Ab 16. Oktober 2013, mittwochs im SWR ... - Südwestrundfunk

Debüt im Dritten
Am besten Südwesten
ab 16. Oktober 2013 mittwochs
im SWR Fernsehen
SWR-Fernsehen.de/debuet

Debüt im Dritten
2

Debüt im Dritten
Inhalt
Vorwort Martina Zöllner 5
Einführung : »Unterwegs« 6
Der Fluss war einst ein Mensch 10
Fliegende Fische müssen ins Meer 16
Schuld sind immer die anderen 22
Bastard 28
Der Preis 34
Kurzfilme 40
Übersicht Sendetermine 44
3

Debüt im Dritten
4

vorwort
Vorwort
Auch wenn das »Debüt im Dritten« mittlerweile schon älter
sein mag als so mancher Debütant, so hat es dennoch
nichts von seinem besonderen Charme und seiner jugendlichen
Frische eingebüßt. Dies liegt zum einen sicherlich
an der kontinuierlichen Pflege und Weiterentwicklung des
Konzeptes, zum anderen in der Natur der Sache. Aus der
lebendigen Zusammenarbeit mit jungen Regisseuren und
Autoren entstehen immer wieder Filme, die überraschen
und begeistern.
Mit dem »Debüt im Dritten« macht sich der SWR seit nunmehr
28 Jahren stark für die Nachwuchsförderung. Er gibt
Absolventen der Filmhochschulen wie Quereinsteigern
die Gelegenheit, ihren ersten großen Fernsehspielfilm
oder Kinofilm zu realisieren und dabei ihre eigene Handschrift
zu entwickeln. Für den SWR handelt es sich bei diesem
Engagement um eine unverzichtbare Investition in
die Zukunft, von der nicht nur der SWR und die Debütanten
profitieren, sondern vor allem das Publikum.
Mit unverstelltem Blick, oft erstaunlich unbeeindruckt von
Mainstream-Dramaturgien gängiger Fernseh- oder Kinoware
finden die jungen Macher für den Stoff, der ihnen
Anliegen ist, eine ganz eigene Form.
Und wenn all diesen so beglückend unterschiedlichen
Stilen und Erzählweisen der »Debüts« eines gemeinsam
ist, dann vielleicht dieses: Sie begnügen sich nicht damit
zu erzählen, was ist, sondern leuchten aus, warum es so
ist. Sie zeigen menschliches Handeln in seinen Bedingtheiten,
differenziert, leise, mit wachem Blick. Und das ist
auch eine besondere Qualität der Filme. Sie laden das
Fernsehpublikum in diesem Sinne ein, differenzierter, genauer
hinzuschauen.
Großer Verdienst kommt der betreuenden Redaktion zu:
Mit viel Leidenschaft und Eifer ermöglicht sie Freiräume
zum Experimentieren, steht beratend zur Seite und zeigt
sich manchmal auch streng, wenn auf formale Anforderungen
an Dramaturgie, Produktionstechnik und Budget
geachtet werden muss.
Aus der intensiven Zusammenarbeit zwischen Debütanten
und Sender ergeben sich nicht selten langjährige Kontakte
– und weitere gemeinsame Projekte. Einige der heute
renommiertesten deutschen Filmemacher sind aus der
»Talentschmiede« des SWR hervorgegangen. Das macht
mich sehr stolz. Das Debüt – eine Tradition, an der wir auch
zukünftig festhalten werden. Preise und Auszeichnungen
auf den Festivals, Sendeplätze im Ersten, in anderen Dritten
und beim jungen Sender EinsPlus sind eine schöne Bestätigung,
vor allem aber die Resonanz des Publikums.
Ich wünsche Ihnen viel Vergnügen beim aktiven Schauen
neuer, bewegender Geschichten von Filmemachern, von
denen wir in Zukunft hoffentlich noch viel hören werden.
Martina Zöllner,
Leiterin Hauptabteilung Film und Kultur SWR
5

Debüt im Dritten
Unterwegs
Der erste Film. Ein Projekt, dem junge Autoren und Regisseure
so viele Gedanken, Energie, Zeit widmen werden.
Mit einem Thema, bei dem sie über Jahre viele eigene Erfahrungen
gesammelt haben. In einem Genre, in dem sie
sich ausprobieren wollen. Oder in einem Stil, der zeigt: da
soll’s langgehen für mich. In jedem Fall: ein Projekt, das all
die Gedanken, Energie und Zeit wert ist, die ein erster oder
zweiter Film aufsaugt.
Fünf dieser Filme präsentiert die Staffel 2013 von Debüt
im Dritten, flankiert von einem Kurzfilmprogramm. Angesichts
der Devise von Debüt im Dritten, die Filmemacher
ihre Handschrift entwickeln zu lassen, ist Unterschiedlichkeit
Programm. Das zeigt sich auch in der diesjährigen
Staffel. Die Vielfalt der Ansätze lässt sich diesmal schon an
den Filmtiteln ablesen: »Der Fluss war einst ein Mensch«
(Jan Zabeil) dreht sich um die Erfahrung grundsätzlicher
Fremdheit und führt in die übermächtige Natur und die
magische Denkweise Schwarzafrikas, die Komödie »Fliegende
Fische müssen ins Meer« (Güzin Kar) erzählt von
Sehnsucht und der Anerkennung von Unterschieden,
»Schuld sind immer die anderen« (Lars-Gunnar Lotz und
Anna Maria Praßler) dagegen lässt sich in einer konzentrierten
Konstellation auf das Thema Schuld und Vergebung
ein. Der Titel »Der Preis« (Elke Hauck und Peggy Lehmann)
bleibt auf den ersten Blick betont nüchtern beim
Ausgangspunkt der Handlung und lässt seine Metaphorik
erst später erkennen, während »Bastard« (Carsten Unger)
direkt auf den hochemotionalen Kern dieses Thrillerdramas
zielt.
6

einführung
Dass sowohl ein Film als auch der Prozess seiner Entstehung
mit einer Reise zu vergleichen ist, hat Jan Zabeil bei
seinem Erstlingsfilm »Der Fluss war einst ein Mensch« sozusagen
wörtlich genommen. Das gilt für seinen namenlosen
Helden, der auf der Fahrt durch ein schwarzafrikanisches
Flussdelta existentiell herausgefordert wird. Fremdheit,
Verstörung, kulturelles Unverständnis sind darin
genauso Ereignis wie Schönheit und Macht der Natur. Für
die Dreharbeiten reiste Jan Zabeil mit Hauptdarsteller, Kamera-
und Tonmann in ein Flussdelta Botswanas. Er verzichtete
dabei nicht nur auf ein großes Team, sondern
auch auf die Festlegung durch ein ausgearbeitetes Drehbuch.
Die Kamera schaut zu, der Ton hört genau hin und
der Darsteller Alexander Fehling lässt die Verunsicherung
der Figur spürbar werden, die sich, ohne es zu wissen,
durch den Umgang mit einer Leiche an den Einheimischen
schuldig macht. »Der Fluss war einst ein Mensch« fordert
die Zuschauer auf, sich auf diese fremde Welt einzulassen,
ganz den Bildern und den Geräuschen des Flussdeltas hingegeben.
(16.10.2013)
»Der Preis« von Elke Hauck und Peggy Lehmann handelt
ebenfalls von einer Reise, einer äußeren und einer inneren.
Äußerlich reist der Architekt Alexander nach vielen
Jahren zum ersten Mal in sein Heimatdort in Thüringen,
um sich um die Räumung und Sanierung eines DDR-
Wohnblocks zu kümmern. Innerlich geht es jedoch um
den traumatischen Vorfall, als sein bester Freund, der rebellische
Micha, mit 17 Jahren durch einen Unfall ums Leben
kam. Auf einer tieferen Ebene reist der Held zu seiner
eigenen Schuldfrage, er muss sich seiner Verantwortung
stellen, einen Entwicklungsprozess durchmachen. Somit
kreist die Geschichte von Anfang an implizit auch um die
Themen Feigheit, Anpassung und Korrumpierbarkeit von
Menschen, die lieber den Weg des geringsten Widerstands
gehen als sich offen aufzulehnen. Durch die Rückblenden
erfahren wir, dass auch Alexander als Jugendlicher zu dem
Typ Mensch gehörte, der durch seine mangelnde Zivilcourage
das Unterdrückungssystem der DDR mitgetragen.
Durch die Konfrontation mit seinem eigenen Anteil an
Michas Tod erkennt er, dass er für sein Leben selbst verantwortlich
ist und so reist er am Ende gewandelt aus Thüringen
ab. (18.12.2013)
In »Fliegende Fische müssen ins Meer« von Güzin Kar hat
die 16-jährige Nana eine Reise als Ziel: Sie möchte Kapitänin
werden. Dieses Ziel kann sie aber nur verwirklichen,
wenn ihre Mutter Roberta lernt, ihr Leben allein auf die
7

Debüt im Dritten
Reihe zu kriegen. Das bedeutet in Nanas Augen, dass sie
einen soliden Mann für ihre Mutter finden muss. Im Laufe
der Geschichte merken wir, dass es nicht wirklich um den
neuen Mann für Roberta geht, sondern um Nanas innere
Befreiung. Auch in diesem Film ist das Streben nach einem
äußeren Ziel Ausdruck der inneren Sehnsucht. Als einziger
Film in der diesjährigen Staffel spielt »Fliegende Fische
müssen ins Meer« auch humorvoll mit seinem dramatischen
Konflikt. Mit großem Einfallsreichtum mischt die
Regisseurin fantastische und märchenhafte Elemente, die
sie ästhetisch umsetzt. (23.10.2013)
Offene und verborgene Schuld spielt in fast allen Filmen
der diesjährigen Staffel eine Rolle, vor allem natürlich im
Drama »Schuld sind immer die anderen« von Regisseur
Lars-Gunnar Lotz und Autorin Anna Maria Praßler. Hier
führt die Reise in ein Projekt des offenen Strafvollzugs auf
der schwäbischen Alb, wo jugendliche Straftäter lernen
sollen, ihre Schuld anzuerkennen und sich auf ein gemeinschaftliches
Leben einzustellen. Dort treffen einer
dieser Täter und sein Opfer aufeinander. Der Film konzentriert
sich auf das Leben im Camp und auf dieses Zusammentreffen.
Dabei behält er mit großer Intensität beide
Perspektiven im Blick: die des jugendlichen Täters, der erst
in der direkten Begegnung mit dem Opfer seiner Tat zu so
etwas wie Schuldbewusstsein findet. Und die auf die junge
Frau, die in der Auseinandersetzung mit ihrem ehemaligen
Peiniger erkennt, dass sie ihrem eigenen Ideal der
Vergebung noch nicht gewachsen ist. (30.10.2013)
Was »Schuld sind immer die anderen« fast völlig ausspart
– Herkunft und Entwicklungsgeschichte von Täter und Opfer
– ist in »Bastard« von Carsten Unger im Fokus des Geschehens
um zwei jugendliche Erpresser. In der Erfahrung
der Teenager Leon und Mathilda machen die Erwachsenen
sich an ihnen durch Vernachlässigung und Lieblosigkeit
schuldig. Kalt und verletzlich zugleich reagieren beide mit
grausamer Provokation, um von der Elterngeneration Liebe
und Zuwendung zu erpressen. Eine Provokation, die
aus Verzweiflung entsteht und tief erschreckend ist. Visuelle
Wucht und druckvoller Sound ziehen hinein in den
vielleicht verstörendsten Film der diesjährigen Staffel, der
Psychothriller und Familiendrama gleichzeitig ist.
(11.12.2013)
8

einführung
Sie sind in Bewegung, die jungen Filmemacher und ihre
Figuren. Die Reisen, auf die sie uns mitnehmen, führen nie
ins Ungefähre und oft dorthin, wo es wehtut. Das gilt
auch für die vier Kurzfilme »Der Diener«, »Die Geister, die
ich rief«, »Der Passagier« und »Die Welt danach«. (4.12.2013)
Alle vier Filme zeigen Figuren in einem existentiellen Dilemma.
Und immer steht das eigene Wohl im Widerspruch
zur Verantwortung für andere. In der Kürze der Zeit so intensiv
in die Tiefe des menschlichen Wesens einzutauchen,
ist die Qualität, die diese vier Filme auszeichnet. Das
erlaubt Rückschlüsse auf das Talent ihrer jungen Autoren
und Regisseure. Ein erster Film, der Ausdruck des Muts
und der Neugierde einer jungen Generation von Filmemachern
ist, die sich auf die Reise machen, unterwegs sind,
und davon erzählen wollen.
Stefanie Groß
Redaktion Debüt im Dritten
9

Debüt im Dritten
Der Fluss war einst ein Mensch
10
Buch und Regie: Jan Zabeil
Mittwoch, 16.10.2013, 22.00 Uhr
10

Der Fluss war einst ein Mensch
Ein junger Deutscher reist in einem afrikanischen Land. Am
Ufer eines Flusses begegnet er einem alten Fischer, der ihn in
seinem Holzboot tief in die Wildnis mitnimmt. Am nächsten
Morgen ist der Fischer gestorben und der junge Mann findet
sich allein in einem schier endlosen Flussdelta. Die Leiche
versenkt er im Fluss und versucht seinen Weg zu finden. Es
beginnt ein intimer Kampf mit dem Tod, mit seinen Ängsten
und der eigenen Wahrnehmung. Nach tagelangem Umherirren
gelangt er in ein Dorf fern der Zivilisation, doch seine
Odyssee nimmt kein Ende. Da er der Familie des Fischers die
Leiche nicht bringen kann, können die Todesriten nicht vollzogen
werden. Der junge Mann verliert immer mehr die Kontrolle
in den Unwägbarkeiten einer fremden Kultur.
Mit dem Film »Der Fluss war einst ein Mensch« lässt Debütregisseur
Jan Zabeil seinen namenlosen Protagonisten (eindrucksvoll
gespielt von Alexander Fehling) unvorbereitet in die
Wildnis Afrikas, aber auch durch die Hölle seiner eigenen
Angstfantasien und -projektionen reisen. Durch das Erleben
einander eigentlich ausschließender Realitäten muss er sich
seinen Ängsten stellen und lernt, sie in ein neues Verhältnis zu
setzen – und findet dadurch zu sich selbst. In der filmischen
Umsetzung wandelt Zabeil auf einem spannenden Grat zwischen
Dokumentarischem und Fiktion, zwischen Mystik und
Realismus. Das Ergebnis ist eine extreme, künstlerische Filmerfahrung,
erzeugt mit minimalistischen Mitteln. (S.G.)
11

Debüt im Dritten
Besetzung
Alexander Fehling
Sariqo Sakega
Obusentswe Dreamar Manyima
Babotsa Saxtwee
Nx’apa Motswai
Stab
Regie: Jan Zabeil
Idee: Jan Zabeil, Alexander Fehling
Kamera: Jakub Bejnarowicz
Schnitt: Florian Miosge
Ton: Anton Feist, Magnus Pflüger
Tongestaltung: Uwe Bossenz
Tonmischung: Lars Ginzel
Produzenten: Benny Drechsel, Karsten Stöter, Jan Zabeil
Redaktion: Stefanie Groß
Produktion
Eine Rohfilm Produktion in Zusammenarbeit mit dem SWR
Gefördert durch die FFA
Deutschland 2011
Länge 78 Minuten
Auszeichnungen: U. a. Best New Director Award beim Filmfestival
in San Sebastian 2011, Produzentenpreis beim Förderpreis
Deutscher Film 2011, Preis für die beste Tongestaltung
beim Moskauer Filmfest 2011 und dem Festival des deutschen
Films 2012.
12

Der Fluss war einst ein Mensch
Jan Zabeil über seinen Film
Am Anfang stand die Faszination, eigene Grundvorstellungen
von »richtig« und »falsch« und Leben und Tod über
den Aufenthalt in der Fremde relativieren zu können. Mein
Onkel lebte über 20 Jahre am Rande des Okavango-Deltas
und so kam es, dass ich schon als Kind, aber auch später immer
wieder in Botswana und in anderen Ländern des südlichen
Afrikas war. Ich spürte dort ein Verlangen danach,
mich Natur und Einsamkeit auszusetzen und mich dadurch
meinen Fähigkeiten und Ängsten zu stellen.
In der Begegnung mit Natur und Mensch hatte ich das Gefühl,
an die Grenzen meines Denkens und meiner Wahrnehmung
zu gelangen. Diese Grenzerfahrung wollte ich aufspüren,
in einem Film aufzeigen und in einer fiktionalen Handlung
für andere erlebbar machen, ohne während der
Realisation auf das zu verzichten, was diese Grenzerfahrung
meiner Meinung nach ausmacht: Freiheit und Flexibilität
durch den Verlust von Sicherheiten, das Einlassen auf die
Kräfte von Zufall und Natur und das Durchleben von
Fremdrealitäten, die mit der eigenen nur schwer in Einklang
zu bringen sind.
Als ich Alexander Fehling erstmals davon erzählte, dass ich
inmitten des größten Inlanddeltas der Erde einen Film ohne
Drehbuch machen wollte und was mich dazu veranlasste,
sagte er: »Ich weiß zwar nicht, was du genau vorhast, aber
ich bin auf jeden Fall dabei.« Und so blieb es. Bis zum fertigen
Film sollten wir einen weiten, gemeinsamen Weg gehen und
es dauerte lange, bis wir formulieren konnten, was wir
wollten und was es brauchte, damit es andere nachvollziehen
konnten. Sein großes Vertrauen, seine Spontaneität, seine
Euphorie und seine inhaltliche Auseinandersetzung bilden
ein wichtiges Fundament für diesen Film. Wir fanden ein
Team von Mitstreitern, die für eine solche Unternehmung
bereit waren, aber auch für eine Arbeitsweise, bei der nicht
immer klar war, was passieren würde. Und genau deshalb
sind wir lediglich zu viert auf die Reise gegangen: Alexander
Fehling (Schauspiel), Jakub Bejnarowicz (Kamera), Anton
Feist beziehungsweise Magnus Pflüger (Ton) und ich. Ohne
das Vertrauen, die Mitgestaltung und die Euphorie von Benny
Drechsel (Produktion), Stefanie Groß (SWR – Debüt im
Dritten) und Florian Miosge (Montage) wäre es nicht möglich
gewesen, den Film in dieser Weise zu machen, denn sie
ließen sich auf ein Abenteuer ohne branchenübliche Finanzierung
und ohne Sicherheiten, aber dafür mit umso mehr
Risiko ein.
Im Vorfeld hatten Alexander und ich uns für eine Figur entschieden,
deren wichtigste Aufgabe es ist, als Projektionsfläche
für einen weißen Mann in der »Wildnis« zu dienen. Es
war eine große Herausforderung, die Figur praktisch in jedem
Bild zu zeigen, ohne ihren Charakter und ihre Motive
zum wesentlichen Thema des Films zu machen. Vielmehr
sollte sie Freiräume schaffen für die eigenen Gedanken, Nöte
und Ängste des Zuschauers. Uns war auch bewusst, dass wir
in einem solchen Kontext nicht frei sind von postkolonialen
Vorurteilen und Erwartungen politischer Korrektheit. Um
dennoch unsere Geschichte erzählen zu können, entschieden
wir uns, den Film eindeutig aus der Wahrnehmung des
Weißen, insbesondere über seine Angstzustände und tiefe
Verunsicherung zu erzählen – denn dadurch wird sie zu einer
zutiefst subjektiven Perspektive.
Früh wusste ich, dass ich ohne Drehbuch nach Afrika reisen
wollte, weil ich das Gefühl hatte, das, was ich eigentlich
suchte, nicht aufschreiben zu können, obwohl ich monatelang
an verschiedenen Exposé- und Konzeptfassungen gearbeitet
hatte. Ich wusste, dass wir chronologisch drehen
müssten, auch, dass der fortwährende körperliche Verfall
unserer Hauptfigur in der Geschichte, seine Veränderung
durch Natur und Sonne nicht künstlich durch eine Maske
hinzugefügt werden durfte, sondern eben genau seinen natürlichen
körperlichen Prozess darstellen musste. Es wurde
Teil des Konzeptes verloren zu gehen, während wir die Geschichte
von einem erzählen, der verlorengeht. Und wir
wollten den lokalen Umgang der Menschen mit dem Tod auf
dokumentarische Art erleben und im Film thematisieren.
Dabei ging uns nicht darum, Besonderheiten eines fremden
13

Debüt im Dritten
Glaubens herauszustellen oder zu portraitieren. Es ist der
Versuch, eine Andersartigkeit im Denken der Menschen über
die Hauptfigur filmisch erlebbar zu machen. Der Film und
der Prozess seiner Entstehung leben vom Aufeinandertreffen
mit dieser Andersartigkeit.
Für manch einen mag es in der Theorie keine Neuigkeit sein,
für mich war es und bleibt es in der praktischen Erfahrung
überwältigend: das, was man erlebt, existiert – auch wenn es
der eigenen Überzeugung widerspricht. Scheinbar gibt es in
der Wahrnehmung der Welt verschiedene Realitäten, die
miteinander nicht in Einklang zu bringen sind. Es fordert
eine unheimliche Flexibilität des Geistes, diesen Umstand in
vollem Umfang zu akzeptieren. Wir hatten die seltene Gelegenheit
unser Denken und unser Selbstverständnis zu relativieren,
zu hinterfragen und aus einer gewissen Entfernung
neu zu betrachten. Das ist eine Erfahrung,
die ich auch anderen zugänglich machen möchte –
sich mit dem Held in einem sinnlichen Erlebnis zu
verlieren, in dem die Grenzen zwischen Fiktion und
Dokumentarfilm, beziehungsweise zwischen Realität
und Phantasie verschwimmen.
Jan Zabeil
Jan Zabeil wurde 1981 in Berlin geboren. Er studierte von 2003 bis 2009 Kamera an der
HFF »Konrad Wolf« und war u. a. bei den Filmen »Es gibt noch Berge draußen«, »Elf
Onkel« oder »Magda« als Kameramann im Einsatz. Darüber hinaus begann er zu inszenieren,
es entstanden die Kurzfilme »L.H.O.« (2009) und »Was weiß der Tropfen davon«
(2007) sowie der Dokumentarfilm »Hör ich auf getreu zu sein« (2010). »Der Fluss war
einst ein Mensch« ist sein erster abendfüllender Spielfilm.
14

Debüt im Dritten
15

Debüt im Dritten
Fliegende Fische müssen ins Meer
16
Buch und Regie: Güzin Kar
Mittwoch, 23.10.2013, 22.00 Uhr
16

fliegende fische müssen ins meer
»Roberta ist die peinlichste Figur im Universum und die unfähigste
Mutter aller Zeiten« verkündet die 15-jährige Nana,
die die Vorliebe ihrer Mutter für kurze Liebschaften verurteilt
und deshalb deren Rolle im Haus selbst übernommen hat.
Sie kümmert sich um die beiden jüngeren Geschwister und
arbeitet als Schleusenwärterin in dem kleinen Ort am Rhein.
Als das Jugendamt die Geduld verliert, schwört Roberta Besserung.
Darauf will Nana sich aber nicht verlassen. Sie macht
sich auf die Suche nach einem geeigneten Mann für Roberta
und einem Vater für sich und ihre Geschwister. Doch dann
verliebt sich Nana selbst in den Auserwählten ...
Munteres, vergnügliches, farbenfrohes Kaleidoskop, das einen
Blick wirft auf die 16-jährige Nana und ihre schillernde, temperamentvolle
und leicht chaotische Mutter Roberta, die 3 Kinder
von 3 verschiedenen Männern hat. Dabei kommen auch
die Schweizer Provinz und ihre leicht grotesken Alltags-Individualisten
nicht zu kurz. Güzin Kars Inszenierung setzt sich
wohltuend vom deutschen Sozialdrama und von gewollt-platten
Komödien ab, kommt ernsthaft und doch verspielt daher,
nicht zuletzt dank der Kamera von Benjamin Dernbecher, die
wechselnde Perspektiven einnimmt, dank der zahllosen visuellen
Einfälle und dank der verspielten knallbunten Nebengeschichten
– in der Montage liebevoll zusammengeführt. (S.G.)
17

Debüt im Dritten
Besetzung
Roberta Meret Becker
Nana Elisa Schlott
Eduardo Barnaby Metschurat
Karl Hauser Hanspeter Müller-Drossaart
Doris Gilbert Mona Petri
Frau Jedele Lilian Naef
Herr Gilbert Andreas Matti
Tatjana Alia Duncan
Toto Joseph Sunkler
Elvira Isabelle Schmid
Stab
Buch & Regie Güzin Kar
Kamera Benjamin Dernbecher
Schnitt Benjamin Fueter
Musik Fabian Römer
Szenenbild Gerald Damovsky
Kostümbild Barbara Schwarz
Producer Johanna Teichmann
Produktion Ruth Waldburger, Dietmar Güntsche
Redaktion Tamara Mattle/SRF, Stefanie Groß/SWR,
Andreas Schreitmüller/ARTE
Produktion
Eine Produktion von Vega Film und Neue Bioskop Film in
Koproduktion mit Schweizer Fernsehen Teleclub,
Rainer Curdt Filmproduktion, SWR, ARTE und Dialog AG
Gefördert durch: Bundesamt für Kultur Schweiz, FFA,
MFG Baden-Württemberg, DFFF, Kulturfonds Suissimage
Schweiz/Deutschland 2011
Länge 84 Minuten
Auszeichnungen
Drehbuchpreis der Schweizerischen Autorengesellschaft
SSA 2005; Preis des saarländischen Ministerpräsidenten
beim Festival Max Ophüls Preis 2011
18

fliegende fische müssen ins meer
Güzin Kar über ihren Film
Die Geschichte um Roberta und ihre Kinder erzählt von einer
Familie mit geänderten Vorzeichen. Was hat Sie daran
besonders interessiert?
Familiengeschichten werden ihren Reiz niemals verlieren, da
sie universelle Themen in einem spezifischen Umfeld schildern.
Im Zentrum von »Fliegende Fische müssen ins Meer«
steht die Mutter-Tochter-Beziehung mit umgekehrter Rollenverteilung:
Die Mutter, Roberta, benimmt sich wie ein pubertierender
Teenager, bekommt sich und ihr Leben nicht in den
Griff und hat drei Kinder von drei Männern. Die älteste Tochter
Nana sehnt sich nach einem bürgerlichen Familienleben.
Sie sorgt für die Geschwister und verdient den Unterhalt der
Familie mit. Doppelbelastung mit 16. Beide, Mutter und
Tochter, sind Antiheldinnen. Die in den Neunzigerjahren in
Medien und Ratgeberbüchern überpräsenten Supermütter,
die bei der Kindererziehung und in Job, Küche und Ehebett
stets mit Höchstleistungen brillieren, gibt es nicht. Roberta
und Nana sind beide auf ihre Art überfordert, jede ist auf
ihre Art einsam im Mikrokosmos Familie. Der Film spiegelt
ehrlich und schonungslos das Leben einer alleinerziehenden
Mutter und ihrer Kinder.
Bei aller Schonungslosigkeit ist der Film aber anrührend
und sehr komisch zugleich. Wie ordnen Sie den Film ein?
Ich bewege mich hier im Bereich der Tragikomödie oder der
Dramödie, wie wir Drehbuchautoren auch gerne sagen. Es
ist ein Genre, das mir sehr liegt, auch meine beiden früheren
Schweizer Filme sind im selben Erzählstil gehalten:
Ernste Themen werden auf leichtfüßige Art behandelt, Komik
und Tragik liegen dicht beieinander. Wichtig ist mir in
dieser Geschichte, dass trotz der komödiantischen Überhöhungen
die Glaubwürdigkeit der Figuren und der Handlungen
stets gewahrt wurde. Diesen Ort mit diesen Menschen
könnte es real geben. Einzig in den Traumsequenzen wird
die Realität bewusst untergraben, aber das ist das Privileg
von Träumen. Filme dieser Erzählart sind etwas »Meerjungfrauen
küsst man nicht« (»Mermaids«), »The Royal Tennenbaums«
oder auch der ernstere Film »Gilbert Grape«. Es
sind berührende Geschichten, die auf lustige Art erzählt
werden. Oder ganz einfach gesagt: »Fliegende Fische müssen
ins Meer« soll eine Mischung sein zwischen Bonbontüte
und Pillenschachtel.
Auffallend sind auch das Farbkonzept und die Bilddramaturgie.
Wie wichtig sind Ihnen diese Akzente?
Ich bin eine regelrechte Farbfetischistin und wollte mich bewusst
von der zur Zeit angesagten Ästhetik der farbentsättigten
Filme abgrenzen. Stattdessen wollte ich einen bunten,
farbenfrohen Film machen, der Nanas Perspektive diente, die
trotz aller Alltagssorgen eine kindlich-verspielte ist.
Wie haben Sie zu Ihrem Schauplatz, dem Grenzgebiet zwischen
Deutschland und der Schweiz gefunden?
Da ich selber am Hochrhein aufgewachsen bin, fasziniert
mich diese Gegend. Hier paart sich die tiefe Provinz mit
zwangsläufiger Weltoffenheit, da man so oder so zwischen
zwei Ländern hin- und herpendelt. Der Rhein als Landesgrenze
mit dem Kraftwerk und der Schleuse steht hier als Metapher
für die inneren Grenzen der Figuren. Wo werden ihre
Möglichkeiten in die Schranken gewiesen? Welche Schleusen
müssen sie öffnen, um in ungeahnte Weiten aufbrechen zu
können? Oder ist Bleiben eine Option?
Können Sie erzählen, wie Sie diese so passende Besetzung
ausgewählt haben?
In meiner Geschichte sind alle Figuren auf der Suche nach
Liebe, jede auf ihre zuweilen tragikomische Art. Es haben alle
einen Hau weg, und gerade deshalb sind sie so liebenswert.
Mir war es aber wichtig, keine der Figuren zu pathologisieren.
Meret Becker hat nicht nur Robertas Eigensinn und Verschrobenheit
perfekt verkörpert, sondern auch ihre Brüchigkeit,
ohne die sie eine Comicfigur geworden wäre. Elisa
Schlott haben wir aus vielen Mädchen gecastet. Sie ist trotz
ihres jugendlichen Alters kein Filmneuling und spielt mit
Vorliebe Figuren, die nicht viel mit ihr selber gemein haben.
19

Debüt im Dritten
In der Rolle der Nana musste sie die ganze Bandbreite vom
einsamen Mädchen über die arbeitsame Schleusenwärterin
bis hin zum Vamp abdecken, was ihr grossen Spass bereitet
hat. Barnaby Metschurat und Hanspeter Müller-Drossaart
verkörpern zwei absolut gegensätzliche Männer. Eduardo,
gefangen in der Sehnsucht nach Bindung und der Flucht davor,
bleibt auch in seinen emotionalsten Szenen distanziert
und unerreichbar. Bei Barnabys präzisem Spiel reicht ein
Blick, eine Körperhaltung, um diesen Zwiespalt zu erzeugen.
Karl hingegen überschreitet in seiner verzweifelten Suche
nach Liebe ständig die Grenzen, sowohl körperlich als auch
geistig. Hanspeter Müller-Drossaart hat diesen an sich nervigen
Charakterzug so liebeswürdig verkörpert, dass man
versteht, weshalb Roberta sich mit ihm anfreundet.
Güzin Kar
Güzin Kar wurde 1971 in der Türkei geboren und wuchs in der Schweiz auf. Sie begann
zunächst in Basel ein Germanistikstudium und studierte dann von 1994 bis
1999 an der Filmakademie in Ludwigsburg mit Schwerpunkt Drehbuch. Seitdem
schreibt sie Filmdrehbücher, darunter »Die wilden Hühner« nach Cornelia Funke,
»Lieber Brad« oder »Ein verlockendes Angebot«. Sie ist bekannt als Kolumnistin, zunächst
der Weltwoche, dann für TELE und den Tages-Anzeiger. 2006 erschien ihr Episodenroman
»Ich dich auch«, 2008 folgte »Leben in Hormonie«. Nach einigen Kurzfilmen
inszenierte Güzin Kar 2005 zum ersten Mal einen Langfilm, »Alles bleibt anders«. 2009 folgte der Kinoerfolg
»Fliegende Fische müssen ins Meer«.
20

Debüt im Dritten
21

Debüt im Dritten
Schuld sind immer die anderen
22
Regie: Lars-Gunnar Lotz · Buch: Anna Maria Praßler
Mittwoch, 30.10.2013, 22.00 Uhr
22

Schuld sind immer die anderen
Ben bekommt im idyllisch gelegenen Waldhaus die einmalige
Chance auf einen Neuanfang. Als einer von sieben jugendlichen
Straftätern soll er in der familiären Gemeinschaft
soziale Kompetenz erlernen und Geborgenheit erfahren.
Ben beugt sich nur mühsam den Regeln, verharrt in
Wut und Ablehnung. Doch dann kehrt Hausmutter Eva zurück
ins Waldhaus, und Ben ist geschockt: Sie ist eines seiner
früheren Opfer. Sein brutaler Überfall auf sie wurde nie
aufgeklärt. Nun versucht Ben alles, um in der Gruppe nicht
aufzufallen. Doch in Eva wächst bald ein Verdacht. In der
Konfrontation mit Eva empfindet Ben zum ersten Mal so etwas
wie Schuld. Eva dagegen muss sich fragen, ob sie zu
Vergebung tatsächlich fähig ist.
Die Frage, wie man sich als Mensch der eigenen Schuld stellt
und sich und anderen verzeihen kann, beschäftigte Anna Praßler
(Drehbuch) und Lars Gunnar Lotz (Regie) schon in ihrem
Kurzfilmen. In ihrem Langfilm-Debüt haben sie diese Frage
aus zwei Richtungen beleuchtet: aus der des jugendlichen
Straftäters, der mit seinem Opfer konfrontiert wird und sich
mit seiner Tat und den Folgen auseinandersetzen muss, sowie
aus der des Opfers, einer Frau, die durch den Überfall ihr ungeborenes
Kind verloren hat. Diese Frau ist keineswegs bereit
zu verzeihen, sondern nutzt die Macht, die ihr ihr Status gibt,
um sich zu rächen. Hier schaut der Film genau hin und zeigt
auch auf der Seite der »Guten« die Brüche und Ungereimtheiten,
die uns alle auszeichnen. (B.D.)
23

Debüt im Dritten
Besetzung
Ben Edin Hasanovic
Eva Julia Brendler
Niklas Marc Ben Puch
Tobias Pit Bukowski
Mariana Natalia Rudziewicz
Emre Aram Arami
Samir Kais Setti
Alex Oliver Konietzny
Stab
Buch Anna Maria Praßler
Regie Lars-Gunnar Lotz
Kamera Jan Prahl
Schnitt Julia Böhm
Musik Sea + Air
Szenenbild Ina Küfner
Kostümbild Tanja Gierich, Ulé Barcelos
Producer Franziska Specht
Produzenten Sebastian Sawetzki und
Manuel Challal, Matthias Drescher und
Philipp Knauss
Redaktion Brigitte Dithard/SWR,
Nadja Dumouchel/ARTE
Produktion
Eine Koproduktion der FFL Film- und Fernseh-Labor Produktion
mit SWR und ARTE in Kooperation mit der Filmakademie
Baden-Württemberg. Gefördert durch die MFG Filmförderung
Baden-Württemberg
Deutschland 2012
Länge 93 Min.
Auszeichnungen
Studio Hamburg Nachwuchspreis 2012 für die beste Regie;
NDR Filmpreis für den Nachwuchs beim Filmfest Emden-
Norderney 2012 für Lars-Gunnar Lotz; Günther-Strack-Nachwuchspreis
2013 für Edin Hasanovic; Bernhard Wicki Preis
und DGB Filmpreis 2012 sowie Publikumspreis beim Festival
des deutschen Films 2012; Nominierung für den Deutschen
Filmpreis 2013 für Anna Maria Praßler und Edin Hasanovic
24

Schuld sind immer die anderen
Lars-Gunnar Lotz und
Anna Maria Praßler über ihren Film
Herr Lotz, was ist das Thema des Films, wie sind Sie darauf
gekommen?
wird sie gezwungen, sich mit ihren eigenen Abgründen auseinander
zu setzen.
Lars-Gunnar Lotz: Ganz am Anfang war da einfach nur die
Idee, etwas über Sozialarbeiter zu machen. Das klingt zuerst
einmal etwas langweilig. Aber in meinem Freundeskreis arbeiten
viele im sozialen Bereich und die Geschichten von ihnen
hörten sich immer sehr spannend an. Ich denke, deren
Arbeit findet in Filmen wenig Beachtung. Außerdem habe
ich selbst viele Jahre ehrenamtlich mit Jugendlichen gearbeitet.
Anna Maria Praßler und ich suchten also nach einem besonderen
und spannenden Ansatz. Durch Zufall sind wir
dann auf das Seehaus Leonberg gestoßen, eine Einrichtung
des freien Vollzugs, die es in dieser Art kein zweites Mal gibt.
Hier erleben jugendliche Straftäter häufig das erste Mal, was
Familie ist, indem sie mit den Sozialarbeitern und deren Familien
zusammenwohnen. Im Verlauf der Recherchen bekam
ich einen immer größeren Respekt vor den Jungs, die hier ein
straffes Programm ableisten, um ihre Chance zu nutzen, ein
neues Leben zu beginnen. Die Mitarbeiter haben mir ebenso
imponiert, denn deren Engagement geht häufig weit über
das rein Berufliche hinaus. Ausgehend davon haben wir
dann die Geschichte des Straftäters Ben entwickelt, der eben
in solch einer Einrichtung überraschend auf eines seiner Opfer
in Gestalt der Sozialarbeiterin Eva trifft. Ben findet gegen
seinen Willen das erste Mal in seinem Leben zu sich selbst
und somit auch zu etwas, was wir Gewissen nennen.
Mir war es ein großes Anliegen, nicht von hoffnungslosen
Fällen und gewalttätigen »Tieren« zu erzählen, als die man
die Jungs häufig abstempelt. Vielmehr wollte ich zeigen,
was es bedeutet, wenn man sich für sie einsetzt und dabei
intensiv mit ihren Taten konfrontiert. Ich wollte eine Geschichte
erzählen, die solche Jungs nicht aufgibt, sondern an
sie glaubt. Außerdem fand ich es interessant, von einer Figur
wie Eva zu erzählen, die auf einmal selbst zum Opfer derer
wird, für die sie sich bisher eingesetzt hat, und die dadurch
anfängt, an ihren Idealen zu zweifeln. Durch diese Situation
Funktioniert das Waldhaus im Film genauso wie die Einrichtung
in der Realität?
Lars-Gunnar Lotz: Zu einem Großteil schon. Es gibt im Seehaus
Leonberg natürlich noch weitaus mehr Regeln und wöchentliche
Ereignisse. Alles ist komplexer. Aber wir mussten
uns natürlich fokussieren auf wenige bedeutende Rituale
wie die Hilfreiche Hinweise Runde oder den Heißen Stuhl.
Frau Praßler, wie wurde aus dem Plan eines Films über Sozialarbeiter
und junge Straffällige eine Geschichte um
Schuld und Vergebung?
Anna Maria Praßler: Die Geschichte entstand beinahe intuitiv
nach meinem ersten Besuch im Seehaus Leonberg. Zuvor waren
zwischen Lars-Gunnar Lotz und mir viele Ansätze, Ideen
und Figuren hin- und hergeschwirrt, aber unsere bisherige Recherche
im Bereich der sozialen Arbeit und mein Bedürfnis, etwas
über Menschen mit sehr hohen Idealen zu erzählen, die
daran auch zu scheitern drohen, bekamen erst durch die Eindrücke
vor Ort eine ganz klare Richtung. Der Kern der Geschichte,
die Opfer-Täter-Konfrontation – was für beide Seiten eine
Konfrontation mit nie gekannten Gefühlen und Widersprüchen
bedeutet – war plötzlich einfach da. Natürlich spielt es
auch eine große Rolle, dass mich das Thema Schuld und Vergebung
schon lange beschäftigt, weil es dabei immer ums Existenzielle
geht. Schuld war auch Thema in meiner ersten Zusammenarbeit
mit Lars, dem mittellangen Film »Für Miriam«.
Sie beide arbeiten seit dem Studium an der Filmakademie
zusammen. Wie gestaltet sich diese Zusammenarbeit, wie
befruchten Sie einander?
Anna Maria Praßler: Ich schreibe, Lars kommentiert. Um eine
Figur richtig kennenzulernen und aus ihren Konflikten ei
25

Debüt im Dritten
nen Plot zu entwickeln, muss ich in mich »hineinhören«,
weshalb ich im Schreibprozess allein sein möchte und
muss. Mit Lars bin ich aber im Austausch und im Dialog, da
regt ein Gedanke den anderen an, ein Impuls inspiriert den
nächsten. Ich habe das Glück, in ihm einen Regisseur gefunden
zu haben, der zu mir passt, mich schätzt und keine
Dienstleisterin in mir sieht.
Sie mussten für diesen Film eine Sprache finden für die jugendlichen
Straftäter und für die Sozialarbeiter. Bei beiden
Gruppen lauert ja das sprachliche Klischee. Wie sind Sie da
rangegangen, war das für Sie überhaupt ein Problem?
Anna Maria Praßler: Beim Schreiben von »Schuld sind immer
die anderen« hat es mir am meisten Spaß gemacht, die ureigene
Sprache meiner Figuren zu finden. Bei den jungen Männern,
die ich in der Recherche getroffen habe bzw. denen ich
in der U-Bahn oder auf der Straße »gelauscht« habe, ist mir
aufgefallen, dass es einerseits die derbe »Peergroup«-Sprache
gibt, die (gleichen) Jungs sich aber andererseits im Gespräch
mit Älteren ganz »normal« ausdrücken können, also
weitgehend ohne Slang und auch grammatikalisch korrekt.
Sie setzen Sprache sehr bewusst ein, um eine Gemeinschaft
zu stiften, sich abzugrenzen oder auch um zu provozieren.
Dieser bewusste und kreative Umgang mit der Sprache hat
mich für Ben sehr inspiriert. Von Publikationen zur vermeintlich
gerade aktuellen Jugendsprache habe ich mich ferngehalten,
stattdessen habe ich bei Youtube, in Berlin auf der
Straße und in meinem Bekanntenkreis den »Sound« der jungen
Leute aufgeschnappt. Bei den Sozialarbeitern habe ich
weniger den Berufsstand gesehen als vielmehr die Menschen,
so haben sich die Dialoge ergeben.
Lars-Gunnar Lotz
Lars-Gunnar Lotz wurde 1982 in Österreich geboren und wuchs im Rheinland auf. Er
studierte zunächst Visuelle Kommunikation an der Kunsthochschule Kassel und wechselte
dann zum Regiestudium an die Filmakademie Baden-Württemberg, wo er mit
»Schuld sind immer die anderen« abschloss. Während des Studiums nahm Lars-Gunnar
Lotz 2007 an einem Austauschprogramm der Fémis in Paris teil, später erhielt er ein
Stipendium für die Hollywood Masterclass an der UCLA. Im Sommer 2013 hat er drei
Folgen für die Soko Köln inszeniert.
Anna Maria Praßler
Anna Maria Praßler wurde 1983 in Lauingen geboren und studierte zunächst Filmwissenschaft,
Theaterwissenschaft sowie Psychologie in Berlin, Los Angeles und Bologna.
Nach dem Abschluss folgte ein zweijähriger Aufbaustudiengang im Fach Drehbuch an
der Filmakademie Baden-Württemberg. Anna Maria Praßler schrieb u. a. das Drehbuch
zu dem mittellangen Film »Für Miriam«, zu ihren Prosawerken gehört die Kurzgeschichte
»Das Andere«, mit der sie beim Bachmann-Wettbewerb in Klagenfurt debütierte. »Schuld
sind immer die anderen« ist ihr erstes Langfilmdrehbuch.
26

Debüt im Dritten
27

Debüt im Dritten
Bastard
28
Buch und Regie: Carsten Unger
Mittwoch, 11.12.2013, 22.00 Uhr
28

astard
Der neunjährige Nikolas verschwindet. Die Polizei befürchtet
ein Sexualverbrechen. Psychologin Claudia Meinert stößt im
Gespräch mit den Eltern von Nikolas auf Widersprüche. Die
Mutter scheint etwas zu verbergen. Es geht ein Video ein, das
Nikolas gefesselt in einem Keller zeigt. Die Spur führt in eine
Schule. Der 13-jährige Leon verhält sich auffällig, er scheint
mehr über den Verbleib von Nikolas zu wissen. Leons Verhältnis
zu seinen Eltern ist erkennbar belastet. Die 13-jähige Mathilda,
die sich für Leon interessiert, steigt in sein gefährliches
Spiel ein. Leon erpresst Nikolas’ Eltern. Er hat den
Jungen entführt und droht ihn umzubringen, wenn Nikolas’
Eltern nicht ein »Vater-Mutter-Kind-Spiel« mit ihm spielen
Claudia Meinert versucht Vertrauen zu Leon aufzubauen,
um Nikolas zu retten ...
Das Debüt von Carsten Unger versammelt nicht umsonst einen
geradezu sensationellen Cast, von Martina Gedeck bis
Hanns Zischler und Thomas Thieme. »Bastard« ist das Porträt
einer verlorenen Jugend und ein dichter Psychothriller zugleich.
Der Film sucht das Besondere in einer spannenden
Form. Ein Glücksfall. Den jeder nachempfinden wird, der sich
auf dieses bewegende Generationendrama einlässt. (U.H.)
29

Debüt im Dritten
Besetzung
Claudia Meinert Martina Gedeck
Leon Markus Krojer
Mathilda Antonia Lingemann
Decker Thomas Thieme
Anja Heine Beate Maes
Raphael Heine Stephan Schad
Nikolas Finn Kirschner
Cora Schweizer Sibylle Canonica
Samuel Schweizer Hanns Zischler
Stefan Matthias Koeberlin
Stab
Buch und Regie Carsten Unger
Kamera Lars Petersen
Schnitt Dora Vajda
Musik Stevie B-Zet, Ralf Hildenbeutel
Szenenbild Christian Strang
Kostümbild Isabelle Baumgartner
Produzenten Reza Bahar, Nicole Ringhut
Redaktion Ulrich Herrmann
Produktion
Eine Produktion der Gifted Films mit Maranto Films in
Koproduktion mit dem SWR in Zusammenarbeit mit
CinepostProduction und BasisBerlin
Gefördert von der Film- und Medienstiftung NRW,
der MFG Baden-Württemberg und dem BKM
Deutschland 2011
Länge 118 Min.
Auszeichnungen
Drehbuchpreis beim Festival international du film policier
in Liège; baden-württembergischer Filmpreis 2011 bei der
Filmschau Baden-Württemberg.
30

astard
Carsten Unger über seinem Film
Gab es für diese Geschichte einen Auslöser, einen realen
Aufhänger?
Ich stand in Köln an der U-Bahn. Es war offenbar Schulschluss,
denn der Bahnsteig war voll mit Kindern und ihren Stimmen,
zwischen 10 und 12 Jahren alt. Ein Mädchen stand abseits,
allein, sie sah anders aus als die anderen, etwas zu kurzer
Rock, hohe Schuhe, stark geschminkt, aber sehr trendy. Sie
sah befremdlich aus, ihr Körper war noch ein Kind, aber ihr
Style schon total sexy. Irgendwie hat sie gemerkt, dass ich sie
beobachte und ich hatte den Eindruck, dass es ihr gefällt. Sie
kam auf mich zu und sprach mich an. Ich war ehrlich gesagt
etwas verlegen, sie war ziemlich direkt. Dann hat sie mich
gefragt, ob ich ihr eine Zigarette geben kann. Ich habe »Nein«
gesagt, doch sie hat nicht locker gelassen und ihre Stimme
war dabei immer etwas zu leise, sodass ich Mühe hatte sie zu
verstehen und sie einen Vorwand hatte näher zu kommen.
Dann kam ihre Bahn und sie wurde von den anderen Kids
verschluckt. Die Bahn fuhr ab und mir wurde bewusst, dass
ich gerade voll krass angeflirtet wurde, von einem 11-jährigen
Kind. Ich fand die Begegnung irritierend und habe angefangen
mir immer mehr Fragen über diese Mädchen zu
stellen und daraus ist dann Mathilda entstanden.
Dieser Moment, wenn Kinder noch nicht wissen, was sie tun,
aber es schon können, das hat auf mich einen faszinierende
und irritierende Wirkung: Ein Kind, dass völlig unbekümmert
einer Spinne die Beine ausreißt. Das Kind hat zwar die
Kraft und die Macht dazu, aber es hat noch kein Bewusstsein
für sein Opfer und die Konsequenzen seiner Tat. In diesem
Spannungsverhältnis zwischen »Können« und »Noch
nicht wissen« steckt eine irritierende Wucht. Was passiert,
wenn diese Wucht außer Kontrolle gerät? Wenn diese Kinder
nicht mehr zu stoppen sind? Eine Mischung aus »Lord of
the Flies« und »Clockwork Orange«. Wenn sich unsere Kinder
gegen die Erwachsenenwelt wenden und sich für all die
Vernachlässigungen und gebrochenen Versprechen ihrer
Eltern rächen?
Was hat Sie für Ihren ersten langen Film zu so einem heftigen
Thema motiviert?
Ein Debütfilm in Deutschland ist ein Privileg, denn er ermöglicht
enorme inhaltliche und formale Freiheiten. Wir wollten
dieser Freiheit ein anspruchsvolles und unbequemes Thema
entgegensetzen. Gegen die begrenzten Mittel haben wir unseren
Anspruch gestellt, dennoch hochwertiges Kino zu
schaffen. Kreativität braucht Widerstand.
Gibt es filmische Vorbilder für »Bastard«, ästhetisch oder inhaltlich?
Sergio Leones Western. Diese pure Präzision in der Erzählung,
glasklare Einstellungen, in denen Blicke, Schnitt und
Dialog in einem Rhythmus sind. Dieses Blicke-Tennis“, das
hat uns inspiriert. Szenen wie die »Hinrichtung« oder das
»Wer bin ich? - Spiel« wollten wir erzählen wie einen Western-Showdown,
flirrende Spannung bis es knallt. Im Genre
sitzt »Bastard« bewusst zwischen den Stühlen, ein bisschen,
wie ein pubertierender Jugendlicher, der sich störrisch gegen
jede Kategorie der Erwachsenenwelt sträubt. Wir wollten
eine Ästhetik, die der Welt der Kids entspricht, von denen wir
erzählen: ihrem Geschmack, ihrem Lebensgefühl, ihren Farben
und ihrer Musik. »Bastard« ist unser »Trojanisches
Pferd«, mit dem wir auch die Kids erreichen wollen, die sich
mit unserem Thema sonst nicht auseinander setzen würden.
Als Debütanten hatten wir die Freiheit, uns über Genrekonventionen
oder Ansprüche eines Sendeplatzes hinwegzusetzen.
Wir haben geahnt, das wird der letzte Film sein, indem
wir uns so naiv und frei ausprobieren können, denn nach
»Bastard« werden wir erwachsen sein.
Glauben Sie, dass Kinder heutzutage eher Gefahr laufen, ihre
emotionale Balance zu verlieren als in früheren Generationen?
Erwachsen zu werden ist immer gefährlich, jede Generation
hat ihre Risiken. Ich scheue mich davor, gesamtgesellschaftliche
Trends zu beurteilen, dazu empfinde ich »unsere« Gesellschaft
als zu komplex und heterogen. »Bastard« erzählt
die Geschichte von zwei Kindern, die etwas Existentielles vermissen,
nennen wir es Liebe oder Anerkennung. Sie spüren,
dass sie ohne diese Anerkennung nicht leben können und
31

Debüt im Dritten
beschließen, sich diese mit Gewalt zu holen. Die Suchen nach
Anerkennung und Identität ist für mich eine der Hauptursachen
von Gewalt. In diesem Sinne ist »Bastard« nicht nur eine
Geschichte über zwei Kinder auf der Suche nach Liebe und Anerkennung,
sondern auch eine »kleine Geschichte über Gewalt«.
Wie bekommt man Kinder dazu, sich als Schauspieler in
eine dunkle Welt zu bewegen, ohne dass sie dabei Schaden
nehmen?
Spielfreude. Kinder spielen, niemand kann das so gut wie
sie. Zumal Markus Krojer (Leon) schon reichlich Filmerfahrung
hatte (»Wer früher stirbt ist länger tot«). Wir haben
versucht unseren Schauspielern, den Kindern und den Erwachsen,
eine Spielwiese zu bieten, auf der sie sich sicher
fühlen. Der Filmprozess setzt die Grenzen und bestimmt
die Bühne, wir sprechen die Spielregeln ab und dann spielen
wir los. Filmemachen ist zuweilen anstrengend, aber
macht auch höllischen Spaß. Solange klar ist, wo Phantasie
beginnt und Realität aufhört, fällt es Kindern wahrscheinlich
leichter zwischen den Welten zu wandern als uns Erwachsenen.
Während der gesamten Dreharbeiten wurden
»unsere Kinder« von zwei Pädagoginnen begleitet und intensiv
betreut. Auch über die eigentlichen Dreharbeiten hinaus
standen sie den Kindern und ihren Familien als Ansprechpartner
zur Verfügung und hatten ein Auge darauf,
dass die Kinder einen guten Weg zurück vom zuweilen irrwitzigen
Filmzirkus in ihr normales Leben finden. Der Gang
zischen diesen beiden Welten, ist meist die eigentliche Herausforderung,
wie jeder Filmschaffende weiß.
Carsten Unger
Carsten Unger wurde 1977 in Gütersloh geboren. Er absolvierte eine Volontariat und
arbeitete danach bei verschiedenen Filmproduktionen. 2001 bis 2007 studierte er Regie
szenischer Film an der Filmakademie Baden-Württemberg. Im Sommer 2004 absolvierte
er die Masterclass »The Hollywood Perspective« an der UCLA in Los Angeles. Nach mehreren
Kurzfilmen schloss er 2008 das Studium mit dem Diplomfilm »Der blaue Affe« ab
und arbeitet seitdem als freier Autor und Regisseur. 2009 entstand die Folge »Die Stimme
der Straße« für die Soko Stuttgart, 2011 realisierte er sein Langfilmdebüt »Bastard«.
32

Debüt im Dritten
33

Debüt im Dritten
Der Preis
34
Regie: Elke Hauck · Buch: Peggy Lehmann, Elke Hauck
Mittwoch, 18.12.2013, 22.00 Uhr
34

Der preis
Architekt Alexander hat einen Preis gewonnen. Nach seinem
Plan sollen Plattenbauten in Thüringen modernisiert
werden. Er reist von Frankfurt am Main in die ostdeutsche
Provinz – und gleichzeitig zurück in seine Vergangenheit,
denn die Kleinstadt in Thüringen ist seine Heimatstadt,
und die Wohnblocks, an die er jetzt Hand anlegt, sind genau
jene, in denen er aufgewachsen ist und wo ihn einige
Bewohner noch als Alex kennen, Alex von der FDJ.
Alex wird mit Zeiten seines Lebens konfrontiert, die er lange
verdrängt hatte. Er wird an seine erste große Liebe erinnert
und das Ende einer Freundschaft. Während der Baubeginn
sich verzögert, nähert er sich erneut seiner Vergangenheit
und versucht im Wiedersehen mit Nicole zu begreifen, was
damals, 1988, mit ihm und seinem Freund Michael geschah.
In immer länger werdenden Rückblenden erzählt Elke Hauck
von der unbewältigten Vergangenheit des Protagonisten Alexander
und seiner Jugendfreunde in der DDR der 80-er Jahre.
Schicht für Schicht entblättert sie in ihrem unaufgeregten, ruhigen
Erzählstil eine Geschichte von Schuld und Verantwortung
im Kleinen. In konzentrierten Bildern zeigt sie die triste
Gegenwart einer Kleinstadt in Thüringen, und es gelingt ihr,
ohne große Gesten zwei Zeitebenen zusammenzuführen. (S.G.)
35

Debüt im Dritten
Besetzung
Alexander Beck Florian Panzner
Alexander jung Sven Gielnik
Michael Vincent Krüger
Nicole Anne Kanis
Nicole jung Vanessa Krüger
Manfred Lange Guntbert Warns
Jeanette Wiebke Bachmann
Udo Christian Näthe
Stab
Buch Peggy Lehmann, Elke Hauck
Regie Elke Hauck
Kamera Michael Kotschi
Schnitt Stefan Stabenow
Szenenbild Angelica Böhm
Kostümbild Sonja Hesse
Producer Meike Götz
Produzenten Martin Lehwald,
Marcos Kantis, Michal Pokorny
Redaktion Stefanie Groß
Produktion
Eine Produktion von Schiwago Film in Koproduktion mit
dem SWR
Gefördert von Medienboard Berlin-Brandenburg,
Mitteldeutscher Medienförderung, BKM, DFFF und FFA
Deutschland 2011
Länge: 81 Min.
Auszeichnungen:
Preis der deutsch-polnischen Jugendjury beim Filmfestival
Lubuskie Lato Filmowe Lagów 2011
36

der preis
Elke Hauck und Peggy Lehmann
über ihren Film
Frau Hauck, wie kamen Sie zu dem Stoff »Der Preis«?
Elke Hauck: Was mich besonders gereizt hat, war die Hauptfigur,
in der ich mich selbst ein wenig wiederfinde. Denn so
wie ich in meine Heimatstadt gegangen bin, um dort einen
Film zu drehen (»Karger«) und dabei noch einmal zu sehen,
woher ich komme, geht Alex, der Architekt, mit einem Umbauprojekt
an den Ort seiner Herkunft. Mir ging es um diese,
meine Generation, die nach der Wende erst einmal nicht zurück
geschaut hat, weil das Neue viel spannender war, und
jetzt, zwanzig Jahre später, spürt, dass es an der Zeit ist, sich
zu seinen Wurzeln zu bekennen, um einfach fester auf den
eigenen Füßen zu stehen.
Elke Hauck: Dramaturgisch hat mich vor allem der Umgang
mit den zwei Zeitebenen beschäftigt. Es war mir wichtig,
dass die Gegenwart, in der Alex in der Stadt auftaucht und
versucht, mit seiner Arbeit zu beginnen, dass diese Ebene Boden
unter den Füßen gewinnt, um als eigenständiger Erzählstrang
zu funktionieren und nicht nur eine Plattform für die
Vergangenheit zu bilden. Zugleich brauchte ich einen Raum
für die Erinnerungen. Also habe ich nach Pausen gesucht,
nach Bildern, die diesen Raum hergeben. Wobei für mich
manchmal auch zwei sprechende Personen ein Bild ergeben
und nicht nur einen Dialog. Der Protagonist ist Architekt,
aber sein Leben scheint nicht nach Plan verlaufen zu sein
bzw. auch weiterhin nicht nach Plan zu laufen.
Klassische Filmmusik sucht man in »Der Preis« vergebens.
Wie kam das Musikkonzept zustande?
Frau Lehmann, was war Ihr Anliegen beim Schreiben von
»Der Preis»?
Elke Hauck: Eine Ebene des Filmes spielt ja 1988/89 in der
DDR und da ist die Musik ein wichtiges Mittel, um ein Zeitgefühl
wachzurufen, aber auch um die Personen, die die Musik
hören, zu charakterisieren. Deshalb ist die Musik immer an
konkrete Quellen gebunden wie Autoradio oder Kassettenrecorder.
Nur an manchen Stellen schwingt sie sich kurz zur
Filmmusik auf. Ich fand es wichtig, dass dieser Film nicht bewertend,
anklagend, aber auch nicht sentimental-nostalgisch
wird. Deswegen erschien es mir gut, nicht auf Musik zu
setzen, die den Zuschauer emotional an die Hand nimmt
und die Emotionalität von Szenen nicht durch die Klangfarbe
einer Musik vorzubestimmen. Ich habe stattdessen versucht,
ein wenig zurückzutreten und die Atmosphäre eher durch
Geräusche lebendig und erlebbar werden zu lassen. Musik
funktioniert dann an vielen Stellen selbst wie ein Geräusch,
wie ein Detail unter anderen. Handelnde Personen und Environment
verschmelzen dramaturgisch. Wortlose Passagen
erzählen ebenso viel wie Dialoge.
Welches dramaturgische Konzept steckt dahinter?
Peggy Lehmann: Der Antrieb für das Drehbuch war die Tatsache,
dass viele, die in der Vergangenheit das DDR-System in
all seinen Facetten befürworteten, sich in der Gegenwart einer
Auseinandersetzung nicht stellen wollen. Deshalb wollte
ich von meinen Erfahrungen, dem Heranwachsen in einer
Diktatur erzählen, davon, wie schwierig es war seine Identität
zu finden, weil wir mit dem Verbot der freien Meinungsäußerung,
dem Verbot des Konsums westlicher Medien und
anderen Verboten konfrontiert waren.
Unsere Einstellung zur Gesellschaftsform wurde im wesentlichen
von der Haltung unserer Eltern geprägt: Sie führten
uns vor, wie wir mit den Verhältnissen umzugehen hatten,
entweder man war für oder gegen das System. Sie schrieben
uns gewissermaßen den Weg in unsere Zukunft vor. Eine
Wahl, den Lebenslauf wirklich selbst zu bestimmen, gestaltete
sich schwierig.
Der namenlose Spielort in Ostdeutschland lenkt die Konzentration
auf die Spuren, die eine frühere Gesellschaftsform
37

Debüt im Dritten
nicht nur in den Menschen, sondern auch äußerlich im Sujet
hinterlassen hat. Die Architektur ist dabei ein Motiv, das die
gesellschaftlichen Wertmaßstäbe einer Epoche widerspiegeln
kann. Das Vergangene offenbart sich in dem derzeitigen
System: In der DDR hätte unsere Hauptfigur aus Kosten- und
staatlichen Gründen nicht kreativ sein können, da es aus der
Not heraus effizient war, Betonklötze zu bauen. Heute kann
Alexander seine Kreativität aus kommerziellen Gründen
nicht entfalten, da es beim Bauen um Profit geht.
Ich wollte letztendlich erzählen, wie jede Zeit uns immer wieder
aufs Neue mit der Forderung nach Balance und Authentizität
konfrontiert.
Elke Hauck
Elke Hauck wurde 1967 in Riesa geboren und absolvierte eine Buchbinderlehre und ein
Abendstudium an der Hochschule der Bildenden Künste Dresden, bevor sie in Leipzig
und Versailles Germanistik und Kunstpädagogik studierte. 1994 bis 2002 studierte sie
an der dffb in Berlin und schloss das Studium mit dem Dokumentarfilm »Flügge« ab.
2007 erschien ihr Spielfilmdebüt »Karger«, das beim Festival Max Ophüls Preis 2007
den Preis des saarländischen Ministerpräsidenten erhielt.
Peggy Lehmann
Peggy Lehmann wurde 1970 in Berlin-Friedrichshain geboren. Sie absolvierte ein
Fachhochschulstudium, das sie 1989 als examinierte Krankenschwester abschloss.
Ein zweites Studium nahm sie an der HFF in Potsdam in Angriff, 2005 machte sie
dort das Diplom als Drehbuchautorin und Dramaturgin. Erste fiktionale und dokumentarische
Filme entstanden während des Studiums, darunter »Schwestern« und
»Weiber Wodka Wladimir« von 2006. 2010 schrieb sie »Der Preis«. In Entwicklung
ist der Spielfilm »Himmelhund«.
38

Debüt im Dritten
39

Debüt im Dritten
kurzfilme
Der Diener
40
Buch und Regie: Gerd Schneider
Mittwoch, 4.12. 22.45 Uhr
Der katholische Priester Rainer Gotthardt hat eine schwere
Aufgabe zu erfüllen: Er soll Sarah Urban und ihren Sohn Thomas
dazu bewegen, von einer Anzeige gegen einen Mitbruder
abzusehen. Dieser hat Thomas missbraucht. Gotthardt
bietet der Mutter im Namen der Kirche für ihr Schweigen
10.000 €. Die überforderte Frau geht schließlich darauf ein
und unterschreibt die Vereinbarung. Ihr Sohn ist zutiefst von
ihr enttäuscht. Ihm wird keine Gerechtigkeit widerfahren. Er
wird den Makel der Lüge weiter mit sich herumtragen.
Gotthardt plagen Zweifel, ob er dieser Familie nicht zu viel
zugemutet hat, und er vernichtet das Dokument. Das erweist
sich jedoch als fataler Fehler.
Wir haben uns mittlerweile an den Gedanken gewöhnt, dass
es in Einrichtungen der katholischen Kirche sexuellen Missbrauch
an Schutzbefohlenen gibt. Dass dadurch auch Menschen
in Konflikte geraten, die erst einmal nichts damit zu tun
haben, macht man sich nicht so klar. Die Frage nach Loyalität
seinem Arbeitgeber gegenüber oder nach dem eigenen Gewissen
stellt sich hier für einen Priester. Im Blick von innen heraus
findet der Autor und Regisseur, Gerd Schneider, hier einen
neuen authentischen Ansatz. (B.D.)
Besetzung
Rainer Gotthardt André Szymanski
Sarah Urban Jeanette Hain
Thomas Urban Jonas Maier
Kardinal Schöller Reinhold Ohngemach
Stab
Buch und Regie Gerd Schneider
Kamera Dominik Berg
Schnitt Aletta von Vietinghoff
Szenenbild Ina Küfner
Kostümbild Ule Barcelos, Tanja Gierich
Produzent Felix Eisele, Julia Kleinheinz, Katja Siegel,
Bernhard Stegmann
Redaktion Brigitte Dithard/SWR, Sabine Brantus/ARTE,
Claudia Gladziejewski/BR
Produktion
Eine Produktion der Penrose av medien
in Koproduktion mit SWR, BR und ARTE
Länge 14 Min.
40

Debüt im Dritten
kurzfilme
Geister, die ich rief
Buch und Regie: Lena Knauss
Mittwoch, 4.12. 23.00 Uhr
Als ihr Vater stirbt, kehrt Johanna mit ihrem deutschen
Mann August und ihrer Tochter Alva in ihr Heimatdorf nach
Schweden zurück. Dort taucht unerwartet ihre ehemalige
Liebe Elis auf, mit dem sie eine leidenschaftliche Beziehung
hatte, die aber für sie unglücklich endete. Elis bedrängt Johanna,
sich erneut auf ihn einzulassen. Doch Johanna will
ihre glückliche Familienidylle bewahren.
Dennoch lässt Elis nicht locker und schafft es, Johannas Leidenschaft
wieder aufkeimen zu lassen und Zweifel an ihrem
jetzigen Leben mit Mann und Tochter zu wecken. Ihr Widerstand
gegen Elis wird immer geringer, und sie stellt ihre Loyalität,
ihre Verantwortung als Mutter und ihr ganzes Lebensmodell
in Frage, bis sie schließlich trotz aller Selbstverachtung
bereit ist, alles über Bord zu werfen.
Frau zwischen zwei Männern – eine klassische Konstellation,
die hier von der Autorin und Regisseurin Lena Knauss eine
neue, starke Interpretation erfährt. Sie zeigt eindrücklich, wie
ein Mensch Opfer seiner Leidenschaft werden kann, trotz allem
guten Willen und der Einsicht in die Verantwortung gegenüber
der Familie. (B.D.)
Besetzung
Johanna Lisa Carlehed
Elis Ola Rapace
August Stephan Szász
Alva Claudia Onn
Stab
Buch und Regie Lena Knauss
Kamera Eva Katharina Bühler
Schnitt Anna-Kristin Nekarda
Musik Moritz Schmittat
Szenenbild Jan L. Hartmann
Produzent Igor Dvogal
Redaktion Brigitte Dithard/SWR, Sabine Brantus/ARTE,
Claudia Gladziejewski/BR
Produktion
Eine Produktion der Essence Film in Kooperation mit der
Filmakademie Baden- Württemberg, in Koproduktion mit
SWR, BR und ARTE
Länge 36 Minuten
Auszeichnungen
Studio Hamburg Nachwuchspreis 2013 für Regie
41

Debüt im Dritten
kurzfilme
Der Passagier
42
Regie: Marcus Richardt · Buch: Thomas Grabowsky und Marcus Richardt
Mittwoch, 4.12. 23.35 Uhr
Alles beginnt mit einem markerschütternden Schrei: Auf
einem Langstreckenflug löst ein randalierender Passagier Panik
aus, als er damit droht, alle an Bord umzubringen. Obwohl
schnell überwältigt und gefesselt, wird der wehrlose
Mann am Ende Opfer eines Mobs verängstigter und aufgebrachter
Passagiere.
Im Wechsel von Spielszenen und Interviews rekonstruiert
»Der Passagier« die Abfolge der Ereignisse an Bord. Jeder der
Beteiligten schildert aus seiner Sicht, wie die Situation so eskalieren
konnte, dass Passagiere versuchten, die Kontrolle im
Flugzeug an sich zu reißen, und eine Frau unter Applaus brutal
auf den gefesselten, wehrlosen Mann einschlug.
Wie dünn ist die Schicht der Zivilisation in unserem Verhalten,
wenn wir Angst haben? Panik macht uns ungerecht, gefährlich
und brutal. Die Bedrohung des Lebens, ob real oder eingebildet,
verwandelt uns in Wesen, von denen eine ebensolche Bedrohung
ausgeht. Die Zwangsläufigkeit dieser Entwicklung, der
sich nur wenige entziehen können, wird sowohl in den Spielszenen
deutlich als auch in den - ebenfalls fiktiven - Interview-Szenen.
Ein gruseliger, aber wahrhaftiger Blick in unsere Psyche,
den uns Autoren und Regisseur hier bieten. (B.D.)
Besetzung
Peter Michalke Henning Peker
Stefanie Peters Helene Grass
Werner Schröder Bernd Stegemann
Flugbegleiterin Alissa Jung
Flugbegleiter Axel Schreiber
Orkan Münir Oktay Özdemir
Stab
Buch Thomas Grabowsky, Marcus Richardt
Regie Marcus Richardt
Kamera Moritz Schultheiß
Schnitt Anne Beutel
Szenenbild Lars Brockmann, Adrianna Hejducka
Kostümbild Rike Russig
Produzentin Rike Steyer
Redaktion Brigitte Dithard/SWR, Sabine Brantus/ARTE
Produktion
Eine Koproduktion der Skalar Film mit SWR und ARTE
Gefördert von der Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein
und dem Kuratorium junger deutscher Film
Länge 15 Min.
42

Debüt im Dritten
kurzfilme
Die Welt danach
Regie: Jens Wischnewski · Buch: Julia C. Kaiser
Mittwoch, 4.12. 23.50 Uhr
Die engagierte Strahlenschützerin Lisa ist verantwortlich für
die Bergung der Atommüllfässer im Zwischenlager Asse II. Seit
Jahren dringt dort Grundwasser ein, das die Fässer rosten lässt
und so die Radioaktivität nach außen zu transportieren droht.
Die Arbeit hat sie an ihre körperlichen und seelischen Grenzen
gebracht. Vor allem ihre beiden Kinder und ihr Ehemann Markus
bekommen das zu spüren. Darum will Lisa ihre Stelle kündigen
und mit ihrer Familie zurück nach Berlin ziehen.
Doch dann sieht sie bei den ersten entscheidenden Bohrungen
das katastrophale Ausmaß des schon entstandenen
Schadens und ist erschüttert. Ihre Kollegen können sie jetzt
nicht entbehren, wenn es darum geht, noch Schlimmeres zu
verhindern. Lisa muss sich zwischen ihrer Verantwortung für
die Sicherheit der Asse und ihrer Verantwortung als Mutter
entscheiden. Dabei kann sie nur verlieren.
Nach dem Kurzfilm »Livestream«, ebenfalls von Julia C.Kaiser und
Jens Wischnewski, gezeigt in der Debüt-Staffel 2011, beschäftigt
sich auch dieser Film mit dem Zustand der Welt. Die ist, in der Interpretation
der Filmemacher, offensichtlich gewaltig aus den
Fugen geraten. Was sie den Menschen, die sich damit auseinandersetzen,
abverlangt, wird hier exemplarisch gezeigt. Dabei führen
sie erneut eine Figur in ein unauflösliches Dilemma. (B.D.)
Besetzung
Lisa Anne Ratte-Polle
Markus Michael Rotschopf
Fabrizio Enno Hesse
Karlsson Jürgen Tonkel
Stab
Buch Julia C. Kaiser
Regie Jens Wischnewski
Kamera Dominik Berg
Schnitt Falk Peplinski
Musik Peter Gromer
Szenenbild Karolin Leshel
Kostümbild Teresa Grosser
Producer Anja Goll, Christoph Arni
Redaktion Brigitte Dithard/SWR, Sabine Brantus/ARTE,
Claudia Gladziejewski/BR
Produktion
Eine Produktion der Filmakademie Baden-Württemberg
in Koproduktion mit SWR, Arte, BR
Länge 26 Min.
43

Debüt im Dritten
44Sendetermine im SWR Fernsehen
Mittwoch, 16.10.2013, 22.00 Uhr
Der Fluss war einst ein Mensch
Regie: Jan Zabeil
Mittwoch, 23.10.2013, 22.00 Uhr
Fliegende Fische müssen ins Meer
Buch und Regie: Güzin Kar
Mittwoch, 30.10.2013, 22.00 Uhr
Schuld sind immer die anderen
Regie: Lars-Gunnar Lotz
Buch: Anna Maria Praßler
44

sendetermine
Mittwoch, 4.12.2013, ab 22.45 Uhr
Kurzfilme
22.45 Uhr Der Diener
23.00 Uhr Geister, die ich rief
23.35 Uhr Der Passagier
23.50 Uhr Die Welt danach
Mittwoch, 11.12.2013, 22.00 Uhr
Bastard
Buch und Regie: Carsten Unger
Mittwoch, 18.12.2013, 22.00 Uhr
Der Preis
Regie: Elke Hauck
Buch: Peggy Lehmann, Elke Hauck
45

Pressekontakt
Pressestelle
Leitung Programmpresse: Anja Görzel
Telefon: +49 711 929 1 10 46 | anja.goerzel@swr.de
Programmpresse Fernsehfilm: Annette Gilcher
Telefon: +49 7221 929 2 40 16 | annette.gilcher@swr.de
SWR-Fotoredaktion
Gabriele Genißer-Baudisch
Telefon: +49 7221 929 2 22 87 | gabriele.genisser@swr.de
Redaktion »Debüt im Dritten«
Stefanie Groß
Telefon: +49 7221 929 2 44 83 | stefanie.groß@swr.de
Fotos
ard-foto.de
Redaktion Presseheft
Annette Gilcher
Gestaltung
SWR Design: Jutta Haderer
Fotos
Jakub Bejnarowicz Der Fluss war einst ein Mensch
Philippe Antonelle Fliegende Fische müssen ins Meer
Laura Schleicher Schuld sind immer die anderen
Kerstin Stelter, Lars Petersen Bastard
Melanie Dressel Der Preis
46

HERAUSGEBER: Südwestrundfunk · SWR Pressestelle · Anja Görzel · Leitung Programmpresse · Hans-Bredow-Straße · 76530 Baden-Baden
www.SWR.de/presse · Redaktion: Annette Gilcher · © SWR 2013 · Pressemappe des SWR. Nutzung nur zu Pressezwecken. Alle Rechte vorbehalten.
Insbesondere ist eine Veräußerung im freien Verkauf nicht gestattet.
SWR.de
48