Abendprogramm (PDF) - Philharmonie Luxembourg

Les grands classiques
Dimanche / Sonntag / Sunday
16.06.2013 20:00
Grand Auditorium
Kammerorchester Basel
Giovanni Antonini direction
Giuliano Carmignola violon
Sol Gabetta violoncelle
Dejan Lazić piano
Backstage
19:15 Salle de Musique de Chambre
Dr. Martin Möller: «Sehr schön, aber unpassend?
Beethovens ‹Tripelkonzert›» (D)

Ludwig van Beethoven (1770–1827)
Die Geschöpfe des Prometheus (Les créatures de Prométhée) op. 43:
Ouvertüre (1800–1801)
5’
Symphonie N° 1 C-Dur (ut majeur) op. 21 (1800)
Adagio molto – Allegro con brio
Andante cantabile con moto
Menuetto: Allegro molto e vivace – Trio
Adagio – Allegro molto e vivace
30’
—
Konzert für Violine, Violoncello, Klavier und Orchester C-Dur (ut majeur)
op. 56 («Tripelkonzert» / «Triple Concerto») (1803–1804)
Allegro
Largo, attacca:
Rondo alla Polacca
35’
Ludwig van Beethoven
(Estampe de Johann Gottfried Scheffner
d’après Gandolf Ernst Stainhauser von Treuberg, 1801)

Un mythe modernisé
Beethoven: Les créatures de Prométhée
Elisabeth Brisson (2010)
Die Geschöpfe des Prometheus op. 43, «Ballo serio» pour grand orchestre,
composé en 1800–1801, a été dédié à la Princesse Lichnowsky.
La première représentation du ballet eut lieu le 28 mars 1801 sur
la scène du théâtre impérial de Vienne, à l’ancien Burgtheater.
Ce ballet a été commandé à Ludwig van Beethoven par le chorégraphe
italien Salvatore Viganò (1769–1821) qui, d’habitude,
se contentait d’assemblage composite de musiques déjà écrites.
Mais il choisit pour cette nouvelle création un jeune musicien
‹à la mode›. Viganò, en quête de nouveauté et soucieux de restituer
les mouvements ‹naturels› – une modernité peu appréciée
par une partie du public viennois – semble avoir choisi Beethoven
en connaissance de cause, car l’argument du ballet comportait
des enjeux historiques et esthétiques évidents dans le contexte
politique d’alors: les succès militaires du Général Bonaparte venaient
de favoriser la mise en place en France du Consulat, nouveau
régime aux fortes connotations antiques. Viganò connaissait
les sympathies de Beethoven pour les idées nouvelles. Cette
sensibilité politique était indispensable pour comprendre que le
ballet proposait une interprétation ‹d’actualité› du mythe de Prométhée.
L’affiche qui annonçait la première représentation résumait
ainsi le scénario que Viganò avait imaginé:
«Ce ballet allégorique est basé sur le mythe de Prométhée.
Les philosophes de la Grèce, qui savaient de quoi ils parlaient,
ont expliqué le sens de cette fable [erklären die Bespielung der
Fabel dahin]. Ils dépeignent Prométhée comme un esprit fort
[erhabener Geist] qui, ayant trouvé les êtres humains de son
temps dans un état d’ignorance, les élève [verfeinert] par l’art
5

Heinrich Friedrich Füger: Prométhée apportant le feu
aux Hommes, vers 1817
et par la connaissance, tout en leur donnant des principes de
bonne conduite [Sitten]. Fidèle à cette source, le ballet présente
deux statues qui vont s’animer et que le pouvoir de l’harmonie
va rendre sensibles à toutes les passions de l’existence humaine.
Prométhée les emmène au Parnasse pour être instruites par Apollon,
dieu des arts qui ordonne à Amphion, Arion et Orphée
de leur enseigner la musique, à Melpomène et à Thalie de leur
enseigner la tragédie et la comédie. Assisté par Terpsichore, Pan
leur fait connaître la danse pastorale – et de Bacchus, ils apprennent
sa propre invention, la danse héroïque.»
Pour communiquer aux spectateurs «la céleste étincelle de Prométhée»,
cette dynamique et cette joie propres à l’action créatrice
et émancipatrice, le thème même du Finale de la Neuvième
Symphonie, Beethoven prit le parti de faire précéder l’ensemble
du ballet d’une Ouverture qui commence par une introduction
lente Adagio, caractérisée par une incertitude tonale et par le jeu
entre les timbres des cordes et des bois. La tonalité ne s’affirme
qu’avec le premier thème de l’Allegro molto e con brio de forme
sonate.
6

Dans le sillage de Haydn
Beethoven: Symphonie N° 1
Stéphane Etcharry (2007)
La Première Symphonie de Beethoven se situe dans le droit sillon
tracé par Mozart, mais aussi et surtout par les dernières symphonies
de son maître Joseph Haydn, qui datent de la dernière décennie
du 18 e siècle. La nomenclature instrumentale représente
d’ailleurs la première trace de cet héritage puisqu’elle s’apparente
directement à l’orchestre utilisé dans ses œuvres par Haydn. Elle
requiert en effet deux flûtes, deux hautbois, deux clarinettes en
ut, deux bassons, deux cors en ut, deux trompettes en ut, les
timbales et le traditionnel quintette à cordes. Mais Beethoven se
démarque pourtant de son aîné et joue déjà les révolutionnaires
puisque, dès ce premier opus symphonique, «il s’érige en architecte
des blocs sonores, joue avec les masses, les attaques, les
dynamiques. Le premier, il prend conscience de l’effet psychologique
– voire physiologique – produit sur l’auditeur par la seule
puissance acoustique d’un orchestre» (Alain Louvier).
D’un point de vue structurel, l’œuvre adopte les quatre mouvements
traditionnellement fixés dans leurs symphonies par ses
prédécesseurs. Le premier mouvement, Allegro con brio, s’ouvre
sur une courte introduction lente Adagio molto qui rappelle une
nouvelle fois l’influence manifeste de la tradition symphonique
haydnienne. De plus, les huit premiers accords de l’œuvre créent
un effet de surprise en introduisant une sorte de flottement tonal.
Ils énoncent en effet trois cadences – figures généralement
réservées à la ponctuation d’une phrase, d’une section plus large
ou d’une œuvre dans son entier – respectivement dans les tonalités
de fa majeur, do majeur et sol majeur. Ce n’est qu’à partir
des mesures 5 et 6 que se stabilise véritablement la tonalité pour
8

ayonner pleinement dans l’Allegro con brio avec l’arrivée, à la
treizième mesure, du premier thème, incisif et espiègle, énoncé
par les violons I et lancé par un motif de type «fusée». Le deuxième
thème se veut plus mélodique et cantabile, débutant sur
un dialogue entre les bois sur fond d’arpèges ascendants et descendants
des cordes en pizzicato. Bien que relativement court,
le développement d’une harmonie très mobile (on notera la surprise
créée par la soudaine modulation en la majeur qui ouvre
cette section centrale) et exploite principalement les différents
motifs issus du premier groupe thématique.
En fa majeur, le deuxième mouvement Andante cantabile con
moto, lui aussi de forme-sonate, hésite entre la fugue (écriture
contrapuntique initiale) et le caractère du menuet (mesure ternaire,
tempo, allure générale).
Bien qu’intitulé Menuetto comme il est désormais d’usage dans
la symphonie classique, le troisième mouvement, par son mouvement
indiqué Allegro molto e vivace, avec toute son agilité et
sa fougue juvénile, annonce déjà le caractère du scherzo (de l’italien
signifiant «jeu») qui sera l’une des conquêtes caractéristiques
du style beethovenien. Le compositeur l’introduira d’ailleurs, de
façon explicite et définitive, dès sa Deuxième Symphonie de 1802
(mais il l’avait cependant déjà utilisé pour la toute première fois
en 1794–1795, dans le troisième mouvement de sa Sonate pour
piano op. 2 N° 2). Le Trio central valorise quant à lui l’opposition
pittoresque de deux blocs, celui des vents et celui des cordes.
Enfin, le quatrième mouvement Allegro molto e vivace, est à
rapprocher du premier, en ce sens qu’il représente lui aussi une
certaine forme de clin d’œil à Haydn le symphoniste. Il déploie
un ensemble de motifs tous aussi incisifs, espiègles voire sarcastiques
les uns que les autres, motifs qui évoquent la vitalité
et l’humour de très nombreux thèmes haydniens. Là encore,
le mouvement est précédé d’une très courte introduction lente
(Adagio), dans le plus pur style de Haydn, notamment par la surprise
et l’humour ménagés en son sein par le maître de Bonn.
9

Trois virtuoses sans hiérarchie
Beethoven: «Triple Concerto»
Elisabeth Brisson (2009)
Beethoven qui vivait dans ses notes, pensait généralement plusieurs
œuvres à la fois: ainsi, le «Triple Concerto» composé en 1803
et 1804 est contemporain de l’«Eroica» – deux œuvres ‹éprouvées›
ensemble lors d’une exécution privée dans les salons du prince
Lobkowitz à Vienne fin mai/début juin 1804. La première exécution
publique eut lieu à Vienne, en mai 1808 lors d’un concert
donné dans l’Augarten. Ainsi, pendant qu’il écrivait pour grand
orchestre, Beethoven se préoccupait de maîtriser également l’écriture
pour solistes et orchestre, ce qui impliquait une autre façon
de traiter le matériau thématique, puisqu’il fallait tenir compte
de la présence d’instrumentistes virtuoses.
Dans le «Triple Concerto», Beethoven a confié une partie équivalente
à chacun des trois solistes: aucun ne domine, et chacun
a maintes occasions de déployer sa virtuosité. L’orchestre a également
une place du même ordre. Cette conception, qui refuse
hiérarchie et dépendance de l’un ou de l’autre des protagonistes,
a des conséquences formelles: extension des expositions et répétitions
– la spécificité de chacun des timbres étant une sorte de
garantie contre la monotonie, tandis que l’opposition tutti/solistes
permet de varier la densité du tissu sonore.
Le premier mouvement est de forme sonate adaptée à la présence
d’un orchestre et de trois solistes. L’orchestre expose l’ensemble
du matériau thématique, de manière d’abord mystérieuse,
puis en jouant sur la densité du tissu sonore, avant que les trois
instruments n’entrent l’un après l’autre sur le même motif : le
violoncelle à la tonique, le violon à la dominante et le piano à
11

Johann Ziegler: Vue de l’Augarten, 1783
la tonique. Après cette longue exposition, le développement très
court est introduit par le violoncelle, avant que les trois solistes
n’aient des jeux imbriqués très serrés. La réexposition très dense
se termine par une coda.
Le deuxième mouvement est un Largo très court à 3/8 en la bémol
majeur. Le violoncelle, le premier des solistes à jouer dans
ce mouvement, doit faire chanter son instrument en étant soutenu
par des cordes jouant «con sordino». Ce Largo a une double
fonction, celle d’un répit, mettant en valeur la capacité de chanter
des instruments tout en entretenant un climat lyrique et
sombre, et celle d’une introduction au finale directement enchaîné
après deux mesures suspensives confiées au violoncelle.
Le Rondo alla Polacca associe la forme rondo et la forme sonate.
Le thème principal, plein d’allant, ‹refrain› très étendu, revient
trois fois. Après le troisième couplet, le tempo et la mesure
changent: Allegro à 2/4, ce qui correspond à un développement
terminal prenant la forme d’une variation du refrain; cette dernière
partie est entraînée par le violon et fondée sur l’échange de
traits virtuoses entre les instruments. Annoncé par un ralentissement
du tempo, le «Tempo I» à 3/4 revient pour la coda.
Ce «Triple Concerto» a dérouté: les premiers auditeurs l’ont trouvé
trop exubérant, plein de figures hétéroclites – le troisième mouvement
étant toutefois considéré comme plein d’esprit et de sentiment.
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Wege aus der Krise
Orchestermusik von Beethoven
Katrin Bicher
«Ich kann sagen, ich bringe mein Leben elend zu, seit zwei Jahren
fast meide ich alle Gesellschaften, weil’s mir nicht möglich ist,
den Leuten zu sagen: Ich bin taub. Hätte ich irgendein anderes
Fach, so ging’s noch eher, aber in meinem Fache ist das ein
schrecklicher Zustand; dabei meine Feinde, deren Zahl nicht gering
ist, was würden diese hierzu sagen!» Franz Gerhard Wegeler,
einer seiner engsten Freunde, war der Erste, dem Ludwig van
Beethoven im Sommer 1801 mit diesen Zeilen anvertraute, was
ihm allmählich zur Gewissheit wurde: dass seine Schwerhörigkeit
keine vorübergehende Beschwerde war, sondern zur Taubheit
führen würde. Sozialer Rückzug schien ihm die einzig mögliche
Konsequenz, denn zu den kommunikativen Schwierigkeiten im
gesellschaftlichen Umgang kam die Sorge, dass er in seiner Profession
– als Musiker – in Frage gestellt werden könnte.
«Krisenjahre» hat der berühmte Beethoven-Forscher Lewis Lockwood
denn auch das Kapitel seiner Beethoven-Biographie überschrieben,
das den Jahren um 1800 gewidmet ist. Von Krisen
mancherlei Art war diese Zeit geprägt. Die Schwerhörigkeit besserte
sich trotz verschiedener Bäder und Kuren nicht nur nicht,
sondern wurde chronisch und immer schlimmer, der sonst temperamentvolle
und gesellige Mensch Beethoven zog sich immer
mehr zurück, scheute einerseits die Isolation und forderte sie andererseits
geradezu heraus. Schließlich entstand das sogenannte
Heiligenstädter Testament, das, wie andere Dokumente dieser
Zeit auch, von Lebensunmut, Suizidgedanken und depressiven
Stimmungen zeugt. Andererseits aber ist eben diese Zeit eine
der enormen Schaffenskraft.
15

«So viel will ich euch sagen, dass ihr mich nur recht groß wieder
sehen werdet; nicht als Künstler sollt ihr mich größer, sondern
auch als Mensch sollt ihr mich besser, vollkommener finden,
und ist dann der Wohlstand besser in unserm Vaterlande, dann
soll meine Kunst sich nur zum Besten der Armen zeigen. O glückseliger
Augenblick, wie glücklich halte ich mich, dass ich dich herbeischaffen,
dich selbst schaffen kann! – Von meiner Lage willst
Du was wissen; nun, sie wäre eben so schlecht nicht. Seit vorigem
Jahr hat mir Lichnowsky […] eine sichere Summe von 600 Gulden
ausgeworfen, die ich, so lange ich keine für mich passende
Anstellung finde, ziehen kann; meine Kompositionen tragen mir
viel ein, und ich kann sagen, dass ich mehr Bestellungen habe,
als fast möglich ist, dass ich befriedigen kann. Auch habe ich auf
jede Sache 6, 7 Verleger und noch mehr, wenn ich mir’s angelegen
sein lassen will: Man accordiert nicht mehr mit mir, ich fordere
und man zahlt», schrieb Beethoven im gleichen Brief an Wegeler.
In der Tat scheint Beethoven bestrebt gewesen zu sein, künstlerisch-kreativ
zu kompensieren, was ihm sozial nicht mehr gelang.
In diesen Zusammenhang gehört auch eine Anekdote, die zuerst
Beethovens Schüler Carl Czerny beschrieb: «Um 1803 sagte einmal
Beethoven seinem Freunde Krumpholz: ‹Ich bin mit meinen
bisherigen Arbeiten nicht zufrieden. Von nun an will ich einen
neuen Weg betreten.›» Folgerichtig gilt 1803 als Zeit eines ersten,
von der Krankheit ausgelösten, Krisenhöhepunkts, der mit einem
stilistischen Wandel zusammenfällt, markiert mit der neuen Tonsprache
der 1804 erstmals aufgeführten «Eroica».
In der Tat begann Beethoven in den Jahren nach 1800, systematischer
als zuvor zu arbeiten: Er verwendete beispielsweise von
nun an statt loser Blätter gebundene Skizzenbücher, die es ihm
erleichterten, kompositorisch konsequent bestimmte Strukturen
zu verfolgen, längere Passagen zu notieren, sie später leichter
aufzufinden und weiterzuentwickeln. Beethovens Stärke, die
Arbeit mit motivischem Material, konnte nun an ganzen Sätzen
und noch größeren Einheiten probiert werden und seinen Werken
einen neuen inneren Zusammenhang geben.
16

Salvatore Viganò
(Portrait von Johann Gottfried Schadow, um 1797)
Die Geschöpfe des Prometheus
Mit der Oper mühte Beethoven sich bekanntlich lange ab und
übte sich nicht zuletzt an verschiedenen Arten von Bühnenmusiken
im dramatischen Genre. So schrieb er im Winter 1801/1802
für den italienischen Ballettmeister Salvatore Viganò die Musik
für dessen neues Werk Die Geschöpfe des Prometheus. In diesem
Ballett rebelliert Prometheus nicht gegen die Götter, auch zeigt
es ihn nicht als heroischen Titanen, wie er in den Werken von
Aischylos bis Goethe immer wieder dargestellt wurde: Bei Beethoven
ist Prometheus sorgender Schöpfer der Menschheit, ein
Pädagoge. Seine Bemühungen, den Menschen Wissen und Vernunft
zu bringen, sind deutlich von den Ideen der Aufklärung
geprägt.
Entsprechend leichtfüßig und lebhaft ist die Ouvertüre gestaltet,
denn das ganze Stück – auch im Gegensatz zu den sonstigen
Prometheus-Erzählungen – besitzt ein lieto fine. Beim Wiener
Publikum war das Ballett sehr beliebt – über zwanzigmal musste
es wiederholt werden.
17

Die Erste Symphonie
Nicht erst die Dritte Symphonie, die berühmte «Eroica», auch
Beethovens Erste Symphonie lässt sich zu den «neuen» Werken
zählen, die Beethoven in den Jahren nach 1800 komponierte –
auch wenn die stilistische Wende zumeist etwas später, eben mit
der Dritten Symphonie angesetzt wird. Beethoven verwarf nämlich
einen ersten Gedanken zu einer C-Dur-Symphonie von 1795,
weil das Material für seine nun größere Zusammenhänge stiftende
Ideen nicht mehr genügte; einige Jahre später gelang ihm die
Umsetzung der neuen Konzeption in der Ersten Symphonie.
Besondere Aufmerksamkeit erregt die Symphonie mit ihrem Beginn,
einer langsamen Einleitung: Zwar begegnen dem Hörer
auch in Haydns «Londoner Symphonien» vergleichbare Anfänge,
Beethoven aber überrascht damit, dass er den Initialklang als
Dissonanz gestaltet und sich auf diese Weise der Spannung des
Publikums jedenfalls sicher sein konnte. In der Form des Spiels
mit den Erwartungshaltungen seiner Hörer setzt sich die Komposition
fort: beschwingt, mit weniger starken Brüchen als in seinen
zuvor entstandenen, eher verstörenden Klavier- und Kammermusikwerken,
mit ausgedehnten Dialogen zwischen einzelnen
Instrumentengruppen und neuen Klangfarben.
Auch wenn die Provokation der Kammermusik zu fehlen scheint:
Einfach nur in der Nachfolge Haydns (immerhin: seines Lehrers,
von dem allerdings er sich distanzieren zu müssen glaubte) oder
Mozarts steht die Erste Symphonie nicht. Zweifellos fehlt ihr das
Erhabene und Heroische von Beethovens späteren Symphonien,
und Berlioz’ Kritik scheint etlichen Beethoven-Liebhabern aus
dem Herzen gesprochen zu haben: «Das ist nicht Beethoven.»
Gefällig mag das Werk in der Tat sein, gewöhnlich ist es deshalb
aber nicht. Neben der überraschenden Eröffnung fällt zum Beispiel
der dritte Satz auf: weite Modulationen, die dennoch die
Stringenz des Satzes nicht beeinträchtigen. Die äußere Krise, ausgelöst
womöglich durch die fortschreitende Erkrankung des Gehörs,
führte offenbar zu einer Konzentration auf die bzw. einer
systematischen Auslotung der musikalischen Mittel.
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Nach seinen Erfolgen am und mit dem Klavier versuchte sich
Beethoven in der größeren Form und wollte so nicht zuletzt auch
ein größeres Publikum erreichen. Denn einen hervorragenden
Ruf als brillanter Pianist und Komponist von Kammermusik hatte
er sich längst in Wiens aristokratischen Salons erworben. Die
Gattung der Symphonie bot zur öffentlichen Präsentation seiner
trotz der Erkrankung ungebrochenen Schöpferkraft das geeignete
Forum. Am 2. April 1800 gab Beethoven sein erstes öffentliches
Konzert im alten Burgtheater mit einer Mozart-Symphonie,
Teilen aus Haydns Schöpfung und eigenen Werken, unter ihnen
die Erste Symphonie.
Das «Tripelkonzert»
Trotz seines wachsenden Erfolgs in der Wiener Öffentlichkeit
machte Beethoven sich Sorgen um seine finanzielle Absicherung
und erreichte schließlich, dass drei seiner wichtigsten Gönner
ihm eine jährliche Pension zusicherten. Daneben aber galt sein
Interesse nach wie vor der Suche nach öffentlichen Auftritten
und der Möglichkeit, Subskriptionskonzerte vor der ‹ganzen›
Wiener Gesellschaft zu veranstalten. Für eine solche Gelegenheit
ist auch das «Tripelkonzert» entstanden: eine Sinfonia concertante
– wie sie in Frankreich und den französisch beeinflussten Gebieten
en vogue war –, in der ein Klaviertrios den Solistenverband
stellt. Erfahrungen mit dieser Besetzung hatte Beethoven zuvor
schon mit drei Klaviertrios sammeln können, nun brachte er das
Trio in eine größere, konzertante Form.
Dem Cello kommt dabei eine derart gewichtige Funktion zu,
dass fast an ein regelrechtes Cellokonzert (das Beethoven übrigens
nie komponierte) gedacht werden kann: Nicht nur eröffnet
das Cello den Soloabschnitt des ersten Satzes, es übernimmt
auch im zweiten und dritten Satz die dominierende Rolle. Dieses
Spiel mit den Rollen, das Kommunizieren mehrerer Gesprächspartner
(neben der Violine und dem Cello die beiden
Hände des Klaviers und das Orchester) in jeweils verschiedenen
Kombinationen durchzieht das gesamte Werk und gestaltet es
äußerst vielfarbig.
In der Rezeption bereitete das Konzert jedoch Schwierigkeiten.
Etliche mehr oder weniger intellektuelle Verehrer Beethovens
haben versucht, ihm die populäre Gestaltung des Konzertes an-
19

zulasten und sich über Gefälligkeit, Kraftlosigkeit und fehlenden
Tiefgang mokiert. Sein unmittelbares Publikum aber dürfte
Beethoven mit dem Konzert und seiner Leichtigkeit erreicht und
direkt angesprochen haben. Was später als Längen kritisiert wurde,
das Wechselspiel nicht nur zwischen dem Solopart und dem
Orchester, sondern auch zwischen den Solisten, dürfte gerade
seiner ungewohnten Farbigkeit wegen gefallen haben. Und dass
Beethoven zeitgleich am Fidelio, der «Eroica» und dem Vierten
Klavierkonzertes arbeitete, dürfte auch allen Kritikern gezeigt haben,
dass es ihm nicht an schöpferischer Energie und Einfallsreichtum
mangelte. Vielleicht wollte er mit dem «Tripelkonzert»
kein schweres, bedeutungsschweres, Werk schreiben, sondern
sich dem Publikum einmal mehr von einer unbeschwerten Seite
zeigen?
So sind alle drei Werke des heutigen Abends, die Prometheus-
Ouvertüre, die Erste Symphonie und das «Tripelkonzert», ganz eigene
Zeugnisse für Beethovens Art und Weise, mit der Krise der Jahre
nach 1800 umzugehen. «So glücklich, als es mir hienieden beschieden
ist, sollt ihr mich sehen, nicht unglücklich. – Nein, das
könnte ich nicht ertragen, ich will dem Schicksal in den Rachen
greifen; ganz niederbeugen soll es mich gewiss nicht. – O es ist so
schön, das Leben tausend Mal leben», schrieb er im November
1801 an seinen Freund Wegeler. Gedeutet wurde dieser Lebenswille
oft als energisches Aufbegehren gegen die Krankheit, als
Motor für die heroischen Werke. Eine andere Lesart aber bleibt
daneben denkbar: die des Lebensgenusses, wie er sich in der Beschwingtheit
der ‹populäreren› Werke jener Zeit äußert.
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Les œuvres… en bref
Die Werke… in aller Kürze
Ludwig van Beethoven (1770–1827)
Die Geschöpfe des Prometheus (Les créatures de Prométhée) op. 43:
Ouvertüre
Première audition / Uraufführung
28.03.1801 Vienne / Wien
À savoir aussi / Was Sie sonst noch wissen sollten
La source du ballet, l’épopée mythologique Il Prometeo (1797), écrite
par Vincenzo Monti en l’honneur de Bonaparte, le considérait comme
un nouveau Prométhée, vainqueur du combat contre le despotisme
et libérateur de l’humanité.
Die literarische Vorlage des Balletts, das von Vincenzo Monti zu Ehren
Napoleons verfasste Epos Il Prometeo (1797) sah im damaligen General
einen neuen Prometheus, Sieger im Kampf gegen die Willkürherrschaft
und Befreier der Menschheit.
Symphonie N° 1 C-Dur (ut majeur) op. 21
Première audition / Uraufführung
02.04.1800 Vienne / Wien
Dans la presse / Pressestimmen
«Finalement le théâtre, pour une fois, reçut quand même M. Beethoven,
et ce fut vraiment l’académie la plus intéressante qui ait eu lieu depuis
longtemps. […] à la fin on joua une symphonie de sa composition,
où l’on trouvait beaucoup d’art, de nouveauté et de richesse des idées,
mais les vents étaient un peu trop utilisés.»

«Endlich bekam doch auch Herr Beethoven das Theater einmal,
und dies war wahrlich die interessanteste Akademie seit langer Zeit.
[…] am Ende wurde eine Symphonie von seiner Komposition aufgeführt,
worin sehr viel Kunst, Neuheit und Reichtum an Ideen war;
nur waren die Blasinstrumente gar zu viel angewendet.»
Allgemeine musikalische Zeitung, 15.10.1800
Les chers collègues / Die lieben Kollegen
«C’est de la musique admirablement faite, claire, vive, mais peu accentuée,
froide et quelquefois mesquine […], ce n’est pas là Beethoven.»
«Das ist vortrefflich gemachte, klare, lebendige Musik, aber sie ist unbedeutend
im Ausdruck, kühl und bisweilen kleinlich […]: Das ist
nicht Beethoven.»
Hector Berlioz: À travers chants, Paris 1862
(deutsche Übersetzung in: Musikalische Streifzüge, Leipzig 1912)
Konzert für Violine, Violoncello, Klavier und Orchester C-Dur (ut majeur)
op. 56 («Tripelkonzert» / «Triple Concerto»)
Première audition publique / Erste öffentliche Aufführung
Mai 1808 dans l’Augarten à Vienne / Mai 1808 im Wiener Augarten
Dans la presse / Pressestimmen
«Nous avons aussi entendu […] un tout nouveau Concertino de Beethoven
[…], mais il n’a pas fait bonne impression. Cela consiste presque
uniquement en passages à peu près également partagés entre les trois
instruments, mais qui deviennent au fil du temps aussi lassants pour
les auditeurs que pour les interprètes.»
«Auch hörten wir […] ein ganz neues Concertino von Beethoven […],
welches aber keinen rechten Eingang finden wollte. Es besteht fast nur
aus Passagen, welche auf die drey Instrumente ziemlich gleich verteilt
sind, mit der Zeit aber, für den Zuhörer, wie für den Spieler, gleich ermüdend
werden.»
Allgemeine musikalische Zeitung, 23.06.1808

Interprètes
Biographies
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Kammerorchester Basel
Le kammerorchesterbasel transmet le plaisir de jouer ensemble,
une orchestration transparente et souple, l’envie de
découvrir de nouveaux types d’interprétation, en associant
dans sa programmation la musique ancienne et nouvelle, dans
la tradition de l’Orchestre de chambre de Bâle de Paul Sacher.
Constitué en 1984 par des musiciens diplômés de différents
conservatoires suisses, l’orchestre est aujourd’hui invité dans
les salles de concerts et festivals les plus prestigieux de la
scène classique européenne et possède son propre cycle
d’abonnement à Bâle. L’orchestre aime jouer sous la direction
musicale de son propre Konzertmeister et apprécie la coopération
avec différents chefs d’orchestre tels que Paul Goodwin,
Kristjan Järvi, Paul McCreesh et Giovanni Antonini. Avec ce
dernier, les musiciens ont réalisé un cycle des symphonies de
Beethoven. L’enregistrement des Symphonies N° 1–6 est déjà
disponible chez Sony et celui des Symphonies N° 3 et N° 4 a
été récompensé par l’ECHO Klassik en tant qu’Ensemble de
l’année 2008. Le CD «Klassizistische Moderne» sous la direction
de Christopher Hogwood ainsi que l’enregistrement des
opéras et oratorios d’après la nouvelle Hallische Händelausgabe
sous la direction de Paul Goodwin ont également reçu d’élogieuses
critiques. Le film documentaire Bartók Quinten (2010,
réalisé par Christine Burlet), qui pose un regard haut en couleurs
sur les coulisses du kammerorchesterbasel, a été diffusé
sur SF1 et 3sat. La soprano Nuria Rial et le kammerorchesterbasel,
sous la direction de son premier violon Julia Schröder, ont
24

Kammerorchester Basel
remporté l’ECHO Klassik 2012 dans la catégorie Meilleur enregistrement
lyrique (airs et duos d’opéra). La liste des solistes
qui se produisent en concert avec le kammerorchesterbasel est
célèbre: Cecilia Bartoli, Sol Gabetta, Andreas Scholl, Angelika
Kirchschlager, Matthias Goerne, Sabine Meyer, Vesselina Kasarova,
Angela Hewitt, Renauld Capuçon, Victoria Mullova, Nuria
Rial, et bien d’autres. Cette saison 2012/13, le kammerorchesterbasel
se réjouit de collaborer avec des artistes renommés.
Parmi eux figurent entre autres Cecilia Bartoli, Sol Gabetta, Patricia
Kopatchinskaja, Khatia Buniatishwili, Angela Hewitt, Maria
João Pires, Alison Balsom, Jean-Yves Thibaudet et Jérémie
Rhorer. Depuis janvier 2013, Clariant International Ltd. est sponsor
du kammerorchesterbasel aux côtés de Credit Suisse, son
principal sponsor depuis 2007.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Kammerorchester Basel
kammerorchesterbasel – das bedeutet Freude am gemeinsamen
Musizieren, einen transparenten und flexiblen Orchesterklang,
Entdeckerlust auf der Suche nach neuen Wegen der
25

Interpretation und die programmatische Kombination von Alter
und Neuer Musik in der Tradition von Paul Sachers Basler Kammerorchester.
Gegründet 1984 von Absolventen verschiedener
Schweizer Musikhochschulen, gehören heute Einladungen zu
den wichtigsten Konzertorten und Festivals der europäischen
Klassikszene für das Orchester ebenso in die Agenda wie die
eigene Basler Abonnementsreihe. Das Orchester spielt gern
unter der musikalische Leitung der eigenen Konzertmeister
und schätzt die Zusammenarbeit mit wechselnden Dirigenten
wie Paul Goodwin, Kristjan Järvi, Paul McCreesh und Giovanni
Antonini. Mit Letzterem erarbeiten die Musiker den Zyklus der
Symphonien Beethovens. Die Einspielung der Symphonien
N° 1–6 ist bereits bei Sony erschienen und erhielt die Auszeichnung
mit dem ECHO Klassik als Ensemble des Jahres 2008 für
die Aufnahme der Symphonien N° 3 und N° 4. Ebenso erfuhren
die CD-Edition «Klassizistische Moderne» unter der Leitung von
Christopher Hogwood sowie die Einspielungen von Opern und
Oratorien nach der Neuen Hallischen Händelausgabe unter der
Leitung von Paul Goodwin uneingeschränktes Kritikerlob. Der
Dokumentarfilm Bartók Quinten (2010, Regie: Christine Burlet),
der einen farbigen Blick hinter die Kulissen des kammerorchesterbasel
gibt, wurde auf SF1 und 3sat ausgestrahlt. Gemeinsam
mit der Sopranistin Nuria Rial gewann das kammerorchesterbasel,
unter Leitung seiner Konzertmeisterin Julia Schröder, den
ECHO Klassik 2012 in der Kategorie Beste Operneinspielung
(Opernarien und Duette). Renommiert ist die Liste der Solisten,
die gemeinsam mit dem kammerorchesterbasel konzertieren:
Cecilia Bartoli, Sol Gabetta, Andreas Scholl, Angelika Kirchschlager,
Matthias Goerne, Sabine Meyer, Vesselina Kasarova, Angela
Hewitt, Renauld Capucon, Victoria Mullova, Nuria Rial u.v.a. In
der Saison 2012/13 freut sich das kammerorchesterbasel auf
die Zusammenarbeit mit renommierten Künstlern. Zu ihnen
gehören u.a. Cecilia Bartoli, Sol Gabetta, Patricia Kopatchinskaja,
Khatia Buniatishwili, Angela Hewitt, Maria João Pires, Alison
Balsom, Jean-Yves Thibaudet und Jérémie Rhorer. Seit Januar
2013 ist die Clariant International Ltd. Presenting Sponsor des
kammerorchesterbasel neben der seit Juli 2007 als Hauptsponsor
auftretenden Credit Suisse.
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28
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Giovanni Antonini direction
Le chef d’orchestre Giovanni Antonini est célèbre pour ses interprétations
des répertoires baroque et classique. Né à Milan,
il a reçu sa formation musicale à l’école de musique de sa ville
ainsi qu’au Centre de Musique Ancienne de Genève. Antonini est
l’un des membres fondateurs de l’ensemble baroque Il Giardino
Armonico, qu’il dirige depuis 1989. Avec son ensemble, il se
produit comme chef et soliste (aussi bien à la flûte à bec qu’à
la flûte traversière), dans les salles de concerts les plus importantes
en Europe, aux États-Unis, en Amérique du Sud, au Canada,
en Australie, au Japon et en Malaisie. Il a travaillé avec de
nombreux artistes tels que Cecilia Bartoli, Isabelle Faust, Viktoria
Mullova, Giuliano Carmignola, Giovanni Sollima, Sol Gabetta,
Katia et Marielle Labèque et Kristian Bezuidenhout. Giovanni
Antonini est un chef très sollicité par des orchestres tels que
les Berliner Philharmoniker, le Royal Concertgebouw Orchestra,
le Tonhalle-Orchester Zürich, Mozarteumorchester Salzburg,
Orquesta Nacional de España et le Gewandhausorchester Leipzig.
À l’opéra, il a notamment dirigé Le nozze di Figaro et Alcina
à la Scala de Milan; il est invité à diriger une nouvelle production
d’Alcina lors de la saison 2013/14 à l’Opernhaus Zürich. À la
Pentecôte 2012, il a fait ses débuts avec Giulio Cesare in Egitto
au festival de Salzbourg où il est retourné avec Norma à la Pentecôte
2013. À partir de septembre 2013, il sera le directeur artistique
du célèbre Festival Wratislavia Cantans. Avec Il Giardino
Armonico, Giovanni Antonini a enregistré de nombreux CDs de
Vivaldi (y compris les Quatre Saisons), différents autres maîtres
italiens des 17 e et 18 e siècles, de Bach (Brandenburgische Konzerte)
ainsi que de Biber et Locke. Son enregistrement des Concerti
grossi op. 6 de Händel a remporté l’ECHO Klassik. Les
enregistrements les plus récents, «Il Pianto di Maria – The Virgin’s
Lament» avec la mezzosoprano Bernarda Fink et «Sacrificium»
avec Cecilia Bartoli ont suscité beaucoup d’enthousiasme.
Récemment est paru le CD Ottone in villa de Vivaldi. Giovanni
Antonini a entrepris avec le Kammerorchester Basel une collaboration
intensive et très fructueuse. À cela s’ajoute également
l’enregistrement de l’intégrale des symphonies de Beethoven.

photo: Marco Borggreve
Giovanni Antonini
Il a donné l’intégrale des symphonies de Beethoven avec le
kammerorchesterbasel; les enregistrements des six premières
sont déjà disponibles.
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Giovanni Antonini Dirigent
Giovanni Antonini studierte an der Civica Scuola di Musica in
seiner Heimatstadt Mailand sowie am Centre de Musique Ancienne
in Genf. Er ist Gründungsmitglied des Barockensembles
Il Giardino Armonico, das er seit 1989 leitet und mit dem er als
Dirigent und als Solist auf der Block- und Traversflöte in ganz
Europa, in den USA, Kanada, Südamerika, Australien, Japan und
Malaysia aufgetreten ist. Er hat mit einer Vielzahl angesehener
Künstler zusammengearbeitet, u. a. mit Cecilia Bartoli, Isabelle
Faust, Viktoria Mullova, Giuliano Carmignola, Giovanni Sollima,
Sol Gabetta, Katia und Marielle Labèque sowie Kristian Bezuidenhout.
Giovanni Antonini ist auch als Gastdirigent bei vielen führenden
Orchestern gefragt. Er hat u.a. die Berliner Philharmoniker,
das Royal Concertgebouw Orchestra, das Tonhalle-Orchester
Zürich, das Mozarteumorchester Salzburg, das Orquesta Nacional
de España und das Gewandhausorchester Leipzig dirigiert.
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Im Opernbereich hat Giovanni Antonini u.a. Le nozze di Figaro
und Alcina an der Mailänder Scala geleitet; in einer Neuproduktion
von Alcina wird er in der Spielzeit 2013/14 auch am Opernhaus
Zürich zu Gast sein. Zu Pfingsten 2012 gab er mit Giulio
Cesare in Egitto sein Debüt bei den Salzburger Festspielen,
wohin er zu Pfingsten 2013 mit Norma zurückkehrte. Ab September
2013 ist Giovanni Antonini künstlerischer Leiter des
Festivals Wratislavia Cantans in Polen. Mit Il Giardino Armonico
hat Giovanni Antonini zahlreiche CDs aufgenommen, darunter
Instrumentalwerke von Vivaldi (u. a. Die vier Jahreszeiten) und
anderen italienischen Komponisten des 17. und 18. Jahrhunderts,
Bach (Brandenburgische Konzerte), Biber und Locke. Zu
den jüngsten Aufnahmen zählen Händels Concerti grossi op. 6,
Vivaldis Oper Ottone in villa und die Alben «Il Pianto di Maria –
The Virgin’s Lament» mit Bernarda Fink und «Sacrificium» mit
Cecilia Bartoli. Mit dem kammerorchesterbasel spielt er gerade
sämtliche Beethoven-Symphonien ein, von denen die ersten
sechs bereits erschienen sind.
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Giuliano Carmignola violon
Natif de Trévise, Giuliano Carmignola étudie d’abord avec son
père puis avec Luigi Ferro, ensuite avec Nathan Milstein et
Franco Gulli à l’Accademia Chigiana de Sienne et avec Henryk
Szeryng au Conservatoire de Genève. Il débute sa carrière de
soliste sous la direction de chefs tels Claudio Abbado, Eliahu
Inbal, Peter Maag et Giuseppe Sinopoli et se produit dans de
prestigieuses salles telles que le Royal Albert Hall, La Scala de
Milan, le Musikverein de Vienne, la Philharmonie de Berlin et le
Tchaikovsky Hall. Il collabore ensuite avec Umberto Benedetti
Michelangeli, Daniele Gatti, Andrea Marcon, Christopher Hogwood,
Trevor Pinnok, Franz Brüggen, Paul McCreesh, Sir Roger
Norrington, Ivor Bolton, Giovanni Antonini et Ottavio Dantone.
Il poursuit des collaborations significatives et régulières avec
les Virtuosi de Rome dans les années 1970 et plus tard avec les
Sonatori de la Gioiosa Marca, le Venice Baroque Orchestra, plus
récemment avec l’Orchestra Mozart, l’Orchestre des Champs-
Élysées, le kammerorchesterbasel, Il Giardino Armonico, le
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photo: Anna Carmignola
Giuliano Carmignola
Zürcher Kammerorchester, l’Academy of Ancient Music et l’Academia
Bizantina, le Concerto Köln. Ses enregistrements l’ont
amené à collaborer avec les labels Erato, Divox Antiqua, Sony et
Deutsche Grammophon. Il est actuellement en contrat exclusif
avec ce dernier. Ses enregistrements ont remporté de nombreux
prix et récompenses tels que le Diapason d’Or et le Choc du
Monde de la Musique. Parmi ses enregistrements les plus
récents, notons les concertos pour deux violons de Vivaldi avec
Viktoria Mullova et le Venice Baroque Orchestra, l’intégrale des
concertos pour violon de Mozart avec Claudio Abbado et l’Orchestra
Mozart, les concertos pour violon de Haydn avec l’Orchestre
des Champs-Élysées. Son dernier enregistrement vient de paraître:
«Vivaldi con moto» avec l’Accademia Bizantina sous la
direction d’Ottavio Dantone. Il a enseigné à l’Accademia Musicale
Chigiana de Sienne et à la Hochschule de Lucerne. Il s’est vu
décerner le titre d’Académicien par l’Académie Royale Philharmonique
de Bologne et d’Académicien de Santa Cecilia. Giuliano
Carmignola joue un Stradivarius de 1732, prêt permanent de la
Fondazione Cassa di Risparmi de Bologne.
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Giuliano Carmignola Violine
Giuliano Carmignola wird international als einer der besten italienischen
Geiger seiner Generation und äußerst geschätzter
Kammermusiker gefeiert, der sowohl auf dem barocken als
auch auf dem modernen Instrument zuhause ist. Er war über
zehn Jahre als Dozent für Violine am Konservatorium in Venedig
tätig und von 1978 bis 1985 Konzertmeister im Orchester des
Theaters La Fenice. Seine Zusammenarbeit zunächst mit den
Sonatori de la Gioiosa Marca und anschließend mit dem Venice
Baroque Orchestra hat ihn zur Leitfigur des barocken Violinstils,
vor allem der italienischen Musik des 18. Jahrhunderts, gemacht.
Als Solist ist er in ganz Europa mit den größten Orchestern unter
Dirigenten wie Claudio Abbado, Eliahu Inbal, Peter Maag
und Giuseppe Sinopoli aufgetreten. In Begleitung der Virtuosi
di Roma ging er in den 1970er Jahren als Solist auf Welttournee.
Seither nimmt er regelmäßig an Barockmusik-Festivals u.a. in
Brügge, Luzern, Wien, Brüssel, Salzburg und Barcelona teil.
1999 wurde Giuliano Carmignola zum Professor für Violine an
die Musikhochschule Luzern berufen. Außerdem ist er regelmäßig
als Dozent an der Accademia Musicale Chigiana tätig.
In dieser und der kommenden Saison wird Giuliano Carmignola
als Solist in Granada, Rom, Monte Carlo, Rotterdam, Bonn, Zürich,
Essen, Baden Baden, München, Berlin und Dortmund zu
hören sein. Zusammen mit dem Venice Baroque Orchestra konzertiert
er bei den großen internationalen Festivals und in den
renommiertesten Konzertreihen. Die Einspielung von Vivaldis
Vier Jahreszeiten sowie dreier bislang unveröffentlichter Vivaldi-
Konzerte zusammen mit dem Venice Baroque Orchestra unter
Andrea Marcon für Sony wurde 2001 mit einem ECHO Klassik
ausgezeichnet. Die letzten Aufnahmen für Sony sind eine CD
mit Violinkonzerten von Locatelli sowie eine Einspielung der
Bach-Sonaten für Cembalo und Violine zusammen mit Andrea
Marcon. Giuliano Carmignola ist seit 2004 Exklusivkünstler der
Deutschen Grammophon, als erste Veröffentlichung erschien
2005 «Concerto Veneziano». 2006 wurde eine weitere Aufnahme
mit unbekannten Vivaldi-Konzerten veröffentlicht, 2008 eine
CD mit allen Mozart-Konzerten gemeinsam mit dem Orchestra
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Mozart unter Claudio Abbado. Zuletzt erschien eine Aufnahme
aller Haydn-Konzerte mit dem Orchestre des Champs-Élysées.
Giuliano Carmignola spielt eine Stradivari von 1732, eine ständige
Leihgabe der Fondazione Cassa di Risparmi in Bologna.
T
E
T
E
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Sol Gabetta violoncelle
Partout où elle se produit, la violoncelliste franco-argentine Sol
Gabetta fait impression par ses interprétations fascinantes, son
jeu passionné, animé et corporellement investi et une personnalité
charismatique et captivante. Son large spectre artistique va
d’œuvres de Vivaldi et autres compositeurs baroques interprétés
sur violoncelle baroque à des œuvres romantiques ou modernes,
avec les concertos d’Elgar, Dvořák, Schumann, Saint-Saëns,
Tchaïkovski, Chostakovitch, Barber et Bloch, en passant par des
interprétations sur instruments d’époque d’œuvres de compositeurs
classiques tels que Haydn, Mozart et Leopold Hofmann.
Le compositeur hollandais Michel van der Aa a composé pour
elle, l’automne 2010, un nouveau concerto pour violoncelle.
L’automne 2012, elle a interprété presence, le nouveau concerto
pour violoncelle du compositeur letton Pēteris Vasks. De nombreux
orchestres de renom tels que les Wiener Philharmoniker,
le Rotterdam Philharmonic, les Münchner Philharmoniker, le
Royal Philharmonic Orchestra London, le Detroit Symphony,
l’Israel Philharmonic, le Tonhalle-Orchester Zürich et le Royal
Concertgebouw Orchestra apprécient leur collaboration régulière
avec Sol Gabetta. C’est aussi le cas de chefs tels que
Leonard Slatkin, Andris Nelsons, Neeme Järvi, Mikhail Pletnev,
Christoph Eschenbach, Zubin Mehta, Charles Dutoit, David
Zinman, Paul McCreesh ou Valery Gergiev. Elle entretient une
étroite collaboration avec le kammerorchesterbasel. Cette saison
2012/13, Sol Gabetta a fait ses débuts auprès du London
Philharmonic Orchestra sous la direction de Vasily Sinaisky,
du Philharmonia Orchestra dirigé par Vladimir Ashkenazy et de
l’Orchestre Philharmonique de Radio France. Elle a également
voyagé aux États-Unis et a fait ses débuts au Carnegie Hall de
New York. Ses concerts en Amérique du Sud à l’automne 2012
ont été couronnés par deux récitals joués à guichets fermés au
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Teatro Colón de Buenos Aires. Pour la saison 2013/14, elle entreprendra
des tournées avec les Bamberger Symphoniker dans
les centres musicaux d’Extrême-Orient, notamment en Chine
et au Japon. Début 2014 sont programmés ses débuts avec
les Berliner Philharmonikern. Sol Gabetta a commencé sa carrière
en 2004, après avoir remporté le prestigieux Credit Suisse
Young Artists Award, l’une des distinctions les mieux rémunérées
pour de jeunes musiciens et musiciennes. Les concerts
des lauréats en compagnie des Wiener Philharmonikern sous
la direction de Valery Gergiev à l’automne 2004 ont ouvert à Sol
Gabetta les grandes portes du monde musical international.
Elle enregistre exclusivement pour Sony Classical. Beaucoup
de ses enregistrements ont été couronnés de prix, entre autres
l’ECHO Klassik, le Gramophone Award ou le Gardel Award
argentin. Sol Gabetta joue un précieux violoncelle Guadagnini
de1759, grâce à une bourse généreuse du Rahn-Kulturfonds.
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Sol Gabetta Violoncello
Wo die argentinisch-französische Cellistin, Sol Gabetta, auftritt,
hinterlässt sie den Eindruck von fesselnden Interpretationen,
passioniertem, körperlichem und beseeltem Spiel und einer
charismatischen vereinnahmenden Persönlichkeit. Ihr breites
künstlerisches Spektrum reicht von Werken Vivaldis und anderer
Barock-Komponisten auf einem Barockcello über historisch orientierte
Interpretationen klassischer Komponisten wie Haydn,
Mozart oder Leopold Hofmann bis hin zur Romantik und frühen
Moderne mit den Konzerten von Elgar, Dvořák, Schumann,
Saint-Saëns, Tschaikowsky, Schostakowitsch, Barber und Bloch.
Der holländische Komponist Michel van der Aa komponierte
für sie im Herbst 2010 ein neues Cellokonzert, im Herbst 2012
führte sie das neue Cellokonzert presence des lettischen Komponisten
Pēteris Vasks auf. Zahlreiche namhafte Orchester wie
die Wiener Philharmoniker, das Rotterdam Philharmonic, die
Münchner Philharmoniker, das Royal Philharmonic Orchestra
London, das Detroit Symphony, das Israel Philharmonic, das Tonhalle-Orchester
Zürich und das Royal Concertgebouw Orchestra
schätzen die regelmäßige Zusammenarbeit mit Sol Gabetta.
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photo: Marco Borggreve
Sol Gabetta
Ebenso tun dies Dirigenten wie Leonard Slatkin, Andris Nelsons,
Neeme Järvi, Mikhail Pletnev, Christoph Eschenbach, Zubin Mehta,
Charles Dutoit, David Zinman, Paul McCreesh oder Valery Gergiev.
Eine enge Zusammenarbeit pflegt sie mit dem kammerorchesterbasel.
In der Saison 2012/13 debütierte Sol Gabetta beim
London Philharmonic Orchestra unter Vasily Sinaisky, beim
Philharmonia Orchestra unter Vladimir Ashkenazy und beim Orchestre
Philharmonique de Radio France. Ferner bereiste sie die
USA und debütierte in der Carnegie Hall in New York. Ihre Konzerte
im Herbst 2012 in Südamerika gipfelten in zwei Récitals
im ausverkauften Teatro Colón in Buenos Aires. In der Saison
2013/14 wird sie mit den Bamberger Symphonikern die Musikzentren
des Fernen Ostens, namentlich China und Japan, bereisen.
Für das Frühjahr 2014 ist ihr Debüt bei den Berliner Philharmonikern
geplant. Sol Gabetta startete ihre Karriere 2004,
als sie den renommierten Credit Suisse Young Artists Award
gewann, einen der höchst dotierten Auszeichnungen für junge
Musikerinnen und Musiker. Die Preisträgerkonzerte im Herbst
2004 mit den Wiener Philharmonikern unter der Leitung von
Valery Gergiev öffneten Sol Gabetta große Türen zur internationalen
Musikwelt. Sie nimmt exklusiv für Sony Classical auf. Zahlreiche
ihrer CDs wurden mit Preisen ausgezeichnet, u.a. dem
ECHO Klassik, dem Gramophone Award und dem argentinischen
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photo: Susie Knoll
Dejan Lazić
Gardel Award. Sol Gabetta spielt dank eines großzügigen Stipendiums
des Rahn-Kulturfonds ein kostbares Guadagnini-Cello
von 1759.
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Dejan Lazić piano
Les interprétations innovantes du répertoire pianistique par
Dejan Lazićs en ont fait l’un des artistes les plus demandés
de sa génération. Il s’est produit avec des orchestres tels que
le Budapest Festival Orchestra, le Rotterdam Philharmonic, le
Philharmonia Orchestra, le City of Birmingham Symphony Orchestra,
les Bamberger Symphoniker, le NDR Sinfonieorchester
Hamburg, le NDR Radiophilharmonie Hannover et l’Australian
Chamber Orchestra. En outre, il se produit régulièrement en
Asie avec des orchestres tels que le NHK Symphony, le Seoul
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Philharmonic et le Hong Kong Philharmonic. Dejan Lazić se produit
sous la direction de chefs d’orchestre tels qu’Iván Fischer,
Giovanni Antonini, Vladimir Ashkenazy, Kirill Petrenko, Robert
Spano, John Storgårds, Krysztof Urbański et Osmo Vänskä.
Cette saison 2012/13, il était artiste en résidence à l’Orchestre
Philharmonique de Strasbourg. Parallèlement à sa carrière de
soliste, Dejan Lazić est passionné de musique de chambre.
Il s’est ainsi produit notamment au Concertgebouw d’Amsterdam,
au Queen Elizabeth Hall, au Prinzregententheater de
Munich, au Kennedy Center de Washington ainsi qu’à Montréal,
Tokyo, Pékin et Istanbul. Cette saison, on pourra l’entendre en
récital de piano à Wuppertal, Leverkusen et Brême, ainsi qu’à
Zürich, Strasbourg, Buenos Aires et Sydney. La critique a salué
les enregistrements de Dejan Lazić sous le label Channel Classics.
Son enregistrement live du Concerto pour piano N° 2 de
Rachmaninov avec le London Philharmonic Orchestra sous la
direction de Kirill Petrenko a été récompensé de l’ECHO Klassik
2009. Son album le plus récent est un enregistrement live du
Concerto pour piano N° 4 de Beethoven avec l’Australian Chamber
Orchestra sous la direction de Richard Tognetti. Dejan Lazić
travaille également activement comme compositeur. Son œuvre
s’étend de compositions pour piano, ensemble de musique de
chambre et orchestre aux cadences de concertos pour piano de
Mozart, Haydn et Beethoven. Son arrangement pour piano et
orchestre du Concerto pour violon de Brahms a été créé avec
l’Atlanta Symphony Orchestra sous la direction de Robert Spano
au cours de la saison 2009/10. Il a joué cette œuvre également
aux BBC Proms, au Concertgebouw d’Amsterdam, aux Hamburger
Ostertöne et au Japon. Un enregistrement en live est paru
en janvier 2010. Dejan Lazić est né à Zagreb dans une famille de
musiciens et a grandi à Salzbourg où il a étudié au Mozarteum.
Il vit aujourd’hui à Amsterdam.
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Dejan Lazić Klavier
Dejan Lazićs erfrischende Interpretationen des Klavierrepertoires
haben ihn zu einem gefragten Künstler seiner Generation
werden lassen. Er ist mit Orchestern wie dem Budapest Festi-
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val Orchestra, dem Rotterdam Philharmonic, dem Philharmonia
Orchestra, dem City of Birmingham Symphony Orchestra, den
Bamberger Symphonikern, dem NDR Sinfonieorchester Hamburg,
der NDR Radiophilharmonie Hannover und dem Australian
Chamber Orchestra aufgetreten. Darüber hinaus gastiert er
regelmäßig in Asien mit Orchestern wie dem NHK Symphony,
Seoul Philharmonic und Hong Kong Philharmonic. Dejan Lazić
arbeitet mit Dirigenten wie Iván Fischer, Giovanni Antonini, Vladimir
Ashkenazy, Kirill Petrenko, Robert Spano, John Storgårds,
Krysztof Urbański und Osmo Vänskä zusammen. In der Saison
2012/13 ist er Artiste en résidence beim Orchestre Philharmonique
de Strasbourg. Neben seiner Solokarriere ist Dejan Lazić
ein passionierter Kammermusiker. Als solcher tritt er u.a. im
Amsterdamer Concertgebouw, in der Queen Elizabeth Hall, im
Münchner Prinzregententheater, im Kennedy Center Washington
sowie in Montreal, Tokio, Beijing und Istanbul auf. In dieser
Saison spielt er Klavierabende in Wuppertal, Leverkusen und
Bremen sowie in Zürich, Straßburg, Buenos Aires und Sydney.
Bei Channel Classics hat Dejan Lazić zahlreiche von der Kritiker
umjubelte Einspielungen veröffentlicht. Seine Live-Aufnahme
von Rachmaninows Klavierkonzert N° 2 mit dem London Philharmonic
Orchestra unter Kirill Petrenko wurde mit dem ECHO
Klassik 2009 ausgezeichnet. Sein jüngstes Album ist eine Live-
Aufnahme von Beethovens Klavierkonzert N° 4 mit dem Australian
Chamber Orchestra unter Richard Tognetti. Dejan Lazić
arbeitet außerdem aktiv als Komponist. Seine Werke umfassen
Kompositionen für Klavier, Kammerensemble und Orchester
sowie Kadenzen für Konzerte von Mozart, Haydn und Beethoven.
Sein Arrangement von Brahms’ Violinkonzert für Klavier
und Orchester hatte seine Weltpremiere mit dem Atlanta Symphony
Orchestra unter Robert Spano in der Saison 2009/10.
Er spielte das Werk außerdem bei den BBC Proms, im Amsterdamer
Concertgebouw , bei den Hamburger Ostertönen und
in Japan. Eine Live-Aufnahme erschien im Januar 2010. Dejan
Lazić wurde in Zagreb in eine Musiker-Familie geboren und
wuchs in Salzburg auf, wo er am Mozarteum studierte. Heute
lebt er in Amsterdam.

La plupart des programmes du soir de la Philharmonie sont
disponibles avant chaque concert en version PDF sur le site
www.philharmonie.lu
Die meisten Abendprogramme der Philharmonie finden
Sie schon vor dem jeweiligen Konzert als Web-PDF unter
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