Abendprogramm (PDF) - Philharmonie Luxembourg
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Les grands classiques<br />
Dimanche / Sonntag / Sunday<br />
16.06.2013 20:00<br />
Grand Auditorium<br />
Kammerorchester Basel<br />
Giovanni Antonini direction<br />
Giuliano Carmignola violon<br />
Sol Gabetta violoncelle<br />
Dejan Lazić piano<br />
Backstage<br />
19:15 Salle de Musique de Chambre<br />
Dr. Martin Möller: «Sehr schön, aber unpassend?<br />
Beethovens ‹Tripelkonzert›» (D)
Ludwig van Beethoven (1770–1827)<br />
Die Geschöpfe des Prometheus (Les créatures de Prométhée) op. 43:<br />
Ouvertüre (1800–1801)<br />
5’<br />
Symphonie N° 1 C-Dur (ut majeur) op. 21 (1800)<br />
Adagio molto – Allegro con brio<br />
Andante cantabile con moto<br />
Menuetto: Allegro molto e vivace – Trio<br />
Adagio – Allegro molto e vivace<br />
30’<br />
—<br />
Konzert für Violine, Violoncello, Klavier und Orchester C-Dur (ut majeur)<br />
op. 56 («Tripelkonzert» / «Triple Concerto») (1803–1804)<br />
Allegro<br />
Largo, attacca:<br />
Rondo alla Polacca<br />
35’<br />
Ludwig van Beethoven<br />
(Estampe de Johann Gottfried Scheffner<br />
d’après Gandolf Ernst Stainhauser von Treuberg, 1801)
Un mythe modernisé<br />
Beethoven: Les créatures de Prométhée<br />
Elisabeth Brisson (2010)<br />
Die Geschöpfe des Prometheus op. 43, «Ballo serio» pour grand orchestre,<br />
composé en 1800–1801, a été dédié à la Princesse Lichnowsky.<br />
La première représentation du ballet eut lieu le 28 mars 1801 sur<br />
la scène du théâtre impérial de Vienne, à l’ancien Burgtheater.<br />
Ce ballet a été commandé à Ludwig van Beethoven par le chorégraphe<br />
italien Salvatore Viganò (1769–1821) qui, d’habitude,<br />
se contentait d’assemblage composite de musiques déjà écrites.<br />
Mais il choisit pour cette nouvelle création un jeune musicien<br />
‹à la mode›. Viganò, en quête de nouveauté et soucieux de restituer<br />
les mouvements ‹naturels› – une modernité peu appréciée<br />
par une partie du public viennois – semble avoir choisi Beethoven<br />
en connaissance de cause, car l’argument du ballet comportait<br />
des enjeux historiques et esthétiques évidents dans le contexte<br />
politique d’alors: les succès militaires du Général Bonaparte venaient<br />
de favoriser la mise en place en France du Consulat, nouveau<br />
régime aux fortes connotations antiques. Viganò connaissait<br />
les sympathies de Beethoven pour les idées nouvelles. Cette<br />
sensibilité politique était indispensable pour comprendre que le<br />
ballet proposait une interprétation ‹d’actualité› du mythe de Prométhée.<br />
L’affiche qui annonçait la première représentation résumait<br />
ainsi le scénario que Viganò avait imaginé:<br />
«Ce ballet allégorique est basé sur le mythe de Prométhée.<br />
Les philosophes de la Grèce, qui savaient de quoi ils parlaient,<br />
ont expliqué le sens de cette fable [erklären die Bespielung der<br />
Fabel dahin]. Ils dépeignent Prométhée comme un esprit fort<br />
[erhabener Geist] qui, ayant trouvé les êtres humains de son<br />
temps dans un état d’ignorance, les élève [verfeinert] par l’art<br />
5
Heinrich Friedrich Füger: Prométhée apportant le feu<br />
aux Hommes, vers 1817<br />
et par la connaissance, tout en leur donnant des principes de<br />
bonne conduite [Sitten]. Fidèle à cette source, le ballet présente<br />
deux statues qui vont s’animer et que le pouvoir de l’harmonie<br />
va rendre sensibles à toutes les passions de l’existence humaine.<br />
Prométhée les emmène au Parnasse pour être instruites par Apollon,<br />
dieu des arts qui ordonne à Amphion, Arion et Orphée<br />
de leur enseigner la musique, à Melpomène et à Thalie de leur<br />
enseigner la tragédie et la comédie. Assisté par Terpsichore, Pan<br />
leur fait connaître la danse pastorale – et de Bacchus, ils apprennent<br />
sa propre invention, la danse héroïque.»<br />
Pour communiquer aux spectateurs «la céleste étincelle de Prométhée»,<br />
cette dynamique et cette joie propres à l’action créatrice<br />
et émancipatrice, le thème même du Finale de la Neuvième<br />
Symphonie, Beethoven prit le parti de faire précéder l’ensemble<br />
du ballet d’une Ouverture qui commence par une introduction<br />
lente Adagio, caractérisée par une incertitude tonale et par le jeu<br />
entre les timbres des cordes et des bois. La tonalité ne s’affirme<br />
qu’avec le premier thème de l’Allegro molto e con brio de forme<br />
sonate.<br />
6
Dans le sillage de Haydn<br />
Beethoven: Symphonie N° 1<br />
Stéphane Etcharry (2007)<br />
La Première Symphonie de Beethoven se situe dans le droit sillon<br />
tracé par Mozart, mais aussi et surtout par les dernières symphonies<br />
de son maître Joseph Haydn, qui datent de la dernière décennie<br />
du 18 e siècle. La nomenclature instrumentale représente<br />
d’ailleurs la première trace de cet héritage puisqu’elle s’apparente<br />
directement à l’orchestre utilisé dans ses œuvres par Haydn. Elle<br />
requiert en effet deux flûtes, deux hautbois, deux clarinettes en<br />
ut, deux bassons, deux cors en ut, deux trompettes en ut, les<br />
timbales et le traditionnel quintette à cordes. Mais Beethoven se<br />
démarque pourtant de son aîné et joue déjà les révolutionnaires<br />
puisque, dès ce premier opus symphonique, «il s’érige en architecte<br />
des blocs sonores, joue avec les masses, les attaques, les<br />
dynamiques. Le premier, il prend conscience de l’effet psychologique<br />
– voire physiologique – produit sur l’auditeur par la seule<br />
puissance acoustique d’un orchestre» (Alain Louvier).<br />
D’un point de vue structurel, l’œuvre adopte les quatre mouvements<br />
traditionnellement fixés dans leurs symphonies par ses<br />
prédécesseurs. Le premier mouvement, Allegro con brio, s’ouvre<br />
sur une courte introduction lente Adagio molto qui rappelle une<br />
nouvelle fois l’influence manifeste de la tradition symphonique<br />
haydnienne. De plus, les huit premiers accords de l’œuvre créent<br />
un effet de surprise en introduisant une sorte de flottement tonal.<br />
Ils énoncent en effet trois cadences – figures généralement<br />
réservées à la ponctuation d’une phrase, d’une section plus large<br />
ou d’une œuvre dans son entier – respectivement dans les tonalités<br />
de fa majeur, do majeur et sol majeur. Ce n’est qu’à partir<br />
des mesures 5 et 6 que se stabilise véritablement la tonalité pour<br />
8
ayonner pleinement dans l’Allegro con brio avec l’arrivée, à la<br />
treizième mesure, du premier thème, incisif et espiègle, énoncé<br />
par les violons I et lancé par un motif de type «fusée». Le deuxième<br />
thème se veut plus mélodique et cantabile, débutant sur<br />
un dialogue entre les bois sur fond d’arpèges ascendants et descendants<br />
des cordes en pizzicato. Bien que relativement court,<br />
le développement d’une harmonie très mobile (on notera la surprise<br />
créée par la soudaine modulation en la majeur qui ouvre<br />
cette section centrale) et exploite principalement les différents<br />
motifs issus du premier groupe thématique.<br />
En fa majeur, le deuxième mouvement Andante cantabile con<br />
moto, lui aussi de forme-sonate, hésite entre la fugue (écriture<br />
contrapuntique initiale) et le caractère du menuet (mesure ternaire,<br />
tempo, allure générale).<br />
Bien qu’intitulé Menuetto comme il est désormais d’usage dans<br />
la symphonie classique, le troisième mouvement, par son mouvement<br />
indiqué Allegro molto e vivace, avec toute son agilité et<br />
sa fougue juvénile, annonce déjà le caractère du scherzo (de l’italien<br />
signifiant «jeu») qui sera l’une des conquêtes caractéristiques<br />
du style beethovenien. Le compositeur l’introduira d’ailleurs, de<br />
façon explicite et définitive, dès sa Deuxième Symphonie de 1802<br />
(mais il l’avait cependant déjà utilisé pour la toute première fois<br />
en 1794–1795, dans le troisième mouvement de sa Sonate pour<br />
piano op. 2 N° 2). Le Trio central valorise quant à lui l’opposition<br />
pittoresque de deux blocs, celui des vents et celui des cordes.<br />
Enfin, le quatrième mouvement Allegro molto e vivace, est à<br />
rapprocher du premier, en ce sens qu’il représente lui aussi une<br />
certaine forme de clin d’œil à Haydn le symphoniste. Il déploie<br />
un ensemble de motifs tous aussi incisifs, espiègles voire sarcastiques<br />
les uns que les autres, motifs qui évoquent la vitalité<br />
et l’humour de très nombreux thèmes haydniens. Là encore,<br />
le mouvement est précédé d’une très courte introduction lente<br />
(Adagio), dans le plus pur style de Haydn, notamment par la surprise<br />
et l’humour ménagés en son sein par le maître de Bonn.<br />
9
Trois virtuoses sans hiérarchie<br />
Beethoven: «Triple Concerto»<br />
Elisabeth Brisson (2009)<br />
Beethoven qui vivait dans ses notes, pensait généralement plusieurs<br />
œuvres à la fois: ainsi, le «Triple Concerto» composé en 1803<br />
et 1804 est contemporain de l’«Eroica» – deux œuvres ‹éprouvées›<br />
ensemble lors d’une exécution privée dans les salons du prince<br />
Lobkowitz à Vienne fin mai/début juin 1804. La première exécution<br />
publique eut lieu à Vienne, en mai 1808 lors d’un concert<br />
donné dans l’Augarten. Ainsi, pendant qu’il écrivait pour grand<br />
orchestre, Beethoven se préoccupait de maîtriser également l’écriture<br />
pour solistes et orchestre, ce qui impliquait une autre façon<br />
de traiter le matériau thématique, puisqu’il fallait tenir compte<br />
de la présence d’instrumentistes virtuoses.<br />
Dans le «Triple Concerto», Beethoven a confié une partie équivalente<br />
à chacun des trois solistes: aucun ne domine, et chacun<br />
a maintes occasions de déployer sa virtuosité. L’orchestre a également<br />
une place du même ordre. Cette conception, qui refuse<br />
hiérarchie et dépendance de l’un ou de l’autre des protagonistes,<br />
a des conséquences formelles: extension des expositions et répétitions<br />
– la spécificité de chacun des timbres étant une sorte de<br />
garantie contre la monotonie, tandis que l’opposition tutti/solistes<br />
permet de varier la densité du tissu sonore.<br />
Le premier mouvement est de forme sonate adaptée à la présence<br />
d’un orchestre et de trois solistes. L’orchestre expose l’ensemble<br />
du matériau thématique, de manière d’abord mystérieuse,<br />
puis en jouant sur la densité du tissu sonore, avant que les trois<br />
instruments n’entrent l’un après l’autre sur le même motif : le<br />
violoncelle à la tonique, le violon à la dominante et le piano à<br />
11
Johann Ziegler: Vue de l’Augarten, 1783<br />
la tonique. Après cette longue exposition, le développement très<br />
court est introduit par le violoncelle, avant que les trois solistes<br />
n’aient des jeux imbriqués très serrés. La réexposition très dense<br />
se termine par une coda.<br />
Le deuxième mouvement est un Largo très court à 3/8 en la bémol<br />
majeur. Le violoncelle, le premier des solistes à jouer dans<br />
ce mouvement, doit faire chanter son instrument en étant soutenu<br />
par des cordes jouant «con sordino». Ce Largo a une double<br />
fonction, celle d’un répit, mettant en valeur la capacité de chanter<br />
des instruments tout en entretenant un climat lyrique et<br />
sombre, et celle d’une introduction au finale directement enchaîné<br />
après deux mesures suspensives confiées au violoncelle.<br />
Le Rondo alla Polacca associe la forme rondo et la forme sonate.<br />
Le thème principal, plein d’allant, ‹refrain› très étendu, revient<br />
trois fois. Après le troisième couplet, le tempo et la mesure<br />
changent: Allegro à 2/4, ce qui correspond à un développement<br />
terminal prenant la forme d’une variation du refrain; cette dernière<br />
partie est entraînée par le violon et fondée sur l’échange de<br />
traits virtuoses entre les instruments. Annoncé par un ralentissement<br />
du tempo, le «Tempo I» à 3/4 revient pour la coda.<br />
Ce «Triple Concerto» a dérouté: les premiers auditeurs l’ont trouvé<br />
trop exubérant, plein de figures hétéroclites – le troisième mouvement<br />
étant toutefois considéré comme plein d’esprit et de sentiment.<br />
12
Wege aus der Krise<br />
Orchestermusik von Beethoven<br />
Katrin Bicher<br />
«Ich kann sagen, ich bringe mein Leben elend zu, seit zwei Jahren<br />
fast meide ich alle Gesellschaften, weil’s mir nicht möglich ist,<br />
den Leuten zu sagen: Ich bin taub. Hätte ich irgendein anderes<br />
Fach, so ging’s noch eher, aber in meinem Fache ist das ein<br />
schrecklicher Zustand; dabei meine Feinde, deren Zahl nicht gering<br />
ist, was würden diese hierzu sagen!» Franz Gerhard Wegeler,<br />
einer seiner engsten Freunde, war der Erste, dem Ludwig van<br />
Beethoven im Sommer 1801 mit diesen Zeilen anvertraute, was<br />
ihm allmählich zur Gewissheit wurde: dass seine Schwerhörigkeit<br />
keine vorübergehende Beschwerde war, sondern zur Taubheit<br />
führen würde. Sozialer Rückzug schien ihm die einzig mögliche<br />
Konsequenz, denn zu den kommunikativen Schwierigkeiten im<br />
gesellschaftlichen Umgang kam die Sorge, dass er in seiner Profession<br />
– als Musiker – in Frage gestellt werden könnte.<br />
«Krisenjahre» hat der berühmte Beethoven-Forscher Lewis Lockwood<br />
denn auch das Kapitel seiner Beethoven-Biographie überschrieben,<br />
das den Jahren um 1800 gewidmet ist. Von Krisen<br />
mancherlei Art war diese Zeit geprägt. Die Schwerhörigkeit besserte<br />
sich trotz verschiedener Bäder und Kuren nicht nur nicht,<br />
sondern wurde chronisch und immer schlimmer, der sonst temperamentvolle<br />
und gesellige Mensch Beethoven zog sich immer<br />
mehr zurück, scheute einerseits die Isolation und forderte sie andererseits<br />
geradezu heraus. Schließlich entstand das sogenannte<br />
Heiligenstädter Testament, das, wie andere Dokumente dieser<br />
Zeit auch, von Lebensunmut, Suizidgedanken und depressiven<br />
Stimmungen zeugt. Andererseits aber ist eben diese Zeit eine<br />
der enormen Schaffenskraft.<br />
15
«So viel will ich euch sagen, dass ihr mich nur recht groß wieder<br />
sehen werdet; nicht als Künstler sollt ihr mich größer, sondern<br />
auch als Mensch sollt ihr mich besser, vollkommener finden,<br />
und ist dann der Wohlstand besser in unserm Vaterlande, dann<br />
soll meine Kunst sich nur zum Besten der Armen zeigen. O glückseliger<br />
Augenblick, wie glücklich halte ich mich, dass ich dich herbeischaffen,<br />
dich selbst schaffen kann! – Von meiner Lage willst<br />
Du was wissen; nun, sie wäre eben so schlecht nicht. Seit vorigem<br />
Jahr hat mir Lichnowsky […] eine sichere Summe von 600 Gulden<br />
ausgeworfen, die ich, so lange ich keine für mich passende<br />
Anstellung finde, ziehen kann; meine Kompositionen tragen mir<br />
viel ein, und ich kann sagen, dass ich mehr Bestellungen habe,<br />
als fast möglich ist, dass ich befriedigen kann. Auch habe ich auf<br />
jede Sache 6, 7 Verleger und noch mehr, wenn ich mir’s angelegen<br />
sein lassen will: Man accordiert nicht mehr mit mir, ich fordere<br />
und man zahlt», schrieb Beethoven im gleichen Brief an Wegeler.<br />
In der Tat scheint Beethoven bestrebt gewesen zu sein, künstlerisch-kreativ<br />
zu kompensieren, was ihm sozial nicht mehr gelang.<br />
In diesen Zusammenhang gehört auch eine Anekdote, die zuerst<br />
Beethovens Schüler Carl Czerny beschrieb: «Um 1803 sagte einmal<br />
Beethoven seinem Freunde Krumpholz: ‹Ich bin mit meinen<br />
bisherigen Arbeiten nicht zufrieden. Von nun an will ich einen<br />
neuen Weg betreten.›» Folgerichtig gilt 1803 als Zeit eines ersten,<br />
von der Krankheit ausgelösten, Krisenhöhepunkts, der mit einem<br />
stilistischen Wandel zusammenfällt, markiert mit der neuen Tonsprache<br />
der 1804 erstmals aufgeführten «Eroica».<br />
In der Tat begann Beethoven in den Jahren nach 1800, systematischer<br />
als zuvor zu arbeiten: Er verwendete beispielsweise von<br />
nun an statt loser Blätter gebundene Skizzenbücher, die es ihm<br />
erleichterten, kompositorisch konsequent bestimmte Strukturen<br />
zu verfolgen, längere Passagen zu notieren, sie später leichter<br />
aufzufinden und weiterzuentwickeln. Beethovens Stärke, die<br />
Arbeit mit motivischem Material, konnte nun an ganzen Sätzen<br />
und noch größeren Einheiten probiert werden und seinen Werken<br />
einen neuen inneren Zusammenhang geben.<br />
16
Salvatore Viganò<br />
(Portrait von Johann Gottfried Schadow, um 1797)<br />
Die Geschöpfe des Prometheus<br />
Mit der Oper mühte Beethoven sich bekanntlich lange ab und<br />
übte sich nicht zuletzt an verschiedenen Arten von Bühnenmusiken<br />
im dramatischen Genre. So schrieb er im Winter 1801/1802<br />
für den italienischen Ballettmeister Salvatore Viganò die Musik<br />
für dessen neues Werk Die Geschöpfe des Prometheus. In diesem<br />
Ballett rebelliert Prometheus nicht gegen die Götter, auch zeigt<br />
es ihn nicht als heroischen Titanen, wie er in den Werken von<br />
Aischylos bis Goethe immer wieder dargestellt wurde: Bei Beethoven<br />
ist Prometheus sorgender Schöpfer der Menschheit, ein<br />
Pädagoge. Seine Bemühungen, den Menschen Wissen und Vernunft<br />
zu bringen, sind deutlich von den Ideen der Aufklärung<br />
geprägt.<br />
Entsprechend leichtfüßig und lebhaft ist die Ouvertüre gestaltet,<br />
denn das ganze Stück – auch im Gegensatz zu den sonstigen<br />
Prometheus-Erzählungen – besitzt ein lieto fine. Beim Wiener<br />
Publikum war das Ballett sehr beliebt – über zwanzigmal musste<br />
es wiederholt werden.<br />
17
Die Erste Symphonie<br />
Nicht erst die Dritte Symphonie, die berühmte «Eroica», auch<br />
Beethovens Erste Symphonie lässt sich zu den «neuen» Werken<br />
zählen, die Beethoven in den Jahren nach 1800 komponierte –<br />
auch wenn die stilistische Wende zumeist etwas später, eben mit<br />
der Dritten Symphonie angesetzt wird. Beethoven verwarf nämlich<br />
einen ersten Gedanken zu einer C-Dur-Symphonie von 1795,<br />
weil das Material für seine nun größere Zusammenhänge stiftende<br />
Ideen nicht mehr genügte; einige Jahre später gelang ihm die<br />
Umsetzung der neuen Konzeption in der Ersten Symphonie.<br />
Besondere Aufmerksamkeit erregt die Symphonie mit ihrem Beginn,<br />
einer langsamen Einleitung: Zwar begegnen dem Hörer<br />
auch in Haydns «Londoner Symphonien» vergleichbare Anfänge,<br />
Beethoven aber überrascht damit, dass er den Initialklang als<br />
Dissonanz gestaltet und sich auf diese Weise der Spannung des<br />
Publikums jedenfalls sicher sein konnte. In der Form des Spiels<br />
mit den Erwartungshaltungen seiner Hörer setzt sich die Komposition<br />
fort: beschwingt, mit weniger starken Brüchen als in seinen<br />
zuvor entstandenen, eher verstörenden Klavier- und Kammermusikwerken,<br />
mit ausgedehnten Dialogen zwischen einzelnen<br />
Instrumentengruppen und neuen Klangfarben.<br />
Auch wenn die Provokation der Kammermusik zu fehlen scheint:<br />
Einfach nur in der Nachfolge Haydns (immerhin: seines Lehrers,<br />
von dem allerdings er sich distanzieren zu müssen glaubte) oder<br />
Mozarts steht die Erste Symphonie nicht. Zweifellos fehlt ihr das<br />
Erhabene und Heroische von Beethovens späteren Symphonien,<br />
und Berlioz’ Kritik scheint etlichen Beethoven-Liebhabern aus<br />
dem Herzen gesprochen zu haben: «Das ist nicht Beethoven.»<br />
Gefällig mag das Werk in der Tat sein, gewöhnlich ist es deshalb<br />
aber nicht. Neben der überraschenden Eröffnung fällt zum Beispiel<br />
der dritte Satz auf: weite Modulationen, die dennoch die<br />
Stringenz des Satzes nicht beeinträchtigen. Die äußere Krise, ausgelöst<br />
womöglich durch die fortschreitende Erkrankung des Gehörs,<br />
führte offenbar zu einer Konzentration auf die bzw. einer<br />
systematischen Auslotung der musikalischen Mittel.<br />
18
Nach seinen Erfolgen am und mit dem Klavier versuchte sich<br />
Beethoven in der größeren Form und wollte so nicht zuletzt auch<br />
ein größeres Publikum erreichen. Denn einen hervorragenden<br />
Ruf als brillanter Pianist und Komponist von Kammermusik hatte<br />
er sich längst in Wiens aristokratischen Salons erworben. Die<br />
Gattung der Symphonie bot zur öffentlichen Präsentation seiner<br />
trotz der Erkrankung ungebrochenen Schöpferkraft das geeignete<br />
Forum. Am 2. April 1800 gab Beethoven sein erstes öffentliches<br />
Konzert im alten Burgtheater mit einer Mozart-Symphonie,<br />
Teilen aus Haydns Schöpfung und eigenen Werken, unter ihnen<br />
die Erste Symphonie.<br />
Das «Tripelkonzert»<br />
Trotz seines wachsenden Erfolgs in der Wiener Öffentlichkeit<br />
machte Beethoven sich Sorgen um seine finanzielle Absicherung<br />
und erreichte schließlich, dass drei seiner wichtigsten Gönner<br />
ihm eine jährliche Pension zusicherten. Daneben aber galt sein<br />
Interesse nach wie vor der Suche nach öffentlichen Auftritten<br />
und der Möglichkeit, Subskriptionskonzerte vor der ‹ganzen›<br />
Wiener Gesellschaft zu veranstalten. Für eine solche Gelegenheit<br />
ist auch das «Tripelkonzert» entstanden: eine Sinfonia concertante<br />
– wie sie in Frankreich und den französisch beeinflussten Gebieten<br />
en vogue war –, in der ein Klaviertrios den Solistenverband<br />
stellt. Erfahrungen mit dieser Besetzung hatte Beethoven zuvor<br />
schon mit drei Klaviertrios sammeln können, nun brachte er das<br />
Trio in eine größere, konzertante Form.<br />
Dem Cello kommt dabei eine derart gewichtige Funktion zu,<br />
dass fast an ein regelrechtes Cellokonzert (das Beethoven übrigens<br />
nie komponierte) gedacht werden kann: Nicht nur eröffnet<br />
das Cello den Soloabschnitt des ersten Satzes, es übernimmt<br />
auch im zweiten und dritten Satz die dominierende Rolle. Dieses<br />
Spiel mit den Rollen, das Kommunizieren mehrerer Gesprächspartner<br />
(neben der Violine und dem Cello die beiden<br />
Hände des Klaviers und das Orchester) in jeweils verschiedenen<br />
Kombinationen durchzieht das gesamte Werk und gestaltet es<br />
äußerst vielfarbig.<br />
In der Rezeption bereitete das Konzert jedoch Schwierigkeiten.<br />
Etliche mehr oder weniger intellektuelle Verehrer Beethovens<br />
haben versucht, ihm die populäre Gestaltung des Konzertes an-<br />
19
zulasten und sich über Gefälligkeit, Kraftlosigkeit und fehlenden<br />
Tiefgang mokiert. Sein unmittelbares Publikum aber dürfte<br />
Beethoven mit dem Konzert und seiner Leichtigkeit erreicht und<br />
direkt angesprochen haben. Was später als Längen kritisiert wurde,<br />
das Wechselspiel nicht nur zwischen dem Solopart und dem<br />
Orchester, sondern auch zwischen den Solisten, dürfte gerade<br />
seiner ungewohnten Farbigkeit wegen gefallen haben. Und dass<br />
Beethoven zeitgleich am Fidelio, der «Eroica» und dem Vierten<br />
Klavierkonzertes arbeitete, dürfte auch allen Kritikern gezeigt haben,<br />
dass es ihm nicht an schöpferischer Energie und Einfallsreichtum<br />
mangelte. Vielleicht wollte er mit dem «Tripelkonzert»<br />
kein schweres, bedeutungsschweres, Werk schreiben, sondern<br />
sich dem Publikum einmal mehr von einer unbeschwerten Seite<br />
zeigen?<br />
So sind alle drei Werke des heutigen Abends, die Prometheus-<br />
Ouvertüre, die Erste Symphonie und das «Tripelkonzert», ganz eigene<br />
Zeugnisse für Beethovens Art und Weise, mit der Krise der Jahre<br />
nach 1800 umzugehen. «So glücklich, als es mir hienieden beschieden<br />
ist, sollt ihr mich sehen, nicht unglücklich. – Nein, das<br />
könnte ich nicht ertragen, ich will dem Schicksal in den Rachen<br />
greifen; ganz niederbeugen soll es mich gewiss nicht. – O es ist so<br />
schön, das Leben tausend Mal leben», schrieb er im November<br />
1801 an seinen Freund Wegeler. Gedeutet wurde dieser Lebenswille<br />
oft als energisches Aufbegehren gegen die Krankheit, als<br />
Motor für die heroischen Werke. Eine andere Lesart aber bleibt<br />
daneben denkbar: die des Lebensgenusses, wie er sich in der Beschwingtheit<br />
der ‹populäreren› Werke jener Zeit äußert.<br />
20
Les œuvres… en bref<br />
Die Werke… in aller Kürze<br />
Ludwig van Beethoven (1770–1827)<br />
Die Geschöpfe des Prometheus (Les créatures de Prométhée) op. 43:<br />
Ouvertüre<br />
Première audition / Uraufführung<br />
28.03.1801 Vienne / Wien<br />
À savoir aussi / Was Sie sonst noch wissen sollten<br />
La source du ballet, l’épopée mythologique Il Prometeo (1797), écrite<br />
par Vincenzo Monti en l’honneur de Bonaparte, le considérait comme<br />
un nouveau Prométhée, vainqueur du combat contre le despotisme<br />
et libérateur de l’humanité.<br />
Die literarische Vorlage des Balletts, das von Vincenzo Monti zu Ehren<br />
Napoleons verfasste Epos Il Prometeo (1797) sah im damaligen General<br />
einen neuen Prometheus, Sieger im Kampf gegen die Willkürherrschaft<br />
und Befreier der Menschheit.<br />
Symphonie N° 1 C-Dur (ut majeur) op. 21<br />
Première audition / Uraufführung<br />
02.04.1800 Vienne / Wien<br />
Dans la presse / Pressestimmen<br />
«Finalement le théâtre, pour une fois, reçut quand même M. Beethoven,<br />
et ce fut vraiment l’académie la plus intéressante qui ait eu lieu depuis<br />
longtemps. […] à la fin on joua une symphonie de sa composition,<br />
où l’on trouvait beaucoup d’art, de nouveauté et de richesse des idées,<br />
mais les vents étaient un peu trop utilisés.»
«Endlich bekam doch auch Herr Beethoven das Theater einmal,<br />
und dies war wahrlich die interessanteste Akademie seit langer Zeit.<br />
[…] am Ende wurde eine Symphonie von seiner Komposition aufgeführt,<br />
worin sehr viel Kunst, Neuheit und Reichtum an Ideen war;<br />
nur waren die Blasinstrumente gar zu viel angewendet.»<br />
Allgemeine musikalische Zeitung, 15.10.1800<br />
Les chers collègues / Die lieben Kollegen<br />
«C’est de la musique admirablement faite, claire, vive, mais peu accentuée,<br />
froide et quelquefois mesquine […], ce n’est pas là Beethoven.»<br />
«Das ist vortrefflich gemachte, klare, lebendige Musik, aber sie ist unbedeutend<br />
im Ausdruck, kühl und bisweilen kleinlich […]: Das ist<br />
nicht Beethoven.»<br />
Hector Berlioz: À travers chants, Paris 1862<br />
(deutsche Übersetzung in: Musikalische Streifzüge, Leipzig 1912)<br />
Konzert für Violine, Violoncello, Klavier und Orchester C-Dur (ut majeur)<br />
op. 56 («Tripelkonzert» / «Triple Concerto»)<br />
Première audition publique / Erste öffentliche Aufführung<br />
Mai 1808 dans l’Augarten à Vienne / Mai 1808 im Wiener Augarten<br />
Dans la presse / Pressestimmen<br />
«Nous avons aussi entendu […] un tout nouveau Concertino de Beethoven<br />
[…], mais il n’a pas fait bonne impression. Cela consiste presque<br />
uniquement en passages à peu près également partagés entre les trois<br />
instruments, mais qui deviennent au fil du temps aussi lassants pour<br />
les auditeurs que pour les interprètes.»<br />
«Auch hörten wir […] ein ganz neues Concertino von Beethoven […],<br />
welches aber keinen rechten Eingang finden wollte. Es besteht fast nur<br />
aus Passagen, welche auf die drey Instrumente ziemlich gleich verteilt<br />
sind, mit der Zeit aber, für den Zuhörer, wie für den Spieler, gleich ermüdend<br />
werden.»<br />
Allgemeine musikalische Zeitung, 23.06.1808
Interprètes<br />
Biographies<br />
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII<br />
Kammerorchester Basel<br />
Le kammerorchesterbasel transmet le plaisir de jouer ensemble,<br />
une orchestration transparente et souple, l’envie de<br />
découvrir de nouveaux types d’interprétation, en associant<br />
dans sa programmation la musique ancienne et nouvelle, dans<br />
la tradition de l’Orchestre de chambre de Bâle de Paul Sacher.<br />
Constitué en 1984 par des musiciens diplômés de différents<br />
conservatoires suisses, l’orchestre est aujourd’hui invité dans<br />
les salles de concerts et festivals les plus prestigieux de la<br />
scène classique européenne et possède son propre cycle<br />
d’abonnement à Bâle. L’orchestre aime jouer sous la direction<br />
musicale de son propre Konzertmeister et apprécie la coopération<br />
avec différents chefs d’orchestre tels que Paul Goodwin,<br />
Kristjan Järvi, Paul McCreesh et Giovanni Antonini. Avec ce<br />
dernier, les musiciens ont réalisé un cycle des symphonies de<br />
Beethoven. L’enregistrement des Symphonies N° 1–6 est déjà<br />
disponible chez Sony et celui des Symphonies N° 3 et N° 4 a<br />
été récompensé par l’ECHO Klassik en tant qu’Ensemble de<br />
l’année 2008. Le CD «Klassizistische Moderne» sous la direction<br />
de Christopher Hogwood ainsi que l’enregistrement des<br />
opéras et oratorios d’après la nouvelle Hallische Händelausgabe<br />
sous la direction de Paul Goodwin ont également reçu d’élogieuses<br />
critiques. Le film documentaire Bartók Quinten (2010,<br />
réalisé par Christine Burlet), qui pose un regard haut en couleurs<br />
sur les coulisses du kammerorchesterbasel, a été diffusé<br />
sur SF1 et 3sat. La soprano Nuria Rial et le kammerorchesterbasel,<br />
sous la direction de son premier violon Julia Schröder, ont<br />
24
Kammerorchester Basel<br />
remporté l’ECHO Klassik 2012 dans la catégorie Meilleur enregistrement<br />
lyrique (airs et duos d’opéra). La liste des solistes<br />
qui se produisent en concert avec le kammerorchesterbasel est<br />
célèbre: Cecilia Bartoli, Sol Gabetta, Andreas Scholl, Angelika<br />
Kirchschlager, Matthias Goerne, Sabine Meyer, Vesselina Kasarova,<br />
Angela Hewitt, Renauld Capuçon, Victoria Mullova, Nuria<br />
Rial, et bien d’autres. Cette saison 2012/13, le kammerorchesterbasel<br />
se réjouit de collaborer avec des artistes renommés.<br />
Parmi eux figurent entre autres Cecilia Bartoli, Sol Gabetta, Patricia<br />
Kopatchinskaja, Khatia Buniatishwili, Angela Hewitt, Maria<br />
João Pires, Alison Balsom, Jean-Yves Thibaudet et Jérémie<br />
Rhorer. Depuis janvier 2013, Clariant International Ltd. est sponsor<br />
du kammerorchesterbasel aux côtés de Credit Suisse, son<br />
principal sponsor depuis 2007.<br />
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII<br />
Kammerorchester Basel<br />
kammerorchesterbasel – das bedeutet Freude am gemeinsamen<br />
Musizieren, einen transparenten und flexiblen Orchesterklang,<br />
Entdeckerlust auf der Suche nach neuen Wegen der<br />
25
Interpretation und die programmatische Kombination von Alter<br />
und Neuer Musik in der Tradition von Paul Sachers Basler Kammerorchester.<br />
Gegründet 1984 von Absolventen verschiedener<br />
Schweizer Musikhochschulen, gehören heute Einladungen zu<br />
den wichtigsten Konzertorten und Festivals der europäischen<br />
Klassikszene für das Orchester ebenso in die Agenda wie die<br />
eigene Basler Abonnementsreihe. Das Orchester spielt gern<br />
unter der musikalische Leitung der eigenen Konzertmeister<br />
und schätzt die Zusammenarbeit mit wechselnden Dirigenten<br />
wie Paul Goodwin, Kristjan Järvi, Paul McCreesh und Giovanni<br />
Antonini. Mit Letzterem erarbeiten die Musiker den Zyklus der<br />
Symphonien Beethovens. Die Einspielung der Symphonien<br />
N° 1–6 ist bereits bei Sony erschienen und erhielt die Auszeichnung<br />
mit dem ECHO Klassik als Ensemble des Jahres 2008 für<br />
die Aufnahme der Symphonien N° 3 und N° 4. Ebenso erfuhren<br />
die CD-Edition «Klassizistische Moderne» unter der Leitung von<br />
Christopher Hogwood sowie die Einspielungen von Opern und<br />
Oratorien nach der Neuen Hallischen Händelausgabe unter der<br />
Leitung von Paul Goodwin uneingeschränktes Kritikerlob. Der<br />
Dokumentarfilm Bartók Quinten (2010, Regie: Christine Burlet),<br />
der einen farbigen Blick hinter die Kulissen des kammerorchesterbasel<br />
gibt, wurde auf SF1 und 3sat ausgestrahlt. Gemeinsam<br />
mit der Sopranistin Nuria Rial gewann das kammerorchesterbasel,<br />
unter Leitung seiner Konzertmeisterin Julia Schröder, den<br />
ECHO Klassik 2012 in der Kategorie Beste Operneinspielung<br />
(Opernarien und Duette). Renommiert ist die Liste der Solisten,<br />
die gemeinsam mit dem kammerorchesterbasel konzertieren:<br />
Cecilia Bartoli, Sol Gabetta, Andreas Scholl, Angelika Kirchschlager,<br />
Matthias Goerne, Sabine Meyer, Vesselina Kasarova, Angela<br />
Hewitt, Renauld Capucon, Victoria Mullova, Nuria Rial u.v.a. In<br />
der Saison 2012/13 freut sich das kammerorchesterbasel auf<br />
die Zusammenarbeit mit renommierten Künstlern. Zu ihnen<br />
gehören u.a. Cecilia Bartoli, Sol Gabetta, Patricia Kopatchinskaja,<br />
Khatia Buniatishwili, Angela Hewitt, Maria João Pires, Alison<br />
Balsom, Jean-Yves Thibaudet und Jérémie Rhorer. Seit Januar<br />
2013 ist die Clariant International Ltd. Presenting Sponsor des<br />
kammerorchesterbasel neben der seit Juli 2007 als Hauptsponsor<br />
auftretenden Credit Suisse.<br />
27
28<br />
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII<br />
Giovanni Antonini direction<br />
Le chef d’orchestre Giovanni Antonini est célèbre pour ses interprétations<br />
des répertoires baroque et classique. Né à Milan,<br />
il a reçu sa formation musicale à l’école de musique de sa ville<br />
ainsi qu’au Centre de Musique Ancienne de Genève. Antonini est<br />
l’un des membres fondateurs de l’ensemble baroque Il Giardino<br />
Armonico, qu’il dirige depuis 1989. Avec son ensemble, il se<br />
produit comme chef et soliste (aussi bien à la flûte à bec qu’à<br />
la flûte traversière), dans les salles de concerts les plus importantes<br />
en Europe, aux États-Unis, en Amérique du Sud, au Canada,<br />
en Australie, au Japon et en Malaisie. Il a travaillé avec de<br />
nombreux artistes tels que Cecilia Bartoli, Isabelle Faust, Viktoria<br />
Mullova, Giuliano Carmignola, Giovanni Sollima, Sol Gabetta,<br />
Katia et Marielle Labèque et Kristian Bezuidenhout. Giovanni<br />
Antonini est un chef très sollicité par des orchestres tels que<br />
les Berliner Philharmoniker, le Royal Concertgebouw Orchestra,<br />
le Tonhalle-Orchester Zürich, Mozarteumorchester Salzburg,<br />
Orquesta Nacional de España et le Gewandhausorchester Leipzig.<br />
À l’opéra, il a notamment dirigé Le nozze di Figaro et Alcina<br />
à la Scala de Milan; il est invité à diriger une nouvelle production<br />
d’Alcina lors de la saison 2013/14 à l’Opernhaus Zürich. À la<br />
Pentecôte 2012, il a fait ses débuts avec Giulio Cesare in Egitto<br />
au festival de Salzbourg où il est retourné avec Norma à la Pentecôte<br />
2013. À partir de septembre 2013, il sera le directeur artistique<br />
du célèbre Festival Wratislavia Cantans. Avec Il Giardino<br />
Armonico, Giovanni Antonini a enregistré de nombreux CDs de<br />
Vivaldi (y compris les Quatre Saisons), différents autres maîtres<br />
italiens des 17 e et 18 e siècles, de Bach (Brandenburgische Konzerte)<br />
ainsi que de Biber et Locke. Son enregistrement des Concerti<br />
grossi op. 6 de Händel a remporté l’ECHO Klassik. Les<br />
enregistrements les plus récents, «Il Pianto di Maria – The Virgin’s<br />
Lament» avec la mezzosoprano Bernarda Fink et «Sacrificium»<br />
avec Cecilia Bartoli ont suscité beaucoup d’enthousiasme.<br />
Récemment est paru le CD Ottone in villa de Vivaldi. Giovanni<br />
Antonini a entrepris avec le Kammerorchester Basel une collaboration<br />
intensive et très fructueuse. À cela s’ajoute également<br />
l’enregistrement de l’intégrale des symphonies de Beethoven.
photo: Marco Borggreve<br />
Giovanni Antonini<br />
Il a donné l’intégrale des symphonies de Beethoven avec le<br />
kammerorchesterbasel; les enregistrements des six premières<br />
sont déjà disponibles.<br />
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII<br />
Giovanni Antonini Dirigent<br />
Giovanni Antonini studierte an der Civica Scuola di Musica in<br />
seiner Heimatstadt Mailand sowie am Centre de Musique Ancienne<br />
in Genf. Er ist Gründungsmitglied des Barockensembles<br />
Il Giardino Armonico, das er seit 1989 leitet und mit dem er als<br />
Dirigent und als Solist auf der Block- und Traversflöte in ganz<br />
Europa, in den USA, Kanada, Südamerika, Australien, Japan und<br />
Malaysia aufgetreten ist. Er hat mit einer Vielzahl angesehener<br />
Künstler zusammengearbeitet, u. a. mit Cecilia Bartoli, Isabelle<br />
Faust, Viktoria Mullova, Giuliano Carmignola, Giovanni Sollima,<br />
Sol Gabetta, Katia und Marielle Labèque sowie Kristian Bezuidenhout.<br />
Giovanni Antonini ist auch als Gastdirigent bei vielen führenden<br />
Orchestern gefragt. Er hat u.a. die Berliner Philharmoniker,<br />
das Royal Concertgebouw Orchestra, das Tonhalle-Orchester<br />
Zürich, das Mozarteumorchester Salzburg, das Orquesta Nacional<br />
de España und das Gewandhausorchester Leipzig dirigiert.<br />
29
Im Opernbereich hat Giovanni Antonini u.a. Le nozze di Figaro<br />
und Alcina an der Mailänder Scala geleitet; in einer Neuproduktion<br />
von Alcina wird er in der Spielzeit 2013/14 auch am Opernhaus<br />
Zürich zu Gast sein. Zu Pfingsten 2012 gab er mit Giulio<br />
Cesare in Egitto sein Debüt bei den Salzburger Festspielen,<br />
wohin er zu Pfingsten 2013 mit Norma zurückkehrte. Ab September<br />
2013 ist Giovanni Antonini künstlerischer Leiter des<br />
Festivals Wratislavia Cantans in Polen. Mit Il Giardino Armonico<br />
hat Giovanni Antonini zahlreiche CDs aufgenommen, darunter<br />
Instrumentalwerke von Vivaldi (u. a. Die vier Jahreszeiten) und<br />
anderen italienischen Komponisten des 17. und 18. Jahrhunderts,<br />
Bach (Brandenburgische Konzerte), Biber und Locke. Zu<br />
den jüngsten Aufnahmen zählen Händels Concerti grossi op. 6,<br />
Vivaldis Oper Ottone in villa und die Alben «Il Pianto di Maria –<br />
The Virgin’s Lament» mit Bernarda Fink und «Sacrificium» mit<br />
Cecilia Bartoli. Mit dem kammerorchesterbasel spielt er gerade<br />
sämtliche Beethoven-Symphonien ein, von denen die ersten<br />
sechs bereits erschienen sind.<br />
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII<br />
Giuliano Carmignola violon<br />
Natif de Trévise, Giuliano Carmignola étudie d’abord avec son<br />
père puis avec Luigi Ferro, ensuite avec Nathan Milstein et<br />
Franco Gulli à l’Accademia Chigiana de Sienne et avec Henryk<br />
Szeryng au Conservatoire de Genève. Il débute sa carrière de<br />
soliste sous la direction de chefs tels Claudio Abbado, Eliahu<br />
Inbal, Peter Maag et Giuseppe Sinopoli et se produit dans de<br />
prestigieuses salles telles que le Royal Albert Hall, La Scala de<br />
Milan, le Musikverein de Vienne, la <strong>Philharmonie</strong> de Berlin et le<br />
Tchaikovsky Hall. Il collabore ensuite avec Umberto Benedetti<br />
Michelangeli, Daniele Gatti, Andrea Marcon, Christopher Hogwood,<br />
Trevor Pinnok, Franz Brüggen, Paul McCreesh, Sir Roger<br />
Norrington, Ivor Bolton, Giovanni Antonini et Ottavio Dantone.<br />
Il poursuit des collaborations significatives et régulières avec<br />
les Virtuosi de Rome dans les années 1970 et plus tard avec les<br />
Sonatori de la Gioiosa Marca, le Venice Baroque Orchestra, plus<br />
récemment avec l’Orchestra Mozart, l’Orchestre des Champs-<br />
Élysées, le kammerorchesterbasel, Il Giardino Armonico, le<br />
31
photo: Anna Carmignola<br />
Giuliano Carmignola<br />
Zürcher Kammerorchester, l’Academy of Ancient Music et l’Academia<br />
Bizantina, le Concerto Köln. Ses enregistrements l’ont<br />
amené à collaborer avec les labels Erato, Divox Antiqua, Sony et<br />
Deutsche Grammophon. Il est actuellement en contrat exclusif<br />
avec ce dernier. Ses enregistrements ont remporté de nombreux<br />
prix et récompenses tels que le Diapason d’Or et le Choc du<br />
Monde de la Musique. Parmi ses enregistrements les plus<br />
récents, notons les concertos pour deux violons de Vivaldi avec<br />
Viktoria Mullova et le Venice Baroque Orchestra, l’intégrale des<br />
concertos pour violon de Mozart avec Claudio Abbado et l’Orchestra<br />
Mozart, les concertos pour violon de Haydn avec l’Orchestre<br />
des Champs-Élysées. Son dernier enregistrement vient de paraître:<br />
«Vivaldi con moto» avec l’Accademia Bizantina sous la<br />
direction d’Ottavio Dantone. Il a enseigné à l’Accademia Musicale<br />
Chigiana de Sienne et à la Hochschule de Lucerne. Il s’est vu<br />
décerner le titre d’Académicien par l’Académie Royale Philharmonique<br />
de Bologne et d’Académicien de Santa Cecilia. Giuliano<br />
Carmignola joue un Stradivarius de 1732, prêt permanent de la<br />
Fondazione Cassa di Risparmi de Bologne.<br />
32
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII<br />
Giuliano Carmignola Violine<br />
Giuliano Carmignola wird international als einer der besten italienischen<br />
Geiger seiner Generation und äußerst geschätzter<br />
Kammermusiker gefeiert, der sowohl auf dem barocken als<br />
auch auf dem modernen Instrument zuhause ist. Er war über<br />
zehn Jahre als Dozent für Violine am Konservatorium in Venedig<br />
tätig und von 1978 bis 1985 Konzertmeister im Orchester des<br />
Theaters La Fenice. Seine Zusammenarbeit zunächst mit den<br />
Sonatori de la Gioiosa Marca und anschließend mit dem Venice<br />
Baroque Orchestra hat ihn zur Leitfigur des barocken Violinstils,<br />
vor allem der italienischen Musik des 18. Jahrhunderts, gemacht.<br />
Als Solist ist er in ganz Europa mit den größten Orchestern unter<br />
Dirigenten wie Claudio Abbado, Eliahu Inbal, Peter Maag<br />
und Giuseppe Sinopoli aufgetreten. In Begleitung der Virtuosi<br />
di Roma ging er in den 1970er Jahren als Solist auf Welttournee.<br />
Seither nimmt er regelmäßig an Barockmusik-Festivals u.a. in<br />
Brügge, Luzern, Wien, Brüssel, Salzburg und Barcelona teil.<br />
1999 wurde Giuliano Carmignola zum Professor für Violine an<br />
die Musikhochschule Luzern berufen. Außerdem ist er regelmäßig<br />
als Dozent an der Accademia Musicale Chigiana tätig.<br />
In dieser und der kommenden Saison wird Giuliano Carmignola<br />
als Solist in Granada, Rom, Monte Carlo, Rotterdam, Bonn, Zürich,<br />
Essen, Baden Baden, München, Berlin und Dortmund zu<br />
hören sein. Zusammen mit dem Venice Baroque Orchestra konzertiert<br />
er bei den großen internationalen Festivals und in den<br />
renommiertesten Konzertreihen. Die Einspielung von Vivaldis<br />
Vier Jahreszeiten sowie dreier bislang unveröffentlichter Vivaldi-<br />
Konzerte zusammen mit dem Venice Baroque Orchestra unter<br />
Andrea Marcon für Sony wurde 2001 mit einem ECHO Klassik<br />
ausgezeichnet. Die letzten Aufnahmen für Sony sind eine CD<br />
mit Violinkonzerten von Locatelli sowie eine Einspielung der<br />
Bach-Sonaten für Cembalo und Violine zusammen mit Andrea<br />
Marcon. Giuliano Carmignola ist seit 2004 Exklusivkünstler der<br />
Deutschen Grammophon, als erste Veröffentlichung erschien<br />
2005 «Concerto Veneziano». 2006 wurde eine weitere Aufnahme<br />
mit unbekannten Vivaldi-Konzerten veröffentlicht, 2008 eine<br />
CD mit allen Mozart-Konzerten gemeinsam mit dem Orchestra<br />
33
Mozart unter Claudio Abbado. Zuletzt erschien eine Aufnahme<br />
aller Haydn-Konzerte mit dem Orchestre des Champs-Élysées.<br />
Giuliano Carmignola spielt eine Stradivari von 1732, eine ständige<br />
Leihgabe der Fondazione Cassa di Risparmi in Bologna.<br />
T<br />
E<br />
T<br />
E<br />
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII<br />
Sol Gabetta violoncelle<br />
Partout où elle se produit, la violoncelliste franco-argentine Sol<br />
Gabetta fait impression par ses interprétations fascinantes, son<br />
jeu passionné, animé et corporellement investi et une personnalité<br />
charismatique et captivante. Son large spectre artistique va<br />
d’œuvres de Vivaldi et autres compositeurs baroques interprétés<br />
sur violoncelle baroque à des œuvres romantiques ou modernes,<br />
avec les concertos d’Elgar, Dvořák, Schumann, Saint-Saëns,<br />
Tchaïkovski, Chostakovitch, Barber et Bloch, en passant par des<br />
interprétations sur instruments d’époque d’œuvres de compositeurs<br />
classiques tels que Haydn, Mozart et Leopold Hofmann.<br />
Le compositeur hollandais Michel van der Aa a composé pour<br />
elle, l’automne 2010, un nouveau concerto pour violoncelle.<br />
L’automne 2012, elle a interprété presence, le nouveau concerto<br />
pour violoncelle du compositeur letton Pēteris Vasks. De nombreux<br />
orchestres de renom tels que les Wiener Philharmoniker,<br />
le Rotterdam Philharmonic, les Münchner Philharmoniker, le<br />
Royal Philharmonic Orchestra London, le Detroit Symphony,<br />
l’Israel Philharmonic, le Tonhalle-Orchester Zürich et le Royal<br />
Concertgebouw Orchestra apprécient leur collaboration régulière<br />
avec Sol Gabetta. C’est aussi le cas de chefs tels que<br />
Leonard Slatkin, Andris Nelsons, Neeme Järvi, Mikhail Pletnev,<br />
Christoph Eschenbach, Zubin Mehta, Charles Dutoit, David<br />
Zinman, Paul McCreesh ou Valery Gergiev. Elle entretient une<br />
étroite collaboration avec le kammerorchesterbasel. Cette saison<br />
2012/13, Sol Gabetta a fait ses débuts auprès du London<br />
Philharmonic Orchestra sous la direction de Vasily Sinaisky,<br />
du Philharmonia Orchestra dirigé par Vladimir Ashkenazy et de<br />
l’Orchestre Philharmonique de Radio France. Elle a également<br />
voyagé aux États-Unis et a fait ses débuts au Carnegie Hall de<br />
New York. Ses concerts en Amérique du Sud à l’automne 2012<br />
ont été couronnés par deux récitals joués à guichets fermés au<br />
35
Teatro Colón de Buenos Aires. Pour la saison 2013/14, elle entreprendra<br />
des tournées avec les Bamberger Symphoniker dans<br />
les centres musicaux d’Extrême-Orient, notamment en Chine<br />
et au Japon. Début 2014 sont programmés ses débuts avec<br />
les Berliner Philharmonikern. Sol Gabetta a commencé sa carrière<br />
en 2004, après avoir remporté le prestigieux Credit Suisse<br />
Young Artists Award, l’une des distinctions les mieux rémunérées<br />
pour de jeunes musiciens et musiciennes. Les concerts<br />
des lauréats en compagnie des Wiener Philharmonikern sous<br />
la direction de Valery Gergiev à l’automne 2004 ont ouvert à Sol<br />
Gabetta les grandes portes du monde musical international.<br />
Elle enregistre exclusivement pour Sony Classical. Beaucoup<br />
de ses enregistrements ont été couronnés de prix, entre autres<br />
l’ECHO Klassik, le Gramophone Award ou le Gardel Award<br />
argentin. Sol Gabetta joue un précieux violoncelle Guadagnini<br />
de1759, grâce à une bourse généreuse du Rahn-Kulturfonds.<br />
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII<br />
Sol Gabetta Violoncello<br />
Wo die argentinisch-französische Cellistin, Sol Gabetta, auftritt,<br />
hinterlässt sie den Eindruck von fesselnden Interpretationen,<br />
passioniertem, körperlichem und beseeltem Spiel und einer<br />
charismatischen vereinnahmenden Persönlichkeit. Ihr breites<br />
künstlerisches Spektrum reicht von Werken Vivaldis und anderer<br />
Barock-Komponisten auf einem Barockcello über historisch orientierte<br />
Interpretationen klassischer Komponisten wie Haydn,<br />
Mozart oder Leopold Hofmann bis hin zur Romantik und frühen<br />
Moderne mit den Konzerten von Elgar, Dvořák, Schumann,<br />
Saint-Saëns, Tschaikowsky, Schostakowitsch, Barber und Bloch.<br />
Der holländische Komponist Michel van der Aa komponierte<br />
für sie im Herbst 2010 ein neues Cellokonzert, im Herbst 2012<br />
führte sie das neue Cellokonzert presence des lettischen Komponisten<br />
Pēteris Vasks auf. Zahlreiche namhafte Orchester wie<br />
die Wiener Philharmoniker, das Rotterdam Philharmonic, die<br />
Münchner Philharmoniker, das Royal Philharmonic Orchestra<br />
London, das Detroit Symphony, das Israel Philharmonic, das Tonhalle-Orchester<br />
Zürich und das Royal Concertgebouw Orchestra<br />
schätzen die regelmäßige Zusammenarbeit mit Sol Gabetta.<br />
36
photo: Marco Borggreve<br />
Sol Gabetta<br />
Ebenso tun dies Dirigenten wie Leonard Slatkin, Andris Nelsons,<br />
Neeme Järvi, Mikhail Pletnev, Christoph Eschenbach, Zubin Mehta,<br />
Charles Dutoit, David Zinman, Paul McCreesh oder Valery Gergiev.<br />
Eine enge Zusammenarbeit pflegt sie mit dem kammerorchesterbasel.<br />
In der Saison 2012/13 debütierte Sol Gabetta beim<br />
London Philharmonic Orchestra unter Vasily Sinaisky, beim<br />
Philharmonia Orchestra unter Vladimir Ashkenazy und beim Orchestre<br />
Philharmonique de Radio France. Ferner bereiste sie die<br />
USA und debütierte in der Carnegie Hall in New York. Ihre Konzerte<br />
im Herbst 2012 in Südamerika gipfelten in zwei Récitals<br />
im ausverkauften Teatro Colón in Buenos Aires. In der Saison<br />
2013/14 wird sie mit den Bamberger Symphonikern die Musikzentren<br />
des Fernen Ostens, namentlich China und Japan, bereisen.<br />
Für das Frühjahr 2014 ist ihr Debüt bei den Berliner Philharmonikern<br />
geplant. Sol Gabetta startete ihre Karriere 2004,<br />
als sie den renommierten Credit Suisse Young Artists Award<br />
gewann, einen der höchst dotierten Auszeichnungen für junge<br />
Musikerinnen und Musiker. Die Preisträgerkonzerte im Herbst<br />
2004 mit den Wiener Philharmonikern unter der Leitung von<br />
Valery Gergiev öffneten Sol Gabetta große Türen zur internationalen<br />
Musikwelt. Sie nimmt exklusiv für Sony Classical auf. Zahlreiche<br />
ihrer CDs wurden mit Preisen ausgezeichnet, u.a. dem<br />
ECHO Klassik, dem Gramophone Award und dem argentinischen<br />
37
photo: Susie Knoll<br />
Dejan Lazić<br />
Gardel Award. Sol Gabetta spielt dank eines großzügigen Stipendiums<br />
des Rahn-Kulturfonds ein kostbares Guadagnini-Cello<br />
von 1759.<br />
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII<br />
Dejan Lazić piano<br />
Les interprétations innovantes du répertoire pianistique par<br />
Dejan Lazićs en ont fait l’un des artistes les plus demandés<br />
de sa génération. Il s’est produit avec des orchestres tels que<br />
le Budapest Festival Orchestra, le Rotterdam Philharmonic, le<br />
Philharmonia Orchestra, le City of Birmingham Symphony Orchestra,<br />
les Bamberger Symphoniker, le NDR Sinfonieorchester<br />
Hamburg, le NDR Radiophilharmonie Hannover et l’Australian<br />
Chamber Orchestra. En outre, il se produit régulièrement en<br />
Asie avec des orchestres tels que le NHK Symphony, le Seoul<br />
38
Philharmonic et le Hong Kong Philharmonic. Dejan Lazić se produit<br />
sous la direction de chefs d’orchestre tels qu’Iván Fischer,<br />
Giovanni Antonini, Vladimir Ashkenazy, Kirill Petrenko, Robert<br />
Spano, John Storgårds, Krysztof Urbański et Osmo Vänskä.<br />
Cette saison 2012/13, il était artiste en résidence à l’Orchestre<br />
Philharmonique de Strasbourg. Parallèlement à sa carrière de<br />
soliste, Dejan Lazić est passionné de musique de chambre.<br />
Il s’est ainsi produit notamment au Concertgebouw d’Amsterdam,<br />
au Queen Elizabeth Hall, au Prinzregententheater de<br />
Munich, au Kennedy Center de Washington ainsi qu’à Montréal,<br />
Tokyo, Pékin et Istanbul. Cette saison, on pourra l’entendre en<br />
récital de piano à Wuppertal, Leverkusen et Brême, ainsi qu’à<br />
Zürich, Strasbourg, Buenos Aires et Sydney. La critique a salué<br />
les enregistrements de Dejan Lazić sous le label Channel Classics.<br />
Son enregistrement live du Concerto pour piano N° 2 de<br />
Rachmaninov avec le London Philharmonic Orchestra sous la<br />
direction de Kirill Petrenko a été récompensé de l’ECHO Klassik<br />
2009. Son album le plus récent est un enregistrement live du<br />
Concerto pour piano N° 4 de Beethoven avec l’Australian Chamber<br />
Orchestra sous la direction de Richard Tognetti. Dejan Lazić<br />
travaille également activement comme compositeur. Son œuvre<br />
s’étend de compositions pour piano, ensemble de musique de<br />
chambre et orchestre aux cadences de concertos pour piano de<br />
Mozart, Haydn et Beethoven. Son arrangement pour piano et<br />
orchestre du Concerto pour violon de Brahms a été créé avec<br />
l’Atlanta Symphony Orchestra sous la direction de Robert Spano<br />
au cours de la saison 2009/10. Il a joué cette œuvre également<br />
aux BBC Proms, au Concertgebouw d’Amsterdam, aux Hamburger<br />
Ostertöne et au Japon. Un enregistrement en live est paru<br />
en janvier 2010. Dejan Lazić est né à Zagreb dans une famille de<br />
musiciens et a grandi à Salzbourg où il a étudié au Mozarteum.<br />
Il vit aujourd’hui à Amsterdam.<br />
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII<br />
Dejan Lazić Klavier<br />
Dejan Lazićs erfrischende Interpretationen des Klavierrepertoires<br />
haben ihn zu einem gefragten Künstler seiner Generation<br />
werden lassen. Er ist mit Orchestern wie dem Budapest Festi-<br />
41
42<br />
val Orchestra, dem Rotterdam Philharmonic, dem Philharmonia<br />
Orchestra, dem City of Birmingham Symphony Orchestra, den<br />
Bamberger Symphonikern, dem NDR Sinfonieorchester Hamburg,<br />
der NDR Radiophilharmonie Hannover und dem Australian<br />
Chamber Orchestra aufgetreten. Darüber hinaus gastiert er<br />
regelmäßig in Asien mit Orchestern wie dem NHK Symphony,<br />
Seoul Philharmonic und Hong Kong Philharmonic. Dejan Lazić<br />
arbeitet mit Dirigenten wie Iván Fischer, Giovanni Antonini, Vladimir<br />
Ashkenazy, Kirill Petrenko, Robert Spano, John Storgårds,<br />
Krysztof Urbański und Osmo Vänskä zusammen. In der Saison<br />
2012/13 ist er Artiste en résidence beim Orchestre Philharmonique<br />
de Strasbourg. Neben seiner Solokarriere ist Dejan Lazić<br />
ein passionierter Kammermusiker. Als solcher tritt er u.a. im<br />
Amsterdamer Concertgebouw, in der Queen Elizabeth Hall, im<br />
Münchner Prinzregententheater, im Kennedy Center Washington<br />
sowie in Montreal, Tokio, Beijing und Istanbul auf. In dieser<br />
Saison spielt er Klavierabende in Wuppertal, Leverkusen und<br />
Bremen sowie in Zürich, Straßburg, Buenos Aires und Sydney.<br />
Bei Channel Classics hat Dejan Lazić zahlreiche von der Kritiker<br />
umjubelte Einspielungen veröffentlicht. Seine Live-Aufnahme<br />
von Rachmaninows Klavierkonzert N° 2 mit dem London Philharmonic<br />
Orchestra unter Kirill Petrenko wurde mit dem ECHO<br />
Klassik 2009 ausgezeichnet. Sein jüngstes Album ist eine Live-<br />
Aufnahme von Beethovens Klavierkonzert N° 4 mit dem Australian<br />
Chamber Orchestra unter Richard Tognetti. Dejan Lazić<br />
arbeitet außerdem aktiv als Komponist. Seine Werke umfassen<br />
Kompositionen für Klavier, Kammerensemble und Orchester<br />
sowie Kadenzen für Konzerte von Mozart, Haydn und Beethoven.<br />
Sein Arrangement von Brahms’ Violinkonzert für Klavier<br />
und Orchester hatte seine Weltpremiere mit dem Atlanta Symphony<br />
Orchestra unter Robert Spano in der Saison 2009/10.<br />
Er spielte das Werk außerdem bei den BBC Proms, im Amsterdamer<br />
Concertgebouw , bei den Hamburger Ostertönen und<br />
in Japan. Eine Live-Aufnahme erschien im Januar 2010. Dejan<br />
Lazić wurde in Zagreb in eine Musiker-Familie geboren und<br />
wuchs in Salzburg auf, wo er am Mozarteum studierte. Heute<br />
lebt er in Amsterdam.
La plupart des programmes du soir de la <strong>Philharmonie</strong> sont<br />
disponibles avant chaque concert en version <strong>PDF</strong> sur le site<br />
www.philharmonie.lu<br />
Die meisten <strong>Abendprogramm</strong>e der <strong>Philharmonie</strong> finden<br />
Sie schon vor dem jeweiligen Konzert als Web-<strong>PDF</strong> unter<br />
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© Etablissement public Salle de Concerts<br />
Grande-Duchesse Joséphine-Charlotte 2013<br />
Pierre Ahlborn, Président<br />
Matthias Naske, Directeur Général<br />
Responsable de la publication: Matthias Naske<br />
Design: Pentagram Design Limited<br />
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