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ennpunkt 

2/2013 4,00 Euro 29. Jahrgang Magazin für Fotografie 

April bis Juni 2013 

Galerien • Buchbesprechungen • Fotoszene 

Portfolio Ronny Behnert • Jesùs Pastior

FÜR ORIGINALE 

2 brennpunkt 2/2013 

„Ich fotografiere für den Fine Art Druck. Erst die Kombination von hochwertigen traditionellen 

Büttenpapieren und modernster Drucktechnik bringt die sinnliche Qualität meiner Bilder optimal 

zur Geltung.“ Manfred Kriegelstein Die Digital FineArt Collection bietet exklusive Künstlerpapiere 

mit edler Haptik und bestechender Optik für den Inkjetdruck. Brillante Schwarz-Weiß-Aufnahmen 

oder subtile Farbfotografie werden dank unserer feinen Papiere der Individualität Ihrer Kunstwerke 

mehr als gerecht. Mehr Papierkunst unter www.hahnemuehle.de 

P A P I E R E M I T M U S E U M S Q U A L I T Ä T, A L T E R U N G S B E S T Ä N D I G U N D M E H R F A C H P R Ä M I E R T .

Impressum: 

brennpunkt 

Magazin für Fotografie 

Erscheint vierteljährlich, 

erhältlich in Fotogalerien, 

Geschäften, Buchhandlungen 

und über Abonnement. 

Jahresabo 13,50 Euro 

Einzelpreis 4,00 Euro 

Konten: 

Postbank Berlin 

Konto-Nr. 3751 06-104 

BLZ 100 100 10 

Redaktionsschluss: 

jeweils am 10. vor dem Erscheinungsmonat 

Herausgeber: 

edition buehrer 

c/o Dietmar Bührer 

Odenwaldstraße 26 

12161 Berlin 

Telefon u. Telefax: (0 30) 8 53 35 27 

e-Mail: buehrer-berlin@t-online.de 

Internet: www.edition-dibue.de 

Copyright bei Edition 

Druck: 

schöne drucksachen 

Bessemerstraße 76a, 12103 Berlin 

ISSN 0932-7231 

Redaktion: 

Dietmar Bührer V.i.S.d.P. 

Michael Gebur 

Klaus Rabien 

Manfred Kriegelstein 

Hinweis: 

Für unverlangt eingesandte 

Manuskripte und Fotografien 

wird keine Haftung übernommen. 

© Herbert List »Anna Magnani im 

Garten ihres Landhauses«, 

San Felice Circeo 1950‘ 

Galerien 

Franco Sortini »Berlino – Paesaggio urbano« ..................................................... 5 

Manfred Paul »Berlin Nordost« .......................................................................... 6 

Michel Comte ................................................................................................... 8 

Jean-Baptiste Huynh »Remanence« .................................................................... 10 

Thomas Wrede »Katastrophe und Idylle« .......................................................... 12 

Frank Darius »DAS PARADIES IST HIER« ........................................................... 13 

Hanns Zischler – Nach der Natur (camera obscura) ........................................... 14 

Matthias Klages »Fotografien« ........................................................................... 16 

Katrin Streicher »Kulissen des Alltäglichen« ....................................................... 17 

Helena Schätzle »9645 Kilometer Erinnerung« .................................................... 18 

Antonius / Jörg Rubbert »New York City Limits« .................................................. 19 

David Favrod / Michel Le Belhomme »There are more things« ............................ 20 

Tobias Zielony »Fotografien 2008–2012« ............................................................ 21 

Jan Sobottka ....................................................................................................... 22 

Rudolf Holtappel »Ein Leben als Zeitzeuge« ....................................................... 24 

Ulrich Mack: Kennedy in Berlin. Die Deutschlandreise 1963. ............................. 25 

Heinrich Heidersberger »Kleid aus Licht« ........................................................... 26 

Schauplatz: Inszenierte Fotografie ...................................................................... 28 

Arnd Weider »Fotografie« ................................................................................... 29 

Maria Jauregui Ponte »Überstrahlungen« ............................................................ 29 

Jürgen Bosse »New York Experience« ................................................................. 30 

Ingrid Steinmeister »Bleiben und Vergehen«, Drei Serien .................................... 31 

WIRKLICH .......................................................................................................... 32 

Lara Melin »Heidestraße 46-52 – Ode an einen Schandfleck« ............................ 33 

Siehste, jeht doch! Meisterklasse Arno Fischer. Letzter Jahrgang. ......................... 34 

George Friedmann »Fotonovela Argentina« ......................................................... 36 

Faszination Paris ................................................................................................. 37 

FRAUEN ............................................................................................................. 38 

EGO. .................................................................................................................. 40 

Christian Reister »NACHT« ................................................................................. 42 

Frank Machalowski »Monster« / Irinadabo »beside me« ...................................... 43 

19. Fotoklub Forum Berlin 2013 .......................................................................... 44 

Fred Baumgart »Eve by the bridge« ..................................................................... 45 

Angelika Beck »Zwischentöne – Porträts« ........................................................... 45 

Bernadette Ypso / Charlotte K »unbekannt bis heute« .......................................... 46 

Marion Schult »Zoe Helali – One Woman Show« ............................................... 47 

Susanne Wehr »TIME LAPSE« ............................................................................. 48 

LUPE GODOY »Collage« .................................................................................... 49 

Annette von Dewitz–Silke Grossmann–Ann Provan ............................................ 50 

Jürgen Bürgin »URBAN BALLADS« ..................................................................... 52 

Galeriebesprechungen 

Panta rhei – alles fließt. (Klaus Rabien) ............................................................... 53 

Ausstellungen in Berlin ............................................................................................ 65 

Ausstellungen 

Steve McCurry »Im Fluss der Zeit« ...................................................................... 66 

Portfolio 

Ronny Behnert .................................................................................................... 68 

Jesús Pastor »AMADOR Rabal, Totengräber« ...................................................... 78 

Fotoszene 

Was Natur wirklich ist – Fotografien von Frank Darius ........................................ 56 

Johannes Barthelmes / VHS Friedrichshain-Kreuzberg ......................................... 57 

Modesfotos: Schatz nach 40 Jahren gehoben ...................................................... 58 

Klaus Rabien zum 80. ........................................................................................ 60 

Bildbetrachtung, Bildbeurteilung, Bildbewertung (Manfred Kriegelstein) ............. 88 

Buchbesprechungen 

Porträtfotografie / LUMIX GH3 / Die wilde Seite der Fotografie ........................... 89 

Vorschau ................................................................................................................... 90 

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3

Galerien 

Franco Sortini 

»Berlino – Paesaggio 

urbano« 

Im Frühling 2012 war Franco Sortini 

zum ersten mal in Berlin. 

»Gesehen habe ich eine Stadt, die mich 

sehr beindruckt und fasziniert hat. 

Eine Stadt voller Energie trotz Krisen und 

Schwierigkeiten. 

Eine Stadt in Bewegung, die zahlreichen 

Baustellen und die spürbaren urbanistischen 

Änderungen sprechen für sich. 

Zukunftsorientiert ohne die Vergangenheit 

zu vergessen. 

Das Ganze zum Glück, mit einem tollen 

Licht, das mich in den Tagen begleitet 

hat«. 

Geometrien, Plakate, neue und alte 

Gebäude, Linien, urbane Einrichtungen 

haben ihn inspiriert und schnell gefangen 

genommen. Ein Hauch von Farbe 

hat ihn gleich bewegt und motiviert und 

das Licht hat für eine besondere Note 

gesorgt. 

Franco Sortini, wurde 1958 in der süditalienischen 

Stadt Salerno geboren. 

Seine fotografischen Interessen, nach 

Erfahrungen mit Malerei und Grafik, 

sind auf Anfang der 80er datiert unter 

der Leitung von Franco Fontana. Urbane 

und industrielle Landschaft in Bezug auf 

Menschen und Umgebung charackterisieren 

seine Arbeit. 

Professioneller Fotograf ist er seit 1986. 

Mitbegründer des Museo di Fotografia 

Contemporanea in Brescia und Mitglied 

der Associazione nazionale Fotografi 

professionisti (ANFP). 

Zahlreiche Ausstellungen und Publikationen 

in ganz Europa, seine Bilder 

sind auch in Sammlungen vertreten u.a. 

die von der Bibliotheque Nationale de 

Paris, Archiviom AFOCO de Cordoba 

und Galleria Civica di Modena. 

Seit einigen Jahren ist er auch aktiv mit 

Workschops für junge Fotografen mit 

Schwerpunkt Kreativität mit der Farbe. 

Er lebt und arbeitet in Salerno. 

Mehr von Franco Sortini unter : 

www.francosortini.eu 

© Franco Sortini, (Original in Farbe) 



bis 2. Juni 2013 

Café Aroma Photogalerie 

Hochkirchstraße 8 

10829 Berlin-Schöneberg 

Mo – Fr 18 – 24 Uhr 

Sa + So 14 – 24 Uhr 

und nach Vereinbarung 


5

Galerien 

Manfred Paul 

»Berlin Nordost« 

Die Collection Regard präsentiert ab 

dem 25. Januar 2013 drei wesentliche 

Werkzyklen des Berliner Fotografen 

Manfred Paul aus den Jahren 1970 – 

2006. Die Zyklen umfassen Fotografien 

von Ostberliner Straßenzügen und Hinterhöfen 

aus den 70er/ 80er Jahren in 

Berlin Nordost/ Prenzlauer Berg sowie 

fotografische Porträts seiner Freunde und 

Bekannten aus dieser Zeit. Mit seinen 

nicht inszenierten Stillleben, wird ein 

weiterer wichtiger Schwerpunkt seiner 

Arbeit bis heute vorgestellt. Mit dieser 

fotografischen Position zeigt der Sammler 

Marc Barbey erneut einen Fotografen, 

den es in seiner Vielfalt und Einzigartigkeit 

neu zu entdecken gilt. 

Mit der Ausstellung von Manfred Pauls 

Fotografien setzt die Collection Regard 

abermals ihren Fokus auf deutsche Fotografen 

sowie das Thema Berlin fort. 

Marc Barbey: »Manfred Pauls eleganter, 

poetischer und liebevoller Blick auf die 

Welt beindruckt mich sehr und ich freue 

mich, mehrere Zyklen seines Schaffens 

präsentieren zu können«. 

Die Ausstellung 

Der Großteil der präsentierten Arbeiten 

ermöglicht einen individuellen 

Blick in eine längst vergangene Zeit 

aus dem Ostteil der Stadt: Mit seinen 

poetischen Schwarz-Weiß-Aufnahmen 

der meist menschenleeren Hinterhöfe 

und Straßenansichten zeichnet Manfred 

Paul ein subjektives Porträt des 

Stadtteils Prenzlauer Berg in der Zeit 

vor 1990. Die besondere Atmosphäre 

dieser Fotografien wird vom Charme 

getragen, der durch das eindrucksvolle 

Zusammenspiel verfallender Hausfassaden 

und blühender Vegetation entsteht. 

Die Aufnahmen vermitteln eine ungewöhnliche 

Schönheit und Lebendigkeit, 

die Paul in der engen und menschenleeren 

Urbanität entdeckte. Der Zyklus der 

Stillleben, die Manfred Paul in den Privaträumen 

der Bewohner des Stadtteils 

festhielt, erzählt von der persönlichen 

Stimmung hinter den Hausfassaden, die 

er auf seinen fotografischen Streifzügen 

ohne Inszenierung eingefangen hat. Es 

Manfred Paul (*1942), »Teller mit Gabel«, 

Berlin 1983, Gelatin silver print, Printed 1983, 

20 x 24 (30 40) cm, Copyright Manfred Paul 

ist gerade Pauls künstlerischer Blick für 

Komposition und Bildausschnitt, der die 

stummen Gegenstände meisterhaft zum 

Sprechen bringt. 

Auch die Porträts junger Berliner, die 

teilweise in Ateliers und Wohnungen 

entstanden, machen deutlich, wie sich 

Paul dem Lebensgefühl hinter der Fassade 

genähert hat. Er schafft es genau 

zum richtigen Zeitpunkt den Auslöser 

zu betätigen um den Ausdruck der Individualität 

und Persönlichkeit der jungen 

Menschen einzufangen. 

Kuratiert wird die Ausstellung von Antonio 

Panetta, dem künstlerischen Leiter 

der Collection Regard. Die Werkschau 

findet statt in Kooperation mit Gunther 

Dietrich von der Galerie für Fotografie - 

photo edition berlin. 

Über den Fotografen 

Manfred Paul wurde 1942 in Schraplau 

geboren und lebt in Berlin. 

Nach dem Abitur Tätigkeit als Steinbruch- 

und Gleisbauarbeiter. Fotolaborentenlehre, 

Fotolaborant. Bühnenarbeiter, 

Theaterfotograf und freischaffender 

Bildjournalist. 

Studium der Fotografie an der HGB 

Leipzig. Kamerastudium an der Hochschule 

für Film und Fernsehen Potsdam-Babelsberg. 

Dozent für Fotografie 

an der FWG Berlin (1974–1994). Professor 

für Fotografie und Audiovisuelle 

Medien an der FHTW Berlin (1995– 

Manfred Paul (*1942), »Socken«, Berlin 1985, 

Gelatin silver print, Printed 1985, 20 x 24 

(30 40) cm, Copyright Manfred Paul 

2007). Lehraufträge an der Hochschule 

für Film und Fernsehen Potsdam- 

Babelsberg(1973/74), der HGB Leipzig 

(1991/92, 2006), der Hochschule für 

Bildende Künste Dresden (1993–1995) 

und der Hochschule für Fernsehen und 

Film München (1995). 

1983–1985 erste Arbeiten mit der 18 x 

24-Plattenkamera. Der Zyklus nature 

morte entsteht (Stillleben). 

Werke in Sammlungen 

Heute befinden sich seine Werke u.a. 

in den Sammlungen der Berlinischen 

Galerie, des Kupferstich-Kabinett - Dresden, 

Museum Ludwig - Köln, Musée 

de l’ Elysée - Lausanne, MOMA - New 

York, Bibliothèque Nationale de France, 

Paris und einigen weiteren privaten wie 

öffentlichen Sammlungen. 

Publikationen und Editionen 

Zeitgleich zur Ausstellung ist ein aufwändig 

gestalteter Bildband erschienen: 

»Berlin Nordost 1972-1990 - Am Rande 

der stehenden Zeit« herausgegeben von 

Edition Braus. Mit einem Essay des Lyriker 

und Autor Uwe Kolbe. 

Ein weiterer Bildband mit seinen »Stillleben 

1983-85« wird bei dem Verlag 

Steidl, München im Frühjahr 2013 

erscheinen. 

6 brennpunkt 2/2013

Galerien 

Manfred Paul (*1942), »Socken«, Berlin 1985, 

Gelatin silver print, Printed 1985, 


Editionen 

Anlässlich der Ausstellung bringt die 

Collection Regard eine limitierte Edition 

von Fotografien mit je drei Motiven 

der Stillleben und Berlin Nordost 

heraus. 

Die nummerierte Auflage erscheint in 

einer Höhe von 9 Exemplaren. 

Die Abzüge sind von Manfred Paul hergestellt, 

gestempelt, nummeriert und 

signiert, und exklusiv in der Collection 

Regard erhältlich. 

MANFRED PAUL 

Berlin Nordost 1972-1990 

»Am Rande der stehenden Zeit« 

Mit einem Essay von Uwe Kolbe 

Hrsg. v. Edition Braus, 24 x 31 cm, 

80 s/w-Abbildungen im Triplex Druck, 

128 Seiten, Hardcover mit Schutzumschlag, 

ISBN 9783862280421 

Preis: 39,95 Euro 

Mit einer Originalfotografie / Handabzug 

des Fotografen 18 x 24 cm Barythpapier, 

Edition 100, signiert und nummeriert: 

Preis: 200,00 Euro 

Die Collection Regard 

Der Begriff Regard (frz.) bedeutet so viel 

wie »der Blick« oder »die Aufmerksamkeit«. 

Und wie der Name der Collection 

Regard, so auch die Zielsetzung: 

die Sammlung hat sich der Entdeckung 

und Wiederentdeckung photographischer 

Werke und Photokünstlern verschrieben. 

Manfred Paul (*1942), »Brandmauer am 

S-Bahnhof / Schönhauser Allee«, Berlin 1979, 



Unter »Collection Regard« versteht ihr 

Gründer Marc Barbey daher weniger 

eine Galerie als einen fotografischen 

Archiv mit regelmäßigen Ausstellungen 

in einer Salon Atmosphere. »Es 

geht darum, […] einen Ort zu schaffen, 

an dem man sich austauschen und 

sich mit Fotografie auseinandersetzen 

kann«. Die Steinstraße in der Spandauer 

Vorstadt, rund zehn Minuten vom Alexanderplatz 

entfernt, wurde mit diesem 

Ansatz innerhalb weniger Monate zu 

einem wichtigen Treffpunkt für Sammler 

und Gleichgesinnte. Und vor allem 

ein Ort (wieder-) entdeckter wichtiger 

Fotografen und ihrer Arbeiten. 

Marc Barbey, geboren 1971, sammelt 

seit 2005 Lichtbilder von den Anfängen 

bis etwa zu den 1970er Jahren. Schwerpunkt 

der Sammlung sind Fotografien 

aus Deutschland und das Thema Berlin. 

Mittlerweile gehören zur Collection 

Regard das umfangreiche OEuvre von 

Hein Gorny, dazu Werke der Fotografen 

Lotte Jacobi, Siegfried Lauterwasser, 

Heinrich Riebesehl, Toni Schneiders, 

Friedrich Seidenstücker, Will McBride 

sowie ausgewählte Fotografien von 

Paul Almasy, Bruno Barbey und Robert 

Capa. 

Manfred Paul (*1942), »Hinterhof/Friedhof/ 

Lychener Straße«, Berlin 1979, 

Gelatin silver print, Printed 1979, 20 x 24 

(30 40) cm, Copyright Manfred Paul 

Manfred Paul (*1942), »Tulpen«, Berlin 1979, 



bis 4. Mai 2013 

COLLECTION REGARD 

Marc Barbey 

Steinstraße 12 

10119 Berlin-Mitte 

Fr 14 – 18 Uhr 



7

Galerien 

Michel Comte 

Mit über 100 Arbeiten gibt die Ausstellung 

einen umfassenden Einblick in das 

beeindruckende künstlerische Schaffen 

von Michel Comte, der zu den bedeutendsten 

zeitgenössischen Fashion- und 

Society- Photographen zählt. Seine individuelle 

Bildästhetik prägte die 1990er 

Jahre und hat vor allem die Fashion- Photographie 

bis heute nachhaltig beeinflusst. 

Erweitert wird die Ausstellung 

mit neuen und noch nie zu vor gesehenen 

Photographien aus »The Girl from 

Nagasaki«. 

Unter Topmodels Von Nadja Auermann 

über Gisele Bündchen oder Helena 

Christensen bis hin zu Tatjana Patitz 

und Alek Wek: Michel Comte zählt seit 

jeher zu den wenigen Photokünstlern, 

der die weltweit berühmtesten Topmodels 

der Geschichte in einzigartigen Inszenierungen 

photographiert hat. Das 

bedingungslose Vertrauen in das künstlerische 

Verständnis Michel Comtes und 

die »Beziehung« zu ihm resultieren in 

ungeahnte Szenarien und in eine offenbarende 

Hingabe, die sich in den photographischen 

Werken widerspiegelt. Ob 

eine als Pin-up-Girl posierende Cindy 

Crawford oder eine in sich vertieft und 

zugleich sinnlich-erotisch wirkende 

Helena Christensen, die Photographien 

werden stets von einer greifbaren Aura 

umgeben, die sich aus dem gemeinsamen 

Spiel zwischen Michel Comte und 

dem Model entwickelt. Der berühmte 

Akt von Carla Bruni als nicht minder 

herausragendes Beispiel ist Beleg für 

Comtes besonderes Gefühl für die Fragilität 

eines für Bruchteile von Sekunden 

vorherrschenden Spannungsmomentes. 

Die heute weltbekannte Photographie 

erzielte 2008 bei Christie’s ein Auktionsergebnis 

von 91.000 Dollar und 

ist als seltener Vintage-Silber-Gelatine- 

Print Teil der Ausstellung bei CAMERA 

WORK. 

»In Michel Comtes Bildern prallen Kunst 

und Wirklichkeit aufeinander. Sie sind 

brutal und poetisch – blenden und verstören. 

Die Gefühle, die sie hervorrufen, 

sind schmerzhaft und komplex: Nahrung 

für Geist und Seele.« – Geraldine 

Chaplin über Michel Comte. 

© Michel Comte, Daryl Hannah, (German 

Vogue), Los Angeles 1992 

© Michel Comte, Cindy Crawford, (Italian 

Vogue), London 1996 

© Michel Comte, Helena Christensen, »Save 

Safe Sex«, Paris 1993 

Die Persönlichkeit bestimmt den Stil 

Auch in den Porträts bedeutender Persönlichkeiten 

aus Schauspiel, Kultur, 

Sport und Musik offenbart sich Michel 

Comtes besonderer Zugang in die Persönlichkeiten. 

Der Künstler sieht im 

bedingungslosen Zugang zu seinen 

Porträtierten, ihrer Persönlichkeitsstruktur, 

ihrem Charisma sowie ihrer körperlichen 

und inneren Erscheinung die 

unabdingbare Grundlage für die Verwirklichung 

seiner Kreativität und das 

Ausleben der eigenen Prämissen. 

Bildsprache, Farbigkeit und Aufbau 

bewegen sich in keinen verstarrten 

Mustern. Vielmehr definiert sich 

Michel Comtes ästhetische Linie durch 

die künstlerische Vielfalt und Offenheit, 

einen cineastischen Blick sowie durch 

den experimentellen Einsatz zahlreicher 

Stilmittel. Diese passen sich den einzelnen 

Porträtierten an – jede Persönlichkeit 

ruft bei Comte eine bestimmte Bildsprache 

hervor, die sich aus der »Seele« 

und dem Äußeren abzeichnet. So reflektiert 

Comtes Porträt von Boy George das 

vielschichtige und extravagante Erscheinungsbild 

des Musikers, die stimmungsvolle 

und symbolbehaftete Photographie 

von Jörg Immendorff kommt einer 

visuellen Persönlichkeitsstudie gleich 

und Anna Nicole Smith unterstreicht in 

ihrem Porträt mit Pose und einer gelborange 

geprägten Farbigkeit ihr öffentliches 

Bild als Sexsymbol. 

Neben den bekanntesten Arbeiten aus 

seiner Künstlerkarriere präsentiert die 

Ausstellung bei CAMERA WORK darüber 

hinaus neue, nie zuvor gesehene 

Photographien von Michel Comte, die 

im Rahmen der Dreharbeiten seines mit 

Spannung erwarteten Kinofilms »The 

Girl from Nagasaki« entstanden sind. 

Zusammen mit seiner Ehefrau Ayako 

Yoshida als Regisseur und Produzent 

tätig, hat Michel Comte als »Stills Photographer« 

beeindruckende Photoarbeiten 

erschaffen, die einerseits spannende 

Einblicke in »The Girl from Nagasaki« 

ermöglichen, andererseits entkoppelt 

von der Handlung alleinstehende, 

atemberaubende und erhabene Werke 

sind, deren cineastischer Charakter fasziniert. 

Persönliche Porträts von Christopher 

Lee und der 2012 kurz nach den 

Dreharbeiten verstorbenen Anna Orso, 

exotisch-künstlerisch anmutende Photographien 

von Geishas oder actiongeladene 

Photographien aus einer anderen 

Welt befinden sich unter anderem 

in der exklusiven Auswahl erstmals 

gezeigter Photographien zum Film, zu 


Galerien 

Comtes Kinofilm »The Girl from Nagasaki« 

ergibt sich in der Ausstellung von 

CAMERA WORK ein reizvolles Spannungsfeld 

zwischen zwei Photographiegenres, 

deren unterschiedliche Ästhetik 

das außerordentliche künstlerische 

Bewusstsein und die Wandlungsfähigkeit 

von Michel Comte gemein haben. 

© Michel Comte, Jeremy Irons, With Monocle, London 1990 

© Michel Comte, Jeff Koons, 1990 

dem auch ein imposantes Photobuch 

erscheinen wird. 

»The Girl from Nagasaki« ist eine multimediale 

und fantasievolle 3D-Verfilmung 

von »Madame Butterfly«, der 

weltbekannten Oper von Giacomo 

Puccini, und wurde in Japan, Deutschland 

und in den USA gedreht. Der Film 

zeichnet sich durch einen internationale 

Besetzung aus, ist geprägt von Michel 

Comtes einzigartig opulenten Stil und 

beinhaltet neben Musik-Performances 

und zeitgenössischem Ballett auch animierte 

Szenen. »The Girl from Nagasaki« 

erzählt die Geschichte einer begehrenswerten 

und sündenlosen Frau, 

deren Liebe zu einem von Narzissmus 

geprägten Mann in einer Tragödie 

endet. Neben Christopher Lee zählen 

u.a. auch Robert Evans, Marianne Faithfull, 

Nobu Matsuhisa, Michael Nyqvist, 

Edoardo Ponti, Clemens Schick, Polina 

Semionova, Michael Wincott, Ayako 

Yoshidaund Lisa Zane zum beeindruckenden 

Cast des Films, der Ende 2013 

in die Kinos kommen soll. 

Mit den legendären Vintage-Photographien 

der größten Weltstars und 

den neuen, von künstlerischer Narration 

geprägten Bildern aus Michel 

Über Michel Comte 

Im Jahr 1954 in Zürich als Sohn des 

Schweizer Flugpioniers Alfred Comte 

geboren, absolvierte Michel Comte 

zuerst eine Ausbildung als Restaurator, 

bevor er sich als Autodidakt der Photographie 

widmete. Mit 25 Jahren wurde 

Comte erstmals von Karl Lagerfeld und 

Chloe für eine große Werbekampagne 

engagiert und arbeitete fortan in Paris. 

Für die amerikanische »Vogue«, für die 

der Künstler zahlreiche Kampagnen 

produzierte, zog der Künstler anschließend 

nach New York. Innerhalb weniger 

Jahre avancierte Michel Comte zu 

einem der gefragtesten und beliebtesten 

Fashion-, Porträt- und Aktphotographen 

weltweit, produziert prägende 

Photostrecken für führende Magazine 

wie »Harper’s Bazaar«, »Vanity 

Fair« oder »Vogue« und hat die Photokunst 

nachhaltig beeinflusst. Neben 

seinen von Beginn an verschriebenen 

Genres entwickelte Michel Comte alsbald 

ein gesteigertes Interesse für Reportage- 

oder Dokumentarphotographie 

und ist als Reporter für das Internationale 

Rote Kreuz tätig. Die Photoarbeiten 

von Michel Comte sind Bestandteil 

zahlreicher renommierter Sammlungen 

und werden in internationalen Ausstellungen 

gezeigt. Der Künstler lebt heute 

in New York. 

bis 1. Juni 2012 

Galerie Camera Work 

Kantstraße 149 

10623 Berlin-Charlottenburg 

Di – Sa 

11 – 18 Uhr 

Homepage: 

www.camerawork.de 

Facebook: 

www.facebook.com/cameraworkberlin 


9

Galerien 

Jean-Baptiste Huynh 

»Remanence« 

Jean-Baptiste Huynh, Louvre – Marc Aurèle, Paris, Musée de Louvre, 2010 

Jean-Baptiste Huynh, Louvre – Crane en Cristal, 

Paris, Musée du lLuvre, 2012 

Jean-Baptiste Huynh, Feuille de Galag, 

France, 2001, (Original in Farbe) 

Die CWC GALLERY präsentiert seit 

dem 22. Februar 2013 die Ausstellung 

»Remanence« des Photokünstlers Jean- 

Baptiste Huynh. Alle Arbeiten entstanden 

im Louvre in Paris, in dem unter 

großem öffentlichem und medialem 

Interesse die Ausstellung im vergangenen 

Jahr Premiere feierte. Nachdem 

»Remanence« bis Ende 2012 im Louvre 

gezeigt wurde, übernimmt die CWC 

GALLERY nun unmittelbar die Ausstellung 

und zeigt sie erstmals in Deutschland. 

Unter dem Titel »Remanence« präsentiert 

Jean-Baptiste Huynh in beeindruckenden 

photographischen Arbeiten 

eine Auswahl von Objekten, Skulpturen, 

Gemälden und Artefakten aus dem 

wohl berühmtesten Museum der Welt – 

dem Louvre. Die großformatigen Silber- 

Gelatine-Prints zeigen jeweils einzelne 

Kunstwerke aus verschiedenen Epochen, 

Kunstgattungen und Abteilungen 

des Museums, wobei sich Jean-Baptiste 

Huynh den ausgewählten Kunstobjekten, 

darunter prunkvolle Amulette, mystische 

Masken, orientalische Porträts 

oder auch profane Gegenstände wie 

historische Schüsseln, mit einer besonderen 

künstlerischen Intention genähert 

hat. Die selektiv und exemplarisch verbildlichte 

Reise durch die Sammlung 

des Louvre versteht Huynh als allumfassende 

Verbildlichung und Verinnerlichung 

des übertragenen Kulturverständnisses. 

Jedes Objekt aus einem 

historischen Zeitabschnitt zeugt von 

der Kraft des Beharrlichen und symbolisiert 

zugleich die fortführende kulturhistorische 

Weitergabe und den Übergang 

von etwas Bleibendem: »Bol Vert« 

zeigt die Unterseite eines Jahrhunderte 

alten Behältnisses – in Huynhs Photographie 

erscheint sie heute als Weltkugel, 

das Werk »Plaque« – eine abgebildete 

quadratische Goldtafel – ließe sich 

von der Bildwissenschaft in der modernen 

Kunst als Farbfeldmalerei deuten 

und die im Louvre ausgestellte Skulptur 

des römischen Kaisers Mark Aurel 

verliert ihren urpsrünglichen Charakter 

der Herrscherdarstellung und Repräsentation 

von Macht und dient heute 

eher als Symbol der Vergänglichkeit 

und eines abgeschlossenen Zeitalters. 

Der Titel der Serie »Remanence« (lat. 

remanere ‚bleiben‘, ‚zurückbleiben‘) 

verweist auf diese Ambivalenz. 

Jean-Baptiste Huynh steuert in den 

Arbeiten den Blick des Betrachters und 

lässt ihn nicht im physischen Gegenstand 

mit dessen Abbildhaftigkeit verharren, 

sondern verstärkt die Konzentration 

auf die historische, kulturelle 

Bedeutsamkeit und den Wandel 

der Deutungshoheit, der auch optisch 

durch Oxidation, Zerstörung oder einen 

vom Künstler gesetzten Fokus zum Ausdruck 

kommt – Huynhs Bildsprache ist 

für diesen dargestellten Transformationsprozess 

des Gegenstandes prädestiniert. 


Galerien 

Schatten. Dadurch entflammt in den 

Werken dank dezentem Lichteinsatz 

nicht nur eine hohe Leuchtkraft, sondern 

ensteht zudem eine optisch spannende 

Körperhaftigkeit und zugleich 

unmittelbare Nähe zum Betrachter. 

Die Ausstellung in der CWC GALLERY 

wird mit weiteren herausragenden 

Werken vergangener Serien von Jean- 

Baptiste Huynh ergänzt. 

Jean-Baptiste Huynh, Huyen IX, Vietnam, 2010 

Über Jean-Baptiste Huynh 

Als Sohn einer Französin und eines Vietnamesen 

wurde Jean-Baptiste Huynh 

1966 in Frankreich geboren. Bereits in 

seiner Jugendzeit entwickelte sich bei 

Huynh ein ausgeprägtes Bewusstsein für 

künstlerische Photographie heraus, die 

er als Autodiktat umsetzte. Sein Werkekorpus 

umfasst Landschaften, Porträts, 

Akt und Stillleben. Huynh arbeitet konsequent 

mit einer analogen 6x6-Mittelformatkamera 

und meidet bis dato die 

digitale Photographie. Neun qualitativ 

hochwertige Publikationen fassen 

Huynhs umfangreiches Werk zusammen, 

welches bereits in zahlreichen 

internationalen Ausstellungen präsentiert 

wurde. Jean-Baptiste Huynh wird 

seit 2004 von CAMERA WORK vertreten 

und manifestierte seine Ausnahmestellung 

in der zeitgenössischen Photographie 

mit zahlreichen ihm gewidmeten 

Ausstellungen bei CAMERA WORK 

(2004, 2009, 2011), einer Retrospektive 

in der Ecole Nationale Supérieure des 

Beaux-Arts in Paris (2006) und der Einzelausstellung 

im Louvre (2012). 

Jean-Baptiste Huynh, Mains I, Ethiopie, 2005 Jean-Baptiste Huynh, Couteau, Japon, 2003 

Sparsam, doch aufwendig ausgeleuchtet, 

und auf das Wesentliche reduziert, 

erlangt Huynh in seinen Arbeiten den 

charakteristischen Purismus. Durch 

die Klarheit und Strenge im Bildaufbau 

vermitteln die Photographien eine 

reine, nahezu magische Atmosphäre 

und verleihen den Kunstwerken einen 

majestätischen Charakter eines Ritualobjektes. 

Unmittelbar spürbar für den 

Betrachter ist die tiefe »Intimität«, die 

sich zwischen dem Photographen und 

dem Gegenstand auftut. Die sorgfältige 

und präzise Auseinandersetzung 

mit dem Sujet ist hierbei unverzichtbare 

Voraussetzung im Entstehungsprozess 

der reduzierten, ausdrucksstarken 

Arbeiten. 

Besondere Bedeutung erlangt bei Arbeiten 

wie »Crane en Cristal« oder »Marc 

Aurèle« die künstlerische Dichtomie 

von hell und dunkel sowie Licht und 


CWC GALLERY 

Auguststraße 11 


Di – Sa 

11 – 19 Uhr 


11

Galerien 

Thomas Wrede 

»Katastrophe und 

Idylle« 

Seit fast zehn Jahren entsteht die Serie 

»Real Landscapes« des deutschen Fotokünstlers 

Thomas Wrede (*1963). Die 

internatonal viel beachtete Serie verbindet 

wirkliche Landschaftspanoramen 

mit in Szene gesetzten Modellen 

so, dass sie die Suggestionskraft medialer 

Bilder ebenso wie die eigenen Sehgewohnheiten 

befragt. Im Kontext der 

Werke hat Thomas Wrede dabei sowohl 

ironische, klischeehafte wie romantische 

Befragungen beleuchtet. 

Seine neusten Werke bei Wagner + Partner 

wenden sich auf beeindruckende 

Weise den globalen Katastrophen der 

letzten Jahre zu, die dem Publikum 

durch Internet und Fernsehen mehr als 

bekannt scheinen: Tsunamis, Fukushima, 

Hurricane Katrina oder jüngst 

Sandy. Im modellhaften Arrangement 

und im subjektiven Nachstellen arbeitet 

der Künstler eine Phänomenologie 

der Zerstörung heraus. 

Während auf der einen Seite Muster 

menschlich verursachter oder natürlicher 

Katastrophen sichtbar werden, die 

der Künstler wie Archtetypen in seinen 

neusten Bildern herausstellt, erlebt der 

Betrachter zugleich die Kraft romantischer 

Bilder, die auch im Zeitalter von 

digitaler Bildbearbeitung noch immer 

wirken. Sonnenuntergänge, Winteroder 

Nachtszenen werden von Thomas 

Wrede gekonnt als Idyllen ins Bild 

gesetzt. 

Nach der Flut 2012, © Thomas Wrede, courtesy Galerie WAGNER + PARTNER 

Achterbahn, © Thomas Wrede, courtesy Galerie WAGNER + PARTNER 

27. April bis 1. Juni 2013 

Galerie WAGNER + PARTNER 

Cai Wagner 

Strausberger Platz 8 

10243 Berlin-Friedrichshain 

Di – Sa 13 – 18 Uhr 


www.galerie-wagner-partner.com 

Vernissage 

26. April 2013, 19 Uhr 

Bauruinen, © Thomas Wrede, courtesy Galerie 

WAGNER + PARTNER 


Galerien 

Frank Darius 

»DAS PARADIES IST 

HIER« 

Frank Darius zeigt Bilder der Leere, in 

denen die Natur, anders als in seinem 

letzten Buch Willkommen im Garten, 

auf minimale Spuren reduziert ist: Die 

geknickten Gräser auf einer Schneefläche 

werden zu kalligraphischen Zeichen, 

das Schilf im Wasser zu schwimmenden 

Linien auf weißem Grund, die 

sich an einem Drahtgeflecht windenden 

zarten Linien entpuppen sich als 

Hopfenschnüre vor einer hellgrauen 

Himmelsfläche. Jetzt geht Darius vom 

Garten zum Paradies. Sein Paradiesgarten 

gehört zum Bereich jenseits der 

Dichotomie Natur/Kultur, die reduzierten 

Zeichen sind wie Hinweise auf 

die bewusste Ausblendung kultureller 

Aggression. Darius geht das Wagnis ein, 

seinen Beitrag zur Wiederverzauberung 

der Welt in Bildern von unverbrüchlicher 

Schönheit zu leisten. Er zeigt auf, 

dass sich das Paradies im Innersten 

eines jeden von uns findet, unter vielen 

Schichten der Wahrnehmung. 

Und dass das Fühlen immer vor der 

Ratio steht. 

»Frank Darius reduziert in seinen Naturbildern 

die Welt auf feinste poetische 

Strukturen. ‚Was ist Natur wirklich?‘ 

fragt sich Darius in seinen Werken, in 

denen kleinste Momente des Lebendigen, 

Zweige, Blätter und dürres Geflecht 

von Schnee, Nebel oder Wasser beinahe 

ausgelöscht werden. Darius zeigt 

mit einer radikal ehrlichen Bildsprache: 

Die Welt ist ein Innenraum, der sich als 

ein unaufhaltsamer poetischer Prozess 

entfaltet. Der Betrachter spürt: Auch wir 

sind Welt, die wirkliche Welt aber enthüllt 

sich zugleich als unser Inneres. 

Eine solche Haltung beendet unsere 

postmoderne Beschwörung der Gebrochenheit. 

Denn der Bruch ist in der 

Lebendigkeit selbst. Wir tragen ihn mit 

uns als Lebensfunken, der allein das 

Schöne zu sehen erlaubt. Das Paradies 

kann demnach nirgendwo anders 

sein als hier. Es zeigt sich, aber nur im 

Erblicktwerden«. (Andreas Weber, in: 

Frank Darius, Hopfen I, 2011, 70 x 82 cm, © VG Bildkunst Bonn/ Frank Darius 

Frank Darius, Untitled I (Botanik), 2011, 

103 x 130 cm, 

© VG Bildkunst Bonn/ Frank Darius 

Frank Darius: DAS PARADIES IST HIER, 

Ausstellungskatalog Kehrer Verlag Heidelberg 

2013) 

Begleitende Veranstaltung zur Ausstellung: 

Mittwoch, 17. April 2013 um 19 Uhr: in 

der Reihe »Literaturhaus der Fotografie« 

Lesung und Gespräch mit Dr. Andreas 

Weber über das Verhältnis zwischen 

Kunst und Natur im Blickwinkel einer 

Schöpferischen Biologie. 

Moderation: Thomas Böhm, Leiter des 

internationalen literaturfestivals berlin. 

Eintritt frei. Voranmeldung wegen 

beschränkter Plätze. 

Frank Darius, Teufelsberg 2001/10, 

120 x 143 cm, 

© VG Bildkunst Bonn/ Frank Darius, (O.i.F.) 

»Seltsam, im Nebel zu wandern! 

Einsam ist jeder Busch und Stein, 

Kein Baum sieht den andern, 

Jeder ist allein.« 

(Hermann Hesse) 


Alfred Ehrhardt Stiftung 



Di – So 11 – 18 Uhr 

Do 11 – 21 Uhr 

www.alfred-ehrhardt-stiftung.de 


13

Galerien 

Hanns Zischler – 

Nach der Natur 

(camera obscura) 

Hanns Zischler ist als Schauspieler und 

Publizist bekannt. Seit 1970 arbeitet er 

im Windschatten seiner anderen Tätigkeiten 

auch als Fotograf. Seit den 1990er 

Jahren widmet er sich nach dem Kauf 

einer Rigby-pin-hole-camera (4 x 5 inch) 

verstärkt der Lochbildfotografie. 

»Es geht bei dieser Art der Fotografie 

für mich darum, das fließende Spiel der 

bewegten Elemente (wie die Götter im 

Mythos sind es Wind, Welle und Wolke) 

mit den unbeweglichen Gegenständen 

zu überlisten und zu einem einzigen 

Zeitbild (von zwei Minuten und mehr) 

zu zähmen, ins Gehäuse zu locken 

und auf dem Planfilm in einem durchaus 

wörtlichen Sinn zu domestizieren. 

‚Die Sonne bringt es an den Tag‘, sagte 

einmal Adelbert von Chamisso. Diese 

Maxime beschreibt hinreichend meine 

Arbeit mit der camera obscura. Die 

Wahl der Motive ist von kaum benennbaren 

Vorahnungen begleitet, die jenseits 

der bloß technischen Mutmaßungen 

über das Ergebnis – Schattenverlauf, 

Leuchtkraft der Farben, Ausmaß der 

Bewegungsunschärfe – liegen. Unverzichtbare 

Voraussetzung ist die ruhige 

Betrachtung, ehe an die Bestimmung 

des Standorts und der dort herrschenden 

Lichtverhältnisse zu denken ist. Die 

unmittelbar gegenüber der Blendenöffnung 

liegende Fläche empfängt mehr 

Lichtpartikel als die Ränder, so dass 

am Ende der Belichtung eine von der 

hellen, solaren Mitte des Bildes nach 

außen dunkler werdende, pulsierende 

Lichtstreuung zu beobachten ist. Die 

Frage der Schärfe bzw. Unschärfe ist 

aus physikalischen Gründen für diese 

Art der Fotografie unerheblich.« (Hanns 

Zischler). 

camera obscura: Der englische Feinmechaniker 

Rigby stellt für die klassischen 

Fotoformate 4 x 5 inch und 10 x 13 inch 

sogenannte „pin-hole cameras“ her. Es 

sind fest vernutete, rechteckige Eichenholzkästen 

mit einer präzise durchbohrten 

Messingscheibe – Blende 1 / 164 – in 

der Mitte der Vorderseite (mit einer aus- 

Fels will zurück ins Meer, 2010, © Hanns Zischler, (Original in Farbe) 

wärtigen Verschlussklappe) und einer 

offenen Rückwand für die Halterung 

und den Wechsel der Planfilmkassetten. 

Zwei Schraubbohrungen im Gehäuse 

erlauben die Fixierung eines Stativs für 

Aufnahmen im Hoch- und Querformat. 

Da es für die camera obscura keinen 

externen »Sucher« gibt, kann nur die 

individuelle Erfahrung bei der Bestimmung 

der Cadrage (mit einer Öffnung 

von ca. 105 Grad) behilflich sein. Gleiches 

gilt für die Dauer der Belichtung. 

Hanns Zischler (*1947 in Nürnberg) 

lebt und arbeitet seit Ende der 1960er 

Jahre in Berlin. Als Schauspieler hat er 

u.a. unter der Regie von Wim Wenders, 

Jean-Luc Godard, Claude Chabrol und 

Steven Spielberg gearbeitet. 2006 gründete 

er den Alpheus Verlag. Neben zahlreichen 

Aufsätzen erschien 1996 im 

Rowohlt Verlag sein Roman Kafka geht 

ins Kino. 2010 gab Zischler, zusammen 

mit der Künstlerin Hanna Zeckau den 

Schmetterlingskoffer sowie mit Ulrich 

Moritz und Agnieszka Pufelska Vorstoß 

ins Innere - Streifzüge durch das Berliner 

Naturkundemuseum heraus. Im 

Monat April werden seine beiden neuesten 

Publikationen Berlin ist zu groß für 

Berlin (Galiani Berlin) und, zusammen 

mit Elke Schmitter Galerie der Namenlosen 

(Alpheus Verlag) vorgestellt. 2009 

erhielt er den Heinrich-Mann-Preis der 

Akademie der Künste, Berlin. Für sein 

kulturelles Schaffen und Engagement 

wird dem Autor im März der Preis der 

Deutschen Literaturhäuser verliehen. 


Galerien 

Selbstportrait vor rauher See, 2010, 

© Hanns Zischler, (Original in Farbe) 

Folgende Veranstaltungen finden im 

Rahmen der Ausstellung statt: 

Sonntag, 9. Juni 2013, 14.00 Uhr: 

Prof. Dr. Peter Geimer, Kunsthistorisches 

Institut der Freien Universität Berlin, im 

Gespräch mit Hanns Zischler 

Donnerstag, 20. Juni 2013, 19.00 Uhr: 

Prof. Dr. Hubertus von Amelunxen, Präsident 

der Hochschule für Bildende 

Künste Braunschweig, im Gespräch mit 

Hanns Zischler 

Rauchquast über Schreberland, 2001, © Hanns Zischler, (Original in Farbe) 

Das Blitzen der Blüten, 2010, © Hanns Zischler, 

(Original in Farbe) 

Eröffnung: 

24. Mai 2013, 19 Uhr 

Eröffnungsrede: 

Prof. Dr. Hubertus von Amelunxen 

25. Mai bis 30. Juni 2013 




Sonntag, 30. Juni 2013, 14.00 Uhr: 

Finissage. Lesung mit Hanns Zischler in 

der Reihe »Literaturhaus der Fotografie«, 

moderiert von Thomas Böhm, Leiter des 

internationalen literaturfestivals berlin 

Zur Ausstellung in der Alfred Ehrhardt 

Stiftung erscheint das gleichnamige 

Buch Hanns Zischler – Nach der 

Natur (camera obscura) im Kehrer 

Verlag. Mit Texten von Jean-Christophe 

Bailly, Christiane Stahl und Hanns 

Zischler; 16,5 x 22 cm; 72 Seiten, 24 

Farbabbildungen, Deutsch/Englisch, 

24,80 EUR. 

Di – So 11 – 18 Uhr 

Do 11 – 21 Uhr 



15

Galerien 

Matthias Klages 

»Fotografien« 

Mathias Klages, geboren 1959 in Lüneburg. 

Schon früh von der Fotografie fasziniert, 

arbeitet er als Autodidakt bevorzugt in 

Schwarz/weiß. 

Bevorzugte Genres sind Stadtlandschaften, 

Architektur und Porträt. 

Er arbeitet ausschließlich analog bei 

natürlichem Licht. 

Die Galerie präsentiert eine Auswahl 

von 36 Fotografien zum Thema Straßenmusikantenporträts 

und Stadtlandschaft. 

. 

© Matthias Klages 

© Matthias Klages 

Vernissage: 


12. April bis 25. Mai 2013 

imago fotokunst 

Linienstraße 145 


© Matthias Klages © Matthias Klages 

Di – Fr 

Sa 

12 – 19 Uhr 

14 – 18 Uhr 


Galerien 

Katrin Streicher 

»Kulissen des 

Alltäglichen« 

Die Fotografien aus Katrin Streichers 

Arbeit »Kulissen des Alltäglichen« entstanden 

während ihrer Reise durch den 

Nordwesten der USA von Oregon über 

Kalifornien, Nevada und Utah nach 

Colorado. 

Die Fotografin zeigt stille, scheinbar 

gewöhnliche und alltägliche Orte, die 

fast wie Kulissen aus einem bereits 

abgedrehten Film wirken. Die europäische 

Erwartung einer neuen modernen 

Welt wird hier ad absurdum geführt, da 

sich die Orte einer zeitlichen Einordnung 

verwehren. Sie wecken Neugier 

auf die unbekannten Geschichten, die 

sie erlebt haben. Es entsteht die Versuchung, 

nach ihren Geheimnissen zu 

forschen. Doch diese verschwinden 

zwischen den Bäumen wie nächtliche 

Schatten, sie entziehen sich den Blicken 

im Ungewissen. Sichtbar bleiben 

nur Spuren und dennoch spiegeln sie 

unverkennbar das Vergehen der Zeit. 

Da erholt sich ein Riesenrad von 

seinem Drehschwindel, bunte Luftballons 

warten auf ihr Schrumpfen, blasse 

Farben träumen vom Glanz vergangener 

Tage, verlassene Hotels und rosa 

Wände flüstern uns die Geschichten 

ihrer einstigen Bewohner zu. All diese 

leisen Stimmen erzählen die universelle 

Geschichte vom Ankommen und 

vom Wegfahren, von der Liebe und dem 

Leben, von Traurigkeit, Fröhlichkeit und 

der Sehnsucht. 

Dabei bleibt die Frage nach den Spuren, 

die wir hinterlassen, wenn wir aus 

dem Bildrahmen treten? Was sehen wir, 

wenn unsere Augen wandern? Welche 

Geschichten bleiben an den Orten, die 

wir schon verlassen haben? Und was 

flüstern die, die noch vor uns liegen? 

Katrin Streicher lebt und arbeitet in 

Berlin. Sie studierte Fotografie in München 

und Visuelle Anthropologie mit 

Schwerpunkt Dokumentarfotografie 

© Katrin Streicher, (O.i.F.) © Katrin Streicher, (O.i.F.) 

© Katrin Streicher, (O.i.F.) 

in Manchester. Ihr erstes Fotobuch »In 

Between – Sibirien China Mongolei« 

erschien 2011 im Verlag Nimbus Kunst 

und Bücher. 

Ihre Arbeiten waren in Gruppen- und 

Einzelausstellungen in Berlin, Hamburg, 

München, Manchester und London zu 

sehen. 

Vernissage 




6. April bis 28. April 2013 

aff Galerie 

Kochhannstraße 14 


Sa + So 14 – 17 Uhr 

www.aff-galerie.de 


17

Galerien 

Helena Schätzle 

»9645 Kilometer 

Erinnerung« 

Bis heute prägen die Erfahrungen des 

Zweiten Weltkrieges und der Nachkriegszeit 

die Bewohner Europas. Was 

kann man erzählen von den Erlebnissen 

einer Generation, was in Bildern 

fassen an Erinnerungen, die mehr als 60 

Jahre nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs 

noch immer durchtränkt sind von 

Bedrohung und Gewalt? Wie Geschehnisse 

sichtbar machen, die zwar dauerhaft 

eingebrannt sind in das Gedächtnis 

der Betroffenen, aber dennoch im 

Namenlosen liegen. Geschehnisse, die 

aus einer unendlichen Menge an Erinnerungen 

und Quellen in den Gedächtnissen 

gespeichert sind? 

In ihrer Arbeit »9645 Kilometer 

Erinnerung« fügt Helena Schätzle 

persönliche Erinnerungen und Bilder 

zu einem kollektiven Erinnerungsstrom 

zusammen. Ausgangspunkt hierfür sind 

die lebensgeschichtlichen Erfahrungen 

und Erinnerungen ihres Großvaters, 

der als deutscher Soldat im Zweiten 

Weltkrieg kämpfte. Hierfür reiste sie 

durch Osteuropa und hielt Landschaften 

und Orte fest, die als beständiger stummer 

Zeuge die Kriegsjahre miterlebt haben 

und sich bis heute ihre Zeitlosigkeit 

bewahren. 

Ebenso fotografierte sie Menschen, 

die zur selben Zeit am selben Ort 

wie ihr Großvater waren, hier jedoch 

Geschichte(n) aus anderer Perspektive 

erlebten. Die aktuellen Portraits der 

Frauen und Männer und ihre persönlichen 

Dokumente aus der Vergangenheit 

ergeben kein lineares, konsistentes Bild. 

Es existiert hingegen eine lebendige 

Beziehung zwischen Vergangenheit 

und Gegenwart, die sich in den 

Gesichtern der Menschen abbildet, in 

ihre Körper und deren Ausdrucksgestalt 

eingeschrieben ist. Um die Erfahrungen 

ihres Großvaters und die Erinnerungen 

der fotografierten Zeitzeugen zu verbinden, 

lies sie persönliche Aussagen 

in Textform in ihre Arbeit einfließen. 

Erfahrungen von Verfolgung und 

Vernichtung, von Krieg, Vertreibung, 

© Helena Schätzle 

© Helena Schätzle, (Original in Farbe) © Helena Schätzle, (Original in Farbe) 

Flucht und Ankommen gewinnen so 

ihre Gestalt als Erzählung, die keiner 

einheitlichen Stimme folgt. Die Arbeit 

entstand zwischen 2008 und 2012 und 

erschien 2012 im Verlag Nimbus Kunst 

und Bücher. 

Helena Schätzle, Jahrgang 1983, studierte 

Visuelle Kommunikation 

mit Schwerpunkt Fotografie an der 

Kunsthochschule Kassel. Ihre Arbeiten 

wurden vielfach ausgezeichnet, unter 

anderem durch »gute aussichten«, »The 

Aftermath Projekt«, »Epson Award«, 

»Inge Morath Award«. Sie hatte u.a. 

Ausstellungen in Hamburg, Washington, 

Kassel, Köln, Mumbai, Stuttgart, Berlin. 

Vernissage 


© Helena Schätzle, (Original in Farbe) 


aff Galerie 



Sa + So 14 – 17 Uhr 



Galerien 

Antonius 

Jörg Rubbert 

»New York City Limits« 

Die aff-Galerie zeigt Fotografien von 

den zwei Berliner Künstlern Antonius 

und Jörg Rubbert, die das New York der 

kleinen Leute und Immigranten thematisieren. 

Es geht um den amerikanischen 

Traum, den Einwanderer und Menschen 

aus unteren sozialen Schichten träumen: 

»Try & Error« im täglichen Kampf um 

Perspektive und gesellschaftliche Anerkennung. 

Für die Mehrzahl von ihnen 

entpuppt sich dieser Traum als Phantom: 

Die Wirklichkeit sieht anders aus … 

Während Rubbert‘s Fotos Anfang der 

neunziger Jahren während mehrerer 

Aufenthalte in der Stadt am East 

River entstanden, fotografierte Antonius 

seine Serie in einem Zeitraum von 

2007–2013. Gezeigt wird also das New 

York vor und nach dem 11. September, 

vor und nach der kollektiven traumatischen 

Katastrophe, die das menschliche 

Zusammenleben bis heute überschattet. 

Anfang der neunziger Jahre galt New 

York als Stadt der Extreme: Millionengeschäfte 

an der Wall Street einerseits, 

beängstigend zunehmende Straßenkriminalität 

andererseits. Während ersteres 

auch nach der Finanzkrise weiterhin 

gilt, wurde die Straßenkriminalität 

mittlerweile erfolgreich bekämpft. Dies 

bedeutet aber nicht, dass sich die soziale 

Situation für die kleinen Leute und 

Immigranten entscheidend verbessert 

hat. 

Der Schwerpunkt liegt bei beiden Fotografen 

auf den eher unscheinbaren Situationen 

des Alltags. Auf ihren Streifzügen 

durch die Straßenschluchten New 

Yorks entstanden Fotos mit tiefem Einfühlungsvermögen 

für die Belange der 

Menschen, eine Entdeckungsreise in die 

»Condition humaine«: Menschen-Beobachtungen, 

die verdeutlichen, dass die 

Straße die Bühne des Lebens ist, auf der 

sich Privates ereignet ein »kollektives 

Wohnzimmer, in dem ausgeruht, gefeiert, 

getratscht, gelitten oder sinniert 

wird« (Zitat: Michael Nungesser). 

© Antonius, »Scene on Broadway« 

© Jörg Rubbert, »Cream cake« 

Antonius und Jörg Rubbert präsentieren 

zeitlose Bilder, die von einem starken 

Interesse für gesellschaftliche Themen 

zeugen und eine bisweilen desillusionierte, 

kritische Sicht auf die Stadt als 

gesellschaftlichen Pulsmesser gewähren. 

Die beiden Fotografen interpretieren 

das Thema dabei auf ihre eigene Art: 

Während die monochromierten Bilder 

von Antonius Teil einer Kompilation 

aus »stills, moving images and sounds« 

sind, die als Gesamtkunstwerk präsentiert 

werden, sind die Bilder Rubbert‘s 

dem Genre der klassischen Street Photography 

zuzurechnen. 

Vernissage 

7. Juni 2013, 19 Uhr 

© Jörg Rubbert, »Chinese street vendor« 

8. Juni bis 7. Juli 2013 

aff Galerie 



Sa + So 14 – 17 Uhr 



19

Galerien 

David Favrod 

Michel Le Belhomme 

»There are more 

things« 

©David Favrod, (Original in Farbe) 

© Michel Le Belhomme 

»There are more things« ist der Titel einer 

Kurzgeschichte von Borges und der 

gemeinsamen Ausstellung der beiden 

Künstler David Favrod (»Omoide Poroporo») 

und Michel Le Belhomme (»La 

Bête Aveugle«). 

David Favrod, Sohn japanischer und 

Schweizer Eltern, forscht in seinen Bildern 

nach seiner Herkunft, seiner Identität 

und seinen Wurzeln in den beiden 

Kulturen. 

Michel Le Belhomme gestaltet, was er 

»Umgebungen« nennt. Es sind Konstruktionen 

von kleinerem Format bis hin zu 

menschlichen Proportionen. Alle Fotografien 

sind in seinem Haus aufgenommen, 

entweder drinnen oder draußen. 

Dabei setzt er sich mit den Gefühlen des 

Gefangenseins und der Entfremdung im 

alltäglichen Raum aus. 

In die Novelle von Borges fasziniert und 

erschreckt ein rotes Haus. Das Eindringen 

in das Haus wird als ein monströser 

Traum beschrieben, wo der Mensch 

zwischen dem Fantastischen und dem 

Unwirklichen taumelt. J. L. Borges vermischt 

Erinnerungen und Details des 

Alltags, er entfernt sich von der Erzählung 

durch Assoziationen und hinterlässt 

ein Ende, das unvollendet und verstörend 

erscheinen mag. Der Sinn der 

Geschichte drängt sich beim ersten Mal 

nicht eindeutig auf, das erneute Lesen 

kann in andere Richtungen weisen. 

Wie bei Jorge Luis Borges experimentieren 

Michel Le Belhomme und David 

Favrod mit Maßstäben und deren Darstellung, 

um sich das Gewöhnliche und 

den Alltag durch ein bisweilen verwirrendes, 

immer poetisches, manchmal 

absurdes oder ironisches Spiel zurückzuerobern. 

Beide Künstler vermischen 

Details des täglichen Lebens mit Elementen 

der Natur. Die Pflanzen wuchern im 

Überfluss und wirken in Le Belhommes 

Bildern bedrohlich. Bei Favrod ist die 

Vegetation ein Verweis auf die japanische 

Bildsprache und Symbolik. Le Belhomme 

verbrennt die Fotografie eines 

Kinderzimmers, Favrod zeigt ein seltsames 

urbanes Feuer via google earth. Man 

kann etwas Helles in einem verrauchten 

Zimmer erraten, wie eine Hülle aus 

Licht auf einem Bett. In ihren Bildern 

verschmelzen sich sowohl persönliche, 

als auch gemeinsame und offene Metaphern, 

rufen einen anderen Sinn hervor 

und stören gewonnene Gewissheiten. 

»Wenn wir eine echte Vision des Universums 

hätten, könnten wir es verstehen?« 

Jorge Luis Borges (freie Übersetzung). 

Favrod: »How much does it concretely 

relate to reality or not?« Michel 

LeBelhomme zitiert Alain Robbe – Grillet: 

»(...) wir haben einmal zu viel den 

Schock dieser starrköpfige Realität empfunden, 

von der wir vorgeben, dass wir 

sie besiegt hätten (...)« (freie Übersetzung). 

Wie viel ist Traum, wie viel ist Fiktion? 

Die Fotografie bildet eine Schwelle 

zwischen mehreren möglichen Realitäten. 

Die Hängung der Ausstellung als 

Mosaik basiert auf diesem mehrschichtigen 

Dialog der Werke und der Künstler 

untereinander. 

©David Favrod, (Original in Farbe) 

Die Besessenheit ist ein wiederkehrendes 

Thema in den Geschichten von 

Borges. Der Mann ist von dem Haus fasziniert, 

er dringt ein, obwohl er weiß, 

er könnte sich darin verlieren. In der 

Geschichte »The Book of Sand« ist ein 

Mann von einem Buch so fasziniert, dass 

er sich nicht mehr davon trennen und 

nicht mehr schlafen kann. Er überlegt, 

es zu verbrennen und beschließt, es an 

einem Ort zu lassen, wo er nicht mehr 

hingeht. »La Bête Aveugle« besteht aus 

über zweihundert Bildern. David Favrod 

betitelt mehrere Serien mit einem japanischen 

Begriff so wie verschiedene Kapitel 

einer Geschichte. Ihre Recherchen 

wirken wie eine unerfüllte und obsessive 

Notwendigkeit, bei der es weder 

eine Antwort noch ein Ende gibt. Es ist 

eine nie endende Suche, ein vergeblicher 

Befreiungsversuch. 

Beide Künstler stellen regelmäßig in 

verschiedenen Ländern aus. Ihre Arbeiten 

sind bereits mehrfach ausgezeichnet 

worden. David Favrod gewann u.a. 

2010 den Aperture Portfolio Prize und 

den Swiss Design Award. Michel Le 

Belhomme hat u.a. den Preis der Kritik 

Voies Off 2010 und vor kurzem den 

Sonderpreis beim Archifoto »International 

Award of Architectural Photography« 

bekommen. Beide Fotografen 

waren im Juni 2012 Gäste der Projektion 

»The Flood Wall«. 

Claire Laude 


exp12 / exposure twelve 

Greifswalderstraße 217 

10405 Berlin-Prenzlauer Berg 

Sa – So 14 – 20 Uhr 

www.exp12.com 


Galerien 

Tobias Zielony 

»Fotografien 

2008–2012« 

Tobias Zielony ist einer der wichtigsten 

deutschen Fotografen der jüngeren 

Generation. Seine Bilder über Jugendliche 

aus den unterschiedlichsten Teilen 

der Welt thematisieren den schwierigen 

Prozess der Sinnfindung in einer entfremdeten 

und immer mehr global agierenden 

Welt. Mit seiner Arbeitsweise, 

die er als »beiläufige Form des Sozialen« 

beschreibt, knüpft er an eine dokumentarische 

Tradition der Fotografie an, 

die sich einer geeigneten Ästhetik für 

die genaue Darstellung sozialer Realität 

verpflichtet fühlt. 

13 Ball, aus der Serie: Trona-Armpit of America, 

2008, C-Print, 84 x 56 cm, Courtesy Tobias 

Zielony und KOW, Berlin, (Original in Farbe) 

Two Cigarettes, aus der Serie: Trona-Armpit of 

America, 2008, C-Print, 84 x 56 cm, Courtesy 

Tobias Zielony und KOW, Berlin, (Original in 

Farbe) 

Dirt Field, aus der Serie: Trona-Armpit of 

America, 2008, C-Print, 56 x 84 cm, 

Courtesy Tobias Zielony und KOW, Berlin, 


Die Ausstellung in der Berlinischen 

Galerie wird die erste große Einzelpräsentation 

von Tobias Zielony in Berlin 

sein. Im Mittelpunkt steht sein aktuelles 

Projekt über Berlin. Daneben zeigen wir 

seine wohl bekannteste Arbeit: »Trona«, 

die 2008 unweit von Los Angeles in 

einem kleinen Ort am Rande der Wüste 

entstand. 

Ausstellung mit freundlicher Unterstützung 

des Hauptstadtkulturfonds Berlin. 

Jeff and Amanda, aus der Serie: Trona-Armpit of America, 2008, C-Print, 56 x 84 cm, Courtesy 

Tobias Zielony und KOW, Berlin, (Original in Farbe) 

21. Juni bis 30. September 2013 

Vernissage 


Berlinische Galerie 

Landesmuseum für Moderne Kunst - 

Fotografie und Architektur 

Alte Jakobstraße 124-128 

10969 Berlin-Kreuzberg 

Mi – Mo 

10 – 18 Uhr 


21

Galerien 

Jan Sobottka 

Matthias Harder befragte 

den Künstler des Webportals 

CATONBED.DE 

nach seiner Arbeitsweise. 

Nach einer ersten Präsentation (Studio 

Poll, 2006) und einer Ausstellung im 

Künstlerbund (2008) zeigt der Berliner 

Fotograf Jan Sobottka nach einer langen 

Phase intensiven Arbeitens nun erstmals 

wieder Ergebnisse seiner Fotodokumentation 

aus der Berliner Kunstszene. 

Sein Langzeitprojekt www.catonbed.de 

ist seit 2004 im Netz und inzwischen auf 

30.000 Bilder angewachsen; fast täglich 

wird es aktualisiert. Es dokumentiert so 

zeitgleich wichtige Ereignisse und Protagonisten 

in der Berliner Kunstwelt. 

Die Qualität der ausgestellten Kunst 

oder deren momentaner Medienpräsenz 

ist dabei nicht immer ausschlaggebend, 

ob Jan Sobottka eine Veranstaltung 

oder Eröffnung besuchen wird: 

Neben Projekten eines Jonathan Meese 

finden sich auch Besuche bei den Kunststudenten 

der UdK, Fotos von Galeriebesuchern 

sowie Portraits der unzähligen 

Kunstschaffenden, die derzeit die 

Kunstszene in Berlin so bereichern. 

Dr. Matthias Harder führte ein Gespräch 

mit dem Fotografen, das wir hier 

auszugsweise vorstellen. 

© Jan Sobottka, Der Historiker und Förderer von Christos Reichtagsverhüllung Michael Cullen am 

Savignyplatz, 2011 

Matthias Harder: Jan, du arbeitest mit 

einer kleinen handlichen Kamera, häufig 

im Kontext von Pressekonferenzen und 

an Vernissage-Abenden. Warum wählst 

du dieses Arbeitsgerät? 

Die kleine Kamera nimmt den Menschen 

die Angst, sie nehmen mich als 

Fotografen kaum wahr. Bei Eröffnungen 

fotografiere ich ja auch hauptsächlich 

die Besucher vor den Arbeiten, also 

den Galeriengänger (wenn es so etwas 

gibt).. und der ist bisweilen schüchtern... 

Durch die jetzigen Telefone mit Fotofunktion 

ist meine Arbeit allerdings einfacher 

geworden, weil da fast jeder fotografiert: 

Da falle ich kaum auf. 

Matthias Harder: Bestellst du denn ab 

und zu auch einen Künstler an einen 

ganz bestimmten Ort? Wenn ja, wohin 

genau? 

© Jan Sobottka, Veruschka bei einer Eröffnung 

in der Tucholskystraße, 2009 

Ja, einmal habe ich das mit dem Maler 

Rainer Fetting gemacht (Lounge auf der 

Berlinale 2008), die hellen Kunstledersitze 

und das Tageslicht waren günstig 

in einem Festival Monat wie Februar 

in Berlin. Allerdings (er)kannte ihn 

niemand und er kam kaum durch den 

Sicherheitsbereich. Ansonsten gehe ich 

eigentlich immer dahin, wo der Künstler 

und die Künstlerin arbeitet: ins Atelier. 

Matthias Harder: Entfaltet deiner 

Ansicht nach der Portraitierte erst an 

bestimmten Orten seine Persönlichkeit, 

konkret im Atelier? Oder sind dir 

die Aufnahmeorte eigentlich gar nicht 

wichtig? 

© Jan Sobottka, Lachende (Kitty Wild). 2012 

Was ist Persönlichkeit, was heißt entfalten...? 

Wohlfühlen und Aggression 

können beide zu starken Ergebnissen 

führen. Ich habe kaum bestimmte Vorstellungen, 

wenn ich anfange, da ich in 

der Regel nicht weiß, was mich erwartet. 

Früher habe ich eingegriffen, wenn 

jemand am Anfang zu sehr gepost hat, 

heute lasse ich ihn durch diesen Prozeß 

hindurchgehen, ohne ihm anzudeuten, 

dass mich das nicht interessiert. 

Das funktioniert viel besser, weil er es 

braucht - Zurechtweisungen will keiner 

hören... 

Allerdings gebe ich auch bei Ausstellungseröffnungen 

direkte Hinweise: Ich 

würde Sie gern vor der oder der Arbeit 

portraitieren. 


Galerien 

© Jan Sobottka, Der Nobelpreisträger Imre Kertész in der Akademie der Künste, 2012 

sich nicht: Sie sind Konkurrenten. Ich 

lächle dann und mache dem anderen 

damit eine Freude ... 

2004, als ich anfing in Galerien zu fotografieren, 

war ich jedoch fast allein. 

Dann kam der Hype, die Kunstrundgänge, 

die schick wurden. Oft ein bizarres 

Volk, das sich mit den Kunstwerken 

im Hintergrund schmückte. 

Apropos: Die wenigsten verstehen, was 

da an der Wand passiert; Künstler, die 

etwas die Hälfte einer normalen Eröffnung 

ausmachen, haben auch ihr Vorlieben, 

kommen aber wenigstens vom 

Fach, vom Machen selbst. Die anderen 

sehen die Kunst als Bereicherung, 

können aber oft Blendwerk nicht von 

Substanz trennen. Aber wer kann das 

schon: Wir leben alle in unserer kleinen 

Welt. 

Aber ohne Übertreibung: Ich gehöre 

wahrscheinlich zu den Menschen, die 

am meisten Kunstausstellungen in Berlin 

mitbekommen. Ich sage bewusst: nicht 

sehen. Denn wenn ich einen Ausstellungsort 

aufsuche, nehme ich gleichzeitig 

folgendes wahr: Reflektiert der 

Boden genug (dunkel), sind die Besucher 

interessant angezogen (zu eintönig), 

fällt jemand auf und warum, gibt es 

interessante Gruppenbildungen … 

Man kann bei einer Eröffnung sehr 

einsam sein, wenn man nicht zur Insider-Group 

gehört. Die kümmert sich 

meistens nur um sich selbst. 

© Jan Sobottka, Die Fotografin Julija Goyd, 

2009 

© Jan Sobottka, Ausstellungsbesucher in einer 

Galerie in Mitte, 2010 

Wenn die Leute fragen, wofür und 

warum, nenne ich ihnen den wahren 

Grund: die Arbeit an der Webdokumentation 

www.CATONBED.de. 

Ich habe die Erfahrung gemacht, dass 

jeder einen Grund braucht, wie banal 

der auch ist. Ich spreche die Menschen 

immer zuvor an. Da ich keine langen 

Brennweiten verwende, muss ich einfach 

näher herangehen. Diese Nähe 

wird auch oft als positive Wahrnehmung 

des Einzelnen in der Masse wahrgenommen. 

Indem ich den Portraitierten die ersten 

Ergebnisse zeige, versuche ich dann ein 

konstruktives Miteinander aufzubauen. 

Ein einfacher Trick: Ich sage dann: Schau 

mal, wenn du den Arm da ein wenig veränderst, 

wirkt das für die gesamte Komposition 

besser. Es sind ja oft Menschen, 

die im Visuellen zu Hause sind. Das gilt 

besonders für Künstler. 

Im weiteren Verlauf versuche ich dann 

in Serie zu arbeiten und unterbreche 

kaum noch... Im Idealfall gerät man in 

einen gemeinsamen Arbeitsprozess ... 

und vergisst die Zeit... 

Matthias Harder: Viele Menschen, die 

du portraitierst, haben ja selbst Kameras 

dabei. Gelegentlich schießen sie 

doch sicherlich mal zurück. Wie fühlt 

sich das an? 

Zurückfotografieren finde ich nicht sonderlich 

originell. Aber das hat etwas mit 

Verteidigung des Terrains zu tun: Mehrere 

Fotografen auf einem Fleck lieben 

(Alle Abbildungen im Original in Farbe) 

Eröffnung: 

Freitag, 3. Mai 2013, 19 Uhr 

Zur Ausstellung erscheint der Katalog: 

Jan Sobottka: »Berlin Art Scene« 

Texte von Matthias Harder 

und Dietger Pforte 

Verlag Seltmann+Söhne, 2013 


Carpentier Galerie 

Meinekestraße 13 


Sa 14 – 18 Uhr 


www.carpentier-galerie.de 


23

Galerien 

Rudolf Holtappel 

»Ein Leben als 

Zeitzeuge« 

Fotografien 

1956 – 1990 

Anlässlich des 90. Geburtstages von 

Rudolf Holtappel zeigt der Freundeskreis 

Willy-Brandt-Haus in Berlin eine 

Übersicht über das Werk des Fotografen. 

Holtappel wurde 1923 in Münster geboren, 

wuchs in Duisburg auf und lebt seit 

1960 in Oberhausen. Auch wenn er in 

seiner Berufstätigkeit als freier Bildjournalist 

weltweit in den verschiedensten 

Aufgabengebieten tätig war, blieb er 

dem Ruhrgebiet immer in besonderer 

Weise verbunden, als fotografierend 

teilnehmender Beobachter und liebevoll-kritischer 

Chronist. 

In seinen Fotografien sind Zechentürme, 

qualmende Kokereien und imposante 

Stahlwerke ebenso gegenwärtig wie 

Arbeitersiedlungen, Schrebergärten 

oder lange Leinen mit frischer Wäsche, 

und doch findet Holtappel immer ein 

überraschendes Detail, eine eigenwillige 

Handlung oder einen ungewohnten 

Blickwinkel, wodurch jede seiner Fotografien 

zu einem Dokument individuell 

gestalteten Lebens wird. Die Sorgfalt, 

die Holtappel auch den abseitigen, 

kritikwürdigen oder ärmlichen Motiven 

widmet, geht einher mit einem selbstverständlich 

verinnerlichten Respekt 

für die Menschen, die diese Region so 

besonders machen. Das Land und die 

Leute, untrennbar aufeinander bezogen 

und stets in Bewegung, davon handeln 

die meisten seiner Fotografien. 

Erzählerische Zusammenhänge und 

ihre Zuspitzung in ausdrucksstarken 

Momenten kommen auch bei seinen 

Langzeitprojekten von Menschen in der 

Arbeitswelt und Menschen im Warenhaus 

vor. Letztere Werkgruppe entstand 

über Jahrzehnte in ganz Deutschland, 

von der Phase rasant wachsenden Wohlstands 

in den 1960er Jahren bis zum 

Ende der großen Konsumtempel seit den 

1990ern. Holtappel erfasst in seinen Bildern 

alle Facetten des Erlebens und alle 

© Rudolf Holtappel, Qual der Wahl, 1964 

© Rudolf Holtappel, Luftschacht Zeche Hugo 

Gelsenkirchen-Buer, 1959-60 

mehr oder weniger beherrschten Emotionen, 

denn er versteht das Warenhaus 

als eine einzigartige Bühne, auf der 

sich exemplarisch die kleinen und die 

großen Dramen des Alltags ereignen. 

Der offene und neugierige Blick auf den 

Alltag, auf das Besondere im nur scheinbar 

immer Gleichen, eint die verschiedenen 

Bereiche in Holtappels Werk. 

Ob im Stahlwerk oder im Supermarkt, 

auf dem Sportplatz oder im Straßenverkehr, 

bei der Arbeit oder in der Kneipe, 

auf der Demo oder im Schrebergarten, 

stets stehen die Menschen im Mittelpunkt 

seiner Bilder. Und dass ihr Alltag 

nichts anderes ist als das Leben selbst, 

genau das machen Holtappels Fotografien 

immer wieder bewusst. 

© Rudolf Holtappel, Oberhausen, 

Markstraße, 1973 

Vernissage 

9. April 2013, um 19.30 Uhr 

Der Fotograf Rudolf Holtappel ist 

anwesend. 

10. April bis 24. April 2013 

Freundeskreis Willy-Brandt-Haus 

Willy-Brandt-Haus 

Stresemannstraße 28 


Di – So 12 – 18 Uhr 

Ausweis erforderlich 


Galerien 

Ulrich Mack: 

Kennedy in Berlin. 

Die Deutschlandreise 

1963. 

»Ich bin ein Berliner« – mit diesen 

Worten hat John F. Kennedy Geschichte 

geschrieben. Kein Satz des jungen charismatischen 

Präsidenten ist mehr gefeiert, 

heftiger umjubelt, häufiger zitiert 

worden als dieser. Im Juni 1963 war Kennedy 

in die Bundesrepublik gekommen. 

Köln, Bonn, Wiesbaden und Frankfurt 

standen auf dem Programm einer Reise, 

die vor allem mit ihrem Abstecher nach 

Berlin zum Triumphzug werden sollte. 

Seit dem Mauerbau 1961 hatten die 

Berliner auf ein Zeichen der Solidarität 

gewartet. Nun war es da: In Gestalt des 

mächtigsten Mannes der Welt, dessen 

Anwesenheit in der »Frontstadt« nicht 

weniger als zwei Millionen Menschen 

auf die Straße brachte: jubelnd, winkend, 

Fähnchen schwingend. Der Kennedy- 

Besuch markiert den Höhepunkt der 

Amerika-Begeisterung in Westdeutschland. 

Er war ein politisches, aber auch 

ein mediales Großereignis, das unter 

anderem der 28-jährige Ulrich Mack für 

die deutsche Illustrierte »Quick« begleitet 

hat. Was Macks Schwarzweiß-Reportage 

auszeichnet, sind handwerkliche 

Exzellenz, ein Gefühl für entscheidende 

Augenblicke, für große Gesten, aber 

auch ein sensibler Blick auf das Treiben 

am Rande, das mehr noch als die wohl 

inszenierten Auftritte der Politiker – Kennedy, 

Adenauer, Brandt – die emotionale 

Seite des Besuches spiegelt. Wahlweise 

wahrt Mack den Überblick oder 

ist unmittelbar dabei, wenn die Berliner 

den Präsidenten umkreisen, bedrängen, 

mit Blumen überhäufen. Kein Fotograf, 

soviel steht fest, hat den Staatsbesuch 

so lückenlos, so einfühlsam, so engagiert 

dokumentiert wie Ulrich Mack. 

Fünf Jahrzehnte lagerten seine Bilder 

bzw. Negative weitgehend unbeachtet 

im Archiv. Nun haben Gisela Kayser 

(Berlin) und Hans-Michael Koetzle 

(Hamburg) in Zusammenarbeit mit dem 

in Hamburg lebenden Fotografen eine 

© Ulrich Mack, John F. Kennedy, Berlin 1963 

© Ulrich Mack, John F. Kennedy, 

Berlin 1963 

Auswahl getroffen, die als Ausstellung 

im Willy-Brandt-Haus (Berlin) im Mai 

2013 Weltpremiere feiert: ein bedeutendes 

Stück Zeit-, Fotografie- und Mediengeschichte. 

Begleitend zur Ausstellung erscheint im 

Schirmer Verlag (München) ein Fotoband. 

Ulrich Mack, 1934 geboren, war Bildreporter 

für Quick und Stern, bevor er 1975 

als Professor für Visuelle Kommunikation 

an der FH Dortmund in die Lehre 

wechselte. Mack hat mehrere Bücher 

publiziert (darunter eine vergleichende 

Studie »Pellworm / Harkers Island«) und 

wiederholt Preise und Ehrungen für sein 

Lebenswerk erhalten. 

© Ulrich Mack, John F. Kennedy, 

Berlin 1963 

Vernissage 

30. April 2013, um 18.30 Uhr 

Der Fotograf Ulrich Mack ist 

anwesend. 






Di – So 12 – 18 Uhr 

Ausweis erforderlich 

28. Mai 2013 geschlossen! 


25

Galerien 

Heinrich 

Heidersberger 

»Kleid aus Licht« 

Nackt ist nicht gleich nackt. Das wird 

spätestens bei den Aufnahmen des Fotografen 

Heinrich Heidersberger (1906- 

2006) sichtbar. Der deutsche Nachkriegsfotograf 

ist heute hauptsächlich 

für seine Architekturfotografie berühmt 

– herausragende Aufnahmen von deutschen 

Nachkriegsbauten. Ursprünglich 

mit dem Ziel, Maler zu werden, studierte 

er Ende der Zwanziger Jahre in 

Paris bei Fernand Léger an der Académie 

Moderne, verfiel jedoch bald dem 

Reiz und den technischen Möglichkeiten 

der Kamera. Den wenigstens ist 

dabei bekannt, dass zum Oeuvre des 

Künstlers auch die Aktfotografie-Serie 

»Kleid aus Licht« (1949) gehört. Nun 

zeigt die Berliner Galerie Petra Rietz 

Salon erstmals Bilder aus der Reihe der 

experimentellen Aufnahmen. 

Heidersbergers Aktaufnahmen sorgten 

damals für Aufsehen, Empörung und 

Fehlinterpreationen, wurden doch fünf 

Bilder aus der Serie 1949 im »Stern« 

veröffentlicht. Im Beitext zu den Abbildungen 

bemüht sich ein Redakteur, witzelnd 

die Klippen der Nachkriegsprüderie 

zu umschiffen und Heidersbergers 

Bilder als eine Art »des Kaisers 

neue Kleider« zu verkaufen, als geldsparende 

Methode für arme Nachkriegsfrauen. 

Mit selbst gebastelten Loch- und 

Lamellenmasken, die der Künstler vor 

eine leuchtstarke Lichtquelle montierte, 

überblendete er die nackten Körper 

seiner Modelle mit grafischen Mustern 

– immateriellen Kleider, gewebt 

aus Licht. Durch die weichen Rundungen 

des weiblichen Körpers wird die 

regelmäßige Geometrie der Schablonen 

verzerrt und beginnt ein Eigenleben 

zu führen. Sie folgt dem Volumen 

des Körpers und zeichnet Strukturen auf 

die Haut, die entfernt an Tätowierungen 

erinnern. Doch dem deutschen Fotografen 

geht es weder um erotische Aufnahmen 

noch um das Zurschaustellen des 

nackten Körpers unter auflagensteigernden 

Vorwänden. Ihn beschäftigt in erster 

© Heinrich Heidersberger 

Linie das Phänomen Licht, dem er auf 

die Spur kommen will. Später wird ihn 

dann immer mehr die Idee faszinieren, 

das Licht selbst zum Objekt werden zu 

lassen, Mitte der Fünfzigerjahre entwickelte 

er seinen so genannten Rhythmographen, 

mit dessen Hilfe Lichtspuren 

direkt auf Fotomaterial aufgezeichnet 

werden konnten. 

Die Schatten-Lineamente auf den nackten 

Körpern sind nur die äußeren Merkmale, 

an Hand derer er die optischen 

Gesetze erforscht. Der Blick auf zwar 

lebendige, aber in Posen erstarrte Frauen 

ist demnach ein Zeichen für die Begeisterung 

des Fotografen an dinghaftem Da- 

Sein und der Faszination am Experimentieren. 

Es ist eine künstlerische Problematik, 

Formen- und Linienfragen, die 

den Künstler beschäftigten, nicht die 

Nacktheit an sich. Der nackte Körper 

ist nur Material, um die Licht- und Schattenformationen 

optimal zur Geltung zu 

bringen, er ist gleichsam die weiße Leinwand, 

die durch ihre körpereigenen 

Rundungen und Kurven dem Ganzen 


Galerien 

© Heinrich Heidersberger: aus der Serie „»Kleid aus Licht«, 1949, 

veröffentlicht im Magazin »Stern« #45, 1949 


eine neue Dynamik geben. Heidersbergers 

Nacktheit hat nichts mit Sexualität 

oder Erotik zu tun, sie dient der Klarheit 

der Form und des Ausdrucks. So 

gilt der menschliche Körper bei Heidersberger 

als Grundmittel für die geometrischen 

Linien und Schwingungen, 

die durch ihrer Symmetrie und Regelmäßigkeit 

an die modernen und kühl 

ästhetischen Bauelemente seiner Architekturfotografien 

erinnern. 

Dabei tritt die Individualität der dargestellten 

Frauen zugunsten der Erforschung 

des Effektes von Licht und Schatten 

auf Körpern zurück. Es fällt auf, 

dass keines der Modelle den Betrachter 

anblickt. Mehr noch, bei einer der 

bekanntesten Fotografie aus der Serie 

der 60 Bilder, ist die abgebildete Frau 

sowohl an Kopf und Füßen vom Bildrand 

beschnitten, ihr erotisches Potential 

– die Blickachse zwischen dem 

Objekt der Begierde und dem Rezipienten 

– wurde ihr zu Gunsten einer Körperprojektionsfläche 

genommen. 

Besonders an den Bildern ist dabei die 

Tatsache, dass bei jeder Betrachtung 

einer »Kleid aus Licht«- Fotografie eine 

Wende in der Rezeption eintritt, eine 

Art Kipp- Wahrnehmung zwischen Figurativem 

und Figürlichem. Das Figürliche 

ist die Darstellung der Frau als nackter 

Körper, der auch auf erotische Art 

gesehen werden kann, das Figurative 

die Schattenexperimente auf den Leibern. 

So sind »der Frauen neue Kleider« 

ähnlich wie »des Kaisers neue Kleider« 

für die einen sichtbar, sprich bedeutender 

als die nackte Haut darunter und 

für die anderen unsichtbar. Für erstere 

Art der Rezipienten stehen die Schattenexperimente 

im Vordergrund, das Interesse 

an fotografischen Strukturen verbindet 

sie mit der Intention des Fotografen, 

wertet sie gleichermaßen auf und 

lässt den Akt in den Hintergrund treten. 


Die zweite Gruppe sieht – ähnlich wie 

in Hans Christian Andersens Märchen 

– die Kleider nicht, sie sehen nur das 

Nackte darunter, das Erotische in den 

Abbildern. Für sie sind Heinrich Heidersbergers 

Frauenbilder in erster Linie 

erotische Frauenaktabbildungen. 

Das Schöne an der »Kleid aus Licht«- 

Serie ist jedoch, dass es nicht darauf 

ankommt, welcher Art von Betrachtergruppe 

man angehört, ob mit oder ohne 

experimentellen Fotografie-Diskurs im 

Hinterkopf; Heidersbergers Aktbilder 

überzeugen auch als reine Akte von 

hohem, feinsinnigen und künstlerisch 

ästhetischem Wert. 

Felicitas Rhan 

Vernissage 

25. April 2013, 19.30 Uhr 

26. April bis 20. Juli 2013 

Petra Rietz Salon Galerie 

Koppenplatz 11a 


Mi – Sa 14 – 18.30 Uhr 

pr@petrarietz.com 

www.petrarietz.com 


27

Galerien 

Schauplatz: 

Inszenierte Fotografie 

Wolf Abraham, Roland Bauer, Marion 

Elias, Peter Fischer-Piel, Sabine Gruhn, 

Sannah Jager, Türkan Kentel, Lena 

Kilkka, Dajana Lothert, Anja Renoth, 

Nadja Rentzsch, Mario Witt, Anna 

Wöltjen 

Wie verhalten sich Fotografie und © Nadja Rentzsch 

Wirklichkeit zueinander? Eine gängige 

Annahme verleitet dazu, Fotos lediglich 

© Wolf Abraham 

als Abbilder der Wirklichkeit zu begreifen. 

Der Begriff »Inszenierte Fotografie« hat 

sich als Bezeichnung für all jene Formen 

der Fotografie etabliert, die eigene konzeptuelle 

Ansätze verfolgen und eine 

individuelle Erzählstruktur entwickeln, 

die unabhängig von Abbildungstreue 

oder Realitätswiedergabe angesiedelt 

ist. Die Idee steht im Vordergrund und © Türkan Kentel (O.i.F.) 

nicht die handwerklich-dokumentarische 

Umsetzung eines vorgefundenen 

Motivs. Als zentrale Begriffe der »Inszenierten 

Fotografie« gelten Kunst und 

Allegorie, Erfindung und Konstruktion, 

und die Selbstdarstellung in einem auch 

psychologisch gemeinten Sinn. 

Die Ausstellung »SCHAUPLATZ« zeigt 

daher ausschließlich fotografische Konzepte, 

die jenseits des Dokumentarischen 

angesiedelt sind. Inspirierende 

Beispiele liefern hierzu Meister der Inszenierung 

wie Duane Michals, Cindy 

© Mario Witt (O.i.F.) 

Shermann, Jeff Wall, Gregory Crewdson 

oder Erwin Olaf. Außerdem lassen sich 

Parallelen zur zeitgenössischen Werbefotografie 

erkennen, die sich in vielen 

Fällen von künstlerischen Werken nicht 

mehr unterscheiden läßt. 

Ein begleitender Katalog mit den Arbeiten 

des Projektes »SCHAUPLATZ« 

erscheint im zimmerverlagberlin. 

Peter Fischer-Piel © Marion Elias (O.i.F.) 


Auftritt der Haeckeltheatergruppe 

am Dienstag, 30. April 2013, 

19 Uhr 

Künstlergespräch mit Führung 

am Donnerstag, 2. Mai 2013, 

19 Uhr 

Vernissage 


Finissage 

5. Mai 2013 

16 Uhr mit Tanzperformance 

Kunstquartier Bethanien 

Studio 1 

Mariannenplatz 2 


Mo – So 14 – 20 Uhr 

( 1. Mai 2013 geschlossen) 

www.schauplatz24.info 


Galerien 

Arnd Weider 

»Fotografie« 

Arnd Weider, Preisträger des Fotoarbeitsstipendiums 

Tempelhof-Schöneberg 

2010, sucht als Fotograf die »anderen 

Orte«, die in besonderer Weise 

gesellschaftliche Verhältnisse reflektieren, 

repräsentieren, negieren oder auch 

umkehren. 

Zu sehen sein werden präzise und subtile 

fotografische Studien z.B. aus dem 

Sportforum in Hohenschönhausen, dem 

Flughafengebäude in Berlin-Tempelhof 

und dem von den Nationalsozialisten 

erbauten sogenannten »Koloss von 

Prora« auf Rügen. 

© Arnd Weider, 

Krematorium, aus der Serie: Das Haus 


Vernissage: 16. Mai 2013, 19 Uhr 

© Arnd Weider, 

Krankenhaus Moabit, aus der Serie: Das Haus 



Galerie im Rathaus Tempelhof 

Tempelhofer Damm 165 

12099 Berlin-Tempelhof 

Mo – Fr 

9 – 18 Uhr 

Maria Jauregui Ponte 

»Überstrahlungen« 

Maria Jauregui Ponte, Absolventin der 

Neuen Schule für Fotografie Berlin, 

zeigt ihre abstrakten Fotografien, die in 

der Dunkelkammer ohne Einsatz einer 

Kamera entstanden sind. 

Die Künstlerin reduziert die Fotografie 

auf das Wesentliche und malt sozusagen 

mit Licht. Die ausgestellten Fotogramme 

und Überstrahlungen entfalten 

ihre eigene Ästhetik und werfen 

die Frage auf, was Fotografie sichtbar 

machen kann. 


Galerie im Tempelhof Museum 

Alt-Mariendorf 43 

12107 Berlin-Tempelhof 

© Maria Jauregui Ponte © Maria Jauregui Ponte 

o.T. / Fotogramm 

o.T. / Fotogramm 

Schwarzweiß Fotogramm auf Barytpapier Schwarzweiß Fotogramm auf Barytpapier 

17,5 x 12,6 cm, 2009, Unikat 

30,3x 23,8 cm, 2009, Unikat 

Mo + Mi 10 – 16 Uhr 

Di + Do 10 – 18 Uhr 

Fr 

10 – 14 Uhr 

So 11 – 15 Uhr 

am ersten Mittwoch im Monat 

geschlossen 

Vernissage 


maria.ponte@t-online.de 


29

Galerien 

Jürgen Bosse 

»New York 

Experience« 

Als Fotograf beschäftigt sich Jürgen 

Bosse schon lange mit Zeit, Bewegung 

und der Ästhetik des Zufalls. So besucht 

er 1996 die Metropole New York - mit 

einer Super 8 Kamera und der Idee im 

Gepäck, die flüchtigen Momente dieser 

Stadt auf Film festzuhalten. Flüchtige 

Momente, die in Bruchteilen einer 

Sekunde die Schnelligkeit, Hektik und 

Vielschichtigkeit wiedergeben. Beim 

Betrachten der Filme zeigt sich jedoch, 

dass nicht die kurzen Filmsequenzen, 

sondern einzelne Bilder genau die 

Lebendigkeit wiedergeben, die Jürgen 

Bosse in New York gesucht hat. 

© Jürgen Bosse, (Original in Farbe) 


Die Momentaufnahmen von diesem 

Projekt zeigt Jürgen Bosse in ausgesuchten 

Bilderrahmen aus recyceltem Holz. 

31. Mai bis 13. Juli 2013 

Luxad 

Mommsenstraße 42 


Mo – Fr 

Sa 

10 – 19 Uhr 

12 – 18 Uhr 

www.luxad.de/galerie/ 

www.jbosse.de 


Vernissage 

31. Mai 2013 von 19-21 Uhr. 

Alle Werke werden ab dem 5. Juni 

2013 auch im Onlineshop verfügbar 

sein. 


Galerien 

Ingrid Steinmeister 

»Bleiben und 

Vergehen« 

Drei Serien 

Die erste Folge von Fotos behandelt die 

zeitlich bedingte, kontinuierliche Veränderung 

von Gegenständen. Materie 

verfällt. Unterschiedliche Formen 

und Bilder entstehen. Manchmal wird 

der Prozess durch menschliches Zutun 

beeinflusst. Die Verwandlung bekommt 

eine andere Richtung, neue Gebilde 

entstehen, Gefühle kommen immer 

wieder auf. 

© Ingrid Steinmeister 

In einer zweiten Serie hat sich Ingrid 

Steinmeister mit dem Abriss des Palastes 

der Republik befasst. Hier geht es nicht 

um ein Vergehen im Sinne eines langsamen, 

natürlichen Verfalls. Ursächlich 

ist allein ein aktives, menschliches Eingreifen, 

das zur Zerstörung führt. Die 

Zwischenphase, in der die mächtige 

Konstruktion offen gelegt war, interessierte 

die Fotografin: Die Kraft und 

Ästhetik der zum Verschwinden verurteilten 

Elemente. Dieser Prozess wird 

in Beziehung zu der Umgebung gesetzt, 

der restaurierten Museen und den neu 

errichteten Gebäuden. 

Ein weiterer Aspekt des Themas »Bleiben 

und Vergehen« wird in der dritten 

Serie behandelt, die in New York entstanden 

ist. Hier steht der Mensch im 

Mittelpunkt, das Leben in der Großstadt: 

Seine Rastlosigkeit, ständige Bewegung 

und Schnelligkeit, die ihn kaum greifbar 

werden lässt. 

Dieses ständige Dahinschwinden wird 

in der seit hundert Jahren feststehenden 

Stahlkonstruktion der Subway besonders 

deutlich. Nur selten gibt es einen 

Moment des Innehaltens. 

© Ingrid Steinmeister © Ingrid Steinmeister 

26. April bis 31. Juli 2013 

Ingrid Steinmeister ist in Berlin geboren 

und lebte lange Zeit in Paris und New 

York. Vor zwölf Jahren ist sie nach Berlin 

zurückgekehrt und setzt ihre fotografische 

Arbeit hier fort. Zuletzt stellte sie im 

Aufbau Haus am Moritzplatz aus. 

© Ingrid Steinmeister 

Santander Bank 

Tauentzienstraße 6 


Öffnungszeiten: 

siehe: www.santanderbank.de 


31

Galerien 

WIRKLICH 

Erkenntnissen der modernen Gehirnforschung 

zufolge bestehen nur 20 % 

unserer direkten Wahrnehmung aus 

dem, was wir objektiv und „wirklich“ 

vor uns sehen, während rund 80 % mit 

unserem Wissen, unseren Erinnerungen, 

Erwartungen und Gefühlen zusammenhängen. 

Aus dieser Diagnose ergibt sich 

unmittelbar die Frage nach der Realität 

unserer Wahrnehmung: sind etwa nur 

20 % wirklich oder handelt es sich hier 

um unterschiedliche Arten bzw. Dimensionen 

von Realität? Was sehe ich wirklich, 

wenn ich etwas sehe? Wie verhalten 

sich dabei innere und äußere bzw. 

subjektive und objektive Realität zueinander? 

Und wie können unterschiedliche 

Realitätsdimensionen fotografisch 

dargestellt werden? Erfasst eine Fotografie 

nicht immer nur die Oberfläche 

einer viel komplexeren Wirklichkeit? 

Wie kann man diese Komplexität sichtbar 

machen? 

© Barbara Töpper-Fennel 

© Yulia Veksler, (O.i.F.) © Sibylle Meister-Holzfuß, (O.i.F.) 

© Karin Dolatkowski 

Fotografien von Arka Genähr, Barbara 

Töpper-Fennel, Karin Dolatkowski, 

Marion Graulich, Matthias Longo, Pigi 

Psimenou, Richard Thieler, Sibylle Meister-Holzfuß, 

Yulia Veksler 

Künstlerische Leitung: Mathias Richter 

Vernissage: 31. Mai 2013, 19 Uhr 

© Pigi Psimenou, (O.i.F.) © Matthias Longo 

© Richard Thieler 

1. Juni bis 22. Juni 2013 

6. August bis 10. August 2013 


Linienstraße 145 


Di – Fr 

Sa 

12 – 19 Uhr 

14 – 18 Uhr 


Galerien 

Lara Melin 

»Heidestraße 46-52 – 

Ode an einen 

Schandfleck« 

Ein Fotograf – ein Ort in Berlin! So lautet 

das Konzept des Berliner Salons für Fotokunst. 

Hier werden Arbeiten von Fotografen 

gezeigt, die weit über konventionelle 

Dokumentarfotografie hinausgehen, 

sondern den Betrachtern vielmehr 

subjektive Perspektiven aufzeigen und 

neue Blickwinkel eröffnen. 

Thema der aktuellen Ausstellung: Heidestraße 

46-52 – Ode an einen Schandfleck. 

Der Gewerbehof aus Güterschuppen 

eines ehemaligen Containerbahnhofs 

muss einem ehrgeizigen Bauprojekt 

weichen. Hier, nördlich des Berliner 

Hauptbahnhofs, soll das neue Vorzeigeviertel 

Europacity/Heidestraße entstehen. 

Die alten Schuppen sind keine 

architektonischen Prunkstücke. Aber der 

Ort steht stellvertretend für ein bestimmtes 

Gesicht Berlins, eine typische Facette, 

die nun zunehmend verschwindet: Das 

Berlin der kleinen Gewerbetreibenden, 

die sich auch mit wenig Mitteln Nischen 

schaffen konnten. Solche Nischen versprühen 

den Charme des Improvisierten 

und des Unprätentiösen. 2012 hat der 

Abriss der Schuppen begonnen. 

© Lara Melin, (Original in Farbe) © Lara Melin, (Original in Farbe) 

Zwischen 2009 und 2012 kehrte die 

Fotografin Lara Melin immer wieder 

in diesen Gewerbehof zurück – fasziniert 

von seinen Ecken, Kanten und 

Winkeln, von den Spuren der Zeit und 

den Spuren des Wandels, die sich dort 

ablesen lassen. In oft abstrahierenden, 

betont subjektiven Bildausschnitten entlockt 

sie dem Ort eine Geometrie, die 

das Gezeigte sublimiert, versäumt dabei 

jedoch nie, auch etwas über den Ort 

zu erzählen. Mit einer besonderen Aufmerksamkeit 

für das richtige Licht zeigt 

sie dem Betrachter, was der eilige Passant 

oder jemand, der nur mit dem Sinn 

für ökonomische Wertschöpfung hinsieht, 

nicht bemerken wird: die Poesie 

des scheinbar Banalen. 

© Lara Melin, (Original in Farbe) 

© Lara Melin, (Original in Farbe) 

Vernissage 

12. April, ab 19 Uhr 


Berliner Salon für Fotokunst 

Kulturhaus Schöneberg 

Kyffhäuserstraße 23 


Mi 14 – 19 Uhr 

Do 12 – 17 Uhr 


Telefon 0179 591 351 6 


33

Galerien 

Siehste, jeht doch! 

Meisterklasse Arno 

Fischer. 

Letzter Jahrgang. 

Im Berliner HAUS am KLEISTPARK 

zeigen 32 Fotografinnen und Fotografen 

des letzten Jahrgangs der »Meisterklasse 

Arno Fischer« eine umfassende Werkschau 

ihrer Arbeiten, die der Lehrende 

noch selbst betreut hat. Arno Fischer 

(1927-2011) war nicht nur der Wegbereiter 

der Fotografie in der DDR, er war 

einer der großen deutschen Fotografen 

der zweiten Hälfte des vergangenen 

Jahrhunderts. Der Titel der Ausstellung 

»Siehste, jeht doch!« war seine gleichermaßen 

anerkennende und ermunternde 

Bemerkung beim Abschluss einer gelungenen 

Fotoarbeit. Die Ausstellung spiegelt 

die ganze Bandbreite des künstlerischen 

Ausdrucks seiner Student/innen 

und die Fähigkeit Arno Fischers, sich auf 

das fast unbegrenzte Spektrum unterschiedlichster 

Themen und Bildwelten 

einzulassen. 

Arno Fischers Fotografien sind im Bildgedächtnis 

vieler Menschen verankert: 

die Bilder vom Nachkriegs-Berlin, die 

Porträts von internationalen Künstlern 

und anderen Zeitgenossen, die Bilder, 

die auf seinen vielen Reisen entstanden, 

Marlene Dietrich im Nerz in Moskau, 

der Riss durch eine Brandmauer in 

Berlin, Aufmärsche im Osten, das »Wirtschaftswunder« 

und seine Kehrseiten im 

Westen, das Leben in Osteuropa und 

auch spätere Arbeiten wie die aus New 

York gehören zu seinen Hauptwerken. 

Dass Arno Fischer auch der Modefotografie 

wegweisende Impulse gegeben 

hat, bedeutete ihm persönlich wenig. 

Ihn trieb etwas anderes um: Er wollte 

mit fotografierten Geschichten Historie 

erfahrbar machen. 

Der Ruhm, die großen Ausstellungen 

und Ehrungen kamen spät. Man hat 

ihn einmal den »bekanntesten Unbekannten 

unter Deutschlands Fotografen« 

genannt. 

© Antje Berghäuser © Anna Arendt 

© Carolin Weinkopf, (Original in Farbe) © Olle Fischer, (Original in Farbe) 

© Uta Protzmann, (Original in Farbe) © Eva Brunner 

Vernissage: 14. April 2013, 17 Uhr Finissage: 2. Juni 2013, 17 Uhr 


Galerien 

© Luca Vecoli, (Original in Farbe) © Florian Fischer, (Original in Farbe) © Cordula Giese 

Arno Fischer war ein Chronist seiner 

Zeit und ein Vorbild für den Nachwuchs. 

Er schärfte als Lehrer und Professor 

in Berlin, Leipzig und Dortmund 

den Blick mehrerer Generationen Studierender. 

Als der Emeritus 2001 eine 

eigene Fotografenschule – »Fotografie 

am Schiffbauerdamm« – gründete, meldeten 

sich schlagartig 400 Interessenten 

für einen Kurs. »Mit jungen Leuten 

zu arbeiten, ist mein Leben«, betonte 

er immer wieder. Das Unterrichten hat 

er niemals aufgegeben – wie zuletzt in 

seiner Meisterklasse an der Ostkreuzschule 

in Berlin-Weißensee. 

Seine Lehrtätigkeit war überaus erfolgreich. 

Zu seinen Studenten gehörten 

neben vielen anderen, heute namhaften 

Fotografen auch Sybille Bergemann 

– seine spätere Frau -, Ute Mahler, Frank 

Gaudlitz, Wiebke Loeper, Gitta Seiler, 

Regina Maria Suchy und Jonas Maron. 

Arno Fischer hat sich immer als Primus 

inter pares gesehen. »Ich habe in der 

Summe von meinen Studenten mehr 

gelernt, als sie von mir.« Und in diesem 

gegenseitigen Geben und Nehmen lag 

die wahre Meisterschaft seines Unterrichts. 

© Thomas Tiltmann 

© Birgit Krause (Original in Farbe) 

Matthias Flügge, der 2009 gemeinsam 

mit Arno Fischer die bis heute international 

reisende Retrospektive des ifa in 

der Bundeskunsthalle in Bonn konzipiert 

hat, begleitet diese Ausstellung als 

kuratorischer Berater. 

Zur Ausstellung erscheint ein von Matteo 

Peterlini gestalteter Ausstellungskatalog 

mit den Werken aller Teilnehmer. 

© Mischa Christen 

© Claire Laude, (Original in Farbe) 

© Piotr Pietrus, (Original in Farbe) 


HAUS am KLEISTPARK 

Grunewaldstraße 6-7 


Di – So 10 – 19 Uhr 

www.hausamkleistpark.de 


35

Galerien 

George Friedmann 

»Fotonovela Argentina« 

Der 1910 in Micklotz, Ungarn geborene 

Meisterfotograf Georges Friedmann 

(auch György Friedmann, George 

Friedman, Jorge Friedman) arbeitete 

bis 1937 sowohl als Kameramann 

bei Filmproduktionen in London und 

Hollywood, als auch als Fotograf für 

Magazine wie VU, PARIS MATCH, TIME 

und LIFE. 

Seit 1939 lebte Friedmann in Buenos 

Aires, Argentinien und arbeitete 

als Fotoredakteur und Herausgeber 

von illustrierten Magazinen wie 

ATLANTIDA. 

Anfang der 50er Jahre gründete George 

Friedmann gemeinsam mit anderen 

die Gruppe »La Carpeta de los Diez«, 

einen loser Zusammenschluss von 

hervorragenden Fotografen, die das 

fotografische Schaffen in Argentinien 

geprägt haben. Auch der deutsche 

Fotograf Max Jacoby gehörte dazu. 

1970 übernahm Friedmann die Redaktion 

des Magazins IDILIO, bei dem er als 

Chef-Fotograf tätig war. Seine Erfahrungen 

als Spielfilm-Kameramann in den 

Studios von MGM und Pathé kamen ihm 

© George Friedmann © George Friedmann 

© George Friedmann 

© George Friedmann 

bei dieser Arbeit zugute. IDILIO war ein 

Frauenmagazin mit Gesellschaftsreportagen, 

Modetipps, Fotomontagen zur 

Traumdeutung von der deutschen Fotografin 

Grete Stern und von Fotonovelas – 

einer inszenierten Fotografie auf hohem 

technischen Niveau. 

Er lehrte Fotografie und erhielt für sein 

Fotowerk mehrere internationale Auszeichnungen. 

Seine Fotografien wurden in vielen Ausstellungen 

in Südamerika gezeigt. 

Georges Friedmann starb 2002 in 

Buenos Aires, erblindet, im Alter von 

92 Jahren. 

bis 11. Mai 2012 

Galerie argus fotokunst 

Marienstraße 26 


Mi – Sa 

14 – 18 Uhr 


Galerien 

FASZINATION PARIS 

Jubiläumsausstellung 

zur 100. Ausstellungen 

seit 1996 

PARIS lebt von der Vergangenheit und 

dem Zauber, den es auf jeden Besucher 

ausübt. 

Unzählige Fotografen haben sich von 

dieser Stadt, ihrem Flair und ihren Menschen 

inspirieren lassen. 

© Paul Wolff © George Friedmann 

© Norbert Bunge © Lutz Dille 

Wir zeigen Pariser Impressionen von 

elf Fotografen und einer Fotografin Paul 

Almasy, Sibylle Bergemann, Norbert 

Bunge, René Burri, Lutz Dille, Alfred 

Eisenstedt, Daniel Frasnay, René Friede, 

George Friedmann, Clemens Kalischer, 

Tadeusz Rolke, Paul Wolff. 

Vernissage 17.Mai 2013, ab 18 Uhr 

18. Mai bis 22. Jun 2013 




Mi – Sa 

14 – 18 Uhr 

© George Friedmann © Tadeusz Rolke 


37

Galerien 

FRAUEN 

Frauen sind ein wesentliches Movens 

der Fotografie. Kaum, dass der französische 

Pionier Louis Daguerre 1839 das 

Medium erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt 

hatte, nutzte man es als bildgebendes 

Verfahren für weibliche Schönheit. 

Es war der amerikanische Chemiker 

John W. Draper, der mit einem Porträt 

seiner Schwester Dorothy die Frau 

in die Fotografie eingeführt hat. Seither 

muss man hinter der kalten Technik 

der Kamera immer einen werbenden 

Orpheus vermuten – einen Künstler, 

der mit Lichtbildern Frauen bezaubern 

und verführen möchte. 

Doch nicht nur als Model und Staffage 

haben Frauen Spuren in die Fotografie 

eingeschrieben. Auch hinter der Kamera 

selbst waren sie stilbildend. Anlässlich 

des Internationalen Tages der Frau am 8. 

März 2013 untersucht die Ausstellung 

»Frauen« die feminine Seite der Fotografie. 

Fünfzehn fotografische Betrachtungsweisen 

dokumentieren dabei 

ästhetische wie zeitliche Besonderheiten 

im Bild und Abbild der Weiblichkeit. 

© stefan moses‚ »Straßenbahnschaffnerinnen«, 

Köln, 1963 

© Isa Marcelli, Serie »Parfums«, 2012/agence 

révélateur’ 

© Robert Lebeck, »Wäscherinnen«, Cullera 1964 

Heinz Hajek-Halke »Der Gassenhauer«, 

ca. 1930 © Sammlung Ruetz 

Am Anfang stehen die komplexen Lichtmontagen 

aus dem Vorkriegswerk von 

Heinz Hajek-Halke. Der Berliner Fotograf 

steht stellvertretend für die Inszenierung 

der Weiblichkeit in den Avantgarden. 

Mittels experimenteller Techniken 

bildete Hajek-Halke den weiblichen 

Körper nicht einfach nur ab; er 

schuf pygmalionhafte Neubildungen 

aus Licht auf Silbergelatine-Papier. 

Ganz anders die Herangehensweise 

vieler Reportagefotografen in der Nachkriegsära 

– Robert Lebeck, Stefan Moses, 

Hannes Kilian und Max Scheler. Ihre 

Namen stehen stellvertretend für eine 

neue Internationalisierung im deutschen 

Frauenbild. Porträtaufnahmen von amerikanischen 

Diven wie Eartha Kitt oder 

Elisabeth Taylor dokumentieren den in 

die Adenauer-Republik zurückgekehrten 

Glamour. Doch auch die werktätige 

Frau findet das Interesse dieser Fotografen-Generation. 

Robert Lebecks 1964 in 

Cullera entstandene Aufnahme sizilianischer 

Wäscherinnen etwa steht exemplarisch 

für eine Reportage-Kunst, die 

an die sogenannte »Life-Fotografie« 

anknüpft. Die tanzenden Arbeiterinnen 

auf diesem Foto illustrieren weit mehr 

als den verspielten Flirt mit der Apparatur; 

sie steht für eine fotografische Suche 

nach Würde und Anmut. 

Menschliche Würde, das war auch 

Thema auf den Bildern der ostdeut- 


Galerien 

© Hannes Kilian ‚Lisa Stammer‘ 1949 

© Michael Ruetz, »Im Schloss Tiefurt« 

schen Fotografin Sibylle Bergemann. 

»Die Stärke der Fotografie liegt darin, ein 

Gefühl für Humanität zu wecken. Und 

diese Humanität ist geschlechtslos«, 

lautet ein oft zitierter Satz der vor zwei 

Jahren verstorbenen Berlinerin. Deren 

poetische Polaroid-Porträts bilden in 

dieser Ausstellung den Auftakt für einen 

vornehmlich weiblich geprägten Blick 

auf die Frau. Besonders zeitgenössische 

Fotografinnen wie Karin Székessy, 

Sheila Rock, Rita Ostrowskaja, Isa Marcelli 

oder die Australierin Kate Baker 

begreifen Fotografie längst nicht mehr 

als Leitmedium von Männerphantasien. 

Mittels starker Kontraste und poetisierender 

Unschärfen beginnen sie damit, 

weibliche Identitäts- und Rollenmuster 

neu in den Fokus zu nehmen. 

Ralf Hanselle 

© Sheila Rock »Garden Mist«, 2012 

FRAUEN. Mit Fotografien von Kate 

Baker, Sibylle Bergemann, Heinz Hajek- 

Halke, Hannes Kilian, Birgit Kleber, 

Robert Lebeck, Herbert List, Isa Marcelli, 

Stefan Moses, Rita Ostrowskaja, Sheila 

Rock, Michael Ruetz, Max Scheler, Liselotte 

Strelow und Karin Székessy. 

© Herbert List »Anna Magnani im Garten ihres 

Landhauses«, San Felice Circeo 1950‘ 

bis 25. Mai 2012 

Johanna Breede 

PHOTOKUNST 

Fasanenstraße 69 


Di – Fr 

11 – 18 Uhr 


39

Galerien 

EGO. 

Die Ausstellung EGO zeigt vier 

künstlerische Positionen, in denen das 

Medium Fotografie in unterschiedlichster 

Weise eine Rolle spielt. Zweimal 

Italien, zweimal Deutschland. Zwei 

Männer, zwei Frauen, zwei bildende 

Künstler, zwei Fotografen; vier Generationen 

unterschiedlichster Zugänge zur 

Fotografie jenseits des reinen Dokumentarismus. 

Organisiert und kuratiert wurde die 

Ausstellung von Oliver S.Scholten 

(position.fotografie). 

Oliver S. Scholten ist Künstler, ausgebildeter 

Fotograf und Dozent für Kunstund 

Dokumentarfotografie in Berlin 

seit mehr als 25 Jahren. Die Bandbreite 

seines fotografischen Schaffens reicht 

vom sozialkritischen Dokument bis 

hin zu Objekten, Installation und performance. 

In den anscheinend oft das 

Medium Fotografie sprengenden Arbeiten 

bleibt es selbst jedoch immer fest im 

Blick und wird in seiner Funktion und 

Wirkung hinterfragt. 

© Ampelio Zappalorto 

© Oliver S. Scholten 

© Oliver S. Scholten 

Katja Schrader arbeitet neben ihrem 

alltäglichen Beruf als Text und Bild - 

Reporterin für verschiedene Tages-und 

Onlinezeitungen. Weitere Ausbildung 

und Aktivitäten im Theaterbereich spiegeln 

sich bei ihr in den freien fotografischen 

Arbeiten wider. Seit Jahren inszeniert 

sie sich selbst. Privat, intim, ungeschminkt, 

überhöht. In ihrer Intensität 

sind diese Fotografien jedoch nicht 

ein simples Verkleidungsspiel, sondern 

zeigen,wie jede gute Kunst, auch einen 

Teil der Psyche des Autors/der Autorin. 

Als Verweis auf das Selbstbildnis verbleibt 

als kleine Geste immer der sichtbare, 

mal mehr mal weniger versteckte, 

Selbstauslöser in einer Hand.Wer hier 

wieder nur an Cindy Sherman denkt, 

greift zu kurz. Es wird Zeit, mit diesem 

Mythos aufzuräumen. 

© Anna Guillot 

Ampelio Zappalorto ist klassisch 

ausgebildeter Maler. Ebenso Skulpteur, 

Inszenierer, Installationskünstler. Er 

benutzt Fotografie von der Seite der 

bildenden Kunst her betrachtet. Meist 

unspektakulär, lediglich als Notiz zu 

seinen Arbeiten, als kleines Dokument 

privater Schaffensmomente. Mal 

in Funktion des Regisseurs, der Anweisung 

gibt und sich fotografieren lässt, 

mal selbst. Oft mit Witz und Karikatur 

der eigenen Situation. Ab und zu entstehen, 

wie die hier in EGO gezeig- 


Galerien 

© Ampelio Zappalorto 

© Katja Schrader 

ten großformatigen Vernähungen, aber 

auch Werke, die das Medium von einem 

anderen Blickwinkel her interpretieren. 

Anna Guillot ist Künstlerin und Dozentin 

an der Akademie der Schönen 

Künste in Catania, Sizilien. Ihre Arbeiten 

sind Untersuchungen in verschiedensten 

Bereichen der Wahrnehmung, 

in denen Sie Grenzen von Visualität, 

Musik, Akustik und Literatur durchdringt, 

vermischt, kontrapunktiert und 

in Frage stellt. Bild-Ton-Lesebücher z.T. 

in objekthaftem Auftreten sind die Produkte. 

Sie selbst setzt sich dabei ebenso 

oft selbstverständlich in den Mittelpunkt, 

so, wie wir alle ein Teil dieses rauschenden 

Universums sind. 

Lee Revos 

© Anna Guillot 

Vernissage 



Fotogalerie Friedrichshain 

Helsingforser Platz 1 


Di, Mi, Fr, Sa 

Do 

14 – 18 Uhr 

10 – 18 Uhr 


41

Galerien 

Christian Reister 

»NACHT« 

Der Berliner Fotograf und Flaneur 

Christian Reister versammelt in seiner 

neuen Arbeit fotografische Strandgüter 

der Berliner Nacht. Die Szenen, die er 

in grobem, körnigen Schwarz/Weiss 

festhält, findet er in Clubs und Spelunken, 

in Imbissbuden, Hotellobbies oder ganz 

einfach auf der Straße. Im Kabinett 

des Hotels Bogota wird erstmals ein 

Auszug von NACHT im Rahmen einer 

Ausstellung gezeigt. 

© Christian Reister 



Hotel Bogota 

photoplatz Kabinett 

Schlüterstraße 45 



Zur Vernissage am 26. April 2013, 

19 Uhr 

»TAGEBUCHt« trifft »NACHT«. 

Andreas Albrecht & Marco Ponce Kärgel 

spielen und improvisieren zu einer 

Slideshow aus den NACHT-Fotografien 

von Christian Reister Lieder und 

Klangskulpturen aus ihrer aktuellen CD 

»TAGEBUCHt«. 

täglich 

8 – 23 Uhr 

Screnning mit Livemusik ab 20 Uhr 


Galerien 

Frank Machalowski 

»Monster« 

Festivals, Konzerte, Demos, Sportereignisse, 

Touristenmassen. Scheinbar 

ist Berlin ein Ort, der niemals stillsteht. 

In Frank Machalowskis Langzeitbelichtungen 

aus den Jahren 2011 und 

2012 werden die durch die Straßen 

strömenden Menschen als geisterhafte 

Bewegungsspuren einer Masse sichtbar, 

erscheinen fast bedrohlich, als gesichtsloses 

Monster, das sich den Weg durch 

die Stadt bahnt. Die Grenze zwischen 

dem Monströsen und Humanen verschwindet 

im Nebel der Bewegung. 


FENSTER61 

Torstraße 61 


© Frank Machalowski 

© Frank Machalowski 

© Frank Machalowski © Frank Machalowski 

Irinadabo 

»beside me« 

Es dürften hygienische Gründe sein, 

weshalb auf öffentlichen Toiletten die 

Kabinenwände selten bis zum Boden 

reichen. Manchmal begegnet man 

einer vorbei kullernden Papierrolle, 

gefolgt von einem kurzen Aufschrei. 

Meistens aber bleibt jeder für sich und 

so unsichtbar wie möglich. Es geschieht 

eigentlich nichts Außergewöhnliches. 

Zugleich ist die Phänomenologie des 

Ortes enorm: Neugierde, Intimität, stiller 

Rückzug, Spiegelblicke, rauschende 

Wasser, Seifenduft – es kommt vieles 

zusammen. 


FENSTER61 

Torstraße 61 



43

Galerien 

19. Fotoklub Forum 

Berlin 2013 

Das 19. Foto Klub Forum Berlin präsentiert 

bis zum 3. Mai 2013 im Rathaus 

Köpenick Fotoklubs aus Berlin und dem 

Land Brandenburg mit aktuellen Arbeiten. 

Etwa 300 Bilder von mehr als 150 

Fotografen aus 18 Klubs werden vorgestellt. 

Die vom Landesverband Berlin der 

Gesellschaft für Fotografie e.V gemeinsam 

mit dem Bezirksamt Treptow-Köpenick 

organisierte Ausstellung ermöglicht 

es den Klubs, ihre Bildkollektion 

selbst zusammenzustellen, denn es gibt 

kein vorgegebenes Thema und keine 

zentrale Jury. So erhalten die Besucher 

einen informativen Einblick in 

das Schaffen der einzelnen Klubs und 

können die unterschiedlichen Herangehensweisen, 

Themen und Techniken 

vergleichen. Zehn Klubs zeigen Fotos 

zu einem selbst gewählten Thema, alle 

beweisen ein beeindruckendes fotografisches 

Niveau. 

Einige Aussteller sind seit Jahren regelmäßig 

im Forum vertreten: »Arbeitskreis 

Freie Lichtbildner Berlin«, »Colorclub 

Berlin-Treptow«, »Fotofreunde Zehlendorf«, 

»Fotoklub Eberswalde«, »Fotoclub 

Lichtenberg«, »Fotoclub 1092 

Berlin«, »Fotogruppe 98«, Fotogruppe 

»Natur & Kultur e.V. (Labsaal)« und 

»Fotostudio Köpenick«. 

© Ernst Seifert, »colossal«, (O.i.F.) © Ingo Schulz, »Der Einschlag« 

© Gerhard Metzschker, »Hüte«, (O.i.F.) © Axel Zwetz, »Sumidero«, (O.i.F.) 

© Werner Berg, »Engelbecken«, (O.i.F.) 

Andere stellen sich zum ersten Mal in 

Köpenick vor, diesmal der Fotozirkel der 

WBG Amtsfeld und die Gruppe »FOTO- 

RIOSA« aus Berlin sowie das »Foto- 

Forum Barnim« aus Bernau. Besonders 

freuen sich die Veranstalter, dass 

sich zwei Gruppen jugendlicher Fotofreunde 

präsentieren: die »Foto-AG der 

Tobias-Seiler-Oberschule Bernau« und 

die »Foto-AG Südstern« des Kinderund 

Jugendhilfe Verein Bernau. Weitere 

Aussteller sind der Fotoklub »Lichtblick« 

und die Fotogruppe »Ortoklick« 

aus Berlin sowie der »Fototreff Bernau« 

und »Fotoclub Strausberg«. 

© Daniel Haebringer, »Hände« 

© Hans-Joachim Kühn, »Paternkofel« 


Rathaus Köpenick 

Alt-Köpenick 21 

12555 Berlin-Köpenick 

Dr. Hans-Joachim Kühn 

LV Berlin der GfF 

© Eva-Maria Bieseke, »Trinkglas«, 


Mo – Fr 

Sa, So 

8 – 20 Uhr 

9 – 18 Uhr 


Galerien 

Fred Baumgart 

»Eve by the bridge« 

Die Oberbaumbrücke wurde 1894-95 

erbaut und nach dem Mauerfall 1993-95 

restauriert und gehört zu den attraktiven 

Sehenswürdigkeiten von Berlin. 

Fred Baumgart wurde 1942 geboren und 

ist seit 1968 selbstständig als Portraitpeople- 

und lifestyle Fotograf tätig. 

Da ich als alteingesessener Kreuzberger 

oft die Oberbaumbrücke über die Spree 

befahre, reifte in mir die Idee, die 

Schönheit des historischen Bauwerks 

mit der Arbeit eines Portraitfotografen 

zu verbinden. So entstand diese Serie, 

ein Model rund um die Brücke zu 

fotografieren. 

Die Umgebung der Brücke bietet eine 

Vielfalt interessanter Motive, die wir an 

mehreren Tagen festhielten. 

© Fred Baumgart (O.i.F.) 

Vernissage 

3. Mai 2013, um 19 Uhr 

3. Mai bis 26. Mai 2013 

DIE AKTGALERIE 

Krossener Straße 34 


Fr, Sa, So 

16 – 20 Uhr 

Angelika Beck 

»Zwischentöne 

– Soulmusiker 

backstage« 

Porträts 

Musiker stehen im Rampenlicht, werden 

bewundert, umschwärmt und verehrt. 

Doch was passiert hinter der Bühne, 

wenn sie alleine sind und sich konzentrieren 

auf die nächsten Stücke? Es sind 

Momente der Ruhe, des In-sich-gekehrtseins. 

Diese Situationen zeigt die Fotografin 

Angelika Beck (Stuttgart) in ihrer monochromen 

Porträtserie »Zwischentöne«. 

Sie präsentiert Soulmusiker, die ja 

bekanntlich die Musik im Blut haben, 

in Augenblicken der Konzentration, der 

Entspannung. Der Zuschauer wird entführt 

hinter den Vorhang, bevor es wieder 

heißt: »Are you ready for showtime?« 

© Angelika Beck, »Harriet Lewis« 

Zur Vernissage 

am 10. Mai 2013, 19 Uhr wird der legendäre 

Saxophonist Sir Waldo Weathers 

(15 Jahre Mitglied der James Brown 

Band) zu hören sein. 


Galerie »Alles Mögliche« 

Odenwaldstraße 21 

12161 Berlin-Friedenau 

nach Vereinbarung: 0173 342 80 83 

www.alles-moegliche.de 

www.angelikabeck.com 


45

Galerien 

Bernadette Ypso und 

Charlotte K 

»unbekannt bis heute« 

Das Hotel Bogota zählt seit Jahren zu 

den etablierten Orten für die Fotografie 

in Berlin. Mit der Ausstellung der 

zwei Autorinnen Bernadette Ypso und 

Charlotte K geht Joachim Rissmann, der 

die Förderung der Fotografie zu seiner 

persönlichen Sache gemacht hat, ein 

gewisses Risiko ein. Denn erklärtermaßen 

wollen sich die beiden Autorinnen 

in jeder Weise bedeckt halten (sollten 

sie bei der Eröffnung anwesend sein, 

werden sie sich auch in dem Rahmen 

nicht zu erkennen geben). Der Besucher 

weiß folglich nicht einmal, ob es 

sich tatsächlich um Autorinnen handelt. 

Dieser Sachverhalt, so ungewöhnlich 

er auch ist, hat aber auch sein Gutes; 

denn dem Betrachter fehlt es an jeglichen 

Hinweisen, in welche Richtung er 

die ausgestellten Arbeiten interpretieren 

soll. Damit kommt er auf den Stand, der 

eigentlich immer bei Bildbetrachtungen 

gewährleistet sein sollte, nämlich eine 

Bewertung, die sich nicht an vorher 

Gelesenem oder Gesagten orientiert, 

sondern bei der es ganz unmittelbar um 

das das Reagieren auf Bilder geht. Für 

diejenigen, die nicht nach ihren Augen, 

sondern ihrem Gehör urteilen, also dem, 

was andere, mögliche Fachleute sagen, 

ist das selbstredend eine große Herausforderung. 

Wie es auf den ersten Blick aussieht, 

fotografiert Bernadette Ypso im Bereich 

der Prominenten, die wir vorzugsweise 

vom Fernsehschirm kennen. Doch 

handelt es sich weniger um traditionelle 

Porträts, die auf Repräsentation 

oder auf das Kreieren eines bestimmten 

Images ausgerichtet sind. Vielmehr 

zeigen sie die Begegnung mit Prominenten, 

wobei das Surrounding (wie es neudeutsch 

heißen könnte) eine wichtige 

Rolle spielt. Die porträtierten Frauen 

und Männer werden auf diese Weise 

gewissermaßen geerdet. Bei Charlotte K 

liegen die Sujets und Themen offenbar 

weniger stringent beieinander. Zudem 

© Bernadette Ypso, (Original in Farbe) 

© Charlotte K, (Original in Farbe) 

verzichtet sie gerne auf die übliche fotografische 

Narration. Ihre Bilder zielen 

bevorzugt auf das Atmosphärische wie 

das Abstrakte, also mehr auf ästhetische 

Momente. Dass beide Bildautorinnen 

anonym bleiben wollen, lässt 

vermuten, dass sie das Fotografieren 

neben einer Tätigkeit ausüben, mit der 

sie in der Öffentlichkeit bekannt sind, 

und eben diese Öffentlichkeit würde 

das eine mit dem anderen für unvereinbar 

halten. Aber wie gesagt, wir bewegen 

uns im Vagen, was einzig und allein 

zählt, sind die ausgestellten fotografischen 

Arbeiten 

Enno Kaufhold 

Eröffnung: 6. Mai 2013, 19 Uhr, mit 

einer Einführung durch den Autor des 

vorausgegangenen Textes. 


Photoplatz im Hotel Bogota 



täglich 8 – 23 Uhr 

www.bogota.de 


Galerien 

Marion Schult 

»Zoe Helali- One 

Woman Show« 

Mit Marion Schult zeigt die Carpentier 

Galerie zum ersten Mal Arbeiten einer 

Fotografin, die sich in vielen Berufsjahren 

im Bereich Celebrities, Fashion, 

Beauty auch international einen Namen 

gemacht hat. 

Stars wie zum Beispiel Donna Summer, 

La Toya Jackson, Depeche Mode, Bryan 

Ferry, Falco oder Tilda Swinton wurden 

von ihr für Cover und Editorials in Szene 

gesetzt. 

Neben ihrer Anerkennung im Celebrity 

Bereich, beeindrucken auch ihre 

Referenzen in der Beauty Branche. Die 

Namen lesen sich wie die Schriftzuge 

an den Regalen eines Luxuskaufhauses: 

Shiseido, Lancôme, Chanel, Wella, 

Revlon, L´Oréal, Wella. 

Aber auch Persönlichkeiten aus Kunst, 

Theater, Wirtschaft und Politik setzte 

Marion Schult mit ihrer Kamera ins Bild. 

Um nur einige zu nennen: Elvira Bach, 

Robert Wilson, Liz Mohn (Bertelsmann) 

oder Willi Brandt. 

Im Rahmen redaktioneller Auftragsfotografie 

inszenierte sie außerdem hochwertige 

Jewelery von Chopard, Montblanc, 

Piaget und Bucherer. In der 

Fashion Fotografie setzte sie unter anderem 

die Outfits des Designers Guido 

Maria Kretschmer für den Montblanc- 

Katalog in 2011 um. 

Mit dem Model Zoe Helali arbeitet 

Marion Schult seit einigen Jahren kommerziell 

für Fashion-Kunden sowie im 

Rahmen freier Arbeiten zusammen. Zoe 

verschmilzt mit den Kleidern, die sie 

trägt und haucht ihnen ihre Seele ein. 

Auf diese Weise entsteht ein magischer 

Moment, den der Betrachter in den 

Fotografien miterleben kann. In dieser 

Ausstellung wird auch die Vielseitigkeit 

und Wandelbarkeit des Models gezeigt, 

die durch die künstlerische Make-up Art 

von Robert Aren Antonelli unterstrichen 

wird. 

© Marion Schult, »Zoe Helali« 

Eröffnung: 

Freitag, 21. Juni 2013, 19 Uhr 





Sa 14 – 18 Uhr 


www.carpentier-galerie.de 


47

Galerien 

TIME LAPSE 

Susanne Wehr 

»Fotografie« 

Ev Pommer 

»Plastik« 

»... so besteht das Wesen des Bildes 

darin, ganz außen zu sein, ohne Intimität, 

und dennoch unzugänglicher und 

rätselhafter als die innere Vorstellung; 

ohne Bedeutung; doch zugleich eine 

Herausforderung der Unergründlichkeit 

jeden möglichen Sinns ...« 

Roland Barthes 

»Vielleicht ist die wahre, totale 

Photographie (…) ein Haufen von 

Bruchstücken privater Bilder, vor 

dem zerknitterten Hintergrund der 

Zerstörungen und Krönungen«. 

Italo Clavino 

Susanne Wehr´s Arbeiten kreisen um 

Themen der Privatfotografie an der 

Schnittstelle zwischen persönlicher 

Geschichte, kollektiver Erinnerung und 

Fiktion. 

Sie setzt in ihrem Werk die Technik des 

»Found Footage« ein und bedient sich 

(statt Filmaufnahmen) konzeptionell 

provenienzloser Fotografien. Susanne 

Wehr stellt die gefundenen Fotografien 

schlüssig in neue Kontexte, unabhängig 

aus welchem historischen, geografischen 

oder sozialen Kontext die Bilder 

stammen. 

Auf diese Weise werden gängige Vorstellungen 

über Fotografie und fotografische 

Bilder in Frage gestellt. Erinnerung, 

Fiktion und vermeintliche authentisch 

fotografierte Realität wirken in ihren 

bildlichen Kompositionen nicht wie stabile 

Konstruktionen, sondern erweisen 

sich als flexible Komponenten unserer 

persönlichen fotografischen Momentaufnahmen. 

© Susanne Wehr, 2013, aus der Serie: 

»TIME LAPSE« 

Die Arbeit »TIME LAPSE« (Zeitraffer) 

besteht aus einer Serie gefundener 

Fotos, die sich gewissermaßen frei 

von einer chronologischen, räumlichen 

und thematischen Abfolge bewegen. 

Die in unvermutete und nicht 

intendierte Zusammenhänge gesetzten 

Fotografien, ergeben ein narratives 

Geflecht von Beziehungen und 

Geschichten, die durch den Blick des 

jeweiligen Betrachters bestimmt sind. 

Die aus ihrem Zusammenhang 

herausgelösten Einzelaufnahmen 

klingen in Ihrer Zusammenstellung 

wie eine Reminiszenz an sprachlose 

Bildräume, die unserem kollektivem 

Bildgedächtnis entspringen. So sind 

private Fotografien Momentaufnahmen 

der Erinnerung einer Generation, latent 

in uns vorhanden, uns bestimmend, 

verlockend und faszinierend. 

Mit »TIME LAPSE« stellt Susanne Wehr 

die gängige Vorstellung von Fotografie 

als Medium der Erinnerung und 

Realitätsbeweis in Frage. 

Manuela Lintl 

Vernissage 

am Samstag, 20. April 2013 

von 19 Uhr – 22 Uhr 

Finissage 

am Samstag, 25. Mai 2013 

von 19 Uhr – 22 Uhr 


»TIME LAPSE«, (Original in Farbe) 


»TIME LAPSE« 

Sonderöffnungszeiten zum »GALLERY 

WEEKEND« 

Samstag 27. April und 

Sonntag 28. April 2013 

von 11 – 19 Uhr 


kunstraum FRÖAUF 

Fröaufstraße 7 


Do – Sa 16 – 19 Uhr 


www.fröauf.de 


Galerien 

LUPE GODOY 

»Collage« 

Ernst Baumeister 

»Skulptur« 

Das 20. Jahrhundert war das Jahrhundert 

der Fotografie und der Massenreproduktion 

von fotografischen Bildern. 

Die Kunst der Collage wurde in dieser 

Zeit geboren. Inzwischen ist die Collage 

und ihre konzeptionelle Grundlage in 

allen kreativen Disziplinen der Bildenden 

Kunst, des Films, der Medien und 

in der Architektur zu finden. 

In ihrem Werk widmet sich die spanische 

Künstlerin Lupe Godoy vorwiegend 

der Collage. Das Material ihrer Arbeiten 

stammt aus verschiedensten Quellen, 

sie kombiniert Fotografien aus Modeund 

Lifestyle-Magazinen mit Bildern 

aus Kunstmagazinen, stellt Ausschnitte 

aus Pornomagazinen neben Fotos aus 

Auto- und Motorrad Zeitschriften. 

Aus trivialen, tausendfach reproduzierten 

Fotografien erschafft Lupe Godoy 

durch ihre künstlerische Handschrift 

Originale, dabei verzichtet sie bewusst 

auf den Einsatz von Bildbearbeitungsprogrammen. 

Vielmehr vermischt sie 

fotografische Ausschnitte mit japanischer 

Tusche und Farbe. Die Bildmaterialien 

fügen sich in der Verarbeitung 

zur Collage zu inhaltlich vielfältigen, 

ineinander verschachtelten Erzählungen 

und Serien. Gleichzeitig sind sie in 

ihrer endgültigen Form Teil einer neuen 

und unauflöslichen Einheit im Werk der 

Künstlerin. 

Während der Phase des Aussuchen und 

Ausschneiden fällt Lupe Godoy künstlerische 

Entscheidungen, die zunächst 

als flexible Bildkomponenten fungieren 

und später das Endergebnis prägen. 

Die Vermischung von Genres, Erinnerungen, 

Assoziationen, Selbstreflexionen 

und Fantasien dienen ihr als Instrument 

neue Bilder zu komponieren. Die 

Materialität des Papiers, sein Alterungsprozess 

und die Druckqualität spielen 

eine zentrale Rolle für die physische 

Präsenz ihrer Bilder. 

Lupe Godoy´s Collagen aus (re-) produzierten 

Fotografien thematisieren 

Überfluss, Schönheit, Kunstgeschichte, 

© Lupe Godoy, Perfectamente inutiles, 2011. 

Collage, Mischtechnik auf Papier, 44 x 44 cm 

© Lupe Godoy, dangerous love, 2011. Collage, 

Mischtechnik auf Papier, 44 x 44 cm 

© Lupe Godoy, No volveré a encontrar a esa 

muchacha, 2011. Collage, Mischtechnik auf 

Papier, 44 x 44 cm 

Vernissage am Samstag, 1. Juni 2013 

von 19 Uhr - 22 Uhr 

Finissage am Samstag, 6. Juli 2013 von 

19 Uhr - 22 Uhr 

© Lupe Godoy, aus der Serie: Salzstatuen, 2011. 

Collage, Mischtechnik auf Papier, 30 x 30 cm 

© Lupe Godoy, Heißen nicht, 2011. Collage, 

Mischtechnik auf Papier, 44 x 44 cm 

Geschlechterrollen, Ökologie und eine 

Welt, in der der Körper zur Ware geworden 

ist. Gerade weil ihre Werke mit ähnlichen 

Mechanismen und ästhetischen 

Tricks wie ihre Vorlagen arbeiten, fordern 

sie den Betrachter heraus. Denn sie 

hinterfragen unsere Vorstellungen von 

Schönheit, unser Bild des Anderen und 

des Fremden. 


kunstraum FRÖAUF 

Fröaufstraße 7 


Do – Sa 16 – 19 Uhr 


www.fröauf.de 


49

Galerien 

Durchscheinende 

Dinge 

Translucent Matters 

Annette von Dewitz 

Silke Grossmann 

Ann Provan 

»Installationen/ 

Objekte – Fotografie – 

Malerei« 

Die Künstlerinnen Annette von Dewitz, 

Silke Grossmann und Ann Provan, Vertreterinnen 

einer Generation, aber 

dreier unterschiedlicher Medien haben 

sich mit Installationen und Objekten, 

Schwarz-Weiß-Fotografien und farbigen 

Aquarellen und Gouachen zu 

einer gemeinsamen Ausstellung in den 

Räumen des Verborgenen Museums 

zusammengefunden. 

Wie der Titel »Durchscheinende Dinge« 

verrät, verbindet ihre Werke aus und 

auf Papier das Mehrschichtige, das nur 

scheinbar Verdeckte: im schwebenden 

Objekt wie im Aquarell, aber auch in 

den Fotografien mit feinsten Grauabstufungen 

gehen die Künstlerinnen, jede 

auf ihre Weise von der Realität aus, 

lassen sie phantastische Räume entstehen 

und evozieren aus Abstraktionen 

die unterschiedlichsten Assoziationen. 

Dabei tragen in allen Arbeiten 

Licht und Schatten zu einem spürbaren 

Widerstreit zwischen einem geheimnisvoll 

Verborgenen und der erkennbaren 

Realität bei. 

SILKE GROSSMANN wollte ursprünglich 

Malerin werden, entschied sich 

dann aber für experimentellen Film 

und Fotografie. Nach Abschluss ihres 

Kunststudiums und einem Studienjahr 

in Amerika hat sie Ausstellungen im Inund 

Ausland gemacht, Fotofilme und 

Künstlerbücher veröffentlicht. 1992 

wurde sie für ihre Arbeit mit dem am 

© Silke Grossmann, von rückwärts, 1980, 

Silbergelatineprint, 50 x 60 cm 

© Silke Grossmann, Entfernungsverschiebung 

Dünenabhang, 1993/2011, 

Silbergelatineprint, 

Museum Folkwang vergebenen Albert- 

Renger-Patzsch-Preis ausgezeichnet. 

Silke Grossmann lehrt seit 1995 als 

Professorin für künstlerische Fotografie 

an der Hochschule für bildende Künste 

in Hamburg. Sie lebt und arbeitet am 

nahegelegenen Schaalsee, ist verheiratet 

und hat einen erwachsenen Sohn. 

In ihrer fotografischen und filmischen 

Arbeit verfolgt Silke Grossmann seit 

Mitte der 70er Jahre ein durchgängiges 

Interesse: die Verbindung des Menschen 

mit seiner unmittelbaren, räumlichen 

Umgebung, sei es Landschaft oder 

Architektur. Doch auf ihren Bildern sind 

nicht etwa private Lebens- oder Arbeitswelten 

zu sehen, denn sie begreift ihre 

Fotografie vor allem als Abstraktionsprozess. 

Bei ihren Portraits, die oft nur 

Teilansichten von Personen zeigen, sind 

© Silke Grossmann, Entfernungsverschiebung, 

Silbergelatineprint 

© Silke Grossmann, Marlauer Kamp I, 

1999/2013, ink-jet print, 85 x 120 cm 

diese geradezu eingearbeitet in ihren 

Umraum und nicht, wie häufig in zeitgenössischen 

Portraits, isoliert oder freigestellt. 

In ihren fotografischen Bildern 

und Bildsequenzen setzt Silke Grossmann 

die betrachtende oder handelnde 

Person in Wechselbeziehung zur Komplexität 

des bewegten Raums und des 

Lichts. Und auch, wenn in ihren Fotografien 

keine Menschen anwesend sind, 

so ist die physische Präsenz der Fotografin 

immer deutlich erkennbar. Denn 

es geht ihr um eine Wahrnehmung am 

Ort, die etwa eine Landschaft nicht nur 

mit dem Gesichtssinn und als repräsentatives 

Gegenüber, sondern durch die 

eigene Bewegung und mit allen körperlichen 

Sinnen in einer Art dialogischem 

Prozess zu erfahren sucht. 


Galerien 

© Annette von Dewitz, eckige Körper, 2013, 

Papier/Holz, 250 x 200 cm 

©Annette von Dewitz, Pläne, 2012 (Detail), 

Monotypie, 212 x 176 cm 

Silke Grossmann fotografiert in Schwarz- 

Weiß und bevorzugt für die Arbeit am 

Bild und das Denken in den Lichtumkehrungen 

des Negativs nach wie vor 

die Dunkelkammer. 

Fotografien von Silke Grossmann sind 

u.a. vertreten im Museum Folkwang 

Essen, im Münchner Fotomuseum, der 

Kunsthalle Hamburg, dem Stadtmuseums 

Stuttgart. 

Die Installationskünstlerin ANNETTE 

VON DEWITZ studierte Ende der 1960er 

Jahre in Hamburg an der Hochschule 

für Gestaltung Grafik/ Design/Grafische 

Drucktechniken. Sie war 1975- 

1986 an verschiedenen Hochschulen 

in der Lehre tätig. Seit 1978 ist sie freischaffende 

Künstlerin mit eigenem Atelier 

und Radierwerkstatt in Hamburg; 

Annette von Dewitz ist verheiratet, hat 

zwei erwachsene Kinder und lebt und 

arbeitet seit 1986 in Köln/Bonn. 

Annette von Dewitz` Markenzeichen 

sind die leichtgewichtigen Installationen 

aus Papier, Kunststoff und Metall. 

Mit Vorliebe kreiert sie schwerelose 

Objekte aus gefundenem Material des 

alltäglichen Lebens - entweder Einzelstücke, 

häufig aber auch aus bis zu einhundert 

Teilen konstruierte Serien, die 

einer geometrischen Ordnung folgen 

können. Immer entwickeln ihre Kreationen 

ein Eigendasein von besonderer 

Aura. Oft roh im Material und an 

der Oberfläche, sind sie empfindlich in 

ihrem neuen Zuschnitt und muten teils 

minimalistisch, teils asiatisch, manchmal 

kalligraphisch streng oder aber 

auch rhythmisch verspielt an. 

Während des Arbeitsprozesses entstehen 

unter ihrer Hand auch dreidimensionale 

Formationen, die sich auf den 

Ausstellungsort hin angelegt erst vor Ort 

für die Wahrnehmung der Betrachtenden 

zu erkennen geben werden. Die 

Installationen von Annette von Dewitz 

leben auch von skripturalen und vegetabile 

Zeichen, die »lesbar« erscheinen, 

aber doch nicht zu entschlüsseln sind. 

Seit 1973 hat sie Einzelausstellungen 

und Ausstellungsbeteiligungen im Inund 

Ausland. 

ANN PROVAN ging Mitte der 

1960er Jahre, nach Abschluss an der 

BerkeleyHigh School in Kalifornien 

nach Paris und begann dort als Model 

für verschiedene Modehäuser wie u.a. 

ChristianDior zu arbeiten. In dieser 

Zeit begegnete sie dem Modemacher 

Karl Lagerfeld und dem Modezeichner 

Antonio Lopez. Lopez förderte und 

entwickelte ihr Interesse an der Kunst. 

Nach ihrerRückkehr in die USA machte 

sie denMaster of Fine Arts in Malerei 

amSanFrancisco Art Institute. Sie lebt 

mit ihrem Mann, dem Künstler David 

Provan und zwei Kindern in Cold Spring, 

NY, nördlich von New York City. 

Ann Provan beschäftigt sich in ihren 

Aquarellen und Installationen mit der 

Wahrnehmung des Raums. Organischen 

Formen entlehnte Figurationen, 

Vergrößerungen, Transparenzen und 

©Ann Provan, Organisme, 2012, Aquarell, 

31 x 32 cm, (Original in Farbe) 

© Ann Provan, Living with trees #2, 2009, 

Aquarell, 28 x 42 cm, (Original in Farbe) 

Schatten werden scharf umrissen oder 

unscharf gesehen zu Papier gebracht. 

Darüberhinaus imaginieren ihre Inventionen 

dreidimensionale Objekte außerhalb 

des Bildrahmens. 

Ausstellungen in den USA, darunter in 

New York City und im Ausland. 

Werke von ihr sind in den Sammlungen 

des Museum of Modern Art, New York, 

des Art Institute of Chicago, der University 

of Oregon, im Franklin Furnace 

Archive und in Privatsammlungen. 

Eröffnung: 17. April 2013, 

Einführung: Ursula Meyer-Rogge 


DAS VERBORGENE MUSEUM 



Do & Fr 

Sa & So 

15 – 19 Uhr 

12 – 16 Uhr 


51

Galerien 

Jürgen Bürgin 

»URBAN BALLADS« 

»Urban Ballads« von Jürgen Bürgin ist 

eine Serie von Fotografien, die in den 

Jahren 2010-2013 in Städten wie Berlin, 

New York, Chicago, Paris, London, 

Shanghai, Tokio etc. entstanden sind. 

Die Fotografien zeigen Fremde, sie sind 

ungestellt, es sind Straßenfotografien – 

»street photographs«. Viele der Bilder 

könnten Filmstills sein, sie könnten Teil 

einer Filmhandlung sein, sie stoßen 

Geschichten im Betrachter an, der sich 

das Davor und das Danach dazuerfindet 

– die Fotografien werden dadurch gleichsam 

zu fiktionalen Bildern mit dokumentarischen 

Mitteln. Manche seiner 

Bilder zeigen Menschen, die einsam 

wirken, manche strahlen eine leise 

Melancholie aus. Viele sind in der Nacht 

entstanden, oder bei Regen. Für einen 

Sekundenbruchteil kommen wir diesen 

fremden Menschen näher, wir scheinen 

an einem kleinen Abschnitt ihrer Biographie 

teilzuhaben, dann gehen sie 

wieder weg und verschwinden in der 

Anonymität der Großstädte. 

Jürgen Bürgin ist 1971 in Lörrach geboren. 

Nach dem Studium der Germanistik 

in Freiburg arbeitet er seit 1999 in Berlin 

in einer Film-PR-Agentur. Neben seiner 

Arbeit in der Filmbranche ist er seit 2010 

als Fotograf tätig. Im Jahr 2011 wurde 

er für einen Sony World Photography 

Award nominiert. 2012 belegte er den 

2. Platz beim Brennpunkt Award anlässlich 

des Browse Fotofestivals in Berlin, 

und er gewann sowohl einen U-Bahn- 

Fotowettbewerb als auch einen Street 

Fashion-Fotowettbewerb im Jahr 2012, 

beide ausgerichtet von der renommierten 

Berliner Fotogalerie C/O Berlin. Die 

Ausstellung in der Fotogalerie Friedrichshain 

ist seine erste Einzelausstellung. 

»When people look at my pictures I want 

them to feel the way they do when they 

want to read a line of a poem twice«. 

Robert Frank 

© Jürgen Bürgin 

Vernissage 


28. Juni bis 2. August 2013 

Fotogalerie Friedrichshain 

Helsingforser Platz 1 


www.juergenbuergin.com/ 

Di, Mi, Fr, Sa 

Do 

14 – 18 Uhr 

10 – 18 Uhr 


Galeriebericht 

Panta rhei – alles 

fließt. 

Eigentlich muss man für so einen Spruch 

nicht die ollen Griechen bemühen, zerfließen 

doch überall Grenzen, Normen 

und einstige Gewissheiten. Rousseaus 

»Zurück zur Natur« klingt heute wie 

ein schlechter Scherz, in unserem 

»Anthropozän«, dem Zeitalter des Menschen, 

der sich die Erde längst untertan 

gemacht hat. Im Haus der Kulturen 

der Welt läuft dazu bis Ende 2014 ein 

Multimediaprojekt. Wir nehmen die uns 

umgebende Wirklichkeit und alles, was 

uns widerfährt, längst durch ein mediales 

Filter auf, unter dem Einfluss der 

technischen Bilder, auch wenn wir versuchen, 

uns dem zu widersetzen. Der 

Philosoph Vilém Flusser hat uns das 

schon vor 30 Jahren geweissagt, lange 

vor Cyberspace und Smartphone. Was 

er wohl jetzt sagen würde zu Googles 

neuer Datenbrille, die auf Zuruf 

Fotos und Videos aufnehmen und das 

mobile Internet auf unsere naseweise 

Nase setzen will? Damit schöbe sich der 

Info-Terror endgültig zwischen uns und 

die Realität. Aber Flusser hält mit Sarkasmus 

einen Trost für uns bereit: Mit 

wachsender »Cerebration« (Gehirntätigkeit) 

durch das Virtuelle werden wir 

körperlich schrumpfen, womit letztlich 

auch das Problem der Überbevölkerung 

unserer Erde gelöst sein könnte. 

© Michael Busse 

© Margaret Bourke-White 

Nach diesem bösen Exkurs schlüpfen 

wir durch die Ladentür der aff-Galerie 

in Friedrichshain und sind umgeben 

vom ruhigen Fluss der Havel und 

der Spree, auf deren dunklen Wassern 

Michael Busse unterwegs war, um Fontane 

zu den »Liebesinseln« aus seinem 

Roman »Der Stechlin« zu begleiten. 

Die träumerisch verwischten Impressionen 

haben wenig Idyllisches, sie verweisen, 

wie der Roman von 1898, auf 

die damals bevorstehenden Umbrüche 

in der Gesellschaft und durch ihren filmischen 

Charakter gleichzeitig auf den 

Lebenslauf des Fotografen, der uns gern 

Auskunft gibt: Nach 80 Dokumentarfilmen 

für das deutsche, französische 

und spanische Fernsehen, die ihm prominente 

Preise einbrachten, wollte er 

etwas machen, was nicht von der Quote 

bestimmt ist, etwas weniger Aufgeregtes, 

und so fand er »zurück« vom Film 

zum Foto, ohne die Bewegung aufzugeben. 

Solche Grenzgänge sind ja oft 

sehr fruchtbar. 

Bei dem jungen Franzosen Stéphane C. 

bei Pavlov’s Dog könnte ich’s mir vorstellen. 

Er kreist mit der Kamera buchstäblich 

um sich selbst und seine Freunde, 

wie es heute allzu oft geschieht, aber 

seine verhuschten Unschärfen und 

vagen Schwärzen, selbst auf Baryt vergrößert, 

erzählen von etwas, was über 

den intimen Moment hinausgeht. 

Während bei ihm und Busse die Kamera 

in Bewegung ist, verharrt sie bei Lohner 

Carlson in der Galerie Springer auf dem 

Stativ, liefert aber »active images«. Es 

tut sich was auf den Flachbildschirmen 

an der Wand. Da stolzieren Wasservögel 

durch den Fluss, rollen Autokolonnen 

über die Brücke am Bosporus, 

spielt Sonnenlicht vielfach reflektiert 

auf den Wellen. Das ist ein toller 

Effekt. Bewegte Film-Stills gewissermaßen. 

Doch vom Film erwartet man Veränderung. 

Niemand steigt zweimal in 

denselben Fluss, wussten die Griechen. 

Diese Video-Kürzel reizen den Betrachter, 

das an den Bildern auszuprobieren. 

Denn hier erschöpft sich Veränderung in 

permanenter Wiederholung. Die Autoren 

haben eine Begründung für ihr Tun, 

sie wollen »die eklatante Lücke schließen 

zwischen Fotografie und narrativem 

Film«. Ich empfehle den Mut zur 

Lücke. Die Ausstellung ist wegen der 

großen Resonanz bis 4. Mai verlängert. 

Es erscheint ein Bildband dazu. Wie 

geht das? Mit angehaltenen bewegten 

Film-Stills? 

Den Fluss der Geschichte haben andere 

sehr lebendig fest- aber nicht angehalten. 

So Paul Georg Herrmann die dramatischen 

Studentenproteste im Westberlin 

von 1968, aus großer Nähe und 

mit viel Empathie. Wasserwerfer und 

berittene Polizei sind in wilder Aktion. 

Zudem sieht man die Akteure und 

Unterhändler von damals. Der Riesenandrang 

zur Eröffnung im Berliner Fotosalon 

spiegelte das immer noch starke 

Interesse an den so folgenreichen Ereignissen, 

deren aktive Teilnehmer heute 

meist im Rentenalter sind. 

Eine privilegierte Chronistin war Margaret 

Bourke-White, noch bis 14. April 

im Gropiusbau. Liiert mit dem amerikanischen 

Kunstfotografen Clarence H. 

White, traf sie in den Zwanzigern zur 

rechten Zeit die richtigen Leute für eine 

Traumkarriere als Fotografin für die führenden 

Zeitschriften, allein unter Männern, 

denen sie in nichts nachstand, 

nicht in der perfekten Technik, nicht 

im ausgefeilten Bildaufbau nach den 

Regeln der Neuen Sachlichkeit. Die 

Sachlichkeit ging allerdings so weit, 

dass sie ihr jede Emotion opferte. Die 

Menschen sind Bestandteile ihrer Inszenierungen 

oder zumindest Arrangements, 

in amerikanischen Fabrikhallen 

1930 ebenso wie 1945 in den deutschen 

Flüchtlingstrecks. Ihr sonnig strahlendes 

Heldenporträt von Josef Stalin 1943 

kann man mit dem Wissen von heute 

kaum ertragen. Es lehrt uns aber, wie 

sehr die Zeiten uns und unsere Perspektive 

verändern. Solches vermag die 

Fotografie. Zu Bourke-Whites Zeiten 

war Technik gleichbedeutend mit Fortschritt, 

Arbeit, steigender Lebensqualität. 

Dieses Ideal hat längst tiefe Risse 

bekommen. Damit hat sich auch die 

fotografische Sprache selbst verändert, 

sie ist kritischer geworden, emotiona- 


53


ler, offener in ihren Mitteln, vor allem 

da, wo sie unseren Lebensumständen 

nachspürt. 

Das spiegelt sich in den Berichten aus 

der ostdeutschen Provinz. 

Stephanie Steinkopf gewann mit »Manhattan, 

Straße der Jugend« den Vattenfall 

Fotopreis 2012. Ort der Handlung: 

Eine Plattenbausiedlung im Oderbruch, 

1986 fertiggestellt, mit Ofenheizung. 

Bei c/o berlin war eine bewegende 

Reportage zu sehen von Daniel Seiffert, 

aus dem Spreewaldstädtchen Lübbenau, 

»Kraftwerk Jugend«. Er machte 

damit seinen Abschluss an der Ostkreuzschule. 

Ebenfalls aus dem Spreewald kommen 

Conny Höflichs stille Schwarzweißbilder 

aus einem stillen Dorf, aus dem 

jede Infrastruktur entwichen ist. Im 

März bei »25books« vorgestellt, widmete 

ihr Hansgert Lambers ein Büchlein 

der bibliophilen Art in seinem expose 

verlag. 

Stefan Boness (Alte Feuerwache) war 

in Hoyerswerda unterwegs, der am 

stärksten schrumpfenden Industriestadt 

Deutschlands. (Das Phänomen 

gibt es übrigens auch im Westen). Hoyerswerda 

war einst ein Vorzeigemodell 

der DDR. Den kaum noch bewohnten 

Komplexen und den Industriebrachen 

galt sein gestalterisches Interesse, weniger 

den Betroffenen. Gemeinsam ist den 

jungen Autoren, die die Wende allenfalls 

als Kinder erlebt haben, die starke 

Anteilnahme an den sozialen Problemen 

der Menschen, und die manchmal 

lässige fotografische Form ermöglicht 

uns leichter den Zugang. 

© Maija Savoleinen 

Im Kontrast dazu war ich überrascht 

von der technischen Akribie, mit der 

sich 5 junge Vertreterinnen der Helsinki- 

School in den Nordischen Botschaften 

vorstellten. Der formalen Spitzfindigkeit 

und mathematischen Symbolik versuche 

ich mittels ihrer Kommentare beizukommen, 

wie ihn z.B. Maija Savoleinen 

liefert. Ihr verschrobener Text wirkt 

allerdings eher wie eine Parodie auf die 

geistreichen Analysen von Fotohistorikern. 

Das Aushängeschild der Ausstellung 

ist irreführenderweise ein wunderbares 

Porträt in glasklarem Schwarzweiß 

von Nelli Palomäki, das, wie ihre übrigen 

harmonischen Konterfeis, keiner 

Erklärung bedarf. Die 5 Frauen sind von 

der Aalto-Uni ausersehen für ein Künstlerstipendium 

in Deutschland. 

In der aff-Galerie sind es zwei Frauen, 

die mit ihren zarten, sensiblen Frauenbildnissen 

fast ein Klischee bedienen; 

Dvorah Kern und Marit Beer. 

Kern hat ihre jüngere Schwester in spontanen 

Augenblicken über 7 Jahre beobachtet, 

Beer spielt mit seidigen Tüchern 

und lauscht Frauen ihre Träume ab (siehe 

brennpunkt 1/2013). 

© Nora Peisger 

Eine Frau ist es auch, deren Porträts 

mich am Photoplatz des Hotel Bogotá 

unmittelbar ansprechen: Nora Peisger. 

Sie hatte eine Idee, die man als höchst 

bedenklich bezeichnen könnte: Menschen 

dazu zu bringen, von düsteren 

und verzweiflungsvollen Phasen ihres 

Lebens vor der Kamera zu erzählen. 

Ein solches Eindringen in die intime 

Gefühlswelt erfordert so viel Takt, so 

viel Zuwendung der Fotografin und so 

viel Bereitschaft zur Offenbarung der 

eigenen Emotionen seitens der fotografierten 

Person, dass ein Gelingen schier 

unmöglich scheint. Aber es gelang, und 

es packt den Betrachter mit Wucht. 

Die Arbeit ist ein Ergebnis des Seminars 

Dokumentarfotografie, das der Berliner 

Frank Silberbach in Magdeburg durchgeführt 

hat. Neun weitere Teilnehmer 

waren im Hotel Bogotá vertreten, alle 

mit einer spannenden Serie. Damit hat 

Joachim Rissmann einmal mehr seinen 

Photoplatz zu einem wichtigen Forum 

gemacht, das obendrein während der 

Filmfestspiele alltäglich mit den jeweils 

brandaktuellen Promi-Fotos von Gerhard 

Kassner geadelt wurde. »In-er« 

geht’s nicht. 

Wenn ich auch gern den lockeren 

Umgang mit der Technik toleriere, freue 

ich mich doch über eine handwerklich 

saubere Arbeit. Dafür sind mir diesmal 

zwei total unterschiedliche Sujets 

aufgefallen. In der Galerie Carpentier 

waren es die »Venetian Settings« von 

Maximilian Meisse, Fassaden, die sich 

im ruhigen Wasser der Kanäle spiegeln, 

Architekturfotografie vom Feinsten, mit 

einer unglaublichen Aura aus der Tiefe 

des Bildes heraus, mit dem Atem der 

Geschichte. Ohne Venezianer, ohne 

Touristen. 

© Maximilian Meisse 

Den umgekehrten Weg ist Christian 

Reister gegangen. Er hat »New Yorkers« 

ohne New York fotografiert, »von Angesicht 

zu Angesicht«, ausgestellt in einer 

entzückenden Buchhandlung .mit Café 

und Galerie in der Urbanstraße, mit 

dem poetischen Namen »playing with 

eels«. Vor einer grau gestrichenen Ziegelmauer 

hat er sein Stativ aufgebaut, 

inmitten des quirligen Stroms der Passanten, 

bittet immer wieder Einzelne 

oder Paare für einen Augenblick vor 

seine Kamera, nutzt die Überraschung, 

den Moment der Konzentration auf die 

unerwartete Situation, und so gelingen 

ihm wunderbare Menschenbilder, in 

denen die Zeit angehalten ist, aber das 

Leben erst recht zur Geltung kommt. 

Beglückend! 

Noch immer lebendig ist die Berliner 

Offszene. Sie hat sich von Kreuzberg 

zum Prenzlauer Berg und nach Neukölln 

ausgedehnt, aber auch am Wedding 

kann man fündig werden, da, wo 




© Christer Strömholm 

er am hässlichsten ist, gegenüber dem 

»Stattbad« in der Gerichtsstraße. Man 

stolpert über 3 Höfe, vorbei an ausgemusterten 

Kunstobjekten, ersteigt etliche 

Eisentreppen und wird bei dröhnender 

Musik empfangen von einer charmant 

radebrechenden Französin. Sie weist 

mir den Weg durch das Chaos und verkauft 

mir einen scheußlichen Rotwein 

aus der Pappkiste, aber dann trete ich in 

einen heiligen Raum der Fotografie, aufs 

beste gehängt und beleuchtet an Stellwänden, 

liebevoll ins Werk gesetzt. 

»In 8 Linsen um die Welt« titeln die 

Autoren in schöner Bescheidenheit. 

Am ehesten wird mir haften bleiben: 

Ein Set fotografischer Spielkarten von 

Severine Jonquiere als Metapher für 

das böse Spiel des Menschen mit dem 

Menschen. 

Solcherart frankophil eingestimmt, fällt 

der Wechsel zu Christer Strömholms 

»Les Amis de Place Blanche« aus dem 

Paris der fünfziger Jahre nicht schwer. 

Mit dieser Serie aus dem Milieu der Transvestiten, 

deren auf Hartfaser geklebte 

Originale schon bei Swedish Photography 

zu sehen waren, hat er seinen Weltruhm 

und seine spätere Rolle als Mentor 

und Lehrer einer ganzen Fotografengeneration 

seiner Heimat begründet. c/o 

berlin bot jetzt – noch im Postfuhramt – 

eine umfangreiche Werkschau mit den 

wichtigsten SW-Fotografien, zum Teil 

mit den zugehörigen Kontaktbögen, 

die die Bildauswahl des Meisters nachvollziehbar 

machen. Ein Grundsatz war 

ihm die absolute Offenheit gegenüber 

den Porträtierten, ein Grad der Vertrautheit, 

der sich zur Sinnlichkeit verdichtet 

und so die Empathie des Betrachters herausfordert. 

Das schafft er verblüffenderweise 

sogar mit Sachaufnahmen. 

Aus ganz anderem Holz geschnitzt ist 

unser widerborstiger Säulenheiliger 

mit der Berliner Schnauze, Michael 

Schmidt. »Grau ist meine Farbe« sagt 

er gern. 

Mit den düsteren Serien »Waffenruhe« 

und »Ein-heit« ist er international berühmt 

geworden. Jetzt, für »Lebensmittel« im 

Gropiusbau, hat er erstmalig ein paar 

Farbbilder eingestreut. Erstmalig? Kaum 

einer weiß es: Ende der Sechziger – er 

ist 1945 geboren – war er ein paar Jahre 

bei der Amateurfotografen Vereinigung 

Kreuzberg (VDAV). Da hat er sich 

sein technisches Rüstzeug geholt und 

zugleich seine Abneigung gegen das 

»schöne Bild«, wie es dort gepflegt 

wurde. Ute Eskildsen hat dieses Detail 

1996 im Katalog des Museum Folkwang 

erwähnt. Bei den »Kreuzbergern« hat 

er damals auch Diaserien gezeigt und 

damit Punkte in der Clubwertung erzielt. 

Wenig später waren sein fotografisches 

Selbstbewusstsein und seine legendäre 

Streitsucht schon so weit gewachsen, 

dass er an der VHS Kreuzberg sein 

Forum fand und bald die »Werkstatt für 

Fotografie« gründete, aus der manch’ 

heute erfolgreicher Profi hervorging. 

Er hat immer gern provoziert. Im 

Herbst 1975 zeigte er dem Berliner 

Galeristen Rudolf Springer seine Bilder. 

© Michael Schmidt 

»So viel Langeweile muss Methode 

haben« erkannte der und stellte ihn 

aus. »Det war wunderbar,« erinnert 

sich Michael Schmidt, »ick dachte, det 

wird allet vakooft. Natürlich wurde 

nüscht vakooft!« (Zeitmagazin 1996). 

Das dürfte heute anders aussehen. 

Aber mit der Langeweile haben auch 

Heutige zu kämpfen, angesichts der 

ermüdenden Wiederholungen und 

scheinbar willkürlichen Bildausschnitte, 

mit deren Enträtselung der Autor den 

Betrachter vollkommen allein lässt. 

Diese Lebensmittel sind hartes Brot, 

an dem wir uns die Zähne ausbeißen 

sollen. Von Michael Schmidt ist leicht 

Verdauliches nicht zu erwarten. 

Aber die Berliner Szene ist in Bewegung, 

gebiert neue Trends und manche 

Ungereimtheit, da muss uns um die 

Zukunft des Mediums nicht bange 

sein. 

Das originale Bild an der Wand einer 

Galerie wird sich noch lange gegen alle 

Screens der medialen Welt behaupten. 

Oder denke ich da wie der olle Kaiser 

Wilhelm, der an das Pferd glaubte und 

das Automobil für eine flüchtige Mode 

hielt? Mir auch egal, ich bin schließlich 

80. 

Klaus Rabien 


55

Fotoszene 

Was Natur wirklich 

ist – Fotografien von 

Frank Darius 

aus der Sicht des 

Naturphilosophen 

Andreas Weber 

Performance & 

Gespräch 

Die Isolierung des Menschen ist nicht 

das tiefste Kennzeichen seiner Natur, 

sondern beruht auf der fälschlichen 

Trennung von menschlichem und anderen 

Leben, von Ich und Welt, Geist und 

Gedicht. In den letzten Jahren hat die 

Biologie, die sich seit Mitte des 19. Jahrhunderts 

alle Mühe gegeben hat, Empfindung 

aus der Natur zu vertreiben, das 

Gefühl als Basis des Lebens wiederentdeckt 

– und damit auch das Bild des 

Menschen auf den Kopf gestellt. Haben 

wir uns bislang ebenfalls als biologische 

Maschinen verstanden, in denen 

irgendwie vage noch ein seelischer 

Faktor enthalten war, so finden wir nun 

das Gefühl als Prinzip der Natur wieder. 

Mehr noch: Die neue Biologie zeigt, 

dass das Phänomen des Fühlens nicht 

nur das Bewusstsein erklären kann, sondern 

alle Lebensvorgänge. 

Auf Einladung der Alfred Ehrhardt Stiftung 

setzt sich der Naturphilosoph 

Andreas Weber in der Reihe »Literaturhaus 

der Fotografie« mit den Aufnahmen 

Frank Darius’ auseinander. »Ich 

suche danach, was Natur wirklich ist« 

lautet, so Weber, die dem Werk von 

Frank Darius zugrundeliegende Frage. 

»Es ist eigentlich schon eine ,Romantik 

2.0’, die Darius für uns erschließt, und 

sie ist ein nicht nur ästhetisches Konzept 

für die anstehenden Fragen des 

21. Jahrhunderts. Ja, es gibt die poetische 

Dimension der Welt; und ja, sie 

ist zugänglich – aber diese Zugänglichkeit 

ist uns und unserem schöpferischen 

Sehen geschuldet, und zwar darum, weil 

wir ein lebendiger Teil dieser lebendigen 

Welt sind.« (Andreas Weber) 

Frank Darius, Teufelsberg 2001/10, 120 x 143 cm, © VG Bildkunst Bonn/ Frank Darius, (O.i.F.) 

Dr. phil. Andreas Weber (*1967) arbeitet 

nach einem Studium der Biologie und 

Philosophie als Schriftsteller, Journalist, 

Dozent und Politikberater. In seinen literarischen 

Sachbüchern wie Alles fühlt. 

Mensch, Natur und die Revolution der 

Lebenswissenschaften (2008), Biokapital. 

Die Versöhnung von Ökonomie, Natur 

und Menschlichkeit (2010) und Minima 

Animalia. Ein Stundenbuch der Natur 

(2012) setzt sich Weber für eine Überwindung 

der mechanistischen Interpretation 

von Lebensphänomenen ein. 

Wegen des beschränkten Platzkontingents 

bitten wir um Voranmeldung. 

Moderation: 

Thomas Böhm 

Leiter internationales literaturfestival 

berlin 

Am Mittwoch, 17. April 2013, 

19.00 Uhr 

Eintritt frei 

Andreas Weber 

© Valentina Bosio-Raynard 


Auguststr. 75 

10117 Berlin 

Tel: 030 / 200953-33, Fax -34 

info@alfred-ehrhardt-stiftung.de 



Fotoszene 

VHS Friedrichshain- 

Kreuzberg 

Offenes S/W Fotolabor 

Nur für selbstständig arbeitende, fortgeschrittene 

Kursteilnehmer! 

Individuelle Unterstützung und Beratung 

insbesondere bei Sonderprojekten 

(Großformatdruck, Fine-Art-Printing, 

Tonen, Sonderdruckverfahren, S/ 

W-Filmentwicklung, etc.) ist möglich. 

Falls gewünscht steht nach Vereinbarung 

Prof. Lutz Matschke, ein fachkompetenter 

S/W Fine Art Printer, vor Ort 

zur Verfügung. 

Die Nutzungstermine nach Vereinbarung. 

Vorherige telefonische, elektronische 

oder persönliche Anmeldung sind 

unbedingt erforderlich: 

Telefon 030 / 2219 5519 

Fotopapier und -chemie müssen mitgebracht 

werden. 

Chemieentsorgung übernimmt die VHS 

ist also im Entgelt enthalten. 

Nutzungsentgelt pro Stunde: 5 Euro 

(unabhängig von der Personenzahl), 

einmalig 3 Euro Anmeldegebühren. 

© Lutz Matschke, LM 0275, Barcelona, Februar 1986 

Die Teilnehmer sind gehalten eine Nutzerordnung 

für das Labor zu unterzeichnen! 

FK2.605 Peter Held 

Termine nach Vereinbarung über die 

Programmbereichsleitung! 

Telefon 030 / 22195519 

Fax: 030 / 22195522 

Mail: peter.held@vhs-fk.de 

VHS Friedrichshain-Kreuzberg 

Offenes S/W Fotolabor 

Wassertorstraße 4 

Euro 5,- /Std. + einmalig 

Euro 3,- Anmeldegebühr 

Johannes Barthelmes 

»ex tempore« 

... mit Licht den Jazz malen ... 

© Johannes Barthelmes 



»ex tempore« (lat: aus dem Moment), 

beschreibt treffend die fotografische 

Herangehensweise des Fotografen 

Johannes Barthelmes. Improvisationen 

wie er sie aus seinem Musikerleben 

kennt. Nämlich handwerklich, gestalterisch 

und inhaltlich auf hohem Nivau, 

Kompositionen aus dem Stegreif und 

doch nach allen Regeln der Kunst. »Als 

Jazzmusiker sind der emotionale und der 

kompositorische Aspekt entscheidend 

für mich. Auch das Improvisieren, das 

Vorausahnen und schnelle Entschlüssen 

fassen sind Dinge, die ich mag und die 

ich von der Musik gut kenne«. 

bis 20. April 2013 

Altstadthalle Zug 

Unteraltstadt 14 

CH 6300 Zug 

täglich 14 – 20 Uhr 


57

Fotoszene 

Modefotos: 

Schatz nach 40 Jahren 

gehoben 

Das Erbe des 

Modefotografen Mark 

Shaw 

Mark Shaw (geboren 1921 als Mark 

Schlossmann), der John F. Kennedy 

und seine Familie in seinen berühmten 

Fotos ganz privat und intim portraitierte, 

gehörte auch zu den angesagtesten 

Modefotografen der 1950erund 

1960er-Jahre. Schon früh fotografierte 

er in Farbe und dies hauptsächlich 

für das LIFE Magazine. Wie kein 

anderer vor ihm hatte Shaw Zutritt zu 

den Salons und Modeschauen von Dior, 

Chanel und Balenciaga. Er fotografierte 

die Modelauftritte der Schickeria aus 

Manhattan und des europäischen Adels 

in deren großzügigen Appartements 

ebenso wie Bikinischönheiten der 

1950er-Jahre an den Stränden von St. 

Tropez und Ravello. In weniger als zehn 

Jahren brachten es seine Bilder 27 Mal 

auf die Titelseite des LIFE Magazine, und 

arbeitete er mit Legenden wie Coco 

Chanel, Yves Saint Laurent, Elizabeth 

Taylor, Pablo Picasso, Audrey Hepburn 

und vielen anderen Stars seiner Zeit. 

Aber dann setzte 1969, als er gerade 

einmal 47 Jahre alt war und auf dem 

Höhepunkt seiner Karriere stand, ein 

schwerer Herzinfarkt seinem von harter 

Arbeit geprägten Leben ein jähes 

Ende. Direkt nach seinem Tod wurde 

sein gesamtes Archiv überstürzt in ein 

Kunstlager gebracht, und so ruhte es 

unangetastet in einem Gewölbe unter 

den Straßen von Manhattan. Fast vierzig 

Jahre lang blieben zehntausende 

von Filmrollen im Verborgenen und 

gerieten in Vergessenheit. Der gesamte 

Nachlass ging schließlich an Shaws einzigen 

Erben, David Shaw, und dessen 

Frau, Juliet Cuming Shaw. Das Ehepaar 

Mark Shaw. Early Black and White Studio Outtake #10 for the Vanity Fair Lingerie Campaign, 

New York, 1950´s, © (2011) Mark Shaw / mptvimages.com. Courtesy Andrew Wilder Gallery 

wandte sich damit an einen gemeinsamen 

Freund, den Galeristen Andrew 

Wilder in Los Angeles, dem die 

Aufarbeitung des Vermächtnisses von 

Shaws Modefotos ein großes Anliegen 

wurde. 

Es dauerte fast zehn Jahre, bis sich die 

Drei zusammen mit Modehistorikern 

und Konservatoren durch Shaws 

Originalfilmmaterial durchgearbeitet 

hatten. »Als wir anfingen, die 

ersten Bilder von Marks verlorenen 

Modeaufnahmen zu entwickeln, 

konnte ich kaum glauben, was ich da 

sah. Frische Farben, die Gesichter der 

Menschen auf den Modeschauen. Und 

Shaws lockerer Stil, die Offenheit in seinen 

Bildern. So ganz anders als der typische 

Stil seiner Zeit und die eher steifen 

gestellten Fotos von damals. Es war, 

als würde man eine ganze Ära zum ersten 

Mal klar sehen«, beschreibt Andrew 

Wilder seine Eindrücke. 

Die Früchte ihrer Bemühungen sind 

nun in einer Sammlung von Shaws besten 

Modebildern zusammengestellt 

und exklusiv in der Andrew Wilder 

Gallery in Los Angeles erhältlich. Die 

Galerie im Herzen des Galerienviertels 

La Brea in Los Angeles zeigt in einem 

edlen Ambiente aus Antiquitäten und 

Designerstücken des 20. Jahrhunderts 

die gesamte Fotosammlung von Mark 

Shaw. Weitere Informationen finden Sie 

unter www.andrewwildergallery.com 


Fotoszene 

Mark Shaw. Portrait of Elizabeth Taylor #2 

Los Angeles, 1956 (Original in Farbe) 

© (2011) Mark Shaw / mptvimages.com. 

Courtesy Andrew Wilder Gallery 

Ob er Jacqueline Kennedy im Weißen 

Haus oder Models, die sich hinter der 

Bühne bei einer Pierre Balmain Show 

umziehen, fotografierte – immer gelang 

es dem Künstler und Routinier Shaw, um 

die außergewöhnlichen Menschen, die er 

fotografierte, eine Wohlfühlatmosphäre 

entstehen zu lassen und Ikonen der 

Fotografie mit bodenständiger Fülle 

zu schaffen. Shaw, ein bescheidener 

Mann mit einer blitzschnell auslösenden 

Leica, lichtete die Welt in einem 

für uns alle unvergesslichen Moment 

der Zeitgeschichte ab. 

Mark Shaw. Portrait of Audey Hepburn #87, Los Angeles, 1953 

© (2007) Mark Shaw / mptvimages.com. Courtesy Andrew Wilder Gallery 

Zu Shaws herausragendsten Bildern 

gehören Aufnahmen aus den 1950erund 

1960er Jahren im Haus Dior. Es 

sind sowohl Farb-als auch Schwarz- 

Weiß-Fotos, die das Wirken des legendären 

Pariser Couturier – sowohl auf dem 

Laufsteg als auch hinter den Kulissen – 

eindrucksvoll dokumentieren. 

Im September 2013 erscheint bei Rizzoli 

das Buch Christian Dior. Glamour 

1952-1962 by Mark Shaw. Der aufwendig 

gestaltete Bildband zeigt eine 

Sammlung großartiger Bilder der Ikone 

der Modelabels, dem Haus Dior, aus den 

1950er- und frühen 1960er Jahren. 

Es sind seltene Aufnahmen von Christian 

Dior, der das Kleid eines Models kurz 

vor einer Vormodenschau noch einmal 

schnell prüft, bis hin zu inszenierten 

Fotos von Models, Berühmtheiten 

und Schauspielerinnen in Diors Haute 

Couture. 

204 Seiten, 11 x 14 Inches, 200 Farb-und 

Schwarz-Weiß-Fotos, Preis: $115,00 

Andrew Wilder Gallery 

Andrew Wilder 

154 North La Brea Avenue, 

Los Angeles, CA 90036 

phone: + 323-934-4452 

email: info@andrewwildergallery.com 

web: www.andrewwildergallery.com 


59

Fotoszene 

Klaus Rabien 

zum 80. 

Klaus Rabien ist seit 1985 ständiger Mitarbeiter 

des brennpunkt-Magazins. 

Die unbefangene, saloppe Art seiner 

Impressionen aus den Berliner Galerien 

ist begleitet von manch’ erhellender 

Hintergrundinformation, die über 

den aktuellen Anlass hinausgeht. 

Für den aufmerksamen Leser spiegelt 

sich hier auch der politische Umbruch 

mit der Begegnung der Fotografen aus 

Ost und West, für die er sich persönlich 

immer eingesetzt hat. Heute ist das 

Angebot in der Hauptstadt fast unüberschaubar 

und es gilt, auch außerhalb 

der populären Events Entdeckungen zu 

machen. Der brennpunkt versteht sich 

als ein Forum gerade für noch nicht so 

etablierte Künstler. Außerdem bietet er 

für jedes Quartal einen umfassenden 

Überblick über die Galerienlandschaft. 

© Klaus Rabien, »Tanz-Theater«, 1989 © Klaus Rabien, »Baustelle-Schaustelle«, 

Potsdamer Platz, 1996 

Über ein kritisches Feedback freut sich: 

Klaus Rabien, Heidereiterweg 23, 

14532 Kleinmachnow 

klaus@rabien-berlin.de 

Klaus Rabien, 1933 in Potsdam geboren, 

leitete als Konditormeister 30 Jahre lang 

einen traditionsreichen Familienbetrieb, 

der seit 1952 in Berlin ansässig ist. 

Daneben hat er immer fotografiert. 1976 

verschlug es ihn zur Fotografen Vereinigung 

Kreuzberg, die er über lange Jahre 

mit geprägt hat. 

© Klaus Rabien, »Baustelle-Schaustelle«, 

Potsdamer Platz, 1996 

Durch seine Frau Adela mit ihrer Flamencoschule 

fand Rabien in den Achtzigern 

zur Tanzfotografie und erhielt 

für die Fachzeitschrift »tanz aktuell« 

Zugang zu den großen Berliner Bühnen. 

Seine Fotos wurden weltweit ausgestellt, 

u.a. in den Goetheinstituten. 

Als der Unterzeichnete vor 28 Jahren 

den »brennpunkt« aus der Taufe hob, 

schrieb Rabien spontan dafür einen 

Bericht über die wenigen Fotoausstellungen, 

die es damals im eingemauerten 

Westberlin zu sehen gab. Was daraus 

wurde, finden Sie in einem »Sondermagazin«, 

das dem Freund und Weggefährten 

zu seinem Achtzigsten gewidmet 

ist. 

Dietmar Bührer, DGPh 

Klaus Rabien, © dibue, 2013 

»Klaus Rabien zum 80.« 

Galerieberichte 1985 bis 2013 

Bildband, 232 Seiten, DIN A4, 

150g Kunstdruckpapier, Softcover, 

mit 950 Künstlern, und 435 Abbildungen 

Preis: ca. 27 Euro 

Bestellungen unter: 

brennp@web.de 


Fotoszene 

Gratulationen 

Vielen Dank für Ihre unermüdliche 

Berücksichtigung unserer Ausstellungen. 

Da Sie jedes Projekt, jede Ausstellung 

in Ihrer Zeitschrift auch immer 

besonders ästhetisch aufbereiten, bin 

ich Ihnen sehr dankbar. Dazu gehören 

aber auch die Artikel von Herrn Rabien, 

der mit seiner großen kunsthistorischen 

Kenntnis der Zeitschrift eine wirklich 

wichtige Bedeutung für Leser und Aussteller 

zukommen lässt. 

Alles Gute für Herrn Rabien. 

Mit den besten Grüße, 

Gisela Kayser 


Klaus Rabien persönlich kenne ich noch 

gar nicht so lange und als »junger« Galerist 

steht mir über eine Instanz, wie er 

sie seit fast 3 Jahrzehnten darstellt, kaum 

ein Urteil zu. Aber ich behaupte einmal: 

Klaus Rabien gehört zur aussterbenden 

Spezies derer, die sich in dem Kunstund 

Galerienumfeld auch von Mätzchen, 

Moneten und Mogelpackungen 

ihre nie versiegende Leidenschaft, ihr 

echtes Interesse an der Sache und ihr 

unbestechliches Urteil nicht haben 

nehmen lassen. Das spürt man, wenn 

man einen seiner nun nicht mehr zu 

zählenden Artikel im Brennpunkt liest 

oder wenn man diesen älteren, stillen 

Mann mit glänzenden Augen vor einer 

Fotografie stehen sieht, die sein Gefallen 

findet. Ich jedenfalls freue mich 

jedesmal über seinen Besuch in der 

Galerie, auch wenn der gelernte Konditor 

mir erst ein einziges Mal seinen 

unschlagbar köstlichen Baumkuchen 

mitgebracht hat. 

Manfred Carpentier 


Auf der Geburtstagstorte spenden die 

Kerzen dem Fotografen Klaus Rabien im 

Mai besonders hell das Licht und leuchten 

dem Lichtbildner, Konditoreimeister 

und Kolumnist herzliche Glückwünsche. 

Der Deutsche Verband für Fotografie 

e.V. (DVF) schließt sich sehr gerne 

diesen Glückwünschen an und dankt 

seinem Fotofreund Klaus Rabien für 

sein fotografisches Schaffen, für sein oft 

bereit gestelltes Büffet - und für seinen 

legendären Baumkuchen. 

Der DVF wünscht dem Geburtstagskind 

beste Gesundheit, viele anregende 

Fotoaugenblicke und lange Jahre weiterhin 

»Gut Licht«. 

Für den DVF Willy Borgfeldt 

DVF-Präsident 

Für Klaus Rabien zum 80. Geburtstag. 

Wenn ich den Namen Rabien höre, 

denke ich an Potsdam, köstlichen 

Kuchen, Fotografie und Tanz. 

Wenn ich an den Menschen Klaus 

Rabien denke, sehe ich einen warmherzigen, 

äußerst kollegialen und freundlichen 

Menschen von einer besonderen 

inneren Eleganz und Feinheit vor mir. 

Wir sind uns leider viel zu selten begegnet 

und ich bedanke mich für diese 

kostbaren Momente. 

Ich gratuliere ihm von Herzen, wünsche 

ihm Gesundheit und Kraft für all seine 

Vorhaben und hoffe, dass sein unergründliches 

Lächeln uns lange bleibt. 

Monika Schulz-Fieguth, Fotografin 

Lieber Herr Rabien! 

Stets blättere ich im »brennpunkt« zuerst 

vor bis zu Ihrem Galerierundgang, dem 

Herzen des Magazins, um zu schauen, 

wo Sie dieses Mal gewesen sind und was 

Sie wie gesehen haben. Möge Ihnen die 

Lust und die Schaffenskraft, mit treffenden 

Worten den Blick auf das Wesentliche 

zu lenken, noch für lange Zeit 

erhalten bleiben. Ihr Mut, auch mal einfach 

etwas durchfallen zu lassen und 

aus der »Gesellschaft für Bewunderung 

auf Gegenseitigkeit« (Andreas Feininger) 

herauszutreten, wird mich auch 

zukünftig immer erfreuen. Danke dafür 

und danke für den Pflaumenkuchen. 

Ihre Aenne Burghardt, Fotografin 

»Klaus Rabien 80 Birthday Celebration«. 

The photo scene in Berlin is very fortunate 

to have such an experienced and 

passionate photographer writeing about 

his view about the exhibitions in our 

city. Klaus special style of writeing has 

grown and developed along with the 

Magazine »brennpunkt«. I look forward 

to further honest and expansive reporting 

from Klaus Rabien in his Golden 

Years. 

Kathleen Michael, Photography 

Wenn ich es richtig sehe, hat niemand 

aus eigener Anschauung das Fotografiegeschehen 

in Berlin schreibend so kontinuierlich 

verfolgt wie Klaus Rabien. 

Schon das ist bemerkenswert. Was er 

über die Jahre im Einzelnen geschrieben 

und damit festgehalten hat, wird 

späteren Generationen helfen, wenn 

die Frage nach der Geschichte der Fotografie 

in Berlin ansteht. Mein Kompliment! 

Dr. Enno Kaufhold, 

freier Fotohistoriker 

»Die Galerieberichte von Klaus Rabien 

sind bestes Feuilleton in schöner Berliner 

Tradition: Unterhaltend, informierend 

mit klar geäusserter eigener Meinung. 

Überdies regen sie zur Reflexion an«. 

Mit den besten Grüssen, 

Ihr Hansgert Lambers, Verleger 

»Ich freue mich immer wieder, wenn 

ich Herrn Rabien auf Ausstellungen 

begegne - dabei haben sich immer 

wieder schöne und interessante 

Gespräche ergeben. Ich bin gespannt 

auf viele weitere Begegnungen und auf 

kommende Galerieberichte«. 

Thomas Graichen, aff-Galerie 

Klaus Rabien - ein Urgestein der Berliner 

Fotoszene. 

Ich kenne Klaus Rabien nun schon über 

dreissig Jahre nicht nur als engagierten 

Fotografen, sondern auch als kompetenten 

Gesprächspartner. Auch bei unterschiedlichen 

Positionen in der Fotografie 

schätze ich seine freundliche und verbindliche 

Art in der Diskussion. 

Seine Besprechungen der Berliner 

Galerieszene im »brennpunkt« kann 

man schon als legendär bezeichnen. 

Ich wünsche ihm zu seinem Geburtstag 

alles Gute und noch viele Jahre aktiver 

Teilnahme an dem fotografischen Leben 

in unserer Stadt! 

Manfred Kriegelstein, Fotograf 


61

Fotoszene 

Gratulationen 

Hoffentlich bleiben ihm die Kraft und 

der Wille, auch im neuen Lebensjahrzehnt, 

das genau genommen erst 

in einem Jahr beginnt, die Arbeit an 

seinen Galerieberichten in gewohnter 

Form fortzusetzen. Seine Mitteilungen 

besitzen stets eine angenehme Frische, 

gekennzeichnet durch treffende, 

insbesondere auch mit meiner Sichtweise 

übereinstimmende Kommentare 

und ein sicheres geschichtsbezogenes 

Wissen um die Fotografie. Sein Recherchegebiet 

erfasst zum Glück nicht nur 

die ohnehin bekannten Ausstellungsorte, 

sondern das gesamte Stadtgebiet 

mit seinen vielen kleinen Fotoinseln. So 

wurde ich sogar auf die kleine Galerie 

ABAKUS ganz in meiner Nähe aufmerksam, 

die ich nun kenne. Schon deshalb 

herzlichen Dank lieber Klaus Rabien! 

Herzlich Gerhard Metzschker, 

Fotograf 

Klaus Rabiens Verdienste um die 

Fotografie angemessen zu würdigen, 

würde den Umfang eines Glückwunsches 

sprengen; nur zwei Beispiele seien mir 

gestattet: 

1. Jahrelang hat der Jubilar den DVF 

und seine Mitglieder im Landesverband 

Berlin/Brandenburg/Mecklenburg- 

Vorpommern unterstützt und gefördert. 

2. Mit seinen Galerieberichten im 

»brennpunkt«, die von einem großen 

Fachwissen geprägt waren, hat er allen 

Lesern die künstlerische Fotografie 

in beeindruckender Weise näher 

gebracht. 

Dafür gebührt Klaus Rabien unser aller 

Dank. Herzlichen Glückwunsch zum 

achtzigsten und beste Gesundheit im 

vielleicht (?) fotografischen Ruhestand. 

Helmut Friebus, Vorsitzender des DVF- 

LV Berlin/Brandenburg/Mecklenburg/ 

Vorpommern 

Ich gratuliere von Herzen - einem 

wunderbaren Menschen mit klugem 

Blick, feinsinigem Humor und 

jugendlicher Offenheit. 

Anna Thiele, Fotografin 

Neugierig, treffend, unermüdlich. 

Danke Klaus, für alle Deine Artikel, 

die den »brennpunkt« bereichern und 

komplett machen. 

Jetzt wirst Du 80. 

Meinen herzlichsten Glückwunsch!! 

Gino Puddu, Café Aroma Photogalerie 

Lieber Klaus Rabien, meine herzlichsten 

Glückwünsche zum wirklich schon 

(?) 80.igsten Geburtstag. 

Sie sind bei all Ihren bemerkenswerten 

Talenten und Fähigkeiten so liebenswert 

bescheiden geblieben! Sie gehören 

außerdem zu den wenigen, die 

genauso gut über Photographie schreiben 

können, wie diese selbst in hoher 

Qualität zu machen. Vielen Dank also 

für Ihre immer so inspirierend einfühlsam 

sensiblen und oft ja auch mutig 

kritischen Galerieberichte im »brennpunkt«, 

die ich stets als erstes zu lesen 

pflege. Das erinnert mich ein wenig an 

meinen Vater, über dessen damalige 

ständige Glosse im Berliner Tagesspiegel 

»Am Rande bemerkt« auch viele Leser 

berichteten, dass dies jeweils ihre erste 

Lektüre in der Zeitung gewesen sei. 

Ich wünsche von Herzen noch viele 

gesunde und muntere Schaffensjahre 

und freue mich weiter sehr auf Ihre 

Artikel! 

Dr. Dieter Matthes, Fotograf 

Hier unsere Gedanken: 

KLAUS RABIEN 

unzählige Ausstellungsbesuche - aber 

unerschöpfliche Neugierde 

stilles Betrachten - aber waches Auge 

leise Töne - aber akzentuiert gesetzt 

Alles Gute zum 80. Geburtstag 

wünschen 

Manuela und Mathias, 


Lieber Klaus Rabien, 

herzlichen Glückwunsch zu Ihrem runden 

Geburtstag. Ihr Galeriebericht ist 

immer ein Highlight im »brennpunkt«. 

Über die vielen Jahre haben Sie durch 

Ihren kritischen und reflektierenden Blick 

auf die Galerie-Szene Schwerpunkte 

gesetzt - die Streu vom Weizen getrennt. 

Weiter so. Gratulation! 

Norbert Bunge, argus fotokunst 

lieber klaus, 

wenn ich zurück denke, wie wir vor ??? 

jahren in glienicke zusammen fotografiert 

haben, scheint mir das noch gar 

nicht soo lange her zu sein. aber so ist 

dem nicht, auch wenn es sehr gegenwärtig 

erscheint. 

manchmal geht es dir sicher ebenso mit 

dem vergehen der zeit. 

jetzt sind wir beide im alter gereift (wie 

reif?) - mit der fotografie. möge sich das 

noch ein bissl halten. 

nun ist auch etwas eigennutz angesagt: 

deine galeriegänge und berichte, daran 

möchten sich alle noch lange erfreuen. 

ich finde sie immer wieder kompetent 

und erfrischend und wunderbar zu 

lesen. 

wenn i c h mir zu deinem geburtstag 

etwas wünschen dürfte, dann, daß du 

noch lange deine kolumnen schreiben 

wirst. 

danke sage ich für all deine beiträge 

und natürlich auch für die vielen kommentare 

zu meinen ausstellungen und 

arbeiten. 

dir persönlich wünsche ich vor allem 

gesundheit und einen wunderschönen 

80. geburtstag. 

laß dich feiern, genieße diesen und 

jeden kommenden tag. und bleib einfach 

so wie du bist. 

... und deine konditorei, die vermisse 

ich auch! 

ich lasse dich hochleben und bin dankbar 

über so lange jahre durch die fotografie 

mit dir gegangen zu sein und 

möchte dies auch weiterhin. 

in alter frische ganz herzlich 

ulla kelm, fotografin 

Neugierig, offen, engagiert, humorvoll - 

so habe ich Klaus Rabien jedes Mal erlebt, 

wenn ich ihn bei einer Fotoausstellung 

getroffen habe. 

Er schaut stets sehr genau hin und 

Opportunismus scheint ihm fremd zu 

sein - gerade deshalb schätze ich seine 

Kritik und seine Meinung sehr. 

Herr Rabien - machen Sie noch ganz 

lange weiter so! 

Volker Wartmann, Berliner Salon für 

Fotokunst 


Fotoszene 

© Klaus Rabien 

Der Galeriebericht von Klaus Rabien 

ermöglicht mir immer wieder einen 

wertvollen Einblick in die aktuelle Berliner 

Ausstellungszene, die ich als Berliner 

mit belgischem Wohnsitz nur 

zweimal jährlich persönlich besuchen 

kann. 

Aber auch seine eindrucksvollen Tanzfotos 

sind in meiner Erinnerung festgeschrieben. 

Einen besonders herzlichen Glückwunsch 

zum achtigsten! 

Horst Einfinger, Fotograf (Brügge/ 

Belgien) 

Die Galerieberichte von Klaus Rabien 

habe ich immer mit Begeisterung gelesen. 

Mich haben vor allem die profunden 

Kenntnisse und die prägnante Sprache 

beeindruckt. Ich wünsche mir noch 

viele solche Berichte! 

Wilfried Müller, Fotograf 

Lieber Herr Rabien, 

gerne möchte ich mich in die lange Reihe 

der Gratulanten einreihen, um Ihnen 

viel Glück und Gesundheit für Ihr neues 

Lebensjahrzehnt zu wünschen, aber auch 

um DANKE zu sagen für die langjährige, 

treue Begleitung des »brennpunkt« - 

Magazins mit Ihren Galerieberichten. 

Unermüdlich durchstreifen Sie die 

Berliner Ausstellungslandschaft immer 

wieder aufs neue, neugierig und wach. 

So sind in den letzten 28 Jahren nicht 

nur kulinarisch süße Köstlichkeiten 

entstanden sondern auch journalistische 

Patisserien! DANKE! 

Sehr herzlich 

Johanna Breede, PHOTOKUNST 

Ich bewundere Klaus Rabien für seine 

faszinierenden Tanzbilder und die ausgewogenen 

Kommentare im »brennpunkt« 

sowie in zahlreichen Diskussionen, 

bedanke mich als GfF-Landesvorsitzender 

und als Fotoklubleiter für seine 

vielfältige Unterstützung, und wünsche 

ihm zum 80. Geburtstag alles erdenklich 

Gute und noch viele Jahre Freude 

an und mit der Fotografie! 

Hans-Joachim Kühn, GfF- 

Landesvorsitzender Berlin 

Lieber Klaus, 

ich kenne Dich nun über zwanzig 

Jahre als Fotograf und »brennpunkt«- 

Autor. Es war eine sehr schöne Zeit mit 

Dir. Danke, dass ich daran teilhaben 

durfte. Ich wünsche Dir für die Zukunft 

weiterhin viel Esprit und Kraft. 

Herzlichst 

Michael Gebur, Fotograf 


63

Fotoszene 

© Klaus Rabien 


Ausstellungen 

Galerie 

WAGNER + PARTNER 


Natascha Stellmach 

»Solo Exhibition« 

Strausberger Platz 8 


Di–Sa 13–18 Uhr 

Helmut Newton 

Stiftung 

bis 13. Oktober 2013 

Helmut Newton: 

World without Men/ Archives de Nuit 

François-Marie Banier: 

Porträts 

Jebensstraße 2 


Di–So 10–18 Uhr 

Do 10–22 Uhr 

Bauhaus Archiv 


Gertrud Arndt 

»Eigentlich wollte ich ja Architektin 

werden« ... 

Weberin und Fotografin am Bauhaus 

1923-1931 

Museum für Gestaltung 

Klingelhöferstraße 14 


Mi–Mo 10–17 Uhr 

Freundeskreis 


Juni / Juli 2013 

World Press Photo 13 

Vernissage: 12. Juni 2013, 19.30 Uhr 





Galerie Hirschmann 


Werner Pawlok 

»Blumen« 

Pfalzburger Straße 80 


Di–Fr 13–18 Uhr 



Pepper 

»Snapshot Beauties« 



Mi–Fr 14–18 Uhr 

Sa + So 11–18 Uhr 


Alfred Ehrhardt 

Stiftung 


Frank Darius 

»DAS PARADIES IST HIER» 




Do 11–21 Uhr 

Johanna Breede 

PHOTOKUNST 


Marek Pozniak 

»Berlin-London-New York« 

Fasanenstraße 69 


Di–Fr 11–18 Uhr 

Sa 

11–16 Uhr 

BrotfabrikGalerie 


Nora Fuchs 

»Out of my mind« 

Caligariplatz 1 

13086 Berlin-Weissensee 


Museum für Fotografie 

3. Mai bis 25. August 2013 

Die nackte Wahrheit sieht anders aus 

»Aktfotografie um 1900« 

Jebensstraße 2 



Do 10–22 Uhr 

The Browse 

Fotofestival Berlin 2013 


Ausstellungen / Informationen 

im Festivalbüro 

The Browse Gallery 

Marheineke Markthalle 

Marheineke Platz 15 


Mo–Fr 8–20 Uhr 

Sa 

8–18 Uhr 



BASTIENNE SCHMIDT 

»AS I went walking« 



Mi–Sa 14–18 Uhr 


65

Ausstellungen 

Steve McCurry 

»Im Fluss der Zeit« 

Fotografien aus Asien 

1980 – 2011 

Erstmals in Deutschland präsentiert das 

Kunstmuseum Wolfsburg einen umfassenden 

Überblick über das farbgewaltige 

OEuvre des amerikanischen Fotografen 

Steve McCurry in einem musealen 

Rahmen. In der Reihe wegweisender 

Fotografen, in welcher bereits die 

Werke Man Rays (1994), Brassaïs (2004), 

Edward Steichens (2008) und Henri Cartier-Bressons 

(2011/12) gezeigt wurden, 

widmet das Kunstmuseums nun einem 

lebenden Fotografen eine Einzelausstellung. 

Weltweite Berühmtheit erlangte Steve 

McCurry, als er 1979 zur Zeit der sowjetischen 

Invasion die Grenze von Pakistan 

nach Afghanistan überwand. Die 

ersten Aufnahmen aus dieser Konfliktregion 

stammen von ihm, sie wurden 

in der New York Times, im Time Magazine 

und in Geo veröffentlicht. In einem 

afghanischen Flüchtlingscamp entstand 

die ikonisch gewordene Fotografie des 

afghanischen Mädchens Sharbat Gula, 

die 1985 auf dem Cover des National 

Geographic erschien. Seit 1986 ist 

McCurry Mitglied der berühmten Fotoagentur 

Magnum, die 1947 u.a. von 

Henri Cartier-Bresson und Robert Capa 

gegründet wurde. 

McCurrys Nähe zu Asien ist seit seinen 

ersten Reisen nach Indien und Afghanistan 

gegen Ende der 1970er-Jahre ungebrochen. 

Der grundlegende Gegensatz 

zur Kultur des Westens liegt für ihn 

dabei in der Öffentlichkeit des Lebens 

und in der Verschmelzung des profanen 

mit dem religiösen Leben. Die Ausstellung 

folgt diesem Fokus und zeigt seine 

weltberühmten Fotografien aus Ländern 

wie Afghanistan, Indien, Kaschmir, 

Burma, Tibet, Kambodscha, Kuwait, 

China, Bangladesh oder Nepal, die in 

den letzten dreißig Jahren entstanden 

sind. 

Wer kennt es nicht, dieses anmutige 

und gleichzeitig verstörte Gesicht eines 

afghanischen Mädchens, das 1985 um 

die ganze Welt ging. Die renommierte 

Afghanisches Mädchen. Peshawar, Pakistan, 1984 

© Steve McCurry / Magnum Photos, (Original in Farbe) 

Zeitschrift National Geographic hatte 

es auf ihr Cover gesetzt und mit einem 

Schlag dem ganzen Elend aber auch 

der Schönheit des kriegs- und terrorgeschüttelten 

Landes am Hindukusch ein 

Gesicht gegeben. 

Der wagemutige Fotograf, der diese Aufnahme 

in einem Schulzelt eines Flüchtlingslagers 

schoss, ist Steve McCurry, 

der inzwischen zu den gefragtesten 

Fotografen der Welt zählt. Das Mädchengesicht 

gehört zu der damals zwölfjährigen 

Sharbat Gula. Dieses Bild ist 

nun zusammen mit rund 115 anderen 

Werken des amerikanischen Fotografen 

im Kunstmuseum Wolfsburg zu sehen. 

Für Steve McCurry ist der Weg das 

Ziel. Sein Leben gleicht einer kontinuierlichen 

Reise, die seit mehr als dreißig 

Jahren andauert. McCurrys vielfach 

ausgezeichnete Fotografien sind jedoch 

mehr als eine Autobiografie in Bildern. 

Unverstellt dokumentieren sie das 

Weltgeschehen, Konflikte, Menschen, 


Ausstellungen 

Taj und Zug. Agra, Uttar Pradesh, Indien, 1983, 

© Steve McCurry / Magnum Photos, 


ihre Lebensräume sowie deren steten 

Wandel – insbesondere in Asien. Die 

Ausstellung folgt diesem Fokus und zeigt 

Fotografien aus Ländern wie Afghanistan, 

Indien, Kaschmir, Burma, Tibet, 

Kambodscha, Kuwait, China, Bangladesch 

oder Nepal. Erstmals in Deutschland 

präsentiert das Kunstmuseum 

Wolfsburg einen umfassenden Überblick 

über diese farbgewaltigen Aufnahmen 

des Amerikaners in einem musealen 

Rahmen. In der Reihe wegweisender 

Fotografen, in welcher bereits die 

Werke Man Rays (1994), Brassaïs (2004), 

Edward Steichens (2008) und Henri Cartier-Bressons 

(2011/12) gezeigt wurden, 

widmet das Kunstmuseums somit nun 

einem lebenden Fotografen eine Einzelausstellung. 

Steve McCurry wurde 1950 in Philadelphia, 

USA geboren. Er studierte Filmwissenschaften 

und Geschichte an der 

Pennsylvania State University, begann 

sich aber im Alter von neunzehn 

Jahren mit der Fotografie zu beschäftigen. 

Seine besondere Aufmerksamkeit 

fanden Bücher von Henri Cartier-Bresson, 

Dorothea Lange oder Walker Evans. 

Nach dem Studium entschied er sich 

endgültig gegen den Film und für die 

Fotografie. Ende der 1970-Jahre kündigte 

er seine Stelle bei einer lokalen 

Zeitschrift in Pennsylvania und machte 

sich als freier Fotograf auf den Weg nach 

Indien und Afghanistan. Als Mujaheddin- 

Kämpfer verkleidet, überwand er 

1979 zur Zeit der sowjetischen Invasion 

die Grenze von Pakistan nach Afghanistan, 

nähte seine Filmrollen nach einigen 

Wochen in seine Kleidung ein, schmuggelte 

sie so zurück und schickte sie an 

seine Schwester in die USA. Diese 

Fotografien waren weltweit die ersten 

aus dieser Konfliktregion und wurden 

1980 in der New York Times, dem Time 

Magazine und in Geo veröffentlicht. 

Ein Höhepunkt der Ausstellung ist das 

vorgenannte Porträt des afghanischen 

Flüchtlingsmädchens Sharbat Gula. 

Gemeinsam mit dem National Geographic 

hat McCurry 2002 die mittlerweile 

Ende zwanzigjährige junge Frau wieder 

ausfindig gemacht und sie zusammen 

mit dem alten Foto in der Hand aufgenommen: 

eine frühzeitig gealterte Frau, 

in deren Gesicht sich die Spuren des 

Schreckens und der Mühsal eingegraben 

haben. 

1986 wurde Steve McCurry die Ehre 

zuteil, Mitglied der berühmten Fotoagentur 

Magnum zu werden, die 1947 

von Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, 

George Rodger und David Seymour als 

Kooperative gegründet wurde. McCurry 

begab sich damit gezielt in ein Umfeld 

von Fotografen, welche die Welt so wiedergaben 

wie sie war und die beruflich 

sowie ethisch auf einem hohen Niveau 

arbeiteten. Er steht sowohl in der Tradition 

der Magnum-Fotografen, insbesondere 

Cartier-Bressons oder Capas, als 

auch von André Kertész, Walker Evans, 

Dorothea Lange: »Wenn man sie«, so 

McCurry, »als Dokumentarfotografen 

bezeichnen will, dann wäre ich stolz, 

ein Dokumentarfotograf genannt zu 

werden.« McCurrys besondere Nähe zu 

Asien ist seit Beginn seiner Reisen nach 

Indien und Afghanistan unvermindert. 

Es ist das kulturell Fremde – eine ungebrochene 

Kontinuität im Umgang mit 

Traditionen – das ihn bis heute immer 

wieder nach Asien führt. Der grundlegende 

Gegensatz zur Kultur des Westens 

liegt für ihn darin, dass sich in Asien 

das Leben vorwiegend auf der Straße 

abspielt und dass in diese Öffentlichkeit 

sakrale Räume integriert sind. Das Profane 

verschmilzt hier auf selbstverständliche 

Weise mit dem Religiösen. Nicht 

zuletzt faszinieren 

ihn die intensiven, vibrierenden Farben 

Asiens, die ihn – wie er sagt – gelehrt 

haben »in Licht zu sehen und zu schreiben«. 

In Farbe zu fotografieren bedeutete 

für McCurry nach den frühen Schwarz- 

Weiß-Fotografien, die er als »versöhnlicher« 

beschreibt, eine neue Herausforderung. 

Es sei eine andere Art, Geschichten zu 

erzählen. 

McCurry findet Bilder für die bereisten 

Regionen, die zeitlos den überdauernden 

Geist und die kontrastreiche Vielfalt 

des jeweiligen Landes erfassen. Seine 

Fotografien sind narrativ, erzählen auch 

von dem, was sie nicht zeigen. Mit 

einem feinen Gespür für den Menschen 

spricht er ihm stets die zentrale Rolle 

zu, nie erstarrt dieser zum bloßen Formelement. 

Denn McCurry geht es nicht 

allein um Struktur und Farbe, sondern 

um ein Zusammenfließen der Elemente 

im Bild. Im Sinne Cartier-Bressons wird 

das Warten auf den richtigen Augenblick 

zur Grundlage seiner Arbeit. 

Ebenfalls wie bei Cartier-Bresson wirken 

viele Bilder auf den ersten Blick arrangiert. 

Doch nichts ist arrangiert, der 

Fotograf greift nicht ein »in den Fluss 

der Zeit«. Er hält lediglich fest, was 

der Moment ihm bietet. Wie grausamschön 

die Inszenierungen der Realität 

sein können,die er vorfindet, wird vor 

allem in McCurrys Kriegsfotografien 

deutlich. 

Im Zeitalter der Globalisierung, der fortschreitenden 

Öffnung des süd- und südostasiatischenWirtschaftsraumes, 

hat er 

Traditionen sowie Szenerien dokumentiert 

und verewigt, die heutein dieser 

Form nicht mehr anzutreffen sind. Es 

sind vielmehr fotografische Zäsuren 

»im Fluss der Zeit«. In mehrfacher 

Hinsicht sind McCurrys Fotografien 

geschichtsträchtig. 

Rita Werneyer, M.A. 

Leitung Kommunikation & Visuelle 

Bildung, Kunstmuseum Wolfsburg 

bis 16. Juni 2013 

Kunstmuseum Wolfsburg 

Hollerplatz 1 

38440 Wolfsburg 

Mi – So 11 – 18 Uhr 

Di 

11 – 20 Uhr 

Montag geschlossen 


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Portfolio Ronny Behnert 

Ronny Behnert 

Geboren wurde Ronny Behnert in 

Luckenwalde, einer Kleinstadt, südlich 

von Berlin. Schnell zog es ihn in 

die Hauptstadt Deutschlands, in der er, 

mit mit einigen Unterbrechungen, seit 

1989 lebt und arbeitet. Nach seiner Ausbildung 

verschlug es ihn beruflich für 

eine begrenzte Zeit nach Frankfurt am 

Main und auf die Insel Sylt im Norden 

Deutschlands. 

Aktiv Fotografieren tut Ronny Behnert 

seit 2007. Während der Ausarbeitung 

seiner fotografischen Fähigkeiten und 

der Entwicklung einer eigenen Handschrift 

gründete er sein eigenes Projekt 

»Håggard Photography« im Jahr 2010 

und arbeitete seitdem für diverse Zeitungen, 

Zeitschriften und Magazine. Seine 

persönliche Kunst, die es ihm ermöglicht 

sich selbst zu finden, möchte der 

Fotograf auch in Zukunft ausarbeiten 

und weiter entwickeln und versucht so 

oft es geht die Welt zu erkunden. 

© Ronny Behnert, Sheikh Zayed Mosque - Study 2, Abu Dhabi 2011 

© Ronny Behnert, Reichstag, Berlin 2010 

Seine letzten Serien aus Island, den Vereinigten 

Arabischen Emiraten und Venedig 

wurden bereits in renommierten 

Fotomagazinen veröffentlicht. 

Erst vor Kurzem kam Ronny aus Frankreich 

und Kopenhagen zurück und arbeitet 

noch immer an den letzten Fotos 

dieser beiden Serien. Weitere Reisen 

nach Island im Winter und nach China 

sind bereits in Planung. 

© Ronny Behnert, One day we will meet again, 

Berlin 2012 

Ronny Behnert wurde Preisträger beim 

brennpunkt AWARD 2012, anlässlich 

des Browse Festivals in Berlin 

www.bewegungsunschaerfe.de 

© Ronny Behnert, The embittered call, 

Berlin 2010 



© Ronny Behnert, Sorrow is kissing me, Berlin 2010 


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© Ronny Behnert, Next Top Model, Sassnitz 2012 



© Ronny Behnert, Sheikh Zayed Mosque - Study 3, Abu Dhabi 2011 


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© Ronny Behnert, Government District - Study 6, Berlin 2012 



© Ronny Behnert, Into the arms of Winter - Part 2, Berlin 2012 


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© Ronny Behnert, Casa Battló, Barcelona 2011 



© Ronny Behnert, Russian Memorial, Berlin 2010 


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© Ronny Behnert, Government District - Study 3, Berlin 2010 



© Ronny Behnert, So stelle ich mir den Himmel vor, Beelitz 2008 


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Portfolio Jesús Pastor 

Jesús Pastor 

»AMADOR Rabal, 

Totengräber« 

Mich haben immer die Geschichten 

hinter der scheinbaren täglichen Normalität 

fasziniert. Inmitten eines Friedhofes 

wandert ein Mann unter Kreuzen 

und Gräbern , goldenen Lettern und 

Blumen. Ich beobachte ihn seit einiger 

Zeit, wie er in der Erde gräbt. 

Bisher habe ich nur Statuen von Engeln, 

Gräber, leere Nischen und die Architektur 

der Friedhöfe fotografiert 

Nach einem Gespräch mit einem älteren 

Herrn, hatte er das Bedürfnis, seine 

Lebensgeschichte zu erzählen. Seine 

Arbeit ist nicht alltäglich, aber er trägt 

es mit der Würde eines Alten, der Pflanzen 

mit Liebe und Hingabe pflegt und 

die Gräber mit großer Sorgfalt bewässert. 

Er ist jemand, der das Leben leichter 

nimmt und versucht, da er den Verstorbenen 

nicht helfen kann, den Schmerz 

der Hinterbliebenen zu lindern. Ich 

begleitete ihn nun fortan fotografisch 

bei seiner Arbeit. 

Sein Name ist Amador Rabal, von Beruf 

Totengräber. Jeden Tag bestattet er auf 

diesen Friedhof zwei bis drei Tote. Und 

wenn er eine Pause einlegt, raucht er 

eine Zigarette und fährt dann mit seiner 

Tätigkeit fort, die längst zur Routine 

geworden ist. Und er flüstert mir zu: 

»Man hat immer Angst vor dem, was 

unbekannt ist, wenn das Bewusstsein 

erwacht, verschwindet die Unwissenheit 

und die Angst vor dem Unbekannten«. 

© Jesús Pastor 



Mein Leben und das Fotografieren sind 

untrennbar verbunden. Weltanschauung 

und bildliche Idee werden als Mittel 

für einen freien Ausdruck von Ängsten 

und Problemen benutzt. Der Beginn 

jeder Arbeit ist für mich gleichbedeutend 

mit dem Eintauchen in ein Abenteuer 

in Richtung des Unbekannten; 

das Ursprüngliche ist der gestalterische 

Prozess selbst. Durchgehend in diesem 

Prozess erscheinen Erinnerungen, Ideen 

und Gefühle, die bestimmend für das 

Endergebnis sind. In meinem Leben gibt 

es eine anhaltende Besessenheit zu Tod, 

Mysterien und der Seele. Ein Foto, das 

voll von unerwarteten Wendungen ist. 

Die Bilder atmen, denken, glauben, handeln. 

Für mich ist fotografieren ein Weg 

näher an die Transzendenz zu gelangen. 

Ich habe hierbei eine Ausdrucksart, 

meine Selbstfindung gefunden. Der 

Schaffensprozess ist nichts anderes als 

der Lebensprozess; ein Foto ist ein Teil 

des Ganzen, eine kleine Zusammenfassung 

gelebten Erfahrungen. 

http://jesuspastor.de/ 

http://www.jesuspastor-photography. 

blogspot.de/ 





79







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© Jesus Pastior 






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87

Fotoszene 

Bildbetrachtung 

Bildbeurteilung 

Bildbewertung 

Bilder betrachten gehört sicher zu unseren 

aktivsten Sinneswahrnehmungen. In 

der Regel sehen wir Bilder als Informationsvermittler 

und nehmen im wesentlichen 

eher deren Inhalte als deren 

Gestaltung wahr. 

Die morgendliche Zeitung am Frühstückstisch, 

das Werbeplakat auf dem 

Weg zur Arbeit und letztlich die visuelle 

Information durch die Abendnachrichten 

im Fernsehen. Alles soll uns über 

neue Entwicklungen und spannende 

Geschehnisse in Kenntnis setzen. 

Sicher wird sich der eine oder andere 

mit dem Gesehenen auseinandersetzen 

und sich ein Urteil bilden. Ein Urteil - 

ja über den Inhalt, aber nicht über das 

Bild an sich! 

Gut, fairerweise sollte man auch schon 

unterscheiden zwischen absoluten fotografischen 

Laien und geschulten Fotografen. 

Erstere werden sicherlich nur 

die angebotene Information verarbeiten, 

aber auch der erfahrenste Artdirektor 

wird sich außerhalb seiner beruflichen 

Aufgabe der unendlichen Bilderflut 

geschlagen geben und auch nur die 

für ihn interessante Information rausfiltern. 

Was ich damit sagen will ist, dass wir 

alle pro Tag einer solchen Fülle von 

visuellen Informationsfeuern ausgesetzt 

sind, dass wir kaum in der Lage sind 

das einzelne Bild als solches wahrzunehmen, 

sondern nur einen inhaltlichen 

Extrakt verarbeiten. 

Salopp gesagt, was auf einem Bild 

»drauf« ist erkennen die meisten! 

Aber der geneigte Leser dieses geschätzten 

Magazins will ja nicht nur den vordergründigen 

Inhalt sehen, sondern hat 

auch ein Interesse an Gestaltung und 

versteckten Botschaften eines Bildes. 

Also wenden wir uns dem künstlerisch 

vorgebildeten und geübten Betrachter 

zu. 

Was unterscheidet ihn vom fotografischen 

Laien? 

Bezogen auf die unendliche tägliche 

Bilderflut fast gar nichts - aber eben 

nur fast... 

Er ist eben doch in der Lage - wenn es 

gefordert ist - sich in ein Bild, nicht nur 

einzusehen, sondern auch reinzudenken 

und vor allen Dingen einzufühlen. 

Ein kreativ vorbelasteter Betrachter 

eines Bildes kann gewissermaßen auf 

einer »tieferen Ebene« visuelle Reize 

wahrnehmen und interpretieren. 

Ein Kenner der Farbenlehre wird natürlich 

ein entsprechendes Bild anders 

sehen, als jemand der damit keine Erfahrung 

hat. 

Anhänger des britischen Malers William 

Turner werden natürlich Landschaftsphotographien 

anders beurteilen, als 

PopArt-Fans... 

Was ich Ihnen sagen will liebe Leser ist, 

dass jede Beurteilung eines Bildes ein 

hohes Maß an individueller Sichtweise 

und subjektiver Erfahrung enthält. 

Oh, ich sehe jetzt förmlich die Aufschreie 

- Kriegelstein räumt ein, dass 

Bildauswahlen höchst subjektiv sind. 

Nee, nee, ganz so ist es eben doch nicht 

- geht ja noch weiter... 

Jetzt stellen wir doch erst einmal die 

Frage, wozu brauchen wir denn eine 

Bildbeurteilung? 

Über die Antwort werden Sie sich nun 

sehr wundern - nur für uns selbst! 

Ich bilde mir ein ganz persönliches 

Urteil über ein Kunstwerk aus meiner 

ganz individuellen Sicht! Und dies nur, 

um die Entscheidung zu treffen, gefällt 

es mir oder gefällt es mir nicht. 

Mit einer Photo-Jury hat das überhaupt 

nichts zu tun, im Gegenteil! 

So, jetzt kommen wir zur Bildbewertung 

- die im Gegensatz zu den bisher erörterten 

Aspekten eine zusätzliche vergleichende 

Komponente beinhaltet und ein 

von außen vorgegebenes Ziel hat! 

Wenn wir etwas bewerten, müssen wir 

dem Gegenstand einen gewissen Wert 

zuweisen. Das bedeutet, wir müssen ihn 

nach gewissen Vorgaben prüfen. 

Den Wert einer Antiquität messe ich zum 

Beispiel an dem Zustand, der Epoche, 

der momentanen Marktlage, usw.. 

Bei einer Photojuryierung habe ich das 

Ziel aus einer Menge von Bildern eine 

bestimmte Anzahl der besten auszuwählen. 

Bei einem Biedermeierschrank komme 

ich wahrscheinlich mit Kriterien, die ich 

vor zwanzig Jahren gelernt habe auch 

heute noch zu einer einigermaßen adäquaten 

Einschätzung. Aber sicherlich 

nicht in der Photographie! 

Kaum ein Medium hat sich in den letzten 

Jahren so verändert wie die Photographie, 

nicht nur technisch, sondern 

auch kreativ. 

Hinzu kommt ein weiteres immenses 

Problem, Juroren laufen in Ihren Bewertungskriterien 

den Fotografen immer 

hinterher - sowohl kreativ, als auch 

intellektuell! 

Das ist ja auch einleuchtend, denn die 

Photographen haben ja die neuen Ideen 

und Techniken - nicht die Juroren. 

Nun liebe Leser, jetzt wird sicher einer 

von ihnen den verblüffenden Gedanken 

haben, dass man ja nur die kreativen 

Köpfe der photographischen Wettbewerbszene 

in eine Jury berufen müsste 

- und schon hätte man es... 

Leider, leider, so einfach ist es nicht. 

Sicher, solche »jurorenmässigen Laienspielgruppen« 

wie sie manche fotografische 

Restgesellschaft einsetzt, könnte 

man dadurch sicher vermeiden, aber es 

wäre nicht die absolut beste Lösung. 

Was wir brauchen, ist eine »Intellektualisierung« 

der Bildbewertung. 

Das heißt, weg von den ewigen Reproduktionen 

hin zu neuen Sichtweisen - 

aber natürlich nicht auf Kosten der Qualität. 

Kreativität und Perfektion! 

Einige Photographen können es schon - 

nur bei den entsprechenden Juroren ist 

die Personaldecke noch sehr dünn. 

Wir brauchen Experten, die in der Lage 

sind ihre subjektiven Beurteilungskriterien 

zurück zu stellen und dennoch die 

Fähigkeit haben, sich in die Bildsprache 

der Autoren einzufühlen. Juroren, die 

über eine breitgefächerte Kenntnis photographischer 

Techniken verfügen und 

die letztlich eine Übersicht über den 

»Bildermarkt« haben, um neue Werke 

richtig einschätzen zu können. 



Buchbesprechung 

Von erfolgreichen Fotografen 

lernen: 

Porträtfotografie 

Michaela Hanke, Christian Kasper, 

Andreas Puhl, Danielea Reske, Nadine 

Schönfeld 

Verlag: Galileo Design 

ISBN: 978-3-8362-1935-8 

319 S. Komplett in Farbe 

39,90 Euro 

Sind fünf Autoren ein Garant dafür 

besser zu sein, als ein Autor? 

In diesem Fall eindeutig ja! Es geht nämlich 

in diesem Buch nicht vordergründig 

um Vermittlung von Fototechnik, 

sondern darum verschiedene kreative 

Konzepte zur Portraitfotografie aufzuzeigen. 

Es ist schon höchst interessant wie 

unterschiedlich die Fotografen an 

das Thema rangehen. Als Leser dieses 

Werkes bekommen Sie die Möglichkeit, 

einmal hinter die Kulissen der Profis zu 

schauen und zu erkennen, was letztlich 

entscheidend für die jeweilige individuelle 

Handschrift ist. Wie immer in der 

Fotografie - ohne Konzept geht nichts! 

Wer sich mit Porträtfotografie beschäftigt, 

wird in diesem Buch ganz entscheidende 

Anregungen und Tipps finden. 

Wie in der modernen Fotografie nicht 

anders zu erwarten, wird in dieser 

Veröffentlichung der kreativen digitalen 

Nachbearbeitung eintsprechender 

Raum eingeräumt! 

Wer sich für dieses Thema interessiert, 

ist gut beraten für dieses Buch 2,5 cm 

Regalplatz zu reservieren... 


LUMIX GH3 

System Fotoschule 

Frank Späth 

Verlag: Point Of Sale Verlag 

ISBN: 978-3-941761-33-9 

34,00 Euro 

Schon wieder! 

Das meine lieben Leser, werden Sie jetzt 

vielleicht denken - nee, immer noch, 

würde ich Ihnen entgegnen! 

So gesehen ist Frank Späth eine ambitionierte 

Kontinuität in Sachen Lumix- 

Büchern nicht abzusprechen. Er ist in 

gewisser Weise auch ein Getriebener, 

denn man würde sich schon sehr wundern 

wenn auf eine neue Lumix-G nicht 

unmittelbar ein entsprechendes Werk 

von ihm folgen würde. 

Aber jetzt zu den Superlativen: Das Buch 

steht in Sachen Qualität und Niveau der 

Kamera in nichts nach! 

Sehr übersichtlich und didaktisch hervorragend, 

vermittelt Späth sämtliche 

Kamerafunktionen und wagt bei der 

Objektivbesprechung auch einen Blick 

über den Tellerrand. Es fehlt auch nicht 

der obligatorische Gestaltungsteil für 

Anfänger, daher auch die Bezeichnung 

»Sytemfotoschule« ... 

Die Welle der Systemkameras rollt an 

und Frank Späth surft ganz vorne auf 

dem obersten Wellenkamm - gut so! 

Alle Lumix-Fotografen, vor allem die 

wachsende Zahl der Umsteiger, können 

ihm dafür sehr dankbar sein. 


Die wilde Seite der Fotografie 

Neue Wege aus dem fotografischen 

Alltagstrott 

Cyrill Harnischmacher (HRSG.) 

Verlag: dpunkt.verlag 

ISBN: 978-3-89864-777-9 

220 Seiten, komplett in Farbe, 

Festeinband 

29,90 Euro 

Der Wunsch der meisten künstlerisch 

tätigen Menschen ist es gelegentlich 

auch mal kreatives Neuland zu betreten. 

Da sind Fotografen auch nicht anders. 

Das Buch der Herausgebers Cyrill Harnischmacher 

zeigt in 20 Workshops die 

Arbeit verschiedener Fotografen. 

Die Beispiele reichen teilweise von 

Kuriositäten (Diaduplikator aus der 

Chip-Dose) bis hin zu aufwendigen 

sehr detailliert beschriebenen Composings 

(faszinierende Figuren aus Dingen 

des Alltags). 

Interessant ist zweifellos die Zusammenstellung 

der Autoren - keine Vorgehensweise 

gleicht der anderen. 

Wenn auch bestimmte Techniken sehr 

alt sind (Lichtmalerei), jeder wird irgendetwas 

entdecken was ihn inspiriert 

neue Wege zu gehen. 

Insgesamt ein empfehlenswertes grundsolides 

Werk - wenn auch der Titel »wilde 

Seite« etwas übertrieben erscheint... 



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Vorschau 3/2013 

brennpunkt 3-2013 

erscheint am 

4. Juli 2013 

The Browse 

Fotofestival Berlin 

2013 

© Astrid Mattwei, (O.i.F.) © Brigitte Salzmann, (O.i.F.) 

C/O Berlin 

Umzug ins 

Amerika-Haus 

Fotoszene Berlin 

© Ingelore Willing 

Leserfotos 

© Sandra Goldbach, (O.i.F.) 

Portfolio 

Nadine Dinter 

Die in Berlin lebende Freelance 

Fotografin Nadine Dinter hat sich auf 

Kunst- , Städte - und Porträtfotografie 

spezialisiert. 

Die Autodidaktin begann mit einer analogen 

Pentax Kamera ihres Großvater 

Skulpturen in ihrer Heimatstadt Berlin 

aufzunehmen. Sukzessive kamen weitere 

Sujets hinzu. 

Dabei gelingt es Nadine Dinter, den 

Bogen von der klassischen Skulpturfotografie 

bis hin zur Auftragsfotografie 

von Künstlern (z.B. Douglas Gordon) 

und internationalen Kunst-Events (wie 

z.B. der documenta und der Biennale 

in Venedig) zu spannen. 

www.nadine-dinter.de 

© Nadine Dinter, Tribute to Warhol – 

torso series reloaded, 

Benjamin Godfre, Berlin, 2012 

© Nadine Dinter, »Marco Nizzoli – 

italienischer Illustrator«, Berlin 2012 


ennpunkt 2/2013 

91

Galerien

brennpunkt 2-2013 .indd

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