Philippe Quesne & Vivarium Studio - Berliner Festspiele

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ulI 2013
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AFFA
27. J
14. J
www.berlinerfestspiele.de 030 254 89 100
Schaperstraße 24 U3 / U9 Spichernstraße

Swamp Club
Theater
Deutsche Erstaufführung
Mo 01. Juli, 21:00
Di 02. Juli, 21:00
PhilIPPE Quesne
Philippe Quesne, geboren 1970, studierte Bildende Kunst, visuelle Gestaltung und Bühnenbild in Paris. In den letzten zehn Jahren
hat er Bühnenbilder und Designs für Opern, Konzerte, Theaterperformances und Kunstausstellungen entworfen. 2003 rief er in Paris
das Vivarium Studio ins Leben, ein Labor für theatralische Innovation, in dem Maler, Schauspieler, Tänzer, Musiker und ein Hund
zusammenarbeiten. Philippe Quesne konzipiert und inszeniert Performances, deren Dramaturgie auf einer starken Verbindung
zwischen Raum, Bühnenbild und Körper basiert. Die Bühnenbilder werden oft zu Arbeitsstudios oder „Vivarien”, die den menschlichen
Mikrokosmos darstellen. Zu seinen Arbeiten gehören „La Démangeaison des Ailes” (2003), „L’Effet de Serge“ (2007), „La Mélancolie
des Dragons“ (2008), „Big Bang“ (2010) und „Pièce pour la Technique du Schauspiel de Hanovre“ (2011).
2012 nahm Quesne mit einer ortsspezifischen Arbeit im Berliner Institut für Mikrobiologie und Hygiene an der Kollektivproduktion
„Infinite Jest“ (nach dem Roman von David Foster Wallace) des HAU Hebbel am Ufer teil. Seine multidisziplinären Performances
präsentierte er u. a. in Belgien, den USA, Brasilien, Korea, Portugal, den Niederlanden, Argentinien, Deutschland und der Schweiz.
Haus der Berliner Festspiele, Große Bühne
In mehreren Sprachen
Artist Talk am 02. Juli
im Anschluss an die Vorstellung
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Idee / Regie / Ausstattung: Philippe Quesne
Mit:
Isabelle Angotti, Snæbjörn Brynjarsson, Yvan Clédat, Cyril Gomez-Mahtieu,
Ola Maciejewska, Émilien Tessier, Gaëtan Vourc’h und dem Paladi Quartett
Künstlerische und technische Mitarbeit: Yvan Clédat, Cyril Gomez-Mathieu
Ausgewählte Kostüme: Corine Petitpierre
Fotografie: Martin Argyroglo
Technische Leitung: Marc Chevillon
Assistenz der technischen Leitung: Thomas Laigle
Regieassistenz: Marie Urban
Eine Produktion des Vivarium Studio in Koproduktion mit
Wiener Festwochen,
Théâtre de Gennevilliers – Centre Dramatique National de création contemporaine (Paris),
Festival d’Automne à Paris,
Berliner Festspiele / Foreign Affairs, Festival d’Avignon,
Le Forum / Scène conventionnée de Blanc-Mesnil,
La Ménagerie de Verre (Paris),
Kaaitheater (Brüssel),
La Filature Scène nationale de Mulhouse,
Kampnagel Hamburg,
Festival Theaterformen (Braunschweig / Hannover),
Festival La Bâtie – Festival de Genève.
Mit Unterstützung von
Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc Roussillon und
EMPAC – Rensselaer Polytechnic Institute / the Jaffe Fund for
Experimental Media and the Performing Arts (Troy, USA).
Die Company wird unterstützt von DRAC Île de France
(Französisches Ministerium für Kultur und Kommunikation)
und Conseil Régional Île-de-France.
Mit freundlicher Unterstützung des Institut français und des
Französischen Ministeriums für Kultur und Kommunikation/DGCA.
Foto Philippe Quesne: © Victor Tonelli
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PhilIPPE Quesne im Gespräch
M. Quesne, Ihre Theatergruppe Vivarium
Studio besteht nun seit zehn Jahren.
Vielleicht können Sie anhand Ihrer Jubiläumsproduktion
„Swamp Club“ beschreiben,
wie Sie ein Stück entwickeln?
Dass wir „Swamp Club“ unser „Zehnjahresstück“
nennen, ist eher humoristisch gemeint.
Sehr häufig sind unsere Stücke aus einem Titel
entstanden, von dem aus sich die Gruppe an
die Arbeit gemacht hat. Die Stücke werden
also während der Proben entwickelt – man
könnte es „Stückentwicklung auf der Bühne“
nennen. Ich übernehme dabei viele Elemente
aus dem gestischen und verbalen Vokabular
der Schauspieler. Die Darsteller bringen einen
sehr hohen Eigenanteil in das Stück ein,
schreiben es regelrecht mit. Es kommt sehr
selten vor, dass die Dialoge bereits vor den
Proben geschrieben werden. Genauso ist es
bei„Swamp Club“, wo sich viele Sprachen
vermischen, was vor allem daran liegt, dass
wir einen neuen Schauspieler aus Island und
eine neue Darstellerin aus Polen haben. Es
handelt sich also auch um ein Spiel mit unterschiedlichen
Sprachen, Sprachformen und
dem Theater. Zehn Jahre lang haben wir darüber
geforscht bzw. geschrieben und „Partituren“
entwickelt – um ein bestimmtes Thema
oder einen Titel herum, die als Ausgangs punkt
dienen und die Phantasie anregen.
Gibt es so etwas wie einen roten Faden,
ein Thema, das sich durch alle Ihre Arbeiten
zieht?
Wenn ich mir das Repertoire anschaue, das
wir aufgebaut haben, denke ich, dass eine
Thematik darin wesentlich ist, und zwar die
der Freiheit der Kunst, etwas Neues zu
schaf fen und über die Welt mit einer gewis ­
sen Poesie zu erzählen. Das heißt, Figuren zu
inszenieren, die versuchen, sich auf eine Art
der Welt zu bemächtigen und von ihr zu sprechen,
die vielleicht komisch wirken mag, die
ich aber eher als poetisch bezeichnen würde.
Wie die Inszenierung der kleinen Gruppe von
Dichtern im Schnee in „La Mélancolie des
Dra gons“, die sich einen Vergnügungspark
ausdenken; oder „L’Effet de Serge“, wo ein
einzelner Künstler in seiner Wohnung einminütige
Vorstellungen für seine Freunde gibt; und
jetzt „Swamp Club“, ein unabhängiges, autonomes
Kulturzentrum, in dem alles gut läuft.
Was für ein Bild vom Künstler in der Welt
vermitteln Sie?
Die zentrale Frage, mit der wir uns in diesen
zehn Jahre beschäftigt haben, ist folgende:
Wie kann man sich widersetzen und es wagen,
Künstler zu sein, und das vor Publikum, und
zugleich mit einem Naturbewusstsein im
weitesten Sinne – sich also auch mit „neoromantischen“
Themen beschäftigen, wie
man in Deutschland sagt, mit dem Menschen
und der Natur. Dabei haben wir von Anfang an
viel Unterstützung von deutschen Theatern zu
erfahren. Und tatsächlich wurde häufig ein
Bezug zwischen unserer Arbeit und deutschen
Malern wie Caspar David Friedrich hergestellt.
Diese Beziehungen sind sehr wichtig, da wir
heute in einer stark gefährdeten Welt leben,
auf wirtschaftlicher sowie auf ökologischer
Ebene, und uns ständig Katastrophen drohen.
Die hat es zwar immer schon gegeben, doch
heute werden sie uns angekündigt, da es in
unserer Gesellschaft sehr wichtig zu sein
scheint, Druck auf die Menschheit auszuüben,
ihr zu sagen, was alles passieren kann. Man
ist fast mehr damit beschäftigt, die Zukunft
vorherzusehen als sich um die Gegenwart zu
kümmern. Das war auch das Thema mehrerer
Stücke: diese ständige Bedrohung und das
Bewusstsein dafür, dass man scheitern oder
fallen kann, dass Katastrophen passieren
können. Doch zugleich muss man auch leben –
die Kunst bietet daher eine Alternative für
sehr viele Dinge.
Wenn Sie eine Grundhaltung beschreiben
wollten, die Ihre Kunst prägt: Ist es Wut, ist
es Kritik, ist es Gesellschaftskritik, Nostalgie
oder Melancholie, Angst, Sehnsucht?
Ich denke, das ist nicht auf einen Nenner zu
bringen. Vor zehn Jahren bekam ich Lust, zu
inszenieren, nachdem ich lange als Bühnenbildner
gearbeitet hatte. Ich wollte eine
„Mikrowelt“ aus der großen Welt ausschneiden
und auf die Bühne zu bringen. Es geht in
meinen Stücken um Menschen, denen es
gelingt, sich miteinander zu verständigen,
gemeinsam etwas auf die Beine zu stellen.
Wenn man von Engagement sprechen will,
wäre also als Leitlinie unserer Arbeit vielleicht
Folgendes zu nennen: Wie kann man zusammen
entscheiden, an dieselbe Sache zu glauben
– selbst wenn das nur bedeutet, an ein
schönes Theaterbühnenbild zu glauben und
darin Welten zu kreieren. In „Swamp Club“
ist das mehr denn je der Fall, denn das Stück
zeigt Menschen, die glücklich darüber sind,
sich um ein Kulturzentrum zu kümmern,
obwohl es sich an einem so unwirtlichen Ort
wie einem Sumpfgebiet befindet, und einer
Idee von Autonomie und ihrem Schaffensdrang
und Vorstellungsvermögen treu bleiben.
Vivarium, der Name Ihrer Company,
klingt fast wie Aquarium ...
Anfangs war es ein Wortspiel – Terrarium, Vivarium
– eine Analogie zur genauen Beobachtung
von Tieren und Insekten. Das hat insofern
Ähnlichkeit mit der Situation im Theater,
als dass man dort ebenfalls Menschen,
Materialien und Objekte vor Augen hat und
eine Darstellung im „Bühnenkäfig“ beobachtet
wird. Daher habe ich das Publikum mit
Insektenforschern verglichen, mir gefällt
diese Vorstellung. Ich hatte selbst mehrfach
Gelegenheit, Insekten zu beobachten, vor
allem eine Art, die sich Phasmiden nennt und
eine pflanzenähnliche Form hat. Wenn sie in
Gefahr sind, erstarren diese Insekten und
imitieren Blätter oder Zweige. Das Interessante
ist, dass sie ein Bild sind für Reaktion
auf Gefahr. In der Medizin nennt man das
Katalepsie.
Ist das auch Ihr Bild von Theater, dass da ein
Publikum ein seltsames Terrarium betrachtet,
wo sich Tiere und Menschen eigenartig
verhalten und man beobachtet es quasi
wissenschaftlich?
Es steckte die Lust dahinter, mit einem
Arbeitscode bzw. einer Ästethik zu arbeiten,
in der die Schauspieler den Zuschauer praktisch
nie anschauen. Ich mag viele verschiedene
Formen von Theater, auch frontalere,
aber das Nicht-Frontale ist charakteristisch
für das Stückerepertoire von Vivarium Studio.
Es spielt damit, dass es reale Personen inszeniert.
Das Publikum wird also zum Voyeur,
zum Beobachter, und das ist typisch für
Vivarium. Die Zuschauer sind eingeladen,
sich schöne Theaterbilder anzuschauen und
zugleich aber auch zu sehen, wie sie erzeugt
wurden. Das soll kein Geheimnis sein. Es sind
Stücke, die etwas Fantastisches, sehr Bildhaftes
oder gar Kindliches auf die Bühne
bringen, zugleich aber immer auch zeigen,
wie dieses Bild produziert wurde. Man soll
sehen, wie ein Stück geschaffen wird, wie es
hinter den Kulissen aussieht und dass es eine
sehr fragile und zerbrechliche Seite hat.
Es ist naheliegend, dass dieses Interesse an
der Kreation von Bildern aus Ihrer Arbeit als
Bühnenbildner kommt, aber es hat ja auch
einen Märchenaspekt, es sind fantastische
Bildwelten, die da geschaffen werden…
Ja, aber es steckt auch die Idee dahinter,
mit den Erwartungen des Zuschauers an das
Theater zu spielen. Die Ansprüche an das,
was auf der Bühne gezeigt wird, sind hoch;
ein Zuschauer kommt mit unglaublich vielen
Referenzen ins Theater, die aus dem Theater
selbst, aber auch aus anderen Kunstformen
stammen. Ich glaube, dass das Bühnenbild
sehr wichtig ist, da es Metaphern transportiert.
Wie der Schnee in „La Mélancolie des
Dragons“, wo Menschen buchstäblich in einer
Landschaft feststecken. In einem Theaterbild
festzustecken, das ist interessant als Stimulus,
so wie bei „Swamp Club“: ein freies Kulturzentrum,
das jedoch auf einem Sumpf gebaut
ist, wo man eigentlich nicht bauen sollte. Ich
glaube, dass das Publikum dieses Zeichen
wahrnimmt. Das realistische Bühnenbild positioniert
die Figuren bereits am Abgrund des
Scheiterns. Wenn man Menschen beobachtet,
die in einem Sumpf leben, dann hat man
eine sehr fragile Situation vor Augen.
Man leidet als Theaterzuschauer mit.
Das Besondere am Theater ist dieses Spiel mit
Illusion und Desillusion. Man bekommt eine
Illusion präsentiert, weiß aber gleichzeitig,
es ist nur Theater. Im Film ist es anders, da
wird tatsächlich Realität fingiert.
Illusion und Desillusion, darum geht es. Man
will das Publikum etwas glauben machen,
aber es sind zugleich realistische Figuren auf
der Bühne, die sich der Illusion bewusst sind
und die dem Zuschauer keine Botschaft verkünden,
sondern die Illusion und Desillusion
thematisieren. Das trifft es genau.
Wenn wir nochmal zur Gruppe der Darsteller
zurückkehren, die ist ja bunt gemischt. Es
gibt Tänzer, Künstler, Schauspieler, Musiker,
es kommen ganz verschiedene Gewerke
zusammen. Über die 10 Jahre sind es oft
dieselben. Gibt es noch die Trennung
zwischen Tänzern, Schauspielern etc. oder
ist man auf dem gleichen Level der Arbeit?
Ich hatte Lust, eine bunt zusammengewürfelte
Gruppe, eine Art kleine Familie zusammenzustellen.
Eigentlich scheue ich mich
ein wenig vor Gruppen oder Kollektiven. Ich
wollte von Anfang an eher eine Art „Collage“
aus unterschiedlichen Personen. Emilien
Tessier zum Beispiel feiert nächstes Jahr seinen
70. Geburtstag mit diesem Stück und es
freut mich sehr, dass er Teil der Company ist.
Aber es sind auch jüngere Leute dabei – die
übrigens nicht alle ausgebildete Schauspieler
sind. Zu proben bedeutet ja immer auch, viel
Zeit mit anderen Personen zu verbringen,
alleine im stillen Kämmerlein zu
proben ist sinnlos. Wir sitzen also alle in
einem Boot und daher baue ich gerne eine
kleine Arche Noah aus verschiedenen Leuten.
Ich finde es spannend, unterschiedliche
Menschen zu mischen; man kann viel voneinander
lernen. Und diesmal ganz besonders,
da noch neue Leute hinzugekommen sind.
In diesem Jahr sind Snoebjörn Brynjarsson
aus Island, den ich auf einer Tournee kennengelernt
habe, und Ola Maciejewska aus Polen
zu uns gestoßen. Durch ihren unterschiedlichen
kulturellen Hintergrund bringen sie
neue Sichtweisen und Sprachen, ihre eigene
Welt in die Company ein. Da es in „Swamp
Club“ außerdem Saunas geben wird, ist es
ideal, Leute aus Osteuropa bzw. Island da beizuhaben,
das macht es sehr realistisch.
Genauso wie das Stück, das ich mit den Technikern
vom Schauspiel Hannover insze niert
habe, die Gelegenheit bot, von einer Art In ­
sek tenwelt zu sprechen, die mit der Technik
des Stadttheaters vergleichbar ist.
Wird die Gruppe so zusammenbleiben?
Ist das ein Modell, das für Sie ideal ist?
Es gab noch nie eine Kunstform, in der es
nicht auch eine Rolle spielte, wie sie produziert,
gezeigt, gemacht wird – sei es im Kino,
in der Literatur oder in den Bildenden
Künsten. Wir versuchen daher, unsere Art der
Produktion beizubehalten, auch wenn das
heute schwieriger geworden ist und wir in
einer Welt leben, die von der Kunst Profit und
Rentabilität erwartet. Überall erwartet man
Resultate, in der Wirtschaft, in der Politik.
Und auch in der Kunst geht es inzwischen
darum, schwarze Zahlen zu schreiben, die
Theatersäle zu füllen.
Hat das etwas mit zunehmender internationaler
Aufmerksamkeit zu tun, dass man
mehr Tourneen machen muss, mehr Festivals
in ganz Europa bedienen und sich dadurch
die Arbeit verändert?
Bei uns geht es nicht unbedingt darum,
immer „größere“ Stücke zu produzieren, wir
bleiben unserem System treu. Aber es gibt
tatsächlich eine Erwartungshaltung, mit der
ich nicht gerechnet hätte, als wir unsere ersten
Stücke in einer Pariser Wohnung entwickelt
haben. Das war nicht, weil wir kein Geld
gehabt hätten, sondern weil ich ungestört
arbeiten wollte, und das ging am Besten,
indem wir uns für einige Zeit zurückzogen
und in aller Ruhe ein Stück kreierten. Inzwischen
hat man eine gewisse Ästhetik darin
erkannt und wir haben tatsächlich das Glück,
unsere Arbeit überall zeigen zu können.
Außerdem ist man uns in Deutschland immer
besonders treu verbunden gewesen, so dass
wir dort die Gelegenheit hatten, auch als
unabhängige Company ein Repertoire
aufzubauen, was normalerweise den Stadttheatern
vorbehalten ist. Es war also eine
interessante Erfahrung, mit den Stücken
reisen zu können; ich hätte nicht gedacht,
dass unsere Themen, das Thema des Künstlers,
des Komischen und manchmal Absurden,
so universell verstanden würden. In ärmeren
Ländern, zum Beispiel in Südamerika, war
das besonders spannend.
Haben Sie noch eine Beziehung zum
klassischen Theater, was ja in Frankreich
noch viel klassischer ist, als man es sich
hier vorstellen kann?
Nun ja, das Publikum besteht aus Leuten mit
den unterschiedlichsten Backgrounds, daher
glaube ich nicht, dass wir einer bestimmten
Kategorie oder Form verschrieben sind. Ich
freue mich, dass das Publikum so vielfältig
ist, dass es keine vorgefasste Meinung zu
dem hat, was wir machen und nicht nur eine
bestimmte Art von Theater erwartet, das
entweder neuartig oder historisch geprägt
ist. Ich glaube, dass alles koexistieren kann.
Wir hatten Gelegenheit, unsere Arbeit an
sehr unterschiedlichen Orten zu zeigen und
von sehr unterschiedlichen Leuten gesehen
zu werden, die sich in unserer Arbeit
wiedererkennen. Als Romeo Castellucci
und Christoph Marthaler zu uns ins Theater
gekommen sind und es ihnen gefallen hat,
hat mich das sehr gefreut.
Eine Frage noch zur Musik. Bei „Swamp Club“
ist ein Streichquartett live dabei, wie kam es
dazu?
Das war eine Idee, die auch aus einer Art
Scherz zum Jubiläum der Company hervorgegangen
ist. Wir haben uns gesagt, lasst uns
eine Form kreieren, die ein bisschen mehr in
Richtung Musiktheater („pièce musicale“)
oder Oper geht. Dann kann eine komische
Suche von einer ernsthaften Musik untermalt
sein und unserem Sujet des bedrohten Kulturzentrums
eine gewisse Tiefgründigkeit verleihen.
Das hat etwas sehr Filmisches, da ich
immer sehr viel Musik im Stück benutze. Oft
ist es die Live-Musik, die das Gefühl erzeugt,
und nicht die Schauspieler. Wir müssen allerdings
noch ausprobieren, wie es ist, Live-
Musiker bzw. ein Quartett einzuladen, das
außerdem noch in jeder Stadt ein anderes
sein wird. Das ist ein Risiko, das wir eingehen,
um das Stück musikalischer zu gestalten und
die Geschichte, die man wie eine Oper in
fünfzehn Zeilen zusammenfassen kann, mehr
zu einer Saga zu machen: ein Kulturzentrum,
das von einem alten Mann geleitet wird,
erfährt, dass es wegen eines städtischen
Bauvorhabens schließen muss. Das würde
ein gutes Opern-Programmheft abgeben.
Es wird hauptsächlich Schubert-Musik
gespielt, also wieder deutsche Romantik?
Vielleicht werden die Musiker je nach Stadt
auch ein unterschiedliches Repertoire spielen,
um ein unbeständiges Element im Stück zu
behalten. In Paris proben wir mit Beethoven-
Spezialisten, in Wien werden wir mit einem
Quartett zusammenarbeiten, das unter
anderem auch die „Star-Wars“-Musik von
John Williams im Programm hat. Diese Diskrepanz
kann interessant sein, warum nicht?
Wir haben uns immer schon von trivialeren
Referenzen genährt, von der Popkultur, dem
Kino, Superman, Hardrock. Ich verbinde
gerne vielfältige Referenzen mit einander.
„Star Wars“ zum Beispiel ist ein großes
Shakespeare-Stück. All das exisitiert nebeneinander
und es gibt keinen Grund, etwas
auszuschließen, denn auch der Zuschauer hat
all diese Referenzen im Kopf, wenn er Kunst
betrachtet. Man ist also als Zuschauer mit
vielen Welten befrachtet und sitzt im Theater
anderen Menschen gegenüber. Das ist eine
sehr konfrontative und spannende Situation.
Und der Hund?
Der Hund ist alt geworden, sehr alt mit seinen
zehn Jahren – er ist wie ein großer Schauspieler
im Ruhestand, ein Minetti an der Leine.
Er kann nicht mehr reisen. Aber es wird viele
andere Tiere im Stück geben. Das ist immer
eine interessante Sache, da es die naturalistische
Seite des Theaters zeigt und gleichzeitig
ein Moment der Unwägbarkeit in den
Abend bringt. Mit einem Tier kann jederzeit
etwas Unvorhergesehenes passieren.
Das Gespräch führte Christina Tilmann.
Aus dem Französischen von Valerie Schneider
Veranstalter: Berliner Festspiele · Ein Geschäftsbereich der Kulturveranstaltungen des Bundes GmbH · Gefördert durch den Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien · Intendant: Dr. Thomas Oberender · Kaufmännische
Geschäftsführerin: Charlotte Sieben · Foreign Affairs · Künstlerische Leitung: Matthias von Hartz · Künstlerische Mitarbeit: Cornelius Puschke · Dramaturgie: Carolin Hochleichter · Musikkurator: Martin Hossbach · Produktionsleitung:
Caroline Farke · Technische Leitung: Matthias Schäfer · Produktion: Ann-Christin Görtz · Mitarbeit Technische Leitung: Lotte Grenz · Student Affairs: Katja Herlemann · Architektur: realities:united · Ausstattung Festival und Focus:Wette:
Frieda Schneider · Mitarbeit Ausstattung: Agnes Fabich, Jasmin Wiesli · Praktikum: Milena Kowalski, Alexandra Keiner, Johanna Colmsee · Künstlerbetreuung: Loredana Cimino, Nuria Gimeno · Redaktion: Anne Phillips-Krug,
Christina Tilmann · Übersetzung: Karen Witthuhn / Transfiction, Stefanie Gerhold, Nico Laubisch, Valerie Schneider · Graphik: Ta-Trung, Berlin · Technische Leitung: Andreas Weidmann · Leiter Beleuchtung: Carsten Meyer · Leiter Tontechnik:
Manfred Tiesler, Axel Kriegel · Bühneninspektor: Thomas Pix · Bühnenmeister: Benjamin Brandt, Claudia Stauß · Beleuchtungmeister: Jürgen Koß, Hans Fründt · Tonmeister: Martin Trümper · Bühne: Birte Dördelmann, Stephan
Fischer, Sybille Casper, Pierre Joel Becker, Manuel Solms, Mirco Neugart, Karin Hornemann, Maria Deiana, Thomas Pix, Fred Langkau · Licht: Lydia Schönfeld, Robert Wolf, Arndt Rhiemeier, Bastian Heide, Ruprecht, Lademann, Mathilda
Kruschel, Frank Szardenings · Ton: Axel Kriegel, Stefan Höhne, Tilo Lips, Klaus Tabert, Falco Ewald, Sebastian Pieper, Simon Franzkowiak, Felix Podzwadkowski, Hardy Hartenberger · Azubis: Malte Gottschalk, Otis Weihrauch