Ab 16. Oktober 2013, mittwochs im SWR ... - Südwestrundfunk
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Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Am besten Südwesten<br />
ab <strong>16.</strong> <strong>Oktober</strong> <strong>2013</strong> <strong>mittwochs</strong><br />
<strong>im</strong> <strong>SWR</strong> Fernsehen<br />
<strong>SWR</strong>-Fernsehen.de/debuet
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
2
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Inhalt<br />
Vorwort Martina Zöllner 5<br />
Einführung : »Unterwegs« 6<br />
Der Fluss war einst ein Mensch 10<br />
Fliegende Fische müssen ins Meer 16<br />
Schuld sind <strong>im</strong>mer die anderen 22<br />
Bastard 28<br />
Der Preis 34<br />
Kurzfilme 40<br />
Übersicht Sendetermine 44<br />
3
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
4
vorwort<br />
Vorwort<br />
Auch wenn das »Debüt <strong>im</strong> Dritten« mittlerweile schon älter<br />
sein mag als so mancher Debütant, so hat es dennoch<br />
nichts von seinem besonderen Charme und seiner jugendlichen<br />
Frische eingebüßt. Dies liegt zum einen sicherlich<br />
an der kontinuierlichen Pflege und Weiterentwicklung des<br />
Konzeptes, zum anderen in der Natur der Sache. Aus der<br />
lebendigen Zusammenarbeit mit jungen Regisseuren und<br />
Autoren entstehen <strong>im</strong>mer wieder Filme, die überraschen<br />
und begeistern.<br />
Mit dem »Debüt <strong>im</strong> Dritten« macht sich der <strong>SWR</strong> seit nunmehr<br />
28 Jahren stark für die Nachwuchsförderung. Er gibt<br />
<strong>Ab</strong>solventen der Filmhochschulen wie Quereinsteigern<br />
die Gelegenheit, ihren ersten großen Fernsehspielfilm<br />
oder Kinofilm zu realisieren und dabei ihre eigene Handschrift<br />
zu entwickeln. Für den <strong>SWR</strong> handelt es sich bei diesem<br />
Engagement um eine unverzichtbare Investition in<br />
die Zukunft, von der nicht nur der <strong>SWR</strong> und die Debütanten<br />
profitieren, sondern vor allem das Publikum.<br />
Mit unverstelltem Blick, oft erstaunlich unbeeindruckt von<br />
Mainstream-Dramaturgien gängiger Fernseh- oder Kinoware<br />
finden die jungen Macher für den Stoff, der ihnen<br />
Anliegen ist, eine ganz eigene Form.<br />
Und wenn all diesen so beglückend unterschiedlichen<br />
Stilen und Erzählweisen der »Debüts« eines gemeinsam<br />
ist, dann vielleicht dieses: Sie begnügen sich nicht damit<br />
zu erzählen, was ist, sondern leuchten aus, warum es so<br />
ist. Sie zeigen menschliches Handeln in seinen Bedingtheiten,<br />
differenziert, leise, mit wachem Blick. Und das ist<br />
auch eine besondere Qualität der Filme. Sie laden das<br />
Fernsehpublikum in diesem Sinne ein, differenzierter, genauer<br />
hinzuschauen.<br />
Großer Verdienst kommt der betreuenden Redaktion zu:<br />
Mit viel Leidenschaft und Eifer ermöglicht sie Freiräume<br />
zum Exper<strong>im</strong>entieren, steht beratend zur Seite und zeigt<br />
sich manchmal auch streng, wenn auf formale Anforderungen<br />
an Dramaturgie, Produktionstechnik und Budget<br />
geachtet werden muss.<br />
Aus der intensiven Zusammenarbeit zwischen Debütanten<br />
und Sender ergeben sich nicht selten langjährige Kontakte<br />
– und weitere gemeinsame Projekte. Einige der heute<br />
renommiertesten deutschen Filmemacher sind aus der<br />
»Talentschmiede« des <strong>SWR</strong> hervorgegangen. Das macht<br />
mich sehr stolz. Das Debüt – eine Tradition, an der wir auch<br />
zukünftig festhalten werden. Preise und Auszeichnungen<br />
auf den Festivals, Sendeplätze <strong>im</strong> Ersten, in anderen Dritten<br />
und be<strong>im</strong> jungen Sender EinsPlus sind eine schöne Bestätigung,<br />
vor allem aber die Resonanz des Publikums.<br />
Ich wünsche Ihnen viel Vergnügen be<strong>im</strong> aktiven Schauen<br />
neuer, bewegender Geschichten von Filmemachern, von<br />
denen wir in Zukunft hoffentlich noch viel hören werden.<br />
Martina Zöllner,<br />
Leiterin Hauptabteilung Film und Kultur <strong>SWR</strong><br />
5
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Unterwegs<br />
Der erste Film. Ein Projekt, dem junge Autoren und Regisseure<br />
so viele Gedanken, Energie, Zeit widmen werden.<br />
Mit einem Thema, bei dem sie über Jahre viele eigene Erfahrungen<br />
gesammelt haben. In einem Genre, in dem sie<br />
sich ausprobieren wollen. Oder in einem Stil, der zeigt: da<br />
soll’s langgehen für mich. In jedem Fall: ein Projekt, das all<br />
die Gedanken, Energie und Zeit wert ist, die ein erster oder<br />
zweiter Film aufsaugt.<br />
Fünf dieser Filme präsentiert die Staffel <strong>2013</strong> von Debüt<br />
<strong>im</strong> Dritten, flankiert von einem Kurzfilmprogramm. Angesichts<br />
der Devise von Debüt <strong>im</strong> Dritten, die Filmemacher<br />
ihre Handschrift entwickeln zu lassen, ist Unterschiedlichkeit<br />
Programm. Das zeigt sich auch in der diesjährigen<br />
Staffel. Die Vielfalt der Ansätze lässt sich diesmal schon an<br />
den Filmtiteln ablesen: »Der Fluss war einst ein Mensch«<br />
(Jan Zabeil) dreht sich um die Erfahrung grundsätzlicher<br />
Fremdheit und führt in die übermächtige Natur und die<br />
magische Denkweise Schwarzafrikas, die Komödie »Fliegende<br />
Fische müssen ins Meer« (Güzin Kar) erzählt von<br />
Sehnsucht und der Anerkennung von Unterschieden,<br />
»Schuld sind <strong>im</strong>mer die anderen« (Lars-Gunnar Lotz und<br />
Anna Maria Praßler) dagegen lässt sich in einer konzentrierten<br />
Konstellation auf das Thema Schuld und Vergebung<br />
ein. Der Titel »Der Preis« (Elke Hauck und Peggy Lehmann)<br />
bleibt auf den ersten Blick betont nüchtern be<strong>im</strong><br />
Ausgangspunkt der Handlung und lässt seine Metaphorik<br />
erst später erkennen, während »Bastard« (Carsten Unger)<br />
direkt auf den hochemotionalen Kern dieses Thrillerdramas<br />
zielt.<br />
6
einführung<br />
Dass sowohl ein Film als auch der Prozess seiner Entstehung<br />
mit einer Reise zu vergleichen ist, hat Jan Zabeil bei<br />
seinem Erstlingsfilm »Der Fluss war einst ein Mensch« sozusagen<br />
wörtlich genommen. Das gilt für seinen namenlosen<br />
Helden, der auf der Fahrt durch ein schwarzafrikanisches<br />
Flussdelta existentiell herausgefordert wird. Fremdheit,<br />
Verstörung, kulturelles Unverständnis sind darin<br />
genauso Ereignis wie Schönheit und Macht der Natur. Für<br />
die Dreharbeiten reiste Jan Zabeil mit Hauptdarsteller, Kamera-<br />
und Tonmann in ein Flussdelta Botswanas. Er verzichtete<br />
dabei nicht nur auf ein großes Team, sondern<br />
auch auf die Festlegung durch ein ausgearbeitetes Drehbuch.<br />
Die Kamera schaut zu, der Ton hört genau hin und<br />
der Darsteller Alexander Fehling lässt die Verunsicherung<br />
der Figur spürbar werden, die sich, ohne es zu wissen,<br />
durch den Umgang mit einer Leiche an den Einhe<strong>im</strong>ischen<br />
schuldig macht. »Der Fluss war einst ein Mensch« fordert<br />
die Zuschauer auf, sich auf diese fremde Welt einzulassen,<br />
ganz den Bildern und den Geräuschen des Flussdeltas hingegeben.<br />
(<strong>16.</strong>10.<strong>2013</strong>)<br />
»Der Preis« von Elke Hauck und Peggy Lehmann handelt<br />
ebenfalls von einer Reise, einer äußeren und einer inneren.<br />
Äußerlich reist der Architekt Alexander nach vielen<br />
Jahren zum ersten Mal in sein He<strong>im</strong>atdort in Thüringen,<br />
um sich um die Räumung und Sanierung eines DDR-<br />
Wohnblocks zu kümmern. Innerlich geht es jedoch um<br />
den traumatischen Vorfall, als sein bester Freund, der rebellische<br />
Micha, mit 17 Jahren durch einen Unfall ums Leben<br />
kam. Auf einer tieferen Ebene reist der Held zu seiner<br />
eigenen Schuldfrage, er muss sich seiner Verantwortung<br />
stellen, einen Entwicklungsprozess durchmachen. Somit<br />
kreist die Geschichte von Anfang an <strong>im</strong>plizit auch um die<br />
Themen Feigheit, Anpassung und Korrumpierbarkeit von<br />
Menschen, die lieber den Weg des geringsten Widerstands<br />
gehen als sich offen aufzulehnen. Durch die Rückblenden<br />
erfahren wir, dass auch Alexander als Jugendlicher zu dem<br />
Typ Mensch gehörte, der durch seine mangelnde Zivilcourage<br />
das Unterdrückungssystem der DDR mitgetragen.<br />
Durch die Konfrontation mit seinem eigenen Anteil an<br />
Michas Tod erkennt er, dass er für sein Leben selbst verantwortlich<br />
ist und so reist er am Ende gewandelt aus Thüringen<br />
ab. (18.12.<strong>2013</strong>)<br />
In »Fliegende Fische müssen ins Meer« von Güzin Kar hat<br />
die 16-jährige Nana eine Reise als Ziel: Sie möchte Kapitänin<br />
werden. Dieses Ziel kann sie aber nur verwirklichen,<br />
wenn ihre Mutter Roberta lernt, ihr Leben allein auf die<br />
7
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Reihe zu kriegen. Das bedeutet in Nanas Augen, dass sie<br />
einen soliden Mann für ihre Mutter finden muss. Im Laufe<br />
der Geschichte merken wir, dass es nicht wirklich um den<br />
neuen Mann für Roberta geht, sondern um Nanas innere<br />
Befreiung. Auch in diesem Film ist das Streben nach einem<br />
äußeren Ziel Ausdruck der inneren Sehnsucht. Als einziger<br />
Film in der diesjährigen Staffel spielt »Fliegende Fische<br />
müssen ins Meer« auch humorvoll mit seinem dramatischen<br />
Konflikt. Mit großem Einfallsreichtum mischt die<br />
Regisseurin fantastische und märchenhafte Elemente, die<br />
sie ästhetisch umsetzt. (23.10.<strong>2013</strong>)<br />
Offene und verborgene Schuld spielt in fast allen Filmen<br />
der diesjährigen Staffel eine Rolle, vor allem natürlich <strong>im</strong><br />
Drama »Schuld sind <strong>im</strong>mer die anderen« von Regisseur<br />
Lars-Gunnar Lotz und Autorin Anna Maria Praßler. Hier<br />
führt die Reise in ein Projekt des offenen Strafvollzugs auf<br />
der schwäbischen Alb, wo jugendliche Straftäter lernen<br />
sollen, ihre Schuld anzuerkennen und sich auf ein gemeinschaftliches<br />
Leben einzustellen. Dort treffen einer<br />
dieser Täter und sein Opfer aufeinander. Der Film konzentriert<br />
sich auf das Leben <strong>im</strong> Camp und auf dieses Zusammentreffen.<br />
Dabei behält er mit großer Intensität beide<br />
Perspektiven <strong>im</strong> Blick: die des jugendlichen Täters, der erst<br />
in der direkten Begegnung mit dem Opfer seiner Tat zu so<br />
etwas wie Schuldbewusstsein findet. Und die auf die junge<br />
Frau, die in der Auseinandersetzung mit ihrem ehemaligen<br />
Peiniger erkennt, dass sie ihrem eigenen Ideal der<br />
Vergebung noch nicht gewachsen ist. (30.10.<strong>2013</strong>)<br />
Was »Schuld sind <strong>im</strong>mer die anderen« fast völlig ausspart<br />
– Herkunft und Entwicklungsgeschichte von Täter und Opfer<br />
– ist in »Bastard« von Carsten Unger <strong>im</strong> Fokus des Geschehens<br />
um zwei jugendliche Erpresser. In der Erfahrung<br />
der Teenager Leon und Mathilda machen die Erwachsenen<br />
sich an ihnen durch Vernachlässigung und Lieblosigkeit<br />
schuldig. Kalt und verletzlich zugleich reagieren beide mit<br />
grausamer Provokation, um von der Elterngeneration Liebe<br />
und Zuwendung zu erpressen. Eine Provokation, die<br />
aus Verzweiflung entsteht und tief erschreckend ist. Visuelle<br />
Wucht und druckvoller Sound ziehen hinein in den<br />
vielleicht verstörendsten Film der diesjährigen Staffel, der<br />
Psychothriller und Familiendrama gleichzeitig ist.<br />
(11.12.<strong>2013</strong>)<br />
8
einführung<br />
Sie sind in Bewegung, die jungen Filmemacher und ihre<br />
Figuren. Die Reisen, auf die sie uns mitnehmen, führen nie<br />
ins Ungefähre und oft dorthin, wo es wehtut. Das gilt<br />
auch für die vier Kurzfilme »Der Diener«, »Die Geister, die<br />
ich rief«, »Der Passagier« und »Die Welt danach«. (4.12.<strong>2013</strong>)<br />
Alle vier Filme zeigen Figuren in einem existentiellen Dilemma.<br />
Und <strong>im</strong>mer steht das eigene Wohl <strong>im</strong> Widerspruch<br />
zur Verantwortung für andere. In der Kürze der Zeit so intensiv<br />
in die Tiefe des menschlichen Wesens einzutauchen,<br />
ist die Qualität, die diese vier Filme auszeichnet. Das<br />
erlaubt Rückschlüsse auf das Talent ihrer jungen Autoren<br />
und Regisseure. Ein erster Film, der Ausdruck des Muts<br />
und der Neugierde einer jungen Generation von Filmemachern<br />
ist, die sich auf die Reise machen, unterwegs sind,<br />
und davon erzählen wollen.<br />
Stefanie Groß<br />
Redaktion Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
9
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Der Fluss war einst ein Mensch<br />
10<br />
Buch und Regie: Jan Zabeil<br />
Mittwoch, <strong>16.</strong>10.<strong>2013</strong>, 22.00 Uhr<br />
10
Der Fluss war einst ein Mensch<br />
Ein junger Deutscher reist in einem afrikanischen Land. Am<br />
Ufer eines Flusses begegnet er einem alten Fischer, der ihn in<br />
seinem Holzboot tief in die Wildnis mitn<strong>im</strong>mt. Am nächsten<br />
Morgen ist der Fischer gestorben und der junge Mann findet<br />
sich allein in einem schier endlosen Flussdelta. Die Leiche<br />
versenkt er <strong>im</strong> Fluss und versucht seinen Weg zu finden. Es<br />
beginnt ein int<strong>im</strong>er Kampf mit dem Tod, mit seinen Ängsten<br />
und der eigenen Wahrnehmung. Nach tagelangem Umherirren<br />
gelangt er in ein Dorf fern der Zivilisation, doch seine<br />
Odyssee n<strong>im</strong>mt kein Ende. Da er der Familie des Fischers die<br />
Leiche nicht bringen kann, können die Todesriten nicht vollzogen<br />
werden. Der junge Mann verliert <strong>im</strong>mer mehr die Kontrolle<br />
in den Unwägbarkeiten einer fremden Kultur.<br />
Mit dem Film »Der Fluss war einst ein Mensch« lässt Debütregisseur<br />
Jan Zabeil seinen namenlosen Protagonisten (eindrucksvoll<br />
gespielt von Alexander Fehling) unvorbereitet in die<br />
Wildnis Afrikas, aber auch durch die Hölle seiner eigenen<br />
Angstfantasien und -projektionen reisen. Durch das Erleben<br />
einander eigentlich ausschließender Realitäten muss er sich<br />
seinen Ängsten stellen und lernt, sie in ein neues Verhältnis zu<br />
setzen – und findet dadurch zu sich selbst. In der filmischen<br />
Umsetzung wandelt Zabeil auf einem spannenden Grat zwischen<br />
Dokumentarischem und Fiktion, zwischen Mystik und<br />
Realismus. Das Ergebnis ist eine extreme, künstlerische Filmerfahrung,<br />
erzeugt mit min<strong>im</strong>alistischen Mitteln. (S.G.)<br />
11
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Besetzung<br />
Alexander Fehling<br />
Sariqo Sakega<br />
Obusentswe Dreamar Many<strong>im</strong>a<br />
Babotsa Saxtwee<br />
Nx’apa Motswai<br />
Stab<br />
Regie: Jan Zabeil<br />
Idee: Jan Zabeil, Alexander Fehling<br />
Kamera: Jakub Bejnarowicz<br />
Schnitt: Florian Miosge<br />
Ton: Anton Feist, Magnus Pflüger<br />
Tongestaltung: Uwe Bossenz<br />
Tonmischung: Lars Ginzel<br />
Produzenten: Benny Drechsel, Karsten Stöter, Jan Zabeil<br />
Redaktion: Stefanie Groß<br />
Produktion<br />
Eine Rohfilm Produktion in Zusammenarbeit mit dem <strong>SWR</strong><br />
Gefördert durch die FFA<br />
Deutschland 2011<br />
Länge 78 Minuten<br />
Auszeichnungen: U. a. Best New Director Award be<strong>im</strong> Filmfestival<br />
in San Sebastian 2011, Produzentenpreis be<strong>im</strong> Förderpreis<br />
Deutscher Film 2011, Preis für die beste Tongestaltung<br />
be<strong>im</strong> Moskauer Filmfest 2011 und dem Festival des deutschen<br />
Films 2012.<br />
12
Der Fluss war einst ein Mensch<br />
Jan Zabeil über seinen Film<br />
Am Anfang stand die Faszination, eigene Grundvorstellungen<br />
von »richtig« und »falsch« und Leben und Tod über<br />
den Aufenthalt in der Fremde relativieren zu können. Mein<br />
Onkel lebte über 20 Jahre am Rande des Okavango-Deltas<br />
und so kam es, dass ich schon als Kind, aber auch später <strong>im</strong>mer<br />
wieder in Botswana und in anderen Ländern des südlichen<br />
Afrikas war. Ich spürte dort ein Verlangen danach,<br />
mich Natur und Einsamkeit auszusetzen und mich dadurch<br />
meinen Fähigkeiten und Ängsten zu stellen.<br />
In der Begegnung mit Natur und Mensch hatte ich das Gefühl,<br />
an die Grenzen meines Denkens und meiner Wahrnehmung<br />
zu gelangen. Diese Grenzerfahrung wollte ich aufspüren,<br />
in einem Film aufzeigen und in einer fiktionalen Handlung<br />
für andere erlebbar machen, ohne während der<br />
Realisation auf das zu verzichten, was diese Grenzerfahrung<br />
meiner Meinung nach ausmacht: Freiheit und Flexibilität<br />
durch den Verlust von Sicherheiten, das Einlassen auf die<br />
Kräfte von Zufall und Natur und das Durchleben von<br />
Fremdrealitäten, die mit der eigenen nur schwer in Einklang<br />
zu bringen sind.<br />
Als ich Alexander Fehling erstmals davon erzählte, dass ich<br />
inmitten des größten Inlanddeltas der Erde einen Film ohne<br />
Drehbuch machen wollte und was mich dazu veranlasste,<br />
sagte er: »Ich weiß zwar nicht, was du genau vorhast, aber<br />
ich bin auf jeden Fall dabei.« Und so blieb es. Bis zum fertigen<br />
Film sollten wir einen weiten, gemeinsamen Weg gehen und<br />
es dauerte lange, bis wir formulieren konnten, was wir<br />
wollten und was es brauchte, damit es andere nachvollziehen<br />
konnten. Sein großes Vertrauen, seine Spontaneität, seine<br />
Euphorie und seine inhaltliche Auseinandersetzung bilden<br />
ein wichtiges Fundament für diesen Film. Wir fanden ein<br />
Team von Mitstreitern, die für eine solche Unternehmung<br />
bereit waren, aber auch für eine Arbeitsweise, bei der nicht<br />
<strong>im</strong>mer klar war, was passieren würde. Und genau deshalb<br />
sind wir lediglich zu viert auf die Reise gegangen: Alexander<br />
Fehling (Schauspiel), Jakub Bejnarowicz (Kamera), Anton<br />
Feist beziehungsweise Magnus Pflüger (Ton) und ich. Ohne<br />
das Vertrauen, die Mitgestaltung und die Euphorie von Benny<br />
Drechsel (Produktion), Stefanie Groß (<strong>SWR</strong> – Debüt <strong>im</strong><br />
Dritten) und Florian Miosge (Montage) wäre es nicht möglich<br />
gewesen, den Film in dieser Weise zu machen, denn sie<br />
ließen sich auf ein <strong>Ab</strong>enteuer ohne branchenübliche Finanzierung<br />
und ohne Sicherheiten, aber dafür mit umso mehr<br />
Risiko ein.<br />
Im Vorfeld hatten Alexander und ich uns für eine Figur entschieden,<br />
deren wichtigste Aufgabe es ist, als Projektionsfläche<br />
für einen weißen Mann in der »Wildnis« zu dienen. Es<br />
war eine große Herausforderung, die Figur praktisch in jedem<br />
Bild zu zeigen, ohne ihren Charakter und ihre Motive<br />
zum wesentlichen Thema des Films zu machen. Vielmehr<br />
sollte sie Freiräume schaffen für die eigenen Gedanken, Nöte<br />
und Ängste des Zuschauers. Uns war auch bewusst, dass wir<br />
in einem solchen Kontext nicht frei sind von postkolonialen<br />
Vorurteilen und Erwartungen politischer Korrektheit. Um<br />
dennoch unsere Geschichte erzählen zu können, entschieden<br />
wir uns, den Film eindeutig aus der Wahrnehmung des<br />
Weißen, insbesondere über seine Angstzustände und tiefe<br />
Verunsicherung zu erzählen – denn dadurch wird sie zu einer<br />
zutiefst subjektiven Perspektive.<br />
Früh wusste ich, dass ich ohne Drehbuch nach Afrika reisen<br />
wollte, weil ich das Gefühl hatte, das, was ich eigentlich<br />
suchte, nicht aufschreiben zu können, obwohl ich monatelang<br />
an verschiedenen Exposé- und Konzeptfassungen gearbeitet<br />
hatte. Ich wusste, dass wir chronologisch drehen<br />
müssten, auch, dass der fortwährende körperliche Verfall<br />
unserer Hauptfigur in der Geschichte, seine Veränderung<br />
durch Natur und Sonne nicht künstlich durch eine Maske<br />
hinzugefügt werden durfte, sondern eben genau seinen natürlichen<br />
körperlichen Prozess darstellen musste. Es wurde<br />
Teil des Konzeptes verloren zu gehen, während wir die Geschichte<br />
von einem erzählen, der verlorengeht. Und wir<br />
wollten den lokalen Umgang der Menschen mit dem Tod auf<br />
dokumentarische Art erleben und <strong>im</strong> Film thematisieren.<br />
Dabei ging uns nicht darum, Besonderheiten eines fremden<br />
13
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Glaubens herauszustellen oder zu portraitieren. Es ist der<br />
Versuch, eine Andersartigkeit <strong>im</strong> Denken der Menschen über<br />
die Hauptfigur filmisch erlebbar zu machen. Der Film und<br />
der Prozess seiner Entstehung leben vom Aufeinandertreffen<br />
mit dieser Andersartigkeit.<br />
Für manch einen mag es in der Theorie keine Neuigkeit sein,<br />
für mich war es und bleibt es in der praktischen Erfahrung<br />
überwältigend: das, was man erlebt, existiert – auch wenn es<br />
der eigenen Überzeugung widerspricht. Scheinbar gibt es in<br />
der Wahrnehmung der Welt verschiedene Realitäten, die<br />
miteinander nicht in Einklang zu bringen sind. Es fordert<br />
eine unhe<strong>im</strong>liche Flexibilität des Geistes, diesen Umstand in<br />
vollem Umfang zu akzeptieren. Wir hatten die seltene Gelegenheit<br />
unser Denken und unser Selbstverständnis zu relativieren,<br />
zu hinterfragen und aus einer gewissen Entfernung<br />
neu zu betrachten. Das ist eine Erfahrung,<br />
die ich auch anderen zugänglich machen möchte –<br />
sich mit dem Held in einem sinnlichen Erlebnis zu<br />
verlieren, in dem die Grenzen zwischen Fiktion und<br />
Dokumentarfilm, beziehungsweise zwischen Realität<br />
und Phantasie verschw<strong>im</strong>men.<br />
Jan Zabeil<br />
Jan Zabeil wurde 1981 in Berlin geboren. Er studierte von 2003 bis 2009 Kamera an der<br />
HFF »Konrad Wolf« und war u. a. bei den Filmen »Es gibt noch Berge draußen«, »Elf<br />
Onkel« oder »Magda« als Kameramann <strong>im</strong> Einsatz. Darüber hinaus begann er zu inszenieren,<br />
es entstanden die Kurzfilme »L.H.O.« (2009) und »Was weiß der Tropfen davon«<br />
(2007) sowie der Dokumentarfilm »Hör ich auf getreu zu sein« (2010). »Der Fluss war<br />
einst ein Mensch« ist sein erster abendfüllender Spielfilm.<br />
14
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
15
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Fliegende Fische müssen ins Meer<br />
16<br />
Buch und Regie: Güzin Kar<br />
Mittwoch, 23.10.<strong>2013</strong>, 22.00 Uhr<br />
16
fliegende fische müssen ins meer<br />
»Roberta ist die peinlichste Figur <strong>im</strong> Universum und die unfähigste<br />
Mutter aller Zeiten« verkündet die 15-jährige Nana,<br />
die die Vorliebe ihrer Mutter für kurze Liebschaften verurteilt<br />
und deshalb deren Rolle <strong>im</strong> Haus selbst übernommen hat.<br />
Sie kümmert sich um die beiden jüngeren Geschwister und<br />
arbeitet als Schleusenwärterin in dem kleinen Ort am Rhein.<br />
Als das Jugendamt die Geduld verliert, schwört Roberta Besserung.<br />
Darauf will Nana sich aber nicht verlassen. Sie macht<br />
sich auf die Suche nach einem geeigneten Mann für Roberta<br />
und einem Vater für sich und ihre Geschwister. Doch dann<br />
verliebt sich Nana selbst in den Auserwählten ...<br />
Munteres, vergnügliches, farbenfrohes Kaleidoskop, das einen<br />
Blick wirft auf die 16-jährige Nana und ihre schillernde, temperamentvolle<br />
und leicht chaotische Mutter Roberta, die 3 Kinder<br />
von 3 verschiedenen Männern hat. Dabei kommen auch<br />
die Schweizer Provinz und ihre leicht grotesken Alltags-Individualisten<br />
nicht zu kurz. Güzin Kars Inszenierung setzt sich<br />
wohltuend vom deutschen Sozialdrama und von gewollt-platten<br />
Komödien ab, kommt ernsthaft und doch verspielt daher,<br />
nicht zuletzt dank der Kamera von Benjamin Dernbecher, die<br />
wechselnde Perspektiven einn<strong>im</strong>mt, dank der zahllosen visuellen<br />
Einfälle und dank der verspielten knallbunten Nebengeschichten<br />
– in der Montage liebevoll zusammengeführt. (S.G.)<br />
17
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Besetzung<br />
Roberta Meret Becker<br />
Nana Elisa Schlott<br />
Eduardo Barnaby Metschurat<br />
Karl Hauser Hanspeter Müller-Drossaart<br />
Doris Gilbert Mona Petri<br />
Frau Jedele Lilian Naef<br />
Herr Gilbert Andreas Matti<br />
Tatjana Alia Duncan<br />
Toto Joseph Sunkler<br />
Elvira Isabelle Schmid<br />
Stab<br />
Buch & Regie Güzin Kar<br />
Kamera Benjamin Dernbecher<br />
Schnitt Benjamin Fueter<br />
Musik Fabian Römer<br />
Szenenbild Gerald Damovsky<br />
Kostümbild Barbara Schwarz<br />
Producer Johanna Teichmann<br />
Produktion Ruth Waldburger, Dietmar Güntsche<br />
Redaktion Tamara Mattle/SRF, Stefanie Groß/<strong>SWR</strong>,<br />
Andreas Schreitmüller/ARTE<br />
Produktion<br />
Eine Produktion von Vega Film und Neue Bioskop Film in<br />
Koproduktion mit Schweizer Fernsehen Teleclub,<br />
Rainer Curdt Filmproduktion, <strong>SWR</strong>, ARTE und Dialog AG<br />
Gefördert durch: Bundesamt für Kultur Schweiz, FFA,<br />
MFG Baden-Württemberg, DFFF, Kulturfonds Suiss<strong>im</strong>age<br />
Schweiz/Deutschland 2011<br />
Länge 84 Minuten<br />
Auszeichnungen<br />
Drehbuchpreis der Schweizerischen Autorengesellschaft<br />
SSA 2005; Preis des saarländischen Ministerpräsidenten<br />
be<strong>im</strong> Festival Max Ophüls Preis 2011<br />
18
fliegende fische müssen ins meer<br />
Güzin Kar über ihren Film<br />
Die Geschichte um Roberta und ihre Kinder erzählt von einer<br />
Familie mit geänderten Vorzeichen. Was hat Sie daran<br />
besonders interessiert?<br />
Familiengeschichten werden ihren Reiz niemals verlieren, da<br />
sie universelle Themen in einem spezifischen Umfeld schildern.<br />
Im Zentrum von »Fliegende Fische müssen ins Meer«<br />
steht die Mutter-Tochter-Beziehung mit umgekehrter Rollenverteilung:<br />
Die Mutter, Roberta, ben<strong>im</strong>mt sich wie ein pubertierender<br />
Teenager, bekommt sich und ihr Leben nicht in den<br />
Griff und hat drei Kinder von drei Männern. Die älteste Tochter<br />
Nana sehnt sich nach einem bürgerlichen Familienleben.<br />
Sie sorgt für die Geschwister und verdient den Unterhalt der<br />
Familie mit. Doppelbelastung mit <strong>16.</strong> Beide, Mutter und<br />
Tochter, sind Antiheldinnen. Die in den Neunzigerjahren in<br />
Medien und Ratgeberbüchern überpräsenten Supermütter,<br />
die bei der Kindererziehung und in Job, Küche und Ehebett<br />
stets mit Höchstleistungen brillieren, gibt es nicht. Roberta<br />
und Nana sind beide auf ihre Art überfordert, jede ist auf<br />
ihre Art einsam <strong>im</strong> Mikrokosmos Familie. Der Film spiegelt<br />
ehrlich und schonungslos das Leben einer alleinerziehenden<br />
Mutter und ihrer Kinder.<br />
Bei aller Schonungslosigkeit ist der Film aber anrührend<br />
und sehr komisch zugleich. Wie ordnen Sie den Film ein?<br />
Ich bewege mich hier <strong>im</strong> Bereich der Tragikomödie oder der<br />
Dramödie, wie wir Drehbuchautoren auch gerne sagen. Es<br />
ist ein Genre, das mir sehr liegt, auch meine beiden früheren<br />
Schweizer Filme sind <strong>im</strong> selben Erzählstil gehalten:<br />
Ernste Themen werden auf leichtfüßige Art behandelt, Komik<br />
und Tragik liegen dicht beieinander. Wichtig ist mir in<br />
dieser Geschichte, dass trotz der komödiantischen Überhöhungen<br />
die Glaubwürdigkeit der Figuren und der Handlungen<br />
stets gewahrt wurde. Diesen Ort mit diesen Menschen<br />
könnte es real geben. Einzig in den Traumsequenzen wird<br />
die Realität bewusst untergraben, aber das ist das Privileg<br />
von Träumen. Filme dieser Erzählart sind etwas »Meerjungfrauen<br />
küsst man nicht« (»Mermaids«), »The Royal Tennenbaums«<br />
oder auch der ernstere Film »Gilbert Grape«. Es<br />
sind berührende Geschichten, die auf lustige Art erzählt<br />
werden. Oder ganz einfach gesagt: »Fliegende Fische müssen<br />
ins Meer« soll eine Mischung sein zwischen Bonbontüte<br />
und Pillenschachtel.<br />
Auffallend sind auch das Farbkonzept und die Bilddramaturgie.<br />
Wie wichtig sind Ihnen diese Akzente?<br />
Ich bin eine regelrechte Farbfetischistin und wollte mich bewusst<br />
von der zur Zeit angesagten Ästhetik der farbentsättigten<br />
Filme abgrenzen. Stattdessen wollte ich einen bunten,<br />
farbenfrohen Film machen, der Nanas Perspektive diente, die<br />
trotz aller Alltagssorgen eine kindlich-verspielte ist.<br />
Wie haben Sie zu Ihrem Schauplatz, dem Grenzgebiet zwischen<br />
Deutschland und der Schweiz gefunden?<br />
Da ich selber am Hochrhein aufgewachsen bin, fasziniert<br />
mich diese Gegend. Hier paart sich die tiefe Provinz mit<br />
zwangsläufiger Weltoffenheit, da man so oder so zwischen<br />
zwei Ländern hin- und herpendelt. Der Rhein als Landesgrenze<br />
mit dem Kraftwerk und der Schleuse steht hier als Metapher<br />
für die inneren Grenzen der Figuren. Wo werden ihre<br />
Möglichkeiten in die Schranken gewiesen? Welche Schleusen<br />
müssen sie öffnen, um in ungeahnte Weiten aufbrechen zu<br />
können? Oder ist Bleiben eine Option?<br />
Können Sie erzählen, wie Sie diese so passende Besetzung<br />
ausgewählt haben?<br />
In meiner Geschichte sind alle Figuren auf der Suche nach<br />
Liebe, jede auf ihre zuweilen tragikomische Art. Es haben alle<br />
einen Hau weg, und gerade deshalb sind sie so liebenswert.<br />
Mir war es aber wichtig, keine der Figuren zu pathologisieren.<br />
Meret Becker hat nicht nur Robertas Eigensinn und Verschrobenheit<br />
perfekt verkörpert, sondern auch ihre Brüchigkeit,<br />
ohne die sie eine Comicfigur geworden wäre. Elisa<br />
Schlott haben wir aus vielen Mädchen gecastet. Sie ist trotz<br />
ihres jugendlichen Alters kein Filmneuling und spielt mit<br />
Vorliebe Figuren, die nicht viel mit ihr selber gemein haben.<br />
19
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
In der Rolle der Nana musste sie die ganze Bandbreite vom<br />
einsamen Mädchen über die arbeitsame Schleusenwärterin<br />
bis hin zum Vamp abdecken, was ihr grossen Spass bereitet<br />
hat. Barnaby Metschurat und Hanspeter Müller-Drossaart<br />
verkörpern zwei absolut gegensätzliche Männer. Eduardo,<br />
gefangen in der Sehnsucht nach Bindung und der Flucht davor,<br />
bleibt auch in seinen emotionalsten Szenen distanziert<br />
und unerreichbar. Bei Barnabys präzisem Spiel reicht ein<br />
Blick, eine Körperhaltung, um diesen Zwiespalt zu erzeugen.<br />
Karl hingegen überschreitet in seiner verzweifelten Suche<br />
nach Liebe ständig die Grenzen, sowohl körperlich als auch<br />
geistig. Hanspeter Müller-Drossaart hat diesen an sich nervigen<br />
Charakterzug so liebeswürdig verkörpert, dass man<br />
versteht, weshalb Roberta sich mit ihm anfreundet.<br />
Güzin Kar<br />
Güzin Kar wurde 1971 in der Türkei geboren und wuchs in der Schweiz auf. Sie begann<br />
zunächst in Basel ein Germanistikstudium und studierte dann von 1994 bis<br />
1999 an der Filmakademie in Ludwigsburg mit Schwerpunkt Drehbuch. Seitdem<br />
schreibt sie Filmdrehbücher, darunter »Die wilden Hühner« nach Cornelia Funke,<br />
»Lieber Brad« oder »Ein verlockendes Angebot«. Sie ist bekannt als Kolumnistin, zunächst<br />
der Weltwoche, dann für TELE und den Tages-Anzeiger. 2006 erschien ihr Episodenroman<br />
»Ich dich auch«, 2008 folgte »Leben in Hormonie«. Nach einigen Kurzfilmen<br />
inszenierte Güzin Kar 2005 zum ersten Mal einen Langfilm, »Alles bleibt anders«. 2009 folgte der Kinoerfolg<br />
»Fliegende Fische müssen ins Meer«.<br />
20
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
21
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Schuld sind <strong>im</strong>mer die anderen<br />
22<br />
Regie: Lars-Gunnar Lotz · Buch: Anna Maria Praßler<br />
Mittwoch, 30.10.<strong>2013</strong>, 22.00 Uhr<br />
22
Schuld sind <strong>im</strong>mer die anderen<br />
Ben bekommt <strong>im</strong> idyllisch gelegenen Waldhaus die einmalige<br />
Chance auf einen Neuanfang. Als einer von sieben jugendlichen<br />
Straftätern soll er in der familiären Gemeinschaft<br />
soziale Kompetenz erlernen und Geborgenheit erfahren.<br />
Ben beugt sich nur mühsam den Regeln, verharrt in<br />
Wut und <strong>Ab</strong>lehnung. Doch dann kehrt Hausmutter Eva zurück<br />
ins Waldhaus, und Ben ist geschockt: Sie ist eines seiner<br />
früheren Opfer. Sein brutaler Überfall auf sie wurde nie<br />
aufgeklärt. Nun versucht Ben alles, um in der Gruppe nicht<br />
aufzufallen. Doch in Eva wächst bald ein Verdacht. In der<br />
Konfrontation mit Eva empfindet Ben zum ersten Mal so etwas<br />
wie Schuld. Eva dagegen muss sich fragen, ob sie zu<br />
Vergebung tatsächlich fähig ist.<br />
Die Frage, wie man sich als Mensch der eigenen Schuld stellt<br />
und sich und anderen verzeihen kann, beschäftigte Anna Praßler<br />
(Drehbuch) und Lars Gunnar Lotz (Regie) schon in ihrem<br />
Kurzfilmen. In ihrem Langfilm-Debüt haben sie diese Frage<br />
aus zwei Richtungen beleuchtet: aus der des jugendlichen<br />
Straftäters, der mit seinem Opfer konfrontiert wird und sich<br />
mit seiner Tat und den Folgen auseinandersetzen muss, sowie<br />
aus der des Opfers, einer Frau, die durch den Überfall ihr ungeborenes<br />
Kind verloren hat. Diese Frau ist keineswegs bereit<br />
zu verzeihen, sondern nutzt die Macht, die ihr ihr Status gibt,<br />
um sich zu rächen. Hier schaut der Film genau hin und zeigt<br />
auch auf der Seite der »Guten« die Brüche und Ungere<strong>im</strong>theiten,<br />
die uns alle auszeichnen. (B.D.)<br />
23
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Besetzung<br />
Ben Edin Hasanovic<br />
Eva Julia Brendler<br />
Niklas Marc Ben Puch<br />
Tobias Pit Bukowski<br />
Mariana Natalia Rudziewicz<br />
Emre Aram Arami<br />
Samir Kais Setti<br />
Alex Oliver Konietzny<br />
Stab<br />
Buch Anna Maria Praßler<br />
Regie Lars-Gunnar Lotz<br />
Kamera Jan Prahl<br />
Schnitt Julia Böhm<br />
Musik Sea + Air<br />
Szenenbild Ina Küfner<br />
Kostümbild Tanja Gierich, Ulé Barcelos<br />
Producer Franziska Specht<br />
Produzenten Sebastian Sawetzki und<br />
Manuel Challal, Matthias Drescher und<br />
Philipp Knauss<br />
Redaktion Brigitte Dithard/<strong>SWR</strong>,<br />
Nadja Dumouchel/ARTE<br />
Produktion<br />
Eine Koproduktion der FFL Film- und Fernseh-Labor Produktion<br />
mit <strong>SWR</strong> und ARTE in Kooperation mit der Filmakademie<br />
Baden-Württemberg. Gefördert durch die MFG Filmförderung<br />
Baden-Württemberg<br />
Deutschland 2012<br />
Länge 93 Min.<br />
Auszeichnungen<br />
Studio Hamburg Nachwuchspreis 2012 für die beste Regie;<br />
NDR Filmpreis für den Nachwuchs be<strong>im</strong> Filmfest Emden-<br />
Norderney 2012 für Lars-Gunnar Lotz; Günther-Strack-Nachwuchspreis<br />
<strong>2013</strong> für Edin Hasanovic; Bernhard Wicki Preis<br />
und DGB Filmpreis 2012 sowie Publikumspreis be<strong>im</strong> Festival<br />
des deutschen Films 2012; Nominierung für den Deutschen<br />
Filmpreis <strong>2013</strong> für Anna Maria Praßler und Edin Hasanovic<br />
24
Schuld sind <strong>im</strong>mer die anderen<br />
Lars-Gunnar Lotz und<br />
Anna Maria Praßler über ihren Film<br />
Herr Lotz, was ist das Thema des Films, wie sind Sie darauf<br />
gekommen?<br />
wird sie gezwungen, sich mit ihren eigenen <strong>Ab</strong>gründen auseinander<br />
zu setzen.<br />
Lars-Gunnar Lotz: Ganz am Anfang war da einfach nur die<br />
Idee, etwas über Sozialarbeiter zu machen. Das klingt zuerst<br />
einmal etwas langweilig. <strong>Ab</strong>er in meinem Freundeskreis arbeiten<br />
viele <strong>im</strong> sozialen Bereich und die Geschichten von ihnen<br />
hörten sich <strong>im</strong>mer sehr spannend an. Ich denke, deren<br />
Arbeit findet in Filmen wenig Beachtung. Außerdem habe<br />
ich selbst viele Jahre ehrenamtlich mit Jugendlichen gearbeitet.<br />
Anna Maria Praßler und ich suchten also nach einem besonderen<br />
und spannenden Ansatz. Durch Zufall sind wir<br />
dann auf das Seehaus Leonberg gestoßen, eine Einrichtung<br />
des freien Vollzugs, die es in dieser Art kein zweites Mal gibt.<br />
Hier erleben jugendliche Straftäter häufig das erste Mal, was<br />
Familie ist, indem sie mit den Sozialarbeitern und deren Familien<br />
zusammenwohnen. Im Verlauf der Recherchen bekam<br />
ich einen <strong>im</strong>mer größeren Respekt vor den Jungs, die hier ein<br />
straffes Programm ableisten, um ihre Chance zu nutzen, ein<br />
neues Leben zu beginnen. Die Mitarbeiter haben mir ebenso<br />
<strong>im</strong>poniert, denn deren Engagement geht häufig weit über<br />
das rein Berufliche hinaus. Ausgehend davon haben wir<br />
dann die Geschichte des Straftäters Ben entwickelt, der eben<br />
in solch einer Einrichtung überraschend auf eines seiner Opfer<br />
in Gestalt der Sozialarbeiterin Eva trifft. Ben findet gegen<br />
seinen Willen das erste Mal in seinem Leben zu sich selbst<br />
und somit auch zu etwas, was wir Gewissen nennen.<br />
Mir war es ein großes Anliegen, nicht von hoffnungslosen<br />
Fällen und gewalttätigen »Tieren« zu erzählen, als die man<br />
die Jungs häufig abstempelt. Vielmehr wollte ich zeigen,<br />
was es bedeutet, wenn man sich für sie einsetzt und dabei<br />
intensiv mit ihren Taten konfrontiert. Ich wollte eine Geschichte<br />
erzählen, die solche Jungs nicht aufgibt, sondern an<br />
sie glaubt. Außerdem fand ich es interessant, von einer Figur<br />
wie Eva zu erzählen, die auf einmal selbst zum Opfer derer<br />
wird, für die sie sich bisher eingesetzt hat, und die dadurch<br />
anfängt, an ihren Idealen zu zweifeln. Durch diese Situation<br />
Funktioniert das Waldhaus <strong>im</strong> Film genauso wie die Einrichtung<br />
in der Realität?<br />
Lars-Gunnar Lotz: Zu einem Großteil schon. Es gibt <strong>im</strong> Seehaus<br />
Leonberg natürlich noch weitaus mehr Regeln und wöchentliche<br />
Ereignisse. Alles ist komplexer. <strong>Ab</strong>er wir mussten<br />
uns natürlich fokussieren auf wenige bedeutende Rituale<br />
wie die Hilfreiche Hinweise Runde oder den Heißen Stuhl.<br />
Frau Praßler, wie wurde aus dem Plan eines Films über Sozialarbeiter<br />
und junge Straffällige eine Geschichte um<br />
Schuld und Vergebung?<br />
Anna Maria Praßler: Die Geschichte entstand beinahe intuitiv<br />
nach meinem ersten Besuch <strong>im</strong> Seehaus Leonberg. Zuvor waren<br />
zwischen Lars-Gunnar Lotz und mir viele Ansätze, Ideen<br />
und Figuren hin- und hergeschwirrt, aber unsere bisherige Recherche<br />
<strong>im</strong> Bereich der sozialen Arbeit und mein Bedürfnis, etwas<br />
über Menschen mit sehr hohen Idealen zu erzählen, die<br />
daran auch zu scheitern drohen, bekamen erst durch die Eindrücke<br />
vor Ort eine ganz klare Richtung. Der Kern der Geschichte,<br />
die Opfer-Täter-Konfrontation – was für beide Seiten eine<br />
Konfrontation mit nie gekannten Gefühlen und Widersprüchen<br />
bedeutet – war plötzlich einfach da. Natürlich spielt es<br />
auch eine große Rolle, dass mich das Thema Schuld und Vergebung<br />
schon lange beschäftigt, weil es dabei <strong>im</strong>mer ums Existenzielle<br />
geht. Schuld war auch Thema in meiner ersten Zusammenarbeit<br />
mit Lars, dem mittellangen Film »Für Miriam«.<br />
Sie beide arbeiten seit dem Studium an der Filmakademie<br />
zusammen. Wie gestaltet sich diese Zusammenarbeit, wie<br />
befruchten Sie einander?<br />
Anna Maria Praßler: Ich schreibe, Lars kommentiert. Um eine<br />
Figur richtig kennenzulernen und aus ihren Konflikten ei<br />
25
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
nen Plot zu entwickeln, muss ich in mich »hineinhören«,<br />
weshalb ich <strong>im</strong> Schreibprozess allein sein möchte und<br />
muss. Mit Lars bin ich aber <strong>im</strong> Austausch und <strong>im</strong> Dialog, da<br />
regt ein Gedanke den anderen an, ein Impuls inspiriert den<br />
nächsten. Ich habe das Glück, in ihm einen Regisseur gefunden<br />
zu haben, der zu mir passt, mich schätzt und keine<br />
Dienstleisterin in mir sieht.<br />
Sie mussten für diesen Film eine Sprache finden für die jugendlichen<br />
Straftäter und für die Sozialarbeiter. Bei beiden<br />
Gruppen lauert ja das sprachliche Klischee. Wie sind Sie da<br />
rangegangen, war das für Sie überhaupt ein Problem?<br />
Anna Maria Praßler: Be<strong>im</strong> Schreiben von »Schuld sind <strong>im</strong>mer<br />
die anderen« hat es mir am meisten Spaß gemacht, die ureigene<br />
Sprache meiner Figuren zu finden. Bei den jungen Männern,<br />
die ich in der Recherche getroffen habe bzw. denen ich<br />
in der U-Bahn oder auf der Straße »gelauscht« habe, ist mir<br />
aufgefallen, dass es einerseits die derbe »Peergroup«-Sprache<br />
gibt, die (gleichen) Jungs sich aber andererseits <strong>im</strong> Gespräch<br />
mit Älteren ganz »normal« ausdrücken können, also<br />
weitgehend ohne Slang und auch grammatikalisch korrekt.<br />
Sie setzen Sprache sehr bewusst ein, um eine Gemeinschaft<br />
zu stiften, sich abzugrenzen oder auch um zu provozieren.<br />
Dieser bewusste und kreative Umgang mit der Sprache hat<br />
mich für Ben sehr inspiriert. Von Publikationen zur vermeintlich<br />
gerade aktuellen Jugendsprache habe ich mich ferngehalten,<br />
stattdessen habe ich bei Youtube, in Berlin auf der<br />
Straße und in meinem Bekanntenkreis den »Sound« der jungen<br />
Leute aufgeschnappt. Bei den Sozialarbeitern habe ich<br />
weniger den Berufsstand gesehen als vielmehr die Menschen,<br />
so haben sich die Dialoge ergeben.<br />
Lars-Gunnar Lotz<br />
Lars-Gunnar Lotz wurde 1982 in Österreich geboren und wuchs <strong>im</strong> Rheinland auf. Er<br />
studierte zunächst Visuelle Kommunikation an der Kunsthochschule Kassel und wechselte<br />
dann zum Regiestudium an die Filmakademie Baden-Württemberg, wo er mit<br />
»Schuld sind <strong>im</strong>mer die anderen« abschloss. Während des Studiums nahm Lars-Gunnar<br />
Lotz 2007 an einem Austauschprogramm der Fémis in Paris teil, später erhielt er ein<br />
Stipendium für die Hollywood Masterclass an der UCLA. Im Sommer <strong>2013</strong> hat er drei<br />
Folgen für die Soko Köln inszeniert.<br />
Anna Maria Praßler<br />
Anna Maria Praßler wurde 1983 in Lauingen geboren und studierte zunächst Filmwissenschaft,<br />
Theaterwissenschaft sowie Psychologie in Berlin, Los Angeles und Bologna.<br />
Nach dem <strong>Ab</strong>schluss folgte ein zweijähriger Aufbaustudiengang <strong>im</strong> Fach Drehbuch an<br />
der Filmakademie Baden-Württemberg. Anna Maria Praßler schrieb u. a. das Drehbuch<br />
zu dem mittellangen Film »Für Miriam«, zu ihren Prosawerken gehört die Kurzgeschichte<br />
»Das Andere«, mit der sie be<strong>im</strong> Bachmann-Wettbewerb in Klagenfurt debütierte. »Schuld<br />
sind <strong>im</strong>mer die anderen« ist ihr erstes Langfilmdrehbuch.<br />
26
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
27
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Bastard<br />
28<br />
Buch und Regie: Carsten Unger<br />
Mittwoch, 11.12.<strong>2013</strong>, 22.00 Uhr<br />
28
astard<br />
Der neunjährige Nikolas verschwindet. Die Polizei befürchtet<br />
ein Sexualverbrechen. Psychologin Claudia Meinert stößt <strong>im</strong><br />
Gespräch mit den Eltern von Nikolas auf Widersprüche. Die<br />
Mutter scheint etwas zu verbergen. Es geht ein Video ein, das<br />
Nikolas gefesselt in einem Keller zeigt. Die Spur führt in eine<br />
Schule. Der 13-jährige Leon verhält sich auffällig, er scheint<br />
mehr über den Verbleib von Nikolas zu wissen. Leons Verhältnis<br />
zu seinen Eltern ist erkennbar belastet. Die 13-jähige Mathilda,<br />
die sich für Leon interessiert, steigt in sein gefährliches<br />
Spiel ein. Leon erpresst Nikolas’ Eltern. Er hat den<br />
Jungen entführt und droht ihn umzubringen, wenn Nikolas’<br />
Eltern nicht ein »Vater-Mutter-Kind-Spiel« mit ihm spielen<br />
Claudia Meinert versucht Vertrauen zu Leon aufzubauen,<br />
um Nikolas zu retten ...<br />
Das Debüt von Carsten Unger versammelt nicht umsonst einen<br />
geradezu sensationellen Cast, von Martina Gedeck bis<br />
Hanns Zischler und Thomas Thieme. »Bastard« ist das Porträt<br />
einer verlorenen Jugend und ein dichter Psychothriller zugleich.<br />
Der Film sucht das Besondere in einer spannenden<br />
Form. Ein Glücksfall. Den jeder nachempfinden wird, der sich<br />
auf dieses bewegende Generationendrama einlässt. (U.H.)<br />
29
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Besetzung<br />
Claudia Meinert Martina Gedeck<br />
Leon Markus Krojer<br />
Mathilda Antonia Lingemann<br />
Decker Thomas Thieme<br />
Anja Heine Beate Maes<br />
Raphael Heine Stephan Schad<br />
Nikolas Finn Kirschner<br />
Cora Schweizer Sibylle Canonica<br />
Samuel Schweizer Hanns Zischler<br />
Stefan Matthias Koeberlin<br />
Stab<br />
Buch und Regie Carsten Unger<br />
Kamera Lars Petersen<br />
Schnitt Dora Vajda<br />
Musik Stevie B-Zet, Ralf Hildenbeutel<br />
Szenenbild Christian Strang<br />
Kostümbild Isabelle Baumgartner<br />
Produzenten Reza Bahar, Nicole Ringhut<br />
Redaktion Ulrich Herrmann<br />
Produktion<br />
Eine Produktion der Gifted Films mit Maranto Films in<br />
Koproduktion mit dem <strong>SWR</strong> in Zusammenarbeit mit<br />
CinepostProduction und BasisBerlin<br />
Gefördert von der Film- und Medienstiftung NRW,<br />
der MFG Baden-Württemberg und dem BKM<br />
Deutschland 2011<br />
Länge 118 Min.<br />
Auszeichnungen<br />
Drehbuchpreis be<strong>im</strong> Festival international du film policier<br />
in Liège; baden-württembergischer Filmpreis 2011 bei der<br />
Filmschau Baden-Württemberg.<br />
30
astard<br />
Carsten Unger über seinem Film<br />
Gab es für diese Geschichte einen Auslöser, einen realen<br />
Aufhänger?<br />
Ich stand in Köln an der U-Bahn. Es war offenbar Schulschluss,<br />
denn der Bahnsteig war voll mit Kindern und ihren St<strong>im</strong>men,<br />
zwischen 10 und 12 Jahren alt. Ein Mädchen stand abseits,<br />
allein, sie sah anders aus als die anderen, etwas zu kurzer<br />
Rock, hohe Schuhe, stark geschminkt, aber sehr trendy. Sie<br />
sah befremdlich aus, ihr Körper war noch ein Kind, aber ihr<br />
Style schon total sexy. Irgendwie hat sie gemerkt, dass ich sie<br />
beobachte und ich hatte den Eindruck, dass es ihr gefällt. Sie<br />
kam auf mich zu und sprach mich an. Ich war ehrlich gesagt<br />
etwas verlegen, sie war ziemlich direkt. Dann hat sie mich<br />
gefragt, ob ich ihr eine Zigarette geben kann. Ich habe »Nein«<br />
gesagt, doch sie hat nicht locker gelassen und ihre St<strong>im</strong>me<br />
war dabei <strong>im</strong>mer etwas zu leise, sodass ich Mühe hatte sie zu<br />
verstehen und sie einen Vorwand hatte näher zu kommen.<br />
Dann kam ihre Bahn und sie wurde von den anderen Kids<br />
verschluckt. Die Bahn fuhr ab und mir wurde bewusst, dass<br />
ich gerade voll krass angeflirtet wurde, von einem 11-jährigen<br />
Kind. Ich fand die Begegnung irritierend und habe angefangen<br />
mir <strong>im</strong>mer mehr Fragen über diese Mädchen zu<br />
stellen und daraus ist dann Mathilda entstanden.<br />
Dieser Moment, wenn Kinder noch nicht wissen, was sie tun,<br />
aber es schon können, das hat auf mich einen faszinierende<br />
und irritierende Wirkung: Ein Kind, dass völlig unbekümmert<br />
einer Spinne die Beine ausreißt. Das Kind hat zwar die<br />
Kraft und die Macht dazu, aber es hat noch kein Bewusstsein<br />
für sein Opfer und die Konsequenzen seiner Tat. In diesem<br />
Spannungsverhältnis zwischen »Können« und »Noch<br />
nicht wissen« steckt eine irritierende Wucht. Was passiert,<br />
wenn diese Wucht außer Kontrolle gerät? Wenn diese Kinder<br />
nicht mehr zu stoppen sind? Eine Mischung aus »Lord of<br />
the Flies« und »Clockwork Orange«. Wenn sich unsere Kinder<br />
gegen die Erwachsenenwelt wenden und sich für all die<br />
Vernachlässigungen und gebrochenen Versprechen ihrer<br />
Eltern rächen?<br />
Was hat Sie für Ihren ersten langen Film zu so einem heftigen<br />
Thema motiviert?<br />
Ein Debütfilm in Deutschland ist ein Privileg, denn er ermöglicht<br />
enorme inhaltliche und formale Freiheiten. Wir wollten<br />
dieser Freiheit ein anspruchsvolles und unbequemes Thema<br />
entgegensetzen. Gegen die begrenzten Mittel haben wir unseren<br />
Anspruch gestellt, dennoch hochwertiges Kino zu<br />
schaffen. Kreativität braucht Widerstand.<br />
Gibt es filmische Vorbilder für »Bastard«, ästhetisch oder inhaltlich?<br />
Sergio Leones Western. Diese pure Präzision in der Erzählung,<br />
glasklare Einstellungen, in denen Blicke, Schnitt und<br />
Dialog in einem Rhythmus sind. Dieses Blicke-Tennis“, das<br />
hat uns inspiriert. Szenen wie die »Hinrichtung« oder das<br />
»Wer bin ich? - Spiel« wollten wir erzählen wie einen Western-Showdown,<br />
flirrende Spannung bis es knallt. Im Genre<br />
sitzt »Bastard« bewusst zwischen den Stühlen, ein bisschen,<br />
wie ein pubertierender Jugendlicher, der sich störrisch gegen<br />
jede Kategorie der Erwachsenenwelt sträubt. Wir wollten<br />
eine Ästhetik, die der Welt der Kids entspricht, von denen wir<br />
erzählen: ihrem Geschmack, ihrem Lebensgefühl, ihren Farben<br />
und ihrer Musik. »Bastard« ist unser »Trojanisches<br />
Pferd«, mit dem wir auch die Kids erreichen wollen, die sich<br />
mit unserem Thema sonst nicht auseinander setzen würden.<br />
Als Debütanten hatten wir die Freiheit, uns über Genrekonventionen<br />
oder Ansprüche eines Sendeplatzes hinwegzusetzen.<br />
Wir haben geahnt, das wird der letzte Film sein, indem<br />
wir uns so naiv und frei ausprobieren können, denn nach<br />
»Bastard« werden wir erwachsen sein.<br />
Glauben Sie, dass Kinder heutzutage eher Gefahr laufen, ihre<br />
emotionale Balance zu verlieren als in früheren Generationen?<br />
Erwachsen zu werden ist <strong>im</strong>mer gefährlich, jede Generation<br />
hat ihre Risiken. Ich scheue mich davor, gesamtgesellschaftliche<br />
Trends zu beurteilen, dazu empfinde ich »unsere« Gesellschaft<br />
als zu komplex und heterogen. »Bastard« erzählt<br />
die Geschichte von zwei Kindern, die etwas Existentielles vermissen,<br />
nennen wir es Liebe oder Anerkennung. Sie spüren,<br />
dass sie ohne diese Anerkennung nicht leben können und<br />
31
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
beschließen, sich diese mit Gewalt zu holen. Die Suchen nach<br />
Anerkennung und Identität ist für mich eine der Hauptursachen<br />
von Gewalt. In diesem Sinne ist »Bastard« nicht nur eine<br />
Geschichte über zwei Kinder auf der Suche nach Liebe und Anerkennung,<br />
sondern auch eine »kleine Geschichte über Gewalt«.<br />
Wie bekommt man Kinder dazu, sich als Schauspieler in<br />
eine dunkle Welt zu bewegen, ohne dass sie dabei Schaden<br />
nehmen?<br />
Spielfreude. Kinder spielen, niemand kann das so gut wie<br />
sie. Zumal Markus Krojer (Leon) schon reichlich Filmerfahrung<br />
hatte (»Wer früher stirbt ist länger tot«). Wir haben<br />
versucht unseren Schauspielern, den Kindern und den Erwachsen,<br />
eine Spielwiese zu bieten, auf der sie sich sicher<br />
fühlen. Der Filmprozess setzt die Grenzen und best<strong>im</strong>mt<br />
die Bühne, wir sprechen die Spielregeln ab und dann spielen<br />
wir los. Filmemachen ist zuweilen anstrengend, aber<br />
macht auch höllischen Spaß. Solange klar ist, wo Phantasie<br />
beginnt und Realität aufhört, fällt es Kindern wahrscheinlich<br />
leichter zwischen den Welten zu wandern als uns Erwachsenen.<br />
Während der gesamten Dreharbeiten wurden<br />
»unsere Kinder« von zwei Pädagoginnen begleitet und intensiv<br />
betreut. Auch über die eigentlichen Dreharbeiten hinaus<br />
standen sie den Kindern und ihren Familien als Ansprechpartner<br />
zur Verfügung und hatten ein Auge darauf,<br />
dass die Kinder einen guten Weg zurück vom zuweilen irrwitzigen<br />
Filmzirkus in ihr normales Leben finden. Der Gang<br />
zischen diesen beiden Welten, ist meist die eigentliche Herausforderung,<br />
wie jeder Filmschaffende weiß.<br />
Carsten Unger<br />
Carsten Unger wurde 1977 in Gütersloh geboren. Er absolvierte eine Volontariat und<br />
arbeitete danach bei verschiedenen Filmproduktionen. 2001 bis 2007 studierte er Regie<br />
szenischer Film an der Filmakademie Baden-Württemberg. Im Sommer 2004 absolvierte<br />
er die Masterclass »The Hollywood Perspective« an der UCLA in Los Angeles. Nach mehreren<br />
Kurzfilmen schloss er 2008 das Studium mit dem Diplomfilm »Der blaue Affe« ab<br />
und arbeitet seitdem als freier Autor und Regisseur. 2009 entstand die Folge »Die St<strong>im</strong>me<br />
der Straße« für die Soko Stuttgart, 2011 realisierte er sein Langfilmdebüt »Bastard«.<br />
32
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
33
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Der Preis<br />
34<br />
Regie: Elke Hauck · Buch: Peggy Lehmann, Elke Hauck<br />
Mittwoch, 18.12.<strong>2013</strong>, 22.00 Uhr<br />
34
Der preis<br />
Architekt Alexander hat einen Preis gewonnen. Nach seinem<br />
Plan sollen Plattenbauten in Thüringen modernisiert<br />
werden. Er reist von Frankfurt am Main in die ostdeutsche<br />
Provinz – und gleichzeitig zurück in seine Vergangenheit,<br />
denn die Kleinstadt in Thüringen ist seine He<strong>im</strong>atstadt,<br />
und die Wohnblocks, an die er jetzt Hand anlegt, sind genau<br />
jene, in denen er aufgewachsen ist und wo ihn einige<br />
Bewohner noch als Alex kennen, Alex von der FDJ.<br />
Alex wird mit Zeiten seines Lebens konfrontiert, die er lange<br />
verdrängt hatte. Er wird an seine erste große Liebe erinnert<br />
und das Ende einer Freundschaft. Während der Baubeginn<br />
sich verzögert, nähert er sich erneut seiner Vergangenheit<br />
und versucht <strong>im</strong> Wiedersehen mit Nicole zu begreifen, was<br />
damals, 1988, mit ihm und seinem Freund Michael geschah.<br />
In <strong>im</strong>mer länger werdenden Rückblenden erzählt Elke Hauck<br />
von der unbewältigten Vergangenheit des Protagonisten Alexander<br />
und seiner Jugendfreunde in der DDR der 80-er Jahre.<br />
Schicht für Schicht entblättert sie in ihrem unaufgeregten, ruhigen<br />
Erzählstil eine Geschichte von Schuld und Verantwortung<br />
<strong>im</strong> Kleinen. In konzentrierten Bildern zeigt sie die triste<br />
Gegenwart einer Kleinstadt in Thüringen, und es gelingt ihr,<br />
ohne große Gesten zwei Zeitebenen zusammenzuführen. (S.G.)<br />
35
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
Besetzung<br />
Alexander Beck Florian Panzner<br />
Alexander jung Sven Gielnik<br />
Michael Vincent Krüger<br />
Nicole Anne Kanis<br />
Nicole jung Vanessa Krüger<br />
Manfred Lange Guntbert Warns<br />
Jeanette Wiebke Bachmann<br />
Udo Christian Näthe<br />
Stab<br />
Buch Peggy Lehmann, Elke Hauck<br />
Regie Elke Hauck<br />
Kamera Michael Kotschi<br />
Schnitt Stefan Stabenow<br />
Szenenbild Angelica Böhm<br />
Kostümbild Sonja Hesse<br />
Producer Meike Götz<br />
Produzenten Martin Lehwald,<br />
Marcos Kantis, Michal Pokorny<br />
Redaktion Stefanie Groß<br />
Produktion<br />
Eine Produktion von Schiwago Film in Koproduktion mit<br />
dem <strong>SWR</strong><br />
Gefördert von Medienboard Berlin-Brandenburg,<br />
Mitteldeutscher Medienförderung, BKM, DFFF und FFA<br />
Deutschland 2011<br />
Länge: 81 Min.<br />
Auszeichnungen:<br />
Preis der deutsch-polnischen Jugendjury be<strong>im</strong> Filmfestival<br />
Lubuskie Lato Filmowe Lagów 2011<br />
36
der preis<br />
Elke Hauck und Peggy Lehmann<br />
über ihren Film<br />
Frau Hauck, wie kamen Sie zu dem Stoff »Der Preis«?<br />
Elke Hauck: Was mich besonders gereizt hat, war die Hauptfigur,<br />
in der ich mich selbst ein wenig wiederfinde. Denn so<br />
wie ich in meine He<strong>im</strong>atstadt gegangen bin, um dort einen<br />
Film zu drehen (»Karger«) und dabei noch einmal zu sehen,<br />
woher ich komme, geht Alex, der Architekt, mit einem Umbauprojekt<br />
an den Ort seiner Herkunft. Mir ging es um diese,<br />
meine Generation, die nach der Wende erst einmal nicht zurück<br />
geschaut hat, weil das Neue viel spannender war, und<br />
jetzt, zwanzig Jahre später, spürt, dass es an der Zeit ist, sich<br />
zu seinen Wurzeln zu bekennen, um einfach fester auf den<br />
eigenen Füßen zu stehen.<br />
Elke Hauck: Dramaturgisch hat mich vor allem der Umgang<br />
mit den zwei Zeitebenen beschäftigt. Es war mir wichtig,<br />
dass die Gegenwart, in der Alex in der Stadt auftaucht und<br />
versucht, mit seiner Arbeit zu beginnen, dass diese Ebene Boden<br />
unter den Füßen gewinnt, um als eigenständiger Erzählstrang<br />
zu funktionieren und nicht nur eine Plattform für die<br />
Vergangenheit zu bilden. Zugleich brauchte ich einen Raum<br />
für die Erinnerungen. Also habe ich nach Pausen gesucht,<br />
nach Bildern, die diesen Raum hergeben. Wobei für mich<br />
manchmal auch zwei sprechende Personen ein Bild ergeben<br />
und nicht nur einen Dialog. Der Protagonist ist Architekt,<br />
aber sein Leben scheint nicht nach Plan verlaufen zu sein<br />
bzw. auch weiterhin nicht nach Plan zu laufen.<br />
Klassische Filmmusik sucht man in »Der Preis« vergebens.<br />
Wie kam das Musikkonzept zustande?<br />
Frau Lehmann, was war Ihr Anliegen be<strong>im</strong> Schreiben von<br />
»Der Preis»?<br />
Elke Hauck: Eine Ebene des Filmes spielt ja 1988/89 in der<br />
DDR und da ist die Musik ein wichtiges Mittel, um ein Zeitgefühl<br />
wachzurufen, aber auch um die Personen, die die Musik<br />
hören, zu charakterisieren. Deshalb ist die Musik <strong>im</strong>mer an<br />
konkrete Quellen gebunden wie Autoradio oder Kassettenrecorder.<br />
Nur an manchen Stellen schwingt sie sich kurz zur<br />
Filmmusik auf. Ich fand es wichtig, dass dieser Film nicht bewertend,<br />
anklagend, aber auch nicht sent<strong>im</strong>ental-nostalgisch<br />
wird. Deswegen erschien es mir gut, nicht auf Musik zu<br />
setzen, die den Zuschauer emotional an die Hand n<strong>im</strong>mt<br />
und die Emotionalität von Szenen nicht durch die Klangfarbe<br />
einer Musik vorzubest<strong>im</strong>men. Ich habe stattdessen versucht,<br />
ein wenig zurückzutreten und die Atmosphäre eher durch<br />
Geräusche lebendig und erlebbar werden zu lassen. Musik<br />
funktioniert dann an vielen Stellen selbst wie ein Geräusch,<br />
wie ein Detail unter anderen. Handelnde Personen und Environment<br />
verschmelzen dramaturgisch. Wortlose Passagen<br />
erzählen ebenso viel wie Dialoge.<br />
Welches dramaturgische Konzept steckt dahinter?<br />
Peggy Lehmann: Der Antrieb für das Drehbuch war die Tatsache,<br />
dass viele, die in der Vergangenheit das DDR-System in<br />
all seinen Facetten befürworteten, sich in der Gegenwart einer<br />
Auseinandersetzung nicht stellen wollen. Deshalb wollte<br />
ich von meinen Erfahrungen, dem Heranwachsen in einer<br />
Diktatur erzählen, davon, wie schwierig es war seine Identität<br />
zu finden, weil wir mit dem Verbot der freien Meinungsäußerung,<br />
dem Verbot des Konsums westlicher Medien und<br />
anderen Verboten konfrontiert waren.<br />
Unsere Einstellung zur Gesellschaftsform wurde <strong>im</strong> wesentlichen<br />
von der Haltung unserer Eltern geprägt: Sie führten<br />
uns vor, wie wir mit den Verhältnissen umzugehen hatten,<br />
entweder man war für oder gegen das System. Sie schrieben<br />
uns gewissermaßen den Weg in unsere Zukunft vor. Eine<br />
Wahl, den Lebenslauf wirklich selbst zu best<strong>im</strong>men, gestaltete<br />
sich schwierig.<br />
Der namenlose Spielort in Ostdeutschland lenkt die Konzentration<br />
auf die Spuren, die eine frühere Gesellschaftsform<br />
37
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
nicht nur in den Menschen, sondern auch äußerlich <strong>im</strong> Sujet<br />
hinterlassen hat. Die Architektur ist dabei ein Motiv, das die<br />
gesellschaftlichen Wertmaßstäbe einer Epoche widerspiegeln<br />
kann. Das Vergangene offenbart sich in dem derzeitigen<br />
System: In der DDR hätte unsere Hauptfigur aus Kosten- und<br />
staatlichen Gründen nicht kreativ sein können, da es aus der<br />
Not heraus effizient war, Betonklötze zu bauen. Heute kann<br />
Alexander seine Kreativität aus kommerziellen Gründen<br />
nicht entfalten, da es be<strong>im</strong> Bauen um Profit geht.<br />
Ich wollte letztendlich erzählen, wie jede Zeit uns <strong>im</strong>mer wieder<br />
aufs Neue mit der Forderung nach Balance und Authentizität<br />
konfrontiert.<br />
Elke Hauck<br />
Elke Hauck wurde 1967 in Riesa geboren und absolvierte eine Buchbinderlehre und ein<br />
<strong>Ab</strong>endstudium an der Hochschule der Bildenden Künste Dresden, bevor sie in Leipzig<br />
und Versailles Germanistik und Kunstpädagogik studierte. 1994 bis 2002 studierte sie<br />
an der dffb in Berlin und schloss das Studium mit dem Dokumentarfilm »Flügge« ab.<br />
2007 erschien ihr Spielfilmdebüt »Karger«, das be<strong>im</strong> Festival Max Ophüls Preis 2007<br />
den Preis des saarländischen Ministerpräsidenten erhielt.<br />
Peggy Lehmann<br />
Peggy Lehmann wurde 1970 in Berlin-Friedrichshain geboren. Sie absolvierte ein<br />
Fachhochschulstudium, das sie 1989 als examinierte Krankenschwester abschloss.<br />
Ein zweites Studium nahm sie an der HFF in Potsdam in Angriff, 2005 machte sie<br />
dort das Diplom als Drehbuchautorin und Dramaturgin. Erste fiktionale und dokumentarische<br />
Filme entstanden während des Studiums, darunter »Schwestern« und<br />
»Weiber Wodka Wlad<strong>im</strong>ir« von 2006. 2010 schrieb sie »Der Preis«. In Entwicklung<br />
ist der Spielfilm »H<strong>im</strong>melhund«.<br />
38
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
39
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
kurzfilme<br />
Der Diener<br />
40<br />
Buch und Regie: Gerd Schneider<br />
Mittwoch, 4.12. 22.45 Uhr<br />
Der katholische Priester Rainer Gotthardt hat eine schwere<br />
Aufgabe zu erfüllen: Er soll Sarah Urban und ihren Sohn Thomas<br />
dazu bewegen, von einer Anzeige gegen einen Mitbruder<br />
abzusehen. Dieser hat Thomas missbraucht. Gotthardt<br />
bietet der Mutter <strong>im</strong> Namen der Kirche für ihr Schweigen<br />
10.000 €. Die überforderte Frau geht schließlich darauf ein<br />
und unterschreibt die Vereinbarung. Ihr Sohn ist zutiefst von<br />
ihr enttäuscht. Ihm wird keine Gerechtigkeit widerfahren. Er<br />
wird den Makel der Lüge weiter mit sich herumtragen.<br />
Gotthardt plagen Zweifel, ob er dieser Familie nicht zu viel<br />
zugemutet hat, und er vernichtet das Dokument. Das erweist<br />
sich jedoch als fataler Fehler.<br />
Wir haben uns mittlerweile an den Gedanken gewöhnt, dass<br />
es in Einrichtungen der katholischen Kirche sexuellen Missbrauch<br />
an Schutzbefohlenen gibt. Dass dadurch auch Menschen<br />
in Konflikte geraten, die erst einmal nichts damit zu tun<br />
haben, macht man sich nicht so klar. Die Frage nach Loyalität<br />
seinem Arbeitgeber gegenüber oder nach dem eigenen Gewissen<br />
stellt sich hier für einen Priester. Im Blick von innen heraus<br />
findet der Autor und Regisseur, Gerd Schneider, hier einen<br />
neuen authentischen Ansatz. (B.D.)<br />
Besetzung<br />
Rainer Gotthardt André Szymanski<br />
Sarah Urban Jeanette Hain<br />
Thomas Urban Jonas Maier<br />
Kardinal Schöller Reinhold Ohngemach<br />
Stab<br />
Buch und Regie Gerd Schneider<br />
Kamera Dominik Berg<br />
Schnitt Aletta von Vietinghoff<br />
Szenenbild Ina Küfner<br />
Kostümbild Ule Barcelos, Tanja Gierich<br />
Produzent Felix Eisele, Julia Kleinheinz, Katja Siegel,<br />
Bernhard Stegmann<br />
Redaktion Brigitte Dithard/<strong>SWR</strong>, Sabine Brantus/ARTE,<br />
Claudia Gladziejewski/BR<br />
Produktion<br />
Eine Produktion der Penrose av medien<br />
in Koproduktion mit <strong>SWR</strong>, BR und ARTE<br />
Länge 14 Min.<br />
40
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
kurzfilme<br />
Geister, die ich rief<br />
Buch und Regie: Lena Knauss<br />
Mittwoch, 4.12. 23.00 Uhr<br />
Als ihr Vater stirbt, kehrt Johanna mit ihrem deutschen<br />
Mann August und ihrer Tochter Alva in ihr He<strong>im</strong>atdorf nach<br />
Schweden zurück. Dort taucht unerwartet ihre ehemalige<br />
Liebe Elis auf, mit dem sie eine leidenschaftliche Beziehung<br />
hatte, die aber für sie unglücklich endete. Elis bedrängt Johanna,<br />
sich erneut auf ihn einzulassen. Doch Johanna will<br />
ihre glückliche Familienidylle bewahren.<br />
Dennoch lässt Elis nicht locker und schafft es, Johannas Leidenschaft<br />
wieder aufke<strong>im</strong>en zu lassen und Zweifel an ihrem<br />
jetzigen Leben mit Mann und Tochter zu wecken. Ihr Widerstand<br />
gegen Elis wird <strong>im</strong>mer geringer, und sie stellt ihre Loyalität,<br />
ihre Verantwortung als Mutter und ihr ganzes Lebensmodell<br />
in Frage, bis sie schließlich trotz aller Selbstverachtung<br />
bereit ist, alles über Bord zu werfen.<br />
Frau zwischen zwei Männern – eine klassische Konstellation,<br />
die hier von der Autorin und Regisseurin Lena Knauss eine<br />
neue, starke Interpretation erfährt. Sie zeigt eindrücklich, wie<br />
ein Mensch Opfer seiner Leidenschaft werden kann, trotz allem<br />
guten Willen und der Einsicht in die Verantwortung gegenüber<br />
der Familie. (B.D.)<br />
Besetzung<br />
Johanna Lisa Carlehed<br />
Elis Ola Rapace<br />
August Stephan Szász<br />
Alva Claudia Onn<br />
Stab<br />
Buch und Regie Lena Knauss<br />
Kamera Eva Katharina Bühler<br />
Schnitt Anna-Kristin Nekarda<br />
Musik Moritz Schmittat<br />
Szenenbild Jan L. Hartmann<br />
Produzent Igor Dvogal<br />
Redaktion Brigitte Dithard/<strong>SWR</strong>, Sabine Brantus/ARTE,<br />
Claudia Gladziejewski/BR<br />
Produktion<br />
Eine Produktion der Essence Film in Kooperation mit der<br />
Filmakademie Baden- Württemberg, in Koproduktion mit<br />
<strong>SWR</strong>, BR und ARTE<br />
Länge 36 Minuten<br />
Auszeichnungen<br />
Studio Hamburg Nachwuchspreis <strong>2013</strong> für Regie<br />
41
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
kurzfilme<br />
Der Passagier<br />
42<br />
Regie: Marcus Richardt · Buch: Thomas Grabowsky und Marcus Richardt<br />
Mittwoch, 4.12. 23.35 Uhr<br />
Alles beginnt mit einem markerschütternden Schrei: Auf<br />
einem Langstreckenflug löst ein randalierender Passagier Panik<br />
aus, als er damit droht, alle an Bord umzubringen. Obwohl<br />
schnell überwältigt und gefesselt, wird der wehrlose<br />
Mann am Ende Opfer eines Mobs verängstigter und aufgebrachter<br />
Passagiere.<br />
Im Wechsel von Spielszenen und Interviews rekonstruiert<br />
»Der Passagier« die <strong>Ab</strong>folge der Ereignisse an Bord. Jeder der<br />
Beteiligten schildert aus seiner Sicht, wie die Situation so eskalieren<br />
konnte, dass Passagiere versuchten, die Kontrolle <strong>im</strong><br />
Flugzeug an sich zu reißen, und eine Frau unter Applaus brutal<br />
auf den gefesselten, wehrlosen Mann einschlug.<br />
Wie dünn ist die Schicht der Zivilisation in unserem Verhalten,<br />
wenn wir Angst haben? Panik macht uns ungerecht, gefährlich<br />
und brutal. Die Bedrohung des Lebens, ob real oder eingebildet,<br />
verwandelt uns in Wesen, von denen eine ebensolche Bedrohung<br />
ausgeht. Die Zwangsläufigkeit dieser Entwicklung, der<br />
sich nur wenige entziehen können, wird sowohl in den Spielszenen<br />
deutlich als auch in den - ebenfalls fiktiven - Interview-Szenen.<br />
Ein gruseliger, aber wahrhaftiger Blick in unsere Psyche,<br />
den uns Autoren und Regisseur hier bieten. (B.D.)<br />
Besetzung<br />
Peter Michalke Henning Peker<br />
Stefanie Peters Helene Grass<br />
Werner Schröder Bernd Stegemann<br />
Flugbegleiterin Alissa Jung<br />
Flugbegleiter Axel Schreiber<br />
Orkan Münir Oktay Özdemir<br />
Stab<br />
Buch Thomas Grabowsky, Marcus Richardt<br />
Regie Marcus Richardt<br />
Kamera Moritz Schultheiß<br />
Schnitt Anne Beutel<br />
Szenenbild Lars Brockmann, Adrianna Hejducka<br />
Kostümbild Rike Russig<br />
Produzentin Rike Steyer<br />
Redaktion Brigitte Dithard/<strong>SWR</strong>, Sabine Brantus/ARTE<br />
Produktion<br />
Eine Koproduktion der Skalar Film mit <strong>SWR</strong> und ARTE<br />
Gefördert von der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein<br />
und dem Kuratorium junger deutscher Film<br />
Länge 15 Min.<br />
42
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
kurzfilme<br />
Die Welt danach<br />
Regie: Jens Wischnewski · Buch: Julia C. Kaiser<br />
Mittwoch, 4.12. 23.50 Uhr<br />
Die engagierte Strahlenschützerin Lisa ist verantwortlich für<br />
die Bergung der Atommüllfässer <strong>im</strong> Zwischenlager Asse II. Seit<br />
Jahren dringt dort Grundwasser ein, das die Fässer rosten lässt<br />
und so die Radioaktivität nach außen zu transportieren droht.<br />
Die Arbeit hat sie an ihre körperlichen und seelischen Grenzen<br />
gebracht. Vor allem ihre beiden Kinder und ihr Ehemann Markus<br />
bekommen das zu spüren. Darum will Lisa ihre Stelle kündigen<br />
und mit ihrer Familie zurück nach Berlin ziehen.<br />
Doch dann sieht sie bei den ersten entscheidenden Bohrungen<br />
das katastrophale Ausmaß des schon entstandenen<br />
Schadens und ist erschüttert. Ihre Kollegen können sie jetzt<br />
nicht entbehren, wenn es darum geht, noch Schl<strong>im</strong>meres zu<br />
verhindern. Lisa muss sich zwischen ihrer Verantwortung für<br />
die Sicherheit der Asse und ihrer Verantwortung als Mutter<br />
entscheiden. Dabei kann sie nur verlieren.<br />
Nach dem Kurzfilm »Livestream«, ebenfalls von Julia C.Kaiser und<br />
Jens Wischnewski, gezeigt in der Debüt-Staffel 2011, beschäftigt<br />
sich auch dieser Film mit dem Zustand der Welt. Die ist, in der Interpretation<br />
der Filmemacher, offensichtlich gewaltig aus den<br />
Fugen geraten. Was sie den Menschen, die sich damit auseinandersetzen,<br />
abverlangt, wird hier exemplarisch gezeigt. Dabei führen<br />
sie erneut eine Figur in ein unauflösliches Dilemma. (B.D.)<br />
Besetzung<br />
Lisa Anne Ratte-Polle<br />
Markus Michael Rotschopf<br />
Fabrizio Enno Hesse<br />
Karlsson Jürgen Tonkel<br />
Stab<br />
Buch Julia C. Kaiser<br />
Regie Jens Wischnewski<br />
Kamera Dominik Berg<br />
Schnitt Falk Peplinski<br />
Musik Peter Gromer<br />
Szenenbild Karolin Leshel<br />
Kostümbild Teresa Grosser<br />
Producer Anja Goll, Christoph Arni<br />
Redaktion Brigitte Dithard/<strong>SWR</strong>, Sabine Brantus/ARTE,<br />
Claudia Gladziejewski/BR<br />
Produktion<br />
Eine Produktion der Filmakademie Baden-Württemberg<br />
in Koproduktion mit <strong>SWR</strong>, Arte, BR<br />
Länge 26 Min.<br />
43
Debüt <strong>im</strong> Dritten<br />
44Sendetermine <strong>im</strong> <strong>SWR</strong> Fernsehen<br />
Mittwoch, <strong>16.</strong>10.<strong>2013</strong>, 22.00 Uhr<br />
Der Fluss war einst ein Mensch<br />
Regie: Jan Zabeil<br />
Mittwoch, 23.10.<strong>2013</strong>, 22.00 Uhr<br />
Fliegende Fische müssen ins Meer<br />
Buch und Regie: Güzin Kar<br />
Mittwoch, 30.10.<strong>2013</strong>, 22.00 Uhr<br />
Schuld sind <strong>im</strong>mer die anderen<br />
Regie: Lars-Gunnar Lotz<br />
Buch: Anna Maria Praßler<br />
44
sendetermine<br />
Mittwoch, 4.12.<strong>2013</strong>, ab 22.45 Uhr<br />
Kurzfilme<br />
22.45 Uhr Der Diener<br />
23.00 Uhr Geister, die ich rief<br />
23.35 Uhr Der Passagier<br />
23.50 Uhr Die Welt danach<br />
Mittwoch, 11.12.<strong>2013</strong>, 22.00 Uhr<br />
Bastard<br />
Buch und Regie: Carsten Unger<br />
Mittwoch, 18.12.<strong>2013</strong>, 22.00 Uhr<br />
Der Preis<br />
Regie: Elke Hauck<br />
Buch: Peggy Lehmann, Elke Hauck<br />
45
Pressekontakt<br />
Pressestelle<br />
Leitung Programmpresse: Anja Görzel<br />
Telefon: +49 711 929 1 10 46 | anja.goerzel@swr.de<br />
Programmpresse Fernsehfilm: Annette Gilcher<br />
Telefon: +49 7221 929 2 40 16 | annette.gilcher@swr.de<br />
<strong>SWR</strong>-Fotoredaktion<br />
Gabriele Genißer-Baudisch<br />
Telefon: +49 7221 929 2 22 87 | gabriele.genisser@swr.de<br />
Redaktion »Debüt <strong>im</strong> Dritten«<br />
Stefanie Groß<br />
Telefon: +49 7221 929 2 44 83 | stefanie.groß@swr.de<br />
Fotos<br />
ard-foto.de<br />
Redaktion Presseheft<br />
Annette Gilcher<br />
Gestaltung<br />
<strong>SWR</strong> Design: Jutta Haderer<br />
Fotos<br />
Jakub Bejnarowicz Der Fluss war einst ein Mensch<br />
Philippe Antonelle Fliegende Fische müssen ins Meer<br />
Laura Schleicher Schuld sind <strong>im</strong>mer die anderen<br />
Kerstin Stelter, Lars Petersen Bastard<br />
Melanie Dressel Der Preis<br />
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HERAUSGEBER: Südwestrundfunk · <strong>SWR</strong> Pressestelle · Anja Görzel · Leitung Programmpresse · Hans-Bredow-Straße · 76530 Baden-Baden<br />
www.<strong>SWR</strong>.de/presse · Redaktion: Annette Gilcher · © <strong>SWR</strong> <strong>2013</strong> · Pressemappe des <strong>SWR</strong>. Nutzung nur zu Pressezwecken. Alle Rechte vorbehalten.<br />
Insbesondere ist eine Veräußerung <strong>im</strong> freien Verkauf nicht gestattet.<br />
<strong>SWR</strong>.de<br />
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