brennpunkt 1-2014 .indd - edition buehrer

ennpunkt 

1/2014 4,00 Euro 30. Jahrgang Magazin für Fotografie 

Januar bis März 2014 

Galerien • Buchbesprechungen • Fotoszene 

Portfolio Christian Werner • Pavel Sticha

FÜR ORIGINALE 

2 brennpunkt 1/2014 

„Ich fotografiere für den Fine Art Druck. Erst die Kombination von hochwertigen traditionellen 

Büttenpapieren und modernster Drucktechnik bringt die sinnliche Qualität meiner Bilder optimal 

zur Geltung.“ Manfred Kriegelstein Die Digital FineArt Collection bietet exklusive Künstlerpapiere 

mit edler Haptik und bestechender Optik für den Inkjetdruck. Brillante Schwarz-Weiß-Aufnahmen 

oder subtile Farbfotografie werden dank unserer feinen Papiere der Individualität Ihrer Kunstwerke 

mehr als gerecht. Mehr Papierkunst unter www.hahnemuehle.de 

P A P I E R E M I T M U S E U M S Q U A L I T Ä T, A L T E R U N G S B E S T Ä N D I G U N D M E H R F A C H P R Ä M I E R T .

Impressum: 

brennpunkt 

Magazin für Fotografie 

Erscheint vierteljährlich, 

erhältlich in Fotogalerien, 

Geschäften, Buchhandlungen 

und über Abonnement. 

Jahresabo 13,50 Euro 

Einzelpreis 4,00 Euro 

Konten: 

Postbank Berlin 

Konto-Nr. 375 106 104 

BLZ 100 100 10 

Redaktionsschluss: 

jeweils am 10. vor dem Erscheinungsmonat 

Herausgeber: 

edition buehrer 

c/o Dietmar Bührer 

Odenwaldstraße 26 

12161 Berlin 

Telefon u. Telefax: (0 30) 8 53 35 27 

e-Mail: buehrer-berlin@t-online.de 

Internet: www.edition-dibue.de 

Copyright bei Edition 

Druck: 

schöne drucksachen 

Bessemerstraße 76a, 12103 Berlin 

Redaktion: 

Dietmar Bührer V.i.S.d.P. 

Michael Gebur 

Elke Tesch 

Klaus Rabien 

Manfred Kriegelstein 

Udo Rzadkowski 

Hinweis: 

Für unverlangt eingesandte 

Manuskripte und Fotografien 

wird keine Haftung übernommen. 

Galerien 

»GIGANTEN DES JAZZ« , (Jacobi, Lebeck, Kemlein, Kalischer, Rau, Bunge) ........ 5 

»HINTER GLAS« ............................................................................................... 6 

Robert Herrmann »MONOTONY« ..................................................................... 8 

Volker Wartmann »Verschlusssache« ................................................................. 9 

Helmut Newton »Paris-Berlin«. Greg Gorman »Men« ......................................... 10 

ALFRED EHRHARDT »DAS WATT« ................................................................... 12 

Göran Gnaudschuhn »Alexanderplatz« ............................................................. 14 

»lens-based sculpture« ...................................................................................... 15 

Fotofreunde Zehlendorf »HIGHLIGHTS« ............................................................ 16 

Delphine Burtin »ENCOUBLE« .......................................................................... 17 

Christian Tagliavini »Carte & 1503« ..................................................................... 18 

MENSCH-RAUM-AURA .................................................................................... 19 

ICH & DU – Selbstporträts und Porträts .............................................................. 20 

Fotowettbewerb »My Secret Life« ....................................................................... 22 

Kathrin Karras »Schattenrisse« ............................................................................. 23 

Philipp Keel »Splash« .......................................................................................... 24 

»Sommer-Akt-Fotoshooting« – »Tabu« – »Look, I´m naked« ............................... 26 

Uwe Glanz »Stadtbilder von 1989 bis 2012« ....................................................... 27 

IDENTITY LOST, Fotokunstgruppe VINGESUS ................................................... 28 

Fred Stein »Im Augenblick« ................................................................................. 30 

Léa Habourdin »Cahier de Doléances« – »Book of Possibilities« ......................... 31 

Francis Ducreau »Stadt der Menschen - Menschen der Stadt« ............................ 32 

»AusZeiten&Räumen« ........................................................................................ 34 

Franziska Rutishauser »Fotografische Installationen« ........................................... 36 

Ausstellungen in Berlin ............................................................................................ 37 

Galeriebesprechungen 

Kulinarisches (Klaus Rabien) .............................................................................. 38 

Ausstellungen 

Andreas Adam »Die Sonne scheint ...« ................................................................ 46 

JEFF WALL IN MÜNCHEN .................................................................................. 47 

Portfolio 

Christian Werner »Charcoal Children« ................................................................ 52 

Pavel Sticha »Osterinsel« .................................................................................... 60 

Fotoszene 

DGPh - Veranstaltung / Gudrum Angelika Hoffmann, »Nackte Verfremdungen« . 43 

Fotokunst verkaufen mit Luxad ........................................................................... 44 

Europäischer Monat der Fotografie 2014 ............................................................. 45 

Ein Gespräch mit Klaus Honnef (Pepper) ............................................................. 48 

Fotoclub Roth ..................................................................................................... 70 

Plädoyer für ein festes Juryteam (Manfred Kriegelstein) ....................................... 80 

Le Rêve (Der Traum), Paris 1934 

© Estate of Fred Stein 

Buchbesprechungen 

Bernhard Edmaier »EarthArt« ............................................................................. 42 

Photoshop für Digitalfotografen ......................................................................... 81 

Faszinierende Photoshop-Welten ....................................................................... 81 

LUMIX GX7 ........................................................................................................ 81 

Vorschau 2-2014 ...................................................................................................... 82 

In dieser Ausgabe liegt eine Beilage von »Lettre International« bei. 

brennpunkt 1/2014 

3

Galerien 

GIGANTEN DES JAZZ 

Fotografien von 

Max Jacoby 

Robert Lebeck 

Eva Kemlein 

Clemens Kalischer 

Uwe Rau 

Norbert Bunge 

© Norbert Bunge, »Ella Fitzgerald«, 1968 

© Robert Lebeck, »Eartha Kitt«, 1965 

© Eva Kemlein, »Lous Amstrong«, 1965 

© Clemens Kalischer, »Max Roach mit Schüler«, 1956 

18. Januar bis 1. März 2014 

© Max Jacoby, »Miles Davis«, Berlin, 1965 

Galerie argus fotokunst 

Marienstraße 26 

10117 Berlin-Mitte 

Mi – Sa 

14 – 18 Uhr 

Vernissage 

17. Januar 2014, 19-21 Uhr 

mit Oli Bott (Vibraphon) 

und Rolf Römer (sax) 


5

Galerien 

Jeremie Aubouin 

Anna Arendt 

Dorothée Baumann 

Olle Fischer 

Uta Protzmann 

Christian Reister 

Anke Schüttler 

Nicole Woischwill 

»HINTER GLAS« 

Kuratiert von Jenny Graser und Nicole 

Woischwill 

Das Motiv des Fensters nahm in 

der bildenden Kunst wie auch 

in der Architektur seit jeher eine 

Brückenfunktion ein und diente sprichwörtlich 

als Tor zur Welt. Das »Fenster61«, 

ein circa 2x2 Meter umfassendes 

Schaufenster, in dem seit 2005 

in monatlichen Abständen zeitgenössische 

Fotografie gezeigt wird, spielt 

sogleich mit dieser Eigenschaft. Denn 

es ist nicht betretbar, sondern als Schauraum 

allein visuell erfahrbar. Darüber 

hinaus präsentiert es in der Ausstellung 

»Hinter Glas« fotografische Positionen 

von acht Künstlerinnen und Künstlern, 

die sich dem Seherlebnis widmen, das 

Fenster und Spiegel generieren. Deren 

bildkonstituierende Funktion gleicht 

der Kameralinse mit den Worten des 

Medienphilosophen Dieter Mersch 

ausgedrückt darin, dass »angeschaut 

vielmehr das Bild zurückblickt«, und 

manchmal begegnet sich der Schauende 

darin gar selbst. 

Die Eigenschaft des Spiegels, seine 

Umgebung oder ein Gegenüber abzubilden, 

wird in der Fotografie »Face you« 

von Dorothée Baumann gezielt unterlaufen. 

Ein Spiegel ist hier zwischen die 

Arme eines am Boden liegenden Mädchens 

gedrückt und verdeckt ihr Gesicht. 

Lange blonde Haare, eine schemenhaft 

angedeutete Brust sowie die leichte 

Schatten werfenden Rippenknochen 

© Dorothée Baumeister, »Face You«, (Original in Farbe) 

© Anna Arendt, »In the Middle of the Brigde« 

lassen einen weiblichen Körper erahnen. 

Dieser wirkt jedoch merkwürdig 

deformiert und durch den ungewöhnlich 

positionierten Spiegel fragmentiert. 

Der Frauenkörper, durch das Artefakt 

zerstückelt, wandelt sich zum Objekt. 

Eine zunächst irritierende Wirkung 

zeichnet ebenfalls die Fotografie 

von Anna Arendt aus. Die Köpfe 

zweier Personen schälen sich aus 

einem körnigen, diffusen Hintergrund 

heraus. Ihre Blicke begegnen sich 

nicht. Ein Augenpaar ist direkt auf den 

Betrachter gerichtet, fokussiert ihn, 

scheint ihn zu verfolgen. Der Anblick 

provoziert einen Gegenblick, ebenso 

wie die aufmerksamen Augen eines 

zähnefletschenden Wolfes, der uns auf 

dem nächsten Bild der Fotografin begegnet. 

Harmonisch, vertraut und in keinster 

Weise aggressiv, wirkt hingegen die 

Beziehung der beiden Personen, die 

auf der crossentwickelten Fotografie 

von Nicole Woischwill miteinander 

interagieren. Mit dessen warmen 

Farbton korrespondiert sogleich Anke 

Schüttlers Arbeit, in welcher der Lichtund 

Schattenwurf eines roten Vorhangs 

den Mittelpunkt bilden. Der vor ein 

Fenster gehängte Stoff ist zwar transparent 

und lässt das Licht in den Raum 

eindringen. Trotzdem erschließt sich 

dem Betrachter weder die Beschaffenheit 

des Zimmers, noch wird der Blick 

hinaus ermöglicht. Dem warmen Farbton 

dieser beiden Bilder gegenüber steht 

eine zweite, sehr viel kühler wirkende 

Arbeit von Nicole Woischwill. Auf der 

schwarz-weiß Fotografie ist eine vereinzelte 

männliche Figur zu sehen. Sein 

Rücken ist dem Betrachter, sein Blick 

6 brennpunkt 1/2014

Galerien 

aus denen der Zeit scheinbar entrückt, 

die Twin Towers deutlich hervortreten. 

Eine Möwe zieht vorbei. 

Außen- und Innenraum verbinden 

sich wiederum in der schwarz-weiß 

Fotografie von Christian Reister. Eine 

unbekleidete Frau posiert lasziv in einem 

Fensterrahmen. Die Konturen ihres Körpers 

zeichnen sich scherenschnittartig 

auf der Scheibe ab. Zugleich spiegeln 

sich darin helle Lichter einer gegenüberliegenden 

Hauswand, so dass der rätselhafte 

Eindruck entsteht, als befände 

sich die Person doch im Freien. Eine 

Überblendung von urbanem Raum 

und Mensch begegnet uns ebenfalls in 

der Fotografie von Uta Potzmann. Hier 

verschmelzen das liebliche Abbild der 

Dichterin Anna Achmatova, das hinter 

einem Schaufenster platziert ist, mit den 

sich im Fenster reflektierenden Ästen 

und Schemen der Stadt Sankt Petersburg. 

Auch das Motiv von Jeremie Aubouins 

Arbeit setzt sich aus Fragmenten einer 

Landschaft und Architektur zusammen. 

Der Fotograf hat eine Wand abgelichtet, 

deren Tapete einst Wälder, Berge, Flüsse 

und ein Schloss beherbergte. Einer 

Decollage gleich wurde die Tapete 

jedoch großflächig abgerissen, so dass 

der braune Untergrund der Hauswand 

hervortritt. Die Linse der Kamera hält 

eine abstrakte Form fest, die in die 

feinmalerische Landschaftsdarstellung 

einzubrechen scheint. 

© Nicole Woischwill, (Original in Farbe) 

Das »Fenster61« präsentiert mit der Ausstellung 

»Hinter Glas« ein breites Spektrum 

an zeitgenössischer Fotografie, 

deren einzelne künstlerische Positionen 

unterschiedlicher kaum sein könnten. 

Und doch haben sie etwas gemeinsam: 

Das Bild, es schaut angeblickt zurück. 

Und was siehst Du? 

Jenny Graser 

© Olle Fischer 

dem Licht, zugewandt. Was diesen 

Augen wohl begegnet? Und was erblickt 

die in warme Kleidung gehüllte, durch 

ein Fernglas schauende Dame, die Olle 

Fischer auf einem Dampfer fotografiert 

hat? In Unruhe versetzte Wellen und 

dunkle schwarze Wolken umschließen 

miniaturartig wirkende Hochhäuser, 

© Christian Reister 

bis 14. Januar 2014 

FENSTER61 

Torstraße 61 


jederzeit einsehbar 

www.fenster61.de 


7

Galerien 

Robert Herrmann 

»MONOTONY« 

Einst zum Ideal der funktionalen Stadt 

erkoren, legen sich die Satellitenstädte 

wie Gespinste um die Großstadt – heute 

monotone Schlafstädte, als Wohnstätten 

wenig beliebt. 

Wer dort wohnt, pendelt tagtäglich ins 

Stadtzentrum um mit einer Tätigkeit 

im Dienstleistungssektor die eigene 

schmale Existenz zu sichern. 

Robert Herrmann stieg an mehreren 

Wintermorgen in die frühesten S- 

Bahnen, besuchte die östlichen Berliner 

Plattenbauquartiere und begleitete mit 

der Kamera die Pendler auf ihrem Weg 

in die Stadt. 

Das Ergebnis dieser Reise ist eine stille 

und nachdenklich stimmende Sinfonie 

einer Großstadt. 

© Robert Herrmann 


15. Januar 2014 bis 11. Februar 2014 

FENSTER61 

Torstraße 61 


jederzeit einsehbar 

www.fenster61.de 



Galerien 

Volker Wartmann 

»Verschlusssache 

– Geheimnisvolle 

Orte im Rathaus 

Schöneberg« 

Blicke hinter verschlossene Türen, in 

unbekannte Winkel und auf verborgene 

Details, an denen fast jeder achtlos 

vorbeigeht – der Fotokünstler Volker 

Wartmann hat das Rathaus Schöneberg 

zwischen Juni und Oktober 2013 

nahezu unzählige Male durchstreift und 

aus Perspektiven fotografiert, die Besuchern 

normalerweise verborgen blei- 

© Volker Wartmann, Ausstellungshalle »Lichthof«, (Original in Farbe) 

© Volker Wartmann, »Zimmer der 

Bezirksbürgermeisterin«, (Original in Farbe) 

ben. Dank der Unterstützung engagierter 

Rathaus-Mitarbeiter bekam er auch 

Zugang zu Räumen, die für die Öffentlichkeit 

normalerweise absolut tabu 

sind: beispielsweise zu dem ehemaligen 

Tresorraum der Stadtkasse Schöneberg, 

zur Dokumentenkammer im Glockenturm 

und zur ehemaligen Bierstube 

des Ratskellers. Mit seinen Fotografien 

eröffnet Wartmann den Betrachtern eine 

neue Sichtweise auf das weltbekannte 

Berliner Wahrzeichen, das im Jahr 2014 

sein 100jähriges Bestehen feiert. 

© Volker Wartmann, »Altaktenarchiv«, (Original in Farbe) 

18. Januar 2014 bis 15. Februar 2014 

198 Galerie 

Tempelhofer Damm 198 

12099 Berlin-Tempelhof 

© Volker Wartmann, »Brandenburghalle«, 

(Original in Farbe) 

© Volker Wartmann, »Standesamt«, 


Mo – Fr 

Sa 

15 – 19 Uhr 

14 – 18 Uhr 

Vernissage: 

18. Januar 2014, 16 Uhr 


9

Galerien 

Helmut Newton: 

Paris-Berlin. 

Exhibition Grand 

Palais 2012 // 

Greg Gorman: Men 

Die Berliner Helmut Newton Stiftung 

feiert mit dieser Ausstellung ein Jubiläum: 

Helmut Newton gründete vor 

zehn Jahren, also im Herbst 2003, eine 

eigene Stiftung und schloss einen Kooperationsvertrag 

mit der Stiftung Preußischer 

Kulturbesitz. Im Rahmen eines 

»Public-Private-Partnership« gelangte 

damals eine umfangreiche Sammlung 

von Originalaufnahmen, Vintage-Ausstellungsplakaten 

und Archivalien als 

Dauerleihgabe in Newtons Heimatstadt 

Berlin. Nach einer kurzen Umbauphase 

öffnete das »Museum für Fotografie« 

in einem ehemaligen Militärkasino 

im Sommer 2004 mit einer Doppelausstellung, 

die der Photograph selbst nicht 

mehr erleben konnte, da er kurz zuvor 

in Los Angeles verstarb. 

Doch durch sein Werk lebt er weiter. 

Nicht nur in der Berliner Stiftung 

werden regelmäßig Ausstellungen organisiert 

und präsentiert, sondern von 

hier aus auch an verschiedene Institutionen 

in Europa ausgeliehen, so auch 

2012 nach Paris ins Grand Palais. Es 

war die erste Übersichtspräsentation 

des Newton’schen Werkes in der französischen 

Hauptstadt seit seinem Tod 

und die erste eines Photographen in 

diesem renommierten Ausstellungshaus 

überhaupt. Jene Ausstellung kehrt nun 

zu ihrem Ausgangspunkt zurück und 

wird in Berlin gezeigt, vor diesem Hintergrund 

ist auch der Ausstellungstitel 

zu verstehen; sie vereint alle wichtigen 

Werkgruppen des Photographen: Mode, 

Akt, Porträts und die für ihn so charakteristischen 

Mischformen. Zusammengenommen 

sind es mehr als 200 Schwarz- 

Weiß- und Farbphotographien unterschiedlicher 

Formate, teilweise als Vintage 

Prints. 

Manche Aufnahmen waren bereits 

in früheren Ausstellungskontexten in 

der Helmut Newton Stiftung zu sehen, 

Helmut Newton, Bergstrom over Paris, 1976 © Helmut Newton Estate (O.i.F.) 

andere werden zum ersten Mal gezeigt. 

Mit jeder neuen Kombination kann 

selbst das Werk eines bekannten Photographen 

neu entdeckt werden. Die 

Gegenüberstellung einer Bildikone 

wie beispielsweise »Rue Aubriot, Paris 

1975« mit einer zweiten durch ein Aktmodell 

ergänzten Aufnahme erweitert 

die für Newton übliche Rezeption. 

Helmut Newton hat einen Damensmoking 

von Yves Saint Laurent für die französische 

Vogue photographiert; das ist, 

abgesehen vom revolutionären Akt des 

Modeschöpfers, zunächst nicht ungewöhnlich, 

doch die Art der photographischen 

Inszenierung ist unvergleichlich 

und wirkte stilbildend: Das weibliche 

Modell mit Kurzhaarschnitt steht 

rauchend und selbstbewusst nachts in 

einer schmalen, spärlich beleuchteten 

Gasse und scheint auf niemanden zu 

warten. Zwei Assoziationen aus der 

Kunst- und Photographiegeschichte 

kommen dem Betrachter sofort in den 

Sinn: Ernst Ludwig Kirchners Straßenszenen 

am nächtlichen Potsdamer Platz 

aus den frühen 1910er-Jahren, auf denen 

er die dort stehenden modisch gekleideten 

Frauen in ein Spannungsverhältnis 

zwischen Prostitution und urbanmodernem 

Lebensstil stellte, und Brassaïs 

Prostituiertenporträts, die jener in 

den 1930er-Jahren insbesondere im 

Pariser Marais aufnahm. Vierzig Jahre 

später wählte Newton ebenfalls dieses 

Viertel für seine Modephotographie. Mit 

der zweiten Aufnahme des Modells am 

gleichen Ort und einem Aktmodell an 

dessen Seite steigerte er die verwirrende 

Androgynität der bekleideten Frau noch. 

Die Kombination einer bekleideten und 

einer nackten Frau im Modekontext war 

ziemlich radikal und eine solche Aufnahme 

für die Veröffentlichung in einem 

Modemagazin wie die französische 

Vogue ungeeignet. Die Kombination 

bekleideter und unbekleideter Modelle 

formulierte Helmut Newton ab 1980 

in der berühmten Serie »Naked and 

Dressed« aus, die in seinem dritten Bildband 

»Big Nudes« veröffentlicht wurde 

sowie in der italienischen und französischen 

Ausgabe der Vogue; einige Jahre 

später war eine solche Motivkombination 

für ein renommiertes Modemagazin 

somit kein Tabubruch mehr. Zwei 

Diptychen jener Serie, die bereits Mitte 

der 1970er-Jahre in der Rue Aubriot vorbereitet 

wurde, sind auch Bestandteil 

der aktuellen Ausstellung. 

Daneben finden sich Porträts zahlreicher 

Prominenter von Pierre Cardin 

bis Margaret Thatcher, Modebilder für 

Magazine aus den 1960er bis 1990er- 

Jahren sowie Akt- und Produktaufnahmen; 

darunter finden sich auch Aufnahmen 

aus »Fired«, etwa die legendären 

Courrèges-Aufnahmen, veröffentlicht 

1964 im Modemagazin Queen, die 

damals der Grund für Newtons kurzfristigen 

Rauswurf bei der Vogue waren, 

übersetzten die ultramodernen Entwürfe 


Galerien 

Greg Gorman, Three Boys Jumping, 1991 © Greg Gorman 

des französischen Designers kongenial 

ins photographische Bild. Revolutionär 

waren die Hosen für Frauen, die kniefreien 

Kleider und vor allem der spektakuläre 

Weltraum-Look. Frauenbild und 

gesellschaftliche Position der Frauen 

befanden sich damals bekanntlich in 

einem radikalen Wandel. Newton photographierte 

die Courrèges-Modelle 

ohne jede Accessoires in klaustrophobisch 

engen Räumen, deren metallene 

Wände Kleider und Modelle reflektierten 

oder verdoppelten. Ende der 1960er- 

Jahre nahm Newton Mode für die Elle 

wiederum in einem verwirrenden Spiegelraum 

auf; diesmal zeigte sich der 

Photograph selbst hinter den Frauen mit 

seiner Kleinbildkamera im Bild. Ungewöhnlich 

für die Zeit war, wie Newton 

hier den Arbeitsprozess selbstironisch 

und medienreflexiv kommentierte. 

Helmut Newton hat sich hin und wieder 

selbst und 1974 auch einmal Helmut 

Berger nackt porträtiert, gleichwohl 

bleibt der männliche Akt in seinem 

Werk marginal. Auf Einladung von 

June Newton, die unter dem Pseudonym 

Alice Springs gelegentlich nackte 

Männer ablichtete, stellt der amerikanische 

Porträtphotograph Greg Gorman 

nun parallel zur Newton-Ausstellung 

eine Werkgruppe von Männerakten 

aus. Hier, in »June’s Room«, begegnen 

wir jungen, durchtrainierten Körpern 

in Schwarz-Weiß und unterschiedlichen 

Formaten, teilweise annähernd 

lebensgroß. 

Gorman wurde 1949 in Kansas City 

geboren und lebt heute in Los Angeles; 

noch während des Studiums begann 

er 1968 seine Karriere mit Aufnahmen 

von Jimi Hendrix bei dessen Konzert in 

Kansas City. Später in Kalifornien blieb 

er dem Show Business treu und photographierte, 

neben zahlreichen Werbeaufträgen, 

in der Folge vor allem Schauspieler 

und Musiker, darunter Angelina 

Jolie und Johnny Depp, Michael Jackson 

und David Bowie. Einige dieser ikonischen 

Schwarz-Weiß-Aufnahmen zierten 

Filmplakate, andere erschienen auf 

den Covern von CDs oder von Magazinen 

wie LIFE, Newsweek, Rolling Stone 

oder Vogue. Aktphotographien entstanden 

häufig parallel, etwa während Plein 

Air Workshops in seiner zweiten Heimat 

Mendocino, einem kleinen Künstlerort 

nördlich von San Francisco. Greg 

Gorman und June Newton wählten für 

diese ergänzende Ausstellung 25 Motive 

aus, die zwischen 1988 und 2012 überwiegend 

im Studio in Los Angeles entstanden 

sind. Die jungen Männer, teilweise 

in Gruppen, bewegen sich vor 

Gormans Kamera wie Tänzer auf einer 

leeren Bühne; es sind zeitlose, sinnliche 

Aktporträts. 

Die Aktphotographie männlicher 

Modelle gilt heute vielerorts noch 

immer als Tabu. Im vergangenen Jahr 

hat das legendäre Montreux Jazz Festival 

zwar einen Männerakt von Greg 

Gorman als Postermotiv verwendet, 

die primären Geschlechtsteile bleiben 

auf jenem Poster jedoch durch die Körperdrehung 

des Modells verdeckt. Bei 

manchen Aufnahmen Gormans in der 

Helmut Newton Stiftung ist dies hingegen 

anders. 

Matthias Harder 

bis 18. Mai 2014 

Helmut Newton Stiftung 

Museum für Fotografie 

Jebensstraße 2 

10623 Berlin-Charlottenburg 

Di, Mi, Fr 

Do 

So 

10 – 18 Uhr 

10 – 20 Uhr 

11 – 18 Uhr 


11

Galerien 

ALFRED EHRHARDT 

DAS WATT 

Seit Gründung der Alfred Ehrhardt Stiftung 

im Jahr 2002 laufen die Vorbereitungen 

der kommenden Ausstellung, 

die nun durch einen Ankauf sowie 

eine Schenkung ermöglicht wurde: Die 

ausschließlich aus eigenen Beständen 

bestückte Zusammenstellung von 70 

Vintageprints aus der Serie »Das Watt« 

(1933–1936) konzentriert sich auf Ehrhardts 

fotografisches Erstlingswerk, das 

zu den herausragenden Bildleistungen 

der Avantgarde-Fotografie der 1930er 

Jahre zählt. Sie ist Ausgangspunkt für 

das gesamte preisgekrönte fotografische 

und filmische Schaffen dieses am Dessauer 

Bauhaus geschulten, vielfältigen 

Künstlers und bildet die »crème de la 

crème« seines fotografischen Werkes. 

Die künstlerische Qualität dieser Serie 

sucht auch unter den Meistern der Fotografie 

der Neuen Sachlichkeit Ihresgleichen. 

Einen idealen Anlass bietet die Neuauflage 

des Buches Das Watt von 1937 

als exklusive Faksimilie-Auflage der Edition 

Xavier Barral. Die Publikation ist 

eine Ode an die Natur und ein Meisterwerk 

der Buchkunst, das im Jahr 2004 

nicht von ungefähr im reich bebilderten 

Band über Fotobücher The Photobook. 

A History von Martin Parr und 

Gerry Badger auf internationaler Ebene 

geadelt wurde: »This is both an attractively 

designed and finely printed book 

– an island of tranquil beauty in a cultural 

sea that was becoming increasingly 

barbaric.« 

ALFRED EHRHARDT (1901-1984) 

war ein medialer Grenzgänger. Er war 

Organist, Chorleiter, Komponist, Maler 

und Kunstpädagoge, bevor er Fotograf 

wurde. Nach einem Aufenthalt am 

Dessauer Bauhaus 1928/29, wo er bei 

Josef Albers studierte und bei Wassily 

Kandinsky und Oskar Schlemmer hospitierte, 

leitete er an der Landeskunstschule 

Hamburg den ersten Vorkurs für 

Materialkunde außerhalb des Bauhauses. 

Erst nach der Entlassung aus dem 

Hochschuldienst durch die Nationalsozialisten 

1933 wandte er sich der Fotografie 

und dem Film zu. In Cuxhaven, 

Alfred Ehrhardt, Fließender Sand, 1933-1936, © bpk / Alfred Ehrhardt Stiftung 

wo er sich in seinem ersten Beruf als Kirchenmusiker 

verdingte, entdeckte er im 

vorgelagerten Watt zwischen den Inseln 

Scharhörn und Neuwerk die Besonderheiten 

dieser wechselvollen Meereslandschaft. 

Ihn faszinierten die durch 

Wind und Wasser täglich neu entstehenden 

abstrakten Strukturen im Sand, 

die ihn an den Materialkundeunterricht 

erinnerten, wo seine Studenten »Struktur, 

Textur und Faktur« von Materie zu 

erfassen hatten. Es wurde ihm schnell 

bewusst, dass die Kamera das unverfänglich 

zu produzieren imstande ist, was zu 

malen verboten war. Statt zu Stift oder 

Pinsel zu greifen, »zeichnete« er nun 

die abstrakten Formen der Natur mit der 

Kamera. Mit Hilfe von Motivwahl, Perspektiveinstellung 

und Lichtregie überhöhte 

er die Schätze der »Künstlerin 

Natur« zu einer vom Menschen gestalte- 

Alfred Ehrhardt, aus der Serie: »Das Watt«, 

1933-1936, © Alfred Ehrhardt Stiftung 


Galerien 

Alfred Ehrhardt, Ein flacher Priellauf mit stark 

strukturierten Uferflächen, 1933-1936, 

© Alfred Ehrhardt Stiftung 

Weitere Stationen: 

Museum Kunst der Westküste, 

Hauptstraße 7, 25938 Alkersum / Föhr 

15. Juni 2014 – 11. Januar 2015 

Alfred Ehrhardt, Bodenriffelungen, 1933-1936, © bpk / Alfred Ehrhardt Stiftung 

ten Kunstform, die der Natur ebenbürtig 

sein wollte, ohne bloße Kopie zu sein. 

Breitet man Alfred Ehrhardts Fotografien 

abstrakter Sandformen im Watt 

vor sich aus, drängt sich der Gedanke 

»Chaos und Struktur« auf. Der hier vom 

Künstler gewählte Bildausschnitt offenbart 

die immanente Schönheit des sich 

in so vielfältigen Formen darstellenden 

Naturgeschehens, während die Zusammenschau 

der Formvariationen die Verbindung 

von Mikro- und Makrokosmos 

erstellen soll. Er bringt System in die 

Strukturen und Ordnung in das Chaos 

der Natur, als wolle er die Welt mit 

seiner Technik begreifbar machen. 

Alfred Ehrhardt war ein neusachlicher 

Neuromantiker, ein »Naturphilosoph 

mit der Kamera«, wie man ihn damals 

nannte. In seiner Serie »Das Watt« verbinden 

sich die Strukturexperimente 

des Neuen Sehens, der naturphilosophisch 

begründete, typologische Ansatz 

der Fotografie der Neuen Sachlichkeit, 

sein am Bauhaus geschultes Gespür für 

Komposition, Materialbeschaffenheit 

und Abstraktion mit einem von Kandinsky, 

Schlemmer und Klee beeinflussten 

weltanschauliche Anliegen, Materielles 

ins Geistig-Kosmische zu transzendieren. 

In der Abwendung vom Chaos 

einer industrialisierten Welt, in der kontemplativen 

Konzentration auf nur von 

Himmel und Horizont begrenzte leere 

Landschaften und in der Fokussierung 

auf die verborgene Anmut und symmetrische 

Schönheit des natürlichen Mikrokosmos 

fand Ehrhardt hier zu höchster 

formaler Konsequenz von ergreifend 

schlichter Schönheit. 

Publikation: 

Alfred Ehrhardt, Das Watt, Faksimile- 

Auflage der Ausgabe von 1937 im Heinrich 

Ellermann Verlag, Edition Xavier 

Barral, Paris 2013, 22,5 x 29 cm, 96 

SW-Aufnahmen, 112 Seiten, Texte: Kurt 

Dingelstedt, Alfred Ehrhardt, 16 Seiten 

Übersetzungen der Texte Englisch / Französisch, 

45,- Euro. 

Eröffnungsrede: 

Dr. Christiane Stahl, 

Leiterin der Alfred Ehrhardt Stiftung 

Eröffnung: 

Freitag, 17. Januar 2014, 19 Uhr 

18. Januar bis 27. April 2014 

Alfred Ehrhardt Stiftung 

Auguststraße 75 


Di – So 11 – 18 Uhr 

Do 11 – 21 Uhr 

www.alfred-ehrhardt-stiftung.de 


13

Galerien 

Göran Gnaudschuhn 

»Alexanderplatz« 

Göran Gnaudschun fotografiert seit 

2010 am Berliner Alexanderplatz die 

Szene von jungen Ausreißern, Gestrandeten, 

Wohnungslosen, Punks und 

Selbstdarstellern. Es gibt Erfahrungen 

mit längeren Gefängnisaufenthalten, 

Drogen und viel Alkohol. Diese Menschen 

passen in die Raster der normalen 

Gesellschaft nicht hinein: weder in die 

der Arbeitswelt und oft auch nicht in die 

der sozialen Fürsorge. Kaum einer ist in 

Berlin aufgewachsen, viele wollten aus 

der Provinz fliehen, möglichst weit weg: 

neu sein, anonym sein, die weite Welt 

ohne einen Cent in der Tasche erleben. 

Einige treiben sich immer für mehrere 

Monate in anderen Großstädten 

Deutschlands herum, andere wollten 

noch weiter, aber sitzen schon seit 

Jahren auf dem Alex. 

Kinder werden schnell erwachsen und 

Erwachsene werden schnell alt. Gnaudschun 

portraitiert die Menschen dort, 

immer darauf bedacht, eine Form von 

fast verschüttet geglaubter Würde und 

von Intensität ans Licht zu bringen. Er 

fotografiert Situationen, in denen sich 

Symbolhaftes zeigt, er führt Interviews 

über die Lebenswege der Protagonisten 

und schreibt selbst Texte über die Sicht 

des Fotografen auf das vielschichtige 

Phänomen Alexanderplatz. 

© Göran Gnaudschuhn, »Fernsehturm«, 


© Göran Gnaudschuhn, »Mel«, 

Mai 2010, (Original in Farbe) 

Berlin Alexanderplatz ist eine Arbeit, in 

der sich Text und Bild assoziativ ergänzen 

und die sehr subjektiv und nah über 

das Leben von jungen Menschen am 

Rand der Gesellschaft erzählt. 

Die Ausstellung findet aus Anlass der 

Publikation des Buchs zum Projekt im 

Kehrer Verlag im Februar 2014 statt. 

Weitere Informationen dazu finden Sie 

hier: 

http://gnaudschun.de 

© Göran Gnaudschuhn, »Nicky«, 

Mai 2010, (Original in Farbe) 

© Göran Gnaudschuhn, »Jennis mit Mond«, 


21. Februar bis 30. März 2014 

Haus am Lützowplatz 

Lützowplatz 9 

10785 Berlin-Tiergarten 

© Göran Gnaudschuhn, »Sitzecke, U 8«, (O.i.F.) 

Di – So 

11 – 18 Uhr 


Galerien 

»lens-based sculpture« 

Die Veränderung der 

Skulptur durch die 

Fotografie 

In der Ausstellung »lens-based sculpture« 

wird zum ersten Mal das Verhältnis 

von Fotografie und Skulptur aus der 

Perspektive der Skulpturgeschichte dargestellt. 

Im Zentrum steht die Frage, wie 

sich die moderne Skulptur durch die 

Fotografie von dem jahrtausendealten 

Prinzip der Statue löste und in eine neue 

künstlerische Praxis verwandelte. Die 

Fotokamera dient als primäres Werkzeug 

der Bildhauerei, als Skizzenblock 

und als Hilfsmittel zur Übersetzung von 

räumlichen und strukturellen Wiedergaben 

in Masse und Form. 

Giuseppe Penone, Geometria nelle mani, 4 aprile, 2004 (Detail), S/W Fotografie, 30 x 39,4 cm 

Photo © Archivio Penone, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2013 

Der hier erstmalig verwendete Begriff 

der »lens-based sculpture« verweist auf 

die in dieser Ausstellung neue Sichtweise 

auf die Skulptur und die Kunstgeschichte 

des 20. und 21. Jahrhunderts. 

Der Einfluss der Fotografie mit ihren 

technischen Möglichkeiten und ihrer 

Raum- und Dinganschauung trugen 

und tragen immens zur Veränderung 

der Ästhetik der Skulptur bei. 

Ein ganz besonderes Highlight dieser 

Ausstellung ist die Rekonstruktion 

von Marcel Duchamps »Porte Gradiva« 

(1937), die hier erstmals in ihrer 

ursprünglichen Form, als durchschreitbarer 

Türdurchgang, aufgebaut wird. 

Des Weiteren markieren die Werke 

von Umberto Boccioni und Raymond 

Duchamp-Villon den Ausgangspunkt 

für »lens-based sculpture«. Den Kern 

der Schau bilden die seit den 1960er 

Jahren entstanden Arbeiten u.a. von 

John Ahearn, John Chamberlain, Tony 

Cragg, Valie Export, Rebecca Horn, 

Edmund Kuppel, Ron Mueck, Bruce 

Nauman, Giuseppe Penone, Hermann 

Pitz, George Segal, Roman Signer und 

Kiki Smith. Die beiden Bildhauer Bogomir 

Ecker und Raimund Kummer entwickelten 

die Ausstellungsarchitektur, in 

welche zwei Denkräume integriert sind. 

Einem Archiv ähnlich, dicht und multimedial 

bestückt, eröffnen sie zusätzliche 

Einblicke in die komplexe künstlerische 

Recherche zu den Phänomenen 

von »lens-based sculpture«. 

»lens-based sculpture«, eine Kooperation 

der Akademie der Künste und 

des Kunstmuseum Liechtenstein, präsentiert 

rund 200 Arbeiten von mehr 

als 70 internationalen Künstlerinnen 

und Künstlern. Die Ausstellung wird 

kuratiert von Bogomir Ecker, Raimund 

Kummer, Friedemann Malsch und Herbert 

Molderings. Künstler und Kunstwissenschaftler 

erschaffen in dieser Ausstellung 

gemeinsam in direktem Austausch 

einzigartige Gegenüberstellungen 

künstlerischer Positionen und ungewöhnliche 

Präsentationsformen. 

Es erscheint ein deutsch-englisches Katalogbuch 

mit Texten von Michel Frizot, 

Ursula Frohne, Friedemann Malsch, 

Herbert Molderings, Dietmar Rübel und 

Annette Tietenberg sowie einem Bildessay 

von Bogomir Ecker und Raimund 

Kummer. 

Gefördert durch den Hauptstadtkulturfonds 

Berlin und die Gesellschaft der 

Freunde der Akademie der Künste. 

Michael Sauer, »Föhn«, 1978, Fotografie, 

30 x 40 cm, Courtesy the artist, 

Foto: Silke Helmerdig, 

© VG Bild-Kunst, Bonn, 2013 

Eröffnung: 23. Januar 2014, 19 Uhr 

24. Januar bis 21. April 2014 

Akademie der Künste 

Hanseatenweg 10 

10557 Berlin-Tiergarten 

Di – So 

11 – 19 Uhr 


15

Galerien 

Fotofreunde 

Zehlendorf 

»HIGHLIGHTS« 

Der Club wurde 1970 als »VHS-Fotoclub 

Zehlendorf« aus der Taufe gehoben. 

Ab 1974 nannte er sich »Fotofreunde 

Zehlendorf«. Von Anfang an war der 

Club Mitglied im Deutschen Verband 

für Fotografie (DVF). 18 Mitglieder sind 

fotografisch aktiv und erfolgreich. 

Wenn es um Wettbewerbsfotografie 

geht, dann waren und sind die Mitglieder 

häufig unter den ausgezeichneten 

Autoren. Sie beteiligten sich regelmäßig 

sehr erfolgreich an der »ifo-scanbaltic«, 

einem ehemaligen Salon für alle 

Ostseeanliegerstaaten. Immer zählten 

Mitglieder des Clubs zu den Preisträgern 

beim jährlichen Wettbewerb »100 

Bilder des Jahres« der Gesellschaft für 

Fotografie. Bei der »Norddeutschen- 

Fotomeisterschaft« war der Sieger etliche 

Male ein Mitglied der »Fotofreunde 

Zehlendorf«. 

Die »Fotofreunde Zehlendorf« stellten 

ihre Fotografien in vielen europäischen 

und einigen außereuropäischen Städten 

aus. Unter anderem war der Club 

1986 als erster Fotoclub aus dem Ausland 

durch den lettischen Kulturbund 

zu einer Ausstellung in Riga eingeladen. 

Weitere Stationen waren Warschau 

(Polen), Vilnius (Litauen), Athen (Griechenland), 

Moskau (Russland), Allessandria 

(Italien), Graz (Österreich). 1984 

folgte der Club einer Einladung des 

Goethe-Institutes Marokko nach Casablanca. 

Weitere Ausstellungen: 1990 

in der Städtischen Kunstsammlung Görlitz, 

1992 Graz/Österreich, 1999 Waldhaus-Klinik, 

Berlin, 2004 Brügge/Belgien 

und in Kulmbach, 2006 im Rathaus 

Zehlendorf. 

bis 2. Februar 2014 

Café Berio 

Maaßenstraße 7 

10777 Berlin-Schöneberg 

© Eric Jenczmionka, »Mr. Cool«, (O.i.F.) 

© Helmut Heidrich, »Herbststurm II«, (O.i.F.) 

© Ingelore Willing, »Mama pearl« 

© Alexander Platz, »Hazel«, (O.i.F.) 

© Udo Rzadkowski, »Don Cherry« 

© Astrid Mattwei, »Kleine Jungs« 

Mo – Do 

Fr 

Sa 

So 

07 – 24 Uhr 

07 – 01 Uhr 

08 – 01 Uhr 

08 – 24 Uhr 

© Dietmar Bührer, »Fireman« 

www.fotofreunde-zehlendorf.de 

www.cafeberio.de 


Galerien 

Delphine Burtin 

»ENCOUBLE« 

Im Oktober veranstaltete exp12, Projektraum 

für Fotografie, erstmals Portfolio 

Reviews. 

Grund der Initiative war der Wunsch 

des Kollektivs sich mit aktuellen Projekten 

internationaler, zeitgenössischer 

Fotografen auseinanderzusetzen und 

die beste eingereichte Arbeit im Januar 

2014 in den projekteigenen Räumen in 

Berlin zu präsentieren. 

Aus über 50 Einreichungen aus zahlreichen 

europäischen Ländern entschied 

sich das Kollektiv für die Schweizer 

Fotografin Delphine Burtin, deren Arbeit 

»ENCOUBLE« zu sehen sein wird. 

Delphine Burtin kombiniert in ihrer 

Serie Studioaufnahmen mit Tageslichtfotografien, 

die sie zerschneidet und 

erneut fotografiert. 

Das Ergebnis sind visuelle Eindrücke, 

die den Betrachter irritieren und seine 

Wahrnehmung der Realität hinterfragen. 

Es geht um die Interpretation des 

Gesehenen, um die Relation zwischen 

Gezeigtem und Verborgenem und um 

die Betonung photographischer Inhalte 

durch formale Stringenz. 

Die Fotografin beschreibt ihre Arbeit 

so: 

»Ich mag visuelle Unfälle. Ich mag es, 

wenn man denkt etwas zu sehen, das in 

Wahrheit etwas anderes ist. Ich mag es, 

wenn unser Gehirn uns austrickst und 

uns etwas vortäuscht, das in Wirklichkeit 

nicht existiert. 

Ich mag es, über Bilder des Alltags zu 

stolpern, Kopien einer zweifelhaften 

Realität einfangend oder rekonstruierend.« 

Delphine Burtin schloss ihr Studium 

2013 an der School of Applied Arts in 

Vevey, in der Schweiz ab. Ihre Arbeit 

wurde mehrfach ausgestellt und ausgezeichnet. 

»Encouble« wurde 2013 für den Prix 

Voies Off, Arles, Frankreich nominiert, 

und gewann den 1. Preis »SELECTION« 

bei Photoforum PasquArt, Bienne (CH). 

Auf der Messe Paris Photo 2013 wurde 

ihre Publikation »Encouble« von der 

Fondation Aperture unter der Rubrik 

© Delphine Burtin, »Encouble 1«, (O.i.F.) © Delphine Burtin, »Encouble 2«, (O.i.F.) 

© Delphine Burtin, »Encouble 4« © Delphine Burtin, »Encouble 5«, (O.i.F.) 

First PhotoBook nominiert. Das Buch 

ist während der Ausstellungslaufzeit bei 

exp12 erhältlich. 

Delphine Burtin lebt und arbeitet in Lausanne. 

www.burtin.ch/photographie 

Vernissage 


25. Januar bis 23. Februar 2014 

exp 12 / exposure twelve 

Greifswalder Straße 217 

10405 Berlin-Prenzlauer Berg 

Sa 16 – 20 Uhr 

So 14 – 18 Uhr 

www.exp12.com 


17

Galerien 

Christian Tagliavini 

»Carte & 1503« 

Die große Einzelausstellung in der CWC 

GALLERY würdigt mit der neuen Serie 

»Carte« und dem berühmten Zyklus 

»1503« das beispiellose kreative Schaffen 

des Künstlers. 

Geboren 1971, wuchs Christian Tagliavini 

in Italien und in der Schweiz auf. Er 

studierte Grafikdesign, war als Architekt 

und Grafiker tätig, bevor Tagliavini sich 

ab 2000 der Photokunst widmete. Weitere 

bildende Künste wie Grafik, Baukunst 

und Zeichnung fließen bis heute 

in seine Werke ein. Sein biografischer 

Hintergrund prägte auch sein Verständnis 

dafür, eigens Werke zu »erfinden«, 

zu kreieren und handwerklich zu produzieren. 

Seine Arbeiten sind nicht 

nur »Bilder«, sondern komplexe Kunstwerke, 

die ihren Ursprung in verschiedensten 

Materialien haben. Das künstlerische 

Schaffen spiegelt sich zumeist 

in in sich geschlossenen Serien wider, 

die eigens kreierte Geschichten, Zitierungen 

der Kunstgeschichte oder ungewöhnliche 

Konzepte umfassen. Seine 

Arbeiten wurden bereits in zahlreichen 

Ausstellungen und Kunstmessen weltweit 

präsentiert. Christian Tagliavini ist 

u.a. Preisträger des Hasselblad Masters 

Award (2012) und lebt und arbeitet 

heute in der Schweiz. 

© Christian Tagliavini · 1503 · Ritratto di Signora in Verde (Original in Farbe) 


CWC Gallery 

Auguststraße 11-13 


Di – Sa 

11 – 19 Uhr 

© Christian Tagliavini · Carte · Regina di Fiori 


© Christian Tagliavini · Carte · Regina di Quadri 



Galerien 

MENSCH-RAUM- 

AURA 

»Der Mensch macht 

den Raum, und der 

Raum macht den 

Menschen…« 

© Frank W. Habel 

Der Projektkurs des Photocentrums 

am Wassertor der VHS Friedrichshain- 

Kreuzberg unter der Leitung von Ebba 

Dangschat präsentiert in einer Ausstellung 

fotografische Arbeiten zum Thema 

»Mensch-Raum-Aura«. 

Im Mittelpunkt steht »Die Metaphorik 

des Raumes als bildliche Übersetzung 

des Seelischen, der Um-raum als Spiegel 

des Innen-raums . Gefundene und 

erfundene Räume erzählen etwas über 

die in ihm befindliche Person, was über 

das Sichtbare hinausweist. Inszenierte, 

dokumentarische und experimentelle 

Auslotungen des Unsichtbaren...« 

(Ebba Dangschat) 

Das Photocentrum am Wassertor der 

VHS Friedrichshain-Kreuzberg bietet 

in jahrelanger Tradition ein aufeinander 

aufbauendes Modulsystem an, in 

dem Interessierte Fotografie von Grund 

auf erlernen und sich nach eigenen 

Vorlieben ausbilden und spezialisieren 

können. Nach einem Grundstudium 

der Kameratechnik und Bildgestaltung 

bieten einjährige Projektkurse die Möglichkeit, 

eine subjektive Bildsprache zu 

einem vorgegebenen Thema zu formulieren.Die 

Teilnehmer beschäftigen 

sich in kleineren Gruppen intensiv mit 

einem Thema, erarbeiten dazu eigene 

fotografische Sichtweisen und Bildzyklen. 

Am Ende dieses Prozesses stellt 

die Präsentation der Arbeiten in Form 

einer Gruppenausstellung eine besondere 

Herausforderung dar. Die unterschiedlichen 

künstlerischen Positionen 

laden dazu ein, zu staunen, zu vergleichen 

und ins Gespräch zu kommen. 

© Lydia Kiesling (Original in Farbe) 

VERNISSAGE: 

Freitag, dem 10. Januar 2014 um 19 

Uhr, mit einleitenden Worten von Jana 

Borkamp,Stadträtin für Weiterbildung 

und Kultur, Peter Held, Programmbereichsleiter 

Kultur &Gestalten der VHS 

Friedrichshain-Kreuzberg und Ebba 

Dangschat, Kursleiterin 

...und räumlichen Klangexperimenten 

von Studenten des Studiengangs Soundstudies 

der UdK Berlin unter der Leitung 

von Caroline Siegers 

KÜNSTLERGESPRÄCH & FINISSAGE 

am Sonntag, dem 19. Januar 2014 um 

15 Uhr 

Die Künstler sind anwesend und führen 

durch die Ausstellung. 

© Nina Linstädt (Original in Farbe) 


Kunstraum im Kunstquartier 

Bethanien 

Mariannenplatz 2 

10997 Berlin-Kreuzberg 

Mo – Fr 

Sa + So 

14 – 20 Uhr 

12 – 18 Uhr 


19

Galerien 

ICH & DU 

Selbstporträts und 

Porträts 

Die ausgestellten Arbeiten sind Ergebnisse 

von 11 Fotografen/innen, die sich 

unter Anleitung des Berliner Fotografen 

Thomas Kierok über mehrere Monate 

mit den Themen Selbstporträt und Porträt 

auseinandergesetzt haben. 

Den Blick auf sich selbst und der persönliche 

Blick auf andere eint die Neugier 

an der Inszenierung: 

Was möchte ich von mir zeigen – und 

was vom anderen? 

Die Ausstellung bringt diese unterschiedlichen 

Ausgangssituationen 

zusammen und präsentiert, auf welch’ 

unterschiedliche Weise die Kursteilnehmer 

die Blicke auf sich selber und auf 

andere inszeniert haben. Dabei beinhaltet 

der persönliche Blick im Selbstporträt 

immer auch die Perspektive des bereits 

bei der Aufnahme latenten Betrachters, 

während der Blick auf andere, die ganz 

persönliche Haltung des Fotografen im 

Porträt spürbar macht. Das Setting des 

Fotografierens beim Selbstporträt und 

Porträt ist im Ansatz unterschiedlich, 

in ihren Bildwirkungen vollziehen sich 

trotzdem in allen Fotografien die Auseinandersetzungen 

vom ICH & DU. 

© Romiana Marinow, (Original in Farbe) 

ICH & DU – eine untrennbare Wirkungseinheit, 

die den Betrachter im gleichen 

Sinn mit einbezieht. 


imago fotokunst 

Linienstraße 145 


Di – Fr 

Sa 

12 – 19 Uhr 

14 – 18 Uhr 

© Jan Radtke 


Galerien 

© Uli Schaub 

© Annemarte Christ, (Original in Farbe) 

© Carlijn van Tuyll 

© Detlef Eden © Malou v. Simson, (Original in Farbe) © Susann Ziegler, (Original in Farbe) 


21

Galerien 

Fotowettbewerb 

»My Secret Life« 

Die Gewinner 

Die dreizehn Gewinner der Ausstellung 

My Secret Life stehen fest – Mark 

Alker, Jochen Arentzen, Maurice Baker, 

Axel Boronczyk, Max Colson, Miguel 

Hahn & Jan-Christoph Hartung, Heinrich 

Holtgreve, Sara-Lena Maierhofer, 

Marlene Sattler, Corinna Sauer, Holger 

Stöhrmann, Marc Volk und Franca Wohlt 

werden ihre fotografischen Serien bis 

zum 2. Februar 2014 bei C/O Berlin 

präsentieren. 

Ob versteckte Hanf-Plantagen, das 

glanzvolle Leben von Hochstaplern, 

anonyme Darkrooms im Blitzlicht, die 

geheimen Bunkeranlagen der Schweiz, 

unsichtbare Überwachung im öffentlichen 

Raum, sterile Berliner Gerichtssäle, 

die deutsche Waffenlobby oder 

NSA und Edward Snowdon – die dreizehn 

Fotografen und Künstler haben das 

von C/O Berlin vorgegebene Thema auf 

vielfältigste Weise interpretiert und die 

Fachjury mit ihren Arbeiten überzeugt. 

Insgesamt haben 460 Bewerber ihre 

fotografischen Serien eingereicht. Dr. 

Christina Stahl, Alfred Erhard Stiftung, 

Katia Reich, ehemalige Kuratorin des 

Monats der Fotografie, Dr. Matthias 

Harder, Kurator Helmut Newton Stiftung 

und Felix Hoffmann, Kurator C/O Berlin, 

haben Anfang November die stärksten 

Serien für die erste große Partizipationsausstellung 

bei C/O Berlin ausgewählt. 

Zudem werden die Arbeiten von Axel 

Boronczyk, Heinrich Holtgreve und 

Sara-Lena Maierhofer als beste Positionen 

in der nächsten C/O Berlin Zeitung 

publiziert. 

Geheimnisse, Rätselhaftes und Undurchschaubares 

üben stets eine starke Faszination 

aus. Gerade heute, da Wissen frei 

und ständig verfügbar ist. Was jedoch ist 

das Besondere am Geheimen? Wieso 

erhöht sich das Interesse, wenn verborgene 

Dinge an die Öffentlichkeit gelangen? 

»Eine von Geheimnissen durchweg 

beherrschte Gesellschaft ist nicht entwicklungsfähig, 

weil ihr der notwendige 

Kommunikationsraum fehlt. Eine Gesellschaft 

ohne Geheimnis ist aber ähnlich 

© Mark Alker, »Fat iustitia et pereat mundus«, (O.i.F.) 

eingefroren, weil ihr der Nährboden für 

die Entfaltung von Möglichkeiten fehlt«. 

Wie der Philosoph Georg Simmel analysiert, 

zählen nicht totale Enthüllung und 

Transparenz, sondern das Undurchsichtige, 

was nicht gezeigt 

und preisgegeben wird. Somit ist jeder 

Mensch ein Experte im Verbergen und 

balanciert tagtäglich auf dem schmalen, 

teils lustvoll-gefährlichen Grat zwischen 

der absoluten Kontrolle über ein 

Geheimnis und der Angst vor dessen 

Entdeckung. Für diese Ausstellung hat 

C/O Berlin weltweit Fotografen aufgerufen, 

eigene Geheimnisse visuell zu 

lüften und Einblicke in Strategien des 

Verbergens zu geben. 

Der Ursprung für dieses Thema ist das 

aktuelle Geheimnis von C/O Berlin 

selbst. Aufgrund von Sanierungsarbeiten 

ist der neue Standort, das Amerika 

Haus am Bahnhof Zoo, seit zwei Monaten 

hinter einer weißen Plane verborgen. 

Was genau hinter der Verhüllung 

geschieht, wird erst 2014 sichtbar, wenn 

C/O Berlin das Gebäude wiedereröffnet. 

Bis dahin zeigt C/O Berlin Fotografieausstellungen 

Open Air vor dem Amerika 

Haus. 24 Stunden pro Tag, sieben 

Tage pro Woche und für jeden kostenlos 

zugänglich. 

© Franca Wohlt, »Reduit«, (O.i.F.) 

© Maurice Baker, »Backrooms«, (O.i.F.) 


C/O Berlin 

Hardenbergstraße 22-24 


täglich 0 – 24 Uhr 

www.co-berlin.org 


Galerien 

Kathrin Karras 

»Schattenrisse« 

Eine Treppe, die nach oben führt, und 

eine Frau die am Fuße der ersten Stufe 

steht. 

Bevor sie hochgeht, dreht sie sich noch 

einmal um. Was sieht sie da? 

Zunächst schaut sie den Betrachter an. 

Was sie sieht, wird ihm nicht offenbart, 

doch ahnt er es im Entsetzen ihres 

Gesichtes. Angst lähmt sie, schaltet die 

Treppe als Fluchtweg aus. 

Sie kann der Angst nicht ausweichen. 

Sie hält sie gefangen. 

Sie hat allein mit ihr zu tun und ihrem 

Geheimnis. 

Durch den Säulenwald ihres Hauses, im 

grauen Zwischenton des Nichts, 

wirkt die Frau nicht anwesend. 

Das Gleichmaß der Dinge hat sie 

geschluckt. 

Mit dem Fächer in der Hand, ihrem 

wichtigsten Utensil, hat sie sich im Mauerwerk 

verewigt. Wer immer auch ihre 

Nachfolger sein werden, werden Fächer, 

wedelnd durchs Haus schwirren. 

Die Frau mit der blauen Maske ist 

gleichzeitig anwesend und nicht anwesend. 

Ihr Körper ist sinnlich, präsent und 

gegenwärtig. 

Die Maske vermittelt das Gegenteil. 

Ihr Gesicht scheint einer anderen Welt 

anzugehören. Die Farbe Blau hat ein 

inneres Leuchten. 

Durch sie leuchtet etwas von ihrem 

Wesen. 

Auch die Akkordeonspielerin passt nicht 

zum Schnee und passt auch nicht zum 

Mann neben ihr. Trotzdem ergeben sie 

eine Einheit. 

Es scheint, dass die beiden aus anderen 

Zeiten zueinander fanden. 

Die Fenster des Schlosses spiegeln sich 

im See. In ihnen tauchen Gesichter auf, 

jedoch nur in der Spiegelung. Es wird 

mehr gespiegelt als da ist. Wie kann das 

sein? Welche Kräfte hat der See? Es sind 

Metaphern der eigenen Abgründe. 

Dort Menschen zu begegnen, die einen 

mit dem eigenen Selbst konfrontieren. 

© Kathrin Karras, (O.i.F.) © Kathrin Karras, (O.i.F.) 

Kathrin Karras stellt sich in ihren Frauenfiguren 

dar. Es sind existenzielle Situationen 

aus dem Tiefkühlfach ihres Unterbewusstseins, 

die sich ins kryptische 

Verlies ihrer Erinnerungen einfroren. 

Die Fotografin deutet in ihren Bildern 

an und lässt die Dinge offen. 

Der Betrachter kann seinen Weg allein 

ins Bild finden. 

Was haben diese Bilder mit Kino zu 

tun? 

Jeder Mensch trägt viele Erinnerungen 

in seinem Unterbewusstsein, von 

denen er nichts ahnt. Durch bildliche 

Spiegelungen nimmt er sie überhaupt 

erst wahr. 

Genau das stellt Kathrin Karras dar. 

Karras zeigt Kino im ursprünglichen 

Sinn. Ihre Projektionen sind ihre eigenen 

Geschichten. Bei ihr sind Bilder 

Bewusstseinsräume, in denen ein Licht 

aufgeht. 

Jeder von uns ist hier um etwas zu 

lernen. Und sei es die Überwindung 

der Angst. 

Gundula Schulze Eldowy, 2011 

Kathrin Karras 

1967 in Guben geboren 

1984-2003 Ausbildung, Satztechnik mit 

Abitur und verschiedene Tätigkeiten 

2003 Geburt Tochter Louise 

2005/2006 Ausbildungsklasse Fotografie, 

»imago-fotokunst« Berlin, künstlerische 

Leitung Ursula Kelm 

2006-2010 fortlaufendes autodidaktisches 

Studium Fotografie, Mentorin: 

Ursula Kelm, Gundula Schulze 

Eldowy, verschiedene Seminare u.a. 

bei Helga Paris, Donata Wenders, 

Göran Gnaudschun,Nadin M. Rüfenacht, 

Thomas Kierock, Valerie Wagner, 

Anneke de Boer 

2007-2009 »Jugend-Förderpreis für Bildende 

Kunst« 

Anerkennung der Sparkasse Spree- 

Neiße, Cottbus 

Anerkennung bei der 8. Internationalen 

Barnack Biennale 

Arbeits- und Lebensmittelpunkt Grüneberg 

(Brandenburg/Oberhavel) 

Vernissage 






Di – Fr 

Sa 

12 – 19 Uhr 

14 – 18 Uhr 


23

Galerien 

Philipp Keel 

»Splash« 

CAMERA WORK freut sich, ab dem 

7. Dezember 2013 eine Einzelausstellung 

von Philipp Keel zu präsentieren. 

Die Ausstellung »Splash« zeigt eine 

exklusive Auswahl an Photoarbeiten 

des Künstlers und lädt dazu ein, sein 

spannendes Oeuvre zu entdecken, welches 

konzeptuelle mit abstrakter Photokunst 

vereint. Über 100 Millionen Bilder 

werden weltweit täglich auf Facebook 

hochgeladen, die Zahl der gemachten 

Photos in Deutschland beläuft sich auf 

über 200 Millionen – pro Tag. Diese Entwicklung 

und die bewusste kritische 

Auseinandersetzung damit sind Ausgangspunkt 

des konzeptuellen Selbstverständnisses 

des Künstlers Philipp 

Keel. Versteht man die schiere Flut an 

Bildern als eine mediale Parallelrealität, 

die zumeist die Wirklichkeit zu konservieren 

versucht, so sind die Arbeiten 

von Philipp Keel als bewusster Antagonismus 

dessen zu verstehen: persönlich, 

paradox, querdenkerisch. 

»Das Glück in meiner Arbeit ist nicht, 

dass mir ein Motiv begegnet, sondern 

dass ich in diesem entscheidenden 

Augenblick auch eine Kamera bei mir 

habe. Danach werde ich vom Sammler 

von Impressionen zum Experimentierenden.« 

– Philipp Keel 

Philipp Keel hat nicht vor, die pure Realität 

abzubilden. Vielmehr verändert er 

durch bewusste Überspannung, Verzerrung, 

aber auch Reduktion die sichtbare 

Wirklichkeit – er suggeriert Realität, 

um dadurch den Blick des Betrachters 

darauf zu schärfen. Um das verrückte 

Leben zum Leben zu erwecken, wird 

bei Philipp Keel also das Normale verrückt. 

Diese Überzeichnung – seien es 

die Formen von Seerosenblättern oder 

die Farbenspiele der Sierra Nevada, wie 

sie nur Ray-Ban sehen kann – fordert 

das rezipierende Subjekt dazu auf, die 

Faszination einer subjektiven Deutung 

der Realität zu erfahren. Aus Licht und 

Form entsteht Kunst – für Philipp Keel 

sind beide unabdingbare und aufeinander 

abzustimmende Elemente. Nicht 

© Philipp Keel, »Shark«, (Original in Farbe) 

zuletzt in Arbeiten, die in den Mikrokosmos 

des täglichen Lebens eindringen 

und aus teils skurrilen Trivialitäten 

Photokunstwerke vollendeter Schönheit 

werden lassen, spiegelt sich dies ästhetische 

Bewusstsein wider. So wird aus 

der Fruchtfleischstruktur einer Melone 

im Spiel mit ihren Kernen in der Serie 

»Watermelon Seeds« eine intensive 

Erfahrung von Farben und Formen. Der 

Grad des Abstrahierens wird dabei stets 

bis zu einer Schwelle getragen, an der 

die Rezeption und das subjektive Verarbeiten 

des Abgebildeten samt dessen 

(ir-)realer Ästhetik ungehindert möglich 

sind. Es bleibt, was es bleibt, nur 

anders. 

Die Verfremdung als ästhetisches Werkzeug 

ist nicht Inhalt, sondern Mittel. 

Sichtbar wird diese Anpassung von Form 

und Farbe etwa beim Werk »Below the 

Surface«. Nicht unwesentlich geprägt 

durch seine Zeit im kalifornischen Los 

Angeles, ist Wasser als wiederkehrendes 

Element im Oeuvre von Philipp Keel 

auch in der Werkgruppe »Air Mattress« 

wiederzufinden. Eindrucksvoll zeigt die 

Serie, wie durch einen besonderen Ausschnitt, 

dynamische Lichtreflektionen 

oder farbliche Veränderungen unterschiedliche 

Erfahrungen beim Betrachten 

der Arbeiten ausgelöst werden 

können, von aufwühlend über erregend 

bis hin zu beruhigend und der Auslösung 

synästhetischer Wirkungen. 

© Philipp Keel, »Beloe the Surface«, (O.i.F.) 

Auf jegliche vorherige Inszenierung 

verzichtend und nicht darauf bedacht, 

ein Motiv aufgrund dessen ästhetischer 

oder referentieller Funktion auszuwählen, 

setzt der Künstler den Beginn 

eines Werkes stets in jenem Zeitpunkt, 

in dem ihn ein ergreifender Moment 

einholt: beim Autofahren, Schwimmen 

oder Sinnieren. In diesem besonderen 

Augenblick der Erfahrung lässt sich Philipp 

Keel treiben und kreiert das Abbild 

seines Empfindens. Damit beherbergt 

jede Arbeit eine autobiographische 

Facette, ist somit Reflektion seiner eigenen 

Wahrnehmung und seiner selbst 


Galerien 

© Philipp Keel, »Sierra Sunset«, (Original in Farbe) 

© Philipp Keel, »Hotel Le Dune«, (O.i.F.) 

© Philipp Keel, »Crow«, (Original in Farbe) 

und gewährt dem Betrachter einen intimen 

Einblick. Die anschließende Phase 

im Entstehungsprozess ist von einer subtilen 

Verfremdung bis hin zur Abstraktion 

gekennzeichnet. Mit einer eindringlichen 

Hingabe zum Detail wird der auf 

den Träger »projizierte« Moment nach 

ästhetischen Empfindungen weiterentwickelt, 

eine Phase, die bis zu einem 

Jahr in Anspruch nehmen kann, bis die 

Gestalt erreicht ist, die den Künstler endlich 

ruhen lässt. 

Über Philipp Keel 

1968 in Zürich geboren, arbeitete sich 

bei Philipp Keel bereits in früher Kindheit 

ein starkes Interesse zu den bildenden 

Künsten heraus. Im Jugendalter 

begegnete er erstmals dem Medium 

der Photographie als künstlerisches Ausdrucksmittel. 

Nach einer Ausbildung 

am Berklee College of Music in Boston 

gründete Philipp Keel in der Schweiz 

eine kleine Werbagentur, auch um die 

Unabhängigkeit seines Kunstschaffens 

zu gewährleisten, bevor er an der Münchener 

Hochschule für Fernsehen und 

Film Regie studierte. Die anschließend 

in Kalifornien verbrachte Lebensphase 

prägte sein künstlerisches Schaffen 

nachhaltig. Er etablierte sich in dieser 

Zeit als Künstler, Filmemacher sowie 

Autor, schrieb u.a. den Bestseller »All 

about Me« und begann sich intensiv mit 

Farbphotographie auseinanderzusetzen. 

Die Kooperation mit dem Printer Don 

Weinstein – der auch mit Künstlern wie 

Richard Avedon, Annie Leibovitz und 

Helmut Newton zusammenarbeitete – 

öffnete Philipp Keel einen experimentellen 

Raum, in dem er seine eigene 

Bildsprache herausarbeiten konnte. 

Im Alter von 27 Jahren entwickelte er 

zusammen mit Epson die Imbue Prints – 

eine bis heute unter Künstlern weit verbreitete 

Drucktechnik, die auch Grundlage 

zum persönlichen Anspruch höchster 

Qualität für Papier, Prints und Rahmungen 

ist. Neben zahlreichen Ausstellungen 

weltweit war Philipp Keel im Jahr 

2001 auch mit einer Einzelausstellung 

auf der Art Basel vertreten, in der weltweit 

erstmals Imbue Prints präsentiert 

wurden. Seit 1999 erschienen zudem 

mit »Look at Me«, »Color« und »Aisa 

– Images from an Imaginary Continent« 

drei hochwertige Photobücher zum 

photographischen Oeuvre des Künstlers. 

Philipp Keel lebt bis heute sein 

künstlerisches Schaffen über die Photokunst 

hinaus auch in weiteren Gattungen 

der bildenden Künste wie Malerei 

oder in Zeichnungen aus. Nach dem 

Tod seiner Mutter, der Malerin Anna 

Keel, und seines Vaters, dem Verleger 

Daniel Keel, leitet Philipp Keel seit 2012 

den Diogenes Verlag. 


Galerie Camera Work 

Kantstraße 149 


Di – Sa 

11– 18 Uhr 

Homepage: 

www.camerawork.de 

Facebook: 

www.facebook.com/cameraworkberlin 


25

Galerien 

»Sommer-Akt- 

Fotoshooting in der 

Remise« 

»TABU« 

Sörens Horn 

»Look, I‘m naked« 

Hans Cebulski und 

Manfred Wegener 

Mitglieder des Arbeitskreises für künstlerische 

Aktfotografie 

Die Dezember-Januar-Ausstellung 

2013/14 »Sommer-Akt-Fotoshooting in 

der Remise« ist das Ergebnis eines alljährlich 

stattfindenden Gemeinschafts- 

Fototermins von Mitgliedern und Freunden 

des Arbeitskreises künstlerische 

Aktfotografie e.V. In diesem Jahr fand 

diese als Indoor-Veranstaltung Ende 

August 2013 statt. 

Location war eine Remise in Berlin- 

Spandau – einem 3-stöckigen Wohn- 

Fotostudio, u.a. ausgestattet mit Requisiten 

der Berliner Fetisch-Szene. 

Diese Ausstellung präsentiert nun die 

ausgewählten Bildideen dieser kreativen 

Zusammenarbeit jedes Fotografen 

mit jedem Modell in jedem der sehr 

unterschiedlich gestalteten Räumlichkeiten. 

Zu diesem Ereignis ist die Galerie Freitag 

von 16 - 20 Uhr und am Samstag und 

Sonntag von 14 - 20 Uhr geöffnet. Die 

Vernissage ist am Freitag, den 31. Januar 

2014 um 19 Uhr und ist eine geschlossene 

Veranstaltung, zu der sich Interessenten 

bitte bis zum 20. Januar 2014 

anmelden, da der Platz begrenzt ist. 

Anmeldungen zur Vernissage bitte unter: 

E-Mail soerens_horn@web.de 

Die Vernissage wird diesmal mit einigen 

Überraschungen bestückt sein. 

Vernissage: 


Unter dem Titel, »Schau her, ich bin 

nackt« zeigen Hans Cebulski und 

Manfred Wegener eine kaleidoskopische 

Show künstlerisch inszenierter, 

intimer Porträts von selbstbewussten 

Frauen. 

Die Aufnahmen entstanden im Studio, 

in der Natur und an ungewöhnlichen 

Orten. Beeindruckend ist die erotische 

Ausstrahlung und Kraft ihrer schonungslos 

ehrlichen Bilder. 

Vernissage: 

7. Februar 2014, 19 Uhr 

© Hans Cebulski, (Original in Farbe) 

7. Februar 2014 bis 2. März 2014 

© Jochen Deckert, (Original in Farbe) 

© Sörens Horn, (Original in Farbe) 

bis 26. Januar 2014 31. Januar 2014 bis 2. Februar 2014 

(nur 1 Wochenende!) 

Die Aktgalerie 

Krossener Straße 34 

10245 Berlin- Friedrichshain 

Fr., Sa., So. 

16 – 20 Uhr 


Galerien 

Uwe Glanz 

»Stadtbilder von 1989 

bis 2012« 

Uwe Glanz, 1956 in Berlin geboren, 

erlernte den Beruf eines Elektromonteurs. 

Der Wunsch, Situationen, Personen 

fotografisch festzuhalten entstand 

schon früh. Die Gelegenheit, dies auch 

umzusetzen ergab sich, als anfang der 

80er Jahre im Jugendclub Impuls, im 

Prenzlauer Berg, ein Fotoclub gegründet 

wurde, den erst Roland Hensel und 

später Jürgen Nagel leiteten. Später vervollkommnete 

Glanz seine Fähigkeiten 

in Seminaren der Ostkreuzschule 

für Fotografie bei Michael Trippel und 

Werner Mahler. 

© Uwe Glanz 

Großes Interesse zeigte Uwe Glanz an 

der Straßenfotografie. Dies sei, so sagt 

er, eine ergiebige Möglichkeit der Wirklichkeit 

nachzuspüren und einer Gesellschaft 

auf den Zahn zu fühlen. 

So beschäftigt sich auch ein Teil der präsentierten 

Bilder mit den letzten Monaten 

der DDR, der »Wende« und der Zeit 

der Hoffnungen auf weitgehende Änderungen. 

Eine Reihe von Fotos stellt das Tun und 

Treiben im ehemaligen Todesstreifen, 

der zum Lebensstreifen wurde, dar. 

Im letzten und größten Teil begleitet 

Uwe Glanz in Farbe und Schwarz-Weiß 

die Entwicklung in einer Zeit der »Normalität«. 

Er beobachtet die Menschen im Regierungsviertel, 

am Hauptbahnhof, im 

Mauerpark, in Prenzlauer Berg und in 

Mitte und versucht ihre Befindlichkeiten 

einzufangen. 

Die Bilder zeigen, wie sich im Mauerpark 

der Rest einer guten Idee vom 

Lebensstreifen, eines Ortes mit einer 

besonderen Atmosphäre zu halten versucht. 

Das Regierungsviertel – Beton gewordene 

Macht, groß und unterkühlt, zeigt 

sich trotzdem anziehend für Touristen 

und Sonntagsspaziergänger. 

© Uwe Glanz 

Im Hauptbahnhof – der »Durchgangstür« 

Berlins, zeigt Glanz das Kommen 

und Gehen in gigantischer Architektur, 

an einem Ort des ständigen Nicht- 

Seins. 

Die Mischung, zu der auch Plakate und 

Graffitis gehören, ist es, die Glanz fasziniert. 

So ist er unterwegs um sich ein 

Bild vom Leben in Berlin zu machen, 

dass er uns darbietet. 

Vernissage 


17. Januar bis 28. Februar 2014 

Fotogalerie Friedrichshain 

Helsingforser Platz 1 

10243 Berlin-Friedrichshain 

Di, Mi, Fr, Sa 

Do 

14 – 18 Uhr 

10 – 18 Uhr 


27

Galerien 

»IDENTITY LOST« 

ein fotografisches 

Projekt von der 

dänisch-norwegischer 

Fotokunstgruppe 

VINGESUS 

Die Fotokunstgruppe VINGESUS arbeitet 

im Spannungsfeld zwischen Fiktion 

und Wirklichkeit. 

Die Gruppe versucht sowohl mit experimentierenden 

als auch mit konventionellen 

Ausdrucksformen eine Bildsprache 

zu schaffen, wo Fiktion und Wirklichkeit 

zu einer neuen Einheit zusammenschmelzen. 

Die Fotokunstgruppe VINGESUS sucht 

weder Harmonie noch Schönheit. Sie 

sucht die Artikulation und will damit 

zeigen, wie die Fotografie sich in neuen 

Bereichen ausdrücken kann. 

Die Mitglieder der Fotokunstgruppe 

VINGESUS: 

Dorte Bundesen 

Arbeitet mit Menschen und Kommunikation 

als Zentrum in ihren Werken. Ihre 

Werke haben oft eine religiöse Dimension. 

Nicht so sehr im christlichen Verstand, 

sondern als eine Bereitschaft einzutauchen 

in den uralten Wunsch des 

Menschen eine drohende Umwelt zu 

verstehen. Darum findet man oft Verweise 

auf das gesamte Repertoire von 

Symbolen und magischen Kultgegenständen, 

die Menschen schon immer 

verehrt haben und die die Grundlage 

aller Kunst bilden. Mit einer Kombination 

aus Zeichnung – das ist ihr künstlerischer 

Ausgangspunkt – und Foto, das 

ist ihre anderes Medium, schildert sie 

den Menschen als ein suchendes und 

untersuchendes, verwirrtes und einsames, 

gebendes und vergebendes und 

manchmal siegendes Individuum. In 

diesem Spannungsfeld wird unser Anerkennung 

und Sehnsucht untersucht und 

das Erreichen der Identität. 

Die dänisch-norwegische Fotokunstgruppe 

VINGESUS (»Flügelschwirren«) 

untersucht in ihrem Projekt »Identity 

Lost« die Begriffe Transformation und 

den Verlust der Identität mit dem Ausgangspunkt 

in diesen Gedanken. 

Die Gruppe zeigt in einer Mischung aus 

Realität und fotografischer Fiktion, wie 

Identität und etablierte Wahrheit aufgelöst 

werden können und zu einer neuen 

Interpretation der Wirklichkeit werden. 

Die Mitglieder der Fotokunstgruppe 

VINGESUS arbeiten mit der Fotografie 

als künstlerisches Ausdrucksmittel in 

allen Schattierungen. 

Für die Mitglieder der Gruppe sind Fotoapparat 

und digitale Bildbearbeitung die 

Werkzeuge in einem kreativen Prozess 

wie Pinsel und Leinwand Werkzeuge 

von Malern und Noten Werkzeuge von 

Komponisten sind. 

Gemeinsam besteht der Wunsch einen 

Eindruck zu schaffen und zu vermitteln, 

trotz der verschiedenen Richtungen der 

Fotokunst. 

Ob das mit Hilfe der einen oder anderen 

Technik geschieht, ist ohne Bedeutung. 

Es ist das Resultat und nur das Resultat, 

was zählt. 

Die einzigartige Eigenschaft der Fotografie, 

im Vergleich mit anderen Kunstarten 

ist die präzise Registrierung eines 

Objektes. Diese Eigenschaft weist sich 

jeder Fotograf zu Nutzen zu machen. 

Jedoch für die Fotokunstgruppe VING- 

ESUS beginnt der Prozess erst richtig 

hier. 

Annemette Rosenborg Eriksen 

Annemettes Arbeiten konzentrieren sich 

auf die poetischen und wehmütigen 

Schilderungen von Menschen und der 

vom Menschen geschaffenen Umwelt. 

Mit Sorgfalt und Anmut malt sie ihre 

Tableauer mit der Kamera als wäre diese 

ein Pinsel. Die Menschen die sie schildert, 

stellt sie eingeschlossen in sich 

oder ihre Umgebung da. Die Natur wird 

mit Eis bedeckt oder unter Wasser dargestellt. 

Ab und zu, wie ein Gegensatz, 

zeigt sich eine ungezähmte Wildheit 

in ihren Bildern und der Wunsch nach 

Freiheit taucht auf – in ungewohnt heftigen 

und warmen Farben, wie Feuer. 

© Annemette Rosenborg Eriksen 

© Dorte Bundesen 

Else Vinæs 

Else arbeitet mit der menschlichen 

Anwesenheit oder auch Abwesenheit 

in einer konstruierten Wirklichkeit. Die 

Realität im Raum wird aufgehoben und 

der Mensch zeigt sich als einziger wirklicher 

Bezugspunkt für den Zuschauer. 

Dieser ist im Zentrum sowohl durch 

seine Anwesenheit als auch durch seine 

Abwesenheit. Farben werden dazu 

gebraucht Stimmungen und Gefühle 

hervorzuheben, ob es die schneiden 

schönen oder eklatanten provozierenden 

sind. Formen und Inhalt suchen die 

Zusammenarbeit zu einer bedeutungsvollen 

Einheit. 

Erik Jørgensen 

Erik arbeitet mit dem Mensch im Zentrum. 

Der Mensch wird gut oder böse 

dargestellt oft mit einem Augenzwinkern 

und einer ironischen Distanz, 

andere Male mit völliger Empathie und 

grosser Sensibilität. Manchmal in grellen 

Farben, dann wieder in harmonischen 

und schönen Farben. Wir können 

die Personen als Bilder unserer selbst 

sehen und lachen oder weinen oder 

beides gleichzeitig. Und wir können 

zuschauen und uns auf die Geschichte 

der Umgebung beziehen und vielleicht 

etwas mehr über uns selbst und unsere 

Umgebung lernen. Die Bilder wollen so 


Galerien 

© Jesper Bo Jensen 

© Else Vinæs 

viel – sie wollen uns provozieren und 

uns nachdenken lassen und sie wollen 

unsere Gefühle treffen und hinterfragen 

wer wir sind und wer wir seien wollen. 

Jesper Bo Jensen 

Jesper arbeitet mit der Grenze zwischen 

Wirklichkeit und Fiktion. Mit dem verwischen 

und weichmachen der Konturen 

und der Farben verschieben sich 

die Bilder in einen Raum, wo die Fantasie 

ins Spiel kommt und die Realität 

in Frage gestellt wird. Er manipuliert 

die Wahrnehmung der realen Welt 

und weckt damit bei dem Zuschauer die 

Lust und die Möglichkeit neue Perspektiven 

seines Erlebens der Wirklichkeit. Er 

ist besonders von der Stadt eingenommen, 

deren Räume und Leben in einem 

weichen Licht geschildert werden. Der 

Zuschauer wird mit einem Eindruck 

zurückgelassen, der intensiv und sinnlich 

ist. Ein Stadtraum, in dem man eintreten 

möchte. 

Josephine Ernst 

Josefine schafft ihre ganz eigenen Räume 

mit einer Mischung aus Natur und Kultur. 

Die Räume ruhen. Sie sind menschenleer 

obwohl man spürt, dass Menschen 

hier mal gewesen sind oder eines Tages 

kommen werden. Die Räume sind ruhig 

ein wenig nebelig und genügen sich 

selbst und doch haben die Menschen 

ihre Spuren hinterlassen. Der Betrachter 

wundert sich, wer wohl die Spuren 

hinterlassen hat, die wir finden, und 

wer sie wohl eines Tages ändern wird. 

Die Natur ist ein Partner, kein Gegner 

und fügt der von Menschen geschaffenen 

Umgebung Stoff und Struktur zu. 

Es sind Räume, die man gerne betreten 

möchte um sie zu erforschen und sie 

dann klüger zu verlassen wer man ist. 

Peder Brødstedt Pedersen 

Peders Bilder sind von Stimmungen und 

fliessenden Übergängen geprägt. Organische 

Produkte aus unserer gewohnten 

und vertrauten Umgebung werden 

einbezogen und umgewandelt in einen 

etwas abenteuerlichen, manchmal 

sogar sinnlichen Ausdruck. Eine Fantasiewelt, 

geschaffen durch sehr konkrete 

und erkennbare Elemente aus unserem 

Alltag wird zu nicht erkennbaren 

Elementen in einem Ganzen, welche 

unsere Fantasie anregt. 

© Josephine Ernst 

Tor Einstabland 

Tor wird als ein Mensch beschrieben, 

der schwer einzuschätzen ist und aus 

dem man nicht klug wird. Seine Figuren 

sind unscharf, undeutlich, flüchtig 

und auf dem Sprung. Der Betrachter 

wird gefangen in der Jagd nach der 

Identität seiner Personen, wird neugierig 

und bekommt Lust sowohl die 

Person als auch die Umgebung die sie/ 

ihn umgibt zu untersuchen. Die Farben 

und Formen sind in vollendeter Harmonie 

und betonen ein Gefühl von Einsamkeit 

und Suchen, welche des Betrachters 

eigene Suche nach Identität provozieren 

und wecken. Man wird mit der 

Frage nach etwas oder jemand zurückgelassen, 

aber auch mit etwas Unruhe 

und Freude. 

Vernissage 

20. März 2014, 19 Uhr 

21. März bis 2. Mai 2014 

Fotogalerie Friedrichshain 

Helsingforser Platz 1 


Di, Mi, Fr, Sa 

Do 

14 – 18 Uhr 

10 – 18 Uhr 


29

Galerien 

Fred Stein 

»Im Augenblick« 

Ein Augenblick kann entscheidend sein 

– im Leben wie in der Fotografie. Für 

den Fotografen Fred Stein waren es 

diese kurzen Momente, die sein Leben 

bestimmten, persönlich wie beruflich. 

Als Sohn eines Rabbiners 1909 in 

Dresden geboren, wurde der überzeugte 

Sozialist Fred Stein nach der 

Machtergreifung der Nationalsozialisten 

gezwungen, seine Position als Jurist 

aufzugeben und Deutschland zu verlassen. 

1933 konnte er unter dem Vorwand 

einer Hochzeitsreise mit seiner Frau Lilo 

nach Paris fliehen. Dort stand er vor der 

Herausforderung, aus dem Nichts eine 

neue Existenz aufbauen zu müssen. Eine 

Kleinbildkamera der Marke Leica, die 

sich Fred und Lilo Stein gemeinsam zur 

Hochzeit schenkten, gab den entscheidenden 

Impuls: Die Fotografie wurde 

seine neue Profession. 

In Paris konnte Fred Stein nach kurzer 

Zeit ein eigenes Fotostudio einrichten. 

Bereits ab 1935 beteiligte er sich an 

mehreren Ausstellungen, zusammen 

mit namhaften Fotografen wie Brassaï, 

Man Ray, Dora Maar und André Kertész. 

Nach Ausbruch des Krieges gelang dem 

Ehepaar, nun mit gemeinsamer Tochter, 

erneut die Flucht. 

1941 erreichten sie mit einem der letzten 

Schiffe New York. Dort nahm Fred 

Stein die Fotografie wieder auf und 

nutzte, neben der Leica, eine Mittelformatkamera 

der Marke Rolleiflex. Die 

einfache Handhabung dieser Kameras 

ermöglichte es ihm, durch die Straßen 

zu flanieren und die Stadt und ihre Menschen 

in kurzen aber entscheidenden 

Augenblicken festzuhalten. Zeit seines 

Lebens konzentrierte er sich auf Straßenansichten 

und Porträts. 

Die Ausstellung zeigt das Werk Fred 

Steins erstmalig umfassend in Deutschland. 

In mehr als 130 Schwarz-Weiß- 

Fotografien werden Straßenansichten 

aus Paris und New York sowie Porträts 

präsentiert. Darüber hinaus veranschaulichen 

private Dokumente sowie 

Original- und Kontaktabzüge Biografie 

und Werk des Fotografen. 

Soziologie der Straße 

»Du hast nur diesen einen Moment. Wie 

ein Jäger, der sein Ziel anvisiert, wartest 

du auf den Augenblick, der aussagekräftiger 

ist als alle anderen.« (Fred Stein) 

In den Städten seiner Emigration – in 

den 1930er Jahren in Paris und ab den 

1940er Jahren in New York – fotografierte 

Fred Stein unzählige Straßenansichten, 

darunter auch Aufnahmen der 

jüdischen Viertel. 

Neben klassischen Motiven der beiden 

Metropolen, entstanden zahlreiche 

Milieustudien und Charakterbilder. Sie 

stehen in einem soziologischen Kontext 

von Armut und einfachem Leben in der 

Stadt und zeigen Straßenarbeiter, Verkäufer, 

Obdachlose und Familienszenen. 

Fred Steins Blick verbindet das Alltägliche 

mit einem Sinn für den außergewöhnlichen 

Moment. Ebenso fällt sein 

Humor ins Auge, den er in seinen Bildern 

häufig aufblitzen lässt. 

Psychologie des Porträts 

»Die Kamera unterscheidet nicht zwischen 

Berühmtheiten und einem Niemand, 

zwischen einem guten Freund 

und einem völlig Fremden, wenn sich 

der Verschluss öffnet.« (Fred Stein) 

. 

Volksfront, Paris 1936, © Estate of Fred Stein 

Zeitungshut, New York 1946, 

© Estate of Fred Stein 

Hydrant, New York 1947, © Estate of Fred Stein 

bis 23. März 2014 

Jüdisches Museum 

Libeskind-Bau EG 

Eric F. Ross Galerie 

Lindenstraße 9-14 


Mo 

10 – 22 Uhr 

Di – So 10 – 20 Uhr 

Eintrittspreise: 

Museumsticket regulär: 7 Euro 

Museumsticket ermäßigt: 3,50 Euro 

Kinder bis 6 Jahre: Eintritt frei 

Familienticket (2 Erwachsene, bis zu 

4 Kinder): 12 Euro 


Galerien 

Léa Habourdin 

»Cahier de 

Doléances« 

»Book of Possibilities« 

»Der Mensch ist ein Tier, das sich 

seiner eigenen Hilflosigkeit zuwenden 

kann.«* 

© Léa Habourdin © Léa Habourdin 

Die französische Fotografin Lea Habourdin 

stellt mit »Cahier de Doléances« 

und »Book of Possibilities« zwei ihrer 

Arbeiten in der Galerie exp12 - exposure 

twelve aus: In Ihrer Arbeit geht es 

um das Spannungsverhältnis zwischen 

dem instinktiven, triebhaften Verhalten 

der Tiere und dem menschlichen Sozialverhalten, 

welches von den Regeln der 

Vernunft innerhalb unserer Gesellschaft 

bestimmt wird. In ihren Bildern vermischt 

Lea Habourdin Körper, Körperdetails, 

Schnitte oder Markierungen auf 

der Haut mit Darstellungen von Tieren, 

die oft nur schemenhaft zu erkennen 

sind oder sich abwenden; sie sammelt, 

verbindet und assoziiert. Sie zerschneidet 

Fotografien, die zu Metaphern für 

physiologische Phänomene innerhalb 

des Körpers werden; es geht um einen 

Zustand, der manchmal unkontrolliert 

erscheint, in welchem der Mensch 

handlungsunfähig ist oder sich in einem 

ambivalenten Zustand treiben lässt. 

Die Arbeit von Léa Habourdin wurde 

bereits im Juni 2012 als Teil der Projektion 

The Flood Wall I bei exp 12 

gezeigt. Zum ersten Mal werden nun 

zwei Serien von Léa Habourdin innerhalb 

einer Einzelausstellung gezeigt: 

»Cahier de Doléances« (»Beschwerdeheft« 

/ »Register of grievances«) & »Book 

of Possibilities« (»Buch der Möglichkeiten«). 

»Cahier de Doléances« nannte man 

zur Zeit des »Ancien Régime« in Frankreich 

eine Liste von Wünschen oder 

Beschwerden, die an den König weitergereicht 

wurden. Bei Léa Habourdin 

kann es als ein Buch der Klagen, Strafen, 

Erinnerungen oder sogar als Aufgabenheft 

verstanden werden. 

Gedanken und Bilder, Zeichnungen und 

Fotografien, Gegensätze und Verbindungen 

wurden in der zweiten Arbeit, 

dem »Book of Possibilities«, in Form 

eines Skizzenbuches gesammelt. Dieses 

Buch ist eine frühere Arbeit und gilt als 

ein notwendiger Vorläufer, um die spätere 

Serie »Cahier de Doléances« zu 

entwickeln und zu vertiefen. Die beiden 

Serien werden nun erstmalig in Form 

eines Dialogs im Raum für Fotografie 

exp12 - exposure twelve präsentiert. 

Léa Habourdin ist eine französische 

Künstlerin, die an der Schule für Fotografie 

in Arles (École Nationale Supérieure 

de la Photographie d’Arles / ENSP) studiert 

hat. Ihre Arbeiten wurden auf Festivals 

wie Les Boutographies in Montpellier, 

Voies-off in Arles, dem Phnom 

Penh Photo Festival, dem Lianzhou Foto 

Festival und dem Kaunas Photo Festival 

(Auswahl) ausgestellt. Die Serie »Cahier 

de Doléances« wurde beim Boutographies 

Photo Festival 2011mit dem 1st 

Prize prämiert. Sie hat eine Anerkennung 

bei der Bourse du Talent sowie den 

1st Young Talented Photograph Prize von 

Express -Style bekommen. 

*Giorgio Agamben- Sur ce que nous pouvons ne 

pas faire (Über das, was wir nicht tun können )- 

Nudités- Payot Rivages 2009 

http://www.leahabourdin.com 

Vernissage: 

7. März 2014 um 19 Uhr 

© Léa Habourdin 

8. März bis 6. April 2014 

exp 12 / exposure twelve 

Greifswalder Straße 217 

10405 Berlin-Prenzlauer Berg 

Sa 16 – 20 Uhr 

So 14 – 18 Uhr 

www.exp12.com 


31

Galerien 

Francis Ducreau 

»Stadt der Menschen - 

Menschen der Stadt« 

Eine Stadt ausdrücken. Ihr Wesen erfassen. 

© Francis Ducreau, (Original in Farbe) 


Muss man dafür die Größe ihrer Bauwerke 

hervorheben, den Charme ihrer 

Straßen, die Farbe ihrer Gewässer, das 

Wegenetz der Tram? Oder sollte man 

versuchen, die geheimen Seiten der 

Stadt ans Licht zu bringen? 

All dies wäre möglich. Francis Ducreau 

hat jedoch einen ganz anderen 

Weg gewählt. 

Der Fotograf, der seit 25 Jahren in Berlin 

lebt, hatte Zeit, sich mit der Stadt vertraut 

zu machen, ihre Stimmungen, 

ihre Geschichte und ihren Rhythmus 

aufzusaugen. Sie zu seiner eigenen zu 

machen. Und das Berlin, das er fotografiert, 

ist ein menschliches, ein alltägliches, 

ein lebendiges Berlin. 

Francis Ducreau erforscht Berlin am 

liebsten vom Fahrrad aus und die hier 

ausgestellten Bilder sind bei Fahrten 

kreuz und quer durch verschiedene 

Viertel in den letzten drei Jahren entstanden. 

Sie erheben weder Anspruch 

auf Vollständigkeit, noch liegt ihnen ein 

System zugrunde, und wenn, dann das 

des geduldigen und aufmerksamen Blickes. 

Im Laufe der verschlungenen Pfade, 

denen wir folgen, bekommen wir weder 

den Schatten des Fernsehturms zu sehen, 

noch die imposante Silhouette des Brandenburger 

Tores oder die schwindelerregende 

Architektur am Potsdamer Platz. 

Wir verweilen nicht in angesagten Straßencafés 

oder in Kellerräumen aktueller 

Szene-Clubs, und ebenso wenig 

bewundern wir die Werke weltberühmter 

Straßenkünstler. Es geht hier weder 

um die Weltgeschichte noch um die 

europäische Hauptstadt mit dem größten 

Sexappeal. Das sind keine Bilder für 

einen Reiseführer. Das Berlin, das Francis 

Ducreau uns zeigt, ist bescheiden 

und keinesfalls ein Selbstdarsteller 

Wenn man diese Brachen betrachtet, die 

von Unkraut und Graffitis überwuchert 

sind oder die engen Hinterhöfe, die riesigen 

Plätze und die Möchtegern-Terrassen 

der billigen Imbissbuden, dann wird 

mit einem Schlag klar, was das Wesen 

dieser Stadt heute ausmacht. Es ist die 

unbeschreibliche Freiheit, die sie ihren 

Bewohnern eröffnet. 

Der Raum, den sie dem Menschlichen 

gibt. Und natürlich kann man hier und 

da Spuren der Mauer, die Silhouette 

eines berühmten Bauwerks erahnen. 

Und man bemerkt, dass es sich um 

keine reiche Stadt handelt. Der vernachlässigte 

Zustand so mancher Gebäude 

zeugt davon. Aber das ist nicht das 

Thema. Darum geht es hier nicht. Es geht 

vielmehr darum, was an einem Biergartentisch 

passiert, auf dem Sprungturm 

eines stillgelegten Schwimmbades, auf 

einer Parkbank, auf einem Friedhofsweg. 

Es geht um die Menschen, die hier leben, 

um die Spuren, die sie hinterlassen, um 

die Schwingungen ihrer Lebensenergie, 

um die vergängliche - weil lebendige - 

Dimension des Urbanen. 

Denn in diesen Bildern sieht man, dass 

Berlin eine Stadt mit menschlichen Ausmaßen 

ist. Das erscheint paradox, wenn 

man an ihre riesige Ausdehnung und 

ihre breiten Straßen denkt. Nichtsdestotrotz 

kommt einem beim Betrachten 


Galerien 




dieser Bilder genau das in den Sinn. 

Berlin ist so groß wie die Träume seiner 

Einwohner, wie ihre Wünsche und Fantasien... 

Gesichter aus verschiedensten Lebensphasen 

und Schichten, natürliche oder 

gestylte; die Berliner, die wir hier sehen, 

sind vielleicht hier geboren oder leben 

nur für einige Zeit in der Stadt, aber was 

macht das schon? Durch ihren Anblick 

zeigt uns Francis Ducreau die Großzügigkeit 

von Berlin. Ein Berlin, das 

sich zurücknimmt, um sowohl denen 

Platz zu geben, die hier leben als auch 

denen, die nur auf der Durchreise sind. 

Die Stadt enthüllt auf diese Weise ihr 

wahres Selbst: ein riesiger Raum, in dem 

sich jeder selbst erfinden kann. 

Berlin, wo man mitten in der Stadt auf 

Sand oder anderem Untergrund Beach- 

Volleyball spielt, wo man auf Plätzen 

ein Nickerchen macht, sich auf offener 

Straße küsst, seinen zerschlissenen Liegestuhl 

in einem dunklen Hof aufstellt, 

sein Auto mitten auf dem Bürgersteig 

parkt... Berlin, wo man hier etwas baut, 

während sich dort die Natur ihren Platz 

zurückerobert. 

Berlin, wo man sich fotografiert. Alle 

Reiseführer empfehlen, die Gelegenheit 

zu ergreifen und einen der legendären 

hier noch existenten Fotoautomaten 

auszuprobieren. Es kostet nur ein paar 

Euro die Spuren des eigenen Berlinbesuchs 

auf diese Weise zu verewigen. 

Und das natürlich analog! Fotos, die 

man für kein offizielles Dokument verwenden 

kann, die kein Amt akzeptieren 

würde. Fotos, auf denen man zu zweit 

sein kann, beim Grimassen schneiden 

oder küssen. Fotos, nur für sich selbst. 

In vier Bildern greift Francis Ducreau 

dieses Thema auf. Das Posieren, das 

Warten, das Lachen und Lächeln beim 

Anblick der Ergebnisse. Beabsichtigte 

Selbstreferenz? 

Letztendlich bleibt auch er der analogen 

Fotografie treu, ein Anhänger des Mittelformats, 

der Art des Fotografierens, die 

das Überraschungsmoment bewahrt 

und Geduld verlangt. 

Und so kann man sich des Gedankens 

nicht erwehren, dass das durch die Technik 

auferlegte Abwarten und der geduldige 

Blick des Fotografen ganz besonders 

gut zu dieser Stadt passen, die ihren 

Bewohnern die Zeit zum Leben lässt. 

Die Zeit, man selbst zu sein. Und wenn 

das nur der Traum des Fotografen wäre, 

so möchte man doch auf jeden Fall glauben, 

dass es wahr sein könnte. 

Myriam Louviot 

Aus dem Französischen von Esther 

Jahns 

2. Februar bis 18. Mai 2014 

Café Aroma Photogalerie 

Hochkirchstraße 8 


Mo – Fr 18 – 24 Uhr 

Sa + So 14 – 24 Uhr 

und nach Vereinbarung 


33

Galerien 

Christina Vazou 

Gunta Podina 

Italo Morales 

Lara Ciarabellini 

Linka A Odom 

Tracey Fahy 

Uta Beyer 

Veronika Lukasova 

»AusZeiten&Räumen« 

© Christina Vazou 

© Italo Morales, (O.i.F.) 

Die fotografischen Essays von acht AbsolventInnen 

des Masterstudiengangs Fotojournalismus 

und Dokumentarfotografie 

des London College of Communication, 

University of the Arts London sind 

dokumentarische Reisen zu Menschen 

und Orten in Vergangenheit, Gegenwart 

und Zukunft. Dabei werden wir als 

BetrachterInnen nicht nur Zeugen dieser 

Reise – das Zuschauen selbst wird zu 

einer reisend-suchenden Bewegung: 

Die Projekte fordern eine Justierung 

des eigenen Blicks auf die uns umgebende 

Welt und ihrer fotografischen 

Dokumentation, die uns gleichzeitig 

auch auf unsere Position als ZuschauerInnen 

zurückwirft. Dabei wird das 

Verhältnis zwischen dem, was wir zu 

sehen bekommen und den Erzählungen 

und Geschichten, die wir uns zu den 

Bildern vorstellen verkehrt. Die Bilder 

sind immer auch ein Entzug des Sichtbaren: 

Fragmente, Ausschnitte, Dekontextualisierungen, 

die neben dem Sehen 

das Erzählen ihrer Geschichten anregen. 

Was sehe ich? Und was sehe ich nicht? 

Was erzählen mir die Bilder? Und was 

erzähle ich mir selbst? 

In Somnambulism öffnet uns Lara Ciarabellini 

psychologische Landschaften 

des immer noch kriegsversehrten Bosnien 

und Herzegowinas. Dabei wird das 

kollektive Gedächtnis eines Landes in 

seinen Bewegungen zwischen schlafwandlerischer 

Schockstarre, Amnesie, 

Bewusstwerdung und Verdrängung 

untersucht. Italo Morales blickt mit 

Overnight Generation in die Hauptstadt 

Sarajevo und dokumentiert das 

Leben ihrer jungen Erwachsenen, die 

in einer Stadt aufwuchsen, die im Schatten 

des längsten Belagerungszustandes 

der modernen Geschichte liegt. »Eine 

Generation, die über Nacht erwachsen 

werden musste, während wir anderen 

schliefen.« Christina Vazou gibt mit 

Behind the Scenes of the Greek Crisis ein 

eindrucksvolles Porträt der politischen 

und ökonomischen Situation Griechenlands 

in den Jahren 2009-2012. Als Frau 

eines griechischen Abgeordneten und 

Mutter zweier Jungen, als griechische 

Bürgerin und Fotografin eröffnet sich 

ihr zwischen privatem und öffentlichem 

Leben ein berührender und eindringlicher 

Blick hinter die Kulissen Griechenlands 

als ein Land in der Krise. Mit Uta 

Beyer begleiten wir in Heimlich zwanzig 

Rentnerinnen und Rentner in Tiflis/ 

Georgien, die am Rande des Existenzminimums 

leben. Die Bilder sind atmosphärische 

Momentaufnahmen, die zwischen 

Sehen und Erfahren liegen und 

eine intuitive Annäherung an Bilder, 

Gegenstände und Situationen ermöglichen. 

Einem weit entfernten und utopischen 

Ort widmet sich Veronika Lukasova. 


Galerien 

© Gunta Podina, (O.i.F.) 

© Uta Beyer, (O.i.F.) 

© Tracey Fahy 

© Linka A Odom, (O.i.F.) © Veronika Lukasova, (O.i.F.) 

In Mars: Dreams and Schemes untersucht 

sie den Mars als einen Ort der 

wissenschaftlichen Forschung und der 

Zukunftsvisionen. Spinning Compass 

von Linka A Odom zeigt das Bereisen der 

Welt und ihre Reisenden: Handbemalte 

Schwarz-Weiß-Fotografien von Reisenden 

werden zu einer sozial-anthropologischen 

Untersuchung über Erfahrungen 

und Beweggründe des Reisens. Die 

Flucht vor dem Alltag und die Reise an 

einen vermeintlich »perfekten Platz« 

schildert Njut Lagom! The Secret Art of 

Being Swedish von Gunta Podina: Njut 

Lagom! berichtet über die SchwedInnen 

und ihr Freizeitverhalten. Es untersucht 

die Exzentrizitäten und kulturellen Klischees 

in Momenten der Flucht aus dem 

Alltag. Bereits in den alltäglichen und 

allgegenwärtigen Ereignissen und Vorfällen, 

liegt etwas Besonderes, das uns 

Tracey Fahy in If not now, when? zeigt: 

»Das gewöhnliche Leben, voll und ganz 

gelebt, ist außergewöhnlich«. 

In ihrem besonderen Spannungsverhältnis 

zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem, 

Erlebtem und Erzählten geben 

die Projekte einen vielschichtigen und 

intensiven Einblick in die zeitgenössische 

Dokumentarfotografie. 

Kuratiert von Lena von Geyso 

© Lara Ciarabellini, (O.i.F.) 

Vernissage: 

14. Februar 2014, 19 Uhr 


aff Galerie 

Kochhannstraße 14 


Sa + So 15 – 18 Uhr 

www.aff-galerie.de 


35

Galerien 

Franziska Rutishauser 

»Fotografische 

Installationen« 

Aufwändige Cibachrome-Vergrößerungen 

von Belichtungen im Sandwichverfahren 

und Montagen als Intarsien 

und in mehrteiliger Rahmung entstanden 

zwischen 1989 und 1995. Danach 

nutzte Franziska Rutishauser die Fotografie 

als Entwurfsmedium für ihre 

Malerei. Die Galerie Carpentier zeigt 

einige dieser frühen Werke in Gegenüberstellung 

zu ihren neuen fotografischen 

Arbeiten. In den letzten Jahren 

wurde die Fotografie von der Künstlerin 

ganz bewusst als digitales und damit 

»schnelles« Medium eingesetzt. So entstanden 

Bildserien, die filmische Assoziationen 

hervorrufen. Die Schaffung von 

Durchlichtbildern auf Leuchtkästen in 

installativen Anordnungen hat neben 

der Malerei einen Platz im Œuvre der 

Künstlerin gefunden. 

Die Arbeitsweise der Künstlerin macht 

die 2013 als Heft 007 in der Edition 

Carpentier erschienene Werkmonographie 

»Berliner Sandberge / Bildserie 4« 

anschaulich. Eine Folge von 83 Fotografien 

als beinah filmischer Bildlauf führt 

den Gang durch riesige Sandhaufen des 

Boden-Austausches einer Berliner Baufläche 

für geplante Einfamilienhäuser. 

Assoziationen wie Bodendekontaminierung 

und die in demselben Jahr erfolgte 

Marslandung sind bewusst nicht ins 

Bild geführte Sichtbarkeiten. Franziska 

Rutishauser sagt über ihre Arbeit: »Für 

mich ist die von mir ausgehende Sicht 

von Bedeutung. Diese Sichtweise geht 

einher mit einer gelebten Idee, sie leitet 

sich ab von Weltanschauung. Von der 

Utopie, die ich in mir erzeuge. Etwas 

Fremdes soll in den Arbeiten entstehen, 

das zugleich anzieht und sich verweigert, 

Signale sendet, die Betrachter 

gewissermaßen angemessen kleidet.« 

Die 1962 in der Schweiz geborene 

Künstlerin studierte 1982 – 1988 an 

der Hochschule für Kunst der Universität 

Bern. Seit 2009 lebt und arbeitet 

Franziska Rutishauser in Berlin. 

Manfred Carpentier 

Franziska Rutishauser, An-Wuchs, 1994 

Ilfochrome, Glas, MDF, 92x60cm, Unikat 

© Franziska Rutishauser, Ab-Schied, 1994. 

Ilfochrome, Glas, MDF, 83 x 88,5 cm, Unikat 

Vernissage: 

Freitag, 31. Januar 2014, 19 Uhr 

Musikperformance: Joachim Gies 

MEET THE ARTIST 

Samstag, 15. Februar 2014 

11 bis 15 Uhr 

1. Februar bis 21. Februar 2014 

Carpentier Galerie 

Meinekestraße 13 

10719 Berlin-Wilmersdorf 

Di – Fr 16 – 18 Uhr 

und nach Vereinbarung 

www.carpentier-galerie.de 

© Franziska Rutishauser, Ueber-Lauf, 2013. 

Installation, 350 x 45 x 40cm, Duraclear auf 

Leuchtkästen, Metallrohre, Gummileitung 


Ausstellungen 

Galerie Thomas Schulte 


Robert Mapplethorpe 

Charlottenstraße 24 


Di–Sa 12–18 Uhr 

Martin Gropius Bau 


Barbara Klemm 

»Fotografien 1968-2013« 

15. März bis 22. Juni 2014 

Wols 

»Der gerettete Blick« 

Niederkirchnerstraße 7 


Mi–Mo 10–19 Uhr 

Deutsches Historisches 

Museum 

9. Mai bis 5. Oktober 2014 

Herlinde Koelbl 

»Targets« 

Ausstellungshalle I.M. Bau 

Hinter dem Zeughaus 

Unter den Linden 2 


täglich 10–18 Uhr 

Galerie cubus-m 


Andreas Fux 

»Fährten« 

Pohlstraße 75 


Di–Fr 14–19 Uhr 

Sa 11–19 Uhr 

Museum Europäischer 

Kulturen 

bis 27. April 2014 

Edgar Zippel 

»Porträts junger Europäer« 

Arnimallee 24 

14195 Berlin-Dahlem 


Sa + So 11–18 Uhr 

DAS VERBORGENE 

MUSEUM 


Käthe Augenstein 

Schlüterstraße 70 


Do–Fr 15–19 Uhr 

Sa + So 12–16 Uhr 

Wagner + Partner 

9. Mai bis 21. Juni 2014 

Raïssa Venables 

»Clearing Space« 

Strausberger Platz 8 



Galerie Dittmar 


Barbara Klemm 

Auguststraße 22 



Loock Galerie 

14. März bis 26. März 2014 

Charlie White 

Potsdamer Straße 63 




15. März bis 11. April 2014 

Abschlussarbeiten, Fotoklasse 34 

Künstlerische Leitung: 

Andreas Rost 




Sa 14–18 Uhr 

Kommunale Galerie 

Berlin 


Hans Hochheim / Andreas Rost 

»Berlin unterwegs« 

Hohenzollerndamm 176 

10713 Berlin-Wilmersdorf 


Mi 10–19 Uhr 

So 11–17 Uhr 

Caritas Galerie 


Benjamin Ochse 

»Hotel 1000 Sterne« 

Residenzstraße 90 

13409 Berlin-Reinickendorf 

Mo–Fr 8–18 Uhr 

CIRCLE berlin 


Piotr Pietrus 

»Józio« 

Brunnenstraße 188-189 


Mo–Fr 10–16 Uhr 

Swedish Photography 

17. Januar bis 26. Januar 2014 

I am Swed (ish) 

Karl-Marx-Allee 62 


Mi–Sa 12–18 Uhr 


37

Galeriebericht 

Kulinarisches 

Man sagt, das einst für seine Boulette 

und deren engste Verwandte, die 

Schrippe, bekannte Berlin sei heute 

Deutschlands kulinarische Hauptstadt, 

mit mehr Sterneköchen als sonst 

irgendwo. Kaum zu glauben. Wo soll 

denn so viel guter Geschmack so 

schnell herkommen? Da könnten wir 

ja gleich dem unsäglichen Jürgen Teller 

den Nobelpreis für Modefotografie verleihen, 

nachdem wir Gundlach und 

Newton endlich überwunden haben. 

Auf diese Idee hat mich Jens Hinrichsen 

vom Tagesspiegel gebracht, der 

sich diese Alternative für Newton in der 

Jebensstraße tatsächlich vorstellen kann. 

Kaum zu glauben. Das ist ein Phänomen: 

Einerseits gibt es diesen Trend zum 

extrem banalen, unfotografischen Bild, 

bunt und doch farblos, andererseits verführt 

die immer perfektere digitale Technik 

zu opulenten Leckerbissen. 

© Eugenio Recuenco, Orientalism 1, 2009, (O.i.F.) 

Ein 5-Sterne-Künstler ist Eugenio 

Recuenco bei CWC in der Auguststraße. 

Der Spanier greift mit seinen 

lustvoll ironischen Inszenierungen tief 

in den Fundus der Kunstgeschichte und 

verzaubert uns auf jeweils zwei Quadratmetern 

mit komplexen Bilderzählungen. 

Das spektakuläre Prunkstück 

der Ausstellung ist sein »GreekFrieze«, 

sagenhafte 18 Meter lang und mannshoch. 

Wenn man die Strecke abschreitet, 

taucht man ein in die Antike und die 

Klischees, die vom Schulwissen übrig 

sind. Die Brillanz und die Genauigkeit 

in jedem Detail täuschen eine Wahrhaftigkeit 

vor, die eigentlich schon vor 2000 

Berlin, Porträt 01, 22nd of April, 2012, © Erwin Olaf /Courtesy WAGNER + PARTNER, Berlin, (O.i.F.) 

Jahren nicht gegeben war. Recuenco 

doziert aber nicht, er öffnet vor allem 

jungen Leuten leichteren Zugang zu 

unseren Wurzeln, weil er seinen Fries 

mit heutigen Menschen bevölkert.Er 

schlägt damit eine Brücke vom hellenischen 

zum modernen Schönheitsideal. 

Der Effekt erinnert an YadegarAsisi und 

sein geniales Pergamon-Panorama auf 

der Berliner Museumsinsel, geschaffen 

mit den Mitteln der Fotografie und der 

Malerei. 

Die Meister der flämischen Schule 

sind dem Niederländer Erwin Olaf bei 

Wagner + Partner Vorbild für seine düsteren 

Arrangements. Technisch sind die 

großen Tableaus bestechend, doch sie 

verströmen eine unheilvolle Stimmung. 

Die Personen, auch Kinder, wirken so 

eingezwängt in das Konzept des Künstlers, 

dass ich froh bin, am Straußberger 

Platz wieder unter lebendigen 

Menschen zu sein. Francis Bacon lässt 

grüßen. 

Ein rechter Schlawiner auf dem Gebiet 

der inszenierten Fotografie ist Matthias 

Leupold bei argus. Er hat es faustdick 

hinter den Ohren, seit 30 Jahren. Erinnern 

Sie sich an unser letztes Cover? 

Den Rufer im 3-D-Kino? Das ist eine 

Serie, im nächsten Bild hält sich der Typ 

eine Waffe an die Schläfe, aufgenommen 

mit echtem Publikum im Ostberliner 

»International« im Jahre 1983! Das 



© Giampiero Assumma 

© Matthias Leupold, »Brotausträgerin« 

muss man sich erstmal trauen! Da war 

noch kein Tauwetter an der Mauer. Es 

hat ihn denn auch mehrfach erwischt, 

bis man ihn 1986 ausreisen ließ. Man 

kann keinem seiner analogen SW- 

Fotos trauen. Sie haben alle einen doppelten 

Boden. Besonders hat sich der 

1959 geborene Leupold in seiner Serie 

»Fahnenappell« mit der berüchtigten 

Formalismus-Debatte von 1953 auseinandergesetzt, 

mit der die SED die 

Künstler der DDR auf ihre Staatsziele 

festlegen wollte. Seine »Schönheit der 

Frauen«knüpft pfiffig an die Aktfotografie 

der vorigen Jahrhundertwende an. 

Wenn ich nach solchen Herausforderungen 

in die Jebensstraße wechsle, zu 

JuneNewtons Auswahl »Paris-Berlin« 

aus dem Nachlass ihres Helmut, 2012 

gezeigt im Grand Palais vor 400.000 

Besuchern, vermisse ich schon etwas 

mehr Substanz hinter dem schönen 

Schein, der allerdings was Kulinarisches 

hat. Es mag auch mit der Bewunderung 

für den weiblichen Körper zusammenhängen 

und dem Respekt vor der Persönlichkeit. 

Dafür haben seine Models 

ihm und uns wenig von sich verraten. 

Bis 18. Mai ist die Kollektion aus dem 

erschöpflichen Archiv der Stiftung zu 

sehen, zusammen mit den brillanten 

Männerakten des Greg Gorman, von 

June Newton bei der Eröffnung hoch 

gelobt, aber geschmacklich arg an der 

Grenze. 

Leonid Breschnew, Willy Brandt, Bonn, 1973. © Barbara Klemm 

Absolut ungekünstelt sind dagegen die 

kraftvollen Männerbilderdes Neapolitaners 

Giampiero Assumma bei imago. 

Das brutale Schwarzweiß ist das ideale 

Medium für die dampfende Körpersprache 

dieser Typen aus der Psychiatrie 

oder von hinter den Kulissen athletischer 

Wettkämpfe (siehe brennpunkt 

4/2013). 

Ein ganz anderes Feld ist das Bild vom 

Mann im Fokus der Öffentlichkeit. Die 

Bildmedien können heute politische 

Schicksale entscheidend beeinflussen. 

Deshalb tragen die Menschen hinter der 

Kamera hohe Verantwortung. Vor allem 

die Fotografen müssen ganz nah dran 

sein, oft im drängelnden Pulk von ihres- 

gleichen, mit ruhiger Hand und kühlem 

Kopf den einen Moment erfassen, in 

dem Geschichte sichtbar wird, für uns 

und die, die nach uns kommen. Von 

1959 bis 2004 hat das Barbara Klemm 

als geniale Chronistin der FAZ souverän 

gemeistert. Und zugleich bestätigt sie 

die heute in der Bilderflut untergegangene 

Maxime, dass ein durchkomponierter 

Bildaufbau zusammen mit dem 

entscheidenden Moment erst das aussagestarke 

Foto ergibt. Ich kann meinen 

Lesern nur empfehlen, sich die wunderbare 

Retrospektive im Martin-Gropius- 

Bau anzusehen, offen noch bis 9. März 

2014. Es ist lebendige Geschichte. 


39


© Thomas Nitz, MC#1, 2011 

Willy Brandt 1978, © Konrad Rufus Müller, courtesy PINTER & MILCH 

Willy Brandt 1978, © Konrad Rufus Müller, courtesy PINTER & MILCH 

Danach sollte man der Stresemannstraße 

folgen bis zum Willy-Brandt- 

Haus. Das lohnt sich auch für SPD- 

Muffel. Der Namenspatron hat schließlich 

deutsche und deutsch-deutsche 

Geschichte gemacht. Max Scheler, 

Robert Lebeck, Thomas Hoepker und 

Volker Hinz haben Willy Brandt im Auftrag 

des Stern jahrelang begleitet, um 

nicht zu sagen verfolgt, weniger respektvoll 

als Barbara Klemm, auch in Familie 

und Badehose. Dazu eine Sonderschau 

des »Kanzlerfotografen« Konrad Rufus 

Müller, der unsere politischen Vaterfiguren 

oft aus großer Nähe und sehr 

emotional porträtiert hat. Am liebsten 

sind mir seine listigen Details von der 

Mimik des alten Adenauer, der genau so 

ein Schlitzohr war. Die finden begreiflicherweise 

in der SPD-Zentrale keinen 

Platz. Es gibt manchmal Querverbindungen, 

die politisch nicht korrekt erscheinen. 

Da hat Norbert Bunge (argus) im 

Oktober eine kleine Ausstellung eingeschoben 

für Will McBride und sein 

neues Buch »Berlin im Aufbruch«. Das 

Buch ist neu, die Fotos sind von 1956 

bis 63. Ein ganz wichtiger Abschnitt in 

der dramatischen Nachkriegsgeschichte 

der Stadt. Der freche eher linke Aufklärer 

für Quick und Twen hat übrigens 

1965 einen Porträtband über Adenauer 

gemacht. Durchaus mit Respekt und 

dem Humor, der dem auch eigen war. 

Wenn man in den Berliner Galerien 

unterwegs ist, muss man für alles 

offen sein. Da ist immer Unerwartetes, 

manchmal Umwerfendes. Das kann 

sogar umwerfend konventionell sein. 

So bei DS Allen, der mit dem analogen 

SW-Film durch Prenzlauer Berg wandert, 

vornehmlich im Winter, immer bei 

Sonnenschein, den Fotokünstler sonst 

eher meiden. In der Fehrbelliner Straße, 

am Pfefferberg, zeigte er seine spannenden 

Perspektiven aus dem Kiez, bereitet 



© Ulrich W. Schmidt »Treib:gut« 

mit den klassischen Zutaten Licht und 

Schatten. Hier kocht der Chef noch 

selbst, die leuchtenden Silbergelatine- 

Prints entstehen in der Dunkelkammer. 

Nur ein paar große Formate, die schon 

bei Carpentier zu sehen waren, sind 

Digidrucke. 

Carpentier zeigte im November die 

»Fotografischen Unikate« von Thomas 

Nitz. Der treibt die Kochkunst auf die 

Spitze, indem er seine frontalen Frauenbildnisse 

auf Planfilm mit bizarren 

Strukturen überlagert und auf Aquarellkarton 

belichtet, den er zuvor mit Pigment, 

Binder, Sand und lichtempfindlicher 

Emulsion beschichtet hat. Zum 

Nachtisch zerschnippelt er das Negativ 

und macht damit sein Kunstwerk unwiederholbar. 

Hier ist der Weg das Ziel, 

nicht das Ergebnis. Oder der Preis? 

Es gibt einen soliden Mittelweg, den 

man schon fast einen Trend nennen 

könnte. Dem folgen zum Beispiel die 9 

Mitglieder des »Atelier freier Fotografen 

(aff)« die sich der dokumentarischnarrativen 

Sparte des Mediums verschrieben 

haben. Sie öffnen ihre schmucke 

Galerie in Friedrichshain auch ähnlich 

gepolten Gästen. Die Gruppe zeigt 

ihre facettenreichen »Fragmente« noch 

bis 18. Januar. (Siehe auch brennpunkt 

4/13). Thomas Graichen und Helena 

Schätzle haben wir den Lesern schon 

© Paolo Primiero 

früher vorgestellt. Ulrich W. Schmidt 

war bis 10. November zu sehen mit 

seinen stimmungsvollen französischen 

Küstenlandschaften. In zauberhaften 

Grautönen »besingt« er die Weite von 

Himmel und Meer, hat aber auch Sinn 

für ironische Details. 

Paolo Primiero gewinnt dem nassen 

Element mit seinen »Wasserbegegnungen« 

bis Ende Januar im Café Aroma 

auch mal eine vertrackte Form ab, mit 

eigenwilligen Ausschnitten, die die 

Anteilnahme des Betrachters einfordern. 

Wenn der sich in der lebhaften Atmosphäre 

des Restaurants darauf einlassen 

kann, genießt er den sinnlichen Gehalt 

der meditativen Bilder. Das ist in Schöneberg. 

Schon mal was gehört von schöneberger-art(.de)? 

Das ist ein herbstlicher 

Galerierundgang im Bezirk der 

Freiheitsglocke. Der bot dem Gründer 

des Berliner Fotosalons, Volker Wartmann, 

Gelegenheit, dort seine »Verschlusssache 

– geheimnisvolle Orte 

im Rathaus Schöneberg« öffentlich zu 

machen. Mit Digikamera und Stativ ließ 

man ihn in Büros und Archiven stöbern. 

Die detailscharfe Ausbeute soll nun zu 

einem Bildband werden. Ich sorge mich 

ein wenig um die Zielgruppe. 

Herangeführt an die unaufgeregte Art 

des Bildermachens mit überkommener 

Technikwerden junge Fotobegeisterte 

an den Berliner Schulen auch deshalb, 

weil ihre Begeisterung dem heute selbstverständlichen 

Umgang mit Handy und 

Smartphone entspringt. Es fehlt die fotografische 

Grundversorgung. Was dann 

am Ende eines Lehrgangs auf den Tisch 

oder an die Wand kommt, kann sich 

meistens sehen lassen. So im Dezember 

bei imago die Arbeiten der Klasse 

33 unter der Leitung von Ursula Kelm. 

Die erfahrene Dozentin versteht es, aus 

ihren Zöglingen heraus zu kitzeln, was 

in ihnen steckt, an langer aber straffer 

Leine. Die »Fotografie als Fotografie« 

bleibt dabei die Richtschnur. 

In der großen Schau des 7. Jahrgangs 

der Ostkreuzschule in den Uferhallen 

war das weniger deutlich. Bei 25 Schülern 

von 3 Dozenten ist es schwer, Tendenzen 

auszumachen. Auf jeden Fall 

überwiegt hier die digitale Farbfotografie, 

hintergründige Bildideen sind eher 

selten, aber ein festes Konzept ist die 

Regel. Das Bild vom Menschen, oft vom 

eigenen Ich, nimmt auf vielerlei Weise 

Raum ein. Noch ist nicht abzusehen, ob 

die Eleven mal nach den 5 Sternen des 

Recuenco greifen werden oder, vielleicht 

sogar einträglicher, nach Jürgen 

Tellers Erbsensuppe? 

Ein glückliches 175. Jahr der Fotografie 

wünscht allen Lesern 

Klaus Rabien 


41

Buchbesprechung 

Bernhard Edmaier 

»EarthArt – Colours of 

the Earth 

Faszination Erde: Die 

Farben der Welt« 

Ari Atoll, Maldives 

Yukon, Alaska, USA 

Laguna Roja, Chile 

Maellifellsandur, Iceland 

Neuer Bildband: EarthArt – Colours 

of the Earth 

220 Seiten, 160 großformatige 

Abbildungen, Größe 30,5 x 35 cm, 

gebunden mit Schutzumschlag, 

Phaidon Verlag, London, 2013, ISBN 

978-0714865768, Preis 49,95 Euro 

© Bernhard Edmaier, »Laguna Verde«, Atacama Desert, Bolivia, (O.i.F.) 

Phänomen Farbe 

Wir nehmen Farbe mit all unseren 

Sinnen wahr, wir sehen, wir spüren, wir 

riechen sie und manchmal kann man 

Farbe auch hören. »Farben wirken direkt 

auf Geist und Empfindung.« Farben 

haben einen »direkten Einfluß auf die 

Seele«, schrieb schon Johann Wolfgang 

von Goethe, der 1810 seine Schrift »Zur 

Farbenlehre« veröffentlichte. 

Faszination Natur – Neue Perspektiven 

auf den Planeten Erde 

Bernhard Edmaier nimmt uns mit auf 

eine Reise zu den Wundern der Welt. 

Der vielfach ausgezeichnete Fotograf 

Bernhard Edmaier bereiste für sein 

neues Buch die unterschiedlichsten 

Länder und Kontinente – von Europa 

nach Nord- und Südamerika, von Afrika 

bis nach Island und Spitzbergen. Für 

EarthArt – Colours of the Earth trug er 

160 ausgewählte Fotografien zusammen 

(90% Luftaufnahmen), die das 

schier unendliche Farbspektrum der 

Erde wiedergeben. 

Mit unseren Augen können wir mehrere 

hundert Farben unterscheiden, mit 

technischen Hilfsmitteln sind es bis zu 

7 Millionen Farbtöne. Sie scheinen wir 

wieder zu finden in den Aufnahmen des 

neuen Bildbandes EarthArt – Colours 

of the Earth, der beim renommierten 

© Bernhard Edmaier, »Artist´s Palett«, New Zealand, (O.i.F.) 

Kunstbuchverlag PHAIDON in London 

erschienen ist. 

Der Bildband wird ergänzt mit Beiträgen 

der Wissenschaftsjournalistin Angelika 

Jung-Hüttl und der New Yorker Kunsthistorikerin 

Stella Paul. 

Der Fotograf Bernhard Edmaier 

Geboren 1957, ausgebildeter Geologe, 

bevor er vor etwa 20 Jahren die Fotografie 

zu seinem Beruf machte und die 

Fotoagentur »Geophot - Bilder der Erde« 

gründete. Seine Bildbände zeigen die 

vielfältigen Farben, Formen und Strukturen 

der Erde. Bernhard Edmaier konzentriert 

sich in seinen Arbeiten auf Luftaufnahmen 

von 50 bis 4000 Metern Höhe. 

Für »Geoart – Kunstwerk Erde« erhielt er 

1998 den Kodak-Fotobuchpreis. 2001 

wurde er mit dem renommierten Hasselblad 

Master Award ausgezeichnet. 

Pressestimmen zu Bernhard Edmaier 

»Bernhard Edmaier ist der interessanteste 

Luftbild-Fotograf der Welt.« ARD 

Kulturweltspiegel 

»Gute Landschaftsfotografen gibt es 

viele; aber keiner versucht derart radikal 

wie Edmaier, die funktionalen Prinzipien 

unseres Planeten in ästhetisch 

vollkommenen Bildern einzufangen.« 

natur & kosmos 

»Voller Farbe ist die Welt von Bernhard 

Edmaier .... Über Gletscher und Canyons, 

Eismeere und Wüsten ist er geflogen 

und hat Bilder von diesem Planeten 

eingeholt, die sich kein Maler phantasievoller 

hätte ausdenken können ....« 

Süddeutsche Zeitung 

Die Autoren: 

Dr. Angelika Jung-Hüttl ist Geologin 

und Wissenschaftsautorin für eine Vielzahl 

von verschiedenen Zeitungen und 

Magazinen. Sie arbeitet und reist mit 

Bernhard Edmaier seit 20 Jahren und 

ist Autorin verschiedener seiner Bildbände. 

Stella Paul ist Kunsthistorikerin und 

freie Journalisten. Sie war lange Zeit 

für das Metropolitan Museum of New 

York tätig. 


Fotoszene 

Deutsche Gesellschaft 

für Photographie 

veranstaltet 

internationale Tagung 

zum 175-jährigen 

Jubiläum der 

Photographie 

Unter dem Titel Missing Links & Forschungslücken 

veranstaltet die Deutsche 

Gesellschaft für Photographie 

(DGPh) vom 6. bis 8. März 2014 im 

Auditorium der Berlinischen Galerie 

eine internationale interdisziplinäre 

Tagung zum 175-jährigen Jubiläum der 

Photographie. 

Wo liegen die weißen Flecken auf 

der Landkarte der Photographiegeschichte? 

Welches sind die einerseits heute dringend 

erscheinenden Desiderate und 

andererseits geeignete neue Ansätze, 

um der Photographieforschung neue 

Richtungen zu eröffnen? Welche Wendepunkte 

gab es in der 175-jährigen 

Geschichte der Photographie wirklich? 

Und wie ist der als so tiefgreifend empfundene 

Wandel des Mediums seit der 

Digitalisierung aus historischer Perspektive 

einzuordnen und zu bewerten? 

Wo gab und gibt es in der Geschichte 

des Mediums Photographie »Missing 

Links«, die Neuorientierungen, aber 

auch Sackgassen und »Fehlentwicklungen« 

aufzeigen und erklären können? 

Die DGPh nutzt das 175-jährige Jubiläum 

der Photographie im Jahr 2014 zu 

einer Annäherung an diese Fragen. Im 

Rahmen ihres dreitägigen, mit international 

hochkarätigen Referentinnen und 

Referenten besetzten Symposiums soll 

anhand von Fallbeispielen schlaglichtartig 

die ganze Bandbreite des Mediums 

aufgerufen werden. 

Die DGPh mit ihren sechs ganz unterschiedlichen 

Schwerpunkten – organisiert 

in den Sektionen Bild, Bildung, 

Geschichte und Archive, Kunst - Markt 

- Recht, Medizin- und Wissenschaftsphotographie 

sowie Wissenschaft und 

Technik – ist dazu hervorragend aufgestellt. 

In die Betrachtung soll sowohl die 

Vergangenheit als auch die Gegenwart 

einbezogen werden, unter Umständen 

können sogar Prognosen für mögliche 

zukünftige Entwicklungen der Photographie 

entworfen werden. 

Die Tagung versammelt in exemplarischen 

Fallstudien die ganze 

Bandbreite der Forschungen zur 

Photographie(geschichte) in Theorie 

und Anwendung, die heute zumeist in 

separate Felder aufgeteilt ist und deren 

Vertreterinnen und Vertreter kaum mehr 

im Austausch miteinander stehen. Aber 

gerade dieser Austausch, der hier angestrebt 

wird, ermöglicht neue Sichtweisen, 

das Erkennen neuer Forschungsfelder 

und die Möglichkeit, sich heute 

den als solchen wahrgenommenen Missing 

Links & Forschungslücken anzunähern. 

Die intensive Diskussion der 

Vorträge, die bedeutende Vertreter der 

unterschiedlichsten Bereiche zugesagt 

haben, steht im Zentrum der Tagung. 

Die DGPh als zentraler Verein, der sich 

vorrangig für die kulturellen Belange 

der Photographie und verwandter Bildmedien 

einsetzt, ist dazu prädestiniert, 

einen solchen Austausch zur 175-jährigen 

Geschichte und zu künftigen Perspektiven 

des Mediums zu ermöglichen. 

Der genaue Tagungsablauf wird in 

Kürze auf der Webseite der DGPh 

bekannt gemacht werden. Anmeldungen 

werden ab sofort online entgegengenommen. 

Diese Pressemitteilung zum Download 

unter: 

http://www.dgph.de/presse_news/ 

Weitere Informationen zum Symposium 

Missing Links & Forschungslücken und 

zur Deutschen Gesellschaft für Photographie 

unter: 

www.dgph.de 

Gudrun Angelika 

Hoffmann 

»Nackte Verfremdung« 

Malerei in Öl und Acryl 

Alle Bilder basieren auf Aktstudien an 

lebenden Modellen. Die Bildnisse vermitteln 

einen freien, anmutigen Umgang 

mit dem Thema der Nacktheit. 

Weitere Sujets expressiver, abstrakter 

Werke unter: 

www.Gudrun-Angelika-Hoffmann.de 

Die Aktgalerie präsentiert mit Gudrun 

Angelika Hoffmann eine Stahnsdorfer 

Kunstmalerin. Sie benutzt Öl und Acrylfarben 

für ihre Aktbilder. Die Ölbilder 

basieren auf einer Renaissancetechnik 

des Mittelalters. Dadurch erhalten die 

Körper eine durchscheinende, greifbare 

Realität, die z.T. mit einer modernen 

Technik verfremdet wird. 

Die Acrylwerke sind von der expressiven 

Arbeitsweise der Künstlerin geprägt. 

© Gudrun Angelika Hoffmann, (O.i.F.) 

Vernissage 

7. März 2014 um 19 Uhr 

7. März bis 30. März 2014 

Die Aktgalerie 

Krossener Straße 34 

10245 Berlin- Friedrichshain 

Fr., Sa., So. 

16 – 20 Uhr 


43

Fotoszene 

Fotokunst verkaufen 

mit Luxad 

17 Ausstellungen in drei Jahren Luxad 

haben bei mir wertvolle Eindrücke und 

Erkentnisse hinterlassen. Unter anderem 

habe ich erkannt, dass ein Großteil 

der Interessenten und Käufer aus dem 

Umfeld der Künstler selbst stammt und 

es im Grunde nicht sein kann, dass Fotokunst 

zum Verkaufen in eine Form aus 

Ausstellungsort, -dauer und -umfang 

reduziert wird. Die angemessene, freie 

und dauerhafte Präsentation der Werke 

gelingt nur den Fotokünstlern selbst. 

Im Sommer 2013 war die Idee geboren, 

das klassische Ausstellungskonzept 

im Luxad komplett abzulösen und mit 

einem neuen, innovativen Fotokunst- 

Konzept zu starten. 

Kernstück des Konzepts ist der direkte 

Verkauf von Fotografien in Kombination 

mit Bilderrahmen über den Onlineshop. 

Das System ist dabei so angelegt, dass es 

Fotografien direkt von den Internetseiten 

der Künstler verkaufen kann und dabei 

ohne ein separates Anlegen und Verwalten 

der Fotografien auskommt. Ein 

simpler »Link« je Fotografie reicht jetzt 

aus, um sie bestellbar zu machen. Die 

Fotokünstler bleiben weiterhin völlig 

frei in Präsentation und Angebot und 

erweitern ihre Portfolien lediglich um 

den neuen Verkaufslink. Durch den Einsatz 

auf den Webseiten der Fotokünstler 

ergeben sich automatisch völlig neue 

Möglichkeiten, denn nur wer den Link 

sieht, kann das Werk bestellen. 

Die Künstler bestimmen ihren individuellen 

Preis pro Quadratzentimeter, 

woraus sich die Preise für verschiedene 

Bildgrößen ergeben. 

Das Konzept kommt ohne Grundgebühr 

aus. Lediglich ein fairer Abzug 

vom Bildpreis wird berechnet, um damit 

unter anderem die Kosten für den Fotodruck 

abzudecken. Teilnehmen kann 

jeder, der seine Fotos im Internet präsentiert. 

Eine Anmeldung als Fotokünstler 

ist erforderlich. 

© Andreas David 


Im Laden finden Besucher ein Fotokunst- 

Regal mit bereits eingerahmter Fotokunst 

von verschiedenen Künstlern zur 

sofortigen Mitnahme. Es wird regelmäßig 

in Zusammenarbeit mit den Künstlern 

befüllt und präsentiert in erster Linie 

die Fotokunst, die bereits über den Onlineshop 

verkauft wurde. 

Ausführliche Informationen für Fotografinnen 

und Fotografen sind zu finden 

unter: 

www.luxad.de/fotokunst/verkaufen/. 

Die vollständige Schnittstellenbeschreibung 

mit Beispielen kann unter: 

www.luxad.de/api/ abgerufen werden. 


Luxad 

Mommenstraße 42 (rechs) 


Mo – Fr 

Sa 

10 – 19 Uhr 

12 – 18 Uhr 


Fotoszene 

6. Europäischer 

Monat der Fotografie 

16. Oktober bis 

16. November 2014 

Der 6. Europäische Monat der Fotografie 

Berlin findet vom 16. Oktober bis 

16. November 2014 an verschiedenen 

Orten der Stadt statt. Das Thema lautet: 

Umbrüche und Utopien. Das andere 

Europa. Die kuratorische Leitung des 

alle zwei Jahre stattfindenden Fotofestivals 

übernimmt der Berliner Kurator und 

Kunsthistoriker Frank Wagner. 

In den letzten hundert Jahren hat sich 

Europa, wie wir es heute kennen, ständig 

verändert. Vielfältige Zäsuren, darunter 

die beiden Weltkriege, die Weltwirtschaftskrise 

1929, die Gründung der 

beiden deutschen Staaten und die friedliche 

Revolution von 1989, haben sein 

Bild immer wieder neu geprägt. Was 

verstehen wir heute unter Europa im 

Unterschied zu damals? 

Krieg, Freiheit, Jubel, Protest, Stillstand, 

Krise, das Entdecken neuer und alter 

Kulturen, Gleichberechtigung, Toleranz, 

Identität, Intimität, Glaube, Sexualität, 

Mode und Alltag sind einige der 

Aspekte, die das Miteinander in Europa 

formen und die beim Festival zum 

Tragen kommen. Häufig wird Europa 

über seine Begrenzungen definiert. 

Das wirft Fragen auf: Wie werden die 

extremen wie auch die allmählichen 

Umbrüche und Verwerfungen erlebt? 

Welche Utopien prägen unser Bild von 

der Zukunft? Welche Perspektiven tun 

sich auf? 

Der 6. Europäische Monat der Fotografie 

geht auf Entdeckungsreise und reagiert 

auf diese Fragen mit historischen 

und zeitgenössischen Ausstellungen. 

Frank Wagner lebt und arbeitet als 

Kunsthistoriker und freier Kurator in 

Berlin. 2012 kuratierte er eine fundamentale 

Ausstellung zum Werk des chilenischen 

Künstlers Alfredo Jaar, die parallel 

in drei Kunstinstitutionen in Berlin 

stattfand: Alte Nationalgalerie, Berlinische 

Galerie und neue Gesellschaft für 

bildende Kunst (nGbK). Von 2009 bis 

2013 betreute Frank Wagner die Ausstellungen 

zum Arbeitsstipendium Bildende 

Kunst des Landes Berlin in der 

nGbK, in deren RealismusStudio er seit 

1985 Mitglied ist. In seiner fast 30-jährigen 

Tätigkeit als Kurator hat Frank 

Wagner an vielen Institutionen Ausstellungen 

verantwortet, so z.B. am Cobra 

Museum – Museum for Modern Art in 

Amsterdam/Amstelveen, am Museum 

Ludwig in Köln und im Hamburger 

Bahnhof – Museum für Gegenwart – 

in Berlin (u. a. eine Retrospektive über 

Felix Gonzalez-Torres), und mit vielen 

Künstlern zusammengearbeitet, darunter 

Group Material, General Idea, Barbrara 

Kruger, Allan Sekula, Rineke Dijkstra, 

Robert Gober, Katharina Sieverding, 

Stan Douglas, Miriam Cahn, Cady 

Noland, Hanne Darboven, Marlene 

Dumas, Hans Haacke, Monica Bonvicini 

und John Miller. Seine Ausstellung 

in der nGbK Berlin mit Projektionen und 

Fotoarbeiten von Klaus Mettig wurde 

2010 in erweiterter Form in das Museum 

Kunstpalast in Düsseldorf übernommen. 

»Das achte Feld«, die erste deutsche 

Museumsschau zur sexuellen Diversität 

in der Kunst seit 1960 (2006 Museum 

Ludwig, Köln) zeigte Serien bedeutender 

Fotografen, darunter Claude Cahun 

und Brassaï, Diane Arbus, Nan Goldin, 

Cindy Sherman, Peter Hujar und Wolfgang 

Tillmans. 2003 präsentierte er mit 

Hildtrud Ebert die Retrospektive »VALIE 

EXPORT – Mediale Anagramme« in der 

Akademie der Künste Berlin und stellte 

eine Retrospektive zum filmischen Werk 

Yoko Onos zusammen, 2002 kuratierte 

er eine Retrospektive über Sanja Ivekovic. 

1987 war Frank Wagner als Projektleiter 

und Redakteur (gemeinsam mit 

Klaus Behnken) für die bahnbrechende 

Ausstellung und das Buch »Inszenierung 

der Macht – Ästhetische Faszination 

im Faschismus« verantwortlich. 

Pressekontakt: Gabriele Miketta, Tel. 

030-24749-732, 

pr@kulturprojekte-berlin.de 

Berichtigung 

In der letzten Ausgabe 4-2013 haben 

wir ein falsches Bild von Wolfgang 

Hiob (Seite 82) im Rahmen »50 Jahre 

Colorclub Berlin-Treptow) veröffentlicht. 

Wir bitten um Entschuldigung! 

© Wolfgang Hiob, (Original in Farbe) 


45

Ausstellungen 

Andreas Adam 

»Die Sonne scheint, 

da geht eine Frau und 

alles ist gut« 

Auf den Spuren Elizabeth von Arnims 

auf Rügen 

Ein Rügenurlaub im Jahr 2013 war Anlass, 

sich auf Spurensuche zu begeben. 

In den Jahren 1897/98 sowie 1901 nämlich 

hatte die Schriftstellerin Elizabeth 

von Arnim (1866 – 1941) die Sommermonate 

auf dieser Insel verbracht 

und ihre Beobachtungen und Erlebnisse 

in den autobiografisch gefärbten 

Roman »Elizabeth auf Rügen« einfließen 

lassen. 

Ihre (Kutsch)fahrt führte sie damals vom 

Süden der Insel an der Ostküste entlang, 

vorbei an Sellin, Binz und Saßnitz hoch 

bis Kap Arkona und nach Hiddensee. 

© Andreas Adam, »Pavillon, Seebrücke Sellin« 

Begegnungen mit einem englischen 

Verehrer und seiner Mutter, insbesondere 

aber mit ihrer emanzipationsmissionarischen 

Cousine Charlotte, die sich 

auf der Flucht vor ihrem älteren Mann, 

einem Professor und notorischen Charmeur, 

befindet, werden auf amüsante 

Art geschildert. 

Wie würde es um die Schauplätze von 

einst heute, gut 110 Jahre später, bestellt 

sein? 

Um das herauszufinden, wurden ausgewählte 

Stationen der Reise aufgesucht 

und abgelichtet. 

Einige davon waren tadellos erhalten 

und nahezu unverändert, an anderen 

hatte deutlich der Zahn der Zeit 

genagt. 

So war beispielsweise die »Bretterbrücke« 

in Lauterbach, dem Ort, wo »das 

Baden am schönsten« und an dem Elizabeth 

»am glücklichsten« war, überraschenderweise 

noch als Relikt vorhanden 

- den »Bonbon-Automaten in 

Gestalt einer brütenden Henne«, allerdings, 

gibt es nur noch in der vergnüglichen 

Sommerlektüre zu entdecken… 

Andreas Adam 

© Andreas Adam, »Da geht eine Frau«, (O.i.F.) © Andreas Adam, »Die Bretterbrücke«, (O.i.F.) 

© Andreas Adam, »Hünengrab«, 

Lancken-Granitz (O.i.F.) 

© Andreas Adam, »Badehaus Goor«, Lauterbach 

Vernissage: 

21. Januar 2014, 16.30 Uhr 


GDA Wohnstift Göttingen 

Charlottenburger Straße 19 

37085 Göttingen 

täglich von 08 – 20 Uhr 


Ausstellungen 

JEFF WALL 

IN MÜNCHEN 

Wie kaum ein anderer Künstler seiner 

Generation hat der Kanadier Jeff Wall 

(geb. 1946) die Möglichkeiten bildnerischer 

Gestaltung, die Grenzen zwischen 

den Gattungen Malerei, Fotografie, 

Skulptur und Film, zwischenFiktion 

und Realität thematisiert und das fotografische 

Bild neu definiert. München 

hat sich früh zu einem Zentrum der Jeff 

Wall-Rezeption entwickelt, bereits seit 

den frühen 1980er Jahren war sein Werk 

hier präsent, wurde ausgestellt, gesammelt 

und publiziert. 

Die Ausstellung, die in enger Zusammenarbeit 

mit dem Künstler entsteht, 

vereint erstmals die in Münchner Sammlungen 

vertretenen Arbeiten. Vor allem 

in den 1980er und 1990er Jahren entstanden, 

gibt diese 19 Werke umfassende 

Auswahl einen pointierten Überblick 

über die wichtigsten Aspekte 

in Jeff Walls Schaffen, teils mit heute 

berühmten, oftmals gezeigten Arbeiten 

wie »The Thinker« oder »Restoration«, 

aber auch durch Werke, die zu den 

weniger bekannten und selten gezeigten 

zählen. 

Jeff Wall, The Thinker, 1986, transparency in lightbox, 239 x 216 cm 

Collection Lothar Schirmer, Munich, Courtesy of the artist, © Jeff Wall, (Original in Farbe) 

Zur Ausstellung erscheint ein Katalogbuch 

im Schirmer/Mosel Verlag. 

Ein vielfältiges Rahmenprogramm mit 

Führungen, Workshops, Vorträgen und 

Filmen begleitet die Ausstellung. Für die 

Ausstellung hat Jeff Wall zudem eine 

Matinée mit europäischen und amerikanischen 

Autorenfilmen zusammengestellt. 

Die einzelnen Filme werden 

jeweils am 2. Sonntag des Monats zu 

sehen sein. 

Kuratorin: Inka Graeve Ingelmann 

Die Ausstellung wird gefördert durch 

den Deutschen Sparkassen- und Giroverband 

und PIN. Freunde der Pinakothek 

der Moderne e.V. 

Jeff Wall, The Smoker, 1986, transparency in 

lightbox, 87,5 x 104 cm Collection Christa 

Döttinger Courtesy of the artist, © Jeff Wall, 


Jeff Wall, A Donkey in Blackpool, 1999 

transparency in lightbox, 195 x 244 cm 

Collection Lothar Schirmer, Munich, Courtesy 

of the artist, © Jeff Wall, 



Pinakothek der Moderne 

Barer Straße 40 

80333 München 

Di – So 

Do 

10 – 18 Uhr 

10 – 20 Uhr 


47

Fotoszene 

»DIE 

EXHIBITIONISTEN 

BEGEGNEN DEN 

VOYEUREN AUF 

EINER EBENE.« 

EIN GESPRÄCH 

ÜBER DIE 

ZEITGENÖSSISCHE 

AKTFOTOGRAFIE 

ZWISCHEN DEM 

FOTOHISTORIKER 

KLAUS HONNEF 

UND DEM 

FOTOGRAFEN 

PEPPER VOM APRIL 

2013. 

Pepper: In Ihrem aktuellen Beitrag für 

die Kunstzeitung beschreiben Sie den 

Bedeutungswandel der Aktfotografie 

und ihre in Ihren Augen zunehmende 

Seichtheit und Gleichförmigkeit. Sie 

vermissen innovative und mutige Künstler 

und Fotografen, die Tabus zu brechen 

oder ästhetische und gesellschaftliche 

Impulse zu geben in der Lage sind. 

Dabei haben Sie mit Ryan McGinley ja 

selbst einen Namen genannt, der eine 

wohltuende Frische in das Sujet bringt, 

auch ganz ohne Tabubruch. Ich sehe 

die Situation nicht so verfahren wie Sie, 

denn neben all den, ich will mal sagen, 

Mainstreamfotografen, gibt es, wie es ja 

immer der Fall war, auch Ausnahmeerscheinungen. 

Denken Sie zum Beispiel 

an Jürgen Teller, der, aus der Modefotografie 

kommend, sich nackt auf einem 

Flügel rekelnd, in seiner Korpulenz 

selbst portraitiert. Das ist doch eine 

Position, die nicht gekünstelt ist sondern 

ehrlich und authentisch. Ein paar 

solche Persönlichkeiten reichen doch 

völlig aus, um sagen zu können, die Aktfotografie 

bringt nach wie vor Spannendes 

hervor, auch in unserer Zeit. 

Klaus Honnef: Ich halte es mit meinem 

Lehrer René König. Auch die Haltung 

der Nackten am Strand ist keineswegs 

ursprünglich, sondern »parure«, ist 

Ausdruck eines kulturellen Gepräges, 

gehorcht den umfassenden Gesetzen 

der Mode. Was derzeit in den fortgeschrittenen 

Konsum- und Mediengesellschaften 

sichtbar wird, gibt ihm recht. 

Der nackte Körper ist sogar längst zu 

einer Art undurchsichtigem Anzug 

geworden, dessen Erscheinungsbild 

man unbekümmert mit Hilfe von Sport, 

Diäten und chirurgischem Besteck nach 

Gutdünken modelliert wie eine Figur 

aus Ton. Die ostentativ und massenhaft 

zur Schau gestellte Nacktheit hat 

ihn förmlich entmenschlicht, indem 

er ihn entsexualisiert und enterotisiert 

hat, so dass er längst das Gegenteil von 

Authentizität »verkörpert«. Der scheinbar 

auf ewig jung gestylte menschliche 

Körper weist nur auf die makellosen 

Körper der »Hubots«, der künstlichen 

Menschen (Robotern), voraus, die 

im Fernsehen oder Kino zirkulieren: klischeehaft 

schön, sauber, mechanisch – 

und dienstbar. Dass sich in ihnen auch 

Gefühle entwickeln, bildet den utopischen 

Ausblick. Dass die Fotografie 

diesem Prozess auf dem Weg in die 

Künstlichkeit, dessen Komplize sie ist 

und war, etwas entgegen setzten kann 

(und wird), sehe ich nicht. 

Pepper: Oh, das sehe ich aber anders, 

zumindest in einigen Punkten. Ohne 

Zweifel ändert sich das Bild des Körpers 

durch die Konsum- und Mediengesellschaft. 

Das ist aber kein neues Phänomen, 

sondern Veränderung findet 

immer statt und wird es auch in Zukunft 

geben. Auch dass die massenhafte Darstellung 

des Körpers, also des nackten 

Körpers bis hin zur Pornografie enterotisierend 

wirkt, kann ich zumindest 

für mich nicht behaupten. Doch ich 

will wieder konkret zurück zur künstlerischen 

Fotografie kommen. Klar, 

dadurch, dass heute alles möglich ist, 

schockiert vieles auch nicht mehr. Ein 

Robert Mapplethorpe könnte heutzutage 

nicht mehr seine Karriere mit Aufnahmen 

aus dem schwulen S/M-Milieu 

starten, weil die nicht mehr einzigartig 

wären. Mapplethorpe hatte für seine 

Themata das, na, sagen wir mal Glück 

in einer Zeit zu leben, in der Sexualität 

durch starke Tabus, gesellschaftliche 

Vorurteile und auch Gesetze eine 

enge Eingrenzung erfuhr. Da fielen 

seine Arbeiten auf und wurden kontrovers 

debattiert. Das hat seine Karriere 

beflügelt, er wurde international 

rezipiert. Im Langzeitgedächtnis hingegen 

sind seine am klassischen Ideal 

ausgerichteten Akte und seine Blumenstillleben 

stärker verankert. Also nicht 

das Kontroverse Werk. Und seien wir 

ehrlich, längst nicht alles was Mapplethorpe 

fotografiert hat war herausragend 

sondern einfach nett anzusehen. 

Denken Sie an das Buch über seine 

langjährige gute Freundin Liza Lyon. 

Aus heutiger Sicht ist der größte Teil 

dieser Bilder banal und langweilig. 

Aber das ist doch Ok so, die Gesellschaft 

geht weiter, die Interessen und 

Ansichten ändern sich und eine neue 

Generation von Fotografen sucht sich 

ihre Themen und bemüht sich um neue 

Aspekte. Wenn wir dann mal eine Zeit 

der netten Bilder erleben ist es eben 

so. Irgendwann ist es den Leuten langweilig 

und dann kommt etwas Neues. 

Man muss auch nicht krampfhaft 

einen Tabubruch hervorzaubern. Das 

hat jetzt zwar nichts mit Fotografie zu 

tun, aber ich denke gerade an Santiago 

Sierra, der in einer seiner Aktionen vier 

drogensüchtigen Prostituierten eine 

Linie auf ihren Rücken hat tätowieren 

lassen und ihnen dafür den Gegenwert 

für einen Schuss Heroin gezahlt hat. Er 

und ein Großteil der Kunstkritik halten 

diese Aktion für eine großartige provokante 

Gesellschaftskritik. Ich finde sie 

nur ekelhaft und dekadent, denn Sierra 

bringt Frauen dazu sich selbst zu verstümmeln, 

ihren Körper, mit dem Sie 

ihr Leben finanzieren, zu verunstalten. 

Das ist die Aktion eines wohlhabenden, 

satten Menschen der sich selbst 

auf Kosten anderer in den Mittelpunkt 

stellt. Kritik lässt sich auch anders formulieren. 

Also, ich finde nicht, dass 

Kunst und Fotografie einem Prozess 

auf Teufel komm raus etwas entgegen 

stellen muss. Sobald die L’Art pour l’Art 

Attitüde in der Aktfotografie langweilt, 


Fotoszene 

Klaus Honnef im Gespräch mit Helmut Newton während der von ihm kuratierten Ausstellung 

»Helmut Newton« im Rheinischen Landesmuseum Bonn, 1987. © Walter G. Müller, DGPh 

wird der Blick der suchenden Konsumenten, 

Kritiker und Kuratoren schon 

die Positionen herauspicken, auf die es 

in der nächsten Dekade ankommt. 

Klaus Honnef: Dass sich das Verhältnis 

zum Körper vollständig versachlicht hat, 

dass der Körper inzwischen als eine Art 

Maschine begriffen wird, die sich tendenziell 

bei entsprechender Behandlung 

regenerieren lässt, ist schon etwas 

Neues in der Menschheitsgeschichte 

und hat einschneidende Auswirkungen 

auf seine Darstellung im Bild. Damit 

schwindet im Prinzip schon der essentielle 

Unterschied zwischen Körper und 

Bild. Der Körper wird in letzter Konsequenz 

selbst zum Bild. Das Bedürfnis, 

ihn halb oder ganz nackt in der Öffentlichkeit 

zu zeigen, wie es von Sommer 

zu Sommer in ansteigender Form zu 

erleben ist, wobei dieses demonstrative 

Zeigen nicht als Appell, ihn zu berühren, 

missverstanden werden darf, illustriert 

die Sache hinreichend. Noli me 

tangere. Nur tiefe Blicke sind gestattet. 

Die Exhibitionisten begegnen den 

Voyeuren auf einer Ebene des symbolischen 

Austauschs – take and give. Laut 

»Spiegel« soll ja Autoerotik das Gebot 

der Stunde sein, ebenfalls mit steigender 

Intensität. In den Bildern von 

Robert Mapplethorpe tut sich dagegen 

noch die skandalisierende Kluft zwischen 

dem klassischen Ideal der Kalokagathie, 

des schönen Geistes im schönen 

Körper, und der abgründigen Seite 

(s)einer exzessiven sexuellen Begierde 

auf. Mit dem Schwinden der humanistischen 

Bildung geht allerdings der Sinn 

für diese kühne Art der Provokation verloren. 

Im sterilen Körper der neueren 

Aktfotografie ist das dunkle, das animalische 

Element des Menschseins gleichsam 

wegoperiert – mit Hilfe der digitalen 

Technik kein Problem und schmerzfrei. 

Narben sind nicht (mehr) zu sehen 

oder andere kosmetische »Unvollkommenheiten«. 

Übrig bleiben mehr oder 

minder attraktive Menschen in mehr 

oder minder künstlichen Verrenkungen. 

Ich habe nichts gegen hübsche Dekoration. 

Doch klinisch saubere Bilder schöner 

Frauen, schöner Männer in dekorativer 

Hin-Richtung finde ich eher belanglos 

und total unnatürlich. 

Pepper: Aber wieder sprechen Sie von 

der Masse und negieren, dass es immer 

auch Fotografen und Künstler gibt, die 

diesem Trend in keinster Weise folgen. 

Im vergangenen Jahr habe ich Bilder 

der Fotografin Benita Suchodrev gesehen, 

die Frauen um die 50 gebeten hat, 

sich erotisch bis nackt zu inszenieren, 

also Frauen, die bereits einen Großteil 

ihres Lebens hinter sich haben und 

die Narben der Zeit auf dem Körper 

tragen. Das sind keine exhibitionistischen 

Bilder und stehen völlig gegen 

den Trend, der in Hochglanzmagazinen 

präsentiert wird. Das sind Statements 

von Frauen, die sagen; hier bin ich, so 

sehe ich aus, ich bin auch noch da. Und 

ich kann mir nicht vorstellen, dass Sie, 

der sie so viel unterwegs sind und so 

viel zu Gesicht bekommen, nicht auch 

die eine oder andere Position entdecken, 

von der Sie sagen: wunderbar, 

die Aktfotografie gebe ich noch nicht 

völlig verloren. 

Klaus Honnef: Natürlich sind auch die 

Bilder von Frau Suchodrev im Prinzip 

exhibitionistische Bilder. Dagegen ist 

auch nichts zu sagen, es ist unvermeidlich, 

ebenso, dass sie sich an unsere 

voyeuristischen Gefühle adressieren. 

Ich kenne die Bilder aber nicht. Deshalb 

kann ich mir auch kein Urteil über 

sie bilden. Dass viele Frauen über 50 

eine erheblich erotischere Ausstrahlung 

haben als die sterilen Puppen- 

Schönheiten im Alter zwischen 17 und 

22 der grassierenden Casting Shows 

– geschenkt. Im Kino feiern sie von 

Meryl Streep über Kristin Scott-Thomas 

und Catherine Deneuve bis Charlotte 

Rampling derzeit große Erfolge – wunderbar. 

Nick Knight und andere sind 

noch weiter gegangen und haben die 

erotische Kraft von behinderten Körpern 

gezeigt – ohne Schlüsselloch-Perspektive, 

aber mit einem Schuss von attraktiver 

Beunruhigung. »Bilder, die noch 

fehlten« hieß unsere Ausstellung mit ein 

paar unglaublich prägnanten und anziehenden 

Beispielen dieser Sorte von Bildern. 

Das Schlimme an der gegenwärtigen 

Aktfotografie ist ja, soweit ich es 

sehe, dass sie in jeder Beziehung »politically 

correct« ist. Und penetrant züchtig 

zugleich. Wie sich ja auch die sexuelle 

Praxis im deutschen Beamtenfernsehen 

nur noch in Hut und Mantel, in voller 

Montur vollzieht, reduziert auf ein gymnastisches 

Rubbeln, also verzichtbar ist. 

Deshalb ist die momentane Aktfotografie 

auch so unerträglich langweilig – wie 

das meiste in der Kunst und der Kunstfotografie. 

Leider. In den großen Museen 

der Welt geht in den Abteilungen für 

die Kunst und Kultur vor Aufbruch der 

Moderne, die »alte Kunst« also, die Post 

erheblich vehementer ab. Ein Vergleich 

lohnt, ist aber für viele Aktfotografen 

deprimierend. Vom Gegenteil ließe ich 

mich allzu gerne überzeugen. 

Pepper: Ach, ich glaube nicht, dass 

das für die so deprimierend ist, viele 

werden das eher ignorieren. Aber die, 


49

Fotoszene 

die ein waches Auge haben, finden vielleicht 

Inspiration in diesen Museumsabteilungen, 

die ja auch Ethnologische 

Departments mit einschließen. Haben 

Sie denn gerade einen heißen Tipp, was 

man sich unbedingt anschauen sollte? 

Manchmal muss man ja auf etwas gestoßen 

werden. 

Klaus Honnef: Ich befürchte, im ersten 

Fall haben Sie recht. Wer sich allerdings 

in den Bildentwürfen der Vergangenheit 

umtut, egal ob in Kunst- oder Ethnologie-Museen, 

und sich inspirieren lässt, 

läuft Gefahr, die Grenzen dessen, was 

»politically correct« vorschreibt, zu verletzen. 

Der Kunst täte das gut, den Urhebern 

vermutlich weniger. 

Einen heißen Tipp zur Anschauung? Die 

Kunstgeschichte in den Museen der Welt 

– Prado, Louvre, Eremitage, die National 

Galerien von London und Washington, 

nicht zu vergessen die Gemäldegalerie 

in Berlin, so lange Kuratorenhochmut 

sie nicht zerstört, und in der allfälligen 

Literatur. In puncto erotischer 

Kunst, ein etwas umfassenderes Gebiet 

als die Gattung des Aktes, immer noch 

die vielen Bücher des Sammlers Eduard 

Fuchs. Vor allem wegen der immensen 

Fülle der leider schlecht reproduzierten 

Abbildungen, auch wenn die umfangreichen 

Analysen des Autors nur noch 

in Grenzen zeitgemäß sind. Nicht vergessen 

sollte man aber auch, dass der 

nackte Körper früher nicht allein erotisch-sexuelle 

Assoziationen auslösen 

sollte, sondern gerade in der christlichen 

Mythologie auch die Unschuld 

und Reinheit symbolisierte. Aus diesem 

Zwiespalt schlugen viele Künstler indes 

die ästhetischen Funken. 

Pepper: Gibt es für Sie gegenwärtige 

Aktfotografien, von denen Sie glauben, 

dass sie die Zeit überdauern werden? 

Es müssen jetzt nicht unbedingt Aufnahmen 

junger Fotografen und Fotografinnen 

sein. 

Klaus Honnef: Obwohl ich – im Rückblick 

– offenbar eine besondere Intuition 

für die Künstlerinnen und Künstler 

hatte, die fotografischen eingeschlossen, 

und deren Arbeiten bereits früh ausgestellt 

und kritisch gewürdigt habe, die 

inzwischen die visuellen Vorstellungen 

der Zeit maßgeblich prägen, bin 

ich alles andere als ein Prophet. Aus 

langer Erfahrung bin ich jedoch davon 

überzeugt, dass Bilder von Autoren, die 

selbst den anziehenden nackten Körper 

im Netz vieldeutigster Bezüglichkeiten 

zeigen, im Focus seiner hellen und 

dunklen Punkte, sowie den spezifischen 

Blick der Betrachter gleich mit thematisieren, 

die darüber hinaus noch ein 

Licht auf die kollektiven Erwartungen 

und Befindlichkeiten ihrer Zeit werfen, 

überdauern werden. Für die unmittelbare 

Vergangenheit wären das Bilder 

von u. a. Helmut Newton, Guy Bourdin, 

Bettina Rheims, Robert Mapplethorpe, 

Nan Goldin, Larry Sultan, Jürgen 

Teller, Miroslav Tichy´, Nobuyoshi Araki, 

Antoine D´Agata, Boris Mikhailov – und 

etliche andere, doch alle keine reinen 

Aktfotografen. Der Akt als Akt, als bloße 

Vergegenwärtigung eines nackten weiblichen 

oder männlichen Körpers, ist, 

glaube ich, kein herausforderndes Bildthema 

mehr. 

Pepper: Wie bewerten Sie eine Position 

wie die von Terry Richardson, der 

sich erfolgreich im Spektrum zwischen 

harter Pornografie und Modefotografie 

bewegt? 

Klaus Honnef: Grundsätzlich ist er einer 

der Fotografen, die realisieren, was ich 

von einem »notwendigen Bild« (Robert 

Bresson) erwarte. Seine Gefahr ist allerdings, 

dass er den Verlockungen des 

Kommerzes und des Spektakulären 

allzu oft nachgibt. Viele seiner Bilder 

fallen demzufolge ziemlich vordergründig 

aus und huldigen lediglich dem Voyeurismus, 

ohne dass sie jenes Quäntchen 

Erschrecken und Schaudern mitliefern, 

das sie von einer auf pornographische 

Elemente setzende Werbefotografie 

abhebt. 

Pepper: Ich denke, dass Richardson 

ein Phänomen unserer Zeit ist. Sexualität 

bis hin zur harten Pornografie 

ist heutzutage in unserer Gesellschaft 

kein Tabu mehr und wird von vielen 

auch nicht mehr als anstößig empfunden, 

was meiner Meinung nach auch 

in Ordnung ist. Interessant ist aber 

etwas, das mir eine befreundete Studentin 

kürzlich erzählt hat, nämlich 

dass etliche ihrer Kommilitonen und 

Kommilitoninnen gar nicht mehr in 

der Lage sind zwischen einem künstlerischen 

Akt und reiner Pornografie 

zu unterscheiden. Und genau deshalb, 

weil es immer häufiger keinerlei Unterscheidung 

mehr gibt, kann eine Person 

wie Richardson beispielsweise für ein 

Modelabel wie Sisley erfolgreich Kampagnen 

mit starken pornografischen 

Andeutungen fotografieren. Es irritiert 

dann auch keinen, dass er parallel 

dazu reine Pornografie, zum Teil mit 

ihm selbst als Akteur, in einem Buch 

wie »Kibosh« publiziert. Dabei ist das, 

was in »Kibosh« zu sehen ist grottenschlecht. 

Und ich wage zu bezweifeln, 

dass er in Zukunft wegen seiner Künstlerischen 

Qualität im Bewusstsein bleiben 

wird. Ich halte da einen Fotografen 

wie Nobuyoshi Araki für sehr viel interessanter. 

Klar, auch Araki macht viele 

banale pornografische Aufnahmen, 

aber sein Spektrum ist doch wesentlich 

vielschichtiger. »Tokyo Lucky Hole« 

beispielsweise geht über das Pornografische 

und Narzisstische hinaus – 

Araki zeigt sich darin ja auch selbst als 

teilnehmenden Akteur – weil es eine 

konsequente fotografische Dokumentation 

eines berühmten Rotlichtviertels 

in Tokyo ist. Auch etliche seiner 

Bondagefotos haben eine klare ästhetische 

Qualität und reichen über den 

bloßen Skandal und die reine Pornografie 

weit hinaus. Ich habe beispielsweise 

die Ausstellung »Kinbaku« in der 

Jablonka Galerie 2008 in Berlin noch 

in guter Erinnerung. 

Klaus Honnef: Womöglich haben Sie 

recht. Ich ziehe ebenfalls Araki vor. 

Er scheint ernsthafter und obsessiver 

zu sein. Richardson schielt mit einem 

Auge - nach meiner Ansicht - immer 

auf die Betrachter. Er will seine Bilder 

stets verkaufen, und da schreckt er 

offenbar vor nichts zurück. Andererseits 

ist sein Vorgehen symptomatisch 

für unsere auf Verkauf und Konsum versessene 

Gesellschaft. Als Dokumente 

einer primär konsumorientierten Einstellung 

sind seine Bilder außerordentlich 

signifikant. Wenn auch nicht mein 

Ding. Aber an diesem Beispiel lässt sich 

leicht illustrieren, wie unsere ästhetischen 

Urteilskategorien durch ästhetische 

Praxis ihre Griffigkeit eingebüßt 

haben. Niemand würde Richardsons 

Bilder unter dem Begriff »Doku- 


Fotoszene 

Pepper, © Jan Sobottka, 2013, (O.i.F.) 

mentarfotografie« subsumieren. Dabei 

besteht kein Zweifel, dass sie »dokumentarisch« 

sind, weil sie das Inszenierte 

als Inszenierung sichtbar machen 

und nicht so tun als ob. Deshalb bin ich 

auch mit einer Bewertung vorsichtiger 

als Sie. Sie mögen von einem bestimmten 

ästhetischen Gesichtspunkt »grottenschlecht« 

sein. Gleichwohl waren 

»Bad Paintings« Ende des 20. Jahrhunderts 

ein wichtiger Beitrag der zeitgenössischen 

Malerei zur Bildkunst, weil sie 

mit herkömmlichen Konventionen brachen. 

Ich bereite gegenwärtig eine Rede 

über Andy Warhols Fotografien für eine 

Galerie in Zürich vor. Über den Künstler 

habe ich schon 1989 eine Monografie 

veröffentlicht, die in über zehn Sprachen 

übersetzt wurde und bisher x-Auflagen 

erreicht hat. Nicht von ungefähr. 

Denn ich habe beschrieben und analysiert, 

wie seine künstlerische Haltung 

und sein Werk die Maßstäbe der Kunst 

– Fotografie und Film eingeschlossen – 

regelrecht umgestürzt haben. Seither 

müssen wir unsere Maßstäbe auch in 

Sachen Aktfotografie völlig neu justieren. 

Und in puncto dieser Bestrebungen 

stehen wir noch ganz am Anfang. 

Pepper: Ja, da mag ich nun meinerseits 

etwas zu voreilig und impulsiv 

in meiner abschließenden Bewertung 

sein. Ich lasse mich da mal überraschen. 

Dass Sie jetzt über die Fotografie 

von Warhol reden werden, finde 

ich ja interessant. Ich hatte Ende der 

1990 Jahre in der Hamburger Kunsthalle 

eine Ausstellung über alle Aspekte 

der Fotografie in Warhols Gesamtwerk 

gesehen und war seinerzeit sehr beeindruckt. 

Welche Bedeutung hat die Warholsche 

Fotografie in Ihren Augen für 

die Gegenwart? Gehen von ihr noch 

wichtige Impulse aus? 

Klaus Honnef: Warhol hat die Kunst 

wie kein anderer Künstler der zweiten 

Hälfte des 20. Jahrhunderts verändert. Er 

hat ihre Parameter geradezu umgepolt. 

Man kann die Kunst der letzten Jahrzehnte 

in eine Kunst vor und eine nach 

Warhol einteilen. Seither sind ästhetische 

Kriterien wie »gut gemacht« oder 

»gut gemalt« hinfällig, haben den gleichen 

Rang wie das inhaltsleere »gefällt 

mir« bei Facebook, haben als ästhetische 

Maßstäbe ausgedient. Warhol 

Impulse sind mit anderen Worten längst 

wirksam. 

Pepper: Unter anderem hat Warhol sich 

intensiv mit dem nackten, erotischen 

männlichen Körper auseinandergesetzt, 

auch ganz explizit mit dem männlichen 

Geschlechtsteil und dem Sexualakt, den 

er fotografiert und als Silkscreen veröffentlicht 

hat. Für Warhol war die Fotografie 

aber vor allem Ausgangspunkt für 

seine kommerziellen Portraits und für 

seine freien Arbeiten; die eigentlichen 

Werke waren dann die Bilder und Siebdrucke. 

Später hat er dann Berühmtheiten 

für seine Zeitschrift Interview 

fotografiert. Für mich sind es gerade 

die Fotografien Warhols, die in ihrer 

Authentizität und ihrem Materialcharakter 

noch heute betören. 

Klaus Honnef: Nachdem er die Madison 

Avenue und damit eine erfolgreiche 

Karriere als Designer aufgegeben 

hatte, um »freier« Künstler zu werden, 

unterschied Andy Warhol nie zwischen 

freier und Auftrags-Kunst. Ebenso 

wenig wie zwischen Fotografie, Malerei 

(meist ja Siebdruck), Skulptur, Film, 

Zeitschrift, zwischen malen, fotografieren, 

filmen, drucken, schreiben oder 

sammeln. »All is pretty«, einer seiner 

vielen inflationär zitierten Sätze, fasst 

seine Haltung präzis zusammen und 

bezieht sich nicht auf Äußerlichkeiten. 

Entsprechend gleichgültig waren 

ihm die Motive seiner ästhetischen 

Bearbeitungen. Mit ihm ist in der zeitgenössischen 

Kunst an Stelle des bürgerlichen 

Kunstgenies der coole Beobachter, 

Kommentator, Macher, Organisator 

(eher eine Haltung, die in der 

Fotografie zählt) getreten. Auch nicht 

mehr im Einzelbild äußert sich seither 

die Essenz des künstlerischen Wollens, 

sondern in der Bildserie, der Bildreihe. 

Warhols entscheidender Beitrag zur 

Kunstgeschichte ist, dass er den künstlichen 

Charakter der Kunst ernst genommen 

hat. So war Marilyn Monroe nie 

eine individuelle Person, sondern ein 

Geschöpf Hollywoods und als »Sexsymbol« 

ein Produkt millionenfacher (meist 

männlicher) Phantasie. Daran ist Norma 

Jean Baker zerbrochen. Indem Warhol 

sie zur Ikone erhob – zu ihren Lebzeiten 

gab es höher bezahlte weibliche Stars 

und berühmtere – hat er ihr gleichsam 

ein Stück Lebendigkeit zurückgegeben – 

um den Preis des Lebens allerdings. 

Pepper: Der männliche Akt ist in der 

öffentlichen Wahrnehmung nicht so 

verbreitet, obwohl er natürlich genau 

so existiert wie der weibliche. Im künstlerischen 

Bereich waren es seit den 

1960er Jahren unter anderem Robert 

Mapplethorpe, Arthur Tress, Duane 

Michals, Herb Ritts, Peter Hujar und 

ein paar andere, die hier neue Akzente 

gesetzt haben. Gibt es in ihren Augen 

eine unterschiedliche Entwicklung zwischen 

männlichem und weiblichem 

Akt? Also in den vergangenen Jahrzehnten. 

Klaus Honnef: Schwierige Frage. Ich 

sehe Unterschiede, bin aber ein Mann. 

Die männlichen Akte, die ich kenne und 

die vor allem von den Fotografen stammen, 

die Sie nennen, sind direkter, fordernder 

und vielleicht (????!!) weniger 

voyeuristisch als die weiblichen Akte, 

die Männer fotografiert haben. Vermutlich 

nur in einem anderen Sinne 

anziehend und verführerisch. Würde 

man jedoch ein Auto, das vorwiegend 

auf weibliche Käuferschicht zielt, mit 

einem halbausgezogenen Mann bewerben? 

Andererseits kenne ich von Fotografinnen 

fotografierte weibliche Akte, 

die sexuell herausfordernder, appellativer 

und abgründiger sind als die meisten 

von Fotografen fotografierten Akte. 

Ich kann die Frage also nicht mit einem 

klaren Ja oder Nein beantworten. 

www.klaushonnef.de 

www.pepperproject.de 


51

Portfolio Christian Werner 

Christian Werner 

»Charcoal Children« 

Christian Werner is a freelance photographer 

based in Nordstemmen, Germany. 

As a teenager he developed his interest 

in photography while travelling to foreign 

countries. 

Since 2009 he’s studying photojournalism 

at the University of Applied Sciences 

in Hannover. 

His main interests are social diversity 

and global political issues. The areas of 

interest is mainly the arabic world and 

culture. 

Chris worked in various countries in 

Asia, Africa, Eastern Europe and South 

America. 

His work has been exhibited internationally. 

He welcomes assignments 

local and overseas and. 

Since 2012 Christian is represented by 

agency laif. 

Vita 

1987 – born in Hannover. 

2007 – final secondary-school examinations. 

2008 – seven-month practical course 

at the photography department of the 

newspaper »Neue Presse«, Hannover. 

2009 – begin of photojournalism study 

at the University of Applied Sciences in 

Hannover. 

2012 – represented by agency laif. 

2012 – four-month practical course at 

the photography and multimedia department 

of the magazine »DER SPIEGEL«, 

Hamburg. 

Awards 

2012, »BEST PORTFOLIO«- competition, 

3rd , Freundeskreis des Hauses 

der Photographie e.V. 

2012, Unicef Photo of the Year, Honorable 

Mention, Unicef. 

2013, Canon ProfiFoto Award 13/1, 

winner, Profifoto. 

2013, PDN photo annual, winner, Pdn 

photo annual. 

2013, px3 Prix de la Photographie Paris, 

gold medal, px3. 

2013, brennpunkt AWARD, winner, 

brennpunkt Magazin. 

© Christian Werner 


2013, American Aperture Awards, 2 x 

winner, ax3. 

2013, dpa news talent, 2nd, dpa news 

talent 

2013, Axel-Springer-Preis, finalist, Axel- 

Springer-Preis. 

2013, Alexia Foundation Professional 

Grant, finalist, Alexia Foundation. 

2013, Eugene Smith Grant, finalist, 

Eugene Smith Memorial Fund. 

2013, Kindernothilfe Medienpreis, 

winner, Kindernothilfe. 

2013, Felix Schoeller Photo Award, 

nominated, FSPA. 

2013, JGS Photography Contest, runnerup, 

Forward Thinking Museum. 

2013, 68th College Photographer of the 

Year, gold + bronze medal, CPOY. 

2013, Fellowship 14, Commendation 

Award, Silver Eye Center for Photography. 

www.werner-photography.com 

Im Rahmen des »browse fotofestival 

berlin 2013«, wurde dieses Portfolio 

mit einem brennpunkt AWARD ausgezeichnet. 





53









55







57







59

Portfolio Pavel Sticha 

OSTERINSEL 

Der aus Tschechien stammende und 

in Berlin lebende Fotograf Pavel Sticha 

hat sich international einen Ruf erarbeitet 

mit Fotografien aus 55 Ländern, und 

natürlich aus seiner zweiten Heimat 

Berlin. Gerade hat er in der Galerie des 

Theaters seiner Heimatstadt Podêbrady 

eine Ausstellung vorgestellt mit Bildern 

von den Osterinseln. 

Reporter: Pavel Sticha, Sie haben 55 

Länder bereist, viele davon mit Ihrem 

Assistenten Philip. Die Zusammenarbeit 

war immer sehr erfolgreich. Aber dieses 

Mal konnte Philip nicht dabei sein. 

Pavel: Leider, leider. 

Reporter: Wieso haben Sie ausgerechnet 

die Osterinseln aufgesucht? 

Pavel: »Schuld« sind meine Schwester 

und Thor Heyerdahl. Ich bekam von 

meiner Schwester in den 80er Jahren 

das Buch »Das letzte Paradies« des 

tschechischen Schriftstellers Miloslav 

Stingl über Polynesien geschenkt. Und 

natürlich kannte ich die Südsee-Bilder 

von Paul Gauguin. Dann las ich in der 

Zeitung, dass der tschechische Ingenieur 

Pavel Pavel eine der großen Figuren 

auf den Osterinseln, die Moai genannt 

werden, »zum Laufen brachte«. Der 

Artikel blieb mir auch deswegen in Erinnerung, 

weil ich zunächst dachte, dem 

Journalisten wäre ein Fehler unterlaufen: 

Die Namens-Kombination »Pavel 

Pavel« ist selbst in Tschechien sehr 

ungewöhnlich. 

Reporter: Warum sind Sie dann erst jetzt 

auf die Osterinseln geflogen? 

Pavel: Ich wäre beinahe schon früher 

dorthin gekommen. Beim Rückflug 

von Argentinien, wo ich einen Auftrag 

für die Steakhaus-Kette Maredo hatte, 

machte ich einen Zwischenstopp in 

Santiago de Chile. Ich hätte von dort 

gleich weiter auf die Osterinseln fliegen 

können, bekam aber leider kein 

Flugticket mehr. 

Reporter: Was gab den Ausschlag für die 

Reise in diesem Jahr? 

Pavel: Ich war mit meiner Frau Martina 

in Neuseeland, und sah in einem Reisebüro 

eine Werbung für die Osterinseln. 

Da dachte ich: »Jetzt oder nie!« Im 

März bin ich dann mit meinem Freund 

dorthin geflogen. 

© Pavel Sticha, (Original in Farbe) 

Reporter: Ist es schwer, zu den großen 

Figuren, den Moai, zu kommen? 

Pavel: Nein, das ist wie mit der Siegessäule 

in Berlin – jeder findet sie. 

Reporter: Wie ist es mit den Bedingungen 

zum Fotografieren? 

Pavel: Das Wetter kann zum Problem 

werden. Wir hatten an neun Tagen 

Regen, an zwei Tagen konnten wir gar 

nichts machen. 

Reporter: Welche Erfahrungen haben 

Sie mit den Menschen gemacht? 

Pavel: Die Menschen dort sind sehr nett. 

Einer hat uns einen Tipp gegeben, wo 

es die einzige Figur im Landesinneren 

zu finden gibt. 

Reporter: Was hat Sie noch auf der Insel 

fasziniert und beeindruckt? 

Pavel: Der Besuch im Museum. Dort 

weiß man alles über Pavel Pavel. 

Reporter: Wissen Sie jetzt selbst mehr 

über die Osterinseln? 

Pavel: Es gibt verschiedene Theorien 

über Transport der Moais. Einheimische 

sagen, sie sind gekommen. 

Und das hat Pavel Pavel und Thor Heyerdahl 

mit einem Versuch 1986 bewiesen. 

Christian Schindler 





61








63







65








67







69

Fotoszene 

Fotoclub Roth – 

hochklassige Amateur- 

Photographie seit 

dreieinhalb Dekaden 

Der Fotoclub Roth besteht seit 1979, 

also nunmehr seit fast 35 Jahren. Aus 

den wenigen Gründungsmitgliedern 

von damals entwickelte sich im Lauf 

der Zeit eine Gruppe von rund 35 eingeschriebenen 

Photographie-Begeisterten, 

deren Arbeits- und Interessenspektrum 

von klassischem schwarz/weiß bis 

hin zur Infrarotphotographie reicht. Der 

Verein bzw. seine Mitglieder nehmen 

seit langem regelmäßig und v.a. auch 

regelmäßig erfolgreich an regionalen 

wie überregionalen jurierten Ausstellungen 

und Wettbewerben teil und 

präsentieren ihre Arbeiten gelegentlich 

sogar im Ausland, wie in Polen und 

Finnland. 

Der Fixstern des Vereins ist naturgemäß 

die »eigene«, jährlich stattfindende S/W- 

Ausstellung. Diese fachkundig jurierte 

und auch mit ansehnlichen Preisgeldern 

dotierte Ausstellung präsentiert jeweils 

ca. 120 aus allen Einsendungen ausgewählte 

Werke in den Räumen der Kulturfabrik 

Roth, deren lichtdurchflutetes 

sachliches Ambiente sich zu diesem 

Zweck bestens eignet. An dieser Ausstellung 

kann übrigens jeder Amateurund 

Profifotograf teilnehmen. Einige 

Ausstellungsimpressionen und natürlich 

auch nähere Informationen zum Fotoclub 

Roth im Allgemeinen finden sich 

unter: www.fotoclub-roth.de. 

Dirk Ringehahn, der Vorsitzende und 

Leiter der Gruppe sagt: 

»Wie in jedem Verein gibt es auch bei 

uns mehr und weniger aktive Mitglieder. 

Der harte Kern der Aktiven zählt 

derzeit rund 15 Köpfe. Im Verhältnis zur 

Mitgliederzahl ist dies erfahrungsgemäß 

eine recht gute Quote - vor allem wenn 

man bedenkt, dass diese 15 Photographen 

nicht einfach nur regelmäßig aktiv 

photographieren, sondern an jurierten 

Wettbewerben teilnehmen und mit 

Ihren Photographien sich online und 

in verschiedenen Foren, wie Modelkartei 

und der fotocommunity messen. 

Wir sind stolz drauf, nicht nur für die 

Schublade zu photographieren, sondern 

unsere Werke auch öffentlich zu präsentieren 

- in letzter Zeit z.B. in Ausstellungen 

der Metropolregion Nürnberg sowie 

in diversen Galerien von Unternehmen 

und öffentlichen Einrichtungen«. 

Ein Ausstellungsaustausch mit einem 

englischen Fotoclub (in einer Rother 

Partnerstadt) ist übrigens gerade in Vorbereitung. 

Daneben stehen in Kürze 

auch wieder einige gemeinsame Tagestouren 

an. 

Außerdem bieten einige Mitglieder 

aktuell wieder Volkshochschul-Kurse 

zu den Grundlagen der Photographie 

und zur Bildbearbeitung mit Photoshop 

an, sogar eine Photowoche 

auf den Azoren mit Leitung ist dabei. 

Dirk Ringehahn 

Dirk Ringehahn: 

»Persönlich freue ich mich besonders 

auf einen bald stattfindenden Workshop 

im Volksbad Nürnberg, einem wunderschönen 

Jugendstil-Hallenbad, das 

architektonisch stark an römische Thermen 

erinnert und vor etlichen Jahren 

stillgelegt wurde. Mindestens ebenso 

wichtig wie all diese Aktivitäten ist mir 

als Vorsitzenden allerdings, dass unser 

aktiver harter Kern sowohl nach Alter 

und Persönlichkeiten als auch nach Interessen 

gut durchmischt ist. Unter uns 

finden sich typische Reisephotographen 

ebenso wie künstlerisch ambitionierte 

Aktspezialisten, akribische Stillleben 

Arrangeure und experimentier- freudige 

Photoshop -Nerds«. 

© Andreas Michel, »TT« 

© Andreas Michel, »water girl« 

Folglich haben wir auch keinen echten 

thematischen Schwerpunkt. Landschaft, 

Stillleben, Portrait und Akt sind 

im Grunde gleichermaßen beliebt 

und anerkannt - und auch ein guter 

Schnappschuss steht immer hoch im 

Kurs. Aus diesem breiten Themenspektrum 

ergibt sich allerdings zwangsläufig, 

dass wir keineswegs eine einheitliche 

Meinung zu technischen und ästhetischen 

Fragen vertreten. Es ist ein Glücksfall, 

dass uns die ausgesprochen gute 

Atmosphäre innerhalb der Gruppe seit 

vielen Jahren ermöglicht, diese meist 

sehr unterschiedlichen Meinungen bzw. 

vor allem deren Differenzen ausgesprochen 

zwanglos und offen zu diskutieren. 

Bei unseren internen monatlichen 

Bildbesprechungen geht es deshalb oft 

auch richtig zur Sache – aber gerade 

unsere Uneinigkeit in photographischen 

Fragen empfinden wir als großen 

Gewinn, denn erst die ständige Diskussion 

und Kritik regen die Kreativität an 

und eröffnen uns allen immer wieder 

neue Perspektiven und neue Ideen. 

Wünsche…Ja, wie jeder Verein oder 

Club wünscht man sich in den heutigen 

Zeiten, dass die alten aktiv bleiben, 

junge dazu kommen und durch diese 

Mischung viel Interessantes und Kreatives 

entsteht. 

Dirk Ringehahn 

Leiter des Fotoclubs der städt. vhs Roth 


Fotoszene 

© Heinz Ripka, »Brandung« 

© Thilo Bittner, »Nebel« 


71

Fotoszene 

© Dirk Ringehahn, »sea world« 

© Christine Trautner, »Brücke« 


Fotoszene 

© Bernd Weyrauch, »im Nebel« 

© Günther Blösl, »An der Küste« 


73

Fotoszene 

© Günther Mühlöder, »kein Ausweg für den Falter« 


Fotoszene 

© Peter Wedig, »Lazise« 

© Tamara Ambrunn-Weinrich, »Strandkorb« 


75

Fotoszene 

© Ralph Engelhardt, »Macho« 


Fotoszene 

© Matthieu Favre, »Roller Speed« 

© Heiko Würth, »Turmland Nürnberg« 


77

Fotoszene 

© Rudolf Auernhammer, »Ziegenbart« 

© Franz Künstler, »A apple a day« 


Fotoszene 

© Günther Ullmann, »Rapunzel« 


79

Fotoszene 

Plädoyer für ein festes 

Juryteam 

Mal ehrlich, geht es Ihnen nicht 

genauso? Sofern Ihre Bilder bei einem 

Wettbewerb ausgezeichnet werden, 

waren sicherlich »gute Juroren« am 

Werk. Wenn Ihre Bilder »im Keller« 

landen, ist es mal wieder ein willkommener 

Anlass die Kompetenz der Jury in 

Frage zu stellen. 

Bei hinreichender Anzahl von Teilnahmen 

an solchen Veranstaltungen, 

werden Sie aber feststellen, dass Sie mal 

auf der einen - und mal auf der anderen 

Seite des Grabens landen. Also haben 

Sie wahrscheinlich für sich dann schon 

eine Liste von »guten und schlechten« 

Juroren im Kopf gespeichert. 

Wenn es mal so einfach wäre... 

Seitdem ich die Wettbewerbsszene 

kenne, hat man sich damit abgefunden, 

dass Bilder auf der einen Seite 

»im Keller« landen und auf der anderen 

Seite hoch dekoriert werden. 

Ich konnte das nie so richtig akzeptieren 

und habe mich immer nach dem 

»warum« gefragt. Wenn man diese Frage 

im Kollegenkreis diskutiert, bekommt 

man häufig die gleiche Antwort: »Kunst 

ist eben subjektiv und sei keine Mathematik!« 

Die Beurteilung von Kunst mag ja subjektiv 

sein - aber sie ist keinesfalls beliebig! 

Sonst würde es keine Bewerbungsmappen 

für Fachhochschulen, oder 

Abschlussprüfungen an Universitäten 

im Fachbereich Kunst geben. 

Warum redet man dann in der fotografischen 

Wettbewerbsszene immer »vom 

Geschmack der Jury«? 

Für mich ist das ein »Unwort des Jahres«. 

Der persönliche Bildgeschmack eines 

Jurors hat bei den Auswahlkriterien 

keine Rolle zu spielen. Ein Jurykollege 

hat mal bei der Bewertung von 

Bildern zu mir gesagt »das Bild gefällt 

mir«. Darauf habe ich ihm geantwortet 

»dann kaufe es und hänge es Dir an 

die Wand«. 

Jurieren bedeutet das Anwenden von 

Auswahlkriterien auf eine Bildmenge 

zum Zwecke der Selektion durch ein 

Gutachtergremium! 

Die Auswahl von Juroren 

Seien wir doch mal ehrlich, oft haben 

Veranstalter schon die Musikgruppe für 

die Eröffnung einer Fotoveranstaltung 

gebucht, bevor ihnen einfällt, dass sie 

ja vielleicht noch Juroren brauchen, 

die die Bilder aussuchen. Und das geht 

dann nach dem Motto: »Wer kennt da 

jemanden...« und wer verursacht die 

geringsten Spesen. 

Die Benennung von Juroren durch Veranstalter 

ist daher häufig ein reines Lotteriespiel. 

Früher konnten Juroren ihre Inkompetenz 

auch immer hinter der Anonymität 

der Punktewertung verstecken und 

da es als normal angesehen wurde, dass 

Ergebnisse von Wettbewerben höchst 

unterschiedlich sind (siehe oben), 

konnte der Juror wenn er ein schlaues 

Gesicht gemacht hat und freundlich war, 

damit rechnen auch weiter gereicht zu 

werden. Wenn der Name dann immer 

häufiger als Juror in Katalogen auftauchte, 

galt er als etabliert und wurde 

immer häufiger eingeladen. 

Das klappt heute zum Glück nicht 

mehr. In der modernen Debattenjury 

beim Rundensystem, muss jeder Juror 

»die Hosen runterlassen« - natürlich 

fachlich gesehen! Spätestens bei der 

Begründung seiner Entscheidung kann 

sich jeder ein Urteil über die fachliche 

Qualifikation eines Jurors machen. 

Auch die Besetzung im Viererteam fördert 

die intensive Auseinandersetzung 

zwischen den Juroren - es kann eben 

nicht wie bei dem historischen Dreierteam 

einfach überstimmt werden, 

weil schon der Magen knurrt und man 

schnell an den Futtertrog will. 

Glauben Sie mir bitte, bei dreissig 

Jahren Juryerfahrung - habe ich alles 

schon erlebt! 

Nun will ich auch nicht zu schwarz 

malen. Es gibt selbstverständlich auch 

eine Reihe von ganz ausgezeichneten 

fachlich versierten Juroren. Aber auch 

die haben ein Problem. Nämlich die Tatsache, 

das es keine verbindlichen Richtlinien 

gibt. Es fehlt gewissermaßen das 

übergreifende fachliche Regelwerk an 

dem man sich einerseits orientieren, 

aber andererseits auch neue Erkenntnisse 

hinzufügen kann. 

Juryteam 

Es ist ja nun nicht so, dass diese Problematik 

im DVF nicht gesehen wird und 

es gab ja auch schon Versuche etwas 

zu ändern. Zum Beispiel die Jurorenschulungen, 

die Wilfried Müller und ich 

im Auftrag des Verbandes durchgeführt 

haben. Es hat sich aber gezeigt, dass 

zu den Teilnehmern überwiegend Fotogruppen 

gehörten, die zwar an dem 

Thema interessiert waren, aber eigentlich 

nicht zu der erwünschten Zielgruppe 

der aktiven Juroren gehörten. 

Meiner Meinung nach, muss es verbindliche 

Bewertungskriterien für Bilder 

geben, die von einem kompetenten 

Team entwickelt werden, welches auch 

für die verbindliche Umsetzung sorgt. 

Diese Bewertungskriterien müssen 

natürlich immer dem aktuellen Wissensstand 

der künstlerischen Fotografie 

und der technischen Entwicklung angepasst 

und publiziert werden. 

Die Veröffentlichung der Bewertungskriterien 

gehört zu den wichtigsten Erfordernissen, 

denn nur daran kann ein Wettbewerbsteilnehmer 

sich orientieren und 

auch die Ergebnisse überprüfen. 

Mit dem Dreiklang der Siebziger Jahre 

»Idee - Umsetzung - Technik« kommen 

wir heute nicht mehr sehr weit. 

Man sollte bei der gleichen Wettbewerbsgruppe 

(zum Beispiel Bundesfotoschau) 

die Viererjury immer mit zwei 

Leuten aus diesem »Entwicklungsteam 

»besetzen - gewissermaßen als »Qualitätsbeauftragte«. 

Mindestens so lange, 

bis es einen kompetenten Pool an Juroren 

gibt, die die Kriterien umsetzen 

können. 

Wenn jemand sagt, bei konstanter Jury 

käme immer »dasselbe« raus, ist es 

natürlich Quatsch, weil der Charakter 

einer Ausstellung von den Einsendern 

abhängt, nicht von der Jury (zumindest 

bei der hier angedachten Modernisierung 

des Systems). 

Eine gute Jury muss sämtlichen Genres 

der Fotografie gerecht werden können 

und die Qualifikation haben, diese zu 

beurteilen. 

Außerdem adaptiert sich eine feste Jury 

auch an den wiederkehrenden Einsendungen 

eines bestimmtes Wettbewerbs 

und kann so immer feinere Kriterien für 

dessen Bewertung entwickeln. 

Vielleicht kann man in Zukunft dahin 

kommen, dass Bewertungen in der Fotografie 

nachvollziehbarer sind und nicht 

mehr den Eindruck einer Lotterie vermitteln. 



Buchbesprechung 

Faszinierende Photoshop- 

Scott Kelbys Photoshop für 

Digitalfotografen 

Erfolgsrezepte zum Arbeiten mit CS6 

und CC 

Scott Kelby 

Verlag: dpunkt.verlag 

ISBN: 978-3-86490-112-6 

484 Seiten, Festeinband, komplett in 

Farbe 

36,90 Euro 

Na, da ist er endlich wieder - der Guru 

der Bildbearbeitung aus den USA! 

Wenn Sie also noch Wissensbedarf zu 

Photoshop CS6 oder CC haben, bei 

Scott Kelby finden Sie Lösungen. Und 

wenn Sie meinen, Sie wüßten alles, 

dann liefert Ihnen das Buch Fragen, auf 

die Sie nie gekommen wären - fairerweise 

natürlich auch die zugehörigen 

Antworten. Der Aufbau der Kapitel ist 

nicht nur didaktisch hervorragend, nein 

auch der Schreibstil von Kelby ist einfach 

vergnüglich und unterhaltsam zu 

lesen. 

Nicht von ungefähr gehören seine 

Werke jedes Jahr zu den literarischen 

Preisträgern ihrer Klasse. Ich freue mich 

sehr, dass jetzt offensichtlich auch der 

dpunkt Verlag diesen hervorragenden 

Autor unter Vertrag hat. 

Meiner Meinung nach gehört dieses 

Buch in jedes Regal, das sich auch nur in 

der Nähe eines Bildbearbeitungsrechners 

befindet - eine absolute Empfehlung! 


Welten 

mit Peter »Brownz« Braunschmid 

Verlag: Galileo Design 

ISBN: 978-3-8362-2756-8 

DVD - 11 Stunden Gesamtspielzeit 

39,90 Euro 

Wer Spaß an verblüffenden Composings 

und surrealen Bilderwelten hat, 

ist hier genau richtig! Peter »Brownz« 

Braunschmid ist ein ausgesuchter Experte 

in Sachen Bildmontagen - gewissermaßen 

der österreichische Ulli Staiger... 

Im Gegensatz zu vielen reinen Demonstrationsvideos, 

können Sie hier am Bildschirm 

alle Schritte selbst nachvollziehen. 

Und wer Lust auf computergenerierte 

3D-Elemente hat, wird in diesem 

Video auch entsprechende Anleitungen 

finden. Selbst wenn man nicht sämtlichen 

aufwändigen Konstrukten folgen 

möchte - eine Anregung und technische 

Hilfestellung für eigene Ideen findet 

man auf jeden Fall. 

Und keine Angst, obwohl Österreicher, 

der Autor spricht ein klares Hochdeutsch 

mit sympathisch eingefärbten 

Akzent! 

Wer vorab schnuppern möchte - auf 

der Verlagsseite gibt es ein kostenloses 

Demonstrationsvideo. 


LUMIX GX7 

System Fotoschule 

Frank Späth 

Verlag: Point Of Sale Verlag 

ISBN: 978-3-941761-41-1 

288 Seiten mit 450 farbigen 

Abbildungen 

28,00 Euro 

Der Produktionszyklus dreht sich immer 

schneller - da kann einem ganz schwindelig 

werden. 

Auf den Neuerscheinungen der Lumix- 

Reihe von Panasonic, folgt unmittelbar 

das entsprechende Fachbuch von Frank 

Späth. Man könnte direkt den Eindruck 

gewinnen, dass der Autor heimlich als 

Entwicklungsingenieur bei Panasonic 

mitarbeitet - so schnell und präzise 

erscheinen seine Fachbücher. 

Wie auch immer, wer diese neue edle 

Kamera der Lumix-Reihe sein eigen 

nennt, kommt an dem Buch nicht vorbei. 

Was Sie hier über die Technik und das 

Handling des Apparates erfahren, kann 

keine Bedienungsanleitung leisten. 

Die meisten Fotografen nutzen ja nur 

einen Teil ihrer Möglichkeiten aus - weil 

sie viele Features gar nicht kennen. 

Dieses Werk hilft ihnen endlich mal den 

Durchblick zu bekommen und dann in 

vollem Wissen die Entscheidung zu treffen, 

was sie nutzen wollen. 



81

Vorschau 2/2014 

brennpunkt 2-2014 

erscheint am 

4. April 2014 

6. Europäischer Monat 

der Fotografie 2014 

Portfolio 

Manfred Carpentier 

© Manfred Carpentier, »cuban-coffee« 

© Ingelore Willing, Serie: »Reiher«, (O.i.F.), Ausgezeichnet mit einer »Medaille« 

bei der DVF-Landesfotoschau Berlin 2013. 

Die Fotosequenz »Cuban Coffee« entstand 

- wie zwei weitere Fotosequenzen 

- im Winter 2011 in Miami Beach, Florida, 

USA. Sie alle wurden realisiert mit 

einer digitalen Panasonic-Reisekamera. 

Die Sequenz »Cuban Coffee« wurde in 

gehender Bewegung aus Oberschenkelhöhe 

fotografiert ohne durch den Sucher 

zu sehen. Es entstanden »zufällige« Aufnahmen. 

Die Fotografien wurden zu 

einem Kontaktbogen zusammengefügt. 

Von diesem wurden eher assoziativ Ausschnitte 

gewählt. 

Carpentier wurde 1954 in Gerolstein 

geboren. Nach zahllosen abgebrochenen, 

überwiegend geisteswissenschaftlichen 

Universitätsstudien in Berlin, war 

er erst als Fahrer für Süßwaren und Zeitungen 

und dann drei Jahre als Nachtwächter 

tätig. Schließlich begann er 

1985 auf Drängen einer Frau eine Ausbildung 

zum Diplombibliothekar und verabschiedete 

sich damit ins kleinbürgerliche 

und kreativ-freie Leben. Er bekam 

einen Sohn und wurde unkündbar. Erst 

2004 kehrte Carpentier zurück. 2010 

gründete er eine Privatgalerie. Carpentier 

ist Herausgeber einer Edition von 

Künstlerbüchern. Gelegentlich nimmt 

er eine Kamera in die Hand. 

Nils Stelte 

Von A nach B mit New Yorker Subway 

zu kommen kann atemberaubend sein: 

jammende Musiker; Geschäftsmänner, 

die bei ihrem Lieblingslied mitsingen 

oder Liebespaare, die jeden Fahrgast 

mitbekommen lassen, wie schwierig 

doch Beziehungen sein können - und 

dies in zumeist überfüllten Waggons. 

Überwältigt von diesen lebendigen Eindrücken 

zogen mich die stillen Momente 

der pulsierenden Stadt an: Menschen, 

die sozialen Interaktionen aus dem Weg 

gehen, müde, gedankenverloren warten 

oder andere beobachten. 

Nils Stelte wurde 1989 in Berlin geboren. 

Er hat Soziologie-, Politk- und Kulturwissenschaften 

an der Humboldt 

Universität studiert. Sensibilisiert für 

gesellschaftliche Thematiken wandelt 

er diese fotojournalisitisch um. Seine 

Arbeiten wurden unter anderem im 

C / O Berlin ausgestellt. Als Hospitant 

hat er in den Fotoredaktionen der Agentur 

MAGNUM Photos, The New Yorker 

und OSTKREUZ - Agentur der Fotografen 

gearbeitet. Neben der Arbeit als 

selbständiger Fotograf hospitiert Nils 

momentan in der Bildredaktion des 

»ZEITmagazins« und assistiert Dawin 

Deckel. 

© Nils Stelte, »breathing deeply« 




83


1984 – 2014 

»30 Jahre« 

brennpunkt Magazin

brennpunkt 1-2014 .indd - edition buehrer

Erfolgreiche ePaper selbst erstellen

Template löschen?

Als Template speichern?