Raum 201 - GFZK Leipzig
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001 √>l 002 √>l<br />
Hartwig Ebersbach √>l Hubertus Giebe √>l Friedrich B. Henkel √>l<br />
Hartwig Ebersbach<br />
Zwickau 1940, lebt in <strong>Leipzig</strong><br />
Hartwig Ebersbach studierte von 1961 bis<br />
1964 an der Hochschule für Grafik und<br />
Buchkunst <strong>Leipzig</strong> bei Bernhard Heisig in der<br />
neu eröffneten Fachklasse für Malerei.<br />
Zwischen 1965 und 1979 war er nebenbei<br />
als Messe- und Ausstellungsgestalter<br />
tätig. Ebersbach nahm 1979 das Angebot zur<br />
Gründung einer Experimentalklasse an<br />
der Hochschule für Grafik und Buchkunst<br />
<strong>Leipzig</strong> an. Von 1981 bis 1983 gehörte<br />
Ebersbach zur experimentellen Gruppe 37,2,<br />
die Erfahrungen mit psychodramatischen<br />
Praktiken machte und Kunst als unmittelbare<br />
Produktivkraft zu definieren versuchte.<br />
Da sein experimenteller Unterricht an der<br />
HGB nicht weiterbestehen konnte, kündigte<br />
er 1983 seine Lehrtätigkeit. 2005 und<br />
2006 reiste er nach China und verarbeitete<br />
seine Eindrücke in großformatigen Gemälden.<br />
Ebersbach ist Gründungsmitglied<br />
der Freien Akademie der Künste zu <strong>Leipzig</strong>,<br />
der Sächsischen Akademie der Künste<br />
Dresden und der Akademie der Künste Berlin-<br />
Brandenburg.<br />
In den 1970er Jahren entwickelte Hartwig<br />
Ebersbach eine Tendenz zur genreübergreifenden<br />
Aktionskunst und zum gestalteten<br />
<strong>Raum</strong> als Medium. Seit 1974 erweiterte<br />
er seine Bildkompositionen zu Bildobjekten.<br />
Die Experimentalklasse der HGB unter<br />
seiner Leitung wurde zum Labor neuer produktions-<br />
und rezeptionsästhetischer Ideen;<br />
bildende KünstlerInnen arbeiteten mit<br />
MusikerInnen und KomponistInnen zusammen.<br />
Im Zuge dessen hob sich die Frage<br />
nach Realismus und Abstraktion in einer Diskussion<br />
um neue, konzeptionelle Strukturen<br />
der Kunst auf. Das klassische Tafelbild<br />
wurde generell in Frage gestellt. Ebersbach<br />
hatte dieses bereits einer ästhetischen<br />
Erweiterung in die dritte Dimension unterzogen.<br />
In der Malerei chiffrierte Ebersbach<br />
seine Bildthemen mit Motiven der christlichen<br />
und antiken Mythologie, die er zu einer<br />
privatmythologischen Ikonografie<br />
umdeutete.<br />
Einzelausstellungen<br />
Hartwig Ebersbach – Malerei. Lindenau-<br />
Museum, Altenburg, 1982, Kat. √>l Hartwig<br />
Ebersbach. Gemälde. Installationen. Plastiken.<br />
Museum der bildenden Künste<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1996, Kat. √>l Hartwig Ebersbach.<br />
Lindenau-Museum, Altenburg, Städtisches<br />
Museum Zwickau, 2001, Museum<br />
der Stadt Ratingen, 2002, Kat. √>l Hartwig<br />
Ebersbach. Kunstmuseum Kloster Unser<br />
Lieben Frauen, Magdeburg, 2002, Kat.<br />
√>l Hartwig Ebersbach. ABSOLUT KASPAR.<br />
Städtisches Kunstmuseum Spendhaus,<br />
Reutlingen, 2006, Kat.<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
7. Kunstausstellung des VBKD, Bezirk<br />
<strong>Leipzig</strong>. <strong>Leipzig</strong>, 1965, Kat. √>l Peintre et Gravure<br />
en Republique Democratique Allemande.<br />
Musée d’Art Moderne de la Ville Paris<br />
(F), 1981, Kat. √>l Zeitvergleich. Malerei<br />
und Grafik aus der DDR. Hamburger Kunstverein,<br />
Württembergischer Kunstverein<br />
Stuttgart, Städtische Kunsthalle Düsseldorf,<br />
Lenbachhaus München, Städtische Kunsthalle<br />
Nürnberg, Kunstverein Hannover,<br />
1982 /1983, Kat. √>l Tradition and Renewal.<br />
Museum of Modern Art Oxford (GB), Herbert<br />
Art Gallery, Coventry (GB), The Hatton<br />
Art Gallery, Newcastle (GB), The Barbican<br />
Gallery, London (GB), 1983, Kat. √>l<br />
X. Kunstausstellung der DDR. Dresden,<br />
1987/1988, Kat. √>l Zeitzeichen. Malerei und<br />
Grafik aus der DDR. Seibu Kunstmuseum<br />
Tokio (J), Kunstmuseum Nagano (J), Präfektur<br />
Kumamoto (J), Kunstmuseum Hakodate<br />
(J), Museum der Modernen Kunst Kamakura<br />
(J), Hyogo-Präfekturmuseum Kobe (J),<br />
1990, Kat. √>l Zone D – Innenraum. GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1991, Kat. √>l Kunst in der DDR.<br />
Neue Nationalgalerie, Berlin, 2003, Kunstund<br />
Ausstellungshalle der BRD,<br />
Bonn, 2004, Kat.<br />
Literatur<br />
Gierig, Timm: Hartwig Ebersbach. Malerei.<br />
Frankfurt a. M., 1986 √>l Guratzsch, Herwig<br />
(Hg.): Hartwig Ebersbach. Gemälde,<br />
Installation, Plastiken. Ostfildern-Ruit, 1996 √>l<br />
Bielefelder Kunstverein (Hg.): Hartwig<br />
Ebersbach. HARUSPEX. Der Eingeweide<br />
Schauer. Bielefeld, 2001, Kat.<br />
001<br />
Hartwig Ebersbachs Zusammenarbeit mit<br />
dem Komponisten Friedrich Schenker<br />
begann 1978. Schenker lud Ebersbach zu<br />
einem gemeinsamen Projekt ein. 1979<br />
komponierte Schenker im Auftrag der <strong>Leipzig</strong>er<br />
Gruppe Neue Musik Hans Eisler<br />
die Musik zu einem szenischen Stück, dem<br />
Kammerspiel II – missa nigra. Ebersbach -<br />
gestaltete die Bühnenentwürfe, Kostüme,<br />
Masken und beteiligte sich aktiv an den Aufführungen.<br />
Die Mediencollage deutete die<br />
Form der Schwarzen Messe zum politischen<br />
Protest um. Anlass war der geplante Bau<br />
der Neutronenbombe. Ebersbach bezeichnete<br />
diese Fragmentfahnen als >Spurensicherung<br />
in der Form einer Collagel<br />
Kunst in der Akademie – Grafiken und frühe<br />
Blätter zu Heiner Müller und Günter Grass.<br />
Akademie der Wissenschaften und der Literatur,<br />
Mainz, 1997 √>l Geschichtsbilder.<br />
Memorial. Gedenkstätte des Landes Rheinland-Pfalz<br />
im ehemaligen KZ Osthofen, 1999<br />
√>l Hubertus Giebe. Retrospektive. Landesmuseum<br />
für Kunst und Kulturgeschichte Oldenburg,<br />
2003 √>l Hubertus Giebe. Günter-<br />
Grass-Haus, Lübeck, 2005<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Europäische Triennale der Radierkunst.<br />
Dresden / Grado (I), 1981 √>l V. Triennale India.<br />
Lalit Kala Akademi, Neu Dehli (IND), 1982<br />
√>l Tradition and Renewal. Museum of<br />
Modern Art Oxford (GB), Herbert Art Gallery<br />
Coventry (GB), The Hatton Art Gallery, Newcastle<br />
(GB), The Barbican Gallery, London<br />
(GB),1983, Kat. √>l Durchblick II. Sammlung<br />
Ludwig, Oberhausen, 1986 √>l Arte Contemporaneo<br />
de la R. D. A. Madrid (E), 1988 √>l<br />
Chicago International Art Exhibition. Chicago<br />
(USA), 1990 √>l 44. Biennale di Venezia,<br />
Venedig (I), 1990, Kat. √>l Von der Teilung<br />
bis zur Wiedervereinigung – 40 Jahre Kunst<br />
in Deutschland aus der Sammlung Ludwig.<br />
Musée National d’Histoire et d’Art Luxembourg<br />
(L), 1992 √>l Kunst in der DDR.<br />
Neue Nationalgalerie, Berlin, 2003, Kunstund<br />
Ausstellungshalle der BRD, Bonn,<br />
2004, Kat.<br />
Literatur<br />
Galerie Schmidt-Rottluff (Hg.): Hubertus<br />
Giebe, Johannes Heisig, Walter Libuda. Karl-<br />
Marx-Stadt / Chemnitz, 1984, Kat. √>l<br />
Grosse, Alexandra / Rossner, Bernd: Die<br />
Hochschule für Bildende Künste Dresden.<br />
Malerei, Grafik, Plastik von Professoren,<br />
Dozenten und Assistenten. Stuttgart, 1990,<br />
Kat. √>l Giebe, Hubertus (Hg.): Handzeichnungen<br />
1973 – 1993. Dresden, 1993,<br />
Kat. √>l Weise, Bernd (Hg.): Hubertus<br />
Giebe. Malerei 1974 –1997. Mainz, 1998, Kat.<br />
√>l Makarinus, Jörg: Hubertus Giebe.<br />
Dresden, 2003, Kat.<br />
www.giebe.info<br />
002<br />
Die Gesamtkomposition von Requiem<br />
entwickelt sich aus der Kreuzform. Ins Zentrum<br />
setzte Giebe einen Zwerg im Anzug mit<br />
einem übergroßen Christuskopf. Er spielt hier<br />
auf das Motiv des Ecce homo an. Flankiert<br />
wird Christus von einem weiblichen Akt rechts<br />
und einem grinsenden Totenkopf links, die<br />
als Verkörperungen von Wollust und Tod lesbar<br />
sind. In seiner beängstigend anmutenden<br />
Dichte, starken Farbigkeit und dem ungewöhnlichen<br />
Umgang mit einem christlichen<br />
Bildthema erinnert das Werk an James Ensors<br />
Gemälde Christi Einzug in Brüssel. Die<br />
einzelnen Figuren lassen Bezüge zu Grass zu,<br />
insbesondere mit der Hauptfigur Oskar<br />
Matzerath in Die Blechtrommel. Dort gibt<br />
es den Motivkreis des Oskars als alternativen<br />
Jesus. Giebe liest mit Requiem eine<br />
Totenmesse für einen Jesus, dessen Bild<br />
als Erlöser ihm fragwürdig scheint. Sein<br />
Christus ist nicht schön in seinem Leid, sondern<br />
ein missgestalteter Jedermann, dem<br />
eine Maskerade gequälter Menschen folgt,<br />
einer, der es einem nicht leicht macht,<br />
an ihn zu glauben.<br />
UA<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Requiem<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1982<br />
Öl auf Leinwand<br />
97 ≈ 114,5 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis<br />
vom Zentrum für Kunstausstellungen<br />
der DDR<br />
13. 12. 1990<br />
Friedrich B. Henkel<br />
Zella / Rhön 1936, lebt in Berlin<br />
Friedrich B. Henkel durchlief von 1950 bis<br />
1952 eine Holzbildhauerlehre, studierte von<br />
1953 bis 1956 an der Fachschule für angewandte<br />
Kunst <strong>Leipzig</strong> und von 1956 bis 1958<br />
an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee<br />
bei Theo Balden und Waldemar Grzimek.<br />
Bei letzterem war er bis 1959 Mitarbeiter. Von<br />
1960 bis 1965 arbeitete Henkel als Architekt<br />
im Spielfilmstudio der DEFA in Potsdam-<br />
Babelsberg. Von 1966 bis 1969 war er Meisterschüler<br />
bei Fritz Cremer und bis 1970<br />
Assistent an der Kunsthochschule in Berlin-<br />
Weißensee. Seitdem ist er freischaffend<br />
in Berlin und Biesenthal bei Bernau tätig, von<br />
1978 bis 1979 mit einem Lehrauftrag an<br />
der Kunsthochschule in Berlin-Weißensee.<br />
1976 erhielt er den Kunstpreis der DDR.<br />
Bei Friedrich B. Henkel sind Menschen,<br />
Gruppen und Landschaften oft auf sparsame,<br />
geschlossene Volumen reduziert. Trotz starker<br />
Abstrahierungen immer gegenständlich<br />
bleibend, wirken seine Figurationen zurückgenommen<br />
und auf die Intimität und<br />
Konzentration intensiver persönlicher Rezeption<br />
gerichtet. Neben Zeichnungen, Radierungen<br />
und Materialcollagen arbeitet er vor<br />
allem mit Bronzeplastiken. Gebäude, Bäume<br />
und andere Landschaftselemente sowie<br />
Relikte menschlicher kultureller Äußerungen<br />
und Personen ordnen sich streng und Stillleben<br />
ähnlich in Reliefs ein. Henkel verarbeitet<br />
Eindrücke italienischer, georgischer und<br />
rumänischer Landschaften. Wichtig sind<br />
die Antike und ihre Rezeption in der deutschen<br />
Aufklärung bzw. Klassik und künstlerische<br />
Traditionen abseits der offiziellen Kulturpolitik<br />
der DDR, die Klassische Moderne und besonders<br />
Giorgio de Chirico.<br />
Einzelausstellungen<br />
Friedrich B. Henkel. Plastik und Graphik aus<br />
den Jahren 1956 –1980. Winckelmann-<br />
Gesellschaft Stendal, 1983 √>l Friedrich B.<br />
Henkel. Italienische Reise. Reiseskizzen,<br />
Zeichnungen, Collagen, Skulpturen, Reliefs,<br />
Skizzen und Entwürfe zur Winckelmann-<br />
Ehrung. Winckelmann-Museum Stendal,1989<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
VIII. Kunstausstellung der DDR. Dresden,<br />
1977/1978, Kat. √>l IX. Kunstausstellung der<br />
DDR. Dresden, 1982 /1983, Kat. √>l X. Kunstausstellung<br />
der DDR. Dresden, 1987/1988,<br />
Kat. √>l Zone D – Innenraum. Förderkreis der<br />
GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1991, Kat. √>l Die Sammlung<br />
als Labor XII. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 2003<br />
Literatur<br />
Schumann, Henry: Ateliergespräche. <strong>Leipzig</strong>,<br />
1976 √>l Lang, Lothar: Malerei und Graphik<br />
in der DDR. <strong>Leipzig</strong>, 1978 / Malerei und Graphik
001 √>l 002 √>l<br />
Hartwig Ebersbach √>l Hubertus Giebe √>l Friedrich B. Henkel √>l<br />
Hartwig Ebersbach<br />
Zwickau 1940, lebt in <strong>Leipzig</strong><br />
Hartwig Ebersbach studierte von 1961 bis<br />
1964 an der Hochschule für Grafik und<br />
Buchkunst <strong>Leipzig</strong> bei Bernhard Heisig in der<br />
neu eröffneten Fachklasse für Malerei.<br />
Zwischen 1965 und 1979 war er nebenbei<br />
als Messe- und Ausstellungsgestalter<br />
tätig. Ebersbach nahm 1979 das Angebot zur<br />
Gründung einer Experimentalklasse an<br />
der Hochschule für Grafik und Buchkunst<br />
<strong>Leipzig</strong> an. Von 1981 bis 1983 gehörte<br />
Ebersbach zur experimentellen Gruppe 37,2,<br />
die Erfahrungen mit psychodramatischen<br />
Praktiken machte und Kunst als unmittelbare<br />
Produktivkraft zu definieren versuchte.<br />
Da sein experimenteller Unterricht an der<br />
HGB nicht weiterbestehen konnte, kündigte<br />
er 1983 seine Lehrtätigkeit. 2005 und<br />
2006 reiste er nach China und verarbeitete<br />
seine Eindrücke in großformatigen Gemälden.<br />
Ebersbach ist Gründungsmitglied<br />
der Freien Akademie der Künste zu <strong>Leipzig</strong>,<br />
der Sächsischen Akademie der Künste<br />
Dresden und der Akademie der Künste Berlin-<br />
Brandenburg.<br />
In den 1970er Jahren entwickelte Hartwig<br />
Ebersbach eine Tendenz zur genreübergreifenden<br />
Aktionskunst und zum gestalteten<br />
<strong>Raum</strong> als Medium. Seit 1974 erweiterte<br />
er seine Bildkompositionen zu Bildobjekten.<br />
Die Experimentalklasse der HGB unter<br />
seiner Leitung wurde zum Labor neuer produktions-<br />
und rezeptionsästhetischer Ideen;<br />
bildende KünstlerInnen arbeiteten mit<br />
MusikerInnen und KomponistInnen zusammen.<br />
Im Zuge dessen hob sich die Frage<br />
nach Realismus und Abstraktion in einer Diskussion<br />
um neue, konzeptionelle Strukturen<br />
der Kunst auf. Das klassische Tafelbild<br />
wurde generell in Frage gestellt. Ebersbach<br />
hatte dieses bereits einer ästhetischen<br />
Erweiterung in die dritte Dimension unterzogen.<br />
In der Malerei chiffrierte Ebersbach<br />
seine Bildthemen mit Motiven der christlichen<br />
und antiken Mythologie, die er zu einer<br />
privatmythologischen Ikonografie<br />
umdeutete.<br />
Einzelausstellungen<br />
Hartwig Ebersbach – Malerei. Lindenau-<br />
Museum, Altenburg, 1982, Kat. √>l Hartwig<br />
Ebersbach. Gemälde. Installationen. Plastiken.<br />
Museum der bildenden Künste<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1996, Kat. √>l Hartwig Ebersbach.<br />
Lindenau-Museum, Altenburg, Städtisches<br />
Museum Zwickau, 2001, Museum<br />
der Stadt Ratingen, 2002, Kat. √>l Hartwig<br />
Ebersbach. Kunstmuseum Kloster Unser<br />
Lieben Frauen, Magdeburg, 2002, Kat.<br />
√>l Hartwig Ebersbach. ABSOLUT KASPAR.<br />
Städtisches Kunstmuseum Spendhaus,<br />
Reutlingen, 2006, Kat.<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
7. Kunstausstellung des VBKD, Bezirk<br />
<strong>Leipzig</strong>. <strong>Leipzig</strong>, 1965, Kat. √>l Peintre et Gravure<br />
en Republique Democratique Allemande.<br />
Musée d’Art Moderne de la Ville Paris<br />
(F), 1981, Kat. √>l Zeitvergleich. Malerei<br />
und Grafik aus der DDR. Hamburger Kunstverein,<br />
Württembergischer Kunstverein<br />
Stuttgart, Städtische Kunsthalle Düsseldorf,<br />
Lenbachhaus München, Städtische Kunsthalle<br />
Nürnberg, Kunstverein Hannover,<br />
1982 /1983, Kat. √>l Tradition and Renewal.<br />
Museum of Modern Art Oxford (GB), Herbert<br />
Art Gallery, Coventry (GB), The Hatton<br />
Art Gallery, Newcastle (GB), The Barbican<br />
Gallery, London (GB), 1983, Kat. √>l<br />
X. Kunstausstellung der DDR. Dresden,<br />
1987/1988, Kat. √>l Zeitzeichen. Malerei und<br />
Grafik aus der DDR. Seibu Kunstmuseum<br />
Tokio (J), Kunstmuseum Nagano (J), Präfektur<br />
Kumamoto (J), Kunstmuseum Hakodate<br />
(J), Museum der Modernen Kunst Kamakura<br />
(J), Hyogo-Präfekturmuseum Kobe (J),<br />
1990, Kat. √>l Zone D – Innenraum. GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1991, Kat. √>l Kunst in der DDR.<br />
Neue Nationalgalerie, Berlin, 2003, Kunstund<br />
Ausstellungshalle der BRD,<br />
Bonn, 2004, Kat.<br />
Literatur<br />
Gierig, Timm: Hartwig Ebersbach. Malerei.<br />
Frankfurt a. M., 1986 √>l Guratzsch, Herwig<br />
(Hg.): Hartwig Ebersbach. Gemälde,<br />
Installation, Plastiken. Ostfildern-Ruit, 1996 √>l<br />
Bielefelder Kunstverein (Hg.): Hartwig<br />
Ebersbach. HARUSPEX. Der Eingeweide<br />
Schauer. Bielefeld, 2001, Kat.<br />
001<br />
Hartwig Ebersbachs Zusammenarbeit mit<br />
dem Komponisten Friedrich Schenker<br />
begann 1978. Schenker lud Ebersbach zu<br />
einem gemeinsamen Projekt ein. 1979<br />
komponierte Schenker im Auftrag der <strong>Leipzig</strong>er<br />
Gruppe Neue Musik Hans Eisler<br />
die Musik zu einem szenischen Stück, dem<br />
Kammerspiel II – missa nigra. Ebersbach -<br />
gestaltete die Bühnenentwürfe, Kostüme,<br />
Masken und beteiligte sich aktiv an den Aufführungen.<br />
Die Mediencollage deutete die<br />
Form der Schwarzen Messe zum politischen<br />
Protest um. Anlass war der geplante Bau<br />
der Neutronenbombe. Ebersbach bezeichnete<br />
diese Fragmentfahnen als >Spurensicherung<br />
in der Form einer Collagel<br />
Kunst in der Akademie – Grafiken und frühe<br />
Blätter zu Heiner Müller und Günter Grass.<br />
Akademie der Wissenschaften und der Literatur,<br />
Mainz, 1997 √>l Geschichtsbilder.<br />
Memorial. Gedenkstätte des Landes Rheinland-Pfalz<br />
im ehemaligen KZ Osthofen, 1999<br />
√>l Hubertus Giebe. Retrospektive. Landesmuseum<br />
für Kunst und Kulturgeschichte Oldenburg,<br />
2003 √>l Hubertus Giebe. Günter-<br />
Grass-Haus, Lübeck, 2005<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Europäische Triennale der Radierkunst.<br />
Dresden / Grado (I), 1981 √>l V. Triennale India.<br />
Lalit Kala Akademi, Neu Dehli (IND), 1982<br />
√>l Tradition and Renewal. Museum of<br />
Modern Art Oxford (GB), Herbert Art Gallery<br />
Coventry (GB), The Hatton Art Gallery, Newcastle<br />
(GB), The Barbican Gallery, London<br />
(GB),1983, Kat. √>l Durchblick II. Sammlung<br />
Ludwig, Oberhausen, 1986 √>l Arte Contemporaneo<br />
de la R. D. A. Madrid (E), 1988 √>l<br />
Chicago International Art Exhibition. Chicago<br />
(USA), 1990 √>l 44. Biennale di Venezia,<br />
Venedig (I), 1990, Kat. √>l Von der Teilung<br />
bis zur Wiedervereinigung – 40 Jahre Kunst<br />
in Deutschland aus der Sammlung Ludwig.<br />
Musée National d’Histoire et d’Art Luxembourg<br />
(L), 1992 √>l Kunst in der DDR.<br />
Neue Nationalgalerie, Berlin, 2003, Kunstund<br />
Ausstellungshalle der BRD, Bonn,<br />
2004, Kat.<br />
Literatur<br />
Galerie Schmidt-Rottluff (Hg.): Hubertus<br />
Giebe, Johannes Heisig, Walter Libuda. Karl-<br />
Marx-Stadt / Chemnitz, 1984, Kat. √>l<br />
Grosse, Alexandra / Rossner, Bernd: Die<br />
Hochschule für Bildende Künste Dresden.<br />
Malerei, Grafik, Plastik von Professoren,<br />
Dozenten und Assistenten. Stuttgart, 1990,<br />
Kat. √>l Giebe, Hubertus (Hg.): Handzeichnungen<br />
1973 – 1993. Dresden, 1993,<br />
Kat. √>l Weise, Bernd (Hg.): Hubertus<br />
Giebe. Malerei 1974 –1997. Mainz, 1998, Kat.<br />
√>l Makarinus, Jörg: Hubertus Giebe.<br />
Dresden, 2003, Kat.<br />
www.giebe.info<br />
002<br />
Die Gesamtkomposition von Requiem<br />
entwickelt sich aus der Kreuzform. Ins Zentrum<br />
setzte Giebe einen Zwerg im Anzug mit<br />
einem übergroßen Christuskopf. Er spielt hier<br />
auf das Motiv des Ecce homo an. Flankiert<br />
wird Christus von einem weiblichen Akt rechts<br />
und einem grinsenden Totenkopf links, die<br />
als Verkörperungen von Wollust und Tod lesbar<br />
sind. In seiner beängstigend anmutenden<br />
Dichte, starken Farbigkeit und dem ungewöhnlichen<br />
Umgang mit einem christlichen<br />
Bildthema erinnert das Werk an James Ensors<br />
Gemälde Christi Einzug in Brüssel. Die<br />
einzelnen Figuren lassen Bezüge zu Grass zu,<br />
insbesondere mit der Hauptfigur Oskar<br />
Matzerath in Die Blechtrommel. Dort gibt<br />
es den Motivkreis des Oskars als alternativen<br />
Jesus. Giebe liest mit Requiem eine<br />
Totenmesse für einen Jesus, dessen Bild<br />
als Erlöser ihm fragwürdig scheint. Sein<br />
Christus ist nicht schön in seinem Leid, sondern<br />
ein missgestalteter Jedermann, dem<br />
eine Maskerade gequälter Menschen folgt,<br />
einer, der es einem nicht leicht macht,<br />
an ihn zu glauben.<br />
UA<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Requiem<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1982<br />
Öl auf Leinwand<br />
97 ≈ 114,5 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis<br />
vom Zentrum für Kunstausstellungen<br />
der DDR<br />
13. 12. 1990<br />
Friedrich B. Henkel<br />
Zella / Rhön 1936, lebt in Berlin<br />
Friedrich B. Henkel durchlief von 1950 bis<br />
1952 eine Holzbildhauerlehre, studierte von<br />
1953 bis 1956 an der Fachschule für angewandte<br />
Kunst <strong>Leipzig</strong> und von 1956 bis 1958<br />
an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee<br />
bei Theo Balden und Waldemar Grzimek.<br />
Bei letzterem war er bis 1959 Mitarbeiter. Von<br />
1960 bis 1965 arbeitete Henkel als Architekt<br />
im Spielfilmstudio der DEFA in Potsdam-<br />
Babelsberg. Von 1966 bis 1969 war er Meisterschüler<br />
bei Fritz Cremer und bis 1970<br />
Assistent an der Kunsthochschule in Berlin-<br />
Weißensee. Seitdem ist er freischaffend<br />
in Berlin und Biesenthal bei Bernau tätig, von<br />
1978 bis 1979 mit einem Lehrauftrag an<br />
der Kunsthochschule in Berlin-Weißensee.<br />
1976 erhielt er den Kunstpreis der DDR.<br />
Bei Friedrich B. Henkel sind Menschen,<br />
Gruppen und Landschaften oft auf sparsame,<br />
geschlossene Volumen reduziert. Trotz starker<br />
Abstrahierungen immer gegenständlich<br />
bleibend, wirken seine Figurationen zurückgenommen<br />
und auf die Intimität und<br />
Konzentration intensiver persönlicher Rezeption<br />
gerichtet. Neben Zeichnungen, Radierungen<br />
und Materialcollagen arbeitet er vor<br />
allem mit Bronzeplastiken. Gebäude, Bäume<br />
und andere Landschaftselemente sowie<br />
Relikte menschlicher kultureller Äußerungen<br />
und Personen ordnen sich streng und Stillleben<br />
ähnlich in Reliefs ein. Henkel verarbeitet<br />
Eindrücke italienischer, georgischer und<br />
rumänischer Landschaften. Wichtig sind<br />
die Antike und ihre Rezeption in der deutschen<br />
Aufklärung bzw. Klassik und künstlerische<br />
Traditionen abseits der offiziellen Kulturpolitik<br />
der DDR, die Klassische Moderne und besonders<br />
Giorgio de Chirico.<br />
Einzelausstellungen<br />
Friedrich B. Henkel. Plastik und Graphik aus<br />
den Jahren 1956 –1980. Winckelmann-<br />
Gesellschaft Stendal, 1983 √>l Friedrich B.<br />
Henkel. Italienische Reise. Reiseskizzen,<br />
Zeichnungen, Collagen, Skulpturen, Reliefs,<br />
Skizzen und Entwürfe zur Winckelmann-<br />
Ehrung. Winckelmann-Museum Stendal,1989<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
VIII. Kunstausstellung der DDR. Dresden,<br />
1977/1978, Kat. √>l IX. Kunstausstellung der<br />
DDR. Dresden, 1982 /1983, Kat. √>l X. Kunstausstellung<br />
der DDR. Dresden, 1987/1988,<br />
Kat. √>l Zone D – Innenraum. Förderkreis der<br />
GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1991, Kat. √>l Die Sammlung<br />
als Labor XII. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 2003<br />
Literatur<br />
Schumann, Henry: Ateliergespräche. <strong>Leipzig</strong>,<br />
1976 √>l Lang, Lothar: Malerei und Graphik<br />
in der DDR. <strong>Leipzig</strong>, 1978 / Malerei und Graphik
003 √>l 004 √>l 005 √>l<br />
in Ostdeutschland. <strong>Leipzig</strong>, 2002 √>l Kuhirt,<br />
Ullrich (Hg.): Kunst der DDR 1960 –1980.<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1983 √>l Kunze, Max (Hg.): Friedrich<br />
B. Henkel. Plastik und Graphik aus den<br />
Jahren 1956 –1980. Werkverzeichnis 1956 –<br />
1980. Künstlerpodium der Winckelmann-<br />
Gesellschaft, Bd. 3, Stendal, 1983 √>l Achse<br />
Nord. Henkel, Kempfer, Wilke. Galerie van<br />
Alom, Berlin, 1992 /1993, Kat. √>l Guratzsch,<br />
Herwig (Hg.): Museum der bildenden<br />
Künste <strong>Leipzig</strong>, Katalog der Bildwerke.<br />
LETTER Stiftung, Köln, 1999<br />
003<br />
Sieben verschieden große menschliche<br />
Figuren stehen in unterschiedlichem<br />
Abstand auf einem schmalen Grat nebeneinander.<br />
Altersstufen, Geschlechter und<br />
Beziehungsgeflechte dieser Gestalten sind<br />
mit Zu- und Abwendungen angedeutet.<br />
Die Menschen sind nicht – wie oft sonst bei<br />
Henkel – vor und in einen landschaftlichen<br />
Hintergrund eingebettet. Sie bleiben auf sich<br />
allein gestellt, vereinzelt im Schwebezustand<br />
zwischen Relief und frei stehender<br />
Skulptur. Die harmonisch rhythmisierte Anordnung<br />
schwingt an- und absteigend in einem<br />
leichten Bogen aus, akzentuiert durch<br />
die vierte, kindlich anmutende Figur, und kulminierend<br />
in der fünften. Das Werk weicht<br />
dadurch von den für Henkel sonst typischen<br />
Reliefbronzen ab.<br />
HS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Begegnung<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1975<br />
Skulptur<br />
Bronze<br />
34 ≈ 41 ≈ 6 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis vom<br />
Zentrum für Kunstausstellungen der DDR<br />
13. 12. 1990<br />
Werner Stötzer<br />
Sonneberg / Thüringen 1931,<br />
lebt in Berlin, in Alt-Langsow / Oderbruch<br />
und in Vilmnitz / Rügen<br />
Von 1946 bis 1948 absolvierte Werner<br />
Stötzer eine Lehre als Keramikmodelleur in<br />
Sonneberg. Von 1949 bis 1951 studierte er<br />
bei Martin Domke, Hans van Breek und<br />
Siegfried Tschiersky an der Hochschule für<br />
Baukunst und bildende Künste in Weimar<br />
und von 1951 bis 1953 an der Hochschule<br />
für bildende Künste Dresden bei Eugen<br />
Hoffmann und Walter Arnold. Von 1954 bis<br />
1958 war Stötzer Meisterschüler von Gustav<br />
Seitz in Berlin (Ost). Seit 1958 ist er vorwiegend<br />
in Berlin freischaffend tätig und seit<br />
1978 in Vilmnitz / Rügen sowie seit 1980 in Alt-<br />
Langsow / Oderbruch. 1977 erhielt er den<br />
Nationalpreis der DDR, wurde 1978 Mitglied<br />
der Akademie der Künste der DDR und<br />
1987 Professor an der Akademie der<br />
Künste der DDR in Berlin (Ost). Von 1990<br />
bis 1992 war Stötzer Vizepräsident der<br />
Akademie.<br />
Stötzer arbeitet neben Bronze bevorzugt<br />
mit Stein. Stets bleibt er gegenständlich-figürlich<br />
mit Tendenzen zur Abstraktion. Seine<br />
wuchtig und kraftvoll, zugleich sensitiv und<br />
empfindsam gestalteten Plastiken tragen<br />
die Spuren des Entstehungsprozesses.<br />
Der Mensch steht immer im Mittelpunkt seines<br />
Werkes, der nackte weibliche wie der<br />
männliche Körper als lustvolle, sinnliche<br />
und verletzliche, angreifbare Wesen.<br />
Dem liegt das Ideal einer allgemeinen Humanität<br />
zu Grunde, die nicht beliebig zur<br />
Disposition steht. Die Figuren sind nie ganz<br />
fassbar und verschließen sich der völligen<br />
Annäherung. Stötzer interessiert sich für<br />
Aspekte wie Kampf und Ruhe, Behauptung<br />
und Verletzung, Unterdrückung und Befreiung,<br />
Ausbruch und Aufbruch. In der<br />
Reflexion sozialer und politischer Zusammenhänge<br />
sind ihm utopische Momente<br />
wichtig. Auch seine Zeichnungen mit ihren<br />
feinen, sensiblen Strichführungen berühren<br />
diese Themen.<br />
Einzelausstellungen<br />
Werner Stötzer. Plastik und Zeichnung.<br />
Nationalgalerie / Altes Museum, Berlin (Ost),<br />
Staatliche Galerie Moritzburg, Halle / Saale,<br />
1977 √>l Werner Stötzer. Skulptur und<br />
Zeichnungen. Akademie der Künste Berlin,<br />
Rheinisches Landesmuseum Bonn,<br />
Städtische Museen Heilbronn, Kunstmuseum<br />
Kloster Unser Lieben Frauen<br />
Magdeburg, Kunsthalle Rostock, 1991/1992,<br />
Kat. √>l Werner Stötzer. Skulpturen und<br />
Zeichnungen 1989 –1998. Galerie Schwind,<br />
Frankfurt a. M., 1998<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
VIII. Kunstausstellung der DDR. Dresden,<br />
1977/1978, Kat. √>l X. Kunstausstellung der<br />
DDR. Dresden, 1987/1988, Kat. √>l Zone D<br />
– Innenraum. Förderkreis der GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
1991, Kat. √>l Die Sammlung als Labor XII.<br />
GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 2003<br />
Literatur<br />
Künstler der DDR. Dresden, 1981 √>l<br />
Guratzsch, Herwig (Hg.): Museum der bildenden<br />
Künste <strong>Leipzig</strong>. Katalog der Bildwerke.<br />
LETTER Stiftung, Köln, 1999 √>l Kunstmuseum<br />
Kloster Unser Lieben Frauen Magdeburg<br />
/ Kunsthaus Apolda Avantgarde (Hg.):<br />
Sylvia Hagen und Werner Stötzer. Skulptur<br />
Zeichnung. Berlin, 2002, Kat.<br />
004<br />
Die Skulptur Sitzender Akt mit aufgestütztem<br />
Arm ist repräsentativ für Stötzers Formensprache.<br />
Der Torso ist ein flaches, beinahe<br />
reliefartiges Steinelement. Ein weiblicher<br />
Körper scheint in den rohen Marmor gedrückt<br />
zu sein, sich aber gleichzeitig aus ihm<br />
heraus zu stemmen. Momente der Gewalt<br />
werden hervorgerufen, aber durch die<br />
geringe Größe des Torsos gebändigt. Stötzer<br />
modifiziert immer wieder das Motiv des<br />
weiblichen Torsos. Ein Ideal des ganzheitlichen<br />
Menschenbildes bestätigt er<br />
indes nicht.<br />
HS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Sitzender Akt mit aufgestütztem Arm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1972<br />
Skulptur<br />
Marmor mit Metallsockel<br />
45 ≈ 31 ≈ 8,2 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis vom<br />
Zentrum für Kunstausstellungen der DDR<br />
13. 12. 1990<br />
Ian Hamilton Finlay<br />
Nassau (BS) 1925<br />
— Little Sparta, Stonypath (GB) 2006<br />
Seit Ende des Zweiten Weltkrieges schrieb<br />
Ian Hamilton Finlay Kurzgeschichten und<br />
Gedichte. 1950 publizierte er erstmals<br />
und besuchte die Glasgow School of Art (GB).<br />
1961 gründete Finlay mit Jessie McGuffie<br />
die Wild Hawthorn Press, in der Texte<br />
von SchriftstellerInnen und bildenden KünstlerInnen<br />
erschienen. 1962 rief er die Zeitung<br />
Poor.Old.Tired Horse. ins Leben. 1963 veröffentlichte<br />
Finlay mit Rapel erstmals<br />
seine konkrete Poesie. Le Circus 1964, einem<br />
ersten Poster-Poem, folgten Gedichte, die<br />
oft in Glasplatten gefräst waren und nur aus<br />
einem Wort bestanden. Er erhielt 1987 ein<br />
Ehrendoktorat der University of Aberdeen (GB),<br />
1993 eines der University of Edinburgh (GB)<br />
und 1999 eine Ehrenprofessur der University<br />
of Dundee (GB). In den 1960er Jahren richtete<br />
sich sein Interesse zunehmend auf<br />
die Erweiterung des <strong>Raum</strong>es um das Gedicht:<br />
So genannte One-Word-Poems schrieb er<br />
auf Steine, die er wie Bildunterschriften und<br />
Kommentare in die Landschaft fügte.<br />
Für den Bildhauer, Grafiker, Schriftsteller,<br />
Konzeptkünstler und Landschaftsgestalter<br />
Finlay waren die Mythen und Legenden<br />
der Antike und die Französische Revolution<br />
wichtige Bezugspunkte. Finlay sah sich als<br />
Aufklärer, für den die bildende Kunst<br />
Werner Stötzer √>l Ian Hamilton Finlay √>l Thomas Florschuetz √>l<br />
Philosophie mit visuellen Mitteln war.<br />
Seine Werke sind voll Pathos, Gegenüberstellungen,<br />
Wortspielen, mehrdeutigem<br />
Symbolismus und bildlichen Metaphern.<br />
Kontroverse Diskussionen lösten die Arbeiten<br />
aus, mit denen Finlay den Neoklassizismus<br />
der 1930er und 1940er Jahre rehabilitieren<br />
wollte, nationalsozialistische<br />
Symbole verwendete und in neue, entpolitisierte<br />
Bedeutungszusammenhänge<br />
zu setzen versuchte. Das Gesamtkunstwerk<br />
Little Sparta ist eine Mischung aus Pavillons,<br />
Denkmälern und Obelisken mit mythologischen,<br />
historischen und politischen Bezügen.<br />
Er arrangierte dort ab 1967 die Natur<br />
in der Tradition des englischen Landschaftsgartens.<br />
Dort sind über 275 Werke Finlays<br />
zu sehen. Der Garten versinnbildlicht seine<br />
Forderung nach einer politischen Ästhetik.<br />
Er platzierte dort Wortbilder aus Zitaten,<br />
Monogrammen, Emblemen, historischen<br />
Namen und Aphorismen weitläufig und<br />
monumental.<br />
Einzelausstellungen<br />
Ian Hamilton Finlay. Retrospektive.<br />
Scottish National Gallery of Modern Art,<br />
Edinburgh (GB), 1972 √>l Ian Hamilton Finlay.<br />
Hayward Gallery, London (GB), 1983 √>l<br />
Ian Hamilton Finlay. ACE Gallery, New York<br />
(USA), 1998 √>l Ian Hamilton Finlay.<br />
Victoria Miro, London (GB), 1998 √>l Ian<br />
Hamilton Finlay. Galerie Hubert Winter,<br />
Wien (A), 2000 √>l Ian Hamilton Finlay.<br />
Pump House Gallery, London (GB), 2000<br />
√>l Ian Hamilton Finlay. Galerie Stampa,<br />
Basel (CH), 2000 √>l Ian Hamilton Finlay.<br />
Maritime Works. Tate St. Ives, Cornwall<br />
(GB), 2002<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Internationale Ausstellung für Konkrete<br />
Poesie. Brighton Festival (GB), 1970 √>l documenta<br />
8. Kassel, 1987, Kat. √>l Metropolis.<br />
Martin-Gropius-Bau, Berlin, 1991 √>l Zone D<br />
– Innenraum. Förderkreis der GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
1991, Kat. √>l Die Sprache der Kunst.<br />
Kunsthalle Wien (A), 1996 √>l [Collection 98].<br />
GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1998 √>l Blast to Freeze.<br />
Kunstmuseum Wolfsburg, 2002 √>l Schönheit<br />
und Schrecken. Staatsgalerie Stuttgart,<br />
2003 √>l Art of the Garden. Tate Britain,<br />
London (GB), 2004 √>l Design is not Art.<br />
Cooper-Hewitt, National Design Museum,<br />
New York (USA), 2004 √>l 15 Jahre Deichtorhallen.<br />
Deichtorhallen, Hamburg, 2004 √>l<br />
Big Bang. Centre Georges Pompidou,<br />
Paris (F), 2005 √>l Down the Garden Path:<br />
Artists Gardens Since 1960. Queens<br />
Museum of Art, New York (USA), 2005; Tate<br />
Triennial. Tate Britain, London (GB), 2006<br />
Literatur<br />
Abrioux, Yves (Hg.): Ian Hamilton Finlay.<br />
A visual primer. Edinburgh (GB), 1985<br />
√>l Frankfurter Kunstverein (Hg.): Ian Hamilton<br />
Finlay – Ideologische Äußerungen.<br />
Frankfurt a. M., 1991, Kat. √>l Förderkreis der<br />
GfZK (Hg.): Zone D – Innenraum. <strong>Leipzig</strong>,<br />
1991, Kat. √>l Zdenek, Felix / Simig, Pia:<br />
Ian Hamilton Finlay. Works in Europe1972 –<br />
1995. Ostfildern-Ruit, 1995 √>l Weilacher,<br />
Udo: In Gärten. Profile aktueller europäischer<br />
Landschaftsarchitektur. Basel (CH) / Berlin /<br />
Boston (USA), 2005<br />
www.ianhamiltonfinlay.com<br />
005<br />
Die drei Steinskulpturen der GfZK,<br />
The Present Order: Postscript, beziehen sich<br />
auf die Aussage >Die gegenwärtige Ordnung<br />
ist die Unordnung der Zukunft<<br />
– >The Present Order is the Disorder of the<br />
Future< des französischen Revolutionärs<br />
Louis Antoine Leon de Saint-Just. Dessen Leitmotiv<br />
fand sich in Little Sparta in Stein √>l<br />
Marmorplatten mit Aufschriften wie<br />
>Ordnung< und >Unordnung< verunsichern<br />
dort den Gang durch das scheinbare<br />
Arkadien. Dreifach variierte Finlay den Satzbeginn:<br />
THE PRESENT ORDER, PRESENT<br />
THE ORDER, ORDER THE PRESENT.<br />
Die Steine fanden anlässlich der Eröffnung der<br />
GfZK 1998 im Rahmen der Ausstellung<br />
[Collection 98] ihren Platz auf dem Gelände<br />
der ehemaligen Herfurth’schen Villa.<br />
HS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
The Present Order: Postscript<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1991<br />
drei Steinobjekte mit Texten<br />
je etwa 30 ≈ 240 ≈ 70 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung des Künstlers an den<br />
Förderkreis 17. 12. 1991<br />
Thomas Florschuetz<br />
Zwickau 1957, lebt in Berlin<br />
Der Autodidakt Thomas Florschuetz siedelte<br />
1988 für das Arbeitsstipendium des Senators<br />
für kulturelle Angelegenheiten nach<br />
Berlin (West) über. 1993 arbeitete er als<br />
Artist in Residence bei Lightwork, Syracuse<br />
(USA) und hielt sich 1995 in Brasilien auf.<br />
1997 ließ er sich in Berlin nieder. Im Jahr 2000<br />
war er erneut Artist in Residence in den<br />
USA, in Pacific Palisades. Der Künstler bekam<br />
u. a. 2004 den deutschen Kritikerpreis für<br />
Bildende Kunst.<br />
Als >Blick auf den Blick< beschreibt<br />
der Fotograf Florschuetz seine Arbeit, die sich<br />
mit den Möglichkeiten der Wahrnehmung<br />
beschäftigt. In den schwarzweißen Fotoserien<br />
der frühen 1980er Jahre arrangierte er<br />
perspektivische oder aktionsverzerrte Fragmentaufnahmen<br />
seines Körpers. Die zu<br />
Diptycha oder Triptycha kombinierten Körperansichten<br />
wecken Assoziationen von<br />
Zerrissenheit, Gewalt und Leid. Mit seinem<br />
Umzug nach Berlin (West) wechselte er von<br />
Schwarz-Weiß- zu Farbfotografie. Der Blick<br />
auf die eigenen Körperdetails wurde mikroskopischer,<br />
die Anordnung symbolischer,<br />
die Werke wurden großformatiger. Zu Beginn<br />
der 1990er Jahre ordnete Florschuetz<br />
immer mehr alles Erzählerische mit der<br />
Reduktion seiner Bildausschnitte auf reine<br />
Strukturen einer abstrakten Form unter.<br />
Nach der Fixierung auf den eigenen Körper<br />
erweiterte Florschuetz seit Mitte der<br />
1990er Jahre sein Spektrum und erstellte<br />
durchkomponierte Serien unterschiedlichster<br />
Motive, denen jedoch Eines gemeinsam<br />
ist: Immer dort, wo eine Membran –<br />
sei sie Haut, Blütenblatt, Gardine oder Glas –<br />
das Leben an seiner verletzlichsten Stelle<br />
schützt, hält Florschuetz inne.<br />
Einzelausstellungen<br />
Thomas Florschuetz – Fotoarbeiten. Stadtgalerie<br />
Saarbrücken, 1991 √>l Vanishing<br />
Point. Goethe-Institut, New York (USA), 1993<br />
√>l Anatomie eines Triptychons. Haus der<br />
Fotografie, Moskau (RUS), 1998 √>l Ricochet<br />
– Blumenstücke. Hamburger Bahnhof,<br />
Berlin, 2001/ 2002, Kat. √>l Sprichst Du mit<br />
mir? Kunstmuseum Bonn, BALTIC TheCentre<br />
for Contemporary Art, Gateshead (GB), Kunstsammlungen<br />
Chemnitz, 2004 / 2005, Kat.<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Zone D – Innenraum. Förderkreis der GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1991, Kat. √>l Leerstand. Comfortable<br />
Conceptions. Förderkreis der GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1994, Kat. √>l Object & Abstraction:<br />
Contemporary Photographs. MoMA<br />
The Museum of Modern Art, New York (USA),<br />
1997 √>l [Collection 98]. GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
1998 √>l Das XX. Jahrhundert. Neue Nationalgalerie,<br />
Berlin, 1999 √>l Wahnzimmer.<br />
Kunst in Deutschland. Museum der bildenden<br />
Künste, <strong>Leipzig</strong>, Folkwang Museum,<br />
Essen, 2001 √>l Von Körpern und anderen<br />
Dingen – Deutsche Fotografie im 20. Jahrhundert.<br />
Städtische Galerie Prag (CZ),<br />
2003, Haus der Fotografie, Moskau (RUS),<br />
2003 / 2004, Deutsches Historisches<br />
Museum, Berlin, 2004, Kat.<br />
Literatur<br />
Weiermair, Peter (Hg.): Das Porträt in der<br />
zeitgenössischen Photographie. Schaffhausen,<br />
1989 √>l Förderkreis der GfZK (Hg.):<br />
Zone D – Innenraum. <strong>Leipzig</strong>, 1991, Kat. √>l<br />
Tannert, Christoph: Fotografie zwischen<br />
Objektorientierung und Emotion. Zur Arbeit<br />
von Thomas Florschuetz. In: Renta-Preis.<br />
Kunsthalle Nürnberg, 1991 √>l Stepken,<br />
Angelika (Hg.): In Medias Res. Fotografie und<br />
andere Medienkunst aus Berlin.
003 √>l 004 √>l 005 √>l<br />
in Ostdeutschland. <strong>Leipzig</strong>, 2002 √>l Kuhirt,<br />
Ullrich (Hg.): Kunst der DDR 1960 –1980.<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1983 √>l Kunze, Max (Hg.): Friedrich<br />
B. Henkel. Plastik und Graphik aus den<br />
Jahren 1956 –1980. Werkverzeichnis 1956 –<br />
1980. Künstlerpodium der Winckelmann-<br />
Gesellschaft, Bd. 3, Stendal, 1983 √>l Achse<br />
Nord. Henkel, Kempfer, Wilke. Galerie van<br />
Alom, Berlin, 1992 /1993, Kat. √>l Guratzsch,<br />
Herwig (Hg.): Museum der bildenden<br />
Künste <strong>Leipzig</strong>, Katalog der Bildwerke.<br />
LETTER Stiftung, Köln, 1999<br />
003<br />
Sieben verschieden große menschliche<br />
Figuren stehen in unterschiedlichem<br />
Abstand auf einem schmalen Grat nebeneinander.<br />
Altersstufen, Geschlechter und<br />
Beziehungsgeflechte dieser Gestalten sind<br />
mit Zu- und Abwendungen angedeutet.<br />
Die Menschen sind nicht – wie oft sonst bei<br />
Henkel – vor und in einen landschaftlichen<br />
Hintergrund eingebettet. Sie bleiben auf sich<br />
allein gestellt, vereinzelt im Schwebezustand<br />
zwischen Relief und frei stehender<br />
Skulptur. Die harmonisch rhythmisierte Anordnung<br />
schwingt an- und absteigend in einem<br />
leichten Bogen aus, akzentuiert durch<br />
die vierte, kindlich anmutende Figur, und kulminierend<br />
in der fünften. Das Werk weicht<br />
dadurch von den für Henkel sonst typischen<br />
Reliefbronzen ab.<br />
HS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Begegnung<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1975<br />
Skulptur<br />
Bronze<br />
34 ≈ 41 ≈ 6 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis vom<br />
Zentrum für Kunstausstellungen der DDR<br />
13. 12. 1990<br />
Werner Stötzer<br />
Sonneberg / Thüringen 1931,<br />
lebt in Berlin, in Alt-Langsow / Oderbruch<br />
und in Vilmnitz / Rügen<br />
Von 1946 bis 1948 absolvierte Werner<br />
Stötzer eine Lehre als Keramikmodelleur in<br />
Sonneberg. Von 1949 bis 1951 studierte er<br />
bei Martin Domke, Hans van Breek und<br />
Siegfried Tschiersky an der Hochschule für<br />
Baukunst und bildende Künste in Weimar<br />
und von 1951 bis 1953 an der Hochschule<br />
für bildende Künste Dresden bei Eugen<br />
Hoffmann und Walter Arnold. Von 1954 bis<br />
1958 war Stötzer Meisterschüler von Gustav<br />
Seitz in Berlin (Ost). Seit 1958 ist er vorwiegend<br />
in Berlin freischaffend tätig und seit<br />
1978 in Vilmnitz / Rügen sowie seit 1980 in Alt-<br />
Langsow / Oderbruch. 1977 erhielt er den<br />
Nationalpreis der DDR, wurde 1978 Mitglied<br />
der Akademie der Künste der DDR und<br />
1987 Professor an der Akademie der<br />
Künste der DDR in Berlin (Ost). Von 1990<br />
bis 1992 war Stötzer Vizepräsident der<br />
Akademie.<br />
Stötzer arbeitet neben Bronze bevorzugt<br />
mit Stein. Stets bleibt er gegenständlich-figürlich<br />
mit Tendenzen zur Abstraktion. Seine<br />
wuchtig und kraftvoll, zugleich sensitiv und<br />
empfindsam gestalteten Plastiken tragen<br />
die Spuren des Entstehungsprozesses.<br />
Der Mensch steht immer im Mittelpunkt seines<br />
Werkes, der nackte weibliche wie der<br />
männliche Körper als lustvolle, sinnliche<br />
und verletzliche, angreifbare Wesen.<br />
Dem liegt das Ideal einer allgemeinen Humanität<br />
zu Grunde, die nicht beliebig zur<br />
Disposition steht. Die Figuren sind nie ganz<br />
fassbar und verschließen sich der völligen<br />
Annäherung. Stötzer interessiert sich für<br />
Aspekte wie Kampf und Ruhe, Behauptung<br />
und Verletzung, Unterdrückung und Befreiung,<br />
Ausbruch und Aufbruch. In der<br />
Reflexion sozialer und politischer Zusammenhänge<br />
sind ihm utopische Momente<br />
wichtig. Auch seine Zeichnungen mit ihren<br />
feinen, sensiblen Strichführungen berühren<br />
diese Themen.<br />
Einzelausstellungen<br />
Werner Stötzer. Plastik und Zeichnung.<br />
Nationalgalerie / Altes Museum, Berlin (Ost),<br />
Staatliche Galerie Moritzburg, Halle / Saale,<br />
1977 √>l Werner Stötzer. Skulptur und<br />
Zeichnungen. Akademie der Künste Berlin,<br />
Rheinisches Landesmuseum Bonn,<br />
Städtische Museen Heilbronn, Kunstmuseum<br />
Kloster Unser Lieben Frauen<br />
Magdeburg, Kunsthalle Rostock, 1991/1992,<br />
Kat. √>l Werner Stötzer. Skulpturen und<br />
Zeichnungen 1989 –1998. Galerie Schwind,<br />
Frankfurt a. M., 1998<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
VIII. Kunstausstellung der DDR. Dresden,<br />
1977/1978, Kat. √>l X. Kunstausstellung der<br />
DDR. Dresden, 1987/1988, Kat. √>l Zone D<br />
– Innenraum. Förderkreis der GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
1991, Kat. √>l Die Sammlung als Labor XII.<br />
GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 2003<br />
Literatur<br />
Künstler der DDR. Dresden, 1981 √>l<br />
Guratzsch, Herwig (Hg.): Museum der bildenden<br />
Künste <strong>Leipzig</strong>. Katalog der Bildwerke.<br />
LETTER Stiftung, Köln, 1999 √>l Kunstmuseum<br />
Kloster Unser Lieben Frauen Magdeburg<br />
/ Kunsthaus Apolda Avantgarde (Hg.):<br />
Sylvia Hagen und Werner Stötzer. Skulptur<br />
Zeichnung. Berlin, 2002, Kat.<br />
004<br />
Die Skulptur Sitzender Akt mit aufgestütztem<br />
Arm ist repräsentativ für Stötzers Formensprache.<br />
Der Torso ist ein flaches, beinahe<br />
reliefartiges Steinelement. Ein weiblicher<br />
Körper scheint in den rohen Marmor gedrückt<br />
zu sein, sich aber gleichzeitig aus ihm<br />
heraus zu stemmen. Momente der Gewalt<br />
werden hervorgerufen, aber durch die<br />
geringe Größe des Torsos gebändigt. Stötzer<br />
modifiziert immer wieder das Motiv des<br />
weiblichen Torsos. Ein Ideal des ganzheitlichen<br />
Menschenbildes bestätigt er<br />
indes nicht.<br />
HS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Sitzender Akt mit aufgestütztem Arm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1972<br />
Skulptur<br />
Marmor mit Metallsockel<br />
45 ≈ 31 ≈ 8,2 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis vom<br />
Zentrum für Kunstausstellungen der DDR<br />
13. 12. 1990<br />
Ian Hamilton Finlay<br />
Nassau (BS) 1925<br />
— Little Sparta, Stonypath (GB) 2006<br />
Seit Ende des Zweiten Weltkrieges schrieb<br />
Ian Hamilton Finlay Kurzgeschichten und<br />
Gedichte. 1950 publizierte er erstmals<br />
und besuchte die Glasgow School of Art (GB).<br />
1961 gründete Finlay mit Jessie McGuffie<br />
die Wild Hawthorn Press, in der Texte<br />
von SchriftstellerInnen und bildenden KünstlerInnen<br />
erschienen. 1962 rief er die Zeitung<br />
Poor.Old.Tired Horse. ins Leben. 1963 veröffentlichte<br />
Finlay mit Rapel erstmals<br />
seine konkrete Poesie. Le Circus 1964, einem<br />
ersten Poster-Poem, folgten Gedichte, die<br />
oft in Glasplatten gefräst waren und nur aus<br />
einem Wort bestanden. Er erhielt 1987 ein<br />
Ehrendoktorat der University of Aberdeen (GB),<br />
1993 eines der University of Edinburgh (GB)<br />
und 1999 eine Ehrenprofessur der University<br />
of Dundee (GB). In den 1960er Jahren richtete<br />
sich sein Interesse zunehmend auf<br />
die Erweiterung des <strong>Raum</strong>es um das Gedicht:<br />
So genannte One-Word-Poems schrieb er<br />
auf Steine, die er wie Bildunterschriften und<br />
Kommentare in die Landschaft fügte.<br />
Für den Bildhauer, Grafiker, Schriftsteller,<br />
Konzeptkünstler und Landschaftsgestalter<br />
Finlay waren die Mythen und Legenden<br />
der Antike und die Französische Revolution<br />
wichtige Bezugspunkte. Finlay sah sich als<br />
Aufklärer, für den die bildende Kunst<br />
Werner Stötzer √>l Ian Hamilton Finlay √>l Thomas Florschuetz √>l<br />
Philosophie mit visuellen Mitteln war.<br />
Seine Werke sind voll Pathos, Gegenüberstellungen,<br />
Wortspielen, mehrdeutigem<br />
Symbolismus und bildlichen Metaphern.<br />
Kontroverse Diskussionen lösten die Arbeiten<br />
aus, mit denen Finlay den Neoklassizismus<br />
der 1930er und 1940er Jahre rehabilitieren<br />
wollte, nationalsozialistische<br />
Symbole verwendete und in neue, entpolitisierte<br />
Bedeutungszusammenhänge<br />
zu setzen versuchte. Das Gesamtkunstwerk<br />
Little Sparta ist eine Mischung aus Pavillons,<br />
Denkmälern und Obelisken mit mythologischen,<br />
historischen und politischen Bezügen.<br />
Er arrangierte dort ab 1967 die Natur<br />
in der Tradition des englischen Landschaftsgartens.<br />
Dort sind über 275 Werke Finlays<br />
zu sehen. Der Garten versinnbildlicht seine<br />
Forderung nach einer politischen Ästhetik.<br />
Er platzierte dort Wortbilder aus Zitaten,<br />
Monogrammen, Emblemen, historischen<br />
Namen und Aphorismen weitläufig und<br />
monumental.<br />
Einzelausstellungen<br />
Ian Hamilton Finlay. Retrospektive.<br />
Scottish National Gallery of Modern Art,<br />
Edinburgh (GB), 1972 √>l Ian Hamilton Finlay.<br />
Hayward Gallery, London (GB), 1983 √>l<br />
Ian Hamilton Finlay. ACE Gallery, New York<br />
(USA), 1998 √>l Ian Hamilton Finlay.<br />
Victoria Miro, London (GB), 1998 √>l Ian<br />
Hamilton Finlay. Galerie Hubert Winter,<br />
Wien (A), 2000 √>l Ian Hamilton Finlay.<br />
Pump House Gallery, London (GB), 2000<br />
√>l Ian Hamilton Finlay. Galerie Stampa,<br />
Basel (CH), 2000 √>l Ian Hamilton Finlay.<br />
Maritime Works. Tate St. Ives, Cornwall<br />
(GB), 2002<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Internationale Ausstellung für Konkrete<br />
Poesie. Brighton Festival (GB), 1970 √>l documenta<br />
8. Kassel, 1987, Kat. √>l Metropolis.<br />
Martin-Gropius-Bau, Berlin, 1991 √>l Zone D<br />
– Innenraum. Förderkreis der GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
1991, Kat. √>l Die Sprache der Kunst.<br />
Kunsthalle Wien (A), 1996 √>l [Collection 98].<br />
GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1998 √>l Blast to Freeze.<br />
Kunstmuseum Wolfsburg, 2002 √>l Schönheit<br />
und Schrecken. Staatsgalerie Stuttgart,<br />
2003 √>l Art of the Garden. Tate Britain,<br />
London (GB), 2004 √>l Design is not Art.<br />
Cooper-Hewitt, National Design Museum,<br />
New York (USA), 2004 √>l 15 Jahre Deichtorhallen.<br />
Deichtorhallen, Hamburg, 2004 √>l<br />
Big Bang. Centre Georges Pompidou,<br />
Paris (F), 2005 √>l Down the Garden Path:<br />
Artists Gardens Since 1960. Queens<br />
Museum of Art, New York (USA), 2005; Tate<br />
Triennial. Tate Britain, London (GB), 2006<br />
Literatur<br />
Abrioux, Yves (Hg.): Ian Hamilton Finlay.<br />
A visual primer. Edinburgh (GB), 1985<br />
√>l Frankfurter Kunstverein (Hg.): Ian Hamilton<br />
Finlay – Ideologische Äußerungen.<br />
Frankfurt a. M., 1991, Kat. √>l Förderkreis der<br />
GfZK (Hg.): Zone D – Innenraum. <strong>Leipzig</strong>,<br />
1991, Kat. √>l Zdenek, Felix / Simig, Pia:<br />
Ian Hamilton Finlay. Works in Europe1972 –<br />
1995. Ostfildern-Ruit, 1995 √>l Weilacher,<br />
Udo: In Gärten. Profile aktueller europäischer<br />
Landschaftsarchitektur. Basel (CH) / Berlin /<br />
Boston (USA), 2005<br />
www.ianhamiltonfinlay.com<br />
005<br />
Die drei Steinskulpturen der GfZK,<br />
The Present Order: Postscript, beziehen sich<br />
auf die Aussage >Die gegenwärtige Ordnung<br />
ist die Unordnung der Zukunft<<br />
– >The Present Order is the Disorder of the<br />
Future< des französischen Revolutionärs<br />
Louis Antoine Leon de Saint-Just. Dessen Leitmotiv<br />
fand sich in Little Sparta in Stein √>l<br />
Marmorplatten mit Aufschriften wie<br />
>Ordnung< und >Unordnung< verunsichern<br />
dort den Gang durch das scheinbare<br />
Arkadien. Dreifach variierte Finlay den Satzbeginn:<br />
THE PRESENT ORDER, PRESENT<br />
THE ORDER, ORDER THE PRESENT.<br />
Die Steine fanden anlässlich der Eröffnung der<br />
GfZK 1998 im Rahmen der Ausstellung<br />
[Collection 98] ihren Platz auf dem Gelände<br />
der ehemaligen Herfurth’schen Villa.<br />
HS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
The Present Order: Postscript<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1991<br />
drei Steinobjekte mit Texten<br />
je etwa 30 ≈ 240 ≈ 70 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung des Künstlers an den<br />
Förderkreis 17. 12. 1991<br />
Thomas Florschuetz<br />
Zwickau 1957, lebt in Berlin<br />
Der Autodidakt Thomas Florschuetz siedelte<br />
1988 für das Arbeitsstipendium des Senators<br />
für kulturelle Angelegenheiten nach<br />
Berlin (West) über. 1993 arbeitete er als<br />
Artist in Residence bei Lightwork, Syracuse<br />
(USA) und hielt sich 1995 in Brasilien auf.<br />
1997 ließ er sich in Berlin nieder. Im Jahr 2000<br />
war er erneut Artist in Residence in den<br />
USA, in Pacific Palisades. Der Künstler bekam<br />
u. a. 2004 den deutschen Kritikerpreis für<br />
Bildende Kunst.<br />
Als >Blick auf den Blick< beschreibt<br />
der Fotograf Florschuetz seine Arbeit, die sich<br />
mit den Möglichkeiten der Wahrnehmung<br />
beschäftigt. In den schwarzweißen Fotoserien<br />
der frühen 1980er Jahre arrangierte er<br />
perspektivische oder aktionsverzerrte Fragmentaufnahmen<br />
seines Körpers. Die zu<br />
Diptycha oder Triptycha kombinierten Körperansichten<br />
wecken Assoziationen von<br />
Zerrissenheit, Gewalt und Leid. Mit seinem<br />
Umzug nach Berlin (West) wechselte er von<br />
Schwarz-Weiß- zu Farbfotografie. Der Blick<br />
auf die eigenen Körperdetails wurde mikroskopischer,<br />
die Anordnung symbolischer,<br />
die Werke wurden großformatiger. Zu Beginn<br />
der 1990er Jahre ordnete Florschuetz<br />
immer mehr alles Erzählerische mit der<br />
Reduktion seiner Bildausschnitte auf reine<br />
Strukturen einer abstrakten Form unter.<br />
Nach der Fixierung auf den eigenen Körper<br />
erweiterte Florschuetz seit Mitte der<br />
1990er Jahre sein Spektrum und erstellte<br />
durchkomponierte Serien unterschiedlichster<br />
Motive, denen jedoch Eines gemeinsam<br />
ist: Immer dort, wo eine Membran –<br />
sei sie Haut, Blütenblatt, Gardine oder Glas –<br />
das Leben an seiner verletzlichsten Stelle<br />
schützt, hält Florschuetz inne.<br />
Einzelausstellungen<br />
Thomas Florschuetz – Fotoarbeiten. Stadtgalerie<br />
Saarbrücken, 1991 √>l Vanishing<br />
Point. Goethe-Institut, New York (USA), 1993<br />
√>l Anatomie eines Triptychons. Haus der<br />
Fotografie, Moskau (RUS), 1998 √>l Ricochet<br />
– Blumenstücke. Hamburger Bahnhof,<br />
Berlin, 2001/ 2002, Kat. √>l Sprichst Du mit<br />
mir? Kunstmuseum Bonn, BALTIC TheCentre<br />
for Contemporary Art, Gateshead (GB), Kunstsammlungen<br />
Chemnitz, 2004 / 2005, Kat.<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Zone D – Innenraum. Förderkreis der GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1991, Kat. √>l Leerstand. Comfortable<br />
Conceptions. Förderkreis der GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1994, Kat. √>l Object & Abstraction:<br />
Contemporary Photographs. MoMA<br />
The Museum of Modern Art, New York (USA),<br />
1997 √>l [Collection 98]. GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
1998 √>l Das XX. Jahrhundert. Neue Nationalgalerie,<br />
Berlin, 1999 √>l Wahnzimmer.<br />
Kunst in Deutschland. Museum der bildenden<br />
Künste, <strong>Leipzig</strong>, Folkwang Museum,<br />
Essen, 2001 √>l Von Körpern und anderen<br />
Dingen – Deutsche Fotografie im 20. Jahrhundert.<br />
Städtische Galerie Prag (CZ),<br />
2003, Haus der Fotografie, Moskau (RUS),<br />
2003 / 2004, Deutsches Historisches<br />
Museum, Berlin, 2004, Kat.<br />
Literatur<br />
Weiermair, Peter (Hg.): Das Porträt in der<br />
zeitgenössischen Photographie. Schaffhausen,<br />
1989 √>l Förderkreis der GfZK (Hg.):<br />
Zone D – Innenraum. <strong>Leipzig</strong>, 1991, Kat. √>l<br />
Tannert, Christoph: Fotografie zwischen<br />
Objektorientierung und Emotion. Zur Arbeit<br />
von Thomas Florschuetz. In: Renta-Preis.<br />
Kunsthalle Nürnberg, 1991 √>l Stepken,<br />
Angelika (Hg.): In Medias Res. Fotografie und<br />
andere Medienkunst aus Berlin.
076 √>l 077 √>l 078 √>l<br />
zwischenzeitlich abgebrannt und ist nun<br />
wieder aufgebaut. Peterman möchte<br />
die Welt verändern und verbessern, ist sich<br />
aber zugleich bewusst, dass es sich<br />
um >recycelte< Visionen von Utopie handelt.<br />
Seine Werke berühren intensiv, z. B. das<br />
Projekt Model Efficiency (1998), bei dem<br />
Peterman ein Schutzdach aus recycelten Aluminiumdosen<br />
für Obdachlose konstruierte.<br />
Einzelausstellungen<br />
Dan Peterman. FRAC Poitou-Charentes,<br />
Angoulème (F), 1993 √>l Options 48:<br />
Dan Peterman: Oesulfur Cycle. Museum of<br />
Contemporary Art, Chicago (USA), 1994,<br />
Kat. √>l Accessories to an Event. Helga Maria<br />
Klosterfelde, Hamburg, Galerie Klosterfelde,<br />
Berlin, 1996 √>l Running Table and Chicago<br />
Ground Cover. A. Montgomery Ward<br />
Garden, Grant Park, Chicago (USA), 1997 √>l<br />
Currents 73: Dan Peterman. The Saint<br />
Louis Art Museum, Saint Louis (USA), 1998,<br />
Kat. √>l Dan Peterman. Galerie Klosterfelde,<br />
Berlin, Museum Abteiberg, Mönchengladbach,<br />
2002 √>l Plastic Economies.<br />
Museum of Contemporary Art, Chicago<br />
(USA), 2004, Kat.<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Urban Processes: Circuits and Sediments.<br />
Randolph Street Gallery, Chicago (USA),<br />
1987 √>l Chicago Compost Shelter.<br />
An Installation of Experimental Architecture.<br />
The Resource Center, Chicago (USA),<br />
1988 √>l Charged Spaces: Stressed Sites in<br />
the Body Politic. Betty Rymer Gallery,<br />
School of the Art Institute, Chicago (USA),<br />
1989, Kat. √>l Oppositionen & Schwesternfelder.<br />
Wiener Secession (A), Museum<br />
Fridericanum, Kassel, 1993 /1994, Kat. √>l<br />
45. Biennale di Venezia, Venedig (I), Kat.<br />
√>l Kontext Kunst. Steirischer Herbst, Trigon<br />
Œ93, Graz (A), 1993 √>l Nutopi. Rooseum<br />
Center for Contemporary Art, Malmö (S),<br />
1995, Kat. √>l minimalisms. Akademie der<br />
Künste, Berlin, Kunsthalle Basel (CH),<br />
1998, Kat. √>l ONTOM TWC . GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
1998, Kat. √>l dream city. Museum Villa<br />
Stuck, München, 1999 √>l Ecologies: Marc<br />
Dion, Peter Fend, Dan Peterman. The David<br />
and Alfred Smart Museum of Art, The University<br />
of Chicago (USA), 2000, Kat. √>l<br />
[Collection 2000]. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 2000 √>l<br />
Die Sammlung als Labor XIII. GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 2003 √>l BANKETT. ZKM, Karlsruhe,<br />
2003 √>l Shrinking Cities 2 – Interventionen.<br />
GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 2005 / 2006, Kat. √>l<br />
Beyond Green. Museum of Art & Design,<br />
New York (USA), 2006, Kat.<br />
Literatur<br />
Kunstmuseum Luzern / Kunstverein in<br />
Hamburg (Hg.): Backstage. Hamburg, 1993,<br />
Kat. √>l Scanlan, Joe: Back to Basics<br />
and Back Again. In: Frieze, 9 /10 /1994 √>l<br />
Deichtorhallen Hamburg (Hg.): Home Sweet<br />
Home. Hamburg, 1997, Kat. √>l Werner,<br />
Klaus (Hg.): ONTOM TWC . GfZK, <strong>Leipzig</strong> 1998,<br />
Kat. √>l Kunsthalle Basel (Hg.): Dan Peterman.<br />
Basel (CH), 1998, Kat. √>l Berg, Stephan<br />
(Hg.): Dan Peterman. 7 Deadly Sins And<br />
Other Stories. Hannover, 2001, Kat. √>l<br />
Babias, Marius / Waldvogel, Florian (Hg.):<br />
Arbeit Essen Angst. Essen, 2001, Kat.<br />
076<br />
Das Werk Running Table wurde zum ersten<br />
Mal in Chicago (USA) gezeigt; drei Segmente<br />
davon befinden sich in der Sammlung<br />
der GfZK. Im Sommer 1997 fanden die<br />
BesucherInnen des A. Montgomery Ward<br />
Garden, Grant Park in Chicago einen<br />
Kunststofftisch von 30 Metern Länge vor.<br />
An diesem konnten sie sich zur Mahlzeit<br />
setzen oder mit FreundInnen feiern.<br />
Der ganz aus recyceltem Plastik hergestellte<br />
Tisch mit eingebauten Sitzbänken<br />
ist >eine starke Evidenz vom exzessiven<br />
Verbrauch des Menschen< (D. P. 1997).<br />
10.000 Milchkännchen stellen den Ausgangsstoff<br />
des Tisches dar. Running<br />
Table lädt zu Reflexionen über die gegenwärtige<br />
Situation der Konsumgesellschaft<br />
ein.<br />
IK<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Running Table (Segments)<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1997<br />
dreiteilige Installation<br />
recycelter Kunststoff<br />
je 80,5 ≈ 167,5 ≈ 40,5 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Ankauf des Förderkreises<br />
01. 07. 1998<br />
Michael Morgner<br />
Chemnitz 1942, lebt in Einsiedel<br />
bei Chemnitz<br />
Michael Morgner studierte von 1961 bis 1966<br />
an der Hochschule für Grafik und Buchkunst<br />
in <strong>Leipzig</strong> und arbeitet seit 1966 als<br />
freischaffender Künstler. Er gehörte zu<br />
den MitbegründerInnen der Galerie Oben<br />
und der Künstlergruppe und Produzentengalerie<br />
Clara Mosch, die in den 1970 er Jahren<br />
in Karl-Marx-Stadt, heute Chemnitz, tätig<br />
war. Seit den 1980 er Jahren entstanden vor<br />
allem Grafiken, Zeichnungen, darunter<br />
verschiedene Bildzyklen mit den Themen<br />
Verfolgung und Vernichtung sowie seit<br />
Mitte der 1990 er Jahre plastische Arbeiten<br />
zum Thema Angst und Schmerz.<br />
Michael Morgners Arbeiten entstehen oft in<br />
mehreren Schichten. Gleichnishafte Figuren<br />
werden mit düster wirkenden Hintergründen<br />
kombiniert. Piktogrammartig platziert<br />
er die menschliche Gestalt in unbestimmte<br />
Räume mit Zeichen wie Balken, Kreuz<br />
und Dreieck. Ausgehend von Naturformen<br />
entwickelt Morgner Symbole und konfrontiert<br />
Braunschwarz mit dem Weiß der<br />
Binnenformen. Seine großformatigen<br />
Arbeiten setzt er häufig aus einzelnen Papierbögen<br />
zusammen, die er intensiven<br />
Bearbeitungen wie Lavagen, Splittings oder<br />
Prägungen unterzieht. Morgner zerstört<br />
zunächst seine Bildoberflächen und<br />
schließt diese dann u. a. mit Asphaltlack<br />
und Tusche. Dieser Vorgang hat jedoch<br />
nichts Versöhnliches an sich, sondern er<br />
schafft unauslöschliche Stigmata. Ab<br />
1980 findet er mit dem Sinnbild des Schreitenden<br />
seine Antwort auf lähmende<br />
Furcht. Der Schreitende markiert dennoch<br />
keinen grundsätzlichen Wandel in der<br />
vorherrschend düsteren Stimmung seiner<br />
Bildwelten.<br />
Einzelausstellungen<br />
Michael Morgner. Museum der bildenden<br />
Künste, <strong>Leipzig</strong>, 1982, Kat. √>l Michael<br />
Morgner. Serielle Bilder und Grafik. Karl-<br />
Marx-Stadt / Chemnitz, 1984, Kat. √>l<br />
Michael Morgner. Saarland Museum, Saarbrücken,<br />
1993, Kat. √>l Michael Morgner.<br />
Stadtmuseum, Jena, 1997, Kat. √>l Michael<br />
Morgner. Figur + Metapher. GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
2000 √>l Michael Morgner. Ausstellungszentrum<br />
Kroch-Haus, Universität <strong>Leipzig</strong>,<br />
2004<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Zone D – Innenraum. Förderkreis der GfZK<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1991, Kat. √>l mit Albrecht Göschel.<br />
Taschenbergpalais, Dresden, 1997 √>l<br />
Clara Mosch 1977–1982. Werke und Dokumente.<br />
Lindenau-Museum, Altenburg,<br />
1997, Kat. √>l Souveräne Wege. 1949 –1989.<br />
Sechs Künstler der DDR. Städtische<br />
Museen Jena, Galerie Gunar Barthel, Berlin,<br />
Galerie Oben, Chemnitz, 1998, ZDF-Sendezentrum,<br />
Mainz, 2000, Kat. √>l Michael<br />
Morgner. Tauwetter. Neue Sächsische Galerie,<br />
Chemnitz, 2000, Kat.<br />
Literatur<br />
Barthel, Gunar: Michael Morgner. Berlin,<br />
1986, Kat. √>l Peters, Hans Albert:<br />
Michael Morgner. Hartmut Neumann.<br />
Triennale New Delhi. Düsseldorf, 1991 √>l<br />
Hartwig, Klaus / Thomas, Karin / Vogel,<br />
Carl / Werner, Klaus: Michael Morgner. Werkübersicht<br />
1972 –1991. Chemnitz, 1992,<br />
Kat. √>l Flügge, Matthias: Michael Morgner.<br />
Berlin, 1993, Kat. √>l Lauenburgischer<br />
Kunstverein (Hg.): Michael Morgner. Reliquie<br />
Mensch. Graphik. Büchen, 1996, Kat. √>l<br />
Werner, Klaus (Hg.): Michael Morgner. Figur<br />
+ Metapher. Werkverzeichnis der Druckgrafik.<br />
<strong>Leipzig</strong>, 2000<br />
Michael Morgner √>l Marcel Odenbach √>l Rosemarie Trockel √>l<br />
077<br />
Morgners Requiem kreist thematisch um<br />
das Leiden des Einzelnen. Expressiv<br />
führt das Bild Todeserlebnisse als düsteres<br />
Menetekel vor Augen. Die Bildsprache ist<br />
auf einfachste Formen reduziert, die seinen<br />
archetypischen Botschaften entsprechen.<br />
Für seine Symbolik nutzt Morgner häufig die<br />
christliche Ikonografie, z. B. die Figur des<br />
Ecce-Homo. Die abstrahierende Auseinandersetzung<br />
mit den konkreten Ereignissen<br />
der Geschichte und des Selbsterlebten<br />
verarbeitet er zu Sinnbildern elementarer<br />
Erfahrungen von Angst, Tod und extremem<br />
Ausgeliefertsein. Seine Arbeit spiegelt<br />
die Seelenzustände des einsamen Individuums<br />
in der Gesellschaft wider.<br />
UA<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Requiem<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1986 /1989<br />
Öl auf Leinwand, Tusch-Lavage auf Papier,<br />
Metallrahmen<br />
200 ≈ 200 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis<br />
vom Kulturkreis der deutschen Wirtschaft<br />
im BDI e. V. 26. 08. 1998<br />
Marcel Odenbach<br />
Köln 1953, lebt in Köln und Karlsruhe<br />
Marcel Odenbach studierte von 1974 bis<br />
1979 Architektur, Kunstgeschichte und<br />
Semiotik an der Technischen Hochschule<br />
in Aachen. Seit 1976 arbeitet er mit Videos<br />
in Performances und Installationen. Er<br />
hat verschiedene Professuren inne, so seit<br />
1992 an der Staatlichen Hochschule<br />
für Gestaltung in Karlsruhe, seit 1999 am<br />
College of Art, Komasi (GH), und seit<br />
2000 an der Kunsthochschule für Medien in<br />
Köln. 1999 war er Gastprofessor an der<br />
University of California in Los Angeles (USA).<br />
Marcel Odenbach bildete mit Ulrike Rosenbach<br />
und Klaus vom Bruch in den 1970 er<br />
Jahren die Produzentengruppe ATV.<br />
Odenbachs Werk steht paradigmatisch für<br />
eine kontinuierliche Kritik an gesellschaftlichen<br />
und insbesondere an den deutschen<br />
Verhältnissen, für die er meist literarisch<br />
oder sprichwörtlich klingende Titel findet.<br />
Vielschichtig untersuchte Zusammenhänge<br />
von Text und Bild prägen viele Arbeiten.<br />
Seit 1980 schafft Marcel Odenbach<br />
eigenständige Collagezeichnungen, oft in<br />
mehrteiligen Serien. Durch den Prozessaspekt<br />
wird die Zeit als Komponente eingebracht.<br />
Einzelausstellungen<br />
Marcel Odenbach – Videoarbeiten. Museum<br />
Folkwang, Essen, 1981, Kat. √>l Marcel<br />
Odenbach – Zeichnungen 1975 –1977.<br />
Liechtensteinische Staatliche Kunstsammlung,<br />
Vaduz (FL), 1997, Kat. √>l Marcel<br />
Odenbach. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1999 √>l Marcel<br />
Odenbach – Vom Kommen und vom<br />
Gehen – Video- und Papierarbeiten. STAMPA,<br />
Basel (CH), 2005 √>l Marcel Odenbach.<br />
In stillen Teichen lauern die Krokodile. Neue<br />
Nationalgalerie / Hamburger Bahnhof,<br />
Berlin, 2006<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
1945 –1985 – Kunst aus der Bundesrepublik<br />
Deutschland. Neue Nationalgalerie, Berlin<br />
(West), 1985, Kat. √>l documenta 8. Kassel,<br />
1987, Kat. √>l Zeitzeichen. Museum der<br />
bildenden Künste, <strong>Leipzig</strong>, 1989 √>l Passage<br />
de l’image. Centre Georges Pompidou,<br />
Paris (F), 1990 √>l Metropolis. Martin-<br />
Gropius-Bau, Berlin, 1991 √>l Zone D – Innenraum.<br />
Förderkreis der GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
1991, Kat. √>l Deutschlandbilder – Kunst<br />
aus einem geteilten Land. Martin-Gropius-<br />
Bau, Berlin, 1997, Kat. √>l 25. Bienal<br />
Internacional de São Paulo. Museu de Arte<br />
Moderna, São Paulo (BR), 2002 √>l<br />
Klopfzeichen. Kunst und Kultur der 80 er<br />
Jahre in Deutschland. Museum der<br />
bildenden Künste, <strong>Leipzig</strong>, 2002, Kat.<br />
√>l 40jahrevideokunst.de – Die 80 er. K 21,<br />
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen,<br />
Düsseldorf, 2006, Kat.<br />
Literatur<br />
Institute of Contemporary Art Boston (Hg.):<br />
Marcel Odenbach – As if memories<br />
could deceive me. Boston (USA), 1986, Kat.<br />
√>l Stichting de Appel (Hg.): Marcel<br />
Odenbach – Keep in View. Amsterdam (NL),<br />
1993, Kat. √>l Museum of Modern Art<br />
(Hg.): Video Spaces. New York (USA), 1995,<br />
Kat. √>l Liechtensteinische Staatliche<br />
Kunstsammlung (Hg.): Marcel Odenbach.<br />
Zeichnungen 1975 –77. Köln, 1997, Kat. √>l<br />
Kölnischer Kunstverein (Hg.): Marcel<br />
Odenbach – Ach wie gut, daß niemand weiß.<br />
Köln, 1999, Kat. √>l Frankfurter Kunstverein<br />
(Hg.): Marcel Odenbach – Auch wenn<br />
der Fahrer ein anderer ist, der Lastwagen<br />
bleibt der Gleiche. Frankfurt a. M., 2002<br />
078<br />
Der Titel der Collagezeichnung Auf euch will<br />
ich meine Kirche bauen verweist auf<br />
den Auftrag, den Jesus Christus Petrus gibt:<br />
Du bist der Fels, auf dich will ich meine<br />
Kirche bauen. Die Blicke in drei Gebäude –<br />
in eine Kirche, in das Innere der New Yorker<br />
Freiheitsstatue und in einen <strong>Raum</strong> eines<br />
Atomkraftwerks – werden flankiert von Texttafeln.<br />
Neben dem Kraftwerk befindet<br />
sich die Tafel AUF EUCH WILL ICH MEINE<br />
KIRCHE BAUEN und neben der Statue<br />
WAHRNEHMEN DIE SEKUNDE ABWAR-<br />
TEN DIE LÜGE. In die Zeichnungen sind<br />
Fotokopien von Bildern eingefügt. Beispielhaft<br />
werden unterschiedliche Realitäten<br />
sowie geistige Welten, Werte und Haltungen<br />
aufgerufen: metaphysische, historische<br />
und zeitgenössische mit dem Jahr der deutschen<br />
Einheit 1990. Vielfach konnotierte,<br />
medial verbreitete Bilder werden von<br />
Odenbach zu einem anspielungsreichen<br />
visuellen Komplex überhöht.<br />
HS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Auf Euch will ich meine Kirche bauen<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1990<br />
fünfteilige Collagezeichnung<br />
Graphit und Farbe auf Papier<br />
drei Zeichnungen je 221 ≈ 111 cm<br />
zwei Zeichnungen je 221 ≈ 16 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis durch<br />
den Kulturkreis der deutschen Wirtschaft<br />
im BDI e. V. 26. 08. 1998<br />
Rosemarie Trockel<br />
Schwerte 1952, lebt in Köln<br />
Rosemarie Trockel studierte von 1974<br />
bis 1980 an der Werkkunstschule in Köln.<br />
Trockel beschäftigt sich mit Anthropologie,<br />
Soziologie, Theologie sowie Mathematik,<br />
über Zeichnungen, Gemälde, Plastiken,<br />
Objekte, Installationen und Videos. Im<br />
Zentrum ihrer Interessen steht die Arbeit<br />
von Künstlerinnen und vermeintlich<br />
weibliche Stilmittel und Materialien. Das<br />
Erforschen der Mechanismen des<br />
Kunstmarktes fließt in ihre künstlerische<br />
Reflexion ebenso ein wie die Hinterfragung<br />
der Kriterien für die Kunst selbst.<br />
Der Umgang mit dem Körper, die Bedeutung<br />
von Kommunikation und die Rolle<br />
von Tieren in unserer Gesellschaft bilden<br />
weitere Themenfelder. Trockels Werke –<br />
Strickbilder, Herdplattenbilder, Objekte aus<br />
Wolle und Wollfilme – verweisen auf<br />
viele Referenzpunkte unserer Gesellschaft<br />
und der Kunstgeschichte: Minimal Art,<br />
Pop Art, Ready-mades. Für einige Projekte<br />
kooperierte Trockel mit dem Biologen<br />
und Künstler Carsten Höller.<br />
Einzelausstellungen<br />
Rosemarie Trockel. Werkgruppen 1986 –<br />
1998. Hamburger Kunsthalle, Whitechapel<br />
Art Gallery, London (GB), Staatsgalerie<br />
Stuttgart, M.A.C. – Galeries Contemporaines<br />
des Musées de Marseille (F), 1998 /1999,<br />
Kat. √>l Rosemarie Trockel – Drawings.
076 √>l 077 √>l 078 √>l<br />
zwischenzeitlich abgebrannt und ist nun<br />
wieder aufgebaut. Peterman möchte<br />
die Welt verändern und verbessern, ist sich<br />
aber zugleich bewusst, dass es sich<br />
um >recycelte< Visionen von Utopie handelt.<br />
Seine Werke berühren intensiv, z. B. das<br />
Projekt Model Efficiency (1998), bei dem<br />
Peterman ein Schutzdach aus recycelten Aluminiumdosen<br />
für Obdachlose konstruierte.<br />
Einzelausstellungen<br />
Dan Peterman. FRAC Poitou-Charentes,<br />
Angoulème (F), 1993 √>l Options 48:<br />
Dan Peterman: Oesulfur Cycle. Museum of<br />
Contemporary Art, Chicago (USA), 1994,<br />
Kat. √>l Accessories to an Event. Helga Maria<br />
Klosterfelde, Hamburg, Galerie Klosterfelde,<br />
Berlin, 1996 √>l Running Table and Chicago<br />
Ground Cover. A. Montgomery Ward<br />
Garden, Grant Park, Chicago (USA), 1997 √>l<br />
Currents 73: Dan Peterman. The Saint<br />
Louis Art Museum, Saint Louis (USA), 1998,<br />
Kat. √>l Dan Peterman. Galerie Klosterfelde,<br />
Berlin, Museum Abteiberg, Mönchengladbach,<br />
2002 √>l Plastic Economies.<br />
Museum of Contemporary Art, Chicago<br />
(USA), 2004, Kat.<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Urban Processes: Circuits and Sediments.<br />
Randolph Street Gallery, Chicago (USA),<br />
1987 √>l Chicago Compost Shelter.<br />
An Installation of Experimental Architecture.<br />
The Resource Center, Chicago (USA),<br />
1988 √>l Charged Spaces: Stressed Sites in<br />
the Body Politic. Betty Rymer Gallery,<br />
School of the Art Institute, Chicago (USA),<br />
1989, Kat. √>l Oppositionen & Schwesternfelder.<br />
Wiener Secession (A), Museum<br />
Fridericanum, Kassel, 1993 /1994, Kat. √>l<br />
45. Biennale di Venezia, Venedig (I), Kat.<br />
√>l Kontext Kunst. Steirischer Herbst, Trigon<br />
Œ93, Graz (A), 1993 √>l Nutopi. Rooseum<br />
Center for Contemporary Art, Malmö (S),<br />
1995, Kat. √>l minimalisms. Akademie der<br />
Künste, Berlin, Kunsthalle Basel (CH),<br />
1998, Kat. √>l ONTOM TWC . GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
1998, Kat. √>l dream city. Museum Villa<br />
Stuck, München, 1999 √>l Ecologies: Marc<br />
Dion, Peter Fend, Dan Peterman. The David<br />
and Alfred Smart Museum of Art, The University<br />
of Chicago (USA), 2000, Kat. √>l<br />
[Collection 2000]. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 2000 √>l<br />
Die Sammlung als Labor XIII. GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 2003 √>l BANKETT. ZKM, Karlsruhe,<br />
2003 √>l Shrinking Cities 2 – Interventionen.<br />
GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 2005 / 2006, Kat. √>l<br />
Beyond Green. Museum of Art & Design,<br />
New York (USA), 2006, Kat.<br />
Literatur<br />
Kunstmuseum Luzern / Kunstverein in<br />
Hamburg (Hg.): Backstage. Hamburg, 1993,<br />
Kat. √>l Scanlan, Joe: Back to Basics<br />
and Back Again. In: Frieze, 9 /10 /1994 √>l<br />
Deichtorhallen Hamburg (Hg.): Home Sweet<br />
Home. Hamburg, 1997, Kat. √>l Werner,<br />
Klaus (Hg.): ONTOM TWC . GfZK, <strong>Leipzig</strong> 1998,<br />
Kat. √>l Kunsthalle Basel (Hg.): Dan Peterman.<br />
Basel (CH), 1998, Kat. √>l Berg, Stephan<br />
(Hg.): Dan Peterman. 7 Deadly Sins And<br />
Other Stories. Hannover, 2001, Kat. √>l<br />
Babias, Marius / Waldvogel, Florian (Hg.):<br />
Arbeit Essen Angst. Essen, 2001, Kat.<br />
076<br />
Das Werk Running Table wurde zum ersten<br />
Mal in Chicago (USA) gezeigt; drei Segmente<br />
davon befinden sich in der Sammlung<br />
der GfZK. Im Sommer 1997 fanden die<br />
BesucherInnen des A. Montgomery Ward<br />
Garden, Grant Park in Chicago einen<br />
Kunststofftisch von 30 Metern Länge vor.<br />
An diesem konnten sie sich zur Mahlzeit<br />
setzen oder mit FreundInnen feiern.<br />
Der ganz aus recyceltem Plastik hergestellte<br />
Tisch mit eingebauten Sitzbänken<br />
ist >eine starke Evidenz vom exzessiven<br />
Verbrauch des Menschen< (D. P. 1997).<br />
10.000 Milchkännchen stellen den Ausgangsstoff<br />
des Tisches dar. Running<br />
Table lädt zu Reflexionen über die gegenwärtige<br />
Situation der Konsumgesellschaft<br />
ein.<br />
IK<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Running Table (Segments)<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1997<br />
dreiteilige Installation<br />
recycelter Kunststoff<br />
je 80,5 ≈ 167,5 ≈ 40,5 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Ankauf des Förderkreises<br />
01. 07. 1998<br />
Michael Morgner<br />
Chemnitz 1942, lebt in Einsiedel<br />
bei Chemnitz<br />
Michael Morgner studierte von 1961 bis 1966<br />
an der Hochschule für Grafik und Buchkunst<br />
in <strong>Leipzig</strong> und arbeitet seit 1966 als<br />
freischaffender Künstler. Er gehörte zu<br />
den MitbegründerInnen der Galerie Oben<br />
und der Künstlergruppe und Produzentengalerie<br />
Clara Mosch, die in den 1970 er Jahren<br />
in Karl-Marx-Stadt, heute Chemnitz, tätig<br />
war. Seit den 1980 er Jahren entstanden vor<br />
allem Grafiken, Zeichnungen, darunter<br />
verschiedene Bildzyklen mit den Themen<br />
Verfolgung und Vernichtung sowie seit<br />
Mitte der 1990 er Jahre plastische Arbeiten<br />
zum Thema Angst und Schmerz.<br />
Michael Morgners Arbeiten entstehen oft in<br />
mehreren Schichten. Gleichnishafte Figuren<br />
werden mit düster wirkenden Hintergründen<br />
kombiniert. Piktogrammartig platziert<br />
er die menschliche Gestalt in unbestimmte<br />
Räume mit Zeichen wie Balken, Kreuz<br />
und Dreieck. Ausgehend von Naturformen<br />
entwickelt Morgner Symbole und konfrontiert<br />
Braunschwarz mit dem Weiß der<br />
Binnenformen. Seine großformatigen<br />
Arbeiten setzt er häufig aus einzelnen Papierbögen<br />
zusammen, die er intensiven<br />
Bearbeitungen wie Lavagen, Splittings oder<br />
Prägungen unterzieht. Morgner zerstört<br />
zunächst seine Bildoberflächen und<br />
schließt diese dann u. a. mit Asphaltlack<br />
und Tusche. Dieser Vorgang hat jedoch<br />
nichts Versöhnliches an sich, sondern er<br />
schafft unauslöschliche Stigmata. Ab<br />
1980 findet er mit dem Sinnbild des Schreitenden<br />
seine Antwort auf lähmende<br />
Furcht. Der Schreitende markiert dennoch<br />
keinen grundsätzlichen Wandel in der<br />
vorherrschend düsteren Stimmung seiner<br />
Bildwelten.<br />
Einzelausstellungen<br />
Michael Morgner. Museum der bildenden<br />
Künste, <strong>Leipzig</strong>, 1982, Kat. √>l Michael<br />
Morgner. Serielle Bilder und Grafik. Karl-<br />
Marx-Stadt / Chemnitz, 1984, Kat. √>l<br />
Michael Morgner. Saarland Museum, Saarbrücken,<br />
1993, Kat. √>l Michael Morgner.<br />
Stadtmuseum, Jena, 1997, Kat. √>l Michael<br />
Morgner. Figur + Metapher. GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
2000 √>l Michael Morgner. Ausstellungszentrum<br />
Kroch-Haus, Universität <strong>Leipzig</strong>,<br />
2004<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Zone D – Innenraum. Förderkreis der GfZK<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1991, Kat. √>l mit Albrecht Göschel.<br />
Taschenbergpalais, Dresden, 1997 √>l<br />
Clara Mosch 1977–1982. Werke und Dokumente.<br />
Lindenau-Museum, Altenburg,<br />
1997, Kat. √>l Souveräne Wege. 1949 –1989.<br />
Sechs Künstler der DDR. Städtische<br />
Museen Jena, Galerie Gunar Barthel, Berlin,<br />
Galerie Oben, Chemnitz, 1998, ZDF-Sendezentrum,<br />
Mainz, 2000, Kat. √>l Michael<br />
Morgner. Tauwetter. Neue Sächsische Galerie,<br />
Chemnitz, 2000, Kat.<br />
Literatur<br />
Barthel, Gunar: Michael Morgner. Berlin,<br />
1986, Kat. √>l Peters, Hans Albert:<br />
Michael Morgner. Hartmut Neumann.<br />
Triennale New Delhi. Düsseldorf, 1991 √>l<br />
Hartwig, Klaus / Thomas, Karin / Vogel,<br />
Carl / Werner, Klaus: Michael Morgner. Werkübersicht<br />
1972 –1991. Chemnitz, 1992,<br />
Kat. √>l Flügge, Matthias: Michael Morgner.<br />
Berlin, 1993, Kat. √>l Lauenburgischer<br />
Kunstverein (Hg.): Michael Morgner. Reliquie<br />
Mensch. Graphik. Büchen, 1996, Kat. √>l<br />
Werner, Klaus (Hg.): Michael Morgner. Figur<br />
+ Metapher. Werkverzeichnis der Druckgrafik.<br />
<strong>Leipzig</strong>, 2000<br />
Michael Morgner √>l Marcel Odenbach √>l Rosemarie Trockel √>l<br />
077<br />
Morgners Requiem kreist thematisch um<br />
das Leiden des Einzelnen. Expressiv<br />
führt das Bild Todeserlebnisse als düsteres<br />
Menetekel vor Augen. Die Bildsprache ist<br />
auf einfachste Formen reduziert, die seinen<br />
archetypischen Botschaften entsprechen.<br />
Für seine Symbolik nutzt Morgner häufig die<br />
christliche Ikonografie, z. B. die Figur des<br />
Ecce-Homo. Die abstrahierende Auseinandersetzung<br />
mit den konkreten Ereignissen<br />
der Geschichte und des Selbsterlebten<br />
verarbeitet er zu Sinnbildern elementarer<br />
Erfahrungen von Angst, Tod und extremem<br />
Ausgeliefertsein. Seine Arbeit spiegelt<br />
die Seelenzustände des einsamen Individuums<br />
in der Gesellschaft wider.<br />
UA<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Requiem<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1986 /1989<br />
Öl auf Leinwand, Tusch-Lavage auf Papier,<br />
Metallrahmen<br />
200 ≈ 200 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis<br />
vom Kulturkreis der deutschen Wirtschaft<br />
im BDI e. V. 26. 08. 1998<br />
Marcel Odenbach<br />
Köln 1953, lebt in Köln und Karlsruhe<br />
Marcel Odenbach studierte von 1974 bis<br />
1979 Architektur, Kunstgeschichte und<br />
Semiotik an der Technischen Hochschule<br />
in Aachen. Seit 1976 arbeitet er mit Videos<br />
in Performances und Installationen. Er<br />
hat verschiedene Professuren inne, so seit<br />
1992 an der Staatlichen Hochschule<br />
für Gestaltung in Karlsruhe, seit 1999 am<br />
College of Art, Komasi (GH), und seit<br />
2000 an der Kunsthochschule für Medien in<br />
Köln. 1999 war er Gastprofessor an der<br />
University of California in Los Angeles (USA).<br />
Marcel Odenbach bildete mit Ulrike Rosenbach<br />
und Klaus vom Bruch in den 1970 er<br />
Jahren die Produzentengruppe ATV.<br />
Odenbachs Werk steht paradigmatisch für<br />
eine kontinuierliche Kritik an gesellschaftlichen<br />
und insbesondere an den deutschen<br />
Verhältnissen, für die er meist literarisch<br />
oder sprichwörtlich klingende Titel findet.<br />
Vielschichtig untersuchte Zusammenhänge<br />
von Text und Bild prägen viele Arbeiten.<br />
Seit 1980 schafft Marcel Odenbach<br />
eigenständige Collagezeichnungen, oft in<br />
mehrteiligen Serien. Durch den Prozessaspekt<br />
wird die Zeit als Komponente eingebracht.<br />
Einzelausstellungen<br />
Marcel Odenbach – Videoarbeiten. Museum<br />
Folkwang, Essen, 1981, Kat. √>l Marcel<br />
Odenbach – Zeichnungen 1975 –1977.<br />
Liechtensteinische Staatliche Kunstsammlung,<br />
Vaduz (FL), 1997, Kat. √>l Marcel<br />
Odenbach. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1999 √>l Marcel<br />
Odenbach – Vom Kommen und vom<br />
Gehen – Video- und Papierarbeiten. STAMPA,<br />
Basel (CH), 2005 √>l Marcel Odenbach.<br />
In stillen Teichen lauern die Krokodile. Neue<br />
Nationalgalerie / Hamburger Bahnhof,<br />
Berlin, 2006<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
1945 –1985 – Kunst aus der Bundesrepublik<br />
Deutschland. Neue Nationalgalerie, Berlin<br />
(West), 1985, Kat. √>l documenta 8. Kassel,<br />
1987, Kat. √>l Zeitzeichen. Museum der<br />
bildenden Künste, <strong>Leipzig</strong>, 1989 √>l Passage<br />
de l’image. Centre Georges Pompidou,<br />
Paris (F), 1990 √>l Metropolis. Martin-<br />
Gropius-Bau, Berlin, 1991 √>l Zone D – Innenraum.<br />
Förderkreis der GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
1991, Kat. √>l Deutschlandbilder – Kunst<br />
aus einem geteilten Land. Martin-Gropius-<br />
Bau, Berlin, 1997, Kat. √>l 25. Bienal<br />
Internacional de São Paulo. Museu de Arte<br />
Moderna, São Paulo (BR), 2002 √>l<br />
Klopfzeichen. Kunst und Kultur der 80 er<br />
Jahre in Deutschland. Museum der<br />
bildenden Künste, <strong>Leipzig</strong>, 2002, Kat.<br />
√>l 40jahrevideokunst.de – Die 80 er. K 21,<br />
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen,<br />
Düsseldorf, 2006, Kat.<br />
Literatur<br />
Institute of Contemporary Art Boston (Hg.):<br />
Marcel Odenbach – As if memories<br />
could deceive me. Boston (USA), 1986, Kat.<br />
√>l Stichting de Appel (Hg.): Marcel<br />
Odenbach – Keep in View. Amsterdam (NL),<br />
1993, Kat. √>l Museum of Modern Art<br />
(Hg.): Video Spaces. New York (USA), 1995,<br />
Kat. √>l Liechtensteinische Staatliche<br />
Kunstsammlung (Hg.): Marcel Odenbach.<br />
Zeichnungen 1975 –77. Köln, 1997, Kat. √>l<br />
Kölnischer Kunstverein (Hg.): Marcel<br />
Odenbach – Ach wie gut, daß niemand weiß.<br />
Köln, 1999, Kat. √>l Frankfurter Kunstverein<br />
(Hg.): Marcel Odenbach – Auch wenn<br />
der Fahrer ein anderer ist, der Lastwagen<br />
bleibt der Gleiche. Frankfurt a. M., 2002<br />
078<br />
Der Titel der Collagezeichnung Auf euch will<br />
ich meine Kirche bauen verweist auf<br />
den Auftrag, den Jesus Christus Petrus gibt:<br />
Du bist der Fels, auf dich will ich meine<br />
Kirche bauen. Die Blicke in drei Gebäude –<br />
in eine Kirche, in das Innere der New Yorker<br />
Freiheitsstatue und in einen <strong>Raum</strong> eines<br />
Atomkraftwerks – werden flankiert von Texttafeln.<br />
Neben dem Kraftwerk befindet<br />
sich die Tafel AUF EUCH WILL ICH MEINE<br />
KIRCHE BAUEN und neben der Statue<br />
WAHRNEHMEN DIE SEKUNDE ABWAR-<br />
TEN DIE LÜGE. In die Zeichnungen sind<br />
Fotokopien von Bildern eingefügt. Beispielhaft<br />
werden unterschiedliche Realitäten<br />
sowie geistige Welten, Werte und Haltungen<br />
aufgerufen: metaphysische, historische<br />
und zeitgenössische mit dem Jahr der deutschen<br />
Einheit 1990. Vielfach konnotierte,<br />
medial verbreitete Bilder werden von<br />
Odenbach zu einem anspielungsreichen<br />
visuellen Komplex überhöht.<br />
HS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Auf Euch will ich meine Kirche bauen<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1990<br />
fünfteilige Collagezeichnung<br />
Graphit und Farbe auf Papier<br />
drei Zeichnungen je 221 ≈ 111 cm<br />
zwei Zeichnungen je 221 ≈ 16 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis durch<br />
den Kulturkreis der deutschen Wirtschaft<br />
im BDI e. V. 26. 08. 1998<br />
Rosemarie Trockel<br />
Schwerte 1952, lebt in Köln<br />
Rosemarie Trockel studierte von 1974<br />
bis 1980 an der Werkkunstschule in Köln.<br />
Trockel beschäftigt sich mit Anthropologie,<br />
Soziologie, Theologie sowie Mathematik,<br />
über Zeichnungen, Gemälde, Plastiken,<br />
Objekte, Installationen und Videos. Im<br />
Zentrum ihrer Interessen steht die Arbeit<br />
von Künstlerinnen und vermeintlich<br />
weibliche Stilmittel und Materialien. Das<br />
Erforschen der Mechanismen des<br />
Kunstmarktes fließt in ihre künstlerische<br />
Reflexion ebenso ein wie die Hinterfragung<br />
der Kriterien für die Kunst selbst.<br />
Der Umgang mit dem Körper, die Bedeutung<br />
von Kommunikation und die Rolle<br />
von Tieren in unserer Gesellschaft bilden<br />
weitere Themenfelder. Trockels Werke –<br />
Strickbilder, Herdplattenbilder, Objekte aus<br />
Wolle und Wollfilme – verweisen auf<br />
viele Referenzpunkte unserer Gesellschaft<br />
und der Kunstgeschichte: Minimal Art,<br />
Pop Art, Ready-mades. Für einige Projekte<br />
kooperierte Trockel mit dem Biologen<br />
und Künstler Carsten Höller.<br />
Einzelausstellungen<br />
Rosemarie Trockel. Werkgruppen 1986 –<br />
1998. Hamburger Kunsthalle, Whitechapel<br />
Art Gallery, London (GB), Staatsgalerie<br />
Stuttgart, M.A.C. – Galeries Contemporaines<br />
des Musées de Marseille (F), 1998 /1999,<br />
Kat. √>l Rosemarie Trockel – Drawings.
076 √>l 077 √>l 078 √>l<br />
zwischenzeitlich abgebrannt und ist nun<br />
wieder aufgebaut. Peterman möchte<br />
die Welt verändern und verbessern, ist sich<br />
aber zugleich bewusst, dass es sich<br />
um >recycelte< Visionen von Utopie handelt.<br />
Seine Werke berühren intensiv, z. B. das<br />
Projekt Model Efficiency (1998), bei dem<br />
Peterman ein Schutzdach aus recycelten Aluminiumdosen<br />
für Obdachlose konstruierte.<br />
Einzelausstellungen<br />
Dan Peterman. FRAC Poitou-Charentes,<br />
Angoulème (F), 1993 √>l Options 48:<br />
Dan Peterman: Oesulfur Cycle. Museum of<br />
Contemporary Art, Chicago (USA), 1994,<br />
Kat. √>l Accessories to an Event. Helga Maria<br />
Klosterfelde, Hamburg, Galerie Klosterfelde,<br />
Berlin, 1996 √>l Running Table and Chicago<br />
Ground Cover. A. Montgomery Ward<br />
Garden, Grant Park, Chicago (USA), 1997 √>l<br />
Currents 73: Dan Peterman. The Saint<br />
Louis Art Museum, Saint Louis (USA), 1998,<br />
Kat. √>l Dan Peterman. Galerie Klosterfelde,<br />
Berlin, Museum Abteiberg, Mönchengladbach,<br />
2002 √>l Plastic Economies.<br />
Museum of Contemporary Art, Chicago<br />
(USA), 2004, Kat.<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Urban Processes: Circuits and Sediments.<br />
Randolph Street Gallery, Chicago (USA),<br />
1987 √>l Chicago Compost Shelter.<br />
An Installation of Experimental Architecture.<br />
The Resource Center, Chicago (USA),<br />
1988 √>l Charged Spaces: Stressed Sites in<br />
the Body Politic. Betty Rymer Gallery,<br />
School of the Art Institute, Chicago (USA),<br />
1989, Kat. √>l Oppositionen & Schwesternfelder.<br />
Wiener Secession (A), Museum<br />
Fridericanum, Kassel, 1993 /1994, Kat. √>l<br />
45. Biennale di Venezia, Venedig (I), Kat.<br />
√>l Kontext Kunst. Steirischer Herbst, Trigon<br />
Œ93, Graz (A), 1993 √>l Nutopi. Rooseum<br />
Center for Contemporary Art, Malmö (S),<br />
1995, Kat. √>l minimalisms. Akademie der<br />
Künste, Berlin, Kunsthalle Basel (CH),<br />
1998, Kat. √>l ONTOM TWC . GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
1998, Kat. √>l dream city. Museum Villa<br />
Stuck, München, 1999 √>l Ecologies: Marc<br />
Dion, Peter Fend, Dan Peterman. The David<br />
and Alfred Smart Museum of Art, The University<br />
of Chicago (USA), 2000, Kat. √>l<br />
[Collection 2000]. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 2000 √>l<br />
Die Sammlung als Labor XIII. GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 2003 √>l BANKETT. ZKM, Karlsruhe,<br />
2003 √>l Shrinking Cities 2 – Interventionen.<br />
GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 2005 / 2006, Kat. √>l<br />
Beyond Green. Museum of Art & Design,<br />
New York (USA), 2006, Kat.<br />
Literatur<br />
Kunstmuseum Luzern / Kunstverein in<br />
Hamburg (Hg.): Backstage. Hamburg, 1993,<br />
Kat. √>l Scanlan, Joe: Back to Basics<br />
and Back Again. In: Frieze, 9 /10 /1994 √>l<br />
Deichtorhallen Hamburg (Hg.): Home Sweet<br />
Home. Hamburg, 1997, Kat. √>l Werner,<br />
Klaus (Hg.): ONTOM TWC . GfZK, <strong>Leipzig</strong> 1998,<br />
Kat. √>l Kunsthalle Basel (Hg.): Dan Peterman.<br />
Basel (CH), 1998, Kat. √>l Berg, Stephan<br />
(Hg.): Dan Peterman. 7 Deadly Sins And<br />
Other Stories. Hannover, 2001, Kat. √>l<br />
Babias, Marius / Waldvogel, Florian (Hg.):<br />
Arbeit Essen Angst. Essen, 2001, Kat.<br />
076<br />
Das Werk Running Table wurde zum ersten<br />
Mal in Chicago (USA) gezeigt; drei Segmente<br />
davon befinden sich in der Sammlung<br />
der GfZK. Im Sommer 1997 fanden die<br />
BesucherInnen des A. Montgomery Ward<br />
Garden, Grant Park in Chicago einen<br />
Kunststofftisch von 30 Metern Länge vor.<br />
An diesem konnten sie sich zur Mahlzeit<br />
setzen oder mit FreundInnen feiern.<br />
Der ganz aus recyceltem Plastik hergestellte<br />
Tisch mit eingebauten Sitzbänken<br />
ist >eine starke Evidenz vom exzessiven<br />
Verbrauch des Menschen< (D. P. 1997).<br />
10.000 Milchkännchen stellen den Ausgangsstoff<br />
des Tisches dar. Running<br />
Table lädt zu Reflexionen über die gegenwärtige<br />
Situation der Konsumgesellschaft<br />
ein.<br />
IK<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Running Table (Segments)<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1997<br />
dreiteilige Installation<br />
recycelter Kunststoff<br />
je 80,5 ≈ 167,5 ≈ 40,5 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Ankauf des Förderkreises<br />
01. 07. 1998<br />
Michael Morgner<br />
Chemnitz 1942, lebt in Einsiedel<br />
bei Chemnitz<br />
Michael Morgner studierte von 1961 bis 1966<br />
an der Hochschule für Grafik und Buchkunst<br />
in <strong>Leipzig</strong> und arbeitet seit 1966 als<br />
freischaffender Künstler. Er gehörte zu<br />
den MitbegründerInnen der Galerie Oben<br />
und der Künstlergruppe und Produzentengalerie<br />
Clara Mosch, die in den 1970 er Jahren<br />
in Karl-Marx-Stadt, heute Chemnitz, tätig<br />
war. Seit den 1980 er Jahren entstanden vor<br />
allem Grafiken, Zeichnungen, darunter<br />
verschiedene Bildzyklen mit den Themen<br />
Verfolgung und Vernichtung sowie seit<br />
Mitte der 1990 er Jahre plastische Arbeiten<br />
zum Thema Angst und Schmerz.<br />
Michael Morgners Arbeiten entstehen oft in<br />
mehreren Schichten. Gleichnishafte Figuren<br />
werden mit düster wirkenden Hintergründen<br />
kombiniert. Piktogrammartig platziert<br />
er die menschliche Gestalt in unbestimmte<br />
Räume mit Zeichen wie Balken, Kreuz<br />
und Dreieck. Ausgehend von Naturformen<br />
entwickelt Morgner Symbole und konfrontiert<br />
Braunschwarz mit dem Weiß der<br />
Binnenformen. Seine großformatigen<br />
Arbeiten setzt er häufig aus einzelnen Papierbögen<br />
zusammen, die er intensiven<br />
Bearbeitungen wie Lavagen, Splittings oder<br />
Prägungen unterzieht. Morgner zerstört<br />
zunächst seine Bildoberflächen und<br />
schließt diese dann u. a. mit Asphaltlack<br />
und Tusche. Dieser Vorgang hat jedoch<br />
nichts Versöhnliches an sich, sondern er<br />
schafft unauslöschliche Stigmata. Ab<br />
1980 findet er mit dem Sinnbild des Schreitenden<br />
seine Antwort auf lähmende<br />
Furcht. Der Schreitende markiert dennoch<br />
keinen grundsätzlichen Wandel in der<br />
vorherrschend düsteren Stimmung seiner<br />
Bildwelten.<br />
Einzelausstellungen<br />
Michael Morgner. Museum der bildenden<br />
Künste, <strong>Leipzig</strong>, 1982, Kat. √>l Michael<br />
Morgner. Serielle Bilder und Grafik. Karl-<br />
Marx-Stadt / Chemnitz, 1984, Kat. √>l<br />
Michael Morgner. Saarland Museum, Saarbrücken,<br />
1993, Kat. √>l Michael Morgner.<br />
Stadtmuseum, Jena, 1997, Kat. √>l Michael<br />
Morgner. Figur + Metapher. GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
2000 √>l Michael Morgner. Ausstellungszentrum<br />
Kroch-Haus, Universität <strong>Leipzig</strong>,<br />
2004<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Zone D – Innenraum. Förderkreis der GfZK<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1991, Kat. √>l mit Albrecht Göschel.<br />
Taschenbergpalais, Dresden, 1997 √>l<br />
Clara Mosch 1977–1982. Werke und Dokumente.<br />
Lindenau-Museum, Altenburg,<br />
1997, Kat. √>l Souveräne Wege. 1949 –1989.<br />
Sechs Künstler der DDR. Städtische<br />
Museen Jena, Galerie Gunar Barthel, Berlin,<br />
Galerie Oben, Chemnitz, 1998, ZDF-Sendezentrum,<br />
Mainz, 2000, Kat. √>l Michael<br />
Morgner. Tauwetter. Neue Sächsische Galerie,<br />
Chemnitz, 2000, Kat.<br />
Literatur<br />
Barthel, Gunar: Michael Morgner. Berlin,<br />
1986, Kat. √>l Peters, Hans Albert:<br />
Michael Morgner. Hartmut Neumann.<br />
Triennale New Delhi. Düsseldorf, 1991 √>l<br />
Hartwig, Klaus / Thomas, Karin / Vogel,<br />
Carl / Werner, Klaus: Michael Morgner. Werkübersicht<br />
1972 –1991. Chemnitz, 1992,<br />
Kat. √>l Flügge, Matthias: Michael Morgner.<br />
Berlin, 1993, Kat. √>l Lauenburgischer<br />
Kunstverein (Hg.): Michael Morgner. Reliquie<br />
Mensch. Graphik. Büchen, 1996, Kat. √>l<br />
Werner, Klaus (Hg.): Michael Morgner. Figur<br />
+ Metapher. Werkverzeichnis der Druckgrafik.<br />
<strong>Leipzig</strong>, 2000<br />
Michael Morgner √>l Marcel Odenbach √>l Rosemarie Trockel √>l<br />
077<br />
Morgners Requiem kreist thematisch um<br />
das Leiden des Einzelnen. Expressiv<br />
führt das Bild Todeserlebnisse als düsteres<br />
Menetekel vor Augen. Die Bildsprache ist<br />
auf einfachste Formen reduziert, die seinen<br />
archetypischen Botschaften entsprechen.<br />
Für seine Symbolik nutzt Morgner häufig die<br />
christliche Ikonografie, z. B. die Figur des<br />
Ecce-Homo. Die abstrahierende Auseinandersetzung<br />
mit den konkreten Ereignissen<br />
der Geschichte und des Selbsterlebten<br />
verarbeitet er zu Sinnbildern elementarer<br />
Erfahrungen von Angst, Tod und extremem<br />
Ausgeliefertsein. Seine Arbeit spiegelt<br />
die Seelenzustände des einsamen Individuums<br />
in der Gesellschaft wider.<br />
UA<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Requiem<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1986 /1989<br />
Öl auf Leinwand, Tusch-Lavage auf Papier,<br />
Metallrahmen<br />
200 ≈ 200 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis<br />
vom Kulturkreis der deutschen Wirtschaft<br />
im BDI e. V. 26. 08. 1998<br />
Marcel Odenbach<br />
Köln 1953, lebt in Köln und Karlsruhe<br />
Marcel Odenbach studierte von 1974 bis<br />
1979 Architektur, Kunstgeschichte und<br />
Semiotik an der Technischen Hochschule<br />
in Aachen. Seit 1976 arbeitet er mit Videos<br />
in Performances und Installationen. Er<br />
hat verschiedene Professuren inne, so seit<br />
1992 an der Staatlichen Hochschule<br />
für Gestaltung in Karlsruhe, seit 1999 am<br />
College of Art, Komasi (GH), und seit<br />
2000 an der Kunsthochschule für Medien in<br />
Köln. 1999 war er Gastprofessor an der<br />
University of California in Los Angeles (USA).<br />
Marcel Odenbach bildete mit Ulrike Rosenbach<br />
und Klaus vom Bruch in den 1970 er<br />
Jahren die Produzentengruppe ATV.<br />
Odenbachs Werk steht paradigmatisch für<br />
eine kontinuierliche Kritik an gesellschaftlichen<br />
und insbesondere an den deutschen<br />
Verhältnissen, für die er meist literarisch<br />
oder sprichwörtlich klingende Titel findet.<br />
Vielschichtig untersuchte Zusammenhänge<br />
von Text und Bild prägen viele Arbeiten.<br />
Seit 1980 schafft Marcel Odenbach<br />
eigenständige Collagezeichnungen, oft in<br />
mehrteiligen Serien. Durch den Prozessaspekt<br />
wird die Zeit als Komponente eingebracht.<br />
Einzelausstellungen<br />
Marcel Odenbach – Videoarbeiten. Museum<br />
Folkwang, Essen, 1981, Kat. √>l Marcel<br />
Odenbach – Zeichnungen 1975 –1977.<br />
Liechtensteinische Staatliche Kunstsammlung,<br />
Vaduz (FL), 1997, Kat. √>l Marcel<br />
Odenbach. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1999 √>l Marcel<br />
Odenbach – Vom Kommen und vom<br />
Gehen – Video- und Papierarbeiten. STAMPA,<br />
Basel (CH), 2005 √>l Marcel Odenbach.<br />
In stillen Teichen lauern die Krokodile. Neue<br />
Nationalgalerie / Hamburger Bahnhof,<br />
Berlin, 2006<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
1945 –1985 – Kunst aus der Bundesrepublik<br />
Deutschland. Neue Nationalgalerie, Berlin<br />
(West), 1985, Kat. √>l documenta 8. Kassel,<br />
1987, Kat. √>l Zeitzeichen. Museum der<br />
bildenden Künste, <strong>Leipzig</strong>, 1989 √>l Passage<br />
de l’image. Centre Georges Pompidou,<br />
Paris (F), 1990 √>l Metropolis. Martin-<br />
Gropius-Bau, Berlin, 1991 √>l Zone D – Innenraum.<br />
Förderkreis der GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
1991, Kat. √>l Deutschlandbilder – Kunst<br />
aus einem geteilten Land. Martin-Gropius-<br />
Bau, Berlin, 1997, Kat. √>l 25. Bienal<br />
Internacional de São Paulo. Museu de Arte<br />
Moderna, São Paulo (BR), 2002 √>l<br />
Klopfzeichen. Kunst und Kultur der 80 er<br />
Jahre in Deutschland. Museum der<br />
bildenden Künste, <strong>Leipzig</strong>, 2002, Kat.<br />
√>l 40jahrevideokunst.de – Die 80 er. K 21,<br />
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen,<br />
Düsseldorf, 2006, Kat.<br />
Literatur<br />
Institute of Contemporary Art Boston (Hg.):<br />
Marcel Odenbach – As if memories<br />
could deceive me. Boston (USA), 1986, Kat.<br />
√>l Stichting de Appel (Hg.): Marcel<br />
Odenbach – Keep in View. Amsterdam (NL),<br />
1993, Kat. √>l Museum of Modern Art<br />
(Hg.): Video Spaces. New York (USA), 1995,<br />
Kat. √>l Liechtensteinische Staatliche<br />
Kunstsammlung (Hg.): Marcel Odenbach.<br />
Zeichnungen 1975 –77. Köln, 1997, Kat. √>l<br />
Kölnischer Kunstverein (Hg.): Marcel<br />
Odenbach – Ach wie gut, daß niemand weiß.<br />
Köln, 1999, Kat. √>l Frankfurter Kunstverein<br />
(Hg.): Marcel Odenbach – Auch wenn<br />
der Fahrer ein anderer ist, der Lastwagen<br />
bleibt der Gleiche. Frankfurt a. M., 2002<br />
078<br />
Der Titel der Collagezeichnung Auf euch will<br />
ich meine Kirche bauen verweist auf<br />
den Auftrag, den Jesus Christus Petrus gibt:<br />
Du bist der Fels, auf dich will ich meine<br />
Kirche bauen. Die Blicke in drei Gebäude –<br />
in eine Kirche, in das Innere der New Yorker<br />
Freiheitsstatue und in einen <strong>Raum</strong> eines<br />
Atomkraftwerks – werden flankiert von Texttafeln.<br />
Neben dem Kraftwerk befindet<br />
sich die Tafel AUF EUCH WILL ICH MEINE<br />
KIRCHE BAUEN und neben der Statue<br />
WAHRNEHMEN DIE SEKUNDE ABWAR-<br />
TEN DIE LÜGE. In die Zeichnungen sind<br />
Fotokopien von Bildern eingefügt. Beispielhaft<br />
werden unterschiedliche Realitäten<br />
sowie geistige Welten, Werte und Haltungen<br />
aufgerufen: metaphysische, historische<br />
und zeitgenössische mit dem Jahr der deutschen<br />
Einheit 1990. Vielfach konnotierte,<br />
medial verbreitete Bilder werden von<br />
Odenbach zu einem anspielungsreichen<br />
visuellen Komplex überhöht.<br />
HS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Auf Euch will ich meine Kirche bauen<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1990<br />
fünfteilige Collagezeichnung<br />
Graphit und Farbe auf Papier<br />
drei Zeichnungen je 221 ≈ 111 cm<br />
zwei Zeichnungen je 221 ≈ 16 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis durch<br />
den Kulturkreis der deutschen Wirtschaft<br />
im BDI e. V. 26. 08. 1998<br />
Rosemarie Trockel<br />
Schwerte 1952, lebt in Köln<br />
Rosemarie Trockel studierte von 1974<br />
bis 1980 an der Werkkunstschule in Köln.<br />
Trockel beschäftigt sich mit Anthropologie,<br />
Soziologie, Theologie sowie Mathematik,<br />
über Zeichnungen, Gemälde, Plastiken,<br />
Objekte, Installationen und Videos. Im<br />
Zentrum ihrer Interessen steht die Arbeit<br />
von Künstlerinnen und vermeintlich<br />
weibliche Stilmittel und Materialien. Das<br />
Erforschen der Mechanismen des<br />
Kunstmarktes fließt in ihre künstlerische<br />
Reflexion ebenso ein wie die Hinterfragung<br />
der Kriterien für die Kunst selbst.<br />
Der Umgang mit dem Körper, die Bedeutung<br />
von Kommunikation und die Rolle<br />
von Tieren in unserer Gesellschaft bilden<br />
weitere Themenfelder. Trockels Werke –<br />
Strickbilder, Herdplattenbilder, Objekte aus<br />
Wolle und Wollfilme – verweisen auf<br />
viele Referenzpunkte unserer Gesellschaft<br />
und der Kunstgeschichte: Minimal Art,<br />
Pop Art, Ready-mades. Für einige Projekte<br />
kooperierte Trockel mit dem Biologen<br />
und Künstler Carsten Höller.<br />
Einzelausstellungen<br />
Rosemarie Trockel. Werkgruppen 1986 –<br />
1998. Hamburger Kunsthalle, Whitechapel<br />
Art Gallery, London (GB), Staatsgalerie<br />
Stuttgart, M.A.C. – Galeries Contemporaines<br />
des Musées de Marseille (F), 1998 /1999,<br />
Kat. √>l Rosemarie Trockel – Drawings.
079 √>l 080 √>l 081 √>l<br />
Günther Uecker √>l Jonathan Meese √>l<br />
De Pont Foundation For Contemporary Art,<br />
Tilburg (NL), 2001 √>l Rosemarie Trockel.<br />
Sammlung Goetz, München, 2002<br />
√>l Rosemarie Trockel. Spleen. Dia Center<br />
for the Arts, New York (USA), 2002 /<br />
2003, Kat. √>l Rosemarie Trockel. Synagoge<br />
Stommeln, 2003 √>l Rosemarie Trockel –<br />
Das Kinderzimmer. Museum für Moderne<br />
Kunst (MMK), Frankfurt a. M., 2004 √>l<br />
Rosemarie Trockel. Menopause. Museum<br />
Ludwig, Köln, MAXXI – Museo nazionale<br />
delle arti del XXI secolo, Rom (I), 2006<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
[Collection 98]. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1998<br />
√>l Das Bild nach dem letzten Bild. Galerie<br />
Metropol, Wien (A), 1991 √>l Museum<br />
in Progress. Kunsthalle Wien (A), 1995 √>l<br />
Von Beuys bis Trockel. Centre Georges<br />
Pompidou, Paris (F), 1996 √>l documenta X.<br />
Kassel, 1997, Kat. √>l Weather Everything.<br />
GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1998, Kat. √>l 48. Biennale di<br />
Venezia. Venedig (I), 1999, Kat. √>l in<br />
between. EXPO 2000, Hannover, 2000 √>l<br />
Identität schreiben / Writing Identity –<br />
Autobiographie in der Kunst. GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
2003, Kat.<br />
Literatur<br />
Anders Tornberg Gallery, Lund (Hg.):<br />
Rosemarie Trockel. Jedes Tier ist eine Künstlerin.<br />
Lund (S), 1993, Kat. √>l Musée des<br />
Beaux-Arts de Nantes (Hg.): Rosemarie<br />
Trockel. Ich kann, darf und will nicht. Nantes<br />
(F), 1995, Kat. √>l Theewen, Gerhard (Hg.):<br />
Rosemarie Trockel. Herde. Köln, 1997,<br />
Kat. √>l Kunsthalle Tübingen (Hg.): Rosemarie<br />
Trockel. Arbeiten auf Papier 1980 –1997<br />
aus dem Kupferstichkabinett Basel. Tübingen,<br />
1998, Kat. √>l Günther Peill-Stiftung /<br />
Leopold Hoesch-Museum Düren (Hg.):<br />
Rosemarie Trockel. Paare. Düren, 1998, Kat.<br />
√>l GfZK <strong>Leipzig</strong> / Werner, Klaus (Hg.):<br />
Weather Everything. Ostfildern-Ruit, 1999,<br />
Kat. √>l Steiner, Barbara / Yang, Jun (Hg.):<br />
Writing Identity. Autobiography in Art. London<br />
(GB) / Hildesheim, 2003, Kat.<br />
079<br />
In Rosemarie Trockels Serie der Strickbilder<br />
lassen sich viele gesellschaftliche und<br />
kunstimmanente Verweise finden. Ihre Bilder<br />
aus Wolle sind am Computer entworfene,<br />
maschinell erstellte Kunstwerke. Ein persönlicher<br />
Duktus ist nicht sichtbar, aber die<br />
Frage nach einer Handschrift wird dabei<br />
durchaus thematisiert. Wolle ist ein Material,<br />
das von der Gesellschaft als weiblich<br />
assoziiert wird. Es war bis dato zwar als Material<br />
in der angewandten, aber keinesfalls<br />
in der bildenden Kunst etabliert. Themen und<br />
Motive der Strickbilder speisen sich aus<br />
der Alltagskultur. Beim Strickbild Ohne Titel<br />
ziehen sich zwei Friese mit jeweils vier Totenköpfen<br />
wie Logos rapportartig von links<br />
nach rechts über den karierten, farbigen Hintergrund.<br />
Der Kontrast zwischen Material<br />
und Inhalt könnte kaum stärker sein – eine<br />
typische Vorgehensweise Trockels.<br />
JS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Ohne Titel<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1990<br />
Malerei<br />
Wolle<br />
200 ≈ 150 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis<br />
vom Kulturkreis der deutschen Wirtschaft<br />
im BDI e. V.26. 08. 1998<br />
Günther Uecker<br />
Wendorf / Mecklenburg 1930, lebt in<br />
Düsseldorf<br />
Günther Uecker studierte von 1949 bis 1953<br />
in Wismar und an der Kunstakademie<br />
Berlin-Weißensee sowie von 1955 bis 1958<br />
an der Kunstakademie Düsseldorf.<br />
1957 entstanden erste Nagelbilder und weiße<br />
Strukturobjekte. Uecker hatte Kontakte<br />
zu Yves Klein und Otto Piene. In den Jahren<br />
1958 und 1959 war er Gast von Heinz<br />
Mack und Piene in deren Gruppe ZERO.<br />
1963 erhält er den Preis der Biennale<br />
des Jeunes, Paris (F), und realisierte seit 1970<br />
verschiedene Projekte für Museen,<br />
Opern und im öffentlichen <strong>Raum</strong>. 1974 übernahm<br />
Uecker eine Lehrtätigkeit an der<br />
Kunstakademie Düsseldorf, von 1975 bis 1995<br />
war er dort Professor. 1979 stattete er<br />
Wagners Oper Lohengrin in Bayreuth aus.<br />
1983 erhält er den Kaiserring der Stadt<br />
Goslar. Er verbrachte längere Zeit in Südamerika,<br />
Japan und Tibet. 2001 erhielt<br />
er das Große Verdienstkreuz der Bundesrepublik<br />
mit Stern.<br />
Ueckers Werk zeigt viele Facetten, von Lichtinstallationen<br />
über Aquarelle und Objekte<br />
bis hin zum Aktionismus. Licht und Bewegung<br />
waren seine Themen in den 1950 er Jahren.<br />
Dass Kunst sich vor den BetrachterInnen<br />
ereignet und nicht als feststehendes Bild aus<br />
abstrakten malerischen Gesten und<br />
Farbe entsteht, war eine zentrale Aussage<br />
der Gruppe ZERO. In den 1960 er Jahren<br />
konstruierte Uecker Krachmaschinen, die den<br />
Lärm von Industriehallen und Werkstätten<br />
ins Museum trugen. Er veröffentlichte seine<br />
Texte über diese Arbeiten in der Uecker-<br />
Zeitung nach Art eines Manifests. Uecker<br />
ordnet das Material diszipliniert nach<br />
strengen Kriterien. Nägel und Asche, Draht<br />
und Holz sind wichtige Konstanten.<br />
Dazu kommen Rhythmik und Struktur als<br />
Komponenten, die seine Skulpturen, Installationen<br />
und Assemblagen und seine<br />
Idee von der unendlichen, abstrakten Leere<br />
kraftvoll formen.<br />
Einzelausstellungen<br />
Lichtsalon. Haus Lange, Krefeld, 1963 √>l<br />
Günther Uecker. Galerie Handschin,<br />
Basel (CH), 1967, Kat. √>l Günther Uecker.<br />
Palais des Beaux-Arts, Brüssel (B),<br />
1970 √>l Günther Uecker. Moderna Museet,<br />
Stockholm (S), 1971 √>l Günther Uecker.<br />
Retrospektive. Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung,<br />
München, 1993 √>l Günter<br />
Uecker – Der geschundene Mensch. City Art<br />
Museum Ljubljana (SLO), 1999 √>l<br />
Günther Uecker. Zwanzig Kapitel. Sandmühlen<br />
– Zeitspiralen. Aquarelle. Neuer Berliner<br />
Kunstverein, Martin-Gropius-Bau, Berlin,<br />
Neue Nationalgalerie, Berlin, 2005<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
ZERO I. Museum Kunst Palast, Düsseldorf,<br />
1958 √>l Bewogen-Beweging. Stedeldijk<br />
Museum Amsterdam (NL), 1961 √>l Salon<br />
de lumiere. Palais de Beaux Arts, Brüssel<br />
(B), 1962 √>l documenta III. Kassel, 1964, Kat.<br />
√>l ZERO. Kunstmuseum Bonn, 1966 √>l<br />
4. documenta. Kassel, 1968, Kat. √>l 35. Biennale<br />
di Venezia. Venedig (I), 1970, Kat.<br />
√>l 36. Biennale di Venezia. Venedig (I), 1972,<br />
Kat. √>l documenta 7. Kassel, 1977, Kat.<br />
√>l Kann Fruchtbarkeit auf Asche gründen?<br />
Zentrales Künstlerhaus am Krimwall,<br />
Moskau (RUS), St. Petri Kirche, Lübeck, 1989<br />
√>l Bis jetzt. Plastik im Außenraum der BRD.<br />
Sprengel Museum, Hannover, 1990 √>l<br />
Zone D – Innenraum. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1991,<br />
Kat. √>l Von ZERO bis 2002. ZKM, Karlsruhe,<br />
2002 √>l ZERO – Internationale Künstler-<br />
Avantgarde der 50 er / 60 er Jahre. Stiftung<br />
Museum Kunst Palast, Düsseldorf, 2006<br />
Literatur<br />
Uecker, Günther: Uecker-Zeitung. 0 – 9.<br />
Düsseldorf, 1968 /1969 √>l P&P Galerie (Hg.):<br />
Günther Uecker. Düsseldorf, 1975, Kat.<br />
√>l Honisch, Dieter: Günther Uecker. Mit<br />
einem Werkverzeichnis von Marion<br />
Haedecke. Stuttgart, 1983 √>l Stachelhaus,<br />
Heinz: ZERO – Mack, Piene, Uecker.<br />
Düsseldorf, 1993 √>l Gillen, Eckhart (Hg.):<br />
Deutschlandbilder. Kunst aus einem<br />
geteilten Land. Köln, 1997<br />
080<br />
An der Kunstakademie Düsseldorf entstand<br />
1955 /1956 Ueckers erstes Nagelobjekt.<br />
Mit den ersten Nagelbildern 1957 formte sich<br />
seine künstlerische Sprache, die als<br />
Ausdruck der Verletzungen durch den Nationalsozialismus<br />
und als das Bedürfnis<br />
nach Reinigung und Neuanfang interpretiert<br />
werden kann. Das Gelbe Bild von 1957,<br />
dessen Spannleisten Uecker mit Nägeln<br />
übersäte, ist Ausdruck seines Misstrauens<br />
gegenüber dem klassischen Tafelbild.<br />
Ähnlich wie Lucio Fontana, der die Oberfläche<br />
seiner monochromen Arbeiten<br />
in den 1950 er Jahren mit perforierten und<br />
zerschlitzten Leinwänden um eine räumliche<br />
Dimension erweiterte, entdeckte<br />
Uecker im Nagel ein individuelles Instrument,<br />
mit dem sich das flache Bild mitunter<br />
gefährlich in den <strong>Raum</strong> verlängern ließ.<br />
In den Jahrzehnten danach lotete der Künstler<br />
das Potenzial aus und integrierte<br />
so diesen dem Alltag entlehnten Gegenstand<br />
in die Kunst. Zu nennen sind<br />
Experimente wie die Geheimnisskulptur<br />
(1982), die einmal zu sehen war und<br />
anschließend als gewickeltes Objekt ihren<br />
Inhalt versteckte, die mit Nägeln bedeckte<br />
kinetische Torkelscheibe und die erzählerischen<br />
Nagelformationen wie Wind<br />
oder Feld aus den 1990 er Jahren bis<br />
hin zum Aggressiven Kubus (1970). Der<br />
Nagel, ein christologisches Symbol<br />
par excellence, ist beim Objekt der GfZK<br />
extrem exponiert.<br />
CT / HS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Nagel<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1988<br />
Objekt<br />
Eisen<br />
178 cm Länge<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis<br />
vom Kulturkreis der deutschen Wirtschaft<br />
im BDI e. V.26. 08. 1998<br />
Jonathan Meese<br />
Tokio (J) 1970, lebt in Hamburg und Berlin<br />
Jonathan Meese besuchte von 1995 bis<br />
1998 die Hochschule der Bildenden<br />
Künste Hamburg bei Franz Erhard Walther.<br />
In den letzten Jahren entstanden gemeinsame<br />
Arbeiten und Ausstellungen mit<br />
Künstlern wie Jörg Immendorf, Daniel Richter<br />
und Albert Oehlen. Immer wieder ändert<br />
Meese die Angaben zu seinem Geburtsort<br />
und seinem Geburtsdatum; es sind verschiedenste<br />
Varianten publiziert.<br />
Messe erlangte internationale Aufmerksamkeit<br />
mit Bühnenbildern für die Volksbühne<br />
Berlin und die Staatsoper Berlin, mit<br />
Lesungen und Performances sowie in<br />
zahlreichen Ausstellungen mit Installationen,<br />
Gemälden und Assemblagen. In überbordenden<br />
<strong>Raum</strong>installationen aus Fotografien,<br />
eigenen Texten, Schaufensterpuppen,<br />
Plattencovers, Fundstücken u. ä.<br />
komponiert Meese Zitate aus Gegenwart<br />
und Geschichte, Hoch- und Popkultur zum<br />
Trash-Szenario. Charles Bronson und<br />
Romy Schneider finden ihren Platz neben<br />
Richard Wagner, Rainer Werner Fassbinder<br />
oder Friedrich Nietzsche. In Meeses<br />
Arbeiten finden sich archaische, auch kritisch<br />
diskutierte Bezüge zu Blut und Boden<br />
ebenso wie Versatzstücke aus Mythen,<br />
Pop, Politik und seiner Biografie. Eigene<br />
Slogans und Wortneuschöpfungen wie<br />
Alles ist Nahrung oder Erzstaat fungieren als<br />
Schlüssel und Codes. Im Spannungsfeld<br />
zwischen Pathos und Parodie entsteht so<br />
ein semantisch dichtes und mitunter<br />
verworren anmutendes Referenzsystem,<br />
das Symbole und Deutungen ständig<br />
zerfallen und sich neu zusammensetzen<br />
lässt.<br />
Einzelausstellungen<br />
Wunderkammern: Erzreligion Blutlazarett /<br />
Erzsöldner Richard Wagner / Privatarmee<br />
Ernte und Saat / Waffe: Erzblut der Isis /<br />
Nahrung: Bluterz. Frankfurter Kunstverein,<br />
Frankfurt a. M., 1999 √>l Sonnentanz /<br />
Der Weidenmann / Nahrung / Erzisis. Kunsthalle<br />
St. Gallen (CH), 1999, Kat. √>l<br />
Soldat Meese (Staatsanimalismus). Maldoror-Turm,<br />
Städtisches Museum Abteiberg,<br />
Mönchengladbach, 2000, Kat. √>l<br />
Revolution. kestnergesellschaft, Hannover,<br />
2002, Kat. √>l Freiheit. The Empire Portraits<br />
1903. Modern Art Inc., London (GB), 2003<br />
√>l Képi blanc. nackt. Schirn Kunsthalle,<br />
Frankfurt a. M., 2004, Kat. √>l Thanks. Wally<br />
Whyton (Revendaddy Phantomilky<br />
on Coconut Islandaddy). Modern Art Inc.,<br />
London (GB), 2006 √>l Mama Johnny.<br />
Retrospektive. Deichtorhallen, Hamburg,<br />
2006, Kat. √>l Jonathan Meese. Johnny<br />
come home. Contemporary Fine Arts, Berlin,<br />
2006<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Berlin Biennale. Postfuhramt, Berlin, 1998,<br />
Kat. √>l Junge Szene ’98. Wiener<br />
Secession (A), 1998, Kat. √>l German Open.<br />
Kunstmuseum Wolfsburg, 1999, Kat.<br />
√>l [Collection 99]. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1999<br />
√>l Grotesk! Schirn Kunsthalle, Frankfurt<br />
a. M., Haus der Kunst, München,<br />
2003 √>l >actionbuttonl<br />
Rheingold III. Städtisches Museum Abteiberg,<br />
Mönchengladbach, 2004 / 2005 √>l<br />
The Triumph of Painting. Part II. The Saatchi<br />
Gallery, London (GB), 2005, Kat. √>l<br />
Reykjavik Arts Festival. Reykjavik (IS), 2005<br />
√>l Dionysiac. Centre Georges Pompidou,<br />
Paris (F), 2005 √>l Sherwood Forest.<br />
Frans Hals Museum / De Hallen, Haarlem<br />
(NL), Kontracom 06 – Contemporary. Festival.Salzburg.<br />
Salzburg (A), 2006<br />
Literatur<br />
Becker, Ilka: Hunger nach Meese.<br />
In: Texte zur Kunst, Berlin, 34 /1999 √>l<br />
Kellein, Thomas: Jonathan Meese.<br />
Köln, 2001 √>l Lampe, Angela: Jonathan<br />
Meese. In: Kunstforum, 164 / 2003 √>l<br />
Museum Abteilberg Mönchengladbach<br />
(Hg.): Rheingold III. Frankfurt a. M.,<br />
2005, Kat. √>l Tannert, Christoph (Hg.):<br />
New German Painting. München / Berlin /<br />
London (GB) / New York (USA), 2006<br />
081<br />
1998 entstanden insgesamt zehn Bücher<br />
für Meeses Galerie Contemporary Fine<br />
Arts Berlin. Die in der Sammlung der GfZK<br />
befindlichen Bücher mit den Titeln DU,<br />
HAU AB und ICH versammeln Zeichnungen,<br />
Kopien, herausgerissene Buchseiten<br />
und zahlreiche Photos. Fantasieworte wie<br />
Nonninei tauchen dabei ebenso auf wie<br />
Bezüge zu britischen Polizisten, Ikonen der<br />
Popkultur sowie fiktive und reale Personen<br />
wie Dorian Gray und Klaus Kinski. Sie<br />
geben damit einen Einblick in den Interessenskomplex<br />
und den Materialkosmos<br />
von Jonathan Meese.<br />
SH<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
DU<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1998<br />
Objekt<br />
gebundenes Buch, Fotografien, Texte,<br />
Fotokopien, Zeichnungen, etwa 600 Seiten<br />
32 ≈ 22,7 ≈ 13,5 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis<br />
von Renate Küchler<br />
04. 10. 1998<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
HAU AB<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1998<br />
Objekt<br />
gebundenes Buch, Fotografien, Texte,<br />
Fotokopien, Zeichnungen, etwa 600 Seiten<br />
32 ≈ 22,7 ≈ 13,5 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Ankauf des Förderkreises<br />
04. 10. 1998<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
ICH<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1998<br />
Objekt<br />
gebundenes Buch, Fotografien, Texte,<br />
Fotokopien, Zeichnungen, etwa 600 Seiten<br />
32 ≈ 22,7 ≈ 13,5 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Ankauf des Förderkreises<br />
04. 10. 1998
079 √>l 080 √>l 081 √>l<br />
Günther Uecker √>l Jonathan Meese √>l<br />
De Pont Foundation For Contemporary Art,<br />
Tilburg (NL), 2001 √>l Rosemarie Trockel.<br />
Sammlung Goetz, München, 2002<br />
√>l Rosemarie Trockel. Spleen. Dia Center<br />
for the Arts, New York (USA), 2002 /<br />
2003, Kat. √>l Rosemarie Trockel. Synagoge<br />
Stommeln, 2003 √>l Rosemarie Trockel –<br />
Das Kinderzimmer. Museum für Moderne<br />
Kunst (MMK), Frankfurt a. M., 2004 √>l<br />
Rosemarie Trockel. Menopause. Museum<br />
Ludwig, Köln, MAXXI – Museo nazionale<br />
delle arti del XXI secolo, Rom (I), 2006<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
[Collection 98]. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1998<br />
√>l Das Bild nach dem letzten Bild. Galerie<br />
Metropol, Wien (A), 1991 √>l Museum<br />
in Progress. Kunsthalle Wien (A), 1995 √>l<br />
Von Beuys bis Trockel. Centre Georges<br />
Pompidou, Paris (F), 1996 √>l documenta X.<br />
Kassel, 1997, Kat. √>l Weather Everything.<br />
GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1998, Kat. √>l 48. Biennale di<br />
Venezia. Venedig (I), 1999, Kat. √>l in<br />
between. EXPO 2000, Hannover, 2000 √>l<br />
Identität schreiben / Writing Identity –<br />
Autobiographie in der Kunst. GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
2003, Kat.<br />
Literatur<br />
Anders Tornberg Gallery, Lund (Hg.):<br />
Rosemarie Trockel. Jedes Tier ist eine Künstlerin.<br />
Lund (S), 1993, Kat. √>l Musée des<br />
Beaux-Arts de Nantes (Hg.): Rosemarie<br />
Trockel. Ich kann, darf und will nicht. Nantes<br />
(F), 1995, Kat. √>l Theewen, Gerhard (Hg.):<br />
Rosemarie Trockel. Herde. Köln, 1997,<br />
Kat. √>l Kunsthalle Tübingen (Hg.): Rosemarie<br />
Trockel. Arbeiten auf Papier 1980 –1997<br />
aus dem Kupferstichkabinett Basel. Tübingen,<br />
1998, Kat. √>l Günther Peill-Stiftung /<br />
Leopold Hoesch-Museum Düren (Hg.):<br />
Rosemarie Trockel. Paare. Düren, 1998, Kat.<br />
√>l GfZK <strong>Leipzig</strong> / Werner, Klaus (Hg.):<br />
Weather Everything. Ostfildern-Ruit, 1999,<br />
Kat. √>l Steiner, Barbara / Yang, Jun (Hg.):<br />
Writing Identity. Autobiography in Art. London<br />
(GB) / Hildesheim, 2003, Kat.<br />
079<br />
In Rosemarie Trockels Serie der Strickbilder<br />
lassen sich viele gesellschaftliche und<br />
kunstimmanente Verweise finden. Ihre Bilder<br />
aus Wolle sind am Computer entworfene,<br />
maschinell erstellte Kunstwerke. Ein persönlicher<br />
Duktus ist nicht sichtbar, aber die<br />
Frage nach einer Handschrift wird dabei<br />
durchaus thematisiert. Wolle ist ein Material,<br />
das von der Gesellschaft als weiblich<br />
assoziiert wird. Es war bis dato zwar als Material<br />
in der angewandten, aber keinesfalls<br />
in der bildenden Kunst etabliert. Themen und<br />
Motive der Strickbilder speisen sich aus<br />
der Alltagskultur. Beim Strickbild Ohne Titel<br />
ziehen sich zwei Friese mit jeweils vier Totenköpfen<br />
wie Logos rapportartig von links<br />
nach rechts über den karierten, farbigen Hintergrund.<br />
Der Kontrast zwischen Material<br />
und Inhalt könnte kaum stärker sein – eine<br />
typische Vorgehensweise Trockels.<br />
JS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Ohne Titel<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1990<br />
Malerei<br />
Wolle<br />
200 ≈ 150 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis<br />
vom Kulturkreis der deutschen Wirtschaft<br />
im BDI e. V.26. 08. 1998<br />
Günther Uecker<br />
Wendorf / Mecklenburg 1930, lebt in<br />
Düsseldorf<br />
Günther Uecker studierte von 1949 bis 1953<br />
in Wismar und an der Kunstakademie<br />
Berlin-Weißensee sowie von 1955 bis 1958<br />
an der Kunstakademie Düsseldorf.<br />
1957 entstanden erste Nagelbilder und weiße<br />
Strukturobjekte. Uecker hatte Kontakte<br />
zu Yves Klein und Otto Piene. In den Jahren<br />
1958 und 1959 war er Gast von Heinz<br />
Mack und Piene in deren Gruppe ZERO.<br />
1963 erhält er den Preis der Biennale<br />
des Jeunes, Paris (F), und realisierte seit 1970<br />
verschiedene Projekte für Museen,<br />
Opern und im öffentlichen <strong>Raum</strong>. 1974 übernahm<br />
Uecker eine Lehrtätigkeit an der<br />
Kunstakademie Düsseldorf, von 1975 bis 1995<br />
war er dort Professor. 1979 stattete er<br />
Wagners Oper Lohengrin in Bayreuth aus.<br />
1983 erhält er den Kaiserring der Stadt<br />
Goslar. Er verbrachte längere Zeit in Südamerika,<br />
Japan und Tibet. 2001 erhielt<br />
er das Große Verdienstkreuz der Bundesrepublik<br />
mit Stern.<br />
Ueckers Werk zeigt viele Facetten, von Lichtinstallationen<br />
über Aquarelle und Objekte<br />
bis hin zum Aktionismus. Licht und Bewegung<br />
waren seine Themen in den 1950 er Jahren.<br />
Dass Kunst sich vor den BetrachterInnen<br />
ereignet und nicht als feststehendes Bild aus<br />
abstrakten malerischen Gesten und<br />
Farbe entsteht, war eine zentrale Aussage<br />
der Gruppe ZERO. In den 1960 er Jahren<br />
konstruierte Uecker Krachmaschinen, die den<br />
Lärm von Industriehallen und Werkstätten<br />
ins Museum trugen. Er veröffentlichte seine<br />
Texte über diese Arbeiten in der Uecker-<br />
Zeitung nach Art eines Manifests. Uecker<br />
ordnet das Material diszipliniert nach<br />
strengen Kriterien. Nägel und Asche, Draht<br />
und Holz sind wichtige Konstanten.<br />
Dazu kommen Rhythmik und Struktur als<br />
Komponenten, die seine Skulpturen, Installationen<br />
und Assemblagen und seine<br />
Idee von der unendlichen, abstrakten Leere<br />
kraftvoll formen.<br />
Einzelausstellungen<br />
Lichtsalon. Haus Lange, Krefeld, 1963 √>l<br />
Günther Uecker. Galerie Handschin,<br />
Basel (CH), 1967, Kat. √>l Günther Uecker.<br />
Palais des Beaux-Arts, Brüssel (B),<br />
1970 √>l Günther Uecker. Moderna Museet,<br />
Stockholm (S), 1971 √>l Günther Uecker.<br />
Retrospektive. Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung,<br />
München, 1993 √>l Günter<br />
Uecker – Der geschundene Mensch. City Art<br />
Museum Ljubljana (SLO), 1999 √>l<br />
Günther Uecker. Zwanzig Kapitel. Sandmühlen<br />
– Zeitspiralen. Aquarelle. Neuer Berliner<br />
Kunstverein, Martin-Gropius-Bau, Berlin,<br />
Neue Nationalgalerie, Berlin, 2005<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
ZERO I. Museum Kunst Palast, Düsseldorf,<br />
1958 √>l Bewogen-Beweging. Stedeldijk<br />
Museum Amsterdam (NL), 1961 √>l Salon<br />
de lumiere. Palais de Beaux Arts, Brüssel<br />
(B), 1962 √>l documenta III. Kassel, 1964, Kat.<br />
√>l ZERO. Kunstmuseum Bonn, 1966 √>l<br />
4. documenta. Kassel, 1968, Kat. √>l 35. Biennale<br />
di Venezia. Venedig (I), 1970, Kat.<br />
√>l 36. Biennale di Venezia. Venedig (I), 1972,<br />
Kat. √>l documenta 7. Kassel, 1977, Kat.<br />
√>l Kann Fruchtbarkeit auf Asche gründen?<br />
Zentrales Künstlerhaus am Krimwall,<br />
Moskau (RUS), St. Petri Kirche, Lübeck, 1989<br />
√>l Bis jetzt. Plastik im Außenraum der BRD.<br />
Sprengel Museum, Hannover, 1990 √>l<br />
Zone D – Innenraum. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1991,<br />
Kat. √>l Von ZERO bis 2002. ZKM, Karlsruhe,<br />
2002 √>l ZERO – Internationale Künstler-<br />
Avantgarde der 50 er / 60 er Jahre. Stiftung<br />
Museum Kunst Palast, Düsseldorf, 2006<br />
Literatur<br />
Uecker, Günther: Uecker-Zeitung. 0 – 9.<br />
Düsseldorf, 1968 /1969 √>l P&P Galerie (Hg.):<br />
Günther Uecker. Düsseldorf, 1975, Kat.<br />
√>l Honisch, Dieter: Günther Uecker. Mit<br />
einem Werkverzeichnis von Marion<br />
Haedecke. Stuttgart, 1983 √>l Stachelhaus,<br />
Heinz: ZERO – Mack, Piene, Uecker.<br />
Düsseldorf, 1993 √>l Gillen, Eckhart (Hg.):<br />
Deutschlandbilder. Kunst aus einem<br />
geteilten Land. Köln, 1997<br />
080<br />
An der Kunstakademie Düsseldorf entstand<br />
1955 /1956 Ueckers erstes Nagelobjekt.<br />
Mit den ersten Nagelbildern 1957 formte sich<br />
seine künstlerische Sprache, die als<br />
Ausdruck der Verletzungen durch den Nationalsozialismus<br />
und als das Bedürfnis<br />
nach Reinigung und Neuanfang interpretiert<br />
werden kann. Das Gelbe Bild von 1957,<br />
dessen Spannleisten Uecker mit Nägeln<br />
übersäte, ist Ausdruck seines Misstrauens<br />
gegenüber dem klassischen Tafelbild.<br />
Ähnlich wie Lucio Fontana, der die Oberfläche<br />
seiner monochromen Arbeiten<br />
in den 1950 er Jahren mit perforierten und<br />
zerschlitzten Leinwänden um eine räumliche<br />
Dimension erweiterte, entdeckte<br />
Uecker im Nagel ein individuelles Instrument,<br />
mit dem sich das flache Bild mitunter<br />
gefährlich in den <strong>Raum</strong> verlängern ließ.<br />
In den Jahrzehnten danach lotete der Künstler<br />
das Potenzial aus und integrierte<br />
so diesen dem Alltag entlehnten Gegenstand<br />
in die Kunst. Zu nennen sind<br />
Experimente wie die Geheimnisskulptur<br />
(1982), die einmal zu sehen war und<br />
anschließend als gewickeltes Objekt ihren<br />
Inhalt versteckte, die mit Nägeln bedeckte<br />
kinetische Torkelscheibe und die erzählerischen<br />
Nagelformationen wie Wind<br />
oder Feld aus den 1990 er Jahren bis<br />
hin zum Aggressiven Kubus (1970). Der<br />
Nagel, ein christologisches Symbol<br />
par excellence, ist beim Objekt der GfZK<br />
extrem exponiert.<br />
CT / HS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Nagel<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1988<br />
Objekt<br />
Eisen<br />
178 cm Länge<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis<br />
vom Kulturkreis der deutschen Wirtschaft<br />
im BDI e. V.26. 08. 1998<br />
Jonathan Meese<br />
Tokio (J) 1970, lebt in Hamburg und Berlin<br />
Jonathan Meese besuchte von 1995 bis<br />
1998 die Hochschule der Bildenden<br />
Künste Hamburg bei Franz Erhard Walther.<br />
In den letzten Jahren entstanden gemeinsame<br />
Arbeiten und Ausstellungen mit<br />
Künstlern wie Jörg Immendorf, Daniel Richter<br />
und Albert Oehlen. Immer wieder ändert<br />
Meese die Angaben zu seinem Geburtsort<br />
und seinem Geburtsdatum; es sind verschiedenste<br />
Varianten publiziert.<br />
Messe erlangte internationale Aufmerksamkeit<br />
mit Bühnenbildern für die Volksbühne<br />
Berlin und die Staatsoper Berlin, mit<br />
Lesungen und Performances sowie in<br />
zahlreichen Ausstellungen mit Installationen,<br />
Gemälden und Assemblagen. In überbordenden<br />
<strong>Raum</strong>installationen aus Fotografien,<br />
eigenen Texten, Schaufensterpuppen,<br />
Plattencovers, Fundstücken u. ä.<br />
komponiert Meese Zitate aus Gegenwart<br />
und Geschichte, Hoch- und Popkultur zum<br />
Trash-Szenario. Charles Bronson und<br />
Romy Schneider finden ihren Platz neben<br />
Richard Wagner, Rainer Werner Fassbinder<br />
oder Friedrich Nietzsche. In Meeses<br />
Arbeiten finden sich archaische, auch kritisch<br />
diskutierte Bezüge zu Blut und Boden<br />
ebenso wie Versatzstücke aus Mythen,<br />
Pop, Politik und seiner Biografie. Eigene<br />
Slogans und Wortneuschöpfungen wie<br />
Alles ist Nahrung oder Erzstaat fungieren als<br />
Schlüssel und Codes. Im Spannungsfeld<br />
zwischen Pathos und Parodie entsteht so<br />
ein semantisch dichtes und mitunter<br />
verworren anmutendes Referenzsystem,<br />
das Symbole und Deutungen ständig<br />
zerfallen und sich neu zusammensetzen<br />
lässt.<br />
Einzelausstellungen<br />
Wunderkammern: Erzreligion Blutlazarett /<br />
Erzsöldner Richard Wagner / Privatarmee<br />
Ernte und Saat / Waffe: Erzblut der Isis /<br />
Nahrung: Bluterz. Frankfurter Kunstverein,<br />
Frankfurt a. M., 1999 √>l Sonnentanz /<br />
Der Weidenmann / Nahrung / Erzisis. Kunsthalle<br />
St. Gallen (CH), 1999, Kat. √>l<br />
Soldat Meese (Staatsanimalismus). Maldoror-Turm,<br />
Städtisches Museum Abteiberg,<br />
Mönchengladbach, 2000, Kat. √>l<br />
Revolution. kestnergesellschaft, Hannover,<br />
2002, Kat. √>l Freiheit. The Empire Portraits<br />
1903. Modern Art Inc., London (GB), 2003<br />
√>l Képi blanc. nackt. Schirn Kunsthalle,<br />
Frankfurt a. M., 2004, Kat. √>l Thanks. Wally<br />
Whyton (Revendaddy Phantomilky<br />
on Coconut Islandaddy). Modern Art Inc.,<br />
London (GB), 2006 √>l Mama Johnny.<br />
Retrospektive. Deichtorhallen, Hamburg,<br />
2006, Kat. √>l Jonathan Meese. Johnny<br />
come home. Contemporary Fine Arts, Berlin,<br />
2006<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Berlin Biennale. Postfuhramt, Berlin, 1998,<br />
Kat. √>l Junge Szene ’98. Wiener<br />
Secession (A), 1998, Kat. √>l German Open.<br />
Kunstmuseum Wolfsburg, 1999, Kat.<br />
√>l [Collection 99]. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1999<br />
√>l Grotesk! Schirn Kunsthalle, Frankfurt<br />
a. M., Haus der Kunst, München,<br />
2003 √>l >actionbuttonl<br />
Rheingold III. Städtisches Museum Abteiberg,<br />
Mönchengladbach, 2004 / 2005 √>l<br />
The Triumph of Painting. Part II. The Saatchi<br />
Gallery, London (GB), 2005, Kat. √>l<br />
Reykjavik Arts Festival. Reykjavik (IS), 2005<br />
√>l Dionysiac. Centre Georges Pompidou,<br />
Paris (F), 2005 √>l Sherwood Forest.<br />
Frans Hals Museum / De Hallen, Haarlem<br />
(NL), Kontracom 06 – Contemporary. Festival.Salzburg.<br />
Salzburg (A), 2006<br />
Literatur<br />
Becker, Ilka: Hunger nach Meese.<br />
In: Texte zur Kunst, Berlin, 34 /1999 √>l<br />
Kellein, Thomas: Jonathan Meese.<br />
Köln, 2001 √>l Lampe, Angela: Jonathan<br />
Meese. In: Kunstforum, 164 / 2003 √>l<br />
Museum Abteilberg Mönchengladbach<br />
(Hg.): Rheingold III. Frankfurt a. M.,<br />
2005, Kat. √>l Tannert, Christoph (Hg.):<br />
New German Painting. München / Berlin /<br />
London (GB) / New York (USA), 2006<br />
081<br />
1998 entstanden insgesamt zehn Bücher<br />
für Meeses Galerie Contemporary Fine<br />
Arts Berlin. Die in der Sammlung der GfZK<br />
befindlichen Bücher mit den Titeln DU,<br />
HAU AB und ICH versammeln Zeichnungen,<br />
Kopien, herausgerissene Buchseiten<br />
und zahlreiche Photos. Fantasieworte wie<br />
Nonninei tauchen dabei ebenso auf wie<br />
Bezüge zu britischen Polizisten, Ikonen der<br />
Popkultur sowie fiktive und reale Personen<br />
wie Dorian Gray und Klaus Kinski. Sie<br />
geben damit einen Einblick in den Interessenskomplex<br />
und den Materialkosmos<br />
von Jonathan Meese.<br />
SH<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
DU<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1998<br />
Objekt<br />
gebundenes Buch, Fotografien, Texte,<br />
Fotokopien, Zeichnungen, etwa 600 Seiten<br />
32 ≈ 22,7 ≈ 13,5 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis<br />
von Renate Küchler<br />
04. 10. 1998<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
HAU AB<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1998<br />
Objekt<br />
gebundenes Buch, Fotografien, Texte,<br />
Fotokopien, Zeichnungen, etwa 600 Seiten<br />
32 ≈ 22,7 ≈ 13,5 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Ankauf des Förderkreises<br />
04. 10. 1998<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
ICH<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1998<br />
Objekt<br />
gebundenes Buch, Fotografien, Texte,<br />
Fotokopien, Zeichnungen, etwa 600 Seiten<br />
32 ≈ 22,7 ≈ 13,5 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Ankauf des Förderkreises<br />
04. 10. 1998
082 √>l 083 √>l 084 √>l<br />
Olafur Eliasson √>l Tilo Schulz √>l A. R. Penck √>l Brian Catling √>l<br />
Olafur Eliasson<br />
Kopenhagen (DK) 1967, lebt in Berlin<br />
Olafur Eliasson besuchte die Königliche<br />
Kunstakademie in Kopenhagen (DK).<br />
Aufgrund verwandtschaftlicher Beziehungen<br />
– sein Vater ist Isländer – verbrachte<br />
Eliasson immer wieder Zeit auf Island, wo er<br />
eindrucksvolle Landschaften und Naturschauspiele<br />
studieren konnte. Diese Erlebnisse<br />
und Beobachtungen verband er mit<br />
einem Interesse an naturwissenschaftlichen<br />
Forschungen. 2006 erhielt Eliasson<br />
einen Ruf an die Universität der<br />
Künste Berlin.<br />
Olafur Eliassons mitunter äußerst spektakulär<br />
anmutende Naturphänomene,<br />
ob Regenbogen, Wind, Lichterscheinungen<br />
oder Nebel, sind künstlich hergestellt und<br />
zeigen dies sichtbar. Die Grenzen des<br />
technisch Machbaren werden konsequent<br />
herausgefordert, wie bei der Installation<br />
einer riesigen künstlichen Sonne in der Tate<br />
Modern in London (GB), 2003. Der Künstler<br />
operiert dabei stets im Wissen um sehnsuchtsvolle<br />
Projektionen, die sich an Natur<br />
und deren Phänomene heften. Stück<br />
für Stück wird authentisches Erleben demontiert;<br />
die Konstruktion der künstlerischen<br />
Setzung tritt zu Tage. Eliasson bietet Bilder<br />
von Natur und Schönheit, die letztendlich<br />
das Produkt zivilisatorischer Erfahrungen sind.<br />
Konsum, Natur und Kultur gehen dabei<br />
eine Synthese ein.<br />
Einzelausstellungen<br />
Olafur Eliasson. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1998 √>/<br />
Surroundings Surrounded. ZKM, Karlsruhe,<br />
2001 √>/ The Weather Project. Tate Modern,<br />
London (GB), 2003, Kat. √>/ Your Lighthouse.<br />
Works with Light 1991– 2004. Kunstmuseum<br />
Wolfsburg, 2004, Kat. √>/ Reflektierender<br />
Korridor – Entwurf zum Stoppen<br />
des freien Falls. Zentrum für Internationale<br />
Lichtkunst, Unna, 2004 √>/ The body as<br />
brain. Kunsthaus Zug (CH), 2005 √>/ Your<br />
light shadow. Hara Museum, Tokio (J),<br />
2005 √>/ Notion Motion. Museum Boijmans<br />
Van Beuningen, Rotterdam (NL), 2005<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Organising Freedom. Moderna Museet,<br />
Stockholm (S), 2000 √>/ Black Box:<br />
Der Schwarzraum in der Kunst. Kunstmuseum<br />
Bern (CH), 2001 √>/ Palomino. GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 2001 √>/ Moving Pictures: Contemporary<br />
Photography and Video from the<br />
Guggenheim Museum Collections. Solomon<br />
R. Guggenheim Museum, New York (USA),<br />
Guggenheim Bilbao (E), 2002 √>/ Sitings: Installation<br />
Art, 1969 – 2002. Museum of<br />
Contemporary Art, Los Angeles (USA), 2003<br />
√>/ The Blind Pavilion. Dänischer Pavillon,<br />
50. Biennale di Venezia (I), 2003, Kat. √>/<br />
Stadtlicht-Lichtkunst. Wilhelm-Lehmbruck-<br />
Museum, Duisburg, 2004 √>/ Remagine.<br />
Musée d‘Art Contemporain de Lyon (F), 2005<br />
Literatur<br />
Galerie für Zeitgenössische Kunst / De Appel<br />
Foundation / Irish Museum of Modern Art /<br />
Kunstverein Wolfsburg e. V. (Hg.): my now is<br />
your surroundings. Olafur Eliasson. Köln,<br />
2001 √>/ Grynsztejn, Madeleine et al.: Olafur<br />
Eliasson. London, 2002 √>/ Olafur Eliasson:<br />
photographs. The Menil Collection, 2004, Kat.<br />
√>/ ARoS Aarhus Kunstmuseum (Hg.):<br />
Minding the World. Aarhus (DK), 2004, Kat.<br />
www.olafureliasson.net<br />
082<br />
Bei Yet Untitled löst sich aus einem kleinen,<br />
an der <strong>Raum</strong>decke montierten Wasserreservoir<br />
im Sekundenrhythmus ein Tropfen<br />
und fällt nach unten in ein Glasbehältnis.<br />
Stroboskoplicht trifft auf diese Wassertropfen<br />
und lässt diese wie von oben herab<br />
rieselnde Diamanten erscheinen. Auch hier<br />
gibt sich die sehr einfache Konstruktion<br />
deutlich zu erkennen und kontrastiert mit<br />
der Wahrnehmung eines komplexen ästhetischen<br />
Schauspiels. Schönheit wird dabei<br />
entmystifiziert, in ein optischesPhänomen<br />
zerlegt und über eine präzise, technisch<br />
ausgeklügelte Installation erzeugt. Die Wahrnehmung<br />
der BetrachterInnen ist integraler<br />
Bestandteil dieses Werkes. Die Faszination<br />
am Erscheinungsbild und das Erkennen<br />
des Mechanismus, der ihm zu<br />
Grunde liegt, werden in der Rezeption<br />
zusammengeführt.<br />
BS<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Yet Untitled<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1998<br />
Installation<br />
Acrylbehälter, Stroboskop, Teichpumpe,<br />
Wasserschlauch und Teichfolie<br />
Größe variabel<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Ankauf des Förderkreises<br />
02. 01. 1999<br />
Tilo Schulz<br />
<strong>Leipzig</strong> 1972, lebt in <strong>Leipzig</strong><br />
Tilo Schulz ist seit Beginn der 1990 er Jahre<br />
als Künstler, Kurator, Kunstvermittler und<br />
Autor tätig. 2002 / 2003 war er Gastdozent an<br />
der Hochschule für Grafik und Buchkunst<br />
<strong>Leipzig</strong> und 2005 Gastdozent an der Zeppelin<br />
University in Friedrichshafen.<br />
Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht eine kritische<br />
Auseinandersetzung mit dem institutionalisierten<br />
Kunstbetrieb, ohne diesen<br />
jedoch zu negieren. In zum Teil längerfristig<br />
angelegten Projekten wie e.w.e – exhibition<br />
without exhibition (1997– 2000), body of<br />
work: the ideal exhibition (1998 – 2003), wanted<br />
(2000), Gefährliche Liebschaften<br />
(2001) und (don‘t) look back in anger (2005)<br />
analysiert er Entstehungsbedingungen<br />
von Kunst, deren Präsentation und Rezeption<br />
sowie Strategien ihrer Vermittlung. Oft<br />
bedient er sich dabei Praktiken aus Werbung,<br />
Design und Film und befragt damit Vorstellungen<br />
von Kunst.<br />
Einzelausstellungen<br />
Das Boot. <strong>Leipzig</strong>, 1991 √>/ Formenmalerei.<br />
Dogenhaus Galerie, <strong>Leipzig</strong>, 1996, Kat.<br />
√>/ body of work: the ideal exhibition. Refusalon,<br />
San Francisco (USA), 1998 √>/<br />
reopening of Sture Johannesson. Y1, Stockholm<br />
(S), 1999 √>/ The Return of Display.<br />
D.A.E., San Sebastian (E), 2001 √>/ truckstop.<br />
extended version. Galerie Jan Winkelmann,<br />
Düsseldorf / Berlin, 2003 √>/ rebel inside.<br />
Kiesler-Display. q21, MuseumsQuartier, Wien<br />
(A), 2003 √>/Niemandsland_Grenzgeschichten:<br />
chuck wagon_stage version. Blind<br />
Date. Kunstverein Hannover, 2004 √>/<br />
(don‘t) look back in anger. Dogenhaus Galerie,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 2005 √>/ a short film about …<br />
Galerie Jan Winkelmann, Berlin, 2005<br />
√>/ Formschön. Tilo Schulz. GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
2007, Kat.<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Abstract. Deutscher Künstlerbund in Dresden.<br />
Albertinum, Dresden, 1993, Kat. √>/ Minima<br />
Media. Medienbiennale <strong>Leipzig</strong> 94, 1994,<br />
Kat. √>/ Manifesta 2. Luxembourg (L),<br />
1998, Kat. √>/ Junge Szene. Wiener Secession,<br />
Wien (A), 1998 √>/ ONTOM TWC . GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1998, Kat. √>/ [Collection 99]. GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1999 √>/ German Open. Kunstmuseum<br />
Wolfsburg, 1999, Kat. √>/ after the<br />
wall. Moderna Museet, Stockholm (S), 1999<br />
√>/ LocalMotion. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 2001 √>/<br />
Die Sammlung als Labor XV. GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
2003 √>/ Der Zweite Blick. GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
2004 √>/ Repeat Performance. Artist Space,<br />
New York (USA), 2004 √>/ 50 Jahre documenta.<br />
Kassel, 2005, Kat. √>/ o. T. [City IV].<br />
GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 2005 √>/ Made in <strong>Leipzig</strong>.<br />
Bilder aus einer Stadt. Sammlung Essl, Klosterneuburg<br />
(A), 2006, Kat.<br />
Literatur<br />
Werner, Klaus (Hg.): ONTOM TWC . GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1998, Kat. √>/ Tilo Schulz und Jan<br />
Winkelmann im Gespräch über >e.w.e. –<br />
exhibition without exhibition/ Wenzel, Jan /<br />
Heinecke, Katja, für Experimentale e. V.: Heimat<br />
Moderne. Berlin, 2006 √>/ Koralova,<br />
Ilina (Hg.): Tilo Schulz, <strong>Leipzig</strong>, 2007, Kat.<br />
083<br />
Dokumentation Medienbiennale <strong>Leipzig</strong><br />
entstand im Anschluss an die Medienbiennale<br />
in <strong>Leipzig</strong> 1994. Auf Grünflächen<br />
entlang von Plattenbauten an der Straße des<br />
18. Oktober malte Schulz mit weißen Kreidelinien<br />
großformatige Rechtecke mit unterschiedlichen<br />
Maßen und Formationen.<br />
Er setzte die von ihm entwickelte Formenmalerei,<br />
die Malerei als schaffendes und<br />
nicht als reproduzierendes Medium versteht,<br />
im öffentlichen <strong>Raum</strong> um. Trotz freier Zugangsmöglichkeit<br />
konnte die Malerei nur von<br />
den oberen Hochhausetagen aus vollständig<br />
betrachtet werden. Das Werk war lediglich<br />
für ein begrenztes Publikum erfahrbar,<br />
das die Kreidezeichnungen jedoch nicht<br />
als Kunst wahrnahm, sondern irritiert reagierte .<br />
Mit dieser Arbeit begegnete Tilo Schulz<br />
den damals aktuellen Debatten um städtische<br />
Platzraumdekorationen. Als temporäre<br />
Intervention wirft die Arbeit gleichzeitig<br />
Fragen nach dem eigentlichen Kunstwerk<br />
auf, das die Rasenzeichnungen, deren<br />
fotografische Dokumentation im Medium der<br />
Fotografie durch Frank Berger sowie die<br />
Aufbereitung und Vermittlung der Aktion in<br />
Form einer Ausstellungspräsentation umfasst .<br />
CD<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Dokumentation Medienbiennale<br />
<strong>Leipzig</strong> 1994<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1994<br />
Installation<br />
Fotografien von Frank Berger<br />
drei C-Prints, je 111 ≈ 147 cm<br />
drei C-Prints, je 41 ≈ 54,5 cm<br />
drei Zeichnungen, je 41 ≈ 54,5 cm<br />
Textblatt 41 ≈ 54,5 cm<br />
Textfolie 21 ≈ 30 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Ankauf des Förderkreises<br />
01. 02. 1999<br />
A. R. Penck<br />
(Ralf Winkler, Pseudonyme<br />
Mike Hammer, T. M.)<br />
Dresden 1939, lebt in Dublin (IRL),<br />
London (GB) und Berlin<br />
Von 1955 bis 1956 lernte Ralf Winkler den<br />
Beruf des Werbezeichners, brach die Lehre<br />
aber ab und bewarb sich viermal vergeblich<br />
an verschiedenen Kunsthochschulen.<br />
Er arbeitete als Heizer, Nachtwächter, Briefträger<br />
und Kleindarsteller. Er gehörte zu den<br />
Schülern von Strawalde und nahm an Abendkursen<br />
teil, um sich künstlerisch weiter<br />
zuentwickeln. 1966 wurde er unter dem Pseudonym<br />
A. R. Penck, das er nach dem<br />
Geologen und Eiszeitforscher Albrecht Penck<br />
wählte, Kandidat des Verbandes bildender<br />
Künstler der DDR. Seine Mitgliedschaft<br />
wurde jedoch 1969 abgelehnt. Im Jahr 1980<br />
verließ Penck die DDR und siedelte in die<br />
Bundesrepublik nach Köln über. 1989 erhielt<br />
er eine Professur an der Kunstakademie<br />
Düsseldorf.<br />
Penck wird zu den Vätern der >Neuen< bzw.<br />
>Jungen Wilden< und zu einem der wichtigsten<br />
künstlerischen Chronisten der jüngeren<br />
deutschen Geschichte gezählt. Um<br />
1961 entstanden mit Weltbilder und Systembilder<br />
Pencks erste wichtige Werkgruppen.<br />
Er entwickelte eine Bildsprache, die in ihrer<br />
formalen Einfachheit prähistorische Höhlenmalerei<br />
assoziiert und zugleich den Anspruch<br />
einer konzentrierten Darstellung der<br />
Gegenwart erhebt. 1963 fand Penck sein<br />
zentrales Bildchiffre, das Strichmännchen.<br />
Seine Bilder zielen auf menschliche Befindlichkeiten<br />
sowie zeitgeschichtliche, politische<br />
und soziale Fragestellungen ab.<br />
Penck entwickelte in der Auseinandersetzung<br />
mit der Kybernetik und Informationstheorie<br />
ein System einfachster Bildzeichen<br />
und daraus ab 1968 seine Standart-Gemälde.<br />
Der Begriff setzt sich aus >Standard< und<br />
>Art< zusammen. Seit den 1970 er Jahren<br />
wandte sich Penck dem Neoexpressionismus<br />
zu und setzte nun markante Farbakzente<br />
auf großflächige Bildformate, die er<br />
komplex ausfüllte. Seit 1974 realisierte er<br />
Strukturbilder mit abstrakten schwarzen Formen<br />
auf einer weißen Grundfläche. Sein<br />
Reservoir symbolischer Zeichen überträgt<br />
A. R. Penck auch auf Plastiken aus Holz,<br />
Bronze und Marmor.<br />
Einzelausstellungen<br />
Galerie Michael Werner, Köln, 1968 √>/ Museum<br />
Boijmans Van Beuningen, Rotterdam<br />
(NL), 1979 √>/ Tate Gallery, London (GB), 1984<br />
√>/ Galerie Lelong, Zürich (CH), 1997 √>/<br />
Georg-Kolbe-Museum, Berlin, 1999, Kat. √>/<br />
Museum Ostdeutsche Galerie, Regensburg,<br />
2002 √>/ PERMANENT 04. Sammlung<br />
Essl, Klosterneuburg (A), 2003 / 2004 √>/<br />
A. R. Penck. Art & Public. Genf (CH), 2005 √>/<br />
Mit Bleistift. Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt<br />
a. M., 2005 / 2006 √>/ Weltbilder –<br />
A. R. Penck und die Steinzeit. Städelsches<br />
Kunstinstitut, Frankfurt a. M., 2005 / 2006<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
documenta 5. Kassel, 1972, Kat. √>/ documenta<br />
6. Kassel, 1977, Kat. √>/ documenta 7.<br />
Kassel, 1982, Kat. √>/ DOCUMENTA IX.<br />
Kassel, 1992, Kat. √>/ 41. Biennale di Venezia.<br />
Venedig (I), 1984, Kat. √>/ Zone D –<br />
Innenraum. Förderkreis der GfZK, <strong>Leipzig</strong>,<br />
1991, Kat. √>/ Deutschlandbilder. Martin-<br />
Gropius-Bau, Berlin, 1997/1998, Kat. √>/ [Collection<br />
99]. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1999 √>/ El<br />
Regreso de los Gigantes. Museo Nacional<br />
de Arte Decorativo, Buenos Aires (RA),<br />
2003 / 2004 √>/ German Art Now. Saint Louis<br />
Art Museum, St. Louis (USA), 2003 / 2004<br />
√>/ Works on the Edge. Ludwig Múzeum,<br />
Budapest (H), 2005 √>/ Gerhard Richter<br />
– A. R. Penck. Frissiras Museum, Athen<br />
(GR), 2005 √>/ What happened to Art. Van<br />
Abbemuseum, Eindhoven (NL), 2006<br />
Literatur<br />
Galerie Lelong (Hg.): A. R. Penck, Training mit<br />
Standart 1991. Zürich (CH), 1991, Kat. √>/<br />
Staatliche Kunstsammlungen Dresden (Hg.):<br />
A. R. Penck, Analyse einer Situation. Dresden,<br />
1992, Kat. √>/ Stather, Martin (Hg.):<br />
A. R. Penck: Standart-Prä-Standart.Mannheim .<br />
1996 √>/ Galerie Jérôme de Noirmont (Hg.):<br />
A. R. Penck. Ereignisse im Unbekannten.<br />
Paris, 2003 √>/ Städtisches Kunstmuseum<br />
Spendhaus, Reutlingen (Hg.): A. R. Penck:<br />
Holzschnitte 1966 –1995. Reutlingen, 2003<br />
084<br />
Die neun Siebdrucke USA II stehen für die<br />
Aneignung und Umdeutung von Bildstereotypen<br />
über die USA. Das Ausgangsblatt ist<br />
eine als Siebdruck umgesetzte Collage aus<br />
Fotografien, die ein symbolisches und klischeehaftes<br />
Amerikabild zeigen. Neben Bildfragmenten<br />
historischer Figuren und PolitikerInnen<br />
wie Abraham Lincoln sind Fotografien<br />
von Stars aus Hollywood erkennbar.<br />
Penck überzog das Ausgangsbild stufenweise<br />
mit dem ihm eigenen Zeichenrepertoire,<br />
seinem Augensymbol, mit Kreisen und<br />
Strichen. Zunächst betonte er schwarz bestimmte<br />
Formen und Figuren, konturierte<br />
diese kräftig, andere wiederum deckte er ab.<br />
Anschließend überarbeitete er das Blatt<br />
violett, blau und rot in einzelnen Schritten, bis<br />
gelb und weiß seine typischen Strichfiguren<br />
dominieren.<br />
UA<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
USA II<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1980<br />
neun Siebdrucke<br />
je 67 ≈ 90,5 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis von Jürgen<br />
Weichardt<br />
21. 03. 1999<br />
Brian Catling<br />
London (GB) 1948, lebt in Oxford (GB)<br />
Brian Catling studierte am Linacre College<br />
in Oxford (GB). Er leitet den Fachbereich<br />
Skulptur an der Ruskin School of Drawing<br />
and Fine Art in Oxford (GB).
149 √>/ 150 √>/ 151 √>/<br />
Karl Rössing √>l Bernard Schultze √>l Emil Schumacher √>l<br />
Druckplatten aufschweißte. Damit entwickelte<br />
er für sich die Technik des Metalldrucks.<br />
In Norwegen erweiterte er diese Technik und<br />
fügte den Bildern z. B. Strandgut, Glasstücke<br />
und Korken hinzu. Nesch versuchte, Haptik<br />
und Optik der Materialien durch Gestaltung<br />
zu einer Einheit zu verschmelzen.<br />
Einzelausstellungen<br />
Rolf Nesch. Museum für Kunst und Gewerbe,<br />
Hamburg, 1930 √>/ Rolf Nesch. Retrospektive.kestnergesellschaft,Hannover,<br />
1949<br />
√>/ Rolf Nesch. Akademie der Künste,<br />
Berlin (West), 1966, Kat. √>/ Retrospektive.<br />
Nationalgalerie Oslo (N), 1972 √>/ Rolf<br />
Nesch (1893 –1975). Retrospektive zum 100.<br />
Geburtstag. Ausstellungszentrum Kloster<br />
Cismar, Dependance des Schleswig-Holsteinischen<br />
Landesmuseums, Schleswig,<br />
1993, Kat. √>/ Rolf Nesch. Musik- und Theatergrafik.<br />
Hamburger Sparkasse, 1997<br />
√>/ Rolf Nesch. Nationalmuseum für Kunst,<br />
Architektur und Design, Oslo (N), 2002<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
3. Biennale Internacional de São Paulo.<br />
Museu de arte moderna, São Paulo(BR), 1955<br />
√>/ documenta. Kassel, 1955, Kat. √>/<br />
Triennale für farbige Grafik. Grenchen (CH),<br />
1958 √>/ documenta II. Kassel, 1959, Kat.<br />
√>/ 31. Biennale di Venezia. Venedig (I), 1962,<br />
Kat. √>/ documenta III. Kassel, 1964, Kat.<br />
Literatur<br />
Askeland, Jan: Rolf Nesch. Oslo (N), 1958<br />
√>/ Hentzen, Alfred: Rolf Nesch. Graphik,<br />
Materialbilder, Plastik. Stuttgart, 1960, New<br />
York (USA), 1964 √>/ Hentzen, Alfred /<br />
Stubbe, Wolf: Rolf Nesch. Graphik. Berlin /<br />
Oslo (N), 1973 √>/ Hentzen, Alfred / Stubben,<br />
Wolf: Rolf Nesch. Drucke. Frankfurt a. M.,<br />
1973 √>/ Bruhns, Maike (Hg.): Rolf Nesch.<br />
Zeugnisse eines ungewöhnliches Künstlerlebens<br />
in turbulenter Zeit. Gifkendorf, 1993<br />
√>/ Wiik, Eva: Min venn Rolf Nesch. Oslo<br />
(N), 1994 √>/ Hjelle, Eivind Otto: Rolf Nesch.<br />
Oslo (N), 1998<br />
149<br />
Neschs Bilder sind häufig Darstellungen<br />
menschlicher Situationen undCharakteristika .<br />
In Herein, Zum Schauspiel von Helge<br />
Krog porträtierte er weniger die Schauspielerin<br />
Ragnhild Hald, seine Frau, und den<br />
Schauspieler Lars Tvinde als Krestine und<br />
Elias in Helge Krogs gleichnamigen Schauspiel.<br />
Nesch deutete vielmehr die Rollen.<br />
Das Bild zeigt die Schluss-Szene des Stücks,<br />
in der die alte kranke Mutter die Heimkehr<br />
des Sohnes fantasiert, während Elias seine<br />
Frau mit besorgter Verwunderung ansieht.<br />
Mit erhobenen Händen ruft Krestine ein letztes,<br />
verzweifeltes >Herein!Bildzeichnungen< und beendete<br />
1982 seine Linolschnittarbeit.<br />
Einzelausstellungen<br />
Karl Rössing. Münchner Neue Sezession,<br />
1919 √>/ Karl Rössing: Neue Arbeiten 1949 –<br />
1954. Pfälzische Landesgewerbeanstalt<br />
Kaiserslautern, 1954, Kat. √>/ Karl Rössing.<br />
Neue Münchner Galerie, 1964, Kat. √>/<br />
Karl Rössing. Oberösterreichisches Landesmuseum,<br />
Linz (A), 1970, Kat. √>/ Karl<br />
Rössing: Die Linolschnitte mit ihren Entwürfen<br />
und Holztafeldrucken. Staatsgalerie<br />
Stuttgart, 1977, Kat. √>/ Karl Rössing, sein<br />
Säulenzyklus von 1987. Salzburger Landessammlungen<br />
Rupertinum (A), 1987, Kat.<br />
√>/ Karl Rössing (1897–1987). Lichter und<br />
Schatten. Eine Retrospektive zum 100.<br />
Geburtstag des Künstlers. Kunsthistorisches<br />
Museum Wien (A), Salzburger Landessammlungen<br />
Rupertinum (A), Palais Harrach,<br />
Wien (A), 1997/1998, Kat. √>/ Karl Rössing<br />
– Mein Vorurteil gegen diese Zeit. Germanisches<br />
Nationalmuseum, Nürnberg,<br />
1997/1998, Kat.<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Von Odysseus bis Felix Krull. Gestalten<br />
der Weltliteratur in der Buchillustration des<br />
19. und 20. Jahrhunderts. Kunstbibliothek<br />
Berlin, 1982, Kat. √>/ Grauzonen – Farbwelten<br />
1945 –1955. Neue Gesellschaft für<br />
Bildende Kunst, Akademie der Künste, Berlin<br />
(West), 1983, Kat. √>/ Schrecknisse<br />
des Krieges. Druckgraphische Bildfolgen des<br />
Krieges aus fünf Jahrhunderten. Wilhelm-<br />
Hack-Museum, Ludwigshafen, 1983, Kat.<br />
Literatur<br />
Passion unserer Tage: 24 Holzstiche. Karl<br />
Rössing. Diez a. d. Lahn, 1947 √>/ Ehmcke,<br />
Fritz Helmut (Hg.): Karl Rössing: Das<br />
Illustrationswerk, dargestellt in 182 Holzstichen.<br />
Mit einer Bibliographie. München /<br />
Berlin / Dresden, 1963 √>/ Karl Rössing: die<br />
Linolschnitte. Mit einem vollständigen<br />
Werkkatalog 1939 –1974. Wien (A), 1974 √>/<br />
Balzac, Honoré de: Jesus Christus in Flandern.<br />
Mit 12 Holzschnitten von Karl Rössing.<br />
<strong>Leipzig</strong> / Weimar, 1983 √>/ Eichhorn, Uli /<br />
Mair, Roswitha: Karl Rössing: eine Bibliographie<br />
des druckgraphischen Werkes bis<br />
1950 für Bücher, Zeitschriften und Kataloge.<br />
Rudolstadt, 1991 √>/ Mair, Roswitha:<br />
Eine Dokumentation zu Karl Rössing (1897–<br />
1987). Frankfurt a. M. / Berlin / Bern (CH) /<br />
New York (USA) / Paris (F) / Wien (A), 1994<br />
150<br />
Rössing wechselte nach 1949 zu einer Technik,<br />
die er >Clair-Obscur-Schnitt< nannte.<br />
Farbe setzte er anfangs noch sehr zurückhaltend<br />
ein. Auch der Holzstich wirkte noch<br />
einige Zeit technisch und motivisch beim Linolschnitt<br />
nach. Die frühen Schnitte wurden<br />
direkt nach der auf der Linolplatte realisierten<br />
Zeichnung ausgeführt. Erst später<br />
entwickelte er die Entwürfe aus der Komposition<br />
verschiedener Materialien und Techniken,<br />
mit Kreide, Tusche, Tempera und<br />
der Collage sowie mit wiederverwendeten<br />
Teilen früherer Drucke. Damit wandelte<br />
er sich zum >Maler-Graphiker/ Bernard Schultze. Im Labyrinth.<br />
Werke von 1940 –1980. Städtische Kunsthalle<br />
Düsseldorf, Akademie der Künste, Berlin<br />
(West), Frankfurter Kunstverein, Frankfurt<br />
a. M., Saarlandmuseum Saarbrücken,<br />
1980 /1981, Kat. √>/ Bernard Schultze. Das<br />
große Format. Arbeiten aus dem letzten<br />
Jahrzehnt. Museum Ludwig / Josef-Haubrich-<br />
Kunsthalle, Köln, Galleria Comunale d´Arte<br />
Moderna, Bologna (I), Szépmüveszeti<br />
Múzeum, Budapest (H), Kunsthalle Elzenveld,<br />
Antwerpen (NL), 1994, Kat. √>/<br />
Tanz der Migofs. Bernard Schultze zum 90.<br />
Geburtstag. Museum Ostdeutsche Galerie,<br />
Regensburg, 2005 √>/ Bernard Schultze.<br />
Armenian Center for Contemporary<br />
Experimental Art, Eriwan (ARM), 2006<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
Große Kunstausstellung. Haus der Kunst,<br />
München, 1951 √>/ International Watercolor<br />
Exhibition. 16 th Biennial. The Brooklyn<br />
Museum, New York (USA), 1951 √>/ 2 nd<br />
International Biennial of Contemporary Color<br />
Lithography. The Cincinnati Art Museum<br />
(USA),1952√>/Neuexpressionisten–Schultze,<br />
Kreutz, Götz. Zimmer Galerie Franck, Frankfurt<br />
a. M., 1952 √>/ Neue Darmstädter Sezession.<br />
Albertina, Wien (A), Studio Paul<br />
Facchette, Paris (F), 1954 √>/ documenta II.<br />
Kassel, 1959, Kat. √>/ documenta 6. Kassel,<br />
1977, Kat. √>/ Informel: Götz, Schultze,<br />
Hoehme. Museum am Ostwall, Dortmund,<br />
1980, Kat. √>/ [Collection 98]. GfZK,<br />
<strong>Leipzig</strong>, 1998<br />
Literatur<br />
Staatliche Kunstsammlungen Baden-Baden<br />
(Hg.): Die Welt der Migofs – Bernard<br />
Schultze. Baden-Baden, 1974, Kat. √>/ Begegnung<br />
mit Bernard Schultze, Düsseldorf,<br />
1990, Kat. √>/ Gemäldegalerie Dresden<br />
(Hg.): Bernard Schultze. Im Labyrinth.<br />
Werke von 1947–1990. Dresden, 1991, Kat.<br />
√>/ Romain, Lothar / Wedewer, Rolf: Bernard<br />
Schultze. München, 1991 √>/ Klant,<br />
Michael / Zuschlag, Christoph (Hg.): Bernard<br />
Schultze – Pictor Poeta. Gedichte und<br />
Zeichnungen 1990 –1995. Stuttgart, 1995<br />
151<br />
1951 schuf Bernard Schultze erste informelle<br />
Bilder. Kurz darauf nahm er erstmals plastische<br />
Einklebungen und Einschmelzungen<br />
in den Bildergrund vor. Von 1956 bis 1964<br />
entstanden erste Reliefbilder. Das Werk rottänzerisch<br />
von 1955 /1956 malte er noch<br />
in dieser Zwischenphase traditionell in Öl auf<br />
Leinwand. Das damals Diskussionen und<br />
Erschrecken auslösende Gemälde Rosen-<br />
Geschwüre (1955) löst sich deutlicher<br />
aus der Fläche und kündigt klarer die morbide<br />
Tendenz der nachfolgenden Werke an,<br />
während rot-tänzerisch mit milchig-nebelhafter<br />
Atmosphäre eher Landschaftliches<br />
assoziiert.<br />
UA<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
rot-tänzerisch<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1955 /1956<br />
Öl auf Leinwand<br />
195 ≈ 145 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis vom Kulturkreis<br />
der deutschen Wirtschaft im BDI e. V.<br />
21. 11. 2006<br />
Emil Schumacher<br />
Hagen 1912 ◊ San José (E) 1999<br />
Emil Schumacher erhielt von 1932 bis 1935<br />
eine Ausbildung als Werbegrafiker an<br />
der Kunstgewerbeschule Dortmund. Ab 1935<br />
arbeitete er als freier Maler. Von 1935 bis<br />
1939 wurde er als technischer Zeichner in<br />
einem Hagener Rüstungsbetrieb dienstverpflichtet.<br />
Im Jahre 1947 gründete er gemeinsam<br />
mit anderen KünstlerInnen den<br />
Künstler- und Ausstellungsverein junger<br />
westen, dessen erster Präsident er war. Seit<br />
Mitte der 1950 er Jahre galt er international<br />
als einer der renommiertesten Vertreter des<br />
Informel und wurde mit zahlreichen Preisen<br />
geehrt, z. B. dem Guggenheim-Award<br />
New York 1958 und dem Großen Kunstpreis<br />
des Landes Nordrhein-Westfalen 1963.<br />
Er wurde 1982 Mitglied des Ordens Pour le<br />
Mèrite für Wissenschaften und Künste.<br />
Der Künstler hatte von 1958 bis 1960 mehrere<br />
Professuren an der Hochschule für<br />
bildende Künste in Hamburg, von 1966 bis<br />
1977 an der Staatlichen Akademie der<br />
Bildenden Künste Karlsruhe sowie Gastprofessuren<br />
an der Minneapolis School of Art<br />
(USA) von 1967 bis 1968 und in Como (I) an<br />
der Fondazione Ratti 1991 inne. Er war<br />
seit 1968 Mitglied der Akademie der Künste<br />
Berlin (West).<br />
Emil Schumacher gehört zu jener Generation<br />
deutscher KünstlerInnen, deren künstlerische<br />
Arbeit durch den Zweiten Weltkrieg eine<br />
entscheidende Zäsur erfuhr. Er wandte<br />
sich von seiner figurativen, an der Neuen<br />
Sachlichkeit orientierten Handschrift ab.<br />
Struktur, Rhythmus, Fläche und Linie konstituierten<br />
nun das Bild. Schumacher begründete<br />
damit den abstrakten Stil des Informel<br />
in Deutschland. Ab 1967 veränderte<br />
sich seine Bildsprache. Der Bogen wurde zur<br />
bildbeherrschenden Form. Rhomben<br />
und Rechtecke erinnern an Architektonisches.
152 √>/ 153 √>/ 154 √>/<br />
K. R. H. Sonderborg √>l Heinz Trökes √>l Hans Uhlmann √>l<br />
Eine immer wieder zitierte Horizontlinie verweist<br />
auf Landschaft. In seinem Spätwerk<br />
finden sich archaische, figurative Bildelemente,<br />
Pferde, menschliche Figuren,<br />
Wagen und Räder.<br />
Einzelausstellungen<br />
Emil Schumacher. Westfälischer Kunstverein,<br />
Münster, 1962 √>/ Emil Schumacher.<br />
Arbeiten auf Papier. Kunsthalle Darmstadt,<br />
1983 √>/ Emil Schumacher – Ein Künstler<br />
und seine Stadt. Karl Ernst Osthaus-Museum,<br />
Hagen, 1997, Kat. √>/ Emil Schumacher.<br />
Staatliche Kunstsammlungen, Dresden,<br />
1997, Kat. √>/ Emil Schumacher. Retrospektive.<br />
Galerie National du Jeu de Paume,<br />
Paris (F), 1997 √>/ Emil Schumacher. Letzte<br />
Bilder 1997–1999. Heidelberger Kunstverein,<br />
2000, Kat. √>/ Emil Schumacher. Werke<br />
aus sieben Jahrzehnten. Kunsthalle<br />
Emden, 2001, Kat.<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
29. Biennale di Venezia. Venedig (I), 1958,<br />
Kat. √>/ documenta II. Kassel, 1959, Kat. √>/<br />
documenta III. Kassel, 1964, Kat. √>/ dokumenta<br />
6. Kassel, 1977, Kat. √>/ Deutschlandbilder.<br />
Martin-Gropius-Bau, Berlin, 1997<br />
√>/ [Collection 98]. GfZK, <strong>Leipzig</strong>, 1998<br />
√>/ Von Richter bis Scheibitz. Kunstmuseum,<br />
Winterthur (CH), 2006<br />
Literatur<br />
Sylvanus, Erwin: Emil Schumacher. Recklinghausen,<br />
1959 √>/ Klant, Michael / Zuschlag,<br />
Christoph: Emil Schumacher im Gespräch.<br />
Der Erde näher als den Sternen. Stuttgart,<br />
1992 √>/ Kulturkreis der deutschen Wirtschaft<br />
im Bundesverband der Deutschen<br />
Industrie e. V. / GfZK <strong>Leipzig</strong> gGmbH / Förderkreis<br />
der <strong>Leipzig</strong>er GfZK e. V. (Hg.): Umgewidmet.<br />
Bilder fördern Bilder. Köln / <strong>Leipzig</strong>,<br />
1996, Kat. √>/ Bourrée, Manfred (Hg.):<br />
Emil Schumacher. Materialien, Dokumente.<br />
Essen, 1997 √>/ Zimmermann, Axel (Hg.):<br />
Emil Schumacher und das Materialbild. München,<br />
1998, Kat. √>/ Assel, Marina von (Hg.):<br />
Emil Schumacher. Immer wieder male<br />
ich mein Bild: Unveröffentlichte Gouachen<br />
und Ölbilder aus den Jahren 1989 –1999.<br />
Bayreuth, 2002, Kat.<br />
152<br />
Schumacher definierte Farbe als Werk an<br />
sich. Sein Thema war der Vorgang des Malens<br />
selbst. Er betonte zeitweise durch reliefartigen<br />
Farbauftrag die Haptik seiner Arbeiten<br />
und bezeichnete diese Werke als >Tastobjekte/ K. R. H. Sonderborg: Tuschen.<br />
Galerie Gimpel, Hannover, 1965,<br />
Kat. √>/ K. R. H. Sonderborg. Stedelijk Van<br />
Abbemuseum, Eindhoven (NL), 1965,<br />
Kat. √>/ K. R. H. Sonderborg. Kunstforening,<br />
Oslo (N), 1972 √>/ K. R. H. Sonderborg.<br />
Ulmer Museum, 1977, Kat. √>/ K. R. H. Sonderborg:<br />
Arbeiten auf Papier schwarz / weiß.<br />
Staatsgalerie Stuttgart, 1985, Kat. √>/<br />
K. R. H. Sonderborg. XPO Galerie, Hamburg,<br />
1985, Kat. √>/ K. R. H. Sonderborg. Werke<br />
1948 –1986. Saarlandmuseum Saarbrücken,<br />
1987, Kat. √>/ K. R. H. Sonderborg: Hans-<br />
Thoma-Preis 1989. Hans-Thoma-Museum,<br />
Bernau, 1989, Kat. √>/ K. R. H. Sonderborg.<br />
Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, 1993,Kat .<br />
√>/ K. R. H. Sonderborg. Stuttgarter Staatsgalerie,<br />
1987 √>/ K. R. H. Sonderborg. Maler<br />
ohne Atelier. Retrospektive. Kunsthalle<br />
Emden, 2003, Kat.<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
aktiv-abstrakt. Neue Malerei in Deutschland.<br />
Städtische Galerie München, 1957, Kat.<br />
√>/ documenta II. Kassel, 1959, Kat. √>/<br />
2. Internationale Biennale der Druckgraphik.<br />
Tokio (J), 1960 √>/ 7. Biennale Internacional<br />
de São Paulo. Museu de arte moderna,<br />
São Paulo (BR), 1963 √>/ 32. Biennale<br />
di Venezia. Venedig (I), 1964, Kat. √>/ documenta<br />
III. Kassel, 1964, Kat. √>/ K. R. H.<br />
Sonderborg + 24. Walter-Bischoff-Galerie,<br />
Stuttgart, 1991, Kat. √>/ Kunst des Informel.<br />
Malerei und Skulptur nach 1952. Lentos<br />
Kunstmuseum Linz (A), 1998, Kat. √>/<br />
Hartung, Motherwell, Sonderborg, Vedova,<br />
Heiliger, Uhlmann, Paolozzi. Galerie<br />
Dube-Heynig, München, 2000<br />
Literatur<br />
Haftmann, Werner: Malerei im 20. Jahrhundert.<br />
München, 1954 √>/ Kölnischer Kunstverein<br />
(Hg.): K. O. Götz. K. R. H. Sonderborg.<br />
Köln, 1957, Kat. √>/ Reusch, Hermann<br />
u. a. (Hg.): Junge Künstler 1958 / 59. Köln, 1958<br />
√>/ Schmidt, Johann-Karl (Hg.): K. R. H.<br />
Sonderborg: Chicago series. Stuttgart, 1988,<br />
Kat. √>/ Baumeister, André (Hg.): K. R. H.<br />
Sonderborg. Phänotypen: 55 Tuschzeichnungen.<br />
Stuttgart, 1993, Kat. √>/ Bothner,<br />
Roland (Hg.): Action-Painting – das Ende<br />
der Malerei: K. R. H. Sonderborgs Chicago-<br />
Wabash-Serie. Heidelberg, 1999<br />
153<br />
Die Zeichnung und das Eitemperabild entstanden<br />
wahrscheinlich in Paris (F). Zwischen<br />
1957 und 1968 schuf K. R. H. Sonderborg<br />
zahlreiche Eitempera-Gemälde auf Fotokarton.<br />
Auf dem kräftigen, dichten und leicht<br />
strukturierten Karton konnte er mit seinen<br />
Werkzeugen die Farbe wischen und schieben.<br />
Im Gegensatz zu den Zeichnungen<br />
modellierte er hier die Farbmaterie und entwickelte<br />
die Kontraste von Dichte und<br />
Transparenz, Kontur und Dynamik zum Prinzip.<br />
Alles wurde kontrolliert, jede Geste war<br />
gesteuert, das Bild auf eine motivische Situation<br />
zugespitzt. Sonderborg übernahm<br />
Verfahren der Écriture Automatique. Aber bei<br />
seinen fast gegenständlichen Federzeichnungen<br />
konnte er nicht immer wieder ab- und<br />
wieder neu ansetzen. Durch Abschaben<br />
oder Abkleben von Linien wuchs ein partiturähnlicher<br />
Duktus.<br />
UA<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
6 . VI . 62, 16 . 53 –18 . 07 h<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1962<br />
Ei-Tempera auf Papier auf Leinwand<br />
108 ≈ 70 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Federzeichnung<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1963<br />
Tuschezeichnung auf Leinwand<br />
102 ≈ 73 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis vom Kulturkreis<br />
der deutschen Wirtschaft im BDI e. V.<br />
21. 11. 2006<br />
Heinz Trökes<br />
Hamborn / Rhein 1913 ∆ Berlin 1997<br />
Heinz Trökes besuchte zwischen 1932<br />
und 1933 die Kunstgewerbeschule in Krefeld<br />
und war von 1933 bis 1936 Schüler von<br />
Johannes Itten in Krefeld. Nach seiner ersten<br />
Einzelausstellung in der Berliner Galerie<br />
Nierendorf wurde er aus der nationalsozialistischen<br />
Reichskunstkammer ausgeschlossen<br />
und hatte bis 1945 keine Ausstellungsmöglichkeiten<br />
mehr. Trökes studierte 1940bei<br />
Georg Muche in Krefeld. Er gehörte 1945<br />
zu den Mitbegründern der Galerie Rosen in<br />
Berlin und war bis 1946 ihr künstlerischer<br />
Leiter. Von 1950 bis zu seiner Auswanderung<br />
nach Ibiza (E) 1951 hielt er sich in Paris (F)<br />
auf. Trökes schloss sich der Rixes-Gruppe an.<br />
Sie bot mit der gleichnamigen Zeitschrift<br />
eine Plattform für KünstlerInnen, die auf<br />
der Linie des Surrealismus oder der lyrischen<br />
Abstraktion nach neuen Ausdrucksformen<br />
suchten. Er hatte Kontakt zur Gruppe<br />
der Surrealisten um André Breton. Nach seiner<br />
Berufung an die Hochschule der bildenden<br />
Künste Berlin 1965 kehrte Trökes<br />
nach Berlin zurück.<br />
Heinz Trökes verarbeitete Elemente des<br />
Informel und der Abstraktion und erfand seine<br />
Formensprache über Jahrzehnte immer<br />
wieder neu. Ab 1950 verlor sich alles Narrative<br />
aus seinen Arbeiten. In Paris (F) wandte<br />
er sich von der raumillusionistischen Darstellungsweise<br />
ab und entdeckte das Malerische.<br />
Seine Bilder wurden nun Kompositionen<br />
von großer farblicher Intensität.<br />
Mosaikartige Flächen tauchten erstmals auf,<br />
die dann in den Inselbildern mit seinem<br />
Formenvokabular weiterentwickelt wurden.<br />
Sein surreales Frühwerk wurde durch<br />
Farbabstraktionen der Pariser Jahre und<br />
schließlich von den strahlenden Lichtgeweben<br />
seiner Inselbilder von Ibiza (E) und<br />
Griechenland abgelöst.<br />
Einzelausstellungen<br />
Heinz Trökes. Maison de France, Berlin<br />
(West), 1951 √>/ Heinz Trökes. Kunstverein,<br />
Hamburg, 1956 √>/ Heinz Trökes. Galerie<br />
Springer, Berlin (West), 1958 √>/ Heinz Trökes.<br />
Museo de Arte Moderna, Rio de<br />
Janeiro (BR), 1966 √>/ Heinz Trökes. Wilhelm-<br />
Lehmbruck-Museum, Duisburg, 1980 √>/<br />
Heinz Trökes. Staatliche Museen zu Berlin,<br />
1995, Kat. √>/ Heinz Trökes. Germanisches<br />
Nationalmuseum, Nürnberg, 2003 √>/<br />
Heinz Trökes. Neues Museum Weimar,<br />
2003 / 2004 √>/ Heinz Trökes. Haus am Waldsee,<br />
Berlin, 2004<br />
Ausstellungsbeteiligungen<br />
L’ Art Allemand Moderne. Deutsche Kunst<br />
der Gegenwart. Baden-Baden, 1947 √>/<br />
Kunst in Deutschland 1930 –1949. Zürich<br />
(CH), 1949 √>/ duitse kunst na 1945. Stedelijk-Museum<br />
Amsterdam (NL), 1954 √>/<br />
documenta. Kassel, 1955, Kat. √>/ 29. Biennale<br />
di Venezia. Venedig (I), 1958, Kat.<br />
√>/ documenta II. Kassel, 1959, Kat. √>/ documenta<br />
III. Kassel, 1964, Kat. √>/ Kunst in<br />
der Bundesrepublik Deutschland 1945 –<br />
1985. Nationalgalerie Berlin (West), 1985<br />
Literatur<br />
Württembergischer Kunstverein (Hg.):<br />
Heinz Trökes. Stuttgart, 1964, Kat. √>/ Heinz<br />
Trökes. Galerie Christoph Dürr, München,<br />
1977, Kat. √>/ Akademie der Künste, Berlin<br />
(West) (Hg.): Heinz Trökes. Berlin, 1979 /1980,<br />
Kat. √>/ Neue Nationalgalerie Berlin (Hg.):<br />
Heinz Trökes. Berlin, 1983, Kat. √>/ Heinz<br />
Trökes zum 75. Geburtstag: frühe und späte<br />
Bilder. Berlin, 1988, Kat. √>/ Galerie Utermann<br />
(Hg.): Heinz Trökes. Dortmund, 1998,<br />
Kat. √>/ Andrian-Werburg, Irmtraud<br />
Freifrau von: Heinz Trökes. Werke und Dokumente.<br />
Nürnberg, 2003, Kat. √>/ Krause,<br />
Markus: Trökes. Werkverzeichnis. München /<br />
Berlin / London (GB) / New York<br />
(USA), 2003<br />
154<br />
Andere Kultur (1954) entstand auf Ibiza (E).<br />
Die Arbeit gehört zu einer Werkgruppe,<br />
in der Heinz Trökes auf Kultisch-Mythisches<br />
anspielt. Auf einem changierenden Hintergrund,<br />
der an flirrende Mittagshitze erinnert,<br />
setzte er lineare Chiffren. Die Linien sind<br />
farbig differenziert. Skripturale Zeichen ziehen<br />
sich als roter Faden durch sein Gesamtwerk.<br />
Das Thema der fremden Kultur begleitete<br />
Trökes bis in die 1960 er Jahre. Seine<br />
Neugier und Reiselust sowie seine Erfahrungen<br />
mit dem Fremden sind diesen<br />
Werken eingeschrieben.<br />
UA<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Andere Kultur<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
1954<br />
Öl auf Leinwand<br />
79 ≈ 102 cm<br />
––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––––<br />
Schenkung an den Förderkreis vom Kulturkreis<br />
der deutschen Wirtschaft im BDI e. V.<br />
21. 11. 2006<br />
Hans Uhlmann<br />
Berlin 1900 ∆ Berlin 1975<br />
Hans Uhlmann absolvierte ein Maschinenbaustudium,<br />
wandte sich aber ab 1925<br />
der Bildhauerei zu. Er stellte erstmals<br />
1930 in der Galerie Gurlitt in Berlin geometrische<br />
Köpfe aus. 1932 entdeckte Uhlmann<br />
Draht als Material für Plastiken. Im Oktober<br />
1933 wurde er beim Verteilen antifaschistischer<br />
Flugblätter verhaftet und wegen >Vorbereitung<br />
zum Hochverrat< bis 1935 inhaftiert.<br />
Seine Arbeiten galten als entartet<br />
und wurden aus öffentlichen Sammlungen<br />
entfernt. Nach dem Krieg zählte<br />
Uhlmann zum Kreis der Berliner Fantasten,