Raum 201 - GFZK Leipzig

001 √>l 002 √>l 

Hartwig Ebersbach √>l Hubertus Giebe √>l Friedrich B. Henkel √>l 

Hartwig Ebersbach 

Zwickau 1940, lebt in Leipzig 

Hartwig Ebersbach studierte von 1961 bis 

1964 an der Hochschule für Grafik und 

Buchkunst Leipzig bei Bernhard Heisig in der 

neu eröffneten Fachklasse für Malerei. 

Zwischen 1965 und 1979 war er nebenbei 

als Messe- und Ausstellungsgestalter 

tätig. Ebersbach nahm 1979 das Angebot zur 

Gründung einer Experimentalklasse an 

der Hochschule für Grafik und Buchkunst 

Leipzig an. Von 1981 bis 1983 gehörte 

Ebersbach zur experimentellen Gruppe 37,2, 

die Erfahrungen mit psychodramatischen 

Praktiken machte und Kunst als unmittelbare 

Produktivkraft zu definieren versuchte. 

Da sein experimenteller Unterricht an der 

HGB nicht weiterbestehen konnte, kündigte 

er 1983 seine Lehrtätigkeit. 2005 und 

2006 reiste er nach China und verarbeitete 

seine Eindrücke in großformatigen Gemälden. 

Ebersbach ist Gründungsmitglied 

der Freien Akademie der Künste zu Leipzig, 

der Sächsischen Akademie der Künste 

Dresden und der Akademie der Künste Berlin- 

Brandenburg. 

In den 1970er Jahren entwickelte Hartwig 

Ebersbach eine Tendenz zur genreübergreifenden 

Aktionskunst und zum gestalteten 

Raum als Medium. Seit 1974 erweiterte 

er seine Bildkompositionen zu Bildobjekten. 

Die Experimentalklasse der HGB unter 

seiner Leitung wurde zum Labor neuer produktions- 

und rezeptionsästhetischer Ideen; 

bildende KünstlerInnen arbeiteten mit 

MusikerInnen und KomponistInnen zusammen. 

Im Zuge dessen hob sich die Frage 

nach Realismus und Abstraktion in einer Diskussion 

um neue, konzeptionelle Strukturen 

der Kunst auf. Das klassische Tafelbild 

wurde generell in Frage gestellt. Ebersbach 

hatte dieses bereits einer ästhetischen 

Erweiterung in die dritte Dimension unterzogen. 

In der Malerei chiffrierte Ebersbach 

seine Bildthemen mit Motiven der christlichen 

und antiken Mythologie, die er zu einer 

privatmythologischen Ikonografie 

umdeutete. 

Einzelausstellungen 

Hartwig Ebersbach – Malerei. Lindenau- 

Museum, Altenburg, 1982, Kat. √>l Hartwig 

Ebersbach. Gemälde. Installationen. Plastiken. 

Museum der bildenden Künste 

Leipzig, 1996, Kat. √>l Hartwig Ebersbach. 

Lindenau-Museum, Altenburg, Städtisches 

Museum Zwickau, 2001, Museum 

der Stadt Ratingen, 2002, Kat. √>l Hartwig 

Ebersbach. Kunstmuseum Kloster Unser 

Lieben Frauen, Magdeburg, 2002, Kat. 

√>l Hartwig Ebersbach. ABSOLUT KASPAR. 

Städtisches Kunstmuseum Spendhaus, 

Reutlingen, 2006, Kat. 

Ausstellungsbeteiligungen 

7. Kunstausstellung des VBKD, Bezirk 

Leipzig. Leipzig, 1965, Kat. √>l Peintre et Gravure 

en Republique Democratique Allemande. 

Musée d’Art Moderne de la Ville Paris 

(F), 1981, Kat. √>l Zeitvergleich. Malerei 

und Grafik aus der DDR. Hamburger Kunstverein, 

Württembergischer Kunstverein 

Stuttgart, Städtische Kunsthalle Düsseldorf, 

Lenbachhaus München, Städtische Kunsthalle 

Nürnberg, Kunstverein Hannover, 

1982 /1983, Kat. √>l Tradition and Renewal. 

Museum of Modern Art Oxford (GB), Herbert 

Art Gallery, Coventry (GB), The Hatton 

Art Gallery, Newcastle (GB), The Barbican 

Gallery, London (GB), 1983, Kat. √>l 

X. Kunstausstellung der DDR. Dresden, 

1987/1988, Kat. √>l Zeitzeichen. Malerei und 

Grafik aus der DDR. Seibu Kunstmuseum 

Tokio (J), Kunstmuseum Nagano (J), Präfektur 

Kumamoto (J), Kunstmuseum Hakodate 

(J), Museum der Modernen Kunst Kamakura 

(J), Hyogo-Präfekturmuseum Kobe (J), 

1990, Kat. √>l Zone D – Innenraum. GfZK, 

Leipzig, 1991, Kat. √>l Kunst in der DDR. 

Neue Nationalgalerie, Berlin, 2003, Kunstund 

Ausstellungshalle der BRD, 

Bonn, 2004, Kat. 

Literatur 

Gierig, Timm: Hartwig Ebersbach. Malerei. 

Frankfurt a. M., 1986 √>l Guratzsch, Herwig 

(Hg.): Hartwig Ebersbach. Gemälde, 

Installation, Plastiken. Ostfildern-Ruit, 1996 √>l 

Bielefelder Kunstverein (Hg.): Hartwig 

Ebersbach. HARUSPEX. Der Eingeweide 

Schauer. Bielefeld, 2001, Kat. 

001 

Hartwig Ebersbachs Zusammenarbeit mit 

dem Komponisten Friedrich Schenker 

begann 1978. Schenker lud Ebersbach zu 

einem gemeinsamen Projekt ein. 1979 

komponierte Schenker im Auftrag der Leipziger 

Gruppe Neue Musik Hans Eisler 

die Musik zu einem szenischen Stück, dem 

Kammerspiel II – missa nigra. Ebersbach - 

gestaltete die Bühnenentwürfe, Kostüme, 

Masken und beteiligte sich aktiv an den Aufführungen. 

Die Mediencollage deutete die 

Form der Schwarzen Messe zum politischen 

Protest um. Anlass war der geplante Bau 

der Neutronenbombe. Ebersbach bezeichnete 

diese Fragmentfahnen als >Spurensicherung 

in der Form einer Collagel 

Kunst in der Akademie – Grafiken und frühe 

Blätter zu Heiner Müller und Günter Grass. 

Akademie der Wissenschaften und der Literatur, 

Mainz, 1997 √>l Geschichtsbilder. 

Memorial. Gedenkstätte des Landes Rheinland-Pfalz 

im ehemaligen KZ Osthofen, 1999 

√>l Hubertus Giebe. Retrospektive. Landesmuseum 

für Kunst und Kulturgeschichte Oldenburg, 

2003 √>l Hubertus Giebe. Günter- 

Grass-Haus, Lübeck, 2005 


Europäische Triennale der Radierkunst. 

Dresden / Grado (I), 1981 √>l V. Triennale India. 

Lalit Kala Akademi, Neu Dehli (IND), 1982 

√>l Tradition and Renewal. Museum of 

Modern Art Oxford (GB), Herbert Art Gallery 

Coventry (GB), The Hatton Art Gallery, Newcastle 

(GB), The Barbican Gallery, London 

(GB),1983, Kat. √>l Durchblick II. Sammlung 

Ludwig, Oberhausen, 1986 √>l Arte Contemporaneo 

de la R. D. A. Madrid (E), 1988 √>l 

Chicago International Art Exhibition. Chicago 

(USA), 1990 √>l 44. Biennale di Venezia, 

Venedig (I), 1990, Kat. √>l Von der Teilung 

bis zur Wiedervereinigung – 40 Jahre Kunst 

in Deutschland aus der Sammlung Ludwig. 

Musée National d’Histoire et d’Art Luxembourg 

(L), 1992 √>l Kunst in der DDR. 


Ausstellungshalle der BRD, Bonn, 

2004, Kat. 

Literatur 

Galerie Schmidt-Rottluff (Hg.): Hubertus 

Giebe, Johannes Heisig, Walter Libuda. Karl- 

Marx-Stadt / Chemnitz, 1984, Kat. √>l 

Grosse, Alexandra / Rossner, Bernd: Die 

Hochschule für Bildende Künste Dresden. 

Malerei, Grafik, Plastik von Professoren, 

Dozenten und Assistenten. Stuttgart, 1990, 

Kat. √>l Giebe, Hubertus (Hg.): Handzeichnungen 

1973 – 1993. Dresden, 1993, 

Kat. √>l Weise, Bernd (Hg.): Hubertus 

Giebe. Malerei 1974 –1997. Mainz, 1998, Kat. 

√>l Makarinus, Jörg: Hubertus Giebe. 

Dresden, 2003, Kat. 

www.giebe.info 

002 

Die Gesamtkomposition von Requiem 

entwickelt sich aus der Kreuzform. Ins Zentrum 

setzte Giebe einen Zwerg im Anzug mit 

einem übergroßen Christuskopf. Er spielt hier 

auf das Motiv des Ecce homo an. Flankiert 

wird Christus von einem weiblichen Akt rechts 

und einem grinsenden Totenkopf links, die 

als Verkörperungen von Wollust und Tod lesbar 

sind. In seiner beängstigend anmutenden 

Dichte, starken Farbigkeit und dem ungewöhnlichen 

Umgang mit einem christlichen 

Bildthema erinnert das Werk an James Ensors 

Gemälde Christi Einzug in Brüssel. Die 

einzelnen Figuren lassen Bezüge zu Grass zu, 

insbesondere mit der Hauptfigur Oskar 

Matzerath in Die Blechtrommel. Dort gibt 

es den Motivkreis des Oskars als alternativen 

Jesus. Giebe liest mit Requiem eine 

Totenmesse für einen Jesus, dessen Bild 

als Erlöser ihm fragwürdig scheint. Sein 

Christus ist nicht schön in seinem Leid, sondern 

ein missgestalteter Jedermann, dem 

eine Maskerade gequälter Menschen folgt, 

einer, der es einem nicht leicht macht, 

an ihn zu glauben. 

UA 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Requiem 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1982 

Öl auf Leinwand 

97 ≈ 114,5 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Schenkung an den Förderkreis 

vom Zentrum für Kunstausstellungen 

der DDR 

13. 12. 1990 

Friedrich B. Henkel 

Zella / Rhön 1936, lebt in Berlin 

Friedrich B. Henkel durchlief von 1950 bis 

1952 eine Holzbildhauerlehre, studierte von 

1953 bis 1956 an der Fachschule für angewandte 

Kunst Leipzig und von 1956 bis 1958 

an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee 

bei Theo Balden und Waldemar Grzimek. 

Bei letzterem war er bis 1959 Mitarbeiter. Von 

1960 bis 1965 arbeitete Henkel als Architekt 

im Spielfilmstudio der DEFA in Potsdam- 

Babelsberg. Von 1966 bis 1969 war er Meisterschüler 

bei Fritz Cremer und bis 1970 

Assistent an der Kunsthochschule in Berlin- 

Weißensee. Seitdem ist er freischaffend 

in Berlin und Biesenthal bei Bernau tätig, von 

1978 bis 1979 mit einem Lehrauftrag an 

der Kunsthochschule in Berlin-Weißensee. 

1976 erhielt er den Kunstpreis der DDR. 

Bei Friedrich B. Henkel sind Menschen, 

Gruppen und Landschaften oft auf sparsame, 

geschlossene Volumen reduziert. Trotz starker 

Abstrahierungen immer gegenständlich 

bleibend, wirken seine Figurationen zurückgenommen 

und auf die Intimität und 

Konzentration intensiver persönlicher Rezeption 

gerichtet. Neben Zeichnungen, Radierungen 

und Materialcollagen arbeitet er vor 

allem mit Bronzeplastiken. Gebäude, Bäume 

und andere Landschaftselemente sowie 

Relikte menschlicher kultureller Äußerungen 

und Personen ordnen sich streng und Stillleben 

ähnlich in Reliefs ein. Henkel verarbeitet 

Eindrücke italienischer, georgischer und 

rumänischer Landschaften. Wichtig sind 

die Antike und ihre Rezeption in der deutschen 

Aufklärung bzw. Klassik und künstlerische 

Traditionen abseits der offiziellen Kulturpolitik 

der DDR, die Klassische Moderne und besonders 

Giorgio de Chirico. 


Friedrich B. Henkel. Plastik und Graphik aus 

den Jahren 1956 –1980. Winckelmann- 

Gesellschaft Stendal, 1983 √>l Friedrich B. 

Henkel. Italienische Reise. Reiseskizzen, 

Zeichnungen, Collagen, Skulpturen, Reliefs, 

Skizzen und Entwürfe zur Winckelmann- 

Ehrung. Winckelmann-Museum Stendal,1989 


VIII. Kunstausstellung der DDR. Dresden, 

1977/1978, Kat. √>l IX. Kunstausstellung der 

DDR. Dresden, 1982 /1983, Kat. √>l X. Kunstausstellung 

der DDR. Dresden, 1987/1988, 

Kat. √>l Zone D – Innenraum. Förderkreis der 

GfZK, Leipzig, 1991, Kat. √>l Die Sammlung 

als Labor XII. GfZK, Leipzig, 2003 

Literatur 

Schumann, Henry: Ateliergespräche. Leipzig, 

1976 √>l Lang, Lothar: Malerei und Graphik 

in der DDR. Leipzig, 1978 / Malerei und Graphik

001 √>l 002 √>l 

Hartwig Ebersbach √>l Hubertus Giebe √>l Friedrich B. Henkel √>l 

Hartwig Ebersbach 

Zwickau 1940, lebt in Leipzig 

Hartwig Ebersbach studierte von 1961 bis 

1964 an der Hochschule für Grafik und 

Buchkunst Leipzig bei Bernhard Heisig in der 

neu eröffneten Fachklasse für Malerei. 

Zwischen 1965 und 1979 war er nebenbei 

als Messe- und Ausstellungsgestalter 

tätig. Ebersbach nahm 1979 das Angebot zur 

Gründung einer Experimentalklasse an 


Leipzig an. Von 1981 bis 1983 gehörte 

Ebersbach zur experimentellen Gruppe 37,2, 

die Erfahrungen mit psychodramatischen 

Praktiken machte und Kunst als unmittelbare 

Produktivkraft zu definieren versuchte. 

Da sein experimenteller Unterricht an der 

HGB nicht weiterbestehen konnte, kündigte 

er 1983 seine Lehrtätigkeit. 2005 und 

2006 reiste er nach China und verarbeitete 

seine Eindrücke in großformatigen Gemälden. 

Ebersbach ist Gründungsmitglied 

der Freien Akademie der Künste zu Leipzig, 

der Sächsischen Akademie der Künste 

Dresden und der Akademie der Künste Berlin- 

Brandenburg. 

In den 1970er Jahren entwickelte Hartwig 

Ebersbach eine Tendenz zur genreübergreifenden 

Aktionskunst und zum gestalteten 

Raum als Medium. Seit 1974 erweiterte 

er seine Bildkompositionen zu Bildobjekten. 

Die Experimentalklasse der HGB unter 

seiner Leitung wurde zum Labor neuer produktions- 

und rezeptionsästhetischer Ideen; 

bildende KünstlerInnen arbeiteten mit 

MusikerInnen und KomponistInnen zusammen. 

Im Zuge dessen hob sich die Frage 

nach Realismus und Abstraktion in einer Diskussion 

um neue, konzeptionelle Strukturen 

der Kunst auf. Das klassische Tafelbild 

wurde generell in Frage gestellt. Ebersbach 

hatte dieses bereits einer ästhetischen 

Erweiterung in die dritte Dimension unterzogen. 

In der Malerei chiffrierte Ebersbach 

seine Bildthemen mit Motiven der christlichen 

und antiken Mythologie, die er zu einer 

privatmythologischen Ikonografie 

umdeutete. 


Hartwig Ebersbach – Malerei. Lindenau- 

Museum, Altenburg, 1982, Kat. √>l Hartwig 

Ebersbach. Gemälde. Installationen. Plastiken. 

Museum der bildenden Künste 

Leipzig, 1996, Kat. √>l Hartwig Ebersbach. 

Lindenau-Museum, Altenburg, Städtisches 

Museum Zwickau, 2001, Museum 

der Stadt Ratingen, 2002, Kat. √>l Hartwig 

Ebersbach. Kunstmuseum Kloster Unser 

Lieben Frauen, Magdeburg, 2002, Kat. 

√>l Hartwig Ebersbach. ABSOLUT KASPAR. 

Städtisches Kunstmuseum Spendhaus, 

Reutlingen, 2006, Kat. 


7. Kunstausstellung des VBKD, Bezirk 

Leipzig. Leipzig, 1965, Kat. √>l Peintre et Gravure 

en Republique Democratique Allemande. 

Musée d’Art Moderne de la Ville Paris 

(F), 1981, Kat. √>l Zeitvergleich. Malerei 

und Grafik aus der DDR. Hamburger Kunstverein, 

Württembergischer Kunstverein 

Stuttgart, Städtische Kunsthalle Düsseldorf, 

Lenbachhaus München, Städtische Kunsthalle 

Nürnberg, Kunstverein Hannover, 

1982 /1983, Kat. √>l Tradition and Renewal. 

Museum of Modern Art Oxford (GB), Herbert 

Art Gallery, Coventry (GB), The Hatton 

Art Gallery, Newcastle (GB), The Barbican 


X. Kunstausstellung der DDR. Dresden, 

1987/1988, Kat. √>l Zeitzeichen. Malerei und 

Grafik aus der DDR. Seibu Kunstmuseum 

Tokio (J), Kunstmuseum Nagano (J), Präfektur 

Kumamoto (J), Kunstmuseum Hakodate 

(J), Museum der Modernen Kunst Kamakura 

(J), Hyogo-Präfekturmuseum Kobe (J), 

1990, Kat. √>l Zone D – Innenraum. GfZK, 

Leipzig, 1991, Kat. √>l Kunst in der DDR. 


Ausstellungshalle der BRD, 

Bonn, 2004, Kat. 

Literatur 

Gierig, Timm: Hartwig Ebersbach. Malerei. 

Frankfurt a. M., 1986 √>l Guratzsch, Herwig 

(Hg.): Hartwig Ebersbach. Gemälde, 

Installation, Plastiken. Ostfildern-Ruit, 1996 √>l 

Bielefelder Kunstverein (Hg.): Hartwig 

Ebersbach. HARUSPEX. Der Eingeweide 

Schauer. Bielefeld, 2001, Kat. 

001 

Hartwig Ebersbachs Zusammenarbeit mit 

dem Komponisten Friedrich Schenker 

begann 1978. Schenker lud Ebersbach zu 

einem gemeinsamen Projekt ein. 1979 

komponierte Schenker im Auftrag der Leipziger 

Gruppe Neue Musik Hans Eisler 

die Musik zu einem szenischen Stück, dem 

Kammerspiel II – missa nigra. Ebersbach - 

gestaltete die Bühnenentwürfe, Kostüme, 

Masken und beteiligte sich aktiv an den Aufführungen. 

Die Mediencollage deutete die 

Form der Schwarzen Messe zum politischen 

Protest um. Anlass war der geplante Bau 

der Neutronenbombe. Ebersbach bezeichnete 

diese Fragmentfahnen als >Spurensicherung 

in der Form einer Collagel 

Kunst in der Akademie – Grafiken und frühe 

Blätter zu Heiner Müller und Günter Grass. 

Akademie der Wissenschaften und der Literatur, 

Mainz, 1997 √>l Geschichtsbilder. 

Memorial. Gedenkstätte des Landes Rheinland-Pfalz 

im ehemaligen KZ Osthofen, 1999 

√>l Hubertus Giebe. Retrospektive. Landesmuseum 

für Kunst und Kulturgeschichte Oldenburg, 

2003 √>l Hubertus Giebe. Günter- 

Grass-Haus, Lübeck, 2005 


Europäische Triennale der Radierkunst. 

Dresden / Grado (I), 1981 √>l V. Triennale India. 

Lalit Kala Akademi, Neu Dehli (IND), 1982 

√>l Tradition and Renewal. Museum of 

Modern Art Oxford (GB), Herbert Art Gallery 

Coventry (GB), The Hatton Art Gallery, Newcastle 

(GB), The Barbican Gallery, London 

(GB),1983, Kat. √>l Durchblick II. Sammlung 

Ludwig, Oberhausen, 1986 √>l Arte Contemporaneo 

de la R. D. A. Madrid (E), 1988 √>l 

Chicago International Art Exhibition. Chicago 

(USA), 1990 √>l 44. Biennale di Venezia, 

Venedig (I), 1990, Kat. √>l Von der Teilung 

bis zur Wiedervereinigung – 40 Jahre Kunst 

in Deutschland aus der Sammlung Ludwig. 

Musée National d’Histoire et d’Art Luxembourg 

(L), 1992 √>l Kunst in der DDR. 


Ausstellungshalle der BRD, Bonn, 

2004, Kat. 

Literatur 

Galerie Schmidt-Rottluff (Hg.): Hubertus 

Giebe, Johannes Heisig, Walter Libuda. Karl- 


Grosse, Alexandra / Rossner, Bernd: Die 

Hochschule für Bildende Künste Dresden. 

Malerei, Grafik, Plastik von Professoren, 

Dozenten und Assistenten. Stuttgart, 1990, 

Kat. √>l Giebe, Hubertus (Hg.): Handzeichnungen 

1973 – 1993. Dresden, 1993, 

Kat. √>l Weise, Bernd (Hg.): Hubertus 

Giebe. Malerei 1974 –1997. Mainz, 1998, Kat. 

√>l Makarinus, Jörg: Hubertus Giebe. 

Dresden, 2003, Kat. 

www.giebe.info 

002 

Die Gesamtkomposition von Requiem 

entwickelt sich aus der Kreuzform. Ins Zentrum 

setzte Giebe einen Zwerg im Anzug mit 

einem übergroßen Christuskopf. Er spielt hier 

auf das Motiv des Ecce homo an. Flankiert 

wird Christus von einem weiblichen Akt rechts 

und einem grinsenden Totenkopf links, die 

als Verkörperungen von Wollust und Tod lesbar 

sind. In seiner beängstigend anmutenden 

Dichte, starken Farbigkeit und dem ungewöhnlichen 

Umgang mit einem christlichen 

Bildthema erinnert das Werk an James Ensors 

Gemälde Christi Einzug in Brüssel. Die 

einzelnen Figuren lassen Bezüge zu Grass zu, 

insbesondere mit der Hauptfigur Oskar 

Matzerath in Die Blechtrommel. Dort gibt 

es den Motivkreis des Oskars als alternativen 

Jesus. Giebe liest mit Requiem eine 

Totenmesse für einen Jesus, dessen Bild 

als Erlöser ihm fragwürdig scheint. Sein 

Christus ist nicht schön in seinem Leid, sondern 

ein missgestalteter Jedermann, dem 

eine Maskerade gequälter Menschen folgt, 

einer, der es einem nicht leicht macht, 

an ihn zu glauben. 

UA 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Requiem 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1982 


97 ≈ 114,5 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


vom Zentrum für Kunstausstellungen 

der DDR 

13. 12. 1990 

Friedrich B. Henkel 

Zella / Rhön 1936, lebt in Berlin 

Friedrich B. Henkel durchlief von 1950 bis 

1952 eine Holzbildhauerlehre, studierte von 

1953 bis 1956 an der Fachschule für angewandte 

Kunst Leipzig und von 1956 bis 1958 

an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee 

bei Theo Balden und Waldemar Grzimek. 

Bei letzterem war er bis 1959 Mitarbeiter. Von 

1960 bis 1965 arbeitete Henkel als Architekt 

im Spielfilmstudio der DEFA in Potsdam- 

Babelsberg. Von 1966 bis 1969 war er Meisterschüler 

bei Fritz Cremer und bis 1970 

Assistent an der Kunsthochschule in Berlin- 

Weißensee. Seitdem ist er freischaffend 

in Berlin und Biesenthal bei Bernau tätig, von 

1978 bis 1979 mit einem Lehrauftrag an 

der Kunsthochschule in Berlin-Weißensee. 

1976 erhielt er den Kunstpreis der DDR. 

Bei Friedrich B. Henkel sind Menschen, 

Gruppen und Landschaften oft auf sparsame, 

geschlossene Volumen reduziert. Trotz starker 

Abstrahierungen immer gegenständlich 

bleibend, wirken seine Figurationen zurückgenommen 

und auf die Intimität und 

Konzentration intensiver persönlicher Rezeption 

gerichtet. Neben Zeichnungen, Radierungen 

und Materialcollagen arbeitet er vor 

allem mit Bronzeplastiken. Gebäude, Bäume 

und andere Landschaftselemente sowie 

Relikte menschlicher kultureller Äußerungen 

und Personen ordnen sich streng und Stillleben 

ähnlich in Reliefs ein. Henkel verarbeitet 

Eindrücke italienischer, georgischer und 

rumänischer Landschaften. Wichtig sind 

die Antike und ihre Rezeption in der deutschen 

Aufklärung bzw. Klassik und künstlerische 

Traditionen abseits der offiziellen Kulturpolitik 

der DDR, die Klassische Moderne und besonders 

Giorgio de Chirico. 


Friedrich B. Henkel. Plastik und Graphik aus 

den Jahren 1956 –1980. Winckelmann- 

Gesellschaft Stendal, 1983 √>l Friedrich B. 

Henkel. Italienische Reise. Reiseskizzen, 

Zeichnungen, Collagen, Skulpturen, Reliefs, 

Skizzen und Entwürfe zur Winckelmann- 

Ehrung. Winckelmann-Museum Stendal,1989 



1977/1978, Kat. √>l IX. Kunstausstellung der 

DDR. Dresden, 1982 /1983, Kat. √>l X. Kunstausstellung 

der DDR. Dresden, 1987/1988, 

Kat. √>l Zone D – Innenraum. Förderkreis der 

GfZK, Leipzig, 1991, Kat. √>l Die Sammlung 

als Labor XII. GfZK, Leipzig, 2003 

Literatur 

Schumann, Henry: Ateliergespräche. Leipzig, 

1976 √>l Lang, Lothar: Malerei und Graphik 

in der DDR. Leipzig, 1978 / Malerei und Graphik

003 √>l 004 √>l 005 √>l 

in Ostdeutschland. Leipzig, 2002 √>l Kuhirt, 

Ullrich (Hg.): Kunst der DDR 1960 –1980. 

Leipzig, 1983 √>l Kunze, Max (Hg.): Friedrich 

B. Henkel. Plastik und Graphik aus den 

Jahren 1956 –1980. Werkverzeichnis 1956 – 

1980. Künstlerpodium der Winckelmann- 

Gesellschaft, Bd. 3, Stendal, 1983 √>l Achse 

Nord. Henkel, Kempfer, Wilke. Galerie van 

Alom, Berlin, 1992 /1993, Kat. √>l Guratzsch, 

Herwig (Hg.): Museum der bildenden 

Künste Leipzig, Katalog der Bildwerke. 

LETTER Stiftung, Köln, 1999 

003 

Sieben verschieden große menschliche 

Figuren stehen in unterschiedlichem 

Abstand auf einem schmalen Grat nebeneinander. 

Altersstufen, Geschlechter und 

Beziehungsgeflechte dieser Gestalten sind 

mit Zu- und Abwendungen angedeutet. 

Die Menschen sind nicht – wie oft sonst bei 

Henkel – vor und in einen landschaftlichen 

Hintergrund eingebettet. Sie bleiben auf sich 

allein gestellt, vereinzelt im Schwebezustand 

zwischen Relief und frei stehender 

Skulptur. Die harmonisch rhythmisierte Anordnung 

schwingt an- und absteigend in einem 

leichten Bogen aus, akzentuiert durch 

die vierte, kindlich anmutende Figur, und kulminierend 

in der fünften. Das Werk weicht 

dadurch von den für Henkel sonst typischen 

Reliefbronzen ab. 

HS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Begegnung 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1975 

Skulptur 

Bronze 

34 ≈ 41 ≈ 6 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Schenkung an den Förderkreis vom 

Zentrum für Kunstausstellungen der DDR 

13. 12. 1990 

Werner Stötzer 

Sonneberg / Thüringen 1931, 

lebt in Berlin, in Alt-Langsow / Oderbruch 

und in Vilmnitz / Rügen 

Von 1946 bis 1948 absolvierte Werner 

Stötzer eine Lehre als Keramikmodelleur in 

Sonneberg. Von 1949 bis 1951 studierte er 

bei Martin Domke, Hans van Breek und 

Siegfried Tschiersky an der Hochschule für 

Baukunst und bildende Künste in Weimar 

und von 1951 bis 1953 an der Hochschule 

für bildende Künste Dresden bei Eugen 

Hoffmann und Walter Arnold. Von 1954 bis 

1958 war Stötzer Meisterschüler von Gustav 

Seitz in Berlin (Ost). Seit 1958 ist er vorwiegend 

in Berlin freischaffend tätig und seit 

1978 in Vilmnitz / Rügen sowie seit 1980 in Alt- 

Langsow / Oderbruch. 1977 erhielt er den 

Nationalpreis der DDR, wurde 1978 Mitglied 

der Akademie der Künste der DDR und 

1987 Professor an der Akademie der 

Künste der DDR in Berlin (Ost). Von 1990 

bis 1992 war Stötzer Vizepräsident der 

Akademie. 

Stötzer arbeitet neben Bronze bevorzugt 

mit Stein. Stets bleibt er gegenständlich-figürlich 

mit Tendenzen zur Abstraktion. Seine 

wuchtig und kraftvoll, zugleich sensitiv und 

empfindsam gestalteten Plastiken tragen 

die Spuren des Entstehungsprozesses. 

Der Mensch steht immer im Mittelpunkt seines 

Werkes, der nackte weibliche wie der 

männliche Körper als lustvolle, sinnliche 

und verletzliche, angreifbare Wesen. 

Dem liegt das Ideal einer allgemeinen Humanität 

zu Grunde, die nicht beliebig zur 

Disposition steht. Die Figuren sind nie ganz 

fassbar und verschließen sich der völligen 

Annäherung. Stötzer interessiert sich für 

Aspekte wie Kampf und Ruhe, Behauptung 

und Verletzung, Unterdrückung und Befreiung, 

Ausbruch und Aufbruch. In der 

Reflexion sozialer und politischer Zusammenhänge 

sind ihm utopische Momente 

wichtig. Auch seine Zeichnungen mit ihren 

feinen, sensiblen Strichführungen berühren 

diese Themen. 


Werner Stötzer. Plastik und Zeichnung. 

Nationalgalerie / Altes Museum, Berlin (Ost), 

Staatliche Galerie Moritzburg, Halle / Saale, 

1977 √>l Werner Stötzer. Skulptur und 

Zeichnungen. Akademie der Künste Berlin, 

Rheinisches Landesmuseum Bonn, 

Städtische Museen Heilbronn, Kunstmuseum 

Kloster Unser Lieben Frauen 

Magdeburg, Kunsthalle Rostock, 1991/1992, 

Kat. √>l Werner Stötzer. Skulpturen und 

Zeichnungen 1989 –1998. Galerie Schwind, 

Frankfurt a. M., 1998 



1977/1978, Kat. √>l X. Kunstausstellung der 

DDR. Dresden, 1987/1988, Kat. √>l Zone D 

– Innenraum. Förderkreis der GfZK, Leipzig, 

1991, Kat. √>l Die Sammlung als Labor XII. 

GfZK, Leipzig, 2003 

Literatur 

Künstler der DDR. Dresden, 1981 √>l 

Guratzsch, Herwig (Hg.): Museum der bildenden 

Künste Leipzig. Katalog der Bildwerke. 

LETTER Stiftung, Köln, 1999 √>l Kunstmuseum 

Kloster Unser Lieben Frauen Magdeburg 

/ Kunsthaus Apolda Avantgarde (Hg.): 

Sylvia Hagen und Werner Stötzer. Skulptur 

Zeichnung. Berlin, 2002, Kat. 

004 

Die Skulptur Sitzender Akt mit aufgestütztem 

Arm ist repräsentativ für Stötzers Formensprache. 

Der Torso ist ein flaches, beinahe 

reliefartiges Steinelement. Ein weiblicher 

Körper scheint in den rohen Marmor gedrückt 

zu sein, sich aber gleichzeitig aus ihm 

heraus zu stemmen. Momente der Gewalt 

werden hervorgerufen, aber durch die 

geringe Größe des Torsos gebändigt. Stötzer 

modifiziert immer wieder das Motiv des 

weiblichen Torsos. Ein Ideal des ganzheitlichen 

Menschenbildes bestätigt er 

indes nicht. 

HS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Sitzender Akt mit aufgestütztem Arm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1972 

Skulptur 

Marmor mit Metallsockel 

45 ≈ 31 ≈ 8,2 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 



13. 12. 1990 

Ian Hamilton Finlay 

Nassau (BS) 1925 

— Little Sparta, Stonypath (GB) 2006 

Seit Ende des Zweiten Weltkrieges schrieb 

Ian Hamilton Finlay Kurzgeschichten und 

Gedichte. 1950 publizierte er erstmals 

und besuchte die Glasgow School of Art (GB). 

1961 gründete Finlay mit Jessie McGuffie 

die Wild Hawthorn Press, in der Texte 

von SchriftstellerInnen und bildenden KünstlerInnen 

erschienen. 1962 rief er die Zeitung 

Poor.Old.Tired Horse. ins Leben. 1963 veröffentlichte 

Finlay mit Rapel erstmals 

seine konkrete Poesie. Le Circus 1964, einem 

ersten Poster-Poem, folgten Gedichte, die 

oft in Glasplatten gefräst waren und nur aus 

einem Wort bestanden. Er erhielt 1987 ein 

Ehrendoktorat der University of Aberdeen (GB), 

1993 eines der University of Edinburgh (GB) 

und 1999 eine Ehrenprofessur der University 

of Dundee (GB). In den 1960er Jahren richtete 

sich sein Interesse zunehmend auf 

die Erweiterung des Raumes um das Gedicht: 

So genannte One-Word-Poems schrieb er 

auf Steine, die er wie Bildunterschriften und 

Kommentare in die Landschaft fügte. 

Für den Bildhauer, Grafiker, Schriftsteller, 

Konzeptkünstler und Landschaftsgestalter 

Finlay waren die Mythen und Legenden 

der Antike und die Französische Revolution 

wichtige Bezugspunkte. Finlay sah sich als 

Aufklärer, für den die bildende Kunst 

Werner Stötzer √>l Ian Hamilton Finlay √>l Thomas Florschuetz √>l 

Philosophie mit visuellen Mitteln war. 

Seine Werke sind voll Pathos, Gegenüberstellungen, 

Wortspielen, mehrdeutigem 

Symbolismus und bildlichen Metaphern. 

Kontroverse Diskussionen lösten die Arbeiten 

aus, mit denen Finlay den Neoklassizismus 

der 1930er und 1940er Jahre rehabilitieren 

wollte, nationalsozialistische 

Symbole verwendete und in neue, entpolitisierte 

Bedeutungszusammenhänge 

zu setzen versuchte. Das Gesamtkunstwerk 

Little Sparta ist eine Mischung aus Pavillons, 

Denkmälern und Obelisken mit mythologischen, 

historischen und politischen Bezügen. 

Er arrangierte dort ab 1967 die Natur 

in der Tradition des englischen Landschaftsgartens. 

Dort sind über 275 Werke Finlays 

zu sehen. Der Garten versinnbildlicht seine 

Forderung nach einer politischen Ästhetik. 

Er platzierte dort Wortbilder aus Zitaten, 

Monogrammen, Emblemen, historischen 

Namen und Aphorismen weitläufig und 

monumental. 


Ian Hamilton Finlay. Retrospektive. 

Scottish National Gallery of Modern Art, 

Edinburgh (GB), 1972 √>l Ian Hamilton Finlay. 

Hayward Gallery, London (GB), 1983 √>l 

Ian Hamilton Finlay. ACE Gallery, New York 

(USA), 1998 √>l Ian Hamilton Finlay. 

Victoria Miro, London (GB), 1998 √>l Ian 

Hamilton Finlay. Galerie Hubert Winter, 

Wien (A), 2000 √>l Ian Hamilton Finlay. 

Pump House Gallery, London (GB), 2000 

√>l Ian Hamilton Finlay. Galerie Stampa, 

Basel (CH), 2000 √>l Ian Hamilton Finlay. 

Maritime Works. Tate St. Ives, Cornwall 

(GB), 2002 


Internationale Ausstellung für Konkrete 

Poesie. Brighton Festival (GB), 1970 √>l documenta 

8. Kassel, 1987, Kat. √>l Metropolis. 

Martin-Gropius-Bau, Berlin, 1991 √>l Zone D 


1991, Kat. √>l Die Sprache der Kunst. 

Kunsthalle Wien (A), 1996 √>l [Collection 98]. 

GfZK, Leipzig, 1998 √>l Blast to Freeze. 

Kunstmuseum Wolfsburg, 2002 √>l Schönheit 

und Schrecken. Staatsgalerie Stuttgart, 

2003 √>l Art of the Garden. Tate Britain, 

London (GB), 2004 √>l Design is not Art. 

Cooper-Hewitt, National Design Museum, 

New York (USA), 2004 √>l 15 Jahre Deichtorhallen. 

Deichtorhallen, Hamburg, 2004 √>l 

Big Bang. Centre Georges Pompidou, 

Paris (F), 2005 √>l Down the Garden Path: 

Artists Gardens Since 1960. Queens 

Museum of Art, New York (USA), 2005; Tate 

Triennial. Tate Britain, London (GB), 2006 

Literatur 

Abrioux, Yves (Hg.): Ian Hamilton Finlay. 

A visual primer. Edinburgh (GB), 1985 

√>l Frankfurter Kunstverein (Hg.): Ian Hamilton 

Finlay – Ideologische Äußerungen. 

Frankfurt a. M., 1991, Kat. √>l Förderkreis der 

GfZK (Hg.): Zone D – Innenraum. Leipzig, 

1991, Kat. √>l Zdenek, Felix / Simig, Pia: 

Ian Hamilton Finlay. Works in Europe1972 – 

1995. Ostfildern-Ruit, 1995 √>l Weilacher, 

Udo: In Gärten. Profile aktueller europäischer 

Landschaftsarchitektur. Basel (CH) / Berlin / 

Boston (USA), 2005 

www.ianhamiltonfinlay.com 

005 

Die drei Steinskulpturen der GfZK, 

The Present Order: Postscript, beziehen sich 

auf die Aussage >Die gegenwärtige Ordnung 

ist die Unordnung der Zukunft< 

– >The Present Order is the Disorder of the 

Future< des französischen Revolutionärs 

Louis Antoine Leon de Saint-Just. Dessen Leitmotiv 

fand sich in Little Sparta in Stein √>l 

Marmorplatten mit Aufschriften wie 

>Ordnung< und >Unordnung< verunsichern 

dort den Gang durch das scheinbare 

Arkadien. Dreifach variierte Finlay den Satzbeginn: 

THE PRESENT ORDER, PRESENT 

THE ORDER, ORDER THE PRESENT. 

Die Steine fanden anlässlich der Eröffnung der 

GfZK 1998 im Rahmen der Ausstellung 

[Collection 98] ihren Platz auf dem Gelände 

der ehemaligen Herfurth’schen Villa. 

HS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

The Present Order: Postscript 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1991 

drei Steinobjekte mit Texten 

je etwa 30 ≈ 240 ≈ 70 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Schenkung des Künstlers an den 

Förderkreis 17. 12. 1991 

Thomas Florschuetz 

Zwickau 1957, lebt in Berlin 

Der Autodidakt Thomas Florschuetz siedelte 

1988 für das Arbeitsstipendium des Senators 

für kulturelle Angelegenheiten nach 

Berlin (West) über. 1993 arbeitete er als 

Artist in Residence bei Lightwork, Syracuse 

(USA) und hielt sich 1995 in Brasilien auf. 

1997 ließ er sich in Berlin nieder. Im Jahr 2000 

war er erneut Artist in Residence in den 

USA, in Pacific Palisades. Der Künstler bekam 

u. a. 2004 den deutschen Kritikerpreis für 

Bildende Kunst. 

Als >Blick auf den Blick< beschreibt 

der Fotograf Florschuetz seine Arbeit, die sich 

mit den Möglichkeiten der Wahrnehmung 

beschäftigt. In den schwarzweißen Fotoserien 

der frühen 1980er Jahre arrangierte er 

perspektivische oder aktionsverzerrte Fragmentaufnahmen 

seines Körpers. Die zu 

Diptycha oder Triptycha kombinierten Körperansichten 

wecken Assoziationen von 

Zerrissenheit, Gewalt und Leid. Mit seinem 

Umzug nach Berlin (West) wechselte er von 

Schwarz-Weiß- zu Farbfotografie. Der Blick 

auf die eigenen Körperdetails wurde mikroskopischer, 

die Anordnung symbolischer, 

die Werke wurden großformatiger. Zu Beginn 

der 1990er Jahre ordnete Florschuetz 

immer mehr alles Erzählerische mit der 

Reduktion seiner Bildausschnitte auf reine 

Strukturen einer abstrakten Form unter. 

Nach der Fixierung auf den eigenen Körper 

erweiterte Florschuetz seit Mitte der 

1990er Jahre sein Spektrum und erstellte 

durchkomponierte Serien unterschiedlichster 

Motive, denen jedoch Eines gemeinsam 

ist: Immer dort, wo eine Membran – 

sei sie Haut, Blütenblatt, Gardine oder Glas – 

das Leben an seiner verletzlichsten Stelle 

schützt, hält Florschuetz inne. 


Thomas Florschuetz – Fotoarbeiten. Stadtgalerie 

Saarbrücken, 1991 √>l Vanishing 

Point. Goethe-Institut, New York (USA), 1993 

√>l Anatomie eines Triptychons. Haus der 

Fotografie, Moskau (RUS), 1998 √>l Ricochet 

– Blumenstücke. Hamburger Bahnhof, 

Berlin, 2001/ 2002, Kat. √>l Sprichst Du mit 

mir? Kunstmuseum Bonn, BALTIC TheCentre 

for Contemporary Art, Gateshead (GB), Kunstsammlungen 

Chemnitz, 2004 / 2005, Kat. 


Zone D – Innenraum. Förderkreis der GfZK, 

Leipzig, 1991, Kat. √>l Leerstand. Comfortable 

Conceptions. Förderkreis der GfZK, 

Leipzig, 1994, Kat. √>l Object & Abstraction: 

Contemporary Photographs. MoMA 

The Museum of Modern Art, New York (USA), 

1997 √>l [Collection 98]. GfZK, Leipzig, 

1998 √>l Das XX. Jahrhundert. Neue Nationalgalerie, 

Berlin, 1999 √>l Wahnzimmer. 

Kunst in Deutschland. Museum der bildenden 

Künste, Leipzig, Folkwang Museum, 

Essen, 2001 √>l Von Körpern und anderen 

Dingen – Deutsche Fotografie im 20. Jahrhundert. 

Städtische Galerie Prag (CZ), 

2003, Haus der Fotografie, Moskau (RUS), 

2003 / 2004, Deutsches Historisches 

Museum, Berlin, 2004, Kat. 

Literatur 

Weiermair, Peter (Hg.): Das Porträt in der 

zeitgenössischen Photographie. Schaffhausen, 

1989 √>l Förderkreis der GfZK (Hg.): 

Zone D – Innenraum. Leipzig, 1991, Kat. √>l 

Tannert, Christoph: Fotografie zwischen 

Objektorientierung und Emotion. Zur Arbeit 

von Thomas Florschuetz. In: Renta-Preis. 

Kunsthalle Nürnberg, 1991 √>l Stepken, 

Angelika (Hg.): In Medias Res. Fotografie und 

andere Medienkunst aus Berlin.

003 √>l 004 √>l 005 √>l 

in Ostdeutschland. Leipzig, 2002 √>l Kuhirt, 

Ullrich (Hg.): Kunst der DDR 1960 –1980. 

Leipzig, 1983 √>l Kunze, Max (Hg.): Friedrich 

B. Henkel. Plastik und Graphik aus den 

Jahren 1956 –1980. Werkverzeichnis 1956 – 

1980. Künstlerpodium der Winckelmann- 

Gesellschaft, Bd. 3, Stendal, 1983 √>l Achse 

Nord. Henkel, Kempfer, Wilke. Galerie van 

Alom, Berlin, 1992 /1993, Kat. √>l Guratzsch, 

Herwig (Hg.): Museum der bildenden 

Künste Leipzig, Katalog der Bildwerke. 

LETTER Stiftung, Köln, 1999 

003 

Sieben verschieden große menschliche 

Figuren stehen in unterschiedlichem 

Abstand auf einem schmalen Grat nebeneinander. 

Altersstufen, Geschlechter und 

Beziehungsgeflechte dieser Gestalten sind 

mit Zu- und Abwendungen angedeutet. 

Die Menschen sind nicht – wie oft sonst bei 

Henkel – vor und in einen landschaftlichen 

Hintergrund eingebettet. Sie bleiben auf sich 

allein gestellt, vereinzelt im Schwebezustand 

zwischen Relief und frei stehender 

Skulptur. Die harmonisch rhythmisierte Anordnung 

schwingt an- und absteigend in einem 

leichten Bogen aus, akzentuiert durch 

die vierte, kindlich anmutende Figur, und kulminierend 

in der fünften. Das Werk weicht 

dadurch von den für Henkel sonst typischen 

Reliefbronzen ab. 

HS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Begegnung 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1975 

Skulptur 

Bronze 

34 ≈ 41 ≈ 6 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 



13. 12. 1990 

Werner Stötzer 

Sonneberg / Thüringen 1931, 

lebt in Berlin, in Alt-Langsow / Oderbruch 

und in Vilmnitz / Rügen 

Von 1946 bis 1948 absolvierte Werner 

Stötzer eine Lehre als Keramikmodelleur in 

Sonneberg. Von 1949 bis 1951 studierte er 

bei Martin Domke, Hans van Breek und 

Siegfried Tschiersky an der Hochschule für 

Baukunst und bildende Künste in Weimar 

und von 1951 bis 1953 an der Hochschule 

für bildende Künste Dresden bei Eugen 

Hoffmann und Walter Arnold. Von 1954 bis 

1958 war Stötzer Meisterschüler von Gustav 

Seitz in Berlin (Ost). Seit 1958 ist er vorwiegend 

in Berlin freischaffend tätig und seit 

1978 in Vilmnitz / Rügen sowie seit 1980 in Alt- 

Langsow / Oderbruch. 1977 erhielt er den 

Nationalpreis der DDR, wurde 1978 Mitglied 

der Akademie der Künste der DDR und 

1987 Professor an der Akademie der 

Künste der DDR in Berlin (Ost). Von 1990 

bis 1992 war Stötzer Vizepräsident der 

Akademie. 

Stötzer arbeitet neben Bronze bevorzugt 

mit Stein. Stets bleibt er gegenständlich-figürlich 

mit Tendenzen zur Abstraktion. Seine 

wuchtig und kraftvoll, zugleich sensitiv und 

empfindsam gestalteten Plastiken tragen 

die Spuren des Entstehungsprozesses. 

Der Mensch steht immer im Mittelpunkt seines 

Werkes, der nackte weibliche wie der 

männliche Körper als lustvolle, sinnliche 

und verletzliche, angreifbare Wesen. 

Dem liegt das Ideal einer allgemeinen Humanität 

zu Grunde, die nicht beliebig zur 

Disposition steht. Die Figuren sind nie ganz 

fassbar und verschließen sich der völligen 

Annäherung. Stötzer interessiert sich für 

Aspekte wie Kampf und Ruhe, Behauptung 

und Verletzung, Unterdrückung und Befreiung, 

Ausbruch und Aufbruch. In der 

Reflexion sozialer und politischer Zusammenhänge 

sind ihm utopische Momente 

wichtig. Auch seine Zeichnungen mit ihren 

feinen, sensiblen Strichführungen berühren 

diese Themen. 


Werner Stötzer. Plastik und Zeichnung. 

Nationalgalerie / Altes Museum, Berlin (Ost), 

Staatliche Galerie Moritzburg, Halle / Saale, 

1977 √>l Werner Stötzer. Skulptur und 

Zeichnungen. Akademie der Künste Berlin, 

Rheinisches Landesmuseum Bonn, 

Städtische Museen Heilbronn, Kunstmuseum 

Kloster Unser Lieben Frauen 

Magdeburg, Kunsthalle Rostock, 1991/1992, 

Kat. √>l Werner Stötzer. Skulpturen und 

Zeichnungen 1989 –1998. Galerie Schwind, 

Frankfurt a. M., 1998 



1977/1978, Kat. √>l X. Kunstausstellung der 

DDR. Dresden, 1987/1988, Kat. √>l Zone D 


1991, Kat. √>l Die Sammlung als Labor XII. 

GfZK, Leipzig, 2003 

Literatur 

Künstler der DDR. Dresden, 1981 √>l 

Guratzsch, Herwig (Hg.): Museum der bildenden 

Künste Leipzig. Katalog der Bildwerke. 

LETTER Stiftung, Köln, 1999 √>l Kunstmuseum 

Kloster Unser Lieben Frauen Magdeburg 

/ Kunsthaus Apolda Avantgarde (Hg.): 

Sylvia Hagen und Werner Stötzer. Skulptur 

Zeichnung. Berlin, 2002, Kat. 

004 

Die Skulptur Sitzender Akt mit aufgestütztem 

Arm ist repräsentativ für Stötzers Formensprache. 

Der Torso ist ein flaches, beinahe 

reliefartiges Steinelement. Ein weiblicher 

Körper scheint in den rohen Marmor gedrückt 

zu sein, sich aber gleichzeitig aus ihm 

heraus zu stemmen. Momente der Gewalt 

werden hervorgerufen, aber durch die 

geringe Größe des Torsos gebändigt. Stötzer 

modifiziert immer wieder das Motiv des 

weiblichen Torsos. Ein Ideal des ganzheitlichen 

Menschenbildes bestätigt er 

indes nicht. 

HS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Sitzender Akt mit aufgestütztem Arm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1972 

Skulptur 

Marmor mit Metallsockel 

45 ≈ 31 ≈ 8,2 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 



13. 12. 1990 

Ian Hamilton Finlay 

Nassau (BS) 1925 

— Little Sparta, Stonypath (GB) 2006 

Seit Ende des Zweiten Weltkrieges schrieb 

Ian Hamilton Finlay Kurzgeschichten und 

Gedichte. 1950 publizierte er erstmals 

und besuchte die Glasgow School of Art (GB). 

1961 gründete Finlay mit Jessie McGuffie 

die Wild Hawthorn Press, in der Texte 

von SchriftstellerInnen und bildenden KünstlerInnen 

erschienen. 1962 rief er die Zeitung 

Poor.Old.Tired Horse. ins Leben. 1963 veröffentlichte 

Finlay mit Rapel erstmals 

seine konkrete Poesie. Le Circus 1964, einem 

ersten Poster-Poem, folgten Gedichte, die 

oft in Glasplatten gefräst waren und nur aus 

einem Wort bestanden. Er erhielt 1987 ein 

Ehrendoktorat der University of Aberdeen (GB), 

1993 eines der University of Edinburgh (GB) 

und 1999 eine Ehrenprofessur der University 

of Dundee (GB). In den 1960er Jahren richtete 

sich sein Interesse zunehmend auf 

die Erweiterung des Raumes um das Gedicht: 

So genannte One-Word-Poems schrieb er 

auf Steine, die er wie Bildunterschriften und 

Kommentare in die Landschaft fügte. 

Für den Bildhauer, Grafiker, Schriftsteller, 

Konzeptkünstler und Landschaftsgestalter 

Finlay waren die Mythen und Legenden 

der Antike und die Französische Revolution 

wichtige Bezugspunkte. Finlay sah sich als 

Aufklärer, für den die bildende Kunst 

Werner Stötzer √>l Ian Hamilton Finlay √>l Thomas Florschuetz √>l 

Philosophie mit visuellen Mitteln war. 

Seine Werke sind voll Pathos, Gegenüberstellungen, 

Wortspielen, mehrdeutigem 

Symbolismus und bildlichen Metaphern. 

Kontroverse Diskussionen lösten die Arbeiten 

aus, mit denen Finlay den Neoklassizismus 

der 1930er und 1940er Jahre rehabilitieren 

wollte, nationalsozialistische 

Symbole verwendete und in neue, entpolitisierte 

Bedeutungszusammenhänge 

zu setzen versuchte. Das Gesamtkunstwerk 

Little Sparta ist eine Mischung aus Pavillons, 

Denkmälern und Obelisken mit mythologischen, 

historischen und politischen Bezügen. 

Er arrangierte dort ab 1967 die Natur 

in der Tradition des englischen Landschaftsgartens. 

Dort sind über 275 Werke Finlays 

zu sehen. Der Garten versinnbildlicht seine 

Forderung nach einer politischen Ästhetik. 

Er platzierte dort Wortbilder aus Zitaten, 

Monogrammen, Emblemen, historischen 

Namen und Aphorismen weitläufig und 

monumental. 


Ian Hamilton Finlay. Retrospektive. 

Scottish National Gallery of Modern Art, 

Edinburgh (GB), 1972 √>l Ian Hamilton Finlay. 

Hayward Gallery, London (GB), 1983 √>l 

Ian Hamilton Finlay. ACE Gallery, New York 

(USA), 1998 √>l Ian Hamilton Finlay. 

Victoria Miro, London (GB), 1998 √>l Ian 

Hamilton Finlay. Galerie Hubert Winter, 

Wien (A), 2000 √>l Ian Hamilton Finlay. 

Pump House Gallery, London (GB), 2000 

√>l Ian Hamilton Finlay. Galerie Stampa, 

Basel (CH), 2000 √>l Ian Hamilton Finlay. 

Maritime Works. Tate St. Ives, Cornwall 

(GB), 2002 


Internationale Ausstellung für Konkrete 

Poesie. Brighton Festival (GB), 1970 √>l documenta 

8. Kassel, 1987, Kat. √>l Metropolis. 

Martin-Gropius-Bau, Berlin, 1991 √>l Zone D 


1991, Kat. √>l Die Sprache der Kunst. 

Kunsthalle Wien (A), 1996 √>l [Collection 98]. 

GfZK, Leipzig, 1998 √>l Blast to Freeze. 

Kunstmuseum Wolfsburg, 2002 √>l Schönheit 

und Schrecken. Staatsgalerie Stuttgart, 

2003 √>l Art of the Garden. Tate Britain, 

London (GB), 2004 √>l Design is not Art. 

Cooper-Hewitt, National Design Museum, 

New York (USA), 2004 √>l 15 Jahre Deichtorhallen. 

Deichtorhallen, Hamburg, 2004 √>l 

Big Bang. Centre Georges Pompidou, 

Paris (F), 2005 √>l Down the Garden Path: 

Artists Gardens Since 1960. Queens 

Museum of Art, New York (USA), 2005; Tate 

Triennial. Tate Britain, London (GB), 2006 

Literatur 

Abrioux, Yves (Hg.): Ian Hamilton Finlay. 

A visual primer. Edinburgh (GB), 1985 

√>l Frankfurter Kunstverein (Hg.): Ian Hamilton 

Finlay – Ideologische Äußerungen. 

Frankfurt a. M., 1991, Kat. √>l Förderkreis der 

GfZK (Hg.): Zone D – Innenraum. Leipzig, 

1991, Kat. √>l Zdenek, Felix / Simig, Pia: 

Ian Hamilton Finlay. Works in Europe1972 – 

1995. Ostfildern-Ruit, 1995 √>l Weilacher, 

Udo: In Gärten. Profile aktueller europäischer 

Landschaftsarchitektur. Basel (CH) / Berlin / 

Boston (USA), 2005 

www.ianhamiltonfinlay.com 

005 

Die drei Steinskulpturen der GfZK, 

The Present Order: Postscript, beziehen sich 

auf die Aussage >Die gegenwärtige Ordnung 

ist die Unordnung der Zukunft< 

– >The Present Order is the Disorder of the 

Future< des französischen Revolutionärs 

Louis Antoine Leon de Saint-Just. Dessen Leitmotiv 

fand sich in Little Sparta in Stein √>l 

Marmorplatten mit Aufschriften wie 

>Ordnung< und >Unordnung< verunsichern 

dort den Gang durch das scheinbare 

Arkadien. Dreifach variierte Finlay den Satzbeginn: 

THE PRESENT ORDER, PRESENT 

THE ORDER, ORDER THE PRESENT. 

Die Steine fanden anlässlich der Eröffnung der 

GfZK 1998 im Rahmen der Ausstellung 

[Collection 98] ihren Platz auf dem Gelände 

der ehemaligen Herfurth’schen Villa. 

HS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

The Present Order: Postscript 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1991 

drei Steinobjekte mit Texten 

je etwa 30 ≈ 240 ≈ 70 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Schenkung des Künstlers an den 

Förderkreis 17. 12. 1991 

Thomas Florschuetz 

Zwickau 1957, lebt in Berlin 

Der Autodidakt Thomas Florschuetz siedelte 

1988 für das Arbeitsstipendium des Senators 

für kulturelle Angelegenheiten nach 

Berlin (West) über. 1993 arbeitete er als 

Artist in Residence bei Lightwork, Syracuse 

(USA) und hielt sich 1995 in Brasilien auf. 

1997 ließ er sich in Berlin nieder. Im Jahr 2000 

war er erneut Artist in Residence in den 

USA, in Pacific Palisades. Der Künstler bekam 

u. a. 2004 den deutschen Kritikerpreis für 

Bildende Kunst. 

Als >Blick auf den Blick< beschreibt 

der Fotograf Florschuetz seine Arbeit, die sich 

mit den Möglichkeiten der Wahrnehmung 

beschäftigt. In den schwarzweißen Fotoserien 

der frühen 1980er Jahre arrangierte er 

perspektivische oder aktionsverzerrte Fragmentaufnahmen 

seines Körpers. Die zu 

Diptycha oder Triptycha kombinierten Körperansichten 

wecken Assoziationen von 

Zerrissenheit, Gewalt und Leid. Mit seinem 

Umzug nach Berlin (West) wechselte er von 

Schwarz-Weiß- zu Farbfotografie. Der Blick 

auf die eigenen Körperdetails wurde mikroskopischer, 

die Anordnung symbolischer, 

die Werke wurden großformatiger. Zu Beginn 

der 1990er Jahre ordnete Florschuetz 

immer mehr alles Erzählerische mit der 

Reduktion seiner Bildausschnitte auf reine 

Strukturen einer abstrakten Form unter. 

Nach der Fixierung auf den eigenen Körper 

erweiterte Florschuetz seit Mitte der 

1990er Jahre sein Spektrum und erstellte 

durchkomponierte Serien unterschiedlichster 

Motive, denen jedoch Eines gemeinsam 

ist: Immer dort, wo eine Membran – 

sei sie Haut, Blütenblatt, Gardine oder Glas – 

das Leben an seiner verletzlichsten Stelle 

schützt, hält Florschuetz inne. 


Thomas Florschuetz – Fotoarbeiten. Stadtgalerie 

Saarbrücken, 1991 √>l Vanishing 

Point. Goethe-Institut, New York (USA), 1993 

√>l Anatomie eines Triptychons. Haus der 

Fotografie, Moskau (RUS), 1998 √>l Ricochet 

– Blumenstücke. Hamburger Bahnhof, 

Berlin, 2001/ 2002, Kat. √>l Sprichst Du mit 

mir? Kunstmuseum Bonn, BALTIC TheCentre 

for Contemporary Art, Gateshead (GB), Kunstsammlungen 

Chemnitz, 2004 / 2005, Kat. 


Zone D – Innenraum. Förderkreis der GfZK, 

Leipzig, 1991, Kat. √>l Leerstand. Comfortable 

Conceptions. Förderkreis der GfZK, 

Leipzig, 1994, Kat. √>l Object & Abstraction: 

Contemporary Photographs. MoMA 

The Museum of Modern Art, New York (USA), 

1997 √>l [Collection 98]. GfZK, Leipzig, 

1998 √>l Das XX. Jahrhundert. Neue Nationalgalerie, 

Berlin, 1999 √>l Wahnzimmer. 

Kunst in Deutschland. Museum der bildenden 

Künste, Leipzig, Folkwang Museum, 

Essen, 2001 √>l Von Körpern und anderen 

Dingen – Deutsche Fotografie im 20. Jahrhundert. 

Städtische Galerie Prag (CZ), 

2003, Haus der Fotografie, Moskau (RUS), 

2003 / 2004, Deutsches Historisches 

Museum, Berlin, 2004, Kat. 

Literatur 

Weiermair, Peter (Hg.): Das Porträt in der 

zeitgenössischen Photographie. Schaffhausen, 

1989 √>l Förderkreis der GfZK (Hg.): 

Zone D – Innenraum. Leipzig, 1991, Kat. √>l 

Tannert, Christoph: Fotografie zwischen 

Objektorientierung und Emotion. Zur Arbeit 

von Thomas Florschuetz. In: Renta-Preis. 

Kunsthalle Nürnberg, 1991 √>l Stepken, 

Angelika (Hg.): In Medias Res. Fotografie und 

andere Medienkunst aus Berlin.

076 √>l 077 √>l 078 √>l 

zwischenzeitlich abgebrannt und ist nun 

wieder aufgebaut. Peterman möchte 

die Welt verändern und verbessern, ist sich 

aber zugleich bewusst, dass es sich 

um >recycelte< Visionen von Utopie handelt. 

Seine Werke berühren intensiv, z. B. das 

Projekt Model Efficiency (1998), bei dem 

Peterman ein Schutzdach aus recycelten Aluminiumdosen 

für Obdachlose konstruierte. 


Dan Peterman. FRAC Poitou-Charentes, 

Angoulème (F), 1993 √>l Options 48: 

Dan Peterman: Oesulfur Cycle. Museum of 

Contemporary Art, Chicago (USA), 1994, 

Kat. √>l Accessories to an Event. Helga Maria 

Klosterfelde, Hamburg, Galerie Klosterfelde, 

Berlin, 1996 √>l Running Table and Chicago 

Ground Cover. A. Montgomery Ward 

Garden, Grant Park, Chicago (USA), 1997 √>l 

Currents 73: Dan Peterman. The Saint 

Louis Art Museum, Saint Louis (USA), 1998, 

Kat. √>l Dan Peterman. Galerie Klosterfelde, 

Berlin, Museum Abteiberg, Mönchengladbach, 

2002 √>l Plastic Economies. 

Museum of Contemporary Art, Chicago 

(USA), 2004, Kat. 


Urban Processes: Circuits and Sediments. 

Randolph Street Gallery, Chicago (USA), 

1987 √>l Chicago Compost Shelter. 

An Installation of Experimental Architecture. 

The Resource Center, Chicago (USA), 

1988 √>l Charged Spaces: Stressed Sites in 

the Body Politic. Betty Rymer Gallery, 

School of the Art Institute, Chicago (USA), 

1989, Kat. √>l Oppositionen & Schwesternfelder. 

Wiener Secession (A), Museum 

Fridericanum, Kassel, 1993 /1994, Kat. √>l 

45. Biennale di Venezia, Venedig (I), Kat. 

√>l Kontext Kunst. Steirischer Herbst, Trigon 

Œ93, Graz (A), 1993 √>l Nutopi. Rooseum 

Center for Contemporary Art, Malmö (S), 

1995, Kat. √>l minimalisms. Akademie der 

Künste, Berlin, Kunsthalle Basel (CH), 

1998, Kat. √>l ONTOM TWC . GfZK, Leipzig, 

1998, Kat. √>l dream city. Museum Villa 

Stuck, München, 1999 √>l Ecologies: Marc 

Dion, Peter Fend, Dan Peterman. The David 

and Alfred Smart Museum of Art, The University 

of Chicago (USA), 2000, Kat. √>l 

[Collection 2000]. GfZK, Leipzig, 2000 √>l 

Die Sammlung als Labor XIII. GfZK, 

Leipzig, 2003 √>l BANKETT. ZKM, Karlsruhe, 

2003 √>l Shrinking Cities 2 – Interventionen. 

GfZK, Leipzig, 2005 / 2006, Kat. √>l 

Beyond Green. Museum of Art & Design, 

New York (USA), 2006, Kat. 

Literatur 

Kunstmuseum Luzern / Kunstverein in 

Hamburg (Hg.): Backstage. Hamburg, 1993, 

Kat. √>l Scanlan, Joe: Back to Basics 

and Back Again. In: Frieze, 9 /10 /1994 √>l 

Deichtorhallen Hamburg (Hg.): Home Sweet 

Home. Hamburg, 1997, Kat. √>l Werner, 

Klaus (Hg.): ONTOM TWC . GfZK, Leipzig 1998, 

Kat. √>l Kunsthalle Basel (Hg.): Dan Peterman. 

Basel (CH), 1998, Kat. √>l Berg, Stephan 

(Hg.): Dan Peterman. 7 Deadly Sins And 

Other Stories. Hannover, 2001, Kat. √>l 

Babias, Marius / Waldvogel, Florian (Hg.): 

Arbeit Essen Angst. Essen, 2001, Kat. 

076 

Das Werk Running Table wurde zum ersten 

Mal in Chicago (USA) gezeigt; drei Segmente 

davon befinden sich in der Sammlung 

der GfZK. Im Sommer 1997 fanden die 

BesucherInnen des A. Montgomery Ward 

Garden, Grant Park in Chicago einen 

Kunststofftisch von 30 Metern Länge vor. 

An diesem konnten sie sich zur Mahlzeit 

setzen oder mit FreundInnen feiern. 

Der ganz aus recyceltem Plastik hergestellte 

Tisch mit eingebauten Sitzbänken 

ist >eine starke Evidenz vom exzessiven 

Verbrauch des Menschen< (D. P. 1997). 

10.000 Milchkännchen stellen den Ausgangsstoff 

des Tisches dar. Running 

Table lädt zu Reflexionen über die gegenwärtige 

Situation der Konsumgesellschaft 

ein. 

IK 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Running Table (Segments) 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1997 

dreiteilige Installation 

recycelter Kunststoff 

je 80,5 ≈ 167,5 ≈ 40,5 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Ankauf des Förderkreises 

01. 07. 1998 

Michael Morgner 

Chemnitz 1942, lebt in Einsiedel 

bei Chemnitz 

Michael Morgner studierte von 1961 bis 1966 

an der Hochschule für Grafik und Buchkunst 

in Leipzig und arbeitet seit 1966 als 

freischaffender Künstler. Er gehörte zu 

den MitbegründerInnen der Galerie Oben 

und der Künstlergruppe und Produzentengalerie 

Clara Mosch, die in den 1970 er Jahren 

in Karl-Marx-Stadt, heute Chemnitz, tätig 

war. Seit den 1980 er Jahren entstanden vor 

allem Grafiken, Zeichnungen, darunter 

verschiedene Bildzyklen mit den Themen 

Verfolgung und Vernichtung sowie seit 

Mitte der 1990 er Jahre plastische Arbeiten 

zum Thema Angst und Schmerz. 

Michael Morgners Arbeiten entstehen oft in 

mehreren Schichten. Gleichnishafte Figuren 

werden mit düster wirkenden Hintergründen 

kombiniert. Piktogrammartig platziert 

er die menschliche Gestalt in unbestimmte 

Räume mit Zeichen wie Balken, Kreuz 

und Dreieck. Ausgehend von Naturformen 

entwickelt Morgner Symbole und konfrontiert 

Braunschwarz mit dem Weiß der 

Binnenformen. Seine großformatigen 

Arbeiten setzt er häufig aus einzelnen Papierbögen 

zusammen, die er intensiven 

Bearbeitungen wie Lavagen, Splittings oder 

Prägungen unterzieht. Morgner zerstört 

zunächst seine Bildoberflächen und 

schließt diese dann u. a. mit Asphaltlack 

und Tusche. Dieser Vorgang hat jedoch 

nichts Versöhnliches an sich, sondern er 

schafft unauslöschliche Stigmata. Ab 

1980 findet er mit dem Sinnbild des Schreitenden 

seine Antwort auf lähmende 

Furcht. Der Schreitende markiert dennoch 

keinen grundsätzlichen Wandel in der 

vorherrschend düsteren Stimmung seiner 

Bildwelten. 


Michael Morgner. Museum der bildenden 

Künste, Leipzig, 1982, Kat. √>l Michael 

Morgner. Serielle Bilder und Grafik. Karl- 


Michael Morgner. Saarland Museum, Saarbrücken, 

1993, Kat. √>l Michael Morgner. 

Stadtmuseum, Jena, 1997, Kat. √>l Michael 

Morgner. Figur + Metapher. GfZK, Leipzig, 

2000 √>l Michael Morgner. Ausstellungszentrum 

Kroch-Haus, Universität Leipzig, 

2004 


Zone D – Innenraum. Förderkreis der GfZK 

Leipzig, 1991, Kat. √>l mit Albrecht Göschel. 

Taschenbergpalais, Dresden, 1997 √>l 

Clara Mosch 1977–1982. Werke und Dokumente. 

Lindenau-Museum, Altenburg, 

1997, Kat. √>l Souveräne Wege. 1949 –1989. 

Sechs Künstler der DDR. Städtische 

Museen Jena, Galerie Gunar Barthel, Berlin, 

Galerie Oben, Chemnitz, 1998, ZDF-Sendezentrum, 

Mainz, 2000, Kat. √>l Michael 

Morgner. Tauwetter. Neue Sächsische Galerie, 

Chemnitz, 2000, Kat. 

Literatur 

Barthel, Gunar: Michael Morgner. Berlin, 

1986, Kat. √>l Peters, Hans Albert: 

Michael Morgner. Hartmut Neumann. 

Triennale New Delhi. Düsseldorf, 1991 √>l 

Hartwig, Klaus / Thomas, Karin / Vogel, 

Carl / Werner, Klaus: Michael Morgner. Werkübersicht 

1972 –1991. Chemnitz, 1992, 

Kat. √>l Flügge, Matthias: Michael Morgner. 

Berlin, 1993, Kat. √>l Lauenburgischer 

Kunstverein (Hg.): Michael Morgner. Reliquie 

Mensch. Graphik. Büchen, 1996, Kat. √>l 

Werner, Klaus (Hg.): Michael Morgner. Figur 

+ Metapher. Werkverzeichnis der Druckgrafik. 

Leipzig, 2000 

Michael Morgner √>l Marcel Odenbach √>l Rosemarie Trockel √>l 

077 

Morgners Requiem kreist thematisch um 

das Leiden des Einzelnen. Expressiv 

führt das Bild Todeserlebnisse als düsteres 

Menetekel vor Augen. Die Bildsprache ist 

auf einfachste Formen reduziert, die seinen 

archetypischen Botschaften entsprechen. 

Für seine Symbolik nutzt Morgner häufig die 

christliche Ikonografie, z. B. die Figur des 

Ecce-Homo. Die abstrahierende Auseinandersetzung 

mit den konkreten Ereignissen 

der Geschichte und des Selbsterlebten 

verarbeitet er zu Sinnbildern elementarer 

Erfahrungen von Angst, Tod und extremem 

Ausgeliefertsein. Seine Arbeit spiegelt 

die Seelenzustände des einsamen Individuums 

in der Gesellschaft wider. 

UA 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Requiem 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1986 /1989 

Öl auf Leinwand, Tusch-Lavage auf Papier, 

Metallrahmen 

200 ≈ 200 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


vom Kulturkreis der deutschen Wirtschaft 

im BDI e. V. 26. 08. 1998 

Marcel Odenbach 

Köln 1953, lebt in Köln und Karlsruhe 

Marcel Odenbach studierte von 1974 bis 

1979 Architektur, Kunstgeschichte und 

Semiotik an der Technischen Hochschule 

in Aachen. Seit 1976 arbeitet er mit Videos 

in Performances und Installationen. Er 

hat verschiedene Professuren inne, so seit 

1992 an der Staatlichen Hochschule 

für Gestaltung in Karlsruhe, seit 1999 am 

College of Art, Komasi (GH), und seit 

2000 an der Kunsthochschule für Medien in 

Köln. 1999 war er Gastprofessor an der 

University of California in Los Angeles (USA). 

Marcel Odenbach bildete mit Ulrike Rosenbach 

und Klaus vom Bruch in den 1970 er 

Jahren die Produzentengruppe ATV. 

Odenbachs Werk steht paradigmatisch für 

eine kontinuierliche Kritik an gesellschaftlichen 

und insbesondere an den deutschen 

Verhältnissen, für die er meist literarisch 

oder sprichwörtlich klingende Titel findet. 

Vielschichtig untersuchte Zusammenhänge 

von Text und Bild prägen viele Arbeiten. 

Seit 1980 schafft Marcel Odenbach 

eigenständige Collagezeichnungen, oft in 

mehrteiligen Serien. Durch den Prozessaspekt 

wird die Zeit als Komponente eingebracht. 


Marcel Odenbach – Videoarbeiten. Museum 

Folkwang, Essen, 1981, Kat. √>l Marcel 

Odenbach – Zeichnungen 1975 –1977. 

Liechtensteinische Staatliche Kunstsammlung, 

Vaduz (FL), 1997, Kat. √>l Marcel 

Odenbach. GfZK, Leipzig, 1999 √>l Marcel 

Odenbach – Vom Kommen und vom 

Gehen – Video- und Papierarbeiten. STAMPA, 

Basel (CH), 2005 √>l Marcel Odenbach. 

In stillen Teichen lauern die Krokodile. Neue 

Nationalgalerie / Hamburger Bahnhof, 

Berlin, 2006 


1945 –1985 – Kunst aus der Bundesrepublik 

Deutschland. Neue Nationalgalerie, Berlin 

(West), 1985, Kat. √>l documenta 8. Kassel, 

1987, Kat. √>l Zeitzeichen. Museum der 

bildenden Künste, Leipzig, 1989 √>l Passage 

de l’image. Centre Georges Pompidou, 

Paris (F), 1990 √>l Metropolis. Martin- 

Gropius-Bau, Berlin, 1991 √>l Zone D – Innenraum. 

Förderkreis der GfZK, Leipzig, 

1991, Kat. √>l Deutschlandbilder – Kunst 

aus einem geteilten Land. Martin-Gropius- 

Bau, Berlin, 1997, Kat. √>l 25. Bienal 

Internacional de São Paulo. Museu de Arte 

Moderna, São Paulo (BR), 2002 √>l 

Klopfzeichen. Kunst und Kultur der 80 er 

Jahre in Deutschland. Museum der 

bildenden Künste, Leipzig, 2002, Kat. 

√>l 40jahrevideokunst.de – Die 80 er. K 21, 

Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, 

Düsseldorf, 2006, Kat. 

Literatur 

Institute of Contemporary Art Boston (Hg.): 

Marcel Odenbach – As if memories 

could deceive me. Boston (USA), 1986, Kat. 

√>l Stichting de Appel (Hg.): Marcel 

Odenbach – Keep in View. Amsterdam (NL), 

1993, Kat. √>l Museum of Modern Art 

(Hg.): Video Spaces. New York (USA), 1995, 

Kat. √>l Liechtensteinische Staatliche 

Kunstsammlung (Hg.): Marcel Odenbach. 

Zeichnungen 1975 –77. Köln, 1997, Kat. √>l 

Kölnischer Kunstverein (Hg.): Marcel 

Odenbach – Ach wie gut, daß niemand weiß. 

Köln, 1999, Kat. √>l Frankfurter Kunstverein 

(Hg.): Marcel Odenbach – Auch wenn 

der Fahrer ein anderer ist, der Lastwagen 

bleibt der Gleiche. Frankfurt a. M., 2002 

078 

Der Titel der Collagezeichnung Auf euch will 

ich meine Kirche bauen verweist auf 

den Auftrag, den Jesus Christus Petrus gibt: 

Du bist der Fels, auf dich will ich meine 

Kirche bauen. Die Blicke in drei Gebäude – 

in eine Kirche, in das Innere der New Yorker 

Freiheitsstatue und in einen Raum eines 

Atomkraftwerks – werden flankiert von Texttafeln. 

Neben dem Kraftwerk befindet 

sich die Tafel AUF EUCH WILL ICH MEINE 

KIRCHE BAUEN und neben der Statue 

WAHRNEHMEN DIE SEKUNDE ABWAR- 

TEN DIE LÜGE. In die Zeichnungen sind 

Fotokopien von Bildern eingefügt. Beispielhaft 

werden unterschiedliche Realitäten 

sowie geistige Welten, Werte und Haltungen 

aufgerufen: metaphysische, historische 

und zeitgenössische mit dem Jahr der deutschen 

Einheit 1990. Vielfach konnotierte, 

medial verbreitete Bilder werden von 

Odenbach zu einem anspielungsreichen 

visuellen Komplex überhöht. 

HS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Auf Euch will ich meine Kirche bauen 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1990 

fünfteilige Collagezeichnung 

Graphit und Farbe auf Papier 

drei Zeichnungen je 221 ≈ 111 cm 

zwei Zeichnungen je 221 ≈ 16 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Schenkung an den Förderkreis durch 

den Kulturkreis der deutschen Wirtschaft 

im BDI e. V. 26. 08. 1998 

Rosemarie Trockel 

Schwerte 1952, lebt in Köln 

Rosemarie Trockel studierte von 1974 

bis 1980 an der Werkkunstschule in Köln. 

Trockel beschäftigt sich mit Anthropologie, 

Soziologie, Theologie sowie Mathematik, 

über Zeichnungen, Gemälde, Plastiken, 

Objekte, Installationen und Videos. Im 

Zentrum ihrer Interessen steht die Arbeit 

von Künstlerinnen und vermeintlich 

weibliche Stilmittel und Materialien. Das 

Erforschen der Mechanismen des 

Kunstmarktes fließt in ihre künstlerische 

Reflexion ebenso ein wie die Hinterfragung 

der Kriterien für die Kunst selbst. 

Der Umgang mit dem Körper, die Bedeutung 

von Kommunikation und die Rolle 

von Tieren in unserer Gesellschaft bilden 

weitere Themenfelder. Trockels Werke – 

Strickbilder, Herdplattenbilder, Objekte aus 

Wolle und Wollfilme – verweisen auf 

viele Referenzpunkte unserer Gesellschaft 

und der Kunstgeschichte: Minimal Art, 

Pop Art, Ready-mades. Für einige Projekte 

kooperierte Trockel mit dem Biologen 

und Künstler Carsten Höller. 


Rosemarie Trockel. Werkgruppen 1986 – 

1998. Hamburger Kunsthalle, Whitechapel 

Art Gallery, London (GB), Staatsgalerie 

Stuttgart, M.A.C. – Galeries Contemporaines 

des Musées de Marseille (F), 1998 /1999, 

Kat. √>l Rosemarie Trockel – Drawings.

076 √>l 077 √>l 078 √>l 


























(USA), 2004, Kat. 
































Literatur 














076 


















ein. 

IK 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1997 



je 80,5 ≈ 167,5 ≈ 40,5 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


01. 07. 1998 



bei Chemnitz 







































Bildwelten. 












2004 














Literatur 







1972 –1991. Chemnitz, 1992, 









077 

















UA 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Requiem 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1986 /1989 


Metallrahmen 

200 ≈ 200 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 



im BDI e. V. 26. 08. 1998 









































Berlin, 2006 






















Literatur 

















078 























HS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1990 





–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 



im BDI e. V. 26. 08. 1998 


































076 √>l 077 √>l 078 √>l 


























(USA), 2004, Kat. 
































Literatur 














076 


















ein. 

IK 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1997 



je 80,5 ≈ 167,5 ≈ 40,5 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


01. 07. 1998 



bei Chemnitz 







































Bildwelten. 












2004 














Literatur 







1972 –1991. Chemnitz, 1992, 









077 

















UA 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Requiem 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1986 /1989 


Metallrahmen 

200 ≈ 200 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 



im BDI e. V. 26. 08. 1998 









































Berlin, 2006 






















Literatur 

















078 























HS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1990 





–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 



im BDI e. V. 26. 08. 1998 


































079 √>l 080 √>l 081 √>l 

Günther Uecker √>l Jonathan Meese √>l 

De Pont Foundation For Contemporary Art, 

Tilburg (NL), 2001 √>l Rosemarie Trockel. 

Sammlung Goetz, München, 2002 

√>l Rosemarie Trockel. Spleen. Dia Center 

for the Arts, New York (USA), 2002 / 

2003, Kat. √>l Rosemarie Trockel. Synagoge 

Stommeln, 2003 √>l Rosemarie Trockel – 

Das Kinderzimmer. Museum für Moderne 

Kunst (MMK), Frankfurt a. M., 2004 √>l 

Rosemarie Trockel. Menopause. Museum 

Ludwig, Köln, MAXXI – Museo nazionale 

delle arti del XXI secolo, Rom (I), 2006 


[Collection 98]. GfZK, Leipzig, 1998 

√>l Das Bild nach dem letzten Bild. Galerie 

Metropol, Wien (A), 1991 √>l Museum 

in Progress. Kunsthalle Wien (A), 1995 √>l 

Von Beuys bis Trockel. Centre Georges 

Pompidou, Paris (F), 1996 √>l documenta X. 

Kassel, 1997, Kat. √>l Weather Everything. 

GfZK, Leipzig, 1998, Kat. √>l 48. Biennale di 

Venezia. Venedig (I), 1999, Kat. √>l in 

between. EXPO 2000, Hannover, 2000 √>l 

Identität schreiben / Writing Identity – 

Autobiographie in der Kunst. GfZK, Leipzig, 

2003, Kat. 

Literatur 

Anders Tornberg Gallery, Lund (Hg.): 

Rosemarie Trockel. Jedes Tier ist eine Künstlerin. 

Lund (S), 1993, Kat. √>l Musée des 

Beaux-Arts de Nantes (Hg.): Rosemarie 

Trockel. Ich kann, darf und will nicht. Nantes 

(F), 1995, Kat. √>l Theewen, Gerhard (Hg.): 

Rosemarie Trockel. Herde. Köln, 1997, 

Kat. √>l Kunsthalle Tübingen (Hg.): Rosemarie 

Trockel. Arbeiten auf Papier 1980 –1997 

aus dem Kupferstichkabinett Basel. Tübingen, 

1998, Kat. √>l Günther Peill-Stiftung / 

Leopold Hoesch-Museum Düren (Hg.): 

Rosemarie Trockel. Paare. Düren, 1998, Kat. 

√>l GfZK Leipzig / Werner, Klaus (Hg.): 

Weather Everything. Ostfildern-Ruit, 1999, 

Kat. √>l Steiner, Barbara / Yang, Jun (Hg.): 

Writing Identity. Autobiography in Art. London 

(GB) / Hildesheim, 2003, Kat. 

079 

In Rosemarie Trockels Serie der Strickbilder 

lassen sich viele gesellschaftliche und 

kunstimmanente Verweise finden. Ihre Bilder 

aus Wolle sind am Computer entworfene, 

maschinell erstellte Kunstwerke. Ein persönlicher 

Duktus ist nicht sichtbar, aber die 

Frage nach einer Handschrift wird dabei 

durchaus thematisiert. Wolle ist ein Material, 

das von der Gesellschaft als weiblich 

assoziiert wird. Es war bis dato zwar als Material 

in der angewandten, aber keinesfalls 

in der bildenden Kunst etabliert. Themen und 

Motive der Strickbilder speisen sich aus 

der Alltagskultur. Beim Strickbild Ohne Titel 

ziehen sich zwei Friese mit jeweils vier Totenköpfen 

wie Logos rapportartig von links 

nach rechts über den karierten, farbigen Hintergrund. 

Der Kontrast zwischen Material 

und Inhalt könnte kaum stärker sein – eine 

typische Vorgehensweise Trockels. 

JS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Ohne Titel 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1990 

Malerei 

Wolle 

200 ≈ 150 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 



im BDI e. V.26. 08. 1998 

Günther Uecker 

Wendorf / Mecklenburg 1930, lebt in 

Düsseldorf 

Günther Uecker studierte von 1949 bis 1953 

in Wismar und an der Kunstakademie 

Berlin-Weißensee sowie von 1955 bis 1958 

an der Kunstakademie Düsseldorf. 

1957 entstanden erste Nagelbilder und weiße 

Strukturobjekte. Uecker hatte Kontakte 

zu Yves Klein und Otto Piene. In den Jahren 

1958 und 1959 war er Gast von Heinz 

Mack und Piene in deren Gruppe ZERO. 

1963 erhält er den Preis der Biennale 

des Jeunes, Paris (F), und realisierte seit 1970 

verschiedene Projekte für Museen, 

Opern und im öffentlichen Raum. 1974 übernahm 

Uecker eine Lehrtätigkeit an der 

Kunstakademie Düsseldorf, von 1975 bis 1995 

war er dort Professor. 1979 stattete er 

Wagners Oper Lohengrin in Bayreuth aus. 

1983 erhält er den Kaiserring der Stadt 

Goslar. Er verbrachte längere Zeit in Südamerika, 

Japan und Tibet. 2001 erhielt 

er das Große Verdienstkreuz der Bundesrepublik 

mit Stern. 

Ueckers Werk zeigt viele Facetten, von Lichtinstallationen 

über Aquarelle und Objekte 

bis hin zum Aktionismus. Licht und Bewegung 

waren seine Themen in den 1950 er Jahren. 

Dass Kunst sich vor den BetrachterInnen 

ereignet und nicht als feststehendes Bild aus 

abstrakten malerischen Gesten und 

Farbe entsteht, war eine zentrale Aussage 

der Gruppe ZERO. In den 1960 er Jahren 

konstruierte Uecker Krachmaschinen, die den 

Lärm von Industriehallen und Werkstätten 

ins Museum trugen. Er veröffentlichte seine 

Texte über diese Arbeiten in der Uecker- 

Zeitung nach Art eines Manifests. Uecker 

ordnet das Material diszipliniert nach 

strengen Kriterien. Nägel und Asche, Draht 

und Holz sind wichtige Konstanten. 

Dazu kommen Rhythmik und Struktur als 

Komponenten, die seine Skulpturen, Installationen 

und Assemblagen und seine 

Idee von der unendlichen, abstrakten Leere 

kraftvoll formen. 


Lichtsalon. Haus Lange, Krefeld, 1963 √>l 

Günther Uecker. Galerie Handschin, 

Basel (CH), 1967, Kat. √>l Günther Uecker. 

Palais des Beaux-Arts, Brüssel (B), 

1970 √>l Günther Uecker. Moderna Museet, 

Stockholm (S), 1971 √>l Günther Uecker. 

Retrospektive. Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, 

München, 1993 √>l Günter 

Uecker – Der geschundene Mensch. City Art 

Museum Ljubljana (SLO), 1999 √>l 

Günther Uecker. Zwanzig Kapitel. Sandmühlen 

– Zeitspiralen. Aquarelle. Neuer Berliner 

Kunstverein, Martin-Gropius-Bau, Berlin, 

Neue Nationalgalerie, Berlin, 2005 


ZERO I. Museum Kunst Palast, Düsseldorf, 

1958 √>l Bewogen-Beweging. Stedeldijk 

Museum Amsterdam (NL), 1961 √>l Salon 

de lumiere. Palais de Beaux Arts, Brüssel 

(B), 1962 √>l documenta III. Kassel, 1964, Kat. 

√>l ZERO. Kunstmuseum Bonn, 1966 √>l 

4. documenta. Kassel, 1968, Kat. √>l 35. Biennale 

di Venezia. Venedig (I), 1970, Kat. 

√>l 36. Biennale di Venezia. Venedig (I), 1972, 

Kat. √>l documenta 7. Kassel, 1977, Kat. 

√>l Kann Fruchtbarkeit auf Asche gründen? 

Zentrales Künstlerhaus am Krimwall, 

Moskau (RUS), St. Petri Kirche, Lübeck, 1989 

√>l Bis jetzt. Plastik im Außenraum der BRD. 

Sprengel Museum, Hannover, 1990 √>l 

Zone D – Innenraum. GfZK, Leipzig, 1991, 

Kat. √>l Von ZERO bis 2002. ZKM, Karlsruhe, 

2002 √>l ZERO – Internationale Künstler- 

Avantgarde der 50 er / 60 er Jahre. Stiftung 

Museum Kunst Palast, Düsseldorf, 2006 

Literatur 

Uecker, Günther: Uecker-Zeitung. 0 – 9. 

Düsseldorf, 1968 /1969 √>l P&P Galerie (Hg.): 

Günther Uecker. Düsseldorf, 1975, Kat. 

√>l Honisch, Dieter: Günther Uecker. Mit 

einem Werkverzeichnis von Marion 

Haedecke. Stuttgart, 1983 √>l Stachelhaus, 

Heinz: ZERO – Mack, Piene, Uecker. 

Düsseldorf, 1993 √>l Gillen, Eckhart (Hg.): 

Deutschlandbilder. Kunst aus einem 

geteilten Land. Köln, 1997 

080 

An der Kunstakademie Düsseldorf entstand 

1955 /1956 Ueckers erstes Nagelobjekt. 

Mit den ersten Nagelbildern 1957 formte sich 

seine künstlerische Sprache, die als 

Ausdruck der Verletzungen durch den Nationalsozialismus 

und als das Bedürfnis 

nach Reinigung und Neuanfang interpretiert 

werden kann. Das Gelbe Bild von 1957, 

dessen Spannleisten Uecker mit Nägeln 

übersäte, ist Ausdruck seines Misstrauens 

gegenüber dem klassischen Tafelbild. 

Ähnlich wie Lucio Fontana, der die Oberfläche 

seiner monochromen Arbeiten 

in den 1950 er Jahren mit perforierten und 

zerschlitzten Leinwänden um eine räumliche 

Dimension erweiterte, entdeckte 

Uecker im Nagel ein individuelles Instrument, 

mit dem sich das flache Bild mitunter 

gefährlich in den Raum verlängern ließ. 

In den Jahrzehnten danach lotete der Künstler 

das Potenzial aus und integrierte 

so diesen dem Alltag entlehnten Gegenstand 

in die Kunst. Zu nennen sind 

Experimente wie die Geheimnisskulptur 

(1982), die einmal zu sehen war und 

anschließend als gewickeltes Objekt ihren 

Inhalt versteckte, die mit Nägeln bedeckte 

kinetische Torkelscheibe und die erzählerischen 

Nagelformationen wie Wind 

oder Feld aus den 1990 er Jahren bis 

hin zum Aggressiven Kubus (1970). Der 

Nagel, ein christologisches Symbol 

par excellence, ist beim Objekt der GfZK 

extrem exponiert. 

CT / HS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Nagel 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1988 

Objekt 

Eisen 

178 cm Länge 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 



im BDI e. V.26. 08. 1998 

Jonathan Meese 

Tokio (J) 1970, lebt in Hamburg und Berlin 

Jonathan Meese besuchte von 1995 bis 

1998 die Hochschule der Bildenden 

Künste Hamburg bei Franz Erhard Walther. 

In den letzten Jahren entstanden gemeinsame 

Arbeiten und Ausstellungen mit 

Künstlern wie Jörg Immendorf, Daniel Richter 

und Albert Oehlen. Immer wieder ändert 

Meese die Angaben zu seinem Geburtsort 

und seinem Geburtsdatum; es sind verschiedenste 

Varianten publiziert. 

Messe erlangte internationale Aufmerksamkeit 

mit Bühnenbildern für die Volksbühne 

Berlin und die Staatsoper Berlin, mit 

Lesungen und Performances sowie in 

zahlreichen Ausstellungen mit Installationen, 

Gemälden und Assemblagen. In überbordenden 

Rauminstallationen aus Fotografien, 

eigenen Texten, Schaufensterpuppen, 

Plattencovers, Fundstücken u. ä. 

komponiert Meese Zitate aus Gegenwart 

und Geschichte, Hoch- und Popkultur zum 

Trash-Szenario. Charles Bronson und 

Romy Schneider finden ihren Platz neben 

Richard Wagner, Rainer Werner Fassbinder 

oder Friedrich Nietzsche. In Meeses 

Arbeiten finden sich archaische, auch kritisch 

diskutierte Bezüge zu Blut und Boden 

ebenso wie Versatzstücke aus Mythen, 

Pop, Politik und seiner Biografie. Eigene 

Slogans und Wortneuschöpfungen wie 

Alles ist Nahrung oder Erzstaat fungieren als 

Schlüssel und Codes. Im Spannungsfeld 

zwischen Pathos und Parodie entsteht so 

ein semantisch dichtes und mitunter 

verworren anmutendes Referenzsystem, 

das Symbole und Deutungen ständig 

zerfallen und sich neu zusammensetzen 

lässt. 


Wunderkammern: Erzreligion Blutlazarett / 

Erzsöldner Richard Wagner / Privatarmee 

Ernte und Saat / Waffe: Erzblut der Isis / 

Nahrung: Bluterz. Frankfurter Kunstverein, 

Frankfurt a. M., 1999 √>l Sonnentanz / 

Der Weidenmann / Nahrung / Erzisis. Kunsthalle 

St. Gallen (CH), 1999, Kat. √>l 

Soldat Meese (Staatsanimalismus). Maldoror-Turm, 

Städtisches Museum Abteiberg, 

Mönchengladbach, 2000, Kat. √>l 

Revolution. kestnergesellschaft, Hannover, 

2002, Kat. √>l Freiheit. The Empire Portraits 

1903. Modern Art Inc., London (GB), 2003 

√>l Képi blanc. nackt. Schirn Kunsthalle, 

Frankfurt a. M., 2004, Kat. √>l Thanks. Wally 

Whyton (Revendaddy Phantomilky 

on Coconut Islandaddy). Modern Art Inc., 

London (GB), 2006 √>l Mama Johnny. 

Retrospektive. Deichtorhallen, Hamburg, 

2006, Kat. √>l Jonathan Meese. Johnny 

come home. Contemporary Fine Arts, Berlin, 

2006 


Berlin Biennale. Postfuhramt, Berlin, 1998, 

Kat. √>l Junge Szene ’98. Wiener 

Secession (A), 1998, Kat. √>l German Open. 

Kunstmuseum Wolfsburg, 1999, Kat. 

√>l [Collection 99]. GfZK, Leipzig, 1999 

√>l Grotesk! Schirn Kunsthalle, Frankfurt 

a. M., Haus der Kunst, München, 

2003 √>l >actionbuttonl 

Rheingold III. Städtisches Museum Abteiberg, 

Mönchengladbach, 2004 / 2005 √>l 

The Triumph of Painting. Part II. The Saatchi 


Reykjavik Arts Festival. Reykjavik (IS), 2005 

√>l Dionysiac. Centre Georges Pompidou, 

Paris (F), 2005 √>l Sherwood Forest. 

Frans Hals Museum / De Hallen, Haarlem 

(NL), Kontracom 06 – Contemporary. Festival.Salzburg. 

Salzburg (A), 2006 

Literatur 

Becker, Ilka: Hunger nach Meese. 

In: Texte zur Kunst, Berlin, 34 /1999 √>l 

Kellein, Thomas: Jonathan Meese. 

Köln, 2001 √>l Lampe, Angela: Jonathan 

Meese. In: Kunstforum, 164 / 2003 √>l 

Museum Abteilberg Mönchengladbach 

(Hg.): Rheingold III. Frankfurt a. M., 

2005, Kat. √>l Tannert, Christoph (Hg.): 

New German Painting. München / Berlin / 

London (GB) / New York (USA), 2006 

081 

1998 entstanden insgesamt zehn Bücher 

für Meeses Galerie Contemporary Fine 

Arts Berlin. Die in der Sammlung der GfZK 

befindlichen Bücher mit den Titeln DU, 

HAU AB und ICH versammeln Zeichnungen, 

Kopien, herausgerissene Buchseiten 

und zahlreiche Photos. Fantasieworte wie 

Nonninei tauchen dabei ebenso auf wie 

Bezüge zu britischen Polizisten, Ikonen der 

Popkultur sowie fiktive und reale Personen 

wie Dorian Gray und Klaus Kinski. Sie 

geben damit einen Einblick in den Interessenskomplex 

und den Materialkosmos 

von Jonathan Meese. 

SH 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

DU 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1998 

Objekt 

gebundenes Buch, Fotografien, Texte, 

Fotokopien, Zeichnungen, etwa 600 Seiten 

32 ≈ 22,7 ≈ 13,5 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


von Renate Küchler 

04. 10. 1998 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

HAU AB 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1998 

Objekt 



32 ≈ 22,7 ≈ 13,5 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


04. 10. 1998 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

ICH 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1998 

Objekt 



32 ≈ 22,7 ≈ 13,5 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


04. 10. 1998

079 √>l 080 √>l 081 √>l 

Günther Uecker √>l Jonathan Meese √>l 

De Pont Foundation For Contemporary Art, 

Tilburg (NL), 2001 √>l Rosemarie Trockel. 

Sammlung Goetz, München, 2002 

√>l Rosemarie Trockel. Spleen. Dia Center 

for the Arts, New York (USA), 2002 / 

2003, Kat. √>l Rosemarie Trockel. Synagoge 

Stommeln, 2003 √>l Rosemarie Trockel – 

Das Kinderzimmer. Museum für Moderne 

Kunst (MMK), Frankfurt a. M., 2004 √>l 

Rosemarie Trockel. Menopause. Museum 

Ludwig, Köln, MAXXI – Museo nazionale 

delle arti del XXI secolo, Rom (I), 2006 


[Collection 98]. GfZK, Leipzig, 1998 

√>l Das Bild nach dem letzten Bild. Galerie 

Metropol, Wien (A), 1991 √>l Museum 

in Progress. Kunsthalle Wien (A), 1995 √>l 

Von Beuys bis Trockel. Centre Georges 

Pompidou, Paris (F), 1996 √>l documenta X. 

Kassel, 1997, Kat. √>l Weather Everything. 

GfZK, Leipzig, 1998, Kat. √>l 48. Biennale di 

Venezia. Venedig (I), 1999, Kat. √>l in 

between. EXPO 2000, Hannover, 2000 √>l 

Identität schreiben / Writing Identity – 

Autobiographie in der Kunst. GfZK, Leipzig, 

2003, Kat. 

Literatur 

Anders Tornberg Gallery, Lund (Hg.): 

Rosemarie Trockel. Jedes Tier ist eine Künstlerin. 

Lund (S), 1993, Kat. √>l Musée des 

Beaux-Arts de Nantes (Hg.): Rosemarie 

Trockel. Ich kann, darf und will nicht. Nantes 

(F), 1995, Kat. √>l Theewen, Gerhard (Hg.): 

Rosemarie Trockel. Herde. Köln, 1997, 

Kat. √>l Kunsthalle Tübingen (Hg.): Rosemarie 

Trockel. Arbeiten auf Papier 1980 –1997 

aus dem Kupferstichkabinett Basel. Tübingen, 

1998, Kat. √>l Günther Peill-Stiftung / 

Leopold Hoesch-Museum Düren (Hg.): 

Rosemarie Trockel. Paare. Düren, 1998, Kat. 

√>l GfZK Leipzig / Werner, Klaus (Hg.): 

Weather Everything. Ostfildern-Ruit, 1999, 

Kat. √>l Steiner, Barbara / Yang, Jun (Hg.): 

Writing Identity. Autobiography in Art. London 

(GB) / Hildesheim, 2003, Kat. 

079 

In Rosemarie Trockels Serie der Strickbilder 

lassen sich viele gesellschaftliche und 

kunstimmanente Verweise finden. Ihre Bilder 

aus Wolle sind am Computer entworfene, 

maschinell erstellte Kunstwerke. Ein persönlicher 

Duktus ist nicht sichtbar, aber die 

Frage nach einer Handschrift wird dabei 

durchaus thematisiert. Wolle ist ein Material, 

das von der Gesellschaft als weiblich 

assoziiert wird. Es war bis dato zwar als Material 

in der angewandten, aber keinesfalls 

in der bildenden Kunst etabliert. Themen und 

Motive der Strickbilder speisen sich aus 

der Alltagskultur. Beim Strickbild Ohne Titel 

ziehen sich zwei Friese mit jeweils vier Totenköpfen 

wie Logos rapportartig von links 

nach rechts über den karierten, farbigen Hintergrund. 

Der Kontrast zwischen Material 

und Inhalt könnte kaum stärker sein – eine 

typische Vorgehensweise Trockels. 

JS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Ohne Titel 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1990 

Malerei 

Wolle 

200 ≈ 150 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 



im BDI e. V.26. 08. 1998 

Günther Uecker 

Wendorf / Mecklenburg 1930, lebt in 

Düsseldorf 

Günther Uecker studierte von 1949 bis 1953 

in Wismar und an der Kunstakademie 

Berlin-Weißensee sowie von 1955 bis 1958 

an der Kunstakademie Düsseldorf. 

1957 entstanden erste Nagelbilder und weiße 

Strukturobjekte. Uecker hatte Kontakte 

zu Yves Klein und Otto Piene. In den Jahren 

1958 und 1959 war er Gast von Heinz 

Mack und Piene in deren Gruppe ZERO. 

1963 erhält er den Preis der Biennale 

des Jeunes, Paris (F), und realisierte seit 1970 

verschiedene Projekte für Museen, 

Opern und im öffentlichen Raum. 1974 übernahm 

Uecker eine Lehrtätigkeit an der 

Kunstakademie Düsseldorf, von 1975 bis 1995 

war er dort Professor. 1979 stattete er 

Wagners Oper Lohengrin in Bayreuth aus. 

1983 erhält er den Kaiserring der Stadt 

Goslar. Er verbrachte längere Zeit in Südamerika, 

Japan und Tibet. 2001 erhielt 

er das Große Verdienstkreuz der Bundesrepublik 

mit Stern. 

Ueckers Werk zeigt viele Facetten, von Lichtinstallationen 

über Aquarelle und Objekte 

bis hin zum Aktionismus. Licht und Bewegung 

waren seine Themen in den 1950 er Jahren. 

Dass Kunst sich vor den BetrachterInnen 

ereignet und nicht als feststehendes Bild aus 

abstrakten malerischen Gesten und 

Farbe entsteht, war eine zentrale Aussage 

der Gruppe ZERO. In den 1960 er Jahren 

konstruierte Uecker Krachmaschinen, die den 

Lärm von Industriehallen und Werkstätten 

ins Museum trugen. Er veröffentlichte seine 

Texte über diese Arbeiten in der Uecker- 

Zeitung nach Art eines Manifests. Uecker 

ordnet das Material diszipliniert nach 

strengen Kriterien. Nägel und Asche, Draht 

und Holz sind wichtige Konstanten. 

Dazu kommen Rhythmik und Struktur als 

Komponenten, die seine Skulpturen, Installationen 

und Assemblagen und seine 

Idee von der unendlichen, abstrakten Leere 

kraftvoll formen. 


Lichtsalon. Haus Lange, Krefeld, 1963 √>l 

Günther Uecker. Galerie Handschin, 

Basel (CH), 1967, Kat. √>l Günther Uecker. 

Palais des Beaux-Arts, Brüssel (B), 

1970 √>l Günther Uecker. Moderna Museet, 

Stockholm (S), 1971 √>l Günther Uecker. 

Retrospektive. Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, 

München, 1993 √>l Günter 

Uecker – Der geschundene Mensch. City Art 

Museum Ljubljana (SLO), 1999 √>l 

Günther Uecker. Zwanzig Kapitel. Sandmühlen 

– Zeitspiralen. Aquarelle. Neuer Berliner 

Kunstverein, Martin-Gropius-Bau, Berlin, 

Neue Nationalgalerie, Berlin, 2005 


ZERO I. Museum Kunst Palast, Düsseldorf, 

1958 √>l Bewogen-Beweging. Stedeldijk 

Museum Amsterdam (NL), 1961 √>l Salon 

de lumiere. Palais de Beaux Arts, Brüssel 

(B), 1962 √>l documenta III. Kassel, 1964, Kat. 

√>l ZERO. Kunstmuseum Bonn, 1966 √>l 

4. documenta. Kassel, 1968, Kat. √>l 35. Biennale 


√>l 36. Biennale di Venezia. Venedig (I), 1972, 

Kat. √>l documenta 7. Kassel, 1977, Kat. 

√>l Kann Fruchtbarkeit auf Asche gründen? 

Zentrales Künstlerhaus am Krimwall, 

Moskau (RUS), St. Petri Kirche, Lübeck, 1989 

√>l Bis jetzt. Plastik im Außenraum der BRD. 

Sprengel Museum, Hannover, 1990 √>l 

Zone D – Innenraum. GfZK, Leipzig, 1991, 

Kat. √>l Von ZERO bis 2002. ZKM, Karlsruhe, 

2002 √>l ZERO – Internationale Künstler- 

Avantgarde der 50 er / 60 er Jahre. Stiftung 

Museum Kunst Palast, Düsseldorf, 2006 

Literatur 

Uecker, Günther: Uecker-Zeitung. 0 – 9. 

Düsseldorf, 1968 /1969 √>l P&P Galerie (Hg.): 

Günther Uecker. Düsseldorf, 1975, Kat. 

√>l Honisch, Dieter: Günther Uecker. Mit 

einem Werkverzeichnis von Marion 

Haedecke. Stuttgart, 1983 √>l Stachelhaus, 

Heinz: ZERO – Mack, Piene, Uecker. 

Düsseldorf, 1993 √>l Gillen, Eckhart (Hg.): 

Deutschlandbilder. Kunst aus einem 

geteilten Land. Köln, 1997 

080 

An der Kunstakademie Düsseldorf entstand 

1955 /1956 Ueckers erstes Nagelobjekt. 

Mit den ersten Nagelbildern 1957 formte sich 

seine künstlerische Sprache, die als 

Ausdruck der Verletzungen durch den Nationalsozialismus 

und als das Bedürfnis 

nach Reinigung und Neuanfang interpretiert 

werden kann. Das Gelbe Bild von 1957, 

dessen Spannleisten Uecker mit Nägeln 

übersäte, ist Ausdruck seines Misstrauens 

gegenüber dem klassischen Tafelbild. 

Ähnlich wie Lucio Fontana, der die Oberfläche 

seiner monochromen Arbeiten 

in den 1950 er Jahren mit perforierten und 

zerschlitzten Leinwänden um eine räumliche 

Dimension erweiterte, entdeckte 

Uecker im Nagel ein individuelles Instrument, 

mit dem sich das flache Bild mitunter 

gefährlich in den Raum verlängern ließ. 

In den Jahrzehnten danach lotete der Künstler 

das Potenzial aus und integrierte 

so diesen dem Alltag entlehnten Gegenstand 

in die Kunst. Zu nennen sind 

Experimente wie die Geheimnisskulptur 

(1982), die einmal zu sehen war und 

anschließend als gewickeltes Objekt ihren 

Inhalt versteckte, die mit Nägeln bedeckte 

kinetische Torkelscheibe und die erzählerischen 

Nagelformationen wie Wind 

oder Feld aus den 1990 er Jahren bis 

hin zum Aggressiven Kubus (1970). Der 

Nagel, ein christologisches Symbol 

par excellence, ist beim Objekt der GfZK 

extrem exponiert. 

CT / HS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Nagel 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1988 

Objekt 

Eisen 

178 cm Länge 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 



im BDI e. V.26. 08. 1998 

Jonathan Meese 

Tokio (J) 1970, lebt in Hamburg und Berlin 

Jonathan Meese besuchte von 1995 bis 

1998 die Hochschule der Bildenden 

Künste Hamburg bei Franz Erhard Walther. 

In den letzten Jahren entstanden gemeinsame 

Arbeiten und Ausstellungen mit 

Künstlern wie Jörg Immendorf, Daniel Richter 

und Albert Oehlen. Immer wieder ändert 

Meese die Angaben zu seinem Geburtsort 

und seinem Geburtsdatum; es sind verschiedenste 

Varianten publiziert. 

Messe erlangte internationale Aufmerksamkeit 

mit Bühnenbildern für die Volksbühne 

Berlin und die Staatsoper Berlin, mit 

Lesungen und Performances sowie in 

zahlreichen Ausstellungen mit Installationen, 

Gemälden und Assemblagen. In überbordenden 

Rauminstallationen aus Fotografien, 

eigenen Texten, Schaufensterpuppen, 

Plattencovers, Fundstücken u. ä. 

komponiert Meese Zitate aus Gegenwart 

und Geschichte, Hoch- und Popkultur zum 

Trash-Szenario. Charles Bronson und 

Romy Schneider finden ihren Platz neben 

Richard Wagner, Rainer Werner Fassbinder 

oder Friedrich Nietzsche. In Meeses 

Arbeiten finden sich archaische, auch kritisch 

diskutierte Bezüge zu Blut und Boden 

ebenso wie Versatzstücke aus Mythen, 

Pop, Politik und seiner Biografie. Eigene 

Slogans und Wortneuschöpfungen wie 

Alles ist Nahrung oder Erzstaat fungieren als 

Schlüssel und Codes. Im Spannungsfeld 

zwischen Pathos und Parodie entsteht so 

ein semantisch dichtes und mitunter 

verworren anmutendes Referenzsystem, 

das Symbole und Deutungen ständig 

zerfallen und sich neu zusammensetzen 

lässt. 


Wunderkammern: Erzreligion Blutlazarett / 

Erzsöldner Richard Wagner / Privatarmee 

Ernte und Saat / Waffe: Erzblut der Isis / 

Nahrung: Bluterz. Frankfurter Kunstverein, 

Frankfurt a. M., 1999 √>l Sonnentanz / 

Der Weidenmann / Nahrung / Erzisis. Kunsthalle 

St. Gallen (CH), 1999, Kat. √>l 

Soldat Meese (Staatsanimalismus). Maldoror-Turm, 

Städtisches Museum Abteiberg, 

Mönchengladbach, 2000, Kat. √>l 

Revolution. kestnergesellschaft, Hannover, 

2002, Kat. √>l Freiheit. The Empire Portraits 

1903. Modern Art Inc., London (GB), 2003 

√>l Képi blanc. nackt. Schirn Kunsthalle, 

Frankfurt a. M., 2004, Kat. √>l Thanks. Wally 

Whyton (Revendaddy Phantomilky 

on Coconut Islandaddy). Modern Art Inc., 

London (GB), 2006 √>l Mama Johnny. 

Retrospektive. Deichtorhallen, Hamburg, 

2006, Kat. √>l Jonathan Meese. Johnny 

come home. Contemporary Fine Arts, Berlin, 

2006 


Berlin Biennale. Postfuhramt, Berlin, 1998, 

Kat. √>l Junge Szene ’98. Wiener 

Secession (A), 1998, Kat. √>l German Open. 

Kunstmuseum Wolfsburg, 1999, Kat. 

√>l [Collection 99]. GfZK, Leipzig, 1999 

√>l Grotesk! Schirn Kunsthalle, Frankfurt 

a. M., Haus der Kunst, München, 

2003 √>l >actionbuttonl 

Rheingold III. Städtisches Museum Abteiberg, 

Mönchengladbach, 2004 / 2005 √>l 

The Triumph of Painting. Part II. The Saatchi 


Reykjavik Arts Festival. Reykjavik (IS), 2005 

√>l Dionysiac. Centre Georges Pompidou, 

Paris (F), 2005 √>l Sherwood Forest. 

Frans Hals Museum / De Hallen, Haarlem 

(NL), Kontracom 06 – Contemporary. Festival.Salzburg. 

Salzburg (A), 2006 

Literatur 

Becker, Ilka: Hunger nach Meese. 

In: Texte zur Kunst, Berlin, 34 /1999 √>l 

Kellein, Thomas: Jonathan Meese. 

Köln, 2001 √>l Lampe, Angela: Jonathan 

Meese. In: Kunstforum, 164 / 2003 √>l 

Museum Abteilberg Mönchengladbach 

(Hg.): Rheingold III. Frankfurt a. M., 

2005, Kat. √>l Tannert, Christoph (Hg.): 

New German Painting. München / Berlin / 

London (GB) / New York (USA), 2006 

081 

1998 entstanden insgesamt zehn Bücher 

für Meeses Galerie Contemporary Fine 

Arts Berlin. Die in der Sammlung der GfZK 

befindlichen Bücher mit den Titeln DU, 

HAU AB und ICH versammeln Zeichnungen, 

Kopien, herausgerissene Buchseiten 

und zahlreiche Photos. Fantasieworte wie 

Nonninei tauchen dabei ebenso auf wie 

Bezüge zu britischen Polizisten, Ikonen der 

Popkultur sowie fiktive und reale Personen 

wie Dorian Gray und Klaus Kinski. Sie 

geben damit einen Einblick in den Interessenskomplex 

und den Materialkosmos 

von Jonathan Meese. 

SH 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

DU 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1998 

Objekt 



32 ≈ 22,7 ≈ 13,5 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


von Renate Küchler 

04. 10. 1998 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

HAU AB 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1998 

Objekt 



32 ≈ 22,7 ≈ 13,5 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


04. 10. 1998 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

ICH 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1998 

Objekt 



32 ≈ 22,7 ≈ 13,5 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


04. 10. 1998

082 √>l 083 √>l 084 √>l 

Olafur Eliasson √>l Tilo Schulz √>l A. R. Penck √>l Brian Catling √>l 

Olafur Eliasson 

Kopenhagen (DK) 1967, lebt in Berlin 

Olafur Eliasson besuchte die Königliche 

Kunstakademie in Kopenhagen (DK). 

Aufgrund verwandtschaftlicher Beziehungen 

– sein Vater ist Isländer – verbrachte 

Eliasson immer wieder Zeit auf Island, wo er 

eindrucksvolle Landschaften und Naturschauspiele 

studieren konnte. Diese Erlebnisse 

und Beobachtungen verband er mit 

einem Interesse an naturwissenschaftlichen 

Forschungen. 2006 erhielt Eliasson 

einen Ruf an die Universität der 

Künste Berlin. 

Olafur Eliassons mitunter äußerst spektakulär 

anmutende Naturphänomene, 

ob Regenbogen, Wind, Lichterscheinungen 

oder Nebel, sind künstlich hergestellt und 

zeigen dies sichtbar. Die Grenzen des 

technisch Machbaren werden konsequent 

herausgefordert, wie bei der Installation 

einer riesigen künstlichen Sonne in der Tate 

Modern in London (GB), 2003. Der Künstler 

operiert dabei stets im Wissen um sehnsuchtsvolle 

Projektionen, die sich an Natur 

und deren Phänomene heften. Stück 

für Stück wird authentisches Erleben demontiert; 

die Konstruktion der künstlerischen 

Setzung tritt zu Tage. Eliasson bietet Bilder 

von Natur und Schönheit, die letztendlich 

das Produkt zivilisatorischer Erfahrungen sind. 

Konsum, Natur und Kultur gehen dabei 

eine Synthese ein. 


Olafur Eliasson. GfZK, Leipzig, 1998 √>/ 

Surroundings Surrounded. ZKM, Karlsruhe, 

2001 √>/ The Weather Project. Tate Modern, 

London (GB), 2003, Kat. √>/ Your Lighthouse. 

Works with Light 1991– 2004. Kunstmuseum 

Wolfsburg, 2004, Kat. √>/ Reflektierender 

Korridor – Entwurf zum Stoppen 

des freien Falls. Zentrum für Internationale 

Lichtkunst, Unna, 2004 √>/ The body as 

brain. Kunsthaus Zug (CH), 2005 √>/ Your 

light shadow. Hara Museum, Tokio (J), 

2005 √>/ Notion Motion. Museum Boijmans 

Van Beuningen, Rotterdam (NL), 2005 


Organising Freedom. Moderna Museet, 

Stockholm (S), 2000 √>/ Black Box: 

Der Schwarzraum in der Kunst. Kunstmuseum 

Bern (CH), 2001 √>/ Palomino. GfZK, 

Leipzig, 2001 √>/ Moving Pictures: Contemporary 

Photography and Video from the 

Guggenheim Museum Collections. Solomon 

R. Guggenheim Museum, New York (USA), 

Guggenheim Bilbao (E), 2002 √>/ Sitings: Installation 

Art, 1969 – 2002. Museum of 

Contemporary Art, Los Angeles (USA), 2003 

√>/ The Blind Pavilion. Dänischer Pavillon, 

50. Biennale di Venezia (I), 2003, Kat. √>/ 

Stadtlicht-Lichtkunst. Wilhelm-Lehmbruck- 

Museum, Duisburg, 2004 √>/ Remagine. 

Musée d‘Art Contemporain de Lyon (F), 2005 

Literatur 

Galerie für Zeitgenössische Kunst / De Appel 

Foundation / Irish Museum of Modern Art / 

Kunstverein Wolfsburg e. V. (Hg.): my now is 

your surroundings. Olafur Eliasson. Köln, 

2001 √>/ Grynsztejn, Madeleine et al.: Olafur 

Eliasson. London, 2002 √>/ Olafur Eliasson: 

photographs. The Menil Collection, 2004, Kat. 

√>/ ARoS Aarhus Kunstmuseum (Hg.): 

Minding the World. Aarhus (DK), 2004, Kat. 

www.olafureliasson.net 

082 

Bei Yet Untitled löst sich aus einem kleinen, 

an der Raumdecke montierten Wasserreservoir 

im Sekundenrhythmus ein Tropfen 

und fällt nach unten in ein Glasbehältnis. 

Stroboskoplicht trifft auf diese Wassertropfen 

und lässt diese wie von oben herab 

rieselnde Diamanten erscheinen. Auch hier 

gibt sich die sehr einfache Konstruktion 

deutlich zu erkennen und kontrastiert mit 

der Wahrnehmung eines komplexen ästhetischen 

Schauspiels. Schönheit wird dabei 

entmystifiziert, in ein optischesPhänomen 

zerlegt und über eine präzise, technisch 

ausgeklügelte Installation erzeugt. Die Wahrnehmung 

der BetrachterInnen ist integraler 

Bestandteil dieses Werkes. Die Faszination 

am Erscheinungsbild und das Erkennen 

des Mechanismus, der ihm zu 

Grunde liegt, werden in der Rezeption 

zusammengeführt. 

BS 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Yet Untitled 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1998 

Installation 

Acrylbehälter, Stroboskop, Teichpumpe, 

Wasserschlauch und Teichfolie 

Größe variabel 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


02. 01. 1999 

Tilo Schulz 

Leipzig 1972, lebt in Leipzig 

Tilo Schulz ist seit Beginn der 1990 er Jahre 

als Künstler, Kurator, Kunstvermittler und 

Autor tätig. 2002 / 2003 war er Gastdozent an 


Leipzig und 2005 Gastdozent an der Zeppelin 

University in Friedrichshafen. 

Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht eine kritische 

Auseinandersetzung mit dem institutionalisierten 

Kunstbetrieb, ohne diesen 

jedoch zu negieren. In zum Teil längerfristig 

angelegten Projekten wie e.w.e – exhibition 

without exhibition (1997– 2000), body of 

work: the ideal exhibition (1998 – 2003), wanted 

(2000), Gefährliche Liebschaften 

(2001) und (don‘t) look back in anger (2005) 

analysiert er Entstehungsbedingungen 

von Kunst, deren Präsentation und Rezeption 

sowie Strategien ihrer Vermittlung. Oft 

bedient er sich dabei Praktiken aus Werbung, 

Design und Film und befragt damit Vorstellungen 

von Kunst. 


Das Boot. Leipzig, 1991 √>/ Formenmalerei. 

Dogenhaus Galerie, Leipzig, 1996, Kat. 

√>/ body of work: the ideal exhibition. Refusalon, 

San Francisco (USA), 1998 √>/ 

reopening of Sture Johannesson. Y1, Stockholm 

(S), 1999 √>/ The Return of Display. 

D.A.E., San Sebastian (E), 2001 √>/ truckstop. 

extended version. Galerie Jan Winkelmann, 

Düsseldorf / Berlin, 2003 √>/ rebel inside. 

Kiesler-Display. q21, MuseumsQuartier, Wien 

(A), 2003 √>/Niemandsland_Grenzgeschichten: 

chuck wagon_stage version. Blind 

Date. Kunstverein Hannover, 2004 √>/ 

(don‘t) look back in anger. Dogenhaus Galerie, 

Leipzig, 2005 √>/ a short film about … 

Galerie Jan Winkelmann, Berlin, 2005 

√>/ Formschön. Tilo Schulz. GfZK, Leipzig, 

2007, Kat. 


Abstract. Deutscher Künstlerbund in Dresden. 

Albertinum, Dresden, 1993, Kat. √>/ Minima 

Media. Medienbiennale Leipzig 94, 1994, 

Kat. √>/ Manifesta 2. Luxembourg (L), 

1998, Kat. √>/ Junge Szene. Wiener Secession, 

Wien (A), 1998 √>/ ONTOM TWC . GfZK, 

Leipzig, 1998, Kat. √>/ [Collection 99]. GfZK, 

Leipzig, 1999 √>/ German Open. Kunstmuseum 

Wolfsburg, 1999, Kat. √>/ after the 

wall. Moderna Museet, Stockholm (S), 1999 

√>/ LocalMotion. GfZK, Leipzig, 2001 √>/ 

Die Sammlung als Labor XV. GfZK, Leipzig, 

2003 √>/ Der Zweite Blick. GfZK, Leipzig, 

2004 √>/ Repeat Performance. Artist Space, 

New York (USA), 2004 √>/ 50 Jahre documenta. 

Kassel, 2005, Kat. √>/ o. T. [City IV]. 

GfZK, Leipzig, 2005 √>/ Made in Leipzig. 

Bilder aus einer Stadt. Sammlung Essl, Klosterneuburg 

(A), 2006, Kat. 

Literatur 

Werner, Klaus (Hg.): ONTOM TWC . GfZK, 

Leipzig, 1998, Kat. √>/ Tilo Schulz und Jan 

Winkelmann im Gespräch über >e.w.e. – 

exhibition without exhibition/ Wenzel, Jan / 

Heinecke, Katja, für Experimentale e. V.: Heimat 

Moderne. Berlin, 2006 √>/ Koralova, 

Ilina (Hg.): Tilo Schulz, Leipzig, 2007, Kat. 

083 

Dokumentation Medienbiennale Leipzig 

entstand im Anschluss an die Medienbiennale 

in Leipzig 1994. Auf Grünflächen 

entlang von Plattenbauten an der Straße des 

18. Oktober malte Schulz mit weißen Kreidelinien 

großformatige Rechtecke mit unterschiedlichen 

Maßen und Formationen. 

Er setzte die von ihm entwickelte Formenmalerei, 

die Malerei als schaffendes und 

nicht als reproduzierendes Medium versteht, 

im öffentlichen Raum um. Trotz freier Zugangsmöglichkeit 

konnte die Malerei nur von 

den oberen Hochhausetagen aus vollständig 

betrachtet werden. Das Werk war lediglich 

für ein begrenztes Publikum erfahrbar, 

das die Kreidezeichnungen jedoch nicht 

als Kunst wahrnahm, sondern irritiert reagierte . 

Mit dieser Arbeit begegnete Tilo Schulz 

den damals aktuellen Debatten um städtische 

Platzraumdekorationen. Als temporäre 

Intervention wirft die Arbeit gleichzeitig 

Fragen nach dem eigentlichen Kunstwerk 

auf, das die Rasenzeichnungen, deren 

fotografische Dokumentation im Medium der 

Fotografie durch Frank Berger sowie die 

Aufbereitung und Vermittlung der Aktion in 

Form einer Ausstellungspräsentation umfasst . 

CD 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Dokumentation Medienbiennale 

Leipzig 1994 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1994 

Installation 

Fotografien von Frank Berger 

drei C-Prints, je 111 ≈ 147 cm 

drei C-Prints, je 41 ≈ 54,5 cm 

drei Zeichnungen, je 41 ≈ 54,5 cm 

Textblatt 41 ≈ 54,5 cm 

Textfolie 21 ≈ 30 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 


01. 02. 1999 

A. R. Penck 

(Ralf Winkler, Pseudonyme 

Mike Hammer, T. M.) 

Dresden 1939, lebt in Dublin (IRL), 

London (GB) und Berlin 

Von 1955 bis 1956 lernte Ralf Winkler den 

Beruf des Werbezeichners, brach die Lehre 

aber ab und bewarb sich viermal vergeblich 

an verschiedenen Kunsthochschulen. 

Er arbeitete als Heizer, Nachtwächter, Briefträger 

und Kleindarsteller. Er gehörte zu den 

Schülern von Strawalde und nahm an Abendkursen 

teil, um sich künstlerisch weiter 

zuentwickeln. 1966 wurde er unter dem Pseudonym 

A. R. Penck, das er nach dem 

Geologen und Eiszeitforscher Albrecht Penck 

wählte, Kandidat des Verbandes bildender 

Künstler der DDR. Seine Mitgliedschaft 

wurde jedoch 1969 abgelehnt. Im Jahr 1980 

verließ Penck die DDR und siedelte in die 

Bundesrepublik nach Köln über. 1989 erhielt 

er eine Professur an der Kunstakademie 

Düsseldorf. 

Penck wird zu den Vätern der >Neuen< bzw. 

>Jungen Wilden< und zu einem der wichtigsten 

künstlerischen Chronisten der jüngeren 

deutschen Geschichte gezählt. Um 

1961 entstanden mit Weltbilder und Systembilder 

Pencks erste wichtige Werkgruppen. 

Er entwickelte eine Bildsprache, die in ihrer 

formalen Einfachheit prähistorische Höhlenmalerei 

assoziiert und zugleich den Anspruch 

einer konzentrierten Darstellung der 

Gegenwart erhebt. 1963 fand Penck sein 

zentrales Bildchiffre, das Strichmännchen. 

Seine Bilder zielen auf menschliche Befindlichkeiten 

sowie zeitgeschichtliche, politische 

und soziale Fragestellungen ab. 

Penck entwickelte in der Auseinandersetzung 

mit der Kybernetik und Informationstheorie 

ein System einfachster Bildzeichen 

und daraus ab 1968 seine Standart-Gemälde. 

Der Begriff setzt sich aus >Standard< und 

>Art< zusammen. Seit den 1970 er Jahren 

wandte sich Penck dem Neoexpressionismus 

zu und setzte nun markante Farbakzente 

auf großflächige Bildformate, die er 

komplex ausfüllte. Seit 1974 realisierte er 

Strukturbilder mit abstrakten schwarzen Formen 

auf einer weißen Grundfläche. Sein 

Reservoir symbolischer Zeichen überträgt 

A. R. Penck auch auf Plastiken aus Holz, 

Bronze und Marmor. 


Galerie Michael Werner, Köln, 1968 √>/ Museum 

Boijmans Van Beuningen, Rotterdam 

(NL), 1979 √>/ Tate Gallery, London (GB), 1984 

√>/ Galerie Lelong, Zürich (CH), 1997 √>/ 

Georg-Kolbe-Museum, Berlin, 1999, Kat. √>/ 

Museum Ostdeutsche Galerie, Regensburg, 

2002 √>/ PERMANENT 04. Sammlung 

Essl, Klosterneuburg (A), 2003 / 2004 √>/ 

A. R. Penck. Art & Public. Genf (CH), 2005 √>/ 

Mit Bleistift. Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt 

a. M., 2005 / 2006 √>/ Weltbilder – 

A. R. Penck und die Steinzeit. Städelsches 

Kunstinstitut, Frankfurt a. M., 2005 / 2006 


documenta 5. Kassel, 1972, Kat. √>/ documenta 

6. Kassel, 1977, Kat. √>/ documenta 7. 

Kassel, 1982, Kat. √>/ DOCUMENTA IX. 

Kassel, 1992, Kat. √>/ 41. Biennale di Venezia. 

Venedig (I), 1984, Kat. √>/ Zone D – 

Innenraum. Förderkreis der GfZK, Leipzig, 

1991, Kat. √>/ Deutschlandbilder. Martin- 

Gropius-Bau, Berlin, 1997/1998, Kat. √>/ [Collection 

99]. GfZK, Leipzig, 1999 √>/ El 

Regreso de los Gigantes. Museo Nacional 

de Arte Decorativo, Buenos Aires (RA), 

2003 / 2004 √>/ German Art Now. Saint Louis 

Art Museum, St. Louis (USA), 2003 / 2004 

√>/ Works on the Edge. Ludwig Múzeum, 

Budapest (H), 2005 √>/ Gerhard Richter 

– A. R. Penck. Frissiras Museum, Athen 

(GR), 2005 √>/ What happened to Art. Van 

Abbemuseum, Eindhoven (NL), 2006 

Literatur 

Galerie Lelong (Hg.): A. R. Penck, Training mit 

Standart 1991. Zürich (CH), 1991, Kat. √>/ 

Staatliche Kunstsammlungen Dresden (Hg.): 

A. R. Penck, Analyse einer Situation. Dresden, 

1992, Kat. √>/ Stather, Martin (Hg.): 

A. R. Penck: Standart-Prä-Standart.Mannheim . 

1996 √>/ Galerie Jérôme de Noirmont (Hg.): 

A. R. Penck. Ereignisse im Unbekannten. 

Paris, 2003 √>/ Städtisches Kunstmuseum 

Spendhaus, Reutlingen (Hg.): A. R. Penck: 

Holzschnitte 1966 –1995. Reutlingen, 2003 

084 

Die neun Siebdrucke USA II stehen für die 

Aneignung und Umdeutung von Bildstereotypen 

über die USA. Das Ausgangsblatt ist 

eine als Siebdruck umgesetzte Collage aus 

Fotografien, die ein symbolisches und klischeehaftes 

Amerikabild zeigen. Neben Bildfragmenten 

historischer Figuren und PolitikerInnen 

wie Abraham Lincoln sind Fotografien 

von Stars aus Hollywood erkennbar. 

Penck überzog das Ausgangsbild stufenweise 

mit dem ihm eigenen Zeichenrepertoire, 

seinem Augensymbol, mit Kreisen und 

Strichen. Zunächst betonte er schwarz bestimmte 

Formen und Figuren, konturierte 

diese kräftig, andere wiederum deckte er ab. 

Anschließend überarbeitete er das Blatt 

violett, blau und rot in einzelnen Schritten, bis 

gelb und weiß seine typischen Strichfiguren 

dominieren. 

UA 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

USA II 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1980 

neun Siebdrucke 

je 67 ≈ 90,5 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Schenkung an den Förderkreis von Jürgen 

Weichardt 

21. 03. 1999 

Brian Catling 

London (GB) 1948, lebt in Oxford (GB) 

Brian Catling studierte am Linacre College 

in Oxford (GB). Er leitet den Fachbereich 

Skulptur an der Ruskin School of Drawing 

and Fine Art in Oxford (GB).

149 √>/ 150 √>/ 151 √>/ 

Karl Rössing √>l Bernard Schultze √>l Emil Schumacher √>l 

Druckplatten aufschweißte. Damit entwickelte 

er für sich die Technik des Metalldrucks. 

In Norwegen erweiterte er diese Technik und 

fügte den Bildern z. B. Strandgut, Glasstücke 

und Korken hinzu. Nesch versuchte, Haptik 

und Optik der Materialien durch Gestaltung 

zu einer Einheit zu verschmelzen. 


Rolf Nesch. Museum für Kunst und Gewerbe, 

Hamburg, 1930 √>/ Rolf Nesch. Retrospektive.kestnergesellschaft,Hannover, 

1949 

√>/ Rolf Nesch. Akademie der Künste, 

Berlin (West), 1966, Kat. √>/ Retrospektive. 

Nationalgalerie Oslo (N), 1972 √>/ Rolf 

Nesch (1893 –1975). Retrospektive zum 100. 

Geburtstag. Ausstellungszentrum Kloster 

Cismar, Dependance des Schleswig-Holsteinischen 

Landesmuseums, Schleswig, 

1993, Kat. √>/ Rolf Nesch. Musik- und Theatergrafik. 

Hamburger Sparkasse, 1997 

√>/ Rolf Nesch. Nationalmuseum für Kunst, 

Architektur und Design, Oslo (N), 2002 


3. Biennale Internacional de São Paulo. 

Museu de arte moderna, São Paulo(BR), 1955 

√>/ documenta. Kassel, 1955, Kat. √>/ 

Triennale für farbige Grafik. Grenchen (CH), 

1958 √>/ documenta II. Kassel, 1959, Kat. 

√>/ 31. Biennale di Venezia. Venedig (I), 1962, 

Kat. √>/ documenta III. Kassel, 1964, Kat. 

Literatur 

Askeland, Jan: Rolf Nesch. Oslo (N), 1958 

√>/ Hentzen, Alfred: Rolf Nesch. Graphik, 

Materialbilder, Plastik. Stuttgart, 1960, New 

York (USA), 1964 √>/ Hentzen, Alfred / 

Stubbe, Wolf: Rolf Nesch. Graphik. Berlin / 

Oslo (N), 1973 √>/ Hentzen, Alfred / Stubben, 

Wolf: Rolf Nesch. Drucke. Frankfurt a. M., 

1973 √>/ Bruhns, Maike (Hg.): Rolf Nesch. 

Zeugnisse eines ungewöhnliches Künstlerlebens 

in turbulenter Zeit. Gifkendorf, 1993 

√>/ Wiik, Eva: Min venn Rolf Nesch. Oslo 

(N), 1994 √>/ Hjelle, Eivind Otto: Rolf Nesch. 

Oslo (N), 1998 

149 

Neschs Bilder sind häufig Darstellungen 

menschlicher Situationen undCharakteristika . 

In Herein, Zum Schauspiel von Helge 

Krog porträtierte er weniger die Schauspielerin 

Ragnhild Hald, seine Frau, und den 

Schauspieler Lars Tvinde als Krestine und 

Elias in Helge Krogs gleichnamigen Schauspiel. 

Nesch deutete vielmehr die Rollen. 

Das Bild zeigt die Schluss-Szene des Stücks, 

in der die alte kranke Mutter die Heimkehr 

des Sohnes fantasiert, während Elias seine 

Frau mit besorgter Verwunderung ansieht. 

Mit erhobenen Händen ruft Krestine ein letztes, 

verzweifeltes >Herein!Bildzeichnungen< und beendete 

1982 seine Linolschnittarbeit. 


Karl Rössing. Münchner Neue Sezession, 

1919 √>/ Karl Rössing: Neue Arbeiten 1949 – 

1954. Pfälzische Landesgewerbeanstalt 

Kaiserslautern, 1954, Kat. √>/ Karl Rössing. 

Neue Münchner Galerie, 1964, Kat. √>/ 

Karl Rössing. Oberösterreichisches Landesmuseum, 

Linz (A), 1970, Kat. √>/ Karl 

Rössing: Die Linolschnitte mit ihren Entwürfen 

und Holztafeldrucken. Staatsgalerie 

Stuttgart, 1977, Kat. √>/ Karl Rössing, sein 

Säulenzyklus von 1987. Salzburger Landessammlungen 

Rupertinum (A), 1987, Kat. 

√>/ Karl Rössing (1897–1987). Lichter und 

Schatten. Eine Retrospektive zum 100. 

Geburtstag des Künstlers. Kunsthistorisches 

Museum Wien (A), Salzburger Landessammlungen 

Rupertinum (A), Palais Harrach, 

Wien (A), 1997/1998, Kat. √>/ Karl Rössing 

– Mein Vorurteil gegen diese Zeit. Germanisches 

Nationalmuseum, Nürnberg, 

1997/1998, Kat. 


Von Odysseus bis Felix Krull. Gestalten 

der Weltliteratur in der Buchillustration des 

19. und 20. Jahrhunderts. Kunstbibliothek 

Berlin, 1982, Kat. √>/ Grauzonen – Farbwelten 

1945 –1955. Neue Gesellschaft für 

Bildende Kunst, Akademie der Künste, Berlin 

(West), 1983, Kat. √>/ Schrecknisse 

des Krieges. Druckgraphische Bildfolgen des 

Krieges aus fünf Jahrhunderten. Wilhelm- 

Hack-Museum, Ludwigshafen, 1983, Kat. 

Literatur 

Passion unserer Tage: 24 Holzstiche. Karl 

Rössing. Diez a. d. Lahn, 1947 √>/ Ehmcke, 

Fritz Helmut (Hg.): Karl Rössing: Das 

Illustrationswerk, dargestellt in 182 Holzstichen. 

Mit einer Bibliographie. München / 

Berlin / Dresden, 1963 √>/ Karl Rössing: die 

Linolschnitte. Mit einem vollständigen 

Werkkatalog 1939 –1974. Wien (A), 1974 √>/ 

Balzac, Honoré de: Jesus Christus in Flandern. 

Mit 12 Holzschnitten von Karl Rössing. 

Leipzig / Weimar, 1983 √>/ Eichhorn, Uli / 

Mair, Roswitha: Karl Rössing: eine Bibliographie 

des druckgraphischen Werkes bis 

1950 für Bücher, Zeitschriften und Kataloge. 

Rudolstadt, 1991 √>/ Mair, Roswitha: 

Eine Dokumentation zu Karl Rössing (1897– 

1987). Frankfurt a. M. / Berlin / Bern (CH) / 

New York (USA) / Paris (F) / Wien (A), 1994 

150 

Rössing wechselte nach 1949 zu einer Technik, 

die er >Clair-Obscur-Schnitt< nannte. 

Farbe setzte er anfangs noch sehr zurückhaltend 

ein. Auch der Holzstich wirkte noch 

einige Zeit technisch und motivisch beim Linolschnitt 

nach. Die frühen Schnitte wurden 

direkt nach der auf der Linolplatte realisierten 

Zeichnung ausgeführt. Erst später 

entwickelte er die Entwürfe aus der Komposition 

verschiedener Materialien und Techniken, 

mit Kreide, Tusche, Tempera und 

der Collage sowie mit wiederverwendeten 

Teilen früherer Drucke. Damit wandelte 

er sich zum >Maler-Graphiker/ Bernard Schultze. Im Labyrinth. 

Werke von 1940 –1980. Städtische Kunsthalle 

Düsseldorf, Akademie der Künste, Berlin 

(West), Frankfurter Kunstverein, Frankfurt 

a. M., Saarlandmuseum Saarbrücken, 

1980 /1981, Kat. √>/ Bernard Schultze. Das 

große Format. Arbeiten aus dem letzten 

Jahrzehnt. Museum Ludwig / Josef-Haubrich- 

Kunsthalle, Köln, Galleria Comunale d´Arte 

Moderna, Bologna (I), Szépmüveszeti 

Múzeum, Budapest (H), Kunsthalle Elzenveld, 

Antwerpen (NL), 1994, Kat. √>/ 

Tanz der Migofs. Bernard Schultze zum 90. 

Geburtstag. Museum Ostdeutsche Galerie, 

Regensburg, 2005 √>/ Bernard Schultze. 

Armenian Center for Contemporary 

Experimental Art, Eriwan (ARM), 2006 


Große Kunstausstellung. Haus der Kunst, 

München, 1951 √>/ International Watercolor 

Exhibition. 16 th Biennial. The Brooklyn 

Museum, New York (USA), 1951 √>/ 2 nd 

International Biennial of Contemporary Color 

Lithography. The Cincinnati Art Museum 

(USA),1952√>/Neuexpressionisten–Schultze, 

Kreutz, Götz. Zimmer Galerie Franck, Frankfurt 

a. M., 1952 √>/ Neue Darmstädter Sezession. 

Albertina, Wien (A), Studio Paul 

Facchette, Paris (F), 1954 √>/ documenta II. 

Kassel, 1959, Kat. √>/ documenta 6. Kassel, 

1977, Kat. √>/ Informel: Götz, Schultze, 

Hoehme. Museum am Ostwall, Dortmund, 

1980, Kat. √>/ [Collection 98]. GfZK, 


Literatur 

Staatliche Kunstsammlungen Baden-Baden 

(Hg.): Die Welt der Migofs – Bernard 

Schultze. Baden-Baden, 1974, Kat. √>/ Begegnung 

mit Bernard Schultze, Düsseldorf, 

1990, Kat. √>/ Gemäldegalerie Dresden 

(Hg.): Bernard Schultze. Im Labyrinth. 

Werke von 1947–1990. Dresden, 1991, Kat. 

√>/ Romain, Lothar / Wedewer, Rolf: Bernard 

Schultze. München, 1991 √>/ Klant, 

Michael / Zuschlag, Christoph (Hg.): Bernard 

Schultze – Pictor Poeta. Gedichte und 

Zeichnungen 1990 –1995. Stuttgart, 1995 

151 

1951 schuf Bernard Schultze erste informelle 

Bilder. Kurz darauf nahm er erstmals plastische 

Einklebungen und Einschmelzungen 

in den Bildergrund vor. Von 1956 bis 1964 

entstanden erste Reliefbilder. Das Werk rottänzerisch 

von 1955 /1956 malte er noch 

in dieser Zwischenphase traditionell in Öl auf 

Leinwand. Das damals Diskussionen und 

Erschrecken auslösende Gemälde Rosen- 

Geschwüre (1955) löst sich deutlicher 

aus der Fläche und kündigt klarer die morbide 

Tendenz der nachfolgenden Werke an, 

während rot-tänzerisch mit milchig-nebelhafter 

Atmosphäre eher Landschaftliches 

assoziiert. 

UA 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

rot-tänzerisch 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1955 /1956 


195 ≈ 145 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Schenkung an den Förderkreis vom Kulturkreis 

der deutschen Wirtschaft im BDI e. V. 

21. 11. 2006 

Emil Schumacher 

Hagen 1912 ◊ San José (E) 1999 

Emil Schumacher erhielt von 1932 bis 1935 

eine Ausbildung als Werbegrafiker an 

der Kunstgewerbeschule Dortmund. Ab 1935 

arbeitete er als freier Maler. Von 1935 bis 

1939 wurde er als technischer Zeichner in 

einem Hagener Rüstungsbetrieb dienstverpflichtet. 

Im Jahre 1947 gründete er gemeinsam 

mit anderen KünstlerInnen den 

Künstler- und Ausstellungsverein junger 

westen, dessen erster Präsident er war. Seit 

Mitte der 1950 er Jahre galt er international 

als einer der renommiertesten Vertreter des 

Informel und wurde mit zahlreichen Preisen 

geehrt, z. B. dem Guggenheim-Award 

New York 1958 und dem Großen Kunstpreis 

des Landes Nordrhein-Westfalen 1963. 

Er wurde 1982 Mitglied des Ordens Pour le 

Mèrite für Wissenschaften und Künste. 

Der Künstler hatte von 1958 bis 1960 mehrere 

Professuren an der Hochschule für 

bildende Künste in Hamburg, von 1966 bis 

1977 an der Staatlichen Akademie der 

Bildenden Künste Karlsruhe sowie Gastprofessuren 

an der Minneapolis School of Art 

(USA) von 1967 bis 1968 und in Como (I) an 

der Fondazione Ratti 1991 inne. Er war 

seit 1968 Mitglied der Akademie der Künste 

Berlin (West). 

Emil Schumacher gehört zu jener Generation 

deutscher KünstlerInnen, deren künstlerische 

Arbeit durch den Zweiten Weltkrieg eine 

entscheidende Zäsur erfuhr. Er wandte 

sich von seiner figurativen, an der Neuen 

Sachlichkeit orientierten Handschrift ab. 

Struktur, Rhythmus, Fläche und Linie konstituierten 

nun das Bild. Schumacher begründete 

damit den abstrakten Stil des Informel 

in Deutschland. Ab 1967 veränderte 

sich seine Bildsprache. Der Bogen wurde zur 

bildbeherrschenden Form. Rhomben 

und Rechtecke erinnern an Architektonisches.

152 √>/ 153 √>/ 154 √>/ 

K. R. H. Sonderborg √>l Heinz Trökes √>l Hans Uhlmann √>l 

Eine immer wieder zitierte Horizontlinie verweist 

auf Landschaft. In seinem Spätwerk 

finden sich archaische, figurative Bildelemente, 

Pferde, menschliche Figuren, 

Wagen und Räder. 


Emil Schumacher. Westfälischer Kunstverein, 

Münster, 1962 √>/ Emil Schumacher. 

Arbeiten auf Papier. Kunsthalle Darmstadt, 

1983 √>/ Emil Schumacher – Ein Künstler 

und seine Stadt. Karl Ernst Osthaus-Museum, 

Hagen, 1997, Kat. √>/ Emil Schumacher. 

Staatliche Kunstsammlungen, Dresden, 

1997, Kat. √>/ Emil Schumacher. Retrospektive. 

Galerie National du Jeu de Paume, 

Paris (F), 1997 √>/ Emil Schumacher. Letzte 

Bilder 1997–1999. Heidelberger Kunstverein, 

2000, Kat. √>/ Emil Schumacher. Werke 

aus sieben Jahrzehnten. Kunsthalle 

Emden, 2001, Kat. 


29. Biennale di Venezia. Venedig (I), 1958, 

Kat. √>/ documenta II. Kassel, 1959, Kat. √>/ 

documenta III. Kassel, 1964, Kat. √>/ dokumenta 

6. Kassel, 1977, Kat. √>/ Deutschlandbilder. 

Martin-Gropius-Bau, Berlin, 1997 

√>/ [Collection 98]. GfZK, Leipzig, 1998 

√>/ Von Richter bis Scheibitz. Kunstmuseum, 

Winterthur (CH), 2006 

Literatur 

Sylvanus, Erwin: Emil Schumacher. Recklinghausen, 

1959 √>/ Klant, Michael / Zuschlag, 

Christoph: Emil Schumacher im Gespräch. 

Der Erde näher als den Sternen. Stuttgart, 

1992 √>/ Kulturkreis der deutschen Wirtschaft 

im Bundesverband der Deutschen 

Industrie e. V. / GfZK Leipzig gGmbH / Förderkreis 

der Leipziger GfZK e. V. (Hg.): Umgewidmet. 

Bilder fördern Bilder. Köln / Leipzig, 

1996, Kat. √>/ Bourrée, Manfred (Hg.): 

Emil Schumacher. Materialien, Dokumente. 

Essen, 1997 √>/ Zimmermann, Axel (Hg.): 

Emil Schumacher und das Materialbild. München, 

1998, Kat. √>/ Assel, Marina von (Hg.): 

Emil Schumacher. Immer wieder male 

ich mein Bild: Unveröffentlichte Gouachen 

und Ölbilder aus den Jahren 1989 –1999. 

Bayreuth, 2002, Kat. 

152 

Schumacher definierte Farbe als Werk an 

sich. Sein Thema war der Vorgang des Malens 

selbst. Er betonte zeitweise durch reliefartigen 

Farbauftrag die Haptik seiner Arbeiten 

und bezeichnete diese Werke als >Tastobjekte/ K. R. H. Sonderborg: Tuschen. 

Galerie Gimpel, Hannover, 1965, 

Kat. √>/ K. R. H. Sonderborg. Stedelijk Van 

Abbemuseum, Eindhoven (NL), 1965, 

Kat. √>/ K. R. H. Sonderborg. Kunstforening, 

Oslo (N), 1972 √>/ K. R. H. Sonderborg. 

Ulmer Museum, 1977, Kat. √>/ K. R. H. Sonderborg: 

Arbeiten auf Papier schwarz / weiß. 

Staatsgalerie Stuttgart, 1985, Kat. √>/ 

K. R. H. Sonderborg. XPO Galerie, Hamburg, 

1985, Kat. √>/ K. R. H. Sonderborg. Werke 

1948 –1986. Saarlandmuseum Saarbrücken, 

1987, Kat. √>/ K. R. H. Sonderborg: Hans- 

Thoma-Preis 1989. Hans-Thoma-Museum, 

Bernau, 1989, Kat. √>/ K. R. H. Sonderborg. 

Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, 1993,Kat . 

√>/ K. R. H. Sonderborg. Stuttgarter Staatsgalerie, 

1987 √>/ K. R. H. Sonderborg. Maler 

ohne Atelier. Retrospektive. Kunsthalle 

Emden, 2003, Kat. 


aktiv-abstrakt. Neue Malerei in Deutschland. 

Städtische Galerie München, 1957, Kat. 

√>/ documenta II. Kassel, 1959, Kat. √>/ 

2. Internationale Biennale der Druckgraphik. 

Tokio (J), 1960 √>/ 7. Biennale Internacional 

de São Paulo. Museu de arte moderna, 

São Paulo (BR), 1963 √>/ 32. Biennale 

di Venezia. Venedig (I), 1964, Kat. √>/ documenta 

III. Kassel, 1964, Kat. √>/ K. R. H. 

Sonderborg + 24. Walter-Bischoff-Galerie, 

Stuttgart, 1991, Kat. √>/ Kunst des Informel. 

Malerei und Skulptur nach 1952. Lentos 

Kunstmuseum Linz (A), 1998, Kat. √>/ 

Hartung, Motherwell, Sonderborg, Vedova, 

Heiliger, Uhlmann, Paolozzi. Galerie 

Dube-Heynig, München, 2000 

Literatur 

Haftmann, Werner: Malerei im 20. Jahrhundert. 

München, 1954 √>/ Kölnischer Kunstverein 

(Hg.): K. O. Götz. K. R. H. Sonderborg. 

Köln, 1957, Kat. √>/ Reusch, Hermann 

u. a. (Hg.): Junge Künstler 1958 / 59. Köln, 1958 

√>/ Schmidt, Johann-Karl (Hg.): K. R. H. 

Sonderborg: Chicago series. Stuttgart, 1988, 

Kat. √>/ Baumeister, André (Hg.): K. R. H. 

Sonderborg. Phänotypen: 55 Tuschzeichnungen. 

Stuttgart, 1993, Kat. √>/ Bothner, 

Roland (Hg.): Action-Painting – das Ende 

der Malerei: K. R. H. Sonderborgs Chicago- 

Wabash-Serie. Heidelberg, 1999 

153 

Die Zeichnung und das Eitemperabild entstanden 

wahrscheinlich in Paris (F). Zwischen 

1957 und 1968 schuf K. R. H. Sonderborg 

zahlreiche Eitempera-Gemälde auf Fotokarton. 

Auf dem kräftigen, dichten und leicht 

strukturierten Karton konnte er mit seinen 

Werkzeugen die Farbe wischen und schieben. 

Im Gegensatz zu den Zeichnungen 

modellierte er hier die Farbmaterie und entwickelte 

die Kontraste von Dichte und 

Transparenz, Kontur und Dynamik zum Prinzip. 

Alles wurde kontrolliert, jede Geste war 

gesteuert, das Bild auf eine motivische Situation 

zugespitzt. Sonderborg übernahm 

Verfahren der Écriture Automatique. Aber bei 

seinen fast gegenständlichen Federzeichnungen 

konnte er nicht immer wieder ab- und 

wieder neu ansetzen. Durch Abschaben 

oder Abkleben von Linien wuchs ein partiturähnlicher 

Duktus. 

UA 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

6 . VI . 62, 16 . 53 –18 . 07 h 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1962 

Ei-Tempera auf Papier auf Leinwand 

108 ≈ 70 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Federzeichnung 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1963 

Tuschezeichnung auf Leinwand 

102 ≈ 73 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 



21. 11. 2006 

Heinz Trökes 

Hamborn / Rhein 1913 ∆ Berlin 1997 

Heinz Trökes besuchte zwischen 1932 

und 1933 die Kunstgewerbeschule in Krefeld 

und war von 1933 bis 1936 Schüler von 

Johannes Itten in Krefeld. Nach seiner ersten 

Einzelausstellung in der Berliner Galerie 

Nierendorf wurde er aus der nationalsozialistischen 

Reichskunstkammer ausgeschlossen 

und hatte bis 1945 keine Ausstellungsmöglichkeiten 

mehr. Trökes studierte 1940bei 

Georg Muche in Krefeld. Er gehörte 1945 

zu den Mitbegründern der Galerie Rosen in 

Berlin und war bis 1946 ihr künstlerischer 

Leiter. Von 1950 bis zu seiner Auswanderung 

nach Ibiza (E) 1951 hielt er sich in Paris (F) 

auf. Trökes schloss sich der Rixes-Gruppe an. 

Sie bot mit der gleichnamigen Zeitschrift 

eine Plattform für KünstlerInnen, die auf 

der Linie des Surrealismus oder der lyrischen 

Abstraktion nach neuen Ausdrucksformen 

suchten. Er hatte Kontakt zur Gruppe 

der Surrealisten um André Breton. Nach seiner 

Berufung an die Hochschule der bildenden 

Künste Berlin 1965 kehrte Trökes 

nach Berlin zurück. 

Heinz Trökes verarbeitete Elemente des 

Informel und der Abstraktion und erfand seine 

Formensprache über Jahrzehnte immer 

wieder neu. Ab 1950 verlor sich alles Narrative 

aus seinen Arbeiten. In Paris (F) wandte 

er sich von der raumillusionistischen Darstellungsweise 

ab und entdeckte das Malerische. 

Seine Bilder wurden nun Kompositionen 

von großer farblicher Intensität. 

Mosaikartige Flächen tauchten erstmals auf, 

die dann in den Inselbildern mit seinem 

Formenvokabular weiterentwickelt wurden. 

Sein surreales Frühwerk wurde durch 

Farbabstraktionen der Pariser Jahre und 

schließlich von den strahlenden Lichtgeweben 

seiner Inselbilder von Ibiza (E) und 

Griechenland abgelöst. 


Heinz Trökes. Maison de France, Berlin 

(West), 1951 √>/ Heinz Trökes. Kunstverein, 

Hamburg, 1956 √>/ Heinz Trökes. Galerie 

Springer, Berlin (West), 1958 √>/ Heinz Trökes. 

Museo de Arte Moderna, Rio de 

Janeiro (BR), 1966 √>/ Heinz Trökes. Wilhelm- 

Lehmbruck-Museum, Duisburg, 1980 √>/ 

Heinz Trökes. Staatliche Museen zu Berlin, 

1995, Kat. √>/ Heinz Trökes. Germanisches 

Nationalmuseum, Nürnberg, 2003 √>/ 

Heinz Trökes. Neues Museum Weimar, 

2003 / 2004 √>/ Heinz Trökes. Haus am Waldsee, 

Berlin, 2004 


L’ Art Allemand Moderne. Deutsche Kunst 

der Gegenwart. Baden-Baden, 1947 √>/ 

Kunst in Deutschland 1930 –1949. Zürich 

(CH), 1949 √>/ duitse kunst na 1945. Stedelijk-Museum 

Amsterdam (NL), 1954 √>/ 

documenta. Kassel, 1955, Kat. √>/ 29. Biennale 


√>/ documenta II. Kassel, 1959, Kat. √>/ documenta 

III. Kassel, 1964, Kat. √>/ Kunst in 

der Bundesrepublik Deutschland 1945 – 

1985. Nationalgalerie Berlin (West), 1985 

Literatur 

Württembergischer Kunstverein (Hg.): 

Heinz Trökes. Stuttgart, 1964, Kat. √>/ Heinz 

Trökes. Galerie Christoph Dürr, München, 

1977, Kat. √>/ Akademie der Künste, Berlin 

(West) (Hg.): Heinz Trökes. Berlin, 1979 /1980, 

Kat. √>/ Neue Nationalgalerie Berlin (Hg.): 

Heinz Trökes. Berlin, 1983, Kat. √>/ Heinz 

Trökes zum 75. Geburtstag: frühe und späte 

Bilder. Berlin, 1988, Kat. √>/ Galerie Utermann 

(Hg.): Heinz Trökes. Dortmund, 1998, 

Kat. √>/ Andrian-Werburg, Irmtraud 

Freifrau von: Heinz Trökes. Werke und Dokumente. 

Nürnberg, 2003, Kat. √>/ Krause, 

Markus: Trökes. Werkverzeichnis. München / 

Berlin / London (GB) / New York 

(USA), 2003 

154 

Andere Kultur (1954) entstand auf Ibiza (E). 

Die Arbeit gehört zu einer Werkgruppe, 

in der Heinz Trökes auf Kultisch-Mythisches 

anspielt. Auf einem changierenden Hintergrund, 

der an flirrende Mittagshitze erinnert, 

setzte er lineare Chiffren. Die Linien sind 

farbig differenziert. Skripturale Zeichen ziehen 

sich als roter Faden durch sein Gesamtwerk. 

Das Thema der fremden Kultur begleitete 

Trökes bis in die 1960 er Jahre. Seine 

Neugier und Reiselust sowie seine Erfahrungen 

mit dem Fremden sind diesen 

Werken eingeschrieben. 

UA 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

Andere Kultur 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 

1954 


79 ≈ 102 cm 

–––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––– 



21. 11. 2006 

Hans Uhlmann 

Berlin 1900 ∆ Berlin 1975 

Hans Uhlmann absolvierte ein Maschinenbaustudium, 

wandte sich aber ab 1925 

der Bildhauerei zu. Er stellte erstmals 

1930 in der Galerie Gurlitt in Berlin geometrische 

Köpfe aus. 1932 entdeckte Uhlmann 

Draht als Material für Plastiken. Im Oktober 

1933 wurde er beim Verteilen antifaschistischer 

Flugblätter verhaftet und wegen >Vorbereitung 

zum Hochverrat< bis 1935 inhaftiert. 

Seine Arbeiten galten als entartet 

und wurden aus öffentlichen Sammlungen 

entfernt. Nach dem Krieg zählte 

Uhlmann zum Kreis der Berliner Fantasten,

Raum 201 - GFZK Leipzig

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