Programmheft - Badisches Staatstheater Karlsruhe

12/13
AHRES-
REGENTEN
HARTMANN POULENC WAGNER
4. sonderKONZERT

Hartmann Poulenc Wagner
4. SONDERKONZERT
Karl Amadeus Hartmann Sinfonie Nr. 4 34’
(1905 – 1963)
I. Lento assai – con passione
II. Allegro di molto, risoluto
III. Adagio appassionato
Francis Poulenc Konzert für Orgel, Streicher und Pauken g-Moll 26’
(1899 – 1963)
I. Andante
II. Allegro giocoso
III. Subito Andante moderato
IV. Tempo Allegro, molto agitato
V. Très calme. Lent
VI. Tempo de l‘Allegro initial
– Pause –
Richard Wagner Träume für Solo-Violine mit Orchesterbegleitung 5’
(1813 – 1883) bearbeitet von Richard Wagner
Stephan Skiba Solo-Violine
Richard Wagner Siegfried-Idyll für Orchester 19’
BADISCHE STAATSKAPELLE
Carsten Wiebusch Orgel
Axel Schlicksupp Moderation
Brandon Keith Brown Dirigent
19.4.13 19.00 CHRISTUSKIRCHE
Dauer ca. 2 Stunden

JAHRES-
REGENTEN
Die Pflege der Musik Richard Wagners in
Karlsruhe ist untrennbar mit dem Namen
Felix Mottl verbunden, Hofkapellmeister von
1880 bis 1903 und regelmäßiger Dirigent bei
den Bayreuther Festspielen, wo er in elf
Festspielperioden zwischen 1886 und 1906
insgesamt 69 Aufführungen leitete. In der
Ära Mottl verdiente sich das Karlsruher Theater
den Ruf als „Klein-Bayreuth“, denn auch
große Teile des Orchesters und zahlreiche
Solisten der Hofoper wirkten ebenso regelmäßig
bei den Festspielen mit. Mottls letzter
Auftritt als Karlsruher Hofkapellmeister fand
nicht im Orchestergraben des Hoftheaters,
sondern am 17. Oktober 1903 bei einem Sonderkonzert
der damaligen Hofkapelle statt –
in der drei Jahre zuvor eröffneten Christuskirche
am Mühlburger Tor. Hier spielte die
Hofkapelle regelmäßig außerhalb des Abonnements,
vor allem geistliche Werke.
110 Jahre später kommt die STAATSKAPELLE
wieder mit einem Sonderkonzert in die Christuskirche,
natürlich auch mit Werken des von
Felix Mottl so sehr geschätzten Jubilars
Richard Wagner. Das Jahr 2013 ist jedoch
nicht nur das Jahr des 200. Geburtstages
der Jahresregenten Wagner und Giuseppe
Verdi, sondern wir gedenken neben anderen
auch des 50. Todestages von Francis Poulenc
und Karl Amadeus Hartmann. Musik
dieser beiden nicht alltäglich zu hörenden
Komponisten formt den ersten Teil des
heutigen Konzerts.
Karl Amadeus Hartmann wurde 1905 als
jüngster von vier Söhnen in eine Münchner
Künstler-Familie geboren. Beide Elternteile
hatten großes Interesse an Musik und Literatur
und erzogen ihre Kinder entsprechend.
Karl Amadeus zeigte bereits sehr
früh musikalisches Talent und wurde entsprechend
gefördert. Nach dem Abbruch
seiner Ausbildung als Lehrer wurde er an
der Münchner Akademie der Tonkunst aufgenommen,
wo er Posaune und Komposition
studierte. Während seiner Zeit als Posaunist
im Bayerischen Staatsorchester
2 Karl Amadeus Hartmann

entstanden erste Kompositionen für das
Opernstudio der Staatsoper und für die
„Juryfreien“, eine nicht an Richtungen gebundene
künstlerische und kunstwirtschaftliche
Vereinigung, die offene und
unzensierte Ausstellungen mit zeitgenössischen
Kunstwerken veranstaltete. Hier
fühlte sich der politisch links stehende und
freiheitsliebende Hartmann aufgehoben unter
Seinesgleichen.
Wie für so viele Künstler seiner Zeit bedeutete
die Machtergreifung durch die Nationalsozialisten
einen entscheidenden Einschnitt
in seinem Wirken. Geplante und bereits angesetzte
Aufführungen wurden abgesagt, da
die neuen Machthaber die Musik des erklärten
Nazi-Gegners sofort auf den Index setzten.
So kamen seine ersten großen Orchesterwerke
im Ausland zur Premiere,
beginnend mit der sinfonischen Dichtung
Miserae 1935 in Prag, gewidmet „meinen
Freunden, die hundertfach sterben mußten,
die für die Ewigkeit schlafen, wir vergessen
Euch nicht.“ Zum großen Fürsprecher der
Hartmannschen Musik wurde der Uraufführungsdirigent
Hermann Scherchen, der für
Hartmann ein wichtiger musikalischer Berater
wurde und den er mehrfach in der
Schweiz besuchte.
Trotz dieser Reisen, Kontakte und Aufführungen
bleib Hartmann jedoch seiner Heimat
München verbunden. Ein Umzug ins Ausland
kam für ihn nicht in Frage, doch zog sich der
Komponist in die „Innere Emigration“ zurück,
er komponierte ohne zu veröffentlichen und
entzog sich allen Zugriffsversuchen durch
die „Reichsmusikkammer“. Sogar Unterricht
nahm er noch einmal, 1942 besuchte er Anton
Webern in Wien zu privaten Studien.
Durch die finanzielle Unterstützung seiner
Schwiegereltern konnte Hartmann die Jahre
bis zum Ende des Kriegs in der Abgeschiedenheit
seines Domizils am Starnberger See
unbeschadet überstehen.
Nach München zurückgekehrt, gründete
Hartmann noch 1945 die heute noch bestehende
Konzertreihe für moderne Musik „Musica
Viva“, seit 1948 in Trägerschaft des Bayerischen
Rundfunks. Gleichzeitig widmete er
sich der Überarbeitung seiner im „Inneren
Exil“ entstandenen Kompositionen, die teilweise
gänzlich aufgelöst und neu zusammengefügt
wurden. Dies gilt vor allem für
seine acht Sinfonien, drei davon komponierter
er sogar komplett neu. Warum aber überhaupt
Sinfonien, diese scheinbar doch „ausgestorbene“
Gattung absoluter Musik?
Hartmann als durchaus programmatischer
und bekenntnishafter Komponist sah dies
nicht als Widerspruch, seine Entscheidung
für die sinfonische Form ist an sich schon
programmatisch: Nicht nur im Sinne des Anknüpfens
an eine Tradition, sondern als Bekenntnis
zu dem der Form spätestens seit
Beethoven bis hin zu seinem Idol Mahler innewohnenden
Humanismus, zu Toleranz und
Widerstand gegen alle Formen der Tyrannei.
Eine Überarbeitung einer früheren Komposition
ist auch die 4. Sinfonie, die schließlich
1948 in München zur Uraufführung kam.
Zehn Jahre zuvor hatte Hartmann eine Sinfonie
für Streichorchester und eine Sopranstimme
komponiert, deren dritter Satz aus
der Vertonung des Gedichts „Epitaph auf einen
Krieger“ bestand. Diesen Satz eliminierte
er bei der Umarbeitung und ersetzte ihn
durch einen rein instrumentalen. Die Dreisätzigkeit
behielt er bei, jedoch in der eher ungewöhnlichen
Satzfolge langsam – schnell
– langsam. Die reine Streicherbesetzung ist
keineswegs als neoklassizistische Hinwendung
zur Sinfonik des 18. Jahrhunderts zu
verstehen, vielmehr bedeutet sie für Hartmann
eine Konzentration durch Reduktion.
4

Ziel ist die Unmittelbarkeit und völlige Ungehemmtheit
des Ausdrucks – von expressivem,
trauervollem Ernst über aggressive
Rhythmik bis hin zu intensiver Leidenschaft.
Die ungewöhnliche Satzfolge gibt besonders
den beiden langsamen Sätzen starkes Gewicht,
noch verstärkt durch den Kontrast mit
dem ostinaten und in einem wilden „tumultuoso“
endenden Mittelsatz. Das im abschließenden
Adagio wieder auftauchende Hauptthema
des ersten Satzes bildet den Rahmen
einer sich nicht an ein formales Gerüst anlehnenden
Komposition, die vielmehr aus
sich selbst zu entstehen scheint – und somit
typisch ist für die unabhängige und unorthodoxe
Schreibweise Hartmanns, der sich trotz
vielfältiger Einflüsse immer seine absolute
Eigenheit bewahrt hat.
Unverwechselbar ist auch der Personalstil
Francis Poulencs, der sich einmal selbst als
„Mischung aus Mönch und Straßenjunge“
bezeichnet hat. Geboren 1899 in eine musikalische
Familie in Paris, erhielt er schon in jungen
Jahren Klavierunterricht und wurde
schließlich mit 22 Schüler Charles Koechlins,
obwohl er die Aufnahmeprüfung am Pariser
Konservatorium nicht bestanden hatte. Das
mag ein Grund gewesen sein, dass er erst
einmal unter dem Vorurteil stand, ein „Amateur“
zu sein, den man nicht ernst nehmen
müsse. Durchaus ernst nahmen ihn jedoch
Kollegen, die sich einer neuen, leichten und
gegen den in Frankreich vorherrschenden
Impressionismus wendenden Tonsprache
bedienten. Bereits 1920 formierte Poulenc
mit Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger,
Darius Milhaud und Germaine Tailleferre
die „Groupe des Six“ – unter der Mentorenschaft
von Erik Satie und mit Jean
Cocteau als intellektuellem Kopf. Dieser gab
auch den Leitsatz für die künftige kompositorische
Arbeit aus: „Schluss mit den Wolken,
Wogen, Aquarien, den Undinen und nächtlichen
Düften – was wir brauchen ist Musik,
die auf der Erde zu Hause ist, eine Musik für
alle Tage ... vollendet, rein, ohne überflüssiges
Ornament ...“.
Die Groupe des Six traf sich regelmäßig,
richtete gemeinsam Veranstaltungen aus,
doch musikalisch ging jedes Mitglied seinen
eigenen Weg. Dabei verwirklichte Poulenc
wohl mit der größten Konsequenz die Ideen
Cocteaus einer „bodenständigen“ Musik von
großer Klarheit, jedoch immer auch verbunden
mit luftiger Eleganz. Er spielt dabei mit
Vorbildern aus der Gebrauchsmusik, aus der
populären Musik der Varietés, des Zirkus
oder des Jazz, aber durchaus auch mit Vorbildern
aus der „ernsten“ Musik. Spielerisch
und dennoch geistreich fügt er eigentlich heterogen
erscheinende Stile zusammen – und
erreicht damit einen ganz eigenen, unverkennbaren
Personalstil.
Genauso unbekümmert wie mit Stilen und
Vorbildern ging Poulenc mit den überkommenen
Formen um. Obwohl er ja das Komponieren
nie wirklich von Grund auf gelernt hatte,
wagte er sich im Laufe seines Lebens an fast
jedes Genre heran: Er schrieb Kammermusik,
Opern, Bühnenmusiken, Ballette, Lieder und
auch sakrale Musik. Zur geistlichen Musik
fand er allerdings relativ spät, erst durch den
tödlichen Unfall seines Freundes schlug sich
eine wiedererwachte tiefe Religiosität auch
in seinem kompositorischen Schaffen nieder.
Es entstanden Werke wie die Litanies à la
Vierge Noire, zu hören im 4. Sinfoniekonzert
der kommenden Saison, oder eben auch das
Konzert für Orgel, Streichorchester und Pauken
von 1938 – dem gleichen Entstehungsjahr
wie dem der Erstversion von Hartmanns
4. Sinfonie.
Poulencs Orgelkonzert ist mit Sicherheit kein
sakrales Werk im reinen Sinn, doch fiel ihm
5

ei diesem Werk die sonst so leicht von der
Hand gehende Vermischung von Stilen und
Formen nicht so leicht. Zunächst hatte er mit
der Orgel als Konzertinstrument auch wenig
im Sinn gehabt, er wurde erst durch die Anregung
einer reichen Pariser Mäzenin auf das
Projekt aufmerksam. Prinzessin Winaretta de
Polignac, eine Tochter des Nähmaschinenfabrikanten
Isaac Singer, unterhielt im Paris der
20er- und 30er-Jahre einen einflussreichen
Salon, in dem sich fast die komplette französische
Geistes- und Kunstwelt traf und wo
auch zahlreiche selbst in Auftrag gegebene
Werke zeitgenössischer Komponisten uraufgeführt
wurden. Die Amerikanerin war eine
große Mäzenin des französischen Musiklebens
zwischen den Weltkriegen – und sie
hatte auch die Idee zu einem Orgelkonzert,
das ursprünglich Jean Françaix hätte schreiben
sollen. Als dieser wegen Überarbeitung
ablehnte, kam Poulenc ins Spiel, der gerade
sein Konzert für zwei Klaviere im Auftrag der
Prinzessin vollendet hatte.
Poulenc setzte sich 1936 zum ersten Mal an
die Komposition, tat sich damit aber ziemlich
schwer und ließ den Stoff erst einmal ein
volles Jahr liegen. Erst ein weiteres Jahr
später konnte er an die Auftraggeberin
schreiben: „Endlich erhalten Sie Ihr Konzert.
Das Wort ‚endlich‘ resümiert für mich die
Freude darüber, dass ich mit meinem Gewissen
gänzlich im Reinen bin, mehr noch, mit
meinem künstlerischen Gewissen, denn das
Werk ist jetzt wirklich auf den Punkt gebracht
– niemals seit ich Musik schreibe,
habe ich solche Probleme gehabt, meine
Ausdrucksmittel zu finden.“
Zum Glück lässt das Ergebnis die Geburtswehen
nicht spüren. Meisterhaft gelingt es
dem Komponisten, den großen Spannungsbogen
zwischen tiefer Innerlichkeit und extrovertiertem
Prunk mit Charme, Witz und
Humor zu verbinden und zu vereinen. Poulenc
selbst räumte dem Konzert einen wichtigen
Platz in seinem Gesamtwerk ein:
„Wenn man eine genaue Vorstellung von
meiner seriösen Seite haben will, muss man
sich dieses Werk anschauen, ebenso wie
meine religiösen Werke.“ Bei der Uraufführung
wurde das Konzert jedoch eher reserviert
aufgenommen, offensichtlich war der
Schöpfer mit diesem Werk seiner Zeit voraus:
Den Traditionalisten war er damit zu modern,
die Avantgarde kritisierte die Anklänge
an klassische Vorbilder. Selbst heute noch
findet das Orgelkonzert in zahlreichen Konzertführern
keine Erwähnung. Inzwischen
gehört es aber trotzdem zu den meistgespielten
Werken seines Schöpfers und hat Eingang
in den Kanon der wichtigsten Konzerte
für die Orgel gefunden – und auch Poulenc
selbst fand seinen Platz als herausragende
französische Musikerpersönlichkeit zwischen
Impressionismus und Moderne.
Was Francis Poulenc mit Karl Amadeus Hartmann
verbindet, ist der Widerstand gegen
das Nazi-Regime. Poulenc zog sich jedoch
nicht in eine „Innere Emigration“ zurück,
sondern wirkte im Sinne der Résistance, die
im Untergrund gegen die deutschen Besatzer
aktiv war. Poulenc wurde Mitglied der
„Front National des Musiciens“ und veröffentlichte
zahlreiche Kompositionen, in denen
er gegen den Nationalsozialismus und
die Besatzung Stellung bezog – offen wie in
der Vertonung von Gedichten des Kommunisten
Paul Eluard, versteckt durch Zitate
und Anspielungen wie in seinem Ballett Les
Animaux modèles, wo er das Widerstands-
Lied Non, non, vous n‘aurez pas notre Alsace-Lorraine
zitiert. Außerdem trat er für
jüdische Kollegen wie Darius Milhaud ein.
Richard Wagners Träume ist das fünfte der
Klavierlieder, die er 1857 im Züricher Exil als
6 Francis Poulenc

Gast des Industriellen Otto Wesendonck auf
Gedichte von dessen Frau Mathilde zu schreiben
begann, die der damals noch mit Ehefrau
Minna verheiratete Wagner heiß begehrte.
Man kennt das Lied vor allem in der Orchestrierung
des ehemaligen Karlsruher Hofkapellmeisters
Felix Mottl für Singstimme und großes
Orchester, doch existiert es als einziges
im Zyklus auch in einer Orchestrierung durch
des Meisters eigene Hand. Offensichtlich
plante Wagner jedoch nicht, den kompletten
Zyklus für Orchester zu setzen, denn seine
Instrumentation der Träume entstand für
Solo-Violine und Kammerorchester. In dieser
Version wurde es auch unter Leitung des
Komponisten uraufgeführt, zu Mathildes
Geburtstag am 23. Dezember 1857.
Träume ist wie die anderen Wesendonck-
Lieder eng mit der Entstehung von Tristan
und Isolde verbunden, einem Stoff, mit dem
sich Wagner schon seit Dresdner Tagen trug.
Aber erst der Besuch des Karlsruher Intendanten
Eduard Devrient in Zürich, der Wagner
im Namen von Großherzog Friedrich I.
die Uraufführung einer neuen Oper anbot,
beflügelte Wagners Entscheidung und er
legte Siegfried beiseite, um sich dem neuen
Stoff zu widmen. Bis September 1857 schrieb
er die Textvorlage, und parallel entstanden
die den Geist und Stil des Tristan lebenden
Wesendonck-Lieder, von Wagner sogar teilweise
explizit als „Studien zu Tristan und
Isolde“ bezeichnet. Trotz vieler Verhandlungen
und weitreichender Planungen fand die
Uraufführung des Tristan dann doch nicht in
Karlsruhe statt – aber immerhin kommt heute
eine Vorstufe dieses epochalen Werks an
den einst vorgesehenen Ort.
Den Siegfried ließ Wagner dann ganze zwölf
Jahre ruhen, neben Tristan entstanden in
dieser Zeit auch noch die Meistersinger.
1869 komponierte er ihn endlich zu Ende, die
Instrumentierung sollte sich gar noch bis
1871 hinziehen. Motive daraus verwendete
er für das farbenfrohe Siegfried-Idyll, das
1870 heimlich zu Ehefrau Cosimas 33. Geburtstag
in Erinnerung an die Geburt ihres
Sohnes Siegfried entstand. Mitglieder des
Zürcher Tonhalle-Orchesters führten es als
Geburtstagsüberraschung für Cosima im
Tribschener Haus auf: „Tribschener Idyle /
mit Fidi-Vogelsang und Orange-Sonnenaufgang
/ als / Symphonischer Geburtstagsgruss
/ Seiner Cosima / Dargebracht / von /
Ihrem Richard / 1870“.
Nicht zuletzt wegen dieser persönlichen
Widmung behielt Cosima das Geschenk
auch lange für sich und verhinderte eine
Veröffentlichung, selbst ihr Ehemann durfte
es nur in zwei weiteren geschlossenen Veranstaltungen
aufführen. Endlich im Druck
erschienen, entwickelte es sich zu einem
der populärsten Werke des Opernrevolutionärs
für den Konzertsaal. Dies liegt sicherlich
am fast durchgängig beschaulich-lyrischen
Charakter des Werks, aber auch an
der bruchlosen Verbindung der an sich eher
heterogenen Themen und Motive, die er aus
der Opernvorlage übernahm. Auch wenn
man vieles wiedererkennt, entgeht die Komposition
doch der Gefahr, ein reines Opernpotpourri
darzustellen. Trotz der eindeutigen
Anklänge ist das Siegfried-Idyll eine sinfonische
Dichtung „en miniature“, die die Themen
und Motive so heiter und abgeklärt miteinander
verwebt, dass ein ganz eigenes
Werk entsteht. Ursprünglich trug sich Wagner
noch mit weiteren sinfonische Plänen,
doch kamen diese über das Ideenstadium
nicht hinaus – das Siegfried-Idyll blieb also
einzigartig.
8
Richard & Cosima Wagner

Carsten Wiebusch
Orgel
Carsten Wiebusch studierte an den Musikhochschulen
Düsseldorf und Stuttgart sowie
an der Folkwanghochschule in Essen. Dabei
gehörten Hans-Dieter Möller und Jon Laukvik
(Orgel), Ralf Otto (Dirigieren) und Thomas
Palm (Klavier) zu seinen prägenden Lehrern.
Er errang Preise bei internationalen Orgelwettbewerben
(u. a. Johann-Sebastian-
Bach-Preis Wiesbaden, 1. Preis 1995) und
konzertierte in zahlreichen europäischen
Ländern, in Russland und den USA. 1993–99
war er Organist an der spätromantischen
Walcker-Orgel in Essen-Werden.
10
Seit 1999 ist Wiebusch Kantor und Organist
der Christuskirche Karlsruhe. Neben einer
umfangreichen Orgelkonzerttätigkeit (Gesamtaufführung
des Bach’schen Orgelwerkes
etc.) leitet er an der Christuskirche den
Oratorienchor Karlsruhe und den Kammerchor,
der sich einen hervorragenden Ruf als
einer der führenden Chöre der Region erworben
hat und bei Festivals wie den Moselfestwochen
oder den Karlsruher Händel-Festspielen
zu Gast war. Carsten Wiebusch hat
bereits sowohl nahezu alle wichtigen Oratorien
wie auch eine Reihe Karlsruher Erstaufführungen
(Messiaen, Tippett u. a.) dirigiert.
Schwerpunkte seines Repertoires bilden die
Werke Bachs, Regers, der französischen
Romantik und der klassischen Moderne.
Mehrere Komponisten schrieben Werke für
ihn, zuletzt spielte er 2012 eine Uraufführung
Wolfgang Rihms. Seit 2000 unterrichtet er an
der Musikhochschule Karlsruhe.

Brandon KEITH Brown
Dirigent
Brandon Keith Browns Abschlusskonzert als
3. Preisträger des Dirigentenwettbewerbs
Sir Georg Solti 2012 mit dem hr-Sinfonieorchester
kommentierte der Klassik-Publizist
Norman Lebrecht mit „…the stand-out audience
favourite…”. Von den Wiener Philharmonikern
als Stipendiat des Operncamps
ausgewählt, war er 2012 bei den Salzburger
Festspielen zu Gast. Im Februar desselben
Jahres gab er sein New York Debüt mit dem
Manhattan School of Music Symphony Orchestra.
Darüber hinaus arbeitete Brown mit
dem Fort Worth, dem Cincinnati und dem Baltimore
Symphony Orchestra, dem Tonhalle
Orchester, dem Danish National Symphony
Orchestra und dem Orchestra of the Age of
Enlightenment. Im Jahr 2010 dirigierte er
beim Castleton Festival unter der Leitung von
Lorin Maazel und ein Jahr zuvor während der
American Academy of Conducting unter David
Zinman. Er leitete auch mehrfach Opernaufführungen
wie Mozarts Così Fan Tutte,
Puccinis Suor Angelica, assistierte bei Brittens
Albert Herring und erarbeitete Puccinis
Il Trittico unter Lorin Maazel.
Brown studierte zunächst Geige, zu seinen
wichtigsten Lehrern als Dirigent zählen David
Zinman, Lorin Maazel und Gustav Meier.
Er schloss sein Studium am Peabody Institute
of Music der John Hopkins University ab.
Mit dem heutigen Sonderkonzert gibt Brandon
Keith Brown sein Europa-Konzertdebüt,
weitere Engagements in Deutschland führen
ihn zum Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin
und zur Neuen Philharmonie Westfalen.
11

die
badische
staatskapelle
Als sechstältestes Orchester der Welt kann
die BADISCHE STAATSKAPELLE auf eine
überaus reiche und gleichzeitig gegenwärtige
Tradition zurückblicken. 1662 als
Hofkapelle des damals noch in Durlach residierenden
badischen Fürstenhofes gegründet,
entwickelte sich aus dieser Keimzelle
ein Klangkörper mit großer nationaler und
internationaler Ausstrahlung. Berühmte
Hofkapellmeister wie Franz Danzi, Hermann
Levi, Otto Dessoff und Felix Mottl leiteten
zahlreiche Ur- und Erstaufführungen, z. B.
von Hector Berlioz, Johannes Brahms und
Béla Bartók, und machten Karlsruhe zu
einem der Zentren des Musiklebens. Neben
Brahms standen Richard Wagner und
Richard Strauss gleich mehrfach am Pult
der Hofkapelle; Niccolò Paganini, Clara
Schumann und viele andere herausragende
Solisten waren gern gehörte Gäste.
Hermann Levi führte 1856 die regelmäßigen
Abonnementkonzerte ein, die bis heute als
Sinfoniekonzerte der BADISCHEN STAATS-
KAPELLE weiterleben.
Allen Rückschlägen durch Kriege und
Finanznöten zum Trotz konnte die Tradition
des Orchesters bewahrt werden.
Generalmusikdirektoren wie Joseph Keilberth,
Christof Prick, Günther Neuhold
und Kazushi Ono führten das Orchester in
die Neuzeit, ohne die Säulen des Repertoires
zu vernachlässigen. Regelmäßig
fanden sich zeitgenössische Werke auf
dem Programm; Komponisten wie Werner
Egk, Wolfgang Fortner oder Michael
Tippett standen sogar selbst vor dem
Orchester, um ihre Werke aufzuführen.
Die große Flexibilität der BADISCHEN
STAATSKAPELLE zeigt sich auch heute
noch in der kompletten Spannweite zwischen
Repertoirepflege und der Präsentation
zukunftsweisender Zeitgenossen,
exemplarisch hierfür der Name Wolfgang
Rihm. Der seit 2008 amtierende Generalmusikdirektor
Justin Brown steht ganz
besonders für die Pflege der Werke
Wagners, Berlioz’, Verdis und Strauss’
sowie für einen abwechslungsreichen
Konzertspielplan, der vom Deutschen
Musikverleger-Verband als „Bestes
Konzertprogramm 2012/13“ ausgezeichnet
wurde. Auch nach dem 350-jährigen Jubiläum
2012 präsentiert sich die BADISCHE
STAATSKAPELLE – auf der reichen Aufführungstradition
aufbauend – als lebendiges
und leistungsfähiges Ensemble.
12

esetzung
1. Violine
Stephan Skiba
Katrin Adelmann
Susanne Ingwersen
Herbert Pfau von Kügelgen
Benedict Flisfish
Judith Sauer
2. Violine
Annelie Groth
Anna Reimers*
Christoph Wiebelitz
Dominik Schneider
Tamara Polakovičová
Viola
Michael Fenton
Andreas Bartsch
Akiko Sato-Treiber
Nicholas Clifford
Violoncello
Thomas Gieron
Alisa Bock
Hanna Gieron
Kontrabass
Joachim Fleck
Karl Walter Jackl
Flöte
Georg Kapp
Oboe
Kai Bantelmann
Klarinette
Frank Nebl
Martin Nitschmann
Fagott
Oscar Bohórquez
Ulrike Bertram
Horn
Dominik Zinsstag
Peter Bühl
Trompete
Ulrich Warratz
Pauke
Raimund Schmitz
* Gast der Staatskapelle
13

ildnachweise
UMSCHLAG Will Kirk
S. 3 © akg-images
S. 7 © akg-images
S. 9 © akg-images
S. 10 Sorin Arustei
S. 11 Will Kirk
S. 14, 15 Uli Deck
TEXTNACHWEISE
S. 2 – 9 Originalbeitrag von Axel
Schlicksupp
Sollten wir Rechteinhaber übersehen
haben, bitten wir um Nachricht.
STAATSTHEATER KARLSRUHE
Saison 2012/13
Programmheft Nr. 115
www.staatstheater.karlsruhe.de
impressum
Herausgeber
BADISCHES STAATSTHEATER
Karlsruhe
Generalintendant
Peter Spuhler
VERWALTUNGSDIREKTOR
Michael Obermeier
Chefdramaturg
Bernd Feuchtner
ORCHESTERDIREKTOR &
KONZERTDRAMATURG
Axel Schlicksupp
REDAKTION
Axel Schlicksupp
KONZEPT
DOUBLE STANDARDS Berlin
www.doublestandards.net
GESTALTUNG
Kristina Pernesch
DRUCK
medialogik GmbH, Karlsruhe
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Konzerte.
16
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T 0721 3557 323
F 0721 3557 346
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Konzerte
5. SINFONIEKonzert
Jonny Greenwood 48 Responses to
Polymorphia DEUTSCHE ERSTAUFFÜHRUNG
Witold Lutosławski Cellokonzert Johannes
Brahms Sinfonie Nr. 4 e-moll op. 98
So schwer Brahms sich mit seiner Ersten
Sinfonie getan hatte, so souverän schrieb er
seine Vierte. In der Regel ist der Musik des
Polen Lutosławski die Repression in seiner
Heimat nicht so direkt anzuhören wie bei
seinem Cellokonzert, das jedoch auch humoristische
Aspekte besitzt. In der Antwort
des Radiohead-Kopfes Jonny Greenwood
auf das Stück Polymorphia von Lutosławskis
Kollegen Penderecki liegt Englands Augenzwinkern
zur polnischen Avantgarde von vor
50 Jahren.
Maximilian Hornung Violoncello
Justin Brown Dirigent
28.4. 11.00 & 29.4. 20.00 GROSSES HAUS
2. JUGENDkonzert
Jonny Greenwood 48 Responses to
Polymorphia DEUTSCHE ERSTAUFFÜHRUNG
Für den typischen Sound der britischen Band
Radiohead sorgt maßgeblich der Lead-Gitarrist
Jonny Greenwood, der auch selbst komponiert.
Dabei lotet er Klanggrenzen aus, experimentiert
mit unterschiedlichen Stilen und schafft
so immer wieder neue Hörerlebnisse.
Axel Schlicksupp Moderation
Justin Brown Dirigent
30.4. 19.00 KLEINES HAUS
12+
KAMMERkonzert
IN der Insel
Mit Werken von Ewazen, Castérède, Glenesk,
Naulais, Turner, Plog, Turrin und Poulenc
Das Programm garantiert maximale Abwechslung:
Es reicht von der strahlenden
Fanfare über klassische, jazzige und südamerikanische
Klänge bis hin zu Poulencs
unterhaltsamer Sonata voll jugendlicher
Lebensfreude.
Jörg Dusemund Horn Wolfram Lauel
Trompete Sándor Szábo Posaune
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15.5. 20.00 INSEL
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Johannes Maria Staud Tondo Wolfgang
Amadeus Mozart Klarinettenkonzert A-Dur
KV 622 Bohuslav Martinů Sinfonie Nr. 4
Tondo des Österreichers J. M. Staud wird
durch das zentrale Kolorit der vier Hörner geprägt.
Den Klang der Klarinette hatte Mozart
auf seinen Reisen lieben gelernt, besonders
bei der Mannheimer Hofkapelle. Dennoch
erprobte er sie erst in Spätwerken, das Klarinettenkonzert
ist gar sein letztes Instrumentalkonzert.
Die im Exil entstandene Vierte
Sinfonie des Tschechen Martinů steckt voller
Elan, Wärme und emotionaler Intensität.
Frank Nebl Klarinette
Johannes Willig Dirigent
26.5. 11.00 & 27.5. 20.00 GROSSES HAUS