Digitale Fotografie - Update So verdienen Sie mit Ihren Fotos Geld (Vorschau)

Expertentipps und –techniken: Werden Sie Profi 

THE ULTIMATE GUIDE 

Digitale 

SLR 

4 192224 809906 02 

Deutschland: 

EUR 9,90 

Österreich: 

EUR 11,- 

Schweiz: 

CHF 19,- 

164 

SEITEN 

SO VERDIENEN SIE MIT IHREN FOTOS GELD 

Mit der richtigen 

Belichtung werden 

Ihre Fotos perfekt 

Tipps und Tricks 

für Einsteiger und 

professionelle 

Fotografen 

PHOTOSHOP LANDSCHAFTSFOTOGRAFIE HOCHZEITSFOTOS SCHWARZ-WEISS-AUFNAHMEN

Willkommen 

Heut’ machen wir es einmal anders ! 

„WILLKOMMEN ZUR MAI 2011-AUSGABE der 

Digitale SLR Fotografie. Sicher haben Sie alle diesen 

Monat viele Fotos gemacht und haben sich dabei an 

die goldenen Regeln der Fotografie gehalten, um 

noch bessere Aufnahmen zu machen. In dieser 

Ausgabe finden Sie viele Artikel, die auf den 

Grundlagen von Komposition und Beleuchtung 

aufbauen, um brilliante Aufnahmen zu machen. Wir 

zeigen Ihnen, wie man Kätzchen, 

Stimmungsaufnahmen und vieles mehr anfertigt. 

Unsere „Eine Stunde Fotografie“ bietet Ihnen Top-Hinweise, wie man urbane 

Aufnahmen macht, während Ihnen unser Beleuchtungsseminar zeigt, wie Sie 

professionelle Studioportraits anfertigen. All diese Fähigkeiten erfordern zwar 

Kreativität und Geschick – indes sollte man dennoch einigen Regeln folgen, 

um erfolgreiche Resultate zu erzielen. 

In unserem Anfängerkurs haben wir uns mal von anarchischen Gedanken 

leiten lassen und auf ein paar grundlegende Regeln der Landschaftsfotografie 

verzichtet , nicht aber ohne Ihnen das nötige Handwerkszeug für 

atemberaubende Aufnahmen mit auf den Weg zu geben. Wir empfehlen 

Ihnen nicht, dass Sie all das, was Sie über die Erstellung von gescheiten 

Aufnahmen gelernt haben, außer Acht lassen sollen, aber möchten Sie daran 

erinern, dass der kreative Schaffensprozess von Erfindungsgabe und 

Experimenten geleitet ist. Während Sie also den grundlegenden Regeln der 

Fotografie folgen, sollten Sie auch offen für neue und weniger traditionelle 

Fotografietechniken zu sein. 

In manchlerlei Hinsicht bricht die diesen Monat getestete Panasonic Lumix 

GH2 neben der Canon EOS 550D mit den Konventionen. Obwohl Sie wie 

eine Digitalkamera ausschaut und dieselben Möglichkeiten mitsamt einem 

nicht auswechselbaren Objektiv bietet, hat sie keinen Spiegel. Dieses Gerät 

stellt das neueste Modell auf dem Gebiet der Kompatksystem-oder auch 

Hybridkameras dar, die in unserem monatlichen Test mit einer der am besten 

verkauften Spiegelreflexkameras konkurriert. 

Hochzeitsfotografie kann sehr lukrativ sein, falls Sie richtig vorbereitet sind, 

wie unsere ausführliche Serie „Geld verdienen“ schildert. Da es wichtig ist, 

dass Sie für den Job richtige die Ausrüstung bezitzen, haben wir eine 

ausführliche Kaufberatung beigefügt. Diese Ausgabe hält noch viel mehr für 

Sie bereit inklusive umwerfenden Bildern von führenden Profis in Cutting Edge 

sowie einer Auswahl an brillianten Aufnahmen in Reader Showcase. Wir sind 

sicher, dass Sie viel Inspirierendes finden werden, sich weiterbilden können, 

um bessere Aufnahmen zu machen, und auch Unterhaltsames entdecken. 

Alles Gute. 

Daniel Lezano, Editor, 

Fotograf

THE ULTIMATE GUIDE 

DIGITALE SLR FOTOGRAFIE SONDERHEFT 2 

INHALT 

164 

SEITEN 

MIT TIPPS 

VON 

EXPERTEN 

006 Leserportfolio 

Ihre schönsten Fotos 

031 Do it yourself 

032 Porträts 

039 Haselkätzchen 

042 Landschaftssilhouetten 

046 Computermuster 

048 Eindrucksvolle Perspektiven 

052 Dunkles Stillleben 

055 Lichtgemälde 

058 Leitfaden für Anfänger 

060 Kreative Schwarzweiß-Fotografie 

068 Landschaftsfotos 

081 Das Ein-Stunden Foto 

099 Workshop Belichtung 

108 Photoshop 

121 Expertenrat 

122 Expertenkritik 

134 Fragen & Antworten 

147 Mit Fotografie Geld verdienen 

155 Testlabor

IMPRESSUM 

REDAKTION 

Redakteurin: Julia Zwenger 

Textchef: Hagen Hellwig 

ART DIRECTOR 

Dean Mullock 

FINANZDIREKTOR 

Richard Layton 

Die in diesem Magazin artikulierten Meinungen, 

sind die Meinungen der jeweiligen Autoren und 

stimmen nicht zwingend mit der Meinung 

des Herausgebers, der Redaktion oder den 

Vertreibern dieses Magazins überein. 

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Dieses MAGBOOKwird unter der Lizenz und mit 

der Erlaubnis von © Dennis Publishing Limited 

herausgegeben. Alle Rechte an Material, Titel 

und Marke dieses Magazins sind Eigentum von 

Dennis Publishing Limited und dürfen weder 

im Ganzen noch teilweise ohne vorherige 

schriftliche Genehmigung reproduziert werden. 

HAFTUNG 

Das Heft wurde mit großer Sorgfalt produziert. 

Der Verlag kann jedoch keine Haftung, 

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für Meinungen, Waren oder Dienstleistungen 

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DRUCK UND BINDUNG: 

QuadWinkowski Sp. z o.o. 

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www.Quadwinkowski.pl 

Das Papier, auf dem 

dieses Magazin 

gedruckt ist, besteht aus 

umweltverträglichen Fasern.

IHRE BESTEN AUFNAHMEN 

Martin Davies 

> Alter: 38 > Beruf: Militärtechniker 

Kirche des Herrn: „Dies ist eine kleine Stadt, oben in den 

österreichischen Bergen, genannt Hallstatt. Meine Kamera war auf 

einem Stativ befestigt, und ich habe zwei Filter verwendet: Einen 

Hoya Pro 1 Zirkular Polfilter und einen S/W10+ Stop 

Neutraldichtefilter für längere Belichtungszeiten. Dies machte das Wasser 

sanfter und die Wolken fluffiger. Ich habe einen Fernauslöser verwendet sowie 

Langzeitbelichtung, bevor ich die Datei in ein s/w-Bild mit grünstich in 

Photoshop umgewandelt habe.“ 

Kamera: Canon EOS 5D MkII, EF 24-70mm f/2.8 L USM, Plus Filter 

Belichtung: 74 seconds at f/14 (ISO 100)

Leserfotos 

Martin Davies 

Oben: Holzsteg: „Aufgenommen während einer Kurzreise nach Rügen, einer kleinen 

Insel an der Nordküste Deutschlands während des Sonnenunterganges bei -5 Grad 

C. Mit Photoshop habe ich das Bild angeglichen, sowie den Schnee mit dem 

Abwedler weißer gemacht. Mit Schatten und Schlaglichtern habe ich die Details der 

Holzgeländer verstärkt und hervorgehoben.“ 

Links: Kugelmühle: „Um diese lange Belichtungszeit zu erzielen, habe ich eine 

kleine Blendenöffnung f/20 und einen geringen ISO von50 mit einem Cokin ND8 

(Z154)-Filter verwendet. Meine Kamera war auf einem Stativ befestigt und die 

Kamera im Handmodus. Mit LiveView habe ich die Aufnahme zusammengestellt. 

Mit dem Abwedler habe ich die dunklen Stellen aufgehellt und hervorgehoben.“ 

Unten links: Farblandschaft: „Diese Landschaft habe ich mit einer Hoya Pro 1 mit 

einem Neutraldichtefilter aufgenommen, um die Sättigung des Himmels 

hervorzuheben und die Wolken zu definieren. In der Nachproduktion habe ich 

mittels Gradiationskurven die Farben aufgehellt.“ 

Canon EOS 5D MkII mit EF 24-70mm f/2.8L & EF 17-40mm f/4L Linsen 

Belichtung: Kugelmühle: 30 Sekunden mit f/20 (ISO 50) 

Holzsteg: 40 Sekunden mit f/11 (ISO 50) 

Farblandschaft: 1/30 Sekunden mit f/11 (ISO 50) 

> Alter: 21 > Beruf: Student 

Wahrsager: „Die Idee für dieses Bild hatte ich einst zu später 

Stunde – eines der Dinge, die einem kurz vor dem Einschlafen 

einfallen. Ich habe über ein soziales Netzwerk einen Aufruf 

gestartet und einfach das beste Modell genommen. Diese 

Aufnahme entstand zu Hause in meinem Heimstudio mit einem roten 

Teppich als Hintergrund. Die Kleidung und die ‚Kristallkugel’ fand ich in 

einem Wohltätigkeitsladen. Ich habe lange nach Requisiten gesucht in 

diesen erstaunlich reichen Läden. Ich habe im Handbetrieb fotografiert, 

wobei das Bild mit einem Interfit X150-Blitz mit Lichtwanne 

aufgenommen wurde, der an der rechten Seite der Kamera in Kopfhöhe 

befestigt war. Mit Photoshop habe ich innerhalb von 20 Minuten die Haut 

des Models weicher gemacht. Mit Aufnahmen von Rauch habe ich den 

Rauch der Kristallkugel mittels Ebenen eingefügt.“ 

Nikon D90 mit AF-S 18-105mm f/3.5-5.6G Linse 

Belichtung: 1/125 Sekunden mit f/9 (ISO 100) 

www.jadephotography-online.com 

8 DIGITALE SLR FOTOGRAFIE

Leserfotos 


Wolfgang Peters 

> Alter: 45 > Beruf: Fahrlehrer 

Reh im Kornfeld: „Ich habe stets meine Kamera im 

Kofferraum dabei, falls mal eine günstige Gelegenheit kommt. 

Bei diesem Reh im Kornfeld war das eben genau der Fall. Ich 

hatte gerade eine Fahrstunde mit einem Fahrschüler beendet 

und war am wegfahren, als ich merkte, dass mich dieses Reh aus einem 

Feld beobachtet. Mir gelang es, am Rand mit der Hecke als Sichtschutz 

zu parken und mich in Position zu bringen. Der Lärm vom Wagen muss 

den Bock verschreckt haben, denn er schaute geradewegs in meine 

Linse und ich hatte gerade Zeit genug, um abzudrücken, bevor der Bock 

auf Nimmerwiedersehen im Feld verschwand. Ich habe das lange Ende 

meiner Sigma 170-500 mm Linse auf meiner Nikon D50 verwendet, 

was mir eine tolle Brennweite von 750 mm verschaffte. Es war ein 

Mittsommertag, und der goldene Schimmer des Kornes war einfach 

wunderschön. Am unteren Bildrand kann man sehen, dass das Korn 

zwar im Winde weht, aber die Weichheit entstand auch durch die 

geringe Tiefenschärfe. Aber eigentlich macht der eine Mohn neben dem 

Reh das Bild erst aus. Mit Photoshop habe ich die Gradationskurven 

angepasst und das Bild leicht schärfer gemacht. Mit dem 

Freistellwerkzeug habe ich das Reh auf die Drittelschnittlinie gebracht 

und die vom Reh ablenkenden Anteile am oberen Bildrand 

abgeschnitten.“ 

Nikon D50 mit Sigma 170-500mm f/5-6.3 APO Linse 

Belichtung: 1/640 Sekunden mit f/6.3 (ISO 200) 

Mari Owen 

> Alter: 51 > Beruf: Fotograf 

www.mariowenphotography.com 

Seeaufnahmen: „Ich liebe Gezeitentümpel, laufe gerne den Strand 

entlang und mache Aufnahmen bei Sonnenuntergang. Ein paar meiner 

Bilder verkaufe ich ein einem nahegelegenen Pub. In der Nähe kann man 

heiraten, und diese Leute lieben eine Momentaufnahme der Gegend.“ 

Oben: Nash Point: „Ich muss über die Jahre hunderte an Fotos von Nash Point 

geschossen haben. Dieses Bild habe ich an einem kalten Januarmorgen um halb 

fünf gemacht. Die Felsen sehen schroff und urzeitlich aus. Ich hab vesucht, sie ganz 

auf dem Bild einzufangen. Ich hab mein Stativ beim Wasser aufgestellt, mit der 

Hand geschossen und einen 0.9ND-Grauverlauffilter mit einer f/22-Blende 

verwendet und eine langsame Verschlusszeit von 1/8 sek. (ISO 50) angewandt. Die 

langsame Belichtung hat dem Wasser erlaubt, über die Felsen zu spülen. Danach 

habe ich die Farben mit dem Abwedler gesättigt um den Kontrast der Felsen zu 

stärken.“ 

Oben links: Southerndown Sonnenuntergang: „Mit so vielen Gezeitentümpeln und 

Reflektionen wäre es verrückt, sie nicht mit drauf zu haben. Also habe ich meinen 

treuen 0.9-Neutraldichtefilter verwendet, um die Belichtung zu balancieren. Ich 

liebe es, wie der weiche Himmel mit den harten Felsen kontrastiert und in den 

Gezeitentümpel versinkt. Ich begutachte meine Bilder immer mit Lightroom, bevor 

ich Änderungen in Photoshop vornehme. Zu viele Nachbearbeitungen verändern die 

Originalität eines Fotos allerdings zu sehr, denke ich.“ 

Nash Point: Canon EOS 5D mit 17-40mm f/4L Linse. Belichtung: 1/8 mit f/22 

(ISO 50). Southerndown Sonnenuntergang: Canon EOS 40D mit EF 10-20mm 

f/3.5-4.5 Linse. Belichtung: Vier Sekunden mit f/22 (ISO 100) 

DIGITALE SLR FOTOGRAFIE 11

Leserfotos 


Les Forrester Henrik Kjeldsen www.andre-photography.org 

> Alter: 59 > Beruf: Garantie Sachbearbeiter > Alter: 44 > Beruf: Busfahrer 

Die letzten Lichter: „Ich studiere kommerzielle Fotografie nebenher, 

daher habe ich einen Kurztrip nach London als Möglichkeit gesehen, ein 

paar Aufnahmen in der Dämmerung zu machen. Als ich an der South Bank 

ankam, waren die Bedingen nicht wirklich ideal. Es war leicht wolkig über 

St. Pauls, während sich direkt hinter mir ein schöner Sonnenuntergang entwickelte 

– typisch! Ich lief also am Ufer auf und ab um die beste Stelle für eine Aufnahme zu 

finden, bis ich zufrieden war und mein Stativ in Stellung brachte. Ich verwendete 

einen Lee Big Stopper-Filter bei einer 90 Sekunden-Belichtung, um die Themse 

weicher draufzukriegen. Die Leute fragten mich was ich mache – ich glaube, die 

dachten, ich bin ein Profi. Kurz bevor es dämmerte, brach ein Lichtstrahl durch die 

Wolken und fiel auf die Gebäude der gegenüberliegende Uferseite – es hätte kein 

besserer Zeitpunkt sein können! In Photohop habe ich das Bild mit der 

Verlaufsumsetzung monochrom gemacht und bin glücklich mit dem Resultat.“ 

Canon EOS 5D MkII mit EF 17-40mm f/4L Linse 

Belichtung: 90 Sekunden mit f/16 (ISO 100) 

Forst: „Dieses Bild nahm ich in einem Wald ca. zwei Kilometer von meinem 

Heimatort Olsted, Dänemark, auf. Ich war dort schon häufiger, aber ich bin nochmal 

an jene Stelle zurückgekehrt, um eine Aufnahme zu machen, die die Farbgebung und 

Atmoshäre eines HDR-Bildes hat. Es war ziemlich sonnig an dem Tage, also habe ich 

versucht, die Filmempfindlichkeit gering zu halten, um soviel Rauschen wie moglich zu 

vermeiden. Das kann zu einem Problem werden, wenn man später die Aufnahmen 

zusammensetzt. Da es recht windig war, schraubte ich die Kamera auf einen Dreifuß und schoss 

mit der Hand. Damit der Himmel nicht so überbelichtet ist, nahm ich einen Schneider 

Kreuznach-Neutraldichtefilter und schaltete auf manuellen Fokus, um die Aufnahme so scharf 

wie möglich zu machen. Nachdem ich ungefähr 20 Bilder hatte, wählte ich das beste aus, 

öffnete es in Adobe Camera Raw und glättete es. Zudem passte ich die Helligkeit, den Kontrast 

und Belichtung an, um die Farben eher rausspringen zu lassen. Mit einem Effekt in Paint Shop 

Pro X2 habe ich dann dem Wasser etwas Unschärfe gegeben.“ 

Canon EOS 450D mit EF-S 18-55mm f/3.5-5.6 IS Linse 



Jo Wimbush 

> Alter: 49 > Beruf: Maler und Dekorateur 

http://jowimbush.foliopic.com 

Familien-Portrait: „Meine Tochter ist ein widerwilliges Mannequin, 

aber anlässlich meines Geburtstages ließ sie mich dieses Portrait 

machen. Es wurde in meinem Vorzimmer gemacht mit einem 

Interfit-Blitzaufsatz und einer Lichtwanne darüber. Der Winkel war 

so ausgerichtet, dass der Reflektor das Licht auf das Kinn und den Hals 

übertrug. Ich wollte den Look der Sechziger einfangen, und mit ihrer Pose 

und dem Haar sowie der Kleidung ist mir das gelungen. Ich habe einen 

rissigen Farbhintergrund mit Photoshop hinzugefügt. Als Maler sehe ich viele 

rissige Wände und habe daher stets meine Kamera zur Hand, um sie zu 

knipsen.“ 

Canon EOS 20D mit EF-S 18-55mm f/3.5-5.6 

Belichtung: 1/200 Sekunden mit f/8 (ISO 100)

Leserfotos 

Jo Wimbush 

Mädchen mit den Gänsen: „Dieses Portrait ist einer der Freunde meiner Tochter, 

genannt Hayley. Ich liebe Portraits, und sie war mehr als bereit, sich den Zylinder 

aufzusetzen und sich abgehoben und ländlich anzuziehen. Sie sah fast so aus wie jemand 

auf einer Fuchsjagd. Ich habe einen einzelnen Interfit-Blitzkopf mit Lichtwanne zu ihrer 

rechten positioniert sowie einen weissen Reflektor zu ihrer linken, um das Licht auf ihr 

Antlitz zurückzureflektieren. Ich wollte das ländliche Thema noch etwas weiter treiben, und 

so habe ich einigen Gänse-Fotos aus Schottland bearbeitet. Dies habe ich mit den Ebenen 

in Photoshop Elements gemacht. Zudem habe ich noch etwas Schilf beigefügt, um es 

aussehen zu lassen, als wenn es draußen geknipst wäre, obwohl es in meinem Vorzimmer 

aufgenommen wurde.“ 

Canon EOS 20D mit EF-S 18-55mm f/3.5-5.6 


Drew Buckley 

www.drewbuckleyphotography.com 

> Alter: 25 > Beruf: Fotograf 

Landschafts-Portfolio. Rechts: Garn Fawr: „Dies habe ich an 

einem bitterkalten und windigen Tag aufgenommen – ich musste das Stativ 

auf dem Boden feshalten. Ich habe eine Portraitlandschaft ausgesucht, weil 

es besser zum Bild passt, wenn die Umrisse der Felsen das Auge des 

Betrachters zur entfernten Sonne führen. Ich habe zudem einen ND-Filter verwandt, 

um etwas Bewegung in die Wolken zu bringen.“ 

Gegenüber oben rechts: Blackrock Cottage: „Ich habe dieses Bild im Urlaub in 

Schottland letzten Herbst aufgenommen. Die Straße nach Glencö führt durch ein 

Tal, und dieser Ort war zu schön, um nicht fotografiert zu werden. Es wehte nicht 

das leiseste Lüftchen, das Gras bewegte sich nicht, und mit ND-Filtern, um den 

Himmel abzudunkeln, schoss ich mit der Hand im RAW-Modus. Mit Photoshop 

fügte ich etwas Kontrast hinzu und verringerte die Sättigung.“ 

Oben rechts: Coetan Arthur Ramsey: „Der Fels auf der rechten Seite ist eigentlich 

eine Grabkammer. Es ist eine Touristenattraktion in Pembrokeshire, daher schoss ich 

das Foto in dem Bewusstsein, dass es sich gut auf meiner Webseite macht. Das Bild 

brauchte kaum Nachbearbeitung, nur ein wenig Schärfe.“ 

Canon EOS 5D MkII mit EF 17-40mm f/4L Linse 

Belichtung: Garn Fawr: 0.8 Sekunden mit f/22 (ISO 100); Blackrock Cottage: 1/13 

Sekunden mit f/13 (ISO 100); Coetan: Eine Sekunde mit f/11 (ISO 200) 



Leserfotos 


Roman Gröbmer 

> Alter: 29 > Beruf: Buchhalter 

Stillleben. Oben: Blume: „Es gibt einen ganz einfachen Grund, warum ich 

dieses Foto gemacht habe. Ich hatte gerade ein Sony SAL 100mm f/2.8 Macro, und 

mich juckte es, das Objektiv auszuprobieren. Die Blume wurde auf einem Balkon 

aufgenommen, und die Kacheln gaben einen netten und neutralen Hintergrund. Die 

Abendsonne bot warmes und weiches Licht, ohne dabei harte Schatten zu werfen. Mit dem 

manuellen Fokus habe ich die Komposition angepasst, um die Spitzen der Blätter in den 

Mittelpunkt des Bildes zu setzen.“ Rechts: Wassertröpfchen: „Für dieses Bild verwendete ich 

ein Infusionbesteck, eines von der Sorte die man in einem Chemielabor findet. Das 

Infusionsbesteck kontrolliert die Tropfgeschwindigkeit was perfekt ist, wenn man solche 

Aufnahmen macht. Mit meinem HVL-F42AM Blitzgerät fing ich die Tropfen ein. Aber anstelle 

mit einem direkten Blitz zu arbeiten, habe ich das Licht von ein paar Styropor-Blöcken 

reflektieren lassen, um es weicher erscheinen zu lassen. Den richtigen Zeitpunkt zu erwischen, 

war ziemlich schwierig, aber nach vielen Versuchen schaffte ich es schließlich, die richtige 

Aufnahme zu machen.“ 

Sony Alpha 700 mit SAL 100mm f/2.8 und SAL 70-200mm f/2.8 Linsen 

Belichtung: Blume: 1/1000 Sekunden mit f/2.8 (ISO 100); Wassertröpchen: 1/200 Sekunden 

mit f/6.7 (ISO 100) 

Neil Gow 

> Alter: 29 > Beruf: Ingenieur 

www.signs4silence.com 

www.impactcapture.com 

Reise Sammlung. Oben links: Strand Spaziergang: „In Teneriffa kurz 

vor Sonnuntergang aufgenommen. Das Wasser trat zurück und ließ einen 

wunderschönen Schimmer zurück, der sich durch das Bild wandte. Ich richtete die 

Kamera auf den Strand, welcher das Pärchen in Shilouetten verwandelte und 

fotografierte mit schneller Verschlusszeit, um Verwackelugen auszuschließen.“ 

Links außen: Colony Hotel: „Ich wusste, ich wollte das fotografiert haben, noch bevor ich 

England verließ. Es wurde an der Seestrasse in Miami aufgenommen. Obgleich ich 

verschiedene Winkel versuchte, ist dies mein liebstes. Es bricht zwar die Drittel-Regel, aber ich 

liebe das Schild in der Mitte und die Neonlichter.“ 

Links: Los Angeles: „Ich habe Tage damit zugebracht, die beste Perspektive für LAs Skyline 

mit dem Verkehrslichtern zu finden. Dieses Bild wurde auf dem Mulholland Drive 

aufgenommen. Dazu verwendete ich ein Stativ und einen Fernauslöser, um keine Unschärfen 

reinzukriegen.“ 

Canon EOS 350D mit EF-S 18-55mm f/3.5-5.6 & EF 70-300mm Linsen 

Beleuchtungen: Strand Spaziergang: 1/60 Sekunden mit f/6.3 (ISO 200); Colony Hotel: 1.6 

Sekunden mit f/11 (ISO 100); Los Angeles: 30 Sekunden mit f/18 (ISO 100) 


Simon Morris 

> Alter: 43 > Beruf: Krankenpfleger für psychisch Kranke 

Portraits aus Indien. Links: Der Stammesmann: „Ich war in Indien in 

einem Gebiet genannt Bundi. Um die Touristenströme zu vermeiden, fuhr ich 

zur Altstadt, die sich mir zeitlos darbot. Als ich so herumspazierte, traf ich auf 

einen alten Herrn, der dort saß und Tee trank. Ich fragte, ob ich eine Aufnahme 

machen könnte. In der Regel fotografiere ich alles mit Zeitautomatik. Er war sehr erfreut, 

dass ich ihn k nipsen wollte. Der Rauch seiner Zigarette steuerte der Atmosphäre des 

Bildes noch bei, und die natürliche Nachmittagssonne war mehr als ausreichend. 

Während der Nachbearbeitung verstärkte ich den Kontrast und die Sättigung mittels der 

Graduationskurven.“ 

Oben: Mono Chai. „Chai bedeutet Tee in Indien, und ich machte diese Aufnahme als ich 

mit einem Tee auf dem Markt eine Pause einlegte. Dort war recht wenig Licht, und so 

benutzte ich ein Einbeinstativ und erhöhte den ISO auf 400. Für die Nachproduktion 

nahm ich Nik Silver FX,um das Bild mittels der Filter zu monochromen.“ 

Rechts: Der verliebte Blick: „Der Titel ist eigentlich ein Witz, da der Kerl so schaut, als 

wenn er mich töten wolle. Warscheinlich mit dem Schwert im Hintergrund. Aber in echt 

war er nett und zugänglich. Wie die anderen Bilder war jenes mit meiner Fuji S5 

aufgenommen. Einer der Gründe, warum ich diese Kamera gekauft habe, waren die 

Farbtöne ,die der Bildsensor einfängt, und ich denke, dieses Bild zeigt das nur allzu 

deutlich. Da es in Indien sehr staubig ist, musste ich die Linse mit einem Lappen ständig 

sauber machen.“ 

Fuji Finepix S5 Pro, mit Nikon 28-70mm f/2.8 Linse 

Beleuchtung: Der Stammesmann: 1/290 Sekunden mit f/5 (ISO 250); Mono Chai: 

1/80 mit f/5.6 (ISO 400); Der verliebte Blick: 1/750 mit f/2.8 (ISO 320) 


Leserfotos 

IHRE BESTEN AUFNAHMEN 

Matt Whorlow 

> Alter: 35 > Beruf: Informatiker 

Bantham: „Dieser Strand befindet sich südlich von Devon, und das Bild 

wurde Ende November aufgenommen. Die Jahreszeit spielt eine große Rolle 

in diesem Bild, da die Position der Sonnenuntergänge sich über das Jahr 

ändert, wobei sich der Winter am besten für eine Aufnahme eignet. Meine 

Kamera war auf einem Stativ befestigt, und aufgrund des großen Unterschieds 

hinsichtlich der Belichtung zwischen dem Sonnenuntergang und dem Strand 

musste ich die Verlaufsfilter verdoppeln. Der Vordergrund wird durch die Kieselsteine 

am Strand aufgelockert.“ 

Canon EOS 5D Mark II mit EF 17-40 mm f/4 Objektiv, 0,9 & 0,6 ND-Verlaufsfilter 

Belichtung: 2 Sekunden bei f/16 (ISO 50)

Leserfotos 


Matt Whorlow 

Landschafts-Portfolio: Oben: Saddle Tor. „Dartmoor war für mich der perfekte Ort für 

diese Aufnahme. Ich ging drei Tage hintereinander bei Dämmerung dort hin und traf auf nichts 

als Nebel. Am vierten Tag kam ich bei Sonnenuntergang, und obwohl es regnete, gab es eine 

Regenpause, in der diese Aufnahme entstand. Ich brauchte sie nur wenig nachbearbeiten, da 

es September und das Gras in seiner Farbintensität sehr kräftig war. Ich machte eine Reihe von 

Bildern und fing die Lichtstrahlen ein, wie sie durch die Bäume schienen“. 

Links außen: St Michael’s Mount. „Auf diese Aufnahme hatte ich Jahre gewartet. Bei 

Sonnenuntergang befindet sich das Licht hinter den Bergen, die vom Licht umrissen werden. 

Also ging ich bei Tagesanbruch, um ein Bild davon zu schießen, wie die Sonnenstrahlen langsam 

das Pflaster erhellen. Ich hatte mich zuvor über die Gezeiten erkundigt, doch als ich ankam, war 

dort immer noch viel Wasser. Glücklicherweise ging das Wasser schnell zurück. So konnte ich 

einen 0,9 ND-Verlaufsfilter verwenden und diese Aufnahme erstellen. Dieses wunderbar goldene 

Licht verschwindet nach wenigen Augenblicken. Wenn man nur 5 Minuten später zurückkommt, 

erscheint der Weg grau. Ich verkaufe diese Bilder in Geschäften und über das Internet, und 

dieses hier ist das beliebteste.“ 

Links: Godrevy. „Dies ist ein weiterer berühmter Platz an der Süd-West-Küste. Ich verwendete den 

Blendenprioritätsmodus und schoss im Raw-Format. Ich verwendete auch hier wieder den 0,9 

ND-Verlaufsfilter, um die unterschiedliche Belichtung von Himmel und Vordergrund auszugleichen.“ 

Canon EOS 5D Mark II mit 17-40 mm f/4 L und 24-105 mm f/4 L Objektiv 

Belichtung: Saddle Tor: 1,3 Sekunden bei f/16 (ISO 100); St Michael’s Mount: 1/4 Sekunde 

bei f/16 (ISO 100); Godrevy: 1/2 Sekunde bei f/16 (ISO 50) 

James Skilling 

> Alter: 19 > Beruf: Student 

www.flickr.com/j_sphotography 

Portrait portfolio: Oben: Bardame. „Dieses Bild entstand als Teil eines Projekts 

– das Thema handelte von Bardamen, aber mit einem glamourösen und provokativen 

Touch. Ich entschied mich für eine geringe Schärfentiefe, da ich wusste, dass die 

farbigen Flaschen im Hintergrund einen tollen Bokeh-Effekt erzielen würden. Für die 

Beleuchtung nahm ich zwei Blitzgeräte von Canon, die aus der Ferne ausgelöst wurden, und 

Schirme, um das Licht weicher zu machen.“ 

Oben links: Kooperationsprojekt. „Das Bild wurde im Rahmen eines anderen Projekts 

aufgenommen, bei dem ich mit einem Visagisten zusammenarbeitete. Für die Beleuchtung 

verwendete ich einen einzelnen Studioblitz von Bowens und positionierte diesen zusammen 

mit einer Softbox rechts neben der Kamera. In der Nachbearbeitung fügte ich Kontrast und 

Farbsättigung hinzu, um dem Bild den extra Kick zu verleihen.“ 

Oben rechts: Entscheidungen. „Gerade hatte ich ein Canon 50 mm f/1,4 Objektiv gekauft und konnte es 

kaum erwarten, es auszuprobieren. Ich befestigte meine Kamera auf einem Stativ und brachte eine 

Funkfernbedienung an, um das Selbstportrait aufnehmen zu können. Die Aufnahme dauerte weniger als 

5 Minuten. Zum Schluss konvertierte ich das Bild in schwarzweiß.“ 

Canon EOS 5D MkII mit EF 50mm f/1.4 Objektiv 

Belichtung: Bardame: 1/30 Sekunde bei f/2.5 (ISO 100); Kooperationsprojekt: 1/200 Sekunde bei f/5.6 

(ISO 100); Entscheidungen: 1/100 Sekunde bei f/1.6 (ISO 100) 


Leserfotos 

Julia Dresch 

> Alter: 24 > Beruf: Grafikerin 

Portraits: Oben: Marvin. „Dieses Fotoshooting war mein erstes mit einem 

männlichen Model und entstand ziemlich spontan. Wir mussten improvisieren, da es 

regnete, und machten deshalb ein paar Aufnahmen in einem nahegelegenen 

Bahnhof. Für die Aufnahmen verwendete ich den Blendenprioritätsmodus und wählte 

eine Blendeneinstellung von f/4.5, um so das Model mehr in Szene zu rücken. Aufgrund des 

bedeckten Wetters verwendete ich einen ISO-Wert von 400. Mit Photoshop retuschierte ich die 

Haut und stellte das Bild schärfer.“ 

Links: Sabrina. „Das war eine meiner ersten Sessions mit meiner neuen Canon EOS 5D 

Mark II. Sabrina ist ein wunderschönes und natürliches Mädchen, also dachte ich mir etwas 

aus, was zu ihrer Persönlichkeit passte. Sie ist ein sehr erfahrenes Model, und so nahm ich 

sie mit in den örtlichen botanischen Garten in der Hoffnung auf blumenreiche Bilder. Da es 

Frühling war und die Sonne hell schien, mussten wir die Bilder im Schatten schießen, um ein 

gleichmäßigeres Licht zu bekommen. Ich liebe einen hellen Hintergrund, um meine Models 

hervorstechen zu lassen, und eine weit geöffnete Blende, um den Hintergrund unscharf zu 

machen. Ich bevorzuge den manuellen Modus, da ich so mehr Kontrolle über die Einstellungen 

habe, und schieße immer in Raw. 

Obwohl ich es normalerweise vorziehe, den richtigen Weißabgleich direkt mit der Kamera zu erzeugen, 

verwendete ich für die Nachbearbeitung den Raw-Konverter, um die Belichtung und den Weißabgleich 

zu optimieren.“ 

Canon EOS 350D & EOS 5D Mark II mit 18-55 mm und 24-105 mm f/4 L Objektiv 

Belichtung: Marvin: 1/200 Sekunden bei f/4.5 (ISO 400); Sabrina: 1/100 Sekunden bei f/4 (ISO 250) 

George Johnson 

> Alter: 39 > Beruf: IT-Experte 

Vorbei an...: „Ich wollte ein dramatisches Bild einfangen. Als ich an den 

Steg bei Ullswater in Cumbria kam, entschied ich mich, das Bild mit 

meinem Ultraweitwinkel-Objektiv zu schießen. Das 10-20-Millimeter- 

Objektiv streckte den Steg, der eigentlich nur knapp 20 Meter lang war, und 

verlieh der Aussicht mehr Tiefe. Einige Betrachter des Bildes sagten, ich hätte das 

Wasser mittels eines ND-Filters unscharf machen sollen, doch ich wollte etwas 

Ausdrucksstarkes und Bewegtes, um der Idee vom Überqueren des Wassers mehr 

Dramatik zu verleihen. Später konvertierte ich das Bild mit der Silver Efex-Software 

in schwarzweiß – ich muss sagen, es ist ein tolles Werkzeug, und mit der Software 

konnte ich eine kontrastreiche Konvertierung erreichen, die die Körnung des 

Holzstegs hervorhob. Mit Photoshop machte ich außerdem das Wasser dunkler. 

Hierfür nutzte ich das Nachbelichter-Werkzeug, um es düsterer wirken zu lassen, 

und das Kopier-Werkzeug, um im Hintergrund des Bildausschnittes die Berge in 

etwas mehr Nebel zu hüllen.“ 

Kamera: Canon EOS 550D mit Sigma 10-20 mm f/3.5 EX HSM Objektiv 

Belichtung: 1/30 Sekunden bei f/18 (ISO 320) 


Leserfotos 

Graham Custance 

www.grahamcustance.com 

> Alter: 48 > Beruf: Wartungstechniker 

Brambles Chine: „Dieser Strand war nahe meiner Unterkunft auf der 

Isle of Wight. Als die Sonne langsam unterging und der Himmel schön war, 

schnappte ich mir meine Kamera und beschloss, ein paar Fotos zu 

schießen. Ich stellte mein Stativ ziemlich niedrig, so dass ich die 

Wildblumen im Vordergrund des Bildes hatte. Es war ein sehr windstiller Tag, und 

obwohl ich eine lange Verschlusszeit wählte, war keinerlei Bewegung in den Blumen 

zu sehen – und ich hatte Glück, sogar ein paar Fischer am Ufer abzulichten. Mit 

einem LEE 0,6 ND-Verlaufsfilter glich ich den Vordergrund und den Himmel aus und 

stellte den Himmel schärfer. Ich verwendete den manuellen Modus und schoss das 

Foto in Raw. Bei der Nachbearbeitung verbesserte ich die Farbintensität ein wenig 

und optimierte die Bildschärfe, bevor ich es als JPEG speicherte.“ 

Canon EOS 450D mit Tamron 10-24 mm Objektiv, LEE 0,6 ND-Verlaufsfilter 


Sebastian Wuttke 

> Alter: 28 > Beruf: Veranstaltungsplaner 

www.sebastianwuttke.com 

Lichtermeer: Valencia: „Auf meiner jüngsten Reise durch Spanien 

verbrachten wir zwei Nächte in Valencia. Wir besuchten das 

Wissenschaftsmuseum, und ich war von der Architektur begeistert. 

Tagsüber liefen wir umher, und ich hielt Ausschau nach ein paar netten 

Plätzen für Nachtaufnahmen. Als wir am Abend zurückkamen, ging ich auf direktem 

Weg zu diesem ganz besonderen Ort. Die Brücke heißt ‚Puente de Monteolivete‘. Ich 

befestigte meine Kamera auf dem Stativ, um sämtliches Wackeln auszuschalten. Ich 

verwendete einen zirkularen Polfilter, denn obwohl es dunkel war, verbesserte der 

Filter die Reflexion des Wassers. Als ich wieder nach Hause kam, konvertierte ich 

das Foto mittels Photoshop in schwarzweiß und optimierte den Kontrast. Ich bin 

sehr zufrieden mit dem Endergebnis.“ 

Canon EOS 20D mit Sigma 10-20 mm f/4-5.6 Objektiv 

Belichtung: 1/14 Sekunden bei f/5.6 (ISO 100) 


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Porträts 

>Simulierter Regen auf Fenstern 

Regen an einem sonnigen Tag 

>ZEIL: 30 MINUTEN > AUSSTATTUNG: CANON EOS 550D MIT SIGMA 18-55 MM F/2.8 OBJEKTIV 

> AUSSERDEM: REFLEKTOR, WASSERZERSTÄUBER, PHOTOSHOP C3 UND EIN LAPPEN 

Matty Graham: Fotografen sind dem Wetter oftmals 

ausgeliefert und müssen das Beste aus dem machen, was Mutter 

Natur ihnen vorgibt. Doch wir müssen nicht immer vom Wetter 

abhängig sein, um unserem Bild die gewünschte Stimmung zu 

verleihen, wir können uns unsere eigenen Bedingungen schaffen. So können 

Fotografen beispielsweise mit Hilfe eines ND-Filters den Tag zur Nacht und mit 

einer langen Belichtungszeit die Nacht zum Tag machen, oder sie können ein 

Portrait mit einem Blitz oder Reflektor so aussehen lassen, als ob es an einem 

sonnigen Tag im Hochsommer aufgenommen worden wäre, obwohl der 

Himmel kaum grauer hätte sein können. 

Für dieses Foto versuchte ich ein emotional geladenes Portrait zu kreieren, das 

aussehen sollte, als ob es an einem verregneten Tag aufgenommen wurde, obwohl die Sonne schien. Hierzu braucht 

man kein Blitzgerät, nur ein wenig Geschick sowie ein Fenster, einen Wasserzerstäuber und einen schwarzen Reflektor. 

Stimmungsvolle Bilder wie dieses gewinnen häufig noch an Wirkung, indem sie in schwarzweiß konvertiert werden, was 

ihnen eine noch melancholischere Stimmung verleiht. Ich zeige Ihnen also nicht nur, wie man ein verregnet wirkendes 

Portrait kreiert, sondern auch, wie man eine einfache Schwarzweiß-Konvertierung mit Hilfe des Befehls Farbton/ 

Sättigung erzielt. Und so funktioniert’s... 

Theoretisch können Sie ein Fenster jeder Größe 

1 verwenden. Ratsam wäre jedoch ein möglichst 

großes Fenster, da es Ihnen genügend Platz bietet, um 

Ihr Model dahinter zu platzieren. Reinigen Sie das 

Fenster grob mit einem Lappen, bevor Sie den 

Schmutz und Schlieren beseitigen. 

Wählen Sie den Blendenprioritätsmodus und 

2geben Sie f/8 (ISO 200) ein, um eine 

ausreichende Schärfentiefe zu erlangen. Da das 

Sonnenlicht direkt auf das Glas trifft, weist die 

Testaufnahme zu viele störende Reflexionen auf. 

Bitten Sie einen Bekannten, den schwarzen 

3Reflektor oder ein schwarzes Stück Stoff in 

Richtung Fenster zu halten, um das Licht zu 

blockieren. So werden Reflexionen ausgeblendet, und 

Sie erhalten gleichmäßigeres Licht. 

Wenn Sie den schwarzen Reflektor vor das 

4 Fenster platzieren, fällt weniger Licht auf das 

Model, was zu Verwacklungen führen kann. Sollte 

dies der Fall sein, wählen Sie eine Blendeneinstellung 

von f/4. 

Nehmen Sie verschiedene Positionen ein und 

5experimentieren Sie mit denen Ihres Models. 

Sobald Sie zufrieden sind, setzen Sie den Regen ein. 

Nehmen Sie hierfür einen Wasserzerstäuber 

(erhältlich in Bau- und Gartenmärkten) und sprühen 

das Fenster damit ein. Bitten Sie das Model, nicht auf 

die Scheibe zu atmen, da sie sonst anläuft. 

Wenn die Scheibe anläuft, säubern Sie diese und 

6sprühen Sie sie erneut ein. Wenn Sie den 

Autofokus verwenden, achten Sie darauf, dass Ihre 

Kamera nicht die Regentropfen fokussiert, sondern 

das Model. Sollte Ihre Kamera Probleme damit haben, 

das Model zu fokussieren, schalten Sie auf manuellen 

Fokus um. 

Wenn Sie mit Ihrer Aufnahme zufrieden sind, 

7konvertieren Sie das Bild in schwarzweiß, um 

ihm mehr Ausdruck zu verleihen. Öffnen Sie Ihr 

favorisiertes Bild in Photoshop. Für eine einfache 

Konvertierung wählen Sie Bild > Einstellen > 

Farbton/Sättigung und ziehen den Sättigungsregler 

nach links (-100). 


Endergebnis 

Um dem Bild mehr Wirkung zu 

verleihen, wählen Sie Bild > 

Einstellen > Helligkeit/Kontrast 

und erhöhen den Kontrast auf 

etwa +65. 


Porträts 

>Polaroid-Selbstporträt 

Im Bilde! 

>ZEIT: EINE STUNDE 

>KAMERAAUSRÜSTUNG: CANON EOS7D, SIGMA 

18-55 MM F/2,8 OBJEKTIV UND ZWEI STUDIOBLITZE 

>AUSSERDEM VERWENDET: STATIV UND PHOTOSHOP CS4 

Matty Graham: Selbstporträts 

können Spaß machen. Daher habe 

ich mich entschieden, es einfach 

einmal auszuprobieren. Ich habe 

mich dabei von den Polaroids aus den 

1970ern inspirieren lassen. Etwas 

Nachbearbeitungsaufwand in Photoshop ist 

nötig, doch das ist nicht aufwändig. 

Als Erstes müssen Sie ein Selbstporträt von sich machen. 

1Wie Sie das machen, ist Ihnen selbst überlassen. Ich habe 

meines in einem Studio gemacht. Da Sie das Bild in mehrere 

Elemente aufteilen, sollte der Hintergrund so sauber wie 

möglich sein. Außerdem sollten Sie eine ungewöhnliche Pose 

einnehmen, bei der Ihre Hände zum Einsatz kommen! 

Verwenden Sie einen passenden Hintergrund. Ich habe 

2 mich für eine Nahaufnahme von einem Holzelement aus 

meiner Bibliothek entschieden. Öffnen Sie beide Dateien in 

Photoshop. Wählen Sie das „Verschieben-Werkzeug" und 

klicken Sie auf das Porträt. Halten Sie die Maustaste gedrückt 

und ziehen es auf das Hintergrundbild. Dort lassen Sie die Taste 

los, worauf automatisch eine neue Ebene erstellt wird. 

Gehen Sie auf Bearbeiten>Frei transformieren, um das 

3Porträt passend zum Hintergrund zu skalieren. Halten Sie 

die Shift-Taste gedrückt und verschieben die Eckpunkte nach 

Bedarf. Anschließend öffne ich mein Polaroid-Bild (kostenlos 

herunterladen unter www.digitalslrphoto.com) und ziehe es auf 

das Porträt, um eine neue Ebene zu erstellen. Nennen Sie es 

„Polaroid1". 

Um dem Ganzen mehr Dimension zu verleihen, fügen Sie 

4 beim Polaroid einen leichten Schatten hinzu. Dazu gehen 

Sie auf Ebene>Ebenenstil>Schlagschatten, passen im sich 

öffnenden Fenster die Schieber nach Wunsch an und klicken 

auf OK. Anschließend gehen Sie auf Bearbeiten>Frei 

transformieren, um das Polaroid-Foto kleiner zu machen. 

Während Frei transformieren noch aktiviert ist, 

5 verschieben Sie das Polaroid, indem Sie auf das Bild 

klicken und es drehen, indem Sie auf einen äußeren Eckpunkt 

klicken und ziehen (wenn Sie bei Füllmethoden auf 

Multiplizieren klicken, wird Ihnen die Positionierung leichter 

fallen). Wenn Sie mit der Position zufrieden sind, machen Sie 

einen Doppelklick auf die Auswahl. 

Duplizieren Sie dieses Polaroid durch 

6 Ebene>Ebene duplizieren... und nennen Sie die 

neue Ebene „Polaroid2". Aktivieren Sie erneut Frei 

transformieren und schieben/drehen das neue 

Polaroid in eine weitere passende Position auf dem 

Hintergrund. Wiederholen Sie diese Schritte, bis Sie so 

viele Polaroids wie gewünscht im Bild haben. 

Verwenden Sie eine Ebenenmaske, um die Porträtebene 

7 vorübergehend auszublenden. Zuerst klicken Sie auf die 

Selbstporträtebene auf der rechten Seite bei der Ebenenauswahl und 

ziehen sie durch Klicken und Halten in der Liste ganz nach oben. 

Anschließend gehen Sie auf Ebene>Ebenenmaske>Alle ausblenden 

und sehen, wie Sie verschwinden! Speichern Sie eine Kopie der Datei, 

bevor Sie mit dem nächsten Schritt weitermachen. 

Jetzt verbinden Sie die Polaroid-Ebenen. Wählen Sie alle 

8 Polaroid-Ebenen aus, halten Sie die Shift-Taste gedrückt 

und gehen Sie zu Ebene>Ebenen verbinden, um sie auf einer 

Ebene zu verbinden. Nun aktivieren Sie das 

„Zauberstab-Werkzeug", halten die Shift-Taste gedrückt und 

klicken auf den grauen Bildbereiche aller Polaroids, um sie 

auszuwählen. 

Während das „Zauberstab-Werkzeug" noch aktiv 

9 ist, klicken Sie auf das Ebenenmaske-Symbol in 

der Selbstporträt-Ebene bei der Ebenenauswahl. 

Gehen Sie auf Bearbeiten>Fläche füllen. Im Fenster 

wählen Sie Weiß im Drop-down-Menü und klicken auf 

OK. Diese Bereiche des Porträts sind jetzt wieder 

sichtbar. 

Bei einer Ebenenmaske wird Schwarz verwendet, um 

10 Details zu verbergen, und Weiß, um das Gegenteil zu 

erreichen. Verwenden Sie das „Pinsel-Werkzeug", um bei 

unschönen Bereichen Korrekturen vorzunehmen. Nehmen Sie 

einen kleinen, weichen Pinsel und bearbeiten Sie das ganze Bild, 

wo es nötig ist, wobei Sie in unten bei den Bildbearbeitungs- 

Werkzeugen zwischen Schwarz und Weiß wechseln. 

Im letzten Schritt sollen die Hände aus den Polaroids 

11 herausgreifen. Nehmen Sie einen größeren Pinsel (mit 

der Farbe Weiß), damit beide Hände sichtbar werden. 

Anschließend nehmen Sie einen kleineren Pinsel und bearbeiten 

vorsichtig die Hände, um den Effekt zu verbessern. Je nach 

Bedarf wechseln Sie zwischen Weiß und Schwarz hin und her. 


Endgültiges Bild 

Sie können Ihr Bild in Photoshop nach 

Wunsch noch weiter bearbeiten, damit es 

noch überzeugender ist. Ich habe dem Bild 

einen 3D-Effekt verliehen, indem ich die 

Schatten auf den zwei Polaroids, die ich 

halte, vergrößert habe und mithilfe des 

Pinsel-Werkzeugs unter meine Hände und 

Finger auf einer separaten Ebene Schatten 

gemalt habe. 


Porträts 

>Schrullige Porträts 

 

 

 

 

Ich sehe was, was du nicht siehst... 

> BENÖTIGTE ZEIT: 30 MINUTEN > AUSRÜSTUNG: CANON EOS 7D MIT SIGMA 18-55 MM F/2,8 > AUSSERDEM VERWENDET: ELINCHROM D-LITE 4IT, FARBPAPIER 

Matty Graham: Wenn Sie Ihre Lieblingszeitschriften 

durchblättern und sich die Porträtbilder etwas genauer 

ansehen, sollte Ihnen eines sofort auffallen. Lustige, 

kantige und schrullige Porträts stechen eher ins Auge als 

ernste und langweilige „Kopf-Schulter"-Porträts. Diese Theorie trifft 

auch auf andere Bereiche zu: Egal, ob Sie für eine Werbekampagne 

Porträtbilder schießen oder nur ein paar Schnappschüsse von 

Kindern. 

Wie Eltern wissen, können sich Kinder genauso wenig konzentrieren 

wie ein vergesslicher Goldfisch. Je abwechslungsreicher, spannender 

und lustiger Sie ein Shooting gestalten, desto länger können Sie ein 

Kind in Ihren Bann ziehen – und Sie haben auch bessere Bilder. 

Um diese Theorie in die Tat umzusetzen, haben wir den 

siebenjährigen Alfie für Porträtbilder in unser Studio eingeladen. Wir 

waren jedoch nicht darauf aus, standardmäßige „Kopf-Schulter"- 

Porträts zu machen. Mit einem einfachen Hilfsmittel – einer Lupe 

– haben wir versucht, einen simplen und doch schrulligen Effekt zu 

erzielen, den Sie zuhause nachahmen können. 


Fotografieren mit Spaß 

Kinder lieben es, Unsinn zu machen 

und Grimassen zu schneiden. Nutzen 

Sie das für Ihre Arbeit. Animieren Sie 

die Kinder, so furchterrgend wie 

möglich zu schauen und lassen die 

Kinder für mehr Abwechslung 

verschiedene Outfits mitbringen. 

Als Erstes muss ich mich auf Alfies 

1 Ankunft vorbereiten. Je weniger 

Zeit ich für den Aufbau brauche, sobald 

Alfie da ist, desto mehr Zeit werde ich 

zum Fotografieren haben, bevor er sich 

langweilt. Ich möchte einen farbigen 

Hintergrund. Daher klebe ich 

Farbpapier auf dicke Pappe und bringe 

diese an einer Wand an. 

Ich muss mein Modell beleuchten. 

2 Für einen interessanten Effekt 

sollte allerdings auf den Hintergrund 

auch etwas Licht fallen. Ich stelle einen 

Studioblitz mit einer Rotalux-Softbox in 

einem 45-Grad-Winkel rechts neben 

die Kamera und den zweiten so nahe 

an den Hintergrund wie möglich. Beide 

sind auf halbe Leistung eingestellt. 

Um vor der Ankunft von Alfie 

3sicherzugehen, dass die Belichtung 

passt, stelle ich bei der Kamera den 

Selbstauslöser ein und mache ein paar 

Probeaufnahmen, wobei ich selber als 

Modell posiere. Ich stelle die Kamera auf 

den manuellen Modus ein und wähle 

eine Verschlusszeit von 1/160 s (ISO 

100). Anschließend probiere ich 

verschiedene Blenden aus – schließlich 

entscheide ich mich für f/13. 

Als Alfie schließlich da ist, 

4 positioniere ich ihn dort, wo ich ihn 

haben will und erkläre ihm, welche Bilder 

ich machen will. Wir gehen auch ein paar 

Grimassen durch, die er schneiden soll, 

damit die Bilder lustiger werden. 

Mein Ziel ist es, die Bilder anschließend 

5 nicht mehr bearbeiten zu müssen, doch 

nach ein paar Probeaufnahmen wird 

deutlich, dass dies wohl nicht der richtige 

Ansatz ist. Wie man sehen kann, verzerrt die 

Lupe Alfies Auge. Das sieht einfach nicht 

natürlich aus. 

Mit ein paar einfachen Handgriffen muss ich das vergrößerte Auge 

6 nachbearbeiten. Zuerst brauche ich allerdings das perfekte Porträtbild. Ich 

ändere den Hintergrund von Blau zu Rot, damit der Kontrast zu Alfies Shirt besser 

zur Geltung kommt. Ich mache zwei Arten von Porträtbildern – eines, bei dem Alfie 

die Lupe hält und das andere ohne, aber mit einem ähnlichen Gesichtsausdruck. 

Bei der zweiten Aufnahme ist es sehr wichtig, dass das Auge so scharf wie möglich 

ist, da es anschließend vergrößert wird. 

Mit dem „Auswahlellipse-Werkzeug" ziehe ich einen 

7 Kreis um sein nicht verdunkeltes Auge, kopiere es und 

füge es in das Bild mit der Lupe ein. Ich ziehe die Linien um 

eine Art Rahmen, um den Bereich der Lupe zu erstellen. 

Anschließend nehme ich wieder das „Auswahlellipse- 

Werkzeug", um meinen Kreis zu zeichnen, der auf die Größe 

des durch die Linien begrenzten Bereichs beschränkt ist. 

Anschließend klicke ich auf Auswahl>Auswahl 

verändern>Weiche Kante und gebe 1 Pixel ein. 

Danach wähle ich Ebene>Neue Ebene und dann 

8 Bearbeiten>In die Auswahl einfügen, worauf der 

Bereich von Alfies Auge von meiner vorigen 

„Grimassenaufnahme" in meine Kreisauswahl eingefügt wird. 

Das Auge hat immer noch die Originalgröße. Damit es 

vergrößert aussieht, klicke ich auf Bearbeiten>Frei 

transformieren und dann (durch das Halten der Shift-Taste 

bleiben die Proportionen gleich) ziehe ich die Ecken nach 

außen, um das Auge zu vergrößern. 

Damit das vergrößerte Auge natürlich wirkt, klicke 

9 ich auf Filter>Verzerrungsfilter>Distorsion und 

gehe mit dem Schieber auf -29. Experimentieren Sie 

hier einfach, wie Ihr Bild am besten aussieht. Sobald 

das Auge dort ist, wo ich es haben will (Änderungen 

über das „Verschieben-Werkzeug" möglich), also genau 

in der Mitte der Lupe, reduziere ich auf die 

Hintergrundebene und speichere mein Bild als 

TIFF-Datei. 


Porträts >Schrullige Porträts 


Ich sehe ein lustiges Porträtbild, 

das nicht nur lebhaft und 

dynamisch ist, sondern auch so 

aussieht, als ob es mit der 

Kamera gemacht wurde. 


Zuhause > Kätzchen-Shooting 

 

 

 

 

Frühlingserwachen 

> ZEIT: ZWEI STUNDEN > AUSRÜSTUNG: NIKON D300 

MIT SIGMA 150 MM MAKROOBJEKTIV, SB-800 BLITZLICHTGERÄT 

> AUSSERDEM VERWENDET: SPIEGEL, STATIV, BÜROKLAMMERN 

Colin Varndell: Der Frühling ist eine 

wundervolle Jahreszeit. Man kann sich an der 

frischen Luft Motive suchen und außerdem 

mit Ideen experimentieren, die man über den 

Winter angesammelt hat. Für gewöhnlich bieten sich 

nur wenige Möglichkeiten, um Actionbilder von Pflanzen 

zu machen, aber die Blütenkätzchen von 

Haselsträuchern geben Pollen ab, die vom Wind 

weggetragen werden. Durch ein Foto davon wollte ich 

den Frühling symbolisieren. 

Zuvor hatte ich bereits mehrere Male erfolglos versucht, 

Blütenkätzchen bei der Abgabe von Pollen im Freien zu 

fotografieren. Ich hatte gedacht, dass durch leichtes 

Berühren des Zweiges Pollen aus den Blütenkätzchen 

fallen würden, aber das lag nicht immer in meiner Hand. 

Die Kätzchen wurden nämlich durch den Wind 

umhergewirbelt und die Pollen waren entweder nicht 

mehr da oder noch nicht reif. Glücklicherweise blühen 

Haselzweige, wenn man sie abschneidet. 

Haselsträucher werden in der Tat oft absichtlich 

gepflanzt, um sie anschließend zu beschneiden oder zu 

stutzen. Folglich habe ich mich dazu entschieden, ein 

paar Zweige mit noch nicht reifen Blütenkätzchen 

abzuschneiden und sie mit nach Hause zu nehmen. Die 

Zweige wollte ich dann zuhause ins Wasser stellen und 

sie dort reifen lassen. Wenn sie reif sind, kann man seine 

Kameraausrüstung aufbauen. 

Wilde Pflanzen kommen bei Umgebungslicht für 

gewöhnlich am besten zur Geltung. Wenn man 

allerdings versucht, Kätzchen bei der Abgabe von Pollen 

zu fotografieren, benötigt man einen Blitz, um die 

winzigen Pollenkörner in der Luft fotografisch 

einzufangen. Ein Makroobjektiv eignet sich für die 

Pflanzenfotografie am besten und ein Stativ erleichtert 

die Arbeit zusätzlich. Mit diesem Bild im Kopf bin ich 

also in die Natur aufgebrochen und habe nach süßen 

kleinen Blütenkätzchen gesucht. 


Zuhause > Kätzchen-Shooting 

1 Haselkätzchen 

findet man für 

gewöhnlich entlang 

von Hecken am 

Straßenrand, im 

Gebüsch oder im 

Wald. Suchen Sie 

sich ein paar 

fotogene Kätzchen 

aus, die Sie 

erreichen und die 

natürlich nach 

unten hängen. Zum 

Abschneiden der 

Zweige eignet sich 

eine scharfe 

Gartenschere (in 

jedem Baumarkt 

erhältlich) am 

besten, da dem 

Strauch damit am 

wenigsten Schaden 

zugefügt wird. 

2 Zuhause 

stelle ich die 

Zweige in eine 

Vase mit Wasser 

auf den 

Fenstersims, 

damit die 

Kätzchen auf 

natürliche Art 

und Weise 

weiterreifen 

können. Auf dem 

Fenstersims 

bekommen die 

Kätzchen 

außerdem 

genügend 

natürliches Licht 

ab. Die Zweige 

sollten nicht zu 

lang sein, da der 

ganze Aufbau 

sonst umfallen 

könnte. 

f/3.3 f/16 

Stellen Sie bei der Kamera auf den manuellen Modus. Wenn Sie mit einer großen Blende in 

3 Richtung Fenster fotografieren, erhalten Sie dadurch einen neutralen, weichen Hintergrund 

– die perfekte Ergänzung zu den Blütenkätzchen. Aufgrund der flachen Schärfentiefe waren 

allerdings nicht alle Kätzchen scharf, da die Entfernung zur Kamera nicht bei allen gleich war. 

Durch eine Blende von f/16 wurden die Kätzchen in den Mittelpunkt gerückt. Allerdings wurden 

sie dadurch auch im Glas gespiegelt. 

Machen Sie ein paar unscharfe Bilder von Laub im Garten und drucken Sie 

4 eines der Bilder auf mattem Fotopapier im A4-Format aus. Befestigen Sie das 

Bild mit Büroklammern an dicker Pappe und stellen diese hinter die Kätzchen. Bei 

meinem ersten Versuch habe ich bei natürlichem Licht, das über den Druck durch 

das Fenster fiel, fotografiert. Dabei waren die unteren und vorderen Bereiche der 

Kätzchen zu dunkel. 

Um dieses Problem zu umgehen, 

5 können Sie mithilfe eines Spiegels 

einen Teil des natürlichen Lichts auf die 

Vorderseite der Kätzchen 

zurückprojizieren, um die Belichtung 

auszugleichen. Sie sollten den Spiegel so 

platzieren, dass er weder im Bild 

erscheint noch Licht auf den Hintergrund 

wirft. Schließlich soll das eigentliche 

Motiv im Mittelpunkt stehen. 

Um gezielter zu belichten, stellen Sie 

6 einfach ein Blitzlichtgerät mit einem 

nach oben gerichteten Diffusor auf den 

Sims. Ich habe den manuellen Modus und 

eine Leitzahl von 1/8 gewählt. Der Blitz 

wurde automatisch durch den 

aufklappenden Blitz der DSLR (abgedeckt, 

damit das Bild nicht zu hell wird) 

ausgelöst. Bei 1/30 s und f/16 (ISO 200) 

ist ein Teil des Hintergrunds sichtbar. 

Bei einer Blende von f/16 und einer 

7 Leitzahl von 1/8 können Sie auch den 

Hintergrund abdunkeln, indem Sie die 

Verschlusszeit auf eine 1/250 Sekunde 

erhöhen. Um die fallenden Pollen ins Bild zu 

bekommen, berühren Sie die Haselzweige 

sanft mit einem Bleistift und drücken 

gleichzeitig den Auslöser. Richtiges Timing ist 

alles. Geben Sie also nicht auf, wenn es nicht 

gleich beim ersten Mal klappt. 



Voilà: Die Natur in all ihrer 

Pracht! 


Outdoor >Landschaftssilhouetten 

Ein Klecks in der Landschaft 

>ZEIT: 45 MINUTEN > AUSRÜSTUNG: NIKON D300, 70-300 MM, STATIV 

>AUSSERDEM VERWENDET: 10-STOP-ND-FILTER, FERNAUSLÖSER. 

Ross Hoddinott: Wir suchen immer nach der „perfekten" 

Belichtung, nicht wahr? Gibt es sie in der Praxis überhaupt? Die 

Belichtung kann für kreative und künstlerische Effekte manipuliert 

werden – bei einer „technisch korrekten" Belichtung erhält man 

nicht immer das schönste Ergebnis. Silhouetten sind dafür ein Beispiel. Sie 

sind meine Lieblingsmotive, aber aus technischer Sicht ist eine Silhouette das 

Ergebnis einer schlechten Belichtung. Das Motiv ist dabei extrem 

unterbelichtet. Es lässt sich jedoch nicht abstreiten, dass man bei dieser Art 

der Fotografie beeindruckende und ästhetisch wertvolle Ergebnisse erzielen 

kann. 

Bei einer Silhouette handelt es sich um einen schwarzen Umriss eines 

Subjekts. Farben und Details werden dabei ausgeblendet. Es ist die extremste 

Form der Hintergrundbeleuchtung. Mit der passenden Szene oder einem 

geeigneten Modell kann man atemberaubende Ergebnisse erzielen. 

Markante, leicht erkennbare Objekte wie Gebäude und Bäume eignen sich für 

Landschaftssilhouetten am besten – vor allem, wenn wir im Hintergrund als 

Kontrast einen dramatischen oder farbigen Himmel haben. Als Zeitpunkt 

eignet sich entweder die Morgen- oder Abenddämmerung, da die Sonne dann 

sehr tief am Himmel steht. Indem Sie in Richtung des Lichts fotografieren, 

werden Objekte zwischen Ihnen und der Lichtquelle als tiefschwarze 

Silhouetten erfasst. Eines der schönsten Dinge beim Fotografieren von 

Silhouetten ist, dass sie sehr leicht gute Ergebnisse erzielen und keine 

zusätzliche Ausrüstung benötigen. Wie Sie jedoch sehen werden, hält Ihre 

DSLR ein paar Funktionen für Sie bereit, mithilfe derer Sie großartige 

Silhouettenbilder machen können. 



Outdoor 

>Landschaftssilhouetten 

WichtigesM Messverfahren 

Die Mehrfeldmessung Ihrer digitalen SLR ist darauf ausgelegt, Motive mit einer 

mittleren Helligkeit darzustellen. In der Mehrzahl der Fälle eignet sich dieses 

Messverfahren zwar, aber wenn man eine Landschaft oder ein Modell fotografiert, das 

sehr hell oder dunkel ist, kann es problematisch werden. Silhouetten können 

Messsystemen große Probleme bereiten. Obwohl moderne Kameras technisch hoch 

entwickelte Geräte sind, können Sie nicht vorhersagen, welchen Effekt Sie erzielen 

wollen. Aus diesem Grund wird Ihre Kamera für gewöhnlich versuchen, Silhouetten mit 

einer mittleren Helligkeit darzustellen. Das ist oft mehr Licht als gewünscht. Folglich 

kann es passieren, dass der Himmel überbelichtet ist und ungewünschte Details beim 

Motiv sichtbar sind. Zum Glück erreichen wir die gewünschte Belichtung für 

Silhouetten durch den einfachen Trick, dass wir auf Punktmessung umstellen. Dabei 

wird für die Berechnung der Gesamtbelichtung nur ein kleiner Teil des Bildes 

herangezogen – für gewöhnlich ein Kreis in der Mitte, der ungefähr drei Prozent des 

Sucherfelds einnimmt. Richten Sie den Spotbelichtungsmesser auf einen hellen 

Bereich des Motivs aus und drücken Sie den Auslöser dann halb durch, damit die 

Kamera eine Messung vornehmen kann. Anschließend drücken Sie auf den Knopf 

Messwertspeicherung (AE-L), um die neuen Einstellung zu speichern. Richten Sie Ihr 

Bild wie gewünscht aus und drücken Sie den Auslöser ganz durch. Auf diese Art und 

Weise sollten sie eine perfekte, tiefschwarze Silhouette erhalten. Falls noch Details zu 

sehen sein sollten, stellen Sie beim Belichtungsausgleich einfach einen negativen Wert 

ein (fangen Sie bei -1 EV an), um die Belichtung noch weiter zu reduzieren. 

Histogramme 

Wenn Sie Silhouetten fotografieren, 

können Sie damit rechnen, dass die 

linken Seiten der Kurven bei den 

entsprechenden Histogrammen 

undeutlicher sind. Normalerweise 

versucht man, Histogramme mit 

einer hohen Prozentzahl an Pixeln auf 

der linken Seite zu vermeiden. Hierbei 

gibt die Kurve nur die Charakteristik 

der Technik wieder. 

Markante Motive eignen sich beim Fotografieren von Silhouetten am besten. Der Bildaufbau 

1 sollte sauber und einfach sein. Diese kleine Kirche auf einem Felsen stellte sich als perfektes 

Motiv heraus. Ich habe mich für einen tiefen Standpunkt entschieden, um dadurch das Gebäude 

vom gleichförmigen Himmel stärker absetzen zu können. Ich habe mich so hingestellt, dass ich in 

Richtung der untergehenden Sonne fotografiert habe. 

Mit dem langen 70-300 Millimeter-Teleobjektiv habe ich die Kirche relativ stark in den 

2 Mittelpunkt gesetzt. Kameras können jedoch nicht vorhersagen, welchen Effekt der Fotograf 

erreichen will. Aufgrund der Mehrfeldmessung werden ungewünschte Details der Kirche und des 

Vordergrunds erfasst. Die Belichtung von einer 1/2 Sekunde bei f/11 ist zu stark und der Himmel 

wird folglich „ausgewaschen". 

Beim Fotografieren von Silhouetten spielt die korrekte Belichtungsmessung des 

3 Himmels eine wichtige Rolle. Wenn Sie auf einen hellen Teil des Himmels 

fokussieren, wird dieser korrekt belichtet, während der Rest unterbelichtet sein 

wird, d. h. schemenhaft dargestellt wird. Diesen Effekt erzielen Sie durch die 

Spotbelichtungsmessung, da die Messung dabei am genausten ist. 



Nachdem ich mit der Bildzusammensetzung 

zufrieden war, habe ich mich dafür 

entschieden, mit einem 10-Stop-ND-Filter zu 

experimentieren. Mit dem Filter wurde die 

Belichtungszeit künstlich auf 30 Sekunden 

verlängert. Während der Belichtung wurden 

die vorbeiziehenden Wolken wie artistische 

Pinselstriche erfasst. Als die Sonne schließlich 

unterging, erstrahlten verschiedene Farben am 

Himmel. Dadurch kommt meine Silhouette 

noch mehr zur Geltung. 

4 

Ich habe das Spotbelichtungsmessfeld auf einen hellen Bereich im Himmel gerichtet. 

Anschließend drücke ich den Auslöser für eine neue Messung halb durch (1/30 s bei f/11) und 

speichere diese Einstellung mit der Messwertspeicherung (AE-L). Ich befestige meine Kamera auf 

einem Stativ und mache mit meinen neuen Einstellungen eine weitere Aufnahme. Das Ergebnis 

weiß zu überzeugen. 

Während die Belichtungseinstellungen nun korrekt waren, musste ich an der 

5 Bildzusammensetzung noch etwas ändern. Anstatt das ganze Bild mit der Kirche auszufüllen, 

habe ich mich für eine größere Brennweite entschieden. Dadurch konnte ich einen größeren Teil 

des Himmels und interessante Wolken im Bild unterbringen. Das Ergebnis ist ausgeglichener und 

zeigt die Kirche mit seiner Umgebung. 


Das kreative Projekt 

>Computermuster 

Eine (Netz) Welt voller Möglichkeiten 

Falls Sie mit Ihrem Monitor ein paar Bilder ausprobieren wollen, aber keine kreative Ideen haben. 

versuchen Sie es doch mit einer von diesen… 

Das Spielzeug der Kinder könnte sich zum Beispiel als nützlich erweisen. Hier haben wir ein 

Lego-Männchen in eine alpine Gegend versetzt und ein Spielzeugauto in ein städtisches Umfeld. 

Als Erstes müssen Sie den Bereich vor Ihrem Computermonitor freiräumen. 

1 Falls sich über Ihrem Monitor an der Decke eine Lampe befindet, sollten Sie ihn 

etwas nach vorne neigen, damit es nicht zu ungewünschten Spiegelungen kommt. 

Falls Ihr Arbeitsplatz sehr hell ist, können Sie einfach alle Lichter ausschalten. 

Ich brauche ein passendes Muster. Bei Googles Bildersuche gebe ich „weiße 

2Tupfen" ein und werde mit Ergebnissen förmlich überschüttet. Ich lade ein 

Muster auf meinen Computer herunter und öffne es in Photoshop. Ich klicke 

solange auf das „Zoomwerkzeug", bis es den Bildschirm ausfüllt. 

Fingerabdrücke, Flecken und Schmutz werden beim Fokussieren alle sichtbar. Nehmen Sie 

3sich also ein bisschen Zeit für eine gründliche Reinigung. Ein Mikrofasertuch eignet sich dafür 

sehr gut. Wenn Sie absolut sichergehen wollen, waschen Sie Ihre Hände, bevor Sie das Glas 

berühren oder ziehen Sie Gummihandschuhe an (1 bis 2 Euro im Supermarkt). 

Jetzt ist es an der Zeit für die Belichtungseinstellungen. Ich möchte zwischen 

4dem Monitor und dem Champagnerglas möglichst viel Schärfentiefe 

beibehalten. Daher stelle ich bei der Kamera auf Zeitautomatik, wähle eine Blende 

von f/8 und einen ziemlich hohen ISO-Wert von 640. Den Weißabgleich lasse ich 

auf automatisch. 

Mit einer Hand halte ich die Kamera an mein Auge und mit der anderen halte 

5ich das Glas vor mich hin. Mithilfe des Autofokus stelle ich auf den Stiel scharf, 

wo sich der interessanteste Teil des Musters gebildet hat. Mit einer Blende von f/8 

sollten Sie die Verschlusszeit relativ kurz einstellen, damit es kein Kamerawackeln 

gibt. 


Computerhintergrund 

>ZEIT: 20 MINUTEN >AUSRÜSTUNG: CANON EOS 7D MIT 50 MM F/1,8 

OBJEKTIV>AUSSERDEM VERWENDET: COMPUTERMONITOR, CHAMPAGNERGLÄSER 

Matty Graham: Ein guter Hintergrund gehört zu einem 

guten Bild. Fotografen stehen unzählige künstliche und 

natürliche Hintergründe zur Verfügung: von 

Studiohintergründen über Ziegelsteinmauern bis hin zu 

gemusterten Tapeten. Was aber, wenn wir Ihnen sagen, dass Sie abstrakte 

Kunst und praktisch jedes Muster, das es gibt, erstellen können, ohne Ihren 

gemütlichen Bürostuhl verlassen zu müssen? 

Jeder Fotograf sollte es mal ausprobieren, den eigenen Computermonitor 

als beleuchteten Hintergrund zu verwenden. Im Internet können Sie 

außerdem nach allen möglichen Farben oder Mustern suchen, die Ihnen in 

den Sinn kommen. Mit solch einer großartigen Datenquelle sind Ihnen 

praktisch keine Grenzen mehr gesetzt – außer die Ihrer eigenen 

Vorstellungskraft und Kreativität. Für dieses abstrakte Stillleben haben wir 

ein paar Champagnergläser vor einen Computermonitor gestellt, um in 

Verbindung mit dem Bildschirm verschiedene Muster zu erhalten. 


Dieses Foto ist mein Lieblingsbild, 

weil mir das interessante Muster im 

Glasstiel sehr gut gefällt. Lassen Sie 

Ihrer Kreativität einfach freien Lauf. 

Ich halte das 

6 Glas in 

verschiedenen 

Winkeln vor 

mehrere Muster. Da 

die Anzahl der 

Hintergründe 

unbegrenzt ist, 

können Sie so viele 

ausprobieren, wie 

Sie wollen. Ich 

versuche außerdem, 

mit einem zweiten 

Glas zu arbeiten, um 

das Bild noch 

interessanter zu 

gestalten. Halten Sie 

Kamera und Glas in 

verschiedenen 

Winkeln, um 

verschiedene 

Ergebnisse zu 

erzielen. Behalten 

Sie dabei stets die 

Bildschärfe und die 

Belichtung im Auge. 

Ich sehe mir die Bilder auf dem Computer an und öffne eine Aufnahme in Photoshop. 

7Anschließend passe ich die Tonwertkorrektur (Bild> Korrekturen >Tonwertkorrektur) an, 

indem ich die Schieber in die Mitte bewege, wodurch die weißen Tupfen noch weißer werden. 

Falls Sie irgendwelche Flecken sehen, können Sie sich dieser mit dem „Kopierstempel- 

Werkzeug" entledigen. 


Outdoor > 

Eindrucksvolle Perspektiven 

Erweitern Sie Ihren Horizont 

> ZEIT: EINE STUNDE > AUSRÜSTUNG: NIKON D700, 17-35 MM WEITWINKELOBJEKTIV > AUSSERDEM VERWENDET: POLARISATIONSFILTER 

Ross Hoddinott: Wir sind alle gerne am Meer, und zwar nicht zuletzt, weil sich dort für 

Fotografen viele Möglichkeiten bieten. Wenn Sie also das nächste Mal eine der zahlreichen 

Küstenressorts an Nord- und Ostsee besuchen, sollten Sie – abgesehen von Sachen für den 

Strand – auch Ihre DSLR mitnehmen. Sobald Sie vor Ort sind, sollten Sie nicht nur nach den 

typischen Pieren, den verwetterten Buhnen und den Wellenbrechern Ausschau halten. Diese Motive 

eignen sich zwar sehr gut für schöne Bilder, aber es gibt typisch Küstenkleinode wie leuchtend 

angemalte Strandhäuschen, die ebenfalls sehr attraktiv sein können. 

Strandhäuschen lassen sich am besten bei hellem Sonnenlicht fotografieren und kommen im Kontrast 

zu einem blauen Himmel besonders gut zur Geltung. Je nachdem, wie die Häuschen ausgerichtet sind, 

sollten Sie sie entweder am Morgen oder am Abend fotografieren. Die tief stehende Sonne liefert 

weiches, warmes Licht und längere sowie markantere Schatten. Dadurch kommen ihre Bilder noch 

besser zur Geltung. Außerdem sind zu diesen Tageszeiten hoffentlich weniger Menschen unterwegs, die 

beim Fotografieren der Strandhäuschen stören könnten. 

Strandhäuschen kommen unter Verwendung von Weitwinkelobjektiven aus kurzer Entfernung 

besonders gut zur Geltung. Nehmen Sie also Ihr Objektiv mit der kürzesten Brennweite in Ihrem 

Repertoire – oder sogar ein Fischauge, falls Sie eines haben. In Kombination mit einem hohen oder tiefen 

Standpunkt können Sie interessante, verzerrte Perspektiven erzielen, wo vertikale Linien 

zusammenlaufen. Obwohl Fotografen für gewöhnlich immer wieder gesagt wird, dass Motive gerade 

ausgerichtet und Horizonte gerade sein sollen, können Sie Ihre Bilder durch eine schrägsichtige 

Kameraperspektive abwechslungsreicher und interessanter gestalten. Bei dieser Technik sollten Sie am 

besten aus der Hand fotografieren. Dabei sollte die Verschlusszeit kurz genug sein, um Wackler zu 

vermeiden. Beim Fotografieren mithilfe eines Stativs haben Sie mehr Freiheit und Flexibilität. Dadurch 

können Sie die Bildzusammensetzung schnell, einfach und instinktiv anpassen. Falls die Lichtstärke 

jedoch zu gering ist, bleibt Ihnen nichts anderes übrig, als ein Stativ einzusetzen. 

Strandhäuschen sind praktisch dafür gemacht, fotografiert zu werden. Daher habe ich mich dafür 

entschieden, ein bekanntes Küstenressort im Süden von Devon zu besuchen, nur um Bilder von 

mehreren Strandhäuschen zu schießen. Meine Kinder dürfen allerdings nichts davon erfahren, dass ich 

ohne Sie ans Meer gefahren bin…

Outdoor > 

Eindrucksvolle Perspektiven 

Schöne Strandhäuschen 

Da sie Richtung Süden ausgerichtet waren, wusste ich, dass sie sich am besten am Morgen 

1 fotografieren ließen. Der tiefblaue Himmel bildete den perfekten Kontrast zu den leuchtend 

angemalten Häuschen. Für meine erste Aufnahme verwendete ich das obere Ende meines 

17-35-Millimeter-Zooms. Bei einer derart geringen Brennweite musste ich jedoch aufpassen, 

meinen eigenen Schatten nicht zu fotografieren. 

Strandhäuschen von einem tiefen 

Standpunkt oder aus schrägem Winkel mit 

einem Weitwinkelobjektiv zu fotografieren, 

um das Bild zu verzerren, ist ein beliebter und 

effektiver Ansatz. Sie sollten jedoch andere 

Möglichkeiten nicht außer Acht lassen. 

Verwenden Sie ein mittelgroßes Tele- oder 

Makroobjektiv, um interessante Details, wie 

ein Schlüsselloch, ein verrostetes Scharnier, 

abblätternde Farbe, Schrift oder gemalte 

Zahlen isoliert zu fotografieren. Die 

Bildzusammensetzung sollte mit Sorgfalt und 

Bedacht erfolgen. Strahlende Farben 

verleihen ihren Bildern das gewisse Etwas. 

Strandhäuschen können auch bei einem 

dunklen, stürmischen Himmel und 

schlechtem Wetter gut aussehen. Je nach 

ihrer Lage können Sie als Silhouette im 

Kontrast zu einem warmen Sonnenauf- oder 

-untergang vorteilhaft aussehen. 

Experimentieren mit so vielen Winkeln wie 

möglich! 

Silhouetten 

Kreative Zuschnitte 

Stellen Sie Ihre Kamera auf Zeitautomatik und eine Blendenstufe für genügend Schärfentiefe 

2 ein. Ich habe mich für f/11 entschieden. Wenn Sie aus der Hand fotografieren, sollten Sie 

eine Verschlusszeit von ungefähr einer 1/100 Sekunde wählen, um Wackler zu vermeiden. Meine 

liegt dank der Helligkeit zum Glück bei einer 1/250 Sekunde. Bei meiner ersten Aufnahme stand 

ich gerade und hatte das Motiv auf Kopfhöhe. Das Bild sah jedoch langweilig aus, da zu viel Beton 

Um den Beton auszublenden, gehe ich ein paar Schritte auf die Häuschen zu. Mithilfe eines 

3 Polarisationsfilters wirkt das Blau des Himmels kräftiger. Da die Hütten im Bild nun größer 

erscheinen, kommt die Aufnahme besser zur Geltung. Der Himmel sieht jetzt allerdings künstlich 

dunkel aus. Man lässt sich leicht von den Effekten des Filters verführen. Zu starke Polarisation ist 

ein typischer Fehler bei solchen Aufnahmen. 

Wenn Sie mit einem Polarisator arbeiten, sollten Sie ihn nicht bei jeder Aufnahme voll 

4ausreizen. Stattdessen sollten Sie den Filter intuitiv anpassen und Ihre Bilder in regelmäßigem 

Abstand kontrollieren, damit der Effekt des Filters nicht zu stark und zu künstlich wird. Um meinen 

Fehler zu korrigieren, habe ich den Filter gedreht und dadurch den Effekt reduziert. Das Ergebnis 

ist immer noch ansehnlich: Die Farben sind kräftig und dynamisch, aber dieses Mal sehen sie 

echter und natürlicher aus. 

Die Bildzusammensetzung weiß immer noch nicht zu überzeugen. Daher ist es jetzt an der 

5Zeit, aus einem anderen Blickwinkel zu fotografieren. Ich knie mich hin, um die Häuschen 

aus einem tieferen Standpunkt zu fotografieren. Indem ich mit einem Weitwinkelobjektiv nach 

oben fotografiere, lasse ich den Eindruck entstehen, dass die Häuschen verzerrt werden und 

zusammenlaufen. Dank des flachen Winkels können wir außerdem einen falschen Eindruck von 

Höhe erzeugen, wobei die Häuschen über uns zu thronen scheinen. 


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Ruhig bleiben 

Wenn Sie aus der Hand fotografieren, 

halten Sie die Kamera fest an Ihr Gesicht 

und stemmen Ihre Ellbogen gegen Ihren 

Körper, damit Sie nicht wackeln. Drücken 

Sie den Auslöser ganz langsam, um 

Wackler zu vermeiden. 


Kreativprojekt 

>Dunkles Stillleben 

Blumenbilder 

Rosenfoto ... 

> ZEIT: > SETUP: 10 MINUTEN > FOTOGRAFIE: 5 MINUTEN > NACHBEARBEITUNG: 20 MINUTEN 

> KAMERAAUSRÜSTUNG: NIKON D300 MIT NIKON 50MM F/1,8 UND STATIV 

Caroline Wilkinson: Eine Freundin bezog vor Kurzem ihre erste eigene Wohnung und bat mich 

um ein paar Blumenbilder für ihre neuen, noch recht nackten Schlafzimmerwände. Sie wollte Bilder, 

die die Farben ihrer Einrichtung reflektieren, um den Raum etwas einheitlicher und harmonischer 

aussehen zu lassen. Die Einrichtung war üppig. Die vorherrschenden Farben waren Schwarz und 

Purpurrot. Ein dunkles Stillleben einer purpurroten Chrysantheme – Ihre Lieblingsblume – bot sich also an. Ich 

wollte ein Bild schießen, auf dem die plastischen und fast symmetrischen Formen der Blume voll herauskommen, 

und entschloss mich für die Vogelperspektive mit der Chrysantheme als zentralem Bestandteil. Um einen 

Low-Key-Effekt zu erzeugen, musste ich herausfinden, wie und wo das natürliche Licht vom Fenster auf die 

Blüten trifft, um für den nötigen Kontrast sorgen zu können und sicherzustellen, dass umliegende Bereiche nicht 

belichtet werden. Dann wollte ich eine ähnliche Technik bei einer Rose anwenden. Allerdings sollte hierbei das 

Licht so gelenkt werden, dass es nur Teile der Blume erhellt, um eine dunkle, gemäldeartige Oberfläche zu 

erzeugen. Die Suche nach purpurroten Rosen und Chrysanthemen war keine einfache Aufgabe. So musste ich bei 

der Farbe Kompromisse eingehen. Ich wusste ja, dass ich den Farbton später in Photoshop noch verändern 

konnte. Ich suchte daher die von der Form her schönsten Exemplare aus, die noch frisch, gleichzeitig aber schon 

geöffnet waren. 

Das Ablichten der Rose funktioniert nicht viel anders als bei 

der Chrysantheme. Allerdings wählte ich eine seitliche 

Lichtquelle. Für das Bild schnitt ich ein Loch in die Vorderseite 

eines Weinflaschen-Kartons und legte ihn mit schwarzem 

Papier aus. Außerdem schnitt ich seitlich Klappen in die Kiste, 

mit denen ich den Lichteinfall vom Fenster auf die Rose 

kontrollieren konnte. Für die abschließende Aufnahme der 

Rose wählte ich den manuellen Betriebsmodus mit 1/15 Sek. 

bei f/7,1 (ISO 200). Die Farbe der Rose passte ich genauso an 

wie die der Chrysantheme. Allerdings fügte ich ein wenig vom 

Filter „Grobe Malerei“ hinzu (Filter>Kunstfilter>Grobe 

Malerei), um den Gemäldecharakter zu verstärken. Außerdem 

verwendete ich Gaußschen Weichzeichner (2 px), um die 

Konturen etwas weicher erscheinen zu lassen (Filter>Weichz 

eichnungsfilter>Gaußscher Weichzeichner). 

Damit die Chrysantheme so aussieht, als würde sie aus der 

1Dunkelheit nach vorne treten, platziere ich sie in einer 

Kiste, die ich fast auf gleicher Höhe der Fensterbank 

positioniere, sodass natürliches Licht auf die Blume fällt. Um 

die Blume in der Kiste so zu fixieren, dass sie gerade steht, 

schneide ich ein Loch in ein Stück Karton, das denselben 

Durchmesser wie die Kiste hat. In das Loch stecke ich dann die 

Blume. Die Nikon D300 stelle ich so ein, dass ich durch den 

Sucher von oben auf die Blume herabblicken kann. 

Ich stelle die Kamera auf den A-Modus ein (manuelle Blende, 

2Belichtungszeit automatisch) und wähle Blende f/7,1, um den 

Großteil des Kopfes bzw. den gesamten Kopf in den Fokus zu 

bekommen. Durch die automatische Belichtungszeit wird der 

Hintergrund mitbelichtet. Um den gewünschten Effekt zu erzielen, 

muss ich das Bild also noch absichtlich unterbelichten. Es wäre 

möglich, einen leicht negativen Belichtungsausgleich zu 

verwenden. Um aber mehr Kontrolle zu haben, stelle ich die 

Belichtung im manuellen Modus selbst ein. 

Vorher 

Nachher 

Zu schwach 

Zu stark 

Anfangs wähle ich 1/25 Sekunde und Blende f/7,1 (ISO 

3200). Außerdem passe ich die Höhe der Blume an, um zu 

sehen, welchen Effekt das auf den Lichteinfall, den Kontrast 

und die Belichtung hat. Ich stelle fest, dass zu viel Licht auf die 

Blume trifft, wenn ich sie so platziere, dass nur ihr Kopf aus der 

Kiste herausragt. Dadurch hebt sich die Blume zu sehr vom 

Hintergrund ab. Als ich sie in die Kiste hineinschiebe, wird das 

Bild zu dunkel und kontrastlos. 

Ich will, dass für die Aufnahme genug Licht auf den Kopf 

4fällt, um etwas weichen Kontrast zu erzeugen. Gleichzeitig 

sollen aber die unteren Blüten immer noch mit dem schwarzen 

Hintergrund verschmelzen. Um diesen Effekt zu erreichen, 

platziere ich die Blume knapp unterhalb der Oberkante der Kiste. 

Die Einstellung von f/7,1 und ISO 200 behalte ich bei. Daneben 

passe ich die Verschlusszeit auf einen Wert zwischen 1/25 und 

1/10 Sekunde an. Die Aufnahme gefällt mir bei 1/15 am besten. 

Zur Nachbearbeitung des Bildes öffne ich die Datei in 

5Photoshop und verdopple die Ebene (Ebene>Ebene 

duplizieren), um nicht direkt auf dem Bild zu arbeiten. Dann 

wähle ich das Pinsel-Werkzeug aus. Ich nehme eine Farbprobe 

vom schwarzen Hintergrund, indem ich die Alt-Taste gedrückt 

halte, und übermale mit einem großen, weichen Pinsel alle 

Blätter oder blassen Partien des Hintergrunds, um einen 

gleichmäßigen Farbton zu erhalten. 


Fertiges Bild 

Zur Abrundung füge ich dem Bild 

etwas weiches Licht hinzu (Filter> 

Verzerrungsfilter>Weiches Licht), 

um die hellen Stellen etwas stärker 

herauszuarbeiten. 

Um die Blume auszuwählen und ihre Farbe zu ändern, 

6klicke ich auf Auswahl>Farbbereich. Mit dem 

Pipette-Werkzeug des Dialogfelds klicke ich dann Bereiche der 

Blume an, um Farben zur Auswahl hinzuzufügen. Danach 

schiebe ich den Regler für die Streuung auf 200 %, damit auch 

Details mancher Blüten mit aufgenommen werden, die mit dem 

Hintergrund verschmolzen sind. Ich bestätige danach den 

Vorgang mit OK. 

Um nach der Auswahl des Hintergrunds zur Bearbeitung der 

7Blume überzugehen, klicke ich auf Auswahl>Auswahl 

umkehren. Danach rufe ich die Option Ebene>Neue 

Einstellungsebene>Farbbalance auf, um auf der Grundlage der 

Auswahl eine Einstellungsebene zu erstellen. Im Anschluss 

verschiebe ich die vier Regler, wobei ich die Lichter, Schatten und 

Mitteltöne separat einstelle. Um den purpurroten Ton 

nachzuempfinden, erweist sich eine Verschiebung in Richtung Rot, 

Magenta und Blau als beste Lösung. 

Zum Abschluss drucke die die Bilder auf mattem 

8Innova Foto Art-Papier aus und lasse sie 

einrahmen. Da drei Bilder immer besser aussehen als 

eines oder zwei, drehe ich das Bild der Rose in 

Photoshop (Bearbeiten>Transformieren>Vertikal 

spiegeln) und verwende dasselbe Bild zwei Mal (an 

beiden Enden der Chrysantheme). 


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Outdoor 

>Lichtgemälde 

 

 

Bringen Sie Licht ins Dunkel 

> ZEIT: ZWEI STUNDEN > AUSRÜSTUNG: CANON EOS 5D MARK II, EF 16-35MM F2,8L USM MARK II > AUSSERDEM: STATIV, LED-TASCHENLAMPEN UND SCHNUR 

Michael Bosanko: Versetzen Sie sich zurück in Ihre Kindheit. 

Sie beobachten ein Feuerwerk. Es ist dunkel, kalt, und Sie tragen 

mehr Kleidungsschichten als eine reife Zwiebel. Irgendwie ist es nicht 

besonders attraktiv, unter diesen Bedingungen im Freien 

herumzuspazieren. Dann aber drückt Ihnen jemand eine Wunderkerze in die 

Hand, und während sie abbrennt, vergessen Sie vor lauter Freude die Kälte um 

sich herum und malen mit der Wunderkerze tolle Figuren und Kreise in den 

Nachthimmel. Die Aufnahme von Lichtkreisen ist eine Weiterentwicklung dieses 

Kinderspiels. Erleben Sie mit einigen einfachen Taschenlampen, einer 

DSLR-Kamera und einem Stativ ausgerüstet die schöne Zeit noch einmal, indem 

Sie wunderbare Bilder erzeugen, die sie nicht einmal mehr nachbearbeiten 

müssen. Diese Technik funktioniert am besten in Gebieten mit wenig externer 

Lichteinstreuung. Daher machte ich mich abends auf ins Heideland, um zu 

sehen, welche Formen ich herstellen kann. 


Outdoor 

>Lichtgemälde 

Fantastisches LED-Licht! 

Zuerst peppe ich die Taschenlampen etwas auf, indem ich die vordere 

1Abdeckscheibe mit bunten Gels bedecke. Farbiges Azetat oder Bonbonpapier 

funktioniert aber genauso gut. Gels und Azetat sind in Kunstläden oder online recht 

einfach zu bekommen. Wenn Sie eine sehr helle Taschenlampe haben, kann es 

sinnvoll sein, mehrere Schichten Gel aufzutragen, um sicherzugehen, dass der 

Strahl ausreichend Farbe erzeugt. 

In diesem Fotokurs wollen wir zwar 

Lichtkreise erzeugen. Die Technik 

funktioniert aber genauso gut für 

andere Formen. Sie können mit den 

Taschenlampen Wellenlinien in die 

Aufnahme zaubern, die Umrisse 

eines Motivs wie etwa eines Autos 

nachzeichnen, oder sogar einige 

menschlich aussehende 

„Lichtfiguren“ erschaffen. Wie bei 

den meisten Fototechniken sind der 

Fantasie keine Grenzen gesetzt. 

Wenn Sie einmal mit den Grundlagen 

vertraut sind, können Sie 

verschiedene Lichtquellen 

verwenden, um damit dynamische, 

mehrfarbige Gemälde herzustellen, 

die den Himmel zum Leuchten 

bringen. 

© MICHAEL BOSANKO © MICHAEL BOSANKO 

Wenn Sie mehr als eine Lampe haben, können Sie sie zusammenkleben und damit 

2mehrspurige Lichtlinien zeichnen. Ich befestige das Paket an einer Hundeleine. Ein langes 

Stück Schnur ist aber hierfür ebenso gut geeignet. Überprüfen Sie noch einmal, dass alles gut hält 

und sich keine Teile lösen können. Damit vermeiden Sie es, die Taschenlampen wie Geschosse 

durch den Nachthimmel zu schleudern und im schlimmsten Fall Ihre Kameralinse zu beschädigen. 

Da Sie mit langen Belichtungszeiten arbeiten, brauchen Sie unbedingt ein Stativ, auf dem die 

3Kamera felsenfest hält. Wählen Sie eines mit voneinander unabhängig einstellbaren Beinen, das 

auch im unwegsamen Gelände gut steht. Wenn Sie einen Fernauslöser besitzen, sollten Sie ihn 

ebenfalls mitnehmen, um Bilder ohne Verwacklungen schießen zu können. Die Kameraeinstellung 

hängt vom Umgebungslicht ab. Ein guter Ausgangspunkt ist eine Einstellung der Blende auf f/8, die 

Verwendung eines niedrigen ISO-Wertes und der Einsatz des Bulb-Modus (Langzeitbelichtung). Die 

Nutzung des Autofokus ist bei Nacht eine ziemlich heikle Angelegenheit. Wo möglich sollten Sie den 

Fokus manuell einstellen. Alternativ können Sie eine helle Lichtquelle am geplanten Standort Ihres 

Gemäldes einrichten und den Autofokus darauf einstellen. Bevor Sie den Verschluss betätigen, achten 

Sie darauf, wieder in den manuellen Fokus umzuschalten, damit die Linse nicht die ganze Zeit weiter 

nach neuen Fokuspunkten sucht. 

Ich habe einen hervorragenden Platz für meine Lichtbilder gefunden, wo ich vor einem 

4 Hintergrund schroffer Felsen „malen“ kann. Jetzt ist es soweit! Nach der Bildkomposition 

stelle ich mich an meinen Standort, der weit genug von der Kamera und anderen Hindernissen 

entfernt ist. Bitten Sie einen Freund darum, den Fernauslöser zu bedienen. Wenn Sie so wie ich 

alleine arbeiten, benutzen Sie den Selbstauslöser der Kamera. 


Fertiges Bild 

Sie können Ihr Lichtgemälde noch 

weiter aufwerten, indem Sie noch 

andere Effekte hinzufügen. So 

können Sie beispielsweise mit der 

Taschenlampe in die Linse leuchten 

und sie ein- und ausschalten, um 

leuchtende Sterne zu erzeugen. 

Ich halte die Hundeleine in der Hand und beginne, die Taschenlampe im Kreis zu schwingen, 

5nachdem sich der Verschluss der Kamera geöffnet hat. Danach beginne ich, mich langsam um 

die eigene Achse zu drehen. Als ich wieder an meinem Ausgangspunkt angekommen bin, schalte 

ich die Taschenlampe aus. Es ist wichtig, dass man sich selbst ständig bewegt, um nicht als Teil 

des Bilds zu erscheinen. 

Auch nach Ihrer „Lichtershow“ erscheint der Hintergrund wahrscheinlich schwarz. Um die 

6Umgebung etwas aufzuhellen, gehe ich seitlich hinter die Kamera, nehme ein Blitzgerät in die 

Hand und feuere manuell mit der „Pilot“-Taste zwei Lichtblitze ab. Lassen Sie sich ausreichend 

Zeit. Für diese Aufnahme habe ich eine Belichtungsdauer von 17 Minuten verwendet. 


Anfänger 

LERNEN SIE DIE GRUNDLAGEN VON SCHWARZ & WEISS UND BRINGEN SIE 

DIE GEHEIMNISSE DER SCHWARZWEISS-FOTOGRAFIE IN ERFAHRUNG 

EI 

NIGE MENSCHEN BEHAUPTEN, dass in Schwarzweiß alles mehr Sinn ergibt. Wir sind uns nicht sicher, ob das wahr ist, 

aber wir sind der Meinung, dass Fotos in Schwarzweiß oft am besten aussehen. Seit Anbeginn der Fotografie waren 

Schwarzweiß-Bilder immer eine Quelle von Inspiration, Emotionen, Antrieb, Ärger, übermäßiger Freude und von 

Traurigkeit für diejenigen, die sie betrachteten. Genauso wie ein kühles Glas Mineralwasser ist ein Schwarzweiß-Bild 

frisch und rein. Ohne Farben scheint die Seele des Bildes zum Vorschein zu kommen. Die grauen Schatten, die ins Auge 

springen, scheinen eine Wahrheit aufzudecken, von der durch die Farben abgelenkt wurde. 

Da haben wir’s. Wir geraten schon wieder über die Magie von Schwarzweiß ins Schwärmen. Aber wie könnte es 

au 

ch anders sein, wenn man einmal von diesem Zauber erfasst wurde. Die Schwarzweiß-Fotografie hat Amateurund 

Profi-Fotografen seit Generationen in ihren Bann gezogen. Haben Sie sich schon mal gefragt, ob ein Bild von 

An 

sel Adams in Farbe besser aussehen würde? Oder ob Bailey sich einen Namen gemacht hätte, wenn er einen 

Farb- statt einem Schwarzweiß-Film in seine Kamera eingelegt hätte? Natürlich kann man jetzt sagen, dass die 

Fa 

rbfotografie damals noch in den Kinderschuhen steckte und deshalb gar keine andere Wahl blieb als 

Schwarzweiß. Das stimmt natürlich, aber man muss trotzdem festhalten: Farbbilder haben nie so großartig 

au 

sgesehen. Warum also ist die Schwarzweiß-Fotografie heute populärer als je zuvor, und warum dürstet es Sienach 

mehr als einer halben Seite immer noch nach mehr Wissen, wie Sie Ihr Können und Ihre Technik verbessern könn 

nnen 

en, 

um ate 

mberaubende Schwarzweiß-Bilder machen zu können? 

DieAn 

twort lautet, dass fast alle von uns die Schwarzweiß-Fotografie als etwas Besonderes schätzen. Manch 

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en uns allerdings die Worte, um das Besondere daran zu beschreiben. Des Weiteren sind wir alle darauf aus, 

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Fähigkeiten im Hinblick auf die Schwarzweiß-Fotografie auszubauen. Wir wollen nicht nur ein 

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zweiß-Bild machen, sondern eines, das vor Kreativität und Ästhetik nur so strotzt. 

AmAnfang des Leitfadens für Anfänger in diesem Monat steht eine kurze, „Zurück-zu-den-Wurzeln”-Übersich 

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bei Schwarzweiß-Bildern zur Geltung kommen und wie man Farbbilder in Schwarzweiß umwandel 

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nd tauchen wir aber gleich in vier kreative Techniken ein, die wir Ihnen ans Herz legen. Sie werden sehen, 

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igitale Schwarzweiß-Fotografie aus den klassischen Schwarzweiß-Techniken vom Film und 

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fotografen schöpft. Heutzutage profitieren wir von diesem Wissen. Mit Ihrer DSLR und 

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en Bilder gelingen, auf die selbst die großen Meister stolz wären.

Anfänger 

>Kreative Schwarzweiß-Fotografie >Grundlagen 

Die Grundlagen der Schwarzweiß-Fotografie 

Lernen Sie, noch kreativere Schwarzweiß-Fotos zu schießen. 

Im Einsteigerkurs der Woche wollen wir Sie dazu 

bringen, (zumindest vorübergehend) die Welt nur 

noch schwarzweiß zu sehen. Lernen Sie, die Welt in 

ihren Grauschattierungen kennen. Wir geben zu, dass 

das kein einfaches Unterfangen ist. Wenn man aber 

tolle SW-Bilder aufnehmen will, ist es eine große Hilfe, 

wenn man sich vorstellen kann, wie Farben im 

Monochromstil aussehen. 

Auf dieser Seite bringen wir Ihnen die Grundlagen bei, 

die Sie lernen und verstehen müssen, um 

faszinierende Schwarzweiß-Bilder zu schießen. Ihnen 

ist sicherlich bereits bewusst, dass die Mehrzahl der 

monochromen Bilder auf dem Computerbildschirm 

entstehen, was aber nicht heißt, dass wichtige 

Kameratechniken in diesem Bereich unwichtig wären, 

wie Sie auf den folgenden Seiten feststellen werden. 

Plug-ins für Schwarzweiß-Bilder 

Es gibt eine Reihe von verfügbaren Plugins, 

anhand derer Sie die Funktionen 

Ihrer Software erweitern können. Wenn 

Sie sich ernsthaft mit der SW-Fotografie 

beschäftigen wollen, möchten wir Ihnen das Programm 

Silver Efex Pro von Nik Software ans Herz legen, das für 

Photoshop und Lightroom verfügbar ist. Das Programm 

kostet 159,95 Euro und eröffnet Ihren monochromen 

Bildern neue Dimensionen (www.colourconfidence. 

com). 

Wichtigste Fertigkeit: 

Die Welt schwarzweiß sehen 

Bevor Sie weiterlesen, wollen wir Sie an unsere goldene 

Regel erinnern: Stellen Sie Ihre DSLR auf den 

Raw+JPEG- oder Raw-Modus ein. 

Sind Sie soweit? Dann kann es losgehen. Zunächst wollen 

wir eine häufig gestellte Frage beantworten: Wenn im 

Bildstil-Menü der Kamera ein Schwarzweiß-Modus 

enthalten ist, sollten Sie die Funktion dann verwenden? Die 

Antwort ist: ja. Das ist wahrscheinlich für viele Leser eine 

Überraschung. Lassen Sie es uns erklären. Der einfachste 

Weg, die Welt nur noch schwarz und weiß zu sehen, ist es, 

den Bildstil der DSLR auf Schwarzweiß-Aufnahmen zu 

stellen und dann die Live View-Funktion einzuschalten. 

Noch bevor Sie „Schwarzweiß-Foto“ sagen können, hat der 

LCD-Monitor Ihre Umgebung bereits zu einem 

monochromen Bild umgewandelt. Sie müssen nicht mehr 

darüber spekulieren, wie die Farben im fertigen Bild 

aussehen werden. Sie sehen das Bild noch vor dem 

Drücken des Auslösers vor sich. Und da Sie ja in 

„Raw+JPEG“ arbeiten, bekommen Sie ein 

Mono-JPEG-Bild angezeigt und erhalten nachher eine 

Raw-Datei, mit der Sie arbeiten können. Dieser letzte Punkt 

ist wichtig, wenn Ihre DSLR über kein Live View verfügt, da 

Sie in diesem Fall das JPEG-Format zur Kontrolle der Szene 

im LCD-Display nutzen können. Wenn Sie versehentlich 

nur im JPEG-Modus aufnehmen, raten wir Ihnen, Ihre 

DSLR nachher nicht mehr auf den SW-Modus 

umzuschalten, da sonst Daten verloren gehen. Machen Sie 

stattdessen Ihre Aufnahmen in Farbe und wandeln Sie sie 

bei der Nachbearbeitung um. 

Farbtöne in Grau 

Eine der zweifelsohne schwierigsten Aufgaben ist es, 

sich Farben in Schwarzweiß vorzustellen. Unser Live 

View-Tipp ist bereits eine gute Hilfe. Aber was ist, 

wenn man eine Aufnahme arrangieren will und nicht 

weiß, wie die Farben im monochromen Modus 

wiedergegeben werden? Unten sehen Sie eine 

Macbeth-Farbkarte, die Ihnen zeigt, wie 

verschiedene Farben mit den verschiedenen 

Umwandlungsmethoden als monochrome Töne 

aussehen. Sie werden mit der Zeit ein Gespür hierfür 

entwickeln. Wir empfehlen Ihnen dennoch, weiter 

Mono-Aufnahmen zu machen, und sich dann erst 

die Farbtöne vorzustellen, bevor Sie sich das 

Ergebnis ansehen. Sie werden mit jedem Foto einen 

besseren Instinkt für die SW-Aufnahmen bekommen. 

Umwandlung von Farbe in Schwarzweiß mit Photoshop 

Wie oben schon kurz angesprochen, ist es 

bei der Erstellung von SW-Bildern aus 

Aufnahmen der DSLR besser, Software wie 

Photoshop zu verwenden, als die 

Umwandlung durch die Kamera vornehmen 

zu lassen. Der Grund hierfür ist einfach: Die 

DSLR liefert zwar gute Resultate, aber mit 

Photoshop-Methoden gelangen Sie zu 

besseren Ergebnissen. Es gibt verschiedene 

Wege, in Photoshop Bilder in 

Mono-Aufnahmen umzuwandeln. Wir 

wollen an dieser Stelle drei davon behandeln 

– von der einfachsten bis zur 

anspruchsvollsten Technik. Mit letzterer 

haben Sie mehr Kontrolle und können 

letztendlich bessere Resultate erreichen. Die 

einfachste Methode, die wir allerdings nicht 

empfehlen, ist die Graustufen-Funktion, die 

Sie unter Bild>Modus>Graustufen finden. 

Wie auch bei der Aufnahme eines 

monochromen Bilds werden hierbei alle 

wichtigen Farbinformationen des Fotos 

ignoriert. Von dieser Methode sollten Sie die 

Finger lassen! 

Basismethode 

SÄTTIGUNG VERRINGERN 

Bild>Korrekturen>Sättigung verringern. 

Verfügbar in CS und Elements 

Die den Graustufen sehr ähnliche Methode ist schnell 

und einfach. Die Ausgabe kann aber im Vergleich zu 

anderen Methoden fad und wenig plastisch erscheinen. 

Sie können zwar den Kontrast per Tonwertkorrektur 

oder Gradationskurven noch anpassen. Aber wenn 

Sie nicht gerade unter Zeitdruck stehen, sollten Sie die 

unten vorgeschlagenen Alternativen nutzen. Wenn Sie 

diese Methode dennoch verwenden möchten, sollten 

Sie mit einer Kopie Ihrer Bildebene arbeiten, damit Sie, 

wenn nötig, die Ebene und die Einstellungen wieder 

löschen können 

Weiterführende Methode 

FARBTON/SÄTTIGUNG 

Ebene>Neue Einstellungsebene>Farbton/ 

Sättigung. 

Verfügbar in CS und Elements 

Es ist immer besser, mit einer Einstellungsebene zu 

arbeiten, damit man Änderungen vornehmen kann, 

ohne das Originalbild zu verfälschen. Die Methode 

ist vielseitig und leicht in der Anwendung. Schieben 

Sie den Sättigungsregler nach links, um die Farbe 

herauszunehmen, wählen Sie dann über das Dropdown-Menü 

einzelne Farben aus und verändern Sie 

mit dem Helligkeitsregler die Farben. 

Fortgeschrittene Methode 

SCHWARZWEISS-EBENE 

Ebene>Neue 

Einstellungsebene>Schwarzweiß. 

Verfügbar in CS 

Eine Stufe schwerer aber auch professioneller 

als die Methode mit Farbton und Sättigung. 

Eine SW-Einstellungsebene bietet Ihnen 

weitere Optionen zur Feineinstellung einzelner 

Farben und Töne im Bild, damit Sie eine 

maximale Wirkung erzielen können. Es gibt 

auch eine Palette vordefinierter Filter, welche 

die Wirkung von auf der Linse angebrachten 

Farbfiltern nachahmen. 


Anfänger 

Grundlagen < Kreative Schwarzweiß-Fotografie < 

LEE FROST 

Fortgeschrittene Methode 

KANALMIXER 

Ebene>Neue 

Einstellungsebene>Kanalmixer 

Verfügbar in CS 

Dies ist eines der wirkungsvollsten aber 

auch anspruchsvollsten Mittel, ein Bild in 

ein SW-Foto umzuwandeln. Der Kanalmixer 

ermöglicht Ihnen die Kontrolle darüber, wie 

viel die drei Farbkanäle (Rot, Grün und Blau) 

zum endgültigen monochromen Bild beitragen 

sollen. Für optimale Bildqualität sollte der 

Gesamtanteil aller Regler 100 % betragen. 

Wie Filter monochrome Bilder beeinflussen 

Viele Fotografen verwenden immer noch Farbfilter auf der Linse, 

wenn sie Mono-Aufnahmen machen, um bestimmte Effekte zu 

erzielen. Die verschiedenen Farben haben unterschiedliche 

Wirkungen. In der Tabelle haben wir die gängigsten Typen sowie 

deren Wirkung und die Situationen aufgelistet, in denen sie am 

sinnvollsten eingesetzt werden können. Ihre DSLR enthält in den 

Optionen für den SW-Bildstil vermutlich ähnliche Filter, die Sie 

zuerst ausprobieren können. In der Regel funktionieren optische 

Filter aber unserer Erfahrung nach besser. Daneben ist es möglich, 

in Photoshop mit Pseudofiltern ähnliche Effekte zu erzeugen. 

Filtereffekt 

Rot: Verdunkelt blaue Himmelsausschnitte sowie Blätterwerk 

beträchtlich und ist dadurch wie geschaffen für stimmungsvolle 

Landschaftsbilder. 

Orange: Wirkt ähnlich wie Rot, ist aber nicht ganz so kräftig, 

weshalb es eine gute Wahl ist, wenn man keine ganz so 

drastischen Effekte erreichen will. 

Gelb: Hat noch weniger Wirkung als Orange und ist dadurch wie 

geschaffen für allgemeine Landschaftsbilder. 

Grün: Verdunkelt Rot- und Blautöne, hellt Grün- und Gelbtöne 

auf. Kann Hauttöne verbessern und dadurch zum Erstellen 

vorteilhafter Porträtbilder genutzt werden. 

Original 

Rot 

Gelb 

Ungefiltert 


Anfänger 

>Kreative Schwarzweiß-Fotografie >Einsatz von Kanalmixern 

Erzeugen Sie mit Schwarzweiß- 

Bildern Spannung 

Es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, Schwarzweiß-Fotos herzustellen. Wir zeigen Ihnen eine fantastische Technik, mit der 

Sie Landschaftsbilder zum Leben erwecken und das Schwarzweiß-Potenzial Ihrer Bilder voll ausschöpfen können. 

BEIM AUFNEHMEN VON LANDSCHAFTSBILDERN machen sich die 

meisten Hobbyfotografen nur wenig Gedanken darüber, wie die Ergebnisse im 

Monoformat aussehen könnten. Das ist nur allzu verständlich, da die 

überwiegende Mehrzahl der Bilder farbig bleibt. Wir wollen jetzt nicht so weit 

gehen, Sie dazu anzuleiten, sich jede einzelne Szene als Schwarzweiß-Bild 

vorzustellen. Doch ab und zu sollten Sie das schon machen. Die Aufnahme 

von Bildern, die nachher in Monofotos umgewandelt werden können, ist eine 

Wissenschaft für sich. Wenn man vorhat, eine aufgenommene Szene zum 

monochromen Bild umzuwandeln, muss man Faktoren berücksichtigen, 

welche die Wirkung des Bildes (bzw. dessen fehlende Wirkung) nach dem 

Umwandeln beeinflussen. Um zu vermeiden, dass die Bilder nach Verblassen 

der Farben leblos wirken, muss man ein besonderes Augenmerk auf die 

Komposition, das Spektrum der Grautöne, die Formen und die Motive im 

Vordergrund legen. 

Zuallererst ist es wichtig, stark farblich gesättigte Umgebungen wie 

Sonnenuntergänge sowie Sonnenblumen- oder Rapsfelder zu meiden, da ein 

Schwarzweiß-Bild diesen Szenen sicherlich nicht gerecht werden kann. 

Denken Sie daran, dass jede Farbe eine eigene Grauschattierung hat, wenn sie 

in einen Schwarzweiß-Ton umgewandelt wird. Halten Sie also Ausschau nach 

Szenen, die eine große Bandbreite an Licht und Dunkel aufweisen. Andernfalls 

besteht das Risiko, dass das Bild am Ende flach aussieht und kein breites 

Spektrum an Grautönen aufweist. 

Ein wesentlicher Bestandteil von Mono-Landschaftsbildern sind Formen. 

Suchen Sie daher Szenen mit Struktur, starken Linien und ungewöhnlichen 

Formen, die Kontrast ins Schwarzweiß-Bild bringen. Im Vordergrund sollten 

sich Motive befinden, die das Interesse des Betrachters wecken. Nasse Felsen 

sind hervorragend dazu geeignet, Kontrast herzustellen. Besonders die Stellen, 

an denen die Sonne von der nassen Oberfläche hell reflektiert wird, bieten sich 

als optischer Blickfang an. Ein raues Klima kann oft helfen, die Dramatik in 

den Bildern zu steigern. Dicke Donnerwolken sind ein wundervolles Motiv. Sie 

sollten es vermeiden, bei wolkenlosem Himmel zu fotografieren, weil Ihnen 

dies nur graue, leblose Bilder liefern wird. Wenn Sie keine massiven 

Quellwolken vor sich haben, können Sie mit dem Nachbelichter-Werkzeug 

selektiv die Belichtung anpassen und die Wolken verdunkeln, um die Szene 

dramatischer zu gestalten. 

Gerichtetes Licht ist am besten geeignet, um Kontrast zu erzeugen, doch 

Mutter Natur liefert uns nicht immer die perfekten Rahmenbedingungen zum 

Fotografieren. Dies ist aber kein Grund, zu verzagen, da man mit den 

Abwedler- und Nachbelichter-Werkzeugen selektiv die Belichtung anpassen 

kann, um milde Mitteltöne zu Glanzpunkten und Schatten zu verwandeln, um 

so noch mehr Stimmung zu erzeugen. 

Die Umwandlung von Bildern mit Hilfe des Programms Adobe Camera 

Raw oder unter Einsatz einer Schwarzweiß-Einstellungsebene sind beides 

hervorragende Wege, um tolle Ergebnisse zu erreichen. Auf beide werden wir 

später noch genauer eingehen. Nicht zu verachten ist auch der Kanalmixer, 

der bis zur Einführung von CS3 für viele die Methode der Wahl darstellte. Der 

Kanalmixer ist qualitativ besser und von den Kontrollmöglichkeiten her um 

Einiges umfangreicher als die einfache Graustufen-Umwandlung. Er ist zwar 

nicht so technisch ausgereift wie die anderen Methoden, ermöglicht es aber, 

mit den Farbinformationen eines Bilds das Spektrum der Grautöne präziser zu 

erweitern. Gleichzeitig ist der Kanalmixer immer noch eine der besten 

Möglichkeiten, extreme Kontraste herauszuarbeiten. 

Schritt 1 Öffnen Sie Ihr Bild mit Photoshop Adobe Camera Raw. Als 

Allererstes sollten Sie alle notwendigen Belichtungsanpassungen vornehmen, 

damit das Bild so aussieht, wie Sie es sich vorstellen. Bei diesem Bild haben wir 

den Belichtungsregler eingestellt, indem wir einen positiven Wert eingegeben 

haben, um das Bild aufzuhellen. Mit dem Regler für die Schwarztöne haben wir 

leicht den Kontrast erhöht. 

Schritt 2 Wenn Sie das Bild in Photoshop öffnen, halten Sie die 

Cmd- oder Umschalttaste gedrückt. So wird aus der Schaltfläche „Bild 

öffnen“ die Schaltfläche „Objekt öffnen“. Wenn Sie später die 

Raw-Dateien erneut bearbeiten möchten, weil Sie beispielsweise die 

Belichtung anpassen möchten, können Sie durch einen Doppelklick auf 

die Photoshop-Ebene zu Adobe Camera Raw zurückkehren. 

Schritt 3 Duplizieren Sie nun die Ebene über Ebene> Ebene 

duplizieren und fügen ein Raster ein. Dies ermöglicht es Ihnen, 

über einen Klick und Bestätigung des erscheinenden 

Dialogfelds Veränderungen vorzunehmen. Klicken Sie dann auf 

Ebene>Neue Einstellungsebene>Kanalmixer, um das 

zugehörige Dialogfeld zu öffnen. Wenn Sie mit 

Einstellungsebenen arbeiten, können Sie einfach die Ebenen 

löschen, um eine Umwandlung rückgängig zu machen. Das 

Originalbild bleibt dabei unberührt. 

Schritt 4 Klicken Sie zunächst das Schwarzweiß-Kästchen 

an, um das Bild umzuwandeln. Verändern Sie nun über die 

Regler die Rot-, Grün- und Blau-Kanäle, um den Kontrast zu 

verbessern. Die besten Ergebnisse erreichen Sie, wenn Sie 

keine Tiefen oder Lichter verlieren, indem Sie darauf achten, 

dass der Gesamtwert immer bei 100 % liegt. Sie können den 

Anteil unterhalb der Regler kontrollieren. Sie werden feststellen, 

dass sich bei den Reglern auch der Gesamtwert verändert, 

wenn Sie die Farben verändern. 

Schritt 5 Dies ist ein Negativbeispiel. Sie sehen hier einen 

Gesamtwert von 200 %. Die Tiefen kommen zwar gut zur 

Geltung, doch liegen die Lichter über dem Schwellenwert. Der 

Himmel und das Wasser haben an Detailgenauigkeit verloren. 

Es kommt also auf die richtige Balance an. Wenn Sie feststellen, 

dass Sie einige konzentrierte grelle oder dunkle Bereiche haben, 

die Sie mit den Kanälen nicht nachbessern können, warten Sie 

bis zum nächsten Schritt. Vermeiden Sie vorerst einfach nur 

einen übertriebenen Ausgleich. 


Anfänger 

Einsatz von Kanalmixern< Kreative Schwarzweiß-Fotografie < 

Fertiges Bild 

Mit Hilfe der Werkzeuge zum 

Abwedeln und Nachbelichten 

verschieben Sie über- und 

unterbelichtete Partien wieder in den 

Normalbereich und erhalten dadurch 

ein brillanteres monochromes Bild. 

Falsch Richtig 

Schritt 6 Rufen Sie wieder die Liste der Ebenen auf und 

wählen die duplizierte Ebene aus. Wenn es bestimmte Bereiche 

gibt, die etwas aufgehellt werden müssen, wählen Sie in der 

Werkzeugleiste das Abwedler-Werkzeug aus. Suchen Sie sich 

dann in der Optionsleiste (der obersten Werkzeugleiste) einen 

großen, weichen Pinsel aus. Wir haben einen Durchmesser von 

900 px mit 0 % Härte verwendet. Wählen Sie dann im 

Drop-down-Menüs des Spektrums die Tiefen aus, stellen Sie die 

Belichtung auf nur 4 % und markieren die Option zum Schutz der 

Grautöne. 

Schritt 7 Bearbeiten Sie mit dem Pinsel den Bereich, den 

Sie aufhellen möchten. Wenn Ihr Pinsel zu hart oder die 

Belichtung zu stark ist, hinterlässt der Pinsel in den 

bearbeiteten Bereichen Kreise. Um die bestmöglichen 

Resultate zu erreichen, sollten Sie den Effekt langsam 

aufbauen. Es kann helfen, den Bereich durch Drücken von Cmd 

und + zu vergrößern. Wechseln Sie jetzt bei den Grautönen auf 

die Mitteltöne und hellen die grauen Bereiche auf, indem Sie die 

Pinselgröße und Belichtung wie gewünscht anpassen. 

Schritt 8 Wiederholen Sie Schritt 7 mit dem 

Nachbelichter-Werkzeug, das Sie in der Werkzeugleiste unterhalb 

des Abwedler-Werkzeugs finden. Stellen sie einen niedrigen 

Belichtungswert ein und wählen für Ihr Spektrum an Grautönen 

einen Mittelton und einen weichen, großen Pinsel. Konzentrieren 

Sie sich auf die Tiefen und die dunkleren Mitteltöne. Erhöhen Sie 

den Kontrast, indem Sie so viel Grau wie möglich herausnehmen, 

ohne Details zu verlieren, und die Schwarztöne verstärken. Wenn 

Sie diesen Schritt richtig ausführen, können Sie damit besonders 

bedrohliche Wolken erzeugen. 


Anfänger 

>Kreative Schwarzweißfotografie >Simulation eines Infrarotfilms 

Umwandeln von Farbbildern zu Mono-Infrarotaufnahmen 

Sie müssen Ihre DSLR nicht mehr auf den Infrarotmodus einstellen, um Mono-Infrarotbilder zu erzeugen. 

Mit Photoshop können Sie Ihre Bilder umwandeln und noch mehr IR-Zauber verbreiten! 

ES KANN EIN KOSTSPIELIGES ABENTEUER SEIN, EINE 

ZWEIT-DSLR so umzuwandeln, dass man damit Infrarotbilder 

schießen kann – erschwerend kommt hinzu, dass die 

wenigsten Menschen gerade eine zweite DSLR übrig haben. 

Es gibt günstigere Alternativen wie etwa Filter, die das 

Tageslicht blocken und nur Infrarotlicht zum Sensor 

durchdringen lassen. Da diese Filter aber eingetrübt sind, ist es 

praktisch unmöglich, durch sie hindurchzublicken, wodurch 

sich die Bildkomposition schwierig gestaltet. 

Mit unserem Techniktipp möchten wir Ihnen eine einfache 

Methode an die Hand geben, mit der Sie aus einem Farbbild 

Mono-Infraroteffekte herausziehen können. Sie können die 

Effekte gratis mittels einiger Schritte in Photoshop simulieren 

oder Plug-in-Filter anwenden, wie sie beispielsweise von Nik 

Software angeboten werden. 

Wer mit einer zur Infrarotkamera umfunktionierten DSLR 

aufnimmt, hat am Ende eine rosa eingefärbte Raw-Datei vor 

sich, die erst noch per Nachbearbeitung zu einem der 

surrealen Schwarzweiß-Bilder umgewandelt werden muss, 

wie sie für diese beliebte Fototechnik so typisch sind. 

Der kreative Effekt kommt am besten bei 

Landschaftsaufnahmen mit viel grünem Blätterwerk zur 

Geltung. Die grüne Farbe wird weiß und sorgt für 

ausgezeichnete Kontraste. Auch das Blau des Himmels schafft 

Stimmung, indem es dunkel wird und die Wolken 

dramatischer aussehen lässt. Sehr interessante Ergebnisse 

lassen sich auch erzielen, wenn die Wasserbereiche im Foto 

bereits durch eine lange Belichtung eingetrübt wurden. Dies 

steigert noch einmal die surreale Wirkung dieser Bildtechnik. 

Ein schönes Beispiel ist das Bild des Profifotografen Adam 

Burton, das wir für diese Anleitung verwenden. Auf dem Bild 

ist strahlend grünes Blätterwerk zu sehen, das sich nach 

Anwendung des Effekts zu blassem Weiß umwandeln sollte. 

Das Foto verfügt über ein breites Spektrum an Grautönen, 

welches ein starkes Kontrastverhältnis zwischen Schwarz und 

Weiß gewährleistet. 

Schritt 1 Öffnen Sie Ihr JPEG- oder TIFF-Bild in Photoshop und erzeugen Sie eine 

Schwarzweiß-Einstellungsebene, um das Bild durch Anklicken von Ebene>Neue 

Einstellungsebene>Schwarzweiß in eine Mono-Aufnahme umwandeln zu können. Daraufhin sollte 

sich das Dialogfeld für die Einstellungsebene öffnen. Klicken Sie andernfalls in der Liste der Ebenen auf 

den entsprechenden Thumbnail. 

Umbau der DSLR 

Wenn Sie Ihre Kamera so umbauen möchten, dass 

sie nur Infrarotlicht einfängt, empfehlen wir die 

Firma Makario, Mönchengladbach (www.optikmakario.de). 

Schritt 2 Sie können einen Infraroteffekt erzeugen, indem Sie die Regler verschieben und 

somit die Farben im Schwarzweiß-Bild anpassen. Sie werden wahrscheinlich feststellen, dass die 

Regler für die Farben Gelb, Grün und Blau am besten funktionieren. Sie sollten aber zuerst mit 

dem vordefinierten Infrarotfilter arbeiten, den Sie in einem Drop-down-Menü oben in der 

Einstellungsebene finden. 

Schritt 3 Der Filter liefert bereits ziemlich gute Ergebnisse, auf denen Sie aufbauen können. 

Verfeinern und verbessern Sie den Effekt bei Bedarf anhand der Regler. In diesem Beispiel haben 

wir den Regler für die Blautöne angepasst, um die Weißtöne im Wasser herauszuarbeiten. Achten 

Sie aber darauf, es nicht zu übertreiben, indem Sie die hellen Stellen zu stark belichten und 

dadurch helle Flecken erzeugen, in denen Details verloren gehen. 

Schritt 4 Erzeugen Sie als Nächstes eine angepasste Ebene, indem Sie die Alt- oder 

Optionstaste gedrückt halten und mit der Funktion Ebene>Sichtbare auf eine Ebene reduzieren 

eine Schwarzweiß-Version Ihres Bildes erstellen. Wandeln Sie dann die Ebene in einen Smartfilter 

um, indem Sie sie anklicken und dann die Option Filter>In Smartfilter konvertieren verwenden. 

Dies ermöglicht Ihnen die nachträgliche Bearbeitung des angelegten Filters. 


Anfänger 

Simulation eines Infrarotfilms< Kreative Schwarzweißfotografie < 

Einsatz von weichem Licht 

Um die Weißtöne wirklich hervorzuheben, 

können Sie den Filter für weiches Licht leicht 

anpassen (Filter>Verzerrungsfilter>Weiches 

Licht). Übertreiben Sie es aber nicht, um nicht 

zu viele Details zu verlieren. 

Fertiges Bild 

Durch die Weichzeichnung 

und die Hervorhebung der 

Weißtöne 

haben wir aus einem 

normalen Farbbild einen 

echten Infrarot-Blickfang 

mit surrealer Stimmung 

gemacht. 

Schritt 5 Damit das Bild im authentischen Infrarotfilm-Stil erscheint, müssen Sie den 

Weißtönen etwas Glanz verleihen. Dies erreichen Sie durch den Gaußschen Weichzeichner. 

Wählen Sie die Smartfilterebene aus und rufen die Funktion folgendermaßen auf: 

Filter>Weichzeichnungsfilter> 

Gaußscher Weichzeichner. Wählen Sie für den Weichzeichnungsfilter einen hohen Wert. Wir 

haben einen Radius von 27,0 Pixel eingestellt. Sie können die Trübheit der Ebene später immer 

noch senken, indem Sie den Regler oben in der Liste der Ebenen verschieben. 

Schritt 6 Verändern Sie als Nächstes die Füllmethode der Ebene. Sie finden die entsprechende 

Funktion in einem Drop-down-Menü oben in der Liste der Ebenen. Wählen Sie die Option 

„Ineinanderkopieren“, damit zur Kontraststeigerung ein Austausch zwischen der obersten und der 

darunterliegenden Ebene stattfindet. Wenn Sie aus den Schatten mehr Details herausarbeiten 

möchten, wählen Sie die Funktion Bild>Korrekturen>Tiefen/Lichter und passen die Regler 

entsprechend an. 


Anfänger 

>Kreative Schwarzweiß >Solarisation 

Solarisation von Stillleben 

Erfahren Sie, wie Sie Ihren Schwarzweiß-Stillleben einen attraktiven künstlerischen Look 

verleihen können, indem Sie eine klassische Dunkelkammer-Technik digital imitieren. 

DIE SOLARISATION bezieht sich auf eine Technik, die noch 

aus der Zeit der Dunkelkammern stammt. Die Technik 

bestand darin, das Bild kurz stark überzubelichten und 

dadurch im Bild eine Umkehrung der Farbtöne zu bewirken. 

Heute beschreibt dieser Begriff eine digitale 

Bearbeitungstechnik, die ein ähnliches Ergebnis hervorbringt. 

Das Bild wird dabei so verändert, dass die dunklen Bereiche 

hell und die hellen Bereiche dunkel erscheinen. 

Da bei der Solarisation Schwarz- und Weißtöne teilweise 

umgekehrt werden, nimmt man als Ausgangspunkt am 

besten ein Bild, das bereits über gute Kontraste verfügt, und 

von dem man weiß, dass es auch als Schwarzweiß-Foto wirkt. 

Dadurch stellen Sie sicher, dass Sie nach der Umwandlung 

ins Monoformat viele Grautöne erhalten, wodurch sich 

schwarze und weiße Töne gut von den Mitteltönen abheben. 

Die Technik funktioniert am besten, wenn das Motiv auf oder 

vor einem schwarzen Hintergrund aufgenommen wird. 

Dadurch wird die Arbeit in Photoshop vereinfacht. Weist das 

Motiv überwiegend schwarze Töne auf, sollten Sie hingegen 

versuchen, einen weißen Hintergrund einzusetzen. In diesem 

Beispiel haben wir eine Nautilusmuschel verwendet, die 

durch ihre Kammern optisch sehr interessant ist und eine gute 

Gelegenheit darstellt, Kontraste herauszuarbeiten. 

Es gibt für Photoshop zwar Filter zur Solarisation und 

Plug-ins von Drittanbietern. Wir haben aber festgestellt, dass 

man viel besser kontrollierbare und schönere Bildausgaben 

erreicht, wenn man bei geöffnetem Bild in Adobe Camera 

Raw (ACR) die Gradationskurven verwendet. Die Arbeit mit 

Raw-Dateien in ACR bedeutet, dass man das Maximum an 

Bildinformationen und Funktionen zur Anpassung des Effekts 

zur Verfügung hat. Dadurch ist die Technik viel flexibler 

einsetzbar als bei JPEG- oder TIFF-Dateien. Bevor Sie 

anfangen, sollten Sie sicherstellen, dass die Kamera aufs 

Raw-Format eingestellt ist. Befestigen Sie Ihre DSLR auf 

einem Stativ, damit sie sicher steht. Dies erleichtert Ihnen 

auch die Komposition. 

Andere Arten der Solarisation 

Wenn Sie die Software Nik Color Efex Pro 3.0 besitzen, 

haben Sie Zugriff auf einen der einfachsten und effektivsten 

Solarisationsfilter überhaupt, der es Ihnen erlaubt, die Sättigung 

des Bildes herunterzuschrauben und die Stärke der Solarisation 

anzupassen. Auch in Photoshop können Sie über Filter> 

Stilisierungsfilter>Solarisation einen Filter einrichten. Allerdings 

gibt es hier keine Kontrollmöglichkeiten über den Filter. 

Vorher 

Nachher 

Schritt 1 Platzieren Sie das Motiv vor einem schwarzen Hintergrund. Um für einen guten 

Kontrast zu sorgen, beleuchten Sie das Motiv mit einer Lichtquelle im Winkel von 45 Grad, um 

Lichter und Schatten zu erzeugen. Wir verwendeten das Tageslicht Interfit Super Cool Lite 4 in 

Verbindung mit einer Softbox. Ein Studioblitz ist aber ebenso gut geeignet. Sie können auch 

versuchen, mit Tageslicht zu arbeiten, das Sie seitlich durch ein Fenster ins Innere dringen lassen. 

Schritt 2 Montieren Sie Ihre DSLR auf einem Stativ und machen einige Testaufnahmen. Beim 

Fotografieren der auf der Oberfläche liegenden Muschel wurde der Hintergrund zu stark ausgeleuchtet. 

Wir legten die Muschel daher auf eine Dose und schwächten das Licht mit Karton ab, um für ein 

gleichmäßiges Schwarz zu sorgen. Drehen Sie die Muschel und experimentieren mit den verschiedenen 

Einfallswinkeln des Lichts auf die Kammern. Machen Sie ausreichend Aufnahmen. 

Schritt 3 Öffnen Sie das am besten gelungene Bild in Adobe 

Camera Raw und klicken zunächst die Registerkarte 

„Gradationskurve“. Schalten Sie vom parametrischen Modus 

auf den Punktmodus um. Ziehen Sie jetzt den mittleren Teil der 

Linie bis zur Spitze des Diagramms und den äußersten rechten 

Punkt nach unten, sodass ein umgedrehtes „V“ entsteht. 

Schritt 4 Klicken Sie auf die Registerkarte HSL/Graustufen. 

Markieren Sie die Option „In Graustufen konvertieren“, um ein 

Schwarzweiß-Bild zu erzeugen. Um den Kontrast zu 

verbessern, müssen Sie die Regler für die Abstimmung der 

Graustufen verschieben und den Ton einiger Farben verändern, 

aus denen die Schwarzweiß-Aufnahme besteht. 

Schritt 5 Die Lichter im Bild werden nun zu grell erscheinen. 

Um die Schatten wieder etwas zu verstärken, müssen Sie 

erneut die Gradationskurve aufrufen und mit den 

Parameterreglern den Kontrast anpassen. In unserem Versuch 

verstärkten wir die Lichter und die hohen Farbtöne und 

verringerten die dunklen Farbtöne und Tiefen. 


Fertiges Bild 

Wenn Sie etwas Zeit in ACR 

investieren, können Sie ein 

verblüffendes monochromatisches Bild 

erzeugen, für das sich ein Ausdruck auf 

Fine Art-Schwarzweiß-Fotopapier und 

ein Rahmen lohnen. 

Kameraeinstellungen 

Wir haben im A-Modus (manuelle Blende, 

Belichtungszeit automatisch) eine Einstellung von f/8 

gewählt, um eine gute Tiefenschärfe zu erreichen. Der 

Verschluss wurde zur Minimierung von Verwacklungen 

per Selbstauslöser aktiviert. Vergessen Sie nicht, die 

Kamera auf den manuellen Modus umzustellen, wenn 

Sie einen Blitz verwenden. 

Schritt 6 Das Ergebnis dieses Effekts sieht zwar gut aus. Einige 

Feineinstellungen zur Abdunkelung der Schatten in den Kammern der 

Muschel können aber nicht schaden. In unserem Testlauf schalteten 

wir hierfür zur Registerkarte mit den Grundeinstellungen um und 

senkten die Belichtung etwas. Gleichzeitig passten wir die Regler mit 

den Werten für die Wiederherstellung, das Aufhelllicht und die 

Schwarztöne an, um ein insgesamt besseres Resultat zu erreichen. 

Schritt 7 Wenn Sie mit dem Ergebnis zufrieden sind, halten Sie 

die Umschalttaste gedrückt. So wird aus der Schaltfläche „Bild 

öffnen“ die Schaltfläche „Objekt öffnen“. Klicken Sie die 

Schaltfläche an, um das Bild in Photoshop als Smart-Objekt zu 

öffnen. Wenn Sie es später als Raw-Datei weiterbearbeiten wollen, 

können Sie in der Liste der Ebenen einfach auf den zugehörigen 

Thumbnail klicken. 

Schritt 8 Duplizieren Sie die Ebene (Ebene>Smart- 

Objekte>Neues Smart-Objekt durch Kopie), damit Sie nicht mit der 

Originaldatei arbeiten. Wählen Sie dann das Pinsel-Werkzeug aus, 

um den Hintergrund zu füllen. Rastern Sie die Ebene, damit Sie sie 

durch Anklicken des Bilds bearbeiten können und klicken 

abschließend auf OK. 


BILD: HELEN DIXON 

Anfänger 

Brechen Sie die Regeln! 

LANDSCHAFTSFOTOS 

DER EINSTEIGERKURS DES MONATS ZEIGT IHNEN, WIE SIE DIE GRUNDREGELN DER FOTOKUNST 

IGNORIEREN UND DENNOCH TOLLE LANDSCHAFTSFOTOS SCHIESSEN KÖNNEN. 

LANDSCHAFTSBILDER müssen aus einer dreiteiligen Komposition 

bestehen. Der Vordergrund muss den Fokuspunkt bilden, und das 

Histogramm sollte ausgeglichen sein. Dies sind nur drei der 

grundlegenden Richtlinien, die viele Fotografen bei ihren Bemühungen, 

bessere Landschaftsbilder aufzunehmen, bisher gelernt und befolgt 

haben. Diese Grundregeln wurden bereits von Millionen von Hobby- und 

Profifotografen in aller Welt getestet. Sie stellen die Quintessenz des 

fotografischen Wissens dar, das es den Fotografen erlaubt, sich stetig 

weiterzuentwickeln. 

Deshalb werden Sie sich wahrscheinlich fragen, warum wir Sie diesen 

Monat dazu bringen wollen, das Lehrbuch im Schrank zu lassen und 

genau die Vorgaben außer Acht zu lassen, die sich schon seit langer Zeit 

als so erfolgreich erweisen. Wir wollen es Ihnen verraten: Das 

Fotografieren ist ein kreatives Hobby, das vom Herumexperimentieren 

und vom Erfindungsreichtum lebt. Regeln sind dazu da, um gebrochen 

zu werden. Wir empfehlen Ihnen zwar, sich an Richtlinien zu halten. 

Allerdings sind wir nicht der Meinung, dass Sie sie Wort für Wort befolgen 

sollten. Verstehen Sie die Anleitungen lediglich als Lernprozess, der 

Ihnen hilft, Wissen und Erfahrungen zu sammeln. Alle großen Künstler 

haben sich an einem gewissen Punkt ihrer Karriere entschieden, mit den 

Traditionen zu brechen, um sich an etwas Neues, Gewagtes oder 

Erfrischendes heranzuwagen. Neue Fototechniken oder Bildformen 

entstehen häufig versehentlich – wenn ein glücklicher Zufall ein 

erstaunliches Bild hervorbringt und zu einer neuen und spannenden 

Disziplin weiterentwickelt wird. Manchmal ermöglichen auch die 

neusten Technologien die Entwicklung einer Aufnahmetechnik, wie sie 

zuvor noch nicht möglich war. 

Wie Sie im Einsteigerkurs dieser Ausgabe feststellen werden, lohnt es 

sich, über den eigenen Tellerrand hinauszublicken und in der 

Landschaftsfotografie neue Wege zu gehen. Wir sind an einige der 

besten Outdoor-Fotografen Großbritanniens herangetreten, damit sie ihre 

Geheimnisse zu ihren bevorzugten unkonventionellen 

Aufnahmemethoden mit Ihnen teilen. Methoden, mit denen sie gegen 

die Regeln verstoßen, die aber dennoch starke Resultate liefern. 

Erforschen Sie die Techniken selbst und versuchen Sie dann, Ihre 

eigenen Strategien zu entwickeln. Sie werden sicher merken, dass es 

manchmal nicht einmal halb so viel Spaß macht, sich an die Regeln zu 

halten, als gegen sie zu verstoßen ...

Anfänger 

>Gegen die Regeln >Belichtung 

Belichtung nach 

rechts 

Mark Bauer zeigt Ihnen, wie Sie durch absichtliches 

Überbelichten mehr Details herausarbeiten. 

IN DER DIGITALFOTOGRAFIE ist es oft sinnvoll, bei der Belichtung starke 

Tiefen und Lichter zu vermeiden und so viele Informationen wie möglich in die 

Mitte des Histogramms zu schieben. Vor allem zu stark betonte Lichter können 

sich als Problem erweisen. Bei der Überbelichtung verschwinden nämlich 

Details. Die grellen Bereiche eines Bildes sind wirklich unansehnlich. Viele 

Fotografen neigen deshalb dazu, ihre Bilder eher unterzubelichten, und geben 

an, die Belichtung beim Nachbearbeiten immer noch verstärken zu können. 

Dies kann allerdings zu starkem Bildrauschen führen. 

Nicht immer erreichen Sie auf diese Art die beste Bildqualität. Bei der 

Aufnahme von Raw-Formaten gibt es eine Technik, die als „Belichtung nach 

rechts“ bezeichnet wird, und die es ermöglicht, Bilder mit mehr 

Farbtoninformationen und weniger Rauschen aufzunehmen. Die Technik ist 

recht einfach anzuwenden. Sie nehmen dafür einfach eine Szene so auf, dass 

das Histogramm so weit wie möglich nach rechts verschoben wird, allerdings 

nicht so weit, dass die Lichter zu grell werden. 

Der Grund, warum Sie damit bessere Resultate erzielen, ist der Aufbau der 

Sensoren digitaler SLRs, die typischerweise bis zu 4.096 Tonstufen festhalten. 

Je mehr Tonstufen verfügbar sind, umso flüssiger sind die Übergänge zwischen 

den Tönen des Bildes. Die Tonstufen verteilen sich allerdings nicht gleichmäßig 

über den gesamten Helligkeitsbereich des Sensors. Die Hälfte der verfügbaren 

Tonstufen (2.048) befindet sich auf der hellsten Position, davon die Hälfte auf 

der nächsttieferen Position, und so weiter. Die meisten DSLRs verfügen über 

einen Dynamikumfang von etwa sechs Positionen. Das heißt, dass auf der 

dunkelsten Position nur mehr 64 Stufen verfügbar sind. Wird der Großteil des 

Bildes im Tiefenbereich belichtet und bei der Nachbearbeitung aufgehellt, 

ergeben sich daraus dann in der Folge schwache Übergänge zwischen den 

Tonstufen. Wenn Sie umgekehrt vorgehen und das Bild so stark belichten wie 

möglich (ohne es überzubelichten), um dann bei der Nachbearbeitung die 

Belichtung wieder zu reduzieren, erhalten Sie hingegen ein Bild mit 

hervorragenden Übergängen zwischen den Tonstufen. Ein weiterer Vorteil ist, 

dass das Bild auf diese Art weitaus weniger Rauschen aufweist. Obwohl die 

neuste DSLR-Generation hervorragende Leistungen bietet, was die 

Rauschfreiheit angeht, weisen die Tiefen immer noch weit mehr Rauschen auf 

als die Lichter. Eine Belichtung nach rechts ergibt also ein weitaus saubereres 

Bild. 

Die Belichtung nach rechts ist eine Technik, die mit allen Objekten gut 

funktioniert. Da aber das Risiko einer versehentlichen Überbelichtung besteht, 

ist sie am besten für Landschaftsfotos geeignet, bei denen Sie die Gelegenheit 

haben, das Histogramm zu Rate zu ziehen und nötigenfalls eine neue 

Aufnahme zu machen. Für Landschaftsfotos ist die Arbeit im A-Modus wie 

gemacht. Hier können Sie die Blende manuell einstellen und dadurch die 

Tiefenschärfe kontrollieren. Die Belichtung können Sie ganz einfach über den 

Belichtungsausgleich der Kamera steuern. 

Um das Maximum aus einer nach rechts belichteten Datei herauszuholen, 

müssen Sie das Raw-Format wählen und die Datei entsprechend bearbeiten. 

Folgen Sie also dieser schrittweisen Anleitung, um in Ihren Bildern zusätzliche 

Details herauszuarbeiten. 

Set-up Suchen Sie sich vor Ort eine 

Komposition aus, die Ihnen gefällt, und stellen Sie 

die Kamera ein. 

Nutzen Sie den A-Modus der Kamera und wählen 

eine Blende von f/16, um für ausreichend 

Tiefenschärfe zu sorgen. In meinem Fall war der 

Himmel um Einiges heller als der Vordergrund. 

Daher wählte ich einen Verlaufsfilter mit 0,9 ND 

(3-Stop), um den Himmel zu verdunkeln und mit 

dem Kontrastbereich der Szene den 

Dynamikumfang des Sensors zu erreichen. 

Außerdem setzte ich einen Solid ND-Filter (4-Stop) 

ein, um die Belichtung zu erweitern und einige 

Wellenbewegungen mit einzufangen. 

Schritt 1 Die erste Aufnahme ist ganz in 

Ordnung. Die meisten Daten liegen im 

mittleren Tonbereich. Eine gute Belichtung 

nach rechts ist das aber noch nicht, da rechts 

neben dem Histogramm noch anderthalb 

Skalenwerte Platz sind. 

Schritt 2 Ich erhöhe den 

Belichtungsausgleich um eine Position. 

Dadurch sollte das Histogramm weiter nach 

rechts wandern. 

Bei meinem Bild ist immer noch Luft, um die 

Belichtung erneut weiter zu verschieben. 

Schritt 3 Ein Belichtungsausgleich von zwei 

Positionen ist eindeutig zu viel. Das Histogramm 

ist am rechten Rand des Diagramms 

abgeschnitten. Außerdem warnen mich auf dem 

LCD-Vorschaubild schwarz aufleuchtende 

Bereiche vor Überbelichtung, was darauf 

hindeutet, dass große Himmelspartien und ein 

Teil des Wassers oberhalb des Schwellenwertes 

liegen. Bei einem so stark überbelichteten Bild 

besteht das Risiko, dass in den Lichtern Details 

verloren gehen. Ich starte einen neuen Versuch, 

indem ich den Belichtungsausgleich wieder 

leicht reduziere. 

70 DIGITALE SLR FOTOGRAFIE 

Schritt 4 Ich gehe mit dem 

Belichtungsausgleich um eine drittel Position 

bis auf +1 2/3 herunter. Das Histogramm ist 

schön nach rechts verschoben, was 

hervorragend ist. Allerdings werde ich erneut 

darauf hingewiesen, dass der Himmel leicht 

überbelichtet ist. Bei Raw-Dateien ist es oft 

möglich, überbelichtete Details 

wiederherzustellen. Meine Erfahrung sagt mir, 

dass es auch in diesem Fall möglich ist. Und 

wenn ich falsch liege, habe ich immer noch die 

Aufnahme mit einem Ausgleich von +1 in der 

Hinterhand. 

Schritt 5 So sieht die Raw-Datei aus, als ich sie in meinem Raw-Converter 

Adobe Lightroom 3 öffne. Mit den Standardeinstellungen des Programms erkennt 

man Zeichen einer leichten Überbelichtung, die aber leicht zu beheben sein sollte. 

Hierfür muss ich nur den Weißabgleich anpassen und danach die Belichtung und 

die Farbtöne optimieren.

UNTERSCHIEDE BEI DEN RAW-CONVERTERN 

Anfänger 

Belichtung< Gegen die Regeln< 

Fertiges Bild 

Nach der Umwandlung zur TIFF-Datei 

können Sie das Bild in Photoshop 

öffnen, um noch einmal letzte Hand 

anzulegen und beispielsweise 

Staubflecken zu entfernen. Dieses 

fertige nach rechts belichtete Bild sieht 

sauber und rauschfrei aus. Es weist 

hervorragende Tonwert-Übergänge und 

Farben auf. 

Nicht alle Raw-Converter funktionieren gleich. Um bei 

manchen Convertern die Tonwerte anzupassen, müssen 

Sie die Tonwertkorrektur verwenden und mit den 

dreieckigen Reglern die schwarzen und weißen 

Referenzpunkte einstellen. Schieben Sie den linken Regler 

nach ganz links und den rechten nach ganz rechts. 

Schritt 6 Ich verschiebe die Regler für die Belichtung und die Wiederherstellung, um das 

Histogramm so einzustellen, dass es genau am rechten Diagrammende ausläuft. Wie Sie sehen 

können, sind alle Tonstufen der Lichter noch da. Mit dem Schwarztonregler kann ich dann die linke 

Seite des Histogramms bis ganz nach links außen ziehen. So erhalte ich eine volles 

Tonwertspektrum über das gesamte Diagramm hinweg. 

Schritt 7 Wenn die Mitteltöne etwas zu dunkel erscheinen, ist es möglich, sie mit den Reglern 

fürs Aufhelllicht und die Helligkeit noch leicht anzupassen. Dasselbe Ergebnis könnte man auch 

durch Veränderung der Gradationskurve erreichen. Der Vorgang ist hier aber unter Umständen 

etwas komplizierter – vor allem, wenn man zum ersten Mal ein nach rechts belichtetes Foto 

bearbeitet. 


Anfänger 

>Gegen die Regeln >Komposition 

Starke Landschaftsbilder ohne Fokus auf 

den Vordergrund 

Eine weitere Grundregel ist es, den Betrachter durch Linien und einen Fokus auf den Vordergrund ins Bild 

hineinzuführen. Wir verraten Ihnen, wie Sie diese Regel umgehen und trotzdem fesselnde Bilder erzeugen. 

DER VORDERGRUND ist ein wichtiger Bestandteil aller Landschaftsbilder 

im Weitwinkelstil, auf den der Fotograf besonders achten muss. Wenn Sie 

ein Objekt in den Vordergrund stellen, erzeugen Sie dadurch in einem Bild 

Perspektive. Als Bestandteil des Bildaufbaus kann ein Vordergrund 

außerdem den Blick des Betrachters lenken. Dies ist eine weit verbreitete 

und in der Regel sehr effektive Technik. Auch Blicklinien sind eine 

bewährte Art, das Auge auf das Bild aufmerksam zu machen und das 

Hauptmotiv eines Landschaftsbilds hervorzuheben. Es gibt aber auch 

Situationen, in denen es durchaus sinnvoll ist, den Vordergrund leer zu 

lassen. 

Vor allem Szenen mit Reflexionen können mit einem leeren Vordergrund 

oft erst ihre ganze Wirkung entfalten. Wenn Sie ein Vordergrundobjekt mit 

in eine Szene einbinden, stören Sie dadurch die Reflexion und lenken die 

Aufmerksamkeit ab. In diesem Fall ist es oft besser, die Reflexion in den 

unteren Teil des Bildes zu verschieben, um sie als Vordergrundmotiv zu 

positionieren. Seen, Flüsse und Teiche bieten sich hierfür an. Aber auch 

Strände bei Ebbe können gut funktionieren. 

Damit diese Technik gut aussieht, brauchen Sie einen aussagekräftigen 

Himmel. Verlegen Sie das Shooting also am besten auf die Zeit des 

Sonnenauf- oder -untergangs. Der Himmel sollte ausreichend Wolken mit 

Lücken am Horizont bieten. Das Ergebnis ist ein farbenfrohes Szenario, 

das durchs Wasser reflektiert wird. Ein starker Fokus wie eine Landspitze, 

ein Landungssteg oder ein Pier unterstützen die Komposition und erzeugen 

zusätzliche interessante Reflexionen. Es lohnt sich, mit verschiedenen 

Perspektiven herumzuexperimentieren – unter anderem, um 

herauszufinden, bei welchem Winkel die Reflexionen am besten 

herauskommen. 

Wenn Sie Reflexionen am Strand einfangen möchten, sollten Sie sich 

auf einem weitläufigen und leicht abschüssigen Abschnitt aufstellen, 

während sich das Meer zurückzieht. So haben sie eine große Fläche 

frischen, sauberen, nassen Sand vor sich. Die Reflexionen sind stärker, 

wenn der Sand flach ist und keine Wellen wirft, was allerdings wirklich 

Glückssache ist und von den äußeren Bedingungen abhängt. Die 

Einstellung des Fokus ist relativ einfach. Da sich kein Motiv unmittelbar im 

Vordergrund befindet, müssen Sie sich keine Gedanken über hyperfokale 

Entfernungen oder andere komplizierte Anpassungen machen. 

Konzentrieren Sie sich auf die Reflexion selbst statt auf die reflektierende 

Oberfläche, und wählen Sie eine kleine Blende von etwa f/16, um für viel 

Tiefenschärfe zu sorgen. Helle Reflexionen können die Sensoren der 

Kamera irreführen und zu Unterbelichtung führen. Überprüfen Sie daher 

das Histogramm und wiederholen gegebenenfalls die Aufnahme mit 

einem leichten positiven Belichtungsausgleich. Da die Reflexionen im 

Vordergrund dunkler als die Szene selbst sind, kann unter Umständen ein 

Verlaufsfilter zur Kontrastkontrolle sinnvoll sein. 

Schritt 1 Dies ist eine ziemlich typische Küstenaufnahme mit dem Damm als 

Blickfang, der den Blick des Betrachters ins Bild hineinlenkt. Das Motiv ist nicht 

besonders originell, weshalb an einem so schönen Tag die Reflexionen auf dem 

Wasser das Potenzial haben, größeres Interesse zu wecken als der Damm. 

Allerdings muss die Komposition noch verändert werden, um das Maximum aus 

den Reflexionen herauszuholen. 

Schritt 2 Ich gehe einige Schritte zurück, sodass der Damm nicht mehr im 

Bild und der Vordergrund voller nassem Sand ist. Die Reflexionen sind gut 

ausgeprägt. Aber bei den vielen kleinen Wellen ist es schwer, ein sauberes 

Spiegelbild vom Himmel zu bekommen. Das Bild braucht außerdem auch einen 

dominanteren Fokus, da die Landspitze flach und wenig interessant aussieht. 

Schritt 3 Um eine Szene mit glatterem Sand und mehr Reflexionen zu bekommen, muss ich 

mich nur umdrehen. Außerdem ist der Landungssteg ein besserer Fokuspunkt. Ich bin aber 

immer noch nicht mit der Aufnahme zufrieden, weil ich im falschen Winkel stehe. Das Licht ist 

zu grau und mein Timing stimmt nicht. Ich muss den Auslöser drücken, wenn sich das Meer 

zurückzieht, damit ich möglichst viel nassen Sand als Spiegelfläche habe. In diesem Bild habe 

ich den Auslöser ein klein wenig zu früh betätigt. 

Schritt 4 Ein niedrigerer Winkel verbessert die Komposition und bringt die Reflexionen um 

Einiges klarer zur Geltung. Da sich in der Nähe der Kamera keine Motive befinden, ist es nicht 

notwendig, die hyperfokale Entfernung zu berechnen. Ich stelle den Fokus daher auf eine 

Entfernung von etwa einem Drittel der Aufnahmetiefe ein und wähle eine Blende von f/16, um 

möglichst viel Tiefenschärfe zu erzeugen. Ich schalte auf manuellen Betrieb um, damit sich der 

Fokus nicht verändert, wenn ich den Auslöser drücke und warte darauf, dass farbigere Wolken 

ins Bild hineintreiben. 


Anfänger 

Komposition< Gegen die Regeln < 

Fertiges Bild 

Ich warte dieses Mal mit dem 

Auslösen, bis die Wellen ihren 

niedrigsten Punkt erreicht haben. 

Das Ergebnis ist eine Aufnahme mit 

einem Landungssteg als starkem 

Fokuspunkt und einem farbenfrohen 

Himmel bei Sonnenuntergang, der 

sich im nassen Sand wiederspiegelt. 

FILTER 

Da die Reflexion des Vordergrunds dunkler ist als 

die des Himmels, erweisen sich ND-Verlaufsfilter 

als sinnvoll. Polfilter sollten allerdings vermieden 

werden, da sie die Reflexionen im nassen Sand 

abdämpfen. 

Schritt 5 Es kommen jetzt mehr Wolken, wodurch das Bild gleich viel interessanter wird. 

Sie werden vom Sand sehr schön reflektiert. Da die Sonne am Horizont untergeht, wird der 

Himmel allerdings gerade extrem hell, weshalb die Kamera die Aufnahme unterbelichtet. Das 

Histogramm auf dem LCD-Bildschirm der Kamera zeigt, dass die Spitze des Diagramms weit 

nach links verschoben ist. Im Bereich der Lichter werden nur wenige Informationen 

aufgezeichnet, was auf eine Unterbelichtung hindeutet. 

Schritt 6 Da ich im A-Modus arbeite, gebe ich einen Belichtungsausgleich von +1 ein, um 

die Szene aufzuhellen. Ich weiß aber auch, dass dies zu einer Überbelichtung des Himmels 

führen kann. Daher füge ich noch einen Verlaufsfilter mit 0,9 ND (3-stop) hinzu, um den 

Himmel abzudunkeln und den Kontrast der Szene in den Dynamikumfang des Kamerasensors 

zu bringen. Mit ausgeglichenem Himmel und Vordergrund erreiche ich ein weitaus 

spannungsgeladeneres Ergebnis. 


Anfänger 

>Regeln brechen >Kleiner Fokuspunkt 

Verkleinern Sie das Objekt im Fokus 

Wir raten normalerweise dazu, den Rahmen mit dem Motiv auszufüllen. Aber wie Lee Frost uns 

verrät, kann sich für die Stimmung eines Landschaftsbilds der Schritt nach hinten lohnen. 

EINE ALTE REGEL BESAGT: Wenn das Bild keine Aussagekraft hat, muss man näher herangehen. Das 

trifft zwar auf viele Bilder zu. Gelegentlich kann man aber auch spannende Kompositionen erzeugen, die 

ins Auge springen, indem man das genaue Gegenteil macht: Wenn die Rahmenbedingungen stimmen, 

können Sie Fokuspunkte noch deutlicher herausheben, indem Sie den Raum um sie herum vergrößern. 

Diese Technik funktioniert am besten bei einfachen Szenen, bei denen es keine weiteren Ablenkungen im 

Rahmen gibt. Wenn das Auge viel leeren Raum vor sich hat, sucht es sich automatisch einen 

Fokuspunkt, wodurch das Motiv zu einem sehr mächtigen Bildelement wird. Einfache, vereinzelte 

Objekte funktionieren bei dieser Aufnahmeart gut als zentrale Motive: ein allein stehender Baum, ein 

einzelner Mensch auf einem Hügel, ein Leuchtturm am Meer. Damit er gut zur Geltung kommt, muss der 

Fokuspunkt aber wirklich einzeln dastehen. Wenn sich andere Objekte im Bild befinden, verliert der 

Fokuspunkt an Attraktivität. Die Komposition sieht dann zusammenhangslos aus. 

Als nächstes stellt sich die Frage: Wie klein darf der Fokuspunkt im Bild sein? Die Antwort: Das hängt 

davon ab, was sich im Umfeld abspielt. Wir empfehlen Ihnen, bei der Aufnahme wo viel wie möglich zu 

wagen. Verkleinern Sie den Fokus so weit wie möglich, ohne dass unerwünschte Störfaktoren ins Bild 

treten. Scheuen Sie auch nicht vor verschiedenen Framing-Optionen zurück. 

Ein kräftiger Himmel verstärkt diese Art der Komposition. Sind oberhalb des Fokuspunktes also 

mächtige Wolken zu sehen, rücken Sie den Himmel ins Zentrum des Interesses, indem Sie die 

„Ein-Drittel-Regel“ vergessen und den Horizont sehr tief nach unten rutschen lassen. Damit ein kleines 

Objekt im Rahmen noch besser herauskommt, können Sie mit langen Belichtungszeiten Bewegungen 

am Himmel aufzeichnen. Die Bewegung bildet einen Kontrast zum fest stehenden Objekt und ist 

besonders effektiv, wenn die Szene große Wolken- und Wassermengen beinhaltet. Ein starkes 

Kontrastelement erweitert die Komposition um eine weitere Dimension. Wenn Sie einen 

Neutraldichtfilter verwenden, um die Lichtmenge zu reduzieren, die den Kamerasensor erreicht, können 

Sie längere Belichtungszeiten festlegen. Verlaufsfilter hingegen sind oben dunkel und unten hell. Sie 

verdunkeln effektiv den Himmel und erhöhen dadurch die Spannung. 

Flecken vermeiden 

Bei langen Belichtungszeiten können 

Lichteinstreuungen ein Problem darstellen. Sie 

können das Bild durch unerwünschte Flecken 

ruinieren. Die einfachste Art, diesen Effekt 

zu vermeiden, ist es, die Okularabdeckung 

aufzustecken, die normalerweise mit am Tragegurt 

hängt. 

LANGZEITBELICHTUNG (BULB) 

Für Belichtungszeiten von über 30 Sekunden müssen Sie 

die Bulb-Einstellung der Kamera in Verbindung mit einem 

Fernauslöser verwenden, damit Sie den Verschluss ohne 

Verwacklungen der Kamera offen halten können. Im 

Handbuch ist beschrieben, wo Sie die Bulb-Einstellung 

Ihrer Kamera im Menü finden. 

Schritt 1 Bei einer so einfachen Szene führt der gängige Tipp, sich näher zum 

Motiv hin zu bewegen, zu mangelnder Spannung im Bildaufbau. Wenn der 

Leuchtturm relativ groß im Bild auftaucht, geht das Gefühl der Einsamkeit 

verloren, das durch das Bild vermittelt werden soll. Außerdem steht der 

Leuchtturm zu mittig im Bild, wodurch die Komposition sehr statisch wirkt. Es 

gibt wenig, was die Aufmerksamkeit des Betrachters erregt. 

Schritt 2 Wenn der Leuchtturm im Verhältnis kleiner ist, kommt die 

Abgeschiedenheit viel besser zum Ausdruck. Durch das Verschieben des Motivs 

nach rechts wird die Komposition ausgeglichener. Wenn im Vordergrund keine 

Objekte zu sehen sind, ist die Tiefenschärfe nicht relevant. Im A-Modus sollten 

Sie aber einen Belichtungsausgleich von + 2/3 einstellen, damit der helle 

Himmel die Kamerasensoren nicht täuscht und zur Unterbelichtung führt. 

Schritt 3 Verwenden Sie einen ND-Filter (10-stop), um Bewegung in die Szene zu bringen. Da 

eine Messung durch den Filter nicht möglich ist, sollten Sie zunächst die Belichtung messen (1/8 

Sek. bei f/16) und den Wert um zehn Positionen steigern. Verdoppeln Sie hierfür die Belichtung 

zehn Mal (z. B.: 1/8 x 2 = 1/4, 1/4 x 2 = 1/2 etc.). Sie kommen dadurch auf eine zweiminütige 

Belichtung bei f/16. Sie müssen daher in den Bulb-Modus umschalten und den Verschluss offen 

halten. 

Schritt 4 Die Berechnung langer Belichtungszeiten ist nicht immer genau möglich. Selbst, 

wenn die Zahlen stimmen, kann die Ausgabe immer noch über- oder unterbelichtet sein, was an 

den unterschiedlichen Lichtverhältnissen bei geöffnetem Verschluss liegt. In diesem Fall ist das 

Resultat leicht unterbelichtet. Die Belichtung kann bei der Nachbearbeitung zwar wieder 

normalisiert werden. Dies kann allerdings zu Bildrauschen führen (siehe Belichtung nach rechts). 


Anfänger 

Kleiner Fokuspunkt< Regeln brechen < 

Fertiges Bild 

Nach Berechnung der Belichtung stelle ich an der 

Kamera den Bulb-Modus ein und belichte das 

Bild zwei Minuten lang bei f/11. Das fertige Bild 

sieht gut aus. Der Leuchtturm ist nur klein, aber 

immer noch dominant genug. Er ist in die rosa 

Wolken eingebettet, die während der Belichtung 

durchs Bild zogen. 

Schritt 5 Ich mache eine erneute Aufnahme und erhöhe die Belichtung um eine Position. Mir 

gefällt die Intensität der Wolkenbewegung im vorherigen Bild. Daher behalte ich eine fast 

unveränderte Verschlusszeit mit einer Dauer von knapp unter zwei Minuten bei. Allerdings erhöhe 

ich die Blendenöffnung um eine Position auf f/11. Das Ergebnis sieht gut aus. Ich habe vor mir ein 

spannungsgeladenes Wolkenmuster, das einen sehr schönen Rahmen für den im unteren Bereich 

sichtbaren Leuchtturm schafft. 

Schritt 6 Ich komme zu dem Schluss, dass etwas Farbe in den Wolken der Aufnahme gut tun 

würde. Ich warte daher, bis die untergehende Sonne die Wolken in etwas wärmere Farben taucht 

und mache noch ein Bild. In solchen Situationen – wenn die Wolken von unten durch die 

untergehende Sonne angestrahlt werden – ist der Himmel oft um Einiges greller als der Rest der 

Szene. Es kann also sinnvoll sein, den Kontrast mit einem Verlaufsfilter zu kontrollieren. 


Anfänger 

>Verstoß gegen die Regeln >Weißabgleich 

Versuchen Sie den verkehrten Weißabgleich 

Lernen Sie, wie Sie den Farbton Ihrer Sonnenuntergangs- und Sonnenaufgangsaufnahmen verändern können, 

indem Sie einfach mit der Verwendung des verkehrten Weißabgleichs für die Szene experimentieren. 

UNTERSCHIEDLICHE LICHTQUELLEN haben unterschiedliche 

Farbtemperaturen, welche die Wärme und die Kühle der Bildfarben 

beeinflussen: zum Beispiel erzeugt Leuchtstofflicht einen gelbstichigen 

Ton, während das Kunstlicht etwas blau ist. Normalerweise würden Sie 

den Weißabgleich Ihrer Spiegelreflexkamera so einstellen, daß er den 

Lichtverhältnissen gerecht wird, um jedwelchen Farbstich 

auszubessern, welcher üblicherweise in der Weißstelle einer Aufnahme 

am offensichtlichsten ist. Während jedoch das Festhalten an dieser 

Regel sicherstellt, daß die Weißstellen tatsächlich weiß sind, kann das 

Verwenden des verkehrten Weißabgleichs im Falle gewisser Arten von 

Landschaften Ihren Aufnahmen einen bewußten Farbstich verleihen, 

der die Fotos für den kreativen Effekt kühler oder wärmer dastehen läßt. 

Es ist die digitale Entsprechung der Verwendung gewisser Arten von 

Filmen oder Filtern, um einem Bild mehr Wirkung zu verleihen. 

Der automatische Weißabgleich (AWB) ist die einfachste Methode, 

um einen richtigen Weißabgleich zu behalten und erzeugt im 

allgemeinen akzeptable Ergebnisse. Trotzdem: Wenn Sie eine 

besonders warme oder kühle Szene erfassen, wie im Falle des 

Sonnenuntergangs oder des Zwielichtes, oder falls Ihre Szene von einer 

Farbe oder von einem Farbton dominiert wird, kann der automatische 

Weißabgleich zuviel abgleichen, dadurch werden die Farben unklar und 

manchmal kontrastarm. Es wird besser sein, wenn Sie den 

Weißabgleich selbst übernehmen und ihn so einstellen, daß er der 

Beleuchtung gerecht wird, oder den verkehrten Weißabgleich 

einstellen, je nach dem gewünschten Farbton und der gewünschten 

Qualität. Zum Beispiel kann die Einstellung auf den Bewölkt-Modus 

oder Schatten-Modus bei Sonnenuntergang oder -aufgang zusätzliche 

Wärme verleihen, indem die orangenen und gelben Frabtöne des 

Himmels verstärkt werden, während eine Kunstlicht- oder 

Leuchtstofflichteinstellung die Farben kühler dastehen lassen kann, 

indem etwas Blau eingegeben wird. 

Falls Sie JPEG-Aufnahmen machen, müssen Sie den gewünschten 

Weißabgleich vor der Aufnahme einstellen. Dennoch würden wir Ihnen 

für mehrere Optionen dringend dazu raten, Raw-Aufnahmen + 

JPEG-Aufnahmen zu machen, den richtigen Weißabgleich einzustellen 

und danach in der Nachbearbeitung mit dem Weißabgleich zu 

experimentieren. Die Profilandschaftsfotografin Helen Dixon zeigt 

Ihnen, wie einfach das ist. 

Raw-Aufnahme 

Um mehr Flexibilität zu erreichen, machen Sie 

Raw-Aufnahmen und passen den Weißabgleich 

nach der Erfassung in Adobe Camera Raw an. 

Sobald das Bild geöffnet wird, klicken Sie auf das 

Auswahlmenü oben, um den voreingestellten, 

bei Ihren Aufnahmen gewünschten Weißabgleich 

auszuwählen. Sie können den Weißabgleich 

beliebig oft ändern, bis Sie den gewünschten 

Weißabgleich erzielen, und Sie können sogar den 

Temperaturschieber anpassen, um mehr Kontrolle 

über einen benutzerdefinierten Weißabgleich zu 

bekommen. 

Schritt 1 Sonnenuntergänge oder -aufgänge an der Küste eignen sich gut für diese Art von 

Technik, dank ihren lebhaften Farben. Wenn Sie Ihre Aufnahme vorbereiten, versuchen Sie, den 

Zielpunkt mindestens eine halbe Stunde vor der goldenen Stunde zu erreichen. Versuchen Sie 

verschiedene Fotomontagen und suchen nach Vordergrundmotiven. Wenn Sie Probleme haben, 

um irgendetwas zu finden, verwenden Sie den nassen Sand oder den Gezeitentümpel, um eine 

Spiegelung in die Szene zu bringen. 

Schritt 2 Nachdem die Fotomontage Ihrer Szene erledigt ist, nehmen Sie Bezug auf die Gebrauchsanweisungen 

Ihrer Kamera, um zu lernen, wie Sie auf Ihre Weißabgleichfunktion zugreifen können. Wählen Sie den 

automatischen Weißabgleich aus und verwenden den auf mindestens f/13 eingestellten Zeitautomatikmodus, um 

eine entsprechende Schärfentiefe zu erzielen. Sollte sich Ihre automatische Scharfeinstellung in dem Restlicht 

schwer tun, versuchen Sie, auf manuelle Fokussierung umzustellen. Wenn Sie damit kämpfen, die Belichtung 

zwischen dem Himmel und dem Vordergrund abzugleichen, verwenden Sie ein Neutraldichteverlaufsfilter. 

AWB Automatischer- 

Weißabgleich-Modus 

Tageslicht-Modus Schatten-Modus Bewölkt-Modus Kunstlicht 

Schritt 3 Wie Sie sehen können, bleibt die automatische Weißabgleichfunktion der Szene 

farbentreu, es fehlt ihr jedoch an dem Schwung. Um die Farben aufzuwärmen, mache ich dieselbe 

Aufnahme mit voreingestellten Tageslicht-, Schatten- und Bewölktweißabgleichmodus. Je kleiner 

die Kelvin (Farbtemperatur), desto gesättigter werden die orangenen, gelben und roten Farbtöne. 

Der Bewölkt-Modus gibt den besten Weißabgleich, weil dadurch die Wärme des Himmels erhöht 

wird, ohne zuviel von der Kälte des Wassers zu verlieren. 

Schritt 4 Während die Sonne genau am Horizont untergeht, versuchen Sie, die Kelvin zu 

erhöhen, indem Sie die Kunstlicht- und nachher die Leuchtstofflichtweißabgleichfunktion 

einstellen, um das Blaue des Zwielichtes hervorzuheben. Um das zu unnatürliche Aussehen der 

Farben zu vermeiden, wählen Sie eine Weißabgleicheinstellung aus, welche die sich bereits in der 

Szene befindenden blauen Töne hervorhebt, jedoch nicht so stark ist, um das ganze Bild zu 

überwältigen. Für diese Szene ist das Leuchtstofflicht viel besser als das Kunstlicht. 


Beginner’s Guide 

Xxxxxx< Xxxxxx< 

Leuchtstofflicht 

Der fluoreszente Weißabgleich hat die besten Ergebnisse 

erzielt, indem er die tiefen Blautöne und das Rosa am 

Himmel hervorgehoben hat. 

Belichtung: Zwei Sekunden bei f/13 (ISO 100) 

XXXXX 2011 DIGITAL SLR PHOTOGRAPHY 00

Anfänger 

>Regeln brechen > Bewegung 

Setzen Sie dynamische 

Küstenszenen in Szene 

Wenn Sie scharfe Bilder schießen wollen, ist es unerlässlich, dass Sie die Kamera fixieren. Lee Frost gibt uns 

allerdings den Tipp, die Kamera während der Belichtung zu bewegen, um kreative Ergebnisse zu erzielen. 

IM ZEITALTER DER DIGITALFOTOGRAFIE sind die Fotografen besessen von der Bildqualität. Es wird in Kameras investiert, die 

Millionen von Pixeln darstellen können. Man legt sich die schärfsten verfügbaren Linsen zu und fotografiert grundsätzlich immer 

mit einer Einstellung unter ISO 100 sowie mit Stativ, damit die Kamera wie festgemauert dasteht und die absolute Bildschärfe 

ermöglicht. 

Daran ist natürlich nichts auszusetzen. Gelegentlich ist es aber auch ganz nett, die Sache einmal etwas entspannter anzugehen 

und etwas Neues auszuprobieren – zum Beispiel, indem man ein Bild absichtlich verschwimmen lässt. Sportfotografen 

verwenden diese als Panning oder Mitziehen der Kamera bezeichnete Technik ständig. Das bewegte Objekt bleibt dabei scharf, 

während der Hintergrund verwischt wird, um ein starkes Gefühl von Tempo und Dynamik zu erzeugen. Sie brauchen allerdings 

kein bewegtes Objekt, um sich im Panning zu üben. Wenn alles im Bild ruhig steht, können Sie einige fantastisch abstrakte Bilder 

erzeugen, indem Sie die Kamera bewegen und mit einer niedrigen Verschlusszeit Aufnahmen machen. 

Wälder sind hervorragende Motive für vertikal gezogene Aufnahmen. Baumstämme verwandeln sich dabei zu interessanten 

Linien, während Blumenfelder bunte Streifen erzeugen. Dieselbe Technik können Sie auch in umtriebigen Städten anwenden, um 

abstrakte urbane Bilder zu erzeugen. 

Ich selbst wohne am Meer und habe mit der Küste das perfekte Motiv für horizontal gezogene Aufnahmen. Küstenszenen sind 

schon an sich recht abstrakt. Sie enthalten drei voneinander getrennte Streifen: den Strand, das Meer und den Himmel. Wenn man 

sie in diesem Zustand ablichtet, sind die drei Elemente meist recht unspektakulär. Wenn man allerdings die Kamera mit 

geöffnetem Verschluss schwenkt, wird selbst aus der alltäglichsten Strandszene ein verblüffendes künstlerisches Bild, das mit 

einem Rahmen an der Wand hervorragend aussieht. Ich habe vor einiger Zeit einige dieser Bilder ausgestellt, und sie haben sich 

besser verkauft als meine „normalen“ Landschaftsbilder! 

Die Technik hat etwas recht Experimentelles und ist offen für kreative Weiterentwicklungen. Aber in jedem Fall lohnt sie sich. 

Optik und Stimmung des Endresultats hängen sehr stark von den Wetterbedingungen ab – und zwar so stark, dass man an zwei 

aufeinanderfolgenden Tagen ein und dieselbe Szene aufnehmen und vollkommen unterschiedliche Ergebnisse erreichen wird. Ich 

weiß das, weil ich es selbst bereits versucht habe. An sonnigen Tagen leuchtet der Sand orange, während das Meer und der 

Himmel blau sind. Wenn es stürmisch ist, verwandelt sich die gesamte Szene in eine Grauton-Studie, was durchaus auch seinen 

Reiz haben kann. Bei Sonnenauf- und -untergang indes werden die grauen Farben rot, gelb, purpurrot und rosa. 

Das Wichtigste ist, dass man immer wieder Neues ausprobiert. So kann man es mit verschiedenen Verschlusszeiten und 

unterschiedlichen Panning-Geschwindigkeiten versuchen und sich einfach inspirieren lassen. Es gibt kein Richtig und kein Falsch. 

Stativkopf 

Wenn Sie mit dieser 

Technik flüssige und 

verlässliche Ergebnisse 

erzielen wollen, 

brauchen Sie den 

richtigen Stativkopf, 

den Sie horizontal 

geschmeidig drehen 

können. Ein Kugelkopf, 

wie auch ihn verwende, 

ist hierfür ideal, weil 

man damit das Stativ 

schön fest und eben 

aufstellen kann. 

Danach lässt man 

den Kopf einrasten. 

Für die horizontale 

Drehung löst man 

dann die Sperre, und 

es kann losgehen. 

Herkömmliche 

Stativköpfe zum 

Schwenken und 

Neigen sind auch 

ziemlich effektiv, weil sie über Griffe 

zur Einstellung der Kamera in beiden 

Achsen verfügen. Man kann also 

die Neigung nach vorn bzw. hinten 

einstellen, die Kamera vertikal fixieren 

und sie dann horizontal schwenken. 

Schritt 1 Suchen Sie sich eine geeignete Szene aus. 

Ich habe eine Strandszene in der Nähe meines Hauses 

ausgewählt. Wenn Sie kilometerweit vom Strand 

entfernt leben, können Sie stattdessen auch andere 

Landschaftsbilder wie etwa von leuchtend gelben 

Rapsfeldern oder roten Mohnblumenfeldern vor einem 

blauen Himmel schießen. Eine weitere Option sind 

Stadtszenen bei Nacht, bei denen die künstliche 

Beleuchtung als bunte Streifen wiedergegeben wird. 

Schritt 2 Montieren Sie die Kamera auf einem 

festen Stativ und verwenden Sie zum Ausrichten eine 

Hot-Shoe-Wasserwage, damit die Kamera beim 

Schwenken parallel zum Horizont läuft. Ob Sie den 

Horizont ins Zentrum des Bildes rücken, liegt ganz bei 

Ihnen. Ich habe festgestellt, dass man bei diesen 

Szenen damit ganz gute Resultate erzielt, weil sich 

dann die Farben in der Bildmitte aufsplitten. 

Schritt 3 Stellen Sie eine niedrige Verschlusszeit 

von 1/8 Sek. oder länger ein, um für ausreichend 

Unschärfe zu sorgen. Verwenden Sie hierfür den 

A-Modus der Kamera und wählen eine Blende von 

f/11 oder f/16. Bei grellem Sonnenlicht ist ein 

Neutraldichte (ND)- oder Polfilter sinnvoll, um die 

Verschlusszeit etwas zu reduzieren. 

Schritt 4 Halten Sie den Stativkopf oder den Dreharm fest, 

richten die Kamera zur linken Seite des Bilds aus und 

schwenken sie flüssig von links nach rechts. Halten Sie den 

Verschluss währenddessen offen. Setzen Sie die 

Schwenkbewegung noch etwas fort, nachdem der Verschluss 

wieder geschlossen ist. Sehen Sie sich Ihr Bild dann auf dem 

LCD-Monitor an. 

78 DIGITALE SLR FOTOGRAFIE 

Schritt 5 Dieser erste Versuch mit einer Einstellung von 1/10 

Sekunden ist nicht verschwommen genug. Außerdem ist der 

Horizont wackelig, da ein Stativbein im weichen Sand versunken 

ist. Bevor ich die nächste Aufnahme mache, muss ich die Kamera 

wieder neu ausrichten. Außerdem muss ich eine höhere 

Verschlusszeit einstellen. Daneben dürfte es helfen, die Kamera 

schneller zu schwenken, um den Mitzieheffekt zu verstärken und 

für eine gleichmäßigere Farbverteilung zu sorgen. 

Schritt 6 Der zweite Versuch mit einer Verschlusszeit von 

1/5 Sekunden sieht schon vielversprechender aus. Im Bild sind 

schöne, gleichmäßige Streifen und subtile Farben zu sehen. Bei 

diesem Bild kommt der Mitzieheffekt schon deutlich heraus. Es 

lohnt sich dennoch, noch ein paar weitere Versuche mit 

größeren Verschlusszeiten zu machen, wenn man den Dreh 

einmal heraushat. Ich arbeite also bei abnehmender 

Lichtintensität weiter.

Anfänger 

Bewegung< Regeln brechen < 

Fertiges Bild 

Hier ist das fertige Bild, das ich mit 

einer Einstellung von 

0,6 Sekunden aufgenommen habe. Ich 

habe mich dazu entschlossen, den 

Sandstreifen herauszulassen und mich 

auf die Farbstreifen des Meeres und des 

Himmels zu konzentrieren, um ein 

buntes abstraktes Bild zu erzeugen. 

Jetzt sind Sie an der Reihe! 

Schritt 7 Laden Sie sich zu Hause die Bilder auf den Computer und bearbeiten sie die 

Raw-Dateien. Experimentieren Sie mit Werten wie der Dynamik oder der Sättigung, um 

herauszufinden, ob sich eine Intensivierung der Farben positiv auf das Endergebnis auswirkt. Sie 

können gar nichts falsch machen, da Sie ja ohnehin nicht versuchen, ein reales Abbild zu schaffen. 

Lassen Sie also Ihrer Kreativität freien Lauf! Es kann sogar sinnvoll sein, den Farbtonregler zu 

verschieben, und auf diese Art schöne Farbeffekte zu erzeugen. 

Schritt 8 Diese verwischten abstrakten Aufnahmen sehen fantastisch auf, wenn man sie 

richtig schön groß ausdruckt. Sie eigenen sich hervorragend als gerahmte Bilder. Wählen Sie zur 

Belohnung Ihr Lieblingsbild aus! Diese Aufnahme hängt beispielsweise bei mir im Korridor und 

erweckt immer wieder die Neugier der Besucher, weil die Leute sich nie sicher sind, ob es sich 

dabei um ein Foto oder ein Gemälde handelt! 


EIN-STUNDEN-FOTO 

LESERHERAUSFORDERUNG 

DIE JURA- 

KÜSTE 

STAMMLESER GRAHAM WIFFEN IST SCHARF DARAUF, DEN VORDERGRUND IN SEINEN BILDER ZU 

VERBESSERN. MIT DER UNTERSTÜTZUNG DES PROFI-LANDSCHAFTSFOTOGRAFEN ROSS HODDINOTT 

FORDERTEN WIR IHN HERAUS, GENAU DAS IN NUR EINER STUNDE ZU BEWERKSTELLIGEN. 

TEXT: ROSS HODDINOTT /FOTOS: GRAHAM WIFFEN



Der Leser 

Name: Graham Wiffen 

Alter: 50 

Beruf: Verkaufs- und Vertriebsleiter und 

Halbprofifotograf 

Ausstattung: Nikon D90, Sigma 10-20mm f/4.5-5.6, 

Nikon 18-55mm f/3.5-5.6, 

Nikon 55-200mm f/4-5.6, Sigma 70-300mm 

f/4.5-5.6, Nikon 50mm f/1.8 

Internetseite: grahamwiffenphotography.com 

Graham: „Ich war schon immer ein eifriger Fotograf, habe jedoch mit der 

Digitalfotografie erst vor ein paar Jahren richtig angefangen, während ich in 

der Karibik segelte. 

Seitdem ich nach Dorset mit seiner wunderschönen ländlichen Gegend und 

atemberaubenden Jura-Küste umgezogen bin, habe ich mich darauf 

konzentriert, die örtliche Szenerie zu fotografieren. Es gibt in Dorset so viele 

wunderschöne Orte mit ständig wechselndem Wetter und Licht, dass es 

unendliche Möglichkeiten für fantastische Aufnahmen gibt. Ich fühle mich 

durch die Ein-Stunden-Foto-Herausforderung richtig angeregt. Der Gebrauch 

des Vordergrundes ist etwas, das ich verbessern muß, sehe also der 

Zusammenarbeit mit Ross Hoddinott und seinem umgehenden Feedback mit 

Freude entgegen.” 

ES IST KEIN ZUFALL, dass viele der führenden 

Landschaftsfotografen Großbritanniens in Dorset leben. Es ist 

eine unserer attraktivsten, fotogensten Grafschaften und die 

Heimat von Englands erster natürlicher Welterbestätte, der 

Jura-Küste, welche einen über 185 Millionen Jahre in die 

Erdgeschichte hineinreichenden geologischen ‚Spaziergang durch die Zeit’ 

beschreibt. Von East Devon ausgehend, erstreckt sie sich auf 95 Meilen 

und kann sich mit einigen der interessantesten geologischen Strukturen 

und Küstenlinien in der Welt rühmen. Dorsets raue Küste und seine 

Kiesstrände sind bei Fossilienjägern und Touristen beliebt, doch Leser 

Graham Wiffen und ich hatten keine Zeit zur Besichtigung von 

Sehenswürdigkeiten. Graham sollte sich der Ein-Stunden-Foto- 

Herausforderung der Zeitschrift stellen und hatte nur 60 Minuten hinter der 

Kamera Zeit, um drei mit dem Thema dieses Monats – Vodergrund – in 

Verbindung stehenden Herausforderungen gerecht zu werden. 

Wir hatten ausgemacht, uns bei Kimmeridge Bay zu treffen – nur eine 

kurze Fahrt von dem Dorf Corfe entfernt – aber als ich entlang der A35 

fuhr, fing ich wegen dem düsteren Wetter an, mir Sorgen zu machen. Trotz 

der guten Wettervorhersage war der Himmel grau und trübe. Also war das 

erste Gesprächsthema, als ich ankam, typisch für Außenfotografen, das 

Wetter! Dennoch gab es schon Bewölkungsauflockerung, und nach einer 

Tasse Tee und etwas Geplauder hatte die Sonne die Wolken durchbrochen 

– hoffentlich sollte uns letztendlich doch noch eine gute Aufnahmesitzung 

gegönnt sein. 

Graham wohnt im Ortsbereich und kennt Dorset gut. Ich hatte mich 

vorher auf seinen Internetseiten umgesehen und wußte, daß er bereits 

ein erfahrener Fotograf war und ein kreatives Auge hatte. Dennoch 

erklärte er mir, daß er sich mit dem Problem des Vordergrundes oft 

auseinanderzusetzen hatte. ‚Ich fühle, als fehlte es meinen Fotos 

manchmal an Tiefe, oder aber meine Vordergründe sind zu dominierend. 

Ich brauche Hilfe, um den richtigen Abgleich zu erzielen’. Ich erklärte, daß 

Vordergrund bei Landschaftsbildern wichtig ist. Das kann helfen, dem 

Bild ein dreidimensionales Gefühl, Ausmaß und Kontext zu verleihen. 

Der Gesichtswinkel ist ausschlaggebend. In manchen Fällen wird es mit 

einem tiefen Blickwinkel am besten klappen, während in anderen Fällen 

ein hoher Blickwinkel das stärkere Ergebnis hervorrufen wird. Wichtig ist 

auch der Abgleich. Der Vordergrund sollte die Szene ergänzen und einen 

Abgleich schaffen, er sollte nicht nur um seinetwillen mit einbezogen 

werden. Die Scharfeinstellung und die Blendenauswahl sollte auch in 

Erwägung gezogen werden, da oft eine Rückenschärfe erforderlich ist. Es 

gibt keinen Mangel an potentiellen Vordergrundthemen, angefangen von 

dem Wasser, den Spiegelungen und Blumen, bis hin zu einem Fußpfad, 

Weg, Brücke, Sandmustern, Felsen und Brocken. Dennoch, unabhängig 

davon, was man verwendet, besteht das Ziel darin, dem eigenen Bild eine 

Eingangsstelle zu verschaffen und das Auge des Sehers wirkungsvoll in die 

Szene zu geleiten. 

Es gibt wenige bessere Buchten für Vordergründe als Kimmeridge, 

also war dies eine offensichtliche Wahl für diese Herausforderung. 

Das Ufer ist felsig, mit interessanten Festlandsockeln und großen, 

fotogenischen Brocken – es ist ein Standort, welcher unverkennbar 

die Jura-Küste ist. Leider gab es ein unvorhergesehenes Problem. Die 

Brandung war ungewöhnlich groß und die hohen Wellen erschwerten 

Schlechte Fotomontage 

TOP: Ein waagerechtes 

Format ist für diese 

Landschaftsszene 

ungeeignet, weil es in 

dem Vordergrund so viel 

Motive gibt, dass das 

Auge nicht weiß, wohin 

es blicken soll. An 

Grahams 

ursprünglichem Foto 

fehlt es an jedweder 

Einführung in das Bild, 

somit wird das Auge von 

der Felsmenge, links in 

der Fotomontage, 

angezogen. 

OBEN: Ross empfiehlt 

den Wechsel zu einer 

senkrechten 

Fotomontage, um die 

Vordergrundfelsplatte 

besser hervorzuheben. 

RECHTS: Graham 

experimentiert mit 

verschiedenen 

Gesichtswinkeln und 

Fotomontagen, indem er 

tiefer geht, um einen 

dynamischeren 

Blickwinkel zu haben 

wobei ihm sein robustes 

Manfrotto 055-Stativ 

behilflich ist. 

eine sichere Aufnahme am Wasserrand, wodurch die Anzahl der von 

Graham bei seinen Aufnahmen zu benutzenden Vordergrundgegenstände 

eingeschränkt wurde. 

Bevor es mit dem Countdown losgehen konnte, verbrachte 

Graham etwas Zeit, um sich mit der während der Herausforderung zu 

verwendenden Ausstattung vertraut zu machen – eine Nikon D7000 

und eine Nikkor AF-S 16-35mm f/4 G ED VR mit Weitwinkelobjektiv. Die 

Verwendung einer anderen Kamera kann eine Herausforderung an sich 

darstellen, doch Graham fühlte sich mit der D7000 schnell zu Hause, 

da die Bedienung und Ergonomik mit der von ihm zur Zeit verwendeten 

Nikon D90 ähnlich sind. Graham stellte das ISO auf 100, die tiefste ISO- 

Empfindlichkeit, ein, um die Bildqualität zu maximieren und wählte den 

Zeitautomatikmodus aus, um sicherzustellen, dass er die Kontrolle über 

die Schärfentiefe hatte. Inzwischen hatte sich die Wolke fast völlig verzogen 

und einen blauen Himmel hinterlassen. Die Sonne ging um ungefähr 4:30 


Starke Einführungslinien 

Es fehlt an Einführungslinien. 

Empfohlene Austattung 

Wenn Sie Landschaftsbilder mit starkem 

Vordergrund und Tiefe aufnehmen möchten, 

ist ein Weitwinkelobjektiv Ihre beste Wahl. 

Eine kurze Brennweite, zwischen 16 und 24 

Millimeter, ermöglicht es Ihnen, 

Schlüsselvordergrundsubjekte einzubeziehen 

und scheint die Aussicht ausweiten zu wollen, 

indem die Gegenstände dominierender 

gemacht werden. Nikkor 16-35 mm erwies 

sich als eine ausgezeichnete Linse für 

Grahams Herausforderung; die vielseitige 

Brennweite des Zoomwinkels ist für 

Landschaften perfekt. Ihr optisches Design 

weist Nikons exklusive Antireflex-Nano- 

Crystal-Beschichtung, zwei ED-Glaselemente 

und drei asphärische Glaselemente auf, um 

Distorsionen und Bildfehler zu minimieren. 

Einfach gesagt ist die Bildqualität 

hervorragend. Die Auswahl der Kamera ist 

ebenfalls wichtig. Ein Hochauflösungsmodell 

wie die 16.2-Megapixel Nikon D7000 

ermöglicht den Fotografen, die Szene 

durchgehend scharf zu erfassen. Ein Stativ für 

die Stabilität und um das Arrangement zu 

fördern, ist ebenfalls entscheidend; 

zusammen mit neutralen Verlaufsfiltern, um 

uneinheitlich beleuchtete Szenen 

auszubalancieren. 

Uhr unter, und da wir nur noch eine Stunde hatten, wurde es Zeit, um 

anzufangen, damit Graham das warme Abendlicht ausnutzen konnte. Als 

eine erste Herausforderung mußte er eine Einführungslinie identifizieren 

und verwenden, um das Auge des Sehers durch die Fotomontage zu 

führen. Nachher musste er ein Foto mit Rückschärfe aufnehmen. Und 

schließlich einen Vordergrund zu gebrauchen, um Abgleich zu erzielen. 

Zeit, um den Countdown zu starten. 

Herausforderung Nummer eins: Die Auffindung einer 

Einführungslinie 

Graham zog eine direkte Linie zu einem Felsvorsprung an der Grundlage 

der Klippenwand. Das matte Abendlicht brachte es zum Leuchten, 

und er fing an, durch den Bildsucher der D7000 zu blicken, indem er 

unterschiedliche Fotomontagen ausprobierte. Mit so viel gleichtönigem 

Felsen im Vordergrund wurde es nicht leicht, die Tiefe und das Interesse 

zu erfassen, doch Graham bemerkte einige durch den Festlandsockel 

ziehende Spalten, welche als Einführung herhalten konnten. Graham 

versuchte eine waagerechte Fotomontage, wobei die Felslinien das Bild 

von der unteren rechten Ecke einführten, auch wenn ihre Auswirkung 

und Rolle verlorenging, da das Auge von einem großen Felsplattenbett 

auf der linken Seite angezogen wurde. Ich aber riet ihm, ein Hochformat 

zu versuchen und es gelang ihm, mehr von dem nächsten Vordergrund 

in das Bildfeld mit einzubeziehen, indem er die sich auf der linken Seite 

befindenden Felsen ausließ. Dies führte zweifellos zu einem stärkeren 

Vordergrund, mit einer größeren Schärfe, doch der Aufnahme fehlte es 

weiterhin an einer Einführungslinie. Um dem abzuhelfen, bat ich ihn, 

etwas nach rechts zu rücken, um den Vordergrund mit den durch den 

Felsensockel ziehenden Spalten zu füllen. 

In den meisten Fällen können sogar winzige Abstimmungen der 

Aufnahmestellung viel bedeuten. Nun führen die Risse das Auge des 

TOP: Die Umschaltung 

zum Hochformat 

verleiht dem Bild mit 

Sicherheit mehr Tiefe, 

doch dem Bild fehlt es 

weiterhin an einer 

echten Einführungslinie. 

OBEN LINKS: Ein paar 

Schritte nach rechts 

ermöglichen es Graham, 

den Vordergrund mit 

den den felsigen 

Festlandsockel 

durchziehenden Rissen 

zu füllen. Die Spalten 

führen das Auge zur 

Fotomontage. 




Nicht scharf genug eingestellt Bildschärfe von vorne nach hinten 

Sehers in die Richtung der Klippenwand und der entfernten Landzunge. 

Der Gebrauch des Vordergrundes sieht ebenfalls handgemacht aus und 

mit dem Horizont, welcher nahe zu einem „Dritten“ platziert ist, scheint die 

Fotomontage ausgewogener zu sein. Erst zehn Minuten sind vergangen, 

und der ersten Herausforderung wurde Genüge getan. 

Herausforderugn Nummer zwei: Die Maximierung 

der Schärfentiefe 

Die Vielfalt in der uns zur Verfügung stehenden Zeit zu erzielen, sollte 

schwierig sein. Es gab keine kleinen Fischerboote bei Kimmeridge, die 

wir mit einbeziehen konnten, und es war zu früh für Küstenblumen. Die 

hohen, unvorhersehbaren Wellen machten es unmöglich, nahe an den 

Wasserrand zu gehen, um die einlaufende Flut, die Gezeitentümpel oder 

Spiegelungen aufzunehmen. Also blieben uns noch die Felsen, Felsplatten 

und Brocken. Allerdings ist die Jura-Küste am besten wegen ihrer Geologie 

bekannt und Graham war sehr eifrig dabei, Aufnahmen zu machen, 

welche den Charakter der Gegend aufwiesen. 

Während wir die Bucht nach Gegenständen durchfilzten, stolperten wir 

über ein in eine Platte eingebettetes Fossil. Obwohl Ammoniten hier oft 

vorkommen, ist es ungewöhnlich, einen in einer derart perfekten Position 

und in einem derartig guten Zustand aufzufinden. Und mit einem rund 30 

Zentimeter großen Durchmesser war der Ammonit groß genug, um ihn als 

Vordergrund mit einzubeziehen. Graham bedurfte keiner Ermunterung – er 

hatte bereits das weiteste Ende des Objektivs ausgewählt und machte 

Weitwinkelaufnahmen von dem Fossil, aber seine ersten Bemühungen 

hatten Fotos zur Folge, welche aus zu großer Höhe aufgenommen wurden. 

Die sich in mittlerer Entfernung befindenden Felsen dominierten die 

Aufnahme und das Fossil hatte kaum Wirkung. Mittels eines tieferen 

Gesichtswinkels hob Graham das Fossil hervor und verringerte auch die 

Anzahl der Felsen in der Mitte des Bildfeldes. 

Weitwinkel verfügen normalerweise über eine breite Schärfentiefe 

und ermöglichen es den Fotografen, die Linse nahe an den Vordergrund 

zu platzieren und dennoch eine Rückschärfe zu erzielen, solange man 

die Schärfe vorsichtig einstellt. Graham erklärte, welche Technik er 

normalerweise anwandte, wenn eine große Schärfentiefe gefragt war: ‚Ich 

weiß, daß die Schärfentiefe knapp zwei Drittel hinter den Schärfepunkt 

und ein Drittel vor ihn fällt. Ich habe über den hyperfokalen Abstand in 

der Zeitschrift gelesen, ich verstehe ihn als den Punkt, in dem man die 

Höchstschärfe für jede beliebige Blende und Brennweitenkombination 

erzielen kann. Aber, um ehrlich zu sein, würde ich normalerweise die 

Schärfe manuell auf ein Drittel in das Bildfeld einstellen, um bei der 

Erweiterung der Schärfentiefe zu helfen.‘ 

Seine Herangehensweise ist ziemlich verläßlich und besser als 

die automatische Scharfeinstellung, aber es ist dennoch besser, den 

hyperfokalen Abstand auszurechnen, wenn man den nahegelegenen 

Vordergrund mit einbeziehen möchte. Wenn man ein Smartphone besitzt, 

kann man Anwendungen wie den DOFMaster (www.dofmaster.com) 

herunterladen, damit die App das für einen tut. Wir verwendeten jedoch 

ein Hyperfokalentfernungsdiagramm für digitale Spiegelreflexkameras 

mit Sensoren der Größe APS-C, wie die D7000. Graham hatte eine 

f/16 – Blende und eine 17 Millimeter Brennweite eingestellt. Ein rascher 

Blick auf unser Diagramm sagte uns, daß der hyperfokale Punkt, in 

welchem Graham die verfügbare Schärftiefe maximieren konnte, 0,92 

Meter betrug. Mit seinem aufgestellten Kamera-Stativ und durch die 

manuelle Einstellung der Bildschärfe paßte Graham den Schärfepunkt auf 

diese Länge an. Durch die Konzentrierung auf die hyperfokale Entfernung 

sollte alles ab der Entfernungshälfte (0,46 m) bis zur Unendlichkeit in 

annehmbarer Schärfequalität aufgenommen werden. Graham öffnete den 

Kameraverschluß, und dann überprüften wir das Ergebnis auf dem großen 

Hochauflösungsmonitor der D7000. Das Bild war durchgehend scharf, 

aber, obwohl die zweite Herausforderung bewältigt worden war, hatten 

wir mehr als eine halbe Stunde damit verbracht, um die Fotomontage 

fein einzustellen und um über die Scharfeinstellung und die Schärfe zu 

sprechen. Uns blieben weniger als 20 Minuten… 

Herausforderung Nummer drei: Erzielung von 

Ausgewogenheit 

Viele Fotografen tappen in die Falle, einen großen Felsen oder ähnliches 

in den Vordergrund zu stellen, nur um des Felsen willen. Doch anstatt 

die Aufnahme hervorzuheben kann es ablenkend wirken, aus dem 

Zusammenhang gerissen, oder aber es kann die Fotomontage einfach 

überwältigen. Der Vordergrund ist dazu bestimmt, eine Szene zu ergänzen 

und Ausgewogenheit zu schaffen. Während das Licht zu schwinden 

TOP LINKS: Da er den 

Hyperfokuspunkt nicht berechnet, 

sind Grahams erste 

Aufnahmebemühungen von vorne 

nach hinten nicht scharf. 

OBEN MITTE: Durch die 

Verwendung des 

Hyperfokalentfernungsdiagramms 

und durch die manuelle Einstellung 

der Bildschärfe ist das nächste 

Bildfeld durchgehend scharf. 

OBEN & TOP: 

Durch die Auslassung der 

Vordergrundfelsen und die 

Vereinfachung der Fotomontage, 

unter Verwendung des 

Zickzackmusters der Felsplatte als 

Vordergrund, sieht Grahams 

Aufnahme bei weitem 

ausgewogener aus, wobei das 

Auge nicht umherschweift. 

GEGENÜBERLIEGEND: Graham 

setzt alles während der 

Herausforderung Gelernte für die 

letzten Aufnahmen des Tages in die 

Praxis um. 


egann, war Grahams letzte Herausforderung, genau dies zu tun und die 

weiteste Einstellung der Nikon-Linsen war ideal, weitete den Blickwinkel 

aus und verlieh Grahams Fotomontage ein dreidimensionales Gefühl. 

Eine Menge von Felsen und Brocken schien ein offensichtliches 

Vordergrundpotential zu bieten, um für die Küstenlinie Ausgewogenheit zu 

schaffen. Dennoch sah Graham ohne meine Hilfe schnell ein, dass diese 

zu dominierend waren. ‚Das Auge bleibt an dem Vordergrund hängen und 

geht nicht weiter’, sagte Graham. Er hatte recht und ich wies ihn darauf 

hin, die Fotomontage zu vereinfachen, indem er näher zu der Felsplatte 

rückte und einige der Felsstücke ausließ. Erneut bedurfte es nur einiger 

Schritte in die eine oder andere Richtung oder der Anpassung der Höhe der 

Kamera, um das Foto zu verändern, doch Graham war mit dem Ergebnis 

noch immer nicht zufrieden. Er beschloss, sämtliche alleinstehenden 

Felsen auszulassen und stattdessen die Zickzackstruktur der Felsplatte 

als Bildvordergrund zu verwenden. Durch die Vereinfachung der 

Fotomontage auf diese Art und Weise sieht das Ergebnis natürlicher und 

wohldurchdachter aus. Auch wenn die Wolken die letzten Sonnenstrahlen 

verschleierten, setzte Grahams letztes Foto alles, was wir wähhrend der 

Stunde besprochen hatten, in die Praxis um: eine starke, gut ausgewogene 

Fotomontage mit guter, durchgehender Schärfe und mit Vordergrund, 

der den Rest der Szene tatsächlich ergänzte. Es war keine Zeit mehr 

übriggeblieben, Graham war der Endherausforderung gerecht geworden. 

Wenn Sie bei Ein-Stunden-Foto mitmachen möchten, schreiben Sie uns 

eine E-Mail an: onehourphoto@digitalslrphoto.com. 

Fazit 

„Das Thema des Vordergrundes hat mich fasziniert, da es für die Landschaftsfotografie sehr wichtig ist. Die Zusammenarbeit 

mit Ross war ein besonderes Vergnügen, da ich auf all seine Fachkenntnisse und Erfahrung zurückgreifen konnte. Die 

Sitzung bedeutete jede Menge Spaß, aber auch einen besonders praktischen Ansatz, indem verschiedene Themen 

angesprochen wurden: wonach man suchen sollte, unterschiedliche Ausblicke, Winkel, Schärfentiefe und Fotomontagen, 

um bei den Aufnahmen Ausgewogenheit zu erzielen. Die Zeit, welche Ross mit mir im Vorfeld verbracht hat, indem er 

die Techniken behandelte und auf die während der Herausforderung zu suchenden Sachen hindeutete, hat sich als 

außerordentlich wertvoll erwiesen. Sie ermöglichte mir, während der zur Verfügung stehenden Stunde schnell und effektiv 

zu arbeiten. Es war ebenfalls eine Wonne, die Nikon D7000 und das 16-35-mm-Weitwinkelobjektiv während der 

Herausforderung zu benutzen. Als Nikon-Verwender war es einfach, die Bedienung der Kamera in den Griff zu bekommen. 

Die Linse ist toll, sie ermöglicht eine Schärfeeinstellung binnen 28 Zentimetern. Das verhalf mir dazu, den Vordergrund 

wirklich hervorzuheben. Auch die Bildqualität war beeindruckend. Nikon hat für Kameras der Größe APS-C mit der D7000 

neue Maßstäbe festgelegt. Ich möchte Ross für sein Feedback, MARCHW für seine Führung 2011 und DIGITAL für seine SLR lockere PHOTOGRAPHY Art während des 00 

Nachmittags ein großes Dankeschön aussprechen. Ein großes Dankeschön gilt auch der Zeitschrift Digital SLR Photography 

für die Ermöglichung dieser Aufnahmesitzung. Ich war angeregt, am nächsten Abend zum selben Fleck zurückzukehren, um 

alles wieder in die Tat umzusetzen!” 

Grahams 

Spitzenaussage: 

„Das Fossil war ideal 

bei der Aufnahme der 

Jura-Küste. Ich liebe 

diese Gegend und für 

mich stellt das Bild die 

Gegend in all seiner 

Pracht dar; die raue 

Küste, die grünen 

Hügel, die Klippen und 

einen blauen Himmel.” 

Ross’ 

Spitzenaussage: 

„Der Schlüssel zu einem 

guten Landschaftsbild 

ist die Einfachheit, die 

durch Grahams 

abschließende 

Aufnahme kurz 

dargestellt wird. Das 

Pflaster in dem felsigen 

Festlandsockel sticht ins 

Auge und die gedeckten 

Farbtöne sorgen für die 

Stimmung.” 



LESERWETTBEWERB 

HAFEN- 

NACHTLEBEN 

UNSER LESER NICK TSLATINIS HATTE SICH NOCH NIE AN NACHTAUFNAHMEN VON STÄDTEN 

VERSUCHT. ALSO ARRANGIERTEN WIR FÜR IHN EIN TREFFEN MIT DEM PROFIFOTOGRAFEN 

LEE FROST IM HAFEN VON NEWCASTLE UND STELLTEN DIE AUFGABE, INNERHALB VON 

EINER STUNDE DREI TOLLE AUFNAHMEN ZU PRODUZIEREN. 

TEXT: LEE FROST / BILDER: NICK TSIATINIS



Zu früh Unterbelichtet Perfekt 

Der Leser 

Name: Nick Tsiatinis Alter: 33 

Beruf: Computerprogrammierer und 

Amateurfotograf 

Ausrüstung: Nikon D700, Objektive: Nikon 50 

mm f/1,8, Sigma 105 mm f/2,8 Makro, Nikon 

18-35 mm f/3,5, Nikon 24-70 mm f/2,8G 

ED, Nikon 70-200 mm f/2,8 ED VR II 

Website: www.nickt.co.uk 

Zitat Nick: „Ich beschäftige mich erst seit etwas über zwei 

Jahren mit der Fotografie, am liebsten mit Landschaften, 

vorwiegend im Lake District und den Küstenregionen. Allerdings 

lebe und arbeite ich in Leicester, wo die Aussichten für 

atemberaubende Panoramen, wie ich sie liebe, eher gering sind. 

Ein Bereich, den ich fotografisch bisher kaum erforscht habe, sind 

größere Städte – besonders in der Dämmerung. Ich war deshalb 

sehr gespannt darauf, Lee in Newcastle für den One-Hour 

Photo-Wettbewerb zu treffen und zu erfahren, wie man die 

fotografischen Möglichkeiten des frühen Dämmerlichts in der 

Stadt optimal ausnutzt.“ 

DER HAFEN VON NEWCASTLE ist für sein buntes 

Nachtleben bekannt. Für die Einheimischen – 

sowie für weniger Ortskundige, die in der Stadt nur 

Junggesellenabschied feiern – ist dies der Ort für 

ausgiebige oder ausschweifende Kneipenbummel. 

Fotografen von nah und fern liefert er dagegen einen erstklassigen 

Hintergrund für Dämmerungs- und Nachtaufnahmen. 

Während die gewölbte Tyne Bridge bereits seit ihrer Eröffnung 

im Jahre 1928 als Wahrzeichen der Tyneside bekannt ist, wurde 

die Hafengegend in den letzten Jahren umfassend neu gestaltet, 

durch den Bau des Sage Gateshead Zentrums für darstellende 

Kunst, die Gateshead Millennium Bridge, eine Reihe schicker 

Mehrfamilienhäuser und das Baltic Centre für moderne Kunst – 

eine großartige Gegend für Spaziergänge, wo man tagsüber mit 

der Kamera in der Hand Architektur, Nahansichten und besondere 

Details entdecken kann. 

Wirklich zum Leben erwacht das Viertel jedoch erst am Abend, 

wenn das bunte Kunstlicht der Bewohner ihre Brücken und 

Häuser gegen den Abendhimmel hervorhebt und sie – je nach 

Wetterlage – im ruhigen Wasser des Tyne perfekt reflektiert. Wer 

könnte mehr verlangen? 

Tja, zum Beispiel unser Leser Nick Tslantinis. Wie jeder Neuling 

im Dämmerlicht-Milieu, konnte er es kaum abwarten und begab 

sich auf die vierstündige Fahrt von seinem Haus in Leicester direkt 

ins Unbekannte – wohl wissend, dass er sich dort in nur einer 

Stunde zurechtfinden und drei großartige Aufnahmen schaffen 

musste, bevor die Fahrt wieder nach Hause ging. Das ist der 

richtige Kampfgeist! 

Vorsichtigerweise hatte ich Nick vor dem Treffen allerdings 

verschwiegen, dass wir nicht einmal eine volle Stunde zum 

Arbeiten hatten. Das optimale Zeitfenster für die Aufnahme von 

„Nachtszenen“ ist nämlich nicht in der Nacht, sondern zwischen 

Tag und Nacht, wenn sich während der kurzen Phase nach 

Sonnenuntergang natürliches und künstliches Licht perfekt die 

Waage halten und die Farben des Himmel noch eine ausreichende 

Kulisse liefern. Kommt man zu früh, sind die bunten Lichter des 

menschlichen Treibens noch nicht zu sehen – und schon wenige 

Minuten später ist der Himmel schwarz, der Kontrast wird zu stark 

und das Kunstlicht erzeugt hässliche Spitzen. 

Die Lösung heißt: Warten, bis das Licht exakt ausgewogen 

ist, und dann ran an den Speck. Je nach Jahreszeit kann das 

entscheidende Aufnahme-Zeitfenster von einer halben Stunde 

im tiefen Winter bis zu einer Stunde oder mehr im Hochsommer 

anhalten. Ich rechnete für uns mit guten 45 Minuten: Also 

mussten wir die Wege von einem Ort zum nächsten nicht mit der 

Stoppuhr messen – aber trotzdem: Nach Öffnung des Zeitfensters 

zählte jede Minute. Das macht wohl den Unterschied zwischen 

Profis und Amateuren! 

Um unsere begrenzten Zeit optimal zu nutzen, schlug ich Nick 

vor, sich eine Stunde vor Sonnenuntergang zu treffen; dann könnte 

er sich sowohl mit der Umgebung vertraut machen als auch mit 

der Nikon D7000, die er benutzen sollte. 

Bei der Aufnahme urbaner Nachtszenen ist Vorbereitung 

alles; deshalb bin ich immer frühzeitig vor einem geplanten 

Aufnahmetermin vor Ort, um neue Blickwinkel zu erkunden, neue 

Motive zu suchen und mich in Ruhe vorzubereiten, ohne in Hektik 

zu verfallen. 

Dabei sollte man auch an die persönliche Sicherheit denken. 

Ich mache meine Nachtaufnahmen am liebsten zwischen 

Spätherbst und Frühjahrsanfang, weil das Zeitfenster in dieser 

Periode recht früh am Abend eintritt. Dann ist das Stadtgebiet 

OBEN LINKS: Das 

Tageslicht ist noch zu 

stark, um die 

künstliche 

Beleuchtung in den 

Vordergrund der Szene 

zu lassen. In etwa 15 

Minuten müssten 

beide Lichtquellen im 

Gleichgewicht sein. 

OBEN: Nicks erstes 

Bild ist unterbelichtet, 

weil der stark 

beleuchtete 

Blumenkübel die 

Matrixmessung 

ausgetrickst hat. 

OBEN LINKS: Nick 

arbeitet an seiner 

Komposition. 

GROSSES BILD: Die 

erste Aufgabe mit 

Bravour gelöst. Doch 

Eile ist gefordert, denn 

das Licht verschwindet 

schnell. 


immer noch gut mit Menschen belebt, sodass man sich mit teurer 

Kameraausrüstung gefahrloser bewegen kann. 

In den Sommermonaten werden Sie kaum vor 22:00 Uhr 

zu fotografieren anfangen, und dann sind weniger Menschen 

unterwegs. Ich selbst habe zwar noch keine Probleme erlebt, 

kenne aber Fotografen, die bei der einsamen Arbeit am späten 

Abend belästigt wurden; deshalb versuche ich, solche Situationen 

lieber zu vermeiden. 

Der Nachteil des Fotografierens in den frühen Abendstunden ist, 

dass man sich eventuell durch den Feierabendverkehr zum Zielort 

kämpfen muss. Planen Sie also noch etwas mehr Zeit ein, damit 

Sie auf keinen Fall zu spät ankommen; ich habe schon denselben 

Fehler gemacht! 

Beim Zusammentreffen mit Nick an der Gateshead Millennium 

Bridge drückte ich ihm direkt die D7000 und zwei Zoomobjektive 

in die Hand, damit er sich ein paar Minuten lang in ihre Bedienung 

einfuchsen konnte. Glücklicherweise braucht man für gute 

Nachtaufnahmen nicht allzuviel zu tun. 

Als Messmuster empfahl ich ihm die Matrixmessung, die als 

„intelligente“ Belichtungsmessung kontrastreiche Szenen mit wenig 

Licht gut bewältigen kann. Als Belichtungsmodus wurde dabei 

die Zeitautomatik gewählt, sodass Nick die für eine ausreichende 

Schärfentiefe benötigte Blendenöffnung auswählen konnte, zu der die 

Kamera nur die passende Belichtungszeit einstellt. 

Empfohlene Ausrüstung 

Ein Zubehör darf man bei Nachtaufnahmen niemals 

vergessen: ein stabiles Stativ. Bei schwachem Licht 

kann man unmöglich aus der Hand arbeiten, wenn 

man mit niedrigen ISO-Werten und kleiner Blende 

eine optimale Bildqualität und maximale 

Schärfentiefe erzielen will – es sei denn, Sie können 

für 20 bis 30 Sekunden perfekt stillstehen! Auch ein 

Fernauslöser ist unerlässlich, um die Kamera 

berührungsfrei und damit ohne Verwacklungsgefahr 

zu bedienen. 

Was die Hardware betrifft, ist eine Kamera mit hoher 

Auflösung, hellem und klarem Sucherbild, präziser 

Messtechnik und einer guten Störkompensation 

empfehlenswert. Die 16,2-Megapixel Nikon D7000 erfüllt all 

diese Bedingungen und wurde Nicks bevorzugte Waffe für diesen Abend, 

zusammen mit ein paar exzellenten Nikkor Zoomobjektiven. Das AF-S 

10-24 mm f/3,5-4,5G DX (entspricht 15-36 mm im Vollbild-/35 

mm-Format) war ideal für dramatische Weitwinkel-Ansichten, und lieferte 

dank seiner drei asphärischen und zwei ED-Glaselemente scharfe, 

kontrastreiche Bilder mit minimaler Verzerrung. Für längere 

Belichtungszeiten verwendet Nick ein AF-S Nikkor 18-105 mm VR DX 

f/3,5-5,6ED (entspricht 27-157,5 mm). Obwohl ein preisgünstiges 

Kit-Zoom, liefert dieses Objektiv dennoch fantastische Ergebnisse und ist 

für allgemeine Zwecke ideal. 




Überladene Komposition 

Fertiges Bild 

Außerdem schlug ich ihm vor, den automatischen Weißabgleich 

(AWB) beizubehalten, weil ich aus Erfahrung weiß, dass dieser bei 

Nacht die besten Ergebnisse liefert. Da er außerdem im RAW- 

Format arbeitete, konnte er somit die Farbtemperatur der Bilder 

später noch regulieren, falls es nötig sein sollte. Nachdem damit die 

technischen Fragen geklärt waren und die Sonne schon unterging, 

entschlossen wir uns, auf dem Weg entlang der Uferpromenade 

mögliche Motive und Szenen zu planen. 

Erste Aufgabe: Eine großangelegte 

Weitwinkelaufnahme 

Im schwindenden Licht machten wir uns für Nicks erste 

Aufnahme auf den Weg zum „Pitcher and Piano”; dort mussten 

wir nur noch abwarten, bis das natürliche und das künstliche 

Licht im Gleichgewicht waren. Nick wählte diese Stelle aufgrund 

des fantastischen Sage-Gebäudes, das von der Millennium 

Bridge umrahmt wurde, und wegen der hübsch beleuchteten 

Pflanzenkübel am Eingang des berühmten Lokals. 

Es schien eine Ewigkeit zu dauern, bis die Lichtverhältnisse die 

gewünschte Balance erreicht hatten – doch dann war der Effekt 

verblüffend. Sobald Nicks Probeaufnahmen den richtigen Zeitpunkt 

bestätigt hatten, begann er mit seinen Aufnahmen. Als sein erstes 

Bild unterbelichtet war, schlug ich vor, eine Bilderserie aufzunehmen 

und dabei die Belichtung jeweils um +1/3 Schritte zu erhöhen, bis 

die Spitzlichter ausliefen; dies geschah bei Stufe +1. Das Bild war 

aber trotzdem großartig, also weiter zu Aufgabe Zwei. 

Zweite Aufgabe: Komprimierte Perspektive 

Als Nächstes wollte ich von ihm ein abstraktes Bild, mit einem 

Teil der Millennium Bridge. Normalerweise wird diese Brücke im 

Minutentakt mit wechselnden Farben angestrahlt – doch leider 

kam diese Farbbeleuchtung nicht mehr richtig heraus! Da das Licht 

nun schwächer wurde, schlug ich Nick eine klassische Telezoom- 

Aufnahme vor, in der alle Brücken entlang des Tyne nacheinander 

aufgereiht waren. Um die Millennium Bridge mit ins Bild zu holen, 

wäre ein langer Fußmarsch am Flussufer nötig gewesen, für den 

wir keine Zeit mehr hatten. Nick fand aber einen Winkel, aus dem 

er alle anderen Brücken ins Bild bekam, mit der gewölbten Tyne 

Bridge als dominierendes Motiv. 

Seine erste Aufnahme sah gut aus, war aber etwas unübersichtlich. 

Durch einen schnellen Standortwechsel bekam Nick einen klareren 

Blick flussabwärts und entfernte durch Einzoomen die störenden 

Straßenlaternen aus dem Bild. Anschließend wurde die Blende 

des 18-105-Millimeter-Objektivs verkleinert und die Belichtung 

entsprechend verlängert, um so die ziehenden Wolken effektvoll zu 

verwischen und weniger auffällig zu machen. Nick hatte noch die 

kompositorisch glänzende Idee, das Bild leicht auf Panoramaformat 

zuzuschneiden: Ein Ergebnis, auf das man stolz sein kann. 

Dritte Aufgabe: Eine Aufnahme bei Dunkelheit 

Die in Nicks zweiter Aufnahme sichtbare Wolke hatte sich weiter 

ausgedehnt, und plötzlich war der samtig blaue Himmel ganz 

verschwunden. Die Wolke machte die Dämmerung zur Nacht und 

ließ unsere geplante Aufnahme des schönen Sage-Gebäudes über 

den Fluss im Dunkeln verschwinden. 

Was also tun? Nach nur zwei Aufgaben konnten wir unmöglich 

schon einpacken. Zum Glück wusste ich von einer meiner früheren 

Arbeiten, dass Digitalkameras weitaus effektiver die Farben aus 

einer Nachtszene herausziehen können als die Analogtechnik es je 

konnte. Vor diesem Hintergedanken forderte ich Nick auf, trotz der 

scheinbar ungünstigen Bedingungen eine erfolgreiche Aufnahme 

zu produzieren. 

Sein erster Versuch war noch nicht das Gelbe vom Ei: zu dunkel, 

zu düster, und die schönen Kurven des Sage verloren gegen den 

Himmel ihre Wirkung. Es zeigte jedoch Möglichkeiten auf: Ich 

riet Nick, die Belichtung um +1/3-Schritte so weit es ging zu 

erhöhen, bis die Innenbeleuchtung des Gebäudes auszulaufen 

begann. Obwohl die Bedingungen alles andere als perfekt waren, 

gelang ihm eine zwar ungewöhnliche, jedoch sehr erfolgreiche 

Aufnahme. Damit löste Nick auch seine dritte Aufgabe mit 

Stil – glücklicherweise, denn kurz darauf begann es in Strömen zu 

regnen! 

GRUPPE OBEN: Nick 

bereitet seine Aufnahme 

der Tyne-Brücken vor. Er 

muss schnell arbeiten, 

da unser Zeitfenster sehr 

klein ist. 

GANZ OBEN: Bei 

diesem ersten Versuch 

ist noch zu viel los, und 

das Schild lenkt 

zusätzlich ab. Eine 

längere Belichtung soll 

etwas Bewegung in den 

Himmel bringen. 

OBEN MITTE: Eine 

leichte 

Positionsänderung 

verbessert die 

Bildkomposition, eine 

längere Belichtungszeit 

verwischt die ziehenden 

Wolken. 

OBEN: Es ist ein 

Rennen gegen die Zeit 

– und die nahende 

Dunkelheit. 


Fertiges Bild 

Unterbelichtet 

OBEN: Das 

surreale Leuchten 

auf Nicks letzter 

Aufnahme dieses 

Abends passt zum 

hypermodernen 

Design des 

Sage-Gebäudes. 

GANZ LINKS: Das 

erste Bild für 

Aufgabe 3 ist etwas 

zu dunkel geraten. 

LINKS: Als Nick 

schließlich zur 

dritten Aufgabe 

kommt, ist der 

Himmel fast 

schwarz – er gibt 

jedoch nicht auf. 

Gesamturteil 

“Ich war sehr gespannt darauf, mich in einem so malerischen Stadtbild 

an Nachtaufnahmen zu versuchen. Es war eine tolle Erfahrung, mit 

Lee zusammen zu arbeiten und so viele wertvolle Tipps aus erster 

Hand zu bekommen. Bevor es an die Aufgaben ging, gab Lee mir 

etwas Zeit, um die Aufnahmemöglichkeiten für dies folgende Stunde 

zu besprechen, und zeigte mir ein paar wirklich sehr anregende 

Beispielbilder. Ich freute mich auf die Arbeit mit einer Nikon D7000; 

was Ich an meiner Nikon D700 besonders schätze, ist die Größe 

und Klarheit beim Blick durch den Sucher, und ich war angenehm 

überrascht, was die Nikon D7000 in dieser Hinsicht zu bieten hat. 

Ein großes Dankeschön von mir an Digital SLR Photography für das 

Angebot und die Unterstützung bei dieser Aufgabe, und Lee für seine 

Zeit als Lehrmeister. Ich hatte sehr viel Spaß.” 

Auswahl Nick: „Mit dem Wahrzeichen der 

Brücke als Mittelpunkt machen die Lichtspuren der 

Autos auf der Brücke und die gespenstischen 

Schatten der Menschen diese Rushhour-Stadt-Szene 

besonders interessant.” 

Auswahl Lee: „Die ersten beiden Bilder 

sind toll, aber mir gefällt das Ungewöhnliche an 

Nicks letztem Bild. Seine surreale Glut zeigt, 

dass auch bei Dunkelheit tolle Aufnahmen 

entstehen können.” 



NDEN LESER-HERAUSFORDERUNG 

KÖNIGLICHE GÄRTEN 

MAKROFOTOGRAFIE VERLANGT LIEBE ZUM DETAIL UND GESCHICK, WIE DER LESER SIMON 

LISTER FESTSTELLT. DIE BERÜHMTE NATURFOTOGRAFIN HEATHER ANGEL PRÜFT IHN IN KEWS 

KÖNIGLICHEN BOTANISCHEN GÄRTEN AUF HERZ UND NIEREN. 

TEXT: HEATHER ANGEL / FOTOS: SIMON LISTER


LESER-HERAUSFORDERUNG 

Der Leser 

Name: Simon Lister 

Alter: 48 

Beruf: Staatsbeamter 

Ausrüstung: Nikon D300 und D3 mit einem 

Nikon 17-35 mm, 24-70 mm, 70-200 mm, 

300 mm, 500 mm, 105 mm und 70-180 mm 

Makroobjektiv. 

Simon sagt: „Ich habe mich die letzten 20 

Jahre für Fotografie interessiert, aber ich habe erst in den letzten 

vier Jahren angefangen, sie ernster zu nehmen. Ich habe meine Zeit 

beim Fotografieren hauptsächlich mit der Tierwelt verbracht und 

freue mich auf diese einstündige Herausforderung, durch die ich 

meine Fähigkeiten erweitern möchte. Heather ist seit über 30 

Jahren Berufsfotografin und spezialisiert sich auf Makrofotografie, 

daher kann ich es kaum erwarten, etwas von ihrer Erfahrung 

aufzusaugen und hoffentlich neue Techniken zu lernen.” 

D 

IE KÖNIGLICHEN BOTANISCHEN GÄRTEN in 

Kew in London beheimaten das ganze Jahr über 

eine vielfältige, exotische Flora und sind der ideale 

Ort, um Ihre Makrofotografie-Fähigkeiten vor dem 

Frühling aufzufrischen. Mit einer Vielzahl an 

Gewächshäusern und Spezies aus unterschiedlichen Klimazonen 

können Sie Ihren Tag damit füllen, ungewöhnliche und fremde 

Motive aus allen Ecken der Welt zu fotografieren. Leider hatte ich 

nur eine Stunde, um den Leser (und Makro-Neuling) Simon 

Lister die Grundfähigkeiten beizubringen und die drei 

Herausforderungen abzuschließen. Auch wenn wir mit einer 

Fülle von Optionen verwöhnt waren, musste ich selektiv sein. 

Simon und ich trafen uns am Mittag außerhalb des Princess of 

Wales Conservatory, um das hellste Licht des Tages auszunutzen, 

das im Februar im besten Fall gedämpft ist. Daher wusste ich, 

dass wir ein Stativ brauchen würden und rief vorher an, um eine 

Genehmigung zu erhalten, da wir es ansonsten nicht hätten 

fotografieren dürfen. Das Konservatorium verfügt über zehn 

Klimazonen, von den Pflanzen der Savanne bis hin zu einem 

Bereich mit fleischfressenden Pflanzen. Somit wusste ich, dass 

uns die Motive nicht ausgehen würden. Zudem kamen wir 

gerade an, als die jährliche Ausstellung der tropischen Orchideen 

aufgebaut wurde – etwas das man gesehen haben muss - und 

ich wusste, dass wir diese in die Herausforderung integrieren 

mussten. Vorher wollte ich aber, dass Simon die Grundlagen der 

Schärfentiefe und Komposition meistert durch Fokussieren von 

natürlichen Pflanzenmustern und Texturen, nicht nur hübschen 

Blütenblättern. 

Wir steigen direkt in die Herausforderung ein, da Simon keine 

Einarbeitungszeit mit der Nikon D300s braucht, weil er bereits 

eine Nikon D300 besitzt. Das AF-S Micro Nikkor 60 mm f/2.8G 

ED-Objektiv bedarf allerdings gewisser Eingewöhnung. Als 

Wildfotograf ist Simon mit der Vielseitigkeit eines Varioobjektivs 

vertraut, aber mit 60 Millimetern muss er sich vergewissern, dass 

er nah genug am Motiv ist, um ein bildfüllendes Foto zu erhalten. 

Es ist ein kleines Opfer für souveräne Optik, und bei der 

Makrofotografie zählt jedes Detail. 

Herausforderung eins: Natürliche Muster 

Muster gibt es in Hülle und Fülle in Kew. Sie müssen nur 

innehalten und sorgfältig die Pflanzen betrachten, um das 

Potential für starke Makroabzüge zu entdecken. Es gibt drei 

Arten von Mustern: Radialsymmetrie, bei der das Muster sich 

aus dem Zentrum verbreitet; spiralförmige Muster und dicht 

gepackte Muster wie bei einem Maiskolben. Wir fangen in der 

„Trockenzone” mit Pflanzen der Wüste und der Savanne an, 

und ich beauftrage Simon, natürliche Muster zum Fotografieren 

zu finden. Er wählt ein Reihe Parodia Magnifica Cacti, da diese 

mit ihren Stacheln dazu neigen, Radialsymmetrie zu zeigen. 

Sobald Simon sein Stativ aufgestellt hat, bitte ich ihn, sie so zu 

fotografieren, als ob ich nicht da wäre und ihm keine Tipps geben 

könnte. Unter Verwendung der Zeitautomatik stellt er f/3.2 ein, 

in der Annahme, dass ihm das eine wunderschöne Tiefenschärfe 

einbringen wird. Aber da die Schärfentiefe in der Makrofotografie 

extrem flach ist, ist seine Einstellung für sein Ziel nicht genug. 

Sie führt dazu, dass die gelben Stacheln verschwimmen, 

überbelichtet werden und letztendlich Detail verlieren. 

Empfohlene 

Ausrüstung 

Bei den Nahaufnahmen zählt 

jedes Detail, somit brauchen Sie 

also eine Ausstattung, die ein 

Motiv vergrößert und dabei 

optimale Schärfe und 

Bildqualität liefert. Spezielle 

Makroobjektive werden in 

verschiedenen Formen 

angeboten, wobei die längsten 

Brennweiten-Zooms Ihnen mehr 

Distanz verschaffen und immer 

noch ein Reproduktionsverhältnis 

von 1:1 liefern. AF-S Micro Nikkor 

60 mm f/2.8G ED ist ideal für die 

Makrofotografi e von Stillleben, da es in 

der Lage ist, das kleinste Detail scharf 

aufzuzeichnen, während die kurze Fokusdistanz 

(18,5 cm) es Ihnen erlaubt, extrem nah an Ihr 

Motiv heranzugehen. In Verbindung mit einer 

Nikon D300s und ihrem 12.3-Megapixel 

DX-Format (APS-C) Sensor erweitert der 

Crop-Faktor die Brennweite auf 90 Millimeter. 

Ein Stativ mit kurzer Mittelsäule ist wichtig, um 

nah an den Boden zu kommen, und ein kleiner 

Refl ektor ist beim Ausfüllen von Schatten hilfreich. 

Viele Bilder von Mustern klappen am besten wenn der Großteil 

des Bilds im Fokus ist, daher müssen Sie oft eine kleine Blende 

verwenden. Ich empfehle Simon, sein Objektiv auf f/9 herunter 

zu stellen, was zu besseren Ergebnissen führt aber noch immer 

nicht ganz richtig ist. Der Trick ist, genug Stacheln in den Fokus 

zu bringen, während der Hintergrund unscharf ist. Damit er 

genug Tiefenschärfe erhält, sollte er die Sensorebene parallel 

zum Motiv/Fokuspunkt setzen. In diesem Fall haben wir ein 

kurvenförmiges Motiv, Simon muss also die Kamera über den 

Kaktus positionieren und nach unten abwinkeln, so gut er 

kann, um die Sensorebene parallel zu halten. Jetzt hat er keine 

Probleme mehr damit, dass der untere Teil des Motivs näher an 

der Kamera und somit mehr im Fokus ist als der obere Teil. 

Simons erste Idee ist es, den Mittelpunkt des Kaktus in der 

Mitte des Bildes zu positionieren. Aber um die Komposition 

etwas interessanter zu machen, schlage ich vor, er positioniert 

ihn seitlich für ein schwungvolleres Muster. Wir blenden 

zudem auf f/11 ab, wodurch ein Gleichgewicht zwischen dem 

Kaktus und dem Hintergrund im Fokus entsteht. Auch wenn 

das Matrix-Zählen gute Resultate bei der Einschätzung der 

Belichtung liefert, haben wir etwas Detail verloren, da nicht 

genug Füll-Licht vorhanden ist. Ich frage Simon, was wir seiner 

Meinung nach tun sollten um dies zu beheben, und er empfiehlt 

ausdrücklich einen Reflektor, um das Licht in die Schatten zu 

strahlen. Ich habe zufälligerweise einen 30 Zentimeter-Silber/ 

OBEN: Simon 

positioniert seine 

Kamera in einer Linie 

mit der Mitte des 

Kaktus, um den 

Sensor auf eine Ebene 

mit dem Motiv zu 

bringen und seine 

Kontrolle über die 

Tiefenschärfe zu 

erhöhen. Der 

Reflektor hilft dabei, 

die Schatten unter 

dem Kaktus 

auszufüllen. 

DARÜBER: Simon 

und ich betrachten 

seine Bilder auf der 

Nikon D300s. 


Mit Reflektor 

Überbelichtet 

Ohne Reflektor 

Weiß-Lastolite-Reflektor bei mir, der die Aufgabe erfüllt. Somit ist 

Herausforderung 1 bestanden! 

Herausforderung zwei: Tiefenschärfe 

Für die nächste Herausforderung, bei der es um die Tiefenschärfe 

und Hintergründe geht, begeben wir uns in den Bereich der 

fleischfressenden Pflanzen auf der Suche nach ungewöhnlichen 

Spezies als Motive. Die Sarracenia leucophylla eignet sich ideal 

für Übungsversuche mit der Tiefenschärfe, da sie durch ihre Falle 

sehr dreidimensional ist. Simon muss zudem sehr sorgfältig über 

seinen Hintergrund nachdenken, damit es so einfach wie möglich 

ist, wenn er die volle Tiefenschärfe verwendet. Das Nikkor 

60-mm-Objektiv hat einen wundervollen Unschärfebereich, 

und bei Verwendung einer großen Blende verschwimmt der 

Hintergrund. Indem man den Hintergrund aber detaillos und 

dunkel hält, kommt das Motiv mit den leichteren Farben sehr gut 

heraus. 

Simon macht ein paar Fotos mit der Kamera direkt auf die 

Pflanze gerichtet und verwendet dabei f/20 für maximale 

Tiefenschärfe. Aber der Hintergrund ist zu sichtbar und 

überladen. Ich bitte ihn, sich über der Pflanze zu positionieren, 

damit die Sensorebene parallel ist, und wodurch der Hintergrund 

minimal in Erscheinung tritt. Ich bitte ihn anschließend, 

schrittweise das Objektiv abzublenden, um ihm die Effekte 

der einzelnen Blenden auf das Motiv und den Hintergrund 

zu demonstrieren. Um Simon bei der Einschätzung der 

Tiefenschärfe etwas mehr zu helfen, bitte ich ihn, den 

Vorschauknopf für die Tiefenschärfe an der Nikon D300s zu 

verwenden. 

Das Objektiv stellt automatisch die Blende ein, und Sie sehen, 

OBEN: Eine breite Blende 

hat fast nichts im Fokus 

gelassen, und das Bild ist 

überbelichtet. 

ÜBER MITTE: Die 

Schatten müssen mit 

einem Reflektor ausgefüllt 

werden. 

DARÜBER: Es hat ein 

paar Versuche gebraucht, 

aber Simon hat ein gutes 

Bild mit schwungvollen 

Radiallinien geschossen. 

RECHTS: Die 

Komposition hier ist 

wesentlich stärker. 



LESER-HERAUSFORDERUNG 

f/20 

f/8 

f/3 

f/16 

wie viel im Fokus ist, ohne ein Bild zu schießen. 

Er eignet sich diese Technik schnell an, und ich verschärfe die 

Herausforderung, indem ich ihn bitte ein letztes Bild zu schießen, 

welches flache Tiefenschärfe und optimale Schärfe demonstriert. 

Aufgrund der begrenzten Tiefenschärfe ist es wesentlich, sich auf 

den wichtigsten Teil des Motivs zu konzentrieren, da Elemente, 

die sich nur einen Millimeter näher an der Bildebene oder von ihr 

entfernt befinden, verschwimmen können. 

Ich empfehle Simon den manuellen Fokus, damit er präziser 

fokussieren kann. Wenn sich etwas weg biegt wie diese Pflanze, 

fokussiert der Autofokus nicht unbedingt die Ebene, die Sie 

möchten. Simon fokussiert den oberen Teil der Pflanze und 

blendet schrittweise von f/16 auf f/8 ab, wo er ein Gleichgewicht 

findet, bei dem der obere Teil der Blume im Fokus ist und ein 

sanfter Abfall herrscht. Leider fotografiert er die Blume in der 

Bildmitte im Querformat, wodurch an den Seiten massig Platz 

bleibt. Leerer Raum funktioniert bei manchen Fotos, aber in den 

meisten Fällen ist ein Bild wirkungsvoller, wenn das Motiv seitlich 

platziert wird. In diesem Fall sieht das Motiv besser aus, wenn 

es das Bild füllt, und ich empfehle Simon, ins Hochformat zu 

wechseln, was die Komposition augenblicklich verbessert. Die 

Herausforderung ist fast abgeschlossen, aber das Licht ändert 

sich und beleuchtet die winzigen Haare um die Falle und Lippe 

der Pflanze. Es sieht wunderschön aus, und wir haben noch 

eine halbe Stunde übrig, also schlage ich Simon vor, das meiste 

daraus zu machen. So wendet seine neuen Makrotechniken 

bei der Aufnahme an. Er schießt eine Profilansicht der Pflanze 

mit f/6.3 und fokussiert teilweise ins Bild, um die Lippe und die 

Haare in den Fokus zu bekommen. Allerding ist der Hintergrund 

nicht dunkel genug, um die Haare wirklich hervorstehen 

zu lassen, aber dankbarerweise lernen wir in der nächsten 

Herausforderung, wie man den richtigen Hintergrund auswählt. 

Sehr gut gemacht. 

Herausforderung drei: Standpunkt und 

Perspektive 

Bei der Makrofotografe ist ein sauberer Hintergrund ohne 

Ablenkung extrem wichtig, um das Bild nicht zu überladen. 

Simon hat bereits die flache Bildschärfe gemeistert – was ein 

Weg ist, Ablenkungen zu minimieren – aber der Effekt kann 

zudem verbessert werden indem man den Standpunkt wechselt 

und zudem selektiven Fokus einsetzt. Mit dem Auftrag ein Motiv 

vom Hintergrund zu isolieren, machten sich Simon und ich auf 

den Weg in die tropische „Feuchtzone”. Es herrscht ein Ausbruch 

von Farben mit sprichwörtlich tausenden von exotischen 

Blumen, aber wir sind auf der Suche nach Spezies, die nicht zu 

gedrängt beieinander oder im direkten Sonnenlicht stehen, damit 

wir nicht mit starken Schatten kämpfen müssen. Wie wir bereits 

festgestellt haben, ist das schöne beim Nikkor 60 Millimeter der 

Unschärfebereich. Bei breiten Blenden kann es Motive aus dem 

Hintergrund ziehen, indem es die Umgebung verschwimmen 

lässt, und diese Funktion wird sich bei dieser Herausforderung 

behaupten. Je dunkler der Hintergrund ist, desto mehr wird das 

Motiv belichtet sein, aber ein farbenfroher Hintergrund kann 

auch sehr gut aussehen, wenn er nicht im Fokus ist und die 

Farben des Motivs komplementiert. Ich bitte Simon, ein paar 

Bilder mit unterschiedlichen Blenden und Winkeln zu schießen, 

um zu sehen, wie er seine Lernerfahrungen bei den Orchideen 

einsetzt. Er macht ein paar gute Frontalaufnahmen und füllt das 

Bild, aber sie sind nicht so dynamisch, wie sie sein könnten, 

und eine Blende von f/8 lässt den Hintergrund nicht genug 

verschwimmen. Ich empfehle die Blende auf f/5.6 zu öffnen 

und etwas kreativer mit dem Fokus und der Komposition zu 

sein. Er kann eine breitere Blende verwenden, da die Entfernung 

zum Motiv bei der Orchidee größer ist als bei den vorherigen 

Herausforderungen, wo er das Motiv ins Bild bringen musste. Ich 

zeige Simon wie man das Herz der Orchidee manuell fokussiert, 

der Ort an dem das Auge natürlich hin wandert. Wenn man 

etwas höher geht und nach oben blickt oder tiefer und nach 

unten, erhält man ein wesentlich interessanteres Bild. Er muss 

allerdings aufpassen, dass sein Fixpunkt an der richtigen Stelle 

ist, da er mit einer dünnen Fokusebene arbeitet. 

Nach ein paar Testaufnahmen und etwas mehr Anleitung schießt 

Simon ein paar wunderschöne Bilder der Orchideen von der Seite 

und aus einem Winkel – wobei er immer sicherstellt, dass das 

Herzzentrum der einzige Fokusbereich ist. Somit sind alle drei 

LINKS: Ich zeige 

Simon, wie man mehr 

Schärfe erhält, wenn 

man die Sensorebene 

auf eine Linie mit dem 

oberen Teil des Motivs 

bringt. 

ALLE DARÜBER: Das 

Ändern der Blende und 

des Kamerawinkels 

machen einen 

drastischen 

Unterschied beim Bild, 

wie Simon während 

der Herausforderung 

feststellte. 

RECHTS: Simon 

probiert, ein Bild der 

Orchidee von der Seite 

aufzunehmen, wobei 

er das Herz fokussiert 

und eine flache 

Tiefenschärfe einsetzt, 

um den Hintergrund 

verschwimmen zu 

lassen. Sein erster 

Versuch klappte nicht 

ganz, da er nicht nah 

genug am Motiv war. 

OBEN RECHTS: Sehr 

gut gemacht Simon, 

das ist ein wirklich 

gutes Bild. 


Fazit der Herausforderung 

„Vor dem Kurs hatte ich wirklich kaum Erfahrung 

mit der Makrofotografie. Meine Bilder haben 

nie wirklich gepasst, und ich wollte meine 

Fähigkeiten erweitern, um über andere Stile 

neben meiner Wildfotografie zu verfügen. Die 

Herausforderung gab mir eine ideale Gelegenheit 

ganz andere Fähigkeiten auszuprobieren und die 

Ergebnisse mit einer angesehenen Expertin auf 

diesem Gebiet zu analysieren. Dies gab mir eine 

solide Einsicht in den Bereich und brachte mir 

ein paar praktische Fähigkeiten bei, die meine 

Technik und Bilder sofort verbesserten. Heather 

erklärte mir auf klare und verständliche Weise 

die Fähigkeiten, die ich lernen musste, anhand 

von einfach zu befolgenden Demonstrationen. 

Ich hätte mir keinen besseren Mentor wünschen 

können. 

Ich war ehrlich gesagt überrascht von meinem 

mangelnden Wissen hinsichtlich bestimmter 

Aspekte der Makrofotografie, aber Heather 

entwickelte meine bestehenden Fähigkeiten und 

brachte mir ein paar neue Dinge über Belichtung, 

effektive Komposition, die richtige Brennebene 

und das Einschätzen der Tiefenschärfe für ein 

Bild bei. Ich hoffe diese Erfahrungen in Zukunft 

in der Praxis einsetzen zu können und sie an 

andere Fotografen zu vermitteln, aber in jedem 

Fall hat mich das Ganze dazu inspiriert ein neues 

Nikon Makroobjektiv zu kaufen! Danke Digitale 

SLR Fotografie.“ 

Heathers bestes Bild: „Ich 

mag wirklich das Bild, das Simon beim 

letzten Mal gemacht hat. Es ist 

wunderschön aufgenommen und zeigt 

das Herz der Orchidee, sowie deren 

Struktur.“ 

Simons bestes Bild: „Das letzte 

Bild des Tages ist mein Favorit. Ich 

wendete alles an, was mir Heather in der 

Stunde beigebracht hatte. Auch wenn es 

nicht perfekt ist, zeigt es dennoch, wie viel 

ich gelernt habe.“ 




ARBEITSBUCH ZUR 

BELEUCHTUNG 

BELEUCHTEN SIE WIE EIN PROFI MIT UNSEREM LEITFADEN FÜR IHR HEIMISCHES STUDIO 

KREATIVE BELEUCHTUNG FUR PORTRÄTS 

Die seitliche Beleuchtung ist einer der am wenigsten nachsichtigen Stile der Studiobeleuchtung. 

Wenn sie jedoch in korrekter Weise mit der richtigen Testperson durchgeführt wird, kann sie 

dynamische Bilder mit den einfachsten Aufbauten erzeugen. Das Beleuchten von der Seite 

erzeugt unterschiedliche Höhepunkte sowie einen starken Rückgang des Lichtes und fügt 

Tiefe hinzu, kann jedoch auch Falten und Mäkel hervorheben. Der Aufbau einer einzelnen 

Lichtquelle ist insbesondere ideal für Männer, da tiefe Schatten und starke Kontraste zu stärkeren 

Gesichtszügen passen. Für weibliche Testpersonen kann die Verwendung eines Lichtquellen- 

Modifikators einen weicheren Effekt erzeugen und einfacher zu kontrollieren sein. Der Effekt 

hängt von der sorgfältigen Platzierung sowie der Stärke von Licht und Schatten ab, die durch 

eine Verfeinerung der Positionierung des Studio-Blitzes und des Models erreicht werden. Um 

die Anzahl der Versuche und Fehler zu minimieren, positionieren Sie zunächst das Model, 

anschließend die Lichtquellen. Der Leitfaden zur Beleuchtung wurde in diesem Monat von Paul 

Ward fotografiert (www.paulwardphotography.com). 

Geräteempfehlungen 

STUDIO-BLITZKOPF: Bis zu drei 

Studio-Blitzköpfe sind erforderlich, 

idealerweise mit variablen 

Leistungsstufen für eine bessere 

Kontrolle über die Lichtintensität. 

Zu den Marken, die Beachtung verdienen, gehören 

Elinchrom, Bowens und Interfit, die allesamt 

zweiköpfige Geräte anbieten. 

SOFTBOXEN: Diese agieren als 

Diffusoren, um die Lichtstreuung zu 

dämpfen und auszudehnen. Zwei 

Softboxen werden für die neueste 

Technik benötigt. Zu den 

beachtenswerten Marken gehören Elinchrom, 

Bowens, Lastolite und Chimera. 

WABENFÖRMIGES GITTER: Gitter 

treten in verschiedenen Größen auf 

und werden an der Vorderseite 

eines Überlaufes befestigt. In 

Abhängigkeit zu ihren Maßen 

lenken sie das Licht auf unterschiedliche Weise. Die 

meisten großen Marken, inklusive Elinchrom, 

Profoto und Bowens, bieten ein Sortiment für rund 

100 Euro an. 

BLITZMESSER: Sie können die 

Versuch-und-Fehler-Methode 

anwenden, um eine gute Belichtung 

zu erzeugen. Die schnellste und 

akkurateste Methode ist es jedoch, 

einen Blitzmesser zu verwenden. Sekonic, Gossen 

und Polaris sind die bekanntesten Marken. 

SCHÖNHEITSSCHÜSSEL: Sie 

spendet ein weiches Licht mit mehr 

Kontrast als eine Softbox. 

Schönheitsschüsseln beginnen bei 

rund 55 Euro und unterscheiden sich 

in der Größe und im Ergebnis. Elinchrom, Bowens, 

Viewfinder Photography und Interfit verdienen 

Beachtung. 

SYNCHRONISATIONSKABEL: Ein 

Synchronisationskabel, das am 

Messer und am Blitzkopf befestigt 

ist, ist die grundlegendste und 

erschwinglichste Methode zur 

Berechnung der Belichtung. Sie können 

anschließend das Kabel mit der an der Kamera 

befindlichen Steckdose für den PC verbinden, um 

den Blitz auszulösen. 

REFLEKTOR: Verwenden Sie dieses 

Zubehör, um Licht auf die Schatten 

zu reflektieren, falls sie zu hart 

wirken. Ein weißer Reflektor wird 

einen feinen Effekt erzielen, 

während ein silberner oder goldener Reflektor 

wesentlich stärker ist, mit einem kühlen bzw. 

warmen Auswurf. 

HINTERGRÜNDE: Papierrollen 

treten in vielen Farben und Größen 

auf und benötigen einen Rahmen, 

der diese aufrecht hält. Lastolite stellt 

viele passende Produkte her. Um es 

jedoch einfach und kostengünstig zu halten, reicht 

auch ein schwarzes Laken oder eine schwarze Wand. 


DER AUFBAU EINER EINZELNEN LICHTQUELLE 

Der Aufbau einer einzelnen Lichtquelle ist einer der einfachsten Versuchsaufbauten und kann einige 

dramatisch düstere Resultate erzeugen. Die Kunst liegt darin, die Platzierung des Lichtes und des Schattens zu 

steuern. Der einfachste Weg, dies zu bewältigen, liegt darin, den Winkel und die Höhe des Studioblitzes zu 

verändern, während man das Model bittet, die gleiche Position zu halten. Die geringste Änderung in der 

Stromversorgung und in der Positionierung des Lichtes oder des Models kann ein Bild drastisch verändern, 

indem Schatten auf verschiedene Teile des Gesichtes geworfen werden. Es ist sinnvoll, Zubehör wie einen 

Aufsatz oder ein wabenförmiges Gitter auszuprobieren, das dabei helfen soll, die Richtung des Lichtes 

einzudämmen und auch zu steuern. Idealerweise sollte die seitliche Beleuchtung von einem schnellen 

Rückgang des Lichtes begleitet werden, damit nur eine Seite des Gesichtes und vielleicht ein Teil der Schulter 

beleuchtet wird. 

Setzen Sie den Studioblitz zu Beginn auf seine geringste Leistungsstufe und nehmen Maß vom Gesicht der 

Testperson, um die richtige Blendeneinstellung für eine korrekte Belichtung zu erhalten. Von da an bedarf es 

eine Zeit lang der Versuch-und-Fehler-Methode, um durch das Bewegen des Studio-Blitzes den Effekt und die 

Platzierung der Schatten zu verfeinern. Je weiter die Lichtquelle von der Testperson entfernt ist, desto größer ist 

die Streuung des Lichtes. Je näher sich das Licht hingegen am Gesicht befindet, desto schneller ist der 

Rückgang. Schauen Sie nach Hotspots auf dem Gesicht des Models, die von zu starkem Licht oder der sich zu 

nahe befindlichen Lichtquelle resultieren. Schließen Sie die Blende, falls sich das Licht in der richtigen Position 

befindet, jedoch zu hell auf dem Model scheint. In gleicher Weise wird sich die Stärke verringern, indem Sie 

die Lichtquelle weiter weg bewegen. Daher könnte es notwendig sein, die Blende zu öffnen oder die Blitzstärke 

zu erhöhen. In Abstimmung des Lichtniveaus mit dem Kopf des Models sowie in einem 45-Grad-Winkel auf 

der Vorderseite sollten die besten Resultate erzeugt werden. 

AUFBAU DES STUDIOS 

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Die verwendeten Geräte... 

CANON EOS 7D 

CANON EF 50MM F/1,8 II LINSE 

X1 ELINCHROM D-LITE4 IT 

18 CM 12-GRAD- WABENFÖRMIGES GITTER 

SCHWARZER HINTERGRUND 

BELICHTUNGSMESSER 

51 cm 

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51 cm 

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7,1 (ISO 

100 

00) 

Allgemeine Beleuchtungsfehler 

✘ ZU WEIT HINTEN 

Die Lichtquelle befindet sich im 

90-Grad-Winkel zum Model, so 

dass ihr Haar das meiste Licht 

abschirmt, wodurch einige 

unansehnliche Schatten auf 

ihrem Gesicht erzeugt werden. 

✘ ZU WEIT VORNE 

Durch den Lichteinfall im 

30-Grad-Winkel breitet sich 

das Licht auf der linken Seite 

des Gesichtes aus und wirft 

von der Nase aus einen 

Schatten. 

✘ ZU HOCH 

Da sich der Blitz gerade 

außerhalb des Rahmens befindet 

und im 45-Grad-Winkel nach 

unten zeigt, geht das Licht schnell 

zurück und erzeugt 

unvorteilhafte Schatten. 

✘ ZU NIEDRIG 

In diesem niedrigen Winkel 

erzeugt der Studio-Blitz einen 

Hotspot auf ihrem Kiefer, und 

das Licht geht schnell zurück, 

so dass sich ihr Auge im 

Schatten befindet. 

✘ ÜBERBELICHTET 

Die Belichtung ist bei f/5,6 

zu hoch, wodurch Hotspots 

auf der Wange und der 

Schulter des Models an den 

Stellen der Überbelichtung 

erzeugt werden. 


Seitenlicht-Porträts 

> 

Das endgültige Bild 

In Abstimmung mit dem Lichtniveau 

und in einem 45-Grad-Winkel zur 

Testperson hat die Verwendung einer 

mittleren Belichtung sowie die 

Veränderung der Distanz zwischen der 

Testperson und der Lichtquelle den 

Rückgang und die Beleuchtung 

gesteuert. 

manueller Belichtungsmodus, 

1/200 Sekunden bei f/7,1 (ISO 100) 


DER AUFBAU VON DREI LICHTQUELLEN 

Dies ist eine fortgeschrittenere Technik im Sinne der Menge der benötigten 

Geräte, die jedoch in einer dynamischen und schönen Beleuchtung für ein 

Model mit dem richtig geformten Gesicht resultiert. Seitliche Höhepunkte 

stellen eine wunderbare Art und Weise dar, die weichen Züge des Gesichtes 

einer Frau zu konturieren. Jedoch funktioniert dies nur bei Frauen mit feinen 

Gesichtszügen gut, deren Haar nach hinten geworfen ist, da die Höhepunkte 

reibungslos um den Kopf und die Schultern verlaufen müssen. 

Die Kunst ist es, die richtige Balance zwischen den beiden seitlichen 

Lichtquellen und der vorderen Lichtquelle zu erzielen. Die hinteren 

Lichtquellen müssen einige Nuancen heller sein als das Gesicht, das korrekt 

belichtet sein sollte. Es ist eine feine Balance: Die Höhepunkte müssen 

ausreichend überbelichtet sein, um einem Mangel an Abgrenzung 

vorzubeugen, jedoch nicht so sehr, dass sie den Rahmen sprengen. Ein 

schwarzer Hintergrund ist dienlich, um die Höhepunkte besser 

hervorzuheben, jedoch könnte eine ähnliche Technik mit einem weißen 

Hintergrund verwendet werden, um einen helleren Effekt zu erzeugen. 

Für die hinteren Lichtquellen sollte sich jede Softbox-Größe eignen; sie 

müssen nur an beiden Seiten übereinstimmen, damit sich das Licht im Lot 

befindet und um das Model herum beugt. Gleichermaßen könnten ein Schirm 

oder eine Softbox anstelle einer Schönheitsschüssel für die vordere Lichtquelle 

verwendet werden. Jedoch bietet die Schönheitsschüssel dem Auge ein wenig 

mehr Kontrast sowie ein attraktives rundliches Catchlight. 

Nehmen Sie zunächst Maß vom Gesicht des Models, um die korrekte 

Belichtung zu erzielen und den besten Winkel für die vordere Lichtquelle zu 

finden. Diese Blendeneinstellung ist ein guter Startpunkt, jedoch bedarf es 

möglicherweise eine Zeit lang der Versuch-und-Fehler-Methode, um den 

allgemeinen Effekt später zu perfektionieren. Setzen Sie die hinteren beiden 

Lichtquellen auf ihre volle Leistungsstufe und positionieren diese in einem 

ungefähren Winkel von 45 Grad auf den gegenüberliegenden Seiten hinter dem 

Model, um die Höhepunkte an den Gesichtsrändern zu bilden. In dieser Phase 

macht es nichts aus, wenn das gesamte Bild zu dunkel oder zu hell ist, da dies 

durch Anpassen der Belichtung korrigiert werden kann –konzentrieren Sie sich 

zunächst darauf, die perfekte Balance zu erzielen. Falls die hinteren Lichtquellen 

auf die volle Leistungsstufe gesetzt, jedoch nicht ausreichend stark sind, rücken 

Sie die Lichtquellen näher an das Model heran oder, falls sie zu stark sind, 

schieben Sie diese entweder weiter nach hinten oder setzen die Leistungsstufe 

herab. Falls das Gesicht nun zu dunkel oder zu hell ist, passen Sie die 

Belichtung ein wenig an. 

AUFBAU DES STUDIOS 

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213 cm 

122 cm 457 cm 

Die verwendeten Geräte... 

CANON EOS-5D MKII 

2X BOWENS GEMINI 500 PRO 

UND EIN GEMINI 750 PRO 

x2 SOFTBOXEN (1,5M X 1M) 

x1 SCHÖNHEITSSCHÜSSEL 

RGRAUER/SCHWARZER HINTERGRUND 

BLITZMESSER 

f/18 

(ISO 

160 

60) 

213 cm 

Der 

Beli 

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an. 

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und 

Allgemeine Beleuchtungsfehler 

✘ LICHTQUELLEN ZU WEIT 

VORNE Die hinteren Softboxen sind im 

90-Grad-Winkel zum Model platziert und 

verursachen, dass sich das Licht auf der 

Vorderseite ihres Gesichtes ausbreitet. 

✘ KEINE VORDERE LICHTQUELLE 

So sieht die Aufnahme ohne eine vordere 

Lichtquelle oder einen Reflektor aus, die das 

Gesicht ausfüllen. 

✘ ÜBERBELICHTET 

Bei f/13 ist die Belichtung zu hoch, 

wodurch die Aufnahme 

überbelichtet und der Hintergrund 

beleuchtet wird. 

✘ UNTERBELICHTET 

Bei f/22 ist die Belichtung bei Weitem 

zu niedrig, wodurch ihr Gesicht und die 

seitlichen Bereiche unterbelichtet sind. 


Seitenlicht-Porträts 

Das endgültige Bild 

Das Finden der richtigen Balance 

zwischen den vorderen und den 

seitlichen Lichtquellen hat dieses sanft 

beleuchtete Portrait mit den wohl 

abgrenzenden Höhepunkten kreiert. 

manueller Belichtungsmodus, 

1/125 Sekunden bei f/18 (ISO 160) 


ARBEITSBUCH ZUR 

BELICHTUNG 

BELEUCHTEN WIE EIN PROFI – MIT UNSEREM HEIMSTUDIO-LEITFADEN 

✂ 

Projektnotizen: High-key-Porträtaufnahmen 

Ein Beleuchtungsstil, der in den Top-Studios 

seit Jahren sehr beliebt ist, ist die Highkey-Fotografie. 

Mit seinem Tüncheffekt, der 

gebleichten Haut und den dynamischen 

Glanzlichtern bietet er einen frischen, 

zeitgemäßen Look, dem man nur schwer 

widerstehen kann. Er kann zwar bei 

jedem Model eingesetzt werden, aber vor 

allem Frauen und Kinder bieten sich auf 

Grund ihrer weicheren Züge für diesen 

schmeichelhaften, fast schattenlosen Stil 

an. Er eignet sich auch ideal für Models 

mit helleren Haaren, womit die hellen 

Und das lernen Sie... 

✓ Eine High-key-Porträtaufnahme machen 

✓ Zwei Lichtquellen ausgleichen 

✓ Mit diffuser Beleuchtung arbeiten 

✓ Ihre Beleuchtungsfertigkeiten verbessern 

Töne der Aufnahme noch unterstrichen 

werden. Gedeckte Farben und ein weißer 

Hintergrund sowie die absolut wichtige 

Beleuchtungstechnik sind entscheidend 

dafür, ein weiches, professionell 

aussehendes Endprodukt zu erhalten. Am 

besten ist eine Papierrolle als Hintergrund, 

aber auch ein großes weißes Laken, das 

zur Vermeidung von Falten straffgezogen 

werden muss, kann gute Dienste leisten. 

Oder wählen Sie einen zusammenlegbaren 

Hintergrund, der mit hellem, weißen Licht 

ausgefüllt werden kann. 

Empfehlungen zur Ausrüstung 

STUDIOBLITZKÖPFE: Ein oder 

zwei Studioblitzköpfe sind 

notwendig, idealerweise mit 

variablen Leistungseinstellungen 

zur besseren Kontrolle der 

Lichtintensität. Marken, die Sie sich einmal 

ansehen sollten, sind Elinchrom, Bowens und 

Interfit, die alle Geräte mit zwei Köpfen für unter 

570 Euro anbieten. 

LICHTWANNEN: Diese fungieren 

als Weichzeichner, die 

Porträtaufnahmen in ein weiches, 

attraktives Licht tauchen. 

Standardlichtwannen beginnen bei 

etwa 55 Euro. Marken, die Sie sich einmal 

ansehen sollten, sind Elinchrom, Bowens, 

Lastolite und Chimera. 

BLITZMESSER: Sie können Bilder 

am LCD-Monitor ansehen und 

durch Herumexperimentieren eine 

gute Belichtung erreichen. Aber die 

mit Abstand beste Methode ist die 

Verwendung eines Blitzmessers zur präzisen 

Berechnung der Belichtung. Das ist ein schnelles 

System, mit dem Sie mehrere Lichtaufbauten 

genau aufeinander abstimmen können. Sekonic, 

Gossen und Polaris sind die bekanntesten Marken. 

LASTOLITE-HI-LITE- 

HINTERGRUND: Setzen Sie 

Lichter an die Enden dieses 

zusammenlegbaren Hintergrunds, 

um den Raum mit Licht zu füllen 

und einen hellen, gut beleuchteten Hintergrund zu 

schaffen. Die Hi-Lite-Reihe ist in verschiedenen 

Größen erhältlich und beginnt bei etwa 140 Euro. 

SYNCHRONISIERUNGSKABEL/ 

FERNAUSLÖSER: Die Verwendung 

eines Synchronisierungskabels 

zwischen dem Messgerät und dem 

Blitzkopf ist die grundlegendste und 

günstigste Methode zur Belichtungsberechnung. Sie 

können das Kabel dann mit der PC-Buchse der 

Kamera (oder alternativ einem PC- 

Blitzschuhadapter) verbinden, um den Blitz direkt 

auszulösen. Für Letzteres kann auch ein 

Fernauslöser verwendet werden. 

PAPIERROLLE: Papierrollen sind 

in vielen Farben und Größen 

erhältlich und erfordern einen 

Rahmen zum Aufspannen. 

Lastolite stellt beide Artikel her, 

und der Preis für eine Rolle weißes 

Papier (2,75 x 11 m) beginnt bei etwa 40 Euro. 

✂ 


High-key-Porträts 

Machen Sie Messungen für das Hauptlicht. 

Machen Sie Messungen für das hintere Licht. 

Schritt 1 

Die Verwendung eines Studioblitzes 

bedeutet, dass die Belichtungsart der 

Kamera auf die manuelle Betriebsart 

eingestellt werden muss. Die 

Verschlusszeit wird auf die 

Blitzsynchronisierungsgeschwindigkeit 

der Kamera (oder niedriger) 

eingestellt, während die 

Blendenöffnung mit dem Blitzmesser 

ermittelt werden muss. Verwenden 

Sie ISO 100, um eine optimale 

Bildqualität zu erhalten. Schalten Sie 

nur das Hauptlicht ein, und passen 

Sie die Leistung an, bis auf dem 

Messgerät ein mittlerer Blendenwert 

angezeigt wird – hier wurde f/11 

verwendet. 

Hinweis: Hauptlicht zur 

richtigen Belichtung des 

Gesichts eingestellt. 

Beide Lichter aufeinander abgestimmt mit f/11. 

Schritt 2: 

Nach der Einstellung des 

Hauptlichts für die Blende f/11 

wird dieses zur Vorbereitung 

des hinteren Lichts 

ausgeschaltet. Wiederholen Sie 

den Vorgang für den 

Hintergrund, machen Sie 

Messungen und passen die 

Leistung des Blitzkopfs an, bis 

er eine Belichtung von f/11 

angibt. Machen Sie eine 

weitere Probebelichtung. Der 

Hintergrund sollte auch bei 

einer Kameraeinstellung von 

f/11 schön weiß sein. 

Öffnen Sie die Blende 

auf f/8. 

Machen Sie Testaufnahmen, 

um zu sehen, ob der 

Hintergrund schön weiß ist. 

Schritt 3 

Schalten Sie beide Lichter ein, 

die auf eine Belichtung von 

f/11 für eine ausgewogene 

Beleuchtung eingestellt sind. 

Beachten Sie die 

Leistungseinstellungen, damit 

Sie einen Ausgangspunkt 

haben. Später muss die 

Leistung des hinteren Lichts 

erhöht werden, damit Licht 

auf den Rücken und die 

Schultern des Models fällt. 

Beide Lichter jetzt 

gemessen für f/11. 

Schritt 4 

Bisher ist die Kamera auf f/11 

eingestellt, um die „richtige“ 

Belichtung gemäß Messung 

bereitzustellen. Wenn Sie die 

Blende auf f/8 öffnen, während 

die Lichter noch auf f/11 

eingestellt sind, werden das 

Model und der Hintergrund 

effektiv um einen Anschlag 

überbelichtet, sodass das Bild 

allmählich die Eigenschaften 

einer High-key-Beleuchtung 

annimmt. 

Gebleichter „High-key“-Effekt 

wird allmählich sichtbar. 


Leistung zur Erzeugung von Streulicht erhöht. 

Schritt 5 

Wenn der grundlegende 

High-key-Effekt Form 

annimmt, sorgen Sie dafür, 

dass Hintergrundlicht über 

den Rücken und die 

Schultern des Models fällt, 

indem Sie die Leistung des 

hinteren Lichts um ein oder 

zwei Anschläge erhöhen 

(Messwert f/16 oder f/22). 

Lassen Sie das Hauptlicht 

unverändert. 

Für eine Überbelichtung sind neue 

Messwerte erforderlich. 

Der Aufbau ist nahezu perfekt! 

Schritt 7 

Der Grundaufbau ist nahezu 

perfekt. Für den letzten 

Schliff richten Sie das 

Hauptlicht in einem Winkel 

aus, sodass es nicht auf das 

Model gerichtet ist, sondern 

einen Winkel von etwa 45 

Grad aufweist. Das führt zu 

einem besseren Glanz auf 

den Wangen, aber die Mitte 

des Gesichts ist dunkler. Wie 

auf dem abschließenden Bild 

zu sehen ist, lässt sich dies 

mit einem Reflektor mühelos 

beheben. 

Schritt 6 

Wangen haben keinen Glanz. 

Passen Sie den Aufbau so an, 

dass sich das Model näher am 

Hintergrund und dem 

Hauptlicht befindet: Führen Sie 

das Model näher an den 

Hintergrund heran und stellen 

das Licht dann näher heran. 

Eine kürzere Entfernung führt 

zu einer Überbelichtung. 

Passen Sie also die Leistung an 

und führen eine neue Messung 

für f/11 (Hauptlicht) und f/16 

(bzw. f/22) für das 

Hintergrundlicht durch. 

Hinweis! 

HINTERGRUNDOPTIONEN Wir 

haben einen Lastolite-Hi-Lite- 

Hintergrund verwendet, aber Sie 

können eine ähnliche Wirkung 

erzielen, wenn Sie einen oder zwei 

Blitzköpfe (mit Diffusoraufsatz) in 

einemem Winkel 

aufe 

einenwn weißenen 

Papierhintergrund 

richten. 

Durch 

eine hellere 

Hintergrundbeleuchtung fällt Licht auf die 

Schultern des Models. 

Eine bessere Wirkung der beweglichen 

Lichter verdient eine Überbelichtung. 

Hinweis: Schöner Glanz, aber das Gesicht 

ist zu dunkel. 


High-key-Porträts 

ABSCHLIESSENDE 

AUFNAHME 

Das Model ist zwischen zwei hellen, 

diffusen Lichtquellen eingebettet, wobei die 

Winkel so angepasst wurden, dass die 

Wangen weiß glänzen. Durch die 

Verwendung eines silbernen Reflektors für 

das Zurückstrahlen des Lichts zum Gesicht 

hin werden alle tiefen Schatten entfernt, um 

ein besseres High-key-Ergebnis zu erzielen. 

Merken Sie sich für spätere Aufnahmen die 

Leistungseinstellungen und den Winkel des 

Hauptlichts sowie den Abstand zwischen 

Model und Licht. Die Winkelanordnung des 

Hauptlichts im Verhältnis zur Kamera 

verringert den Kontrast und verbessert so 

die Allgemeinwirkung. 


PHOTOSHOP FÜR FOTOGRAFEN 

THE PROS AT WORK 

PHIL MAKANNA 

Photoshop für 

Fotografen 

BESSERE BILDER MIT 

PHOTOSHOP 

Ob Sie ein Photoshop-Neuling oder ein erfahrener Benutzer sind – in dieser Reihe ist für jeden etwas 

dabei. Hier erklären wir bestimmte Photoshop-Funktionen und zeigen Ihnen, wie Sie sie zur 

Verbesserung Ihrer Bilder einsetzen können. Außerdem verraten wir Ihnen Geheimnisse, mit denen 

Sie Ihre Aufnahmen garantiert aufwerten können. In diesem Heft sehen wir uns die Grundlagen des 

Pinsel-Werkzeugs, die Einstellungsebene „Farbton/Sättigung“ und den Blendenfleckenfilter an. 

Pinsel-Werkzeug 

Mit diesem erstaunlichen Werkzeug 

können Sie die Belichtung Ihrer Bilder 

verbessern. 

Farbton/Sättigung 

Mit dieser Einstellungsebene verleihen 

Sie den Farben besondere Ausdruckskraft 

(oder entfernen sie). 

Blendenfleckenfilter 

Mit diesem kreativen Korrekturfilter 

werden Ihre Porträtaufnahmen stilisierter. 


THE PROS AT WORK 

PHIL MAKANNA 

Maximale Details 

Mit diesen erstaunlichen Werkzeugen 

verbessern Sie die Belichtung Ihrer Bilder. 

Umwandlung in Schwarz-Weiß 

Mit dieser detailorientierten Einstellungsebene 

bewältigen Sie jede Schwarz-Weiß- 

Umwandlung. 

Hervorhebung der Glanzlichter 

Mit diesem tollen Spezialeffektfilter 

verleihen Sie Ihren Bildern einen 

ätherischen Glanz. 


Photoshop für Fotografen 

Schwarz-Weiß ... 

Optimieren Sie Ihre Schwarz-Weiß- 

Umwandlungen zur Maximierung von Details, 

Farbtonbereich und kreativer Wirkung. 

Farbe kann wunderschön sein, aber Schwarz-Weiß ist häufig klassisch, 

elegant und unter Umständen sehr ausdrucksstark. Es ist bei den meisten 

Fotografen – ob aus dem Film- oder dem digitalen Zeitalter – sehr beliebt, 

da wir alle von dieser fesselnden Ausstrahlung begeistert sind. Wie können 

Sie also einem Schwarz-Weiß-Bild nach der Aufnahme einen 

aussagekräftigen Farbton verleihen? 

Bei der Arbeit mit Film vertrauten die Fotografen auf Farbfilter, um den 

Farbtonbereich einer Szene zu verändern; für einfache Anpassungen 

verwendeten sie den Gelb- oder Orangefilter, während für drastische 

Unterschiede ein Rotfilter zum Einsatz kam. Mit einem Rotfilter wird jeder 

Rotton in der Szene aufgehellt und alles andere dunkler. Er war bei 

Porträtfotografen sehr beliebt, weil er Hauttöne aufhellte, und bei 

Landschaftsfotografen, weil er einen blauen Himmel dunkler machte und 

dramatischer erscheinen ließ. Im Wesentlichen ist das auch die 

Funktionsweise der Einstellungsebene „Schwarz-Weiß“. Wenn Sie die 

Einstellungsebene anwenden (Ebene>Neue Einstellungsebene>Schwarz 

weiß…), wird das Bild sofort in Schwarz-Weiß umgewandelt. Es wird ein 

Dialogfenster eingeblendet, in dem Sie die verschiedenen Farben im Bild 

anpassen können, um den Farbtonbereich auf die gleiche Weise wie mit 

einem Farbfilter an der Kamera zu verbessern und zu steuern. Dass es sich 

um eine Einstellungsebene handelt, bedeutet, dass alle vorgenommenen 

Änderungen nicht zerstörerisch sind, d. h. Sie können die Ebene jederzeit 

löschen oder bearbeiten. Außerdem haben Sie so eine präzise Kontrolle 

über die Farbkanäle. Aber vor allem ist es eine der einfachsten, 

vielseitigsten und schnellsten Möglichkeiten, ein Farbbild in ein 

ausdrucksstarkes Schwarz-Weiß-Meisterstück umzuwandeln. 

Enthüllte Geheimnisse 

ZIELMODUS 

Statt mit den Schiebereglern zu arbeiten, 

können Sie auf das Handwerkzeug oben 

im Dialogfenster klicken. Dann können 

Sie auf jeden Bereich des Bildes klicken, 

um eine bestimmte Farbe auszuwählen, 

die Sie ändern möchten. Wenn dann der 

Handcursor angezeigt wird, klicken Sie, 

und ziehen Sie ihn nach rechts oder links, 

um die Intensität zu erhöhen oder zu 

verringern. 

NAVIGIEREN IM MENÜ 

1) Voreinstellung: Wählen Sie eine vordefinierte 

Grauskalamischung oder eine zuvor gespeicherte Grauskalamischung. 

2) Zielmodus: Verwenden Sie dieses optionale Werkzeug mit einer 

Einstellungsebene, um Änderungen direkt an einem Bild vorzunehmen 

(siehe „Aufgedeckte Geheimnisse“). Diese automatische Funktion wird 

über Bild>Korrekturen aufgerufen. 

3) Tönung: Markieren Sie dieses Feld, und wählen Sie eine Farbe, um 

dem Bild eine zweifarbige Tönung zu verleihen. 

4) Auto: Stellt eine Grauskalamischung auf der Grundlage der 

Farbwerte des Bildes ein. Verwenden Sie diese Einstellung als 

Ausgangspunkt, und verändern Sie den Ton dann mit den 

Farbschiebereglern. 

5) Farbkanäle: Diese Schieberegler beeinflussen den Grauskalaton 

jeder Farbe im Bild. 

6) Ausschneiden: Verwenden Sie diese Funktion, um die 

Einstellungsebene mit der/den Ebene/n darunter zu verknüpfen und so 

deren Wirkung zu begrenzen. Sie ist hilfreich, wenn Sie mit mehreren 

Ebenen arbeiten, aber nicht alle von Ihrer Arbeit betroffen sein sollen. 

7) Zurücksetzen: Klicken Sie auf dieses Symbol, um alle 

Schieberegler auf ihre Standardstellung zurückzusetzen. 

5 

2 

1 

3 4 

6 7 

EINEN VERSUCH WERT ... . 

FÜLLMETHODEN MIT EINER 

SCHWARZ-WEISS- 

EINSTELLUNGSEBENE 

Ändern Sie den Farbton und den Kontrast Ihres Farbbildes 

mithilfe von Füllmethoden. 

Durch die Anwendung einer Schwarz-Weiß- 

Einstellungsebene und der anschließenden Verwendung einer 

Füllmethode zur Steuerung des Zusammenspiels der Ebene 

mit den Farben des ursprünglichen Bildes darunter können 

Sie sehr interessante und ansprechende Ergebnisse erzielen. 

Die wichtigsten drei Füllmethoden, die eine nähere 

Betrachtung wert sind, sind „Weiches Licht“ und 

„Ineinanderkopieren“ für Kontrast sowie „Luminanz“ für 

Farbe. Wenn die Wirkung zu stark ist, können Sie einfach die 

Deckkraft der Schwarz-Weiß-Einstellungsebene verringern. 

Das Geniale an dieser Vorgehensweise ist, dass Sie die 

Helligkeit der einzelnen Farben im Bild mit den 

Farbschiebereglern der Einstellungsebene verändern können. 

Ineinanderkopieren: Intensiviert den Kontrast eines 

Farbbildes, indem Farbtöne dunkler und heller gemacht 

werden. 

Weiches Licht: Hat eine ähnliche, aber weniger intensive 

Wirkung wie die Füllmethode „Ineinanderkopieren“. 

Luminanz: Dieser Modus ermöglicht die Einstellung der 

Brillanz und Helligkeit jedes Bildes, ohne die Sättigung zu 

verändern. 

HEISSER TIPP 

Schwarz-Weiß in Elements 9 

Duplizieren Sie die 

ursprüngliche Ebene, und 

gehen Sie zu Verbessern> In 

Schwarz-Weiß umwandeln. 

Wählen Sie dann die 

gewünschte Voreinstellung für 

die Umwandlung. 

Anschließend können Sie die 

Intensität der Töne mit den 

Farbschiebereglern für Rot, 

Grün, Blau und Kontrast 

einstellen. 

HOT KEY 

Ebene ausblendenn 

Wenn Sie bei einer offenen 

fenen 

Einstellungsebene das Bild 

im Zustand vor der 

vorangegangenen Änderung 

vorübergehend anzeigen 

möchten, halten Sie die Taste 

\ gedrückt. Damit können Sie 

bequem feststellen, wie sich 

Ihre letzte Einstellung auf das 

Bild ausgewirkt hat. 


Erklärung der Einstellungen 

Drei Möglichkeiten zur Verwendung von Schwarz-Weiß in Ihren Bildern 

Die Schwarz-Weiß-Einstellungsebene kann für mehr als nur eine Monochrom-Umwandlung verwendet werden. Hier erfahren 

Sie, wie Sie Ihr Bild mithilfe einer Ebenenmaske gezielt mit Farbe und Tönung versehen können. 

UMWANDELN EINES BILDES IN SCHWARZ-WEISS 

1 KONTROLLIEREN SIE DIE TONALITÄT IHRER SCHWARZ-WEISS-UMWANDLUNG. 

Um ein Farbbild in ein Schwarz-Weiß-Bild umzuwandeln, gehen Sie zunächst zu 

Ebene>Neue Einstellungsebene>Schwarzweiß, oder greifen Sie vom 

Schwarz-Weiß-Kreissymbol unten in der Ebenenpalette auf die 

Einstellungsebenenverknüpfung zu. Das Bild wird sofort in Schwarz-Weiß 

umgewandelt. Klicken Sie jetzt auf Auto; dadurch wird eine tonale Umwandlung 

erstellt, die Sie später ganz nach Ihren 

Vorstellungen anpassen können. 

Alternativ können Sie einen der Filter 

oder Effekte aus dem Dropdown-Menü 

Voreinstellung auswählen. Wenn die 

Grundumwandlung durchgeführt wurde, 

verwenden Sie in beiden Fällen die 

Farbschieberegler zur Auswahl einzelner 

Grauskalatöne. An dieser Stelle kann es 

hilfreich sein, zum ursprünglichen Bild 

zurückzukehren, um die zu ändernden 

Farben zu beurteilen. Klicken Sie hierfür 

auf das Augensymbol neben der 

Einstellungsebene in der Ebenenpalette. 

Original 

TÖNEN EINES BILDES MIT 

2 SCHWARZ-WEISS 

ERSTELLEN SIE EIN DUOTON-FOTO. 

Bevor Sie das Bild tönen, stellen Sie mit einer 

Schwarz-Weiß-Einstellungsebene den gewünschten 

Kontrast ein. Erstellen Sie dann eine neue 

Schwarz-Weiß-Einstellungsebene, und setzen Sie sie 

durch Ausschneiden in die Einstellungsebene darunter. Auf 

diese Weise haben Sie eine Einstellungsebene für die 

Schwarz-Weiß-Umwandlung und eine weitere für die 

Tönung erstellt; dies ist für die spätere Arbeit sehr nützlich. 

Markieren Sie das Feld Tönen und doppelklicken auf das 

farbige Feld daneben, um den Farb-Picker zu öffnen. Wenn 

Sie die gewünschte Farbtönung mithilfe der 

Gradienten- oder Farbbibliothek ausgewählt haben, stellen en 

Sie möglicherweise fest, dass die Farbe für Ihr Bild zu 

kräftig ist und Sie die Intensität des Farbtons verringern 

möchten. Bei der Arbeit an einer neuen Einstellungsebene 

können Sie die Deckkraft der Ebene mit dem Schieberegler 

in der Ebenenpalette verringern, um die Wirkung 

abzuschwächen, ohne das ursprüngliche Bild darunter 

anzuzeigen, wie dies normalerweise der Fall wäre. 

Original 

GEZIELTES FÄRBEN MIT 

3 SCHWARZ-WEISS 

VERLEIHEN SIE IHREN SCHWARZ-WEISS-BILDERN 

MEHR AUSDRUCKSKRAFT. 

Wandeln Sie Ihr Bild in Schwarz-Weiß um. Fügen Sie dann 

zur Einstellungsebene eine Ebenenmaske hinzu, indem Sie 

auf Ebene>Ebenenmaske klicken. Entscheiden Sie an dieser 

Stelle, ob Sie den Großteil Ihres Farbbildes in Schwarz-Weiß 

oder ein Schwarz-Weiß-Bild mit einem Hauch von Farbe 

haben möchten. Wählen Sie entsprechend Alles ausblenden 

bzw. Alles einblenden. Hier haben wir Alles einblenden 

verwendet, da der Großteil Schwarz-Weiß sein wird. Wählen 

Sie nun das Pinsel-Werkzeug und stellen die Farbe auf 

Schwarz ein. Übermalen Sie bei ausgewählter Ebenenmaske 

mit einem weichen Pinsel, der kleiner als der zu bemalende 

Bereich ist, den Bereich, der farbig werden soll. Wenn Sie 

einen Fehler machen, ändern Sie die Farbe auf Weiß, und 

vergrößern Sie das Bild, um die Bereiche, die wieder 

Schwarz-Weiß werden sollen, mit mehr Genauigkeit 

ausmalen zu können. Wenn Sie die Ebenenmaske löschen 

müssen, klicken Sie auf die graue Verknüpfung auf der 

Einstellungsebene und ziehen die Ebenenmaske in den 

Papierkorb unten in der Ebenenpalette. 

Original 



Weiches Licht 

Lassen Sie Ihre Glanzlichter strahlen, indem Sie einen der 

kreativsten und dennoch praktischsten Filter für Fotografen in der 

Angebotspalette von Photoshop optimal einsetzen – Weiches Licht. 

Es gibt Dutzende von digitalen Filtern zum Verbessern und Korrigieren eines 

Fotos, aber es gibt noch mehr Möglichkeiten, Ihrer Kreativität freien Lauf zu lassen. 

Filter im herkömmlichen Sinn gehören immer schon zum Werkzeugsatz eines 

Fotografen, um ein Bild beim Aufnehmen zu verändern. Das Faszinierende an 

digitalen Filtern besteht darin, dass sie Ihnen die kreative Freiheit geben, 

künstlerische Entscheidungen nach der Aufnahme zu treffen. 

Die Filtergalerie von Photoshop (CS4 und Elements 9) verfügt über eine Vielzahl 

von Optionen – von Filtern, die scharfstellen, Rauschen einstellen und eine 

Objektivverzerrung korrigieren, bis hin zu künstlerischen Effekten, die aus einem 

Bild eine Skizze oder ein impressionistisches Gemälde machen oder ihm mehr 

Struktur verleihen. Für viele der zahlreichen Filter werden Sie im Rahmen einer 

einfacher Bearbeitung möglicherweise nie Verwendung haben, aber es lohnt sich, 

damit herumzuexperimentieren, falls sich doch einmal eine Gelegenheit für ihren 

Einsatz bietet. Ein brillanter Filter, der sich in der Kategorie Verzerrungsfilter 

befindet (nicht unbedingt eine Funktion, die Ihnen auf Anhieb in den Sinn kommen 

würde, wenn Sie ein Bild aufwerten möchten, da sie für die Größenänderung eines 

Bildes bekannt ist), ist beispielsweise Weiches Licht. Damit erscheint ein Bild, als 

würde es durch einen weichen Diffusionsfilter betrachtet. Er fügt transparentes 

weißes Rauschen hinzu und zielt eigentlich auf die hellen Töne eines Bildes ab, mit 

einem Schein, der von der Mitte einer Auswahl aus immer schwächer wird. Dieser 

Filter eignet sich hervorragend, um einem Bild mit vielen Glanzlichtern, wie 

Hochzeitsaufnahmen, Szenen im Schnee und milchiges Wasser in 

Küstenlandschaften, ein ätherisches Aussehen zu verleihen. Er kann auch nützlich 

sein, um die Beleuchtung und die Stimmung eines Porträts zu verbessern, vor 

allem bei High-key-Porträtaufnahmen; aber entscheidend hierbei ist eine gewisse 

Unaufdringlichkeit. Die Wirkung sollte das Bild unterstützen und nicht dominieren. 

Der Filter nimmt globale Anpassungen am Bild vor, sodass es zwei 

Möglichkeiten gibt, seine Wirkungen gezielt zu bearbeiten. Entweder wählen Sie 

den Bildbereich aus, den Sie ändern möchten, verbessern die Kontur (nähere 

Einzelheiten hierzu finden Sie im Auswahl-Special in der März-Ausgabe) und 

wenden dann den Filter an, oder Sie fügen eine Ebenenmaske hinzu und wenden 

den Filter auf das Bild an, wie weiter unten gezeigt. Aber schön der Reihe nach: Ein 

Filter muss auf Pixel angewendet werden. Bevor Sie also anfangen, duplizieren Sie 

das Bild, damit Sie nicht die Originalpixel bearbeiten, und wandeln Sie die Ebene, 

mit der Sie arbeiten, dann in einen Smartfilter um, damit der Effekt bearbeitet 

werden kann (Filter>Für Smartfilter konvertieren). 

HÄUFIG GESTELLTE FRAGEN 

Wieso dauert es so lange, bis der Filter 

geladen ist? 

Viele Filter bearbeiten jedes Pixel. Wenn es sich 

also um ein hochauflösendes Bild handelt, kann es 

eine Weile dauern. Um sicherzugehen, dass der 

Filter seine optimale Leistung erbringt. Versuchen 

Sie, Speicherplatz freizusetzen, indem Sie auf 

Bearbeiten>Entleeren klicken, bevor Sie einen 

Filter anwenden. Der Filter sollte dann am besten 

mit einem Auswahlwerkzeug zuerst auf einen 

kleinen Bildbereich angewendet werden, um zu 

sehen, ob damit auch die gewünschte Wirkung 

erzielt wird. 

HEISSER TIPP 

Smartfilter 

Bevor Sie einen Filter 

anwenden, wandeln Sie das 

Bild in einen Smartfilter um, 

damit Sie Änderungen 

vornehmen können, ohne 

die Originalpixel des Bildes 

zu verändern und den Filter 

später bearbeiten können. 

Wählen Sie zu diesem 

Zweck die Bildebene aus, 

und klicken Sie auf 

Filter>Für Smartfilter 

konvertieren. Wählen Sie 

dann den gewünschten 

Filter aus. Nähere 

Informationen finden Sie bei 

Photoshop für Fotografen in 

der Ausgabe des letzten 

Monats. 

Wieso wird mein Bild dunkler und nicht heller? 

Sie haben die Vordergrundfarbe (in den 

Farbmustern unten in der 

Symbolleiste) auf Weiß und 

nicht auf Schwarz eingestellt. 

Wenn die Vordergrundfarbe 

auf Weiß eingestellt ist, ist die 

Farbe des „Scheins“ schwarz, 

und das Bild wird dunkler, je 

mehr Sie den Filter anpassen. 

Deaktivieren Sie den Filter, 

und wählen Sie das schwarze Farbmuster. 

Dann sollte alles passen. 

KONTROLLFELD „WEICHES LICHT“ 

1) Vorschau Um die Wirkung des Filters im Bild genau beurteilen zu 

können, verkleinern Sie die im Vorschaubildschirm zu sehende Aufnahme 

global, indem Sie die Minustaste drücken, bevor Sie Änderungen 

vornehmen. Auf diese Weise können Sie sehen, welche allgemeine 

Wirkung der Filter hat. Um das Gesamtbild wesentlich größer darzustellen, 

klicken Sie auf das Dropdown-Menü und wählen Sie Bildschirm anpassen. 

Vergrößern Sie die betroffenen Bereiche mit der Plustaste auf 100 Prozent, 

um sich zu vergewissern, dass um die Konturen herum keine Lichtschleier 

sind; dies wäre ein Zeichen dafür, dass die Wirkung zu stark ist. 

2) Körnigkeit Mit diesem Schieberegler legen Sie das Ausmaß des 

weißen Rauschens im Bild fest. Dies sollten Sie tun, wenn Sie den 

gewünschten Schein haben. Wenn Sie ein weiches Erscheinungsbild 

haben möchten, lassen Sie den Wert bei 0. 

3) Scheinintensität und Löschintensität 

Verwenden Sie diese beiden Schieberegler in Kombination miteinander. 

Fangen Sie mit der Scheinintensität bei 0 und der Löschintensität bei 20 

an, und bewegen Sie den Schieberegler für die Scheinintensität allmählich 

so weit, bis Sie den gewünschten Schein erreicht haben. Bei den meisten 

Bildern, vor allem bei Porträts, werden Sie wahrscheinlich feststellen, dass 

der Wert 1 oder 2 ausreicht, da die Hauttöne sonst unnatürlich auszusehen 

beginnen. Für Landschaften ist möglicherweise ein etwas höherer Wert 

erforderlich. Mit dem Schieberegler für die Löschintensität können Sie die 

Wirkung in kleineren Schritten als mit der Scheinintensität anpassen und so 

das Ausmaß des Scheins fein abstimmen. 

4) Augensymbol Klicken Sie auf das Augensymbol, um die 

Wirkung zu aktivieren bzw. zu deaktivieren. Auf diese Weise können Sie 

eine Vorschau des Originalbildes anzeigen. 

5) Neue Wirkungsebene Klicken Sie auf dieses Symbol, um 

eine neue Ebene zu aktivieren, wodurch die Wirkung des Filters verstärkt 

wird. 

1 

2 

3 

4 

5 


Arbeiten mit Filtern 

Verbessern von Glanzlichtern mit weichem Licht 

Die Funktion Weiches Licht ist zwar relativ einfach zu benutzen, sie kann aber auch leicht zuviel eingesetzt werden, wodurch dann 

wichtige Details in den Glanzlichtern verloren gehen. Hier erfahren Sie, wie Sie den Filter optimal nutzen und so Ihr Foto perfektionieren. 

Schritt 1) Bevor Sie den Filter anwenden, duplizieren Sie die Bildebene, damit Sie nicht 

das Original bearbeiten (Ebene>Ebene duplizieren). Wählen Sie dann Filter>Für 

Smartfilter konvertieren und klicken auf OK, wenn das Dialogfenster angezeigt wird. Um den 

Filter aufzurufen, gehen Sie dann zu Filter>Verzerrungsfilter>Weiches Licht... 

Schritt 2) Stellen Sie die Werte für Scheinintensität und Körnigkeit mit den Schiebereglern auf 

0 und den Wert für die Löschintensität auf 20 ein. Vergrößern Sie das Bild auf 100 Prozent, und 

bewegen Sie den Schieberegler für die Scheinintensität langsam, bis die Glanzlichter allmählich 

verlaufen. Für dieses Bild reicht der Wert 1 nicht, aber der Wert 2 ist zu stark; mit dem 

Schieberegler für die Löschintensität können wir die Feineinstellung vornehmen. 

Schritt 3) Passen Sie die Löschintensität an, um am Schein die Feineinstellung 

vorzunehmen. Wir stellen den Wert auf 10 ein. Achten Sie darauf, die Glanzlichter nicht zu 

sehr auszubleichen, wodurch Details verloren gehen oder Lichtschleier entstehen würden. 

Es macht nichts, wenn der Schein in die Schatten hinein verläuft oder ein gewisses Maß an 

Definition verloren geht; das kann im nächsten Schritt wieder wettgemacht werden. 

Schritt 5) Sie können jetzt mit dem Pinsel-Werkzeug, das auf den weichsten Wert 

eingestellt ist und schwarze Farbe aufgenommen hat, Details und die Schatten wieder in das 

Bild malen. Malen Sie mit ausgewählter Maske die Bildbereiche, die dunkler werden sollen 

und variieren dabei die Deckkraft des Pinsels, um die Wirkung zu steuern. 

Schritt 4) Wenn Sie den gewünschten Schein haben, können Sie überlegen, ob Sie dem 

Bild ein wenig Körnigkeit hinzufügen möchten; gehen Sie damit aber sehr sparsam um. 

Klicken Sie dann auf OK. Wenn Sie wieder in der Ebenenpalette sind, fügen Sie zum 

gefilterten Bild eine Vektormaske hinzu, indem Sie unten in der Ebenenpalette auf die Taste 

Vektormaske klicken. 


DER BEFEHL VERBLASSEN 

Wenn Sie eine Einstellung und nicht nur 

einen Filter verändern möchten, nachdem 

Sie sie bestätigt haben, gehen Sie zu 

Bearbeiten>Verblassen, um die Deckkraft und 

die Füllmethode zu ändern. Dies ist allerdings 

nur unmittelbar nach Anwendung des Filters 

bzw. Veränderung einer Einstellung möglich. 

Wenn Sie mit einem Smartfilter arbeiten, was 

wir empfehlen, können Sie diesen Befehl nicht 

verwenden. Allerdings können Sie den Filter 

später über die Befehlsfolge Ebene>Smart- 

Objekte>Rastern oder durch Doppelklicken auf 

den Smartfilter zum Rastern verändern (damit 

lässt sich der Filter bearbeiten). 

HOT KEY 

Alt zum Zurücksetzen 

en 

Wenn die Tasten Alt und 

Entfernen gemeinsam 

gedrückt werden, hat dies 

eine Rücksetzfunktion. Auf 

diese Weise können Sie die 

Einstellung neu vornehmen, 

ohne den Filter ganz 

deaktivieren zu müssen. 

HEISSER TIPP 

Plug-Ins von Drittherstellern 

Filter von Drittherstellern wie 

Nik Software sind als 

Plug-Ins erhältlich, die nach 

der Installation unten im 

Menü Filter unter den von 

Adobe bereitgestellten 

Filtern angezeigt werden. 



Pinsel-Werkzeug 

PC UND MAC SCHNELLAUSWAHLTASTE 

FÜR PHOTOSHOP CS UND ELEMENTS 

= 

1 

2 

3 4 5 

Entdecken Sie die verborgenen Geheimnisse des Pinsel-Werkzeugs, und finden Sie heraus, wie Sie damit 

die Farbe, die Belichtung und den Kontrast Ihres Bildes nachbessern und gezielt einstellen können. 

Das Pinsel-Werkzeug verfügt über ausgesprochen vielfältige und nützliche Anwendungsmöglichkeiten für die Nachbearbeitung von Bildern. 

Das Werkzeug soll die Wirkung eines Malpinsels nachahmen. Entsprechend besteht sein primärer Zweck darin, Farbe, die durch Klicken auf die 

Farbpalette unten in der Symbolleiste ausgewählt wurde, auf ein Bild aufzutragen. Das Werkzeug bietet aber noch viele ausgeklügeltere 

Verwendungsmöglichkeiten als nur auf einer Leinwand zu „malen“. So können Sie damit beispielsweise die Tonalität von Bildern bearbeiten, 

indem sie das Werkzeug zusammen mit einer Ebenenmaske verwenden, um Bilder und Hauttöne nachzubessern und Optionen auszuwählen. 

Die Möglichkeiten des Pinsel-Werkzeugs sind einfach überwältigend, vor allem in der Version CS5. In der Version CS4 können Sie zwar die 

Form, die Größe und den Stil des Pinsels sowie den Fluss und die Deckkraft der Farbe verändern, aber in der Version CS5 stehen Ihnen mehr 

Borstenspitzenarten zur Verfügung, um Ihre Kontrolle, Ihre Genauigkeit und Ihr kreatives Potenzial zu verbessern. Sie können verschiedene Arten 

von flachen und runden Pinseln auswählen und Parameter zur Dicke und Länge der verschiedenen Borsten einstellen, je nach Art des 

Pinselstrichs, den Sie nachmachen möchten, und der Feuchtigkeit sowie der aufgenommenen Farbe. Als Fotograf, der wirklich nur seine Bilder 

bearbeiten möchte, werden Sie bei Ihrer alltäglichen Arbeit das Potenzial des Pinsel-Werkzeugs wahrscheinlich nur an der Oberfläche ankratzen 

und kaum Bedarf für das vollgestopfte Pinsel-Kontrollfeld (siehe unten) mit den erweiterten Parametern haben. Aber es lohnt sich, sich mit den 

Optionen vertraut zu machen, falls Sie doch einmal ein digitaler Künstler werden oder einem Ihrer Bilder eine kreative Note verleihen möchten. 

1 Pinselpalette: Legt die Größe, Form, 

Struktur und Härte des Pinsels für die 

jeweilige Bearbeitung fest. 

2 Modus: Legt fest, wie die Pixel im 

Bild vom Pinsel-Werkzeug und seiner 

Farbe betroffen werden. 

3 Deckkraft: Steuert die Dichte der 

Farbe und die Deckkraft. 

4 Fluss: Steuert die Flüssigkeit der Farbe 

und deren Auftraggeschwindigkeit. 

5 Airbrush: Wenn diese Funktion 

aktiviert ist, hängt der Farbauftrag 

davon ab, wie lange Sie die Maus bzw. 

den Stift gedrückt halten, und nicht von 

der Anzahl der Pinselstriche. 

DAS KONTROLLFELD PINSEL 

Mithilfe von Verknüpfungen und des Kontrollfeldes 

Optionen steht Ihnen zwar schnell der gewünschte 

Pinsel zur Verfügung; wenn Sie das Pinsel-Werkzeug 

allerdings wirklich gut kennen lernen möchten, arbeiten 

Sie mit dem Kontrollfeld Pinsel. Um dieses Kontrollfeld 

zu öffnen, gehen Sie zu Fenster>Pinsel, oder klicken Sie 

bei gedrückter Ctrl-Taste mit der rechten Maustaste auf 

das Bild. Dann können Sie den Stil der Spitze sowie 

andere detailliertere Einstellungen, wie voreingestellte 

Formen und Strukturen, auswählen. Ein Fotograf würde 

nur selten eine derartige Leistungskraft benötigen; sie ist 

eher für Digitalkünstler vorgesehen. Aber wenn Sie an 

kreativer Malerei und digitalen Illustrationen interessiert 

sind, lohnt es sich, sich die Möglichkeiten einmal näher 

anzusehen. 

FÜLLMETHODEN 

v 

DES PINSEL-WERKZEUGS 

1) Normal: Dies ist die Standardmethode. Damit wird jedes 

Pixel so gemalt/bearbeitet, dass die Grundfarbe (die Ebene, auf 

die Sie sie auftragen) mit der Füllfarbe (die Farbe auf dem Pinsel) 

gemischt wird. 

2) Dahinter: Bemalt/bearbeitet nur transparente Bereiche 

eines Bildes. Dies funktioniert auf Ebenen, bei denen die Option 

Transparenz sperren deaktiviert ist. 

3) Löschen: Bemalt/bearbeitet Pixel, um sie transparent zu 

machen (ähnlich wie ein Radierer). Dies funktioniert nur auf 

Ebenen, bei denen die Option Transparenz sperren deaktiviert ist. 

4) Weiches Licht: Führt dazu, dass je nach verwendeter 

Füllfarbe die Grundfarbe dunkler oder heller gemacht wird. Die 

Wirkung ist fast so, als würde ein diffuses Licht auf das Bild 

geworfen werden. Wenn die Farbe des Pinsels heller als 50 % 

Grau ist, wird das Bild aufgehellt, als wäre es abgewedelt. Wenn 

die Farbe des Pinsels dunkler als 50 % Grau ist, wird das Bild 

abgedunkelt, als wäre es nachbelichtet. Das Malen mit reinem 

Schwarz oder Weiß ergibt einen deutlich dunkleren bzw. helleren 

Bereich, resultiert aber nicht in einem reinen Schwarz oder Weiß, 

und andere Farbe hinterlassen eine leichte Tönung auf dem Bild. 

5) Farbton: Erzeugt eine aus der Luminanz und Sättigung der 

Grundfarbe resultierende Farbe in Kombination mit dem Farbton 

der Füllfarbe. 

6) Sättigung: Erzeugt eine aus der Luminanz und dem 

Farbton der Grundfarbe resultierende Farbe in Kombination mit 

der Sättigung der Füllfarbe. 

7) Farbe: Erzeugt eine aus der Luminanz der Grundfarbe und 

dem Farbton sowie der Sättigung der Füllfarbe resultierende 

Farbe. Dies ist nützlich, wenn Sie einen Teil des Bildes in 

Schwarz-Weiß umwandeln möchten oder ein Bild tönen. 

8) Luminanz: Erzeugt eine aus dem Farbton und der 

Sättigung der Grundfarbe und der Luminanz der Füllfarbe 

resultierende Farbe. Diese Methode hat den umgekehrten Effekt 

wie die Methode Farbe. 

1 

2 

3 

4 

5 

6 

7 

8 

HOTKEY 

Eckige Klammern 

Der Zugriff auf Pinsel kann 

über die Optionsleiste oder 

über Fenster>Pinsel 

erfolgen. Wenn Sie jedoch 

ein Bild bearbeiten und die 

Größe des Pinsels 

verändern möchten, 

drücken Sie die Taste mit 

der rechten bzw. linken 

eckigen Klammer (Ziffer 8 

bzw. 9). 


PROTOKOLL- UND KUNSTPROTOKOLLPINSEL 

Das Protokollpinsel-Werkzeug kann verwendet werden, um eine Veränderung, einen Filter oder ein Werkzeug 

teilweise rückgängig zu machen. Klicken Sie bei ausgewähltem Werkzeug auf das Kontrollfeld Protokoll 

(Fenster>Protokoll) und klicken anschließend in das Feld neben dem Schritt, der wiederhergestellt werden soll. 

Dadurch wird dieser als Ausgangszustand ausgewählt. Jetzt können Sie zum Bild zurückkehren und gezielt 

malen, um den Bereich in den vorherigen Zustand zurückzuversetzen. Sie können soweit zurückgehen, wie dies 

das Kontrollfeld Protokoll zulässt: Der Standardwert sind 20 Zustände, aber Sie können diesen Wert über das 

Kontrollfeld Voreinstellungen>Allgemein erhöhen. Der Kunstprotokollpinsel funktioniert ähnlich, bietet aber die 

Möglichkeit, dem Bild ein impressionistisches Aussehen zu verleihen, ähnlich wie der Impressionistenpinsel von 

Mixerpinsel und Element in der Version CS5. Der größte Fehler, der mit diesem Werkzeug gemacht wird, ist die 

Verwendung eines zu großen Pinsels, sodass die Kanten verlaufen und Details verloren gehen. 

HOTKEY 

Zifferntasten 

Um die Deckkraft der Farbe 

zu ändern, drücken Sie auf 4 

für 40 %, auf 7 für 70 % 

und so weiter, es sei denn, 

Sie arbeiten mit dem 

Airbrush. In diesem Fall 

wirkt sich diese Methode auf 

den Fluss aus. Halten Sie 

die Umschalt-Taste gedrückt 

und drücken eine Zahl, um 

die Deckkraft des Airbrushes 

zu ändern. 


Arbeiten mit Werkzeugen 

Verwendungsmöglichkeiten für das Pinsel-Werkzeug... 

Lernen Sie, wie Sie in Porträtaufnahmen Hauttöne korrigieren und kleine 

Schönheitsfehler verringern können. Außerdem zeigen wir Ihnen, wie Sie Probleme 

mit der Belichtung mühelos beheben können. 

RETUSCHIEREN DER HAUT 

1 SO KÖNNEN SIE DEN HAUTTON AUSGLEICHEN. 

Sie können dunkle Tränensäcke oder Falten und kleine 

Schönheitsfehler mühelos beseitigen, indem Sie ein 

Muster des Hauttons nehmen und mit einem Pinsel mit 

geringer Deckkraft den betreffenden Bereich übermalen. 

Es ist immer besser, auf den gewünschten Farbton nach 

und nach mit mehreren Pinselstrichen hinzuarbeiten. 

Vergrößern Sie das Bild, sodass Sie den zu 

retuschierenden Bereich als Nahaufnahme vor sich 

haben. Wählen Sie einen Pinsel mittlerer Größe (nicht 

größer als der zu retuschierende Bereich) mit einer 

Weichheit von etwa 0 bis 10 Prozent und einer 

Deckkraft von etwa 10 Prozent. 

Halten Sie die Alt-Taste (Mac) bzw. die Cmd-Taste 

(PC) gedrückt, sodass sich der Pinselcursor in eine 

Pipette verwandelt. Klicken Sie dann auf einen 

Farbbereich in der Nähe des zu retuschierenden 

Bereichs. Damit nimmt der Pinsel die Farbe auf. 

Übermalen Sie jetzt den Bereich, um den Hautton 

auszugleichen. Nehmen Sie ein neues Farbmuster 

neben jedem Bereich, den Sie retuschieren, um sicher 

zu sein, dass die Farben einen ähnlichen Ton haben. 

2 TONANPASSUNGEN 

SO KÖNNEN SIE BELICHTUGNEN KORRIGIEREN. 

Wenn Teile eines Bildes unter- oder überbelichtet sind, 

gibt es eine einfache, nicht zerstörerische Möglichkeit, 

schlecht belichtete Bereiche mithilfe des 

Pinsel-Werkzeugs und von Ebenenmasken gezielt zu 

korrigieren. Diese Technik kann für Kontrast- und 

Farbänderungen angewendet werden, indem einfach eine 

andere Einstellungsebene verwendet wird. 

Fügen Sie eine Belichtungseinstellungsebene hinzu 

(Ebene>Neue Einstellungsebene>Belichtung), und 

bewegen Sie die Schieberegler, bis der zu ändernde 

Bereich richtig belichtet ist. 

Mit jeder Einstellungsebene ist eine Ebenenmaske 

verknüpft. Wählen Sie die Maske aus, stellen Sie die 

Vordergrundfarbe dann auf Schwarz ein und wählen 

einen weichen, runden Pinsel mit einer Deckkraft von 

100 Prozent. Übermalen Sie den Bereich, der jetzt 

schlecht belichtet ist, um die Details des Originalbildes 

wieder herzustellen. 

Wenn Sie einen Fehler machen, wechseln Sie zur 

weißen Farbe und übermalen den Bereich wieder auf der 

Ebenenmaske. 

Original 

Original 

Software-Highlights 

SPEZIALPINSEL 

Das Pinsel-Werkzeug von Elements 9 funktioniert 

genauso wie in der Version CS4, bietet jedoch 

Spezialpinsel, mit denen Formen wie Sterne, Blumen 

und Schmetterlinge gemalt werden können. Elements 

9 verfügt auch über den Impressionistenpinsel, der die 

Kanten der Objekte im Bild so verlaufen lässt, dass 

das Bild einem impressionistischen Gemälde ähnelt. 

Es dauert eine Weile, bis man es beherrscht, aber 

dann kann es interessante Ergebnisse hervorbringen. 

Probieren Sie es auf einer duplizierten Ebene aus, und 

verringern Sie dann die Deckkraft der Ebene, um zu 

sehen, was geschieht. 

INTELLIGENTES PINSEL-WERKZEUG 

Mit diesem Pinsel können Sie in Elements 9 Optionen 

auswählen wie mit dem Schnellauswahlwerkzeug, 

aber auch Bilder bearbeiten. Er befindet sich unter 

dem Malpinsel-Werkzeug. Sie können damit gezielte 

Änderungen vornehmen, indem Sie einen Bereich 

übermalen, um die Farbe zu ändern, die Belichtung 

anzupassen, Spezialeffekte anzuwenden oder das Bild 

in Schwarz-Weiß umwandeln. Dies sind nur einige der 

vielen „intelligenten“ Maloptionen. 

MIXERPINSEL IN CS5 

Dieses geniale Werkzeug funktioniert wie ein wirklicher 

Malpinsel. Der Pinsel hat eine Vielzahl von Borstenspitzen 

und kann die Menge der aufgenommenen Farbe und 

seine Nässe steuern – genauso wie Sie mit Pinsel und 

Farbe auf einer echten Leinwand arbeiten würden. Aber 

der absolute Clou ist der Mixerpinsel***, mit dem Sie die 

Farben im Foto buchstäblich mischen können, indem Sie 

den Mischwert und die Nässe festlegen. Es bedarf einer 

gewissen Übung; lassen Sie sich also nicht entmutigen, 

wenn Ihr Bild zunächst wie das Fingergemälde eines 

Fünfjährigen aussieht und noch nicht viel Ähnlichkeit mit 

einem Meisterwerk à la Rembrandt hat. 

Handwerkszeug 

ARBEITEN MIT EINEM 

GRAFIKTABLETT 

Ein Wacom-Tablett ist bei der Arbeit mit dem 

Pinsel-Werkzeug wirklich praktisch, weil die 

Pinselbewegungen viel natürlicher sind. Sie können 

auch die Deckkraft und die Größe des Pinsels auf 

der Grundlage Ihrer Druckpunkte einstellen. Wenn 

der Stift Ihres Tabletts eine Federdrehung hat, 

können Sie auch den Winkel des Pinsels intuitiv 

ändern und müssen ihn nicht in der Pinselpalette 

angeben. 

Das Pinsel-Werkzeug und die Ebenenmasken 

Finden Sie heraus, wie Sie durch das Bemalen von Ebenenmasken Bildinformationen aus- bzw. einblenden können. 

Durch das Hinzufügen einer Ebenenmaske zu einer 

Ebene (Ebene>Ebenenmaske>Alle einblenden/Alle 

ausblenden), egal ob es sich um eine Bildebene oder 

eine Einstellungsebene handelt, können Sie das 

Pinsel-Werkzeug verwenden, um Bereiche eines Bildes 

so auszublenden, dass sie von einer Einstellung nicht 

betroffen sind. Stellen Sie die Farbe des Pinsels 

beispielsweise auf Schwarz ein, und wählen Sie die 

Ebenenmaske aus. Übermalen Sie dann die 

eingestellten Bereiche, die Sie ausblenden möchten. 

Weiße Farbe hat den umgekehrten Effekt, und Grau hat 

teilweise beide Effekte, wobei je nachdem, wie dunkel 

oder hell die Farbe ist, der eine oder der andere Effekt 

überwiegt. Dieses Vorgehen zerstört keine Bilder; wenn 

Sie die Ebenenmaske löschen, machen Sie alle 

Änderungen wieder rückgängig. 

Details einblenden 

Details ausblenden 

HEISSER TIPP 

Sie können viele Pinsel 

von Adobe.com oder 

über das Internet 

kostenlos herunterladen 

und dann zum 

Kontrollfeld Pinsel 

hinzufügen, indem Sie 

oben rechts auf den 

kleinen Pfeil klicken, um 

ein Dropdown-Menü 

aufzurufen. Klicken Sie 

dann auf Pinsel laden, 

um die Pinsel in Ihrer 

Palette zu speichern. Im 

gleichen Menü finden 

Sie auch viele 

verschiedene bereits 

geladene Pinselarten, 

die Sie zu Ihrer Palette 

hinzufügen können. 



Farbton/Sättigung 

Vermeiden Sie glanzlose oder übermäßig schrille Farben. Hier lernen Sie, wie Sie die Lebendigkeit 

verbessern, Farbtöne ändern und die Sättigung bestimmter Kanäle steuern können. 

Photoshop verfügt über viele Möglichketen, Farben zu verändern, doch eine der effektivsten und oft übersehenen Methoden ist der 

Menübefehl Farbton/Sättigung. Diese Funktion wird selten zur Gänze ausgereizt, doch sie ermöglicht es Ihnen, Farbstiche zu 

korrigieren, Farben kräftiger und lebendiger erscheinen zu lassen und den gesamten Tonwertumfang eines Bildes zu verbessern. Sie 

können Anpassungen für das gesamte Bild oder gezielt für ein ausgewähltes Farbspektrum vornehmen. Wandeln Sie ein Bild in 

Schwarzweiß um, indem Sie den Sättigungsregler ganz nach links ziehen, oder tonen Sie das Bild mit Hilfe der Option Färben. 

Wie die meisten Einstellungen, so kann auch Farbton/Sättigung über das Menü Bild>Anpassen erreicht werden, wir empfehlen 

jedoch, stets eine Einstellebene zu verwenden (Ebene>Neue Einstellungsebene > Farbton/Sättigung), da dies mehr Flexibilität 

ermöglicht. Die Steuerelemente sind in beiden Menüs dieselben, aber im ersten Fall werden Farbänderungen direkt auf die Pixel des 

Bildes angewendet. Nicht nur kann dadurch ein Bild ruiniert werden, Sie müssen außerdem, wenn Sie einen Fehler gemacht haben, 

unter Umständen ganz von vorne anfangen, sollte die Anzahl der Schritte, die Sie in der Historie zurückgehen können, nicht 

ausreichen. Auf diese Weise gehen Ihnen auch alle anderen Einstellungen verloren, die Sie an dem Bild vorgenommen haben. Das 

Schöne an einer Einstellebene ist, dass Sie dieselben Änderungen vornehmen können, ohne dass das Originalbild davon direkt 

betroffen wird. Stattdessen können Sie im Falle eines Fehlers einfach die Einstellebene löschen – und das Beste ist, sie ist voll 

editierbar, das heißt, Sie können an jeder Stelle des Bearbeitungsprozesses weitere Änderungen vornehmen oder rückgängig machen. 

In Adobe Camera Raw können Sie unter dem Menüpunkt Graustufen den Farbton und die Sättigung einstellen sowie unabhängig 

voneinander die Leuchtdichte von acht verschiedenen Farbbereichen, jedoch müssen Sie zuvor das Bild durch Halten der Strg-Taste 

und Drücken der Enter-Taste in ein Smart Object umwandeln, was ein verlustfreies Skalieren und Transformieren der 

Bildinformationen ermöglicht. 

NAVIGIEREN IM MENÜ 

1) Vorgabe: Mit einem Klick können Sie die Gesamtsättigung 

bestimmter Farben verstärken und ihr Bild in Sepia oder Cyan tonen. 

2) Master: Greifen Sie auf bestimmte Farbtöne zu, um gezielte 

Anpassungen vorzunehmen. 

3) Farbton: Ziehen Sie diesen Schieberegler nach links oder rechts, um 

den Farbton Ihres Bildes zu verändern. Der regenbogenfarbene Balken zeigt 

an, welcher Farbbereich zur Anwendung kommt. Schwarz, Weiß und Grau 

bleiben unverändert. 

4) Sättigung: Verwenden Sie diesen Schieberegler, um die Intensität 

der Farben zu steuern. Ziehen Sie ihn nach links, um die Intensität der 

Farben zu vermindern oder nach rechts, um sie bis ins Unnatürliche zu 

steigern. 

5) Helligkeit: Steuern Sie die Helligkeit Ihres Bildes. Ziehen Sie den 

Schieberegler nach links, um es dunkler oder nach rechts, um es heller zu 

machen. 

6) Färben: Wird dieses Kästchen angehakt, können Sie den 

Farbtonregler dazu verwenden, einen Farbton auf das gesamte Bild 

anzuwenden. Dies funktioniert besonders gut, wenn Sie zuvor den 

Sättigungsregler ganz nach links schieben. 

7) Vorschau: Hier sehen Sie, wie die von Ihnen vorgenommenen 

Einstellungen das Bild beeinflussen. 

8) Pipetten: Mit Hilfe dieser Werkzeuge können Sie eine bestimmte Farbe 

aus dem Bild aufnehmen und dann zum Farbbereich hinzufügen oder davon 

abziehen. 

9) Farbbereich: Dieser Balken zeigt an, welche Farben sich innerhalb 

des von Ihnen ausgewählten Bereiches befinden. Durch Verschieben der 

Dreiecke können Sie den Bereich vergrößern oder verkleinern. 

1 

9 

2 

3 

4 

5 

8 

7 

6 

ACHTUNG: BLEIBEN SIE 

REALISTISCH! 

Versuchen Sie beim Einstellen des Farbtons bei den 

Farben zu bleiben, die an Ihre Ursprungsfarbe 

angrenzen. Zu dramatische Änderungen sehen 

unnatürlich aus und können zur Bildung von 

unansehnlichen Lichthöfen und Artefakten führen. Das 

gleiche gilt für die Sättigung: Achten Sie darauf, dass die 

Farben nicht zu kräftig werden, denn sonst wirken sie 

„überentwickelt“ und durch das Verschmelzen von 

Farbtönen gehen Details verloren. 

VERSUCHEN SIE AUSSERDEM... 

AUTO-FARBKORREKTUR 

Der Befehl Auto-Farbe im Bild-Menü ist die 

fortgeschrittenste der Auto-Funktionen und der einfachste 

Weg, einen Farbstich zu beheben. Normalerweise sollten 

die Auto-Befehle vermieden werden, da sie dem 

Anwender keinerlei Kontrolle über die vorgenommenen 

Änderungen geben, doch wenn Ihr Bild lediglich 

geringfügiger Korrekturen bedarf, können Sie damit 

Wunder wirken. Die Funktion errechnet aus den dunklen 

und hellen Pixeln einen Durchschnittswert, um zu 

bestimmen, welche Stellen im Bild weiß bzw. schwarz 

dargestellt werden sollen, und passt dann die Farben 

entsprechend an. Wenn Sie diesen Befehl ausprobieren, 

sollten Sie auf jeden Fall zuvor die Bildebene duplizieren 

(Ebene>Ebene duplizieren...), damit Sie keine 

Änderungen am Originalbild bewirken. So können Sie, 

wenn das Ergebnis nicht Ihren Vorstellungen entspricht, 

einfach die duplizierte Ebene löschen, und es ist kein 

Schaden angerichtet. 

VERSUCHEN SIE AUSSERDEM... 

ANPASSUNG DER DYNAMIK 

Der Dynamik-Befehl (Ebene>Neue 

Einstellungsebene>Dynamik) arbeitet relativer als der 

Befehl Sättigung. Wenn Sie die Sättigung eines Bildes 

verstärken, werden Sie unter Umständen feststellen, 

dass alle Schattierungen einer Farbe anfangen gleich 

auszusehen. Dynamik versucht, das Verhältnis 

zwischen den Schattierungen beizubehalten und 

dadurch mehr Details zu bewahren. Allerdings können 

Sie mit Dynamik keine gezielten Einstellungen 

vornehmen; der Befehl wirkt immer auf das gesamte 

Bild. Dabei arbeitet er jedoch auf etwas andere Weise, 

indem er nur die Pixel mit der geringsten Sättigung 

beeinflusst und Hauttöne schützt, wodurch vermieden 

wird, dass die Personen im Bild einen Orangen-Teint 

bekommen, wie es bei Verwendung des 

Sättigungs-Befehls der Fall wäre. 


Erklärung der Einstellungen 

Einsatzmöglichkeiten für Farbton/Sättigung... 

Die folgenden beiden grundlegenden Techniken zur Farbeinstellung helfen Ihnen, die 

Wirkung Ihrer Bilder auf spezifische Weise zu verbessern 

WIE ENTFERNE ICH 

1 EINEN FARBSTICH? 

VERWENDUNG DES FARBTONS ZUR 

KORREKTUR DES WEISSABGLEICHS IN 

EINEM BILD 

Ein Farbstich kann unter anderem dadurch 

entstehen, dass bei der Aufnahme der 

Weißabgleich falsch eingestellt wird, z. B. 

indem man mit der Einstellung Tageslicht in 

einem von Leuchtstofflicht erhellten Raum 

fotografiert, oder wenn das Motiv sich in der 

Nähe einer farbigen Reflektionsfläche 

befindet. Photoshop hält mehrere Methoden 

zur Behebung eines Farbstichs bereit, doch 

die hier vorgestellte ist eine der 

einfachsten. Öffnen Sie das Bild und 

erstellen Sie eine Einstellebene für 

Farbton/Sättigung. Wählen Sie dann aus 

dem Drop-Down-Menü am oberen Rand 

des Dialogfensters die Farbe, die Sie 

wegbekommen möchten. Betätigen Sie 

sachte den Farbton-Schieberegler, um 

den Stich zu neutralisieren und bewegen 

Sie den Sättigungs-Schieberegler nach 

links, um den Stich zu entsättigen. 

2 SELEKTIVE 

FARBANPASSUNGEN 

NEHMEN SIE SICH EINE BESTIMMTE FARBE 

VOR 

Wählen Sie aus dem Drop-Down-Menü am 

oberen Rand des Dialogfensters die Farbe, die 

Sie bearbeiten möchten. Alle Teile des Bildes, 

die diese Farbe beinhalten, werden in die 

Auswahl aufgenommen. Falls nicht alle oder 

zu viele Farbschattierungen ausgewählt 

wurden, können Sie die Pipetten am oberen 

Rand des Dialogfensters dazu verwenden, den 

Farbbereich zu vergrößern oder zu verringern, 

indem Sie in die betreffenden Bereiche des 

Bildes klicken, die Sie zur Auswahl 

dazunehmen oder davon 

ausschließen möchten. Zuletzt 

nehmen Sie die gewünschten 

Änderungen mit Hilfe eines der 

Schieberegler für Farbton und 

Sättigung vor, doch gehen Sie 

behutsam vor, um die Farben nicht so 

weit zu verändern, dass sie 

unnatürlich werden. 

Original 

Original 

Ein paar Geheimtipps 

ZIELMODUS 

Wenn Sie Anpassungen lieber innerhalb des Bildes 

vornehmen, statt die Schieberegler zu benutzen, 

schalten Sie auf den Zielmodus um. Klicken Sie auf 

das Hand-Werkzeug am oberen Rand der Dialogbox 

und dann auf den Farbbereich innerhalb des 

Bildes, den Sie verändern möchten. Ziehen Sie die 

Hand nach links oder rechts, um die Sättigung zu 

verringern oder zu verstärken. Sie können auch die 

Schieberegler für Farbton und Helligkeit benutzen, 

um das Bild weiter zu verändern. 


WEICHE KANTE 

Verwenden Sie den Farbbereichs-Schieberegler am 

unteren Rand der Dialogbox, um manuell einen sehr 

eng begrenzten Farbbereich auszuwählen. Die dunkle 

Zone stellt den ausgewählten Farbbereich dar, während 

der graue Bereich die Übergangszone zwischen der 

bearbeiteten und der umgebenden Fläche des Bildes 

markiert und damit anzeigt, wie der bearbeitete 

Bereich in den unbearbeiteten überblendet. Durch 

Ziehen der grauen Dreiecke nach innen kann die 

Übergangszone der Farbanpassung festgelegt werden. 

Arbeiten mit einer Einstellebene für Farbton/Sättigung 

Mehr Einfluss auf das Zusammenspiel von Einstellebene und Bild durch Verwendung von Füllmethoden 

Einer der Zusatznutzen des Arbeitens mit einer 

Einstellebene wie Farbton/Sättigung ist, dass Sie steuern 

können, auf welche Weise die vorgenommene Einstellung 

mit der darunter liegenden Bildebene zusammenwirkt. 

Fügen Sie zunächst durch Mausklick auf das 

Schwarzweiß-Symbol am Fuß der Ebenenpalette eine 

Einstellebene hinzu. Ändern Sie danach im 

Drop-Down-Menü am oberen Rand der Ebenenpalette die 

Füllmethode von Normal (Standardeinstellung) zu einer 

von 24 verschiedenen Optionen für unterschiedliche 

Effekte – probieren Sie damit herum, um verschiedene 

Möglichkeiten zu sehen. Farbton passt am besten für die 

Farbton/Sättigung-Einstellebene. Dieser Modus behält die 

Leuchtdichte des Bildes bei, verändert jedoch den Farbton 

und die Sättigung der Einstellebene. Oft wird bei 

Farbanpassungen auch die Helligkeit eines Bildes 

beeinflusst, doch die Verwendung dieser Füllmethode 

vermeidet diesen Effekt. 

HEISSER TIPP 

Schnittmaske 

Wollen Sie, dass die 

Einstellebene nur eine 

einzige Ebene 

beeinflusst, dann 

verwenden Sie den 

Menübefehl 

Ebene>Schnittmaske 

erstellen. So wirken sich 

die in der Farbton/ 

Sättigung-Ebene 

vorgenommenen 

Veränderungen lediglich 

auf die darunterliegende 

Ebene aus. 



Erklärung der Werkzeuge 

PC & MAC SCHNELLAUSWAHL 

FÜR PHOTOSHOP CS & ELEMENTS 

1 

2 

3 4 5 

Manchmal führen die globalen Methoden der Tonwertanpassung wie Ebenen oder 

Gradationskurven nicht zum Ziel und Sie müssen einzelne Bereiche selektiv 

nachdunkeln oder aufhellen. Hier erfahren Sie, wie die Werkzeuge Abwedler und 

Nachbelichter Ihnen Möglichkeiten eröffnen, das Beste aus Ihrem Bild zu machen. 

Die meisten Belichtungsanpassungen betreffen das Bild als Ganzes, doch die Werkzeuge Abwedler und Nachbelichter 

haben die Fähigkeit, den Tonwertumfang eines Bildes auch lokal begrenzt zu erweitern. Sie ermöglichen Ihnen eine 

wesentlich gezieltere Beeinflussung der Bereiche, die aufgehellt oder nachgedunkelt werden sollen. Die beiden Werkzeuge 

sind bei Schwarzweißbildern besonders effektiv, doch seit CS4 wurden auch bedeutende Verbesserungen bei der 

Bearbeitung von Farben eingeführt. Früher verursachten diese Werkzeuge eine Farbverschiebung, aber mit dem neuen 

Befehl „Tonwerte erhalten“ wird dies auf ein Minimum reduziert. 

Um mit diesen Werkzeugen optimale, übergangslose Ergebnisse zu erzielen, sollte man sie durch mehrmaliges 

Darüberstreichen in kleinen Bereichen des Bildes unter Verwendung eines weichen Pinsels und bei geringer Belichtung 

(unter 10%) anwenden. Andernfalls wirkt die Belichtungsanpassung im Vergleich zu den umliegenden Pixeln harsch, und es 

entsteht eine deutliche Grenzlinie. Für umfangreichere Tonwertanpassungen in größeren Flächen empfehlen wir die 

Verwendung einer maskierten Einstellebene – eine Methode, die weiter unten beschrieben wird. Der Effekt ist grundsätzlich 

der gleiche wie bei Abwedler und Nachbelichter, jedoch verlustfrei. Jegliches Abwedeln und Nachbelichten, das Sie mit Hilfe 

dieser Werkzeuge vornehmen, verändert die Original-Pixel dauerhaft. Deshalb sollten Sie, bevor Sie mit der Arbeit beginnen, 

auf jeden Fall ein Duplikat des Bildes erstellen (Menübefehl Ebene>Ebene duplizieren). 

Abwedler und Nachbelichter für Landschaften 

Meistern Sie die Beeinflussung von Schatten und Lichtern in Ihren Landschaftsaufnahmen 

Obwohl Abwedeln und Nachbelichten klassische Dunkelkammertechniken sind, die über Jahrzehnte hinweg von 

Fotografen benutzt wurden, konnte man sie nie so präzise und kontrollierbar einsetzen wie heutzutage in Photoshop. 

Vor Anbruch des digitalen Zeitalters musste man buchstäblich im Dunkeln arbeiten und auf einem Blatt Fotopapier 

bestimmte Partien abdecken, um das auffallende Licht unterschiedlich lange wirken zu lassen. Man wusste nie, wie 

es aussehen würde, bevor man den Abzug nicht entwickelt hatte. Mit Photoshop ist das Prinzip dasselbe, Sie können 

jedoch sehr viel genauer bestimmen, welche Bereiche des Bildes Sie abdunkeln oder aufhellen möchten, und Sie 

haben darüber hinaus die Möglichkeit, eventuelle Fehler rückgängig zu machen. 

1 Pinsel: Wählen Sie die Größe und den Weichheitsgrad des 

Pinsels aus. Tipp: Es ist immer am besten, mit einem sehr 

weichen Pinsel zu arbeiten. Setzen Sie deshalb den Härtegrad auf 

0 bis 10 %. 

2 Bereich: Wählen Sie den Tonwertbereich aus, den Sie 

bearbeiten möchten. Tipp: Im Allgemeinen ist es am besten, diese 

Einstellung zum Abwedeln und Nachbelichten auf einem 

Mittelwert eingestellt zu lassen. 

3 Belichtung: Legt die Stärke des Effekts fest. Tipp: Am besten 

beginnen Sie mit einer sehr geringen Belichtung von 15 % und 

bauen darauf auf. 

4 Airbrush: Die Wirkung dieses Effekts hängt nicht von der 

Anzahl der Striche ab, die Sie ausführen, sondern davon, wie lange 

Sie die Maustaste oder den Stift gedrückt halten. Tipp: Verwenden 

Sie diesen Effekt nicht zum Abwedeln oder Nachbelichten. 

5 Tonwerte erhalten: Schützt Details von Farbe, Schatten und 

Lichtern. Tipp: Lassen Sie diese Option immer aktiviert. 

6 Pinselpalette: Ein Shortcut zum umfangreichen 

Pinsel-Einstellfeld. Tipp: Lassen Sie sich hiervon nicht verwirren; 

alle für den Einstieg benötigten Einstellungen finden Sie unter 

Pinsel. 


VERLUSTFREIES ARBEITEN 

Wie bereits erwähnt, verändern Sie mit Abwedler und 

Nachbelichter direkt die Original-Pixel des Bildes. Erstellen Sie 

deshalb, um die Anpassungen verlustfrei zu machen, eine neue 

Ebene (Ebene>Neu) und füllen Sie diese mit 50 % Grau 

(Berbeiten>Ebene füllen>Füllen mit>50 % Grau). Setzen Sie 

dann die Füllmethode der Ebene auf Ineinanderkopieren, sodass 

die grauen Pixel nicht mehr sichtbar sind. Nun können Sie, 

wenn Sie die graue Ebene ausgewählt haben, nach eigenem 

Ermessen abwedeln und nachbelichten. Sie werden feststellen, 

dass die Effekte im Originalbild sichtbar werden, ohne jedoch 

die Original-Pixel zu beeinträchtigen. Sollten Sie einen Fehler 

machen und von vorn beginnen wollen, löschen Sie einfach die 

graue Ebene und es ist kein Schaden angerichtet. 

Schritt 1) Wir haben als Beispiel ein Foto gewählt, in 

dem der Himmel sehr viel heller ist als der Vordergrund. 

Beide Bereiche müssen überarbeitet werden, um mehr 

Details sichtbar zu machen. Öffnen Sie das Bild und 

erstellen Sie eine editierbare Ebene mit 50 % Grau 

(siehe Geheimtipps). 

Schritt 2) Die besten Ergebnisse erzielt man 

üblicherweise, wenn man sich auf die Mitteltöne 

konzentriert; setzen Sie also sowohl für den Abwedler als 

auch für den Nachbelichter den Bereich auf Mitteltöne und 

verwenden Sie einen mittelgroßen Pinsel mit 0 % Härte 

und eine geringe Belichtung zwischen 5 % und 20 %. 

Schritt 3) Konzentrieren Sie sich zunächst darauf, 

mit dem Nachbelichter Details in den Wolken sichtbar 

zu machen. Wenn das Weiß ins Graue umschlägt, 

senken Sie die Belichtung. Sobald die Wolken wieder 

Zeichnung haben, wechseln Sie den Bereich auf 

Schatten, um bei Bedarf einzelne Stellen abzudunkeln. 

Schritt 4) Wechseln Sie als nächstes zum Abwedler 

und streichen über grau erscheinende Bereiche im 

Vordergrund, um die Glanzlichter zu verstärken. Danach 

können Sie auf die gleiche Weise Bereiche aufhellen, die 

jegliche Zeichnung verloren haben, weil sie zu dunkel sind. 

Wenn Sie es richtig machen, wird auf diese Weise der 

Kontrast angehoben. 

Software-Highlights 

CS5: TABLETTDRUCK 

Durch Auswahl dieser Option wird 

jegliche Drucksensitivität, die Sie 

im Pinseleinstellfeld festgelegt 

haben, übersteuert, und Sie 

können die Größe des Abwedlers 

und Nachbelichters durch den 

Druck ihres Zeichenstifts auf 

dem Grafiktablett bestimmen. 

Die Funktion findet sich in 

der Optionen-Toolbar neben der 

Einstellung „Tonwerte erhalten“. 


Abwedler und Nachbelichter 

Abwedler und Nachbelichter zum Retuschieren von Porträts 

Diese Werkzeuge können zum Verbessern jedes beliebigen Bildes verwendet werden. Im Folgenden werden drei Techniken erklärt, 

mit denen Sie Ihre Porträts aufwerten können. 

1 HAUTRETUSCHE 

ZUR REDUZIERUNG VON FALTEN 

Profifotografen können es sich nicht erlauben, beim 

Retuschieren von Hautpartien nachlässig zu sein, 

insbesondere dann nicht, wenn die Bilder auf Plakatgröße 

vergrößert werden. Jedes Haar, jede verstopfte Pore und jede 

Runzel werden bei diesem Vergrößerungsmaßstab sichtbar, 

deshalb ist hier kein Platz für Fehler. Statt Pixel zu ersetzen, 

wie andere Retuschierwerkzeuge es tun, erhält der Abwedler 

die ursprüngliche Textur der Haut, d. h. Schönheitsfehler 

werden nicht beseitigt sondern reduziert, wodurch der 

Charakter des Gesichts erhalten bleibt. Stellen Sie den 

Abwedler auf geringe Belichtung ein und streichen über die 

zu bearbeitenden Flächen. Sollte eine Farbverschiebung 

entstehen, benutzen Sie das Pinselwerkzeug und wählen 

eine Farbe in der Nähe der Stelle, die Sie retuschiert haben, 

indem Sie die Alt-Taste (Mac) oder Strg-Taste (PC) drücken. 

Stellen Sie dann den Pinsel auf Farbmodus ein und streichen 

Sie damit über den Bereich, um den korrekten Farbton 

wiederherzustellen. 

EIN DOPPELKINN VERSTECKEN 

2 ZUR MINIMIERUNG VON SCHATTEN 

Reduzieren statt Eliminieren ist bei der Arbeit mit Photoshop immer 

der bessere Weg, um ein natürliches Aussehen beizubehalten. 

Abwedler und Nachbelichter sind hierfür hervorragend geeignet 

und können besonders nützlich sein, wenn es zum Beispiel darum 

geht, ein Doppelkinn zu kaschieren, indem man es so aussehen 

lässt, als liege es im Schatten. Dies funktioniert allerdings nur bei 

einer frontalen Aufnahme. 

Verwenden Sie den Nachbelichter mit einer geringen 

Belichtung von etwa 10 %, Härtegrad 0 % und Bereich auf 

Mitteltöne eingestellt. Streichen Sie damit über die zu 

bearbeitenden Flächen, um sie nach und nach abzudunkeln. 

Achten Sie auf Farbverschiebungen. 

Wechseln Sie dann zum Abwedler, um mögliche Falten um das 

zweite Kinn herum zu reduzieren und die Kieferlinie zu verfeinern. 

Dazu kann es nötig sein, die Belichtung zu erhöhen und einen 

kleineren Pinsel zu benutzen. 

ZÄHNE WEISSER MACHEN 

3 FÜR SOFORTIGE AUFHELLUNG 

Ein strahlendes Lächeln kann ein Portrait erheblich aufwerten, 

doch es ist ein Unterschied, ob man kaffeegelbe Zähne natürlich 

weiß aussehen oder im Dunkeln leuchten lässt, also seien Sie 

vorsichtig. 

Um die Zähne einer Person weißer zu machen, stellen Sie 

den Abwedler auf etwa 20 % Belichtung und Mitteltöne ein und 

wenden ihn dann auf jeden einzelnen Zahn an, um ihn 

aufzuhellen, ohne es zu übertreiben. Zur Bearbeitung der 

Backenzähne, die natürlich nicht so hell erscheinen sollen wie 

die vorderen Zähne, schalten Sie auf Schatten um und 

streichen dann vorsichtig darüber, um sie leicht aufzuhellen. 

Verwenden Sie einen Pinsel, der ein wenig kleiner ist als der 

Bereich, den Sie bearbeiten möchten und bewegen ihn von der 

Mitte des zu bearbeitenden Bereichs nach außen, sodass die 

Wirkung natürlich in die umliegenden Bildbereiche übergeht. 

Original 

Original 

Original 

UNTERWERKZEUG: DAS 

SCHWAMMWERKZEUG 

VERWENDUNG: SELEKTIVE SÄTTIGUNG 

Das Schwamm-Werkzeug, das sich in der Toolbar 

unterhalb des Abwedlers und Nachbelichters befindet, 

kann verwendet werden, um die Farbsättigung lokal 

anzuheben oder abzusenken. Wie auch beim Pinsel 

können Sie die Größe und den Weichheitsgrad des 

Schwammes anpassen; normalerweise bedeutet ein 

weicherer Schwamm gleichmäßigere Resultate. Sie 

können die Wirkung des Effekts beeinflussen, indem Sie 

den Fluss verändern und den Modus von „Sättigung 

verringern“ auf „Sättigung erhöhen“ umschalten. 


NEUES FENSTER 

Wählen Sie den Menübefehl 

Fenster>Anordnen> Neues 

Fenster für [Dateiname], um ein 

Schattenbild zu erzeugen. Sie 

können dann für die Anpassungen 

im Arbeitsbild den Zoomfaktor 

vergrößern und gleichzeitig im 

Schattenbild die Gesamtwirkung 

Ihrer Bearbeitung verfolgen, ohne 

ständig den Zoomfaktor verändern 

zu müssen, was die Bearbeitung 

erheblich erleichtert. 

HEISSER TIPP 

Die 

Standard- 

Belichtungseinstellung für 

den Abwedler und 

Nachbelichter ist 50 %, 

was meistens viel zu hoch 

ist. Reduzieren Sie diesen 

Wert auf maximal 20 % 

für den Großteil Ihrer 

Arbeit und erhöhen darauf 

aufbauend die Belichtung 

schrittweise. 


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Inhalt 

EXPERTENREZENSION: 

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Experten bieten konstruktive Einschätzung Ihrer Bilder. 

F&A: 

FRAGEN DER LESER 

Eine Auswahl Ihrer Fragen, beantwortet von führenden Fotoexperten. Wenn Sie zu 

irgendwelchen Techniken Rat brauchen oder eine Antwort auf eine technische Frage 

suchen, senden Sie bitte eine E-Mail an advice_centre@dennis.co.uk. 

Bitte beachten Sie, dass wir Anfragen nicht persönlich beantworten können.

EXPERTENRATGEBER 

>Expertenkritik 

Legen Sie los! 

Von Paul Bronicki 

Kamera: Nikon D3S 

Objektiv: Nikon 300mm f/2.8 VRII 


Paul sagt: „Ich bin als Blinder 

registriert, aber betreibe alle möglichen 

Formen der Fotografie mit dem Ziel, 

eines Tages Sport und Veranstaltungen 

zu fotografieren. Dieses Bild habe ich 

am Crystal Palace aufgenommen. Ich liebe das 

‚Luftballet‘ der Athleten, und es ist großartig, dass 

sie direkt in die Kamera schaut (da ich auf dem 

Boden liege).“ 

Ross Hoddinott: Es ist schwer genug, mit 

perfektem Augenlicht eine gute 

Bewegungsaufnahme zu machen, weswegen ich 

mir überhaupt nicht vorstellen kann, wie 

herausfordernd es für Sie mit eingeschränkter 

Sichtfähigkeit gewesen sein muss. Allerdings werde 

ich Pauls Behinderung bei der Beurteilung nicht 

berücksichtigen, auch wenn das ohnehin nicht 

notwendig ist, da das Bild einen beeindruckenden 

Effekt hat. 

Paul hat die Entschlossenheit, Stärke und 

Anstrengung der Athletin in dem Bild eingefangen. 

Der Fokus trifft es auf den Punkt und der starke 

Augenkontakt hilft bei dem niedrigen Blickwinkel 

und sorgt für ein unwiderstehliches Bild. Die flache 

Bildschärfe hat den ablenkenden Hintergrund 

ausreichend aus dem Fokus genommen und die 

schnelle Verschlusszeit hat ihre Bewegung 

eingefangen. Der Crop-Faktor ist meiner Meinung 

nach jedoch zu eng, ich hätte gerne mehr Platz um 

die Athletin und ihren linken Fuß im Bild gesehen. 

Ich bin allerdings wie üblich pedantisch – das ist 

eine solide Bewegungsaufnahme, und ich bin mir 

sicher, Paul hat eine große Zukunft vor sich. 

Urteil: Eine exzellente Bewegungsaufnahme, 

die gute Technik und natürliche Instinkte 

demonstriert. 

Lee Frost: Wow, wow und dreimal wow! 

Paul ist ein Wahnsinns-Sportfotograf. 

Ich habe schon immer Sport- und 

Actionfotografen bewundert, dafür dass Sie 

zeitlich perfekt abgestimmte Bilder von sich 

bewegenden Motiven aufnehmen können, was 

ich selber nie konnte. Deswegen fotografiere ich 

Landschaften und andere Dinge, die sich nicht 

bewegen. Aber die Tatsache, dass Paul als 

Blinder registriert ist, macht diese Errungenschaft 

noch beeindruckender. So ziemlich alles in 

diesem Bild ist perfekt – Fokus, Timing, der Blick 

des Motivs direkt in die Kamera, der 

verschwommene Hintergrund. Allerdings muss 

ich sagen, dass auch wenn die Komposition OK 

ist, Paul die Kamera leicht nach unten hätte 

bewegen können. Dann wäre der linke Fuß der 

Athletin im Bild und würde nicht am Rand 

ausbrechen, was in der Sportfotografie 

keineswegs passieren sollte. Einige der anderen 

Bilder, die uns Paul zugesendet hat sind perfekt, 

es besteht also kein Zweifel an seiner Technik 

und wir wissen dass er es 100-prozentig kann. 

Urteil: Eine fast perfekte Actionaufnahme 

von einem Fotografen mit riesigem Talent und 

einer hoffentlich vielversprechenden Zukunft. 

Schnellkritik 

1) Actionfotografie ist schwer: Ihr Timing und Fokus müssen richtig sein. Wenn Sie 

wissen, wo ein Motiv durchs Bild kommt, kann es helfen diesen Bereich vorher zu 

fokussieren und darauf zu warten bis das Motiv im Bild erscheint. 

2) Man braucht gute Instinkte und Reaktionen um eine Aufnahme so schnell zu 

machen. Um es sich einfacher zu gestalten, sollten Sie viel Platz um das Motiv lassen, 

damit Sie ggf. später das Bild schneiden können. 

3) Wenn Sie eine Blende mit breiter Öffnung verwenden, können Sie den Hintergrund 

verschwimmen lassen und eine höhere Verschlusszeit verwenden, aber das 

Fokussieren ist jetzt noch wichtiger. 

„Paul hat die Entschlossenheit, Stärke und 

Anstrengung der Athletin in dem Bild 

eingefangen.“ Ross Hoddinott 

2 

1 

3 


Kölner Dom 

Von James Blunt 

Kamera: Canon EOS 400D 

Objektiv: Canon 18-135mm f/3.5-5.6 lens 

Belichtung: 10 Sekunden bei f/10 (ISO 100) 

James sagt: „Dieses Bild wurde vor 

kurzem auf einer Reise durch Europa 

aufgenommen. Ich hatte ähnliche 

Nachtaufnahmen des Kölner Doms in 

Deutschland gesehen und wollte 

meine eigenen machen. Ich verwendete ein Stativ 

und manuellen Fokus. Bei der Nachbearbeitung 

verbesserte ich die Schärfe des Bildes und passte 

die Sättigung und den Kontrast etwas an.“ 

Daniel Lezano: Es fällt mir um ehrlich zu 

sein schwer, Fehler bei dem Foto zu finden. Es 

handelt sich um eine starke, architektonische 

Aufnahme die behutsam zusammengestellt wurde 

und bei der die Bögen der Brücke das Auge zum 

Dom lenken. 

James nahm dieses Foto zudem zum richtigen 

Tageszeitpunkt auf, nachdem die Sonne bereits 

untergegangen ist, aber noch genug Licht den 

Himmel erhellt. Eine Belichtung über zehn 

Sekunden hat außerdem die Crossover- 

Beleuchtung ausgeglichen - natürliche und 

künstliche. Durch einen niedrigen ISO von 100 

wurden minimale Störungsniveaus erreicht, die bei 

Fotografien mit wenig Licht auftreten. Auch der 

Fokus ist gut: Es kommt in der Nähe von Brücken 

oft vor, dass die kleinste Erschütterung durch 

vorbeifahrende Autos zu Unschärfe führt. 

Der Mond ist sehr zentral und macht das Bild noch 

interessanter, die Farben sind attraktiv, gesättigt, 

aber erscheinen natürlich. Es ist schwer zu sagen, 

wie James dieses Bild noch besser hätte machen 

können. Ein wunderschönes Foto – James sollte 

sehr zufrieden damit sein. 

Urteil: Ein sehr ausdrucksstarkes Bild. Die 

Komposition ist solide, und das Bild ist gut 

eingefangen. Sehr gut gemacht. 

Lee Frost: Da ich erst in den letzten Monaten 

mein Buch zur Nachtfotografie und Fotografie mit 

wenig Licht bearbeitet habe (erscheint Ende des 

Jahres – kaufen Sie es!), nahm ich in der letzen 

Zeit viele ähnliche Bilder auf und belebte meine 

Liebe zur dunklen Seite wieder. Die urbane 

Landschaft ist ein ausgezeichneter Ort für eine 

Kamera wenn die Nacht hereinbricht, und James 

Foto zeigt, was man erhält, wenn man es richtig 

macht. 

Zuerst mal das Timing. Schießen Sie das Bild, 

wenn es dunkel genug ist, damit die künstliche 

Beleuchtung deutlich wird, aber wenn noch 

genug Farbe am Himmel ist. Zweitens 

Komposition – halten Sie nach interessanten 

Strukturen Ausschau, gemischten Lichtquellen für 

interessante Farbeffekte und Kontraste zwischen 

Alt und Neu. Drittens, packen Sie einen Mond ins 

Bild – entweder weil wirklich einer im Bild war 

oder weil Sie ihn später hinzugefügt haben! 

Auch wenn dies ein gutes Bild ist, hätte ich es 

wahrscheinlich im Panoramaformat geschnitten, 

da ich denke, dass zu viel freier Himmel zu sehen 

ist. Ansonsten gibt es sehr wenig zu kritisieren. 

Urteil: Ein großartiges Beispiel für eine 

städtische Nachtaufnahme –starke Farben, 

starke Komposition und eine perfekte 

Belichtung. 

Freistellung auf 

Panoramaformat 

Wenn Sie jemals ein Foto schneiden wollten, um leeren 

Platz zu entfernen wie bei diesem Bild oder um 

interessante Punkte näher heran zu zoomen, können Sie 

dies mit Photoshop tun. Sie werden feststellen dass Ihr 

Bild sofort besser aussieht, wenn Sie es richtig machen. 

Öffnen Sie Ihr Bild in Photoshop und klicken auf das 

Freistellungswerkzeug in der Toolleiste. Dann ziehen Sie 

das Tool auf Ihr Bild (halten Sie die Umschalttaste 

gedrückt, wenn Sie die Proportionen beibehalten 

wollen), um die Bereiche des Bildes zu markieren, die 

Sie behalten wollen, und diejenigen auszulassen, die Sie 

nicht haben wollen. Sobald Sie die Maus loslassen, 

sehen Sie eine farbige Fläche über dem Bereich, den Sie 

wegschneiden möchten. Sie können den Schnitt dann 

verfeinern, indem Sie die angrenzenden Boxen so 

anpassen, dass der Freistellungsrahmen die 

gewünschte Form hat. Drücken Sie Enter um den 

Schnitt auszuführen. 

„James nahm dieses Foto zum 

richtigen Tageszeitpunkt auf, 

nachdem die Sonne bereits 

untergegangen ist, aber noch 

genug Licht den Himmel 

erhellt.“ 

Daniel Lezano



Studie eines 

hintergrundbeleuchteten 

Blattes 

Von Keith Turner 


Objektiv: Tamron 90 mm Makroobjektiv 

Belichtung: eine Sekunde bei f/11 (ISO 100) 

Keith sagt: „Dies wurde während einer 

praktischen Sitzung der Pflanzenfotografie in 

der Abendschule aufgenommen. Es wurde 

dem Stil der Fotografen Karl Blossfeldt und 

Imogen Cunningham nachempfunden.“ 

Ross Hoddinott: Es besteht kein Zweifel das 

Blätter sehr fotogen sind, insbesondere wenn sie 

hintergrundbeleuchtet sind: Ich fotografiere sie recht 

häufig. Durch Nahaufnahmen können Fotografen die 

wahre Schönheit ihrer Gestaltung und die komplizierte 

Natur einfangen, die durch Hintergrundbeleuchtung oft 

noch mehr zum Vorschein kommt. Ich muss allerdings 

ehrlich sein, Keiths Foto versetzt mich einfach nicht in 

Aufregung. Auch wenn die winzigen Adern und Details 

zu sehen sind, denke ich, dass der Übergang von 

schwarz zu weiß nicht zu diesem Motiv passt. Dem Foto 

fehlt der entscheidende Kontrast der ein kunstvolles 

Mono-Foto ausmacht und für mich ist die Farbe des 

Blatts entscheidend für die Wirkung des Motivs, 

ansonsten besteht die Gefahr, dass es platt aussieht. 

Auch die Komposition könnte besser sein. Die größte 

Ader – welche die Mitte des Bildes trennt – teilt das Bild 

in zwei Teile auf. Eine diagonale Positionierung der Ader 

hätte zu einer stärkeren und interessanteren 

Komposition geführt. Man muss dazu sagen, dass diese 

Art der Kunstfotografie immer für geteilte Meinungen 

sorgen wird – entweder man liebt sie oder hasst sie. 

Urteil: Meiner Meinung nach fehlt dem Foto 

Wirkung, und es besteht nicht genug Abwechslung im 

Farbton des Motivs für eine Schwarz-Weiß- 

Konvertierung. 

Lee Frost: Hmmm, ich bin mir nicht sicher, 

wo ich hier anfangen soll. Hintergrundbeleuchtete 

Blätter gehören wahrscheinlich zu den einfachsten 

Nahaufnahmen überhaupt. Es ist nicht so, dass 

sie davon wehen, und man hat alle Zeit der Welt, 

sich etwas Gutes auszudenken. Zudem glühen sie 

wundervoll bei Hintergrundbeleuchtung, und das 

komplexe Netzwerk der Adern erzeugt ein 

fantastisches Muster. 

Was lief hier also falsch? Diese Blatt ist nicht nur 

ein schlechtes Muster zur Fotografie, mit seinen 

dunklen Flecken, Keith hat außerdem die Farbe 

entfernt, und wir betrachten nur noch ein flaches, 

graues Durcheinander. Es tut mir leid, wenn sich 

das hart anhört, aber es ist wahr. Was Karl 

Blossfeldt und Imogen Cunningham angeht, nun, 

Blossfeldt war ein Bildhauer und Fotograf, und von 

daher vermittelten seine Bilder einen wundervollen 

3D-Eindruck, während Cunningham Blumen mit 

natürlicher Schönheit wählte, wie Lilien. Das ist 

ein flaches Blatt, es wird immer platt aussehen. 

Ich würde es nochmal probieren, Keith, dieses Mal 

mit einem anderen Blatt und in Farbe oder 

zumindest mit erhöhtem Kontrast, damit es nicht 

so platt wirkt. 

Urteil: Eine schlechte Motivwahl beim 

Versuch, den Stil zweier Meisterfotografen zu 

reproduzieren. 

Schnellkritik 

1) Blätter sind sehr fotogen, besonders bei 

Hintergrundbeleuchtung. Platzieren Sie ein Blatt mit 

vielen Adern und ohne Flecken gegen ein Fenster, 

und Sie erhalten eine Hintergrundbeleuchtung. 

Beobachten Sie, wie die Farben des Blatts strahlen, 

wenn sie vom Tageslicht beleuchtet werden. 

2) Bei der Makrofotografie zählt das kleinste Detail, 

daher müssen Sie sicherstellen, dass die Komposition 

so stark wie möglich ist. Diagonale Linien die das 

Auge durchs Bild führen, sind wesentlich stärker als 

horizontale Linien, die flach wirken. 

3) Wenn Sie Fotos zur Schwarz-Weiß-Umwandlung 

schießen, sollten Sie sicherstellen, dass ein 

entsprechendes Farbspektrum gegeben ist, um den 

Bild Wirkung zu verleihen. (Schauen Sie sich den 

Anfängerleitfaden für weitere Details an.) 

2 

„Dem Foto fehlt der 

entscheidende Kontrast, der ein 

kunstvolles Mono-Foto 

ausmacht, und für mich ist die 

Farbe des Blatts entscheidend für 

die Wirkung des Motivs.“ 

Ross Hoddinott 

3 

1 


Sonnenuntergang auf den 

Felsen 

Von Nick Walker 

Kamera: Nikon D300 

Objektiv: NIKKOR 17-55mm f/2.8 


Nick sagt: „Dieses Foto wurde in 

Gunwalloe an Cornwalls Südküste zu 

Beginn des Frühlings direkt gegen die 

Sonne aufgenommen. Ich verwendete 

Lee 0,9- und 0,6ND-Graufilter, um den 

Kontrast zurückzuhalten und wartete zudem, bis die 

Sonne am Horizont leicht von den Wolken abgedeckt 

war.“ 

Ross Hoddinott: Ich habe mir Nicks 

Webseite angeschaut. Er ist ein sehr guter Fotograf 

mit ausgezeichneten Bildern von Cornwall. Ich 

mag dieses Bild. Der Fels ist eine großartige Form 

und führt das Auge effektiv ins Bild. Manche 

würden vielleicht sagen, dass die Spitze des 

Felsens nicht den Horizont überlappen sollte, aber 

ich denke das ist in diesem Fall kein großes 

Problem. Ich denke, die Wahl der 

Verschlussgeschwindigkeit ist perfekt. Sie ist 

schnell genug, um das Kräuseln der Welle unten 

einzufangen; dennoch langsam genug, um eine 

Textur, Interesse und ein Gefühl der Bewegung im 

Wasser im Vordergrund zu erzeugen. Es ist zu 

schade, dass der Himmel aufgrund der fehlenden 

Wolken relative leer und uninteressant ist. 

Offensichtlich konnte Nick wenig daran ändern, 

aber er hätte die Komposition ändern können, um 

mehr davon abzulenken. Er hätte weniger Himmel 

zeigen können und das Augenmerk auf den Felsen 

und das strömende Wasser lenken können. Ich 

selber würde das Bild per Freistellung etwas 

schneiden, um einen Teil des Himmels zu 

entfernen. Hierdurch würde der Horizont näher zu 

einem unterteilenden Drittel heranrücken und die 

Gesamtkomposition stärken. 

Urteil: Ein nettes, gut konstruiertes Foto. 

Allerdings denke ich, Nick hätte weniger Himmel 

ins Bild bringen sollen. 

Daniel Lezano: Brechende Wellen, 

dramatische Küstenfelsen und eine auf- oder 

untergehende Sonne kann man nicht schlagen. In 

der Fotografie ist das der Stoff, aus dem die Träume 

sind, und Cornwall ist wahrscheinlich der beste Ort 

in Großbritannien, um die Träume wahr werden zu 

lassen. Hier funktioniert alles – es ist genug 

Bewegung im Meer, die dunklen, zackigen Felsen 

führen das Auge ins Bild, das goldene Glühen im 

Himmel steht im Kontrast zum kühlen Farbton des 

Meeres, um Atmosphäre hinzuzufügen und eine 

steigende Welle ist kurz vor dem Brechen. Nur zwei 

kleine Dinge: Nick setzte den ND-Graufilter etwas 

zu stark ein, was zum Ergrauen des Himmels oben 

im Bild führte. Es war notwendig, um den Himmel 

über dem Horizont vor dem Ausblassen zu 

bewahren. Aber Landschaftsfotografen greifen oft zu 

einer Technik, bei der sie den oberen Teil des 

Himmels aufhellen, um ein natürlicheres Aussehen 

zu erhalten. 

Urteil: Ein fantastischer Sonnenuntergang an 

der Küste, gut zusammengestellt und voll von 

Atmosphäre. Sie haben eine großartige 

Küstenlandschaft aufgenommen, auf die jeder 

stolz wäre. 

Schnellkritik 

1) Bei Landschaftsaufnahmen kann die Komposition oft durch die 

Platzierung von horizontalen Linien im oberen Drittel des Bildes verstärkt 

werden. 

2) Die richtige Verschlusszeit bedarf oft vieler Versuche, damit man die 

Bewegung des Wassers einfängt, ohne es zu milchig aussehen zu lassen. 

Ein guter ND-Graufilter kann bei hellem Licht dabei helfen, die 

Verschlusszeit zu verlangsamen. 

3) Wenn Ihrem Sonnenuntergang die Wirkung fehlt, können Sie den 

Himmel in Photoshop auswählen (schauen Sie sich den Artikel Photoshop 

für Fotografen in dieser Ausgabe an) und den Farbton und die Sättigung 

leicht anpassen, um die Rot- und Orangetöne zu vertiefen. 

„Brechende Wellen, dramatische 

Küstenfelsen und eine auf- oder 

untergehende Sonne kann man nicht 

schlagen. In der Fotografie ist das der 

Stoff, aus dem die Träume sind.“ 

Daniel Lezano 

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2 

3



Cocktailparty 

Von Keith Brady 

Kamera: Nikon D40 

Objektiv: Nikon 60mm f/2.8 

Belichtung: unterschiedlich mit Blende 12 oder kleiner 

Keith sagt: „Ich habe vor kurzem die 

Fotografenausbildung Stufe A 

abgeschlossen, und dieses Bild hatte 

ich für die Abschlussprüfung 

eingereicht. Es ist eine Fotomontage, 

bei der die Einzelbilder mit einem Laserpointer 

ausgeleuchtet und bis zu 30 Sekunden belichtet 

wurden. Das erforderte einiges Experimentieren mit 

den Verschlusszeiten sowie mit der Intensität und der 

Position des Lasers. Die Gläser enthielten 

unterschiedliche Flüssigkeiten – Milch, Olivenöl und 

einen goldfarbenen Sirup. Die Flüssigkeiten waren 

mit Gelatineklumpen durchsetzt; das hatte sich als 

die beste Möglichkeit erwiesen, optische Leerräume 

zu erzeugen.“ 

Ross Hoddinott: Fotografiekurse sind nicht nur 

eine Einführung in eine großartige Disziplin, sondern 

führen darüber hinaus zu einer Qualifikation. Wie oft 

fotografieren Sie nun Motive, die Sie früher übersehen 

hätten, und Sie experimentieren mit Licht und Technik. 

Ich finde Keiths Montage wirklich gut. Sie hat ein 

künstlerisches Finish – wie solche Bilder, die die 

Wände moderner Apartments zieren. Die hellen, ja 

grellen Farben verleihen dem Bild eine beeindruckende 

Wirkung, insbesondere in Kontrast mit dem schwarzen 

Hintergrund. Wäre ich äußerst kritisch, könnte ich 

sagen: Schade, dass bei manchen der Gläser nicht der 

ganze Umriss klar erkennbar ist. In der oberen Reihe 

kann man zum Beispiel die Ränder der Gläser sehen, 

aber die Oberkante nicht so genau. Sie verschwimmen 

mit dem schwarzen Hintergrund. Aber ich denke, das 

tut der Tatsache keinen Abbruch, dass es sich hier um 

eine plakative, gelungene Fotomontage handelt. 

Urteil: Eine visuell eindrucksvolle Montage, auf die 

Keith stolz sein kann. Sie würde einen sehr guten 

Kunstdruck abgeben. 

Lee Frost: Ich kann nicht behaupten, dass diese 

Montage mich besonders beeindruckt. Tut mir leid 

Keith, aber es ist halt so. Ich denke, es ist eine 

großartige Idee, einen Laserpointer als Lichtquelle zu 

benutzen, vielleicht probiere ich das auch selber mal 

aus. Aber ich bin mir bei der Grundidee der Montage 

und der Art und Weise, wie du ihn eingesetzt hast – die 

Beleuchtung von Flüssigkeiten in einem Cocktailglas – 

nicht so sicher. Für mich ist einfach zuviel leerer, 

schwarzer Raum zwischen den Bildern, und das liegt 

wohl an dem schlanken Design der Gläser. Hätte Keith 

stattdessen Gläser mit größerem Durchmesser 

genommen, so wäre mehr Raum des Bildes ausgefüllt, 

und es gäbe weniger leere, schwarze Bereiche. 

Wirklich, hättest du z. B. Whiskygläser genommen, 

dann hättest du den Bildrahmen voll ausfüllen können, 

und es hätte keinen schwarzen Leerraum gegeben. Die 

Zusammenstellung der Einzelbilder zu der endgültigen 

Montage hätte wohl eine phantastische 

Farbkombination ergeben. Ich glaube, diese Technik hat 

definitiv Potenzial, aber ich würde mich noch mal ans 

Reißbrett setzen und das Ganze mit anderen Gläsern 

versuchen. Ich hoffe jedenfalls, dass die Ergebnisse der 

A-Prüfung deinen Erwartungen entsprochen haben! 

Urteil: Eine raffinierte Idee mit erheblichem 

Experimentierpotenzial, aber für mich lässt die 

Montage zu wünschen übrig. 

Kurzkritik 

1) Kräftige, kontrastierende Farben können ein Bild eindrucksvoll 

wirken lassen und ein Retro-Feeling vermitteln. So gesehen ist es ein 

charakterstarkes Bild, doch die Ausleuchtung muss verbessert 

werden, damit die Umrisse der einzelnen Gläser klar erkennbar sind. 

2) Die Farben können mit Photoshop relativ einfach verändert 

werden, entweder mit Bild>Einstellungen>Farbbalance oder Farbe 

ersetzen oder Farbe oder Farbton/Sättigung. 

3) Kreative Projekte eignen sich hervorragend zum Experimentieren, 

und das hat Keith ohne Zweifel bei dieser Montage gemacht. Warum 

versuchen Sie nicht selbst einmal im Monat Ihr eigenes kreatives 

Projekt? Dabei können Sie sich von unserer Serie inspirieren lassen. 

„Hätte Keith stattdessen Gläser mit 

größerem Durchmesser genommen, so 

wäre mehr Raum des Bildes ausgefüllt, und 

es gäbe weniger leere, schwarze Bereiche.“ 

Lee Frost 

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Ramsgate Motocross 

Von David Webster 


Objektiv: Canon EF-S 18-135 mm Zoom 

Belichtung: 1/1600 mit Blende 5,6 (ISO 1600) 

James sagt: „Das wurde im Oktober 

letztes Jahr bei einem Motocross 

Rennen in Ramsgate Sands 

aufgenommen. Ich war mit den 

Ergebnissen zufrieden, denn alle 

Motive waren richtig belichtet und scharf abgebildet. 

Es war ein sonniger Tag, wodurch die Farben der 

Maschinen und der Kleidung betont wurden.“ 

Ross Hoddinott: Davids Motivwahl hätte 

kaum herausfordernder sein können – du drückst 

den Bruchteil einer Sekunde zu früh oder zu spät auf 

den Auslöser, und das Motiv ist weg. Er beherrscht 

diese Technik sehr gut. Die extrem kurze 

Belichtungszeit hat die herumfliegenden 

Lehmbrocken schön eingefroren, und die Schärfe ist 

genau richtig. Für mich ist er aber zu nah dran am 

Geschehen. Ich denke, David hätte vor dem 

führenden Fahrer mehr Raum lassen sollen, um den 

Eindruck größerer Bewegung zu erzeugen. Mit ein 

wenig kleinerer Brennweite und unter Verwendung 

des Hochformats – mit weniger Raum links des 

Objekts, aber mehr Raum rechts – wäre das eine 

wirklich hervorragende Aufnahme geworden. 

Urteil: Ein guter Action-Schnappschuss, der 

Vorausschau und eine gute Technik dokumentiert. 

Die Bildkomposition ist aber ein wenig zu beengt. 

Lee Frost: Sportfotografie ist dank schnellem, 

Autofokus mittlerweile einfacher geworden, aber 

man braucht immer noch ein sehr gutes Timing, 

wenn man überzeugende Bilder produzieren will. 

Leider würde ich Davids Aufnahme dieser 

Kategorie nicht zurechnen. Das Bild ist scharf, 

farbenfroh und voller Dramatik – so weit, so gut 

– aber die Bildkomposition ist überladen und 

unaufgeräumt. David hat auf den führenden Fahrer 

fokussiert, aber wir sehen nur einen Teil seines 

Motorrads, wobei die beiden Maschinen dahinter 

nicht mehr scharf eingestellt sind; Sie sind aber 

unübersehbar und konkurrieren deswegen mit der 

Maschine im Vordergrund. Idealerweise hätte 

David auf ein einzelnes aus der Kurve kommendes 

Motorrad warten und sich darauf konzentrieren 

sollen. 

Urteil: Der mutige Versuch, ein schwieriges 

Aktion-Motiv einzufangen, der auch fast gelungen 

Kurzkritik 

1) Bei der Sportfotografie sind eingefrorene Elemente 

ganz wesentlich, wie die fliegenden Lehmbrocken in 

diesem Fall. Um eine kürzere Belichtungszeit zu 

erreichen, sollten Sie die Belichtungsautomatik Ihrer 

DSLR-Kamera benutzen. 

2) Wenn Sie bei einem Rennen ein einzelnes Objekt 

hervorheben wollen, verwenden Sie eine geringe 

Schärfentiefe (Blende 4 oder größer). 

3) Warum versuchen Sie nicht einmal einen 

Schwenk, um mehr Energie in Ihre Aufnahme zu 

bringen? 

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Fliegende Tänzerin 

Von Ben Robins 


Objektiv: Canon EF-S 10-22 mm Zoom 

Belichtung: 1/200 mit Blende 4 (ISO 800) 

Ben sagt: „Ich bin Fotografieanfänger 

und suche Rat für meine Bilder. Diese 

Aufnahme war für die Tanzgruppe der 

Lancaster Universität und somit ein 

ausgezeichneter Vorwand, die Leute 

aufzufordern, sich in der Gegend herumzuwirbeln, 

natürlich so „sicher“ wie möglich. Die Kombination 

von Ballett, interpretierendem Tanz und Straßentanz 

bot eine großartige Möglichkeit, zu sehen, wie viele 

unterschiedliche Stellungen der menschliche Körper, 

abgehoben vom Boden in der Luft einnehmen kann.“ 

http://www.flickr.com/benrobins. 

Ross Hoddinott: Ich mag die Idee, die zu 

diesem Bild führte; der Versuch, unterschiedliche 

Ausdrucksformen des vom Boden losgelösten 

menschlichen Körpers einzufangen, ist ein 

interessantes Projekt mit viel Potenzial. Die Art und 

Weise, wie Ben das Bild verarbeitet und eingefärbt 

hat, vermittelt ein klassisches, zeitloses Feeling, und 

das mag ich. Anfangs war ich mir nicht sicher, ob mir 

der Eindruck gefiel, den das durch ihr eigenes langes 

Haar verdeckte Gesicht der Tänzerin macht, aber jetzt 

denke ich, das Bild wird dadurch interessanter und 

faszinierender – ganz sicher erzeugt es eine Aura von 

Energie und Bewegung. Doch obwohl die Bewegung 

gut eingefangen ist, erhält das Bild durch die Position 

der Arme und Beine einen unangenehmen Touch. Ich 

möchte den rechten Arm sehen, und das rechte Bein 

wirkt aufgrund der Perspektive unproportioniert. 

Außerdem verhüllen die ausgebeulten Leggins Gestalt 

und Form ihrer Beine. Trotzdem glaube ich, es ist eine 

Konzeption, die es wert ist, weiter verfolgt zu werden. 

Mit ein wenig mehr Einsatz und Erfahrung könnte sie 

phantastische Ergebnisse bringen. Viel Erfolg damit, 

Ben 

Urteil: Meiner Ansicht nach ganz nah dran. Die 

Idee hat Potenzial, aber das vorliegende Bild ist noch 

nicht gut genug. 

LEE FROST: Nun, das ist interessant. Bens 

Aufnahme hat ein gutes Timing, der Hintergrund ist 

einfach und aufgeräumt und der Farbton des Bildes 

– von dem ich annehme, dass er später 

hinzugefügt wurde – vermittelt ein klassisches 

Feeling. Ob es eine wirklich hervorragende 

Aufnahme ist, hängt eher von der persönlichen 

Meinung ab. Aus rein fotografischer Sicht würde 

ich bemängeln, dass sich Arme und Beine der 

Tänzerin kreuzen, was die Bildkomposition 

irgendwie weniger elegant und anmutig erscheinen 

lässt, als möglich gewesen wäre; und auch wenn 

das gut eingefangene wehende Haar der Tänzerin 

dem Bild Energie und Aktion verleiht: Ich kann mir 

nicht helfen, aber ich möchte ihr Gesicht sehen. 

Drittens: Die Kleidung der Tänzerin passt nicht zur 

Stimmung des Bildes und lenkt erneut von der 

Anmut ihrer Pose ab. Es ist die Trainingskleidung 

solcher Tänzerinnen, aber für eine Aufführung 

tragen sie passendere Kostüme. Da die Tänzerin 

eine Aufführung für Bens Kamera machte, meine 

ich, sie hätte sich entsprechend kleiden sollen. 

Urteil: Ein dramatischer Aktion-Schnappschuss, 

der die Tänzerin mitten im Sprung zeigt, aber die 

Anmut vermissen lässt, die eine solche Aufnahme 

verdient. 

Kurzkritik 

1) Hinzufügen einer Vignette zwänge das Auge des Betrachters 

in die Mitte des Bildausschnitts. Vignetten können auf 

natürliche Weise durch Lichtbündelung erzeugt werden oder 

während der Nachbearbeitung durch Software wie Aperture, 

Lightroom oder Photoshop. 

2) Models verlieren manchmal den Blickkontakt zur Kamera, 

besonders, wenn sie Sprünge wie diesen hier ausführen. 

Machen Sie einen Drei-Zwei-Eins-Countdown, dann weiß Ihr 

Model, wann Sie auf den Auslöser drücken. 

3) Die Anpassung der Hintergrundfarben an die Bekleidung des 

Models funktioniert gut, versuchen Sie trotzdem einmal 

kontrastierende Farben, um die Akteure hervorzuheben. 

„Die Art und Weise, wie Ben das Bild 

verarbeitet und eingefärbt hat, 

vermittelt ein klassisches, zeitloses 

Feeling, und das mag ich.“ Ross Hoddinott 

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2 

3 





Untern am Kanal 

Von Chris Butler 


Objektiv: Canon EF 24-105 mm 

mit B+W Graufilter, Dichte 3.0. 

Belichtung: 20 Sekunden mit Blende f/22 (ISO 100). 

Chris sagt: „Ich bin erst vor Kurzem auf 

Digitalfotografie umgestiegen. Diese 

Ansicht des Leeds-Liverpool-Kanals 

nahe meines Hauses in Shipley wurde 

mit einem 3.0-Graufilter aufgenommen, 

um eine lange Belichtungszeit zu ermöglichen.“ 

Ross Hoddinott: Meiner Ansicht nach eignen 

sich Graufilter der Dichte 3.0 hervorragend, um 

Dramatik in Landschaftsaufnahmen zu bringen. Das 

funktioniert gut bei kontrastarmen Szenerien, aber 

bei dieser hier ist der Kontrast zu stark. Die hellen 

Flächen des Himmels werden unterdrückt und der 

Vordergrund ist zu dunkel. Obwohl Chris sorgfältig 

war bei der Bildkomposition, indem er den Kanal 

und den Trampelpfad als optische Leitlinien 

einsetzte und den Vordergrund durch die Pfütze 

aufgepeppt hat, ist die Szene für mich nicht 

interessant genug. Mein Blick wird auf den Mast und 

den kleinen Baum und die Reflektionen unten links 

im Bild abgelenkt. 

Urteil: Extreme Graufilter können ein Foto stark 

aufwerten, aber man muss beachten, dass sie 

keine durchschnittliche Szene in eine 

herausragende Szene verwandeln können. 

Lee Frost: Ich bin ein großer Fan extremer 

Graufilter, aber man muss wirklich darauf achten, 

einfache Szenen auszusuchen, wenn man einen 3.0 

Graufilter verwendet – mit komplizierten Szenen 

funktioniert es nicht. Die sich bewegenden Elemente 

der Szene müssen im Mittelpunkt stehen. In diesem 

Fall tun sie das nicht. Der Trampelpfad entlang des 

Kanals ist dunkel und eher nichtssagend, die 

Reflektion des Schösslings in der Pfütze lenkt ab, es 

ist zu wenig Bewegung in den Wolken, und der Mast 

sorgt für noch mehr Ablenkung. Nach Schwarz-Weiß 

konvertieren verbessert das Ganze, trotzdem ist hier 

eine einfachere Bildkomposition angebracht. 

Außerdem brauchte Chris eine wesentlich längere 

Belichtungszeit – ein paar Minuten vielleicht sogar –, 

um mehr Bewegung in Wasser und Himmel zu 

bringen. 

Urteil: Ein guter Versuch, aber die Bildkomposition 

muss vereinfacht werden bei wesentlich längerer 

Belichtung. 

Bewegung in Schwarz-Weiß 

Konvertieren nach Schwarz-Weiß hat den Reiz des 

Bildes erhöht, denn die Verringerung des 

ablenkenden Kontrasts zwischen Himmel und 

Vordergrund macht das Motiv stimmungsvoller. 

Photoshop bietet eine ganze Reihe an Möglichkeiten 

der Konvertierung nach Schwarz-Weiß. Es gibt dabei 

keinen Königsweg, aber die Option 

Bild>Einstellungen>Schwarz-Weiß lässt dem 

Fotografen die meisten Einstellungsmöglichkeiten. 

Experimentieren Sie mit den unterschiedlichen 

Optionen, um das Ihnen am Besten zusagende 

Konvertierungsverfahren herauszufinden.



Evil gambler 

Von Aaron Polhill 


Objektiv: Sigma 10-20mm lens 


Aaron sagt: „Dies ist ein Selbstportrait 

für eine Fotoserie über Glücksspieler 

und Kartenhaie die ich gemacht habe. 

Ich wurde vor einem weißen 

Hintergrund aufgenommen und habe 

Photoshop für die Flammen und zusätzlichen 

Texturen/Farben im Hintergrund verwendet.“ 

Ross Hoddinott: Vielleicht bin ich einfach 

nur etwas langweilig und konservativ, aber um 

ehrlich zu sein bewegt mich diese Art von Aufnahme 

überhaupt nicht. Während ich Aarons hohen 

Standpunkt mag, der - zusammen mit der kurzen 

Brennweite - eine interessante, verzerrte Perspektive 

erschafft, bleibt das Bild insgesamt zurück. Die 

Flammen wurden ziemlich der hinzugefügt - und ich 

bin mir auch nicht ganz über deren Relevanz sicher. 

Allerdings fällt mein Blick sofort auf die Flammen, 

nach meinem Geschmack lenken sie zu sehr vom 

Hauptmotiv ab. Die Beleuchtung ist ziemlich streng. 

Auch wenn ich zu schätzen weiß dass dies zu 

dramatischen Zwecken eingesetzt wurde, hätten die 

Schatten um seine linkes Auge und die linke Wange 

Unterstützung von einem Reflektor oder Diffusor 

gebrauchen können. Auch der dunkle Schatten den 

er auf die Spielkarten wirft ist irritierend. Ich würde 

die Komposition leicht nach oben schieben, so dass 

mehr von seiner Stirn und weniger von der 

Dunkelheit unten zu sehen ist. Probier es nochmal 

Aaron, mit einem ähnlichen Standpunkt und 

ähnlicher Idee, aber unter größerer Berücksichtigung 

von Licht und Schatten. 

Urteil: Es ist mehr Detailgenauigkeit notwendig, 

insbesondere bei der Beleuchtung. Die Flammen 

sind derb eingearbeitet und lenken meiner 

Meinung nach ehr ab, anstatt zum Bild 

beizutragen. 

Lee Frost: Dies ist eine clevere Idee die Aaron 

beinahe in der Ausführung gelungen wäre. Beinahe. 

Die Verwendung eines Weitwinkelobjektivs aus der 

Nähe hat gut funktioniert und verzerren die Größe 

des Models und geben ihm ein bedrohliches 

Aussehen. Ich mag auch wie er von der Seite 

beleuchtet ist um den ganzen Drama und einen 

Hauch von Bedrohlichkeit hinzuzufügen, während 

sein Gesichtsausdruck perfekt zum Motto passt. So 

weit, so gut. Leider geht es von hieran bergab. Raten 

Sie mal was mir nicht gefällt? Sie haben Recht, die 

Flammen. Sorry Aaron, aber im Vergleich zum Rest 

vom sehr gut gelungenen Bild, sehen die Flammen 

amateurhaft aus. Ich denke Sie fahren besser wenn 

Sie sie wieder entfernen. Sie haben nicht wirklich 

einen Zweck und nehmen die Aufmerksamkeit vom 

Gesicht Ihres Motivs. Auch der Hintergrund sieht 

chaotisch aus. Ich mag die Farbe und wie sie 

vignettiert, so dass das Motiv umrahmt wird, aber 

ich glaube nicht dass die Texturen und Dreckspuren 

notwendig sind. Sie fügen dem Bild nicht wirklich 

etwas hinzu - die Kraft bei diesem Foto liegt in der 

Pose und dem Gesichtsausdruck des Motivs, sowie 

in dessen Begeisterung für das Kartenspiel. Weniger 

ist hier mehr. 

Urteil: Eine clevere Idee, gut ausgedacht und 

beleuchtet - aber die Flammen verderben es. 

Schnellkritik 

1) Fügen Sie eine Vignette ein um das Auge des Betrachters auf das 

Model zu lenken. Vignetten können mit Hilfe Ihrer Studiolichter 

hinzugefügt werden, üblicherweise durch einen Aufsatz auf dem 

Blitz der auf das Model gerichtet ist. Sie können Vignetten aber auch 

über Photoshop in der Nachbearbeitung hinzufügen. 

2) Der Ausdruck des Models ist ein wichtiger Teil bei jedem Portrait - 

insbesondere wenn Sie eine bestimmte Emotion vermitteln möchten. 

Wenn ein Model bezüglich eines bestimmten Ausdrucks zögerlich ist, 

lassen Sie das Model vorher üben. 

3) Der hohe Standpunkt und die Verwendung eines 

Weitwinkelobjektivs übertreiben die Perspektive und verleihen dem 

Bild Energie. 

„Die Kraft bei diesem Foto liegt in der 

Pose und dem Gesichtsausdruck des 

Motivs, sowie in dessen Begeisterung 

für das Kartenspiel .“ Lee Frost 

1 

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3 





Wegen Regen abgesagt 

Von Peter Stanford 

Kamera: Pentax K20D 

Objektiv: Pentax 50-200mm 


Peter sagt: „Als ich auf der Suche nach 

einem Motiv für einen lokalen 

Wettbewerb mit dem Namen 

"Seaside" war, erinnerte ich mich an 

ein Musical das "wegen Regen 

abgesagt" wurde und dachte mir dies würde ein 

gutes Motiv machen. Die Sitzplätze waren alle leer, 

aber ich habe per Photoshop eine Figur eingefügt, 

die zur Komposition beitragen soll.“ 

Ross Hoddinott: Volle Punktzahl für Peter, 

dafür dass er das Potential der nassen Sitze erkannt 

hat. Die leeren Sitze erschaffen ein 

atemberaubendes Muster, das Peter durch seine 

Wahl bei der Brennweite hervorgehoben hat. Ich 

mag insbesondere wie das Licht oben auf den 

Lehnen aussieht. Ich mag die Komposition, aber 

ich wäre wahrscheinlich versucht etwas vom 

unteren Rand wegzuschneiden um das ganze 

etwas zu verschärfen. Auch wenn ich zustimme 

dass eine Figur dem Bild einen interessanten 

Schwerpunkt hinzufügt, finde ich dass die vor der 

Kamera und nicht in der Nachbearbeitung hätte 

stattfinden müssen. Auch wenn Peter die Figur 

kompositorisch gut platziert hat, erwischte er nicht 

die richtigen Proportionen und sie sieht zu klein im 

Sitz aus. Die Figur ist zudem völlig anders 

beleuchtet und verrät somit, dass Sie später 

hinzugefügt wurde. Wenn Sie in Zukunft mal 

wieder so eine Szene vor sich haben Peter, fragen 

Sie falls möglich ob jemand für Sie an Ort und Stelle 

posieren kann. 

Urteil: Ein gut gewähltes Bild. Leider 

erscheinen Beleuchtung und Proportion der von 

Peter ausgewählten Figur ehr unecht. 

Lee Frost: Ich bin mir nicht sicher wo die 

Verbindung zwischen Peters Bild und dem 

"Seaside" Wettbewerb oder gar dem Titel "Wegen 

Regen abgesagt" besteht, da die Dame im Sitz 

knochentrocken aussieht und die Sonne scheint! 

Das alles bei Seite, funktioniert das Foto als 

schlichtes schwarz-weißes Bild wirklich gut und es 

gefällt mir - sehr sogar. Das Muster der Sitzlehnen 

sieht fantastisch aus und wurde durch den 

Beleuchtungseffekt der Sonne erzeugt, welcher die 

Sitze zu Silhouetten reduziert, deren Form durch 

eine schmale, weiße Linie offenbart wird. Das 

Hinzufügen einer Figur fügt zudem einen starken 

Schwerpunkt hinzu und ein Gefühl für 

Größenverhältnisse. Es war in der Tat schlau von 

Peter diese Figur hinzuzufügen. Um aber das 

meiste aus diesen Elementen herauszuholen, muss 

die Komposition enger gefasst sein. Die ersten zwei 

Stuhlreihen lenken ab und unterbrechen die 

Wiederholung des Musters. Ich verstehe dass Peter 

Sie im Bild gelassen hat, damit dieses zum "Wegen 

Regen abgesagt" Motto passt, aber ich find dass 

das Foto einfacher und kompositionell stärker wirkt 

wenn sie herausgeschnitten sind, wie abgebildet. 

Ich habe zudem den Kontrast etwas nach oben 

geschraubt, indem ich die Kurven in Photoshop 

angepasst habe, um den schwarz-weiß Effekt zu 

unterstreichen. 

Urteil: Ein schlichtes und effektives Bild, das 

durch Cropping noch stärker wirkt. 

Kreatives Cropping 

Wie Sie an Lees bearbeitetem Bild sehen können, 

haben kreatives Cropping und eine Erhöhung des 

Kontrasts den Reiz dieses Bildes erhöht. Photoshop 

bietet viele Optionen um eine Aufnahme in ein 

Schwarzweißbild zu verwandeln. Es gibt hierbei kein 

falsch und richtig, aber die Option die dem 

Fotografen die meiste Kontrolle bietet findet sich 

unter Image> Adjustments>Black & White. Finden 

Sie durch Experimentieren heraus, was für Sie am 

besten funktioniert. So bald die Umwandlung fertig 

ist, möchten Sie vielleicht die Kontrasteinstellungen 

ändern (Image>Adjustments>Brightness/Contrast). 

Das Hinzufügen von Kontrast kann Ihrem 

Schwarzweißbild eine größere Wirkung verleihen, 

aber seien Sie vorsichtig dass Sie es mit diesem 

Effekt nicht übertreiben, Sie könnten das Bild 

ansonsten ruinieren. Setzen Sie Nachbearbeitung 

behutsam ein und scheuen Sie sich nicht ggf. von 

vorne anzufangen. 

„Volle Punktzahl für Peter, dafür 

dass er das Potential der nassen 

Sitze erkannt hat. Die leeren 

Sitze erschaffen ein 

atemberaubendes Muster.“ 

Ross Hoddinott



Bryce Canyon 

Von David Cundy 


Objektiv: Canon 100-400mm IS zoom 


mit -0.5EV Belichtungsausgleich 

David sagt: „Dieses Bild entstammt 

einer Reihe von Aufnahmen des Bryce 

Canyon die ich sehr früh am Morgen 

machte. Ich habe diese Fotos 

gemacht, weil der Sonnenaufgang 

über dem Bryce Canyon dem Erwachen der Welt 

gleicht. Ich habe probiert die Essenz davon 

einzufangen!“ 

Ross Hoddinott: Was für eine fantastische 

Szene. Was ich an diesem Bild wirklich mag sind die 

verschiedenen Schichten von Form und Farbe, 

während die grünen Bäume Kontrast ins Spiel 

bringen und einen Schwerpunkt liefern. Das frühe 

Morgenlicht sticht ins Auge und beleuchtet 

wunderschön die Textur und Form des Felsens. Man 

lässt sich bei der Landschaftsfotografie leicht dazu 

verführen mit einem Weitwinkelobjektiv schöne 

Aussichten zu knipsen, aber - wie David hier schön 

illustriert - mit einem Teleobjektiv können Fotografen 

interessante Bereiche und Details isolieren. David 

hat ein sehr kreatives Auge und erkennt wie die 

zackigen Felsen effektiv einen natürlichen Rahmen 

für die Bäume dahinter schaffen. Ich mag die 

Komposition, aber mit etwas engerem Cropping 

könnte das Bild noch besser wirken, indem man die 

Spitzen der Felsen unten links im Bild abschneidet. 

Urteil: Ein wunderschönes Bild. Die Felsen 

bilden einen natürlichen Rahmen für die Bäume 

dahinter und das Morgenlicht beleuchtet die 

Formen und Texturen. Mit etwas engerem Cropping 

erhält man ein sogar noch besseres Bild. 

Lee Frost: Ich bin schon In Bryce gewesen 

und finde Davids Beschreibung des 

Sonnenaufgangs sehr passend. Die 

Felsformationen (Hoodoos - Unglücksbringer), 

die das riesige, natürliche Amphitheater 

ausfüllen, glühen in verschiedenen Orange- und 

Rottönen wenn die Sonne aufgeht - als ob sie 

lichtdurchlässig wären und von innen scheinen. 

Es ist ein ausgezeichneter, ehrfurchtgebietender 

Ort. Leider fängt Davids Bild das nicht wirklich 

ein. Man kann mit einem Teleobjektiv so ziemlich 

überall Aufnahmen machen, um dieses Bild zu 

erhalten. Das liegt daran, dass die 

Felsformationen über ein großes Gebiet verstreut 

sind, wie ein Steinwald. Ich glaube nicht dass ein 

Teleobjektiv die richtige Wahl für diese Aufgabe 

ist - zumindest nicht für eine ikonische 

Aufnahme. Ein moderates Weitwinkelobjektiv ist 

hierbei wesentlich effektiver, da es ein größeres 

Gebiet einfängt und das Größenverhältnis des 

Ortes wiedergibt, indem es die Perspektive 

komprimiert und das Bild mit den faszinierenden 

Mustern der Felsformationen füllt. In diesem Fall 

hat David viel zu weit gezoomt und sein Foto 

enthüllt weder das Größenverhältnis noch die 

Schönheit des Ortes und verwandelt das Bild 

auch nicht in ein atemberaubendes Muster - es 

ist nur ein Wirrwarr von Farben, mit ein paar 

Bäumen die zwischen den Felsformationen 

herausragen. 

Urteil: Die Komposition ist zu selektiv und 

fängt nicht die Herrlichkeit des Canyons ein. 

Schnellkritik 

1) Die Farben des Canyons sind hierbei 

besonders wichtig, warum also nicht das 

Beste daraus machen? Mit einem Polarisator 

lassen sich die Farben sättigen, aber erst in der 

Nachbearbeitung können Sie richtig loslegen. 

2) Lichtverhältnisse ändern sich im Lauf des 

Tages drastisch, wobei das Licht am Morgen 

und Abend sich am besten zur 

Landschaftsfotografie eignet. Stellen Sie den 

Wecker und stehen früh auf, es lohnt sich. 

3) An Orten wie Canyons kann es kompliziert 

sein das Größenverhältnis in nur einer 

Aufnahme einzufangen. Probieren Sie doch 

eine Panoramaaufnahme um die Größe eines 

Ortes in vollem Glanz aufzunehmen. 

1 

„Was ich an diesem Bild wirklich 

mag sind die verschiedenen 

Schichten von Form und Farbe, 

während die grünen Bäume 

Kontrast ins Spiel bringen und 

einen Schwerpunkt liefern.“ 

Ross Hoddinott 

2 





Schneebesen 

Von Will Cornelious 

Kamera: Sony Alpha 350 

Objektiv: Sony 18-70mm 

Belichtung: 1/80 Sekunden bei f/5.6 (ISO 100) i 

Will says: „Mir geht es bei diesem Foto 

um deutliche Farben und grafische 

Linien. Ich mag die Schlichtheit, auch 

wenn es nur ein einfaches Foto mit 

einem Führungslicht ist, bei dem die 

Kurven des Schneebesens betont werden.“ 

Ross Hoddinott: Ist es nicht 

beeindruckend wie alltägliche Objekte in der 

Nahaufnahme so radikal anders aussehen 

können? Indem man den Schneebesen aus der 

Nähe knipst, betont man auf schöne Wiese die 

fotogenen Kurven dieses Utensils. Die 

Beleuchtung ist etwas grob und Kontrastreich für 

meinen Geschmack, Will hätte mit einem 

Diffusor den Blitz ausgleichen können. Ich mag 

den Grünton und kann mir vorstellen dass auch 

rot und blau hier gut passen würden. Durch die 

diagonale Positionierung des Schneebesens wird 

eine starke Komposition erzeugt, aber ich denke 

das Arrangement hätte man besser 

hinbekommen können. Der zweite 

Schneebesen, der durch die Drähte des ersten 

geht, driftet in die Unschärfe ab und lenkt von 

der Form und den Kurven des Hauptmotivs ab. 

Will hätte sich lieber auf den Hauptbesen 

konzentrieren sollen und die Komposition besser 

nach rechts verlagert, um die volle Form des 

Utensils zu zeigen. Eine weitere Alternative wäre 

engeres Cropping, um ein kunstvolleres Resultat 

zu erhalten das nur die Drähte zeigt. 

Urteil: Ein Stillleben das ins Auge springt. 

Will hat gut Arbeit geleistet, aber ein anderes 

Arrangement und sanftere Beleuchtung hätten 

das Foto besser gemacht. 

Daniel Lezano: Es macht viel Spaß 

abstrakte Bilder von alltäglichen Gegenständen 

zu schießen, bei denen es nicht klar ist um 

welches Objekt es sich handelt. Diese Fähigkeit 

kann auch bei anderen Motiven gut angewandt 

werden, da sie Sie trainiert sich nicht zu sehr am 

gewohnten festzuhalten. Wills Foto ruft dies 

definitiv bei mir hervor. Ich finde es markant, 

interessant und extrem effektiv - nicht nur dank 

der Komposition, sondern auch aufgrund der 

schlichten Beleuchtung und dem Hinzufügen 

einer einzigen Farbe. Grün ist eine gute Wahl, da 

es sich wie blau "zurückzieht und die Objekte im 

Vordergrund stechen mehr hervor und ziehen die 

gesamte Aufmerksamkeit auf sich. Meine einzige 

Beschwerde ist, dass dem Bild eine gewisse 

Düsterkeit anhaftet. Der Kontrast ist zu niedrig 

und glänzende, metallische Gefühl der Requisiten 

fällt nicht sofort auf. Um dem Abhilfe zu schaffen, 

habe ich das Dialogfeld Levels in Photoshop 

geöffnet (Image>Adjustments>Levels) und den 

Highlight-Tab etwas nach rechts bewegt, um die 

helleren Farbtöne etwas "anzuheben". Dies sorgte 

für einen großen Unterschied bei der Abstraktion 

des Fotos. 

Urteil: Ein bemerkenswertes Bild – nur die 

Levels mussten etwas angepasst werden. 

Photoshop Tipp: Verwendung der Levels 

Das Optimieren der Levels in Ihrem Bild gehört zu den Aufgaben 

die sprichwörtlich nur ein paar Sekunden dauern (und nur ein 

paar Klicks mit der Maus), aber der Effekt kann Ihr ödes Foto in 

ein Meisterwerk verwandeln. Öffnen Sie Ihre Datei in Photoshop 

und klicken dann auf Layer>New Adjustment Layer>Levels. Sie 

erhalten dann ein Dialogfeld mit einem Histogramm, welches 

die Levels Ihres Bilds repräsentiert. Spielen Sie etwas mit den 

Schiebern herum, bis Sie die Levels Ihrem Geschmack 

angepasst haben und klicken dann auf OK. Fügen Sie 

letztendlich das Bild zusammen (Layer>Flatten image) und 

speichern Ihre Datei. 

„Willls Foto ist markant, interessant und 

extrem effektiv, dank der schlichten 

Beleuchtung und dem Hinzufügen 

einer einzigen Farbe.“ 

Daniel Lezano


>Fragen & Antworten 

Belichtungsverschmelzung 

F) Neulich habe ich zwei 

Fotografen über „Low Dynamic 

Range Fotografie“ reden hören. 

Was ist das? 

Barbara Green 

A) Die meisten von uns kennen die „High 

Dynamic Range“ (HDR)-Fotografie, wobei eine 

Bildserie zu einem einzelnen Bild 

zusammengeführt wird. HDR-Bilder sind oft 

surrealistisch und fallen ins Auge, aber sie sehen 

immer irgendwie „unecht“ aus. Es ist jedoch 

auch möglich, Bilder zusammenzuführen und 

den Dynamikbereich (oder Kontrastbereich) zu 

erweitern, wobei das endgültige Bild trotzdem 

ein natürliches Aussehen behält. Diese Technik 

wird als „Low Dynamic Range (LDR) Fotografie 

bezeichnet. 

Photomatix Pro wird als eines der besten 

Standalone-Programme zur Produktion und 

Verarbeitung von HDR-Bildern angesehen, aber 

es verfügt auch über die Option 

Belichtungsverschmelzung (Exposure Fusion) 

– ein relativ neues Konzept, eingeführt, um so 

genannte Low Dynamic Range Bilder aus einer 

Bildserie zu generieren. Exposure Fusion 

übernimmt die beste Farbtonalität aus jedem Bild 

der Serie und kombiniert diese zu einem einzigen, 

natürlich aussehenden Ergebnis. 

Während des Generierungsprozesses gewichtet 

Exposure Fusion die einzelnen Pixel nach 

Leuchtkraft, Farbsättigung und Kontrast und führt 

diese Werte so zusammen, dass ein 

ausgeglichenes, endgültiges Bild entsteht. 

Prinzipiell ist das Verfahren ähnlich wie bei HDR, 

doch das Ergebnis sieht völlig anders aus: Das 

Bild ist wesentlich natürlicher und entspricht viel 

mehr der Originalszenerie. Diese Technik wird 

besonders bei Motiven angewendet, bei denen 

starker Kontrast vorhanden ist, bei denen also 

trotz sehr heller Bereiche Unterbelichtungen in 

dunklen Bildbereichen auftreten können. Bei 

LDR-Bildern wird eine bestimmte 

Schattenintensität beibehalten, wobei die hellsten 

Bildbereiche durch hellere Farbtöne noch weiter 

aufgehellt werden, damit die Ergebnisse 

authentisch bleiben. 

PTGui Pro und Enblend/Enfuse sind weitere gute 

Exposure Fusion Programme. 

1/4 Sek. 

1/2 Sek. 

1 Sek. 

2 Sek. 

Rückwärtsgang 

F) Ich habe einen Makro- 

Umkehrring für meine Canon EOS 

500D bekommen. Der ist großartig 

für Nahaufnahmen, aber ich weiß 

jetzt nicht, wie ich das Objektiv 

abblenden soll. Jim Taylor 

A) Mit Makro-Umkehrringen kann man ein 

Objektiv „verkehrt herum“ am Kameragehäuse 

anbringen, was Nahaufnahmen mit extremer 

Vergrößerung ermöglicht. Aber wenn Sie keinen 

speziell für ihre Kamera ausgelegten Makro- 

Umkehrring haben, ist dessen Funktion durch den 

fehlenden elektronischen Kontakt mit dem 

Kameragehäuse stark eingeschränkt. Trotzdem 

können Sie mit einem kleinen Trick jede 

gewünschte Blende einstellen, solange Ihre DSL 

Kamera eine Abblendtaste 

zur Schärfentiefenprüfung 

hat; Ihre Kamera hat diese 

Taste. 

Stellen Sie zuerst die 

Blende ein, die Sie 

benutzen wollen und 

drücken die Abblendtaste zur 

Schärfentiefenprüfung. Halten 

Sie die Taste gedrückt und nehmen 

Sie mit der anderen Hand das Objektiv 

vom Kameragehäuse ab. Wie Sie sehen, bleibt die 

Blende des Objektivs in der vorgewählten Einstellung. 

Nun können Sie Nahaufnahmen mit größerer 

Tiefenschärfe machen. Um die Blende auf einen 

anderen Wert einzustellen, bringen Sie das Objektiv 

wieder in der „richtigen“ Position an und wiederholen 

die Prozedur. 


Warum sind meine gedruckten 

Bilder dunkel? 

F) Neulich habe ich mir einen Canon 

MG6150 Drucker gekauft, und nun bin 

ich mir nicht sicher, ob mein Bildschirm 

richtig kalibriert ist. Ich habe ein paar 

gute Drucke hinbekommen, aber die 

sind alle dunkler, als auf dem 

Bildschirm. Irgendwelche Vorschläge? 

Steve 

A) Eine verbreitete Ursache dafür ist, dass die 

Lichtverhältnisse, unter denen Sie Ihre Bilder 

betrachten, nicht denen entsprechen, für die Ihr 

Bildschirm eingestellt ist. Kurz gesagt: Ihr Bildschirm 

ist zu hell. Laden Sie von http://www.colourconfidence. 

com eine Gratis-PDF-Datei namens „Seeing the light 

from the Learning Centre“ herunter. Mit dieser Datei 

kommt eine Schritt-für-Schritt Anleitung, mit deren 

Hilfe Sie das Problem lösen können. Helligkeit und 

Kontrast eines gedruckten Bildes hängen von dessen 

Beleuchtung ab. In einem dunklen Zimmer sieht es 

dunkler und flacher aus als unter hellem Licht. Zuerst 

einmal sollten Sie Ihre Bilder unter „idealer“ Beleuchtung 

betrachten und die Helligkeit des Bildschirms dieser 

Beleuchtung anpassen. Wenn beide Helligkeiten - die 

vom gedruckten Bild und die des Bildschirms - 

übereinstimmen, erstellen Sie ein Bildschirmprofil. Falls 

Ihre gedruckten Bilder danach immer noch zu dunkel 

sind, liegt es an der Kalibrierung des Bildschirms und des 

Profils – aber Sie haben jetzt wenigstens eine 

Basiseinstellung, auf der Sie aufbauen können. X-Rite 

ColorMinki Photo ist ein ideales Einsteigerprogramm, um 

ein Druckprofil zu erstellen und es kommt mit diversen 

Tools für Farbmessungen und Farbeinstellungen. Für 

weitere Details besuchen Sie http://www. 

colourconfidence.com. 


Blitz für den schmalen 

Geldbeutel 

F) Was ist die beste Blitzalternative 

für jemanden mit kleinem Budget? 

Ich suche eine gleichwertige 

Alternative zum Nikon SB-600 

Speedlight für den Einsatz mit 

meiner Nikon D3100. Da ich zwei 

Blitzgeräte kaufen will, liegt das 

SB-600 außerhalb meiner 

finanziellen Möglichkeiten. Ich 

möchte sowohl verschiedene 

Kameratechniken ausprobieren 

als auch den Blitzschuh benutzen. 

Darren 

A) Blitz-Fotografie kann trickreich sein, selbst 

mit den Vorteilen der Digitalfotografie. Aufgrund 

der raffinierten, ausgereiften Technik sind die 

Preise für voll ausgestattete Blitzgeräte hoch: Sie 

müssen wenigstens 170 Euro ausgeben, wenn 

Sie ein Gerät mit vergleichbarer Leistung und 

Ausstattung wie das 290 Euro teure SB-600 

haben wollen. Wir raten Ihnen, die Websites 

verschiedener unabhängiger Marken zu 

durchforsten, um herauszufinden, was für Sie der 

beste Kompromiss zwischen Ausstattung und 

Preis ist. 

Das Metz 44 AF-1 Digital für 170 Euro ist einen 

Blick wert, ebenso wie das Sigma EF-610 DG ST 

zum gleichen Preis. Es gibt noch preiswertere 

Modelle, die zufriedenstellend arbeiten, aber die 

haben möglicherweise nicht die Ausstattung, die 

Sie wünschen. 

Wenn Ihre finanziellen Möglichkeiten limitiert 

sind und Sie trotzdem mit einer Multiblitz- 

Ausrüstung arbeiten wollen, sollten Sie auch 

ältere Blitzgeräte ins Auge fassen, die man auf 

„manuell“ stellen, an einen Slave anschließen 

und ohne direkten Kameraanschluss benutzen 

kann. Man müsste ein wenig experimentieren, 

um die korrekte Belichtungszeit herauszufinden, 

aber es bedeutet, Sie könnten das Nikon 

Speedlight und ein paar leistungsstarke 

„veraltete“ Blitzgeräte, ausgerüstet mit 10 

Euro-Hama Slave-Einheiten kaufen, und so 

hätten Sie Ihre Multiblitz Ausrüstung. Wir haben 

zum Beispiel für unsere „Einführung in die 

kreative Blitzfotografie“ (Dezember 2010) einen 

Olympus FS200 Blitz mit einer Slave-Einheit 

ausgerüstet, und ihn erfolgreich als Teil eines 

„Off-Camera“ Blitzsystems eingesetzt. Es lohnt 

sich jedenfalls, die örtlichen Händler nach 

gebrauchten Blitzgeräten zu fragen, sie müssen 

lediglich die Einstellung „manuell“ ermöglichen 

und die Leistung muss regelbar sein. 




Auch beim RAW Modus 

nicht zu bequem sein 

F) Fotografieren im RAW-Modus 

bedeutet, dass das Bild ohne jegliche 

Bearbeitung gespeichert wird. Macht 

es da Sinn, noch etwas anderes 

einzustellen als Schärfe, Blende, ISO 

und den Farbraum? Gibt es 

irgendeinen Grund für Weißabgleich, 

Szenenmodus, Active D-Lighting, 

etc.? 

Bassem Abdallah 

A) Die Annahme, das bestimmte Variablen bei der 

RAW-Fotografie von Bedeutung sind, weil sie schon 

zum Zeitpunkt der Aufnahme das fertige Bild 

irreversibel beeinflussen, während andere Variablen 

bei der Nachbearbeitung verändert werden können, 

ist richtig. Wir wollen der Einfachheit halber 

unterscheiden zwischen Belichtungs- und 

Postbelichtungsvariablen. 

Die Belichtungsvariablen bestimmen, wie eine 

Szene aufgenommen wird, sie müssen also korrekt 

sein bei der Aufnahme, weil man sie später nicht 

mehr ändern kann. Dazu gehören Blende, 

Verschlusszeit und ISO-Wert ebenso wie die Art der 

Belichtungsmessung und die 

Autofokuseinstellungen, außerdem gegebenenfalls 

die Blitzeinstellungen. Der gewählte 

Belichtungsmodus beeinflusst logischerweise viele 

andere Einstellungen, ganz gleich, ob Sie einen 

kreativen Modus oder einen Szenenmodus 

verwenden. Verwenden Sie also den Modus, der am 

Besten zum Motiv passt. 

Die Postbelichtungsvariablen beziehen sich darauf, 

wie das von der Kamera aufgenommene Bild 

verarbeitet wird. Sie können bei der 

Nachbearbeitung der RAW-Dateien manipuliert 

werden, falls Ihnen die Kameraeinstellungen nicht 

gefallen. Falls Ihnen also der Weißabgleich des Fotos 

nicht zusagt, falls Sie die Schärfe verstellt haben, 

den Kontrast oder die Farbsättigung und wenn Sie 

später wünschen, Sie hätten dies nicht getan, dann 

können Sie – vorausgesetzt, Sie schießen Ihre Bilder 

im RAW-Modus – all diese Einstellungen korrigieren. 

Welcher Weitwinkel? 

F) Ich suche ein starkes 

Weitwinkelobjektiv, und ein 

Freund empfahl mir ein Sigma 

Fischauge. Aber ich weiß, dass ein 

Fischauge ein kreisförmiges Bild 

liefert, und das will ich nicht. 

Können Sie mir helfen? Sam Smith 

A) Sigma stellt zwei Typen Fischaugen- 

Objektive her, vielleicht liegt die Verwirrung 

daran. Das 8 mm f/3.5 EX DG ist ein 

Kreis-Fischauge mit 180 Grad- Blickwinkel, 

und das liefert die kreisförmigen Bilder, die Sie 

meinen. Ihr Freund sprach wahrscheinlich von 

dem 15 mm f/2.8 EX DG, bei dem es sich um 

ein diagonales Fischauge handelt. Es hat wie 

das 8-mm-Modell einen Winkel von 180 Grad, 

produziert aber kein kreisförmiges Bild. Das 

Bild sieht eher aus wie das von einem 

Ultraweitwinkel-Zoom. Das Objektiv kostet ca. 

700 Euro. Erwägen Sie auch das Sigma 8-16 

Szene mit korrektem Weißabgleich 

Vorschau mit fehlerhaftem Weißabgleich 

Aber warum sollte man dann die 

Postbelichtungsvariablen überhaupt richtig 

einstellen? Nun, vom Standpunkt des 

fotografischen Puristen aus gesehen sollten Sie Ihre 

Kamera immer so einstellen, dass sie die 

bestmöglichen Ergebnisse liefern kann, anstatt sich 

darauf zu verlassen, irgendwelche Fehler sowieso 

bei der Nachbearbeitung ausbügeln zu können. 

Es gibt aber auch eine Reihe praktischer Gründe, 

warum Sie versuchen sollten, alles richtig 

15 mm Fischauge 

mm f/4.5-5.6 DC HSM, das für diese Ausgabe 

getestet wurde und einen Blickwinkel zwischen 

114,5 und 75,7 Grad hat. Wir haben kürzlich 

beide, das 15 mm- und das 8-16 mm-Objektiv 

benutzt, als Arsenal in den Emiraten spielte. 

Sehen Sie sich die Bilder oben an, und Sie 

bekommen einen Eindruck davon, wie diese 

Objektive die Perspektive erweitern (und 

verzerren!). Für weitere Informationen besuchen 

Sie www.sigma-imaging-uk.com/lenses. 

einzustellen. Vielleicht kommen Sie eines Tages in 

die Situation, dass Sie ein paar Aufnahmen machen 

müssen und haben für den RAW-Modus nicht 

genug Platz auf der Speicherkarte. Wenn Sie dann 

alle Kameraeinstellungen genau kennen, können 

Sie sicher sein, keine Fehler zu machen. Ein anderer 

Grund ist der, dass die besten Einstellungen bereits 

auf dem Vorschau-LCD der Kamera ein Bild liefern, 

das dem Endergebnis nahe kommt. So erkennen 

und korrigieren Sie offensichtliche Probleme sofort 

und nicht erst bei der Nachbearbeitung, wenn es zu 

spät ist, das Motiv noch einmal aufzunehmen. 

Wenn der Weißabgleich zum Beispiel auf Kunstlicht 

eingestellt war und Sie nun Aufnahmen bei 

Tageslicht machen, zeigt Ihnen schon die Vorschau 

einen extremen Blaustich, den Sie später korrigieren 

müssten. Wir empfehlen Ihnen, nicht nachlässig zu 

werden beim Fotografieren: Bringen Sie alle 

Voreinstellungen auf die bestmöglichen Werte – 

stellen Sie schlimmstenfalls den Weißabgleich auf 

„Auto“ (AWB) und die Messwerte auf „Standard“, 

um natürlich aussehende Ergebnisse zu 

bekommen. 

Zoom bei 8 mm 

Zoom bei 16 mm 

136 DI GITALE SLR FOTOGRAFIE


Vögel beobachten 

F) Ich möchte die Vögel in 

meinem Garten fotografieren. 

Welche Ausrüstung empfehlen 

Sie einem Enthusiasten mit recht 

kleinem Budget? Bob Cryer 

A) Die meisten Gartenvögel wie 

Rotkehlchen, Meisen und Finken sind 

ziemlich klein, daher ist eine Brennweite von 

300 Millimetern die Mindestanforderung. Ein 

70-300 mm-Zoom ist das Objektiv der Wahl 

für Einsteiger in die Vogelfotografie. 

Angenommen, Ihre digitale SLR hat einen 

Sensor der Größe APS-C, so verlängert sich 

die Brennweite noch einmal um das 

1,5-fache. Es gibt eine große Auswahl an 

Tele-Zoom Objektiven, für den schmalen 

Geldbeutel sollten Sie eine unabhängige 

Marke wie Tamron oder Sigma ins Auge 

fassen. 

Auch wenn Amateur-Tele-Zooms die 

Blendeneinstellung nicht besonders schnell 

vornehmen, sind sie doch mehr als 

ausreichend, um bei einigermaßen 

vernünftigen Lichtverhältnissen gute 

Vogelbilder zu schießen – wenn nötig, können 

Sie immer noch die ISO-Empfindlichkeit der 

Kamera auf 400 oder 800 erhöhen, um eine 

kürzere Belichtungszeit zu erreichen. 

Ein Telekonverter ist eine weitere 

kostengünstige Option. Er passt zwischen 

Kamera und Objektiv und vervielfacht die 

Objektivbrennweite. Es gibt sie üblicherweise 

mit dem Faktor 2 bzw. 1,4. Sie eignen sich 

sehr gut, Reichweite und Vielseitigkeit Ihrer 

Objektive zu erhöhen, dies wird allerdings durch 

den Verlust zweier Blendenstufen pro 

Telekonverter erkauft. Nicht alle Objekte können 

mit Telekonvertern verwendet werden, 

überprüfen Sie also Ihr Objektiv daraufhin, bevor 

Sie einen Konverter kaufen. 

Gartenvögel sind in der Regel an menschliche 

Aktivität gewöhnt, es sollte also nicht allzu 

schwer sein, nah genug heranzukommen. Legen 

Sie Vogelfutter an einem definierten Punkt aus 

und sorgen für einen attraktiven, fotogenen 

Landeplatz in der Nähe – das kann ein Zweig 

oder der Griff eines in die Erde gesteckten 

Spatens sein. Sie können dann vorab auf 

diesen Punkt scharf stellen und sofort auf den 

Auslöser drücken, sobald ein Vogel dort 

landet. Um zu vermeiden, die Tiere zu 

verscheuchen, können Sie Ihre Bilder auch 

aus einer Gartenlaube heraus machen oder 

aus einem Fenster oder einer Terassentür 

heraus. Sie werden eine Menge Bilder 

machen, haben Sie also genug Speicherkarten 

zur Hand. Es muss wirklich kein Vermögen 

kosten, großartige Vogelaufnahmen im 

eigenen Garten zu machen. Haben Sie also 

Geduld. Es wird sich lohnen. 




Fuji S5 Pro 

Der Fuji Super CCD SR Pro Sensor ist in 

der Lage, qualitativ hochwertige 

Ergebnisse zu erzielen. Dieses Bild 

wurde unter Verwendung des Nikon 

18-200mm gemacht 

und zeigt eine exzellente 

Detaildarstellung 

und Farbsättigung. 

Ist der Preis korrekt? 

F) Mir ist ein wenig verwendeter Fuji 

S5 Pro mit einer Standardlinse für 

500 £ (Stand 20.05.2011: 566,45 €) 

angeboten worden. Ist dies ein guter 

Preis und sind die Linsen 

weitgehend verfügbar? 

Declan George, Humber 

A) Die Fuji FinePix S5 Pro ist eine sehr gute 

digitale Spiegelreflexkamera mit einer Linse, sogar 

nach heutigen Standards, und findet ihre Basis im 

Bereich der Nikon D200, trägt jedoch Fujis Super 

CCD SR Pro 12,34-Megapixel Sensor. Der Sensor 

verwendet zwei Arten von Foto-Dioden. Diese 

halten Sonderinformationen und einen weiteren 

dynamischen Bereich fest, die es der Kamera 

erlauben, Höhepunkte aufzunehmen, die 

normalerweise ausgebleicht würden. Sie ist 

vollständig kompatibel mit Nikons Sortiment an 

Linsen und Zubehör, wodurch kein Mangel an 

Geräteoptionen auftritt. Ihr Einführungspreis lag bei 

1.250 £ (Stand 20.05.2011: 1.416,13 ) (nur für 

den Hauptteil), obwohl sie erst im letzten Jahr neu 

für ca. 500 £ (Stand 20.05.2011: 566,45 ) 

verkauft wurde. Es ist sinnvoll, mit dieser Thematik 

im Hinterkopf ortsansässige Händler in Ihrem 

Wohnbereich zu kontaktieren, um zu sehen, ob sie 

irgendwelchen übrig gebliebenen neuen Bestand 

haben (unwahrscheinlich) oder gebrauchte Modelle 

(wahrscheinlicher). So können Sie sich ein Bild 

davon machen, welcher der durchschnittliche 

Verkaufspreis ist. Denken Sie daran, dass die 

meisten Händler eine dreimonatige Garantie 

anbieten. Im privaten Verkaufsbereich entfällt diese 

Option. Der gefragte Preis von 500 £ (Stand 

20.05.2011: 566,45 ) ist ein wenig hoch –450 £ 

(Stand 20.05.2011: 509,81 ) ist reeller. Wir 

haben die S5 Pro in unserer Maiausgabe im Jahr 

2007 getestet und ihr eine allgemeine Wertung von 

90% verliehen. Sie finden diesen Test unter: www. 

digitalslrphoto.com, neben anderen Bewertungen 

von digitalen Spiegelreflexkameras mit einer Linse 

sowie von Zubehör. 

UV- oder Skylightfilter? 

F) Es war ratsam, bei der 

Verwendung von Film während 

der Shootings im Freien Gebrauch 

von einem UV- (oder Skylight-) 

Filter zu machen, um den Dunst zu 

reduzieren. Ist es wahr, dass 

Digitalkameras mit Dunst fertig 

werden? Falls dem so ist, wäre 

dann ein transparenter 

Schutzfilter besser? Außerdem, 

wenn ich Aufnahmen im Original 

mache oder nicht? 

Bassem Abdallah 

A) UV- und Skylightfilter sind sich äußerst 

ähnlich und die Effekte, die beide bieten, sind 

fein. UV-Filter werden konstruiert, um das 

unsichtbare UV-Licht zu blockieren, das einen 

sehr leichten Blaustich verursachen kann, wenn 

man Aufnahmen in großer Höhe oder bei hellem, 

klarem Himmel in Meeresnähe macht. 

Skylightfilter blockieren auch das UV-Licht, 

jedoch haben sie einen ziemlich matten 

rötlich-gelben Ton, der den Bildern ein kleines 

bisschen Wärme hinzufügt, als auch den Dunst 

reduziert. Beide wurden zur Verwendung mit 

Filmkameras entwickelt, jedoch sind beide für 

den digitalen Gebrauch geeignet, denn solange 

die Sensoren Beschichtungen zur Behandlung 

von UV-Licht haben, sind sie nicht komplett 

wirksam. Zwischen den beiden, würden wir uns 

für den UV-Filter entscheiden, da man dabei 

sichergehen kann, dass die Farbgenauigkeit ein 

wenig besser als beim Skylightfilter ist, obwohl 

der Unterschied so gering ist, dass die meisten 

Leute ihn nicht wahrnehmen würden. Die 

Hauptverwendung dieser Filter liegt darin, Schutz 

vor Verschmutzungen, Schmier und Kratzern zu 

bieten, während der Ersatz eines beschädigten 

Filters die weitaus bessere Option ist, als der 

Ersatz einer beschädigten Linse. 

Eine andere Option ist es, einen Schutzfilter zu 

kaufen, einen transparenten Glasfilter, der 

konstruiert wurde, um als Schutzschild für Ihre 

Linse zu fungieren. Für welche Art auch immer 

Sie sich entscheiden, kaufen Sie keine 

Billigmarke, da die Bilder durch die optische 

Qualität des Filters beeinflusst werden. Kaufen 

Sie stattdessen einen Qualitätsfilter der Art, wie 

Hoya (www.intro2020.com), Tiffen (www.tiffen. 

com) oder B+W (www.daymen.co.uk) sie 

herstellen und stellen Sie sicher, dass Sie das 

Maximale aus Ihrer Optik herausholen, während 

Sie wissen, dass Sie auch einen ordentlichen 

Schutz bieten. Letztlich gibt es keinen 

Unterschied dabei, Aufnahmen im Original oder 

als JPEG zu machen, außer den Vorteilen, die 

sich Ihnen dadurch bieten, dass Sie in der Lage 

sind, die Farbbalance bei der Verwendung der 

Original-Software anzupassen. 

138 DI GITALE SLR FOTOGRAFIE

Dunkle Ecken 

F) Einige Bilder, die unter 

Verwendung eines Weitwinkel- 

Zooms gemacht wurden, zeigen 

dunkle Ecken in hellen Bereichen des 

Himmels. Wodurch wird dies 

verursacht, wie kann ich es 

vermeiden und wie kann ich es in 

Photoshop entfernen? Simon Taylor 

A) Ohne weitere Informationen über Ihre Bilder ist 

es unmöglich, sich zur Ursache Ihres Problems zu 

äußern, Sie sollten jedoch in der Lage sein, es als 

eine der beiden möglichen Ursachen zu 

identifizieren: ein Rückgang des Lichtes sowie eine 

Vignettierung. Beide haben dunkle Ecken auf dem 

Bild zur Folge, liegen jedoch verschiedene Faktoren 

zugrunde. Der Rückgang des Lichtes ist das Resultat 

weniger perfekter Optik und wie das Licht durch Ihre 

Linse wandert. Das Licht tritt aus vielen Winkeln in 

Ihre Linse ein und Ihre Linse ist so konstruiert, dass 

sie diese zur Fokussierung auf Ihrem Bildsensor 

lenkt. Jedoch tritt der größte Teil des Lichtes ein und 

passiert das Zentrum der Linse, der geringere Teil 

passiert die Ränder. Dies bedeutet, dass die Ränder 

etwas weniger belichtet werden, wodurch sich 

etwas dunklere Ränder und Ecken ergeben. Eine 

stärkere Optik verarbeitet dies besser, jedoch ist es 

ein Phänomen, das gegenwärtig sämtliche Linsen 

betrifft, obwohl es bei den besten nahezu unbemerkt 

bleibt. Der Umfang, in dem das Licht zurückgeht, 

wird durch die Blende beeinflusst – bei der 

größtmöglichen Blende wirkt sich dies am 

schlechtesten aus. Ein Schließen der Linse verringert 

daher das Problem, das bei den meisten Linsen 

üblicherweise bei ungefähr f/8 verschwindet. 

Die Vignettierung wird durch eine physikalische 

Blockierung verursacht, die das Licht daran hindert, 

in die Linse einzutreten, üblicherweise ein Filter oder 

eine Haube. Dieses Problem kann umgangen 

werden, indem man Filter mit dem dünnsten Ring 

bzw. die richtige Haube verwendet, oder indem man 

vermeidet, zeitgleich mehr als einen Filter 

anzuschließen. Das Problem betrifft üblicherweise 

eher Weitwinkel- als Teleobjektive. Somit kann die 

Verwendung einer weniger starken Brennweite 

ebenfalls nützlich sein, wie auch das Schließen der 

Blende. 

Sie können das Clone Tool verwenden, um es in 

Photoshop zu entfernen, oder besser noch, 

verwenden Sie den Linsenkorrektur-Filter 

(Filter>Verzerrung> Linsenkorrektur) und bewegen 

Sie den Vignettenschieber nach rechts (+), um die 

Ecken schnell aufzuhellen. 

Original 

Linsenkorrektur 

Die dunklen Ecken werden entfernt 

Verwenden Sie eine positive Vignette 

Kompatibilität mit Canon 

F)Ich erhalte widersprüchliche 

Ratschläge und benötige Ihre 

Hilfe. Ich besitze eine Canon EOS 

10D und mir wurde erklärt, dass 

sie kompatibel mit EF-S 

Objektiven aus einer Hand ist, 

während jemand anderes 

behauptet, dies könne nicht sein. 

Wessen Aussage stimmt nun? 

Matt Davies 

A) In Kürze, die EOS 10D ist nicht kompatibel 

mit EF-S Objektiven, da ihr Objektivanschluss 

so konstruiert ist, dass er nur mit EF Objektiven 

kompatibel ist. EF-S Objektive, die für die 

Arbeit mit EOS Kameras mit einem APS-C 

Sensor konstruiert wurden, wurden bis zum 

Jahr 2004 nicht eingeführt. In diesem 

Zusammenhang war die EOS 300D (eingeführt 

im Jahr 2003) das erste Modell, das sowohl 

mit EF-S als auch mit EF Objektiven 

kompatibel ist. Daher sind sämtliche APS-C 

EOS Modelle, die vor der EOS 300D, d.h. der 

EOS D30, D60 sowie der EOS 10D eingeführt 

wurden, ausschließlich mit EF Objektiven 

kompatibel. 




Irritiert durch die Muster 

F) Seit ungefähr zehn Monaten 

beschäftige ich mich ernsthaft mit 

Fotografie, habe jedoch 

Schwierigkeiten damit, die 

Messungsmuster auf meiner Canon 

EOS zu verstehen. Könnten Sie mir 

bitte erklären, wann ich zwischen 

Matrixmessung, Selektivmessung, 

Spotmessung und mittenbetonter 

Integralmessung wählen sollte? 

Louis Erasmus 

A) Selbst wenn das voreingestellte Matrixmuster 

einheitliche Belichtungen in den meisten generellen 

Aufnahmesituationen bietet, ist es wichtig zu wissen, 

wie Messungsmuster funktionieren, so dass Sie 

kontrollieren können, wann es Ihrer Kamera Mühe 

Das Matrixmuster-Symbol 

CANON NIKON OLYMPUS 

PENTAX SONY 

Das Symbol für die Mittenbetonung 

CANON 

NIKON 

OLYMPUS 

bereitet, eine Szene korrekt zu belichten. Sämtliche 

Kameras geben zumindest drei Messungsmuster vor, 

die unter der Annahme funktionieren, dass der 

Durchschnitt aller Töne in einer Szene bei 18% grau 

liegt. Dies erweist sich bemerkenswerterweise für die 

meisten Aufnahmeverhältnisse als richtig, jedoch 

können Szenen, in denen helle oder dunkle Bereiche 

bzw. ein sehr scharfer Kontrast vorherrschen, 

Belichtungsprobleme verursachen. Aus diesem 

Grund ist eine Auswahl an Mustern verfügbar. Hier 

ist kurze Erklärung dazu, wie die vier Hauptmuster 

funktionieren und wann Sie diese verwenden sollten. 

Einige Ausgaben später werden wir einen 

tiefergehenden Leitfaden bereitstellen, der die 

Belichtungssysteme und ihre Korrekturen 

detaillierter beinhaltet. 

Die Matrixmessung: Dies ist das Muster, 

nach dem Ihre Kamera zumeist eingestellt ist. Jede 

PENTAX 

SONY 

Marke hat ihren eigenen Typ: Canon hat den Typ 

"Evaluative", Nikon hat "Matrix", während Sony den 

Typ "Honeycomb" hat. Belichtungsinformationen 

werden von jedem Bereich bezogen, verglichen und 

bewertet. Im Anschluss wird die Belichtung 

festgelegt. Diese geschieht in den meisten 

Aufnahmesituationen äußerst präzise, sowohl bei 

Belichtungen im Freien als auch bei solchen mit 

Blitzlicht. Jedoch gibt es Probleme bei der 

Hintergrundbeleuchtung, bei Szenen, in denen der 

Himmel in weiten Teilen zu sehen ist, sowie bei 

Szenen mit scharfen Kontrasten. In diesen Fällen 

verwenden Sie bitte eines der unten stehenden 

Muster. 

Die mittenbetonte 

Integralmessung: Dies ist das älteste Muster, 

bei dem die Belichtung auf einem weiten zentralen 

Bereich des Rahmens basiert. Sie werden dieses 

Muster selten einstellen, jedoch ist es am besten, es 

zu verwenden, wenn Sie mit Korrekturen wie der 

Belichtungskorrektur oder der AE-Sperre arbeiten. 

Die Spotmessung: Statt vom gesamten 

Bildbereich abzulesen, nimmt die Spotmessung von 

einem kleinen zentralen Bereich (2-5%) im Rahmen 

eine präzise Belichtungsmessung vor. Dies 

ermöglicht sehr genaue Ablesungen, da sie nicht von 

hellen oder dunklen Bereichen an anderen Stellen im 

Rahmen beeinflusst wird. Sie sollten darauf achten 

sicherzustellen, dass die Spotablesung an einem 

mittleren Ton in der Szene vorgenommen wird und in 

einem Bereich erfolgt, der in gleicher Weise 

beleuchtet ist wie der Hauptgegenstand. 

Die Selektivmessung: Dies ist effektiv das 

gleiche System wie die Spotmessung, verwendet 

jedoch einen weniger präzisen (d.h. größeren) 

Messungsbereich, üblicherweise zwischen 8-10%. 

Das Spot-/Selektivsymbol 

CANON (PARTIAL) CANON (SPOT) 

NIKON 

OLYMPUS 

PENTAX SONY 

Allgemeine Szenen: 

Diese Szenen stellen gute Beispiele 

dafür dar, wann Sie bestimmte 

Muster einstellen sollten. 

Oben: Übliche Szenen, die für die 

Matrixmessung geeignet sind. 

Links & rechts: Spotmessungen 

eines mittleren Tons, um jeweils 

eine Unter- sowie Überbelichtung 

zu vermeiden. 

Glänzender oder matter Bildschirm? 

F) Ich wäre Ihnen dankbar für 

Ihren fachlichen Ratschlag sowie 

Ihre Meinungen zum Pro und 

Kontra der Verwendung eines 

qualitativ hochwertigen Anti- 

Glanz- (Mattglanz-) Monitors (und 

eines blendfreien 

Laptopbildschirms) oder eines 

Glare-Type-Displays, das von 

Apple hergestellt wird? Paul Johnson 

A) Glare-Type-Displays zeigen Reflektionen an, 

insbesondere in dunklen Bildbereichen, die Ihre 

Bildbewertung und -bearbeitung verhindern. 

Die Tatsache, dass Einiges Ihrer Arbeit auf 

ähnlichen Bildschirmen betrachtet werden 

dürfte, ist irrelevant, während die Hauptsorge 

dabei ist, dass es für Sie nicht so angenehm 

wird, in einem solchen Umfeld zu arbeiten, 

ohne zu wissen, ob Sie versuchen, 

Schattendetails oder Ihre eigene Reflektion zu 

bearbeiten. b In gleicher Weise erfolgt eine 

übermäßige Helligkeit in Bildern, die beim 

Ausdruck bedeutend matter aussehen. Glare-Type 

eignet sich gut für das Spielen am PC sowie für das 

Anschauen von DVDs, jedoch nicht für Ihren 

Bedarf. Außerdem ist ein versteinertes Arbeiten an 

einem überhellten Display über einen Zeitraum von 

mehreren Stunden am Tag nicht gut für Ihre Augen. 

Um ein gutes Ergebnis beim Übergang von der 

Monitoranzeige zum Ausdruck zu erzielen, liefert 

ein Monitor mit einer Haube, die einen Tunneleffekt 

erzeugt, die beste Konfiguration. Dies ermöglicht 

es Ihnen, die Helligkeit niedrig einzustellen, um 

einen Kontrast zu erzielen, der dem von Tinte auf 

Papier entspricht, ohne Störungen durch die 

umgebende Beleuchtung und Veränderungen in 

der Umgebung. Gute Monitore, die in Betracht 

gezogen werden können, sind der NEC MultiSync 

PA241W und PA271W sowie der Eizo SX2462. 

Diese verwenden IPS-Blenden, was bedeutet, 

dass Sie keine großen Änderungen beim Kontrast 

erhalten, wenn Sie das Bild aus der Schräge 

betrachten. Sie sind erschwinglicher als die 

professionellen CG- und SV-Produktreihen, jedoch 

immer noch zu bevorzugen gegenüber den 

alternativen Glare-Type-Displays. Hauben sind 

verfügbar für die 24in-Modelle. Als Ratgeber bzgl. 

der Entscheidung zugunsten eines 

farbkontrollierten Monitors sowie bzgl. des 

Arbeitsumfeldes laden Sie bitte die PDFs 'Seeing 

the Light' und 'Making the Right Monitor Choice' 

vom 'Learning Centre' auf www.colourconfidence. 

com herunter. 


Die Matrixmessung 

Die Spotmessung 

Die Spotmessung 

Welcher Reflektor? 

F) Ich bin gebeten worden, einige 

Portraits aufzunehmen und 

benötige einen vernünftigen 

Reflektor. Ich habe 

mitbekommen, dass eine 

dreieckige Version mit einem Griff 

existiert, was ideal klingt. Wissen 

Sie, wie diese heißt und ob sie gut 

ist? 

Sally McKenna 

A) Es klingt so, als meinten Sie Lastolites 

Produktreihe von "Tri-Grips", 

zusammenklappbare Reflektoren, die einen 

robust gestalteten Handgriff haben, der es 

Ihnen ermöglicht, diese relativ leicht in 

Armlänge zu halten. Aufgrund ihres neuen 

Designs sind die "Tri-Grips" teurer als 

Standardreflektoren. Sie sind den höheren Preis 

jedoch wert, falls Sie Ihre Aufnahmen 

üblicherweise ohne die Hilfe eines Assistenten 

machen. Sie sind in drei Größen verfügbar: als 

"45cm-Mini-", "75cm-Standard-" sowie als 

"1.2m-Maxi-TriGrip". Jede dieser Größen bietet 

eine Auswahl an silber-weißen, gold-weißen, 

"sunfire"-silbernen und "Sunlite-softsilver"- 

Reflektoren sowie Diffusoren, die aus einer 

Hand bzw. aus zwei Quellen hergestellt 

wurden. Sie sind ideal für die Verwendung vor 

Ort oder im Studio und lassen sich zum Zwecke 

einer einfachen Lagerung auf ein Drittel ihrer 

Größe zusammenklappen. Für weitere Details, 

schauen Sie sich bitte folgenden Link an: www. 

lastolite.com/trigrips 

Restaurieren von Bildern 

F) Ich habe einige Bilder restauriert, 

wobei ich Photoshop CS3 verwendet 

habe. Dabei habe ich nur einige 

schwarz-weiße Ausdrucke erhalten, 

die durch Verblassen und schlechte 

Handhabung mit der Zeit in einen 

schlechten Zustand übergegangen 

sind. Ist Photoshop Elements 8 oder 9 

ein geeigneteres Paket zur 

Verwendung bei der 

Bildrestaurierung oder gibt es eine 

weitere Option? Arnold Hokins 

A) Falls Sie mit der Verwendung von Photoshop 

CS3 zufrieden sind, gibt es keinen Grund, das 

Softwarepaket zu wechseln, da Sie eines der besten 

verfügbaren verwenden. Die Bildrestaurierung 

beinhaltet üblicherweise das Entfernen von 

Kratzern, Flecken und anderen Druckmarken sowie 

die Entfernung der Farbabdrücke, die bei 

Ausdrucken mit zunehmendem Alter entstehen. 

Das Letztere ist einfach zu korrigieren, indem Sie ein 

Bild in ein Schwarz-Weiß-Bild konvertieren. Die 

Marken zu entfernen ist komplizierter und erfordert 

Ihre Sorgfalt bei dem Versuch, das Bild zu 

restaurieren, ohne die Änderungen zu offensichtlich 

werden zu lassen. Sie werden bemerken, dass das 

"Clone Tool" und das "Healing Brush" die effektivsten 

Tools im Photoshop-Arsenal sind, um diese Mäkel 

zu bearbeiten, jedoch bieten Pakete wie Corels Paint 

Shop Pro ähnliche Optionen an. Wir würden Ihnen 

empfehlen, in ein erschwingliches Grafiktablett 

sowie einen Stift zu investieren, und diese eher als 

Ihre Maus dafür zu verwenden, Ihre Bilder zu 

restaurieren. Das Wacom-Bambustablett für 70 £ 

(Stand 20.05.2011: 79,30 ) ist ein ideales erstes 

Tablett. www.wacom.eu 





Aufnahmen von Käfern 

F) Ich möchte Fotos von 

Insekten machen die aus der 

Larve schlüpfen. Was ist 

hierbei die beste 

Angehensweise für gute 

Fotos? 

Laura Ashe 

A) Das Fotografieren von schlüpfenden 

Insekten kann sehr herausfordernd und 

zeitraubend sein, aber die Resultate 

lohnen sich. Sie können im Internet 

Schmetterlings- und Mottenlarven kaufen 

und Ihre eigenen Insekten brüten und 

dann in Gefangenschaft fotografieren 

wenn sie schlüpfen. Sie brauchen dazu 

allerdings einen Behälter und die korrekte 

Pflanze zur Nahrung, um sich 

entsprechend um die Larven zu kümmern. 

Sollten Sie nicht Ihre eigenen Insekten 

brüten wollen brauchen Sie sich keine 

Sorgen machen - Sie können Fotos von 

Insekten machen, die in der Natur 

schlüpfen. 

Gleichflügelige und ungleichflügelige 

Libellen lassen sich am einfachsten finden 

und beim Schlüpfen fotografieren. Der 

Morgen ist für gewöhnlich die beste Zeit, 

wenn die Larven aus dem Wasser und auf 

Grashalme klettern, um ihre 

bemerkenswerte Metamorphose zu 

starten. Versuchen Sie es an einem 

örtlichen Teich, Kanal oder Reservoir. Tage 

an denen kein Wind herrscht eignen sich 

am besten für Nahaufnahmen und Larven 

tauchen an warmen und sonnigen Tagen 

auf, schauen Sie sich also vorher die 

Wettervorhersage an. 

Abhängig von der Spezies können die Larven 

nur 3cm lang sein, Sie müssen also sehr 

genau hinschauen. Passen Sie beim Suchen 

sehr gut auf - ein achtloser Schritt kann fatale 

Folgen haben. Sie müssen einen Ort 

vielleicht mehrmals aufsuchen, bevor Sie 

eine schlüpfende Larve finden, die auch noch 

in einer Position ist an der sich gut 

fotografieren lässt - Geduld ist hierbei der 

Schlüssel zum Erfolg. Sobald Sie ein Insekt 

beim Schlüpfen finden müssen Sie schnell 

arbeiten. Das Insekt kann in diesem Stadium 

nicht fliegen, es sollte also möglich sein ein 

Stativ für die Stabilität zu verwenden, aber 

sein Sie vorsichtig dass Sie beim Aufstellen 

nicht an den Grashalm oder das Blatt mit der 

Larve stoßen. Für bildfüllende Fotos ist ein 

Makroobjektiv die beste Wahl. Eins mit einer 

Brennweite von 100mm oder mehr liefert 

eine gute Arbeitsdistanz. Wenn Sie kein 

Makroobjektiv haben sollten, liefern auch ein 

Zwischenring oder ein Filter für 

Nahaufnahmen exzellente Ergebnisse. Sie 

werden wahrscheinlich nah am Boden 

arbeiten, wobei die LiveView-Funktion bei 

der Komposition sehr hilfreich sein wird. 

Wählen Sie eine Blende die klein genug ist 

um das Insekt in einen akzeptablen Fokus zu 

bringen, aber die auch groß genug ist um den 

Hintergrund unscharf zu machen. Eine 

schnelle Belichtungszeit ist nicht wichtig 

wenn Sie ein Stativ verwenden, da sich das 

Insekt nicht schnell bewegen wird. Sie 

erhalten die besten Resultate bei natürlichem 

Licht. Hintergrundbeleuchtung funktioniert 

hier besonders gut und beleuchtet die 

Flügeldetails und die Lichtdurchlässigkeit 

des Insektenkörpers. Grobe Schatten 

lassen sich am besten mit einem kleinen 

Silber/Weiß - Reflektor beheben oder mit 

weißem Karton. Sollten Sie ablenkende 

Gräser im Hintergrund feststellen, müssen 

Sie diese evtl. sorgfältig mit einer Schere 

entfernen. Zum Abschluss sollten Sie für 

maximale Schärfe den Selbstauslöser oder 

einen ferngesteuerten Auslöser 

verwenden. Viel Glück! 


LEE FROST 

Halten Sie nach dem goldenen 

Schuss Ausschau 

F) Ich liebe Regenbogen und möchte 

ein paar richtig schöne Fotos 

machen. Welchen Rat können Sie mir 

geben? 

Nicky Armstrong 

A) Regenbogen entstehen wenn das Sonnenlicht 

durch Wassertropfen scheint, Sie brauchen zuerst 

also mal die richtigen Bedingungen und das Motiv! 

Große Wasserfälle sind sehr geeignet, denn 

solange die Sonne scheint haben diese oft einen 

dauerhaften Regenbogen. Üblicherweise 

entstehen Regenbögen aber wenn die Sonne nach 

einem Regenschauer durchkommt. Wenn Sie bei 

diesen Bedingungen draußen sind, wenden Sie 

Ihren Rücken einfach der Sonne zu und schauen 

sich um. Stürmische Tage erschaffen die 

dramatischsten Regenbögen, da Sie diese vor 

einem dunklen Himmel fotografieren können und 

wodurch die Farben im Bogen mehr 

hervorstechen. Setzen Sie einen Polarisator auf das 

Objektiv und schauen Sie, ob Sie beim Drehen 

einen Unterschied feststellen können - wenn Sie es 

aber übertreiben kann es sein dass der 

Regenbogen ganz verschwindet. Leichte 

Unterbelichtung - 1/3 oder -1/2 Stopp – helfen 

Ihnen dabei den Regenbogen zu verbessern, aber 

Sie können dies ggf. auch in der Nachbearbeitung 

tun. Zum Schluss sei noch gesagt, dass es zwar 

verlockend ist den ganzen Regenbogen mit einem 

Weitwinkelobjektiv zu fotografieren, aber wenn Sie 

dies tun wird der Bogen sehr dünn und verliert 

seine Wirkung. Wenn Sie sich mit einem 

Teleobjektiv auf einen Teil des Regenbogens 

konzentrieren erhalten Sie oft bessere Ergebnisse. 

Bekommen Sie die 

Graufilter in den Griff 

F) Ich spare gerade für einen 

Satz Graufilter für 

Landschaftsaufnahmen. Was 

ist der Unterschied zwischen 

"weichen" und "harten" 

Graufiltern und welche 

Dichten empfehlen Sie? 

James Hall 

A) Die Begriffe "weich" und "hart" geben 

an wie der Filter von grau zu klar aufsteigt. 

Weiche Graufilter haben eine sanfte 

Abstufung im zentralen Bereich, während 

harte Graufilter abrupter von grau zu klar 

wechseln. Neulinge kaufen oft die 

weichen Filter, da diese mehr Fehler 

verzeihen und weniger Spuren im Foto 

hinterlassen, wenn sie nicht korrekt 

ausgerichtet sind. Allerdings eignen sich 

für den allgemeinen Gebrauch die harten 

Filter besser, da die Dichte des Grauteils 

des Filters über den gesamten Bereich 

konsistenter ist und somit seine Funktion 

effektiver ausführt. Weiche Graufilter 

verlieren an Dichte im oberen Graubereich 

des Filters und sinken sanft in den klaren 

Bereich ab. Die angegebene Dicht von 

– 0.6, 0.9 oder was auch immer 

angegeben ist – gilt nur für den ganz oberen 

Bereich des Filters. Der Himmel ist oft am 

Horizont am hellsten, aber hier sind die 

weichen Graufilter am wenigsten effektiv, 

weswegen Fotografen zwei oder drei 

Graufilter stapeln, um den gewünschten 

Effekt zu erzielen. Daher empfehlen wir 

einen Satz harter Graufilter zu kaufen. 

Wählen Sie bei der Dichte 0.6 und 0.9 (zwei 

und drei Stopps, oder x4 und x8, abhängig 

von der Marke). Sie werden 0.6ND beim 

Fotografieren am hilfreichsten finden, 

während der dichtere 0.9ND in der 

Dämmerung zum Tragen kommt. Es lohnt 

sich auch eine schwächere Dichte von 0.3 

(ein-Stopp oder x2) zu kaufen, für 

Aufnahmen bei denen das Motiv im Wasser 

gespiegelt ist - Sie können den Himmel und 

das Motiv herunterstufen und der Reflektion 

im Wasser mehr Belichtung geben, damit sie 

nicht zu dunkel erscheint. 

Gibt es einen Verwendungszweck für weiche 

Graufilter? Für Bilder bei denen der Horizont 

durch wichtige Elemente unterbrochen wird, 

funktionieren sie normalerweise besser. 

Wenn Sie Graufilter zur Kontrolle des 

Kontrasts in anderen Bereichen einer Szene 

als den Himmel einsetzen, eignen sich 

weiche besser. Wir empfehlen Ihnen 

allerdings mit den harten Graufiltern 

anzufangen. 

Ausgewaschener Himmel 

Mit Graufilter korrigiert 

LEE FROST 




Viva Las Vegas: 

Bringen Sie das Potential dieser 

Stadt mit einem 

Weitwinkelobjektiv zum Tragen. 

ISTOCK PHOTO 

Welchen Stativkopf 

brauche ich? 

F) Ich stehe kurz vor dem Kauf 

eines ordentlichen 

Kohlefaserstativs, aber kann 

mich nicht für den besten 

Stativkopf für die 

Landschaftsfotografie 

entscheiden. Was ist der 

Unterschied zwischen den 

unterschiedlichen Typen und 

welcher eignet sich am besten für 

Landschaften? 

Peter Coulson 

A) nterschiedliche Stative und Stativköpfe 

erfüllen unterschiedliche Aufgaben und was für 

den einen Fotografen perfekt ist, funktioniert 

nicht für den anderen. Es gab eine Zeit in der 

alle Stativköpfe das gleiche drei-Wege-Design 

zum Drehen und Schwenken verwendeten und 

drei „Arme“ hatten mit denen Sie Stativkopf 

einstellen und einrasten konnten. Sie können 

dieses Stativ noch immer kaufen und es ist 

weiterhin beliebt. In den letzen Jahren hat 

allerdings der „Kugelkopf“ angefangen zu 

übernehmen. Bei diesem Design können Sie 

die Kamera flüssig mit Hilfe von Kugel und 

Sockel in jede Richtung bewegen und 

einrasten. Die Kugelköpfe sind zudem auch 

kompakter, da Sie keine Kontrollarme haben. 

Dazwischen finden Sie noch den Neigekopf wie 

den Manfrotto 410, der so wie die Dreh-und- 

Dreh-und-schwenkbar 

Schwenk-Köpfe funktioniert, aber viel kleinere 

Kontrollelemente verwendet mit Sie schnelle und 

präzise Einstellungen vornehmen können. Es gibt 

zudem pistolengriffförmige Köpfe, die eigentlich 

Kugelköpfe mit einem Kontrollarm sind – drücken 

Sie zu um den Ball zu lockern, positionieren Sie 

die Kamera und lassen wieder los um die Kamera 

einzurasten. Alle haben Vor- und Nachteile und 

unser Rat ist es einfach ein paar in Ihrem lokalen 

Fotogeschäft zu testen. Kugelköpfe bieten 

wahrscheinlich den besten Kompromiss 

insgesamt, was Größe, Gewicht und Einfachheit 

der Handhabung angeht, aber vielleicht liegt 

Ihnen das Ganze nicht. Egal für welchen 

Stativkopf Sie sich entscheiden, stellen Sie sicher 

dass es sich um gute Qualität handelt und dass er 

robust genug ist Ihre Kamera mit dem schwersten 

Pistolengriff 

Objektiv zu halten. Bei den meisten 

Stativköpfen wird die Tragkraft in Kilogramm 

angegeben – idealerweise kaufen Sie einen 

Stativkopf mit mindestens 5kg Belastbarkeit. 

Es ist unwahrscheinlich dass Sie so viel 

Gewicht verwenden werden, aber es ist besser 

einen stärkeren Kopf zu haben, als einen der zu 

schwach ist. Es gibt keinen Grund Ihr Budget 

für Kohlefaserbeine auszugeben, wenn Sie am 

Kopf sparen – der Stativkopf trägt Ihre Kamera 

und ist wichtiger als die Beine. Als preislicher 

Leitfaden müssen Sie mit mindestens £50 für 

einen ordentlichen Stativkopf rechnen, 

idealerweise geben Sie £100 aus. Giottos, 

Manfrotto, 3-Legged Thing und Arca Swiss 

sind die Hauptmarken, die Sie sich anschauen 

sollten. 


Las Vegas Objektiv- 

Dilemma 

F) Ich gehe im Sommer nach Las 

Vegas und frage mich welche 

Objektive ich mitnehmen soll, da ich 

außerdem den Grand Canyon 

besuchen werde. Ich habe eine 

Canon EOS 50D und wäre sehr 

dankbar, wenn Sie mir sagen 

könnten welches Objektiv ich 

verwenden sollte. 

Dave Jones 

A) Wir beneiden Sie zwar ein bisschen um Ihre 

Reise, aber wünschen Ihnen bei diesem 

Abenteuer alles Gute! Las Vegas ist eine 

einzigartige Erfahrung - wo sonst kann man 

moderne Imitationen der Freiheitsstatue, der 

Pyramiden und des Eifelturms nur wenige 

Minuten voneinander entfernt finden. Zudem gibt 

es zahlreiche fotogene Hotels wie den Caesar's 

Palace und das Innere des Venetian. Der Grand 

Canyon ist ein komplett anderer Ort zum 

Fotografieren und zudem ein Wunder das auf 

natürliche Weise vor Tausenden von Jahren 

entstand. Auch wenn beide sehr unterschiedlich 

sind, lassen sie sich am besten mit einem 

Weitwinkelobjektiv fotografieren, welches also auf 

Ihrer Einkaufsliste ganz oben stehen sollte. 

Sigmas 10-20mm f/4-5.6 findet man im 

Sonderangebot für knapp über £300 und dieses 

Objektiv bietet exzellente Qualität, während 

Canons £600-teures 10-22mm f/3.5-4.5 

Meistern der 

Belichtungswerte 

F) Ich habe einen Fotokurs 

begonnen und versuche mich an 

ein Handmessgerät zu gewöhnen 

(Sekonic L-308S). Was ist der 

Unterschied zwischen der 

Licht- und Objektmessmethode - 

ich verstehe die Vor- und 

Nachteile bei beiden nicht ganz. 

Lohnt sich ein Messgerät 

wirklich? 

Mark Rutherford 

A) Der Unterschied zwischen der Licht- und 

der Objektmessmethode ist leicht erklärt - bei 

der Lichtmessmethode wird das Licht 

gemessen das auf ein Motiv oder eine Szene 

fällt, während bei der Objektmessmethode das 

reflektierte Licht des Motivs oder der Szene zur 

Kamera gemessen wird. Alle Kameramesser, 

messen reflektiertes Licht und produzieren 

somit oft unter- oder überbelichtete Bilder. 

Wenn eine Szene viel Licht reflektiert, wie z.B. 

Schnee, eine weißes Hochzeitskleid oder ein 

Sandstrand im hellen Sonnenschein, kann das 

Messgerät der Kamera durcheinanderkommen 

und liefert zu wenig Belichtung und das Bild 

erscheint zu dunkel. Wenn eine Szene sehr 

wenig Licht reflektiert, wie eine schwarze Tür 

oder ein schattiger Hintergrund, kann das 

Messgerät der Kamera für zu viel Belichtung 

sorgen und das Bild erscheint zu hell. 

Verstehen Sie das Prinzip? 

Das großartige bei der Lichtmessmethode ist, 

dass aufgrund der Messung des Lichts das auf 

Objektiv eine Verbesserung in der Bildqualität 

bedeuten würde. Ein kurzes Teleobjektiv könnte 

sich für enges Cropping auch als nützlich 

erweisen und die bei weitem kostengünstigste 

Lösung ist das Tamron 55-200mm f/4-5.6, 

welche für den Preis eine sehr gute Leistung 

bietet. Sie sollten zudem auch ein paar Filter 

berücksichtigen. Ein Polarisator muss sein - er 

verstärkt den blauen Himmel an beiden Orten, 

während er Trübungen reduziert und die Farben 

der Wüste maximiert. Zudem empfehlen wir 

Ihnen ein paar Graufilter im Gepäck zu haben 

(einen 0.6ND und einen 0.3ND, die bei Bedarf 

kombiniert werden können), um die Belichtung 

von Himmel und Land auszugleichen. Das Cokin 

Motiv oder Szene fällt, die Reflektion keine 

Beeinflussung darstellt und es bestehen kaum 

Chancen dass die Messung falsch ist. Müssen 

wir jetzt alle aus der Tür stürzen und 

Handmessgeräte zur Lichtmessung kaufen? 

Nun, nicht wirklich. Handmessgeräte eignen 

sich gut zur Arbeit in kontrollierter Umgebung, 

wie einem Studio. Für den allgemeinen 

Gebrauch ist ein zusätzliches Messgerät neben 

dem der Kamera aber nur ein einziges 

Herumfummeln. Wenn sich das Licht rapide 

ändert müssen Sie neu messen, um 

Belichtungsfehler zu verhindern. Zudem 

funktioniert die Lichtmessung nur wenn Sie 

das Messgerät in die Lichtquelle halten 

können die auf Ihr Motiv fällt. Das ist bei 

Landschafts- und Architekturaufnahmen nicht 

immer möglich. In den ruhmreichen Tagen der 

Filmfotografie, waren Handmessgeräte 

wesentlich beliebter da genauste Belichtung 

wichtig war. Im digitalen 

Zeitalter können wir 

Belichtung nicht nur 

direkt vor Ort 

anpassen und prüfen, 

sondern können 

Belichtungsfehler 

sogar in der 

Nachbearbeitung 

beheben. 

Letztendlich kommt 

es auf Ihre 

persönlichen 

Präferenzen an. 

P System (www.intro2020.com) liefert das 

beste Preisleistungsverhältnis, aber Sie müssen 

mit der Vignettierung des Objektivs in der 

weitesten Einstellung aufpassen. Für die 

ultimativen Ergebnisse sollten Sie sich die Lee 

Filter anschauen (www.leefilters.com) – 

allerdings sind diese Filter ständig nachgefragt 

und Sie sollten sich gleich auf die Warteliste 

setzen lassen! Zuletzt sollten Sie noch ein 

anständiges Stativ dabei haben. Gute Reise! 

Leser-Feedback 

In der Ausgabe vom März 2011 

(Seite 95) fragte unser Leser 

Steve: “Warum sind meine 

Abzüge dunkel?”. Ich habe auch 

einen Canon MG6150 Drucker und das 

gleiche Problem. Die Lösung ist wie folgt: 

nachdem Sie Ihr Foto im Programm Ihrer 

Wahl bearbeitet haben, speichern Sie das 

Bild unter Dokumente oder in einem 

ähnlichen Verzeichnis und schließen Ihr 

Bearbeitungsprogramm. Öffnen Sie jetzt das 

Druckerprogramm, in diesem Fall Canon 

Solution Menu EX, klicken auf "Select Photo 

Print" und importieren das auszudruckende 

Bild. Nach der Auswahl von Papier, Größe, 

usw. klicken Sie auf Drucken. Aus 

irgendeinem Grund funktioniert das so, 

während der Ausdruck über das 

Nachbearbeitungsprogramm dunkler 

ausfällt als das was Sie am Monitor sehen. 

Weiter so! 

Russell Staley 




EXPERTENTIPP: SO MACHEN SIE MIT IHREM HOBBY GELD 

MIT FOTOS 

GELD 

VERDIENEN 

SIE NEHMEN FÜR IHR LEBEN GERN BEEINDRUCKENDE BILDER AUF? SIE WISSEN ABER 

NOCH NICHT, DASS SIE MIT IHREM HOBBY GELD VERDIENEN KÖNNEN? LESEN SIE 

WEITER, UM HERAUSZUFINDEN, WIE MAN BILDER IN BARE MÜNZE UMWANDELT ... 


Wie Sie mit Fotografie Geld verdienen 

TEXT: CAROLINE WILKINSON 

SO VERDIENEN SIE MIT 

HOCHZEITEN GELD 

Im ersten Teil unseres Specials über Hochzeitsfotografie entdecken Sie Ihren 

eigenen Stil und die Grundlagen des Geschäfts. Sie lernen etwas über die 

wesentlichen Marketing- und Preisstrategien und darüber, wie Sie die 

Konkurrenz auf Abstand halten. 

HOCHZEITSFOTOGRAFIE ist ein einfacher 

Weg, ein Vermögen zu machen, richtig? 

Falsch! Leider ist dies die weit verbreitete, 

lässige, aber falsche Vorstellung vieler Fotografen, 

und meistens führt sie bestenfalls zu einem 

Geschäft, das nicht richtig anläuft und 

schlimmstenfalls zu ein paar sehr unglücklichen 

Kunden und fürchterlichen Hochzeitsfotos. Damit 

wollen wir nicht sagen, dass Hochzeitsfotografie 

nicht profitabel sei – das kann sie mit Sicherheit sein 

– oder dass sie besonders schwierig sei. Fakt ist 

jedoch, dass – entgegen der landläufigen Meinung 

– nicht jeder, der eine halbwegs anständige digitale 

Spiegelreflexkamera und ein paar Objektive besitzt, 

auch ein guter Hochzeitsfotograf ist. In den nächsten 

drei Monaten werden wir Ihnen alles beibringen, was 

Sie über Hochzeitsfotografie wissen sollten. 

Angefangen damit, wie Sie in das Geschäft 

einsteigen können, über die Akquise von Kunden 

und die Gestaltung von Hochzeitsfotos bis hin zu 

Nachbearbeitung, Workflow und Albumdesign. Wir 

hoffen nur, dass Sie danach immer noch bereit sind, 

es mit der Hochzeitsfotografie zu versuchen, und 

dass Sie mit der richtigen, gewissenhaften 

Einstellung und mit dem Respekt an die Sache 

herangehen, den die Hochzeitsfotografie und Ihre 

Kunden verdienen. 

Es gibt nicht viele gute Hochzeitsfotografen, die das 

nur des Geldes wegen machen – denn, ganz ehrlich, 

das Geld reicht nicht aus, um den Druck zu mindern, 

den Sie empfinden werden, weil Sie genau wissen, 

dass Sie nur einen Versuch haben, um den ganz 

besonderen Tag eines Paares einzufangen. 

Hochzeitsfotografie ist eine Leidenschaft, eine große 

Verantwortung und eine Verpflichtung. Aber sie ist 

auch eine dankbare Aufgabe. Es ist ein so gutes 

Gefühl, ein Paar zu sehen, dass sich über seine 

Aufnahmen freut und zu wissen, dass es Ihre Arbeit 

ein Leben lang schätzen wird. Hochzeitsfotografie 

kann so viel Freude bereiten, und das ist 

wahrscheinlich auch der Grund, warum es vielen 

Fotografen nichts ausmacht, umsonst auf 

Hochzeiten zu fotografieren – zumindest am Anfang. 

Fuß fassen 

Hochzeitsfotografen gibt es wie Sand am Meer, und 

Sie müssen sich darauf gefasst machen, dass Sie um 

Ihre Kunden konkurrieren müssen. Talent alleine 

reicht auf diesem Markt nicht aus: Eine Menge 

hervorragender Fotografen haben wirklich zu 

kämpfen, um Ihr Geschäft aufrecht zu erhalten, 

während bei anderen, mittelmäßigen Fotografen das 

Geschäft floriert. Das liegt daran, dass Fotografen 

oftmals die wesentlichen unternehmerischen 

Fähigkeiten fehlen, um sich selbst richtig zu 

vermarkten. 

„Sie sollten auf einem Markt anfangen, auf dem Sie 

sich wohlfühlen”, rät Hochzeitsfotograf Brett 

Harkness. „Es ist wichtig, dass Sie keine High- 

Society-Kunden und Hochzeiten mit Riesenbudget 

anstreben, bevor Sie dazu bereit sind. Sie brauchen 

es nur einmal zu vermasseln, und schon ist Ihr Ruf 

im Eimer.“ Außerdem müssen Ihre Preise mit Ihren 

Leistungen übereinstimmen. Wenn Sie also hohe 

Preise verlangen, so muss sich das für den Kunden 

widerspiegeln; angefangen dabei, wie Sie sich am 

Telefon melden,, über Ihre Flyer bis hin zu dem 

Kaffee, den sie Ihren Kunden servieren. Dies 

entscheidet über Ihren Markt, der wiederum über 

Ihren Markennamen entscheidet, und darüber, wie 

viel Sie darin investieren müssen. 

Ihr Markenname sollte widerspiegeln, wer Sie sind 

und in welchem Stil sie fotografieren. Außerdem 

steuert er, wie Ihre Herangehensweise an das 

Geschäft im Allgemeinen und an Hochzeiten im 

Besonderen von anderen gesehen wird. Zu Beginn 

brauchen Sie kein Geld in professionelles Branding 

zu investieren. Im Gegenteil; Sie sollten Sie das im 

ersten Geschäftsjahr, solange sich Ihr Geschäft 

etabliert, sogar eher vermeiden. Wenn Ihr Geschäft 

sich aber zur Vollzeitbeschäftigung entwickelt, sollten 

Sie einmal darüber nachdenken. Es ist wichtig, dass 

Ihr Markenname in allem, was Sie tun und in Ihrem 

Werbematerial durchgängig und akkurat 

repräsentiert wird, denn so erwecken Sie einen 

professionellen Eindruck, selbst wenn Sie nur ein 

Wochenend-Hochzeitsfotograf sind. 

Wenn Sie jedoch unbedingt Geld ausgeben wollen, 

dann sollten Sie sich überlegen, in eine vernünftige 

Webseite zu investieren, denn als 

Gesellschaftsfotograf ist dies Ihr Aushängeschild. 

Kunden entscheiden sich innerhalb von Sekunden, 

ob sie Sie kontaktieren wollen; je nachdem, wie 

professionell, schick und funktionell Ihre Webseite ist 

und wie Ihre Online-Mappe aussieht. Langweilige, 

selbstgebastelte Webseiten nach Schema F sind in 

diesem Geschäftsbereich einfach nicht der Bringer. 

Die Webseite sollte Ihren Markennamen und Ihren 

Stil als Fotograf widerspiegeln. Sie müssen aber nicht 

in eine teure, individuell zugeschnittene Webseite 

investieren. Unternehmen wie Bludomain, Clikpic, 

Amazing Internet und Freebird bieten 

designorientierte Vorlagen oder erschwingliche, 

maßgeschneiderte Websites, speziell für Fotografen. 

Sie sind ausgefeilt und professionell. Viele dieser 

Websites enthalten auch die immens wichtigen 

Blogs, Twitter- und Facebook-Links, so dass Sie Ihre 

Kunden und potenziellen Kunden über alle Ihre 

neuesten fotografischen Arbeiten auf dem Laufenden 

halten können und gleichzeitig zu Ihrer Authentizität 

und zu Ihrem Suchmaschinenranking beitragen. 

Es ist wichtig, dass Sie sich mit lokalen Anbietern wie 

Brautmodengeschäften, Hochzeitsplanern und 

Veranstaltungslokalen vernetzen. So bringen Sie Ihr 

Geschäft auf den Weg und bauen sich eine Basis von 

Empfehlungen auf. Sie werden Unterstützung 

benötigen, treten Sie also Ihrer lokalen 

Netzwerkgruppe bei, und Sie werden eine ganze 

Reihe von Betreibern kleiner Unternehmen kennen 

lernen. Sie können nie wissen, wo Sie das hinführen 

kann. Vielleicht können Sie dadurch eine Verbindung 

zu anderen lokalen Fotografen herstellen. Sich mit 

Wettbewerbern zu vernetzen, kann sich als 

Rettungsanker entpuppen. Fotografen unterstützen 

einander sehr, und wenn Sie entsprechende 

Kontakte haben, können Sie sich mit Fragen über 

Ausrüstung, Technik oder Geschäftliches jederzeit an 

erfahrene Leute wenden und Ihre Ideen diskutieren. 

Außerdem haben Sie dann jemanden, der Ihnen aus 

der Patsche helfen kann, wenn Sie krank werden 


LEADING PROS AT WORK 

Das Geschäft PHIL mit Hochzeiten 

MAKANNA 

Es gibt nicht viele gute Hochzeitsfotografen, die das nur des Geldes wegen 

machen – denn, ganz ehrlich, das Geld reicht nicht aus, um den Druck zu 

mindern, den Sie empfinden werden, weil Sie genau wissen, dass Sie nur 

einen Versuch haben, um den ganz besonderen Tag eines Paares 

einzufangen. 

oder auch aus anderen Gründen einen 

Hochzeitstermin nicht einhalten können. Wenn Sie 

es auf die Liste der bevorzugten Anbieter schaffen, ist 

das auch ein hervorragender Weg, um neue Kunden 

anzuwerben, da diese oft jemanden auf Empfehlung 

einstellen. 

Zunächst einmal sollten Sie die Veranstaltungslokale 

recherchieren, mit denen Sie zusammenarbeiten 

möchten. Überlegen Sie, welche Art von Gästen das 

Lokal besucht und ob dies die Klientel ist, für die Sie 

arbeiten möchten. Auf welche Art von Hochzeiten 

hat sich das Lokal spezialisiert? Hat es ein 

besonderes Highlight, wie einen See oder verfügt es 

über ein prachtvolles, charismatisches Interieur oder 

einen großen Park oder Garten? Wie viel muss der 

typische Kunde für eine Hochzeitsfeier in diesem 

Ambiente bezahlen? Und nehmen Sie auf jeden Fall 

den Standard und den Stil der Fotografen unter die 

Lupe, die das Lokal bereits empfiehlt. Auf diese 

Weise können Sie erkennen, ob Sie dazu passen. 

Wenn das Lokal zum Beispiel bislang nur 

traditionelle Fotografen hat und Ihre Arbeit etwas 

moderner ist, könnte das Ihr Fuß in der Tür sein. 

Bevor Sie sich an einen Kontaktmann wenden, 

sollten Sie sich über Ihre Zielvorgaben im Klaren 

sein. Auf wie vielen Hochzeiten pro Jahr möchten Sie 

in diesem Lokal fotografieren, was können Sie im 

Gegenzug anbieten – wären Sie zum Beispiel bereit, 

neue, schicke Werbefotos des Lokals zu machen und 

einen Link auf Ihre Webseite zu stellen? Verfassen Sie 

einen formellen Brief mit einer Auswahl Ihrer Bilder, 

einer Visitenkarte und Ihres Flyers. Einige Tage später 

rufen Sie an, um ein Treffen zu vereinbaren. Nehmen 

Sie Visitenkarten, Flyer und Ihr digitales Portfolio 

sowie Ihre Fotomappe mit Ihren besten Fotos mit, so 

dass Sie belegen können, dass Ihre Marken und Ihre 

Kernwerte zusammenpassen. Wenn Sie lernen, sich 

selbst und Ihre Dienste zu verkaufen, stets 

professionell auftreten – selbst wenn Sie nur 

gelegentlich auf Hochzeiten fotografieren – und 

gewissenhaft Ihre Geschäftskontakte pflegen, gibt es 

keinen Grund, warum Sie kein erfolgreiches 

Geschäft führen können sollten, egal in welchem 

Rahmen. 



Wie viel sollten Sie 

berechnen? 

Wenn Sie auf einem kreativen aber sehr 

ungeregelten Markt mit vielen 

Wettbewerbern wie der 

Hochzeitsfotografi e Ihre ersten 

geschäftlichen Schritte machen, ist es 

eine der schwierigsten Aufgaben, Ihren 

Diensten einen fi nanziellen Wert 

zuzuordnen. Viele Fotografen beginnen 

mit niedrigen Preisen, weil sie wenig 

Selbstvertrauen haben. Später, wenn ihr 

Selbstvertrauen mit der Erfahrung wächst, 

verlangen Sie etwas mehr. Es gibt aber 

auch andere, die vor Selbstbewusstsein 

strotzen, aber keine Erfahrung haben. Sie 

kommen neu auf den Markt und 

verlangen direkt 1500 bis 2.500 Euro. Den 

Wert der eigenen Arbeit zu kennen und 

das Selbstbewusstsein zu haben, zu Ihren 

Preisen zu stehen, ist etwas, das Sie von 

Anfang an trainieren sollten. Sie können 

Ihre Preise um ca. 20 Prozent pro Jahr 

anheben, ohne Ihre Empfehlungen zu 

verfremden, die ja auf dem basieren, was 

Sie für Ihre letzte Hochzeit verlangt 

haben. Es kann aber Jahre dauern, bis Sie 

das „gängige Honorar“ verlangen können, 

das Ihnen zusteht. Das liegt im Moment 

bei ca. 1.700 Euro. Wenn Sie sich dazu 

entschließen, Ihre Preise über Nacht 

drastisch anzuheben, könnte es 

passieren, dass Sie sich von all der harten 

Arbeit verabschieden, die es gekostet hat, 

um eine Basis von Empfehlungen in dem 

Geschäftsbereich aufzubauen. In der Tat 

ist es eine viel bessere Strategie, zuerst 

einmal umsonst auf Hochzeiten zu 

fotografi eren, mit dem Ziel, eine Mappe 

und Selbstvertrauen aufzubauen und 

dann, wenn Sie dazu bereit sind, die 

Preise zu verlangen, die Ihnen zustehen. 

Denken Sie aber daran, den Kunden, die 

Sie gratis fotografi eren, zu sagen, was Sie 

normalerweise verlangen würden, so dass 

diese Ihren Freunden auf Nachfrage den 

richtigen Betrag nennen können. 

Natürlich kommen mit einem höheren 

Preisschild auch höhere Erwartungen und 

das kann einen neuen 

Hochzeitsfotografen schon einschüchtern. 

Aber wenn Sie professionelle Preise 

verlangen, werden Sie auch einen 

professionelleren Eindruck erwecken und 

wahrscheinlich mehr Kunden anziehen. 

Ihre Preisspanne hängt von einigen 

Variablen ab: Sie müssen 

wettbewerbsfähig sein, so dass Sie Ihre 

Dienste nicht unter Preis anbieten, sich 

andererseits aber auch nicht teurer 

verkaufen, als es der lokale Markt hergibt. 

Außerdem sollten Sie wissen, wie viel 

Geld Sie verdienen müssen, um noch 

profi tabel zu sein – sonst hätte das Ganze 

ja keinen Sinn. 

Bei Hochzeiten gibt es jede Menge 

Verbindlichkeiten. Sie müssen 

Versicherungskosten ebenso mit 

einrechnen, wie den Verschleiß Ihrer 

Ausrüstung, Fahrtkosten, Miete für 

Ausrüstung und Requisiten, Lohnkosten 

für einen Assistenten oder eine 

Assistentin, Werbungskosten – eben alles, 

was Sie für Ihr Geschäft benötigen. Und 

natürlich – und das ist wohl das 

Wichtigste – Ihre Zeit und Ihr Talent. Eine 

Möglichkeit, Ihre Preise zu berechnen, ist, 

einen Stundensatz anzugeben, der sollte 

allerdings nicht nur den Hochzeitstag 

selbst, sondern auch die Nachbearbeitung 

und das Albumdesign umfassen. Ein 

durchschnittlicher Satz liegt bei ca. 60 Euro 

pro Stunde. 

Die Kosten für ein Album können bis zu 

700 Euro betragen, je nachdem, mit wem 

Sie zusammenarbeiten. Das müssen Sie 

auch noch einkalkulieren, wenn Sie 

profi tabel arbeiten wollen. Manche 

Fotografen bieten dies als zusätzliche 

Option an und geben dem Kunden 

stattdessen die Bilder auf CD. Natürlich 

gibt es viele Argumente dafür und 

dagegen. Im Grunde hängt es aber davon 

ab, wie empfi ndlich Sie sind, was Ihre 

Bilder anbelangt und ob Sie riskieren 

möchten, dass Ihre Kunden Ihre Fotos 

bearbeiten und Ihre Arbeit damit 

verändern, und ob Sie das Zusatzgeschäft 

mit Abzügen aus der Hand geben wollen. 

Sie könnten natürlich eine Klausel in 

Ihren Vertrag aufnehmen, um Ihre Bilder 

zu schützen, damit haben Sie aber noch 

keine Kontrolle über die Qualität der 

Abzüge. Alternativ könnten Sie Ihren 

Kunden eine CD mit den Bildern 

zusätzlich zum Album anbieten – 

kostenlos oder gegen Aufpreis. 

Grundsätzlich ist es halt die Frage, wie Sie 

Ihr Geschäft führen und welchen Service 

Sie Ihren Kunden bieten möchten. 

Ihre Preisspanne hängt von einigen Variablen ab: Sie müssen 

wettbewerbsfähig sein, so dass Sie Ihre Dienste nicht unter 

Preis anbieten, sich andererseits aber auch nicht teurer 

verkaufen, als es der Markt hergibt. Außerdem sollten Sie 

wissen, wie viel Geld Sie verdienen müssen, um noch profitabel 

zu sein – sonst hätte das Ganze ja keinen Sinn. 

Was, wenn Freunde Sie 

bitten, bei ihrer Hochzeit 

zu fotografieren? 

Wägen Sie sorgfältig die Erwartungen Ihrer Freunde ab. 

Bitten Sie sie, Ihnen Fotos zu zeigen, die ihnen gefallen und 

seien Sie ehrlich zu sich selbst und auch zu Ihren Freunden: 

Können Sie Fotos von ähnlicher Qualität machen? Wenn Sie 

sich nicht sicher sind, ob Sie diesen Anforderungen genügen, 

sagen Sie es ihnen, bieten Sie aber gleichzeitig an, als zweiter 

Fotograf zusätzliche Aufnahmen zu machen. So gehen Sie kein 

Risiko ein, Ihre Freunde bekommen umsonst zusätzliche Fotos, 

und Sie erhalten außerdem die Möglichkeit, Erfahrungen und 

Bilder für Ihre Mappe zu sammeln. 

Arrangieren Sie vor der Hochzeit Probeaufnahmen mit dem 

Brautpaar. So werden sich beide Parteien am Hochzeitstag 

wohlfühlen und wissen, was sie voneinander zu erwarten 

haben. Schauen Sie sich vorher den Veranstaltungsort an und 

achten dabei auf Hintergründe und Lichtverhältnisse. 

Rüsten Sie sich richtig aus. Lesen Sie diesen Monat in der 

Testrubrik, was Sie, abhängig von Ihrem Erfahrungsniveau, 

mieten oder kaufen sollten. 

Besorgen Sie sich eine Fotoliste. Bitten Sie Ihr Brautpaar, 

eine Liste mit den „wichtigsten“ Bildern zu erstellen und 

benutzen diese am Hochzeitstag als Checkliste. Es gibt nichts 

Schlimmeres, als zu spät festzustellen, dass Sie kein Bild von 

dem glücklichen Paar zusammen mit der Oma und keine 

Ganzkörperaufnahme der Braut in ihrem Brautkleid gemacht 

haben. 

Machen Sie sich mit der Beleuchtung vertraut. Die meisten 

Hochzeitsfotografen verlassen sich für ihre Bilder auf das 

Tageslicht. Dabei meiden sie oft direktes Sonnenlicht, weil sie 

befürchten, Details des Kleides zu stark zu belichten, und 

ruinieren dabei das Foto durch tiefe Schatten und blinzelnde 

Modelle. Es ist also absolut notwendig, dass Sie lernen, wie 

man Tageslicht kontrollieren und dämpfen kann. Für den Fall, 

dass Sie direktes Sonnenlicht benutzen müssen, sollten Sie 

auch lernen, mit Aufhellblitz, indirektem Blitz und externem 

Blitz zu arbeiten. 

Suchen Sie sich Hilfe. Bitten Sie einen Freund, Ihren Partner 

oder Ihre Partnerin oder jemanden aus der 

Hochzeitsgesellschaft (am besten einen Trauzeugen), bei der 

Organisation der einzelnen Gruppen zu helfen und, falls nötig, 

Reflektoren zu halten. Wenn Sie jemanden haben, der so lange 

die Gesellschaft unterhält, ist das ein großes Plus. Auf diese 

Weise werden Braut und Bräutigam nicht von einer Horde 

Paparazzi aus den Reihen der Gäste abgelenkt, während Sie sie 

fotografieren. 

Gehen Sie kein Risiko ein. Stellen Sie Ihre Kamera auf Raw 

und auf Zeitautomatik mit Blendenvorwahl ein. So sind Sie 

flexibler und können eine Aufnahme, die nicht ganz optimal ist, 

in der Nachbearbeitung besser retten, als wenn Sie in JPEG 

fotografieren. Wenn Sie mit Voll- oder Halbautomatik arbeiten, 

können Sie sich auch besser auf die Interaktion mit den Gästen 

konzentrieren und spontane Momente einfangen, die Sie 

womöglich verpasst hätten, weil Sie noch mit der 

Kameraeinstellung beschäftigt waren. 

Leiten Sie Ihre Modelle an, aber unterbrechen Sie sie nicht. 

Als Fotograf ist es Ihre Aufgabe, schöne Fotos zu machen, die 

den Tag einfangen, ohne sich einzumischen. Die meiste Zeit 

sollte der Fotograf Mäuschen spielen und kaum zu sehen oder 

zu hören sein. Stellen Sie also, wenn Sie können, Ihre Kamera 

leise und entdecken Sie den Fotojournalisten in sich. Je mehr 

die Gäste sich Ihrer Anwesenheit bewusst sind, desto weniger 

wahrscheinlich ist es, dass Sie spontane Momente und 

natürliche Gesichtsausdrücke einfangen. Wenn aber die 

Portraits des Brautpaars und der Gäste an der Reihe sind, 

sollten Sie die Kontrolle übernehmen. Haben Sie keine Angst, 

die Gäste herumzukommandieren. Achten Sie dabei aber 

darauf, dass die Atmosphäre angenehm und locker bleibt, so 

dass Sie Ihre Fotos schießen können, während die Leute dabei 

in Partylaune bleiben. 

Die meisten neuen Aufträge bekommen Sie durch 

Mundpropaganda und Empfehlungen. Achten Sie also darauf, 

dass Sie immer Ihre Visitenkarten dabei haben. 




MAKANNA 

So bauen Sie Ihre Hochzeitsmappe auf 

Potenzielle Kunden messen Ihren Wert an der Qualität Ihrer Fotografien. Eine ordentliche Mappe ist also unabdingbar. Wir 

zeigen richtige und falsche Wege, eine Mappe anzulegen und zu präsentieren, und das Geschäft anzukurbeln. 

WENN SIE MIT der 

Hochzeitsfotografie anfangen, 

kann es sein, dass Sie auf das 

Dilemma mit dem Huhn und dem Ei stoßen: 

Um zahlende Kunden anzuziehen, brauchen 

Sie eine Mappe, aber um die Mappe zu 

bekommen, brauchen Sie die Kunden. Das ist 

wahrscheinlich auch der Grund, warum viele 

neue Hochzeitsfotografen anfangs die 

Hochzeiten Ihrer Freunde und 

Familienmitglieder gratis oder als zweiter 

Fotograf fotografieren. Das ist ein guter Weg, 

eine Mappe aufzubauen, aber sie bietet Ihnen 

nicht die Möglichkeit, Ihren Stil und Ihre 

Kreativität zu verfolgen und zu entwickeln, da 

bei einer Hochzeit kaum Zeit für fotografische 

Experimente bleibt, und da Sie als zweiter 

Fotograf auf die Bilder beschränkt sind, die der 

Hauptfotograf will. 

Eine Scheinhochzeit, auch Probeaufnahme 

genannt, zu organisieren, kann auf der 

anderen Seite eine tolle Möglichkeit sein, eine 

Mappe anzulegen, die Ihre Talente und Ihren 

Stil den potenziellen Kunden im besten Licht 

präsentiert. Außerdem können Sie dabei Ihre 

fotografischen und beleuchtungstechnischen 

Fähigkeiten vervollkommnen und gleichzeitig 

neue Techniken ausprobieren, die sie später 

bei einer echten Hochzeit anwenden können. 

Da Sie die Aufnahmen kontrollieren, können 

Sie langsamer arbeiten und methodischer 

vorgehen, um die Aufnahme perfekt 

hinzukriegen, als Sie es bei einer richtigen 

Hochzeit könnten, bei der Sie ja durch den 

Tagesablauf und durch Ihren Wunsch, die 

Geschichte des Paares zu erzählen, 

eingeschränkt sind. Es ist auch deutlich 

leichter, Ihre Grenzen zu überschreiten und 

Ihre Kreativität auszuprobieren, wenn Ihnen 

kein zahlender Kunde in die Kamera oder über 

die Schulter guckt, da Sie nicht befürchten 

müssen, inkompetent oder unprofessionell zu 

wirken. 

Wenn Sie der Konkurrenz immer einen Schritt 

voraus sein wollen, ist es ebenso wichtig, Ihre 

Mappe immer auf dem neuesten Stand zu 

halten, wie Ihre fotografischen Fähigkeiten zu 

erweitern. Probeaufnahmen sind also eine gute 

Übungsmöglichkeit für jeden Fotografen – egal 

auf welchem Niveau er sich befindet oder wie 

lange er schon im Hochzeitsgeschäft ist. 

Lifestyle- und Hochzeitsfotograf Stuart Cooper 

ist bemüht, mindestens zwei oder drei Termine 

pro Jahr durchzuführen. Das gibt ihm die 

Gelegenheit, seine Mappe mit Fotos auf den 

neuesten Stand zu bringen, die die gängigen 

Hochzeitstrends widerspiegeln, aber 

gleichzeitig auch neue kreative Ideen 

auszuprobieren. 

Wann immer Sie Probeaufnahmen machen, 

sollten Sie sich dabei alle Mühe geben und 

Wenn Sie Ihrer Konkurrenz immer 

einen Schritt voraus sein wollen, 

ist es wichtig, nicht nur Ihre Mappe 

immer auf dem neuesten Stand zu 

halten, sondern auch Ihre 

fotografischen Fähigkeiten mit 

Probeaufnahmen 

weiterzuentwickeln. 

oftmals ist es im Rahmen einer Netzwerkübung 

eine gute Idee, andere Ausstatter mit ins Boot zu 

nehmen. Mit solchen Aufnahmen kann man eine 

Menge erreichen. Wenn Sie zum Beispiel in die 

Empfehlungsliste eines Veranstaltungslokals 

aufgenommen werden möchten, aber Sie dort 

noch keine Hochzeit fotografiert haben, können 

Sie einen Fuß in die Tür kriegen, indem Sie den 

Geschäftsführer fragen, ob Sie das Lokal für 

Probeaufnahmen benutzen dürfen. Als 

Gegenleistung können Sie ein paar Aufnahmen 

des Lokals anbieten”, führt Stuart aus. Wenn Sie 

ein solches Geschäft auch mit einem 

Friseursalon, einer Kosmetikerin und attraktiven 

Freundinnen und Freunden abschließen, die Sie 

als Models benutzen können, und außerdem ein 

Brautmodengeschäft bitten, Ihnen ein Brautkleid 

zur Verfügung zu stellen, haben Sie alle Zutaten 

zu Ihren Probeaufnahmen beisammen. Da alle 

Parteien Ihre Zeit, Dienste und Waren umsonst 

zur Verfügung stellen, sollten Sie sicherstellen, 

dass Sie dies mit guten Fotos ihrer Beiträge 

vergelten, zum Beispiel Nahaufnahmen der 

Blumenarrangements und des Hochzeitskleides 

oder schöne Portraits für das Modell und die 

Kosmetikerin. Das ist eine sehr gute Möglichkeit 

Geschäftsverbindungen mit lokalen Anbietern zu 

Suchen Sie sich professionelle Hilfe 

Wenn Sie professionellen Verbänden wie der Society 

of Wedding and Portrait Photographers (SWPP) 

beitreten, erhalten Sie Zugriff auf eine breite Spanne 

von professionellen Ratschlägen und Kontakten in 

der Industrie, die Ihnen helfen können, 

Probeaufnahmen zu organisieren. Die SWPP bietet 

ihren Mitgliedern auch ein Mentorprogramm an, 

durch das man Trainingsprogramme und eine 

direkte Einschätzung der eigenen Arbeit erhält, 

sowie Ratschläge, die Ihnen helfen, sich weiter zu 

entwickeln (für weitere Informationen mailen Sie an 

info@swpp.co.uk). Weiterhin gibt es auf dem Markt 

auch einige Hochzeitsfotografiekurse, mit deren 

Hilfe Sie Ihre Mappe ergänzen können, während Sie 

gleichzeitig üben. Dort werden die Probeaufnahmen 

für Sie so organisiert, dass sie stilisiert und 

authentisch aussehen. Allerdings werden Sie sich 

die Aufnahme oftmals mit anderen Fotografen teilen 

müssen. Das ist eine gute Option, wenn Sie das 

professionelle Training wollen, aber Sie sollten sich 

für Ihre Mappe nicht alleine auf diese Aufnahmen 

verlassen, da sie kein korrektes Bild Ihrer Fähigkeit, 

eine Hochzeit zu fotografieren, liefert. Wir raten 

Ihnen, Kurse bei Brett Harkness Photography und 

Aspire Photography Training zu belegen. 

knüpfen, Ihre Bilder auf die Webseiten anderer 

Geschäftsbereiche zu bringen, und es gibt 

Ihnen außerdem noch etwas, worüber Sie in 

Ihrem Blog schreiben können, was laut Stuart 

sehr vorteilhaft sein kann. 

„Ein Blog ist ein sehr sinnvolles Marketing- 

Werkzeug. Wenn zum Beispiel jemand an 

einem bestimmten Ort heiraten möchte und 

Sie gerade in Ihrem Blog über 

Probeaufnahmen, die Sie dort gemacht haben, 

berichtet haben, bestehen gute Chancen, dass 

die Suchmaschine Ihren Blog angibt, wenn 

das Brautpaar den Namen des Ortes eingibt.“ 

Probeaufnahmen sind eine Möglichkeit, 

ungewöhnliche Orte oder Schauplätze zu 

FOTO: © STUART COOPER PHOTOGRAPHY 



„Trash the dress“ 

Eine andere Möglichkeit, Ihre Mappe zeitgemäß 

aussehen zu lassen und dabei noch etwas dazu zu 

verdienen, ist, Ihren Kunden nach der Hochzeit noch 

einen zusätzlichen Fototermin anzubieten. Vor ein paar 

Jahren schwappte ein amerikanisches Konzept mit 

dem Namen „Trash the Dress“ („klopp das Kleid in die 

Tonne”) über den Atlantik und verursachte dabei 

einigen Aufruhr. Bräute schwammen im Meer, gingen 

auf Bahngleisen spazieren und posierten auf 

Heuhaufen und in schmuddeligen Stadtszenen und 

sorgten so für Bilder mit redaktionell aussehendem 

Schliff. Es war eine faszinierende Idee, aber irgendwie 

fand der Gedanke, ein 1.000-Euro-Kleid womöglich zu 

ruinieren, in Europa keinen rechten Anklang. Aber die 

Idee, das Brautpaar für einen stilistischeren und 

kreativeren Ansatz an einem ungewöhnlichen Ort zu 

fotografieren, ist grundsätzlich toll – welche Braut 

möchte schließlich keine Bilder von sich in ihrem 

Hochzeitskleid, die so aussehen, als kämen sie direkt 

aus einem Hochglanz-Hochzeitsmagazin. Auch wenn 

es gar nicht nötig ist, dass die Braut Ihr geliebtes 

Hochzeitskleid ruiniert – fühlen Sie dem Paar doch 

einmal auf den Zahn. Vielleicht werden Sie feststellen, 

dass die beiden bereit sind, mehr auszuprobieren, als 

Sie denken. 

© BRETT HARKNESS PHOTOGRAPHY 

benutzen, zu denen man normalerweise nicht 

während einer Hochzeit fahren würde, zum 

Beispiel Denkmäler, Bahnhöfe, Ruinen oder 

die Küste. Sie können auch mit dem Licht 

spielen und zu Uhrzeiten fotografieren, die 

Ihnen normalerweise nicht zur Verfügung 

stünden. Um 5:00 Uhr morgens ist das Licht 

toll, aber wer würde schon eine Braut 

überreden wollen, an ihrem Hochzeitstag so 

früh aufzustehen? 

Wenn Sie einen exklusiven Schauplatz 

wünschen, aber man lässt Sie nicht umsonst 

fotografieren, sollten Sie überlegen, ob Sie 

nicht dafür bezahlen wollen und die Kosten als 

Investition ansehen. Gewöhnlich kostet so 

etwas zwischen 50 und 200 Euro, je 

nachdem, wie viel von dem Schauplatz Sie 

benutzen wollen und wie lange Sie ihn 

benötigen. Aber wenn Sie den 

Verantwortlichen Postkarten von den Bildern, 

die Sie gemacht haben, zuschicken, könnten 

Sie Glück haben und in die Liste ihrer 

bevorzugten Fotografen aufgenommen 

werden. Wenn das passiert, sind die 200 Euro 

sinnvoll angelegt. 

Stuart empfiehlt vor den Aufnahmen einen 

Erkundungsgang durch das Gelände, um die 

besten Plätze für natürliches Licht zu finden 

und um zu planen, wo Sie zu welcher Tageszeit 

sein sollten, um das beste Licht zu haben. 

Requisiten können dazu beitragen, Ihren 

Bildern redaktionellen Schliff zu geben und sie 

stilisierter wirken zu lassen. Sie können so 

außerdem noch mehr von Ihren Aufnahmen 

profitieren, da Sie sie auf Hochzeitsblogs 

posten oder an Magazine für Marketing und 

PR-Material schicken können. 

Egal, ob Sie die Aufnahmen für einen ganzen 

Tag oder nur für ein paar Stunden planen: Sie 

können entweder hinfahren, um eine oder 

zwei Aufnahmen mit „Wow-Faktor“ zu 

machen, oder um jede Menge guter 

Aufnahmen zu bekommen. Es ist immer 

sinnvoll, ein paar Seiten aus einer Zeitschrift in 

der Tasche oder ein paar Bilddateien auf Ihrer 

Speicherkarte zu haben, die Ihnen eine Ahnung 

vermitteln, was Sie erreichen oder ausprobieren 

möchten. Man kann nicht alles schaffen. Es hilft 

also, Anschauungsmaterial dabei zu haben, um 

das Beste aus der zur Verfügung stehenden Zeit 

herauszuholen und die Aufnahmen künstlerisch 

in Szene zu setzen. Natürlich wollen Sie die 

Aufnahmen nicht kopieren, aber sie dienen Ihnen 

als Inspiration und können hilfreich sein, um die 

Modelle anzuleiten. Auch wenn Sie die 

Aufnahmen planen sollten, lassen Sie doch 

genug Raum für Spontaneität. Sie können nie 

wissen, was passiert und das ist auch eine gute 

Möglichkeit zu lernen, sowohl reaktiv als auch 

proaktiv zu sein, so wie sie es bei einer echten 

Hochzeit auch müssen. Sie müssen in der Lage 

sein, aus jeder Situation das Beste zu machen 

und aus dem Stegreif umwerfende Fotos zu 

schießen. 

Ihr Fotostil ist zum großen Teil das, was Ihnen 

Kundschaft einbringt, deswegen ist es auch so 

wichtig, dass Sie sich in Ihrer Mappe 

wahrheitsgetreu darstellen. Benutzen Sie Ihre 

Probeaufnahmen nicht nur dazu, um etwas ganz 

Neues und Verrücktes auszuprobieren, sondern 

benutzen Sie sie, um eine Grundlage von Bildern 




MAKANNA 

© STUART COOPER PHOTOGRAPHY 

Verkaufen, verkaufen, verkaufen 

Seien Sie mutig. Ihre Mappe ist Ihr wichtigstes 

Werbewerkzeug, und so sollten Sie sie auch 

behandeln. Zeigen Sie sie allen und jedem, und 

machen Sie Ihre Arbeit zum Stadtgespräch. 

Machen Sie Ihre Mappe auf Ihrer Webseite online 

zugänglich, aber erwägen Sie auch, eine Auswahl 

Ihrer repräsentativsten Arbeiten in einem Album 

zu präsentieren, das Ihren Kunden deutlich zeigt, 

welche Art Hochzeitsfotograf Sie sind. Schöne 

Mappen können Sie bei Blurb, Sim2000, Loxley 

Colour und Everleaf bestellen. 

zu schaffen. Glamouröse oder ausgefallene Fotos 

an unglaublichen Schauplätzen sehen 

umwerfend aus und können toll zu 

Werbezwecken eingesetzt werden. Sie sollten 

aber auch realistische Szenarien in Ihrer Mappe 

haben, in denen Paare sich auch selber wieder 

finden können. Vielleicht wäre es auch gar nicht 

schlecht, Probeaufnahmen bei übelstem Wetter, 

mit einem nicht ganz so fotogenen Modell und an 

einem langweiligen Schauplatz zu machen. Die 

werden Sie sicherlich nicht zu Werbezwecken 

benutzen, aber für potenzielle Kunden wirkt es 

sehr beruhigend, wenn sie wissen, dass Sie auch 

aus den schlechtesten Bedingungen das Beste 

herausholen und immer noch umwerfende Fotos 

machen können. 

Sehen Sie Ihre ersten Probeaufnahmen als 

Chance, Ihren eigenen Stil auszuprobieren und 

zu überlegen, was Sie Ihren Kunden anbieten 

möchten. Traditionellere Fotografen konzentrieren 

sich auf die klassischen Posen und 

Gruppenaufnahmen, andere spielen lieber 

Mäuschen und gehen sehr lässig an die Sache 

heran, und einige entscheiden sich für sehr 

dramatische, stilisierte Aufnahmen, oftmals unter 

großem Einsatz von Blitzgeräten. Wenn Sie auch 

eher traditionell veranlagt sind, seien Sie auf der 

Erkunden Sie vor den Aufnahmen das Gelände, um 

die besten Plätze für natürliches Licht zu finden und 

um zu planen, wo Sie zu welcher Tageszeit sein 

sollten, um das beste Licht zu haben. 

Hut. Die Welt der Hochzeitsfotografie verändert 

sich ständig und dieser hausbackene Ansatz 

kommt so langsam aus der Mode. Viele Paare 

wünschen sich kreative Hochzeitsfotos, oftmals 

eine Mischung aus den beiden letzteren 

Stilrichtungen; eine dokumentierende 

Herangehensweise mit Fotos, auf denen das 

Brautpaar miteinander interagiert, kombiniert mit 

interessanten und kreativen Portraits. 

Wahrscheinlich werden Sie trotzdem immer noch 

die eine oder andere klassische Portraitaufnahme 

und formelle Fotos machen müssen, um die 

Traditionalisten in der Familie zu besänftigen. 

Wenn Sie sich nicht sicher sind, welche Art von 

Hochzeitsfotografie Sie verfolgen möchten, 

schauen Sie sich die Webseiten anderer 

Hochzeitsfotografen an, oder lassen Sie sich von 

Brautmagazinen, Hochzeitsblogs und ähnlichen 

Webseiten inspirieren. Probieren Sie dann 

unterschiedliche Szenen und Posen aus, bis Sie 

Ihren Rhythmus finden und merken, womit Sie 

sich am wohlsten fühlen. Lernen Sie Ihre Stärken 

kennen und entwickeln Sie sie, aber 

vernachlässigen Sie dabei Ihre Schwächen nicht, 

denn bei den meisten Hochzeiten braucht man 

von allem ein bisschen. 

Reportagefotos in Ihre Mappe zu integrieren, 

kann bei Probeaufnahmen ein wenig schwierig 

sein; unmöglich ist es aber nicht. Natürlich gibt 

es keine Gäste, aber Sie können versuchen, 

Bilder der „Brautleute“ einzufangen, auf denen 

sie einander anschauen, oder zwischen den 

offiziellen Aufnahmen miteinander lachen, wenn 

sie sich von der Kamera unbeobachtet glauben, 

oder aus einem Blickwinkel, der den Anschein 

erweckt, als würden Sie sie aus der Ferne 

beobachten. All dies kann ungestellt wirkende 

Fotos hervorbringen. Sie können auch einen 

lokalen Fotografen bitten, bei einer seiner 

Verpflichtungen zweiter Fotograf sein zu 

dürfen, oder Sie fragen Freunde, ob Sie bei 

deren Hochzeit auch ein paar Aufnahmen 

machen dürfen: Da Sie nicht der Hauptfotograf 

sind, werden Ihre Bilder natürlicher aussehen. 

Wenn Sie ganz mutig sind, postieren Sie sich 

vor einem Standesamt, bewaffnet mit Ihren 

Visitenkarten, und fotografieren Sie Braut und 

Bräutigam und deren Gäste, wenn sie sich 

draußen versammeln. Natürlich benötigen Sie 

die Einwilligung von jedem, den Sie 

fotografieren, wenn Sie die Bilder in Ihrer 

Mappe oder als Werbematerial verwenden 

möchten. 

Selbst wenn Sie sich gegen Probeaufnahmen 

entscheiden, ist des trotzdem wichtig, dass Sie 

sich immer wieder neuen fotografischen 

Herausforderungen stellen, um neue 

Fähigkeiten zu entwickeln. Lernen Sie, mit 

einem Blitzgerät umzugehen, und man wird 

Sie definitiv nicht mehr mit dem Onkel der 

Braut verwechseln. Außerdem erhalten Sie so 

stilisierte Fotos, die Sie auch verkaufen 

können. Es ist nur allzu leicht, in einen Trott zu 

verfallen und immer wieder die gleichen 

Hochzeitsfotos zu machen. Aber wenn Sie Ihre 

Bilder und Ihren Stil immer wieder neu 

gestalten, werden die Leute stets über Ihre 

Arbeit sprechen. 

© ASPIRE PHOTOGRAPHY TRAINING 


Mit Fotografie Geld verdienen 

TEXT: CAROLINE WILKINSON 

WIE SIE MIT GRUSSKARTEN 

GELD VERDIENEN 

Der Einstieg in das florierende Geschäft mit Grußkarten ist für jeden Fotografen eine verlockende Aussicht. 

Digitaldrucke machen es Ihnen leichter denn je, einen Fuß in die Tür zu bekommen. Wir zeigen Ihnen, wie Sie Ihre 

Motive auf den Markt bringen. 

D 

AS VERSENDEN VON 

GRUSSKARTEN ist in keinem Land so 

beliebt wie in Großbritannien. Dort 

werden pro Kopf mehr Karten verkauft als 

irgendwo sonst, daher hat das Land die 

erfolgreichste Grußkartenindustrie der Welt. Sie 

erwirtschaftet im Jahr sage und schreibe 1,47 

Mrd. Pfund und ist bestrebt, immer Aktuelles zu 

bieten, sodass die Verlage stets auf der Suche 

nach neuen Motiven sind. Ähnliches gilt aber 

auch für andere Länder. Für kreative Fotografen 

bietet sich daher eine großartige Möglichkeit, 

mit Grußkarten Geld zu verdienen und sich eine 

breite Palette an Fotomotiven 

zusammenzustellen. Doch womit fängt man 

an? 

Zunächst ist eine tolle Bildidee wichtig, und 

dafür kann man fast alles nutzen. 

Landschaften, Stillleben mit Blumen und 

Nahaufnahmen kommen Ihnen sicher zuerst in 

den Sinn, doch gibt es genauso viele Arten von 

Foto-Grußkarten wie es Anlässe gibt. Gehen Sie 

in Grußkartengeschäfte ihrer Umgebung, in 

Kunstläden oder Kettenläden, um sich einen 

Eindruck zu verschaffen, welche Motive bereits 

auf dem Markt sind und welche Qualität die 

verschiedenen Vertreiber erwarten. 

Informationen über den jeweiligen Verlag, wie 

z. B. die Internetadresse, erhalten Sie auf der 

Rückseite der Karte. Auf der Verlagswebsite 

erfahren Sie dann, wie Sie Fotos zur Verfügung 

stellen können, z. B. unter etwas versteckten 

Menüpunkten wie „Informationen für Künstler“ 

oder „Einreichen von Kunstwerken“. Halten Sie 

unbedingt alle Vorgaben ein. Verlagsarbeit 

erfolgt auf lange Sicht, und so müssen auch Sie 

langfristig planen und z. B. Ihre Fotos für Ostern 

oder den Muttertag bereits ein Jahr im Voraus 

aufnehmen. Die Paperhouse-Verlagsgruppe hat 

z. B. schon ihre Kollektion für den Muttertag 

2012 zusammengestellt und sammelt im Juni 

bereits Material für Ihre Weihnachtskarten 

2012. Natürlich können nahezu alle Motive für 

Postkarten genutzt werden, doch mit speziellen 

Aufnahmen für Anlässe wie Ostern, Mutter-, 

Vater- oder Valentinstag haben Sie bessere 

Chancen. Geburtstagskarten oder Karten für 

jeden Anlass werden zwar am meisten gekauft, 

doch vergessen Sie nicht die anderen 

Kategorien: Jubiläen, neues Heim, der neue 

Job, einfach so, Kondolenzkarten – die Liste ist 

endlos. Beachten Sie am besten auch, dass 

Grußkarten zu 85 Prozent von Frauen gekauft 

werden, die sich beim Kauf oft von Farben 

leiten lassen oder davon, welche Stimmung die 

Karte bei ihnen auslöst. 

Es empfiehlt sich, dem Verlag die Motive im 

Hoch- und Querformat anzubieten, auch 

quadratische Karten sind beliebt. Versenden Sie 

Ihre Bilder mit einer Mindestauflösung von 300 

dpi, damit die Bildqualität vom Verlag korrekt 

beurteilt werden kann.“ 

Die meisten Verleger suchen nach einem 

unverwechselbarem Stil, kreativer Schärfe, 

Marktbewusstsein und professioneller 

Qualität“, erklärt uns Nick Walter, 

Produktmanager bei Paperhouse, in dem 

Bildserien für den National Geographic und die 

Royal Horticultural Society (Königliche 

Gartengesellschaft) verlegt werden. „Einer 

unserer neuen Fotografen, Assaf Frank (www. 

bs-factory.com), ist nicht nur ein 

hervorragender Blumenfotograf, sondern hebt 

sich vor allem durch seine Bildbearbeitung in 

Photoshop von anderen ab. Er stellt uns zehn 

oder zwanzig verschiedene Versionen einer 

einzigen Aufnahme zur Auswahl.“ 

Wenn Verleger Ihre Bilder nutzen möchten, 

dann nehmen sie in der Regel nach ein paar 

Monaten Kontakt mit Ihnen auf, um Rechte und 

Der Digitaldruck erspart es 

Verlegern, das finanzielle Risiko 

für hohe Druckauflagen 

einzugehen, bevor sie Aufträge 

von den Händlern erhalten. 

die Vergütung zu vereinbaren. Die Praxis variiert 

bei den Unternehmen, einige zahlen ein 

Voraushonorar und eine kleine Lizenzgebühr, 

andere nur eine Lizenzgebühr. Diese beträgt bei 

einem unabhängigen Verlag etwa fünf Prozent 

und kann bei einem großen Verlag sogar noch 

darunter liegen, doch aufgrund der großen 

Stückzahl ist Ihr Lohn am Ende dennoch höher. 

Die Unterschiede bei der Bezahlung sind 

beträchtlich, in jedem Fall sollten Sie jedoch 

auf einen Vertrag und eine Lizenzvereinbarung 

bestehen. Und verzichten Sie NIEMALS auf ihr 

Urheberrecht. 

Eigenverlag 

Wenn Sie darüber nachdenken, auf einen 

Vermittler zu verzichten und ihre Fotos lieber im 

Eigenverlag publizieren möchten, dann sollten 

Sie sich auf eine Vollzeittätigkeit einstellen. Liegt 

Ihre wahre Leidenschaft eher im Fotografieren 

und weniger im Publizieren, dann wird Ihnen 

irgendwann klar, dass Sie viel mehr Zeit in die 

Jargon buster 

Lizenzgebühr: Der Verleger erhält für einen 

vereinbarten Zeitraum die exklusiven Rechte auf sein 

Foto. Die Gebühr beträgt pro Foto im Durchschnitt ca. 

170 Euro. 

Pauschalhonorar: Eine einmalige Zahlung, die 

dem Verleger uneingeschränkte Nutzungsrechte für das 

Foto gewährt. Die Gebühr liegt in der Regel zwischen 

150 und 300 Euro). 

Nutzungsvereinbarung: Sie erhalten für jede 

verkaufte Karte einen bestimmten Prozentsatz des 

Großhandelspreises (meist 5 Prozent). Einige Verlage 

bieten eine Lizenzgebühr von 100 Euro plus 3 Prozent 

Nutzungsgebühr. 

Handelsvertreter: Wenn sie im Eigenverlag 

publizieren, dann brauchen Sie ein Netzwerk von 

Vertretern, die Sie beim Verkauf Ihrer Bilder an Händler 

auf der ganzen Welt unterstützen. Diese arbeiten auf 

Kommissionsbasis. 

Vertriebshändler: Sie verfügen über ein 

Netzwerk von Handelsvertretern und sind für den 

Verkauf, die Vermarktung und den Vertrieb Ihrer 

Kartenkollektion verantwortlich. 

Vermarktung der Grußkarten stecken als ins 

Fotografieren selbst. Die Produktion der Fotos 

und Karten ist gar kein Problem, doch sie zu 

verkaufen schon. 

„Unsere Branche ist ein wunderbarer, wirklich 

kreativer und dynamischer Wirtschaftszweig, 

aber sie wächst nicht mehr, d. h. immer mehr 

Menschen drängen auf einen eigentlich schon 

voll entwickelten Markt“, so Sharon Little, 

Geschäftsführerin der Greeting Card 

Association, eines britischen Handelsverbandes 

zur Interessenvertretung der 

Grußkartenindustrie. „Durch die Möglichkeit 

des Digitaldrucks müssen Verleger kein 

Vermögen für hohe Druckauflagen mehr 

riskieren, bevor die Händler bei ihnen bestellen 

können. Jetzt kann man auch kleine Mengen 

drucken wie z. B. eine einzige Karte und die 

Druckauflage der Nachfrage anpassen. Das 

Ergebnis ist eine Überflutung des Marktes mit 

kleinen Verlagen, die nicht nur untereinander, 

sondern auch mit den großen Verlagen 

konkurrieren.“ Das heißt aber nicht, dass Sie 

nicht trotzdem erfolgreich sein können. 

Am Anfang empfiehlt es sich, eine Gegend wie 

den Lake District oder die Yorkshire Dales zum 

Fotografieren auszuwählen und etwa 20 super 

Aufnahmen zu machen. Von ihnen druckt man 

eine kleine Menge in ansprechender Form und 

versucht, sie in den örtlichen Geschäften an 

den Mann zu bringen. Die Geschäfte können 

abhängig von der Nachfrage bei Ihnen 

bestellen, Sie geben den Druck in Auftrag, 



Wie Sie Ihr Einkommen PHIL aufbessern 

MAKANNA 

ALL IMAGES: JAMES GUILLIAM 

kassieren ihr Geld und kümmern sich um die 

nächste Bestellung. Wählen Sie Geschäfte, die 

Sie ohne Mühe regelmäßig beliefern können. 

Es lohnt sich auch, in einen kleinen Katalog 

mit Ihrer Kartenkollektion zu investieren 

oder alternativ wenigstens Ausdrucke mit 

Miniaturansichten Ihrer Kreationen, Ihren 

Geschäftsbedingungen, Bestellformularen 

und Musterkarten bereitzuhalten. Damit 

können Sie sich in Geschäften vorstellen und 

erstes Feedback erhalten. Sobald Sie sich in 

einer Gegend einen Namen gemacht haben, 

sollten Sie in nahe gelegenen Gebieten und 

Regionen für Ihre Bekanntheit sorgen. Für 

Fotokarten bekommt man beim Einzelhändler 

je nach Druckqualität und Aufmachung meist 

zwischen 70 Cent und 1 Euro, und der 

Händler schlägt noch einmal 100 Prozent 

drauf. Am Anfang werden Ihre Gewinne nicht 

sehr groß sein, doch sobald die Bestellmengen 

größer werden, steigen Ihre Einnahmen 

aufgrund der geringeren Druckkosten. Bei 

größeren Händlern müssen Sie sogar damit 

rechnen, dass diese bei den ersten zwei 

Bestellungen auf Kommissionsbasis arbeiten, 

bevor sie sich verbindlich auf den Verkauf Ihrer 

Kollektion einlassen. Es ist ein großes Wagnis, 

da Sie in die Produktion großer Mengen 

investieren müssen und riskieren, dass Ihre 

Karten nicht verkauft und zurückgeschickt 

werden. Verkaufen sie sich aber doch, dann 

könnten Sie mit Ihrer Fotografie eine Menge 

Geld verdienen. Eine weitere Möglichkeit ist die 

Ausstellung Ihrer Kollektion auf Messen, was 

Sie jedoch etwa 2000 Euro) kosten könnte. 

Diese Investition kann sich aber lohnen, denn 

Sie präsentieren sich vor Händlern aus dem 

ganzen Land. Messen bieten auch die 

Plattform, andere Verleger sowie 

Handelsvertreter kennenzulernen und viele 

internationale Kontakte zu knüpfen, sodass Ihre 

Bilder auch in anderen Ländern vertrieben 

werden könnten. Mit einem Messestand sollten 

Sie jedoch warten, bis Sie eine Kollektion von 

mindestens 50 verschiedenen Karten 

vorweisen können. Handelsvertreter werden 

Sie ansonsten kaum beachten und auf deren 

Hilfe sind Sie zur Ausweitung ihrer Geschäfte 

angewiesen. Doch ob Sie Ihre Fotos nun im 

Eigenverlag veröffentlichen oder 

Lizenzgebühren erheben – was Sie aus der 

Masse heraushebt ist die Qualität und die 

Kreativität ihrer Bilder. Wählen Sie daher immer 

wieder aktuelle und außergewöhnliche Motive, 

und versuchen Sie, mindestens vier Mal im 

Jahr eine neue Kollektion herauszugeben, um 

wettbewerbsfähig zu bleiben. 

Ein Fallbeispiel 

James 

Guilliam 

James Guilliam bestreitet seinen Lebensunterhalt mit 

Glückwunschkarten und anderen Papiererzeugnissen, 

indem er Verlagen und Stock-Libraries seine Fotos gegen 

eine Nutzungsgebühr zur Verfügung stellt. Er berichtet über 

die Anfänge und die wirtschaftlichkeit und bietet all jenen 

unschätzbaren Rat, die den gleichen Weg einschlagen 

wollen. 

„Ich war schon in jungen Jahren als Fotograf tätig, 

aber dann wollte ich mich verändern und kaufte mit 

Mitte zwanzig ein Blumen- und Gartencenter. Die 

Firma, bei der wir Samen kauften, war Eigentümerin 

des Grußkartenverlages Abacus Cardsbut und 

wollte, dass die Gartencenter neben ihren Sämereien 

auch Grußkarten verkauften. Ich bot die Karten zum 

Verkauf an und beschloss einige Jahre später, den 

Verkauf eigener Karten zu wagen. Ich fotografierte die 

Blumen, die in unserem Geschäft standen, und 

sandte die Aufnahmen an die Grußkartenfirma 

Images & Editions. Sie erkundigten sich sofort nach 

meiner Kollektion und wie viele Fotos ich noch zur 

Verfügung stellen könnte. Das war vor 15 Jahren und 

noch immer kann ich von der Fotografie leben. 

Es ist schwer zu beurteilen, wie viel ich verdiene, 

denn meine Einnahmen schwanken. Wenn ich einem 

Verlag ein Bild schicke und dies einmalig zum 

Muttertag genutzt wird, dann erhalte ich vielleicht nur 

rund 60 Euro dafür. Doch auf der Liste für alle 

Anlässe habe ich Karten, die mir Tausende von Pfund 

eingebracht haben. Die Verträge mit den Verlagen 

beinhalten in der Regel, dass die Motive für alle 

‘Papiererzeugnisse’ verwendet werden können, 

praktisch alles von Heften, Grußkarten und 

Kühlschrankmagneten bis hin zu Geschenkkarten, 

Plakaten und sogar Geschenkpapier. Natürlich erhält 

man bei jedem Verkauf des Motivs die vereinbarte 

Lizenzgebühr. Bei mir liegt sie zwischen 1,5 Prozent 

des Nettopreises und 10 Prozent, ein riesiger 

Unterschied. Ich verkaufe mehr Bilder auf dem 

internationalen Markt durch die in Australien 

ansässige Photolibrary Group als direkt an Verlage. 

Doch die Lizenzgebühren durch die Verlage sind 

höher als die bei den Kartenverkäufen durch die 

Photolibrary. Die Motive der Grußkarten können 

darüber hinaus für Kalender genutzt werden. Manche 

Kalenderverlage haben eine meiner Karten gesehen 

und boten mir daraufhin eine Lizenzgebühr an. Auf 

diese Weise sind meine Motive in den USA sogar 

schon auf Kerzen erschienen, später kamen Puzzles 

und Untersetzer dazu. 

Es ist eine wunderbare Möglichkeit, um sich etwas 

Taschengeld zu verdienen, und die Verlage suchen 

immer nach neuen Motiven. Man darf nur nicht 

erwarten, das es sich sofort auszahlt. Gerade habe 

ich einige meiner Bilder für den Muttertag 2012 

freigegeben. Die Aufnahmen hatte ich letztes Jahr im 

Frühjahr gemacht, das heißt, bis zur Veröffentlichung 

vergehen zwei Jahre. Für den Fall, dass sie 

ausgewählt und 2012 zum Verkauf angeboten 

werden, vergehen noch einmal mindestens sechs 

Monate, bevor ich eine Gebühr erhalte. Denn sie 

müssen verkauft werden, dann müssen die Geschäfte 

auf zurückgegebene Karten warten, wodurch sich der 

Gewinn verringert, und dann ein weiteres Vierteljahr, 

bevor man mit Einnahmen rechnen kann. Es 

vergehen also mindestens zweieinhalb Jahre vom 

Zeitpunkt, an dem man ein Bild zu einem 

bestimmten Anlass macht, bis zum Honorar. Bei 

Karten zu jedem Anlass kann das schneller gehen. 

„Am besten schaut man sich einmal genau an, was 

es in den Geschäften bereits gibt und versucht dann, 

einen neuen Blickwinkel zu bekommen oder seinen 

Fotos eine andere kreative Note zu geben. Wenn Ihre 

Fotos sich nämlich nicht wesentlich von dem 

unterscheiden, was bereits auf dem Markt ist, dann 

kämpfen sie nur gegen die etablierten Fotografen an, 

die schon über eine Kollektion verfügen und deren 

Bilder von den Verlagen je nach Bedarf genutzt 

werden.“ 


Mit Fotografie Geld verdienen 

SO VERKAUFEN SIE IHRE 

BILDER IN CAFÉS UND HOTELS 

Mark Bauer verkauft Bilder in Cafés und Restaurants, um sein 

Einkommen aufzubessern. Hier erklärt er uns, wie man mit viel 

Verhandlungsgeschick und einigen gut ausgewählten Bildern zwei 

Fliegen mit einer Klappe schlägt. 

F) Wie sind Sie auf die Idee gekommen, 

Bilder in Cafés und Restaurants zu 

verkaufen? 

Zunächst habe ich damit begonnen, meine Bilder 

an die örtlichen Hotels in meiner Gegend zu 

verkaufen, weil ich wusste, dass sie gerne 

Kunstwerke von den Attraktionen und Landschaften 

haben wollten, wegen denen ihre touristischen 

Kunden zu ihnen gekommen sind. Als einige der 

kleineren Hotels es sich nicht leisten konnten, die 

Drucke zu kaufen, haben wir vertraglich festgelegt, 

dass sie den Druck in ihren Räumlichkeiten 

ausstellen können, wenn sie ihn gleichzeitig ihren 

Kunden zum Kauf anbieten. So führte eins zum 

anderen, und ich habe ähnliche Verträge mit Cafés 

und Restaurants abgeschlossen. 

F) Wie haben Sie die möglichen 

Ausstellungsorte kontaktiert? 

Im ersten Schritt habe ich eine Email verschickt, in 

der ich auf meine Webseite verlinkt habe, so dass sie 

meine Bilder anschauen konnten, wann immer sie 

dafür Zeit hatten. Danach habe ich noch mal 

telefonisch nachgefragt, und wenn Interesse 

bestand, bin ich hingefahren, um mir die 

Örtlichkeiten anzuschauen und sicher zu sein, dass 

es das richtige Etablissement ist, um meine Werke 

auszustellen. 

F) Was ist der Vorteil daran, Ihre Bilder 

an diesen Orten zu verkaufen? 

Der wesentliche Vorteil ist, dass die Bilder draußen 

sind und es jeden Tag Leute gibt, die sie sehen. Man 

weiß nie, wer gerade in die Cafés und Restaurants 

kommt und sich die Arbeit anschaut. Nicht nur, dass 

jemand einen Druck kauft, es könnte auch jemand 

sein, der andere Fotografien in Auftrag gibt. Der 

andere Vorteil ist natürlich das Einkommen, das 

durch die Verkäufe erzielt wird. 

F) Wie leicht ist es, Ihre Arbeit an diesen 

Örtlichkeiten unterzubringen? 

Viele Menschen in dieser Branche stehen der Idee, 

Bilder zu verkaufen, ziemlich aufgeschlossen 

gegenüber, weil sie kostenlose Kunstwerke für ihre 

Wände bekommen und außerdem eine kleine 

Provision für jedes verkaufte Bild! Entscheidend ist 

es, den richtigen Ansprechpartner zu finden, und 

den richtigen Zeitpunkt, um ihnen die Idee und die 

Vorzüge näher zu bringen. 

F) Mit welchen Provisionsraten muss 

man denn rechnen? 

Als Fotograf muss man sich auf Verhandlungen 

einstellen. In einer Galerie betragen die Provisionen 

normalerweise 40 bis 50 Prozent, aber die 

Mitarbeiter dort arbeiten auch ausschließlich daran, 

Ihr Bild an die Öffentlichkeit zu verkaufen. In einem 

Café oder Restaurant haben die Mitarbeiter andere 

Aufgaben, aber trotzdem sind auch sie es, die die 

Bilder verpacken und das Geld kassieren, daher ist 

es richtig, dass sie eine Provision bekommen. 

Sprechen Sie mit dem Besitzer und bieten ihm 

zwischen 15 und 20 Prozent des Verkaufspreises an 

– im Prinzip die Hälfte von dem, was eine Galerie 

von Ihnen nehmen würde. 

F) Wählen Sie die Fotos, die Sie 

verkaufen möchten, bewusst aus? 

Fotos von örtlichen Sehenswürdigkeiten verkaufen 

Viele Menschen in dieser 

Branche stehen der Idee, 

Bilder zu verkaufen, ziemlich 

aufgeschlossen gegenüber, 

weil sie kostenlose 

Kunstwerke für ihre Wände 

bekommen 

sich am besten, daher versuche ich meine Arbeit so 

weit wie möglich auf die nähere Umgebung zu 

konzentrieren. Touristen möchten ein Souvenir von 

dem Ort, an dem sie ihren Urlaub verbracht haben, 

und Einheimische sind stolz auf ihre 

Sehenswürdigkeiten, daher kaufen sie so etwas 

auch. Jedoch sind Cafés und Restaurants auch eine 

gute Plattform, um neue Arbeiten auszutesten, 



PHIL MAKANNA 

Wie Sie Ihr Einkommen aufbessern 

daher hat es ein bisschen was von einem 

Balanceakt. Wenn ein Café oder Restaurant nach 

einem ganz bestimmten Foto fragt, würde ich es 

machen, wenn es nicht zu viel Aufwand in Form von 

Reisen oder Spesen bedeutet. 

F) Wie liefern Sie die Drucke, und haben 

die Cafés einen Vorrat von Drucken? 

Ich drucke meine Fotos selber, einfach weil ich gerne 

die Kontrolle über die Farbqualität behalten möchte. 

Es gibt zwar Argumente dafür, das Drucken 

outzusourcen, aber bei den Mengen, die ich 

produziere, kann die Ersparnis vernachlässigt 

werden. Ich liefere die Drucke persönlich an die 

Cafés und Restaurants, weil es immer gut ist, die 

Besitzer persönlich zu sehen. Und wenn ich wieder 

komme, um mehr Vorrat anzuliefern, dann hole ich 

mir auch die Bezahlung aus den Verkäufen direkt 

ab. Bei kleineren Cafés ersetze ich einfach die 

Drucke, sobald sie verkauft sind, aber bei größeren 

Örtlichkeiten lasse ich auch schon mal zwei oder 

drei Drucke auf Vorrat da. 

F) Können Sie uns ein bisschen über Ihre 

Preisstruktur und die Verkaufserlöse 

erzählen? 

Ich nehme den gleichen Preis, egal ob ein Druck in 

einer Galerie oder einem Café hängt, weil es nicht 

fair für den Endkunden wäre, ein Bild in einer 

Galerie zu kaufen, um es dann im Café nebenan für 

einen günstigeren Preis zu entdecken. Die meisten 

meiner Drucke kosten um die 100 Euro (40 x 30 

cm gerahmt), und ich beachte den allgemeinen 

Geschäftsgrundsatz, die Materialkosten zu 

verdoppeln und dann die Provisionen 

hinzuzurechnen, die ich beim Verkauf der Fotos 

bezahlen muss. 

F) Verkaufen sich Ihre Fotos in manchen 

Jahreszeiten besser oder schlechter als 

zu anderen Zeiten? 

Da ich in einer Touristengegend lebe und arbeite, ist 

hier über Ostern und im Sommer besonders viel los, 

und das zeigt sich auch an den Verkaufszahlen. Ich 

versuche meine Bilder der Saison anzupassen, also 

im Oktober Bilder von Herbstlaub auszustellen oder 

rechtzeitig zum Beginn des Sommers die 

Strandszenen. 

F) Welchen Rat haben Sie sonst noch für 

Fotografen, die ihre Arbeit in Cafés und 

Restaurants verkaufen möchten? 

Stellen Sie sicher, dass die Leute, die Ihre Arbeit 

verkaufen, die Vertragsbedingungen genau kennen. 

In Cafés und Restaurants ist eine Menge los, die 

Bilder könnten herunterfallen oder beschädigt 

werden. Sagen Sie deutlich, dass für beschädigte 

Drucke bezahlt werden muss – schließlich 

bekommen sie ja auch kostenlose Kunstwerke für 

ihr Geschäft. Ich würde auch vorschlagen, dass Sie 

Ihre Drucke exklusiv an z. B. ein Restaurant in jeder 

Stadt vergeben, da dies den Wert Ihrer Arbeit 

verdeutlicht. 

Sie können Mark’s großartige Bilder auf www. 

markbauerphotography.co.uk kaufen. 


TEST- 

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UNSERE EXPERTEN 

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AUFLÖSUNG: 18 Mill. Megapixel 

MONITOR: 3 Zoll 3:2 LCD (1.040.00.000 Pixel) 

KARTENFORMAT: SD (SDHC & SDXC) 

GEWICHT: 530 g (ohne Batterie und Karte) 

TELEFON: 069 / 29 99 36 80 

IGITAL SLR BLEIBT WEITERHIN die 

beliebteste Kameraform für Fotografen, die 

Deine höhere Bildqualität und mehr Kreativität 

fordern, als eine Kompaktkamera bieten kann. 

Gleichzeitig bietet sie leichte Handhabung und die 

Vielseitigkeit, die ein System mit Linsen, Blitzgeräten 

und anderem Zubehör ermöglicht. 

Doch während die DSLRs immer noch 

unwahrscheinlich beliebt sind, kann der Einzug der 

spiegellosen CSC (Compact System Camera), die oft 

allgemein als „hybrid“ bezeichnet werden, nicht 

übersehen werden. Während die Verkaufszahlen für 

DSLRs konstant ansteigen, weden auch Hybride immer 

beliebter und treten immer stärker gegen die DSLRs an 

(siehe die Tafel für weitere Angaben zu Hybriden). 

Die Lumix-Serie von Panasonic ist eine der führenden 

Umfang: Canon EOS 550D 

Compact System-Kamera v digitale SLR 

Look and Feel der Lumix sind wie bei einer DSLR und sie bietet 

viele der gleichen Funktionen an. Der Hauptunterschied ist, dass 

sie ein spiegelloses System hat. 

CSC-Marken mit der GH2 als ihrem neuesten Modell. 

Sie kommt mit einer großen Auswahl an Funktionen 

daher, die sich vorteilhaft unter der Mehrheit der 

Mittelklasse-DSLRs ausmacht. Darüber hinaus verfügt 

sie über eine Anzahl von Innovationen, von denen 

Panasonic hofft, dass sie die nötigen Vorteile bieten, um 

fortgeschrittene Amateure von den DSLR-Marken 

herüber zu holen. Die Lumix-Serie baut auf dem Micro 

Vierdrittel-System auf, dass zusammen mit der 

Olympus entwickelt wurde. 

Wir hatten vor, die GH2 mit der neuen Canon EOS 

600D zu vergleichen, doch das Modell war noch nicht 

erhältlich, sodass wir das vergleichbarste Modell, die 

EOS 550D, stattdessen auswählten. Wir beabsichtigen 

kein Kopf-an-Kopf-Rennen, vielmehr ist dies ein Test, 

der Fähigkeiten der Panasonic im Vergleich mit einer 

der besten DSLRs im Mittelklasse-Sektor aufzeigen soll. 

HANDHABUNG & 

BEDIENUNGSKOMFORT 

Panasonic 21/25 

Canon 23/25 

Die Canon EOS 550D ist eine der schmalsten DSLRs, 

doch die LUMIX GH2 ist entscheidend kleiner und 

In der Box 

Die Panasonic DMC-GH2 ist wie folgt 

ausgestattet: Kamerahülle, 

Li-Ion-Batterieausstattung, Batterieladegerät, 

USB und AV-Kabel, CD-ROM, Riemen und 

Bedienungsanleitung. 

kompakter. Beeindruckend ist auch das trotz seiner 

effektiven Brennweite von 28 bis 280 Millimeter kleine 

Maß des 14-140-mm-Zooms, das zur Kamera gehört. 

Die gesamte Gestaltung der Kamera ist der einer DSLR 

sehr ähnlich: mit einem angehobenen Blitzlicht über 

der Linse, einem vorstehenden Handgriff an der rechten 

Seite, dem Hauptbelichtungswahlrad auf der oberen 

Platte, einem LCD-Monitor hinten und mit den meisten 

Schaltern auf der rechten Seite. Dies gibt einem 

zunächst den Eindruck, dass die Panasonic in Vielem 

ähnlich wie eine DSLR funktioniert, was bis zu einem 

gewissen Punkt auch richtig ist, aber eben nicht ganz. 

Wie wir bald entdecken werden, zeigt die GH2 auch 

eine ganze Anzahl von Unterschieden im Aufbau. 

Vierdrittel-Sensor 

BREITE:128,8 MM 

HÖHE: 97,5MM 

X” 

LCD 

TIEFE: 75,3 MM 

Umfang: Panasonic Lumix GH2 

X” 

LCD 

BREITE:124 MM 

HÖHE: 89,6 MM 

TIEFE: 75,8 MM 

Der Lumix-Sensor misst 17,3 x 13 mm im 

Vergleich zum APS-C Canon CMOS-Sensor. Der 

GH2-Sensor 

Canon EOS 550D besteht aus 18,31 Millionen 

Pixel, von denen nur 16,05 Millionen in jeder 

Aufnahme genutzt werden. Die zusätzlichen Pixel 

erlauben den Wechsel des Bildseitenverhältnisses 

(4:3, 3:2, 16:9) ohne Verlust in der Auflösung. Der 

mangelnde Spiegel bedeutet, dass der Sensor beim 

Wechsel der Linsen freigelegt ist. Tauschen Sie also 

die Linse schnell, um das Risiko von Staub auf dem 

Sensor zu verringern. 


KAMERA-HAUPTTEST 

Canon 

Panasonic 

Die Canon EOS 550D ist eine der kleinsten DSLRs, aber 

die Lumix ist deutlich kleiner und kompakter. 

Oben: Allgemeine Bildqualität 

Es gibt nur einen kleinen Unterschied in der Schärfe bei 

kleinen Ausdrucken. Größere Ausdrucke wie bei A4 

und darüber bieten höhere Detailqualität bei der 

Canon. Auf diesem Bild sind das Tor und der Kies 

deutlich schärfer auf der Canon als auf der Lumix. 

Was die allgemeine Handhabung betrifft, so passt die 

Lumix gut in die Hand, und der Griff ermöglicht einen 

guten Halt, wobei die relativ kleine Größe für größere 

Hände nicht passend sein könnte. Sie ist merklich 

leichter, aber auf keinen Fall schlecht aufgemacht. So 

gesagt kommt sie einem etwas plastikartig vor, wenn 

man den Richtpreis betrachtet. 

Die Canon ist größer und bietet in vieler Hinsicht einen 

sichereren Griff und eine etwas sichere Handhabung. 

Allerdings hat sie ebenso ein wenig solides eher 

plastikartiges Aussehen. 

Die Canon EOS 550D hat sehr viel Beifall für ihre 

Bedienungsfreundlichkeit durch große, gut 

gekennzeichnete und schön positionierte 

Bedienungsknöpfe erhalten. Sie ermöglichen, dass 

auch Neulinge mit den meisten Funktionen in einer 

sehr kurzen Zeit zu Rande kommen. Der hoch 

auflösende 3in LCD-Monitor gibt ein scharfes Bild und 

hat ein ordentliches Menüsystem. 

Bedienungsfreundlichkeit ist einer der Aspekte, den die 

EOS 550D der Lumix GH2 voraus hat, doch sicher nur 

bis zu dem Zeitpunkt, an dem der Lumix-Nutzer genug 

Zeit hatte, sich durch die verschiedenen Wege zur 

Bedienung der Kamera durchzuarbeiten. Während die 

GH2 die Standardmethode der Knopfbedienung auf der 

Rückseite zur Funktionsauswahl aufweist, hat sie noch 

einen Trick auf Lager – den Touchscreen-LCD-Monitor. 

Man hat sowohl die Möglichkeit, die Modi durch 

Drücken des richtigen Knopfes zu wählen, als auch die 

des Berührens eines Icons auf dem Bildschirm, um 

schnell Wechsel vorzunehmen. Zum Beispiel kann die 

Belichtungsregelung mit dem Daumenrad durchgeführt 

werden, das gedreht wird, oder man kann das Icon auf 

dem Bildschirm berühren und so Anpassungen 

vornehmen. Der Bildschirm für Standardinformationen 

ermöglicht den sofortigen Zugang zu über einem 

Dutzend Funktionen wie Helligkeitsabgleich, 

ISO-Einstufung, Messeinstellungen und sogar die 

Auswahl von Regelungen zu Öffnungs- und zum 

Verschlusstempo. Wenn man LiveView einstellt, hat 

man die Option, diese Funktionen wieder über das 

Drücken des Q-Menü-Icons auf dem Bildschirm 

auszuwählen. Um noch einen Schritt weiter zu gehen, 

können Sie den Brennpunkt durch das Drücken des 

Bildschirms an der Stelle einrichten, an der Sie den 

Autofokus haben wollen, dann das Histogramm 

zurücksetzen, indem Sie es in jedweden Bereich des 

Bildschirms schieben. Wenn Sie mit der Einstellung 

zufrieden sind, müssen Sie nicht einmal den 

Aufnahmeknopf lösen, denn Sie können, wie Sie es 

sich schon gedacht haben, die Klappe schließen, indem 

Sie das Verschlusslöse-Icon berühren. Alle 

Touchscreen-Optionen können auch über 

Bedienknöpfe erreicht werden, doch die Wahl zu 

haben, ist einfach ausgezeichnet. Ein Punkt zum 

Abschluss der Analyse des Bedienungsfelds ist noch zu 

erwähnen. Fast alle Knöpfe sind ziemlich klein, sodass 

Sie prüfen müssen, ob Sie in der Lage sind, sie leicht zu 

bedienen. 

Bei der Canon 3-Zoll-LCD-Monitor sticht das helle und 

scharfe Display (1.040.00 Punkte) heraus. In dieser 

Hinsicht ist sie weitaus besser, als der Lumix 

3-Zoll-Bildschirm, der eine niedrigere Auflösung In 

(460.000 Punkte) und weniger satte Farben hat. Auf 

der anderen Seite profitiert die GH2 von einem 

schwenkbaren LCD (wie es auf dem EOS 600D aber 

nicht auf dem EOS 550D zu finden ist), das für 

Aufnahmen in schwierigen Winkeln nützlich ist. Es gab 

keine Beschwerden über das Menüsystem, das gut 

gestaltet und leicht zu navigieren ist. 

Beim elektronischen Sucher werden die Meinungen 

auseinander gehen. Traditionalisten werden eher 

Bedenken mit ihm haben, als diejenigen, die neu bei 

der digitalen Fotografie eingestiegen sind. Für ihn 

spricht die Tatsache, dass er 100 Prozent abdeckt, 

wodurch eine genaue Bildeinstellung möglich ist, einen 

Was sind Hybride? 

WAS IST EINE KOMPAKT- 

UND WAS EINE HYBRID-KAMERA? 

Beide Begriffe beziehen sich auf die neueste Generation 

von Kameras mit auswechselbaren Linsen, die von 

Panasonic, Olympus und Samsung geführt werden. 

WORIN SIND SIE 

DIGITALEN SLRS ÄHNLICH? 

Bei den Hybriden findet man den größten Teil der 

Technologie der DSLR wieder. Auch die grundsätzliche 

Gestaltung, das Bedienungslayout und die Funktionen 

sind meist ähnlich. Die Bildsensoren und -prozessoren, 

die in ihnen verwendet werden, sind ebenso ziemlich 

gleich mit denen der DSLRs. Die wichtigste 

Gemeinsamkeit ist, dass sie im Konzept einer Kamera 

gebaut sind, die im Zentrum eines großen Systems von 

Linsen, Blitzgeräten und Zubehör steht. 

WAS SIND DIE WICHTIGSTEN 

UNTERSCHIEDE? 

Der grundlegende Unterschied liegt in der Tatsache, 

dass Hybrid-Kameras keinen Reflexspiegel haben, den 

Sie in DSLRs finden. Das ermöglicht die Hybriden 

kleiner und leichtgewichtiger zu gestalten als DSLRs, 

daher die Bezeichnung „Compact System“-Kamera. Es 

bedeutet darüber hinaus, dass die Linsen kleiner sein 

können. Dennoch bedeutet das Fehlen des Spiegels, 

dass es keinen optischen Bildsucher gibt. Stattdessen 

nutzen Sie einen LCD-Monitor oder einen farbigen 

elektronischen Sucher, um den Ausschnitt zu bilden. 

Beachtenswert ist auch, dass die effektive Brennweite 

der Linsen, die mit der Micro-Vierdrittel-Serie der 

Hybride arbeiten, wie die Panasonic, aufgrund des 

schmaleren Sensors 2-fach ist. So ist eine 

14-42-Millimeter-Linse äquivalent mit einer 28-84- 

Millimeter-Linse. 


KAMERA-HAUPTEST 

Rechts: Panasonic 14-140mm-Zoom 

Diese Linse hat eine wirkungsvolle Brennweite von 28-280 

mm, rechnerisch 35 mm. Es handelt sich um einen 

leistungsstarken Zoom, der für Video und Standbilder 

entwickelt ist und qualitativ gute Ergebnisse liefert. 

scharfen Bildschirm und eine Menge Bildinformationen 

gibt. Gegen ihn spricht, dass es eine Zeit lang dauert, 

bis man sich an ihn gewöhnt und er nicht sehr gut für 

das Fotografieren mit wenig Licht geeignet ist, er etwas 

verzögert reagiert und bei den hellsten Bildteilen einen 

Ghosting- oder Bleaching-Effekt aufweist. 

Im Ganzen hat die kleinere und leichtgewichtigere 

Panasonic ihre kleinen Vor- und Nachteile, bietet aber 

in Bezug auf die Bedienungsfreundlichkeit dank ihres 

Touchscreen-LCDs eine größere Bandbreite an 

Optionen als die Canon, ist jedoch anfangs nicht so 

einfach zu bedienen. 

FUNKTIONEN 


Canon 23/25 

Die Lumix GH2 ist Panasonics Flagship-Modell und hat 

viele Funktionen, die alle Schichten von 

Amateurfotografen zufrieden stellen. Die Bildauflösung 

(16,05 Megapixel) ist ähnlich wie die der 

konkurrierenden DSLRs, doch es ist wichtig 

anzumerken, dass es sich tatsächlich um einen 18 

Megapixel-Sensor handelt, der dafür konstruiert ist, die 

Flexibilität verschiedener Ansichtsvarianten bei voller 

Auflösung zu zeigen. Der Bildrechner ist der Venus 

Engine FHD, der entwickelt wurde, um Häufungen von 

bis zu fünf Bilder pro Sekunde zu bearbeiten und eine 

bessere Rauschverarbeitung mit einem ISO-Bereich 

von 160-12.800 zu bieten, als vorhergehende 

Generationen. Sie ist außerdem gebaut, um HD-Videos 

zu produzieren, einem Bereich, indem sie 

außerordentlich gut ist. 

Die Lumix bietet ein aufwändiges Kontrast AF-System, 

das auf ca. 23 Punkten basiert (die EOS 550D bietet 

neun AF-Punkte). Ein Moduswahlrad auf der linken 

Seite der oberen Platte bedient die wichtigsten 

AF-Funktionen und bietet die Auswahl Single- oder 

Multipoint-AF wie auch das AF-Tracking und die 

Gesichtserfassung. Jeder der Modi kann als Single-Shot 

(AFS) oder fortlaufender AF (AFC) gewählt werden. Wie 

vorher beschrieben, kann man ebenso einen 

Fokusbereich allein durch das Berühren des 

LCD-Bildschirms bestimmen. Außerdem kann man 

hier auch eine Touch-Aufnahme-Funktion nutzen, bei 

der man das Motiv auf dem Monitor berührt und die 

Kamera automatisch den Fokus einstellt und auslöst. 

Bei der GH2 sind keine Reduzierungen von 

Aufnahmemodi zu erkennen, alle Optionen, wie Sie sie 

bei einer DSLR verlangen, sind hier zu finden, 

zusätzlich zu einer Anzahl von Benutzer definierten 

Modi, die es ermöglichen, die Kamera so einzustellen, 

dass sie Ihren Aufnahmepräferenzen entspricht. Drei 

Modelle von Belichtungsmessern sind erhältlich: 39 

Zonen, Spot und Mittenbetonung. Weiterhin besitzt sie 

eine Auswahl an Brechungen wie 

Belichtungskompensation, Belichtungsreihenautomatik 

und Speicherung des gemessenen Belichtungswertes. 

Die Lumix bietet außerdem Intelligent D-range- 

Kontrolle, die dazu dient, den Detailverlust bei hellsten 

Bildstellen und Schatten zu verhindern. In diesem 

Bereich sind Panasonic und Canon ziemlich ähnlich in 

den Auswahlmöglichkeiten. 

Beide Kameras besitzen einen integrierten Blitz mit 

einer reichhaltigen Palette von Blitzeinstellungen wie 

erster oder zweiter Verschluss und 

Belichtungskompensation bei Blitzlichtaufnahmen. 

Außerdem einen Blitzschuh, um spezielle Blitzgeräte 

aufzusetzen. Beide Kameras, Canon und Panasonic 

bieten Linsen mit Image-Stabilisation, statt diese Hilfe 

14 mm 

in der Kamera eingebaut zu liefern. Die Mega-OIS 

(Optical Image Stabilisation) an der Lumix bietet drei 

Modi, die für übliche Aufnahmen und für Schwenks 

geeignet sind. Beide Kameras treten mit einem 

Antistaubschutz für den Sensor und einer 

umfangreichen Auswahl an Funktionen auf, doch die 

Panasonic bietet etwas mehr Innovation und eine 

höhere Anzahl an Video-Modi und Optionen. 

PERFORMANCE 


Canon 23/25 

Im allgemeinen Gebrauch ist die Lumix GH2 in vieler 

Hinsicht dem Fotografieren mit einer DSLR ähnlich. 

Das Bedienungs-Layout und die Auswahl der 

Funktionen insgesamt wird von DSLR-Nutzern wieder 

erkannt werden. In dieser Hinsicht wird der Übergang 

von einer Digitalspiegelreflexkamera zu einer 

Hybrid-Kamera reibungslos sein. Nichtsdestotrotz mag 

der elektronische Finder schwerer zu akzeptieren sein, 

da zwar seine Bildschirm-Icons mehr Informationen 

anzeigen können, seine Schärfen aber nicht die eines 

optischen Suchers erreichen. Der LCD-Monitor profitiert 

von seinem Drehrad, und der Touchscreen ist 

eindrucksvoll. Was die Schärfe betrifft, ist er nicht so 

scharf und hell wie der der Canon, aber immer noch 

sehr brauchbar. 

Der am meisten heraus stechende Pluspunkt des GH2 

ist der Autofokus. So schnell wie DSLR-Systeme auch 

sind, wie auch das der Canon, ist die GH2 merklich 

schneller in fast allen Aufnahmesituationen. Tatsächlich 

ist der Begriff „unglaublich“ als Beschreibung für die 

Schnelligkeit des AF keine Übertreibung. Die Option 

den Touchscreen zu nutzen, um einen Fokuspunkt zu 

wählen, ist ein wirklicher Vorteil, wenn man den 

Fokuspunkt schnell wechseln will. Sie ist dadurch ein 

wirkliches Kaufargument für die Panasonic. 

Der Multi-Zonen-Messer ist sehr gut und bietet genaue 

Belichtung bei den meisten Lichtverhältnissen; 

Landschaftsaufnahmen mit weiten Himmelszonen und 

Gegenlichtaufnahmen machen Probleme, doch sie sind 

es für fast alle Kameras. Der kleinere Vierdrittel-Sensor 

bedeutet, dass Rauschen in den Bildern verbreiteter ist, 

als bei APS-C-Sensoren, doch die GH2 behandelt dies 

140 mm 

Die Lumix GH2 ist Panasonics Flagship-Modell und hat viele Funktionen, 

die alle Schichten von Amateurfotografen zufrieden stellen 

Lumix GH2-Sucher 

Der große elektronische ektron 

Sc 

Sucher 

bietet etete 

teine 

100 %-Abdeckung, und die Informations-Icons sind 

übersichtlich um den Bildschirm angeordnet. 

Während das System bei hellem Licht gut arbeitet, 

schwächelt seine Performance bei schlechten 

Lichtbedingungen. 

besser als vorhergehende Generationen. Der 

Rausch-Effekt betrifft ISO-Werte bis zu ISO1000 nicht 

besonders. Erst danach wird er deutlicher. Er ist bereits 

wesentlich besser, als bei vorherigen Lumix-Modellen 

und nicht weit entfernt, von vielen DSLRs, auch wenn 

die EOS 550D in dieser Hinsicht an der Grenze liegt. 

Ein weiterer Bereich, der verbessert wurde, ist die 

Bildqualität, bei der die Schärfe wiederum besser ist, 

als bei vorhergehenden Lumix-Modellen. Sie liegt nicht 

gleich auf mit der der EOS 550D, doch es wird schwer 

sein, den Unterschied bei kleinen Ausdrucken zu 

erkennen. Bei A4-Größen und darüber ist jedoch der 

Unterschied im Detail wahrnehmbar. 

Wir haben die Videofähigkeiten nicht ausführlich 

getestet, doch es lohnt sich zu erwähnen, dass die 

Filmaufnahmequalität der GH2 ausgezeichnet ist, 

wenn auch die Anzahl der Optionen und Modi es für 

Neulinge bei Videoaufnahmen unübersichtlich 

machen. Die Vielzahl der Optionen und die Qualität, die 

sie bietet setzt sie an die Spitze der Mehrheit der 

DSLRs. Die 14-140-mm-Linse macht die Kamera zur 

hochleistungsfähigen Videoausstattung. 


TESTLABOR 

Mitgelieferte Software 

Das mitgelieferte Software-Paket der Lumix enthält 

SILKYPIX Developer Studio 3.1 SE, um Rohdaten 

zu verarbeiten und PHOTOfunSTUDIO 6.0 BD 

Edition, um die Bilder anzuordnen. Die EOS enthält 

ein umfangreiches Paket für die Bearbeitung, die 

Rohmaterial-Konversion und Fernbedienung. 

Vergleichstabelle: Panasonic Lumix GH2 & Canon EOS 550D 

MODELL PANASONIC LUMIX GH2 CANON EOS 550D 

Kontakt 0180 / 50 15 140 

www.panasonic.de 

069 / 29 99 36 80 

www.canon.de 

Verkaufspreis 720 Euro (nur Gehäuse) 620 (nur Gehäuse) 

SENSOR LMOS (Vierdrittel) CMOS 

Auflösung 

(effektiv) 

16,05 MP 18 MP 

höchste Auflösung (Pixel) 4608 x 3456 5184 x 3456 

Das Lumix-System 

Das EOS-System bietet geradezu jede Linse, 

jeden Blitz und jedes Zubehör, das der 

Canon-Nutzer brauchen könnte. Das 

Lumix-System ist in keinem Punkt so umfassend 

weist aber bereits eine große Anzahl von Zooms 

auf, die die meisten gängigen Brennweiten 

abdecken, wie auch eine kleine Auswahl an 

Hauptlinsen und sogar einer 3D-Linse. Eine 

Auswahl an Blitzlichtern ist erhältlich wie auch 

Fernbedienungen, Mikrofone und Adapter, um 

Linsen der Vierdrittel- und der Leica-Kamera 

nutzen zu können. 

Fokusverlängerung 2 x 1, 6 x 

Anzahl AF-Punkte 23 9 

Mullti-Zonenmessung 144 63 

ISO-Bereich 160-12800 100-6400 ( Hi: 12,800) 

Speicherkarten SD/SDHC/SDXC SD/SDHC/SDXC 

RAW + JPEG Ja Ja 

Verschlusszeiten 1/4000 - 60 Sek. + Bulb 1/4000 - 30 Sek. + Bulb 

integrierter Blitz Ja Ja 

Blitzsynchronisation 1/160 Sek. 1/200 Sek. 

Verwacklungsschutz OIS-Linsen IS-Linsen 

Staubschutz Ja Ja 

Bilder pro Sekunde 5 3,7 

LCD MONITOR 3 Zoll 3 Zoll 

LIVEVIEW Ja Ja 

Stromquelle Lithium-Ion Lithium-Ion 

Größe (mm) 124 x 89,6 x 75, 8 128,8 x 97,5 x 75,3 

Gewicht (g) 392 530 

Haupttest Mai 2011 Mai 2010 

Gesamtbewertung (%) 89 % 94 % 

Gesamturteil 

Das Erscheinen der CSCs stellt die DSLRs vor neue 

Herausforderungen. Die GH2 ist ohne Zweifel die 

beste CSC, die wir getestet haben und bietet viele 

Vorteile, speziell ihre AF-Geschwindigkeit, die 

kleine Größe, der Touchscreen-LCD-Monitor und 

ihre Videofunktionen. Die Canon EOS 550D hat 

Vorteile in Bezug auf die Bedienungsfreundlichkeit, 

den Preis, das System-Backup und die Bildqualität 

von Standbildern. Wenn kleine Abmessungen und 

eine Multimedia-Kamera die wichtigsten Kriterien 

für Sie sind, hat für Sie die Lumix die Nase vorn, vor 

allem, da die Linsen ebenso kompakt sind. 

Nichtsdestotrotz bietet die Canon eine bessere 

Bildqualität und ist bedienungsfreundlicher. Zu 

prüfen ist bei der GH2 ihr elektronischer Sucher, da 

Sie sicher sein müssen, ob Sie mit ihm leben 

können, wenn Sie die Kamera ständig nutzen. 

Wenn es für Sie in Ordnung ist, wird für Sie die 

GH2 eine sehr leistungsfähige Kamera darstellen. 

BESTER 

Kauf 

Handhabung & Bedienungsfreundlichkeit 23/25 

Funktionen 23/25 

Performance 23/25 

Preis/Leistungsverhältnis 23/25 

Insgesamt 92/100 

VIELE 

PUNKTE 

Handhabung & Bedienungsfreundlichkeit 21/25 

Funktionen 24/25 

Performance 22/25 

Preis/Leistungsverhältnis 22/25 

Insgesamt 89/100 


‘De-clutter’ your subject 

To create a flattering, clean and diffused 

background, a small aperture of f/4 was 

selected. A handful of grasses were 

removed from the flower’s background 

to keep it free of distraction. The result is 

an attractive flower portrait. The shot 

proves that it is worthwhile taking a few 

extra moments to consider the subject’s 

background before finally releasing the 

shutter.

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