuniyoshi bewundern.
Kunsthalle Lingen
Kaiserstr. 10a, 49809 Lingen
bis 28.4., Di–Fr 10–17h, Sa–So 11–17h
www.kunsthalle-lingen.de
Buchheim Museum © Müller-Naumann
Buchheim Museum der Phantasie / Sammlung Buchheim
Am Hirschgarten 1, 82347 Bernried
bis 7.4.13, Di–So 10–17h, www.buchheimmuseum.de
Appropriated Landscapes
Zeitgenössische afrikanische Fotografie
Das bewachsene Wohnhaus in Burlafingen, das sogenannte
grüne Haus, lässt auf den ersten Blick nicht vermuten,
dass es einen Teil der bedeutendsten privaten
Sammlungen zeitgenössischer Fotografie beherbergt.
Die Sammlung Walther integriert sich in die ländliche
Umgebung und ermöglicht einen Austausch zwischen
internationalen und lokal ansässigen Kunstinteressierten.
In ihrer Architektur greift sie so die Auseinandersetzung
mit dem sozialen Aspekt der Raum- und
Landschaftsnutzung auf, der auch der thematische
Schwerpunkt der Sammlung ist. Die zweite Ausstellung,
„Appropriated Landscapes“, zeigt zeitgenössische afrikanische
Landschaftsfotografie und Videokunst. Die Zusammenstellung
der Positionen der 14 Künstler eröffnet
eine erweiterte Perspektive auf Landschaft im Kontext
von Erfahrung, Ideologie und Erinnerung.
Florian Slotawa, Atelier (Raum 5/Raum 4), 2009, Schwarz-Weiß-Fotografie
Courtesy Galerie Nordenhake, Berlin/Stockholm; Galleria Suzy Shammah,
Mailand, Sies+Höke, Düsseldorf
Florian Slotawa – Andere Räume
Der Bahnhof Rolandseck, ein Zeugnis des frühen deutschen
Eisenbahnbaus, wurde nach seiner Stilllegung
nach dem Zweiten Weltkrieg seit den 1960er-Jahren zu
einem Zentrum kulturellen Lebens. Seit 2004 befindet
sich dort das Arp-Museum, in dessen Zentrum die Kunst
von Hans Arp und Sophie Taeuber-Arp steht und das in
Wechselausstellungen Werke zeitgenössischer Künstler
präsentiert. Die momentane Ausstellung „Florian Slotawa
– Andere Räume“ zeigt minimalistische Schwarz-
Weiß-Fotografien seines Berliner Ateliers, die den Fokus
auf den gegenstandslosen Baukörper legen: Details wie
Rohre und Steckdosen werden so zu skulpturalen Elementen.
David Goldblatt: In Boksburg: Flag-raising ceremony for Republic Day
at Christian Brothers College, Boksburg, 1979- 1980
Fotografie © David Goldblatt
Courtesy the artist and Goodman Gallery, Johannesburg
The Walther Collection
Reichenauer Str. 21, 89233 Neu-Ulm/Burlafingen
bis 12. 05., Do–So, 11–17 Uhr
nur nach Voranmeldung und mit Führung
www.walthercollection.com
Arp-Museum Bahnhof Rolandseck
Hans-Arp-Allee 1, 53424 Remagen
bis 1.4.13, Di–So 11–18h, www.arpmuseum.org
30 Thema Provinz
Thema Provinz
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When Violence becomes Decadent
Die auf nachhaltige Kulturarbeit und die fundierte Auseinandersetzung
mit gesellschafts- und kunstkritischen
Fragen ausgerichtete Perspektive des ACC-Weimar
kommt dem experimentellen Konzept des Kurators der
aktuellen Ausstellung, Shaheen Merali, sicher entgegen.
Verschiedene Ansätze der künstlerischen Bearbeitung
von Aspekten der indischen Kultur werden gezeigt und
lenken in der Diskussion mit dem Werk des Poeten und
Sozialreformers Rabindranath Tagore den Blick auf die
Probleme und Widersprüche der zeitgenössischen indischen
Nation. Mit den tagesaktuell hochbrisanten
Themen der sexuellen Ausbeutung und Unterdrückung
setzen sich Leena Kejriwal und Simit Raveshia in großen
Rauminstallationen auseinander. Aber auch schwelende
Konflikte wie die Schattenseiten der Billiglohnarbeit
und des Lebens als Wanderarbeiter werden von Binu
Bhaskar künstlerisch bearbeitet.
Karl Schwarzenberg, Numerischer Horizont, 2001, Öl auf Leinwand
100 x 110 cm, © Karl Schwarzenberg
Karl Schwarzenberg – Numerische Bilder und Objekte
Der 1999 gegründete Kunstverein Vieringen versteht
sich als Experimentierfeld, in dem sich primär junge MedienkünstlerInnen
präsentieren können. Viele der bisherigen
Ausstellungen wurden eigens für den großen
Gewölbekeller, den hauptsächlichen Ausstellungsraum
des Kunstvereins, entwickelt. Im Kunstraum Viernheim,
der seit 2006 als zusätzlicher Ausstellungsraum dient,
werden derzeit Karl Schwarzenbergs sogenannte numerische
Bilder gezeigt, bei denen die Zahl 1 als bildnerisches
Element eine zentrale Rolle spielt. Dabei arbeitet
er mit leuchtenden Farben auf Ölpapier oder Leinwand,
mit Farbfeldern, Fotorissen und Nummernschildern.
ACC Weimar e.V.
Burgplatz 1+2, 99423 Weimar
bis 5.5., Mo–So 12–18h, Fr–Sa 12–20h
www.acc-weimar.de
Kunstverein Viernheim / Kunsthaus Viernheim
Rathausstr. 36, 68519 Viernheim
bis 17.3., Do–Fr 15–18h, Sa 10–13h and by appt.
www.kunsthaus-viernheim.de
Dietmar Binger: Erinnerte Jetzt-Zeit, 2000-2012
Fotografie © B&K St. Wendel
Dietmar Binger
Fein sortiert – aus den Werksätzen 2000-2012
Neben Objekten der regionalen Kunst- und Kulturgeschichte
zeigt das Stadtmuseum St. Wendel in wechselnden
Ausstellungen Werke der nahe gelegenen
„Straße der Skulpturen“, die vom Bildhauer und Maler
Otto Freundlich initiiert wurde. Die aktuelle Ausstellung
widmet sich dem Schaffen des im Saarland ansässigen
Künstlers Dietmar Binger. Präsentiert werden zwei jüngere
Werksätze des Künstlers: „Erinnerte Jetzt-Zeit“ und
„Idole“, in denen er sich mit fotografischen Techniken
auseinandersetzt. Großformatige Momentaufnahmen
und Porträts werden in Quadrate zerlegt und wieder zu
Rasterstrukturen zusammengefügt. Während die Fotografien
aus der Nähe betrachtet auseinanderfallen und
erst aus einer gewissen Entfernung ein geschlossenes
Motiv ergeben, verweisen sie auf Fragen der Wahrnehmung,
Erinnerung und Zeit.
Hella Gerlach – Ein gedanklicher Stretch
Der Kunstverein Schwerin wurde im Jahr 2002 gegründet
und zeigt zeitgenössische Kunst in einem ehemaligen
Schweriner E-Werk. Ab März ist dort die erste institutionelle
Einzelausstellung Hella Gerlachs zu sehen:
eine installative und performative Arbeit, die explizit
für diesen Ort entstand. Gerlach entwickelte ein Raumkonzept,
bei dem Stoffbahnen die sieben Meter hohen
Räume des Kunstvereins unterteilen und so ein neues
Raumerleben schaffen. Dabei befinden sich in den
Trennwänden Objekte aus Keramik und Porzellan, die
von den Besuchern angefasst oder zu zweit als Kommunikationsmodul
genutzt werden können.
Stadtmuseum St. Wendel
Mia- Münter- Haus
Wilhelmstr. 11/ In der Mott , 66606 St. Wendel
bis 10.3., Di–Fr 10–13 h, 14–16.30 h
Do 14–18 h, Sa 14–16:30 h, So 14–18 h
www.museum-wnd.de
Hella Gerlach, Teil für Einen, zum Luftmelken, 2011
Keramik, glasiert, 18,5 x 19 x 5 cm, Courtesy the artist
Copyright Linda Fuchs
Kunstverein Schwerin e.V.
Spieltordamm 5, 19055 Schwerin
Mi–Do, Sa–So 15–18h, Fr 16.30–19.30h und auf Anfrage
www.kunstverein-schwerin.de
32 Thema Provinz
Thema Provinz 33

Alles golden. Die 20er-Jahre
Als eines der größten Museen Schleswig-Holsteins richtet
der Museumsberg Flensburg mit der kommenden
Ausstellung einen weiten Blick auf die goldenen 1920er-
Jahre. In diesem Rahmen wird die ständige Sammlung
im Hans-Christiansen-Haus, die unter anderem Werke
von Emil Nolde zeigt, mit einer Sonderausstellung ergänzt.
Diese thematisiert den Blick auf das frühe Jahrhundert
aus der Perspektive von Künstlern des Expressionismus,
der neuen Sachlichkeit und Art Déco wie
Erich Heckel, Nikolaus Wöhlk und Heinrich Stegemann.
Gesellschaftspolitische Fragen werden außerdem in einem
dokumentarischen Ansatz aufgegriffen, indem das
Augenmerk auf das Stadtbild und die zeitgenössischen
tagesaktuellen Ereignisse von Flensburg und Schleswig-
Holstein in der Zeit nach dem ersten Weltkrieg gerichtet
wird.
ROTesque
„Alles über eine Farbe“ lautet das Motto der neuen
Ausstellung im SCHAUWERK Sindelfingen. „ROTesque“
umfasst eine große Vielfalt künstlerischer Positionen,
bei denen Rottöne die Hauptrolle spielen. Die Farbe Rot
verweist auf zentrale Bereiche der menschlichen Existenz,
und mit ihr verbinden sich viele Emotionen. Durch
die Fülle an Bedeutungen und Mate rialien der Werke
ergibt sich eine spannende vergleichende Betrachtung.
Zu sehen sind 56 Arbeiten von 45 Künstlerinnen und
Künstlern – unter ihnen Martin Creed, Lucio Fontana,
Katharina Grosse und Anish Kapoor.
Tim Noble und Sue Webster: Fucking Beautiful Beautiful Fucking
2000, Neoninstallation, 163 x 156 x 6 cm
© Tim Noble und Sue Webster
Heinrich Stegemann: Cinthia, 1928, Öl auf Hartfaser, 107 x 67 cm
© Museumsberg Flensburg
Museumsberg Flensburg
Museumsberg 1, 24937 Flensburg
bis 18.8., Di–So 10–17h, www.museumsberg-flensburg.de
SCHAUWERK Sindelfingen
Eschenbrünnlestr. 15/1, 71065 Sindelfingen
bis 12.1.2014, Sa u. So 11–17h, Di u. Do. 15–16.30h (Führung)
www.schauwerk-sindelfingen.de
Bruno Goller: Große Tasse, 1957
Aus den Beständen der Insel Hombroich.
Bruno Goller – Bilder und Zeichnungen
Karl-Heinrich Müller schuf mit seiner Stiftung einen
vielgestaltigen Kulturraum, eingebettet in die Landschaft
an der Erft. In dieser einzigartigen Umgebung
wird Kunst und Kultur von der Frühgeschichte bis ins
20. Jahrhundert zugänglich gemacht. Gefördert durch
den Stifter ist die Insel Hombroich mit Künstlerateliers
und Ausstellungsgebäuden ein Ort geworden, an dem
sich sowohl Kunstinteressierte als auch Kunstschaffende
verschiedener Nationen begegnen. Die aktuelle
Ausstellung auf der ehemaligen Raketenstation stellt
den Bezug zu Karl-Heinrich Müller her. Denn sie zeigt 39
Zeichnungen und Ölgemälde aus 70 Jahren Schaffenszeit
von Bruno Goller – aus dem Besitz des Sammlers.
Die eigenen Bildwelten Gollers, die sich zwischen expressiver
und surrealistischer Formensprache bewegen,
werden in der offenen Architektur des Siza-Pavillons
präsentiert.
Steffen Volmer.
Herz – Grafische Arbeiten – Künstlerbücher
In historischen Gebäuden des 16. Jahrhunderts, direkt
am Marktplatz in Wernigerode, zeigt der Kunst- und
Kulturverein Werke des Chemnitzer Künstlers Steffen
Volmer. Mit feinen Linien und leicht verlaufenden Farbflächen
erschafft Volmer fantastische Bildwelten. Die
lyrische Wirkung seiner Grafik entfaltet sich in der Verbindung
von vereinzelten Figuren in nicht zu definierenden
Räumen. Mit seiner Kunst geht Volmer essentiellen
Fragen wie der Vereinzelung des Individuums und der
Verbindung von Mensch und Welt nach. Die Wirkung
von Hoffnung und Würde ist dabei jedoch immer ein
Grundton seiner Kompositionen.
Stiftung Insel Hombroich
Raketenstation Hombroich 4, 41472 Neuss
bis 07.04., Sa–So 12–17 h, www.inselhombroich.de
Steffen Volmer
Wernigeröder Kunst- und Kulturverein e. V.
Galerie im ersten Stock, Marktstr. 1, 38855 Wernigerode
Di–So 14–17h, Sa 11–17h, www.kunstverein-wernigerode.de
34 Thema Provinz
Thema Provinz 35

Hommage à Cy Twombly
Vater und Sohn: Lyonel und T. Lux Feininger
Andy Warhol: Car Crash, 1978, Siebdruck, Unikat, 89 x 114 cm
© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts Inc./ ARS, New York
Cy Twomblys Werk hat durch die Verbindung von Bild
und Schrift und die Vergegenwärtigung der Geschichte
und Mythenwelt des Mittelmeerraumes zahlreiche
Künst ler unserer Zeit nachhaltig beeinflusst. Twombly
selbst war am intellektuellen Austausch mit anderen
Künstlern ebenso interessiert wie an der Kunst- und
Kul turgeschichte. Die Ausstellung vereint Werke von
Vorgängern, Zeitgenossen und Freunden Twomblys
mit Arbeiten jüngerer Künstler, die sich mit seinem
Werk auseinandergesetzt haben. Sie umfasst sowohl
historisch bedeutende Arbeiten wie ein Drip Painting
von Jackson Pollock als auch neue, eigens für die Ausstellung
„Hommage à Twombly“ konzipierte Arbeiten
wie ein Wandbild von Richard Long. Vertreten sind Joseph
Beuys, Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Richard Long,
Brice Marden, Gerhard Merz, Jackson Pollock, Robert
Rauschenberg, Emma Stibbon und Andy Warhol.
Lyonel und T. Lux Feininger, New York, 1951
Foto: Andreas Feininger
Gezeigt werden 20 Aquarelle und Zeichnungen von
Lyonel Feininger (1871-1956) aus den Jahren 1909 bis
1919. Daneben sind 60 Holzschnitte sowie geschnitzte
und handbemalte Holzzüge, -figuren und -häuser aus
der persönlichen Sammlung von Lyonel Feininger und
erstmals in Deutschland 15 Gemälde seines jüngsten
Sohnes T. Lux Feininger (1910-2011) zu sehen.
Moeller Fine Art
Tempelhofer Ufer 11, 10963 Berlin-Kreuzberg
bis 12.4., Mo–Fr 11–18h, www.moellerfineart.com
Jim Rakete – Vertigo
Ausstellungsansicht
© Roman März
Galerie Bastian
Am Kupfergraben 10, 10117 Berlin-Mitte
verlängert bis 6.4., Do–Fr 11–17.30h, Sa 11–16h
Tue Greenfort. GASAG Kunstpreis 2012
Tue Greenfort (*1973 in Holbæk, Dänemark) ist Träger des
GASAG Kunstpreises 2012 und erhält in diesem Rahmen
eine Einzelpräsentation in der Berlinischen Galerie. Der
international tätige Künstler mit Wahlheimat Berlin war
zuletzt auf der dOCUMENTA (13) vertreten. In der Ausstellung
konzentriert sich Greenfort auf die Elemente
Gas und Glas und führt diese in raumgreifenden Installationen
zusammen. In der Kombination aus neuen
Arbeiten und Archivmaterialien untersucht er dabei sowohl
die künstlerische als auch die soziale Bedeutung
von Glas und (Gas-)Licht.
Jim Rakete: Lulu (Aenne Schwarz), 2012, Archival Pigment Print auf Baryt
100 x 100 cm (Ausschnitt), Ed. 6
Drei Schauspielerinnen in Rollen, denen sie ihre Engagements
verdanken. Figuren wie Lulu von Wedekind oder
Albertine von Proust, die sie beim Vorsprechen spielen,
aber später nicht umsetzen können. Die ungespielten
Rollen sind lebendig im Leben der Darstellerinnen: Sie
markieren Wegbiegungen einer Künstlerlaufbahn und
Momente, in denen man einen anderen Weg nehmen
musste. Jim Rakete schaut mit der Kamera auf die Rollen,
die sich ein Schauspieler zutraut, und die Gedanken,
die in den Texten dazu stecken. Die Ausstellung wird
durch einen Kurzfilm ergänzt.
MÜNZING CLAASSEN GALERIE
Holsteinische Str. 29 (am Hohenzollernplatz)
10717 Berlin-Wilmersdorf, bis 13.4. (29.3.–1.4. geschlossen)
Di–Fr 12–18h, Sa 11–15h, www.muenzingclaassen.de
Sharon Back – I trust my image
Weltweit hat die israelische Fotografin Sharon Back bereits
herausragende Persönlichkeiten aus Politik, Modeund
Filmwelt porträtiert. Erstmals stellt sie nun in Berlin
aus. Ihre neuen Arbeiten zeigen deutsche Frauen, deren
Stärke und Präsenz Back beeindruckt haben: Katja Riemann,
Anna Thalbach, Sahra Wagenknecht, Magdalena
Neuner, Julia Jentsch, Jeanette Hain, Bettina Zimmermann
u.a.
Berlinische Galerie
Alte Jakobstr. 124-128, 10969 Berlin-Kreuzberg
bis 8.4., Mi–Mo 10–18h, Eintritt: 8 €, erm. 5 €
www.berlinischegalerie.de
www.facebook.com/berlinischegalerie
Sharon Back: Jeanette Hain, 2013
Print auf Acryl-Glas/Alu-Dibond, 80 cm x 110 cm
Temporary Gallery Berlin (tgb)
Mommsenstr. 42, 10629 Berlin-Charlottenburg
Opening: 2.3., 19h, 28.2.–26.3., Mi–Fr 15–18h and by appt.
0160-9027454, www.temporary-gallery-berlin.com
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Avantgarde für den Alltag
Jüdische Keramikerinnen in Deutschland 1919–1933
Im Rahmen des Berliner Themenjahrs „2013 – Zerstörte
Vielfalt“ zeigt das Bröhan-Museum eine Sonderausstellung
mit etwa 180 Exponaten zu drei jüdischen
Keramikerinnen der Avantgarde: Marguerite Friedlaender-Wildenhain,
Margarete Heymann-Marks und Eva
Stricker-Zeisel. In der angewandten Kunst vor 1933 waren
es gerade Frauen, die großen Anteil an der Entwicklung
einer „Avantgarde für den Alltag“ in Deutschland
hatten. Exemplarisch soll dies anhand der Werke und
Biografien der genannten Keramikerinnen gezeigt werden.
Alle drei schufen wegweisende Formen und Dekore
für Objekte des täglichen Gebrauchs.
Max Regenberg – Der Gebrauch der Landschaft
Seit den 1970er-Jahren dokumentiert der Kölner Fotograf
Max Regenberg Großflächenplakate im öffentlichen
Stadtraum. Den Künstler interessieren dabei vor
allem die zufälligen Konstellationen von Architektur,
Plakatinhalt und Umgebung, da diese seiner Ansicht
nach Auskunft über die Zeit geben, in der die Aufnahmen
entstanden sind. Sie sind gleichzeitig Zeitzeugen
und Gedächtnisspeicher und zeigen das kulturelle und
politische Bewusstsein der Gesellschaft. Die Städtische
Galerie Wolfsburg widmet dem 1951 in Bremerhaven geborenen
Regenberg nun eine umfangreiche Ausstellung
und stellt damit das wichtige Œuvre erstmals in einer
großen Museumsschau vor.
Teeservice, Entwurf Margarete Heymann-Marks, Ausführung Haël-
Werkstätten für künstlerische Keramik, Marwitz, um 1925/30, Steingut mit
Mattglasur, Bröhan-Museum, Berlin, Foto: Martin Adam, Berlin
Bröhan-Museum, Schloßstr. 1a, 14059 Berlin-Charlottenburg
28.2.–20.5., Di–So 10–18h, Eintritt: 6 €, erm. 4 €,
jeden ersten Mi im Monat frei, www.broehan-museum.de
Max Regenberg, Lichtung # 2005, L.B. System Köln, C-Print
© Max Regenberg, Courtesy Galerie Thomas Zander, Köln
Städtische Galerie Wolfsburg, Schlossstr. 8, 38448 Wolfsburg
Opening: 9.3. 18h, 10.3.–27.10., Di 13–20h, Mi–Fr 10–17h,
Sa 13–18h, So 11–18h, www.staedtische-galerie-wolfsburg.de
François Morellet figuratif – Gunda Förster konkret
im Kunst-Raum des Deutschen Bundestages
Amélie Grözinger – elapsed Utopia
Skulpturen, Installation
© François Morellet
François Morellet – Wandelbare Wand
im Mauer-Mahnmal des Deutschen Bundestages
Weiße Neonröhren und farbige Glaskugeln lassen den
Kunst-Raum erstrahlen und stellen ironisch den Mythos
vom Künstler infrage – ebenso die „Wandelbare Wand“
im Mauer-Mahnmal, deren bewegliche Elemente wechselnde
geometrische Bilder gestalten.
Kunst-Raum und Mauer-Mahnmal des Deutschen Bundestages
Marie-Elisabeth-Lüders-Haus, Schiffbauerdamm
16.1.–5.5., Eintritt frei
Kunst-Raum: Di–So 11–17h, Mauer-Mahnmal: Di–So 11–17h
www.kunst-im-bundestag.de, www.mauer-mahnmal.de
Amélie Grözinger: Ailantery, 2013, Fotografie, 30 x 30 cm
Courtesy Wendt+Friedmann, Berlin
Amélie Grözingers Werk ist von Fragen der Transformation
und der plastischen Umdeutung beherrscht. Sie
schafft Objekte, die ihre Künstlichkeit nicht verleugnen,
aber zugleich als Hervorbringung einer pulsierenden
Vitalität bezeichnet werden können. Wiederholt verwendet
sie Äste, Stämme und andere organische Fundstücke
in Kombination mit glatten, durchgearbeiteten
Oberflächen in Verweis auf die fließenden Grenzen
zwischen Natur und Kunst. Ihre Skulpturen bestehen
aus armen Materialien wie Gips, Epoxidharz oder Beton,
wobei der Zusammenhalt der Teile mitunter bewusst
provisorisch gehalten wurde.
WENDT+FRIEDMANN, Heidestr. 54, 10557 Berlin-Mitte
Opening: 1.3., 28–21h, 2.3.–13.4., Mi-Fr 12-18h, Sa 12-17h
www.wendt-friedmann.com
Helmut Newton: Amica, Mailand 1982
Helmut Newton: World without Men/ Archives de Nuit
François-Marie Banier: Portraits
Lange vor seinen ersten Publikationen arbeitete Helmut
Newton im Auftrag von renommierten Modemagazinen
und -häusern. Manche dieser Aufnahmen veröffentlichte
er 1984 unter dem ironischen und programmatischen
Titel „World without Men“. In dem Buch finden sich
pointierte Selbstäußerungen Newtons sowie zahlreiche
Bildikonen, aufgenommen in Paris, Saint-Tropez, Los
Angeles, Berlin und London zwischen den 1960er- und
1980er-Jahren – und gelegentlich doch schon mal einen
Mann. Das Buch wird nun erstmals in einer Ausstellung
präsentiert.
Helmut Newton Stiftung im Museum für Fotografie
Jebensstr. 2, 10623 Berlin-Charlottenburg
bis 13.10., Di–So 10–18h, Do 10–20h
www.helmutnewton.com
Ralf Peters: Baum 3, 2011, C-Print auf Aludibond (Diasec), 110 x 101 cm
Courtesy Galerie Kornfeld, Berlin
Ralf Peters
In einer Zeit, in der die digital gestalteten, virtuellen Welten
der Filme, Videospiele und der Werbung zum Alltag
gehören und vielfach realer als die Wirklichkeit selbst erscheinen,
spielt der deutsche Künstler Ralf Peters (*1960,
Lüneburg) geschickt mit unseren Erwartungen an das
Medium Fotografie. Seine konzeptuellen Fotografien
lassen bewusst offen, ob der Künstler eine beobachtete
Szene unverfälscht wiedergibt oder ob seine Bilder nicht
doch eine raffinierte digitale Manipulation des Sichtbaren
sind. Die nüchtern registrierende Fotografie kann
dabei fremder wirken als das digital veränderte Bild –
und genau aus diesem Paradoxon beziehen die Werke
ihre Spannung.
Galerie Kornfeld, Fasanenstr. 26, 10719 Berlin-Charlottenburg
Opening: 1.3., 18–21h, 1.3.–6.4., Di–Sa 11–18h
www.galeriekornfeld.com
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Hans-Peter Feldmann – Kunstausstellung
Die Ausstellung in den Deichtorhallen Hamburg ist den
zentralen Serien, Installationen, Skulpturen und Bildern
aus über vier Jahrzehnten gewidmet, die Feldmanns
wunderbare Fähigkeit aufzeigen, humorvoll wie intellektuell
den Trubel des Lebens in seinen Werken einzufangen.
Von geisterhaften Schattenspielen über die für
500 Euro von Passantinnen erstandenen Handtaschen,
deren Inhalt in der Ausstellung präsentiert wird, bis zu
dem künstlerischen „Funkturm“ der Ausstellung auf
dem Deichtorplatz – Michelangelos „David“, in schriller
Farbigkeit und neun Meter groß – findet sich alles in der
Schau, was das Werk des Künstlers ausmacht.
ARTE POSTALE
Bilderbriefe, Künstlerpostkarten und Mail Art
Die Akademie zeigt mit „ARTE POSTALE“ erstmals Künstlerpost
aus den hauseigenen Archiven, der Akademie-
Kunstsammlung sowie der Sammlung Staeck. Neben
Briefen und Karten unter anderem von George Grosz,
Max Pechstein, Else Lasker-Schüler, von Mail-Artisten
wie Ray Johnson, Robert Rehfeldt und Clemente Padín
werden auch Korrespondenzen von Joseph Beuys, Diter
Rot oder Hanne Darboven mit Klaus Staeck präsentiert.
Hans-Peter Feldmann: David
Deichtorhallen Hamburg, Deichtorstr. 1-2, 20095 Hamburg
Opening: 28.2., 19.30h, 1.3.–2.6., Di–So 11–18h,
1. Do im Monat 11–21h, Eintritt: 9 €, erm. 6 €,
bis 18 Jahre frei, www.deichtorhallen.de
Robert Rehfeldt: Kunst ist, wenn sie trotzdem entsteht
Mail-Art-Postkarte mit Stempelaufdrucken, 1990
Akademie der Künste
Pariser Platz 4, 10117 Berlin-Mitte
Opening: 29.8., 19h, 30.8.–8.12., Di–So 11–19h, www.adk.de
EVA & ADELE: Tides, 2012-12, Aquarell, Graphit auf Bütten, 14 Werke
38 x 56 cm, Foto: Hans Schröder © Marta Herford
EVA & ADELE – Obsidian
EVA & ADELE kommen aus der Zukunft. Seit 1991 erscheinen
sie stets gemeinsam, stets gleich gekleidet
und verwandeln die Orte ihres Auftretens: „Wo immer
wir sind ist Museum“. Neben ihrem umfassenden Performance-
und Medien-Werk und dem breiten malerischen
Œuvre ist das in großen Zyklen entstehende
zeichnerische Werk kaum bekannt. Erstmals reißen EVA
& ADELE Löcher in die perfekte Hülle ihrer Zwillingsidentität.
„Obsidian“ bezeichnet schwarzes, vulkanisches
Glasgestein und ist der Titel der ersten Ausstellung,
die die andere Seite von EVA & ADELE zeigt. Sie führt in
eine Welt zwischen rosafarbenem Licht und schwarz getränkten
Schatten.
Marta Herford, Goebenstr. 2-10, 32052 Herford
10.3.–26.5., Di–So, feiertags 11–18h, jeden 1.Mi im Monat 11–21h,
www.marta-herford.de
Philippe Starck: Marie Coquine, 2011, Baccarat © Baccarat
Isn’t it romantic? Zeitgenössisches Design zwischen
Poesie und Provokation
Die Ausstellung „Isn’t it romantic?“ versucht, das gegenwärtige
Verständnis von Romantik sowie die neue
Sehnsucht nach Romantik zu ergründen. Romantische
Tendenzen zeigen sich zum Beispiel an Mustern, Materialien
und Verarbeitungsmethoden, aber auch an Konzepten,
die poetische, ironische und sogar abgründige
Prinzipien aufgreifen oder widerspiegeln. Die präsentierten
Positionen sind durch 40 international bedeutende
Designer vertreten wie Philippe Starck, Ronan
und Erwan Bouroullec, Patricia Urquiola, Hella Jongerius,
Formafantasma und Robert Stadler.
MAKK – Museum für Angewandte Kunst Köln
An der Rechtschule, 50667 Köln
bis 21. 4. Di-So 11-17 Uhr, 1. Do im Monat 11-22 Uhr, www.makk.de
Deutsche Wohnen – GEHAG Forum
K. H. Hödicke – Malerei, Skulptur, Film
Im GEHAG Forum werden drei in Berlin arbeitende
Künstlerinnen mit Werken außerordentlicher Techniken
vorgestellt.
Die fantastisch-absurden „Kitchenplastics“ von Anke
Eilergerhard aus Silikon und Geschirrteilen erscheinen
als humorvoller Kommentar zur Geschlechterfrage.
Heike Jeschonneks Bilder aus Öl- und Paraffin zeigen
Szenen der Wirklichkeit traumhaft entrückt, während
Tatjana Schülkes Skulpturen aus Kappaplatten und gefundenen
Objekten zwischen Abstraktion und Figuration
pendeln.
K.H. Hödicke: Der Europäische Reisekoffer, 1967/1976
Sammlung Berlinische Galerie, Berlin
Seit mehr als einem halben Jahrhundert ist das Schaffen
von K. H. Hödicke fest mit der Stadt Berlin verknüpft.
Der 1938 in Nürnberg geborene Künstler schuf in seiner
Wahlheimat von 1957 bis heute ein vielseitiges, gattungsübergreifendes
Werk, das mit zahlreichen Gemälden,
Skulpturen, Objekten und grafischen Arbeiten in
der Sammlung der Berlinischen Galerie repräsentativ
vertreten ist. In seiner Offenheit gegenüber zahlreichen
Medien, die neue Formen von Malerei und Skulptur
ebenso umfassen wie Objekte und Film, prägte K. H.
Hödicke nachhaltig die Berliner Kunstszene. Die Berlinische
Galerie zeigt zentrale Werkgruppen mit einem
Schwerpunkt auf den 1960er- und 1970er-Jahren.
Anke Eilergerhard: Annuschka und Annegretchen, 2012
Deutsche Wohnen AG – GEHAG Forum
Mecklenburgische Str. 57, 14197 Berlin-Wilmersdorf
bis 22.3., Mo–Fr 9–19h, www.deutsche-wohnen.com
Berlinische Galerie, Alte Jakobstr. 124-128, 10969 Berlin-Kreuzberg,
bis 27.5., Mi–Mo 10–18h, www.berlinischegalerie.de
www.facebook.com/berlinischegalerie
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Karl Schmidt- Rottluff: Beim Torfstechen, 1922, Aquarell
Sammlung Hermann Gerlinger, Foto: Archiv Gerlinger
Karl Schmidt-Rottluff: Starke Farben – Klare Formen
Aquarelle und Zeichnungen. Sammlung Hermann
Gerlinger
Karl Schmidt-Rottluffs Schaffen in der Zeichnung und
im Aquarell ist durch eine knappe Formensprache und
rhythmische Bewegtheit gekennzeichnet. Bereits in
seinen frühen Jahren erreicht der junge Künstler in
seinen Werken eine künstlerische Gültigkeit, die von
Spontaneität und Leichtigkeit geprägt ist. Ab Mitte der
1920er-Jahre steht das Aquarell nahezu gleichberechtigt
neben dem Gemälde und wird in der Folge zu seinem
bevorzugten künstlerischen Ausdrucksmittel. Für den
sinnbildhaften Ausdruck seiner Arbeiten entwickelt er
eine eigene Bildsprache, die von den Themenkomplexen
der Landschaft und dem Stillleben beherrscht wird. Das
Schaffen Schmidt-Rottluffs ist bis zum Spätstil von Kontinuität
geprägt und zeigt sein meisterliches Können im
kompositorischen Aufbau wie im Zusammenspiel der
Farben.
„Daumier ist ungeheuer!“
Die Stiftung Brandenburger Tor widmet sich in einer
umfangreichen Ausstellung dem Lebenswerk des französischen
Künstlers Honoré Daumier (1808–1879).
Erstmalig werden in Deutschland über Hundert selten
gezeigte Arbeiten des vielseitigen Künstlers ausgestellt.
Max Liebermann verehrte Daumier als den „größten
Künstler des 19. Jahrhunderts“ und war ein leidenschaftlicher
Sammler seiner Werke. Er fand ihn „ungeheuer“.
Die Leihgaben für die Sonderschau im Max–Liebermann-Haus
wurden von zahlreichen europäischen
und amerikanischen Museen sowie Privatsammlern zur
Verfügung gestellt.
Stiftung Brandenburger Tor
Pariser Platz 7, 10117 Berlin-Mitte
2.3.–2.6., Mo, Mi, Do, Fr 10–18h, Sa 11–18h
www.brandenburgertor.de
Marc Chagall – Poesie & Traum
Eske Kath: Blackboard Sunset, 2012
Acryl und Kreide auf Schiefertafel, 122 cm x 122 cm
Tom Anholt: The Insomniac, 2013
Öl auf Leinwand, 130 cm x 150 cm
Stiftung Moritzburg
Friedemann-Bach-Platz 5, 06108 Halle (Saale)
bis 20.5., Di–So 10–18h, www.kunstmuseum-moritzburg.de
Eske Kath – Blackboard Sunset
Tom Anholt – Man Made
Der dänische Künstler Eske Kath zeigt erstmals in Europa
seine Gemälde auf Tafeln. Das an Schulzeit erinnernde
Präsentationsmedium ist normalerweise temporärer
Informationsträger. Neben üblicher Kreide benutzt Kath
auch haftendes Acryl und nimmt der Tafel somit das
Flüchtige, macht sie zum dauerhaften Bildträger. Die
an hyperbolische Geometrie erinnernden leuchtenden
Linien und Kreisformen sind Wiedererkennungsmerkmale
des Künstlers.
Die Ausstellung „Man Made“ präsentiert neue Arbeiten
des jungen Engländers Tom Anholt. In seinen großformatigen
Bilderwelten ist der Betrachter Beobachter, der
die Gleichzeitigkeit der unbeständigen Perspektiven zu
durchdringen versucht. Denn der Bildinhalt ist oft mit
persönlichen Erinnerungen behaftet und liegt jenseits
des sinnlich Erfahrbaren.
Galerie Mikael Andersen
Pfefferberg Haus 4, Christinenstr. 18/19, 10119 Berlin-Mitte
Opening: 22.3., 18–21h, 23.3 –11.5., Di–Sa 12–18h
www.mikaelandersen.com
Marc Chagall: Cirque (M.522), 1967, Lithografie, 51,5 x 37,5 cm
© Galerie Lessenich
Georg Netzband: Der Sieger, Mai 1939, Öl auf Leinwand, 59,9 x 68,8 cm
Sammlung Gerhard Schneider, Olpe, Foto: Fotoatelier Sasch Fuis, Köln
Dank hochkarätiger Leihgaben bedeutender Sammlungen
zeigt die Ausstellung eine Auswahl von über 140
Werken: Neben dem zentralen Ölgemälde „Die Nacht“
aus der Sammlung Würth und Gouachen wie „Der
Strassenkehrer und der Wasserträger“ aus der Sammlung
Rosengart, Luzern, präsentiert die Kunsthalle mit
handkolorierten Radierungen, Lithografien und seltenen
Monotypien auch ausgewählte Arbeiten aus dem
druckgrafischen Werk. In Riegel erhält der Besucher
damit die einmalige Möglichkeit, die ganze Vielfalt von
Chagalls künstlerischem Schaffen zu erleben und in seine
märchenhafte Welt abzutauchen.
kunsthalle messmer
Grossherzog-Leopold-Platz 1, 79359 Riegel am Kaiserstuhl
bis 30.6., Di–So 10–17h, www.kunsthallemessmer.de
verfemt, verfolgt – vergessen?
Mit der NS-Aktion „entartete Kunst“ wurden Künstler
ausgegrenzt, verfolgt, teilweise in KZs deportiert und
eine ganze Reihe von ihnen, vor allem Juden und politisch
kritische Gegner, ermordet. Die Ausstellung mit
Werken aus der Sammlung Gerhard Schneider entreißt
diese Menschen dem Vergessen und rekonstruiert den
Facettenreichtum ihres bildnerischen Schaffens vor
dem Hintergrund der politischen Ereignisse. Das Berliner
Themenjahr 2013 ist eine Initiative des Landes Berlin,
in Koordination durch die landeseigene Gesellschaft
Kulturprojekte Berlin und in Kooperation mit der Humboldt-Universität
zu Berlin. Weitere Infos unter kulturprojekte-berlin.de.
Ephraim-Palais | Stadtmuseum Berlin
Poststr. 16, 10178 Berlin-Mitte, 16.3.–28.7., Di, Do–So 10–18h,
Mi 12–20h, Eintritt: 5 €, erm. 3 €, www.stadtmuseum.de
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Cristina Barroso – Locating
Hansjörg Schneider – Tunnel
„Landkarten und topografische Städtefotografien bilden
in Cristina Barrosos Arbeiten den Untergrund für
Farben und Texturen in ihrer Malerei. … Geografische
Texturen und malerische Strukturen interpretieren sich
gegenseitig als Systeme und Muster. Namen und Zahlen
unterstreichen die konzeptuelle Idee, die Malerei wiederum
zu vermessen und mit Bedeutungen dem Bildraum
Orientierungen zu geben und imaginäre Territorien zu
schaffen. In den Bildern findet man das Staunen des
Reisenden, das Gedächtnis der Geschichte, literarische
Anspielungen und die abstrahierende, malerische Gegenwart
der Künstlerin.“ (Werner Meyer)
In der Ausstellung widmet sich Hansjörg Schneider dem
Tunnel als gesellschaftsrelevantes, architektonisches
Ge bilde. Bekannt ist er für meist großformatige Papierschnitte
von beeindruckender Präzision und Klarheit.
Zwischen dynamischer Räumlichkeit und komplexer
Flächenorganisation changierend, deformiert und verflüssigt
der Künstler starre Gittersysteme zu raumgreifenden
Formationen. Die Erfahrung des sich zum Tunnel
verengenden Raumes durchzieht die Ausstellung wie
ein roter Faden. Der virtuelle Sog in die Tiefe des Raumes
wird zum Gegenentwurf der beherrschenden Architektur
des rechten Winkels.
Cristina Barroso: From here to there, 2012, Acryl auf Leinwand, 80 x 110 cm
TS art projects
Oranienburger Str. 45, 2 OG, 10117 Berlin-Mitte
bis 21.4., Di–Sa 13–18h and by appt., 0151 - 22 94 66 38
www.toresuessbier.com
Hansjörg Schneider: Maelström XL 1, 2011, Papierschnitt/-riss, Grafit
250 x 205 cm, gerahmt
AANDO FINE ART
Tucholskystr. 35, 10117 Berlin-Mitte
Opening: 15.3., 18–21, 16.3.–19.4., Di–Sa 12–18h
030-28 09 34 18, www.aandofineart.com
Tung-Wen Margue
Onsen – Heiße Quelle
Seine Bilder charakterisiert der freie Farbverlauf, der in
Anlehnung asiatischer Maltechniken Präsenz und Ausdruck
erfährt. Abstrahierte Formen wirken assoziativ,
lassen Landschafts- oder Naturdarstellungen ahnen.
Tung-Wen Margue, geboren in Luxemburg, offeriert metaphorische
Bildwelten, die ein spannendes Seherlebnis
garantieren.
different lines
Die Ausstellung nähert sich dem Raum auf besondere
Weise: greift den Raum neu, sichtbar, unsichtbar. Führt
vorbei am fragilen Oberflächengerüst alltäglicher Wahrnehmungen
und öffnet den Raum dahinter. Klangräume
entstehen. Die Positionen eint das Basiselement: die
Linie. Werke von Silke K. Hahn, Claudia Kallscheuer, Lisa
Mayerhofer, Ev Pommer und Rebekka Uhlig mit dem Performance
Chor für Experimentellen Gesang.
Tung-Wen Margue: Mondlicht, 2012, Acryl auf Leinwand, 40 x 40 cm
GALERIE PETRA LANGE
Pestalozzistr. 4, 10625 Berlin-Charlottenburg
Opening: 13.3., 19:30h , 14.3.–14.4., Di–Fr 12–19h, Sa 11–16h
geschl.: 29.3.–1.4., www.galerielange.de
Ev Pommer: Feld V 2009, Holz/Pigment, 140 x 62 x 10 cm
mianki. Gallery
Kalckreuthstr. 15, 10777 Berlin-Schöneberg
bis 13.4., Di–Fr 15–19h, Sa 11–16h
030-36 43 27 0, www.mianki.com
Norbert Schwontkowski – Blind Man’s Faith
Songwen Sun-von Berg – Das Werden der Formen
Norbert Schwontkowski (*1949, lebt in Bremen und Berlin)
hält in seinen Arbeiten die Welt und die scheinbaren
Nichtigkeiten des Alltags fest. Melancholie und
Sehnsucht bestimmen vieler seine Bilder, die er aber
durch seinen Humor zu brechen weiß. Dieser entsteht
vor allem im Zusammenspiel zwischen Bildidee und
Werktitel. Neben Ölfarbe, Kreide, Wasser oder Pigmenten
fügt er seinen Bildern oft Metalloxyde zu, was zu
unvorhersehbaren Veränderungen der Farbe führt. Der
Kunstverein Hamburg präsentiert 30 ausgewählte Arbeiten
aus den Jahren 1999 bis 2013, neben großformatigen
Leinwandarbeiten auch zahlreiche Skizzenbücher.
In drei verschiedenen Serien zeigt Sun-von Berg auf
überraschende Weise die gegensätzliche Einheit von
menschlichen Empfindungen und deren Dialog mit
dem Werden und Vergehen der Natur. Dem Betrachter
begegnen Seelenlandschaften, die emotionale Bilder
hervorrufen. Ihre Tuschzeichnungen schaffen eine Verbindung
zwischen der traditionellen chinesischen Malkunst
und Elementen der westlichen Moderne.
Norbert Schwontkowski: Surrealistenstammtisch, 2009
Öl auf Leinwand, 150 x 131 x 2cm, Courtesy Contemporary Fine Arts, Berlin
Kunstverein Hamburg
Klosterwall 23, 20095 Hamburg
bis 14.4., Di–So 12–18h, www.kunstverein.de
Songwen Sun-von Berg: Ginkgo biloba, 2013
Tusche auf China-Papier, 100 x 100 cm
gallery yumachi
Knaackstr. 80, 10435 Berlin-Prenzlauer Berg
Opening: 1.3., 19h, 2.3.–30.3., Mi–Sa,12–18h,
Finissage: 30.3., 16–20h, www.gallery-yumachi.com
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Fabian Knecht/Andreas Greiner: Entladung, 2012/2013
Fotografie von Intervention
interferenz_en 013 –
Eine Ausstellung mit KünstlerInnen der Klasse Olafur
Eliasson, Institut für Raumexperimente, Universität der
Künste, Berlin
Der Begriff „Interferenzen“ definiert „Überlagerungserscheinungen
beim Zusammentreffen von Wellen“. In
der Ausstellung treffen künstlerische Arbeiten aufeinander,
die in den Medien Film, Fotografie, Zeichnung
und Installation verortet sind. Interferenzen – zwischen
den einzelnen Werken, aber auch zwischen den ausgestellten
Arbeiten und dem Betrachter – spielen hier eine
zentrale Rolle, angefangen von der künstlerischen Bildproduktion
bis hin zur Rezeption der künstlerischen Arbeit.
Frei nach dem Motto: „Was nicht zu sehen ist, kann
dennoch wahrgenommen werden.“ Die Ausstellung
wurde kuratiert von Marisa Maza.
Eelco Brand (NL), BL.movi, 2012, digital animation 40”HD / 2 x steel
sculpture ø 800 mm – ø 600 mm
The Act of Bringing to Life –
25 frames per second and more
Der Wille zur Imitation der Natur ist ein klassischer
Topos der Kunstgeschichte. Eelco Brand nimmt diesen
Nachahmungs- und Schöpfungswillen in ironischer
Weise auf und schafft teils absurde 3D-Arbeiten und
Objekte. Die Natur entzieht sich in seinen animierten
Loops der Kontrolle des Menschen und schlägt im Bild
zurück.
DAM GALLERY
Neue Jakobstr. 6, 10179 Berlin-Mitte
bis 13.4., Di–Fr 12–18h, Sa 12–16h, www.dam.org
Olaf Bastigkeit
EnBW Showroom Berlin
Schiffbauerdamm 1, 10117 Berlin-Mitte
Opening: 28.2., 19h, 1.3. –31.5., Mo–Fr 11–19h, Sa 11–16h
Eintritt frei, www.enbw.com
Bietz & Calò | Discoveries = Entdeckungen
In der Rauminstallation konfrontiert Olaf Bastigkeit
(*1978) skulpturale Collagen mit unsichtbaren Spuren
einer früheren Nutzung der Galerieräume. Sein Umgang
mit dem Material als Objekt und Farbe untersteht
einer übergeordneten künstlerischen Idee von einer
dreidimensionalen bildhauerischen Form, die ihren
eigenen Gesetzmäßigkeiten folgt. Den zweiten Raum
bestimmen malerische Kompositionen auf recycelten
Offsetplatten.
Christa Bietz: CUT, Mischtechnik, 50 x 64 cm, gerahmt
Christa Bietz (Malerin) nimmt in ihren neuen Arbeiten
vor allem Baumrinden, Steine und Mauerwerk unter
präzise Beobachtung. Es reizt sie, im Alltäglichen das
Besondere, Sinnliche und Erregende zu entdecken. Fantasievoll
legt sie Formen und Strukturen frei. Der Betrachter
wird eingeladen, sich auf Entdeckungsreise zu
begeben, in den Bildern „spazieren zu gehen“ und dabei
eigene imaginäre Bildwelten ausfindig zu machen.
Die Werke von Alessandra Calò (Fotografin) führen den
Menschen an seine Ursprünge zurück, an die Geschichte,
die ihn mit seinem Land verbindet und an seine familiären
Wurzeln.
Olaf Bastigkeit: Sketch for softmaschine installation in situ
2013, digital image Galerie Thore Krietemeyer
Großbeerenstr. 83, 10963 Berlin-Kreuzberg
Opening: 1.3., 18–21h, 2.3.–20.4., Di–Sa 11–18h and by appt.
www.thore-krietemeyer.com
Tina Beifuss, 2013, © Galerie cubus-m/Tina Beifuss
Tina Beifuss – Optic Echo
Im Mittelpunkt der zweiten Einzelausstellung von Tina
Beifuss bei cubus-m steht ihre neue Serie „Of Shadow
and Projection“. Beifuss verbindet skulpturale und bildhafte
Ansätze, ihre Bildkompositionen entstehen unter
Einbeziehung des Raumes. Im Fokus stehen der Zeichenbegriff
und Produktionsformen von Sichtbarkeit. Es entstehen
Bilder, die zwischen formaler Komposition und
erzählerischen Momenten oszillieren.
Alessandra Calo: NDT 01, Berlin Edition
print on hahnemuehle, 100% cotton paper, gerahmt
Berlin Avantgarde
Nollendorfstr. 11-12, 10777 Berlin-Schöneberg
Opening: 1.3., 19h, 2.3.–10.4., Di–Fr 12–19h, Sa 10–17h
030-27575908, www.berlin-avantgarde.com
Galerie cubus-m
Pohlstr. 75, 10785 Berlin-Tiergarten
Opening: 15.3., 19h, 16.3.–20.4.
Mi–Fr 14–19h, Sa 11–19h and by appt., ww.cubus-m.com
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Frank Darius – Das Paradies ist hier
Frank Darius präsentiert Bilder der Leere, in denen die Natur auf minimale Spuren
reduziert ist: Er geht das Wagnis ein, seinen Beitrag zur Wiederverzauberung
der Welt in Bildern von unverbrüchlicher Schönheit zu leisten. Er zeigt auf,
dass sich das Paradies im Innersten eines jeden von uns findet, versteckt unter
vielen Schichten der Wahrnehmung.
Gerhard Altenbourg (1926-1989)
Die Ausstellung mit über 40 Zeichnungen sowie zahlreichen druckgrafischen
Blättern und originalen Holzreliefs von Gerhard Altenbourg gewährt einen Einblick
in das vielschichtige und detailreiche Werk des Thüringer Künstlers, in seine
„geisterhaft schwebenden Dämmerzonen, oszillierenden Zwischenreiche
und verwunschenen Traumgefilde“.
Frank Darius: Hopfen I, 2011, 70 x 82 cm
© Frank Darius
Alfred Ehrhardt Stiftung, Auguststr. 75, 10117 Berlin-Mitte
Opening: 22.3., 19h, 23.3.–17.5., Di–So 11–18h, Do 11–21h
www.alfred-ehrhardt-stiftung.de
Gerhard Altenbourg:
März: Dolmar-Vorland, 1974, Aquarell u.
Farbkreiden auf Japanpapier, 62 x 92,5 cm
Galerie Dr. Irene Lehr
Sybelstr. 68, 10629 Berlin-Charlottenburg
bis 28.3., Mo–Fr 11–18h, www.irene-lehr.de
Francesco Jodice: What We Want, Aral, T51
2008, C-Print, 100 x 200 cm
Francesco Jodice – What We Want
In seiner Arbeit nimmt Francesco Jodice geopolitische Themen in den Blick und
erforscht mittels Fotografie, Film, Texten und performativen Interventionen die
Veränderungen der zeitgenössischen Landschaft. Die ausgestellten Fotoarbeiten
aus der Serie „What We Want“ zeigen einen „geografischen Atlas“ landschaftlicher
Modifizierungen, die auf menschlichen Einwirkungen beruhen. Er
arbeitet seit 1995 an diesem Projekt.
Podbielski Contemporary, Koppenplatz 5, 10115 Berlin-Mitte
Opening: 22.3., 19h, 23.3.–18.5., Di–Sa 12–18h
www.podbielskicontemporary.com
Beytrag zur Naturgeschichte der Vögel,
Joachim Johann Nepomuk Spalowsky, Wien,
1791-1792 © Kunstkammer Georg Laue,
München
WONDERFUL – Humboldt, Krokodil & Polke
Die Wunderkammer ist seit der Eröffnung des me Collectors Room im Jahr 2010
fester Bestandteil des Ausstellungshauses in der Auguststraße und die einzige
ihrer Art in Berlin. Mit „WONDERFUL – Humboldt, Krokodil & Polke“ werden
spektakuläre Neuzugänge der Wunderkammer und zeitgenössische Werke aus
der Olbricht Collection, die ebenfalls um die Thematik der Wunderkammer kreisen,
präsentiert.
me Collectors Room Berlin / Stiftung Olbricht
Auguststr. 68, 10117 Berlin-Mitte
bis 28.4., Di–So 12–18h, www.me-berlin.com
Irreführung – Malerei von Thomas Wagner
Auf großformatigen Leinwänden lässt Wagner durch das Überlagern verschiedener
Bildebenen und Materialien eine ganz eigene räumliche Tiefe entstehen.
Er, der Linien fließen und sich zu Gegenständen, Figuren und Zeichen entwickeln
lässt, die er mit Farbschichten überdeckt, um sie erneut mit Linien zu bedecken,
experimentiert auch mit Fotografien, die er übermalt. Als T. W. Blum ist
er zugleich als Musiker bekannt.
Schachspiel
Die Geschichte des Schachspiels begann vermutlich im Fernen Osten und ist
seit Jahrhunderten Thema für Künstler. Das Ausstellungchen zeigt Malerei,
Zeichnungen, Grafiken und Skulpturen alter und neuer Meister rund um das
Thema. In Reproduktionen werden alte Werke und Objekte zu sehen sein, die
bis ins Jahr 1275 zurückgehen. Daneben finden sich Originale aus dem 20. Jahrhundert
von Künstlern aus Afrika, Asien, Europa und Amerika.
Thomas Wagner: Hellersdorf, 2009
Tusche, Acryl, Kreiden auf Leinwand
150 x 250 cm
198 Galerie in Tempelhof, Tempelhofer Damm 198, 12099 Berlin-Tempelhof
Opening: 2.3., 16–20h, 3.–30.3., Finissage: 30.3., 14–18h, Mi–Fr 15–19h, Sa 14–18h u. n. V.
www.198Galerie.de
Tomasz Zielinski (*1954): Ein drolliger Zug,
1999, Öl auf Leinwand, 190 x 120 cm
Scorpion Galerie für Kunst + Objekte
Mansteinstr. 56, 20253 Hamburg-Eppendorf
1.3.–30.4., Di–Fr 10–16h and by appt. 0173-4579459, www.scorpion-galerie.de
One-Artist-Show: Alexandra Huber
Auf der Art Karlsruhe präsentiert die Galerie Horst Dietrich die Künstlerin Alexandra
Huber in einer One-Artist-Show. Gezeigt werden neue großformatige Arbeiten
in Mischtechnik sowie Collagen, Malerei und Zeichnungen, die kürzlich
in der Galerie in der Ausstellung „Sich täglich neu begegnen“ die unbändige
Schöpfungskraft, bildnerische Fantasie und kluge Poesie von Alexandra Huber
eindrucksvoll demonstrierten.
Andrey Grositsky – Materie und Materialien
Andrey Grositsky ist ein Revolutionär der Bildsprache. In seinen Werken erwachen
Stoffe zum Leben, und Formen und Farbenspiel werfen Fragen auf. Ist
es ein Tuch, eine eben erblühte Rose oder eine Flüssigkeit, die im Nichts verschwindet?
Grositsky ist ebenso ein „Poet der Dinge“ wie ein Kämpfer für die
Freiheit der Kunst. Auch seine Bilder verlangen, wie der Künstler, kraftvoll nach
ihrer Freiheit und ziehen den Betrachter so in ihren Bann.
Alexandra Huber: enjoy it, 120 x 120 cm
Galerie Horst Dietrich, Stand-Nr. H3/J25, Art Karlsruhe
Messegelände, Messeallee 1, 76287 Rheinstetten
0172-321 26 61, www.GalerieDietrich.de
Andrey Grositsky: Faltenwurf und
Bilderrahmen, 2010, Öl auf Karton und Holz
98 x 110 cm
Galerie pop/off/art Moskau-Berlin
Mommsenstr. 35, 10629 Berlin-Charlottenburg
bis 30.3., Di–Fr 10–19h, Sa 11–15h and by appt., www.popoffart.de
Maya Schweizer: Die Fassade (des
ehemaligen Palais de la Porte Dorée, Paris),
Filmstill, 2011, Courtesy Maya Schweizer /
Galerie Katharina Bittel
Maya Schweizer - Edith Seeshow’s Notes
In vier Filmen nähert sich Maya Schweizer der Geschichte abseits des historischen
Faktenwissens. Die Künstlerin bedient sich in ihren
Filmessays verschiedener Techniken, um Spuren der Vergangenheit mit dem
Alltag in Austausch zu bringen. Geschichte und Erinnerung wird anhand von
Denkmalen und Architektur im öffentlichen Raum sowie an der Lebensgeschichte
von Schweizers Großmutter thematisiert.
Kunstverein Langenhagen
Walsroderstr. 91 A, 30851 Langenhagen
bis 31.3., Mi/Fr 14–15h, Do 10–18h, Sa 15–17h, www.kunstverein-langenhagen.de
Neonilla Medvedeva: Sisters, 2009, Öl auf
Leinwand, 25 x 25,5 cm
Neonilla Medvedeva und Sebastian Rudko – Zeichnung und Malerei
Die Arbeiten beider Künstler sind inspiriert vom täglichen Leben, von den
Menschen, der Natur und der Kultur ihres jeweiligen Heimatlandes. Sebastian
Rudko aus Krakau fängt Augenblicke ein, in denen Reflexion und Brechung des
Lichts innere und äußere Welt vereinen. Neonilla Medvedeva aus Riga konzentriert
sich auf menschliche Figuren und deren Beziehung zur Umgebung, Vergangenheit
und universalen Werten.
Galerie Förster, Schröderstr. 2, 10115 Berlin-Mitte
bis 6.4., Di–Fr 16–19h, Sa 12–18h u. n. V., www.galerie-foerster.de
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Ankündigung: Sammlergespräch mit Marc Fiedler
Marc Fiedler ist Gründer der Berliner Ausstellungs- und
Sammlungsinstitution Epicentro art. Vor dem Hintergrund
seiner eigenen Kunstsammlung zeigt der Creative
Director hier seit 2007 wechselnde Ausstellungen
zeitgenössischer Kunst. Zum Kunstsammeln kam der
Hamburger Inhaber der Werbe- und Kommunikationsagentur
Gruppo del Café Palermo über den intensiven
Austausch und gemeinsame Reisen mit eng befreundeten
Künstlern. Die hieraus geschöpfte Inspiration und
Dynamik brachte den Impuls, über das Sammeln hinaus
eigene Ausstellungsräume zu eröffnen und diese einem
breiten Publikum öffentlich zugänglich zu machen.
In Einzel- und Gruppenausstellungen zeigt und fördert
das Epicentro art neben etablierten Namen junge,
aufstrebende Künstler. Einen Schwerpunkt im Ausstellungsprogramm
wie in der Sammlung Fiedler bilden die
Medien Fotografie, Malerei und Video. Darüber hinaus
versteht sich das Epicentro art als Plattform, die in Kooperationen
mit Künstlern, Institutionen sowie Galerien
und anderen Kunstsammlungen Raum für neue Ausstellungskonzeptionen
und deren Umsetzung bietet.
Ein feststehendes Profil gibt es daher ausdrücklich nicht,
was ein Blick in den Ausstellungskalender bestätigt:
Hier finden internationale Namen wie Imi Knoebel oder
Christian Boltanski ihren Platz neben politischen und
diskursorientierten Ausstellungen wie beispielsweise
„GVOON – 2000 inhaftierte Zeichnungen“ – eine Zusammenarbeit
mit der Gedenkstätte Hohenschönhausen
für Gefangene der Stasi-Untersuchungshaftanstalt.
Bis zum 2. März sind aktuell Schwarz-Weiß-Fotografien
von Kai Bornhöft zu sehen.
Foto: Roberto Hegeler
Ähnlich differenziert äußert sich auch Marc Fiedlers Interesse
als Sammler: Neben Nam June Paik, H.P. Adamski,
Marc Séguin, Steve Schapiro oder Wolfgang Staehle
kauft er auch Werke zahlreicher junger, noch weitläufig
unbekannter Künstler.
Wir freuen uns auf das KUNST Magazin Sammlergespräch
mit Marc Fiedler, moderiert von Jan Kage, am
MITTWOCH, den 27. Februar, in der Bar Tausend.
Einlass ab 20h, Beginn ca. 20.30h. Wir bitten um Anmeldung
unter sammler@kunstmagazin.de
Impressum | Imprint
KUNST Magazin / KUNST Verlag, Berlin
Wrangelstr. 21, 10997 Berlin
Tel.: 030 - 61 20 23 24 und 030 - 43 92 58 29
Fax: 030 - 61 20 23 17 und 030 - 43 91 70 59
info@kunstmagazin.de | ISSN 1862 - 7382
Herausgeberin: Jennifer Becker (v. i. S. d. P.)
Chefredaktion: Julika Nehb
Redaktion & Texte: Susanne Erichsen, Isabella Hammer,
Katharina Helwig, Alexandra Panzert, Agathe Power,
Stefanie Raupach, Sarah Weckert, Steffi Weiss
Gastautoren: Inga Oppenhausen, Matthias Planitzer
Übersetzungen: Brian Poole
Lektorat: Sina Gesell
Gestaltung: Carola Büscher
Onlineredaktion: Julia Schmitz
Webdesign: Marius Bruns, www.robinson-cursor.de
Druck: Druckerei Conrad GmbH, www.druckereiconrad.de
Distribution: DHL GoGreen – wir versenden klimaneutral,
Deutsche Post Pressevertrieb
Erscheinungsweise: 40 000 Exemplare, 10-mal im Jahr,
Doppel ausgaben: Jul./Aug. und Dez./Jan. Es gelten die Mediadaten
2013.1
Alle Ausstellungshinweise im KUNST Magazin sind für
Galerien, Museen und Ausstellungshäuser kostenpflichtig.
Eine tagesaktuelle Übersicht zu allen Veranstaltungen im
KUNST Kontext in Deutschland finden Sie im Kalender auf
www.kunstmagazin.de
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TANGENTE
In der Tradition von Eames: GOOD DESIGN Award für Tangente Datum. Wie bereits im Vorjahr
ging der weltweit angesehenste Preis für Produktdesign auch diesmal an NOMOS Glashütte.
Der GOOD DESIGN Award, von Charles und Ray Eames, Eero Saarinen und Edgar Kaufmann, Jr.
1950 erstmals vergeben, schmückt bis heute nur weltbeste Formen. Mit entsprechenden
inneren Werten: allerfeinsten Kalibern aus Glashütter NOMOS-Manufaktur.
Tangente-Modelle gibt es ab 1180 Euro etwa bei: Augsburg: Bauer & Bauer; Berlin: Brose, Christ KaDeWe, Leicht, Lorenz; Bielefeld: Böckelmann;
Bonn: Hild; Bremen: Meyer; Darmstadt: Techel; Dortmund: Rüschenbeck; Dresden: Leicht; Düsseldorf: Blome; Erfurt: Jasper; Hamburg: Becker;
Kiel: Mahlberg; Koblenz: Hofacker; Köln: Berghoff, Kaufhold; Lübeck: Mahlberg; Ludwigsburg: Hunke; München: Bucherer, Fridrich, Kiefer;
Münster: Freisfeld, Oeding-Erdel; Trier: Hofacker; Ulm: Scheuble. Überall: Wempe. www.nomos-store.com und www.nomos-glashuette.com
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