Marc Piollet Siegbert Micheel Kiril Manolov

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Konzerte 6. Kammerkonzert Lera Auerbach (*1973) Klaviertrio op. 28 (1996) Arno Babadjanyan (1921-1983) Klaviertrio in fis-moll Peter I. Tschaikowsky (1840-1893) Sextett in d-moll Op. 70 Souvenir de Florence (1890) Sonntag, 3. Juni 11.00 Uhr, Foyer Karl-Heinz Schultz, Maryna Verameyeva (Violine), Pamela Kremer, Gertrud Weise (Viola), Daniel Geiss, Susanne Tscherbner (Violoncello), Julia Okruashvili (Klavier) Konzert für junge Leute / Klassen 5-7 Einer für alle – alle für einen! Die Entwicklung des Solokonzertes von Gabrieli bis Cage Konzept und Moderation: Matthias Warzecha Musikalische Leitung Wolfgang Ott Hessisches Staatsorchester Wiesbaden Solokonzerte gibt es heute für jedes Instrument. Das war nicht immer so. Matthias Warzecha wird den Jugendlichen wieder kenntnisreich und unterhaltsam 500 Jahre Musikgeschichte vermitteln. Von der Renaissance über Barock und Klassik bis hin zum zeitgenössischen Klavierkonzert von John Cage reicht das kurzweilige Spektrum der Musikdarbietungen, die auch die Entwicklung des Orchesters zeigen und verdeutlichen, dass Musik ständigen Veränderungen unterworfen ist. Freitag, 15. Juni 11 Uhr, Großes Haus 12 8. Sinfoniekonzert Gustav Mahler Sinfonie Nr. 2 c-moll Auferstehungssinfonie Dirigent Marc Piollet Hessisches Staatsorchester Wiesbaden Emma Pearson, Sopran Gerhild Romberger, Alt Chor der Stadt Wiesbaden (Einstudierung Christoph Stiller) Frankfurter Singakademie Mittwoch, 4. Juli, 20 Uhr Kurhaus, Friedrich-von-Thiersch-Saal 19 Uhr Einführung im Dostojewskisaal Schon lange spielte Gustav Mahler (1860-1911) mit dem Gedanken, seine Sinfonie Nr. 2 mit einem Chor zu beenden. Nur die Furcht, man könne ihn mit Blick auf die 9. Sinfonie Ludwig van Beethovens der Nachahmung bezichtigen, hielt ihn zunächst davon ab. Doch dann wohnte er der Trauerfeier für den Dirigenten Hans von Bülow bei. Mahler schildert später dieses Erlebnis: „Die Stimmung, in der ich dasaß und des Heimgegangenen gedachte, war so recht im Geiste des Werkes, das ich damals mit mir herumtrug. – Da intonierte der Chor von der Orgel den Klopstock-Choral ‚Aufersteh’n!’ – Wie ein Blitz traf mich dies, und alles stand ganz klar und deutlich vor meiner Seele! Auf diesen Blitz wartet der Schaffende, dies ist ‚die heilige Empfängnis’! Was ich damals erlebte, hatte ich nun in Tönen zu schaffen.“ Orchestertalk Hier lernen Sie Musikerinnen und Musiker des Staatsorchesters persönlich kennen. Monika Schulz (Violine), Gertrud Weise (Viola), Oskar Münchgesang (Fagott), Joachim Tobschall (Posaune) stellen sich dem Publikum vor, berichten über ihren Werdegang, die Arbeit als Orchestermusiker und geben natürlich ausgewählte musikalische Kostproben. Die Moderation übernimmt Christina Redeker. Gustav Mahler sprengt mit dieser zweiten Sinfonie die Ausmaße, die eine klassische Sinfonie bisher gekannt hatte. Für die fünf Sätze dieses riesigen Werks entwickelte Mahler ein Programm. Der erste Satz, den Mahler selbst mit Totenfeier übertitelte, ist als überdimensionaler Trauermarsch gestaltet: Der Held, wie ihn Mahler am Ende seiner ersten Sinfonie strahlend verklärte, wird hier zu Grabe getragen. Der zweite Satz, ein idyllischer Ländler, sowie der dritte Satz, ein spukhaftes Scherzo, das Mahlers eigenes Lied Des Antonius von Padua Fischpredigt zitiert, sind kleine Intermezzi, die verschwommene Erinnerungen an das Leben des Verstorbenen wachrufen. „Die Welt und das Leben“, kommentierte Mahler, wird „zu wirrem Spuk“ – wie der Anblick entfernter Paare, die man zwar tanzen sähe, aber die dazugehörige Musik nicht hören könne. Mit dem vierten Satz, „Urlicht“, verändert sich die Perspektive, und genau in diesem Moment ergänzt Mahler den Orchesterklang um die Gesangsstimme. Im Altsolo O Röschen rot auf einen Text aus der Sammlung Des Knaben Wunderhorn sieht Mahler die „rührende Stimme naiven Glaubens“. Der letzte Satz beschreibt das Jüngste Gericht. Gustav Mahler: „Die Erde bebt, die Gräber springen auf, die Toten erheben sich und schreiten in endlosem Zug daher. Die Großen und Kleinen dieser Erde – die Könige und die Bettler, die Gerechten und die Gottlosen – alle wollen dahin – der Ruf nach Erbarmen und Gnade tönt schrecklich an unser Ohr.“ Da erhebt sich in hundertstimmigem Pianissimo einer der effektvollsten Chorsätze der Konzertliteratur: „Aufersteh’n, ja aufersteh’n wirst Du“. Es ist der Klopstock-Choral, den Mahler bei der Trauerfeier für Hans von Bülow erstmals hörte. Mit der hymnischen Beschwörung Zu Gott wird es dich tragen klingt das Werk rauschhaft aus. Montag, 4. Juni, 19.30 Uhr, Foyer Eine Veranstaltung des Fördervereins des Hessischen Staatsorchesters Hessisches Staatsthea ter Wiesbaden / Theaterblatt • Juni 2012
Foto: Felix Broede Musik soll aufrütteln Marc Piollet im Gespräch Du hast bereits während deines Studiums mit namhaften Dirigenten zusammen gearbeitet. Gibt es darunter einen besonders wichtigen Mentor für dich? Prägend für mich wurden vor allem John Eliot Gardiner und Michael Gielen: Gardiner aufgrund der Auseinandersetzung mit der Aufführungspraxis und Gielen wegen der strengen und intellektuellen Herangehensweise an die Musik. In Wiesbaden hast du in den letzten Jahren zahlreiche Opern geleitet, aber auch große sinfonische Werke und Oratorien aufgeführt. Was waren deine intensivsten künstlerischen Erfahrungen? Der Ring ist natürlich ein Traum, aber auch eine Herausforderung für jeden Dirigenten. Ich hatte das Glück, in Wiesbaden gleich mit dem Ring anzufangen, allerdings bin ich quer eingestiegen, als das Projekt schon zur Hälfte produziert war. Mein erstes Stück war Siegfried. Dennoch: Die folgende Arbeit am gesamten Ring ist sicherlich ein wichtiger Aspekt meiner Wiesbadener Zeit. Weitere zentrale Opernprojekte waren der Mozart- Zyklus, Der Freischütz und Verdi-Opern wie Don Carlos und zuletzt Simon Boccanegra. Im sinfonischen Bereich würde ich den Mahler-Zyklus nennen, den ich jetzt mit der Aufführung der 2. Sinfonie abschließe, und die Tatsache, dass ich hochkarätige Solisten wie Janine Jansen, Steven Isserlis, Robert Levin und Frank Peter Zimmermann verpflichten konnte. Ungewöhnliche und selten aufgeführte Stücke wie Fausts Verdammnis, Jeanne d’Arc und Genoveva lagen mir immer besonders am Herzen. Auch die Chorwerke habe ich so ausgewählt, dass sie nicht jedes Jahr aus dem gängigen Repertoire kamen, sondern auch Nischen abdeckten, so zum Beispiel Hector Berlioz‘ Romeo und Julia. Du hast Fausts Verdammnis, Jeanne d’Arc und Romeo und Julia genannt, alles Werke französischer Komponisten. Steht dir als französischem Muttersprachler auch die französische Musik besonders nahe? Da ich meine gesamte Musikausbildung in Deutschland absolviert habe, ist auch mein musikalischer Geschmack entsprechend geprägt. Die deutsch-österreichischen Komponisten spielen dabei eine zentrale Rolle. Allerdings bewundere ich unter den französischen Komponisten zum Beispiel Berlioz, den ich für einen der fortschrittlichsten Komponisten halte, der aber in Deutschland – bis auf die Symphonie fantastique – leider nicht sonderlich viel gespielt wird. Solche selten aufgeführten Werke, die von hervorragender musikalischer Qualität sind, interessieren mich sehr. Gibt es so etwas wie einen Lieblingskomponisten oder liebste Werke? Die gibt es sicherlich. Aber generell ist es so: Je intensiver man sich mit einem Werk beschäftigt, desto mehr liebt man es. Als Generalmusikdirektor dirigierst du Oper und Konzert. Reizen dich beide Sparten gleichermaßen? Ja. Ich habe in den letzten Jahren durch die Verpflichtung in Wiesbaden mehr Oper dirigiert. Das wird sich in den nächsten Jahren sicherlich zugunsten der Konzerte etwas verschieben. Aber ich will mich auch in Zukunft beiden Sparten widmen. Es braucht immer seine Zeit, bis sich ein Orchester und ein Dirigent aufeinander eingestellt haben. Hast du das Gefühl, dass das Wiesbadener Orchester und du in den acht gemeinsam verbrachten Jahren aneinander gewachsen seid? Definitiv. Zwischen dem Dirigenten und dem Orchester ist es ein Geben und Nehmen, und jede Seite muss lernen, was sie von der anderen Seite erwarten kann und wie man in allen möglichen musikalischen und menschlichen Situationen aufeinander reagieren sollte. Das muss sich erst einstellen, und das hat auch in Wiesbaden eine Zeit gedauert. Wenn ich jetzt zurückblicke auf die letzten Jahre, hat sich die Selbstverständlichkeit in der gemeinsamen musikalischen Arbeit absolut optimiert. Das Orchester weiß, was ich möchte, und stellte sich immer natürlicher und schneller darauf ein. Das hat sich entwickelt und entwickelt sich auch immer noch. Dieser Prozess ist nie abgeschlossen. Orchester haben eine ganz eigene Dynamik. Wie stellt man sich als Dirigent auf diese unterschiedlichen Orchester ein? Jedes Orchester hat sein Potenzial. Dieses Potenzial gilt es, wenn man zum ersten Mal mit einem Orchester arbeitet, sofort zu erkennen und in eine gemeinsame Richtung zu lenken. Wesentlich ist es dabei, hellhörig und offen zu sein, um die Kräfte zu kanalisieren. Wenn man dagegen kontinuierlich mit einem Orchester arbeitet, weiß man nach einiger Zeit, wie man am besten zu dem gewünschten Ergebnis kommt. Das ist ein ganz anderer Prozess. Bei einem unbekannten Orchester muss man sich ständig neu orientieren, sich vortasten und zuhören, um ohne unnötigen Aufwand und mit der größten Klarheit das gemeinsame Ziel anzusteuern, da man in der Regel sehr wenig Zeit hat. Welche deiner internationalen Projekte haben dich in den letzten Jahren am meisten beeindruckt? Du hast zum Beispiel im März in Madrid die spektakuläre Produktion C(H)ŒURS von Alain Platel geleitet, bei der sich Tänzer und Choristen auf der Bühne treffen. (Der Abend ist am 8./9. Juni 2012 auch bei den Ludwigsburger Schlossfestspielen zu sehen.) Kunst hat – ob man will oder nicht – immer etwas Politisches. Es gilt, die Menschen zu erreichen und aufzurütteln. Dieses Aufrütteln, auch das Aufgerütteltsein als Künstler, ist das, was ich möchte. Ich halte es – vor allem in der Oper – für wesentlich, dass der Regisseur und der Dirigent mit der Umsetzung eines Stückes eine bestimmte Aussage vermitteln. Eine Aufführung soll etwas beim Publikum auslösen. Das ist für mich die politische Seite von dem, was wir tun. In dieser Hinsicht ist das Projekt in Madrid ein absoluter Glücksfall: Einerseits war da die absolut einmalige menschliche Erfahrung, wie alle im Verlauf eins geworden sind und an einem Strang gezogen haben, andererseits hat der Abend an sich eine Aussage – für das Publikum, die Künstler und für mich. Man hat fast das Gefühl, man tut damit seine Arbeit als Bürger. Du wirst in Zukunft frei arbeiten. Welche Ziele hast du dir gesteckt? Es war in den letzten Jahren immer mein Ziel, mich fest an ein Haus zu binden, weil ich der Meinung war, dass es das Schönste ist, wenn man kontinuierlich mit einem Ensemble arbeiten kann. Allerdings habe ich nach der Erfahrung aus über 20 Jahren Festengagement nun das Bedürfnis, mich davon freizumachen. Ich möchte mich die nächsten Jahre auf die reine Kunst konzentrieren und nicht auf die Organisation, die diese Kunst bestimmt. Vielleicht wird sich das auch wieder ändern, aber im Moment fühle ich, dass das richtig für mich ist. Was wünschst du deinem Publikum zum Abschied? Ich denke da an meinen Mentor Michael Gielen, der es liebte zu provozieren mit Sätzen wie: „Gefühle dienen der Fortpflanzung, in der Kunst hingegen darf man das Gehirn bemühen.“ Aber im Ernst: Ich möchte mich zunächst für das große Vertrauen bedanken und für die freundliche Beurteilung meiner Arbeit, die ich erfahren habe. Aber ich möchte das Publikum auch auffordern, offen, tolerant und interessiert an bekannter, aber auch fremder, ungemütlicher, reflektierender, infragestellender Kunst zu bleiben. Das Gespräch führte Karin Dietrich. Hessisches Staatsthea ter Wiesbaden / Theaterblatt • Juni 2012 13
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Seite 3 und 4: Dichtung. Und Wahrheit! 4 Der Brief
Seite 5 und 6: Europa liegt am Rhein 6 ... zuminde
Seite 7 und 8: NEUE STÜCKE AUS EUROPA 2012 Rahmen
Seite 9: NEUE STÜCKE AUS EUROPA - worauf fr
Seite 13 und 14: The American Tribal Love/Rock Music
Seite 15 und 16: Das Jugendreferat im Juni Kinder en
Seite 17 und 18: Uraufführung SAM von Katharina Sch
Seite 19 und 20: Ballett im Juni 28 Zum letzten Mal
Seite 21: news Impressum (18. Jg. nr. 10) Das

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