kult! ZDF Hitparade (Vorschau)

NEU! 

AB JETZT 

ERHÄLTLICH! * 

EDITION 

DISCOGRAPHIEN 

Vol. 1 

100 

Seiten 

nur 9,80 € 

Discographien zu: 

Alice Cooper, 

David Bowie, Cluster, 

Deep Purple, Eloy, 

Frijid Pink, Hawkwind, 

Jigsaw, Kraftwerk, 

Udo Lindenberg, Lords, 

Mud, Novalis, Pink Floyd, 

Runaways, Shocking 

Blue, Slade, String Driven 

Thing, Uriah Heep sowie 

Label-Discographien von 

CCA (Metronome), 

Pilz (BASF) und 

Ohr (Metronome) 

* 

nur direkt über den Verlag erhältlich – zu bestellen unter: 

www.goodtimes-magazin.de oder im Shop Seite 33 

goodtimes@nikma.de · Telefon: 0 70 42/37660-160 · Fax: 0 70 42/37660-188 

NikMa Verlag · Eberdinger Straße 37 · 71665 Vaihingen

IMPRESSUM 

Anschrift: 

NikMa Verlag 

Fabian Leibfried 

Eberdinger Straße 37 

71665 Vaihingen/Enz 

Tel.: 0 70 42/37660-160 

Fax: 0 70 42/37660-188 

E-Mail: goodtimes@nikma.de 

www.goodtimes-magazin.de 

www.facebook.com/goodtimeskult 

Herausgeber und Chefredakteur: 


Mitarbeiter: 

Jens-Uwe Berndt, Horst Berner, Kathrin 

Bonacker, Kirsten Borchardt, Lothar Brandt, 

Michael Fuchs-Gamböck, Hans-Jürgen 

Günther, Peter Henning, Christian Hentschel, 

Teddy Hoersch, Hugo Kastner, Andreas Kötter, 

Frank Küster, Bernd Matheja, Kati Naumann, 

Helmut Ölschlegel, Thorsten Pöttger, Alexander 

Querengässer, Sven Rachner, Philipp Roser, 

Roland Schäfl i, Oliver Schuh, Ulrich Schwartz, 

Eckhard Schwettmann, Christian Simon, 

Alan Tepper, Jörg Trüdinger, Claudia Tupeit, 

Uli Twelker, Peter Verhoff, Thomas Wachter, 

Jürgen Wolff 

Abonnements, Shop: 

Andrea Leibfried 

Grafische Gestaltung: 

Andrea Zagmester, kult@nikma.de 

Kathleen Müller, grafi k@nikma.de 

Anzeigenverkauf: 

Petra Czerny, anzeigen@nikma.de 

Vertrieb: 

IPS Pressevertrieb GmbH 

Postfach 1211 

53334 Meckenheim, Tel: 0 22 25/88 01-0 

Druckerei: 

Dierichs Druck + Media GmbH & Co. KG 

Frankfurter Str. 168 

34121 Kassel 

Erscheinungsweise: 

2x jährlich 

Copypreis: 

Einzelheft: 6,50 € (Preis inkl. 7% MwSt.) 

Abonnement: 

siehe Seite 83 

Anzeigen: 

Für gewerbliche Anzeigen bitte 

Preisliste Nr. 01 (inkl. Mediadaten) anfordern. 

Kontoverbindung: 

NikMa Verlag 

Kreissparkasse Ludwigsburg 

Konto: 108 294 

BLZ: 604 500 50 

IBAN: DE38 6045 0050 0000 1082 94 

BIC: SOLADES1LBG 

Titelfoto: 

Twiggy: 

© Interfoto/Mary Evans Adams Picture Library 

Der Verlag hat sich bemüht, alle Rechte - 

inhaber der abgedruckten Fotos zu erreichen. 

Leider ist dies nicht in allen Fällen gelungen. 

Ggf. möchten bisher unbekannte Urheber 

ihre Ansprüche geltend machen. GoodTimes 

kult! ist auf umweltfreundlichem, chlorfrei 

gebleichtem Papier gedruckt! Weiterverwendung 

aller in GoodTimes kult! erschienenen 

Artikel, Interviews, Fotos, Rezensionen etc. 

nur mit der Zustimmung des Herausgebers 

gestattet. 

Gerichtsstand: Stuttgart 

Story & 

Poster 

Willkommen bei kult! 

Sie halten die mittlerweile zehnte Ausgabe von kult! in Händen 

– und die Themen gehen nicht aus! Einmal mehr können Sie im 

umfassenden Tagebuch" eines Jahres schmökern – diesmal von 

" 

1964, dem Höhepunkt des Baby Booms – und an Dinge zurückdenken, 

die Sie vielleicht selbst miterlebt haben oder aus Erzählungen Älterer kennen. 

Genau zehn Jahre später räumten Abba dann beim Grand Prix Eurovision de la 

Chanson im englischen Brighton ab, Grund genug, weshalb wir Ihnen das Jubiläum 

zusammen mit dem damaligen Augenzeugen Wolfgang Bubi" Heilemann ins 

" 

Gedächtnis rufen. 

Die Schwerpunktthemen Musik, Fußball – wir widmen uns dieses Mal ausführlich 

dem FC Schalke 04 –, Film (Kino wie Fernsehen) und Autos liefern wieder exquisites 

Reminiszenzen-Lesefutter, mit dem wir uns gemeinsam mit Ihnen auf eine nostalgische, 

aber keineswegs verklärende Reise in die Vergangenheit begeben wollen. 

Und: Kultiges wurde einst nicht nur im deutschen Westen geschaffen. Auch in der 

DDR entstand ab Mitte des vergangenen Jahrhunderts vieles, was bis heute nachwirkt 

und inzwischen längst einen ganz eigenen Kult-Charakter entwickelt hat: Sei es die 

bis heute laufende TV-Serie Polizeiruf 110", sei es Spielzeug, das einst vom VEB 

" 

Kombinat Spielwaren Sonneberg kreiert wurde – beiden widmen wir uns in dieser 

Ausgabe ausführlich. 

Wer übrigens Teil 3 unserer Mode-Serie vermisst, der braucht sich keine Sorgen zu 

machen. In der kommenden Ausgabe 11 von kult! geht es mit den 70er Jahren weiter. 

Bleiben mir wieder einmal drei Bitten an Sie: Lassen Sie uns wissen, wie Ihnen diese 

kult!-Ausgabe gefallen hat, erzählen Sie ruhig in Ihrem Bekannten- und Freundeskreis 

von unserem Magazin – und schreiben Sie uns, über welche zum Kult gewordenen 

Themen Sie in einer unserer nächsten Ausgaben gerne etwas lesen würden ... 


-Herausgeber/Chefredakteur- 

www.facebook.com/goodtimeskult 

PS: Ab sofort ist kult! auch mit einer eigenen Seite bei facebook vertreten. Dort haben 

Sie die Möglichkeit, sich mit uns, aber vor allem auch mit anderen kult!-Lesern 

auszutauschen. Wir sind gespannt, was sich künftig daraus entwickeln wird, und freuen 

uns auf Ihre Postings. 

kult! Nr. 11 erscheint am 17.10.2014 

GoodTimes 2/2014 ■ Seite 3

Ausgabe April 2014 

2/2014 (Nr. 10) 

INHALT 

RUBRIKEN 

3 Editorial/Impressum 

4 Inhaltsverzeichnis 

5 Top 5: Sportler 

Mitarbeiter & Prominenz 

6 News from the past 

Altes neu ausgepackt 

15 kult! Verlosung 

33 kult! Shop 

83 kult! Abo-Bestellschein 

47 Schalke 04/Abba 

Riesenposter 

95 Leserbriefe 

kult! 

60er · 70er · 80er 

Seite 16 

Seite 20 Seite 22 

2 

16 Mercedes-Benz 

30 Jahre C-Klasse 

20 Boule & Bill 

Auf den Hund gekommen 

22 Zigaretten-Reklame der 70er Jahre 

Von Weltenbummlern und Lebenskünstlern 

26 40 Jahre Playmobil 

2,7 Milliarden Franken erobern die Kinderzimmer 

29 Sugus 

Leckere Reise in die Kindheit 

30 Hard Rock Cafe 

Mit Eric Claptons Gitarre fing alles an 

32 Dem Täter auf der Spur 

Mörderjagd als Ratequiz 

34 Gesprengte Ketten 

Hollywood in Deutschland – Spurensuche vor Ort 

37 Jürgen von Manger 

Adolf Tegtmeiers Sicht der Dinge 

38 Kultbücher 

Geschätzt, geliebt, gelobt 

40 Genre Musikfilm 

Der Sound der prägenden Jahre: Easy Rider" & Co. 

" 

44 Abba – 40 Jahre "Waterloo" 

Mit dem Grand Prix fing alles an 

46 Spuk unterm Riesenrad 

Kult-DDR-Fernsehserie der 70er Jahre 

56 Yamaha XT 500 

Die Mutter aller Enduros 

58 VEB Kombinat – Spielwaren Sonneberg 

Der ewige Traum der kleinen Mädchen 

62 Schalkes 72er-Elf 

Junge Wilde" in Königsblau 

" 

63 Erwin Kremers 

Interview 

Seite 58 

Seite 29 

Seite 72 

Seite 56 

Seite 26 

unterm 

Riesenrad 

Seite 46 

110 

P L 

Seite 68 

POLIZEIRUF 

S 

Seite 96 

66 Flammendes Inferno 

Wie ein Katastrophenfilm die Kinozuschauer 

in Angst und Schrecken versetzte 

68 Polizeiruf 110 

Tatort"-Konkurrenz aus dem Osten 

" 

70 Brehms Tierleben 

Alfred Brehm und seine sprachgewaltigen 

Tierporträts 

72 Twiggy 

Das ikonografische Gesicht der Sixties 

74 Der NAD 3020 

Ein HiFi-Verstärker mischt den Markt auf 

und wird zur Legende 

76 Das Jahr 1964 

Beat boomt, Bier fließt, Sepp geht 

80 Steiff – Knopf im Ohr 

Der Siegeszug der Stofftiere 

82 Schnitzler gegen Löwenthal 

Der Kalte Krieg auf der Mattscheibe 

84 ZDF Hitparade 

Uwe Hübner erinnert sich an die 

spannenden Neunziger 

86 Lederhosen-Filme 

Als die Alm ein Sündenpfuhl war 

88 Josef Göhlen 

" Biene Maja", Captain Future", 

Timm Thaler" 

" 

& Co. 

" 

90 Klaus Dill 

Der Mann, der die legendären Bessy"- 

Titelbilder schuf 

" 

92 Pin-ups heben die Moral 

Über eine oft totgesagte Kunstform, 

die in den letzten Jahren ein Revival erlebt 

96 Der Rote Kosar 

Unter der Totenkopf-Flagge über 

die Weltmeere 

98 Valerian & Veronique 

Reisen in neue Dimensionen 

Seite 4 ■ GoodTimes 2/2014

TOP 5 


Sportler 

1. Gerd Müller (Fußball) 

2. Mark Spitz (Schwimmen) 

3. Klaus Fischer (Fußball) 

4. Egon Müller (Speedway) 

5. Kremers-Zwillinge (Fußball) 


1. Michael Edwards »Eddie The Eagle« (Skispringen) 

2. Bob-Team Jamaika (1988) (Bobsport) 

3. Sepp Maier (Fußball) 

4. Ulrike Meyfarth (Leichtathletik) 

5. Michael Groß (Schwimmen) 

Sven Rachner 

1. Alberto Juantorena (Leichtathletik) 

2. Meinhard Nehmer (Bobsport) 

3. Teófilo Cubillas (Fußball) 

4. Hans-Joachim Hartnick (Radsport) 

5. Günter Netzer (Fußball) 

Jens-Uwe Berndt 

1. Sepp Maier (Fußball) 

2. Max Morlock (Fußball) 

3. Joachim Deckarm (Handball) 

4. Heide Rosendahl (Leichtathletik) 

5. Erhard Keller (Eisschnelllauf) 

Philipp Roser 

1. Petar Radenkovic (Fußball) 

2. Muhammad Ali (Boxen) 

3. Eddy Merckx (Radsport) 

4. Martina Navrátilová (Tennis) 

5. Sergei Makarow (Eishockey) 

Horst Berner 

1. Lou Gehrig (Basketball) 


3. Pelé (Fußball) 

4. Magic Johnson (Basketball) 

5. Arnold Schwarzenegger (Bodybuilding) 

Roland Schäfli 

1. Natalja Bestemjanowa / Andrei Bukin (Eiskunstlauf) 

2. Scott Hamilton (Eiskunstlauf) 

3. Paul Breitner (Fußball) 


5. Steffi Graf (Tennis) 

Kathrin Bonacker 


2. Heide Rosendahl (Leichtathletik) 


4. John McEnroe (Tennis) 


Oliver Schuh 

1. Zinédine Zidane (Fußball) 

2. Pelé (Fußball) 

3. Jesse Owens (Leichtathletik) 

4. Eddy Merckx (Radsport) 

5. Hope Solo (Fußball) 

Lothar Brandt 

1. John Akii-Bua (Leichtathletik) 

2. Gabriela Sabatini (Tennis) 

3. Abdel-Kader Zaaf (Radsport) 

4. Fausto Coppi (Radsport) 

5. Jim Clark (Motorsport) 

Ulrich Schwartz 

1. Wolfgang Graf Berghe von Trips (Motorsport) 

2. Michael Schumacher (Motorsport) 


4. Franz Beckenbauer (Fußball) 


Teddy Hoersch 

1. Franz Beckenbauer (Fußball) 


3. Uwe Seeler (Fußball) 

4. Christina Obergföll (Leichtathletik) 

5. Jens Lehmann (Fußball) 

Christian Simon 

1. Die elf 1972 in München ermordeten israelischen Athleten 

2. Jacky Icks (Motorsport) 


4. George Foreman (Boxen) 

5. Edwin Moses (Leichtathletik) 

Andreas Kötter 






Alan Tepper 

1. Hans Günter Winkler (Springreiten) 


3. Katarina Witt (Eiskunstlauf) 

4. Franziska van Almsick (Schwimmen) 

5. Rosi Mittermeier (Skisport) 

Andrea Leibfried 


2. Karl-Heinz Förster (Fußball) 

3. Michael Schumacher (Motorsport) 

4. Carl Lewis (Leichtathletik) 


Jörg Trüdinger 

1. Martin Naumann (Radsport) 



4. Katarina Witt (Eiskunstlauf) 


Kati Naumann 

1. Jochen Rindt (Motorsport) 


3. Jackie Stewart (Motorsport) 



Jürgen Wolff 

1. Claus-Dieter Wollitz (Fußball) 

2. Rein van Duijnhoven (Fußball) 


4. Henri Leconte (Tennis) 

5. Jan Åge Fjørtoft (Fußball) 

1. Joe Montana (Football) 


3. Jackie Stewart (Radsport) 

4. Bernhard Langer (Golf) 

5. Rudi Altig (Radsport) 

Thorsten Pöttger 

GoodTimes 2/2014 ■ Seite 5 

Rainer 

Bonhof 

Fotos: © Horstmueller

DVDs + BLU-RAYs 

20.000 MEILEN UNTER DEM 

MEER 

Mit dieser Veröffentlichung erlebt der Stummfilmklassiker 

aus dem Jahr 1916 seine deutsch 

synchronisierte Weltpremiere. Zur Zeit seiner 

Entstehung gehörte dieser 

Film mit seinen zahlreichen 

Spezialeffekten zu den ersten 

Highlights, präsentierte 

Universal Studios dem Kinopublikum 

schier unglaubliche 

Bilder. Die Story: Ein 

Team von Wissenschaftlern 

untersucht eine Reihe 

von Störungen im Meer, von denen man glaubt, 

dass sie ein See-Ungeheuer ausgelöst haben 

soll. Doch bald finden sie heraus, dass es sich 

bei der Ursache für diese Phänomene nicht um 

eine Kreatur, sondern um das Unterseeboot des 

hasserfüllten Kapitäns Nemo handelt. Klasse 

Service: Neben der deutschen Synchronfassung 

kann man 20.000 Meilen unter dem Meer" auch 

" 

in der originalen Stummfilmfassung genießen. 

(Starmovie/edel, 2 x 100 Min.) 

ROOM 237 

Warum trägt der kleine Danny in Stanley Kubricks 

The Shining" (1980) einen Apollo- 

" 

11-Pullover? Warum sind ständig Backpulverdosen 

mit einem auffälligen Indianerkopf im 

Bild? Was geschah wirklich in Zimmer Nummer 

237 des eingeschneiten 

Berghotels? Die geheimnisvolle 

Verfilmung von 

Stephen Kings gleichnamigem 

Horror roman (mit 

Jack Nicholson, Shelley 

Duval u.a.), hat einen Haufen 

interpretationswütiger 

Bilderdeuter, Cineasten 

und Verschwörungstheoretiker auf den Plan 

gerufen. Einige von ihnen kommen in der mit 

vielen Preisen ausgezeichneten und von Kritikern 

hoch gelobten Doku Room 237" (Regie: 

" 

Rodney Ascher) zu Wort. Wer bisher meinte, 

den Kultklassiker gut zu kennen, wird einiges 

Erhellendes sehen oder auf wunderbare Art 

noch mehr verwirrt werden. Rapid Eye Movies 

bringt die Doku nun auf DVD heraus. 

(Alive, 99 Min.) 

ZWEI WIE PECH UND 

SCHWEFEL 

Mit " 

Zwei wie Pech und Schwefel" gibt es nun 

einen der besten Bud-Spencer/Terence-Hill- 

Filme auch als Blu-ray in restaurierter HD- 

Qualität. In diesem Kinofilm zeigen die beiden 

Schauspieler einmal mehr, warum sie in den 

70er Jahren das Maß der Dinge waren, wenn es 

um Actionkomödien ging. Zusammen mit Top- 

Schauspieler Manuel de Blas (als Berufskiller 

Paganini) und unterlegt mit 

einem genialen Soundtrack 

von Oliver Onions gibt es 

jede Menge knochentrockene 

Prügeleien, coole 

Sprüche und verrückte Actionszenen. 

Die Story um 

die es dabei geht, ist relativ 

banal: Die beiden Haudegen 

Ben und Kid kommen bei einem Crash-Car- 

Rennen gleichzeitig ins Ziel und sollen den Gewinn 

eines Strandbuggys durch ein Wettessen 

mit Würstchen und Bier klären. Als dann aber 

die Schläger eines Möchtegern-Ganoven (John 

Sharp) das Vehikel verschrotten, haben diese 

ihre Rechnung ohne Ben und Kid gemacht, die 

nur eines wollen: einen Buggy, rot mit gelbem 

Häubchen! 

(3L-homevideo, 101 Min.) 

TOMS ABENTEUER 

Tom Sawyer ist bekanntermaßen für jeden 

Streich zu haben – wenn er seiner Tante Polly 

und ihren Standpauken entwischen kann. Und da 

geteilter Spaß bekanntlich 

doppelter Spaß ist, kommen 

ihm die besten Ideen dann 

in den Kopf, wenn er zusammen 

mit seinem Freund 

Huckleberry Finn unterwegs 

ist. Aber natürlich haben 

die beiden Lausbuben nicht 

dauernd Blödsinn im Kopf; 

wenn es sein muss, zeigen sie auch bei ernsten 

Themen, dass man sich auf sie verlassen kann. 

1937 wurde dieser sympathische Film im kalifornischen 

Culver City gedreht, hatte in den USA 

1938 Premiere und kam 1954 in die deutschen 

und österreichischen Kinos. 

(Inter-Pathe/edel, 86 Min.) 

from the past 

THE GREAT AMERICAN 

WEST OF JOHN FORD 

Mit Hauptdarstellern wie John Wayne, Henry 

Fonda, Lee Marvin, James Stewart oder 

Richard Widmark, mit Filmen wie Früchte " 

des Zorns", Rio Grande", Der schwarze Falke", 

Der Mann der Liberty Wallace erschoss" 

" 

" " 

und Das war der Wilde 

" 

Westen" wurde der 1973 

verstorbene amerikanische 

Filmregisseur John Ford 

schon zu Lebzeiten zur Legende. 

Zahlreiche Schauspielerkollegen 

und Produzenten 

äußern sich in der 

1971 entstandenen Doku 

The Great American West Of John Ford" zu 

" 

seinem Lebenswerk, die einen höchst interessanten 

Einblick in Fords Arbeitsweise ermöglicht 

und damit auch hinter die Kulissen seiner 

Westernklassiker blicken lässt. 

(Starmovie/edel, 52 Min., dt. und engl.) 

CLAN DER SIZILIANER + 

CAPONE 

Mit diesen beiden Filmen gibt es nun zwei der 

bekanntesten Gangsterklassiker erstmals in High 

Definition als Blu-ray. Im Der Clan der Sizilianer" 

von Henri Verneuils aus dem Jahr 1969 

" 

spielt Jean Gabin einen einflussreichen 

Mafiaboss, den 

es zurück zu seiner Familie 

nach Sizilien zieht. In seinem 

Schlepptau der zum Tode verurteilte 

Killer Roger Sartet 

(Alain Delon), den der Mafiaboss 

mit Hilfe seiner beiden 

Söhne aus dem Gefängnis 

befreit hat. Kommissar Le Goff (Lino Ventura) 

nimmt die Verfolgung der Verbrecher auf, bis es 

zum Showdown kommt. Ein 

Film, der immer noch durch 

seine hervorragende Besetzung 

und seine klasse Story 

begeistert. Sechs Jahre 

später, 1975, widmeten sich 

Produzent Roger Corman 

und Regisseur Steve Carver 

mit Al Capone einem der 

legendären Verbrecher der amerikanischen Geschichte. 

Ben Gazarra spielt den skrupellosen 

Boss, der sich, unterstützt vom Italo-Amerikaner 

Frank Nitti (Sylvester Stallone), an die Spitze der 

Chicagoer Unterwelt ballert, wo er zum uneingeschränkten 

Herrscher über Prostitution, Glücksspiel 

und Alkoholschmuggel wird – bis er die 

erste Schwäche zeigt ... 

(Twentieth Century Fox, 125 + 101 Min.) 

SHERLOCK HOLMES 

DAS ZEICHEN DER VIER & DER HUND 

VON BASKERVILLE 

Seit mehr als einem Jahrhundert fasziniert Sherlock 

Holmes Krimifans in aller Welt. Zusammen 

mit seinem Assistenten Dr. Watson jagt der eigenwillige 

Detektiv mit Pfeife und Tweedmütze 

Ganoven, Betrüger und Mörder, knackt Codes, 

kombiniert, hinterfragt und 

verfolgt auch jede noch so 

kleine Spur. Die britischen 

Verfilmungen der beiden Episoden 

Das Zeichen der Vier" 

" 

und Der Hund von Baskerville" 

mit Ian Richardson und 

" 

David Healy in den Hauptrollen 

gehören zu Recht zu den gelungensten 

Verfilmungen von Sherlock-Holmes-Fällen. 

Nach der 2009er DVD-Veröffentlichung dieses 

Doppelpacks erscheinen die beiden spannenden 

Kriminalfälle nun erstmals als Full-HD Blu-ray. 

(Starmovie/edel, 200 Min.) 


SHARK ATTACK 

Schier unerschöpflich ist die Flut der Hai- " 

Filme", die, inspiriert von Steven Spielbergs 

" Der weiße Hai" ( Jaws", 1975), über Kinos 

" 

und Videotheken hereinbrach. Gigantisch auch 

die qualitative Spannweite dieser Streifen, von 

billigen B-Movies über halb-dokumentarische 

Machwerke bis zu ernsthaften 

Herausforderern; zu 

Letzteren gehört der 1999 

entstandene Film 

" Shark 

Attack". Darin erhält der 

Meeresbiologe Steve Mc- 

Kray die Nachricht, dass 

sein Freund Mark DeSantis 

Opfer eines Hais wurde. 

Um sich Klarheit zu verschaffen, reist Mc- 

Kray ins afrikanische Port Amanzi, begleitet 

von DeSantis hübscher Schwester Corinne. In 

der Küstenstadt erfahren die beiden, dass sich 

dort in letzter Zeit grausige Hai-Angriffe häufen. 

Doch bald stellt sich auch heraus, dass dort 

nicht nur die Haie gefährlich sind, ein paar Ganoven 

richten mit Chemikalien und Korruption 

großes Unheil an. 

(Paragon Movies, 92 Min.) 

IM LAND DER SIOUX 

Zwei Western dieser Dreier-Box stammen aus den 

50er Jahren, einer aus den 70ern: 1954 entstand 

ohne großes Staraufgebot 

Die Rache des Sitting Bull", 

" 

dessen Titel zwischenzeitlich 

in Die letzte Schlacht 

" 

der Sioux" geändert wurde, 

da dieser wohl besser zum 

Inhalt passt, der legendären 

Schlacht zwischen Colonel 

Custer und der Sioux am 

Little Big Horn. Ein Jahr später entstand Die vier " 

Gesetzlosen", eine klassische Banditengeschichte 

um die vier Brüder Frank, John, Clint und Bill 

(u.a. dargestellt von Randolph Scott und Forrest 

Tucker), die nicht nur Eisenbahnen und Banken 

ausrauben sondern auch noch die Bewohner ihrer 

kleinen Heimatstadt terrorisieren – bis der 

Geheimagent James Barlow ihrem Treiben ein 

Ende macht. 1973 entstand mit Burt Lancaster 

in der Hauptrolle der Italowestern Spiel mir das 

" 

Lied der Rache", in dem er als (typisch guter) 

Adoptivsohn eines Ranchers immer wieder auf 

die Probe gestellt wird und sich gegen die hinterlistigen 

Fallen des (typisch bösen) leiblichen 

Sohnes beweisen muss ... 


MARYLIN MONROE 

COLLECTOR'S EDITION 

Kurz vor ihrem Durchbruch, 1951, spielte Marylin 

Monroe eine kleine Rolle im amerikanischen 

Low-Budget-Drama " 

Home-Town-Story". Dieser 

Film – in den Hauptrollen Jeffrey Lynn und 

Alan Hale Jr. – ist ebenso 

Bestandteil dieser DVD- 

Box wie die beiden Dokumentationen 

The Story Of 

" 

Marylin Monroe" und Die " 

ersten Jahre der Monroe". In 

25 bzw. knapp 20 Minuten 

konzentrieren sich diese beiden 

Dokus vor allem auf die frühen Jahre der 

Schauspielerin, zeigen Bilder aus ihrem Privatleben, 

ihren Filmen und von ihren Auftritten bei 

zahlreichen gesellschaftlichen Anlässen. 

(Inter Pathe/edel, 160 Min.) 

SAHARA 

Dieses Wüstenabenteuer 

spielt in den 20er Jahren 

des letzten Jahrhunderts. 

Dales (gespielt von 

Brooke Shields) Vater 

stirbt bei einer Testfahrt 

mit seinem selbst gebauten 

Rennwagen, mit dem er 

am härtesten Autorennen der Welt teilnehmen 

wollte. Dale beschließt, den Lebenstraum ihres 

Vaters zu Ende zu bringen, da Frauen aber 

die Teilnahme an diesem Rennen verboten ist, 

nimmt sie als Mann verkleidet daran teil. Aus 

heutiger Sicht wirkt die 80er-Jahre-Darstellung 

des gnadenlosen Konkurrenzkampfes der 

Teams, der Hitze, der Sandstürme sowie des 

Kriegs der verfeindeten Wüstenstämme fast 

unfreiwillig komisch, andererseits sind es ja 

genau diese (Hollywood-)Überzeichnungen, 

die solch einen Film zum Kultobjekt machen. 

Neben Brooke Shields sind in " 

Sahara" noch 

John Rhys-Davies, Horst Buchholz und Lambert 

Wilson (als Scheich) zu sehen, für die 

Filmmusik war kein Geringerer als Ennio 

Morricone verantwortlich. 

(Breu Media, 106 Min.) 

POPEYE DER SEEMANN & 

SEINE FREUNDE 

Popeye, dieser sympathisch bescheidene Held 

mit einem Faible für Spinat aus der Dose, wurde 

schon 1929 in die Welt gesetzt und gehört 

bis heute zu den weltweit beliebtesten Comicfiguren. 

Der kantige Seemann ist ein Underdog 

mit ebenso niedriger Reizschwelle 

wie starkem Gefühl 

für Gerechtigkeit und 

Fairplay. Über vier Stunden 

lang zeigt die Zeichentrickserie 

Popeye der Seemann 

" 

& seine Freunde", wie er 

sich für seine Freundin Olivia 

einsetzt, wie er zusammen 

mit seinen Kameraden Bluto, Swee' Pea und 

J. Wellington so manches actionreiche Abenteuer 

überstehen muss. 



OLIVER TWIST 

Mit Stummfilm-Stars wie Dickie Moore ( " 

Die 

kleinen Strolche") und Clyde Cook ( " 

Dick 

und Doof") verfilmte William J. Cowen 1933 

in den USA den Charles- 

Dickens-Klassiker " 

Oliver 

Twist". Erzählt wird dabei 

die Geschichte des Waisenkindes 

Oliver, der als 

billige Arbeitskraft zu einer 

Familie geschickt wird. 

Schnell flüchtet er von dort 

und macht sich auf den Weg 

nach London. Dort macht er auf der Straße die 

Bekanntschaft von The Artful Dodger, der ihn 

zu Fagins Bande bringt. Der Junge fühlt sich 

schnell heimisch, zum ersten Mal in seinem 

Leben kümmern sich Menschen um ihn. Fagin 

führt ihn in die Kunst des Taschendiebstahls 

ein, für Oliver ist es nicht mehr als ein lustiges 

Spiel. Bei einem Diebstahlszug mit der 

Bande durch die Stadt wird Oliver dann von 

Mr. Brownlow erwischt. Der nette Herr nimmt 

Oliver, statt ihn der Polizei zu übergeben, mit 

zu sich nach Hause, wo er sich zusammen mit 

seiner Nichte Rose rührend um ihn kümmert. 

Doch Oliver wird bald von seiner Vergangenheit 

eingeholt, und Fagins Diebesbande benutzt 

ihn, um bei Mr. Brownlow einzubrechen. 

Oliver wird in den Wirren des Einbruchs angeschossen 

und muss um sein Leben bangen, 

doch am Ende landet die Bande im Gefängnis. 

Oliver besucht dort Fagin ein letztes Mal, kurz 

vor dessen Hinrichtung. Ein Film, der nicht 

nur Dickens' Geschichte klasse erzählt, sondern 

der auch mit seiner nostalgischen Atmosphäre 

überzeugen kann. 


POMPEI – DER UNTERGANG 

Tragische Geschichten über Liebe, Krieg, 

Morde und Verschwörungen vor der Kulisse 

des drohenden Vulkanausbruchs 

des Vesuv – der 

italienische Regisseur (und 

Spezialist für Historienfilme) 

Giulio Base packte 

2008 allerlei Erzählstränge 

in seinen Film Pompei – " 

Der Untergang". Neben 

Maurizio Aiello, Fabrizio 

Bucci und Maria Grazia Cucinotta gibt es dabei 

auch ein Wiedersehen mit Giuliano Gemma, 

dem legendären italienischen Schauspieler, 

der zu seinen Glanzzeiten in den 70er Jahren 

( Auch die Engel essen Bohnen") mit einem 

" 

einzigen Blick aus seinen stahlblauen Augen 

ein ganzes Kinopublikum in seinen Bann 

schlagen konnte und im Oktober letzten Jahres 

nach einem Autounfall in seiner italienischen 

Heimat verstorben ist. 

(Paragon Movies, 186 Min.)

from the past 

GENIE DES BÖSEN 

THE MOST DANGEROUS GAME 

Bis heute gilt dieser 1932 entstandene Film mit 

dem Originaltitel The Most Dangerous Game" 

" 

als eines der gruseligsten und spannendsten 

Frühwerke des Kinos. Endlich 

gibt es Genie des Bösen", 

so der deutsche Titel 

" 

(mit der Filmlegende Fay 

Wray aus King Kong" 

" 

in einer Hauptrolle) auch 

in der US Special Edition 

mit viel Bonus-Material. 

Die Story: Dem russischen 

Sportjäger Graf Zaroff tappen auf seiner einsamen 

Insel ahnungslose Überlebende eines 

Schiffbruchs in die Falle. Da der Graf schrecklich 

gelangweilt davon ist, immer nur auf Tiere 

zu schießen, eröffnet er aus Spaß am Töten die 

Jagd auf die Gestrandeten. In diesem wahnsinnigen 

Spiel fällt seine erste Wahl auf Robert 

Rainsford und Eve Trowbridge. Die Gestrandeten 

sind auf der mysteriösen Insel auf sich 

alleingestellt und müssen von nun an einen Weg 

finden, den wahnsinnigen Grafen in diesem lebensgefährlichen 

Spiel auszutricksen. Die Hetzjagd 

durch die Nacht nimmt ihren unheilvollen 

Lauf! Also genau das Richtige für Fans von Filmen 

wie Theater des Grauens", Fleisch" oder 

" " 

Auf der Jagd". Enthält zwei DVDs, auf der es 

" 

neben dem Originalfilm (erstmals in Farbe und 

in deutscher Sprache) auch noch massig Bonus- 

Material gibt, darunter eine restaurierte S/W- 

Version mit Audiokommentar, eine Trailershow, 

Bildergalerie und Interviews mit Tricktechniker 

Ray Harryhausen sowie den Schauspielern John 

Morgan und James D'Arc. 

(Starmovie/edel, 2 DVDs 253 Min.) 

SESAMSTRASSE CLASSICS 

DIE 80er JAHRE 

Seit 1973 begeistert die " 

Sesamstraße" Jung 

und Alt, längst ist der Pionier unter den Kindersendungen 

Kult geworden. Zu Beginn wurden 

die halbstündigen Folgen aus den USA übernommen 

und für die deutsche Ausstrahlung lediglich 

synchronisiert. Ab Januar 1978 startete 

dann eine eigene " 

deutsche Sesamstraße" als 

Rahmenhandlung, die das 

Studio Hamburg des NDR 

in Wandsbek produzierte. 

Bei dieser neuen Kulisse 

handelte es sich aber – im 

Gegensatz zum US-Original 

– weniger um eine 

Wohnstraße als vielmehr 

um eine Art offenes Haus. 

Der Mittelpunkt war dabei eine Küche mit Theke 

und Hockern davor. Auch die Hauptdarsteller änderten 

sich, von nun an waren es zwei Menschen 

und zwei Puppen. Bei den Menschen handelte 

es sich um Schauspieler, die meist mit ihren 

wirklichen Vornamen auftraten. Zunächst übernahmen 

Henning Venske und Liselotte (Lilo) 

Pulver diesen Part, später folgten unter anderem 

Ilse Biberti, Gernot Endemann (Schorsch), Manfred 

Krug, Uwe Friedrichsen, Hildegard Krekel 

(Bettina), Ute Willing und Horst Janson. Für die 

beiden Puppen entstanden die Charaktere Samson 

und Tiffy – bis 1983 gespielt und geprägt 

von Peter Röders und Kerstin Siebmann-Röders. 

Weiterhin dabei waren natürlich auch die Einspielfilme 

mit (den US-Figuren) Erni und Bert, 

Graf Zahl, Grobi, Kermit, Lulatsch, Mumpitz, 

Oscar, Robert und Schlemihl, als rein deutsche 

Puppen kamen nach und nach Herr von Bödefeld, 

Finchen und Rumpel hinzu. Ein fester Bestandteil 

des Konzeptes war es, die Zuschauer 

hinter die Kulissen des Fernsehens blicken zu 

lassen, also die Regie- und Kamera-Arbeit sowie 

die (damaligen) Möglichkeiten visueller Trickverfahren 

aufzuzeigen und ins Geschehen einzubinden. 

So konnten die Sesamstraßen-Stars zum 

Beispiel trockenen Fußes auf eine Südseeinsel 

wandern und erst danach die Regie bitten, jetzt 

das Wasser einzublenden. Auf zwei DVDs präsentiert 

" 

Sesamstraße Classics – Die 80er Jahre" 

nun drei Stunden lang das Beste aus den Jahren 

1980 bis 1989, zusätzlich zu den zahllosen Episoden 

gibt es noch digital restaurierte Originalfolgen 

in ganzer Länge zu sehen. Ein absolutes 

Highlight-Programm mit vielen Klassikern von 

Ernie, Bert, Samson, Tiffy, Oscar, Grobi, Krümelmonster 

und Co., das dicke Booklet liefert 

die Hintergrundinformationen dazu. 

(Studio Hamburg Entertainment/edel, 

180 Min.) 

DIE TODESGRUFT DES 

DR. JEKYLL 

In diesem Low-Budget-Horrorstreifen aus 

dem Jahr 1957 vermischt sich die klassische 

Dr. Jekyll/Mr. Hyde-Story 

mit allerlei Themen aus 

anderen Gruselgeschichten, 

von Werwölfen über 

einen mysteriösen Fluch 

bis zu Vollmond-Alpträumen 

(inklusive blutverschmiertem 

Nachthemd!). 

Ganz klar kann man solche 

Filme heutzutage nicht mehr so ernst wie 

zu ihrer Entstehungszeit nehmen, doch gerade 

diese unfreiwillige Komik, diese Art, 

das Böse auf eine heute nicht mehr übliche 

Art und Weise darzustellen, macht das Besondere 

dieser Produktionen aus, und dafür 

ist " 

Die Todesgruft des Dr. Jekyll" eines der 

besten Beispiele. Die aktuelle DVD liefert 

die deutsche Kinofassung erstmals komplett 

restauriert und bietet mit Kinotrailer, Fotogalerie 

und Filmprogammheft auch zusätzliches 

Material. 


VATER WIRD ES RICHTEN 

Elizabeth Taylor, Spencer Tracy, Joan Bennett 

und Don Taylor spielen die Hauptrollen 

in dieser amerikanischen Kinokomödie aus 

dem Jahr 1951, die ursprünglich unter dem 

Titel Ein Geschenk des Himmels" in die 

" 

deutschen Kinos kam und 

eine Fortsetzung der höchst 

erfolgreichen 

Komödie 

Vater der Braut" war. Die 

" 

nun veröffentlichte DVD- 

Version heißt Vater wird " 

es richten", und das ist 

auch das Motto des Großvaters 

in spe (Paraderolle 

für Spencer Tracy), dem weder die Liebeswahl 

seiner Tochter (Liz Taylor) noch seine 

künftige familiäre Position zusagt. Während 

alle anderen sehnsüchtig der Ankunft des 

neuen Erdenbürgers entgegensehen, muss er 

sich mit dem Älterwerden auseinandersetzen. 

Doch nach der Geburt – und nach einem unbeabsichtigten 

Ausflug von Opa und Enkel 

zur Polizei – ist das Eis gebrochen, nimmt der 

Familienpatriarch seine neue Rolle an. Und 

richtig glücklich ist er, als er erfährt, dass der 

junge Stammhalter sogar seinen Vornamen 

tragen soll! Leicht verspielte Komödie in der 

" 

Nähe des Schwankhaften, glänzend gespielt 

und inszeniert", so urteilt das Lexikon des 

" 

internationalen Films". 


ESTHER 

ONE NIGHT WITH THE KING 

Aus dem Jahr 2006 stammt diese indischamerikanische 

Produktion, in der ein wahres 

Staraufgebot die biblische 

Geschichte um Königin Esther 

darstellt. Omar Sharif, 

Peter O'Toole, John-Rhys 

Davies, Luke Goss, John 

Noble und Tiffany Dupont 

sind die Hauptpersonen 

dieser opulenten Verfilmung, 

in der sich Königin 

Waschti weigert, ihrem Mann, dem persischen 

König Xerxes, zu gehorchen. Sie wird daraufhin 

vom Hof verbannt, und König Xeres 

sucht im persischen Reich nach einer Frau, die 

Waschtis Stelle als Königin einnehmen soll. Er 

findet sie in der Waise Hadassa, die von ihrem 

Onkel erzogen wird. Hadassa fürchtet sich, als 

Jüdin diskriminiert zu werden, und nennt sich 

von nun an Esther. Im Palast erfährt sie, dass 

der Hauptkämmerer des Königs plant, alle Juden 

im persischen Reich zu töten. Doch mit 

ihrem Charme und ihrem ganzen Mut gelingt 

es ihr, den Plan aufzudecken. Um dieses Ereignisses 

zu gedenken, feiern die Juden auch 

heute noch alljährlich das Purimfest. 



DIE ERSCHAFFUNG DER 

WELT 

Gott, ein liebenswürdiger alter Mann, entschließt 

sich dazu, aus dem absoluten Nichts 

innerhalb von sechs Tagen etwas zu erschaffen. 

Mit himmlischer Inspiration und unterstützt 

von drei Engeln erschafft 

er das All, den Himmel und 

die Erde, das Wasser, die 

Sonne, den Mond und die 

Sterne, erfindet Pflanzen, 

Tiere und schließlich den 

Menschen: Adam und Eva – 

und das alles gegen den Widerstand 

der listigen kleinen 

roten Teufelchen, die nichts unversucht lassen, 

um Gottes Werk zu sabotieren. Doch der liebe 

Gott lässt sich bei seiner Arbeit nicht beirren 

und vollendet seine Schöpfung wie geplant, so 

dass er sich am siebten Tag erschöpft in die 

Sonntagsruhe zurückziehen kann. Vier Jahre 

lang arbeitete Anfang der 50er der 1982 verstorbene 

französische Autor und Karikaturist 

Jean Effel zusammen mit den Trickfilmstudios 

Prag an dieser heiter-ironischen Schöpfungs- 

MA BARKER'S 

KEINE BANK WAR VOR IHR SICHER 

Mit neuem DVD-Titel wird der von Regisseur 

Bill Karn 1960 in Szene gesetzte Gangsterfilm 

Ma Barker's Killer Brood" nun neu veröffentlicht. 

Zuvor war der Schwarz/Weiß-Kultstrei- 

" 

fen, in dem Ma Barker (Lurene Tuttle) und ihre 

vier Söhne in den 30er Jahren mit Kidnapping, 

Morden und Überfällen den Süden und den 

Mittleren Westen der Vereinigten Staaten unsicher 

machten, unter dem 

deutschen Titel Die gnadenlosen 

Killer" bekannt. " 

Ein Film, der sich frei am 

Leben der realen Ma Barker 

orientiert, die gemeinsam 

mit ihrer Familie ab 1930 

für zahlreiche Verbrechen 

verantwortlich war und 

1935 zusammen mit ihrem Sohn Freddie bei 

einem 45-minütigen Schusswechsel in Florida 

getötet wurde. Für den jungen FBI-Direktor 

J. Edgar Hoover damals ein wichtiger Erfolg, 

nach eigenen Worten hatte das FBI noch nie so 

gefährliche Verbrecher wie die Barker-Bande 

gejagt ... 


JAMES STEWART 

COLLECTION 

Prall gefüllt mit über dreieinhalb Stunden 

Laufzeit kommt die James Stewart Collection" 

daher. Zu sehen gibt " 

es drei Filme des amerikanischen 

Schauspielers, 

Ein ideales Paar" (1939), 

" 

Die goldene Stunde" 

" 

(1941) sowie Herrscher " 

über deine Flügel" (1942). 

Der erste Film zeigt Stewart 

als jungen, ambitionierten 

Rechtsanwalt in New York. Frisch 

verheiratet, hoch verschuldet, dazu noch der 

Einzug der Schwiegermutter und eine geplatzte 

Beförderung: das alles sorgt für Dauerärger, 

der sich dann noch verschärft, als nach der Geburt 

des ersten Sohnes seine Frau gezwungen 

ist, zur Arbeit zu gehen. Doch James Stewart 

wäre nicht James Stewart, wenn er da nicht 

herauskäme. Auch im zweiten Film zeigt er 

sein Talent für leichte, romantische Rollen, im 

dritten Streifen kann man ihn dabei erleben, 

wie er Nachwuchs für die Army rekrutiert. 

(Inter Pathe/edel, 215 Min.) 

ELMO 

DAS MUSICAL 

Was wäre, wenn Elmo ein Flugzeugpilot, ein 

Bergsteiger oder ein Cowboy wäre? Er probiert 

es aus. In der Serie " 

Elmo – das Musical" schlüpft 

er in die unterschiedlichsten Rollen und erlebt in 

jeder Folge ein tolles Abenteuer. Dabei besteigt 

die beliebte Figur aus der 

Sesamstraße" den Mount 

" Everest, bereist als Cowboy 

den Wilden Westen 

oder sucht als Kapitän eines 

Segelschiffes den rosafarbenen 

Wal Moby Pink" 

" 

auf den Weltmeeren. Wie es 

sich für ein richtiges Musical gehört, ist das Ganze 

untermalt von toller Musik, die zum Mitsingen, 

Mittanzen und Mitmachen animiert. Zehn Folgen 

der aus dem Kinderkanal bekannten Serie gibt es 

zu sehen, darunter Der Bergsteiger und der Yeti", 

" 

" Das Flugzeug zum Südpol", Pizza zum Mars", 

" 

" Cowboy im Wilden Westen", Der Prinz und der 

" 

Drache" sowie Elmos Zirkustraum". 

" 

(Studio Hamburg Entertainment/edel, 

125 Min.) 

DAS KOM(M)ÖDCHEN 

DIE ÄRA KAY UND LORE LORENTZ 

Das Düsseldorfer Kom(m)ödchen gehört ohne 

Zweifel zu den renommiertesten Kabarettbühnen 

Deutschlands. Seit 1947 deckt die freche 

Literatenbühne mit analytischem Spott den 

Opportunismus der deutschen Nachkriegsge- 

g 

sellschaft auf. Hochkarätige 

Autoren und Kabarettisten 

plädieren für Toleranz 

und demokratische 

Werte, parodieren engstirnige 

Politiker ebenso wie 

Wohlstands-berauschte 

Wirtschaftswunder-Bürger. 

Diese 6-DVD-Edition 

zeigt Höhepunkte aus der Ära Kay und Lore 

Lorentz aus den Jahren 1960 bis 1989. Und man 

glaubt es kaum: Die historischen Programme 

erscheinen heute aktueller denn je; was immer 

das Kom(m)ödchen aufs Korn nahm – seine 

Kritik an Fehlentwicklungen, Irrwegen und 

populistischer Anbiederung trifft heute immer 

noch zu. Denn Rüstungswahnsinn, Kriminalität, 

Neo-Nazis, Umweltverschmutzung, ungerechte 

Vermögensverteilung, krankes Gesundheitswesen 

und vieles andere mehr sind uns 

über all die Jahre erhalten geblieben! Über 17 

Stunden erstklassiges Kabarett mit Lachgarantie 

und dazu noch ein freudiges Wiedersehen 

mit legendären Kabarettisten wie Lore Lorentz, 

Ernst H. Hilbich, Thomas Freitag und Harald 

Schmidt. Als Extra gibt es ein 40-seitiges 

Booklet mit ausführlichen Informationen zu 

den politischen Hintergründen der Programme, 

gewürzt mit zahlreichen Szenenfotos. 

(Tacker Film/Alive, 6 DVDs, 1062 Min.) 

DICK & DOOF 

MEGABOX LACHPARADE XXL 

Ohne neues Material, dafür aber mit rund 

20,– € unschlagbar günstig, so präsentiert sich 

diese voluminöse 11-DVD-Megabox. " 

Dick & 


Doof", unter diesem Namen kennt man das USamerikanische 

Komiker-Duo Stan Laurel und 

Oliver Hardy. Zwischen 1926 und 1951 drehten 

sie zusammen über hundert Filme. Während 

Oliver Hardy sich hauptsächlich als Schauspieler 

in die gemeinsame Arbeit einbrachte, galt 

Stan Laurel als der kreative Kopf des Duos. 

Er entwickelte nicht nur zahlreiche der legendären 

Gags und Drehbücher, 

sondern führte bei den 

meisten Filmen auch Regie 

und arbeitete am Schnitt. 

Die dominierenden Stilmittel 

ihrer Komik sind das 

vorhersehbare Scheitern an 

zumeist lösbaren Aufgaben 

sowie die physische 

Zerstörung von Inventar. Typisch ist hierbei 

auch, dass sich die beiden Protagonisten gegenseitig 

großen Schaden zufügen und dieses 

jeweils mit stoischer Fassung über sich ergehen 

lassen. Mit dem Tod von Oliver Hardy 1957 

endete die Karriere des erfolgreichen Duos. 

Stan Laurel wurde 1960, fünf Jahre vor seinem 

Tod, mit einem Ehren-Oscar ausgezeichnet. 

Auf vier DVDs ( Die Schatztruhe", Raritäten", 

Frühe Kunstwerke" und Verborgene 

" " 

" " 

Perlen") gibt es zahlreiche Kurzfilme zu sehen, 

dazu die Langfilme Der Zauberer von 

" 

Oz", Der Wes ten von Hot Dog", Robinson- 

" " 

Crusoe-Land", Fliegende Teufelsbrüder" und 

" 

"Rache im Wunderland". Zusätzlich sind mit 

der Laurel/Hardy-Biografie und Als die Bilder 

" 

laufen lernten" noch zwei interessante Dokumentationen 

enthalten. 

(Starmovie/edel, 1000 Min.)

from the past 

geschichte, der die Jury des Dokumentar- und 

Kurzfilm-Festivals Venedig 1958 einen Sonderpreis 

verlieh, wobei ihn päpstliche Beobachter 

in besonderem Maße gotteslästerlich" nannten 

" 

und in ihm viel eher eine groteske Verhöhnung 

der Heiligen Schrift" sahen – heutzuta- 

" 

ge kann man dies natürlich weit entspannter 

sehen. Da vor kurzem die lange verschollene 

DDR-Fassung wieder aufgetaucht ist, kann 

man sich Die Erschaffung der Welt" in zwei 

" 

unterschiedlichen Versionen ansehen: entweder 

mit der originalen, tschechischen Tonspur oder 

in der deutschen Defa-Synchronisation. 

(Universal, 83 Min., Deutsch 

und Tschechisch) 

CLASSIC WESTERN 

Riesig ist der Fundus, in dem sich immer wieder 

DVD-Neuveröffentlichungen finden lassen. 

Häuptling der Apachen" (1957, 73 Min.) 

" 

kam 1958 (noch mit dem 

Titel Rebell der roten 

" 

Berge") erstmals in die 

deutschen Kinos, mit Lex 

Barker wartet dieser Film 

mit einem prominenten 

Hauptdarsteller auf, der 

kurz darauf in den Karl- 

May-Filmen Old Shatterhand 

spielte. Nachdem die Originalsynchronisation 

1965 bei einem Brand vernichtet wurde, 

existierten nur noch die TV-Tonspuren. Mit 

Hilfe verschiedener Kinokopien konnte nun 

allerdings fast der komplette Film restauriert 

werden, so dass er jetzt 

erstmals in der Kino-Synchronisation 

von 1958 erscheint. 

Joel McCrea spielt 

in Duell in Dodge City" 

" 

(1959, 78 Min.) einen Revolvermann, 

der durch den 

Tod seines Bruders – der 

kurzzeitig den Job des 

Sheriffs in Dodge City innehatte – geläutert 

wird und alles daran setzt, dem gesetzlosen 

und gewalttätigen Treiben in dieser Stadt ein 

Ende zu machen. Als DVD/Blu-ray-Doppelpack 

sind nun in der gleichen Reihe zwei Filme 

mit Lee Van Cleef erschienen. Von Mann zu 

" 

Mann" (1967, 110 Min.) zeigt ihn als Rachebesessenen 

Revolverheld, 

der in der Jugend durch 

ein Massaker seine gesamte 

Familie verloren 

hat. Zusammen mit einem 

Leidensgenossen macht er 

sich auf die Suche nach den 

Mördern, die mittlerweile 

zu reichen und mächtigen 

Bürgern aufstrebender Städte geworden sind. 

Auch wenn die beiden darum konkurrieren, 

wer seine Rache zuerst ausleben darf, im entscheidenden 

Moment halten sie zusammen. 

Der wohl bekannteste dieser vier Filme dürfte 

Sabata" (1969, 102 Min.) sein, in dem Lee 

" Van Cleef von Kollegen 

wie William Berger, Pedro 

Sanchez, Nick Jordan 

und Linda Veras unterstützt 

wird. (Italo-)klassisch der 

Plot, bei dem ein geheimnisvoller 

Fremder (... der 

zu viel weiß") in der Stadt 

" 

auftaucht. Natürlich wollen 

ihn die nach außen hin unbescholtenen Bürger 

zum Schweigen bringen, allerdings haben sie 

die Rechnung ohne seinen schnellen Colt gemacht. 

Die Macher dieses Films genießen ihre 

" 

eigene Gerissenheit, ein Genuss, den sie auf ihren 

Titelhelden und damit schließlich auch auf 

das Publikum übertragen. Das Rezept, einen 

Hauch von Irrealität über den Film zu legen, 

indem man alles auf die Spitze treibt, wird hier 

mit gutem Erfolg angewendet", schreibt Joe 

Hembus in seinem Westernlexikon – dem ist 

nichts hinzuzufügen. 

(Explosive Media/Alive, 4 DVDs) 

RICHARD LÖWENHERZ 

Auf zwei DVDs liefert Richard Löwenherz" 

" 

sämtliche 13 (von insgesamt) 39 Folgen der 

britischen TV-Serie Richard The Lionheart", 

" 

die Anfang der 60er Jahre im deutschen Fernsehen 

liefen. Sie spielen in England im zwölften 

Jahrhundert, wo schon wenige Tage nach 

seiner Krönung der mutige Richard Löwenherz 

– rechtmäßiger Thronfolger seines verstorbenen 

Vaters König Henry – damit beginnt, 

zahlreiche Missstände in seinem Königreich 

zu beseitigen. Doch unter der Führung von 

Sir Bertram haben sich einige heruntergekommene 

Landbarone, die hauptsächlich von 

Plünderung und Straßenraub leben, zu einer 

Verschwörung zusammengeschlossen. Sie 

wollen den neuen König beseitigen, da er ihnen 

mit seinen Bestrebungen, Recht und Ordnung 

im Lande wiederherzustellen, 

ein Dorn im Auge 

ist. Doch auch sein Bruder, 

der intrigante Prinz John, 

trachtet Richard nach dem 

Leben, ebenso wie König 

Philip von Frankreich und 

Leopold von Österreich. 

Ebenso herrliche wie nostalgische 

Serienunterhaltung, 

deren 60er-Jahre-Schwarz/Weiß-Charme hier 

so richtig zum Tragen kommt, noch dazu ein 

Wiedersehen mit Schauspielern wie Dermot 

Walsh (als Richard), Trader Faulkner (als sein 

Bruder John bzw. Philip von Frankreich), Sheila 

Whittingham (Lady Berengaria) und Francis 

De Wolff (Leopold von Österreich). 

(Studio Hamburg Enterprises/Alive, 325 Min.) 

ÜBER SIEBEN BRÜCKEN 

MUSST DU GEHN 

Über sieben Brücken musst du gehn", fast jeder 

" 

kennt diesen Song von Peter Maffay. Dass dieser 

im Original von der Band Karat stammt, das 

dürfte sich mittlerweile herumgesprochen haben, 

doch dass dieses Lied der Titelsong 

eines DDR-Fernsehfilmes 

aus dem Jahr 1978 war, 

dürfte für viele bisher unbekannt 

gewesen sein. Helmut 

Richter schrieb Mitte der 

70er Jahre die tragische Liebesgeschichte 

über den Polen 

Jerzy, der in der DDR nicht 

nur Kühltürme baut, sondern 

sich auch in die Kraftwerkslaborantin Gitta verliebt. 

Zunächst scheint auch alles problemlos zu 

laufen, doch dann kommt die deutsch-polnische 

Vergangenheit ins Spiel, werden alte Wunden 

neu aufgerissen. Regisseur Hans Werner schlug 

für die Filmmusik den Keyboarder und Hauptkomponisten 

von Karat, Ulrich Swillms, vor, 

der Gittas inneren Kampf, ihre Zerrissenheit 

zwischen Kummer und Hoffnung in die mittlerweile 

legendären Textzeilen umsetzte. Die gehen 

auf eine alte polnische Legende zurück, in der 

geschildert wird, dass eine Mutter ihr krankes 

Kind über sieben Brücken tragen muss, damit es 

wieder gesund wird. 

(Studio Hamburg Enterprises/Alive, 80 Min.) 

BUD SPENCER 

DIE KULT BOX 

Wenn einem Schauspieler 

schon eine so voluminöse 

Kult Box" gewidmet wird, 

" 

dann muss diese natürlich in 

kult! kurz vorgestellt werden. 

Dass der 1929 in Neapel geborene 

Schauspieler Bud Spencer 

unter seinem bürgerlichen Namen Carlo Pedersoli 

1952 als Schwimmer an den Olympischen Spielen 

teilgenommen hatte, sah man ihm im Laufe 

seiner Filmkarriere nicht mehr an, vielmehr war er 

geradezu dazu prädestiniert, in zahlreichen Italo- 

Western und (oft zusammen mit Terence Hill) in 

jeder Menge Actionkomödien den ebenso dickköpfigen 

wie gutmütigen Charakter darzustellen, 

der den Großteil seiner Probleme schlagkräftig" 

" 

löst. Die 10-DVD-Kult-Box beinhaltet zehn Bud- 

Spencer-Filme aus den 70er/80er Jahren, von Banana 

Joe" (1981) über Bud der Ganovenschreck" 

" 

" 

(1982) und vier Filme seiner Der Dicke ..."-Reihe 

bis zu Wenn man vom Teufel spricht (1991). 

" 

" 

Sechs der zehn Filme wurden extra für diese Box 

neu digital remastert, dazu gibt es noch auf jeder 

DVD das Bonus-Material der jeweiligen Einzelveröffentlichung. 

Ideal also, um Sammlungslücken 

zu füllen, zumal man mit deutlich unter fünf 

Euro pro DVD dabei ist. 

(3L Film GmbH, 10 DVDs, 950 Min.) 


Bücher + Comics 

1001 FILME, DIE SIE SEHEN 

SOLLTEN, BEVOR DAS 

LEBEN VORBEI IST 

Von Steven Jay Schneider 

2013, Edition Olms 

ISBN 978-3-28301-161-1 

960 Seiten; 29,95 Ð 

In der beliebten " 

1001"-Reihe, in der auch das 

empfehlenswerte " 

1001 Alben" erschienen ist, 

wurde nun die mittlerweile zehnte und aktualisierte 

Auflage der " 

1001 Filme" publiziert. 

Der prächtige Band richtet sich sowohl an den 

Filmkenner als auch an den Laien, der sein Wissen 

anreichern möchte. Von der Steinzeit ( " 

Die 

Reise zum Mond", 1902) bis hin zu aktuellen 

Blockbustern wie " 

Django Unchained" (2012) 

oder " 

Lincoln" erfährt man nicht nur wichtige 

Daten (unter anderem Produzent, 

Drehbuch, Musik 

Darsteller), sondern erhält 

auch eine kritische 

Zusammenfassung, die 

den jeweiligen Streifen 

gerecht wird, ohne dabei 

in intellektuelle Gefilde 

zu entschwinden. Hunderte 

von Abbildungen der Schauspieler oder 

von Plakaten unterstreichen die Aussagen und 

visualisieren die verschiedensten Genres wie 

den Historienfilm, den Krimi, Science Fiction 

oder den Liebesfilm. Ein Buch mit einem unschlagbaren 

Preis/Leistungsverhältnis. 

1001 AUTOS, VON DENEN 

SIE TRÄUMEN SOLLTEN, 

BEVOR DAS LEBEN VORBEI 

IST 

Von Simon Heptinstall 

2013, Edition Olms 

ISBN 978-3-28301-159-8 

960 Seiten; 29,95 Ð 

Nach einem Vorwort des Pink-Floyd-Drummers 

Nick Mason darf der Leser sich auf eine 

Reise in die faszinierende Welt der fahrbaren " 

Untersätze" begeben. Neben den wichtigsten 

technischen Details ergänzen fast immer Fotos 

der Modelle den Text und gelegentlich historisches 

Bildmaterial wie 

kultige Anzeigen oder 

Fotos aus der freien " Wildbahn". Eines wird 

schnell klar: Nach den 

ersten, noch eher unbeholfenen 

Versuchen um 

circa 1900 punkteten 

Design und Praktikabilität 

schon ab bden 20er Jahren. Ein Bugato Typ 

50, der Alfa Romeo 8C 2900B, ein Studebaker 

Speedster oder der unvergessliche Eldorado 

Cadillac haben alle das Prädikat sexy verdient. 

Doch vergleichbare Prachtexemplare 

wurden auch noch bis Mitte der Neunziger 

produziert wie zum Beispiel der DeLorean 

DMC-12 mit Flügeltüren oder der nur in kleinen 

Stückzahlen gefertigte Figaro von Nissan. 

Wer nach der Lektüre dieses informativen 

und zugleich nostalgischen Bandes moderne 

Autos nicht mit einem abgeklärt-spöttischen 

Gesichtsausdruck honoriert, hat keinerlei Gespür 

für Klasse und Design! Was gab es schon 

für leidenschaftlich entworfene und schicke 

Automobile – herrlich! 

WIR KINDER DER 80er 

PORTRÄT EINER UNTERSCHÄTZTEN 

GENERATION 

Von Christoph Quarch & Evelin König 

2013, Riemann Verlag, München 

ISBN 978-3-57050-154-2 

256 Seiten; 19,99 Ð 

Was ist ein Münztelefon? Wie bedient man 

einen Plattenspieler? Weckt der Anblick einer 

Bravo" nostalgische Gefühle? Wenn man diese 

" 

Fragen alle mit Ja" beantworten kann, dann 

" 

gehört man zu der Generation, die zwischen 

1960 und 1974 geboren wurde und immer noch 

rätselt, was sie tatsächlich 

ausmacht. Denn als 

die Kinder der 80er" 

" 

erwachsen wurden, waren 

die revolutionären 

Zeiten der 68er längst 

vorbei, und die nachfolgende 

Generation der 

Digital Natives" lag 

" 

noch schreiend in den Windeln. Ihre Jugend war 

die Zeit von Punks und Poppern, Müslis (wahlweise 

Ökos), von Cliquen, WGs und Interrail, 

von Neuer Deutscher Welle, Synthie-Pop 

und Kuschel-Rock, von Friedensbewegung, 

Tschernobyl ( Atomkraft – Nein Danke!") und 

" 

autofreien Sonntagen. Wir Kinder der 80er" 

" 

beleuchtet historische Ereignisse genauso wie 

private Begebenheiten, nimmt die Leser mit auf 

die Zeitreise in ein – aus heutiger Sicht – fern 

scheinendes Jahrzehnt. Mit Hilfe zahlreicher 

Spezialisten ( Expertenhearing") zeichnen 

" 

Christoph Quarch und Evelin König ein Psychogramm 

ihrer eigenen Generation, erinnern 

an ihre Musik, ihre Filme, ihr Lebensgefühl, 

aber auch an die historischen Ereignisse, die sie 

in dieser Zeit prägten. Mit vielen Abbildungen 

und Fotos, mit einem Lexikon für Nachgeborene", 

Prominenten-Fragebögen (u.a. beantwortet 

" 

von Moderatorin Stefanie Tücking und Sängerin 

Nicole) sowie mit Gastbeiträgen von Zeitzeugen 

wie Frank Elstner, Christian Schwarz- 

Schilling und Frank Laufenberg entsteht so ein 

Bild, das klarmacht, dass diese Generation weit 

mehr zu bieten hat, als sie selbst glaubt. Hier 

kann man dies schwarz auf Weiß nachlesen ... 

STUKENBROK 

HAUPTKATALOG 1912 & 1926 

Olms Verlag, Hildesheim 

ISBN 3-48708-047-8 & 3-48708-078-8 

237 Seiten & 176 Seiten; jeweils 15,80 Ð 

Aus seiner 1890 in Einbeck eröffneten Fahrradhandlung 

entwickelte August Stukenbrok relativ 

schnell ein weltweit agierendes Unternehmen mit 

rund 100 Beschäftigten, das 

schon um die letzte Jahrhundertwende 

erstmalig 

den Gedanken des Versandgeschäftes 

in Deutschland 

im großen Stil verwirklichte. 

Werbung machte das junge 

Unternehmen vor allem 

durch seine Kataloge, deren 

enorme Auflage von rund einer 

Million Exemplare kostenlos in ganz Deutschland 

verteilt wurde. Anfangs bestand der Katalog 

nur aus wenigen Seiten, doch jedes Jahr nahm Stukenbrok 

weitere Artikel auf, zunächst nur Radfahrer-Bedarfs-Artikel", 

dann aber auch Scheren, " 

Taschenmesser, Pfeifen, elektrische Klingelanlagen, 

Bürobedarfsartikel, Waschmaschinen, 

Gartenschläuche, Leiter- und Kastenwagen, 

Fußball- und Tennisartikel, alle Arten von Uhren, 

Schmuck, Besteck, Bierkrüge, Grammofone und 

Schallplatten, Musikinstrumente, Schusswaffen 

und Munition oder Fotographische Artikel" (also 

" 

Kameras und Fotoapparate). Immer wieder beeindruckend, 

mit welcher Detailgenauigkeit die 

einzelnen Artikel in den Katalogen abgebildet und 

beschrieben sind; sehr zu empfehlen ist auch das 

Studieren des Kleingedruckten, damals Lieferungsbedingungen 

und geschäftlicher Verkehr" " 

genannt, in denen sich Stukenbrok verpflichtet, 

nicht gefallene Ware innerhalb von 14 Tagen 

eventuell" (!) umzutauschen. 

" 

ABBA 

BACKSTAGE 

Von Ingmarie Halling 

2014, Heel Verlag, Königswinter 

ISBN 978-3-86852-878-7 

80 Seiten; 40,00 Ð 

Abba – auf kaum eine Popgruppe trifft die Bezeichnung 

Kultband" so sehr zu, wie auf das 

" 

schwedische Quartett aus Anni-Frid, Benny, 

Björn und Agnetha. Seit dem sensationellen Sieg 

ihres Songs "Waterloo" beim Eurovision Song 

Contest in Brighton 1974 begeistert ihre Musik 

ganze Generationen – und das weltweit. "Mamma 

Mia", "Dancing Queen", "Thank You For 

The Music" oder "Super Trouper", das sind nur 

einige der Welthits, deren unverwechselbarer 

Sound 

Abba unsterblich werden 

ließ. Ingemarie Halling, 

Kuratorin des Stockholmer 

Abba-Museums, hat 

die Band ab 1977 als Kos- 


from the past 

tümbildnerin auf ihren Welttourneen begleitet 

und ist bis heute mit allen vier Abba-Mitgliedern 

befreundet. Ergänzt durch Anni-Frids, Bennys, 

Björns und Agnethas persönliche Erinnerungen 

und Anmerkungen erzählt sie spannende Anekdoten 

rund um die Plattenaufnahmen, über Kostüme, 

Reisen und Live-Auftritte von den Anfängen der 

Band bis zu den heutigen Film- und Musicalerfolgen 

von " 

Mamma Mia!". Mit zahlreichen exklusiven 

Privatfotos, herausnehmbaren Reprints von 

handgeschriebenen Notizen, Briefen, Songlisten 

und Kalendern sowie der 1977er " 

Tour-Bibel" 

mit allen Namen, Titeln und Auftrittsorten. Dazu, 

fein säuberlich in große Umschläge verpackt, gibt 

es Nachdrucke von Backstage-Pässen, Gepäckanhänger, 

Bühnenskripten, Eintrittskarten, Verträgen 

und Lohnabsprachen, Ersatzteillisten und 

und und ... Definitiv eine ebenso einzigartige wie 

höchst interessante Sammlung für alle Pop-Fans! 

DIE BESTEN FILME, DIE SIE 

NIE SEHEN WERDEN 

Von Simon Brand 

2014, Edition Olms, Zürich 

ISBN 978-3-28301-174-1 

256 Seiten; 29,95 Ð 

Ob von Hitchcock, Kubrick, 

Peckinpah, Spielberg 

oder Fellini, die Filmgeschichte 

ist voll von Meisterwerken, 

die nie das Licht 

des Vorführraums erblickten. 

Die besten Filme, die 

" 

Sie nie sehen werden" erzählt von den faszinierenden 

Hintergründen, die dafür verantwortlich 

sind. Von den Anfängen des zeitgenössischen 

Kinos mit Charlie Chaplins Return From St. Helena" 

bis zum Aus für Tony Scotts Potsdamer " 

" 

Platz" nach dem Selbstmord des Regisseurs im 

August 2012, blickt dieses Kompendium hinter 

die Kulissen von über 50 verlorenen" Filmen, 

" 

um nachvollziehbar zu machen, warum sie es nie 

bis zum Final Cut" geschafft haben. Beeindruckend 

zu lesen, wie akribisch Ray Harryhausens 

" 

" War Of The World" oder Stanley Kubricks " Napoleon" 

vorbereitet waren, nicht minder interessant, 

warum Brazzaville" – die Fortsetzung von 

" 

Casablanca" – und Steven Spielbergs Science- 

" 

Fiction-Gruselfilm Night Skies" auf der Strecke 

" 

blieben. Wie eng Glück und Pech beieinander 

liegen, zeigen nicht nur die Autorenfilmer Tim 

Burton und Joel & Ethan Coen; auch wenn man 

wie Paul Verhoeven beim Kreuzzug-Epos Crusade" 

eigentlich alles richtig macht, ist damit noch " 

lange nicht klar, ob man diesen Film je offiziell zu 

sehen bekommt. Illustriert werden die Geschichten 

von mitleidlosen Filmstudios, fragwürdigen 

Plots und vorzeitigem Ableben der Stars mit einer 

Unmenge von Fotos, Plakaten und Skizzen, dazu 

kommen Drehbuchauszüge, Storyboards sowie je 

ein fiktives, von modernen Grafikdesignern entworfenes 

Filmplakat. Ein Muss für Kinofreaks! 

DIE TITANIC BIBEL 

SEGEN, SÜNDEN, SAUEREIEN 

Von Leo Fischer 

2013, Rowohlt 

ISBN 978-3-87134-766-5 

320 Seiten; 25,00 Ð 

Für gläubige Leser, die auf 

religiöse Themen mit einer 

bestimmten Empfindsamkeit 

reagieren, ist dieses 

Buch Blasphemie pur. 

Andere wiederum werden 

die gesammelten Beiträge aus über 30 Jahren 

Titanic" (und neue Texte) als berechtigte, satirische 

und treffende Kirchenkritik auslegen. Von 

" 

Seitenhieben auf Papst Benedikt XVI. (Beispiel: 

Der Skandal um die Ausgabe Die undichte 

" 

Stelle ist gefunden") über bitterbös aufbereitete 

Themen wie Missbrauch, religiöse Geschichtsverklärung 

oder Beschneidung reicht die Palette 

der Texte mit den dementsprechenden Illustrationen, 

die mit dem für die Titanic" authentischen 

" 

Stil garniert werden. Umwerfend – wie alle Sonderbände 

des Magazins! Autoren wie Wiglaf 

Droste, Eckhard Henscheid oder Hans Zippert 

garantieren die hohe Qualität der Artikel und sahen 

sich nach Erscheinen des Buchs von einigen 

bereits in die Hölle verdammt – und das spricht 

wiederum für die Brisanz des Themas. 

GENERATION POP! ... HEAR 

ME, FEEL ME, LOVE ME! 

Von Meinrad Maria Grewenig 

2013, Edition Völklinger Hütte, 

Verlag Das Wunderhorn, Heidelberg 

ISBN 978-3-88423-450-1 

196 Seiten; 19,70 Ð 

Mit rund 1500 Exponaten, Mitmach-Objekten 

und Multimedia-Zeugnissen ist Generation Pop" 

" 

das bedeutendste Ausstellungsprojekt der Gegenwart 

zum Phänomen Pop. Sechs Themenräume 

zur Popkultur der 50er, 60er, 70er bis hin zum 

21. Jahrhundert lassen das Lebensgefühl der Pop- 

Generation erlebbar werden. Für Kult-Objekte 

von Künstlern wie Elvis Presley, Elton John, Michael 

Jackson oder Eminem bietet die alte Gebläsehalle 

des Weltkulturerbes Völklinger Hütte 

das ideale Ambiente, lässt diese 

noch bis zum 15. Juni 2014 andauernde 

Ausstellung eine der 

wichtigsten Umbruchphasen 

unserer Zeit lebendig werden. 

Auf fast 200 Seiten bietet das 

großformatige Begleitbuch 

dieser Ausstellung einen ebenso 

bunten wie tiefen Blick auf 

das Phänomen Pop, renommierte Autoren wie 

Ernst Hofacker und Roland Helm sorgen für authentische 

Essays, von Edison ist schuld. Und 

" 

Elvis lebt." über Die E-Gitarre – Rakete zum 

" 

Flug in den Pop-Olymp" bis zu Post-Pop und 

" 

Cyberspace". Daneben laden Zeitschienen, gesellschaftspolitische 

Exkurse und Vorstellungen 

der Ikonen jedes Jahrzehntes zum ziellosen Blättern 

ein. Fazit: ein herrliches Buch, bei dem sich 

thematischer Anspruch, hochklassiger Inhalt und 

wunderschöne Gestaltung die Waage halten. Allerhöchste 

Empfehlung! 

DAS IST LEGENDÄR! 

DIE 66 BESTEN TV-SERIEN 

Von Valerie Höhne & Oliver Hüttmann 

2014, Knaur 

ISBN 978-3-42678-622-2 

320 Seiten; 9,99 Ð 

Wer erinnert sich nicht gerne an die alten Serien, 

die ab den 50er Jahren über die Mattscheibe 

flimmerten? Von Perry Mason" über Simon 

Templar", Flipper", Daktari" bis hin zu 

" " 

" " 

den drolligen Tony Randall" 

" 

und Jack Klugman in Männerwirtschaft", 

Die Muppet 

" 

" 

Show" oder Die Profis" reicht 

" 

der Reigen der von den beiden 

Autoren liebevoll zusammengestellten 

Übersicht. Neben 

einer Kurzbeschreibung fast 

aller relevanten Serien werden 

zahlreiche Streifen auch näher 

unter die Lupe genommen wie zum Beispiel 

" Drei Engel für Charlie", Raumschiff Enterprise" 

oder Quincy". Darüber hinaus gibt es 

" 

" 

am Ende des Buches ein amüsantes Ranking, 

bei dem unter anderem Die cleversten Detektive" 

und Die schönsten Kurven" etc. gewählt 

" 

" 

wurden. Positiv ist anzumerken, dass auch die 

Neuzeit mit Dr. House" oder Alias" vertreten 

" " 

ist. Klasse Buch, durch das der Leser einen unschätzbaren 

und humorvoll verpackten Informationsfundus 

erhält. 

WIE ES EINST WAR 

Von Thomas Blubacher 

2013, Insel 

ISBN 978-3-45835-972-2 

236 Seiten; 14,99 Ð 

Thomas Blubacher präsentiert in seinem Lexikon 

längst vergessene und aus heutiger Sicht manchmal 

skurril anmutende Gegenstände oder auch 

Sachverhalte aus der jüngeren 

Vergangenheit. Der Untertitel 

Schönes und Nützliches aus 

" 

Großmutters Zeiten" ist hier 

Programm. Neben der obligatorischen 

Schellackplatte, 

der Kaffeemühle (natürlich 

mit Kurbel), dem Donnerbalken, 

den Gamaschen oder der 

Hutnadel werden auch Berufe 

genannt (Besenbinder, Stellmacher), Lehrbücher 

zum Musizieren (Zupfgeigenhansel) und ehemals 

populäre Persönlichkeiten (Henny Porten, 

Hedwig Courths-Mahler). Leider sind nur wenige 

Illustrationen berücksichtigt worden. An die- 


ser Stelle hätte sich der Leser mehr gewünscht, 

doch insgesamt kann der Band überzeugen, und 

zudem passt er gut in den " 

Affen". (Der Leser 

kann sich im Buch informieren, was es denn nun 

mit den " 

Affen" auf sich hat. Tipp: Er wurde von 

den Wandervögeln genutzt.) 

DER TATORT UND DIE 

PHILOSOPHIE 

Von Wolfram Eilenberger (Hrsg.) 

2014, Tropen, Stuttgart 

ISBN 978-3-60850-327-2 

220 Seiten; 17,95 Ð 

Neun Millionen Zuschauer sehen regelmäßig 

den Tatort", der sich seit dem Beginn in den 

" 

Siebzigern zu einer medialen Konstante entwickelt 

hat. Nun beleuchten Wolfram Eilenberger, 

Herausgeber des Philosophie Magazins", und 

" 

einige Kollegen die Reihe unter verschiedensten 

Gesichtspunkten. Das ist manchmal recht harter 

Stoff, bietet aber dafür interessante Denkansätze. 

Da werden die Titelmelodie 

unter die Lupe genommen, 

die Ermittler und deren Charakterzüge 

in einen gesamtgesellschaftlichen 

Zusammenhang 

gesetzt oder der kreative 

Prozess des Lösens eines Falls 

philosophisch thematisiert. Fragen 

über den Ursprung des Bösen 

und die Entwicklung eines 

normalen" Bürgers zu einem Täter oder die alles 

" 

entscheidende Frage Warum Tatort" werden in 

" 

dem Band erschöpfend behandelt und eröffnen 

Perspektiven. Fazit: Philosophie kann auch unterhaltsam 

sein und muss sich nicht im Akademiker- 

Fabulieren verlieren. 

LUCKY LUKE 

EIN STARKER WURF 

Von Achdé 

2014, Egmont Ehapa Verlag, Berlin 

ISBN 978-3-77043-765-8 

46 Seiten; 12,00 Ð 

Lucky Luke, der glorreiche 

Westernheld, der schneller 

zieht als sein Schatten! 

Siegreich in zahllosen 

Duellen. Beschützer hilfsbedürftiger 

Ladys. Schrecken 

aller Viehdiebe und 

Falschspieler. Die gefährlichsten 

Killer bekommen weiche Knie, wenn 

dieser Mustercowboy zur Kanone ... pardon ... 

zur Schleuder greift. Zur Schleuder? Ja, denn mit 

Band 91, " 

Ein starker Wurf", geht Zeichner und 

Texter Achdé zurück in die Kindheit von Lucky 

Luke, erzählt in kurzen Episoden wie Hufeisen 

zu Zahnschmerzen führen können, dass coole 

Raucher durchaus heiße Präriebrände verursachen, 

sich ein Hase auch mal als Bär entpuppt, 

Indianer mit Geigen auf die Jagd gehen und 

dass sich ein Pferd die Hufe selbst beschlägt. So 

werden die Geschichten von Lucky Kid zur humorvollen 

Lehrzeit über die Sitten und Gebräuche 

des Wilden Westens lebendig, erklärt dieser 

Band anschaulich viele der Gepflogenheiten der 

stolzen Pioniere, lässt aber auch genügend Raum 

für die Abenteuer des jungen Lucky Kid mit seinen 

zahlreichen Freunden. 

ENDYMION 

Von Dan Simmons 

2014, Heyne, München 

ISBN 978-3-45331-517-4 

1406 Seiten; 21,99 Ð 

Der voluminöse Band ähnelt 

nicht nur vom Umfang her 

der 

" Foundation"-Trilogy 

von Isaac Asimov, sondern 

ist auch ähnlich weitgreifend 

angelegt. Er enthält die beiden 

Einzelromane Pforten der Zeit" und Die 

" " 

Auferstehung", also die beiden Werke, die die 

so genannte Hyperion-Saga fortführen. In ihnen 

beschreibt Simmons, einer der Hoffnungsträger 

der neuen Science Fiction, die Entwicklung der 

Menschheit, die sich einer Religion unterwirft. 

Aenea, die das Menschliche und ein neues 

Zeitalter symbolisiert, und ihr Beschützer Raul 

Endymion werden verfolgt und müssen fliehen. 

Es ist der Beginn einer Galaxien umspannenden 

Reise, die von Simmons packend und akribisch 

ausgearbeitet geschildert wird. Krankten viele 

der so genannten Space Operas der letzten Jahre 

unter den übermäßig dargestellten technologischen 

Aspekten, werden hier psychologische 

Dimensionen ausgeleuchtet. Endymion" hat 

" 

das Prädikat Moderner Kultklassiker" in allen 

" 

Bereichen verdient. 

1000 FUSSBALLTRIKOTS 

2013, edel Germany, Hamburg 

ISBN 978-3-84190-227-6 

208 Seiten; 14,95 Ð 

Da gibt es gar kein großes Drumherum-Gerede: 

Dieses farbenprächtige Buch ist Pflicht für Fußballfans! 

Denn es sind nicht nur die unzähligen 

Abbildungen unterschiedlicher Vereins- und Nationaltrikots 

aus allen möglichen Ländern (Finnland!, 

Malaysia!!, China!!!, Usbekistan!!!!), nein, 

neben dem unglaublichen Augenschmaus liefert 

1000 Fußballtrikots" auch die Storys dahinter, 

" 

warum die deutsche Nationalmannschaft 

in schlichtem 

Schwarz/Weiß spielt, 

was die vier Sterne auf 

dem Trikot des FC Bayern 

München bedeuten, warum 

Real Madrid das Kreuz aus 

seinem Wappen getilgt hat, 

warum die Italiener blaue 

Trikots tragen, warum die brasilianische Nationalmannschaft 

nach 30 Jahren ihre Trikotfarben 


ändern musste, wofür die Flammen im Emblem 

des Trikots des FC Liverpool stehen. Klasse Geschichten 

um die Stoffe, aus denen Fußballträume 

gemacht sind, vom langärmeligen, rosafarbenen 

" 

Fußball-Hemd" mit Krawatte (Juventus 

Turin, 1898) bis zum Hightechfaser-Shirt mit 

Zebramuster (Sporting Charleroi, 2013) gibt es 

hier 1000 der berühmtesten, schrägsten, interessantesten 

und kultigsten Trikots aus über 100 

Jahren und 150 Ländern zu sehen. Wow! 

MODE-KATALOG 

WARENHAUS A. WERTHEIM 

1903/1904 

Olms Verlag, Hildesheim 

ISBN 3-487-08196-2 

184 Seiten; 13,80 Ð 

Neben der in dieser Rubrik vorgestellten Firma 

Stukenbrok gab es natürlich noch mehr Händler, 

die sich vor über 100 Jahren im damals noch in 

den Kinderschuhen steckenden Versandbetrieb 

tummelten. In den (baulich überaus repräsentativen) 

Warenhäusern des Wertheim-Konzerns 

gab es die ausgefallensten Accessoires 

sowie die modischen 

Extravaganzen jener Zeit. Darüber 

hinaus bot Wertheim in seinen 

Versandkatalogen aber auch 

zahlreiche Dinge des täglichen 

Lebens an, hatte also neben 

allen Arten von Damen- und 

Herrenbekleidung auch Tischtücher, 

Bettgestelle, Gardinen, Möbel, Geschirr 

und Glaswaren, Lampen, Bücher, Portemonnaies, 

Hand- und Gürteltaschen, Kunstartikel, 

Puppen samt Zubehör, Spiel-Eisenbahnen, Zinnfiguren 

und Gesellschaftsspiele im Programm. 

So ist dieser Katalog nicht nur eine Reise in die 

Vergangenheit, viele Jugendstil-Sammler dürften 

durch ihn auch wichtige Aufschlüsse über die Datierung 

von so manchem Sammelstück erhalten. 

SCHAUPLATZ TATORT 

DIE ARCHITEKTUR, DER FILM UND 

DER TOD 

Von Udo Wachtveitl, Alexander Gutzmer, 

Guido Walter und Oliver Elser 

2013, Callwey Verlag, München 

ISBN 978-3-76672-052-8 

192 Seiten; 39,95 Ð 

Protzige Villen, düstere Tunnel, verwahrloste 

Hafengegenden, triste Wohnsilos: Kaum eine 

andere Krimireihe spielt so raffiniert mit Formen 

der räumlichen Darstellung wie der " 

Tatort". 

Dieses großformatige Buch zeigt, wie die 

Kultreihe Architektur und Urbanität nicht nur 

verarbeitet, sondern oft auch zum Hauptdarsteller 

macht. Die vier Autoren (darunter mit Udo 

Wachtveitl auch der " 

Tatort"-Kriminalhauptkommissar 

Franz Leitmayr) begeben sich auf die 

architektonische Spurensuche der erfolgreichsten 

deutschen Krimiserie. In spannenden Vor-

from the past 

Ort-Reportagen, fundierten Interviews (u.a. mit 

Architekt Stefan Behnisch sowie Regisseur Dominik 

Graf) und großen 

Bildstrecken decken sie 

auf, welche Rolle Stadt, 

Gebäude und Innenräume 

für Schimanski, 

Odenthal, 

Borowski 

und Co. schon immer 

spielten und bis heute 

spielen. Dazu noch Ob- 

servationen über die Arbeits- und Wohnsituationen 

der aktuellen Tatort"-Kommissare sowie 

" 

interessantes Insiderwissen der Filmemacher 

und wie für sie Architektur zum filmischen Stilmittel 

wird. Mal ein ganz anderer Blick auf den 

" Tatort"! 

80 JAHRE DONALD DUCK 

SONDEREDITION 1–4 

Von Walt Disney 

2014, Egmont Ehapa Verlag, Berlin 

jeweils 304 Seiten; 8,00 Ð 

80 Jahre Donald Duck! Keine Frage, das klingt 

nach einer fantastischen Feier. Denn seit mehr 

als acht Jahrzehnten sorgt der sympathische Enterich 

im Verbund mit seiner Verwandtschaft und 

zahlreichen Freunden mit seinen Abenteuern für 

humorvolle Unterhaltung. Mit blauem Hut und 

Matrosenjäckchen ist er der Mittelpunkt von 

Entenhausen, liebevoll unterstützt von seinen 

drei Neffen Tick, Trick und Track. Was sie in 

dieser langen Zeit alles an Abenteuern erlebt 

haben, lässt sich natürlich 

nicht komplett in die vier Taschenbücher 

packen, die der 

Egmont Ehapa Verlag jetzt 

zur Feier dieses Jubiläums als 

Sonderausgabe veröffentlicht 

hat. Dafür wurden zahlreiche 

der besten Geschichten für die 

vier einzeln erhältlichen Bän- 

de ausgewählt, nehmen Donald 

Duck & Co. ihre großen und kleinen Leser mit 

auf Reisen – und haben für diesen besonderen 

Anlass sogar noch die eine oder andere deutsche 

Erstveröffentlichung mit im Gepäck! 

WORLD CUP 1930–2014 

Von Aczel 

2014, edel Germany, Hamburg 

ISBN 978-3-84190-275-7 

240 Seiten; 14,95 Ð 

Es gibt Ereignisse der WM-Geschichte, die sich 

ins kollektive Gedächtnis ganzer Fußballnationen 

eingebrannt haben und bei denen die Fans bis heute 

wahlweise Gänsehaut und/oder feuchte Augen 

bekommen. Unvergessen bleiben zum Beispiel 

die Stimme des Radiomoderators Herbert Zimmermann, 

der 1954 den Sieg der deutschen Mannschaft 

in Bern verkündete, das umstrittene " 

Wembley-Tor" 

1966 oder der Kopfstoß von Zinedine 

Zidane im WM-Finale 2006. Oder Maradonas 

" Hand Gottes" 1986, Frank Rijkaards " Spuckattacke" 

auf Rudi Völler 1990, die Frankfurter 

Wasserschlacht" gegen Polen bei der WM '74. 

" 

Pünktlich zur diesjährigen Weltmeisterschaft in 

Brasilien gewährt World Cup 1930–2014" einen 

" 

ganz neuen und vor allem humorvollen Rück- und 

Ausblick auf diese und viele weitere Szenen aus 

84 Jahren Fußball-WM. Der Karikaturist German 

Aczel hat die entscheidenden 

Ereignissen und Akteure von 

der ersten Weltmeisterschaft 

1930 in Uruguay bis heute in 

detailreichen, witzigen Comic- 

Bildern festgehalten. Sagenhafte 

Spielzüge werden da als 

action-reiche Bilderfolgen aufskizziert, 

Torschützenkönige, 

WM-Gewinner-Teams und 

legendäre Stars als klasse Kari- 

katuren vorgestellt. Dazu gibt es unterhaltsame 

Texte mit viel Wissenswertem zu den einzelnen 

Austragungsländern, den Rekorden und herausragenden 

Spielern – also das perfekte Buch für Groß 

und Klein, um sich die Wartezeit auf Brasilien 

2014 so kurzweilig wie möglich zu verkürzen! 

CDs 

MICHAEL SCHANZE 

HELL WIE EIN DIAMANT 

Brandneu ist diese Wiederveröffentlichung einer 

Michael-Schanze-LP aus dem Jahr 1975. Mit 

dem Titeltrack und "Du hast geweint" wurden 

damals zwei Titel als Single ausgekoppelt, die 

jetzige, im Originalaussehen daherkommende 

Neuauflage bietet neben 

remastertem Klang auch 

noch drei Polydor-Singles 

aus den Jahren 1968/69: 

"Ich bin kein Lord", "Wer 

wird denn am Sonntag 

weinen" sowie "Keiner 

weiß, wie ich dich liebe", jeweils mit der damaligen 

B-Seite als Bonus-Track. 

(Electrola/Universal) 

GITTE 

ICH BIN KEIN KIND VON 

TRAURIGKEIT 

Aktuell immer noch aktiv ist die dänische Sängerin 

Gitte Haenning-Johannsson, spätestens seit 

1963, mit ihrem Nummer- 

1-Hit "Ich will 'nen Cowboy 

als Mann", unter ihrem 

Vornamen jedem deutschen 

Schlagerfan ein Begriff. Ob 

als Duo zusammen mit Rex 

Gildo, ob 1973 als deutsche 

Vertreterin beim Eurovision Song Contest 

("Junger Tag", Platz 8) oder mit der eigenen TV- 

Show: Es gab (und gibt) nur wenige Künstlerinnen, 

die ihre Ausnahmeklasse in so enormer 

Bandbreite wie Gitte beweisen konnten. 1975 

veröffentlichte sie mit ICH BIN KEIN KIND 

VON TRAURIGKEIT eine LP, aus der mit dem 

Titelstück sowie mit "Ich hab die Liebe verspielt 

in Monte Carlo", "Wie du mir, so ich dir" und 

"So schön kann doch kein Mann sein" gleich vier 

Singles ausgekoppelt wurden. Neben einer Non- 

Album-Single gibt es noch (als CD-Erstveröffentlichung) 

ein "Begegnung-mit-Gitte-Medley" 

aus sechs Songs, teilweise in Deutsch, Dänisch 

und Englisch gesungen. 


FREDDY QUINN 

DU HAST MEIN WORT 

1980, als sich Freddy Quinns ganz große Zeit 

schon langsam dem Ende näherte, nahm der charismatische 

Sänger mit DU 

HAST MEIN WORT noch 

einmal ein richtig starkes Album 

auf. Leo Leandros, der neben 

seiner Tochter Vicky auch 

seine eigene Band The Five 

Tops ("Rag Doll") zu Erfolgen 

führte, sorgte nicht nur für eine klasse Produktion, 

sondern auch für den Großteil der Kompositionen. 

Im Originaloutfit erscheint die damalige LP nun 

als (digital remasterte) CD-Premiere, angereichert 

mit vier Bonus-Tracks: zwei Singles, aus dem Jahr 

1979 stammt "Loreen" (mit der B-Seite "Montag"), 

1981 entstand "Der Groschen fällt manchmal 

spät", auf der B-Seite das von Freddy Quinn 

geschriebene "Es gibt eine Ewigkeit". 


KATJA EBSTEIN 

WILDE ROSEN UND ANDERE 

TRÄUME 

Im Leben, im Leben geht mancher Schuss 

" 

daneben", diese Textzeile Katja Ebsteins wurde 

Mitte der 70er Jahre zum geflügelten Wort, 

nicht zuletzt deshalb, weil das Lied "Es war einmal 

ein Jäger", aus dem dieses Zitat stammt, 

bis auf Platz 4 in den Verkaufs-Charts und in 

der ZDF-Hitparade" sogar 

" 

bis auf Platz 1 kletterte. Da 

auch der Rest des 1974er 

Albums WILDE ROSEN 

UND ANDERE TRÄU- 

ME aus starken Songs 

(größtenteils Kooperationen 

von Christian Bruhn 

und Michael Kunze) besteht, dürfte diese digital 

remasterte CD-Erstveröffentlichung nicht 

nur bei Katja-Ebstein-Fans bestens ankommen. 

Zwei Bonus-Tracks sind auch dabei, die 1978er 

Single "Es war beinah so wie ein Lied" sowie mit 

"Willkommen wieder zu Hause" die dazugehörige 

B-Seite. 



MARIANNE ROSENBERG 

ICH BRAUCHE DICH ... 

Auf dieser 1981 veröffentlichten Platte von 

Marianne Rosenberg gibt es mit "Ich hab auf 

Liebe gesetzt" und "Nur 

Sieger steh'n im Licht" zwei 

deutsche Versionen von internationalen 

Top-Hits zu 

hören: Einmal war "Woman 

In Love" von Barbra 

Streisand, einmal Abbas 

"The Winner Takes It All" die Vorlage. Beide 

Titel sind als alternative Fassungen ("Ich hab 

auf Liebe gesetzt" als bisher unveröffentlichte 

Extended-Version, "Nur Sieger ..." als Singleversion) 

als Bonus-Tracks dazugekommen, der Rest 

von ICH BRAUCHE DICH ... wurde wie in der 

Electrola-Originale-Reihe üblich fein säuberlich 

digital remastert, dazu wurde das Aussehen der 

damaligen LP liebevoll auf das CD-Format verkleinert, 

im herausnehmbaren Booklet finden 

sich alle notwendigen Produktionsinfos sowie 

die eine oder andere Single-Coverabbildung. 


ADAM & EVE 

WIR BEIDE 

Nachdem sich Eve Ende 

der 60er von ihrem ersten 

Adam (John Christian 

Dee, †2004) getrennt 

hatte, kam mit Adam 

Nummer 2 der Erfolg. 

Hartmut Schairer hieß der neue, blonde Gesangspartner 

von Eva Bartova, die 1938 in Böhmen 

geboren wurde und im September 1989 in 

ihrer späteren Heimat Chicago verstorben ist. 

Anfang der 70er zog mit einem neuen Plattenvertrag 

auch das private Glück für Adam & Eve 

ein, 1972 heirateten sie und wurden zu einem der 

bekanntesten Schlagerduos Deutschlands. 1975 

nahmen sie mit WIR BEIDE eine LP auf, die mit 

"Du gehst fort" (... der deutschen Version des 

französischen Top-Hits "Tu t'en vas") eine der 

erfolgreichsten und mit "Lena (Steig in den Sattel 

der Liebe") gleichzeitig eine der skurrilsten Singles 

des Duos enthält. Drei Bonus-Tracks begleiten 

die neu aufgelegte CD-Premiere, "Darling 

du" (B-Seite von "Lena ...") sowie mit "Ein Stern 

geht auf" und "Das letzte Glas" sowohl A- als 

auch B-Seite einer 1974er Non-Album-Single. 


Sammelalben 

FUSSBALL KLASSIKER 

2013, Panini 

42 Seiten; 1,95 Ð 

Das gute alte Panini-Sammelalbum 

wird hoffentlich 

nie aussterben! Noch 

bis Ende Mai im Handel 

(danach dann über das 

Internet) gibt es mit dem 

11 Freunde"-Sonderheft 

" 

Sammelalbum Fußball Klassiker" 

" 

eine tolle Zusammenstellung aus den vielen, 

vielen Ausgaben zahlreicher Panini-Jahre. Das 

Klebe-Album voller listiger Abwehrspieler und 

tollkühner Stürmer, voller Fußballtempel, Legenden 

und notorischer Spaßvögel vereint all 

das, was man am Fußball so liebt. Wer sich an 

ehrwürdige Stadien wie den Mönchengladbacher 

Bökelberg, das Münchner Stadion Grünwalder 

Straße oder den Aachener Tivoli erinnert, wer 

Ausnahmespieler wie Fritz Walter, Uwe Seeler 

und Horst Hrubesch würdigt, wer über all die 

Brüderpaare staunen kann, die in der Bundesliga 

aufliefen, für den ist dieses Sammelalbum genau 

das Richtige, um mal wieder in die kultige Welt 

des (Bundesliga-)Fußballs einzutauchen. Kleiner 

Tipp: Um sich das Tauschen der doppelten Karten 

auf dem heimischen Pausenhof zu ersparen, 

gibt es im einschlägig bekannten Versandhandel 

(für läppische 24,95 €) das komplette Paket an 

Klebebildern dazu – einkleben darf man Netzer, 

Maier, Magath und Co. dann selbst! 

FIFA WORLD CUP 

BRAZIL 2014 

Ende März hat Panini den Countdown für die 

WM in Brasilien gestartet und Deutschlands 

Einzelhändler mit der neuesten Stickerkollektion 

beliefert. Für zwei Euro gibt es das 80-seitige 

Album, das Platz für 640 Sticker bietet. Auf den 

einzelnen Klebebildern sind erstmals bei einer 

WM-Kollektion von Panini die Spielerdaten wie 

Name, Verein, Geburtsdatum, Größe, Gewicht 

und Position direkt aufgedruckt. Für 60 Cent gibt 

es eine Stickertüte mit fünf Sammelbildern, wer 

die Komplettedition auf einen Schlag erwerben 

möchte, der sollte sich 

im Versandhandel umsehen. 

Wie gewohnt dürften 

auch wieder Promosticker 

in einschlägigen 

Zeitschriften, in Supermärkten 

oder bei Veranstaltungen 

auftauchen – 

also Augen auf! 

VERLOSUNG 

GoodTimes kult! verlost unter allen Teilnehmern 

3x Staffeln 1–6 

3x DVD-Box 

" 

Notruf California" a 

10x Starterset Sammelalbum* 

3x DVD 

3x Cover- 

Art-Mappe 

Stichwort: t: kult!-Verlosung 

(gerne zusätzlich mit Angabe des gewünschten Artikels) 

Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. 

Einsendeschluss ist der 15. Juli 2014 

Einsendeschluss Sammelalbum ist der *15. Mai 2014 

NikMa Verlag Eberdinger Str. 37 · 71665 Vaihingen/Enz 

GoodTimes 2/2014 ■ Seite 

Fax: 0 70 42/37660-188 · email: goodtimes@nikma.de 

15 

Unsere Gewinner der Verlosung 

aus kult! Heft 9 – 1/2014: 

Stichwort " 

kult!-Verlosung" 

– Josef Schug, Detzem 

– Marc Rosenau, Tübingen 

– Günther Winkler, Hergisdorf 

– Gerda Brinkrolf, Greven 

– Christoph Gilles, Raubach 

– Klaus Kocherscheidt, 

Recklinghausen 

– Hans-Jürgen Kewitz, Berlin 

– Thorsten Kleinwort, Pinneberg 

– Gerald Schlinke, Pinneberg 

– Marianne Oetjen, Lüneburg 

– Waltraud Sonnenschein, 

Meldungen 

– Birgit Behrendt, Werdau 

– Egon Hagel, Äpfingen 

– Kurt Meyer, Schwäbisch Hall 

– Robert Kemle, Ulm 

– Bernhard Weindauer, München 

– Mathias Landau, Seelbach 

– Klaus Zander, Schwedt 

– André Lingenbach, Bonn 

– Markus Durrer, 

Hergiswil (Schweiz) 

– Reinhold Fricke, Braunschweig 

– Manfred Stein, Saulheim 

– Carsten Heßler, Bremerhaven 

– Helmut Tonk, Marl 

– Werner Stein, Ludwigshafen 

– Stefan Schmidt, Dresden 

– Michael Gatzhammer, 

Schnufenhofen 

– Hans König, Berlin 

– Wilhelm Karg, Rosenheim 

– Roland Kosiol, Berlin 

– Anton Müller, München 

– Ludwig Haller, Pforzheim 

– Claus Walther, Hamburg 

– Peter Koch, Bingen 

– Albert Birke, Koblenz 

– Albrecht Maier, Brandenburg

30 Jahre C-Klasse 

Gewusst wie: 

Aus der Not wird eine Tugend 

Die Amis sind an allem schuld. Auch an der 

C-Klasse von Mercedes! Denn die Schwaben 

waren lange Jahrzehnte durchaus zufrieden mit 

dem Selbstverständnis, eine feine, aber kleine 

Auswahl an Luxusautos weltweit teuer zu verkaufen. 

Unter dem guten Stern von Sindelfi ngen ging 

es üppig zu, edel und vor allem durstig. 

Da wirbelte die erste und folgenreichste Ölkrise im Herbst 

1973 die Konzernbilanzen umso heftiger durcheinander. Die 

Organisation der Erdöl exportierenden Länder (Opec) drosselte 

bewusst die Fördermengen, und im Oktober 1973 stieg der 

Ölpreis von rund drei US-Dollar pro Barrel (159 Liter) auf über 

fünf Dollar – ein Plus von etwa 70 

Prozent. Ein Jahr später lag der Barrel- 

Preis weltweit gar bei über zwölf 

Dollar. Dazu kamen ein erwachendes 

Umweltbewusstsein und eine einfache 

Gleichung: hoher Benzinverbrauch 

plus keine Abgasreinigung gleich reichlich 

Dreck aus dem Auspuff. 

Im Maßstab 1:5 werden 

die zur Wahl stehenden 

Entwürfe aus Plastilin 

modelliert 

So war der kleine Benz nicht unbedingt 

ein Kind der Liebe, sondern 

schlicht ein Produkt der wirtschaftlichen 

Notwendigkeiten. In den 

USA, auch damals schon einer der 

Hauptmärkte von Mercedes-Benz, 

wurden unter Jimmy Carter mit 

dem „Clean Air Act" neue und deutlich 

niedrigere Grenzwerte für den 

Verbrauch eingeführt – und die Idee 

des „Flottenverbrauchs". Der über alle Modellreihen berechnete 

maximal zulässige Verbrauch von umgerechnet rund 8,5 Liter auf 

100 Kilometer war für Mercedes-Benz mit der S-Klasse und dem 

Vorläufer der heutigen E-Klasse allerdings nicht zu schaffen. Um 

Von Jürgen Wolff 

weiter in Nordamerika Autos verkaufen zu dürfen, musste also eine 

kleinere Modellreihe her, deren vergleichsweise niedriger Verbrauch den 

Durchschnitt unter die neue Grenze trieb. Im Januar 1974 fiel denn 

auch aus dieser Not heraus die Entscheidung, die spätere Baureihe „W 

201" zu entwickeln, aus der noch später dann die C-Klasse hervorging. 

Eine Herausforderung nicht nur für den damaligen Chefdesigner 

Bruno Sacco, sondern vor allem auch für den schwäbischen 

Tüftlergeist der Ingenieure. Die dann in Bremen und Sindelfingen 

produzierte Kompaktklasse machte eine ganze Reihe von technischen 

Entwicklungen nötig, um nicht nur sparsamer mit dem Sprit umzugehen, 

sondern auch wirtschaftlich bauen zu können. 

So setzten die Techniker etwa 

auf Leichtbau aus hochfesten 

Stahlblechen. Um die Ansprüche an 

die passive Sicherheit zu erfüllen, sorgt 

unter anderem die Gabelträgerstruktur 

des Vorderwagens trotz der kompakten 

Außenmaße für ein Crashverhalten auf 

dem Niveau der damaligen S-Klasse. 

Für das Fahrwerk wurde mit der patentierten 

Raumlenkerachse eigens eine 

neue Hinterachskonstruktion entwickelt 

– „Auto, Motor und Sport" nannte 

das Konstrukt damals „Traumlenker- 

Achse". Jedes Hinterrad wird dabei von 

fünf unabhängigen Lenkern geführt. 

Das sorgt nicht nur für eine präzise 

und kontrollierte Radführung, sondern 

auch für ein deutlich niedrigeres 

Gewicht und einen geringeren 

Platzbedarf in der kompakten Limousine. Die Raumlenker-Hinterachse 

wird übrigens bis heute in der C-Klasse verbaut. Vorne arbeiten die 

Ingenieure mit einer an einzelnen Dreiecks-Querlenkern geführten 

Dämpferbein-Achse. 


Wie flexibel das Konstrukt im Grunde war, zeigen nicht zuletzt 

diverse Prototypen, die allerdings nie in Serie gingen. So entstan- 

den zum Beispiel ein durchaus elegantes Cabriolet mit vier Sitzen oder 

Die ein besonders kompakter 

Stadtwagen, der dem 

" 

kleine C-Klasse" wurde nie gebaut ... 

VW Golf ähnelt. Selbst 

eine Version mit zwei 

22-PS-Elektro motoren 

an den Hinterrädern 

und Natrium- 

Nickelchlorid-Batterien 

steht in den Archiven 

des Mercedes-Benz 

Museums. Die einzige 

weitere Karosserieform, 

die es während der 

ersten Baureihe in die 

Serienfertigung schaffte, 

war das T-Modell, der 

Kombi. 

... ebenso wenig wie diese Cabrio-Studie 

Als die Stuttgarter den kompakten W 201 nach acht Jahren 

Entwicklung im November 1982 im spanischen Sevilla vorstellten, 

gab es nicht nur Lob, sondern auch viel Skepsis. Die neue 

Baureihe bekam von Anfang an den wenig schmeichelhaften 

Beinamen „Baby-Benz" verpasst. Die vom Team 

des damaligen Chefdesigners Sacco gezeichneten Typen 

190 und 190 E stießen auf viel Zweifel: kompakte Autos 

– können die Luxusbauer aus Schwaben so 

etwas überhaupt? 

Sie konnten. Als der neue Benz auf den 

Markt kam, wurde er zunächst mit zwei 

Ottomotoren angeboten, die jeweils 1997 ccm 

Hubraum mitbringen. Der Grundmotor im 190 

leistet dabei 66 kW/90 PS, der 190 E mit seiner 

Einspritzanlage KE-Jetronic von Bosch kommt 

auf 90 kW/122 PS. In den Jahren danach folgten 

ein neu entwickelter Vierzylinder-Diesel mit 53 

kW/72 PS, der dank seiner Geräuschkapselung 

und Laufruhe nur halb so laut ist wie vergleichbare 

Antriebe und so den Spitznamen „Flüsterdiesel" 

abbekam. Im 190 E 2.3-16 schließlich arbeitet ein 136 kW/185 PS 

starker Vierzylinder mit 2299 ccm Hubraum und Vierventiltechnik. 

Allein schon der üppige Flügelspoiler auf dem Heck, von respektlosen 

Zeitgenossen als „Frittentheke" belächelt, hätte noch zehn Jahre zuvor so 

manch bravem Mercedes-Designer 

Herzrhythmusstörungen verursacht. 

Speziell für den nordamerikanischen 

Markt 

entstanden 1983 zwei 

Modelle mit größerem 

Hubraum, um 

die Leistungsverluste 

durch den Einbau 

einer Abgasrückführungsanlage 

im Diesel 

und eines Katalysators im 

Benziner zu kompensieren. 

Trotz aller Inno vationen, die 

Daimlers Ingenieure für den 

kleinen Benz entwickelten: Viele trauten 

dem Kleinen zu Anfang nicht zu, wirklich die Qualität und Leistung 

zu bringen, die von Mercedes versprochen wurde. Mitte August 

1983 machte sich 

Mercedes-Benz auf 

der Hochgeschwind igkeitsstrecke 

im süditalienischen 

Nardò jedoch 

daran, die Skeptiker zu 

überzeugen (siehe Seite 

16). Nach 201 Stunden, 

39 Minuten und 43 

Sekunden Vollgas auf 

der 12,6 Kilometer langen 

Kreisbahn hatte das erste der drei 

Teams die 50.000 Kilometer hinter sich 

gebracht. Weltrekord! 

In einer Fahrmaschine wurden 

Achskonstruktionen getestet 

Baureihe W 204 

wurden mehr als 

2,3 Millionen 

Limousinen, 

T-M o d e l l e 

und Coupés 

v e r k a u f t . 

Insgesamt sind 

seit der Premiere 

des W 201 im 

30 Jahre später steht 

nun die mittlerweile 

fünfte Generation der 

C-Klasse vor den Toren. 

Und die Skeptiker von 

einst sind längst auch 

durch die Zahlen widerlegt 

worden: Allein 

von der noch aktuellen 


Das Armaturenbrett des 

Mercedes-Benz 190 E 

der Baureihe W 201 

Jahre 1982 rund 8,5 

Millionen Fahrzeuge 

produziert worden. 

Ziemlich viel für ein 

Auto, das einst aus 

der Not heraus entwickelt 

wurde.

C-Klasse-Rekordfahrt 

Im Kreisverkehr zum Erfolg 

Manchmal sind es die kleinen Dinge, die das Image aufpolieren und 

für großes Aufsehen sorgen. Bei der C-Klasse von Mercedes war es 

gar nur ein Päckchen Zigaretten ... 

Gut Ding will Größe haben. Und solide, erprobte Technik. Für beides 

stand Mercedes-Benz über viele Jahrzehnte. Fette Limousinen, fette 

Preise – wer den Stern vor sich herfuhr, der hatte es geschafft. Da passte 

der kompakte „Baby-Benz" der neuen Baureihe W 201 nicht so recht ins 

Bild. Trotz aller Innovationen, die Daimlers Ingenieure für den kleinen 

Benz entwickelten – viele trauten dem Kleinen nicht zu, wirklich die 

Qualität und Leistung zu bringen, die von Mercedes-Benz versprochen 

worden waren. 

Die Weltrekordfahrt von drei identischen Mercedes-Benz 190 2.3- 

16, angetrieben von den damals neuen M 102-Vierventilmotoren, 

sollte Mitte August im süditalienischen Nardo zeigen, dass die 

Schwaben sehr wohl konnten. Vier Wochen nach dem Rekord auf dem 

Rundkurs sollten sie auf der IAA in Frankfurt erstmals 

öffentlich präsentiert werden. Der einfacheren 

Unterscheidung wegen hatte man die Wagen 

mit großen farbigen Punkten im hinteren n 

Seitenfenster kenntlich gemacht und die 

Teams jeweils nach der Farbe getauft: Rot, 

Weiß und Grün. 

Die technischen und optischen 

Spezifikationen der Nardò-Autos entsprachen 

weitgehend der geplanten Serienversion 

– inklusive der Motorleistung von 185 PS: 2299 

Kubikmeter Hubraum, eine Beschleunigung g von 0 

auf 100 km/h binnen 7,5 Sekunden. Nur die mögliche 

Höchstgeschwindigkeit lag deutlich über den 230 km/h der 

ersten Serienversionen. 

Die meisten optischen und technischen Veränderungen 

waren eher marginal. Um die Insekten von den Lüftungen n 

fernzuhalten, wurde zum Beispiel der komplette Kühlergrill mit 

Fliegengitter verkleidet, und auf den Kühllüfter hatte man ganz 

verzichtet, da bei den hohen Geschwindigkeiten der normale Fahrtwind 

für die Kühlung des Motors ausreichte. Die Scheinwerfer waren tagsüber 

abgedeckt und die Außenspiegel der besseren Aerodynamik wegen 

abmontiert – auf Verkehr von hinten musste man auf dem 12,6 Kilometer 

Die Daten wurden live ausgewertet langen Rundkurs eh nicht achten. 

Und da man auf der kreisrunden 

Bahn auch nicht groß 

zu lenken brauchte, war statt 

einer Servo- eine mechanische 

Lenkung eingebaut. 

Nach 201 Stunden, 39 

Minuten und 43 Sekunden 

Kreisverkehr war der Weltrekord 

geschafft – bei Temperaturen 

von tagsüber 40 Grad Celsius 

außen und mehr als 50 Grad 

Celsius im Inneren der Fahrzeuge. 

Die Rekord - 

fahrzeuge 

waren 

vollgestopft 

mit Mess - 

instru menten 

So ganz nebenbei fielen 

unterwegs auch noch 

die Weltrekorde über 

25.000 Kilometer und 

über 25.000 Meilen sowie 

neun Klassenrekorde. 

Die Durchschnittsgeschwindigkeit 

des 

Siegerteams: sagenhafte 

247,939 km/h! Dank der 

permanent gefahrenen 

Höchstgeschwindigkeit h i bei Motordrehzahlen um 

6000 U/min. lag der Verbrauch knapp über 22 

Liter auf 100 Kilometer. 

Nacheinander rasten alle drei Teamfahrzeuge 

durchs Ziel – der „Baby-Benz" hatte gezeigt, 

dass er auch unter extremen Fahrbedingungen 

durchhielt wie ein Großer. 

Und kein einziger Ausfall trübte das Bild. Womit 

wir wieder bei der Zigarettenschachtel wären. Denn fast 

hätte es doch noch einen Schönheitsfehler gegeben: Im 

„grünen" 190er brach kurz vor Schluss der Rekordfahrt der 

Verteilerfinger, erinnert sich der damalige Mercedes-Chef 

Werner Breitschwerdt: „ein Teil, das praktisch nie kaputtgeht 

und 

das wir deshalb auch nicht als Ersatzteil an Bord hatten." 

Repariert werden durfte nach den Regeln der FIA aber 

nur mit Werkzeug und Material, das im Auto selbst mitgeführt 

wurde. Der rettende Einfall: Da der Fahrer des Wagens Raucher war 

und ein Päckchen Zigaretten mit auf die Strecke genommen hatte, 

wurde der Verteilerfinger mit 

Rekord: 50.000 Kilometer sind geschafft 

dem Alupapier aus der 

Zigarettenpackung notdürftig 

geflickt – und der Mercedes 

schaffte so auch noch die 

letzten paar hundert Meter bis 

über die Ziellinie. 


© Pressefotos 

Die Kunst der Mimikry 

Das passte: Als im Mai 1984 der 

neue Grand-Prix-Kurs auf dem 

Nürburgring eröffnet wurde, hatte in 

diesem Rahmen auch die Mercedes 

C-Klasse ihre Renn-Premiere. 20 identische 

190 E 2.3-16 gingen auf den 

Rundkurs. Am Steuer das internationale 

„Who's who" der damaligen 

Motorsportwelt. Sieger wurde damals 

Ayrton Senna, gefolgt von Niki Lauda 

und Carlos Reutemann. 

Dabei waren es anfangs vor allem 

noch private Teams, die den 190er 

schnell als Rennmaschine entdeckten. 

In Frankreich etwa beteiligte 

sich der Snobeck Racing Service 

(SRS), unterstützt von Mercedes-Benz 

France, 1985 an der französischen 

Tourenwagenmeisterschaft – und 

schaffte auf Anhieb den zweiten Platz. 

Ein Jahr später wurde Volker Weidler 

auch in der DTM Vizemeister. 

Grund genug, dass die Stuttgarter 

auch ganz offiziell die Chancen nutzten, die sich da fürs Image des 

kleinen Benz auftaten: Mit Edzard Reuter, Werner Niefer und Jürgen 

Hubbert trafen sich Ende 1987 denn gleich drei Vorstandsmitglieder zur 

mehrtägigen Klausur in Sachen Motorsport. Einen Monat später war der 

Beschluss auch formal gefasst: Mercedes-Benz mischt künftig offiziell bei 

den Touren- und den Rennsportwagen mit! Und noch im selben 

Jahr gingen mit AMG, BMK und IPS drei 

Teams mit Werksunterstützung in 

die Rennen. 

Heute tun DTM- 

Rennwagen 

allenfalls noch 

optisch so, 

als hätten sie 

mit normalen 

Serienfahrzeugen AMG-Mercedes 190 E 2.5-16 Evolution II von 1992 

etwas zu tun: Unter der Leichtbauhülle allerdings steckt reinste 

Renntechnik. Mitte der 1980er Jahre allerdings sahen die Rennwagen in 

der DTM nicht nur aus wie aufgebrezelte Serienfahrzeuge – sie waren es 

auch noch in weiten Teilen. Um 1989 den 190 E 2.5-16 Evolution so zu 

modifizieren, dass er fit zum Siegen war, mussten nach dem Reglement 

weitere 500 Fahrzeuge mit den gleichen Änderungen gebaut werden 

– auf Wunsch gab es ihn sogar mit dem Luxus einer Klimaanlage. Das 

war die Geburtsstunde des „Evo": größere Bereifung, weiter ausgestellte 

Radhäuser, größere Bremsscheiben, die eigentlich aus dem SL stammten, 

dazu ausladende Spoiler an Bug und Heck, ab 1990 sogar Renn-ABS. 

Auch der Motor musste modifiziert werden, um die Drehzahl von 10.000 

U/min. zu überstehen. 

1992 war es dann geschafft: Mit 16 Siegen entschied die „C-Klasse" 

in der DTM sowohl die Team- als auch die Markenwertung für sich; Klaus 

Ludwig gewann den Meistertitel. Zum letzten Mal ins Rennen ging der 190 

E in der DTM-Saison 1993. Danach brach die Ära der „Silhouette Cars" an. 

Sie sehen zwar – schon allein aus Marketinggründen – wie Tourenwagen 

aus, haben aber weder in 

der Motor- noch in der 

Fahrwerk skonstruktion 

große Gemeinsamkeiten 

mit einem Serientourenwagen. 

Die 6-Zylinder- 

Motoren muss- 

Die Evolution der 

C-Klasse in der DTM 

ten nur noch von 

einem mindestens 

2500 Mal verbauten 

Serienmodell 

des Herstellers 

„abgeleitet" sein. 

Für den DTM- 

Einsatz wurden dem 

Serien-V8 zwei 

Zylinder abgeschnitten, und 

das Ganze ist dann auf bis 

zu 470 PS getrimmt worden. 

Getriebe und Lichtmaschine 

wurden, der besseren 

Gewichtsverteilung wegen, 

ins Fahrzeugheck verlegt. 

Offenbar mit Erfolg: Auch 

in den Folgejahren räumten 

Mercedes und seine Fahrer die DTM-Titel ab. Bis 1995. Da war dann erst 

einmal Schluss mit der DTM. Die Kosten waren explodiert, immer weniger 

Teams konnten sich die Teilnahme leisten. Eine Denkpause war angesagt. 

Als die DTM unter dem Namen „Deutsche Tourenwagen Masters" 

im Jahr 2000 wiederbelebt wurde, hatten die Autos mit Serienmodellen 

nur noch ein paar äußere Merkmale gemein. Technisch sind sie 

reine Sportwagen-Prototypen. Wie wichtig die Mimikry allerdings für 

die Markenpflege ist, zeigte sich schnell. Ursprünglich imitierten die 

„Silhouette Cars" zweitürige Coupés einer Modellreihe – etwas schwierig 

zu erklären, wenn den potenziellen Kunden dort eigentlich vor allem viertürige 

Limousinen präsent sind wie bei der C-Klasse. Also vollzog die DTM 

2004 den Schwenk: Als Basis dienten nun viertürige Limousinen. Erst seit 

2012 ist man wieder in zweitürigen Coupés unterwegs. 

Dafür stecken heute unter der Markenhaut bei allen drei DTM- 

Herstellern Mercedes-Benz, Audi und BMW viele Gleichteile: Kohlefaser- 

Einheitsmonocoque mit Crashboxen vorne, hinten und an beiden Seiten, 

Frontsplitter, Heckflügel, Getriebe und Kardanwelle. In der DTM gilt also 

längst: Nicht alles, was nach C-Klasse aussieht, ist auch C-Klasse. Und 

mitunter nicht einmal Mercedes ... 


Die Familiensaga 

Seit bald 

55 Jahren bringt die Reihe 

" Boule & Bill " mit ihrem verschmitzten 

Humor junge wie alte Leser zum Schmunzeln. Von 

Jean Roba im Jahr 1959 auf dem Papier zum Leben 

erweckt, wird die Gute-Laune-Serie heute von dessen ehemaligem 

Assistenten Laurent Verron fortgeführt. " 

Boule & 

Bill" – ursprünglich in deutscher Fassung als " 

Schnieff und 

Schnuff" bekannt geworden, mittlerweile längst aber auch 

bei uns unter dem Originaltitel veröffentlicht – ist ein 

Klassiker der franko-belgischen Comic-Literatur, 

dem auch hier zu Lande das Publikum 

treu geblieben ist. 

Auf den 

Hund 

gekommen 

Weit über 1400 Geschichten, wovon die meisten eine witzige 

Handlung in vier Streifen auf jeweils einer Seite in Szene 

setzen, haben der temperamentvolle Cocker Bill und sein 

Herrchen, der kleine Junge Boule, bereits erlebt. Im 

französischen Sprachraum liegen die gesammelten 

Episoden in nicht weniger als 34 Alben vor, die ein 

Bestseller des Genres sind. So wurde der letzte Band 

„Un amour de Cocker" 2013 vom französischen 

Verlag Dargaud mit der beeindruckenden Startauflage 

von 180.000 Exemplaren in den Handel gebracht. 

Seinen ersten Auftritt hatte das quietschfidele Duo 

in der Nummer 1132 des belgischen Comicmagazins 

„Spirou" vom 24. Dezember 1959, und zwar in einem 

der legendären „Mini-Récits". Das waren zugeheftete 

Beilagen, die gefaltet ein kleinformatiges 48-seitiges 

Heftchen ergaben. „Boule contre les mini-requins" 

hieß die von Maurice Rosy (1927–2013) getextete 

und von Jean Roba gezeichnete Erzählung, die als 

„Boule gegen die Mini-Haifische" erst knapp fünf f 

Jahrzehnte später ihre deutschsprachige Premiere im ersten Band der 

vom Eckart Schott Verlag veröffentlichten Albumreihe „Boule & Bill" 

erlebte. 

Jean Roba, am 

28. Juli 1930 

in Schaerbeek bei 

Brüssel geboren, 

zählt zusammen 

mit André Franquin 

(„Gaston"), Morris 

(„Lucky Luke"), Peyo 

(„Les Schtroumpfs"/ 

„Die Schlümpfe") 

und etlichen anderen zur Generation der stilbildenden Künstler 

bei „Spirou". Ihre Comics, die der so genannten École Marcinelle 

zugeordnet werden, sind Teil einer glanzvollen Vergangenheit, die 

allerdings bis in die Gegenwart nichts von ihrer 

Strahlkraft verloren hat. Speziell „Boule & Bill", als 

Serie über Jahrzehnte regelmäßig im Heft präsent, 

machte Roba in der 

Gunst der Leser zu 

einem der beliebtesten 

Autoren. Seine 

klar gestalteten 

Bildfolgen zu alltäglichen 

Themen, 

in denen sich alle 

wiedererkennen 

können, vereint 

mit einem Gespür 

für originelle Gags, 

machen den besonderen 

Reiz der sympathischen 

Familiensaga aus. 

In deren Mittelpunkt stehen neben den Titelhelden die Eltern von 

Boule. Der Vater, mit einem Hang zum Werken und Basteln, ist 

mehr Freund als strenger Erzieher, während die Mutter das Idealbild 

einer Hausfrau abgibt und fast beiläufig den Haushalt schmeißt. 

Dazu gesellen sich eine Reihe von weiteren kuriosen Figuren wie die 

ebenso zum Haushalt zählende Schildkröte Caroline (in der deutschen 

Fassung: Fräulein Klara), Boules Kumpel Plouf (Pit), der Polizist an 

der Ecke oder die schneidige Nachbarin mit der kecken Katze Caporal 

(Capo). Das Besondere an den quirligen Abenteuern, die meist in 

und rund um das traute Heim sowie im Viertel der Stadt spielen, 

ist, dass die Herausforderungen des Lebens aus der Perspektive eines 


Abbildungen: © Studio Boule & Bill 2014 / Eckart Schott Verlag 2014 

kleinen Jungen und eines Hundes erzählt 

werden. Während für Boule die Freizeitbeschäftigung 

g mit den Freunden das 

Wichtigste ist, 

dreht sich bei 

V 

Bill fast alles 

ums leibliche 

Wohl. 

Klar, dass der 

Metzger zu 

seinen besten 

Freunden 

zählt. Und 

wenn die 

ganze Familie 

mal in Urlaub 

fährt – oft in die Berge, meist aber ans 

Meer –, geschieht das bis auf den heutigen 

Tag im kultigen roten 2 CV. 

Hiesigen Lesern erschloss sich die Welt 

von „Boule & Bill" zunächst ab 1964 

in diversen Heftreihen, die der Verleger Rolf Kauka herausgab, darunter 

„Lupo modern" oder „Fix und Foxi". Freilich hießen da die 

beiden noch „Schnieff und Schnuff". Unter demselben Titel startete 

1979 Todos den Versuch, das Material in Form von Alben am Markt 

zu 

etablieren. 

Offenkundig 

ohne Erfolg, 

denn nach nur Die Nr. 3741 von 

zwei Bänden 

kam das frühe 

Aus. Größeren 

Zuspruch fand 

die Serie, als 

der Delta Verlag 

1987 ihre 

Geschicke in 

die Hand nahm 

und unter dem 

Originaltitel bis ins Jahr 1996 17 Alben publizierte. Aktueller 

Stand in dieser bis dahin etwas verworrenen Editionsgeschichte 

ist: Seit 2003 legt der Eckart Schott Verlag die deutschsprachige 

Ausgabe von „Boule & Bill" auf. Hervorstechendes Merkmal dabei 

ist der erstmalige Abdruck der Geschichten in der Chronologie 

ihres Entstehens, was die Lizenzgeber durch eine Neuordnung des 

gesamten Materialbestandes ermöglicht haben. In die Wege geleitet 

wurde das nicht zuletzt durch den Verlagswechsel von Roba im 

Jean Roba (1930–-–2006) Laurent Verron (++* *1962) 

Jahr 1987 und die Tatsache, dass im Original Band 1 bis 24 von 

Dupuis in Belgien, die Titel ab Band 25 von Dargaud in Frankreich 

veröffentlicht wurden. 

Jean Roba, der Zeit seines Lebens „Boule & Bill" quasi im 

Alleingang gestaltete, hat bereits früh entschieden, dass die 

Serie auch nach seinem Tod weitergeführt werden soll. Mit dem 

am 25. Mai 1962 in Grenoble geborenen 

Laurent Verron hat er einen Assistenten 

eingearbeitet, der seit Band 29 („So ein 

Zirkus!") als sein Nachfolger tätig ist. 

Verron gelingt es nicht nur, den Charme 

des beliebten Funny-Klassikers zu erhalten, 

er hält ihn mit Themen unserer Tage 

Die Nr. 3561 von „Spirou" vom 12. Juli 

" 

2006 ist dem verstorbenen Jean 

Roba gewidmet. 

„Spirou" vom 23. Dezember 2009 erscheint als 

" 

Boule & Bill". 

Sonderausgabe zum 50. Geburtstag der Serie „ 

" 

auch weiter auf Erfolgskurs. Jean 

Roba, im Alter von 75 Jahren am 

14. Juni 2006 verstorben, weiß seine 

Figuren in guten Händen. 

Horst Berner 

Am 27. Februar 2013 kommt der 

von Alexandre Charlot und 

Franck Magnier realisierte 

Realf ifi lm „„Boule & Bill" in die 

" 

Kinos, der in Deutschland 

aber keinen Verleih fi f ifi ndet. 

Boule & Bill" im Eckart Schott Verlag: 

" 

1. Boule & Bill 1 






7. Boule & Bill 7 (erscheint 2014) 

28. Die vier Jahreszeiten 

29. So ein Zirkus! 

30. Bills Bande 

31. Volle Kanne! 

32. Mein bester Freund 

33. Klar zum Entern!! 

34. – Ein Schatz von einem 

Cocker (erscheint 2014) 

– Sonderband: Boule & Bill: 

Das Familienalbum 


Zigaretten-Reklame 

der 70er Jahre: 

Von Weltenbummlern 

und Lebenskünstlern 

In den 60er Jahren rauchte man starkes Zeug, je kräftiger, desto besser, desto 

männlicher. Wenige Jahre später aber waren Reyno- und R6-Zigaretten 

plötzlich so leicht, dass sogar die Augen davon heller wurden! Jedenfalls 

könnte sich dieser Eindruck einstellen, wenn man die attraktiven Helden in den 

Anzeigen sieht, die weiche, himmelblaue Blicke in die Kamera werfen. So zeigt 

sich der kulturelle Wertewandel der 70er Jahre auch in der Werbung ... 

Von Kathrin Bonacker 

Keine Rede davon, dass Raucher vor die Tür 

mussten, damals. Geraucht wurde bei Partys, im 

Büro, zu Hause, in Fernsehsendungen aller Art und 

natürlich auch im Restaurant. Nichtraucher pafften 

notfalls „zur Gesellschaft" eine mit, wer nicht wollte, 

konnte ja an die frische Luft gehen. Aschenbecher in 

allen Preisklassen waren das klassische Geschenk für 

jede Altersgruppe, Kinder töpferten sie gar für ihre 

Eltern, Onkel und Tanten im Werkunterricht, da alle 

rauchten. So war der Zigarettenmarkt heiß umkämpft, 

und für die Werbewelt stellten „Tabakwaren" eine 

solide Einkommensquelle dar: Die prominentesten 

(und teuersten) Seiten des „Spiegel" – wie die 

Rückseite und oft auch die Innenseite des Covers 

– waren über Jahre fest für Zigarettenwerbung 

gebucht. Stuyvesant machte sogar in einem Slogan 

das Viel-Rauchen zum Ziel. „Frankfurt Tokyo, 21 

Stuyvesant" titelten die Werber 1971: „Die erste 

noch in Frankfurt. Eine zweite zünden wir schon 

in 

der Luft. Die vierte hinter Hamburg. Zur achten 

sind wir bereits über dem Nordpol (…) So messen 

wir Raucher die Welt (…)" Mit dem „Duft der 

großen weiten Welt" hatte die Marke ihr Image 

als Zigarette für Weltenbummler gefunden, ein 

Image, das mit der boomenden Tourismusbranche 

der 70er Jahre vortrefflich einherging. Grenzenlose 

Mobilität und der Wunsch nach Erlebnissen standen 

im Mittelpunkt der Sehnsüchte; die heimlichen 

Unworte dieser Jahre hießen „Stubenhocker" 

und „Miesepeter"! 

Bereits seit 1954 gab es den „Marlboro- 

Mann" als Teil eines zunächst amerikanischen, 

später weltweiten Werbekonzepts der 


legendären Chicagoer Agentur Leo Burnett. Er 

hat bis heute Kultstatus. Der einsame Cowboy 

ritt und rauchte, zähmte Pferde und lehnte lässig an Zäunen, um ihn 

herum nur Landschaft und Feuer ... Der „Marlboro-Mann", nie ohne 

Hut und Stiefel, ist der Prototyp einer geglückten Image-Kampagne, 

allerdings erst seit 1971 auch in Deutschland (wo bis dahin wilde Hippie- 

Collagen die Reklame für Zigaretten bestimmten). 1972 war Marlboro 

übrigens die meistverkaufte Zigarette der Welt. 

Der Slogan „Ich geh' meilenweit für eine Camel" (im Original 

„I'd walk a mile for a Camel") wurde sogar schon seit 1921 

benutzt und war ebenfalls sehr erfolgreich. Der „Camel-Mann" 

ist dagegen verhältnismäßig jung (die Zigarette, obwohl seit 1913 

auf dem amerikanischen Markt, wurde hier zu Lande erst 1968 

eingeführt). Den entsprechenden Werbetext kombinierte man 

mit durchgelaufenen Schuhen, die der sympathische Typ dem 

Betrachter quasi als Beweis für seine Obsession entgegenstreckte: 

Die in der Regel heißgeliebten hellbraunen Camel-Schuhe, die 

(noch ohne Löcher in den Sohlen) seit Ende der 70er Jahre auch in 

den Schuhgeschäften zu erwerben waren, bildeten das Tüpfelchen 

auf dem i für die Raucher der Zigaretten mit dem symbolischen 

Dromedar, das „Kamel" genannt wurde. In den Anzeigen trugen 

zunächst verschiedene Männer die kaputten Treter und erkundeten 

damit fremde Länder, erst ab 1975 wurde der lockige 

Schnauzbart Bob Beck das 

Gesicht der Kampagne und 

blieb es bis 1985. 

Camel und Marlboro beherrschten 

nebeneinander Anzeigen-, 

Plakat- und Kinowerbung der 

70er Jahre in ähnlich offensichtlicher 

Konkurrenz wie Adidas und 

Puma: Man musste sich zwischen 

den beiden entscheiden, 

oder man rauchte ganz andere 

Sorten. Viele von diesen waren 

Eintagsfliegen und überlebten 

ihr Einführungsjahr nicht, 

ihre Namen sind längst vergessen. 

Im Ausstellungskatalog 

„Werbewelten made in Hamburg. 

100 Jahre Reemtsma" heißt es: 

„Zwischen 1967 und 1979 brachte Reemtsma fast 160 neue Marken auf 

den Markt und versuchte, neue Zielgruppen zu erreichen. Damit reagierte 

das Unternehmen auch auf die zunehmende Individualisierung und 

das Entstehen unterschiedlicher Lebensstile, Milieus und Alltagskulturen 

nach der 68er-Bewegung. Unter den Neuentwicklungen waren ,Silva' 

für die moderne Frau, ,Leo' für den studentischen Lebenskünstler oder 

,Morgan' in der wetterfesten Kunststoffbox für den Naturliebhaber als 

direkte Konkurrenz zur erfolgreichen ,Camel'." 

A uch die moderne Raucherin war inzwischen 

eine feste Größe unter den 

Zielgruppen: In den 70er Jahren habe das Rauchen von Frauen den 

„verruchten Charakter" verloren und sei in der Reklame zu einem 

„äußeren Signal der Emanzipation stilisiert" worden, erläutern die 

Herausgeber der Untersuchung „1945 bis 1995. 50 Jahre Werbung in 

Deutschland". Sie zeigen dazu eine Anzeige für die Zigarette Kim, die 

„schlank und rassig" Frauen ansprechen soll: „Für Männerhände viel 

zu chic!", erklärt die Kampagne von 1972 dazu. Vergleichbar waren 

auch Candida oder Eve: Bei beiden war 

die Packung (bei Eve sogar die Zigarette 

selbst) mit bunten Regenbogen- bzw. 

Blümchen-Motiven dekoriert –, offenbar 

dachten die Macher, man müsse 

eine Frauenzigarette unbedingt romantisieren 

und mit einem Frauennamen 

belegen, weil das bei den Groschen- 

Romanen so gut funktionierte ... 

Die größte Errungenschaft der 70er 

Jahre waren bei den Zigaretten 

interessanterweise die „Leichten" oder 

„Milden". In den Sechzigern war die Kritik 

aus dem Gesundheitsbereich aufgrund 

neuer Studien so laut geworden, dass die 

Tabakwarenindustrie reagieren musste (ab 

1974 galt ein erstes Tabak-Werbeverbot 

für Radio und Fernsehen). Zu den prominentesten Nikotingegnern 

gehörte die Deutsche Krebshilfe, die die Ärztin Mildred Scheel 1974 

gegründet hat. Ihr Mann Walter bekleidete von 1974 bis 1979 das Amt 

des Bundespräsidenten, und das Paar war – außer bei B.A.T., Reemtsma, 

Reynolds, Haus Neuerburg und Co. – sehr beliebt. 

Zunächst mit Filterzigaretten und dann mit reduzierten Teerwerten 

in den „Light"-Zigaretten gaben sich die Firmen den Anschein, tatsächlich 

gesundheitsbewusster zu denken; faktisch hatte das Ganze aber 

sogar eine Ausweitung des Marktes zur Folge, und die Reklame zeigte 

skurrile Auswüchse: Für Astor special erfand man 1970 tatsächlich eine 

„Airmix-Zone" und titelte frech: „Die 

Cigarette, die atmet"! 

Gerade für die als „stark" bekannten 

Sorten wie Roth-Händle war 

es jedoch zunächst ein großer Schritt. 

Da hieß es noch 1969 beschwörend 

über die neue Zigarette: „Sie hat das 

Filtermundstück bekommen und den 

Roth-Händle-Tabak behalten", weil 

die alte Kundschaft nicht vergrault 

werden sollte. Gauloises dagegen 

gab es jahrelang mit und ohne Filter. 

Und viele andere boten ebenfalls 


ihre Ware so oder so und später als „Lights" an und konnten damit ihr 

Angebot effektiv erweitern. 

Menthol wiederum erreichte als aromatisierende Beigabe, dass der 

Rauch beim Einatmen milder wirkte. Die Menthol-Zigaretten der 

70er Jahre, allen voran Reyno, setzten in der Werbung auf „Erfrischung", 

auf den Reklamebildern assoziativ mit Wasser, Kühle oder grünen 

Pflanzen verbunden. 

Auch erste Reflexionen der 

„Zurück zur Natur"-Bewegung 

waren zu erkennen. Tom Selleck 

saß in Jeans im Gras und 

rauchte Reyno (zum Serienstar 

Thomas Magnum wurde er erst 

später), und die Helden der 

Gauloises-Kampagne, die immer 

etwas Verrücktes anstellten, 

dümpelten mit irgendwelchen 

Gefährten auf dem Wasser oder 

machten Picknicks im Grünen. 

Gegen Ende der Dekade 

boomten dann die 

Selbstgedrehten, schließlich war 

Handarbeiten ohnehin groß 

in Mode: Die einen machten 

Makramee oder Ikebana, die 

anderen rollten ihre Kippen, so 

ließ sich das Rauchen in den 

Hobby-Sektor integrieren ... Hier 

gab es Bison, Samson, Javaanse, 

Roth-Händles Schwarze Hand 

oder Drum, sämtlich vor 

allem mit jungen Leuten als 

Zielgruppe. Natürlich war der 

Tabak ebenfalls für den Bau von 

Joints beliebt, aber das durfte 

aus naheliegenden Gründen 

in der Reklame auf gar keinen 

Fall zur Sprache kommen, 

auch wenn das Drogen-Mekka 

Holland als Ursprungsland 

besonders gerne betont wurde. 

Die jungen Männer und Frauen wurden meist in der Gruppe oder 

als Pärchen gezeigt, redend, politisierend und rauchend, oft mit Gitarre 

oder Büchern, immer zwanglos in Jeans und rauchend. In einer Drum- 

Anzeige hängt sogar ein Plakat an der Wand der Redaktions-Szenerie, 

das verdächtig nach dem Vietnam-Revolutionär Ho Chi Minh aussieht, 

die Studentenbewegung hinterließ hier ihre Spuren. Für Samson warb 

dann auch der eine oder andere Promi: Sowohl Didi Hallervorden als 

auch Paul Breitner zierten die Anzeigen, und ihre frechen Wuschelköpfe 

suggerierten den erstrebenswert unbeugsamen Geist. 

Mit Blick auf die Werbekonzepte lief besonders eine Serie ausgesprochen 

lange: Das „HB-Männchen" war abgelöst worden von einer 

Gruppe fröhlicher junger Menschen, die in den 70er Jahren gemeinsam 

ihren Hobbys nachgingen und ihre Freizeit (natürlich HB rauchend) 

miteinander verbrachten. Da ist dann alles im Einsatz: das Tandem, der 

Hopseball, Wurfspiele oder ein Riesenschachspiel. Die unbekümmerte 

Gruppe und ihre kindlichen Accessoires sind in einem gelben Rahmen 

vor einen weißen Hintergrund gesetzt, im Vordergrund ist immer die 

HB-Schachtel mit ihrem gekrönten rot-gelben Logo in Zeltform zu 

sehen, als Signatur im Rahmen findet sich außerdem das alte „Haus 

Bergmann"(= HB)-Logo. 

Eine andere Serie mit ebenso hohem Wiedererkennungswert war 

die Atika-Reihe, in der jeweils ein Paar bummeln geht (heute 

hieße es „shoppen") und alle möglichen Gegenstände gemeinsam 

aussucht: Sie kaufen Spiegel, Koffer oder orientalische Laternen, 

sind im Lampengeschäft oder wählen Schuhe aus. Und obwohl es 

1971 noch im Text 

dazu hieß: „Es war 

schon immer etwas 

teurer, einen besonderen 

Geschmack 

zu haben", war klar: 

Einig im Geschmack 

sind sie sich sowieso! 

Auch wenn ihre 

Einkäufe und ihre 

Zigaretten teuer sind 

... Es war die „schöne 

neue Welt des 

Genießens" (so der 

Slogan von 1973). 

Erst gegen Ende 

der Dekade wurde 

das geschmackvolle 

Paar dann durch 

eine lockere Gruppe 

abgelöst. Jetzt hieß 

der Slogan: „Wir 

lieben's leicht." 

Die Luxus-Schiene war bei anderen Sorten allerdings noch ausgeprägter: 

„Erste Sorte" umgab den Raucher in Rolli und Lederweste 

mit poliertem Holz, Stuck und Marmor – hier hieß „Stil" dann selbstverständlich 

„le style"! Benson & Hedges oder Dunhill setzten ebenfalls auf 

altmodische Kostbarkeiten. Erstere kooperierten dazu sogar mit British 

Leylands Jaguar und feierten beides, Auto und Zigarette, als „British 

European Style". Dunhill präsentierte sich auf edlem roten Leder mit goldenem 

Feuerzeug oder ausgesuchtem Schreibgerät ganz hochherrschaftlich. 

Die Philipp-Morris-Kampagne allerdings zeigte die Packung gleich 

in Kombination mit Austern, Champagner, Goldmünzen, Diamanten oder 

gar der Blauen Mauritius. Hier 

wurde die Assoziation „Luxus" 

quasi mit dem Holzhammer vermittelt. 

John Player Special (JPS) 

dagegen bot dekadenten 

Lebensstil mit sexueller 

Komponente: Eine schwarzweiß 

fotografierte Fotoserie 

zeigte in der Regel eine attraktive 

Frau von hinten, so dass 

ihr Po (gerne in knallengen 

Lederhosen oder Hotpants) mit 

einer anzüglichen Bemerkung 

dabei zum Bildmittelpunkt 

wurde: „Lernen Sie jemanden 

kennen, der John Player Special 

raucht. Vielleicht bleibt sie nicht 

standhaft", war zum Beispiel zu 

einer Skaterin getextet, deren 

Unterwäsche im Gegenlicht 

lockend durch ein transparentes 

Kleidchen schien .... 

Die seit dem Ende der 

60er Jahre gelaufene 

Gauloises-Reihe trumpfte auf 

eine ganz andere Art mit möglichst 

humorvollen, unkonventionellen 

Motiven auf, die den 

Individualismus des Frankreich- 

Fans unterstreichen sollte, und 

die direkte Konkurrenz, Gitanes, 

machte sich die Popularität von 

Naiver Kunst zunutze. Beide 


vermittelten Frankreich als Land des Genusses 

und des Savoir vivre. 

Stuyvesant bot 1971 bis 1973 wiederum 

etwas ganz Neues: eine 

Unikat-Kampagne, wie sie später auch 

Jägermeister mit seinen Porträts startete. 

Durchnummerierte Fotos von Landschaften 

eröffneten einen Blick auf die durch den 

vereinfachten Flugverkehr endlich erreichbare 

ganze Welt aus Sicht der Fernreisenden. Die 

Bilder verbanden so die Marke mit der Reise 

an sich, ohne dass der Flugkapitän noch – 

wie zu Beginn der 70er Jahre – unbedingt 

gezeigt werden musste. 

Parallel zur Fotoserie behielt Stuyvesant 

übrigens auch traditionelle Werbegrafik 

im Programm, mit der Reval und Lord Extra 

so erfolgreich waren. Für Reval gestalte- 

te der Grafiker Gerd Grimm die 

Anzeigen 1961–1971 und 1975, 

indem er ausgesprochen farbige 

Figuren oder Porträts von Rauchern 

und Raucherinnen vor einen blauen oder orange-gelben 

Hintergrund setzte. Grimm war gelernter Modezeichner, 

und sein unverwechselbarer Stil als Künstler hob die 

Kampagne aus der übrigen Reklame hervor. 

Einerseits waren in ästhetischer Hinsicht die 

meis ten Anzeigen, in den typischen 70er- 

Farben gehalten, ein Augenschmaus in Braun-Grün 

und vor allem sonnigem Orange, andererseits genoss 

man die relativ junge Möglichkeit des Farbfotodrucks 

– und gerade die Reiseserie von Stuyvesant erinnerte 

doch 

sehr an die zeitgenössischen Endlos-Dia-Abende 

mit „Mutti vor Sonnenuntergang". 

Gleichzeitig gab es eine Nostalgiewelle: Beliebt waren gestalterische 

Anklänge an die Jahrhundertwende wie bei Roth- 

Händle, zumal eben diese 1970 ihren hundertjährigen Geburtstag 

feiern konnten. Die verschnörkelten Grafiken in 

Pink vor schwar- 

zem 

Hinter grund 

(höchstens gelegentlich 

mit royal-blauen 

Elementen) wirkten 

durch den starken 

Kontrast gleichzeitig 

altmodisch und frech 

und konnten so das 

alte Firmen-Emblem, 

die Hand, in etwas 

Zeitgemäßes integrieren. 

Literatur: 

Wer noch mehr 

Aufmerk samkeit 

erheischen wollte, musste 

etwas bieten. Gewinnspiele 

eigneten sich ideal zur 

Kundenbindung, 

und 

Preisausschreiben 

sowie 

bestellbare Werbeprodukte 

gab es von vielen Marken. 

Typisch waren dabei Autos 

(wie der Gauloises-R4) oder 

Reisen, Küchenutensilien 

und Spiele. Krone gab sogar 

im 

honorigen Hoffmann 

& 

Campe-Verlag ein Buch 

mit Spielanleitungen für 

Erwachsene 

heraus, bei der Firma ASS 

(Altenburg-Stralsunder Spielkartenfabriken) 

erschienen sowohl das Krone-Spiel „Coup" als 

auch „Battel", „Würfeljoker" oder „Zock". Für 

HB warb die ganze Reihe der HB-Bildatlanten 

(und machte mit aktuellen Karten und Fotos 

den bis dato konkurrenzlosen „Merian"- 

Heften das Leben schwer), Kartenspiele gab 

es von ganz vielen Marken. 

Auf der Nostalgiewelle 

schwammen dazu die 

„Barspiegel"; Bierdeckel und 

Aschenbecher als Klassiker des 

Zubehörs zierten die Tische: 

Wer sich an eine typische 

Kneipeneinrichtung der 70er 

Jahre erinnert, hat diese Details vielleicht nur 

unbewusst wahrgenommen. Immer aber stand 

irgendwo das Gerät zum Ziehen der Kippen, 

für das extra die „Automatenpackung" 

geschaffen worden war, wie man sie heute 

kennt. 20 Stück für zwei Mark kann sich 

allerdings wohl keiner mehr vorstellen! 

1945 bis 1995. 50 Jahre Werbung in Deutschland" 

" 

Joachim Kellner, Ulrich Kurth, Werner Lippert (Hg.) 

Ingelheim (Westermann), 1995 

Werbewelten made in Hamburg. 

" 

100 Jahre Reemtsma, Hamburg" 

Stefan Rahner / Museum der Arbeit (Hg.) 

Junius Verlag, 2010 


40 Jahre 

2,7 Milliarden Franken 

erobern die Kinderzimmer 

Als die ersten Playmobil-Figuren 

1974 die Verkaufsregale der Spielwarengeschäfte 

erreichten, konnte ihr 

Hersteller „geobra Brandstätter" bereits auf 

eine fast hundertjährige Firmengeschichte 

zurückblicken. Der Schlosser Andreas 

Brandstätter hatte sich 1876 in Fürth selbstständig 

gemacht und stellte in der nach ihm 

benannten Firma mit einigen Mitarbeitern 

Schatullenbeschläge und -schlösser her. 1908 

Die ersten Playmobil-Figuren 1974. 

wurde das Unternehmen in „Metallfabrik 

Georg Brandstätter" umbenannt. Georg war 

der Sohn des Firmengründers. Er hatte den 

Betrieb übernommen und zog 1921 ins 

etwa fünf Kilometer entfernte Zirndorf, wo 

noch heute die Zentrale ihren Sitz hat. 

Damals stellte man bereits neben Metallwaren 

auch Spielzeuge her, etwa Utensilien für 

Kaufmannsläden, Spielzeugtelefone und 

Spardosen. (Brandstätter war übrigens nicht 

der erste Spielzeugfabrikant Zirndorfs, schon 

1880 war hier die Firma Lorenz Bolz – die 

Erfinder des Brummkreisels (1913) – an den 

Start gegangen.) 

1952 begann dann der heutige 

Firmenchef Horst Brandstätter mit der 

Ausbildung zum Formenbauer seine 

Laufbahn im Familienunternehmen 

„geobra Brandstätter", wie die Firma seit 

Beginn der 1930er 

Jahre hieß. In den 

Fünfzigern spezialisierte man sich auf 

Spielzeug aus Kunststoff, zum Ende 

des Jahrzehnts gelang mit der 

Herstellung von Hula- 

Hoop-Reifen ein 

Noch weit weg vom Playmobil-Männchen: 

eine der ersten Skizzen von Hans Beck. 

großer Coup: „geobra Brandstätter" wurde 

zum europäischen Marktführer der wieder in 

Mode gekommenen Reifen. Breit aufgestellt 

mit einer umfangreichen Produktpalette vom 

Wasserski bis zum Plattenspieler manövrierte 

man sich erfolgreich durch die Sechziger. 

Doch die Nase vorn zu behalten, wurde 

ein immer schwierigeres Unterfangen, nicht 

zuletzt angesichts des Kostendrucks aus 

Niedrigpreisländern. „geobra" trat also die 


Flucht nach vorn an, 1969 wurde im 25 

Kilometer entfernten Dietenhofen 

ein neues Fabrikgebäude gebaut, 

zwei Jahre später auf Malta gar 

die erste Auslandsproduktion 

begründet. Die Produktpalette e 

sollte auf Deckenpaneelen und 

Kunststoffmöbel ausgeweitet 

werden, doch die aufkommende 

Ölkrise und der damit verbundene 

Rohstoffmangel ließen den einstigen Hula- 

Hoop-Marktführer in die roten Zahlen schlittern. 

Wenn man so will, haben wir Playmobil der 

Ölkrise zu verdanken! Erfunden wurden die 

Nasen, die dann aber ersatz- 

los gestrichen und letztlich 

auch von niemandem 

vermisst wurden. Beck 

wirkten seine Figuren 

mit Nase zu clownesk. 

1972 wurde schließ- 

lich das Patent angemel- 

det. In der ursprünglichen 

Konstruktionszeichnung hat das Playmobil- 

Männchen noch gegenbewegliche Beine, 

doch in der Praxis zeigte es sich, dass die 

Standfestigkeit nicht die beste war. Also 

wurde dieser Ansatz wieder verworfen, denn 

bis heute hat die Funktionalität oberste 

Figuren entstanden entsprechende Welten. 

Waren es im Startjahr nur Pferde, einige 

Verkehrsschilder und ein Tipi, zogen Ritter 

alsbald in Burgen sowie Cowboys in den 

Saloon ein, und Polizisten verfügten fortan 

über einen Fuhrpark. Obwohl Playmobil 

schon damals seinen bis heute anhaltenden 

Siegeszug antrat, war insbesondere in den 

Siebzigern noch eine Hürde zu nehmen. Im 

benachbarten Fürth begann 1975 die BIG 

Spielwarenfabrik die Produktion eines verblüffend 

ähnlichen Systemspielzeugs. Unter 

dem Claim Play-Big entstanden vergleichbare 

Figuren, die nur geringfügig größer 

waren und auch mal ernst oder traurig 

70er Jahre 80er Jahre 90er Jahre 2000er Jahre 

kleinen Figuren mit den beweglichen Armen 

und Beinen vom gelernten Tischler Hans 

Beck aus Greiz. 1958 hatte der Thüringer, der 

Priorität: Kinder sollen beim Spielen mit 

Playmobil nicht gefrustet werden. Das Patent 

ist übrigens schon 1990 erloschen, doch 

Playmobil-Chef Horst Brandstätter und sein die Figuren genie- 

Mustermacher" Hans Beck Mitte der Siebziger ßen weiterhin 

" 

beim Fachsimpeln über ein Kultspielzeug Plagiatsschutz. 

Sie sind nämlich 

als Kunstwerk 

anerkannt, 

und 

somit greift das 

Urheberrecht bis 70 

Jahre nach dem 

Tod des Schöpfers. 

Hans Beck verstarb 

einige Jahre zuvor nach Franken übergesiedelt 

war, sich bei „geobra" als Entwickler 

– damals hieß es noch Mustermacher 

– beworben. Ausschlaggebend für seine 

Anstellung soll sein Faible für den 

Modellbau gewesen sein. Zwölf 

Jahre später stellte der Vater der 

Playmobil-Figuren, wie Beck von 

den Medien genannt wird, seinem 

Chef die ersten Prototypen vor: 

einen Ritter, einen Indianer und 

einen Bauarbeiter. Brandstätter ließ 

Beck machen, denn es war klar, dass ein 

Spielzeug, das gut in eine Kinderhand 

passt, in der Herstellung weniger 

Rohstoffe benötigt. In der ersten Skizze 

von Hans Beck hatten die Figuren noch 

2009, zweifelsohne 

lebt er jedoch in seinen 

Figuren weiter. 

Für die Nürnberger 

Spielwarenmesse im 

Frühling 1974 stellte 

Beck die erste 

Musterkollektion her. Mal abgesehen von 

einem Großauftrag aus den Niederlanden 

war die Reaktion des Handels auf das erste 

Sortiment mit 19 verschiedenen Artikeln 

aber nicht unbedingt euphorisch. Anders 

die Reaktion der Konsumenten: Ende 

des Jahres waren schon drei Millionen 

D-Mark umgesetzt. Passend zu den 

schauten. „geobra" zog 

vor Gericht, doch der 

Bundes gerichtshof wollte 

den Plagiatsvorwurf nicht 

bestätigen. Im abschließenden 

Urteil zugunsten 

der Firma 

BIG hieß es, 

dass „Play-Big- 

Figuren den Eindruck 

eines 

selbstbewussten, 

sportlichen, 

aggressiven 

Mannes vermitteln, 

wohingegen das Playmobil- 

Männchen die Wirkung von einem Kind, nett 

und noch unsicher auf den Beinen", habe. 

Der jahrelange Zwist wurde schließlich von 

den Käufern entschieden, Play-Big konnte 

sich am Markt nicht etablieren, 1979 wurde 

die Produktion der Play-Welten wieder eingestellt. 

Um die Fürther Spiel waren fabrik 

braucht man sich dennoch keine Sorgen zu 

machen, mit dem heute legendären Bobby- 

Car gelang ihr schon 1972 ein großer Wurf. 

1976 gab es die ersten weiblichen Playmobil- 

Figuren in bewährter Größe (noch ohne 

Busen, aber mit flottem Minikleid), und fünf 

Jahre später folgte der erste Nachwuchs: 


Mädchen- und Jungenfiguren mit 5,5 

Zentimetern Länge. 1984 kamen Babys mit 

beachtlichen 3,5 Zentimetern hinzu. Zu dieser 

Zeit gab es längst auch austauschbare 

Brillen und Bärte, 1986 die ersten dicken 

Männer (der Piratenkapitän), wenig später 

Frauen mit Brüsten und seit 2012 gar die 

schwangere 

Playmobil-Figur. 

Die Vielseitigkeit t scheint seit 

Ende der Achtziger schöpflich. Es gibt nack- 

te Füße, verschiedene 

Schuhe, 

unterschiedliche 

Rocklängen, 

Jacken, Westen, en, 

uner- 

Mützen, lange 

Haare, 

kurze 

Haare ... 2006 

kamen 

Fußballer 

aus unzähligen Nationen 

mit eigenem Stadion 

auf den Markt, ein Jahr später sogar 

Damenteams (übrigens hieß das Stadion 

des realen Zweitligisten SpVgg Greuther Fürth 

von 1997 bis 2010 Playmobil-Stadion). 2010 

folgten die ersten Figuren in Bikini und 

Badehose. Eine absolute Innovation im 

letzten Jahr war das Shopping Center, 

denn die Shopping-Figuren lassen 

sich an-, aus- und umziehen. 

Parallel dazu entstanden 

immer weitere Spielwelten: 

Gebäude, Autos, Tiere ... Ein 

wahres Highlight war 1978 

das erste Piratenschiff, innerhalb 

eines Jahres enterten 

100.000 Exemplare die 

Badewannen. Im selben Jahr 

entstand auch „Playmobil Color" 

– Figurensets zum Selbstanmalen, 

eine Idee, der man bis 1993 nachging. 

Die Weltraum- und Kosmonauten- 

Kollektionen bekamen in den Achtzigern 

einen eigenen Begriff sowie ein Sonderlogo 

verpasst: Playmo Space. 

Mittlerweile sind sämtliche 

Packungen wieder 

einheitlich blau und 

mit weißem Schriftzug 

versehen. 

Lediglich 

ein paar Artikel aus 

den in erster Linie für 

Mädchen gedachten 

Puppenhaus- 

und 

Schlösser-Linien 

befinden sich in rosa 

Schachteln, und in 

gelben Kartons kommt 

die Reihe „Playmobil 

1.2.3." daher. Weil sich 

das Spielzeug aufgrund 

vieler Kleinteile erst 

an eine Zielgruppe ab 

vier Jahre wandte, entschloss 

man sich 1990 

für eine zusätzliche 

Serie für die Kleinsten – 

ein weiterer erfolgreicher 

Schachzug des fränkischen 

Unternehmens. Seit 2011 

gibt es darüber hinaus als 

„Fi?ures" noch nicht montierte 

Sammelfiguren in 

Überraschungstüten. 

Die Playmobil-Welten 

sind meistens ein 

Abbild der Realität. 

So haben beispiels- 

weise unlängst 

die 

Polizeifiguren ihren 

Farbcode 

gewech- 

selt, als fast alle 

Bundesländer im 

Zuge einer 

euro päischen 

Harmonisierung 

blau-silberne 

bzw. 

blau- 

weiße Autos und 

Uniformen einführten. 

Nun werden die bunten 

Spielfiguren, denen 1974 

keine große Zukunft vorausgesagt 

wurde, 40 Jahre alt und 

haben an Attraktivität nichts büßt. Im Gegenteil: Erstmals in der 

einge- 

40-jährigen Geschichte konnte ein 

weltweiter Jahresumsatz von 532 

Millionen Euro erzielt werden. Die 

komplette Brandstätter-Gruppe knackte kt sogar 

erstmals die 600-Millionen-Euro-Marke, denn 

mit Fertigung und Vertrieb der Lechuza- 

Pflanzsysteme hat der mittlerweile 80-jährige 

Alleininhaber Horst Brandstätter einen weiteren 

Trumpf im Ärmel. Neben der Zentrale in 

Zirndorf, die 1990 neu errichtet wurde und 

an die sich seit 2000 der große Playmobil- 

FunPark anschließt, und dem Hauptwerk in 

Dietenhofen gibt es eine weitere Fabrik in 

Selb; im fränkischen Herrieden wird derweil 

ein neues Logistikzentrum gebaut. Zudem 

verfügt „geobra" über Auslands fertigungen 

© Historisches Museum der Pfalz Speyer 

Mit dieser Zeichnung 

wurde 1972 das Playmobil- 

Patent angemeldet. 

Dieses überdimensionale Playmobil- 

Schiff steht derzeit im Historischen 

Museum der Pfalz in Speyer. 

auf Malta, in Tschechien und 

Spanien. 

Im Festjahr wird es 147 Neuheiten en 

geben, darunter Sets mit einem 

so genannten Jubiläumsbonus. s. 

Highlights werden ein kompletter 

Freizeitpark mit beleuchtetem 

Kettenkarussell und Riesenrad 

sowie die erste Playmobil-Kita sein. 

Einen interessanten Rückblick k 

auf die letzten vier Dekaden bie- 

tet das Historische Museum der 

Pfalz in Speyer. Noch 

bis zum 22. Juni 

2014 werden auf etwa 

2000 Quadratmetern ern 

Ausstellungsfläche 

e 

detailreiche, zum Teil 

raumfüllende 

Installationen 

zu historischen und aktuellen 

Themenwelten zu sehen sein. 

So 

gibt es eine Dinosaurier- 

Forschungsstation, ein Ozeaneum 

sowie den Zug zum Hambacher Schloss 1832. 

Damals pilgerten etwa 30.000 Pfälzer zur 

als Volksfest getarnten Protestkundgebung, 

Sinnbild früher Demokratiebemühungen in 

Deutschland. Eine der interessantesten Figuren 

aus den letzten Jahren ist dort aber nicht zu 

sehen. Als Horst Seehofer einmal „Playmobil" 

besuchte, machte man ihm spontan eine Figur 

zurecht, die als Angela Merkel durchgehen 

konnte. Ob er die Merkel-Figur an exponierter 

Stelle aufbewahrt oder wutentbrannt weggeworfen 

hat, ist indes nicht bekannt ... 

Christian Hentschel 

Fotos: © Geobra Brandstädter/Playmobil 


Von Sven Rachner 

Leckere Reise 

in die Kindheit 

Es muss Ende der 70er Jahre gewesen sein: Da gab es 

diese unverschämt gut schmeckenden Kaubonbons. Sie 

waren klein, quadratisch und klebten immer am Gaumen 

– und sie hatten einen wahnsinnig fruchtigen Geschmack. 

Es gab sie in vier verschiedenen Geschmacksrichtungen: 

Ananas, Himbeere, Orange und Zitrone – Sugus" von 

" 

Suchard. Zugegeben: Wir haben damals so einiges an 

Süßigkeiten verschlungen, von Esspapier bis hin zu 

Schleckmuscheln, aber Sugus" waren einfach 

anders. Und das hatte seinen Grund … 

" 

Einem gewissen Monsieur Hans-Conrad 

Lichti habe ich, zusammen mit vielen anderen, 

wohl einen Teil dieser unvergesslichen 

Kindheitserinnerungen zu verdanken. Der 

Generaldirektor der Schokoladenfabrik Suchard 

machte sich im Jahr 1929 auf die Suche 

nach Alternativen zu Kakao und Schokolade. 

Hintergrund war der damals desolate Zustand 

der Schweizer Wirtschaft, was derartige Konsumgüter 

rar und nahezu unerschwinglich machte. Fündig wurde Lichti schließlich 

in der polnischen Niederlassung von Suchard in Krakau. Dort 

stellte man ein für damali- 

ge 

Zeiten völlig neuartiges 

weiches Kaubonbon her. Er 

erwarb die Herstellungslizenz 

und kehrte mit der Rezeptur 

in 

der Tasche zurück in die 

Schweiz. Da die Produktion 

der Kaubonbons im Vergleich 

zur Schokoladenherstellung 

deutlich günstiger war und 

sie zudem im Sommer keine 

" Sugus"- 

Verpackung 1931 

Kühlung benötigten, konnte 

er den Verwaltungsrat von 

Suchard schließlich davon überzeugen. 

So wurde ab dem Jahr 1931 im Winter 

vorrangig Schokolade produziert – und in den Sommermonaten 

erstmals die neuen Kaubonbons 

mit dem Namen „Sugus". 

Sugus" 

entwickelte 

„ sich zum absoluten 

Liebling der Schweizer, so 

dass 1945 erstmalig der 

Export in verschiedene 

Länder Afrikas, 

Asiens und 

Südamerikas erfolgte. Ab 1960 eroberte „Sugus" 

nach und nach auch mehrere europäische Länder, 

darunter Deutschland. 1991 wurde Suchard 

dann von Kraft Foods übernommen, und zwei 

Jahre später erfolgten die ersten Änderungen: 


Die Produktion wurde von der Schweiz nach Frankreich 

verlagert, die Geschmacksrichtung Himbeere durch Erdbeere 

ersetzt und schließlich auch die Rezeptur noch leicht verändert, 

so dass die „Sugus" etwas härter und nicht mehr so klebrig waren. 

Inzwischen gehört „Sugus" dem Weltkonzern Wrigley, der die 

Marke im Jahr 2005 kaufte und ein Jahr später 

– zum 75-jährigen Jubiläum – schließlich 

auch noch die 

Form der „Sugus" 

veränderte und 

seitdem insgesamt elf weitere 

Geschmacks richtungen auf den 

Markt brachte. 

So sehr mich persönlich auch 

die erfolgten Änderungen treffen, 

so wenig haben sie anscheinend 

Auswirkungen auf die 

Erfolgsgeschichte von „Sugus": Einer 

Umfrage zufolge gehört „Sugus" zu 

den 20 beliebtesten Marken der Schweiz, 

und täglich werden über 300.000 

„Sugus" alleine in der Schweiz verzehrt. Kein Wunder, dass 

Wrigley daher weiterhin auf die Traditionsmarke setzt. Neben 

einem Onlineshop (Lieferung leider nur innerhalb der Schweiz 

und nach Liechtenstein) und einer eigenen Facebook-Seite 

gibt es zwischenzeitlich sogar auch ein „Sugus"-Spiel fürs 

iPhone ... 

Neue Verpackung, 

neues Maskottchen, 

gleicher Inhalt 

© Wrigley

MIT ERIC CLAPTONS 

GITARRE FING ALLES AN 

Was machen zwei Amerikaner in London, wenn sie vergeblich nach ihrem 

Lieblingsessen suchen? Sie eröffnen ein Restaurant und braten die Burger 

selbst. Als so simpel entpuppt sich letztlich die Gründungsgeschichte der 

Hard-Rock-Cafe-Kette, als 1971 in der Old Park Lane das erste Bier über den 

Tresen ging. Mittlerweile ist das Unternehmen in der ganzen Welt präsent: In 

über 55 Ländern gibt es an die 175 Lokale und fast 20 Hotels. Und überall 

regiert der Rock’n’Roll. 

Hard Rock Cafes sind ein 

Abenteuer. Zumindest für 

Rockfans. Egal, wo auf 

der Welt man eine der 

Lokalitäten mit dem schlichten, aber 

auffälligen Logo ansteuert – es erwartet 

einen eine Reise durch die Welt der 

populären Musik. Ein Motorrad von Elvis zu finden, unter 

Presley, eine handgeschriebene Setlist von 

der Lederjacke 

Jerry García (Grateful Dead), ein Ticket 

von Bruce 

für jenes Led-Zeppelin-Konzert, das 

es wegen des plötzlichen Todes von 

Dickinson 

(Iron Maiden) 

John Bonham nie gegeben hat, oder 

wurde eine 

John Lennons Brille – kein Rock’n’Roll- 

rt vie- 

von Steve Vai 

Originalklampfe 

Museum der Welt kann mit derart 

Das Mutterhaus" aller Hard Rock Cafes steht in London an der Old Park Lane. 

" 

len und einzigartigen Zeugnissen der 

Rockhistorie aufwarten. Manchmal stehen 

Besucher staunend vor den Vitrinen 

und fragen sich ungläubig flüsternd, 

ob das da wohl alles echt sei. Und 

nicht jeder traut sich gleich, neugierig g 

jeden Winkel zu erkunden, sich dabei 

womöglich zwischen Tische zu 

drängeln und andere Gäste 

beim Essen zu stören … 

Vor allem die Cafes 

platziert. Memphis, Tennessee, punktet 

t mit Memorabilia vom King, erinnert 

an die großen Zeiten der Sun-Studios 

und des Hauses Stax; New Orleans, 

Louisiana, lässt die Jazzfans staunen; 

in Nashville, Tennessee, und Atlanta, 

Georgia, können Country- und 

Gesehenes, während sie im Reiseführer blättert 

t 

oder in der Getränkekarte. Ein Stück weiter 

ist die Stimmung ausgelassener, sitzen fünf 

angeduselte Mittdreißiger in der Runde, haben 

keinen blassen Schimmer, was da alles über die 

Mattscheiben flimmert, wackeln trotzdem bei 

jeder Nummer im Rhythmus und singen bei 

AC/DC laut und falsch mit. 

Das Personal weiß indes mit allen umzugehen. 

Ob etwas zurückhaltender (eher selten) oder 

leutselig (häufiger) – die Kellner geben jedem 

in den USA sind 

Gast das Gefühl, dass sie ihm eine ganz spezi- 

wahre Fundgruben. 

elle Fürsorge angedeihen lassen. Da wird sofort 

Wenngleich hier eigent- 

lich nicht von Cafes 

gesprochen werden kann – der 

Begriff „Hallen" würde allemal bes- 

ser passen. Und trotz dieser zum 

Teil atemberaubenden Ausmaße 

ist an den Wänden manchmal 

kein Platz mehr: Neben 

einer signierten Gene-Simmons- 

Axt hängt eine Goldene der Rolling 

Hard-Rock-Fans schwelgen. Große und kleine 

Bildschirme servieren in einer Dauerschleife 

Clips und Live-Aufnahmen von Anthrax 

bis ZZ Top, von Bill Haley bis zu den 

Kings Of Leon. Nicht selten ersterben rben 

da an einigen Tischen die Gespräche 

zwischen ihr und ihm. Er lässt sich 

in die Bilder saugen, reagiert voller 

der Dialog gesucht, gefragt, erzählt, gefoppt. 

Wer ein intimes Plätzchen für stille Zweisamkeit 

sucht, wird es jenseits des Atlantiks in einem 

Hard Rock Cafe nicht leichthaben. Da ist doch 

eher ein dickes Fell 

angebracht. Gelangweilt 

geben sich die Mannschaften deut- 

scher Hard Rock Cafes allerdings 

auch nicht gerade, vor allem 

München kommt dem, was 

man aus Übersee und London 

Stones, neben einem Jerry-Lee-Lewis- Begeisterung auf ihm unbekannte 

kennt, doch ziemlich 

Hemd sind Sticks von Keith Moon Videos, freut sich über lange nicht 

nahe. Jedoch bricht aus- 


gerechnet das Berliner Haus etwas aus. 

Während die meisten Hard Rock Cafes 

gerade auch wegen ihrer rustikalen 

Einrichtung und des Chics vergange-ener 

Jahrzehnte so besonders sind, ist 

Berlin ziemlich modern ausgestattet. 

Zudem sind die hellen Farben 

untypisch für die Kette. Mit Verweis 

auf eine signierte Uwe-Hassbecker- 

Gitarre (Silly) ist schon einer der 

wertvollsten Gegenstände benannt, 

und die Clips rutschen häufig eher in die Top- 

100-Charts ab. Wer’s mag … 

Ein großer Teil der Einnahmen 

der Restaurant- 

Kette wird über die 

Merchandise-Flotte eingefahren. 

T-Shirts, Hemden, 

Caps, Gläser, Buttons, 

Sticker, Kühlschrankmagnete, e, 

Jacken, Kindersachen, 

Schmuck, Accessoires und 

und und. Alles ist für Sammler 

dahingehend interessant, dass 

es in jeder Stadt spezielle Designs gibt. Der 

Clou sind die Specials mit 

bestimmten Künstlern. 

Derzeit liegt ein starkes 

Eric-Clapton-T-Shirt gut 

im Rennen. Und ganz neu 

kam ein Kiss-Motiv in den 

Shop, das einige offizielle Designs aus der 

Merchandising-Maschinerie der US-Heavy- 

Rocker abhängt. The Who sind längst ausverkauft, 

John Lennon, Willie Nelson, Jimi 

Hendrix oder Elvis Presley aber noch 

zu kriegen. 

Kleine Bühnen sind kein Standard, 

aber in den größeren Cafes vorhan- 

den. Und wo es sie gibt, gehören 

abendliche 

Konzerte natürlich zum 

Angebot. Tagsüber dient zurückge- 

lassenes Billig-Equipment den Gästen 

als Requisite für Erinnerungsfotos. 

Mädchencliquen posen dann 

genauso als imaginäre Band wie 

Gruppen gestandener Herren. 

Richtig cool wird es allerdings 

in den Hard Rock 

Hotels. Die sind natürlich 

gehobene Preisklasse und 

absolut auf dem neuesten 

Stand. Lediglich die 

Ausstellungsstücke, 

überdimensionale 

Leuchtreklame-Gitarren 

an der Straße und 

Flying-V-Klampfen als 

Griffe an den großen 

Eingangstüren (Biloxi, 

Mississippi), stellen die 

Verbindung zur Cafe- 

Kette her. Größere Säle 

ermöglichen 

dementsprechend 

größere 

Konzerte. In Las Vegas, 

Nevada, 

zeichneten 

erst vergangenes Jahr im dortigen 

Hard Rock Hotel Def Leppard 

eine Live-DVD auf, für die sie ihr 

erfolgreichs tes Album, HYSTERIA, 

in 

voller Länge präsentierten. Wie 

dem auch sei: Jährlich gehen an die 

15.000 Gigs über die Bühnen der 

Hard-Rock-Häuser. 

Als 

Isaac Tigrett und Peter Morton 

am 

14. Juni 1971 das erste Cafe 

eröffneten, hätten sie sicher geschmeichelt, 

aber ungläubig g durch den Hasch-Rauch 

gegrinst, wenn ihnen 

jemand diesen Erfolg 

vorausgesagt hätte. 

Geschäftstüchtig waren 

die beiden Herren aber 

von Anfang an, denn schon 

beim Logo überließen sie 

nichts dem Zufall. Nicht 

nur, dass man das Design 

der Chevrolet-Blechmarke 

nachempfand, man holte 

sich sogar Alan Aldridge ins 

Boot, der bereits für die Beatles Aufträge 

erledigt hatte. Allerdings dürfte es wiederum 

dann doch eher Zufall gewesen sein, dass 

ausgerechnet 

ein 

Beatle 1973 das 

erste Konzert im Londoner Cafe bestritt: 

Paul McCartney und seine e Wings testeten 

ihr Programm für die 

anstehende UK-Tour. Ein 

Jahr später begann der 

Siegeszug der Hard-Rock- 

Cafe-T-Shirts: Tigrett und 

Morton sponserten ein 

Londoner Fußballteam und 

ließen ihr Logo auf die 

Spielerbekleidung drucken. 

Da nicht alle Hemden 

benötigt wurden, gingen n 

einige zurück an die Spender, die diese wiederum 

an ein paar Kunden verteilten. Und schon 

wollte jeder, der keins hatte, eines haben. So 

einfach war es in den 70er Jahren manchmal, 

das große Geld zu machen! 

Kein Deut weniger unterhaltsam ist der Beginn 

der Memorabilia-Ausstellung: Eric Clapton 

hängte 1979 eine seiner Gitarren über einen 

Stuhl im Londoner Mutter-Cafe, um seinen 

Stammplatz zu markieren und andere Gäste 


von diesem fernzuhalten. Nur knapp eine 

Woche später schickte dann Pete Townshend 

einen seiner Sechssaiter ein und vermerkte auf 

einem Zettel: „Meine ist so gut wie seine!" 

Heute hat die Kette über 74.000 Raritäten im 

Bestand. 

Das eigentlich uramerikanische Konzept der 

Restauration kam erstaunlicherweise aber 

erst 1982 in den Vereinigten Staaten an. 

Das erste Cafe öffnete in Los 

Angeles. Mittlerweile ist die Kette 

neben den USA, Großbritannien und 

Kanada auch in Asien, in Süd- und 

Mittelamerika, in der Karibik, in 

Afrika, im Mittleren Osten sowie 

in Ost- und Westeuropa vertreten. 

Es gibt Hard Rock Casinos, 

Hard-Rock-Live-Venues und 

Freizeitparks … 

Schlagzeilen machte die Kette, 

die über die Jahre eine Reihe von Besitzern 

sah, zuletzt tdamit, dass sie von den Seminolen 

aufgekauft wurde. Der Stamm, der 

sich korrekterweise Seminole Tribe 

Of Florida nennt und als der angepasste 

Teil der Seminolen-Nation 

gilt, akzeptierte bereits 1979 

Glücksspiel in seinem Reservat 

und wurde damit reich. 2006 

kauften die Seminolen für 727 

Millionen Euro die Hard-Rock- 

Cafe-Kette, verstärkten die karitativen 

Aktivitäten und setzten 

bei den Zutaten t der Gerichte noch stärker 

auf Bio. Die Indianer vermieden 

es wohlweislich, 

der Kette einen folkloristischen 

Touch zu verleihen 

und womöglich indianische 

Elemente zu integrieren. 

Und das Geschäft 

brummt … 

Jens-Uwe Berndt

DEM TÄTER AUF DER SPUR 

Mörderjagd 

? 

? ? ? 

? 

? 

? 

Täter auf der Spur" war von 

als Ratequiz 

" Aber ja! So muss es gewesen sein!" – Also, für Sie ist der Fall …" – 

" 

„… klar! Und für Sie?" Nicht, dass der mürrisch-todernste Kommissar 

Bernard in diesem Moment seinen skurrilen und stets sardonisch grinsenden 

Kollegen Inspektor Janot ansah – nein, er wandte sich an das 

TV-Publikum und an die im Studio versammelten prominenten Gäste. 

Und die konnten sich wirklich sehen lassen: Inge Meysel, Uschi Glas, Hans 

Rosenthal, Bibi Johns, Helga Feddersen und sogar Bundesinnenminister 

Hans-Dietrich Genscher saßen brav in der Raterunde und versuchten 

jeder für sich zu ergründen, wer den zuvor gesehenen Mord begangen 

haben könnte. 

D 

em 

„ 1967 bis 1973 um 20.15 Uhr im 

Samstagabend-Programm der ARD 

zu sehen und erfreute sich schnell 

einer wachsenden Fangemeinde. 

Die jeweiligen Ausstrahlungen der 

17 Folgen waren zwischen 30 und 

100 Minuten lang und stammten 

aus dem reichhaltigen Ideenfundus 

von Jürgen Roland („Stahlnetz", 

„Tatort", „Großstadtrevier"), der 

hier Drehbücher meist französischer 

Autoren verwendete. 

Zu Gast bei Jürgen Roland: Sabine Christiansen und Werner 

Baecker – Dem Täter auf der Spur: Frau gesucht …" (1970) 

" 

französischen Rollennamen nur zusätzlich verwirren, 

die in deutschen Ohren recht ähnlich 

klangen. So konnte es im Studio schon mal zu 

einer Prominentenaussage wie „Na ja, ich denke, 

es war dieser Chauchot oder Chazeux" kommen. 

Und darauf gab es nicht mal hämische Lacher im 

Studiopublikum, sondern pures Verständnis. 

Von Oliver Schuh 

Dem Täter auf der Spur: Der Tod in der Maske" (1972) 

" 

mit Horst Frank und Monika Gabriel 

Warum Roland 

die recht kom- 

p 

l i z i e r t e n 

Geschichten 

seines 

Krimiquiz' 

in Frankreich 

beließ, 

ist nicht ganz 

klar. Vielleicht 

wollte er die 

Rategemeinde 

mit den vielen 

Birgit Schanzen, Jürgen Roland und Ulrich Wickert (v.l.) sind dem Täter auf der Spur. 

Der Aufbau der Sendung war stets der gleiche: 

Jürgen Roland bereitete das Publikum und 

seine Gäste auf den nun folgenden Fall vor, bat 

darum, genauestens zu beobachten und zuzuhören 

und den Fall anhand von Indizien zu lösen. Dann begann die 

„Whodunit"-Phase: Ein Mord wird entdeckt, und die Ermittler nehmen 

ihre Arbeit auf. Hin und wieder wendet sich Bernard direkt an 

die Zuschauer, stellt eine These auf und lässt die TV-Gemeinde an 

seinen Gedankengängen teilhaben – das 

alles muss aber nicht zwingend stimmen. 

Und plötzlich, wenn man glaubte, alles sei 

völlig verfahren, kam der Gedankenblitz 

auf Kommissar Bernard nieder, und die 

anfangs genannten Worte fielen. Nun 

war es an den Zuschauern zu knobeln, 

und die prominenten Gäste mussten 

ihr Urteil präsentieren und begründen. 

Danach ging es zurück zu Kommissar 

Bernard, der aus einem Mix von scheinbar 

unbedeutenden Bemerkungen und 

flüchtigen 

Beobachtungen 

ein 

Ergebnis präsentierte, 

dass zu manchem „Ach!" und 

„Ja, klar!" führte. 

Günther Neutze als eben dieser 

Kommissar war ein fabelhafter Grummler 

und Karl Lieffen als tölpelhafter Janot 

ein kongenialer Partner. Und erst die 

Schauspielerriege! Hier hatte man es 

nicht einfach nur mit fünfmal Margot 

Trooger oder Horst Frank zu tun, die 

zu der Zeit ja ohnehin omnipräsent Günther Neutze (l.) und Karl Lieffen 

im Fernsehen waren. Man sah Will in Das Fenster zum Garten" 

" Quadfl ieg, Günter Lüders, Uwe 

Friedrichsen, Heinz Schubert und 

und und. Viel Personal, das in den 

folgenden Jahren auch bei „Derrick" 

auftauchte. 

Aber das – mit Verlaub – waren 

dann ganz andere Geschichten. 

Dem Täter auf der Spur: Das Fenster zum Garten", 1969, 

" 

mit Heiner Schmidt und Günther Neutze. 


SHOP 

kult! SHOP 

NEU 

❏ 

6,50 € 

GoodTimes kult! 

Nr. 10 (2/2014) 

❏ 

6,50 € 


Nr. 9 (1/2014) 

❏ 

6,50 € 


Nr. 8 (2/2013) 

❏ 

6,50 € 


Nr. 7 (1/2013) 

❏ 

6,50 € 


Nr. 6 (2/2012) 

❏ 

6,50 € 


Nr. 5 (1/2012) 

❏ 

6,50 € 


Nr. 4 (2/2011) 

Preiskatalog LP/CD 2014 

• über 145.000 

Sammlerpreise 

Preiskatalog Single 2014 

• über 105.000 

Sammlerpreise 

NEU 

❏ 

6,50 € 


Nr. 3 (1/2011) 

❏ 

6,50 € 


Nr. 2 (2/2010) 

❏ 

6,50 € 


Nr. 1 (1/2010) 

❏ 

9,80 € 

Edition Vol. 1 

Discographien 

100 Seiten 

❏ 

29,80 € 

NEU mit DVD 

über 5.000 

LP/CD- 

Cover-Abb.! 

❏ 

29,80 € 

NEU mit DVD 

über 25.000 

Single- 

Cover-Abb.! 

weitere GoodTimes-Ausgaben finden Sie unter www.goodtimes-magazin.de 

Nr. 2/2014 

Nr. 2/2013 

❏ 

6,50 € 

❏ 

6,50 € 

Nr. 1/2014 

Nr. 1/2013 

❏ 

6,50 € 

❏ 

6,50 € 

Nr. 6/2013 

❏ 

6,50 € 

❏ 

6,50 € 

Nr. 5/2013 

❏ 

6,50 € 

❏ 

6,50 € 

Nr. 4/2013 

❏ 

6,50 € 

❏ 

6,50 € 

Nr. 3/2013 

Nr. 6/2012 Nr. 5/2012 Nr. 4/2012 Nr. 3/2012 

❏ 

6,50 € 

❏ 

6,50 € 

❏ 

12,80 € 

Anzahl 

(bitte eintragen) 

3 CD-Box 

14,99 € 

Sammelordner mit 

Stabmechanismus 

GoodTimes kult!-Box 

3 CDs, 60 kult!-Hits 

❏ 

14,99 € 

bietet Platz für bis zu 

12 Ausgaben inkl. 

Jahrgangsaufklebern 

Oben ausgewählte Artikel gehen Ihnen unmittelbar nach Zahlungseingang zu. 

Ich bezahle auf folgende Weise: 

❏ bar beigefügt ❏ per V-Scheck (beiliegend) ❏ per Vorabüberweisung (Kontodaten siehe Impressum) 

❏ per Bankeinzug ❏ per PayPal (PayPal-Adresse: info@nikma.de) 

Bank: __________________________________________ BIC (nur Ausland): _______________________________ 

IBAN: ________________________________________________________________________________________________ 

Die Genehmigung zum Bankeinzug und die Information über die 14-tägige Widerrufsmöglichkeit bestätige ich mit meiner folgenden Unterschrift: 

Datum: _____________________ Unterschrift: ____________________________________________________ 

Vor-/Nachname: ________________________________________ Straße: _____________________________ 

PLZ/Ort: __________________________________________________ Land: _________________________________ 

Telefon: ____________________ Fax: _____________________ email: ________________________________ 

Zuzüglich Versandkosten: Inland: 2,– € · Ausland: 3,50 € · versandkostenfrei ab 20,– € Warenwert 

Bestellschein bitte faxen an: 0 70 42/37660-188 oder ausschneiden bzw. fotokopieren und senden an: 

NikMa Verlag · Eberdinger Straße 37 · 71665 Vaihingen/Enz 

weitere Artikel und Bestellmöglichkeiten im Internet unter: www.goodtimes-magazin.de 


Gesprengte Ketten 

Von Roland Schäfli 

Hollywood in 

Deutschland 

– Spurensuche vor Ort 

Das Schloss Neuschwanstein im Allgäu garantiert Füssen den Tourismus, ohne 

dass die Füssener viel über das Wie und Was nachzudenken bräuchten. Es hat 

dementsprechend 50 Jahre gedauert, bis ihnen einfiel, dass der Klassiker " 

The 

Great Escape" (deutscher Titel: " 

Gesprengte Ketten") über den Ausbruch aus einem 

deutschen Kriegsgefangenenlager während des Zweiten Weltkriegs einst direkt 

vor ihrer Tür gedreht wurde. Steve McQueen, der King Of Cool, ist nun mal fast so 

populär wie König Ludwig. 

Es begann vor einigen Jahren: Besucher 

aus dem Ausland zeigten plötzlich 

keinerlei Interesse mehr an König- 

Ludwig-Kitschsouvenirs, sondern verhörten 

die Einheimischen, wo denn die Szenen aus 

„Gesprengte Ketten" auf Zelluloid gebannt 

worden seien. Dass der Film 1963 in der 

Region Füssen entstanden war, wusste man. 

Der Drehort war in Biografien und der 

Filmliteratur immer wieder erwähnt worden. 

Aber wo genau fanden die Dreharbeiten 

statt, wo hielten sich die Stars während 

ihrer Zeit in Bayern auf?! Das galt es vor Ort 

herauszufinden ... 

Ein ultimativer Moment der 60er 

Der Bauer stützt sich auf seine Mistgabel. 

Sein Gesichtsausdruck sagt alles: schon 

wieder einer! Er deutet auf die hügelige 

Wiese hinter sich, ohne selbst hinsehen zu 

müssen. Da drüben war's. Genau da, wo 

der Elektromast heute steht. Man kann die 

dramatische Szene vor sich sehen: Hilflos 

hängt Captain Virgil Hilts, der Flüchtling, 

im Stacheldraht im Niemandsland fest, 

die zerschundene Hand nach den grünen 

Wiesen dahinter ausstreckend. Noch am 

Grenzbaum haben sie ihn geschnappt: Steve 

McQueens Motorradflucht ist spektakulär 

gescheitert. Während dieses kinematografischen 

Höhepunkts flattert die Schweizer 

Fahne gleichgültig im Wind. Obwohl das 

Fluchtziel, die echte Schweizer Grenze, rund 

zweieinhalb Fahrstunden vom Drehort entfernt 

liegt. Wenn James Garner im Flugzeug 

ausgerechnet das Schloss Neuschwanstein 

überfliegt und erklärt, er sehe schon „die 

Schweizer Alpen", ist das also schon mehr 

als ein geografischer Irrtum. 

Erst vor einem Jahr erschien zur 

Überraschung des Landwirts ein 

Motorradfahrer vor Ort, in Wehrmachtskluft. 

„Die stellten für ein englisches Motorrad- 

Magazin alles genau nach", schüttelt er 

amüsiert den Kopf. Dass die 

Faszination so lange anhält, 

verblüfft selbst ihn als 

Augenzeugen: Als zehnjähriger 

beobachtete er die Filmleute und 

sah, wie wochenlang die Klappe für den 

nunmehr legendären Stacheldrahtsprung 

fiel: „Der Stuntman ist immer wieder reingefallen 

in den Draht, aber da das alles 

aus Balsaholz war, hat’s ihm nix ausgemacht." 

Den vielleicht längsten Stahldraht 

der Filmgeschichte haben die Bauern später 

dann übrigens ganz unsentimental weiterverwendet, 

um ihre Kuhweiden einzuzäunen. 

„100 Mark haben wir für die Miete 

der Wiese gekriegt. Das war damals ein 

Heidengeld", erinnert er sich zum Abschied 

noch. 

Es dauerte eine ganze Weile, bis Füssen 

sich daran erinnert hat, dass mit den 

„Gesprengten Ketten" Geld zu machen ist. 

Zum 50. Jubiläum der Dreharbeiten wurde 

ein Buch mit Schnappschüssen veröffentlicht, 

und im Stadtmuseum Füssen war 

in einer vielbeachteten Ausstellung unter 

anderem McQueens Motorrad zu sehen 

– dasjenige, das als Ersatz bereitstehen 

musste, wenn der Stuntman mal wieder den 

Absprung verpasste ... 


In den Betten der Stars 

Gleich mehrere Hotels werben heute 

mit dem „Great Escape"-Erlebnis: „Der 

wurde gleich hier gedreht", schreibt ein 

Hotelier auf Anfrage. Was natürlich geflunkert 

ist. Die bekannteren Stars logierten im 

Appartementhaus Pergola in Hopfen am See. 

Der Betreiber lässt es uns in Augenschein 

nehmen. Was Filmnarren freut, dürfte reguläre 

Gäste abschrecken: Die Hotelzimmer sehen 

noch immer aus wie 1963! 

Hier schlief James Coburn: Der Hotelier in Hopfen am See erinnert sich, 

dass für den langbeinigen Star zwei Betten 

zusammengeschoben wurden. 

Die Stars schrieben 

übrigens 

überraschend persönliche 

Widmungen 

ins Gästebuch. Steve 

In Füssen ausgestellt: 

McQueens Baseball und das 

Motorrad, das für den waghalsigen 

Sprung über den 

Stacheldraht als Ersatz bereitstehen 

musste. 

McQueen hinterließ dem Gastwirt zudem 

den Baseball, den er im Film immer dann 

hervorholt, wenn er die Langeweile seiner 

Aufenthalte in Einzelhaft überspielen muss. 

Und James Coburn 

schenkte ihm sogar 

seine Mütze aus dem 

Film. „Die hab' ich 

aber irgendwann im 

Gepäcknetz eines 

Flugzeugs vergessen." 

Irgendwie 

hat 

Füssen dann aber 

den ganzen Film für 

lange Jahre vergessen. 

Vielleicht 

war es einfach 

unangenehm, 

Schauplatz 

e i n e s 

Streifens 

zu sein, in 

dem die 

Nazis 50 

Menschen 

an die 

Wand stellen. Damals hingegen 

bewarb sich die deutsche 

Filmindustrie, nach dem Krieg 

nie mehr so recht auf die Füße 

gekommen, regelrecht um den 

Auftrag. Statt der üblichen 40 

Dollar Tagesgage für Statisten gab 

man sich beispielsweise mit 15 

zufrieden, um Produktionen anzulocken 

... 

Wir checken im Hotel Hirsch ein, in 

dessen Räumlichkeiten Stuntman 

Bud Ekins also seine Wunden leckte, wenn er 

mal wieder ins Balsaholz gebrettert war. Nein, 

den Film habe sie noch nie gesehen, erklärt die 

Rezeptionistin, aber sie hat auswendig gelernt, 

wo Charles Bronson bei der Pokerrunde immer 

saß, im Bierstüberl nämlich. Doch genau auf 

Bronsons Stammplatz thront heute ein betagter 

Allgäuer, der uns partout nicht am Stammtisch 

sitzen lassen will. Fünf Jahrzehnte später ist er 

Die Altstadt von Füssen: An dieser Stelle wird Gordon Jacksons Flucht 

von einem zufällig ins Bild fahrenden Radfahrer jäh gestoppt. 

noch immer aufgebracht, dass alle Mädchen 

der Stadt „ums Hotel rumscharwenzelten". In 

Füssens Betten war Charles Bronson besonders 

aktiv: Während der Dreharbeiten machte er 

Co-Star David McCallum dessen damalige Frau 

Jill Ireland abspenstig. Es kam zur Scheidung, 

Bronson heiratete Ireland später und verschaffte 

ihr in vielen seiner Filme die Hauptrolle. 

McQueen: 40 deutsche 

Strafzettel 

Steve McQueen wiederum ließ es sich nicht 

nehmen, die Strecke zum Drehort auf 

dem Motorrad zurückzulegen. Eines Tages, 

er trug eine deutsche Uniform (die er im Film 

einem deutschen Soldaten abnimmt), verfuhr 

er sich. Die seltsame Erscheinung sorgte für 

einen Menschenauflauf, und McQueen, des 

Deutschen nicht mächtig, musste sich pantomimisch 

nach dem Weg erkundigen. Auf 

der Flucht vor der deutschen Polizei war er 

ÜBER SIEBEN BRÜCKEN 

MUSST DU GEHN 

Der Film, der den Kult-Song 

berühmt machte! 

Ab jetzt überall im 

Handel erhältlich!

im Übrigen nicht nur im Film: Die Beamten 

verfolgten ihn bei seinen rasanten Ausflügen 

– allerdings meist erfolglos – und verpassten 

ihm insgesamt 40 Strafzettel wegen 

Geschwindig keitsüber schreitung. Mehr als 

einmal schrottete der Star mit Benzin im Blut 

den Wagen, den ihm die Produktionsfirma 

gestellt hatte. Produzent Robert Relyea saß 

einmal auf dem Beifahrersitz, als McQueen 

Gleich in der Nähe 

der Szenerie, 

wo McQueens rasante 

Flucht in Szene 

gesetzt wurde, findet 

sich der Barbier 

von Weißbach. Hier 

darf man sich auf 

den Stuhl setzen, auf 

Die Altstadt von Füssen: An dieser Stelle wird Gordon Jacksons Flucht 

von einem zufällig ins Bild fahrenden Radfahrer jäh gestoppt. 

Bald nicht mehr so zu sehen wie im Film: Der Bahnhof von Füssen, Kulisse der 

dramatischen Todesszene von David McCallum, soll umgebaut werden. 

Auf dem " 

Brotmarkt" von Füssen wurde ein emotionaler Höhepunkt auf Film 

gebannt: Beim Einsteigen in einen Bus verrät sich ein entflohener Kriegsgefangener, 

indem er den Gruß eines Gestapo-Agenten auf Englisch erwidert. 

in seinem Mercedes einen deutschen Bauern 

überholen wollte. Als die Hupe nicht half, 

kurvte er kurzerhand über ein Feld, doch ein 

Baum stoppte sein Überholmanöver. Obwohl 

er nicht verletzt wurde, hätte er beinahe um 

den demolierten Mercedes geweint, erinnerte 

sich Relyea später. Als der Hauptdarsteller 

schließlich vor Gericht erscheinen musste, 

konnte er nur die Kopie seines Führerscheins 

vorweisen – das Original hatte er verloren. 

Die Anwälte der Filmproduktion muss ten den 

Star rauspauken. 

Nichts deutet heute darauf hin, dass an dieser Kreuzung Steve 

McQueens Motorradflucht begann, einer der erinnerungswürdigs 

ten Kinomomente der 60er Jahre. 

dem Steve McQueen sich den Bart vom am 

Lederriemen geschärften Rasiermesser schaben 

ließ. Ein älterer Herr kommt auf die 

Veranda, als ein Fremder auf Spurensuche 

über sein Grundstück marschiert. „Geht’s um 

,Gesprengte Ketten'?", fragt er nur, um dann 

nickend (oder ist es kopfschüttelnd?) dem Fan 

seinen Willen zu lassen. So geht es manchem 

Allgäuer. Sie wären ungestört geblieben, hätte 

nicht vor 50 Jahren Produzent Robert Relyea 

kurzfristig eine Entscheidung getroffen: Denn 

eigentlich war bereits beschlossen, den Film 

statt im Allgäu in den San Jacinto 

Bergen zu drehen, wo kalifornische 

Pinien fast genauso aussehen 

wie deutsche Bäume – ganz nach 

der bewährten Hollywood-Maxime: 

„A tree is a tree." 

Nachdem Relyea 

aber mögliche alternative 

Locations 

ausgekundschaftet 

hatte, rief er 

Regisseur John 

Sturges an: „Guess 

what? Germany 

looks like Germany, 

not California." 

Wovon man sich 

heute noch überzeugen 

kann ... 

Reisetipps 

Im Hotel Hirsch in Füssen wohnten Stars wie David 

McCallum, und im Bierstüberl spielte Charles 

Bronson Poker: www.hotelfuessen.de 

Das Appartementhaus Pergola, wo Steve McQueen, 

James Coburn, James Garner und Regisseur 

John Sturges während der sechswöchigen 

Außenaufnahmen wohnten, heißt heute Alpina, 

Enzensbergerstraße 6, Hopfen am See. 

Füssen wurde im Film " 

international" genutzt: Der 

Schwanseepark am Stadtrand stellte im Film das 

Grenzgebiet zu Spanien dar, und der Platz direkt an 

der Brücke über den Lech wurde in ein französisches 

Café verwandelt. 

Nebst der historischen Altstadt von Füssen sind Orte 

der unmittelbaren Umgebung im Film zu sehen: 

Spandau, Zell, Weißbach, Hopfen am 

See. Ein Verehrer des Films hat sich 

die Mühe gemacht, alle Locations 

abzubilden, und erleichtert damit die 

Suche immens: 

www.thegreatescapelocations.com 

In Spandau, wo James Coburn ein 

Fahrrad stiehlt, empfiehlt sich das 

Bier des Brauhauses: 

www.brauhaus-spandau.de 

Das Tiroler Filmarchiv gibt zum 

50. Jubiläum der Dreharbeiten ein 

Buch mit Schnappschüssen des 

Kameramanns Walter Riml heraus, 

für 33 Euro zu bestellen bei: office@ 

tiroler-filmarchiv.at 


Jürgen von Manger 

Adolf Tegtmeiers 

Sicht der Dinge 


" 

Zitat is, wat man sich nich traut zu sagen, und dann 

erzählt, wat so'n Toter mal gesacht hat." Das ist 

eine der zahllosen Lebensweisheiten, die Jürgen 

von Manger in seiner Rolle als Adolf Tegtmeier 

geprägt hat. Allein " 

Chemie is Natur zu stark 

herabgesetzten Preisen" oder " 

Literatur is, wat so 

inne Bücher steht, wo zum Herzeigen da sind" sind 

es wert, an ein Ruhrpott-Original zu erinnern, das 

eigentlich aus Koblenz stammte. 

Der unvergleichliche Humor des Jürgen von Manger prägt – ohne 

dass es heute noch vielen Zuschauern bewusst ist – auch jetzt noch 

die Kabarettisten und Comedians in Deutschland. Seine satirischen 

Techniken verwenden auch seine beruflichen Enkel noch gerne, seien 

es Dieter Nuhr oder Georg Schramm, und auch Erwin Pelzig oder gar 

Hape Kerkeling dürfen sich einreihen. Dumme Fragen stellen kann 

jeder, mit eben diesen aber und den selbst gegebenen, häufig absurden 

Antworten menschliche Schwächen bloßzulegen, 

ist ein Verdienst der Kunstfigur Adolf Tegtmeier. 

Sie demaskierte „die da oben" genauso wie „die 

da unten". 

Geboren 1923 als Hans Jürgen Julius Emil Fritz 

König (Vater Staatsanwalt, Mutter eine Adelige 

von Manger), begann Jürgen von Manger seine 

Schauspielkarriere gleich nach dem Zweiten 

Weltkrieg. 17 Jahre lang besetzte er Rollen im komischen 

Charakterfach am Schauspielhaus Bochum 

und in Gelsenkirchen. Der Aufenthalt in diesen 

Städten prägte seinen Hang zum Kohlenpott-Slang. 

Die Figur des Kleinbürgers Adolf Tegtmeier hatte 

von Manger ursprünglich für den Hörfunk entwickelt 

und auch erfolgreich auf Schallplatte gebannt. 

Daneben stand er weiterhin auf der Bühne, zwar nicht als Tegtmeier, 

aber zum Beispiel 1964 an der Deutschen Oper am Rhein in der Rolle des 

Frosches in der Operette „Die Fledermaus". Regie führte Helmut Käutner. 

Nur wenige Humoristen konnten die menschlichen Unzulänglichkeiten 

so herzerwärmend auf den Punkt bringen wie Jürgen von Manger. 

Besonders angetan hatten es ihm die kleinen Leute, wenn sie in 

die Mühlen des Gesetzes gerieten. Vom naiven, aber doch durchaus 

berechnenden Schwiegermuttermörder (ein Paradestück) bis zum 

Gefängniswärter, vom teils unfassbar debilen Fahrschüler bis zum fröhlichen 

Henker reichte sein Repertoire. Jürgen von Manger hatte tatsächlich 

auch einige Jahre Jura studiert, und diese Erfahrung hat deutlich 

sichtbar so manche unvergessliche Nummer vor Gericht inspiriert. 

Am 14. Juli 1972 wurde die erste Folge von „Tegtmeiers Reisen" ausgestrahlt. 

Von Manger legte seine Figur als voreingenommenen und etwas 

schlichten Pauschaltouristen an, der zwar keine Ahnung vom jeweiligen 

Reiseziel – ob Schottland oder Thailand –, aber zu allem eine Meinung hat. 

Unvergessen seine Einschätzung zur möglichen psychischen Belastbarkeit 

der Venezianer: „Tolle Mensch’n – de ganze Stadt unter Wasser, aber 

de Leute singen." Solche entlarvenden Kulturbetrachtungen eines sicht- 

und hörbar Bildungsfernen, wie es heute so schön 

heißt, seine unnachahmlichen Tischreden, deren 

Peinlichkeit einem die Tränen in die Augen trieb, 

sowie seine Gerichtspossen, bei denen man sich 

schier wegschmeißen konnte, dürfen getrost als 

seine Hinterlassenschaft bezeichnet werden. 

Geschrieben wurden die Texte von Regisseur 

und Drehbuchautor Joachim Röhring. Dieses 

gilt ebenso für die nachfolgenden Sendungen 

„Tegtmeier klärt auf" (1981–1983; Bonmot: 

„Stehkneipen sind ja so beliebt, weil der Alkohol 

hier dat beste Gefälle hat") und „Tegtmeier" 

(1984/85). 

Natürlich ist dies alles eine Frage des Geschmacks, 

aber die Art und Weise, wie Tegtmeier die Sätze 

verdrehte und 

„zusammenknusen tat", so dass man trotzdem auch 

heute noch versteht, was er meinte, ist einmalig und von kaum einem 

anderen Humoristen danach erreicht worden. Somit darf Jürgen von 

Manger eingereiht werden in die Riege berühmter deutscher Komiker 

wie Loriot und Heinz Erhardt. 

Während der Produktion der zuletzt genannten Sendung „Tegtmeier" 

erlitt Jürgen von Manger einen Schlaganfall, der auch sein 

Sprachzentrum in Mitleidenschaft zog. Daraufhin war er kaum noch 

in der Öffentlichkeit zu sehen, außer bei einem Auftritt im März 1988 

anlässlich seines 65. Geburtstages, als er vor die Kamera trat, um sich 

für die Unterstützung seiner Fans zu bedanken. 

Jürgen von Manger starb im Jahr 1994 im Alter von 71 Jahren. 

Es ist zu dumm, aber auch bezeichnend für die deutsche 

Fernsehlandschaft, 

dass sich kein 

Programmgestalter 

bemüßigt sieht, ihn 

mal wieder auf die 

Mattscheibe zu bringen. 


kult! Bücher 

Von Alan Tepper 

In den letzten Jahren verstärkt sich der Trend zur 

kurzweiligen, aber gleichzeitig oberflächlichen 

Literatur. Marktanalysen, die den vermeintlichen Geschmack 

der Leser ergründen sollen, nötigen Autoren, 

Fließbandarbeit zu leisten, schnell auf Trends aufzuspringen 

und Themengebiete innerhalb kürzester Zeit 

abzugrasen. Glücklicherweise gibt es heute wie auch 

Kultbücher – Geschätzt, geliebt, gelobt 

schon vor Jahren Gegenströmungen, Individualisten, 

denen das geschriebene Wort viel bedeutet. Visionäre 

Werke wie Sylvias Plaths " 

Die Glasglocke" oder Zeitdokumente 

wie Tom Wolfes – " 

Der Electric Kool-Aid 

Acid Test" haben den vielbeschworenen Test der Zeit 

makellos überstanden und werden sicherlich von neuen 

Büchern gefolgt ... 

Preston & Child – 

Attack: unsichtbarer Feind" 

Terry Pratchett – " 

Vollständiger und unentbehrlicher 

Stadtführer von Ankh-Morpork" 

" Sämtliche Dramen" " 

Der Electric Kool-Aid Acid Test" 

Albert Camus – 

Tom Wolfe – 

M" it dem aktuellen Roman des Autorenteams, das für spannende 

Wissenschaftsthriller beliebt ist, betreten Douglas Preston und 

Lincoln Child eher konventionelles Territorium, 

denn hier handelt es sich um einen kunstvoll 

ausgearbeiteten Krimi, in dessen Mittelpunkt der 

beliebte FBI-Agent Pendergast steht. Die junge 

Corrie Swanson, die von Pendergast bei ihrer 

Ausbildung als Kriminologin unterstützt wird, geht 

in dem exklusiven 

Wintersportgebiet 

Roaring 

Fork 

einer Reihe unerklärlicher 

li Morde nach, die allerdings 

schon über 100 Jahre zurückliegen. Sie 

entdeckt Widersprüche, die Grauenhaftes vermuten lassen. Erst als sich 

Pendergast einschaltet, lichtet sich das Dunkel, denn die noch nie veröffentlichte 

Sherlock-Holmes-Geschichte „Das Abenteuer von Aspern 

Hall" – erstklassig erzählt – birgt den Schlüssel zu den Taten. Die 

verschiedenen, kunstvoll ineinander geflochtenen Handlungsstränge 

und der, verglichen mit den letzten Romanen, deutlich höhere 

Realitätsbezug garantieren spannendes Lesevergnügen. 

Das Werk von Albert Camus (7. November 1931–4. Januar 1960) 

erfreute sich speziell in den ausklingenden Fünfzigern, aber 

auch den beiden darauffolgenden Dekaden 

großer Beliebtheit. Neben den Klassikern wie 

„Der Mythos des Sisyphos", „Die Pest" oder 

„Der Fremde" zähen die Dramen zu den 

wichtigen Schriften, denn hier setzt sich der 

Existenzialist und Humanist mit den grundlegenden 

menschlichen Konflikten und deren 

Tragweite auseinander. Die aktuelle Sammlung 

enthält alle Dramen 

in 

vorbildlicher 

Übersetzung. 

Die 

Tragödie „Caligula" 

ist ein direkter Angriff auf die Machtgier 

der Herrschenden, wohingegen „Die 

Besessenen" von Dostojewskis „Die 

Dämonen" inspiriert wurde und die Figur 

eines Revolutionärs intensiv ausleuchtet. 

Erstmalig auf Deutsch erschienen ist der 

Text „Das Impromptu der Philosophen" (von Camus unter einem 

Pseudonym verfasst), in dem er seinen Kollegen Jean-Paul Sartre 

satirisch aufs Korn nimmt. Provozierend, aufrüttelnd, beeindruckend 

und für neue Denkanstöße geeignet – Camus lohnt sich! 

Der britische Autor Terry Pratchett (geb. 28. April 1948) sorgt 

besonders mit seinen „Scheibenwelt"-Romanen für Furore, denn 

die Mischung aus Fantasy mit einem Hauch von 

Science Fiction, veredelt durch nicht zu überbietende 

Parodien, richtet sich an ein Publikum, 

das der traditionellen Fantasy überdrüssig ist. 

Eine detailliert ausgearbeitete Welt (die ständig 

ergänzt wird), Sprachwitz sowie messerscharfe 

und spitzfindige 

Anspielungen summieren 

sich zu einem 

kreischend grellen Lesevergnügen. Mit dem 

aktuell erschienenen Stadtführer des wichtigsten 

Handlungsorts dieses Universums Ankh- 

Morpork hat sich Pratchett erneut übertroffen. 

Im Stil des Viktorianismus liebevoll illustriert, werden hier „Gesetze und 

Verordnungen", „Orte der Andacht" oder „Die unsichtbare Universität" 

dargestellt und erläutert. Einen großen Teil des Bandes nimmt ein 

„Branchenverzeichnis" ein, in dem die skurrilsten Dienstleistungen 

offeriert werden. Unübertrefflich! Als Bonus erscheint zusammen mit 

dem Buch eine riesige Straßenkarte! 

Tom Wolfe (geb. 2. März 1931) ist in Deutschland vor allem für sein 

Buch „Fegefeuer der Eitelkeiten" bekannt. Mit seinem „Der Electric 

Kool-Aid Acid Test" aus dem Jahr 1968 hat er 

jedoch eine klassischen Kultroman verfasst, der 

sicherlich Vergleiche mit „Unterwegs" von Jack 

Kerouac oder dem lyrischen Werk von Allen 

Ginsberg nicht zu scheuen braucht (die natürlich 

auch hier auftauchen). Der Text wird dem 

so genannten New Journalism zugerechnet, 

einer damals neuen Herangehensweise, bei der 

Fakten mit möglichst zutreffenden emotionalen 

Eindrücken 

angereichert 

werden. Wolfe 

beschreibt die durchgeknallte Reise von 

Ken Kesey, selbst Autor des populären 

„Einer flog über das Kuckucksnest", 

und seiner Merry Pranksters, die in 

einem Bus durch die USA fahren und 

an jedem sich nur bietenden Ort den Willigen und Neugierigen 

LSD-Selbsterfahrungs-Trips anbieten. Nicht nur die vielen komischen 

und bizarren Passagen faszinieren, sondern das authentische 

Stimmungsbild der Sixties und der sich damals bietenden 

Möglichkeiten. 


Sylvia Plath – " 

Die Glasglocke" 

Sylvia Plath (27. Oktober 1932–11. Februar 1963) zählt zu den amerika- 

nischen Autorinnen, deren wichtigste Werke erst posthum erschienen. 

Die zeitlebens unter schweren Depressionen leidende 

Schriftstellerin verfasste mit „Die Glasglocke" einen 

der wichtigsten feministischen Romane, der besonders 

in den ausklingenden Sechzigern und Siebzigern zu 

einem Kultbuch avancierte. Der Erfolg liegt in der 

hohen Authentizität begründet, denn die Erzählung 

basiert auf autobiografischen Erlebnissen. Plath, die 

sich 1963 das Leben nahm, beschreibt die Geschichte 

der aus der Provinz stammenden Esther Greenwood, 

die in New York eine Journalistenkarriere anstrebt 

in der ersten Person. Die Schnelligkeit der Großstadt, eine offenere und 

männlich-aggressive Sexualität und das letztendliche Scheitern veranlassen 

Esther, wieder in die Heimat zurückzukehren. Dort 

wird sie von einem Schriftstellerseminar abgewiesen 

und scheitert an ihrer Abschlussarbeit für das 

College. Ängstlichkeit und Unruhe bestimmen 

ihr Leben, das immer weiter aus der Bahn gerät. 

Auch die Konsultation eines Psychiaters erweist 

sich als sinnlos, denn dieser versucht nicht, die 

Ursachen für die Depression zu ergründen. Nach einem misslungenen 

Selbstmordversuch wird sie in die Psychiatrie eingewiesen, wo sie von einer 

Frau behandelt wird, die deutlich mehr Mitgefühl zeigt. Der Roman endet 

mit einer Szene, in der die Protagonistin auf eine mögliche Entlassung 

hofft. Plath hat die Metapher der Glasglocke geschickt gewählt, denn 

sie beschreibt damit einen Menschen, der durch die Depression von 

seiner Umwelt getrennt ist und die damit verbundene emotionale 

Schwingungsunfähigkeit. Doch nicht nur das individuelle Schicksal einer 

Frau, sondern auch die Schwierigkeit, einen eigenen, selbst bestimmten 

Weg in einer von Männern dominierten Welt zu finden, machen die 

Qualität des Romans aus. Sylvia Plath war keine Moralistin mit erhobenem 

Zeigefinger, sondern ein hochsensibler Mensch – für ein neues Frauenund 

Menschenbild plädierend. 

Joachim 

Knüppel 

Werner 

Knüppel 

Helmut 

Rohde 

IN DIESER AUSGABE NEU: 

Karl-May-Bücher 1876-1980 

Alle 1000 Abbildungen in Farbe ! 

Allgemeiner 

ISBN 978-3-00-034171-7 

für deutschsprachige Romanhefte, 

Bücher von Karl May und Leihbücher 

 

 

 

39,95€ 

Rund 1000 Abbildungen! 

Komplett in Farbe! 

Erstmals mit Karl May! 

COMICLADEN KOLLEKTIV 

Fruchtallee 130 

20259 Hamburg 

Telefon: 040/40 77 81 

info@comicladen-kollektiv.de 

www.romanhefte.de 

Öffnungszeiten: 

Mo-Fr 10.30 – 19.00 Uhr 

Sa 10.00 – 14.00 Uhr 

Ständiger An-und Verkauf! 

„In unserem Laden findet Ihr neue Comics aller Verlage 

und alte Comics von 1945 bis heute, wie Micky Maus ab 

1951, Sigurd, Felix, Bessy usw.“ 

AUSSERDEM FOLGENDE SAMMELGEBIETE: 

alte Romanhefte von 1900-heute 

alte Musikzeitschriften wie Bravo, POP, 

Musikparade, Popfoto usw. 

Erotikmagazine von 1950-1980 

Sammelbilderalben wie Panini, Voss usw. 

Filmprogramme 

Kinderbilderbücher 

Figuren der Firma ELASTOLIN, Timpo-Toys 

Boiselle & Ellert Verlag 

Sauterstraße 36, 67433 Neustadt / Weinstr. 

Fon: 06321 / 489343, Fax: 06321 / 489345 

Mail: info@BSE-Verlag.de, www.BSE-Verlag.de 

Wer will schon normal sein ... 

Seit 2003 haben die verrückten Comic- 

Hippies und ihr Schöpfer Gilbert Shelton 

eine neue Heimat beim BSE-Verlag 

gefunden. Dort erscheinen nach und 

nach alle Abenteuer der berühmten 

Underground-Helden. 

The fabulous furry 

FREAK BROTHERS - 

der Comic, der die 60er 

erfunden hat! 

Die »Freak Brothers« sind neben Robert Crumbs 

»Fritz the Cat« wohl die bekanntesten Comicfiguren 

der in den USA Ende der 60er-Jahre einsetzenden 

Underground-Bewegung. Bis heute werden neue 

Geschichten erfunden und erscheinen erfolgreich 

in vielen Ländern. Eine Zeichentrickverfilmung der 

kiffenden Kumpels ist bereits seit Längerem in Arbeit. 

Jeweils: 48 - 64 Seiten, 10,00 € 

FREAK BROTHERS Bd. 1: ISBN 978-3-934769-10-6 





FREAK BROTHERS Bd. 6: ISBN 978-3-934769-15-1

Genre Musikfilm – Der Sound der prägenden Jahre: 

Easy Rider" & Co. 

" 

Foto: © Bildarchiv Hallhuber 

Musikfilme sind so alt wie die Rockmusik selbst. Bill Haley rockte schon 1956 

„Around The Clock „ ; Elvis, der King O f Rock’n’Roll, stand in Hollywood seinen 

Mann, und auch die Beatles nutzten schon ganz früh Reichweite und Magie der 

Silber-Leinwand. Inzwischen gibt es gefühlt Abertausende von Musikfilmen, 

die man in Konzertmitschnitte, Dokumentationen und Fiction mit deutlichem 

Musikbezug unterteilen kann. „Easy Rider „ , der 2014 sein 45. Jubiläum feiert, 

ist dabei eines der unbestrittenen Highlights des Genres. 

Als der Kultstreifen in die deutschen Kinos 

kam, hatten diese noch so wunderbare 

Namen wie Corso oder Anker Theater, 

zumindest in dem Eifelstädtchen, in dem ich 

großgeworden bin. In einem dieser Kinos – ich 

glaube, es war das Corso mit seiner angeschlossenen, 

über eine Wendeltreppe erreichbaren 

Milchbar – haben wir damals, anno 

1970, „Easy Rider" angeschaut, kaum dass das 

Filmplakat in den Infokästen 

hing: Peter Fonda auf seiner 

umgebauten Chopper, mit 

cooler Sonnenbrille auf der 

Nase, den Blick in die Ferne 

gerichtet, der in den Farben 

des „Star-Spangled Banner" 

gespritzte Helm auf der Gabel; 

dahinter der immer leicht 

schmuddelig wirkende Dennis 

Hopper mit seinem zerbeulten 

Cowboyhut über dem 

zerknautschten Gesicht. Zwei 

Desperados auf der Suche 

nach dem wahren Amerika, 

dem Land der Mutigen und 

Freien ... 

Natürlich hatten wir von dem Film gehört 

oder gelesen, auch wenn die Versorgung mit 

Nachrichten aus dem Pop- und Rockbereich 

sehr bescheiden war. Nur langsam (und in 

der Provinz noch viel langsamer) etablierten 

sich damals gerade Musikmagazine, 

Radiosendungen und Fernsehprogramme für 

die Jugend. Dass heute kein so genanntes 

People-Magazin, egal ob im Print- oder 

Die Easy Rider Wyatt und Billy 

am Lagerfeuer, der Motelmanager 

wollte keine Langhaarigen 


TV-Bereich, ohne Entertainment-Künstler kommt, erscheint wie eine Umkehrung der 

damaligen Verhältnisse. Die Helden unserer 

aus- 

Jugend waren für die Elterngeneration durchweg 

ungewaschene, die herrschende Ordnung 

gefährdende, Umsturz predigende Rabauken. 

Ständig verunglimpften sie unsere Idole 

als „langhaarige Affen", „dreckige Hippies" 

und „widerliche Typen". All die markigen 

Schimpfwörter klangen nach Nazi-Propaganda 

und machten Jagger, Richards, Dean & Co. nur 

noch interessanter für uns. 

Von dem Übera 

n g e b o t , 

das es inzwischen 

in Form 

von MTV, Viva, 

YouTube, gigantischen 

Online- 

Videotheken, 

D o w n l o a d - 

Portalen, Blu-rays, 

Games usw. gibt, 

haben wir damals 

nicht einmal zu 

träumen gewagt. 

Wie gesagt: Das 

Freizeitangebot 

für die aufmüpfige, 

protestbewegte 

Jugend der 

späten Sechziger 

war karg. Man 

hörte RTL, BFBS 

Peter Fonda 

Dennis Hopper 

Fotos: © Bildarchiv Hallhuber 


oder AFN unter der Bettdecke, kämpfte darum, 

den „Beat-Club" in der Flimmerkiste anschauen 

zu dürfen, und lechzte nach allem, 

was rockte, neu tönte, die Eltern ärgerte 

und unsere Sache voranbrachte. 

Aber auch im Kino manifestierte sich 

mit Filmen wie „Easy Rider" oder 

„Woodstock" allmählich das neue rebellische 

Lebensgefühl. Vorbei war’s mit 

der herzigen, die „Bravo"-Gemeinde 

zu Tränen rührenden „Winnetou"- 

Trilogie, vorbei mit seichten Filmchen 

wie „Conny und Peter machen Musik". „Easy 

Billy The Kid und der 40er-Jahre-Comicfigur 

Rider" war da schon ganz andere Kost. Als wir Captain America als Motorradfahrer, zu viel 

aus dem Kino kamen, damals, waren wir ande- 

Hollywood. Die Filmnamen der Hauptfiguren 

– Wyatt (Peter Fonda) und Billy 

(Dennis Hopper) – musste man 

erraten; lange habe ich geglaubt, 

Fonda sei „Captain America". 

In Wahrheit heißt Wyatts Bike 

„Captain America" und die andere 

Maschine „Billy’s bike". Die Reise, 

die von Westen (Kalifornien) nach 

Osten (Louisiana) und eben nicht 

wie sonst, dem Pioniermythos „Go 

Dennis Hopper mit Kameramann László Kovács 

west, young man" von Ost nach 

am Set von Easy Rider” 

” West entsprechend führt, verläuft 

re Menschen. Immer wieder rekapitulierten t wir 

die Handlung des Films, spielten einige der 

Szenen nach oder lobten die „geile Mucke", die 

Peter Fonda für das epochale und stilbildende 

Roadmovie ausgesucht hatte. Dass dieser 

Independent-Film das Genre des Roadmovies 

und von New Hollywood mitbegründete, wussten 

wir damals nicht. Wir wussten nur: Das war 

anders. Mutig. Jung. Provokativ. 

Roger Corman, so etwas wie der Godfather 

aller Independent-Filmer, war der 

Geburtshelfer für „Easy Rider". Er hatte mit 

„The Wild Angels" das erste Biker-Movie 

aufgelegt und 1967 mit „The Trip" (Buch: 

Jack Nicholson) einen Kultfilm über die drogenbeeinflusste, 

psychedelisch angehauchte 

Gegenkultur auf die Leinwand gebracht. Roger 

Corman sollte auch „Easy Rider" inszenieren, 

wurde aber angeblich vom Studio ausgebootet. 

Dennis Hopper übernahm dann seinen Part als 

Regisseur. Mehrere Kollegen von „The Trip" 

trafen sich am Set von „Easy Rider" wieder. 

Hopper und Fonda hatten die Idee zum Film; 

Nicholson übernahm die Rolle des alkoholsüchtigen 

Junganwalts George Hanson mit 

seiner berühmten „Nicnicnic"-Szene („Toast 

to ol’ D.H. Lawrence ... Nic Nic Nic Fut Fut 

Fut! … Indians!"), in der er durch eine groteske 

Armbewegung die Wirkung des ersten 

Schlucks Whiskey am Morgen darstellte. Eines 

war allen Beteiligten klar: Man wollte nichts 

Konventionelles; man wollte dem Hollywood- 

Betrieb eine lange Nase machen. Das ist der 

Fonda-Hopper-Crew gelungen. Drehbuch und 

Handlung waren kaum mehr als Vorlagen, die 

während der Arbeit erst entwickelt wurden. 

Dialoge, in Hollywood bis auf genaue Cues 

ausgestaltet, waren hier eher Improvisationen. 

Auch der Handlung eignete etwas Zufälliges. 

Eine geplante, vom Hubschrauber aus gefilmte 

Verfolgungsjagd wurde ebenso verworfen 

wie ein Auftritt der Hauptdarsteller auf 

Jahrmärkten in der Rolle von Revolverheld 

Der Beifahrer mit dem goldenen Helm 

ist der junge Jack Nicholson 

auch recht planlos. Nur die Exposition weist 

erzählerisch Hollywood-Züge auf. Billy und 

Wyatt schmuggeln Kokain von Mexiko in die 

Vereinigten Staaten, verkaufen die Drogen 

an einen Mittelsmann und verstecken die 

zusammengerollten Dollars in Schläuchen, 

die sie in die Tanks ihrer neuerworbenen 

Chopper-Maschinen versenken. Dann kommt 

es zu einer von uns damals lange diskutierten 

Schlüsselszene. Bevor die beiden ihre Reise 

antreten, wirft Wyatt seine Armbanduhr in den 

Staub. Die Zeitrechnung des Establishments 

zählt nicht mehr, nun beginnt die der Easy 

Rider. Beim Wiedersehen nach 45 Jahren wirkt 

die Szene beinahe beiläufig inszeniert. Aber 

für uns war es seinerzeit der bildgewordene 

Abgesang auf eine Leistungsgesellschaft, die 

einer tumben Wachstumsideologie gehorchte. 

Ab diesem Zeitpunkt also rollen die beiden 

zu Klängen ausgesuchter Rockmusik 

durch ein von Kameramann László Kovács 

wunderschön fotografiertes „Rural America". 

Ziel ihres Trips: Sie wollen zum Karneval nach 

New Orleans, zum Mardi Gras. Am Ende des 

ersten Tages erreichen sie Williams, Arizona. 

Die Sonne hat den Himmel in Brand gesetzt, 

an den Rändern dunkles Blau, am Horizont ein 

Lodern aus Rot und Rosa. Das Motel, in dem 

sie nach einem Zimmer („Hey man, you got a 

room?") fragen, bleibt ihnen verschlossen. Der 

Besitzer will keine langhaarigen Biker. Billy/ 

Dennis flucht. Sie rollen weiter und kampieren 

im Freien an einem Lagerfeuer, ziehen einen 

Joint durch und legen sich schlafen. Wyatt 

nutzt seinen in den Farben der US-Flagge lakkierten 

Helm als Kopfkissen. Cowboys auf ihren 

Stahlrössern. Geil! 

Der Soundtrack mit Songs von Steppenwolf, 

The Byrds, The Band, Jimi Hendrix und 

anderen hat viel zum Mythos dieses Films 

beigetragen. Denn was heute gang und gäbe 

ist, nämlich zeitgenössische Rock- und Poptitel 

zur Untermalung oder gar als Stilmittel einzusetzen, 

war seinerzeit ein Novum. Normal 

war eine speziell für den jeweiligen Film 

komponierte Score-Musik, die in diesem Fall 

von Crosby, Stills & Nash nachgeliefert wer- 

Steppenwolf 

den sollte. Für die Rohfassung wurde anfangs 

die damalige Playlist mit den Lieblingstiteln 

von Peter Fonda genutzt. Und das machte 

den CS&N-Soundtrack dann überflüssig. 

Denn die behelfsmäßige Vertonung entpuppte 

sich, ebenso wie vieles andere bei dieser 

Unternehmung, als rechter Glücksfall. Wenn 

die Zweirad-Desperados zum griffig-riffigen 

„Born To Be Wild" von Steppenwolf die Harley- 

Motoren heulen lassen 

oder zu dem 

von Goffin/King 

stammenden, im 

hochgestimmten 

Byrds-Stil zwitschernden 

„I 

Wasn’t Born To 

Follow" durch die 

Landschaft gleiten, dann begreift man, warum 

„Easy Rider" im Ruf steht, der Ästhetik der 

späteren Videoclip-Ära Vorschub geleistet zu 

haben. Das Originalsoundtrack-Album von 

1969 listete die Titel in der Reihenfolge, in 

der sie im Film auftauchen, und wurde, lange 

vor „Pretty Woman", die erste sich wirklich 

gut verkaufende Soundtrack-Kompilation 

der Rockgeschichte. Nur einen Monat nach 

Veröffentlichung erreichte die „Easy Rider"-LP 

Platz sechs der Billboard-Charts und erhielt im 

Januar 1970 Goldstatus, was seinerzeit noch 

gute Verkaufszahlen bedeutete. Und Crosby, 

Stills & Nash erwiesen sich als faire Verlierer. 

Sie hätten, so sollen sie nach Ansicht der 

Rohfassung gesagt haben, diesen Job nicht 

besser machen können. 

Einen hervorragenden Job machte auch der 

aus Ungarn stammende László Kovács, der 

auch dank „Easy Rider" 

zu einem der gefragtesten 

Cinematografen 

Hollywoods 

wurde. 

Durch seine Aufnahmen 

wurde die amerikanische 

Landschaft so 

etwas wie ein zusätzlicher 

Mitspieler bei „Easy 

László Kovács 

Rider". Death Valley, 

Canyons, Wüsteneien, Wälder, ganze Passagen 

der historischen Route 66 setzte Kovács gekonnt 

in Szene. Wer genau wissen will, welche Route 

die Asphalt-Cowboys 1969 nahmen, stößt 


ei Google unter www.mrzip66.com auf den 

gleichnamigen Blogger und Harley-Davidson- 

Enthusiasten, der eine amüsante „Führung" 

von Ballarat, Kalifornien, dem Ausgangspunkt, 

bis zur Levee Road in Louisiana, dem Endpunkt 

der Easy-Rider-Reise, gibt. Und dieser Motorrad- 

Kerouac hat seine Lektion gelernt. Eingangszitat: 

„If you do this trip, do it right. A couple of tips: 

First off, don’t sell coke to finance your trip. 

If you do, don’t tell anyone. Definitely don’t 

put coke money in your gas tank, because 

it’ll lower your gas mileage ..." Und es geht so 

humorvoll weiter … bis zu den verhängnisvollen 

Schüssen der Rednecks, die den Traum von 

Wyatt, Amerika, das Land der Freiheit, zu finden, 

auf blutige Weise beenden. 

Die Ausgangssituation für das Team Hopper/ 

Fonda war folgende: Die „Golden Age"- 

Ära war vorüber; die Traumfabrik im Leerlauf; 

tumbe, stets dem Happy End zustrebende 

Kitschschinken wollte das Publikum nicht mehr 

sehen. Realität war angesagt. Mit einem selbst 

für damalige Verhältnisse schmalen Budget 

von 325.000 (manche Quellen sprechen von 

400.000) Dollar realisierte Hopper sein unabhängiges 

Roadmovie, das Hollywood aufhorchen 

ließ und im Rückblick als stilbildend und 

epochal bezeichnet wird. Story, Fotografie, 

Inszenierung, die Anti-Establishment- 

Haltung, die offene Gesellschaftskritik, die 

Darstellung von Drogenkonsum, Sex und 

Gewalt, das Fehlen eines Happy Ends in 

diesem experimentellen Autorenfilm – alles 

war ein einziger Verstoß gegen die Regeln 

des alten Hollywood-Systems. Und gerade 

deshalb sprach „Easy Rider" die aufkommende 

„Woodstock"-Generation an und spülte 

20 Millionen Dollar in die Kasse. In der 

Folge erhielten damals junge, bilderstürmende 

Autorenfilmer wie Martin Scorsese, George 

Lucas, Peter Bogdanovich, Robert Altman, 

Hal Ashby, William Friedkin und Francis Ford 

Coppola die Möglichkeit, ihr Können unter 

Beweis zu stellen. Sie bildeten die Sturmspitze 

dessen, was man heute unter dem Begriff 

New Hollywood zusammenfasst. Die Nähe 

zur gesellschaftlichen Wirklichkeit, Storys über 

reale Menschen mit realen Problemen, ätzende 

Systemkritik, die Nutzung populärer Musik, die 

Umsetzung der seinerzeit angesagten Anti- 

Kriegs- und Protestthemen, die Vivisektion des 

amerikanischen Traums und seiner Hollywood- 

Ausformung gehörten zum Grundbesteck dieser 

Filmemacher. In ihren Filmen wurden Chaos 

als Chaos, Ungerechtigkeit als Ungerechtigkeit 

und die Machtspiele der Mächtigen als eben 

solche gezeigt und entlarvt, was sie waren. 

Und den ersten großen Erfolg dieses neuen 

Kinos markierte „Easy Rider", ein Film der 

aufgrund seines Erfolges bald von der Industrie 

aufgekauft wurde. Als wir in Mayen aus dem 

Kino kamen, waren wir wie betäubt und hatten 

das blutige Bad End und die Schüsse schon verdrängt. 

Wir wussten: Das war der Weg. Born to 

be wild. Uhren wegwerfen, Nicnicnic ... futfutfut 

... Indians. Whiskey zum Frühstück, zwischen 

den Beinen eine brummelnde Chopper und vor 

einem die endlos sich hinziehende Straße. 

Cut. Spulen wir vor ins Jahr 2000. 30 Jahre 

nach „Easy Rider" kam „Almost Famous – 

Fast berühmt" in die Kinos, eine höchst amüsante 

„Coming Of Age"-Komödie von Cameron 

Crowe, der darin biografische Erlebnisse seiner 

Teenager- 

Jahre zu einem 

kurzweiligen 

Leinwanderlebnis 

verdichtet. 

Erzählt 

wird 

die 

Geschichte des 

hochbegabten 

William 

Miller (wunderbar 

linkisch 

gespielt 

von 

Patrick 

Fugit), 

der 

unter seiner dauerbesorgten Mama (preiswürdig 

dargestellt von Frances McDormand) leidet 

und gerne Musikjournalist werden würde. Die 

Chance bietet sich ihm, als er den legendären 

„Pen Pusher" Lester Bangs (Philip Seymour 

Hoffman) kennenlernt. Die Redaktion des 

„Rolling Stone" wird auf das Talent aufmerksam 

und gibt ihm – ohne zu wissen, wie jung 

er ist, nämlich erst 15 – den Auftrag, die Band 

Stillwater auf ihrer Tournee zu begleiten und 

darüber zu berichten. Stillwater (man beachte 

den Namen) sind die Allman Brothers. Und 

was der Pubertierende bei jener legendär 

chaotischen Südstaatentruppe, in deren Tross 

Crowe wirklich mitreiste, erlebt, ist die wunderbare 

Welt des „Sex, Drugs & Rock’n’Roll". 

Er verliebt sich in Groupie Penny Lane (Name!) 

– zum Niederknien: Kate Hudson –, die mit 

dem Bandgitarristen (Billy Crudup als Russell 

Hammond) liiert ist. Der jedoch gibt seiner 

Gespielin den Laufpass, als seine Ehefrau 

ankündigt, in New York zur Entourage stoßen 

zu wollen. Penny versucht daraufhin, 

Selbstmord zu begehen ... Was sich in dürren 

Worten vielleicht etwas klischeehaft anhört, 

hat zahlreiche Zwischentöne und ist – ich 

kann das beurteilen – wirklich lebensnah und 

realistisch. Der besoffen gewagte Sprung in 

den Pool, das ständige Schwanken zwischen 

Party- und Katerstimmung, die Drogenexzesse, 

der Verlust der Naivität mit jedem Kilometer 

und jedem Karrieresprung. Ich will nicht zu viel 

verraten: William rettet Penny, nach langem 

Hin und Her erscheint seine „Rolling Stone"- 

Titelstory, und der von Crowe-Ehefrau Nancy 

Wilson (Heart) zusammengestellte Soundtrack 

(The Who, Led Zeppelin, Lynyrd Skynyrd ...) hat 

wirklich Extraklasse. 

Wenn ein Musikfilm im Übrigen das Beiwort 

Kult verdient, dann „This Is Spinal Tap". 

Das Filmdebüt von Rob Reiner aus dem 

Jahr 1984 kommt daher wie eine Pseudo- 

Dokumentation und nimmt in seiner grotesken 

Überzeichnung den Rockbetrieb von vorn bis 

hinten auf die Schippe. Ironie: Der mangelnde 

Erfolg des Streifens im Kino wird der 

Tatsache zugeschrieben, dass er die Zuschauer 

verwirrte – ist das nun eine überdrehte Doku 

oder einfach nur eine fette Satire? Diese 

Verwirrung endete bei Veröffentlichung des 

Videos, das seinen Siegeszug um die Welt 

antrat. Die Band Spinal Tap war ursprünglich 

für eine TV-Show zusammengestellt worden 

und machte all das mit, was den Irrsinn 

einer Rockagenda ausmacht. Der Anfang in 

den Sechzigern als Beatband, die dann auf 

Flower-Power umsattelt und schließlich als 

enge Spandex-Hosen tragende Heavy-Metalgoes-Gothic-Combo 

endet. Running Gag: 

Alle Schlagzeuger kommen ums Leben, einer 

explodiert sogar. Die Promoterinnen sind dauerquasselnde, 

Kusshände verteilende scharfe 

Hühner, die A&R-Leute Schwätzer usw. „This 

Is Spinal Tap" ist eine brüllend komische, das 

Zwerchfell erschütternde, zum Niederknien 

witzige Satire – und doch oder gerade deshalb 

in vielerlei Hinsicht zutiefst wahr. Hut ab, 

Rob Reiner („Harry und Sally", „Wo die Liebe 

hinfällt"), und Extrapunkte für Fran Drescher, 

deren Rolle der Bobbi Flekman Jahre später 

in der Erfolgs-Sitcom „The Nanny" weitergeschrieben 

wurde. 

Einen festen Platz in meiner ansonsten 

immer vorläufigen Top Ten der Musikfilme 

nehmen auch „Ray" (2004) und „Walk The 

Line" (2005) 

ein. Kein 

Wunder, denn 

diese beiden 

Biopics über 

das Leben von 

Ray Charles 

bzw. Johnny 

Cash setzten 

in vielerlei 

Hinsicht 

Maßstäbe. 

Zuallererst ist 

da die schauspielerische 

Leistung der Haupt- und Nebendarsteller zu 

nennen, dann die intelligente Inszenierung, die 

sich auf die entscheidenden Jahre der zu erzählenden 

Biografien konzentriert, und zuletzt die 

in jeder Minute spürbare Liebe zur Musik, bei 


deren Entstehung man zugegen sein darf. 

Der Reihe nach: Jamie Foxx als Ray Charles 

ist einfach brillant, und nicht von ungefähr 

hat er dafür 2005 den Oscar als „Bester 

Hauptdarsteller" 

Ray 

bekommen. Erzählt 

Charles 

wird von Kindheit, 

Erblindung, 

Coming Out und 

Starruhm der Soullegende, 

die sich 

musikalisch immer 

weit 

hinauswagte, 

Gospel säkularisierte, 

Soul und 

Country vermählte 

und große Hits hinterließ. Erinnerungswürdig, 

wie zum einen der biografische Hintergrund 

von Klassikern wie "What’d I Say" oder "Hit 

The Road Jack" freigelegt und zum anderen 

die musikalische Entstehung der Songs 

seziert wird. Wunderbar auch die kleinen 

Nuancen – Ray, der das Gewicht seiner zahlreichen 

Gespielinnen herausfindet, indem er 

ihr Handgelenk umfasst, seine Zerrissenheit 

zwischen Familienglück und Vielweiberei, seine 

Heroinsucht. Der fast zweistündige Film von 

Taylor Hackford („Ein Offizier und Gentleman", 

„Gegen jede Chance") wurde zu großen Teilen 

von Ray Charles als Berater autorisiert. Kurz 

vor Ende der Dreharbeiten starb die Legende, 

von der man hier gut 20 Songs zu hören 

bekommt. Ein schöneres Denkmal konnte man 

Ray Charles Robinson nicht setzen. 


Ein Vermächtnis der besonderen Art ist auch 

„Walk The Line", der 2005 in die Kinos 

kam, auf zwei Cash-Biografien beruht und 

Reese Witherspoon als June Carter einen 

Oscar 

bescherte. 

Der Film, der eine 

Zeit von etwa 22 

Jahren 

abdeckt, 

beginnt am Ende. 

Cash wartet hinter 

der Bühne auf 

seinen 

Auftritt 

im Folsom State 

Prison, 

jenem 

Gefängnis, 

von 

dem sein Song 

"Folsom 

Prison 

Blues" handelt. 

Die Häftlinge klatschen und stampfen mit 

den Füßen. Das Wasser im Glas vibriert im 

Takt. Es ist der 13. Januar 1968, und der 

„Man In Black", seine Band und June Carter 

werden von den Gefängnisinsassen frenetisch 

gefeiert. Dieser denkwürdige Knast-Gig 

bildet die inszenatorische 

Klammer für die 

Erzählung, die folgt. 

Rückblende. 1944: Der 

junge Johnny, damals 

noch J.R. genannt, 

hört das erste Mal 

June Carter; sein 

Bruder, Lieblingssohn 

des Vaters, kommt 

bei einem Unfall ums 

Johnny Cash 


Leben, die Schuld daran bürdet der Vater J.R. 

auf. John beim Militär. In Landsberg am Lech, 

wo er stationiert ist, kauft er sich eine Höfner- 

Gitarre und schreibt seine ersten Songs, u.a. 

den von einem Film inspirierten Folsom Prison 

Blues. Zurück in den Staaten heiratet er seine 

Jugendfreundin und erlebt den schmerzhaften 

Spagat zwischen Beruf (Handelsvertreter) 

und 

Berufung 

(Musiker). 

Er 

nimmt für Sam 

Philips 

von 

Sun 

Records 

eine Single auf, 

geht mit Jerry 

Lee Lewis, Roy 

Orbison, 

Carl 

Perkins und Elvis 

Presley auf Tour, wird alkohol- und tablettensüchtig, 

trifft seine große Liebe June wieder, 

landet mit ihr im Bett, wird mit Drogen verhaftet 

und geschieden, haust mit Waylon Jennings in 

einer abgerockten Bude in Nashville, kauft ein 

Haus, kämpft um die Anerkennung des Vaters 

– und vermasselt wieder alles. Der Erzählfaden 

dieses amerikanischen Film noir wird 1968, 

eben bei dem legendären Gefängnisgig, wieder 

aufgenommen. June will ihn immer noch 

nicht heiraten. Erst als Cash ihr auf der Bühne 

vor Publikum einen Antrag macht, sagt sie Ja. 

Die „schwarze Seite des Glücks" („Süddeutsche 

Zeitung") hellt sich auf, das Happy End naht 

– mit fröhlichem Familienbeisammensein und 

einem Vater, der seinem Sohn endlich verziehen 

zu haben scheint. Großartiges, herzerweichendes 

Hollywood-Kino und ein Muss nicht 

nur für Countryfans. 

Zum Abschluss und in aller Kürze noch 

zwei Musikfilm-Komödien, die trotz einiger 

kleiner Fehler sehr unterhaltsam sind: „Radio 

Rock Revolution", im Original: „The Boat That 

Rocked", berichtet von der großen Zeit der 

Piratensender, 

die England und 

Europa zum 

Fingerschnippen 

brachten. Radio 

Caroline stand 

Pate für diesen 

Film mit skurrilen 

Typen, witzigen 

Geschichten 

und wundervollen en Sixties-Klassikern. i 

ikern Bestes 

Popcorn-Kino. Eine grandiose „One Man 

Show" von Jack Black 

als Dewey Finn wiederum 

ist „School Of 

Rock", eine Komödie, 

die 2004 in die deutschen 

Kinos kam. 

Außenseiter Dewey 

wird kurz vor der 

„Battle Of The Bands" 

von seinen Kollegen 

geschasst. Ständig in 

finanziellen i Schwierigkeiten, i übernimmt er 

den Aushilfslehrer-Job seines Freundes Ned 

und führt an der Schule das Fach Rockmusik 

ein. Die begabten Kids der Schulband lernen 


alles über The Who, Led Zep und Co., über 

den Windmühlen-Arm von Pete Townshend, 

das Geheimnis großer Solos, über Bühnenoutfit 

und Management. Mit ihnen will er an der 

„Battle Of The Bands" teilnehmen – und 

sich an seinen Kumpels rächen. Großartig 

Jack Black, der für seine Darstellung trotz 

Kritik an dem Viacom-Sender den MTV Movie 

Award erhielt. Großartiger Soundtrack, amüsante 

Story. 

Last but not least gehaltvollere Kost von 

Regisseur und Drehbuchautor Todd Haynes. 

„I’m Not There", benannt nach einem bis 

zum Film unveröffentlichten Dylan-Song, ist 

ein Episodenfilm, der in sechs Erzählungen 

Aspekte aus des 

Maestros Leben, seinem 

Werdegang 

und Werk aufgreift. 

Verbürgtes 

und 

Abstraktes 

mischen 

sich mit Introspektion 

und Traumsequenzen. 

Cate Blanchett brilliert 

als Dylan, Richard 

Gere, Heath Ledger 

(in seiner letzten Rolle), Christian Bale und 

Ben Whishaw tun ein Übriges, um diesen 

Autorenfilm zu einem nachdenklichen Erlebnis 

zu machen. 

Teddy Hoersch 

Eigentlich sollte man davon ausgehen, dass 

Harley-Davidson die Dreharbeiten von " 

Easy 

Rider" freudig unterstützt hat. Mitnichten! Eine 

Anfrage der Produktion um Unterstützung und/ 

oder Stellung der notwendigen Maschinen wurde 

abschlägig beschieden. Peter Fonda ersteigerte 

daraufhin gebrauchte Polizeimaschinen (!) 

des Typs Panheads (benannt nach einem 

Motorentyp aus den Jahren 1948–1965) und 

ließ die Auslaufmodelle radikal modifizieren, 

choppen. Drei der vier Bikes wurden während 

der Dreharbeiten gestohlen und sind bis 

heute nicht wieder aufgetaucht. Nachbauten 

stehen in einigen Museen. Inzwischen sind 

nach Kundenwünschen gestaltete maßgefertigte 

Bikes zu einem eigenständigen Wirtschaftszweig 

geworden. Seinerzeit rettete " 

Easy Rider" die 

kränkelnde Motorradschmiede aus Milwaukee 

vor dem Niedergang und begründete einen weiteren 

Mythos: den von der großen Freiheit im 

Sattel einer " 

custom made" Harley-Chopper 

mit langer Vorderradgabel, hohem Lenker 

(Apehanger) und vorverlegten Fußrasten. All das 

verschlechterte zwar das Fahrverhalten, sah 

dafür aber einfach scharf aus.

Der 6. April 1974 war zwar nicht die 

Geburtsstunde des schwedischen Quartetts 

Abba, doch an diesem Tag fiel gewissermaßen 

der Startschuss zur Eroberung der 

Welt durch die beiden Sängerinnen Agnetha 

Fältskog und Anni-Frid Lyngstadt sowie 

die beiden Songschmiede, Instrumentalisten 

und Sänger Björn Ulvaeus und Benny 

Andersson. Letztere hatten das später zum 

Evergreen gewordene Siegerlied "Waterloo" 

komponiert, Stig Anderson steuerte den 

Text bei. (Übrigens war der Grand Prix in 

Brighton nicht nur für Abba der Auftakt 

einer Weltkarriere, auch Musik-Deutschland 

bescherte er eine Premiere: Ralph Siegel, unser 

späterer „Mr. Eurovision", hatte erstmals einen Titel 

am Start: Das von Ireen Sheer vorgetragene "Bye Bye 

I Love You" belegte dann am Ende gemeinsam mit dem 

von Olivia Newton-John gesungenen Beitrag Englands, "Long 

Live Love", Platz vier. Die 14 Punkte hatten Siegel und sein Texter Michael 

Kunze allerdings für Luxemburg eingefahren, nicht für Deutschland. 

Dessen Vertreter Cindy & Bert wiederum kamen mit "Die Sommermelodie" 

mit mageren drei Zählern nur auf Rang 14, auf den letzten Platz, den 

man sich mit Norwegen, Portugal und der Schweiz teilte.) 

Augenzeuge der damaligen Geschehnisse in Brighton war Wolfgang 

„Bubi" Heilemann, der legendäre „Bravo"-Fotograf, der sich in der englischen 

Hafenstadt mit den vier Abba-Mitgliedern anfreundete, sie während 

ihrer vergleichsweise kurzen Karriere regelmäßig mit seiner Kamera begleitete, 

zu Hause besuchte und bis heute den Kontakt zu ihnen pflegt. Mit 

einer Multimedia-Show hält er die Erinnerung an Abba und ihre Musik 

wach, die bis heute Generationen von Pop-Fans in ihren Bann zieht. 

A l s 

Lieder wettbewerb 

von Komponisten und Songschreibern 

ist der Grand Prix Eurovision 

de la Chanson 1956 einst von der 

Europäischen Rundfunkunion ins Leben gerufen 

worden und hat seither eine bewegte Geschichte 

hinter sich gebracht. In den vergangenen knapp 

60 Jahren brachte die Veranstaltung, die inzwischen 

unter dem Label " 

Eurovision Song Contest" fi rmiert, die 

Karriere zahlreicher Interpreten ins Rollen und erlebte eine 

beeindruckende Reihe von Comebackversuchen von 

Künstlern, die in Vergessenheit geraten waren. Selten 

jedoch hat eine Ausgabe dieser legendären Serie 

seit ihrer ersten Ausrichtung in Lugano derart 

tiefe Spuren in der Musikgeschichte hinterlassen 

wie an jenem Abend vor 40 

Jahren im englischen Seebad 

Brighton. 

Von Philipp Roser 

Im Gespräch mit kult!-Mitarbeiter Philipp Roser 

lässt Heilemann, der später auch kurzzeitig als 

Sat1-Programmdirektor tätig war, jenen legendären 

Abend noch einmal Revue passieren: 

„Ich wurde öfter zum Grand Prix Eurovision 

de la Chanson geschickt, wie er früher 

hieß. Nicht, weil ,Bravo' da großartig darüber 

berichten wollte, denn das war mit 

all diesen Knödelbarden aus Frankreich, 

Luxemburg, Monaco und Spanien eigentlich 

nicht so das richtige ,Bravo'-Thema. 

Aber allein schon wegen unserer deutschen 

Kandidaten Cindy & Bert – wenn die schon 

mal auf internationale Bühnen gingen, war 

das damals natürlich ein Thema, auch für die 

,Bravo'. Deswegen hat man mich hingeschickt 

und gesagt: ‚Achte darauf, was da sonst noch passiert! 

Fotografiere die Nasen, wo du meinst, dass die ein 

Thema sein könnten – nicht dass da einer gewinnt, der ganz 

toll ist, und wir keine Bilder haben'", erinnert sich Heilemann. 

Eine ganze Woche war der Fotograf dann vor Ort und verfolgte die 

Proben. „Es gab wirklich nichts Langweiligeres als diesen Grand Prix", fällt 

er im Rückblick immer noch ein vernichtendes Urteil. Zumal in Brighton 

aus Sicht seines Arbeitgebers kaum „Bravo"-Stars dabei waren, mit 

Ausnahme von Olivia Newton-John vielleicht. „Natürlich habe ich Cindy 

& Bert fotografiert, denn die waren schließlich 

unsere Lokalmatadoren. Dann waren da noch 

Gigliola Cinquetti aus Italien und dieses Duo 

aus Holland, Mouth & McNeal – die kamen 

eventuell für uns in Frage, und ich habe sie alle 

abgelichtet. Man saß in den Proben, hat sich die 


Fotos: © Bubi Heilemann/www.rockfoto.de 

Künstler angeguckt, angehört. Es gab 

auch Wetten unter den Journalisten, 

die in dem Saal saßen. Nachts wurde 

lange gefeiert, mit den Kollegen 

in den Hotels gesoffen – und am 

nächsten Morgen saß ich da wieder. 

Ich habe mich am Morgen des Tages 

vor der eigentlichen Veranstaltung 

hingeschleppt und zugehört, bin 

dann wirklich eingeschlafen, war 

von der ganzen Nacht davor fertig, 

und diese Singerei war ja wirklich 

furchtbar! Aber aufgewacht bin ich, 

als sie auf der Bühne auf die Pauke 

gehauen haben. Da standen plötzlich 

ein paar Wirbelwinde auf der Bühne", erzählt Heilemann, als ob es gestern 

gewesen wäre. Schließlich hat er die Geschichte schon häufig zum Besten 

geben müssen, vor dem 40-jährigen "Waterloo"-Jubiläum ohnehin. 

„Bei den Journalisten setzte kaum jemand auf sie, es hieß: ‚Die können 

gar nicht gewinnen, denn die machen Popmusik – das passt hier gar 

nicht rein!' Selbst Abba haben so gedacht!" Doch dann kam alles ganz 

anders, was Heilemann so erklärt: „Gerade weil sie so anders waren, so 

einen Schwung drauf hatten, weil sie so tolle Kostüme vorführten, weil sie 

super Musik machten 

– das hat mich 

geweckt, als ich bei 

der Probe vor der 

Bühne eingenickt 

war. Das war schon 

die Kostüm- und 

Generalprobe. Ich 

bin anschließend 

gleich zu ihnen hin 

und habe gesagt: 

‚Ich bin von ,Bravo', 

wir müssen noch 

ein paar Fotos machen.' Die ,Bravo' war ihnen 

durchaus ein Begriff. Und dann hatte ich auch 

noch Glück, es war schönes Wetter, und ich 

habe sie draußen vor dem Dom fotografiert – so 

hieß der Veranstaltungsort. Bei der Gelegenheit 

habe ich auch gesagt: ‚Ihr 

werdet das Ding gewinnen!' 

‚Never ever', antworteten sie, und 

wir 

haben um eine Flasche Champagner gewettet. 

Obendrein bin ich noch zu den Buchmachern 

gegangen, wo Abba auch ganz schlechte Quoten 

hatten. Ich habe trotzdem auf sie gesetzt, und hatte 

dann auch eine gute Gewinnquote, als sie siegten." 

„Für mich war es optimal, weil ich so mehr 

hatte als das typische Siegerfoto, das in jeder 

Tageszeitung zu sehen war. Die ,Bravo' hatte ja 

zwei Wochen Vorlaufzeit, und da brauchten wir eben andere Bilder, und 

die hatte ich, wie sich dann herausstellen sollte, alle schon ordentlich 

im Kasten!" Doch damit ging die Geschichte für Heilemann erst richtig 

los. Er brauchte sich nicht lange unter die Hunderte von Fotografen und 

Fernsehteams vor der Bühne zu quetschen. „Als sie siegten, zogen sie 

sich in eine Lounge zurück. Da stand ich dann Arme wirbelnd vor der 

Tür, die Bodyguards hielten alle zurück – doch dann ging die Tür einen 

Spalt weit auf, Björn hat mich gesehen und gesagt: ‚Hey, da ist der Typ, 

der den Sieg vorausgesagt hat!'" Und als 

die Band sich dann auf der Bühne feiern 

ließ, „haben sie in einem kurzen Moment 

alle, auch der Manager und der Dirigent, 

in meine Kamera geschaut, obwohl da so 

viele Fotografen waren", gerät er auch 40 

Jahre später immer noch ins Schwärmen. 

„So bin ich irgendwie ein bisschen ihr 

Maskottchen geworden – natürlich auch, 

weil ,Bravo' damals eine Weltmacht war. 

Zuversichtliche Gesichter: am Tag der Grand-Prix-Entscheidung. 

Über Nacht berühmt. 

Das erste Fotoshooting 

nach dem Sieg sorgt 

für großes 

Presseinteresse. 

Das wussten sie durchaus, vor allem 

Björn. Aber auch Agnetha, die zuvor 

Platten in Deutschland gemacht 

hatte und mit einem deutschen 

Produzenten verlobt war, außerdem 

auch Deutsch sprach. Björn, der 

so etwas wie der Medienvertreter 

der Band war, hat immer sehr viel 

für mich ermöglicht, ohne dass ich 

mit dem Management hätte reden 

müssen." 

Der Rest ist Geschichte: Der 

so mitreißende Grand-Prix- 

Siegertitel "Waterloo" avancierte in 

Deutschland, Großbritannien und der 

Schweiz zur Nummer 1, in Österreich reichte es bis zu Rang 2, und sogar 

in den USA eroberten Abba damit die Single-Charts, schafften es bis auf 

Position 6. In Frankreich allerdings blieb das schwedische Quartett selbst 

mit einer französischsprachigen Version ohne besonderen Verkaufserfolg. 

Das dazugehörige gleichnamige Album schoss in ihrer Heimat 

Schweden auf 1, in Deutschland auf Platz 6, im UK reichte es immerhin 

für Rang 28, während die Platte in den USA auf Position 145 hängenblieb. 

Weitere-Top-Ten-Platzierungen waren ansonsten nur in Norwegen, 

Finnland und Simbabwe zu verzeichnen. 

2004 gab es eine „30th Anniversary Edition" mit zwei Bonus- 

Tracks und einer Zusatz-DVD (mit vier Videos). Deutlich üppiger 

ausgefallen hingegen ist die „Deluxe Edition" zum 40-jährigen 

Jubiläum, die zugleich als achter Teil die Abba-Deluxe- 

Editions-Serie abschließt. Acht Bonus-Tracks werden geliefert: Die 

Erfolgsnummer selbst gibt's zusätzlich auf Schwedisch, Französisch 

und Deutsch, dazu einen alternativen Mix des englischen Originals. 

Plus den Single-Remix der Nachfolge-45er "Ring Ring" (UK-Fassung) 

und die "Waterloo"-Abmischung der US-Ausgabe des Albums. 

Hinzukommen noch eine spanische Fassung von "Hasta Mañana" 

und die schwedische Version von "Honey, Honey". Die ebenfalls 

enthaltene DVD liefert 13 teilweise unveröffentlichte TV-Auftritten (u.a. 

in „Musik aus Studio B", „Ein Kessel Buntes", „Disco" sowie diverse BBC- 

Auftritte). Selbstverständlich ist auch der Erfolg in Brighton dokumentiert, 

samt damaliger Interviews mit Frida und Manager Stig Anderson. 

Nebenbei bemerkt: Das Album WATERLOO war nicht gerade typisch 

für das, was man von Abba vorher kannte oder auch später von der 

Band serviert bekam. Die stilistische Bandbreite der Songs war bei Abba 

selten breiter angelegt als hier, umfasste Pop pur über Folk-Rockiges bis 

hin zu Karibik-Anleihen. Typisch Abba war allerdings das Händchen von 

Anderson und Ulvaeus für eingängige 

Melodien. 

Bubi Heilemann ist übrigens nach 

zweijähriger Vorbereitung in Sachen 

Konzeption und Produktion mit seiner 

Multivisions-Show „Abba hautnah – Mein 

Leben mit Abba" unterwegs. Der Abba- 

Haus- und Hoffotograf lädt dabei zu einer 

Zeitreise mit Fotos, TV-Ausschnitten und 

Musik ein ... 

Abba mit 

GoodTimes " 

Bravo"-Redakteur Gerald Büchelmaier (2.v.l.) 

2/2014 ■ Seite 45 

und Fotograf Wolfgang Heilemann

unterm 

Riesenrad 

Die DDR-Fernsehserie 

aus den späten Siebzigern 

hat noch heute einen Platz 

in den Herzen ihrer Fans 

Zum Schluss war dann alles wieder 

im Lot! Die in ihrem tiefsten Inneren 

friedfertige Hexe und der ordentlich 

geläuterte Riese hielten jeweils als Zeichen 

ihrer Rehabilitierung einen Personalausweis 

der Deutschen Demokratischen Republik 

in Händen und waren fortan Teil der 

Gemeinschaft. Lediglich der Dritte im Bunde 

– das fiese Rumpelstilzchen – hatte die 

Kurve nicht gekriegt und wurde in die 

Geisterbahnpuppe, die er schon einmal gewesen 

war, zurückverwandelt. Bis es allerdings 

soweit war, vergingen sieben 35-minütige 

Folgen, die so spannend und gleichzeitig 

witzig waren, wie es im DDR-Kinderfernsehen 

noch nicht allzu oft der Fall war. Der Plot, 

den der schon damals gefeierte Autor C.U. 

Wiesner nach einer Idee der Dramaturgin 

Anne Goßens entwickelte, lieferte 

alles, was auch heute noch einen 

erfolgreichen Kinderfilm ausmacht: 

eine nicht allzu schwierige, aber 

dennoch fantasievolle Geschichte, 

in den Hauptrollen mehrere 

Sympathieträger mit Charme, Witz 

und immer einem lockeren Spruch 

auf den Lippen sowie ein glückliches 

Händchen bei der Auswahl der 

Drehorte. 

Alles beginnt im „Kulturpark Plänterwald", 

dem ostdeutschlandweit schönsten Rummel – 

liebevoll „Kulti" genannt –, der nach dem Ende 

der DDR zum „Spreepark Berlin" wurde 

und seit vielen Jahren brachliegt. Dort 

jedenfalls können die drei Kinder Keks, 

Umbo und Tammi (die Spitznamen hatte 

sich Wiesner bei den realen Kindern 

eines Theaterschauspielers auf Rügen 

entliehen) ihre Sommerferien verbringen, 

denn ihre Großeltern betreiben 

die Geisterbahn. Welches Kind würde 

sich das nicht wünschen? Übermütig 

bewerfen sich die Kids eines Tages mit 

angebranntem Grießbrei und treffen 

dabei versehentlich drei Geisterbahnfiguren, 

die es anschließend zu reinigen gilt. Bei der 

Waschung in der Spree werden diese dann aber 

zum Leben erweckt, und von nun an sind Hexe, 

Riese und Rumpelstilzchen auf der Flucht. 

Verfolgt von den Kindern, deren Großeltern 

und den Genossen der Volkspolizei, fällt der 

Startschuss für einen turbulenten, actionreichen 

Familienspaß, der die Protagonisten vom 

heutigen Berliner Szenebezirk Friedrichshain 

und dem Alexanderplatz mit seinem großen 

Warenhaus direkt in den Harz, auf den 

Hexentanzplatz und zur Burg Falkenstein 

führt. Regisseur Günter Meyer, der zuvor 

meist an Dokumentarfilmen arbeitete, schuf 

ein echtes Juwel, das mittlerweile auch nachkommende 

Generationen begeistert. Meyer 

hatte ein genaues Gespür für das richtige 

Tempo sowie für reichlich Pointen und kleine 

Seitenhiebe auf den DDR-Alltag, etwa wenn 

das Geistertrio in Bananen mit Schale beißt 

oder ein Zivilist – offenbar ein Stasi-Mitarbeiter 

– auf dem Alexanderplatz Meldung macht. 

© Szenen-Bilder: DRA 



Abba 

Foto: © Bubi Heilemann/www.rockfoto.de

Schalke 04 

Saison 

‘71/‘72 

Hinten von links: Lichtenberg, Pabst, Huhse, Hoffmann, van den Berg, Rüßmann, Nigbur, Horvath 

Mitte: Holz, Sobieray, Fischer, Scheer, Fichtel, van Haaren 

Vorne: Pohlfuß, Lütkebohmert, Manns, Heßling, Beverungen, Libuda, H. Kremers, E. Kremers, Braun 


Foto: © Horstmueller

Eine ganz andere Szene hätte um Haaresbreite 

jedoch die TV-Ausstrahlung fast noch verhindert: 

Die drei fantastischen Gestalten plündern 

nämlich das Kaufhaus. Neben dem geklauten 

Staubsauger, der als Flugbesen 

herhalten muss, deckt sich 

der Riese auch mit etlichen 

Würsten aus der Fleischtheke 

ein, von denen er dann auch 

noch einen Großteil verliert. 

Da die TV-Premiere 

der Serie im Januar 1979 

erfolgte, zu einer Zeit, als in 

einigen Regionen der DDR 

ein Mangel an Fleisch- und 

Wurstwaren herrschte, waren 

herumkullernde Filmwürste 

zweifelsohne ein No-Go, weshalb 

die Szene kurzerhand 

herausgeschnitten wurde. In 

den vielen Wiederholungen 

und auch in der Kinofassung 

1980 – hierbei wurde aus 

der TV-Serie ein zweiteiliger 

Spielfilm – war die Würstchenszene allerdings 

wieder drin. Ob sich die Fleischsituation zwischenzeitlich 

entspannt hatte oder die 

Zensoren einfach vergaßen, weiterhin 

einen geschärften Blick für allzu 

viele Lebensmittel in Kinderfilmen zu 

werfen, ist nicht überliefert. 

Als die Dreharbeiten begannen, 

trug die Serie noch den Arbeitstitel 

„Die Ausreißer" – für eine Serie, 

die es in einem Land, in dem es 

noch ganz andere Ausreißer gab, 

auf Anhieb ins nachmittägliche 

Samstagsfernsehprogramm 

schaffte, nicht die allerglücklichste 

Wahl. Und auch für Wiesner/ 

Meyer, das Dreamteam der DDR- 

Fernsehunterhaltung, wäre es ungünstig 

gewesen, denn bei den weiteren 

Familienserien, die sie noch drehen sollten, 

hätten sie dann keine Verweismöglichkeit auf 

den Erfolgserstling gehabt. So aber konnten 

sie dem „Spuk unterm Riesenrad" noch den 

„Spuk im Hochhaus", den „Spuk von draußen" 

usw. folgen lassen. Die immer größer werdende 

Fangemeinde spricht daher liebevoll von 

den „Spuk-Serien". 

Nicht zuletzt waren es aber natürlich die 

Darsteller, die die Familienserie so sehenswert 

machen. Die kürzlich viel zu früh verstorbene 

Katja Paryla etwa, die in ihrer Rolle als Hexe 

Charme und Respekt gleichermaßen ausstrahlt. 

Stefan Lisewski, ein gefragter Brecht- 

Schauspieler am Berliner Ensemble, als tumber 

und gefräßiger Riese. Und sogar noch überzeugender 

Siegfried Seibt als Rumpelstilzchen, 

der seine Rolle förmlich lebte und auch beste 

Voraussetzungen dafür mitbrachte, denn 

schon 1960 war er in „Das Zaubermännchen", 

der Defa-Filmvariante des Grimm-Märchens, 

als Rumpelstilzchen zu sehen 

gewesen. Alte Theaterhasen 

wie die Bertolt-Brecht- 

Entdeckung (und Geliebte) 

Käthe Reichel und Kurt Radeke 

vom Berliner Maxim-Gorki- 

Theater begeisterten als Oma 

und Opa aus dem Plänterwald. 

Selbst die Kinderrollen waren 

großartig besetzt, die kleinen 

Großmäuler Umbo und Tammi 

mit ihrer rabaukenhaften 

Schnoddrigkeit – gespielt 

von Dima Gratschow und 

Henning Lehmbäcker 

– wirkten cool und clever. 

Und in die kleine Keks – verkörpert 

von Katrin Raukopf – hat sich 

damals jeder ostdeutsche Junge zwischen 

acht und zwölf ganz sicher verliebt. 

Die Schauspieler agierten mit vollem 

Körpereinsatz. Siegfried Seibt etwa brach 

sich zwei Rippen, Stefan Lisewski fiel eine 


Woche aus, weil er sich bei Aufnahmen einen 

Ast ins Gesicht rammte. 

Wiesner und Meyer nahmen den 

„Riesenradspuk"-Erfolg zum Anlass, anschließend 

ähnliche Serien zu konzipieren. 

Mitunter gab es hier 

auch ein Wiedersehen mit den 

Schauspielern aus der ersten 

Staffel. So spielten in „Spuk im 

Hochhaus" u.a. Katja Paryla, 

Siegfried Seibt (der während 

der Produktion im Januar 

1982 einem Krebsleiden 

erlag), Käthe Reichel sowie 

die Kinderdarsteller Gratschow 

und Lehmbäcker – allerdings 

in ganz anderen Rollen. Riese 

Stefan Lisewski war allerdings 

der Einzige, der in beiden 

Folgeserien (nach dem 

„Hochhaus" folgte noch der 

„Spuk von draußen") zu erleben 

war. C.U. Wiesner und 

Günter Meyer waren diesmal 

übrigens ebenfalls zu sehen: Meyer als wartender 

Restaurantbesucher und Wiesner eine Serie 

später als Erzähler. 

Auch im vereinten Deutschland ging 

der Spuk dann weiter: 1997, zehn 

Jahre nach der letzten „Spuk-Serie", 

drehten Wiesner und Meyer für den 

Kindersender Kika „Spuk aus der 

Gruft", „Spuk im Reich der Schatten" 

und „Spuk am Tor der Zeit" mit 

Schauspielern wie Nina Hoger, Ilja 

Richter und Matthias Schweighöfer. 

Wenngleich keine der Staffeln floppte, 

so ist die erste doch die bis 

heute beliebteste. Der „Spuk unterm 

Riesenrad" schaffte es auch auf etliche 

Theaterbühnen, und sogar ein 

Hörspiel – 

mit C.U. 

Wiesner als Erzähler 

– ist vor geraumer 

Zeit erschienen. 

Noch ganz neu ist 

die Veröffentlichung 

auf Blu-ray. Dabei 

handelt es sich übrigens 

um die erste 

DDR-Fernsehserie in 

diesem Format. Die 

Kultserie geht in dieser 

Hinsicht mit der Zeit. 

Christian Hentschel

Yamaha XT 500 

Die Mutter aller Enduros 

Die XT 500, die erste großvolumige Viertakt-Enduro, vermittelte 

ab Mitte der 70er Jahre wie kein anderes Serienmotorrad den 

Geschmack von Freiheit und Abenteuer. Je steiniger der Weg, 

desto mehr wurde er mit der Yamaha zum Ziel. 

Von Andreas Kötter 

W 

as genau aber verbarg sich hinter dem 

Erfolgsrezept des robust-rustikal-reduzierten 

Yamaha-Eintopfes in einer Zeit, in der 

Motorräder doch eigentlich technisch immer ausgereifter 

und vor allem immer leistungsstärker wurden? 

Wie erklären sich der legendäre Ruf und der Kult um 

dieses Motorrad, das mit nicht weniger legendären 

Bikes wie der Honda CB 750 Four oder Kawasaki Z 

900 um die Gunst der Käufer konkurrieren musste, die viel eher dem 

zunehmenden „Höher, Schneller, Weiter" verpflichtet waren? Um diese 

Fragen beantworten zu können, ist ein Ausflug in die Geschichte geländegängiger 

Motorräder nötig. 

Z 

unächst war es wohl der typisch menschliche Wunsch, ausgetretene 

– Pardon – eingefahrene Pfade zu verlassen, sich einen Weg 

zu bahnen, wo eigentlich gar keiner war. „Über den Fluss und in die 

Wälder", das wurde Ende der 50er Jahre Wunsch und Motto nicht 

nur bei Ernest Hemingway, sondern auch bei vielen Motorradfahrern. 

Großen Anteil daran hatte der „King Of Cool", Hollywood-Ikone Steve 

McQueen, der 1963 im Weltkriegs-Klassiker „Gesprengte 

Ketten" als 

amerikanischer Kriegsgefangener mit einer Straßenmaschine über Stock 

und Stein versuchte, den Nazi-Schergen zu entkommen. en. Historisch kor- 

Yamaha XT 500 1976 

Seite 

56 ■ GoodTimes 2/2014 

rekt hätte es sich um eine BMW handeln müssen. Die 

aber hätte die wilde Fahrt kaum ausgehalten, so dass 

man dem Kinopublikum eine modifizierte Triumph 

als BMW verkaufte. McQueen war es auch, der reine 

Geländemotorräder wie die Husqvarna 400 populär 

machte. Viele Hersteller begannen nun, zunächst 

vor allem für den US-Markt Straßenmaschinen auf 

Gelände-Look zu pimpen, indem einfach der Auspuff 

höhergelegt und grobstolligere Reifen verendet wurden. „Scrambler" 

nannte man diese Maschinen, deren Geländegängigkeit allerdings eher 

theoretischer Natur war. Damit waren die Scrambler (engl. scramble = 

klettern) die Urahnen der Enduros (span. duro = hart; engl. endurance 

= Ausdauer), die ab Mitte der 70er Jahre auftauchten. Die hatten den 

Vorteil, dass jetzt Wert auf echte Geländegängigkeit gelegt wurde. 

Neben den grobstolligen Reifen und der hochgelegten Auspuffanlage 

gab es widerstandsfähigere Kotflügel aus Kunststoff, einen Motorschutz 

gegen Steinschlag und vor allem größere Federwege. 

Z 

urück zur XT 500. Mit ihrer ersten Präsentation 1975 auf dem 

US-Markt in Las Vegas wurde der Begriff Enduro einer breiteren 

Öffentlichkeit bekannt. Und schon das Modell der XT, das 1976 nach 

Deutschland kam, trug 

den Schriftzug „Enduro" ganz 

selbstverständlich auf dem Seitendeckel. Dass Yamaha 

hier ganze Arbeit geleistet hatte, zeigte sich 

umgehend: Das Sieger-Motorrad der ersten und 

zweiten Rallye 

Paris-Dakar war eine XT 500. 

Damit 

war klar, dass die XT nicht nur 

eine richtig gute Figur machte, sondern 

auch richtig gut war. Sie hatte eben 

weit mehr drauf, als nur ein Show- 

Bike zu sein, mit dem man sich vor 

dem Straßencafé als vermeintlich 

tougher Kerl inszenieren konnte. 

XT 500 1978

W 

irklich tough muss man tatsächlich 

bis heute sein, wenn man mit der 

XT zurechtkommen will. „Ein wahrer Mann 

muss in seinem Leben ein Haus bauen, einen 

Baum pflanzen und eine XT starten können", 

schrieb die Fachzeitschrift „Motorrad" 

2002 in einer der vielen Würdigungen des 

geschichtsträchtigen Kult-Motorrads. Denn 

das Ankicken der XT hat beinahe schon 

rituellen Charakter. Elektrostarter waren 

Mitte der 70er Jahre – wenn überhaupt – 

nur an größeren Straßenmaschinen vorhanden. 

Der einzylindrige Motor der XT muss 

also ausschließlich per Muskelkraft gestartet 

werden. Und es gibt nicht wenige, die 

schon hier an der XT verzweifeln möchten 

oder sich gleich auch noch einen mächtigen 

Bluterguss in der Wade holen. Dann, wenn 

der Kickstarthebel buchstäblich unbarmherzig 

zurückschlägt. Was für eine ungeheure 

Prozedur es ist, eine XT zum Leben zu 

erwecken, das beschreibt wunderbar noch 

einmal „Motorrad": „,Langsam mit dem 

Kickstarter pumpen.' Der Verkäufer gibt 

sich 1983 selbstsicher, flößt mir Vertrauen 

ein. Was ich nicht weiß: Seine Erfahrung ist angelesen. Handbuch 

der XT 500. Kapitel Starten. ,Irgendwann merkst du einen leichten 

Widerstand', fährt er fort, und seine Augen folgen gebannt dem Auf 

und Ab meines Fußes. Fast so, als geschehe gleich ein Wunder. Der 

leichte Widerstand ist erreicht, mein 

rechter Fuß ruht auf dem stählernen 

Starter, der, so die Erzählungen, 

in der Lage ist, Muskeln zu zerreißen 

und Knochen zu zerbrechen 

wie Streichhölzer. Mein linker 

Zeigefinger zieht an einem Hebel. 

Dieser ist über einen Bowdenzug 

mit einem Mechanismus verbunden, 

der im Motor das Auslassventil 

leicht öffnet, die Kompression 

damit gegen g Null schrumpfen lässt. 

Jetzt t nur noch ein kleiner Kick, 

so zirka fünf Zentimeter nach 

unten, den Kolben dadurch 

über den oberen Totpunkt 

wuchten, schon kann man im 

Schauglas ein gelbes Zeichen 

erkennen. Vorausgesetzt, der 

Zündzeitpunkt stimmt und 

Benzin ist im Vergaser, wird 

der darauffolgende Kick mit 

einem sonoren dumpfen Klang 

aus dem Auspuff belohnt. Vorausgesetzt." 

H 

atte man dieses Prozedere aber erst 

einmal intus, dann wurde die XT ein 

verlässlicher Begleiter wie kaum ein anderes 

Motorrad zu jener Zeit. Eine Freundin, mit 

der man bis heute ebenso gut zur täglichen 

Arbeit oder zum Brötchenholen fahren kann, 

wie um den Erdball. Denn dank der XT (und 

dank einer immer offeneren Gesellschaft) 

entwickelt sich ab Mitte der 70er Jahre 

auch ein reger Motorrad-Tourismus. Tiefstes 

Afrika oder höchster Norden, Botswana oder 

Nordkap – keine Region dieses Planeten, aus 

der Leser und Motorrad-Reisende damals 

Fotos ihrer XT-Abenteuer an die einschlägigen 

Magazine schickten. Immer mehr 

Zubehör für die große Fahrt gab es auch, von 

den entsprechenden Packvorrichtungen bis 

zu Tanks mit größerem Fassungsvermögen. 

Die XT wurde Kult, beinahe möchte man 

sagen, schneller, als Yamaha sie produzieren 

konnte. Bis 1990 wurde sie gebaut 

und überdauerte damit sogar ihre längst 

auf dem Markt angekommenen moderneren 

Werbung Nachfolgerinnen, die XT 550 und XT 600. 

etwa 1977 Am Ende wurden es insgesamt 127.446 

Maschinen, davon alleine in Deutschland mehr als 25.000. Dank ihrer 

bewundernswerten Zuverlässigkeit und der kaum weniger entscheidenden 

Anspruchslosigkeit ist „der Dampfhammer", wie die XT ob ihrer hart, 

aber herzlichen Motor-Charakteristik auch liebevoll genannt wird, zum 

treuen Dauerbegleiter für viele Motorrad-Reisende geworden. 

Und trat so eine Welle los. 

D 

er gro ße Erfolg rief auch andere Hersteller auf den 

Plan. So versuchte Honda mit der ähnlich konstruierten 

XL 500 ab 1979 wirtschaftlich durchaus erfolgreich 

XT 500 Paris – Dakar 1981 

d i e s e n 

Erfolg zu 

wiederholen, 

ohne 

dass die 

H o n d a 

aber den 

Kultstatus der Yamaha erlangte. Als man auch bei BMW erkannte, dass 

mit großvolumigen, alltags- und reisetauglichen Geländemotorrädern 

offensichtlich gutes Geld zu verdienen ist, setzte man mit der R 80 

G/S ab 1980 als erster Hersteller überhaupt auf eine Enduro mit mehr 

als einem Zylinder. Ihre Nachfolgerin, die R 1200 GS, ist seit 2005 

Jahr für Jahr das meistverkaufte Motorrad überhaupt in Deutschland. 

Eine Enduro als absoluter Top-Seller – eine erstaunli- 

che Entwicklung. Aber eben auch eine, die es ohne die 

Pionierleistung der XT 500 so wohl nie gegeben hätte. 

Die XT war es, die buchstäblich den Weg geebnet hat für 

den Erfolg großvolumiger, geländegängiger Motorräder. 

Bis 

heute weiß jeder Motoradfan, was gemeint ist, 

wenn irgendwo schlicht von 

der 

„XT" die Rede ist. Bis 

heute gilt die Yamaha 

als 

Synonym nym für 

Freiheit und 

Abenteuer. euer Keinem anderen 

Motorrad orrad 

ist das in 

dieser Form gelungen. 

XT 500 1982 


Der ewige Traum 

der kleinen Mädchen 

VEB Kombinat 

Spielwaren Sonneberg 

Foto: © Martin Naumann 

Man hatte es nicht leicht, 

wenn man wie ich in den 

60er und 70er Jahren in 

der Messe stadt Leipzig 

groß wurde und keine Westverwandtschaft 

besaß – jedenfalls keine, die bedeutsame 

eutsame 

Pakete schickte. Es gab für mich allerdings ein 

Trostpflaster: Meine Großeltern und Tanten 

lebten in der traditionsreichen Spielzeugstadt 

eugstadt 

Sonneberg, und somit saßen meine Schwester 

und ich an der Quelle all der schönen n 

Dinge, 

von denen kleine Mädchen träumen. 

In Thüringen hat die Spielzeugherstellung ellung 

eine lange Tradition, es gab unzählige 

Fabriken, Kleinfirmen und 

Spielzeugmacher; ich selbst 

stamme aus einer Familie, die 

in Sonneberg eine Puppenfabrik 

besaß. Ende der 50er Jahre mussten sten 

sich die Heimarbeiter und Hausierer r dann 

allerdings zur Produktionsgenossenschaft enschaft 

des Handels zusammenschließen, und 1972 

wurden schließlich die letzten privaten 

Spielzeughersteller zwangsweise verstaat- 

licht und zu einem Kombinat 

verbunden. In Sonneberg 

liefen von nun an 

alle Fäden der DDR- 

Spielwarenindustrie 

zusammen. Zum VEB 

Kombinat 

Spielwaren 

wir Kinder sie alle liebten 

– und das auch noch 

heute tun, wo wir schon längst erwachsen 

sind. Nichts kommt an die Puppen und 

Kinderhaushaltsgeräte aus Sonneberg heran! 

Die berufstätigen Hausfrauen suchten damals 

im Elektroladen oft vergebens nach einer vernünftigen 

Küchenmaschine und ergatterten 

mit viel Glück am Ende nur ein hässliches, 

vergilbtes Ungetüm aus Kunststoff, das sie 

im Grunde ihres Herzens gar nicht haben 

wollten. Da sah es 

in den Puppenküchen ihrer 

Töchter doch ganz anders 

aus! Dort stand modernste 

Qualitätstechnik in allen 

Farben. Die Puppengeräte 

der Piko verfügten über 

sämtliche Funktionen der 

Erwachsenenausgaben, 

funktionierten aber teilweise 

besser und sahen noch 

dazu viel schicker aus. 

Sonneberg 

gehörten 

Mitte der 80er Jahre 

über 30 verschiedene 

Betriebe, e 

unter ihnen der Stammbetrieb 

Sonni, außerdem die Piko, Biggi 

Waltershausen, Plasticart, Vero 

Olbernhau, Anker-Mechanik, Plüti, 

aber auch Famos Leipzig oder die 

Berliner TT-Bahnen. Sie stellten 

Plüschtiere, Puppen, Handpuppen, 

mechanisches Spielzeug, Spielzeug aus 

Plastik 

(genannt Plaste), Eisenbahnen, 

Spiele, Autos und 

Baukästen her. 86 

Mal errangen sie 

dafür Messegold 

und bekamen 36 

Auszeichnungen für 

gutes Design. Die 

höchste Ehrung für 

diese Spielwaren 

aber war, dass 


Puppenstube aus dem 

VEB Vero Olbernhau 

In den Puppenhaushalten 

h der DDR ging es wie 

im richtigen Leben 

zu: Die Frauen 

führten nicht nur 

den Haushalt 

und erzogen die 

Kinder, sie waren 

auch berufstätig 

und arbeiteten oft 

in Männerberufen. en. 

Im Zuge 

dieser 

Gleich - 

berechtigung achteten die Verpackungsgestalter 

sorgsam darauf, dass auf den 

Chemie-, Elektro- oder 

Metallbaukästen auch immer 

Mädchen abgebildet wurden. 

Es wäre nur gerecht gewesen, 

wenn im Gegenzug die 

Kinderhaushalts geräte auch für 

die Jungen angepriesen worden 

wären. Aber auf diesen Kartons 

warb man mit dem Slogan: 

„Für die Puppenmuttis" und 

zeigte wiederum Mädchen bei 

der Puppenhausarbeit. In meiner 

Erinnerung war demzufolge 

sämtliches Spielzeug, egal welcher 

Art, ganz besonders und 

speziell für Mädchen geeignet. Ich weiß nicht, 

wie sich diese Tatsache für die 

Jungen angefühlt 

haben 

mag, meine 

Schwester und 

ich fanden das 

jedenfalls sehr 

in Ordnung. 

In unserem 

Kinderzimmer 

kurbelten 

wir also mit 

Inbrunst an 

der Puppen- 

Küchenmaschine 

Piko5006 in pastelligem 

Babyblau, 

ausgestattet mit 

Rührschüssel und 

Blenderaufsatz, und 

zauberten damit aus 

Milch und Sofix- 

Pulver köstlichen, 

klumpigen Pudding. 

Den servierten wir 

dann stilgerecht in 

blauweißem Geschirr aus 

Hartplastik. Besonders gern 

drehte ich meinen en Puppen 

auch 

knallrote 

Plastikwickler 

in die 

Haare 

und 

fönte 

sie 

mit 

dem batteriebee 

e n 

triebenen 

Puppen-Fön 

„Nina" in angesagtem 

Hippie-Orange. 

Unsere Puppenwäsche 

rumpelte in der blau- 

weißen 

Waschmaschine 

Picomatic 

aus 

Blech und Plastik, mit beweg-eglicher 

Trommel, die man 

über einen Aufstecktrichter 

mit Wasser und Waschpulver 

befüllen konnte. Zum 

Entleeren wurde ein kleiner 

Gummischlauch aus dem 

Gehäuse gezogen, durch 

den das Wasser ablaufen 

konnte, ganz wie bei den 

richtigen Waschmaschinen 

der damaligen Zeit. Zum Schluss 

plätteten wir die Wäsche 

mit 

einem em 

Puppenbügel- 

e eisen, 

das 

Stromzugang 

g 

hatte 

und 

tatsächlich 

h 

warm 

wurde. 

G e b a c k e n 

haben wir im 

Puppenherd 

„Lucullus", 

der 

ebenfalls 

mit 

Strom betrieben wurde 

und einzeln zuschaltbare 

Ober- und Unterhitze e 

hatte. Es gab sogar eine elektrische 

Kindernähmaschine namens „Michaela", 

ebenfalls voll funktionstüchtig, ausgestattet 

mit Nadelset, Schnittmusterbogen, 

Nähgarn und Fußpedal. Offensichtlich fensichtlich hantierten 

wir ostdeutschen Mädchen voller 

Begeisterung mit Strom, spitzen Nadeln und 

heißen Herdplatten. 

Eine meiner Freundinnen besaß den 

Puppenplattenspieler „Juniorfon", um den 

ich sie glühend beneidet habe. Darauf lie- 


ßen sich kleine bunte 

Schallplatten abspielen, 

mit Märchen, 

Kinder- oder 

Volksliedern, und 

auf einer kicherte 

die ganze Zeit ein 

Lachsack vor sich hin. 

Vorn am Gerät befand 

sich ein kleines Rad 

zum Verändern der 

Abspielgeschwindigkeit. 

Wir konnten den Lachsack ganz hoch 

und hysterisch lachen lassen oder aber mit tie- 

fer 

Gruselstimme. 

Dieses Rädchen 

war das Beste 

am ganzen 

Plattenspieler. 

Während wir in 

der 

Kinder- und 

Jugendmode mit 

ihren 

gedeckten 

Farben 

und langweiligen 

Schnittmustern vergeblich nach Jeans 

oder schicken Kleidern suchten, gab es für 

unsere Puppen ausgefallene Hippie-Kleidung 

in psychedelischen Farben. Diese Kleider, 

ebenfalls unter dem Dach 

des Kombinats 

gefertigt, waren in 

Wirklichkeit alles 

Einzelstücke, 

die 

bis zuletzt in 

Heimarbeit von 

Thüringer Näherinnen 

in ihren Wohnstuben 

auf 

ganz norma- 

len 

Haushaltsnähmaschinen, 

oft noch 

ohne Elektroantrieb, 

genäht wurden. 

Dadurch hatten sie eine ganz andere 

Qualität als die Kinderkleidung, deren Säume 

sich oft schon beim ersten 

Tragen auflösten. Ich besit- 

ze Puppenkleider, die heute 

noch genauso stabil sind wie 

vor 40 Jahren, als ich sie 

geschenkt bekam. Das Prinzip 

der Einheitsmode galt nicht 

für die Puppenindustrie: 

Es gab Puppen in allen 

Schattierungen, was Haar- 

farbe, Hautfarbe und 

Augenfarbe betraf, 

und es gab sie 

in 

allen Ausführungen 

von der winzigen 

Puppenstuben-größe bis hin zu den 

n fast kindergroßen 

Laufpuppen.

Die Sonni war der größte Hersteller 

von Puppen und Plüschtieren 

im gesamten Ostblock. Fast 70 

Prozent der Produktion gingen 

in den Export, aber es verblieb 

immer ein bestimmtes Kontingent 

jedes Produkts im Land, und auch 

die einheimischen Läden wurden 

mit Sonni-Puppen versorgt. 

Jedes kleine Mädchen wünschte 

sich eine. Wir bekamen sie auch 

alle, aber ich kriegte sie ein kleines 

bisschen eher! Meine Tante arbeitete 

t 

nämlich in der Buchhaltung der Sonni. ni. 

Allen Mitarbeitern des Kombinats, die 

Kinder in ihrer Verwandtschaft hatten, 

wurden Puppen zur Verfügung 

gestellt. Nicht irgendwelche Puppen 

und auch nicht aus Großzügigkeit. Es 

waren Prototypen, die getestet werden en 

mussten. Diese Qualitätstests wurden mit 

einfachen und kostensparenden Mitteln 

durchgeführt. Geprüft wurde alles, 

von der Verpackung bis zum Produkt 

selbst. Die Puppenkartons verlud man in 

Lastkraftwagen und schickte sie auf eine 

Reise über die wildesten schlaglochgespickten 

Landstraßen quer durch die Republik. 

Das Ziel der Reise war – die Sonni. Alle 

Kartons kehrten wieder zu ihr zurück, wurden 

ausgepackt und kontrolliert, um zu sehen, 

ob die Puppen 

darin auch alles 

heil überstanden 

hatten. 

Die Puppen 

selbst wurden 

von denen 

geprüft, die sie 

am Ende benutzen 

sollten: 

von Kindern. 

Und das Beste 

daran war, 

diese Kinder 

durften die 

Puppen nach 

dem Probelauf 

behalten. Ich kann mit Stolz sagen, meine 

Schwester und ich gehörten zu den auser- 

wählten Puppentesterinnen: Wir testeten eine 

der ersten modischen 

Ankleidepuppen aus 

DDR-Produktion 

und auch den 

Prototypen der 

sozialistischen 

der im Inneren ihres Kopfes vom 

Mund hinab in die Tiefe ihres 

Körpers führte, stabil befestigt. Das 

gab später einen dicken 

Pluspunkt auf dem 

Testbogen. Der Kopf 

ließ sich dadurch nur 

wenige 

Zentimeter eter 

vom Körper abhe- 

Neonreklame auf dem 

ben. Genug für 

Stamm betrieb Sonni in Sonneberg mich, um zu 

sehen, dass ihre 

Augen hinten ein 

Bleigewicht 

besaßen, 

was dafür sorgte, 

dass sich die Augen schlossen, 

wenn man sie hin- 

legte. Eine weitere span- 

nende Entdeckung. Bis in die 80er 

Jahre wurden die Puppenaugen in der 

Glasbläserei Lauscha aus mehrfarbigem 

Glas mundgeblasen. Danach bestanden 

die Augen aus Plastik, und die Iris 

wurde nur noch aufgedruckt. 

Die zweite Testpuppe war eine 

Ankleidepuppe, von uns kurzerhand 

Pullerpuppe! Wir Probanden 

wurden vor der Übergabe 

Busenpuppe genannt. Sie hatte eine normale 

Puppengröße von etwa 45 Zentimeter und 

und in einigen Zeitabständen 

Puppen aus 

danach eingehend befragt und 

der Sonni - mit 

sehr ernstgenommen. Ich kann 

in Heimarbeit 

mich erinnern, dass alles aufgeschrieben 

und protokolliert wurde 

genähten 

Kleidern. 

und 

wie wichtig ich mich dabei 

fühlte. Noch heute bin ich sicher, 

dass es allein meinetwegen in 

der Folgeproduktion männliche 

Pullerpuppen gab. Hatte ich doch 

auf 

die Frage meiner Tante, was 

mir bei einer Pullerpuppe besonders 

wichtig 

sei, eine klare Antwort parat 

gehabt. 

Man musste doch schließ- 

lich was davon haben! Ich bekam 

dann tatsächlich eine Jungspuppe 

mit allem Drum und Dran und gesteppter 

Kurzhaarfrisur. Ich konnte sie mit Wasser 

aus einer Nuckelflasche für Puppen füttern, 

aber das Wasser lief nicht etwa einfach unten 

wieder heraus. Erst wenn ich den rechten 

Oberschenkel aus Weichplastik zusammen- 

keine Wespentaille, sondern lediglich eine 

gut entwickelte Oberweite. Vielleicht war sie 

drückte, pullerte 

der Versuch einer Alternative zur 

sie in dickem 

Strahl. 

Barbie, die nicht den Normmaßen 

einer Genossin entsprochen haben 

Mit meinen 

dürfte. Sie trug ein schreiend 

Freundinnen habe 

ich Tage damit 

zugebracht, diesen 

buntes Flower-Power-Kleid aus 

Vliesett. Dieser Stoff aus Viskose-, 

Polyamid- und Polyesterfaser war 

den 

zu 

spannen- 

Kreislauf 

beobachten. 

damals sehr in Mode, und wir 

nannten die Sachen aus diesem 

Stoff Papierkleider, denn genauso 

Irgendwann hielt 

ich es nicht mehr 

fühlte es sich an. 

Sowohl Ankleidepuppe als auch 

aus und riss ihr 

Pullerpuppe bestanden aus 

den Kopf ab, um 

nachzusehen, wie 

Weichplastik, wodurch sich bei 

Letzterer der Kopf ohne Probleme 

diese Zauberei 

wieder aufstecken ließ. Meine 

funktionierte. 

allererste Babypuppe aus der 

Zum Glück 

Sonni hatte noch einen Kopf 

war der dünne 

Gummischlauch, 

aus Biskuitporzellan und aufgemalte 

Haare gehabt. Ihr Körper 


aus Stoff war mit harter Holzwolle gefüllt, 

im Inneren rief eine Stimme „Mama". Meine 

Schwester und ich haben die arme Puppe 

stundenlang auf den Kopf und zurückgedreht, 

nur um den etwas kläglichen „Mama"-Schrei 

zu hören. Auf dem Puppenbauch konnte man 

im Inneren den Zylinder mit den Schalllöchern 

erfühlen, der das Geräusch hervorbrachte. Der 

Puppenkopf war fest mit dem Körper verschnürt 

und verknotet, so dass wir hier keine 

Chance hatten, den Entstehungsort dieser 

Stimme näher zu untersuchen. 

Später gab es auch Sprechpuppen. Sie hatten 

einen kleinen Plattenspieler im Körper, das so 

genannte Minifon, das aus Italien zugeliefert 

wurde. Vielleicht waren diese Puppen deshalb 

so rar. Die Schallplatten konnten über eine 

Klappe im Rücken gewechselt werden. Benutzt 

wurden die gleichen Platten wie für das 

Juniorfon, so dass die Puppe sprechen oder 

Die Autorin mit ihrer großen 

singen konnte. Ich kenne sie nur von meiner 

Schwester und einer Puppe aus dem 

Freundin, ich selbst habe keine besessen. Diese 

VEB Biggi Walthershausen 

Puppe sang immer mit Inbrunst: „Wenn Mutti 

früh zur Arbeit geht ..." 

Meine Cousine besaß eine Laufpuppe, die mir 

mit ihren mehr als 60 Zentimetern ungeheuer 

den Armen und Beinen Scheibengelenke hatte. 

Später bekam ich noch eine andere Katze, die 

mit Grisuten gefüllt war, dadurch fühlte sich der 

groß vorkam. Diese Laufpuppen wurden in 

der Sonni einem Dauertest unterzogen und 

Plüschtiere aus 

mussten dafür in einer Halle mindestens 72 

der Sonni 

Stunden auf einem Laufband vor sich hin 

stapfen, damit man herausfand, wie lange sie 

durchhielten. Die Mechanik für diese Puppen 

kam aus dem Eichsfeld. 

In der Sonni wurden auch die Handpuppen der 

beliebten Sandmännchen-Figuren hergestellt, 

die in jedem ostdeutschen Kinderzimmer zu 

finden waren. Meine Sandmännchen-Puppe 

stammte aus der Anfangszeit der Produktion 

und war noch aus Holz geschnitzt worden. Ihr 

Gesicht wirkte dadurch sehr ausdrucksstark, 

und der Kopf war stabil und schwer. Das 

bekam meine Schwester zu spüren, der ich 

im Streit das Sandmännchen einmal an die 

Stirn schlug. Sie bekam eine große Beule – 

und ich gewaltigen Ärger. Später wurden die 

Handpuppenköpfe aus Plastik hergestellt, und 

auch hier war ich der festen Überzeugung, 

Köper weicher und nachgiebiger an. Besonders 

beliebt waren damals die Kuscheltiere mit 

Plastikgesicht. Diese finden sich schon in 

einem Werbeprospekt der Sonni 

von 1972, also zwei Jahre vor 

dass dies allein meinetwegen und zum 

der Erfindung des 

Schutz älterer Schwestern geschah. h. 

Monchichis. 

Im VEB Koppelhund wurde noch 

Bei Biggi Waltershausen, 

eine andere Sorte von Spielzeug hergestellt, 

ebenfalls 

die jeder von uns besaß, 

die so genannten Blasenteddys s aus 

Plastik. Ali Baumgarten, ein großarsie 

tiger Puppen-Designer, hatte zum Kombinat Sonni 

gehörend, wurden kleine 

Plastikpüppchen hergestellt, 

die wirklich 

entwickelt. Es gab sie in verschie- 

jedes 

Mädchen 

denen Größen und Farben, von 

winzig als Schlüsselanhänger bis 

in meiner Schule 

besaß. Sie waren 

groß wie ein Kuscheltier. Sie waren aber 

ca. 20 Zentimeter 

kein bisschen kuschelig, sondern statt 

mit Fellhaaren mit harten Plastikblasen lasen 

übersät, denen sie ihren Volksnamen 

verdankten. Der einzige Gewinn meines 

lang und wurden in 

Klarsichtzylindern ver- 

kauft. Die Püppchen besaßen keine 

Füße, sondern nur Beinstummel, auf 

Lebens ist ein großer fleischfarbener 

Blasenteddy aus dem die die Weichplastikschuhe 

Blasenteddy geblieben, VEB Koppelhund aufgesteckt werden mussten. 

den ich auf einem Schulausflug in der zweiten 

Klasse an einer Losbude gewonnen habe. 

Die Sonni stellte aber auch weiche, kuschelige 

Plüschtiere her. Ich besaß eine schwarz-weiße 

Katze, die mit Holzwolle gestopft war und in 

Arme und Beine waren nicht beweglich. Der 

Puppenkörper wurde für Trachten-, Souvenirund 

ganz normale Puppen verwendet. Das 

Püppchen bekam einfach wechselnde Köpfe 

und Kleidung verpasst, und schon wurde aus 


Foto: © Martin Naumann 

der sorbischen Braut ein Messemännchen. Man 

erkannte die Herkunft der Puppen immer an den 

Stummelfüßen und der Schneewittchensarg- 

Röhre, in der sie steckten. 

Im Betriebsteil Waltershausen wurden jedoch 

auch Gesellschaftsspiele hergestellt. Neben 

den normalen Brettspielen gab es außerdem 

technisch raffinierte Spiele. Eines der 

beliebtesten war das Frage- und Antwortspiel 

„Gordon". In einem Kasten lagen vorgedruckte 

Quizblätter, links die Fragen, rechts 

die Antworten. Man musste den beiliegenden 

Magier in eine vorgesehene Öffnung im 

Zentrum des Fragenfeldes stecken und ihn auf 

eine beliebige Frage drehen. Im Antwortfeld 

rechts klebte in der Mitte ein Spiegel. Setzte 

man den Magier nun darauf, drehte er sich 

wie von Zauberhand und zeigte schließlich mit 

seinem Stab auf die richtige Antwort, wobei er 

höchst bedeutsam mit seinem Turban wippte. 

Dieses faszinierende Spiel war der Hit auf 

allen Geburtstagfeiern. Ein ähnlich magisches 

Spiel war „Das elektrische Rätselraten". Auf die 

Platte mit Knopfkontakten wurde ein gelochter 

Papierbogen mit Fragen und Antworten gelegt. 

Einen Pol-Stab hielt man auf die Frage, den 

anderen auf die Antwort. Lag man 

richtig, leuchtete die Lampe auf. Bei 

beiden Spielen gab es Themenbögen 

zu Technik, Kultur, Erdkunde, 

Allgemeinwissen und Mathematik. 

Außerdem existierte bereits 1971 der 

Elektronikbaukasten „pikotron", der 

wie ein früher Computer anmutet. 

Bei Famos in Leipzig wurden nicht 

nur Stempelspiele, sondern auch die 

Minipackungen für den Kaufladen 

hergestellt. Der Kaufladen selbst kam 

aus dem VEB Vero Olbernhau, wo 

auch Puppenhäuser, Puppenstuben 

und Puppenstubenmöbel produziert 

wurden. Auf die dazugehörigen 

Puppenstubenpuppen hatte man sich 

in Lichte, ebenfalls Thüringen, spezialisiert. 

Noch heute wird bei uns einmal im Jahr 

zur Weihnachtszeit eine 

solche Puppenfamilie aus 

den Mittsechzigern vom 

Dachboden geholt, damit 

wir sie in die Puppenstube 

setzen können ... 

Spielzeug aus dem VEB 

Kombinat 

Spielwaren 

Sonneberg gab es in allen 

DDR-Haushalten, 

aber 

auch in Kinderzimmern 

auf der ganzen Welt. Mit 

der Währungsunion brach 

dann allerdings der wichtigste 

Handelspartner 

weg, denn das sozialistische 

Ausland konnte nicht in Devisen 

bezahlen. Kaum ein Betrieb des ehemaligen 

Kombinats hat überlebt, einige wurden neu 

gegründet, die Piko hat sich inzwischen 

auf Modellbahnen spezialisiert. Puppen vom 

Stammbetrieb Sonni kann man nur noch bei 

ebay finden – oder auf alten Fotos, auf denen 

wir sie im Arm halten. 

Kati Naumann

Schalkes 72er-Elf 

Junge Wilde" 

" 

in Königsblau 

Das Team der Saison 1971/72 gilt als die beste 

Mannschaft der Schalker Bundesliga-Geschichte 

Seit mehr als 56 Jahren wartet man beim FC Schalke 04 nun schon Zwar ziehen am Fußballhimmel über Gelsenkirchen längst erste 

darauf, endlich wieder einmal eine deutsche Meisterschaft feiern Wolken auf, als die Spielzeit 1971/72 am 14. August eröffnet 

wird – sind doch längst Gerüchte im Umlauf, dass auch der 

zu können. Im Augenblick aber deutet rein gar nichts darauf hin, 

FC Schalke 04 in den Bundesliga-Bestechungsskandal der Vorsaison 

dass sich an der schon beängstigenden Dominanz des FC Bayern verwickelt sein könnte –, aber zunächst lassen sich die Königsblauen 

München auf absehbare Zeit etwas ändern könnte. 

davon nicht beirren. Das mit Spielern wie Keeper 

Norbert Nigbur, Libero Klaus Fichtel, Verteidiger 

Immerhin aber hat es für die Schalker in den vergangenen 

Jahrzehnten bisweilen wenigstens für 

und Reinhard „Stan" Libuda fußballerisch ohne- 

Rolf Rüssmann oder den Stürmern Klaus Fischer 

die Vize-Meisterschaft gereicht, etwa 1977, 2005, 

hin schon begnadete Team des neuen Trainers 

Ivica Horvat (der bereits in den letzten Spielen 

2007 und 2010. Und ein paarmal war man ganz 

der Saison 1970/71 übernommen hatte), ist 

nah dran am großen Coup: Am nächsten wohl 

von Präsident Günter Siebert noch einmal um 

2002, als sich die später zum Meister der Herzen" 

die Kremers-Zwillinge Erwin und Helmut bereichert 

worden, die vom Absteiger aus Offenbach 

" 

verklärte Elf in einem dramatischen Saisonfinale 

gekommen sind. Damit verfügt Schalke jetzt über 

mit dem FC Bayern für vier Minuten tatsächlich 

eine Elf, die sich, was das Fußballspiel betrifft – 

als Champion fühlen durfte. 40 Jahre zuvor aber, 

die Betonung liegt auf „Spiel" –, auch hinter 

den Größen aus Mönchengladbach und München 

im Sommer 1972, gab es schon einmal einen 

nicht verstecken muss. Oder wie Erwin Kremers 

Kampf auf des Messers Schneide zwischen den 

im kult!-Interview schmunzelnd bemerkt: „Es 

Roten" aus München und den " Königsblauen" aus 

hat noch niemandem geschadet, wenn er Fußball 

" Ivica Horvat 

Schalke. Und bis heute gilt die Elf der Saison 1971/72 als die wohl 

spielen kann!" Und tatsächlich geben diese „jungen Wilden", 

ergänzt um die Routiniers Libuda und Heinz van Haaren, schon 

beste Schalker Bundesliga-Mannschaft aller Zeiten. 

beim 5:1-Auftaktsieg in Hannover das Versprechen auf eine große 


Saison. Zwar liegt man zur Pause noch 

0:1 hinten, dann aber drehen Fischer 

(insgesamt vier Tore) und Jürgen 

Sobieray die Partie. Nach vier Spielen 

liegt man mit 8:0 Punkten und 14:3 

Toren bereits an der Tabellenspitze, 

gar mit 6:2 hat man an diesem vierten 

Spieltag den 1. FC Köln deklassiert. 

Ein paar Tage später setzt es beim 0:2 

in Frankfurt die erste Pleite. Die aber 

ist schnell vergessen, weil man sich 

ausgerechnet gegen den Erzrivalen 

aus Dortmund durch einen Treffer 

© Pressefoto 

von Herbert 

Lütkebohmert 

die Tabellenführung 

zurückerobert. 

So darf 

es weitergehen! 

Und es 

geht so weiter. 

Kremers-Zwillinge: Erwin (l.) und Helmut Kremers. 

Erst am 10. Spieltag, beim 0:0 in Braunschweig, werden die 

Knappen wieder einen Punkt abgeben. Die Tabellenspitze 

hält man dennoch vor dem FC Bayern München, der mit vier 

Verlustpunkten auf Rang zwei liegt. Eine Woche später schießt 

Fischer Rot-Weiß Oberhausen beim 4:0 mit drei Treffern beinahe 

im Alleingang aus der Glückauf-Kampfbahn. Schalke ist obenauf. 

Umso unverständlicher das Desaster, das nur wenige Tage später 

folgt: 0:7 aus Schalker Sicht heißt es 

am 23. Oktober nach 90 Minuten auf 

dem Mönchengladbacher Bökelberg. 

Und mit „nur" sieben Gegentreffern 

ist man noch gut bedient. Die 

Tabellenführung ist perdu, zudem 

ist nun auch noch die Gladbacher 

Borussia bis auf drei Punkte herangerückt 

an Schalke. Schon beim 

folgenden 3:0 gegen Kaiserslautern 

zeigt man sich dann aber gut erholt 

und wird in den kommenden Wochen 

nur noch beim 1:1 in Bielefeld einen 

Punkt abgeben. Als man schließlich 

am 17. Spieltag den FC Bayern in der 

Glückauf-Kampfbahn empfängt, hat 

man Beckenbauer und Co. an der Tabellenspitze längst wieder abgelöst. 

Van Haaren schießt Königsblau zu einem knappen Sieg. Der aber reicht 

Schalker Trainerbank mit Ivica Horvat (l.) 

und Reinhard Libuda (ganz rechts) 

allemal, so dass man mit drei Punkten Vorsprung auf den Vorjahres- 

Vizemeister aus 

FC Schalke 04 : FC Bayern München (11.12.1971): Begrüßung 

München und 

der Kapitäne: Franz Beckenbauer und Reinhard Stan" Libuda 

gar mit fünf f 

" 

auf den noch 

amtierenden 

Meister aus 

Mönchen gladbach 

in die 

Winterpause 

geht. Schalke 

ist zum ersten 

Mal in seiner 

Bundesliga- 

Geschichte 

Herbstmeister! 

NEU UND ORIGINAL 

TOP-SCHLAGERALBEN MIT BONUSTRACKS 

Ab 09. Mai 

erhältlich! 

MICHAEL SCHANZE 

Hell wie ein Diamant (1975) 

GITTE - Ich bin kein Kind 

von Traurigkeit (1975) 

ADAM & EVE - Wir beide (1975) 

MARIANNE ROSENBERG 

Ich brauche dich... (1981) 

KATJA EBSTEIN - Wilde Rosen 

und andere Träume (1974) 

FREDDY QUINN 

Du hast mein Wort (1980) 

JETZT AUCH AUF FACEBOOK: 

WWW.FACEBOOK.COM/SCHLAGERORIGINALE 

GoodTimes WWW.ORIGINALE.CD 

2/2014 ■ Seite 63

Happy End im Pokal 

Der Auftakt der Rückrunde ähnelt dem Saisonstart: mit fünf 

Treffern gegen Hannover 96. 5:0 heißt es diesmal gar! Und nicht 

wenige glauben jetzt daran, dass die Knappen tatsächlich auf Titelkurs 

steuern. Daran ändert auch die 0:2-Niederlage beim MSV Duisburg 

eine Woche später nichts. Im Gegenteil: Als die Horvat-Elf den BVB 

am 23. Spieltag in dessen Rote-Erde-Stadion vorführt und mit 3:0 

gewinnt, scheint plötzlich alles möglich. Der Dämpfer aber folgt auf 

dem Fuß: 0:2 verliert 

Schalke in Bremen, 

die Bayern sind wieder 

bis auf einen Punkt 

heran. Und noch einmal 

zwei Wochen später, 

nach einem 0:3 

in Berlin, muss man 

die Münchner erstmals 

seit dem 12. Spieltag 

wieder vorbeiziehen 

lassen. Bei nur einem 

Punkt Rückstand ist 

aber noch nichts verloren, 

hofft man. Und 

tatsächlich: Nach dem 

29. Spieltag hat sich 

die Situation noch einmal zugespitzt. Schalke spielt zwar nur 1:1 

gegen Gladbach, die Bayern aber verlieren 0:3 in Duisburg. Bei einem 

Punkteverhältnis von 45:13 liegen die Kontrahenten nun gleichauf 

– wobei die Bayern allerdings wegen einer um 13 Treffer besseren 

Tordifferenz Rang eins halten. 

In den kommenden Wochen gelingt es Beckenbauer, Müller und 

Co., sich wieder einen klitzekleinen Vorteil herauszuspielen, so 

dass die Elf von Udo Lattek mit einem Punkt Vorsprung in die letzte 

Partie geht. So bleiben dem FC Schalke 04 noch alle Meisterchancen, 

als man am 28. Juni 1972 im Olympiastadion bei den Bayern antritt. 

Allerdings muss ein Sieg her, so dass der Druck von Beginn an auf 

der jungen Horvat-Elf lastet. Ein Druck, dem sie nicht standhalten 

kann. 5:1 siegt der FC Bayern schließlich, der so zum zweiten 

Mal deutscher Meister wird; für den FC Schalke 04 bleibt nur 

der undankbare zweite 

Platz. Depression 

aber ist nicht das 

Ding dieser jungen 

Mannschaft. Darf es 

auch nicht sein. Denn 

schon drei Tage später 

wartet im Rahmen des 

Borussia Dortmund : Schalke 04 vom 4.3.1972: Elfer durch Klaus Scheer 

FC Schalke 04 DFB-Pokalsieger 1972 v.l.: Libuda, Nigbur, 

Rüssmann, Scheer, Fischer, Huhse, Lütkebohmert, 

Fichtel, van Haaren, E. Kremers, H.Kremers. 

DFB-Pokalfinales im 

Niedersachsenstadion 

von Hannover der 

1. FC Kaiserslautern. 

Und damit die Chance, 

eine ohnehin famose 

Saison doch noch mit 

einem Titel zu krönen. 

Schon das Halbfinale, 

damals noch in Hin- und Rückspiel ausgetragen, hat 

alles, was das Fußballherz begehrt. Während Schalke im 

Hinspiel in Köln beim 1:4 gegen Overath, Cullmann und Co. 

noch chancenlos ist, gerät das Rückspiel zu einem wahren 

Krimi, der Fußballgeschichte schreibt. Zur Halbzeit haben 

Rüssmann, Fischer und Scheer die Kölner Führung aus dem 

Hinspiel längst egalisiert. Dann aber drehen die Domstädter 

auf und kommen im Verlauf der zweiten Hälfte auf 2:3 heran. 

Es sieht schlecht aus für Königsblau, das nun noch zwei Treffer 

benötigen würde, um wenigstens eine Verlängerung zu erreichen. 

Als Klaus Beverungen in der 80. Minute auch noch einen 

Elfmeter verschießt, scheint das Finale unerreichbar. Doch 

der Fußballgott (und der Schiedsrichter) haben an diesem 

Tag ein Herz für Schalke. Noch zweimal zeigt 

der Referee auf den Punkt, und beide Male 

trifft Helmut Kremers. 5:2! Verlängerung! 30 

Minuten und mehr, in denen der Wahnsinn 

seinen Lauf nimmt. Denn nun bekommen 

die Kölner einen Strafstoß. Aber Werner 

Biskup scheitert an Norbert Nigbur. Und der 

macht sich im anschließenden Elfmeterschießen 

endgültig unsterblich auf 

Schalke. Zweimal pariert Nigbur, so dass es 

nach insgesamt 21 Elfmetern 11:7 steht. 

Schalke steht im Finale! 

Und dort lassen die Königsblauen nichts 

mehr anbrennen. Alle Last scheint zumindest 

für den Augenblick abgefallen: Beim 

5:0-Triumph sind die diesmal harmlosen 

„Roten Teufel" kaum mehr als ein besserer 

Sparringspartner. Noch einmal hat die 

72er-Elf gezeigt, welch großes Potenzial in 

ihr steckt. Wie wird Erwin Kremers mehr als 

vier Jahrzehnte später sagen? „Ich möchte 

die Erfolge der damaligen Top-Klubs Bayern 

München und Borussia 

Mönchengladbach nicht 

kleinreden. Aber ich glaube, 

dass wir ohne den Skandal 

ebenfalls unseren Weg 

gemacht hätten." Leider 

blieb es aber bei diesem 

Konjunktiv. Denn schon 

in der folgenden Saison 

1972/73 holt der Skandal 

Schalke ein, und der Zauber 

ist verflogen. Libuda und 

van Haaren werden sofort 

gesperrt, Rüssmann, 

Heinz van Haaren und Herbert Lütkebohmert 

Lütkebohmert, Fischer 

und Fichtel folgen schon 

bald. Aus der Vorsaison 

sind neben Nigbur so binnen 

kurzem nur noch die 

Kremers-Zwillinge mit dabei. Klein, Holz 

oder Braun heißen die Neuen. Gemeinsam 

kämpft man jetzt beinahe bis zum letzten 

Spieltag gegen den Abstieg. Am Ende 

reicht es gerade mal so für Platz 15. Aber 

Schalke wäre nicht Schalke, wenn die Fans 

den Kraftakt dieser Verlegenheitself nicht 

feiern würden. Und nur drei Jahre später 

wird erneut eine Schalker Elf um den Titel 

kämpfen und ganz knapp scheitern, diesmal 

an Borussia Mönchengladbach. Das 

aber ist eine andere Geschichte ... 

Andreas Kötter 

Empfang der DFB-Pokalsieger FC Schalke 04 am 2.7.1972 in 

Gelsenkirchen. Erwin Kremers mit Pokal. 

Fotos: © Horstmüller 


Interview 

Erwin Kremers 

„Ohne den Bundesliga-Skandal wäre diese Elf 

ein-, zweimal Meister geworden!“ 

Herr Kremers, war die Bundesliga-Saison 1971/72 mit der 

anschließenden Europameisterschaft und dem EM-Titel das 

Highlight Ihrer Karriere? 

Das kann man so sagen, auch wenn es durchaus noch einige weitere 

sehr schöne Momente gegeben hat. Etwa der Beginn meiner Karriere 

bei Borussia Mönchengladbach sowie auch die auf die 71/72er Spielzeit 

folgende Saison mit dem erkämpften Klassenerhalt von Schalke. Damals 

mussten wir wegen des Bundesliga-Skandals und der Sperre für viele 

Spieler mit einer völlig veränderten Truppe spielen, die nicht mehr viel 

mit der Pokalsieger-Elf gemeinsam hatte. 

War die 72er-Elf trotz der Euro-Fighter 

von 1997 und der Vier-Minuten-Meister 

von 2001 die beste Schalker Bundesliga- 

Elf aller Zeiten? 

Das möchte ich mir nicht anmaßen zu entscheiden. 

Ich glaube, dass alle drei Mannschaften Großes 

geleistet haben. Aber alle drei Teams haben es 

auch versäumt, endlich wieder einmal deutscher 

Meister zu werden. Das ist sehr schade. Wobei ich 

allerdings davon überzeugt bin, dass die 72er-Elf 

ohne den Bundesliga-Skandal ein-, zweimal Meister 

geworden wäre. Ich möchte die Erfolge der damaligen 

Top-Klubs Bayern München und Borussia 

Mönchengladbach nicht kleinreden. Aber ich glaube, 

dass wir ohne den Skandal ebenfalls unseren Weg gemacht hätten. 

Was machte diese Elf so stark? 

Ich sage sehr gerne, dass es noch keinem geschadet hat, wenn er Fußball 

spielen kann, Betonung auf spielen (lacht). Wir hatten damals mit Ivica 

Horvat nicht nur einen sehr guten Trainer, sondern auch hervorragende 

Fußballer in unseren Reihen. Zudem hat sich diese Mannschaft durch 

sehr freundschaftliche Beziehungen untereinander ausgezeichnet. So 

habe ich bis heute ein sehr enges Verhältnis zur Familie von Rolf 

Rüssmann, der leider 2009 verstorben ist – was mich immer noch sehr 

schmerzt. Übrigens sind sich auch die Kinder unserer Familien heute 

freundschaftlich verbunden. 

Rüssmann war in den 90er Jahren 

Manager von Borussia Mönchengladbach, 

die Sie 1969 verlassen haben. Haben 

Sie diesen Schritt später bereut, 

als die Borussia in den 70er Jahren 

fünfmal Meister wurde? 

Borussias Erfolg trug damals einen Namen, 

Singende Fußballer – in 

den 70er Jahren durchaus 

nicht ungewöhnlich! 

den von Trainer Hennes Weisweiler, der 

einen wunderbaren Fußball spielen ließ. 

Leider hatten mein Zwillingsbruder Helmut 

und ich mit dem damaligen Geschäftsführer 

der Borussia einige Schwierigkeiten, die schließlich zu unserem 

Weggang führten – was Weisweiler sehr bedauert 

hat. Er wollte uns später unbedingt aus Offenbach 

zurückholen, wir aber haben uns damals für 

Schalke entschieden. So ist das Leben! So oder 

so bin ich aber dankbar, eine solch tolle Zeit 

miterlebt zu haben. Und Wenn und Aber sollte 

es im Fußball ohnehin nicht geben. 

Apropos Helmut: Ist es ein Vergnügen 

oder eher eine Zumutung, mit dem Zwillingsbruder 

in einer Profi-Mannschaft 

zu stehen? 

Das ist eine tolle Sache. Und wenn 

man heute von blindem Verständnis 


spricht und von Laufwegen, die der eine vom anderen kennt, 

war das bei uns auch damals schon der Fall. Tatsache ist 

aber auch, dass oft nicht von Helmut oder Erwin gesprochen 

wurde, sondern immer nur von den Kremers. Man hat uns nun 

mal meist als Zwillinge, nicht aber als Einzelpersonen wahrgenommen. 

Das habe ich aber sehr gerne in Kauf genommen. 

Und Helmut auch! 

Ihre schönste Erinnerung an diese Zeit? 

Ich glaube, die schönste Erinnerung ist die an unsere 

Gemeinschaft, an den Zusammenhalt. Ich weiß nicht, ob es das 

heute im Profi-Fußball noch gibt. Das war wirklich eine ganz tolle Zeit. 

Heute heißt es oft, den Fußball von damals könne man nicht 

mit dem heutigen vergleichen, im Vergleich zu heute sei damals 

alles in Zeitlupe abgelaufen; teilen Sie diese Ansicht? 

Meine Freundin sagt, dass sogar die deutsche Frauen-Nationalmannschaft 

heute schnelleren Fußball spielt, als wir das damals getan haben. Diese 

provokative Behauptung zeigt aber schon, dass sie keine Fußballexpertin 

ist. Man muss doch sehen, dass Fußball heute taktisch ein völlig anderes 

Spiel ist. Umso mehr glaube ich aber, dass jedes Match damals für einen 

Stürmer katastrophal schwierig war. Man spielte noch mit Manndeckung, 

so dass ein Stürmer 90 Minuten lang einen Sheriff an seiner Seite hatte. 

Diese Sheriffs haben oft getreten wie die Kesselflicker. Und ich glaube, 

dass ich durchaus sagen darf, dass man mich damals buchstäblich 

kaputtgetreten hat – ohne dass die Schiedsrichter wirklich eingegriffen 

hätten. Da haben es die Stürmer heute besser. Aber ich sehe auch, dass 

der Fußball als Ganzes heute viel weiter ist als damals. Wenn ich nur 

betrachte, wie sich die Stadien und die Stimmung in diesen Arenen entwickelt 

haben, bin ich wirklich begeistert! 

Zum Abschluss bitte noch eine Einschätzung zur aktuellen 

Schalker Elf? 

Ich bin davon überzeugt, dass Schalke auch in dieser Saison grundsätzlich 

eine sehr gute Mannschafft stellt. Wenn demnächst nach 

Huntelaar auch weitere verletzte Spieler wie Draxler, Höwedes oder 

Papadopoulos zurückkehren werden, bin ich überzeugt, 

dass Schalke noch eine sehr 

gute Meisterschaft spielen wird. 

Allerdings glaube ich auch, dass 

der Titel auf Jahre an die Bayern 

vergeben ist. Ich bejammere das 

aber nicht. Im Gegenteil: Die 

Bayern haben sich diese Klasse 

über Jahrzehnte erarbeitet und 

damit auch verdient. Und ich 

scheue mich auch nicht zu sagen, 

dass ich ein großer Fan von 

Bayern München bin. 

© Horstmüller 

© Pressefoto 

Expertenfrage: Wer ist Erwin, wer ist Helmut?! 


Wie ein Katastrophenfilm 

die Kinozuschauer 

in Angst und 

Schrecken versetzte 

1973 rollte im Film 

" Die 

Höllenfahrt der Poseidon" eine 

gewaltige Flutwelle über die 

Kinoleinwände und versenkte 

den gleichnamigen Luxusliner. 

Das Kreuzfahrtschiff erlitt auf 

spektakuläre Weise Schiffbruch, 

nicht aber das Produktionsstudio 

20th Century Fox, das mit 

dem Überraschungshit nur 

knapp an der damals noch 

magischen Einnahmegrenze 

von 100 Millionen Dollar vorbeischrammte. 

Die Welle, die 

der Poseidon zum Verhängnis 

wurde, löste in Hollywood eine 

ganze Flut von Genrebeiträgen 

aus und läutete die Blütezeit des 

Katastrophenfilms ein. 

Für das folgende Jahr plante Fox dann 

aus naheliegenden Gründen einen ähnlichen 

Blockbuster. Das Studio hatte 

sich deshalb bereits die Rechte an dem 

kurz zuvor erschienenen Roman „The Glass 

Inferno" gesichert. Im Buch ging ein 66 

Stockwerke hoher Wolkenkratzer in einer 

nicht näher benannten amerikanischen Stadt 

in Flammen auf – genau der Stoff, den 

das Studio suchte, denn die Story wies ein 

analoges Grundschema wie „Die Höllenfahrt 

der Poseidon" auf: Naturgewalten, diesmal 

Feuer statt Wasser, zerstören einen Superlativ 

menschlicher Ingenieurskunst, hier einen 

imposanten Wolkenkratzer. 

Allerdings schlief die Konkurrenz in 

Hollywood natürlich nicht und versuchte 

ebenfalls, im neuentstandenen 

" 

Katastrophenfilm-Genre ordentlich Kasse zu machen. Warner Brothers 

hatte sich schon während der Dreharbeiten zu „Die Höllenfahrt der 

Poseidon" die Rechte am Roman „The Tower" gesichert, der nahezu 

die gleiche Geschichte wie „Glass Inferno" erzählte. Um das Risiko zu 

vermeiden, sich mit zwei kostenintensiven, inhaltlich ähnlichen Projekten 

Chief O'Halloran: Steve McQueens 

heißeste" Rolle 

gegenseitig Konkurrenz zu machen, einigten sich Fox und 

Warner schließlich auf eine Zusammenarbeit. Dies war 

die erste Kooperation dieser Art zwischen zwei großen 

Hollywoodstudios. 

Irwin Allan, der als „Master Of Disaster" in die 

Filmgeschichte eingehen sollte, weil er für zahlreiche 

Katastrophenfilme verantwortlich zeichnete, produzierte 

das Projekt und beauftragte den Drehbuchautor 

Stirling Silliphant damit, die beiden Romanvorlagen 

zu einem vernünftigen Skript auszuarbeiten. Silliphant 

hatte bereits das Drehbuch für „Die Höllenfahrt der 

Poseidon" geschrieben und war daher gut mit den Regeln des von 

ihm mitgeprägten neuen Genres vertraut. Das fertige Skript folgte 

allerdings fast ausschließlich der Story aus „Glass Inferno". Silliphant 

verlegte die Handlung nach San Francisco, wo im Film der neue 138 

Stockwerke hohe Wolkenkratzer der Firma Duncan Enterprises gerade 


feierlich eingeweiht wird. Noch am selben Tag kommt es dann aber 

sowohl im Kontrollraum als auch in einem Zimmer des 81. Stockwerks 

zu Kabelbränden, die auf schlechtes Isoliermaterial zurückzuführen 

sind. Der Brand im Kontrollraum wird schnell entdeckt. Als Architekt 

Doug Roberts davon erfährt, stellt er Jim Duncan, den Besitzer des 

Gebäudes, sogleich zur Rede. Es kristallisiert sich heraus, dass dessen 

Schwiegersohn mit den Arbeiten an den elektrischen Leitungen beauftragt 

war und am Material gespart hat, um Geld in die eigene Tasche 

zu wirtschaften. Erschüttert von dieser Nachricht fordert Roberts, dass 

die Einweihungsfeierlichkeiten, zu denen der Bürgermeister und die 

Stadtprominenz in den 135. Stock geladen worden sind, unverzüglich 

abgesagt werden. Aber Duncan wischt die Einwände beiseite. 

Zwischenzeitlich breitet sich der Brand im 81. Stockwerk weiter unbemerkt 

aus und führt zur Katastrophe. Doch selbst als das Unglück 

entdeckt wird und die Feuerwehr bereits in das Gebäude einrückt, zeigt 

sich Duncan noch unbeeindruckt. Er fürchtet um das Ansehen seiner 

Firma und weigert sich, den Aufforderungen von Einsatzleiter O'Hallorhan 

Folge zu leisten. So kommt es, wie es kommen muss. Die Feuerwehr wird 

der Flammen nicht mehr Herr, und schließlich sind die Gäste im 135. 

Stockwerk eingeschlossen. Eine Reihe dramatischer Rettungsversuche 

beginnt ... 

Was 

heute 

nach ab - 

gedroschenen 

Genreklischees 

klingen mag, war 

1974 die Blaupause 

für alle Filme dieser 

Art: Die wichtigen 

Köpfe aus 

Wirtschaft oder 

Politik ignorieren 

die heraufziehende 

Gefahr, 

Geplatzte Träume: Architekt Duncan und seine Freundin 

Susann nach der Katastrophe 

bis es zu spät ist. 

Die anschließenden Rettungsversuche kosten dramatisch viele Opfer. 

Dieses Grundkonzept war seinerzeit ein erfrischend neues Mittel zum 

Spannungsaufbau. 

Um den actionreichen Plot auch gut vermarkten zu können, 

casteten die beiden Studios ein gewaltiges Starensemble zusammen. 

Zwei sehr unterschiedliche Kassenmagneten, der smarte, elegante 

Frauenschwarm Paul Newman (als Architekt Doug Roberts) und 

„Mr. Cool" Steve McQueen (als Feuerwehrchef O'Hallorhan), sollten 

jeweils ihre Fangemeinden in die Kinos locken. 

Ursprünglich war zudem geplant, William 

Holden gleichberechtigt als dritten Superstar 

auflaufen zu lassen, doch da Warner und Fox 

glaubten, dass der Westernheld den Zenit 

seiner Karriere überschritten hatte, erhielten 

am Ende nur Newman und McQueen die Top- 

Gagen von einer Million Dollar und 7,5 Prozent 

der Einnahmen. Neben den beiden Superstars 

wurden noch weitere Hollywood-Größen verpflichtet: 

Faye Dunaway war die schöne Frau 

an Paul Newmans Seite. Robert Vaughn verkörperte 

einen Senator auf der Eröffnungsfeier 

von Jim Duncan, welcher wiederum schließlich 

von William Holden gespielt wurde. Der junge 

Richard Chamberlain erhielt die klassische 

Rolle des Fieslings Georg Simmons. Sein Part 

war etwas undankbar, denn bei ihm handelte 

es sich um den flachsten Charakter 

des ganzen Plots. Nicht nur, dass Simmons 

für die Kabelbrände verantwortlich war, er 

entpuppte sich anschließend auch noch als 

Feigling, der wegen seiner selbstsüchtigen Art 

die Rettungsarbeiten sabotierte. 

Mit bösen Vorahnungen: Paul Newman als 

Architekt Doug Roberts 

Aber über dieses 

Starensemble hinaus 

sollte der Film vor 

allem durch seine spektakulären 

Rettungsszenen 

überzeugen. In einer 

Szene war geplant, die 

Partygäste über die an 

den Außenwänden 

des Turms angebrachten 

Fahrstuhlgondeln 

zu retten: Als eine dieser 

Gondeln aus ihrer 

Verankerung zu reißen 

droht, wird sie mit Hilfe 

eines Hubschraubers 

geborgen. Die gefährliche 

Aufgabe, das Drahtseil in 

mehreren hundert Metern 

Höhe an der Kabine zu 

befestigen, war natürlich eine Paradeszene für Actionstar McQueen! 

Tatsächlich gerettet wurde der gläserne Turm schließlich durch die 

Sprengung der auf dem Dach befindlichen Wassertanks, wodurch mehrere 

Millionen Liter Wasser die Flammen ersticken. 

Elegeant, sexy, cool: Newman, Dunaway, McQueen 

Trotz der aufwändigen Actionszenen dauerten die Dreharbeiten nur 

vier Monate. Die stargespickte Besetzung und die teure Tricktechnik 

verschlangen 20 Millionen US-Dollar. Am 10. Dezember 1974 feierte 

der Film seine Premiere. in New York, wo erst 

ein Jahr zuvor die beiden Riesen des World Trade 

Centers fertiggestellt worden waren. Der Erfolg von 

„Flammendes Inferno" stellte den der „Poseidon" 

noch einmal deutlich in den Schatten. Weltweit spielte 

der Film 116 Millionen Dollar ein. Bei den Oscars 

des Jahres 1975 erhielt der Film die Goldjungen für 

die beste Kamera, den besten Schnitt und den besten 

Song. Einen Special-Effect-Oscar gab es zu dieser 

Zeit noch nicht. 

Die Story und vor allem auch die Spezialeffekte 

von „Flammendes Inferno" mögen heutzutage, 

nach Dutzenden von Blockbustern, die dem Schema 

dieses Films folgten und deren Macher später dann 

auf digitale Effekte zurückgreifen konnten, etwas 

angestaubt wirken. Trotzdem genießt er mittlerweile 

Klassikerstatus und gilt zu Recht als einer der 

Höhepunkte des Katastrophenfilm-Genres. Und die 

Eleganz eines Paul Newman und die Coolness eines 

Steve McQueen sind ohnehin zeitlos ... 

Alexander Querengässer 

GoodTimes 1/2014 14 Seite ■ 67

110 

POLIZEIRUF 

" 

Tatort"-Konkurrenz aus dem Osten 

70.000 Ost-Mark sind aus dem Tresor 

eines Postamtes gestohlen worden, die 

Schalterangestellte Lisa Murnau wurde 

bei dem Überfall lebensgefährlich verletzt 

– so präsentierte sich einst der erste Fall 

von Oberleutnant Fuchs, später gern auch 

mal „der Maigret des Ostens" genannt, und 

seiner charmanten Kollegin Leutnant Vera 

Arndt, der ersten Ermittlerin im deutschen 

Fernsehen. „Der Fall Lisa Murnau" bildete den 

Startschuss für eine neue 

DDR-Krimiserie, die seit 

Juni 1971 ausgestrahlt 

wird – wenn man so will, 

die ostdeutsche Antwort 

auf den ARD-„Tatort", 

der etwa ein halbes Jahr 

zuvor, im November 1970, 

seinen Siegeszug antrat. 

Schon in den 60er Jahren 

hatte das DDR-Fernsehen 

übrigens auf eine erfolgreiche 

Krimiserie aus 

dem Westen reagiert: 

„Blaulicht" hieß damals 

das ostdeutsche Pendant 

zu „Stahlnetz" und stellte 

ebenso authentische 

Kriminalfälle nach wie das 

Original. 

Der „Polizeiruf" hatte 

mit seinem Vorgänger 

allerdings nicht viel 

gemeinsam. Waren es in 

„Blaulicht" meist Fälle von westdeutschen 

Agenten, Schmugglern und Schiebern, die der 

noch jungen DDR Schaden zufügten, setzte 

die „Polizeiruf"-Serie auf Kriminalfälle in der 

eigenen Bevölkerung. Für die Filmemacher 

war dies oft ein aufwändiger Spagat, reale 

Konflikte in einer vorgeblich konfliktfreien 

Gesellschaft zu zeigen. Doch er gelang 

immer wieder, selbst tabuisierte Themen 

wie Alkoholmissbrauch, Vergewaltigung, 

Kindesmissbrauch und Mord fanden neben 

kleineren Delikten wie Einbruch, Betrug und 

Jugendkriminalität Einzug in die einzelnen 

Episoden. Zugleich waren die „Polizeiruf"- 

Peter Borgelt, der Chefermittler 

des Polizeirufs", in der ersten Folge 

" 

Der Fall Lisa Murnau" (1971). 

" 

Filme oftmals ein Abbild des wirklichen Lebens 

in der DDR. Sobald der moralische Zeigefinger 

weggelassen und der ostdeutsche Alltag 

sozialkritisch-genau wiedergegeben wurden, 

Foto: © DRA/Bernd Nickel 

erfreute sich die Serie größter Beliebtheit. 

Andere Folgen wiederum punkteten mit Ironie 

und Biss. Jedoch verzichtete man dabei meist 

auf reißerische Actionszenen. 

Souverän und sachlich, durchaus aber unterhaltsam 

ermittelte das Team um Oberleutnant 

– ab der 55. Folge Hauptmann – Fuchs, 

gespielt von Peter Borgelt. Zum Team des 

Chefermittlers zählten vor allem Leutnant Vera 

Arndt (Sigrid Göhler), Oberleutnant Jürgen 

Hübner (Jürgen Frohriep), Leutnant Thomas 

Grawe (Andreas 

Schmidt-Schaller) 

und Leutnant Subras 

(Alfred Rücker). 

Letzterer schaffte es 

in ganze 25 Folgen, 

er war der ewige 

Praktikant, der ständig 

gebeutelte und 

zugleich immer sympathische 

Nachwuchs- 

Polizist, der es schließlich 

zum Leutnant 

schaffte. In der Folge 

„Alibi für eine Nacht", ausgestrahlt im Sommer 

1977, war er allerdings das letzte Mal dabei: 

Der Schauspieler Alfred Rücker hatte im Zuge 

der Ausbürgerung von Wolf Biermann einen 

Ausreiseantrag gestellt. Ab 1979 lebte der spätere 

NDR2-Sprecher in Hamburg. 

Der Ausstieg der ersten Ermittlerin im Ostwie 

West-Fernsehen, Leutnant Vera Arndt, 

nach 46 Einsätzen war dagegen von langer 

Hand geplant. In der 1983er-Folge „Es ist 

nicht immer Sonnenschein" wird sie am 

Ende des Films von Hauptmann Fuchs, mit 

Abschiedsgeschenken überhäuft, nach Hause 


gefahren: Sie soll einen Dozentenjob an der 

Polizeihochschule antreten und verschwindet 

deshalb aus der Serie. Nach dem Abgang ist 

es um die heute 71-jährige Schauspielerin 

Sigrid Göhler ruhig geworden, sporadisch 

sah man sie noch in Fernsehfilmen (darunter 

auch dem Jubiläums-„Polizeiruf" von 2001), 

ansonsten spielte sie in der ostdeutschen 

Provinz Theater. Inzwischen hat die Rentnerin 

ihre schauspielerische Laufbahn beendet. 

Jürgen Frohriep als Oberleutnant Hübner war 

neben Fuchs der aktivste Ermittler. Seinen 

ersten Einsatz erlebte er bereits in der siebten 

Folge der Serie, 1972. Und als man 1994 den 

„Polizeiruf" als gesamtdeutsche Fernsehserie 

wieder aufleben ließ, war Frohriep immer 

noch dabei. Allerdings sollte sein 64. Fall der 

letzte werden. Kurz nach den Dreharbeiten 

verstarb der Schauspieler mit 65 Jahren. 

Mit Leutnant Thomas Grawe, gespielt von 

Andreas Schmidt-Schaller, zog dann frischer 

Wind ein. Der Ermittler in Lederjacke war 

eine Art DDR-Schimanski. Nicht ganz so 

cool und ruppig wie das Duisburger Original, 

aber immerhin weniger steif als die dennoch 

sympathischen Fuchs und Hübner. Schmidt- 

Schaller ist dem Fernsehkrimi übrigens bis 

heute treugeblieben, seit 2001 gehört er 

zum „Soko Leipzig"-Team. Weitere Ermittler 

waren u.a. die Schauspieler Jürgen Zartmann, 

Foto: © DRA/Thomas Jacob, Horst Klewe 

Während der Dreharbeiten zur 103. Folge 

Ein großes Talent" im Jahr 1985. 

" 

Lutz Riemann und nicht zuletzt Günter 

Naumann, einer der charismatischsten 

Persönlichkeiten in der Krimireihe. 

Das „Polizeiruf 110"-Gesicht schlechthin 

bleibt aber Peter Borgelt. Mit 84 Folgen 

als Peter Fuchs prägte er die Serie wie 

kein anderer. Der Schauspieler war so 

sehr mit seiner Rolle verwachsen, dass 

ihn Zuschauer, die ihm zufällig im Alltag 

begegneten, nicht mit seinem Namen, 

sondern mit „Hauptmann Fuchs" ansprachen. 

1991 spielte Borgelt seinen letzten 

„Polizeiruf", drei Jahre später erlag er 

einem Krebsleiden. Fuchs bzw. Borgelt als 

Chefermittler ist sozusagen die folgenübergreifende 

Klammer, nicht zwangsläufig 

musste jeder Kollege seines Teams in jeder 

Folge auftauchen. Ein logistischer Schachzug, 

denn die meisten Schauspieler hatten neben 

ihren TV-Engagements Theaterverpflichtungen 

und standen somit nicht für jeden Dreh zur 

Verfügung. Ebenso variierten die Schauplätze: 

Mal ermittelten Fuchs und seine Genossen von 

der Kriminalpolizei an der Ostsee, dann wieder 

im Erzgebirge, mal in Berlin, Karl-Marx-Stadt 

Foto: © DRA/Wolfram Zeuch 

" 

Der Kreuzworträtselfall" (1988) erzählt die 

auf Tatsachen beruhende Geschichte eines 

Kindermordes. Dem Täter kam man durch Prüfung 

von über 550.000 Schriftproben auf die Spur. 

oder Leipzig, ein anderes Mal in Rostock, 

Wismar, Erfurt oder in Halle an der Saale. In 

manchen Folgen wurde gar nicht erwähnt, 

in welcher Gegend der 

Fall angesiedelt war, die 

Drehorte wurden aber dennoch 

schnell erkannt. 

Sämtliche DDR-Stars spielten im " 

Polizeiruf", 

hier Günter Schubert (links). 

Bis zum Ende der DDR entstanden so über 150 

Folgen, wovon sechs zwar als „Polizeiruf"- 

Teile gedreht, aber schließlich als separate 

Fernsehfilme gesendet wurden. Die Episode 

„Rosis Mann" aus dem Jahr 1984 jedoch 

wurde nie gezeigt, da mehrere Hauptdarsteller 

noch vor der geplanten Erstausstrahlung 


in den Westen flüchteten. Die Folge „Im 

Alter von ..." aus dem Jahr 1974, die den 

authentischen Fall des später hingerichteten 

Kindermörders 

Erwin Hagedorn aus 

Eberswalde thematisierte, 

erlebte wiederum 

eine späte 

und ungewöhnliche 

Premiere: Die verbotene 

Folge galt lange 

als verschollen, bis man 

vor wenigen Jahren ein 

Kamera-Negativ fand. 

Der Film wurde rekonstruiert 

sowie synchronisiert 

(es existierte 

keine Tonspur mehr) 

und 2011 erstmals in 

der ARD gezeigt. 

Unter den zahlreichen 

Folgen sind zwar 

auch einige wenige 

Langweiler (wie beim 

„Tatort" auch), aber es 

gibt ebenso ganz herausragende 

wie etwa 

„Der Kreuzworträtselfall", „Der Mann im 

Baum" oder „Das Duell". In den dritten 

Programmen laufen regelmäßig die alten 

Episoden, außerdem gibt es mittlerweile 18 

DVD-Boxen mit jeweils acht Folgen. Und 

es folgen immer wieder neue „Polizeiruf"- 

Filme nach, ausgestrahlt zur besten 

Foto: © DRA/Christine Nerlich 

Sendezeit am Sonntag in 

der ARD. Einige Folgen 

sind preisgekrönt, neben 

vielen weiteren Preisen 

gab es jeweils viermal 

den Grimme- und den 

Deutschen Fernsehpreis. 

Ermittelt wird heute in 

Brandenburg, Rostock, 

Magdeburg, aber 

auch in München mit 

Schauspielern wie Anneke 

Kim Sarnau, Charly Hübner, 

Matthias Brandt, Claudia 

Michelsen und Horst Krause. 

Im Zuge der Wiedervereinigung 

Deutschlands kam es zwischen 

„Polizeiruf" und „Tatort" übrigens 

zu einem gemeinsamen Krimi: In 

„Unter Brüdern" aus dem Jahr 

1991 gehen Fuchs und Grawe 

mit Schimanski (Götz George) 

und Thanner (Eberhard Feick) 

gemeinsam ans Werk. Ein Film 

mit vielen Klischees und reichlich 

Alkohol, aber dennoch herrlich 

komisch. Thanner taucht im selben 

Jahr dann ein weiteres Mal 

im „Polizeiruf" auf. In „Thanners 

neuer Job" ist der Beamte aus NRW der neue 

Vorgesetzte der ostdeutschen Kollegen. In 

der Schlussszene nimmt Fuchs, mittlerweile 

Kriminalhauptkommissar, wortlos seine Jacke 

und geht. Sein Abschied aus der „Polizeiruf"- 

Serie ... 

Christian Hentschel

Brehms Tierleben 

Alfred Brehm und seine 

sprachgewaltigen Tierporträts 

Vor dem Siegeszug der Kamera 

waren auch Tierfans auf Berichte von 

Augenzeugen angewiesen. In jenen 

längst vergangenen Zeiten entstand 

ein mehrbändiges Nachschlagewerk, 

das zu einem der größten Erfolge der 

Buchhandelsgeschichte wurde. Dass es 

nicht nur in den Regalen von Experten, 

sondern ebenso auch von Laien stand 

und steht (!), ist das Verdienst eines 

Forschers, der auszog, um der Welt seinen 

Blick auf die Tierwelt zu eröffnen. 

Von Thorsten Pöttger 

Alfred Edmund Brehm kam am 2. Februar sollte entsprechend nicht nur zu ihrer 

1829 als erstes Kind des Pastors Vergrößerung, sondern auch zur Vermehrung 

Christian 

ihres Werts beitragen. Mit Hilfe 

Ludwig Brehm 

eines wenige Jahre älteren Mäzens 

und seiner 

– 

der ihn allerdings während der 

zweiten, 23 

Expedition im Stich ließ – brach 

Jahre jüngeren 

Ehefrau Bertha 

zur Welt. Sein 

der 18-jährige Alfred also im Juni 

1847 für insgesamt über fünf Jahre 

in Richtung Nil zu seiner ersten 

Talent wurde 

Auslandsreise auf. Und das zu einer 

ihm praktisch in 

die Wiege gelegt: 

Zeit, als es die Ausnahme (und 

nicht die Regel) war, dass Reisende 

Während seine 

von dort überhaupt zurückkehr- 

hochbegabte 

Mutter ihn mit 

ten, und Briefe zwischen 

Deutschland und Afrika 

den Klassikern Neun verschiedene Ausgaben von Brehms mehrere Monate unter- 

der Literatur vertraut 

Tierleben aus den Jahren 1876 bis 1963. 

wegs waren. Die größten 

machte, war sein vogelkundiger Vater, 

der auch erfolgreich über sein Steckenpferd 

publizierte, zu seinen Lebzeiten sogar noch 

bekannter als sein heute weit renommierterer 

Sohn. Nicht von ungefähr war Alfreds persönliches 

Lieblingswerk denn auch nicht etwa 

das „Tierleben", sondern – dem Andenken 

Gefahren stellten damals wie heute jedoch 

nicht etwa wilde Tiere, sondern Klima und 

Krankheiten dar. Auch Brehm überlebte eine 

Malaria-Infektion nur mit viel Glück. Bis zu 

seinem Tod mit 55 Jahren litt er immer wieder 

an Fieberschüben und verstarb letztlich auch 

an den Spätfolgen der Erkrankung. 

seines Vaters, des Vogelpastors, gewidmet und 

stark von diesem beeinflusst – „Das Leben der 

Vögel" (1861). 

Zum Glück für die Nachwelt hatte er indes 

viele Niederschriften dabei, als er mit 23 

Jahren – gerade rechtzeitig zur Teilnahme 

Ursprünglich sollte Alfred Brehm nach einem 

berufsbezogenen Unterricht an einer Kunst- 

und Handelsschule eigentlich ein Architektur- 

stu dium in Dresden 

aufnehmen, 

doch sein 

Forscher- 

an einer Ornithologen-Versammlung – in 

seine Jugendstadt Altenburg te, sowie einen n kleinen Zoo, verstaut in 

zurückkehr- 

16 großen Kisten. Dass der junge Brehm 

nach seinen Afrika-Erlebnissen nicht länger 

Architekt werden würde, war lich. Sein Vater beantragte deshalb 

mit Erfolg die Immatrikulation 

offensicht- 

herz siegte seines Sohnes zum Studium 

und verlangte 

der Naturwissenschaften 

nach Neuem – so wie die 

damals 7000 europäische Arten 

umfassende Vogelsammlung im 

Pfarrhaus rhaus des Vaters in Renthendorf 

im Südosten Thüringens. Nordostafrika 

in Jena. Alfred begann, 

neben bei für 

Fach zeitschriften 

zu 

schreiben, 

und veröffentlichte 1854/55 in drei Bänden 

seine „Reiseskizzen aus Nordostafrika", 

die ihm bei seinen Kommilitonen den 

Spitznamen „Pharao" und einen Doktortitel 

einbrachten. Auf diese Weise baute er sich 

eine eigene Forscherexistenz auf. 

Dann kündigte sich ein neuer 

Lebensabschnitt an: Der 

Sohn 

des Vogelpastors 

wandelte sich nach einem 

Umzug 

nach Leipzig vom 

Gymnasiallehrer für Geografie 

bzw. Natur geschichte und Fach- 

zeit schriftenredakteur 

zum 

Populär schriftsteller. Seine Tier- 

beschreibungen wurden sehr 

beliebt, da sie frischer und leben- 

diger als die älterer Autoren 

wirkten. In der vielgelesenen 

Zeitschrift „Gartenlaube" mit 

einer für damalige Verhältnisse 

sensationellen Auflage von 

275.000 Exemplaren fan- 

den seine Erzählungen 

neben 

Gedichten, 

Biografien und anderen 

Aufsätzen eine geeig- 

nete Plattform für das 

deutsche Bürgertum 

des 19. Jahrhunderts. 

Nach einer neuerlichen 

Exkursion 

nach 

Afrika erhielt 

Brehm ein 

Angebot von 

Hermann Julius 

Meyer, Sohn des 

Illustrationen: © Klaus Ensikat 


Gründers des Bibliografischen Instituts, 

zur Veröffentlichung eines mehrbändigen 

volkstümlichen Nachschlagewerks über die 

Tierwelt. Das war die Geburtsstunde des 

ersten Bandes von „Illustriertes Tierleben, 

eine allgemeine Kunde des Tierreiches", 

wie „Brehms Tierleben" ursprünglich hieß. 

Zwischen 1863 und 1869 erschienen insgesamt 

sechs Bände, die sich von bisherigen 

Tierbüchern stark unterschieden. Für die 

Illustrationen, in denen die Lebewesen nicht 

etwa ausgestopft und regungslos, sondern als 

„fühlende" Geschöpfe im Bewegungsablauf 

gezeigt wurden, konnte Brehm einen 

Reisegefährten namens Robert Kretschmer 

sowie den Leipziger Tiermaler Emil Schmidt 

gewinnen. Die Bilder harmonierten prächtig 

mit Alfreds Beschreibungen, weil er erstmalig 

wissenschaftliche Klassifizierungen mit 

Beobachtungen am „lebenden Tier" verband. 

Auf diese Weise wurden plastische 

Tierporträts geschaffen. 

denen die wirbellosen Tiere abgehandelt wurden, 

verfasste er die insgesamt zehn Bände 

höchstpersönlich. 

Die größten Schwierigkeiten beim Schreiben 

bestanden für Brehm darin, den Umfang nicht 

zu überschreiten, weshalb eine sorgfältige 

Auswahl getroffen werden musste. Zudem 

waren die verschiedenen Tierklassen bis dato 

sehr ungleichmäßig erforscht worden. Und 

trotz seines beträchtlichen Wissens war er 

auf Literatur anderer angewiesen, über deren 

Zuverlässigkeit sein Urteil entscheiden musste. 

Der weltweite Erfolg seines Werks, der sich 

bereits abzeichnete, während er noch über 

Das Pfarrhaus in Renthendorf mit Brehm- 

Gedächtnisstätte (Foto aus den 1980er Jahren) 

den Entwürfen zu den Bänden drei und vier 

brütete, gab ihm letztlich aber Recht. 

1863 erreichte Brehm dann ein weiteres 

Angebot, das ihm einen Wunschtraum erfüllte: 

Er wurde zum Leiter des damals in 

Neugestaltung befindlichen Zoologischen 

Gartens in Hamburg berufen (nicht zu verwechseln 

mit dem später gegründeten und 

noch heute bestehenden Tierpark Hagenbeck). 

Trotz florierender Besucherzahlen überwarf 

er sich drei Jahre später allerdings mit dem 

Verwaltungsrat, der ihm unter anderem wegen 

seiner allzu „menschlichen" Tierschilderungen 

Blasphemie und Populismus vorwarf, und 

wurde am Ende entlassen. Eine weitere 

Aufgabe ließ jedoch nicht lange auf sich warten: 

1869 eröffnete das Berliner Aquarium, 

das letztlich aber eher einen überdachten 

Tiergarten darstellte, wie ihn Direktor Brehm 

angeregt hatte. Wassertiere allein hätten 

weder ihn zufriedengestellt noch zum Weltruf 

des Aquariums beim Publikum geführt. 

Bauentwürfe zeigen, dass er sich danach 

ursprünglich in Wien ein weiteres Mal als 

„Tiergärtner" betätigen wollte. Doch die Pläne 

zerschlugen sich. Stattdessen kam es vor 

seinem Tod am 11. November 1884 zur 

Vollendung seines Lebenswerks: 1879 machte 

sich Brehm nach der Rückkehr von einer 

Spanien-Reise an den Abschluss der „zweiten, 

umgearbeiteten und vermehrten Auflage" des 

„Tierlebens". Mit Ausnahme zweier Bände, in 


Und was bleibt als Doktor Brehms Vermächtnis? 

Dass er Reptilien anhand von Bibelzitaten 

belegte, hielt dem Test der Zeit ebenso wenig 

stand wie seine mit Vorliebe vorgenommene 

Einteilung der Tierwelt in gut und böse oder in 

schön und hässlich. Seine Stärke, anhand einer 

präzisen Beobachtungsgabe persönlich gefärbte 

sprachgewaltige Charakterisierungen seiner 

Forschungsobjekte vorzunehmen, kann zugleich 

als Schwäche ausgelegt werden. Die Aktualität 

des „Tierlebens" wird allerdings dadurch 

bewahrt, dass seit seiner Erstveröffentlichung 

allein in Deutschland über 200 weitere 

Ausgaben erschienen sind. Forscher haben es 

laufend korrigiert und aktualisiert. Manche Tiere 

haben einen präziseren Namen erhalten (zum 

Beispiel „Pinguin" statt „Fettgans"), manche 

sind schlichtweg ausgestorben. Inzwischen liegt 

„Brehms Tierleben" digitalisiert, als Hörbuch, für 

Kinder bearbeitet und in weiteren Versionen vor. 

Wer sich für Tiere interessiert und die Natur für 

schützenswert hält, kommt an ihm weiterhin 

kaum vorbei.

Das ikonografische 

Gesicht der Sixties 

Erscheint ein Buch über die 60er Jahre, liegen die Auswahlmöglichkeiten für die auf 

dem Cover abgebildeten VIPs auf der Hand: Entweder sind die lächelnden Beatles 

zu sehen, die mürrisch dreinblickenden Rolling Stones – oder Twiggy. Sie verkörpert 

eine Epoche, und ihr Image wird unweigerlich mit den sozialen, kulturellen 

und modischen Umbrüchen des Jahrzehnts verknüpft. Die kleine Lesley Hornby aus 

einem winzigen Häuschen im unbedeutenden Londoner Vorort Neasden hat es weit 

gebracht ... 

Yeah Baby, groovy. Komm schon. Du 

bist wunderbar! Leg den Kopf zur 

„ Seite. Ja, super-duper. Genau richtig." 

Was wie ein Ausschnitt 

aus einem Austin-Powers-Film 

klingt, war in den Sechzigern der 

ganz normale Tonfall, mit dem 

Starfotografen ihre Supermodels 

zu Höchstleistungen anstachelten. 

Doch Moment mal! Supermodels? 

Die gab es eigentlich erst nach 

Twiggy, denn der Begriff wurde 

dank und mit ihr geboren. Natürlich hatten 

sich einige Models schon vorher einen guten 

Ruf in der Mode-Industrie erarbeitet und wurden 

häufig abgelichtet – wie zum Beispiel die 

wunderschöne Jean Shrimpton, die Cover von 

„Vogue" oder „Vanity Fair" zierte. Sie stand 

für den Typ Frau, der nicht mehr mit dem 

Jean 

Shrimpton 

Fünfziger-Ideal übereinstimmte, 

wo Wasserstoffblondinen, 

Atombusen und ausladende 

Becken die Blicke der Öffentlichkeit 

magisch auf sich zogen. Tja, 

die Tage von Jayne Mansfield, 

Rita Hayworth oder Jane Russell 

gehörten der Vergangenheit an. 

Shrimpton hatte ein eher zierliches 

Erscheinungsbild, lange Beine, sie war schlank 

und symbolisierte den weiblichen Teenager, der 

sich durch den von der britischen Designerin 

Mary Quant popularisierten Minirock („Kürzer – 

es geht 

kürzer 

– noch 

kürzer!"), 

Overknees 

und Strumpfhosen 

modisch ausdrückte. 

Twiggy, deren Name dann zum Inbegriff der 

Stilikone wurde, erblickte am 19. September 

1949 als dritte Tochter des Tischlermeisters 

William Norman Hornby und seiner Frau Nellie 

Lydia unter dem bürgerlichen Namen Lesley 

Hornby das Licht der Welt. Als ihre Mutter sich 

des ungeplanten Familienzuwachses bewusst 

wurde – sie war 41, ein für die damalige Zeit 


isikoreiches Alter für eine Schwangerschaft 

–, redete sie über eine Woche lang nicht 

mehr mit ihrem Mann. Der meinte daraufhin 

schmunzelnd: „Muttchen, dazu 

gehören immer zwei." Die Familie lebte 

in Neasden, einem damaligen Londoner 

Vorort. Das elterliche Haus am St. Raphael’s 

Way Nummer 93 wirkte wie ein überdimensioniertes 

Puppenhaus, was in der Zeit 

allerdings für viele Gebäude charakteristisch 

war. Die kleine Lesley wurde von 

der ganzen Familie verwöhnt und mit 

viel Zuneigung bedacht, was sich 

sicherlich auf das sonnige Gemüt der 

späteren Twiggy auswirkte. Schon 

in früher Jugend fiel sie durch 

ihren spindeldürren Körperbau 

auf, was Mama Hornby mit einer 

regelmäßig verabreichten Portion 

Lebertran kurieren wollte, doch 

ohne Erfolg. Twiggy war extrem 

dünn und blieb es auch. Zu 

Beginn der Sechziger dominierte 

zwar noch der Rock’n’Roll 

das Leben der Teenager, doch 

er wurde schon bald von der 

Beatlemania abgelöst. Neben 

Postern von Jean Shrimpton zierten Bilder 

der Fab Four die Wände von Twiggys Zimmer, 

die mit 13 Jahren begann, ihre eigenen Kleider 

zu nähen, ein Hobby, das sie bis heute noch 

pflegt. Auch sie wurde von der Welle der sozialen 

und kulturellen Umbrüche erfasst, schaute 

die Popsendung „Ready Steady Go!" und ließ 

sich zusammen mit ihren Freundinnen zu 

den ersten Konzerten und Partys treiben. Am 

wichtigsten für ihre Karriere war jedoch die 

Beziehung zu Nigel John Davis, ihrem künftigen 

Manager, Mentor und Freund, der sich 

den wohlklingenden Künstlernamen Justin 

de Villeneuve zulegte und sich wie ein klassischer 

Sixties-Dandy kleidete ... 

Lesley Hornbys Model- 

Karriere begann unerwartet. 

Durch Freunde knüpfte 

sie Kontakt zu dem exklusiven 

Star-Friseur Leonard, 

der den Salon House Of 

Leonard führte. Dieser 

benötigte eines Tages 

neue Fotos 

für seine 

Ausstellung 

und Models, 

die einen Kurzhaarschnitt 

propagieren 

sollten. Zuerst wurde Twiggy leicht 

blondiert, daraufhin suchte sie den Starfotografen 

Barry Lategan auf. Lategan mochte 

ihren Look, doch er empfand die Haare als 

viel zu lang. Während des Gesprächs – natürlich 

stand ihr Justin zur Seite – fiel der Name 

Twiggs (so nannte sie ihr Freund immer), 

worauf der Fotograf begeistert meinte: 

„Twiggy! Den Namen solltest du benutzen!" 

Lategan schoss dann Fotos, die von nun an im 

Salon aushingen, wo sie Deirdre 

McSharry, Chefredakteurin des 

„Daily Express" entdeckte, der 

auflagenstärksten Zeitung 

Großbritanniens. Sie lud 

Twiggy in den Verlag ein und 

ließ sie vom Hausfotografen 

ablichten. Das bange Warten 

begann. Wann würde das Foto 

veröffentlicht? Eines Morgens 

nach langen zwei Wochen, 

es war der 23. Februar 

1966, stürmte ihr Vater 

ins Zimmer Twiggys 

und hielt seiner verschlafenen 

Tochter 

die Zeitung mit einem 

zweiseitigen Foto o 

unter die Nase, zu dem 

in Großbuchstaben 

zu lesen war: I NAME 

THIS GIRL THE FACE 

OF ’66. Schnell war 

der Twiggy-Look 

geboren: große, unschuldige, 

aber auch verfüh- 

betont durch die überlangen 

Wimpern, die sie zur optischen 

Verstärkung mit Eyeliner an 

den Augenlidern verstärkte, 

und ein fragiler Körperbau. 

Die ruhige Beschaulichkeit im 

rerisch wirkende Augen, 

St. Raphael’s Way Nummer 

93 gehörte von nun an der 

Vergangenheit an, denn das 

Haus wurde von Fotografen 

und Reportern regelrecht 

belagert. Wann immer auch 

Vater Hornby ein Knirschen n 

auf den Kieseln der Einfahrt 

hörte, packte er sich den Spazierstock und verscheuchte 

die 

Sensationsjäger. 

Das 

zur Straße 

g e l e g e n e 

Wohnzimmer 

konnte von 

da an nicht 

mehr benutzt 

werden, denn 

wenn sich die 

nur leicht bewegte, „ratterten" 

bereits die Auslöser der Kameras. 

Innerhalb kürzester Zeit arbeitete 

Twiggy fünf Tage die 

Woche für jeweils zwölf Stunden 

und war auf den Covern von 

unter anderem der „Vogue" 

zu sehen, die in der Branche 

die Trends setzte. Doch auch 

andere, modeferne Zeitschriften 

ließen sie ablichten und stellten 

damit einen übergreifenden 

Kontext her. Schnell entwickelte 

sich ein bislang nicht bekanntes 

Phänomen, denn das Mädchen 

Gardine auch 


aus dem Londoner Vorort stand plötzlich für 

den kulturellen Umbruch des „Summer Of 

Love". Mode? Wichtig, aber nur ein Aspekt 

von Twiggy, die nun die „Swinging Sixties" 

symbolisierte, ein Begriff, der erstmals am 

15. April 1966 im amerikanischen „Time"- 

Magazin auftauchte. Ihr androgyner Look und 

die Rolle der selbstbestimmten Frau negierten 

die vorherrschenden Moral- 

und Wertvorstellungen. Das 

Supermodel war geboren! Von 

nun an stand sie vor den 

Kameras der bedeutendsten 

Fotografen der Welt – unter 

anderem Annie Leibovitz, 

Cecil Beaton und Bert Stern. 

Als sie mit ihrem Manager 

im 

März 1967 auf dem New 

Yorker Kennedy Airport landete, 

wurde Twiggy von einem 

Blitzlichtgewitter empfangen. 

Die folgende Reise durch die 

USA entwickelte sich zu einem 

Riesenerfolg. Ihren Status als Exportschlager 

vom Kaliber der Beatles oder von James Bond 

unterstrichen die unzähligen Twiggy-Artikel – 

Twiggy-Barbies, gy-Bar 

Schminktäschchen, Spiele und 

scheinbar endlose Modelinien. 

Bald offenbarte sich jedoch 

auch eine negative Seite ihrer 

Popularität. Zahlreiche Mädchen 

wollten so aussehen wie ihr 

Idol und hungerten sich fast 

zu Tode. Schnell entstand für 

die Krankheit Magersucht das 

Synonym Twiggy-Syndrom, was 

Lesley Hornby bis zum heutigen 

Tag belastet und damals für die 

Presse ein gefundenes Fressen 

war, um Negativ-Schlagzeilen 

zu platzieren. Zu Beginn der 

Siebziger i verabschiedete sich Twiggy vom 

Modeln, um eine sehr erfolgreiche Karriere 

als Schauspielerin, Sängerin (unvergessen der 

Auftritt in der „Muppet Show", wo Twiggy 

einen Beatles-Song zum Besten gab) und 

Moderatorin zu beginnen. 1977 heiratete sie 

Michael Witney, der 1983 an einem Herzinfarkt 

verstarb. Aus der Ehe ging die Tochter Carly 

hervor, die auf Mamas 2011 erschienener CD 

ROMANTICALLY YOURS ihr Gesangsdebüt gab. 

Seit 1988 ist sie glücklich mit Leigh Lawson 

verheiratet. 

Und Twiggy 2014? Ja, sie 

modelt wieder, und zwar für die 

britische Kaufhauskette Marks 

& Spencer, die es sich zum 

Ziel gesetzt hat, stilvolle Mode 

für „ältere" Damen zu führen. 

Darüber hinaus hat sie eine 

eigene Modelinie designt, engagiert 

sich für eine Kampagne 

zur Brustkrebsfrüherkennung 

und bekämpft den Handel mit 

echten Pelzen. Offensichtlich 

hat Lesley Hornby nichts von 

der Quicklebendigkeit der blutjungen 

Twiggy eingebüßt ... 

Alan Tepper

Der NAD 3020 

Von Lothar Brandt 

Ein HiFi- 

Verstärker 

mischt 

den Markt 

auf und 

wird zur 

In den 1970ern versteckten sich HiFi-Verstärker entweder 

verschämt in Kompaktanlagen, tarnten sich bis zur 

Unkenntlichkeit in besseren Radios oder protzten ganz ungeniert 

mit gewaltigem Platzbedarf und entsprechend hohen 

Anschaffungskosten. Und dann kam er: der NAD 3020 – und 

veränderte die Szene radikal. Der Klassiker des Low Budget- 

HiFi war geboren, ein Kult-Objekt bis heute. 

Legende 

Der unscheinbare Tiefstapler machte – fast – alles anders und vieles 

besser als seine Mitbewerber. Und manches machte er seit seinem 

ersten Auftritt Ende der 70er Jahre auch gar nicht: zum Beispiel 

mit Leistung prahlen. Um die 20 bis 40 Watt gab der NAD 3020 laut 

Datenblatt in die Lautsprecher, je nachdem, ob deren so genannte 

Scheinimpedanz acht oder vier Ohm betrug. Dass dieser ganze Watt- 

Fetischismus Kokolores war und ist, hat sich inzwischen zwar zumindest 

in der HiFi-Gemeinde herumgesprochen, aber damals dachten eben die 

meisten Technik-Jünger noch: viel Watt, viel Ehr. 

Auch auf zeittypisch zappelnde Zeiger zur optischen Markierung seiner 

Potenz verzichtete der mit 280 Mark herausfordernd günstige Zwerg 

und begnügte sich mit fünf Leuchtdioden über dem Lautstärkeregler zur 

freilich sehr ungefähren Leistungsangabe in Watt. Desgleichen sparte er 

weitgehend an respekteinflößenden Schaltern, wuchtigen Hebeln oder 

imposanten Drehreglern, die seine zünftigen Zeitgenossen großspurig 

herzeigten, vor allem diejenigen, die dank eines zusätzlich eingebauten 

Radioteils als „Receiver" (Tuner plus Vollverstärker) über die Ladentische 

gingen. Die Ausstattung des puristischen NAD-Verstärkers geriet dagegen 

zumindest auf den ersten Blick eher karg, sein Auftritt erinnerte an die 

sprichwörtliche graue Maus, wozu die schwer definierbare Gehäusefarbe 

das Ihre beitrug. „Understatement" lobten Einsichtige, „hässliches Entlein" 

schalten Designer. Doch gleich einem schönen Schwan betörte er, wenn 

Mastermind in frühen Jahren: Björn Erik Edvardsen 1975 

er denn erst mal Musik machen durfte. Ohrenmenschen verliebten sich 

sogleich scharenweise in ihn ... 

Wie es sich für wahre Legenden gehört, ranken sich um Herkunft 

und Historie des Verstärkers indes etliche Sekundärlegenden. Da 

liest man im Netz und anderswo viele Märchen: So kam der NAD 3020 

etwa nicht schon 1978 auf den Markt, sondern wurde offiziell erst am 

24. Januar 1979 eingeführt. Und er wurde auch nicht in Rot-China, sondern 

in Taiwan gebaut – und war beileibe nicht das erste Gerät, das die 

Firma mit dem Akronym von New Acoustic Dimension vorgestellt hatte. 

Sein Herkunftsland war weder England noch Kanada noch Norwegen, 

sondern er kann als Inbegriff wahrer Multikulturalität gelten, wurde NAD 

doch 1972 als Zusammenschluss von internationalen Distributoren (nicht 

Händlern, wie man ebenfalls immer wieder mal liest) gegründet. 

Der Engländer Marty Borish, Mitbegründer von NAD, zeichnete ab 

1976 für die Strategie der Firma verantwortlich. 1977 holte er dann 

den Norweger Björn Erik Edvardsen, genannt BEE, ins Unternehmen. 


Gründerväter Jahre später: Gordon A. Simmonds (CEO NAD), Anton 

Aebischer (Dynavox) und Marty L. Borish (Direktor und Gründer NAD) 

Dieser kluge Kopf konzipierte weitgehend die Schaltung des 3020, und die 

hatte einen ganz cleveren Kniff: „Soft Clipping" nannte sich das, was wohl 

vielen jener Lautsprecher das Leben gerettet hat, die ihre jugendlichen, 

studentischen oder in anderer Weise wenig vermögenden Besitzer an die 

Klemmen des kleinen Verstärkers angeschlossen hatten. 

Der älteste dem Autor vorliegende Test in der HiFi-Postille „Audio" 

(Ausgabe 11/1979) verwendet darauf gerade mal einen halben 

Absatz. Ob der Schreiber allerdings so richtig durchblickte, sei dahingestellt. 

Die Erklärung dieses Phänomens ist jedoch eigentlich recht einfach: 

Wie der Name bereits sagt, verstärken Verstärker elektrische Signale in 

Form von Strömen und Spannungen. Das Produkt dieser beiden physikalischen 

Größen ist die elektrische Leistung, gemessen in Watt. Die 

meisten Amps beziehen diese seit deren Marktreife aus Transistoren. Diese 

Bauteile hatten vor allem eben in den 60er, 70er und 80er Jahren meist 

die Eigenschaft, bei Überforderung zu „clippen". 

Dabei erzeugten sie kurzfristig extrem 

hohe Verzerrungen, welche die angeschlossenen 

Boxen mit einer Überdosis Höhen 

meucheln oder zumindest deren Hochtöner 

in Jenseits jagen konnten. Je höher nun 

aber die Leistungsreserven eines Verstärkers 

sind, desto seltener wird er überfordert, also 

desto weniger clippt er. Ein starker Verstärker 

schont Lautsprecher eher, als dass er sie klirrend 

niederkartätscht. 

Zu 3020er-Zeiten aber war saubere Leistung teuer – und teuer 

wollte NAD ja auf keinen Fall sein. Also ersparten die Entwickler 

dem einen Paar Leistungstransistoren pro Stereokanal bei höheren 

Lautstärken die meist ja nur kurzfristig im Musiksignal auftauchenden 

Höchstanforderungen und pegelten diese Spitzen schon im Vorfeld 

blitzschnell herunter. Meist ohne dass die Hörer dies bewusst registrierten 

und ihre Hochtöner kreischend den Geist aufgaben. Zum anderen wusste 

Edvardsen schon um die Zusammenhänge von Strom, Spannung und 

angeschlossener Lautsprecher-Impedanz – so ähnlich wie Autofans nicht 

nur PS, sondern auch Hubraum und Drehmoment heranziehen, wenn es 

um die Bestimmung der wirklichen Power ihrer Karossen geht. Wie auch 

immer, der kleine NAD konnte auch bei gefährlich niedrigen Impedanzen 

noch den dann geforderten Strom an die Klemmen bringen. Im Rahmen 

seiner Möglichkeiten natürlich, die laut zeitgenössischen Messungen etwa 

bis maximal 50 Watt Impulsleistung an vier Ohm reichten. 

Wer also mit dem Lautstärkeregler rechts auf der Front nicht 

allzu rechtsdrallig umging, konnte auf ein langes und erfolgreiches 

Zusammenleben 

von Amp, Boxen 

Verpackung, in Würde gealtert: Mit dem deutlichen 

Hinweis auf die damals gültige deutsche Netzspannung 

von 220 Volt. 

und Besitzer 

anstoßen. Dem 

Autor ist selbst ein 

3020er-Jahrgang 

bekannt (als Beweis 

möge das Foto der 

Originalverpackung 


von 1982 dienen), der noch heute mit warmem, rundem Klang verwöhnt. 

Und sogar richtig laut werden kann, wenn die Lautsprecher entsprechenden 

Wirkungsgrad haben ... 

NAD-Nutzer sollten übrigens mal einen Plattenspieler an den für 

so genannte Magnetsysteme ausreichend empfindlichen Phono- 

Eingang anschließen: Der eingebaute Preamp ist wahrlich nicht von 

schlechten Eltern, vorausgesetzt, der Eigner hat so alle Schaltjahre die 

Bauteile kontrollieren lassen. Zudem neigen einige der eingebauten 

Kondensatoren ein wenig zum Austrocknen. 

Von einer zeittypischen Taste sollte man jedoch die Finger lassen: 

„Loudness" sorgt mit ungebührlicher Bass- und Höhenanhebung 

(wohl den schwachbrüstigen Boxen von anno dunnemals geschuldet) für 

dröhnigen Sound – und weil Bässe eben viel Leistung brauchen, auch 

für Überforderung des Kleinen. Nicht umsonst schmähen HiFi-Fans diese 

Taste generell als das „Ungeheuer von Loud-Ness". Wer denn unbedingt 

mehr Leistung haben will oder muss, der kann allerdings den 3020 zwischen 

Vor- und Endstufe – auf der Rückseite mit Metallbügeln gebrückt 

– auftrennen und eine kräftigere Endstufe zur Lautsprecherversorgung 

anschließen. Nur mit diesem Feature und mit den rot blinkenden fünf 

Leuchtdioden über dem Lautstärkesteller ist ein 3020 ein „richtiger" 3020. 

Im Laufe seiner überaus erfolg- und stückzahlreichen Geschichte hat 

der legendäre Amp, der auch noch in den 80er Jahren mit dann 400 

Mark Verkaufspreis ein echtes Schnäppchen blieb, einige Design- und 

Technikmodifikationen über sich ergehen lassen. Seine wahren Fans 

schwören noch heute auf die Version, bei der das NAD-Logo über der 

Kopfhörer-Buchse prangt und rechts von einem „Series 20"-Schriftzug 

flankiert wird. Optisch und technisch exzellente Exemplare sind übrigens 

erstaunlich selten im Angebot – zufriedene Besitzer rücken das gute Stück 

eben ungern raus. Wer trotzdem für 150 bis 200 

Euro eines ergattern kann, sollte unbedingt 

einen Check machen lassen. Manchmal 

wirken das Blankwienern der Buchsen 

und der Einsatz von Kontaktspray in 

Schaltern und Poti wahre Wunder, 

teilweise muss ein marodes Bauteil 

aber auch einfach fachgerecht 

getauscht werden. Im Zweifelsfall 

kann beim deutschen NAD-Vertrieb 

Dynaudio (www.dynaudio.de) oder dem Schweizer Distributor Dynavox 

(www.dynavox.ch) nach kompetenten Werkstätten gefragt werden. 

Die legendäre Produktserie umfasste anschließend noch jahrelang 

weitere modifizierte Modelle, vom 1986 eingeführten Modell 3020 e 

(Kostenpunkt: 400 Mark) bis hin zum 3020 i Anfang der 90er Jahre. 

Allmählich ließ der Verkaufserfolg aber nach, denn inzwischen bauten 

auch Engländer und Japaner feine Kleine in dieser Preisklasse. Doch 

insgesamt war die Modellreihe aus den guten alten analogen Tagen ein 

immenser Erfolg – von bis zu zwei Millionen insgesamt produzierten 

Exemplaren munkelt die Fachwelt. 

Vor kurzem hat die New Acoustic 

Dimension die legendäre 

Zahlenfolge 3020 in einer völlig anderen 

Verstärkerdimension übrigens wiederbelebt. 

Der D 3020 ist ein so genannter 

Digitalverstärker, kompakter und technisch 

komplett anders als der Altvordere, 

mit Finessen wie „asynchronem USB- 

DAC" für die Herausforderungen moderner 

Zeiten gerüstet. Optisch gehört er 

sowieso zu einer anderen Welt, ist er doch 

senkrecht und waagerecht zu betreiben. 

Und in seinem trendigen Look wirkt der 

500-Euro-Verstärker so gar nicht billig. 

Aber das war auch sein Urahn nie wirklich. 

Der war in erster Linie ein Preisbrecher. 

Und seinen Preis allemal wert. 

Nachfolger, ganz aktuell: 

Der Digitalverstärker D 3020 

markiert NADs Ansprüche in 

heutigen Zeiten.

DAS JAHR 1964 

Beatles 

Sepp Herberger 

Von Bernd Matheja 

Zeitgeschichte 

Ab 2.1. ziert DDR-Pässe der Zusatz „Bürger der Deutschen 

Demokratischen Republik". *** Erster Besuch eines Papstes in Israel: Am 

4.1. reist Paul VI. in den Nahen Osten. *** In Heidelberg nimmt am 

28.1. das erste Deutsche Krebsforschungszentrum die Arbeit auf. *** 

14.2., BRD: Gründungstag des „Sachverständigenrates zur Begutachtung 

der gesamtwirtschaftlichen Entwicklung", bis heute besser bekannt 

als die „Fünf (Wirtschafts-)Weisen". 

*** Eine Epoche beginnt: Willy 

Brandt wird am 16.2. zum SPD- 

Parteivorsitzenden gewählt. Er folgt 

Erich Ollenhauer und bleibt in dieser 

Position 13 Jahre lang. *** An den 

Ostermärschen für den Frieden 

nehmen am 30.3. über 100.000 

Bundesbürger teil. *** Tags darauf 

besetzt General Humberto Branco in Brasilien das Amt des 

Staatspräsidenten, nachdem das Militär geputscht hatte. *** In Afrika 

schließen sich am 26.4. Tanganyika und Sansibar zur Vereinigten Repubik 

Tansania zusammen. *** Am 1.6. erfolgt die Gründung der palästinensischen 

Berfreiungsorganisation PLO (Palestine Liberation Organization). 

Erster Vorsitzender ist Ahmed Shukeiry. *** Änderung in der bundesdeutschen 

Straßenverkehrsordnung ab 1.6.: Auf sichtbar gekennzeichneten 

Überwegen („Zebrastreifen") haben Fußgänger generell Vorrang 

vor motorisierten Verkehrsteilnehmern. *** 31 Jahre lang im Rahmen von 

Forschungsreihen gestattet, ab 6.6. verboten: Raketenversuche mit 

Weltweit gibt's ab jetzt mächtig auf junge 

und ältere Ohren, in Deutschland liegt die 

Hopfenkaltschale so voll im Trend wie nie 

zuvor – und die Fußballfans verabschieden 

einen der schlauesten Übungsleiter der 

Kicker-Historie. Spitzenpolitiker verschwinden, 

neue besetzen deren geräumte Sessel. 

Olympische Winterspiele ohne Schnee und 

Eis? Auch das ist verbucht für dieses ereignisreiche 

Jahr 1964. 

dem Wattenmeer vor Cuxhaven als Abschussgebiet. *** Der Bürgerrechtler 

Nelson Mandela und sieben weitere Mitglieder des ANC (African 

National Congress) werden am 12.6. wegen „subversiver Aktivitäten" zu 

lebenslangen Haftstrafen verurteilt. *** Der schwedische Luftwaffenoberst 

Stig Wennerström ist der Spionage für die Sowjetunion überführt, 

als seine Reinmachefrau eine verdächtige Filmrolle findet. 

Am 12.6. ergeht das Urteil: lebenslänglich. 

Der Offizier wird 1974 entlassen und bleibt 

geächtet. *** Am selben Tag unterzeichnen 

die DDR und die UdSSR einen „Vertrag 

über Freundschaft, gegenseitigen Beistand 

und Zusammenarbeit". *** 1.7.: Heinrich 

Lübke wird von der Bundesversammlung 

erneut zum Bundespräsidenten gewählt. 

*** Zumindest in der Theorie ein großer 

Schritt: Der amerikanische Präsident Lyndon B. 

Johnson unterzeichnet am 2.7. in Washington 

das „Bürgerrechtsgesetz zur Aufhebung 

der Rassentrennung", das von seinem ermordeten Vorgänger 

John F. Kennedy initiiert worden war. *** Ab 1.8. erhalten neu 

gedruckte Geldscheine in der DDR die Ergänzung „Mark der deutschen 

Notenbank". *** Am 5.9. feiert Malta die Unabhängigkeit von 

Großbritannien. Die Mittelmeer-Republik ist seit 1.5.2004 kleinster 

Mitgliedsstaat der Europäischen Union. *** Otto Grotewohl stirbt am 

21.9., drei Tage darauf wird Willi Stoph sein Nachfolger als Vorsitzender 


des Ministerrats der DDR. *** Bis 

heute umstritten: Die amerikanische 

Warren-Kommission legt sich am 

27.9. fest, dass für das Kennedy- 

Attentat 1963 ein Einzeltäter ver- 

antwortlich war 

– Lee Harvey Oswald. *** Ende einer Politikerkarriere 

in der UdSSR: Am 14.10. verliert Nikita Chruschtschow seine Ämter. 

Neuer Parteichef wird Leonid Breschnew, die Regierung führt jetzt Alexej 

Kossygin. *** Am Folgetag gewinnt die Labour Party die Wahlen zum 

britischen Unterhaus. Premierminister ist Harold Wilson. *** 16.10., 

Punkt 15 Uhr: In der Provinz Sinkiang zündet die Volksrepublik China 

unterirdisch ihre erste Atombombe. *** Ein Schlupfloch in der gesamten 

innerdeutschen Grenze: Nach der auf Berlin beschränkten Regelung 

von 1963 dürfen ab 2.11. DDR-Rentner mit Passierscheinen auch 

Verwandte in der Bundesrepublik besuchen. Rund 1,4 Millionen 

Dokumente werden ausgegeben. *** Wiederwahl in den USA: Der 

Republikaner Barry Goldwater scheitert damit, Amtsinhaber Johnson 

als Präsident aus dem Amt zu drängen, den 61,1 Prozent der Wähler 

behalten wollen. *** Braun formiert sich wieder: Gründung der rechtsextremen 

NPD am 28.11. in Hannover mit dem Ex-CDU-Abgeordneten 

Friedrich Thielen als Parteivorsitzendem. *** Klamm braucht Kohle: Die 

DDR fordert von Besuchern aus der Bundesrepublik „Eintritt" und fordert 

einen Mindestumtausch zur Devisenbeschaffung. *** 

SPORT 

Prosit Neujahr! Die Fußball-Saison startet für die Nationalmannschaft 

mit einem Kater am 1.1. (prima Termin ...): Deutschland unterliegt 

in Algier in einem Freundschaftsspiel gegen Algerien mit 0:2. *** Die 

IX. Olympischen Winterspiele in Innsbruck beginnen am 29.1. 

weitaus tragischer: Der Ski-Abfahrtsläufer Ross Milne (Australien) und 

Rennrodler Kazimierz Kay (UK) kommen bei Trainingsunfällen vor Ort 

ums Leben. Dazu gibt es Wetterkapriolen: Rund 40.000 Kubikmeter 

Schnee und 20.000 Eisblöcke müssen rangekarrt werden, um Pisten 

sowie Bob- und Rodelbahnen überhaupt nutzbar zu machen. In 34 

Wettbewerben holt die gesamtdeutsche Mannschaft je drei Gold-, Silberund 

Bronzemedaillen, Eiskunstläufer Manfred Schnelldorfer steht 

ganz oben auf dem Siegerpodest. Die Paarlauf-Ikonen Marika Kilius/Hans- 

Jürgen Bäumler werden Zweite, müssen ihr Edelmetall aber wieder abgeben: 

Sie hatten kurz vor den Spielen einen Profivertrag unterzeichnet. Die 

Nationenwertung gewinnt die Sowjetunion vor Österreich und Norwegen. 

*** Neuer und jüngs ter 

Weltmeister aller Zeiten im 

Schwergewichtsboxen wird 

am 25.2. Cassius Clay 

(22): Er besiegt in Miami 

Beach Charles „Sonny" Liston 

in der siebten Runde nach 

Cassius Clay (l.) & Sonny Liston 

dessen Aufgabe. *** Kufen- 

Olympiasieger i Schnelldorfer holt sich auch den WM-Titel in Dortmund 

(26.2.), wenige Tage später gelingt dies auch dem hier startberechtigten 

Paar Kilius/Bäumler (1.3.). *** Bei der Handball-WM in Prag besiegt im 

Finale am 15.3. Rumänien die Schweden mit 25:22. *** Am 9.5. steht 

der erste Meister der seit 1963 neuen Fußball-Bundesliga fest: Der 1. 

FC Köln steht am Ende vor dem Meidericher SV und Eintracht Frankfurt. 

*** Den Europacup der Pokalsieger gewinnt am 15.5. nach zwei 

Spielen (3:3 und 1:0) Sporting Lissabon gegen MTK Budapest. *** Im 

Finale der Landesmeister triumphiert am 27.5. in Wien Inter Mailand 

gegen Real Madrid mit 3:1. Den Messecup erringt in einem rein spanischen 

Endspiel Real Saragossa gegen den FC Valencia (2:1). *** Am 

7.6. fährt der Franzose Jacques Anquetil als Erster beim Giro d'Italia 

über die Ziellinie. Er holt sich am 14.7. in Paris auch seinen fünften Sieg 

(vier davon in Folge) bei der Tour de France. *** Wehmut am 7.6. in 

Helsinki: Zum letzten Mal betreut Josef " 

Sepp" Herberger die deutsche 

Fußball-Nationalmannschaft, die er u.a. 1954 clever zum WM-Titel 

geführt hatte. Zum Abschied gibt es einen 4:1-Sieg gegen Finnland. Die 

Quote des Mannheimers als Trainer zwischen 1936 und 1964: 94 Siege, 

27 Unentschieden, 46 Niederlagen. Nachfolger wird sein langjähriger 

Assistent Helmut Schön. *** Der BRD-Pokalsieger steht am 13.6. fest: 

1860 München schlägt Eintracht Frankfurt in Stuttgart mit 2:0. Am selben 

Tag gewinnt Aufbau Magdeburg mit einem 3:2 gegen den SC Leipzig den 

Cup der DDR in Dessau. *** Der Formel-1-Weltmeister 1964 kommt 

aus Großbritannien: Ex-Motorrad-Weltmeister John Surtees verweist 

seine beiden Kontrahenten Graham Hill und Jim Clarke auf die Plätze. 

*** Bei der Fußball-Europameisterschaft in 

Spanien (17.–21.6.) gewinnt das Veranstalterland 

mit 2:1 gegen die Sowjetunion. Die DDR scheidet 

im Achtelfinale aus, die BRD hatte gar 

nicht gemeldet (Bundestrainer Herberger: 

„Zeitverschwendung"). *** Tennis in 

Wimbledon: Den Titel der Herren-Konkurrenz 

holt sich am 3.7. der Australier Roy Emerson 

Maria Esther Bueno 

gegen seinen Landsmann und Doppelpartner Fred 

Stolle. Den Damen-Wettbewerb gewinnt am 4.7. die Brasilianerin Maria 

Esther Bueno gegen Margaret Smith-Court (Australien). *** Bei den XVIII. 

Olympischen Sommerspielen in Tokio geht die Nationenwertung 

nach 163 Wettbewerben an die USA vor der Sowjetunion und Gastgeber 

Japan. Rang 4 bei 93 Teilnehmer-Nationen belegt die gesamtdeutsche 

Mannschaft, sie erringt 10 Gold-, 22 Silber- und 18 Bronzemedaillen. 

Unvergessen ist vor allem der Zehnkampf-Sieg von Willi Holdorf aus 

Blomesche Wildnis (Schleswig-Holstein), der am Ende des abschließenden 

1500-Meter-Laufs fast besinnungslos quer über die Ziellinie 

taumelt. Erfolgreichster Athlet ist der amerikanische 

Schwimmer Don Schollander (vier 

Goldmedaillen). China, Südafrika, Nordkorea 

und Nordvietnam blieben aus politischen 

Gründen von den Spielen ausgeschlossen. *** 

Zu Sportlern des Jahres werden in der 

BRD gewählt: Willi Holdorf, die Ruderinnen 

Roswitha Esser/Annemarie Zimmermann und 

der Vierer vom Berliner Ruder-Club; DDR: 

Klaus Urbanczyk (Fußball), Ingrid Krämer 

Willi Holdorf (m.) 

(Wasserspringen) und die Fußball-Olympia-Elf. 

*** Fußballer des Jahres: der Schotte Denis Law (Manchester United/ 

Europa), Uwe Seeler (HSV) und Klaus Urbanczyk (Chemie Halle). *** 

FUNK & FERNSEHEN 

Es trifft Frau Erna Stephan aus Berlin, sie gewinnt eine Reise in die USA. 

Grund: Ihre neue Flimmerkiste ist bei der Anmeldung das zehnmillionste 

„Fernsehempfangsgerät" in der BRD. *** Am 3.1. beginnt das ZDF einen 

Dauerläufer, das " 

Gesundheitsmagazin Praxis" mit dem Nicht- 

Mediziner Hans Mohl, der nach 375 Ausgaben im Dezember 1993 in den 

Ruhestand geht. Die letzte Sendung läuft am 22.9.2004. *** Erstmals 

wird der Adolf-Grimme-Preis für herausragende TV-Produktionen 

verliehen. Er geht am 16.1. an die Dokumentation „Der SS-Staat" (WDR/ 

SDR). *** Das ZDF startet eine Woche später das Magazin " 

Treffpunkt 

Kino", kurz darauf umbenannt in „Zehn Minuten für den Kinogänger" 

und im Rahmen der „Drehscheibe" ausgestrahlt. *** Auftakt für eine 

Kult-Quizshow am 25.1. im Ersten: Hans-Joachim Kulenkampff 

ist gefeierter Gastgeber von „Einer wird gewinnen", das von der 

Eurovision in viele Länder übertragen wird. „EWG" bleibt – inklusive 

zweier Neustarts mit „Kuli" – bis zum 21.11.1987 im Programm und 

steht mit 88 Ausgaben in den Annalen. 

*** Bei den Olympischen Winterspielen 

in Innsbruck teilen sich ARD und ZDF 

erstmals die Fernsehübertragungen. *** 

Großer Zuspruch im TV für Ganovenjäger 

Eduard Zimmermann: „Vorsicht, 

Hans-Joachim Falle – Nepper, Schlepper, Bauernfänger" 

Kulenkampff 

warnt mit nachgespielten Beiträgen vor 

Betrügern & Co. ab 24.3. im ZDF. *** Die ARD sortiert ihre Senderanteile 

für das zu beliefernde eigene Programm neu. An der Spitze stehen WDR 

25 Prozent, NDR 20 Prozent und BR mit 17 Prozent. *** Top-Übernahme 

aus den USA im Juli: Die Unbestechlichen" („The Untouchables") 

" 

mit Robert Stack als FBI-Ermittler „Eliot Ness" wird ein Krimiserien-Hit, 

der 1920/1930 im Verbrechenssumpf von Chicago angesiedelt ist. *** 

Kaum zu glauben, aber wahr: Im spannenden ARD-Fernsehfilm Flug " 

in Gefahr" (mit Hanns Lothar, Ingmar Zeisberg; 18.8.) vergiften sich 

die Piloten mit Heilbutt. Im Nachlauf der Sendung weist die Deutsche 


Fischwirtschaft explizit darauf hin, 

dass die servierten Portionen nicht aus 

ihrer Produktion stammen ...! *** Am 

19.8. bringt eine Trägerrakete vom 

Raumfahrtzentrum Cape Canaveral 

den TV-Satelliten Syncom III auf 

Position: Er gewährleistet die weltweiten 

Live-Übertragungen von den 

" 

Flug in Gefahr" 

anstehenden Olympischen Sommerspielen in Tokio. *** Lernen und 

Staunen, Schwieriges verständlich vermittelt: Ab 11.9. präsentiert Heinrich 

Schiemann Aus Forschung und Technik" im ZDF. 1981 löst ihn 

" 

Joachim Bublath ab, das Magazin gibt es noch bis 1988 bei den Mainzern. 

*** Nach bereits fünfjähriger Laufzeit steht es fest: Bonanza" ist von 

" 

1964 bis 1967 die meistgesehene Fernsehserie in Amerika. *** Am 5.10. 

geht das Dritte Programm des Hessischen Rundfunks (HR) auf Sendung. 

*** Gegenwind fürs Erste? Das ZDF schickt zwei große Familienshows 

ins Rennen: Ab 9.10. mahnt Peter Frankenfeld „Vergissmeinnicht", 

ein Klassiker rund um die bundesdeutschen Postleitzahlen; Der goldene 

Schuss" mit dem Niederländer Lou van Burg („Onkel Lou", " 

„Mister Wunnebar") unter musikalischer Begleitung vom Orchester Max 

Greger folgt am 4.12. „Der Kandidat hat 100 Punkte!" wird schnell 

zum geflügelten Wort in der Umgangssprache. Showmaster ab 1967 bis 

zum Ende (1970): Vico Torriani, der für den ursprünglich vorgesehenen 

Rudi Carrell einsprang und blieb. *** „Mundart-Unterhaltung" garantiert 

großen Zuschauerzuspruch: Die Komödie „Die Kartenlegerin" mit 

Heidi Kabel aus dem Ohnsorg-Theater Hamburg wird zum Volltreffer; 

genau wie „Die seltsamen Methoden des Franz Josef Wanninger" 

mit Beppo Brem als schrullig-cleverem 

Kriminalinspektor und seinem 

Assistenten „Fröschl" (Maxl Graf). *** 

ARD und ZDF schließen nach intensiven 

Zuschauer- und Presseprotesten endlich 

ein Koordinationsabkommen, um 

Sendungen ähnlicher Ausrichtung auf 

Lou van Burg 

unterschiedlichen Sendeplätzen auszustrahlen. 

*** Zwei beliebte b Ansagerinnen nehmen Abschied vom 

Bildschirm, Hilde Nocker (HR) und Mady Manstein (WDR). Neu beim BR: 

Petra Schürmann. *** Pro Jahr werden in der BRD 2,3 Millionen neue 

Fernsehgeräte hergestellt. Verkaufswert: rund 1,2 Milliarden D-Mark. 

*** Guter Griff des ZDF: Es kauft 1964 die BBC-Reihe " 

Kommissar 

Maigret" nach den erfolgreichen Romanen von Georges Simenon. Zum 

Publikumsliebling ab 2.1. 1965 wird der englische Hauptdarsteller Rupert 

Davies. *** 

FILM 

Riesenmedienauftrieb am 15.3. im kanadischen Montreal: Hollywood- 

Diva Elizabeth Taylor geht ihre fünfte Ehe seit 1950 ein. Diesmal muss 

ihr walisischer Kollege Richard Burton dran glauben. Scheidung 1974, 

neue Heirat mit Burton am 10.10.1975, 

nächste Scheidung bereits am 29.7.1976 

... *** Vier Tage zuvor waren die begehrten 

Golden Globes verliehen worden. Siegerfilm: 

„Der Kardinal" (Regie: Otto Preminger). 

*** Am 13.4. gehen in Santa Monica, 

Kalifornien, die Oscars an die britische 

Produktion „Tom Jones – Zwischen Bett 

und Galgen" mit Albert Finney (Film) 

sowie in den Hauptdarstellerkategorien an 

Sydney Poitier und Patricia Neal. *** Bei 

Elizabeth Taylor & 

Richard Burton 

den Internationalen Filmfestspielen in Cannes (29.4. – 11.5.) wird „Die 

Regenschirme von Cherbourg" mit Catherine Deneuve zum Sieger 

gekürt. *** Beim Deutschen Filmpreis in Westberlin erhält das „Filmband 

in Gold" (dotiert mit 350.000 D-Mark) am 28.6. „Kennwort: Reiher", u.a. 

mit Peter van Eyck, Marie Versini und Fritz Wepper; Regie: Rudolf Jugert. 

*** Vier Filme mit Musikschwerpunkt bleiben in Erinnerung: „Mary 

Poppins" mit Julie Andrews, „My Fair Lady" mit Audrey Hepburn, " 

König 

der heißen Rhythmen" (Elvis Presley) und das Leinwanddebüt der 

Beatles, „Yeah! Yeah! Yeah! / A Hard Day's Night" unter der Regie von 

Richard Lester, das am 6.7. Premiere hat. *** Weitere Produktionen, die 

ihr Herstellungsjahr weit überdauert haben: Alfred Hitchcocks „Marnie" 

(Tippi Hedren), „Alexis Sorbas" mit Anthony Quinn, das Bond-Abenteuer 

Goldfinger" (Sean Connery, Gert Fröbe), der Western „Cheyenne" 

" 

mit Richard Widmark, die Erotikstreifen „Angelique" (Michele Mercier) 

und „Fanny Hill" (Letícia Román; Regie: Russ Meyer, Nebenrolle: Chris 

Howland); Peter Sellers brilliert in „Dr. Seltsam oder: Wie ich lernte, 

die Bombe zu lieben", Jean Marais ist „Fantomas", und Regisseur 

Sergio Leone befeuert das Italo-Western-Genre mit dem Klassiker 

„Für eine Handvoll Dollar" mit Clint Eastwood und Marianne Koch. 

*** Aus dem deutschen Angebot erwähnenswert: „Wolf unter Wölfen" 

(nach Hans Fallada, Hauptrolle: 

Armin Mueller-Stahl), die 

Thomas-Mann-Verfilmungen 

„Wälsungenblut" und „Tonio 

Kröger", „Der geteilte Himmel" 

(nach Christa Wolf). Eine solide 

Milieustudie liefert Jürgen 

Roland ab, „Polizeirevier 

Davidswache". Für guten 

Umsatz an den Kassen sorgen weiterhin Leichtbau-Unterhaltung wie 

„Freddy und das Lied der Prärie", gleich vier Karl-May-Verfilmungen 

(„Old Shatterhand", „Der Schut", „Unter Geiern" und „Winnetou 

II"), „Liebesgrüße aus Tirol" sowie der 20. Edgar-Wallace-Krimi der 

Nachkriegszeit, „Der Hexer" mit Joachim 

Fuchsberger. *** Geboren werden 1964 

(inter)nationale Stars in spe: u.a. Nicolas 

Cage (7.1.), Matt Dillon (18.2.), Thomas 

Heinze (30.3.), Sandra Bullock (26.7.), 

Jan Josef Liefers (8.8.) und Katharina Böhm 

Sandra 

Bullock 

(20.11.). Der letzte Vorhang fällt hingegen 

für Alan Ladd (29.1.), Peter Lorre (23.3.), den umstrittenen Regisseur Veit 

Harlan (u.a. Nazi-Hetzfilm „Jud Süß"; 13.4.), für Komiker Hans Moser 

(19.6.), „Bond-Erfinder" Ian Fleming (12.8.) und Harpo Marx (28.9.). *** 

MUSIK 

Die im Vorjahr eingeläutete Beat-„Revolution" trägt Früchte, der neue 

Sound hat aus Richtung Liverpool nahezu die ganze Welt überzogen. 

Als Speerspitze sorgen die Beatles für eine bis heute einzigartige 

Sensation in den USA: Am 31.3. belegen sie in den maßgeblichen amerikanischen 

Billboard-Single-Charts die Plätze 1 bis 5! *** Und London, 

Newcastle, Belfast, Birmingham & Co. rüsten 

nach: Weißer Rhythm & Blues" ist auf 

" 

dem Vormarsch, härter und kantiger ausgerichtete 

Bands lassen es krachen, angeführt 

von den Rolling Stones, Animals, Pretty Things, 

Them, der Spencer Davis Group, Kinks, Who, 

Manfred Mann und vielen anderen, die schnell 

zu (Hit-)Stars avancieren. *** Ein neues Forum 

für die schroffen Klänge bietet das First 

Rod Stewart 

" 

British R&B Festival" am 28.2. in der 

Birmingham i Town Hall. Unter anderem dabei: Rod Stewart, Long John 

Baldry, das Spencer Davis R&B Quartet und The Roadrunners. *** Viele 

Songs, die 1964 rund um den Globus entstehen, gehen in die Annalen 

ein, wie "House Of The Rising Sun" von den Animals, "Pretty Woman" 

(Roy Orbison), "Needles And Pins" (Searchers), "Do Wah Diddy 

Diddy" (Manfred Mann), "Leader Of The Pack" (Shangri-Las) und "You 

Really Got Me" von den Kinks. *** Auch in der 

BRD erspielen sich junge, aufstrebende Bands 

ihre Fan-Gemeinden, so die Lords und Boots 

aus Berlin und die Hamburger Rattles. *** In 

den hiesigen Single-Charts geht es allerdings 

nur langsam voran, hier dominieren noch fast 

unerschütterlich die Schlagerstars der alten 

Schule. Die drei erfolgreichsten Titel des Jahres 

sind "Liebeskummer lohnt sich nicht" von 

der Schwedin Siw Malmkvist, "Oh My Darling Caroline" (Ronnyy 

alias 

Wolfgang Roloff aus Bremen) und "Das kannst du mir nicht verbieten" 

von Bernd Spier. Bei den LPs werden die ersten Anzeichen einer 

Wachablösung deutlicher: Rang 1 und 3 geht an die „Pilzköpfe" (WITH 


THE BEATLES und YEAH! YEAH! YEAH!); dazwischen steht die deutsche 

Originalaufnahme des Musical-Soundtracks von „My Fair Lady". *** Auch 

bei der Vergabe der Bravo-Ottos" bleibt alles eher gemäßigt und 

" altbacken. Männer-Stars: Cliff Richard, Freddy 

Quinn, Rex Gildo. Damen-Wahl: Connie 

Francis, Conny Froboess und Rita Pavone. *** 

In 

Kopenhagen wird am 21.3. der 9. Grand 

Prix Eurovision ausgesungen. Es gewinnt 

Gigliola Cinquetti mit "Non ho l'età" für 

Italien, mit diesem Titel siegte sie bereits im 

Gespann mit Patricia Carli beim San-Remo- 

Festival (30.1.–1.2.); auf den Grand-Prix- 

Folgeplätzen landen Matt Monro (UK) mit "I Love The Little Things" und 

Romuad mit "Ou sont-elles passées" für Monaco. Die hiesigen Farben 

vertritt in Dänemark Nora Nova (Ahinora Kumanova, eine 1928 geborene 

Deutsch-Bulgarin) und erhält für – ausgerechnet – "Man gewöhnt 

sich so schnell an das Schöne" erstmals keinen einzigen Punkt (genau 

wie die Vertreter aus Jugoslawien, Portugal und aus der Schweiz). Dieser 

Mega-Flop wiederholt sich gleich 1965 für Ulla Wiesner ("Paradies, wo 

bist du"); beide bleiben – bei insgesamt 57 Teilnahmen – bis heute die 

einzigen Null-Nummern. *** Beim Newport Folk Festival (Rhode 

Island, USA) vom 23.–26.7. machen zwei 

auftretende Künstler erstmals intensiver 

auf sich aufmerksam, Jose Feliciano und 

Buffy Sainte-Marie. Sie stellen u.a. ihre 

Versionen von "La Bamba" und "Codine" 

vor. *** In Frankfurt gründen die gelernten 

Jazzer Horst Lippmann (1927–1997) 

und Fritz Rau (1930–2013) eine der profiliertesten 

deutschen Konzertagenturen, 

Lippmann+Rau. *** Immer öfter singen 

jetzt bundesdeutsche Sportler: Die Eiskunstlaufstars Manfred 

Schnelldorfer ("Wenn du mal allein bist") sowie Marika Kilius ("Wenn die 

Soeur Sourire 

Cowboys träumen") bzw. Kilius/Bäumler ("Honeymoon in St. Tropez") 

schaffen es in der offiziellen Hitparade sogar auf die Ränge 4, 2 und 

2. *** Die Jahresabrechnungen in Amerika und Großbritannien ergeben 

diese Resultate nach Kalenderwochen auf Platz 1: Singles USA/ Beatles 

"I Want To Hold Your Hand" (7 Wochen), Beatles "Can't Buy Me Love" 

(5), Supremes "Baby Love", Bobby Vinton 

"There! I've Said It Again" und Soeur Sourire 

"Dominique" (je 4); Singles UK/ Beatles "I 

Feel Fine" (6), Beatles "I Want To Hold Your 

Hand" (6), Cilla Black "You're My World" (4). 

LPs USA/ Beatles A HARD DAY'S NIGHT 

(14), Beatles MEET THE BEATLES (11), Soeur 

Sourire SINGING NUN (10); LPs UK/ Beatles 

WITH THE BEATLES (21), Beatles YEAH! 

YEAH! YEAH! (21) und THE ROLLING STONES (12), das Albumdebüt 

von Mick Jagger & Co. *** 

VERMISCHTES AUS ALLER WELT 

Die goldgelbe Erfrischung auf Rekordkurs: Auf einen Pro-Kopf- 

Verbrauch von rund 120 Litern steigt der jährliche Bierkonsum der 

Bundesbürger. Auf Statistik-Platz 2: Milch, mit 110 Litern. *** Populäre 

Bücher des Jahres: „Der Spion, der aus der Kälte kam" (John le Carré), 

„Wendekreis des Krebses" (Henry Miller), „Hundejahre" (Günter Grass), 

„In der Sache J. Robert Oppenheimer" (Heinar Kipphardt). *** Am 18.3. 

gastiert erstmals die Peking-Oper aus China in Frankfurt/Main. *** " 

Die 

kleine Meerjungfrau", Kopenhagener Wahrzeichen, wird am 24.4. 

von Randalierern enthauptet. Der Kopf der Skulptur des Bildhauers 

Edvard Eriksen bleibt verschwunden. *** 328 Todesopfer fordert eine 

Massenpanik im Nationalstadion von Lima am 24.5., ausgelöst 

durch eine Schiedsrichterentscheidung beim Fußball-Qualifikationsspiel 

Peru – Argentinien. *** Der Liter Normalbenzin kostet in der BRD 

durchschnittlich 57 Pfennig (ca. 28 Cent). *** Modisch im Trend liegen 

in diesem Jahr der „Weltraum- und Mondmädchen-Look" von André 

Courrèges, Hängekleidchen und Miniröcke von Mary Quant und Obenohne-Badeanzüge 

von Rudi Gernreich. *** Am 22.4. beginnt Teil 1 

der Weltausstellung in New York (Ende am 18.10., Fortsetzung 1965). 

*** Das Musical „Anatevka" feiert eben dort am 22.9. Uraufführung. 

*** 60 Prozent der Bundesbürger urlauben am liebsten in der Heimat 

(Bayern, Schwarzwald, Nord- und Ostsee). Auslandsfavoriten sind 

Österreich, Italien, die Schweiz. *** Am 27.6. nimmt die staatliche 

Rundfunkanstalt ORTF die Arbeit auf. Vorbild ist die britische BBC. *** 

Nachhaltige Werbeslogans in der BRD: „Ajax, 

der weiße Wirbelwind" (Reinigungsmittel), 

„Nogger dir einen!" (Speiseeis), „Pack den 

Tiger in den Tank!" (Benzin). *** Weltweit 

kommen Plastiktüten als Transportmittel 

in Mode – der generelle Trend geht zur 

Kunststoffverpackung. Umweltgedanken spielen 

dabei keine Rolle. *** Am 1.8. steigt der 

Preis pro Telefongesprächseinheit von 16 

auf 20 Pfennig. Nach massiven Protesten: 

Rücknahme auf 18 Pfennig. *** Start für 

ein Kultmodell: Am 9.3. läuft in Dearborn, 

Michigan, der erste Ford Mustang vom Band. 

*** Erschütterungen im Eis: Das „Große Alaska- 

Beben" (auch „Karfreitags-Beben" genannt) ist 

am 27.3. das schwerste jemals in den USA gemessene Erdbeben. b 

*** Die 

erste Direktflugverbindung von der BRD in die Sowjetunion wird am 

3.5. eröffnet. *** Auf bundesdeutschen Straßen sind inzwischen rund 

37.500 Wohnwagen unterwegs. *** Der Pädagoge Georg Picht macht 

als früher Mahner auf sich aufmerksam. Er warnt mit seinem Buch Die " 

deutsche Bildungskatastrophe". *** Am 10.9. wird der einmillionste 

Gastarbeiter" in der BRD empfangen – es ist ein Portugiese, 

" 

der zur Begrüßung ein Moped geschenkt bekommt. *** Katastrophe 

im Hafen der algerischen 

Stadt Bone, als der Frachter 

" 

Star Of Alexandria" 

explodiert. Über 100 Tote, 

rund 180 Verletzte. *** Der 

Amerikaner William P. Lear 

erfindet die Achtspur- 

Ford Mustang 

Tonbandkassette. *** 

Nach Deutschland und den USA führt die Schweiz als erst drittes di Land 

am 26.6. ein Postleitzahlsystem ein. *** Den Friedensnobelpreis 

erhält am 10.12. der amerikanische Bürgerrechtler Martin Luther King 

(ermordet am 4.4.1968 in Memphis, Tennessee). Der Nobelpreis für 

Literatur geht an den französischen Philosophen Jean-Paul Sartre – 

er lehnt die Auszeichnung ab. *** Neuerungen vom Automobilmarkt: 

Studebaker führt serienmäßig 

Sicherheitsgurte ein; General Motors 

testet Punktschweißroboter in der 

Fertigung; NSU bringt den zweisitzigen 

Wankel Spider auf den Markt, 

den ersten Pkw mit Wankelmotor. 2375 

Exemplare werden bis 1967 verkauft 

(Preis: 7000 bis 8500 D-Mark). *** 

Geburtstage 1964: Boxer Henry Maske 

Martin Luther King 

(6.1.), Kabarettist Rüdiger Hoffmann 

(30.3.), Fußballspielerin/Bundestrainerin l i Silvia Neid (2.5.), Musiker 

Lenny Kravitz (26.5.), Schwimmer Michael Groß (17.6.), Showmasterin 

Linda de Mol (8.7.), Skispringer Jens Weißflog (21.7.), Fußballer/ 

Nationaltrainer Jürgen Klinsmann (30.7.), Hammondorgel-Virtuosin 

Barbara Dennerlein (25.9.), Jazzmusikerin Diana Krall (16.11.), Multitalent 

Hape Kerkeling (9.12.), Schauspieler Ben Becker (19.12.). *** Es sterben 

1964: der englische Bluesmusiker Cyril Davies (7.1.), der kanadische 

Schienenverkehrstechnik-Erfinder und -Unternehmer Joseph-Armand 

Bombardier (18.2.), Schriftsteller Brendan Behan aus Irland (20.3.), die 

Skirennläuferin Barbara „Barbi" Henneberger (12.4.), 

der erste indische Premierminister Jawaharlal 

Nehru (27.5.), Countrysänger Jim Reeves 

(31.7.), Rockabilly-Star Johnny Burnette 

(14.8.), Schriftsteller Werner Bergengruen 

(4.9.), Komponist Cole Porter (15.10.), 

Ex-Außenminister Heinrich von Brentano 

(di Tremezzo) (14.11.), Soulsänger Sam 

Cooke (11.12.). 


Hape Kerkeling

KNOPF IM OHR 

Der Siegeszug 

der Stofftiere 

von Steiff 

Von Jörg Trüdinger 

" 

Ein Tier von Steiff – für immer dein!" Dem 

Erfi nder dieses Werbespruchs gehört auch heute, 

Jahrzehnte nach seinem Geniestreich, noch ein 

Denkmal gesetzt. Vor allem, weil der Slogan für viele 

Generationen deutscher Kinder seine Gültigkeit hatte 

und noch immer hat. Nach wie vor bekommen unzählige 

Kinder in Deutschland von Oma, Opa, Onkel 

oder Tante bereits zur Geburt ein 

Steiff-Tier geschenkt, meist einen 

der weltbekannten Teddys 

oder einen Schlafhasen bzw. 

eine Schlafkatze. Viele dieser 

Tiere begleiten ihren Besitzer ein 

Leben lang, sitzen noch bei erwachsenen Männern und 

Frauen auf dem Kopfkissen oder werden später an die 

eigenen Kinder weitervererbt. Wie konnte es eine kleine 

Firma aus dem schwäbischen Giengen an der Brenz 

aber so weit bringen, dass ihre Produkte weltweit angesehen 

sind und massenhaft gekauft werden, ja für viele 

Menschen geradezu der Inbegriff des Stofftieres sind? 

Breuni 

– bis heute 

Maskottchen 

der Firma 

Breuninger 

Steiff-Teddy aus den 

50er Jahren 

Crabby groß 

und klein 

Margarete Steiff, 1847 in politisch und wirtschaftlich 

schwierigen Zeiten geboren, die seit ihrer Kinderlähmung 

in frühester Kindheit zeitlebens an ihren Rollstuhl 

gefesselt war, kann als wirklich außergewöhnliche Frau bezeichnet 

werden. Zu einer Zeit, als es nicht gerade üblich war, dass eine Frau 

zur Unternehmerin wurde, gründete sie trotz ihrer Behinderung voller 

Selbstbewusstsein im Jahre 1880 die Margarete Steiff GmbH. Im Jahr 

zuvor hatte sie in der Zeitschrift „Modewelt" e ein Schnittmuster für 

einen Stoffelefanten gesehen, woraufhin sie den Elefanten 

zum Spaß eigenhändig anfertigte, aber nicht aus 

Stoff, sondern aus Filz. Der Elefant kam gut 

an und 

war schon bald ihr erster Verkaufsschlager. er. Recht 

schnell weitete sie dann ihre Produktion aus 

und 

stellte Mitarbeiterinnen ein. 1892 wurde der erste 

Verkaufsslogan kreiert, ein Spruch, der ebenfalls 

enfa 

bis heute Gültigkeit besitzt: „Für Kinder ist nur 

das Beste gut genug." Zu diesem Zeitpunkt hatte 

man die Produktion schon so stark erweitert, ert, 

dass 

man als Rohmaterialien unter anderem Filz, Plüsch, 

Felle, Holz und Metall verwendete. Wiederum keine 

e 

zehn Jahre später – um die Jahrhundertwende end 

– war 

die Margarete Steiff GmbH bereits international tio 

nal tätig, ti 

und 1902 gelang ihr mit einem von Richard Steiff, f, dem 

Neffen der Firmengründerin, designten n Bären 

der große Durchbruch. Der nach dem 

amerikanischen 

Präsidenten Theodore Roosevelt benann- 

n- 

te Teddybär in gegliederter Form mit beweglichen Armen, Beinen und 

Kopf ist der Urahn aller bis heute hergestellten Teddys. 

Um sich von der schnell zunehmenden Konkurrenz abzuheben, 

suchte man fieberhaft nach einem unverwechselbaren 

Markenzeichen. Das fand man im Jahr 1904. Seit damals haben nahezu 

alle Steiff-Tiere einen Knopf im Ohr, und zwar im linken. Bei Tieren 

ohne Ohren wird der Knopf an irgendeiner anderen Stelle befestigt, 

so dass man daran immer das echte Steiff-Tier erkennt. In den 

folgenden Jahrzehnten entwickelte sich das Unternehmen 

dann 

zum 

weltweit wichtigsten und vor allem bekanntesten 

en 

Hersteller von Stofftieren. Der Zweite Weltkrieg 

bedeutete allerdings für Steiff, wie für die meisten 

anderen deutschen Unternehmen, eine große Zäsur. 

Nach 

der kriegsbedingten Produktionsunterbrechung 

wurden jedoch schon Ende der 40er Jahre wieder 

Steiff-Tiere hergestellt. Da man aber nur billigen 

Kunstseidenplüsch zur Verfügung hatte und diese 

qualitativ minderwertigen Tiere im Ausland kaum zu 

verkaufen waren, lief die Produktion recht mühsam 

an. In 

Deutschland selbst fehlte den Menschen das 

Geld für derartige „Luxusprodukte". Erst als ab 1948 

wieder er Mohair zur Verfügung stand, gelang es, in 

anderen Ländern neuerlich Fuß zu fassen und die 

Flaute auf dem heimischen Absatzmarkt allmählich 

auszugleichen. 

ugl 


Mit den 50er Jahren und dem deutschen 

Wirtschaftswunder begann dann auch für die 

Firma Steiff ein goldenes Zeitalter. Erste große Erfolge 

konnte man verbuchen, als es 1951 gelang, die Rechte am 

„Hörzu"-Igel Mecki zu bekommen und Steiff direkt von 

Walt Disney die Genehmigung erhielt, eine Stoffvariante 

des Zeichentrickfilmstars Bambi herzustellen. In den 

folgenden Jahren wurde das Programm konsequent 

ausgebaut. Ende der 60er Jahre waren bei Steiff bereits 

2000 Mitarbeiter beschäftigt, und es gab vermutlich in 

bundesrepublikanischen Haushalten kaum ein Kind, das 

ohne Steiff-Tier aufwachsen musste. Der Händlerkatalog 

des Jahres 1966 war über 60 Seiten stark und umfasste 

ein Angebot von mehreren hundert verschiedenen n 

Tieren. Neben den vierbeinigen Freunden hatte man 

zu dieser Zeit das Angebot an anderen Spielwaren 

bereits ebenfalls stark erweitert. Es gab Stoff- und 

Kunststoffdrachen, Holzbauspiele, Kinderschubkarren 

und Holzroller im Sortiment. Besonders umfangreich 

war das Angebot an robusten Spielfahrzeugen, die für 

den Einsatz im Sandkasten konzipiert waren und zuerst 

aus Hartholz, später auch aus Plastik gefertigt wurden. 

Bei Sammlern heute besonders beliebt und gesucht sind 

das Modell des Mercedes Unimog und der VW Transporter vom 

Typ 1 mit Doppelkabine! Leider haben von diesen Fahrzeugen viele den 

Einsatz im Garten nicht überstanden und wurden früher oder später 

weggeworfen, so dass es jetzt, 40 Jahre später, sehr schwer 

ist, wirklich gut erhaltene Spielfahrzeuge von Steiff 

zu bekommen. 

Bei Liebhabern ebenfalls heiß 

begehrt sind Tiere, welche bereits 

vor 40 oder 50 Jahren eher für erwachsene 

Sammler gefertigt wurden oder 

bei den Kindern nicht auf die von 

Steiff erhoffte Nachfrage trafen. Von 

diesen Tieren gibt es 

eine ganze Menge, 

und man staunt, was 

damals alles an exotischen 

Tieren vertrieben wurde: Bei den 

Meerestieren gab es etwa den Hummer 

Crabby, eine Forelle und ein Seepferd. 

Besonders ausgefallen und fast unmöglich 

zu finden ist der Seestern Starly als 

Sitzkissentier. Auch die Vogelwelt ist 

im Steiff-Programm der 50er und 60er 

Jahre stark vertreten: Das reicht von 

den üblichen Enten und Gänsen 

über einen Pelikan und 

Truthähne bis zu einem 

Vogel Strauß in beeindruckender 

Lebensgröße 

von 220 Zentimetern. Für 

Dackel Waldili 

Kinder, die sich eher der 

Urzeit verschrieben hatten, 

stellte man den Neandertaler in zwei Größen 

her, und exklusiv für Amerika gab es zwei verschiedene 

Dinosaurier. Zu Dekorationszwecken 

in Spielwarengeschäften wurde ein fast vier 

Meter langer Dinosaurier produziert. Für das 

deutsche Publikum war dieser, ebenso wie seine 

zum Verkauf gedachten kleineren Pendants – 

ein Tyrannosaurier, ein Brontosaurier und ein 

Stegosaurier –, aber wohl zu modern. Zumindest 

wurden sie nur in den USA abgesetzt. 

Neandertaler 


Relativ häufig auf Flohmärkten zu finden sind 

die drei Zwerge Gucki, Lucki und Pucki, allerdings 

sind sie meist nicht gut erhalten. Da gingen in den vergangenen 

Jahrzehnten doch viele Hüte und Schuhe verloren. Der Dackel 

Waldili in grüner Jägeruniform mit Holzgewehr wiederum war mit 

Sicherheit nicht als Spielzeug für Kinder gedacht, da hatte man 

vermutlich eher erwachsene Jäger im Blick. Eines der kuriosesten 

Tiere, das gleichermaßen von Sportfans, Designfreunden und 

Steiff-Tiersammlern gesucht wird, ist der „Olympia Waldi", 

das Maskottchen der Olympischen Spiele 

von München 1972. Bunter als dieser Hund 

in Regenbogenfarben geht es nicht. Otl 

Aicher, der Gestaltungsbeauftragte der 

Olympischen Spiele in München, zeichnete 

für den in bester Pop-Art und 

Hippiemanier gestalteten Hund verantwortlich, 

bei dem es sich 

übrigens um das erste offizielle 

Olympia-Maskottchen seit 

1896 handelte. 

U 

nd schließlich gab es da noch 

eine unglaubliche Vielzahl an 

Tieren, die im Auftrag verschiedenster 

Unternehmen hergestellt wurden. 

In Stuttgart seit Jahrzehnten bekannt 

und beliebt ist der „Breuni-Bär" des Kaufhauses 

Breuninger, natürlich gab es den auch von Steiff. Und wer nach 

Ulm kam, um das Münster zu besichtigen, kaufte sich vielleicht 

eine Miniaturausführung des Ulmer Spatzen, der daran 

scheiterte, Nestbaumaterial quer in sein Nest 

zu bringen. Weniger bekannt sind dagegen 

Tiere wie die Blattlaus Peck, die in kleinster 

Stückzahl zu Werbezwecken für 

ein Pflanzenschutzmittel hergestellt 

und wohl verschenkt wurde. Deutlich 

im vierstelligen Eurobereich 

liegt hingegen heute der 

Sammlerpreis 

für den originalen 

„Bärenmarke 

Bären", der in 

Mini-Auflage 1960 zu 

Werbezwecken für Deutschlands 

beliebteste Dosenmilch angefertigt wurde. 

Wer aufmerksam über Flohmärkte 

geht oder Zeit hat, um intensiv im 

Spinne Spidy 

Internet zu stöbern, kann immer wieder schöne 

und oft sogar seltene Tiere zu einem güns tigen Preis 

erwerben. Man sollte aber genau aufpassen, was man kauft, 

denn immer wieder werden bei Tieren der Knopf im Ohr 

oder das Brustschild ausgetauscht bzw. nachgemachte 

eingesetzt. Für den Sammlerwert eines Steiff-Tieres 

ist neben der Seltenheit in erster Linie der Zustand 

entscheidend. Ein sehr gut erhaltenes Tier kann 

das Mehrfache eines weniger gut erhaltenen wert 

sein. Besonderes Augenmerk legen Sammler auf 

besagten Knopf im Ohr, auf die mit dem Knopf 

befestigte Fahne und das Brustschild. Das 

Fehlen eines dieser Merkmale mindert den Wert 

des Objekts mindestens um 20 bis 30 Prozent. 

Beim Sammeln von Steiff-Tieren gilt eben das 

Gleiche wie bei vielen anderen Sammelgebieten: 

Wichtig ist es, auf die Qualität der Sammlung 

zu achten, nur hochwertige Stücke kann man 

wieder zu einem vernünftigen Preis verkaufen. 

Hunderte schmuddeliger Steiff-Katzen oder 

-Hunde taugen 

dagegen meist nur 

als Staubfänger und 

machen dann recht 

schnell keine Freude mehr. 

Peck, 

die Blattlaus 

Bambi

Schnitzler gegen Löwenthal 

Der Kalte Krieg 

auf der Mattscheibe 


Für den einen war " 

das Leben im Westen schlecht und 

die Verhältnisse armselig", während für den anderen die 

Friedensbewegung aus " 

Moskauer Partisanen" und die sozialdemokratischen 

Vertreter der neuen Ostpolitik aus " 

kommunistischen 

Agenten" bestanden. Weiter auseinander als " 

Der 

schwarze Kanal" im DDR-Fernsehen und das " 

ZDF-Magazin" 

im westdeutschen Kanal können Politsendungen nicht liegen. 

Karl Eduard von Schnitzler – Nachwende-Spitzname „Sudel-Ede" – 

verteufelte in seiner Propagandasendung 29 Jahre lang die Zustände 

in der Bundesrepublik, indem er angeblich entlarvende Ausschnitte aus 

dem Westfernsehen zeigte. Da es noch keine Magnetaufzeichnungen 

gab, filmte Schnitzler anfangs die Sendungen direkt vom Bildschirm ab. 

Bezeichnend war schon der Vorspann des „Schwarzen Kanals": Der 

Bundesadler mit schwarz-weiß-rotem Brustband – Ausdruck der angeblich 

nationalkonservativen West-Gesinnung – landet etwas wackelig 

auf einem Wald von Fernsehantennen, kann das Gleichgewicht nicht 

halten und stürzt jäh ab. Symbolisieren sollte dieser Trickfilm den von 

Schnitzler unterstellten Versuch westlicher Medien, Propagandalügen 

über den real existierenden Sozialismus zu verbreiten. 

Die gezeigten Szenen waren meist von Schnitzler sinnentstellend gekürzt 

bzw. speziell angeordnet worden. Zusammengeschnittene Originalzitate 

von Lübke, Strauß und Adenauer konnten so ein manipuliertes Bild vom 

„Klassenfeind" aufzeigen. 

Speziell in den 60er sowie Anfang der 70er Jahre wurde „Der schwarze 

Kanal" im Politikunterricht bei der Nationalen Volksarmee sowie den 

Grenztruppen verwendet, und auch für den Staatsbürgerkunde-Unterricht 

bildete die Sendung eine Grundlage. Als die Entspannungspolitik zwischen 

den beiden deutschen Staaten in Gang gekommen war, wurde Schnitzler 

angewiesen, keine Attacken mehr gegen bestimmte deutsche West- 

Politiker zu reiten. Fortan schwenkte er auf Systemkritik um und prangerte 

nun Themen wie Waffengeschäfte 

des Westens, Frauendiskriminierung, 

Arbeitslosigkeit etc. an. 

Dagegen setzte Gerhard Löwenthal in 

der BRD die „Hilferufe von drüben". 

Sein „ZDF-Magazin" sollte nach dem 

Verständnis des Moderators auch ein 

Forum für DDR-Bürger sein, in dem sie 

unter anderem als Opfer der SED-Diktatur ihre Sorgen loswerden konn- 

ten. Erstmals am Tag der Menschenrechte am 10. Dezember 1975 ausgestrahlt, 

verzeichnete die Rubrik „Hilferufe" einen stetigen Anstieg der 

Zahl von Meldungen „von drüben", in denen DDR-Bürger ihren Wunsch 

nach Ausreise bekräftigten. Die Aktion wurde insbesondere deshalb kritisiert, 

weil Löwenthal komplette Angaben zu Name und Anschrift der 

jeweiligen Beschwerdeführer machte. 

Gerhard Löwenthal polarisierte im Westen mehr als Karl Eduard von 

Schnitzler im Osten. Gerne machte man sich über das grimmige Gesicht 

des Ersteren lustig, der laut Tagespresse manchmal dreinblickte, als 

hätten die Kommunisten die Sendezentrale besetzt. Über Schnitzler 

kursierte der Witz des „Schni": Dieser Namensfetzen entspricht einem 

Hundertstels der Zeit, die man brauchte, um zu Beginn von „Der schwarze 

Kanal" das TV-Programm zu wechseln. 

Löwenthal positionierte das „ZDF-Magazin" als rechtskonservativen 

Gegenpol zu den linksliberalen Politmagazinen wie „Panorama" 

und „Monitor". Hierbei erhielt er ausdrückliche Unterstützung der 

Karl Eduard von Schnitzler 

Gerhard Löwenthal 

Sendeleitung. Sein Credo: „nach schadhaften Stellen in unserer 

Demokratie zu fahnden" sowie „unabhängig, entschieden und furchtlos" 

Stellung zu beziehen. 

Letzteres tat er auch bei Wahlkampfveranstaltungen der CDU und 

CSU, was ihm unter anderem viele Unmutsbekundungen im Sender 

einbrachte, allerdings eher von der Basis. Die Redakteursversammlung 

des ZDF forderte 1970 die Umbenennung der Sendung, weil der Titel 

dem Zuschauer suggeriere, für die politische Ausrichtung des ganzen 

Senders zu stehen. 

Auch tendenziell rechtslastige Äußerungen wurden von der Senderspitze 

weder moniert noch sanktioniert. Nach der Weigerung Löwenthals, sich 

von entsprechenden Kommentaren zu distanzieren, baten immerhin 

9 von 13 Redakteuren um ihre Versetzung. Mit Feststellungen wie 

„Heinrich Böll ist ein Sympathisant des Linksfaschismus!" hatte sich 

der Moderator nicht unbedingt nur 

Freunde gemacht. 

Der „Schreibtischtäter" (Zitat 

Willy Brandt) und „internationale 

Störenfried" (Zitat Herbert Wehner) 

wurde im Dezember 1987 „unter 

dem Druck des Linkskartells in die 

Zwangspensionierung 

geschickt" 

(Zitat Gerhard Löwenthal). Dabei hatte er mit 65 Jahren schlichtweg 

die Altersgrenze erreicht. Die Darstellung dieses Umstandes fand in der 

DDR natürlich ganz anders statt. Löwenthals Ruhestand wurde vom 

Ministerium für Staatssicherheit gefeiert wie ein Sieg. 

Aber die Realpolitik holte nicht zuletzt den „schwarzen Kanal" ein. Am 

30. Oktober 1989 wurde auch diese Sendung abgesetzt. Unterm Strich 

hatte sie immerhin mit 1519 zu 591 Ausgaben gewonnen. 

Gerhard Löwenthals Stasi-Akte füllte 25 Aktenordner, von denen 16 

noch erhalten sind. 

Schnitzlers letzte Worte auf Sendung waren: „Der Klassenkampf geht 

weiter, also auch die aktuelle streitbare Polemik. In diesem Sinne werde 

ich meine Arbeit als Kommunist und Journalist für die 

einzige Alternative zum unmenschlichen Kapitalismus 

fortsetzen, als Waffe im Klassenkampf zur Förderung 

und Verteidigung meines sozialistischen Vaterlandes. 

Und in diesem Sinne, meine Zuschauerinnen und 

Zuschauer, liebe Genossinnen und Genossen: auf 

Wiedersehen." 


kult! Abo-Schein 

✘❏ Ja, 

ich möchte ein 

kult! -Abonnement 

• kostenlose Lieferung 

• Zustellung früher als im Einzelhandel 

• sicher verpackt 

• keine Ausgabe verpassen 

Auch bestellbar unter: 


Kommende geplante Ausgaben: 

Nr. 11 (1/2015) erscheint am 17.10.2014 

Nr. 12, Nr. 13 usw. 

(Nr. 1–10 weiterhin erhältlich) 

❏ 

per Bankeinzug 

Es wird die jeweils anstehende Ausgabe mit dem aktuell gültigen Copypreis (derzeit € 6,50 – keine Versandkosten) 

abgebucht. Das Abo kann laufend gekündigt werden. 

Bank: _____________________________________________ BIC (nur Ausland): _____________________________ 

IBAN: ________________________________________________________________________________________________ 

Die Genehmigung zum Bankeinzug und die Information über die 14-tägige Widerrufsmöglichkeit bestätige ich mit meiner folgenden Unterschrift: 

Datum: _____________________ Unterschrift: ____________________________________________________ 

Vor-/Nachname: ________________________________________ Straße: _____________________________ 

PLZ/Ort: __________________________________________________ Land: _________________________________ 

Telefon: ____________________ Fax: _____________________ E-Mail: _______________________________ 

❏ 

per Vorabüberweisung 

Überweisen Sie bitte vorab für ein oder auch mehrere künftige kult!-Ausgaben (je 6,50 €) auf folgendes Konto: 

NikMa Verlag · Kreissparkasse Ludwigsburg · Konto: 108 294 · BLZ: 604 500 50 

IBAN: DE38 6045 0050 0000 1082 94 · BIC: SOLADES1LBG · Betreff: kult!-Abo Ausgabe(n) Nr. 11, 12 usw. 

Abo-Bestellschein bitte faxen an: 0 70 42/37660-188 oder ausschneiden bzw. fotokopieren und senden an: 

NikMa Verlag · Eberdinger Straße 37 · 71665 Vaihingen/Enz 


ZDF Hitparade 

Uwe Hübner 

erinnert 

sich an die 

spannenden 

Neunziger 

Von Philipp Roser 

Journalist, 

Sprecher, Redakteur, 

Dramaturg und Moderator führt 

das mehr oder weniger allwissende 

Online-Lexikon Wikipedia als berufliche 

Tätigkeiten von Uwe Hübner an. Damit sind 

aber längst nicht alle Tätigkeitsfelder des inzwischen 

53-Jährigen abgedeckt, der am 10. Januar 

1990 als Nachfolger von Viktor Worms erstmals die 

ZDF Hitparade" moderierte – bis zum Dezember 

" 

2000, ganze elf Jahre lang. Grund genug, anlässlich 

der Veröffentlichung der jeweils drei Tonträger 

umfassenden CD- und DVD-Boxen 45 Jahre ZDF 

" 

Hitparade" mit Uwe Hübner zu sprechen. 

Herr Hübner, Sie gehen übermorgen aufs Schiff – warum? 

Ich begleite eine Howard-Carpendale-Fanreise. 

Sie sind multi-aktiv – als Chefredakteur von " 

Hit-Paradies", als 

Manager von Künstlern und im Rahmen einer Eventagentur. Da 

haben Sie gut zu tun?! 

Ja (lacht), in der Tat. Das „Hit-Paradies" ist ein Branchenmagazin, für 

die Schlagerszene inzwischen das meinungsbildende und trendsetzende 

Magazin. Dann gibt es die Beach-Hitparade, Deutschlands wohl größter 

DJ-Pool. Dazu mache ich das Management interessanter Künstler wie 

Michael Fischer, der für mich eine Ausnahmestimme hat. Seit Rosenstolz 

ist er für mich die größte Entdeckung. Er macht sehr moderne Schlager. 

Wie lief das bei Rosenstolz? 

Bei der IFA-Talentshow 1993 habe ich die durchgedrückt, damit sie zum 

ersten Mal Fernsehen bekamen. Das ZDF 

wollte nicht, das war denen zu schräg, aber 

ich habe das moderiert und gesagt: Wir müssen 

auch mal andere Wege gehen, es sollte 

durchaus auch mal ein bisschen ungewöhnlich, 

schräg und schrill sein. Gerade in Berlin 

bei der Internationalen Funk-Ausstellung ... 

In diesen Tagen erscheinen die neuen 

CD- und DVD-Boxsets " 

45 Jahre ZDF 

Hitparade" – da kommen bei Ihnen sicher 

viele Erinnerungen hoch? 

Natürlich. Ich muss sagen, ich war gar nicht so unfroh, als es aufgehört 

hat, weil man als Moderator in Deutschland immer in einer Schublade 

steckt. Ich habe damals auch schon Sport moderiert oder Talkshows 

gemacht, aber das wollte man dem Hübner nicht zubilligen, weil er 

immer nur auf der Schlagerschiene war. Deswegen war mein eigener 

Abschied nicht so traurig, aber ich habe danach feststellen müssen, 

dass für die Schlagerfans ein echtes Loch entstanden ist. Das hatte ich 

mir so nicht vorgestellt, dass keine Sendung nachkommt, die den aktuellen 

deutschen Musikmarkt so umfassend beleuchtet, wie das in der 

Hitparade der Fall war. Wenn Sie mich vor vier, fünf Jahren gefragt hätten, 

hätte ich gesagt: Eine Hitparade hat momentan keinen Sinn – weil 

wir noch keine neuen Persönlichkeiten hatten. Da hätten wir dieselben 

alten Verdächtigen nehmen müssen wie damals. Doch jetzt kommen 

neue Leute nach, wie Helene Fischer, Andreas Gabalier oder Santiano. 

Deswegen wäre heute so eine Sendung interessant, aber die Macher 

gehen da nicht ran, das ist ihnen zu heikel. Deswegen mache ich eine 

DJ-Hitparade. Da lassen wir mit den jungen, tanzbaren Themen die gute 

alte Zeit wieder aufleben. 

Wie sind Sie damals überhaupt zu dem Moderatoren-Job bei 

der " 

ZDF Hitparade" gekommen? 

Der damalige Unterhaltungschef des ZDF, Wolfgang Penk, hat sich bei 

RTL umgehört. Dort gab es ein geheimes Moderatorenranking, wer 

gerade beim Publikum gut ankommt. Ich 

hatte das Glück, zur damaligen Zeit bei RTL 

der Hauptpräsentator des Abendprogramms 

zu sein und eine ziemlich freche Spielshow 

zu moderieren. Penk wollte keinen Schlager- 

Fuzzi, keinen Redakteur, keinen, der mit der 

Szene verbunden ist, sondern jemand ganz 

Frischen, der mit Schlagern nichts zu tun 

hatte. 

Sie haben sich zum Ende der Hitparade 

kritisch geäußert, auch über das Nicht- 

Verhältnis zu Ihrem Vor-Vorgänger Dieter Thomas Heck. Hat sich 

das seit 2000 geändert? 

Nein. Er weicht mir bei Veranstaltungen aus, hat bei RTL in die Kamera 

gesagt: „Hübner – wer ist das?" Ich weiß nicht, was ihn da treibt. Ich 

finde es sehr schade, weil ich ihn früher klasse fand. Meine Mutter hat 

mir erzählt, dass ich seine Sendung liebend gerne gesehen habe und 

dann nach der Sendung mit der Zahnbürste im Kinderzimmer verschwunden 

sei und nicht gesungen, sondern moderiert hätte. Da habe 

ich zu spüren bekommen, wie das in dem knallharten Geschäft ist, als 


Fotos: © Sony Music 

Einzelkämpfer, als Moderator. Und ich habe einen, entscheidenden Fehler 

gemacht. Er hatte gehofft, dass man ihn zurückholt, wenn Viktor Worms 

keinen Erfolg hat, dass er wieder alles pur deutsch und mit Livegesang 

macht. Ich habe das gemacht, was er machen wollte – ohne dass ich 

das wusste. Ich habe das auch immer im ZDF gesagt: Ihr müsst wieder 

pur-deutsch werden, ihr müsst live werden, ihr müsst Leistung zeigen, 

weil die Menschen draußen eine Sendung erleben wollen, in der man 

sieht, wer wirklich singen kann. Erst hat sich das ZDF quergestellt, aber 

ich habe mich dann doch durchsetzen dürfen. Das hat ja auch alles mehr 

Geld gekostet, es musste ein Probentag entwickelt werden. Und das hat 

er (Heck) mir wohl übelgenommen, dass ich seine Idee kaputtgemacht 

habe. Am Anfang war ich darüber sehr betrübt und habe mich sehr geärgert, 

auch weil die „Bild am Sonntag" instrumentalisiert wurde, um mich 

zu zerstören. Wenn Sie auf dem Titel der „Bild" sind und eine Seite im 

Blatt haben, wo es heißt: „Ekelt der kleine Hübner den großen 

Heck raus?", dann können Sie sich vorstellen, dass ich 

damals nicht die Verbindungen zur „Bild" hatte, sondern 

der große Heck. Aber ich habe gelernt, damit umzugehen. 

Wie war das Verhältnis zu Viktor Worms? 

Gut, weil Viktor seine Sendung sehr gelassen losgelassen hat. 

Er war ein hervorragender Programmdirektor bei Antenne 

Bayern und ein super Moderator. Dass ihm die Sendung 

per se nicht so gelegen hat, weil er kein so großer 

Schlagerfan ist, hat er selber irgendwann eingestanden. 

Ich war auch kein Schlagerfan, als ich da angefangen 

habe. Wie gesagt, ich war fachfremd und habe mich da 

eingearbeitet – aber ich war sehr interessiert. Ich liebe 

Menschen und bin sehr neugierig auf sie. Deswegen war 

ich interessiert: Wie ist eine Gitte, wie ist ein Rex Gildo, 

wie ist ein Roy Black? Von daher war das eine spannende 

Geschichte für mich, bis heute. 

Als Sie die Sendung übernahmen, gab es ein paar 

Neuerungen: die Show-News, die Ermittlung der 

Sieger wieder mit dem TED. Dazu haben Sie auch 

die Nummer 1 der damaligen DDR präsentiert. War 

das auf Ihrem Mist gewachsen? 

Nein, Wolfgang Penk hatte das schon vor. Er wollte das ein bisschen 

journalistischer machen, und er wuss te, dass ich Journalist 

bin. Er wollte es ein bisschen boulevardesker machen und wusste, 

dass ich von RTL komme, da eine leichte Spielform hatte, also 

kein öffentlich-rechtlich geprägter Moderator war. Und nach 

dem Fall der Mauer war es ganz logisch, dass man das mit 

der Nummer 1 der DDR machte. Ich muss auch ganz ehrlich sagen, 

die ersten ein, zwei Jahre waren hart, weil ich schnell merkte, dass in 

der Sendung etwas nicht stimmte, dass der Livegesang wiederkommen 

und auch wieder Leistung gezeigt werden musste. In den ersten 

zwei Jahren war nur ein Mensch nervös, und das war der Moderator. 

Weil der live moderieren musste. Die anderen kamen ja nur und haben 

den Mund auf- und zugemacht – das hat irgendwie nicht gestimmt. 

Dann habe ich gesagt: Ich höre da gerne auf nach 

zwei Jahren, wenn ihr das nicht umstellt. 

Sie haben sich durchgesetzt 

... 

Das war ganz interessant: Bei 

der Sendung habe ich keine 

Plattenfirmen-Bosse kennen 

gelernt, sondern nur immer 

die Promotion-Damen, die in 

Berlin dabei waren. Dann gab 

es plötzlich eine Krisensitzung 

beim ZDF, und da waren sie alle da, 

die führenden Köpfe der Industrie. Die 

Aktuell im Handel 

wollten alle das kleine Rumpelstilzchen Hübner kennenlernen, der die 

ultimative Forderung stellte, dass in der Hitparade wieder live gesungen 

werden müsse. Da stand ich wie vor einem Tribunal, bin dann rausgegangen 

und habe gedacht: Jetzt hast du dich selbst abgeschossen. 

Nach einer dreistündigen Sitzung kamen sie dann 

und sagten: Hübner, du hast gewonnen, wir machen das, 

du kriegst deinen Tag mehr – wir ziehen das jetzt durch. 

Und wie lief es dann mit dem Livesingen? 

Die Zuschauer haben es geliebt! Ich wollte Leute wie 

Pe Werner, die Prinzen oder Pur fördern, dass die nach 

vorne kommen – und die konnten ja was! Es waren 

Versprecher drin, all diese charmanten Kleinigkeiten, 

diese menschlichen Schwächen kamen durch den 

Livegesang wieder in die Sendung. Juliane Werding 

hat sich knallhart versungen, die Künstler hatten 

wieder richtig Lampenfieber. Da hat eine Jule Neigel 

Resonanzübungen mit einem Papierkorb gemacht, 

eine Andrea Jürgens hatte Ohnmachtsanfälle. Vicky 

Leandros hat damals den Titelsong von „Titanic" live 

auf Deutsch gesungen. Sie gab mir hinter den Kulissen 

zitternd die Hand – ich habe noch nie eine so kalte 

Hand gehalten, so aufgeregt war dieser Weltstar –, 

nur weil wir live gesungen haben! Wie haben die sich 

angestrengt! 

Sie hatten auch Dieter Bohlen in der ersten Sendung 

... 

Genau. Und Dieter war gar nicht begeistert, als wir 

das umstellten, hatte Angst um seine damals wichtigste 

Plattform. Er musste ja auch live singen und sich auch mal 

anstrengen (lacht). 

(Richard The Lionheart) 

Alle 13 deutschen Folgen 

des UK-Serienklassikers von 1962 

Extras: 

· Booklet inkl. Folgenguide 

· deutsche Vor- und Abspänne 

· englische Sprachfassung 

· digital restauriert 

Jetzt auf DVD GoodTimes — auch im 2/2014 Buchhandel ■ Seite 85 erhältlich

Als die Alm ein 

Sündenpfuhl war 

Wir schreiben das Jahr 1968: Der Förster 

im Silberwald aus der Heimatfilm-Ära der 

50er Jahre hat sein Pulver längst verschossen. 

Erneut droht die heimische Idylle in den 

Bergen aus dem Gleichgewicht zu geraten. 

Auf der Alm, da gibt’s koa Sünd? Von wegen! 

In den 70er Jahren entstanden Heimatfilme", 

" 

in denen sich die Balken nicht unbedingt vor 

lauter Lügen bogen. 

Von Thorsten Pöttger 

A 

ls ein Wegbereiter des Softsexfilms, der das sündige 

Treiben auf der Alm zum Inhalt hatte, kann Produzent 

Hans Billian bezeichnet 

werden, der 1968 in „Pudelnackt 

in Oberbayern" unter der 

Mitwirkung von Beppo Brem 

(„Der Komödienstadl") und Hans 

von Borsody („Privatdetektiv 

Cliff Dexter") auf der Leinwand 

als erster die Themen Sex und 

Heimat miteinander kombinierte. 

Schon dieses mit Ausnahme 

einer gemischten Saunaszene 

relativ „zugeknöpfte" Debüt über 

eine Kellnerin, die mit gewissen 

Reizen zur Umsatzsteigerung 

der Dorfschänke beiträgt, rief 

die katholische Kirche auf den 

Plan. Von nun an bliesen die 

Glaubenshüter mit immer wiederkehrenden er 

en 

den 

Begründungen ng 

en des 

Katholischen Filmdienstes (zum Beispiel „primitive, unverdauliche 

Mischung aus Heimat- und Sexfilmelementen") zur regelmäßigen 

Attacke auf sämtliche Machwerke dieser Art. Dass sich 1970 mehr 

als die Hälfte der deutschen Filmproduktionen um das Thema Sex 

drehte, meistens noch unter dem Deckmantel der Dokumentation à 

la „Schulmädchenreport", konnten die Sittenwächter jedoch nicht 

verhindern. 

In den nächsten Jahren stieg der Anteil der Sexklamotten im 

Verhältnis zu den Pseudoreportagen weiter an. Wem sei es ange- 

sichts der frischen Luft und des saftigen Grüns in tausenden Metern 

Höhe zu verdenken, dass ihn da nicht nur der Hafer stach? Aus der 

Anfangszeit sind „Die liebestollen Baronessen" und ihr Hantieren 

mit einem Keuschheitsgürtel nicht nur wegen der Mitwirkung von 

Solvi Stübing, Barbara Capell und Andrea Rau, sondern auch aufgrund 

des Leinwanddebüts von Ingrid Steeger erwähnenswert. Ein 

weiterer Vorkämpfer in Sachen Alpensex ist mit Alois Brummer zu 

nennen. Nicht nur, dass er 1969 im Meisterwerk „Graf Porno und 

die liebesdurstigen Töchter" selbst eine Rolle übernommen hatte, 

für über weitere zehn Jahre 

betätigte er sich bis kurz vor 

seinem Tod 1984 als Produzent, 

Autor und Regisseur. 1975 ließ 

er beispielsweise die von einer 

gewissen Almschönheit namens 

Heidi in der Großstadt erworbenen 

Kompetenzen nach ihrer 

Rückkehr in die Heimat mit 

den schneidigen Dorfburschen 

weiter fördern („Unterm Dirndl 

wird gejodelt"). Dass das 

Mädel im Biologieunterricht 

besonders gut aufgepasst hat, 

braucht nicht weiter erwähnt 

zu werden. Die Videoversion 

von Brummers „Alpenröschen 

im 

Dirndlhöschen" – im Kino 

ohne 

Probleme gelaufen en – landete auf dem Index. Dass die 

Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Schriften Mitte der 80er 

Jahre (!) so entschied, dürfte am Drehbuch gelegen haben, anhand 

Seite 86 ■ GoodTimes 2/2014 

201

dessen eine Minderjährige im Beichtstuhl 

ihre amourösen Erlebnisse schildert 

(ursprünglicher Titel des Films: „Beichte 

einer Liebestollen") und von ihrem Stiefvater 

zum Sex gedrängt wird. Ebenso wurden die 

„Urlaubsgrüße aus dem Unterhöschen" von 

„Schulmädchenreport"-Macher Walter Boos 

in die Verbannung geschickt. Vermutlich 

wurde darin der Tourismus auf ebenso 

heftige wie fragwürdige Weise angekurbelt. 

Dasselbe Los zog Brummers „Gefährlicher 

Sex frühreifer Mädchen", als dieser unter 

dem VHS-Titel „Gipfelglück im Dirndlrock" 

zu erneuten 

Höhepunkten n 

führen sollte. 

Offensichtlich h 

waren die nymphomanischen Internatsschülerinnen 

zu wahllos in ihren 

a n r ü c h i g e n 

Handlungen und 

der Hausmeister 

zu stark an 

einer 

Tätigkeit 

interessiert, 

für 

die es zahlreiche 

Synonyme 

aus dem handwerklichen 

en Bereich ei 

gibt. Nicht einmal einer 

der ersten Auftritte von Rinaldo Talamonti 

konnte den Film vor dem Verbot bewahren, 

obwohl der italienische „Stecher der Nation" 

und ehemalige „Graf Porno" sich anschickte, 

nicht nur im Ruhrpott, sondern auch in den 

Bergen viel für die Völkerverständigung zu 

tun. War das etwa die Anerkennung für seine 

tatkräftige Unterstützung der bayerischen 

Gemeinde Vögelbrunn 1974 in 

„Alpenglüh’n im Dirndlrock", dank der 

in dem Dorf die noch fehlenden sieben 

Einwohner geboren werden konnten, 

die zur Erlangung des Status’ der 

Marktgemeinde nötig waren? 

Neben Talamonti und der ebenso in 

„Alpenglüh’n im Dirndlrock" aktiven 

Elisabeth Volkmann („Klimbim") 

ist Volksschauspieler Peter Steiner 

(„Theaterstadl") wahrscheinlich am 

bekanntesten für 

deutschen Softsex. 

Auch wenn er sich 

später von Filmen 

solcher Machart distanzierte, haben sie seiner 

Karriere gerade im Hinblick auf komödiantische 

Rollen nicht geschadet, lautete seine 

Aufgabe in den Lederhosenfilmen doch 

eher, er 

für Lacher zu sorgen statt jeder schönen Maid schnellstmöglich 

an die Wäsche zu gehen. Untrennbar verknüpft ist sein Name 

mit der neben „Lass jucken Kumpel" erfolgreichsten deutschen 

Filmreihe zum Thema: „Liebesgrüße aus der Lederhose". 

Diese Errungenschaft bedingt die Kuriosität, dass „Lass 

jucken Kumpel 4 – Zwei Kumpel auf der Alm" gleichzei- 

tig der zweite Teil der „Liebesgrüße aus der Lederhose" 

ist, zumal für beide Serien Regisseur Franz Marischka 

verantwortlich zeichnete. Auch diesmal naht über dem 

Brenner potente Hilfe in 

Person unseres bekannten 

feurigen Italieners, als der 

Kurschatten in „Liebesgrüße 

aus der Lederhose" wegen 

starker Abnutzung die 

Flinte ins Korn zu werfen 

droht. 

Sicherlich muss zugegeben 

werden, dass 

den Bayern-Filmen im Gegensatz 

zu den inhaltlich ähnlich gestrickten 

Ruhrpottwerken 

jegliche Sozialkritik am 

problembehafteten Alltagsleben en 

eines es 

Bergmannes 

ne 

abging. Die Alpen bildeten ausschließlich das 

Panorama für die liebestollen Handlungen, in denen 

das Fensterln – mit oft peinlichen Ergebnissen – 

zum Pflichtprogramm wurde. Dennoch sei zuguterletzt 

auf den bunten Themenreigen weiterer Streifen 

mit Jodelunterton verwiesen: Après-Ski-Pionierarbeit 

(„Beim Jodeln juckt die Lederhose", mit Liedermacher 

Konstantin Wecker in der Rolle des Sepp), eine Suche 

nach einem napoleonischen Schatz („Hey Marie, ich 

brauch mehr Schlaf …") und durch ein Volksfest verursachte 

Polygamie („Oktoberfest – Da kann man fest 

…"; Germanisten müssen in Gedanken ein Verb nach 

Wahl hinzudenken). 

Als der Höhepunkt des bumsfidelen Treibens 

bereits überschritten war, mussten für den zotigen 

Ringelpiez mit Anfassen neue Gebiete außerhalb 

Bayerns erkundet werden. Dies geschah entweder 

durch Export von Lederhosenträgern in exotische und 

thematisch dennoch 

bereits erschlossene 

Gefilde wie Thailand 

(„Was treibt die Maus 

im Badehaus?") oder 

durch Import rassiger 

Skandinavierinnen 

(„Drei Schwedinnen 

in Oberbayern", 

„Zwei Däninnen in Lederhosen") 

in die Alpenregion. Die Spitze des 

Eisbergs mit seltsam getriebenen 

Blüten bildeten die Filme „Ach 

jodel mir noch einen" und „Graf 

Dracula beißt jetzt in Oberbayern". 

Während in letzterem 

der Fürst der 

Finsternis – ganz im 

Zeichen der Zeit – 

von Discomusik (!) 

aus dem Tiefschlaf f 

erweckt wird, 

machen in ersterem 

außerirdische 

Damen vom 

Stoßtrupp Venus 

Jagd auf männlichen 

Samen. Rette 

sich, wer kann … 

GoodTimes 2/2014 2014 ■ Seite 87

Josef Göhlen 

„Biene Maja”, 

„Captain Future”, 

„Timm Thaler” & Co. 

Wie sind Sie auf die " 

Simpsons" aufmerksam 

geworden, die Sie dann nach 

Deutschland geholt haben? 

Die Serie fand ich bei der Vorstellung 

neues ter TV-Produktionen („L.A. 

Screenings") in Los Angeles. Die Reaktion 

meines Programmdirektors nach fünf 

Minuten lautete: „So ein Sch...!", wohl 

wegen des gewöhnungsbedürftigen 

Designs. Ich überzeugte ihn jedoch 

davon, RTL – wo man das ZDF als 

„Rheumadecke der Nation" verspottete – etwas entgegenzusetzen. 

Das Konzept, die „Simpsons" einmal wöchentlich um 18 und 

22 Uhr zu zeigen, ging allerdings nicht auf: Am Vorabend, dem 

Werberahmenprogramm von ARD und ZDF, erreichten wir rund 

900.000 Kinder; die Werbefritzen wollten aber Erwachsene als 

Zielgruppe. Daher wurden keine weiteren Staffeln eingekauft. 

Es gab noch andere Kritik ... 

Puppen und Zeichentrick standen für Kinderfernsehen, Cartoons für 

Erwachsene waren erst im Kommen. Mit der „Muppet Show", „Alf" 

und den „Simpsons" habe ich versucht, diese Programmfarbe auch im 

deutschen Fernsehen zu etablieren. Ich war meiner Zeit wohl zu weit 

voraus: Die „Simpsons" wurden erst später Kult – zu Recht! 

Für viele war die " 

Biene Maja" eine der ersten TV-Erfahrungen überhaupt. 

Wie kam diese Zeichentrickserie zustande? 

Ich kannte Waldemar Bonsels' „Die Biene Maja und ihre Abenteuer" 

aus meiner eigenen Kindheit. Kinderprogramm war für mich immer 

Josef Göhlen leitete in den 70er bis 90er 

Jahren zunächst das ZDF-Kinder- und 

Jugend-, später das Vorabendprogramm 

und brachte viele bekannte Serien ins 

deutsche Fernsehen. Wir sprachen mit ihm 

über die damaligen Zeiten und den aktuellen 

Retro-Trend. 

Josef Göhlen mit " 

Alf" 

Familienprogramm, und die besten 

Kinderbücher sind meiner Meinung 

nach die, die auch Erwachsene lieben, 

etwa „Robinson Crusoe" oder heutzutage 

„Harry Potter". Nach dieser Devise 

bin ich immer vorgegangen und habe 

so zum Beispiel „Wickie" entdeckt – 

noch bevor das Buch den Deutschen 

Jugendbuchpreis gewann. 

© Archiv Peter Engelmeier 

Die " 

Biene Maja" war eine der 

wenigen nicht-männlichen Serienhelden. 

Gab's viel Lob von Feministinnen? 

Damals wurde behauptet, Maja 

habe keine Botschaft zu verkünden 

– allenfalls eine Flucht 

in die Idylle. Die Kritiker begriffen 

nicht, dass Maja im Grunde 

eine emanzipatorische Figur ist. 

Wir haben ihr mit dem trotteligen 

Willi einen dramaturgischen 

Partner beigesellt, der nicht 

aus der Buchvorlage stammt. 

Eberhard Storeck, einer der 

Kreativsten, mit denen ich je 

zusammenarbeiten durfte, hat ihm mit Text und Synchronstimme den 

unvergesslichen Charakter verpasst. 


© ZDF/Apollo Film 

dass die Serie an den Zeitgeist angepasst 

werden müsse. Die Geschichte 

muss stimmen – und stimmt heute 

immer noch! Meiner Ansicht nach 

geht es eher darum, neu zu verkaufende 

Verwertungsrechte zu schaffen. 

Die „Cover-Version" ist zwar 

um Übernahme des alten Charmes 

2013 kehrte die 

Maja" als moderne 

" Biene 

Zeichentrickserie 

in 3D-Optik 

ins Fernsehen zurück. 

Was halten Sie davon? 

Die für die Neufassung 

angeführten Argumente 

verstehe ich nicht. Es ist 

doch totaler Blödsinn, 

Bill Bo" – 

Augsburger 

" 

Puppenkiste 

" Oliver 

Maass" 

© Pressefotos 

Biene Maja und Willi, der in der 

Buchvorlage nicht vorkommt 

" Anna" 

Wespentaille: 

die Biene 

Maja in der 

3D-Neufassung 

der 

TV-Serie 

bemüht; durch das knallfarbige und plastilinhaft wirkende 

Design, die technikbestimmten Bewegungen und die oftmals 

hektisch-kühle Textsynchronisation wird ihr das aber schwerfallen. 

Doch das müssen die jungen, mit „Maja" neu konfrontierten 

Zuschauergenerationen entscheiden. 

Viel Kritik mussten Sie auch bei Heidi" wegen des japanischen" 

Aussehens der Hauptfigur einstecken. " 

Wie kam es dazu? " 

Die Japaner drängten damals auf den europäischen Markt 

und suchten verwertbare Stoffe. Sie hatten durch ihre Mangas 

und Animes langjährige Erfahrung im Zeichentrickbereich 

und boten die Möglichkeit, viel Material in kurzer Zeit zu 

produzieren – deutlich günstiger als europäische Studios. Mit 

wenigen Ausnahmen stellten diese Serien aber echte Co-Produktionen 

dar: Die Japaner waren nicht lediglich 

Dienstleister, sondern Partner, mit 

denen wir gemeinsam Ideen wirklichten. Dabei mischten wir 

ver- 

japanischen mit europäischem 

Stil. 

Und wie war das mit Captain ture"? Fast alle Folgen " 

Fuwurden 

nur 

geschnitten gezeigt, einige liefen 

überhaupt nicht im ZDF ... 

Ich war überzeugt, dass 

Science-Fiction und diese 

Art der Erzählung 

bei Kindern gut ankommen 

würde. „Captain Future" ist 

dann ja richtig Kult geworden, 

mit Tauschbildern, Comic- 

Heften usw. Dramaturgisch 

nicht notwendige 

Gewaltszenen haben wir 

geschnitten. Dennoch schien die 

Serie insgesamt vielen Erziehern 

und Eltern zu viel Gewalt zu 

enthalten. Es gab ein starkes 

negatives Medienecho. Auch 

der ZDF-Fernsehrat, der erst 

nach 26 Folgen aufmerksam 

wurde, sprach ein negatives 

Urteil … 

Eine der Figuren der Augsburger 

Puppenkiste", Bill " 

Bo, war 

Hauptperson in zwei Büchern, 

die Sie damals schrieben. Gab 

es ihn eigentlich schon vorher? 

Die „Puppenkiste" brauchte 

Stoffe, in denen Menschen und 

Tiere eine Rolle spielten. Eines 

Tages fanden wir in der Literatur 

" Timm 

Thaler" 

© ZDF/Studio 100 Media 

kein entsprechendes Material mehr. Und ich 

wollte schon immer eine Erzählung für 

Kinder schreiben, bekam dazu die Erlaubnis 

des Senders und machte mich ans Werk. 

Einfälle für Charaktere und Handlung 

kamen mir an einem Abend in einer 

Hotelbar, nachdem ich zum wiederholten 

Male in Grimmelshausens „Simplicissimus" 

hineingelesen hatte. 

Vorläufer der heutigen TV-Events waren die Weihnachtsserien, 

die Sie im ZDF einführten, etwa Timm Thaler", Anna" oder 

Oliver Maass" ... 

" " 

" 

Zwischen den Jahren fiel feiertagsbedingt oft die Werbung aus, so dass wir 

ein alternatives Programm anbieten konnten; außerdem waren die Kinder 

in den Schulferien zu Hause. Ich habe daher überlegt, welche Art täglicher 

Serie man für sie machen könnte. „Timm Thaler" zog sich mit 13 Mal 

25 Minuten aber doch 

zu lange hin; spätere 

Weihnachtsserien 

hatten weniger, dafür 

längere Folgen. Ich 

versuchte immer wieder, 

Lücken für Neues 

zu finden und ein 

Programm zu machen, 

das auffällt. Auch das 

ZDF-Ferienprogramm 

war eine Erfindung 

Josef Göhlen zur Show von mir. Dessen 

1, 2 oder 3" 

" Moderatoren Anke 

Engelke und Benny 

Schnier sind noch immer bekannte Namen. Heute dürfte so etwas angesichts 

der Konkurrenz allerdings deutlich schwerer sein – die meisten 

Zuschauer konnten 

damals ja nur drei Sender empfangen. 

Ist die Retro-Welle im Fernsehen nur eine vorübergehende Modeer- 

scheinung, oder besinnt man sich tatsächlich auf alte Werte? 

Es 

geht den Verantwortlichen heutzutage darum, das 

Misserfolgsrisiko zu minimieren. Bei neuem Material fragt man 

erst, ob es in einem anderen Medium schon Erfolg gehabt hat 

– sonst wird es gar nicht erst ausprobiert. Der Retro-Trend ist 

aufgekommen, weil er Sicherheit bietet: Offenbar fehlt der 

Mut für neue Ideen, weil man zunächst nur Gefahren 

des Scheiterns sieht. Dazukommt, dass man meint, das 

Programm handwerklich und dramaturgisch einem nicht 

näher 

definierten Zeitgeist anpassen zu müssen. Früher 

hatte 

es noch einen Hauch von Poesie und Originalität 

und zugleich eine Botschaft. Mir scheint, das Programm 

wird in erster Linie nur noch als Lizenzträger und für 

Merchandising-Produkte gebraucht, also nicht für die 

Zuschauer gemacht, sondern fürs Geschäft. Ich denke, 

so deutlich muss man das sagen dürfen. 

Wenn Sie jetzt t noch das Sagen hätten, was würden Sie ändern im Fernsehen? 

Mehr Innovationen wagen! Gutes Programm muss ankommen und 

zugleich anecken. Bei Erstsendungen fragte ich immer: „Wie war die 

Kritik? Schlecht? Toll!" Ich würde heute wie damals wertvolle Geschichten 

suchen, mit nachempfindbaren Charakteren, die dem 

Zuschauer existenzielle Fragen und Antworten 

ermöglichen – und erst danach dramaturgische 

Mittel wie schnelle oder langsame Schnitte te legen. Ich würde mit gewisser literarischer Qualität 

über- 

erzählen und nicht zuvorderst auf Möglichkeiten der 

Weitervermarktung schielen. Da bin ich konservativ: 

Das Publikum zählt, nicht der Kommerz. 

Dr. Jörn Krieger & Jörg Weese 


Das komplette Interview mit Josef Göhlen finden 

Sie unter www.goodtimesmagazin.de 

© Archiv Peter Engelmeier 

Wickie": erst Buch, dann 

" 

TV-Serie, dann Kinofilm 

© ZDF/2004 Junior.TV GmbH & Co. KG

© Joh. Heider Verlag 

Wer mich besucht, dem dürfte schon im 

Flur ein farbiger Druck auffallen, der einen 

Indianer zeigt. Die wirklich blendend aussehende 

Rothaut, die auch einem Winnetou 

alle Ehre machen würde, hält in der einen 

Hand den Zügel seines Pferdes, in der anderen 

eine Winchester. Der ernste, wohl auch 

sorgenvolle Blick des Mannes geht vorbei am 

Betrachter und verliert sich irgendwo in der 

Ferne. Den Grund für seine Sorgen sieht man im 

Hintergrund des Bildes. Dort kämpft sich eine lange 

Karawane von Männern, Frauen und Kindern mühsam 

den Hang eines hohen, mit Schnee bedeckten Berges hinauf: 

Das Volk dieses Mannes ist auf der Flucht ... 

Erst kurz vor seinem Tod 

erhält Dill endlich die längst 

verdiente Auszeichnung: 

Für sein Lebenswerk als 

Filmplakatmaler wird ihm 

1997 das " 

Filmband in 

Gold" verliehen. 

Dieses eindrucksvolle Bild wie auch viele andere aus dem Repertoire 

des Künstlers haben meine Kindheit geprägt wie nur wenig 

anderes aus der Populärkultur. Klaus Dill heißt der Mann, aus 

dessen Feder dieses kleine Kunstwerk von plastischer Schönheit stammt. 

Ein Kunstwerk, das zumindest in seiner Entstehungszeit – irgendwann 

in den späten 

60er Jahren – aber 

nie als solches begriffen 

wurde. Denn Dill 

zeichnet dieses Motiv 

und viele, viele andere 

damals nicht als für 

sich selbst stehendes 

Gemälde, sondern als 

Cover für die populäre 

Comic-Serie „Bessy" 

sy" 

aus dem Bastei-Verlag. 

Es 

sind diese Coverbilder, die 

den 

Leser er geradezu ez sogartig ins Heft 

und damit in die Abenteuer des jungen Ranchersohns Andy Cayoon 

und seiner Collie-Hündin Bessy hineinziehen. Und es dürfte kaum 

eine Übertreibung sein, wenn man behauptet, dass der unerhörte 

Erfolg von „Bessy" – zwischen 1965 und 1985 bringt es die 

Reihe auf 992 Hefte – ohne Dill, der mehr als 

600 Cover beisteuert, kaum möglich gewesen 

wäre. 

Der Mann, 

der die 

legendären 

" Bessy "- 

Titelbilder 

schuf 


Denn die hohe Qualität und die 

damit verbundene Attraktivität 

der Cover-Motive spiegeln sich 

in den Zeichnungen im Heft 

selbst nur in den ersten Jahren 

wider, als noch der große Ligneclaire-Künstler 

Willy Vandersteen 

höchstpersönlich oder einer seiner 

besten Angestellten, Karel 

Verschuere, für „Bessy" buchstäblich 

verantwortlich zeichnen. Später 

dagegen, in Folge eines gesteigerten 

Erscheinungsrhythmus, können „Bessy"- 

Hefte kaum noch das halten, was Dills Cover 

noch lange versprechen werden. Das ist mir Anfang der 

70er Jahre aber natürlich noch nicht bewusst. Im Gegenteil: Jedesmal 

aufs Neue bedeutet der Gang zum Kiosk ein Highlight meiner Woche. 

Jedesmal betrachte ich schon durch die Scheibe staunend das Titelbild, 

das wieder Abenteuer und Dramatik pur verspricht. Ich wage gar 

zu behaupten, dass neben der eigentlichen Hauptfigur der „Bessy"- 

Abenteuer, Andy Cayoon, der Indianer auf besagtem Farbdruck in meinem 

Flur, Andys Blutsbruder Schneller Hirsch, mehr zu meiner Sozialisation 

beigetragen hat als so manche Schulweisheit. Denn dieser Indianer 

scheint die Würde eines rechtschaffenen Mannes zu besitzen, der sich 

allen Schurkereien und Gemeinheiten zum Trotz nie dazu verleiten lässt, 

die eigenen hohen Maximen zu verraten. Ein Mann wie Winnetou eben. 

Eine Assoziation, die schon deshalb passt, weil das Studio Vandersteen 

damals auch den Geschichten von Karl May eine Albumserie widmet. Als 

die Erscheinungsweise von „Bessy" bei Bastei von monatlich über 14-tägig 

Dynamik pur: Dills " 

Bessy"-Titelbilder machen süchtig! 




schließlich auf wöchentlich umgestellt e lt wird und das Material auszugehen 

droht, entscheidet sich Vandersteen kurzerhand dafür, einige der Karl-May- 

Geschichten buchstäblich in „Bessy"-Abenteuer umzumontieren. So wird 

aus Old Shatterhand dank eines anderen Kopfes Andy, und Bessy, in den 

Karl-May-Folgen logischerweise nicht vorhanden, wird irgendwo ins Bild 

platziert, ohne dass die Hündin dramaturgisch eine Rolle spielen würde. 

Für Dill macht das aber keinen Unterschied. Denn der Arbeitsprozess bleibt 

stets der gleiche. Er erhält einen kurzen Abriss der Handlung und fertigt 

daraufhin zunächst eine Skizze an, die er dem jeweiligen Bastei-Redakteur 

zuschickt. Der gibt dann sein Okay bzw. 

nennt seine Änderungswünsche für das 

fertige Bild. So geht das über viele Jahre, 

in der die Qualität der Geschichten ständig 

nachlässt, die der Cover aber stets 

gleich hochbleibt. 

Heute, 14 Jahre nach seinem Tod, 

genießt Klaus Dill bei den 40- 

und 50-Somethings in Comic-Sammler- 

Kreisen Kultstatus. Seinem tatsächlichen 

Können aber wird diese begrenzte 

Anerkennung kaum gerecht. Ein universaler 

Ruf wie er etwa Dills Onkel, dem 

Impressionisten Otto Dill, zuteil wurde, 

ist dem am 6. Oktober 1922 in Neustadt 

an der Weinstraße geborenen Populärkünstler nie vergönnt. Dabei kann 

man ihn im buchstäblichen Sinne durchaus auch als eine Art Pop-Art- 

Künstler verstehen. Dafür stehen mehr noch als die „Bessy"-Titelbilder 

seine Arbeiten als Maler von Kinoplakaten. Während der großen Zeit 

des klassischen Hollywood-Kinos in den 40er und 50er 

Jahren zeigen Filmplakate noch gemalte Darstellungen 

der Inhalte, nicht Fotos. Ob Sandalen- oder Ritterfilme wie 

„Spartacus" mit Kirk Douglas oder „Prinz Eisenherz" mit 

Robert Wagner, ob Thriller oder Film Noir wie Hitchcocks 

„Marnie" oder „Tokio 

Story" mit Robert 

Ryan, ob Western wie 

„Der gebrochene Pfeil" 

mit James Stewart 

oder „12 Uhr mittags" 

mit Gary Cooper – 

kein Genre, dem Dill 

© Joh. Heider-Verlag 

nicht seinen unverwechselbaren ech 

en 

Stempel aufdrückt. „Filmgeschichte 

in Gesichtslandschaften" hat das 

die „Frankfurter Rundschau" einmal sehr treffend genannt, wirken Dills 

Plakate doch mit der Authentizität von Fotos auf den Betrachter, ohne 

dass die Poesie seiner Zeichnungen dabei verlorengehen würde. 

Für annähernd 650 Kinofilme stellt Dill seine Kunst (die er selbst nie 

als Kunst, sondern eher als Handwerk verstanden wissen wollte) zur 

Verfügung. Gemeinsam mit seinen Arbeiten für Bastei und „Bessy", 

aber auch für andere Verlage und Serien wie Moewig und „FBI" entsteht 

so über die Jahrzehnte ein mehr als reicher Kanon. Ein Werk 

aber auch, das über die gesamten mehr als fünf Jahrzehnte Dill’scher 

Schaffenskraft vor allem dem Western zugewandt ist, zu dem er immer 

wieder zurückkehrt. Es trifft den Nagel auf den Kopf, wenn im Bildband 

„Klaus Dill – WesternArt" einer der Autoren, Peter Bischoff, schreibt: 

„Klaus Dill leistete ab Beginn der 50er 

Jahre einen wesentlichen 

Beitrag zur bildlichen Vorstellung vom Wilden Westen in Deutschland. 

Er stellte sein Können nicht nur in den Dienst der Filmplakatkunst, 

sondern er sorgte auch dafür, dass sich ein großes Lesepublikum der 

ansonsten unbebilderten Westernromane durch seine ansprechenden 

Buchdeckel- und Buchumschlag-Illustrationen bildlich in die Welt des 

amerikanischen Westens hineinversetzen konnte." Buchreihen wie „Tom 

Prox" oder die Zane-Grey-Romane im Franz Schneider Verlag sollen 

hier exemplarisch genannt werden. Und auch als der Western längst 

Für Dill eine 

Herzensangelegenheit: 

Karl Mays " 

Winnetou". 

nicht mehr das Leitgenre der Film- und 

Unterhaltungskultur ist, bleibt Dill diesem 

uramerikanischen Archetyp verbunden. 

Denn als Mitte, Ende der 80er Jahre 

durch das Ende von „Bessy" bzw. die 

Verdrängung der Kino-Plakat-Malerei 

durch die Fotografie Dills Karriere vorübergehend 

schon beendet scheint, ist 

es der Western, der ihn „rettet". In 

einem Interview mit dem Herausgeber 

der „Bastei Freunde Klubzeitung", 

Martin Hilland, sagt der Künstler 1992: 

„In den letzten Jahren gab es Zeiten, 

wo ich keine Aufträge mehr hatte und 

nicht wusste, wie es weiterging. Deshalb 

kam ich vor drei Jahren auf die Idee, 

das Thema Winnetou zu illustrieren." Tatsächlich zeichnet Dill in diesen 

Jahren die Titelmotive der 33-bändigen „Winnetou"-Reihe des damaligen 

Haffmanns Verlags aus Zürich. Und ab 1995 bis fast zu seinem 

Lebensende gilt all seine Aufmerksamkeit schließlich noch einer weiteren 

großen Indianergestalt, diesmal aber keiner literarischen, 

sondern einer historischen: Tecumseh. Diesem vielleicht 

berühmtesten aller amerikanischen Ureinwohner, nach dem 

unter anderem vier Schiffe der United States Navy benannt 

wurden, widmet er einen großformatigen Bilderzyklus, der 

als das unbestrittene Highlight seines Spätwerkes gelten 

darf. Für diesen Zyklus und sein gesamtes Schaffenswerk 

wird Dill, zudem seit 1997 Filmpreisträger in Gold, von 

der Landesbildstelle Baden-Württemberg 1999 schließlich 

mit einer umfangreichen Einzelausstellung geehrt. Ein 

versöhnlicher, weil rechtzeitiger Abschluss einer großen 

Karriere: Am 19. Februar 2000 stirbt Klaus Dill in Frankfurt 

am Main. Für mich aber ist er bis heute lebendig geblieben. 

Durch „Bessy" und durch den Druck an der Wand im Flur. Übrigens: 

Der Titel dieses Bildes, den ich nie vergessen werde, lautet „Der Tod in 

den Bergen". Und auch die Heftnummer der Bastei-Ausgabe habe ich 

tatsächlich noch immer parat, Nummer 54! Klaus Dill 

hätte sich darüber wohl gefreut. 

Liste weiterführender Literatur: 

– " 

Klaus Dill – WesternArt", Joh. Heider Verlag 

– " 

Klaus Dill – Ein Künstlerleben für Literatur und Film", 

Joh. Heider Verlag 

– Kunst fürs Kino – Die Plakate des Filmpreisträgers s 

" 

Klaus Dill", Henschel Verlag 

– Bastei Freunde Klubzeitung Nr. 4, 

Klaus Dill Gedenkausgabe" 

" 

– Bastei Freunde Klubzeitung Nr. 10, 

Die Rückkehr des Geächteten" 

" 

– Die Sprechblase Nr. 163, Die Bessy Story" 

" 


Pin-ups heben die Moral! 

Über eine oft totgesagte 

Kunstform, 

die in den letzten 

Jahren ein Revival 

erlebt 

Das Malheur folgt ihr üblicherweise auf Schritt und Tritt: Mal ist es ein Nagel, der genau an der 

richtigen" Stelle ihr Kleid zerreißt, dann ist es wieder ein Windstoß, der an einem warmen 

" 

Sommertag ihren Rock aufbauscht. Als Lehrbeispiel für diesen plakativen Symbolismus 

darf jenes Mädchen gelten, das den Rock hochhält, den sie mit Ketchup bekleckerte (das 

eigentlich einem Würstchen im Hot Dog zugedacht war) und dabei wohlgeformte Beine 

mit Strumpfhaltern entblößt. 

Von Roland Schäfli 

Die Themen sind allesamt erotisch aufgeladen, doch sie bleiben 

suggestiv. Immer jedoch zeigt das Gesicht des Pin-ups dabei 

diese Mischung aus Koketterie und Einladung: der gespitzte 

knallrote Mund, die in derselben Farbe errötenden Wangen, 

die rehbraunen Augen, die sich direkt an den Betrachter 

wenden, als wollten sie sagen: „Ich brauche die Hilfe eines 

starken Mannes!" Die Botschaft, die solcherart vermittelt 

wird, ist schon seit Jahrzehnten die gleiche. Und 

tatsächlich sorgten 

Sittenwächter 

sich schon 1869, dass (die zarten 

Vorläufer der) Pin-ups die Moral 

unterwanderten und vom rechten 

Weg ablenkten. Dita 

von Teese, das bekannte 

Aushängeschild des 

New Burlesque – welche 

die Pin-up-Szene 

der letzten Jahre 

revitalisierte –, hat 

indes eine dezidierte 

Meinung zur Frage, 

ob die typischen 

Posen, egal ob 

gemalt wie früher 

oder fotografiert 

wie heute, der Unterdrückung der Frau in die 

Hände spielt: „Es geht nicht um die Verführung 

der Männer, es geht um die Umarmung der 

Weiblichkeit." 

Spätestens mit Beginn des Zweiten Weltkriegs wurde die 

Meinung, leicht beschürzte Mädchen würden der Moral schaden, 

sogar ins Gegenteil verkehrt: Es begann der Siegeszug des Pin-ups 

als „Morale Booster". Nicht nur der legendäre General MacArthur, 

sogar der Oberbefehlshaber der amerikanischen Truppen und spätere 

US-Präsident Eisenhower wies – notabene in öffentlichen 

Ansprachen – auf den Nutzen dieser Bilder zur 

Förderung des Kampfgeistes hin: Pin-up-Girls würden 

die Moral heben! Die aufreizenden Bilder spornten 

die Kämpfenden an, denn die Mädchen versinnbildlichten, 

wofür sie kämpften: den American 

Way Of Life. Bedeutende Unternehmen lancierten 

darob ihre Werbekampagnen im selben Stil und 

Geist: Man erinnere sich etwa an die beiden 

Colatrinkenden Matrosen, die einem hübschen 

Mädchen hinterherpfeifen, eine Werbung, die 

heutzutage so wohl kaum noch denkbar wäre. 

Es ist also gar nicht vermessen zu 

sagen, dass die „Aufhänge-Mädchen" 

das massenwirksamste Medium der 

Kriegspropaganda waren. Denn anders 

als der Propagandafilm kam das Pinup 

ohne jede Infrastruktur aus. Ein 

Platz im Spind reichte. Das auf diese 

Weise am weitesten verbreitete Pinup 

des Weltkriegs war Betty Grable. 

1943 lichtete ein Studiofotograf 

der 20th Century Fox 

die Schauspielerin im 


Bet 

ty Gra 

ble

Badeanzug ab, was ihre 

„Millionen-Dollar-Beine" 

am besten zur Geltung 

brachte – die ikonografische 

Pose zeigt sie von 

hinten, einladend über 

die Schulter lächelnd. 

Daraufhin erhielt 

die Filmgesellschaft 

wöchentlich über 20.000 

Briefe von amerikanischen 

Männern, die das Foto 

bestellen wollten. In Billy 

Wilders Film „Stalag 17" 

ist ein Kriegsgefangener 

so in Betty Grable vernarrt, dass ihr Spindfoto ihn sogar in den 

Wahnsinn treibt. Der Krieg war aber auch Karrieresprungbrett für weitere 

Schönheiten, die als Pin-ups legendär wurden: Lana Turner etwa 

war das „Sweater Girl", nachdem sie in einem engen Pullover posiert 

hatte, und Ann Sheridan wurde den Spitznamen „Oomph Girl" nicht 

mehr los, als das sie in einem Wettbewerb ermittelt wurde. Mit dem 

Magazin „Yank" kam das amerikanische Pin-up-Girl an die Front – 

und somit schließlich auch nach Europa. 

Viele Kunsthistoriker schreiben es Amerika zu, die Werbe- 

Illustration als Kunstform hervorgebracht zu haben. Ein 

Museum mit Gemälden zu besuchen, ja überhaupt sich mit Kunst 

zu beschäftigen, war lange Zeit der Oberschicht vorbehalten. 

Der einfache Arbeiter hatte weder das Geld noch die Zeit 

dafür. Seine Kunstform war die Illustration. Magazine wie 

„Harper’s Weekly" oder die „Saturday Evening 

Post", die ihre Geschichten von Künstlern 

bebildern ließen, erreichten ein stetig wachsendes 

Publikum. Kurzromane, Pulp genannt, 

generierten noch höhere Leserzahlen, wenn 

sie publikumswirksam illustriert waren. 

Verleger mit Geschäftssinn realisierten bald, 

wie wichtig 

ein knalliges Bild 

auf dem Umschlag 

für den Absatz an 

den Kiosken war. In 

dieser Zeit „erfanden" 

die Maler das Pin-up, 

das Ganzkörperbild einer 

attraktiven Frau. Ganze 

Heerscharen meist unbekannter 

Auftragskünstler erschufen diese 

erotisch knisternde Welt. Während 

des Weltkriegs empfahlen die 

Kommandierenden der Truppe, 

Lesestoff mitzubringen, neben 

dem Kriegshandwerk also auch 

fürs zivile Handwerk zu lernen. 

Durch gewagte Pin-ups auf den Umschlagbildern wurden dann nicht 

nur die Umsatzzahlen dieser Taschenbücher gesteigert, sondern die 

Amerikaner überhaupt an reißerische Cover-Abbildungen gewöhnt. 

Ein Querverweis, wie populär seinerzeit etwa die Kalender mit gemalten 

Pin-ups waren, findet sich im Filmklassiker „Die Brücke am 

Kwai": Da schaut selbst der japanische Kommandant 

eines brutal geführten Kriegsgefangenenlagers 

den Termin auf einem amerikanischen Kalender 

nach, auf dem das Mädchen mit jedem 

verstreichenden Monat weiter entblättert 

wird. 

Nach dem Krieg war 

die Blütezeit des 

Kalendermädchens 

jedoch längst 

nicht vorbei. Eines der bekanntesten Pin-ups überhaupt, Rita 

Hayworth, die auf der Titelseite von „Life" im schwarzen Unterrock 

abgebildet war, wurde mit Ausbruch des Korea-Kriegs zur neuen 

„Königin des Pin-ups". 2500 Soldaten schrieben ihrer Regierung, 

um das Unterrock-Foto anzufordern – wöchentlich. Viel später war 

sie Namenspatin für Stephen Kings Novelle „Rita Hayworth And The 

Shawshank Redemption"; auch in der erfolgreichen Verfilmung 

des Buches mit dem Titel „Die Verurteilten" tarnt der 

Protagonist die Öffnung seines Fluchttunnels mit Ritas 

Pin-up ... 

Ein Mann namens Hugh Hefner schrieb dann die Erfolgsstory 

des Pin-ups fort, als er 1953 für läppische 500 Dollar 

einem Kalenderverlag einige Aktfotos abkaufte und damit 

den ersten „Playboy" bestückte: Es handelte sich um die 

Aufnahmen der sich auf rotem Samt räkelnden Marilyn 

Monroe – und das Heft war in Kürze ausverkauft. Hefner 

machte anschließend kurzerhand das klassische Pin-up- 

Foto zur Geschäftsidee des Centerfolds, des ausfaltbaren 

Bilds seines Magazins. Und der Erfolg gab ihm Recht. 

Trotz dieses Popularitätsschubs sollte es allerdings 

noch bis in die 60er Jahre dauern, bis Fotos die 

gemalten Mädchen schließlich verdrängten. Als 1964 

Pirelli seinen ersten Fotokalender herausbrachte, 

schien das Schicksal der gepinselten Girls besiegelt. 

Was auch das berufliche Ende für viele der 

Grafiker und Maler mit sich brachte. Manche 

der Künstler, die als Werbe-Illustratoren 

anfingen, fanden Arbeit als Plakatmaler 

für die Filmindustrie und beeinflussten so 

das Frauenbild weiterer Generationen. Erst 

als schließlich namhafte Künstler wie Norman Rockwell, der wie 

kein anderer die heile Welt des amerikanischen Traums darzustellen 

wusste, Elemente der Pin-ups in seine Bilder aufnahm, wurde allgemein 

aber von „Kunst" gesprochen. Obwohl diesen (meist, aber nicht 

ausschließlich) männlichen Künstlern nie abgesprochen wurde, ihr 

Handwerk meisterlich zu beherrschen, hat sich 

die Illustration als Kunstform erst in den 

80er Jahren wirklich etabliert. Dass 

Pin-up-Gemälde seither als „seriöse 

Kunst" gelten, zeigt sich auch 

daran, dass der Kunsthandel die 

Originale zu schätzen weiß. 

Eine späte Genugtuung 

für die Pin-ups. 

Rit 

a 

Hay 

ywor 

th

Zoe Scarlett 

Profi-Pin-up 

Zoe Scarlett hat sich auf die 50er Jahre spezialisiert und bezieht sich in kreativer Weise 

auf die Posen der legendären Pin-ups. Sie ist das Gesicht von Chevrolet und wirbt als 

Retro-Model für Campari und Burger King. 

Wir befinden uns in einer Retro-Bewegung. Man 

wünscht sich die " 

gute alte Zeit" zurück. Spürst du das 

auch als Pin-up-Girl? 

Die 50er Jahre haben immer wieder ein Revival. Ich mache nichts 

anderes, als dem alten Stil neues Leben einzuhauchen. Aber natürlich 

genieße ich auch die Vorzüge der modernen Welt: Ohne iPhone 

oder Laptop geht bei mir gar nichts mehr. 

Welche Posen bzw. Figuren werden von den 

Auftraggebern für Kalender und Werbe-Shootings 

gewünscht? 

Diese Frage ist nur sehr schwierig zu beantworten. Jeder Kunde hat 

seine eigene Vorstellung: ob man nun Modernes mit Altem kombiniert, 

ob ein Auftrag bis ins Detail den 50ern entsprechen muss, 

oder ob man meinen Look ganz neu interpretiert. Mir ist einfach 

sehr wichtig, dass es Stil und Klasse hat. 

Wirkt das Pin-up auf Feministinnen nicht wie ein rotes 

Tuch, stellt es doch einen klischierten Männertraum 

dar? 

Was Feministinnen über meine Arbeit denken, interessiert mich 

nicht. Jeder er soll l seine eigene Meinung haben dürfen und sich dabei 

glücklich fühlen! Meine Arbeit 

macht mich glücklich, und nur 

das zählt. 

Die Illustration der 

leichtbekleideten Frau 

wird erst seit den 80ern 

als eigene " 

amerikanische 

Kunstform" wahrgenommen. 

Auch heute noch scheint dem Begriff 

wenig Seriöses anzuhaften. 

Das finde ich absolut nicht. Ein klassisches Pin-up, illustriert oder 

real, zeigt eine wunderschöne Frau, die angezogen in den verschiedensten 

Szenen oder Posen, mal witzig, mal keck oder auch 

mal verführerisch, posiert. Die Bezeichnung „Pin-up" hat sich aber 

weiterentwickelt, das ist der Lauf der Zeit. Wenn die bekannteste 

deutsche Tageszeitung eine nackte Frau abbildet und diese dann als 

Pin-up bezeichnet, kann ich das nicht beeinflussen ... 


Fotos: © Marco Nietlisbach 



Gerne... können Sie uns schreiben, ein Fax schicken oder eine E-Mail senden: 

NikMa Verlag · Eberdinger Straße 37 · 71665 Vaihingen/Enz · Fax: 0 70 42-102 862 · E-Mail: goodtimes@nikma.de 

Leserbriefe 

Liebes kult!-Team! 

Soeben halte ich eure neue kult!-Ausgabe in den Händen und habe 

erstmal „quergelesen". Mal wieder einsame Spitze! 

Ich hätte einen Themenvorschlag: „Damals" – ab 1971– beschäftigte 

ich mich als 17-Jähriger – zusammen mit einigen Gleichgesinnten 

– mit der Super8-Schmalfilmerei. Wir drehten eigene Filme und 

beschäftigten uns auch mit der Technik (Filme schneiden, kleben etc., 

später auch Unterwasserfilmerei). Die fast besten und preisgünstigsten 

Geräte hatte damals Quelle mit der Marke Revue. (Meine Kameras: 

Revue S8 Sound De Luxe, später eine Beaulieu 3008, als Letzte ein 

NIZO 4080, zwischendurch eine Eumig-Nautica Unterwasserkamera. 

Die S8-Kassetten hatten übrigens nur eine Laufzeit von ca. 3,25 

Minuten für ca. 15 DM! 

Nur die S8-Filme mussten immer von Kodak sein! Die sind noch 

heute farblich okay – nach fast 45 Jahren! Das Thema Film hat 

mich bis heute nicht losgelassen – jetzt natürlich digital. Die 

S8-Schmalfilmgeschichte ist sehr interessant und hat viele Facetten; 

schließlich wurde sie von Video überrollt ...! Ich könnte mir vorstellen, 

dass das ein Thema für euch wäre. 

Ein weiteres Thema wäre sicherlich das Leben als Schüler in den 

70ern, stark beeinflusst von der Gesinnung der 68er-Generation und 

der Hippie-Kultur (ja! – wirklich!) mit der Hoffnung auf eine bessere 

„Let the Sunshine in"- und „Gleichheit für Alle"-Welt. 

Ich erinnere mich mit meinen Freunden und auch (!) Freundinnen 

(!) an ein freies Leben am FKK-Strand und Parties mit Gitarre und 

Rotwein am Lagerfeuer; wir lebten einen Traum – auch unter der 

Woche.Vietnam, die Todesschüsse auf John F. Kennedy und Martin 

Luther King zeigten uns dann das wahre Gesicht dieser Welt ... 

okay, das wär's erstmal. Weiter so! 

Lieber Gruß (von eurem treuen Abonnenten) Uwe Marx, Witzhave 

Hallo zusammen, 

gratuliere zur neuen kult!-Ausabe, lese sie immer von A bis Z durch 

und bin jedes Mal frustriert, wenn ich zur letzten Seite komme. Ja, 

so ist es. 

Ich freu mich aufs nächste GoodTimes und das nächste kult! 

Herzliche Grüße 

René Marty, Bülach, Schweiz 

Hallo Herr Leibfried, 

zunächst einmal ein ungeheuer großes Lob für Ihr Magazin und die 

gesamte Machart. Seit Ausgabe #2 bin ich nun dabei und erwarte 

jede weitere Ausgabe mit großer Spannung. Als ich Ihr Magazin zum 

ersten Mal in unserem Zeitschriftenladen entdeckt habe, war ich direkt 

hin und weg. Da man meine Hobbies wohl unter dem Gesamtbegriff 

„Nostalgie" betrachten kann, war Ihr Magazin natürlich DER Kracher 

für mich. Es ist eine richtige Wundertüte, mit jeder Menge Themen 

und Bereiche, und genau das macht es so interessant und spannend. 

Ob Sport, Mode, Musik, Spielzeug oder Autos, alle Themen werden 

abgedeckt und das auf sehr unterhaltsame und spannende Weise. 

Viele Dinge wurden in den letzten Jahren ja unter den Begriffen 

„Kult" und „Nostalgie" im TV oder sonstwo abgehandelt; zumeist 

aber immer sehr oberflächlich und ohne Inhalt. Bei Ihrem Magazin 

hat man jedoch das Gefühl, dass die Autoren das entsprechende 

Thema selbst als Hobby betreiben oder es zumindest ernst nehmen. 

Auch das Layout ist fantastisch, und die jeweilige Farbgebung zu den 

einzelnen Themen ist sehr passend gewählt. 

Anfangs habe ich befürchtet, dass ein weiteres Magazin es am Markt 

schwer haben würde und nach ein paar Ausgaben vermutlich Schluss 

wäre. Umso mehr hat es mich so gefreut, dass immer stetig weitere 

Ausgaben veröffentlicht wurden. Da ich auch ein großer Film-Comic- 

und Spielzeug-Fan bin, sind immer wieder tolle Artikel zu finden. 

Außerdem gibt es meines Wissens wohl kein weiteres Magazin mit 

so einem speziellen Schwerpunkt (Nostalgie), aber gleichzeitig so viel 

Themenfülle dazu. 

Puh, viel Lob, nicht wahr?! Nicht dass ich unglaubwürdig klingen 

möchte; aber wenn etwas sehr gut und vor allem mit viel Liebe zum 

Detail gemacht ist, muss man dies auch mal aussprechen. Betrachten 

Sie es als Form des früheren Leserbriefes (eigentlich doch auch eine 

Kategorie, über die es sich lohnen würde, mal nachzudenken, oder??). 

Zählen Sie mich auf jeden Fall weiterhin zu Ihren treuen Lesern, denn 

es ist immer ein Riesenspaß, die neueste Ausgabe durchzuforsten; bei 

dem Umfang habe ich tagelang etwas davon. Ich wünsche Ihnen, 

Ihren Mitarbeitern und allen, die sonst noch daran beteiligt sind, 

weiterhin viel Glück und vor allem weiterhin viel Erfolg mit kult! und 

hoffe noch auf viele Ausgaben! Die Vergangenheit war ja sehr lang, 

und da wartet sicher noch eine Unmenge von Themen auf uns. 

Mit allerbesten Wünschen und Grüßen, Lars Schumacher 

Werte Kult-Redaktion, sehr geehrter Herr Leibfried, 

Von Ihrem kult!-Magazin bin ich total begeistert. Als „Nostalgiker" liebe 

ich diese Wiederbelebung der 60er, 70er und 80er Jahre. Eben habe 

ich einige zurückliegende Hefte zugesandt bekommen, und die Freude 

geht mit mir wieder durch. Der bunte Mix von „alten" Schlagerstars, 

Autos, Spielzeugen, „Winnetou"-Filmen, Comics (als begeisterter 

Hansrudi-Wäscher-Fan hat mein Auto das Kennzeichen KR-AKIM 1), 

Musikern, alten TV-Serien, kultigen Getränken, und, und ... 

Ein unbedingtes Muss sind die Poster. Bitte nicht davon abweichen. Mit 

den Kaugummibildern haben Sie wieder „Neuland" betreten. Darüber 

würde ich gerne noch mehr erfahren. Und zu den Getränken möchte 

ich einen Vorschlag machen, und zwar zu „Libella". Hierzu meine 

ganz persönliche Geschichte: Erlauben Sie mir, kurz meine Liebe zu 

diesem nostalgischen Getränk zu erklären: Als kleiner Junge machte ich 

erstmals Ende der 50er Jahre Bekanntschaft mit „Libella". Mein Vater 

war Hafenarbeiter in Krems, das auch als das untere Tor der Wachau 

bezeichnet wird. Dort gab es in der Kantine diese Orangenlimonade. 

Meines Wissens verschwand sie anfangs der 60er Jahre vom Markt. Im 

Keller meines Elternhauses stand lange Zeit eine alte Holzsteige mit 

den gerillten, dunkelorangenen Flaschen, ehe sie auch entsorgt wurde. 

In den letzten Jahrzehnten kam ich öfter nach Deutschland. Und siehe 

da, auf der A3-Autobahn nach Köln zur InterComic überholte ich mal 

einen „Libella"-Transporter. Schlagartig wurde ich wieder an meine 

Kindheit erinnert. Obwohl ich mir fest vornahm, am Ziel nach „Libella" 

zu fragen, vergaß ich dann leider die Begegnung. Umso freudiger 

war ich überrascht, als ich vor rund zehn Jahren bei uns zu Hause 

in einem Tankstellenlokal eine „Libella"-Werbung entdeckte. Keine 

Frage, dass ich mir gleich ein Fläschchen bestellte und so den Kontakt 

zum Getränke-Hersteller fand. Inzwischen kaufe ich jedes Jahr einige 

Kisten mit diesem kultigen Getränk für besondere Anlässe, das 1951 in 

Deutschland auf den Markt kam und zwei Jahre später auch die Kinder 

in Österreich begeisterte. 

Viel Erfolg für die Zukunft wünscht Ihnen aus Österreich, 

Karl Aigner 

Sehr geehrter Herr Leibfried (und das GoodTimes-kult!-Team), 

als Comic-Fan habe ich mich über den Robert-Crumb-Tribute-Band 

sehr gefreut. Ich wünsche Ihnen (Euch) weiterhin viel Erfolg für 

GoodTimes-kult! Die Themenmischung ist immer gut gelungen, und 

ich freue mich schon auf die nächste Ausgabe. Besonders über die 

Artikel aus der Comic-Welt. 

Mit den besten Grüßen 

Helmut Tank, Marl 


Unter der Totenkopf-Flagge 

über die Weltmeere 

Es ist die große Zeit der „Gesamtausgaben „ : Beliebte Serien von einst, mit einem Wort 

Klassiker, werden als geschmackvolle Bücher neu aufgelegt, ergänzt um die eine oder 

andere optische Rarität und Kommentare zur Entstehungsgeschichte der Comics. Liebhabern 

des Genres eröffnet das die Chance, längst vergriffenes Material, mit dem womöglich 

nostalgische Eindrücke verbunden sind, 

erneut zu lesen. Dergestalt sind auch Titel der Reihe „Der Rote Korsar „ die 

, die 

nun in der Egmont Comic Collection ihre 

Wiederauferstehung feiern. 

sich 

auf eine Holzkrücke. Sie alle vereinen 

die Gier nach Gold und die stete 

Suche nach dem Schatz, der irgendwo an 

einem exotischen Platz vergraben liegt. 

Piraten, Freibeuter, Korsaren … Allein diese 

Begriffe lassen vor dem geistigen Auge 

unzählige Bilder entstehen. Spontan 

denkt man da an Bücher wie „Die Schatzinsel" 

von Robert Louis Stevenson oder an „Peter 

Pan" von James Matthew Barrie. Man erinnert 

sich an unzählige Filme wie „Der Herr der 

Sieben Meere" von Michael Curtiz mit Errol 

Flynn in der Hauptrolle, an Roman Polanskis 

„Piraten" mit Walter Matthau oder in der jüngeren 

Vergangenheit an „Fluch der Karibik" 

mit Johnny Depp. Long John Silver, Captain 

Hook, Geoffrey Thorpe, Captain Red und Jack 

Sparrow heißen die wilden Gesellen, die dafür 

sorgten, dass im allgemeinen Bewusstsein ein 

schwärmerisches Bild vom Seeräuber verankert 

ist. Kauzige Typen, gelegentlich einen 

In der Nr. 414 von „Pilote „ vom 28. Oktober 

1965 startet das Abenteuer „La Mission secrète 

de l’Épervier „ / „In geheimer Mission „ . 

sprechenden Papagei auf der Schulter, 

mit oder ohne Augenklappe, den Kopf 

mal prunkvoll mit Federhut geschmückt, mal 

schäbig mit Kopftuch bedeckt, wecken die 

Sehnsucht nach 

Freiheit und 

nach dem großen 

Abenteuer. 

Geschickt führen 

sie den Säbel in 

der Hand, sofern 

diese nicht durch 

einen eisernen 

Haken ersetzt 

werden musste, 

und schwingen 

sich gewandt 

Jean-Michel Charlier 

durch die Takelage. Besonders malträtierte 

t 

Draufgänger tragen ein Holzbein oder stützen 

Das 

große Abenteuer war eine Disziplin, 

mit 

der sich auch Jean-Michel Charlier, 

geboren am 30. Oktober 1924 in 

Lüttich, gestorben am 10. Juli 1989 

in Paris, bestens auskannte. Mehr als 

450 Drehbücher und Texte für Comics, 

Radio- und Fernsehsendungen, Magazine 

und Romane hat er verfasst und steht damit 

im Ruf, einer der produktivsten und einfallsreichsten 

europäischen Autoren seines Fachs 

gewesen zu sein. Nicht nur die Fliegerhelden 

„Buck Danny" und „Tanguy und Laverdure" 

sowie den tollkühnen „Leutnant Blueberry" 

hat er ersonnen, 

auch „Barbe 

Rouge", der in 

der deutschsprachigen 

Fassung 

zu „Der Rote 

Korsar" wurde, ist 

seiner 

Fantasie 

entsprungen. 

Die Kaperfahrten 

des Teufels der 

Karibik, der mit 

Victor Hubinon 

seiner 

wilden 

Crew die Weltmeere unsicher macht, entstanden 

einst für das französische Jugendmagazin 


Das Skript von Charlier und die gezeichnete Seite von Hubinon. Notiert ist, dass Baba das „r „ nicht spricht. 

„Pilote", das Charlier zusammen 

mit den „Asterix"-Vätern René 

Goscinny (1926–1977) und Albert 

Uderzo (*1927) ins Leben rief und 

über Jahre als Chefredakteur leitete. e. 

„Rotbart", wie der Titelheld eigentlich 

in Anlehnung an den englischen 

Piraten Blackbeard heißt, 

gehörte von der Erstausgabe vom 

29. Oktober 1959 an zu „Pilote" 

und galt als eine der beliebtesten 

realistischen Serien im Heft. 

Großen Anteil daran hatte Victor 

Hubinon (1924–1979), der die 

Skript-Vorgaben in wirkungsvollen 

Bildfolgen zu 

Papier brachte. Bis zu seinem 

Lebensende gestaltete 

der belgische Zeichner 

zum Thema 18 Alben, 

die heute einen gewissen 

Kultstatuts genießen 

und tatsächlich auch die 

besten in der Serie 

sind. 

(Dennoch 

sei erwähnt, dass 

„Barbe 

Rouge" 

von 

anderen 

Autoren wie Jijé, 

Christian 

Gaty, 

Patrice 

Pellerin 

oder 

Marc 

Bourgne bis ins 

Jahr 2004 fortgeführt 

wurde, 

ohne dass diese 

dem Stoff aber 

die 

verspielte 

Leichtigkeit der frühen 

Jahre zurückgeben 

konnten.) 

Die Comic-Serie „Der 

Rote Korsar" beginnt im 

Jahr 1715 irgendwo in der 

Karibik mit dem Überfall 

des 

Seeräuberschiffs 

Schwarzer Falke auf eine 

spanische 

Galeone. 

Von deren Besatzung 

bleibt nur ein kleiner 

Junge am Leben, den 

der Freibeuter adoptiert. 

In ihm wähnt 

der Anführer der unter der 

Totenkopf-Flagge segelnden 

Teufelskerle seinen 

Nachfolger. Zu diesem Zweck lässt 

er 

ihn vom gebildeten Dreifuß (mit 

Holzbein und Holzkrücke) und dem 

bärenstarken Baba (mit dem für 

Kreolen typischen 

Sprachfehler) erziehen. 

Doch dann 

kommt es ganz 

anders: Rick (im 

Original: Éric) sieht 

sich nicht zum 

Piraten berufen. Aus 

dieser Konstellation 

heraus 

entwickelt 

Charlier einen Spannungsbogen 

in epischer Breite, der die beiden 

zentralen Figuren mitunter als 

Widersacher, meist aber vereint 

im Kampf gegen die Engländer 

und Spanier im Dienst des französischen 

Königs sieht. Wie in 

den Fortsetzungs romanen alter 

Prägung, von denen Charlier 

zeitlebens begeistert war, lässt 

er seiner Fantasie freien Lauf 

und zieht damit den Leser in 

Bann. 

In Deutschland erschien „Der 

Rote Korsar" erstmals 1970/71 

in der gleichnamigen, 15 Titel 

umfassenden Heftreihe im Bastei 

„Der Rote Korsar – Gesamtausgabe „ 

erschienen im Egmont Ehapa Verlag 

Verlag. Allerdings litt diese Ausgabe unter 

dem Zusammengeschnippel der Originalseiten 

und einer recht dümmlichen Textbearbeitung. 

Sehr viel mehr Lesevergnügen bereiteten die 

von Carlsen veröffentlichten Alben zwischen 

1985 und 1993. Kult Editionen legte diese 

Der erste von vielen weiteren gescheiterten 

Piraten-Überfällen in „Asterix als Gladiator „ . 

mit kartoniertem Umschlag ab 1996 teilweise 

noch einmal neu auf, ergänzt um die bis 

dahin unveröffentlichten Bände sowie fünf 

Titel in der Reihe „Die Jugend des Roten 

Korsaren". Mit der 2013 in der Egmont 

Comic Collection gestarteten 

Gesamtausgabe – zwei Bücher 

sind bereits erschienen, ein drittes 

ist für 2014 angekündigt 

– segelt „Der Rote Korsar" nun 

unter demselben Verlagssignet 

wie „Asterix". Das passt eigentlich 

ganz gut zusammen, denn 

ihre große Popularität haben 

der rotbärtige Käpt'n mit der 

Augenklappe, Dreifuß und 

Baba nicht zuletzt den beiden 

Galliern Asterix und Obelix 

zu verdanken. Was ursprünglich 

als einmaliger Witz von 

René Goscinny gedacht war, ihr 

Auftritt im Band „Asterix als 

Gladiator", wuchs sich nämlich 

zu einem Running Gag aus. 

Bedeutsamer Unterschied: 

Während die Schrecken der 

Meere im Original von Charlier- 

Hubinon heldenhaft in Szene 

gesetzt sind, müssen sie in 

den „Asterix"-Bänden ein ums 

andere Mal die Segel streichen 

... 

Horst Berner 

Abb.: © Dargaud 2014, by Charlier and Hubinon / 2014 Egmont Comic Collection 


VALERIAN & VERONIQUE 

Reisen in neue 

Dimensionen 

Abbildungen: © Carlsen-Verlag 

„Vor uns hatte niemand Abenteuer wie diese erzählt. In dieser 

Serie ist einfach alles möglich, und jedes neue Album 

bringt uns dorthin, wo wir es wollen." Daß sein Zeitreisen- 

Comic „Valerian & Veronique" über zwei Agenten des „Raum- 

Zeit-Service" für das Genre bahnbrechend sein 

würde und künftig Kultstatus erlangen sollte, hat 

Zeichner Jean-Claude Mézières vor fast einem halben 

Jahrhundert allerdings nicht voraußehen köen. 

Zeitsprung ins Jahr 1967: Es ist der 9. November. Im französischen 

Comic-Magazin „Pilote" schlägt den beiden 

Raum-Zeit-Agenten Valerian und Veronique die Geburtsstunde. e. 

Sie treffen erstmals auf Seite 11 des ersten Abenteuers 

aufeinander, als Valerian ins Frankreich des Jahres 

1000 geschickt wird. Zwar haben Zeichner Jean- 

Claude Mézières und Texter Pierre Christin „Schlechte 

Träume" gar nicht als Fortsetzungsgeschichte angelegt, 

sondern als abgeschlossene Episode. Erzählstil 

und Zeichenstrich weisen noch nicht die Meisterschaft 

späterer Werke auf. Doch schnell wird deutlich, Figuren 

und Setting besitzen Potenzial für eine ganze Reihe. 

Und so erhalten die beiden Agenten, 

die von Galaxity aus operieren, der 

Hauptstadt der Zukunft, schon bald neue Aufträge, 

das Gleichgewicht der Galaxie wiederherzustellen. 

Das zentrale Motiv der Zeitreise wirkt als Thema 

natürlich auch noch nicht so abgenutzt wie heute, 

allerdings ist es keinesfalls neu: So kreierte H.G. Wells 

bereits 1895 in seinem epochemachenden Roman 

„The Time Machine" den plausiblen Prototypen des 

Zeitreisenden, der zahlreiche Nachahmer fand. In 

„Valerian & Veronique" entpuppt sich die technische 

Möglichkeit, it die Zeit selbst zu überwinden, jedoch nicht als plumper 

Selbstzweck. Die Geschichten haben einen durchaus philosophischen 

Ansatz: So findet sich das Duo in totalitären Systemen wieder, wo 

Klassenkampf und soziale 

Ungerechtigkeit herrschen, 

oder sie greifen 

in Machtkämpfe 

außerirdischer 

Staatsformen ein. 

Doch wie weit 

weg sie sich auch 

Die Apokalypse im Jahr 1986: Typisch für das Zeitalter, in 

dem die Comicfi guren entstanden, ist der Weltuntergang 

auf eine Atomkatastrophe zurückzuführen. 

© Rita Scaglia/DARGAUD 

Jean-Claude Mézières 


Ein Duo, das die künftige Entwicklung der Gleichstellung von Mann und 

Frau vorwegnahm: " 

Valerian & Veronique". 

von ihrem Heimatplaneten entfernen: Dem geneigten Leser 

entgehen die Ähnlichkeiten mit vertrauten Systemen nicht. 

Die Begegnungen mögen außerirdisch sein – die treibende 

Kraft hinter der Erzählung ist stets der Humanismus. 

Zeitsprung ins Jahr 1977: Mézières wohnt einer Vorabaufführung 

von „Star Wars" bei. Die Parallelen zwischen dem Film und seinen 

Comics bezüglich Kostümen, Design etc. entgehen ihm nicht. 

Fast scheint es so, als habe George Lucas „Valerian & Veronique" 

als Blaupause für sein eigenes Universum genommen. Zahlreiche 

Anleihen sind, bei strenger Auslegung, fast gar an der Grenze 

zum Plagiat. Auch wenn das allenfalls unterbewusst geschah, 

veranschaulicht es doch eindrucksvoll, dass die Comicserie aus 

Frankreich, die es schnell zu internationalem Ruhm gebracht hatte, 

die Sehgewohnheiten maßgeblich beeinflusste und zu Recht als 

vielleicht i bester Science-Fiction-Comic gilt. 

Zurück ins Jahr 1967: Das öffentliche Leben 

in Frankreich wird zwar immer noch von der konservativen 

Regierung Charles De Gaulles bestimmt, 

doch ist bereits ein Flackern am Horizont zu erkennen. 

Das erste Abenteuer Valerians und Veroniques 

entsteht quasi am Vorabend der Kulturrevolution 

von '68: So nehmen die beiden Schöpfer der 

Comics mit der Figur der charmanten Veronique 

(im Original hieß sie Laureline, was die deutschen 

Übersetzer wohl als zu sperrig empfanden) etwa 

die Gleichstellung der Frau vorweg. Denn Veronique ist – entgegen der 

typischen Frauenrolle in diesem Genre – nicht nur eine ansehnliche 

Zugabe, sondern gleichberechtigte Partnerin von Valerian, ist dem eher 

sachlich veranlagten Valerian intellektuell sogar überlegen. 

Was allerdings nicht heißt, dass sie ihren engen Raumfahrer- 

Dress nicht ab und zu doch abstreifen würde, allerdings nicht 

so häufig, wie das beispielsweise Barbarella tut. Nacktheit ist 

in der Zukunft eben eine ganz natürliche Sache, und auch die 

männliche Hauptfigur ist mitunter so zu sehen, wie Gott – 

pardon –, wie Mézières und Christin ihn schufen ... 

Zeitsprung ins Jahr 1972: Die beiden Zeitreisenden erreichen 

Deutschland. Im neugegründeten Magazin „Zack" werden die 

Geschichten um das ungleiche Agentenpaar als Fortsetzungen 

abgedruckt. Ab 1978 publiziert sie dann der Carlsen Verlag, der 

seit 2013 eine ansprechende Gesamtausgabe herausgibt. 

So entstehen in 40 Jahren insgesamt 20 

Alben. Und was Pierre Christin, der Texter, 

einst postulierte, hat in all diesen Jahren 

seine Gültigkeit behalten: „Science-Fiction 

ist eine wunderbare Möglichkeit, der 

Wirklichkeit zu entfliehen." 


Piee Christin 

© Pressefoto

Wir können Musik! 

Alle zwei 

Monate 

NEU! 

Auch als eMagazine 

erhältlich. 

Nr. 2/2014 

Nr. 1/2014 Nr. 6/2013 

Nr. 5/2013 

Nr. 4/2013 

Nr. 3/2013 

Nr. 2/2013 


NikMa Verlag · Eberdinger Straße 37 · 71665 Vaihingen/Enz · E-Mail: goodtimes@nikma.de

45 JAHRE – DIE KULTSHOW! 

ZDF hitparade 

Uwe Hübner präsentiert 

DIE ECHTEN HITS 

„Ich wünsche viel Spaß mit meiner 

ganz persönlichen Zusammenstellung der 

ZDF Hitparade!“ 

Als 3DVDund 

3CD-Set, 

jetzt überall 

erhältlich! 

www.sonymusic.de

kult! ZDF Hitparade (Vorschau)

Sie wollen auch ein ePaper? Erhöhen Sie die Reichweite Ihrer Titel.

Template löschen?

Als Template speichern?