Marc Piollet Siegbert Micheel Kiril Manolov

Foto: Felix Broede
Musik soll
aufrütteln
Marc Piollet im Gespräch
Du hast bereits während deines Studiums
mit namhaften Dirigenten zusammen
gearbeitet. Gibt es darunter einen
besonders wichtigen Mentor für dich?
Prägend für mich wurden vor allem John
Eliot Gardiner und Michael Gielen: Gardiner
aufgrund der Auseinandersetzung
mit der Aufführungspraxis und Gielen
wegen der strengen und intellektuellen
Herangehensweise an die Musik.
In Wiesbaden hast du in den letzten Jahren
zahlreiche Opern geleitet, aber auch
große sinfonische Werke und Oratorien
aufgeführt. Was waren deine intensivsten
künstlerischen Erfahrungen?
Der Ring ist natürlich ein Traum, aber
auch eine Herausforderung für jeden
Dirigenten. Ich hatte das Glück, in Wiesbaden
gleich mit dem Ring anzufangen,
allerdings bin ich quer eingestiegen, als
das Projekt schon zur Hälfte produziert
war. Mein erstes Stück war Siegfried. Dennoch:
Die folgende Arbeit am gesamten
Ring ist sicherlich ein wichtiger Aspekt
meiner Wiesbadener Zeit. Weitere zentrale
Opernprojekte waren der Mozart-
Zyklus, Der Freischütz und Verdi-Opern
wie Don Carlos und zuletzt Simon Boccanegra.
Im sinfonischen Bereich würde
ich den Mahler-Zyklus nennen, den ich
jetzt mit der Aufführung der 2. Sinfonie
abschließe, und die Tatsache, dass ich
hochkarätige Solisten wie Janine Jansen,
Steven Isserlis, Robert Levin und Frank
Peter Zimmermann verpflichten konnte.
Ungewöhnliche und selten aufgeführte
Stücke wie Fausts Verdammnis, Jeanne
d’Arc und Genoveva lagen mir immer
besonders am Herzen. Auch die Chorwerke
habe ich so ausgewählt, dass sie nicht
jedes Jahr aus dem gängigen Repertoire
kamen, sondern auch Nischen abdeckten,
so zum Beispiel Hector Berlioz‘ Romeo
und Julia.
Du hast Fausts Verdammnis, Jeanne
d’Arc und Romeo und Julia genannt, alles
Werke französischer Komponisten.
Steht dir als französischem Muttersprachler
auch die französische Musik
besonders nahe?
Da ich meine gesamte Musikausbildung
in Deutschland absolviert habe, ist auch
mein musikalischer Geschmack entsprechend
geprägt. Die deutsch-österreichischen
Komponisten spielen dabei eine
zentrale Rolle. Allerdings bewundere ich
unter den französischen Komponisten
zum Beispiel Berlioz, den ich für einen der
fortschrittlichsten Komponisten halte,
der aber in Deutschland – bis auf die Symphonie
fantastique – leider nicht sonderlich
viel gespielt wird. Solche selten aufgeführten
Werke, die von hervorragender
musikalischer Qualität sind, interessieren
mich sehr.
Gibt es so etwas wie einen Lieblingskomponisten
oder liebste Werke?
Die gibt es sicherlich. Aber generell ist es
so: Je intensiver man sich mit einem Werk
beschäftigt, desto mehr liebt man es.
Als Generalmusikdirektor dirigierst du
Oper und Konzert. Reizen dich beide
Sparten gleichermaßen?
Ja. Ich habe in den letzten Jahren durch
die Verpflichtung in Wiesbaden mehr
Oper dirigiert. Das wird sich in den nächsten
Jahren sicherlich zugunsten der
Konzerte etwas verschieben. Aber ich
will mich auch in Zukunft beiden Sparten
widmen.
Es braucht immer seine Zeit, bis sich ein
Orchester und ein Dirigent aufeinander
eingestellt haben. Hast du das Gefühl,
dass das Wiesbadener Orchester und du
in den acht gemeinsam verbrachten Jahren
aneinander gewachsen seid?
Definitiv. Zwischen dem Dirigenten und
dem Orchester ist es ein Geben und
Nehmen, und jede Seite muss lernen, was
sie von der anderen Seite erwarten kann
und wie man in allen möglichen musikalischen
und menschlichen Situationen
aufeinander reagieren sollte. Das muss
sich erst einstellen, und das hat auch in
Wiesbaden eine Zeit gedauert. Wenn ich
jetzt zurückblicke auf die letzten Jahre,
hat sich die Selbstverständlichkeit in
der gemeinsamen musikalischen Arbeit
absolut optimiert. Das Orchester weiß,
was ich möchte, und stellte sich immer
natürlicher und schneller darauf ein. Das
hat sich entwickelt und entwickelt sich
auch immer noch. Dieser Prozess ist nie
abgeschlossen.
Orchester haben eine ganz eigene
Dynamik. Wie stellt man sich als Dirigent
auf diese unterschiedlichen Orchester
ein?
Jedes Orchester hat sein Potenzial.
Dieses Potenzial gilt es, wenn man zum
ersten Mal mit einem Orchester arbeitet,
sofort zu erkennen und in eine gemeinsame
Richtung zu lenken. Wesentlich ist es
dabei, hellhörig und offen zu sein, um die
Kräfte zu kanalisieren. Wenn man dagegen
kontinuierlich mit einem Orchester
arbeitet, weiß man nach einiger Zeit, wie
man am besten zu dem gewünschten
Ergebnis kommt. Das ist ein ganz anderer
Prozess. Bei einem unbekannten
Orchester muss man sich ständig neu
orientieren, sich vortasten und zuhören,
um ohne unnötigen Aufwand und mit der
größten Klarheit das gemeinsame Ziel
anzusteuern, da man in der Regel sehr
wenig Zeit hat.
Welche deiner internationalen Projekte
haben dich in den letzten Jahren am
meisten beeindruckt? Du hast zum
Beispiel im März in Madrid die spektakuläre
Produktion C(H)ŒURS von Alain
Platel geleitet, bei der sich Tänzer und
Choristen auf der Bühne treffen. (Der
Abend ist am 8./9. Juni 2012 auch bei
den Ludwigsburger Schlossfestspielen
zu sehen.)
Kunst hat – ob man will oder nicht –
immer etwas Politisches. Es gilt, die Menschen
zu erreichen und aufzurütteln. Dieses
Aufrütteln, auch das Aufgerütteltsein
als Künstler, ist das, was ich möchte. Ich
halte es – vor allem in der Oper – für
wesentlich, dass der Regisseur und der
Dirigent mit der Umsetzung eines Stückes
eine bestimmte Aussage vermitteln. Eine
Aufführung soll etwas beim Publikum
auslösen. Das ist für mich die politische
Seite von dem, was wir tun. In dieser
Hinsicht ist das Projekt in Madrid ein
absoluter Glücksfall: Einerseits war da
die absolut einmalige menschliche Erfahrung,
wie alle im Verlauf eins geworden
sind und an einem Strang gezogen haben,
andererseits hat der Abend an sich eine
Aussage – für das Publikum, die Künstler
und für mich. Man hat fast das Gefühl,
man tut damit seine Arbeit als Bürger.
Du wirst in Zukunft frei arbeiten.
Welche Ziele hast du dir gesteckt?
Es war in den letzten Jahren immer mein
Ziel, mich fest an ein Haus zu binden,
weil ich der Meinung war, dass es das
Schönste ist, wenn man kontinuierlich
mit einem Ensemble arbeiten kann.
Allerdings habe ich nach der Erfahrung
aus über 20 Jahren Festengagement nun
das Bedürfnis, mich davon freizumachen.
Ich möchte mich die nächsten Jahre auf
die reine Kunst konzentrieren und nicht
auf die Organisation, die diese Kunst
bestimmt. Vielleicht wird sich das auch
wieder ändern, aber im Moment fühle
ich, dass das richtig für mich ist.
Was wünschst du deinem Publikum
zum Abschied?
Ich denke da an meinen Mentor Michael
Gielen, der es liebte zu provozieren mit
Sätzen wie: „Gefühle dienen der Fortpflanzung,
in der Kunst hingegen darf
man das Gehirn bemühen.“ Aber im Ernst:
Ich möchte mich zunächst für das große
Vertrauen bedanken und für die freundliche
Beurteilung meiner Arbeit, die
ich erfahren habe. Aber ich möchte das
Publikum auch auffordern, offen, tolerant
und interessiert an bekannter, aber auch
fremder, ungemütlicher, reflektierender,
infragestellender Kunst zu bleiben.
Das Gespräch führte Karin Dietrich.
Hessisches Staatsthea ter Wiesbaden / Theaterblatt • Juni 2012 13