Leseprobe Miyazaki - Einsnull

JULIA NIEDER
DIE FILME VON
HAYAO MIYAZAKI

Inhalt
Vorwort 7
1. Anime: Geschichte und Besonderheiten des japanischen Zeichentrickfilms 9
1.1. Geschichte der japanischen Zeichentrickindustrie 9
1.2. Narration: Grundlagen und Besonderheiten japanischer Erzählkunst 13
1.3. Ästhetik: Grundlagen und Besonderheiten japanischer Zeichenkunst 16
1.4. Ton: Auswirkungen ästhetischer und dramatischer Konzepte 20
2. Hayao Miyazaki: Biografie und Werk 21
3. Eigene Akzente innerhalb eines etablierten Kanons:
LUPIN SANSEI: CAGLIOSTRO NO SHIRO /CASTLE OF CAGLIOSTRO 24
3.1. Die Serie: Narration und Ästhetik am Beispiel der Episode LUPIN IS BURNING 25
3.2. Der Film: Narration und Ästhetik von CASTLE OF CAGLIOSTRO 28
3.3. Zusammenfassung 36
4. Verfremdung eines Heldenepos:
KAZE NO TANI NO NAUSICAÄ /NAUSICAÄ AUS DEM TAL DER WINDE 37
4.1. Narration: Die Struktur des Mythos 38
4.2. Erwachen einer Heldin: Etablierung der Hauptfigur und ihrer Alltagswelt 39
4.3. Von Gewaltverzicht und zögernden Antagonisten:
Bruch mit Charakterstereotypen 43
4.4. Gegner mit Gemeinsamkeiten: Rachsucht als innerer Konflikt 45
4.5. Zusammenfassung 46
5. Brücke zwischen Kulturen:
TENKU NO SHIRO LAPUTA /CASTLE IN THE SKY 48
5.1. Inhalt und Ästhetik 48
5.2. Wandlungen: Die Welt in Abhängigkeit der Perspektive 50
5.3. Mecha: Neutrale Technik und vertrauensunwürdige Nutzer 53
5.4. Magic Girl: Die Macht des Weiblichen 56
5.5. Zusammenfassung 58
6. Die Magie des Alltäglichen:
TONARI NO TOTORO /MY NEIGHBOR TOTORO 60
6.1. Autobiografische Elemente und psychologischer Realismus 60
6.2. Gegenläufige Entwicklung: Mei und Satsuki 62
6.3. Verzahnung von Realität und Fantasie 65
6.4. Zusammenfassung 67
5

Inhalt
7. Allegorie auf das Erwachsenwerden:
MAJO NO TAKKYUBIN /KIKIS KLEINER LIEFERSERVICE 69
7.1. Inhalt und Ästhetik 69
7.2. Verankerung in der Realität: Verfremdung als narratives Mittel 72
7.3. Flug als Metapher: Überwindung einer Krise 74
7.4. Zusammenfassung 77
8. Verwandlung als Metapher:
KURENAI NO BUTA /PORCO ROSSO 79
8.1. Eleganz und Genauigkeit: Die Ästhetik 79
8.2. Ein ungewöhnlicher Held: Die Narration 80
8.3. Die Verwandlung: Drei Deutungsvarianten 84
8.4. Zusammenfassung 88
9. Versöhnlicher Fatalismus:
MONONOKEHIME /PRINZESSIN MONONOKE 89
9.1. Ästhetik: Erster Einsatz digitaler Technik 90
9.2. Narration: Rückkehr zu den Anfängen 91
9.3. Polarität der Interessen:
Versöhnlicher Vermittler im Kampf um knappe Ressourcen 96
9.4. Differenzierterer Blick: Aufgreifen bekannter Themen und Motive 99
9.5. Zusammenfassung 99
10. Verschmelzung von Abenteuer- und Bildungsgeschichte:
SEN TO CHIHIRO NO KAMIKAKUSHI /CHIHIROS REISE INS ZAUBERLAND 101
10.1. Zäsur in der Produktionstechnik: Digitale Revolution im Ghibli-Studio 101
10.2. Gewaltfreier Abenteuerfilm: Brechung des Charakterstereotyps 103
10.3. Wandel in eine Bildungsgeschichte: Verlagerung der Aufmerksamkeit 105
10.4. Gesellschaftskritik: Mangel an sozialer und kultureller Bildung 108
10.5. Ein Studio als Badehaus: Deutungen des Regisseurs 110
10.6. Zusammenfassung 111
11. Das Innere sichtbar machen:
HAURO NO UGOKU SHIRO /DAS WANDELNDE SCHLOSS 112
11.1. Narration: Adaption einer märchenhaften Vorlage 113
11.2. Verwandlungen: Die Psyche sichtbar machen – Metamorphose als Leitmotiv 119
11.3. Zusammenfassung 122
12. Schlusswort 124
Quellenverzeichnis 131
Besprochene Filme 131
Zitierte Literatur 132
Forschungsliteratur 133
6

Vorwort
nfang des Jahres 2003 kündigte der
Disney-Vorsitzende Michael Eisner
die Schließung der weltweit traditionsreichsten
Zeichentrickstudios an. Die
Ankündigung kam nicht überraschend: Bereits
seit 1997 war die Belegschaft der
Zeichentricksparte des Disney-Konzerns
um rund zwei Drittel reduziert worden.
Ebenfalls im Jahr 2003 setzte sich der
japanische Filmemacher Hayao Miyazaki
mit seinem im klassischen Zeichentrickstil
gehaltenen CHIHIROS REISE INS ZAUBER-
LAND bei der Oscarverleihung in der Kategorie
bester Animationsfilm auch gegen
3D-Animationen durch. An den japanischen
Kinokassen hatte der Zeichentrickfilm
den Einnahmerekord von James Camerons
TITANIC übertroffen. Bereits ein
Jahr zuvor war CHIHIROS REISE INS ZAU-
BERLAND bei den Berliner Filmfestspielen
gemeinsam mit dem britischen BLOODY
SUNDAY als bester Film im Wettbewerb
ausgezeichnet worden. Seit 1951, als bei
der ersten Berlinale Disneys CINDERELLA
den Goldenen Bären gewann, war kein Zeichentrickfilm
mehr im Wettbewerb gezeigt
worden. 2005 schließlich wurde Miyazaki
als erster Animationsregisseur überhaupt
bei den Filmfestspielen in Venedig für sein
Lebenswerk mit dem Goldenen Löwen ausgezeichnet.
Akira Kurosawa, Jahrzehntelang
der weltweit bekannteste japanische
Filmemacher, bewunderte Miyazaki für
seine Bildsprache. Und John Lassetter,
Gründer des 3D-Animationsstudios Pixar
gestand, sein Studio nach dem Vorbild des
von Miyazaki mitbegründeten Ghibli-Studios
aufgebaut zu haben und zeigte sich
insgesamt als Fan seines japanischen Kollegen:
«From a pure filmmaking standpoint,
his staging, his cutting, his action
scenes are some of the best ever put on
film, whether animated or not. (…) Watching
one of his films is the best medicine
when you have writer’s block. When we at
Pixar feel that we’re beating our heads
against the wall, we go in the screening
room and put on a laser disc and watch one
of his films and it’s like, whoa, look what
he did. It’s inspiration to power through
that brick wall.» 1
Gerne wird Hayao Miyazaki wegen seines
großen Erfolgs und der Rolle als Studiomitbegründer
mit Walt Disney verglichen.
2 Seine Filme zeigen jedoch eine ganz
andere Qualität. Disney erzählte auf Basis
bestehender Märchen und Abenteuererzählungen
an Kinder gerichtete Musicals
und legte dabei den Schwerpunkt auf möglichst
flüssige, realitätsgetreue Animation.
Miyazaki hingegen führt die Zuschauer
stets in komplexe Phantasiewelten, in denen
er Zitate und Versatzstücke östlicher
und westlicher Mythen, Märchen und Legenden
zu einem eigenen Kosmos verknüpft.
Besonderen Wert legt der Regisseur
dabei insbesondere auf psychologischen
Realismus und die Vermeidung stereotyper
Plotverläufe und Figurenkonstellationen.
Seine Erzählungen sind stets
vielschichtig und vereinen eine Reihe unterschiedlicher
Interpretationsvarianten,
deren Deutung zum Großteil den Zuschauern
überlassen wird.
Doch trotz seiner überragenden Stellung
in der Zeichentrickindustrie sind
Miyazakis Filme in Europa und vor allem
in Deutschland noch immer weitgehend unbekannt.
Aus gutem Grund: Nur die aktuellsten
drei Filme PRINZESSIN MONONOKE,
1 Rick Lyman: A Darkly Mythic World From Japan Arrives in Hollywood. In: New York Times, 21.10.1999.
2 Helen McCarthy: Hayao Miyazaki – Master of Japanese Animation, Berkeley 2002, S.10.
7

Vorwort
CHIHIROS REISE INS ZAUBERLAND und zuletzt
DAS WANDELNDE SCHLOSS kamen regulär
in die deutschen Kinos. Und erst im
September 2005 hat Universum Film damit
begonnen, auch ältere Filme Miyazakis
auf DVD zu veröffentlichen und in Sonderreihen
auch auf der Leinwand zu präsentieren.
Bis Ende 2006 sollen nun endlich,
mit Ausnahme von dem frühesten
Film CASTLE OF CAGLIOSTRO, alle Filme
des Animationskünstlers in deutschsprachigen
Synchronversionen auf DVD erhältlich,
und auch im Kino zu sehen gewesen
sein.
Deutschsprachige Literatur zu Miyazakis
Werk ist allerdings noch immer rar -
während die Britin Helen McCarthy mit
«Hayao Miyazaki – Master of Japanese
Animation» bereits 1999 ein erstes Buch
über den Animationskünstler vorlegte,
wurden im deutschsprachigen Raum bisher
nur Filmkritiken und einige wenige Aufsätze
über Miyazaki veröffentlicht. Das vorliegende
Buch ist somit die erste deutschsprachige
Einführung in das filmische
Werk Hayao Miyazakis. Es soll einen ersten
Überblick über die Arbeiten, die Themen
und die Philosophie des Filmemachers
bieten, damit das Interesse an seinem
Werk wecken und Lust darauf machen,
sich noch weiter mit seinen Animationen
auseinander zu setzen.
8

1. Anime: Geschichte und Besonderheiten
des japanischen Zeichentrickfilms
ie Zeichentricksparte amerikanischen
Filmindustrie in den
vergangenen Jahren nahezu vollständig
der digitalen Animation weichen.
Selbst das traditionsreichste US-Animationsstudio
Disney verzichtet inzwischen
auf die handgezeichnete Animation. In
Japan hingegen ist die Zeichentrickindustrie
bis heute ein wichtiger Wirtschaftsfaktor.
Als Grundlage des anhaltenden
Erfolgs gilt dabei die von Zeichner
Osamu Tezuka eingeleitete Verzahnung
von Manga (Comic) und Anime (Trickfilm)
die zu einer bis heute zu beobachtenden,
nahezu symbiotischen Beziehung
zwischen den beiden Medien : Ein
Großteil japanischer Zeichentrickfilme
basiert auf zuvor publizierten Comics,
umgekehrt entstanden auch einige Mangaserien
auf Basis erfolgreicher Anime.
Die Zielgruppe ist dabei wesentlich breiter
gefächert als im amero-europäischen
Raum üblich: Comics und Trickfilme werden
nicht nur von Kindern und Jugendlichen,
sondern insbesondere auch von Erwachsenen
konsumiert.
Wichtig den Erfolg der japanischen
Zeichentrickindustrie war und ist jedoch
auch die Konzentration auf die eigene Kultur,
mit der sich Animationen auf dem japanischen
Heimatmarkt gegen die frühe
und starke Konkurrenz insbesondere aus
den USA durchsetzen konnten. Trotz starker
Prägung durch US-Zeichentrickfilme
folgen die japanischen Animationen vielfach
von westlichen Produktionen abweichenden
narrativen und ästhetischen Ansätzen.
1.1. Geschichte der japanischen Zeichentrickindustrie
Die Zeichentrickindustrie Japans gilt heute
als die Größte der Welt. Ihr Aufstieg begann
jedoch erst in der Nachkriegszeit, mit
zunehmender Verbreitung des Fernsehens.
US-Produktionen, insbesondere die Arbeiten
Disneys der Fleischer- Brüder, dominierten
hingegen die Stummfilmzeit auch
in Japan.
Als Pioniere der japanischen Animationsindustrie
gelten die Regisseure Seitaro
Kitayama, Junichi Kouchi und Oten Shimokawa.
1917 veröffentlichte Shimokawa mit
IMOKAWA MUKUZO GENKANBAN NO MAKI
(MUKUZO IMOKAWA THE DOORMAN, Japan
1917) den ersten Animationsfilm Japans.
Die mit Tinte direkt auf das Filmmaterial
gezeichnete, fünfminütige Animation wurde
leider, wie der Großteil der bis dahin entstandenen
Zeichentrickfilme Japans, bei
dem Erdbeben in Tokio 1923 zerstört. 1
Thematisch griffen die frühen Animationen
meist japanische Märchen, Legenden
und Alltagsmythen auf. Der steigende
Militarismus der frühen 1930er Jahre und
schließlich der Ausbruch des sino-japanischen
Krieges 1937 blieb nicht ohne Auswirkung
auf die Animationsindustrie, deren
zunehmend nach westlichem Vorbild produzierte,
humoristische Cartoons zentralisiert,
unter starker Kontrolle der Zensurbe-
1 vgl. Helen McCarthy, Jonathan Clements: The Anime Encyclopedia – A guide to Japanese animation since 1917. Berkeley
2001, S.108 f.
9

1. Anime: Geschichte und Besonderheiten des japanischen Zeichentrickfilms
Abb. 1 Szene aus MOMOTARO UMI NO SHIN-
PEI (MOMOTARO’S DIVINE SEA WARRIORS, Japan
1945)
hörden entstanden und zu nicht unerheblichem
Teil propagandistischen Zwecken
dienten. So auch der erste abendfüllende
Animationsfilm: Mituyo Seos MOMOTARO
UMI NO SHINPEI (MOMOTARO’S DIVINE SEA
WARRIORS, Japan 1945; Abb. 1), der nur
wenige Monate vor Kriegsende, im April
1945, veröffentlicht wurde, erzählt in 74
Minuten von der Befreiung Malaysias und
Indonesiens durch die japanische Marine. 2
Mit Kriegsende fiel die Aufsicht der zuvor
unter Kontrolle der japanischen Militärdiktatur
stehenden Comicverlage und
Animationsstudios der US-Besatzung zu.
Da die populären Medien der Umerziehung
der japanischen Bevölkerung dienen sollten,
wurde insbesondere die Manga-Industrie
stark gefördert. Trickfilme hingegen
wurden zunächst in großen Mengen
aus den USA importiert. 3 Überaus populär
waren bis zum Einsetzen des TV-Zeitalters
1953 neben den Manga auch die kamishibai
(jap. = Papier-Theaterstücke). Bei dieser
Form des Geschichtenerzählens boten
von Hand bemalte Papptafeln den Hintergrund
für die Erzählung, die teilweise zusätzlich
mit Geräuscheffekten untermalt
wurde. Allein im Raum Tokio gab es rund
20 Firmen, die ausschließlich Storyboards
für die kamishibai entwarfen. Häufig arbeiteten
die kamishibai-Produzenten eng
mit Manga-Verlagen zusammen, die die
populärsten Geschichten der professionellen
Erzähler in ihren Comics aufgriffen.
Zwar wurden die kamishibai in den 50er
Jahren zunehmend von der TV-Industrie
verdrängt, die Zeichner jedoch fanden
neue Arbeit in den wachsenden Manga-
Verlagen und neu entstehenden Animationsstudios
Japans.
Die 1950er Jahre, in denen ein Studiosystem
nach US-Vorbild entstand, gelten
als die eigentliche Geburtsstunde der japanischen
Zeichentrickindustrie. Wie stark
auch von den Japanern selbst die Veränderung
auf Grund von Professionalisierung
empfunden wurde, zeigt sich unter anderem
an den unterschiedlichen Bezeichnungen,
die für die Trickfilme der Vor- und der
Nachkriegszeit benutzt werden: In den
Vorkriegs- und Kriegsjahren wurden Animationen
noch als «doga» bezeichnet, die
aus dem französischen entlehnte Bezeichnung
«anime» setzte sich erst in den
1950er Jahren durch. 4
Das erste erfolgreich produzierende
Animationsstudio Japans war die 1956 eröffnete
Toei Animation Co., die sich in der
japanischen Öffentlichkeit im Oktober
1958 mit der abendfüllenden Zeichentrickanimation
HAKUJADEN (PANDA AND THE
MAGIC SERPENT, Japan 1958; Abb. 2) von
Taiji Yabushita einen Namen machte. Der
Film, der als erster moderner japanischer
Animationsfilm gilt, war in Japan sehr erfolgreich
und beeindruckte nach eigenen
Aussagen auch den jungen Hayao Miyazaki
so stark, dass dieser erstmals mit dem
Gedanken spielte, selbst sein Glück in der
Animationsindustrie zu suchen. 5
Im Jahresrhythmus veröffentlichte das
Studio Toei weitere Animationsspielfilme,
darunter auch 1960 den unter der Regie
2 McCarthy, Clements S.259.
3 vgl. Giannalberto Bendazzi: Cartoons – One hundred years of cinema animation. Indianapolis 2003, S.185 f.
4 vgl. Antonia Levi: Samurai from Outer Space. Chicago 1996, S.20 ff.
5 vgl. McCarthy, Clements S.291.
10

1.1. Geschichte der japanischen Zeichentrickindustrie
Abb. 2 HAKUJADEN (PANDA AND THE MAGIC
SERPENT, Japan 1958)
Abb. 4 TETSUWAN ATOMU (TETSUWAN
ATOMU /ASTRO BOY, Japan 1963)
von Taiji Yabushita entstandenen SAIYUKI
(JOURNEY TO THE WEST, Japan 1960;
Abb. 3), der auf einer von Osamu Tezuka
verfassten Manga-Adaption einer chinesischen
Legende basierte.
Der 1928 geborene Chaplin- und Disney-Bewunderer
Tezuka war in den 50er
Jahren zum populärsten Comiczeichner
Japans aufgestiegen. Sein an filmischer
Ästhetik orientierter Zeichenstil mit großäugigen
Cartoon-Figuren und bis dahin in
Comics unbekannten Stilmitteln wie Ausschnittvergrößerungen
oder ungewöhnlichen
Perspektiven, sowie seine Hinwendung
zu ernsteren, «erwachseneren» Stoffen
war Basis und Inspiration für zahlreiche
Nachfolger und gilt bis heute als richtungsweisend
für die Manga-Industrie. 6
Bei der Produktion von «Saiyuki» fungierte
Tezuka noch als Berater, kurz darauf
gründete er jedoch, inspiriert von TV-Animationen
der britischen Hanna-Barbera
Studios, mit Mushi Productions das erste
TV-Zeichentrickstudio Japans. Nach einem
experimentellen Film veröffentlichte Tezuka
1963, basierend auf seinem eigenen
Manga, mit TETSUWAN ATOMU (TETSUWAN
ATOMU /ASTRO BOY, Japan 1963, 193 x
30min.; Abb. 4) die erste wöchentlich ausgestrahlte
TV-Serie. Nicht nur in Japan
wurde die Science-Fiction Serie ein großer
Erfolg, auch in den USA wurde sie unter
dem Titel ASTRO BOY populär.
Angelockt durch den Erfolg drängten
weitere Studios auf den TV-Markt: Bis Ende
1963 eröffneten drei weitere reine TV-Animationsstudios,
während bestehende Studios
wie Toei Animations sich nun ebenfalls
der Produktion von Fernsehserien widmeten,
so dass noch im selben Jahr sechs weitere
Animationsserien in das japanische
Fernsehprogramm aufgenommen wurden. 7
Unter dem Zeit- und Kostendruck des
TV-Markts entwickelten sich in Japan von
US-Produktionen abweichende Animationsweisen:
Die detailgetreue Präzision
der Animation, insbesondere in der von
Abb. 3 SAIYUKI (JOURNEY TO THE WEST, Japan
1960)
6 vgl. Bendazzi S.414 ff.
7 vgl. Gilles Poirtras: Anime Essential: Every Thing a Fan Needs to Know. Berkeley 2001. S.17 ff.
11

1. Anime: Geschichte und Besonderheiten des japanischen Zeichentrickfilms
Disney bevorzugten hyperrealistischen,
vollständigen Animation, wich der schneller
und billiger zu produzierenden begrenzten
Animation. Dient der vollständigen
Animation die flüssig gezeichnete und
konstante Bewegung als zentrales Gestaltungselement,
ist zentrales Merkmal der
begrenzten Animation die stark an Comic-Ästhetik
angelehnte eher statische
Anmutung. Diese entsteht, weil bei der begrenzten
Animation nur einzelne Bildelemente
zeichnerisch animiert werden. Dynamik
erhalten begrenzt-animierte Produktionen
durch die Verwendung verschiedener
Techniken, wie etwa der mechanischen
Manipulation der Animationsfolien,
schnelle Schnitte und den Einsatz
ungewöhnlicher Perspektiven in Kombination
mit häufig actionreiche Erzählungen.
Das grundlegende Ziel ist es dabei
stets, die Zahl notwendiger Einzelbilder
möglichst gering zu halten. 8
Während sich die meisten japanischen
Studios zunächst auf Science-Fiction-
Produktionen konzentrierten, war es wiederum
Tezuka, der, wie in den 1950er Jahren
bereits auf dem Manga-Markt geschehen,
nun auch in der Zeichentrickanimation
eine starke Differenzierung der Genres
vorantrieb und damit den Grundstein dafür
legte, dass sich, beginnend etwa ab den
späten 1970er Jahren, Zeichentrick als
akzeptable Form auch der Erwachsenenunterhaltung
in der japanischen Gesellschaft
etablierte. 9 Neben dem dominierenden
Science Fiction-Genre sowie Märchen
und Mythen wurden zunehmend auch animierte
Romanzen, Sportfilme, Historienfilme,
Literaturadaptionen und Erotikfilme
veröffentlicht.
Zwar musste Mushi Productions in den
1970er Jahren seine Pforten schließen,
Abb. 5 AKIRA (AKIRA, Japan 1988)
doch die Entwicklung, die Tezuka angestoßen
hatte, war nicht mehr aufzuhalten. Im
Gegenteil: Mit Eröffnung des Videomarktes
Mitte der 1980er Jahre kam der
endgültige, schließlich auch internationale
Durchbruch der japanischen Animationsindustrie.
Neben TV-Serien und aufwändigen
Kinoproduktionen entwickelte sich die
so genannte Original Video Animation
(OVA), mit direkt für den Videomarkt produzierten
Animationen, zum dritten Standbein
der Zeichentrickstudios. Internationale
Aufmerksamkeit erregte Japans Animationsindustrie
insbesondere durch die
Veröffentlichung der von Katsuhiro Otomo
inszenierten, an ein erwachsenes Publikum
gerichteten, Tech-Noir-Animation AKIRA
(AKIRA, Japan 1988; Abb. 5). 10
Als finanziell erfolgreichstes Zeichentrickstudio
Japans gilt heute das von den
Animations-Regisseuren Hayao Miyazaki
und Isao Takahata als Tochterfirma des
Comic-Verlags Tokuma Shoten 1985 gegründete
Studio Ghibli. Das, nach der von
italienischen Piloten geprägten Bezeichnung
für einen heißen Wüstenwind benannte,
Studio machte sich in Japan mit
aufwändig produzierten, hyperrealistischen
Kinoanimationen einen Namen und
wurde inzwischen auch international mit
zahlreichen Preisen ausgezeichnet. 11
8 vgl. Levi 1996, S.21.
9 vgl. Poirtras S.20.
10 vgl. Poirtras S.22 ff.
11 vgl. Toshio Suzuki: Studio Ghibli – Vergangenheit und Gegenwart. In: Tokuma Shoten (Hrsg.): Prinzessin Mononoke
– Das Buch zum Film. Hamburg 2001, S.218ff.
12