kult! Die Mondlandung (Vorschau)

Indianer- 

Filme 

kult! 

www.goodtimes-magazin.de 

60er · 70er · 80er 

Die 

Mondlandung 70er 

TV-Serien 

D: € 6,50 

Österreich € 7,50 

Luxemburg € 7,50 

Schweiz CHF 12,70 

Ausgabe 1/2013 (Nr. 7) 

Spezial 

mit 

Poster 

Ost-Rock 

Gerüchte, 

Mythen, Märchen 

Russ-Meyer- 

Filme 

Tolkien · Reiner Schöne · Ein Platz für Tiere · Daliah Lavi · Martin Böttcher · Jahrgang 1972 · Michael Schanze

& 

präsentieren: 

Die massive Progressive Rock 

Katalogkampagne 2012! 

Mit rund 350 preisreduzierten Alben aus den Katalogen von 

und - bis Ende November im Handel erhältlich! 

PROG ROCKS! Volume Two 

Der grandiose 2CD-Sampler zum Super-Sonderpreis! 

Mit über 2,5 Std. Spielzeit! 

30 Tracks von Van Der Graaf Generator, The Nice, 

Jethro Tull, Hawkwind, Gong, Hatfield & The North, 

Gentle Giant, Steve Hackett, Marillion, Pallas, 

Spock‘s Beard, Transatlantic, Neal Morse, Pain Of 

Salvation, Karmakanic, The Flower Kings, It Bites, 

Affector u.a.m.! 

Auch als Download erhältlich! 

Weiterhin lieferbar: 

Vol. 1 (2011) 

Ausgewählte Album-Highlights: 

ASIA 

Anthology 

BARCLAY JAMES H. 

Once Again 

DEVIN TOWNSEND 

Infinity 

ELOY 

Dawn 

FLOWER KINGS 

Flowerpower 

GENESIS 

Nursery Cryme 

HOELDERLIN 

Clouds And Clowns 

IT BITES 

The Tall Ships 

JETHRO TULL 

Stand Up 

KRAAN 

Live 

NEAL MORSE 

Testimony 2 

THE NICE 

Five Bridges 

ROINE STOLT 

The Flower King 

SPOCK‘S BEARD 

The Light 

STEVE HACKETT 

Live Rails 

STEVE HILLAGE 

Open 

SWEET SMOKE 

Just A Poke/Darkness... 

TRANSATLANTIC 

SMPTe

IMPRESSUM 

Anschrift: 

NikMa Verlag 

Fabian Leibfried 

Eberdinger Straße 37 

71665 Vaihingen/Enz 

Tel: 0 70 42/37660-160 

Fax: 0 70 42/37660-188 

email: goodtimes@nikma.de 


Herausgeber und Chefredakteur: 


Mitarbeiter: 

Jens-Uwe Berndt, Horst Berner, Lothar 

Brandt, Michael Fuchs-Gamböck, Hans- 

Jürgen Günther, Peter Henning, Christian 

Hentschel, Teddy Hoersch, Hugo Kastner, 

Frank Küster, Bernd Matheja, Helmut Ölschlegel, 

Thorsten Pöttger, Philipp Roser, Roland 

Schäfl i, Oliver Schuh, Ulrich Schwartz, Eckhard 

Schwettmann, Christian Simon, Alan Tepper, 

Jörg Trüdinger, Uli Twelker, Peter Verhoff, 

Thomas Wachter, Jürgen Wolff 

Abonnements, Shop: 

Andrea Leibfried 

Grafische Gestaltung: 

Andrea Zagmester, kult@nikma.de 

Kathleen Müller, grafi k@nikma.de 

Anzeigenverkauf: 

Petra Czerny, anzeigen@nikma.de 

Vertrieb: 

IPS Pressevertrieb GmbH 

Postfach 1211 

53334 Meckenheim 

Tel: 0 22 25/88 01-0 

Druckerei: 

Dierichs Druck + Media GmbH & Co. KG 

Frankfurter Str. 168 

34121 Kassel 

Erscheinungsweise: 

2x jährlich 

Copypreis: 

Einzelheft: 6,50 € (Preis inkl. 7% MwSt.) 

Abonnement: 

siehe Seite 85 

Anzeigen: 

Für gewerbliche Anzeigen bitte 

Preisliste Nr. 01 (inkl. Mediadaten) anfordern. 

Kontoverbindung: 

NikMa Verlag 

Kreissparkasse Ludwigsburg 

Konto: 108 294 

BLZ: 604 500 50 

IBAN: DE38 6045 0050 0000 1082 94 

BIC: SOLADES1LBG 

Titelfotos: 

Karin Dor: © DAVIDS/Bildarchiv Hallhuber 

Jimi Hendrix: © goodtimes-photo.de 

Der Verlag hat sich bemüht, alle Rechte - 

inhaber der abgedruckten Fotos zu erreichen. 

Leider ist dies nicht in allen Fällen gelungen. 

Ggf. möchten bisher unbekannte Urheber 

ihre Ansprüche geltend machen. GoodTimes 

kult! ist auf umweltfreundlichem, chlorfrei 

gebleichtem Papier gedruckt! Weiterverwendung 

aller in GoodTimes kult! erschienenen 

Artikel, Interviews, Fotos, Rezensionen etc. 

nur mit der Zustimmung des Herausgebers 

gestattet. 

Gerichtsstand: Stuttgart 

mit 

Poster 

Willkommen bei kult! 

" 

Hätte ich doch schon früher mitgekriegt, dass es kult! gibt, so 

viele schöne Geschichten von damals!" " 

Warum machen Sie 

nicht mehr Werbung, um Ihr Magazin bekannter zu machen?" 


-Herausgeber/Chefredakteur- 

Solche Zuschriften erreichen uns immer wieder, meist verbunden 

mit der Nachbestellung früherer Hefte, mit denen sich vergangenheitsbewusste 

Zeitgenossen noch einmal auf eine Zeitreise in ihre eigene Kindheit 

oder Jugend begeben wollen. In der Flut von Veröffentlichungen, in der Kioske, 

Zeitschriftenläden oder Bahnhofsbuchhandlungen beinahe ersticken, ist es für 

ein Heft wie kult! schwierig aufzufallen, potenzielle Leser auf unser Magazin 

aufmerksam zu machen. So bleibt uns angesichts begrenzter Ressourcen nur, auf 

den Faktor Mundpropaganda zu setzen und diese mit interessanten, vielseitigen 

Geschichten anzukurbeln. 

Unsere Autoren schürfen in den eigenen Erinnerungen, wälzen (eigene) Archive, 

halten bei Begegnungen mit Freunden und Bekannten Augen und Ohren offen, 

um neue Kultthemen aufzuspüren und dann für Sie, liebe Leser, umzusetzen. Sie 

stöbern in Foto-Archiven, um die Erinnerungen auch optisch möglichst authentisch 

und ansprechend zu präsentieren. Es ist ein gemeinsames Eintauchen der 

Redaktion und Leserschaft in die eigene Vergangenheit, ein nostalgischer Trip 

in längst vergangene Zeiten – diesmal beispielsweise in Sachen Mondlandung, 

damalige Fernseh- " 

Renner", technische Gerätschaften zum Musikkonsum oder 

für die Freizeitgestaltung. 

Noch ein Aspekt ist uns bei der Realisierung dieser kult!-Ausgabe bewusst geworden: 

Erstaunlich viele der (musikalischen) Akteure der 60er und 70er Jahre 

sind heute noch unverwüstlich aktiv. Viele sprühen geradezu vor Tatendrang und 

erfreuen sich wiedererwachten Interesses einstiger und neuer Fans, lassen sich 

auch in fortschreitendem Alter nicht in ihrem Kreativdrang bremsen. 

Gehen Sie mit uns erneut auf (Wieder-)Entdeckungsreise, empfehlen Sie uns 

weiter und lassen Sie uns wissen, welche bislang unbearbeiteten Themen Sie 

interessieren ... 

kult! Nr. 8 erscheint 

am 19.4.2013 

GoodTimes 1/2013 ■ Seite 3

Ausgabe Oktober 2012 

1/2013 (Nr. 7) 

INHALT 

RUBRIKEN 

3 Editorial/Impressum 

4 Inhaltsverzeichnis 

5 Top 5 Spielsachen 

Mitarbeiter & Prominente 

6 News from the past 

Altes neu ausgepackt 

31 kult! Shop 

85 kult! Abo-Bestellschein 

47 Jimi Hendrix/Musikladen 

Riesenposter 


Mondlandung 

Seite e 14 

Seite 18 


60er · 70er · 80er 

14 Die Mondlandung 

Das technische Wunder schreibt TV-Geschichte 

18 Revox – Reel Dreams 

Revox Bandmaschinen 

21 Reiner Schöne 

Von der Eintagsfliege zum Welt-Star 

22 Indianer im Western 

Der lange Weg zur Wahrheit 

26 "As Time Goes By" 

War Casablanca ein Zufallstreffer? 

29 Daliah Lavi 

Nach dem Abschied Hoffnung auf Frieden 

30 Bernhard Grzimek 

Der Mann mit dem Gummi-Nashorn 

32 Die Carnaby Street 

Vom Underground-Trendsetter zum Hype 

34 Hawaii Five-0 

Ein Detektiv macht die Welt in bisschen besser 

36 Prog-Rock: Soundtrack für Eskapisten 

Das Progressive-Rock-Revival 

38 Ein Kessel Buntes 

Samstagabend-Konkurrenz für ARD und ZDF 

40 Der Buckel-Volvo 

Schwedische Schönheit 

42 Weltraumspielzeug 

Die Eroberung des Alls im Kinderzimmer 

46 Zauberkästen 

Der Griff in die Trickkiste 

56 Kultige TV-Serien der 70er 

Fernsehen mit Suchtgefahr 

Seite 42 

Seitee 78 

Seite 65 

Seite 38 

Seite 68 

Seite 40 

Seite 26 

Spezial 

Seite 34 

Seite 36 

Seite 46 

60 Spielzeugkataloge 

Als fantasievolle Bilder Begierden weckten 

62 Martin Böttcher 

Winnetou-Musik stand nach acht 

Takten am Telefon 

65 Kaugummibilder 

Vom Karl-May-Motiv zum 2.0-Straßenschick 

68 Russ Meyer 

Eva, Erotik und Eruption 

72 Michael Schanze 

Der freundliche Flitterabend"-Mann 

darf heute böse " 

sein 

74 Das Jahr 1972 

Terror & Triumphe 

78 Lustige Taschenbücher 

Sieben Meter Comic-Geschichten am Stück 

81 Kultbücher 

Geschätzt, geliebt, gelobt 

82 Gerüchte, Mythen, Märchen 

Wie der Rock-Fan in der DDR 

Geschichten über seine Stars erfand 

86 J.R.R. Tolkien 

Ein Oxford-Professor im Reich der Fantasy 

88 Michel Vaillant 

Mehr als Vroom" und Vroaar" 

" " 

92 GoodTimes kult!-Box 

Das sind die 60 kult!-Hits 

94 Marty Feldman 

Der merkwürdige kleine Mann", 

der Frankensteins " 

Diener war 

96 Die Männer der Karin Dor 

Winnetou, Bond und Hitchcock 

98 Heinz Maegerlein 

... ließ die Kandidaten schwitzen 

Seite 4 ■ GoodTimes 1/2013

TOP 5 


Spielsachen 

1. Fußball – immer und überall 

2. Mühle und Dame 

3. Billard 

4. Skat 

5. Puzzles – aller Art und Größe 


1. Winnetou-Actionfigur 

2. Miniatur-Armeen 

3. Stinkbombe 

4. Plastik-Hai 

5. Quartett 

Roland Schäfli 

1. Gummi-Indianer 

2. NVA-Plastik-Flak-Panzer (ferngesteuert) 

3. Leder-Fußball 

4. Optik-Baukasten 

5. Universal nutzbare Gegenstände aus der Natur 

Jens-Uwe Berndt 

1. Fußball (Leder) 

2. Drachenhort (Schmidt Spiele) 

3. Meine Entenhausen-Figuren-Sammlung 

4. Rummikub (Jumbo) 

5. Auf Achse (F.X.Schmid) 

Oliver Schuh 

1. Legosteine 

2. Tipp-Kick 

3. Der magische Roboter (Frage- und Antwortspiel) 

4. Märklin Modelleisenbahn 

5. Zeichenblock + Faber-Castell Buntstifte 

Horst Berner 

1. Tipp-Kick 

2. Heiße Räder von Mattel (Hot Wheels) 

3. Britains Bauernspielzeug 

4. Big Western Fort Laramie 

5. Revell-Soldatenfiguren 

Ulrich Schwarz 


2. Carrera Rennbahn 

3. Lego (Technik) 

4. Fußball (rund, nicht eckig) 

5. Skat 

Lothar Brandt 

1. Auto-Quartette 

2. Siku-Modellautos 

3. Matchbox-Autos 

4. Airfix-Flugzeugbausätze 

5. Fort-Laramie-Cowboyfiguren 

Eckhard Schwettmann 

1. Chemie-Experimentierkasten 

2. Tipp-Kick 


4. Malefiz-Spiel 

5. Zauberwürfel 

Michael F.-Gamböck 

1. Wiking-Feuerwehrmodelle 

2. Siku-Einsatzfahrzeuge 

3. Elastolin-Indianerfiguren 

4. Ritterburg mit Figuren 

5. Kasperletheater mit Figuren 

Christian Simon 

1. Tipp-Kick 


3. Winnetou II Quartett 

4. Autoquartett Superautos 

5. Legosteine 

Peter Henning 

1. Mein Stoffaffe Charlie 

2. Nackte-Frau-Puzzle 

3. Ritterburg 

4. Winnetou-Figur 

5. Revell-Baukästen 

Alan Tepper 

1. Altes Tonpferd auf einem Holzbrett mit vier Rädern 

2. Ein brauner Teddybär 

3. Mensch, ärgere Dich nicht 

4. Märklin-Eisenbahn mit selbst gebauten Tunneln und Bergen 


Teddy Hoersch 

1. Mercedes-Benz C 111 von Wiking 

2. Mattels Weltraumserie Major Matt Mason 

3. Elastolin-Westernpostkutsche 

4. James Bonds Lotus Esprit von Corgi 

5. Raumschiff Orion von Arnold 

Jörg Trüdinger 

1. Steiff-Stofftiere 

2. Bully-Bauernhof-Gummitiere 

3. Kaufmannsladen 

4. Ministeck 

5. Strickliesel 

Andrea Leibfried 

1. Schiffe der Firma Revell 


3. Flugzeuge der Firma Airfix 

4. Legosteine 


Uli Twelker 

1. Fabuland 

2. Kasperletheater 

3. Dampfmaschine 

4. Monchichi 

5. Sagaland (Brettspiel) 

Thorsten Pöttger 

1. Corgi Toys (Zirkuswagen) 


3. Trix Metallbaukasten 

4. Revell-Plastikmodelle 

5. Carrera Rennbahn 

Jürgen Wolff 

1. Selbst & vom Vater gebastelte Westernstadt 

2. Timpo Cowboy-Figuren 

3. Bergmann Fußballbilder 

4. Tipp-Kick 

5. Fußball 

Philipp Roser 

1. FUSSBALL, Hauptbeschäftigungs-Gegenstand bis zur Pubertät 

2. PUZZLES, mit ganz vielen Teilen 

3. ROLLSCHUHE, die Straßen waren damals noch relativ wenig befahren 

4. HALMA, in unserer Familie das beliebteste Brettspiel 

5. STELZEN, um die Welt einmal von weit oben zu betrachten 

Hartmut Engler (Pur) 

© Ben Wolf 


from the past 

ALEXANDRA 

genannter Band enthält ein Essay von Georg 

teren Tarzan und die Schiffbrüchigen" und sticht die neue Mystery-Thriller-Serie aus den 

" 

" Tarzan und der Verrückte" ergänzt. Letzt- WinterZeit-Studios. Mit den Stimmen Holly- 

DIE LEGENDÄREN TV-AUFTRITTE 

Die auf dieser DVD zu sehenden Fernsehauftritte 

von Alexandra beziehen ihren Kultstatus 

Seeßlen, der dem Mythos und seinen Auswirkungen 

auf den Grund geht. Die Box bietet 

eine vorzügliche Gelegenheit, einen lang vergessenen 

Jugendfreund" wiederzutreffen, der 

" 

aus zwei Tatsachen: Einmal gibt es von der 

1969 bei einem Autounfall 

nichts an Reiz verloren hat. 

ums Leben gekommenen 

Sängerin nur relativ wenig 

Videomaterial. Zweitens 

haben die Macher dieser 

DVD auf jegliche (digitale) 

BIG VALLEY 

4. STAFFEL 

Mit den Hauptdarstellern Barbara Stanwyck, 

Richard Long, Lee Majors, Peter Breck und 

Nachbearbeitung 

Linda Evans ist die (zwischen 1965 und 1969 

von Bild und Ton verzichtet, 

was zwar an der 

Valley" schon von Haus aus klasse besetzt, 

entstandene) amerikanische Westernserie Big " 

einen oder anderen Stelle 

zu kleinen Unsauberkeiten führt, aber 

so bleibt der einmalige Zauber ihrer Auftritte 

erhalten. Das Bildmaterial ist chronologisch 

angeordnet, führt vom 1968er Ausschnitt aus 

dazu kann man Topstars wie Charles Bronson, 

Dennis Hopper, Richard Dreyfuss, Pernell 

Roberts oder William Shatner in Gastrollen 

erleben. Mittlerweile ist die vierte (und damit 

letzte) Staffel als voluminöse Box mit 

der Sendung Monsieur 100.000 Volt" (mit sieben DVDs und einer 

" 

Gilbert Becaud), bei dem Alexandra "Podmonskownye 

Gesamtspielzeit von über 

Wetschera (Moskauer Nächte)" 

und "Zigeunerjunge" sang, bis zum Juni 1969, 

20 Stunden erhältlich. 

Wie in den drei vorangegangenen 

Staffeln spielen 

" 

als sie mit "Erstes Morgenrot" der Aktuellen 

Schaubude" einen Besuch abstattete. Zusätzlich 

die einzelnen Episoden 

zu diesen Auftritten gibt es noch die halb- 

im Kalifornien des Jahres 

stündige Fernsehsendung Portrait in Musik" 1870, wo die verwitwete 

" 

(Regie: Truck Branss, der Macher der ZDF Matriarchin Victoria Barkley 

mit ihren zwei Söhnen 

" 

Hitparade") zu sehen, die im Mai 1969 vom 

Saarländischen Rundfunk erstmals ausgestrahlt 

wurde. 

auftauchen sollte ...) sowie dem unehelichen 

und ihrer Tochter (die später im Denver Clan" 

" 

(Koch/Universal, 74 Min.) 

Sohn ihres verstorbenen Ehemanns (der wiederum 

bald darauf der Hauptdarsteller von 

TARZAN 

Ein Colt für alle Fälle" wurde) auf einer riesigen 

Ranch im San Joaquin Valley leben. Die 

" 

Von Edgar Rice Burroughs 

2012, Walde + Graf 

ISBN 978-3-03774-044-6 

618 Seiten; 26,95 Ð 

Der amerikanische Schriftsteller Edgar Rice 

Burroughs verfasste zahlreiche Romane im 

Science-Fiction-, Western- und His torien- 

Genre, doch mit der Schöpfung von Tarzan vor 

hochwertig produzierten Geschichten drehen 

sich um allerhand spannende Begebenheiten 

mit Banditen, Minenarbeitern, Mexikanern 

und zwielichtigem Gesindel, bieten also genau 

das Richtige für Freunde amerikanischer 

Westernserien. 

(Studiocanal, 7 DVDs) 

exakt 100 Jahren übertrumpfte er alle anderen 

Werke. Tarzan hat sich – besonders nach den 

Verfilmungen mit Johnny Weismüller – in vielen 

DARK MYSTERIES 

DAS LOCH 

Bereichen der Populärkultur manifestiert. Langsam und vorsich- 

" 

Auch wenn es in den letzten Jahren ein wenig tig zwängten wir uns 

ruhiger um ihn geworden ist, hat er immer noch 

unverkennbaren Kultcharakter. 

Der Schweizer 

Verlag Walde + Graf hat 

nun ein vorzügliches 

Boxset im Repro-Stil 

publiziert, in dem sich 

drei Bände des Lianendurch 

den schmalen 

Stollen. Meine Fingernägel 

brachen, die 

Haut riss. Blut sickerte 

aus den Fingerkuppen 

– Fleischfetzen bröckelten ab. Doch es 

gab keinen anderen Ausweg. Zurück konnten 

wir nicht, denn am anderen Ende des Tunnels 

Schwingers 

befinden. – direkt neben dem Loch –, da wartete der 

Der wohl bekannteste Tod. Wir würden ihm nicht entgehen. Dessen 

Roman Tarzan bei den waren wir uns bewusst. Jede gottverdammte 

" 

Affen" wird von den Sekunde." Mit bitterbösen Stories, düsterer 

eher unbekannten, doch keineswegs schlech- 

Gruselatmosphäre und packender Action be- 

woods, filmreifer Soundkulisse und einem eigens 

komponierten Soundtrack legt Produzent 

Markus Winter sein Augenmerk auf qualitativ 

hochwertige Umsetzung. Neben der oben 

zitierten Folge sind mit " 

Fuchsjagd", " 

Hotel 

der verlorenen Zeit" und " 

Schließe nicht die 

Augen" bereits weitere drei Mystery-Thriller 

erschienen. 

(WinterZeit/Delta Music, 46 Min.) 

MURNAUS VERMÄCHTNIS 

Von D.B. Blettenberg 

2012, Dumont 

ISBN 978-3-83216-215-3 

576 Seiten; 9,99 Ð 

D.B. Blettenberg hat mit 

diesem Roman den Deutschen 

Krimipreis 2011 

erhalten, und das ist auch 

kein Wunder, kann er doch 

mühelos gegenüber der 

anglo-amerikanischen 

und skandinavischen Konkurrenz bestehen, 

ja, sie sogar noch übertrumpfen. In seinem 

Buch schildert Blettenberg die Jagd nach einer 

verschollenen Filmrolle des deutschen Meisterregisseurs 

Friedrich Wilhelm Murnau (unter 

anderem Nosferatu – eine Symphonie des 

" 

Grauens"), der das Genre durch expressionistische 

und psychologische Dimensionen bereicherte. 

Er verknüpft verschiedene Schicksale 

in einem ausgeklügelten und unvorhersehbaren 

Handlungsstrang und lässt den Leser 

durch Ghana und Berlin reisen. Besonders die 

atmosphärisch dichten Schilderungen Afrikas 

verknüpft mit der historischen Thematik geben 

Murnaus Vermächtnis" das gewisse Etwas. 

Das hier ist keine seichte Unterhaltung, 

" 

sondern Literatur, die im Leser nachklingt und 

ihn noch lange beschäftigt. 

BONANZA 

DIE KOMPLETTE 3. STAFFEL 

Der wohl bekannteste (und erfolgreichste) 

amerikanische Western-Import des deutschen 

Vorabend-Fernsehens dürfte die TV-Serie 

Bonanza" sein, in der Ben Cartwright (Lorne 

" 

Greene) mit seinen Söhnen Adam (Pernell Roberts), 

Eric Hoss" (Dan Blocker) und Joseph 

" 

Little Joe" (Michael Landon) sowie dem chinesischen 

Koch und Hobby-Philosophen Hop 

" 

Sing (Victor Sen Yung) auf der Ponderosa- 

Ranch allerlei Abenteuer mit durchreisenden 

Vagabunden, Falschspielern, Revolverhelden 

oder anderen Glücksrittern 

erlebt. Dabei sind die 

Drehbücher der Serie von 

einer tiefgreifenden Moral 

geprägt, für die der 

weise Ben Cartwright 

Sorge trägt. Typisch für 

Bonanza" ist auch, dass 

" 


die Cartwrights Konflikte nur im äußersten 

Notfall mit Gewalt lösen. Ein gerne verwendetes 

Element der Serie ist zudem, dass sich 

die jeweilige Geschichte um einen früheren 

Freund der Familie handelt, der im Laufe der 

Episode tiefgreifende charakterliche Veränderungen 

durchlebt, die sich später dann durch 

unmoralisches oder gesetzloses Verhalten äußern 

– und dann am Ende mit einer gerechten 

Strafe enden. Zur Zeit der Entstehung der 

Serie (1959–1973) war es ein begehrter Job, 

einen dieser vom rechten Weg abgekommenen 

Übeltäter darzustellen; so kamen prominente 

Schauspielerkollegen wie James Coburn, Telly 

Savalas, Leonard Nimoy, Charles Bronson 

oder George Kennedy zu ihren Gastauftritten. 

(Studiocanal, 8 DVDs, 1690 Min.) 

LURCHIS ABENTEUER 

BAND 8 

2012, Esslinger Verlag, Esslingen 

ISBN 978-3-48023-013-6 

158 Seiten; 12,90 Ð 

Lurchi ist wieder da! Seit 

Erscheinen der beliebten 

grünen Hefte in den 30er 

Jahren hat der sympathische 

Feuersalamander 

die Herzen zahlloser Kinder 

(und Erwachsener) erobert. 

Auf seinen weiten 

Reisen in ferne Länder geraten 

Lurchi und seine Freunde Hopps, 

Mäusepiep, Piping, Igelmann und Unkerich von 

einem spannenden Abenteuer ins nächste – und 

dabei müssen sie sich oft als Retter in höchster 

Not beweisen! Sammelband Nummer 8 vereint 

die neuesten Hefte mit den Folgen 130 bis 145. 

Darin liefern sich Lurchi und seine Freunde eine 

rasante Verfolgungsjagd mit dem gefürchteten 

Spion " 

Dr. Go", gehen dem Phantom von Burg 

Rabenstein auf die Spur und stolpern bei einer 

Zeitreise geradewegs in die Vergangenheit. Als 

Extra gibt es am Ende des Sammelbandes noch 

das Halloween-Sonderheft mit dem Titel " 

Firma 

Spuk und Co.", in dem die Gespenster Herr Spuk 

und Herr Klug ihren Auftritt haben ... 

DER WEISSE HAI 

Endlich gibt es einen der besten amerikanischen 

Filme der 70er Jahre auch auf Blu-ray. Auch 

wenn man die Geschichte um den menschenfressenden 

Hai, der mitten in der Hauptsaison 

die Badestrände des (fiktiven) Küstenstädtchens 

Amity zur Todesfalle macht, schon kennt, 

ist es immer wieder ein 

Genuss mitzuerleben, wie 

Regisseur Steven Spielberg 

langsam, aber sicher 

eine bedrohliche Höchstspannung 

aufbaut, die sich 

im explosiven Ende entlädt, 

bei dem Sheriff Brody 

(Roy Scheider), Seebär 

Quint (Robert Shaw) und 

Haiforscher Hooper (Richard Dreyfuss) alleine 

auf einem kleinem Fischerboot den Kampf 

gegen die Bestie aufnehmen. Neben der makellosen 

Bildqualität bietet diese Blu-ray-Version 

nun auch wieder die (bei der ursprünglichen 

DVD-Ausgabe unter den Tisch gefallene) originale, 

deutsche Synchronfassung aus dem 

Jahr 1975. Diese punktet mit mehr natürlichem 

Charme als die " 

moderne" DVD-Synchronisation 

und liefert so wieder einmal ein Beispiel 

dafür, dass weniger (digitale) Technik oft mehr 

(charmante) Ausstrahlung hat. 

(Universal, 124 Min) 

UDO JÜRGENS 

DIE POLYDOR JAHRE 

Dass Udo Jürgens vor seinem internationalen 

Durchbruch – 1966 mit dem Grand-Prix- 

Siegertitel "Merci, Chérie" – schon zehn Jahre 

lang mehr oder weniger erfolgreich Platten veröffentlicht 

hatte, wissen 

heutzutage wahrscheinlich 

nur noch die Wenigsten. 

Zwischen 1956 

und 1962 war Jürgens 

beim Hamburger Label 

Polydor unter Vertrag 

und nahm dort zahlreiche 

Lieder auf. Begleitet wurde er dabei 

von damals bekannt-beliebten Orchestern, so 

vom Orchester Frank Miller, den Akkordeon- 

Melodikern oder von Kurt Edelhagen und 

seinen Musikern. Zum Einsatz kam typische 

Musik der 50er Jahre, wie sie Komponisten 

wie Lotar Olias (der später mit Freddy Quinn 

höchst erfolgreich war) oder Erwin Halletz zur 

Verfügung stellten, aber auch swingende Jazztitel 

sowie eingedeutschter Country und Folk 

von Don Gibson, Terry Gilkyson (The Easy 

Riders) und Johnny Cash, dessen "Don't Take 

Your Guns To Town" 1958 zu "Leg' die Knarre 

weg" umgetextet wurde. Natürlich versuchte 

er es auch mit zeittypischen Fernweh- oder 

Cowboy-Schlagern wie "Das ist typisch italienisch", 

"Frag mich nie, was Heimweh ist" oder 

"Ich komm vom Mississippi, Tweedy Cheerio". 

Wohin Udo Jürgens' Reise kurz darauf 

gehen würde, zeigte er 1960, als er zusammen 

mit dem Orchester Erich Werner mit "Jenny" 

einen der ersten selbst geschriebenen Titel in 

die Single-Charts brachte. All diese Raritäten 

und Kostbarkeiten gibt es jetzt in digital remastertem 

Klang auf DIE POLYDOR JAHRE zu 

hören, die Doppel-CD wird so zu einer idealen 

Ergänzung für jede Schlagersammlung. 

(Polydor/Koch/Universal, 26/66:21, 26/66:46) 

LEONARD BERNSTEIN 

KEIN TAG OHNE MUSIK 

Von Jonathan Cott 

2012, Edition Elke Heidenreich bei 

C. Bertelsmann, München 

ISBN 978-3-57058-037-0 

158 Seiten; 17,99 Ð 

Keinen Tag kann ich 

" 

ohne Musik verbringen", 

erzählte Leonard 

Bernstein ein Jahr vor 

seinem Tod 1990 dem 

Journalisten Jonathan 

Cott. Zwölf Stunden 

lang plauderte der Maestro 

(der zu diesem 

Zeitpunkt eigentlich 

schon lange keine Interviews mehr gab) in 

ungezwungener Atmosphäre über sein Leben, 

seine Leidenschaft für die Musik. In einem 

zwölfstündigen Gespräch erzählte er dabei 

fast beiläufig, wie er sich stets weigerte, emotionale, 

intellektuelle und spirituelle Aspekte 

von seiner musikalischen Erfahrung zu trennen. 

Cott rundet dieses Bild gekonnt ab, indem 

er Bernsteins Lebensweg nachzeichnet 

und so einen Blick auf alle Facetten eines 

Künstlers ermöglicht, dem es gelang, die oft 

unüberwindlich scheinenden Grenzen zwischen 

E- und U-Musik, zwischen Kunst und 

Leben spielend zu überwinden. Eine glänzende 

Hommage an ein Jahrhundertgenie. 

E.T. – DER AUSSERIRDISCHE 

Nach Hause telefonieren!" Wurde ja so langsam 

auch Zeit, dass es diesen Filmklassiker 

" 

aus dem Jahr 1982 endlich auch als hochwer- 


from the past 

tige Blu-ray gibt. Ende Oktober ist es soweit, 

neben der normalen" Steelbook-Version 

" 

erscheint der Film über 

einen sympathischen, 

von seinen Artgenossen 

auf der Erde vergessenen 

Außerirdischen 

auch noch in einer so 

genannten Limited 

Collector's Raumschiff 

Edition. Diese richtet 

sich vorzugsweise an 

Sammler, die weder Kosten noch Mühen 

scheuen, um an haufenweise bisher unveröffentlichtes 

Bonus-Material zu kommen. 

Dieses reicht von einem neuen Interview 

mit Steven Spielberg über die Dokumentation 

des Wiedersehens von Schauspielern 

und Filmmachern bis zu zahlreichen nicht 

verwendeten Filmszenen. Doch am Ende ist 

es dann wieder einmal der Film an sich, der 

einen am meisten berührt: diese wunderschön 

erzählte Geschichte einer wahrlich außergewöhnlichen 

Freundschaft, die zu einem der 

schönsten und emotionalsten Klassikern der 

Filmgeschichte wurde. 

(Universal, 119 Min. & Bonus-Material) 

YPS 

DER COMIC-KLASSIKER IST ZURÜCK 

Ein Schleuder-Katapult, ein Mammut-Skelett 

oder ein Abenteuer-Zelt – mit solchen und 

ähnlichen Gimmicks 

wurde Yps" einst 

" 

Kult. Kostenlose Zugaben 

wie Ferngläser 

zum Falten, der 

Ostereierbaum und 

Blasrohre, die um 

die Ecke schießen, 

hatten Yps" in den 

" 

70er und 80er Jahren 

populär gemacht. Solarzeppeline 

li 

sorgten einst gar für UFO-Alarm in Deutschland. 

Größter Erfolg bis heute – die Urzeitkrebse. 

Yps" verkaufte zu Spitzenzeiten über 

" 

400.000 Exemplare. Der Egmont Ehapa Verlag 

lässt Yps" jetzt wieder auferstehen. Das an die 

" 

Kinder von früher gerichtete Heft ist seit dem 

11. Oktober am Kiosk für 5,90 € erhältlich. 

JOHN SINCLAIR 

DARK SYMPHONIES / 

ANGST ÜBER LONDON 

Seit 1973 ist John Sinclair, Oberinspektor 

von Scotland Yard, nun schon beim Bastei- 

Lübbe Verlag auf Geisterjagd und kämpft 

gegen alles, von dem man froh ist, wenn es 

nicht Wirklichkeit wird: Hexen, Dämonen, 

Vampire und ähnlich unangenehme Zeitgenossen. 

Im Laufe dieser langen Jahre, nach 

unzähligen Heftromanen und Hörspielen, 

entstand eine riesige, treue Fangemeinde, 

darunter auch zahlreiche Musiker. So entstand 

die Idee, das neueste Geister-Abenteuer 

– das einstündige Angst über London" 

" 

–, mit einer zweiten CD auszustatten, auf 

der John Sinclair musikalisch Tribut gezollt 

wird. Fans wie Xavier Naidoo ("Einsam mit 

euch"), Tocotronic ("Das böse Buch"), H- 

Blockx ("Gazoline"), Kreator ("Wolfchild") 

und die Söhne Mannheims ("Kill All Psychopaths"), 

dazu Kult-Schlagerstar Marianne 

Rosenberg ("Dämonen und Wunder") sowie 

Sinclair-Autor Jason Dark ("Der Vampir") 

sind darauf zu hören. Als Besonderheit durften 

einige der Musikstars auch eine Gastrolle 

im Hörspiel 

übernehmen: Tocotronic-Sänger 

Dirk 

von Lowtzow stöhnt 

als Untoter, Xavier 

Naidoo spricht die 

letzten Worte eines 

Finanzhais, Nena die 

Nachrichten, und Marianne Rosenberg spielt 

eine Stewardess. Klasse Idee, diese beiden 

Bereiche miteinander zu verbinden, so wird 

diese Veröffentlichung zu einem einmaligen 

Highlight. 

(Lübbe Audio/Tonpool, 2 CDs, 

20/79:38, 62:06) 

HAMMER FILMS 

THE UNSUNG HEROES 

Von Wayne Kinsey (engl.) 

2010, Tomahawk Press 

ISBN 978-0-95576-708-1 

488 Seiten; 32,99 Ð 

Die Filme von Hammer 

Productions aus 

den Fünfzigern bis zu 

Beginn der Siebziger 

sind Kult! 

" Dracula", 

" She", " Captain 

Clegg" oder The Devil 

Rides Out" haben " 

damals die Zuschauer 

zum Fürchten gebracht 

und werden heute wegen der ganz besonderen 

Atmosphäre immer noch gerne gesehen. 

Wayne Kinsey lässt in diesem mit mehr als 

1000 Originalfotos geschmückten Band die 

Zeit wieder auferstehen und lenkt den Fokus 

vornehmlich auf die zahlreichen Nebenpersonen 

wie die Dekorateure, Fotografen, 

Kameramänner, Requisiteure, Komponisten 

und Regisseure, die oft einen wichtigeren 

Beitrag zum Gelingen der Streifen leisteten 

als die Hauptdarsteller selbst. So entsteht ein 

beeindruckendes Bild aus einer Zeit, in der 

nicht seelenlose Animationen die Leinwand 

beherrschten, sondern Ideen, Tricks und 

schauspielerische Leistungen. 

LARRY BRENT 

DIE RÜCKKEHR + ZOMBIES IM 

ORIENT-EXPRESS 

Der Kult kehrt zurück!" schreit einen der 

" 

gelb leuchtende Aufkleber auf dem Cover der 

neuen Larry-Brent-CDs 

an. 1983 wurden vom 

Hörspiellabel Europa 

fünf Abenteuer des britischen 

Agenten mit dem 

Tarnnamen X-Ray-3 einer 

psychoanalytischen 

Spezialabteilung veröffentlicht, 

bis 1986 folgten noch weitere zehn 

erfolgreiche Ausgaben, die zwischenzeitlich 

tatsächlich Kult sind. Nach zwei Comebacks 

in den Jahren 2003 und 2008 mit jeweils vier 

Folgen öffnet Larry Brent nun mit Die Rückkehr" 

(Spielzeit: 59:34) sowie mit Zombies " 

" 

im Orient-Express" (65:20) ein neues Kapitel 

seiner langen Karriere, wie gewohnt basieren 

die Stories auf Romanen 

von Erfolgsautor Dan 

Shocker. Modern und 

zeitgemäß umgesetzt, 

aufwändig mit bekannten 

Schauspielern inszeniert, 

versehen mit einer Geräuschkulisse 

wie im Kino 

und exklusiver Musik stellt sich schnell 

das alte" Gefühl ein, als man sich dem Horror 

der haarsträubenden Abenteuer von Larry 

" 

Brent und seinem Team abends unter der Bettdecke 

mittels eines alten, batteriebetriebenen 

Kassettenrecorders aussetzte ... 

(R&B Company/Alive, 2 CDs) 

VW BUS 

ROAD TO FREEDOM 

2012, edel Entertainment GmbH, Hamburg 

ISBN 978-3-94000-455-0 

104 Seiten; 2 CDs, 39,95 Ð 

1948 erblickte der erste VW Bus als Prototyp 

für einen Kleintransporter das Licht der Welt, 

ab 1950 ging er in die Serienproduktion. Egal, 

ob als Motor der Wirtschaft in den 50ern, ob 

als gutmütige Familienkutsche oder als Symbol 

der Hippie-Kultur in den 70ern, stets begeisterte 

er die Menschen mit seinen vielfältigen Einsatzmöglichkeiten 

und 

seinem unzerstörbaren 

Design. Dieser großformatige 

Bildband verbindet 

Momentaufnahmen 

aus der langen Karriere 

des kultigen Kleinbusses 

mit Songzitaten aus den 

60er und 70er Jahren. Auf 

zwei CDs sind Bands und Künstler wie Eric 

Burdon ("House Of The Rising Sun"), The Turtles 

("Happy Together"), Bob Marley ("Sun Is 

Shining"), Aaron Neville ("Waiting For A Bus"), 


Jefferson Airplane ("White Rabbit") und, natürlich, 

Canned Heat mit dem programmatischen 

Titel "On The Road Again" versammelt. 

POLIZEIRUF 110 

Mit (heute unvorstellbaren) Einschaltquoten von 

über 50 Prozent war die DFF-Krimiserie Polizeiruf 

110" in den 70er Jahren im wahrsten " 

Sinne des Wortes ein Straßenfeger in der DDR. 

Hochwertig produzierte Krimi-Unterhaltung, 

für damalige Verhältnisse 

relativ kritische Einblicke 

in den sozialistischen Alltag 

der Bevölkerung, beliebt-bekannte 

Schauspieler wie Jürgen 

Frohriep, Alfred Rücker, 

Peter Borgelt, Sigrid Göhler, 

Rolf Hoppe, Ursula Werner 

und Stefan Lisewski – das 

waren die unschlagbaren Erfolgsgaranten 

dieser TV-Serie, 

die ja bekanntlich immer noch 

produziert wird. Mit jeweils 

drei bis vier DVDs (je nach 

Anzahl der ausgestrahlten 

Folgen in den jeweiligen 

Jahren) ist jede der Sammelboxen 

bestückt. Ausgabe 

Nummer 1 liefert die Folgen aus den Jahren 

1971 und 1972, aktuell ist man bei Nummer 8 

angekommen, in denen die Krimifolgen aus den 

Jahren 1978 bis 1980 präsentiert werden. Neben 

einem zwölfseitigen, illustrierten Booklet mit 

Hintergrundinformationen ist als Bonus-Material 

noch das eine oder andere Interview mit einigen 

Hauptdarstellern enthalten. 

(Studio Hamburg Enterprises/Alive) 

GRIMMS MÄRCHEN 

Ges. von den Brüdern Grimm 

2012, Knaur 

ISBN 978-3-42665-316-6 

400 Seiten; 15 Ð 

Die Brüder Jacob und Wilhelm Grimm waren 

nicht nur zwei hervorragende Germanisten, die 

einen wertvollen Beitrag zur wissenschaftlichen 

Erfassung der deutschen Sprache leisteten. Die 

meisten kennen sie als Chronisten des deutschen 

Märchenschatzes, den sie mit Akribie und Sorgfalt 

zusammen trugen. In dem aktuellen Band 

von " 

Grimms Märchen", der mit überaus einfühlsamen 

und wunderschönen Aquarell-Zeichnungen 

von Ruth Koser-Michaels geschmückt 

ist, finden sich neben den 

bekannten Stücken wie 

" Frau Holle", " Rapunzel", 

Der Hase und der Igel" 

" 

oder 

" Schneewittchen" 

auch viele weniger populäre, 

aber dennoch reizvolle 

Erzählungen. Der 

Leser kann sich hier von 

Märchen wie Des Teufels rußiger Bruder", Der 

" " 

Arme und der Reiche" oder Das blaue Licht" 

" 

verzaubern lassen. Erstklassige Anthologie. 

ROMY SCHNEIDER EDITION 

Zehn (einzeln erhältliche) Filme von Romy 

Schneider sind jetzt in der Romy Schneider 

" 

Edition" zusammengefasst und teilweise neu 

veröffentlicht worden. Mit Wenn der weiße 

" 

Flieder wieder blüht" (1953), Mädchenjahre einer 

Königin" (1954) und Die Deutschmeister" 

" 

" 

(1955) beginnt diese Edition noch vor ihren Sissi-Jahren", 

gefolgt von Montpi", zusammen mit 

" 

" 

Horst Buchholz aus dem Jahr 1957. Weiter geht 

es dann mit dem Klassiker aus dem Jahr 1971, 

Das Mädchen und der Kommissar" mit Michel 

" 

Piccoli. Nach einem Roman von Georges Simenon 

entstand 1973 das Flüchtlingsdrama Le " 

Train – Nur ein Hauch von Glück", bei dem sie 

eine deutsche Jüdin spielt, die von einem französischen 

Familienvater 

(Jean-Louis Trintignant) 

beschützt wird. Drei Jahre 

später wurde Heinrich 

Bölls Roman Gruppenbild 

mit Dame" verfilmt, " 

wobei Romy Schneider 

zusammen mit Vadim 

Glowna, Richard Münch 

und Witta Pohl vor der 

Kamera stand. Uraufgeführt wurde dieser (von 

der Kritik alles andere als gelobte) Film bei den 

1977er Filmfestspielen in Cannes. Zusammen 

mit Yves Montand und unter der Regie von Costa-Gavras 

entstand 1979 Die Liebe einer Frau". 

" 

Mit (französischem) Starensemble und in luxuriöser 

Dekoration wurde 1980 Die Bankiersfrau" 

" 

gedreht, mit einem italienischen Staraufgebot 

(darunter Marcello Mastroianni) folgte ein Jahr 

später Die zwei Gesichter einer Frau". Klasse 

" 

Serie, die die Wandlung von Romy Schneider 

von jugendlicher Naivität zu professioneller 

Schauspielerei zeigt. 

(Studiocanal, 10 DVDs) 

Stan LAUREL & Oliver HARDY 

LUCKY LUKE EDITION 

WESTERNSHOW 

2012, Egmont Ehapa Verlag GmbH, Berlin 

ISBN 978-3-84136-201-8 

96 Seiten; 9,99 Ð 

1946 tritt der einsame Cowboy Lucky Luke, der 

das Glück im Namen trägt und das Herz am rechten 

Fleck hat, erstmals in Aktion. Von Zeichner 

Maurice de Bévère alias Morris (1923–2001) 

erschaffen und gezeichnet, von René Goscinny 

(1926 –1977) ab 1955 genial getextet, bieten 

seine Comics höchst amüsante Darstellungen 

des Wilden Westens. 

Einige der besten Abenteuer 

des Mannes, der 

den Colt schneller zieht 

als sein Schatten, werden 

nun in Doppelpacks in 

der Lucky Luke Edition" 

neu präsentiert. Den 

Anfang machen die zwei 

Abenteuer Western Cir- 

" 

" cus" (Erstveröffentlichung Frankreich 1970/ 

Deutschland 1991) und Der weiße Kavalier" 

" 

(Frankreich 1965/Deutschland 1987). Zunächst 

ist die Reihe auf fünf Bücher ausgelegt, zu jeder 

Ausgabe der edlen Bände gibt es zusätzlich noch 

eine handbemalte Figur aus dem Lucky-Luke- 

Umfeld. 

THE TIME TUNNEL 

DIE KOMPLETTE DEUTSCHE 

STAFFEL 1971 

In einem geheimen unterirdischen Forschungskomplex 

arbeiten amerikanische 

Wissenschaftler am größten Experiment aller 

Zeiten: dem Projekt Zeittunnel. Und als 

die US-Regierung die 

Geldmittel streichen 

will, sind Dr. Tony 

New man (James Darren) 

und Dr. Dan Phillips 

(Robert Colbert) 

gezwungen zu beweisen, 

dass ihr Experiment 

funktioniert. Sie geraten 

in den Zeitenstrom, 

gefangen in Vergangenheit und Zukunft 

und finden sich nacheinander an einem anderen, 

historisch bedeutsamen Ort wieder. 

Die Zeittunnel-Crew um General Heywood 

Kirk (Whit Bissel), Dr. Ann MacGregor (Lee 

Meriwether) und Dr. Raymond Swain (John 

Erleben Sie in dieser einmaligen Box über 50 Werke auf 10 DVDs und mit einer Laufzeit von über 24 Std. Laurel & 

Hardy als Solo- und Duostars, mit überwiegend auf DVD unveröffentlichten Material. Vervollständigen sie ihre Collection 

mit dieser streng limitierten Edition, die ein absolutes Muss für alle Laurel & Hardy Sammler darstellt. 

Besuchen Sie uns: www.laurelandhardyworld.com 


from the past 

Zaremba) versucht gleichzeitig alles, um die 

beiden Zeitreisenden wieder in die Gegenwart 

zurückzuholen. 1971 wählte die ARD 13 

der ursprünglich 30 Folgen der 1966/67 entstandenen 

US-Science-Fiction-Serie " 

Time 

Tunnel" von Produzent Irwin Allen aus und 

sorgte somit auch in Deutschland für Fan- 

Kult. Neben der deutschen Synchronfassung 

von 1971 gibt es die Folgen auch in der originalen 

US-TV-Version. Als Bonus-Material 

gibt es ein 16-seitiges Booklet, alle deutschen 

Vor- und Abspänne, Darsteller-Interviews, 

die amerikanischen Vorschau-Trailer sowie 

eine Alternativversion der Pilotfolge. 

(Studio Hamburg Enterprises/Alive, 

4 DVDs 650 Min. & Bonus) 

SWINGING LONDON 

Von Rainer Metzger und 

Christian Brandstätter 

2012, dtv 

ISBN 978-3-42334-714-3 

368 Seiten; 29,90 Ð 

Über das Swinging London in den Sixties sind 

schon einige Publikationen erschienen, die sich 

meist auf die Musik (Beatles, Rolling Stones), 

Models (u.a. Twiggy), 

bedeutende Filme 

( Blow Up", James 

" " 

Bond", Mit Schirm, 

" 

Charme und Melone") 

und die wichtigsten Locations 

wie die Carnaby 

Street beschränken. 

Natürlich sind das alles 

wichtige Themengebiete, 

die auch Rainer 

Metzger (Autor) und Richard Brandstätter 

(Bildauswahl/Konzept) aufzeigen, doch in ihrem 

mit über 600 Abbildungen geschmückten 

Band wird auch der Kunst (die britische Pop- 

Art), dem Design und der Architektur ein großer 

Platz eingeräumt. Durch die exquisite Verknüpfung 

von Text und Abbildungen entsteht ein 

erstklassiger Gesamteindruck, der vom in der 

Presse permanent wiederholten Flower-Power-Image" 

abrückt und auch andere Aspekte 

" 

aufzeigt. Empfehlung! Schade nur, dass wichtige 

Underground-Musiker (zum Beispiel The 

Crazy World Of Arthur Brown, Tyrannosaurus 

Rex oder Edgar Broughton) oder die Literatur 

an sich keine, beziehungsweise nur rudimentäre 

Erwähnung finden. 

MECKI UND SEINE 

ABENTEUER 

Auf dieser DVD versammeln die Nostalgie- 

Spezialisten von Tacker Film erstmals sämtliche 

Puppentrickfilme mit Mecki sowie einige 

Werbefilme mit der berühmten Filmpuppe. Vom 

Leinwanddebüt " 

Der Wettlauf zwischen dem 

Hasen und dem Igel" über seine Auftritte in der 

Wochenschau" der 50er 

" Jahre bis zum Dokuteil, in 

dem Meckis Entstehungsgeschichte 

sowie seine 

Rolle als Postkartenstar 

und Redaktionsmaskottchen 

thematisiert werden. 

In einem Interview verrät 

Mecki-Fotograf Anton 

Diehl (der Sohn des Mecki-Erfinders 

Ferdinand Diehl) einiges aus dem 

Privatleben des stacheligen Stars. Und als Extra 

enthält die aktuell erhältliche Jubiläumsedition 

dieser DVD fünf verschiedene Postkarten mit 

beliebten Mecki-Motiven. 

(Tacker Film/Alive, 75 Min.) 

TONY HOLIDAY + LENA 

VALAITIS + MARGOT 

WERNER 

TANZE SAMBA MIT MIR + 

DIE WELT DER STARS & HITS + 

WASSER, FEUER, LUFT UND ERDE 

Mit seinem Kult Hit "Tanze Samba mit mir" 

bleibt der 1990 verstorbene Tony Holiday unvergessen. 

In der aktuellen Staffel der Polydor-Originale 

ist sein gleichnamiges Album 

(14/45:52) aus dem Jahr 1978 vertreten, auf 

dem mit "Disco Lady", "Komm, flieg mit zu 

den Sternen" (bei der er die Star Wars-Melodie" 

mit einem Text " 

versah) oder dem Bonus- 

Track mit dem unschlagbaren 

Titel "Den Appetit 

kannst du dir holen 

... doch gegessen wird 

zu Haus" weitere Schlagerperlen 

aus längst 

vergessenen Zeiten zu hören sind. Die Hitsingle 

mit dem Zungenbrecher "Ob es so oder so 

oder anders kommt" (eine Cover-Version von 

Melanies "Nickel Song") 

brachte 1972 eine junge 

Sängerin in die deutschen 

Hitparaden: Lena Valaitis. 

Auch die darauf folgenden 

Singles "Alles 

was dein Herz begehrt" 

und "Und da steht es geschrieben" 

brachten die gebürtige Litauerin 

in die deutschen Top-30. Als Bonus wurden 

noch zwei englischsprachige Aufnahmen ausgegraben, 

die auf DIE WELT DER STARS & 

HITS (14/40:23) ihre CD-Premiere erleben. 

Produziert von Abi Ofarim und arrangiert von 

Saiten ass Paul Vincent 

bietet Margot Werners 

1976er Album WAS- 

SER, FEUER, LUFT 

UND ERDE (14/45:35) 

nicht nur ihren Erfolgshit 

"So ein Mann", 

sondern auch zahlreiche weitere Titel, die gekonnt 

zwischen Jazz, internationalem Pop und 

schwülstigem Schlager pendeln. Auch hier 

wurden die Originale frisch remastert sowie 

zwei (von Abi Ofarim komponierte) Bonus- 

Tracks dazu gepackt. 

(Polydor/Fontana/Universal, 3 CDs) 

SO BIN ICH EBEN 

Von Juliette Gréco 

2012, Edition Elke Heidenreich bei 

C. Bertelsmann, München 

ISBN 978-3-57058-038-7 

238 Seiten; 19,99 Ð 

Erinnerungen einer 

" 

Unbezähmbaren" lautet 

der Untertitel dieser 

Autobiografie von 

Juliette Gréco, der das 

passende Motto für die 

zahlreichen Geschichten 

aus ihrem wechselvollen 

Leben vorgibt. Als Tochter 

einer Widerstandskämpferin 

lernt sie früh, sich zu behaupten, der 

Umgang mit Dichtern und Philosophen wie 

Jean-Paul Sartre, Boris Vian, Jacques Prévert 

und Simone de Beauvoir prägt ihre Jugend, 

Musiker wie Miles Davis und Charlie Parker 

wecken ihr Interesse am Jazz. Nach kleinen 

Engagements und Nebenrollen gelingt der Stilikone 

– immer hochgeschlossen in Schwarz 

mit Pagenkopf und stark geschminkten Augen 

– der internationale Durchbruch. Sie füllt 

das Pariser Olympia, tourt durch Europa und 

die USA, dreht Filme in Frankreich und Hollywood. 

Kein Geheimnis macht sie auch aus 

ihrem ausschweifenden Liebesleben, bei dem 

sie trotz allem nie auf ihre Freiheit verzichtet 

hat. Mit Instinkt und Eigensinn bleibt sie 

bis heute ihren ersten beiden Leidenschaften, 

der Poesie und dem Chanson, treu. Sie ist und 

bleibt einfach unbezähmbar. 

UNSER BESTER MANN + 

DIE EHRBAREN FÜNF 

Zwei Filme der 80er Jahre aus dem Defa- 

TV-Archiv. Unser Bester Mann" ist Otto Vegesack 

(gespielt von Heinz Rennhack), der 

" 

hier als Erfurter Bauarbeiter r 

zu sehen ist, der nach Berlin 

delegiert wurde. Was 

seine neuen Arbeitskollegen 

allerdings nicht ahnen 

ist der Umstand, dass Otto 

alles andere als der Beste " 

Mann" ist, der ihnen aus 

Erfurt versprochen wurde. 

Vielmehr hat man ihn dort 

weggelobt, wurde er von 

einem Lehrgang in den nächsten geschickt, 

nur damit er auf der Baustelle kein Unheil 


anrichten konnte. So hat er 

inzwischen zwar alle möglichen 

Qualifikationen, 

kann aber im Endeffekt 

eigentlich nichts so richtig 

– außer natürlich die 

Klappe aufreißen. Auch 

privat pendelt Otto in Berlin 

zwischen Reinfall und großer Liebe, lässt 

zunächst kein Fettnäpfchen aus, um am Ende 

dann doch zu erkennen, wer zu ihm steht und 

wer nicht. So bietet der Film zugleich eine 

Zeitreise und Blick zurück in den Alltag und 

das Lebensgefühl der DDR der frühen 80er 

Jahre. Aus dem Jahr 1988 stammt die Gaunerkomödie 

Die ehrbaren Fünf", die in den 

" 

turbulenten Zeiten der Wende ziemlich unterging. 

Die Geschichte spielt in den Tagen 

und Wochen nach Ende des Zweiten Weltkriegs. 

Es sind keine einfachen Zeiten, und 

jeder versucht auf seine Art, das Beste daraus 

zu machen. Natürlich blüht der Schwarzmarkt, 

und so genannte Schieberbanden 

machen ihre Geschäfte und profitieren vom 

Hunger und Elend anderer. Die fünf Gelegenheitsgauner 

Ginfizz" (Volkmar Kleinert), 

" 

" Toni" (Henry Hübchen), Meister" (Alfred 

Müller), Langer" (Reiner Heise) und 

" 

" 

Eginhardt" (Theo Richtsteiger) sind da eher 

" 

kleine Hausnummern und finden sich durch 

Zufall. Sie hoffen auf große Beute, als sich 

ein Mühlenbesitzer mit dem Mehl der Stadt 

buchstäblich aus dem Staub machen will und 

dazu ein paar Lastwagen samt Fahrern benötigt. 

Toni", der Kopf der Bande, weiß von 

" 

einem versteckten Depot, in dem noch einige 

fahrbereite Laster aus Wehrmachtsbeständen 

stehen. In diesem höchst amüsanten, temporeich 

erzählten Katz- und Mausspiel kommt 

keine Minute Langeweile auf, man fragt sich 

als Zuschauer ständig, ob es die Ehrbaren " 

Fünf" tatsächlich schaffen werden, mit dieser 

Nummer durchzukommen. 

(Icestorm, 87 Min. + 97 Min.) 

DER WISSENSCHAFTSWAHN 

Von Rupert Sheldrake 

2012, O.W. Barth 

ISBN 978-3-42629-210-5 

576 Seiten; 24,99 Ð 

Der populäre britische 

Wissenschaftsautor Rupert 

Sheldrake hat nicht 

nur mit Büchern wie 

Das Gedächtnis der Natur" 

für Furore gesorgt, 

" 

sondern auch die Theorie 

der morphogenetischen 

Felder konzipiert. In seinem aktuellen 

Werk, das trotz der komplexen Thematik in 

einem leicht verständlichen Plauderton verfasst 

wurde, greift er die Wissenschaftsgläubigkeit 

und das materialistische Weltbild an 

und stellt dabei provozierende Fragen in den 

Bereichen Physik, Biologie, Medizin, Religion 

und Psychologie. Dabei vermittelt er dem 

Leser einen wertvollen Wissensschatz und regt 

ihn zum selbstständigen Denken und Hinterfragen 

der allgemein akzeptierten Dogmen 

an. Durch die Verknüpfung der scheinbar getrennten 

Themengebiete präsentiert Sheldrake 

atemberaubende Perspektiven, die neue Weltanschauungen 

anregen. Ein kolossales Werk, 

dem man viele Leser wünscht. 

ÄFFLE & PFERDLE 

MIR KÖNNET ALLES – 

AU SCHWÄBISCH! 

Von Heiko Volz und 

Roman Lang 

2012, Esslinger Verlag, 

Esslingen 

ISBN 978-3-48023-015-0 

64 Seiten; 12,90 Ð 

In diesem neuen Band 

der beiden Kult-Figuren des Süddeutschen 

Rundfunks beweisen die schwäbischen Pausenclowns 

(sie waren ja ursprünglich " 

Trenner" 

zwischen zwei Werbespots) neben ih- 

rer begnadeten Fähigkeit, schwäbisch zu 

schwätzen", auch ihren angeborenen Hang 

" 

zur Philosophie. Du, i frag mi ob i di was 

" 

fraga kann", sinniert das Äffle. Ha, da fragsch 

" 

dr Richtige!", antwortet das Pferdle. Wer sich 

auf diesem Niveau so unterhalten kann, wer 

hinter jedem auch noch so flachem Kalauer 

( Isch nix au ebbes?" Frei übersetzt: Ist Nichts 

" 

auch Etwas?) den Kern der Sache entdecken 

kann, der ist hier genau an der richtigen Stelle, 

der wird mit einem fein gemachten Bildband 

voller schwäbisch-philosophischer Weisheiten 

belohnt. 

ST. PAULI 

VOM PFOSTEN BIS ZUR RITZE 

Von Robert Grischek & Christian 

Sobiella 


ISBN 978-3-94000-497-0 

168 Seiten; 2 CDs, 

39,95 Ð 

St. Pauli: Wohl kein anderes 

Viertel einer deutschen 

Metropole erzeugt 

bei seinen Bewohnern 

einen so hohen Grad an 

Identifikation wie der 

Hamburger Stadtteil. Und genauso stark 

sind seine Bewohner mit ihrem Fußballverein, 

dem FC St. Pauli, verbunden. Zahlreiche Künstler, 

Musiker, Fans und Kreative aus dem Umfeld 

dieses Vereins prägen das Gesicht des Viertels 

und des Klubs. Aus der intensiven Wechselwirkung 

zwischen Lebensort, Fußball und Verein 

resultiert ein Spannungsfeld, das eine hohe 

künstlerische und kulturelle Identifikation zur 

Folge hat, die man gemeinhin als " 

Lebensgefühl 

St. Pauli" bezeichnet. Dieses von Fußball, 

Punk-Rock und Street-Art geprägte Lebensgefühl, 

fängt der Bildband " 

St. Pauli – Vom Pfosten 

bis zur Ritze" auf einmalige Art und Weise ein. 

Er zeigt diesen ganz besonderen Stadtteil mit 

seinem ganz besonderen Fußballverein, seinen 


kult! Nr. 1–6 auch weiterhin erhältlich 

Alle Hefte zu bestellen im kult! Shop Seite 31 

oder unter: 



from the past 

Menschen und Plätzen und kommt so dem Kult 

St. Pauli Stück für Stück näher. Dabei ist es aber 

nicht nur ein Fußball-Buch, sondern vielmehr ein 

anspruchsvoll gestaltetes Kunstbuch mit vielen 

Hintergrundinfos und interessanten O-Tönen. 

In lebendigen Bildern zeigt der Fotograf Robert 

Grischek die Atmosphäre und den Charme 

St. Paulis. Er taucht mit seinen Bildern tief in 

die Szene ein, war dabei, wenn sich die wahre 

Fan-Gemeinde traf, unterlegt seine Fotografien 

mit Zitaten und Essays. Authentisch auch der 

Soundtrack" des Viertels, in dem sich auf CD1 

" 

Bands wie Ohrenfeindt, The Punkles oder Rantanplan 

austoben (und sich am Ende des Bildbandes 

seitenweise vorstellen) dürfen und auf 

CD2 die norwegische Kult-Punkband Turbonegro 

der Stadt Hamburg musikalisch Tribut zollt. 

DER BESTE TAG MEINES 

LEBENS 

Miller & Stentz 

2012, Droemer Paperback, München 

ISBN 978-3-42622-628-5 

217 Seiten; 14,99 Ð 

Mit einer leichten Form von Autismus und 

dem Asperger-Syndrom – also Gesichter lesen, 

Stimmungen erkennen, Gefühle begreifen – hat 

es der 14-jährige Colin 

nicht leicht im Leben. 

Doch als sich in der örtlichen 

Schule ein Schuss 

löst und seiner Meinung 

nach von Anfang an der 

Falsche verdächtigt wird, 

schlüpft Colin in die 

Rolle seines großen Vorbilds: 

Sherlock Holmes. 

Mit analytischem Verstand, 

unbestechlichem Blick und unvergleichbarer 

Logik macht er sich daran, Licht in diesen 

seltsamen Fall zu bringen. " 

Der beste Tag 

meines Lebens", eine kluge und vor allem liebevolle 

Geschichte über eine herrenlose Pistole, 

das Schwarmverhalten von Haien und das ewige 

Rätsel der Liebe. 

MECKI BEI ZWERG NASE 

2012, Esslinger Verlag, Esslingen 

ISBN 978-3-48023-014-3 

56 Seiten; 12,90 Ð 

In dieser Neuauflage des beliebten Kinderbuchs 

aus den 60er Jahren ist es Mecki selbst, der einen 

märchenhaften Reisebericht verfasst hat. 

Dabei hat er in kurzen, bebilderten Kapiteln 

aufgeschrieben, was er zusammen mit seinen 

Freunden erlebt hat. Wie er im Ballon über den 

Dächern von Buxtehude 

schwebte, wie 

er den Hansdampf 

in allen Gassen kennen 

lernte, wie Kater 

Murr ins Hexenhaus 

Bildband den Kult um den Mini mit wunderschönen 

eindrang, wie sie Zwerg Nase mit ins Schloss 

" Mini Scene" präsentiert dieser großformatige därer Antrieb seinen Piloten stets gute Diens te 

nahmen oder am Ende einer nach dem anderen 

entzaubert wurde. Liebevoll geschrieben und 

sorgfältig illustriert punktet dieses Buch mit zeitloser 

Klasse, ist ideal zum (Vor-)Lesen, Träumen 

und in Erinnerungen schwelgen. 

Aufnahmen der unterschiedlichsten Modelle 

von den Anfängen bis heute. Abbildungen originaler 

Anzeigen und begleitende Texte in Deutsch 

und Englisch machen das Buch zur Pflicht für 

jeden Mini-Fan. Klasse auch die Musik der vier 

beiliegenden CDs: Passend zum Kultobjekt 

INDIANA JONES 

THE COMPLETE ADVENTURES 

werden typische Beats aus den 60ern und 70ern 

präsentiert. Mit dabei sind The Troggs ("Wild 

Thing"), Gerry And The Pacemakers ("Ferry 

Cross The Mersey"), The Tremeloes ("Silence 

Is Golden"), Percy Sledge ("When A Man Loves 

A Woman"), die Small Faces ("All Or Nothing") 

und die Equals ("Baby Come Back"). 

LAUREL & HARDY 

SPECIAL LIMITED EDITION 

Weltweit auf 5000 Exemplare limitiert ist diese 

Im Juni 1981 erschufen Regisseur Steven Spielberg 

Filmbox mit zehn DVDs von Stan Laurel 

und Produzent George Lucas ihren Helden und Oliver Hardy ( Dick & Doof"). Zwischen 

" 

" Indiana Jones", der im unvergesslichen " Jäger 1926 und 1951 drehten sie zusammen über 100 

des verlorenen Schatzes" weltweit die Kinogänger 

Filme und wurden zum erfolgreichsten und 

begeisterte. Zusammen mit seinen Nachfol- 

berühmtesten Komikerduo der USA. Über die 

gern Indiana Jones und der Tempel des Todes", Hälfte dieser Lang- und Kurzfilme gibt es jetzt 

" 

Indiana Jones und der letzte Kreuzzug" sowie 

in 

dieser Edition zu 

" 

Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels" 

erscheint dieser Kult-Klassiker nun 

die drei DVD-Erst- 

sehen, darunter auch 

" 

endlich (und sorgfältigst überarbeitet) als Bluray. 

veröffentlichungen 

Dabei achtete Steven Spielberg höchstselbst 

" Lottery Man", " The 

darauf, dass bei der digitalen Überarbeitung (jedes 

Slippery Pearls – 

Originalnegativ des Filmes wurde nach und 

nach eingescannt und Bild für Bild am Computer 

überprüft!) der ursprüngliche Look der 80er Jahre 

The Stolen Jools" 

(erstmals in deutscher 

Synchronfas- 

nicht verloren ging. Auch den (nicht minder 

sung) und Bankrupt " 

wichtigen) Tonspuren wurde eine ähnlich aufwändige 

Honeymoon", dazu noch eine 

Behandlung gegönnt, aus den originalen 

Stereo-Aufnahmen wurde nun ein bombastischer 

Surround-Sound gemixt. Extras: Dokumentationen, 

Interviews, Features und Bonus-Material. 

(Paramount, 5 Blu-rays, 483 Min.) 

50-minütige Dokumentation über ihr privates 

Leben, Sammelmaterial wie Postkarten, Lesezeichen 

und Türanhänger, eine klasse Trailershow, 

mehrere Laurel & Hardy-Animationsfilme 

sowie privates Filmmaterial der Beiden, 

sortiert nach Entstehungsjahr. Ja, da können die 

MINI – THE CAR, THE CULT & 

THE SWINGING BEATS 

Von Michael Stein & Thomas Pfahl 

langen Winterabende kommen ... 

(edel, 10 DVDs, 58 Filme, 

Gesamtspielzeit 24 Std.) 


ISBN 978-3-94000-401-7 

120 Seiten; 4 CDs, 

39,95 Ð 

Der Mini – Klassiker, 

Kultobjekt und Lebensgefühl. 

STAR WARS 

MILLENIUM FALKE YT-1300 

2012, Heel Verlag, Königswinter 

ISBN 978-3-86852-550-2 

128 Seiten; 19,99 Ð 

Ende der 

Der Millenium Falke" ist 

" 

50er Jahre rollte im 

eines der legendärsten Raumschiffe 

britischen Birmingham 

aller Zeiten. Berühmt 

ein Kleinwagen 

vom Band, der ursprünglich nur dazu entwickelt 

worden war, seine Insassen möglichst günstig 

von einem Ort zum anderen zu bringen. Doch 

schnell entpuppte sich das originelle Gefährt als 

Verkaufsschlager und wurde kurz darauf Teil des 

Lebensgefühls der Swinging Sixties. In Zusammenarbeit 

mit dem internationalen Fachmagazin 

geworden unter dem Kommando 

der Schmuggler Han 

Solo und Chewbacca, zeigte 

es seine Sonderstellung in 

zahlreichen gefährlichen Missionen. 

Zahlreiche Modifikationen machten den 

ursprünglichen Leichtfrachter zu einem der 

schnellsten Schiffe der Galaxis, dessen legen- 


leistete. Dieses offiziell autorisierte technische 

Handbuch präsentiert sämtliche Bordsysteme, 

Kontrollen und Steuerungen anhand einer Unmenge 

an Grundrisszeichnungen, Diagrammen, 

Animationen, Funktionsbeschreibungen und Fotos. 

Doch neben allen Diagrammen, technischen 

Daten und Grafiken erzählt das Handbuch auch 

aus der Entwicklungsgeschichte des YT-1300, 

von seiner Konstruktion über den Bau bei der 

Correllianischen Ingenieursgesellschaft bis zu 

seinem Einsatz bei " 

Star Wars". Unschlagbar! 

ALLGÄU SIXTIES 

Von Peter M. Roese 

2012, Lindemanns Bibliothek, Karlsruhe 

ISBN 978-3-88190-630-2 

320 Seiten; 14,80 Ð 

Das beschauliche Kaufbeuren ist Hauptschauplatz 

dieser humorvoll erzählten Story um einen 

Luftwaffensoldaten und dessen Clique im Allgäu 

der 60er Jahre. Der eintönige Dienst in der Kaserne, 

heiße Feten, eine Band und allerlei Liebeleien 

werden in diesem Roman charmant und 

voller Lokalkolorit geschildert, 

wobei sich die Handlungsplätze 

nicht nur auf das 

Allgäu beschränken, neben 

Oberstdorf, 

Mindelheim, 

Füssen und Kempten verschlägt 

es die Protagonisten 

auch ins fränkische Neuhaus 

an der Pegnitz, nach Mengen 

sowie nach Diepholz bei 

Bremen. Eine kurzweilige 

Lektüre voller Erinnerungen an die (je nachdem 

mehr oder weniger) wilden Sixties, bei der man 

sich immer wieder gerne eigene Erlebnisse aus 

dieser Zeit ins Gedächtnis zurückruft. 

WERBEFILM-KLASSIKER 

Historische Werbefilme faszinieren heute wegen 

ihres eigenen Charmes, aber auch wegen ihrer 

zeittypischen Originalität, die im Spiegel der 

Zeit teilweise fast naiv daherkommt. Mit einer 

einzigartigen 5-DVD-Edition lassen die Spezialisten 

von Tacker Film die Vielfalt des Werbefilms 

von seinen Anfängen bis in die 70er Jahre hinein 

wieder auferstehen. " 

Mahlzeit" kümmert sich um 

die Lebensmittel im Werbefilm, aufwändige Zeichentrickfilme 

versuchen, die Kinobesucher von 

den richtigen Senf- oder Sauerkrautmarken zu 

überzeugen, präsentieren das (Über-)Angebot der 

Wirtschaftswunderzeit. Der Reinlichkeit widmet 

sich " 

Blitzblank & Sauber", hier wird Wäsche 

weißer als weiß – und dazu porentief rein! Fast 

übergangslos führt dieses Thema zur nächsten 

Filmcollage mit dem Titel " 

Hauptrolle: Hausfrau". 

Denn kaum jemand wurde in den Werbefilmen 

jener Tage mehr umworben als die deutsche 

Hausfrau. Die perfekt eingerichtete Küche, die 

neuesten technischen Helfer, hypermoderne Fertiggerichte 

ersetzten die biedere Hausmannskost – 

doch eines wird hier auch klargestellt: Der Haushalt 

ist Frauensache, Männer haben da nichts 

verloren. Auch bei Spieglein, Spieglein" steht 

" 

das schöne Geschlecht im Mittelpunkt. Make-Up, 

Mode und Frisuren werden mit schier unüberschaubarer 

Produktvielfalt präsentiert, alles trägt 

bei zum Schönheitswahn, 

dessen 

Auswüchse aus 

heutiger Sicht 

schon fast (unfreiwillig) 

komisch 

wirken. Höchst 

interessant auch Taler, Taler", die DVD, die sich 

" 

um das liebe Geld dreht. Die Werbung für Sparkassen 

und Volksbanken begann mit dem Versuch, 

die Menschen davon zu überzeugen, ihr 

Geld aus dem Sparstrumpf zur Bank zu tragen. 

In den 50ern wurden die Spots dann pfiffiger, bevor 

renommierte Filmkünstler alle verfügbaren 

Regis ter der (Trick-)Technik zogen. Insgesamt 

bieten diese fünf DVDs klasse Einblicke in die 

Welt der filmischen Verführungskünste, keine 

Frage, das ist Nostalgie pur! 

(Tacker Film/Alive, 5 DVDs, 351 Min.) 

GLAM-ROCK & CO. 

Vier ganz besondere Schätze für Musikfans gibt 

es jetzt auf www.emimerch.de zu bergen. In einer 

Metallbox sind jeweils eine Vinylsingle sowie 

ein 132-seitiges Hardcoverbuch 

im Single-Format 

verpackt. Für die Fotos war 

kein Geringerer als Top- 

Fotograf Mick Rock verantwortlich, 

der 1966 die 

damals noch unbekannten 

Pink Floyd vor die Linse 

nahm. 1972 gelangen ihm 

spektakuläre Aufnahmen, als 

er David Bowie auf seiner 

Ziggy Stardust"-Tour begleitete, 

zahlreiche Bands 

" 

von Queen über Lou Reed 

bis zu den Ramones verwendeten seine Fotografien 

als Albumcover. Klasse 

auch die musikalische Auswahl 

für die Vinylsingles: 

"Success/The Passenger" 

wurde für die Box von Iggy 

Pop ausgewählt, "Starman/ 

Suffragette City" für David 

Bowie, "Octopus/Golden 

Hair" zeigt die abgedrehte 

Genialität von Syd Barrett. 

Für das Thema Glam-Rock 

wurde "Virginia Plain/The 

Numberer" von Roxy Music 

ausgesucht, hier bietet 

das Foto-Buch natürlich ein klasse Spektrum 

an Künstlern, das von Lou Reed über Mott The 

Hoople und Queen bis zu The Sweet reicht. 

Sie haben 

gewählt! 

Hier sind die 

60 besten 

kultHits! 

Zusammengestellt 

von den 

Lesern der

A u f 

Von Eckhard Schwettm 

mann 

der ganzen Welt 

saßen die Menschen stun- 

denlang vor den Fernsehern, um 

bei einem historischen Jahrhundert- 

ereignis dabei zu sein. Am 20. Juli 1969 

um 21.17 Uhr war es dann soweit: Erstmals 

landeten Menschen auf dem Mond und teil- 

Straßenfeger" 

ten dies in einem Funkspruch an die Erde mit: 

„ nannte 

man seit den 

" Houston, Tranquillity Base here. The Eagle 

has landed!" Allen unscharfen TV-Bildern und 

60er Jahren 

TV-Ereignisse, 

tagelanger mühsamer Live-Übertragung 

die das öffent- 

zum Trotz: Diese Sternstunde 

liche Leben 

zum Erliegen 

der Raumfahrt war zugleich 

brachten. 

auch ein Höhepunkt der 

Als Pionier- 

Fernsehgeschichte. 

Sendung 

gilt 

die Krimiserie rie „Das 

Es 

Halstuch" von Francis 

sogar 

Durbridge, die 1962 eine 

Einschaltquote von 90 Prozent 

erreichte. Die Fußball-WM 1966 schaffte beim 

Endspiel England gegen Deutschland ähnliche 

Werte. Aber alle bisherigen Rekorde wurden im 

Juli 1969 gebrochen, als geschätzte 600 Millionen 

Menschen rund um den Globus wie gebannt 

vor den TV-Bildschirmen saßen. Weltweit war 

die Hälfte aller Fernsehsender zugeschaltet als 

am 20. und 21. Juli live berichtet wurde, wie 

die Mondfähre von Apollo 11 auf dem Mond 

landete und Neil Armstrong als erster Mensch 

den Mond betrat. Ein weiterer Rekord steht bis 

heute: Es war die längste ununterbrochene 

Live-Übertragung aller Zeiten. 

Dabei waren Fernsehgeräte 1969 

bei weitem nicht so verbreitet 

wie heute. Erst 1975 besaßen 

fl ächendeckende 93 Prozent 

aller deutschen Haushalte eine 

Flimmerkiste, 1969 waren es noch 

deutlich weniger als 50 Prozent. 

war 

üblich, 

dass man zu Freunden 

oder Verwandten ging, sofern man keinen eigenen 

Fernseher zu Hause hatte. Bei der Mondlandung spielte 

das Fernsehen seinen großen Vorteil aus, der zuvor nur bei 

Sportereignissen zum Tragen kam und heute selbstverständlich ist: 

Es gab keine nachträgliche Berichterstattung, wie in Nachrichten, 

Wochenschauen oder Zeitungen, sondern man konnte live zusehen, 

wie Geschichte geschrieben wurde. „Fernsehen heißt dabei sein" 

lautete nun das Motto für den unaufhaltsamen Siegeszug des 

neuen Massenmediums. 

Für die Fernsehsender war die Mondlandung eine ganz neue 

Herausforderung. In Deutschland berichteten gleich zwei Apollo- 

Sonderstudios: Federführend bei der ARD war der WDR in 

Köln, wo Günter Siefarth 28 Stunden lang live berichtete, 

umgeben von einem Team aus Experten wie Ernst von 

Khuon, der mit seinem Team aus Wissenschaftlern auch 

telefonisch gestellte Fragen der Zuschauer beantwortete. 

Günter Siefarth war ein bekanntes Fernsehgesicht. 

Er hatte 1961 zusammen mit Addi Furler und Ernst 

Huberty die ARD-„Sportschau" begründet und moderierte 

Wahlsondersendungen. Beim WDR-Fernsehen leitete er 

die Wissenschaftsredaktion und war Sendeleiter. 


Im ZDF berichtete Heinrich Schiemann live aus 

Mainz. Schon 1938 machte er sein Examen als 

Luftfahrtingenieur und arbeitete danach bei 

der Deutschen Versuchsanstalt für Luftfahrt. 

Ab 1947 war er als Wissenschaftsredakteur 

beim NDR tätig und wechselte 1963 zum ZDF, 

wo er bis zu seiner Pensionierung 1981 die 

Abteilung „Naturwissenschaft und Technik" leitete. 

Einem 

breiten 

Publikum 

bekannt wurde 

Schie mann durch die 

ZDF-Sendereihe „Aus 

Forschung und Technik". 

Das ORF produzierte in 

Österreich eine 28 Stunden 

und 28 Minuten dauernde 

Livesendung, kommen- 

Fr 

agen der Zuschauer. 

tiert von Herbert Pichler, 

der zuvor schon im Bereich 

Im ARD-Studio wurde an 

Nachbauten demonstriert, was 

gerade bei Apollo 11 passierte. 

Das WDR-Studio für die ARD- 

Livesendun 

g hatte futuristische 

Tischverkleidungen. 

Die Redaktionstische des WDR 

wirkten wie eine Mini-Ausg 

abe des 

Nasa-Kontrollzentrums in Houston. 

Anschauliche Grafiken informierten 

über den Ablauf der Apollo-Mission, 

hier die Trennung von Mutterschiff 

und Mondfähre. 

der Weltraummedizin 

mit Wernher von Braun 

zusammengearbeitet 

hatte. Der Mathematiker 

und Journalist Bruno L. 

Stanek berichtete für das 

Schweizer Fernsehen, wobei 

hier aber in dieser Zeit auch 

andere Sendungen gezeigt 

wurden. 

Alle Livesendungen wurden 

in Farbe ausgestrahlt, 

was zu dieser Zeit nicht 

selbstverständlich war. Erst 

weniger als zwei Jahre 

zuvor, am 25. August 

1967, hatte Willy Brandt 

auf der Internationalen 

Funkausstellung in Berlin 

offiziell das Farbfernsehen 

in Deutschland mit einem 

Knopfdruck gestartet. 

Farbfernsehgeräte 

waren im Sommer 1969 

noch wenig verbreitet. 

Sie waren sehr teuer und 

galten daher als echtes 

Luxusobjekt. Zudem waren 

sie noch recht störanfällig, 

und die Farben wirkten 

sehr künstlich. 

Das Fernsehen war im 

Sommer 1969, als die 

Mondlandung die Welt in 

Atem hielt, ein noch junges 

und neues Medium. In 

den 60er Jahren wurde das 

Programmangebot ständig 

erweitert, Regional- und 

Werbeprogramme wurden 

ausgebaut, Fernsehserien 

wie „Lassie", „Fury" oder 

„Bonanza" aus Amerika 

eingekauft. Die dritten 

Programme gingen mit 

Bildungssendungen neue 

GoodTimes 1/2013 ■ Seite 15 

Wege. Für das Fernsehen hatte die Mondlandung 

allgemein große Bedeutung: Mit diesem 

Ereignis schaffte ein neues Massenmedium 

endgültig den gesellschaftlichen Durchbruch. 

Schon 1928 wurde auf der Funkausstellung 

in Berlin das Fernsehen als neues Medium 

vorgestellt, danach die Technik immer weiter 

verfeinert und ausgebaut. Weihnachten 

1952 nahm der Nordwestdeutsche Rundfunk 

den Sendebetrieb auf, für zunächst drei Stunden 

Sendezeit täglich. Große Ereignisse, die live übertragen 

wurden, waren 1953 die Krönung Königin Elizabeths II. 

und ein Jahr später die Fußballweltmeisterschaft, als Deutschland 

im Endspiel die favorisierten Ungarn besiegte. Heute unvorstellbar: 

Es gab nur ein TV-Programm. Das änderte sich mit dem Start des 

Zweiten Deutschen Fernsehens (ZDF) am 1. April 1963 sowie dem 

Aufbau der dritten Programme in der ARD. Von Anfang an stand 

das ZDF ganz bewusst im Wettbewerb mit der ARD. 

Das Team von Apollo 11 (v.l.n.r.): Neil Armstrong, 

Michael Collins und Buzz Aldrin. 

Diese Konkurrenz der beiden Sender gab es natürlich auch bei der 

Übertragung der Mondlandung. Dabei wirkte das ARD-Studio mit 

seinen futuristischen Tischverkleidungen moderner als das etwas 

biedere ZDF, das Zuschauer als Publikum im Studio hatte, ähnlich 

dem ZDF-„Sportstudio". Dafür hatte die ARD mit dem eleganten 

Lothar Löwe einen der beliebtesten Fernsehjournalisten dieser Zeit 

im Team. Natürlich hatten beide Sender ein Modell der Mondfähre 

im Studio, an dem anschaulich gezeigt werden konnte, was gerade 

passierte und welche Arbeiten die Astronauten gerade ausführten. 

Denn live zu sehen waren diese über lange Strecken 

nicht. Ihre Manöver wurden im Studio nachgestellt. 

Livebilder gab es vor allem aus dem 

Kontrollzentrum in Houston, wo in langen 

Reihen Techniker vor kleinen Monitoren 

saßen. Dort stand Werner Büdler für 

Liveschaltungen per Telefon für die 

ARD bereit, während sein Kollege 

Friedrich Müller teils zeitgleich für 

das ZDF aus USA im Stile eines 

Radioreporters berichtete. 

Da die Fernsehzuschauer nur über 

ein Gerät verfügten und so nur einen 

Sender schauen konnten, schalteten 

sie immer wieder um. Wollte man 

zuhören, wie Ernst von Khuon Fragen

der Zuschauer beantwortete, ging es zur ARD. Heinrich Schiemanns 

sachkundige Ausführungen zur Raumfahrt im ZDF wurden dann 

zwangsläufig verpasst, ebenso ein Rückblick auf die Geschichte der 

Raumfahrt, den das ZDF in Farbe ausstrahlte. Dafür sah man womöglich 

ein Gespräch der beiden Raumfahrtpioniere Hermann Oberth und 

Wernher von Braun in der ARD oder wurde in einfachen grafischen 

Darstellungen über das komplizierte Landemanöver informiert. Sobald 

aber in Houston etwas passierte 

und Live-Aufnahmen gezeigt wurden, 

etwa von der Mondfähre oder 

den Astronauten Neil Armstrong 

und Buzz Aldrin auf dem Mond 

oder Präsident Richard Nixon, 

wie er vom Weißen Haus aus mit 

Armstrong auf dem Mond telefonierte, 

dann waren Bild und 

Originalton in beiden Sendern 

gleich. 

Kritik wurde laut, warum sich 

nicht beide Sender für dieses 

Ereignis zusammengetan hatten 

und gemeinsam übertrugen. Das 

hätte Kosten gespart, so der Tenor, 

und man hätte keinen der interessanten 

Beiträge beider Sender 

versäumt. 

Eine Live-Fernsehübertragung 

vom Mond! Was heute noch 

unglaublich klingt, war vor mehr als 

40 Jahren ein technisches Wunder. 

Möglich wurde diese Übertragung 

von Apollo 11 durch eine eigens konstruierte Schwarzweiß-Kamera, 

die zuvor bei Apollo 9 im Erdorbit getestet wurde. Sie übertrug die 

ersten Schritte von Neil Armstrong auf dem Mond von einem außen 

angebrachten Fach neben der Leiter. Aus Platzgründen war die Kamera 

kopfüber montiert, so dass das Bild auf der Erde gedreht werden 

musste. Nachdem die beiden Astronauten auf der Mondoberfläche 

waren, setzte Armstrong die Kamera auf ein Stativ etwa zehn Meter 

entfernt, um von dort aus die Mondfähre und die Aktivitäten der 

Astronauten zu filmen. Eine Parabolantenne von 66 Zentimetern 

Durchmesser an der Spitze der Mondfähre übertrug das Fernsehsignal, 

biomedizinische Daten und Sprechfunk direkt zur Erde. Dort gab es drei 

Empfangsstationen: In Goldstone, Kalifornien, war eine Parabolantenne 

mit 64 Metern Durchmesser empfangsbereit. Das TV-Signal wurde in 

den amerikanischen NTSC-Standard konvertiert und nach Houston 

übermittelt, dann von dort 

aus an Fernsehsender in aller 

Welt weitergegeben. Zwei 

weitere 

Empfangsstationen 

waren in Australien, Parkes 

und Honeysuckle Creek. Sie 

sendeten via Satellit nach 

Houston. 

Bereits am 16. Juli 

1969 war Apollo 11 in Cape 

Canaveral in Florida gestar- 

Die ersten TV-Bilder vom Mond 

tet, was natürlich weltweit 

waren sehr verschwommen. via Satellit übertragen wurde. 

An Bord waren die drei 

Astronauten Neil Armstrong, 

Buzz Aldrin und Michael 

Collins. Im Mondorbit angekommen, 

stiegen Buzz Aldrin 

und Neil Armstrong in die 

Mondlandefähre „Eagle" um. 

Nachdem die Landebeine der 

Fähre ausgeklappt waren, 

trennten sie das Landegerät 

vom Mutterschiff, in dem 

So unscharf sah es live im Fernsehen 

Michael Collins verblieb. Ihr 

aus: Neil Ar 

mstrong betritt als erster 

Me 

nsch den Mond. 

Seite 16 ■ GoodTimes 1/2013 

Ziel war das geplante Landegebiet 

im Mare Tranquillitatis, das Meer 

der Stille. Die Mondlandung 

musste bei direkter 

Sonneneinstrahlung, also 

optimalen Sichtverhältnissen, 

durchgeführt werden; ebenso 

der Rückstart zum Mutterschiff 

„Columbia". Das begrenzte den 

Landeplatz für die Mondfähre 

auf Gebiete in der Nähe des 

Mondäquators. Am 20. Juli 1969 um 

21.17 Uhr MEZ setzten sie etwa 4,5 

Kilometer hinter dem geplanten Landegebiet 

auf. Neil Armstrong musste per Handsteuerung 

landen, da es einen Computerfehler gab. Am Montag (dem dann so 

genannten Mond-Tag), 21. Juli 1969 um 03:56:20 MEZ (in den USA 

war es noch der 20. Juli), betrat Neil Armstrong als erster Mensch den 

Mond und sprach die berühmten Worte: „That's one small step for a 

man, one giant leap for mankind!” („Das ist ein kleiner Schritt für einen 

Wernher von Braun (4. v. l. 

) und das Führungsteam der Nasa 

freuten sich über den gelungenene Start von Apollo 11. 

Menschen, aber ein großer Sprung für die Menschheit!"). 20 Minuten 

später verließ auch Buzz Aldrin die Mondfähre. Nachdem spektakulär 

und symbolträchtig die US-Flagge gehisst worden war, bauten die beiden 

Astronauten einige kleine Forschungsgeräte auf, um unter anderem 

That's one small step for a man, 

" 

one giant leap for mankind!" 

die seismischen Aktivitäten des Mondes zu erfassen. Ein Laserreflektor 

ermöglichte es, die Entfernung zwischen Mond und Erde exakt zu 

messen. Außerdem 

wurden 21,6 Kilo 

Gestein gesammelt. 

Der erste 

Aufenthalt auf der 

Mondoberfläche 

endete nach zwei 

Stunden und 31 

Minuten. 

Die Astronauten 

strahlten 

Anschauliche Trickfilme beim WDR: Die eine unglaubliche 

Ruhe und 

Mondfähre " 

Eagle" mit dem Mutterschiff 

Columbia während der Apollo-11-Mission. Souveränität aus. 

Überall herrschte große Erleichterung, dass dieser wichtige Teil der 

Mission gemeistert wurde. Dabei gab es auf dem Mond erhebliche 

Probleme. Der Hebel eines Schalters war abgebrochen, ein weiterer 

Foto: © WDR 

Fotos: © Nasa

war nicht in der vorgesehenen Position. Offenbar hatte Aldrin mit 

dem „Mond-Rucksack" die Schalter erwischt, die für den Start 

benötigt wurden. Mit einem Filzstift gelang es dann aber, die 

Schalter zu betätigen. Der Start klappte problemlos, die Fähre 

schwenkte in eine Mondumlaufbahn ein und koppelte wieder 

an die Kommandokapsel von Collins an. Auch für heutige 

Verhältnisse ein unglaublich kompliziertes Manöver. Nachdem 

Armstrong und Aldrin umgestiegen waren, wurde die Mondfähre 

abgestoßen, und Apollo 11 nahm Kurs Richtung Erde. Am 24. Juli 

1969 landete die Kapsel 1600 Kilometer südwestlich von Honolulu 

im Pazifik und wurde vom Bergungsschiff USS Hornett an Bord geholt. 

Nach 17 Tagen in Quarantäne wurden die drei 

Astronauten mit Paraden in New York, Chicago 

und sogar in Mexico City frenetisch gefeiert. 

Juri Gagarin, der 

erste Mensch 

im Weltraum. 

Eine schier unglaubliche Expedition, die 

Jahre zuvor noch als reine Science Fiction 

belächelt wurde, hatte ein erfolgreiches und 

glückliches Ende gefunden. John F. Kennedys 

Ankündigung aus dem Jahr 1961, man werde 

noch in diesem Jahrzehnt einen Menschen 

zum Mond bringen 

und heil wieder 

zurück, wurde von 

den Amerikanern in 

die Tat umgesetzt. 

Die USA hatten 

den „Wettlauf zum 

Mond" gegen die 

UdSSR gewonnen, 

die zuvor mit dem 

„Sputnik-Schock" 

und Juri Gagarin als erstem Menschen im Weltraum den Ton angaben. 

Fünf weitere Apollo-Missionen der Nasa 

landeten auf dem Mond, Alan Shepard 

von Apollo 14 spielte dort sogar Golf, und 

mit Apollo 15 wurde zum ersten Mal ein 

Mondauto benutzt. David Scott und James 

Irvin erkundeten damit die Umgebung der 

Landestelle. Insgesamt zwölf Menschen 

waren mit dem Apollo-Programm auf 

dem Mond gelandet. Zuletzt verließ am 

12. Dezember 1972 Eugene Cernan von 

Apollo 17 als letzter Mensch den Mond. 

Das Medieninteresse war zu diesem 

Zeitpunkt weltweit längst nicht mehr so 

groß wie bei der Premiere mit Apollo 11. 

Die Öffentlichkeit hatte sich schnell daran 

gewöhnt, dass die Amerikaner zum Mond 

flogen wie andere in den Urlaub. Lediglich 

Apollo 13 hatte mit einem technischen 

Defekt und einer Explosion an Bord auf dem Hinflug die Welt im April 

1970 noch einmal in Atem gehalten und sorgte auch im deutschen 

Fernsehen wieder für lange Livesendungen. Spektakulär waren die 

Rettungsmaßnahmen, die am Ende alle drei Astronauten lebend auf 

die Erde zurückbrachten, allerdings landeten sie nicht auf dem Mond. 

Die Apollo-11-Besatzung wurd 

auch bei einer Parade in Mexico Ci 

Das Apollo-Programm kostete nach Schätzungen vom Start 1961 

bis zum Ende 1972 mehr als 25 

Gl 

ückl 

klic 

iche 

Milliarden Dollar, nach heu- 

Land 

ung im Paz 

azifi 

ifik. tigen Maßstäben entspräche 

das rund 125 

Milliarden Euro. 

Mehr als 400.000 

Menschen waren 

in mehr als 5000 

Firmen mit diesem 

Programm beschäftigt. 

Im Bereich Forschung 


Nach 17 Tagen Quarantäne endlich wieder an der frisc 

hen Luft: 

die ersten drei Mondtouristen Buzz Aldrin, Neil Armstrong und 

Michael Collins (v.l.). 

und Entwicklung brachte es einen wirtschaftlichen Aufschwung für 

zahlreiche Industriebetriebe und viele Innovationen hervor. 

Neil Armstrong, der erste Mensch, der den Mond betrat, starb am 

26. August 2012 im Alter von 82 Jahren an den Folgen einer Bypass- 

Operation. Nasa-Chef Charles Bolden schrieb dazu in einem Nachruf: 

„Solange es Geschichtsbücher gibt, wird Neil Armstrong als derjenige 

darin zu finden sein, der den ersten kleinen Schritt eines Menschen in 

einer Welt fern der eigenen gemacht hat." 

Alles Lüge? Die Mondlandungen sind bis heute Objekt zahlreicher 

Verschwörungstheorien. Dabei gehen Autoren wie Bill Kaysing davon 

aus, dass Hollywood federführend war und nicht die Nasa. Es fehlen 

aber die Beweise, dass hier Schauspieler in einem Studio etwas vorgegaukelt 

haben. Ganz im Gegenteil wurde 2009 sogar der Landeplatz 

von Apollo 11 von einer unbemannten 

Sonde fotografiert. Auch die Russen 

bezweifeln den Erfolg der amerikanischen 

Apollo-Mission nicht. Nur drei Tage vor 

Apollo 11, am 13. Juli 1969, war Luna 

15 gestartet, eine unbemannte Sonde. 

Das sorgte für einige Aufregung, und 

Gerüchte über Spionage und Sabotage 

machten die Runde. Schließlich war man 

im „Kalten Krieg". Auch wenn der UdSSR 

keine bemannte Landung auf dem Mond 

gelang, hatte sie doch die Aktivitäten 

der Amerikaner im Weltraum immer fest 

im Blick. 

Zum TV-Live-Marathon zur Mond landung 

r e weltweit gefeiert, 

C ty. 

hat der WDR eine Anekdote überliefert: 

Ein Fernsehzuschauer der 

ARD fand die Programmänderungen am „Mond- 

Tag" unerhört. Er rief in Köln an und 

beschwerte sich bei der Sendeleitung: 

„Warum senden Sie nicht zu den Zeiten, 

die ,Hörzu‘ ausgedruckt hat? Wen 

interessiert denn schon den ganzen 

Tag die Mondlandung?" Dieser 

Mensch dürfte aber eine absolute 

Ausnahme gewesen sein, 

die allermeisten fanden die 

Berichterstattung rund um die 

Mondlandung mehr als spannend, 

und viele erinnern sich 

noch heute gut an jenen Tag, 

der als einer der Höhepunkte 

des 20. Jahrhunderts gilt. Für 

die Raumfahrt und für die 

Geschichte des Fernsehens.


VERLOSUNG 

GoodTimes kult! verlost unter allen Teilnehmern: 

Stichwort: kult!-Verlosung 

Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. 

Einsendeschluss ist der 31. Januar 2013 

NikMa Verlag 

Eberdinger Straße 37 · 71665 Vaihingen/Enz 

Fax: 0 70 42/37660-188 

email: goodtimes@nikma.de 

1x Indiana Jones 

Schlapphut + Peitsche 

je 1x DVD Stahlnetz 

2x 3er- 

DVD-Box 

1x DVD Sherlock Holmes 

1x DVD 

1x Blue-ray-Box Indiana Jones 

1x DVD 

1x Sammleredition-Box 

2x Band 1 

Sammleredition 

2x Blue-ray 


Unsere Gewinner der Verlosung 

aus kult! Heft 6 – 2/2012: 

5x DVD Tim & Struppi: 

– Renate Just, Röhrmoos 

– Simon Lauterbach, Hagen 

– Siegfried Patzer, Lemförde 

– Bernd Zielinski, Berlin 

– Thomas Sindermann, Wardenburg 

1x DVD Francis Durbridge-Gesamtbox: 

– Margret Möbius, Finsterwalde 

3x Flachmann Der Kommissar: 

– Rüdiger Schirrmacher, Essen 

– Eduard Kremser, Neckargerach 

– Harald Schwab, Schwandorf 

Herzlichen Glückwunsch!


Fotos: © Reiner Schöne Archiv 

Reiner Schöne 

Von Philipp Roser 

Vo n der Eintagsfliege 

zum Welt-Star 

Am 19. Januar hat Reiner Schöne seinen 70. Geburtstag gefeiert. Kein Grund für 

den Mann, der in Wikipedia kurz als „deutscher Schauspieler, Synchronsprecher, 

Sänger, Songwriter und Autor „ beschrieben wird, kürzer zu treten. Im Gegenteil, der 

gebürtige Weimaraner legt wie so oft in seiner langen Laufbahn mal wieder richtig 

los: Neben seinen Aktivitäten als Schauspieler bringt er in diesen Tagen nicht nur 

seine Autobiografie „Werd ich noch jung sein, wenn ich älter bin „ als Buch und 

Hörbuch heraus. Parallel veröffentlicht er mit seiner neu besetzten Reiner Schöne 

Band die CD MITTEN INS HERZ. Mit dabei: der fast schon legendäre Jazzpianist 

und Manfred-Krug-Sideman Ulrich Gumpert, der ebenfalls aus Weimar stammt. 

Schon seit ihrer Jugend kennen sich die beiden, doch 

es dauerte fünf Jahrzehnte, bis sie musikalisch endlich 

zusammenfanden. „Uli ist ein Groover, er spielt 

den Blues so, wie ich Blues spielen würde, wenn ich 

anständig Klavier spielen könnte", sagt Schöne, der „nur" 

anständig Gitarre spielen und röhren kann – und auf einen langen 

Weg vom Liedermacher zum Rock'n'Roller zurückblicken kann. Und 

den beschreibt er in seiner Autobiografie höchst anschaulich. Das tut er 

(meist) chronologisch, aber eindringlich mit nachdenklichen Untertönen 

in einzelnen, kurz gehaltenen Kapiteln, die er in den letzten Dekaden 

festgehalten hat – häufig wenn 

er unterwegs war. Am Ende jeder 

dieser Episodenschilderungen hat 

er notiert, wann und wo er seine 

Erinnerungen jeweils festhielt. 

Reiner Schöne – nicht zu verwechseln 

mit dem ebenfalls 

aus der früheren DDR stammenden 

Balladier Gerhard 

Schöne – kann auf eine wilde 

Vergangenheit zurückblicken, seit 

er einen anschaulich geschilderten 

britischen Bombenangriff auf 

Weimar überlebte, wo er eine 

Schauspielausbildung absolvierte 

und seine ersten musikalischen 

Gehversuche mit Bands wie Die Eintagsfliegen (mit 

eigenen Texten zu bekannten Popsongs; erster Song 

beim ersten Auftritt: Bill Haleys "Rock Around The 

Clock") oder Skiffle Tramps absolvierte. 

Umtriebig, wie er immer war, schaffte er es in jungen 

Jahren am 4. April 1961 nach einem Konzert von 

Mahalia Jackson in West-Berlin in deren Garderobe 

vorgelassen zu werden, um mit ihr zu plauschen; Jahre 

später ließ er sich von Miles Davis und Cannonball 

Adderley im kalifornischen Monterey Autogramme in 

seine Akustikgitarre ritzen. Da hatte er längst „rübergemacht": 

Nachdem er in den Monaten zuvor bereits 

zwei Konzerte in West-Berlin bestritten hatte, kehrte er 

am 26. Mai 1968 nicht mehr zurück, blieb im Westen, 

was er „drei Jahre lang gefürchtet und hinausgezögert" 

hatte. Und die Flucht sollte ihn lange begleiten, 

ja verfolgen. „Ich hatte jede Nacht denselben Traum, 

denselben Alptraum: Ich träumte, ich wäre wieder in Ost-Berlin, stand am 

Bahnhof Friedrichstraße und war in Panik", erinnert er sich heute. 

Dabei war es im Westen für Schöne Schlag auf Schlag vorwärtsgegangen: 

In " 

America" arbeitete Schöne mit Kris Kristofferson. Auch in " 

Star Trek" mischte er mit ... 

... und spielte in " 

Jesus Christ Superstar". 


Er ergatterte Hauptrollen bei den deutschen Erstaufführungen 

der Rockmusicals „Hair" und „Jesus Christ Superstar", erlebte 

den Summer Of Love live an der US-Westküste mit, wohin es ihn 

später auch beruflich verschlagen sollte. Er verbrachte einige Zeit 

im legendären New Yorker Chelsea Hotel, er drehte mit Lee Van 

Cleef („Sabata kehrt zurück", 1971), Clint Eastwood („Im Auftrag des 

Drachen", Originaltitel „The Eiger Sanction", 1975) oder Kris Kristofferson 

(„America", 1986). Er zog 1975 für gut ein Vierteljahrhundert nach 

Kalifornien und stand dort für Serien wie „Die Rückkehr zur Schatzinsel", 

„MacGyver", „Star Trek" oder „Matlock" vor der Kamera, kehrte aber 

auch immer wieder für Synchron-, Theater- und Leinwandrollen sowie 

Plattenaufnahmen kurzzeitig in die alte Heimat zurück. Was er alles kurzweilig 

in seinem neuen Buch schildert, das er nach seinem größten Hit 

betitelt hat, den ihm einst Konstantin Wecker, sein Kumpel und Mitspieler 

in „Jesus Christ Superstar", auf 

die Stimmbänder geschrieben 

hatte. 

Auch als Sänger ließ Schöne 

immer wieder aufhorchen, 

seit er 1970 bei der ESC- 

Vorausscheidung mit "Allein 

unter Millionen" Platz zwei 

belegt hatte. „Ich kam aus der 

eher sanften Liedermacherei, 

und genau das erwartete mein 

Publikum: sanfte Klänge", beschreibt er seinen (rock-) 

musikalischen Neuaufbruch von 1979 mit der Reiner 

Schöne Band. „Aber auf die Bühne kam ein harter 

Haufen in Leder, die Lautstärkeregler auf zehn, und 

beim ersten Brett, das geflogen kam, hielten sich unten 

alle die Ohren zu ... So muss es bei Bob Dylan gewesen 

sein, als er von der Akustikgitarre auf die Elektrizität 

umstieg und ihm die Folkpuristen den Rücken kehrten." 

Sicher ein gewagter Vergleich, der aber keineswegs 

hochnäsig daherkommt, sondern wie die meisten 

Schilderungen Schönes, Entwicklung und Schaffen 

nachvollziehbar und spannend zu lesen macht. 

"Werd ich noch jung sein, wenn ich älter bin" hat 

Schöne für die neue CD nochmals aufgenommen („weil 

der Song schon ewig nicht mehr erhältlich ist") und 

wird ihn bei seiner Deutschlandtournee im Oktober 

(Fortsetzung im März 2013) als Zugabe spielen. Aber 

auch auf der Leinwand ist er präsent, derzeit mit „Die vierte Macht" (mit 

Moritz Bleibtreu), außerdem läuft im Oktober seine neueste Produktion 

„The Child" an.

Indianer im Western: 

Der lange Weg 

zur Wahrheit 

Ohne 

India 

ianer wäre 

der 

Wes 

este 

tern 

unv 

nvol 

olls 

lstä 

tänd 

ig 

. So wie 

Sci 

cien 

ence 

ce- 

Fi 

ctio 

ion- 

Stre 

ifen ohn 

hne Auße 

ßeri 

rdis 

isch 

che. 

Und 

auc 

uch wenn 

die 

ser Verg 

rgle 

leic 

ich 

weit 

her 

ge 

ho 

lt scheint 

– ganz abwe 

wegi 

g ist er nicht 

ht. De 

nn die 

Urei 

einw 

oh 

ner Amer 

ikas hat 

ten in der 

lan 

ange 

gen Geschi 

chte 

des 

Wes 

tern 

rn- 

Ge 

nr 

es die 

mei 

eist 

ste Zeit 

nur die Rollele von 

ung 

ngel 

iebt 

bten 

Aus 

ussä 

sätz 

igen 

in 

ne. Si 

e ware 

ren St 

at 

iste 

n – bestenfa 

lls. 

Mei 

st ver 

erkö 

rper 

erte 

ten si 

e das 

ulti 

mati 

tiv Bö 

se, das es aus 

uszu 

zulö 

lösc 

sche 

hen ga 

lt 

. 

Indianer starben in den Western zuhauf. Realistisch, könnte man 

meinen. Denn die Historie des Roten Mannes wurde mit seinem 

Blut geschrieben. Hunderttausende, ja Millionen Männer, Frauen 

und Kinder kamen um oder wurden bei der Eroberung der Neuen 

Welt ermordet. Es war aber nicht dieser Ausrottungsfeldzug, der mit 

dem Sterben der Indianer in den alten Western thematisiert wurde. 

Vielmehr mussten die Natives als Zielscheiben für tapfere Cowboys und 

Soldaten herhalten, die sich einer indianischen Übermacht erwehrten 

und den trotteligen Indsman kaltblütig vom Pferd schossen, niederstachen 

oder erschlugen. Und der amerikanische Teenager applaudierte 

seinen Helden und buhte die Indianer aus. „Und wir lernten unseren 

Katechismus gut", schrieben Ralph E. und Natasha A. Friar in ihrem 

Buch „The Only Good Indian … The Hollywood Gospel" (1972) über 

eigene Kindheitserfahrungen nach Kinobesuchen. „Der Indianer war 

schmutzig, schlecht, böse, gemein, grausam, hilflos, hinterlistig, teuflisch 

und einfach nicht nett." 

Man täte den unzähligen Western-Regisseuren allerdings Unrecht, 

scherte man sie sämtlichst über einen Kamm. Vor allem zu 

Zeiten des Stummfilms, als die Figuren in den Stories über smarte 

Revolverhelden manchmal recht hölzern gezeichnet wurden, gab es 

Bemühungen, Indianer als Menschen darzustellen. Michael Parkinson 

und Clyde Jeavons heben in ihrem Buch „A Pictorial History Of 

Westerns" (1972) den Pionier des Genres, Thomas 

H. Ince, mit seinen Filmen „The Indian Massacre" 

(1912) und „The Heart Of An Indian" (1913) 

hervor, aus denen eine unverkennbare Sympathie 

für das Schicksal der Urbevölkerung sprach. Auch 

David Wark Griffith, 

der Kurzwestern wie 

am Fließband produzierte, 

warb in „The 

Massacre" (1912) um 

The Indian Massacre The Indian Massacre einen verständnisvollen 

Umgang mit dem Kampf der Indianer um ihre Freiheit. „Zu einer 

Zeit, da sich Hollywood erst zu entwickeln begann … bemühte man 

sich nicht ohne Erfolg um realistische 

Western-Filme", beschreibt Michael 

Hanisch in „Western – Die Entwicklung 

eines Filmgenres" (1984) den Sinn für 

Authentizität in den Anfangsjahren der 

laufenden Bilder. „Lag es daran, dass The Heart Of An Indian 

man im Westen, wo diese Filme gedreht wurden, auf Schritt und Tritt 

auf Menschen stieß, die selbst jene Vorgänge direkt noch miterlebt 

hatten, die mit der Eroberung des Westens zusammenhingen? Nicht 

nur die Indianer, die (unter anderem) für Ince arbeiteten, konnten den 

Wahrheitsgehalt der einzelnen Szenen, in denen sie selbst spielten, 

sehr genau beurteilen. All das zusammengenommen verhinderte allzu 

fantastische, wirklichkeitsferne Erzählungen, wie sie für den Western in 

den folgenden Jahrzehnten charakteristisch werden sollten." 

Es kamen die Dekaden, in denen Indianer nicht 

mehr sein durften als eine gesichtslose Masse. 

Das Stilmittel war bewährt, denn der Zuschauer 

konnte nur zu Figuren emotionale Bindungen 

aufbauen, die ein Schicksal und Gefühle hatten; 

die lachten, weinten, zornig waren oder 

zärtlich. Eben Leute wie sie selbst oder der 

Nebenmann im Kinostuhl. Und obwohl in den 

50er Jahren erste indianische Charaktere in den 

Western ern zurückkehrten, blieb die Anzahl 

der roten Männer 

und Frauen, die der 

Fan im wahrsten 

Sinne des Wortes 

kennen lernen 

durfte, gering. Das 

Apachen-Mädchen Sonseeahray in „Der gebrochene 

Pfeil" (1950) zum Beispiel oder der 

Schoschonen-Häuptling Lance Pool – gespielt 

von Robert Taylor – in 

„Fluch des Blutes" 

(1950). Als Identifikations 

figuren 

eigneten sich diese 

Personen aber nicht. 

Dann schon eher ein 

Halbblut b wie in „Flammender Stern" (1960). Hier 

spielt Elvis Presley den hitzigen Pacer Burton, 

dessen Vater ein Kiowa-Häuptling war. Schon 

die Besetzung zeigt an: Mit diesem Helden 

dürfen wir mitfühlen. Und die Story eines zwischen 

den Welten und deren Konflikten hinund 

hergerissenen jungen Mannes berühr- 


te zweifellos. Ebenso 

wie das Schicksal von 

Farmerstochter Rachel 

in „Denen man nicht 

vergibt" (1960). Hier 

Denen man nicht vergibt spielt die wie immer 

herzzerreißend bezaubernde Audrey Hepburn eine 

Kiowa-Indianerin, die bei einer weißen Familie 

aufgewachsen ist, ohne ihre eigene Herkunft zu kennen. Dieser 

Ausgangspunkt der Story war zwar Unsinn, ermöglichte allerdings 

einen Plot voll Dramatik. 

Als einer der bedeutendsten Filme, die in der Zeit des Umbruchs des 

Blickes auf die Natives selbige in den Mittelpunkt der Handlung 

stellten, erwies sich „Cheyenne" (1964) – das Spätwerk des wohl größten 

Western-Regisseurs, John Ford. Erzählt wird 

der Ausbruch einer knapp 300-köpfigen Gruppe 

Cheyenne aus ihrem zugewiesenen Reservat, um 

Repressalien und Hungerstod zu entgehen. Auf 

dem Weg in ihre angestammten Gebiete werden 

sie von einer über 1000 Mann starken 

Armee gejagt. „Ich habe diesen Film schon lange 

machen wollen", wird Ford in Peter Bogdanovichs 

Buch „John Ford" von 

1967 zitiert. „Ich habe 

mehr Indianer getötet als Custer, Beecher 

und Chivington zusammen. Sehen wir der 

Angelegenheit ins Auge. Wir haben uns 

da sehr schlecht benommen, auf unserem 

Schild ist ein Schandfleck. Wir haben betrogen 

und geraubt, getötet, massakriert und alles so was." Ford ging bei 

seiner Darstellung der Cheyenne aber über das sich im Genre bereits 

ausbreitende Mitgefühl für die Indianer hinaus. Er bemühte sich um 

historische Exaktheit. Zumindest bei der Rahmenhandlung. Und er 

versuchte, den Gejagten in Habitus und Aussehen Authentizität zu 

verleihen. Die Cheyenne sollten auch wie welche aussehen und nicht 

ein Fantasie-Mix aus Apache, Sioux und Blackfoot sein. Besetzt waren 

die Hauptfiguren Dull Knife (Gilbert Roland) und Little Wolf (Ricardo 

Montalban) aber weiterhin mit bekannten weißen Schauspielern. 

Das Zeitalter des Indianerfilms als ein Subgenre des Western läutete 

„Der Mann, den sie Pferd nannten" von 1970 ein 

(zum Teil 

auch 

unter „Ein Mann, den sie Pferd nannten" gezeigt). 

In dem Streifen von Elliot Silverstein spielt der 

eigentlich 

eher spröde 

Richard 

Harris 

die 

Hauptrolle 

und 

erweist 

Ein Mann, den sie Pferd nannten sich in der 

Geschichte ht um einen englischen Aristokraten, der von Sioux gefangen- 

g 

genommen und als Sklave gehalten 

wird, als Idealbesetzung. Lord 

John Morgan – sein indianischer 

Name lautet Shunka Wakan – 

kann die Achtung seiner Bewacher 

erwerben, wird als Krieger in den 

Stamm aufgenommen und heiratet 

eine Squaw. Erstmals durchzieht 

einen Western eine Flut von indianischen 

Bräuchen. Vieles von dem 

Gezeigten ist brutal und dem an 

die Gemütlichkeit der Zivilisation 

Gewöhnten unverständlich. Aber 

neben all den drastischen Bildern 

erlebt der Zuschauer die roten 

Männer in einem Alltag, zu dem 

Eifersucht und Streit ebenso gehö- 

Richard Harris als Shunka Wakan 

Foto: © DAVIDS/Bildarchiv Hallhuber 

ren wie die Liebe und ganz viel Humor. Hier gibt es keinen „edlen 

Wilden", der unentwegt in blumigen Worten radebrecht. Silverstein lässt 

seine Sioux in allen für die Kommunikation typischen Ausdrucksformen 

miteinander sprechen: wortkarg, hektisch, gewählt, albern, salbungsvoll 

usw. Die Verwendung der Sioux-Sprache unterstützt dabei die 

Wirkung, einen wirklichkeitsnahen 

Einblick in die Welt der 

Lakota zu gewinnen, erheblich. 

Und ausgerechnet gegen diesen 

Film liefen traditionelle Kreise 

der Sioux Sturm. Grund war das 

Tohuwabohu der dargestellten 

Sitten und Gebräuche, die mit 

Ein Mann, den sie Pferd nannten 

dem bezeichneten Volk so viel 

zu tun hatten wie Samba mit den Eskimos. Vor allem beim Ritual 

zur Aufnahme Morgans als Krieger in den Stamm, bei dem Shunka 

Wakan an durch die Brustmuskeln geschobenen Holzstäbchen in die 

Höhe gezogen wird, lag Regisseur Silverstein mächtig daneben. Bei der 

Zeremonie handelt es sich nämlich um das Pohk-Hong der Mandan- 

Indianer, wie es bei George Catlin in „Die Indianer Nordamerikas" bereits 

1851 beschrieben wurde. Auch die 

hallenartige Versammlungshütte 

und verschiedene Details in 

Bekleidung und Schmuck waren 

von der Kultur der Lakota weit 

entfernt. Vermutlich folgte auch 

deshalb 1976 mit „Die Rückkehr 

des Mannes, den sie Pferd nannten" 

eine Fortsetzung, die sich 

eingehend mit dem Sonnentanz, 


Die Rückkehr des Mannes, 

den sie Pferd nannten 

einem ähnlich schmerzhaften Ritual der Sioux, befasste. Auch hatte 

Regisseur Irvin Kershner den Look der Indianer deutlich Überlieferungen 

nach dem Aussehen der Lakota des 19. Jahrhunderts angepasst. Allzu 

intensive Darstellungen des Alltagslebens umging Kershner, indem er 

den Stamm – die Yellow Hands – als aus ihrem Heimatland vertriebene 

Gruppe zeichnete, die auf einer permanenten Flucht nur noch 

um ihr Überleben kämpfte. Teil drei, „Triumph des Mannes, den sie 

Pferd nannten", kam 1983 in die Kinos und zeigte Shunka Wakan als 

Häuptling der Sioux vor allem in Rückblenden. Hauptfiguren waren 

hier dessen Sohn Koda (Michael Beck) und die Schwarzfuß-Frau 

Redwing (Ana de Sade), die als Zwei-Mann-Armee die das Land der 

Sioux überflutenden Goldsucher in Angst und Schrecken versetzten, 

indem sie deren Camps in wohlüberlegten Handstreichen pulverisierten. 

Im selben Jahr wie „Der Mann, den sie Pferd nannten" erschien ein 

weiterer Film, der das Western-Genre auf den Kopf stellte: „Soldier 

Blue" oder „Das Wiegenlied 

vom Totschlag". Während 80 

Prozent der Handlung sich 

damit beschäftigen, den verbalen 

Konflikt des Soldaten 

Honus Gent (Peter Strauss) und Soldier Blue 

der weißen Häutlings- 

Gattin Cresta Maribell 

Lee (Candice Bergen) 

über den Umgang 

mit den Indianern zu 

Soldier Blue thematisierte ein 

beschreiben, endet 

Massaker an die Cheyenne 

der Streifen in dem 

bis dato brutalsten ten Szenario der 

Filmgeschichte. e. Regisseur 

Ralph 

Nelson quält den 

Zuschauer mit 

Unmen schlichkeiten, 

wie sie 

der gemeine 

Amerikaner vermutlich 

niemals 

für möglich 

Das Ende des Films: Trotz Sieges kein Triumph 

gehalten hätte. Als Vorlage des dargestellten Infernos diente das 

Massaker der US-Kavallerie an 500 Cheyennes am Sand Creek von 



1864. Wenn Nelson in „Soldier Blue" zeigt, wie Frauen die Brüste 

abge schnitten werden oder ihnen gar noch Schlimmeres widerfährt, 

bleibt er – Überlieferungen nach – immer noch an der Oberfläche. 

In Deutschland ist die ungeschnittene Fassung bis heute kaum 

zu beschaffen. Die übliche Ausgabe ist die FSK-16-DVD mit einer 

Spielzeit von 110 Minuten. Im Allgemeinen wird die Originallänge mit 

112 Minuten angegeben, es soll aber auch eine Vollversion von 115 

Minuten geben. Die Brutalität in dem Film war nicht Selbstzweck. Zum 

einen galt sie als Weckruf an das US-amerikanische Volk, sich endlich 

des an die Ureinwohner begangenen Unrecht zu stellen. Zum anderen 

benutzte Nelson das Massaker an den Indianern als Metapher für die 

Gräuel, die die US-Army in Vietnam anrichtete. Nach „Wiegenlied …" 

war in der immer noch relativ heilen Welt der Cowboys und Sheriffs 

nichts mehr, wie es vorher gewesen war. 

Little Big Man" (1970), mit Dustin Hoffman in der Titelrolle, 

„ funktionierte als Komödie prächtig und gehört zweifellos zu 

jenen Filmen der neuen 

Sicht auf die Indianer, 

die deren Leben auf eine 

sehr sympathische und 

menschliche Art darzustellen 

versuchten. Trotz tragischer 

Elemente erschien 

der Alltag des roten 

Mannes allerdings dann 

Little Big Man 

doch eher wie ein nicht 

enden wollender Klamauk. Auch die 

Namensgleichheit des Titelhelden 

mit der realen Figur Little Big Man, 

jenem Oglala-Sioux, der Häuptling 

Crazy Horse ermordete, führte auf 

eine falsche Fährte. Es waren aber 

nicht nur die Indianer-Kriege des 

19. Jahrhunderts, die Vertreibung 

und Ausrottung der Natives, die die 

Filmschaffenden plötzlich umtrieben. 

Auch das Leben in den Reservaten, das Ringen der einstigen 

Krieger mit der neuen Situation in einer ihnen völlig fremden Welt vol- 

Dustin Hoffman als Titelfigur 

ler abstruser Gesetze und Regeln hielten Einzug ins Hollywood-Kino. 

Blutige Spur 

So flimmerte bereits 1969 der äußerst 

bemerkenswerte Streifen „Tell 

Them, Willie Boy Is Here" („Blutige 

Spur") über die Kinoleinwände. Der 

Handlung liegt die wahre Geschichte 

des Paiute-Indianers Willie Boy aus 

dem Jahre 1909 zugrunde, der 

nach einem Gefängnisaufenthalt ins 

Reservat zurückkehrt, um mit seiner 

Auserwählten Lola das Weite zu suchen. 

Als Willie (Robert Blake) deren Vater 

tötet, werden er und sein Mädchen von 

Sheriff Cooper (Robert Redford) erbarmungslos 

gejagt. Die Parabel um die 

grenzenlose Sehnsucht nach Freiheit 

und 

Selbstbestimmung 

endet tragisch. Daran mussten sich 

all jene, die sich für die filmische Umsetzung der 

Historie der Ureinwohner interessierten, schnelll 

gewöhnen. Selbst die Geschichte des scheinbar 

domestizierten Reservats-Indianers Simon 

Zuniga (Burt Reynolds), die in „Run, Simon, 

Run" (1970) das Gerüst für einen Krimi bildete, 

hat einen traurigen Ausgang. Vermutlich nicht 

zuletzt auch deshalb, weil die Situation der 

indianischen Völker – in diesem speziellen Fall 

der Papago – eine durchaus verzweifelte war. Die meisten Stämme hatten 

ihre Kultur, Religion und Sprache fast verloren. Traditionen wurden 

nur noch in Folklore-Veranstaltungen für zahlende Weiße gepflegt. 

Auch diesen Teil des Lebens thematisierte „Run, Simon, Run". 

Blutige Spur 

Nicht zu vergessen ist an dieser Stelle der Versuch, in „The Royal 

Hunt Of The Sun" (1969), 9), den Genozid auf dem südamerikanischen 

Kontinent zu thematisieren. 

Der Untergang des Sonnenreichs 

Das war – und 

ist es bis heute – unpopulär. 

Dabei ließen sich gerade 

mit Blick auf die Maya, 

Inka und Azteken wahre 

Schlachtengemälde malen. 

Allerdings haben das Bild 

des Indianers der halbnack- 

te 

Sammler mler und Jäger 

der 

Prärie geprägt. Hochentwickelte 

Kulturen, die zu Zeiten der Conquista 

der europäischen Zivilisation bei 

weitem überlegen waren, passen 

nicht in den Rahmen. Und die UK/ 

USA-Gemeinschaftsproduktion 

„Der 

Untergang des Sonnenreichs" (BRD- 

Titel) oder „Die königliche Jagd 

auf die Sonne" (DDR-Titel) gab 

nur eine vage Vorstellung von den 

Ereignissen um die Vernichtung des 

Inka-Reichs. Der eingekerkerte letzte 

Christopher Plummer beeindruckt 

als Inka-König Atahualpa 

große König Atahualpa (Christopher 

Plummer) steht hier dem Spanier 

Pizarro (Robert Shaw) gegenüber. Beide liefern sich aufschlussreiche 

Debatten über Macht, Religion und Wahrhaftigkeit und geben so tiefe 

Einblicke in die Wertvorstellungen ihrer Gesellschaften. Wenn am Ende 

Atahualpa erdrosselt wird, zweifelt der filmische Pizarro mittlerweile 

derart an seinen Idealen, dass er unverkennbar auf die Erlösung des 

Königs durch die aufgehende Sonne – Vater und Gott der Inka – hofft. 

Die 70er Jahre brachten noch einige 

maßgebliche Indianerfilme hervor, die 

dieses Subgenre deutlich prägten. „I Will 

Fight No More Forever" (1975, „Ich kämpfe 

niemals wieder") 

mit Ned Romero 

als Chief Josef 

thematisierte zum 

Beispiel den letzten 

verzweifelten 

Überlebenskampf Ich kämpfe niemals wieder 

der Nez Percé gegen eine zig-fache militärische 

Übermacht. Michael Dante glänzte 

in „Winterhawk" (1975) als gleichnamiger 

Gigant zwischen Mensch und Mythos. Die 

Figuren in dem Film kämpfen nicht nur mit 

Winterhawk 

ihren eigenen Dämonen, n, sondern vor allem 

mit den unwirtlichen 

Grauadler 

Witterungsbedingungen 

eines strengen amerikanischen 

Winters. 

Bei aller scheinbaren 

Abwegigkeit in ihrem 

Umgang miteinander ist 

es am Ende die Lebensweise der Indianer, die beeindruckt. „Grayeagle" 

Adlerflügel 

(1977, „Grauadler") mit 

Alex Cord in der Titelrolle 

brachte einmal mehr den 

Zusammenstoß zweier 

Welten, die unterschiedlicher 

nicht sein konnten, n, 

auf die Leinwand, und 

„Eagle’s Wing" (1979, 

„Adlerflügel") hatte das 

Verhältnis von Mensch und 

Natur zum Inhalt. Begleitet wurden auch diese Stories immer wieder 

von der Darstellung manchmal recht verschiedener Indianervölker. 


Foto: © Kinowelt Home Entertainment 

Mit dem Niedergang des Westerngenres im Allgemeinen ging 

auch die Produktion von Indianerfilmen zurück, weshalb die 

80er Jahre eher arm an diesen Themen waren. Trotzdem entstanden 

in dem 

Jahrzehnt einzigartige Werke, die in ihrer Intensität 

die Zeit überdauerten. „Excalibur"- 

Regisseur John Boorman wagte sich 

an eine Geschichte, die weder in der 

Prärie noch in den 

Tempelanlagen 

agen 

Der Smaragdwald 

der Hochkulturen spielte. Sein 

„The Emerald Forest" (1985, 

„Der Smaragdwald") spielte 

im Regenwald und war ein 

Appell an die Vernunft. Das 

Drama um einen Vater, der 

zehn Jahre lang seinen bei 

Baumfällarbeiten am Rande 

des Regenwaldes verlorenen 

Sohn sucht, bis dieser ihm 

schließlich als junger Krieger 

eines kleinen Indianerstammes Der Smaragdwald – 

aus dem Busch entgegentritt, ein Film mit Ökobotschaft 

funktioniert gleichzeitig als Spiegel, der den westlichen Zivilisationenili 

vorgehalten wird, die sich in ihrer Unersättlichkeit an den Ressourcen 

dieses Planeten bedienen. Rücksicht auf das Leben anderer Kulturen 

und auf die eigene Zukunft wird nicht genommen. Und so steht am 

Ende des Films der Entschluss des jungen Tomme (Charley Boorman), 

im Dschungel zu bleiben, als eine Abkehr vom bedingungslosen 

Fortschrittsglauben. Der Film hausiert mit schönen Bildern, die fast ein 

bisschen was von der „Blauen Lagune" haben. Gleichzeitig wird die 

Lebensweise der Dschungelmenschen skizziert und ihre Hilflosigkeit 

gegenüber den immer tiefer in ihren Lebensbereich vorstoßenden 

Eindringlingen deutlich gemacht. 

Die nordamerikanischen Indianer kamen in den 80ern vor allem mit 

Einblicken in das aktuelle Reservats-Dasein zum Zuge. 1988 erschien 

der erschütternde Streifen „War Party" („Die jungen Krieger"), der 

heranwachsende Schwarzfuß- Die jungen Krieger 

Indianer auf ihrem tödlichen 

Weg zurück zu traditionellen 

Werten zeigt. Der Streifen ist 

voll von Symbolik und schlägt 

mit einem Finale zu, das selbst 

den Hartgesottensten in die Knie 

zwingt. „Pow Wow Highway" ist 

thematisch ähnlich ausgerichtet, 

wenngleich die Story als Roadmovie angelegt ist und die Dramatik 

moderater ausfällt. Nichtsdestotrotz geht es an die Nieren, wenn man 

dem fast einfältigen und schwerfälligen Philbert Bono (Gary Farmer) 

dabei zusieht, wie er voller Stolz und Hingabe an den Ritualen und 

Weisheiten seines Volkes festhält, während der Vietnam-Veteran und 

eigentliche Prototyp eines Kriegers, Buddy Red Bow (Adolph Martinez), 

in seiner Verbitterung Traditionen mit Verachtung begegnet und nur 

langsam das Selbstverständnis als Indianer zurückzufinden vermag. 

Allerdings setzte sich auch in den 80ern die filmische Erforschung 

der Historie fort. So ist „Windwalker" (1981) eine Bilderflut aus 

Mythologie und Kultur. Geredet wird in dem Streifen fast ausschließlich 

die Originalzunge der Cheyenne und Crow, die Handlung beschränkt 

sich auf den Umgang der beiden genannten Völker miteinander. Der 

Weiße als typischer Gegenpart bleibt außen vor. Schon deshalb und 

durch sein geradezu bleischweres Erzähltempo avancierte „Windwalker" 

zu einem Insidertipp. Für Unterhaltung am Nachmittag ist dieser Movie 

nicht geeignet. 


Die 90er brachten eine 

Renaissance des Western, die 

nicht unmaßgeblich von einem der 

wohl bedeutendsten Indianerfilme 

aller Zeiten mit eingeläutet wurde: 

„Der mit dem Wolf tanzt" (1990). 

Die Geschichte des Soldaten, der das 

Leben der Sioux kennen und lieben lernt, am 

Expansionsdruck seiner Landsleute allerdings 

ebenso zerbricht wie das Volk, das ihm einee 

neue Heimat gab, entwickelte sich zu Kevin 

Costners unerreichtem Meisterwerk. Und es 

zog weitere Produktionen dieser Art nach 

sich. Der Umgang mit der amerikanischen 

Urbevölkerung erfuhr in Epen vom Schlage 

„Son Of A Morning Star" (1991 – thematisierte 

die Schlacht General Custers am Little 

Big Horn) oder „Geronimo" (1993 – über 

den letzten Freiheitskampf der Apachen) 

eine historisch bedeutsame Ernsthaftigkeit. it 

„Thunderheart" (1992, „Halbblut") mit Val 

Kilmer in der Hauptrolle bewies, dass eine 

Krimistory aus einem Reservat, die sich um das 

Leben der Indianer von heute drehte, das Zeug 

zum Blockbuster hatte. Kleinere Produktionenn 

wie „Die Rache des Wolfes" (1991, Graham 

Greene als Arthur) im Stile eines Rache-Western 

mit ökologischer Botschaft oder „Black Robe" 

(Kanada, 1991), wo man einen katholischen 

Missionar auf seinem Weg unter anderem durch 


Der mit dem 

Wolf tanzt 

das Land der Irokesen begleitet, vervollständigten das Bild der vielen 

Völker des nordamerikanischen Kontinents. 

Indianerfilme begannen, an den Kassen zu klingeln, was merkwürdige 

Blüten trieb. So sind Streifen wie „Squanto" (1994), „Smoke Signals" 

(1998) oder „Wind River" (2000) in ihrer Oberflächlichkeit und Banalität 

mit Vorsicht zu genießen. Selbst die von Steven Spielberg produzierte, 

äußerst angestrengt wirkende TV-Serie „Into The West" (2005) ist in 

Sachen Aufarbeitung der Indianer-Geschichte eher ein Rückschritt. Die 

in sechs 90-Minütern zusammengedrängte Epoche der Eroberung des 

amerikanischen Westens von 1820 bis 1895 beinhaltet Episoden aus 

den Indianerkriegen, wie sie jedes halbwegs brauchbare Schulbuch aufzählt. 

Feinheiten fehlen völlig. Die Indianer sind als sterbende, klagende 

und weinende, dem Untergang geweihte Rasse dargestellt. Außerdem 

scheint es, als wäre im 19. Jahrhundert in Nordamerika nur Winter 

gewesen, da gut 90 Prozent der Szenen in der kalten Jahreszeit spielen. 

Geschuldet ist dieser Umstand sicherlich der Tatsache, dass Winterdrehs 

weitaus preiswerter umzusetzen sind als Sommeraufnahmen. Übrigens 

ein Indiz für die mangelnde Ernsthaftigkeit, mit der Spielberg an das 

Vorhaben heranging. 

Einer der bedeutendsten Indianerfilme der jüngstenn 

Zeit wurde schließlich Mel Gibsons „Apocalypto" 

(2006). Noch nie gab es eine derart großartige Reise in 

die Welt der Maya, die zum Zeitpunkt der Handlung 

nach 

vielen 

Jahren 

der 

Dürre kurz vor 

ihrem 

ersten 

großen Niedergang 

standen. 

Intensiver 

Apocalypto 

können Kinofilme kaum sein. Wie es gelang, eine Parabel über Liebe, 

Heldenmut und Freiheitswillen in den Kontext übermächtiger historischer 

Ereignisse zu stellen, ist beispielgebend. 



"As Time G oes By”: 

War Casablanca ein Zufallstr effer? 

Die Trümmer über Pearl Harbor rauchen noch, als emsige Angestellte 

der Warner Brothers bereits die Studiobücherei nach geeigneten 

Stoffen durchblättern – geeignet für ein Publikum in Kriegszeiten. Ein 

unveröffentlichtes Theaterstück sticht sofort ins Auge: „Everybody 

Comes To Rick’s“ handelt von einem Kaffeehausbesitzer in Casablanca, 

der den Nazis ein Schnippchen schlägt. Das passt! 70 Jahre sind 

vergangen, seit aus diesem Fund der Kultfilm schlechthin wurde: 

„Casablanca“. Dass Zitate wie „Uns bleibt immer Paris“ in den allgemeinen 

Sprachgebrauch übergingen, liegt an einem Paar Zwillingen. 

Die umtriebigen Warner-Brüder warten nicht erst, bis Präsident 

Roosevelt über die 

Studiolautsprecher den 

Kriegszustand ausruft. Für die 

Kinomogule ist klar: Amerika 

Casablanca 

wird Krieg an allen Fronten 

führen. Und zwar auch an der 

Heimatfront. Das Pentagon wird 

die Studiobosse noch zu sich 

rufen, um sie gemeinsam auf 

den Propaganda-Krieg einzuschwören. 

Da hat das Warner-Studio bereits für „Casablanca" grünes 

Licht gegeben. Hal Wallis, Produktionschef der Warner-Studios und als 

strenger Zuchtmeister bekannt, will bei diesem Melodrama an nichts 

sparen. Darum ruft er seine besten Auftragsautoren zu sich, die Epsteins. 

Die Zwillingsbrüder sind Garanten für von Witz sprühende Dialoge. 

Denn Wallis will, dass die Sprache „sophisticated" sei. Etwas gibt er 

Julius & Philip Epstein mit auf den Weg, als sie an ihre gemeinsame 

Schreibmaschine eilen: Sie sollen beim Schreiben der Figur des zynischen 

Rick Blaine an Humphrey Bogart denken. Der erste Schritt zur 

Legendenbildung ist gemacht. 

Ein Zeitsprung von sieben Jahrzehnten: In seinem Wohnzimmer in Los 

Angeles holt Jim Epstein den Oscar aus der Vitrine, den sein Dad für das 

beste Drehbuch gewinnen sollte. Jim war drei Jahre alt, als sein Vater von 

der Preisverleihung zurückkehrte, diesen Oscar in der Hand. Und seit nunmehr 

70 Jahren hört er mindestens einmal die Woche ein Zitat, das Vater 

und Onkel vor so langer Zeit erdachten: in der Werbung, in der Zeitung, 

Sätze wie „Von allen Kaschemmen der Welt kommt sie ausgerechnet 

in meine" wurden für die Ewigkeit geschrieben. Es ist trotzdem nicht 

so, dass Jim das nicht mehr hören könnte: „Jedesmal, wenn ich einen 

dieser Dialoge höre oder lese, denke ich an meinen Vater." Sein persönlicher 

Favorit ist der Ausspruch des Polizeipräfekten: „Ich bin schockiert, 

entdecken zu müssen, dass hier Glücksspiel betrieben wird", während 

er seine eigenen illegalen Gewinne in die Tasche steckt. Ein funkelnder 

Epstein-Dialog halt. 

Zurück ins Jahr 1942. Viel Zeit, sich solche Bonmots auszudenken, bleibt 

den Zwillingen nicht. „Casablanca" steht von Anfang an unter Zeitdruck. 

Denn wie Sterne nur alle paar Jahre in einer bestimmten Konstellation 

am Firmament zusammenkommen, stehen auch die Stars nur für eine 

bestimmte Zeitspanne zur Verfügung. Die vielversprechende Schwedin, 

die man sich bei einem anderen Studio ausgeliehen hat, Ingrid Bergman, 

wird nach Ablauf ihrer festgelegten Drehzeit ihre Haare abschneiden 


und an „Wem die Stunde schlägt" weitergereicht. 

Und Bogart dreht bis Anfang 

Juni ein anderes Kriegsdrama, „Across The 

Pacific", das sogar noch umgeschrieben 

wird, weil just während der Dreharbeiten 

ein Weltkrieg ausbricht – er ist ab Mitte 

April frei, mit einer Woche Ferien dazwischen. 

Das Zeitfenster ist knapp. 

Am 12. Januar überschreiben die Bühnenautoren 

die Filmrechte für 20.000 Dollar, 

und die Epsteins nehmen sich das Stück 

vor. Ihnen bleiben nur wenige Tage, bis 

ein Marschbefehl sie nach Washington 

beordert, wo sie ihre Schreibkünste für 

Propaganda in den Dienst des Vaterlands 

stellen sollen. Jim Epstein erinnert sich an 

die Erzählungen seines Vaters über jene 

unsicheren Kriegstage: „Das Schreiben 

für Kriegsfilme war dann doch weniger 

schmerzhaft, als tatsächlich in den 

Krieg zu ziehen." Wallis überlässt dem 

Pentagon seine Drehbuchgenies nicht 

kampflos. „Der Tag hat 24 Stunden, im 

März brauche ich das Script", wettert 

er. So stehen die Epsteins jeden Morgen 

früh auf, um schon um sechs über 

„Casablanca" zu brüten und den Rest des 

Tages fürs Militär zu dichten. 

Das Originaldrehbuch ist 158 Seiten stark, auf hauchdünnem 

Butterbrotpapier geschrieben (der Papierknappheit während des Kriegs 

geschuldet). Der weltberühmte Schlusssatz „Ich glaube, das ist der 

Beginn einer wundervollen Freundschaft" steht so nicht auf dem Papier. 

Nachträglich eingesetzt wird er vom Produzenten selbst, Hal Wallis. Der 

schaut bereits ständig auf die Uhr. Denn in der Zwischenzeit läuft der Krieg 

ja weiter. Doch Warner landet den ultimativen Timing-Coup: Während der 

Dreharbeiten lässt sich der Produzent von Verbindungsoffizieren laufend 

über die Fortschritte in Nordafrika informieren. Er weiß, eine Konferenz 

zwischen Roosevelt, Churchill und Stalin ist geplant – in Casablanca. Der 

Film wird zurückgehalten, bis Casablanca eingenommen ist. Plötzlich 

ist der Ortsname, vor 1942 kaum jemandem geläufig, Symbol der 

Siegeshoffnung. Der Name (Casa Blanca heißt schließlich übersetzt 

„Weißes Haus") ist in aller Munde. Der Film, der zeitlos werden wird, ist 

aktueller als die Zeitung von morgen. Die Filmrollen werden umgehend 

an die alliierten Streitkräfte nach Afrika gesandt, damit, so die Warner- 

Wallis macht Warner-Vertragsschauspieler 

Bogart die Rolle des Rick schmackhaft. 

Bogie will trotzdem das Drehbuch sehen. 

Es gibt keines, muss der Produzent zugeben.Und als die Bergman bei der 

ersten Besprechung nach dem Plot fragt, gibt man ihr nur zur Antwort 

„Keine Ahnung, aber Sie werden sehr hübsche Kleider tragen und eine 

herrliche Auftrittsszene haben." Darum verlangt sie, die 

Epsteins zu sehen, um sich die Handlung zumindest 

mündlich erklären zu lassen. Doch die Gebrüder flüchten 

sich in vage Andeutungen wie „... und dann machen wir 

das vielleicht so ..." Dass die Bergman bis zur Aufnahme 

der Schlussszene nicht weiß, in wen sie sich am Ende 

verliebt, ist der Stoff, aus dem die 

Legenden gewoben werden. 

Denn tatsächlich steht das 

Ende so schon von Anfang 

an in der Bühnenvorlage. 

Foto: © Davids/Bildarchiv Hallhuber 

Als am 25. 

April die erste Klappe 

fällt, ist erst ein Viertel 

des Skripts beendet. 

Die Bergman hat 

erst Tage vorher 

unterschrieben. 

Ein Bote bringt 

jeden 

Morgen die 

neuen 

Seiten. 

Paul 

Henreid 

lehnt 

die Rolle 

des 

Wider standskämpfers 

Lazlo 

anfangs sogar 

aufgrund 

des ersten 

Entwurfs 

ab: „Das 

ist ein 

miserables 

Drehbuch." 

Auch Bogart legt den Finger auf einige 

Stellen im Skript: Er findet, man dürfe mit 

den Nazis nun nicht mehr so zimperlich 

umgehen. Ein Oberbösewicht wird umgehend 

hineingeschrieben: der Gestapo- 

Major, der von Conrad Veidt verkörpert 

wird. Doch das Rewrite können nun definitiv 

nicht mehr die überbeschäftigten 

Epsteins besorgen, die mit 20.000 Dollar 

ausbezahlt werden (was sie unter sich 

aufteilen mussten). Ein weiterer Autor wird 

hinzugezogen: Howard Koch, Spezialität: 

Abenteuerfilm. „Held der 7 Meere" mit 

Errol Flynn ist seine Visitenkarte. „Die 

Epsteins haben jede Menge amüsanter 

Dialoge geschrieben", stellt er beim Lesen 

gleich fest. Tatsächlich werden die scharfzüngigen 

Sätze von Rick & Co. nicht nur 

die nächste Drehbuchfassung überdauern, 

sondern auch die Jahrzehnte. Der 

eigentlich sinnlose, aber hinreißende Satz 

„Here’s looking at you, kid" (aus dem die 

deutschen Übersetzer das sinnvollere, wenn 

auch weniger mysteriöse „Ich schau dir in 

die Augen, Kleines") machten, kam aus der 

Epstein-Schreibmaschine. War der geistige 

Vater dieser Sprüche, Vater Epstein, im 

echten Leben ein ebenso witziger Mensch? 

„Nein", schüttelt Jim den Kopf, „mein 

Vater war sogar noch witziger als Rick 

Blaine. Er hatte immer eine Pointe parat." 

Als der Junge einmal ein Zeugnis voller 

Einsen mit einer einzigen Sechs vorlegte, 

da zeigte Julius Epstein auf die schlechteste 

Note und fragte: „Was soll denn die schlechte 

Note hier?" Julius hat seinem Sohn auch das 

Geheimnis erfolgreicher 

Drehbuchschrei 

berei anvertraut: 

„Schreibee 

nie vor zehn Uhr 

morgens 

oder 

nach zwei Uhr 

nachmittags und 

unter gar keinem 

Umständen im Studio." Anders als 

in der Vetternwirtschaft von Tinseltown 

so üblich, folgte Jim seinem berühmten 

Vater nicht ins Showbusiness nach. Lieber 

machte er sich als Jurist einen Namen, und tatsächlich ist er noch heute 

in Los Angeles als einer der bekanntesten Strafverteidiger aktiv. „Denn 

vor Gericht kann ich Drehbuchautor, Regisseur und Hauptdarsteller in 

Personalunion sein." 


Presseabteilung, „die GIs die 

Stadt und die Situation sehen 

können, die den Film inspiriert 

haben". Obwohl der Film 

freilich zur Gänze im Studio 

entstanden ist. Der Kultfilm 

feiert seinen Urstand vor Ort: 

„Casablanca" in Casablanca, 

kurze Zeit nach Beendigung 

der Kampfhandlungen. 

Ein Kolumnist rät dem 

Kriegsministerium, auch künftige 

Invasionen mit den Warner- 

Studios zu koordinieren. 

Henreid, der neben „Bogie" die 

zweite Geige spielen musste, 

aber dafür am Ende die Bergman 

bekommt: „Ich glaube auch 

heute noch, dass ,Casablanca' 

enorm überschätzt wird, dass 

man Mythen in diesen Film hineindenkt, die weder beabsichtigt waren 

noch in ihm stecken." Leonid Kinskey, der den russischen Barmann an 

der Theke von Rick’s Café mimte: „Ein hübscher Film, aber kein großer. 

Und schon 

gar nicht mein 

Lieblingsfilm." 

2500 Dollar 

hat er für 

drei 

Wochen 

Arbeit 

erhalten. 

„Bogie" 

erhielt 3500 

wöchentlich, 

die 

Bergmann 

3125 die 

Woche. 

Am 

meisten 

strich 

ironischerweise 

der Bösewicht des 

Films ein, 5000 

Dollar gingen an 

Conrad Veidt. 

Nach der Uraufführung 

am 26. 

November 1942 

dämmert 

allen 

Beteiligten nur langsam: Aus dem Wirrwarr ist ein richtig guter Film 

geworden. „Casablanca" ist das hohe „C" von Hollywood. Bei der Oscar- 

Verleihung wird er als „Bester Film" ausgezeichnet. Co-Autor Koch, dem 

man ebenfalls eine Statuette in die Hand drückt, kann die Aufregung um 

den Film lange nicht begreifen: „Ich war blind gegenüber seinen Vorzügen 

und sah nur, was ich für seine Fehler hielt. Als ,Casablanca' seine Oscars 

erhielt, hatte ich mich an Wunder gewöhnt." Auch Julius Epstein pflegt 

zu sagen, dass „Casablanca" letztlich nur eine der ingesamt 52 Fließband- 

Produktionen war, die das Studio jedes Jahr im Akkord herstellte. Zweimal 

ist ein „Casablanca"-Oscar schon versteigert worden (einen besitzt David 

Copperfield). Doch der Epstein-Oscar wird in Familienbesitz bleiben. „Oder, 

was ist Ihr Angebot?", witzelt Epstein Junior. 

In Deutschland findet „Casablanca" freilich erst 

nach dem Krieg den Weg in die Lichtspielhäuser. 

Dort nimmt der Cineast verwundert zur Kenntnis, 

dass aus dem Widerstandkämpfer Lazlo plötzlich 

der „bekannte Wissenschaftler Larrson" geworden 

ist. Er ist auch nicht auf der Flucht vor 

deutschen Häschern, nein, er beschützt seine 

Erfindung, die „Delta-Strahlen". „Casablanca" 

kommt zuerst in einer stark gekürzten Fassung 


ins Kino, in der die deutschen Bösewichter auf 

wundersame Weise gänzlich aus der Handlung 

entschwunden und alle Dialoge entsprechend 

„angepasst" sind. Erst 1975 wird die bis heute 

gültige Synchronfassung hergestellt und zuerst 

in der ARD gesendet. 

Ein Film mit weltweiter Anhängerschaft verlockt 

umsatzfreudige Produzenten nicht selten 

dazu, aus einer Fortsetzung Kapital schlagen 

zu wollen. Die Reanimation ist bisher auf zwei 

Versuche beschränkt geblieben: 1955 lancierte 

der amerikanische TV-Sender ABC als Sequel 

eine ausgewachsene Fernsehserie, mit weniger 

als respektablen Quoten. Und 1983 kehrte Rick 

erneut wie ein Lazarus aus der Grube zurück 

unter die Lebenden, diesesmal für NBC, aber 

ebenso glücklos, obwohl Julius Epstein einige 

Episoden mitschreibt. „Er muss das wohl nur fürs 

Geld gemacht haben", wirft Jim Epstein entschuldigend 

ein. Ein Kult lässt sich eben nicht so 

einfach kopieren. Tatsächlich entwickelt „Casablanca" eine Eigendynamik, 

die niemand steuern kann. Zum Beispiel der unsterbliche Satz „Play it 

again, Sam", der für Hollywood-Romantik schlechthin steht – er kommt 

im Film gar nicht vor. Ingrid Bergman selbst findet das erst heraus, als sie 

sich die Persiflage „Play it again, Sam" mit Woody Allen ansieht. „Play it, 

Sam" sagt sie im Film. „Wenn ich’s so bedenke, klingt ,Play it again, Sam' 

wirklich besser." Über diese Art der Legendenbildung kann Jim Epstein 

nur wissend lächeln. Sein Vater hätte gesagt: „Das ist eben Hollywood." 

Stephen Bogart, Humphreys Sohn, schrieb ein ganzes Buch voll über den 

langen Schatten, den sein Vater wirft. Menschen, die ihn kennen lernen, 

halten es für amüsant, ein Gespräch mit „ich glaube, dass ist der Beginn 

einer wundervollen Freundschaft" anzufangen. Worauf der junge Bogart 

nur erwidern kann: „Ich verstehe." Er hat diese Konversation in ähnlicher 

Form „über eine Million Mal geführt". Umberto Eco („Der Name der 

Rose") hat sich der Frage, ob ein Kult planbar ist, sogar wissenschaftlich 

angenommen und kommt zum Schluss: „Kein Mensch kann einen Film 

wie ,Casablanca' planen." War der größte Kult der Filmgeschichte ein 

Zufallstreffer? „Die Natur hat gesprochen anstelle der Menschen." Sicher 

ist nur: So, wie Klavierspieler Sam immer wieder aufgefordert wird, für die 

Liebenden "As Time Goes By" zu spielen, wie die Zeit vergeht also, wird 

die Zeit diesem Klassiker nichts anhaben können. 

Als Ingrid Bergman auf ihre alten Tage vom 

British Film Institute eingeladen wurde, einen 

Vortrag zu halten, musste sie gestehen, den Film 

30 Jahre nicht gesehen zu haben. Als man ihr 

den Streifen vorführte, rief sie überraschend aus: 

„Mein Gott, ist das ein guter Film!" Was ganz 

genau der Emotion der Fans entspricht, wenn die 

„Casablanca" wieder und wieder besuchen. 

Roland Schäfli 


Daliah Lavi 

Von Philipp Roser 

Nach dem Abschied 

Hoffnung auf Frieden 

2009 gab Daliah Lavi ihre Farewell"-Tournee und nahm in zwölf deutschen Städten 

" 

Abschied von ihren Fans. Ich betrachte mein Leben als eine Art Baum mit 

vie 

len ineinanderer 

" 

verschränkten Ästen und Zweigen. Eine Sache führt zur nächsten, und di 

ese unzähligen 

Verbindungen und Verstrebungen haben mich an den Punkt geführt, an dem ich heute 

stehe", sagte die am 12. Oktober 1942 als Daliah Levenbuch in Shavei Zion na 

he Haifa 

(Israel) geborene Künstlerin damals und beschrieb damit ihre Karriere treffend. 

Fotos: © Koch Universal Music 

Die Tochter einer deutschen Mutter und eines rus- 

dir! Für mich waren 

sischen Vaters feierte Erfolge als Schauspielerin 

die Konzerte in 

und Sängerin, nachdem sie nach dem Wehrdienst in 

der israelischen Armee zunächst als Model gearbeitet 

Deutschland fantastisch. 

Ich kam 

hatte – und 1960 eine Rolle im deutsch-israelischen 

in Kontakt mit 

Film „Brennender Sand" ergatterte. Mit Gerd Fröbe 

jungen 

Menschen, 

spielte sie im Jahr darauf „Im Stahlnetz des Dr. 

Mabuse". Ihr Mitwirken in der Karl-May-Adaption 

und die waren nicht 

verantwortlich für den 

„Old Shatterhand" mit Lex Barker und Pierre 

Holocaust", sagte 

Brice erweiterte ihre Anhängerschar. Doch 

nicht nur in der Heimat ihrer Mutter stand 

sie vor der Kamera: Ihre erste Ehe (mit dem 

Kaufhausmagnaten Jacques Gerard) verschlug 

sie nach Paris. „Exotische Schönheit" attestierten 

Kritiker dem Sprachtalent, das Englisch, 

Deutsch, Französisch, Russisch, Italienisch und 

Schwedisch spricht – und dann auch viele seinerer 

Lieder in einigen dieser Sprachen anstimmte. Rund 40 

die Künstlerin einmal in 

einem Interview. Und eben 

diese jungen Deutschen sah sie 

durchaus bewusst als ihr Publikum. 

„Ältere Menschen sind nicht mehr so offen, 

sie haben ihre Vorlieben, wären auch nicht zu 

mir gekommen." Reaktionen auf ihr Jüdischsein habe 

sie 

außerdem gar nicht an sich herangelassen. „Ich habe ihnen 

nicht das Gefühl gegeben, mich angreifen zu können." 

Filme drehte sie, von denen sie selbst nur einen als 

gut bezeichnete: die in Deutschland nicht gezeigte Heute lebt die vierfache Mutter und fünffache Großmutter 

italienisch-französische Produktion „Il demonio" von 

Daliah Lavi mit ihrem vierten Ehemann, einem Industriellen, 

1963. Ende der 60er Jahre nahm die Schauspielerin 

zurückgezogen in den Vereinigten Staaten, hat inzwischen 

erstmals als Künstlerin Abschied – von der Leinwand. 

auch die US-Staatsbürgerschaft. Interviews gab sie selbst zur 

Veröffentlichung von MEINE WELT nicht mehr. Sie hört inzwischen 

1969 erhielt Daliah Lavi nach einem Auftritt in der 

am liebsten klassische Musik, schaltet zwischendurch das Radio 

BBC-Show „It’s Topol" ihren ersten Plattenvertrag beim UK-Label ein, „aber meine eigene Musik höre ich nicht. Manchmal lege ich auch 

Festival Records. Hier zu Lande nahm sie für Polydor auf, und ihre erste 

Single "Liebeslied jener Nacht" bescherte ihr einen Achtungserfolg. Der ist 

jetzt auch auf der CD MEINE WELT – DAS BESTE 1970–2008 zu hören, 

die ihr Label anlässlich ihres 70. Geburtstags samt DVD veröffentlicht hat. 

Einmal mehr deutlich wird, dass die Israelin stets zwischen Schlager, Pop 

(teils mit Country-Flair) und Chanson pendelte – und selbst die vermeintlich 

leichte musikalische Kost ist des Hinhörens wert, sang sie 

doch oft nachdenkliche, tiefergehende Texte – man denke 

nur an "Wer hat mein Lied so zerstört, Ma" oder die 

Beziehungsnummer "Willst du mit mir gehen". Texter 

wie Miriam Frances oder Michael Kunze blieben 

bei ihren deutschen Texten, die sie Lavi für ihre 

neue Musik auf, Rock wie Bruce Springsteen", verriet sie 2008 anlässlich 

der Veröffentlichung ihres letzten Albums C'EST LA VIE – SO IST DAS 

LEBEN. Jahrelang hatte sie alle Angebote abgelehnt, 

ein neues Album aufzunehmen. „Erst als ich alte 

Notizen durchschaute, fand ich Sachen, die etwas 

anders waren als das, was ich schon gesagt hatte, 

abgeklärter, gelassener – bis dahin hatte ich 

gemeint, in meinen Liedern schon alles 

gesagt zu haben", begründete sie 

seinerzeit die Rückkehr ins Studio, 

um fünf neue Lieder zu singen 

und zehn alte Songs erneut einzuspielen. 

deutschen Versionen internationaler Hits auf die 

Stimmbänder schrieben, häufig nicht nur an der 

Doch Hoffnungen auf eine Rückkehr der nun 

Oberfläche. 

70-Jährigen auf die Bühne oder ins Studio 

sollten sich ihre Fans nicht machen. Es bleibt dabei, 

was sie 2008 im Vorfeld ihrer Abschiedstournee 

gesagt hatte: „Ich komme zurück, um goodbye 

zu sagen!" 

Während des Holocausts verlor Daliah Lavi 

Angehörige durch den Nazi-Terror und 

hatte nach eigenen Angaben anfangs durchaus 

Skrupel, mit "Liebeslied jener Nacht" ihr erstes 

Lied auf Deutsch zu singen und nach Deutschland 

zu kommen. „Etwas zögerlich war ich schon – 

nicht meinetwegen, sondern weil ich mich fragte, 

was meine Mutter dazu sagen würde. Also habe ich 

sie gefragt, und sie antwortete ganz einfach: Ich vertraue 

Daliah Lavi lebt heute zurückgezogen 

in den USA 

Israel bezeichnet Daliah Lavi als ihre Heimat, 

die Welt als ihr Zuhause. Und sie bewahrt sich 

weiter ihren großen Traum: „Jerusalem heißt ,du wirst 

den Frieden sehen' – und es wäre mein größter Wunsch, 

diesen Frieden noch zu erleben, bevor ich gehe." 


uten Abend, meine lieben Freunde", waren stets seine 

Begrüßungsworte. Und immer war ein Tier aus seinem 

„ Frankfurter Zoo mit dabei: besagte 

Geparden-Dame Cheetah, ein Baby-Tapir, 

„possierliche" (sein Lieblingswort) kleine 

Nager, die sich in seinem Anzugärmel versteckten, 

Schlangen, die sich auf dem Pult 

vor ihm räkelten. 175 Folgen lang beeindruckte 

Grzimek mit fantastischen Berichten 

über alles zwischen Feldhase und Flusspferd, 

wohlgemerkt im Abendprogramm zur besten 

Sendezeit. Produzent war übrigens Martin 

Jente, von dem manche heute immer noch 

denken, er hätte stets nur Hans-Joachim 

Kuhlenkampf in den Mantel geholfen. 

Bernhard 

Grzimek 

Wer würde in einem Moment, in 

dem er am Moderatorentisch plötzlich 

von einem Gepard angesprungen 

wird, wohl sagen: „Nun komm, 

mach' mir nicht den Anzug kaputt „ 

– Bernhard Grzimek hat es getan 

und die Raubkatze namens Cheetah 

lässig von der Schulter gewischt. 

„Ein Platz für Tiere „ war – heute 

gar nicht mehr vorstellbar – eine 

Fernsehsendung über unsere animalischen 

Freunde, die live (!) ausgestrahlt 

wurde. 

Der Mann mit dem Gummi-Nashorn 

nun mal sein. Schön ist auch seine trockene 

Aussage „Der einzige, der einen Ozelotpelz 

wirklich braucht, ist ein Ozelot." Nebenbei 

filmte er auch mal geheim im Stall seines bis 

dahin für ihn absolut integren Eierlieferanten 

und machte die 

Öffentlichkeit auf die 

Gräuel der Massentierhaltung 

aufmerksam. 

Und auch Willy 

Brandt vergrätze er, nachdem der ihn 1970 zum 

Bundesbeauftragten für Naturschutz gemacht 

hatte. Grzimek schmiss den Job bald wieder hin, 

weil er das Gefühl hatte, vor den Parteikarren 

gespannt worden zu sein. 

1945 – Bernhard Grzimek war gerade 36 

Jahre alt – erfüllte sich für den Tierarzt 

und Verhaltensforscher ein langgehegter 

Jugendtraum: Er wurde Chef des nach den 

Kriegswirren fast völlig zerstörten Frankfurter 

Zoos. Nur etwa 20 größere Tiere hatten die 

Bombardements überlebt. Schon frühzeitig ließ 

er Kreativität und Marketinggespür erkennen. 

Er veranstaltete Modeschauen im Zoo, holte 

sich Schausteller und steckte dafür so manche 

Kritik ein. Aber der Rubel rollte, und der Zoo 

erholte sich schnell. Über eine halbe Million 

Besucher fanden sich dort bis Ende 1945 ein – eine stattliche Zahl. 

die Region zu spülen. 

Auch der deutsche Ostafrika-Tourismus – 

mag man heute zu ihm stehen, wie man 

will – ist in gewisser Weise auf seinem 

Mist gewachsen. In einer seiner Sendungen 

berichtete er, man könne seit kurzem auch 

Pauschalreisen in diese Region buchen, um 

sich von der Schönheit der Natur selbst zu 

überzeugen. Das war schlichtweg gelogen, 

aber diverse Reiseveranstalter kamen plötzlich 

ins Schwitzen, weil sie meinten, einen Trend 

zu verpassen, und plötzlich gab es Angebote 

überall. Grzimeks ursprüngliches Ziel: Geld in 

Anfang der 50er Jahre flog er nach Afrika, um einerseits 

Verhaltensforschung zu betreiben, andererseits um Tiere für seinen Zoo 

einzufangen. Unvergessen sein halsbrecherischer Versuch, ein Nashorn 

für eine Gummipuppe (natürlich einem Nashorn nachgebildet) zu erwärmen. 

Er schob die Attrappe vom Gesäß her auf den sichtlich irritierten 

Geschlechtspartner zu, der es aufs Horn nahm. Das hätte richtig schiefgehen 

können. Sein später abgedrehter Oscar-prämierter Dokumentarfilm 

„Serengeti darf nicht sterben" war die Krönung seiner Karriere, schwer 

getrübt durch die Tatsache, dass sein Sohn Michael kurz vor Ende der 

Dreharbeiten bei einem Flugzeugabsturz tödlich verunglückte. 

Grzimek war ein unbequemer Zeitgenosse – im positiven Sinne. Lange 

vor Greenpeace prangerte er das Robbenschlachten in Kanada an und 

zeigte erstmals im deutschen Fernsehen das Gemetzel, nicht ohne sich 

gleichzeitig bei den Zuschauern dafür zu entschuldigen. Aber es müsse 

Bernhard Grzimek war also auch ein Schelm, ebenso daran zu erkennen, 

wie er auf Loriots „Steinlaus"-Parodie reagierte. Sein Enkel Christian 

berichtet darüber hinaus zum Beispiel von 

einem Kothaufen, den der Tierfachmann 

daheim auf dem Toilettendeckel platzierte 

und sich köstlich darüber amüsierte, 

dass viele der anwesenden Gäste betreten 

und weiterhin unentlas tet wieder ins 

Wohnzimmer zurückkamen. 

Bernhard Grzimek starb am 13. März 1987 Die Grabstätte 

in Frankfurt während einer Vorstellung 

am Ngorongoro-Krater 

des Zirkus‘ Althoff – welch ein Ende. Seine Urne wurde nach Tansania 

überführt und am Ngorongoro-Krater neben der Grabstätte seines 

Sohnes Michael beigesetzt. 

Oliver Schuh 


SHOP 

kult! SHOP 

❏ 

12,80 € 

❏ 

6,50 € 

GoodTimes kult! 

Nr. 7 (1/2013) 

❏ 

6,50 € 


Nr. 6 (2/2012) 

❏ 

6,50 € 


Nr. 5 (1/2012) 

❏ 

6,50 € 


Nr. 4 (2/2011) 

❏ 

14,99 € 

GoodTimes kult!-Box 

3 CDs, 60 kult!-Hits 

3 CD-Box 

14,99 € 

Anzahl 

(bitte eintragen) 

Sammelordner 

mit Stabmechanismus 

bietet Platz für bis zu 12 

Ausgaben inkl. Jahrgangs - 

aufklebern 

Ausgabe Nr. 8 


erscheint am 

19. April 2013! 

Preiskatalog LP/CD 2013 

• über 140.000 

Sammlerpreise 

NEU 

Preiskatalog Single 2013 

• über 100.000 

Sammlerpreise 

2 DVD 

Rock&Pop 

Single-Cover- 

Archiv 

❏ 

6,50 € 

❏ 

6,50 € 

❏ 

6,50 € 

❏ 

29,80 € 

❏ 

29,80 € 

❏ 

34,80 € 


Nr. 3 (1/2011) 


Nr. 2 (2/2010) 


Nr. 1 (1/2010) 

weitere GoodTimes-Ausgaben finden Sie unter www.goodtimes-magazin.de 

Nr. 5/2012 

Nr. 5/2011 

❏ 

6,50 € 

❏ 

5,90 € 

Nr. 4/2012 

Nr. 4/2011 

Oben ausgewählte Artikel gehen Ihnen unmittelbar nach Zahlungseingang zu. 

Ich bezahle auf folgende Weise: 

❏ bar beigefügt 

❏ 

6,50 € 

❏ 

5,90 € 

Nr. 3/2012 

❏ 

6,50 € 

❏ 

5,90 € 

Nr. 2/2012 

❏ 

6,50 € 

❏ 

5,90 € 

Nr. 1/2012 

❏ per Bankeinzug (nur Inland! Daten bitte unten eintragen) 

❏ per Verrechnungs-Scheck (beiliegend) ❏ per Vorabüberweisung (Kontodaten siehe Impressum, S. 3) 

Bank: _____________________________________________________________________________________________ 

BLZ: ____________________________________________________ Konto-Nr.: _______________________________ 

Die Genehmigung zum Bankeinzug und die Information über die 14-tägige Widerrufsmöglichkeit bestätige ich mit meiner folgenden Unterschrift: 

Datum: _____________________ Unterschrift: ____________________________________________________ 

Vor-/Nachname: ________________________________________ Straße: _____________________________ 

PLZ/Ort: __________________________________________________ Land: _________________________________ 

Telefon: ____________________ Fax: _____________________ email: ________________________________ 

Zuzüglich Versandkosten: Inland: 2,– € · Ausland: 3,50 € · versandkostenfrei ab 20,– € Warenwert 

Bestellschein bitte faxen an: 0 70 42/37660-188 oder ausschneiden bzw. fotokopieren und senden an: 

NikMa Verlag · Eberdinger Straße 37 · 71665 Vaihingen/Enz 

weitere Artikel und Bestellmöglichkeiten im Internet unter: www.goodtimes-magazin.de 

❏ 

6,50 € 

❏ 

5,90 € 

Nr. 6/2011 

Nr. 3/2011 Nr. 2/2011 Nr. 1/2011 Nr. 6/2010 

❏ 

5,90 € 

❏ 

5,90 € 

❏ 

❏ 

❏ 

❏ 

CD je 

15,90 € 

❏ 

❏ 


" 

Was so alles geschieht in der Carnaby Street", 

sang Peggy March 1969. Und was sie dann so 

aufzählte, klang eher ernüchternd. Man hätte 

meinen können: Passiert sei da mal herzlich 

wenig. " 

Die Girls und die Boys" kommen aus 

ihrem Haus rausgeschlichen, " 

ein Carnaby 

Boy" spielt auf seiner " 

Gitarre ein Lied für die 

Leute", und dann " 

geht der Beat in die Beine, 

und die Melodie geht ins Ohr, und alle denken 

an das eine." An was eigentlich? Was geschah 

also wirklich in der Carnaby Street? 

Miniröcke und kleine Handtaschen, auch für Männer 

(nur die Handtaschen), das Straßenbild war geprägt 

von Fashion und Angesagtsein. Mit Bowler und 

Anzug traute sich kein Banker oder Versicherungskaufmann, 

dort durchzugehen. Diesen Anputz tauschte man besser in 

karierte Hose, Käppi und Sonnenbrille um, und die abgelegten 

Klamotten ließ man gleich zur Entsorgung im Laden oder nahm 

sie in der neutralen Tasche mit. 

Eigentlich war die Carnaby Street in Soho immer gut versteckt 

neben der berühmten Regent und der nicht minder bekannten Oxford 

Street gewesen. 1683 erstmalig urkundlich aufgetaucht, weiß heute 

scheinbar keiner mehr, woher der ursprüngliche Name 

Karnaby House stammt, aber immerhin wurde 

innerhalb von nur etwas mehr als zehn Jahren 

eine komplette Straße erbaut mit kleinen 

Häusern, Mauer an Mauer. Und nur 

weitere 130 Jahre später gab es 

auch schon den ersten Marktplatz. 

Weiterhin verbürgt ist, dass 1934 

der erste Jazz-Club gegründet 

wurde. Amy Ashwood Garvey 

und Sam Manning nannten ihn 

den Florence Mills Social Club 

als Anlaufstelle für tolerante 

Musikliebhaber. Insbesondere die 

schwarzen Intellektuellen füllten 

den Club. Sam Manning, der zuvor 

am Lafayette Theatre mit Fats Waller 

aufgetreten war, gilt heute als einer 

der ersten Calypso-Künstler, die internationalen 

Ruf genossen. 

24 Jahre später wurde John Stephen der Urvater des 

Modebooms. Er war ein Visionär, und auch im Nachhinein ist nicht klar, 

was ihn umtrieb, einfach mal einen Laden in der versteckten Carnaby 

Street aufzumachen, die bis dato alles andere als hip war. Er gründete 

die Boutique His Clothes, nachdem sein Laden in der Beak Street abgebrannt 

war, Läden wie Kleptomania, Mates, Ravel und andere folgten 

Die Carnaby Street: 

Vom Underground- 

Trendsetter zum Hype 

bald. Stephen verkaufte 

in seinen Geschäften wie 

Male West One, Mans 

Shop, eben „His Clothes", 

und natürlich folgerichtig 

„Her Clothes", Krawatten, 

Accessoires, Hüte und 

Satin. Die scharfen 

Schuhe gab es später 

bei Topper – es war wie 

eine nur kurz vorbereitete 

Revolution, die aus einer 

West-End-Seitenstraße 

plötzlich das modische 

Epizentrum von Swinging 

London machte. 

Die Modedesigner schossen 

plötzlich wie Pilze aus 

dem Boden. Mary Quant, 

die später den Minirock 

erfinden sollte (was ihr 

nach wie vor von einigen 

Kreativen bis heute streitig 

gemacht wird) und 

Warren und David Golds Lord John-Boutique 

andere Modelle aus Stoffen wie PVC entwickelte, aus denen man früher 

höchstens Fußbodenbeläge hergestellt hatte. Es war auch Mary Quant, 

durch die das Dürreperiode-Model Twiggy bekannt wurde; 

Marion Foale und Sally Tuffin, die schon 1962 vom 

„Vogue Magazine" gepusht wurden – die Liste 

ist lang. 

Ein paar Jahre später: Wer sich jetzt 

immer noch etwas schämte, den 

Busen unter der durchsichtigen 

Bluse durchscheinen zu lassen, 

bekam ein Body-Painting dazu, 

und das Gesamtkunstwerk 

war komplett. Aus den 

Grußkarten vom letztjährigen 

Weihnachtsfest machte die Lady- 

Jane-Boutique einen nicht ganz 

den Körper betonenden, aber doch 

aufreizenden Minirock. Lilafarbene 

Schnürstiefel waren plötzlich in, und 

im Shop I Was Lord Kitchener’s Valet 

(auch einer der ersten in der Carnaby Street) 

wurden in Anlehnung an alte britische Traditionen 

die Uniformen des Hier und Heute verkauft. Und natürlich 

war alles, was aus der Carnaby Street kam, schon mal in, bevor es 

überhaupt verkauft war. Die Kids hatten sich epidemisch befruchtet 

und bereiteten den Weg, den das Film- und Musikgeschäft zwangsläufig 

zu beschreiten hatte, was vielen nicht nur Schmerzen bereitet 

haben dürfte. 


Es gibt viele fröhliche Bilder von 

Jayne Mansfield, Liberace, Faye 

Dunaway, Barry Gibb (natürlich 

bei Lord Kitchener’s eingekleidet), 

Brigitte Bardot – und schön hat es 

Donovan auf den Punkt gebracht: 

„Es war nach dem Weltkrieg, es 

war schon wieder Kalter Krieg, 

und wir hatten einfach keine Lust 

auf diesen ganzen Quatsch. Wir 

zogen uns unsere Träume an." 

Warren Gold, über ein Dutzend 

Jahre Inhaber der legendären Lord 

John-Boutique, sagt heute: „Es 

war alles eine riesige Explosion, 

die Musik, die Drogen, die Mode 

– wir wollten uns einfach nur 

befreien." 

... und immer wieder illustre Kundschaft 

Und natürlich die 

Bands. Ob die Small 

Faces, die Who, 

die Stones und 

die Beatles – sie 

alle traten ja nicht 

nur im Marquee 

Club um die Ecke 

in der Wardour 

Street oder sonstwo 

in London auf, 

sondern nutzten 

ihre Nachmittage 

vor den Auftritten 

zu ausgedehnten 

Shopping-Touren 

und mischten sich 

unters Volk. Allein dafür lohnte es sich schon, sich hier aufzuhalten 

und den mehr oder weniger zufälligen Körperkontakt zu seinen 

Heroen herzustellen. 


Und die Carnaby Street ist natürlich 

nicht nur von Peggy March besungen 

worden. Die Kinks zum Beispiel 

machten sich auf "Dedicated 

Follower Of Fashion" lustig über 

die „Carnabetion Army", die ihren 

Marsch durch London und den Rest 

der interessierten Mode-Welt durchführte. 

The Jam bannten 1977 ihre 

persönliche Hommage "Carnaby 

Street" auf die B-Seite von "All 

Around The World" (immerhin Nr. 

13 in England, den Song kriegt man 

derzeit nur auf dem DIRECTION 

REACTION CREATION-Boxset). 

Auch bei den Punks (gut, das hat 

ein bisschen gedauert), Goths, New 

Romantics sowie Mod-Revival- 

Anhängern war die Carnaby Street 

in der späteren Phase angesagt, 

und auch hier funktionierte die 

gegenseitige Befruchtung. 

Der "Carnaby Street"-Song der 

Volecanoes brachte den dann 1989 

mittlerweile überholten Hype auf 

den Punkt: „On Carnaby Street 

you’ll see: everything is free, everything is free, when you pay." 

Von wegen: Küsse unterm Mistelzweig 

„Was so alles geschieht/in der Carnaby Street/ja, die Girls und die Boys/ 

zahlen gerne den Preis/und sie kaufen den Hit/in der Carnaby Street." 

Und damit hat Peggy March dann schlussendlich doch wieder Recht. 

Ob das noch ein Hit ist, was die Girls und die Boys da kaufen, steht 

auf einem anderen Blatt. Heutzutage findet man auch schon mal 

einen Puma-Shop und modische Accessoires, die nicht nur in der 

Carnaby Street zu erhalten sind. In den 90er Jahren pumpte eine 

Immobiliengesellschaft noch mal ordentlich Geld in den Komplex, was 

sich zahlenmäßig positiv ausgewirkt haben soll. 

Der Besuch lohnt sich allemal für den, der auf der einen Seite 

historisch denkt und dennoch nicht erwartet, hier ein längst verlorenes 

Gefühl wiederzuentdecken. Die drei Meter Berliner Mauer sucht man ja 

häufig auch vergebens. Time flies … 

Zwei Gedenktafeln gibt es nach wie vor in der Carnaby Street: Haus 

Nr. 1 erinnert an John Stephen, eben den Urheber des Hypes, Haus Nr. 

52/55 an die Small Faces und ihren Manager Don Arden. 

Oliver Schuh

Er passt, aus der Distanz der Jahre betrachtet, überhaupt nicht ins 

Bild. Wo fast jeder knallbunte, Augenkrebs auslösende Hawaii- 

Hemden trägt, kommt er stets im feinen Zwirn – schwarzer Anzug, weißes 

Hemd, Krawatte. Wo die meisten auf der Suche nach der perfekten Welle 

oder dem nächsten Schirmchen-Cocktail sind, jagt er zu jeder Tages- und 

Nachtzeit und meist auch noch an Wochenenden böse Kriminelle. Wo 

" 

Aloha-Lässigkeit" zur verschwitzten Touristik-Grammatik des 50. 

US-Bundesstaates – daher übrigens der Titel der Krimiserie – gehört, 

bleibt er unterkühlt und sagt am Ende fast jeder Folge den zum 

Standard, zur " 

catch phrase", gewordenen Satz „Book ’em, Danno" zu 

seinem leicht tumben Mitarbeiter Danny Williams. 

Die Rede ist von Detective Steve McGarrett, gespielt von 

Jack Lord, der einigen aus dem James-Bond-Film „Dr. No" 

bekannt sein dürfte und in Hawaii bis heute hohes Ansehen 

genießt. „Hawaii Five-O" (O meint hier den Buchstaben 

und nicht die Zahl Null) ging im September 1968 an den 

Start und lief, zwölf Staffeln lang, bis April 1980. Damit 

gehörte dieses „police procedural drama" zu den am längsten 

laufenden Krimiserien der Welt, ein Rekord, der erst 

2003 von „Law & Order" eingestellt wurde. Aber es bleiben 

genug rekordverdächtige 

Daten 

und Fakten: 400 

Millionen Zuschauer 

weltweit, zahlreiche 

Re-Runs und 2010 

eine Neuauflage 

„Hawaii Five-0" 

(diesmal ist die 

Null und nicht der 

Buchstabe gemeint). 

Und was selten 

Von Teddy Hoersch 

Der zweite Mann: Danny " Danno" Williams, 

gespielt von James MacArthur 

gelingt, schaffte dieses mit Anspielungen auf das Original vollgepfropfte 

Format: Auch die Zweitfassung kommt an. Und noch 

eine witzige Fußnote im Buch der TV-Geschichte: „Magnum", mit 

dem Riesenschnäuzer Tom Selleck, bot anfangs als eine ebenfalls 

in Hawaii spielende Serie direkte Referenzen an „Hawaii Five-O". 

Der Versuch, den inzwischen in Rente gegangenen Jack Lord für 

einen Cameo-Auftritt bei „Magnum" zu reaktivieren, blieb Versuch. 

Der Mann mit der immer perfekt liegenden Dreiwetter-Taft-Frisur 

lehnte ab. 

Wenn man sich fragt, und das muss ja auch bei Erfolgsformaten 

erlaubt sein, was das Geheimnis dieser Serie ausmacht(e), stößt 

man schnell auf ein ganzes Bündel von Gründen. „Hawaii Five-O" 

machte Schluss mit der vorherrschenden Meinung und televisionären 

Praxis, dass es klasse 

Verbrechen und klasse 

Verbrechensbekämpfung 

nur in Metropolen 

wie New York und Los 

Angeles gibt. „Hawaii 

Five-O" wurde – anders 

als die meisten Serien – 

zu zwei Dritteln vor Ort, 

an Originalschauplätzen, 

geschossen, hatte eine 

Hitparaden-taugliche 

Titelmelodie, eine preis- 

verdächtige Eröffnungssequenz und einen Hauptdarsteller, der als 

Figur charismatisch und als Schauspieler ein Perfektionist war. Ohne 

die Verdienste seines Sidekicks, des jungen Officers Danny Williams 

(gespielt von James MacArthur), oder seines ewigen Erzfeindes 

Wo Fat (Khigh Diegh) bagatellisieren zu wollen – für die Team- 

Architektur waren sie ebenso wichtig wie Chin Ho Kelly, Kono 

Kalakaua, Duke Lukela, Ben Kokua und viele andere „regulars" –, 

das unbestrittene Zentrum der „Äktschen" war stets Jack Lord 

alias Steve McGarrett. Der Zuschauer wusste nicht viel über ihn: 

Garrett war mal als Commander bei der Navy gewesen, sein Vater 

wurde nach einem Supermarkt-Überfall von einem der fliehenden 

© Pressefotos 


1 

Gangster erschossen, seine Schwester verlor in der ersten Staffel 

ein Baby, und manchmal kam eine kurze Rückblende in die 

Vergangenheit des Protagonisten. Das war’s – für den ganzen 

privaten Schnickschnack, der sich heute gerne als Zweite- 

Ebene-Beiwerk durch Krimis rankt, war keine Zeit. Storytelling, 

Action, Arbeit ... Und so wurde der in seiner Vorbildlichkeit 

manchmal etwas pomadig wirkende Detective der Alptraum 

aller organisierten Verbrecher, die die postkartenschöne Hawaii- 

Inselgruppe unsicher machen wollten. Die Polizei war seine 

Braut, sein Beruf Berufung. Dementsprechend zeigte die Kurve 

seiner Festnahmen-Statistik auch steil nach oben. In (fast) 

jeder Episode konnte Danno die Handschellen klicken lassen. 

Wieder ein Böser weggeschlossen, wieder die Welt ein bisschen 

besser gemacht, wieder ein Grund mehr, nach Hawaii zu reisen, 

wenn man da so gut beschützt wird. 

Ob „Hawaii Five-O" den Tourismus zu 

den Inseln ankurbelte, war nicht herauszufinden, 

klar ist aber, dass es nach 

anfänglichem Generalmangel hinterher 

eine kleine, aber feine Filmindustrie auf 

Hawaii gab und gibt. Wohl auch einer 

der Gründe, „Magnum" dort anzusiedeln. 

Jack Lord, hier ganz links bei der Arbeit, gilt 

auf Hawaii bis heute als Held. 

Anzug meets Hawaii-Hemd – von dieser 

Kombination lebte die Krimiserie. 

Aber zurück zu 

den 

Erfolgsgründen: 

Die Ventures verbuchten 

mit der 

Titelmelodie 

eine 

Platz-vier-Notierung 

in den Billboard- 

Charts. Die Eröff- 

Ärger im Paradies? Kein Problem! Das immer wache 

Auge des Gesetzes, Steve 

McGarrett, passt auf ... 

nungssequenz verdiente seinerzeit cinematografisch 

eine Eins plus, und das konsequent durchgezogene 

„filmed entirely on location" sorgte für Realität, wo 

sonst nur zuckerbäckerartige Kulissen und Sets zu 

sehen waren. Aber, und auf die Gefahr hin, mich zu 

wiederholen, „Hawaii Five-O" lebte von diesem 

coolen, undurchdringlich wirkenden, nicht 

um Sympathie buhlenden, unbestechlichen 

Steve McGarrett. Er war – perfekt verkör- 

pert von Jack Lord – ein Typ, in dessen Gegenwart 

man sich etwas sicherer fühlte als vorher, dem man 

bedenkenlos seine minderjährige Lolita-Tochter 

anvertraut hätte, der die Welt ein bisschen besser 

machte. Ein Held auf Hawaii. 

GoodTimes kult! verlost auf Seite 19 

2x 3er-DVD " 

Hawaii-Five-O". 

SPRECHBLASE 224: 

Special: Karl May-Comics 

Plus: SANDOKAN • In Memoriam Jean Giraud 

Der Mythos PECOS BILL • Der DC-Neustart 

FALK: Comic & Interview u.v.m. 

SPRECHBLASE 225: 

Special: Albert Weinberg 

(DAN COOPER) 

Plus: Karl May-Comics (2) • PECOS BILL (2) 

MICHEL VAILLANT • JAMES BOND u.v.m. 

Die Sprechblase 

78602 

Mai 2012 

€ 9,90 

37. Jahrg. 

Nr. 224 

Neustart der DC-Serien • Taniguchi 

FALK-Comic & Ewald-Interview • John Wayne • SANDOKAN 

Die wunderbare Welt klassischer Comics 

In Memoriam Jean Giraud 

Im Gespräch: Ausnahmekünstler Gibrat 

Endlich: Der Mythos PECOS BILL 

Gratis: 

Comicheft 

mit Top-Raritäten 

Karl May- 

Comics auf dem 

Prüfstand 

224: 

Beilage 

u.a. mit 

Karl May- 

Comic 

225: 

Beilage 

mit 

Pecos Bill- 

Comics 

Die Sprechblase 

78602 

Sept. 2012 

€ 9,90 

37. Jahrg. 

Nr. 225 

PECOS BILL • Karl May • JAMES BOND • MICHEL VAILLANT 

Die wunderbare Welt 

klassischer Comics 

„I´ll be back!“ 

Dan Cooper 

Großes 

Albert Weinberg- 

Special 

Gratisbeilage mit 

Comic-Raritäten 

Für EUR 9,90 im Comicfachhandel & Bahnhofskiosk 

oder bei : gerhardfoerster@gmx.at

Soundtrack für Eskapisten – 

Das Progressive Rock-Revival 

So, ich bekenne. Auch auf die Gefahr hin, dass mich radikale 

Mitglieder der SGAAK (Selbst ernannte Anti-Anachronistische 

Geschmacks-Kontrolle) lynchen und steinigen werden: Dieser 

Tage habe ich in einem verstaubten Londoner Plattenladen für 

lausige fünf British Pounds (ca. acht Euro) einen Progressive- 

Rock-Sampler namens JOURNEY TO THE EDGE erstanden. 

Ein schauderhaft-altmodisches Cover im Stile des legendären 

Fantasy-Pinslers Roger Dean zierte passenderweise den Einband, 

auf dem Silberling zu hören sind 18 Stücke von 18 Bands, die 

ihre Glanzzeit zwischen den späten 60er und frühen 70er Jahren hatten: 

Camel, King Crimson, Emerson Lake & Palmer, Curved Air, Caravan 

und so weiter und so fort. Nein, Musikfreaks unter Marillion 

30, es handelt sich dabei nicht um rare Stücke 

obskurer Psychobilly-Truppen oder um irgendwelche 

Techno-Pioniere, die sich mit Erscheinen 

von Punk den goldenen Schuss in die zuckenden 

Venen jagten. Fragt eure Erzeuger – ich bin sicher, 

die Fortschrittlicheren unter ihnen werden einen 

feurigen Glanz in ihre Augen bekommen, den 

ihr dort nie zuvor erblickt habt. Und wenn ihr 

richtig lieb zu ihnen seid, werden sie euch in die 

hinterste Ecke des Kellers führen, wo sie mit vor 

Erregung zitternden Händen verschrammte Vinylschallplatten 

ans Tageslicht zerren, die seltsame 

Titel wie THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY, 

CLOSE TO 

THE EDGE 

oder IN THE 

COURT OF 

THE CRIMSON 

KING zieren. 

Willkommen 

im Reich des 

Progressive 

Rock, kurz 

Prog! 

© Pressefoto 

Pech zudem 

für euch, die 

ihr unter 30 

seid: Ich habe 

mir JOURNEY 

Hawkwind 

TO THE EDGE 

nicht gekauft, weil die Scheibe so billig war 

oder weil ich zur unseligen Gattung der verkniffenen 

Sammler gehöre, die jede Dekade in 

der Geschichte der populären Musik zumindest 

durch eine einzige repräsentative Kompilation 

dokumentiert haben wollen. Nein, ich habe 

sie gekauft, weil mir die Songs darauf gefallen! 

Und weil mir jeder einzelne von ihnen 

eine Erinnerung an längst vergessen geglaubte 

Zeiten zurückbringt. Zum besseren Verständnis: 

Ich bin Mitte 40, aber Rock’n'Roll ist elementarer 

Bestandteil meines Lebens, seit ich sechsjährig 

meine Großmutter nötigte, mir die T.Rex-Single 

"Metal Guru" zu beschaffen. Danach ging alles 

Schlag auf Schlag: Deep Purple, Led Zeppelin, 

Van der Graaf Generator 

Von Michael Fuchs-Gamböck 

Jethro Tull hießen die Helden meiner 

Kindheit. Rockmusik machte fortan 

meine Welt bunter und aufregender. 

Und wahrscheinlich war ich der 

einzige meiner Altersstufe, der sich 

die „Bravo" tatsächlich brav jeden 

Donnerstag wegen der darin vorgestellten 

Bands und nicht wegen der 

Aufklärungsseiten geholt hat. 

Mit zehn Jahren war ich bei 

Gruppen angekommen, die meine 

Klassenkameraden 

nicht mal buchstabieren 

konnten: Gentle 

Giant, Iron Butterfly, 

Van der Graaf 

Generator. 1979 entdeckte 

ich – 14-jährig 

– Punk, die Sex 

Pistols veränderten 

mein äußeres Leben 

radikal (alleine schon 

dadurch, dass ich mir 

die Haare lila färben 

ließ, was in der 

Klosterschule, die ich 

besuchte, für reichlich 

Aufregung sorgte). 

Dennoch, Genesis, Camel oder King Crimson 

hatten zuvor radikal meine innere Welt verändert: 

Bei Camels Instrumentalepos THE SNOW 

GOOSE verwandelte ich mich allen Ernstes in 

eine „Schneegans", die durch fremde und bizarre 

Welten segelt. Genesis' irrwitziger 22-Minuten- 

Trip "Supper's Ready", gepaart mit der Lektüre von 

Tolkiens Fantasy-Schmöker „Der Herr der Ringe", 

ließ in der Tat einen völlig in sich abgeschlossenen, 

äußerst abenteuerlichen Mikrokosmos voller 

Feen, Zauberer und unerschrockener Helden vor 

meinem geistigen Auge entstehen. Und wenn ich 

King Crimsons Meisterstück LIZARD hörte, fühlte 

ich mich herrlich unwirklich, obwohl es noch etliche 

Jahre dauern sollte, ehe 

ich mit Halluzinogenen ganz 

ähnliche Erfahrungen machte. 

Das alles schaffte Prog-Rock 

bei mir, und deshalb war klar, 

dass diese Musik nie völlig aus 

meinem Leben verschwinden 

würde. Oder gibt es jemanden 

unter den Lesern, der seine 

eigene Jugend verleugnen 

würde? Na also! 

Foto: © 2005 Paul Ridout 

Foto: © EMI Records UK 

Zwischen '79 und '82 allerdings 

gab es für mich nichts 

anderes als Punk. Ich stimmte 

blödsinnigerweise in das allge- 


Jethro Tull 

© Pressefoto 

Foto: © Virgin Records 

meine Geheul der Jugend ein, dass Yes und Genesis den Rock’n'Roll 

verraten hätten mit ihrer Passion fürs Bombastische – nicht bedenkend, 

dass diese Gruppen eigentlich mit Rock’n'Roll nicht viel am Hut hatten. 

Oder drücken wir es so aus: Wenn die Beatles für den Pop sind, 

was Mozart für die Klassik ist, und die Sex Pistols, sagen wir mal, das 

Pendant zum Avantgardisten Karlheinz Stockhausen, dann haben Yes 

den Stellenwert eines Richard Wagner. Andere Baustelle also. Und 

Musik, die man garantiert nicht jeden Tag hören kann. Aber wenn man 

sich darauf einlässt, trifft sie dich mit voller Wucht im Innersten. 1983 

kaufte ich mir durch reinen Zufall (weil mir das kitschige Cover gefiel) 

das Debütalbum einer Band namens Marillion, SCRIPT FOR A JESTER’S 

TEAR betitelt. Ich hörte sie mir am Abend zuhause an, und schlagartig 

war sie wieder da, die alte Magie – Schneegänse und Feen und 

körpereigene Halluzinogene, also das volle realitätsferne Programm. 

Ich schubste in meinem Schrank die Damned- und Clash-Platten 

weit nach hinten und ersetzte sie durch FOXTROT, TRILOGY und IN 

A GLASS HOUSE. Dort sind sie bis heute geblieben und stehen dabei 

in friedlicher Eintracht mit Nine Inch Nails, Nirvana oder Portishead. 

Verstehen kann diesen wilden Stilmix eigentlich niemand. Ich allerdings 

schon – es ist die Plattensammlung eines Menschen, der für jede 

der zahlreichen Stimmungen und Gefühle auf seiner Emotionspalette 

die passende Musik parat haben will. Und wenn ich (was nicht selten 

vorkommt) partout keine Lust auf die grässlich-nüchterne Realität da 

draußen habe, dann gönne ich mir eine 40-minütige Flucht mit Hilfe 

etwa von CLOSE TO THE EDGE. 

Scheint, dass es nicht mehr nur mir so geht, denn das Prog-Rock- 

Revival ist, beinahe unbemerkt von der Radiowirklichkeit und von 

Dance-Hitfabriken, in vollem Gange. Neo Progressive Rock nennt sich 

das Ding, damit gemeint ist bei weitem nicht nur, dass es längst sämtliche 

alte Yes- und Genesis-Scheiben auf CD gibt (was die Wahrheit ist), 

sondern er steht für eine unüberschaubare Zahl neuer Bands, die sich 

konsequent in der Tradition dieses märchenhaften Genres sehen. Die 

Gruppen heißen Pendragon oder Arena, Pallas oder IQ, Spock's Beard 

oder Transatlantic, The Flower Kings oder Beardfish. Vor allem in Japan 

und Europa feiern solche Bands mit ihren Tonträgern, die oft Songs 

von über 20 Minuten Spieldauer beinhalten und alleine schon unter 

diesem Aspekt völlig Radio-untauglich sind, beachtliche Erfolge. Die 

Szene wartet mit eigenen Plattenfirmen und -läden auf, mit Fanzines 

und Festivals. Doch auch das Majorlabel EMI hat vor nicht allzu langer 

Zeit die neu erwachte Leidenschaft für Progressive Rock der alten wie 

der jungen Generation entdeckt und in zwei Schüben im Herbst 2011 

und im Herbst 2012 Hunderte (!) alter wie neuer Prog-Rock-Scheiben 

digital remastert und zu erschwinglichen Preisen wiederveröffentlicht 

(Details siehe Kasten). Denn, so ein Sprecher der Plattenfirma: „Prog 

ist vielleicht die einzige richtig zeitlose Musik, welche die Rockszene 

je hervorgebracht hat. Denn sie lädt zum Träumen ein. Und Zeit für 

Träume gibt es immer.” 

Steve Hillage, Gitarrist der 

Hippi-Combo Gong 

Dass Progressive Rock all die Jahrzehnte seit seiner Initialzündung 

Ende der 1960er stets eine nicht übersehbare, extrem treue 

Fangemeinde hat und sich seit Kurzem zusätzlich in einer Revival- 

Phase befindet, ist auch der Musikindustrie 

nicht entgangen. Vorreiter 

bei der (Wieder-)Entdeckung ist das 

Majorlabel EMI zusammen mit den 

ihr angeschlossenen Indie-Firmen 

Century Media, Inside Out und 

Superball. Dieses Quartett veröffentlichte 

am 23. September 2011 nicht 

nur den Doppel-CD-Sampler PROG 

ROCKS!, auf dem friedlich alte Heroen wie Barclay James Harvest, 

Gong, Gentle Giant oder The Nice mit jungen Heroen wie The 

Tangent, Ayreon, IQ oder Oceansize vereint sind, sondern am 

selben Tag sage und schreibe 270 (!) CDs und DVDs im Rahmen 

der Kampagne Prog Rocks", zu besonders kundenfreundlichen 

" 

Preisen. Schirmherr der Aktion ist kein Geringerer als Jethro-Tull- 

Mastermind Ian Anderson. Am 30. August 2012 ging der Massenveröffentlichungs-Auftrieb 

weiter: PROG ROCKS 2!, ebenfalls eine 

Doppel-CD, kam in die Läden, darauf zu hören 27 Songs von alten 

wie jungen Prog-Heroen vom Schlage Electric Light Orchestra, 

Eloy, The Flower Kings oder Riverside, 

dazu nochmals knapp 200 weitere 

digital remasterte Tonträger aus dem 

weiten Land des Progressive Rock, für 

das erneut Anderson das Sprachrohr 

bildete. Der antwortete auf die Frage, 

warum Prog-Rock zu Beginn des 

neuen Jahrtausends in seinen Augen 

wieder groß im Kommen ist: In den " 

70er und 80er Jahren haben wir mit unseren Songs immer wieder 

eine Art Fluchthilfe in eine andere, bessere Realität geleistet. 

Darauf sind wir stolz, denn ich denke, genau das sollte Kunst auch 

sein. Ich finde realistische Kultur ganz prima und wichtig – aber 

es muss dazu ein Pendant geben. Das Pendant, das sind Bands wie 

wir. Das Pendant, das ist Prog-Rock. Der Soundtrack für die Welt 

der schönen Illusion, des optimistischen Eskapismus." 


Von Christian Hentschel 

Samstagabend-Konkurrenz 

für ARD und ZDF 

Der Franzose Danyel Gérard landete 1971 mit "Butterfly" einen 

echten Smash-Hit. Allein in West-Deutschland hielt sich die 

Single 40 Wochen lang in den Charts. Dem neuen Popstar standen 

fortan Wege und Türen offen. Zumindest fast, denn als er 

im Januar 1972 sein erstes und einziges Gastspiel in der 

DDR antreten wollte, scheiterte Gérard am Pförtner des 

Bühneneinganges des alten Friedrichstadtpalastes 

in Ost-Berlin. Beinahe hätte die erste Folge der 

neu konzipierten Fernsehshow " 

Ein Kessel 

Buntes" ohne internationalen Star 

auskommen müssen. 

Der beflissene Wachmann befand, dass der Typ mit Bart und 

Hut in diesem Aufzug ganz bestimmt nicht den heiligen 

Saal betreten würde. Glücklicherweise wurde der Fauxpas 

von anderen Mitwirkenden bemerkt, so dass der "Butterfly"-Sänger 

doch noch sein Ziel erreichte. Der „Kessel", wie er von seinen Fans 

liebevoll genannt wird, war gerettet. 

Die Show sollte ein ganz besonderes Schmankerl in der DDR- 

Fernsehlandschaft werden. Eine großangelegte Revue, die sich an 

internationalen Maßstäben orientierte. Mit Künstlern aus aller Welt 

– auch aus dem Westen. Eine in der 

Tat bunte und generationsübergreifende 

Mischung aus Musik, Artistik, 

Tanz, Kabarett und Varieté, die 

reichlich Kurzweil und Unterhaltung 

im besten Sinne bot. Schließlich 

galt es, der westlichen Konkurrenz 

wie ARD und ZDF ordentlich Paroli 

zu bieten. Ein Wunschdenken, das 

die Verantwortlichen der DDR- 

Medien sicher öfter hatten, doch 

beim „Kessel Buntes" war es gelungen. 

Die faszinierende 

Show, die sechsmal jährlich 

am Samstagabend zur 

besten Sendezeit lief, wurde 

das Flaggschiff des DDR- 

Fernsehens. Aufgezeichnet 

wurden die Sendungen 

meist in Ost-Berlin, erst im 

alten Friedrichstadtpalast, 

dann im neuen und 

schließlich im Palast der 

Republik. Manchmal ging 

der „Kessel" auch auf Reisen 

und wurde aus den Stadthallen und 

Kulturhäusern in Karl-Marx-Stadt 

(heute Chemnitz), Cottbus, Gera und 

Suhl übertragen. 

Bei den Zuschauern erlangte die Show 

alsbald Kultstatus. Die Macher um 

Evelyn Matt und Günter Steinbacher 

kleckerten nicht, sie klotzten und 

verpflichteten alles, was Rang und 

Namen hatte. Das Beste des Ostens 

von Silly über Karat bis hin zu den 

Puhdys. Ebenso die Stars des Ostblocks, 

Boney M. 

George Baker Selection 

Gojko Mitic 

der so genannten Bruderländer: Karel Gott (CSSR), Die Roten 

Gitarren (Volksrepublik Polen), Zsuzsa Koncz (Ungarn) ... Absoluter 

Quotenbringer waren zweifelsohne die internationalen Mitwirkenden. 

Weltstars wie Shirley Bassey, Abba, Gilbert Becaud, Miriam Makeba 

und Falco waren da, ebenso damals angesagte Bands wie Village 

People, Smokie, Hot Chocolate, Baccara, The Supremes, die Nick 

Straker Band und Middle Of The Road sowie Interpreten wie Audrey 

Landers, Samantha Fox, Nana Mouskouri und Mungo Jerry. Auch 

die Kollegen aus dem Westen Deutschlands gaben sich hier die 

Klinke in die Hand: angesagte Pop-Formationen wie Boney 

M., Alphaville, Milli Vanilli und Dieter Bohlens Blue System; 

Schlagersänger wie Juliane Werding, Vicky Leandros, Caterina 

Valente und Udo Jürgens oder die Spider Murphy Gang. Einige 

kamen wiederholt, die Spitzenreiter sind Katja Ebstein und 

Costa Cordalis mit jeweils sechs „Kessel"-Auftritten. Die Mittel 

Monika Herz 

an echten Währungen 

waren begrenzt, so dass 

viele Engagements internationaler 

Größen wegen 

fehlender Finanzen ausblieben. 

Doch auch hier bewies 

die „Kessel"-Mannschaft 

Kreativität, statt 

Westgeldgage gab es mitunter 

Meissener Porzellan, 

Musikinstrumente oder 

auch Baustoffe fürs 

Einfamilienhaus. Freilich 

Helena Vondrackova und Jiri Korn musste es jeder 

Beitrag durch die 

Zensur schaffen. 

Englische Texte 

muss ten – ins 

Deutsche übersetzt 

– vorgelegt werden. 

Ein Wort wie „Drug" 

wurde sicherheitshalber 

mit Glücksrausch 

gedolmetscht. Ob die 

Zensoren ein Auge 

zudrückten oder einfach 

nur blöd waren, ist nicht überliefert. 

Unvergessen bleiben auch die Auftritte des Friedrichstadtpalastund 

Fernsehballetts. Wenngleich der Arbeitsalltag der Tänzerinnen 

und Tänzer aus nervenden Wartezeiten bestand, lief das Ballett 

in der Sendung zur Höchstform auf. Speziell die Solistinnen 


Susan Baker und Emöke 

Pöstenyi standen ganz oben in 

der Gunst der Zuschauer. Susan 

Baker erlangte im Jahr 2000 

erneut Popularität. Allerdings 

unfreiwillig. Stefan Raab hatte 

für seinen Videoclip „Wadde 

hadde dudde da" Ballett- 

Ausschnitte mit ihr aus dem 

Mireille Mathieu 

Udo Jürgens 

Als Skandal-„Kessel" ging übrigens 

die 100. Aufzeichnung 

aus dem September 1989 in die 

Annalen der TV-Geschichte ein. 

Helga Hahnemann hatte drei 

tagesaktuelle und für damalige 

Verhältnisse aufmüpfige Sketche 

vorbereitet, die bei der „Abnahme" 

während der Generalprobe noch 

nicht gezeigt wurden. Kalauer 

wie „Wir sind nicht die einzige 

Helga Hahnemann 

„Kessel Buntes" der späten 1970er verwendet. 

Großen Anteil an der Beliebtheit der „Kessel" 

hatten auch ihre Moderatoren, Die Drei 

Dialektiker. Das Kabarettisten-Trio sollte einen 

Querschnitt der DDR-Bevölkerung symbolisieren. Horst Köbbert 

war der Fischkopp von der Ostseeküste, Manfred Uhlig der Sachse 

und Lutz Stückrath der Berliner. Im jeweils entsprechenden Dialekt 

witzelten sie über Mängel und Engpässe im DDR-Alltag, zogen 

die Deutsche Reichsbahn, das Fernsehen und die Weltfestspiele 

Die Drei Dialektiker (v.l.) Horst Köbbert, Lutz Stückrath und Manfred Uhlig 

Rote Gitarren 

Fehlbesetzung in diesem Land" 

flimmerten tatsächlich über die 

Bildschirme. Erst bei der Wiederholung 

waren die „brisanten" Sätze 

herausgeschnitten, und selbst 

ein eigentlich harmloser Schlager 

von Frank Schöbel, „Wir brauchen 

keine Lügen mehr", wurde 

sicherheitshalber auch gleich weggelassen. 

Zwei „Kessel" später war bereits die 

Mauer gefallen und noch einmal 

fünf Sendungen später war die DDR Geschichte. „Ein Kessel Buntes" 

sollte zunächst auch im vereinten Deutschland seinen Platz finden, 

doch im Kampf um Quoten verkam das gelungene Showkonzept zur 

reinen Schlagerparade. Der 

118. Kessel, im Dezember 

1992 in Bielefeld aufgezeichnet, 

war schließlich die letzte 

Karsten Speck 

durch den Kakao. Selbst über die internationale Anerkennung der 

DDR debattierten die Drei humorvoll. Immerhin fünf Jahre lang 

schrammten sie regelmäßig dicht an der Zensur vorbei, dann kam 

das Aus für die Realo-Spaßmacher. 

Spejbl & Hurvinek 

Das neue Konzept bestand 

darin, dass jeweils ein anderer 

Künstler den „Kessel" präsentieren 

durfte. Meist handelte 

es sich um TV-Lieblinge von 

Film und Bühne. Schauspieler, 

Sänger, Fernsehansager, 

Sportreporter, Zauberer – 

selbst Puppen aus dem Kinderfernsehen 

wie Fuchs und Elster sowie die Prager Marionetten 

Spejbl & Hurvinek sind auf der Gastgeberliste 

zu finden. Zum wahren Straßenfeger wurde 

der „Kessel", wenn die unvergessene Helga 

Hahnemann, der scharfzüngige O.F. Weidling 

oder der wirklich witzige Heinz Rennhack moderierten. 

Moderieren ist dabei das falsche Wort. 

Die Protagonisten sangen, tanzten, spielten – der 

„Kessel" bot ihnen die Möglichkeit, sämtliche 

Facetten ihres Könnens zu zeigen. Eine Rechnung, 

die jedoch nicht immer aufging. 

Helga Hahnemann immer nah am Publikum 


Sendung. Moderiert wurden die zehn 

letzten Shows übrigens von Enter tainer 

Karsten 

Speck, den 

man aus 

Fernseh serien wie „Hallo Robbie" oder 

aus der Boulevard presse als Immobilienbetrüger 

mit jahrelangen Haftstrafen 

kennt. 

Obwohl es den „Kessel" seit mittlerweile 

20 Jahren nicht mehr gibt, hat 

die Sendung einen festen Platz in den 

Herzen seiner unzähligen Bewunderer. 

Das Traditionslabel Amiga begann nun, 

den historischen TV-Schatz auszuwerten. 

Mit diversen CDs 

und zwei DVD-Boxen 

wird an eine großartige 

Fernsehshow erinnert.

Er trug seine Bestimmung von Anfang an 

im Namen: Volvo – das lateinische " 

Ich 

rolle". Zudem hefteten ihm seine Macher 

ein entsprechendes, gleichsam unverwechselbares 

Signet an den Kühlergrill: rill: 

eine von einem Kreis eingeschlosseneene 

Diagonale – veredelt durch eine nach rechts 

oben weisende Pfeilspitze. Darin verbindet sich 

bis heute das Zeichen des Planeten Mars mit 

jenem Element, das von jeher im Automobilbau für 

Kraft und Stärke steht: Eisen! 

1915 im Auftrag des schwedischen Unternehmens SKF aus der Taufe 

gehoben, steckten die späteren Volvo-Firmengründer Gustaf Larson 

und Assar Gabrielson zunächst prophylaktisch ihren kleinen Claim auf 

der ausgedehnten Automobilbauerlandkarte ab, denn bis jener inzwischen 

legendäre Modelltyp vom Band rollte, der die Marke weltweit etablierte, 

gingen weitere 29 Jahre ins Land. Doch dann stand es da – jenes 

fabelhafte, noch heute liebevoll Buckel-Volvo genannte Gefährt mit der 

Typenbezeichnung PV 444, das aussieht, als sei es auf direktem Weg aus 

unserer Fantasie in die Wirklichkeit der frühen 40er Jahre reingerauscht, 

mit einer Form wie aus einem in Schwarz-Weiß gedrehten US-Film mit 

Orson Welles, Myrna Loy oder Ingrid Bergmann, mit Kotflügeln, die an 

opulent ausladende Frauenhüften erinnern, und einer stahlschweren 

Karosserie, deren bucklig-fliehendes Heck eher an einen kurz aufgetauchten 

Buckelwal denken ließ 

denn an ein alltagstaugliches 

Straßenfahrzeug. 

Von Peter Henning 

Begegnet bin ich dem Buckel-Volvo das erste 

Mal im Jahr 1966. Ich war damals sieben Jahre 

alt und auf dem Weg zu meiner Tante ins ferne Oslo, 

die 

sich als tagein, tagaus schwarz-weiß gekleidete 

und 

ganz im Dienst einer höhe- 

ren Sache agierende Nonne keine 

Vorstellung davon machte, was es 

für einen Siebenjährigen bedeu- 

tete, auf eine solche, für damalige 

Verhältnisse lange Reise zu gehen, 

zumal in einem 

engen, braun-weiß 

la ckierten Fiat 124, der hinten grauschwarze 

Nebelwolken ausstieß. 

Zunächst glaubte ich meinen Augen 

nicht zu trauen, als wir die schwedische 

Grenze gen Norden passierten und plötzlich zuhauf diese ausladenden, 

in bonbonfarbenen Lackierungen herumfahrenden Autos die 

mit gelben Mittelstreifen bemalten Straßen zierten: schwere, sich wie 

Panzerfahrzeuge auf den Asphalt duckende Gefährte, deren Äußeres 

mich an jene wunderbar kurvigen Karossen erinnerten, die ich aus amerikanischen 

Schwarzweiß-Serien wie „77 Sunset Strip" kannte. Die hatte 

ich spätabends gucken dürfen, wenn alle anderen Kinder meiner Straße 

bereits seit Stunden schliefen. Dabei lag ich auf der Wohnzimmercouch 

und war in meinen grünen Bademantel gehüllt. 

Dieses Auto war so ganz anders und so viel schöner als alles, was 

ich bislang von deutschen Straßen kannte. Dagegen wirkten Wagen wie 

der karge DKW F-102, der fantasielos gestaltete Audi 60 oder der eckige 

Borgward P-100 trotz geschwungener Heckflossen wie schlechte autobauerische 

Scherze. Das waren kantige, ohne jede Formschönheit dahingleitende 

Kisten, in denen gewöhnlich ältere Herren mit grauen Schläfen saßen, die 

verkniffen übers Steuer spähten. Die Buckel-Volvo-Fahrer erschienen mir 

verglichen damit wie Menschen, die immerzu und überall in den Urlaub 

fuhren: ewig jugendliche, ausgelassene, gutgelaunte Zeitgenossen, die 

Sonnenbrillen trugen, den linken Ellbogen lässig aus dem offenen 

Seitenfenster lehnten und geradewegs in die untergehendende 

schwedische Mittsommersonne hineinzufahren schienen. 


Dabei galt die erste Buckel-Volvo-Serie in Schweden zunächst als 

ausgemachter unternehmerischer Flop. Denn nachdem die ersten 

2300 Käufer in den Genuss des Vorzugspreises von 4800 Kronen gekommen 

waren (obwohl der Einstiegspreis bei gut 8000 gelegen hatte), 

schreckten viele kauflustige Schweden vor der nun geltenden weitaus 

höheren Kaufsumme zurück. Außerhalb Schwedens indes mutierte 

das zu ebener Erde dahinschwebende Raum-Schiff namens „Buckel" 

innerhalb kürzester Zeit zum Renner. Und schon im März 1947 konnte 

Volvo keine Bestellungen mehr fürs erste Herstellerjahr annehmen – die 

Auftragsbücher waren randvoll. Dabei kam 

das erste Modell des Typs, das Modell A, 

offiziell erst 1950 auf die Straße – in einer 

Stückzahl von 4782 PVs –, und die deutschen 

Käfer-Piloten schielten voller Neid 

hinüber zu ihren schwedischen Freunden. 

Wer einen Buckel-Volvo fuhr, schien in 

meinen Augen ein besserer, ein glücklicherer 

Mensch zu sein, hatte mehr Stil 

und Freude am Fahren – und genoss von 

vornherein meine ungeteilte Sympathie. 

Als wir dann von Oslo kommend 

erneut durch Schweden, das gelobte 

Land der Buckel-Volvos, in Richtung Heimat fuhren, schwor ich mir, 

später, wenn ich reich und berühmt sein würde, mir einen ganzen 

Stall solcher Buckel-Volvos zuzulegen. Für jeden Wochentag einen, 

und jeder in einer anderen Farbe. Mit dem Reichtum wurde es dann 

leider nichts, und dementsprechend auch nichts mit dem geplanten 

Fuhrpark „Made in Sverige". Doch meiner Zuneigung für das an eine 

zum Sprung ansetzende Raubkatze erinnernde Gefährt tat das keinen 

Abbruch. Im Gegenteil. Ich setzte meiner Buckel-Volvo-Liebe in 

meinem ersten Roman ein kleines erzählerisches Denkmal, und wenn 

heute irgendwo eines dieser formvollendeten Fahrzeuge meinen Blick 

kreuzt, bin ich im Handumdrehen wieder 

der Siebenjährige von damals, mitsamt 

seinen Fantasien. 

Strandidylle mit dem Mittsommer-Volvo 1955. 

zahllosen VW Käfer das 

Straßenbild dominierten, 

das nur dann und wann 

durch einen exquisiten Ferrari 500 Superfast 

in Stahlblau oder einen edlen, silberfarbenen 

Facel-Vaga HK 500 bereichert wurde, eroberte der 

Buckel-Volvo mit Macht die Straßen und die Herzen 

auf Avantgardistischeres abonnierter Vierradfans. 

Ich war inzwischen ein verliebter 

Teenager, quälte mich durch die 

gymnasiale Öde und kam eines Tages in 

den irrwitzigen Genuss, einen meerblauen 

Buckel-Volvo nicht nur berühren – sondern 

auch damit fahren zu dürfen, als 

Beifahrer versteht sich. Mein um acht 

Jahre älterer polnischer Freund Janek, 

der eben seine Ausbildung zum Kfz- 

Meister abgeschlossen hatte, war aufs 

Ganze gegangen und hatte sein bis dahin 

Erspartes in einen zwölf Jahre alten 

Schweden investiert. 

Man schrieb das Jahr 1977: Die RAF zog ihre Blutspur durch den 

deutschen Herbst, Elvis biss in Gras, und „Rocky" kam in die Kinos, 

und die erste Fahrt in Janeks PV 544 war eine Fahrt ins Glück. Denn 

wie wir so durch Hanaus Umland cruisten, durch die offenen Fenster 

wirbelte die warme Sommerluft ins Wageninnere, war alles andere plötzlich 

nebensächlich: die Tatsache, dass ich die Versetzung nicht schaffen 

würde ebenso wie der Umstand, dass ich, was das andere Geschlecht 

betraf, noch immer nicht auf Öl gestoßen war. Doch durch die abgerundete 

Windschutzscheibe des PV 544 erschien das alles plötzlich 

klein und unbedeutend, Fliegenschiss auf einem sich drehenden 

Globus. Ich fasste neue gewagte Pläne, sagte mich 

innerlich von der von einer Großmutter für mich geplanten 

Karriere in irgendeinem 

Ausbildungsbetrieb 

los, verweigerte den 

Ab 1950 verpassten dessen Macher dem Buckel-Volvo diverse kleinere 

Schönheitsoperationen. Doch weil diese beherzigten, was als 

ungeschriebenes Gesetz unter klugen Fahrzeugbauern gilt, nämlich dass 

das Neue durchaus neu, aber niemals charakterverändernd sein darf, 

fielen diese stets partiell und wohlüberlegt aus. Die Modelle B und C 

bekamen blinkende Chromleisten und einen verschönerten Grill, auch 

wenn der Wagen weiterhin nur in Schwarz zu haben war. Farbe kam 

schließlich mit dem Modell D, im Jahr 1952, ins Programm, und man 

konnte fortan zwischen einem schicken Maroonrot und dem bewährten 

Taubengrau wählen. Bis man sich schließlich 1956 – trotz der 

Erfolgsstory des Buckel-Volvo – dafür entschied, dem Wagen nun einen 

echten Relaunch zu verpassen. Die Idee des PV 544 war geboren – und 

das Gefährt startete in ein zweites Leben. Der Beliebtheit des Wagens 

schadete das nicht, im Gegenteil. Der PV 544 avancierte zum veritablen 

Exportschlager – und auch hier 

zu Lande, wo bislang 2CVs, 

Citroen Ami 6 oder die 

Kriegsdienst und beschloss, Schriftsteller zu werden. Und wenn mein 

Umsatz als Schreiber dereinst reichen sollte, würde ich mir ebenfalls 

einen 544 zulegen: einen maroonroten mit Weißwandreifen, grün 

getönten Scheiben, Sonnenschute über der Windschutzscheibe und 

Hornstoßstangen, wie ich sie von der Baureihe E her kannte. 

Das ist inzwischen 33 Jahre her. Ich bin tatsächlich Schriftsteller 

geworden, doch einen maroonroten Buckel-Volvo habe ich nie 

besessen. Doch noch bleibt mir genügend Zeit, mir diesen Traum zu erfüllen. 

Bis dahin surfe ich durchs Netz auf der Suche nach dem Richtigen. 

Und wie formulierte es dereinst meine Kollegin und Freundin Judith 

Hermann so treffend: fend: „Das Schönste ist immer der 

Moment davor!" Nicht 

ganz, könnte 

ich mit Blick auf 

die im Netz zum 

Verkauf stehenden 

544er erwidern. 

Doch das 

wäre eine anderee 

Geschichte.

Weltraumspielzeug 

Die 60er Jahre waren nicht nur das Jahrzehnt 

der Beatles und der Rolling Stones. Nicht nur 

Flower-Power und freie Liebe waren bestimmend 

für diese Zeit, es war auch das Jahrzehnt des 

ersten großen Aufbruchs der Menschheit in den 

Weltraum. Und die Eroberung des Alls erfuhr 

einen ersten Höhepunkt am 21. Juli 1969, als 

mit Neil Armstrong der erste Mensch seinen 

Fuß auf den Boden des Mondes setzte. Damit 

hatte sich ein Jahrhunderte alter Traum der 

Menschheit erfüllt und der Wettlauf der beiden 

Supermächte USA und UdSSR um die Eroberung 

des Erdtrabanten seinen Abschluss gefunden. 

Die Eroberung des Alls 

im Kinderzimmer 

Zeichnung: © N. Müller 

Begonnen hatte dieser Wettlauf bereits kurz nach dem Zweiten 

Weltkrieg. Zuerst hatte die UdSSR die Nase vorn. Die Russen 

schossen 1957 mit Sputnik den ersten Satelliten in den Weltraum, 

und Juri Gagarin war der erste Mensch, der an Bord einer Raumkapsel 

die Erde umrundete. Erst in den 60er Jahren holten die Amerikaner 

auf und zogen schließlich an den Russen vorbei. Maßgeblichen Anteil 

daran hatte der amerikanische Präsident John F. Kennedy, der den 

Amerikanern 1961 versprach, in den nächsten zehn Jahren einen 

Astronauten auf dem Mond landen zu lassen. Mit diesem Versprechen 

war nicht nur das folgende milliardenschwere Raumfahrtprogramm der 

Nasa auf den Weg gebracht, es löste auch einen regelrechten Boom 

in den Kinderzimmern aus, denn unzweifelhaft waren die 60er Jahre 

auch das Jahrzehnt des Weltraumspielzeugs, in Sammlerkreisen meist 

nur Space Toys genannt. 

er allerdings glaubt, Space Toys wären mit Erfindung der 

WWeltraumfahrt erstmals hergestellt worden, liegt total falsch. So 

gibt es bereits ganz frühe Spielsachen, die man eindeutig dem Bereich 

Space Toys zuordnen kann. Die Firma Hausser stellte schon in den 

20er Jahren Figuren von Außerirdischen her, und auch bei Steiff gab 

es einen Alien. In den USA kamen zusammen mit 

Filmen wie „Flash Gordon" und „Buck Rogers" in 

den 30er Jahren eine ganze 

Anzahl zugehöriger 

Spielzeuge, vor allem Weltraumgewehre und pas- 

sendes Zubehör, auf den Markt. 

Durchaus nicht verwunderlich, da in der 

Literatur, im Kino 

und im Radio die 

Weltraumfahrt bereits zu dieser Zeit 

eine große Rolle spielte und die 

Menschen von 

der Idee, nichtirdi- 

sches Leben zu treffen, faszi- 

niert 

waren. Bereits Ende 

des 19. Jahrhunderts 

hatte der französische 

Autor Jules 

Verne mit seinen Büchern 

fantastischen 

Inhalts, 

unter anderem „Von der 

Erde zum Mond", großen 

Erfolg, und man denke 

nur daran, wie groß die 

Panik in den USA war, 

als 

Orson Welles 1938 

sein Hörspiel „Krieg der 

Welten" über das Radio ausstrahl- 

te. In den 50er Jahren spielten dann 

Ufos eine große Rolle, und bis heute 

Apollo-Mondlandefähre Eagle, 

Japan, Ende 60er Jahre 

glauben viele daran, dass 1947 in Roswell, New Mexico, ein Ufo abgestürzt 

ist und ein Außerirdischer den Amerikanern in die Hände fiel. 

All das erklärt, warum man in den 50er und 60er Jahren so viele 

Space Toys herstellte. Führend in der Produktion war damals Japan, 

und die Kennzeichnung „Made in Japan" ist in diesem Fall meist 

ein Ausweis der Güte der Spielsachen und eines entsprechenden 

Sammlerwerts. In der Blütezeit wurden alleine in Japan mehrere tausend 

verschiedene Space Toys hergestellt. t. Bevorzugtes Objekt der Kinder 

waren Roboter, die mit der Zeit auch immer mehr 

verschiedene Funktionen erhielten und meist 

batteriebetrieben waren. Es gab welche, die 

rauchten, die einen Fernsehschirm schirm an der 

Stelle des Oberkörpers hatten und sich mit 

langsamen Schritten vorwärtsbewegten, 

rtsbewegten, 

oder welche, die man sogar fernsteuern 

konnte. Größter Markt für die japanischen 

Hersteller waren die USA. 

Verständlich. Denn erstens 

war dort durch die Nasa 

und ihr Weltraumprogrammm 

das Thema bei den Kindernn 

ständig aktuell, und zweitens 

hatte man einfach 

genug Geld, um importierte 

Spielsachen zu kaufen. Aber 

auch in Deutschland wurde 

einiges an japanischem 

Weltraumspielzeug verkauft, 

und so kann man nach wie 

vor mit etwas Glück auf dem 

Flohmarkt oder im Internet das 

eine oder andere schöne Objekt 

erwerben. 

I 

n Deutschland wurde aber 

nicht 

nur das aus Japan importierte 

Weltraumspielzeug verkauft, man hatte auch 

eine eigene Produktion. Die fiel aber äußerst 

bescheiden aus, wenn man bedenkt, wie viele 

verschiedene Spielsachen in Deutschland zwischen 

1950 und 1970 hergestellt wurden. Bereits 

in den 50er Jahren hatte Technofix einen sehr 

ansprechenden, ganz aus Blech 

ten Raumgleiter im Programm, später stellte 

Technofix einige Weltraumbahnen her, alle heute 

allerdings sehr selten und entsprechend teuer. 

hergestell- 

Von der Firma Seidel gab es einen Sputnik- 

Japanischer Blechroboter, 


frühes Modell um 1960

Satelliten und von Dux eines der heute begehrtesten t Stücke, den 

Astroman, einen wirklich tollen Roboter. Und auch Hausser-Elastolin 

hatte vier Weltraumfiguren im Programm. Aus DDR-Produktion gab 

es eine große Zahl an Mondfahrzeugen und Raketen, hier schien man 

für das Thema Weltraum fast offener zu sein als in der westdeutschen 

Spielwarenproduktion. Eines der Highlights der westdeutschen 

Produktion ist ganz sicher die Orion VIII von Arnold, die man nach dem 

Vorbild der Bavaria-Fernsehserie herstellte. 

D 

Raumfahrer und 

Außerirdische 

von Hausser- 

Elastolin um 1960 

eutschland hatte zwar 

keinen Anteil 

am amerikanischen 

Weltraumprogramm, 

aber in Sachen Science Fiction 

war man trotzdem recht erfolgreich. Bis heute unvergessen ist die 

legendäre Fernsehserie „Raumpatrouille Orion" (siehe kult! Nr.4), deren 

erste Folge am 17. September 1966 vom WDR für die ARD ausgestrahlt 

wurde und von der man sieben 

Folgen in 

den Bavaria-Ateliers München 

n herstellen 

ließ. Sehr bald wurden auch 

die Folgen 

der in drei Staffeln produzierten e amerika- 

nischen Serie „Raumschiff Enterprise" im 

deutschen Fernsehen gezeigt. 

Bis heute im Verkauf, 

und damit vermut- 

lich die 

langlebigste 

Heftromanserie 

der 

Welt, ist 

„Perry Rhodan" 

(siehe kult! Nr.2), 

dessen 

Erstausgabe 

bereits 1961 erschien. 

Zwischenzeitlich gibt es mehr 

als 2600 Hefte 

mit über 150.000 Seiten. Selbst Comics mit 

Weltraumthemen th wurden in 

Deutschland gezeichnet, bei 

Sammlern unvergessen ist 

„Nick – Der Weltraumfahrer" 

aus dem Walter Lehning 

Verlag. Dessen erstes Heft 

wurde in Rekordzeit nach 

dem Start von Sputnik produziert, in Anlehnung an den Namen des 

Satelliten hatte man den Namen der Serie 

gewählt. 

arum übt gerade das Weltraumspielzeug auf 

Wviele Sammler eine so große Faszination aus? 

Der Hauptgrund ist vermutlich, dass man sich in den 50er und 

60er Jahren eine gänzlich andere Vorstellung davon machte, wie 

die Welt im 21. Jahrhundert aussehen würde. Zwar können die 

Helden der Weltraumromane von damals mit ihren Raumschiffen 

Wir können 

auch Musik! 

Heft 5/2012 

Heft 4/2012 

Heft 3/2012 

Heft 2/2012 

Heft 1/2012 

Heft 6/2011 

Alle zwei 

Monate NEU 

im 

Handel. 


Alle Hefte zu bestellen auf Seite 31 oder im Internet. 



meist problemlos Sprünge durch Raum und Zeit 

machen und so Entfernungen von mehreren 

Lichtjahren in einer Sekunde zurücklegen, 

aber an Erfindungen wie das Internet 

oder das iPad dachte keiner der Autoren, 

Zeichnung: © N. Müller 

zwei originalverpackte Sets Major Matt 

Mason von Mattel um 1970 

Kaugummis mit Raumfahrerfiguren, in 

den späten 60er und frühen 70er Jahren 

auch in Deutschland sehr beliebt 

und so brauchen die Computer der 

Raumschiffe oft Tage, bis sie Informationen 

zusammengetragen haben, und die 

Passagiere auf Weltraumbahnhöfen lesen 

ganz selbstverständlich Zeitungen und 

Zeitschriften aus Papier. Genau diese 

Naivität spiegelt sich auch in 

den 

Weltraumspielsachen 

wider. Quietschend und 

ruckelnd liefen die Roboter 

durchs 

Kinderzimmer, 

eher eine Mischung 

aus 

Blechbüchse e und uraltem 

Fernseher als hochmodernes 

technisches Gerät, und 

trotzdem waren die 

Kinder 

fasziniert 

und glaubten an 

eine Zukunft voller 

technischer 

Lösungen 

und 

Orion VII. von Arnold, 

superselten, 

bekannt aus der 

Serie Raumpatrouille 

Wunder. Nach zwei Weltkriegen sehnten sich 

die Menschen nach einer besseren und 

schö- 

neren Zukunft, nach einer friedlichen Welt. Der 

Fortschrittsglaube der Menschen ging so weit, 

dass viele meinten, im Jahre 2000 seien alle 

Probleme gelöst unddie die ganze Menschheit 

würde sorgenlos und in Frieden leben. 

Roboter würden den Menschen die 

Arbeit abnehmen, und mit gro- 

ßen Raumschiffen könnte man 

den Weltraum besiedeln, so 

dass es genug Platz 

für alle Menschen 

gäbe. Diese Utopien 

der Erwachsenen fanden ganz 

besonders ihren Niederschlag bei 

den Space Toys. Man kann sich 

heute darüber freuen, denn 

sonst 

gäbe es nicht all die bunten 

Roboter 

und Raumschiffe mit ihren vielseitigen 

en 

Funktionen, auch 

wenn man etwas über die 

Vorstellungen der damali- 

gen Zeit, wie es im 21. 

Jahrhundert ausse- 

hen würde, lächeln 

mag. 

W 

a s 

gilt 

es 

zu 

beachten, wenn man selbst 

eventuell Space Toys sammeln 

möchte? Wie bei allen 

Sam melgebieten 

sollte 

man sich zuerst 

ausgie- 

big 

informieren und nicht 

das 

erstbes te Stück kau- 

fen. 

Auch hier gibt es in 

der Zwischenzeit viele Replika, 

die man nur schwer von den 

Originalen unterscheiden kann, 

die 

aber immer nur einen 

Bruchteil alter Stücke wert sind. 

Ebenfalls ist es wichtig zu wis- 

sen, dass es sehr schwer ist, alte 

Roboter oder Raumschiffe, die 

defekt sind, zu reparieren. 

Wer keine Erfahrung hat, 

wird es kaum schaffen. 

Auf jeden Fall muss man 

immer einen eventuell 

vorhandenen Batteriekasten 

überprüfen, möglicherweise ist er von Batteriesäure 

beschädigt. Wer im Internet kauft, sollte sich immer 

vorher die Originalität und die Funktionstüchtigkeit 

bescheinigen 

lassen. Da es so unglaublich viele 

verschiedene Themen gibt, wäre es sinnvoll, sich 

auf einen Bereich zu spezialisieren. Das können 

Raumschiffe 

oder Roboter sein, es gibt aber auch 

abgeschlossene Spielsysteme wie Major 

Matt 

Mason von Mattel, das sich in 

großen Teilen am Nasa Mondprogramm 

orientierte. Eines gilt aber immer beim 

Sammeln: Kaufen Sie nur, was Ihnen 

gefällt, und bezahlen Sie nie mehr, als 

ein 

Stück Ihnen persönlich wert ist, 

Klingonenraumschiff 

denn nur dann hat man wirklich dauerhaft 

Freude an seiner Sammlung. 

von Dinky Toys 

70er Jahre 



ENDLICH AUF 

CD UND DVD! 

Aus der TV 

Werbung 

DAS ORIGINAL! 

www.sonymusic.de

Z auberkästen 

Von Thorsten Pöttger 

tge 

DER GRIFF IN DIE TRICKKISTE 

Hokuspokus, Simsalabim, dreimal schwarzer Kater" – wem 

" 

klingelt es da nicht wonniglich in den Ohren, wenn er solche 

Sprüche liest? Seit vielen Jahrhunderten lassen Jung und 

Alt sich verzaubern. Aber: Ein Magier muss nicht gleich vor 

einem Millionenpublikum die Chinesische Mauer verschwinden 

lassen. Für den Anfang tut es beispielsweise auch ein einfacher, er, aber tiver Kartentrick im kleinen Kreis. Materialien und eine Anleitung zum 

Üben sind seit über 200 Jahren in den unterschiedlichsten Zauberkästen 

zu finden. Wohl dem, der heute einen hat, denn dann klappt es vielleicht auch 

effek- 

irgendwann mit dem Brief aus Hogwarts. 

Rational, völlig magiefrei betrachtet, dienten 

und dienen Zauberkästen – mit der Betonung 

auf dem zweiten Bestandteil des gesetzten Wortes – nur einem einzigen n Zweck: der 

Aufbewahrung der notwendigen Utensilien. Sei es, 

zusammen- 

dass sie mehr oder weniger lose darin klappern oder einen festen Platz haben. 

herum- 

Erstmals schriftlich wird einer dieser 

„Werkzeugkoffer" in einem Nürnberger 

Katalog aus dem Jahr 1803 unter der 

Bezeichnung „ein Taschenspieler- 

Apparat" erwähnt. Seitdem hat sich viel 

getan, heutzutage wird unter einem 

Taschenspieler vermutlich eher ein 

gaunerhafter Trickbetrüger verstanden. 

Im 19. Jahrhundert ließ – soweit 

bekannt – ein Zauberkasten noch keine 

Rückschlüsse auf sein Inneres zu. Heute funkeln dem Betrachter 

vom Titel sehr oft leuchtende Kinderaugen eines Jungmagiers in 

„Arbeitskluft" entgegen, umringt von auf den Inhalt bezogenen 

Der Punx-Zauberkoffer erschien als erster seiner Art 

im Nachkriegsdeutschland. 

Grafiken. Von aufgedruckten Zahlen sollte sich niemand in die 

Irre führen lassen: Hundert Tricks bedeuten nicht gleich hundert 

Zubehörteile, viele magische Momente lassen sich auch mit alltäg- 

lichen Haushaltsgegenständen erzeugen. 

I n den frühen 50er Jahren wurde es für 

praktizierende Künstler des zaubernden 

Zauberkasten Marke " 

Hokus Pokus", Verlag J.W. 

Spear & Söhne (um 1900) 


Gewerbes es üblich, ihren guten Namen einem 

Kasten zu leihen oder gar 

aktiv an dessen 

Gestaltung mitzuwirken. Für den deutschsprachigen 

Raum 

kann als einer der ersten 

Stifter Ludwig 

Hannemann-Punx genannt 

werden. Sein 1956 von ASS herausgebrach- 

ter 

Punx-Zauberkoffer enthielt ein beson- 

ders 

ausführliches Anleitungsheft. Zu den 

Klassikern muss „Der große Zauberkünstler" 

gezählt werden. Von 1958 bis 1987 befand 

sich 

dieser Ravensburger Zauberkasten 

auf dem Markt. Zaubergilden-Mitglied 

Martin Michalski konzipierte ihn auf der 

Erfahrungsgrundlage mehrerer hundert 

Zaubershows. Kniffs und Utensilien wurden 

speziell für Kinderhände „begreifbar 

gemacht". 

Später richtete Ravensburger die Kästen auch für verschiedene 

Altersgruppen ab sechs, acht und zehn Jahren sowie mit einzelnen 

Tricks für den kleinen Geldbeutel eutel aus. Weitere prominente 

Namensgeber für Zauberkästen 

waren in der Bundesrepublik 

beispielsweise Hardy für den 

Otto Maier Verlag („Hardys 

Kinderzauberspiele") oder 

Wittus Witt für ASS („Wittus 

Witt Zaubershow"). Als weitere 

Nachkriegsproduzentenn 

deutscher Zauberkunst sind 

Franz Dumke aus Blankenheim 

(Nürburg Spiele) sowie die 

Fürther Firmen Kleefeld und Noris 

(bis 1975) zu nennen. Während sich 

FX Schmid auf Spiele mit Karten 

spezialisierte, kooperierte Schmidt 

Spiel + Freizeit mit dem spanischen 

Hersteller Hanky Panky. 

1981 erschien unter dem Titel 

„Hokus Pokus" letztmalig ein 

Der erste Ravensburger Zauberkasten, 

Autor Martin Michalski (1958)

HOKUSPOKUS 

Zauberkasten der Nürnberger Firma Spear, der 

eine für Deutschland zusätzliche „Handarbeit" 

erfordernde Premiere bereithielt: Die Tricks wurden 

nicht fix und fertig geliefert, sondern mussten erst 

noch aus Kartonbögen gebastelt werden. 

1975 brachte die US-Firma Remco einen 

Zauberzylinderhut auf den Markt. Er enthielt 

neben den Trickutensilien ein paar gehei- 

me 

Fächer. In 

Deutschland wurde der 

Hut von der Firma Stelter aufwändig 

beworben unter der Annahme eines gro- 

ßen Erfolgs, der jedoch ausblieb und bis 

in den Konkurs führte. Des Weiteren gab 

es zu jener Zeit im Land der unbegrenz- 

ten Möglichkeiten 

Micky Maus persönlich 

auch 

in Form eines 

Zauberautomaten: 

Etwa 30 

Zentimeter hoch 

stand 

Disneys 

Geschöpf auf einem kleinen 

Podest, aus dessen Rückseite mehrere 

Hebel herausragten, mit denen die Arme in 

Bewegung gesetzt werden konnten. Ein weiterer 

Griff ließ – wie auch aus zahlreichen (Trick-) 

Filmen bekannt – Wasser aus der Blume an 

Mickys Revers hervorschie- 

ßen. Ein einmaliges Set 

lieferte 1976 für den amerikanischen 

Markt erneut 

Remco mit „The Magic 

Stage": Der Zauberkasten beinhaltete eine Art 

Bühnenrahmen, in den sich drei 

verschiedene Kulissen 

mit jeweils drei bis 

vier Kunststücken 

einhängen ließen. 


offenkundigste, 

auf den ersten 

Blick 

sichtbare Veränderung 

in den 70ern betraf das Material der 

Zauberkästen samt Inhalt: Waren die 

frühen Exemplare meist ganz aus Holz 

gefertigt, hielt nun der Kunststoff Einzug, 

den Experten oftmals als qualitativ geringwertiger 

einschätzten. Besonders Artikel aus 

Japan wurden mit einer Klarsichthülle 

überspannt, statt per Holzdeckel mit oder 

ohne Scharnier verschlossen 

zu werden. 

Natürlich ging 

diese 

Umgestaltungg 

umso stärker auch aus 

Kostengründen 

vonstatten, 

je stärker die Zauberkästen von der 

Spielwarenindustrie statt von eigenständigen 

Zauberfirmen wie Conradi-Horster 

produziert wurden. Andererseits bedeutete 

das 

Plastik aber auch Chancen, berichtet 

Michaela Magin, Pressereferentin von Ravensburger: „Dies machte 

auch die Herstellung neuartiger Zauberutensilien möglich, die 

das Angebot an Tricks erweiterten." Mittlerweile kann von einer 

Verdoppelung der ursprünglichen Anzahl an Kunststücken gesprochen 

werden. Eine interessante Ausnahme in Sachen Material bildete 

1984 der Kasten von Smarties (!), das 

damit offensichtlich auch viele, viele bunte 

Tricks präsentieren wollte. Ähnlich prickelnde 

Spannung versprach der im selben Jahr von 

Söhnlein Brillant auf den Markt gebrachte 

Zauberkasten. 

Heute finden Zauberkünstler und solche, 

die es werden wollen, oft eine DVD oder 

einen Download-Code in ihrem Kasten vor. 

Auf der Ravensburger-Website beispielsweise 

können Lernvideos und passende Musik zur 

Untermalung der Show freigeschaltet werden. 

Dennoch kommt ein auf den Spuren Harry 

Potters wandelndes Kind früher oder später nicht 

darum herum, im Schweiße seines Angesichts, 

ausgestattet mit haptischen und rednerischen 

Fähigkeiten, sicheres Auftreten vor Publikum 

zu üben. Denn schon Johann Wolfgang von 

Goethe pries die Taschenspielerkunststücke seiner Enkel als „ein 

herrliches Mittel zur Übung in freier Rede und Erlangung einiger 

körperlichen und geistigen Gewandtheit". Deswegen zählt der 

Zauberkasten seiner Kindeskinder, den er 1830 für sie besorgen 

ließ, bis heute zum Bestand des Düsseldorfer Goethe-Museums. 

Michaela Magin formuliert die lang zurückliegende Diagnose 

des Dichterfürsten aktuell so: „Beim Zaubern trainieren Kinder 

zahlreiche Fähigkeiten wie Fingerfertigkeit, 

Geschicklichkeit, Selbstbewusstsein und 

Sprachgewandtheit." Also in diesem 

Sinne, liebe Kinder: Lasst 

auch mal die Maus 

neben dem Computer 

liegen und zaubert sie 

Goethe erwarb diesen Koffer 

1830 für seine Enkel (zu sehen 

im Goethe-Museum Düsseldorf) 

stattdessen aus einem 

Hut. Aber nicht den 

Trick verraten! 

ABRAKADABRA 

ROCK&POP 

Preiskataloge 2013! 

Weltweit die umfangreichsten Nachschlagewerke für Platten - 

sammler und Händler. Insgesamt über 240.000 Preise 

zu LPs, CDs, Singles, EPs etc. 

Bestellen Sie noch heute! 

Keine zusätzlichen Versandkosten! 

Zu bestellen im Shop Seite 31 oder unter: 

je 29,80 € 



NEU!

kultige TV-Serien der70 e r 

lt 

l ig 

TV S 

CHARTERBOOT 

+ 

Fernsehen mit Suchtgefahr 

Aus dem reichhaltigen TV-Angebot, das in den 70ern serviert wurde, 

ragen zwei Serien hervor – ganz vorne weg Die Partridge Familie", eine 

" 

Soap mit Musikverlängerung in die Charts und auf die Bühnen dieser 

Welt, und S.O.S. Charterboot", ein wild gewordener Reiseprospekt 

" 

mit einem Gutmenschen namens Matt, der die Wellen en reitet und 

Gangster zur Strecke bringt. 

Wir reden hier nicht vom Kinderprogramm, von „Lassie" oder 

„Flipper", die unsere frühen Jahre vor der Flimmerkiste 

bestimmten, sofern wir in den 50er Jahren des 20. 

Jahrhunderts geboren wurden. Nein, hier geht’s um jene Serien, die 

den Eintritt in die Pubertät mit all ihren Hormonschüben, Träumen, 

Irrungen und Wirrungen markierten und vermeintlich unseren Blick 

auf die Welt schärften, die Welt der Erwachsenen, die Welt des Sex ’n 

Crime, die Welt der Liebe. Zeitgenossen, die in den späten 60ern die 

Beatles und Rolling Stones für sich entdeckt hatten oder schlimmere 

„Affenmusik"-Combos (wollte man den verschreckten Eltern glauben), 

gaben der „Partridge Family" oder „S.O.S. Charterboot" zwar nicht das 

Prädikat „cool", aber hingeschaut wurde trotzdem. 

Aus heutiger Sicht ist das Konsumverhalten der Vor-Internet- 

Generation nicht anders zu bezeichnen als erratisch. Heute kann man 

seine Lieblingsprogramm dank „Sendung verpasst? Dann Mediathek 

anklicken" schauen, wann immer es in den täglichen Stundenplan 

passt. Früher musste man, da es außer umständlichem Aufzeichnen 

keine Speichermöglichkeiten gab, justament dann schauen, wenn das 

gewünschte Programm lief. Und die Streitereien der Generationen 

über „Sportschau" oder „Beat-Club" sind Legion und legendär, da es 

ja in normalen deutschen Haushalten keine 

Zweitgeräte gab. Also, wir beamen uns zurück 

in die mediale Steinzeit, wo anno Schnuff 

in Konkurrenz zu Ernst Huberty (ja, das 

war der „Sportschau"-Zeremonienmeister mit 

dem breiten Scheitel und den über den Kopf 

gelegten Resthaaren) „S.O.S. Charterboot" 

im ZDF lief. Die friedliche Koexistenz der 

beiden Gebührensender ARD und ZDF 

war seinerzeit gar nicht sooo friedlich. 

Immer mal wieder versuchten die „jungen 

Mainzer" vom Lerchenberg den alten ARD- 

Stationsvorstehern in die Suppe zu spucken. 

Und das gelang zumindest bei einem Fußballfreund namens Uwe ganz 

gut. Der schrieb: „Ich war (und bin immer noch) ein großer Fußballfan. 

So auch 1972, als ,S.O.S. Charterboot' zum ersten Mal im ZDF lief. 

Der Bundesliga-Skandal hatte gerade meinen 

Lieblingsspielern Volkmar Groß, Zoltan Varga 

und Arno Steffenhagen die Spielberechtigung 

bedroht und später geraubt – und es war 

Winterpause, aber dennoch lief die ARD- 

,Sportschau' zeitgleich zu ,S.O.S. Charterboot'. 

Als ganz kleines Kind war ich ein riesiger Fan 

von Ty Hardin in ,Bronco', also habe ich der 

Ernst-Huberty-Versuchung widerstanden und 

,S.O.S. Charterboot' geschaut. Oh, wie toll! 

Ty Hardin geriet als Moss Andrews immer 

wieder in Schwierigkeiten, die Frauen fielen 

ihm zu Füßen, und das von ihm gesteuerte 

Motorboot raste durch die australische Szenerie. Unvergessen ist mir 

die Titelmelodie (...). Damals, kaum elf Jahre alt, beschloss ich auszuwandern, 

und zwar nach Australien, um ein zweiter Moss Andrews zu 


werden. Ausgewandert bin ich, aber 

nicht nach Australien, sondern in die 

USA. Und als ,S.O.S. Charterboot' 

später im Jahr nicht mehr lief, 

hatte mich auch die Bundesliga 

wieder, ohne meine dann bereits 

gesperrten Fußballhelden!” (Quelle: 

www.tv-nostalgie.de) Uwe, danke 

für den Beitrag, denn du hast in 

wenigen Worten zusammengefasst, 

was „S.O.S Charterboot", ursprünglich 

eine Serie des australischen 

Senders Seven Network, televisionär 

ausmachte. Der Schauspieler 

Ty Hardin (aka Moss Andrews) lieh 

ihr seine markant männlichen, 

eine Reihe blendaxweißer gerader 

Zähne entblößenden, wettergegerbten, 

meist von einem Lächeln 

umspielten Gesichtszüge, in die 

Gutmenschentum, Siegeswille und 

Unbeirrbarkeit als Textur eingegraben 

waren. Australien 

lieferte die kitschigen 

Postkartenansichten 

von Surf und Turf, von 

Meeresbrandung, malerischen 

Buchten und weißem 

Strand. Ty, dessen Vorname 

so knapp war wie die Bikinis 

der agierenden Damen, 

hatte leichtes Spiel bei den 

Ladys. In Bayern nennt 

man dieses Phänomen 

hingebungsvoller Frauen 

„gema’te Wies’n". Und so 

fertig gemäht wie die Wiesn 

war auch das Erfolgsrezept von „Riptide", 

wie der bebilderte Reiseprospekt im Original 

hieß. Die Vorgeschichte, der so genannte 

Subtext zu dem, was der Zuschauer 

zu sehen bekam, war drehbuchtechnisch 

noch relativ ausgefuchst. Moss Andrews 

(Ty Hardin) wird, obwohl schon jahrelang 

down under, von allen nur „der Amerikaner" 

genannt. Ehrerbietung für die große Nation, 

der er entstammt? Ja! Hinweis auf die 

Freiheitsliebe und den Gerechtigkeitssinn 

der Amis? Auch das! Nachdem Tys australische 

Frau in Amerika bei einem Autounfall 

ums Leben gekommen ist, verzichtet der 

Tüchtige, aber Gramgebeugte, von da an 

immer etwas in sich Gekehrte auf eine 

Karriere als Geschäftsmann und begibt sich 

mit der Yacht Safari auf den großen Törn 

über den Atlantik nach Australien. Dort 

hilft er seinem in finanzielle Bedrängnis 

geratenen Schwiegervater Barney Duncan 

(der Schauspieler Chris Christensen verstarb 

Moss Andrews (Ty Hardin) war der blonde Mann 

für alle Fälle und meist in hübscher Begleitung ... 

während der Dreharbeiten) und macht die auf Grund gelaufene 

Charterboot-Firma (daher der deutsche Serienname) wieder flott. In 

den 26 Folgen, von denen anno 1972 20 das ZDF und sechs später 

von einem Münchner Pay-TV-Sender gestrahlt wurden, tut der 

aufrechte, muskulöse, stets hilfsbereite und von Frauen wie Motten 

umschwärmte Moss/Ty nur Gutes. Denn, wie immer – das Paradies wird 

von Gangstern bedroht, die das weiß schaumbekronte Meer für ihre 

dunklen Machenschaften nutzen. Moss, der ursprünglich ja nur seinen 

Schwiegervater besuchen wollte, macht zuerst das marode Unternehmen 

wieder flott, vermietet die Atlantik-erprobte Yacht an Angler und löst 

dann en passant unknifflige Kriminalfälle. Im Fernsehlexikon von 


Michael Reufsteck und Stefan Niggemeier heißt es: 

„Moss hilft auch dem Medizinstudenten Neil Winton 

(Jonathan Sweet), der sich mit Kriminellen eingelassen 

hat, und gibt ihm einen Job. Moss’ Freundin ist Judy 

Plenderleith (Sue Costin). Zusammen besiegen sie die 

vielen bösen Menschen in der Gegend. Die Serie verließ 

sich auf die Anziehungskraft von amerikanischen 

Gaststars und kaum bekleideten Frauen und sparte 

dafür am Drehbuch. Neil und Judy wurden schon 

nach kurzem aus der Serie geschrieben: hi „Neil nimmt sein Medizinstudium wieder 

auf, Judy taucht ohne Erklärung ab." Klar, 

denn es ging ja nur um das – ob der verunglückten 

Ehefrau – stets von leichter 

Melancholie umwehte, immer der gerechten 

Sache verpflichtete, etwas schweigsame, 

die Welt in Ordnung bringende Macho- 

Mannsbild. Der, das wissen wir dank Uwes 

Eintrag, brachte fußballbegeisterte Männer 

dazu, nach Amerika auszuwandern. Auf der 

Website von www.serienjunkies.org können 

sich Spätgeborene oder Wiederseher alle 26 

Folgen downloaden und zu Gemüte führen. 

Nicht nur in punkto Quantität, sondern auch 

was die Strahlkraft angeht, war „Die Partridge 

Familie" (im Original: „The Partridge 

Family") von ganz anderem Kaliber als die 

Bootsvermietungsserie. Die Daten: vier Jahre 

Laufzeit, von 1970 bis 1974, 96 Episoden, 

Millionen von Lizenzgebühren, weltweite 

Verbreitung, acht Alben, über 25 Millionen verkaufte Einheiten, vergoldete 

Singles, Nummer-eins-Erfolge und Millionen gebrochener 

Mädchenherzen. David Cassidy, Stiefsohn der Hauptdarstellerin Shirley 

Jones aka Serienmutter Shirley Partridge, wurde aufgrund der Sitcom 

zum Teenageridol und uneingeschränkten „Bravo"-Liebling. Er sorgte 

damals für Kreischalarm wie weiland die Beatles oder später Tokyo 

Hotel. Wie immer, wenn „Bravo" ein Thema für sich entdeckt hatte, gab 

es – war der Star erst einmal geboren – keine Ausgabe ohne ihn. Und 

genau das war dann für echte Rocker und halbe Hippies, denen man zu 

dieser Zeit begegnete, auch der Grund, Cassidy & Co. komplett uncool 

zu finden. „The Partridge Family" schickte zwar die schnuckelige Susan

Fotos: © Davids/Bildarchiv Hallhuber 

Dey als weiblichen Gegenentwurf zu David ins Rennen, 

aber männliche Teenager haben es nicht so mit „Vonferne-Anschmachten-und-Schwärmen" 

wie weibliche. 

eigentlich nur eine Richtung für eine solche Soap: 

nach oben. Und folgerichtig g wurden die Partridges so 

etwas wie eine fik- 

Sie steigen lieber der Schwester vom besten Freund 

tionale Ersatzfamilieie 

hinterher als ... aber das ist eine andere Geschichte. 

für all die vernachlässigten, 

mit ihrem 

Die Story, das Prequel zur Familiensaga Partridge, 

bürgerlichen Dasein 

kommt einem einerseits bekannt vor (Trapp-Familie, 

unglücklichen, in 

Kelly Family in schön) und hatte andererseits eine 

traurige „Ein-Kind-ein-Hund"-Familien 

reale Vorlage. 

In den späten 

hineingeborenenn 

Kids. 

60ern waren 

The Cowsills Denn wer träumt im Alter von 13 

eine wirkli- 

aufwärts nicht davon, selbst Popstar 

che US-Pop- im Kreise einer Orgelpfeifen- 

Familie gewe- 

Geschwisterschar zu werden oder 

sen, und die zumindest von einem Popstar 

Produzenten gefreit zu werden – David Cassidy 

hatten sogar alias Keith für die Mädchen und 

erwogen, Susan Dey alias Laurie für die 

die Cowsills- Jungs? Der Rest der Rasselbande als 

Kinder als Identifikationsmuster für die Kleinerenn 

TV-Helden im eigenen Familienkreis oder, 

zu etablieren, wenn man selbst keine Geschwister 

waren aber hat, als Projektionsfläche nach dem 

dann von der Motto „Ach, ich hätt so gerne eine(n) n) 

Idee abge- 

kleine(n)/große(n) Bruder/Schwester". 

rückt, weil Siehe oben. Wie üblich in der ameri- 

denen wohl kanischen Fernsehwelt traten in den 

das schauspie- 

vier „Seasons", in der die kitschige, 

lerische Rüstzeug fehlte. Außerdem hatte man bereits 

blitzsaubere Familien-Pop-Saga von ABC 

die Hollywood-Aktrice und 

Oscar-Preisträgerin 

ausgestrahlt wurde, zahlreiche Gaststarsars 

Shirley Jones (1961 hatte sie einen Oscar als „Beste 

Nebendarstellerin" in dem Film „Elmer Gantry" 

erhalten) als Mama der Partridge-Sippe pflichtet. Nun, die Story: Eine verwitwete Mutter 

ver- 

in Erscheinung, darunter alle drei späteren „Charlie’s Angels" (Farah 

Fawcett, Cheryl 

Ladd, Jaclyn 

Smith), Jodie Foster, Richard 

Pryor, Louis Gossett Jr., Rob 

(Shirley Partridge) tritt auf Drängen ihrer Kinder 

Reiner, 

Countrystar Johnny 

mit ihnen als Popgruppe auf und tourt in einem 

Cash und Davy Jones von 

umfunktionierten Schulbus durch die Staaten. 

den 

Monkees, 

der ande- 

Dieses zwischen Vorstadt-Tristesse und 

ren, im Reagenzglas eines 

On-the-road-Leben changierende 

Marketingstrategen gezüch- 

Dasein bildet die Folie, auf der 

teten Fiktionsband. 

sich die Familienprobleme (oder 

Und ebenso 

sollte man sagen: Problemchen?) 

wie bei den 

entwickeln: Bruder-Schwester-ester- 

Monkees, 

die 

Zoff, Bruder-Bruder- 

auch auf Basis 

Streitereien, Mutter-Sohn- 

einer 

TV-Serie 

Kabalen, Mutter-Tochter-ter- 

groß 

wurden 

und 

dann 

Gezänk, Garagen-Romantikntik 

und Popruhm, Tourlebenen 

musikalisch 

Shirley Jones 

und Schulalltag, schö- 

reüssierne 

Frauen und grantligege 

ten, 

schrieb 

Manager, Pubertätsstress, 

man für die 

Verliebtheiten, Nickeligkeiten 

Partridge 

undsoweiter- 

Familie süß- 

undsofort. „Die Partridge 

liches, 

kalorienreicheselben 

Familie" bediente – nach dem- 

Muster wie später die 

Pop-Konfekt. 

singende Altkleidersammlung 

„I Think I Love 

namens Kelly Family – die 

You", der wohl 

Sehnsüchte Heranwachsender 

bekannteste 

Hit 

nach Nestwärme, Zusammenhalt, 

der TV-Popper, 

einer emotional stabilen und sta- 

stand 1970 18 

bilisierenden Familienarchitektur. 

Wochen 

lang 

Wenn dann noch ein gehöriger 

auf Platz eins 

Spritzer Pop und Glamour kommen und ein adretter, sau- 

notierte 

in 

Dave Madden 

dazu- 

der US-Charts, 

Trotz Haschisch-Konsum-Beichte und Sex 

berer, gut aussehender Töchter- 

mit Groupies wurde David Cassidy sein England in den Top 20 und schaffte es hier zu Lande 

und Schwiegermutter-Traum 

Saubermann-Image nie los ... 

bis unter die ersten 30. Insgesamt wurden, allerdings mit 

wie David Cassidy, dann gibt’s Foto: © Davids/Zill/Bildarchiv Hallhuber 

zunehmend rückläufigem Ergebnis, 89 Songs veröffentlicht, die 


Debüt-LP THE PARTRIDGE 

FAMILY ALBUM verkaufte 

sich millionenfach, belegte 

Platz vier der Billboard- 

Charts und erhielt einen 

glänzenden Goldüberzug. 

Dass mit Ausnahme von 

David Cassidy und Shirley 

Jones kein Castmitglied 

musikalisch wirklich aktiv 

war, änderte nichts an 

dem Erfolg des cleveren 

Konzepts. War auch vollkommen 

wurscht. Cassidy, 

für den die Partridge-Rolle 

Fluch und Segen zugleich 

war, startete dank seiner 

Rolle eine überaus erfolgreiche 

Solokarriere. Er war es auch, der 

sich gegen die Produzenten durchsetzte, 

als die von ihm verlangten, bloß die 

Lippen zu bewegen. Man entdeckte 

sein Talent und ließ ihn und Mama 

Shirley tatsächlich ans Mikro. 

Obwohl sich David Cassidy bereits 

1972 in einem „Rolling Stone"- 

Interview über das Saubermann-Image 

der Serie und seiner Rolle mokiert, und 

seine Fangemeinde als fast nackter 

Coverboy und mit Geständnissen über 

Haschisch-Konsum und Groupie-Sex 

schockiert hatte, blieb das Image des 

David Cassidy 

hübschen Bengels an ihm hängen. 

Selbst ein solcher Ausritt 

Susan Dey konnte dem Idol nichts anhaben, 

Cassidy bekam 30.000 

Fanbriefe täglich … Erst nach 

dem Aus der Erfolgsserie, 

deren Quoten ab 1973 erodierten, 

begann der Abstieg 

des Teenidols David Cassidy. 

Obwohl noch drei Jahre 

hintereinander, von 1973 

bis 1975, stolzer Gewinner 

des goldenen „Bravo"-Otto 

als beliebtester Sänger(!), 

scheiterten alle Versuche, 

in Amerika an den großen 

Partridge-Erfolg 

anzuknüpfen. 

Die Folge: Depression, 

Alkoholmissbrauch, 

das 

Danny Bonaduce Übliche ... Erst zehn Jahre 

später gelang „Darling David" (Buchtitel) das dringend notwendige 

Comeback, um seine leeren Haushaltskassen wieder einmal aufzufüllen 

und seiner teuren Pferdepassion weiter nachgehen zu können. 

Da war die Welt der Partridge Family noch in Ordnung. 

Mama Partridge (Shirley Jones) im Kreise ihrer Rasselbande. 


Jeremy Gelbwaks Die „Partridge Family" 

war zu ihrer besten Zeit 

wie der Zuckerguss auf 

einem Kuchen, lecker, 

aber eigentlich nicht 

wirklich nötig; wie ein 

Pflaster auf einer Wunde, 

die an der frischen Luft 

viel besser abheilen 

würde, beruhigend, aber 

überflüssig. Sicher ist – 

die singende TV-Familie 

(pro Folge zirka zwei 

Songs) hat den Boden 

bereitet für alle Teen- 

Soaps und Castingshows 

und groß angelegten 

Marketingcoups. 

Denn 

zur besten Zeit brachte deren 

Markennamen dem Sender 500 

Millionen Dollar Lizenzgebühr 

ein – für Humbug, den niemand 

braucht(e), Fans weltweit aber 

vor Glück quieken ließ. Spiele, 

Magazine, 

Spielzeuginstrumente, 

Pausenbrotdosen, 

Klamotten, 

Federmäppchen, Bücher, Badetücher 

– alles mit den Logos bzw. den 

Konterfeis der angebeteten Partridge 

People. Das man eine solche 

Verwertungskette nicht gerne reißen 

lässt, ist klar. Alle Versuche, 

diese mittelschwere Industrie wieder 

aufleben zu lassen, einmal in 

Form eine Animationsserie, dann 

2004 als „New Partridge Family" mit 

öffentlichem, vom Kabelsender VH1 

in Auftrag gegebenen Casting („In 

Search Of The Partridge Family"), 

blieben Versuche. Denn eines verkennen 

die Marketingstrategen gerne: 

Die ursprüngliche TV-Familie war 

zwar auch ein zusammengewürfelter 

Haufen, aber viele der Songs 

waren echte Pop-Ohrwürmer, und 

Jones, Cassidy und Dey Glücksfälle 

der Casting-Verantwortlichen. Das 

Ganze hatte Charme und Schmiss. Ich geb’s heute gerne zu – immer 

wenn meine kleine Schwester die Serie schaute, schaute ich mit. 

Und manche der klebrigen Pop-Schmonzetten kann ich bis heute 

mitsummen, wenn sie denn mal im Radio laufen. "I’ll Meet You 

Halfway", "Doesn’t Somebody Want To Be Wanted", "Breaking Up 

Is Hard To Do". Es gab (und gibt) weitaus schlechtere TV-Pop- 

Soaps, und wer nicht die DVD-Boxen mit den kompletten Staffeln 

besitzt – im Netz findet man alles, was das Fanherz begehrt. Und 

wie der ewig verlegene Hugh Grant in dem Kinohit „Vier Hochzeiten 

und ein Todesfall" gekonnt stammelt: „Mit den Worten von David 

Cassidy, ähm, als er noch bei der Partridge Familie war, äh, ‚I Think 

I Love You’." 

Die 70er Jahre waren auch in punkto Krimi eine sehr ertragreiche 

Zeit, Klassiker, wohin das Serienauge schaut – „Die Straßen von 

San Francisco" mit dem unruhigen Jungspund Inspector Steve 

Heller (Michael Douglas) und seinem zerknautschten, schon weisen 

Vorgesetzten Detective Lieutenant Mike Stone (Karl Malden), 

„Einsatz in Manhattan", „Detektiv Rockford – Anruf genügt", „Hawaii 

Five-0", „Petrocelli", „Der Chef", „Ihr Auftritt, Al Mundy" oder „Der 

Kommissar" mit dem unvergessenen Erik Ode. Doch das ist eine andere 

Geschichte, und die wird im nächsten kult! erzählt. 

Teddy Hoersch 

Fotos: © Davids/Bildarchiv Hallhuber

Spielzeugkataloge: 

Als fantasievolle Bilder Begierden weckten 

Vorfreude reude ist bekanntlich die schönste 

Freude. Man erinnere nere 

sich an die 

Kindertage, 

wenn 

Weihnachten hten 

oder der 

Geburtstag tag 

näherrückten. rückte 

en. Schon Wochen 

oder 

sogar 

Monate im Voraus war die 

Neugier auf die zu erwartenden ende en tollen 

len 

Geschenke enk groß. Und ein bisschen glaub- 

te man zu wissen, was da auf einen 

e 

zukommen 

könnte: nte: 

Unzählige Male hatte 

te 

man den Spielzeugprospekt eugp 

pek 

ekt von 

Vedes oder 

den Weihnachtskatalog h 

atal des ortsansässi- 

sä 

ss 

gen Kaufhauses uses 

durchgeblättert tert 

und 

angekreuzt, 

was man noch 

unbedingt ngt 

brauchte. 

Da a gab es das schnittige ige Kettcar, die Carrera- 

Rennbahn, welche einem eine Formel-1- 

Karriere zu offerieren schien, und für die 

Mädchen gab es sprechende Puppen mit einer 

Kleiderfülle, wie sie sonst nur Schauspielerinnen und Prinzessinnen 

hatten. Wer schon lesen und schreiben konnte, hatte vermutlich schon 

lange vor Weihnachten den dem Katalog 

meist beiliegenden Wunschzettel ausgefüllt. 

Logisch, dass der Zettel lang 

und länger wurde, so lang, dass weder 

die Eltern noch Oma, Opa und Tante 

Gretel alles kaufen konnten. Und dass 

es den Weihnachtsmann nicht gab, 

hatte man leider schon vor Beginn der 

eigenen Schulkarriere leidvoll erfahren 

müssen. 

Wer 2012 in ein Spielzeuggeschäft 

geht und sich die aktuellen 

Spielzeugkataloge anschaut, fragt sich, 

was aus den liebevoll gemachten kleinen 

Kunstwerken der 60er und 70er 

Jahre geworden ist. Mit Ausnahme von Lego und Playmobil gibt 

es kaum mehr aufwändig gestaltete Kataloge, in denen sich Fotos 

erstklassiger Fotografen befinden. Wenn es heute überhaupt noch 

einen Farbkatalog gibt, dann scheinen die Bilder von den Azubis 

zwischen Frühstücks- und Mittagspause geknipst worden zu sein. Für 

diesen Qualitätsverlust gibt es ganz sicher mannigfaltige Gründe. Der 

Preisdruck in der Spielwarenbranche ist einer davon, aber auch der 

Vormarsch der digitalen Fotografie hat dazu geführt, dass 

heute jeder mit einer guten Kamera glaubt, er 

könne ebenso gute Fotos machen. 

Allerdings war der Weg zu gut 

gestalteten und den kindlichen 

Nutzer faszinierenden und fesselnden 

Spielzeugkatalogen 

lang. Im 19. Jahrhundert 

hatten die 

Spielzeughersteller und 

Großhändler meist 

nur Muster bücher für 

ihre Handelsvertreter. 

Mit denen reisten 

diese durch das 

Deutsche Reich von 

Spielwarenhändler zu 

Spielwarenhändler und nahmen die Bestellungen auf. Wenn genug 

Aufträge zusammengekommen waren, wurden diese nach Nürnberg 

geschickt – zum Sitz der meisten Großhändler und 

Hersteller. Die Vertreter lebten auch damals schon von 

den Provisionen auf die verkauften Artikel. 

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden dann 

erste Händlerkataloge hergestellt, die in den 

Verkaufsräumen der Spielzeugläden zur Ansicht auslagen 

und in Ausnahmefällen auch mal an gute Kunden 

rausgingen. Erst in den 20er Jahren kamen verstärkt 

Kundenkataloge auf, die man nach Bezahlung einer so 

genannten Schutzgebühr mit nach Hause nehmen konnte. 

Am weitesten verbreitet waren Verkaufskataloge von 

großen Spielwarenhändlern und Kaufhäusern, die einen 

Überblick über das Gesamtsortiment boten. Noch aber 

wurden die Spielwaren einfach nur abgebildet, häufig 

war nicht 

einmal der 

Hersteller genannt. Die bedeutendsten 

Großhändler vertrieben 

die Spielwaren sogar 

unter ihrem eigenen Namen, 

was es den Sammlern heute 

oft nahezu unmöglich macht, 

alte Spielsachen genau einzuordnen. 

In den 50er Jahren erkannten 

Händler und Hersteller, r, 

dass sich mit einem optisch 

gut gemachten Katalog 

die Nachfrage steigern ließ. 

Besonders viel Wert wurde auf 

einen künstlerisch anspruchsvollen 

Umschlag gelegt, nicht selten engagierte 

man dafür bekannte Künstler. 

Bei Märklin gestaltete der bekannte 

Maler Hans Liska über Jahre die 


Titelseite, kein Wunder, dass gerade diese Kataloge bei den 

Sammlern heute hochbegehrt sind. Immer mehr wurde aber 

auch die Druckqualität gesteigert und mit dem Einzug des 

Farbdrucks in den 60er Jahren eine neue Stufe erreicht. 

In den 70er Jahren wurden von den Grafikern in den Spielzeugkatalogen 

dann manchmal ganze Spielwelten erschaffen, was der Fantasie 

der Kinder unendlich viel Nahrung gab. Manche dieser Bilder sind 

uns auch heute noch gegenwärtig, als habe man den Katalog gerade 

erst durchgeblättert: Eine große Märklin-Anlage mit der neuen 

Elektrolokomotive E03 im Vordergrund oder ein Kinderzimmer, das mit 

Tischkicker, umfangreich bestücktem Kaufladen und Legosteinen ausgestattet 

war. Alles natürlich akkurat aufgebaut und direkt zum Spielen 

einladend. Besonders kreativ war man damals bei Mattel. 

Die Figuren der 

Weltraumserie „Major 

Matt Mason" wurden immer im Einsatz auf dem Mond 

dargestellt, und welcher Junge wünschte sich nicht, die 

Abenteuer der Astronauten von Apollo 11 oder 13 nachzuspielen? 

Auch die Konkurrenz Mattels aus dem Hause 

Hasbro stellte die Mitglieder des „Action Team" grundsätzlich 

im Einsatz dar und weckte so die Begierde, diese 

Erlebnisse nachzuspielen. Hersteller von Plastikbausätzen 

wie Airfix oder Lindberg engagierten erstklassige Zeichner 

für die Katalogdarstellung. Die Bilder zeigten zwar nicht 

die Originalmodelle, setzten in die Köpfe der Kinder 

und Jugendlichen aber Bilder, wie die Modelle aussehen 

könnten. Selbst Hersteller so biederer Produkte wie 

Modellbahnhäuschen erschufen wahre Kunstwerke für ihre Ktl Kataloge. 

Noch heute schwärmen 50-jährige Männer von der „Rennanlage 

Nürburgring", die Faller über lange Jahre im Programm hatte. 

Vermutlich haben bei vielen heutigen Sammlern die Kataloge 

ihrer Kindheit oft einen größeren Eindruck hinterlassen als die 

Spielsachen, die sie selbst besaßen. Gerade jenes Spielzeug, das man 

damals wieder und wieder in den Katalogen betrachtete und aus 

welchem Grund auch immer nie bekam, ist heute besonders begehrt. 

Man denke nur daran, wie viele Kinder gerne ein Märklin-Krokodil 

oder einen Distler-Porsche 

besessen hätten, aber nie 

eine dieser Ikonen der deutschen 

Spielzeuggeschichte 

und Sinnbilder des deutschen 

Wirtschaftswunders 

bekamen, da sie den Eltern 

in 

der Regel viel zu teuer 

waren. Für Sammler sind alte 

Kataloge darum einerseits als 

Nachschlagewerk sehr interessant, 

um herauszufinden, was 

wann wo und zu welchem Preis 

verkauft wurde. 

iel wichtiger und vermut- 

öfter genutzt werden Vlich 

Spielzeugkataloge der 50er 

bis 70er Jahre aber, um einfach 

darin zu blättern und in 

Nostalgie zu schwelgen. Um sich 

an die Zeit zu erinnern, als man 

abends mit der Taschenlampe 

unter der Bettdecke stunden- 

lang 

den Weihnachtskatalog von 

Vedes auswendig lernte. Spannend wird es auch sein, wie die Spielsachen 

von heute in 30 oder 40 Jahren dokumentiert sind, auf die E-Mails und 

Internetseiten des Jahres 2012 wird man dann auf jeden Fall kaum mehr 

zugreifen können, und Kataloge aus Papier 

gibt es ja leider nicht mehr so viele. 



MARTIN BÖTTCHER 

Von Alan Tepper 

Er gehört zu den ganz Großen der Filmmusik und wird in einem 

Namenszug mit internationalen Koryphäen wie Henry Mancini oder 

Ennio Morricone genannt. Martin Böttcher hat durch seine Melodien 

nicht nur die unvergesslichen Karl-May-Filme begleitet und sie zu 

Kultstreifen gemacht, er schrieb auch zahlreiche Themen für die 

Edgar-Wallace-Klassiker, 

" Derrick", Der Alte", die auf May basierende 

Serie Kara Ben Nemsi Effendi", Es muss nicht immer Kaviar 

" " 

" 

sein" und das Sonderdezernat K 1". 2004 wurde Böttcher für sein 

" 

Lebenswerk das Bundesverdienstkreuz am Bande verliehen – eine mehr 

als gerechtfertigte Auszeichnung. Doch Ehrungen können die Magie der 

Kompositionen des vor Energie übersprudelnden 85-Jährigen nur im 

Ansatz widerspiegeln. Der größte Verdienst Böttchers liegt darin, dass 

er die Menschen mit seinen multidimensionalen Klanglandschaften verzaubert, 

inspiriert und glücklich gemacht hat. 

Herr Böttcher, Sie sind in Berlin 

Titel „Putzke will es wissen", der 

aufgewachsen und stammen 

von einem einfachen Mann aus 

aus einer musikalischen Familie. 

dem Volk handelt, der sich mit dem 

Zuerst beschritten Sie aber 

Finanzamt auseinandersetzen muss. 

andere Wege ... 

Schon seit frühester Jugend begeisterte 

Grob lässt sich Ihr musikali- 

mich die Fliegerei, und ich 

sches Werk in Dokumentar- 

absolvierte alle nur erdenklichen 

und 

Industriefilme, 

Flugscheine. Bei der Wehrmacht 

Kinofilme, 

Kompositionen 

strebte ich die Laufbahn eines 

für Einzelinterpreten wie 

Testpiloten an, doch glücklicherweise 

zum Beispiel den unvergess- 

ging das Kerosin aus, so 

lichen Hans Albers und 

dass man mich nicht einsetzte. 

Auftragsarbeiten für das 

Ich wurde Fallschirmjäger. Nach 

Fernsehen unterteilen. Wann 

einer Verwundung kam ich in 

Swingend-lässig-locker 

ging es mit dem Kino los? 

Kriegsgefangenschaft und übte dort 

Der Produzent Artur Brauner verpflichtete 

wie ein Wahnsinniger Gitarre. Unmittelbar nach der Entlassung ging es 

nach Hamburg. Dort stieg ich in das Orchester von Willy Steiner ein. t mich 1955 für den Film „Der Hauptmann und sein Held". 

Großen Erfolg hatte dann ein Jahr darauf „Die Halbstarken", der den 

Bundesfilmpreis 1957 gewann. In meiner Band spielten unter anderem 

Ernst Mosch an der Posaune und Hansi Last am Bass. Danach häuften sich 

die Angebote. Meine Auftraggeber schätzten die Geschwindigkeit, in der 

ich arbeiten konnte. Da wurde nicht lange gefackelt. Ich habe mich mit 

dem Projekt beschäftigt, die Musik geschrieben und bin einige Tage darauf 

ins Studio gegangen, um die Stücke mit dem Orchester einzuspielen. 

Ihre Karriere kam ins Rollen, als Sie Gitarrist beim NDR 

wurden. Stammt aus in dieser Lebensphase Ihr ausgeprägtes 

Melodieempfi nden? 

Der Jazz und allgemein die amerikanische Musik haben mich zur 

Improvisation angeleitet. Ich empfand diese Zeit als außerordentlich 

hilfreich, denn als Studiogitarrist musste ich mir von einem Moment 

zum anderen verschiedene Melodien einfallen lassen. Da oftmals 

Klangeffekte gefragt waren, konzentrierte ich mich auf die so genannten 

Gitarrentrickaufnahmen und wurde zu einem Soundbastler. Meine 

Arbeit brachte mir den zweiten Platz im deutschen Jazz-Poll ein. 

Ab 1954 arbeiteten Sie fast nur noch als Komponist, 

Arrangeur und Orchesterleiter. Wie kam es zu diesem 

Wandel? 

Als Gitarrist musste ich pro Tag nur zwei Songs einspielen, 

was mich nach einiger Zeit langweilte. Ich war zwar 

beim NDR gut abgesichert, doch ich wollte mehr erreichen. 

Meinen ersten Kompositionsauftrag absolvierte ich für das 

Bundesfinanzministerium. Es war ein Dokumentarfilm mit dem 

Sie hatten auch die Ehre, für Hildegard Knef zu komponieren 

und sogar mit Romy Schneider zu arbeiten ... 

Ich habe 1958 unter anderem mit Romy den 

Titel "Merci Monpti" eingespielt. Sie war ein 

liebenswürdiges, fleißiges Mädchen und damals 

noch ein wenig schüchtern. 

Ich verfolgte 

mit Begeisterung ihre 

Filmkarriere in Frankreich. 

Romy legte eine unglaubliche 

Entwicklung als 

Charakter-Darstellerin 

Jugendjahre der Stars 

hin. 

© Pressefotos 


Wissen Sie eigentlich, wie viele 

Kompositionen Sie kreiert haben? 

Oh, nein – ich habe sie noch nicht 

gezählt, schätze aber, dass es einige 

Tausend sind. Es waren ja nicht nur 

die Stücke an sich, sondern auch 

Klangfragmente, die in einem Film 

eingesetzt wurden, um bestimmte 

Spannungsbögen zu untermalen. 

Ihr Kollege Peter Thomas, 

der Schöpfer der Melodie zur 

Raumpatrouille", wurde neben 

" 

den Beiträgen zu den Jerry 

Cotton"-Filmen oft mit den " 

kultigen Edgar-Wallace-Streifen in 

Verbindung gebracht. Sie haben da aber auch mitgemischt ... 

Ja, aber nicht in dem Umfang wie Peter, mit dem ich heute noch gerne 

telefoniere. Ich habe unter anderem „Der Fälscher von London" und „Der 

Edgar-Wallace-Filme mit Martin Böttchers Musik 

Der Fälscher von London (1961) 

Das Gasthaus an der Themse (1962) 

Das Phantom von Soho (1963) 

Der schwarze Abt (1963) 

Das Ungeheuer von London-City (1964) 

Der Mönch mit der Peitsche (1967) 

Die blaue Hand (1967) 

schwarze Abt" geschrieben. Horst Wendlandt, 

d 

Chef der Rialto-Film, beauftragte mich mit der 

Musik. Neben den Melodien an sich experimentierten 

wir damals mit Klangeffekten und haben uns ständig etwas 

Neues einfallen lassen, um die Zuschauer zum Gruseln zu bringen. Es 

Hier passt 

jeder Ton 

gab kaum technische Möglichkeiten, und 

so 

ließen wir nichts unversucht. Ich habe 

in 

dieser Zeit sehr viel über Klänge und 

Soundmöglichkeiten gelernt, was mir später 

zugute kam. 

Auch heute noch verblüfft die ausgezeichnete 

Klangqualität der 

Aufnahmen ... 

Wir haben auf Schnürsenkeln aufgenommen 

(Bezeichnung der Bänder, die tatsächlich 

so breit wie Schnürsenkel waren, 

Anm. d. Autors). Uns standen noch keine 

Mehrspurgeräte zur Verfügung, und so mus- 

sten 

wir 

live aufzeichnen. n Aus 

Hamburg kam der Ansatz der geschickten 

Mikrofon-Platzierung. Eigentlich wurde nur ein Mikro über dem Orchester 

aufgehängt. Um die Lautstärkeverhältnisse der Instrumente untereinander 

zu regeln, mussten sich die von Natur aus kräftigeren Instrumente, zum 

Beispiel Bläser, weiter nach hinten setzen und die leiseren näher an das 

Mikro rücken – das war die Lösung aller Probleme. Die Streicher nahmen 

wir meist danach auf, da sie schwer einzupegeln 

waren. Bei den Karl-May-Filmen nutzten wir 

manchmal zusätzliche Mikrofone, aber trotzdem 

lief alles sehr schnell. Die Aufnahmen waren 

nach einen Tag im Kasten, selten wurde noch 

ein halber Tag drangehängt. Ich bin kein Freund 

langer Studiosessions. Wenn man die richtigen 

Musiker hat, wird das Stück einmal geprobt und 

danach direkt aufgenommen. Muss man es zu 

häufig wiederholen, wird es lahm und verliert 

seinen Reiz. 

Stichwort: t Karl May. Mit der Musik zu diesen Filmen erlangten 

Sie Weltruhm und erreichen heute noch – 50 Jahre nach der 

NEU!!! 


www.sonymusic.de 

Erhältlich bei:

Karl-May-Filme mit Martin Böttchers Musik 

Der Schatz im Silbersee (1962) 

Winnetou 1. Teil (1963) 

Der Schut (1964) 


Unter Geiern (1964) 

Der Ölprinz (1965) 


Old Surehand (1965) 

Winnetou und das Halbblut Apanatschi (1966) 

Winnetou und Shatterhand im Tal der Toten (1968) 

Erstaufführung von Der Schatz im Silbersee" – ein Riesenpublikum, 

das von der Schönheit " 

der Melodien begeistert ist ... 

Ich bekam einen Anruf von Horst Wendlandt, der meinte: „Martin – wir 

machen was Neues – Karl May." Ich entgegnete ihm: „Oh je, da habe 

ich ja gar keine Ahnung. Ich habe ja noch nicht 

mal ein Buch gelesen." Er schickte mir dann einige 

Muster. Ich sah Pierre Brice und Lex Barker, die 

durch die Steppe ritten, und war sofort von den tollen 

und gestochen scharfen Bildern angetan. Dann 

setzte ich mich ans Klavier, und schon hatte ich das 

Grundthema, von dem ich Horst am Telefon acht 

Takte vorspielte. Sein Kommentar war knapp und 

bündig: „Das ist es!" Dann machte ich mich an die 

Arbeit und schrieb die gesamte Filmmusik, stoppte 

die Zeit, die für die Instrumentaleinsätze vorgesehen 

war, und suchte nach geeigneten Stimmungen. Ich 

habe die Musik zum „Silbersee" auf einem etwas 

altersschwachen Flügel komponiert, der heute im 

Steigenberger Parkhotel in Radebeul steht. Die 

Titelmelodie, die „Old Shatterhand Melodie", wurde 

als Single auf den Markt gebracht und platzierte 

sich hervorragend in der Hitparade. Ich bin immer 

wieder erstaunt, wie viele ältere Herrn mir noch schreiben und darüber 

berichten, wie die Musik ihre Jugend prägte. Aber es gibt auch junge 

Fans, die sich für die Melodien begeistern – besonders Musiker, die auf 

der Basis der Kompositionen Cover-Versionen aufbauen. 

Man muss 

Kompromisse se schließen und – ganz wichtig ig 

– auch mal 

den Kopf einziehen können. 

Zu Ihrem 85. Geburtstag haben Sie sich einen 

persönlichen Wunsch erfüllt und ein 4-CD-Boxset 

zusammengestellt ... 

Mir war es wichtig, gleichzeitig einen repräsentativen 

Querschnitt meiner Musik zu präsentieren, aber 

auch einige weniger bekannte Stücke wieder aus der 

Versenkung zu holen. Ich hatte glücklicherweise von der 

Firma Warner Brothers freie Hand bekommen und konn- 

te mich so „austoben". Die Box ist eine tolle Ergänzung 

zu den wunderschönen Editionen wie „Wilder Westen 

– Heißer Orient", einer 8-CD-Ausgabe mit einem fast 

200 Seiten starken Buch, die das Spezialisten-Label Bear 

Family auf den Markt gebracht hat. 

Haben Sie schon Pläne für die Zukunft gemacht? Gibt es neue 

Projekte? 

Im Moment arbeite ich an keinen konkreten Aufträgen. Ich lasse mich 

mal überraschen, was da so auf mich zukommt. 

Es ist ein Phänomen, dass die Karl-May-Filme, für die Sie komponiert 

haben, zum Beispiel die Winnetou-Trilogie und sogar 

Ihre vorletzte Arbeit im Themenzirkel May, Winnetou und 

Shatterhand im Tal der Toten", eindeutig zu den erfolgreicheren 

" 

Streifen zählen, während Old Shatterhand" von 1964 oder die 

in Südamerika spielenden " 

Der Schatz der Azteken" und Die 

Pyramide des Sonnengottes" " 

(beide 1965) zu den schwächeren " 

Adaptionen zählen ... 

Lassen Sie das bloß nicht die Kollegen hören! Ich persönlich führe das 

auf die Chemie der Menschen untereinander zurück. Wir arbeiteten 

alle aus dem Bauch heraus und hatten viele Freiheiten – das sind 

ideale Voraussetzungen für Künstler. Es passte einfach, wir beeinflussten 

uns gegenseitig und schufen zusammen ein Gesamtwerk, an das 

man sich gerne erinnert. Erst kürzlich, vor der Premiere des Karl-May- 

Festivals in Bad Segeberg, kürte man mich zum Ehrenhäuptling. Die 

Geschäftsführerin Ute Thienel überreichte mir eine Urkunde auf Leder 

und einen prachtvollen Federschmuck. Im März dieses Jahres fand 

in Berlin ein großes Karl-May-Festival statt, bei dem ich meine alten 

Freunde wiedertraf. Pierre Brice war gekommen, und auch Mario Adorf 

zählte zu den Gästen. Neben einer Autogrammstunde gab es Vorträge, 

die Uraufführung einer TV-Dokumentation von Cordula Kablitz-Post 

und Diskussionen mit den Fans. Ich habe den Abend sehr genossen. 

In Zeiten, in denen Scheidungen zum 

ganz normalen Alltag gehören, stellt 

Ihre Ehe ein Novum dar. Sie sind mittlerweile 

seit vielen Jahren mit der in den 

50ern sehr erfolgreichen Schauspielerin 

Anneliese Kaplan verheiratet. Gibt es da 

ein Geheimrezept? 


MARTIN BÖTTCHER 

Die 85 größten Film- und TV-Melodien 

Von Martin Böttcher anlässlich seines 85. 

Geburtstages eigens zusammengestellt, enthält 

die 4-CD-Box einen Querschnitt seiness 

Schaffens. Die erste CD ist allein den Karl-May- 

Filmen vorbehalten. Das Spektrum reicht hier 

von Titeln aus den Klassikern wie Der Schatz 

" 

im Silbersee" über Winnetou I–III" bis hin zu 

" 

dem weniger bekannten Winnetou und das Halbblut Apanatschi". Der 

" 

zweite Silberling enthält entweder populäre Einspielungen ("The Good, 

The Bad And The Ugly" oder "High Noon") oder Eigenkompositionen 

( Pater Brown Thema" oder Endstation Liebe"). Auf der dritten CD 

" " 

dreht sich fast alles um das reichhaltige Werk Böttchers, das er zu 

Krimis beisteuerte. Von Melodien aus Sonderdezernat K1" über 

" 

Derrick – Ein Koffer aus Salzburg" bis hin zur kultigen Titelmusik 

" 

aus Es muß nicht immer Kaviar sein" kann sich der Hörer von unterschiedlichsten 

Arrangements und Melodien verzaubern lassen. Auf der 

" 

abschließenden CD ist ein zeitlicher Querschnitt von Edgar Wallace 

(Titelmusik aus Der Fälscher von 

London") 

n") 

" 

über Evergreens 

("Guantanamera") 

bis zum Forsthaus " 

Falkenau" zu finden. 

In dem 16-seitigen 

Booklet wurden 

Quellenangaben und 

eine kurze Biografi e 

berücksichtigt. 

Autogrammadresse: 

Martin Böttcher 

c/o I. Bernasconi 

Lungolago P. Roncaioli 63 

CH 6827 Brusino Arsizio/Tessin 

(Autogrammanfragen nur per Post! 

Bitte einen selbst adressierten 

Rückumschlag und einen internationalen 

Antwortschein beilegen.)

Kaugummibilder 

Vom Karl-May-Motiv 

zum 2.0-Straßenschick 

Ob in Drageeform oder als Streifen: Der Kaugummi ist in allerler 

Munde. Pflegebewusste Menschen kauen den, der die Zähne reinigen 

soll. Nikotinsüchtigen dient die zumeist weiße Masse als Mittel, 

um gegen ihr Laster anzukämpfen. Gegen Mundgeruch soll er 

helfen, auch die Konzentration beleben. In der modernen Zeit wird 

Kaugummi (die Artikel der" und das" sind laut Duden gleichsam 

" " 

möglich) gern als modernes Hilfsmittel gegen oder für was auch 

immer angesehen. Heutzutage achten Käufer auf Zuckerfreiheit und 

möglichst wenig Zusatzstoffe. Im Gegensatz zu früher, denn da 

haben Leute jeglichen Alters beim Kaugummikauf vor allem 

auf eines geachtet: das richtige Bildchen zu erwischen. 

K 

augummibilder wurden spätestens in den 60er und 

70er Jahren zu absoluten Rennern. Mal waren sie 

um die runde oder längliche Masse gewickelt, mal 

in Verpackungen mit hineingeschoben. 

Auf Geschmacksrichtungen legten die 

Bildsammler weniger Wert. Durften sie 

angesichts mancher Sorten auch nicht. 

Viel interessanter war ja das, was nach dem 

Kauf geschah. Vorsichtig musste das silberfarbige 

oder bunte Glanzpapier geöffnet 

werden. Schließlich durfte das Bild nicht 

zerreißen oder knicken. Die Spannung stieg mit jedem weiteren Griff, 

der das Motiv ein wenig mehr durchblicken ließ. Dann war es endlich 

da. Und je nach Bild konnte es wahre Freudenstürme auslösen. Heiß 

begehrt waren Szenen aus Western mit Revolverhelden 

oder Indianern. Häufig stammten die Aufnahmen aus 

relativ aktuellen Filmen, die bereits im Kino liefen. 

„Goldrausch in Kalifornien" zum Beispiel oder „Der 

Mann aus dem Westen". Nicht nur die wichtigsten 

Hauptdarsteller blickten den Betrachter mit ernsterr 

Miene an. Ganze Saloons und Westernstädte waren 

auf den kleinen Bildchen zu sehen, die der Form 

einer Briefmarke ähnelten. Daneben setzte die 

Pinneberger Firma OK Kaugummi GmbH auch auf 

Mord- oder Kampfszenen, die – am Set fotografiert 

– auf das glatte Stück Papier gedruckt worden sind. 

Beliebt waren vor allem bei den Jungs von 

den Wild-West-Motiven die „Rothäute": 

Indianer in ihrer für Filme wie Winnetou 

und Co. typischen Kluft mit vielen Fransen 

und Musterbordüren, die mit grimmigemm 

Gesichtsausdruck samt Lanze in der Hand in die 

Ferne schauten. Manches Bild zeigte sie auch 

vertieft in Gespräche – wahrscheinlich über 

den nächsten Schachzug im Kampf gegen die 

„Weißen". Auf dem nächsten Motiv saß der 

Häuptling beinahe meditierend im Schneidersitz 

vor seinem Tipi, einer allseits beliebten Filmkulisse, 

und ließ Rauchzeichen auftsteigen. Wer den OK's Big 

Bub Bubble Gum kaufte, bekam nicht nur eine Sorte 

mit langem, ulkigem Namen, sondern grundsätzlich 

eine begehrte visuelle Überraschung dazu. 

Mit dem Auswickeln des klebrig-süßen 

Kaugummis entschwand man schnell 

in 

eine Welt voll Fantasie. Die 

Bildchen regten zum Träumen an, oder sie 

riefen die schon im Kino gesehenen Filme wiederer 

ins Gedächtnis zurück. Das Kaugummi auspacken 

war eine Philosophie, eine kleine Entdeckungsreise. 

Es lief so zaghaft ab, wie 

heute 

leidenschaftliche 

Vinylhörer ihre Platten auf den Spieler 

legen. Es sollte ja nichts kaputtge- 

hen. Und hatte der Käufer mal das 

Pech, an ein Kaugummibild zu 

geraten, das er schon besaß, 

wurde kurzerhand das nächste 

Stück Gummi gekauft. Aber 

das nun doppelte Bild wurde 

natürlich nicht weggeworfen. 

Im Gegenteil: Es wurde 

rege getauscht, vor allem wahre 

Sammler konnten ja nie genug 

haben. Die Gleichgesinnten trafen 

sich in den heimischen (Kinder-) 

Zimmern und auf der Straße und breiteten t ihre Kollektionen 

stolz auf Teppich oder Bürgersteig 

aus. 

Und es wurde geschachert. Der 

eine hatte ein Bild, das der 

andere seit Wochen versuchte zu 

bekommen. 

Der nächste 

wollte 

die 

Sammlung in 

eine 

bestimm- 

te Richtung 

lenken, 

zum 

Beispiel nur Cowboybilder. So 

tauschte oder verkaufte er jegliche anderen Motive, die 

nicht seinem Gusto entsprachen. Und der ein oder andere legte auch Wert 

darauf, nur Motive einer bestimmten Marke zu besitzen. 

Die Leidenschaft der Halbwüchsigen, die Bildchen aus den 

Packungen zu sammeln, löste einen Boom unter den verschiedenen 

Herstellern aus. Wer beim Publikum in sein und genügend 

Absatz machen wollte, der musste früher oder später statt ollen Papiers 


unte „Beilagen" benutzen, um den „chewing gum" zu umwickeln. 

In den 50er Jahren ging es los mit naheliegenden Darstellungen. Der 

unter Abenteuer suchenden Knirpsen hochgeschätzte Karl May durfte 

zum Beispiel nicht fehlen. 1954 prangten Motive von Carl Lindeberg 

auf den Kaugummizugaben einer Hamburger Firma, Marke „Bubble 

Gum". Die tollen, großen Blasen, die mit den Kaugummis entstanden, 

waren zwar abgefahren, aber selbstredend sehr viel weniger spannend 

als die Abbildungen des jeweiligen Idols. Durch den Erfolg dieser Aktion 

wurde hauptsächlich in den 60er Jahren die Karl-May-Kollektion ay-Kollektion erweitert 

um Szenenausschnitte von den gleichnamigen 

Festspielen, die seit 1952 im Kalkbergstadion 

in Bad Segeberg (Schleswig-Holstein) aufgeführt 

werden. Richtige Serien entstanden damals rund 

um „Der Schatz im Silbersee", „Old Surehand" und 

„Unter Geiern". Der Clou: Es waren Farbfotos. Für 

die Zeit vielleicht keine absolute Seltenheit mehr, 

doch bedenkt man, dass selbst Zeitschriften noch 

Schwarzweiß-Seiten druckten und (deutsche) 

Filme in den 60er Jahren oft noch 

ohne Farbpigmente über den Bildschirm 

flimmerten, war das für so kleine Gimmicks 

in Kaugummipackungen ein Hit. Ganze 

Sammlerreihen konnten so entstehen, wo 

meist noch die Motive in selbst angelegtenn 

Bänden eingeklebt wurden. Die obligatorischen 

Sammelbücher, die es gleich 

passend zu den Bildchen zu erwerben 

gab, wurden erst einige Zeit später zu 

gängigen Verkaufsschlagern. 

Eine andere Sammelleidenschaft als 

Indianer und Cowboys hatte, wer 

abends vom Bolzplatz heimkehrte. Dann 

guckte man sich seine Vorbilder nicht in 

der Zeitung an, sondern legte sich die 

Kaugummibilder der Fußballstars nebeneinander. 

Zumindest wenn man Fan von 

Eintracht Frankfurt war, dem Deutschen 

Meister von 1959. Passend zu diesem 

Erfolg erschien bei den bereits erwähnten 

OK Kaugummis 1960 eine stilvolle 

Reihe von Bildern, die den Kaugummis beigelegt waren. Nach Art einer 

Autogrammkarte war die gesamte Frankfurter Kicker-Elf abgedruckt, mit 

Unterschriften und winzig kleinen Beschreibungen neben den Fotos. 

All das steckte in einem Kaugummi-Set. Auch Spieler in Siegerpose mit 

Pokal oder Motive mit Zweikämpfen und gekonnten Balltricks wickelten 

Sammler bald aus den Kaugummis heraus. 

Mitte der 60er Jahre begann 

die Münchner Americana, 

eine hauptsächlich auf die Produktion 

von Kaugummis spezialisierte Firma, 

die geschmacksintensive Masse mit 

Beilage zu verkaufen. Einige Jahre gab 

es die Wickelbilder, nach einer kurzen 

Unterbrechung folgten weitere Fotos. . 

Die Nachfrage war einfach zu groß. Mit 

den 70er Jahren wurde die Qualität der 

Bildchen professioneller. So brachte Americana die Motive 

sogar im Einzelverkauf heraus. Design und Format waren 

zum Teil gleich, gec nur wickelte wc ete man die de Bilder besagter 

Firma 

nicht 

mehr aus den 

Verpackungen 

aus, 

sondern 

kaufte sie in Tüten, 

wo 

unterschiedliche 

Darstellungen 

zusammengefasst 

waren. Gerade die 

so begehrten Fußballstars 

wurden 

hochwertiger 

abgebildet. Die Fotosos 

drohten nicht mehr 

gleich zu zerreißen; 

dank der Pappe, die den 

Bildrücken stärkte. Wie heutzutage die Fotos 

der WM-Helden, die auch in Supermärkten für 

entsprechende Einkaufssummen ausgegeben 

werden, wollte man damals eine ganze Serie 

seiner Mannschaft aufbauen. 

Natürlich kam auch dann 

wieder der große Tausch 

zustande, denn doppelte 

Motive waren weniger 

gefragt. Für eine bessere 

Übersichtlichkeit 

gaben 

die Händler, anfangs 

noch gratis, Sammelalben 

aus, in denen die 

Kaugummibilder 

Einzug hielten. So ließen iß sich ih 

die eigenen Schätze prima vor 

anderen Sammlern präsentieren. 

Americana legte aber neben Alben 

für Fußballer ein Augenmerk auf 

Spezialgenres. Die beliebte 

Kindertrickserie 

„Biene 

Maja" erhielt eine eigene 

Reihe, genauso wie zum 

Beispiel 

das 

Motto Technik. 

Hierbei 

wurden 

Kutschen, 

Dreiräder, 

Dampf bügeleisen 

und andere 

Wunderwerke 

der Zeit verewigt. 

Vervollständigt wurden die 

Darstellungen mit Erklärungen. Etwa bei den süßen Figuren der 

Trickserie, also Maja, Willi, Grashüpfer Flip und Co., wo unter den 

Bildern in kurzen Sätzen etwas zur Szene stand. Oder bei den 

Maschinen und Geräten, auf denen hinten längere Informationen zu 

Erfinder und Nutzen standen. Für die auf Kaugummibildern verewigten 

Personen war dieser Fakt ein Zeichen großer Popularität. Ob nun 

Schauspieler oder Sportler – wer im Kaugummi steckte, konnte sich seines 

Ruhms sicher sein. Je nach Marke und Zeit war bekannt – ähnlich 

heute die Strategie bei den Überraschungseiern –, welche Motivserie 

sich aktuell horten ließ. 

I 

n Westdeutschland waren die Kaugummibilder längst 

wichtiger Begleiter von Kindheit und Jugend, als 

die Erfindung auch in der DDR Einzug hielt. Dort waren 

Kaugummis von „drüben" allein schon ob ihres Geschmacks, 

ihrer Konsistenz und der bunten Farben eine begehrte 

Delikatesse. Die bebilderten Beilagen machten 

das Ganze aber noch wertvoller. Wer 

nicht mit Westverwandschaft gesegnet war, 

kam nur durch kostenintensiven Einkauf 

an seine Idole aus der Kaugummi-Packung: 

auf dem Schwarzmarkt des Schulhofes oder 

hinterm Wohnblock, wo Spielkameraden – 

die mit Westverwandschaft – die bunten 

Zettel feilboten. Im Gegensatz zu den 

Kaugummis aus dem Westen, die meist 

weich waren und den Geschmack einige Zeit behielten, kamen die DDR- 

Versionen vergleichsweise holzhart daher. Viele hatten eine quadratische 

Form, waren lieblos in Silberpapier eingewickelt und bestanden 

aus nicht näher definierbaren Zutaten, die bestenfalls krachsüß waren, 

mit den fruchtigen Kaugummis im Westen aber nichts gemein hatten. 


Als die DDR-Wirtschaft erkannte, dass Kaugummibilder unter jungen 

Leuten enorm gefragt waren, sollte eine Lizenzversion der OK-Produkte 

auf den Ost-Markt kommen. „Big Babaloo" hieß die Serie. Motive, 

die in den 70er und später 

auch 80er Jahren in 

der BRD gefragt waren, 

wie etwa Disneyfiguren 

und Asterix und Obelix, 

sollten jedoch nicht auf 

Kaugummibildern der DDR 

prangen. Ein eigener 

Künstler, in der DDR 

heimisch, musste kreativ 

werden. Die bereits 

bekannten Comics von 

Jürgen Günther waren 

der FDJ genehm. Er 

hatte sich bei einer 

Ausschreibung durchgesetzt und zwar mit 

seinen Geschichten ht um „Otto und Alwin", zwei befreundete Zootiere. 

Otto war dabei ein grüner Orang-Utan, der mit Pinguin Alwin allerhand 

Abenteuer und Späße erlebte. Die Geschichten der niedlichen Zoo- 

Genossen wurden auf Strips für die Kaugummis herausgebracht. Jeder 

Strip hatte mehrere kleine Bildchen mit Sprechblasen. Ganz nach dem 

Muster eines Comics eben. Gut 50 dieser Bildergeschichten, die Jürgen 

Günther in Windeseile entwickelt hatte, wurden gedruckt und mit den 

Kaugummis veröffentlicht. Da es eine Lizenzproduktion war, waren die 

Motive nicht nur damals, sondern sind bis heute noch bei Sammlern 

äußerst begehrt und sehr wertvoll. 

Kaugummibilder wurden spätestens mit den 70er Jahren zunehmend 

verspielter. Statt Szenen aus Western- und Indianerfilmen 

waren Trickszenen und deren bekannte Figuren die Verkaufsrenner. Das 

zog sich teilweise bis in die 90er Jahre hinein. Vor allem bei der Kölner 

Marke Hitschler, die die bunten Kugeln entsprechend einwickelte. Neben 

Motiven mit dem Pink Panther in Aktion – mal, wie das tollpatschige 

Tierchen auf die Schnauze geplumpst war, mal, wie Paulchen Panther den 

Schirm aufspannte, weil über ihm die Blumen so ausschweifend gegossen 

wurden – gab es eine weniger definierbare Figur namens Pilly, die doch 

schon etwas kitschiger wirkte. 

I 

n den letzten zwei Jahrzehnten des 

20. Jahrhunderts wurde nebenn 

Sammelbildern ein weitreichender Trend rund 

um die Kaugummis geboren: abwaschbare 

Tattoos, die innen in 

das 

Kaugummipapier 

gelegt waren. Plötzlich 

zierten in den 80er 

und 90er Jahren bunte 

Bildchen und obskure, 

schwarze Motive 

dünne Kinderärmchen. 

Monster aus Trickserien, 

Indianerköpfe 

oder das Gesicht von 

Micky Maus klebten 

auf Oberarmen und am Handgelenk. Mädchen 

wie Jungen fühlten sich damit mindestens so 

cool und erwachsen wie ihre großen – natürlich 

echt tätowierten – Idole. Kaum war das begehrte 

Motiv zur Hand, floss das Wasser aus dem Hahn, 

um das Abziehbild ausreichend zu befeuch- 

ten. Hatte man das nämlich 

nicht gemacht oder etwa nicht 

geduldig genug beim anschließenden 

Drücken auf die Haut 

gewartet, so konnte das schöne 

Bildchen schnell hin sein: 

Entweder haftete es gar nicht 

auf der Haut oder löste sich 

nur halb vom Zettel. Ein echtes 

Ärgernis. Bei geglückter 

Mission verließen die Kinder 

völlig selig das Waschbecken. Nichts 

wie raus zu den Freunden und 

angeben. Und nicht nur da wurde 

es mit auffälligem Armwedeln und 

hochgerollten T-Shirt-Ärmeln präsentiert. 

Auch Eltern und Lehrerr 

sollten das Bildchen ja nicht über- 

sehen. Ein bisschen 

Rebellion 

steckte 

nämlich allemal l in dieser Aktion. Da 

die Tattoos jedoch unnatürlich glänzten, 

schnappte man sich am besten Mamas 

Gesichtspuder und tupfte die Stelle ab. Schon 

sah es wie echt aus. Für Wechselfreudige, die 

am liebsten jeden Tag mit neuem Motiv 

auftrumpfen wollten, gab es angesichts 

stark klebender Bilder nur einen Weg: Statt 

schmerzvoller, harter Bürste und Wasser (was 

meist eh nicht funktionierte) konnte man 

zu purem Alkohol oder Baby-Öl greifen, und 

schwupps war das nun lästige alte „Tattoo" too" 

verschwunden. 

Heutzutage sind Bilder in Kaugummis längst keine gängigen 

Beigaben mehr. Dafür hat der Begriff „Kaugummibilder" in 

den letzten Jahren eine etwas abgewandelte Bedeutung bekommen: 

Zumindest für den 

britischen Künstler 

Ben Wilson in 

den Straßen von 

London. Sieht er 

einen achtlos auf 

die Pflastersteine 

gespuckten Kaugummi, 

so zückt er 

Farbe und Pinsel, 

kniet nieder und 

Der Londoner Künstler Ben Wilson 

verschönert ausgespuckte 

Kaugummis auf den Straßen. 

malt die weiße Kaumasse an. 

Die fertigen Werke ähneln 

runden Stempelmotiven, 

die an Einfallsreichtum und 

Detailgenauigkeit kaum zu 

überbieten sind. In den 

vergange- 

genen 

acht 

Jahren hat er mehr als 

8000 Mal den Gummi- 

Müll verschönert. Mag 

der Gedanke, den mit 

Spucke durchgekauten 

Kaugummi aus fremdem 

Mund anzumalen, für 

die 

meisten eklig erscheinen, so kommt die 

Verschönerung des Straßenbilds bei Einheimischen und Touristen 

durchaus gut an. Kaugummibilder 2.0 also. 

Claudia Tupeit 


Russ Meyer 

Von Thorsten Pöttger 

Eva, Erotik 

und Eruption 

" Busenfetischist", " Walt Disney der Sexfilme", " Fellini vom Lande", " Ein-Mann- 

Filmfabrik" – es gibt viele Synonyme für den amerikanischen Autorenfilmer. 

Keines von ihnen trifft völlig zu, aber jedes hat einen wahren Kern. Im tiefen Tal 

der Füchsinnen, Satansweiber und Superhexen beginnt die nicht ungefährliche 

Suche nach einem wahren Autorenfilmer, der mit Vorliebe nicht nur portionierte weibliche Körper, sondern vor allem sämtliche Fäden bei der 

Produktion seiner Filme in den Händen 

wohlpro- 

hielt. 

Russel Albion Meyer wurde am 21. März 1922 in Oakland, 

Kalifornien, geboren. Während über seinen Vater nichts 

außer, dem Beruf des Polizisten bekannt ist, weiß man, dass 

sein Großvater mütterlicherseits aus Deutschland in die USA auswanderte, 

um dort als Farmer zu arbeiten. Russ Meyers Mutter Lydia spielte in 

einer seiner wenigen bekannten Kindheitsepisoden eine wichtige Rolle: 

Sie kaufte ihrem 

Russ Meyer 

Sohn im einsetzenden 

Teenageralter 

nach langem Betteln 

seine erste Kamera. 

Die Legende, dass 

sie zur Finanzierung 

ihren Ehering versetzen 

musste, verkündete 

Meyer in 

späteren Jahren 

selbst. Die am 

häufigsten an den 

Regisseur gestellte Interviewfrage im Zusammenhang mit seiner Mutter 

war allerdings eher küchenpsychologischer Art: ob seine Fixierung auf 

große Brüste nämlich etwas mit ihr und seiner Kindheit zu tun habe. 

Irgendwann hatte Russ Meyer, der Journalisten gern das 

erzählte, was sie hören wollten, genug von der Frage: 

Ja, meinte er. Seine Mutter habe schöne große Brüste, 

ihn gestillt, und dennoch sei er nicht zum Psychiater 

gegangen. 

Tatsächlich könnte Meyers ehemalige Mitschülerin 

Polly in der 11. Klasse den Grundstein für sein 

Faible gelegt haben, indem sie bevorzugt in offenherzigen 

Dirndln ihren Bleistift auf den Boden fallen ließ, was 

nicht nur allmorgendliche Schülerkämpfe um die besten 

Plätze an den Pulten zur Folge hatte, sondern den 17-jährigen 

Russ bei einem Biokurs durchrauschen ließ. 

Zur eigentlichen Probe für ihn wurde seine Zeit in 

der US-Armee, in der er dank seiner hervorragenden 

Amateurarbeiten zum professionellen Fotografen 

ausgebildet wurde. 

Mit 20 Jahren zog Staff Sergeant Meyer 1942 

in den Krieg – als Frontberichterstatter. 

Insbesondere die Ereignisse während der Kämpfe 

in Frankreich (1944/45) protokollierte der vor Abenteuerlust 

sprühende Fotograf genauestens in mehreren 

Alben. Nichtsdestotrotz war das im Militärjargon 

als ETO (European Theatre Of Operations) bezeichnete 

Unterfangen kein Theater, sondern vor allem gefährlich. 

Von einer Knieverletzung infolge eines Autounfalls 

abgesehen, 

blieb der 

späteree 

Filmstar aus 

der 166. 

Foto komp 

anie jedoch 

unverletzt. 

Nachdem Meyer 

im März 1945 mit einer amerikanischen Panzerdivision die Saar 

überquert hatte, hätte er nur wenige Monate nach der deutschen 

Kapitulation nach Japan gehen sollen, wurde im Dezember aber aus 

der Armee entlassen, ging zurück nach Oakland. Dort fiel er nach 

all den Aktivitäten in der Armee, die er als sein zweites Zuhause 

bezeichnete, in dem er die vielleicht wichtigsten Erfahrungen seines 

Lebens machte (unter anderem ein Besuch in einem französischen 

Bordell), zunächst mal in ein mentales Loch. Auch eine mehrjährige 

Tätigkeit als Dokumentarfilmer einer Industriefirma konnte das nicht 

ändern, obwohl sie für seine späteren Filme hilfreich werden sollte. 

Abwechslung privater Art fand er nachts in Burlesque-Shows. 

Richtig auf den Geschmack kam Meyer 1952, als er seine zweite 

Frau Eve nicht nur heiratete, sondern auch fotografierte (über 

seine erste Frau Betty hüllte er sich stets in Schweigen). Schnell 

stellte er fest, dass er selbstständig Geld mit dem Verkauf der 

Fotos an Magazine verdienen konnte – darunter 1955 eine 

gerade erst zwei Jahre zuvor erstmals erschienene Gazette 

namens „Playboy". Eine weitere Erfahrung der Zeit für ihn war, 

dass die Anzahl der Verkäufe eines Fotos proportional zudem 

Brustumfang der darauf abgelichteten Modelle zunahm. 

Da Eve Turner nicht nur über einen großen 

Brustumfang, sondern auch einen 

ausgedehnten Unternehmergeist verfügte, 

gründete sie mit ihrem Ehemann 1958 die 

Firma Eve Productions. In deren erstem 

Film „Eva und der Mann für alles" 

spielte sie selbstredend die Hauptrolle 

und nahezu alle weiteren weiblichen 

Figuren. Zuerst tüftelte Meyer 

ein Konzept aus, wie Nacktheit 

auf unproblematischste Weise in 

bewegten Bildern dargestellt werden 

konnte. Die Lösung lautete 

Blöße ohne Sex, nach dem altbekannten 

Motto „Nur gucken, nicht 

anfassen", garniert mit einer Prise 

Humor. So entstand der knapp einstündige 

Pseudo-Dokumentarfilm 


„Der unmoralische Mr. Teas" über einen Voyeur, dessen Blicke sich im 

Laufe eines Arbeitstags in einem tiefen Dekollete nach dem anderen 

verlieren. Erst beinahe ein Jahr nach dem Aufkreuzen der Polizei bei 

der Premiere gelang dem Werk der Durchbruch in einem Kino in San 

Francisco. Zuvor war die Auflage der lokalen Zensoren erfüllt worden, 

eine Szene herauszuschneiden, in der eine Frau am Ohr eines 

Mannes knabberte – beide bekleidet, wohlgemerkt. „Der unmoralische 

Mr. Teas" spielte letztlich die rekordverdächtige 400-fache 

Summe seiner Produktionskosten ein und löste eine eigentlich 

nie wirklich abgeflaute Welle von (S)Exploitationfilmen aus. Den 

darin enthaltenen körperlichen Akt deutete Meyer mit Hilfe von 

Metaphern an, beispielsweise 1962 in der Westernparodie „Wilde 

Weiber im nackten Westen", indem er Bilder aus der Natur mit der 

Richard-Wagner-Komposition „Walkürenritt" untermalte. Nachdem er 

1964 erkannt hatte, dass allein mit nackten Frauen kein Blumentopf 

zu gewinnen war, erschuf er eine neue Art des Sexfilms, die sein 

Markenzeichen werden sollte. 

Der für lediglich 37.000 (!) Dollar gedrehte Schwarzweiß- 

Film „Lorna – Zu viel für einen Mann" gilt als Prototyp des 

„Roughies" (rough = grob, hart, roh). Nicht nur, dass zum ersten 

Mal überhaupt Sexszenen in eine zusammenhängende 

Geschichte eingebettet wurden, 

darüber hinaus standen seitdem in fast allen 

Meyer-Filmen Schlägereien, Morde und 

Vergewaltigungen an der Tagesordnung. 

Das Drehbuch für „Lorna" schrieb Meyer 

zusammen mit James Griffith, der 

in dem Film die Rolle des Predigers 

spielte. Dadurch, dass er als „griechischer 

Chor" das 

Geschehen kommentierte 

und die Bösen 

am Ende ihre gerechte 

Strafe erhielten, wurde 

dem Geschehen ein 

gewisser „religiöser Stempel" 

aufgedrückt, der Sittenrichtern die 

Butter vom Brot nahm und den Vorwurf von 

Pornografie entkräftete. Die schlichte Story 

kam allerdings nicht nur in der US-Provinz, 

sondern erstmals auch besonders gut bei 

intellektuellen Kritikern an: Sie fassten den 

Film als sozialkritische Parodie auf, obwohl 

der Regisseur persönlich versicherte, „so 

ernsthaft wie nur was" vorgegangen zu 

sein. Schlussendlich war der Schlüssel zum 

Erfolg des Films die von der Stripperin Lorna 

Maitland verkörperte Titelfigur, deren Körper 

dank der berühmten Badesequenz im See 

besonders anregend in Szene gesetzt werden konnte. Russ Meyers Frau 

Eve zeigte sich allerdings alles andere als begeistert darüber, dass ihr 

Gemahl zum ersten Mal den Geschlechtsverkehr nicht mehr nur durch 

visuelle Symbole andeutete, sondern Mann und Frau augenscheinlich 

in intimer Zweisamkeit präsentierte. Die Scheidung ließ nicht mehr 

allzu lange auf sich warten. 

Auch der Hollywood-Produzent Albert Zugsmith zählte zu den 

zahlreichen Zuschauern von „Lorna" – und holte den Regisseur 

noch im selben Jahr nach Berlin, um ihn dort John Clelands Erotik- 

Bestseller „Fanny Hill" verfilmen zu lassen. Grundsätzlich und auch in 

den Nächten nach Drehschluss war der konservative Meyer sehr angetan 

von der von Kommunisten umringten Großstadtinsel (und der deutschen 

Darstellerin Rena Horten, die seine Lebensabschnittsgefährtin 

wurde). Dass er entgegen der Zusage von Zugsmith und seiner persönlichen 

Erwartung „nur" dessen Co-Regisseur wurde, gefiel ihm 

überhaupt nicht. Da überrascht es nicht, dass „Fanny Hill" trotz großen 

Erfolgs in Deutschland und den USA nicht als ein für ihn typischer Film 

bezeichnet werden kann. 

1965 drehte Russ Meyer im Auftrag des Produzenten George Costello 

nach anfänglicher Skepsis (zu wenig Sex, zu viel Handlung) seinen 

bis dato teuersten und nach Meinung mancher Kritiker besten Film, 

der erst nach einer Umbenennung beim Publikum ankam. Den Titel 

„Mudhoney" entlieh der Regisseur einem Zitat von Oscar Wilde. Zuvor 

war das Werk unter dem Namen „Rope Of Flesh" 

in Kombination mit dem Filmplakat, auf dem 

die finale Hängeszene dargestellt wurde, 

als Horrorfilm missverstanden worden. 

Der deutsche Titel „Im Garten der Lust" 

war auch nicht besser. Entscheidend für 

das Prädikat „wertvoll" war letztlich die 

Schilderung der Kehrseite des amerikanischen 

Traums in der Rezession 

der 30er Jahre. 

der Erfolg von 

Weil „Mudhoney" zunächst 

nicht abzusehen war, drehte 

Meyer noch im selben Jahr 

einen weiteren Film, den er 

auf die Mitte der 60er anlaufenden 

Autokinos ausrichtete. Dennoch 

würde die Behauptung, er habe durch 

„Motorpsycho … wie wilde Hengste" die 

Motorradfilm-Welle angeschoben, zu weit 

führen. Die kleinen Modelle waren verwendet 

worden, um Kosten zu sparen (hier 

ist die Rede ausdrücklich von Maschinen), 

und das Gangstertrio setzt im Film seine 

Flucht im Auto des Opfers fort. Eher kann 

„Motorpsycho" als Vorläufer jener amerikanischen 

Werke gelten, die traumatisierte 

Heimkehrer aus dem Vietnamkrieg thema- 


tisierten – auch wenn die Vorgeschichte des Mörders 

dem Regisseur, der persönlich in die Rolle eines Sheriffs schlüpfte, nur 

als Mittel zum Zweck diente. Haji, die Darstellerin von Ruby, schickte 

Meyer zwar drehbuchbedingt in die Wüste, aber dennoch tauchte 

die Mexikanerin von nun an in weiteren seiner Filme auf. Die weibliche 

Hauptrolle im Nachfolger „Die Satansweiber von Tittfield", in 

dem die Damen den Spieß umdrehten, 

spielte allerdings eine andere: Dass 

die kräftige Tura Satana ihre Stunts 

selbst ausführte und beim Transport 

der Filmausrüstung helfen konnte, 

waren nur zwei ihrer Vorzüge. Da ihr 

der Drehort zu abgeschieden von der 

triebstillenden Welt lag, forderte sie 

während der dreiwöchigen Arbeiten 

für sich einmal pro Nacht Sex mit dem 

Kamera-Assistenten ein – mit Erfolg. 

Dieses Abkommen passte prächtig zum 

dominanten Frauenbild des Films, in 

dem fehlende Nacktszenen mit sadistischer 

Gewalt kompensiert wurden. Zur 

Kultfigur des B(usen)-Movie wurde die 

2011 verstorbene Satana allerdings erst 

später. Das aus künstlerischer Sicht zu 

vernachlässigende „Mondo Topless", 

eine „dokumentarische" Mischung aus 

Schnellschuss und Resteverwertung, 

warf immerhin so viel Geld ab, dass 

Meyers Schwarzweiß-Ära abgeschlossen 

werden konnte. Böse Zungen 

würden ohnehin behaupten, das einzig 

neue Element in den nächsten 

Produkten des Autorenfilmers sei 

nichts anderes als die Farbe gewesen. 

1967 befand sich die Drive-in- 

Kinoszene noch in voller Blüte. 

Das bedeutete, dass Meyer nach 

wie vor Auflagen der Kinobesitzer 

beachten musste, um sein Zelluloid 

vor ihrer Schere zu bewahren: keine 

Brustwarzen, keine Nacktszenen. 

Immerhin konnten sich seine drei Hauptdarstellerinnen in dem 

Detektivfilm „Die liebestollen Hexen" die Bikinimodelle untereinander 

teilen, da sie identische Körpermaße aufwiesen (105-60-90, falls es 

jemanden interessiert). Geworben wurde mit dem Trio übrigens als „Big 

6". Babette Bardot war eh seit „Mondo Topless" mit dem Regisseur 

zusammen, die Deutsche Adele Rein verschwand anschließend wieder 

in der Versenkung, und Alaina Capri erhielt ebenso die Hauptrolle im 

nächsten Film, der genau wie „Die liebestollen Hexen" zwar nicht den 

Weg in die deutschen Kinos fand, aber in den Autokinos der USA mit 

diesem oft zusammen im Doppelpack gezeigt wurde. „Guten Morgen 

… und auf Wiedersehen" schilderte die auf physische Bedürfnisse reduzierte 

Liebe zwischen einer nymphomanischen jungen Frau und einem 

älteren, von ihr betrogenen Mann. 

Als 1968 der US-Trend von Leinwänden unter freiem Himmel zurück 

zu geschlossenen Kinosälen ging, reagierte Meyer sofort: Für 

„Null Null Sex" ging er mit der Inszenierung von Nacktheit weiter, ohne 

dabei Metaphern wie die Fontäne eines 

Springbrunnens oder eines aufsteigenden 

Drachen außer Acht zu lassen. 

Persönlich bezeichnete er den Film als 

Übergangswerk, in dem diesmal eine 

hintergangene Ehefrau Anlass zur Rache 

besaß. Und während die Studenten auf 

die Barrikaden gingen und Flower Power 

den Siegeszug um die Welt antrat, grübelte 

Russ Meyer darüber nach, wie 

er ein Werk erschaffen konnte, das in 

Sachen Sex alles bisher Dagewesene in 

den Schatten stellen würde. 

Das schockierende Resultat lautete 

„Vixen – Ohne Gnade, 

Schätzchen", vom Regisseur selbst als 

erster und einziger ernsthafter eigener 

Versuch bezeichnet, einen Erotikfilm 

zu drehen. „Vixen" (deutsch: Füchsin, 

zänkisches Weib) sicherte nicht nur 

Meyers finanzielle Zukunft (nach 

einem Jahr war das Hundertfache der 

Produktionskosten eingespielt), sondern 

revolutionierte auch das Sexkino. Die 

Titelfigur ist alles andere als unzufrieden 

mit sich und der Welt und macht 

nicht einmal vor dem eigenen Bruder 

Halt. Gespielt wurde sie von Erica 

Gavin, die dank ihrer sinnlichen bis 

animalischen Ausstrahlung auch beim 

weiblichen Publikum Eindruck hinterließ. 

Das Zittern der Hauptdarstellerin 

in der heißen Lesben-Liebesszene zwischen 

Vincene Wallace und ihr soll 

nicht gestellt gewesen sein. Die Lösung 

für das Rätsel, warum sie keine erfolgreiche Filmkarriere starten konnte, 

werden Produzenten mit ins Grab genommen haben. 

kam bei „Vixen" erstmals im Zeichen der Zeit eine poli- 

Hinzu tische Dimension in einem Sexstreifen, indem Kommunismus, 

Rassismus und Kriegsdienstverweigerung thematisiert wurden. Wenn 

Russ Meyer in seinen Filmen soziale Probleme auf die Leinwand brachte, 

dann tat er dies jedoch eher aus eigenem Interesse, um sich vor 

Klagen zu schützen. Die Strategie ging zwar nur selten auf, doch folgte 

dank „Vixen" bald der Lockruf aus Hollywood. 


Vorher nahm Meyer noch einen Film in Angriff, dessen Realisierung 

beinahe an zwei Hunden gescheitert wäre. Genauer gesagt, 

an der empörten Reaktion der Eigentümerin der Vierbeiner auf die 

Beschwerde eines Motelbesitzers darüber, dass die Tiere in Abwesenheit 

ihres Frauchens auf den Zimmerteppich machten. Die Dame hieß Linda 

Ashton. Sie war gerade mit Dreharbeiten an „Megavixens" beschäftigt. 

Nach den Vorwürfen reiste sie schnurstracks samt ihrer Köter ab, und 

Regisseur Meyer stand ohne Hauptdarstellerin da. Die Rettung in der Not 

hieß Uschi Digard, Fotomodell aus Europa, die immer dann mit nackter 

Haut und kommentierender Stimme einsprang, wenn die Story ein 

Loch hatte. Den Zuschauern und Russ Meyer, der sie zunächst zu einer 

Stammdarstellerin und später zu seiner Produktionsassistentin machte, 

war es nur recht. Doch auch Charles Napier in der Rolle des psychopathischen 

Polizisten wusste zu überzeugen. 

Erneut wurde eine Lesbenszene gedreht – 

schließlich hatte Meyer mit „Vixen" einen 

Ruf erworben, den es zu verteidigen galt, 

was nicht ganz gelang. 

Es reichte aber aus, um die Herren 

in Hollywood nervös werden 

zu lassen. Fox-Produzent Richard D. 

Zanuck trat mit den Rechten an einen 

Nachfolger zu „Das Tal der Puppen", 

1967 mit Sharon Tate entstanden, an den 

unabhängigen Filmemacher heran. Nicht 

weil er von der Kunst des Regisseurs 

begeistert war – Meyers Aufgabe lautete 

schlichtweg, Einnahmen zu generieren. 

Dass er dies auf niedrigerem Niveau mit 

geringeren finanziellen Mitteln konnte, 

hatte er nachdrücklich bewiesen. Das 

Studio hingegen hatte sich 1962 mit 

der Verfilmung von „Cleopatra", dem 

damals teuersten Film der Geschichte, 

verspekuliert. Meyer holte den jungen 

Filmkritiker Roger Ebert als Co-Autor 

ins Boot. Das Ende vom Lied trug den Titel „Blumen ohne Duft" 

mit den ehemaligen „Playboy"-Bunnys Dolly Reed und Cynthia 

Myers in zwei der Hauptrollen. Diese angeblich zufällig getroffene 

Personalpolitik trug nicht unwesentlich 

zur Werbewirksamkeit bei. Edy 

Williams wurde für die Rolle 

des Pornostars Ashley St. Ives 

engagiert – und von 1970 

bis 1975 Russ Meyers dritte 

Ehefrau, nach dem schlagzeilenträchtigen 

Motto 

„Hollywood-Regisseur 

heiratet junges Starlet". 

Obwohl „Blumen ohne 

Duft" der erste Film in 

der Geschichte des Fox- 

Studios war, für den 

jugendliche Zuschauer 

nicht zugelassen wurden, 

waren die Produzenten 

mit dem Ergebnis zufrieden 

– und das Publikum 

sowieso. Russ Meyer war 

der festen Überzeugung, 

es in Hollywood geschafft 

zu haben, auch wenn er 

sich dort nicht wohlfühlte. 

Doch 

der 

Schein trog. 

Nachdem seine 

nächsten beiden 

Filme „The Seven 

Minutes" und „Black 

Snake" aus teils 

Zitate: Meyer über Meyer 

„Ich schlage meinen Vorteil aus Sex, aber ich behandle ihn mit 

Humor." (1961) 

„Sie mögen bemerkt haben, dass alle meine Darstellerinnen zwei 

Dinge gemeinsam haben." („Wall Street Journal", April 1968) 

„Eine Menge zweitklassiger Typen in diesem Geschäft halten 

es für sexy, eine Dame vor der Kamera auszuziehen. Sie 

liegen falsch. Was sexy ist, ist die Situation." (1969) 

„Ich greife auf das zurück, was ich am besten kann – große 

Busen und kantige Gesichter." („Chicago Daily News", 1974) 

„Meine Filme sind alle auf die eine oder andere Art Parodien. 

Sie sind abstrakte Fantasien voller gigantischer Mädchen, 

die sich benehmen wie keine Frau, die man jemals trifft, von 

denen man sich aber wünscht, dass sie sich genauso verhalten. 

Aggressiv, knallhart." („Chicago Free Weekly", 1974) 

„Ich bin wahrscheinlich einer der Letzten, der heute noch einen 

Film mit einem Haufen Unbekannter allein aufgrund seines 

Namens drehen und aus ihm einen Erfolg machen kann – 

vorausgesetzt, ich halte mich an meine Formel." 

(„Washington Post", 1976) 


unerklärlichen, teils erklärbaren Gründen (weniger nacktes Fleisch im 

Vergleich zu früher) Flops an den Kinokassen geworden waren, war 

Meyers Hollywood-Karriere nach wenigen Jahren wieder beendet. Sein 

erneut selbst produziertes Comeback fiel dafür 1975 mit „Supervixens 

– Eruption" umso aufsehenerregender aus, allein schon auf Grund 

des Einstiegs mit dem Horst-Wessel-Lied und der Tankstelle Martin 

Bormanns Super Service. Der Werbeslogan zum Film lautete nicht von 

ungefähr „Russ Meyers ‚Vixen’ war nicht groß genug". „Drüber, drunter 

und drauf" ging es ein Jahr später weiter. Diesmal bekam ein gewisser A. 

Schwartz sein Fett weg – Ähnlichkeiten seiner Person mit einem ehemaligen 

deutschen Führer und seiner Behausung zu Schloss Neuschwanstein 

waren beabsichtigt und lassen sich durch Anzeigen, in denen ein Hitler- 

Double gesucht wurde, sogar belegen. Nachdem Herr Schwartz seine 

perversen Spiele mit drei großbusigen 

Damen und einem jungen Herrn getrieben 

hat, wird er in seiner Badewanne von 

einem Piranha getötet, den ein im Laufe 

des Films noch ausfindig zu machender 

Eindringling zu Wasser lässt. Von der 

weiblichen Hauptrolle ließ Meyer diesmal 

die Finger – die schöne Raven de la Croix 

hatte seinen Eindrücken nach persönliche 

Probleme. Stattdessen rückte er „Kitten" 

Natividad als kommentierenden „griechischen 

Chor" ins Bild, die seitdem für ihre 

„Bikini Walks" bekannt ist. Die Trägerin 

der Titel „Miss Nude Universe" und „Miss 

Nude Cosmopolitan" stand auch 1979 

„Im tiefen Tal der Superhexen" nicht nur 

für diese Rolle erneut zur Verfügung, 

sondern auch für mehrere Jahre dem 

Regisseur an seiner Seite. 

In den 80ern wurde es ruhiger um 

Russ Meyer. Im Zeitalter von Peep- 

Shows und Videokassetten hatte er 

Konkurrenz bekommen, wenngleich er 

natürlich von dem VHS-Geschäft und der Wiederveröffentlichung 

seiner Filme in West-Deutschland profitierte. Ein letztes, dialogfreies 

Spätwerk entstand 2001 mit „Pandora Peaks", in dem das 

gleichnamige 90er-Jahre-Bademoden-Modell mal mehr, mal weniger 

bekleidet umherstolzierte. An dem von langer Hand geplanten 

Mammutprojekt „The Breast Of Russ Meyer", das sein Leben und 

Werk in mehreren Stunden dokumentieren sollte, verlor er leider 

das Interesse. Stattdessen brachte er 2000 eine selbstverständlich 

voluminöse dreiteilige Autobiografie in Buchform (angeblicher 

Autor: Adolph Schwartz) heraus, für die Fans bis zu zehn Jahre vor 

Veröffentlichung vorab bezahlt hatten. Im selben Jahr wurde bei 

ihm Alzheimer diagnostiziert. Am 18. September 2004 verstarb Russ 

Meyer an den Folgen einer Lungenentzündung. Seine Inspiration für 

ihm nachfolgenden Künstlergenerationen ist ungebrochen. Wer sich 

davon noch überzeugen will, wird unmittelbar auf DVD 

oder früher oder später im Nachtprogramm eines 

kulturell angehauchten deutsch-französischen 

TV-Senders fündig.

Michael Schanze 

Der freundliche 

Von Christian Simon 

" Flitterabend"-Mann 

darf heute böse sein 

Michael Schanze war der Mann mit dem " 

Plopp", machte " 

Kinderquatsch" 

und gewann auch mal den " 

Bravo"-Otto in Bronze. Der heute 65-Jährige 

war aber nicht etwa nur etwas für Kinder oder Halbwüchsige. In seiner 

langjährigen Karriere besang er Schallplatten, moderierte abendfüllende 

Unterhaltungs-Shows oder trat in Spielfilmen auf. Häufig stand er an 

der Spitze, manchmal war er ganz unten. Der Entertainer blickt auf die 

Berg- und Talfahrt seines Lebens zurück. 

© Pressefoto 

Foto: © Zill/Bildarchiv Hallhuber 

Es gibt ein schönes Lied von Reiner Schöne: "Werd’ ich noch 

jung sein, wenn ich älter bin". Wie jung fühlst du dich? 

Ich fühl' mich eigentlich ganz gut. Gelogen wäre, wenn ich jetzt sagen 

würde, ich fühl' mich wie 20. Dafür macht mir das Treppensteigen doch 

mehr Mühe als früher. 

Aber f it bist du? 

Ja, ich denke schon. In den vergangenen Jahren hatte ich 

nicht so viel Glück mit meiner Gesundheit. Ich habe von 

einem gebrochenen Brustwirbel über mehrere Knieoperationen 

bis hin zur Prothese so einiges mitgemacht. Das war schon ein 

Eingriff in mein Leben. Wenn man die Grenzen seines Körpers 

erkennt – das muss man erst einmal verdauen. 

Du hast es doch anscheinend sehr gut verdaut. Die 

Talfahrt ist vorbei. Du bist mittlerweile ein anerkannter r 

Schauspieler. 

Es ist ja kein Eingeständnis, sondern ein Fakt, dass ich in diesem 

heutigen Theatergeschäft ein Späteinsteiger bin. Nach anfänglichem 

Schauspielunterricht hat mein Leben Anfang der 70er 

Jahre eine andere Wendung genommen. Wenn ich jetzt mit über 

60 plötzlich am Theater alle möglichen Rollen spielen darf, dann n liegt die 

Betonung auf alle möglichen Rollen. Ich war böse, ich war zynisch, ich 

war jähzornig, ich war weiß der Henker was – all das, was ich in meinem 

Fernsehleben nie sein durfte und auch ehrlich gesagt von innen nie sein 

wollte. Aber nach all den Jahren ist es für mich wie ein Geschenk, dass 

ich plötzlich in andere Charaktere einsteigen darf. Das ist schon etwas 

Besonderes. Wer hat schon das Glück, dass – wenn man in meinem 

Alter ist – er noch einmal so eine Art Neuanfang erleben darf? 

Jeder Schauspieler hat ja so seine eigene Art, Text zu lernen ... 

Ja, und ich lerne gut in der Badewanne. Und in den letzten 

Monaten bin ich auch immer mehr dazu übergegangen, nicht 

Du bist ein alter Hase" in die- 

sem Geschäft. " Beeinflussen dich 

nur meinen Text, sondern das ganze Stück zu lernen. Das ist 

eine große Hilfe. Dann hast du auch keine Hänger, weil du immer 

weißt, wie es weitergeht. 

© Pressefoto 

Seite 72 ■ 

GoodTimes 1/2013 

Kritiken noch, oder geht das bei dir links rein und rechts wieder 

raus? 

Elegant ausgedrückt müsste ich jetzt sagen, Kritiken machen mir nicht 

mehr viel aus. Aber im Gegenteil – ich habe das Gefühl, die Haut wird 

immer dünner. Aber man lernt mit der Zeit, sich das rauszupicken, was 

wirklich fundiert ist. Man kann besser unterscheiden, 

ob 

einer an dem Abend lieber mit seiner Freundin 

ausgegangen wäre, statt die Pflicht zu haben, zur 

Theaterpremiere zu gehen, dann eine Wut hat und 

alles grundsätzlich nicht gut findet. Man kann es 

noch besser sagen: Irgendwann lernst du zu unterscheiden, 

ob derjenige, der über dich schreibt, die 

richtige Elle anlegt. Ein Beispiel: Am Ernst-Deutsch- 

Theater haben wir eine Farce gespielt. Das ist ein 

auf die Spitze getriebenes Boulevardstück mit einem 

abstrusen Witz. Wenn da jetzt einer drinsitzt und 

sagt, er vermisst Dinge im Kleist'schen Sinn, dann ist 

die falsche Elle angelegt. 

Oft liest man den Satz Von der Show-Treppe 

auf die Theaterbühne". Hast du das selber mitgesteuert, " oder kam 

es einfach auf dich zu? 

Da habe ich schon ganz kräftig mitgesteuert. Ich habe schon in den 

70er Jahren in Berlin vom Theaterdirektor Jürgen Wölfer gehört, dass er 

mich nicht einplanen konnte, weil ich so viele Fernsehverpflichtungen 

hatte. Wenn das mal anders würde, jederzeit gerne. Und genau so kam 

es dann auch. Ich hatte 1995 

diese totale Umwälzung in meinem 

Privatleben. Die Trennung 

von der Ehefrau ... Und da fragt 

man sich dann: Möchtest du so 

weitermachen oder nicht? Und 

ich hatte einfach das Gefühl, 

es muss jetzt eine Veränderung 

eintreten. Dazu kam noch, dass 

eine 

e TV-Sendung von mir zu diesem Zeitpunkt nicht gerade erfolgreich 

war („NKL Show", Anm. d. Autors.). Das hat dann auch noch gerade in 

mein 

Bild von mir selbst gepasst. Mein Unterbewusstsein hat signalisiert: 

„Es ist jetzt einfach genug." Erst haben wir in „Flitterabend" die Leute 

verheiratet, und dann spielen wir um die Ausbildung ihres ersten Kindes. 

Das 

war doch von Anfang an eine Vanille-Knoblauch-Mischung. Und 

Unstimmigkeiten mit dem Lotteriegesetz ergaben sich auch noch. 

Dann habe ich den Wandel gesteuert. Nun, eins muss man auch 

wissen: Wenn du einen Platz im Fernsehen freimachst, wird er für 

dich nicht freigehalten.

" Flitterabend", Hätten Sie heut’ Zeit für mich" usw. Vermisst 

du ab und an das " Fernsehen und die große Show, oder ist das für 

dich abgehakt? 

Es ist nicht abgehakt, und ich denke auch gerne daran zurück. Ich könnte 

mir auch vorstellen, in einem Massenmedium vorzukommen, aber 

nicht um jeden Preis. Eine gute Rolle in einem schönen Stück würde mir 

mehr entsprechen, als eine Show-Treppe runterzuwalken. 

Zu deinem Geburtstag schrieb eine Zeitung: Der Mann mit 

dem Plopp". Das ist für dich wohl auch ein bleibendes " Image? 

Das ist einfach ein Markenzeichen geworden, das anfangs gar nicht 

unbedingt gerne gesehen war. Die Idee kam von einer Kommilitonin an 

der Hochschule für Fernsehen und Film, die sagte: „Du, mach doch mal 

diesen Backenschnalzer, diesen Plopp!" Die hat auch das Wort erfunden. 

Und die hat dann auch den Text geschrieben für das „Eins, Zwei oder 

Drei – Lied". Die verantwortlichen Herren haben dann gesagt: „Das ist 

aber nichts, wenn sich ein halbwegs erwachsener Mensch andauernd 

den Finger in den Mund steckt." Und trotzdem ist es mein 

Markenzeichen geworden. 

Wäre eine Koch-Show im Fernsehen etwas für 

dich? 

Kochen gefällt mir schon sehr gut, aber normale 

Koch-Shows im Fernsehen gibt’s genug. Was 

mir gefallen könnte, wäre so eine Mischung aus 

Kochen und Talk. Etwas gemeinsam fabrizieren 

und sich dabei unterhalten. Das, was Bio (Alfred 

Biolek, Anm. d. Autors) mal erfunden hat, so 

etwas könnte ich mir schon vorstellen. Ich könnte 

mich auch mit Leuten ganz gut unterhalten, ohne 

mit ihnen zu kochen. 

Wenn wir gerade vom Kochen sprechen – was 

hältst du von Diäten? 

Eigentlich halte ich gar nichts mehr davon. Ich bin ein Opfer von 

Diäten. Ich habe so gut wie alles probiert und bin das Jo-Jo im Reinformat. 

Abnehmen, zunehmen. Der Körper sagt „schlechte Zeiten, ich speichere". 

Das geht nur mit einer kapitalen Essensumstellung. Als Initialzündung 

kann man natürlich mal mit einer Diät anfan-ngen. 

Aber danach muss man sein Essen umstellen, 

auch mal auf „Mangel-Basis". Ein bisschen 

mehr Eiweiß täte uns allen gut, und auch in 

Richtung Trennkost sollte man denken. Aber 

das ist ein schlimmes Thema. 

Bühnenmenschen sind ja bekanntlich 

eitel. Deine Anzugsgröße hat sich nun 

mal ein bisschen verändert. Gehst du 

damit locker um? 

Nun ja, ich habe mich jetzt bei der Tournee 

gefreut, dass eine blaue Hose, die ich in dem 

Stück trage, plötzlich gerutscht ist. Nur, das 

kann ich niemandem weiss machen, der mich anschaut. 

Aber für mich sind es die kleinen Glücksmomente. Ich gehe noch einen 

Schritt weiter – ich glaube, dass ich ein paar Rollen als Hänfling nicht 

bekommen hätte. Ich glaube, dass ich in der Tat nicht nur vom 

Kopf her, sondern auch vom Körper her aus diesem frühe- 

ren Fernsehkästchen rausgewachsen bin und vielleicht 

sogar dadurch jetzt einige Rollen bekomme, die mir 

früher nie angeboten worden wären. Wenn da ein 

Brocken Mannsbild steht, dann hat der weniger die 

Hypothek „Ach, der ist lieb und nett zu Kindern". 

W Was sind für dich heute unerfüllte Träume? 

Wenn ich heute zum Beispiel in Berlin auf der 

Bühne stehe, und der Vorhang geht auf, dann 

denke ich mir „Lieber Gott, was für ein Geschenk". 

Und von diesem Geschenk wusste ich vor ein paar 

Michael Schanze mit seiner 

Wochen noch gar nichts. In diesem Beruf kann jede 

Caterin Monika" und 

" neue Rolle zu einer Wunscherfüllung werden! Und da 

Christian Simon 

kommen noch einige Rollen auf mich zu, zum Beispiel „Der 

eingebildete Kranke" und andere aus der Weltliteratur. Und noch 

eins, so lächerlich sich das jetzt vielleicht anhört, aber es kommt aus dem 

Herzen: Ich habe es in den letzten Jahren erfahren – ich wünsche mir, 

dass die Gesundheit mitspielt, und den Rest mache ich irgendwie alleine. 


WEIHNACHTEN KANN KOMMEN: 

LOLITA 

Weihnachten in den Bergen (1969) 

Erhältlich ab 09.11. 

VICO TORRIANI 

Weihnacht in Europa (1966) 


ANITA 

Fröhliche Weihnachtszeit mit Anita (1972) 


 

ROY BLACK 

Weihnachten bin ich 

zu Haus (1968) 

PETER ALEXANDER 

Schöne Weihnacht mit 

Peter Alexander (1965) 

KAREL GOTT 

Weihnachten in der 

goldenen Stadt (1969) 

 


KELLY FAMILY 

Festliche Stunden 

bei der Kelly Family (1980)

DAS JAHR 1972 

Von Bernd Matheja 

Einmarsch 

der Nationen 

Die Zwei": Roger Moore (l.), Tony Curtis 

" 

Foto: Bildarchiv Hallhuber 

Terrorist im 

olympischen Dorf 

1972 

olympischen Dorf. Der dilettantische Befreiungsversuch auf dem 

Zeitgeschichte 

München, 5.9.: Der Sport wird getötet – palästinensische Attentäter 

des „Schwarzen September" nehmen elf Israelis als Geiseln im 

Flugplatz Fürstenfeldbruck scheitert: Alle Sportler, fünf Terroristen 

und ein Polizist sterben. Kein 

Abbruch der Spiele, IOC- 

Präsident Avery Brundage 

erklärt: „The games must go 

on!" *** Horror auch schon am 

30.1. in Londonderry: britische 

Soldaten erschießen bei 

einer Demo für Bürgerrechte 

13 Zivilisten. Das Datum geht als „Nordirischer Blutsonntag" in die 

Geschichte ein. *** Eskalation durch RAF-Terroristen in der BRD: 

Bombenanschläge mit Toten und Verletzten am 11.5. (Frankfurt), 15.5. 

(Karlsruhe), 19.5. (Hamburg) und 24.5. (Heidelberg). 

Der Staat schlägt zurück: Am 1., 7. und 15.6. werden 

in Frankfurt, Hamburg und Hannover führende 

Mitglieder der Rote Armee Fraktion verhaftet: 

Andreas Baader, Holger Meins, Jan Carl Raspe, 

Gudrun Ensslin und Ulrike Meinhof. *** Annäherung 

beider deutscher Staaten: Am 3.6. tritt das 

Transitabkommen 

in Kraft, am 

21.12. wird der 

Grundlagenvertrag 

unterzeichnet. 

Am 14.9. hatte die Bundesrepublik 

außerdem die diplomatischen 

Beziehungen zu Polen aufgenommen. 

*** Cape Canaveral: Nach Apollo 

16 (16.4.) endet mit dem Start von 

Apollo 17 am 7.12. das langjährige 

Nasa-Projekt der Amerikaner. Eugene 

Cernan ist der letzte Astronaut, der den 

Mond betritt, bevor er mit Ron Evans 

Olympia am Boden, die Fußballer 

obenauf. Dem Mond wird adieu 

gesagt, eine Superband in spe 

begrüßt. In Washington stinkt's, es 

gibt Geschlechtsorgane im Hals, und 

Jesus erscheint singend in Münster. 

Schwer was los im bis dahin längsten 

Jahr des Gregorianischen Kalenders! 

und Harrison Schmitt am 19.12. auf der Erde landet. 

Das US-Folgeprogramm heißt Skylab. *** Dicke Luft 

in Washington: Im Oktober kommt heraus, dass 

die republikanische Regierung in den Einbruch ins 

Hauptquartier der Demokraten steckt. Kennwort: 

Watergate-Affäre. Die „Washington Post"- 

Journalisten Carl Bernstein und Bob Woodward 

(im späteren Film „Die Unbestechlichen"/„All 

The President's Men" von Robert Redford 

und Dustin Hoffman gespielt) werden durch 

ihre glänzenden Recherchen 

weltberühmt. *** Trotz des Skandals 

gewinnt Richard Nixon am 7.11. die 

Präsidentschaftswahlen gegen George 

McGovern. Nixon hatte zuvor mit 

einem China-Besuch punkten können 

und am 26.5. mit Leonid Breschnew 

die Salt-1-Verträge 

Willy Brandt 

(Ziel: Eindämmung des nuklearen Wettrüstens) mit 

der Sowjetunion unterzeichnet. *** Fünf Wochen 

später wird in der BRD Willy Brandt erneut zum 

Kanzler gewählt, nachdem die SPD am 19.11. 

erstmals stärkste Bundestagsfraktion geworden 

war. Seinem Kabinett gehört als Finanzminister 

Helmut Schmidt an. Er hatte zuvor außerdem das 

Wirtschaftsressort geleitet, nachdem Karl Schiller 

am 7.7. zurückgetreten war. *** Drei weitere 

Entscheidungen aus Bonn: Bund und Länder 

beschließen am 28.1. den Radikalenerlass 

(keine Verträge für „Extremisten" im öffentlichen 

Dienst). Der Grundwehrdienst wird am 

23.6. von 18 auf 15 Monate reduziert und das 

aktive Wahlalter auf 18 Jahre gesenkt. *** Als 

Reaktion auf die Ereignisse in München und den 

bundesweiten RAF-Terror kündigt Innenminister 

Hans-Dietrich Genscher am 13.9. den Aufbau 

der GSG 9 an, einer Spezialeingreiftruppe 


des Bundesgrenzschutzes. *** Am 22.5. erfolgt die Umbenennung 

des ehemaligen Ceylon in die Republik Sri Lanka. *** Die erste 

Weltumweltkonferenz beginnt am 5.6. in Stockholm. *** Am 21.11. 

tritt die DDR der Unesco bei, am 31.12. verlässt Portugal die seit 1946 

aktive Organisation der Vereinten Nationen für Bildung, Wissenschaft 

und Kultur. *** Seit dem 1.1. amtiert der Österreicher Kurt Waldheim 

als Generalsekretär der Vereinten Nationen. Über Jahrzehnte erstrecken 

sich immer neue Vorwürfe zu seiner dubiosen Vergangenheit während 

der Naziherrschaft. Unvergessen die Einschätzung des Bundeskanzlers 

(1983–1986) Fred Sinowatz: „Nehmen wir also zur Kenntnis, dass 

nicht Waldheim bei der SA war, sondern nur sein Pferd." *** 

1972 

olympischen Sommerspiele in München (26.8.–11.9.) fortgesetzt. 

Sport 

Trotz der kriminellen, tödlichen Begleitumstände (s. oben) wurden die 

Ulrike Meyfarth 

Erfolgreichste Nation wurde die Sowjetunion mit 50x Gold, 27x Silber 

und 22x Bronze. Die DDR kam 

auf Rang 3 der Nationenwertung 

(20/23/23), die BRD auf Platz 4 

(13/11/16). In bester Erinnerung 

bleibt der Nachwuchs: die australische 

Schwimmerin Shane Gould 

(15), Hochspringerin Ulrike 

Meyfarth (16) und die russische Turnerin Olga Korbut (17), die zusammen 

sieben Goldmedaillen abtransportierten. Die bis heute unglaublichste 

Kampfszene im Ringersport gelingt Wilfried Dietrich (1933–1992; 

„Der Kran von Schifferstadt"): Per Schulterwurf besiegt er den 13 

Jahre jüngeren 200-kg-Koloss Chris Taylor 

(USA). *** Auch die Winterspiele in Sapporo 

(Japan) vom 2.–13.2. hatte die Sowjetunion 

dominiert: 8x Gold, 5x Silber, 3x Bronze 

(BRD: 3/1/1). *** Die Vierschanzentournee 

1971/72 der Skispringer gewinnt der Norweger 

Ingolf Mork – ohne einen Sieg in den vier 

einzelnen Wettbewerben. *** Fußball: BRD- 

Meister wird der FC Bayern München, der an 

allen Spieltagen Platz 1 belegt und den 1. FC 

Köln und Fortuna Düsseldorf auf die Plätze verweist. Den DFB-Pokal 

holt sich Schalke 04 am 1.7. mit einem 5:0 in Hannover gegen den 

1. FC Kaiserslautern. DDR-Titelträger ist erstmals der 1. FC Magdeburg, 

Pokalsieger wird der FC Carl Zeiss Jena. Fußballer des Jahres werden 

Günter Netzer (Mönchengladbach) und Torwart Jürgen Croy 

(Jena). *** Europa: Als bester Spieler wird Franz Beckenbauer 

ausgezeichnet. Den Landesmeistercup gewinnt Ajax Amsterdam (2:0 

gegen Inter Mailand), den der Pokalsieger die Glasgow Rangers 

(3:2 gegen Dynamo Moskau). *** Im Juli strampelt Eddy Merckx 

(Belgien) bei der Tour de France zum vierten Mal auf Platz 1, 

Robert 

Fisher 

gefolgt von den ewigen Konkurrenten 

Felice Gimondi (Italien) und Raymond 

Poulidor (Frankreich). *** Wintersport im 

Sommer: Am 10.8. wird der Eishockeyclub 

Kölner Haie gegründet, der zwischen 

1977 und 2002 acht Meistertitel erringt. 

*** Formel-1-Weltmeister im Motorsport 

ist der Brasilianer Emerson Fittipaldi, zu ihm aufs Treppchen steigen 

Jackie Stewart (Schottland/2.) und der Neuseeländer Dennis Hulme (3.). 

*** Das „Match des Jahrhunderts" findet ab 11.7. in Reykjavik (Island) 

statt: Nachdem es bis dahin ausschließlich russische Schachweltmeister 

gegeben hatte, besiegt der extrovertierte Amerikaner Robert " 

Bobby" 

Fisher (1943–2008) 

diesmal Boris Spasski 

(*1937) aus Leningrad, 

der am 1.9. nach 21 von 

24 Partien aufgibt. *** 

Die vielleicht spielstärkste 

deutsche Fußball- 

Nationalmannschaft 

der Geschichte holt sich 

am 18.6. in Brüssel den 

Wilfried Dietrich 

Die deutsche Fußball-Nationalmannschaft 

Conchita Martinez 

Titel des Europameisters, durch ein 3:0 gegen 

die Sowjetunion. Ihr Meisterstück hatte die 

Elf um Günter Netzer, Franz Beckenbauer 

und Gerd Müller bereits im Viertelfinale am 

29.4. beim 3:1 gegen England im Londoner 

Wembley-Stadion abgeliefert. *** BRD-Sportler 

des Jahres sind die Leichtathleten Klaus 

Wolfermann und Heide Rosenthal sowie die 

Hockey-Nationalmannschaft der Herren. DDR: 

Wolfgang Nordwig (Leichtathletik), Karin Janz 

(Turnen) und die 4x400-Meter-Staffel der Frauen. *** Später populäre 

Sportler werden geboren, darunter Basketballer Shaquille O'Neal (6.3.), 

Tennisstar Conchita Martinez (16.4.), Skiläuferin Katja Seizinger 

(10.5.), die Fußballer Giovane Elber (23.7.), Luis Figo (4.11.) und Steffi 

Jones (22.12.). Es stirbt der schwedische Formel-1-Rennfahrer Joakim 

Bonnier am 11.6. bei einem Sportwagenunfall in Le Mans. *** 

Funk & Fernsehen 

1972 

Namensänderung mit politischem Kalkül: Am 3.1. wird aus dem 

(Ost-)Deutschen Fernsehfunk (DFF) das „Fernsehen der DDR". *** 26 

Tage später beginnt die bis zum Schluss populärste Showreihe des 

Senders: Ein Kessel Buntes", live aus dem Friedrichstadtpalast in 

" 

Berlin übertragen, bleibt mit 118 Ausgaben 

bis 1992 gefeierter Programmbestandteil. 

Zu den wechselnden Gastgebern gehören 

u.a. DDR-Topstars wie Willi Schwabe, Helga 

Hahnemann, Heinz Rennhack, Gunther 

Emmerlich und Dagmar Frederic. *** Musik 

kommt auf den Bildschirm: In den USA 

wird die beliebte Mike Douglas Show" 

" 

eine Woche lang von John Lennon und 

Yoko Ono co-moderiert. *** Innerhalb von nur vier Tagen beginnen 

im amerikanischen Fernsehen drei Erfolgsserien. 14.9.: „The 

Waltons" (CBS; 221 Folgen bis 1981; mit Richard Thomas); 16.9.: 

Streets Of San Francisco" (ABC; 121 Episoden bis 1977; mit 

" 

Karl Malden und Michael Douglas); 

17.9.: „M.A.S.H." (CBS; 251 Folgen 

bis 1983; mit Alan Alda). Die beiden 

Erstgenannten laufen ab 1975 

bzw. 1974 als Renner auch in der 

BRD. *** Für Kinder produzieren die 

Engländer schöne Tiergeschichten 

Michael Douglas & Karl Malden 

um das Pferd Black Beauty" (52 

" 

Folgen), die am 8.9.1974 erstmals auch im ZDF zu sehen sind. Der 

Nachwuchs freut sich seit dem 23.1.72 über die spielerisch-lehrreiche 

(und später vielfach ausgezeichnete) Sendung mit der Maus", erstmals 

mit diesem Titel. *** Am 1.4. werden in den alten Bundesländern 

" 

20 Millionen Hörfunkteilnehmer errechnet. *** Im Fernsehen/West 

werden zu Rennern: Einmal " 

im Leben", die unterhaltsamen 

Abenteuer der Familie 

Semmeling beim nervtötenden 

Eigenheimbau, mit Antje 

Hagen und Fritz Lichtenhahn 

(es hagelt anschließend böse 

Handwerkerproteste!); die 

Einmal im Leben" 

Showreihen „Hätten Sie heut 

" 

Zeit für mich?" (Gastgeber: Michael Schanze) und „Eine Frau 

bleibt eine Frau" (Lilli Palmer); der Musikladen" von Radio 

" 

Bremen mit Manfred Sexauer (bis 1978 im 

Moderationsteam mit Uschi Nerke) tritt am 

13.12. die schwere Nachfolge des „Beat- 

Club" in der ARD an. 90 Ausgaben laufen 

bis zum 29.11.1984, erreichen aber – die 

Musikszene hat sich grundlegend verändert 

– nicht das Flair des Vorgängers. *** Krimi-Fans haben im ZDF 

ab 11.7. mächtig Spaß an der britischen TV-Krimiserie Die Zwei" 

" 

(„The Persuaders!") um Lord Brett Sinclair (Roger Moore) und Playboy 

Danny Wilde (Tony Curtis). Die stark veränderten deutschen Texte 


von Rainer Brandt („Lordchen, du musst schneller sprechen, sonst 

bist du nicht synchron!"; „Hände hoch, ich bin Achselfetischist!") 

machen den 24-Folgen-Klamauk 

erst zu einem amüsant-kultigen 

Programm-Highlight, die englischsprachigen 

Originale sind 

eher staubtrocken. *** Neuheiten 

von der Technik, auch in 

einem Jahr ohne Internationale 

Funkausstellung: Philips präsentiert 

ein erstes HiFi-Stereo-Tonbandgerät sowie als Weltpremiere einen 

Bildplattenspieler mit Laserstrahlabtastung, von Blaupunkt kommt 

die neue Suchlaufsteuerung für Farbfernsehgeräte, und Saba schafft 

Bedienungserleichterungen für Verbraucher durch ein „TV-Diagnose- 

System". *** Ein weiterer 

Dauerläufer gelingt ab 

18.7. dem DDR-Fernsehen 

mit 

" Außenseiter – 

Spitzenreiter", 

ausgedacht 

und bis zum 

14.12.2011 auch moderiert 

von Hans-Joachim 

Wolfram. Die Sendung 

läuft noch immer, jetzt 

im Programm des MDR. 

*** Langzeitwirkung auch in den USA: Nach dem Debüt im Oktober 

1955 wird am 27.10. Folge Nr. 5000 der Kinderserie „Captain 

Kangaroo" (CBS) ausgestrahlt. Erst 1984 ist Schluss. *** Auch in 

diesem Jahr wird die Goldene Kamera" der Programmzeitschrift 

" 

„Hörzu" verliehen. Preisträger unter den Fernsehschaffenden sind 

u.a. „Kommissar" Erik Ode, der Autor und Regisseur Dieter Wedel 

sowie die Schauspielerinnen Monica Bleibtreu und Lilli Palmer. *** 

Rund zwei Millionen Autoradios sind inzwischen in bundesdeutschen 

Fahrzeugen installiert und registriert. *** Ein Jubiläum feiert die ARD 

am 26.12.: 20 Jahre „Tagesschau". *** 

1972 

Film 

Viele Film-, Fernseh- und Bühnenschauspieler(innen), die sich inzwischen 

– national und/oder international – einen Namen machen 

konnten, erblicken 1972 das Licht der Welt. Eine Auswahl: Muriel 

Baumeister (24.1.), Anneke Kim Sarnau 

(25.2.), Benno Fürmann (17.1.), Henning Baum 

(20.9.); Gwyneth Paltrow (28.9.), Vanessa 

Paradis (22.12.), Ben Affleck (15.8.), Jude Law 

(29.12.). *** In hiesige Kinos kommen nach 

wie vor Filme vom Kaliber à la „Kinderarzt Dr. 

Fröhlich", „Grün ist die Heide", „Immer Ärger 

mit Hochwürden", „Ein Käfer gibt Vollgas" 

und „Lass jucken, Kumpel"; großes Kritikerlob Anneke Kim Sarnau 

erhalten aber auch engagierte Arbeiten wie Werner Herzogs 

Aguirre, der Zorn Gottes" (Klaus Kinski), Wim Wenders' Handke- 

" 

Verfilmung „Die Angst des Tormanns beim Elfmeter" mit Kai Fischer 

und Arthur Brauss sowie die Faßbinder-Werke „Bremer Freiheit" 

Klaus 

Kinski 

1972 

und „Die bitteren Tränen der 

Petra von Kant". Einer weiteren 

Literaturumsetzung gelingt 

sogar beides: Gute Rezensionen 

und (!) viele Zuschauer kann 

Alfred Vohrers „Der Stoff, aus 

dem die Träume sind" (nach 

Johannes Mario Simmel, mit 

Herbert Fleischmann) für sich 

verbuchen. *** International ist es ein exzellentes Filmjahr, in dem 

ausnehmend viele Klassiker entstehen, darunter Steven Spielbergs 

„Das Duell" (Dennis Weaver), Alfred Hitchcocks „Frenzy" (Jon Finch), 

Sam Peckinpahs „Getaway" (Steve McQueen/Ali MacGraw), Francis 

Ford Coppolas " 

Der Pate" (Marlon Brando), Peter Bogdanovichs „Is 

was, Doc?" (Barbra Streisand) und „Paper Moon" (Ryan O'Neal) sowie 

Woody Allens „Was Sie schon immer über Sex wissen wollten ...". *** 

Zu einem Kult-Porno gerät „Deep Throat", 

in dem bei einer jungen Frau die Klitoris 

in den Hals verlegt wird. Darstellerin Linda 

Lovelace stürzt der Film später in schwe- 

re psychische Probleme. *** Bei der Oscar- 

Verleihung 1973 (für das Filmjahr 1972) räumt 

„Cabaret" gewaltig ab: Es regnet gleich acht 

Auszeichnungen, u.a. für die Regie von Bob 

Fosse und die superbe Hauptdarstellerin Liza 

Minnelli. Drei Statuen 

gehen an „Der Pate" als besten Film, für das 

beste Drehbuch und den dominanten Marlon Brando. *** Die beliebten 

„Bravo-Ottos" nehmen bei den Schauspielern Ryan O'Neal und 

Uschi Glas mit nach Hause. *** In den Top 10 nach Besucherzahlen 

in BRD-Lichtspielhäusern stehen u.a. „Vier Fäuste für ein Halleluja", 

„Schulmädchen-Report, 3. Teil", „Freibeuter 

der Meere", „Die tollkühne Hexe in ihrem 

fliegenden Bett" und „Lucky Luke". *** 

Für immer schließt sich in diesem Jahr der 

Vorhang für Robert Meyn (3.2.; *1896), 

George Sanders (25.4.; *1906), „Bonanza"- 

Star Dan Blocker („Hoss"; 13.5.; *1928), 

die umwerfende „Miss Marple"-Darstellerin 

Margaret Rutherford (22.5.; *1892), die 

große Dänin Asta Nielsen (25.5.; *1881), 

DDR-Star Günther Simon (25.6.; *1925), Leo G. Carroll (16.10.; 

*1892), bekannt u.a. als Chef in der TV-Krimi-Reihe „The Man From 

U.N.C.L.E.". 

1972 

Musik 

Das staatliche DDR-Schallplattenlabel 

Amiga startet eine seiner populärsten 

LP-Kopplungsreihen: HALLO Nr. 1–12 

erscheinen 1972/73. Später folgen sechs weitere 

Ausgaben, und mit HALLO, THE BEST 1 

und 2 (auf Unionton) geht das Projekt erst 

2001 zu Ende. *** Nachhaltige Alben gelingenn 

u.a. Neil Young (HARVEST), Deep Purple (MACHINE 

HEAD), 

den Rolling Stones (EXILE ON MAIN STREET) und Alice Cooper 

(SCHOOL'S OUT). Sie enthalten Songs wie "Heart Of Gold" und 

"Smoke On The Water"; bleibende Titel kommen 

auch von Elton John ("Rocket Man"), von den 

Kinks ("Celluloid Heroes") und Roberta Flack 

("Killing Me Softly With His Song"). *** Die 

Electrola/Köln fusioniert mit der Carl Lindstöm 

GmbH zur EMI Electrola. *** Beim Grand Prix 

(heute ESC) siegt am 25.3. in der Ulster Hall 

von Edinburgh Vicky Leandros mit "Après 

toi" für Luxemburg: 128 Punkte. Auf den 

Plätzen 2 und 3: die New Seekers mit "Beg, 

Steal Or Borrow" (114 P.) und Mary Roos 

– das Orchester für ihr "Nur die Liebe lässt 

uns leben" (107 P.) wird von Paul Kuhn 

dirigiert. *** Von solchen Erfolgen träumen 

vier junge Schweden noch. Agnetha 

Fältskog, Björn Ulvaeus, Benny 

Margaret Rutherford 

Andersson und Anni-Frid Lyngstad 

formieren sich – um schon zwei Jahre 

später als Abba eine gigantische Karriere mit "Waterloo" zu star- 

ten. *** Tierisch: Loriot 

singt als TV-Elefant 

Wum "Ich wünsch 

mir eine kleine 

Miezekatze" und 

landet damit an 

der Spitze der 

Single-Charts. *** 

Mit den renommierten 

Grammys 

Abba 

werden in den 


USA u.a. Carole King, James Taylor, The Carpentersers 

und als Newcomer(in) Carly Simon ausgezeichnet. 

Im R&B-Bereich erhalten Aretha Franklin, 

Bill Withers, Lou Rawls und Ike & Tina Turner 

die begehrte Auszeichnung. *** In Hamburg 

gründen die ehemaligen A&R-Manager Bruno 

Wendel und Günther Körber das Brain-Label 

als Ableger von Metronome Records. Ihre Marke 

wird zur Topadresse für Kraut- oder Deutsch-Rock mit 

Interpreten wie Cluster, 

The Sweet 

Tangerine Dream, Guru Guru, 

Birth Control, Grobschnitt und 

Popol Vuh. *** Die erfolgreichsten 

UK-Songs des Jahres sind 

"Without You" (Nilsson), "Puppy 

Love" (Donny Osmond), "Long 

Haired Lover From Liverpool" 

(Jimmy Osmond) und "Amazing 

Grace", das die Royal Scots 

Dragoon Guards instrumental auf 

ihren Säcken dudeln – alle Titel 

belegen fünf Wochen lang Platz 

1 der Hitlisten. In den US-Charts 

hält Roberta Flack diesen Rang 

sechs Wochen mit "The First Time 

Ever I Saw Your Face". Mouth & 

MacNeal ("Hello-A") und die Windows ("How Do You Do") sind die 

Abräumer in Deutschland (je acht Wochen auf Platz 1) – genau wie 

"Wig Wam Bam" von The Sweet, die mit Gary Glitter, Slade, T. Rex 

und anderen das Glam-Rockgenre in den Mittelpunkt des Interesses 

rücken. *** Auch Deutschsprachiges hält sich lange in den Fanohren, 

z.B. Juliane Werdings Anti-Drogensong "Am Tag, als Conny Kramer 

starb" (Original: "The Night They Drove Old Dixie Down" von Joan 

Baez), "Komm, gib mir deine Hand" 

von Tony Marshall, Jürgen Marcus' 

"Eine neue Liebe ist wie ein neues 

Leben" und (das im Dezember 1971 

erschienene) "Du lebst in deiner Welt": 

Daisy Door (= Evelyn van Ophuisen aus 

Duisburg) wird zum Ein-Hit-Wunder, 

nachdem der Titel im TV-Krimi „Als die 

Blumen Trauer trugen" aus der Serie 

Beth Hart 

„Der Kommissar" zu hören ist. *** Die deutsche Niederlassung der 

amerikanischen Kinney Corporation wird zur WEA (Warner/Elektra/ 

Atlantic). *** Geboren werden u.a. Sänger Sasha (Schmitz; 5.1.), 

Rockröhre Beth Hart (24.1.), der US-Rapper Busta Rhymes (Trevor 

Smith; 20.5.) und Geri Halliwell (6.8.). *** Vom Mikro verabschieden 

sich die Gospelikone Mahalia Jackson (27.1.; *1911), Sopranistin 

Erna Sack (2.3.; *1898), Stone-The-Crows-Gitarrist Les Harvey (3.5.; 

*1944), Bluesmusiker Mississippi Fred McDowell (3.7.; *1904) und 

"Lili Marleen"-Sängerin Lale Andersen (29.8.; *1905). *** 

Vermischtes aus 

1972 

aller Welt 

1972 ist ein Jahr der Flugzeug-Katastrophen. Allein bei Abstürzen 

auf Ibiza und Teneriffa, in London, Moskau, Palermo, Miami, in 

nimmt die 1956 gegründete Lach- und 

" Schießgesellschaft" die Arbeit wieder 

auf. *** Erste Vorstellung eines 

berühmten Theaterstückes am 18.5. in 

Halle an der Saale: „Die neuen Leiden 

des jungen W." von Ulrich Plenzdorf. 

*** Verbesserte Bedingungen: Der 

schwedische Automobilbauer Volvo 

setzt ab dem 3.8. auf Arbeitsgruppen 

statt Fließbandfertigung. *** „Lass dein 

Dieter Hildebrandt 

Auto leer, wenn du voll bist!" lautet der 

aktuelle Werbeslogan gegen Alkohol 

am Steuer. Ein „Frank S. Thorn" wird 

zum markanten Reklamegesicht. Er heißt 

eigentlich Hans Meyer und hat zwölf Jahre 

zuvor Puschkin-Wodka angepriesen. *** Die 

Forscher Godfrey Hounsfield (England) und 

Allan MacLeod Cormack (Südafrika) schaffen 

Großes, ihnen gelingt der Durchbruch für die 

Computertomografie. *** Ein anderer Tüftler 

denkt sich Unverzichtbares für die Kurzen 

aus: Ernst A. Bettag (1929–2003; BIG-Spielwarenfabrik Fürth) 

erfindet das Bobby Car", von 

" 

dem bis 2003 rund 30 Millionen 

Stück gebaut und verkauft werden. 

*** Am 29.4. findet im 

katholischen Münster die erste 

deutsche Schwulen-Demo statt. 

*** Andreas Pavel (*1945) aus 

Aachen stellt 1972 einen ersten 

" 

Stereobelt" her. Er meldet ihn 

1977 als „Batteriebetriebene, 

elektroakustische, miniaturisierte 

Anordnung für die hochwertige 

stereofone Wiedergabe 

von Hör-Ereignissen" zum 

Patent an, doch viele deutsche 

Hersteller lehnen ab. Sony 

nennt das Gerät ab 1979 einfach 

„Walkman" – 23 Jahre 

Rechtsstreit folgen, es geht um 

zig Millionen. *** Bei Bauarbeiten in der Berliner Invalidenstraße wird 

ein Skelett gefunden – es handelt sich definitiv um die Überreste 

des gesuchten Nazi-Schwerverbrechers Martin Bormann. Der 

„Abfall" wird erst 1999 endgültig verbrannt und auf Staatskosten 

anonym in der Ostsee entsorgt. *** Im Juni bringt Hewlett 

Packard den ersten Taschenrechner 

auf den Markt, der nicht nur die 

Grundrechenarten beherrscht. Das 

Gerät wiegt ein halbes Pfund und ist 

für schlappe 1987 D-Mark zu haben. 

*** 1972 sterben in Deutschland erstmals 

mehr Menschen (965.689) als 

Heinrich Lübke 

Heinrich Böll 

geboren werden (901.657). Bis 2010 

erhöht sich das Verhältnis auf 858.768 

zu 677.947. Im Jahr 1950 war es noch umgekehrt mit 1.116.701 

zu 748.329. *** 10.4.: Ein schweres Erdbeben im Iran kostet über 

5000 Menschen das Leben. *** Beliebteste Vornamen sind laut BRD- 

Standesämtern Nicole, Claudia und Tanja sowie Michael, Christian 

und Andreas. DDR: Kathrin, Daniela, Manuela und Thomas, Sven, 

Marco *** Prominente Verstorbene 1972: der niederländische 

den Vereinigten Arabischen Emiraten und in Königs Wusterhausen 

(DDR) sterben über 1000 Passagiere. 

In den Anden (Uruguay) überleben im 

Oktober 16 Menschen 72 Tage lang, 

indem sie Teile der 29 Opfer aufessen. 

*** Deutschland-Premiere des Musicals Künstler M.C. Escher (27.3.; *1898), Alt-Bundespräsident 

Jesus Christ Superstar" von Andrew Heinrich Lübke (6.4.; *1894), FBI-Gründer J. Edgar 

" 

Reiner Schöne 

Lloyd Webber am 18.2. in Münster. Vier Hoover (2.5.; *1895), Unternehmer r Friedrich Flick 

Monate nach der New Yorker Uraufführung spielt Reiner Schöne die (20.7.; *1883), Ex-US-Präsident Harry S. Truman 

Hauptrolle. *** Bedeutende Ehrung: Schriftsteller Heinrich Böll (26.12.; *1884). 

(1917–1985) erhält am 18.12. in Stockholm den Literaturnobelpreis. 

Der Friedensnobelpreis wird in diesem Jahr nicht verliehen. *** 

1972 

München, 30.11.: Das – neben den „Stachelschweinen" aus Berlin – 

bekannteste Kabarett um Dieter Hildebrandt löst sich auf. Erst 1976 


Von Horst Berner 

E g m o n t 

Ehapa und Entenhausen sind 

untrennbar miteinander verbunden, seit dort 

die Micky Maus" im Jahr 1951 ihre verlegerische 

" 

Heimat fand. Aus dem gleichen Haus kommen die erfolgreichen 

Lustigen Taschenbücher", die einen unterhaltsamen 

" 

Mix aus Maus- und Enten-Comics bieten. Am 9. Oktober 1967 

gestartet, blicken die Macher der Reihe 45 Jahre später auf 

sage und schreibe 434 publizierte Titel zurück. Die 

gelten inzwischen Jung und Alt als begehrtee 

Lese- und Sammelobjekte. 

Neu" heißt es in großen Lettern 

auf der zeitgenössischen Anzeige 

„ des Ehapa Verlags gegen Ende 

des Jahres 1967, mit der das jüngste 

Produkt beworben wird: „Walt Disneys 

Lustige Taschenbücher". Für 2,50 

Mark kommt „Der Kolumbusfalter" 

am 9. Oktober in den hiesigen 

Buch- und Zeitschriftenhandel und 

trägt auf dem Titelbild, quasi als 

Empfehlung, das Logo der Micky 

Maus. Das inklusive Umschlag 260 

Seiten starke Buch im handlichen 

Format 12,5 x 19 Zentimeter, in dem 

Disney-Bildgeschichten von italienischen Autoren abgedruckt werden, 

en 

entspricht zwar nicht unbedingt der damals am deutschen Markt 

gängigen Form von Comics, passt damit aber ganz gut in die Zeit. Ein 

bisschen revolutionär durfte es schon sein in jenem Jahr, in dem die 

sogenannte Kommune 1 in West-Berlin gegründet wird, das Musical 

„Hair" seine Uraufführung in New York erlebt, der Mini-Rock von 

Mary Quant die Modewelt aufrüttelt, die Beatles mit SGT. PEPPER’S 

LONELY HEARTS CLUB BAND zum radikalen Wandel der Popmusik 

beitragen, ARD und ZDF das Farbfernseh-Zeitalter einläuten, der NSU 

RO 80 als Sensationsauto gefeiert wird, die „Mao-Bibel" zum Bestseller 

gerät und „alle vom Wetter reden", mit Ausnahme der Mitglieder vom 

Sozialistischen Deutschen Studentenbund. 

Während die beliebten b Enten 

Dagobert und Donald Duck 

das Titelbild der Erstausgabe zieren 

en 

(Zeichnung: Marco Rota), kommt in der 

Zweitausgabe „Hallo … hier Micky!" (Z.: 

Giovan Battista Carpi) die Maus zu plakativen 

Ehren. Auf den Innenseiten präsentieren 

ren 

sich die entsprechenden Disney-Charaktere 

ere 

in einer Reihe von Kurzgeschichten, en, die 

in eine Rahmenhandlung eingebettet et sind. 

Rasch entwickelt sich die Buchreihe mit dem 

hohen 

Spaßfaktor, 

deren 

Vorlagen 

über lange Zeit aus 

den 

italienischen 

Serien „I Classici 

di Walt Disney" 

und 

„Topolino" 

kommen, 

zum 

Bestseller. 

Im 

Jahr 1973 

sind 

bereits 

26 Bände im 

Handel 

erhältlich, 

h, 

wie das abgebildete Inserat zeigt. 

Dass die einzelnen Bände zunächst 


fast immer eine inhaltliche Trennung 

von Enten- und Maus-Universum bieten, 

ist dabei ebenso eine Besonderheit 

wie der aus Kostengründen alternierende 

Abdruck einer Doppelseite in Farbe und 

in Schwarzweiß bis zur Nummer 118: 

„Donald, der Weltenbummler" vom 3. 

März 1987. Erwähnenswert auch, dass 

die Übertragungen der Comics anfangs 

noch von Erika Fuchs und dann über viele 

Jahre von „Asterix"-Übersetzerin Gudrun 

Penndorf angefertigt werden. 

Die Nummer 119 „Fern von Entenhausen", die 

am 21. April 1987 in den Verkauf kommt, steht 

in mancher Hinsicht für einen Wandel. Der bisherige 

Titel „Lustige Taschenbücher" wird zu „Lustiges 

Taschenbuch", und das Logo verändert seine 

Form. Vor allem erscheint das „LTB", wie es kurz 

genannt wird, nun aber monatlich, und zwar komplett 

in Farbe. Zeitgleich erlebt der Gag mit dem 

Buchrückenmotiv seine Premiere. So gelangen von 

der Ausgabe 119 bis zur 165 Teilstücke von populären 

Disney-Figuren vor gelbem Hintergrund zur 

Darstellung, was dann bei den im Regal nebeneinander 

gereihten Büchern ein attraktives Gesamtbild ergibt. Diese geniale 

Idee hat seither nichts von ihrer Faszination verloren, weswegen 

sie mit weiteren Illustrationen bis heute zur Anwendung kommt. Dass 

Donald Duck in Band 119 als Marco Polo bis nach China reist und als 

Dolliver Duck nach Liliput und ins Reich der Riesen kommt, ist typisch 

für die fantasievoll gestrickten Abenteuer der Reihe. Nicht wenige 

Geschichten basieren auf Vorlagen aus Literatur, Film oder Musik: 

„Tausendundeine Nacht" kommt als „Donald Baba" in Band 16, „Die 

ten Anspielungen auf die wahren 

Liverpooler Pilzköpfe sind unverkennbar. 

Großer Comic-Klamauk 

ist, dass die vier Musiker ihre 

letzten gemeinsamen Aufnahmen 

in einem Studio in Entenhausen 

eingespielt und das Tonband 

nach heftigem Streit und 

Auflösung der Band ausgerechnet 

im Garten der Ducks vergraben 

haben. Bei Donalds erbärmlichem 

Verhältnis zum Glück kann sich 

jeder ausmalen, dass das 

wertvolle Dokument wenige 

Chancen auf eine behutsame 

Konservierung hat. 

Als wichtigste Protagonisten 

in den „LTB"-Bänden agiert natürlich die Elite der 

Disney’schen Comicfiguren. Auf Seiten der Enten sind das 

Donald Duck, Tick, Trick und Track, Daisy Duck, Onkel Dagobert, 

die 

Panzerknacker und Daniel Düsentrieb, auf Seiten der Maus 

heißen sie Micky, Minni, Goofy, Kommissar Hunter, das Schwarze 

Phantom und Kater Karlo. Die Liste der Charaktere, die in den 

bis dato erschienenen „LTB"-Ausgaben aufgetreten sind, umfasst 

freilich weit mehr als 300 Namen. Einer dieser unglaublichen 

Hel den ist Phantomias, das Alter Ego von Donald Duck. In 

der Nummer 

41: „Donald 

Im Rah- 

mal ganz 

men 

durchge- 

drei Musketiere" als „Donald und die drei Musketiere" in Band 60, 

anders" vom 9. 

hend farbig gedruck- 

„Carmen" und „Aida" als „Carmen olé" und „Holde Aida" in Band 

Au gust 1976 

ter Neuauflagen von 

älteren 

88, „Reise um die Erde in 80 Tagen" als „Mit 80 Talern um die 

ist der ewige 

" LTB"-Ausgaben 

erhielten einzelne Bände 

Welt" in Band 123, „Der Name der Rose" als „Im Namen der 

Pechvogel 

neue Titel, neue Titelbilder 

Mimose" in Band 142, „Die Abenteuer des Tom Sawyer" als 

in seiner 

und ein Buchrückenmotiv. 

neuenn 

Aus 

" 

„Die Abenteuer des Mick Sawyer" in Band 153, „Odysseus" als 

Donald mal ganz 

anders" wurde auf diese 

„Streit um Odysseus" in Band 224, „Der Herr der Ringe" als 

Rolle als 

Weise „Der Herr der Klinge" in Band 319 oder „Star Wars" als „Die 

Rächer der 

" 

Jetzt kommt 

Phantomias!". 

Weltraumritter" in Band 338. Kurz gesagt, die Autoren und 

Armen und 

Zeichner, deren Namen nach Jahrzehnten des anonymen Tuns 

seit der Ausgabe 245 vom 31. März 1998 im „LTB" auch endlich Kater Karlo 

Entrechteten erstmals in Deutschland 

zu sehen. Die ursprüngliche Ideee 

genannt sind, lassen ihrem starken Einfallsreichtum freien Lauf. 

dazu kommt von der italienischen 

E 

Autorin Elisa Penna. Texter Guido Martina 

ine recht originelle Kurzgeschichte – jedenfalls aus der Sicht von und Zeichner Giovan Battista Carpi verhelfen 

Beatles-Fans – kommt in Band 369 zum Abdruck. Von Mark „Paperinik", wie er im Original heißt, dann 

und Laura Shaw geschrieben, vom italienischen Zeichner Massimo 

Fecchi für die am 9. Oktober 2010 erschienene 

im Juni 1969 zu seinem Debüt. Mit Maske, 

schwarzem Umhang und cooler Ausrüstung 

Jubiläumsausgabe „40 Jahre Walt Disney Lustiges aus der Werkstatt von Daniel Düsentrieb, 

Taschenbuch" in Szene gesetzt, t, bringt „Es war 

wozu die voll automatische 

genau … vor 40 Jahren" 

Knockout-Faust gehört, steigt 

ein 

Wiedersehen 

Donald zum Superhelden 

mit der berühmtes- 

von Entenhausen auf. Eine 

ten und erfolgreichs- 

Bestimmung, mit der sich auch hiesige ige Leser auf 

ten Rockband aller 

Anhieb anfreunden konnten. Folge davon: Weitere 

Zeiten: die Käfer. Die 

Stories mit dem neuen Star Phantomias gehörten 

auf 26 Seiten gezeig- 

fortan zum festen Bestandteil des „LTB".

Eine Besonder heit der Reihe „Lustiges 

Taschen buch" ist, dass die einzelnen 

Bände nachgedruckt werden, sie somit 

für die Leser im Handel stets verfügbar 

sind. Zum 16. Oktober 2012 liegen exakt 

434 Ausgaben vor. Im Regal nehmen 

diese gut sieben Meter Stellfläche ein 

und bieten grob überschlagen an die 

113.000 Seiten Lektüre. Jährlich kommen 

13 Novitäten dazu, seit das „LTB" 

im Jahr 1994 sein Erscheinen auf einen 

vierwöchigen Rhythmus umgestellt hat. 

Dass es der Schmöker Monat für Monat 

auf gut 230.000 verkaufte Exemplare 

mit einer Reichweite von fast einer halben 

Million Leser bringt, ist bester Beleg für 

die 

enorme Popularität des Titels. 225 

Millionen „Lustige Taschenbücher" 

hat der Egmont Ehapa Verlag seit der 

Erstausgabe im Oktober 1967 unters 

Volk gebracht. Eine imposante Zahl, 

der Inbegriff einer Erfolgsstory. Apropos pos Erstausgabe: 

sgab 

abe: 

„Der Kolumbusfalter" in der ersten Auflage zum Preis 

von 2,50 DM und mit aufgedrucktem Micky-Maus- 

Kopf ist laut dem „Comic-Preiskatalog 2012" in druckfrischer 

Erhaltung unbegreifliche 1800 Euro wert. 

Vorrangigstes Motiv beim Erwerb eines „Lustigen 

Taschenbuchs" sind sicher die darin abgedruckten 

Comics. Dass eine ansprechende Verpackung, 

sprich ein gelungener Umschlag mit einem raffinierten 

Titelbild, die Kaufentscheidung erleichtert, 

kann jedoch nicht von der Hand gewiesen werden. 

Auch in dieser Hinsicht hat das „LTB" einiges zu 

bieten. Besondere Gestaltungen zu Jubiläen, runden 

Geburtstagen einzelner Hauptfiguren oder ausgefalle- 

nen Ereignissen haben inzwischen eine lange Tradition. 

Seit 

der Ausgabe 150, die mit dem ersten Glanzeinband 

aufwartete, gab es davon etliche Nachläufer: etwa die 

Bände 236, 239, 293 und 383 oder, ganz clever, der 

Jubiläumsband 369 in den beiden Varianten Gold 

und Silber. Optisch pfiffig muten die Bände 385 

mit einer Art Hologramm, 397 mit Prägedruck der 

Panzerknacker vor Dagoberts Geldspeicher sowie 

372 und 398 mit je einem 3D-Bild von Phantomias 

an. Das gute alte Wackelbild kommt auf dem Cover 

von Band 424 „Donalds Lieblinge" zum Einsatz und 

macht bei verändertem Blickwinkel gleich drei Motive 

sichtbar: Donald, Daisy und die beiden im legendären 

Wagen mit der Nummer 313. 

Das „Lustige Taschenbuch" ist in seinem 45-jährigen 

Bestehen am hiesigen Comicmarkt längst 

zu einer festen Größe mit Klassikerstatus geworden. 

Der Riesenerfolg enerfo 

der Reihe hat Egmont Ehapa immer wieder zur 

Produktion einer Vielzahl von weiteren Ausgaben im Stil des „LTB" 

ermutigt, die neben bekanntem Material auch bisher unveröffentlichte 

Comics bieten. Namentlich erwähnt seien die Titel „LTB Spezial", die 

„LTB Enten-Edition", die „LTB Maus-Edition", das „LTB Weihnachten", 

das „LTB Premium" (in dem Phantomias, Supergoof und einige 

andere Superhelden von Entenhausen das Sagen haben) oder die 

ambitionierte, iert 

seit Mitte des Jahres 2009 erscheinende ende 

„LTB English 

Edition". Bei den so genannten Jubiläums- oder Sondereditionen, 

die bis dato stets mit vier Bänden aufgelegt wurden, 

gibt 

es inzwischen isch 

fünf Sammelboxen zu den Themen 

„40 Jahre LTB: 1967–2007", „Happy 

Birthday Micky: 1928–2008", „Donald 

Duck: 75 Jahre Spaß", „Das Beste aus 

LTB 1–400" und „Die Panzerknacker: 60 

Jahre knackige Zeiten". Eine sechste Box 

ist 

zum Jahresende 2012 in Vorbereitung 

und rückt die reichste Ente der Welt in den 

Mittelpunkt: „65 Jahre Dagobert Duck". 

Damit nicht genug, bietet auch die 

Ehapa Comic Collection – das ist die 

Verlagsmarke von Egmont Ehapa, die für 

den 

Buchhandel produziert – in ihrem 

Programm eine Menge von Disney-Titeln. 

Eine 

der gelungensten Buchreihen der jüngeren 

Vergangenheit ist mit „Enthologien" 

überschrieben und umfasst aktuell 14 Bände. 

Die Comics in diesen bis zu 456 Seiten starken Wälzern 

sind aus dem „Lustigen Taschenbuch" und dessen 

Spin-offs kompiliert, werden hierfür aber nach Themen 

geordnet. Enten- und Maus-Fans (denn auch Micky 

und die Seinen sind in diesen Geschichten vertreten) 

aller Altersstufen garantieren diese attraktiv gestalteten 

Hardcover-Ausgaben gute Unterhaltung. Momentan gibt 

es sogar Überlegungen in den Redaktionsstuben der ECC, 

das „LTB" als Buchhandelsausgabe mit festem Einband 

zu produzieren. Am Konzept, so heißt es, wird gearbeitet, 

ein Erscheinungsdatum ist aber noch nicht gewiss. 

• Buch 1: Duckanchamun I – Im Tal der Enten 

• Buch 2: Duckanchamun II – Im Zeichen der Sphinx 

• Buch 3: Ente in Antik – Orakel und andere 

Debakel 

• Buch 4: Cowboys, Enten und Indianer – 

High Noon in Entenhausen 

• Buch 5: Enten entern! – Meuterei auf der Mounty 

• Buch 6: So ein Theater! – Donald setzt sich in Szene 

• Buch 7: NullNull Duck – Quak niemals nie! 

• Buch 8: Mitten ins Herz! – Liebesgrüße aus 

Entenhausen 

• Buch 9: Enten, Mäuse und Moneten – 

Geschichten rund ums Geld 

• Buch 10: Huch! – Gänsehaut in Entenhausen 

• Buch 11: Hex! Hex! – Zauberhaftes 

Entenhausen 

• Buch 12: Enten im All – Donaldchens 

Mondfahrt 

• Buch 13: Anas sapiens – Vom Nest in die Höhle 

• Buch 14: Ritter Donalds Schwafelrunde 

– Minnesang und Entenlyrik 

Abbildungen: © Disney 2012/Egmont Ehapa Verlag GmbH 


kult! Bücher 

Von Alan Tepper 

Für den Winter ist eine Offensive der Lesegeräte geplant. 

Texte, die nicht mehr unter das Copyright fallen, sollen in 

monströs großen Medienpaketen unters Volk gebracht werden, 

so dass man " 

Viel" für sein Geld bekommt. Angeblich sollen 

Geiz ja immer noch geil sein und die Quantität über der Qualität 

stehen. Doch mal ehrlich – ist es nicht wichtiger, sich mit einem 

ausgewählten Buch zu befassen, sich in eine Atmosphäre 

Kultbücher – Geschätzt, geliebt, gelobt 

hineinfallen zu lassen, es zu genießen, sich inspirieren oder 

einfach nur unterhalten zu lassen? Durch ein Überangebot wird 

die Wahl nur erschwert, die Einzigartigkeit von Literatur auf ein 

Ramschniveau gedrückt. Da ziehe ich doch lieber den Gang 

zur ortansässigen Buchhandlung vor, in der man von fachkompetenten 

Angestellten beraten wird und ein ganz besonderes 

Schätzchen entdeckt ... 

Bram Stoker – " 

Dracula" 

Abraham („Bram") Stoker wurde am 8.11.1847 nahe Dublin geboren 

und verstarb am 20. April 1912 in London. Er studierte am Trinity- 

College und leitete einige Jahre das Londoner Lyceum Theatre. Die 

wenigen Kurzgeschichten und Romane des Autors werden von seinem 

Meisterwerk „Dracula", dessen Erfolg erst nach seinem Tod einsetzte, 

blutrot überstrahlt. Mittlerweile hat der Vampir Einzug 

in die Gegenwartskultur genommen, ja, er erlebt sogar 

seit mehreren Jahren ein ungeahntes Revival. Anne 

Rice und ihr „Gespräch mit einem Vampir" (1976) 

legte den Grund-Grabstein für die Rückkehr der 

Untoten, die durch viele Filme, unter anderem sind die 

Reißer mit Christopher Lee von Hammer Productions 

erwähnenswert, mittlerweile ein Eigenleben entwickelt 

haben. Die „Blut-Serie" von Kim Harrison, Charlaine 

Harris’ i’Romane und vor allem die „Bis(s)"-Bücher von Stephenie Meyer 

und die darauffolgenden Kino-Blockbuster lassen den tageslichtscheuen 

Unhold und seine zahlreichen Nachkommen nicht zur Ruhe kommen. 

Doch Stokers Roman ist nach wie vor unübertroffen. Obwohl es nicht der 

erste Text war, der einen Vampir porträtierte, überzeugt der Stoff durch 

die dichte, düstere Atmosphäre und die sich stetig steigernde Spannung 

– und das auf über 500 Seiten. Ein weiteres Stilmerkmal sind die verschiedenen 

Perspektiven, die Stoker durch individuelle Tagebucheinträge 

der Protagonisten vermittelt. „Dracula" beginnt mit der Reise Jonathan 

Harkers, der mit dem Grafen Dracula über den Ankauf eines Hauses in 

London verhandelt. Nach einiger Zeit erkennt Harker, dass er es mit 

einem Vampir zu tun hat, aber kann unbehelligt flüchten. Doch Dracula 

folgt ihm nach London, wo er sein finsteres Treiben fortsetzt, sich eine 

Gefolgschaft aufbaut und in Harkers Braut verliebt und sie gefügig macht. 

Harker und seine Freunde verbünden sich mit dem Gelehrten Professor 

van Helsing, und schon beginnt der Kampf mit Kruzifixen, geweihten 

Hostien – und – klaro – Knoblauch. Obwohl der Stoff schon häufig seziert 

und in verschiedensten Medien „serviert" wurde, hat noch niemand die 

klaustrophobe Eindringlichkeit des Originals übertroffen. 

J.R.R. Tolkien – " 

Der Hobbit oder hin und zurück" 

John Ronald Reuel Tolkien (3.1.1892–2.9.1973) hat mit seiner Trilogie 

„Der Herr der Ringe" das zentrale Werk der modernen Fantasy verfasst. 

Neben „Das Silmarillion" gehört auch „Der Hobbit" zu seinen wichtigsten 

Veröffentlichungen. Da das Buch aktuell von Regisseur 

Peter Jackson als Dreiteiler verfilmt wird, wird sicherlich 

das einstmals als Kinderbuch – was es nun nicht mehr ist 

– 

konzipierte Werk, das vom Autor überarbeitet wurde, 

eine Renaissance erleben. Es spielt in Mittelerde und 

handelt von Bilbo Beutlin, der vom Zauberer Gandalf 

und 13 Zwergen aufgesucht wird. Es ist der Beginn 

einer ereignisreichen und gefährlichen Reise, bei der dem 

Drachen Smaug ein gestohlener Schatz abgejagt werden 

soll – und ja, auch ein geheimnisvoller Ring taucht auf, der im epochalen 

Nachfolgewerk „Der Herr der Ringe" die entscheidende Rolle spielen wird. 

Zwar hat „Der Hobbit oder hin und zurück" nicht die Magie der Ring- 

Trilogie, eignet sich aber als Einstieg in das Universum Tolkiens, der mit 

seinen Werken Generationen verzauberte – und das nicht nur in den verrückten 

Hippie-Sechzigern, sondern auch in den letzten Jahren. 

Ray Bradbury – " 

Fahrenheit 451" 

Am 6. Juni diesen Jahres, einen Tag nach dem Tod von Ray Bradbury 

(geb. 22.8.1920), gedachte der amerikanische Präsident Barack 

Obama des talentierten Autors, der „unsere Kultur neu erschuf und unsere 

Vorstellungswelt erweiterte". Obwohl Bradbury hervorragende Science- 

Fiction-Romane wie zum Beispiel „Der tätowierte Mann", verfilmt 1968, 

oder die „Mars-Chroniken" verfasst hatte, steht sein 

Name synonym mit „Fahrenheit 451" (1953), das 

zusammen mit George Orwells „1984" und Aldous 

Huxleys „Schöne neue Welt" zu den wichtigsten 

Dystopien (Anti-Utopien) des 20. Jahrhunderts zählt. 

Der Regisseur François Truffaut verfilmte das Werk 1966 

meisterhaft, doch konnte er nicht die Eindringlichkeit 

des Romans wiedergeben. „Fahrenheit 451" – das ist 

die Temperatur, bei der Bücher Feuer fangen und lichterloh 

lhverbrennen. Guy Montag gehört zu den Feuerwehrmännern, die in 

einem autoritären Staat in der nahen Zukunft nicht die Aufgabe haben, 

Feuer zu bekämpfen, sondern sie zu legen, um Bücher zu verbrennen, 

die – wie ihm sein Vorgesetzter Captain Beatty erklärt – die Menschen 

nur verwirren und mit unnötigen Ideen und Gedankenwelten konfrontieren. 

Der neue Staat will seine Bürger unter allen Umständen ruhigstellen 

und wehrt sich gegen subversives Gedankengut. Montag lernt das junge 

Mädchen Clarisse McClellan kennen, die „verrückt" ist und sich mit unnötigen 

Perspektiven „abplagt". Zunehmend entwickelt sich Montag zum 

Außenseiter, beginnt zu lesen und muss schließlich sein eigenes Haus 

entzünden. Als Staatsfeind wird er gejagt und flüchtet in die Wildnis, wo 

er auf eine Gruppe Menschen trifft, die zu lebendigen Büchern geworden 

sind, also Werke auswendig gelernt haben, um sie der Nachwelt zu bewahren. 

„Fahrenheit 451" kann multipel ausgedeutet werden, und zwar als 

Warnung vor autoritären Systemen, als Angriff auf die Konsumgesellschaft 

oder als „feuriges" Pamphlet für die Bedeutung der Imagination. Eines ist 

aber sicher: Das Werk belegt erneut die Bedeutung der Science-Fiction als 

literarisches Genre, da hier Visionen, Spekulationen und Extrapolationen 

ideal umgesetzt werden können. 

Albert Camus – " 

Der Fremde" 

Neben Jean-Paul Sartre und Simone de Beauvoir zählt Albert Camus 

(7.11.1931–4.1.1960) zu den wichtigsten Vertretern des französischen 

Existenzialismus, obwohl er sich selbst lieber als autonomen 

Philosoph bezeichnete. Ihm wurde 1957 der Literaturnobelpreis verliehen. 

Neben „Der Mythos des Sisyphos", „Der Mensch 

in der Revolte" und „Die Pest" gehört „Der Fremde" 

aus dem Jahr 1942 zu seinen zentralen Werken. 

In dem Roman schildert Camus die Geschichte des 

unbedeutenden Angestellten Meursaults, ein stark 

ausgeprägtes Individuum, der durch eine schicksalhafte 

Wendung zum Mörder wird. Er erkennt die 

Absurdität und letztendliche Sinnlosigkeit des Lebens 

in einer Gesellschaft, die dem Einzelnen Normen 

und Verhaltensmuster überstülpt. Dadurch beginnen 

ein Prozess der inneren Befreiung und die Erkenntnis des Selbst. Als 

Meursault kurz vor seiner Hinrichtung mit einem Geistlichen spricht, 

erläutert er seine neu gefundene Perspektive. Ein Monumentalwerk, das 

zum Denken und Philosophieren anregt. 


Gerüchte, Mythen, Märchen: 

Wie der Rock-Fan in der DDR 

Geschichten über seine Stars erfand 

Elvis, die Beatles, Kiss oder die Sex Pistols – Objekte 

der Begierde. Es genügte den Fans nie, nur die Musik 

ihrer Lieblinge zu konsumieren. Das Drumherum war 

mindestens genauso spannend, und es lieferte den Stoff 

für hitzige Schulhofgespräche, stundenlange Debatten 

auf Partys. Die Halbwüchsigen zwischen Westerland 

und Bodensee wurden regelmäßig gefüttert: Was mit 

der " 

Bravo" in den 50ern begann, wurde spätestens in 

den 70ern mit einer Vielzahl an Musikzeitschriften zu 

einem eigenen Wirtschaftszweig. Das Radio versorgte die 

Infizierten mit den neuesten Hits, das TV zeigte die Stars 

in Bewegung, und Vinyl gab es irgendwann im Überfluss. 

Zwischen Hiddensee und Fichtelberg sah es hingegen 

ganz anders aus. 

Der Rock-Fan in der DDR wurde kurz 

gehalten. Die 60er waren eine reine 

Ödnis. Einzige Musikzeitschrift: die 

„Melodie & Rhythmus". Sie wandte 

sich genau wie das Jugendmagazin 

„Neues Leben" 

erst in den 70ern 

verstärkt populären 

internationalen Künstlern zu. 

Infos gab es zwar, diese hinkten 

den realen Ereignissen aber meist 

Monate, ja manchmal Jahre hinterher. 

Und nicht selten verstärkten 

die Geschichten in den Blättern das, was in 

Ostdeutschland sich um die Stars in einem schier 

unerschöpflichen Ausmaß rankte: Gerüchte, Mythen 

und Märchen. 

Wenngleich die Beatles und die Rolling Stones unbestritten 

als die Bands mit der größten Popularität 

betrachtet werden können, dürften Kiss bei den 

windigen Stories, die über sie in den 70ern und frühen 80ern in der 

DDR kursierten, die Nase vorn gehabt haben. Der Umstand ergab sich 

nicht zuletzt daraus, dass das US-amerikanische Heavy-Metaltheater 

in den Ost-Medien nicht stattfand. Wer Musik der Band hören wollte, 

musste seine Westverwandtschaft angraben – so er welche hatte – oder 

jemanden kennen, der jemanden kannte, der jemanden kannte, der 

Kiss-LPs besaß. Die wahrscheinlichste 

Möglichkeit, Kiss-Musik aufs eigene 

Tape zu bannen, war das Überspielen 

der vermutlich 

73. Kopie 

eines Songs, 

der meist 

nicht mehr preisgab als die Bassdrum 

und ein melodiöses Gegrummel, das 

dem Geräusch von in einem Plastekarton 

geschüttelten Wackersteinen nahekam. 

Und irgendwann machte sich unter 

den Musikkopierern die Ansicht breit, 

sie würden beim Überspielen von 

"Love Gun" bereits mit einem Bein im 

Knast stehen. Kiss seien Nazis, hieß 

es. Deshalb hätten die Kulturoberen 

die Band verboten. Wer 

erwischt würde: Stasi- 

Haft. Die Debatten in 

den Westmedien über 

das Kiss-Logo mit 

den beiden runenartigen 

„S" gossen Öl ins 

Feuer. Zitat aus dem 

„Spiegel" im Mai 1980: 

„Die ‚SS-Schergen des 

Rock'n'Roll' (‚Neue 

Zürcher Zeitung'), 

die mit infernalischem 

Show-Gebaren 

und faschistischem 

Gestus bundesdeutsche 

Teenies im 

Blitzkrieg eroberten, 

führen die Nazi-Runen 

im Namenszug." Es 

wurde in dem Polit- 

Magazin darüber sinniert, 

dass die bundesdeutsche 

Justiz bei der 

Verwendung der „SS"- 

Rune mit zweierlei Maß messe und das Beispiel eines politischen 

Aktivisten angeführt, der 300 Mark Strafe wegen des Tragens eines 

Anti-Strauß-Stickers zahlen musste, auf dem das „ß" zum Doppel-S 

in Runenschrift umfunktioniert worden war. „Neues Leben" griff diese 

Nazi-Diskussion begierig auf und veröffentlichte zwei Seiten, die einen 

Gene Simmons in jener bizarren Pose zierten, die der Bassist einnimmt, 

wenn er bei Live-Konzerten zum Song "God Of Thunder" unter das 

Hallendach auf eine Plattform gehievt wird. Da war es: Das erste 

Kiss-Bild in einer ostdeutschen Zeitung. Den Aufklärungsartikel – der 

dem Quartett bestenfalls die musikalische Qualität einer drittklassigen 

Schülercombo beschied – werden viele gar nicht oder nur oberflächlich 

gelesen haben. Das Gene-Simmons-Bild hat sich aber vermutlich fast 

jeder Bezieher der Zeitschrift ausgeschnitten. 

Zu jenem Zeitpunkt hatte das Faschismus-Märchen, das sich um Kiss 

rankte, merkwürdige und auch nicht ungefährliche Blüten getrieben. 

So hieß es zum Beispiel, die US-Rocker würden ihre Konzerte mit 

der Aufforderung „Wollt ihr den totalen Krieg?" beginnen. Beweisen 

konnte das zwar niemand, wer 

allerdings den „Hottest band in 

the world"-Spruch zu Beginn 

der ALIVE-Alben in der bereits 

erwähnten Rumpelqualität auf 

einer Kassette hatte, wusste 

dem aber auch nichts entgegenzuhalten. 

Denn was da 

wirklich in die Massen gebrüllt 

wurde, war eh nicht zu verstehen. 

Hartnäckig hielt sich auch 

das kuriose Gerücht, es gebe 

einen Kiss-Titel, der "Bombs 

Over London" lautete und die 

Bombardierung der englischen 

Hauptstadt durch die deutsche 

Luftwaffe im Zweiten 


Blue Öyster Cult Standarten am bandeigenen 

Pkw vor, die ein okkultes Symbol trugen. 

Da war der Bezug schnell hergestellt: 

Standarte Symbol Okkultismus Himmler-SS. 

Heavy-Metalbands standen eine Zeitlang 

eh unter Generalverdacht, bevor sie von den 

Punks abgelöst wurden. 

Das Dämonisieren einiger Idole aus dem 

Westen in den Ostmedien ging grundsätzlich 

nach hinten los. Die Nazi-Keule gegen diverse Rocker sorgte nicht 

Blue Öyster Cult 

etwa zur angewiderten, 

ideologisch motivierten 

Abkehr der Fans, sondern 

trieb den in den 

Fokus gestellten Bands 

weitere Anhänger zu. 

Die genannten Blue 

Öyster Cult waren bis 

zu dem erwähnten 

Zeitschriftenbeitrag in 

der DDR nahezu unbekannt. 

In Cliquen, die härtere Musik bevorzugten, stieg danach der Anteil 

der BÖC-Neugierigen zusehends. 

Weltkrieg verherrlicht haben soll. Unter den Anhängern der Band 

wurde das Stück gesucht wie weiland der Heilige Gral von König Artus' 

Rittern der Tafelrunde. 

Da war es am Ende nur eine Frage der Zeit, bis sich in die Anhängerschaft 

von Kiss vermehrt Leute mischten, die die Band weniger wegen ihrer 

Musik verehrten. Neo-Nazis, die es hüben wie drüben gab, fühlten sich 

angezogen. Und so kam es schon mal vor, dass sich Bewunderer der 

NS-Ideologie mit dem Kiss-Logo schmückten oder sogar zu fanatischen 

Fans des Quartetts mutierten, um dabei dem Nazi-Mythos um die Band 

noch mehr Futter zu geben. 

Der zunehmende Zugang der DDR-Bevölkerung zu Westmedien – die 

Hauptstädter waren mit West-Berlin in ihrer unmittelbaren Nachbarschaft 

immer in einer bevorzugten Ausnahmesituation gewesen – entzog schließlich 

den Gerüchteküchen mehr und mehr 

die Gewürze, was sich letztlich auch im 

Umgang mit Kiss zeigte, die zu Beginn 

der 80er mit "I Was Made For Lovin' 

You" in den Jugendsendungen des 

Rundfunks hoch- und runtergenudelt 

wurden. Und die ebenfalls in dieser Zeit 

einsetzende Verkabelung ausgesuchter 

Gebiete (Neubrandenburg machte den 

Anfang) trug das Westfernsehen in die 

guten Stuben. 

Der staatstragende Antifaschismus der 

DDR heftete sich für eine gewisse Zeit 

auch an die Fersen von Nazareth und 

Blue Öyster Cult. Die Blues-Rocker fielen 

mit ihrem Platten-Cover für NO MEAN CITY unter den Nazi-Verdacht. 

Wo damals der „Enthüllungsartikel" erschien, ist bedauernswerterweise 

der Vergessenheit anheimgefallen. Dem Duktus der ungeprüften 

Denunziation nach zu urteilen, könnte aber durchaus einmal mehr das 

Jugendheft „Neues Leben" seine Finger im Spiel gehabt haben. Während 

Nazareth ihrem Monster auf der LP-Hülle vermutlich eine zu sehr an einen 

Wehrmachtshelm erinnernde Kopfbedeckung verpasst hatten, warf man 


Nazareth 

Die Gerüchte über das Gebaren diverser Punkprotagonisten kamen 

schnell auf. Als sich die Medien im Westen und im Osten in der 

Bewertung der neuen Jugendsubkultur noch einig waren, fand man 

in DDR-Beiträgen über die respektlosen und destruktiven Bands aus 

Großbritannien häufig Zitate und Fotos aus BRD-Zeitschriften. Logisch, 

dass die Begeisterung der gerade im realen Sozialismus heranwachsenden 

neuen Generation keine Grenzen kannte. Die ersten Punkcliquen 

streiften beinahe ebenso zeitig durch die ostdeutschen Großstädte wie 

jenseits des Eisernen Vorhangs durch die Westmetropolen. Und wer 

aufpasste, wurde sogar im Jugendfunk mit Musik versorgt. Auf Stimme 

der DDR, ein Sender, der allabendlich ab 19 Uhr die unterschiedlichsten 

Formate für Jugendliche anbot, lief ein Special über die Sex 

Pistols und ihre Wirkung auf die Musikindustrie. Zu jenem Zeitpunkt 

hatten Senderverantwortliche – sicherlich im Verbund mit den halbwegs 

zurechnungsfähigen Kulturniks – die Punkbewegung als ein 

antikapitalistisches Phänomen wahrgenommen, was Namen wie The 

Clash, Sid Vicious, The Damned oder Tenpole Tudor auch ins Ostradio 

hob. Die Stories über Skandale oder Ereignisse flossen aber weiter 

spärlich. Also verpassten die Fans ihren Idolen jene Zügellosigkeit, die 

sie selbst gern ausgelebt hätten. Manchmal kamen die Geschichten 

der Wirklichkeit nahe, oft schossen sie weit übers Ziel hinaus. Zum 

Beispiel die imaginäre Fäkalaktion eines Johnny Rotten, der angeblich 

vor Publikum seine Hose heruntergelassen und unmittelbar neben dem 

Mikroständer seinen Darm entleert haben sollte. Bezeichnend dabei 

die Gleichgültigkeit, mit der diese 

Räuberpistole weitererzählt wurde. 

Denn vorstellen konnte sich das vermutlich 

niemand. 

Dass die Fans aber auch mit dieser 

unappetitlichen Geschichte näher am 

Geschehen waren, als sie es selbst für 

möglich gehalten hätten, belegte in 

den späteren 80ern ein Typ namens 

GG Allin, der sogar das Publikum 

in der ersten Reihe an seinen 

Verdauungsvorgängen teilhaben ließ. 

Allin starb 1993 an einer Überdosis 

Heroin. 

Die Rolling Stones und die DDR verbindet auf jeden Fall das Debakel 

vom 7. Oktober 1969. Eigentlich Republikgeburtstag und Feiertag, 

machte das Gerücht die Runde, Jagger & Co. würden auf dem Dach des 

Springer-Verlagshauses unmittelbar an der Mauer ein Konzert geben. 

Der Staatsmacht blieb die Ankündigung nicht verborgen, und so 

zogen am Abend – als die staatlichen Feierlichkeiten in der Hauptstadt 

ihrem Höhepunkt entgegengingen – neben hunderten Stones-Fans 

GoodTimes 1/2013 Seite 83

Foto: © Bernd Woick 

Zu Hunderten zog es ostdeutsche Stones- 

Fans am 7. Oktober 1969 an die Mauer. 

auch Polizeieinheiten zum 

Spittelmarkt, von wo aus 

man das Verlagshaus bestens 

einsehen konnte. Als die 

Uniformierten versuchten, die 

Musikbegeisterten abzudrängen, 

kam es zu Ausschreitungen. 

120 junge Leute wurden festgenommen. 

Dabei war ein Stones-Konzert 

nie geplant gewesen. Das 

Gerücht basierte auf der zwei 

Wochen zuvor salopp dahingeplapperten 

Vorstellung eines Rias- 

Moderators, der es witzig gefunden 

hätte, wenn die Rolling Stones ausgerechnet 

zum 20. Geburtstag der DDR 

auf dem Springer-Dach ein Konzert 

gäben. 

Die DDR stand mit den Stones sehr 

lange auf Kriegsfuß. Sie seien verboten, hieß es oft. Doch 

ganz so einfach war das nicht. Und das wussten auch die 

Jugendlichen, weshalb man sich die Abstinenz der britischen 

Band in den sozialistischen Medien mit der Klausel 

des „Unerwünschten" erklärte. Erzählte ein Schlaumeier 

beim Lauschen von "Angie" mal wieder, dass man ja gerade 

etwas Gefährliches täte, da die Rolling Stones verboten 

seien, wusste ein noch größerer Schlaumeier: „Verboten 

sind die nicht. Die sind nur unerwünscht." Was es damit 

auf sich hatte, war niemandem bekannt. Aber auf jeden 

Fall fühlte sich nach diesem Spruch jeder der Anwesenden 

wieder inmitten der Legalität. 

Mick Jagger war für den sehnsüchtig auf die westlichen 

Stars und ihre ausgelebte Individualität blickenden 

ostdeutschen Teenager das Symbol rebellischer 

Freiheit schlechthin. Bei dem Sänger der damals lautesten, 

wildesten, schmutzigsten, aggressivsten und was 

nicht alles Band der Welt hielt man alles für möglich. 

Und als in einem analytischen Beitrag einer DDR- 

Zeitung über Rockmusik als Zeichen des Niedergangs 

des Kapitalismus die in drastischen Bildern beschriebene 

Live-Performance Jaggers mit „und erhob sich schnaufend 

zu einem Geschlechtsakt" endete, traute man ihm 

auch Masturbation in aller Öffentlichkeit zu. 

Als mindestens „unerwünscht" galt unter den wissenden Rock-Fans der 

Titel "Moscow" von – ja von wem eigentlich? Kiss? Würde passen, denn 

die waren ja eh die Bösen. Wonderland? Klang wie ein Fantasiename aus 

der Mythen-Ecke, weil niemand so recht zu wissen schien, wer den Song 

denn nun eigentlich sang. Aber auf jeden Fall war das Lied ein heißes 

Eisen. Weshalb sich scheinbar niemand die Mühe machte, den Text zu 

übersetzen, um das Rätsel um die düstere Stimmung im Zusammenhang 

mit dem Fanal des Kommunismus – also Moskau – zu lösen, wird eines 

der ungelösten Rätsel der Rockhistorie bleiben. Wer sich aber nur annähernd 

eine Vorstellung machen möchte, wie im Osten um Stars und 



Jubelfeier am Alex, die DDR 

feiert ihr 20-jähriges Bestehen 


Musik ein unergründliches Mysterium entstand, sollte 

den Film „Sonnenallee" schauen, wo auch Wonderlands 

"Moscow" zwei sehr ulkige Auftritte hat. 

Der illegale Handel mit Gruppenfotos und ominösem 

Merchandisingmaterial blühte. Wer eine „Bravo" besaß, 

in der es reichlich Bildmaterial gerade angesagter Acts 

gab, hatte die Lizenz zum Gelddrucken. Die Motive 

wurden abfotografiert, vervielfältigt und verkauft. Dabei 

wirkten die Stars auf den oft recht miserabel aufbereiteten 

Schwarzweiß-Darstellungen cooler als im Original. 

Es blieb immer noch Raum für Interpretationen, die 

Qualität der Fotos hatte den Ruch des Verbotenen, und 

sie öffneten die Tür in eine unerreichbare Welt nur einen 

winzigen Spalt. 

Besonders beliebt: die Kassettenbilder. Das 

waren Fotografien, die wegen ihrer Größe genau 

unter das Sichtfenster einer Kassettenhülle 

passten. Von Landstrich zu Landstrich wurden 

dafür unterschiedliche Preise gezahlt. 20 

Ost-Mark waren aber keine Seltenheit. Für das 

gleiche Geld konnte man bereits eine LP des 

staatlichen Amiga-Labels erstehen und hatte 

sogar noch vier Mark übrig. Drei Motive seien 

als Beispiele für das Eigenleben dieses Marktes 

genannt, auf dem in den verschiedenen Regionen der 

Arbeiter- und Bauern-Republik zahllose Geschichten 

erzählt werden können, die aber regional begrenzt 

wirkten. Da wäre das Mülltonnenfoto von Uriah Heep. 

Vermutlich stand wie so oft ein Poster Pate, das die 

Band herumlungernd in einem spärlich eingerichteten 

Raum zeigte. Die Unterbelichtung stellte die 

Möbel fast einheitlich schwarz dar, weshalb Heep 

auf einer Müllhalde 

abgelichtet worden 

zu sein schienen. Die 

Vorlage dürfte nicht halb so spektakulär 

gewirkt haben. 

Dann das Nude-Poster von Queen, 

das die Band eng beieinanderstehend 

mit freiem Oberköper zeigte. 

Als blasse Schwarz-weiß-Kopie 

ragte einzig der zu allem Überfluss 

im oberen Motivbereich angeordnete 

Roger Taylor mit seinem hellen 

Haar heraus. Und wer auf einem 

Bandbild am meisten auffällt, ist 

der Sänger. Das war ein ungeschriebenes 

Gesetz. Schon kursierte die 

Vorstellung, die glasklare bis in die höchsten Töne hinaufsteigende 

Frontstimme der neuen Superstars gehöre dem blonden Schönling. 

Und schließlich das Empire-State-Building-Motiv von Kiss, womit 

wir wie der 

bei jener 

Band wären, 

die am 

Anfang der 

Geschichte 

stand. Die 

wie Außerirdische 

wirkenden 

Typen 

konnte man sich 

nicht einfach so 

ansehen. Der Betrachter wurde geradezu zum Spinnen gezwungen. 

Und so besagt die Legende, die vier Musiker hätten unter Lebensgefahr 

das Foto von sich schießen lassen. Paul Stanley sei sogar beinahe hinabgestürzt, 

konnte aber gerade noch so vor dem Tod gerettet werden. 

Im Westen war halt alles möglich. 

Und wenn sie nicht gestorben sind, dann leben sie noch heute. 



kult! Abo-Schein 

✘❏ Ja, 

ich möchte ein 

kult! -Abonnement 

•kostenlose Lieferung 

•Zustellung früher als im Einzelhandel 

•sicher verpackt 

•keine Ausgabe verpassen 

Auch bestellbar unter: 


Kommende geplante Ausgaben: 

Nr. 8 (2/2013) erscheint am 19.04.2013 

Nr. 9 (1/2014) erscheint am 18.10.2013 

Nr. 10, Nr. 11, Nr. 12, Nr. 13 usw. 

(Nr. 1–7 weiterhin erhältlich) 

❏ 

per Bankeinzug (nur Inland) 

Es wird die jeweils anstehende Ausgabe mit dem aktuell gültigen Copypreis (derzeit € 6,50 – keine Versandkosten) 

abgebucht. Das Abo kann laufend gekündigt werden. 

Bank: _____________________________________________________________________________________________ 

BLZ: _____________________________________________________ Konto-Nr.: _______________________________ 

Die Genehmigung zum Bankeinzug und die Information über die 14-tägige Widerrufsmöglichkeit bestätige ich mit meiner folgenden Unterschrift: 

Datum: _____________________ Unterschrift: ____________________________________________________ 

Vor-/Nachname: ________________________________________ Straße: _____________________________ 

PLZ/Ort: __________________________________________________ Land: _________________________________ 

Telefon: ____________________ Fax: _____________________ email: ________________________________ 

❏ 

per Vorabüberweisung (Ausland) 

Überweisen Sie bitte vorab für ein oder auch mehrere künftige kult!-Ausgaben (je 6,50 €) auf folgendes Konto: 

NikMa Verlag · Kreissparkasse Ludwigsburg · Konto: 108 294 · BLZ: 604 500 50 

IBAN: DE38 6045 0050 0000 1082 94 · BIC: SOLADES1LBG · Betreff: kult!-Abo Ausgabe(n) Nr. 8, 9 usw. 

Abo-Bestellschein bitte faxen an: 0 70 42/37660-188 oder ausschneiden bzw. fotokopieren und senden an: 



J.R.R. Tolkien 

Ein 

Oxford- 

Professor 

im Reich 

der 

Fantasy 

„In einem Loch im Boden, da lebte ein Hobbit.” Diese Worte standen am Anfang einer 

literarischen Lawine. Mit ihnen wurde die Begründung eines komplett neuen Genres 

eingeleitet, ein Kult ohnegleichen, der bis heute Bestand hat. Aufgeschrieben hat diesen 

mittlerweile legendären Satz zu Beginn der 1930er Jahre ein damals knapp 40-jähriger 

Oxford-Professor namens John Ronald Reuel Tolkien. „Ich wusste nicht, warum ich das 

getan hatte, ich weiß es auch jetzt noch nicht”, bekannte der Engländer viel später, „ich 

wusste nur, dass ich damit eine Saga begründet hatte, was ich lange Zeit nicht wahrhaben 

wollte und was ich nie beabsichtigt hatte.” 

JR.R. Tolkien erblickte am 3. Januar 1892 als Sohn des englischen 

Bankangestellten Arthur Tolkien und der englischen Hausfrau Mabel 

. Tolkien im südafrikanischen Bloemfontein das Licht der Welt. Mabel 

behagte das Klima an dem exotischen Ort bald nicht mehr, zudem litt 

sie unter Einsamkeit – Gründe genug für die junge Frau von Anfang 

20, im April 1895 mit John und seinem mittlerweile geborenen, zwei 

Jahre jüngeren Bruder Hilary Arthur Reuel einen Dampfer zurück in die 

britische Heimat zu besteigen. J.R.R. würde fortan bis an sein 

Lebensende in England sein Zuhause haben. Der spätere 

Oxford-Professor für Philologie war definitiv ein 

Sprachgenie, beherrschte Latein und Altgriechisch 

in allen Finessen, auch Deutsch und andere germanische 

Sprachen waren ihm vertraut, er beherrschte 

leidlich Französisch, Spanisch und Italienisch, zudem 

brachte er sich selbst Altisländisch, Walisisch, Gotisch, 

die Grundzüge des Finnischen sowie alte Formen des 

Englischen bei. Wobei Tolkien an die Grammatik 

als Wissenschaftler heranging. Sie im Gespräch zu 

verwenden, fiel dem eher Introvertierten meist 

schwer. Ähnlich wissenschaftlich kreierte er auch 

die Fantasiesprachen in seinen Büchern, für eine 

profane Unterhaltung waren diese kaum zu 

gebrauchen. Tolkiens literarischer Output ist eher 

bescheiden: Neben einigen Kurzgeschichten, 

Novellen und Gedichten besteht sein Hauptwerk 

letztlich aus drei Romanen. Zum einen dem 

eher fragmentarischen Wälzer „Das Silmarillion”, 

dann dem Kinder- und Jugendbuch „Der Hobbit” und schließlich h dem 

Megaseller „Der Herr 

der Ringe”. 

Die Geschichte für 

die junge Generation, 

die mit dem Satz „In 

einem Loch im Boden, 

da lebte ein Hobbit” 

begann, wurde 1936 

vollendet, einem renommierten britischen bii Verlag vorgelegt und ein 

Jahr später unter dem Titel „The Hobbit” in die Läden gebracht. Mit 

dermaßen beachtlichem Erfolg, dass Verleger Stanley Unwin seinen 

Autor Tolkien bat, ihm möglichst rasch einen Nachfolger für das 

Buch zu liefern, von ähnlichem Umfang – also knapp 300 Seiten – 

und wie der Vorgänger für eine jugendliche Leserschaft geeignet. 

J.R.R. machte sich zügig ans Werk. Um 17 (!) Jahre 

später „Allen & Unwin” ein Monster von weit mehr 

als 1000 Seiten vorzulegen, ob seiner Komplexität 

für Minderjährige völlig ungeeignet und in seiner 

wuchtig-klassischen Erzählform eigentlich vollkommen 

antiquiert. Und doch: Das „Monster” wurde 

im Laufe eines Jahres, unterteilt in drei Bücher, 

auf die Menschheit unter dem Titel „The 

Lord Of The Rings” losgelassen. Obwohl diese 

Veröffentlichungsweise bei Tolkien auf heftigen 

Widerstand stieß, entwickelte sich die Trilogie weltweit 

Das Silmarillion 

zum Mega-Bestseller und schließlich zum Pionierwerk 

eines eigenen literarischen Genres. 

Als J.R.R. Tolkien am 2. September 1973 im englischen Ferienort 

Bournemouth starb, war er einer der meistgelesenen Autoren des 20. 

Jahrhunderts. Jetzt, zu Beginn des neuen Jahrtausends, stehen er und 

sein überschaubares Werk für den Begriff Kult schlechthin. Unabhängig 

davon, dass Tolkien seine epochalen Werke in der Freizeit verfasste, 

gilt er als Begründer der modernen Fantasy-Literatur. In Deutschland 

war die „Herr der Ringe”-Trilogie 2008 noch vor der Bibel das bestverkaufte 

Buch. Das liegt in erster Linie daran, dass der Brite mit seiner 


Fantasiewelt „Mittelerde” und den dort lebenden unterschiedlichsten 

Geschöpfen eine in sich stimmige, geschlossene Welt erschaffen hat, 

mit eigenen Sprachen, Stammbäumen und Biografien. Tolkien war den 

Geschöpfen seiner Fantasie tiefer verpflichtet als ein Erzähler, der nach 

Belieben über seinen Stoff verfügen kann. 

Mittelerde, wie J.R.R. seinen Mikro-, oder eigentlich Makrokosmos 

nannte, ist weitaus mehr als bloß gut erfunden. Mittelerde ist in sich 

wunderbar stimmig, 

hier kann man 

sich als Leser jederzeit 

verlieren. Kein 

Wunder, dass dieser 

Kosmos weltweit 

jede Generation 

aufs Neue in sich 

aufsaugt, die Bücher 

aus jener Sagenwelt 

zu modernen 

Klassikern avanciert 

sind. Über 150 

Millionen Mal hat 

sich alleine „Der 

Herr der Ringe" seit dem ersten Erscheinen des Buches im Jahr 1954 

weltweit verkauft. Der archaische Kampf Gut gegen Böse in der magischen 

Welt der Hobbits und Orks, Zauberer und Elben, den J.R.R. 

Tolkien darin erzählt, wurde in den 

Köpfen der begeisterten Leser zu 

Bildern. Es war nur eine Frage der 

Zeit, bis die zahlreichen Gestalten 

aus Tolkiens Fantasie den Sprung 

auf die Leinwand schafften. 

Das allerdings war eine echte 

Mammutaufgabe. Denn der „Herr 

der Ringe" umfasst rund 1200 

Seiten, randvoll mit unzähligen 

Haupt- und Nebenfiguren, mit 

komplexen Erzählsträngen, mit 

eigenen Zeitepochen, Ländern 

und Landschaften. Der neuseeländische 

Regisseur Peter Jackson 

nahm sich dieser 

Herausforderung 

an: Jeweils kurz vor 

Weihnachten der 

Jahre 2001, 2002 

und 2003 kamen 

die drei Teile des 

Buches als Film in 

die Kinos. Wenn man 

alle Einspielergebnisse 

plus Fanartikel zusammenzählt, 

dann ist 

„Der Herr der Ringe” 

die erfolgreichste 

Filmtrilogie aller 

Noch skeptisch, während die Zwerge auf eine 

Entscheidung fürs Abenteuer drängen: Bilbo 

Zeiten. Außerdem 

wurden die drei Teile 30 Mal für den Oscar nominiert sowie mit 17 

dieser begehrten Trophäen ausgezeichnet. Jetzt hat Jackson auch 

den „Hobbit” zu cineastischem Leben erweckt. Die Filmcrew bestand 

zum Großteil aus alten Bekannten der „Herr der Ringe"-Trilogie. Dazu 

gehörte auch eine vertraute Schauspielerriege: Ian McKellen ist wieder 

als Zauberer Gandalf zu sehen, Andy Serkis als tragischer Bösewicht 

Gollum, Orlando Bloom als Elb Legolas, Christopher Lee als Gandalfs 

Gegenspieler Saruman und Hugo Weaving als Elben-Chef Elrond. Cate 

Blanchett spielt die Elbenkönigin Galadriel, die im „Hobbit"-Buch nicht 

vorkommt. Und Elijah Wood verkörpert einmal mehr den Hobbit Frodo. 

Als Neuzugang ist der Brite Martin Freeman dabei („Per Anhalter durch 

die Galaxis"). Er bekam für die Hauptrolle des jungen Bilbo Beutlin, 

Onkel von 

Hobbit Frodo, 

den Zuschlag. 

Den alten Bilbo 

spielt Ian Holm, 

der diese Rolle 

bereits in den 

„Ringe"-Filmen 

verkörperte. 

Jackson hat das 

Kinderbuch mit seinem 

Autorenteam 

umgeschrieben und 

an den Geschmack eines 

Erwachsenenpublikums 

angepasst. Um die Geschichte 

logischer erzählen zu können, 

bediente er sich bei den erklärenden Anhängen, die Tolkien dem „Herrn 

der Ringe" angefügt hatte. Damit kamen im Film Nebenszenen dazu, 

die in der „Hobbit"-Vorlage nur angedeutet sind, wie zum Beispiel die 

Rückkehr des dunklen Herrschers Sauron oder das Treffen der Weisen 

von Mittelerde. All diese Erweiterungen schneiden die Handlung nicht 

nur auf Erwachsene zurecht, sie schaffen auch eine Verbindung zu den 

„Ringe"-Filmen. Dazu kam, dass Jackson einige Kritiker der „Ringe"- 

Filme ernstnahm und nun im „Hobbit" die Figuren humorvoller und 

noch sympathischer daherkommen. 

Trotz der nicht mal 400 Seiten des 

Buches und trotz dessen viel weniger 

komplexen Handlung als beim 

„Herrn der Ringe" brauchte Jackson 

für den „Hobbit" zwei Filme. Teil 

eins, „Der Hobbit: Eine unerwartete 

Reise", 

wird am 13. 

Dezember 

2012 in die 

deutschen 

Kinos kommen. 

Teil 

Hobbit Bilbo Beutlin macht sich mit Zwergen- zwei „Der 

Begleitung auf die Reise ins Unbekannte Hobbit: Hin 

und zurück" 

wird am 12. Dezember 

2013 folgen. Wie der „Herr der Ringe” ist wie- 


© „Der Hobbit: Eine unerwartete Reise" 

der eine waschechte 

High-Fantasy- 

Filmadaption erster 

Klasse zu erwarten. 

Die „Hobbit"- 

Kinoversion könnte 

ein Prequel werden, 

das, so hoffen die 

Fans und Kritiker, 

neben der hochklassigen 

Verfilmung 

der „Ringe"-Trilogie 

bestehen kann. Und das Publikum weltweit wieder 

hineinzieht in die Tolkien-Welt und erneut das 

magische Feuer entfacht, das erst die Bücher und 

dann die Jackson-Filme in die Herzen der Fans 

trugen. Aktuelle Literatur zum Filmstart von „Der 

Hobbit”, allesamt im Oktober erschienen: Michael 

Fuchs-Gamböck & Thorsten Schatz: „Der Herr 

der Ringe in 60 Minuten” (Thiele-Verlag); Stefan 

Servos: „Bilbos Reise zum Erebor” (Heel-Verlag); 

Michael Coren: „J.R.R. Tolkien – Der Mann, 

der ,Herr der Ringe' und den ,Hobbit' erschuf” 

(Heel-Verlag). 

Michael Fuchs-Gamböck & Thorsten Schatz

Michel 

Vaillant: 

Abb.: © Graton Éditeur / " 

Zack" Edition 

Mehr als " 

" und " 

" 

Im französischen Sprachraum gehören die Abenteuer von Michel Vaillant zu den Klassikern der Comicliteratur. 

it 

Doch auch hiesigen Lesern ist der Rennfahrer, der auf allen Pisten dieser Welt zu Hause ist, seit Jahrzehnten hnte 

n eine 

vertraute Figur. Ein neues Team von Textern und Zeichnern verhilft der Erfolgsfi gur nun, knapp sechs Jahre nach 

dem letzten Album, zum großen Comeback. Horst Berner, Übersetzer der deutschen Ausgabe von „Michel Vaillant" 

an 

in der „Zack" Edition, berichtet über das neue Album und gibt Einblicke in die schillernde Editionsgeschichte der im 

Jahr 1957 von Jean Graton geschaffenen Serie. 

Er ist fünffacher Weltmeister, gewann 

fünfmal bei den 24 Stunden von Le 

Mans, zweimal bei den 500 Meilen 

von Indianapolis, zweimal bei den 500 

Meilen von Daytona und errang daneben 

noch viele weitere Siege in unzähligen 

Wettkämpfen im Rennsport. Michel 

Vaillant ist fraglos der erfolgreichste 

Rennfahrer aller Zeiten, was unter anderem 

damit zu tun hat, dass er in allen Disziplinen ein Ass ist: ob in der 

Formel 1, der Formel 2, bei den Prototypen, in der GT Championship 

oder bei Rallyes. Dazu kommt, 

dass seine Karriere bereits gegen 

Ende der 50er Jahre begonnen 

hat, ein Ende aber noch längst 

nicht in Sicht ist. Denn, und das 

ist der entscheidende Punkt, der 

Mann ist praktisch unsterblich, 

er altert kaum und präsentiertrt 

sich stets in Bestform – kein 

Wunder bei einer Comicfigur. 

Geistiger Vater des glorreichen Helden im Rennzirkus ist Jean Graton, 

der am 10. August 1923 in Nantes geboren wurde. Sein Enthusiasmus 

fürs Zeichnen führte ihn 1947 aus der Heimatstadt an der Loire nach 

Brüssel, ins damalige Zentrum des Comic-Schaffens. Nach ersten 

Versuchen für die Zeitschrift „Les Sports" und etlichen vierseitigen 

Kurzgeschichten in der Serie „Histoires de l’Oncle Paul" für „Spirou" 

startete er im Juni 1953 die erfolgreiche Zusammenarbeit mit dem 

zweiten großen belgischen Comic- 

Magazin, „Tintin". Das von Hergé 

und seiner Erfolgsreihe „Tintin et 

Milou" („Tim und Struppi") geprägte 

Heft bot die ideale Bühne für eine 

realistisch gezeichnete Abenteuerserie 

(siehe auch kult! Nr. 6). Bereits der 

erste Beitrag „La première ronde", 

der beim Grand Prix von Belgien in 

Francorchamps spielt, ließ in Text 

und Bild die große Begeisterung von 

Graton für den Motorsport erahnen. 

Auslöser dafür war, laut eigener 

Aussage, ein Besuch der 24 Stunden 

von Le Mans mit dem Vater, als er 

gerade mal 14 Jahre zählte. Die Idee 

zur Gestaltung eines Renn 

I 

E 

g 

t 

V 

„ 

S 

D 

g 

– 

H 

e 

Von Horst Berner 

Jean Graton mit seinem Sohn 

Philippe, der heute die Geschicke 

von " 

Michel Vaillant" lenkt. 

zur Gestaltung eines Rennfahrers als Serienheld nahm 1957 Gestalt an. 

In fünf kurzen Comics lieferte Graton grobe 

Einblicke in das von der Familie Vaillant 

geführte Unternehmen, in dem die geschätzten 

Autos der fiktiven französischen Marke 

Vaillante gebaut werden. Dass „vaillante" für 

„beherzt" oder „tapfer" steht, sei an dieser 

Stelle vermerkt. 

Die packende 63-Seiten-Erzählung „Le 

grand Défi" („Die große Herausforderung") 

– abgedruckt in den belgischen „Tintin"- 

Heften 1 bis 43 von 1958 (parallel dazu 

erschien eine Ausgabe für Frankreich mit 


anderer Nummerierung und teilweise anderen 

Inhalten) n) – markierte dann eine Art 

Grundstein 

n 

für die Saga 

„Michel 

Vaillant". 

Hier wurden 

nicht 

nur 

wichtige 

Figuren der 

Serie eingeführt, 

das Geschehen h bot auch unzählige 

Informationen zu und genaueste 

Darstellungen von technischen 

Details, wie es das zuvor in Comic- 

Form nicht gegeben gg hatte. Graton 

fand damit zu seiner 

Erfolgsformel, 

die 

jugendlichen 

Leser 

entdeckten 

einen neuen 

Helden auf dem 

Papier, dessen tollkühnen 

Eskapaden 

sie gespannt entgegenfieberten. 

Jean Graton mit dem Rennfahrer Alain Prost. 

Dazu zählten unter 

anderem so namhafte Männer wie der französische Rennfahrer Alain 

Prost (*1955) oder der belgische Automobildesigner Luc Donckerwolke 

(*1965), die nicht zuletzt durch ihre Begeisterung für „Michel Vaillant" 

zu ihrer Bestimmung gefunden haben. 

B 

is Ende des Jahres 1975 entwickelte Jean 

Graton für „Tintin" unzählige Geschichten, die 

bei Lombard im Rahmen der populären Albumreihe 

„Michel Vaillant" ihren Nachdruck fanden. Nach 

Verlagswechseln zu Dargaud, Fleurus und 

Novedi publizierte Graton ab 1982 seine 

Comics im eigenen Verlag, wo Anfang des 

Jahres 2007 der bislang letzte, 70. Titel „24 

heures sous influence" erschienen ist. In deutscher 

Fassung kam diese 

Episode im gleichen Jahr 

als „24 Stunden unter 

Druck" in der „Zack" 

Edition heraus. 

Zu diesem Zeitpunkt hatte Jean Graton aus 

Altersgründen bereits den Zeichenstift an die 

jüngeren Mitarbeiter im Studio Graton weitergereicht, 

während die Drehbücher zu den Stories 

seit 1994 und „La piste de Jade" („Eine Spur von 

Jade") von seinem Sohn Philippe Graton (*1961) verfasst wurden. Als 

engagierter Journalist und angesehener Fotograf frischte er die Serie 

mit zeitgemäßen Themen auf. So kamen in Band 68: „China Moon" 

die Technologie des Wasserstoffantriebs in einem Vaillante zur Sprache 

oder in Band 70 der Leistungsdruck und damit verbunden das Problem 

des Dopings im Rennsport. 

D 

ass „Michel Vaillant" heute wieder in aller Munde ist, hat mit dem 

regen Treiben von Philippe Graton zu tun. Neben seinem Wirken als 

Szenarist für die Comics betätigte er sich auch als Drehbuchschreiber 

für den Film „Chaque victoire à un prix" („Jeder Sieg hat seinen Preis"), 

den Luc Besson 2003 mit Sagamore Stévenin (*1974) in der Hauptrolle 

als actionreiches Bleifußspektakel für die große Kinoleinwand produzierte. 

Zum 50-jäh-rigen 

Jubiläum des 

Rennfahrers startete der 

Verlag Lombard 2008 

eine 

eindrucksvolle, 

20 Bände umfassende 

Gesamtausgabe mit allen 

„Michel 

Vaillant"-Geschich 

ten. Ergänzende redaktionelle 

Beiträge schaffen Einblicke in 

die Kreation der Comics und stellen 

diese in den Kontext zum wahren 

Rennsportgeschehen im jeweiligen 

Zeitraum. Bedauerlicherweise für 

hiesige Leser gibt es die gegenwärtig 

17 Titel umfassende Buchreihe 

bis jetzt nur im französischen 

Original. Auch die Publikation der 

klassischen Albumreihe hat Philippe Graton in neue Hände gelegt. Ab 

2010 publizierte Dupuis die besagten 70 Titel in feinen Hardcover- 

Ausgaben, womit die Serie in Belgien und Frankreich nun erstmals in 

einer einheitlichen Form bei einem Verlag vorliegt. 

Der jüngste Streich von Philippe Graton 

ist freilich die Ankündigung einer neuen 

Staffel von „Michel Vaillant"-Comics bei 

Dupuis, die von ihm selbst und Denis Lapière 

getextet und von Marc Bourgne und Benjaminn 

Benéteau gezeichnet werden. „Au nom du 

fils" erscheint im November 2012, die deutsche 

Ausgabe „Im Namen des Sohnes" ist für 

2013 in der „Zack" Edition in Planung. Bereits 

der Titel lässt erahnen, dass nun auch die 

junge Generation im Vaillant-Clan, Jean-Pierres 

Sohn Jean-Michel und Michels Sohn Patrick, 

aktiv ins 

Firmengeschehen 

eingreifen. 

Wer 

sich vorab 

Vier zentrale Figuren in der Welt von " 

Michel Vaillant": Bruder Jean-Pierre Vaillant, Technikgenie und Rennleiter des Teams; 

Steve Warson, US-amerikanischer Rennfahrer, der mit Unterbrechungen zum Vaillante-Rennstall gehört; der Leader und 

seine Tochter Ruth, ewige Widersacherin in vielen Rennen. 

einen Eindruck vom neuen 

Erscheinungsbild der Serie machen 

will, dem eröffnet der sogenannte 

Work-in-progress-Band, den 

der Mosaik Verlag zur diesjährigen 


Frankfurter Buchmesse in limitierter 

Auflage produziert hat, interessante 

Einblicke. Darin ngezeigt sind 

erste übersetzte 

Seiten, 

französische 

Original seiten, 

getuschte 

und skizzierte 

Seiten 

sowie andere 

Michel Vaillant aus der 

Fragmente 

aus Feder von Marc Bourgne 

der Entstehungs-ngsgeschichtdes 

und Benjamin Benéteau. 

Comics. 

So 

viel sei verraten: 

Michel 

Vaillant gibt 

darin ein großes 

Comeback 

bei der World 

Touring Car 

Championship. 

Ganz so überraschend 

Rennfahrer Alain Menu 

verwandelt sich in Michel 

Vaillant, sein Chevrolet 

in einen Tourenwagen 

der 

Marke 

Vaillante. 

kommt das nicht, denn beim WTCC-Rennen an 

der portugiesischen Atlantikküste in Portimao 

am 3. Juni 2012 machten die neuen Autoren 

mit einer ausgefallenen PR-Aktion auf sich 

aufmerksam. Da nahm doch tatsächlich der 

Schweizer Profifahrer Alain Menu (*1963) auf 

Chevrolet, der in einen Vaillante umgewandelt 

wurde, in Gestalt von Michel Vaillant am 

Rennen teil und gewann den zweiten Lauf. 

Fiktion und Realität gehörten zwar schon 

immer zur Serie, da sich Michel Vaillant stets 

mit echten Rennfahrern zu messen hatte, 

Philippe Graton überreicht dem Pilot seinen Helm. 

dieser Auftritt war dennoch 

mehr als spektakulär. 

In Deutschland erreichte 

„Michel Vaillant" den 

größten Bekanntheitsgrad 

zweifellos in den 

1970er Jahren, als die 

Comiczeitschrift „Zack" und 

die Taschenbuchreihe 

e 

„Zack Parade" aus 

dem 

Koralle 

Verlag 

regelmäßig 

seine 

Abenteuer druckten. 

Erstmals zu 

sehen war der 

Rennfahrer jedoch ab 1965 

in der vom Ehapa Verlag 

herausgegebenen Heftreihe 

„Mickyvision", wobei er 

da eigenartigerweise in 

den deutschstämmigen 

„Michael Voss" umbenannt 

wurde. Alben von 

„Michel Vaillant" erschienen 

zwischen 1966 und 2004 

in 

den 

Verlagen Ehapa, 

Koralle, Carlsen und 

Seven Island, die 

inzwischen zum 

Teil als gesuch te 

Raritäten gelten. 

Im Juni des Jahres 

2006 begann dann 

der Berliner Mosaik 

Verlag, in dem 

seit 1999 auch 

monatlich die 

wiederbelebte Fassung von 

„Zack" als „das 

Magazin 

für europäische 

Comic- 

Kultur" 

er scheint, den 

Nachdruck 

der Serie 

„Michel 

Vaillant" 

in einer 

anspruchsvollen 

Bearbeitung. 

Neu 

übersetzt, 

lesefreundlich 

gelettert 

und 

in bester Druck qualitätt 

hat es diese Ausgabe 

mittlerweile auf weit 

über 30 Titel gebracht. In 

naher Zukunft, so darf 

der Liebhaber dieses 

Klassikers hoffen, liegt 

die bedeutendste Comic- 

Serie aus der Welt des 

Motorsports dann auch 

endlich in deutscher 

Sprache komplett und 

in der chronologisch 

richtigen Reihenfolge 

vor. 

Michel Vaillant 

Die 70 Alben 

der Staffel 1: 

1. Le grand defi (1959) 

Die große Herausforderung (Mosaik, 2012) 

2. Le Pilot sans Visage (1960) 

Wettrennen mit einem Phantom * (Carlsen, 1989) 

3. Le Circuit de la Peur (1961) 

Den Tod vor Augen * (Carlsen, 1989) 

4. Route de Nuit (1962) 

Finale um Mitternacht * (Carlsen, 1989) 

5. La 13 est au depart (1962) 

Die mysteriöse 13 * (Carlsen, 1990) 

6. La Trahison de Steve Warson (1964) 

Steve Warsons Geheimnis * (Carlsen, 1990) 

7. Les Casse-Cou (1964) 

Teufelskerle * (Carlsen, 1991) 

8. Le 8eME Pilote (1965) 

Der Russe * (Carlsen, 1991) 

9. Le Retour de Steve Warson (1965) 

Verfolgungsjagd in Amsterdam * (Carlsen, 1991) 

10. L’Honneur de SamuraÏ (1966) 

Die Ehre des Samurai * (Carlsen, 1991) 

11. Suspense A Indianapolis (1966) 

Entscheidung in Indianapolis * (Carlsen, 1991) 

12. Les Chevaliers de Königsfeld (1967) 

Die Ritter von Königsfeld * (Carlsen, 1992) 

13. Concerto pour Pilotes (1966) 

Zwischen Himmel und Erde * (Carlsen, 1992) 

14. Mach 1 pour Steve Warson (1968) 

Mach 1 für Steve Warson * (Seven Island,1999) 

15. Le Cirque Infernal (1969) 

Der Teufelskreis * (Seven Island, 2000) 

16. Km 357 (1969) 

Das Geheimnis von Kilometerstein 357 * 

(Seven Island, 2002) 

17. Le Fantôme des 24 heures (1970) 

Das Phantom der 24 Stunden von Le Mans 

(Mosaik 2010) 

18. De l’huile sur la Piste (1970) 

Öl auf der Piste (Mosaik, 2010) 

19. 5 Filles dans la Course (1971) 

Fünf Mädchen im Rennen * (Seven Island, 1998) 

20. Rodeo sur 2 Roues (1971) 

Rodeo auf zwei Rädern * (Seven Island, 1996) 

21. Massacre pour un Moteur (1972) 

Schlacht um einen Motor (Mosaik 2010) 

22. Rush (1972) 

Rush (Mosaik, 2011) 

23. Serie Noire (1973) 

Schwarze Serie (Mosaik 2011) 

24. Cauchemar (1973) 

Alptraum ohne Ende * (Seven Island, 1995) 

25. Des Filles et des Moteurs (1974) 

Mädchen und Motoren * (Seven Island, 1998) 

26. Champion du Monde (1974) 

Der Weltmeister (Mosaik, 2011) 

27. Dans l’Enfer du Safari (1975) 

Safari durch die Hölle (Mosaik, 2011) 

28. Le Secret de Steve Warson (1975) 

Rätsel um Steve Warson (Mosaik, 2009) 

29. San Francisco Circus (1975) 

Brennpunkt San Francisco (Mosaik, 2009) 

30. Le Prince Blanc (1977) 

Der weiße Prinz (Mosaik, 2009) 


31. Les jeunes Loups (1978) 

Die jungen Wölfe (Mosaik, 2009) 

32. La Revolte des Rois (1979) 

Aufstand der Champions (Mosaik, 2010) 

33. La Silhouette en Colere (1979) 

Der Hitzkopf (Mosaik, 2010) 

34. K.o. pour Steve Warson 

(1979) 

K.o. für Steve Warson 

(Mosaik, 2011) 

35. Le Galerian (1979) 

Der Galeerensklave 


36. Un pilote a disparu (1980) 

Ein Fahrer ist verschwunden 


37. L’inconnu des 1000 pistes 

(1980) 

Der Unbekannte der 1000 

Pisten (Mosaik, 2012) 

38. Steve Warson contre 

Michel Vaillant (1981) 

Steve Warson gegen Michel 

Vaillant (Mosaik, 2012) 

39. Rallye sur un Volcan (1981) 

Rallye auf dem Vulkan * (Ehapa, 1981) 

40. Rififi en F1 (1982) 

Chaos in der Formel 1 * (Ehapa, 1982) 

41. Paris-Dakar (1982) 

Rallye der tausend Tränen: 

Paris-Dakar! * (Ehapa, 1983) 

42. 300 a l’heure dans Paris (1983) 

Superrennen: mit 300 Sachen durch 

Paris * (Ehapa, 1983) 

43. Rendez-vous a Macao (1983) 

Rennen um Milliarden * 

(Ehapa, 1984) 

44. Steve & Julie (1984) 

Schock für Steve – der 

schwere Unfall von 

Julie Wood * (Ehapa, 1985) 

45. L’homme de 

Lisbonne (1984) 

Spionage – der 

Mann von Lissabon * 

(Ehapa, 1985) 

46. Racing-Show (1985) 

Racing-Show (Mosaik, 2007) 

47. Panique a Monaco (1986) 

Panik in Monaco (Mosaik, 2007) 

48. Irish Coffee (1986) 

Irish Coffee (Mosaik, 2007) 

49. Categorie poids Lourds (1987) 

Schwere Kaliber (Mosaik, 2007) 

50. Le Defi des Remparts (1988) 

Die Herausforderung der 

4 Asse (Mosaik, 2008) 

51. Le Caid de 

Francorchamps (1989) 

Spa-Francorchamps * 


52. F 3000 (1989) 

F 3000 (Mosaik, 2006) 

53. La Nuit de Carnac (1990) 

Die Nacht von Carnac 


54. L’Affaire Bugatti (1991) 

Die Affäre Bugatti * 


55. Une histoire de Fous 

(1992) 

Einfach verrückt * (Seven Island, 1999) 

56. Le Maitre du Monde (1993) 

Der Herr der Leader * (Seven Island, 2000) 

57. La Piste de Jade (1994) 

Eine Spur von Jade * 


58. Paddock (1995) 

Paddock * (Seven Island, 1997) 

59. La Prisonnière (1996) 

Die Gefangene 


60. Victoires oubliees (1997) 

Vergessene Siege * 


61. La Fievre de Bercy (1998) 

Das Fieber von Bercy * 


62. Le sponsor (1999) 

Der Sponsor * 


63. Cairo! (2000) 

Cairo! * (Seven Island, 2002) 

64. Operation Mirage (2001) 

Operation Mirage * (Seven Island, 2002) 

65. L’Epreuve (2003) 

Der Wettbewerb (Mosaik, 2006) 

66. 100.000.000 $ pour Steve Warson (2004) 

100.000.000 Dollar für Steve Warson 


67. Pour David (2004) 

Für David (Mosaik, 2008) 

68. China Moon (2005) 

China Moon (Mosaik, 2008) 

69. Hors-piste en Enfer (2006) 

Geradewegs in die Hölle 


70. 24 Heures sous Influence 

(2007) 

24 Stunden unter Druck 


* diese deutschsprachigen Titel sind 

zurzeit nur auf dem Sammlermarkt 

erhältlich, sollen aber nach und nach in 

der Zack" Edition aus dem Mosaik Verlag 

neu aufgelegt " 

werden. 


Neuer Titel aus der 

legendären Classic Albums 

Serie, der die Entstehung 

des Hitalbums „So“ von 

Peter Gabriel eindrucksvoll 

dokumentiert. 

Mit Interviews und Beiträgen 

von Peter Gabriel, Co-Produzent 

Daniel Lanois, Tontechniker 

Kevin Killen und den Musikern 

Jerry Marotta, Laurie Anderson, 

Tony Levin, Manu Katché und 

vielen anderen. 

DVD: 1099314E11 . BLU-RAY: 1051514E14 

Ab 19.10.2012 auf DVD 

und Blu-ray erhältich! 

 

Ab 19.10.2012 überall im Handel erhältlich 

oder bei www.amazon.de/rockschuppen

& 

präsentieren: 

Das sind die 60 kult!-Hits 

© Sony Music Catalog&Concept 

CD 1 

1. Lynyrd Skynyrd – Sweet Home Alabama 

2. Toto – Hold The Line 

3. Fleetwood Mac – Don’t Stop 

4. Terry Jacks – Seasons In The Sun 

5. Ram Jam – Black Betty 

6. The Sweet – Blockbuster 

7. Chris Norman & Suzi Quatro – 

Stumblin’ In 

8. Don McLean – American Pie (Part 1) 

9. Mother’s Finest – Baby Love 

10. Lou Reed – Walk On The Wild Side 

11. Status Quo – Rockin’ All Over The World 

12. Elvis Presley – Way Down 

13. Scott McKenzie – San Francisco 

14. Harpo – Moviestar 

15. Kenny Loggins – Footloose 

16. Roy Orbison – Oh Pretty Woman 

17. Sailor – Girls, Girls, Girls 

18. Deep Purple – Smoke On The Water 

19. City – Am Fenster 

20. Spliff – Carbonara 

CD 2 

1. After The Fire – 1980-F 

2. Bill Medley & Jennifer Warnes – 

(I've Had) The Time Of My Life 

3. A-Ha! – Take On Me 

4. Madness – Our House 

5. New Order – Blue Monday 88 

6. Simple Minds – 

Don’t You (Forget About Me) 

7. Survivor – Eye Of The Tiger 

8. Visage – Fade To Grey 

9. Frankie Goes To Hollywood – Relax 

10. Cyndi Lauper – Girls Just Want To Have Fun 

11. Alphaville – Big In Japan 

12. The Bangles – Walk Like An Egyptian 

13. Bonnie Tyler – Holding Out For A Hero 

14. Daryl Hall & John Oates – Maneater 

15. Talk Talk – Such A Shame 

16. Wham! – Wake Me Up Before You Go Go 

17. The Weather Girls – It’s Raining Men 

18. Earth, Wind & Fire – September 

19. Baccara – Yes Sir, I Can Boogie 

20. Boney M. – Daddy Cool 

3 CD-Box 

im wertigen Digipack 

ab sofort im Handel 

erhältlich! 

UVP: 14,99 € 

CD 3 

1. Marius Müller-Westernhagen – Mit 18 

2. Nena – Irgendwie, irgendwo, irgendwann 

3. Heinz Rudolf Kunze – Dein ist mein ganzes Herz 

4. Joachim Witt – Goldener Reiter 

5. Klaus Lage Band – Faust auf Faust 

6. Falco – Der Kommissar 

7. Trio – Da Da Da 

8. Ideal – Blaue Augen 

9. DÖF – Codo 

10. Clowns & Helden – Ich liebe dich 

11. Hubert Kah – 

Wenn der Mond die Sonne berührt 

12. Marianne Rosenberg – Mr. Paul McCartney 

13. Karel Gott – Die Biene Maja 

14. Juliane Werding – 

Am Tag, als Conny Kramer starb 

15. Frank Farian – Rocky 

16. Udo Jürgens – Siebzehn Jahr, blondes Haar 

17. Ricky Shayne – 

Mamy Blue (Deutsche Version) 

18. Orchester Martin Böttcher – Winnetou 

19. Bernd Clüver – 

Der Junge mit der Mundharmonika 

20. Karat – Über sieben Brücken musst du geh’n 


Es ist immer wieder schön, zu verfolgen welche Bedeutung die 60er, 70er 

und 80er Jahre für viele Menschen darstellen. kult! zeigt auf eine außergewöhnliche 

Weise, wie 

ein Heft gemacht werden 

soll. Dazu meine 

große Anerkennung an 

die Macher! Natürlich 

verbinden wir alle die 

Musik aus dieser Zeit 

auch mit ganz persönlichen 

Erinnerungen. 

© Sony Music Catalog & Concept (disco Tour 2011) 

Christian Stronczek hier mit Moviestar 

Harpo – auch auf dieser kult!-Box 

Genau dieses Erlebnis 

werden Sie auf dieser 

CD kult!-Box erfahren! 

Eine musikalische 

Zeitreise " 

Zurück in die 60er, 70er und 80er Jahre"! Vielen Dank für die 

rege Teilnahme und das damit verbundene Interesse! Ich wünsche Ihnen 

viel Spaß mit diesen 60 kult!-Hits und wunderschöne Déjà-Vu-Erlebnisse! 

Christian Stronczek (Sony Music) 

Wir hatten in der letzten Ausgabe gefragt: Welcher Song ist Ihr kult!-Hit"? 

" 

Die Resonanz hat unsere Erwartungen total übertroffen. Vielen Dank an alle 

Teilnehmer. Einige davon 

sind zusätzlich unserem 

Aufruf gefolgt und haben 

ein persönliches Foto 

aus der kultigen Zeit beigelegt. 

Fünf dieser tollen 

Zeitzeugnisse haben wir 

stellvertretend rechts 

abgebildet. 

Da leider nicht alle der 

teilweise auch vielfach 

gewünschten Lieder Andy Scott (The Sweet) und Fabian Leibfried 

berücksichtigt werden 

freuen sich auch schon auf die kult!-Box. 

konnten, ist eine Folge 2 geplant. Hierbei sollen dann vor allem die 60er 

Jahre berücksichtigt werden. Ich wünsche Ihnen viel Spaß mit der CD-Box. 

Jede Party wird damit bestimmt zum Kracher. 

Fabian Leibfried (Herausgeber kult!) 

VERLOSUNG 

GoodTimes kult! verlost unter allen Teilnehmern 

10x CD-Box 

Beantworten Sie bitte folgende Frage: 

Mit wieviel Jahren rannte Marius Müller-Westernhagen in Düsseldorf rum? 

Stichwort: kult!-Box 

Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. 

Einsendeschluss ist der 31. Januar 2013 


Fax: 0 70 42/37660-188 · email: goodtimes@nikma.de 

Foto: © NikMa Verlag 


Eine kleine Auswahl unserer Teilnehmer: 

Meine kult! Top 3 

Rüdiger Schirrmacher, Essen 

Titel 

Interpret 

1. Wig-Wam Bam Sweet 

2. Daytona Demon Suzi Quatro 

3. My Oh My Slade 


Paul Stockhammer, Freilassing 

Titel 

Interpret 

1. Rock 'n' Roll Music Beatles 

2. Love Hurts Nazareth 

3. Satisfaction Rolling Stones 


Wolfgang Welke, Walsrode 

Titel 

Interpret 

1. Hippy Hippy Shake Swinging Blue Jeans 

2. Angel Of The Morning P.P. Arnold 

3. Out Of Time Rolling Stones 


Maxim Weling, Berlin 

Titel 

Interpret 

1. Hell Raiser Sweet 

2. Crazy Horses Osmonds 

3. His Latest Flame Elvis Presley 


Manfred Birkenbeul, Solingen 

Titel 

Interpret 

1. Imagine John Lennon 

2. Tin Soldier Small Faces 

3. Waterloo Sunset Kinks 

3 CD-Box 

14,99 € 

Bestellen Sie noch heute! 

In unserem kult!-Shop auf Seite 31 in diesem Heft. 

Oder unter www.goodtimes-magazin.de

Marty 

Feldman 

Der " 

merkwürdige 

kleine Mann", 

der Frankensteins 

Diener war 

Wenn man heute den Namen im Bekanntenkreis 

erwähnt, schlagen sich neun von zehn Leuten auf 

das Stichwort Marty Feldman immer wieder die 

flache Hand vor die Stirn: „Ach ja …, der!" Seit 30 Jahren 

nicht mehr unter uns und schon nicht mehr präsent? Die 

Erinnerungen an einen ganz großen manisch-depressiven 

Komiker mit ebenso großen Augen sind immer noch wach. 

Unvergessen sind die Auftritte von Marty Feldman in den 

Mel-Brooks-Streifen „Frankenstein Junior" (als „Eigor von 

der Nordwand", der seinen Buckel mal links, mal rechts trägt) 

sowie „Silent Movie", dem Stummfilm mit den großartigen 

Selbstparodien von Burt Reynolds, Paul Newman, Liza Minelli 

und Co., in dem von allen Mitwirkenden ausgerechnet der 

große Pantomime Marcel Marceau das einzige Wort sagen 

durfte: „Non!" 

Marty Feldman überzeugte insbesondere hier als legitime Reinkarnation 

seines großen Idols, Buster Keaton, mit dem kleinen aber feinen 

Unterschied, dass ihm vor der Kamera niemals Traurigkeit im Gesicht 

stand. Dennoch ist die Aussage seines Regisseurs Mel Brooks verbürgt, 

dass es sich bei Marty Feldman um „das komplizierteste menschliche 

Wesen handelt, das ich jemals getroffen habe". 

Grund zur Traurigkeit hat er gehabt. 1961, gerade einmal 27-jährig, 

wurde bei ihm eine krankhafte Überfunktion der Schilddrüse diagnostiziert 

(die so genannte Hyperthyreose), die unter anderem an einem 

auffälligen Hervortreten der Augäpfel aus den Höhlen zu erkennen ist – 

etwas, das sein Erscheinungsbild auf Lebenszeit veränderte, von ihm in 

Interviews aber meist als das Geheimnis seines Erfolges verkauft wurde. 


Originalzitat: „Ich bin der einzige Schauspieler, der jemals ohne Make- 

Up in einem Horrorfilm mitmachen durfte." Soviel zu „Frankenstein 

Junior". 

Oder: „Wenn Orson Welles Krebs hätte und sich eine schreckliche 

Perücke aufsetzen würde – er sähe in etwa so aus wie ich." Totales 

Understatement. Zum Zeitpunkt dieser öffentlichen Äußerungen war 

Feldman ziemlich weit oben angelangt. 

Die beiden Mel-Brooks-Filme (1974 bzw. 1976) waren eher die späten 

Früchte seiner Arbeit. Viel weniger Menschen erinnern sich an 

seine bahnbrechenden Arbeiten für die englische BBC in den 60er 

Jahren, haben vielleicht noch die legendäre „Marty Feldman’s Comedy 

Machine" im Gedächtnis (für die er 1972 die Goldene Rose von 

Montreux erhielt). Aber selbst das war nicht der Anfang. 

Eigor von der Nordwand" 

" 

in Frankenstein Junior 

Also von vorn: Martin Alan Feldman wurde 1934 

als Sohn eines jüdischen Schneiders in London 

geboren. Als 15-Jähriger verließ er die Schule, um 

Jazztrompeter zu werden, was heutzutage auch 

nicht jeder Halbwüchsige machen würde. Benzedrin 

und Heroin gehören in diesem Alter auch nicht 

zwingend zur Entwicklung dazu, aber Feldman 

trennte sich gedanklich schnell vom Establishment 

in England: „Hier werden viele Massenmörder hervorgebracht: 

Bankangestellte, der Doktor in der 

Nachbarschaft und so weiter." 

Nach eigenen Angaben entschied er sich früh, die 

Rolle des Sonderlings auszufüllen. Ebenso früh 

eiferte er mit seinen Freunden Morris und Mitch den 

Marx Brothers nach und traf im Alter von 20 Lenzen 

in Barry Took auf einen Bruder im Geiste. 

In der Folgezeit ersannen die beiden Texte für 

Radioprogramme wie „Educating Archie" (unter 

anderem mit Benny Hill und Julie Andrews), „We're 

In Business" und „The Army Game" (unbedingt 


empfehlenswerte Ansammlung skurriler Sketche), die die Leute von den 

Sitzen rissen. Dann kam die TV-Produktion „Bootsie & Snudge" mit 

Feldman als Hauptautor, und sein Durchbruch als Comedy-Schreiber 

war endgültig geschafft. Es war die meistgesehene Sendung im britischen 

Fernsehen zu jener Zeit. 

Und dann trat der „merkwürdige kleine Mann" (O-Ton Feldman) auch 

vor die Kamera, für die „At Last The 1948 Show", in der angehende 

Comedy-Stars wie John Cleese, Graham Chapman und Eric Idle ihre 

ersten Auftritte hatten. Michael Palin und Terry Jones waren bereits in 

der Fernsehserie „The Frost Report" aufgetreten – und schon hat man 

alle fünf britische Monty-Python-Mitglieder zusammen (Terry Gilliam 

folgte später aus den USA). Marty Feldman hat auch hier Geschichte 

mitgeschrieben. 

Eine der schönsten Stories ist der „Annoying Train-Passenger", also der 

nervige Zuggast: nach diversen Umsetz-Versuchen im leeren Sechser- 

Abteil („Entschuldigen Sie, dürfte ich vielleicht da sitzen, wo Sie sitzen?" 

„Entschuldigen Sie, jetzt, wo ich da sitze, wo Sie saßen, merke 

ich, dass ich lieber dort sitzen würde, wo Sie 

bietet Feuer an, aber der nervige Zuggast hat die Zigarette eingesteckt) 

„Wollten Sie nicht rauchen?" 

„Oh nein, wenn ich die Zigarette jetzt rauche, habe ich keine für 

danach." 

Und so weiter und so fort. 

Loriot muss das begeistert haben, und auch Dieter Hallervorden hat 

nicht unter Feldman gelitten. Er war seine deutsche Synchronstimme 

und hat typische Verhaltensmerkmale des englischen Vorbildes übernommen 

– vor allem die Penetranz in aller Unbeirrbarkeit. Schön auch 

der Undertaker Sketch – wiederum aus der „At Last The 1948 Show" – 

mit zwei an einer Kreuzung konkurrierenden Bestattungsunternehmern 

– neben Marty Feldman tritt hier der geniale Spike Milligan an. 

Marty Feldman bekam durch den Erfolg oben genannter Kinofilme 

Lust und Mut, sich an eigene Kino-Projekte zu wagen. „Drei 

Fremdenlegionäre" (1977) mit Michael 

Fotos: © Davids/Bildarchiv Hallhuber 

mit Ann-Margret und Michael York in " 

Drei Fremdenlegionäre" 

jetzt gerade sitzen." usw.). Allein der 

folgende (hier kurz gefasste) Dialog 

ist der Hammer: 

„Entschuldigen Sie, stört es Sie, 

wenn ich rauche?" 

„Nein, überhaupt nicht." 

(Pause) 

„Ich wünschte, ich hätte eine Zigarette, 

die ich jetzt rauchen könnte …" 

„Darf ich Ihnen eine Zigarette anbieten?" 

(schon schwer genervt) 

„Oh, nein, danke, danke." 

„Bitte, nehmen Sie sie." 

„Nein, danke, wirklich nicht." 

(Pause) 

„Ich wünschte, ich hätte die 

Zigarette nicht abgelehnt. Oh, wie 

sehr wünschte ich mir, ich hätte sie 

nicht abgelehnt." 

(John Cleese holt noch genervter 

die Schachtel aus der Jackentasche, 


York, Ann-Margret und Sir Peter 

Ustinov war eine Abenteuergroteske, die nicht recht 

in Erinnerung bleiben wollte, und auch „Dreist und 

gottesfürchtig" (1980) zeigte ihn als großen Komiker 

und gleichzeitig überforderten Regisseur. Ohnehin 

war er nie glücklich in Beverly Hills. Er spielte 

lieber mit befreundeten italienischen Kellnern 

Fußball, statt sich mit den Reichen und den 

Schönen abzugeben. Die Folge: zurück zur 

reinen Schauspielerei. 

Während der Dreharbeiten zum Piratenfilm 

„Dotterbart" (Original: „Yellowbeard" 

mit Monty Python Graham Chapman) verstarb 

Marty Feldman 48-jährig überraschend an 

Herzversagen in Mexiko-City – angeblich ausgelöst 

durch eine Lebensmittelvergiftung, aber 

auch akut angestiegener Drogenkonsum dürfte ein 

Grund gewesen sein. Sein Leichnam wurde zur Musik 

von "I Can’t Give Anything But Love" in Los Angeles in 

der Nähe seines Idols Buster Keaton begraben. Der Song 

wurde ausgesucht von seiner Witwe Lauretta, mit der er 

23 Jahre verheiratet war und die er mindestens ebenso oft 

betrogen hatte. Einer seiner Kommentare dazu: „Der Erfolg 

ist mir auf die Eier gegangen." 

Oliver Schuh 


Die Männer der Karin Dor: 

Foto: © DAVI 

DS/Bild 

ildarchi 

v Hallhu 

llhuber 

Von Christian Simon 

Sie ist unbestritten eine deutsche Kinolegende. Als 

erstes und einziges deutsches Bond-Girl agierte sie 

1966 in Man lebt nur zweimal " an der Seite Sean 

" Connerys. Bereits 1962 stand Karin Dor neben Pierre 

Brice für den ersten Winnetou-Film Der Schatz im 

" Silbersee" vor der Kamera. Mit ihren Rehaugen verzauberte 

sie die Kinobesucher und ist bis heute unvergessen 

als Ribanna, Winnetous große Liebe. In der Edgar- 

Wallace-Reihe sorgte sie für erotisch-gruselige Schauer. 

Mit tAlfred Hitchcock drehte sie den Thriller Topas". Los 

" 

Angeles war lange Zeit ihre Wahlheimat. Wegen ihres an 

Alzheimer erkrankten Mannes kehrte sie vor einigen Jahren 

nach Deutschland zurück. Seit 2007 ist Karin Dor verwitwet und 

lebt heute in Niederbayern. 

Sie haben hb in den 1960er Jahren in 

Mein Mi Gott, wenn das doch nur zu Italien gehören 

würde. Die Landschaft ist traumhaft schön, verwundet und 

spielt. Ahnten Sie damals schon, aber es fehlte die Freiheit der Leute. 

trägt mich jetzt. t. 

dass 

die Filme so erfolgreich wer- 

Sie haben alle Stunts selbst gemacht und Was ich aber 

den würden? 

sich dabei einmal schwer verletzt. nicht wusste: 

Nein, beim 

ersten Film überhaupt nicht, das Ich bin vom Pferd gestürzt. Das war bei Das war meinee 

hat kein Mensch geahnt. Es hat uns sehr viel „Winnetou II". Wir hatten zwei Schimmel. Kopfwunde, die 

Spaß 

gemacht, aber keiner hat gedacht, dass Ich sollte meinen warmreiten. Allerdings war so blutete. Die 

es so einschlagen würde. Bei der Premiere war der eine Steigbügel ein bisschen kürzer als wurde dann 

es klar, das 

merkte man an der Reaktion der der andere. Ich habe ihn angezogen und geklammert. 

len, der ist selbstst 

mehreren eren Winnetou-Filmen mitge- 

Leute. 

e. 

unterwegs gemerkt, dass es immer noch nicht Schließlich 

Sie sind 

unvergessen als Ribanna stimmte. Wir waren auf sehr hartem, gestampftem 

Lehmboden im Galopp unterwegs, als ich noch einen 

hatte ich 

– Winnetous große Liebe. Damals 

wurden Sie 

doch sicher überall die Zügel anzog, um das Pferd zum Stehen zu Haarriss in der 

erkannt? 

n bringen. Was ich nicht wusste: Der Stallbursche 

hatte das Pferd vertauscht – ich saß auf 

einem Kaskadeur-Pferd (Pferd für Stunts und 

Trickreiten, Anm. d. Autors). Beim Anziehen 

der Zügel ging das Pferd auf die Hinterhand. 

Normalerweise rollt man sich sofort ab, aber ich 

war so geschockt von der Reaktion des Pferdes, 

dass es mich so richtig platt auf den Rücken 

gelegt hat. Jemand nahm mich auf den Arm 

und trug mich rauf, und ich sah, dass er Blut 

am Hemd hatte. Ich dachte: Um Gottes wil- 

Ja, das ist sogar bis heute so. Ich kriege 

immer mer noch 

viel Autogrammpost. Von Amerika 

und vom Ausland wegen James Bond und 

Hitchcock. Aber sonst – aus Europa, der 

Tschechei h und wo die alle herkommen, das ist 

alles les wegen Karl 

May. 

Wie war Pierre 

Brice denn so? 

Sehr, sehr 

nett. t. Ich hoffe, er ist noch nett, er 

lebt ja noch 

(lacht). Er sah damals aus wie ein 

Märchenprinz. rinz 

Aber man sah dann von Film zu 

Film, wie der Schmelz etwas schwand. 

Es 

war 

ja körperlich sehr anstrengend – 

wir mussten sehr früh aufstehen, weil 

wir etwa 

zwei Stunden Fahrt hatten bis 

zum Motiv, dann die Hitze und die mit 

ihrer Reiterei, erei 

ei, das strengte schon sehr an. 

Aber 

er ist ja ein 

Mann, er kann sich das 

erlauben. 

en. 

Die Karl-May-Filme entstanden alle 

in Jugoslawien, erinnern Sie sich an 

die Dreharbeiten? 

1959 9 habe 

ich 

den ersten Film dort 

gemacht, und da 

gab es gar nichts. Man 

musste sich alles le mitbringen. Ich war 

nicht so angetan. Ich hab' immer gesagt: 

Karin Dor und Pierre Brice 

Wirbelsäule. Zwei Zentimeter eterer höher, und ich 

wäre gelähmt gewesen für den Rest meines 

Lebens. 

Sie waren damals mit Harald Reinl verheiratet, 

der bei den meisten Winnetou- 

Filmen Regie führte. Sie waren sehr jung, 

als Sie geheiratet haben. 

Ja, knapp 17. Ich habe es aber nicht bereut, wir 

hatten ja zehn Jahre eine sehr gute Ehe. 

Mit Harald Reinl haben Sie auch die 

Edgar-Wallace-Filme gedreht. Klaus 

Kinski spielte da meist den 

Bösewicht. Er galt schon damals 

als ziemlich exzentrisch und unberechenbar. 

Sie haben sich aber gut 

mit ihm verstanden? 

Ja, ich bin herrlich mit ihm ausgekommen 

und mochte ihn sehr. Das meiste war ja 

alles gespielt. Nur bei Inkompetenz wurde 

er fuchsig. Ich werde aber nie vergessen: Er 

lebte damals noch in Rom und hatte acht 

Tage drehfrei. Wir haben in Jugoslawien 

gedreht, und er sagte zu mir: Ich würde 

so gerne nach Rom fahren, leihst du mir 

dein Auto. Er war aber dafür bekannt, 

dass er seine teuren Wagen alle zu Schrott 


i 

darchiv 

Hall 

huber 

/B ildarc 

Foto: DA 

VIDS/Bil 

fuhr. Und ich hatte damals gerade einen neuen 

230 SL. Ich sagte: Du, ich weiß, dass du jedes 

Edgar 

Wallace 

Auto zu Schrott fährst, aber ich vertraue dir 

mein Auto an. Acht Tage später brachte er das 

Auto picobello wieder zurück, und es war voll 

von Geschenken, unglaublich: herrliche Pucci- 

Kleider, Zigaretten, Lippenstifte und Crèmes, 

alles, was man da unten nicht bekam. 

Für " 

James Bond " mussten Sie nach 

London, um sich vorzustellen. 

Ich war stinksauer. Ich wollte in den Urlaub 

fahren. Aber meine Agentin buchte mir einen 

Flug nach London. Auf dem Flughafen kaufte 

sie mir hochhackige Schuhe, in denen ich kaum 

laufen konnte, weil sie eine 1,75 Meter große 

Blondine suchten. Und ich war 1,65 Meter 

und dunkel (lacht). Wir waren nachmittags bei 

Produzent Albert Broccoli zum Tee eingeladen. 

Während der Unterhaltung fragte er plötzlich, 

welchen Bond-Film ich gesehen hätte. Ich 

sagte: gar keinen. Worauf er meinte: Oh, that’s 

the girl I have to pay a ticket for! 

Stimmt es, dass Sie auch Sean Connery 

nicht kannten? 

Ich kannte ihn tatsächlich nicht. Bei den 

ersten Proben dachte ich: Um Gottes willen, 

Karin Dor mit Sean Connery 

ist der langweilig. Aber als die Klappe fiel, war 

plötzlich alles da: der Wahnsinnscharme, die 

Coolness und „the sparkle", dieses berühmte 

Funkeln in den Augen. Er war phänomenal. 

Aber bei Proben hat er sich nie angestrengt. Er 

war schon ein toller Typ. 

Als Bond-Girl Helga Brandt erleiden 

Sie einen spektakulären Tod – Sie werden 

von Piranhas aufgefressen. Sie wollten 

die Szene unbedingt ohne Double drehen. 

Ja, ich wollte das selbst machen, das war ja 

nichts Besonderes, da konnte ja nichts passieren. 

Es waren also keine echten Piranhas im 

Becken ... 

Nein, es waren Taucher drin, die mich an den 

Füßen ein bisschen runterziehen mussten. Bei 

der Probe haben die mich an den Füßen gekitzelt. 

Da musste ich erst irrsinnig lachen. 

Zwei Jahre später engagierte sie dann 

Alfred Hitchcock für den Film Topas". 

Waren Sie sehr nervös? " 

Ich bekam morgens um vier einen Anruf von 

Walter Kohner, meinem Agenten. Er sagte: 

Karin, nächste Maschine nach Amerika buchen 

und sofort heute noch abfliegen, Hitchcock 

will Sie sehen. Das ließ ich mir natürlich 

nicht zweimal sagen. Ich wusste aber, dass 

Hitchcock schon mit über 90 Schauspielerinnen 

Probeaufnahmen gemacht hatte. Deshalb flog 

ich nur mit einem Köfferchen rüber und dachte: 

Wunderbar, du bleibst acht Tage, hängst noch 

ein bisschen Urlaub dran und genießt das. 

Es kam bekanntlich anders. 

Ich kam rüber und wurde rausbestellt zu 

Universal ins Büro von Hitchcock. Sein Büro 

war mit Esszimmer und großem Salon, mein 

Agent durfte gar nicht mit rein, sondern nur 

die Sekretärin vom Hitchcock und ich, wir drei. 

Wir haben zu Mittag gegessen, unterhielten 

uns. Er war hinreißend. Und plötzlich sagte er: 

Kennen sie Miss Edith Head? (Die Schneiderin 

der Hitchcock-Filme, Anm. d. Autors) Ich sagte: 

Topas 

Klar, wer kennt sie nicht, mit all ihren Oscars. 

Er darauf: Ich glaube, es wäre eine gute Idee, 

wenn Sie zu ihr gingen und an sich Maß 

nehmen ließen. Das war seine Art, mir klar 

zu machen, dass ich die Rolle hatte. Ich bin 

beinahe zusammengebrochen, ich habe einen 

Jubelschrei losgelassen. 

Sie verstanden sich ausgezeichnet mit 

Hitchcock. Dabei soll er doch so schwierig 

gewesen sein, ein Frauenfeind. 

Es hieß immer, er hasst alle Schauspielerinnen. 

Ich wurde vorher auch gewarnt, sogar Rock 

Hudson hat mich gewarnt: Oh Gott, du Arme. 

Aber wir hatten gleich einen guten Draht 

zueinander. 

Wie sehen Ihre beruflichen Pläne aus? 

Eine Theaterrolle, die man mir letztes Jahr im 

Januar angeboten hat, habe ich jetzt zugesagt. 

Es ist traumhaft, sehr komisch: „Pythonee". 

Das spiele ich in Düsseldorf. Nächstes Jahr 

spiele ich in Köln nach einem Buch von Esther 

Vilar, „Der dressierte Mann". Ein Vier-Personen- 

Stück, es sind 

zwei Mütter 

eines jungen 

Paares. 

Ich bin die 

Mutter von 

ihr, Marianne 

Rogée ist die 

Mutter von 

ihm. Ich habe 

beim Lesen 

so gelacht, 

da freue ich 

mich richtig 

drauf. Karin Dor heute 

v Ha 

llhuber 

rch v Ha 

ildarchi 

D ild 

Foto 

:© 

DAVI 

DS/B 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

1/3-AZ hoch

Schulmeister-TV: 

Heinz Maegerlein ließ die Kandidaten schwitzen 

" Tausende standen an den Hängen und Pisten." " 

Und jetzt wickeln die Damen 

ihre 100 Meter Brust ab." Zwei Sätze, die Fernsehgeschichte schrieben. Sie 

stammen aus dem Munde von Heinz Maegerlein, fast 20 Jahre lang (1958 

bis 1976) redseliger Abteilungsleiter Sport beim ehrwürdigen Bayerischen 

Rundfunk. Historisch noch bedeutsamer wurde er aber dank seiner elf Jahre 

währenden Moderation der Oberlehrer-Quizsendung " 

Hätten Sie's gewusst?". 

Kaum jemand hätte sich den Mann als Geschichtsoder 

Deutschlehrer gewünscht. Seine Show 

ähnelte eher dem grauslichen Frontalunterrichtt 

am Gymnasium als dem Anspruch gediegenerer 

Fernsehunterhaltung. Auf manchmal schon mitleidslose Weise 

fertigte er die gut präparierten, aber auch mal mehr, mal weniger 

ahnungslosen Kandidaten ab. Und man konnte sich nie ganz des 

Eindruckes erwehren, dass er es insbesondere bei den Kandidatinnen 

datinnen 

nicht ganz verstehen wollte, warum die sich hinter 

dem Herd hervorgetraut hatten. 

Das Spiel war einfach, die Zeiten zuvor waren schwer 

genug gewesen. Nach dem „17 und 4"-Prinzip war 

das Ziel, schnellstmöglich 21 Punkte zu erreichen, 

je nach Grad der Schwierigkeit gab es 

einen bis elf Punkte. Mit den meisten 

damaligen Wissensgebieten könnte man 

heute keine Show mehr senden, und sei 

es um drei Uhr morgens zum Konsum 

von Hanf: Pflanzenkunde, Oper, 

Sagen der Völker etc. standen auf 

dem Fragezettel. „Was versteht man 

unter Karnivoren oder Insektivoren?" 

„In welchem Jahr wurde Verdis Oper 

‚Rigoletto’ uraufgeführt?" „In welcher 

Sage kommt Hagen von Tronje vor?" 

Die Kandidaten saßen wie später 

bei Wim Thoelke in schalldichten 

Kabinen und wurden von 

Maegerlein per Mikrofon zugeschaltet, 

wenn sie an der Reihe waren. 

Vor jeder Frage wurde ihnen die 

dazugehörige Kategorie mitgeteilt 

und die Möglichkeit gegeben, den Vermarktung weit vor Wer wird 

Schwierigkeitsgrad und die damit Millionär" – das Spiel zur " 

Sendung 

verbundene Punktzahl anzugeben, die sie mit der Beantwortung 

erreichen konnten. Die falsche Antwort führte zu entsprechendem 

Punktabzug. Das Spannende: Kein Kandidat hatte auch nur die 

geringste Ahnung, wie der Punktestand der Konkurrenten war. 

„Na, das wundert mich jetzt aber, dass Sie darauf keine Antwort 

finden." „Das ist doch eigentlich ganz leicht zu beantworten." 

„Na, Sie machen es uns heute aber schwer." Es ist nicht bekannt, 

wie viele der schwitzenden Kabineninsassen angesichts des 

manchmal arg schulmeisterlichen Tons den Moderator am 

liebsten erwürgt hätten. Mit Respekt hatte sein Oberlehrerton hin und 

wieder wenig zu tun. Die recht bescheidenen Sachpreise – hier mal ein 

Radio, dort ein Fotoapparat – treiben einem heute Lachtränen in die 

Augen. Damals war es der Hammer. Aber auch heute würde sich der eine 

oder andere über den Hauptgewinn, eine BMW Isetta, freuen, und sei es 

nur aus purer Nostalgie. 

Unvergessen ist der Top-Scorer der Raterunde, ein 

Mann namens Rudolf Steiner, Fachgebiet Oper. 

Hierbei handelte es sich nicht um den österreichischen 

Esoteriker, sondern laut eigenem Bekunden 

um einen „Handelsvertreter in Damenunterwäsche", 

dem man das gar nicht ansah. 

Heinz Maegerlein sah sich in den späten 60ern 

zunehmender Kritik ob seines Redeflusses ausgesetzt. 

Nach der Berichterstattung von 16 

Olympischen Spielen, diversen Europa- und Weltmeisterschaften t jedweder 

d 

Sportart und vielen anderen Sportereignissen warf man ihm zudem vor, 

dass er den jungen Nachrückern im Reporterstamm den Weg versperre. 

Noch weitere acht Jahre übte er das Amt des Abteilungsleiters Sport beim 

Bayerischen Rundfunk aus, war jedoch kaum noch vor der Kamera zu 

sehen. Er starb am 25. Oktober 1998 in Gräfelfing. 

Oliver Schuh 


Sie haben gewählt! 

Hier sind die 

60 besten kultHits! 

Zusammengestellt von 

den Lesern der 

jetzt auch bei

LTB IM JAHRESABO: 

1. Über 5 % SPAREN! 

2. Keine Ausgabe verpassen! 

3. Auch toll als GESCHENK-IDEE! 

Kultiges Paket zu Weihnachten: 

1 Jahr Lustiges Taschenbuch 

+ 2 tolle Geschenke ! 

?? 

2 super 

Geschenke! 

© Disney 

LTB-Überraschungsgeschenk 

Ein geheimnisvolles LTB-Geschenk 

sorgt für Spannung. 

+ 

LTB-Sammelbox 2013 

Hier ist Platz für die nächsten 13 LTB-Bände, 

die zusammen das neue Rückenmotiv ergeben. 

Coupon ausfüllen und senden an: Ehapa Leserservice, 20080 Hamburg / Deutschland 

Telefonisch bestellen: 

Bestellung faxen: 

E-Mail: 

+49 (0) 30 - 99 19 46 80 * +49 (0) 18 05 - 861 80 02 * abo@ehapa-service.de 

Vertragspartner ist die Egmont Ehapa Verlag GmbH, Wallstr. 59, 10179 Berlin, Geschäftsführer: Ulrich Buser. * Reguläre Gesprächsgebühren für einen Anruf im dt. Festnetz gemäß Anbieter und Tarif. 

Am schnellsten geht’s hier: 

www.ehapa-shop.de/LTBabo 

Gleich bestellen! 

Ja, ich möchte das Lustige Taschenbuch: (bitte nur 1 Kreuz setzen) 

Natürlich auch zum Selbstlesen! 

zu Weihnachten verschenken! Best.-Nr.: 895 391 verschenken! Best.-Nr.: 895 392 selbst lesen! Best.-Nr.: 895 393 

(LTB-Lieferbeginn nach Weihnachten, Geschenke-Lieferung sofort) (LTB- und Geschenke-Lieferung sofort) (LTB- und Geschenke-Lieferung sofort) 

Ich zahle zzt. nur 5,20€ (D) / 5,40€ (A) / 9.90 Fr. (CH) pro Ausgabe inkl. MwSt. und Versand statt 5,50€ (D) / 5,70€ (A) /10.50 Fr. (CH) im Einzelkauf bei 13 Ausgaben pro Jahr. 

Die Geschenke erhalte ich nach Zahlungseingang, bei Bankeinzug sofort. Wenn ich das Lustige Taschenbuch anschließend für ein weiteres Jahr beziehen bzw. verschenken 

möchte, brauche ich nichts zu tun. Andernfalls melde ich mich 6 Wochen vor Ablauf schriftlich beim Ehapa-Leserservice, 20080 Hamburg / Deutschland. Das Angebot gilt nur, 

solange der Vorrat reicht. 

Meine persönlichen Angaben: (bitte unbedingt ausfüllen) 

Name / Vorname Geb.-Datum Telefon-Nummer 

19 

Straße / Nummer PLZ Wohnort E-Mail-Adresse 

Ja, ich interessiere mich für weitere Informationen und Angebote der Egmont Ehapa Verlag GmbH aus den Bereichen Abonnement, Comic und Sammler-Produkte. 

Ich willige ein, dass mich die Egmont Ehapa Verlag GmbH per E-Mail, Post und Telefon über die vorgenannten Produkte und Angebote informiert. Diese Einwilligung 

kann ich jederzeit widerrufen. 

Ich zahle bequem per Bankeinzug: (zzt. nur 67,60 € [D] / 70,20 € [A] / 128.70 Fr. [CH] jährlich) 

BLZ Kontonummer Bankinstitut 

Ich zahle per Rechnung. 

Die Lustigen Taschenbücher gehen an: (bitte nur ausfüllen, wenn Sie das Lustige Taschenbuch verschenken möchten) 

Name / Vorname des Beschenkten Geb.-Datum Telefon-Nummer 

Straße / Nummer PLZ Wohnort E-Mail-Adresse 

Plus 1 LTB gratis 

bei Bankeinzug! 

Widerrufsrecht: Die Bestellung kann ich innerhalb der folgenden zwei Wochen ohne Begründung beim Ehapa-Leserservice, 20080 Hamburg / Deutschland, in Textform 

(z.B. E-Mail oder Brief) widerrufen. Zur Fristwahrung genügt die rechtzeitige Absendung. 

Datum 

Unterschrift (bei Minderjährigen der gesetzliche Vertreter) 

Mit KULT-STATUS: 

Das Lustige Taschenbuch! 

Auf über 250 Seiten erleben Donald, Micky & Co. 

die wildesten Abenteuer und halten die Leser 

mit aufregenden Schatzsuchen, Ausfl ügen in 

exotische Länder und fantastischen Zeitreisen 

in Atem. Großer Lesespaß für Jung und Alt! 

Infos zur aktuellen Ausgabe 

und vieles mehr gibt es unter 

www.lustiges-taschenbuch.de

kult! Die Mondlandung (Vorschau)

Erfolgreiche ePaper selbst erstellen

Template löschen?

Als Template speichern?