PDF Katalog - Koller Auktionen

PostWar & Contemporary
Lot 3401- 3472
Auktion: Samstag, 7. Dezember 2013, 16.00 Uhr
Vorbesichtigung: 23. November bis 2. Dezember 2013
Bearbeitung: Barbara Guarnieri, Fabio Sidler, Silke Stahlschmidt, Sandra Sykora
An English translation of the catalogue is available in print or on our homepage: www.kollerauctions.com.

Die Zustände der Werke sind im Katalog nur zum Teil und in Einzelfällen angegeben.
Gerne senden wir Ihnen einen ausführlichen Zustandsbericht zu.
The condition of the works are only partly and in particular cases noted in the catalogue.
Please do not hesitate to contact us for a detailed condition report.

3401*
LEO LEUPPI 1893 - 1972
London. 1933.
Öl auf Karton. Unten rechts signiert und datiert: Leo Leuppi 33.
Zudem verso bezeichnet und datiert: London 1933.
66 x 53 cm.
Provenienz:
- Koller Auktionen (1964).
- Privatbesitz Israel, bei obiger Auktion erworben.
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
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PostWar & Contemporary
3402
ITALO VALENTI 1912 - 1995
Le Retour d’Ulysse. 1962.
Mischtechnik auf Hartfaserplatte. Unten links signiert: I. VALEN-
TI. Zudem auf Pavatex-Rückseite des Objektrahmens signiert,
datiert, betitelt und gewidmet: Valenti Le Retour d’Ulysse 62
„Souvenir de Christian Zervos“.
48,2 x 70,5 cm.
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
3403
FRANCIS BOTT 1904 - 1998
Ohne Titel. 1962.
Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert:
Francis Bott 62.
59 x 72 cm.
Provenienz: Privatsammlung Schweiz.
CHF 6 000.- / 8 000.-
(€ 5 000.- / 6 670.-)
3404*
MAX ACKERMANN 1887 - 1975
Komposition in Blau. 1964.
Öl auf Leinwand. Verso auf dem Keilrahmen signiert und datiert:
Ackermann 17.I.1964, sowie verso mit der Archivnummer: ACK
0376 versehen.
121 x 100 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von Frau Ensslin-List, Max
Ackermann Archiv, Bietigheim-Bissingen bestätigt. Das Werk ist
dort unter der Nummer ACK 0376 verzeichnet.
CHF 15 000.- / 20 000.-
(€ 12 500.- / 16 670.-)
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PostWar & Contemporary
3405
ANTONI TÀPIES 1923 - 2012
Traball preparatori litho „Gris y Blanc“. 1965.
Gouache über Lithografie. Unten rechts signiert: Tàpies, zudem
unten links betitelt: Traball preparatori litho „gris y blanc“.
56 x 76 cm.
CHF 18 000.- / 25 000.-
(€ 15 000.- / 20 830.-)
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3406
ANTONIO SAURA 1930 - 1998
Autorretrato. 1958.
Öl auf Leinwand. Unten links geritzt signiert und datiert: SAURA
58. Zudem verso auf Keilrahmen mit Kugelschreiber signiert,
datiert und betitelt: SAURA 58 autorretrato.
60 x 74 cm.
Dieses Werk wird unter der Referenz AUTO@1958.310-13 im
Catalogue raisonné de l’oeuvre peint aufgenommen, welcher
von der Fondation Archives Antonio Saura vorbereitet wird. Mit
Zertifikat der Fondation Archives Antonio Saura, Genf, 16. September
2013.
Provenienz:
- Galerie Stadler Paris (verso mit Etikett).
- Privatbesitz Basel.
CHF 30 000.- / 50 000.-
(€ 25 000.- / 41 670.-)
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PostWar & Contemporary
3407
MARK TOBEY 1890 - 1976
Ohne Titel (Fisch und Vogel). Um 1940.
Gouache und Tempera auf Papier, auf Karton. 40 x 22 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von Achim Moeller bestätigt,
New York, 7. Februar 2013. Das Werk ist im Archiv des Marc
Tobey Project LLC, New York, registriert.
Provenienz: Privatsammlung Schweiz.
CHF 18 000.- / 28 000.-
(€ 15 000.- / 23 330.-)
3408
FRITZ WOTRUBA 1907 - 1975
Relief mit drei Figuren. 1952.
Bronze mit schwarzbrauner Patina, Lebzeitguss. An der Seite mit
dem gestempelten Monogramm. FW, zudem numeriert 3/7 und
bezeichnet mit der Giessernummer: 33.
Höhe 47 cm, Breite 42 cm, Tiefe 7,5 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von Gabriele Stöger-Spevak,
Fritz Wotruba Privatstiftung, bestätigt, Wien, 10. Oktober 2013.
Es handelt sich um einen Lebzeitguss.
Provenienz: Privatsammlung Schweiz.
Ausstellungen:
- Dortmund 1961: Museum am Ostwall. Wotruba, Kat.Nr. 13
(mit Abb. dieses Exemplar).
- New York 1964: Marlborough-Gerson Gallery. Fritz Wotruba,
New York 1964, S.9, Kat.Nr. 10 (mit Abb. dieses Exemplar).
Literatur:
- Janett, Jürg (Hrsg.), Otto Breicha. Fritz Wotruba.
Werkverzeichnis Skulpturen, Reliefs, Bühnen- und
Architekturmodelle, St.Gallen, 2002, Nr. 168 (mit Abb.).
- Ausst.Kat.: Wotruba, Museum am Ostwall (Hrsg.), Dortmund,
1961, S. 9, Kat.Nr. 10 (mit Abb.).
CHF 15 000.- / 25 000.-
(€ 12 500.- / 20 830.-)
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PostWar & Contemporary
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PostWar & Contemporary
3409*
KAREL APPEL 1921 - 2006
Paysage noir. 1960.
Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert: Appel 1960.
Verso auf Keilrahmen betitelt und datiert: paysage noir 1960.
130 x 195 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von der Karel Appel
Foundation bestätigt, Amsterdam, 18. Januar 2012.
Provenienz:
- Galerie Charles Lienhard, Zürich.
- Privatbesitz Schweiz.
1921 wird Karel Appel als Sohn eines Frisörs geboren und verbringt
seine Jugend im Arbeiterviertel Amsterdams. Auf Wunsch
des Vaters erlernt er zunächst den Frisörberuf, bis er sich 1940
entscheidet Kunst an der Rijksakademie van beeldende kunsten
in Amsterdam zu studieren und drei Jahre später dort seinen
Abschluss macht. Weitere drei Jahre später findet seine erste
Einzelausstellung im Beerenhuis in Groningen statt, und er
nimmt an der Ausstellung Jonge Schilders im Stedelijk Museum
in Amsterdam teil. 1948 gründet er zunächst mit Corneille und
Contstant die Nederlands Experimentele Groep, die dann im
selben Jahr in der neu gegründeten Künstlergruppe CoBrA aufgeht.
Zu dieser Zeit ist Karel Appel stark von Picasso, Matisse
und Dubuffet beeinflusst, aber auch die Erfahrungen des
Zweiten Weltkrieges prägen sein Weltbild und das der CoBrA.
Das Entsetzen über die Greueltaten und die Auswirkungen
des Krieges lassen sie zu der Überzeugung kommen, mit der
bisherigen Weltanschauung brechen zu müssen. 1950 zieht er
nach Paris. Mit der Teilnahme und der Auszeichnung mit dem
Grossen Preis der Malerei der Biennale in Sao Paulo 1953 kommt
sein internationaler Durchbruch. Im Jahr darauf erhält er auf der
Biennale in Venedig den UNESCO Preis und Martha Jackson organisiert
seine erste Einzelausstellung in den Staaten. Nach seinem
in vieler Augen skandalösem Wandgemälde für das Restaurant
des Rathauses von Amsterdam 1949 erhält er 1956 vom Stedelijk
Museum den Auftrag für ein Wandgemälde, und 1959 folgt eine
weitere Anfrage für ein Wandgemälde im UNESCO-Gebäude in
Paris. 1957 reist Appel erstmals nach Amerika und Mexiko. Als
jüngster Künstler in der Geschichte wird er 1960 mit dem ersten
Preis der Guggenheim International Exhibition ausgezeichnet.
Er nimmt an der 2. & 3. Documenta in Kassel teil. 1964 kauft
er bei Auxerre das Schloss Molesmes, wo er sich überwiegend
der Arbeit an grossen polychromen Reliefs und freistehenden
Figuren aus Holz und Polyester widmet. Immer wieder arbeitet
Karel Appel mit anderen Künstlern, Musikern und Dichtern
zusammen, um seine Kunst mit anderen Künsten zu verbinden. Er
bereist Südamerika, Mexiko, Indien, Nepal, Indonesien, Japan und
China. 1984 erhält er den Grand Prix du Salon beim XXIX. Salon
de Montrouge in Paris. Ende der 1980er Jahre hat er Ateliers in
New York, Connecticut, Monaco und in der Toskana und pendelt
zwischen Europa und den Staaten. 1999 gründet Appel die Karel
Appel Foundation und überträgt sämtliche Rechte an seinem
gesamten Oeuvre an sie. Zum Ende seines Lebens hin hält er sich
oft in Zürich auf, wo er am 3. Mai 2006 stirbt.
Den Einfluss der Art Brut eines Jean Dubuffet erkennt man
schon sehr früh in Appels Werk. Seine Bildsprache zeichnet sich
durch primitivistisch angelegte Figuren aus, durch einen pastosen
Farbauftrag und leuchtende Farben. Zum Ende der 1950er
Jahre wendet er sich jedoch zunehmend dem Informel zu und
verdrängt Figuratives durch starke Gestik, wodurch er seine
geforderte Spontanität wirkungsvoll umsetzt. Dieser Phase ist
auch das vorliegende, grossformatige Werk zuzuordnen. Durch
den Titel erfährt der Betrachter, dass es sich um eine Landschaft
bei Nacht handelt. Die Farben in der linken Bildhälfte lassen
Assoziationen zu einer Landschaft zu. Dominiert wird das Werk
jedoch durch die schwarzen Flächen, die sich mit expressivem
Gestus von rechts nach links zu bewegen scheinen. Die durchschimmernden
Farben deuten die abstrahierte Landschaft an,
über die sich aber die Nacht legt. Appel wendet sich in diesem
Werk ganz vom Figurativen ab und erzeugt durch seine pastosen
und dynamisch aufgetragenen Farbfelder eine abstrakte
Landschaft, die er effektvoll vor dem Auge des Betrachters zum
Leben erweckt.
CHF 140 000.- / 240 000.-
(€ 116 670.- / 200 000.-)
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PostWar & Contemporary
3410*
ASGER JORN 1914 - 1973
Ohne Titel.
Aquarell und Gouache auf Karton. Unten rechts monogrammiert
und mit dem Nachlassstempel: A.J. „Asger Jorn Colombes“.
Verso mit einer Widmung: zum 2. September 1989 Für Henning
Ege von Jorn.
32 x 24 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von dem Museum Jorn,
Sikeborg, bestätigt. Es ist dort im Archiv der Arbeiten auf Papier
registriert.
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
3411*
ASGER JORN 1914 - 1973
Ohne Titel. 1970-71.
Gouache und Aquarell auf Papier. Verso mit dem Nachlassstempel:
„Asger Jorn Colombes“, zudem mit einer Widmung: Weihnachten
1995, Für Henning & Fatima - not for sale- von Jorn.
32 x 23,5 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von dem Museum Jorn,
Sikeborg, bestätigt. Es ist dort im Archiv der Arbeiten auf Papier
registriert.
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
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3412
MARK TOBEY 1890 - 1976
Aequinoctium. 1970.
Mischtechnik auf Papier.
Unten rechts signiert und datiert: Tobey 1970.
68,5 x 24 cm.
Provenienz:
- Galerie Beyeler, Basel 1990.
- Privatsammlung Schweiz.
Ausstellung: Basel 1990/91: Galerie Beyeler, Tobey - a centennial
exhibition, November 1990 - Januar 1991, Basel, Kat.Nr. 73.
CHF 30 000.- / 40 000.-
(€ 25 000.- / 33 330.-)
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PostWar & Contemporary
3413
PIERPAOLO CALZOLARI 1943
Ohne Titel. 1981.
Eitempera auf Holz. Verso bezeichnet:
Tecnica mista 160 x 165 cm.
160 x 165 cm.
Provenienz:
- Galerie Knoedler, Zürich.
- Privatsammlung Schweiz, bei obiger Galerie 1982 erworben.
CHF 20 000.- / 30 000.-
(€ 16 670.- / 25 000.-)
3414
SERGE POLIAKOFF 1900 - 1969
Composition Bleu, Gris et Vert. 1959.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: Serge Poliakoff.
73 x 92 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von Alexis Poliakoff bestätigt,
Paris, 23. Februar 1995. Das Werk ist in den Archives Serge Poliakoff
unter der Nummer 959023 registriert.
Provenienz: Europäische Privatsammlung.
CHF 90 000.- / 120 000.-
(€ 75 000.- / 100 000.-)
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PostWar & Contemporary
3415
FRITZ WINTER 1905 - 1976
Ohne Titel. 1964.
Mischtechnik auf Papier.
Unten rechts signiert und datiert: fwinter 64.
49,5 x 70 cm.
Provenienz:
- Galerie Utermann, Dortmund (verso mit Etikett).
- Privatsammlung Schweiz.
CHF 15 000.- / 25 000.-
(€ 12 500.- / 20 830.-)
3416*
FRITZ WINTER 1905 - 1976
Grüner Kreis. 1968.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert:
fwinter 68, zudem verso auf der Leinwand betitelt, signiert, datiert
und bezeichnet:
Grüner Kreis fwinter 68. 90 x 80 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von Dr. Gabriele Lohberg
bestätigt, Trier 20. Juni 2012. Das Werk ist im Fritz-Winter-
Haus-Archiv, Ahlen, registiert.
Provenienz: Privatsammlung Deutschland.
CHF 30 000.- / 40 000.-
(€ 25 000.- / 33 330.-)
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PostWar & Contemporary
Serge Poliakoff, Gordes, 1952©Willy Ronis
3417*
SERGE POLIAKOFF 1900 - 1969
Composition abstraite 62-17. 1962.
Öl auf Leinwand. Unten mittig signiert: Serge Poliakoff. Zudem
verso auf Leinwand signiert: Serge Poliakoff.
73 x 60 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von Alexis Poliakoff bestätigt,
Paris, es ist dort in den Archives Serge Poliakoff unter der
Nummer 962030 registriert.
Provenienz:
- Galerie Erval, Paris.
- Privatsammlung Frankreich.
Ausstellung:
- London 1963: Whitechapel Gallery. Serge Polliakoff, 17.04 -
19.05.1963, Kat.Nr. 68.
- L’Isle-sur-la-Sorgue 1986: Campredon Art et Culture. Serge
Poliakoff. 4. Juli - 12. Oktober 1986, Nr. 22.
Literatur: Poliakoff, Alexis. Catalogue Raisonné de l’œuvre de
Serge Poliakoff, Bd. III 1959-1962, München, Kat.Nr. 62-17 (mit
Farbabb. S.290).
Serge Poliakoff, russisch-französischer Künstler, der sich 1923
in Paris niederlässt und sich vorerst als Musiker (klassischer
Gitarrist) einen Namen macht, kommt durch seine Freundschaft
mit Wassily Kandinsky und später mit dem Ehepaar Sonia und
Robert Delaunay zu seiner eigenen Formen- und Bildsprache.
In seinem Werk ist die Farbigkeit von Anfang an losgelöst von
einer darstellenden (repräsentativen) Funktion - Farbe steht,
wie etwa beim Orphismus der Delaunays, für Dynamik und
Emotionalität. Nach ersten Studien in Paris (ab 1927), geht
Poliakoff für 2 Jahre an die Slade School of Art in London und
kehrt 1937 nach Paris zurück. Gleich danach findet er seine
unverkennbare Kompositionstechnik. Es entstehen bald die
für ihn typischen Farb-Flächenbilder, seine „Farbakkorde“.
Der gelernte Musiker kennt dieses Prinzip von der musikalischen
Kompositionslehre her: So wie in der „Polyphonie“ die
Mehrstimmigkeit einer Komposition durch nebeneinanderliegende,
selbstständige Stimmen bestimmt wird, ordnen sich in
der „Homophonie“ die Begleitakkorde einer Hauptstimme unter.
Poliakoff kennt in seinem malerischen Werk beide Prinzipien.
In den frühen 50er-Jahren entstehen erste rein monochrome
Werke, mit Farbfeldern, die Nuancen einer einzelnen Farbe
verdichten. Gleichzeitig experimentiert er aber auch mit dem
Nebeneinander vieler unterschiedlicher, sich abgrenzenden
Farbfelder, einer sinnlichen, fast wilden Chromatik. Im vorliegenden
Werk , „Composition abstraite 62-17“, werden beide oben
beschriebenen Kompositionstechniken nebeneinandergestellt.
Der Dialog zweier Farben ist das vordergründig sichtbare Prinzip
dieses Werkes. Das teilweise monochrom gehaltene Rot liegt
im Dialog mit dem wolkig verspielten Dunkelblau des ergänzenden
Farbfeldes. Die Berührungsgrenzen der beiden Farben sind,
wie oft bei Poliakoff, streng trennend. Es ist nicht übertrieben,
Poliakoff als einen Künstler zu bezeichnen, der mit Farben reine,
abstrakte „Musik“ macht. 1959 und 1964 wird Poliakoff an die
„documenta“ 2 und 3 nach Kassel eingeladen. 1965 gewinnt er
den Hauptpreis an der Biennale in Tokio. Er stirbt 1969 in Paris.
CHF 220 000.- / 280 000.-
(€ 183 330.- / 233 330.-)
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PostWar & Contemporary
3418*
GOTTHARD GRAUBNER 1930 - 2013
Ohne Titel. 1963.
Mischtechnik auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert und
datiert: Gotthard Graubner 1963.
24 x 18 cm.
CHF 5 000.- / 7 000.-
(€ 4 170.- / 5 830.-)
3419*
JEAN FAUTRIER 1898 - 1964
Ohne Titel. Um 1960.
Gouache auf Papier, auf Leinwand aufgelegt.
Unten rechts signiert: fautrier.
32 x 50 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde mündlich vom Comité
Fautrier bestätigt.
CHF 7 000.- / 9 000.-
(€ 5 830.- / 7 500.-)
3420
SERGE POLIAKOFF 1900 - 1969
Rose 56-135. 1956.
Gouache auf Papier, auf Karton.
Unten rechts signiert: Serge Poliakoff.
60,5 x 45 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von Alexis Poliakoff bestätigt,
Paris. Es ist dort in den Archives Serge Poliakoff unter der
Nummer 856028 registriert.
Provenienz:
- Sammlung Zorlu d’Orlandi, Rom.
- Privatsammlung Schweiz.
Literatur: Poliakoff, Alexis. Catalogue Raisonné de l’œuvre de
Serge Poliakoff, Bd. II 1955-1958, München, Kat.Nr. 56-135 (mit
Farbabb. S.165).
CHF 30 000.- / 50 000.-
(€ 25 000.- / 41 670.-)
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PostWar & Contemporary
3421
LEO LEUPPI 1893 - 1972
Filetage sur blanc. VI. 1963.
Öl auf Leinwand.
Verso auf der Leinwand signiert und datiert: Leo Leuppi 63.
77 x 77 cm.
CHF 2 000.- / 3 000.-
(€ 1 670.- / 2 500.-)
3422
LEO LEUPPI 1893 - 1972
Filetage jaunatre. IV. 1963.
Öl auf Leinwand. Verso auf Leinwand signiert und datiert:
Leo Leuppi 1963 IV.
112 x 77 cm.
CHF 2 000.- / 3 000.-
(€ 1 670.- / 2 500.-)
3423*
GIANFRANCO BARUCHELLO 1924
Cordiali Saluti dell’Entropia - Errore. 1963.
Öl auf Leinwand. Verso betitelt, signiert und datiert.
98 x 70 cm.
Provenienz:
- Cordier & Ekstrom, New York (verso mit Etikett).
- Privatsammlung USA.
- Privatsammlung Deutschland.
CHF 8 000.- / 12 000.-
(€ 6 670.- / 10 000.-)
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PostWar & Contemporary
3424*
KARL FRED DAHMEN 1917 - 1981
Ohne Titel (Furchenbild). 1979.
Mischtechnik auf Leinwand.
Verso signiert und datiert: Dahmen 1979.
78 x 58,5 cm.
Literatur: Weber, Thomas. K. F. Dahmen. Werkverzeichnis
Bd. II, 1966-1981, Köln 2003, Nr. 014.79 - B 0569, S. 398 (mit
Farbabb.).
CHF 3 000.- / 5 000.-
(€ 2 500.- / 4 170.-)
3425*
ROMAN OPALKA 1931 - 2011
Detail 4045225-4047928. 1965.
Tusche auf Papier.
Verso signiert und datiert: opalka 1965/ 1 - ∞.
32,5 x 24 cm.
Provenienz: Sammlung Bernard Lamarde-Vadel, Frankreich.
CHF 48 000.- / 58 000.-
(€ 40 000.- / 48 330.-)
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PostWar & Contemporary
3426*
MICHELANGELO PISTOLETTO 1933
Rosa e Enzo. 1983.
Serigraphie auf glänzendem, poliertem Stahl. Verso signiert,
datiert, betitelt und bezeichnet: Michelangelo Pistoletto 1983
Napoli-Torino, ritratto di Rosa e Enzo.
110 x 120 cm.
Provenienz: Europäische Privatsammlung, direkt vom Künstler
erworben.
Die „Quadri Specchianti“ (Spiegelbilder) von Michelangelo
Pistoletto wecken Erstaunen, Verwunderung und Neugierde
beim Betrachten. Fast erschrecken wir uns, sehen wir uns doch
plötzlich selbst in dem Kunstwerk. Unser Spiegelbild und der
Raum, der uns umgibt, werden für einen kurzen Moment Teil
des Kunstwerkes, wir stehen plötzlich neben oder hinter den
beiden sitzenden Personen. Auch der Raum, der sich hinter den
Figuren öffnet und eine Tiefe und Weite entstehen lässt, befindet
sich nicht auf oder in dem Kunstwerk, sondern ist der Raum
hinter dem Betrachter. Ein Ziel des Künstlers ist es, in seinen
Werken die Grenze zwischen der Welt und dem Kunstwerk aufzuheben.
Dies gelingt ihm durch die Spiegelung, die die äussere
Wirklichkeit in die Wirklichkeit des Bildes miteinbezieht. Ein
weiteres Ziel, welches Pistoletto in seinen „Quadri Specchianti“
verfolgt, ist die Darstellung von Dynamik. Obwohl seine Werke
statisch an der Wand hängen, entsteht durch die Bewegung des
Betrachters in dem Raum vor dem Bild, der dann zu dem Raum
im Bild wird, eine Dynamik, eine teilweise verwirrende Dynamik
zwischen realem und fiktivem Raum.
Michelangelo Pistoletto wird 1933 in Biella in Norditalien geboren.
Seine erste künstlerische Ausbildung erhält er von seinem
Vater, der selbst Maler und Restaurator ist. Später studiert er an
der Kunstschule bei Armando Testa. Er beginnt Selbstporträts
zu malen, experimentiert sehr lange mit diesem Sujet und
steht dabei unter starkem Einfluss von Francis Bacon, dessen
Werke er 1958 bei einer Ausstellung in der Galleria Galatea
in Turin sieht. Pistolettos Porträts sollen jedoch nicht in sich
gekehrt sein und diese grausame, aggressive Ausstrahlung
der Baconporträts haben, sondern er versucht vielmehr den
Betrachter in sein Werk mit einzubeziehen.Er möchte einen
Dialog zwischen Gemälde und Betrachter entstehen lassen. So
malt er seine Porträts immer in Lebensgrösse, und die Figuren
stehen nicht in der Tiefe des Gemäldes, sondern eher am Rand
im Vordergrund, so als würden sie gleich aus dem Werk heraustreten,
um mit dem Betrachter Kontakt aufzunehmen. Als
Hintergrund wählt er meist eine monochrome, glänzende Farbe,
so dass der Betrachter durch nichts von der Figur ablenkt wird.
Die erste Ausstellung mit seinen Porträts findet 1960 in Turin
statt. Aus diesen Porträtdarstellungen entwickelt er dann ab
1962 seine charakteristischen „Spiegelbilder“.
Erst variiert er nur die Hintergründe der Gemälde, dann aber
geht er dazu über, die darzustellenden Personen als lebensgrosse
Reproduktionen von Fotos auf einen glänzenden Untergrund
zu übertragen. Durch die fotografische Reproduktion der
Figuren erreicht er einen viel höheren Grad an Realismus in
seinen Werken, und der Dialog zwischen Werk und Betrachter
stellt sich viel schneller und leichter her, als bei einem Gemälde.
Die Interaktion von Betrachter und Kunstwerk entsteht bei seinen
„Spiegelbildern“ nicht mehr wie vorher bei den Gemälden
durch den Blickkontakt des Dargestellten, sondern durch das
Einbeziehen des Betrachters in das Kunstwerk, durch dessen
Spiegelung neben realistisch erscheinenden, lebensgrossen
Menschen.
Mit diesen „Spiegelbildern“ erreicht der Künstler sofort internationale
Aufmerksamkeit und Berühmtheit, er hat zahlreiche
Einzelausstellungen in Europa (Paris 1964, Brüssel 1967) und
in den USA (Minneapolis 1966). Doch nicht nur die Gegensätze
von Statik/Dynamik, Oberfläche/Perspektive, absolut/relativ sind
für das Verständnis der „Spiegelbilder“ von Pistoletto ausschlaggebend,
er selber sagt, dass man seine Bilder nur verstehen
kann, wenn man die vierte Dimension, die „Zeit“, berücksichtigt:
„I believe that the term „time“ is fundamental to the understanding
of my work“ (M.Pistoletto in: AusstKat.: Continuum.
Pistoletto, Division and Multiplication of the Mirror, New York,
Rom, 1988, S. 31). Traditionelle Gemälde oder Zeichnungen sind
zweidimensional, sie werden an einem bestimmten Zeitpunkt
erstellt und bleiben so wie sie sind, sie haben keinen Bezug zur
aktuellen Zeit. Pistolettos Werke sind nicht nur dreidimensional,
sondern nach seiner Auffassung vierdimensional - die vierte
Dimension ist die „Zeit“. Die Figuren auf den Spiegelbildern sind,
wenn wir sie allein betrachten, mit einem zweidimensionalen
Gemälde oder einer Zeichnung vergleichbar, da das Foto zu
einem bestimmten historischen Moment aufgenommen wurde.
Aber in seinen „Spiegelbildern“ koexistieren diese Darstellungen
mit dem aktuellen Moment der Betrachtung. Es ist die Aufgabe
des Betrachters, die Bilder lebendig werden zu lassen, sich selbst
zu sehen, in Frage zu stellen und den Dialog mit dem Kunstwerk
zu suchen.
Das vorliegende Werk entsteht 1984, die wiedergegebenen
Figuren, ein im Profil sitzendes Paar schaut nach rechts. Alle
Aspekte, die dem Künstler Pistoletto wichtig sind, sind auch in
diesem Werk vereint. Der Betrachter tritt mit den wiedergegebenen
Figuren in Kontakt. Durch die Betrachtung des Werkes
sieht er sich und die Figuren neben oder hintereinander. Doch
treten die Figuren nicht direkt mit dem Betrachter in Kontakt,
sie schauen nach rechts. Wir, als Betrachter, würden die Welt
gern sehen, die dieses Paar sieht, doch wir sind nicht in der Lage,
die Realität für die Fiktion im Bild zu verlassen. Dennoch ist der
Betrachter dazu verleitet, sich das vorzustellen und wird durch
den realen Raum, der sich im Hintergrund des Bildes spiegelt,
zu Vermutungen angeregt. So erreicht Pistoletto auf einmalige
Weise den Dialog zwischen Kunstwerk und Betrachter, ohne die
Distanz zwischen Wirklichkeit und Kunstwerk aufzugeben. Es ist
ein Kunstwerk in der Welt und die Welt in einem Kunstwerk.
CHF 150 000.- / 250 000.-
(€ 125 000.- / 208 330.-)
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PostWar & Contemporary
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3428*
JUAN GENOVÉS 1930
Las Fugas. 1972.
Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert, betitelt und
datiert: Genoves, LAS FUGAS, MADRID 1972.
62 x 92 cm.
Provenienz: Privatsammlung Kolumbien.
CHF 70 000.- / 90 000.-
(€ 58 330.- / 75 000.-)
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PostWar & Contemporary
3429*
TONY CRAGG 1949
Ohne Titel. 2008.
Chromstahl, poliert. Unten am Fuss der Skulptur signiert und
datiert: Cragg 2008. Zudem mit dem Giesserstempel versehen:
Kayser Düsseldorf.
132 x 67 x 67 cm.
Provenienz: Privatbesitz Schweiz.
”Und so bleiben meine Skulpturen das, was sie sein sollen, nämlich
nicht Demonstrationen von ratio, sondern erdachte Wesen,
für deren Formgebung ausschliesslich ästhetische Massstäbe
entscheidend sind.“ (Tony Cragg in: AusstKat. „Tony Cragg.
Signs of Life, Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik
Deutschland, Bonn 2003, S. 460.)
1949 wird Anthony Cragg in Liverpool geboren. Nach seinem
Abitur nimmt er zunächst ein Praktikum in einem biochemischen
Forschungsunternehmen an, um sich dann aber der
Kunst zuzuwenden. 1966 beginnt er sein Studium der Malerei
am Gloucester College of Art and Design und absolviert von
1970 - 1973 einen Undergraduate-Kurs an der Wimbledon
School of Art. Im Laufe seines Studiums wendet er sich von
der Malerei zunehmend der Skulptur zu und bekommt 1973
einen der begehrten Plätze des Postgraduate-Kurses für
Bildhauerei am Royal College of Art in London. Zu dieser Zeit
ist er stark beeinflusst von der Minimal Art und der Konzept-
Kunst der 1960er/70er Jahre. Er arbeitet mit Alltagsgegen​
ständen, die er in der Natur und auf Deponien findet; er ordnet
„kleinteilige Gegenstände oder Fragmente von Gegenständen
zu bestimmten übergreifenden Formen an ‹… › Das Ganze
wird zum Fragment und das Fragment wird zum Ganzen -
ein ambivalentes zwischen der äusseren Form der Arbeit
und ihren einzelnen Bestandteilen, das für das bildhauerische
Denken Craggs charakteristisch ist.“ (zit. Gaensheimer,
Susanne, in Ausst.Kat. „Anthony Cragg. Material_Objekt_Form,
Lenbachhaus München, 1998, S. 129). 1976 übernimmt er für
9 Monate einen Lehrauftrag an der École des Beaux-Arts in
Metz. Im darauffolgenden Jahr heiratet er und zieht mit seiner
Frau nach Wuppertal. Für zwei Jahre wendet er sich mehr oder
weniger von der Kunstwelt ab. Erst zwei Jahre später meldet er
sich mit der Arbeit „New Stones, Newton’s Tones“ zurück, mit
der er konsequent seine Ideen aus den frühen Arbeiten weiterentwickelt.
Mit dieser Arbeit, in der er Objekte aus Plastik,
die er gefunden hat, nach der Skala der Spektralfarben ordnet
und auslegt, löst er sich von früheren Einflüssen. Er macht das
„komplexe Verhältnis von Zivilisation und Umwelt“ (ebenda,
S. 130) zu seinem übergeordneten Thema. Mit seiner ersten
Ausstellung in der Lisson Gallery in London gelingt Cragg
1979 der künstlerische Durchbruch. Zeitgleich arbeitet er
zunächst Teilzeit als Lehrer an der Kunstakademie Düsseldorf
und übernimmt bald eine Vollzeitstelle. Sein Einfluss auf die
junge Generation von Bildhauern in dieser Zeit ist immens.
In den 1980er Jahren nimmt er an zahlreichen internationalen
Ausstellungen wie der Documenta 7 & 8 in Kassel und an
fünf Biennalen in Venedig teil. Mitte der 80er Jahre vollzieht
er nochmals eine Neuausrichtung in seinem Oeuvre, indem
er sich den raumgreifenden Bronzeplastiken zuwendet.
Zunächst bildet er Alltagsgegenstände in Bronze oder Eisen
nach und setzt sich exzessiv mit den verwendeten Materialien
und ihren Oberflächen auseinander. 1988 wird Tony Cragg mit
dem renommierten Turner Preis ausgezeichnet. Im selben
Jahr wird ihm eine Professorenstelle an der Kunstakademie
Düsseldorf angeboten, 2001 übernimmt er die Professur für
Bildhauerei an der Hochschule der Künste in Berlin. 2009, als
Prorektor in Düsseldorf, löst er Markus Lüpertz als Direktor der
Kunstakademie ab und wird in diesem Jahr seinen Posten an
Rita McBride abgeben. Ebenfalls 2009 wird er in die Nordrhein-
Westfälische Akademie der Wissenschaften und der Künste
gewählt, nachdem er 1994 bereits Mitglied der Royal Academy
of Arts in London geworden ist und 2002 zum Mitglied der
Akademie der Künste berufen wird.
Auf den ersten Blick scheinen wir vor einer hochpolierten, spiegelnden,
abstrakten Skulptur zu stehen, die sich schichtweise
in einer leichten Wellenform nach oben zieht und dabei fast zu
schweben scheint. Gehen wir aber um das Werk herum und
wenden unseren Blick einmal ab, um wieder hinzuschauen,
sehen wir plötzlich ein Gesicht - abstrahiert, aber immer deutlicher
treten die Lippen hervor, die Nase und durch die leicht
hervortretende Stirn scheinen uns sogar die Augen deutlich zu
werden. Und dann erkennen wir auch auf der gegenüberliegenden
Seite weiter unten ein weiteres Gesicht.
Die hier angebotene Skulptur steht exemplarisch für Craggs
Werke seit den 1990er Jahren. Wie schon in seinen frühen
Arbeiten der 1970er und 80er Jahre entstehen auch
die Skulpturen der 1990er Jahre aus dem Zusammenfügen
von Einzelteilen, meistens runden Elementen, die zu einem
Gesamtwerk addiert und mit einer sorgfältig ausgeführten
Membran überzogen werden. Auch wenn wir die einzelnen
Elemente erkennen und benennen können, bringt uns dies nicht
weiter - nur als Gesamtes erschliesst sich dem Betrachter das
Werk. Wie bei Skulpturen der Antike organisiert auch Tony Cragg
seine Werke um eine Achse, die dem Werk eine klare lineare
Ausrichtung gibt, aber anders als in der Antike ist diese Achse
durch zahlreiche Biegungen bestimmt, und so ist kein eindeutiges
Zentrum auszumachen. Das Werk ist geprägt von einer
ungewöhnlich hohen Dynamik, und gleichzeitig wirkt es instabil.
Es geht Cragg immer um die Auswirkung seiner Werke, um das
Verhältnis seiner Werke zu ihrer Umwelt. Susanne Gaensheimer
erklärt sein Anliegen so: „Es sind nicht die inneren Qualitäten
der Skulpturen, wie ihre Tektonik oder Organisation, noch die
immanenten Eigenschaften des verwendeten Materials, wie
seine Dichte oder Struktur, sondern die sorgfältig bearbeiteten
Oberflächen, über die sich die Skulpturen Craggs vermitteln.“
(ebenda, S. 131). Unsere visuelle Auffassungsgabe bzw. unser
Sehvermögen ist gefordert. Wir sollen die Skulpturen nicht
anfassen, um sie durch eine haptische Erfahrung zu verstehen,
sondern wir müssen mit einem distanzierten Blick unsere
Position, die Skulptur und die Umgebung erfassen - dann
erschliesst sich uns die Besonderheit dieser Arbeit.
CHF 250 000.- / 350 000.-
(€ 208 330.- / 291 670.-)
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PostWar & Contemporary
3430*
ANDY WARHOL 1928 - 1987
Campbell’s Soup Can. 1975.
Filzstiftzeichnung auf Papier, Buchseite.
Unten signiert und datiert: Andy Warhol 1975.
21 x 16 cm.
Provenienz: Sammlung Gayle Carpenter, Boston.
CHF 5 000.- / 8 000.-
(€ 4 170.- / 6 670.-)
3431*
TONY CRAGG 1949
Grounded Landscape, Installation. 1990.
Glas und Granit.
Auf dem Granitsockel signiert und datiert: Cragg 90.
Mit dem Sockel 102 x 71 x 36 cm.
Provenienz:
- Privatsammlung Meerbusch, Deutschland.
- Privatsammlung Deutschland.
CHF 20 000.- / 30 000.-
(€ 16 670.- / 25 000.-)
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PostWar & Contemporary
3432*
LYNN CHADWICK 1914 - 2003
Figure in the Wind III. 1980.
Aquarell über Tusche auf Papier.
Unten rechts signiert und datiert: Chadwick 80.
35 x 50 cm.
Provenienz: Tony Reichardt Collection, London.
CHF 3 500.- / 4 500.-
(€ 2 920.- / 3 750.-)
3433*
LYNN CHADWICK 1914 - 2003
Figure in the Wind IV. 1980.
Tuschezeichnung auf Papier. Unten rechts signiert und datiert:
Chadwick 80.
50 x 32 cm.
Provenienz: Tony Reichardt Collection, London
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
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PostWar & Contemporary
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PostWar & Contemporary
James Rosenquist am Time Square in New York.
© Fondation Beyeler, Riehen. Ausstellung Blumenmythos:
Vincent van Gogh bis Jeff Koons, 2005
3434*
JAMES ROSENQUIST 1933
Sister Shrieks. 1987.
Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert und datiert:
James Rosenquist 1987.
152,4 x 248,9 cm.
Provenienz:
- Sammlung Theodor und Isabella Dalenson, Stockholm.
- Privatsammlung Schweiz.
Ausstellung:
- New York 2003: Guggenheim Museum, James Rosenquist A
Retrospective, 16.10.2003 - 18.01.2004 New York, Kat.Nr. 111
(mit Abb.).
- Riehen Basel 2005: Fondation Beyeler, Blumenmythos van
Gogh bis Jeff Koons, 27.02.2005 - 22.05.2005 Riehen Basel,
Kat.Nr. 142 (Abb.).
Literatur:
- AusstKat.: Hopps, Walter; Bencroft, Sarah. James
Rosenquist: A Retrospective, The Salomon R. Guggenheim
Foundation, New York, 2003, Kat.Nr. 111 (mit Abb.).
- AusstKat.: Ciuha, Delia. Blumenmythos: van Gogh to Jeff
Koons, Fondation Beyeler, Riehen/Basel, 2005, Kat.Nr. 142
(mit Abb.).
Seine Anfangsjahre sind nicht einfach. Als Teenager zieht
James Rosenquist mit einer Gruppe älterer Arbeiter durch den
Mittleren Westen der USA und streicht Gastanks, Getreidesilos
und Werbetafeln für Benzin. 1955 erhält der 21-jährige ein
Stipendium für das Kunststudium an der Art Students League,
einer freien Kunstschule in New York. Er haust für acht Dollar
die Woche in einem kleinen Zimmer in der 57. Strasse und lernt
in der Metropole bald Vertreter der Beat-Generation wie Jack
Kerouac und Allen Ginsberg kennen. Seinen Lebensunterhalt
verdient er 1957-60 als Reklamemaler hoch über New Yorks
Häuserschluchten. Stockwerkhohe Werbeslogans und gigantische
Gegenstände malt der „Billboard Michelangelo“, „Reklame-
Michelangelo“, wie ihn ein Zeitungsjournalist nennt. „Mensch“,
sagte Rosenquist auf dessen Frage, was er da produziert, „das ist
Werbequacksalberei. Eigentlich bin ich Künstler, nur hab ich leider
kein Geld. Ich mache kleine Skizzen, aber eines Tages werde
ich mir genügend Farbe leisten können, um grössere Sachen
zu malen.“(„Rote Kleckser bringt man nie mehr weg. Jeff Koons
und James Rosenquist“, in: Parkett Nr. 58 (2000), S. 47, in der
Übersetzung von Goridis/Parker aus dem Englischen).
Gross wurden seine „Sachen“ tatsächlich. Er gilt als der
„Monumentalist“ unter den Pop-Art-Künstlern. Ab 1960
schafft er die ersten Ölgemälde; 1965 erregt er internationale
Aufmerksamkeit. Er füllt die Wände der Galerie Leo Castelli in
New York mit „F-111“, einem 27 Meter langen, aus mehreren
Paneelen zusammengestellten Gemälde eines amerikanischen
Jagdbombers im Massstab 1:1, dem er Eindrücke aus
der US-amerikanischen Konsumgesellschaft gegenüberstellt.
Von seinen Lehrjahren als Reklamemaler, hart wie sie waren,
hat Rosenquist enorm profitiert. Sie brachten ihm Techniken
bei, die in keiner Kunstakademie gelernt werden können. Er ist
bestens vertraut mit den Strategien der Werbeindustrie; kann
Personen und Dinge auf der Leinwand zu beliebiger Grösse aufblähen;
schichtet sie mühelos über- und untereinander; weiss
um die optische Wirkung des Dargestellten aus verschiedenen
Distanzen; ist ein Meister farblicher Gestaltung; beherrscht
vollendet das Mischen strahlender, opaker Farben. Diese handwerklichen
Aspekte, die eigentlich nicht primär mit der Pop-Art
in Verbindung gebracht werden, sind für Rosenquist immer von
zentraler Bedeutung.
Auch die hier angebotenen „Sister Shrieks (Schwesterlichen
Schreie)“ von 1987 weisen diese technische Perfektion auf. Eine
Betrachtung dieses eigentlich auf Distanz angelegten Werks
aus nächster Nähe ist ein Erlebnis besonderer Art. Sie zeigt, wie
die übereinander geschobenen Motivstränge von Blüten, Augen
und Mündern sorgfältig durch unterschiedliche Farbschichten
aufgebaut und durch scharfe Kanten voneinander getrennt sind,
deren Präzision den verwirrenden Effekt der Zusammenstellung
entscheidend auslöst. Die mysteriöse Kombination von Blumen
und Augen faszinierte vor Rosenquist bereits die Künstler Odilon
Redon (1840-1916) und dessen Zeitgenossen Paul Gaugin
(1848-1903). Darauf weist die Ausstellung „Blumenmythos/
Flower Myth: von Vincent van Gogh bis Jeff Koons“ (2005) in
der Fondation Beyeler hin. Dort war das hier angebotene Werk
zusammen mit dem motivisch verwandten, jedoch wesentlich
dunkleren Werk „3 Exotic Flowers“ von 1988 zu sehen.
Redon und Gaugin setzen Augen in die von uns betrachteten
Blütenkelche und lösen damit ein Wechselspiel von Betrachter
und Betrachtetem aus.
Rosenquist überführt dieses Sehen und Gesehen-Werden in
unseren „Schwesterlichen Schreien“ in einen labyrinthischen
Farbenrausch. Die Augenausschnitte mit unterschiedlichen
Irisfarben, Grössen und Blickwinkeln, die in den kurvigen
Ausschnitten erkennbar werden, wirken so verunsichernd wie
betörend. Vergeblich versuchen wir diese verführerischen
Versatzstücke zu einem stimmigen Ganzen zusammenzufügen
und werden dabei durch die flirrenden Ranken irregeleitet, die
ohne erkennbares Muster die Blütenblätter durchschneiden.
Rosenquist, so schreibt der Beyeler Ausstellungskatalog über
unser Werk, habe Blumenbilder geschaffen, „in denen Teile der
Oberfläche entlang ondulierender Arabesken abgeschält worden
zu sein scheinen, somit Ausschnitte lachender Gesichter
freigebend, die den Eindruck einer zweiten, darunter liegenden
Darstellung erwecken. [...] Die strahlenden Augen in diesem Bild
sind verbunden, scheinbar zufällig, mit den Blumen auf der darüber
liegenden Schicht. Die daraus resultierenden Physiognomien
addieren sich zu einer Metamorphose von Blumen und Augen
in hybride Wesen [...]“ (Blumenmythos: Vincent van Gogh bis
Jeff Koons“, Katalog der Ausstellung in der Fondation Beyeler,
27. Februar bis 22. Mai 2005, S. 45, Übers. der Verf. aus dem
Englischen).
CHF 450 000.- / 650 000.-
(€ 375 000.- / 541 670.-)
| 42

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PostWar & Contemporary
3435
NIKI DE SAINT PHALLE 1930 - 2002
La fontaine aux quatre nanas. 1988/90.
Bemaltes Polyester. Auf der Unterseite in einer Plakette mit dem
eingeritzten Namen: Niki de Saint Phalle. Exemplar 57/150.
51 x 47 x 14 cm.
CHF 18 000.- / 24 000.-
(€ 15 000.- / 20 000.-)
3436*
NIKI DE SAINT PHALLE 1930 - 2002
Les baigneuers. 1985.
Bemaltes Polyester. Unten am Sockel mit dem Künstlerstempel:
Niki, zudem mit dem Giesserstempel: Plastique R.Halodon d’art.
Exemplar 103/150.
47 x 40 cm.
Provenienz:
- Galerie Veranneman, Brüssel (unten mit dem Etikett).
- Privatsammlung Deutschland.
CHF 38 000.- / 44 000.-
(€ 31 670.- / 36 670.-)
| 44

| 45

PostWar & Contemporary
3437*
JAMES BROWN 1951
Hats. 1982.
Öl auf Papier, auf Pavatex aufgelegt. Verso signiert, datiert und
betitelt: James Brown I-1982 hats.
127 x 99 cm.
Provenienz: Privatsammlung Deutschland.
CHF 3 000.- / 5 000.-
(€ 2 500.- / 4 170.-)
3438*
LUCIANO CASTELLI 1951
Matador y Banderilleros. 2007.
Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert, datiert und
betitelt: Luciano Castelli 2007.
202 x 245 cm.
Provenienz:
- Galerie Terminus, München.
- Privatsammlung Schweiz.
CHF 45 000.- / 55 000.-
(€ 37 500.- / 45 830.-)
| 46

| 47

PostWar & Contemporary
3439*
GUSTAVE ASSELBERGS 1938 - 1967
Ohonie. 1960.
Öl auf Leinwand.
Unten links signiert und datiert: GUSTAV ‘60.
90 x 60 cm.
Provenienz: Privatsammlung Deutschland.
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
3440*
JACQUES DOUCET 1924 - 1994
Balade de bruines de mer.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: doucet, zudem verso
signiert und betitelt.
90 x 90 cm.
Provenienz:
- galleria d’arte r rotta, Genua
(verso mit Stempel auf Keilrahmen).
- Galerie Dina Vierny, Paris.
- Privatbesitz Deutschland.
CHF 9 000.- / 12 000.-
(€ 7 500.- / 10 000.-)
| 48

| 49

PostWar & Contemporary
3441*
AMBADAS 1922 - 2012
Painting No 2. 1968.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert: Ambadas
1968. Zudem verso signiert und betitelt.
153 x 123 cm.
CHF 6 000.- / 8 000.-
(€ 5 000.- / 6 670.-)
| 50

3442*
ARNULF RAINER 1929
Vier Hände, zwei Füsse. 1978.
Öl auf Karton. Oben mittig zweimal monogrammiert: AR. Sowie
verso signiert und datiert: A Rainer 78. Zudem oben rechts mit
dem Trockenstempel (Schoeller Hammer AG).
51 x 73 cm.
Provenienz: Galerie Klewan, München.
CHF 35 000.- / 45 000.-
(€ 29 170.- / 37 500.-)
| 51

PostWar & Contemporary
3443
GOTTFRIED HONEGGER 1917
Ohne Titel.
Öl auf Leinwand.
Verso auf der Leinwand signiert: G. Honegger.
63 x 42,5 cm.
Dieses Werk ist im Schweizerischen Institut für
Kunstwissenschaft unter der Archivnummer 121129 0002
registriert.
Provenienz:
- Galerie Gisele Linder, Basel (verso mit dem Etikett).
- Privatsammlung Schweiz.
CHF 7 000.- / 9 000.-
(€ 5 830.- / 7 500.-)
| 52

3444
LUCIANO CASTELLI 1951
Zebras - Zusammenarbeit mit Salomé. 1981.
Kunstharz auf Leinwand. Verso auf der Leinwand zweifach signiert,
datiert und betitelt: Luciano Castelli/Salomé 1981 Zebras.
180 x 180 cm.
CHF 40 000.- / 50 000.-
(€ 33 330.- / 41 670.-)
| 53

PostWar & Contemporary
3445*
SOHAN QADRI 1932 - 2011
Komposition. 1987.
Mischtechnik auf Papier. Unten mittig signiert und datiert: Qadri
87, zudem verso mittig signiert: Qadri.
36 x 25 cm.
Provenienz: Privatsammlung Deutschland.
CHF 2 500.- / 3 500.-
(€ 2 080.- / 2 920.-)
3446*
SOHAN QADRI 1932 - 2011
Komposition. 1987.
Mischtechnik auf Papier. Unten links signiert und datiert: Qadri
87, zudem verso mittig signiert: Qadri.
46 x 27,5 cm.
Provenienz: Privatsammlung Deutschland.
CHF 2 500.- / 3 500.-
(€ 2 080.- / 2 920.-)
| 54

3447*
BERNARD LÜTHI 1938
Pyramide.
Aquarell auf Papier. 175 x 145 cm.
CHF 3 000.- / 4 000.-
(€ 2 500.- / 3 330.-)
| 55

PostWar & Contemporary
3448
FRANCIS BOTT 1904 - 1998
Espaces Concertés. 1970.
Mischtechnik auf Papier.
Unten rechts signiert und datiert: Francis Bott 70.
49,5 x 69,5 cm.
Literatur: Henze, Wolfgang. Francis Bott, Das Gesamtwerk,
Stuttgart/Zürich 1988, Kat.Nr. 1194 (mit Abb.), dort fälschlicherweise
auf 1972 datiert.
CHF 3 000.- / 5 000.-
(€ 2 500.- / 4 170.-)
| 56

3449*
OTTO PIENE 1928
Ohne Titel. 1967.
Feuergouache auf festem Papier.
Unten rechts signiert und datiert: Piene 67.
67 x 96 cm.
Provenienz:
- Galerie Heseler, München.
- Privatsammlung Deutschland, seit 1972.
CHF 12 000.- / 18 000.-
(€ 10 000.- / 15 000.-)
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PostWar & Contemporary
| 58

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PostWar & Contemporary
3450
TOM WESSELMANN 1931 - 2004
Iris Nude with Motherwell (Filled In). 1995.
Öl auf Aluminium, Cut out.
Verso signiert und datiert: Wesselmann 95, sowie mit der Studio
Nummer bezeichnet:“NII6“, zudem betitelt und mit einer ausführlichen
Installationsanleitung versehen.
114,3 x 173 x 7,6 cm.
Diese Arbeit ist im Archiv des Tom Wesselmann Estate, New
York, registriert.
Provenienz:
- Sidney Janis Gallery, New York, bis 2000.
- Galerie Benden & Klimczak, Köln.
- Privatsammlung Schweiz.
Ausstellung: New York, 1995: Sidney Janis Gallery „Tom
Wesselmann“, 4. Mai - 10. Juni 1995, New York (ohne Abb.).
Mit dem Etikett „Pop Art“ kann er sich zeitlebens nicht anfreunden.
Tom Wesselmann will nicht in diese Schublade, mochte
er auch Konsumartikel in seine Assemblagen integrieren,
die knallbunten Symbole der Leuchtreklamen zitiert, seine
Modelles zu anonymisierten Pin-up-Girls gemacht haben:
Er wehrt sich dagegen, diesen Bildelementen eine grosse
inhaltliche Bedeutung beizumessen. Genutzt hat er dieses
Motivmaterial, weil es einfach allgegenwärtig war, damals, in
der US-Gesellschaft der 1960er Jahre, in der er seinen Platz
als junger Künstler und seine eigene künstlerische Handschrift
sucht. Einen kulturellen Kommentar vermag er in seiner poppigbunten
Kunst nicht zu erkennen. Er habe sich, so sagt er einmal
in einem Interview, einfach „nur mit Elementen seiner eigenen
Kultur wohl“ gefühlt: „Also griff ich auf das zurück, was um mich
herum war, auf meine eigene Kultur.“ Was Wesselmann in seiner
nächsten Umgebung findet, collagiert er zu berauschend sinnlichen
Bildwelten von überwältigender Farbigkeit, verführerisch
und verheissungsvoll. Mit dieser neuen Bildsprache will und
vermag er sich aus dem Schatten der Titanen des Abstrakten
Expressionismus wie Jackson Pollock und Willem de Kooning zu
lösen. Deren gewaltig bewegten „action paintings“ haben Ende
der 1950er Jahre die New Yorker Kunstszene beherrscht und
bei Wesselmann ebenso Bewunderung wie völlige künstlerische
Lähmung ausgelöst. Seine eigenen Interessen, wie er erst
in einem schwierigen Selbstfindungsprozess über sich selbst
lernen muss, liegen bei traditionellen, ruhigen Bildgattungen:
Er will Akte und Stillleben gestalten. Mit der Serie der „Great
American Nudes“, mit denen er Berühmtheit erlangen sollte,
lässt er dann allerdings jede malerische Konvention hinter sich.
Es sind Aktgemälde von eindringlicher Erotik, deren unverblümte
Direktheit noch heute berührt. Gleichzeitig gehen diese Werke
allerdings auf Distanz, durch die kühle Glätte, mit der dort
weibliche Körper in ihren expliziten Posen dargestellt werden.
Die „Great American Nudes“ und viele ihrer Nachfolgerinnen in
Wesselmanns Oeuvre dienen als makellose Projektionsfläche
ohne individuelle Persönlichkeit: „Von Anfang an habe ich ihnen
keine Gesichter gegeben, weil ich wollte, dass durch das Bild
eine Art fließende Bewegung geht, und gewisse Dinge hätten
diese Bewegung möglicherweise aufgehalten: zu viele Details,
beispielsweise. Ein Gesicht gibt dem Akt persönliche Züge und
verändert den gesamten Ausdruck des Werks, macht es zu
einer Art Portrait-Akt, und das gefiel mir nicht. Also verzichtete
ich von vornherein auf Gesichtszüge.“ Nur der rote Mund findet
sich ab 1961 in Wesselmanns Akten.
Mit Brustwarzen und Scham bildet er eine erotische Trias,
deren Farbigkeit auch den liegenden, uns zugewandten Körper
in unserem 1995 entstandenen Werk „Nude with Motherwell“
rhythmisiert: ein deutlicher Bezug auf die frühe Werkgruppe des
Künstlers. Jedoch sind in unserem Werk nicht die Oberflächen
des Körpers, sondern dessen stark verbreiterte Umrisse bildgebend.
Die Frau und ihre Rundungen werden durch diese
Verfremdungen abstrahiert und scheinen mit den sie umgebenden
orangeroten Farbfeldern zur hügeligen Landschaft zu verschmelzen
- komplett mit Sonne, Wolken, blauem Himmel und
einer rechts aus dem Boden wachsenden Palme als ironischem
Kommentar. Diese betont grafische Gestaltung ist beispielsweise
auch in „Nude Lying Back (3-D)“ (Öl auf ausgeschnittenem
Aluminiumblech, 1993, Privatbesitz) erkennbar und dürfte in der
für beide Werke verwendeten Technik begründet sein. Während
der Künstler in den 1960er und 70er Jahren mit Assemblagen,
Kunststoffen und ungewöhnlich geformten Leinwänden
experimentiert, entdeckt er 1983 ein neues Medium für seine
Arbeit. Aluminium- und Stahlblech, von Hand oder per Laser
nach der Vorlage seiner Zeichnungen ausgeschnitten, bietet
ihm eine ungeahnte Fülle gestalterischer Möglichkeiten. Eine
Offenbarung für Wesselmann: „Es war, als ob jemand einen
Schalter angeknipst hätte. [...] Ich bin ein völlig anderer Künstler.“
Mit dem neuen Material kann der Künstler an die skulpturale
Qualität früherer Arbeiten anknüpfen. Er schichtet Metallplatten
mit kleinen Abstandshaltern vor- und übereinander und lässt
dadurch unterschiedliche Bildebenen entstehen. Wesselmann
formt filigranste Landschaften wie „Quick Sketch from the Train
(Italy)“ (1987, Privatsammlung), in der Wege, Felder und Hügel
nur durch zarte Linien angedeutet sind; oder massige Arbeiten
wie das kompakte, wandfüllende Tondo „Night Time with Four
Roses and Pear“ (1993, Privatbesitz). Es sind moderne Reliefs,
deren endgültige Wirkung durch ihre Farbfassung entsteht.
Auf der Rückseite unserer „Nude with Motherwell“ finden sich
ausführliche Empfehlungen des Künstlerstudios zur Aufhängung
und Befestigung der stabilen Metallkonstruktion. Doch die
Betrachterseite ist mit opaken, samtigen Ölfarben gestaltet, die
den massiven Bildträger völlig in den Hintergrund treten lassen.
Sie wirkt, als seien die einzelnen Elemente aus leichten, weichen
Robert Motherwell, Elegy to the Spanish Republic 108. 1965-67.
Öl auf Lwd., 208.2 x 351.1 cm © 2013 The Museum of Modern
Art/Scala, Florence.
Kunststoffen wie beispielsweise Moosgummi ausgeschnitten.
Ein raffiniertes Spiel mit Farben, Materialien und den an sie
geknüpften Assoziationen.
Ein Spiel auch mit Zitaten. Der Werktitel „Nude with Motherwell“
weist uns direkt auf einen Künstler aus der vorangegangenen
Generation: Robert Motherwell (1915-1991), der für markante
schwarze Formen bekannt wird und als „intellektuelles
Gegenstück“ zum impulsiven Jackson Pollock gilt. Es ist denkbar,
dass Wesselmann in unserem Werk eine der zahlreichen
Varianten aus Motherwells Serie „Elegy for the Spanish Republic“
zitiert, die in den 1950er Jahren entstehen und sich heute unter
anderem im Metropolitan Museum und im Museum of Modern
Art (beide New York) befinden. Dafür würden nicht nur die ovalen
schwarzen Formationen sprechen, die hinter beziehungsweise
über dem Akt und hinter der Palme geschichtet sind. Auch die
cremigen Lachs- und Orangetöne unserer Körperlandschaft
könnten auf Motherwells „Elegy“-Serie Bezug nehmen.
Wesselmanns Oeuvre weist zahlreiche solcher Reverenzen
an vergangene Künstlergrössen auf. In „Great American Nude
No.44“ (1963, Privatbesitz) betrachtet ein Frauenkopf, den
der Künstler aus einem Renoir-Gemälde entlehnt hat, die sich
aufreizend räkelnde Aktfigur. Den Hintergrund für „Monica sitting
with Mondrian“ (1988, Privatbesitz) bilden die typischen
rot-blau-gelben Farbfelder und schwarzen Raster des niederländischen
Malers; und eine ganze Reihe von Werken widmet
Wesselmann grossen Vorbildern der Moderne wie Henri Matisse
oder Pablo Picasso. Für „Nude with Motherwell“ hat Wesselmann
ausgerechnet einen der führenden Abstrakten Expressionisten
gewählt, mit denen er sich einst so abgemüht hat. Die
Souveränität, mit der er hier Motherwells künstlerische Essenz
destilliert und wie eine Spolie - gleich dem Säulenfragment einer
antiken Tempelruine - in die Bildebenen eingebaut hat, demonstriert:
Die waren einmal. Heute bin ich.
Die Zitate in unserem Katalogbeitrag sind einem Text von Marco
Livingstone in: Tom Wesselmann, 1959-1993: Katalog zur
Ausstellung in der Kunsthalle Tübingen, 9.4.1994-29.5.1994, im
Palais des Beaux-Arts, Brüssel, 16.6.1994-28.8.1994 [et al.],hrsg.
von Thomas Buchsteiner und Otto Letze, Ostfildern : Cantz,
cop. 1994, S. 15-23, entnommen.
CHF 400 000.- / 500 000.-
(€ 333 330.- / 416 670.-)
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PostWar & Contemporary
3451*
DAMIEN HIRST 1965
Butterfly.
Filzstiftzeichnung auf festem Papier.
Unten mittig signiert: Damien Hirst.
29,6 x 24,4 cm.
Provenienz:
- Gagosian Gallery New York , „End of an Era“ Ausstellung Januar
2010, direkt vom Künstler erhalten.
- Privatsammlung Dänemark.
CHF 2 000.- / 3 000.-
(€ 1 670.- / 2 500.-)
3452*
DAMIEN HIRST 1965
In a Spin, the action of the world on things. 2002.
Household Paint auf mit Buckram kaschierter Portfoliobox (Unikat),
Siebdruck. Künstlername und Titel überdruckt (Siebdruck).
Die Arbeit stammt aus einer Serie von 68 Unikaten, gefertigt für
je 21 Radierungen.
117 x 95 cm.
Die Arbeit ist im The Hirst Authentication Committee (HIAC Ltd)
unter der Nummer DHS - 663,128s registriert.
Provenienz:
- Paragon Press, London.
- Privatsammlung London.
Literatur: Vgl. Lullin, Etienne/Simm, Florian, Contemporary Art in
Print. The publication of Charles Booth-Clibborn and his imprint,
The Paragon Press 2001-2006, London 2006, S. 76 ff.
CHF 60 000.- / 90 000.-
(€ 50 000.- / 75 000.-)
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PostWar & Contemporary
3453
MARIO SCHIFANO 1934 - 1998
Due Incidenti.
Gouache, Aquarell und Bleistift auf Papier.
Unten rechts signiert: Schifano.
61,5 x 69,5 cm.
CHF 2 500.- / 3 500.-
(€ 2 080.- / 2 920.-)
3454
PIERRE-YVES TRÈMOIS 1921
Le Cri. 1971.
22 Karat Gelbgold, 2,4 Kg. Unten mittig signiert und datiert:
Trèmois 1971, Unikat.
Durchmesser 40 cm.
CHF 60 000.- / 90 000.-
(€ 50 000.- / 75 000.-)
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PostWar & Contemporary
3455
PATRICK LO GIUDICE 1959
Sargträger Version II. 2006.
Feuermalerei mit Pigment und Fotografietransferumdruck in
Wachs auf Holz, Künstlerrahmen. Verso signiert, datiert und
betitelt: Patrick Lo Giudice.
57,7 x 88,4 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von Patrick Lo Giudice
bestätigt, Zürich Oktober 2013. Das Werk ist im Archiv des
Künstlers unter der Nummer 200601-1 verzeichnet.
Das vorliegende Werk gehört zu dem berühmten Werkzyklus
„Der Lo Giudice Code“. Alle Fotos, die Patrick Lo Giudice in
diesem Werkzyklus verarbeitet, zeigen berühmte Mafiamorde.
Mit seiner unverwechselbaren Technik verfremdet er die
Fotos so stark, dass der direkte Blick auf das Geschehen verschleiert
ist. Mit Feuermalerei und Pigmenten zusammen mit
dem Fotografietransferumdruck in Wachs schafft er ein Werk,
das nicht nur optisch, sondern auch haptisch anspricht. Der
Betrachter würde gern die Oberfläche berühren, erwartet er
doch eine weiche, nachgiebige Fläche. Doch die scheinbar
weiche Oberfläche ist hart und lässt sich nicht entfernen, die
Abbildung bleibt verborgen.
Patrick Lo Giudice wird in der Schweiz geboren. Seine Eltern sind
Italiener und ziehen mit dem Sohn für einige Jahre von Zürich
nach Graniti auf Sizilien. Der Vater ist in der Holzwirtschaft
tätig und der noch sehr junge Patrick begleitet ihn oft.
Während dieser in ein Gespräch mit Geschäftspartnern vertieft
ist, läuft Patrick an parkenden Autos entlang, um deren
Höchstgeschwindigkeiten auf dem Tacho abzulesen. In einem
der Wagen ist der Tacho jedoch durch eine Leiche verdeckt.
Vater und Sohn entfernen sich sofort ohne die Polizei zu rufen,
es handelt sich um einen Mafiamord. Über das Erlebte darf nicht
gesprochen werden, nicht einmal im engsten Familienkreis, der
Junge hat einen Schock. Da der Vater sich weiterhin weigert die
hohen Schutzzölle an die Mafia zu zahlen und sie immer wieder
durch Brandbomben bedroht werden, entscheidet sich die
Familie, Italien zu verlassen und in die Schweiz zurückzukehren.
Zurück in der Schweiz beginnt er eine Ausbildung als
Zahntechniker, beschäftigt sich daneben jedoch immer mit
der Kunst, 1977 entstehen die ersten Ölgemälde. Das traumatische
Erlebnis des Mordes in Italien verarbeitet Patick Lo
Giudice in diesem Werkzyklus. Die Fotos der Mafiamorde liegen
den Arbeiten zu Grunde, sie werden durch die Technik
jedoch verschleiert und erlauben keinen freien Blick auf das
Dargestellte. Der Betrachter ist, so wie damals der kleine Junge,
ganz nah dran und doch weit entfernt, ein Eingreifen oder gar
ein Vermeiden ist nicht möglich. Die reale und die emotionale
Distanz zu dem Geschehen gepaart mit dem Entsetzen über die
Vorfälle und einem leichten voyeuristischen Ansatz, vereint der
Künstler hier zu einem kraftvollen und eindrücklichen Werk. Der
Werkzyklus und auch das vorliegende Werk wurden 2006 in der
Galerie Andy Jllien ausgestellt, bei dieser Ausstellung wurden
alle Werke verkauft, an Privatsammlungen oder an Museen.
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
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PostWar & Contemporary
3456*
FRANCISCO ZÚÑIGA 1912 - 1998
Dos mujeres conversando. 1965.
Farbstift auf Papier.
Unten rechts signiert und datiert: Zúñiga 65.
65 x 50 cm.
Provenienz:
- Sammlung Dr. Eugene A. Solow, Chicago.
- Auktion Christie›s New York, 28./29.05.1997, Lot 197.
- Auktion Christie›s New York, 26./27. 11.1997, Lot 186.
- Salander O›Reilly Galleries, New York.
Literatur: Zúñiga, Ariel. Francisco Zúñiga, Bd. III, Drawings
(1927-1970), Kat.Nr. 1248. 2006.
CHF 5 000.- / 8 000.-
(€ 4 170.- / 6 670.-)
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3457
WIFREDO LAM 1902 - 1982
Ohne Titel. 1971.
Öl auf Leinwand.
Verso auf der Leinwand signiert und datiert: WLam 1971.
50 x 69 cm.
Provenienz:
- Privatsammlung Albisola, Italien.
- Privatsammlung Genua, Italien.
- Galleria La Nuova Città, Brescia, Italien.
- Galerie Semina Huber, Zürich.
- Privatbesitz Schweiz, in obiger Galerie erworben.
Literatur:
- Fouchet, M.-P. Wifredo Lam, 1. Auflage, Barcelona/Paris,
Polígrafa Cercle d’Art, 1976, S. 247, Kat.Nr. 614 (mit Abb.).
- Fouchet, M.-P. Wifredo Lam, 2. Auflage, Barcelona/Paris,
Polígrafa/Cercle d’Art, 1989, S. 267, Kat.Nr. 646 (mit Abb.).
- Laurin-Lam, L.; Lam, E. Wifredo Lam: Catalogue Raisonné of
the Painted Work, Bd. II 1961-1982, Acatos, Lausanne, 2002, S.
w348, Kat.Nr. 71.01 (mit Abb.).
CHF 45 000.- / 65 000.-
(€ 37 500.- / 54 170.-)
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PostWar & Contemporary
3458
PIERO DORAZIO 1927 - 2005
Ohne Titel. 1970.
Gouache auf Papier.
Unten rechts signiert und datiert: Dorazio 1970.
36 x 45,5 cm.
Provenienz: Privatsammlung Schweiz.
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
3459*
ALEX KATZ 1927
Late Afternoon / Sunlight on Road. 2002.
Öl auf Papier, auf Karton.
Oben rechts signiert und datiert: Alex Katz 02.
23 x 23 cm.
Provenienz:
- John Szoke Fine Art, New York, 2007 (direkt vom Künstler).
- Privatsammlung Deutschland (bei obiger Galerie erworben).
CHF 22 000.- / 26 000.-
(€ 18 330.- / 21 670.-)
| 70

| 71

PostWar & Contemporary
3460
AHMET ORAN 1957
Ohne Titel. 1996.
Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand zweifach signiert und
datiert: A. Oran 12.96.
130 x 97 cm.
Provenienz: Privatbesitz Schweiz (direkt beim Künstler 1996 in
Wien gekauft).
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
| 72

3461
ANTONI TÀPIES 1923 - 2012
Rose. 1964.
Gouache, Collage auf Papier. Unten links bezeichnet: Traball
preparatori „litho rose“.
Unten rechts signiert und datiert: Tàpies 1964.
56,5 x 76 cm (Blattgrösse).
CHF 20 000.- / 40 000.-
(€ 16 670.- / 33 330.-)
| 73

PostWar & Contemporary
3462
LUCIANO CASTELLI 1951
Gabi. 1986.
Kunstharz und Ölkreide auf Papier. Unten links an der Seite signiert
und datiert: Luciano Castelli 86.
200 x 70 cm.
CHF 12 000.- / 18 000.-
(€ 10 000.- / 15 000.-)
| 74

3463
A. R. PENCK 1939
Komposition.
Öl auf Papier. Unten mittig signiert: ar.penck.
70 x 100 cm.
Provenienz:
- Galerie Terminus, München (verso mit Etikett).
- Privatsammlung Schweiz, seit 1996.
CHF 20 000.- / 30 000.-
(€ 16 670.- / 25 000.-)
| 75

PostWar & Contemporary
3464*
GÜNTHER UECKER 1930
Nagelbild. 2011.
Nagel, Papier - Objektkasten. Mittig signiert: Uecker.
10 x 15 cm.
Provenienz:
- Privatbesitz Deutschland (vgl. verso Besitzvermerk in Bleistift:
Von Uecker erhalten am 15.11.11 um 1500 in Köln bei der
Preisverleihung Fine Art).
- Privatsammlung Deutschland.
CHF 4 500.- / 5 500.-
(€ 3 750.- / 4 580.-)
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3465*
HIROSHI SUGITO 1970
Bridge 1. 2002. Diptychon.
Acryl auf Leinwand. Je verso auf Leinwand signiert.
23 x 50 cm (Je 23 x 25 cm).
Provenienz:
- Nicole Klagsburn Gallery, New York.
- Privatsammlung Deutschland.
CHF 5 000.- / 8 000.-
(€ 4 170.- / 6 670.-)
| 77

PostWar & Contemporary
| 78

| 79

PostWar & Contemporary
Charlie Parker (1920-1955)
3466
JOHN CHAMBERLAIN 1927 - 2011
Memo to Charlie Parker. 2006.
Chrom, Stahl und Lack.
104 x 109 x 62,2 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von John Chamberlain
bestätigt, New York. Mit einer vom Künstler unterschriebenen
„Deed of Conveyance“.
Provenienz:
- Wilhelm J. Grusdat.
- Privatsammlung Schweiz.
John Chamberlain zählt zu den bedeutendsten Bildhauern des
Abstract Expressionism und zu den Wegbereitern der Pop Art.
1927 wird John Chamberlain in Rochester, Indiana geboren und
wächst seit seinem 4. Lebensjahr bei seiner Grossmutter in
Chicago auf. In den Jahren 1943-46 dient er in der US-Marine
und macht in den späten 1940er Jahren eine Ausbildung zum
Frisör. Erst 1951 beginnt er sein Kunststudium am Kunstinstitut
von Chicago, von 1955-1956 besucht er das renommierte Black
Mountain College. Noch in seinem Abschlussjahr zieht er nach
New York, wo er 1958 seine erste Ausstellung in der Davida
Gallery hat. Im Atelier von Larry Rivers entwirft Chamberlain
seine erste Skulptur aus Autoteilen. 1963 zieht er mit seiner
Familie nach Embudo, New Mexico. Er beginnt mit einer
Werkserie aus Autolack und Metallic-Flocken. Nach kurzen
Aufenthalten in Kalifornien und New York, folgt er 1966 seiner
Familie nach Santa Fe, New Mexico, wo er auch unterrichtet.
Es entstehen die ersten Skulpturen aus Schaumstoff. Das Jahr
1968 steht ganz im Zeichen von diversen Filmprojekten John
Chamberlains. Nach längeren Aufenthalten in Kalifornien kehrt
er 1971 nach New York zurück, wo im Guggenheim Museum
seine erste Retrospektive stattfindet. 1974 wendet er sich wieder
der Arbeit mit Automobilteilen zu. In den späten 1970er und
1980er Jahren arbeitet er an einigen grösseren Projekten und
öffentlichen Aufträgen. Automobilteile sind der Werkstoff, den
John Chamberlain für sich schon früh entdeckt hat und immer
wieder verwendet. In seinen frühen Skulpturen verwendet er
tatsächlich Autoteile vom Schrottplatz, die er dann in seinem
Atelier bearbeitet; mit der Zeit aber wird er direkt von den
Autoherstellern beliefert. Er bekommt die lackierten Einzelteile
und verformt sie dann in seinem Studio. Bei Chamberlains
Werken handelt es sich nicht um „Ready-Mades“, die er auf
Schrottplätzen findet und dann als Kunst postuliert. Ganz im
Gegenteil nutzt er zwar das gebrauchte Material, bearbeitet
es aber dann selbst in seinem Atelier, z.T. mit seiner eigenen
Schrottpresse und lässt eindrucksvoll komponierte Werke entstehen.
Wie auch bei unserer vorliegenden Arbeit wird dem Betrachter
bewusst, dass er nichts dem Zufall überlässt. Der harte
und schwer zu kontrollierende Werkstoff, den Chamberlain
auch hier verarbeitet, wird scheinbar spielerisch in eine neue
Form gebracht. In „Memo to Charlie Parker“ verbindet John
Chamberlain seine Liebe zur Musik mit seiner kreativen
Schaffenskraft. Gekonnt legt er das lebhafte und bewegliche
Spiel der Jazzlegende Charlie Parker (1920-1955) der Skulptur
zu Grunde. Die einzelnen Metallstreifen der Skulptur sind frei
beweglich und die kleinste Erschütterung lässt sie vibrieren.
Dennoch sind sie alle durch eine Drehung in der stabilen Basis
miteinander verbunden und so ruht die Skulptur trotz ihres
fragmenthaften Aufbaus in sich. Die alles verbindende, der
Skulptur Stabilität gebende Basis ist gleichzusetzen mit dem
Hauptakkord der Musik des Charlie Parker. Seine Musik war
beweglich und lebhaft, oft in Verbindung mit einem vibrierenden,
unruhig wirkenden Rhythmus, sie löste sich jedoch immer harmonisch
und rhythmisch schlüssig in dem ihr zu Grunde liegenden
Akkord auf. Die Merkmale der faszinierenden Musik Charlie
Parkers: Vibration, Beweglichkeit, Unruhe und Rhythmus gepaart
mit Stabilität und Harmonie verbindet John Chamberlain in dieser
Skulptur zu einem meisterhaften Werk, das die Musik des
grossen Jazzmusikers förmlich erklingen lässt.
CHF 400 000.- / 600 000.-
(€ 333 330.- / 500 000.-)
| 80

| 81

PostWar & Contemporary
3467
HANS RICHTER 1888 - 1976
Komposition. 1969.
Aquarell, Farbstift und Bleistift auf Papier. Unten rechts monogrammiert
und datiert: HR 69.
20,5 x 12,5 cm.
CHF 2 000.- / 3 000.-
(€ 1 670.- / 2 500.-)
3468
SILVIO MATTIOLI 1929 - 2011
Ohne Titel. 1991.
Metallskulptur. Auf Sockel mit Monogrammstempel und Datiertung:
SM 91.
Höhe: 97 cm.
Provenienz: Privatsammlung Schweiz (direkt beim Künstler
erworben).
CHF 1 800.- / 2 400.-
(€ 1 500.- / 2 000.-)
3469
ARMAN 1928 - 2005
Guitares.
Öl und Collage auf Leinwand, auf Holz.
Verso unten signiert: arman.
68 x 48 cm.
CHF 15 000.- / 20 000.-
(€ 12 500.- / 16 670.-)
| 82

| 83

PostWar & Contemporary
3470
GOTTFRIED HONEGGER 1917
Reliefkomposition. 1995.
Acryl auf Holz. Verso bezeichnet, signiert und datiert: B EA. Honegger.
1995.
50 cm (Durchmesser).
Dieses Werk ist im Schweizerischen Institut für
Kunstwissenschaft,SIK, unter der Archiv Nummer 121219’0001
registriert.
CHF 5 000.- / 8 000.-
(€ 4 170.- / 6 670.-)
| 84

3471*
NATALIA DUMITRESCO 1915 - 1997
Constellation Ailante. 1982.
Öl auf Leinwand. Oben rechts signiert: N. Dumitresco, zudem
verso signiert, datiert, betitelt und bezeichnet.
82 x 100 cm.
Provenienz: Nachlass der Künstlerin.
Ausstellungen: Paris 1987: Foire Internationiale d’Art
Contemporain, FIAC, Paris 1984.
CHF 5 000.- / 8 000.-
(€ 4 170.- / 6 670.-)
| 85

PostWar & Contemporary
3472
IVAN RABUZIN 1921 - 2008
Hibou. 1967.
Öl auf Leinwand.
Unten rechts signiert und datiert: Ivan Rabuzin 1976.
82 x 65 cm.
CHF 2 000.- / 3 000.-
(€ 1 670.- / 2 500.-)
| 86