Ausgabe Zürich - Ensuite

ensuite
K U L T U R M A G A Z I N
NR. 84 DEZ. 2009 | 7. JAHRGANG
K U L T U R M A G A Z I N
Inkl. Kunstbeilage artensuite
Schweiz sFr. 7.90,
Deutschland, Österreich,
Frankreich, Italien € 6.50
Ausgabe Zürich
Mit übersichtlicher Kulturagenda

Habib Asal
Zora Berweger
Boris Billaud
Manuel Burgener
Raffaella Chiara
Jürg Grünig
Christoph Gugger
Stefan Guggisberg
Haus am Gern
Nina Heinzel
Peter Iseli
Alain Jenzer
Heidi Künzler
Karin Lehmann
Andrea Loux
Marius Lüscher
Renée Magaña
Christina Niederberger
Mariann Oppliger
Nadin Maria Rüfenacht
Irene Schubiger
Dominik Stauch
Sereina Steinemann
Weihnachtsausstellung
09/10
Kunsthalle Bern
-
19.12.09 − 31.01.10
SIMONE
AUGHTERLONY
&
ISABELLE
SCHAD
«SWEET DREAMS
ARE MADE»
FR, 18. & SA, 19. DEZEMBER
20:00 UHR
VVK: WWW.STARTICKET.CH / INFOS: WWW.DAMPFZENTRALE.CH
DAMPFZENTRALE BERN, MARZILISTRASSE 47, 3005 BERN
UNTERSTÜTZT VON: STADT BERN, KANTON BERN, BURGERGEMEINDE BERN,
ERNST GÖNER STIFTUNG, MIGROS KULTURPROZENT, HOTEL NATIONAL BERN.
Geschichten
mit Sáppho, Dido und Steffi
22. und 23. Januar 2010
INNOVANTIQUA WINTERTHUR - das andere Alte Musik Festival
Meisterkonzert
Sonderkonzert – Junge Meister
Patronat:
Maja Ingold, Fritz Näf
Juliane Heutjer, Barockflöte; Katharina Heutjer, Barockvioline;
Jonathan Pešek, Barockvioloncello; Sebastian Wienand, Cembalo.
1. Preis und Publikumspreis «Musica Antiqua Brügge»
Melpomen (CH,I)
Contraband (D)
Morethanmusic (Basel)
Les haulz et les bas (D)
Basler Madrigalisten
Freitagsakademie Bern
www.innovantiqua.ch
Vorverkauf ab
4. Januar 2010
Winterthur Tourismus
im Hauptbahnhof
www.ticket.winterthur.ch
Tel. 052 267 67 00
Werke von RC. Monteverdi, T. Merula, D. Castello, G. Fr. Händel,
A. Vivaldi, L. Boccherini
So 13. Dezember 2009, 17 Uhr
Auditorium Martha Müller, ZPK
Vorverkauf: www.kulturticket.ch,
Tel. 0900 585 887 (CHF 1.20/Min.)
Eintritt inkl. Willkommensgetränk
und Ausstellungsbesuch.
www.zpk.org

12
Inhalt
30
28
34
24
PERMANENT
6 SENIOREN IM WEB
6 KURZNACHRICHTEN
8 FILOSOFENECKE
11 ÉPIS FINES
18 KULTUR DER POLITIK
19 CARTOON / MENSCHEN & MEDIEN
21 LITERATUR-TIPPS
25 INSOMNIA
36 TRATSCHUNDLABER
38 IMPRESSUM
39 KULTURAGENDA ZÜRICH
Bild Titelseite: Die legendären «Depeche Mode» spielen
am 6. und 7. Dezember im ausverkauften Hallenstadion.
5 KULTURESSAYS
5 Hochkultur
Von Lukas Vogelsang
7 «Kultur ist etwas vom Wichtigsten»
Von Barbara Neugel
9 Zukuntfsmusik
Von Irina Mahlstein
10 Samichlaus in der Badewanne
Von Barbara Roelli
11 Herbstwetterklassiker
Von Simone Weber
12 Kunst zwischen Apfelkuchen
und Anrufbeantworter
Von Rebecka Domig und Sonja Gasser
14 KunstLiebeGeld
Von Jarom Radzik
16 Inne- und Aushalten
Von Ursula Lüthi
38 Sensorreiniger, YB und harter Kaugummi
Von Isabelle Haklar
20 LITERATUR
20 Seit jeher unterwegs
Von Konrad Pauli
23 TANZ & THEATER
22 Theater Zinnober / o.N. aus Berlin
Von Robert Salzer
23 Weltbürger oder Neandertaler?
Von Alexandra Portmann
24 «Bern ist mein Gotthard»
Von Luca D’Alessandro
27 MUSIC & SOUNDS
27 15 Jahre Subversiv Records
Von Ruth Kofmel
28 Das Monster von Losone
Interview: Luca D’Alessandro
30 «...das Symphonieorchester als
verzaubernder Klangkörper, ein Ort
passionierter Konzentration»
Interview: Karl Schüpbach
32 KINO & FILM
32 A Serious Man - eine Hommage
ans Jüdischsein
Von Guy Huracek
33 Vom Film zurück zur Geschichte
Von Florian Imbach
34 Weihnachtskino: Fürsorger,
Breath Made Visible, Amerrika
Von Lukas Vogelsang
36 Law abiding citizen
Von Sonja Wenger
36 New Moon – Bis(s) zur Mittagsstunde
Von Sonja Wenger
37 Gutes Genrekino? Im TV!
Von Morgane A. Ghilardi
ensuite.ch
ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 3

Klaus Huber in Bern
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––
anlässlich des 85. Geburtstages des Komponisten
Donnerstag—Samstag, 10.—12. Dezember 2009
Hochschule der Künste Bern, Papiermühlestrasse 13, 3014 Bern
10. 12. 2009, 17.00 Uhr, Kammermusiksaal
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––
Podiumsdiskussion
11. / 12. 12. 2009, diverse Säle
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––
Kompositions- und Interpretationsworkshops
11. 12. 2009, 20.00 Uhr, Grosser Konzertsaal
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––
öffentliche Probe von «… à l’âme de descendre de sa monture …»
12. 12. 2009, Grosser Konzertsaal
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––
14.30 Uhr, «El pueblo nunca muere»
Film von Matthias Knauer zum Werk «erniedrigt, geknechtet, beleidigt»
17.00 Uhr, «… à l’âme de descendre de sa monture …»
weitere Informationen: www.hkb.bfh.ch
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––
Eine Koproduktion der IGNM Bern und der Hochschule der Künste Bern
Herzlichen Dank für die Unterstützung durch

Kulturessays
Immer mehr
Menschen
brauchen ein
ensuite-Abo.
Dank für die finanzielle Unterstützung an:
EDITORIAL
Hochkultur
ensuite im Dezember
Künstler beharren heute sehr präzise auf
dem Wert ihrer Arbeit. Kunst kostet – das
stellten wir in der Redaktion wieder mal fest,
als wir die Preise eines klassischen Konzertes
oder einer Oper vor Augen hatten und als uns
die Fachstelle Kultur aus Zürich mitteilte, dass
sie nur «professionelles, das heisst angemessen
entlöhntes Kulturschaffen mit Kulturfördermitteln»
finanzieren wolle. Es ist so: Den Preis für
Kulturelles und Kunst zu bezahlen setzt die Bereitschaft
dafür voraus – sonst funktioniert der
Kunstmarkt nicht und dabei ist es egal, ob wir
von einem Konzert, Theater oder einem Bild
sprechen. Ohne dieses Geld bleibt jede künstlerische
Tätigkeit brotlos. Dem Gegenüber ist
der Inhalt, der Sinn und die Idee hinter einem
Projekt oder einem Werk selten Gegenstand einer
Diskussion. Das Philosophieren gehört nicht
mehr zu unserem getwitterten und facebookenen
Alltag. Wir leben heute flüchtig – auch finanziell.
Der Staat oder die öffentliche Hand sind deswegen
wichtige Förderstellen, ein gutes Beispiel
ist dabei der Film. Ein kultureller Film (wie das
auch zu definieren sein soll) kostet in der Entstehung
viel Geld und man geht nicht davon aus,
dass jener durch Aufführungsgewinne dies wieder
einspielt – zumindest im Filmmarkt Schweiz.
Also muss ein Film vor der Produktion bereits
durchfinanziert sein.
Da entsteht natürlich ein Problem für die
Filmbranche und bei den Fördergeldern herrscht
Gedränge: Der Bund muss seine Kulturausgaben
politisch und juristisch erklären können. Ihm
geht es nicht um die Wichtigkeit des Inhalts,
sondern um die Repräsentation gegenüber der
Politik oder den anderen Staaten im allgemeinen
Wettbewerb. So hat das Bundesamt für Kultur
(BAK) die Leuchtturm-Philosophie durchgesetzt
und stärkt vor allem Erfolgsprojekte – ausgerechnet
jene, die an der Kinokasse noch am meisten
Erfolg haben könnten. Doch im Gegenzug erhält
die Schweiz dadurch Filme, die sich im internationalen
Wettbewerb zeigen und damit wieder
Geld für den Film, durch Co-Produktionen zum
Beispiel mit anderen Ländern, in die Schweiz
bringen könnten. «Könnten», denn das ist ein
Prozess, der Zeit braucht. Ergebnisse sind noch
keine greifbar, was die Branche verständlicherweise
ärgert.
Die vielen Filmschaffenden, die nicht zu dieser
Erfolgskategorie oder zu diesen Hype-FilmerInnen
gehören, müssen mit der regionalen
Filmförderung zurechtkommen. Das heisst weniger
Geld und mehr Konkurrenz und dadurch
weniger Möglichkeiten aufzusteigen. Für die
regionale Filmförderung hingegen ist die Situation
ganz blöd: Sie ermöglichen das Überleben
der Filmschaffenden so lange, bis diese ihren
Film beim BAK unterbringen können oder keine
Kraft mehr haben und aufgeben. Die Regionalen
mutieren damit zur Sozialhilfe – denn diese
Filme haben kaum eine Chance im Wettbewerb.
Wer’s trotzdem schafft, wird von der nationalen
Politik gelobt und gehätschelt – als wären sie
die Helden und verantwortlich dafür. Irgendwie
auch verständlich, dass dies Frust hervorruft –
für alle Beteiligten. Es scheint, dass hier ein Gedanke
nicht wirklich gedacht worden ist.
Aber wer jetzt meint, dass die Verbände oder
die Filmschaffenden selber an einer konstruktiven
Lösung interessiert wären, ist getäuscht.
Das Einzige, was gefordert wird, ist noch mehr
Geld für den Film. Dabei bräuchte es schlaue Lösungen.
40 Millionen werden jährlich vom BAK
für den Film ausgegeben – und eben, irgendjemand
muss das bezahlen. Dass die Steuerzahler-
Innen nicht unbedingt Lust haben, jeden Rappen
in die Wirtschaftsförderung zu stecken, die
schlussendlich, wie wir von der Krise her wissen,
den anschliessenden Erfolg für sich behalten,
ist doch verständlich. Die Filmschaffenden
wollen Geld, das BAK will qualitativen Film und
gestärkt werden durch die Politik – und irgendwie
finden diese Gruppen nicht zusammen. Und
vielleicht hat dann irgendwann das Publikum
auch noch was zu sagen.
Lukas Vogelsang
Chefredaktor
ensuite.ch
Die nächste ensuite-Ausgabe erscheint erst am
7. Januar 2010! Frohe Weihnachten und so...
ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 5

SENIOREN IM WEB
Von Willy Vogelsang, Senior
Verstehen Sie Denglisch? Oder sprechen
Sie selbst dieses Sprachgemisch,
wenn Sie von Ihrem Handy, dem beweglichen,
handlichen Telefonkästchen oder von Ihrem
Laptop, der flachen, kompakten, tragbaren
elektronischen Datenverarbeitungsmaschine
erzählen? Das berühmteste denglische Wort
ist wohl «gedownloadet». Wir haben schlicht
vergessen, dass ein Programm über das Internet
(weltweites Kommunikationsnetzwerk)
heruntergeladen werden kann.
Wenn Sie gar keinen PC (persönlichen,
elektronischen Datenrechner) im Haus haben,
dann lesen Sie nicht weiter. Es wird sowieso
«spanisch» für Sie!
Wer in den vergangenen zehn Jahren den
Einstieg in die elektronische, digitale Kommunikation
und Datenverarbeitung nicht mitgemacht
hat – ich sage bewusst nicht «verpasst»
–, wird es je länger je schwieriger haben, die
damit verbundene Fachsprache zu verstehen.
Ich habe zwar längst begriffen, dass die Bestandteile,
Programme, Funktionen, Befehle
oder Anweisungen in digitaler Form in Englisch
quasi als «Muttersprache» definiert
werden. So ist gewährleistet, dass der grösste
Teil der Weltbevölkerung mit einer einzigen
Terminologie zurechtkommt. Zudem weiss der
Rechner heute mit einem kleinen Aufwand die
Begriffe in die meisten Sprachen der Welt zu
übersetzen. Nicht umsonst heisst er ja auch
Interpreter!
Haben Sie dennoch Mühe, sich in der Sprache
der Computerei zurecht zu finden? Läuft
Ihnen bei «interner Festplatte» das Wasser
im Mund zusammen, weil es Sie an eine reich
gedeckte Berner-Platte oder Züri Gschnätzlets
denken lässt? Dann besuchen (surfen) Sie die
Seite von seniorweb.ch. Sie wird von Senioren
wie Sie und ich gemacht, für die Generation
über 50, die nur zu einem Teil mit dieser modernen
Technik in Berührung gekommen, geschweige
denn damit aufgewachsen ist.
Die Seite ist interaktiv. Das bedeutet, Sie
können erste Schritte machen, mit Ihren eigenen
Worten auf Artikel oder Forenbeiträge reagieren,
sich zu Wort melden, Ihre Meinung,
aber auch Ihre Fragen anbringen. Das ist doch
eine Chance. Sie werden Übersetzer finden,
einfühlsame Menschen, die ihre Erfahrungen
mit Ihnen teilen, einen fachlichen Rat geben;
oder mit der Zeit sogar Freunde, die gerne mit
Ihnen etwas zusammen unternehmen. Es muss
gar nichts mit dem Computer zu tun haben!
Und – man spricht Deutsch auf
www.seniorweb.ch
BONE 12
Kurznachrichten
Die 12. Ausgabe des internationalen Festivals
für Aktionskunst BONE findet vom
2. bis 6. Dezember im Schlachthaus Theater
und im Progr (Sonntag, 6. Dezember) statt.
BONE 12 trägt den Titel «An den Rändern der
Performance Art». Bone möchten die Grauzone
zwischen traditionellen Kunstsparten (wie
Theater, Tanz, Oper, bildender Kunst) und der
Performance Art erkunden. Wann ist zum Beispiel
eine theatralische Darbietung nicht mehr
nur Theater, sondern wird zu etwas, was man
Performance nennt? Es existieren auch viele
alltägliche Darbietungen, die nicht als «Kunst»
gedacht sind, die aber, wenn man sie in einem
solchen Kontext erlebt, durchaus als Performance
Art bezeichnet werden könnten. So hat
die Festivalleitung, Norbert Klassen und Peter
Zumstein, verschiedene KünstlerInnen beauftragt,
sich konkret mit den Rändern der Performance
zu beschäftigen. Bone ist seit Jahren
eines der spannendsten und provokativsten
Performance-Festivals in der Schweiz. (Pressetext/vl)
Mehr zum Festival ist auf unserer Website
www.ensuite.ch zu finden.
DER HKB-
ADVENTSKALENDER
Weihnachten steht bald vor der Tür und
wie dieses Fest Bestandteil unserer
Kultur ist, so ist es auch der Adventskalender.
Als Countdown schreibt er die vergangenen
Tage und weckt Erwartungen auf das Kommende.
Um die Vorfreude gemeinsam zu feiern, laden
Sarah Tenthorey und Oliver Frei zu einem
Adventskalender der besonderen Art ein. Die
HKB öffnet im Dezember die Pforte der CabaneB
und überrascht mit einem abwechslungsreichen
Programm: Studenten, Kultur- und
Kunstschaffende aus diversen Bereichen der
HKB setzen sich mit der Thematik des Advents
auseinander und gewähren Einblick in vierundzwanzig
«Kalenderfenster». Im Vordergrund
stehen die Studierenden der HKB aus den verschiedenen
Studienbereichen Gestaltung und
Kunst, Konservierung und Restaurierung, Musik,
Oper/Theater, sowie des Schweizerischen
Literaturinstitutes und Y. Die CabaneB wird in
der Adventszeit täglich von neuem von Studierenden
bespielt und steht ihnen während dieser
Zeit als offene Plattform für Ideen und Projekte
zur Verfügung. Die Aktionen können zwischen
4 Minuten und 24 Stunden dauern.
Die CabaneB ist eine vom Pariser Architekten
Jean Nouvel für die Expo02 entworfene
Stahlkonstruktion, welche nun beim Bahnhof
Bümpliz Nord als Kunstraum dient. (Pressetext/
vl)
Initianten: Sarah Tenthorey und Oliver Frei (Master
Art Education), Hochschule der Künste Bern
6

Kulturessays
10 JAHRE KULTURVEREIN MURI-GÜMLIGEN
«Kultur ist etwas
vom Wichtigsten»
Von Barbara Neugel Foto: XXX
Kultur findet überall statt. Nur redet man
nicht davon. Oder besser: Man spricht
nur von den sogenannten Highlights, von Kulturveranstaltungen,
die in grossen und grösseren
Städten stattfinden, von grossen Künstlerinnen
und Künstlern. Man geht hin zum Sehen
und Gesehen werden. Nun, das sind ja alles Klischees.
Und trotzdem ist etwas Wahres dran.
Aber es gibt noch eine andere Kultur. Kultur,
die nicht in den grossen Zentren stattfindet,
sondern in der Agglomeration, in kleineren
und grösseren Gemeinden ausserhalb der Städte.
Diese Kultur ist nicht in aller Leute Munde,
oft steht nichts davon in der Zeitung, weder
vor einem Anlass noch danach. Und trotzdem
ist diese Kultur sehr lebendig. Da finden Veranstaltungen
statt für ein kleines Publikum,
manchmal auch nur für wenige Interessierte.
Da werden Veranstaltungen organisiert,
Gäste eingeladen, da wird kommentiert und
Hintergrundinformation geliefert. Diejenigen,
die sich für solche Anlässe einsetzen und auf
freiwilliger Basis engagieren, sind Leute aus
der Gemeinde. Das ist lebendige und gelebte
Kultur.
Kultur in der Region also. Nehmen wir als
Beispiel dafür die Gemeinde Muri-Gümligen.
Seit genau zehn Jahren besteht in Muri-Gümligen
der Kulturverein. Da setzen sich Leute
ein, engagieren sich auf freiwilliger Basis, versuchen,
anderen etwas zu bieten, Kommentare
und Hintergrundinformationen zu liefern. Ueli
Thomet, Gründungsmitglied, erster Präsident
und heutiger Ehrenpräsident des Vereins, erzählt
aus der Anfangszeit: «Jede Gemeinde hat
verschiedene Kommissionen – eine Sportkommission,
eine Bau- und eine Schulkommission
und so weiter und eben auch eine Kulturkommission
beziehungsweise einen Ausschuss für
Erwachsenenbildung. Dieser Ausschuss wurde
politisch zusammengestellt, die Leute wurden
hineindelegiert. Nicht alle von ihnen waren
aber auch an Kultur interessiert, und politisch
waren in diesem Ausschuss auch keine Lorbeeren
zu holen. Der damalige Gemeinderat Hans
Aeschbacher hatte das Problem erkannt und
festgestellt, dass eine Trennung vorgenommen
werden müsste. Kultur sollte nicht mit Politik
verbunden sein, und es sollten sich Leute um
die Kultur kümmern, die auch wirklich an der
Sache interessiert sind. Die Kulturkommission
war überfordert mit all den Anfragen, die an sie
gerichtet wurden. Darauf wurde der Kulturverein
gegründet, im November 1999, mit einem
harten Kern von 40 Leuten. Und das war eine
Chance für die Gemeinde. Ein bescheidener
Anfang wurde gemacht, finanzielle Unterstützung
erfolgte durch die Gemeinde, da der Kulturverein
ja auch die Idee der Gemeinde war.
Auf dem Programm stand jeden Monat eine
Veranstaltung. Viel wurde selber gemacht.»
Und das Unternehmen Kulturverein begann
sich zu entwickeln. Heute zählt der Verein 400
Mitglieder, was gemäss Thomet «extrem erfreulich»
ist. Auch Gründungsmitglieder seien
noch dabei, sagt er. Dann blickt Thomet zurück
auf die Anfangszeit. Ja, damals sei alles
viel weniger professionell gemacht worden. Sie
hätten viel gelernt, vor allem aus Fehlern und
aus Dingen, die nicht so gut gelaufen seien. Er
selber hätte Volkshochschulkurse besucht für
Public Relations, um den richtigen Umgang mit
Journalistinnen und Journalisten zu lernen. Die
neue Präsidentin, Regula Mäder, sei Gymnasiallehrerin
und ausgebildete Kulturmanagerin,
also prädestiniert für dieses Amt.
«Die Idee, die dem Kulturverein zugrunde
liegt, ist Kulturvermittlung für Leute, die sich
nicht unbedingt für Kultur interessieren. Mit
einem sanften Einstieg sollen die Leute an die
Sache herangeführt werden. Sehr wichtig dabei
ist auch ein breit gefächertes Angebot», sagt
Ueli Thomet. Gerade in Muri-Gümligen hätte es
sofort Stimmen gegeben, die gesagt hätten, die
Leute gingen für Kultur nach Bern oder nach
London oder irgendwohin, die könnten sich
das leisten, führt Thomet aus. Er hätte das zur
Kenntnis genommen. Es war aber überhaupt
nicht so: «Der Aufbau war schnell möglich.
Heute ist der Kulturverein aus der Kulturszene
Muri nicht mehr wegzudenken. Viele Anfragen
kommen auch dank Mund-zu-Mund-Propaganda.»
Weiter erzählt Ueli Thomet, dass vor zwei
Jahren eine Anfrage aus Münchenbuchsee gekommen
sei. Man wollte wissen, wie der Kulturverein
Muri-Gümligen funktioniere. Er sei nach
Münchenbuchsee gegangen und hätte darüber
referiert. Aber seither hätte er nichts mehr gehört.
Schade eigentlich. Schade findet Ueli Thomet
auch, dass seine Idee, dass die Gemeinden
der näheren Umgebung sich gemeinsam für
ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 7

8
FILOSOFENECKE
NUR KRÜPPEL
WERDEN
ÜBERLEBEN.
Peter Sloterdijk 2009
Nein, nicht sorglose Unempfindsamkeit
des arrivierten Gegenwartsphilosophen
setzt sich über den correctness-Zeitgeist hinweg,
Sloterdijk stützt sich auf die Krüppelanthropologie,
welche in der Wissenschaftssprache
bis ins 20. Jh. ihren unbedenklichen
Platz hatte. In ihr erscheint der Mensch als
Animal, das sich damit zu befassen hat, wie
es in diesem Leben vorankommen kann, trotzdem
es behindert wird. Unter diesem Aspekt
wird Sloterdijks Ansatz zur Philosophie des
Trotzdem, zur Trotzanthropologie – was nicht
die Existenz einer Minderheit meint, es geht
um die Konvergenz der Begrifflichkeit von
Krüppel und Mensch. In der vermeintlichen
Standard-Perfektion der Einen wird die Nähe
zu den tatsächlichen Lebensumständen, verkörpert
durch die «behinderten» Anderen,
verdrängt. Die Täuschung von der Ganzheit
erweist sich als lebensfern im Vergleich zum
Torso Mensch. Es gilt die Geworfenheit in
die Behinderung Leben zu begreifen. Dies
ist Ausgangspunkt für das Üben der Lebenskunst,
für die Selbstwahl des Menschen in
der Zwangslage seines Daseins im Krüppelexistentialismus.
Wir sind behinderte, übende
Wesen im Versuch, unser Leben zu leben.
Diese Einsicht hindert uns daran, Mitläufer
zu werden in einer schönen neuen Welt des
kollektiven Selbstbetrugs. Doch dazu «sind
die meisten Menschen nicht behindert genug»,
denkt Sloterdijk.
Wo lässt sich im philosophischen Denkgebäude
diese Sicht der Welt festmachen? In
der existenzialistischen Absurdität des Nichtwissens
woher und wohin, der Grundbehinderung
des menschlichen Daseins. Am radikalsten
wohl im Anarchismus, wo das Trotzdem
konsequent zur Philosophie des Ohne gedacht
wird: ohne die politische Krücke Staat,
ohne die ökonomische Krücke Kapitalismus,
ohne die religiöse Krücke Kirche. Allerdings
gehen diese aufklärerischen und Bewusstsein
schaffenden Entwürfe vom real existierenden
mündigen Menschen aus, der nicht nur in der
Lage ist, diese «Behinderung» zu erkennen,
sondern auch seine Handlungsentscheide
dementsprechend trifft und den Gefahren der
Krücken-Illusionen nicht erliegt.
Bleibt die Frage, wo der Schritt vom Überleben
zum Leben ist. Und ob unsereiner erst
im Verzicht zum relativen Glück findet.
Das Gespräch: Mittwoch, 30. Dezember,
19:15h, Kramgasse 10, 1. Stock
Kulturessays
ein Kulturprojekt engagieren könnten, nicht
zustande gekommen sei. «Das Konkurrenzdenken
ist immer noch vorhanden. Dabei könnte
man sich gemeinsam gewisse Dinge leisten, die
sonst nicht möglich sind. Man könnte bekannte
Leute einladen, die in jeder Gemeinde gastieren
und dafür nur einmal anreisen müssten.
Aber jeder schaut für sich. Das ist schade. Gemeinsam
ist man stärker.» Weiter stellt Thomet
fest, dass auch nie eine Anfrage von anderen
Kulturvereinen komme für eine grössere, speziellere
Veranstaltung in der Region.
Dafür funktioniert die Zusammenarbeit in
der Gemeinde. Ueli Thomet: «Wir haben die
Zusammenarbeit mit anderen gesucht. In Muri-
Gümligen wird beispielsweise eine sehr gute
und enge Zusammenarbeit mit der Musikschule
Muri gepflegt. Konzerte werden von der Musikschule
organisiert, der Kulturverein grenzt sich
ab. Trotzdem profitieren beide Seiten von den
Kontakten.»
Das Programm für 2010 steht bereits. «Vorausarbeit
ist nötig. Wenn man gute Sachen machen
will, muss man die Leute rechtzeitig anfragen,
sonst sind sie bereits ausgebucht», sagt
Thomet. Ein weiteres wichtiges Anliegen von
Ueli Thomet ist der Einbezug von jungen Leuten.
Sie werden immer wieder angesprochen, und es
wird auch einiges für sie gemacht. Der Kulturverein
will ihnen eine Plattform bieten. «Trotzdem,»
stellt Ueli Thomet fest, «ist die Kundschaft
des Kulturvereins vorwiegend im Alter von 40
bis 90 Jahren. Auch wenn die älteren Leute nicht
unbedingt an den Veranstaltungen teilnehmen,
so sind sie immerhin informiert und können mitreden.»
«Kultur ist etwas vom Wichtigsten,» sagt
Ueli Thomet. Er hat sich während all der Jahre
für Kultur und für den Kulturverein engagiert.
Nun ist er erster Ehrenpräsident geworden.
«Das macht Freude,» stellt Thomet fest. Er arbeitet
immer noch im Vorstand mit und erläutert,
dass jedes Vorstandsmitglied auch eine
Aufgabe habe. Selbstverständlich ist auch eine
Vertreterin der Gemeinde von Amtes wegen
dabei, da die Gemeinde finanzielle Mittel zur
Verfügung stellt. Auch dabei sind ein Vertreter
der Musikschule und ein Vertreter der Kulturkommission.
«Das Wichtigste ist die Gesinnung.
Die Freude an der Sache spielt eine grosse
Rolle. Aus Kostengründen wird viel selber gemacht.
Aber es war bisher nie ein Problem,
Leute zu finden für die Kasse an Anlässen oder
zum Aufbau und andere Arbeiten.» Ansonsten
arbeitet der Kulturverein heute professioneller
als früher. Es gibt eine Presseverantwortliche,
die elektronischen Medien werden eingesetzt,
eine Homepage ist eingerichtet worden. «Wir
verschicken einen Mitgliederbrief, aber wir schreiben
die Leute auch per E-Mail an, auch wenn
ein Teil der Mitglieder über keine E-Mail-Adresse
verfügt. Ganz wichtige Sachen schicken wir
per Post, wenn’s rasch gehen muss, schicken wir
E-Mails,» hält Ueli Thomet fest.
Das Geburtstagsfest des Kulturvereins Muri-
Gümligen hat Anfang November stattgefunden.
Man wollte nicht zu viel Werbung dafür machen,
sondern eher unter Gleichgesinnten bleiben.
Trotzdem seien etwas mehr als 100 Leute gekommen,
erzählt Ueli Thomet erfreut. Im Programm
für 2010 sollen gemäss den Worten von
Ueli Thomet wiederum einige Rosinen zu finden
sein. Aber zunächst steht noch der Dezember-
Anlass vor der Tür, als Abschluss des Jubiläumsprogamms
2009: «In 80 Minuten um die Welt»,
eine «exklusive Ballonfahrt von und mit Gerhard
Tschan», am Donnerstag, 31. Dezember 2009,
17.00 Uhr im Bärtschihus in Gümligen.
Infos: www.kulturverein-muri.ch
Ruedi Geiser:
«KalberMatten bringt die Nöte unseres
Lebens in Kürze gefasst auf den Punkt.»
edition ■ ensuite
ISBN 978-3-9523061-2-3
www.edition.ensuite.ch

Kulturessays
Es ist soweit! Ich habe mein Datum gekriegt.
Ich habe mir immer vorgestellt, wenn man
sein Datum kennt, dass dann der Stresslevel in
unvorstellbare Höhen klettert. Irgendwie, dachte
ich mir, geht das doch gar nicht anders. Und
genau so ist es auch gekommen. Für eine Sekunde
stockt der Atem und irgendwann sickert es
durch, bis in die hinterste und letzte Hirnwindung:
Es geht zu Ende. Die Zeit als Doktorandin
ist ab jetzt nur noch ein Countdown. Obwohl,
in meinem Fall, ein speziell langer Countdown.
Aber langsam sieht man Licht am Ende des Tunnels.
Unvorstellbar. Innerhalb von ein paar wenigen
Tagen haben sich viele Fragen geklärt. Die
erste eben wie gesagt: «Wann entscheidet sich
endgültig, ob ich Frau Doktor werde?» Und die
zweite: «Wo und bei wem arbeite ich danach?»
Es ist wie immer ein wenig erstaunlich, und
dies möchte ich hier wirklich ohne anzugeben
schreiben, schulische und berufliche Dinge sind
mir immer ein wenig in den Schoss gefallen. Klar
bin ich brav und fleissig, aber in so vielen Situationen
hatte ich auch einfach die nötige Portion
Glück. Tja, den Dummen gehört die Welt.
Ich bin gerade dran, mir ein kleines Stück dieser
Welt zu erobern. Vorausgesetzt, alle Mäuse
kommen mit an Bord des Schiffs in die Staaten.
Die Chancen stehen nämlich gerade sehr gut,
dass es mich in diese Gegend verschlägt. Und
KOLUMNE AUS DEM BAU
Zukunftsmusik
Von Irina Mahlstein Bild: Barbara Ineichen
wo werde ich wohl sein? Die Leser, die auch
brav über den Sommer meine Kolumne gelesen
haben, wissen es schon. Und den anderen reibe
ich es gerne unter die Nase: Ich werde vielleicht
nach Boulder, Colorado, gehen.
Ihr seht, mein Leben danach formt sich gerade,
die Zukunftsmusik dudelt mir so laut in die
Ohren, dass ich bald einen Hörschaden davon
trage. Und es verdreht mir den Kopf, aber zünftig!
Doch als erstes muss ich jetzt eine anständige
Doktorarbeit auf den Tisch bringen. Sonst
wird die Zukunftsmusik bald zur schmerzenden
Dissonante. Denn meine zukünftige Chefin wird
die Ehre haben (oder wohl eher ich habe die
Ehre) meine Doktorarbeit auf das Genaueste zu
prüfen. Soweit scheint also alles in Ordnung zu
sein. Doch je mehr ich versuche, meiner Zukunft
Form zu geben, umso mehr Hürden stellen sich
mir in den Weg. Denn zwei Leben für einen
zweijährigen Auslandaufenthalt zu koordinieren,
ist echt eine Herausforderung! Zurzeit herrscht
Chaos. Ich mag kein Chaos. Ich benötige zu jedem
Zeitpunkt einen Lebensplan, und genau
dies wird mir im Moment nicht vergönnt.
Der Tiger will da nämlich studieren. Die
da drüben meinen nun, es sei sinnvoll, zu dem
Zeitpunkt das Semester zu beginnen, welcher
für meinen (unseren?) Lebensplan extrem nicht
sinnvoll ist. Können die da drüben nicht einmal
ein wenig Rücksicht auf die alte Welt nehmen?
Uns gibt’s schon länger, also wissen wir auch,
wie man gewisse Dinge richtig macht! Ich werde
davon ausgehen müssen, dass mein Appell ungehört
bleibt. Irgendwie müssen sich die Dinge
folglich sonst irgendwie fügen. Und das werden
sie wohl auch. Nur hindert mich meine dämliche
Ungeduld daran, dies alles gelassen zu nehmen.
Denn ich brauche jetzt einen Plan. Es ist mir
schon klar, dass dies eine doofe und nicht flexible
Einstellung ist, welche gerade heutzutage
nicht haltbar ist, weil heute jedermann flexibel
ist. Aber ich bin nun mal nur bedingt flexibel.
Und es gibt auch Blöderes als das. Zum Beispiel
den Welttoilettentag (Nicht, dass ich die Sache
an sich, also das Klo, nicht schätzen täte. Die
Wichtigkeit dieser Erfindung ist mir absolut bewusst,
vor allem als Stadtbewohnerin). Und aus
Freude dieses Anlasses war im Netz eine Bildstrecke
mit den spektakulärsten stillen Örtchen
der Welt zu sehen. Da hat jemand tatsächlich
sein Klo mit Swarovski-Kristallen überzogen.
Ob dies meiner Prinzessin wohl gefallen würde?
So lange meine Zukunft nicht die Toilette
runtergespült wird, ist auch ein Gedenktag an
diese Dinger verkraftbar.
Notiz: Es dauert noch sieben Monate, bis ich
meine Arbeit abgeben muss.
ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 9

Kulturessays
ESSEN UND TRINKEN
Samichlaus in der Badewanne
Von Barbara Roelli Bild: Barbara Roelli
Sie heisst Nuss, ist aber eigentlich eine
Hülsenfrucht. Ihr Samen hat zwei Samenlappen,
der vom Keim zusammengehalten wird.
Und aus diesem Keim wird - trennt man die
zwei Samenlappen mit dem Fingernagel ganz
vorsichtig voneinander - ein Samichlaus in der
Badewanne. Ein Zaubertrick, mit dem man Kinderaugen
zum Leuchten bringt. Aber nicht in
jedem Samen ist sein Kopf so ausgeprägt, sind
Barthaare und Kapuze so detailreich gelungen.
Etwas Glück braucht es, um schöne Exemplare
zu finden. Erfreulicherweise liegt es in der
Natur dieser Nuss, dass sich pro Schale ein
bis vier Samen befinden. Was die Chance, auf
schöne Badewannen-Chläuse zu stossen, ungemein
steigert. Praktischerweise gibt es die
Nuss auch immer in grossen Mengen zu kaufen.
Oder der Samichlaus bringt sie und verteilt
so seinen Samen unter den Menschen - auf
dass die Kinder ihre schlechten Gewohnheiten
verlieren und sich seine weisen Worte mit den
Nüsslisamen einverleiben. Doch der Chlaus-
Samen ist heimtückisch. Hat man nämlich erst
einmal begonnen mit dem Ritual, ihn aus der
Schale zu lösen, von dem feinen, rotbraunen
Häutchen zu befreien und ihn zum Mund zu
führen, ist man seinem Geschmack auch schon
verfallen.
Beim Zerkleinern im Mund knackt der
Samen noch – aber kaum werden seine Geschmacksstoffe
durch die mahlende Bewegung
der Zähne freigelegt, kommt sein herzhaft cremiger
Geschmack zum Tragen. Und auf diesen
mag sich irgendwie kein Sättigungsgefühl einstellen.
Als ob es ewig so weitergehen könnte
mit Schälen, Samen vom Häutchen trennen
und ab in den Mund... Bis wir uns eine Reserve
Winterspeck angefressen haben, diesen unter
dicken Wollpullovern warm halten und so der
Kälte trotzen.
Die spanischen Nüssli treffen in der kalten
Jahreszeit bei uns ein und setzen sich gekonnt
in Szene. Mit ihren Chlaus-Samen sind sie die
Begleiter des Dezembers schlechthin. Während
sich die Menschen am Glühwein wärmen und
bei langen Gesprächen in der warmen Stube
sitzen, schälen sie spanische Nüssli in rohen
Mengen. Ihr Fett gibt Energie. Vielleicht werden
die Nüssli vermehrt in den Beizen angeboten
(natürlich auf Kosten des Hauses), um
den Rauchern, die ihrem Laster dort nicht
mehr frönen dürfen, wenigstens als eine Art
Beschäftigungstherapie zu dienen.
Fraglich ist, ob man sich überhaupt so eingehend
mit einer Nuss beschäftigen sollte, deren
Fettanteil bei rund 50 Prozent liegt und
die einem zum gedankenlosen «Reinschaufeln»
verleitet. Aber einfach «reinschaufeln» kann
man die spanischen Nüssli eigentlich nicht,
zeigen sie ihre Haut doch erst – anders als ihre
Mitstreiter auf dem Erdnussmarkt - wenn die
Schale aufgebrochen ist. Die Mitstreiter sind
einfacher zu handhaben. Sie sind bereits nackt
und verarbeitet: Geschält, kräftig gesalzen,
ummantelt von Wasabi, Chili oder Schokolade.
Mit immer neuen Geschmackskombinationen
schreien sie nach Aufmerksamkeit, stehen
dann aber als Fernsehnüsschen neben Fussballmatch
und Krimi doch an zweiter Stelle.
Die spanischen Nüssli in der Schale müssen
sich nicht verstellen. Sie kokettieren im natürlichen
Look. Doch gleicht dieser Look einem
Aschenputtel-Gewand: Unscheinbares Beige
mit Linienstruktur, die sich wie Adern vom
oberen Ende der Schale, wo manchmal noch
ein Stiel vorhanden ist, ans untere Ende ziehen.
Und zwischen diesen Längslinien bilden
kurze Querlinien ein netzartiges Geflecht. Wie
bei einem Jutesack. Aber von weitem betrachtet
verschwindet das Geflecht und man sieht
vor allem die Dellen in der Schale – wie Dellen
in der narbigen Haut eines Menschen, der in
jungen Jahren mit Akne kämpfte.
Die Form der Nüssli gleicht denen von Engerlingen,
Maden – irgendetwas proteinreich
Weichem, dessen Verzehr in unseren Breitengraden
keine Tradition hat. Trotzdem lassen
wir uns nicht beirren vom Äusseren dieser vermeintlichen
Nuss. Was einmal mehr beweist:
Nur das Innere zählt.
10

ÉPIS FINES
Von Michael Lack
TIRAMISU
CLASSICO
Tiramisu, ein alter Klassiker aus Norditalien,
ist auch hier zu Lande eine sehr bekannte
Süssspeise. In der Herstellung nicht aufwändig,
wirkt sie doch so verführerisch gut.
Zutaten
250g Mascarpone
50g Puderzucker
40g Eigelb
Ω Vanilleschote
80g leicht geschlagene Sahne
1 dl Kaffee
Ωdl Rum oder Cognac
80g Löffelbisquits
Vorbereitung
Eigelb und Puderzucker schaumig schlagen.
Vanilleschote auskratzen. Löffelbisquits in
eine Form geben. Kaffee und Rum oder Cognac
mischen. Rahm leicht schlagen und kalt
stellen.
Zubereitung
Löffelbisquits mit dem Kaffee-Alkohol-Mix
überträuffeln. Schaumig geschlagenes Ei und
Zuckermasse mit der Mascarpone und der ausgekratzten
Vanilleschote verrühren und den
geschlagenen Rahm vorsichtig darunter ziehen.
Nun die Mascarponemasse auf die mit Kaffee
und Alkohol eingezogenen Löffelbisquits streichen
und kalt stellen. Etwa 2- 3 Stunden kühlen
lassen. Zum Abschluss etwas Kakaopuder darüber
streuen und servieren.
Kulturessays
KLEIDER MACHEN LEUTE
Herbstwetterklassiker
Von Simone Weber
Audrey Hepburn trug ihn im legendären
Film «Frühstück bei Tiffany» und
Humphray Bogart, als er Ingrid Bergmann am
Flughafen von Casablanca für immer verabschiedete.
Beworben von der amerikanischen
Filmindustrie schaffte er es, unsere Modeherzen
im Sturm zu erobern. Und die Verliebtheit
dauert an. Gerade bietet das nasskühle Herbstwetter
die ideale Voraussetzung zum Tragen
dieses absolut zeitlosen Klassikers. Die Rede
ist vom Trenchcoat. Erfunden wurde dieses
wunderbare Stück Ende des 19. Jahrhunderts
von dem Engländer Thomas Burberry. Und
noch heute ist der Allwettermantel Aushängeschild
des gleichnamigen britischen Modehauses.
Verwunderlich ist es ja nicht, dass der
Ursprung dieses Kleidungsstücks das verregnete
Grossbritannien ist. Seine Aufgabe war
es, den Körper vor Regen und Feuchtigkeit zu
schützen. Deshalb schneiderte Mister Burberry
sein Werk aus Gabardine - ein imprägnierter,
äusserst strapazierfähiger und wetterfester
Baumwollstoff, der zudem atmungsaktiv und
angenehm zu tragen ist.
Der neue Mantel erfreute sich innert kürzester
Zeit grosser Beliebtheit und wurde zur
Standardausrüstung der britischen Armee. Die
englischen Soldaten schütze er im Ersten Weltkrieg
vor Wind und Regen, woher der Trenchcoat
übrigens seinen Namen hat: «Trench» ist
das englische Wort für Schützengraben. Die
typischen Elemente des Mantels, namentlich
die Bindegürtel, Schulterriegel, Ärmelspangen
und eine zweite Lage Stoff über Schulter- und
Brustpartie erinnern bis heute an Kriegszeiten.
Denn diese Details hatten damals natürlich
tatsächlich praktischen Nutzen: An den Schulterriegeln,
den Brustklappen und Gürtelringen
konnten beispielsweise Rangabzüge, Gasmasken,
Ferngläser oder Handgranaten befestigt
werden.
Den Soldaten gefielen ihre Militärmäntel so
gut, dass sie sie nach dem Krieg mit nach Hause
nahmen und ihn zur Alltagskleidung machten
– für sich und für ihre Frauen. So wurde der
Trenchcoat populär und auch die Filmindustrie
entdeckte das tolle Kleidungsstück, machte es
zum Erkennungszeichen von Agenten und Privatdetektiven.
So weckte der englische Mantel
immer grösseres Interesse auf der ganzen Welt.
Er sah nicht nur total lässig aus, sein gerader
Schnitt mit der doppelreihigen Knopfleiste
streckte optisch die Silhouette. Im Trenchcoat
sah einfach jeder elegant aus.
Und genau deshalb erfreut er sich bis heute
grosser Beliebtheit. Seine besonderen Merkmale
hat der Militärmantel behalten. Noch immer
hat er Schulterschnallen, ein breites Revers, die
typische doppelreihige Knopfreihe und einen
Taillengürtel – dieser muss übrigens geknotet
und nicht wie ein normaler Gürtel geschlossen
werden. Trotzdem ist heute einiges ganz
anders. Knöchellang wie das Ursprungsmodell
sieht man ihn nur noch selten. Vor allem Frauen
lieben den Trench figurbetont, zeigen gerne
Bein und tragen den kultigen Mantel knielang
oder sogar noch kürzer, bis knapp über den
Hintern – also eher als Jacke. Wird der Trenchcoat
zugeknöpft und mit eng anliegendem Gürtel
getragen, wirkt er sehr feminin. Aber auch
offen oder etwas lockerer getragen sieht der
Mantel grossartig aus – egal, wie der Körper,
den er umhüllt, geformt ist. Im Gegensatz zu
den Frauen mögen die Männer den Trenchcoat
eher altbewährt, etwas länger, gerader und weniger
eng anliegend. Schliesslich wurde er ursprünglich
auch für sie entworfen. Und Hollywood
sei Dank sehen sie darin heute noch genauso
so gut aus wie Bogart damals.
In Stoff und Farbe ist der englische Armeemantel
enorm vielseitig geworden. Die Trenchcoatfarbe
schlechthin - beige - ist heute nicht
mehr typisch. Es gibt ihn in schwarz, weiss,
rot, blau, braun, gelb, grau und allen weiteren
erdenklichen Farben. Und auch die Stoffe, aus
denen er geschneidert wird, sind längst nicht
mehr auf wasserfeste Gabardine und Popeline
beschränkt. Wollstoffe sorgen für nötige Wärme,
Polyester für Glanzeffekte, Leder für Coolness
und Baumwolle für Leichtigkeit. Natürlich
ist der Trenchcoat von heute nicht mehr in jeder
Ausführung allwettertauglich.
Die enorme Vielseitigkeit des Klassikers
macht es möglich, dass er der perfekte Begleiter
für unzählige Looks ist. Der farbige Baumwolltrench
passt zu Jeans und T-Shirt, ein glänzig
schwarzer zu eleganten Röcken an edlen
Abenden. Er kann mit Anzügen, Hüten, Sonnenbrillen,
Turnschuhen, Ballerinas, High-Heels
und Gummistiefel getragen werden. Kurz: Sein
klassischer Schnitt passt zu fast allem. Sogar
Queen Elisabeth soll ein Modell tragen, wenn
sie zur Jagd geht.
Seit über hundert Jahren ist der Trenchcoat
nun auf dem Markt. Die Sportlichen, die
Schicken, die Modischen und die Lässigen
tragen einen und sogar die Queen rennt in
diesem Ding durch Wald und Wiese! Wie viele
hundert Jahre dauert es wohl noch, bis der
Menschheit das Trenchcoattragen verleidet ist?
ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 11

Kulturessays
KUNST FÜR MENSCHEN
Kunst zwischen Apfelkuchen
und Anrufbeantworter
Von Rebecka Domig und Sonja Gasser – Ein Gespräch mit Chantal Michel
auf dem Schloss Kiesen Bild: zVg.
Zahlreiche Ausflügler und Kunstbegeisterte
durchwanderten vier Monate
lang die Gemeinde Kiesen. Ziel war
das Schloss, auf einem bewaldeten
Hügel gelegen. In zwanzig Räumen
zeigte Chantal Michel eigene Werke.
Ihre Foto- und Videoarbeiten hatte
sie in stimmige Rauminstallationen
eingebunden, die zum Eintauchen in
eine andere Welt einluden. Wer vom
Umherirren im Schloss müde geworden
war, setzte sich im Garten an einen
der bereitgestellten Tische. An der
Sonne servierte die Künstlerin Kaffee
und selbstgebackenen Kuchen.
Ensuite - kulturmagazin: Beim Eintreten in
das Schloss Kiesen liest man einleitend:
«Die Künstlerin zeigt keine Ausstellung, sondern
öffnet ein Phantasiereich für alle.» Was
kann man sich darunter vorstellen; wie ist das
gemeint mit dem Phantasiereich?
Chantal Michel: Eine Ausstellung ist es,
wenn man die Bilder in ein Museum hängt. Das
hier ist viel mehr; es ist eine ganze Installation,
in der alles dazugehört – auch der Gemüsegarten.
Das gesamte Haus ist inszeniert. Ich
habe nicht Fotos in ein schon besetztes Haus
gehängt, es war vielmehr ein Miteinander. Ich
habe die Dinge einander anverwandelt. Ich
möchte einfach, dass man in eine Welt eintaucht,
die einen ein wenig entführt; an die
man glaubt; in der alles möglich ist. Eine Welt,
in der die Dinge zu leben beginnen. Eine sinnliche
Welt, in der sich Geruch, Ton, Visuelles
bis hin zum Kulinarischen vermischen.
Beduftest du die Räume auch?
Ja. Also, nicht alle. Manche duften schon von
sich aus, da muss man gar nicht nachhelfen.
Einige riechen modrig – und wenn ich unten
Apfelkuchen backe, duftet das bis oben hin,
durchs ganze Haus.
Das Schloss Kiesen befindet sich ja in einer
kleinen Gemeinde im Grünen. Es wird Kunst
ausgestellt und ein Publikum angesprochen,
das vielleicht sonst nicht unbedingt in ein Museum
gehen würde. Warum bist du interessiert,
im Schloss etwas zu machen und nicht in einem
Museum?
Du hast es ja schon gesagt. Eben, um möglichst
ein neues Publikum anzusprechen und
den Leuten diese Hemmschwelle zu nehmen.
Die Leute haben Angst vor der Kunst. Man
muss versuchen diese Hemmungen aufzulösen
und ich glaube, das ist mir hier wirklich gelungen.
Es kommen Menschen hierher, die noch
nie in einem Museum waren. Manche habe ich
im Dorf gesehen und eingeladen und sie haben
abgelehnt: «Nein, das ist doch nichts für
mich. Ich verstehe doch nichts von Kunst!» Ich
antworte auf so etwas dann: «Du brauchst es
ja auch nicht zu verstehen. Komm nur und ich
bin sicher, es wird dir gefallen!» Die Leute sind
dann ganz skeptisch, sagen aber zu. Nach ihrem
Besuch sind mir manche fast um den Hals
gefallen. Die waren so begeistert und haben
gemeint, dass sie so etwas noch nie gesehen
hätten. Das berührt, wenn man das erreicht.
Hat sich in Kiesen etwas verändert seit die
Ausstellung existiert?
Nicht nur in Kiesen. Ich habe das Ganze
ja auch schon mal in Bern gemacht, im Hotel
Schweizerhof. Da kamen 5 000 Leute in
drei Tagen. Das ist Wahnsinn; das kriegt kein
Museum hin! Das war für mich auch der ausschlaggebende
Punkt, an dem ich mir gedacht
habe: «Okay, wenn die Leute nicht ins Museum
wollen, dann muss ich das irgendwie anders
machen.» Ich mache ja auch diese Essen, und
12 ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09

wenn dann ein Bauer neben der Museumsdirektorin
von Thun sitzt und die miteinander
ein normales Gespräch führen können, dann
finde ich das einfach toll. Und dass dabei alles
ein bisschen normaler wird und nicht so
abgehoben. Das hier ist ein sehr offener und
«normaler» Ort. Man kann hier Kaffee trinken,
man kann Pasta essen. Man kann hier sein und
bleiben. Die Leute fühlen sich wohl.
Du betonst die Gesamtwirkung des Schlosses.
Doch auch hier hat man das Gefühl, sich
in einem klassischen Ausstellungskontext zu
befinden. Immerhin hängen Bilder an den Wänden.
Wie siehst du das?
Es sind nicht nur die Bilder, die wichtig sind.
Es ist das ganze Schloss als Gesamtinstallation,
in der jedes Detail seine Berechtigung hat und
eine wichtige Rolle spielt. Ich möchte mich
nicht festlegen auf ein bestimmtes Medium.
Ich glaube, ich arbeite doch sehr vielschichtig.
Ich mache Fotos, Videos, Performances und Installationen.
Vielleicht müsste ich auch einfach
mal gar kein Bild zeigen. Nächstes Jahr mache
ich etwas im Keller, vielleicht nur mit Ton und
Licht.
Du konzipierst jetzt im Winter deine nächste
Ausstellung?
Ich arbeite diesen Winter daran, so dass sie
im nächsten Sommer gezeigt werden kann. Die
Stadtbehörden verstehen das nicht und wollen
mich deshalb nicht unterstützen. Sie fragen:
«Wieso wieder am selben Ort?» Das hier ist
ein solch positiver Ort. Solange die Leute hierher
kommen und begeistert sind, muss ich das
doch ausnutzen. Solange ich hier leben kann
sowieso. Zum ersten Mal fühle ich mich komplett.
Hier kommt wirklich alles zusammen.
Kunst und Leben ist nicht mehr trennbar.
Wenn mich jemand anruft, dann hören diejenigen,
die gerade Video schauen, mit. Aber das
ist doch irgendwie schön. Die Besucher finden
mich dann und erzählen mir, was da abgegangen
ist auf meinem Anrufbeantworter: «Deine
Mutter hat dich angerufen. Ich gratuliere dir
auch zum Geburtstag!» (lacht)
Wie wird diese Ausstellung denn aussehen?
Könntest du dir vorstellen, andere bildende
Künstler einzuladen? Beim jetzigen Rahmenprogramm
wirken ja auch andere Leute mit.
Bildende Künstler weniger, das ist mir zu
nah. Das wäre dann fast wie eine Konkurrenz
– oder ich würde ganz einfach zur Kuratorin.
Aber wenn es ein anderes Medium ist, dann
ist das befruchtend und gut. Mit der Tänzerin
Anna Huber zum Beispiel möchte ich gerne etwas
machen. Ich finde sie eine tolle Frau und
es geht uns in unserer Arbeit eigentlich um genau
dasselbe, um Körper und Raum. Das passt
einfach super zusammen. Eine ähnliche Zusammenarbeit
kann ich mir mit einer Sängerin
vorstellen. Ich möchte Medien vermischen und
vor allem dieses Denken in festen Kategorien
aufheben.
Du hast in Thun in einer Ateliergemeinschaft
gearbeitet. Wie ist das denn, wenn man
auf so engem Raum mit anderen Künstlern zusammenarbeitet?
Ich konnte das eben nie. Ich habe dort selten
gearbeitet und wenn, dann nachts. Ich fühlte
mich dann immer beobachtet. Ich schliesse
mich lieber in Häuser ein und komme erst wieder
heraus, wenn eine Arbeit fertig ist. Auf
dem Bürgenstock habe ich ein halbes Jahr gelebt
und gearbeitet. Im Schweizerhof in Bern
auch. Das war toll, total intensiv. Ich war ganz
alleine mit diesem Haus und konnte mich wirklich
austoben. Und doch war dieses konstante
Alleinsein ein bisschen krank, fand ich; die totale
Vereinsamung. Dagegen bin ich hier so offen
wie noch nie. Ich komme besser mit Leuten
klar. Alles ist anders und das tut mir gut.
Du hast hier im Schloss also keinen Raum,
von dem du sagen könntest, dass er dir gehört?
Hältst du dich überall auf?
Ja, genau. Die Leute fragen mich immer:
«Wo wohnst du eigentlich?» Ich wohne überall
und nirgends. Zum Wohnen habe ich nicht
viel Zeit. Alles ist öffentlich. Mein Büro ist in
die hinterste Ecke gedrängt, hinter die grosse
Leinwand mit dem Video. Mein Privatleben ist
beschränkt auf das Minimum. Am persönlichsten
ist noch die Küche, da lasse ich nur meine
engsten Freunde hinein.
Gibt es für dich denn auch keine Trennung
zwischen Privatsphäre und Kunst?
Nein. Ich finde das auch schön; alles ist offen
und läuft ineinander über. Ich weiss auch
nicht genau, wo meine Kunst anfängt und wo
sie aufhört, wo meine Inszenierungen anfangen.
Bin ich jetzt inszeniert? (Chantal Michel
zeigt auf ihre Kleidung.) Ich weiss es nicht.
Schon bei der Kleidung war es immer so. Ich
wusste nie, ob das jetzt übertrieben ist. Sind
wir Menschen nicht alle total inszeniert?
Am Wochenende kochst du für die Gäste und
trittst dabei als Dienstmädchen oder Köchin in
Erscheinung. In Berichten wirst du aber auch
oft als Schlossherrin bezeichnet. Was bist du
denn, Serviertochter oder Schlossbesitzerin?
Ich bin von allem ein bisschen. Ich bin das,
was es gerade braucht. Wieso muss man alles
so trennen? Wieso muss man alles so definieren?
Ich bin das, was ich bin und zum ersten
Mal fühle ich mich komplett, weil ich alles leben
kann, was in mir steckt. Man ist doch nicht
nur das eine oder andere.
Dies bringt uns auch auf die Inhalte deiner
Arbeiten. Sobald man sich als Frau vor der Kamera
inszeniert, wird man in einem feministischen
Diskurs verhandelt. Wie wohl fühlst du
dich damit?
Ich verstehe nie, wieso man diese Inhalte
direkt auf meine Person überträgt. Ich thematisiere
einfach Dinge, die mich beschäftigen,
die um mich herum passieren. Ich bin ein Spiegel
der Gesellschaft. Aber ich bin keine Feministin,
überhaupt nicht. Ich bin einfach eine
Frau, die ihren Körper als Material verwendet,
ähnlich wie eine Tänzerin vielleicht. Wenn ich
ein Mann wäre, würde es ein wenig anders
aussehen, aber ich denke, es würde im Prinzip
um dasselbe gehen. Um Männerklischees
vielleicht.
Ich finde es in diesem Zusammenhang interessant,
dass du bei der Bilderserie Victor nicht
deinen eigenen Körper verwendet hast, sondern
einen männlichen Körper.
Das war ein Zufall. Ich kann nicht zu jemandem
sagen: «Hey, stell dich da hin und mach
das!» Ich muss den Raum selber erleben, ihn
mit meinem Körper erforschen und aufspüren.
Ich kann das auch nicht erklären. Es ist wie ein
Verliebtsein, irgendwie passiert da etwas zwischen
mir und dem Raum und dann kommen
auch die Ideen. Doch ich habe nicht wirklich
eine Idee oder ein Konzept, ich gehe ganz intuitiv
auf den Raum ein. Und dann brauche ich
immer einen Assistenten. Jemanden, den ich
vor die Kamera stelle, damit ich das Licht einstellen
und die Position der Figur bestimmen
kann. Der Mann auf den Fotos ist ein Freund
von mir, den ich damals bei den Vorbereitungen
im Hotel Schweizerhof in Bern kennengelernt
habe und der wissen wollte, wie ich arbeite.
Er konnte sich nicht vorstellen, was ich ein
halbes Jahr lang in diesem Hotel getan habe. So
habe ich ihn zu meinem Assistenten gemacht
und ihn mitgenommen zu einem neuen Fotoshooting.
Als er vor der Kamera stand, war das
einfach super; dieser eckige Mann mit diesen
Polstermöbeln. Mit mir funktionierte das halb
so gut. Darum hat sich das dann mit Victor ergeben.
Heute ist er einer meiner besten Freunde.
Wenn durch das harte Arbeiten auch noch
menschliche Dinge passieren, finde ich das
wunderschön. Ich kann dann sagen: «Hey, es
hat sich gelohnt!»
Was machst du denn, wenn eine künstlerische
Blockade eintritt?
Ich hatte das früher oft. Heute habe ich dieses
Vertrauen, dass es immer irgendwie weitergeht.
Die Welt ist voller Überraschungen, die
ich mir nie hätte träumen lassen. Man muss die
Dinge in Angriff nehmen und sie einfach tun.
Nicht träumen – machen!
Mittlerweile sind die Tore von Schloss Kiesen
geschlossen. Aber nicht ganz: Wer im neuen
Jahr an einem Dinner von Chantal Michel
teilnimmt, den lässt die Künstlerin noch einmal
in die unveränderten Räume eintreten. Zum
Essen lädt sie am 30. Januar sowie am 6., 13.,
20. und 27. Februar ein. Der Abend kostet 48
Franken. Anmeldungen obligatorisch unter der
Nummer 031 311 21 90 (Tel./Fax.). Hinterlassen
Sie Name und Telefonnummer!
Infos: www.chantalmichel.ch
13

Kulturessays
KUNST IN DER DEFINITION
KunstLiebeGeld
Von Jarom Radzik - Die Suche nach guter Kunst im Geld
Jeder weiss, mit Kunst lässt sich gut
Geld verdienen. Angebot und Nachfrage
verteilen Kunst besser als jeder
Weihnachtsmann. Nicht zuletzt, weil
Kunst neben Autos, Häusern und leichten
Mädchen als wirtschaftliches Statussymbol
fungiert, wird es in seiner
Qualität in erster Linie nach seinem
Preis bemessen. Aber kann anhand des
Preises tatsächlich abgelesen werden,
ob Kunst gut ist? Entgegen den gegen
ihn herrschenden Vorurteilen zeigt der
Schweizer Kunstmäzen, Willy Michel,
mit einem Kunstkauf, dass sich Kunst
mehr als an wirtschaftlichen Kriterien
messen lässt.
Seit dem Spätsommer 2009 steht im Schlosspark
des Kunstmäzens Willy Michel ein
Kunstwerk von Christian Bolt. Die dreiteilige
Bronzeskulptur trägt den Werktitel «Trapasso».
Mit ihren zweieinhalb Metern Höhe ist die Skulptur
am Eingang des Parks auch kaum zu übersehen.
Grosse Skulpturen sind aufwändig: «Trapasso»
zu konzipieren und umzusetzen dauerte
fast ein Jahr. Was ist so besonders daran, dass ein
Mann wie Willy Michel ein grosses Kunstwerk
von Christian Bolt kauft? Der Künstler wurde bisher
noch von keiner namhaften Galerie vertreten
und auch noch auf keiner einschlägigen Kunstmesse
ausgestellt. Das ist besonders, denn der
Kunstmäzen hat «Trapasso» nicht einfach wegen
des Künstlers gekauft, sondern wegen seiner
Formsprache, seiner Ausdruckskraft und seiner
Inhalte. Ein Antibeispiel für die Kunstwelt sozusagen.
Was «Trapasso» für Willy Michel übrigens
so besonders macht, ist sein Inhalt. In diesem
Werk ist nichts Geringeres als die Lebensgeschichte
des Sammlers verarbeitet.
Kriterien guter Kunst «Trapasso», ein Werk à
la Werkvertrag, ein übliches Rechtsgeschäft, aber
unüblich für die Kunstbranche. Auftragskunst ist
heute eher selten, das sagt auch das allwissende
Wikipedia und verbannt diese Art des Verkaufs
deshalb gerne ins Mittelalter. Richtig, über die
Qualität sagt dies freilich noch nicht viel aus. Immerhin
gab es bei «Trapasso» weder in Bezug auf
das Material, die Ausführung oder den Inhalt etwas
zu beanstanden. Das ist im Zeitalter der Discounter
gar nicht so selbstverständlich. Im Gegenteil,
die Erwartungen des Sammlers wurden
sogar noch übertroffen. Logisch, ist ja auch echte
Schweizer Handarbeit. Wenn es nach ihm und
dem Künstler Christian Bolt geht, ist mit «Trapasso»
ein exzellentes Kunstwerk entstanden.
Nach Massstäben der Branche stehen die beiden
mit ihrer Meinung aber ziemlich alleine da. Die
Qualität misst Kunst nämlich anhand ganz anderer
Kriterien. Kriterien beispielsweise von einer
Zürcher Galeristin, vorgetragen während einer
Veranstaltung an der Kunstmesse Kunst Zürich
2009. Auch viele andere hätten ihr in etwa zugestimmt.
Die Kriterien guter Kunst sind Preis und
Preisentwicklung, Neuheit im Lichte der Kunstgeschichte,
Authentizität von Kunstwerk und
Künstler und Bauchgefühl. Klingt logisch. Aber
machen wir doch die Probe aufs Exempel und
schauen wir, ob diese gut klingenden Kriterien
tatsächlich etwas taugen.
Preis Für gute Kunst gibt es eine Nachfrage.
Deshalb liegen die Preise für gute Kunst höher.
Zudem besitzt gute Kunst eine Preisstabilität mit
einer kontinuierlichen Tendenz zur Preissteigerung.
«Trapasso» ist neu. Eine Preisentwicklung
gibt es nicht, das Werk wurde direkt vom Sammler
erworben. Den Preis haben Willy Michel und
Christian Bolt vor allem auf Herstellungskosten
abgestellt. Der Marktwert des Künstlers ist
schwierig zu bestimmen, weil die Werke Christian
Bolts bisher nicht in grösserem Umfang gehandelt,
sondern einmal verkauft wurden. Verkauft
hat der Künstler bisher immer gut – was
also ist sein Marktwert und welcher Preis ist für
«Trapasso» angemessen?
Neuheit Manche, die Christian Bolt kennen,
nennen ihn den Michelangelo des 21. Jahrhunderts.
Seine Formsprache bedient sich genauso
der Figuration wie der Abstraktion. Er besitzt
ausgezeichnete Kenntnisse der Anatomie und
beherrscht alte wie neue Bildhauertechniken.
Chritstian Bolt arbeitet mit der Masse des Körpers.
Das zentrale Motiv, der menschliche Körper,
macht es für den Betrachter einfach, Parallelen
zur Geschichte zu ziehen. Da mag die Formsprache
neu und eigenständig sein, der menschliche
Körper ist der gleiche geblieben. Auch die Arbeitsweise
des Künstlers: Überhosen und Spitzeisen
erinnern eher an vergangene Zeiten als an
die Moderne. Selbst das Medium, Skulpturen und
Bilder sind traditionell. Schliesslich ist der Künstler
der Meinung, dass Kunst die Geschichte fortführen
sollte. In Anbetracht all dieser Umstände
wird die Kunst von Christian Bolt rasch als alt
abgetan.
Authentizität Ein Werk ist Ausdruck seines
Erschaffers. Wenn Kunst tatsächlich ein Teil des
Lebens des Künstlers ist, entspricht es dem, was
der Künstler sagt, denkt und lebt. Christian Bolt
ist freischaffender Künstler, ganz der Kunst verpflichtet.
Wer ihn persönlich kennt, weiss, dass
das, was er tut, mit dem übereinstimmt, was er
sagt. Rein äusserlich entspricht Christian Bolt allerdings
nicht dem Stereotyp eines Künstlers. Die
Haare sind kurz geschnitten, das Gesicht frisch
rasiert, die Kleider ordentlich. Er trinkt nicht,
raucht nicht und ist obendrein auch noch stubenrein.
Kann das, diese langweilig gewöhnliche
Figur, ein authentischer Künstler sein?
Bauchgefühl Nun, mir gefällt «Trapasso». Das
ist mein Bauchgefühl. Ich finde «Trapasso» auch
nach zehnmaligem Betrachten noch spannend.
Zufrieden? Nein? Aber so ist mein Bauchgefühl
nun mal. Jemand, der sich zum Beispiel der Neuheit
verpflichtet hat und menschliche Körper
14 ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09

nicht ausstehen kann, würde mir in diesem Punkt
aber nicht beipflichten.
Bilanz Soweit anhand der vier Kriterien allgemeingültige
Aussagen gemacht werden können,
entspricht «Trapasso» nicht dem, was man unter
guter Kunst verstehen würde. Für das Kunstwerk
selbst gibt es noch keine Preisentwicklung. Und
weil die Kunstwerke des Künstlers noch nicht
auf dem Kunstmarkt gehandelt werden, hat der
Künstler noch keinen Marktwert. In diesem Sinne
spricht der Preis gegen die Güte von «Trapasso».
Neu ist das Werk im Lichte der Kunstgeschichte
nur für den, der Kunstwerke als Weiterführung
der Kunstgeschichte versteht. Die anderen beiden
Kriterien, Authentizität und Bauchgefühl,
sind subjektiv. Sie färben die Meinung über das
Kunstwerk je nach Eindruck und Geschmack.
Schlussfolgerungen In diesem Sinne kann der
Preis als sicheres Kriterium angesehen werden.
Das Kriterium Preis heisst konkret, dass Kunst
erst dann gut sein kann, wenn sie verkauft werden
kann. Erst ein gewisser Erfahrungswert im
Verkauf lässt zu, dass auch tatsächlich ein Urteil
abgegeben werden kann. Neuheit kann zwar
fachlich begründet werden, hängt aber immer
von den persönlichen Ansichten des Interpreten
ab. Neue Kunst ist gute Kunst. Und Kunst
ist heute genial, wenn sie an nichts erinnert,
was vorher gewesen ist. Wird dieses Kriterium
gedanklich aber konsequent durchgespielt, darf
Kunst eigentlich keine Farbe, keine Form und
keinen Geruch mehr besitzen. Selbst die Idee an
sich darf in keinster Weise mehr an irgendetwas
in der uns umgebenden Wirklichkeit erinnern.
Denn jedes Element, egal welcher Beschaffenheit,
das in der gemeinsamen Wirklichkeit der
Menschen vorkommt, provoziert Erinnerungen
an bereits gemachte Erfahrungen und damit an
Geschichte. Neu ist aber per Definition etwas,
was bisher noch nicht existiert hat. Alles, was aus
bereits Bestehendem herausgearbeitet wird, ist
also per Definition alt. Neue Kunst darf deshalb
nachweislich keinen Bezug zu etwas Bestehendem
haben. Aber haben Sie schon einmal Kunst
gesehen, die dieses Kriterium erfüllt? Wenn ja,
dann ist sie leider bereits nicht mehr neu, denn
sie können sich ja daran erinnern. Das Kriterium
der Neuheit ist also untauglich.
Besser als Neuheit wäre ein Begriff wie Weiterentwicklung,
denn Innovation in der Technik,
im Recht oder in der Literatur baut immer auf
der Geschichte auf. Nur die Kunst darf, wenn sie
gemäss den Kunstexperten gut sein soll, keine
Geschichte haben. In der Kunstgeschichte hat
dies dazu geführt, dass Künstler sich davor hüten,
selbst explizite Bezüge zur Kunstgeschichte
zu machen. Natürlich baut jede Kunst auf Vorangehendem
auf, nur darf man nichts verraten,
sonst ist sie ja nicht mehr eigenständig.
Authentizität ist da zwar als Kriterium realistischer,
allerdings stellt sich die Frage, wie lange
man einen Menschen kennen muss, bis man
wirklich sagen kann, er sei in seinem Sein und
Schaffen authentisch. Auch für dieses Kriterium
gibt es keine allgemeine Regelung, deshalb ist
sie genauso eine Leerformel wie das Kriterium
der Neuheit. Oder glauben sie ernsthaft, ein Experte
ziehe jeweils in eine Wohngemeinschaft
mit Künstlern, damit er sie nach Jahren des Zusammenlebens
auch wirklich in ihrer Authentizität
beurteilen kann?
Bleibt noch das berühmte und beliebte Bauchgefühl.
Das Tolle am Bauchgefühl ist, dass es garantiert
immer rein subjektiv ist. Als allgemeinverbindliches
Kriterium ist es also völlig unnütz.
Bauchgefühl meint einen emotionellen Rapport.
Ein Gefühl, das sich einstellt, weil ich, der Betrachter,
mit dem Wahrgenommenen irgendeine
Erinnerung verbinde. Das würde das Kriterium
der Neuheit zwar ausschliessen, wurde bisher
aber noch nicht in Frage gestellt. Das liegt wohl
daran, dass das Bauchgefühl ein so wunderbar
einfaches Kriterium ist. Spricht das Kunstwerk
mein Inneres an. Ja oder nein? Fertig. Der Wahrnehmende
muss nicht einmal hinterfragen, was
denn das Wahrgenommene eigentlich anspricht,
Hauptsache es spricht an. Zudem ist mit dem
Bauchgefühl implizit immer auch das Gefallen
verbunden. Natürlich nur implizit, weil gefallen
muss Kunst ja nicht.
Mit Geld und Gefühl zu guter Kunst Schlimm
daran ist aber nicht, dass es gleichgültig ist, ob
sich ein zustimmendes oder ablehnendes Bauchgefühl
einstellt, schlimm ist, wozu dieses Bauchgefühl
eingesetzt wird. So wird mit dem Bauchgefühl
und alleine mit dem Bauchgefühl darüber
entschieden, was überhaupt als Kunst wahrgenommen
werden soll und was nicht. Galeristen
und Kuratoren vertrauen bei der Auswahl von
Kunst auf ihr Bauchgefühl, zumindest bei Newcomers
und No Names. Bei Stars und Cash Cows
vertrauen sie hingegen wie manch ein Banker
oder Auktionator auf das Prinzip des kleinsten
Risikos. Dort spricht das sichere Kriterium des
Preises für sich. Ach ja, und wenn wir gerade bei
Risiko und Bauchgefühl sind. Damit könnte auch
die Tendenz erklärt werden, warum viele Entscheidungsträger
Newcomer unter den Bildhauern
meiden wie der Teufel das Weihwasser. Hohe
Herstellungs- und Transportkosten, die Versicherungskosten
schon gar nicht zu erwähnen. Nein,
da würde sich doch jedem der Bauch umdrehen.
Ob Bildhauer oder nicht, Newcomer unter den
Kunstschaffenden sind für alle im Markt, die
nicht selbst Kunst machen oder kaufen wollen,
ein finanzielles Risiko. Das Prädikat «gut» erhält
also nur jene Kunst, die sich auch gut verkaufen
lässt. Laut dieser Logik war Van Gogh sein Leben
lang ein miserabler Künstler. Die genau gleiche
Kunst nach seinem Tod aber genial.
Was gute Kunst nicht ist Der Preis als sicheres
Kriterium ist ja gut und recht, aber ist es
nicht ein wenig tragisch, dass es eigentlich keine
verbindlichen Kriterien für die Qualität von
Kunst an sich gibt? In Erwägung dieser Umstände
verstehe ich zumindest, warum sich viele beim
Kauf von Kunst lieber den harten Fakten als dem
Bauchgefühl zuwenden. Leider ist selbst diese
Sicherheit trügerisch, vor allem wenn man gute
Kunst sucht. Rekapitulieren wir kurz: Kuratoren
und Galeristen sagen, dass gute Kunst ist, was sie
bei sich ausstellen. Gute Kunst ist in erster Linie
jene Kunst, die verkauft werden kann. Und Kunst
muss verkauft werden, damit sie dem Preiskriterium
gute Kunst entspricht. Ein Zirkelschluss, oh
nein! Und zudem hat er eigentlich nichts mehr
mit Kunst zu tun, denn dasselbe könnte man von
jedem x-beliebigen Gut behaupten. Wenn Galeristen
behaupten, Kunst gemäss ihrer Qualität
auszuwählen, Qualität aber bedeutet, dass Kunst
von einem Galeristen ausgestellt und verkauft
wird, bedeutet das, dass der Kunstmarkt, seit er
existiert, eigentlich nie darauf geachtet hat, was
gute Kunst ist, sondern nur darauf, ob das, was
ausgestellt wird, auch verkauft werden kann.
Das heisst, der Galerist verkauft Kunstwerke, die
er vielleicht selber nicht kaufen würde, weil er
weiss, dass sie sich besser verkaufen lassen. Und
in diesem Dilemma stecken alle, die Kunst für
die Öffentlichkeit zugänglich machen, Galeristen,
Kuratoren wie auch Auktionatoren. Die Prämisse
ist nicht die Liebe zur Kunst, sondern der Umsatz.
Museen müssen möglichst viele Besucher
anziehen, damit Einnahmen erzielt werden und
die Gelder der öffentlichen Hand rechtfertigt
werden können. Fixkosten wie Mieten und Löhne
müssen gezahlt sein. Laufen sie in der Befolgung
dieses Kriteriums nicht Gefahr, vor allem Kunst
für den breiten Geschmack zu verkaufen? Und
was nicht angeboten wird, kann auch nicht verkauft
werden.
KunstLiebeGeld Ich bezweifle, dass gute
Kunst einfach mit verkaufbarer Kunst gleichgestellt
werden kann. Wenn dem so ist, kauft man
sich besser eine Deko, die ist nämlich wesentlich
billiger. Andererseits, wird Kunst nur noch nach
dem Kriterium Geld bewertet, wird alles viel einfacher.
Das Vertrauen in den Analysten bereitet
relative Unbeschwertheit und grösste Befriedigung.
Nicht nur punkto Preis und Performance,
sondern auch in Bezug auf persönliche Zufriedenheit.
Hat man doch in etwas investiert, was
lange währen wird und eine breite Anerkennung
einbringt. Ein Warhol, ach wie schön und stattlich
im Preis.
Leider kann man nicht zwei Herren dienen.
Entweder liebt man Kunst um der Kunst oder um
des Geldes willen. Dumm nur, dass alle Entscheidungsträger
auf Geld angewiesen sind, und ihre
Entscheidungen deshalb stets auch wirtschaftlich
begründet sein müssen. Dafür erklärt dies, warum
Inhalt oder Fertigungsweise nicht als Kriterien
für gute Kunst herangezogen werden. Vielleicht
wird Kunst einst wie das Geld selbst nur noch
zur fiktiven Währung. Gute Ideen ausgedrückt in
den Bytes elektronischer Zahlen, und man kann
sagen: «Hey, ich habe gerade mit einem Giacometti
Brot gekauft, toll, nicht?» – Oder aber, man
kauft Kunst, die man liebt und lässt sie zu dem
Grossartigen werden, die sie tatsächlich ist.
15

Kulturessays
In den drei vergangenen Heften wurden einerseits
allgemeine Gedanken, Definitionen
und Umfelder, in denen es Burnout geben kann,
dargestellt. In diesem Beitrag wird das Empfinden
von Menschen und Arbeiten beleuchtet.
Ein letzter Bericht im nächsten Heft dieser kurzen
Serie zum Phänomen Burnout wird sich mit
aufblühenden Aussichten befassen. Wo immer
die eigene körperliche, seelische und geistige
Gesundheit steht, jeder kann seine Ausgewogenheit
und das damit verbundene Glücksempfinden
beziehungsweise die Zufriedenheit mit
sich selber mit bestem Gewissen und Empfinden
selber gestalten oder erobern. Etwas Mut
zur Veränderung, wenn es nicht mehr gut geht
oder schon lange nicht mehr geht, und ein Bestreben
nach dem Wohlsein und der Freude
sind die Ratgeber in dieser Sache. Diese Bestreben
stehen jedem eigens zur Verfügung
und lassen sich bestens nutzen.
Ehrliche Zufriedenheit aushalten Burnout-
Forscher meinen: «Es ist weder möglich, Burnout
sicher zu diagnostizieren, noch, einem Menschen,
der sich ausgebrannt fühlt, zu beweisen,
dass er kein Burnout(-Syndrom) hat». Die Studie
von Hillert und Marwitz halten fest: «Es ist
schlicht Energiemangel infolge von vorangegangener
Überstrapazierung. Die Batterien der
Betroffenen sind leer.» Burnout hat keine deutlichen
Anfänge oder Enden. Es schleicht sich
über unterschiedlichen Energieverbrauch ein
und lässt sich durch individuelle Aufarbeitung
eindämmen. In welcher Hinsicht Rückstände
bleiben, so lässt sich höchstens sagen, dass der
Betroffene sich mit seinen Grenzen und Kräften
seinen Möglichkeiten und Freuden besser
kennenlernt. Aronson, Pines und Ditsa fassen
zusammen und schreiben einfühlend: «Dieses
ausserordentlich schmerzliche und quälende
Erlebnis ist durch geeignete Gegenmassnahmen
zu bewältigen. Es kann den Weg zu
klareren Einsichten in das Selbst weisen, das
Einfühlungsvermögen anderer Menschen gegenüber
verfeinern und wichtige Lebensveränderungen,
Wachstum und Entwicklung einleiten.
Menschen, die das Ausbrennen erlebt und
überwunden haben, finden fast ausnahmslos zu
allgemein besseren, anregenderen und weniger
einengenden Lebensbedingungen.» Mit dem
Zurückgewinnen der Kontrolle über die realistischen
Leistungsmöglichkeiten sowie den
PSYCHOLOGIE IM ALLTAG
Inne- und Aushalten
Von Ursula Lüthi
eigenen Bedürfnissen und Wünschen, kann
dem Ausbrennen entgegengewirkt werden und
Kraftquellen wieder belebt werden. Dies erfordert
jedoch ein Bewusstwerden der eigenen
Bedürfnisse und Wünsche und eine ernstzunehmende
Zeitspanne der Reserveschaffung
für eigene Kräfte; das heisst, der Mensch muss
sich selber wieder lieb werden und Leistung
für sein Wohlbefinden erbringen lernen. Das
Nein-Sagen gegenüber nächsten Personen ist
oftmals beizuziehen, Pausen machen darf nicht
mit schonungslosem Freizeitstress ausgefüllt
sein und es gilt zu akzeptieren, dass auch die
Stärksten irgendwann einmal ihre Ressourcen
verbraucht haben und dies keine Unmenschlichkeit
an sich ist, sondern zum Zyklus von
Leistung und Wertschätzung im Zusammenleben
mit Arbeit, Familie und Freunden jedem widerfahren
kann - so beraten Litzcke und Schuh.
Das Ausbrennen «hält uns nicht den Spiegel
vor, sondern bietet Hilfen zur Bewältigung
der beschriebenen Zustände. Das Ausbrennen
kann man meiden. Wo es eingesetzt hat, kann
man den Prozess bremsen und rückgängig machen»,
schreiben Aronson, Pines und Ditsa. Es
bedarf in gewissem Sinne einer Trauerphase,
um sich von alten, verfahrenen Mustern von
Beruf und Leben zu verabschieden und sich
neuer Lebensqualität und Leistung bewusst zu
werden. Aronson, Pines und Ditsa raten weiter:
«Wir empfehlen allen Leuten, nicht immer zu
wiederholen, was sie gut können, sondern ihr
Leben und ihren Beruf durch Abwechslung und
neue Herausforderung vielfältiger zu gestalten.
Wenn man mit neuen Ideen, Fertigkeiten und
Annäherungsversuchen experimentiert, kann
man sich selbst auch einmal gestatten, nicht
ganz perfekt zu sein»; und: «Um Erfolg zu einem
positiven Lebensereignis zu machen, muss
man lernen, erfolgreich vollbrachte Leistungen
in Ruhe zu geniessen und dieses Erlebnis zu
einem Teil des Selbst zu verarbeiten, ehe man
sich aufmacht, um neuen Herausforderungen
zu begegnen»,so Aronson, Pines und Ditsa.
(Alle Quellenreferenzen sind aus gestalterischen
Gründen unterlassen.)
Signale von Innen empfangen Im Buch «Das
psychosomatische Lexikon, das schon beim Lesen
hilft: Mein Körper - Barometer der Seele»
von Jacques Martel (Psychotherapeut) findet
sich folgende Sprache zum Burnout-Syndrom
oder zur Erschöpfung: Ein Burnout-Syndrom
äussert sich im Allgemeinen, wenn ich einen
Kampf um ein bestimmtes Ideal erfolglos aufgegeben
habe. Die in die Umsetzung dieses
Ideals investierte Zeit und Energie sind so
gross, dass ich erschöpft und krank geworden
bin. Es handelt sich um eine tiefe innere Leere,
weil ich eine Situation ablehne, in der ich eine
wirkliche, konkrete und dauerhafte Veränderung
sehen möchte, beispielsweise an meinem
Arbeitsplatz, in meiner Familie oder meiner
Partnerschaft. Ich bin Perfektionist und opfere
mich auf, ich will meine Ideale erreichen.
Vielleicht ist es auch ein Teil meiner selbst,
den ich nicht akzeptiere. Ich fühle mich so, als
ob ich gegen die ganze Menschheit kämpfen
müsste, da es mir so scheint, als ob sie meinen
Erwartungen und tiefen Überzeugungen nicht
entspricht. Warum weitermachen? Ich gebe
auf, es wird mir zu viel. Es handelt sich um
eine Art Zwang, denn ich will das System mit
neuzeitlicheren Methoden um jeden Preis ändern.
Wenn ich den Eindruck habe, dass ich die
Welt retten muss, dann muss ich sofort meine
Einstellung überprüfen. Ein Burnout-Syndrom
ist auch eine Art Flucht. Ich sollte mich fragen:
Wovor will ich durch mein exzessives Arbeiten
flüchten? Habe ich Angst, mit mir alleine
zu sein? Brauche ich einen Vorwand, um nicht
mit einem Lebenspartner zusammen zu sein,
den ich nicht mehr ertrage? Was will ich beweisen,
während ich gleichzeitig vor der Angst
vor Misserfolg flüchte? Die Symptome eines
Burnout-Syndroms sind ziemlich deutlich:
geistige und körperliche Erschöpfung, nachlassende
Lebensenergie, unzusammenhängende
Gedanken! Zuerst kommt die Erschöpfung und
dann die Ruhe und Erholung, damit ich meine
Energien wieder aufladen kann. Vor allem
muss ich aufhören zu glauben, dass ich es allen
recht machen muss! Das ist eine Idealvorstellung
und die Wirklichkeit liegt darin zu wissen,
dass ich für das, was ich zu tun habe, mein
Bestes gebe und mich vollständig einbringe. So
finde ich wieder Gelassenheit, inneren Frieden
und wirkliche Liebe in meinem Handeln. In
der Kurzform schreibt Martel zur Bedeutung
des Burnout-Syndroms: «Das Burnout-Syndrom
steht oft im Zusammenhang mit der Flucht vor
einer starken Gemütsbewegung, die bei der Arbeit
oder anderen Beschäftigungen auftritt.»
16

ensuite
Das Abonnement
Monatlich, 11 Ausgaben,
inkl. Kunstmagazin artensuite
K U L T U R M A G A Z I N
Ja, ich will ab sofort ensuite abonnieren (nur im ABO inklusive Beilage artensuite)!
✓Pro Jahr 11 Ausgaben (Juni/Juli ist eine Doppelnummer)
«Ein Kulturmagazin ist selbst ein Stück
Kultur - und Kultur ist Kultur und bleibt
diese im Herzen. Es geht dabei nicht um
Unterhaltung oder Nachrichten, sondern
um die dauernde Definition und
Standortbestimmung unseres Selbst.»
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und tun Sie damit nicht nur etwas für Ihr
persönliches Sozialleben: Ein Verlag lebt von
der Unterstützung der Abonnenten und damit
wird Kulturellem und der Kunst weiterhin ein
wichtiger Platz in der Medienwelt garantiert.
Die kulturelle Berichterstattung wird in den
Tagesmedien zum Massenprodukt gekürzt.
Berichtet wird noch, was alle oder nur Insider
interessiert - nicht aber, was entdeckt werden
muss. Täglich hören und sehen wir in den Tagesmedien
und Fernsehstationen Glimmer und
Glamour, Stars und Sternchen. Das Kleine, Feine,
Sensible geht dabei oftmals verloren.
ensuite kann natürlich nicht alles thematisch
auffangen. Aber wir versuchen zumindest,
ohne zu Werten Themen darzustellen
und sichtbar zu machen. Wir sind sozusagen
die Nase im Wind: Viele KünstlerInnen und
Kulturschaffende haben wir entdeckt, bevor
diese in der Masse vorgestellt wurden. Dass
uns dabei die Tagesmedien über die Schultern
gucken, ist kein Geheimnis mehr.
Ein Kulturmagazin ist selbst ein Stück Kultur.
Tragen wir Sorge darum - mit einem Abonnement,
welches uns selbst verpflichtet, unsere
Kultur weiterhin im Dialog zu behalten.
Für jene, die ein ensuite-Abonnement verschenken,
haben wir auch ein kleines Geschenk
bereit: «The artist’s residence: Donal McLaughlin».
Donal war von Februar bis Juli 2004 in
Bern und hat seine Erlebnisse in einem kleinen
Büchlein verewigt. Das «artist’s-in-residence»-
Programm wurde von der Stadt Bern und dem
Kanton Bern mitfinanziert. Das Büchlein ist
mehrheitlich in englischer Sprache geschrieben
- in original Irisch-Schottisch eben -, bis auf das
Interview von Stephan Fuchs mit dem Autor.
Füllen Sie einfach den untenstehenden Talon
aus und überlassen Sie uns den Rest. Apropos:
Mit einem Geschenk kann man auch ohne
Abonnement bei ensuite jemandem eine Freude
machen - das Büchlein gehört auf jeden Fall Ihnen.
Lukas Vogelsang
Chefredaktor
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PLZ, Wohnort
Ausgabe Bern / inkl. artensuite
Ausgabe Zürich / inkl. artensuite
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wird es automatisch um ein Jahr verlängert. Eine Kündigung ist jeweils jährlich,
2 Monate vor Ablauf des Abonnements, möglich.
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Ausgabe Bern, Zürich & artensuite
ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 17
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Kulturessays
KULTUR DER POLITIK
Keiner mag ihn hören
Von Peter J. Betts
«
Keiner mag ihn hören, keiner sieht ihn an, /
Und die Hunde knurren um den alten Mann.
/ Und er lässt es gehen, alles wie es will», so lauten
drei Zeilen aus dem letzten Lied von Schuberts
«Winterreise». Der Titel: «Der Leiermann»,
und den Text hat Wilhelm Müller (genannt
Griechen-Müller) geschrieben. Der Dichter hat
als Freiwilliger an den Befreiungskriegen teilgenommen
und starb vierunddreissigjährig 1827.
Das herzzerreissende Lied setzt sich mit einer
Gesellschaft auseinander, die, kurz charakterisiert,
zur Empathie unfähig ist. Sie denken
an das erste Drittel des neunzehnten Jahrhunderts?
Sie sind gebildet. Im Text geht es um einen
Randständigen, der barfuss auf dem Eis am
Leierkasten dreht, auch wenn sein kleiner Teller
immer leer bleibt; dieser Randständige wird
durch einen randständigen Sänger eingeladen,
zusammenzuspannen. Beide werden ungehört
und übersehen bleiben. Mit der Zeit wurde das
Lied selber aber durchaus gehört: in Salons, in
Konzertsälen, es liegt in Diskotheken und Plattensammlungen
auf, und heute habe ich es mit
einer originellen Begleitung durch ein kanadisches
Bläserensemble am Radio gehört. Dietrich
Fischer-Dieskau und Gerald Moore haben uns
zusammen sehr eindrückliche Interpretationen
hinterlassen. Andere auch. Kulturerbe: gepflegt.
Im Bahnhof Bern finden sich keine Bettlerinnen
oder Bettler. Der Fluss der Eilenden repräsentiert
eine Gesellschaft, in der es jeder und jedem
einzelnen gut geht: Einzeln fotografiert, zeigen
sie alle zähnefletschendes Lächeln. Das entblösste
Gebiss deutet nicht nur auf Aggression hin.
Die u.a. fotografischen Kosmetikvorschriften
haben uns schon längst das Lesen natürlicher
Zeichen unzugänglich gemacht. Haltung, bitte
schön. Auch nach dem kleinen Rückschlag der
UBS und den unstetig, aber stets ansteigenden
Krankenkassenprämien, der zunehmenden Menge
Arbeitsloser, der Zwang der Spekulierenden,
nach neuen Jagdgründen zu suchen, den nachlassenden
Exportzahlen der Metallbranche. In
der Laube unter dem Käfigturm sitzen am Eingang
links und rechts am Samstag während des
Einkaufwettrennens je ein altersloser Mann auf
einem Stühlchen. Auf ihrem Plakätchen steht:
«Wir sammeln für die Gassenküche». Keiner
mag sie hören, keiner sieht sie an. Am Radio hat
kürzlich ein Neurobiologe erklärt, warum gerade
auch bei jüngeren Menschen die Fähigkeit
zur Empathie abnimmt. Durch vorgeburtliche
und frühkindliche Traumata entstünden u.a.
mess- und nachweisbare Veränderungen in den
jungen Gehirnen, die offenbar für alle Zeiten
Unfähigkeit zur Empathie zementierten. So erklärten
sich nicht nur die Lust, mit groben Schuhen
so lange nach liegenden Opfern zu treten,
bis sie tot oder lebenslänglich behindert seien,
sondern es erkläre auch, warum zahllose Menschen
in Managementpositionen, ohne Rücksicht
auf jegliche Verluste anderer, sich selbst
bereicherten. Was muss also den gewissenlosen
Spitzenmagern (und den vereinzelten Spitzenmanagerinnen)
in ihren Mutterbäuchen oder
kurz nach der Geburt zugestossen sein? Auch
ich begreife, dass, wenn man bis ein paar Tage
vor der Geburt unter Vollstress arbeiten muss,
wenig Zeit, Musse, Zuwendungsmöglichkeit
auf das im Bauch wachsende Kind mobilisiert
werden können. Nein, ich bin nicht dagegen,
dass Frauen im Erwerbsleben eine entscheidende
Rolle spielen, im Gegenteil; aber vielleicht
müsste nach kindförderlichen Möglichkeiten
bei Zusammenarbeitsformen gesucht werden?
Nach kindförderlicher Zusammenarbeit in der
Gesellschaft überhaupt? In unserer Gesellschaft
gäbe es doch Möglichkeiten dazu, wenn nicht
alle, Männlein und Weiblein und möglichst früh
schon Kindlein dem allen physikalischen Prinzipien
spottenden Mehr, Mehr, Mehr nachhechelten?
Anderseits: Einem Grossteil der Bevölkerung
Deutschlands muss von 1933 bis 1945
zunehmend jegliche Empathie völlig abhanden
gekommen sein. Wie erklärte sich sonst das von
fast allen mitgetragene Morden an Millionen
von Menschen in den KZs? Es kann sich bei diesem
Gewissensmangel nicht nur um die Bösen
in Deutschland gehandelt haben. Es hat sicher
vor allem auch bei den Guten funktioniert. Das
macht Angst. Was ist in Deutschland nach dem
Zusammenbruch 1945 abgelaufen? Und 1929:
global? Wann hat die Kreativität in Destruktion
umgeschlagen? Warum? Und was eigentlich
ermöglicht die globalisierte Ausbeutung heute,
von uns allen mitgetragen? Wenn man still die
hetzenden Ströme im Bahnhof Bern, unbehindert
durch Bettlerinnen und Bettler, beobachtet;
wenn man das durchstrukturierte, zahlenmässig
stetig abnehmende Pflegepersonal in Spitälern
erlebt, alle politisch korrekt, freundlich die entblössten
Zähne bleckend, ungeheuer effizient
und bis zum Brechen unter Druck; wenn man
das Publikum beim Laubenbogen am Käfigturm
an den beiden Männern, die für die Gassenküche
sammeln, vorbeiströmen sieht, kommt einem
vor allem unsere Unfähigkeit zu Empathie
in den Sinn. Anderseits: In München gab es zum
Beispiel bereits 1946 (bis 1949) «die Schaubude»;
mitten im Trümmerfeld des Landes entstand
ein Kabarett, das Tausende von Verzweifelten,
Mut- und Perspektivelosen besuchten; zeitkritische
Kunst, Kunst als Motor zu Selbstkritik, als
Ansporn, im Interesse aller kreativ zu werden,
die Menschlichkeit wieder zu entdecken. Empathie
im Verbund mit Vernunft. Schriftsteller
mit Berufsverbot während der Nazizeit, andere,
die emigriert und zum Wiederaufbau zurückgekehrt
waren, hochkarätige Künstlerinnen und
Künstler verwendeten Geist als unverzichtbaren
Rohstoff gegen das Chaos. Der «Pinguin», eine
Kinderzeitschrift, wurde gegründet und im Rowohlt
Verlag herausgegeben («Pinguin ist mein
Name... Ich rede, wie mir der Schnabel gewachsen
ist... Ich lache, wie es mir gefällt... Ich will
euch begeistern für all das, was wir selber tun
können, um uns selbst ein besseres Leben zu
schaffen...»). Von der Destruktion zur Kreation.
Damals ein langer Weg. Und dann kam das
Wirtschaftswunder. Und heute? Den Blick starr
auf den Bildschirm fixiert, im Ohr das akustische
Individualprogramm: effiziente Vorstudien
zum Autismus. Und dabei, glaube ich, dass
Kinder noch immer kreativ wären. Ich klaue
Kästner eine Idee. Erich Kästner, eine zentrale
Kraft in jenem existentiellen geistigen Aufbau
in den Nachkriegsjahren in Deutschland, plädiert
(damals...) erfolglos für eine geniale Idee:
ein Projekt zur Errichtung ständiger Kindertheater
(«Die Klassiker stehen Pate», Oktober 1946,
«Neue Zeitung»). In festen Häusern spielen Kinder
für Kinder, einmal als Zuschauende, einmal
als Schreibende, Spielende, Regieführende, Bühnenbildmalende,
und all das in Zusammenarbeit
mit hervorragenden Künstlerinnen und Künstlern,
die einen glaubwürdigen Zugang zu Kindern
haben und anständig bezahlt werden. Das
Theater: Drehscheibe der Kultur. Wie finanzieren?
Eben: Oft gespielte Autoren und Autorinnen,
für deren Stücke, fünfzig Jahre nach ihrem
Tod, keine Tantiemen bezahlt werden müssen
und wohl nicht zuletzt deshalb bei Theaterleitungen
beliebt sind, werden wieder tantiemenpflichtig.
So würden Sophokles, Shakespeare,
Molière, Büchner und so weiter und so fort eben
zu Paten... Vielleicht würde, da ja eh Tantiemen
bezahlt werden müssen, sogar gelegentlich mit
zeitgenössischen DamatikerInnen zusammengearbeitet:
ein schönes Nebenergebnis. Die
Plüschpaläste und deren hehre Besucherschaft
bekämen endlich wieder existentiellen Sinn.
Lächeln ohne Zähnefletschen? Ein Beitrag, die
Fähigkeit zur Empathie in unserer Gesellschaft
wieder zu entdecken? Warum nicht angesichts
der keineswegs unproblematischen Gegenwartssituation
HEUTE DIE VERANTWORTUNG FÜR
MORGEN ÜBERNEHMEN?
18

CARTOON
Kulturessays
www.fauser.ch
VON MENSCHEN UND MEDIEN
Wenn Berner Medien tagen
Von Lukas Vogelsang
Es kommt mir vor wie ein Besuch in einem
Sozitreff. Der 19. Berner Medientag
ist besucht von hoffnungsvollen VisionistInnen,
die nichts zu sagen haben, entlassenen
GewerkschaftlerInnen, die viel fordern, und
einem Mittelfeld, welches man sofort vergessen
hat. Ich zähle mich zu der ersten Kategorie.
Das Fordern der zweiten Gruppe ist nicht
mein Ding und mit dem langsamen Sterben des
Mittelfeld will ich nichts zu tun haben. Doch
der Medientag ist eine hervorragende Sache,
da sich hier eine Branche begegnen kann, die
zwar täglich in den Medien präsent ist, jedoch
kaum Zeit findet, den KollegInnen mal die
Hand zu schütteln – auch wenn es schlussendlich
nur ein Kragenweinen ist. Der Ort des
Treffens, das neu renovierte Gebäude der SRG,
Radiostudio Bern, war ein ideal neutraler und
protziger Ort.
Das Tagesthema «Ist die abonnierte Zeitung
am Ende?» hatte aber diesmal so wenig Spuren
hinterlassen wie die Frage selbst. Das hat zum
einen mit der falschen Zusammensetzung der
Referenten zu tun, zum anderen mit der flachen
Diskussion. Immerhin sind am Medientag nur
professionelle Medienschaffende anwesend.
Als dann ein Journalist an dieser Form Kritik
übte, wurde er mit einer übermässigen Tirade
abgekanzelt. Zu Unrecht, denn der Einwurf
war an diesem Nachmittag mit Abstand die
lebendigste Interaktion. Denn die Verlegerrepräsentatoren
von Tamedia, Ueli Eckstein (Verlag)
und Arthur Vogel («Bund»), taten, was sie
in solchen Momenten immer tun: Schönreden.
Auffallend dabei war die sichtliche Distanzierung
vom ehemaligen «Bund»-Chefredaktor
Hanspeter Spörri, der sich von dem immer unsinnigere,
arrogante Haltungen einnehmenden
Arthur Vogel zentimeterweise entfernte. In den
Diskussionen auf der Bühne wurde dann auch
schnell klar, dass Vogel und Eckstein keine Ahnung
haben – wohl von Zahlen, aber nicht von
ihrer funktionellen Aufgabe. So selbstherrlich
kann kein nüchterner Medienverlagsvertreter
daherreden – oder wenn, dann müssten die Resultate
entsprechend stimmen.
Beat Soltermann vom DRS konnte mit seinem
Referat am meisten Punkte sammeln –
leider ist mir nichts hängen geblieben davon.
Aber in Erinnerung habe ich Souveränität,
klare Argumente und dass er keinen Anzug,
dafür ein fürchterliches rosa Hemd trug. Urs
Rueb von der Media Plus glänzte typisch als
Vertreter der Werbebranche, der mit sehr
vielen Worten immer weniger sagte und jede
Diskussionsmöglichkeit zum Erliegen brachte.
Das Einzige, was er auslöste, war ein Stöhnen
im Publikum. This Born, ein jüngerer Nachzögling
der «Berner Zeitung» und Student der Uni
Freiburg, erzielte mit seinem Vortrag über die
E-Reader, also den elektronischen Papierlesegeräten,
über die er anscheinend eine Studie
geschrieben hatte, keine Aussage. Während
seinem Referat fragte ich mich ernsthaft,
ob Universitäten noch in irgendeiner Weise
brauchbar sind. Er hätte genauso gut Rüstmesser
für die Gemüseküchen verkaufen können.
Neu war hier nichts – schon gar nicht für die
JournalistInnen.
Was mich allerdings faszinierte, war der
Fakt, dass die Verlage mit der Swisscom im
E-Reader-Bereich Arbeitsgruppen gebildet haben.
Damit zeigten sich die Medienleute wieder
bereit, den Markt an die Konkurrenz weiterzugeben.
Den Autohandel haben die Medien
an die IT-Firmen verloren, die Immobilien und
die Stellenmärkte ebenfalls. Jetzt bereiten sie
sich vor, auch den elektronischen Vertrieb der
Zeitungen der Telekommunikationsbranche
abzugeben. Die Schweizer Medien haben keine
Märkte geschaffen, sondern sich immer wieder
nur als Trittbrettfahrer versucht und schlussendlich
klein beigegeben. Jetzt jammern sie.
Investitionen wurden nur im Gratisbereich gemacht
– neue Märkte wurden nicht erschlossen.
So investierten die Tamedias, Ringiers, NZZs
Millionen in neue Gratiszeitungen oder Gratisangebote.
Doch ins Internet wurde nicht ein
Bruchteil davon investiert – und wenn, dann
schrecklich schlecht und unwissend.
Wenn Berner Medien tagen, dann bringen
sie die ganze Visionslosigkeit ans Licht. Schade.
Dafür brauchen wir keinen Medientag. Das
demotiviert die Hoffnung der letzten JournalistInnen
und freut all jene, die erkannt haben,
dass immer noch nicht die Quantität, sondern
die Qualität Massstäbe setzt. Und zum Schluss:
Der Berner Medientag hat zwar eine eigene
Webseite, doch in der Presse war kaum ein
Wort über den Nachmittag in der SRG/DRS
nachzulesen. Und wieder eine vertane Chance,
neue Medien zu nutzen...
ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 19

Literatur
An diesem sonnigen Märztag gestattete
er sich auf dem Fussweg in die Stadt einen
Umweg und geriet in ein schmales, abfallendes
Strässchen überm Fluss. Hier standen
Villen und Vorgärten, wo man eben dran war,
den Kies zu rechen und den Boden unter den
Büschen zu säubern. Still war es sonst um diese
frühe Nachmittagsstunde - die Stille schien
aus der Vornehmheit der Villen mit den verschwiegenen
Parks zu kommen, und ein langsam
fahrendes Auto vermochte sie kaum zu
durchbrechen.
Aus einem halboffenen Gartentor kam unvermutet
eine Tigerkatze herangerannt, drückte
sich auch gleich mit hochgestelltem Schwanz
LITERARISCHE FRAGMENTE 1
Seit jeher unterwegs
Von Konrad Pauli
zwischen seine Beine. Er fuhr ihr über das
knisternde Fell, und zum Dank bohrte sie ihre
feuchte Nase und auch den Kopf in seine hohle
Hand. Die Katze schnurrte so vernehmlich, als
wolle sie mitteilen, er möge doch nie mehr aufhören
mit seinen Zärtlichkeiten. Er hatte Zeit
und war neugierig, wie lange die Katze Lust
zum Verweilen haben würde. Ihr und ihm gefiel
das Beisammensein so sehr, dass sie sich
wechselseitig diesen Gefallen taten.
Auf einmal knirschten Schritte im Kies hinter
der Hecke, und ein kleines blondes Mädchen
schlüpfte aus dem Tor, kauerte zu der Katze
hin und half sogleich mit, sie zu streicheln.
Wohlig streckte und reckte und kugelte sich
ensuite
«Kultur braucht Plattform»
die Katze und genoss die doppelte Zuwendung
in vollen Zügen. Bald fanden der Mann und das
Mädchen zu ungezwungener Plauderei. Ohne
Scheu erzählte das Mädchen von dem Tier, das
sie zu Weihnachten von Mama geschenkt bekommen
habe. Jetzt sei Frühling, endlich dürfe
sie mit der Katze im Garten spielen, sie habe
bloss ein wenig Angst, das Tier laufe weg. Der
Mann und das Mädchen gerieten plaudernd
und streichelnd in einen Eifer, dass sich ihre
Hände im Katzenfell zuweilen berührten, und
zum feinen Haar kam die zarte Kinderhaut.
Lange hatten die Drei so miteinander zu tun,
ohne dass ein falscher Ton, gar ein Missgriff
die Innigkeit und Schönheit des Augenblicks
getrübt oder zerstört hätte.
In seinem Rücken spürte der Mann auf einmal
ein Auto langsam heranfahren, und wie er
sich umwandte, sah er zwei Polizisten aus dem
Wagen steigen. Als gäbe es etwas zu verscheuchen,
blieben die Uniformierten stehen, hatten
freilich nicht im Sinn, sich am Streicheln zu beteiligen.
Höflich verlangte man seine Ausweispapiere.
Diesen Unterbruch nutzte die Katze,
endlich zum Haus zurückzueilen, und das
Mädchen rannte ihr nach. Die Papiere waren
in Ordnung, aber im Gesicht der Beamten klebte
das Misstrauen. Endlich vernahm der Mann,
die Polizei habe einen Anruf erhalten, draussen
auf dem Gehsteig spiele ein Mann mit einem
blonden Mädchen, eine Katze sei auch dabei,
und man wisse ja, so etwas diene oft bloss als
Vorwand zu Schlimmem. Der Mann verzichtete
auf die Rechtfertigung, es sei ganz und gar
nichts dabei gewesen im Spiel mit der Katze
und dem Mädchen, zu sehr hatte er das Verweilen
genossen. Während die Beamten ins Auto
stiegen und lange nicht wussten, ob sie weiterfahren
wollten, setzte der Mann seinen Weg
fort. In seiner Hand nahm er den Duft von Tier
und Mädchenhaut mit. An einem Brunnen ging
er vorbei, hütete sich aber, sie zu waschen, war
sie doch in keinerlei Weise schmutzig geworden.
Konrad Pauli ist Schriftsteller aus Bern.
20

Literatur-Tipps
Djebar, Assia: Nirgendwo im
Haus meines Vaters. Roman. Aus
dem Französischen von Marlene
Frucht. S. Fischer Verlag. Frankfurt
am Main 2009. 442 Seiten.
ISBN 978-3-10-014500-0.
Krausser, Helmut: Einsamkeit
und Sex und Mitleid. Roman.
DuMont. Köln 2009. 223 Seiten.
ISBN 978-3-8321-8092-8.
Krohn, Tim: Ans Meer. Roman.
Galiani. Berlin 2009. 303 Seiten.
ISBN 978-3-86971-002-0.
Eine Reise in eine andere Welt
Assia Djebar: Nirgendwo im Haus meines Vaters.
Roman. Aus dem Französischen von Marlene
Frucht.
«
Nirgendwo im Haus meines Vaters» ist
wohl das persönlichste Buch der bekannten
algerischen Autorin Djebar.
Sie schildert hier ihre Kindheit und Jugend,
ihrem strengen, doch liebevollen Vater
scheint sie aufs Tiefste ergeben. Die elegante,
europäisch anmutende Mutter bewundert und
liebt sie. Sie erzählt uns von ihrem Leben in
der Lehrerwohnung, von ihren Gängen durch
das Dorf an der Hand ihrer im städtischen Stil
verhüllten Mutter, welche nicht nur unter den
Einheimischen, sondern auch unter den französischen
Kolonialisten Begehrlichkeiten weckt.
Diese fühlt sie, wenn sie sie auch als Kleinkind
nicht in Wort fassen könnte.
Wir erfahren vom Tod ihres kleinen Bruders,
der mit nur sechs Monaten verstorben ist,
und über den in der Familie nicht gesprochen
werden darf.
Sowohl im Dorf als auch später in der Internatschule,
wo die arabischen Mädchen unter
den «Französinnen» eine Minderheit darstellen,
repräsentiert Fatima/Assia das Andere.
Sie ist ein Hybrid in einer Welt, welche sich
mit klaren Grenzen konstitutiert: hier sind die
Besatzer, dort die Einheimischen. Doch sie,
das kleine und später das grössere Mädchen,
scheint keines von beidem zu sein.
Auf diesem Weg, der ein einsamer ist, weil
sie in einer Welt des Ausschlusses gross wird,
verleiht ihr die Literatur Flügel. Das erste französische
Gedicht, welches ihr von ihrer Französischlehrerin
Madame Blasi vorgetragen wird,
empfindet sie als Offenbarung. Sie, die schüchterne
Elfjährige sieht einen Kosmos jenseits
ihres bisherigen vertrauten.
Assia Djebar ist ein sensibles, kluges Buch
über ihre ersten und ganz persönlichen Schritte
als Beobachterin und Schriftstellerin gelungen.
Sie lässt uns eintauchen in ein Leben, das heute
so fern und in ihren Beschreibungen doch so
nah scheint. (sw)
Bäumchen wechsle dich in der Grossstadt
Helmut Krausser: Einsamkeit und Sex und Mitleid.
Roman.
Vincent, ein Berliner Callboy, sitzt an Weihnachten
allein über seinem Bier, um kurz
darauf in seiner Wohnung eine Einbrecherin
zu überraschen, doch statt die Polizei zu rufen,
lässt er die vor Schmutz starrende junge Frau
ein Bad nehmen und verliebt sich ins sie. Ekki,
zwangspensionierter Lateinlehrer, trifft ebenfalls
am Weichnachtsabend in seiner Stammkneipe
Nachtmar auf die beleibte Kellnerin Minnie,
deren grosse Leidenschaft den teuren Cauldron
Chips gehört. Julia König hingegen beschliesst,
sich gerade an diesem Abend bei ihrem alljährlichen
Sushi-Ritual von ihrem Mann Uwe, einem
Marktleiter, zu trennen.
Im Mai, fünf Monate später also, werden Dr.
Thomas Stern im ICE von Berlin nach Bielefeld
die Schuhe geklaut. Diese, weisse Sneakers, tauchen
kurze Zeit später an den Füssen von Holger,
einem Punk, in Berlin wieder auf. Holger, seines
Zeichens etwas exaltiert, mischt eine Gruppe von
jungen Obdachlosen in einem Abbruchhaus neu
auf und gebärdet sich als neuer Leader, wozu
ihm unter anderem der Überfall auf Uwe König
verhilft. Janine hingegen, Primaballerina aus
Darmstadt, heute Tanzlehrerin in Berlin, macht
mit eben diesem Uwe alias Brandbeschleuniger
im Internet Bekanntschaft. Seine baldige Exfrau
Julia hingegen bestellt sich Vincent zu sich nach
Hause. Ekki, der seinen Rauswurf aus dem Gymnasium
bis heute nicht ganz verwunden hat, entführt
Sonia, die kleine Schwester von Swentja,
welche damals das Gerücht von einem sexuellen
Übergriff gestreut hat. Swentja verliebt sich Hals
über Kopf in Muhammad, obwohl eigentlich mit
dem gläubigen Johnny liiert.
Der Reigen, welchen Krausser in seinem Roman
entspinnt, erinnert nicht nur von ungefähr an
Schnitzler und dessen gleichnamiges Werk. Doch
fehlt es ihm, wenn man sich auch der Situationskomik
oftmals nicht zu entziehen vermag, einerseits
an Leichtigkeit, und andererseits an Tiefe.
Die Charaktere geraten zu reinen Abziehbildern,
Anekdote folgt auf Anekdote. Berlin verkommt
hier zum Dorf mit der Dorfkneipe Nachtmar, die
alle früher oder später betreten, in der sie feiern,
sich betrinken, verlieben und demütigen lassen.
Ein etwas zweifelhaftes Lesevergnügen. (sw)
Von Glarus an die Ostsee
Tim Krohn: Ans Meer. Roman.
Unser Schweizer Kultautor schenkte uns
«Quatemberkinder» und «Vrenelis Gärtli».
Nun hat er aber offenbar Grösseres im Sinn. Den
deutschen Markt nämlich gilt es zu erobern.
Nicht ungeschickt und ganz in der Manier
eines waschechten Enthüllungsromans beginnt
er im Jetzt und arbeitet sich dann mittels Rückblenden
zu des Pudels Kern vor.
Wir lernen Anna kennen, eine junge Psychologin,
deren drängender Kinderwunsch dazu
führt, dass sie ihren zeugungsunfähigen Freund
Kalle verlässt, nachdem dessen Geheimnis
durch Dritte enthüllt wird. Sie sehnt sich nach
ihrer einstigen Weggefährtin Josefa zurück,
welche nach dem Tod ihrer Mutter Margot, an
dem Anna nicht unbeteiligt war, das Dorf und
vor allem das Wochenendhäuschen sowie ihr
geliebtes Segelboot an der Ostsee verlassen hat.
Der draufgängerische Vater trinkt sich danach
innerhalb nur weniger Monate zu Tode. Josefa,
inzwischen im Tessin, nimmt die Nachricht offenbar
ohne grosse Gefühlsregung entgegen. Sie
wird bald darauf Mutter von Jens, den sie, nach
einem Ortswechsel nach Zürich alleine grosszieht.
Mehr schlecht als recht bringt sie sich und
ihren Jungen durchs Leben, dennoch gehören
die Kapitel, welche sich Josefa und Jens widmen,
zu den stärksten des Buches. Hier erleben
wir Krohn als feinfühligen Beobachter und nicht
als verkappten Psychologen. Denn sein neuer
Roman verkommt allzu oft zu einem psychologischen
Ratgeberbuch mit der Kernbotschaft:
Man muss die Vergangenheit aufarbeiten, wenn
man im Hier und Jetzt leben will.
Josefa nun hat nämlich nie erfahren, dass
ihre Mutter nicht etwa Suizid begangen hat,
nachdem sie ihren Vater mit einer anderen überrascht
hatte, sondern dass sie an einem Aneurysma
gestorben ist, welches nun auch Josefas
Leben bedroht. Ein Seilziehen um Jens beginnt.
Der Enthüllungen sollen noch so einige folgen.
Insgesamt vermag Krohn mit seinem Roman
nicht zu überzeugen, dies mag vor allem daran
liegen, dass er sich allzu oft in Klischees verfängt.
Fazit: Etwas weniger dick aufgetragen,
wäre eindeutig mehr. (sw)
buchhandlung@amkronenplatz.ch
www.buchhandlung-amkronenplatz.ch
ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 21

Tanz & Theater
PAPPTHEATER
Theater Zinnober / o.N.
aus Berlin
Von Robert Salzer – Ein freies Theater seit 1979 Bild: zVg.
«Es war einmal ein Mann, der hatte
einen Esel, welcher schon lange Jahre
unverdrossen die Säcke in die Mühle
getragen hatte. Nun aber gingen die
Kräfte des Esels zu Ende, so daß er zur
Arbeit nicht mehr taugte...» So beginnt
die Geschichte der «Bremer Stadtmusikanten»,
wohl einem der bekanntesten
Märchen der Brüder Grimm, das auch
heute noch, fast 200 Jahre nach dessen
Erscheinen, den Zuschauern und
Zuhörern Freude bereitet.
Um die Phantasie von Kindern anzuregen
braucht es oft nicht viel. Eine Leinwand,
Schattenfiguren aus Pappkarton, einige Kerzen
und drei Spieler: So sieht die Anordnung der
Stadtmusikanten in der Version von Uta Schulz,
Günther Lindner und Iduna Hegen, dreien Mitgliedern
des Theater Zinnobers, aus. Mit einfachen
Musikinstrumenten und viel Gesang wird
das Märchen untermalt.
Das Theater Zinnober wurde 1979/1980 von
Puppen- und Schauspielern gegründet. Es war
das erste und lange Zeit einzige freie Theater
der DDR. Dass die Aufführung vor 25 Jahren in
Berlin Premiere hatte, kann ein Kind nicht verstehen.
Muss es auch nicht, denn die Freude an
der Geschichte vom Esel, dem Hund, der Katze
und dem Hahn, die in ihrer Funktion nicht
mehr gebraucht werden und nun Stadtmusikanten
werden wollen, überwiegt. Die «Bremer
Stadtmusikanten» sind eines der ersten Stücke
im deutschsprachigen Raum, in welchem die
Puppenspieler sich nicht mehr hinter Wänden
und im Dunkeln hinter den Figuren verstecken,
sondern offen zeigen. Was heute eigentlich
gang und gäbe ist – der Spieler nimmt als
Erzähler, Spielender oder Figur der Geschichte
selbst eine Rolle auf der Bühne ein - hatte damals
seine Wurzeln. Erst haben das Stück die
eigenen Kinder der Spieler gesehen und nun
sind gar schon die Enkelkinder an der Reihe,
was eigentlich so nicht gedacht gewesen sei.
Im Interview sagt die Gruppe, dass sich in
dieser langen Zeit nicht viel verändert habe.
Die Geschichte sei die gleiche geblieben, die
Figuren immer noch aus der alten DDR-Pappe.
Sie staunen heute wie damals, wie sich die Kinder
im Zeitalter von Elektronik und Fernseher
auf einfache Dinge konzentrieren, auf die reduzierte
Ästhetik des Stücks einlassen können.
Die Spieler seien mittlerweile etwas älter und
faltiger geworden. Wichtig ist den dreien, dass
sie das Stück nicht durchgängig spielen, sondern
selten, damit es auch für sie frisch bleibt.
Ganz bestimmt verändert hat sich die Interpretation
des Stücks. In der DDR-Zeit hatte es
auch eine politische Komponente. Wenn Tiere
sich aufmachen nach Bremen zu gehen - das
kann auch anders verstanden werden. Eine
gewisse Sprengkraft habe das Stück schon
gehabt, aber die DDR-Obrigkeit konnte ein
Kindermärchen nicht gut verbieten. Wenn Uta
Schulz jeweils sagte: «Da machten sich die drei
Landesflüchtigen auf...» habe es im Osten jedes
Mal einen Lacher gegeben. «Landesflüchtige»
war damals ein Reizwort, ist aber auch original
Grimmsche Sprache. Diese politische Komponente
war so von den Künstlern gar nicht intendiert.
Man wollte einfach nur dieses schöne
Stück machen, mit Tieren und Räubern.
Im Abendprogramm der Gruppe war im Zürcher
Theater Stadelhofen das Kunstmärchen
«Zar Saltan» von Puschkin zu sehen. Diesmal
steht Uta Schulz alleine auf der Bühne. Erst
ist sie nur Erzählerin, beginnt die Geschichte
des Zaren Saltan, seiner Gattin und deren Sohn
zu berichten. Plötzlich aber bricht sie aus ins
Spiel, ist mal Zar Saltan, dann dessen Ehefrau,
Sohn Gwidon und dessen Schwanenprinzessin.
Rasch wechselt sie zwischen den Charakteren,
zwischen Kopfbedeckungen, Kostümen,
Stimmfärbungen und singt, spielt, erzählt oder
tanzt, dass es eine wahre Freude ist. Puschkins
Märchen erzählt eine Geschichte über das Erwachsenwerden,
über einen Jungen, der Respekt
von seinem abwesenden Vater erlangen
will, bis er diesen nicht mehr braucht, weil er
seinen eigenen Weg gefunden hat und geht.
Aber auch Magie, Neid und Liebe kommen bei
Puschkin nicht zu kurz. Uta Schulz schafft es
auf eindrückliche Weise, all dies in einer Person
zu bündeln. Mit traumwandlerischer Sicherheit
navigiert sie durch den in Versform
abgefassten Text von 1840 - dabei helfen ihr
Holzorgelpfeifen, die sie mal zu Schiffshörnern
wandelt, mal als Teile der Stadt in Szene setzt.
Von diesen einfachsten Mitteln verzaubert,
lässt man sich bereitwillig in eine andere Welt
entführen, in der es noch Zaren gibt und sprechende
Schwäne...
Das Theater Zinnober zeigt sich an diesem
Nachmittags- und Abendprogramm von zwei
völlig unterschiedlichen Seiten und genau diese
Vielfalt zeichnet die Truppe aus. Die Freude
am Geschichtenerzählen, sei es mit Figurenoder
Sprechtheater, führt dazu, dass die Truppe
auch 30 Jahre nach ihrer Gründung jung
und alt begeistert.
Nächste Spieltermine:
16. bis 20. Dezember: «Die Weihnachtsgans
Auguste» (der Kinderbuchklassiker als farbiges
Schattentheater für Kinder ab 6) und «Marley»
(ein Weihnachtslied in Prosa von Charles Dickens,
Abendprogramm)
Infos: www.theater-stadelhofen.ch
22

Tanz & Theater
BÜHNE
Weltbürger oder Neandertaler?
Von Alexandra Portmann Foto: Philipp Zinniker
«Die Kunst des zivilisierten Umgangs»
ist das brüchige Schlagwort in Yasmina
Rezas «Der Gott des Gemetzels».
Seit dem 6. November ist das Erfolgsstück
in der Inszenierung von Gabriel
Diaz in den Vidmarhallen des Berner
Stadttheaters zu sehen.
Das Publikum trifft auf eine in ein Terrarium
versetzte Designerwohnlandschaft,
in der verschiedene Repräsentationsgüter der
modernen Wohlstandsgesellschaft angeführt
sind. Die weisse, zum Sofa passende Nespressomaschine
steht auf einem separaten Tisch mit
weissem Service, bereit, die Gäste reichlich mit
Kaffee zu versorgen. Kunstbücher und frisch
aus Holland importierte Tulpen unterstreichen
die zivilisierte Idylle, die von Paolo Contes «Via
con me» begleitet wird. Der sterile Glasboden
unterstreicht die tadellose Ordnung eines Mittelklassenhaushaltes.
Die angestrengt wirkende
Gemütlichkeit wird von Bühnenbildner Beni
Küng offensichtlich durchbrochen. Unter dem
Glasboden befindet sich ein wild mit Pflanzen
überwucherter Erdboden, der mit einzelnen
Versatzstücken der westlichen Zivilisation, beispielsweise
einer Coladose, versehen ist. Die
grüne Pflanzenwand im Hintergrund der Bühne
entpuppt sich während der Vorstellung als
multifunktionale Küche und die Toilette ist mit
Schilf überwachsen. Das Wilde scheint in Diaz’
Inszenierung in die geometrische Ordnung des
Menschen einzubrechen. Das Thema des Stückes
ist expliziert und ein Theaterabend voller
Gegensätze kann beginnen. Mensch gegen Natur,
Nespresso gegen Rum, Weltbürger gegen
Neandertaler.
Ausgangspunkt des Stücks ist das Treffen
zweier Elternpaare, dessen Anlass ein Streit
zwischen ihren Söhnen ist. Der elfjährige Ferdinand
hat seinem Klassenkameraden Bruno
während eines Streits mit einem Bambusstock
einen Schneidezahn ausgeschlagen. Diese
scheinbar absichtliche Aggressivität seitens
Ferdinands wird von Brunos Eltern nicht einfach
hingenommen. Deshalb laden sie Ferdinands
Eltern zum gemeinsamen Erfassen des
Tatprotokolls ein. Es soll ein vernünftiges, fast
freundschaftliches Gespräch über die pädagogischen
Konsequenzen des Vorfalls werden,
doch das Treffen läuft anders als geplant. Mit
den zwei Elternpaaren treffen zwei Lebenskonzepte
aufeinander. Auf der einen Seite stehen
die Eltern des Opfers, Véronique und Michel,
gespielt von Sabine Martin und Ernst C. Sigrist.
Sie sind die Repräsentanten der integren
Kunstliebhaber, versucht, ihren Kindern all das
beizubringen, was die Schule versäumt. Auf
der anderen Seite sind Alain und Annette, die
Eltern des Täters. Heiner Take und Marianne
Hamre zeigen, gestylt und gestresst, die Stereotypen
der erfolgreichen Upperclassgesellschaft.
Alain, Anwalt eines Pharmakonzerns,
stört den Verlauf des Gesprächs durch ständige
Handytelefonate. Sein offensichtlicher
Wunsch, die erzwungene Zusammenkunft so
schnell wie möglich zu beenden, provoziert Michel
und Véronique umso mehr, die Dringlichkeit
des Gesprächs immer wieder aufs Neue
zu betonen. In einer zivilisierten Welt ist das
Gespräch der einzige Weg zur Konfliktlösung.
Ausfallendes Verhalten ist unerwünscht, wird
aber gerade dadurch herbeigerufen. Je länger
sich die vier Personen gemeinsam im Terrarium
aufhalten, desto häufiger werden Verhaltensregeln
gebrochen. Das Gespräch entwickelt sich
von der geschickten Argumentation über die
plakative Schuldzuweisung bis hin zur offenen
Beleidigung. Der Kaffee wird durch Rum aus
Guadeloupe ersetzt und das nervige Handy landet
in der Tulpenvase. Die Paargemeinschaften
werden aufgebrochen, deren Zugehörigkeit
hinterfragt und die Wohnlandschaft verwüstet.
Dabei wird nichts ausgelassen. Der Kreativität
der Zerstörung sind keine Grenzen gesetzt.
Das Chaos bricht in die Ordnung ein.
Rezas Stück parodiert den Kosmos der modernen,
zivilisierten, bürgerlichen Gesellschaft
und untersucht so deren Konfliktpotential. Das
Stück läuft, vom Motor des Textes angetrieben,
wie «geschmiert». Die treffsicheren Pointen
sind platziert und ansprechend. Rhythmus und
Ruhe, Nähe und Distanz sind die Pulsadern des
Stücks. Gabriel Diaz und sein Ensemble zeigen
die Gegensätze und Widersprüche, die bereits
durch das originelle Bühnenbild eingeführt
wurden. Die Situationskomik wird durch Rezas
bissige Dialoge garantiert und in Rekurs
auf unser aller Alltagserfahrung sowie auf die
kleinen Nachbarschaftskämpfe verspricht die
Berner Inszenierung von «Der Gott des Gemetzels»
einen unterhaltsamen Theaterabend.
Weitere Vorstellungen:
05. Dezember: Vidmar1
13. Dezember: Vidmar1
19. Dezember: Vidmar1
27. Dezember: Vidmar1
08. Januar 2010: Vidmar1
09. Januar 2010: Vidmar1
Infos: www.stadttheaterbern.ch
ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 23

Tanz & Theater
ROCCHIPEDIA
«Bern ist mein Gotthard»
Von Luca D’Alessandro Bild: Michael Stahl
«RocCHipedia» ist eine Parodie auf die
Entstehungsgeschichte der Eidgenossenschaft;
eine Schweiz-Enzyklopädie
aus der Feder des Kabarettisten Massimo
Rocchi. Die Geschichte beginnt mit
den drei Vertretern von Uri, Schwyz und
Unterwalden, die sich auf der Rütliwiese
«zum Brätlä» treffen und aus purer
Geselligkeit – typisch schweizerisch
– einen Verein gründen: die Eidgenossenschaft.
Rocchi durchstreift die Ereignisse
der vergangenen Jahrhunderte
und bringt sie in Verbindung mit dem
heutigen Schweizer Alltag – zu dem
übrigens auch er gehört: Er legt seinen
italienischen Mantel ab und zieht sich
das Schweizer Trikot über.
Massimo Rocchi hat sich mit der Kultur
seiner neuen Heimat befasst wie kaum
ein anderer. Er hat sich in die Bibliotheken
und Archive begeben, Universitätsprofessoren
um Rat gebeten und Museen besucht. Er
ist eingetaucht in die Eigentümlichkeiten der
Eidgenossenschaft, die geschichtlichen Ereignisse
hat er bis ins letzte Detail studiert. Entstanden
ist «RocCHipedia», eine Lektion der
besonderen Art.
In «RocCHipedia» lässt der Komiker keine
Wissenschaft aus: Er nimmt die Konkordanz
auf die Schippe, steckt Calvin und Zwingli in
den Zwinger, analysiert Gesellschaft und Religion,
Sport und Technik, Kunst und Kultur.
Es ist eine Enzyklopädie, die uns in die Täler
der Urschweiz führt, hinauf ins Gotthardmassiv,
dann wieder hinunter nach Mailand,
genauer nach Marignano, wo 1515 eidgenössische
Söldner erfolglos das Herzogtum Mailand
gegen ein übermächtiges französisches Heer
verteidigten. «Seither leiden Schweizerinnen
und Schweizer am Marignano-Komplex», so
Rocchi, «die Geburtsstunde der Neutralitätspolitik.»
Rocchi selbst hat einen Wandel vollzogen.
War er 1994 in seinem Bühnenprogramm
«Äuä» noch der überwältigte Italiener, der seine
ersten Eindrücke vom Grenzübertritt Italien-
Schweiz und die Begegnung mit den Bernern
beschreibt, wandelte er sich in den darauf folgenden
zehn Jahren zum Italo-Schweizer. Dieses
Thema führte er in «Circo Massimo» aus.
«RocCHipedia» vollendet die Trilogie: Rocchi
macht den Schritt und wird Schweizer. «Rocchipedia
war ein grosser Schritt für mich.»
Ist das jetzt dein letzter gewesen?
Ich weiss es nicht. Die Arbeit an «RocCHipedia»
hat meine gegenwärtige Identität eindeutig
definiert.
Deine Identität als Kabarettist oder als
Mensch?
Ein Kabarettist bezieht sich immer auf das
Leben. Er braucht die Fiktion, um sich mit der
Realität zu konfrontieren. In «Äuä» thematisierte
ich den typischen Italiener, in «Roc-
CHipedia» hingegen lebe ich meine Rolle als
Schweizer. Es brauchte Zeit, mich zu diesem
Schritt zu überwinden, ganze sechzehn Jahre.
Was ist deine Botschaft?
Ich will zu meiner Aussage stehen und bekräftigen,
Schweizer zu sein. Ich kann nicht
den Schweizer Pass benutzen und gleichzeitig
so tun, als wäre ich Franzose, Engländer oder
Italiener. Ein Pass ist kein Taschentuch, das
man sich bei Bedarf unter die Nase reibt. Er
symbolisiert eine Identität. Immer bekomme
ich von Italo-Schweizern zu hören: «Wir sind
Italiener» oder «Ich fahre heim nach Italien».
Mit solchen Äusserungen kann ich nichts anfangen.
Ich lebe in der Schweiz, benutze die
Infrastruktur, bezahle Steuern. Kurzum: Ich
interagiere mit meinem Umfeld. Wenn ich also
ins Ausland fahre, bekenne ich mich zu meiner
Identität als Schweizer, zu den Privilegien
und Rechten, die ich hier geniessen darf. Ich
wünschte mir, alle Einwanderer, die heute in
Italien leben, hätten ähnliche Privilegien. Das
ist leider nicht der Fall. Sie dürfen sich am politischen
Geschehen nicht beteiligen. Ich als
24

Auslanditaliener habe quasi mehr Mitspracherecht
als die Einwanderer in Italien. Das finde
ich nicht gerecht.
Wie ist diese Aussage in Zusammenhang
mit «RocCHipedia» zu verstehen?
Ich habe eine Bühnenshow verfasst, die
sich nicht auf ein geografisches Territorium
bezieht, sondern auf eine Kultur, die mich von
Anfang an geschätzt hat. Diese Kultur wird von
Menschen geprägt, die mir zugehört haben, als
es schwer war, mich überhaupt zu verstehen.
Zu ihr bekenne ich mich heute, obwohl es
trendiger wäre zu sagen «I am English», «Je
suis français» oder «Je suis marocain». Wenn
wir sagen, wir seien Schweizer, geben wir
uns bescheiden und erwecken den Eindruck,
Bürger eines Zweitliga-Landes zu sein: Profiteure,
geldbesessen, reich und protzig. Warum
eigentlich? Wir leben in einem wunderbaren
Land, das wir tagtäglich aufs Neue mitgestalten.
In «RocCHipedia» will ich die Leute motivieren,
sich als Teil der Schweiz zu sehen.
Da fällt mir dein Leitspruch ein: «Es isch
eso und fertig.»
Ein Leitmotiv, das am Ende der aktuellen
Show mit dem Satz «Es isch eso und faht ersch
aa» durchbrochen wird. Wir Schweizer müssen
selbstbewusster werden und nach vorne schauen.
Sind es externe Faktoren, die dich dazu
bringen, dich so deutlich zur Schweiz zu bekennen?
Unter anderem auch. Es gibt Menschen in
Italien, die – wenn ich sie sehe – immer wieder
behaupten: «Für euch in der Schweiz ist alles
einfach». Ich bin Schauspieler, ich gehe nicht
um halb zehn in eine Bar, um es mir bei einem
Cornetto und Cappuccino gut gehen zu lassen.
Ich stehe um halb sieben auf und beginne zu
arbeiten. In der Schweiz ist nichts einfach, du
musst etwas leisten. Es ist ein Land mit einer
starken sozialen Kultur und das Denken ist
gemeinhin liberal. Als Einwanderer habe ich
erleben dürfen, wie gut ich in der Schweiz aufgenommen
worden bin.
Trotzdem: Schweiz ist nicht gleich Schweiz.
Am deutlichsten sind die Unterschiede entlang
der Sprachgrenzen erkennbar…
…das ist korrekt…
…und nächstens wirst du im Théâtre Boulimie
in Lausanne auf der Bühne stehen. Wirst
du da dieselben Anekdoten bringen wie in Zürich?
Wieso nicht? Ich spreche überall von denselben
Dingen – sowohl in der Westschweiz,
als auch in Zürich oder in Bern. Da mache
ich keinen Unterschied. Wenn ich in Zürich
einen Witz über die Romandie mache, werde
ich diesen auch in Lausanne bringen. Wir
müssen aufhören, allbekannte Klischees unter
den Teppich zu kehren. Es gibt sie ja! Es ist
notwendig, dass darüber geredet wird. Ich setze
mich für den offenen Dialog ein. Ich habe
schwarzafrikanische Freunde, die mir gegenüber
immer wieder betonen «I am black». Ich
antworte jeweils «Schatz, ig bi e Tschingg.» Solange
ich nämlich von mir selbst behaupte, ein
«Tschingg» zu sein, kann mein Gegenüber das
nicht mehr sagen. Ich sage es ja selbst.
Willst du damit einer möglichen Beleidigung
zuvorkommen?
Ich will die Worte befreien – die Angst wegnehmen.
Welche Angst?
In der Schweiz hat man stets das Gefühl,
sich für alles rechtfertigen zu müssen. In
«RocCHipedia» spreche ich vom «Marignano-
Komplex», sprich: sich nirgends einmischen
wollen und es möglichst allen Recht machen.
Wieso diese Bescheidenheit? Die Schweiz war
im neunzehnten Jahrhundert eines der ersten
Länder, das Eisenbahnlinien gebaut hat und
heute über ein vorbildliches ÖV-Netz verfügt.
Wir dürfen zu dem stehen, was wir sind.
Dann würdest du also behaupten, in der
Schweiz funktioniere alles reibungslos?
Nein, nicht alles. Aber es funktioniert – «ça
marche.»
Und in Italien?
Italien ist mir egal. Wenn ein Volk dreimal
denselben Premierminister an die Macht stellt,
liegt das Problem nicht in der gewählten Person,
sondern im Land selbst. Ich mag nicht
über ihn sprechen, denn er interessiert mich
nicht. Ich habe mein Zuhause in Basel gefunden,
wo ich meine eigene Kultur erschaffen
durfte. Alle Italiener, die in der Schweiz leben,
haben sich ihre eigene Kultur geschaffen. Sie
sind Schweizer.
Trotzdem werden sie im Alltag als Italiener
gesehen.
Das mag sein, aber sie verhalten sich wie
Schweizer. Sie stehen um halb sieben Uhr auf,
fahren zur Arbeit, gehen am Abend ins Kino
oder ins Theater.
Dich zieht es schon bald nach Bern. Für Dezember
und Januar sind Auftritte im «Zelt» geplant.
Welche Bedeutung hat Bern für dich?
Ah, Bern! Ich liebe es. Hier hat alles angefangen.
Bern ist mein Gotthard.
Infos: www.massimorocchi.ch
Viele Aufführungen von Massimo Rocchi sind
ausverkauft. Hier hat es noch Tickets:
Donnerstag 17.12 / 20 h
Kursaal, Interlaken
Freitag 15.01 / 20 h
Casino, Frauenfeld
Montag 18.01 & Dienstag 19.01. / 20 h
Das Zelt, Langenthal
Freitag 22.01 / 20 h
Bürenmatte, Suhr
Samstag 23.01 20 h & Sonntag 24.01. / 18 h
Kreuz, Jona-Rapperswil
Freitag 29.01 / 20 h
Das Zelt, Lenk
INSOMNIA
Von Eva Pfirter
DÄHEI
Jeweils ab der dritten Stunde, in der ich
durch Zürichs Strassen schlendere, überfällt
mich der unerklärliche Drang, den Zug
Richtung Bern zu besteigen. Ich denke zwar
daran, dass ich noch ins Landesmuseum könnte,
dass ich noch dieses und jenes sollte – aber
ich tue es nicht. Plötzlich überkommt mich
die Sehnsucht nach Bern, nach den Strassen
von Bern, nach der Sonne von Bern, nach dem
Licht von Bern. Warum? Jedes Mal, wenn ich
im Hirschengraben ankomme, frage ich mich
das: Warum? Warum kann ich hier ankommen?
Was macht Bern aus? Was macht dieses
Gefühl von Zuhause, von «dähei» aus?
Das Zuhause ist nicht nur der Ort, wo unser
Bett steht und ein paar gute Freunde wohnen.
Es ist mehr als das. Das richtige Zuhause ist
ein Ort, wo wir uns auch bei den Menschen in
den Strassen zu Hause fühlen. Zumindest bei
den meisten von ihnen.
Von diesem Ort gibt es manchmal mehr als
nur einen, aber doch nur ganz, ganz wenige.
Denn es ist eine geheimnisvolle Mischung, die
das Gefühl von «dähei» ausmacht. Es ist die
Art, wie die Luft in der Abendsonne flimmert,
es ist das Rattern des Trams, das gemächlich
um die Ecke biegt, es ist das Gesicht der
Bäckersfrau, die uns wohlwollend anschaut,
wenn wir ihr am Morgen in Trainerhosen und
ungekämmt begegnen. Es ist die hügelige
Landschaft, in der wir uns geborgen fühlen, es
ist die Art, wie der Mond vom Himmel scheint,
es sind die Fussgänger, die uns nicht hastig
abdrängen von unserem Plätzchen auf dem
Trottoir. Es ist der Geruch der Aare, der in
der Luft hängt, es ist das Lachen der Kinder
in der Quartierstrasse, es ist der Duft des Kaffees
unserer Lieblingsbar.
Es mag pathetisch klingen, aber der Ort,
den wir Zuhause nennen, ist derjenige, an dem
unsere Seele ankommen kann. Milan Kundera
hat so Liebe definiert: Wenn die Seele an die
Oberfläche des Körpers steigt. Ich glaube, bei
dem Ort unseres Herzens ist es genau so: Die
Seele schaut vorsichtig hinter dem Ohrläppchen
hervor, weil es ihr wohl ist, weil sie sich
strecken und recken kann.
Manchmal gibt es zwei dieser Orte auf der
Welt und jedes Mal, wenn man den einen verlässt,
zieht es in der Brust und man hätte Lust,
sich unter einem Rockzipfel zu verstecken
und nicht mehr fortgehen zu müssen. Und
doch gehen wir immer wieder fort und das ist
auch gut so. Denn irgendwo da draussen liegt
vielleicht ein anderes Fleckchen Erde, das uns
ganz unverhofft ankommen und bleiben lässt.
ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 25

KONZERTE
IM PROGR
CabaneB
Mühledorfstr. 18
3018 Bern
1. – 24.
Dezember
HKB
Adventskalender
Jazz, Weltmusik, neues Songwriting und Elektronik: bei bee-flat
prägen schweizer ische und internationale Bands ein Live-Programm,
das Innovation und Qualität bietet – jeden Mittwoch und jeden
Sonntag in einem der stimmungsvollsten Lokale in Berns Stadtmitte.
02.12.09 Selah Sue (Belgium) / Aliose (CH)
04.12.09 Electronic Tribal Dancefloor
06.12.09 Hell's Kitchen (CH)
09.12.09 In The Country (Norway)
13.12.09 Dhafer Youssef Quartet (Tunisia)
16.12.09 Emily Loizeau (France)
20.12.09 Hildegaard lernt fliegen (CH)
23.12.09 Feigenwinter 3 (CH)
27.12.09 Erika Stucky – Bubbles & Bangs (CH)
06.01.10 Stefan Aeby Trio (CH)
08.01.10 Electronic Tribal Dancefloor
10.01.10 Rupa & The April Fishes (USA)
13.01.10 Eivind Aarset Sonic Codex 4tet (Norway)
17.01.10 Fatoumata Diawara (Mali)
20.01.10 Anna Aaron (CH)
24.01.10 Gutbucket (USA)
27.01.10 Filewile (CH)
31.01.10 New Generation Orchestra (CH)
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Music & Sounds
Music & Sounds
SZENE BERN
15 Jahre Subversiv Records
Ich weiss ja nicht, wie es Ihnen geht, wenn
Sie sich so richtig in ein Thema reinknien -
bei mir besteht immer die Gefahr, dass mir das
eine oder andere dann auch verleidet. Momentan
geht es mir mit meiner Musik so. Sie ist
mir über, es tönt gerade alles gleich. Soul, Jazz,
Hip-Hop: na ja... Gähhhn. Und weil die Welt irgendwie
doch ganz gut eingerichtet scheint,
komme ich auf Umwegen dazu, einen Artikel
zu schreiben, der sich um ein Label dreht, das
all den Sound vertritt, von dem ich keine Ahnung
habe. Subversiv Records wird fünfzehn
Jahre alt und ich muss - damit ich nicht ganz
unwissend bin - Musik hören, die mir die Zähne
zum Flattern bringt. Es ist ein Riesenspass,
sag ich Ihnen. Ich schlage mir hier lauter Genres
um die Ohren, die ich in keinster Weise
zuordnen kann, mir fehlt jede Referenz, ich
drehe die Anlage auf und lasse mir von Gitarren,
Schlagzeug, Bass und rauen Stimmen das
Testosteron erklären.
Ziel eines jeden Labels, welches mehr als
einen Musikstil vertritt, ist es wohl, die geneigten
Zuhörer ein wenig aufzuknöpfen und einen
Musikgeschmack soweit auszudehnen, dass
mehrere Stilrichtungen darin Platz finden. Im
besten Fall ist ein Label eine Qualitätsgarantie,
welches allen Musikliebenden ermöglicht, im
heutigen Überfluss zu ihrem Stoff zu kommen,
ohne sich gross zu verfransen. Auch wenn Musik
zum festen Bestandteil fast jeden Alltags
gehört, ist es abseits vom Mainstream extrem
schwierig, sich zurechtzufinden. Die Suche
nach guter Musik wird also durch das Label
Von Ruth Kofmel Bild: zVg.
des Vertrauens enorm erleichtert und Subversiv
Records ist ganz offensichtlich eines dieser
Labels, welches sogar Novizinnen innerhalb eines
Nachmittags dazu bringt, mit dem festen
Vorhaben durch die Welt zu gehen, mehr «so
Gitarremusig» zu hören.
Angefangen hat das alles aber natürlich viel
bescheidener: Wie tönen Berge eigentlich?
Massiv. Kein Wunder also, verschreibt sich
eine Horde Teenager, umgeben von hohen Gipfeln,
massiver Musik. Subversiv Records fand
seinen Anfang auf einem Pausenhof im Berner
Oberland, dort war die Tauschbörse für Kassetten
mit Musik der härteren Gangart. Es musste
anders klingen als das übliche Pop-Rock-Gesäusel,
welches einem Teenager in ländlichen
Schweizer Regionen Mitte der Neunzigerjahre
serviert wurde. Am besten war Musik aus Amerika;
wo Grosses auch gross klingt. Rund zehn
Jungs fanden sich also zusammen - aber nur
Musik zu hören und darüber zu lesen reichte
als ernstzunehmende Revolution gegen das Alteingesessene
nicht aus und sie wollten selbst
Hand anlegen. Also fuhren sie nach Bern, kauften
ein paar Instrumente und legten los. So entstanden
zwei Bands: Unhold und Amokadatum,
sie spielten bald die ersten Konzerte, und auf
Kassetten aufgenommen und vervielfältigt wurden
diese ihren Fans zugänglich gemacht; das
Grafiktalent unter ihnen erschuf ein zeitloses
Sujet - Subversiv Records war aus der Wiege
gehoben. Dieser eingeschworene Kreis huldigte
der Musik und weitete sich im Verlauf der
Jahre von den Höhen aus in die Niederungen.
In den Jugendtagen wurde das Fundament gelegt
und man war mit Feuereifer, Improvisation
und durchwachten Nächten mit dabei. Das Anderssein
war Programm, dem Untergrund anzugehören
ist es gewissermassen immer noch.
Die Lebensläufe der Bergbuben entwickelten
sich selbstverständlich in verschiedene Richtungen,
ein harter Kern hat aber die fünfzehn
Jahre überdauert und ist mit ungebrochener
Energie am Werke. Dazu gehören Dani Fischer
und Philipp Thöni, die zwei «Chefs» von Subversiv
Records.
Für viele stellt sich einmal die Frage, wie
es mit den jugendlichen Passionen weiter geht:
Entweder abgeklärt werden oder aber die Idee
verfolgen, das Feuer weiter brennen lassen.
Professioneller versteht sich, organisierter,
vielleicht etwas vernünftiger - aber es ist immer
noch dasselbe Feuer und es schlägt einem im
Gespräch mit Dani auch ungebremst entgegen.
Der Treibstoff ist an diesem Abend Koffein in
seinen verschiedenen Erscheinungsformen, die
Sätze sprudeln und zwischendurch eignet sich
ein Holzstäbchen und ein Glas optimal, um die
Erzählungen nebenbei mit kleinen Rhythmen
zu unterlegen. Dani erzählt davon, wie das Label
kontinuierlich gewachsen ist. Wie er mit
24 Jahren nicht mehr in der Bank, sondern
im Plattenladen arbeiten wollte und das auch
tat. Wie er immer mehr über Musik lernte und
lernte, seinem Gespür für Qualität zu vertrauen.
Wie er sich immer noch die Nächte um die
Ohren schlägt, um Bands zu hören, die vielleicht
auf das Label passen würden. Kurz: Er
ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 27

Music & Sounds
erzählt davon, wie er die Musik zu seinem Lebensinhalt
gemacht hat. Wie sein Alltag davon
durchdrungen ist, das Private ins Berufliche
spielt und umgekehrt, er also eigentlich immer
mehr oder weniger am Arbeiten ist - es klingt
anstrengend und sehr, sehr spannend.
Der zweite im Bunde, Philipp Thöni, ist einerseits
als Grafiker eine bestehende Grösse
und widmet sich andererseits mit ebenso viel
Begeisterung der Musik. Bei der Labelarbeit
ist er vor allem für den visuellen Auftritt zuständig,
berät, setzt um und hilft auch sonst
wo er kann. Grafik und Musik sind für ihn eng
verknüpft, genaustes Analysieren der Plattencover
gehörte für ihn von Anfang an dazu und
hat seinen Zeichenstil massgeblich geprägt.
Auch für ihn war es immer Ziel und Wunsch,
die Musik fest in seinem Leben verankert zu
wissen, auch er lebt ein Leben, dass sich nicht
in Arbeit und Freizeit einteilen lässt - es sind
lediglich verschiedene Formen der Umsetzung
von Gedanken und Empfindungen. Philipp
kommt ins Philosophieren, wenn er nach den
Beweggründen für das fünfzehnjährige Bestehen
sucht: Es sei eine Eigenart von ihnen,
dieser Zusammenhalt, das Weitermachen, wohl
auch eine gewisse Sturheit; und es sei auch
nicht immer lustig, aber je länger man dabei
sei, desto mehr fühle man sich irgendwie auch
verpflichtet und zugehörig - ganz ähnlich einer
Familie.
Selbstverständlich muss auch die Familienfeier
zum Fünfzehnten mächtig werden. Mehrere
Nächte lang gibt es in der Stadt Bern einen
regelrechten Subversiv-Marathon, praktisch
alle Bands des Labels werden im Verlauf dieses
Wochenendes ihre Verstärker hochschrauben
und in alles reinhauen, was da an Tasten, Saiten,
Klangkörpern zur Verfügung steht, Stimmorgane
frohgemut in den Ruin treiben und dem
lieben Gott Musik seine Ehre erweisen. Damit
auch der visuelle Hunger gestillt wird, ist ein
abendfüllender Film abgedreht, der die Labelgeschichte
nacherzählt: «Unter Strom» von Jan
Mühlethaler und Matthias Hämmerly ist eine
Collage von altem und neuem Filmmaterial aus
der Subversiv-Welt und dürfte für Neulinge wie
alte Hasen ein wahrer Leckerbissen sein.
JAZZ MUSIK
Das Monster von Loson
Interview: Luca D’Alessandro Bild: zVg.
Der Tessiner Pianist Gabriele Pezzoli
kommt ins Moods nach Zürich. Am 22.
Dezember stellt er gemeinsam mit Cédric
Gysler am Bass und Roberto Titocci
am Schlagzeug sein Konzept eines
Rendez-vous vor. Das gleichnamige Album
führt er mit im Gepäck.
Am Lago Maggiore lebt ein Monster – «il
mostro del pianoforte», wie der Jazzpianist
aus Losone, Gabriele Pezzoli, in Tessiner
Jazzkreisen hochachtungsvoll bezeichnet wird.
Nach Abschluss seines Musikstudiums in Lausanne
macht sich der Tessiner gemeinsam mit
dem Kontrabassisten Cédric Gysler und dem
Schlagzeuger Roberto Titocci auf, um schrittweise
die Jazzbühnen im Tessin und Norditalien
zu erobern. Das Unterfangen gelingt. So gut,
dass das Montreux Jazz Label Gefallen an Pezzoli
findet und die Kosten für die Produktion
zweier Tonträger übernimmt. «Rendez-vous»,
das zweite Album, ist seit April 2009 auf dem
Markt und setzt im Bereich des Piano-Jazz
neue Massstäbe.
ensuite - kulturmagazin hat sich das Album
geschnappt und sich über das Coverbild mit
dem kargen Baum und den daran hängenden
roten Pullis gewundert. Gabriele Pezzoli half
mit bei der Deutung des Bildes und gab mit
seinen Argumenten einen Vorgeschmack auf
das bevorstehende Konzert im Moods in Zürich.
ensuite - kulturmagazin: Gabriele Pezzoli,
das Feedback auf dein Album ist – durchs Band
weg – positiv. Wie erklärst du dir diesen Erfolg?
Gabriele Pezzoli: Vermutlich hat das mit der
ausserordentlich guten Qualität der Aufnahmen
zu tun.
Du gibst dich bescheiden. Die musikalische
Substanz ist doch auch was Wert.
Natürlich, ich möchte jedoch die Qualität
der Aufnahmen hervorheben. Diese sind im Artesuono
Recording Studio in Udine, Norditalien,
entstanden. Artesuono ist eines der besten
Aufnahmestudios überhaupt in Europa, dessen
Besitzer, Stefano Amerio, sich im Gebiet der
Akustikaufnahmen einen Namen gemacht hat
und genau weiss, worauf es ankommt.
Im Albumbooklet ist ein weiteres Studio erwähnt:
Das Canaa Studio in Losone, deiner Heimatgemeinde.
Gehört das dir?
Nein, Mauro Fiero. Im Canaa haben Roberto
Titocci, Cédric Gysler und ich den Feinschliff
gemacht, also jenes Material, welches wir in
Udine aufgenommen hatten, gestrafft und passend
zusammengefügt. Am Ende ist das entstanden,
was wir uns vorstellten.
Das wäre?
Die Vertonung unseres Konzepts einer Begegnung
– eines Rendez-vous.
In deinem Fall keine einfache Aufgabe: Jedes
Mitglied des Trios lebt in einer anderen Schweizer
Stadt.
Cédric Gysler und Roberto Titocci haben
mit mir in Lausanne Musik studiert. Bereits
während des Studiums arbeiteten wir gemeinsam
in verschiedenen Projekten. Danach trennten
sich zwar unsere Wege, trotzdem ist der
Kontakt geblieben. Wir pflegen einen regen
Austausch, dies mithilfe der modernen Kommunikationsmittel.
Man könnte demzufolge behaupten, dass die
CD «Rendez-vous» die Begegnung unter euch
Musikern versinnbildlicht?
Durchaus. In einem Rendez-vous fliessen
verschiedene Energien zusammen. Zwei oder
mehrere Personen beschliessen, sich zu treffen,
mit der Absicht, Erlebtes und Bevorstehendes
zu diskutieren. Dafür legen sie einen Termin
28

fest. Ob das Rendez-vous am Ende telefonisch,
übers Internet oder an einem definierten Ort
stattfindet, ist sekundär. Einzig der Zeitpunkt
muss harmonieren.
Und vermutlich auch der Inhalt der Diskussion.
Am Anfang nein, am Ende ja. Wenn wir
uns treffen, geht es erst einmal darum, unsere
Ideen und Visionen, seien sie noch so unterschiedlich,
unter einen Hut zu bringen. Das ist
gar nicht so einfach, der Nebeneffekt aber ist
sehr positiv: Die Kreativität geht uns nicht aus,
dadurch sind auch unsere Konzerte nie gleich.
Es gibt kaum etwas, das wir vorhersagen könnten.
Die Improvisation geniessen wir in vollen
Zügen.
Auch eine Improvisation muss nach einem
vordefinierten Schema ablaufen.
Den Pfad, den wir an unseren Konzerten
begehen, geben wir in den ersten drei Tönen
vor. Wir definieren einen Startpunkt und
der Rest ergibt sich von selbst. Wir sind ein
eingespieltes Team, hören uns zu, jeder wagt
einen Schritt nach vorne, dann wieder einen
zurück. Schritt für Schritt entsteht aus dieser
Arbeit eine Geschichte, von der nicht einmal
wir wissen, wie sie enden wird. Die Stimmung
während des Konzerts beeinflusst diesen Weg
wesentlich.
Zuerst kommt also die Stimmung und dann
die Geschichte?
So ist es.
Eure scheint eine abstrakte Geschichte zu
sein. Beim Betrachten des Albumcover fällt ein
Baum ohne Blätter auf. An ihm hängen vier rote
Pullis. Das Ganze macht einen bedrückten Eindruck.
Nein, das finde ich nicht. Ein Baum, der
keine Blätter trägt, kann voller Hoffnung sein.
Die Hoffnung, dass etwas wachsen wird, oder
anders gesagt, dass aus diesem leblosen Zue
stand Leben entsteht. Ehrlich gesagt, weiss ich
auch nicht, weshalb wir uns am Ende für dieses
Coverbild entschlossen haben. Vermutlich deshalb,
weil das Bild während der Produktion des
Albums die hitzigsten Diskussionen entfacht
hat. Oftmals haben wir uns gefragt: «Weshalb
spricht uns dieses Bild so an? Weshalb hängen
an ihm vier Pullis und nicht drei? Wir sind
doch ein Trio.»
Habt ihr eine Antwort auf eure Fragen gefunden?
Für mich steht der vierte Pulli für all die
Leute, die wir auf unserem musikalischen Weg
getroffen haben und in Zukunft treffen werden:
Journalisten, Tour-Manager, Techniker, Publikum.
Wer auch immer: Für mich ist das Cover
das perfekte Symbol eines «Rendez-vous».
Gabriele Pezzoli Trio in concert
22. Dezember: Gabriele Pezzoli Trio.
Moods im Schiffbau, Zürich, 20:30h
Diskographie
Rendez-vous, 2009 (TCB)
Improvviso, 2006 (TCB)
Infos: www.tcb.ch
Celtic
tunes
Neujahrskonzert
Sa, 02. Januar 2010
17h00, Kultur-Casino Bern
Andrey Boreyko Dirigent
Máiréad Nesbitt, Celtic Violin
Christian Holenstein, Horn
Michael Reid
Dudelsack
Emilie und
Sophie Rupp
Tap-Dancers
Karl Nesbitt
Flöte, Low Whistle, Bouzouki,
Bodhrán
Werke von:
Mendessohn, Balfe
Gould, McNeely, Downes
Sir Arnold, Sir Davies,
O’Foghl
«Wahlverwandtschaften»
Das Abonnement
Für BSO-Chefdirigent Andrey Boreyko
sind Seele und Mentalität von Mozart,
Tschaikowsky und Strawinsky sehr eng
miteinander verbunden. Ab Januar 2010
geht er diesen Bezügen in drei Konzerten unter
dem Titel «Wahlverwandtschaften» nach.
Folgen Sie dieser musikalischen Entdeckungsreise:
Sie werden die «Wahlverwandtschaften» besonders
eindrücklich erleben, wenn Sie alle
drei Konzerte besuchen – deshalb gibt es sie
auch im Abonnement mit 15% Rabatt
zum Einzelkartenpreis!
Alle Infos unter:
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Bern Billett, T: 031 329 52 52
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ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 29

«...das S
verzaubern
passion
Ingo Becker, Jahrgang 1944, ist im damaligen
Ost-Berlin aufgewachsen, ab 1958 in
West-Berlin, wo er nach vielen beruflichen
Umwegen ab 1966 an der Musikhochschule
Fagott studierte. 1971 erhielt er seine erste
Orchester-Stelle in Biel, von 1974-2009 war
er Solo-Fagottist im Berner Symphonieorchester.
In diesen langen Orchesterjahren
entfaltete er neben seinem musikalischen
Einsatz eine rege Anteilnahme am Geschick
des BSO mit gewerkschaftlich-hoffnungsvollem
Engagement.
Während mehr als 25 Jahren wirkte er an
der Musikschule Konservatorium Bern und
an der Berner Musikhochschule als Lehrer
für Fagott. Als Mitbegründer des Ensembles
«Die Schweizer Bläser-Solisten» hat er zahlreiche
Bearbeitungen für Bläserensembles
verfasst. Seit 1994 leitet er das Jugend-Sinfonieorchester
des Konservatoriums Bern.
Ingo Becker, mit dem Eintritt in das Bieler
Symphonieorchester hast du deine Laufbahn
als Fagottist begonnen. Das war im Jahre 1971.
Ende 2009 verlässt du als alternierender Solo-
Fagottist das Berner Symphonieorchester (BSO).
Das Erreichen des Pensionsalters erlaubt dir einen
Rückblick auf eine beträchtliche Zeitspanne.
Welche Veränderungen des Phänomens Symphonieorchester
ortest du von 1971 bis 2009?
Ingo Becker: Möglicherweise erleben wir einen
Bedeutungsverlust der klassischen Musik,
der Rechtfertigungsdruck fürs BSO war jedenfalls
noch nie so gross wie jetzt, und die Gewissheiten
von damals schwinden (was ja auch
schon unseren Vorgängern auffiel).
Auch bei meinem Start in Bern war das Orchester
keine Insel der Seligen, aber alles war
schön übersichtlich. Heute ist der Musikkonsum
deutlich anders, wir können auf «YouTube»
sehen, wie unterschiedlich weltweit Musik
gemacht wird, und wir stehen vor der Frage,
mit welchen Attraktionen man den Zuhörer
aufhorchen lassen kann.
Deine Ehefrau Elisabeth Becker-Grimm
führt ihre anspruchsvolle Arbeit als Mitglied
des Registers der 1. Violinen im BSO weiter. Du
bist ein Experte für die Anforderungen, die an
einen Solisten eines Symphonieorchesters gestellt
werden. Jedes Orchestermitglied kennt
den Dualismus Solo-Tutti. Wie definierst du ihn
gegenüber einem breiteren Publikum?
Unsere interne Hierarchie ist dem Publikum
ziemlich egal. Wichtig war mir immer die
Anerkennung für die Kollegen im Tutti, die
im Gegensatz zu uns Bläsern alles gemeinsam
spielen müssen, sie müssen eine unglaubliche
Anpassungsleistung an ihre Gruppe zeigen. Dafür
ernten sie aber immer wieder Missachtung
durch die Dirigenten, die hinteren Pulte werden
ja kaum wahrgenommen. Als Solobläser ist
man privilegiert, man darf Impulse setzen und
sich wichtig fühlen, und nach einer exponierten
Stelle gibt es ein freundliches «Bravo!» der
Kollegen und einen dankbaren Blick meiner
Frau. Anders an schlechten Tagen: Da bläst
man so schön ins Instrument und es kommt so
scheusslich raus!
In deinem Register arbeitet Monika Schneider
als gleichberechtigte Partnerin. Wenn man
euch auf dem Konzertpodium zuhört – aber
30 ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09

INGO BECKER
ymphonieorchester als
der Klangkörper, ein Ort
ierter Konzentration»
Interview: Karl Schüpbach Bild: zVg.
auch zusieht – fällt eine grosse Übereinstimmung
auf, wie zuletzt während des Konzertes
für Orchester von Bela Bartok. Welches sind
die Bedingungen für eine solche Harmonie zwischen
zwei Musikern in einer Position, die bestimmt
auch ihre Probleme beinhaltet?
Diese als verschworen erlebten Orchestermomente,
wenn es zwischen zwei Kollegen
kammermusikalisch knistert, sind unbeschreiblich!
Das Sich-Zuspielen, der musikalisch inspirierte
Dialog, der ja in die Partituren hineinkomponiert
wurde – das schafft Euphorie und
Dankbarkeit, umso mehr, wenn die Kollegin
etwas vom Tuten und Blasen versteht. Zuhören
können, aufeinander eingehen, sich anpassen:
Wir Orchestermusiker müssten doch eigentlich
die perfekten Lebens-Partner sein!
Das BSO ist ein Konzertorchester, das einen
Teil seiner Arbeit als Opernorchester im Stadttheater
Bern leistet. Wie hast du diese Doppelbelastung
empfunden?
Das war eher ein doppeltes Glück, in diesen
beiden Welten zu spielen. Schon der Blick hoch
in die 1. Reihe, und das Publikum strahlen oder
heulen sehen! «Figaros Hochzeit», «Salome»,
«Falstaff» sind selbst für uns Kellerkinder im
Orchestergraben ein Fest mit grossen Gefühlen.
Der Wahnsinn auf der Opernbühne, das
herzerweichende Singen (und die verschleppten
Tempi) dringen ja zu uns durch. Regenerierend
sind dann wieder die Ansprüche auf dem
Konzert-Podium: Hier geht es um musikalische
Inhalte, um das Symphonieorchester als verzaubernder
Klangkörper, ein Ort passionierter
Konzentration.
Als Leiter des Jugend-Sinfonieorchesters des
Konservatoriums Bern leistest du Jugendarbeit
und du hast dadurch Einblick in Probleme, die
unsere Jugend beschäftigen. Wie erklärst du
dir die enorme Spannbreite zwischen höchstem
Engagement – wie bei deinen jungen Musikerinnen
und Musikern – und sinnloser, stetig zunehmender
Gewaltbereitschaft der heranwachsenden
Generation?
Diese (männliche!) Generation wächst in
einer gewalttätigen Welt auf, aber es gibt ja
Hoffnung: Viele Projekte, die die Jugend an die
Musik heranführen, zzum Beispiel Menuhins
«MUSE» oder die Sistema-Bewegung in Venezuela
(«Gib mir deine Pistole und ich gebe dir
eine Geige»). Wir müssen allen Eltern und Erziehern
dankbar sein, wenn sie die Kinder instrumental
fördern können. Und ich erlebe junge
Leute, die mit glühenden Ohren richtig ernste,
grosse Kunst machen wollen - Kunst nicht
als Schmerzmittel fürs falsche Leben, sondern
als Schlüssel zur Überhöhung und Grenzerfahrung.
Etwas weniger geschwollen: Sie suchen
die Lust am Zusammenspiel und entwickeln
beträchtlichen Stolz aufs eigene Orchester.
Zurück zum Orchester: Die Struktur des
Orchesters und die Zusammenarbeit mit dem
Stadttheater sind Gegenstand von Diskussionen
auf politischer Ebene, mit vorläufig ungewissem
Ausgang. Wenn ich dich frage, wo das
BSO in zehn Jahren stehen wird, würdest du in
die Haut eines Propheten schlüpfen?
Unser absolut nicht elitäres Publikum sollte
unbedingt verhindern, dass sein Sinfonieorchester
als Opernorchester verkümmert, mit
gelegentlichen Auftritten im Casino - das wäre
die schlimmstmögliche Wendung. Der Verzicht
auf grosse Symphonik – eigentlich ist das un-
Music & Sounds
denkbar! Ein Abbau beim BSO hinterlässt Verarmung,
Kultur aber ist ein Lebensmittel! Ich
bin sicher: Je kleiner das Angebot, umso kleiner
das Publikumsinteresse. Es bleiben dann
nur noch massentaugliche Wohlfühlmusik und
Kuschel-Klassik.
Ingo, jeder Mensch, der das Pensionsalter erreicht,
wird von der Frage begleitet: «Was nun?»
Deine Familie, deine Freundinnen und Freunde,
deine Kolleginnen und Kollegen, deine Schülerinnen
und Schüler, dein Publikum stellen sie.
Wir sind gespannt auf deine Antwort und deine
Pläne.
Jetzt kommt erstmal ein selbstkritisches
kurzes Aufräumen der Biografie, kein Durchatmen,
sondern voller Einsatz für das Jugend-
Sinfonieorchester. Dieses Kraftfeld «Orchester»
vibriert für mich immer weiter, ich bin süchtig
nach diesen wabernden symphonischen Entladungen.
Ich bedanke mich herzlich für dieses Gespräch
und ich wünsche dir für die Zukunft
alles Gute!
31

Kino & Film
FILMROSINEN
«A Serious Man» - eine
Hommage ans Jüdischsein
Von Guy Huracek Bild: zVg.
Larry Gropnik lebt ein beschauliches
Leben in einer kleinen jüdischen Gemeinde
im Mittleren Westen der USA.
Er ist ein liebender Ehemann, fürsorglicher
Vater und erfolgreicher Physikprofessor.
Doch plötzlich läuft alles aus
dem Ruder: Seine Frau Judith verlangt
plötzlich die Scheidung, Sohn Danny
schwänzt die Schule, Tochter Sarah
bestiehlt ihn, anonyme Briefschreiber
verbreiten falsche Anschuldigungen
über ihn, und ein Student versucht ihn
zu bestechen. Larry sucht Hilfe und
hofft, diese bei einem Rabbi zu finden,
doch dieser ist zu sehr mit Denken beschäftigt,
um ihm helfen zu können.
Ein fast schon klassischer Hollywood-Plot,
wäre Gropnik nicht konservativer Jude -
die Coens zeigen einmal mehr die komödiantischen
Seiten ihres Glaubens. Ein Film, der ihre
Kindheit wiederspiegelt. Auf ihre Herkunft aus
einer jüdisch-amerikanischen Akademikerfamilie
bezieht sich die Geschichte ihres Films.
Die Coen-Brüder sind in St. Louis Park, einem
Vorort von Minneapolis, in einer jüdischen
Nachbarschaft aufgewachsen. Ihre Eltern, Edward
und Rena Coen, waren Professoren, der
Vater im Bereich Wirtschaft und die Mutter im
Bereich Kunstgeschichte. Joel Coen sparte sich
als Kind durch Rasenmähen genug Geld zusammen,
um sich eine Super-8-Kamera zu kaufen,
und die beiden Brüder drehten zusammen mit
einem Nachbarsjungen Filme aus dem Fernsehen
nach. Den Bezug von «A Serious Man» zu
ihrer Kindheit streiten die Coen-Brüder jedoch
in ihren Interviews ab. Unbeantwortet bleibt
somit die Frage, warum zahlreiche Figuren
nach ihren Jugendfreunden benannt sind.
Ein schräger Heimatfilm, gespickt mit tragischen
und komischen Elementen. Genickschläge
folgen auf Genickschläge. Obwohl das
Drehbuch konsequent einem roten Faden folgt,
geschehen unvorhersehbare Handlungen, die
dem ganzen Film einen absurden Touch verleihen.
Beispielsweise muss er ausgerechnet dem
Rabbi erklären, was ein «Gett», eine kirchlich
sanktionierte Scheidung, ist, die seine Frau
braucht, um wieder heiraten zu dürfen.
Genau wie in «Burn After Reading» spielen
auch diesmal Kino-Unbekannte. Weiter fällt
auf, dass die Frauen bei den Coens die Hosen
anhaben - vor allem jüdische Mütter sind unbesiegbar.
Das macht schon der Jiddisch gehaltene
Vorspann klar, eine kleine Geschichte aus
dem Shtetl, in der eine resolute Ehefrau dem
Dybbuk die Tür weist - nachhaltig und endgültig.
Eine weitere Eigenart der Coens ist das
Pseudonym Roderick Jaynes, dass sie benützen,
wenn sie als Cutter an ihren Filmen arbeiten.
Die Message des Films könnte folgendermassen
zu deuten sein: Lerne deine Probleme
schätzen, denn es kann immer noch schlimmer
kommen. Der Film wirft viele Fragen auf, doch
beantwortet die wenigsten. Es ist wie im wahren
Leben - man hat das Gefühl, es trifft immer
nur einen selber, man weiss nicht, ob alles nur
Zufall ist oder ob man einen Gott beleidigte.
Unter den vielen absurden Charakteren wirkt
Larry fast schon normal, als ob er im falschen
Film sitzt. Der Humor von «A Serious Man» ist
schwierig zu beschreiben. Es ist die Art und
Weise, wie die Charaktere ihre Dialoge sprechen,
weniger der Inhalt. Die Mimik und Gestik
der Figuren bergen einen ausgefeilten, hintergründigen
Humor, der auch in den Dialogen
vorwiegend wegen dem Nichtgesagten funktioniert.
Für eine unheimliche Vorahnung sorgt
die musikalische Untermalung, die, wie bei
einem Horrorfilm, den Zuschauern Angst einflösst.
So baut sich in vielen Szenen Spannung
auf, die sich jedoch nicht in den erwarteten Ereignissen
entlädt, sondern ihre Bedeutung erst
später offenbart - oder eben nicht -; ganz wie
im wahren Leben.
Wer «A Serious Man» sehen will, muss
sich noch ein wenig gedulden. Er kommt am
im 21. Januar 2010 ins Kino. Ein kleiner Vorgeschmack
liefert der Trailer: Geräusche von
Schlägen, Röcheln und die Stimme von Larrys
künftiger Ex-Frau fliessen ineinander und verleihen
dem Trailer eine enorme Spannung.
32

Kino & Film
FILM MAL ANDERS
Vom Film zurück zur Geschichte
Von Florian Imbach
Ein Festival des Filmnacherzählens ist
wahrlich nicht der Publikumsrenner –
könnte man meinen. Doch siehe da, die
Zürcher Szene rennt den Veranstaltern
die Bude ein.
Der Saal ist schon recht voll. Nach und
nach laufen gestylte schöne Menschen
hinein, bis der letzte Platz des grossen Saals
besetzt ist. Die Gessnerallee ist ausverkauft,
einige Unglückliche stehen am Rand. Mit imposanter
Musik wird das Festival eröffnet. Bereits
zum vierten Mal findet es in Zürich statt,
daneben jährlich noch in Fribourg und Berlin.
Die Veranstalter Bernd Terstegge und Axel
Ganz machen gleich zu Anfang darauf aufmerksam,
dass sich einige Teilnehmer abgemeldet
hätten. Offensichtlich: Im Programmheft sind
nur die Hälfte der «Sprechplätze» belegt, die
Hälfte des Abends sozusagen «ungeplant». Die
Szene hat den Anlass in Beschlag genommen,
was leidet, ist der Anlass selbst. Sollte sich niemand
spontan zum Nacherzählen melden, droht
das Festival zum Desaster zu werden. Wie soll
das gehen? Meldet sich wohl wer? Soll etwa
ich… Fragt sich der Zuschauer und wird gleich
durchzuckt vom Gefühl des Improvisierten –
ein wahres Festival –, hier entsteht etwas.
Die Spielregeln sind simpel Es gilt, einen
Film nachzuerzählen. Hilfsmittel sind nicht
erlaubt. Man darf alleine oder zu zweit auftreten.
Wie das gemacht wird, darüber gibt es
keine Vorgaben. Das Nacherzählen könne laut
Veranstalter «ein neues Licht auf das Medium
Film und die Erinnerung daran werfen». Unterschiedliche
Vorstellungen, wie das zu realisieren
ist, gibt es, wie die Teilnehmer dieses
Jahres zeigen.
Das Publikum entscheidet. Auf einer Skala
von Null bis Neun dürfen Punkte vergeben
werden, die beste Nacherzählung erhält den
Festivalpreis, die «Silberne Linde». Dieses Jahr
gewann eine Nacherzählung des Filmes «Die
Klavierspielerin» mit Isabelle Huppert. Leider
war die Nacherzählung nicht wirklich nacherzählend.
Die Gewinnerin erzählte eine wahrlich
lustige Geschichte über ein misslungenes Date.
Sie, die Erzählerin, wählte für das Treffen eben
diesen Film aus, was dann zu einigen peinlichen
Szenen im Kino und einem alles in allem
ziemlich absurden Date führte. Ausserdem war
da noch die sexy Mutter der Erzählerin, die anscheinend
gerne einen über den Durst trank.
Mit gut bedienten Klischees und einer interessanten
Erzählweise, immer den roten Faden
haltend, schaffte es die Österreicherin, eine
Mehrheit des Publikums zu überzeugen. Dass
ihre Geschichte nicht viel mit dem Film an sich
zu tun hatte, ging völlig unter. Schade.
Von Star Trek zu Hot Fuzz Einige der Teilnehmerinnen
und Teilnehmer mochten aber
wirklich zu überzeugen. Die humoristische Abrechnung
mit Jean-Luc Piccard, Will Riker und
all den anderen aus «Star Trek: Next Generation»
brachte nicht nur den Science-Fiction-liebenden
Verfasser dieses Artikels zum Lachen.
Eine französische Erzählerin kokettierte zwar
mit ihrem Akzent, erzählte aber «Le Diner de
Cons» auf eine solch witzige Art, das man den
Fakt, dass der Text wohl einstudiert war, gerne
übersah. Ja, die witzige Art. Beiträge, die nicht
zum Lachen anregten, hatten es schwer. So
etwa die Erzählung von «Wie im Himmel». Eine
nette Gutenachtgeschichte, aber leider, leider
nicht mehr. Auch Sonja Wenger, die wohl rüberbrachte,
dass «Hot Fuzz» ein witziger Film
ist, aber die Begeisterung nicht übertragen
konnte, ging leider unter. Übrigens ist «Hot
Fuzz» ein Film, den ich auch sehr empfehlen
kann (GB, 2007). Eine nette Idee, wenn auch
keine neue, setzte der Erzähler von «Star Wars
IV» um. Er dachte darüber nach, wie wohl der
Film mit Schweizerdeutschen Dialekten herausgekommen
wäre. «Dr Todesstärn» wirkt
eben wirklich witzig – dem Publikum gefiels.
Ganz und gar nicht passte die blonde Schönheit,
die derart offensichtlich mit ihren weiblichen
Vorzügen spielte und auf Dummerchen
machte, dass selbst gut umgesetzte Elemente
ihrer Aschenbrödelerzählung billig wirkten.
Eine nette Nebennote schrieb ein Deutscher,
der sich ausgerechnet den Film «Dutti,
der Riese» aussuchte und in einer sehr überzeugenden
Darbietung witzige Details erzählte,
die manchen hart gesottenen Zürcher überraschten.
Das Festival ist gerettet In der Mitte der
Veranstaltung fühlte das Publikum die erwähnte
Improvisation. Eben das, dass jetzt etwas
gerade im Moment entsteht, das nicht reproduzierbar
ist. Eine Nacherzählung ist eben etwas
Einmaliges und im Idealfall nicht wiederholbar.
«Wir machen das Festival so lange, bis
niemand mehr auftritt», erklärt Bernd Terstegge
vor vollem Saal. Und dies könnte heute der
Fall sein, fügt er an. Nach einigen peinlichen
Augenblicken und Momenten bangen Wartens
melden sich dann doch tatsächlich spontan Erzählerinnen
und Erzähler, was zu lang anhaltendem
Applaus führt. Die Spontanmeldungen
führen zu einer Kettenreaktion, das Programm
ist gefüllt, das Festival aufs Neue gerettet. Der
Szene sei Dank. Oder doch eher der Szene zum
Trotz?
Besuchte Veranstaltung:
Internationales Festival des
nacherzählten Films
7. November in der Gessnerallee
Infos: www.total-recall.org
ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 33

DIE ANDERE
DVD-EDITION
Filmische Perlen
aus Süd und Ost
Faszinierendes
Indochina
Nach dem Roman
von Marguerite
Duras
Pulsierendes
Musikdokument
James Brown,
Miriam Makeba,
B.B. King und
viele mehr
Roadmovie
durch die
Anden
Der Publikumsliebling
aus
Ecuador
Dostojewskis
Idiot
Von Akira Kurosawa
in Japans Winter
getragen
Und ein Blick ins 2010 verrät
Auf keinen Fall verpassen:
Die skurrile Komödie aus Mexiko
ab 7. Januar in den Kinos
www.trigon-film.org
Tel. +41 56 430 12 30
Kino & Film
Weihnachtskino
Von Lukas Vogelsang
FÜRSORGER
Hanspeter Streit war in den 70ern ein kleiner
«Madoff» und schaffte es als «Millionenbetrüger»
in die Schweizer Presse. Im Film heisst
Streit Stalder und ist Fürsorger und stolpert im
Leben. Er erfindet eine Strategie zum Glück, ein
Geheimcode, und lockt damit die Anleger und Finanzheinis
und auch die Frauen. Saus und Braus
– so die Idee – endet nach dreizehn Jahren durch
einen plumpen Fehler. Es waren schlussendlich
nicht die selbstgemalten Aktien, die ihn zu Fall
brachten, sondern fehlende Identitätspapiere.
Doch im Film fängt das Ganze erst an: Zeit, die
Geschichte nochmals aufzurollen.
Mit Roeland Wiesnekker in der Hauptrolle ist
dem Film mit der aktuellen und wirren Geschichte
eine wunderbare Schweizerkomödie gelungen.
Man versteht, dass ein Betrüger eben nur ein
Teil, ein Mechanismus im Getriebe ist. Geld, Gier,
Frauen und Blindheit haben schon immer die
Welt regiert. Doch immerhin haben wir hier einen
Betrüger, der «andere glücklich machen wollte».
Madoff lässt grüssen.
Es ist fast schade, dass der Film mehrheitlich
Schweizerdeutsch gesprochen ist. Es wäre
ein wunderbar selbstkritischer Film für unsere
Nachbarländer geworden. Auf jeden Fall ein lustiger
Schweizer Film mit einem wunderbaren Geschichtenerzähler.
BREATH MADE
VISIBLE
Anna Halprin ist eine Tanzpionierin aus den
USA. Schon früh stellte die sich die Frage:
«Was ist Tanz?» Ihre Suche nach einer Antwort
dauerte über achtzig Jahre und hinterliess tiefe
Spuren in der Tanzgeschichte. Sie experimentierte
mit den verschiedensten Kunstformen und beeinflusste
viele KünstlerInnen über Generationen
hinweg.
«Before I had cancer I lived my life for my art,
after I had cancer I lived my art for my life.» Anna
Halprin erkrankte mit fünfzig Jahren an Krebs.
Sie selber meinte danach, sie habe sich den Weg
zur Heilung freigetanzt. Nach der Krankheit war
sie nicht mehr auf der Bühne anzutreffen, sie gab
Tanzkurse für Krebs- und Aidskranke und arbeitete
später mit älteren Menschen zusammen. Doch
dann wurde ihr Mann, der Landschaftsarchitekt
Lawrence Halprin, schwer krank. Anna Halprin,
durch die vielen Spitalaufenthalte inspiriert, ist
wieder auf die Bühne zurückgekommen: 2004,
mit achtzig Jahren, steht sie mit «Intensive Care»
mit grossem Erfolg wieder auf den Brettern, beginnt
zu touren und ruft ins Publikum: «Es sind
noch so viele Tänze zu machen!»
«Breath Made Visible» ist ein unheimlich faszinierendes
Porträt über eine noch viel beeindruckendere
Frau. Sie verkörpert das Alter in einer
neuen Dimension und zeigt uns, als selber wahrhaftig
physisch gewordener Tanz, wie mit inniger
Intensität in einer Bewegung Leben entsteht.
Wer diese Frau im Film sieht, beginnt selber die
Bewegungen zu fühlen. Anna Halprin stellt uns
die Frage, was Tanz ist und bewegt uns, damit
wir die Antwort selber finden können. Noch selten
wurde Tanz so wunderbar verständlich und
einfühlsam vermittelt. Ein grosses Lob an den
Schweizer Regisseur Ruedi Gerber: «Danach
folgte ein 15-minütiges Solo, in dem sie ihre Lebensgeschichte
tanzte und erzählte. Im Laufe des
Stücks bemerkte ich, dass manchen Zuschauern
die Tränen kamen. Und plötzlich fühlte auch ich
mich tief von dieser Frau berührt. In einer Welt
von Posen und konkurrierenden Stilisierungen
war die Präsenz von jemandem, den ich als ganz
und gar authentisch empfand und dessen Botschaft
universell war, eine erholsame Befreiung.»
Berner Kunstmuseum Datum: 05.01 / 10 h
AMERRIKA
Den Kritikerpreis in Cannes (2009) muss
man sich erst verdienen. Doch mit Charme
und der richtigen Filmidee ist das zu schaffen:
«Amerrika». Dazu nimmt man ein hochaktuelles
Thema, wie zum Beispiel Palästina, und setzt dem
gegenüber die fast surreal anmutenden USA oder
eben Amerrika. Der grosse Traum und die Illusion
- was dann auch gleich die einzigen Gemeinsamkeiten
dieser Länder sind. Es spielt keine Rolle,
in welcher Ecke dieses Planeten wir illusorisch
Leben wollen und oft vergessen wir, dass Träume
die einzige Funktion haben, Träume zu bleiben –
alles andere würde man einen Plan nennen.
«Amerrika» bleibt den Zuschauern tief unter
der Haut sitzen. Da sind zum einen die eindrücklichen
Realitäten beider Länder, zum anderen die
Kulturunterschiede, die so weit nicht auseinander
liegen – und doch grundverschieden sind. «Amerrika
ist besser, als gefangen im eigenen Land»,
meint der sechzehnjährige Fadi zu seiner Mutter
Muna noch vor der Abreise. Wir begleiten die beiden
zu ihren Verwandten in Illinois. Viele Scherben
bringen anscheinend Glück, aber es müssen
erst noch mehr werden.
Sehr schön ist im Film die Darstellung der
Palästinenser als «normale» und «moderne» Menschen
(was sie eigentlich immer waren). Es sind
keine Aliens, die keine Ahnung von der Welt haben.
So zeigt «Amerrika» einen sehr wertvollen
Teil der arabischen Kultur groteskerweise durch
den Vergleich mit den USA. Fantastisches Kino
mit feinem Humor.
34

Sieht so ein
Lügner aus?
JETZT IM KINO
Roeland WIESNEKKER ist
DERFÜRSORGER
in einem Film von Lutz KONERMANN
Ab 10. Dezember im Kino
Johanna
BANTZER
Katharina
WACKERNAGEL
Claude
DE DEMO
Andrea
GUYER
Leonardo
NIGRO
www.fuersorger.ch
Thierry
VAN WERVEKE
Michael
NEUENSCHWANDER
A film by Cherien Dabis
AB 23. DEZEMBER IM KINO
MÜNSTERGASSE 47 3011 BERN TEL/FAX 031 312 14 01
Ein Film von Fatih Akin
ADAM BOUSDOUKOS MORITZ BLEIBTREU BIROL ÜNEL

TRATSCHUNDLABER
36
Von Sonja Wenger
In einer Zürcher Bar wird ein Barhocker gestohlen,
und die Redaktion von «20Minuten»
findet Platz für einen Aufruf. Da hat ein Leser
«trotz Grippe Lust auf Selbstbefriedigung» und
holt sich Rat bei Doktorsex. Und ein Musikvideo
von Rihanna ist «schwere Kost» – nicht etwa das
lächerliche Resultat des Welthungergipfels in
Rom.
Es ist eine perverse Welt, alleine durch die
Tatsache, dass es das Wort Welthunger überhaupt
gibt; dass statt Grippeviren offenbar Hirnzellen
absterben; dass der Autokannibalismus
der Gratismedien dazu geführt hat, auch noch die
letzte Banalität als Information zu tarnen - und
alle damit ungestraft davon kommen.
Um in den Medien zu arbeten, braucht es keinen
Ehrgeiz mehr, gute Fragen stellen zu wollen.
Beten allein genügt: Denn lasset uns lobpreisen
all jene, die ohne Inhalt und mit schöner Verpackung
die Welt, die veröffentlichte Meinung, unser
Sinnen und Streben beherrschen. «Gegrüsset
seist du, Hohepriesterin Paris, voll von Nichts.
Die Presse ist mit dir. Gelobt sei dein Stil und verehrt
dein Geschäftssinn. Mutter aller Tussis, zeig
uns wie es geht, jetzt und in der Stunde unseres
Begreifens. Gib uns unser tägliches Bild», ach ne
- das ist ja wieder was anderes. Aber immerhin:
Das Tussitum lebt, das schrieb gar die NZZ.
Keine Wunder aber auch, sei doch alles in
unserer Gesellschaft in Watte gepackt. Das sagte
kürzlich eine Freundin aus Südmexiko, wo die
Leute andere Probleme haben als mit perversen
Prophetinnen. Unser Denken, unser Handeln, unsere
Prioritäten, nichts ist noch gefährlich: Kanten
abgedeckt, Ecken geschliffen, Fragen erstickt
und die Erkenntnis verzögert. Und statt uns zusammenzutun
gegen die pervers Reichen und
ihren Kampf gegen den Rest der Welt, gieren
wir brav gesteuert nach einem perversen Konsum,
den man nicht einmal mehr verdauen muss.
Lieber glauben wir auch nach der hundertsten
perversen Lüge weiter unseren politischen, wirtschaftlichen
und religiösen VertreterInnen, weil
Angst doch so viel leichter fällt als verstehen. Selber
denken: Pfui!
«Erklär mir die Welt», der Wunsch aller Kinder,
war nämlich noch nie so schwer zu erfüllen
wie heute. Der verantwortungsvolle Umgang mit
dem hochexplosiven Gut Information ist perversen
Verlockungen ausgesetzt. Kein Ritter in
scheinender Rüstung verteidigt noch ein aufgeklärtes
Volk oder die Integrität der Medien. Unsere
Helden sind Blutsauger, egal ob im Kino oder
im realen Leben. «Yes, we can» hatte wie wenig
zuvor den Nerv der Zeit getroffen. Der Leitspruch
ist Ausdruck des kollektiven Wunsches nach Veränderung,
aber bitte ohne Konsequenzen. Denn
«wir» heisst nicht «ich», und anfangen sollen immer
die anderen: ein perverser Teufelskreis.
Kino & Film
LAW ABIDING
CITIZEN Bild: zVg.
Ein gesetzestreuer Bürger vertraut auf das
Recht und darauf, dass es ihm Gerechtigkeit
bringt – so die Idee eines Justizsystems,
so unser Wunsch. Doch dass die Gerechtigkeit
auf einer Etage wohnt, zu der die Justiz keinen
Zutritt hat, schrieb schon Friedrich Dürrenmatt.
Und auch der Ingenieur Clyde Shelton
(Gerard Butler) muss schmerzhaft erfahren,
dass Wunsch und Realität nicht immer Hand
in Hand gehen.
Gleich in der ersten Szene von «Law abiding
Citizen» muss Shelton mitansehen, wie seine
Frau und seine Tochter bei einem Raubüberfall
ermordet werden. Schwer verletzt überlebt er.
Die Täter sind schnell gefasst. Mit ihm als Augenzeuge
sollte eine Verurteilung kein Problem
sein.
Wenn da nur der Staatsanwalt Nick Rice (Jamie
Foxx) etwas mehr Lust auf einen Prozess
gehabt hätte. Stattdessen macht Rice einen
dürftig begründeten Deal mit einem der Mörder.
Der um Gerechtigkeit geprellte Shelton ist
im Büro des Staatsanwalts den Tränen nahe.
Vor dem Gericht sieht er, wie Rice dem freigelassenen
Killer die Hand schüttelt.
Zehn Jahre später kehrt er zurück und will -
man ahnt es - Rache für seine Familie. Shelton
ist, wie sich herausstellt, dafür auch noch gut
gerüstet. Er sei ein Meisterplaner für superspezielle
Morde im Auftrag des CIA, flüstert ein
Informant. Rice und seinem Team dämmert es
bald, dass Shelton über eine geballte Ladung
krimineller Energie, eine sarkastische Ader und
ziemlich viel Sadismus verfügt.
Den Frauen- und Kindesmörder schneidet
er in kleine Stücke und auch sonst bringt Shelton
noch jede Menge Leute um, damit Rice endlich
kapiert, dass Deals mit bösen Buben eine
schlechte Sache sind. Es geht also nicht nur um
Gerechtigkeit, sondern auch um Moral, oder
so etwas Ähnliches. Denn ganz klar wird im
Film nie, was Shelton mit seinen Brachialmethoden
denn nun beweisen oder verändern will.
Aus Opfer wird Täter, und dieser Täter macht
wieder neue Opfer. Aber egal. In «Law abiding
Citizen» streiten sich zwei Alphatierchen unter
der Regie von F. Gary Gray um Leinwandpräsenz.
Das bietet kurzweilige Unterhaltung ohne
Nachhaltigkeit, Ablenkung ohne Tiefgang, Drama
ohne Gehalt. Ideal für unsere Zeit. (sjw)
Der Film dauert 109 Minuten und kommt am
10. Dezember ins Kino.
NEW MOON
– BIS(S) ZUR
MITTAGSSTUNDE
Zugegeben, es ist hart, ein Teenager zu sein.
Die Suche nach dem Selbstbewusstsein,
der Liebe und dem Sinn des Lebens. Romeo
und Julia sind daran dramatisch gescheitert.
Und selbst wenn man bis zum Erwachsensein
durchhält, bleiben jede Menge Probleme. Besonders,
wenn die grosse Liebe ein Vampir ist,
der auch noch als Klonvorlage für Adonis herhalten
könnte.
Das kann ja nicht gut gehen, denkt man sich
und weiss gleichzeitig, dass es einfach länger
dauert, bis das Paar zueinander finden wird.
Denn «New Moon – Bis(s) zur Mittagsstunde»
ist schliesslich ein Hollywoodfilm, ein modernes
Märchen, eine mystische Liebesgeschichte
- und eine Geldmaschine. «New Moon» ist
der zweite Teil der vierteiligen Bis(s)-Serie der
US-Autorin Stephenia Meyer. Filme wie Bücher
erfreuen sich einer riesigen Fangemeinde, die
es nach Romantik und bedingungsloser Liebe
dürstet. Eine Liebe, die alle Hürden überwindet,
die den Raum relativiert und über die Zeit
hinausreicht.
Oh ja, man kann Bella Swan (Kristen Steward)
verstehen, dass sie ihr Herz an den schönen
Vampir Edward Cullen (Robert Pattinson)
verloren hat. Der erste Film, «Twilight», handelte
im Wesentlichen vom Finden dieser Liebe.
Nur ein Jahr später erfahren wir in «New
Moon» bereits, wie es weitergeht. Aber ach,
diesmal dauert es länger, ist alles langsamer,
passiert so gut wie nichts. Dies, obwohl genug
zwischenmenschlicher Zündstoff und Potenzial
für rasante Action vorhanden wäre.
Denn Bella und Edward haben sich inzwischen
mit Jacob Black (Taylor Lautner) zu einem
Trio ergänzt. Beide Jungs lieben Bella,
aber beide können nicht mit ihr zusammen sein,
ohne sie zu verletzen. So was tut weh. Edward
trennt sich gar von seiner Liebsten, damit sie
ein «normales, glückliches Leben führen kann».
Verständlich, dass Bella wenig Begeisterung
dafür zeigt.
Bis das Publikum dann das zweite Viertels-
Happyend vorgeführt bekommt, tauchen noch
ein paar gute, böse und halbböse Vampire auf,
sowie neu auch Werwölfe. Und natürlich wird
wieder selten schön gelitten und gegrübelt. Er
liebt mich, er liebt mich nicht. Nur eines geht
bei all dem Herzschmerz vergessen: Die Spannung,
das Knistern und das Fleisch am Knochen
der Filmgeschichte, damit man mit den
Charakteren mitfühlen mag. Im Gegensatz zu
«Twilight», der das ganz gut hingekriegt hat, ist
«New Moon» nur eine teure Schlafpille. (sjw)
Der Film dauert 131 Minuten und ist bereits
in den Kinos.

Kino & Film
GROSSES KINO
Gutes Genrekino? Im TV!
Von Morgane A. Ghilardi – Wie und wo Science-Fiction und Horror im Serienformat
besser umgesetzt werden. Bild: Die Schlafpille im Kino: The Twilight Saga - New Moon
Science-Fiction, Fantasy und Horror
– drei Genres, die auf Grossleinwand
nicht immer gut umgesetzt werden.
Im Jahr 2009 sind drei von sechs grossen
SciFi-Filmen Fortsetzungen von Franchises,
der Serienform des Kinos: «Transformers
2», «Terminator: Salvation» und «Star Trek».
Keiner der drei wurde von Kritikern besonders
geschätzt. Aber wenn wir ehrlich sind, können
wir seit langem nicht mehr mit grossen Erwartungen
solche Blockbuster sehen gehen. Wir
lassen uns begeistern von den überwältigenden
Möglichkeiten des CGI und erfreuen uns
an den smarten Sprüchen, die der Held ab und
zu klopfen darf. Doch manchmal schützen uns
auch die niedrigen Erwartungen und genialen
Effekte nicht vor grottenschlechten Plots. Die
Plotentwicklungen in «Star Trek» waren unerträglich
schmerzhaft – Hommage an das Original
hin oder her. Wo Potential für cooles Actionkino
der anderen Art besteht, macht sich
Hollywood daran, alles auf das intellektuelle
Niveau eines Zwölfjährigen zu bringen. Die Devise
ist leichte, hirnlose Unterhaltung und ein
Vermarktungskonzept, das den Verkauf vieler
Spielzeuge erlaubt. Gute Schauspieler und Ressourcen
werden verschwendet.
Aber vielleicht sind es eben die grossen Ressourcen,
die gutem Genrekino im Weg stehen.
Das Format, welches überzeugend SciFi, Fantasy
und Horror umsetzt, ist die Fernsehserie. Natürlich
erlaubt dieses Format, komplexere Plots
und Charaktere zu entwickeln, aber auch dies
hängt von der Qualität der Drehbücher und der
Originalität der Ideen ab.
In den letzten 15 Jahren waren es Serien wie
«Babylon 5», «Stargate», «Farscape», «X-Files»,
«Battlestar Galactica» und «Doctor Who»,
welche im Bereich SciFi-Serien den Standard
für Qualität und Originalität gesetzt haben.
«Babylon 5» aus den 90ern war eine sehr gut
geschriebene Serie, die einen mit komplexen
Plotentwicklungen mitriss und unter Fans Kultstatus
geniesst. Die in der fernen Zukunft angesiedelte
Story handelt von Rassenkonflikten
und intergalaktischer Politik. «Battlestar Galactica»
ist das Remake einer trashigen Serie
aus den 70ern. Von der komplexen Thematik
zur Kameraführung und Musik beeindruckt
die Serie auf der ganzen Linie. Und zuletzt ist
natürlich «Doctor Who» zu erwähnen, welche
ursprünglich erstmals in den 60ern von BBC
ausgestrahlt wurde. Die Geschichte um den
wandelbaren und unsterblichen Zeitreisenden
wurde im Jahr 2005 neu aufgenommen und mit
einer genialen Crew umgesetzt. Das Resultat
sind (bis jetzt) vier Staffeln einer originellen,
menschlichen und tragisch-komischen Serie, die
einen mit jeder Episode aus den Socken haut.
Es ist der Traum eines jeden SciFi-Liebhabers,
dass sich die Drehbuchautoren und Produzenten
all dieser Serien (ausser J. J. Abrahms – der
soll beim TV bleiben, bitte) ab und zu dem Kino
widmen und ein geniessbares SciFi-Spektakel
auf Grossleinwand herstellen, welches man
auch schätzen kann.
Horror und Fantasy, zwei Genre, die sich
gegenseitig oft einschliessen, haben in letzter
Zeit wieder mehr an Prestige gewonnen. Sie
sind nicht mehr ausschliesslich für Legolas-
Anbeter und Splatterfans. Mit «Twilight» hat
sich das Horror-Genre den Bedürfnissen der
(weiblichen) Teenies angepasst. Der Vampir
bewegte sich schon immer auf dem schmalen
Grad zwischen Horror und Fantasy. Er ist in
unseren Köpfen eher eine mythisch-magische
Kreatur mit Sexappeal geworden als zu einem
blutrünstigen Monster. Denn wenn Vampire in
der Sonne glitzern, anstatt in Flammen aufzugehen,
ist der Horror-Aspekt definitiv nicht mehr
so prominent. Die Romantik hat die Überhand
gewonnen, und das ist keinesfalls zu beklagen,
vor allem nicht, wenn Werwölfe und andere
scharfe Beisserchen dazukommen.
Aber auch in diesem Bereich sind die TV-
Versionen mit mehr Pep realisiert. Die Kultserie
«Buffy – The Vampire Slayer» hat das von Anne
Rice stark romantisierte Genre für Teenies brillant
umgesetzt. Pubertät, Schulstress, Dämonen,
Zombies – nichts wird ausgelassen. Das gute
Setting, die intelligenten und zackigen Dialoge,
sowie viel Humor und Tragik garantieren gute
Unterhaltung. Den Buffy-Macher Joss Whedon
hat es übrigens auch in die Welt des SciFi verschlagen.
Seine Serie «Firefly» besteht leider
nur aus 14 Episoden, wurde dann aber mit dem
Kinofilm «Serenity» abgeschlossen.
«True Blood» von «Six-Feet-Under»-Macher
Alan Ball ist ebenfalls eine Buchadaption und
stellt eine erwachsenere Version des Vampirthemas
dar. Etwas Blut, etwas Sex und der
hinreissende Südstaatencharme – diese Elemente,
neben guten Darstellern wie Anna Paquin,
entzücken immer wieder. Hier übrigens ein
anderer Hinweis, dass das Serienformat einen
neuen Status errungen hat: Die Hollywoodstars,
die zum Serienformat konvertieren.
Dies ist kein Aufruf dazu, dem Kino völlig
abzuschwören. Aber es ist eine Aufforderung,
sich mit der Genrevielfalt des Serienformat des
TVs auseinanderzusetzen, da sich dort oft der
originellere Stoff wiederfindet.
ensuite - kulturmagazin Nr. 84 | Dezember 09 37

Kulturessays
INTERMEZZO
Sensorreiniger, YB
und harter Kaugummi
Von Isabelle Haklar
Ich mag es, wenn der Milchschaum meines
Kaffees mit mir spricht. Ich mag den
Ton, der zu hören ist, wenn ein soeben ausgelöschtes
Streichholz mit Wasser in Berührung
kommt. Ich mag das Zischen eines Zigarettenstummels,
wenn er auf einen nassen Teebeutel
trifft. Ich mag das leise Geräusch einer Canon,
das bei der Sensorreinigung ertönt.
Ich mag ungerade Zahlen. Ich mag es, in
fremden Städten zum Frisör zu gehen. Ich mag
die kleinen Schönheitsprodukte-Gratismuster.
Ich mag es, als Lehrfahrer zu hupen.
Ich mag den kurzen Moment im Winter,
wenn das Bett langsam warm wird. Ich mag
es, wenn mich mein Kater beim Kursaal abholt
und nach Hause eskortiert. Ich mag es, wenn
die Abendsonne ein orangefarbenes Gitter an
meine Zimmerwand wirft.
Ich mag Gratins, doch nicht das Abwaschen
der Form. Ich mag den Augenblick, wenn ich
meine Linsen eingesetzt habe und die Welt
plötzlich an Tiefe gewinnt, doch nicht das Herausklauben
der Sehhilfen nach dem Tragen. Ich
mag es, als Beifahrer im Auto die Füsse hoch
zu halten, doch nicht die Spuren, die die feuchten
Socken am Fenster hinterlassen. Ich mag
Kaugummiautomaten, nicht jedoch, dass die
bunten Bälle schon nach fünfminütigem Kauen
hart und bitter werden. Ich mag es, wenn
YB gewinnt, nicht jedoch die Tatsache, dass
für Seydou Doumbia 22 Millionen Euro geboten
werden. Ich mag grosse Handtaschen, doch
nicht das minutenlange darin Herumangeln
nach meinem Portemonnaie. Ich mag Museen,
doch nicht das Feststellen, dass die Ausstellung
am Vortag gewechselt hat, wenn ich bereits vor
dem Gebäude stehe. Ich mag Zeitungen, deren
Blätter die Grösse von Leintüchern haben,
doch nicht deren Wirtschaftsteil. Ich mag das
Schnitzel im «Tramway», doch ich mag nie das
Ganze.
Ich mag es nicht, wenn man mir nach dem
Bezahlen das Wechselgeld nicht in die Hand
drückt. Ich mag keine Warenhauskassen, die
nach dem Rollband eine statische Ablage haben.
Ich mag es nicht, wenn nach dem Haarewaschen
nasse Haare an meinem Rücken kleben.
Ich mag keine Rollkoffer. Ich mag es nicht,
mit nackten Füssen auf Hotelteppichböden zu
laufen. Ich mag den letzten Schluck in meinem
Glas nicht. Ich mag es nicht, dass ich mich
immer noch nicht bei Facebook abgemeldet
habe.
Ich mag das Arbeiten in meiner Küche,
wenn die Blumenlichterkette brennt. Ich mag
die Lichterkette so sehr, dass ich sie oft nachts
brennen lasse. Ich mag den Vermicelles-Block
aus der Migros. Ich mag ihn so sehr, dass ich
oft den Ganzen aufs Mal esse.
Ich mag elektronische Gadgets und das
Wort «Nippes». Ich mag Marienbilder und das
Suchen auf Flohmärkten und in Trödelläden danach.
Ich mag den Start und die Landung beim
Fliegen. Ich mag die Vorfreude auf die Ferien
und ein Abendessen im Postgässli. Ich mag es,
ohne je einen Reiseführer gelesen zu haben,
in fremden Ländern anzukommen und in den
Städten ohne Stadtplan herumzuspazieren.
Ich mag Brotaufstriche aus dem Osten. Ich
mag bengalische Wunderkerzen am Tannenbaum.
Ich mag es, nicht zu wissen, was das
neue Jahr bringt.
interwerk gmbh
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(nm, Prakt.) // Peter J. Betts (pjb), Luca
D’Alessandro (ld), Morgane A. Ghilardi, Isabelle
Haklar, Guy Huracek (gh), Florian Imbach,
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(hl), Ursula Lüthi, Irina Mahlstein, Barbara
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Wild (gw), Ueli Zingg (uz).
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