Download - HfMDK Frankfurt
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21. April<br />
Festakt<br />
Musik, Theater, Tan<br />
Die <strong>HfMDK</strong> präsent<br />
künstlerische Vielfa<br />
Festrede Prof. Heine<br />
24. April<br />
Symposium<br />
„Zukunft der Künste<br />
Benefizkon<br />
mit Christoph Préga<br />
und Udo Samel<br />
75 JAHRE<br />
1938–2013<br />
BEGEISTERN FÜR DIE KÜNSTE.<br />
<strong>Frankfurt</strong> in Takt<br />
FESTWOCHE 2013<br />
Kunstausbildung im Wandel – Zukunft der Künste<br />
27. April<br />
Tag des off<br />
Unterrichts<br />
für alle Interessierte<br />
Hochschul<br />
Kunst überall und p
Kunstausbildung im Wandel – Zukunft der Künste<br />
75 JAHRE<br />
HOCHSCHULE FÜR MUSIK UND DARSTELLENDE KUNST<br />
FRANKFURT AM MAIN<br />
FRANKFURT IN TAKT – DAS JUBILÄUMSHEFT<br />
12. Jahrgang, Nr. 1 Sommersemester 2013<br />
1<br />
www.hfmdk-frankfurt.de
Inhalt<br />
6<br />
Editorial<br />
8<br />
Grußwort der Hessischen Ministerin für Wissenschaft und Kunst<br />
Eva Kühne-Hörmann<br />
9<br />
Grußwort des <strong>Frankfurt</strong>er Oberbürgermeisters<br />
Peter Feldmann<br />
10<br />
Grußwort des Vorsitzenden der Gesellschaft der<br />
Freunde und Förderer der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main e.V.<br />
Prof. Dr. Clemens Börsig<br />
14<br />
Der lange Weg zur Gründung der <strong>Frankfurt</strong>er Musikhochschule<br />
von Dr. Eva Hanau<br />
36<br />
Ein unbekanntes musikpädagogisches Dokument von 1927:<br />
Hindemiths Konzeption einer Musikhochschule<br />
von Prof. Dr. Peter Cahn<br />
48<br />
Die Hochschule in Zahlen<br />
50<br />
„Wir wollen Studierenden den Raum geben, sich zu starken Persönlichkeiten zu entwickeln“<br />
Interview mit den drei Dekaninnen Catherine Vickers, Henriette Meyer-Ravenstein und Marion Tiedtke sowie<br />
dem Hochschulpräsidenten Thomas Rietschel<br />
58<br />
Statements – Was mir die <strong>HfMDK</strong> bedeutet<br />
60<br />
Das macht uns so besonders<br />
62<br />
„Eine Hochschule ist kein Durchlauferhitzer“<br />
Die Professoren Jörg Widmann und Martin Lücker im Interview über das Reifen<br />
der künstlerischen Persönlichkeit im Laufe eines Musikstudiums<br />
70<br />
Statements – Was mir die <strong>HfMDK</strong> bedeutet<br />
74<br />
„Für Kunst gibt es keine Patentrezepte“<br />
Interview mit Lucas Fels , dem neuen Professor für Interpretatorische Praxis und Vermittlung Neue Musik<br />
76<br />
Unsere Kooperationspartner<br />
78<br />
Nachhaltige Musikvermittlung oder die kreative Suche nach den „happy new ears“<br />
Interview mit der Musikerin und Musikvermittlerin Catherine Milliken und dem<br />
<strong>HfMDK</strong>-Musiktheorie-Professor Ernst August Klötzke<br />
86<br />
Statements – Was mir die <strong>HfMDK</strong> bedeutet<br />
88<br />
„Begeisterung für die Kunst sollte unser gemeinsames Zentrum sein“<br />
Dekanin Marion Tiedtke und Regisseur Laurent Chétouane erörtern den Konflikt zwischen Kreativität<br />
und Handwerk in den Ausbildungsbereichen Schauspiel und Regie<br />
96<br />
Statements – Was mir die <strong>HfMDK</strong> bedeutet<br />
100<br />
Impressum<br />
2
Ein<br />
Füllhorn<br />
sEit<br />
2007<br />
Die 2007 gegründete Gesellschaft der Freunde<br />
und Förderer der Hochschule für Musik<br />
und Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main e. V.<br />
fördert die Studierenden der <strong>HfMDK</strong> und<br />
sorgt für exzellente Ausbildungsbedingungen.<br />
Sie finanziert Starterstipendien, DAAD-Stipendien<br />
und individuelle Stipendien, Gastprofessuren für<br />
Lied und Schauspiel, Gastdirigenten, seltene<br />
Instrumente, Opern- und Regieprojekte, Symposien,<br />
Spitzenschuhe, Exkursionen, Reisekosten,<br />
Publikationen, neue Saiten und vieles mehr!<br />
Werden Sie Mitglied<br />
und helfen Sie mit, die Ausbildung junger<br />
Musiker, Tänzer, Sänger und Schauspieler<br />
nachhaltig zu unterstützen!<br />
Mehr Informationen<br />
zu den Förderprojekten der GFF<br />
finden Sie hier:<br />
www.hfmdk-freunde.de<br />
3<br />
Spendenkonto der Freunde<br />
und Förderer der <strong>HfMDK</strong>:<br />
Deutsche Bank <strong>Frankfurt</strong><br />
BLZ 500 700 24<br />
Kontonummer 806 50 70
„Mond. Finsternis. Asphalt“ – Zeitgenössisches Musiktheater-Projekt der <strong>HfMDK</strong> mit Aufführungen im Bockenheimer Depot im Jahr 2010<br />
4
PROGRAMM DER FESTWOCHE<br />
Sonntag, 21. April 2013, 11 Uhr, Großer Saal<br />
FESTAKT UND ERÖFFNUNG DER JUBILÄUMSWOCHE<br />
Festrede: Prof. Heiner Goebbels<br />
Künstlerisches Programm: Lehrende, Studierende und Alumni der <strong>HfMDK</strong><br />
Mittwoch, 24. April 2013, 10 bis 18 Uhr, Kleiner Saal und diverse Räume der <strong>HfMDK</strong><br />
SYMPOSIUM<br />
Zukunft der Künste – künstlerische Ausbildung im Wandel<br />
Vorträge: 10 bis 12.45 Uhr, Kleiner Saal<br />
Prof. Dr. Christoph Menke (Goethe-Universität <strong>Frankfurt</strong> am Main),<br />
Prof. Dr. Erika Fischer-Lichte (Freie Universität Berlin), Roland Diry (Ensemble Modern),<br />
Prof. Dr. Peter Röbke (Universität für Musik und Darstellende Kunst Wien)<br />
PODIUMSDISKUSSION<br />
16.30 bis 18 Uhr, Kleiner Saal<br />
Podiumsteilnehmer: Prof. Dr. Clemens Börsig (Vorsitzender der Gesellschaft der Freunde und Förderer der <strong>HfMDK</strong>),<br />
Dr. Heike Hambrock (Vorsitzende des Kulturausschusses der Stadt <strong>Frankfurt</strong>),<br />
Simon Möllendorf (Studierender der <strong>HfMDK</strong>), Thomas Rietschel (Präsident der <strong>HfMDK</strong>),<br />
Karsten Wiegand (Designierter Intendant am Staatstheater Darmstadt ab der Spielzeit 2014/2015)<br />
Moderation: Dr. Ruth Fühner (hr2-kultur)<br />
Konzeptionelle Leitung: Prof. Axel Gremmelspacher<br />
Mittwoch, 24. April 2013, 19.30 Uhr, Großer Saal<br />
BENEFIZKONZERT<br />
Erhabene Trümmer<br />
Ein Abend im Gespräch mit Goethe – von und mit Christoph Prégardien (Tenor), Udo Samel (Lesung)<br />
und Michael Gees (Klavier). Texte von Johann Wolfgang von Goethe, Vertonungen von Franz Schubert,<br />
Ludwig van Beethoven, Edvard Grieg, Hugo Wolf, Franz Liszt, Othmar Schoeck und Michael Gees.<br />
Samstag, 27. April 2013, 18 bis 24 Uhr, <strong>HfMDK</strong><br />
HOCHSCHULNACHT<br />
Unfassbare Romantik<br />
Eröffnung mit dem Hochschulorchester.<br />
Anschließend bis Mitternacht 40 Kurzprogramme aus Musik, Schauspiel und Tanz mit mehr als<br />
200 Studierenden, Lehrenden und Gästen. Künstlerische Leitung: Prof. Angelika Merkle<br />
5
E d i t o r i a l<br />
1938 wurde unsere Hochschule aus dem Dr. Hoch´s Konservatorium<br />
gegründet. Auf diese Gründungsjahre der Hochschule schauen<br />
wir mit zwiespältigen Gefühlen. Denn die jüdischen Lehrenden,<br />
die in den 20er Jahren des letzten Jahrhunderts den guten Ruf<br />
des Konservatoriums international entscheidend mitgeprägt hatten,<br />
waren bei der Hochschulgründung 1938 nicht mehr dabei: Sie<br />
wurden durch die neuen Machthaber schon im April 1933 in einer<br />
schändlichen Aktion aus dem Haus gejagt. Sie und ihre Geschichte<br />
gehören zu uns und dürfen nicht vergessen werden. Wir gedenken<br />
ihrer, indem wir in dieser Festschrift ihre Kurzbiografien als<br />
„Stolpersteine“ in die Darstellung der Gründungsgeschichte der<br />
Hochschule eingesetzt haben.<br />
Bei den Vorbereitungen zu diesem Jubiläum haben wir entschieden,<br />
die Gründungsgeschichte der Hochschule aufzuarbeiten<br />
und zu veröffentlichen, wie das in diesem Heft mit den Beiträgen<br />
von Dr. Eva Hanau und Prof. Dr. Peter Cahn geschieht. Das<br />
Jubiläum sollte jedoch keine Feier vergangener Erfolge werden,<br />
auch wenn es dazu reichlich Anlass gibt. Die <strong>HfMDK</strong> hat eine<br />
stolze Tradition, viele bedeutende Künstler, Pädagogen und<br />
Wissenschaftler wurden hier ausgebildet, viele großartige Lehrpersönlichkeiten<br />
haben hier gewirkt.<br />
In den letzten zehn Jahren hat die <strong>HfMDK</strong> sich von einer kameralistisch,<br />
von oben gesteuerten Institution zu einer autonomen<br />
Hochschule mit eigenem Budget und weitreichenden Entscheidungsspielräumen<br />
entwickelt. Sie hat sich der Stadt, der Region<br />
und der Gesellschaft geöffnet. Mit 450 Veranstaltungen im<br />
Jahr bereichert die <strong>HfMDK</strong> das Kulturleben in <strong>Frankfurt</strong> und der<br />
Rhein-Main-Region; als „vernetzte“ Hochschule kooperiert sie<br />
regional und überregional mit allen wichtigen Kulturinstitutionen.<br />
Neue Studiengänge auf höchstem Niveau wurden etabliert und<br />
gleichzeitig engagierte sich die Hochschule erfolgreich mit<br />
Bildungsprojekten wie „Primacanta – Jedem Kind seine Stimme“,<br />
die jetzt von anderen Kommunen und Bundesländern übernommen<br />
werden. Diese rasante Entwicklung verdanken wir dem Engagement<br />
unserer Lehrenden und unserer Mitarbeiterinnen und<br />
Mitarbeiter in der Verwaltung. Äußerst hilfreich war in den letzten<br />
Jahren auch das Engagement vieler Bürgerinnen und Bürger,<br />
Stiftungen und Unternehmen für die Hochschule.<br />
Unser Blick geht jetzt jedoch nach vorne. „Kunstausbildung im<br />
Wandel – Zukunft der Künste“ – unter diesem Motto stellen wir<br />
in der Jubiläumswoche vom 21. bis 27. April die Frage nach der<br />
Zukunft unserer Hochschule. Wie notwendig das ist, zeigen die<br />
großen Veränderungen in unserem Umfeld, von denen ich nur<br />
einige ansprechen möchte. Die Krise der öffentlichen Haushalte<br />
stellt in ganz Europa die Kulturinstitutionen vor neue Herausforderungen.<br />
Wir müssen uns verstärkt legitimieren, wenn die Entwicklung<br />
der Künste weiterhin durch die Allgemeinheit finanziert<br />
werden soll. Die Globalisierung hat den Blick geweitet und einen<br />
Prozess der Internationalisierung eingeleitet, und nicht zuletzt sind<br />
es Entwicklungen in den Künsten selbst wie die Entgrenzung der<br />
Sparten, die uns zum Nachdenken über die Inhalte und Ziele<br />
unserer Ausbildung veranlassen.<br />
Vor allem aber spornt die Verantwortung für unsere Studierenden<br />
uns zur Auseinandersetzung mit der Zukunft an. Denn sie werden<br />
in wenigen Jahren die handelnden Akteure im Kulturleben sein,<br />
als Künstler, als Pädagogen, als reflektierende Wissenschaftler oder<br />
in administrativer Funktion. Um unsere Studierenden bestmöglich<br />
auf die Zukunft vorzubereiten, müssen wir eine Position dazu<br />
entwickeln, wie das Kulturleben in zwanzig Jahren aussehen sollte<br />
oder könnte.<br />
Ohne den Debatten vorgreifen zu wollen, möchte ich vor diesem<br />
Hintergrund das seit langem angedachte Projekt des Kulturcampus<br />
<strong>Frankfurt</strong> als ein Zukunftsprojekt vorstellen, das eine Antwort auf<br />
die oben skizzierten Probleme geben könnte. Denn hierin vermittelt<br />
sich die Idee einer Hochschule der Zukunft.<br />
Das pulsierende Herz des Kulturcampus auf dem alten Standort<br />
der Goethe-Universität mitten in <strong>Frankfurt</strong> bilden neun international<br />
positionierte Kulturinstitutionen, die hier eine neue Form der<br />
Zusammenarbeit leben wollen. Die Hochschule für Musik und<br />
Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main wird auf dem Gelände ihr<br />
neues Gebäude errichten – gemeinsam mit der The Forsythe<br />
Company und dem Ensemble Modern, mit dem <strong>Frankfurt</strong> LAB und<br />
der Hessischen Theaterakademie, dem Hindemith-Institut <strong>Frankfurt</strong><br />
6
und der Jungen Deutschen Philharmonie. Bereits jetzt sind diese<br />
Institutionen durch vielfältige Kooperationen eng miteinander<br />
verbunden. Auch das Senckenberg Naturmuseum sowie das Institut<br />
für Sozialforschung werden das gemeinsame Konzept des Kulturcampus<br />
<strong>Frankfurt</strong> mitgestalten. Das Bockenheimer Depot ist<br />
dort als Spielstätte von Oper und Schauspiel <strong>Frankfurt</strong> seit Jahren<br />
etabliert.<br />
Durch die Öffnung zum Stadtteil und die geplante Verbindung von<br />
Wohnen, Arbeiten und Kultur wird sich auch die Frage der Legitimation<br />
künstlerischer Tätigkeit und Ausbildung ganz neu beantworten<br />
lassen. Nicht die Vermittlung der „schwer vermittelbaren“<br />
Künste soll in Zukunft das Thema sein. Das Ziel ist ein selbstverständliches<br />
Mit- und Gegeneinander und die Kunst als selbstverständlicher<br />
Teil städtischen Lebens für alle Bürgerinnen und Bürger.<br />
Alle Partner machen die Ergebnisse und Produktionsprozesse ihrer<br />
Arbeit in ihren Sälen und Ausstellungsräumen öffentlich zugänglich;<br />
1500 Künstler und Wissenschaftler werden hier arbeiten,<br />
studieren und forschen und den Kulturcampus zum attraktiven<br />
und lebenswerten Stadtviertel gestalten. Diese Verbindung von<br />
Weltniveau und Bürgernähe ist einzigartig.<br />
„Renommierte Künstler und Studierende aus aller Welt werden,<br />
angezogen von den neuen Möglichkeiten, den Weg nach <strong>Frankfurt</strong><br />
suchen“, prophezeit William Forsythe. Der Zusammenschluss<br />
solch international etablierter Institutionen macht aus dem<br />
Kulturcampus ein schöpferisches Zentrum der Musik, der darstellenden<br />
Kunst und der Wissenschaft. Der Vergleich mit großen<br />
internationalen Vorbildern – Southbank Centre in London, Lincoln<br />
Center in New York City – ist deshalb nicht zu hoch gegriffen.<br />
Und alle Institutionen werden gemeinsam an der Ausbildung einer<br />
neuen Künstlergeneration arbeiten, die aus aller Welt nach <strong>Frankfurt</strong><br />
kommt, um sich hier auf die Kunst von morgen vorzubereiten.<br />
Noch ist der Kulturcampus eine große Vision, und Zeiten knapper<br />
Kassen waren nie gute Zeiten für hochfliegende Pläne. Das soll uns<br />
aber nicht schrecken: Nur wer die Zukunft groß denkt, wird auch<br />
eine große Zukunft haben. Wir sind froh darüber, dass das Land<br />
Hessen einen ersten konkreten Schritt wagt und eine Studiobühne<br />
auf dem Kulturcampus als ersten Bauabschnitt der neuen Hochschule<br />
für Musik und Darstellende Kunst errichten wird. Damit setzt<br />
Hessen ein mutiges Zeichen, dem die Stadt <strong>Frankfurt</strong> hoffentlich<br />
bald folgen wird.<br />
Die machtvolle Idee des Kulturcampus verdeutlicht, dass wir uns<br />
nicht davon abhalten lassen, stets nach vorne zu denken. Für uns ist<br />
das eine Frage der Haltung, und mit dieser Haltung weiß ich unsere<br />
Hochschule auf einem guten Weg.<br />
Ich wünsche Ihnen eine anregende Lektüre unserer Festschrift und<br />
lade Sie herzlich ein, die Hochschule tatkräftig auf ihrem Weg in die<br />
Zukunft zu begleiten.<br />
Der Hochschule geben wir mit diesem visionären Vorhaben eine<br />
Perspektive, die viele der oben gestellten Fragen beantwortet.<br />
Durch die enge Zusammenarbeit mit Künstlern wie den Mitgliedern<br />
des Ensemble Modern oder William Forsythe wird die <strong>HfMDK</strong> ihre<br />
Ausbildung mit den aktuellen Entwicklungen der Kunst verbinden.<br />
Sie wird vom Netzwerk ihrer Partner profitieren und als zentrale<br />
Institution im Kulturcampus große internationale Sichtbarkeit und<br />
Attraktivität für herausragende Studierende und Lehrende erlangen.<br />
So wird sie zum einzigartigen Ausbildungsort in den Künsten.<br />
Zugleich eröffnet die Zusammenarbeit mit den wissenschaftlichen<br />
Instituten eine aufregende Begegnung zwischen Kunst und<br />
Wissenschaft und schafft die notwendige reflektierende Distanz<br />
zur künstlerischen Produktion und Ausbildung.<br />
Ihr<br />
Thomas Rietschel<br />
Präsident der Hochschule für Musik und Darstellenden Kunst<br />
<strong>Frankfurt</strong> am Main<br />
7
G r u ß w o r t e<br />
Verehrte Leserinnen UND LESER,<br />
Jubiläen und runde Geburtstage sind immer ein willkommener<br />
Anlass zu feiern und sich feiern zu lassen. Zu beidem hat die<br />
Hochschule für Musik und Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main<br />
nach 75 Jahren ihres Bestehens neben dem passenden Anlass<br />
heute ja auch allen Grund.<br />
Wir sehen und erleben heute eine Hochschule, die das gesamte<br />
Spektrum der Musik und der darstellenden Kunst auf zum Teil auch<br />
international herausragendem Niveau repräsentiert und weiterentwickelt<br />
und dabei gleichzeitig ein fester Bestandteil des künstlerischen<br />
und kulturellen Lebens der Stadt und der Region geworden<br />
ist. Dass der Zeitpunkt der Gründung der Hochschule 1938 in eine<br />
auch für die Künste und vor allem für zahllose Künstler grauenvolle<br />
Epoche fiel, das kann und soll dabei nicht verschwiegen werden,<br />
und ich begrüße es daher außerordentlich, dass die Hochschule<br />
diese Festschrift auch zum Anlass nimmt, ihre Gründungsgeschichte,<br />
die ebenso den Neubeginn 1947 nach der Zerstörung im Krieg<br />
mit umfasst, historisch zu beleuchten.<br />
Der Aufbruch in eine neue Gründerzeit hat daher bereits begonnen,<br />
und das Land Hessen geht diesen Weg gemeinsam mit der<br />
Hochschule: Noch in diesem Jubiläumsjahr soll der Startschuss<br />
für den Neubau einer Studiobühne am Campus Bockenheim fallen<br />
und gemeinsam mit der Stadt <strong>Frankfurt</strong> soll dort die weitere<br />
bauliche Entwicklung ermöglicht werden, eingebettet in die<br />
konkrete Vision eines Kulturcampus, dessen Nukleus die Hochschule<br />
für Musik und Darstellende Kunst bildet.<br />
Ich gratuliere zum 75jährigen Bestehen und wünsche der Hochschule,<br />
ihren Studierenden und Lehrenden auch weiterhin Erfolg.<br />
Ihre<br />
Eva Kühne-Hörmann<br />
Hessische Ministerin für Wissenschaft und Kunst<br />
Jubiläen sind aber auch dazu prädestiniert, aus dem Kontext der<br />
Rückschau einerseits und der Visionen für die Zukunft andererseits<br />
den Blick auf die ansonsten im Zeitkontinuum flüchtige Gegenwart<br />
zu fixieren und damit zur eigenen „Standortbestimmung“ beizutragen.<br />
Über die Doppeldeutigkeit des Begriffs des Standorts bin<br />
ich mir dabei durchaus im Klaren: Denn der Erfolg, die Dynamik,<br />
das Wachstum und die zunehmende Vernetzung mit anderen<br />
Kulturinstitutionen der einzigen hessischen Hochschule für Musik,<br />
Theater und Tanz unterstreicht und festigt ihren künstlerischen,<br />
wissenschaftlichen und kulturellen Standort in ihrem Umfeld sowie<br />
in der bundesweiten und internationalen Hochschullandschaft<br />
und stellt dabei zugleich ihren räumlichen Standort mit seinen<br />
gegebenen Beschränkungen in Frage.<br />
8
Dass Hessens Hochschule für Musik, Tanz und Theater in <strong>Frankfurt</strong><br />
beheimatet ist und <strong>Frankfurt</strong> in ihrem Namen trägt, kann für unsere<br />
Stadt nur von Vorteil sein: Künstler, die in <strong>Frankfurt</strong> an der <strong>HfMDK</strong><br />
studiert haben, tragen über Stadt und Land hinaus weiter, was den<br />
Geist der Institution, aber auch unserer Metropole prägt: visionäre<br />
Weitsicht, internationale Vielfalt und große Offenheit, die sich nicht<br />
hinter den Mauern eines Elfenbeinturms abschottet, sondern aktiv<br />
in ihre Umgebung hineinwirkt. Das von der Hochschule initiierte<br />
Projekt „Primacanta“, dessen Schirmherr ich sein darf, ist ein<br />
exzellentes Beispiel dafür, wie die <strong>HfMDK</strong> ihrem Auftrag nicht nur<br />
als Ausbildungsinstitution, sondern auch als Gestalterin eines<br />
zukünftigen Kulturlebens gerecht wird. Gemeinsam mit der Crespo<br />
Foundation nimmt die Hochschule hier alle Kinder in den Blick<br />
und ist inzwischen in fast allen <strong>Frankfurt</strong>er Grundschulen präsent.<br />
Alle Kinder <strong>Frankfurt</strong>s sollen sagen können: „Ich kann singen und<br />
ich singe gern!“ Die Früchte werden wir in der Zukunft ernten,<br />
wenn diese Kinder als Erwachsene ihre Begeisterung für die Musik<br />
weitertragen, als Aktive in den Vereinen, als Publikum, in ihren<br />
Familien und ihrem Alltag.<br />
Mit über 300 Veranstaltungen jährlich – Konzerten, Theaterabenden,<br />
Tanzperformances und Vorträgen – hat sich die Hochschule<br />
für Musik und Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main zudem<br />
zu einem der größten Veranstalter in unserer Stadt etabliert.<br />
Zwar vertritt sie aus ihrem Selbstverständnis als Ausbildungsstätte<br />
nicht den Anspruch, den Konzert- und Theaterhäusern in der Stadt<br />
wirtschaftliche Konkurrenz zu machen, ist aber im Bewusstsein<br />
des <strong>Frankfurt</strong>er Publikums längst kein Geheimtipp mehr. Angehenden<br />
Künstlern in ihren „Werkstätten“ über die Schulter schauen zu<br />
dürfen, hält die Kulturszene einer Stadt jung. Die kreative<br />
freie Musik- und Theaterszene in <strong>Frankfurt</strong> wird durch die Absolventen<br />
und Studierenden der <strong>HfMDK</strong> immer wieder neu belebt und<br />
trägt wesentlich zu dem guten Ruf <strong>Frankfurt</strong>s als lebendiger<br />
Metropole bei.<br />
An der <strong>HfMDK</strong> werden alle wesentlichen Kunstsparten unter einem<br />
Dach gelehrt; dies garantiert künstlerische Querverbindungen und<br />
damit zukunftsweisende Ansätze, wie interdisziplinär verstandene<br />
Kunst gelebt werden kann. Doch die Hochschule blickt weiter über<br />
ihren Tellerrand hinaus, ist vielfach vernetzt und geht spannende<br />
Kooperationen mit anderen Kulturträgern der Stadt ein. Ihre jüngst<br />
zu Ende gegangene Konzertreihe „Bestiarium“ fand nicht nur in den<br />
Räumen des Senckenberg Naturmuseums statt, sondern verband<br />
zugleich künstlerische Visionen mit naturwissenschaftlichem<br />
Wissen und Forschergeist. Genau dieser Geist ist es, der die<br />
Hochschule für Musik und Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main in<br />
75 Jahren ihrer Existenz jung und zeitgemäß gehalten hat. Sie kann<br />
getrost von sich behaupten, dass Kunst von morgen in ihren<br />
Mauern schon heute stattfindet – mit Mut zum Experiment und<br />
einer Neugier auf ungeahnte Darstellungsformen. Dass sie bei all<br />
dem nicht ihr „Kerngeschäft“ vernachlässigt, beweisen die Namen<br />
vieler <strong>HfMDK</strong>-Absolventen in den Besetzungslisten unserer<br />
Orchester und Theater weit über <strong>Frankfurt</strong> und Hessen hinaus.<br />
Ich gratuliere der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst<br />
<strong>Frankfurt</strong> am Main zu ihrem 75-jährigen Bestehen als Staatliche<br />
Hochschule und wünsche den Menschen, die an ihr studieren,<br />
lehren und arbeiten, dass sie ihre gestalterischen Möglichkeiten zur<br />
Bereicherung des Lebens auch in unserer Stadt weiterhin mit so viel<br />
Hingabe und Überzeugungskraft zu nutzen verstehen.<br />
Peter Feldmann<br />
Oberbürgermeister der Stadt <strong>Frankfurt</strong> am Main<br />
9
G r u ß w o r t e<br />
Seit 2007 darf ich als Vorsitzender der Gesellschaft der Freunde<br />
und Förderer die Hochschule für Musik und Darstellende Kunst<br />
<strong>Frankfurt</strong> am Main begleiten. In dieser – gemessen an den<br />
75 Jahren des Bestehens der <strong>HfMDK</strong> – kurzen Zeitspanne habe<br />
ich viel Erfreuliches miterlebt: Innovative Studiengänge mit<br />
großer Strahlkraft wie der Masterstudiengang Zeitgenössische<br />
Tanzpädagogik und die Internationale Ensemble Modern Akademie<br />
sind entstanden. Die erste Stiftungsprofessur der <strong>HfMDK</strong> wurde<br />
ausgeschrieben. Die Hochschule erhielt bedeutende Preise,<br />
darunter gleich zweimal, 2011 und 2012, den „Hessischen<br />
Hochschulpreis für Exzellenz in der Lehre“, der das große Engagement<br />
verdeutlicht, mit dem an dieser Institution gelehrt wird.<br />
Die Hochschule gestaltet das Kulturleben in der Region maßgeblich<br />
mit und ist hier nicht mehr wegzudenken. Auch die attraktive<br />
Perspektive, in naher Zukunft auf dem Kulturcampus in <strong>Frankfurt</strong>-<br />
Bockenheim ein neues Quartier für die Hochschule zu bauen, ist<br />
jüngst entstanden.<br />
All das und viel mehr in knapp sechs Jahren! Verdeutlicht das<br />
nicht die große Kraft und den Willen der <strong>HfMDK</strong> <strong>Frankfurt</strong> am Main,<br />
zu den exzellentesten Kunsthochschulen zu gehören?<br />
Dass die <strong>HfMDK</strong> sich zu einer besonderen, ja außergewöhnlichen<br />
Hochschule entwickelt – hieran möchte ich gemeinsam mit einer<br />
immer größer werdenden Zahl von Freunden und Förderern, Privatleuten<br />
und Unternehmen mitwirken. Und so ermöglichen heute<br />
250 Mitglieder mit einem Fördervolumen von über 200.000 Euro<br />
im Jahr im Schnitt 30 Projekte der <strong>HfMDK</strong> – von der großen<br />
Opernproduktion über Stipendien bis zu besonderen Instrumenten,<br />
Meisterkursen mit renommierten Künstlerpersönlichkeiten und<br />
Semesterarbeiten Studierender.<br />
Diese Hochschule auf ihrem Weg zu begleiten und ihre so begabten<br />
und ambitionierten Studierenden nach Kräften zu fördern, erscheint<br />
mir als großes Privileg.<br />
Ich bin zuversichtlich, dass die <strong>HfMDK</strong> auch die nächsten 75 Jahre<br />
mit Bravour gestaltet! Herzlichen Glückwunsch, <strong>HfMDK</strong>!<br />
Prof. Dr. Clemens Börsig<br />
Vorsitzender der Gesellschaft der Freunde und Förderer der<br />
Hochschule für Musik und Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main e.V.<br />
10
Foto: Andreas Reeg<br />
Harfenistin Isabelle Müller während einer <strong>HfMDK</strong>-Orchesterprobe<br />
11
Szene aus einer Performance im Rahmen des Symposiums „The Artist`s Body“ im Oktober 2009 mit der Flötistin Kerstin Fahr.<br />
Foto: Andreas Reeg<br />
Foto: Udo Hesse<br />
<strong>HfMDK</strong>-Studentin Larissa Nagel in der Cellogruppe während einer Hochschulorchester-Probe.<br />
12
Foto: Valentin Fanel<br />
Der Ausbildungsbereich Zeitgenössischer<br />
und Klassischer Tanz/ZuKT kooperiert mit<br />
dem Ballett <strong>Frankfurt</strong> (seit 1999),<br />
The Forsythe Company (seit 2004) und<br />
William Forsythe, der eine Honorarprofessur<br />
innehat. Zum ZuKT-Dozententeam gehören<br />
Prof. Marc Spradling, Prof. Andrea Tallis,<br />
Nora Kimball-Mentzos und Allison Brown,<br />
die alle jahrelang mit William Forsythe<br />
gearbeitet haben. Bisher haben über<br />
30 Mitglieder von The Forsythe Company/<br />
Ballett <strong>Frankfurt</strong> mit ZuKT-Studierenden<br />
Ausschnitte aus Repertoirestücken von<br />
William Forsythe eingearbeitet, eigene<br />
Choreographien entwickelt oder Workshops<br />
gegeben. Die drei ZuKT-Studiengänge<br />
kooperieren außerdem aktiv mit dem<br />
mehrjährigen Forschungsprojekt<br />
The Forsythe Company – Motion Bank.<br />
Richard Oberscheven (BAtanz) in „Enemy in the Figure“<br />
Choreographie: William Forsythe<br />
Szenisches Liederprogramm des vierten Jahrgangs Schauspiel im Jahr 2012<br />
13
DER LANGE WEG ZUR GRÜNDUNG<br />
DER FRANKFURTER MUSIKHOCHSCHULE<br />
Von Dr. Eva Hanau<br />
Die Hochschule für Musik und Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> am<br />
Main ist hervorgegangen aus Dr. Hoch’s Konservatorium, das im<br />
60. Jahr seines Bestehens, am 1. April 1938, in eine Staatliche<br />
Musikhochschule überführt wurde. Entstanden 1878 aufgrund einer<br />
Stiftung des <strong>Frankfurt</strong>er Bürgers Dr. Joseph Paul Johannes Hoch,<br />
effizient geführt von einem Kuratorium geschäftserfahrener<br />
<strong>Frankfurt</strong>er Honoratioren, erfreute sich das Konservatorium dank<br />
renommierter Lehrer (Clara Schumann, Joseph Joachim Raff, Julius<br />
Stockhausen, Engelbert Humperdinck, Iwan Knorr) eines internationalen<br />
Rufs. Schon früh hatte man erkannt, dass das eigentliche<br />
Konservatorium, das laut Eröffnungsprospekt „eine möglichst<br />
allgemeine Ausbildung in Musik und deren nächsten Hülfswissenschaften“<br />
bezweckte, nicht genügend auf einen musikalischen<br />
Brotberuf vorbereitete, und ihm bereits 1884 ein Seminar für<br />
angehende Privatmusiklehrerinnen und eine Vorschule für die<br />
Kinder angeschlossen, an denen die Seminarschülerinnen ihr<br />
pädagogisches Talent erproben konnten. 1908 folgte eine Klasse<br />
für angehende Orchestermusiker, 1918 das „Seminar für Schulgesang“,<br />
das in einem zweijährigen Lehrgang auf die Staatliche<br />
Prüfung für „Gesangslehrer an Höheren Lehranstalten“ hinarbeitete,<br />
ohne diese Prüfung jedoch abnehmen zu können. Erstmals erwies<br />
sich hier das Fehlen staatlicher Anerkennung für das Hochsche<br />
Konservatorium als empfindlicher Mangel. Dies und die noch<br />
gravierendere Tatsache, dass das Stiftungsvermögen durch die<br />
Inflation dahingeschmolzen und das Institut plötzlich auf Subventionen<br />
der öffentlichen Hand angewiesen war, verwickelte das<br />
Konservatorium seit 1920 in eine zwischen dem Stiftungskuratorium,<br />
der Stadt und dem Preußischen Kultusministerium kontrovers<br />
geführte Diskussion um eine Neuorganisation, die erst 1938 mit<br />
seiner Zwangsumwandlung in die Staatliche Hochschule für Musik<br />
endete.<br />
Foto: wikimedia<br />
14
In diesen „Stolpersteinen“ erinnern wir<br />
auf den folgenden Seiten an die Lehrerinnen<br />
und Lehrer an Dr. Hoch’s Konservatorium,<br />
zum 31. August 1933 aus<br />
antisemitischen und fremdenfeindlichen<br />
Gründen entlassen wurden.<br />
„GEBRAUCHSMUSIK“ BRAUCHT FACHKRÄFTE<br />
Der im Preußischen Ministerium für Wissenschaft, Kunst und<br />
Volksbildung zuständige Musikreferent war Leo Kestenberg. Als<br />
überzeugter Sozialist betrieb er eine Musikpolitik, die breiteste<br />
Volksschichten erreichen sollte. Private Musikinstitutionen, denen<br />
der Ruch des Elitären anhaftete und denen er unterstellte, in erster<br />
Das Konservatoriumsgebäude<br />
Linie Virtuosen zu züchten, hielt er nicht für förderungswürdig.<br />
in der Eschersheimer Landstraße 4<br />
Vielmehr erschien es ihm für die praktische Durchführung seiner<br />
aus dem Jahr 1888,<br />
Reform der Schulmusik zweckmäßig, zusätzlich zu den bereits<br />
ab 1938 Hochschulgebäude<br />
existierenden Schulmusik-Seminaren in Berlin, Köln, Königsberg<br />
und Breslau auch noch im Südwesten Preußens einen musikalischen<br />
Ausbildungsschwerpunkt zu schaffen durch Verstaatlichung<br />
des Hochschen Konservatoriums. Diese Hochschule sollte an<br />
Fortschrittlichkeit und Breitenwirkung die bestehenden Institute<br />
übertreffen und Fachkräfte für „Gebrauchsmusik“ (Unterhaltungsmusik,<br />
Musik in Kino und Rundfunk, Vereinsmusik) ausbilden.<br />
Insoweit war er sich mit dem <strong>Frankfurt</strong>er Oberbürgermeister Ludwig<br />
Landmann einig, der sich von einem Ausbau höherer Bildungsanstalten<br />
in <strong>Frankfurt</strong> eine Stärkung von dessen kultureller Mittelpunkt-Funktion<br />
in der Region erhoffte. Gleichwohl nahm er eine<br />
abwartende Haltung ein, weil er den in Aussicht gestellten<br />
jährlichen Staatszuschuss von 25.000 RM als unzureichend und<br />
als Zurücksetzung gegenüber der doppelt so hoch dotierten<br />
Musikhochschule in Köln empfand. Ohnehin stieß die Verwirklichung<br />
dieses Konzepts in <strong>Frankfurt</strong> auf juristische, organisatorische,<br />
psychologische und vor allem finanzielle Schwierigkeiten.<br />
Die Verstaatlichung oder Kommunalisierung – beides wurde<br />
erwogen – und die musikpolitischen Ziele Kestenbergs ließen sich<br />
nicht mit dem Stifterwillen und dem konservativ-individualistischen<br />
Geist des Konservatoriums vereinbaren, der vom Kuratorium noch<br />
immer nachdrücklich vertreten wurde. Natürlich divergierten auch<br />
die personalpolitischen Vorstellungen von Staat/Stadt und<br />
Kuratorium. Kestenberg favorisierte als Direktor eines reorganisierten<br />
Hochschen Konservatoriums den Musikforscher Hans Mersmann,<br />
der seiner Reform nahestand. Im Gespräch zwischen<br />
Kestenberg und Landmann bzw. Landmann und seinem Musikdezernenten<br />
Karl Langer waren aber auch Hermann Scherchen,<br />
Ernst Kurth, Karl Straube, Heinrich Kaminski und Licco Amar,<br />
der beim Magistrat 1927 eine bemerkenswerte, wahrscheinlich<br />
von Hindemith inspirierte musikpädagogische Studie einreichte<br />
(siehe dazu den Beitrag von Peter Cahn ab S.eite 36).<br />
Keiner dieser Kandidaten hatte jedoch eine reale Chance,<br />
solange das Hochsche Konservatorium selbstständig und<br />
die Auswahl des Direktors Sache des Kuratoriums blieb.
D i e G r ü n d u n g d e r S t a a t l i c h e n H o c h s c h u l e f ü r M u s i k F r a n k f u r t a. M.<br />
SCHEITERN AM „ENGEN LOKALPATRIOTISMUS“<br />
1923–1933: DIE ÄRA BERNHARD SEKLES<br />
Nach der im April 1923 erfolgten Entlassung des Direktors<br />
Waldemar von Bauszern, der sich permanent und streitbar mit der<br />
„altmodischen und unfähigen“ Herrschaft der Administratoren des<br />
Stiftungskuratoriums angelegt hatte, betraute das Konservatorium<br />
den Komponisten und langjährigen Kompositionslehrer am Institut<br />
Bernhard Sekles mit der künstlerischen Leitung der Anstalt.<br />
Kestenberg war über die Blockierung dieses Postens durch einen<br />
als bürgerlich-liberal geltenden und den Traditionen des Hochschen<br />
Konservatoriums verpflichteten Mann verärgert. Er entwickelte nun<br />
zu der bisher geplanten grundlegenden Umorganisation des<br />
Hochschen Konservatoriums die Alternative, „unabhängig von dem<br />
bestehenden Hochschen Konservatorium zunächst ein Musikseminar<br />
in <strong>Frankfurt</strong> ins Leben zu rufen“. Dies stieß auf Ablehnung bei<br />
dem Musikdezernenten Langer, der konservativ dachte und<br />
überdies dem Kuratorium des Hochschen Konservatoriums in<br />
privater Eigenschaft angehörte, während Landmann, an der<br />
Hochschule als solcher interessiert, sich notfalls auch mit einer<br />
Neugründung abgefunden hätte. Dass auch er sich nicht hinter<br />
Sekles stellte, ergibt sich aus der leicht ironischen Reserve, mit der<br />
er auf das engagierte Eintreten Wilhelm Furtwänglers für Sekles als<br />
Direktor der künftigen Hochschule reagierte. Zwar lief die offizielle<br />
Planung schließlich auf eine vom Hochschen Konservatorium<br />
abgetrennte, am 1. 4. 1928 zu eröffnende Städtische Hochschule<br />
hinaus, aber es scheint so, als habe der Musikdezernent Langer<br />
Schwierigkeiten beim Interessenausgleich zwischen Berlin und<br />
<strong>Frankfurt</strong> eher herausgestrichen als heruntergespielt und so die<br />
Sache eher gebremst als vorangetrieben. Der vorgesehene<br />
Eröffnungstermin wurde weiter hinausgeschoben: diesmal auf den<br />
1. April 1929. Inzwischen hatten sich die Aussichten für eine<br />
Finanzierung der Hochschulpläne drastisch verschlechtert – aus<br />
allgemein finanzpolitischen wie auch aus spezifisch kulturpolitischen<br />
Gründen. Die Stadtverordnetenversammlung hatte den<br />
Magistrat gerügt wegen seiner allzu unbedenklichen Ausgabenpolitik<br />
bei der Ausstellung „Musik im Leben der Völker“ und dem<br />
„Sommer der Musik 1927“, die mit einem Defizit von 1,6 Millionen<br />
RM abgeschlossen hatten, und die SPD-Fraktion hatte signalisiert,<br />
dass sie nicht bereit sei, die Mittel für ein weiteres kostspieliges<br />
Projekt auf musikalischem Gebiet zu bewilligen. 1929<br />
begrub das Preußische Kultusministerium die<br />
<strong>Frankfurt</strong>er Hochschulpläne,<br />
indem es aus seinem<br />
Etat die seit 1924<br />
jährlich dafür<br />
ausgewiesenen<br />
25.000 RM strich.<br />
Antoni Kohmann (1879–?), Sohn des<br />
polnischen Tenors Wladyslaw Floryanski,<br />
studierte in Krakau, Berlin und Mailand.<br />
Als Sänger von internationalem Ruf wurde<br />
er 1919 ans Hochsche Konservatorium<br />
berufen und 1933 wahrscheinlich wegen<br />
seiner polnischen Abstammung entlassen.<br />
Die Stadt konnte nicht umhin, das noch immer private Hochsche<br />
Konservatorium mit jährlich wachsenden Zuschüssen zu unterstützen,<br />
die von 24.000 RM im Jahr 1925 auf 50.000 RM im Jahr<br />
1928 wuchsen. Als Gegenleistung verlangte sie eine angemessene<br />
Vertretung im Stiftungskuratorium. Zu dem von jeher dem Gremium<br />
angehörenden Oberbürgermeister traten 1927 der Stadtverordnetenvorsteher<br />
und schließlich 1932 der Kulturdezernent Michel, dem<br />
der langjährige Kuratoriumsvorsitzende Oswald Feis durch Rücktritt<br />
von seinem Amt den Platz freimachte, um eine Satzungsänderung<br />
zu vermeiden. Die Stadt hatte nun drei von acht Kuratoriumssitzen<br />
inne: Die Unabhängigkeit des Hochschen Konservatoriums war<br />
in einem schleichenden Prozess verlorengegangen, ohne dass sich<br />
sein Status verbessert hatte.<br />
In seinen Lebenserinnerungen führt Kestenberg mit einiger<br />
Erbitterung das Fehlschlagen der <strong>Frankfurt</strong>er Hochschulgründung<br />
auf „engen Lokalpatriotismus“ zurück, „der an dem altbewährten<br />
Namen des Hochschen Konservatoriums festhielt“. Aus heutiger<br />
Sicht ist ihm insofern recht zu geben, als eine Stadt vom Range<br />
<strong>Frankfurt</strong>s, die es – aus welchen Gründen auch immer – nicht<br />
fertigbrachte, ihrem musikalischen Nachwuchs die gleichen<br />
Ausbildungschancen zu verschaffen wie beispielsweise Köln oder<br />
Breslau, sich eines Versäumnisses schuldig gemacht hat.<br />
INHALTLICHER FORTSCHRITT IN ALTEN STRUKTUREN<br />
Das starre Festhalten an der althergebrachten Organisations- und<br />
Leitungsstruktur des Hochschen Konservatoriums stand indes in<br />
bemerkenswertem Kontrast zu der fortschrittlichen inhaltlichen<br />
Neuausrichtung, die das Institut in der zehnjährigen Amtszeit des<br />
Direktors Bernhard Sekles (1923 bis 1933) erfuhr. Dieser bemühte<br />
sich am Hochschen Konservatorium um ein breit gefächertes,<br />
zeitgemäßes Ausbildungsangebot für künftige Musiker. Sekles, eine<br />
für die <strong>Frankfurt</strong>er Musikszene vor 1933 und ihre Teil-Fortsetzung<br />
danach im Jüdischen Kulturbund wichtige Figur, war Musiker,<br />
<strong>Frankfurt</strong>er und Jude in spezifischer Verschmelzung. Die im<br />
folgenden auszugsweise zitierte Charakteristik, die Hans Sekles<br />
1961 von seinem Vater gab, sagt, vielleicht etwas überpointiert,<br />
doch Bezeichnendes über den Menschen, Komponisten und Lehrer<br />
Sekles und seine existenzielle Bindung an seine Vaterstadt aus und<br />
wohl auch etwas über die Bedeutung von Heimat für deutsche<br />
Juden überhaupt:<br />
„Die Treue zu […] <strong>Frankfurt</strong> lag tief in meines Vaters Wesen<br />
begründet. Man kann wohl von einer seelischen Verwandtschaft<br />
sprechen […]. Was mir selbst an <strong>Frankfurt</strong> und seinen Leuten<br />
besonders lieb gewesen ist, konnte ich in Vaters Naturell sowohl<br />
als Mensch wie als Künstler stets wiederfinden: eine gewisse<br />
gemächliche Fortschrittlichkeit, die an der Vergangenheit hängt,<br />
wenn sie auch sich bemüht, den Weg in eine organisch<br />
erwachsende Zukunft zu bahnen; daneben bei aller selbstverständlichen<br />
Ruhe den Sinn für fremde Art und die Fähigkeit,<br />
diese zu würdigen; und einen gewissen still beobachtenden<br />
Humor.“<br />
16
Sekles´„Sinn für FREMDE Art“<br />
Leo Kestenberg,<br />
1922–1932 Musikreferent<br />
am Preußischen<br />
Ministerium für Wissenschaft,<br />
Kunst und Volksbildung<br />
Bernhard Sekles,<br />
Direktor des<br />
Hochschen<br />
Konservatoriums<br />
von 1923 bis 1933<br />
Foto: Internationale Leo-Kestenberg-<br />
Gesellschaft<br />
Ludwig Landmann,<br />
<strong>Frankfurt</strong>er<br />
Oberbürgermeister<br />
von 1924 bis 1933<br />
Rückschlüsse auf Sekles´ kompositorisches Werk, seine romantische<br />
Rückbesinnung und „stilisierte Volkstümlichkeit“ (bei<br />
gleichzeitigem kunstvollen Einsatz auch moderner Techniken) bieten<br />
sich an. Der ihm attestierte „Sinn für fremde Art“ und ein ausgeprägtes<br />
pädagogisches Talent machten ihn zum bedeutenden<br />
Lehrer bedeutender Schüler (Paul Hindemith, Rudi Stephan,<br />
Theodor W. Adorno, Ottmar Gerster). Sekles trug der Notwendigkeit,<br />
die musikalische Ausbildung stärker auf die berufliche Praxis<br />
auszurichten, Rechnung durch Gründung einer Opernschule (1924),<br />
die mit den Städtischen Bühnen zusammenarbeitete, und eines<br />
Kirchenmusikalischen Instituts im Benehmen mit der Evangelischen<br />
Landeskirche. Die Umwandlung der Orchesterklasse in eine am<br />
Lehrplan der Staatlichen Musikhochschule Berlin-Charlottenburg<br />
orientierte Orchesterschule deutet auf das Bemühen hin, die<br />
sachlichen Voraussetzungen für eine staatliche Anerkennung zu<br />
schaffen. Ein erster Schritt in diese Richtung gelang immerhin, als<br />
1929 das Seminar zur Vorbereitung auf die Staatliche Musiklehrerprüfung<br />
offiziell anerkannt wurde. Als spektakulärste Neuerung<br />
erwies sich die Einrichtung einer Jazzklasse 1928. Noch schockierender<br />
als die Tatsache selbst wirkte Sekles´ etwas provokant<br />
formulierter Kommentar:<br />
„Im Schaffen unserer Tage tritt immer mehr ein abstrakt-spekulatives<br />
Element zu Tage. Hier kann eine von einem taktvollen Musiker<br />
vermittelte Transfusion unverbrauchten Niggerbluts wirklich nur<br />
nützen, denn eine Musik ohne jede Triebhaftigkeit verdient den<br />
Namen Musik nicht mehr.“<br />
Die Erregung weitester Kreise gipfelte in einer kleinen Anfrage im<br />
Preußischen Landtag, ob das Ministerium bereit sei, „die Schülerschaft<br />
[des Hochschen Konservatoriums] vor den Erziehungskünsten<br />
des ‚triebhaft‘ undeutschen Leiters zu schützen.“ Indessen<br />
bedeutete die Jazzklasse unter dem Kodály-Schüler Matyas Seiber<br />
eine Bereicherung des praxisbezogenen Ausbildungsangebots am<br />
Hochschen Konservatorium und seiner Ausstrahlung auf die<br />
Öffentlichkeit: Die Jazzklasse wirkte 1928/29 bei der Aufführung<br />
der Dreigroschenoper im Neuen Theater und bei Rundfunksendungen<br />
mit und erzielte 1929 mit Gershwins Rhapsody in Blue<br />
und Virginia Stomp sowie Strawinskys Suite Nr. 2 einen durchschlagenden<br />
Publikumserfolg. Einen ähnlichen Vorstoß in die musikalische<br />
Avantgarde unternahm die Opernschule 1931 mit der<br />
<strong>Frankfurt</strong>er Erstaufführung des Lehrstücks von Brecht/Hindemith<br />
im Schauspielhaus unter der musikalischen Leitung von Ernst<br />
Wolff. Sekles baute aber auch die älteren Abteilungen des Konservatoriums<br />
im Hinblick auf höheren technischen Standard und<br />
erweiterten geistigen Horizont aus.<br />
Foto: Jüdisches Museum der Stadt<br />
<strong>Frankfurt</strong> am Main<br />
17
D i e G r ü n d u n g d e r S t a a t l i c h e n H o c h s c h u l e f ü r M u s i k F r a n k f u r t a. M.<br />
„Konservatorium FÜR MUSIKHÖRENDE“<br />
Foto: Philipps-Universität Marburg<br />
Matyas Seiber,<br />
von 1928 bis 1933<br />
Leiter der Jazzklasse<br />
am Hochschen<br />
Konservatorium<br />
Der Forderung der Zeit nach musikalischer Stimulierung und<br />
Unterweisung des Laien entsprach die Direktion durch die Einrichtung<br />
des „Konservatoriums für Musikhörende“, dem Wunsch der<br />
Musikpädagogik nach Entwicklung musikalischer Fähigkeiten schon<br />
bei kleineren Kindern durch Kurse für musikalische Früherziehung.<br />
Auf große öffentliche Resonanz stießen Konzerte der Orchesterschule<br />
in Zusammenarbeit mit dem Bund für Volksbildung. Sie<br />
hatten sich, während der Besuch der meisten musikalischen<br />
Veranstaltungen in stetem Sinken begriffen war, eine Gemeinde<br />
geschaffen, die ständig größer wurde. Mag Bernhard Sekles auch<br />
versäumt haben oder durch ständigen Geldmangel daran gehindert<br />
worden sein, seinem Lehrerkollegium in ausreichendem Maße neue<br />
und attraktive Kräfte zuzuführen – sein pädagogisches Gesamtkonzept<br />
stand auf der Höhe der Zeit und besitzt in Teilen Gültigkeit bis<br />
heute.<br />
Antisemitische ANGRIFFE NEHMEN zu<br />
In der Ära Sekles sah sich Dr. Hoch’s Konservatorium chauvinis-<br />
tischen und antisemitischen Angriffen der nationalsozialistischen<br />
Friedrich Krebs,<br />
<strong>Frankfurt</strong>er<br />
Oberbürgermeister<br />
von 1933 bis 1945<br />
Foto: wikimedia<br />
Foto: Institut für Stadtgeschichte <strong>Frankfurt</strong> am Main<br />
<strong>Frankfurt</strong>er Stadtverordneten ausgesetzt. 1928 votierte Jakob<br />
Sprenger, der spätere Gauleiter von Hessen-Nassau, gegen die<br />
Bewilligung einer Spende der Stadt in Höhe von 10.000 RM zum<br />
fünfzigjährigen Bestehen der Anstalt, „solange die Sekles im Verein<br />
mit den anderen Juden: Sulzbach, Friedleben, Stiebel, Hirsch, Hahn<br />
usw., solange die Rassefremden an der Spitze dieses Instituts<br />
stehen“. Mit der nationalsozialistischen Machtergreifung verstärkten<br />
sich die Angriffe massiv. Am 12. März 1933 wurde der<br />
Oberbürgermeister Ludwig Landmann aus seinem Amt vertrieben<br />
und der Abgeordnete der NSDAP im Preußischen Landtag Friedrich<br />
Krebs zu seinem kommissarischen Nachfolger bestimmt. Am<br />
3. April veröffentlichte das <strong>Frankfurt</strong>er Volksblatt eine anonyme,<br />
„Die Pg. der NSDAP“ gezeichnete Zuschrift, die die Schriftleitung<br />
der Zeitung dem neuen Oberbürgermeister zur Kenntnis brachte.<br />
In rüdem Ton, holprigen Deutsch und zweifelhafter Rechtschreibung<br />
werden die Ablösung des Direktors Sekles und der jüdischen<br />
Lehrer gefordert. Der letzte Absatz sei als Stilprobe, aber auch<br />
deshalb zitiert, weil hier bereits die Hochschulpläne anklingen, die<br />
in den nächsten Monaten hektisch betrieben werden sollten:<br />
Hans Hinkel, ab 1933<br />
Staatskommissar und<br />
Geschäftsführer der<br />
zur Gleichschaltung der<br />
deutschen Kultur neu<br />
eingerichteten Reichskulturkammer<br />
„Unklar bleibt das Zögern des Aufsichtsrates [gemeint ist wohl das<br />
Kuratorium], nicht endlich reine Verhältnisse an Dr. Hoch’s Konservatorium<br />
zu schaffen. Auf was wartet man noch!? Die Abteilungen für<br />
‚jüdische Jazzmusik‘, ‚Opernschule‘, ‚Seminar für Kirchenmusik‘<br />
müßen [sic] verschwinden! Die Vorschule muß vom Konservatorium<br />
scharf getrennt werden! Den [sic] Lebensnerv für die Zukunft dieser<br />
Anstalt kann nur ‚Hochschule und Orchesterschule‘ sein!! Allerdings<br />
ohne ‚Juden und Ausländer‘. Also handeln tut dringend und<br />
umgehend Not!! Wählt Männer der ‚nationalen Erhebung‘ in den<br />
Aufsichtsrat und in den Lehrerrat! ‚Heil Adolf Hitler‘!“<br />
18
„REINIGUNG DES LEHRKÖRPERS“<br />
der Entlassung, im<br />
Fall der übrigen Lehrer<br />
unter dem Vorbehalt<br />
eines neuen Vertragsabschlusses.<br />
Den<br />
endgültig zu Entfernenden<br />
sollte<br />
zum 31. 8. 1933<br />
gekündigt werden – „im Einverständnis<br />
mit dem Betriebsrat“ und mit<br />
Die „Säuberung“ des Hochschen Konservatoriums als einer privaten<br />
der Maßgabe, dass sie ihre dienstliche Tätigkeit sofort<br />
Anstalt, deren Personalentscheidungen vom Kuratorium getroffen einstellten und, „auch in ihrem eigenen Interesse“, die Anstalt nicht<br />
wurden, bereitete den neuen Machthabern etwas mehr Umstände mehr beträten. Dem Zweck, die nicht mehr Erwünschten so spurals<br />
die an kommunalen Einrichtungen wie etwa den Städtischen und reibungslos wie nur möglich von der Bildfläche verschwinden<br />
Bühnen. Aber die Stadt besaß ja bereits drei Stimmen im Kuratorium,<br />
die nun, nach der Entlassung der jüdischen bzw. sozialdemo-<br />
Osterferien beschlossenen Kündigungen nicht sofort, sondern erst<br />
zu lassen, diente auch die Empfehlung, ihnen die mitten in den<br />
kratischen städtischen Vertreter, durch Oberbürgermeister Krebs, unmittelbar vor Ferienende zuzustellen, um „die Gefahr von Verhetzung<br />
von Schülern“ in der Zwischenzeit auszuschließen. Von den<br />
einen vermutlich fügsamen Stadtrat und Willi Stöhr, den persönlichen<br />
Adjutanten des Gauleiters, ausgeübt wurden. Vorsitzender Entlassungen betroffen waren außer dem Direktor Bernhard Sekles<br />
wurde – wohl auf Betreiben von Krebs – der Rechtsanwalt Dr. Hans noch 13 Lehrer, darunter Matyas Seiber, der Leiter der Jazzklasse,<br />
Rumpf, der später von sich sagte, er sei „im Winter 1932/33 und der Regisseur Herbert Graf, der Leiter der Opernschule. Um<br />
Mitglied des Kuratoriums geworden und glaube, die Aufgabe der formaljuris-tische Korrektheit bemüht, trugen die Ausschussmitglieder<br />
der Regelung Rechnung, die, dem jüdischen Anteil an der<br />
gründlichen Reinigung des Lehrkörpers von Dr. Hoch’s Konservatorium<br />
erfüllt zu haben“. Der Tod eines alten Kuratoriumsmitglieds deutschen Bevölkerung von 1% entsprechend, einen gleichhohen<br />
und der Austritt des „Nichtariers“ Alfred Merton schufen Platz für Anteil an der Lehrerschaft gestattete, im Fall des Hochschen<br />
Willy Renner, einen ehemaligen Schüler und Klavierlehrer am Konservatoriums einen Lehrer. Der Oberbürgermeister sollte entscheiden,<br />
ob dieser „Bonus“ dem Geiger Adolf Rebner zukommen<br />
Hochschen Konservatorium und zuverlässigen Nationalsozialisten,<br />
wie seine Ernennung zum Musikberater des Regierungspräsidenten sollte, der als Leiter des Rebnerquartetts und als Solist überregionales<br />
Renommee besaß und, wie der Ausschuss einräumte, sich<br />
in Wiesbaden (als Nachfolger von Bernhard Sekles) im Juni 1933<br />
zeigt. Von den alten Kuratoren waren im Spätsommer 1933 nur in 35-jähriger Zugehörigkeit zum Konservatorium „Verdienste nicht<br />
noch der ehemalige Vorsitzende Professor Dr. Heinrich Richartz gewöhnlicher Art“ erworben hatte, der aber angeblich unbeliebt<br />
und der Staatsanwalt Dr. Walter Knögel im Amt. Der langjährige war, oder ob dem Korrepetitor Paul Meyer der Verbleib am Konservatorium<br />
gestattet werden sollte, dem besondere fachliche und<br />
Kuratoriumsvorsitzende Oswald Feis allerdings nahm als Ehrenmitglied<br />
noch im Frühjahr 1935 an Beratungen des Kuratoriums teil, menschliche Qualitäten attestiert wurden. Man verfuhr den Empfehlungen<br />
des Reorganisationsausschusses entsprechend und ver-<br />
als er längst der „Arbeitskommission für Musik“ im Jüdischen<br />
Kulturbund angehörte. Rumpf und Knögel traten am 3. April 1933 schickte die Kündigungsschreiben am 19. 4. 1933. Sekles hatte<br />
dem „Ausschuß zur Reorganisation des Dr. Hoch’schen<br />
sein Amt allerdings schon vorher zur Verfügung gestellt. Die Stadt<br />
Konservatoriums“ bei, dem außerdem die Lehrer<br />
bemühte sich, wo sie zwar nicht de jure, aber de facto die finanziellen<br />
Folgen zu tragen hatte, die Ansprüche der Entlassenen<br />
Dr. Ligniez, Breidenstein und Racky<br />
und ein Vertreter der<br />
herabzudrücken. Dem verdienten Direktor Sekles versuchte man<br />
Verwaltung<br />
Unregelmäßigkeiten in seiner Amtsführung nachzuweisen, was<br />
angehörten. In<br />
einem ausführlichen<br />
Bericht, der in seiner<br />
Mischung aus<br />
bürokratischer Umsicht<br />
und Zynismus ein<br />
exemplarisches Zeitdokument<br />
ist, wurde die<br />
Kündigung sämtlicher<br />
Lehrverträge vorgeschlagen,<br />
und zwar im Fall der Juden<br />
und Ausländer mit dem Ziel<br />
Alfred Auerbach (1873–1954), Schauspieler<br />
und Schriftsteller, absolvierte zunächst<br />
eine Lehre, bevor er an Dr. Hoch’s Konservatorium<br />
studierte. Er war Ensemblemitglied<br />
des <strong>Frankfurt</strong>er Schauspielhauses und<br />
leitete die Theaterabteilung des Konservatoriums.<br />
Er wurde 1933 entlassen und<br />
emigrierte einige Jahre später in die USA.<br />
1951 ließ er sich in Stuttgart nieder.<br />
Dr. Willy Salomon (1891–1958) war<br />
einer der letzten Schüler von Iwan Knorr.<br />
Gleichzeitig ein versierter Pianist und<br />
Musikwissenschaftler, unterrichtete er<br />
Harmonielehre, Gehörbildung und<br />
Formenlehre. Er wurde 1933 entlassen<br />
und 1938 nach Buchenwald deportiert.<br />
Ein Jahr später gelang es ihm, nach<br />
London zu emigrieren.<br />
zwar nicht gelang, ihn aber anscheinend so zermürbte, dass er<br />
einer einmaligen Abfindung von 12.000 RM zustimmte, obwohl<br />
er Anspruch auf lebenslängliche Pensionszahlungen in Höhe<br />
von 6.000 RM jährlich gehabt hätte.<br />
19
D i e G r ü n d u n g d e r S t a a t l i c h e n H o c h s c h u l e f ü r M u s i k F r a n k f u r t a. M.<br />
NEBENAMTLICHE LEITUNG DES KONSERVATORIUMS<br />
SCHNELLSTMÖGLICHE UMWANDLUNG IN<br />
STÄDTISCHE MUSIKHOCHSCHULE IM BLICK<br />
Als Nachfolger für Bernhard Sekles empfahl der Geschäftsführer<br />
der Reichskulturkammer und spätere Staatskommissar Hans Hinkel<br />
im Einvernehmen mit dem neuen Direktor der Staatlichen Musikhochschule<br />
Berlin, Fritz Stein, Karl Hasse aus Tübingen. In <strong>Frankfurt</strong><br />
bestand aber von vornherein die Absicht, das Direktorenamt nur<br />
nebenamtlich, sei es durch einen Kapellmeister am Opernhaus,<br />
sei es durch den ständigen Dirigenten der Museumsgesellschaft,<br />
wahrnehmen zu lassen. Die Stadt konnte so wieder ihre Sparsamkeit<br />
Vordringliches Anliegen der neuen kulturpolitischen Führungsschicht<br />
in <strong>Frankfurt</strong> war die schnellstmögliche Umwandlung von<br />
Dr. Hoch’s Konservatorium in eine Städtische Musikhochschule,<br />
was eine augenfällige Übertrumpfung der Administration Landmann<br />
bedeutet hätte. Es war aber auch klar, dass dieses Prestigeobjekt<br />
Kosten verursachen würde, zumal sich die wirtschaftliche Situation<br />
des Konservatoriums noch verschlechterte. Der „Reorganisationsausschuß“<br />
hatte bereits darauf hingewiesen, dass die entlassenen<br />
unter Beweis stellen und traf eine Personalentscheidung, jüdischenü<br />
d i s c h e n<br />
Lehrer mit hoher<br />
Wahrscheinlichkeit<br />
die sich, falls sich dies im Zuge der geplanten grundlegenden<br />
Umgestaltung des Konservatoriums als erforderlich<br />
erweisen sollte, verhältnismäßig leicht revidieren<br />
ließ. Hans Meissner, seit 1933 Generalintendant<br />
der Städtischen Bühnen, äußerte später,<br />
der Idealkandidat, der ausübender Künstler,<br />
Komponist, bewandert in Musikliteratur und<br />
-pädagogik und außerdem verwaltungserfahren<br />
hätte sein sollen, habe nicht zur Verfügung gestanden<br />
(Bernhard Sekles allerdings hatte alle diese<br />
Qualifikationen vorweisen können). Aus diesen<br />
Erwägungen heraus wurde der Erste Kapellmeister an<br />
der Oper Bertil Wetzelsberger zum 1. September 1933<br />
nebenamtlich mit der Leitung von Dr. Hoch’s Konservatorium<br />
betraut. Zugleich mit Wetzelsberger wurden neu als<br />
Lehrer verpflichtet: Gerhard Frommel und Kurt Hessenberg<br />
(Theorie und Komposition), Gustav Lenzewski und Joseph<br />
Peischer (Violine), Helmut Walcha (Kirchenmusik), Maria<br />
Gluck (Gesang) und Heinrich Goy (Gehörbildung). Da über die<br />
Entlassung der jüdischen und ausländischen Lehrer hinaus weitere<br />
acht der am 19. 4. 1933 erfolgten Kündigungen aus Gründen<br />
des Alters oder der Unterbeschäftigung aufrechterhalten blieben,<br />
bestand im Schuljahr 1933/34 das Kollegium zu mehr als 50 Prozent<br />
aus neuen, überwiegend jüngeren Kräften.<br />
Die Pianistin Heida Holde-Hermanns,<br />
(1906–1995) studierte bei Egon Petri in<br />
Berlin und begann eine erfolgreiche<br />
Konzertkarriere. Nach Erfahrungen mit<br />
antisemitischer Diskriminierung änderte sie<br />
ihren eigentlichen Namen Goldschmidt in<br />
Hermanns. 1931–1933 unterrichtete sie am<br />
Hochschen Konservatorium. Sie wurde<br />
1933 entlassen. Danach wirkte sie in<br />
Veranstaltungen des Jüdischen Kulturbunds<br />
mit. Mit ihrem Mann emigrierte sie 1936 in<br />
die USA, wo sie zuletzt an der Manhatten<br />
zumindest einen Teil ihrer Schüler<br />
mitnehmen würden. Deshalb beabsichtigte<br />
Krebs von Anfang an, „das<br />
Hoch‘sche Konservatorium bzw. die<br />
Hoch’sche Stiftung in irgendeiner<br />
Form auf die Stadt zu überführen“,<br />
d. h. ihr das Stiftungsvermögen<br />
zuzuschanzen. Er erwirkte einen<br />
Magistratsbeschluss, der die<br />
zuständigen Ämter anwies,<br />
Wege zur Verfolgung seines<br />
Plans zu erarbeiten, „damit<br />
insbesondere bei der Verstadtlichung<br />
des Instituts<br />
Begleiterscheinungen, die eine<br />
Verteuerung der Betriebsführung […] verursachen,<br />
vermieden werden“. Die beiden städtischen Ziele –<br />
School of Music in New York unterrichtete.<br />
Umwandlung des Konservatoriums in eine Hochschule und Zugriff<br />
auf ihr Vermögen – ließen sich jedoch erst nach einer entsprechenden<br />
Änderung der Anstaltsstatuten erreichen. Tatsächlich<br />
beschloss das willfährige Stiftungskuratorium, unterstützt von<br />
dem „interimistischen künstlerischen Beirat“ Breidenstein, Ligniez<br />
und Racky, der mit dem „Reorganisationsausschuß“ identisch<br />
gewesen sein dürfte, in der Sitzung vom 22. Juni 1933 das<br />
Gewünschte. „Im Falle der Auflösung der Stiftung“ sollte ihr Vermögen<br />
an die Stadt fallen mit der Auflage, dass es weiter dem<br />
Stiftungszweck gemäß verwendet und der Name „Dr. Hoch’s<br />
Konservatorium“ beibehalten werde. Außerdem wurde der Stadt<br />
das Recht eingeräumt, die Hälfte der Kuratoriumsmitglieder zu<br />
benennen. An den Stifterwillen, der künstlerische Unabhängigkeit<br />
aus weitestgehender wirtschaftlicher und struktureller Autarkie<br />
erwachsen lassen wollte, verschwendete wohl niemand mehr einen<br />
Gedanken – im Gegensatz zu dem ehemaligen Kuratoriumsmitglied<br />
und städtischen Musikdezernenten Langer, dessen Respekt vor<br />
Geist und Buchstaben der Hochschen Stiftung fünf Jahre früher<br />
vielleicht reaktionär, jedenfalls aber honorig gewesen war.<br />
20
Momentaufnahme während des Stummfilm-Projekts der <strong>HfMDK</strong> im Dezember 2012 mit der Orchestergeigerin Julia Seiwert<br />
21
D i e G r ü n d u n g d e r S t a a t l i c h e n H o c h s c h u l e f ü r M u s i k F r a n k f u r t a. M.<br />
UMWANDLUNGSVERSUCH GERÄT ZUR FARCE<br />
Der jetzt unternommene Versuch einer „spontanen<br />
Hochschulgründung“ geriet durch Schlamperei im<br />
Regierungspräsidium in Wiesbaden, Anmaßung des<br />
Staatskommissars Hinkel und Trübung des Realitätssinns<br />
bei den <strong>Frankfurt</strong>er Kulturfunktionären zu einer<br />
Farce. Mit einer Eingabe vom 3. August 1933 an den<br />
Regierungspräsidenten in Wiesbaden suchte das<br />
Kuratorium um Genehmigung der Satzungsänderung und<br />
der Bezeichnung als „Hochschule für Musik und Theater<br />
der Stadt <strong>Frankfurt</strong> am Main“ nach. Dieser Antrag scheint<br />
weder bearbeitet noch an das Preußische Kultusministerium<br />
weitergeleitet worden zu sein. Ohne in Wiesbaden noch einmal<br />
nachzufragen, ließ die Stadt am 27. August folgende Presseerklärung<br />
erscheinen:<br />
„Im Zuge der Neugestaltung des <strong>Frankfurt</strong>er Musiklebens wird<br />
Dr. Hoch’s Konservatorium, das bisher als private Stiftung lediglich in<br />
einer losen Verbindung zur Stadtgemeinde <strong>Frankfurt</strong> gestanden hat,<br />
aus dieser Isolierung herausgelöst und in den Arbeitskreis der<br />
<strong>Frankfurt</strong>er Kunstinstitute eingegliedert. Die Stadt <strong>Frankfurt</strong> hat nun<br />
maßgebenden Einfluß im Kuratorium und erhebt die Anstalt zu einer<br />
Hochschule für Musik und Theater der Stadt <strong>Frankfurt</strong>.“<br />
Im Folgenden wurde ausgeführt, dass die Hochschule für Musik das<br />
Seminar zur Vorbereitung auf die Staatliche Privatmusiklehrerprüfung,<br />
die Abteilung für Schulmusik, die Orchesterschule und das<br />
Kirchenmusikalische Institut umfasse. Die Vorschule sollte auf die<br />
Hochschule vorbereiten, aber auch „die Grundlagen zu einer<br />
lebendigen Pflege der deutschen Hausmusik schaffen“. In der<br />
Hochschule für Theater, deren Leitung der neue Generalintendant<br />
der Städtischen Bühnen Meissner selbst<br />
übernehmen wollte, sollten die<br />
bereits vom Konservato-<br />
In Wien geboren, hatte Dr. Herbert Graf<br />
(1903–1973) über „Richard Wagner als<br />
Regisseur“ promoviert, bevor er nach<br />
mehreren Zwischenstationen 1930 die<br />
Opernschule des Konservatoriums leitete.<br />
An der <strong>Frankfurt</strong>er Oper inszenierte er die<br />
Uraufführung der Schönberg-Oper „Von<br />
heute auf morgen“. Er wurde 1933 entlassen.<br />
Über die Schweiz emigrierte er 1933 in die<br />
USA, wo er für viele Jahre an der Metropolitan<br />
Opera in New York engagiert war. 1960<br />
kehrte er nach Europa zurück und inszenierte<br />
u.a. bei den Salzburger Festspielen.<br />
Der ungarische Komponist Matyas Seiber<br />
(1905-1960) studierte in Budapest bei<br />
Zoltán Kodály. Als Mitglied eines Tanzorchesters<br />
auf einem Transatlantikdampfer<br />
kam er nach New York, wo er Jazzmusiker<br />
kennenlernte. Ab 1928 leitete er an<br />
Dr. Hoch‘s Konservatorium die weltweit<br />
erste Jazzklasse, deren Konzerte von Radio<br />
<strong>Frankfurt</strong> und anderen Sendern übertragen<br />
wurden. Er wurde 1933 entlassen und<br />
emigrierte nach Großbritannien, wo er<br />
Komposition unterrichtete.<br />
rium geführte Opern- und<br />
Opernchorschule, die bisherige<br />
Schauspielschule der<br />
Bühnengenossenschaft und<br />
die aus der Oper auszugliedernde<br />
Tanzschule<br />
zusammengefasst werden.<br />
Eine Bereicherung und<br />
Verjüngung des Lehrkörpers wurde<br />
versprochen. Zur juristischen Situation hieß es:<br />
„Verhandlungen mit den Regierungsstellen, insbesondere mit Herrn<br />
Staatskommissar Hinkel, haben dazu geführt, daß die neue Hochschule<br />
für Musik und Theater staatlich anerkannt wird. Das Abschlußzeugnis<br />
für Schüler der Hochschule für Musik und Theater hat<br />
staatlichen Charakter.“<br />
Im Preußischen Kultusministerium ließen die Zeitungsmeldungen<br />
aufhorchen, da ein entsprechender Vorgang unbekannt war.<br />
Mit Erlass vom 12. September erbat es vom Regierungspräsidium<br />
in Wiesbaden Bericht. Das Regierungspräsidium forderte aus<br />
<strong>Frankfurt</strong> nähere Erklärungen an. In zwei Antwortschreiben vom<br />
18. 9. und 2.10.1933 gab der Magistrat noch einmal Erläuterungen<br />
zu den vom Kuratorium beschlossenen Satzungsänderungen<br />
und ließ durchblicken, er rechne fest mit ihren Genehmigungen.<br />
Zur Hochschulgründung hieß es lapidar:<br />
„Dem Wunsch des Magistrats entsprechend ist die Bezeichnung des<br />
Dr. Hoch’schen Konservatoriums erweitert worden und es heißt nun<br />
Hochschule für Musik und Theater der Stadt <strong>Frankfurt</strong> am Main.“<br />
Verhandlungen über die staatliche Anerkennung ihrer<br />
Erhebung zum gleichen Rang wie die Kölner Musikhochschule<br />
seien eingeleitet. Staatskommissar Hinkel habe „auf das<br />
bestimmteste die amtliche Anerkennung der Hochschule<br />
für Musik und Theater sowie auch die Unterstützung<br />
derselben in Aussicht gestellt“. Im Klartext sollte das<br />
wohl heißen, Hinkel repräsentiere das Kultusministerium<br />
hinlänglich, um den Dienstweg über das Regierungspräsidium<br />
überflüssig zu machen.<br />
22
GrüSSe ohne ABSENDER<br />
Foto: wissenmedia<br />
Am 17. Oktober wurde die „Hochschule für Musik und Theater“<br />
offiziell eröffnet. Staatskommissar Hinkel nahm an dem Festakt teil<br />
und bestellte „Grüße der Regierung“. Das Preußische Kultusminsterium,<br />
das diese Grüße offenbar nicht in Auftrag gegeben hatte<br />
und noch immer ohne Bescheid aus Wiesbaden war, forderte am<br />
25.10. in scharfem Ton vom Regierungspräsidenten einen Bericht<br />
binnen 10 Tagen an. Vor allem begehrte es Auskunft darüber, mit<br />
welchem Recht die neu gegründete Anstalt die Bezeichnung<br />
„Hochschule“ führe. Der Bericht des Regierungspräsidenten vom<br />
9.11. ist nicht erhalten. Er dürfte kaum überzeugender ausgefallen<br />
sein als die erneut von Wiesbaden eingeforderte <strong>Frankfurt</strong>er<br />
Stellungnahme vom 3. November, in der Oberbürgermeister Krebs<br />
auf die bereits vorliegenden städtischen Ausführungen Bezug nahm<br />
und in fast beschwörendem Ton auf die Zusagen Hinkels verwies.<br />
Am 6.1.1934 übersandte das Kulturamt Hinkel den Schriftwechsel<br />
mit Wiesbaden „mit ergebenster Bitte um geeignete Veranlassung<br />
bei den zuständigen Stellen“. Hinkel aber, der erkannt hatte, dass er<br />
sich zu weit vorgewagt hatte, hielt sich nun in dieser Angelegenheit<br />
zurück. So entlud sich der Unmut des preußischen Kultusministeriums<br />
rückhaltlos in einem Erlass an den Regierungspräsidenten in<br />
Wiesbaden vom 26. Februar 1934. Es äußerte sein Befremden<br />
darüber, dass die <strong>Frankfurt</strong>er „Hochschule“ schon gefeiert und als<br />
Bezeichnung geführt wurde, während in Berlin von entsprechenden<br />
Verhandlungen oder gar Zusagen nichts bekannt sei, und untersagte<br />
diese Art der Firmierung. Es bemängelte auch Unstimmigkeiten<br />
innerhalb der geänderten Satzung und das Fehlen der<br />
Rechtsgrundlage. Das Verbot der Bezeichnung als Hochschule<br />
wurde vom Regierungspräsidenten an Krebs und von dort an das<br />
Kuratorium weitergegeben. Die staatliche Anerkennung des<br />
Hochschen Konservatoriums als Hochschule, obwohl schließlich<br />
ordnungsgemäß beantragt und von Kuratorium, Krebs und Meissner<br />
immer wieder beschworen und in Wiesbaden, Kassel (Oberpräsident)<br />
und Berlin angemahnt, verzögerte sich noch jahrelang mit<br />
wechselnden Begründungen: Neuverteilung der Kompetenzen in<br />
den Ministerien, Geldmangel, Zweifel, ob wirklich Bedarf an einer<br />
Musikhochschule in <strong>Frankfurt</strong> bestehe. Die Stadt sah sich in der<br />
Zwangslage, das Interesse des preußischen Staates am Konservatorium<br />
durch die Pflege eines anspruchsvollen und entsprechend<br />
kostspieligen „Image“ aufrechtzuerhalten, während es in Wahrheit<br />
für Schüler nicht wirklich attraktiv und damit rentabel werden<br />
konnte, solange es nicht als Hochschule anerkannt war. Umso<br />
sorgloser verfuhr man mit dem Stiftungsvermögen. Ein Wohnhaus,<br />
das die Stiftung in einem Zwangsversteigerungsverfahren erworben<br />
hatte, veräußerte das an Juristen nicht gerade arme Kuratorium zu<br />
günstigen Bedingungen an einen Rechtsanwaltkollegen. Es verstieß<br />
damit unverfroren gegen §9 des noch immer gültigen Statuts von<br />
1875, wonach das Grundvermögen der Stiftung nicht verringert<br />
werden durfte. Die einzige institutionelle Verbesserung, die für das<br />
Hochsche Konservatorium in diesen Jahren erzielt werden konnte,<br />
war die Erhebung des kirchenmusikalischen Instituts zur Hauptausbildungsstätte<br />
für Kirchenmusiker der Landeskirche Hessen-Nassau<br />
im Sommer 1934.<br />
Foto: <strong>HfMDK</strong><br />
Helmut Walcha,<br />
seit 1933 Leiter einer<br />
Orgelklasse am<br />
Hochschen Konservatorium,<br />
ab 1938 als<br />
Professor für Orgel an<br />
die Musikhochschule<br />
übernommen<br />
Hermann Reutter,<br />
ab 1936 Direktor des<br />
Hochschen<br />
Konservatoriums und<br />
Gründungsdirektor<br />
der Musikhochschule<br />
23
Eine Schiller-Szene aus dem Schauspielunterricht von Prof. Werner Wölbern in Vorbereitung des Vordiploms im Wintersemester 2012/13<br />
Foto: Andreas Reeg<br />
Foto: Andreas Reeg<br />
Bratschenunterricht bei Prof. Roland Glassl<br />
24
D i e G r ü n d u n g d e r S t a a t l i c h e n H o c h s c h u l e f ü r M u s i k F r a n k f u r t a. M.<br />
BRISANTES ARBEITSKLIMA<br />
Bertil Wetzelsberger hatte als Direktor des Hochschen Konservatoriums<br />
mit einer Fülle von Schwierigkeiten zu kämpfen. Ohne Verwaltungserfahrung<br />
und zusätzlich zu dem Direktorat mit den Aufgaben<br />
eines Opernkapellmeisters belastet, musste er einem Lehrerkollegium<br />
vorstehen, das zur Hälfte ebenso neu war wie er selbst und sich<br />
aus unterschiedlichen Gründen in einem Zustand erhöhter Reizbarkeit<br />
befand. Die Verunsicherung der gerade noch von der Entlassung<br />
Verschonten harmonierte schlecht mit dem hochfliegenden Ehrgeiz<br />
der Neulinge, von denen einige die feste Anstellung am Konservatorium<br />
als die Krönung einer bis dahin mühe- und wechselvollen, von<br />
Arbeitslosigkeit bedrohten Musikerlaufbahn betrachten mussten,<br />
teilweise auch als Belohnung politischen Wohlverhaltens. In diesem<br />
Klima gediehen Eifersüchteleien, Streit und Denunziation und<br />
bildeten Tagesordnungspunkte in fast jeder Kuratoriumssitzung der<br />
Jahre 1933, 1934 und 1935, an denen jetzt auch der Direktor<br />
teilnahm. Wetzelsberger bemühte sich stets um Ausgleich, fand<br />
aber auch über die ihm nachgerühmte Konzilianz hinaus zu<br />
Festigkeit gegenüber notorischen Störern. So setzte er Ende 1933<br />
die fristlose Kündigung des Klavierlehrers Rudolf Racky durch, der<br />
im Frühjahr dem „Reorganisationskomitee“ angehört und im<br />
Konservatorium „einen Herd von Streit und Unruhe“, vermutlich<br />
politischer Art, gebildet hatte. Kündigungsgrund war Rackys<br />
Beanspruchung einer höheren Besoldungsstufe, weil er angeblich<br />
in der „Systemzeit“ als alter Nationalsozialist benachteiligt worden<br />
sei, während er in Wirklichkeit bis 1933 SPD-Mitglied gewesen war.<br />
Als die Reichsmusikkammer Wetzelsberger aufforderte, Racky<br />
wieder einzustellen, lehnte er ab mit der vielsagenden Begründung:<br />
„Der mühsam zustandegekommene Frieden der Anstalt kann diese<br />
Belastung keinesfalls ertragen.“<br />
Weitere Schwierigkeiten für den Betrieb des Instituts erwuchsen<br />
aus einem Magistratsbeschluss vom 3. Juli 1933, der – im Zuge<br />
einer Kampagne des Gauleiters Sprenger gegen das Doppelverdienertum<br />
– zehn Mitgliedern des Opernhausorchesters, die bis dahin<br />
Instrumentalunterricht am Konservatorium erteilt hatten, jegliche<br />
Nebentätigkeit verbot. Zwar wurde diese unsinnige Anordnung auf<br />
den Protest des Kuratoriums hin schon am 24. August bezüglich<br />
des Hochschen Konservatoriums wieder aufgehoben, aber den<br />
Orchestermusikern blieb weiterhin die Unterrichtung privater Schüler<br />
untersagt. Die Stadt glaubte, auf diese Weise Konkurrenz vom<br />
Konservatorium fernhalten zu können. Erst auf die Intervention des<br />
Fachverbandes Reichsmusikerschaft der Reichsmusikkammer im<br />
Mai 1934 hin wurde den Orchestermitgliedern wieder gestattet,<br />
ihr Hauptinstrument privat zu unterrichten, wobei das Honorar die<br />
Gebühren des Konservatoriums nicht unterschreiten durfte. Protektionistische<br />
Bestrebungen zugunsten des Hochschen Konservatoriums<br />
waren schon im Bericht des „Reorganisationsausschusses“ vom<br />
10.4.1933 erkennbar gewesen. Dort war vorgeschlagen worden,<br />
den Einnahmenrückgang, der infolge des Ausbleibens nichtarischer<br />
Schüler zu erwarten sei, dadurch aufzufangen, dass dem Konservatorium<br />
ein Monopol für den Instrumentalunterricht innerhalb der<br />
städtischen Schulen eingeräumt und der Kreis konkurrierender<br />
Privatmusiklehrer durch Einzug von Unterrichtserlaubnisscheinen<br />
verkleinert werde.<br />
SINKENDE SCHÜLERZAHLEN<br />
Wie berechtigt die wirtschaftlichen Sorgen waren, ergibt sich aus<br />
Berichten Wetzelsbergers und Dr. Rumpfs an den Oberbürgermeister<br />
sowie des städtischen Revisions- und Organisationsamts im<br />
Herbst 1933. Danach war die Schülerzahl seit dem 1. Februar 1932<br />
kontinuierlich von 509 auf 340 zurückgegangen. Der Revisionsbericht<br />
konstatierte den ersatzlosen Wegfall der Jazzklasse und die<br />
Tatsache, dass sich für die Opernschule keine Schüler und für den<br />
Einführungskurs keine Kinder angemeldet hätten. Die Herabsetzung<br />
des Schulgeldes um 10 bis 15 Prozent und die Bezahlung der<br />
hauptamtlichen Lehrer auf dem Niveau der Musikhochschulen von<br />
Berlin und Köln habe ein Defizit von 10.000 bis 12.000 RM<br />
ergeben und mache höhere Subventionen erforderlich, als die Stadt<br />
vorgesehen habe.<br />
Der Bericht Wetzelsbergers und Rumpfs vermerkt ausdrücklich das<br />
Ausscheiden nichtarischer Schüler. Einige scheinen jedoch am<br />
Institut geblieben und von Wetzelsberger vorurteilsfrei und fair<br />
behandelt worden zu sein. Entsprechende Denunziationen blieben<br />
nicht aus. Wetzelsberger berief sich demgegenüber auf die<br />
staatlichen Vorschriften, die die Aufnahme von Nichtariern bis zu<br />
1 Prozent des Schülerbestandes erlaubten. Die jüdische Schülerin,<br />
um die es ging, konnte noch im Juni 1936 die staatliche Musiklehrerprüfung<br />
ablegen. Auch ein zweiter Fall ist namentlich bekannt.<br />
Hier war dem Prüfungszeugnis vom 10. Februar 1934 der Zusatz<br />
beigefügt, die Inhaberin könne von der für die Erteilung des<br />
Unterrichtsscheins zuständigen Regierung nur die Unterrichtserlaubnis<br />
für nichtarische Schülerinnen und Schüler erhalten. Die<br />
damalige Studentin berichtet heute, am Hochschen Konservatorium<br />
keinerlei antisemitischen Äußerungen, vielmehr Verwunderung<br />
darüber begegnet zu sein, dass sie das<br />
Institut von sich aus so schnell<br />
wie möglich<br />
verlassen wollte.<br />
Natürlich sind<br />
das individuelle<br />
Eindrücke, die auch<br />
dadurch relativiert<br />
werden, dass sich<br />
die Ausbildung zum<br />
Privatmusiklehrer weit<br />
gehend im Einzelunter-<br />
Hede Salomon (1900–1942) war<br />
Korrepetitorin für das Fach rhythmische<br />
Gymnastik. Sie wurde 1933 entlassen.<br />
Nach ihrer Entlassung emigrierte sie nach<br />
Frankreich, wo sie während des Krieges<br />
in verschiedenen Lagern interniert war und<br />
später an die deutschen Behörden ausgeliefert<br />
wurde. Sie wurde nach Auschwitz<br />
deportiert und 1942 dort ermordet.<br />
25
D i e G r ü n d u n g d e r S t a a t l i c h e n H o c h s c h u l e f ü r M u s i k F r a n k f u r t a. M.<br />
Der Geiger Adolf Rebner (1876–1967)<br />
studierte in seiner Heimatstadt Wien und in<br />
Paris. 1896 wurde er Konzertmeister der<br />
<strong>Frankfurt</strong>er Oper und Lehrer am Konservatorium.<br />
Zu seinen Violinschülern am Konservatorium<br />
gehörte auch Paul Hindemith. Als<br />
Primarius des Rebner-Quartetts konzertierte<br />
er in vielen Ländern Europas. Er wurde 1933<br />
entlassen. 1934 verließ er Deutschland und<br />
ging zurück nach Wien, von wo er 1938 in<br />
die USA emigrierte. Er kehrte 1950 nach<br />
Deutschland zurück und verbrachte seinen<br />
Lebensabend in Baden-Baden.<br />
richt abspielte.<br />
Immerhin mag das<br />
Klima am Hochschen Konservatorium<br />
davon profitiert haben, dass es an dieser<br />
Privatanstalt keine studentischen Korporationen gab, die<br />
üblicherweise „die Speerspitze des Antisemitismus“ bildeten. Aber<br />
auch hier ging es nicht ohne politische Schulung ab. In einem<br />
ausführlichen Bericht vom 8.1.1935 weist das Kuratorium unter<br />
anderem darauf hin, dass für alle Studierenden über 17 Jahren das<br />
Pflichtfach „Staats- und kulturpolitische Erziehung“ bestehe, für<br />
das der Nationalsozialistische Deutsche Studentenbund (NSDStB)<br />
zuständig sei. Er unterhalte einen eigenen Fachgruppenführer<br />
am Institut. Die Akten vermerken mehrere patriotische Feiern: des<br />
Reichsgründungstages am 18. Januar 1934, des Tages der<br />
nationalen Erhebung am 30. Januar 1935, der Saarrückgliederung<br />
am 27. Februar 1935. Wie sie – über den Einsatz von Chor und<br />
Orchester und (am 30. Januar 1935) eines Festredners von der<br />
NS-Kulturgemeinde hinaus – im Einzelnen und mit welcher<br />
ideologischen Verve sie gestaltet wurden, lässt sich heute nicht<br />
mehr ermitteln. Die Vereinnahmung des Orchesters für Parteiveranstaltungen<br />
wehrte Wetzelsberger ab mit der Begründung, es<br />
komme nicht ständig, sondern nur zur Vorbereitung bestimmter<br />
institutsgebundener Projekte zusammen, da viele Mitglieder<br />
auswärts wohnten. Ein Werbeprospekt für das Schuljahr 1935/36<br />
vermerkte stolz die Gleichschaltung der <strong>Frankfurt</strong>er Kunstanstalten<br />
und lässt stilistisch auf Meissner als Autor zumindest der Einleitung<br />
schließen. Immerhin führte diese Informationsschrift unter den<br />
prominenten Lehrern und Schülern des Konservatoriums Juden wie<br />
Joseph Rubinstein, Bernhard Cossmann, Karl Friedberg und<br />
Bernhard Sekles und den bereits verfemten Paul Hindemith auf. Im<br />
März 1934, als Hindemith im Allgemeinen noch als tragbar galt,<br />
machte Wetzelsberger den Vorschlag, ihn und Pfitzner für Gastkurse<br />
in Komposition zu gewinnen. Diese Anregung, die eher für<br />
Wetzelsbergers Qualitäts- als für seinen Realitätssinn spricht, zeigt,<br />
dass er sich trotz der zermürbenden Verwaltungsarbeit, die ihm das<br />
Direktorat einbrachte, noch Gedanken über die Profilierung seines<br />
Instituts machte. Sicherlich ist es in hohem Maße seinen menschlichen<br />
Qualitäten zuzuschreiben, dass das Hochsche Konservatorium<br />
in einer Zeit, in der es Spielball administrativer Experimente<br />
war, seinen Lehrbetrieb aufrechterhalten konnte.<br />
HERMANN REUTTER WIRD NEUER DIREKTOR<br />
1936 wurde Bertil Wetzelsberger als Direktor des Hochschen<br />
Konservatoriums abgelöst. Ausschlaggebend dafür waren seine<br />
Doppelbelastung und die Überzeugung des Generalintendanten<br />
Meissner, dass an die Spitze des Instituts eine „schöpferische“<br />
Persönlichkeit gehöre. Ihr Prestige sollte dazu beitragen, im<br />
preußischen Kultusministerium endlich die Erhebung des Hochschen<br />
Konservatoriums zur Musikhochschule und damit das Projekt<br />
durchzusetzen, mit dem die <strong>Frankfurt</strong>er Kulturverwaltung einer<br />
bildungspolitischen Notwendigkeit begegnen und gleichzeitig ein<br />
Versäumnis der Ära Landmann korrigieren wollte. Über die Person<br />
des künftigen Direktors herrschte jedoch Uneinigkeit. Der Kuratoriumsvorsitzende<br />
Rumpf bestand auf Hermann Zilcher (1881–1948),<br />
der Schüler und Lehrer am Hochschen Konservatorium gewesen<br />
war und als Leiter des Würzburger Konservatoriums Leitungserfahrung<br />
besaß. Meissner jedoch qualifizierte Zilcher ab als zu alt, zu<br />
teuer und zu wenig zugkräftig. Er bevorzugte Hermann Reutter<br />
(1900–1985), dessen Oper Dr. Johannes Faust er im Mai 1936<br />
erfolgreich aufgeführt hatte und in dem er „einen der wenigen<br />
führenden Tonsetzer unserer Zeit“ und einen Hoffnungsträger sah.<br />
Meissner stand mit dieser Ansicht nicht allein. Die Reichsmusikkammer<br />
war bereits mit Reutters Der große Kalender eröffnet<br />
worden, und der Kritiker des Völkischen Beobachter, Hugo Rasch,<br />
hatte danach zu dem Komponisten gesagt, dies könne das<br />
Oratorium des Dritten Reiches werden. Reutter war im April 1933<br />
in die Partei eingetreten – nach späterer Darstellung auf Anraten<br />
ausländischer Freunde und in Form einer reinen Listen-Mitgliedschaft.<br />
Auch der Oberbürgermeister war von den Qualitäten<br />
Reutters beeindruckt, und im Juli 1936 wurden Verhandlungen mit<br />
ihm aufgenommen. Die <strong>Frankfurt</strong>er Position war für Reutter doppelt<br />
verlockend. Zum einen wurde sein Fortkommen in Stuttgart durch<br />
Otto zur Nedden blockiert, damals Oberregierungsrat im Innenministerium<br />
von Württemberg-Hohenzollern und mit Reutter<br />
verfeindet. Zum anderen zeichnete sich inzwischen die Erhebung<br />
des Hochschen Konservatoriums zur Musikhochschule ab. Reutter<br />
legte der Stadt als Erstes ausführliche „Vorschläge zur Bildung<br />
einer Staatlichen Hochschule für Musik in <strong>Frankfurt</strong> am Main“ vor.<br />
Sie basierten auf einer „gründlichen Reorganisation des Lehrkörpers“,<br />
denn „im Mittelpunkt einer für das In- und Ausland zugkräftigen<br />
Anstalt muß ein Gremium von Lehrern stehen, die Träger<br />
weithin bekannter Namen sind“. Unter Berufung auf das Leistungsprinzip<br />
wurden überaus kritische Beurteilungen der vorhandenen<br />
Lehrer hinsichtlich ihrer künstlerischen und pädagogischen<br />
Fähigkeiten abgegeben, die Entlassung der „überflüssigen“ und die<br />
Umgruppierung der verbleibenden empfohlen bei generell erhöhten<br />
Gehältern. „Denn am Golde hängt auch hier alles“, wie Reutter den<br />
Stadtvätern bedeutete. Diesem radikalen Revirement standen in der<br />
Praxis die laufenden Lehrverträge entgegen. Hingegen fand sich die<br />
Stadt zur weiteren Erhöhung der Zuschüsse für das Konservatorium<br />
bereit. Auch die von Reutter gewünschten Personaleinstellungen<br />
wurden weitgehend realisiert, wie noch darzustellen sein wird. Die<br />
aus heutiger Sicht interessanteste Idee Reutters war die Berufung<br />
Carl Orffs. Er sollte die Vorschule seinem „Schulwerk“ entspre-<br />
26
Foto: cyberpaddock<br />
chend organisieren und leiten und zusammen mit dem Musikpädagogen<br />
Friedrich Scherber die Volksmusikabteilung ausbauen. Über<br />
die Entwicklung dieser Angelegenheit findet sich im Protokoll der<br />
Kuratoriumssitzung vom 29. 9.1936 folgender Vermerk:<br />
„Herr Reutter berichtet über die Verhandlungen mit Herrn Dr. Paul<br />
Friedrich Scherber. Durch die Verpflichtung des Herrn Dr. Scherber<br />
kann die ebenfalls in Aussicht genommene Berufung des Herrn Orf<br />
[sic] eingespart werden, da beide Herren das gleiche Fach vertreten.“<br />
Alma Moodie, ab 1937<br />
Leiterin einer<br />
Meisterklasse für<br />
Violine am Hochschen<br />
Konservatorium, ab<br />
1938 als Professorin<br />
für Violine in die<br />
Musikhochschule<br />
übernommen<br />
Diese Sparsamkeit auf Kosten des Mannes, der im Begriff war, sich<br />
einen wirklich „weithin bekannten Namen“ zu machen, kann als<br />
Kurzsichtigkeit der Verantwortlichen interpretiert werden, vielleicht<br />
aber auch als Taktik Reutters, der sich den Konkurrenten nun<br />
doch nicht ins eigene Haus holen wollte. Dem Vertragsabschluss<br />
mit Hermann Reutter am 28. September 1936 war der Rücktritt<br />
des Kuratoriumsvorsitzenden Rumpf vorausgegangen. Er, der<br />
„Säuberung“ und „Reorganisation“ des Hochschen Konservatoriums<br />
tatkräftig betrieben und die Interessen der neuen Männer<br />
im <strong>Frankfurt</strong>er Musikleben vertreten hatte, fühlte sich von ihnen<br />
übergangen und zog sich enttäuscht zurück. Meissner wurde<br />
sein Nachfolger als Unterschriftberechtigter im Kuratorium. Am<br />
1. Oktober 1936 wurde Reutter in Anwesenheit von Vertretern des<br />
Staates, der Stadt, der Partei und der Kirche feierlich in sein Amt<br />
eingeführt. Die Festansprache hielt Meissner, und Reutter bekräftigte<br />
seine Absicht, die Anstalt wieder auf die Höhe ihrer Glanzzeit<br />
zu heben und „zu einer Pflanzstätte neuen Musikgeistes im Sinne<br />
der Forderungen des Staates zu machen“. Mittlerweile war in<br />
einem langwierigen Prozess die schon 1933 in Angriff genommene<br />
neue Satzung des Hochschen Konservatoriums ausgearbeitet und<br />
am 16.10.1936 endlich vom Reichs- und Preußischen Minister<br />
für Wissenschaft, Erziehung und Volksbildung genehmigt worden.<br />
In dieser Fassung waren auch die letzten Reste von Selbstbestimmung<br />
und -verwaltung getilgt. An die Stelle des Kuratoriums trat<br />
ein von der Stadt ernannter, vom Staat bestätigter Vorsitzender mit<br />
einem Beirat, dessen vier Mitglieder zur Hälfte vom Oberpräsidenten,<br />
zur anderen Hälfte vom Oberbürgermeister berufen werden<br />
sollten (§5). Vorsitzender wurde Stadtrat Keller, assistiert von<br />
Meissner und dem Gauamtsleiter als städtischen sowie zwei<br />
Regierungsbeamten als staatlichen Beiräten. Professor Richartz als<br />
letzter Vertreter des alten, bürgerlichen Kuratoriums der Zeit vor<br />
1933 und Willy Renner als Relikt der „Kampfzeit“<br />
wurden nicht mehr benötigt und erhielten<br />
Dankschreiben des Oberbürgermeisters<br />
für die<br />
dem Konservatorium<br />
geleisteten<br />
Dienste.<br />
Marie Lenheim (1891–?) war Klavierlehrerin<br />
am Konservatorium. Sie wurde<br />
1933 entlassen. 1936 gelang es ihr,<br />
nach England zu emigrieren.<br />
Bertil Wetzelsberger,<br />
nebenamtlicher<br />
Direktor des Hochschen<br />
Konservatoriums<br />
von 1933 bis 1936
D i e G r ü n d u n g d e r S t a a t l i c h e n H o c h s c h u l e f ü r M u s i k F r a n k f u r t a. M.<br />
VERWIRRENDE KONSTRUKTION<br />
Durch Stadtrat Keller vertreten, schloss die Stiftung Dr. Hoch’s<br />
Konservatorium am 19. Oktober 1937 einen Vertrag mit der Stadt<br />
<strong>Frankfurt</strong> am Main, vertreten durch den Oberbürgermeister, über<br />
die Gründung einer Hochschule: ein Kontrahieren der Stadt mit<br />
sich selbst, bei dem die Interessen der Stiftung nicht angemessen<br />
vertreten waren und dessen Rechtswirksamkeit bezweifelt werden<br />
kann. Die Stiftung verpflichtete sich, „mit der Eröffnung der<br />
Hochschule […] den Betrieb des Dr. Hoch’s Konservatorium mit<br />
seinen ganzen Einrichtungen und Beständen in die zu errichtende<br />
Hochschule für Musik zur kostenfreien dauernden Nutzung für<br />
Zwecke der Hochschule“ zu überführen (Stück 2 des Vertrages).<br />
Auch die Kapitalerträge der Stiftung sollten, „soweit sie nicht im<br />
Einverständnis mit der Stadt zu anderen Zwecken Verwendung<br />
finden“, der Finanzierung der Hochschule dienen (Stück 3). Die<br />
privatrechtliche Stiftung Dr. Hoch’s Konservatorium blieb also<br />
erhalten, während die Hochschule ausdrücklich als juristische<br />
Person des öffentlichen Rechts anerkannt wurde. Diese unübersichtliche<br />
rechtliche Doppelkonstruktion drückte sich in der<br />
umständlichen Benennung der neuen Hochschule aus: „Staatliche<br />
Hochschule für Musik in <strong>Frankfurt</strong> am Main – Dr. Hoch’s Konservatorium“.<br />
Zu weiterer Verwirrung trug bei, dass die Vorschule, die<br />
im Vertrag ausdrücklich von der Hochschule abgegrenzt worden<br />
war (Stück 6c), etwas später als „Musikschule Dr. Hoch’s Konservatorium“<br />
bezeichnet wurde und niemand mehr genau wusste, wie<br />
und wo das Hochsche Konservatorium eigentlich weiterexistierte.<br />
Praktische Auswirkungen hatten diese juristischen Winkelzüge und<br />
Halbherzigkeiten erst nach dem Krieg. Hier werden sie erwähnt,<br />
um zu beleuchten, wie die Stadt mit allen Mitteln ihr brennendes<br />
Interesse an der Errichtung der Hochschule verfolgte und dabei<br />
doch einen Schein von Legitimität und den traditionsreichen Namen<br />
einer in Wahrheit ausgehöhlten <strong>Frankfurt</strong>er Institution zu bewahren<br />
suchte.<br />
Ähnlich rigoros wie<br />
mit dem Vermögen<br />
der Hochschen<br />
Stiftung verfuhr Krebs<br />
mit den städtischen<br />
Finanzen. Ein Blick auf<br />
die dem Konservatorium<br />
seit 1933 gewährten<br />
Subventionen mag das<br />
verdeutlichen:<br />
1933<br />
1935<br />
1936<br />
1937<br />
1940<br />
36.000 RM<br />
70.000 RM<br />
90.000 RM<br />
150.000 RM<br />
163.000 RM<br />
Bernhard Sekles (1872–1934) hieß<br />
ursprünglich „Seckeles“; er studierte an<br />
Dr. Hoch’s Konservatorium bei Engelbert<br />
Humperdinck und Iwan Knorr Komposition.<br />
Nach Kapellmeisterjahren am Theater<br />
kehrte er als Lehrer ans Konservatorium<br />
zurück, dessen Direktor er 1923 wurde.<br />
1933 wurde er entlassen und seine Musik<br />
verboten. Ein Jahr später starb er an<br />
Lungentuberkulose.<br />
Der auffallende Sprung von 1936 auf 1937 hing natürlich mit den<br />
Forderungen zusammen, die Hermann Reutter für die zukünftige<br />
Hochschule erhoben hatte. Die Stadt hatte daraufhin die für 1937<br />
zunächst eingestellten 110.000 RM um 40.000 RM erhöht. Krebs<br />
versuchte bei den Gemeinderäten, die ihn ohnehin nur beraten durften,<br />
dafür Verständnis zu erwecken: „Die Behauptung und Steigerung<br />
der Stellung, die <strong>Frankfurt</strong> auf dem Gebiet der Musikpflege<br />
und Musikerziehung hat, ist der erhöhten Opfer wert.“ Mit der<br />
gleichen generösen Einstellung trat er Bedenken des Preußischen<br />
Finanzministeriums entgegen, das zwar keine staatliche Verantwortung<br />
für die Unterhaltung der Musikhochschule übernehmen, aber<br />
offenbar die stark verschuldete Stadt <strong>Frankfurt</strong> warnen wollte.<br />
Krebs erklärte, die finanzielle Last „in aller Gewißheit als tragbar<br />
verantworten zu können“. Die als allzu großzügig verschriene<br />
Finanzpolitik des Oberbürgermeisters Landmann bezüglich des<br />
Hochschulprojekts war sehr viel vorsichtiger gewesen als die seines<br />
Nachfolgers Krebs, die der Stadt erhebliche und bis weit in die<br />
Nachkriegszeiten fortwirkende Verpflichtungen hinterließ. Zunächst<br />
aber hatte Krebs mit seinen finanziellen Zugeständnissen das letzte<br />
Hindernis auf dem Weg zur Errichtung der Staatlichen Hochschule<br />
für Musik ausgeräumt. Der ersehnte Beschluss des Reichs- und<br />
Preußischen Ministers für Erziehung, Wissenschaft und Volksbildung<br />
erging am 22. Dezember 1937. Gleichzeitig wurde der neuen<br />
Hochschule eine Satzung verliehen, die auf dem Vertrag vom<br />
19. Oktober 1937 fußte.<br />
28
Foto: Valentin Fanel<br />
Lisa Rykena, Yejin Kwon, David Bauer, Fanni Varga, Chris Jäger in „Revisiting concepts and materials from Hypothetical Stream“ – Neubearbeitung der<br />
Choreographie „Hypothetical Stream“ von William Forsythe (1997) durch Regina van Berkel
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ERÖFFNUNG DER HOCHSCHULE AM 1. APRIL 1938<br />
Am 1. April 1938 wurde die Hochschule eröffnet. Am 15. und 16. Die neue Hochschule umfasste die Abteilungen für künstlerische<br />
Mai folgte eine offizielle Feier mit mehreren Akten. Im speziell für Ausbildung, das Seminar für Privatmusikerzieher und die Abteilung<br />
diesen Tag renovierten Festsaal des Instituts fand am Abend des für Kirchenmusik; angegliedert waren die Orchesterschule, die<br />
15. Mai eine studentische Feier statt, ausgerichtet von den<br />
Opernchorschule und der Chorleiterlehrgang. Der dringende und<br />
Kameradschaften des NS-Studentenbundes bei der <strong>Frankfurt</strong>er berechtigte Wunsch der Stadt nach einer Abteilung für Schulmusik<br />
Universität und beim Hochschen Konservatorium und soldatischpatriotisch<br />
aufgezogen. Am nächsten Tag vereinigte ein akade-<br />
entsprechende Ausbildungsmöglichkeit an der Kölner Musikhoch-<br />
war vorerst nicht erfüllt worden, weil das Kultusministerium die<br />
mischer Festakt Vertreter des Staates, der Partei und der Wehrmacht<br />
mit städtischer Kulturprominenz und den Lehrern und Hermann Reutter am 18. 9.1936 geschlossene Dienstvertrag<br />
schule als für Westdeutschland ausreichend ansah. Der mit<br />
Schülern der neuen Hochschule. In Gruß- und Dankadressen wurde sicherte ihm weitgehende Kompetenzen bei der Verwaltung der<br />
der Geist der deutschen Musik beschworen. Auch Direktor Reutter Hochschule, insbesondere bei der Berufung und Entlassung der<br />
berief sich darauf, wandte sich gegen die „unheilvolle artfremde Lehrer. Die Hochschulsatzung gewährte ihm einen Anspruch auf<br />
Zersetzung“ in der Weimarer Zeit und verlangte von einer neuen sachkundige Hilfe bei der Administration, nämlich auf das „erforderliche<br />
Verwaltungspersonal“ und einen ständigen Vertreter.<br />
Musik, die „dieser großen Gegenwart verhaftet ist“, „Klarheit,<br />
Einfachheit, Monumentalität“. Reutter hatte diesen Forderungen bei So konnte Reutter den Typus des Künstlers in der Position eines<br />
seiner Vertonung von Hölderlins Gesang des Deutschen, einer Kantate<br />
für Chor, Orchester und Solostimmen, die er eigens für das abgenommen wird. In Haushalts- und Berufungsfragen hatte er laut<br />
Direktors repräsentieren, dem die Kärrnerarbeit weitgehend<br />
abendliche Festkonzert geschrieben hatte, weitgehend entsprochen. Satzung den Hochschulbeirat zu konsultieren, der sich zusammensetzte<br />
aus dem Oberbürgermeister, dem Vorstand der Stiftung<br />
„Ohne alle kleinliche Malerei rahmt und unterstützt das Orchester<br />
den Chor und die Solostimmen und formt mit ihnen zusammen Dr. Hoch’s Konservatorium, also Stadtrat Keller, Vertretern des<br />
den einfachen, großen und klaren Stil der ernsten, würdigen<br />
Oberpräsidenten in Kassel und des Regierungspräsidenten in<br />
Hymne“, so nimmt der Rezensent der <strong>Frankfurt</strong>er Zeitung Karl Holl Wiesbaden, Vertretern der Kirchenbehörden und vier „musikliebenden“<br />
Mitgliedern, die zu gleichen Teilen vom Oberpräsidenten<br />
den Komponisten beim eigenen Wort. Er fährt fort: „Das Ganze ist<br />
nicht auf epigonale Art, sondern in einem durch die Krise gehärteten<br />
und erweiterten Sinn tonal stilisiert.“ Ein Leser, der gewohnt Weise gelangten wieder Hans Meissner und der Gauamtsleiter,<br />
und vom Oberbürgermeister ernannt wurden (Stück 7). Auf diese<br />
war, Holls Kritiken „gegen den Strich“ zu lesen, könnte vermuten, außerdem der Generalmusikdirektor Konwitschny in das Gremium,<br />
dass hier das Wort „epigonal“, wenn auch harmlos verpackt, fallen das Reutter bei der Verwirklichung seiner Hochschulpläne keine<br />
sollte, zumal kurz darauf „das Vorbild von Brahms“ beschworen nennenswerten Schwierigkeiten bereitet zu haben scheint. Reutter<br />
wird. Auch die beiden anderen zeitgenössischen Programmpunkte war entschlossen, die Gunst der Stunde, nämlich Ehrgeiz und<br />
des Festkonzertes, die Erstaufführung von Gerhard Frommels<br />
finanzielle Großzügigkeit der <strong>Frankfurt</strong>er Musikverantwortlichen,<br />
für den Aufbau eines Instituts von hohem, Konzert in h-Moll für Klavier, Solo-Klarinette und<br />
weithin<br />
Streichorchester und Karl Höllers Konzert<br />
für Violine und Orchester in<br />
Uraufführung, erfuhren eine<br />
sorgfältige, positive Würdigung,<br />
die jedoch gewisse<br />
Vorbehalte Holls ahnen lässt.<br />
Immerhin bewies die neue Hochschule,<br />
dass sie einen Konzertabend<br />
mit Werken überregional<br />
bekannter Komponisten aus der<br />
eigenen Lehrerschaft und mit<br />
eigenem Chor, Orchester und<br />
eigenen Solisten (Alma Moodie,<br />
Violine; Eduard Liebhold, Klarinette;<br />
Georg Kuhlmann, Klavier) gestalten<br />
konnte: eine repräsentative Visitenkarte.<br />
Die Altistin Rosy Hahn (auch Hirsch-<br />
Hahn, 1888–1969) wurde 1933 entlassen.<br />
Danach emigrierte sie zuerst nach Holland<br />
und 1944 nach England. Ihr Nachlass<br />
befindet sich in der <strong>Frankfurt</strong>er Universitätsbibliothek.<br />
ausstrahlenden Prestige zu nutzen.<br />
30
Quelle: Institut für Stadtgeschichte <strong>Frankfurt</strong> am Main<br />
Programm der<br />
Feierlichkeiten zur<br />
Eröffnung der<br />
Musikhochschule am<br />
15./16. Mai 1938<br />
31
D i e G r ü n d u n g d e r S t a a t l i c h e n H o c h s c h u l e f ü r M u s i k F r a n k f u r t a. M.<br />
REUTTERS PERSONALPOLITIK<br />
Entsprechend gestaltete sich seine Personalpolitik. Aus Stuttgart<br />
hatte er Hugo Holle mitgebracht, einen Regerschüler und Chorleiter,<br />
der ihn als fähiger stellvertretender Direktor von der Verwaltungsarbeit<br />
entlastete. Bei Instrumentallehrern und Gesangspädagogen<br />
setzte er, wie angekündigt, auf Namen und Qualität. So<br />
bemerkte er in seinen „Vorschlägen zur Bildung einer Staatlichen<br />
Hochschule für Musik“ von 1936 über den bekannten, bereits am<br />
Hochschen Konservatorium lehrenden Pianisten Alfred Hoehn:<br />
„Natürlich beizubehalten unter Betonung einer absolut autoritären<br />
Stellung“. Weniger renommierte Künstler übernahm er nur mit<br />
Vorbehalt, so den Geiger Gustav Lenzewski, der als Leiter des<br />
Lenzewski-Quartetts immerhin kein Unbekannter war: „Beizubehalten<br />
oder mit Herrn Peischer ab 1937 evtl. zu entlassen, dafür ein<br />
1. Geiger zu engagieren“. Was er für Mittelmaß hielt, qualifizierte<br />
er unbarmherzig ab. Im Frühjahr 1937 verfügte er die Entlassung<br />
der Musikpädagogin Cilla Geis, die bisher angehende Schulmusiker<br />
auf die Staatsprüfung in Berlin vorbereitet und mit der Streichung<br />
jeglicher schulmusikalischen Ausbildung in <strong>Frankfurt</strong> ihr Aufgabengebiet<br />
verloren hatte. Den zahlreichen Interventionen dankbarer<br />
Schüler blieb Reutter ebenso unzugänglich wie dem Protest des<br />
Gaupropagandaleiters, der sich ebenfalls für die schwärmerische<br />
Alt-Nationalsozialistin einsetzte. Den Vorschlag, ihr wenigstens<br />
die Leitung des Hochschulchors zu überlassen, wies er zurück:<br />
„Ich wiederhole nochmals, daß es eine Dirigentin von Rang bis<br />
zum heutigen Tag niemals gegeben hat“. Dabei spielte er geschickt<br />
das nationalsozialistische Frauenbild aus, bei dem Kreativität und<br />
Führungsqualitäten bewusst ausgespart blieben. So machte er die<br />
Bahn frei für den namhaften Chordirigenten Hugo Holle und<br />
entsprach seinem eigenen Erfolgsrezept „Breiteste Wirkung nach<br />
innen und außen“. Diesem Prinzip folgte er auch mit der Verpflichtung<br />
der bekannten Solisten Alma Moodie (Violine), Rudolf<br />
Metzmacher (Violoncello) und Erich Riebensahm (Klavier), die<br />
einem leistungsfähigen und von Reutter konsequent ergänzten und<br />
verbesserten Lehrerkollegium den erwünschten überlokalen Glanz<br />
verliehen.<br />
Aenni (auch: Anna) Rosenthal (1886–1941)<br />
war Geigenlehrerin am Konservatorium<br />
und spielte im Orchester des Jüdischen<br />
Kulturbunds. 1933 wurde sie entlassen.<br />
1941 wurde sie nach Lodz, wahrscheinlich<br />
ins dortige jüdische Ghetto Litzmannstadt<br />
deportiert, das als Zwischenstation vor dem<br />
Ende in einem der Vernichtungslager diente.<br />
Dort verliert sich ihre Spur.<br />
Welche Gesichtspunkte Reutter im Umgang mit Kompositionslehrern<br />
leiteten, liegt weniger offen zu Tage. Mit Karl Höller (geb.<br />
1907) verpflichtete er einen bereits anerkannten Komponisten als<br />
Kompositionslehrer und Leiter des Seminars für katholische<br />
Kirchenmusik. Offensichtlich schätzte er ihn höher ein als die<br />
bereits im Institut lehrenden Komponisten Gerhard Frommel und<br />
Kurt Hessenberg. In seinen „Vorschlägen“ empfahl er, Frommel<br />
„beizubehalten, jedoch nicht in der bisherigen Vorzugsstellung als<br />
1. Kompositionslehrer“. Für den introvertierten Hessenberg fehlte<br />
dem weltläufigeren Reutter offensichtlich das Verständnis.<br />
Zunächst war er für seine Entlassung eingetreten, beschäftigte ihn<br />
dann aber doch als „außerordentlichen künstlerischen Lehrbeauftragten“<br />
für Gehörbildung und allgemeine Musiklehre bei Sängern,<br />
Ballettschülerinnen und in der Vorschule, also mit untergeordneten,<br />
unbefriedigenden Aufgaben. Seine Besoldung hielt sich jahrelang<br />
an der untersten Grenze. In einem Aufsatz, in dem Reutter ziemlich<br />
ausführlich über den Aufbau der Hochschule sowie Qualifikation<br />
und Einsatz der Lehrer berichtete, blieb Hessenberg unerwähnt.<br />
Dabei setzten 1937 dessen Erfolge als Komponist ein. Seinen<br />
Durchbruch erzielte er mit seinem Concerto grosso (Konzert Nr.1)<br />
für Orchester op. 18, das 1939 beim Internationalen Musikfest in<br />
Baden-Baden zum ersten Mal gespielt, danach mehrfach von<br />
Furtwängler mit den Berliner Philharmonikern aufgeführt und von<br />
mehreren namhaften Dirigenten im In- und Ausland bekanntgemacht<br />
wurde. Aber selbst als Hessenberg 1940 zusammen mit<br />
Max Trapp und seinem Institutskollegen Karl Höller den von<br />
Goebbels gestifteten und zum ersten (und einzigen) Mal vergebenen<br />
Nationalen Komponistenpreis erhielt, verbesserte sich seine<br />
Einstufung innerhalb der <strong>Frankfurt</strong>er Musikhochschule nicht.<br />
Schließlich intervenierte sein Schwiegervater, Franz Volhard, einer<br />
der bedeutendsten Internisten seiner Zeit und bekannt als Mann<br />
direkter, unkonventioneller Vorgehensweisen, bei der Gauleitung.<br />
Auf Druck von oben leitete Reutter, wenn auch ohne besondere<br />
Eile, Hessenbergs Beförderung zum beamteten Dozenten ein, die<br />
ihn mit den beiden anderen Komponisten Höller und Frommel<br />
gleichstellte und sein Gehalt verdoppelte. Hessenberg erhielt nun<br />
auch den Gaukulturpreis. Seine Gegenleistung bestand in einem<br />
späten Antrag auf Aufnahme in die Partei, der jedoch nicht mehr<br />
zur Mitgliedschaft führte. Mag Reutters Zurücksetzung Hessenbergs<br />
anfänglich noch aus dem Gegensatz ihres Charakters<br />
erklärlich gewesen sein, so steht sein Verhalten dem plötzlich<br />
arrivierten Kollegen gegenüber in so eklatantem Gegensatz zu<br />
seiner sonstigen Gepflogenheit, „Träger bekannter Namen“<br />
in seinem Kollegium zu fördern und herauszustellen, dass sich<br />
hier der Verdacht des Konkurrenzneides aufdrängt. Auch die<br />
befremdliche Entscheidung, letzten Endes doch von der<br />
Einstellung Carl Orffs abzusehen, könnte hier ihr Motiv<br />
haben. Die Bevorzugung Paul Friedrich Scherbers vor Orff<br />
als Leiter des Privatmusikseminars verwundert umso<br />
32
Ernst Wolff (1905–1991) nahm Gesangsunterricht,<br />
studierte aber Musiktheorie und<br />
Klavier. Er war Kapellmeister an den<br />
Städtischen Bühnen <strong>Frankfurt</strong> und am<br />
Konservatorium Korrepetitor. Er wurde 1933<br />
entlassen. Mit Hilfe von Max Reinhardt und<br />
Kurt Weill emigrierte er 1937 in die USA.<br />
1948 trat er wieder in Europa auf und ließ<br />
sich im Schweizer Kanton Tessin nieder.<br />
Er erhielt 1962 den Professorentitel der<br />
Stadt <strong>Frankfurt</strong> und wurde mit dem<br />
Bundesverdienstkreuz ausgezeichnet.<br />
ihrem Familienkreis gesammelt und gegen politisches Wohlverhalten<br />
verrechnet („Früher Freimaurer, aber eifrig in der Wehrbetreuung“),<br />
wurden Pauschalurteile über Persönlichkeit und berufliche<br />
Qualifikation abgegeben. Augenfällig werden der ständige Gesinnungsterror<br />
und der gesellschaftspolitische Rechtfertigungsdruck<br />
an Entschuldigungszetteln, mit denen angesehene Klavierpädagogen<br />
ihr Fernbleiben von einer Straßensammlung begründeten.<br />
Dennoch war der Dozentenbundführer mit dem „politischen<br />
Gesamtbild“ der Hochschule unzufrieden: „Viele fachlich hervorragende<br />
Lehrkräfte, in den meisten Fällen unpolitische Künstlernaturen,<br />
jedoch kein positives Verhältnis zur NS-Weltanschauung und<br />
zur völkischen Lebenshaltung.“<br />
Dass dieses aus heutiger Sicht erfreuliche Übergewicht künstlerischer<br />
über politische Aktion eng mit Reutters Führungsstil<br />
zusammenhängt, zeigt ein Gutachten des Dozentenführers über den<br />
Hochschuldirektor. Goys Nachfolger Julius Maurer, der zusammen<br />
mit Karl Höller die Dirigentenklasse leitete und offenbar weniger<br />
Ressentiments abzureagieren hatte als sein Vorgänger, gibt einen<br />
sachlichen Überblick über Reutters bisheriges kompositorisches<br />
Schaffen, das bei „Klärung, Vereinfachung, Verinnerlichung in den<br />
letzten Jahren“ und „einem Zug zur Monumentalität“ nun auch<br />
„bei nationalpolitischen Veranstaltungen brauchbar“ sei. Er findet<br />
„verständlich und bedauerlich“, dass Reutters Tätigkeit als Pädagoge<br />
und Hochschulleiter hinter seine künstlerischen Aktivitäten<br />
zurücktrete, hebt sein Interesse an guten Lehrkräften hervor,<br />
bemängelt aber, dass er einzelne bevorzuge, keine „echte Gemeinschaft“<br />
bilde und sich persönlich abschotte. Politisch habe er sich<br />
nie betätigt, auch wenn er sich als überzeugten Nationalsozialisten<br />
bezeichne. Trotz Mitgliedschaft im Dozentenbund lege er wenig<br />
Wert auf Zusammenarbeit mit ihm. Diese Charakterisierung<br />
bestätigt den Eindruck, der sich aus den angeführten Beispielen<br />
seiner Personalführung ergibt: den Eindruck imposanter, elitärer<br />
Selbstbezogenheit. Sie war offenbar so festgefügt, dass sie durch<br />
die offizielle Ungnade, die Reutter eine Zeitlang traf, nur vorübergehend<br />
erschüttert wurde. Sein alter Feind Otto zur Nedden hatte im<br />
Verein mit Hans Severus Ziegler und Heinz Drewes, dem Leiter der<br />
Abteilung Musik im Propagandaministerium, auf dem Tonkünstlerfest<br />
in Weimar 1936 Goebbels gegen Reutter aufgehetzt und<br />
beinahe ein generelles Aufführungsverbot seiner Faustoper erreicht.<br />
Auf der Düsseldorfer Ausstellung Entartete Musik holten sie zu<br />
einem neuen Schlag aus und setzten Reutter auf „eine Namenstafel<br />
der Komponisten in ihrer international-jüdischen Verflechtung<br />
während der Nachkriegs-Musikfeste des Allgemeinen Deutschen<br />
Musikvereins und der berüchtigten Musikfeste in Baden-Baden“.<br />
Oberbürgermeister Krebs geriet daraufhin in Zorn und veranlasste,<br />
dass die inkriminierenden Hinweise auf Reutter und den ebenfalls<br />
angeprangerten Gerhard Frommel aus der Ausstellung verschwanmehr,<br />
als Scherber<br />
Reutters hohen<br />
Qualitätsansprüchen<br />
eigentlich in keiner<br />
Weise gerecht<br />
werden konnte.<br />
Dokumente und<br />
Zeitgenossen<br />
bestätigen übereinstimmend<br />
die Fragwürdigkeit seiner<br />
„Einheitlichen Musiklehre“ und seinen Mangel an<br />
persönlicher und künstlerischer Ausstrahlung. Reutters kritischem<br />
Blick dürfte das kaum entgangen sein. Für Scherber sprachen aber<br />
wichtige politische Gesichtspunkte: Er war alter Parteigenosse,<br />
SA-Mann und Musikreferent der HJ, und er wurde vom Universitätsmusikdirektor,<br />
dem Musikwissenschaftler Joseph Müller-<br />
Blattau, empfohlen. Möglicherweise bedachte Reutter Paul Friedrich<br />
Scherber mit der Rolle des ideologischen Aushängeschilds, hinter<br />
dem er einigermaßen ungestört die künstlerischen Interessen<br />
seines Instituts und seiner eigenen Person verfolgen zu können<br />
hoffte. Indem er Scherber bei jeder Gelegenheit herausstrich,<br />
konnte er es sich leisten, ein anderes gläubig-nationalsozialistisches<br />
Mitglied seines Kollegiums, den Theorielehrer Heinrich Goy,<br />
Parteimitglied und Dozentenführer des NSD-Dozentenbundes an<br />
der Musikhochschule, in jeder Beziehung kurz zu halten. Goys<br />
bewegte Klagen gegenüber dem Gaudozentenführer, er werde trotz<br />
politischer Tätigkeit nicht ins Dozentenverhältnis berufen und könne<br />
sich an der Musikhochschule künstlerisch, musikwissenschaftlich<br />
und erzieherisch nicht entfalten, fruchteten ebenso wenig wie die<br />
Anzettelung einer Intrige gegen Hugo Holles Nachfolger als<br />
stellvertretender Direktor und der Versuch, in seiner Eigenschaft als<br />
Dozentenführer in den Hochschulbeirat aufgenommen zu werden.<br />
Wie eine erhaltene Liste belegt, waren von 30 Lehrern zehn sowohl<br />
Mitglied der NSDAP als auch des Dozentenbundes, also um ein<br />
tadelloses politisches Erscheinungsbild bemüht. Eine Minderheit<br />
von sieben gehörte keiner der beiden Organisationen an, unter<br />
ihnen Helmut Walcha, dessen Politikferne auf diese Weise bestätigt<br />
wird, aber auch zwei Lehrer, die ihrer ehemaligen Logenzugehörigkeit<br />
wegen nicht aufgenommen wurden. Der Rest war entweder in<br />
der Partei oder im Dozentenbund, ließ es also bei einer Loyalitätsgeste<br />
bewenden. Die Akten weisen den Dozentenbund als einen<br />
Bespitzelungs- und Disziplinierungsmechanismus aus, den der<br />
Dozentenführer gegen seine Kollegen in Gang hielt. In Zusammenarbeit<br />
mit dem Sicherheitsdienst des Reichsführers SS wurden<br />
Schwachpunkte aus ihrer Intimsphäre, ihrer Vergangenheit und<br />
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D i e G r ü n d u n g d e r S t a a t l i c h e n H o c h s c h u l e f ü r M u s i k F r a n k f u r t a. M.<br />
„KURZE GLANZZEIT“<br />
den. Reutters überschwängliche Dankbarkeitsbekundungen<br />
gegenüber Krebs zeigen, dass ihn der Vorfall außerordentlich<br />
schockiert und verunsichert hatte. Weit entfernt davon, die Rolle<br />
eines Systemgegners zu akzeptieren, bemühte er sich um seine<br />
Rehabilitierung und wurde dabei unterstützt von Krebs, Meissner,<br />
Friedrich Bethge und nicht zuletzt dem Reichs- und Preußischen<br />
Kultusministerium, das Reutter und seiner Hochschule wohlgesonnen<br />
war. Schallplatten mit Musik von Reutter sollten Hitler davon<br />
überzeugen, dass sie durchaus nicht kulturbolschewistisch sei, aber<br />
es verlautete, sie seien im Propagandaministerium vernichtet<br />
worden. Zu den Düsseldorfer Reichsmusiktagen im Mai 1939<br />
indessen erhielt Reutter eine persönliche Einladung von Goebbels.<br />
Was diesen Klimawechsel im Propagandaministerium bewirkt hatte,<br />
bleibt offen. Im Oktober 1939 bestätigte Hitler nach monatelanger<br />
Verzögerung die offizielle Ernennung Reutters zum Hochschuldirektor<br />
und Professor. Es ist bemerkenswert, dass Reutter sich im<br />
Kampf um die verlorene Gunst der NS-Führung künstlerischer<br />
Mittel zu bedienen versuchte anstatt der politischen Intrige oder<br />
Anbiederung. Wenn man von einem Hochschulkonzert absieht, das<br />
Reutter zu Ehren von Kultusminister Bernhard Rust im<br />
Sommer 1939 oder 1940 veranstaltete<br />
oder zu veranstalten<br />
beabsichtigte,<br />
zeigt seine<br />
Amtsführung auch<br />
in den Monaten<br />
seiner Diffamierung<br />
keine Anzeichen<br />
besonderer politischer<br />
Beflissenheit.<br />
Paul Meyer (1891–?), als Korrepetitor der<br />
Opernschule geschätzt und hochgeachtet,<br />
wurde nach dem 31. August 1933 „unter<br />
Vorbehalt“ am Konservatorium weiterbeschäftigt,<br />
aber wenig später nach einer<br />
Denunziation eines Kollegen entlassen.<br />
Er emigrierte 1936 nach Frankreich und<br />
von dort 1938 in die USA.<br />
Für die Leitung einer aufstrebenden Musikhochschule im nationalsozialistischen<br />
Deutschland war ein Mann vom persönlichen und<br />
künstlerischen Zuschnitt Hermann Reutters sicherlich eine vorteilhafte<br />
Besetzung. Die Jahre seines Direktorats, in denen die gute<br />
finanzielle Ausstattung und die Qualität seines Lehrerkollegiums<br />
volle Wirkung entfalten konnten, ohne dass sie durch Kriegseinflüsse<br />
bereits wieder abgeschwächt worden wäre, kann man als eine<br />
„kurze Glanzzeit“ der Hochschule bezeichnen. Aus den Ausbildungsklassen<br />
gerade dieser Jahre gingen eine Reihe namhafter<br />
Instrumentalsolisten und Dirigenten, vor allem aber zahlreiche<br />
Mitglieder der <strong>Frankfurt</strong>er Orchester und Lehrer an der Musikhochschule<br />
in der Nachkriegszeit hervor. Gemäß Reutters Prinzip der<br />
größtmöglichen Effizienz in alle Richtungen traten die prominenten<br />
Lehrer stärker in den Hochschulkonzerten hervor, als dies bisher<br />
üblich gewesen war. Ein geeignetes Forum bildete die „Woche der<br />
Musik“, die auf Anordnung des Kultusministeriums seit 1939<br />
alljährlich von den Musikhochschulen veranstaltet werden sollte.<br />
Zwischen dem 4. und dem 10. Juni 1939 gab es ein Programm mit<br />
Orgel- und Kammermusik des 17. und 18. Jahrhunderts und<br />
anlässlich des 70. Geburtstages von Hans Pfitzner ein Konzert mit<br />
seinen Werken (Cellosonate op. 1 mit Rudolf Metzmacher und<br />
Georg Kuhlmann, Klaviertrio op. 8 unter Hinzuziehung des Geigers<br />
Joseph Peischer, Lieder, vorgetragen von der Gesangsdozentin<br />
Marga Iff-Koch). Am folgenden Tag wurde Joseph Haas, der in<br />
diesem Jahr 60 Jahre alt geworden war, mit einer Morgenfeier<br />
geehrt. Bei einem Beethovenabend des Hochschulorchesters<br />
traten Alfred Hoehn und Alma Moodie solistisch hervor. Die<br />
Woche schloss mit der Winterreise von Schubert, gesungen<br />
von dem Bariton Ludwig Druschel aus der Gesangsklasse von<br />
Rudolf Ligniez und begleitet von Hermann Reutter. Hermann<br />
Reutter trat in <strong>Frankfurt</strong> auch außerhalb der Hochschule als<br />
Begleiter bekannter Liedinterpreten, aber auch von Instrumentalsolisten<br />
wie Alma Moodie auf.<br />
WALCHA UND BACH<br />
Starke Impulse innerhalb und außerhalb der Hochschule vermittelte<br />
auch der Organist Helmut Walcha (1907–1991). An der nach seinen<br />
Anweisungen und den Grundsätzen der Orgelbewegung 1936<br />
umgebauten Orgel des Hochschen Konservatoriums veranstaltete<br />
er Orgelabende mit Werken von Bach und seinen Vorgängern,<br />
von 1938 an die „<strong>Frankfurt</strong>er Bachstunden“, mit denen er Bach<br />
in <strong>Frankfurt</strong> erst wirklich populär machte. Karl Holl weist auf den<br />
„besinnlich-feierlichen Charakter“ dieser Veranstaltungen hin, auf<br />
das besondere, sich als Gemeinde fühlende Publikum und das<br />
Fehlen des Beifalls. Ein Zug von Ideologisierung ist hier unübersehbar,<br />
eine Flucht in „ewige Werte, zu denen die schlechte Gegenwart<br />
in Konflikt geraten war“.<br />
34
Ambivalente MODERNISIERUNG<br />
Die nationalsozialistische Stadtverwaltung hatte zwar nicht, wie<br />
erhofft, im Handstreich, jedoch in langem, zähen Ringen erreicht,<br />
was in der „Systemzeit“ unter Kestenberg und Ludwig Landmann<br />
misslungen war: aus dem traditionsreichen, bürgerlich geprägten<br />
Privatinstitut Dr. Hoch’s Konservatorium, dessen wirtschaftliche und<br />
rechtliche Verfassung nicht mehr den Anforderungen genügte, eine<br />
moderne Musikhochschule zu machen. Dies gelang allerdings nur<br />
unter gründlicher Missachtung des in den Statuten festgeschriebenen<br />
Stifterwillens und Aushöhlung des alten Hochschen<br />
Konservatoriums, dessen geschützter Name nur noch als Appendix<br />
und als Bezeichnung der Vorschule eine Alibiexistenz weiterführte.<br />
Hier lag eine der ambivalenten Modernisierungen vor, die kennzeichnend<br />
für den Nationalsozialismus sind; ambivalent wegen der<br />
Gewaltsamkeit und Widerrechtlichkeit ihrer Durchsetzung einerseits<br />
und ihrer vorteilhaften Auswirkungen andererseits. Dass die<br />
Hochschulgründung die in sie gesetzten Hoffnungen erfüllte,<br />
verdankt sie in hohem Maße dem Direktor Hermann Reutter, der die<br />
institutionellen und finanziellen Chancen zu nutzen verstand und<br />
der Hochschule eine Position als wichtiger kultureller Faktor<br />
innerhalb <strong>Frankfurt</strong>s und als musikpädagogischer Anziehungspunkt<br />
für Südwestdeutschland verschaffte. Sein selbstbewusster,<br />
leistungsorientierter Führungsstil schirmte das Arbeitsklima<br />
innerhalb seines Instituts weitgehend gegen politische Zumutungen<br />
ab. Die neue Hochschule stellte einen ansehnlichen Aktivposten des<br />
damaligen kulturellen <strong>Frankfurt</strong>s dar.<br />
Autorisierte Wiederveröffentlichung aus:<br />
Eva Hanau, Musikinstitutionen in <strong>Frankfurt</strong> am Main<br />
1933 bis 1939, Köln: Studiopunkt-Verlag 1994,<br />
S. 11f., 27ff., 39, 51ff., 71ff., 112.ff., 150f.; Literaturund<br />
Quellennachweise siehe dort.<br />
Das Hochschulorchester bei einer Probe im Großen Saal der <strong>HfMDK</strong><br />
35
EIN UNBEKANNTES MUSIKPÄDAGOGISCHES<br />
DOKUMENT VON 1927:<br />
HINDEMITHS KONZEPTION EINER MUSIKHOCHSCHULE<br />
Von Prof. Dr. Peter Cahn<br />
Schon während der zwanziger Jahre hat Paul Hindemith mehrfach<br />
zu musikalischen Zeitfragen öffentlich Stellung bezogen. Die<br />
Thematik dieser programmatischen Äußerungen ergab sich aus den<br />
Problemen, mit denen er sich als Instrumentalist und Komponist<br />
konfrontiert sah. Erinnert sei etwa an die gemeinsam mit Reinhold<br />
Merten proklamationsartig verbreitete Kritik am Konzertbetrieb von<br />
1922, an den Aufsatz Über mechanische Musik von 1927 und an die<br />
Forderungen an den musikalischen Laien von 1930. Vergleichbare<br />
Thesen Hindemiths zu dem spätestens ab 1927 für ihn wichtigen<br />
Thema der Ausbildung von Berufsmusikern, speziell von Komponisten,<br />
sind dagegen erst in der Einleitung zur Unterweisung im<br />
Tonsatz und in den Vorschlägen zur Neuorganisation des türkischen<br />
Musiklebens aus der Mitte der dreißiger Jahre bekannt geworden.<br />
Eine zusammenfassende Behandlung findet der Komplex Pädagogik<br />
erst im 9. Kapitel von A Composer´s World (1952). Sollte der<br />
originellen Form des Unterrichts, wie Hindemith ihn in Berlin<br />
erteilte, tatsächlich keine Darlegung seiner Konzeption von<br />
pädagogischem Wirken vorausgegangen sein, in einer an pädagogischen<br />
Ideen so reichen und zugleich bedürftigen Zeit? Wenn nicht<br />
alles täuscht, so hat Hindemith seine 1950 in Harvard vorgetragenen<br />
Gedanken über Musikpädagogik im Kern schon vor der<br />
Übersiedlung nach Berlin im Frühjahr 1927 niedergelegt, und zwar<br />
in Gestalt einer kritischen Stellungnahme zum Satzungsentwurf<br />
für eine Staatliche Musikhochschule, deren Gründung damals in<br />
<strong>Frankfurt</strong> geplant war, aber nicht zustande kam. Als Autor der<br />
Stellungnahme figuriert Licco Amar, der Primarius des nach ihm<br />
benannten Streichquartetts, dem Paul Hindemith als Bratschist<br />
angehörte. Dass es sich dabei mit an Sicherheit grenzender<br />
Wahrscheinlichkeit um eine Fiktion handelt, wird darzulegen sein.<br />
Zunächst jedoch sei auf den Ablauf der Ereignisse eingegangen,<br />
die Hindemith alias Amar veranlassten, Eingaben an den <strong>Frankfurt</strong>er<br />
Magistrat zu richten. Es handelt sich dabei um Vorgänge, die auch<br />
in <strong>Frankfurt</strong> unbekannt geblieben sind. Die Satzungskritik Hindemiths<br />
hat trotz der inzwischen verstrichenen Jahrzehnte nur wenig<br />
von ihrem Aktualitätswert verloren. Nie hat er sich engagierter zu<br />
musikpädagogischen Fragen geäußert.<br />
Die mit dem Namen Leo Kestenberg verknüpfte Reform des<br />
musikalischen Unterrichtswesens in Preußen ging auch an <strong>Frankfurt</strong><br />
nicht spurlos vorüber. Zur Ausbildung von Musiklehrern nach den<br />
neuen Prüfungsbestimmungen wurden Staatliche Prüfungsausschüsse<br />
und Hochschulen benötigt. Die Absicht des Ministeriums,<br />
die privaten Konservatorien in Köln und <strong>Frankfurt</strong> am Main in<br />
Staatliche Hochschulen umzuwandeln, führte 1925 in Köln zum<br />
Erfolg; in <strong>Frankfurt</strong> hingegen erwies sich die Tradition des als<br />
Stiftung verfassten Hochschen Konservatoriums als hartnäckiges<br />
Hindernis. Angesichts der beschränkten verfügbaren Mittel forderte<br />
Kestenberg eine drastische Reduzierung des Lehrkörpers und die<br />
völlige Abtrennung jeglicher Laienausbildung von der geplanten<br />
Hochschule; außerdem für die Berufung des Direktors und der<br />
Professoren maßgeblichen Einfluss des Ministeriums bei vergleichsweise<br />
bescheidener finanzieller Beteiligung.<br />
Mit dem Statut der Stiftung Dr. Hoch‘s Konservatorium waren<br />
solche Pläne unvereinbar. Aber nicht nur dort stießen sie auf<br />
Widerstand, sondern auch beim <strong>Frankfurt</strong>er Magistrat, der die auf<br />
ihn zukommende Subventionslast durch höhere Staatszuschüsse<br />
gemindert sehen wollte und deshalb hinhaltend taktierte. Kestenberg<br />
suchte daher ab 1924, nachdem das Stiftungskuratorium mit<br />
der Ernennung von Bernhard Sekles zum Direktor vollendete<br />
Tatsachen geschaffen hatte, die Gründung einer vom Hochschen<br />
Konservatorium unabhängigen Hochschule zu erreichen. Das<br />
Institut sollte der Ausbildung von Schulmusikern und Privatmusiklehrern<br />
im Sinne der neuen Prüfungsordnung dienen. Es gelang<br />
ihm, nach mancherlei Schwierigkeiten den <strong>Frankfurt</strong>er Oberbürgermeister<br />
für diesen Plan zu gewinnen. Da die Geltung der alten<br />
Prüfungsbestimmungen bis 1927 unbefristet war, arbeitete die Zeit<br />
für Kestenbergs Idee eines Schul- und Privatmusikseminars in<br />
<strong>Frankfurt</strong>. Im August 1926 beschloss der Magistrat, die Hochschule<br />
spätestens 1928 zu eröffnen. Damit traten inhaltliche und personelle<br />
Fragen in den Vordergrund.<br />
36
Kestenbergs Vorstellungen gingen dahin, dass in <strong>Frankfurt</strong> nicht<br />
lediglich ein Parallelinstitut zu Berlin und Köln entstehen sollte;<br />
vielmehr sollte die <strong>Frankfurt</strong>er Hochschule betont fortschrittlich<br />
gestaltet werden, unter anderem durch Ausbildungsmöglichkeiten<br />
für Bereiche wie Rundfunk-, Film- und Unterhaltungsmusik sowie<br />
für Chorleitung. Durch Einbeziehung dieser Musikzweige erhoffte<br />
er sich eine Hebung des Geschmacks der breiten Masse.<br />
Ein Widersacher Kestenbergs war und blieb der <strong>Frankfurt</strong>er<br />
Musikdezernent Heinrich Langer. Kestenberg hat ihn gelegentlich<br />
intern als „reaktionär“ bezeichnet. Langer erarbeitete einen<br />
Satzungsentwurf für die Hochschule, der im Februar 1927 dem<br />
Ministerium zugeleitet wurde. Gegen Kestenbergs Plan einer<br />
Hochschulgründung ohne Beteiligung des Hochschen Konservatoriums,<br />
der selbst der Presse verborgen blieb, opponierte Langer<br />
jedoch weiterhin. Die nachstehend zitierten Quellen sind vor dem<br />
Hintergrund von drei Sachkomplexen bzw. Interessenlagen zu<br />
sehen, die sich teilweise überschneiden:<br />
1. dem Versuch Hindemiths, die Donaueschinger Kammermusikfeste<br />
nach <strong>Frankfurt</strong> bzw. nach Bad Homburg zu ziehen;<br />
2. der Zukunft des Amar-Quartetts, das mit Hindemiths Berufung<br />
nach Berlin vor schwerwiegenden Entscheidungen stand. Licco<br />
Amar, Walter Caspar und Maurits Frank sahen – zweifellos im<br />
Einverständnis mit Hindemith – Chancen für eine weitere Existenz<br />
des Quartetts in ihrer Berufung an die zu gründende Hochschule<br />
in <strong>Frankfurt</strong>;<br />
3. dem Bemühen Kestenbergs, Langers Widerstand gegen seine<br />
<strong>Frankfurt</strong>er Pläne zu überwinden.<br />
Als Teil dieses Bemühens wird man wohl auch einen Besuch<br />
Hindemiths bei Langer im Januar 1927 ansehen dürfen, der wahrscheinlich<br />
auf Wunsch oder Anregung Kestenbergs hin erfolgte.<br />
Im Verlauf dieses Gesprächs zwischen Hindemith und Langer kam<br />
es jedoch zu einer hitzigen Auseinandersetzung, die damit endete,<br />
dass Hindemith die musikalischen Beziehungen zu dem <strong>Frankfurt</strong>er<br />
Musikdezernenten abbrach. In diesem Bruch dürfte auch der Grund<br />
dafür liegen, dass Hindemith seine Stellungnahme zur Hochschulsatzung<br />
nicht mehr unter eigenem, sondern unter Amars Namen<br />
laufen ließ. Von dem „Krach“ mit Hindemith informierte Langer<br />
den Oberbürgermeister Ludwig Landmann noch am gleichen Tag.<br />
Ausbrüche Hindemiths wie der in dem folgenden Bericht<br />
geschilderte sind auch anderweitig bezeugt; nicht nur in dieser<br />
Beziehung erscheint der Bericht Langers durchaus glaubhaft.<br />
<strong>Frankfurt</strong> am Main, den 8. Januar 1927<br />
Herrn Oberbürgermeister<br />
zur gefl. Kenntnisnahme vorzulegen<br />
Herr Hindemith hat mich heute besucht und mit mir über<br />
verschiedene Fragen (Donaueschinger Musiktage, Musikerausbildung,<br />
Hochschule) gesprochen.<br />
Die Frage der Donaueschinger Musiktage wurde zunächst<br />
nur gestreift. Wir unterhielten uns dann länger über die<br />
Musikerausbildung, über die Herr Hindemith der Auffassung<br />
ist, daß sie zur Zeit sowohl von den Hochschulen als<br />
auch vom Konservatorium falsch vorgenommen würde.<br />
Man dränge bei der Erziehung in der Richtung auf das<br />
Virtuosentum, ohne daß ein entsprechender Bedarf und<br />
ohne daß auch die nötige Zahl entsprechend veranlagter<br />
Individuen vorhanden sei. Er redete einer systematischen<br />
energischen Gebrauchsmusikerausbildung das Wort. In<br />
dieser Beziehung konnte ich mich mit ihm identifizieren.<br />
Ich wies auch auf den von ihm anerkannten Widerspruch<br />
hin, daß die Berliner Zentralstellen einerseits die höchstqualifizierten<br />
Lehrer, die selbst Virtuosen seien, verlangen,<br />
andererseits aber offenbar die mit einem so qualifizierten<br />
Lehrpersonal nicht zu vereinbarende Gebrauchsmusikerausbildung<br />
tendieren. Ich schlug Herrn Hindemith dann vor,<br />
bei dem Versuch des von ihm aufgestellten soeben<br />
skizzierten Programms in <strong>Frankfurt</strong> am Main mitzuwirken.<br />
Er erklärte aber, auf die Errichtung der Hochschule nicht<br />
warten zu können, er habe auch in Berlin bereits fest<br />
abgeschlossen. Die Mitarbeit an dem Hoch-schen Konservatorium,<br />
das ihm begreiflicherweise kein Aequivalent für<br />
die Berliner Hochschule bietet, lehnte er ziemlich offensichtlich<br />
ab. Dagegen schlug er vor, im Anschluß an die<br />
Donaueschinger Musiktage in <strong>Frankfurt</strong> am Main einen<br />
etwa dreimonatigen Kompositionskurs abzuhalten. Da ich<br />
mir hiervon nicht viel versprach, versuchte ich wieder auf<br />
die erste Idee – Mitarbeit am Hochschen Konservatorium,<br />
später an der <strong>Frankfurt</strong>er Musikhochschule – zurückzukommen.<br />
Nunmehr aber nahm das Gespräch eine etwas kritische<br />
Wendung. Herr Hindemith verbreitete sich über allgemeine<br />
Musikfragen und stellte die Behauptung auf, daß die Musik<br />
seit 150 Jahren im Niedergang begriffen sei. Ich gestattete<br />
mir zu widersprechen und erbat eine Beweisführung,<br />
indem ich zugleich auf eine Reihe nicht ganz unbeachtlicher<br />
musikalischer Phänomene, die in den letzten<br />
150 Jahren gelebt haben, hinwies. Ich hatte aber in ein<br />
Wespennest gestochen und erfuhr von Herrn H. nicht die<br />
Begründung seiner Ansichten, die mich sehr interessiert<br />
37
H i n d e m i t h s K o n z e p t i o n e i n e r M u s i k h o c h s c h u l e<br />
hätte, sondern lediglich eine Reihe weiterer Thesen, die<br />
Herr H. nicht ohne persönliche Ausfälle vortrug. Da ich<br />
mich gegen die persönlichen Ausfälle entsprechend zur<br />
Wehr setzte, befanden wir uns bald im schönsten Zank,<br />
aus dem wir uns zwar mit Händedruck, dennoch aber mit<br />
einem von Herrn H. vollzogenen Abbruch der musikalischen<br />
Beziehungen trennten.<br />
Unter diesen Umständen wird es notwendig sein, daß die<br />
Verhandlungen wegen der Heranziehung des Donaueschinger<br />
Musikfestes nach <strong>Frankfurt</strong> am Main von anderer Seite<br />
als von mir aufgegriffen werden.<br />
Langer<br />
Der Bericht lässt erkennen, dass Hindemith schon Anfang Januar<br />
1927 den an ihn ergangenen Ruf als Kompositionsprofessor an die<br />
Berliner Musikhochschule angenommen hatte. Bemerkenswert sind<br />
auch die Anhaltspunkte für tatsächliche oder vorgebliche, jedenfalls<br />
aber verspätete Überlegungen des Musikdezernenten, Hindemith<br />
ans Hochsche Konservatorium zu ziehen, dessen Administration<br />
Langer angehörte. In unserem Zusammenhang interessiert aber vor<br />
allem, dass Hindemith in jenem Gespräch seine Vorstellungen über<br />
die Ausbildung von Musikern mündlich vorgetragen hat und<br />
daraufhin von Langer zur Realisierung seiner Konzeption in<br />
<strong>Frankfurt</strong> aufgefordert wurde. Wäre eine solche Aufforderung früher<br />
an ihn herangetragen worden, so hätte Hindemith ihr vermutlich<br />
gerne Folge geleistet. Da sie aber nach seiner Berliner Zusage<br />
erging, bot sie eher einen Anlass zur Verärgerung, weil ihre<br />
Aufrichtigkeit damit in Frage gestellt war. Dass Hindemith nach wie<br />
vor an <strong>Frankfurt</strong> hing, geht aus dem bisher unbekannten Projekt<br />
eines dreimonatigen Kompositionskurses in <strong>Frankfurt</strong> hervor. Dass<br />
Langer – wie er selbst formuliert – „sich davon nicht viel versprach“,<br />
und das heißt ja wohl, dass er nicht einmal auf den Plan<br />
einging, muss dann jenes Gewitter heraufbeschworen haben, das in<br />
dem Bericht an den Oberbürgermeister so treffend beschrieben ist.<br />
Nach diesem Zerwürfnis trat der zweite der drei oben genannten<br />
Komplexe in den Vordergrund: die Zukunft des Amar-Quartetts.<br />
Langer hätte das Quartett (in veränderter Zusammensetzung) gern<br />
in <strong>Frankfurt</strong> gehalten. In einem Gespräch mit Amar operierte er zu<br />
diesem Zweck mit Andeutungen über die Hochschule. Als Amar<br />
darin konkrete Angebote erkennen wollte, suchte Langer sich gegen<br />
dieses „Missverständnis“ mit dem Hinweis zu verwahren, dass die<br />
Zeit für feste Absprachen noch nicht gekommen sei. Darauf richtete<br />
Amar am 23. April 1927 folgendes Schreiben an Ludwig Landmann:<br />
Sehr geehrter Herr Oberbürgermeister!<br />
Gestatten Sie mir, daß ich heute auf unser Gespräch<br />
bezüglich der Musikhochschule zurückkomme. Es ist<br />
nämlich inzwischen ein neues Problem aufgetaucht, das<br />
m.E. in einem gewissen Zusammenhang mit dem <strong>Frankfurt</strong>er<br />
Musikleben, also auch mit der Hochschule steht. Sie<br />
haben möglicherweise davon gehört, daß durch die<br />
Berufung Paul Hindemiths nach Berlin und den Austritt<br />
Rudolf Hindemiths unser Quartett in seinem Bestehen<br />
gefährdet ist. Wir hätten auch angesichts dieser Schwierigkeiten<br />
unsere Tätigkeit im Laufe des Sommers eingestellt,<br />
wenn uns nicht für die nächste Zeit einige künstlerisch<br />
sehr lockende Angebote gemacht worden wären. Es ist uns<br />
u.a. von der russischen Regierung der Vorschlag gemacht<br />
worden, in Moskau und Leningrad eine Reihe von Konzerten<br />
mit moderner Musik zu veranstalten. Auch sonst<br />
hat die Nachricht vom Aufhören unseres Quartetts einen<br />
bedauernden Widerhall gefunden, so daß wir uns entschlossen<br />
haben, nach einem anderen Cellisten Ausschau<br />
zu halten. Es ist uns auch gelungen, unseren früheren<br />
Kollegen Maurits Frank wieder zu gewinnen. Nun aber<br />
steht Herr Frank mit Berlin in Unterhandlungen bezüglich<br />
einer gewissen Stellung und auch Herr Caspar, unser<br />
zweiter Geiger, hat Aussicht dort angestellt zu werden,<br />
so daß die Gefahr besteht, daß der Schwerpunkt unseres<br />
Quartetts in Zukunft nach Berlin gravitieren wird.<br />
Dadurch wäre auch meine Situation sehr erschwert, denn<br />
ich müßte meine Zeit zwischen Berlin und <strong>Frankfurt</strong> teilen.<br />
Es wäre aber auch ein schlechter Beginn für die Musikhochschule<br />
(welche ja auch einer Konsolidierung des<br />
Musiklebens dienen soll), wenn kurz vor der Eröffnung<br />
dieser Anstalt eine sehr bekannte Vereinigung tüchtiger<br />
Musiker abwandern würde.<br />
Um diese Nachteile zu verhindern, erlaube ich mir Ihnen<br />
folgenden Plan zu unterbreiten. Ich glaube sicher, daß Herr<br />
Frank, der schon früher hier gelebt hat, gerne eine Berliner<br />
mit einer <strong>Frankfurt</strong>er Position vertauschen würde; außerdem<br />
wird es doch nötig sein, für die Hochschule einen<br />
Cellisten von auswärts zu berufen, denn hier ist kein<br />
Vertreter dieses Instruments, der höheren Anforderungen<br />
genügen würde. Daß Herr Frank, der zuletzt Professor am<br />
Konservatorium in Prag war, ein ausgezeichneter Cellist<br />
und Musiker ist, brauche ich wohl nicht besonders zu<br />
betonen. Was Herrn Caspar anbelangt, so würde es wohl<br />
auch unschwer möglich sein, für ihn eine Tätigkeit an der<br />
Hochschule zu finden, denn wir sind auch an Geigern nicht<br />
reich, besonders nicht an solchen, die das Ensemble- und<br />
Kammermusikspiel beherrschen, was bei Herrn Caspar<br />
selbstverständlich durchaus der Fall ist. Die Durchführung<br />
dieses Planes hätte gleicherweise für uns wie für die Stadt<br />
<strong>Frankfurt</strong> den Vorteil, daß unser Quartett nach wie vor<br />
38
Foto: Schott Music GmbH & Co. KG<br />
39 Paul Hindemith Ende der zwanziger Jahre
Foto: Andreas Reeg<br />
Die Kontrabassistin Nicola Vock wähend einer Orchesterprobe im Großen Saal der Hochschule<br />
40
H i n d e m i t h s K o n z e p t i o n e i n e r M u s i k h o c h s c h u l e<br />
seinen Sitz hier behält (denn in diesem Falle würde auch<br />
Paul Hindemith seinen Wohnsitz und Wirkungskreis<br />
teilweise hier beibehalten) und ferner, daß wir, unbehindert<br />
von technischen Schwierigkeiten, unsere doppelte<br />
Tätigkeit als Lehrer und konzertierende Künstler mehr als<br />
bis jetzt in den Dienst des <strong>Frankfurt</strong>er Musiklebens stellen<br />
könnten.<br />
Diese Fragen habe ich kürzlich auch mit Herrn Stadtrat<br />
Langer durchgesprochen, der mir aber sagte, daß die<br />
Hochschule erst am 1. April 1928 eröffnet werden soll und<br />
daß es in Anbetracht einer Reihe verwaltungstechnischer<br />
Schwierigkeiten zur Zeit noch nicht möglich sei, irgendwelche<br />
bindenden Entschlüsse zu fassen. Bei dieser<br />
Gelegenheit habe ich auch Herrn Dr. Langer erklärt, daß<br />
ich, um im Sinne meiner künstlerischen Überzeugung an<br />
der Hochschule wirken zu können, wenigstens innerhalb<br />
meines engeren Bereiches auf die Einrichtung und Leitung<br />
der Anstalt einen gewissen Einfluß haben müßte. Auch<br />
erscheint es mir unbedingt notwendig, daß ich längere Zeit<br />
vor Beginn meiner eigentlichen Tätigkeit einerseits das<br />
gesamte für mein Fach in Betracht kommende Lehrmaterial<br />
gründlich revidiere und auf seine Brauchbarkeit prüfe,<br />
andererseits mit den Lehrern benachbarter Gebiete<br />
Fühlung nehme, um gemeinsam einen möglichst einheitlichen<br />
Gesamtplan festzulegen. Ein solcher ist zum großen<br />
Schaden der Studierenden bis jetzt noch an keiner Anstalt<br />
in Betracht gezogen worden. Diese Fragen müssen noch<br />
vor Eröffnung der Anstalt bearbeitet und geklärt werden,<br />
um sofort ein in künstlerischer und pädagogischer Hinsicht<br />
richtiges Funktionieren des Unterrichts zu ermöglichen.<br />
Ich habe mir erlaubt, sehr geehrter Herr Oberbürgermeister,<br />
im Vorstehenden einige die zukünftige Hochschule,<br />
unser Quartett und meine Person betreffende Probleme<br />
darzulegen, welche alle in einem gewissen Zusammenhang<br />
stehen. Leider befinde ich mich in folgendem Dilemma:<br />
Während die Lösung eines Teiles dieser Fragen (besonders<br />
der mich und das Quartett betreffenden) eine dringliche<br />
ist, scheint nach der Darstellung des Herrn Stadtrat Langer<br />
der Zeitpunkt, an dem konkrete Verhandlungen möglich<br />
sein werden, noch ziemlich entfernt zu sein. Durch diese<br />
Unsicherheit bin ich daran gehindert, gewisse Entschlüsse,<br />
die ich mit Rücksicht auf mich und meine Familie ins Auge<br />
fassen muss, jetzt schon in die Tat umzusetzen. Aber auch<br />
die von mir angestrebte geradlinige Entwicklung der Dinge<br />
scheint mir gefährdet. Aus diesem Grunde erlaube ich mir<br />
Sie zu fragen, ob nach Erwägung der Sachlage vielleicht<br />
irgendwelche Entschlüsse wenigstens prinzipieller Art<br />
vorweggenommen werden könnten, um die oben geschilderten<br />
Nachteile zu vermeiden. Ich glaube nicht fehl<br />
zu gehen, wenn ich annehme, daß Sie, Herr Oberbürgermeister,<br />
an der Klärung der Fragen, welche das künstlerische<br />
Leben <strong>Frankfurt</strong>s betreffen, ein gewisses persönliches<br />
Interesse haben; aus diesem Grunde darf ich wohl<br />
auch der Hoffnung Ausdruck geben, in nächster Zeit über<br />
eine mögliche Lösung dieser Schwierigkeiten persönlich<br />
mit Ihnen sprechen zu dürfen.<br />
Genehmigen Sie, sehr geehrter Herr Oberbürgermeister,<br />
den Ausdruck meiner ausgezeichneten Hochachtung<br />
Ihr sehr ergebener Licco Amar<br />
Der Brief ist hier vollständig wiedergegeben worden, um neben<br />
den sachlichen Informationen, die er vermittelt, einen Eindruck von<br />
Amars Sprachstil zu geben, der als Kriterium für die Frage der<br />
Autorschaft der Satzungskritik nicht unwesentlich sein dürfte: eine<br />
überaus gewandte, zuweilen in ihrer Förmlichkeit gewundene<br />
Sprache, wie sie einem Berufsdiplomaten eher als einem Musiker<br />
zuzutrauen wäre. Von der Plastik und floskellosen Direktheit des<br />
Hindemithschen Sprachstils hebt sie sich deutlich ab. Auf die<br />
raffinierte Taktik, mit der der Brief abgefasst ist, soll nicht weiter<br />
eingegangen werden. Ludwig Landmann musste ihn seinem<br />
Musikdezernenten vorlegen. Dessen Stellungnahme war eindeutig<br />
ablehnend: Da die Anstalt noch nicht bestehe, könnten keine<br />
Zusagen gegeben werden; es sei zudem das Verfehlteste, was man<br />
tun könnte, wenn man sich durch irgend jemand … nach irgend<br />
einer Richtung festlegen lassen wollte. Das müßte unterbleiben,<br />
selbst auf die Gefahr des Verlustes des ganzen Amar-Quartetts<br />
hin … Eine Hochschule, die von vornherein im Schlepptau des<br />
Amar-Quartetts segelte und die beinahe nur um des Amar-Quartetts<br />
willen gegründet zu sein schiene, hätte ihren Beruf von<br />
vornherein verfehlt.<br />
Am 31. Mai 1927 wandten sich Licco Amar und der Musikreferent<br />
der <strong>Frankfurt</strong>er Zeitung, Dr. Karl Holl, gemeinsam an den Oberbürgermeister:<br />
Mit größtem sachlichem Interesse verfolgen die Unterzeichneten<br />
die Angelegenheit der Gründung einer Hochschule<br />
für Musik in <strong>Frankfurt</strong> am Main. Sie sind der<br />
Meinung, daß diese Gründung nur dann eine besondere<br />
Bereicherung des Musiklebens bedeutet, wenn bei der<br />
Organisation die Erfüllung derjenigen Forderungen angestrebt<br />
wird, die das veränderte Bedürfnis der neuen Zeit<br />
bezüglich der Ausbildung von Musikern an eine solche<br />
Anstalt stellt. Es müßten nach unserer Meinung von<br />
vornherein konstruktive Richtlinien festgelegt werden, die<br />
eine Arbeit der Anstalt in der bezeichneten Weise garantieren.<br />
Wir haben als Fachleute den Wunsch, zur Sache gehört<br />
zu werden und stellen unserer Kräfte zur Verfügung.<br />
41
H i n d e m i t h s K o n z e p t i o n e i n e r M u s i k h o c h s c h u l e<br />
Als Antwort erhielt Amar am 10. Juni ein Exemplar der Satzung<br />
mit der Bitte, sie auch Karl Holl zugänglich zu machen. Schon am<br />
15. Juni sandte Amar eine ausführliche Stellungnahme an den<br />
Magistrat, der er ein handschriftliches Begleitschreiben beifügte:<br />
Beiliegend erlaube ich mir meine Bemerkungen zu dem<br />
Entwurf einer Satzung für die Hochschule für Musik zu<br />
übersenden. Ich bitte darum, dieselben so bald wie<br />
möglich auch dem Herrn Oberbürgermeister vorzulegen.<br />
Zu weiteren schriftlichen oder mündlichen Ausführungen<br />
bin ich jederzeit gern bereit. Herr Dr. Holl ist bis Ende<br />
dieser Woche verreist; nach seiner Rückkehr werde ich ihn<br />
bitten auch seinerseits in dieser Angelegenheit Stellung<br />
zu nehmen.<br />
Mit vorzüglicher Hochachtung,<br />
Licco Amar<br />
Dem Text der Stellungnahme seien zunächst diejenigen Paragraphen<br />
vorangestellt, auf die Bezug genommen wird.<br />
§ 1<br />
Die Hochschule für Musik in <strong>Frankfurt</strong> am Main bezweckt die<br />
allseitige höhere Ausbildung für sämtliche Gebiete der Musik wie<br />
der darstellenden Kunst. Die Hochschule zerfällt in:<br />
a eine Abteilung für Kirchenmusik für die Ausbildung von<br />
Organisten und Chordirigenten,<br />
b eine Abteilung für Schulmusik für die Vorbereitung auf das<br />
künstlerische Lehramt an höheren Lehranstalten,<br />
c eine Ensembleschule für die Heranbildung von Orchester- und<br />
Kammermusikern aller Instrumente<br />
d eine Abteilung für Musiktheorie, Komposition, Stilgeschichte der<br />
Musik, Musikinterpretation,<br />
e eine Abteilung für Kapellmeisterausbildung,<br />
f eine Abteilung für Instrumentalmusik mit Unterabteilung für<br />
1 Klavier, Cembalo, Orgel<br />
2 Violine<br />
3 Violoncello<br />
4 Sonstige Orchesterinstrumente<br />
g eine Abteilung für Gesang,<br />
h eine Abteilung für darstellende Kunst (Opernschule),<br />
rhythmische Bewegung und Musik.<br />
In allen Abteilungen wird sowohl für ausübende Kunst wie für<br />
Lehrberuf ausgebildet.<br />
§ 4<br />
Dem Kuratorium gehören an:<br />
3. … Stadtverordnete,<br />
4. Förderer der Hochschule, die auf die Dauer von 4 Jahren vom<br />
Oberbürgermeister berufen bzw. von der Stadtverordnetenversammlung<br />
gewählt werden.<br />
b Mit beratender Stimme:<br />
1. Der Direktor<br />
2. … ein Vertreter des Provinzialschulkollegiums<br />
3. … je ein Vertreter der Kirchen … soweit Fragen der<br />
Kirchenmusik zur Erörterung stehen.<br />
§ 5<br />
Der Lehrkörper …<br />
Die Pflichtstundenzahl der Hauptfachlehrer beträgt grundsätzlich<br />
18–24 Wochenstunden.<br />
§ 6<br />
Die Lehrer haben den ihnen übertragenen Unterricht nach den vom<br />
Direktor aufgestellten allgemeinen Richtlinien und nach Maßgabe des<br />
Stundenplans zu erteilen und hierin, wie in allen übrigen dienstlichen<br />
Beziehungen den Anordnungen des Direktors sich zu fügen. …<br />
§ 11<br />
Aufnahmeprüfung …<br />
Theorie: Aussetzen eines schwierigen bezifferten Basses; Harmonisieren<br />
einer gegebenen Melodie. …<br />
Hauptfach Violine: Studienwerke von Rode und Kreutzer sowie<br />
Konzerte etwa in der Schwierigkeit von Mozart G-Dur und der<br />
leichteren Viotti-Konzerte ohne wesentliche Verstöße zu spielen …<br />
§ 14<br />
Die Schüler sind verpflichtet, bei den Aufführungen der Hochschule<br />
mitzuwirken …<br />
Die Stellungnahme hat folgenden Wortlaut:<br />
Der vorliegende Entwurf unterscheidet sich in keiner Weise<br />
von den Satzungen anderer Anstalten und besagt nichts über<br />
das Wesen einer Musikhochschule mit „neuen Zielen“. Es<br />
wäre bestimmt vorteilhafter gewesen, zuerst von den interessierten<br />
Fachleuten neue künstlerische und pädagogische<br />
Richtlinien feststellen zu lassen und dann auf Grund dieser<br />
Ideen die äußere Gliederung der Anstalt vorzunehmen.<br />
Angesichts dieses Versäumnisses bleibt nichts anderes übrig,<br />
als an den einzelnen Paragraphen nachzuweisen, inwiefern<br />
die vorliegenden Satzungen im Widerspruch zu den heute als<br />
zweckentsprechend geltenden Erziehungsprinzipien stehen.<br />
a<br />
1. Der Oberbürgermeister als Vorsitzender,<br />
2. … Magistratsmitglieder,<br />
42
ad § 1<br />
Es wäre zu erwägen ob die Errichtung einer besonderen<br />
Kirchenmusikabteilung notwendig ist angesichts des<br />
Umstandes, daß das Bedürfnis in dieser Hinsicht durch<br />
bereits anderweitig bestehende Anstalten gedeckt wird.<br />
Kapellmeisterklassen als solche sind vollkommen unzweckmäßig.<br />
Die Ausbildung des Kapellmeisters muß<br />
genauso erfolgen, wie die eines jeden anderen Musikers;<br />
lediglich auf einer sehr hohen Stufe kann eine diesbezügliche<br />
Spezialisierung in Betracht gezogen werden. Daher<br />
erübrigt sich eine besondere Abteilung, es kommt höchstens<br />
der eine oder andere Spezialkurs in Frage. Die wahre<br />
Schule des Kapellmeisters ist das Theater, wo er sich als<br />
Korrepetitor die nötigen praktischen Kenntnisse aneignen<br />
muß. Überdies ist kein Zweig des Musikbetriebs so<br />
überfüllt von Unberufenen wie dieser. Es soll übrigens<br />
grundsätzlich jeder Studierende zur Leitung größerer oder<br />
kleinerer Ensembles herangezogen werden.<br />
Opernschulen gehören nicht an eine Musikhochschule<br />
sondern an eine Theaterschule. In der Kunstgattung Oper<br />
ist die Musik eine „angewandte“ Kunst.<br />
Was nun die Trennung der Ensemble-Abteilung von der<br />
Instrumental-Abteilung betrifft, ebenso die isolierte<br />
Stellung der Theorie, so ist zu bemerken, daß eine solche<br />
Trennung in der Praxis nicht durchführbar ist. Es gibt<br />
keinen Instrumentalisten, der vom Ensemble-Unterricht<br />
ausgeschlossen werden kann, und umgekehrt. Die getrennte<br />
Handhabung des theoretischen Unterrichts ist<br />
sogar der größte Schaden, den unser heutiges Erziehungswesen<br />
aufweist. Der von vornherein getrennte Unterricht<br />
dieser Wissensgebiete hat nicht nur im Erziehungswesen,<br />
sondern auch im gesamten Musikbetriebe zu den verhängnisvollen<br />
Zuständen geführt, die es zu ändern gilt. Diese<br />
Fächer müssen im Unterricht so kombiniert werden, daß<br />
sie sich sämtlich in einem Brennpunkt treffen. Der auf<br />
diese Art zu Stande kommende Lehrplan sieht ungefähr<br />
so aus: Den Rückgrat des Unterrichts bilden alle Arten von<br />
Ensemble-Übungen, welche zu gleicher Zeit praktisch und<br />
theoretisch durchgeführt werden. Da zu allen Zeiten<br />
sämtliche musikalischen Erscheinungsformen durch das<br />
Zusammenwirken mehrerer musikalischer Einzelstimmen<br />
bedingt werden und, rein äußerlich gesehen, die überwältigende<br />
Mehrzahl aller Werke für kleinere oder größere<br />
Instrumental- oder Vokalgruppen geschrieben worden<br />
sind, so können umfassend fundierte musikalische Kenntnisse<br />
nur auf dem Wege des Zusammenspiels erworben<br />
werden. Zu gleicher Zeit mit der praktischen Bewältigung<br />
erfolgt die theoretische Beleuchtung der jeweiligen<br />
Materie. Denn ohne die geistige Erkenntnis der Struktur<br />
der Werke ist eine sinngemäße Interpretation und die<br />
Schulung des musikalischen Denkens, auf die es beim<br />
Unterricht ankommt, unmöglich. Mit der Einführung dieses<br />
Unterrichtsprinzips wird ein neues Bildungsideal eingeführt,<br />
welches unseren veränderten Anschauungen auf<br />
dem Gebiet der Musik entspricht. Bis heute werden alle<br />
Musikstudierenden durch das Überwiegen der rein instrumentalen<br />
Leistungen zu mehr oder weniger fähigen<br />
Virtuosen herangebildet, nicht zu Musikern.<br />
Aus diesen kurzen, grundsätzlichen Bemerkungen folgt<br />
schon, daß die Lehrer der musikalischen Praxis und Theorie<br />
auf die engste Zusammenarbeit angewiesen sind. Bis jetzt<br />
haben sie ohne einander, ja gegen einander gearbeitet,<br />
was schließlich für unsere gesamte Musikanschauung<br />
verhängnisvoll wurde.<br />
Neben diesem zentralen Lehrgang, der die praktische und<br />
theoretische Erfassung aller wesentlichen musikalischen<br />
Fragen zum Ziele hat, geht parallel einerseits die instrumentale<br />
Ausbildung, die rationell umgestaltet werden<br />
muß, um Umwege zu vermeiden und Kraft zu sparen;<br />
andererseits der spezielle Theorieunterricht, der natürlich<br />
in seinen Methoden und Zielen gleichfalls der Denkungsart<br />
unseres Zeitalters angepaßt werden muß. Je nach der<br />
Veranlagung des Schülers wird das Hauptgewicht mehr auf<br />
eine praktische (instrumentale) oder theoretische Ausbildung<br />
gelegt, Spezialisierungen werden erst spät in Betracht<br />
gezogen, um später sich rächende Einseitigkeit in<br />
der Ausbildung zu vermeiden. Selbstverständlich kommen<br />
neben diesem Hauptlehrgang noch Nebenfächer in Frage.<br />
Weitere Konsequenzen dieses Unterrichts folgen an<br />
anderer Stelle.<br />
Die äußere Gliederung der Anstalt ergibt sich in obigem<br />
Sinne automatisch. Eine Anzahl ungefähr auf derselben<br />
Stufe stehender Schüler (Geiger, Pianisten, Cellisten,<br />
Bläser) werden unter der Leitung eines praktischen und<br />
theoretischen Lehrers zu einer Klasse zusammengeschlossen.<br />
Die Gruppierung im einzelnen geschieht je nach dem<br />
zur Verfügung stehenden Schülermaterial. Gelegentlich<br />
können sich auch mehrere Klassen zu gemeinsamen<br />
Übungen (Orchester) zusammenschließen.<br />
ad § 4 sub a 4.<br />
Es ist zu erwägen, ob den „Förderern“ nicht anderweitige<br />
ehrende Kompensationen für materielle oder andere Opfer<br />
gewährt werden können. Der Einfluß nicht beamteter<br />
Laien, die im Gegensatz zu den Magistratsmitgliedern usw.<br />
keinerlei Verantwortung tragen, äußert sich innerhalb<br />
derartiger Körperschaften oft verhängnisvoll durch eine<br />
allzu persönliche Einflußnahme auf den Gang der Dinge.<br />
zu b<br />
Die Stellung des Direktors bzw. stellvertretenden Direktors<br />
ist in dieser Hinsicht auch nach außen zu stärken, denn sie<br />
tragen ja die volle Verantwortung für das Gedeihen der<br />
Anstalt. Eine beratende Stimme, die vom Kuratorium unter<br />
Umständen außer Acht gelassen werden kann, genügt nicht.<br />
43
Das Amar-Quartett Ende der<br />
zwanziger Jahre: Licco Amar,<br />
Walter Caspar, Maurits Frank,<br />
Paul Hindemith (v.l.n.r.)<br />
Foto: Hindemith Institut <strong>Frankfurt</strong><br />
ad § 5<br />
Was die Pflichtstundenzahl betrifft, so ist es durchaus<br />
falsch, eine solche festzusetzen. (Wie sollen übrigens im<br />
Hauptfach 24 Wochenstunden zusammenkommen, wenn<br />
jeder Schüler nur 1 Stunde wöchentlich erhält?) Es muß<br />
jedem Lehrer freistehen, sich so lange mit seinen Schülern<br />
zu beschäftigen, wie deren Eigenart und die Art des<br />
betreffenden musikalischen Lehrstoffes es erfordert, und<br />
zwar ebenso einzeln wie klassenweise. Die Einhaltung<br />
eines bestimmten Stundenplanes ist trotzdem möglich.<br />
Bei dem in spärliche Stunden eingeteilten Unterricht<br />
begibt sich der Lehrer jedes persönlichen Kontaktes,<br />
obwohl dieser doch Anfang und Ende aller pädagogischen<br />
Weisheit ist. Der möglichst ausgedehnte persönliche<br />
Einfluß zeitigt die besten Ergebnisse so wie auch alle<br />
bedeutenden wissenschaftlichen und künstlerischen<br />
„Schulen“, angefangen bei den alten Stoikern des alten<br />
Griechenland, bis zu Busoni und Schönberg und vielen<br />
anderen aus den oben erwähnten „Klassen“ entstanden<br />
sind. Diese höchst persönliche und der Individualität des<br />
Schülers Rechnung tragende Form des Unterrichts findet<br />
seine Begrenzung nur in der Anzahl der Schüler. Auf dem<br />
Gebiete der bildenden Kunst wird dieses Prinzip gleichfalls<br />
wieder angewendet (Meisterateliers). Bis zu den letzten<br />
Konsequenzen ist es durchgeführt in den Landschulheimen,<br />
wo Lehrer und Schüler in sogenannten „Familien“<br />
vollkommen zusammenleben. Hier sei noch folgendes<br />
bemerkt: Das engere Zusammenwirken zwischen Theorielehrer<br />
und praktischem Lehrer einerseits und dem Schülerkreise<br />
andererseits wird eine weitere Konsequenz zeitigen,<br />
nämlich die allmähliche Schaffung eines vollständig neuen,<br />
zeitgemäßen Studienmaterials. Das bisherige ist für uns<br />
unbrauchbar geworden. Wir sind in Zukunft größtenteils<br />
auf ad hoc, aus der gegebenen Situation heraus konstruierte<br />
theoretische sowohl wie praktische Beispiele und<br />
Übungen angewiesen. Dieses von den Lehrern zusammen<br />
mit den Schülern hervorgebrachte Übungsmaterial ergibt,<br />
gesichtet und geordnet, die Studienliteratur der späteren<br />
Zukunft.<br />
44
H i n d e m i t h s K o n z e p t i o n e i n e r M u s i k h o c h s c h u l e<br />
ad § 6<br />
Allgemeine Richtlinien für den Unterricht können nur<br />
durch die kollektive Arbeit der Lehrer festgestellt werden.<br />
Angesichts der Mannigfaltigkeit der musikalischen<br />
Wissensgebiete und der fortschreitenden Spezialisierung<br />
ist es unmöglich, daß eine einzelne, noch so vielseitige<br />
Persönlichkeit auch nur allgemeine Richtlinien für alle Fälle<br />
aufstellt. Dagegen empfiehlt es sich, daß die Lehrer der<br />
verschiedenen Fächer sich über die Art der Zusammenarbeit<br />
im vorhinein und periodisch wiederholt verständigen.<br />
Damit würde der unhaltbare Zustand, den wir heute haben,<br />
nämlich das Fehlen eines einheitlichen Planes in der<br />
Durchbildung des Schülers, verschwinden. Dieser Lehrplan<br />
kann, wie gesagt, nicht dem Kopfe eines einzelnen<br />
entspringen und dauernd von ihm reguliert werden.<br />
ad § 11<br />
Sämtliche in diesem Paragraphen aufgeführte Kriterien zur<br />
Beurteilung der Fähigkeiten und Kenntnisse des aufzunehmenden<br />
Schülers sind verfehlt. Es ist hier nicht möglich<br />
aufzuführen, warum bezifferte Bässe, Auswendigspielen,<br />
die Beherrschung dieser oder jener Etüden und Werke von<br />
höchst zweifelhaftem Wert, für uns heute unwichtige, ja<br />
sinnlose Dinge geworden sind. Es ist überhaupt fraglich,<br />
ob es mit Hilfe noch so sorgfältiger Stichproben möglich<br />
ist, die wirkliche Eignung eines Schülers festzustellen.<br />
Man bedenke überdies, wie unzureichend die allermeisten<br />
Schüler überhaupt vorgebildet sind. An die Stelle dieses<br />
allgemein verworfenen Verfahrens muß treten: 1) eine<br />
eingehende und wohlwollende persönliche Beschäftigung<br />
der beteiligten Lehrer mit dem Schüler; 2) eine zwei- bis<br />
vierwöchige Probezeit, nach deren Ablauf erst die Entwicklungsfähigkeit<br />
beurteilt werden kann.<br />
ad § 14<br />
Die Gefahr öffentlicher Schüleraufführungen besteht darin,<br />
daß sie in eine mindere Nachahmung des Konzertbetriebs<br />
ausarten. Das „konzertreife“ Einstudieren einzelner Werke<br />
hat mit dem eigentlichen Unterrichtszweck nichts zu tun,<br />
raubt eine lange Zeit und gibt überdies kein wahres Bild<br />
von dem Können eines Schülers. Am besten ist diese Frage<br />
zu lösen, indem die Einrichtung getroffen wird, daß die<br />
Schüler mit oder ohne Mitwirkung der Lehrer periodisch<br />
vor ihren Kollegen, der Lehrerschaft und einer kleineren<br />
Zahl anderweitiger Interessierter musizieren.<br />
In vorstehenden notgedrungen kurzgefaßten Ausführungen<br />
sind die Paragraphen fast nur insofern berücksichtigt<br />
worden, als sie mit dem Geiste des Musikunterrichts<br />
selbst zu tun haben. Der Stand des musikalischen Bildungsideals,<br />
dem die vorliegenden Satzungen entsprechen, ist<br />
der von 1880 und in jeder Hinsicht vollkommen überholt<br />
und für unsere Bedürfnisse in keiner Weise zweckentsprechend.<br />
Soll auf dem Gebiete der Musikerziehung ein<br />
Schritt vorwärts getan werden, so ist es unumgänglich<br />
nötig, in dem oben kurz angeführten Sinne eine grundlegende<br />
Änderung aller diesbezüglicher Tendenzen vorzunehmen,<br />
da andernfalls die dringende Gefahr eines<br />
Zusammenbruchs unserer Musikkultur innerhalb der<br />
nächsten 20 Jahre besteht.<br />
<strong>Frankfurt</strong> am Main, 12. Juni 1927<br />
Licco Amar<br />
Der zentrale Gedanke dieser Kritik, aus dem sich alle Details<br />
ergeben, ist die Ablehnung des Spezialistentums in der musikalischen<br />
Ausbildung, das sich in der Trennung von Theorie und<br />
Praxis, aber auch in der Trennung von Instrumentalspiel und<br />
Dirigieren etabliert hat. An seine Stelle soll eine musikalische<br />
Werkstattarbeit treten, in der jeder an allem teilhat. Dass dies<br />
der Gedanke ist, nach dem Hindemith selbst unterrichtet hat, ist<br />
allgemein bekannt. Schon daraus wird man zumindest auf seine<br />
Beteiligung an der Niederschrift dieser Themen schließen dürfen.<br />
Es gibt aber darüber hinaus Grund genug, Hindemith nicht nur<br />
als Mitautor, sondern als Autor anzusehen. Der lapidare, vor allem<br />
gegen Ende geradezu rücksichtslose Ton dieser Kritik hat mit der<br />
formvollendeten Höflichkeit, in der Amar an den Oberbürgermeister<br />
schreibt, nichts mehr gemein. Einzelne Passagen kehren überdies<br />
fast wörtlich in späteren Schriften Hindemiths wieder. Dem auf<br />
§ 1 bezüglichen Satz „Den Rückgrat des Unterrichts bilden alle Arten<br />
von Ensemble-Übungen, welche zu gleicher Zeit praktisch und<br />
theoretisch durchgeführt werden“ entspricht folgende Formulierung<br />
im 9. Kapitel von Komponist in seiner Welt: „Die Übung in der<br />
praktischen Musik würde dann wieder zum Rückgrat der Unterweisung<br />
werden, eine Kompositionslehre als abgesonderten Unterrichtszweig<br />
würde es dann nicht mehr geben“ … Bei engster inhaltlicher<br />
Beziehung zu späteren einschlägigen Äußerungen Hindemiths<br />
wird jedoch auch ein gegensätzliches Moment spürbar: Gegenüber<br />
dem optimistischen Elan, mit dem Hindemith hier sein Bild von<br />
der Ausbildung junger Musiker zeichnet, wirkt die Einleitung zur<br />
Unterweisung im Tonsatz eher nüchtern, das 9. Kapitel von<br />
Komponist in seiner Welt geradezu skeptisch-pessimistisch. Von<br />
der Ernüchterung jahrzehntelanger pädagogischer Erfahrung, wie<br />
sie sich in den irrealen Konjunktiven des letzten Zitats ausspricht,<br />
ist der Zweiunddreißigjährige noch frei. Das Feld der Pädagogik<br />
liegt offen vor ihm. Von daher rührt wohl auch der große Zug, in<br />
dem der Text niedergeschrieben zu sein scheint, und der Schwung,<br />
mit dem Hindemith seine Kritik an altmodischen Satzungsbestimmungen<br />
ins Positive wendet und zum Entwurf einer neuen Hochschulpädagogik<br />
gestaltet.<br />
45
H i n d e m i t h s K o n z e p t i o n e i n e r M u s i k h o c h s c h u l e<br />
Gibt es einen Anteil Licco Amars an diesem Dokument? Selbst<br />
wenn man voraussetzt, dass er aus Gesprächen Hindemiths<br />
musikerzieherische Intentionen kannte und sie sich vielleicht sogar<br />
teilweise zu eigen machte, wird man bezweifeln müssen, dass er<br />
sie in derart profilierter Form hätte vortragen können, zumal in der<br />
Stellungnahme für Amar relativ abseits liegende, für Hindemith<br />
aber zentrale Fragen wie das Verhältnis von Theorie und Praxis,<br />
die Schulung des Komponisten am Ensemble-Musizieren oder gar<br />
Kompositionsschulen wie die Busonis oder Schönbergs erörtert<br />
werden.<br />
Für Hindemiths Autorschaft spricht ferner die Erwähnung der<br />
„Familien“ von Schülern und Lehrern in den Landschulheimen. Sie<br />
fußt zweifellos auf den Eindrücken, die Hindemith wenige Monate<br />
zuvor auf Schloss Bieberstein in der dortigen Hermann-Lietz-Schule<br />
gewonnen hatte. Die Gründe ließen sich vermehren; erwähnt sei<br />
hier nur noch, dass Amar bekannt war als ein Mensch, der zur<br />
„Raubeinigkeit“ Hindemiths eine spürbare Distanz hielt. Der heftige<br />
Ton, in dem die Stellungnahme schließt, passt schlechterdings<br />
nicht zu der ausgesuchten Höflichkeit, in der Amars Briefe an den<br />
Magistrat sonst abgefasst sind; er konnte auch seiner Kandidatur<br />
für die Stelle des Direktors bzw. für eine Violinprofessur an der<br />
<strong>Frankfurt</strong>er Hochschule kaum förderlich sein. Wenn es aber zutrifft,<br />
dass Amar mit nicht (oder allenfalls zu geringen Teilen) von ihm<br />
selbst verfassten Schriftstücken gegenüber dem Magistrat<br />
operierte, so stellt sich die Frage, ob er dies aus freien Stücken –<br />
etwa im Interesse seiner Bewerbung – tat oder auf Drängen<br />
Hindemiths oder eines Dritten. Der weitere Verlauf der Ereignisse<br />
scheint zu bestätigen, dass Amar die Rolle eines „Strohmannes“<br />
spielte. Anfang Juni 1927 regte er bei Oberbürgermeister Landmann<br />
eine Konferenz führender musikalischer Persönlichkeiten an,<br />
die Richtlinien für die geplante Hochschule entwickeln sollte.<br />
Teilnehmer des Gespräches vom 28. Juli waren Ernst Toch, Hugo<br />
Holle, Licco Amar, Karl Holl, Leo Kestenberg und als Vertreter der<br />
Stadt Ludwig Landmann und Heinrich Langer. Nicht erschienen<br />
waren Alfred Einstein und Günter Ramin. Das knappe, von Heinrich<br />
Langer verfasste Protokoll verzeichnet Einhelligkeit darüber, dass<br />
der Neuen Musik in der Hochschule Raum gegeben werden müsse.<br />
Es schließt mit einem Satz, aus dem man vielleicht entnehmen<br />
kann, dass Heinrich Langer sich der Scheinrolle Amars klar war:<br />
„Weitere Einzelwünsche konnte der Anreger der Konferenz trotz<br />
Aufforderung nicht vorbringen.“ Der Unterschied zwischen der<br />
inhaltsreichen Satzungskritik und einer offenbar wesentlich<br />
geringeren mündlichen Beredsamkeit ihres vorgeblichen Verfassers<br />
scheint demnach aufgefallen zu sein. Von einer Kandidatur Amars<br />
war nach dieser Konferenz nicht mehr die Rede. Damit war ein Plan<br />
gescheitert, an dem Hindemith sicher maßgeblich beteiligt war –<br />
zumindest mit der Kritik an der Hochschulsatzung. Aber auch<br />
Leo Kestenbergs Kandidat, Hans Mersmann, kam nicht zum Zuge.<br />
Die wachsende Verschuldung der Stadt und die Wirtschaftskrise<br />
führten 1929 zur vorläufigen Aufgabe des Projekts. Der Preußische<br />
Kultusminister strich in diesem Jahr jene 25.000 Mark aus seinem<br />
Etat, die er seit 1924 vergeblich bereitgestellt hatte, um sich an den<br />
Kosten einer <strong>Frankfurt</strong>er Musikhochschule zu beteiligen.<br />
Zu ergänzen bleibt, dass sich noch eine weitere Denkschrift über<br />
die Gestaltung der <strong>Frankfurt</strong>er Musikhochschule bei den Magistratsakten<br />
findet, die gleichfalls Licco Amar zugeschrieben wird.<br />
In diesem Falle ist es jedoch offenkundig, auf wen diese Zuschreibung<br />
zurückgeht. Das 13 Schreibmaschinenseiten umfassende<br />
Dokument trägt auf seiner ersten Seite von der Hand Paul Hindemiths<br />
die Bleistifteintragung „Amar-Vorschläge“. Da es weder<br />
datiert noch unterzeichnet ist und Begleitschreiben wie Bestätigung<br />
fehlen, dürfte es dem Oberbürgermeister persönlich übergeben<br />
worden sein. Bearbeitungsvermerke mit der Paraphe Landmanns<br />
stammen vom 3. und 4. März sowie vom 4. Juni (1927). Musikgeschichtliche<br />
Erwägungen spielen in dieser Denkschrift eine<br />
erhebliche Rolle. Daraus und aus dem Umstand, dass sie auf der<br />
gleichen Schreibmaschine wie der oben erwähnte gemeinsame<br />
Brief von Licco Amar und Karl Holl geschrieben ist, darf man<br />
vielleicht auf Holl als Autor (oder Mitautor) schließen. Obwohl<br />
gedankliche Beziehungen zu Hindemiths Satzungskritik gelegentlich<br />
anklingen, stammt die Formulierung des Textes mit Sicherheit<br />
nicht von ihm. Dass er ihn als „Amar-Vorschläge“ ausgab, entspricht<br />
dem bei der Satzungskritik angewandten Verfahren. Mit<br />
beiden Schriftstücken sollte Licco Amar ein Platz an der <strong>Frankfurt</strong>er<br />
Musikhochschule geschaffen werden – nach Möglichkeit die Stelle<br />
des Direktors. Wenn auch diese Absicht ebenso scheiterte wie<br />
Kestenbergs <strong>Frankfurt</strong>er Hochschulpläne, so verdanken wir ihr doch<br />
eine der fesselndsten und wichtigsten Äußerungen Hindemiths zur<br />
Musikpädagogik. Sie verdient, dem Aktenstaub entrissen zu<br />
werden.<br />
Autorisierte Wiederveröffentlichung aus:<br />
Hindemith-Jahrbuch 1977/VI, Mainz: Schott-Verlag 1978,<br />
S. 148–172; Literatur- und Quellennachweise siehe dort.<br />
46
ZUSAMMEN GEHT MEHR.<br />
Wir gratulieren der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst<br />
<strong>Frankfurt</strong> am Main zum 75-jährigen Jubiläum.<br />
Seit 75 Jahren steht die Hochschule für Musik und Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main für die exzellente<br />
Förderung des künstlerischen Nachwuchses. Wir freuen uns, zum Kreis der Förderer zu gehören<br />
und die <strong>HfMDK</strong> in ihrer Arbeit zu unterstützen. Denn zusammen geht mehr. » www.dzbank.de<br />
47
D i e H o c h s c h u l e i n Z a h l e n<br />
942Studierende, Stand: WS 2012/13 69Professoren 362<br />
Lehrbeauftragte<br />
9 Lehrkräfte für besondere<br />
Aufgaben 56Nationalitäten in der Studentenschaft<br />
über 8.000 Grundschulkinder,<br />
die die <strong>HfMDK</strong> über ihr Singpro-<br />
23 jekt „Primacanta“ bislang erreicht hat 800.000Euro Fundraising-Volumen jährlich<br />
Studiengänge<br />
250 Mitglieder der Gesellschaft der Freunde und Förderer der <strong>HfMDK</strong> 10.000Eintrittskarten in jährlich 100 eintrittspflichtigen<br />
Veranstaltungen Veranstaltungen der <strong>HfMDK</strong> jährlich zeitgleich laufende Promotionen<br />
450 42<br />
593 12 80 Presseveröffentlichungen im Jahr 2012 130Flügel 65Klaviere Orgeln Prozent-Anteil des<br />
350 Einzelunterrichts am Gesamtunterrichtsvolumen<br />
Vermittlungen von „Muggen“ durch die hochschuleigene Künstlerbörse jährlich<br />
34.659 501Bewerber auf 8 Schauspiel-Studienplätze (WS 2012/13)<br />
ausgegebene warme Mahlzeiten in der<br />
13,5 Mensa in 2012 Mio. Euro Jahresetat 2011 115.000Medien in der Bibliothek<br />
2.000 6.229 Neuanschaffungen von Bibliotheksmedien jährlich Quadratmeter fehlender Raum in der jetzigen<br />
Hochschule 827absolvierte Aufnahmeprüfungen insgesamt für das Wintersemester 2012/13<br />
48
1938 1944 Gründung der Staatlichen Hochschule für Musik <strong>Frankfurt</strong> a.M.<br />
Schließung der Hochschule nach<br />
Zerstörung des Hochschulgebäudes durch Bombenangriffe1947 Wiederaufnahme des Lehrbetriebs der Hochschule<br />
1954 1956 Gründung der Opernschule Umzug der Hochschule in das ehemalige Funkhaus des Hessischen<br />
1960 1961 Rundfunks am heutigen Standort Gründung der Schauspielabteilung<br />
Gründung der Tanzabteilung<br />
1989 1990 Die <strong>HfMDK</strong> erlangt Promotionsrecht Der Neubau, heutiges Hauptgebäude, wird seiner Bestimmung<br />
1993 übergeben Fertigstellung des Neubaus der Hochschulbibliothek 2001Die Hochschule strukturiert den<br />
Bereich der Lehre neu und konstituiert drei Fachbereiche<br />
2002 Die Hessische Theaterakademie wird gegründet<br />
2003 2007 Die Hochschule gründet einen Hochschulrat als beratendes Gremium<br />
Die Gesellschaft der Freunde<br />
und Förderer der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main e.V. wird gegründet<br />
2008 Die <strong>HfMDK</strong><br />
erweitert ihr Lehramts-Studienangebot um die Bereiche Grundschul-, Real- und Hauptschullehramt sowie Sonderpädagogik<br />
2011Die <strong>HfMDK</strong> erhält den Hessischen Hochschulpreis für Exzellenz in der Lehre für das Unterrichtskonzept der Gesangsabteilung<br />
2013Die <strong>HfMDK</strong> setzt den 2012 gestarteten LEITBILD_prozess fort und feiert ihr 75-jähriges Bestehen<br />
49
„WIR WOLLEN STUDIERENDEN DEN RAUM GEBEN,<br />
SICH ZU STARKEN PERSÖNLICHKEITEN ZU ENTWICKELN“<br />
Interview mit den drei Dekaninnen Catherine Vickers, Henriette Meyer-Ravenstein<br />
und Marion Tiedtke sowie dem Hochschulpräsidenten Thomas Rietschel<br />
Im Jubiläumsjahr stehen drei Professorinnen den drei Fachbereichen<br />
der Hochschule vor: Die Pianistin Catherine Vickers ist<br />
Dekanin für den Fachbereich 1, der die Studiengänge Künstlerische<br />
Ausbildung (Instrumentalausbildung und Dirigieren), Instrumentalund<br />
Gesangspädagogik, Kirchenmusik und Historische Interpretationspraxis<br />
umfasst. Die Sängerin Henriette Meyer-Ravenstein steht<br />
dem Fachbereich 2 – Lehrämter, Wissenschaft und Komposition –<br />
vor, während die Dramaturgin Marion Tiedtke als Dekanin und<br />
Ausbildungsdirektorin im Fachbereich 3 – Darstellende Kunst – tätig<br />
ist. Sie stellten sich gemeinsam mit Hochschulpräsident Thomas<br />
Rietschel in einem Interview den Fragen, welchen Chancen und<br />
Herausforderungen sich die Hochschule im Jahr ihres 75-jährigen<br />
Bestehens gegenübersieht.<br />
<strong>Frankfurt</strong> in Takt Herr Rietschel, beschreiben Sie Eigenschaften,<br />
die die Hochschule im Jahr 2013 auszeichnen und lebendig halten.<br />
Thomas Rietschel Zunächst einmal: Unsere Hochschule bildet sehr<br />
erfolgreich aus – das belegen nicht nur die beiden 1. Preise im<br />
hessischen Exzellenzwettbewerb für herausragende Lehre, die 2011<br />
und 2012 an Lehrende der <strong>HfMDK</strong> vergeben wurden. Bei diesen<br />
Preisen, die höchstdotierten Lehrpreise in Deutschland, konnte sich<br />
die <strong>HfMDK</strong> gegen alle hessischen Universitäten und Fachhochschulen<br />
durchsetzen, die sich ebenfalls beworben hatten. Ein weiteres<br />
objektives Kriterium für unsere gute Arbeit ist die Vermittlung der<br />
Absolventen auf feste Stellen bzw. in eine berufliche Sicherheit und<br />
ihre Vielzahl an Preisen und Erfolgen bei Wettbewerben und<br />
Stipendien. Zudem ist die Hochschule inzwischen ein wichtiger<br />
Teil des Kulturlebens in Hessen: Sie ist an ganz vielen Stellen, wo<br />
perspektivisch nach vorn gedacht wird, mit dabei. Zwei passende<br />
Beispiele dafür sind die Hessische Theaterakademie, die ihren Sitz<br />
an der <strong>HfMDK</strong> hat, und das <strong>Frankfurt</strong> LAB als ein Ort mutigen,<br />
experimentierfreudigen und spartenübergreifenden Miteinanders,<br />
an dem die Hochschule zentral beteiligt ist. Von uns gehen viele<br />
Impulse aus, die die Zukunft unseres Kulturlebens im Blick haben.<br />
FiT Der künstlerische Arbeitsmarkt hat sich in den letzten Jahrzehnten<br />
drastisch verändert. Die Öffnung des Ostens, die zunehmende<br />
Globalisierung, aber auch die Ökonomisierung in allen<br />
Bereichen haben unter anderem dazu beigetragen. Welche<br />
Konsequenzen hatte und hat dies für die Ausbildung an der<br />
Hochschule?<br />
Rietschel Wir unternehmen große Anstrengungen, um unsere<br />
Studierenden in den Beruf zu bringen. Die Gesangsabteilung<br />
beispielsweise veranstaltet Vorsing-Termine für die Studierenden<br />
vor Intendanten und Kantoren und bietet Professionalisierungsseminare<br />
an – weitere Beispiele ließen sich aber auch in allen anderen<br />
Ausbildungszweigen finden. Darüber hinaus kann jeder Studierende<br />
ein Seminar in Marketing und Selbstmanagement besuchen;<br />
dazu gehören auch Einzelberatungen durch Profis aus dem<br />
Kulturleben, damit die Studierenden eigene Konzepte für ihre<br />
Berufsperspektive entwickeln können. Das Spektrum an Wissen,<br />
das hier vermittelt wird, geht von der einfachen Frage, wie ich<br />
einen adäquaten Lebenslauf schreibe, bis hin zum Businessplan<br />
für jemanden, der eine eigene Musikschule gründen möchte.<br />
FiT Auch die Schauspielabteilung der Hochschule kann in den letzten<br />
Jahrgängen auf eine hohe Vermittlungsquote ihrer Absolventen in<br />
ein festes Erstengagement verweisen; in den letzten Jahren haben<br />
sogar alle Schauspielabsolventen unmittelbar nach ihrem Studienabschluss<br />
ein festes Erstengagement bekommen. Frau Tiedtke, Sie sind<br />
nicht nur Dekanin im Fachbereich 3, sondern auch Ausbildungsdirektorin<br />
für Schauspiel. Wie gelingt Ihnen diese Traumquote?<br />
50
Regina Vogel im <strong>Frankfurt</strong> LAB in der Inszenierung von „Böse Märchen“, einer Produktion des<br />
Regie-Studiengangs mit dem Studiengang Schauspiel im Jahr 2012<br />
51
Fotos: Andreas Reeg<br />
Chorleitungsstudent Jonathan Hofmann bei einer Probe des Hochschulchors in Vertretung von Chorleitungsprofessor Winfried Toll<br />
52
I n t e r v i e w<br />
Prof. Marion Tiedtke Ob wir das so halten können, sei dahingestellt,<br />
zumal wir sehen, dass wesentlich größere Schauspielschulen – wir<br />
sind in Deutschland eine der kleinsten – Probleme haben, ihre<br />
Absolventen zu vermitteln. Auf den steigenden Marktdruck haben<br />
wir reagiert, indem wir die herkömmlichen Ausbildungsfelder um<br />
ein einjähriges Mikrofonsprechen und eine intensive Arbeit vor der<br />
Kamera als gesonderte Ausbildungskomponenten erweitert haben.<br />
Für die Schauspielstudierenden bieten wir zudem ein spezielles<br />
Coaching, das ihnen zeigen soll, wie sie sich selbst auf dem Markt<br />
glaubwürdig darstellen können. Auf sich als Künstlerpersönlichkeit<br />
in den neuen Medien aufmerksam zu machen, ist zu einer unabdingbaren<br />
Notwendigkeit geworden.<br />
Prof. Henriette Meyer-Ravenstein Ich möchte ergänzen: Ein erfolgreiches<br />
Vorbereiten auf den Berufsweg erschöpft sich allerdings<br />
nicht in dem Ziel, den Absolventen innerhalb der nächsten zwei<br />
Jahre in ein festes Engagement im Theater oder Orchester oder<br />
als Lehrer an einer Schule zu bringen. Vielmehr geht es uns darum,<br />
dass wir dabei helfen wollen, dass sich kreative Persönlichkeiten<br />
entwickeln können, die so gefestigt und motiviert sind, dass sie<br />
selbst Neues und Ungewöhnliches voranbringen können. Als<br />
Dekanin für den Fachbereich 2, in dem die Schulmusiker und<br />
Komponisten ihre Ausbildung erhalten, fällt mir auf, dass viele<br />
unserer Studierenden in ihren künstlerischen Fähigkeiten so breit<br />
aufgestellt sind, dass sie neben der Schule oder stattdessen eben<br />
freischaffend unheimlich pfiffige Dinge zustande bringen, die<br />
die Gesellschaft wiederum voranbringen und sich nicht nur am<br />
bestehenden Markt orientieren. Diejenigen, die nach dem Studium<br />
keine feste Stelle bekommen, sind nicht automatisch die Verlierer:<br />
Ohne Festengagement ganz auf sich selbst und das eigene Potenzial<br />
geworfen zu werden, kann Kräfte freisetzen und Wege eröffnen,<br />
von denen man gar keine Vorstellung hatte. Das kann unglaublich<br />
befriedigend sein.<br />
FiT Seit 2008 bildet die <strong>HfMDK</strong> in <strong>Frankfurt</strong> Studierende für alle<br />
musikalischen Lehrämter aus, also nicht mehr nur für Gymnasien,<br />
sondern auch für Grund-, Haupt-, Real- und Förderschulen. Welche<br />
Herausforderungen brachte und bringt diese Erweiterung des<br />
Studienspektrums mit sich?<br />
Meyer-Ravenstein Anfangs ging es um die Integration der für uns<br />
neuen Studiengänge in einen bis dahin fast ausschließlich künstlerisch<br />
ausgerichteten Lehrapparat, was natürlich Probleme bereitete.<br />
Jetzt sind wir dabei, die Studiengänge vollkommen umzustrukturieren.<br />
Ein großer Zugewinn ist, dass das Musikpädagogische Institut,<br />
das vorher an der Goethe-Universität angesiedelt war, nun komplett<br />
an der <strong>HfMDK</strong> zuhause ist. Das bietet enorme Möglichkeiten für die<br />
Verbindung von Kunst, Vermittlung, Wissenschaft und Forschung.<br />
Da ist jetzt so viel Forschung, Bildungsdenken und Schulerfahrung<br />
mit nun drei Musikpädagogik-Professuren unter einem Dach,<br />
dass neue Strukturen möglich werden: die Weiterentwicklung der<br />
Lehramtsstudiengänge an den Schnittpunkten von Musik, künstlerischer<br />
Kompetenz und Bildung der Persönlichkeit, der Master<br />
Musikpädagogik und der Aufbau des weiterführenden dritten<br />
Zyklus´ in Form einer Graduiertenschule.<br />
FiT Was macht die Balancierung der Lehramtsstudiengänge für<br />
die spezifischen Schulformen so komplex?<br />
Meyer-Ravenstein Das extreme Spannungsfeld zwischen der<br />
eigenen Entwicklung der Studierenden zu einem auch künstlerisch<br />
tätigen Menschen und dem, was sie später pädagogisch vermitteln<br />
wollen und sollen. Es ist auf der sachlichen Ebene ein ewiges<br />
Gerangel: Wie viel Einzelunterricht sollen Lehramtsstudierende<br />
bekommen? Was ist überhaupt innerhalb eines sechssemestrigen<br />
Studiums für das Grundschullehramt leistbar? Diese Zeit ist für<br />
eine Musikausbildung viel zu knapp bemessen – dabei sind gerade<br />
Grundschullehrer so existenziell wichtig für die kulturelle Zukunft<br />
der Gesellschaft.<br />
FiT Frau Vickers, derlei Fragen sind sicherlich im Fachbereich 1,<br />
dem Sie als Dekanin vorstehen, leichter zu beantworten, oder? Ihre<br />
angehenden Orchestermusiker müssen schlichtweg viel üben, um<br />
schließlich Probespiele für feste Stellen zu bestehen ...<br />
Prof. Catherine Vickers Ganz so einfach ist es nicht: Wir sind auch<br />
in unserem Fachbereich mit ähnlichen Problemen konfrontiert,<br />
dabei rede ich also vom Fachbereich der künstlerisch-solistischen,<br />
kammermusikalischen, instrumentalpädagogischen und Kirchenmusikausbildung<br />
sowie der Ausbildung in Historischer Interpretationspraxis.<br />
Zusätzlich sehen sich unsere Orchester- und Kammermusiker<br />
sowie Solisten einer ungleich größeren Konkurrenz ausgesetzt,<br />
was mit der bereits angesprochenen Globalisierung zu tun hat.<br />
Begabungen aus Asien sind in den letzten Jahren auf den internationalen<br />
Bühnen und auch in unseren Studiengängen sehr präsent.<br />
Wir bilden Künstler umfassend und intensiv aus, die später zum<br />
Beispiel als Lehrende oftmals nicht in einen besonders gut<br />
bezahlten Beruf hineinkommen. Das ist eine große Diskrepanz, die<br />
mit der gesellschaftlichen Wertschätzung von Kunst zu tun hat:<br />
Berufe, die nicht besonders gut bezahlt werden, werden auch nicht<br />
hoch geachtet. Inwieweit die Gesellschaft ihre Musiker und Künstler<br />
überhaupt so unterstützen will, dass sich dies auch in adäquater<br />
Bezahlung niederschlägt, bleibt abzuwarten. Umso mehr unterstütze<br />
ich unser Anliegen als Lehrende, mit unseren Studierenden<br />
wirklich starke Persönlichkeiten auszubilden, die widerstandsfähig<br />
sind, und zwar kulturell widerstandsfähig. Sie sollen einen Blick für<br />
die Entwicklung der Gesellschaft bekommen und ihr mit ihrer<br />
Überzeugung und ihrem Können standhalten. Ich unterstütze daher<br />
alle Coaching-Angebote, die die Hochschule bereitstellt, wobei ich<br />
die Gefahr sehe, dass zu viel Direktive bei manchen Studierenden<br />
die Kreativität einengen kann. Wir dürfen nie aus den Augen verlieren,<br />
dass unsere Absolventen außergewöhnliche Individuen sind.<br />
FiT Herr Rietschel, Sie haben schon einmal geäußert, dass Sie es<br />
an der Hochschule mit vielen Verrückten zu tun haben. Wie meinen<br />
Sie das?<br />
53
I n t e r v i e w<br />
Rietschel Ganz positiv. Unsere Hochschulmitglieder sind durchdrungen<br />
von einer ungeheuren Begeisterung für ihre Sache. Ja, in der<br />
Tat, Beispiel Schauspieler: Wer Schauspiel studiert, der tut dies<br />
nicht, um später gutes Geld zu verdienen. Er lässt sich auf etwas<br />
ein, das keine Sicherheit bietet, denn er ist auf der Suche nach der<br />
Erfüllung, die künstlerische Tätigkeit bieten kann. Um Künstler oder<br />
Künstlerin zu werden, muss man sehr hart an und mit sich arbeiten,<br />
von daher steht ja<br />
neben der Vermittlung<br />
der handwerklichen<br />
Grundlagen die<br />
Ausbildung der<br />
künstlerischen<br />
Persönlichkeit im<br />
Zentrum unserer<br />
Lehre. Wir wollen<br />
unseren Studierenden<br />
den Raum geben, sich<br />
zu starken, eigenwilligen<br />
Persönlichkeiten<br />
zu entwickeln,<br />
Persönlichkeiten, die<br />
ihre Energie aus der<br />
Begeisterung für die<br />
Kunst ziehen. Und<br />
Hochschulpräsident Thomas Rietschel<br />
Neues in der Kunst<br />
entsteht oft dort, wo<br />
Normen hinterfragt und Grenzen überschritten werden. Und genau<br />
in diesem Sinne sind viele bei uns verrückt – sie entsprechen nicht<br />
der „Norm“, sie suchen immer die Grenze, sie sind eigenwillige<br />
Individualisten, die für ihre Kunst leben. Diese „Verrücktheit“ trägt<br />
unsere Institution. Und was ich sehr wichtig finde: Dahinter steckt<br />
ein Menschenbild, für das es sich lohnt, in unserer immer mehr<br />
durch die Ökonomie bestimmten Gesellschaft zu kämpfen. Bei uns<br />
findet man viele Idealisten – „Verrückte“ –, die unsere Welt nicht<br />
nach dem materiellen Wert beurteilen und die für eine Sache leben,<br />
von der sie überzeugt sind.<br />
eine Bühne betreten, auch Repräsentanten einer Gesellschaft sind.<br />
Es reicht für ihre Arbeit nicht aus, nur den Horizont des eigenen<br />
Kinderzimmers im Hinterkopf zu haben; vielmehr muss ein<br />
gesellschaftliches und politisches Bewusstsein vorhanden sein,<br />
aus dem heraus sie sich selbst zu befragen haben: „Warum spiele<br />
ich heute noch Don Carlos?“ oder „Warum trete ich als Antigone<br />
auf die Bühne?“. Nur eine Auseinandersetzung damit und eine<br />
Antwort auf diese Fragen machen es möglich, ein Publikum für<br />
das zu interessieren, was wir darstellen wollen. Die Schulung eines<br />
gesellschaftlich verantwortlichen Denkens ist eine wichtige<br />
Aufgabe des Studiums.<br />
Vickers Das wäre dann eine Legitimation der Kunst sowohl nach<br />
außen als auch nach innen? Was die Legitimation nach außen, also<br />
gegenüber der Gesellschaft betrifft, setze ich noch viele Hoffnungen<br />
auf Forscher wie zum Beispiel Neurologen, die weiter spannenden<br />
Fragen nachgehen wie: Was ist eigentlich das Wesen der Materie<br />
Musik? Was für Botenstoffe tragen diese Wellen, die uns so<br />
berühren? Ich bin überzeugt, dass erforscht werden wird, dass<br />
diese Phänomene ganz notwendig für das Menschsein sind – wir<br />
können es derzeit nur behaupten, aber nicht beweisen.<br />
Meyer-Ravenstein Was aber schon jetzt sehr offensichtlich ist, ist<br />
der Gewinn für die Persönlichkeitsentwicklung: Die Auseinandersetzung<br />
mit Kunst impliziert, sich ganz existenziell mit sich selbst<br />
auseinanderzusetzen. Im Vergleich zu anderen Berufsgruppen sind<br />
es doch meistens die Musiker, die gezwungen sind, sich immer<br />
wieder neu zu hinterfragen, und zwar ein Leben lang. Der Konflikt<br />
zwischen innerer Zartheit und vom Berufsleben geforderter äußerer<br />
Dickhäutigkeit erfordert das. Man geht sonst unter. Diese notwendige<br />
Auseinandersetzung macht einen Teil des Wertes unserer<br />
Absolventen aus, selbst wenn sie nachher nicht mit dem ihr Geld<br />
verdienen sollten, was sie bei uns studiert haben.<br />
Vickers Sie haben zwar recht, aber: Das sagen wir! Doch wie lange<br />
wird es noch dauern, bis das jemand anderes von außen genauso<br />
erkennt?!<br />
Vickers Sie haben recht: Wir sind an der Hochschule von leidenschaftlichen<br />
Menschen umgeben. Die Menschen, die bei uns<br />
studieren, schauen nicht zuerst darauf, wie die materiellen Perspektiven<br />
nach dem Studium für sie aussehen. Einem Studenten wurde<br />
kürzlich nahegelegt, sich für ein Probespiel in einem Orchester<br />
vornehmer anzuziehen. Darauf antwortete er: „Wenn es darauf<br />
ankommt, verzichte ich lieber auf die Stelle.“ Wir kennen so viele<br />
junge Menschen, die so leidenschaftlich bei der Sache sind, dass<br />
es deren rationale Vorstellung übersteigt, was diese Tatsache für<br />
die nächsten 40 oder 50 Jahre bedeuten kann und muss.<br />
Tiedtke Die Frage der Legitimation von Kunst verknüpft mit der,<br />
welchen Nutzen die Kunst für eine Gesellschaft hat, ist ein Thema,<br />
das bei uns unmittelbar an die Studieninhalte geknüpft ist. Wir<br />
vermitteln den Studierenden, dass sie in dem Moment, in dem sie<br />
Rietschel Das ist ja genau das, was Künstler können: anderen<br />
Menschen einen Zugang zu Kunsterfahrungen ermöglichen –<br />
erleben lassen, was Kunst bewirken kann. Ich glaube, das ist das<br />
stärkste Argument, das wir haben: künstlerisch tätig zu sein.<br />
Und es geht darum, die Bedingungen zu schaffen, damit möglichst<br />
viele Menschen diese Erfahrung einmal machen können – also<br />
durch Musik berührt zu werden, dass einen ein Schauspiel tagelang<br />
in Gedanken weiter beschäftigt, dass tänzerische Bewegungen ein<br />
Echo in mir finden usw.<br />
FiT Dafür ist „Primacanta“ ein gutes Beispiel – das von der <strong>HfMDK</strong><br />
angeschobene Singprojekt, das bei Grundschülern die Begeisterung<br />
am Singen und damit an der Musik wecken will, oder?<br />
54
Rietschel „Primacanta“ hat gleich mehrfachen Wert: Natürlich ist<br />
das Projekt ein wunderbares Argument für die Legitimation einer<br />
Institution – weil es uns in der Stadt verankert, indem wir an den<br />
Grundschulen alle Kinder einer Stadt erreichen und ihnen ermöglichen,<br />
die Erfahrung zu machen, wie schön es ist, gemeinsam<br />
lustvoll zu singen. Das ist viel. Diese Erfahrung werden die Kinder<br />
nicht vergessen. Zum anderen steckt in „Primacanta“ auch eine<br />
originäre Hochschulaufgabe: die Vermittlung eines sehr fundierten<br />
Unterrichtskonzeptes – das Prinzip des „Aufbauenden Musikunterrichts“,<br />
das im Kern von Lehrenden unserer Hochschule entwickelt<br />
wurde.<br />
Tiedtke Das sind Modelle von sozialem Handeln, die wir hier<br />
entwickeln und die man durchaus in andere Lebensbereiche<br />
hineintragen kann.<br />
FiT Pro Semester finden im Schnitt über 100 öffentliche Veranstaltungen<br />
an der Hochschule statt – Konzerte, szenische Abende<br />
und Tanz-Performances. Diese Fülle an öffentlichen Angeboten für<br />
Zuschauer und Zuhörer übersteigt den Spielplan so manches<br />
kleinen Theaters …<br />
Rietschel Das mag sein, aber wir verstehen uns in erster Linie nicht<br />
als Konzertveranstalter, sondern als Ausbildungsinstitution. Wenn<br />
wir öffentlich zu Veranstaltungen einladen, verstehen wir sie primär<br />
als Möglichkeiten für unsere Studierenden, ihre Erfahrungen für die<br />
spätere Berufspraxis zu machen.<br />
Vickers Ich verstehe<br />
unsere Veranstaltungen<br />
auch eher als einen<br />
„Einblick in unsere<br />
Arbeit“. Diese<br />
Transparenz gegenüber<br />
der Öffentlichkeit finde<br />
ich wichtig. Zugleich<br />
denke ich als Lehrende<br />
darüber nach: Wie sehr<br />
sind derartige Konzerte<br />
für den Studierenden<br />
schon jetzt eine<br />
Verpflichtung gegenüber<br />
der Öffentlichkeit,<br />
und in welchem Maß<br />
soll die Hochschule<br />
Prof. Catherine Vickers<br />
ihm während des<br />
Studiums noch einen<br />
Schutzraum bieten? Ganz gefährlich finde ich es in jedem Fall, den<br />
Studierenden durch ein solches Konzert die Illusion zu vermitteln:<br />
„Das ist das Leben. Wenn ihr hier Erfolg habt, seid ihr ganz toll.“<br />
Vor diesem Trugschluss müssen wir unsere Studierenden schützen.<br />
FiT Welche Illusionen soll ein Studium überhaupt offenlegen,<br />
möglicherweise den Studierenden rauben, und welche soll es<br />
pflegen?<br />
Rietschel Vielleicht kann man es folgendermaßen umschreiben:<br />
Wenn jemand sein Musikstudium beginnt, will er nichts anderes als<br />
Musik machen und wird getragen von dem Traum, später als großer<br />
Künstler erfolgreich auf der Bühne zu stehen. Und im Laufe des<br />
Studiums ist es Aufgabe der Hochschule, Stück für Stück die<br />
Realität einsickern zu lassen – je weiter einer kommt, umso mehr.<br />
Vickers Illusionen können für eine begrenzte Zeit die Motivation<br />
stützen.<br />
Tiedkte Wir gehen im<br />
Schauspiel so damit<br />
um, dass wir im ersten<br />
Ausbildungsjahr vor<br />
allem die Fremd- und<br />
Selbstwahrnehmung<br />
schulen. Bei szenischen<br />
Improvisationen spielt<br />
ein Student nicht nur,<br />
sondern schaut zu und<br />
beschreibt die anderen:<br />
Was hat funktioniert,<br />
was nicht? In dieser<br />
Diskrepanz von<br />
Fremd- und Selbstwahrnehmung<br />
entsteht<br />
das eigene Lernen.<br />
Der Student bildet sich Prof. Marion Tiedtke<br />
einen Begriff von<br />
Professionalität durch die Erfahrungen, die er macht. Diese<br />
Professionalität verbindet sich im Laufe des Studiums mit dem<br />
Wissen um Tradition. Aus der Kombination beider Kompetenzen<br />
kann der Studierende mithilfe seiner Kreativität schließlich seine<br />
eigene Künstlerpersönlichkeit entwickeln. Das ist zumindest unser<br />
Ziel. Auf diesem Weg ist die Kritikfähigkeit eine unabdingbare<br />
Voraussetzung. In keinem anderen Beruf wie dem des Künstlers<br />
muss man so kritikfähig sein können; in keinem anderen Beruf<br />
muss man sich trauen, vorgefertigte Muster zu verlassen, immer<br />
wieder bei Null anzufangen und bereit sein zu lernen. Gesicherte<br />
Ergebnisse verfliegen und gelten nur für den Moment. Den sich<br />
verflüchtigenden Moment des gemeinsamen Erlebens muss man<br />
immer wieder neu herstellen, und das ist wahnsinnig hart.<br />
FiT Herr Rietschel, Ihnen war und ist es spürbar wichtig, die<br />
Hochschule gut nach außen zu vernetzen. Wie sieht die Vernetzung<br />
heute aus und warum ist sie aus Ihrer Überzeugung so unabdingbar?<br />
55
I n t e r v i e w<br />
Rietschel Viele Vernetzungen, die es heute gibt, entstammen der<br />
Initiative von Lehrenden der Hochschule, so zum Beispiel die<br />
Gründung der Hessischen Theaterakademie und die Vernetzung der<br />
Hochschule mit dem Tanzplan Deutschland. Wer gut vernetzt ist,<br />
hat auch viele Freunde, und es gibt Zeiten, in denen man Freunde<br />
braucht. Unsere Vernetzungen sind auch Bündnisse, die wir<br />
schließen. Und in der gesellschaftlichen Situation, in der wir<br />
stehen, sind die anderen Kulturinstitutionen unsere Bündnispartner.<br />
Vor allem aber ist es für eine gute Ausbildung notwendig, dass sie<br />
eng mit dem späteren Berufsfeld verbunden ist. Die Hessische<br />
Theaterakademie ist dafür ein vorzügliches Beispiel.<br />
Meyer-Ravenstein<br />
Stichwort Bündnispartner:<br />
Erwähnen<br />
möchte ich die seit<br />
Jahren gut funktionierende<br />
Kooperation der<br />
Hochschule mit dem<br />
Ensemble Modern, die<br />
sich als international<br />
begehrter Studiengang<br />
„Internationale<br />
Ensemble Modern<br />
Akademie“, kurz<br />
IEMA, etabliert hat.<br />
Der Studiengang ist in<br />
dieser Form sicherlich<br />
ein exzellenzbildendes<br />
Prof. Henriette Meyer-Ravenstein<br />
Alleinstellungsmerkmal<br />
unserer Hochschule.<br />
Und gute Studierende anzuziehen, ist ja das, was in unser<br />
aller höchstem Interesse ist.<br />
Vickers Von Vernetzungen profitieren wir auch – ich denke an die<br />
jüngste Kooperation mit dem <strong>Frankfurt</strong>er Opern- und Museumsorchester<br />
mit Mahlers 3. Sinfonie, die Kooperation mit der Polnischen<br />
Kammerphilharmonie, die Prof. Wojciech Rajski den Dirigierstudierenden<br />
ermöglicht, oder das Probespieltraining mit der Rheinischen<br />
Philharmonie Koblenz. Außerdem nehme ich an der Hochschule<br />
eine steigende Anzahl von Erasmus-Studierenden wahr, also<br />
internationalen Austauschstudenten, die für ein oder zwei Semester<br />
nach <strong>Frankfurt</strong> kommen, um hier ihren Erfahrungshorizont international<br />
zu erweitern. Kooperationen mit dem Dr. Hoch`s Konservatorium<br />
und der <strong>Frankfurt</strong>er Musikschule bestehen und werden stetig<br />
erweitert.<br />
FiT Herr Rietschel, Sie kämpfen seit zwei Jahren dafür, dass die<br />
Hochschule einen Neubau bekommt, der auf dem zukünftigen<br />
„Kulturcampus <strong>Frankfurt</strong>“ in Bockeneim stehen soll. Damit möchten<br />
Sie nicht nur der immer größer werdenden Raumnot der <strong>HfMDK</strong><br />
begegnen, sondern auch inhaltlich neue Meilensteine setzen.<br />
Welche könnten dies sein?<br />
Rietschel Der Kulturcampus ist die Vision einer Struktur, in der eine<br />
zukunftsweisende Ausbildung stattfinden kann. Die Hochschule<br />
wird dann in ein Umfeld von professionellen Ensembles und in ein<br />
wissenschaftliches Umfeld eingebettet sein, mitten in der Stadt und<br />
mit dem Anspruch, dass sie das, was sie tut, auch nach außen<br />
vermittelt. All dies strahlt dann natürlich auf die Ausbildung zurück.<br />
Wer hier studiert, wird sozusagen in das Zentrum des lebendigen<br />
Kulturcampus geworfen; er wird mitbekommen, was Vermittlung<br />
heißt, er wird mitbekommen, dass alle führenden Dirigenten<br />
innerhalb von drei Jahren beim Ensemble Modern, mit dem die<br />
Hochschule dann Tür an Tür lebt, zu Gast waren; zum Kulturcampus<br />
gehört dann auch das Institut für Sozialforschung, das an prominenter<br />
Stelle über die Rolle von Kunst und Kultur in unserer<br />
Gesellschaft nachdenkt und was dies in der globalisierten Welt<br />
bedeutet. Wir werden von wissenschaftlichen Instituten wie der<br />
Senckenberg Naturforschenden Gesellschaft flankiert sein, die<br />
Fragestellungen aus der Hirnforschung oder zur Entwicklung des<br />
Menschen einbringen wird. In solch einem Umfeld auszubilden,<br />
wird dann weltweit für die interessantesten Studierenden attraktiv,<br />
nämlich für die, die offen und neugierig sind. Das ist die Klientel<br />
von Studierenden, die alle Hochschulen gerne bei sich hätten. Wir<br />
können uns als Hochschule dann an vorderster Stelle international<br />
positionieren. Und nicht zuletzt wird der Kulturcampus ein Ort sein,<br />
von dem Impulse ausgehen und bei dem die Hochschule nicht nur<br />
den Markt – also unser Kulturleben – bedient und reproduziert,<br />
sondern die Zukunft dieses Kulturlebens gestaltet. Das ist unser<br />
Traum.<br />
FiT Ein erster Schritt, sich auf dem Gelände des zukünftigen<br />
Kulturcampus niederzulassen, ist mit der Planung einer Studiobühne<br />
in Arbeit.<br />
Rietschel In diesem Jahr beginnt der Wettbewerb für eine neue<br />
Studiobühne, die dort errichtet werden wird. Wir brauchen sie<br />
dringend und sind bereit, damit den ersten Schritt für den Kulturcampus<br />
zu tun. Das Land Hessen steht hinter uns, die finanziellen<br />
Mittel aus dem Heureka-Programm stehen bereit.<br />
FiT Warum braucht die Hochschule diese Bühne so dringend?<br />
Tiedtke Wir sind die einzige Hochschule in Deutschland, die im<br />
Fachbereich Darstellende Kunst keine eigene Aufführungsbühne<br />
hat. Mit unserem Konzept der Studiobühne wollen wir zugleich<br />
die Raumnot auffangen. Zur Aufführungsbühne für alle Ausbildungsbereiche<br />
– Tanz, Musiktheater, Schauspiel, Regie – sollen<br />
noch drei Proberäume gehören. Dem Studiengang für Zeitgenössische<br />
Tanzpädagogik könnten wir damit erstmals einen eigenen<br />
Proberaum zur Verfügung stellen, und auch Schauspiel und Regie<br />
hätten weitere Proberäume, da die vorhandenen in den Räumlichkeiten<br />
der Hochschule nicht ausreichen. Daher ist die Studiobühne<br />
kein Luxus, sondern dringend notwendig.<br />
56
FiT Der sogenannte Bologna-Prozess zwingt auch die Kunsthochschulen,<br />
ihre bisherigen Studienordnungen so zu überarbeiten, dass<br />
sie in Bachelor- und Masterformate passen, also mit Credit Points<br />
belegt werden und damit international neuen Standards entsprechen.<br />
Ein sicher mühsames Geschäft, oder?<br />
Vickers Der Bologna-Prozess und die damit einhergehende<br />
Modularisierung von Studiengängen bedeutet für uns alle einen<br />
enormen Mehraufwand. Diskussionen finden seit mehr als zehn<br />
Jahren statt, die letzten vier der reellen Umstrukturierung waren<br />
und sind weiterhin hart. Doch alle Lehrenden wissen, dass pädagogische<br />
Reformprozesse nie als „beendet“ betrachtet werden dürfen!<br />
Und seien wir doch behutsam optimistisch, denn Europa spricht<br />
zum ersten Mal in der Geschichte von einem „europäischen<br />
Bildungsraum“. Das verlangt Pioniergeist!<br />
FiT Der Arbeitsaufwand einer administrativen Selbstverwaltung, in<br />
der der künstlerische Professor zugleich als Dekan einem Fachbereich<br />
vorsteht, unumgängliche Umstrukturierungen von Studienplänen<br />
und die drangvolle Enge im jetzigen Hochschulgebäude klingen<br />
nach viel Kraftanstrengung im Alltag. Woraus speist sich dennoch<br />
die offenkundige Lebendigkeit der <strong>HfMDK</strong>?<br />
Tiedtke Es ist faszinierend, an dieser Hochschule zu arbeiten.<br />
Sie ist zwar klein, aber die Mitarbeiter der Verwaltung wie auch die<br />
Lehrenden aller drei Fachbereiche sind unprätentiös immer an der<br />
Sache dran. Hier arbeiten viele Kollegen, die – hochkompetent und<br />
hochengagiert – sich nicht scheuen, die Ärmel hochzukrempeln.<br />
Das zeichnet die Hochschule aus. So klein sie auch ist, so intensiv<br />
ist auch der Austausch sowohl unter den Studierenden und<br />
Lehrenden wie unter den einzelnen Fachbereichen. Das hat zur<br />
Folge, dass hier immer wieder viele gemeinsame Initiativen und<br />
neue Formen der kritischen Selbstbefragung entstehen – das ist<br />
sehr befruchtend.<br />
Meyer-Ravenstein Ich möchte ergänzen, dass die schon genannten<br />
strukturellen Schwierigkeiten wie Raumnot und Vorgabe von<br />
Regelstudienzeiten mehr als ausgeglichen werden durch ein<br />
enormes Engagement der Lehrenden und ihren nicht endenden<br />
Ideenreichtum in Lehrangebot und Projekten. Die Hochschule kann<br />
ein so buntes Angebot an Aktivitäten vorweisen, dass sich jeder,<br />
der möchte, innerhalb der gesetzten Grenzen trotzdem reich<br />
entfalten kann. Ich habe noch nie so viel gelernt wie in den sieben<br />
Jahren, die ich jetzt als Professorin hier arbeite.<br />
bjh<br />
Foto: Andreas Reeg<br />
Prof. Henriette Meyer-Ravenstein bei der Vorbereitung eines szenischen Liederabends ihrer Gesangsklasse<br />
57
S t a t e m e n t s<br />
Dr. Stephan Pauly<br />
ist Intendant und Geschäftsführer der<br />
Alten Oper <strong>Frankfurt</strong>.<br />
Bernd Loebe<br />
ist Intendant und Geschäftsführer der<br />
Oper <strong>Frankfurt</strong>.<br />
Foto: Maik Scharfscheer<br />
Aus dem kulturellen Leben der Mainmetropole<br />
ist die Hochschule für Musik und<br />
Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main nicht<br />
mehr wegzudenken. Das hohe künstlerische<br />
Niveau des Ausbildungsinstituts ist einer<br />
der Gründe, warum die Oper <strong>Frankfurt</strong><br />
immer wieder Kooperationen mit diesem<br />
traditionsreichen Haus eingeht. Dabei geht<br />
es nicht nur um Nachwuchsförderung,<br />
sondern auch um frische Impulse, die von<br />
den Studierenden der verschiedenen Fächer<br />
ausgehen. 75 Jahre des Bestehens sind ein<br />
schöner Anlass, um die vorbildliche Arbeit<br />
dieser Hochschule zu würdigen.<br />
Es ist ein großes Glück, eine Institution wie<br />
die Hochschule für Musik und Darstellende<br />
Kunst gleichsam direkt vor der Tür zu<br />
wissen, weil hier vor Ort ganz hervorragende<br />
junge Künstlerinnen und Künstler<br />
ausgebildet werden. Wir in der Alten Oper<br />
<strong>Frankfurt</strong> geben herausragenden jungen<br />
Musikerinnen und Musikern gerne ein<br />
Podium – etwa in der Vergangenheit schon<br />
mehrfach den Pianistinnen und Pianisten<br />
der Klasse von Prof. Lev Natochenny. Auch<br />
in unserem Kinder- und Jugendprogramm<br />
PEGASUS – Musik erleben! ist es uns eine<br />
Freude, mit der <strong>HfMDK</strong> zusammenzuarbeiten,<br />
in der laufenden Saison zum Beispiel<br />
innerhalb der neuen Reihe „Rabauken und<br />
Trompeten“ und in der kommenden Saison<br />
beim Response-Projekt der <strong>HfMDK</strong>, dessen<br />
Abschlusskonzert nach vielen erfolgreichen<br />
Jahren wieder einmal in der Alten Oper<br />
stattfinden wird. Ich freue mich auf die<br />
Fortsetzung der Zusammenarbeit und<br />
gratuliere der jung gebliebenen Hochschule<br />
ganz herzlich zum 75-jährigen Jubiläum!<br />
Ulrike Crespo<br />
ist Gründerin der Crespo Foundation. Die<br />
Stiftung mit Sitz in <strong>Frankfurt</strong> ist gemeinsam<br />
mit der <strong>HfMDK</strong> Initiatorin des erfolgreichen<br />
Projektes „Primacanta – Jedem<br />
Kind seine Stimme“. „Primacanta“ hat<br />
bislang bereits über 8.000 Grundschulkindern<br />
die Freude am Singen vermittelt.<br />
Über 200 Lehrer haben durch das Projekt<br />
das pädagogische Prinzip des Aufbauenden<br />
Musikunterrichts kennengelernt.<br />
Es gibt vielfältige wissenschaftliche und<br />
praktische Belege dafür, dass das Künstlerische<br />
als Bildungsprinzip wesentliche<br />
Beiträge zur Verbesserung unserer Schulen<br />
liefern kann.<br />
Aus diesem Grunde engagiert sich die<br />
Crespo Foundation stark in Bildungsprojekten,<br />
in denen der aktive Umgang mit<br />
Kunst und Kultur konzeptionell fest<br />
verankert ist.<br />
Ihre besondere Kompetenz auf diesem<br />
Gebiet macht die Hochschule für Musik und<br />
Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main zu<br />
einem unserer wichtigsten Kooperationspartner.<br />
Abgesehen davon: Gelungene Kooperationen<br />
gründen immer auf Vertrauen und<br />
wechselseitiger Sympathie – und an<br />
beidem hat es zwischen der Hochschule<br />
und uns noch nie gemangelt!<br />
58
W a s m i r d i e H f M D K b e d e u t e t<br />
Prof. Dr.<br />
Felix Semmelroth<br />
ist Kulturdezernent der Stadt<br />
<strong>Frankfurt</strong> am Main.<br />
Felix Koch<br />
ist Professor für Alte Musik/Barockcello<br />
sowie Konzertpädagogik/Musikvermittlung<br />
an der Hochschule für Musik Mainz<br />
und Alumnus der <strong>HfMDK</strong>. Zudem war er<br />
über mehrere Jahre lang musikalischer<br />
Leiter von „Primacanta – Jedem Kind<br />
seine Stimme“, das die <strong>HfMDK</strong> gemeinsam<br />
mit der Crespo Foundation initiiert<br />
hat, und verantwortlich für die<br />
„MusiKuss“-Konzerte der Hochschule.<br />
Im vergangenen Jahr erhielt er für sein<br />
Engagement als Musikvermittler den<br />
Schumann-Preis der Robert-Schumann-<br />
Gesellschaft <strong>Frankfurt</strong> am Main e.V.<br />
Ruth Wagner<br />
ist ehemalige hessische Ministerin für<br />
Wissenschaft und Kunst und Mitglied im<br />
Kuratorium der Gesellschaft der Freunde<br />
und Förderer der <strong>HfMDK</strong>.<br />
Die Hochschule für Musik und Darstellende<br />
Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main feiert in diesem<br />
Jahr ihr 75-jähriges Bestehen, und die<br />
Stadt <strong>Frankfurt</strong> darf sich stolz schätzen,<br />
dass sie diese Kunsthochschule mit<br />
herausragender Reputation beheimatet.<br />
Seit ihrer Gründung macht sie sich um<br />
die Exzellenz der Lehre und der kulturellen<br />
Bildung in all ihren Facetten verdient. Die<br />
Hochschule engagiert sich am Kulturleben<br />
der Stadt und vertieft durch ihre Vernetzung<br />
das Verständnis für gesellschaftliche<br />
Fragen. Die zahlreichen Konzerte und<br />
Veranstaltungen der Hochschule bereichern<br />
<strong>Frankfurt</strong> um ein hochkarätiges, lebendiges<br />
Kulturprogramm.<br />
Ins Orchester! Unbedingt ins Orchester<br />
wollte ich. Nach meinen wichtigen<br />
Orchesterstudien an den Musikhochschulen<br />
Mannheim und Karlsruhe habe ich durch<br />
meine Studienzeit und spätere Lehrtätigkeit<br />
an der <strong>HfMDK</strong> aber erst meinen eigentlichen<br />
Platz im professionellen Konzert- und<br />
Musikleben gefunden. Die hervorragende<br />
künstlerische Ausbildung am Institut für<br />
Historische Interpretationspraxis (Violoncello)<br />
sowie die umfangreichen Möglichkeiten<br />
des Instituts für Musikpädagogik haben mir<br />
die Welt der Konzertpädagogik eröffnet, in<br />
der Musizieren auf höchstem Niveau und<br />
professionelle Musikvermittlung gemeinsam<br />
unabdingbar sind, um Kinder, Jugendliche<br />
und Erwachsene in der heutigen Zeit für<br />
Musik zu begeistern. Diese Erfahrungen<br />
gebe ich heute mit großer Begeisterung<br />
an meine Studierenden weiter und kämpfe<br />
darum, den wichtigen Dialog zwischen<br />
künstlerischer Ausbildung und Musikpädagogik<br />
zu intensivieren.<br />
Ich unterstütze die Hochschule, weil sie in<br />
der Lehre, der künstlerischen Ausbildung<br />
und der Forschung, mit der Vermittlung von<br />
Wissen, Fähigkeiten und Fertigkeiten an die<br />
Studierenden in Disziplin, Nachhaltigkeit<br />
und Begeisterung das tut, was Heiner<br />
Goebbels „Ermächtigung der Studierenden<br />
zu eigener Ästhetik“ genannt hat. Ich<br />
unterstütze die Hochschule auch, weil die<br />
Studierenden sich mit Neugier, Risikobereitschaft<br />
und Ehrgeiz auf künstlerische<br />
Arbeit einlassen und weil alle Mitglieder<br />
dieser Hochschule in den letzten Jahren<br />
Kommunikationsformen entwickelt haben,<br />
die Selbsterfahrung und Fremdbespiegelung<br />
individuell und in gemeinsam organisierter<br />
Kommunikation als konstitutives<br />
Element dieser Hochschule begreifen.<br />
59
D a s m a c h t u n s s o b e s o n d e r s<br />
Die Hessische Theaterakademie (HTA) ist<br />
ein in Deutschland einmaliger Studien- und<br />
Produktionsverbund von zwölf Theatern in<br />
Hessen und allen staatlichen Ausbildungsinstituten<br />
für Theater in Hessen. Vielfältige<br />
Querverbindungen unter den Sparten der<br />
darstellenden Künste eröffnen den Studierenden<br />
neue Möglichkeiten, sich auf die<br />
Komplexität ihrer künstlerischen Laufbahn<br />
vorzubereiten. Die HTA hat ihren Sitz an der<br />
<strong>HfMDK</strong>.<br />
Die Internationale Ensemble Modern<br />
Akademie (IEMA) und die <strong>HfMDK</strong> bieten<br />
einen einjährigen Masterstudiengang<br />
„Zeitgenössische Musik“ an. Durch die<br />
Förderung der Kulturstiftung des Bundes,<br />
der Kunststiftung NRW und des Kulturfonds<br />
<strong>Frankfurt</strong> RheinMain können junge Künstler<br />
ein Jahr lang mit den Mitgliedern des<br />
Ensemble Modern am Repertoire der<br />
Moderne arbeiten. Kooperationen z.B. mit<br />
dem Zentrum für Kunst und Medientechnologie<br />
Karlsruhe und dem Institut für<br />
Angewandte Theaterwissenschaft (ATW)<br />
in Gießen ermöglichen u.a. interdisziplinäre<br />
Projekte. Zudem sind regelmäßig namhafte<br />
Komponisten- und Dirigentenpersönlichkeiten<br />
zu Gast.<br />
Der Studiengang Kronberg Academy<br />
Master ist eine Kooperation der <strong>HfMDK</strong> mit<br />
der Kronberg Academy und soll musikalische<br />
Höchstbegabungen auf eine<br />
internationale Karriere als Solokünstlerin<br />
oder Solokünstler für die Instrumente<br />
Geige, Bratsche oder Cello vorbereiten.<br />
Daher erhalten die Studierenden Unterricht<br />
von international renommierten Künstlerinnen<br />
und Künstlern der Kronberg<br />
Academy, während sie ihre theoretischen<br />
Fächer an der <strong>HfMDK</strong> absolvieren.<br />
Der Masterstudiengang Zeitgenössische<br />
Tanzpädagogik (MAztp) wendet sich an<br />
professionelle Tanzschaffende, die die<br />
Fundamente ihrer Arbeit erforschen und<br />
vermitteln möchten. Die Konzeption ist an<br />
den wachsenden Anforderungen und<br />
aktuellen künstlerischen Entwicklungen im<br />
Berufsfeld orientiert. Das Programm wird im<br />
Verbund der Hessischen Theaterakademie<br />
und in enger Kooperation mit Tanzlabor_21/<br />
Tanzbasis <strong>Frankfurt</strong>_Rhein_Main und The<br />
Forsythe Company/Motion Bank durchgeführt.<br />
Der Master-Studiengang Theater- und<br />
Orchestermanagement (TheO) ist bundesweit<br />
der einzige dieser Art. Er bereitet<br />
Absolventen verschiedener Fachrichtungen<br />
auf Berufe in Theatern, Orchestern,<br />
Festivals, Einrichtungen und Gruppen der<br />
freien Szene vor. Mit seinen Schwerpunkten<br />
„Zukunft des Theaters“ und „Analyse<br />
deutscher und internationaler Theatersysteme“<br />
trägt der Studiengang zugleich zu<br />
einer der wichtigsten Reformdebatten der<br />
deutschen Theaterlandschaft der letzten<br />
Jahre bei.<br />
Das Institut für zeitgenössische Musik<br />
(IzM) arbeitet beständig daran, einen<br />
Mittelweg zu finden, auf dem möglichst<br />
viele Lehrende und Studierende mitgehen<br />
können. Inzwischen erfreuen sich die vom<br />
IzM initiierten Projekte großer Beliebtheit<br />
und zahlreicher Unterstützer. Viele<br />
Studierende kommen auf diese Weise<br />
erstmals mit Neuer Musik in Berührung,<br />
andere können eine schon begonnene<br />
Spezialisierung erfolgreich ausbauen.<br />
Die Stiftungsprofessur Interpretatorische<br />
Praxis und Vermittlung Neue Musik wird<br />
zum Sommersemester 2013 erstmals<br />
besetzt und soll in praktisch ausgerichteten<br />
Unterrichtsveranstaltungen musikgeschichtliches<br />
sowie interpretatorisches und<br />
spieltechnisches Wissen vermitteln und<br />
miteinander verbinden.<br />
THE ARTIST´S BODY steht für Tagungen,<br />
Workshopangebote zur „Musikspezifischen<br />
Bewegungslehre“ und zum Thema „Körper<br />
im Theater“ sowie interdisziplinär orientierte,<br />
täglich stattfindende Bewegungsangebote.<br />
Es ist ein facettenreiches Konzept<br />
zur Implementierung neuer Ansätze von<br />
Körperforschung und Bewegungslehre in<br />
alle Studiengänge. Es bietet die Basis und<br />
den Rahmen für vielseitigen Austausch,<br />
gegenseitige Inspiration und Bereicherung<br />
in der Querschnittsaufgabe „Körper und<br />
Bewegung in der Künstlerischen Ausbildung“.<br />
Das Weiterbildungsprojekt Primacanta<br />
– Jedem Kind seine Stimme ist eine<br />
Kooperation der <strong>HfMDK</strong> und der Crespo<br />
Foundation. Sein Ziel ist die Förderung<br />
der Singkompetenz von Grundschulkindern.<br />
Dazu werden Grundschullehrkräfte aus<br />
<strong>Frankfurt</strong>, Offenbach und dem Taunus nach<br />
dem Prinzip des Aufbauenden Musikunterrichts<br />
weitergebildet. Es wird angestrebt,<br />
Musikunterricht nach dem Primacanta-<br />
Prinzip an möglichst vielen Grundschulen<br />
nachhaltig zu implementieren.<br />
60
Im Proben- und Aufführungsort <strong>Frankfurt</strong><br />
LAB in ehemaligen Produktionshallen im<br />
<strong>Frankfurt</strong>er Stadtteil Gallus kooperieren das<br />
Künstlerhaus Mousonturm, The Forsythe<br />
Company, das Ensemble Modern, die<br />
Hessische Theaterakademie und die <strong>HfMDK</strong>.<br />
Es versteht sich als Laboratorium zeitgenössischer<br />
Kunst. Hier sind interdisziplinäre<br />
Begegnungen, Eigenarbeiten und die<br />
Entwicklung neuer Ästhetiken Zielsetzung<br />
des Programms.<br />
Das Festival der jungen Talente! findet<br />
seit 2000 alle zwei Jahre an unterschiedlichen<br />
Orten in <strong>Frankfurt</strong> und Offenbach<br />
statt, wird durch den Verein für Kunstförderung<br />
Rhein-Main e.V. getragen und legt den<br />
Schwerpunkt auf die Produktion spartenübergreifender<br />
kooperativer Projekte durch<br />
die Studierenden verschiedener Hochschulen,<br />
unter anderem der <strong>HfMDK</strong>.<br />
Der LEITBILD_prozess von unten nach<br />
oben, der in der <strong>HfMDK</strong> seit September<br />
2012 läuft, bietet jedem Hochschulangehörigen<br />
die Chance, unser neues Leitbild aktiv<br />
mitzugestalten. Dieser offene Prozess ist in<br />
der Hochschullandschaft nicht selbstverständlich<br />
– zumal die Beteiligung möglichst<br />
vieler Hochschulangehöriger entschieden<br />
mehr Zeit, Raum und Kraft beansprucht als<br />
eine Leitbildentwicklung von oben nach<br />
unten. Allerdings kann ein Leitbild nur<br />
erfolgreich sein, wenn es von möglichst<br />
vielen getragen wird. Und hierfür ist die<br />
gemeinsame Erarbeitung der beste Garant.<br />
Mit der Hessischen Film- und Medienakademie<br />
haben sich 13 Hochschulen<br />
zusammengeschlossen, um Hessen als<br />
Medienstandort zu stärken. Die hFMA<br />
ermöglicht Kooperationsprojekte für höhere<br />
Semester (ab Hauptstudium) zwischen<br />
den angeschlossenen Hochschulen. Dies<br />
gilt für Projekte von Studierenden und/oder<br />
Professoren.<br />
Mit dem Projektfonds Tanz der Künste<br />
fördert die <strong>HfMDK</strong> seit 2006 interdisziplinäre,<br />
studiengangsübergreifende Projekte,<br />
die von Studierenden eigenverantwortlich<br />
durchgeführt und von einem frei wählbaren<br />
Mentor individuell begleitet und betreut<br />
werden. Im Rahmen des Projektfonds<br />
werden ergänzend Lehrveranstaltungen und<br />
Workshopprogramme angeboten, die für<br />
alle Studierenden der <strong>HfMDK</strong> offen sind.<br />
Musik Monat Mai! ist eine Initiative der<br />
<strong>HfMDK</strong>, bei der sich alle großen Musikinstitutionen<br />
<strong>Frankfurt</strong>s an einer alljährlichen<br />
Musikprojektwoche beteiligen. Dabei<br />
veranstalten sie Konzerte in Schulklassen<br />
oder laden Schülerinnen und Schüler zu<br />
Konzerten ein, um allen Jugendlichen ein<br />
musikalisches Live-Erlebnis zu ermöglichen.<br />
In diesem Rahmen findet auch der<br />
1822-Musikwettbewerb <strong>Frankfurt</strong> klingt<br />
statt, den die <strong>HfMDK</strong> mit Förderung der<br />
1822-Stiftung der <strong>Frankfurt</strong>er Sparkasse<br />
veranstaltet. In ihm können Schulklassen<br />
und -kurse ihren themenspezifischen<br />
musikalischen Beitrag präsentieren, in<br />
diesem Jahr zum Motto „Frühlingsgefühle“.<br />
Die <strong>HfMDK</strong> ist mit zwei professionellen<br />
Fundraiserinnen die Benchmark in Deutschland<br />
für strategisches Fundraising an einer<br />
Kunsthochschule für Musik, Theater und<br />
Tanz.<br />
Der Masterstudiengang für Historische<br />
Interpretationspraxis bietet in konzentrierter<br />
Form neben Hauptfachunterricht bei<br />
international renommierten Lehrkräften ein<br />
„Paket“ an Studieninhalten, wie sie für die<br />
Qualifikation in einer zumeist freiberuflichen<br />
Berufstätigkeit im Bereich der Alten Musik<br />
unverzichtbar sind: Aufführungspraxis,<br />
Cembalo, Generalbass, Kammermusik,<br />
Ensemble, Orchester und Opernprojekte,<br />
Musik vor 1600.<br />
Mit dem Fach Physiodrama hat die<br />
<strong>HfMDK</strong> seit 2008 als einzige Hochschule<br />
in Deutschland im Ausbildungsbereich<br />
Schauspiel eine gleichnamige Professur<br />
eingerichtet, die der Betonung des<br />
körperlichen Ausdrucks im zeitgenössischen<br />
Sprechtheater Rechnung tragen<br />
soll. Statt einem bloß körperlichen Training<br />
geht es um die Entwicklung neuer körperlicher<br />
Ausdrucks- und Spielweisen.<br />
61
„EINE HOCHSCHULE IST KEIN DURCHLAUFERHITZER“<br />
Die Professoren Jörg Widmann und Martin Lücker im Interview über<br />
das Reifen der künstlerischen Persönlichkeit im Laufe eines Musikstudiums<br />
Während sich die Berliner Philharmoniker in den Nebenräumen<br />
für Jörg Widmanns Komposition „Flute en suite“ einspielen, trifft<br />
sich der Komponist und Klarinettist vor Konzertbeginn des<br />
„Auftakt“-Festivals in der Alten Oper in einem Salon mit dem<br />
<strong>HfMDK</strong>-Orgelprofessor Martin Lücker. Ein gemeinsames Nachdenken<br />
über die „Kunstausbildung im Wandel“ führt Jörg Widmann,<br />
Professor für Komposition und Klarinette an der Hochschule für<br />
Musik Freiburg, und Martin Lücker, Professor für Künstlerisches<br />
Orgelspiel an der <strong>HfMDK</strong> <strong>Frankfurt</strong> am Main, für ein Gespräch unter<br />
Kennern zusammen. Eine gute Gelegenheit für „<strong>Frankfurt</strong> in Takt“,<br />
die beiden Musikerpersönlichkeiten im Dialog darüber zu erleben,<br />
wie ein künstlerisches Studium gerade im Angesicht veränderter<br />
Marktbedingungen und höher geschraubter Erwartungen an die<br />
Absolventen zu einer glücklichen Reifungszeit werden kann.<br />
<strong>Frankfurt</strong> in Takt Welche Rahmenbedingungen sollte eine Hochschule<br />
bieten, um Studierenden zu helfen, ihre Fähigkeiten, ihre<br />
Identität als Künstler und Perspektiven so zu entwickeln, dass sie<br />
sich angemessen auf ihr späteres Berufsleben vorbereiten können?<br />
Prof. Jörg Widmann Bei den Fragen „Wer bin ich? Wo möchte ich<br />
hin? Und wo bin ich jetzt gerade?“ finde ich persönlich wichtig,<br />
dass die Hochschulausbildung ein Raum sein darf und muss, in<br />
dem der Studierende auch einmal einen Irrweg geht. Niemand<br />
sollte unter einem solchen Zeitdruck studieren, dass so ein Umweg<br />
nicht möglich wäre. Was ich als Hochschulprofessor wahrnehme,<br />
ist gegenwärtig die Gefahr in vollkommen durchstrukturierten<br />
Studiengängen, dass nicht etwa eine Vertiefung der Beschäftigung<br />
mit dem Hauptgegenstand, nämlich der Musik, stattfindet und die<br />
Möglichkeit fehlt, einen Raum für Menschen zu schaffen, die sich<br />
doch universell bilden möchten. Es sollte aber nicht nur darum<br />
gehen, zu einem Spezialistentum gedrängt zu werden, indem<br />
Studierende möglichst viel Stoff in möglichst kurzer Zeit wie in<br />
einem Durchlauferhitzer schnell durchlaufen, um dann bitte sofort<br />
in den Beruf zu gehen, dort Nutzen zu bringen und Geld abzuwerfen.<br />
Diese effizienzorientierte Tendenz macht mich sehr traurig,<br />
und ich glaube, dass sie dem Menschen, aber auch unserem Fach<br />
zuwiderläuft. Das Jahr Auslandsstudium, das ich als Student in<br />
New York verbringen durfte, war für mich ein ganz schwieriges,<br />
aber auch intensives Jahr, in dem ich mich am eigenen Schopfe<br />
aus dem Sumpf der Unsicherheit gezogen habe und dadurch<br />
unendlich viel profitieren konnte. Dieses Krisenjahr hat mich<br />
vorangebracht, weil genau dieser Findungsprozess stattfinden<br />
konnte.<br />
Ich habe keine Allheilmittel und Rezepte zur Hand, wie eine ideale<br />
Hochschule, die es niemals geben wird, aussehen könnte. Aber im<br />
Rahmen meiner Möglichkeiten möchte ich als Hochschullehrer<br />
versuchen, den Studierenden den Rücken freizuhalten, damit sie<br />
sich fokussieren können auf das, was ihnen wirklich wichtig ist.<br />
Dieser Freiraum macht sie einerseits viel selbstbewusster und sorgt<br />
andererseits für neue Verunsicherungen – beides stelle ich fest.<br />
Viele spielen im Sommer in den großen Jugendsinfonieorchestern<br />
unter den großen Dirigenten mit und merken dabei, wie nah sie<br />
daran sind, in ein großes Orchester zu kommen. Und dann kommen<br />
sie aus den Semesterferien zurück und denken: „Nein, ganz so<br />
ist es doch noch nicht.“ Diese Unsicherheit nimmt meiner Ansicht<br />
nach genauso zu wie ein manchmal überproportionales Selbstbewusstsein.<br />
Beides sollte in eine Balance kommen, und das braucht<br />
eben Zeit.<br />
FiT Wie erleben Sie den quantitativen und qualitativen Leistungsdruck<br />
bei Ihren Studierenden, Professor Lücker?<br />
Prof. Martin Lücker Aus meiner eigenen Biografie heraus weiß ich,<br />
dass für Instrumentalisten der Berg an Repertoire, durch den sich<br />
Studierende über Jahre hinweg „fressen“ sollen, mit fortschreitender<br />
Musiktradition immer größer wird. Auf der anderen Seite<br />
werden die Zeitzwänge auch immer größer. Folglich raten manche<br />
oftmals zu einer frühzeitigen Spezialisierung, was ich aber für ganz<br />
falsch halte. Ich bin überzeugt, dass jeder genügend Zeit haben<br />
muss, ein gewisses Repertoire für sein Instrument kennenzulernen.<br />
Insofern heißt Wandel für mich strukturiertes Wachstum. Was die<br />
Persönlichkeitsbildung angeht: Wir sind Musikhochschulen, keine<br />
Persönlichkeitsbildungsschulen. Man bildet eine Persönlichkeit,<br />
indem man sich mit einem Gegenstand auseinandersetzt und sich<br />
an ihm reibt. Manchmal schwimmt man mit dem Gegenstand,<br />
62
Foto: Andreas Reeg<br />
Fagottist Nadav Cohen, Stipendiat der Internationale Ensemble Modern Akademie, während einer Orchesterprobe im Großen Saal der <strong>HfMDK</strong>.<br />
63
I n t e r v i e w<br />
Lücker Die individuelle<br />
Sprachfindung ist<br />
dadurch eigentlich<br />
schwerer geworden.<br />
manchmal hat man das Gefühl, in eine andere Richtung zu<br />
schwimmen. Damit umgehen zu lernen, stärkt die Persönlichkeit;<br />
sich mit einem Gegenstand dauerhaft zu befassen, der sich einem<br />
zunächst versperrt. Wer sich eingehend, aber auch liebevoll mit<br />
ihm weiter beschäftigt, dem wird er sich irgendwann auf einmal<br />
öffnen. Es gehört auch zu unserer Professionalität, dass wir uns<br />
alle mit Fug und Recht die Zeit nehmen und den Willen entwickeln,<br />
in einen Gegenstand wirklich einzudringen und danach unser<br />
Urteil zu bilden. Ich glaube, ich habe es leichter gehabt als Sie,<br />
Herr Widmann: Ich bin ein Kind des Kalten Krieges. Und den Kalten<br />
Krieg gab es natürlich auch in der Kunst nach dem Motto „Cluster<br />
gut, Dur-Akkord böse“. In den 70er Jahren erlebte ich den Paradigmenwechsel<br />
auch durch die Beschäftigung mit historisch<br />
informierter Praxis: Das Sich-Reiben an scheinbar festgefügten<br />
Kategorien kann etwas sehr Produktives sein.<br />
Widmann Stimmt. Und im Komponieren war und ist es genauso.<br />
Noch vor Jahren konnten sich Komponisten positionieren, indem<br />
sie gegen oder für etwas waren. Das ist heute in der Tat komplexer:<br />
In einer Zeit, in der ich tatsächlich alles darf, muss ich umso<br />
deutlicher eigene Pflöcke einrammen und Gesetzmäßigkeiten<br />
selber schaffen.<br />
Widmann Ja, sie wird<br />
schwerer, aber ich finde<br />
trotzdem, dass es<br />
aufregend ist, heute zu<br />
wirken, zu leben, Kunst<br />
zu machen. In der<br />
Instrumentalausbildung<br />
bedeutet dies: Auf eine<br />
Orchesterstelle<br />
bewerben sich heute so<br />
unglaublich viel mehr<br />
fantastisch ausgebildete<br />
Leute als noch vor<br />
wenigen Jahren.<br />
Entsprechend selbstverständlich<br />
müssen sie<br />
die Literatur beherrschen<br />
und präsentieren.<br />
Das ist etwas, das mich<br />
aber auch mit ein wenig<br />
Traurigkeit erfüllt, dass<br />
es diese toll ausgebildeten<br />
Leute gibt, die<br />
sicher nicht einmal<br />
annähernd alle eine<br />
feste Orchesteranstellung bekommen werden. Das ist ein Dilemma.<br />
Ich komme gerade von einer Probe mit dem SWR-Sinfonieorchester<br />
Baden-Baden, dem ich sehr verbunden bin und ohne das es<br />
uns moderne Komponisten gar nicht geben würde. Mittlerweile ist<br />
klar: Es wird mit dem Stuttgarter Radio-Sinfonieorchester fusionieren<br />
und damit seine Eigenständigkeit aufgeben müssen. Eine<br />
schlimme Vorstellung, auf der einen Seite drängen in den Hochschulen<br />
grandios ausgebildete junge Leute nach, die in ein solches<br />
Orchester fantastisch hineinpassen würden. Auf der anderen Seite<br />
wird ein so großartiges Orchester in einer so musikalischen Stadt<br />
wie Freiburg geschlossen. Das bedeutet für unsere Freiburger<br />
Hochschule auch Gravierendes: Da bricht die ganze Infrastruktur<br />
auseinander, weil wir eine Kooperation mit dem Orchester haben.<br />
Das Orchester probt bei uns für Donaueschingen, und wir bieten<br />
den Studierenden mit den Musikern Kurse für bestimmte Spieltechniken<br />
an – das bricht alles weg. Eine solche Entwicklung betrübt<br />
mich sehr.<br />
Die beiden Hochschulprofessoren Jörg Widmann, Komponist und Klarinettist (links), und Martin Lücker, Organist (rechts),<br />
trafen sich in der Alten Oper <strong>Frankfurt</strong> zum gemeinsamen Gespräch.<br />
FiT Wie kann dann Hochschule ein Schonraum sein, wenn sie<br />
angesichts steigender Konkurrenz mehr denn je auf Spitzenleistungen<br />
vorbereiten muss?<br />
64
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meine <strong>Frankfurt</strong>er Sparkasse<br />
„Hamburg, Paris, London – da will ich hin. Mein Konto bleibt aber in <strong>Frankfurt</strong>.<br />
Mit Online-Banking und der SparkassenCard bin ich ja zum Glück flexibel.“<br />
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* bis zum 26. und für alle in Ausbildung sogar bis zum 30. Geburtstag; 65 ausgenommen beleghafte Aufträge (1,50 EUR pro Auftrag)
Widmann Diese Leistungen sind mit und ohne Schonraum vorhanden,<br />
sogar mehr als früher. Wenn damals fünf Fagottisten zum<br />
Probespiel kamen, wurde der Beste von ihnen genommen und<br />
hat bis heute diese Orchesterstelle. Heute ist es so, dass da eine<br />
Vielzahl von Leuten kommt. Man muss ja schon Vorauswahlen<br />
machen, teilweise schon mit Videoband. Trotzdem fordere ich,<br />
dass ich als Hochschullehrer nicht nur den Markt bedienen kann.<br />
Übrigens will heute auch nicht mehr jeder Instrumentalist ins<br />
Orchester, auch das hat sich gewandelt. Man spürt: Die Hochschulen<br />
sind in der Tat im Wandel und bereiten sich insgesamt gut<br />
darauf vor.<br />
FiT Probespiele zu bestehen, setzt voraus, im richtigen Moment<br />
vorher festgelegte Probespielstellen vorzüglich abzuliefern. Welche<br />
Gefahr sehen Sie darin?<br />
Widmann Die Gefahr der Einengung und Verdummung. Schlimm<br />
finde ich es, wenn jemand die Coda des dritten Satzes von Mozarts<br />
Klarinettenkonzert nicht übt, weil er weiß, dass sie im Probespiel<br />
nicht abgefragt wird. In meinem Selbstverständnis sollte man das<br />
Konzert natürlich erst einmal in seiner Gänze studiert haben, bevor<br />
man mit ihm zum Probespiel aufbricht. Eine Einengung erlebe ich<br />
auch in technischen und stilistischen Fragen, wenn Studierende so<br />
zu spielen versuchen, wie sie glauben, dass man es im Probespiel<br />
von ihnen erwartet, ohne dass sie wirklich dazu stehen. Da sind wir<br />
wieder bei unserer Eingangsfrage: Wer bin ich als Spieler? Und bin<br />
ich nicht am ehrlichsten, wenn ich eine Phrase innig empfunden<br />
spiele und nicht so, wie ich denke, dass sie von mir erwartet wird?<br />
FiT Herr Lücker, wie gehen Sie mit derlei Einengungen um?<br />
Lücker Was ich als Lehrer an künstlerischem Ethos vorlebe, was ich<br />
also nicht nur behaupte, sondern was ich in meiner musikalischen<br />
und Unterrichtspraxis wirklich bewahrheite, finde ich sehr wichtig.<br />
Eigene künstlerische Entscheidungen müssen über scheinbare<br />
Sachzwänge erhaben sein, damit Musiker nicht zu „dummen<br />
Usern“ werden, die einfach nur noch bestimmte Handlungsanweisungen<br />
ausführen, die sie von außen aufnehmen. Wenn ein<br />
Studierender von mir auf einen Wettbewerb oder zu einer Bewerbung<br />
fährt, kennt man oft die Vorerwartungen von bestimmten<br />
Leuten in der Jury – das kann helfen, aber auch gefährlich sein.<br />
In meinem eigenen Werdegang habe ich mich von derlei Vorerwartungen<br />
nicht beeindrucken lassen, hielt vielleicht sogar bewusst<br />
dagegen und hatte immer Erfolg damit.<br />
Auch wenn ich selbst heute in Kommissionen sitze, finde ich immer<br />
erfrischend, wenn jemand nicht so spielt, wie man es erwartet hat,<br />
und damit trotzdem überzeugt. Es gibt ja andererseits auch<br />
Interpretationen, bei denen man nach dem dritten Ton weiß, wie<br />
sich die nächste halbe Stunde gestalten wird – so etwas finde ich<br />
gähnend langweilig.<br />
FiT In Teilen haben Sie diese Frage schon beantwortet – würden<br />
Sie der These zustimmen: Je früher ein Mensch genau weiß, was er<br />
will, desto besser ist es für seine berufliche Entwicklung?<br />
Widmann Je länger der Mensch weiß, dass er nichts weiß, umso<br />
besser – drastisch formuliert. Dieses permanente Suchen ist etwas<br />
ganz Wichtiges in unserem Künstlerberuf, und auch etwas ganz<br />
Schmerzhaftes, weil man sich permanent häuten muss. Wenn man<br />
glaubt, etwas gefunden zu haben – in der Interpretation, was<br />
Tempo anbelangt –, kann das in fünf Jahren schon wieder ganz<br />
anders sein. Und wenn man sich dieser Offenheit versperrt, wäre<br />
dies nicht intelligent. Wenn der ideale Weg, der funktioniert, zur<br />
Routine führt und zum Glauben, ich hätte alles gefunden, ist dies<br />
eigentlich das Allertraurigste, was passieren kann. Es gibt ja diese<br />
berühmten drei Sekunden, in denen man jemanden eine Interpretation<br />
spielen hört, in denen sich offenbart, ob jemand sein Instrument<br />
absolut beherrscht und gut ausgebildet ist und trotzdem von<br />
der Musik nichts versteht – vielleicht, weil er eine Stille oder<br />
Spannung gar nicht empfindet und lebt. Das hat, glaube ich, damit<br />
zu tun, ob sich jemand tatsächlich auch ein bisschen für die<br />
anderen Bereiche um sich herum interessiert – für die anderen<br />
Künste, für die anderen Instrumente. Das zu erwähnen, ist mir<br />
natürlich wichtig, weil ich beide Fächer unterrichte – Klarinette und<br />
Komposition. Ich habe in meinen ersten Jahren als Unterrichtender<br />
gemerkt, dass da kein wirklicher Austausch zwischen den Disziplinen<br />
stattfand. Mittlerweile gehen bei uns die Komponisten in die Instrumentalklassen<br />
und umgekehrt. Stücke schreiben meine<br />
Kompositionsstudierenden nicht abstrakt, sondern für ganz<br />
bestimmte Kommilitonen, mit denen sie von Anfang an das Stück<br />
gemeinsam erarbeiten. Für diesen Interpreten wiederum ist das<br />
dann auch nicht mehr das „böse“ Neue-Musik-Projekt, das er laut<br />
Studienordnung halt absolvieren muss, sondern wirklich „sein<br />
eigenes“ Stück. Dabei konnte ich mehrmals beobachten, wie<br />
jemand vor diesem Hintergrund ganz anders auf die Bühne geht,<br />
wenn es „sein Stück“ ist. Solche Momente sind ganz wichtig.<br />
FiT Herr Lücker, können Sie von ähnlichen Erfahrungen berichten?<br />
Lücker Ich kann das in jederlei Hinsicht unterstützen. Hans Zenders<br />
einstige <strong>Frankfurt</strong>er Kompositionsklasse nahm sich damals<br />
beispielsweise zwei Tage Zeit, um die Orgel mit ihren spieltechnischen<br />
und kompositorischen Möglichkeiten kennenzulernen.<br />
Das Problem ist der Zeitfaktor, weil natürlich all diese Dinge Zeit<br />
brauchen. Ich bringe es gern auf die Formel: Eine musikalische<br />
Ausbildung ist keine Geflügelzucht, wo ich sagen kann: 36 Tage<br />
Aufzucht und dann ist das Schlachtgewicht von 837 Gramm<br />
erreicht. Ausbildung muss auch immer ein geschützter Raum sein,<br />
wo Irrtümer möglich sind, wo auch nicht-lineare Entwicklungen<br />
möglich sind.<br />
Widmann Wobei ja aus meiner Erfahrung künstlerische Entwicklung<br />
in den seltensten Fällen linear verläuft.<br />
Lücker Und dann sehe ich meine Aufgabe als Lehrer vor allem<br />
darin, zunächst bei jemandem zu bleiben, also wirklich auch im<br />
menschlichen Sinne seine Hand zu halten in dem Moment, wenn<br />
er vielleicht das Geländer loslassen will, sozusagen die „Oberkurve“<br />
zu beobachten, wie eine Entwicklung voranschreitet.<br />
66
A k a d e m i e Mu s i k t h e a t e r<br />
h e u t e<br />
S tip e n d iu m 2 013 – 2015<br />
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Dramaturgen, Komponis ten, Kultur -<br />
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1 5 . J A N U A R<br />
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3 1 . M A I 2 0 1 3<br />
W ir s uchen<br />
junge, mus iktheaterbegeis -<br />
terte, aufgeschlossene Persön -<br />
lich keiten, die an Team arbeit<br />
interes s iert s ind, in der Oper<br />
Verantw ortung übernehmen<br />
und E rfahrungen teilen<br />
möchten<br />
67
Hornist Salgueiro Garcia während einer <strong>HfMDK</strong>-Orchesterprobe im Großen Saal der Hochschule<br />
Foto: Andreas Reeg<br />
Foto: Andreas Reeg<br />
68<br />
Valentina Busso absolvierte im Wintersemester 2012/13 ihr<br />
Konzertexamen an der <strong>HfMDK</strong>.
I n t e r v i e w<br />
Früher betrug bei uns die Regelstudienzeit für eine Künstlerische<br />
Ausbildung zehn Semester. So wenig, wie man in acht Jahren Gymnasium<br />
dasselbe Resultat haben kann wie in neun Jahren – sowohl<br />
qualitativ wie auch quantitativ –, so wenig kann man heute sagen,<br />
dass jemand mit dem Bachelor-Studium genauso weit kommen<br />
kann wie ein Diplom-Absolvent mit einem Jahr mehr. Ich kann auch<br />
nicht zu einem Baum hingehen und sagen: „Eigentlich wächst du<br />
30 Jahre, aber du tust das jetzt mal in 20.“ Wir wissen, dass, wenn<br />
es doch so war, es zu schlimmen Eingriffen geführt hat – durch<br />
künstliche Düngung. Wir wissen zudem, dass manchmal gerade die<br />
letzten Studienjahre exponentielle Entwicklungskurven aufzeigen.<br />
Und da müsste die Hochschule in Zukunft eine kluge Filterfunktion<br />
haben – eine Filterfunktion auch in dem Sinne, dass sie nun die<br />
ewigen Einflüsterungen der Globalisierung und Digitalisierung nicht<br />
so in den Vordergrund stellt und einfach vermittelt: „Vielleicht<br />
wirst du dich eines Tages mal damit beschäftigen müssen. Aber<br />
zunächst dreht es sich um dich und dass du weiterkommst.“<br />
Jede Beschäftigung mit Kunst sperrt sich tendenziell gegen eine<br />
zeitliche Regelung. Kunst, und besonders Musik, gestaltet immer<br />
ihre eigene Zeit. Und diese Zeit, die Musik gestaltet, kann eine<br />
halbe Stunde wunderschönste Ewigkeit, aber auch zehn Minuten<br />
blanken Horrors sein.<br />
FiT Dennoch müssen die aktuellen Marktströmungen – Stichwort<br />
Globalisierung, Digitalisierung, größere Konkurrenz, steigender<br />
Vermarktungsdruck – in das Bewusstsein der Studierenden Eingang<br />
finden, oder?<br />
bare „Schlachtreife“ gibt es nicht. Ich bringe die Begrenztheit des<br />
eigenen Schaffens gern auf folgende Formel: „Was ich leisten kann,<br />
sind Präzision und Gottvertrauen.“<br />
Widmann Das ist ein ganz wichtiger Punkt: Ich muss ein Stück als<br />
Bläser so geübt haben, dass es auch gut funktioniert, wenn mein<br />
Puls deutlich erhöht ist und ich weniger Luft zur Verfügung habe als<br />
noch beim Üben. Da muss ich Grenzen überschreiten und ausloten.<br />
Schön ist es, wenn ich Studierende vor mir habe, die diese<br />
Bereitschaft mitbringen, an ihre Grenzen zu gehen. Ich glaube, dass<br />
sich Karrieren oft auch genau daran entscheiden.<br />
FiT In dieser Hinsicht ist sicher auch die Motivationsfähigkeit und<br />
Geduld des Lehrenden gefragt.<br />
Widmann Wichtig ist es, als Lehrer zu beharren, auch wenn beim<br />
Schüler gerade noch nicht der Erkenntnisknoten platzt. Wenn der<br />
Knoten eines Tages platzt, ist das ja für uns Lehrer der schönste<br />
Punkt, wenn solche Momente geschehen. Auch in meiner eigenen<br />
Ausbildung waren die Inputs von meinen Lehrern für mich ganz<br />
wichtig. Ich möchte mit meinem Begriff vom „Schutzraum<br />
Hochschule“ übrigens nicht missverstanden werden: Ich behaupte<br />
nicht, dass man Studierende nur peppeln und von der Realität fern<br />
halten sollte, im Gegenteil. Aber es muss auch möglich sein,<br />
jemanden, bei dem gerade der Knoten noch nicht platzt, in seinem<br />
Prozess zu begleiten und ihm klarzumachen, dass er Vertrauen<br />
haben soll und wissen kann, dass die Hochschule hinter ihm steht.<br />
Widmann Grundsätzlich möchte ich all diese Dinge gar nicht<br />
verteufeln, weil sie zu unserer Realität gehören; insofern soll die<br />
Hochschule auch darauf vorbereiten. Aber sie haben in den letzten<br />
Jahren ein Übergewicht bekommen. Klar muss sein: Am Ende<br />
des Studiums brauche ich nicht zu wissen, wie ich mich vermarkte,<br />
wenn ich nicht mein Instrument gelernt habe.<br />
Ich habe früher für die Münchner Kammerspiele Schauspielmusiken<br />
gemacht. Dort sagte Regisseur Dieter Dorn einmal in einem<br />
ver-zweifelten Moment zu seinen Schauspielern: „Ich bin der<br />
schlechteste Regisseur der Welt, wenn ihr mir nichts anbietet.<br />
Bietet mir was an, und dann kann ich auch reagieren.“ Heißt für<br />
uns: Ein Student, der nur erwartet, „der Lehrer wird‘s mir schon<br />
sagen“, ist letzten Endes auch gar kein intelligenter Student; der<br />
intelligente Student hinterfragt tatsächlich selbst aktiv. Wenn<br />
die jungen Leute sich dann nicht nur selbstbewusst auf die Bühne<br />
stellen, sondern zugleich so sehr an die Sache glauben, dann<br />
kommt dieser Zauber auch wieder über die Bühne, dann kann<br />
ein Publikum auch daran glauben.<br />
FiT Was wünschen Sie sich für die Hochschule der Zukunft?<br />
Lücker Ganz einfach: dass in ihr wieder mehr über Musik geredet<br />
wird. Ich habe neulich mal zu einer Künstlerkollegin in einem<br />
Funktionsposten gesagt: Es ist das erste Mal seit drei Jahren, dass<br />
wir über Musik sprechen und nicht über irgendwelche Studienpläne!<br />
Widmann Da haben Sie allerdings recht. Ich möchte das mal mit<br />
der Hoffnung verbinden, dass der Übergangsprozess hin zur<br />
kompletten Modularisierung unserer Studiengänge irgendwann<br />
abgeschlossen sein wird. Manche Initiativen dieser Art sind<br />
sicherlich richtig, nachdem sich die Studierenden in den Hochschulen<br />
früher vielleicht wirklich zu einseitig nur mit ihrem Instrument<br />
beschäftigt haben und weniger mit der Frage, wie sie damit später<br />
in den Beruf kommen. Zwischen den Polen wird sich eine neue<br />
Normalität hoffentlich gut einpendeln – irgendwo in der Mitte, so<br />
dass endlich wieder über die Musik geredet wird.<br />
FiT Ist ein künstlerisches Studium nicht auch die Auseinandersetzung<br />
mit den eigenen Grenzen?<br />
Lücker Durchaus. Meine Erfahrung als junger Musiker war einfach<br />
die, dass zwei Jahre nach meiner Hochschulausbildung 30 Prozent<br />
der Inhalte, die ich gelernt hatte, Makulatur waren. Ich war aber in<br />
der Lage, mich in Neues hineinzufinden. Wie gesagt: Eine definier-<br />
Lücker Oder Musik gemacht wird!<br />
Widmann Oder gemacht wird, das ist das Allerwichtigste.<br />
bjh<br />
69
S t a t e m e n t s<br />
Bettina Kessler<br />
studiert Violoncello an der <strong>HfMDK</strong>.<br />
Michael Sanderling<br />
ist Professor für Violoncello an der<br />
<strong>HfMDK</strong>.<br />
Foto: Andreas Kessler<br />
Ausschlaggebend für mein Studium an<br />
der <strong>HfMDK</strong> war natürlich der Wunsch, bei<br />
Prof. Michael Sanderling zu studieren,<br />
einem der vielseitigsten Musiker der heutigen<br />
Zeit, der seine Studenten zu großer<br />
künstlerischer und methodischer Selbstständigkeit<br />
erzieht und als gefeierter Solist,<br />
Orchestermusiker und Dirigent allen ein<br />
großes Vorbild ist. Nach kurzer Zeit an<br />
der <strong>HfMDK</strong> wird zudem deutlich, was, was<br />
die Hochschule als solche zu bieten hat,<br />
beispielsweise Korrepetitoren/Assistenten<br />
wie Anna Naretto, die weit über die<br />
Aufgabe eines Korrepetitors hinaus die<br />
Studierenden fordern und fördern, ihnen<br />
ein künstlerisches Leitbild sind und<br />
dadurch einen großen Anteil an der<br />
außerordentlichen Qualität des Studiums<br />
haben; interessante fächerübergreifende<br />
Seminare; einen offenen Dialog zwischen<br />
Lehrenden und Studierenden und nicht<br />
zuletzt eine Verwaltung, die sich mit<br />
bestem Bemühen um unsere Belange<br />
kümmert.<br />
Hernando Leal Gomez<br />
studiert an der <strong>HfMDK</strong> Flöte im Master-<br />
studiengang Historische Interpretationspraxis.<br />
Damit ergänzt er vorangegangene<br />
Studien in Flötenspiel, Dirigieren und<br />
Pädagogik.<br />
Die <strong>Frankfurt</strong>er Abteilung für Historische<br />
Interpretationspraxis, kurz „HIP“, ist klein<br />
und groß zugleich – klein, was die beengten<br />
Räumlichkeiten betrifft, aber groß in<br />
den reichlichen Auftrittsmöglichkeiten, die<br />
uns das Haus bietet – mehr als an manch<br />
anderer Hochschule mit größeren Abteilungen.<br />
So ist die <strong>HfMDK</strong> ein ideales<br />
Forum, um in verschiedenen Besetzungen<br />
Erfahrungen zu sammeln und Kontakte<br />
aufzubauen. Als Musiker, der ursprünglich<br />
von der „modernen“ Flöte kommt, wünsche<br />
ich mir, dass sich die Welten zwischen „alt“<br />
und „neu“, historisch und zeitgenössisch,<br />
an der Hochschule noch mehr miteinander<br />
mischen. Mein Studium in Alter Musik hat<br />
mir viele Türen geöffnet, auch die jüngere<br />
Literatur besser zu begreifen.<br />
Jungen Menschen und angehenden<br />
Musikern zu helfen, sich ihren Traum vom<br />
Leben für die, mit der und im Dienste der<br />
Musik zu verwirklichen, ist für mich nicht<br />
nur eine Herausforderung, sondern<br />
bedeutet mir größte Genugtuung.<br />
Meine Arbeit als Lehrer an der Hochschule<br />
gehört somit zum Wichtigsten in meinem<br />
eigenen musikalischen Leben. Dass ich<br />
durch eine wunderbare Atmosphäre an<br />
unserem Haus auch im Austausch zu<br />
meinen geschätzten Kollegen stehen kann<br />
und über die musikalische Arbeit hinaus<br />
wunderbare persönliche Freundschaften<br />
entstanden sind, macht mich zusätzlich<br />
sehr glücklich!<br />
Musik selber machen: wunderbar!<br />
Musik gemeinsam erleben, erlebbar<br />
machen und vermitteln: die Krönung!!!!<br />
70
W a s m i r d i e H f M D K b e d e u t e t<br />
Laura Ruiz Ferreres<br />
ist Professorin für Klarinettenspiel an<br />
der <strong>HfMDK</strong>.<br />
Michael Schneider<br />
ist als Professor für Blockflöte und<br />
Historische Interpretationspraxis Direktor<br />
der gleichnamigen Ausbildungsabteilung<br />
im Fachbereich 1.<br />
Vor genau 30 Jahren bin ich nach vorherigen<br />
Hochschultätigkeiten in Köln und<br />
Berlin an die <strong>HfMDK</strong> <strong>Frankfurt</strong> gekommen<br />
und damit unversehens jetzt einer der<br />
dienstältesten Lehrenden am Hause.<br />
Ich habe sehr unterschiedliche Zeiten<br />
unseres Instituts erlebt, darunter auch<br />
äußerst kritische.<br />
Heute betrachte ich die <strong>HfMDK</strong> <strong>Frankfurt</strong><br />
am Main als eine sehr gute Hochschule und<br />
einen angenehmen Arbeitsplatz. Hier gehe<br />
ich gerne täglich meiner Unterrichtstätigkeit<br />
nach, wobei das überaus angenehme<br />
kollegiale Arbeitsklima sicher eine wichtige<br />
Rolle spielt.<br />
Unsere Hauptaufgaben lauten: Bei jungen<br />
Menschen Leidenschaft und Verständnis<br />
für Musik und Kunst zu fördern und sie mit<br />
handwerklichen Fähigkeiten für das Bestehen<br />
im harten Berufsalltag eines Musikers<br />
auszustatten. Unsere Hochschule bietet<br />
gute Bedingungen, dass dies gelingen kann.<br />
Als Professorin an der Hochschule zu<br />
arbeiten, heißt für mich, eine Begleiterin zu<br />
sein bei der persönlichen Entwicklung von<br />
jungen Künstlern. Ich möchte sie darin<br />
stärken, ihre Ausdrucksmöglichkeiten zu<br />
entdecken und ihre Gefühle musikalisch<br />
authentisch umzusetzen. In meiner Klasse<br />
möchte ich einen Geist befördern, in dem<br />
gegenseitige Hilfe selbstverständlich ist,<br />
aber auch die Offenheit für neue Ideen und<br />
Vorstellungen, sei es künstlerisch oder<br />
menschlich. Ständig dazuzulernen und sich<br />
zu verbessern, ist mein eigenes Leitmotiv,<br />
das ich auch meinen Studierenden<br />
nahelege, denn so kann musikalische Reife<br />
entstehen. Die <strong>Frankfurt</strong>er Hochschule<br />
bietet dafür beste Voraussetzungen.<br />
Dr. Julia Cloot<br />
leitet das Institut für zeitgenössische<br />
Musik IzM an der <strong>HfMDK</strong> seit 2005.<br />
Seit 2011 ist sie Präsidentin derDeutschen<br />
Sektion der Internationalen<br />
Gesellschaft für Neue Musik (auf dem<br />
Foto bei den „Urviechern“ der Konzertreihe<br />
„Bestiarium“, die das IzM gemeinsam<br />
mit dem Senckenberg Naturmuseum<br />
veranstaltet hat).<br />
Ein tönendes Haus<br />
Wie eine riesige Spieluhr<br />
Schlaflieder – eher selten<br />
Wer dreht die Kurbel?<br />
Zum 75.? Ein Gedicht und alles Gute!<br />
Was alle eint? Feuer für die Sache.<br />
Das Foyer? Ein Cluster aus Anliegen,<br />
Freistunden und kleinem Dienstweg.<br />
Sitzungen? Oft genug ein Tristanakkord –<br />
das strebt nach allen Seiten auseinander,<br />
lässt mehrere Deutungen zu und löst<br />
sich am Ende in ein ganz neues Tonsystem.<br />
Projekte? Gern auch zertierende Konzerte.<br />
Das Institut? Immergleiches Übegeräusch<br />
und mehr Lust als Angst bei Neuer Musik.<br />
Die <strong>HfMDK</strong>? Unentbehrlich.<br />
71
S t a t e m e n t s<br />
Silke Altmannsberger<br />
arbeitet in der Abteilung Personalservice<br />
und Organisation der <strong>HfMDK</strong>.<br />
Matthias Markus<br />
Kowalczyk<br />
ist Studierender der <strong>HfMDK</strong> und Solotrompeter<br />
des <strong>Frankfurt</strong>er Opern- und<br />
Museumsorchesters.<br />
Daniela Kabs<br />
ist Leiterin des Künstlerischen Betriebsbüros<br />
an der <strong>HfMDK</strong>.<br />
Foto: Jürgen Friedel<br />
Als 18-jähriger Jungstudent durfte ich<br />
bereits am Hochschulleben der <strong>HfMDK</strong><br />
teilhaben. Das gesunde Verhältnis zwischen<br />
freundschaftlicher Gemeinschaft und<br />
unvermeidlicher Konkurrenz hat mich von<br />
Beginn an fasziniert und einen erheblichen<br />
Teil zu meiner musikalischen, künstlerischen,<br />
vor allem auch menschlichen<br />
Entwicklung beigetragen. Ausschlaggebend<br />
für meine Entscheidung hier zu studieren,<br />
waren das hohe Niveau jedes Einzelnen, vor<br />
allem aber der unermüdliche und grenzenlose<br />
Einsatz der hervorragenden Dozenten,<br />
von denen ich mich stets persönlich und<br />
individuell betreut gefühlt habe. Dabei wurde<br />
sehr viel Wert darauf gelegt, möglichst<br />
oft über den Tellerrand der eigenen Hochschule<br />
hinauszuschauen und externe<br />
Dozenten mit Rang und Namen für Meisterkurse<br />
einzuladen. Schließlich haben mich<br />
Kurse für Mentales Training optimal auf<br />
ein erfolgreiches Probespiel und den darauf<br />
folgenden Berufsalltag vorbereitet.<br />
Ich kam von der Hessischen Hochschule<br />
für Polizei und Verwaltung in die Hochschulwelt<br />
der Musik und der Darstellenden<br />
Kunst. Seit meinem Wechsel vor neun<br />
Jahren hierher haben sich viele Dinge<br />
und Strukturen im Hause verändert: Die<br />
Hochschule ist internationaler geworden<br />
und in allen Bereichen gewachsen. Damit<br />
wuchsen auch die Aufgaben und stiegen<br />
die Anforderungen. Unverändert geblieben<br />
ist aber das, was mir bei der Arbeit schon<br />
immer besonders wichtig war und ist:<br />
das Miteinander und der Kontakt mit den<br />
unterschiedlichsten Menschen mit den<br />
unterschiedlichsten Lebenswegen, Talenten,<br />
Begabungen und Karrieren. Und dies erlebe<br />
ich nun wirklich und täglich bei der<br />
Betreuung der inzwischen 360 Lehrbeauftragten<br />
und der heute gut 80 studentischen<br />
und wissenschaftlichen Hilfskräfte.<br />
Für das Jubiläumsjahr wünsche ich der<br />
<strong>HfMDK</strong>, dass wir, mit ausreichenden<br />
Mitteln und Räumen ausgestattet, die<br />
Chance bekommen, unter einem gemeinsamen<br />
Dach zu arbeiten und sichtbar<br />
werden zu lassen, was in ihr steckt, in allen<br />
Ecken und Winkeln der Musik, der Kunst –<br />
und der Verwaltung.<br />
Eine Elternzeitvertretung im Veranstaltungsbüro<br />
der Hochschule: nicht das, was ich<br />
mir eigentlich vorgestellt hatte, aber nach<br />
den zehn Monaten konnte ich mich ja nach<br />
einem „richtigen“ Job umschauen. Aus<br />
den zehn Monaten sind nun neun Jahre<br />
geworden, in denen ich die Aufgaben des<br />
Künstlerischen Betriebsbüros an einer<br />
Kunsthochschule immer mehr zu schätzen<br />
gelernt habe. Mit und für junge Künstler<br />
zu arbeiten und die Entwicklung der<br />
Hochschule im Bereich Veranstaltungen<br />
mitgestalten zu können, etwa 450 Veranstaltungen<br />
im Jahr zu organisieren,<br />
Konzertreihen zu konzipieren und die<br />
Künstlerbörse zu betreuen, erfordert eine<br />
hohe Flexibilität und ein großes Engagement<br />
vom ganzen Team. Dafür werden uns<br />
fast jeden Abend interessante Programme<br />
geboten, und wir erleben täglich die<br />
Entwicklung der Studierenden zu Künstlerpersönlichkeiten.<br />
72
W a s m i r d i e H f M D K b e d e u t e t<br />
Doris Greiner<br />
arbeitet seit neun Jahren in der<br />
Bibliothek und kümmert sich unter<br />
anderem um die neu erworbenen<br />
Medieneinheiten.<br />
Bernd Distler<br />
arbeitet seit 13 Jahren im Hausteam<br />
der <strong>HfMDK</strong>.<br />
Sabine Rosenberger<br />
ist Verwaltungsangestellte im Prüfungsamt<br />
der <strong>HfMDK</strong>.<br />
Mich fasziniert es immer wieder, über<br />
mehrere Jahre hinweg die Entwicklung<br />
einzelner Studierender mitzuerleben –<br />
sowohl künstlerisch als auch menschlich.<br />
Das wird mir vor allem bei den alljährlichen<br />
Akademischen Feiern deutlich, bei denen<br />
sich die Absolventen von der Hochschule<br />
in ihr Berufsleben verabschieden.<br />
Wenn mich die Arbeit im Büro mal wieder<br />
aufzufressen droht, besuche ich nach<br />
Feierabend ein Hochschulkonzert, um<br />
mir wieder darüber klarzuwerden, warum<br />
ich eigentlich hier arbeite und worum<br />
es im Zentrum aller bürokratischen Mühlen<br />
geht – um kreative Menschen!<br />
Warum ich gern an der <strong>HfMDK</strong> arbeite?<br />
Dafür kann ich viele Gründe nennen: „Ohne<br />
Musik wäre das Leben ein Irrtum“, stellte<br />
schon Friedrich Nietzsche fest. Außerdem<br />
fühle ich mich wohl zwischen Stapeln<br />
von Büchern und Noten: mich faszinieren<br />
sowohl die Möglichkeiten, die darin<br />
stecken, als auch die handwerkliche Arbeit<br />
daran. In unserem Bibliotheks-Team arbeite<br />
ich unglaublich gern. Ich mag die Lebendigkeit<br />
der Hochschule, erlebe sie als Mischung<br />
aus Beständigkeit und Wechsel.<br />
Der tägliche Kontakt mit jungen Menschen<br />
verhindert sicher „vorzeitige Vergreisung“.<br />
Die Möglichkeit, hier laufend Neues zu<br />
entdecken und mich weiterzubilden, erfahre<br />
ich als große Bereicherung. Durch die<br />
Möglichkeit, so viele Konzerte und Veranstaltungen<br />
der Hochschule zu besuchen,<br />
fühle ich mich reich beschenkt.<br />
Ich staune immer wieder, wie sehr sich<br />
die Hochschule in den letzten Jahren<br />
weiterentwickelt hat – technisch wie<br />
logistisch und damit auch in den Ansprüchen,<br />
denen wir als Haustechniker<br />
gegenüber den Studierenden, Lehrenden<br />
und den Verwaltungsmitarbeitern gerecht<br />
werden wollen. So bleibt die Arbeit<br />
vielseitig und abwechslungsreich. Was<br />
ich am Hausteam der <strong>HfMDK</strong> besonders<br />
schätze, ist der Teamgeist, der unter<br />
uns Mitarbeitern so gewachsen ist, dass<br />
sich alle gemeinsam für einen reibungslosen<br />
Ablauf verantwortlich fühlen.<br />
73
„FÜR KUNST GIBT ES KEINE PATENTREZEPTE“<br />
Interview mit Lucas Fels, dem neuen Stiftungsprofessor für Interpretatorische Praxis<br />
und Vermittlung Neue Musik<br />
Die <strong>HfMDK</strong> besetzt zum Sommersemester 2013 ihre erste Stiftungsprofessur.<br />
Ermöglicht wird die dreijährige Stiftungsprofessur Interpretatorische<br />
Praxis und Vermittlung Neue Musik von der Dr. Marschner Stiftung,<br />
der Aventis Foundation und der Ernst Max von Grunelius-Stiftung.<br />
Inhaber der Professur ist der international renommierte Cellist Lucas Fels.<br />
Fels war Mitbegründer und Mitglied des ensemble recherche aus<br />
Freiburg. Seit 2006 ist er Mitglied des Arditti Quartett und unterrichtet<br />
regelmäßig bei den Internationalen Ferienkursen für Neue Musik in<br />
Darmstadt. In beiden Ensembles hat Fels einige hundert Uraufführungen<br />
im Bereich der zeitgenössischen Kammermusik mitgestaltet. Die enge<br />
Zusammenarbeit mit Komponisten wie Isabel Mundry, Rebecca<br />
Saunders, Beat Furrer, Helmut Lachenmann, Wolfgang Rihm, Salvatore<br />
Sciarrino, Mathias Spahlinger und vielen mehr führten zu zahlreichen<br />
ihm gewidmeten Werken.<br />
<strong>Frankfurt</strong> in Takt Herr Fels, Sie haben bereits mehrere hundert<br />
Uraufführungen im Laufe Ihres Lebens musiziert. Das lässt<br />
vermuten, dass Ihnen die Beschäftigung mit Neuer Musik in<br />
die Wiege gelegt worden ist.<br />
Foto: Martin Geier<br />
Studienkollegen das „ensemble<br />
recherche“ ins Leben, mit denen<br />
ich mich auch mit alten Meistern<br />
wie Thomas Tallis beschäftigt<br />
habe. Mich interessierte damals<br />
eigentlich das Repertoire<br />
jeglicher Art und Herkunft.<br />
FiT Dann ist Ihre Biografie ein<br />
Beispiel dafür, dass sich Musiker<br />
Prof. Lucas Fels<br />
gewöhnlich lange mit der Musik<br />
vergangener Jahrhunderte beschäftigen, bevor sie zu Spezialisten<br />
für Neue Musik werden?<br />
Fels Das ist ein möglicher Weg, doch ich kenne viele Biografien<br />
von Musikerkollegen, die sich aus gänzlich unterschiedlichen<br />
Richtungen der Zeitgenössischen Musik angenähert haben. Wichtig<br />
ist die Art der Herangehensweise an Musik, egal welcher Herkunft<br />
der Interpret oder das Stück sind.<br />
Prof. Lucas Fels Ganz und gar nicht – meine Eltern sind keine<br />
Musiker, und auch meine ersten Cellolehrer waren stilistisch<br />
eher konservativ geprägt und mochten die Avantgarde ganz und<br />
gar nicht. Erst als ich in den 70er Jahren in der musikalischen<br />
Metropole Basel, wo alle großen Namen der damaligen klassischen<br />
Musikszene aus und ein gingen, unzählige Konzerte erleben durfte,<br />
wurde auch die Begegnung mit Neuer Musik für mich immer<br />
mehr zur Selbstverständlichkeit. Während meines Cellostudiums<br />
in Freiburg bin ich gleichsam in die praktische Beschäftigung mit<br />
Zeitgenössischer Musik hineingerutscht, als dort für ein Projekt<br />
Streicher gebraucht wurden – unter anderem für Anton Weberns<br />
Streichtrio opus 20 –, außerordentlich schwer, aber für mich<br />
damals sehr prägend.<br />
FiT War seitdem klar, dass Ihr Repertoire fortan vor allem aus<br />
Neuer Musik bestehen würde?<br />
FiT Welche Herangehensweise ist das?<br />
Fels Die Haltung, sich so unvoreingenommen wie möglich einer<br />
Partitur zu nähern. Damit meine ich vor allem die Bereitschaft,<br />
sich auf ein Stück wirklich einzulassen, ohne es kategorisch<br />
abzulehnen oder im anderen Extrem überinterpretieren zu wollen.<br />
Nur mit dieser Offenheit kann es uns gelingen, für jede Musik,<br />
letztlich für jedes Werk eine ihm adäquate Art des Musizierens<br />
zu finden. Bezeichnenderweise habe ich diese Herangehensweise,<br />
die mir heute in der Beschäftigung mit Neuer Musik so wichtig<br />
geworden ist, vor allem von meinem Lehrer Anner Bijlsma in<br />
Den Haag gelernt. So kann das Musizieren zum Abenteuer werden.<br />
FiT Und genau diese Haltung ist es, die Sie fortan auch den<br />
Studierenden an der <strong>HfMDK</strong> nahelegen wollen? Das klingt nach<br />
einem Kampf gegen Widerstände und Ängste.<br />
Fels Nicht direkt – es folgte eine Zeit in Den Haag, in der ich Historische<br />
Aufführungspraxis studieren durfte. Damals rief ich mit<br />
Fels In der Tat – es gibt immer noch viele Mythen und Märchen<br />
rund um die Neue Musik – beispielsweise, dass man sich mit<br />
74
dem einen oder anderen Werk mindestens ein halbes<br />
Jahr beschäftigen müsse, um es überhaupt spielen<br />
zu können. Das gilt für einzelne Stücke. Aber meist<br />
lässt sich die Notation schnell entschlüsseln und<br />
umsetzen – da kann ich den Studierenden möglicherweise<br />
einige Türen öffnen. Und ich möchte der Mär<br />
begegnen, dass Neue Musik kaum noch interpretatorische<br />
Spielräume biete.<br />
FiT Wie werden Sie methodisch arbeiten?<br />
Die <strong>HfMDK</strong>-Konzertreihe „Bestiarium“ fand im Jahr 2012 im Senckenberg Naturmuseum<br />
statt und verband Naturwissenschaft und Neue Musik auf spannende Art und Weise.<br />
Fels Zunächst bin ich gespannt darauf, mit welcher Offenheit und<br />
Diskussionsfreudigkeit mir die Studierenden in <strong>Frankfurt</strong> begegnen<br />
werden. Sicher wird es anfangs darum gehen, mit der Klärung<br />
von Begrifflichkeiten wie Spektralmusik, Mikrotonalität, Befreiung<br />
des Rhythmus, Musik und Gesellschaft sowohl theoretisch als auch<br />
praktisch ein Basiswissen aufzubauen. Darüber hinaus wird mein<br />
Unterricht wohl aber vornehmlich praktischer Natur sein. Dabei<br />
wünsche ich mir eine intensive Zusammenarbeit mit der Internationalen<br />
Ensemble Modern Akademie (IEMA) , der Kompositionsabteilung<br />
und dem <strong>HfMDK</strong>-Institut und dem <strong>HfMDK</strong>-Institut für zeitgenössische<br />
Musik IzM mit seiner Leiterin Julia Cloot, deren Arbeit<br />
weit über <strong>Frankfurt</strong> hinaus in die Szene der Neuen Musik hineinstrahlt.<br />
Auch mit dem Musiktheorie-Professor Ernst August Klötzke<br />
werde ich – genau was die Klärung oben genannter Begrifflichkeiten<br />
betrifft – eng zusammenarbeiten. Und sehr wichtig erscheint es mir,<br />
immer wieder externe Gäste – Musiker und Komponisten – einzuladen,<br />
die mein Unterrichtsangebot ergänzen und bereichern werden.<br />
FiT Die an der <strong>HfMDK</strong> nun mit Ihnen besetzte Professur für<br />
Interpretatorische Praxis und Vermittlung Neue Musik ist unseres<br />
Wissens nach in dieser Form deutschlandweit einmalig. Was hat<br />
Sie gereizt, sich auf diese Aufgabe einzulassen?<br />
Fels Ganz grundsätzlich betrachtet, möchte ich der heutzutage<br />
handfest spürbaren Gefahr begegnen, dass sich Musik auf die<br />
Funktion eines Unterhaltungsmediums im besten Sinne beschränkt,<br />
wie es die Spielpläne vieler Konzerthäuser suggerieren, in denen<br />
das Repertoire aus dem 20. oder gar 21. Jahrhundert immer<br />
seltener in Programmen Platz findet. Mit dieser Tendenz verbinde<br />
ich die Befürchtung, dass Musik als ernstzunehmende Kunstform<br />
nach und nach aus dem Bewusstsein der heutigen Konzertbesucher<br />
verschwindet. Dabei kann und muss Musik auch die Funktion<br />
haben, als eine gesellschaftskritische Stellungnahme zur heutigen<br />
Zeit verstanden zu werden. Das ist in den bildenden Künsten doch<br />
auch nicht anders. Nie vergessen werde ich meinen Museumsbesuch<br />
in Basel, als ich als Kind mit meinen Eltern vor den in Fett<br />
getränkten Rattenköpfen von Joseph Beuys stand: Aus ästhetischer<br />
Sicht fand ich sie fürchterlich, aber die Konfrontation mit ihnen<br />
hat mich nachhaltig beeindruckt und zum Nachdenken gebracht.<br />
Damit auch Neue Musik dazu in der Lage ist, braucht es jedoch<br />
eine gewisse Offenheit bei den Zuhörern, sich darauf einzulassen.<br />
Wer sonst als wir Musiker können diese offene Haltung unserem<br />
Publikum vorleben – entgegen aller Bequemlichkeit eines erbaulichen<br />
Konzertabends? Natürlich hat auch der seine Berechtigung.<br />
Eine meiner Aufgaben an der <strong>HfMDK</strong> wird es sein, das Interesse<br />
an einer unvoreingenommenen Beschäftigung mit Neuer Musik zu<br />
wecken, damit sie wieder mehr denn je gespielt wird. Jeder<br />
ernsthafte Musiker müsste doch ein brennendes Interesse daran<br />
haben, dass die Gesellschaft auch in 50 Jahren immer noch über<br />
ein umfangreiches musikalisches Repertoire verfügt.<br />
FiT Eine Mission, in der Musiker gegen viele Widerstände ankämpfen<br />
müssen ...<br />
Fels Aber auch mit ungeheuren Möglichkeiten – zum Beispiel dann,<br />
wenn Interpreten und Komponisten zusammenarbeiten. Wie viel<br />
Gutes und Spannendes da passieren kann, beweist die Arbeit<br />
Helmut Lachenmanns: Stieß er vor 20 Jahren noch bei Profiorchestern<br />
auf erbitterten Widerstand, wenn er ihnen erklären wollte, wie<br />
er ein „Kratzen“ auf dem Streichinstrument gespielt wissen wollte,<br />
lieben die Orchestermusiker Lachenmann heute. Diese durchaus<br />
erfreuliche Entwicklung in der Neuen Musik schlägt sich heutzutage<br />
in fast jeder Persönlichkeit junger Musiker nieder: Die Instrumentalisten<br />
sind technisch fitter und schneller in der Umsetzung moderner<br />
Spieltechniken. Zugleich sind sie auch weniger ideologisch<br />
– Musiker vor 20 Jahren kämpften und standen für derlei Musik<br />
ein. Heute ist ein gewisses Repertoire an unkonventionellen Spieltechniken<br />
für junge Musiker zur Selbstverständlichkeit geworden.<br />
FiT Sie haben eben Joseph Beuys und die bildenden Künste<br />
genannt. Für wie wichtig halten Sie außermusikalische Einflüsse<br />
auf Musiker und ihr Interpretationsvermögen?<br />
Fels Kurz gesagt: Es lohnt sich immer, in <strong>Frankfurt</strong> ins Städel zu<br />
gehen oder sich für Politik zu interessieren. Natürlich verändert<br />
sich durch vielseitige Eindrücke von außen unser Spiel und Klang<br />
nicht unmittelbar. Doch alles, was unser Denken verändert und<br />
uns sensibilisiert, fördert uns auch in der Fähigkeit, als Musiker<br />
Differenzierungen wahrzunehmen und wiederzugeben. Diese<br />
ständige implizite Einflussnahme ist genau der Grund, warum es<br />
für musikalische Interpretationen keine allgemeingültigen Patentrezepte<br />
gibt – gäbe es sie, wäre Musik sicher keine Kunst mehr.<br />
bjh<br />
75
U n s e r e K o o p e r a t i o n s p a r t n e r<br />
AG Schulmusik der Rektorenkonferenz der deutschen Musikhochschulen | Akademie für Tonkunst Darmstadt | Albert und<br />
Barbara von Metzler-Stiftung | Altana Kulturstiftung gGmbH | Alte Oper <strong>Frankfurt</strong> | Anna-Schmidt-Schule | Anton Bruckner<br />
Privatuniversität Linz | Arbeitsamt <strong>Frankfurt</strong> | Arbeitsgemeinschaft der Leitenden musikpädagogischer Studiengänge in Hessen<br />
Arbeitsgemeinschaft der Musikhochschulbibliotheken | Arbeitskreis für Schulmusik e.V., Landesverband Hessen | Arbeitskreis<br />
Initiative Musikland Hessen | Augustinum Bad Soden | Ausbildungskonferenz Tanz | Aventis Foundation | Bach-Vespern<br />
Bad Hersfelder Festspiele | Badisches Staatstheater Karlsruhe | Bechstein Centrum <strong>Frankfurt</strong> | Betriebsgesellschaft Schloss<br />
Erbach gGmbH | BHF-Bank-Stiftung | Bide – Barcelona International Dance Exchange | Bundesfachgruppe Musikpädagogik e.V.<br />
Bundesjugendorchester | Bundesverband Tanz in Schulen | Bündnis für Musikunterricht in Hessen | Burgfestspiele Bad Vilbel<br />
C. F. Peters Musikverlag | Commerzbank-Stiftung | con moto foundation | Cornelsen Verlag Scriptor | Crespo Foundation<br />
Deutsche Bank AG | Deutsche Bank-Stiftung | Deutsche Gesellschaft für Neue Musik | Deutsche Stiftung Musikleben | Deutscher<br />
Akademischer Austausch Dienst | Deutscher Bibliotheksverband | Deutscher Chorverband | Deutsches Historisches Institut in<br />
Rom | Donaueschinger Musiktage | Dr. Hoch`s Konservatorium | Dr. Marschner Stiftung | DZ BANK AG | DZ BANK Stiftung<br />
EKHN-Stiftung | Elisabethenschule | Ensemble Modern | Ernst Max von Grunelius-Stiftung | European Association of Conservatoires<br />
| Evaluationsagentur des Landes Baden-Württemberg | Fachhochschule <strong>Frankfurt</strong> | Fachhochschule Mainz | Felix-Mendelssohn-Bartholdy-Wettbewerb<br />
| Festival Junger Talente | Filmhochschule Ludwigsburg | Fluxus-Festival | Förderverein ZuKT e.V.<br />
<strong>Frankfurt</strong> LAB | <strong>Frankfurt</strong>er Bürgerstiftung im Holzhausenschlösschen | <strong>Frankfurt</strong>er Gesellschaft für Neue Musik | <strong>Frankfurt</strong>er<br />
Kantorei | <strong>Frankfurt</strong>er Kultur Komitee | <strong>Frankfurt</strong>er Museums-Gesellschaft | <strong>Frankfurt</strong>er Sparkasse 1822 | Franz Grothe-Stiftung<br />
Freiherr-vom-Stein-Schule | Freunde junger Musiker Deutschland e.V. | Freundeskreis young euro classic | Fürstenbergerschule | Gallus<br />
Theater | Galluskonzerte Flörsheim | Gesellschaft der Freunde der Alten Oper <strong>Frankfurt</strong> | Gesellschaft der Freunde und Förderer<br />
der <strong>HfMDK</strong> <strong>Frankfurt</strong> am Main e.V. | Gesellschaft für Musikforschung | Goethe-Haus | Goethe-Institut | Golfclub Lindenhof<br />
Bad Vilbel | Gotisches Haus Bad Homburg | Hans Franke-Stiftung | Haus am Dom | Hebling-Verlag | Hertie-Stiftung | Hessische<br />
Bologna-Berater | hessische Film- und Medienakademie (hFMA) | Hessische Theaterakademie | Hessischer Bibliotheksverbund<br />
HEBIS | Hessischer Rundfunk | Hessisches Kultusministerium | Hessisches Landestheater Marburg | Hessisches Staatstheater<br />
Wiesbaden | Hindemith-Institut | Historisches Museum <strong>Frankfurt</strong> | Hochschule für Gestaltung Offenbach | Hochschule für Musik<br />
Detmold | Hochschule für Musik Franz Liszt Weimar | Hochschule für Musik Trossingen | Hochschule für Musik und Tanz Köln<br />
Hochschul-Informations-System GmbH | Hochschulleitertagung | Hochschulrektorenkonferenz | Hollins University, USA<br />
Holzhausenschule | hr Bigband | hr-sinfonieorchester | HZT – Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz Berlin | I. E. Lichtigfeld-<br />
Schule | ID_<strong>Frankfurt</strong>/Independent Dance | IGS Herderschule <strong>Frankfurt</strong> | IGS Schillerschule Offenbach | IHK <strong>Frankfurt</strong> am Main<br />
Ikonenmuseum | Initiative Kinder zum Olymp der Kulturstiftung der Länder | Inner Wheel Club <strong>Frankfurt</strong> am Main | Instituto<br />
Cervantes | Institut für Neue Musik und Musikerziehung | Institut für Sozialforschung an der Goethe-Universität | internationales<br />
Tanzfestival Kassel | International Association of Music Libraries | International Musicological Society | International Society for<br />
the Philosophy of Music Education | Internationale Ensemble Modern Akademie | Internationales Musikinstitut Darmstadt<br />
Jacques-Offenbach-Gesellschaft | Joblinge gAG <strong>Frankfurt</strong> | Johann-Wolfgang-Goethe-Universität <strong>Frankfurt</strong> | Jugendmusik-<br />
Studium und Lehre<br />
Veranstaltungen mit<br />
und für Studierende<br />
Vernetzungen der<br />
Fachbereiche<br />
76
Gesellschaft der<br />
Freunde und Förderer<br />
der Hochschule für<br />
Musik und Darstellende<br />
Kunst <strong>Frankfurt</strong><br />
am Main<br />
Private Hochschulförderung<br />
Fundraising<br />
schule Bergen-Enkheim | Junge Deutsche Philharmonie | Justus-Liebig-Universität Giessen | Kammerkonzerte Bad Homburg<br />
Kantorei St. Katharinen <strong>Frankfurt</strong> | Katholische Akademie Rabanus Maurus (KARM) | Katholischer Akademischer Ausländer-<br />
Dienst | King Kamehameha AG | KitaTanz | Klingspor-Museum für internationale Buch- und Schriftkunst | Körber-Stiftung<br />
Kronberg Academy | Kulturamt der Stadt <strong>Frankfurt</strong> | Kulturbeirat Kulturregion Rhein-Main | Kulturfonds <strong>Frankfurt</strong> RheinMain<br />
Kulturinitiative Rhein-Main | Kulturstiftung des Bundes | KunstKulturKirche Allerheiligen | Künstlerhaus Mousonturm | Kunstuniversität<br />
Graz | Landesjugendorchester Hessen | Landesmusikgymnasium Rheinland-Pfalz | Landesverband Professionelles Freies<br />
Theater Hessen | Landesverband Schultheater in Hessen | Landgraf-Moritz-Stiftung | Landungsbrücken <strong>Frankfurt</strong> | Liebfrauenschule<br />
<strong>Frankfurt</strong> | Liebieghaus | Lizenzkonsortium des Hochschul-Bibliothekszentrums NRW | Main-Taunus-Kreis | Mainzer<br />
Kammerspiele | Maleki Group | Marienkirche Gelnhausen | Medien Mittwoch | Messe <strong>Frankfurt</strong> Exhibition GmbH | Motion Bank<br />
Museum für Kommunikation | Museum Wiesbaden | Musikakademie Kassel | Musikakademie Rheinsberg | Musikakademie<br />
Wiesbaden | Musikforum der Fachleiter Musik des Landes Hessen | Musikforum Mannheim | Musikmesse | Musikschule Bad<br />
Vilbel | Musikschule <strong>Frankfurt</strong> | Musterschule <strong>Frankfurt</strong> | Nationaltheater Mannheim | Naxos Halle | Netzwerk Musikhochschulen<br />
für Qualitätsmanagement und Lehrentwicklung | North Karelia College Outokumpu | Oper <strong>Frankfurt</strong> | Oper in der Schule | Orchesterfestival<br />
Limburg | Palmengarten <strong>Frankfurt</strong> | Peter Pirazzi-Stiftung | Philharmonie Südwestfalen | Piano Luxem | Pina Bausch<br />
Siftung | Polnische Kammerphilharmonie | Popakademie Baden-Württemberg | Primacanta | Rektorenkonferenz der Musikhochschulen<br />
| Response-Projekt | Rheingau Musik Festival | Richard-Wagner-Verband <strong>Frankfurt</strong> am Main e.V. | Round Table 90 <strong>Frankfurt</strong><br />
| Saalbau GmbH | Schauspiel <strong>Frankfurt</strong> | Schiersteiner Kantorei | Schott Music International | Schülerkonzerte der Stadt<br />
<strong>Frankfurt</strong> | Senckenberg Gesellschaft für Naturforschung | Sigmund-Freud-Institut | Sparda-Bank Hessen eG | Sparkassen- und<br />
Giroverband Hessen-Thüringen | Sparkassen-Finanzgruppe Hessen-Thüringen | Sparkassen-Kulturstiftung Hessen-Thüringen<br />
Staatspartnerschaften des Landes Hessen | Staatstheater Darmstadt | Staatstheater Karlsruhe | Staatstheater Kassel | Staatstheater<br />
Mainz | Staatstheater Saarbrücken Donlon Dance Company | Städel Museum | Stadt <strong>Frankfurt</strong> | Stadt Hanau | Stadttheater<br />
Giessen | START-Stiftung | Stiftung Arte Musica | Stiftung Citoyen | Stiftung der <strong>Frankfurt</strong>er Sparkasse | Stiftung Polytechnische<br />
Gesellschaft <strong>Frankfurt</strong> am Main | Stiftung Tanz | Stiftungsrat „Jedem Kind ein Instrument“ | Studentenwerk <strong>Frankfurt</strong><br />
Studienstiftung des Deutschen Volkes | tamed Tanzmedizin Deutschland | Tanja Liedtke Stiftung | Tanz Medien Akademie Kunstfest<br />
Weimar | Tanz und Produktionszentrum Stuttgart | Tanzfabrik Berlin e.V. | Tanzfonds Erbe | Tanzkongress 13 | Tanzlabor 21_<br />
Tanzbasis <strong>Frankfurt</strong>_Rhein_Main | Tanztag Rhein_Main | The Forsythe Company | Theater Naxos | Theater und Philharmonisches<br />
Orchester der Stadt Heidelberg | uni-assist e.V. | Universität Koblenz-Landau | University of Örebro | Verband deutscher Musikschulen<br />
e.V. | Verband deutscher Schulmusiker e.V., Hessen | Verband für Kulturmanagement | Verein „Altes Rathaus Burgholzhausen“<br />
| Viktoriaschule Darmstadt | Weilburger Schlosskonzerte | Wettbewerb „Aufwind“ der Mannheimer Bläserphilharmonie<br />
Yamaha Pianoworld | Yehudi Menuhin Live Music Now <strong>Frankfurt</strong> am Main e.V. | Zentrum für Kultur und Medientechnologie<br />
Karlsruhe | Zentrum Verkündigung der EKHN | Hessisches Kultusministerium | Vereinigung der hessischen Unternehmerverbände<br />
e.V. | Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz Berlin<br />
Hochschule<br />
Präsidium<br />
Verwaltung<br />
77
I n t e r v i e w<br />
NACHHALTIGE MUSIKVERMITTLUNG ODER<br />
DIE KREATIVE SUCHE NACH DEN „HAPPY NEW EARS“<br />
Interview mit der Musikerin und Musikvermittlerin Catherine Milliken<br />
und dem <strong>HfMDK</strong>-Musiktheorie-Professor Ernst August Klötzke<br />
Die Australierin Catherine Milliken gehörte seit 1980 zum<br />
„Urgestein“ des Ensemble Modern, das seinen Sitz in <strong>Frankfurt</strong> hat<br />
und durch die „Internationale Ensemble Modern Akademie“ mit der<br />
Hochschule eng verbunden ist. Von 2005 bis 2011 initiierte die<br />
Oboistin und Komponistin gemeinsam mit den Berliner Philharmonikern<br />
wegweisende Education-Projekte wie das Projekt SONGS –<br />
Ritual Rhythms zu Strawinskys Le Sacre du Printemps. Ernst<br />
August Klötzke, <strong>HfMDK</strong>-Professor für Musiktheorie, traf Catherine<br />
Milliken an der Hochschule, um mit ihr über den nachhaltigen Wert<br />
von Musikvermittlung und deren Geist in einer Hochschulausbildung<br />
ins Gespräch zu kommen.<br />
Prof. Ernst August Klötzke Cathy, hast du nicht manchmal die Sorge<br />
gehabt, dass bei den Education-Projekten die Musik instrumentalisiert<br />
wird, um bestimmte Ziele zu erreichen, wie beispielsweise die<br />
Sozialkompetenz zu steigern?<br />
Catherine Milliken Eine gute Frage. Muss man die Kunst erklären?<br />
Was tut man eigentlich, wenn man solche Education-Projekte<br />
veranstaltet? Geht es wirklich primär um die Musik, oder erfüllt<br />
sie einen anderen Zweck? Wenn solche Projekte zusammen mit<br />
Musikinstitutionen und Schulen stattfinden, sind die Rahmen ja<br />
definiert, weil der jeweilige Klangkörper und sein Repertoire den<br />
Ausgangspunkt für die kreativen Begegnungen bilden – das<br />
sogennante Response-Projekt. Doch ob Response oder sonstige<br />
Herangehensweisen, man stellt immer wieder fest: Was man<br />
zurücklässt, sind in jedem Fall eine Aufgewecktheit der Beteiligten,<br />
eine große Neugier, Erfahrungswerte, eine Stärkung der eigenen<br />
Kreativität. Emotional würde ich einfach sagen: Es lässt glänzende<br />
Augen für die Musik zurück. Die bindende und mitteilende Kraft<br />
von Musik ist enorm.<br />
Klötzke Wenn ich an dein Projekt SONGS – Ritual Rhythms zu<br />
Strawinskys Le Sacre du Printemps gemeinsam mit den Berliner<br />
Philharmonikern zurückdenke, habe ich dennoch Sorge: Die Kinder<br />
haben zwar glänzende Augen und bestätigen die tolle Gemeinschaft,<br />
die sie darin erlebt haben, sie fanden die Proben so toll<br />
und die Musiker so nett, aber mein Gedanke dazu war: Wo bleibt<br />
eigentlich die Musik?<br />
Milliken Das Projekt war sehr komplex. Es fand in Harlem (New<br />
York) statt; zum einen wurde es als Tanzstück präsentiert, außerdem<br />
wurden in drei verschiedenen Schulen Schulchöre gebildet, um<br />
eigene Werke zu texten und zu komponieren und schließlich im<br />
Crystal Palace Washington Heights vor einem Publikum von<br />
dreitausend Menschen aufzuführen. Davor lag ein schöner und<br />
längerer gemeinsamer Weg. Über vier Wochen hinweg fanden<br />
intensive Workshops statt. Die eigene Fantasie der Jugendlichen<br />
stand wie immer im Mittelpunkt. Strawinsky galt als „stiller<br />
Mentor“. Wir haben das Thema „Gangs and Initiation Rites“<br />
diskutiert und reflektiert und ausprobiert, bis daraus ein ganzes<br />
Chorwerk und Gesangstücke geworden sind. Der erste Effekt war,<br />
dass wir zusammen musiziert haben, Profis wie Laien, was alle<br />
Beteiligten innerlich größer hat werden lassen und deren Augen zum<br />
Funkeln brachte. Aber der musikalische Eindruck, die Auseinandersetzung<br />
mit Musik, die gemeinsame Diskussion und schließlich der<br />
Moment des gemeinsamen Musizierens waren nachhaltig.<br />
Klötzke Hast du in Berlin mit dem „Danach“, also der Zeit nach<br />
beendeten Projekten, Erfahrungen gemacht und festgestellt, dass<br />
du ein echtes, dauerhaftes Interesse an Musik wecken konntest?<br />
Milliken Nach jedem Projekt werden die Kinder zu ihren Erfahrungen<br />
befragt. Die daraus gewonnenen Vorschläge fließen in<br />
zukünftige Projekte ein. Ein Ziel solcher Begegnungen liegt natürlich<br />
darin, im Anschluss weitere Möglichkeiten des Musik-Erlebens zu<br />
eröffnen. Wenn die Kinder beispielsweise später erneut im Konzert<br />
sitzen, sind sie von einer ganz anderen Aufgewecktheit erfüllt als<br />
noch vor dem Projekt und der aktiven Auseinandersetzung mit der<br />
Musik: Sie fühlen sich zu Hause und kennen den Saal. Und die<br />
Kinder kennen bereits die Rituale eines Konzerts, die sie aber nicht<br />
mehr abschrecken, weil sie sich in ihm wohlfühlen. Wenn dies<br />
geschieht, hat man Großartiges erreicht. Ich erinnere mich aber<br />
auch an ältere Kinder, die in einem Projekt mit neuer Musik ganz<br />
aktiv mitgemacht haben, sich dann aber irgendwann beim gemeinsamen<br />
Cluster-Singen doch wünschten, auch mal einen ganz<br />
„normalen“ Dur-Akkord singen zu können. Das war bei einem<br />
Stockhausen-Projekt der Fall. Später erhielten wir aus der betreffenden<br />
Schule Briefe, aus denen wir erfuhren, dass dort erneut<br />
78
Foto: Andreas Reeg<br />
Momentaufnahme aus einer Probe für einen szenischen Liederabend der Gesangsklasse Prof. Henriette Meyer-Ravenstein, im Bild: Torben Binding<br />
79
I n t e r v i e w<br />
ein Stockhausen-Projekt stattfand und die Startvoraussetzungen<br />
dafür bei den Jugendlichen einfach hervorragend waren. In diesem<br />
Feedback bestätigten uns die Pädagogen, dass ihnen erst jetzt<br />
wirklich klargeworden war, was im anfänglichen Stockhausen-Projekt<br />
alles an Wertvollem passiert ist.<br />
Klötzke Über diese Aussage wundere ich mich: Meine beiden<br />
Kinder sind in der Grundschule, und da gibt es ein Schulorchester.<br />
Da herrscht das Gefühl: „Ich gehöre dazu, bin Teil des Orchesters<br />
und habe etwas Wichtiges zu tun.“ Das ist schon eine Tendenz,<br />
die sich gerade abzeichnet, oder?<br />
<strong>Frankfurt</strong> in Takt Welche Erfahrungen haben Sie mit Ritualen rund<br />
um ein Konzert?<br />
Klötzke Ich erinnere mich an ein Konzert im Rahmen des Projektes<br />
„move@school“ mit dem Hessischen Staatsorchester im Hessischen<br />
Staatstheater Wiesbaden. Da hatte ich im dritten Rang vor<br />
einem Elternpaar Platz genommen und hörte zufällig, wie die Frau<br />
zu ihrem Ehemann sagte: „Das ist ja ganz schön, was da passiert,<br />
aber der Mann mit diesem Stock stört, man sieht ja die Leute gar<br />
nicht musizieren.“ Das war für mich ein ganz spannender Moment<br />
im Bezug auf Rituale: Ich denke schon, dass diese Kunsttempel wie<br />
ein Theater oder eine Philharmonie, die mit ihren massiven Mauern<br />
und ihrer oft aggressiven Architektur die Anmutung einer Burg<br />
haben, ein eher abschreckendes Moment darstellen. Da fragt sich<br />
vielleicht mancher: Möchte ich da wirklich hinein?<br />
Cathy, du warst lange Zeit fester Bestandteil des Ensemble Modern,<br />
hast dich dann als Komponistin weiterentwickelt und bist später<br />
nach Berlin gegangen, um Education-Projekte zu leiten. War das<br />
für dich die logische Konsequenz einer eigenen Entwicklung?<br />
Milliken Auf jeden Fall sind mit diesem Schritt viele Fäden in<br />
meinem Leben zusammengelaufen. Die wundervolle Zeit beim<br />
Ensemble Modern als Oboistin und Mitbegründerin, der Anfang<br />
des Komponierens, die Formation der Gruppe HCD-Productions<br />
mit Kollegen Hermann Kretzschmar und Dietmar Wiesner, die<br />
Education-Arbeit, die ich in Response-Projekten fünf Jahre lang<br />
in England im National Youth Orchestra of England und anschließend<br />
beim Ensemble Modern gestalten durfte – all dies sind<br />
verschiedene Fäden, die aber irgendwie auch zusammengehören.<br />
Der jüngst zu Ende gegangene Berufsabschnitt in Berlin als Leiterin<br />
der Education-Programme der Berliner Philharmoniker war eine<br />
lehrreiche Zeit, gekennzeichnet von Aufbau und viel Fleißarbeit;<br />
außerdem ist Berlin ein sehr spannendes Umfeld. Mit Menschen<br />
Musik zu machen und zu erleben, wie aufgeweckt sie darüber<br />
nachdenken, wie sie für Problemstellungen Lösungen finden und<br />
dann vielleicht auch wieder die Lösung verwerfen, um eine neue<br />
zu suchen – das ist etwas, das mich sehr glücklich macht.<br />
FiT Für wie wichtig erachten Sie, dass Kinder möglichst früh mit<br />
dem Musizieren beginnen?<br />
Milliken Ich finde es wichtig, dass man schon sehr jungen Kindern<br />
die Möglichkeit gibt, zusammenzuspielen. Meiner Meinung nach<br />
fängt diese Form des Musizierens hier in Deutschland zu spät an:<br />
Schon mit Sechsjährigen kann man kleine Ensembles bilden, sei<br />
es mit Instrumenten oder in Form gemeinsamen Singens.<br />
Milliken Aber siehst du, das ist doch genau die Antwort auf die<br />
Eingangsfrage: Wenn man Kinder zum Musizieren zusammenbringt,<br />
dann spielt da natürlich eine soziale Komponente eine Rolle. Gehört<br />
die nicht immer dazu, und warum soll das anders sein, wenn so<br />
etwas in den Hochtürmen der Musiklandschaft stattfindet?<br />
Klötzke Ich komme dennoch auf meine etwas überspitzt formulierte<br />
Anfangsfrage zurück, ob Musik nicht instrumentalisiert wird, um<br />
Kindern soziale Kompetenzen nahezubringen, während die Musik<br />
auf der Strecke bleibt. Die Begegnung innerhalb eines Education-<br />
Projektes bleibt womöglich exemplarisch, es fehlt die Kontinuität<br />
in der musikalischen Beschäftigung und Entwicklung.<br />
Milliken Natürlich sollten wir auf Nachhaltigkeit setzen. Dennoch<br />
finde ich, dass hervorragend ausgeführte „One off Education“-<br />
Projekte – also Projekte, die nicht in einen langfristigen Kontext<br />
eingebettet sind, sondern einmalig stattfinden – durchaus ihre<br />
Berechtigung und einen großen pädagogischen Wert haben. Das<br />
Miteinander von musikalischen Laien und professionellen Musikern,<br />
bei dem alle gemeinsam etwas schaffen, bleibt einfach ein genialer<br />
Ansatz. Die Erfahrung zeigt: Beide Seiten profitieren davon.<br />
Natürlich sollten dann die Institutionen auf Nachhaltigkeit setzen,<br />
indem zum Beispiel Orchester versuchen, die jungen Menschen<br />
für regelmäßige Konzertbesuche zu begeistern und einzuladen.<br />
Aber die Nachhaltigkeit entwickelt sich möglicherweise woanders<br />
weiter, zum Beispiel in der Schule oder beim Instrumentalunterricht.<br />
Diese Projekte können jedoch niemals den Musikunterricht<br />
ersetzen. Im Übrigen finde ich es durchaus erstrebenswert, mit<br />
Laien auf Exzellenz hinzuarbeiten – eine Exzellenz in der Herangehensweise<br />
und in der Konsequenz, mit der man gemeinsam nach<br />
kreativen Lösungen sucht.<br />
Klötzke Spielt dabei nicht auch immer ein bisschen die Attraktion<br />
des Laienhaften eine Rolle?<br />
Milliken Da möchte ich dir widersprechen. Ich denke an Projekte<br />
wie Rimini Protokoll, die ich faszinierend finde, weil sie eine starke<br />
Echtheit mit sich bringen. Es gibt Momente in der musikalischen<br />
Arbeit mit Laien, in denen diese auf geniale Lösungen kommen –<br />
Lösungen, die stark sind und echt. Und dann führen sie ihre<br />
eigenen Werke mit einer souveränen Ruhe auf, weil sie so überzeugt<br />
davon sind, beispielsweise den geeignetsten Klang gefunden<br />
zu haben. Das sind Momente, die tief beeindrucken. Man muss<br />
nicht unbedingt eine hohe Komplexität konstruieren, um einen<br />
starken Ausdruck zu erzeugen. Man darf nicht vergessen, dass<br />
solche Projekte für die Beteiligten anspruchsvoll sind: Sie sind<br />
80
Frisches Blatt<br />
grüßt<br />
frische Hochschule<br />
Herzlichen Glückwunsch <strong>HfMDK</strong> <strong>Frankfurt</strong>!<br />
Für Studierende<br />
nur 21,50 im Jahr<br />
www.nmz.de/abo
Erziehung mit Diplom abgeschlossen und alle methodischen und<br />
didaktischen Fächer nachgeholt. Zudem lag mir Education<br />
irgendwie im Blut, weil auch die ganze Familie immer damit zu tun<br />
hatte. In der Education-Arbeit muss man sich selbst ständig<br />
hinterfragen und prüfen, ob man seinem Gegenüber genügend<br />
Freiraum für dessen Fantasie lässt, während man ihn in seinen<br />
Ideen unterstützt. Das ist eine spannende Interaktion.<br />
Prof. Ernst August Klötzke<br />
Ausführende und Komponisten zugleich. So sollte der Rahmen der<br />
Präsentation dieser Arbeit auch würdevoll sein.<br />
FiT Wie gestaltet sich die Kommunikation in der Erarbeitungsphase<br />
eines Education-Projektes?<br />
Milliken Bei den Education-Projekten darf es nicht bei einem<br />
vordergründigen „Wohlfühl-Moment“ bleiben. Hinzukommen muss<br />
eine offene Redesituation. Es geht darum, gemeinsam eine<br />
Diskussionskultur gekonnt aufzubauen. Das braucht Zeit und<br />
Können, diesen Freiraum zu ermöglichen und Vertrauen herzustellen.<br />
Der erste Fehler, den man als Leiter eines Projektes macht,<br />
ist, dass man zu viel doziert. Der Projektleiter hält oft den Moment<br />
der Suche nicht aus. Ich finde es wichtig, Menschen in leitenden<br />
Funktionen darin zu stärken, solche Momente auszuhalten. Was<br />
man eigentlich braucht, sind offene, glückliche Ohren – „happy<br />
new ears“.<br />
Klötzke Wenn du den Auftrag bekämst, die Studiengänge an der<br />
Hochschule zu gestalten, die etwas mit Vermittlung zu tun haben,<br />
was wäre aus deiner Sicht für die nächste Generation wichtig?<br />
Milliken Wichtig ist – und das ist ganz generell gesprochen –,<br />
dass Hochschulen ihr Lehrangebot nicht so sehr in Fächer<br />
aufspalten und damit so scharfe Trennlinien ziehen. Sie spalten ja<br />
schon mit dem Angebot der Studiengänge: dass man entweder<br />
Lehrer wird oder Orchestermusiker. Die Frage, ob man später ins<br />
Orchester geht oder als Musiklehrer arbeitet, ist damit schon<br />
absolut vorgegeben – möglicherweise auch die Frage, ob man sich<br />
für Neue Musik interessiert oder nicht. Natürlich liegt es in der<br />
Natur der Sache, dass man als Instrumentalist sehr viel üben muss.<br />
Aber das war schon immer zugleich eine Entschuldigung dafür,<br />
dass man die anderen Fächer vernachlässigen konnte. Trotz<br />
permanenten Übens müssen wir als Musiker ganz weit werden.<br />
Vermitteln zu können und zu wollen, sollte immer Teil des Selbstverständnisses<br />
sein, auch bei Orchestermusikern und Solisten.<br />
FiT Das Sich-Ausprobieren als Musikvermittler wird im Laufe des<br />
Studiums nicht unbedingt vereinfacht dadurch, dass uns der<br />
Bologna-Prozess eine Modularisierung der Studiengänge beschert<br />
hat.<br />
FiT Inwiefern sollte Musikvermittlung eine Aufgabe für jeden sein,<br />
der musiziert?<br />
Milliken Es ist wie beim Komponieren: Da muss man einfach nach<br />
kreativen Lösungen suchen.<br />
Klötzke Alle Musiker, die wir an der <strong>HfMDK</strong> ausbilden, haben im<br />
Studium und sicher auch im späteren Berufsleben etwas mit<br />
Vermittlung von Musik zu tun; jeder, der Orchestermusik studiert,<br />
hat seine Schüler; jeder, der Komposition studiert, muss lernen,<br />
sehr komplexe musikalische Phänomene zu vermitteln. Und ich<br />
merke, dass der Vermittlungsgedanke, der in der Lehrerausbildung<br />
in unserem Fachbereich 2 so wichtig ist, in viele weitere Bereiche<br />
der Hochschule hineinstrahlt, und darüber bin ich sehr froh. Die<br />
Hochschule ist in Bewegung; es hat sich vieles geändert. Damals,<br />
als ich mich selbst in der Ausbildung befand, vermisste ich die<br />
wertvollen Zwischenräume zwischen den Vorgaben und Richtlinien,<br />
nach denen ich Musik zu studieren hatte. Genau diese Fixiertheit<br />
ist in der Beschäftigung mit Musik tödlich.<br />
Cathy, welche pädagogische Ausbildung hast du durchlaufen und<br />
was treibt dich dauerhaft an, Musik zu vermitteln?<br />
FiT Wie würden Sie die eben erwähnte Weite im Studium<br />
ermöglichen, die nicht spaltet, sondern integriert?<br />
Catherine Milliken<br />
Milliken Nach dem Musikstudium in Australien habe ich neben dem<br />
Instrumental-Aufbaustudium die Rhythmisch-Musikalische<br />
82
The Revolutionary New<br />
THE PASSION. THE PIANOS.<br />
THE REVOLUTION.<br />
Vor fast einem halben Jahrhundert haben wir mit dem ersten<br />
Flügel der C-Serie Geschichte geschrieben. Jetzt ist es Zeit für eine<br />
neue Revolution.<br />
19 Jahre lang haben unsere besten Klavierbauer ihr Wissen<br />
vereint, um gemeinsam mit Spitzenpianisten aus aller Welt einen<br />
einzigartigen Konzertflügel zu erschaffen, den CFX. Zum 125.<br />
Jubiläum unseres Unternehmens entstand mit dieser Expertise eine<br />
neue Serie atemberaubender Pianos. Yamaha präsentiert die CX-<br />
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Wölbung hat die CX-Serie die besten Eigenschaften ihres<br />
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für Musik und Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> zum 75-jährigen<br />
Bestehen.”<br />
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I n t e r v i e w<br />
Milliken Es sollte immer einen Austausch der Jahrgänge verschiedener<br />
Ausbildungszweige geben – zum Beispiel die Lehramtsstudierenden<br />
mit den Instrumentalisten in Form eines Chor- und<br />
Orchesterprojektes; und ich finde es wichtig, dass Instrumentalisten<br />
singen! Darüber kann man viel von der Musik verstehen, was auf<br />
instrumentalem Wege oft viel länger braucht. Es braucht Projekte<br />
und Momente, in denen man eincheckt: Wo sind wir, was brauchen<br />
wir, wo können wir voneinander lernen – die Instrumentalisten<br />
von den Komponisten, die Komponisten von den Musikpädagogen,<br />
die wiederum von den Instrumentalisten? Ich wünsche mir übergreifende<br />
Problemstellungen, an deren Antworten man gemeinsam<br />
tüfteln kann.<br />
FiT Herr Klötzke, wie erleben Sie unsere Hochschule in dieser<br />
Hinsicht?<br />
Klötzke Als Cathy schilderte, was sie sich vorstellt, habe ich gedacht:<br />
Wie schön, das haben wir hier doch alles! Hier findet der<br />
Austausch bereits permanent statt. Wenn Lehramtsstudenten<br />
beispielsweise in Kooperation mit der Hessischen Film- und<br />
Medienakademie Stummfilmmusiken schreiben, müssen sie zu<br />
den Instrumentalisten gehen und fragen, wie sich dies und jenes<br />
auf einem Instrument realisieren lässt. Das ist ein gutes Beispiel,<br />
wie unsere Studierenden über den Tellerrand ihrer eigenen<br />
Disziplin schauen.<br />
Milliken Das ist fantastisch, und ich muss sagen: Man betritt die<br />
Hochschule und bemerkt diese Atmosphäre.<br />
Klötzke Als ich hier im Jahr 2001 als Lehrbeauftragter angefangen<br />
habe, war es diesbezüglich eine völlig andere Zeit. Ich sehe die<br />
gute Entwicklung der Hochschule mit dem Anliegen, den Menschen<br />
so viel wie möglich mitzugeben, damit sie an möglichst viele<br />
Impulse aus Nachbardisziplinen andocken können. Die Schwierigkeit<br />
liegt darin, dass dieses „Viel“ nie ein „Zu viel“ sein darf. Der<br />
Fokus muss erkennbar bleiben, aber genau der hat auch immer eine<br />
gewisse Unschärfe um sich herum, und diese Unschärfe verbindet<br />
den Fokus mit Welt. Als Musiktheoretiker am Haus habe ich es mit<br />
Studenten aller musikalischer Ausbildungsbereiche zu tun und bin<br />
im Gespräch mit Kollegen aller Fachbereiche. Im vergangenen<br />
Sommersemester habe ich ein Seminar zum Thema Schauspielmusik<br />
in Zusammenarbeit mit unserem Regieprofessor Hans-Ulrich<br />
Becker angeboten, in dem Regie- und Musikstudenten zusammengearbeitet<br />
haben.<br />
Milliken Das ist wunderbar, denn der Austausch mit anderen<br />
Künstlern ist für Musiker so wichtig.<br />
FiT Mit welchem Handwerkszeug müssen wir unsere Studierenden<br />
ausstatten, damit sie die Begeisterungsfähigkeit, den Funken der<br />
Vermittlung in sich tragen und weitergeben?<br />
Milliken Zum einen geht es darum, bei ihnen die Neugier auf andere<br />
Welten anzuregen. Wenn Studenten diese verspüren und sie das,<br />
was sie tun, lieben, ist der Schritt zur Weitergabe nur noch ein ganz<br />
kleiner. Zum anderen müssen die Künstler mit den nötigen „Werkzeugen“<br />
ausgerüstet sein, damit sie die Sicherheit im Umgang mit<br />
der Materie ausstrahlen.<br />
Klötzke Zum methodischen Handwerkszeug gehört die Fähigkeit,<br />
den eigenen Anspruch in ein Verhältnis zu setzen zu dem, was man<br />
von seinem Gegenüber erwarten kann. Es ist falsch, Laien auf das<br />
eigene Niveau ziehen zu wollen. Wohl müssen sie ein Gefühl für<br />
den Anspruch bekommen, den wir haben, aber sie müssen auch<br />
merken, wie weit sie sich dem annähern können.<br />
Milliken Aber die Vermittlung von etwas Schwierigem an Laien<br />
ist eine wichtige Aufgabe. Dabei geht es nicht um Vereinfachung,<br />
sondern darum, dass man selber kreativ ist, etwas so genial zu<br />
erklären, dass nicht nur eine Simplifizierung dabei herauskommt.<br />
Der Moment des Vermittelns ist ein Moment der gleichwertigen<br />
Gegenseitigkeit.<br />
FiT Welche neuen Methoden und Praktiken der Vermittlung<br />
erfordert der gesellschaftliche Geist der letzten Jahre von unseren<br />
Lehramtsstudenten, um zeitgemäß zu unterrichten?<br />
Klötzke Was unsere Hochschule gerade macht, nämlich die<br />
Stärkung der Pädagogik, entspricht genau meinen Vorstellungen.<br />
Es ist eine erfreuliche Offenheit bei den Studierenden spürbar –<br />
geradezu eine Lust an der Sache –, man könnte sagen: traumhafte<br />
Zustände. Genauso sollte eine Ausbildung sein – mit einer Offenheit<br />
der Entwürfe. Es gibt kein Tunneldenken in irgendeinem Bereich,<br />
sondern es gilt der Blick in die weite Landschaft, und es wird<br />
zugelassen, dass man sich mit anderen Sichtweisen auseinandersetzt.<br />
Alles Totalitäre und den erhobenen Zeigefinger habe ich hier<br />
in den letzten Jahren nicht mehr gespürt. Heutzutage muss<br />
beispielsweise jeder eine Lehrprobe halten, der an diesem Haus<br />
als Dozent arbeiten möchte. Unsere Hochschule prägt seit einigen<br />
Jahren eine erfreuliche Transparenz und Durchlässigkeit.<br />
FiT Was wünschen Sie der Hochschule als Ausbildungsort der<br />
Zukunft?<br />
Klötzke Manchmal noch mehr von dieser schon vorhandenen<br />
Durchlässigkeit, noch mehr interne Kommunikation und noch mehr<br />
„An einem Strang-Ziehen“. Andererseits wird hier im Haus auf<br />
hohem Niveau miteinander gestritten, und ich finde: Es kann, in<br />
konstruktiver Weise an der Sache orientiert, noch mehr sein. Ich<br />
merke, dass ich in dem einen Jahr, in dem ich nun als Professor<br />
hier tätig bin, am Haus einiges mit bewegen konnte. Das ist für<br />
mich die originäre Aufgabe, der ich mich wie jeder Professor gerade<br />
zu stellen habe und der ich mich gerne stelle: die Dinge in Bewegung<br />
zu halten und alles immer neu zu befragen.<br />
bjh<br />
84
Lehramtsstudent Michael Meininger bei einem Schulbesuch der <strong>HfMDK</strong>-Posaunenklasse von Joachim Tobschall<br />
im Rahmen des Projekts „Musik Monat Mai!“<br />
85
S t a t e m e n t s<br />
Jonathan Granzow<br />
hat Lehramt für das Gymnasium (L 3)<br />
studiert und ist Masterstudent für<br />
Komposition.<br />
Ralph Abelein<br />
ist Professor für Schulpraktisches<br />
Instrumentalspiel (im Bild mit der Lehramtsstudentin<br />
Imke Schoberwalter).<br />
Verena Schwenk<br />
studiert Grundschullehramt (L1) an<br />
der <strong>HfMDK</strong> mit Hauptfach Flöte. Die<br />
Boomwhackers, die sie auf dem Foto in<br />
der Hand hält, gehören zum wichtigen<br />
Instrumentarium für kreatives Musizieren<br />
im Grundschul-Musikunterricht.<br />
Die <strong>HfMDK</strong> entwickelt bei uns Schulmusikern<br />
die größte Vielfalt musikalischer<br />
Fähigkeiten. In jedem Bereich können wir<br />
unseren Schwerpunkt wählen und uns<br />
darüber hinaus um ein Aufbaustudium<br />
bewerben. Diese Möglichkeiten zeigen, wie<br />
sehr unsere Professoren und Dozenten an<br />
unserer persönlichen und künstlerischen<br />
Entwicklung interessiert sind – und das<br />
fordert und stärkt gleichermaßen.<br />
Die Tatsache, dass die <strong>HfMDK</strong> eine Garantie<br />
auf Instrumentalunterricht im Lehramtsstudium<br />
geben konnte, war für mich 2009<br />
ausschlaggebend, ein Schulmusikstudium<br />
in <strong>Frankfurt</strong> zu beginnen – dieser Anspruch<br />
ist nicht an allen Ausbildungsstätten<br />
selbstverständlich. Mit Unterricht in Klavier,<br />
Gesang und Schulpraktischem Instrumentalspiel<br />
bietet die Hochschule ein maximal<br />
praxisorientiertes Studium an. Außerdem<br />
finde ich gut und wichtig, dass die<br />
Hochschule auch von zukünftigen Grundschullehrern<br />
einen künstlerischen Horizont<br />
einfordert. Im Vergleich zu den Grundschulfächern<br />
Mathe, Deutsch und Physik, die ich<br />
zeitgleich an der Uni studiere, ist Musik das<br />
zeitaufwendigste Studium – allerdings auch<br />
jenes, von dem man für das praktische<br />
Lehrerdasein am meisten profitiert.<br />
Ich bin immer wieder begeistert von der<br />
Vielgestaltigkeit der Begabungen unserer<br />
Lehramtsstudierenden. Sie in ihrer Entwicklung<br />
– singend, spielend, improvisierend,<br />
darstellend, komponierend und<br />
anleitend – begleiten und meinen Teil<br />
beitragen zu können, ist ein sehr befriedigendes<br />
und motivierendes Gefühl. Es ist<br />
toll, zu sehen, wie Studierende „ihr Ding“<br />
finden und sich künstlerisch profilieren.<br />
Ich glaube, das hilft ihnen, später als<br />
Lehrende von ihren Schülerinnen und<br />
Schülern als authentisch wahrgenommen<br />
zu werden.<br />
86
W a s m i r d i e H f M D K b e d e u t e t<br />
Fani Girizoti<br />
ist Angestellte für Lehr- und Studienangelegenheiten<br />
im Fachbereich 2 und<br />
zugleich Assistentin der Geschäftsführung<br />
im Fachbereich 3.<br />
Katrina Szederkenyi<br />
ist Absolventin der <strong>HfMDK</strong> und seit<br />
2012 Soloharfenistin des Gewandhausorchesters<br />
Leipzig.<br />
Christoph Schulte<br />
ist Tonmeister an der <strong>HfMDK</strong>.<br />
Nach jahrelanger Beschäftigung im großen<br />
Verwaltungsapparat der benachbarten<br />
Goethe-Universität habe ich mich vor vier<br />
Jahren richtig entschieden, an die Hochschule<br />
zu wechseln – die Arbeitsbereiche<br />
hier sind überschaubarer, aber eben auch<br />
persönlicher und damit herzlicher. Für<br />
gleich zwei Fachbereiche eine Ansprechpartnerin<br />
zu sein, habe ich ebenso als eine<br />
logistische Herausforderung empfunden<br />
wie seinerzeit den Umzug meines Arbeitsplatzes<br />
in die Dependance in der „Leimenrode“.<br />
Es ist angenehm zu erleben, wie mir<br />
die Hochschule den Freiraum lässt, an<br />
neuen Aufgaben zu wachsen. Täglich von<br />
Künstlern umgeben zu sein, verspricht<br />
immer wieder spannende Begegnungen.<br />
Auch nach über 20 Jahren kommt mir<br />
immer noch „Unerhörtes“ vor die Mikrofone<br />
und zu Ohren. Ich arbeite mit allen<br />
Fachbereichen und allen Abteilungen<br />
zusammen und genieße diese stilistische<br />
Vielfalt, die wohl kein anderer mir bekannter<br />
Arbeitsplatz zu bieten hat. Neben<br />
musikalischen Spitzenleistungen begeistert<br />
mich auch immer wieder die Kreativität,<br />
die unsere Schulmusik-Studierenden in<br />
Projekte einbringen.<br />
Der konsequente und disziplinierte<br />
Unterricht von Prof. Françoise Friedrich<br />
hat mich optimal auf das Berufsleben<br />
vorbereitet.<br />
Die Hochschule für Musik war für mich<br />
ein Zentrum an mitreißender musikalischer<br />
Kreativität.<br />
87
I n t e r v i e w<br />
„BEGEISTERUNG FÜR DIE KUNST<br />
SOLLTE UNSER GEMEINSAMES ZENTRUM SEIN“<br />
Dekanin Marion Tiedtke und Regisseur Laurent Chétouane erörtern den Konflikt zwischen<br />
Kreativität und Handwerk in den Ausbildungsbereichen Schauspiel und Regie<br />
Der Regisseur Laurent Chétouane, Absolvent des Studiengangs<br />
Regie an der <strong>HfMDK</strong>, ist inzwischen ein vielgefragter Regisseur<br />
sowohl im Schauspiel als auch in der Tanzszene. Als Franzose hat<br />
sein Empfinden für die deutsche Sprache zu einer besonderen<br />
Sprachbehandlung in seinen Inszenierungen geführt und seinen<br />
eigenen Regiestil geprägt. Er arbeitet an renommierten Theatern<br />
und ist mit seinen Aufführungen auf vielen internationalen Festivals<br />
vertreten. An den Münchner Kammerspielen haben Marion Tiedtke,<br />
Dramaturgin, Dekanin im Fachbereich Darstellende Kunst sowie<br />
Ausbildungsdirektorin des Schauspiels, und Laurent Chétouane<br />
in zwei Produktionen zusammengearbeitet. Im folgenden Gespräch<br />
erörtern sie am Beispiel der Ausbildungsbereiche Regie und<br />
Schauspiel, wie zeitgemäß die Ausbildung der Darstellenden Kunst<br />
an der <strong>Frankfurt</strong>er Hochschule wirklich ist.<br />
Prof. Marion Tiedtke Laurent, glaubst du, dass das Wissen, das dir<br />
im Studium vermittelt wurde, für die heutige Ausbildung angesichts<br />
eines veränderten Arbeitsmarktes noch relevant ist?<br />
Laurent Chétouane Ich weiß nicht genau, wie die Regieabteilung in<br />
<strong>Frankfurt</strong> heute arbeitet. Damals fand ich es gut, dass ich mir im<br />
Studium „nehmen“ konnte, was ich wollte. Die ersten Jahre<br />
bestanden mehr oder weniger aus Pflichtveranstaltungen, und ich<br />
würde jetzt provokant sagen: Ganz wenige Unterrichtsstoffe konnte<br />
ich direkt anwenden. Der Unterricht war aber trotzdem ein Ort, wo<br />
ich über meine Vision von Theater nachdenken konnte – entweder<br />
laut mit den Dozenten oder für mich selbst in Reaktion darauf. Ich<br />
habe demnach die Hochschule nicht als einen Ort in Erinnerung,<br />
wo mir ein positivistisches Wissen vermittelt wurde, das mir sagte,<br />
wie mein Job funktionieren soll, sondern eher als einen Ort des<br />
Dialogs, der Auseinandersetzung, der Konflikte und der Diskussion,<br />
wo ich die Möglichkeit hatte herauszufinden, was mich wirklich<br />
treibt. Die Art und Weise, wie unser damaliger Professor Hans<br />
Hollmann Regie führte, war weit entfernt von der Art, wie ich heute<br />
Regie führe. Aber dadurch, dass ich ihn bei seiner Arbeit beobachtete,<br />
konnte ich mir darüber klarwerden, dass ich so nicht arbeiten<br />
möchte. Das ging und geht nicht gegen ihn, sondern um das<br />
Reflektieren in mir, wie ich es denn machen würde oder warum ich<br />
es gern anders machen würde. Wenn man die Hochschule als einen<br />
Ort der Angebote versteht, wo die Lehrenden offen genug sind, um<br />
Diskussionspartner zu sein, dann ist es für einen Regiestudenten<br />
sehr spannend. Es geht darum, dass der Regiestudent sich selbst<br />
entdeckt: Was ist seine Art, die Bühne zu verstehen? Ich finde<br />
es falsch zu sagen, es gebe ein Regiehandwerk, das man vermitteln<br />
muss – das ist Ideologie. Es gibt ein Regiehandwerk ab dem Punkt,<br />
wo man behauptet, Regie sei genau so oder so zu machen,<br />
genauso wie wenn man sagen würde: Schauspiel ist Stanislawski,<br />
also muss man Stanislawski lernen. Das kann man machen, aber<br />
man soll dann nicht sagen, dass das Regie sei: Es ist eine Richtung,<br />
wie man Regie machen kann.<br />
Zur Ausbildung gehören Fragen der Psychologie, Gruppendynamik,<br />
auch der Machtverhältnisse, also all das, was einem später die<br />
Probe ein bisschen vereinfacht. Ein sehr wichtiger Unterricht für<br />
mich war Kunstgeschichte, weil ich da gelernt habe, zu sehen. In<br />
der bildenden Kunst sind die Fragen des Blicks und der Betrachtung<br />
wichtig – wie schaut man auf etwas? Wenn ich auf einen Mensch<br />
schaue, stelle ich nicht sofort die Frage „Wie schaue ich auf einen<br />
Menschen?“; wenn ich aber ein Gemälde betrachte, muss ich<br />
diese Frage stellen. Dadurch habe ich wirklich gelernt, was es heißt,<br />
einen Menschen anzuschauen, den ich als Regisseur sozusagen<br />
„konstruiere“ und in eine bestimmte Richtung führe. Grundkenntnisse<br />
in Philosophie und Psychoanalyse finde ich für die Studierenden<br />
ebenfalls unglaublich wichtig.<br />
Tiedtke Gibt es aus der Erfahrung deines Berufslebens einen<br />
Aspekt, den du der Ausbildung heute gern hinzufügen würdest?<br />
Chétouane Ja – nämlich die Auseinandersetzung mit dem Körper<br />
außerhalb des Textes, also das Verhältnis von Körper und Raum<br />
außerhalb des gesprochenen Wortes. Man versteht ja Regie immer<br />
in Verbindung mit einem Text. Und wenn der Text einfach ein<br />
Schweigen oder eine lange Stille ist, stellt sich die Frage, wie man<br />
dann mit Körper und Raum umgehen muss. Das fand ich damals<br />
notwendig für mich. Damals war ich ohne Text sehr schnell<br />
88
Foto: Valentin Fanel<br />
Kaho Kishinami und Jamie Mejeh in „a thin line“, Choreographie: Marc Spradling<br />
89
I n t e r v i e w<br />
Tiedtke Die zentrale Frage ist: Was bedeutet heute noch Handwerk?<br />
Welche Fähigkeiten müssen wir unseren Schauspielstudierenden<br />
mitgeben, damit sie in der Lage sind, Anforderungen, die an sie<br />
gestellt werden, so zu lösen, dass sie mit ihrem Beruf auch Geld<br />
verdienen können? Andere Aspekte sind die künstlerische Freiheit<br />
und die Kreativität: Wie fördern wir über das Handwerk hinaus<br />
Kreativität? Wir haben in den letzten fünf Jahren versucht, diesen<br />
Handwerksbegriff zu erweitern. Die Studierenden erhalten zunächst<br />
den schauspielerischen Grundlagenunterricht, der nicht nur geprägt<br />
ist von Stanislawski oder Brecht, sondern ebenfalls von zeitgenössischen<br />
Auftrittsformen und Spielweisen, wodurch sie zunächst ein<br />
Fundament bekommen, wie man Raum und Zeit auf der Bühne<br />
erlebt. Diese Spielkompetenz haben wir erweitert im Hinblick auf<br />
die Medienkompetenz: Bei uns lernen die Schauspieler, vor der<br />
Kamera zu spielen und als Sprecher vor dem Mikrofon zu arbeiten.<br />
Im Bereich der Kreativität versuchen wir, das Prinzip der Bandenbildung<br />
zu ermöglichen, so dass Schauspielstudenten mit unseren<br />
Regiestudenten und den Dramaturgiestudenten der Goethe-Universität<br />
an eigenen Projekten arbeiten können. Im ersten Jahr sind<br />
Schauspiel und Regie in der Ausbildung sogar nahezu identisch. In<br />
den folgenden Jahren bieten wir ihnen die Möglichkeit, mindestens<br />
einmal im Jahr ein Projekt mit Regie- und Dramaturgiestudenten zu<br />
machen. Auch mit den Tänzern und Gesangstudierenden arbeiten<br />
wir interdisziplinär im ersten Studienjahr zusammen: Alle Erstsemester<br />
treffen sich zur Contact Improvisation bei Dieter Heitkamp. Und<br />
alle Studierenden des Masterstudiengangs Theater- und Orchesterverloren,<br />
und das finde ich schade. Wichtig ist, dass ich Regie nicht<br />
nur verstehe, indem ich den Text lese und daraus eine psychologische<br />
Figur konstruiere. Bevor ein Text gesprochen wird, gibt es<br />
doch tausend Dinge auf der Bühne, die stattfinden. Damit umgehen<br />
zu lernen, hätte ich mir mehr gewünscht.<br />
FiT Hat Ihr Regielehrer Hans Hollmann Ihnen seinerzeit auch diese<br />
Offenheit vermittelt, dass Sie in dieser Art und Weise – also<br />
gleichsam ex negativo – von ihm lernen konnten?<br />
Chétouane Ich will es an einem Beispiel erläutern: Hans Hollmann<br />
war ein unglaublich begabter Regisseur für Timing: Wann das Wort<br />
fällt, wann die Tür geschlossen werden muss, damit Spannung<br />
entsteht – das funktionierte wunderbar. Aber das ist schon<br />
Chétouane Solche hätte ich mir damals mehr gewünscht, und zwar<br />
nicht nur als Option, bei der man zu Contact Improvisation gehen<br />
kann, wenn man will. Das ist noch nicht interdisziplinär. Vielmehr<br />
müsste es jedes Jahr ein interdisziplinäres Projekt geben! Welchen<br />
Unterricht haben Schauspieler und Tänzer gemeinsam, wo die<br />
Dozenten auch aufeinandertreffen, um zu überlegen, was die einen<br />
von den anderen lernen können? Wie schaffen wir ein hybrides<br />
System zumindest für eine Stunde pro Woche? Ich erinnere mich<br />
an mein erstes Tanzprojekt, „Bildbeschreibung“ von Heiner Müller,<br />
gemeinsam mit dem Tänzer Frank Willems: Frank hat mir beigebracht,<br />
wie ich mich aus mir heraus bewegen kann – ich habe ihm<br />
beigebracht, wie er sprechen kann. Das war eine großartige<br />
Erfahrung, einem Tänzer das Sprechen beizubringen, und ein<br />
Tänzer, der mir beibringt, mich zu bewegen. Mindestens eine<br />
Freiheit in meinem Körper zu spüren, damit ich mich bewegen kann,<br />
meinen Raum und Körper entdecke – das ist interdisziplinär. Wir<br />
beide wussten nicht, wohin das führt, und das ist ein Riesenunterschied<br />
zu dem Ansatz: Wir nehmen an deinem Unterricht teil, der<br />
sowieso läuft.<br />
FiT Frau Tiedtke, was geht Ihnen durch den Kopf, wenn Laurent<br />
Chétouane schildert, wie er sein Studium damals erlebt hat?<br />
Laurent Chétouane<br />
Ideologie, und zwar gegenüber einer Art der Wahrnehmung,<br />
gegenüber einer Art der Spannung. Dahinter steckte ein gewisses<br />
System, und ich wollte für mich wissen: Wie durchbreche ich<br />
dieses System? Wie kann ich da andere Zeitlichkeiten öffnen, einen<br />
anderen Zeitbegriff als nur eine normale generelle Spannungsfeld-<br />
Zeit? Hans Hollmann hat mich immer – und das muss ich ihm hoch<br />
anrechnen – frei gelassen. Er hat, glaube ich, immer gespürt, dass<br />
ich eine eigene Form entwickle, und hat das unterstützt. Er hat nie<br />
versucht, etwas dagegen zu sagen – er hat es sich angeschaut, es<br />
kommentiert, manchmal versucht mir zu helfen, genauer zu sein,<br />
aber er hat es atmen lassen.<br />
FiT Hatten Sie während Ihres Studiums interdisziplinäre Begegnungen,<br />
also beispielsweise mit dem Tanz?<br />
90
management begleiten eigenverantwortlich alle Projekte unseres<br />
Fachbereichs als Produktionsleiter. Das ist eine hervorragende<br />
Zusammenarbeit. Unsere Verbindungen zur Hessischen Theaterakademie<br />
(HTA) sorgen schließlich dafür, dass die Studenten schon<br />
rechtzeitig mit der Arbeitsrealität konfrontiert werden, weil sie<br />
innerhalb des Studiums Gastverträge an der Hessischen Theaterakademie<br />
wahrnehmen können. Darüber hinaus habe ich mit den<br />
Absolventen zusammen unsere Websites, Auftritte und Broschüren<br />
weiterentwickelt, in denen wir sie sehr ausführlich mit Fotos,<br />
Projektdokumentationen, Hörproben und Demobändern vorstellen.<br />
Da viele Intendanten heute leider nicht mehr die Zeit haben, zu<br />
reisen und sich die Leute anzuschauen, versuchen wir, viel Material<br />
ins Netz zu stellen.<br />
FiT Wie viel Platz für Kreativität bleibt denn da noch angesichts des<br />
umfangreichen Unterrichtsangebotes?<br />
mal das Handwerk und Wissen für den Berufseinstieg mitgeben.<br />
Die Zeit für eine eigene künstlerische Autorenschaft ist einfach<br />
zu kurz.<br />
Chétouane Es gibt, glaube ich, einen entscheidenden Unterschied<br />
zwischen Gießen und <strong>Frankfurt</strong>: Gießen bildet Leute aus, die eine<br />
kritische Position gegenüber Darstellung haben, während eine<br />
Hochschule wie <strong>Frankfurt</strong> zuerst für eine traditionellere Position<br />
gegenüber einem Repräsentationstheater steht, das glaubt, dass<br />
die Welt und seine Probleme sich problemlos darstellen lassen.<br />
Gießen würde vor dem philosophischen und theoretischen Hintergrund<br />
zuerst Nein sagen zu Repräsentation und auf die Suche<br />
gehen nach neuen Formen und einer kritischen Auseinandersetzung.<br />
Deren Erfolg liegt auch darin, dass die freie Szene, wo<br />
Tiedtke Es bleibt leider sehr wenig Zeit für das, was du, Laurent,<br />
eben beschrieben hast, nämlich sich selbst einen inneren Freiraum<br />
zu erarbeiten, aus dem Kreativität entstehen kann. Deswegen<br />
wünsche ich mir, dass wir neben den Bachelor-Studiengängen, die<br />
wir jetzt entwickelt haben, noch Master-Studiengänge einrichten.<br />
In dem ganzen Dilemma zwischen Handwerk und Kreativität habe<br />
ich einen Traum: einen Master-Studiengang des Zeitgenössischen<br />
Theaters aufzubauen, wo man junge Theaterkünstler von Seiten<br />
der Regie, des Schauspiels und vielleicht auch des Tanzes oder der<br />
Performance nach den ersten Arbeitsjahren noch einmal durch eine<br />
künstlerische Aufnahmeprüfung schickt und ihnen einen zweijährigen<br />
Freiraum bietet, in dem sie ein Ensemble auf Zeit bilden und<br />
eigene künstlerische Projekte initiieren – möglicherweise in Zusammenarbeit<br />
mit der Hessischen Theaterakademie und vielleicht sogar<br />
einem Theater in Deutschland, das Renommee hat und auch die<br />
Kapazitäten, dies zu unterstützen.<br />
Die Erfahrung zeigt, dass viele Absolventen nach zwei oder drei<br />
Berufsjahren durch neue Anfänger ersetzt oder aber gar nicht von<br />
anderen Theatern gesehen werden, weil niemand mehr Zeit hat<br />
herumzufahren. Dann befinden sie sich in einer Situation, die ihnen<br />
zu wenig Möglichkeit bietet, sich noch einmal anders zu entdecken.<br />
Dieses Aufbaustudium nach ersten beruflichen Erfahrungen würde<br />
ich gern mit einem Master-Studiengang verbinden. Dass Gießen als<br />
Angewandte Theaterwissenschaft so erfolgreich ist, liegt natürlich<br />
nicht nur, aber auch daran, dass deren Studierende grundsätzlich<br />
mehr Zeit haben und weniger belastet sind durch technische Fächer<br />
wie Sprechen, Gesang, Bühnenkampf etc. Die Ausbildung dort<br />
dauert in der Regel fünf bis sechs Jahre und schließt mit einem<br />
Master ab. Da bleibt genügend Zeit, viel Wissen zu vermitteln und<br />
zugleich einen kreativen Freiraum zu schaffen. Aber mit einer<br />
Ausbildung wie der unsrigen, die als grundständiger Studiengang<br />
eigentlich schon nach drei Jahren zu Ende ist, kann man gerade<br />
Prof. Marion Tiedtke<br />
üblicherweise mehr von solchen kritischeren Positionen zu finden<br />
waren, jetzt immer mehr in die „In-Szene“ kommt. Und deswegen<br />
werden die Gießener Theaterwissenschaftler plötzlich so wichtig,<br />
weil sich die Theater daran gewöhnt haben, auch ihren René<br />
Pollesch zu haben, der mit der Repräsentation kritisch umgeht –<br />
oder zumindest behauptet. Das ist für die freie Szene vielleicht<br />
kein Gewinn und bedeutet den Verlust der kritischen Position.<br />
Man findet eine Form für die Repräsentation der Nicht-Repräsentation.<br />
Aber vielleicht ist das ein anderes Thema.<br />
Tiedtke Es ist kein anderes Thema. Die Angewandte Theaterwissenschaft<br />
in Gießen hat in gewisser Weise einen Teil des zeitgenössischen<br />
Theaters geprägt, und die Frage ist, wie wir es prägen<br />
können. Unsere Stärke liegt eigentlich in der totalen Offenheit<br />
91
Foto: Andreas Reeg<br />
„Die Räuber“ von Friedrich Schiller. Szenisches Vordiplom des zweiten Jahrgangs Schauspiel mit Josia Krug, Henning Kallweit, Sebastian Volk<br />
und Simone Müller<br />
92
I n t e r v i e w<br />
gegenüber den Spielweisen und Theateransätzen. Die Ausbildung<br />
des Schauspielers ist längst nicht mehr nur von Formen des<br />
Repräsentationstheaters bestimmt. Wir schließen diese nicht aus<br />
und beschäftigen uns trotzdem zugleich mit anderen Spielweisen.<br />
Nur wer die Tradition kennt, kann sie auch in Frage stellen. Die<br />
Zukunft der Darstellenden Kunst in <strong>Frankfurt</strong> liegt für mich in der<br />
Gretchenfrage: Wie können wir hier an der Hochschule Raum<br />
und Zeit für Innovationen schaffen?<br />
FiT Was war genau mit René Pollesch, den Sie als Beispiel für<br />
einen streitbaren Regisseur angeführt haben?<br />
Chétouane Der junge Regisseur René Pollesch wurde zwar in<br />
Gießen ausgebildet, aber konnte von dieser Qualifikation jahrelang<br />
überhaupt nicht leben. Und plötzlich, nach einigen Jahren, hat<br />
seine Art, Theater zu sehen, einen Nerv der Zeit getroffen. Eine<br />
Hochschule kann, so glaube ich, nicht gleichzeitig mit der Zeit<br />
gehen. Und ich glaube nicht, dass es eine Aufgabe der Schule ist,<br />
genau zu treffen, was der aktuelle Markt gegenwärtig braucht.<br />
Vielmehr müssen wir auf die Persönlichkeiten setzen, die wir<br />
ausbilden. Die Studierenden sind diejenigen, die in Resonanz mit<br />
der Zeit stehen. Wir sollten uns überlegen, wie wir ihnen helfen,<br />
sich zu entfalten – so treffen wir eher die Zeit. Aber vielleicht nicht<br />
morgen, sondern in fünf Jahren oder in zehn. Ein Künstler kann<br />
jahrelang total allein und unverstanden sein, und auf einmal –<br />
durch geschichtliche Ereignisse oder eine Entwicklung in der<br />
Gesellschaft – will man seine Ideen auf der Bühne sehen. Es ist<br />
schwierig für eine Schule, sich die Aufgabe vorzunehmen, auf der<br />
Höhe der Zeit zu sein, dann macht sie eigentlich nur Marketing,<br />
nämlich vorher zu sagen, was die Menschen sehen wollen. Das<br />
finde ich, sollten wir den Marketingleuten und der Industrie und<br />
der Wirtschaft überlassen. Eine öffentliche „Hoch-Schule“ sollte<br />
den Leuten etwas anderes vermitteln als nur die Voraussetzungen,<br />
um einen Job zu bekommen. Zumindest sollte der Geist einer<br />
Schule weit über dieses Ziel hinausreichen. Man sollte an etwas in<br />
den Studierenden glauben – als Präsident der Hochschule, als<br />
Dekanin, als Dozent –, und es wird vielleicht, vielleicht auch nicht<br />
die Zeit treffen. Andererseits sind die künstlerischen Richtungen<br />
heutzutage so unterschiedlich, dass man nicht einmal von einem<br />
Paradigma oder einer Richtung sprechen kann. Auch die heutigen<br />
Regie-Handschriften sind so verschieden, dass man überhaupt<br />
nicht von einer Generation reden kann. Die Balance zwischen<br />
Effizienz und dem Freiraum für künstlerische Entfaltung ist sehr<br />
schwer.<br />
FiT Wie hat die Hochschule eine Chance, eine solche Balance<br />
herzustellen und damit beiden Forderungen gerecht zu werden:<br />
einer adäquaten Vorbereitung auf den Berufsmarkt und einem<br />
Freiraum für Kreativität und Experiment?<br />
Tiedtke Ich glaube, dass wir mit einem gewissen Widerspruch<br />
kämpfen müssen. Das Studium müsste einfach mehr Zeit bieten.<br />
Bei uns gibt es wöchentlich die Beschäftigung mit einer „Wahlrolle“,<br />
bei der Studenten selbstständig ihre Rolle erarbeiten. Und es<br />
gibt Eigenprojekte, die sie leisten müssen, zum Beispiel im<br />
Physiodrama-Vordiplom: Hier entwickeln sie ganz allein nonverbal<br />
ein „physical theatre“. Doch das reicht als Zeit für die Suche nach<br />
dem eigenen Ausdruck längst nicht aus. Momentan diskutieren wir,<br />
ob wir einen freien Eigenarbeitstag in der Woche anbieten. Das<br />
ginge jedoch nur auf Kosten von anderen Fächern. Oder aber man<br />
müsste die Ausbildung prinzipiell um ein Jahr verlängern und damit<br />
mehr Zeit für den selbstständigen Künstler bieten. Der Abschluss<br />
sollte dann gleich ein Master sein, um konkurrenzfähig gegenüber<br />
den anderen 17 deutschsprachigen Schulen zu bleiben. Bisher läuft<br />
es so: Drei Jahre kompaktes Studium, es folgt ein Studienjahr der<br />
Arbeitsvermittlung, und in diesem Jahr sind unsere Studenten<br />
schon mit Gastverträgen an den Theatern tätig, was ihnen ein<br />
unheimliches Selbstbewusstsein gibt – ein Standing, die Bühnenerfahrung<br />
eben. Eigentlich bräuchten sie noch ein Jahr Kreativität,<br />
bevor es ans Geldverdienen geht. Auf diese Weise könnten sie sich<br />
selber ein Berufsfeld aufbauen und müssten nicht nur daran<br />
denken, sich in fertige Theatersysteme einzuspeisen. Sie könnten<br />
Wege und Mittel schon an der Hochschule entwickeln, um etwas<br />
Eigenes auf die Beine zu stellen und längerfristig Verbindungen<br />
zu knüpfen. Die Zukunft des schrumpfenden Stadttheaters mit all<br />
seinen finanziellen Kürzungen verlangt, dass ich als Regisseur oder<br />
Schauspieler selber kreativ werden muss für das, was ich auf der<br />
Bühne erzählen möchte – womöglich eben ohne ein fest subventioniertes<br />
Haus.<br />
FiT Hat sich die Theaterlandschaft in den letzten Jahren so<br />
verändert, dass sich Studierende heute neue Schlüsselkompetenzen<br />
aneignen müssen?<br />
Chétouane Eine schwierige Frage. Ich kann nur ein Beispiel geben:<br />
Ich glaube, mit dem, was ich heute im Theater mache und was jetzt<br />
als Richtung akzeptiert ist – unabhängig davon, ob die Leute es<br />
mögen oder nicht –, würde ich heute als Absolvent kein Engagement<br />
finden.<br />
FiT Warum nicht?<br />
Chétouane Weil ich glaube, dass die Theater heute nicht mehr den<br />
gleichen Mut haben für zunächst unlesbare, komplexere und<br />
fragilere Formen. Heute verlangt man von Regisseuren einen hohen<br />
Grad an Effizienz und Fertigkeit. Man hört es oft: Die Studierenden<br />
müssen vor allem lernen, wie man eine gute Szene macht, und<br />
dann sieht man weiter. Ich entgegne dem: „Die gute Szene“ als<br />
solche gibt es im Theater aber gar nicht. Ich höre von vielen<br />
93
I n t e r v i e w<br />
Studierenden die Frage: „Wie können wir heute mit unseren künstlerischen<br />
Ansprüchen und dem Wunsch nach Intellektualität und<br />
Reflexion des Theaters überhaupt einen Job bekommen?“ Sie<br />
wissen wohl, dass sie bloß nicht zu viel denken sollten, sonst ist<br />
das schwierig für den Beruf. Für mich steht fest: Um „effizient zu<br />
sein“, darf der Regisseur heutzutage nicht zu komplex denken.<br />
FiT Was dem Vermarktungsdruck geschuldet ist?<br />
Chétouane Absolut. Und auch einer Angst vor dem Denken, die<br />
es in der Gesellschaft gibt.<br />
FiT Stimmt einen das traurig oder zumindest nachdenklich?<br />
Tiedtke Leider sehen sich die Stadt- und Staatstheater mehr und<br />
mehr gezwungen, wie andere Wirtschaftsbetriebe sich an Effizienz<br />
zu orientieren: Die Ensembles werden immer kleiner, die Zahl der<br />
Produktionen jedoch immer größer. Viele Schauspieler erarbeiten<br />
sechs neue Rollen in einer Spielzeit zusätzlich zu ihrem Repertoire,<br />
was eigentlich ein Unding ist. Die Ensembles werden immer<br />
jünger und preisgünstiger, Bühnenberufe wie Kostümbildner oder<br />
Souffleusen werden weggespart. Ähnlich wie im Radio und<br />
Fernsehen werden die Aufführungen kleiner, journalhafter, es<br />
entstehen „Konsumhappen“, die man den Zuschauern mundgerecht<br />
anbieten will. Im Moment hat kaum jemand den Mut, ein Profil zu<br />
behaupten, das womöglich scheitert. Folglich würde nämlich die<br />
unbefriedigende Platzausnutzung einen Strudel von Kürzungen der<br />
Öffentlichen Hand nach sich ziehen. Das will man vermeiden, und<br />
deswegen werden die Theater so mutlos.<br />
Die Hochschulen müssen übrigens aufpassen, dass ihnen nicht<br />
das gleiche passiert. Kunst ist ja per definitionem ein zweckfreier<br />
Raum – das hat Kant so treffend formuliert: Kunst ist der Zweck<br />
ohne Zweck, also der Zweck an sich. Sich diesen Raum zu erhalten,<br />
ist auch die Aufgabe einer Hochschule. Künstler zu fordern und zu<br />
fördern heißt, ihnen einen zweckfreien Raum zu bieten. Wir stehen<br />
unter der Aufsicht des Ministeriums und sind ebenfalls von Geldern<br />
abhängig. Es wird immer geschaut, wie effizient wir sind, welche<br />
Berufsvermittlungen und Erfolge wir zu vermelden haben. Das ist<br />
der Widerspruch, mit dem wir umzugehen haben. Wir aber müssen<br />
die Hüter des Anderen sein: Es geht nicht bloß um Funktionstüchtigkeit,<br />
es geht nicht um die Erfüllung von Effizienz und es geht<br />
nicht um das pure Bedienen eines Arbeitsmarktes. All das führt<br />
nämlich letztlich nicht zu Kreativität, sondern nur zum Einspeisen<br />
des bestehenden Arbeitsmarktes. Doch im Kern der Kreativität<br />
geht es um Innovation, und die können wir nicht vorausberechnen.<br />
Innovation können wir nur stiften, indem wir einen Freiraum für<br />
Kreativität schaffen, der auch ein Scheitern zulässt.<br />
FiT Die Zeitverschobenheit, von der Sie, Herr Chétouane, eben<br />
gesprochen haben, nämlich zwischen der Innovation des Künstlers<br />
und der Fähigkeit der Szene, diese Innovation zu erkennen und<br />
anzuerkennen, ist auch für die Hochschule in Fragen der Ausbildung<br />
eine Herausforderung, oder?<br />
Chétouane Es ist ein Traum zu glauben, dass man seine Studierenden<br />
sofort im ersten Jahr auf die Höhe ihres Erfolges begleiten<br />
kann. Will die Hochschule Absolventen, die hochschießen wie eine<br />
Rakete, die man aber nach drei Jahren wieder vergessen hat, oder<br />
will sie Künstler hervorbringen, die sich über 40 Jahre halten?<br />
Ich werde natürlich dafür plädieren, dass man auf langen Atem und<br />
Nachhaltigkeit setzt. Ich finde die Regiestudenten, die ich derzeit,<br />
vor allem in Oslo, über mehrere Jahre begleiten kann, spannend:<br />
Man merkt, da „kocht“ etwas, man weiß noch nicht genau, was das<br />
ist. Aber sie wachsen, es entwickelt sich. Es ist unglaublich schön<br />
zu sehen, wie ein Student nach drei Jahren immer mehr realisiert,<br />
was er sich eigentlich wünscht. Aber zuerst muss man auf diesen<br />
Wunsch hören können, ihn spüren und verstehen. Andere, die mir<br />
sofort tolle Szenen bauen, deren Persönlichkeit dahinter ich aber<br />
nicht entdecken kann, finde ich nicht so spannend.<br />
FiT Braucht es bei den Lehrenden auch die prophetische Gabe,<br />
ein Potenzial zu erahnen, das erst entdeckt werden muss?<br />
Chétouane Das gehört zu Kunstschulen absolut dazu – diese Lust,<br />
Leute auf einem Weg zu begleiten. Eine Aufnahmeprüfung ist<br />
eigentlich nichts anderes als ein Pokerspiel, bei dem man als<br />
Lehrender darauf setzt, dass es da bei dem Studierenden etwas<br />
gibt – sonst wäre es auch ein langweiliger Beruf.<br />
Tiedtke Ich würde nicht sagen, dass wir bei der Aufnahmeprüfung<br />
Visionäre sind. Die Visionen müssen ja von denen kommen, die<br />
die neue Generation bilden – wir sind ja schon ein Teil der Tradition.<br />
Deswegen finde ich schön, was Laurent über Hans Hollmann<br />
erzählt hat, der ihm genügend Freiheit in der Ausbildung ließ,<br />
obgleich er nicht immer alles verstand. Wir müssen die Freiheit<br />
haben, von uns und unserer eigenen Art, Kunst zu betreiben und<br />
zu verstehen, selbst abzusehen, um etwas Neues zu ermöglichen.<br />
Wir müssen ein Gespür dafür haben, ob jemand genügend Mut,<br />
Interesse und Kreativität besitzt, um für sich und seine Kunst<br />
einzustehen. Für mich persönlich ist es als Lehrende wichtig, neben<br />
den Inhalten der Ausbildung den Studierenden eine Arbeitshaltung<br />
zu vermitteln, eine Betrachtung des eigenen Metiers, Werte<br />
mitzugeben, die auf ein Ziel hinweisen, welches man vielleicht nicht<br />
mit jeder Produktion erfüllen kann. Wenn man eine Idealvorstellung<br />
von dem, was Kunst sein könnte, nicht hat, dann hat man über<br />
kurz oder lang auch nicht die Kraft und Energie, diesen schwierigen<br />
Weg als Künstler einzuschlagen. Die Begeisterung für die Kunst<br />
sollte zwischen Studierenden und Lehrenden das gemeinsame<br />
Zentrum sein und bleiben.<br />
bjh<br />
94
Szene aus A. Stradellas „San Giovanni Battista“, einer <strong>HfMDK</strong>-Produktion in Kloster Eberbach im Rahmen des Rheingau Musik Festivals im Jahr 2011<br />
95
S t a t e m e n t s<br />
Alma Toaspern<br />
ist im Abschluss befindliche Studentin<br />
des Studiengangs BAtanz im Ausbildungsbereich<br />
Zeitgenössischer und<br />
Klassischer Tanz an der <strong>HfMDK</strong> und<br />
studiert zudem seit September letzten<br />
Jahres bei P.A.R.T.S. in Brüssel im<br />
Research Cycle, einem Masterprogramm<br />
für Zeitgenössischen Tanz und<br />
Choreographie.<br />
Die <strong>HfMDK</strong> ist mutig. Wo findet man<br />
heute an staatlichen Hochschulen den<br />
Mut, junge Künstler in ihren aufkeimenden<br />
Ideen zu unterstützen und ihnen den<br />
Frei- und Spielraum zu geben, sich<br />
auszuprobieren und damit ernsthaft auf<br />
den Künstlerberuf vorzubereiten? Wer<br />
traut sich trotz all der Kürzungen in der<br />
Kunstsparte, junges Potenzial zu fördern<br />
in dem Vertrauen, dass in der kommenden<br />
Generation die Zukunft liegt? Die Tanzabteilung<br />
unter Dieter Heitkamp tut es.<br />
Sie traut sich in den wackeligen Spagat,<br />
ihren Studierenden eine stabile Basis<br />
etablierter Lehrmethoden anzubieten und<br />
gleichzeitig den Weg und das Verständnis<br />
für unkonventionelles Denken zu öffnen.<br />
Solange dies ihr Streben ist, hat die<br />
Tanzabteilung tiefes Vertrauen verdient.<br />
Alt ist nicht immer weise. Aber Weise sind<br />
meist alt. Mit ihren 75 Jahren darf sich<br />
die <strong>HfMDK</strong> getrost alt und weise nennen:<br />
weise genug, um ihr Alter charmant zu<br />
betonen.<br />
Dieter Heitkamp<br />
ist Professor für Tanz und Ausbildungsdirektor<br />
der Abteilung Zeitgenössischer<br />
und Klassischer Tanz an der <strong>HfMDK</strong>.<br />
Foto: Valentin Fanel<br />
Was mich nach 14 Jahren Arbeiten und<br />
Leben in der <strong>HfMDK</strong> immer noch<br />
herausfordert und mir große Freude<br />
bereitet, ist die einzigartige Möglichkeit,<br />
Studierende in ihrer künstlerischen<br />
Entwicklung begleiten, unterstützen und<br />
manchmal auch ver-/stören zu dürfen.<br />
Es ist aufregend und motivierend<br />
mitzuerleben, wie junge Künstlerinnen und<br />
Künstler eigene Wege finden und Risiken<br />
auf sich nehmen, neue Arbeitsweisen<br />
erproben, spannende Kunstwerke und<br />
Austauschforen schaffen, sich parallel für<br />
bessere Produktionsbedingungen einsetzen<br />
und konstruktive Vorschläge für neue<br />
Förderrichtlinien entwickeln. Das zeigt,<br />
dass künstlerische Ausbildung eng mit<br />
den Entwicklungen im aktuellen Kunstgeschehen<br />
und gesellschaftlichen Fragen<br />
verknüpft sein kann, und macht Mut, die<br />
bestehenden Ausbildungsstrukturen<br />
immer wieder auf ihre Aktualität hin zu<br />
befragen.<br />
„<strong>HfMDK</strong> bewegt“ ist die Überschrift des<br />
4. Symposiums THE ARTIST’S BODY, das<br />
im Oktober 2013 von der AG Körper &<br />
Bewegung ausgerichtet wird. Die Rolle<br />
des Körpers in der Kunst und für die<br />
künstlerische Ausbildung wird nur an<br />
wenigen Institutionen derart konsequent<br />
und spartenübergreifend wie an der<br />
<strong>HfMDK</strong> in <strong>Frankfurt</strong> untersucht. Die<br />
<strong>HfMDK</strong> ist in Bewegung. Ich bin stolz,<br />
dass die LEITBILD_diskussion öffentlich<br />
im Internet dokumentiert wird und alle<br />
Hochschulangehörigen in den Prozess<br />
einbezieht: Lehrende, Studierende und<br />
Mitarbeiter der Verwaltung.<br />
Weitere gute Gründe jetzt und hier tätig<br />
zu sein, sind die äußerst fruchtbare<br />
Zusammenarbeit innerhalb eines unvergleichlichen<br />
Netzwerkes sowie die<br />
großzügige Unterstützung engagierter und<br />
kompetenter Partner-Institutionen,<br />
Individuen, Organisationen und Stiftungen.<br />
Hinzu kommt die Diskursfreudigkeit,<br />
die Wahrnehmungsfähigkeit des<br />
Publikums, die Lust am Scheitern und das<br />
Bestreben, Praxis und Theorie zu verbinden.<br />
Das enorme vor Ort vorhandene<br />
Potenzial ist bei weitem noch nicht<br />
ausgeschöpft.<br />
Sebastian Kohlhepp<br />
ist Alumnus der <strong>HfMDK</strong>. Der lyrische<br />
Tenor studierte bis 2011 an der <strong>HfMDK</strong><br />
und ist seitdem Ensemblemitglied des<br />
Staatstheaters Karlsruhe. Zur Spielzeit<br />
2013/14 wechselt er an die Wiener<br />
Staatsoper.<br />
Die <strong>HfMDK</strong> war für mich der perfekte<br />
Ausbildungsort. Vor allem durch die<br />
Kooperation mit zahlreichen kulturellen<br />
Institutionen wie Opernhäusern und<br />
Theatern im Rhein-Main-Gebiet konnte<br />
ich schon während des Studiums<br />
regelmäßig Praxiserfahrung sammeln.<br />
Ein wichtiger Bestandteil der Ausbildung<br />
und optimale Bedingungen zum Einstieg<br />
ins Berufsleben!<br />
96
W a s m i r d i e H f M D K b e d e u t e t<br />
Carolin Millner<br />
studiert Regie an der <strong>HfMDK</strong> (auf dem<br />
Bild mit ihrer Tochter Fides).<br />
Renate Hink<br />
ist seit einigen Jahren ehrenamtliche<br />
Helferin im Team des Abenddienstes.<br />
Meist sitzt sie an der Abendkasse, wo<br />
sie sich über einen guten Kartenverkauf<br />
und das Wiedersehen von „Stammkunden“<br />
der Hochschule freut.<br />
Sarah Grahneis<br />
studierte bis 2012 an der <strong>HfMDK</strong><br />
Theater- und Orchestermanagement<br />
(TheO) und arbeitet seit der Spielzeit<br />
2012/13 als Musiktheaterdramaturgin<br />
am Staatstheater Braunschweig. Sie ist<br />
Stipendiatin der „Akademie Musiktheater<br />
heute“ der Deutschen Bank Stiftung<br />
2012–2014.<br />
Die Vernetzung verschiedener Fachbereiche<br />
der <strong>HfMDK</strong> unter einem Dach<br />
ermöglichte mir, Produktionen mit<br />
Tänzern, Musikern und Sängern zu<br />
verwirklichen, was an einer regulären<br />
Regie- und Schauspielschule schwieriger<br />
zu organisieren gewesen wäre. Neben<br />
den vielen Möglichkeiten der Zusammenarbeit<br />
erscheinen in meinem Studium<br />
immer wieder neue Wegbegleiter, aber<br />
auch „Wegewidersacher“; keine Konstante<br />
weist mir den rechten Weg. So gibt es<br />
niemanden, dem ich nacheifern muss,<br />
sondern lediglich zeitweise will. Ich<br />
entscheide selbst, von wem ich mir<br />
welche Seite und welche Eigenschaft<br />
abschaue und für mich auf nun ganz<br />
eigene Weise umsetzen möchte. Ich folge<br />
eine Weile seinem Schritt, bis ich in einen<br />
neuen, unbekannten Seitenweg abbiege.<br />
Foto: Christina Wildgrube<br />
Das Besondere des Studiums an der<br />
<strong>HfMDK</strong> zeichnete sich letztendlich durch<br />
einen wunderbaren Kontrast aus:<br />
Einerseits war da der sehr intime Rahmen<br />
des „TheO“-Studiums, der eine intensive<br />
Lernatmosphäre mit ausgezeichneten<br />
Dozenten ermöglicht hat. Andererseits<br />
gab es die Einbettung des Studiengangs<br />
in eine Hochschule, die von ihrer Vielfalt<br />
lebt. Insbesondere für meinen persönlichen<br />
Werdegang ist es eine Bereicherung<br />
gewesen, schon in der Ausbildung<br />
mit den verschiedenen darstellenden<br />
Künsten in Berührung zu kommen. So<br />
konnte ich bereits im Studium ein Gespür<br />
für die unterschiedlichen Qualitäten und<br />
Bedürfnisse der Sparten und ihrer<br />
Künstler entwickeln, mit denen ich nun im<br />
Beruf täglich zusammenarbeite.<br />
Nach 40 Jahren am Flughafen wollte ich<br />
in meinem Ehrenamt mit vielen, wenn<br />
möglich jungen Menschen zu tun haben.<br />
Durch meinen Freund, Willy Egli, kam ich<br />
zur <strong>HfMDK</strong>. Es begeistert mich immer<br />
wieder, so viele junge, engagierte und<br />
talentierte Student/innen zu treffen und<br />
ihren weiteren Weg an die Oper oder ans<br />
Theater zu verfolgen.<br />
97
Foto: Lena Obst<br />
Szene aus „Kassandra.Sehen“ am Hessischen Staatstheater Wiesbaden im Frühjahr 2013, Inszenierung und Kostüme von Ksenia Ravvina,<br />
<strong>HfMDK</strong>-Regiestudentin. Im Bild: Franziska Werner, Andrea Schuler und Rajko Geith, <strong>HfMDK</strong>-Schauspielstudent.<br />
Geigerin Leidy Patricia Garcia während einer Probe im Großen Saal der <strong>HfMDK</strong>.<br />
98
Tubist Karel Skopek und Komponist Helmut Lachenmann nach einer Probe im Rahme eines Projektes der Internationale Ensemble Modern<br />
Akademie und des Instituts für Zeitgenössische Musik mit Helmut Lachenmann im Großen Saal der <strong>HfMDK</strong> im Frühjahr 2010.<br />
99
IMPRESSUM<br />
<strong>Frankfurt</strong> in Takt – Magazin der<br />
Hochschule für Musik und<br />
Darstellende Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main<br />
Eschersheimer Landstraße 29–39<br />
60322 <strong>Frankfurt</strong> am Main<br />
www.hfmdk-frankfurt.de<br />
Herausgeber<br />
Thomas Rietschel, Präsident der <strong>HfMDK</strong><br />
Idee und Konzept<br />
Dr. Sylvia Dennerle<br />
sylvia.dennerle@hfmdk-frankfurt.de<br />
Telefon 069/154 007 170<br />
Redaktion<br />
Björn Hadem (bjh) bhadem@arcor.de<br />
Redaktionsbeirat<br />
Dr. Sylvia Dennerle, Beate Eichenberg,<br />
Prof. Hedwig Fassbender, Björn Hadem,<br />
Anatol Riemer, Thomas Rietschel,<br />
Dr. Andreas Odenkirchen,<br />
Prof. Eike Wernhard<br />
Autoren<br />
Prof. Ralph Abelein, Silke Altmannsberger,<br />
Prof. Dr. Peter Cahn, Dr. Julia Cloot,<br />
Ulrike Crespo, Fani Girizoti, Sarah Grahneis,<br />
Jonathan Granzow, Doris Greiner,<br />
Björn Hadem (bjh), Dr. Eva Hanau,<br />
Prof. Dieter Heitkamp, Renate Hink,<br />
Daniela Kabs, Bettina Kessler,<br />
Prof. Felix Koch, Sebastian Kohlhepp,<br />
Matthias Kowalczyk, Hernando Leal,<br />
Bernd Loebe, Carolin Millner,<br />
Dr. Stephan Pauly, Thomas Rietschel,<br />
Sabine Rosenberger,<br />
Prof. Laura Ruiz Ferreres,<br />
Prof. Michael Sanderling,<br />
Prof. Michael Schneider, Christoph Schulte,<br />
Verena Schwenk, Prof. Dr. Felix Semmelroth,<br />
Katrina Szederkenyi, Alma Toaspern,<br />
Ruth Wagner, Prof. Eike Wernhard<br />
Fotos<br />
Fotos: cyberpaddock (1), Valentin Fanel (4),<br />
Jürgen Friedel (1), Martin Geier (1),<br />
Björn Hadem (41), Udo Hesse (1),<br />
Hindemith Institut <strong>Frankfurt</strong> (1), Institut für<br />
Stadtgeschichte <strong>Frankfurt</strong> am Main (4),<br />
Internationale Leo-Kestenberg-Gesellschaft (1),<br />
Jüdisches Museum der Stadt <strong>Frankfurt</strong><br />
am Main (1), Andreas Kessler (1),<br />
Philipps-Universität Marburg (1), Lena Obst (1)<br />
Andreas Reeg (16), Maik Scharfscheer (1),<br />
Schott Music GmbH & Co. KG (1),<br />
Frank Widmann (1), Christina Wildgrube (1),<br />
wikimedia, wissenmedia (2)<br />
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Erscheinungsweise: jeweils zu<br />
Beginn des Semesters<br />
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AG 75 mit Prof. Hubert Buchberger,<br />
Dr. Sylvia Dennerle, Beate Eichenberg,<br />
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Tontechnik<br />
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Veranstaltungstechnik<br />
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Öffentlichkeitsarbeit<br />
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Kultur)<br />
Fundraising<br />
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Freundlich unterstützt von<br />
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Kunst <strong>Frankfurt</strong> am Main, Hessisches<br />
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Medienpartner:<br />
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Zeitung für Deutschland<br />
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