Abendprogramm (PDF) - Philharmonie Luxembourg

Mercredi / Mittwoch / Wednesday
03.12.2008 20:00
Grand Auditorium
David Titterington orgue
Charles-Marie Widor: Symphonie N° 5 en fa mineur (f-moll)
op. 42/1. I: Allegro vivace (1878)
10’
Lionel Rogg: Partita sopra «Nun freut euch, lieben
Christen g’mein» (1976)
Bicinium
Canon
Choral
Presto
Récit
Passacaglia
Toccata
13’
Carl Nielsen: Commotio op. 58 (1930/1931)
22’
—

Franz Liszt: Harmonies poétiques et religieuses. N° 7:
Funérailles (Totenfeiern) en fa mineur (f-moll) (1849)
(transcription: N. Kynaston)
Introduction
Adagio
12’
Johann Sebastian Bach: Orgelchoral «Allein Gott in der
Höh sei Ehr» (Dieu seul soit loué dans les cieux)
BWV 662 (1739–1742)
7’
Healey Willan: Introduction, Passacaglia et Fugue
op. 149 (1916)
19’
Backstage:
19:30 Grand Auditorium
Rencontre avec David Titterington (en français)

Pièces pour orgue
Charles-Marie Widor, Lionel Rogg, Carl Nielsen, Franz
Liszt, Jean-Sébastien Bach
Yves Rassendren
Charles-Marie Widor: 1 er mouvement de la Symphonie N° 5
pour orgue op. 42 – Allegro vivace
Si Widor (1844–1937) fut un extraordinaire pédagogue (il forma
plusieurs générations d’organistes – parmi lesquels Vierne, Tournemire,
Dupré, Bonnet), il se révéla aussi un interprète exceptionnel.
Louis Vierne, son disciple, également compositeur, écrit de
son maître: «C’est bien là le plus grand organiste que j’aie jamais
entendu… Et quels accents! Quelle largeur dans le phrasé! Quel
magnifique legato! Quel goût suprême dans la distribution des
lumières et des ombres… On sentait là une volonté toujours
présente, inébranlable… Il jouait vivant et ne pressait pas; …
aucune distorsion disgracieuse, aucune gesticulation stérile ne
venaient troubler l’harmonie visuelle constamment en concordance
avec l’harmonie sonore qui naissait de son contact avec
son orgue. Griffe de lion!» Le nom de Widor est indéfectiblement
lié à celui du génial facteur d’orgue Cavaillé-Coll. L’œuvre pour
orgue de Widor est pensée pour ces instruments puisqu’il succéda
à Lefébure-Wély à la tribune de Saint-Sulpice à Paris où le facteur
venait d’installer un instrument de 103 jeux. Widor créa pour
l’orgue un nouveau type d’écriture exploitant merveilleusement
les timbres et les combinaisons sonores rendues possibles par
Cavaillé-Coll mais conservant un goût pour les structures solides
et équilibrées. Cette Symphonie N° 5 fut du reste jouée par le compositeur
en 1880 lors de l’inauguration de l’orgue Cavaillé-Coll
de Saint-François de Sales à Lyon. Cette symphonie publiée en
1879, est assurément la pus célèbre des dix symphonies que le
compositeur dédia à l’instrument roi. L’œuvre est composée de
cinq mouvements dont les premier et dernier (Toccata) ont large-
3

Charles-Marie Widor
ment participé à sa célébrité. Le premier mouvement de la Symphonie
N° 5 – Allegro vivace en fa mineur – suit la forme thème et
variations; le thème est charpenté de façon très classique mais les
variations sont organisées de façon particulièrement efficace. Les
registrations indiquées par le compositeur soulignent son intérêt
pour les timbres de l’orgue symphonique: la 3 e variation est une
fileuse aux sonorités délicates faisant entendre 3 plans sonores
(unda maris à la main gauche, bourdon 16 et flûte 4’ à la main
droite, ponctuées par la flûte de 8’ du pédalier). Vient ensuite un
épisode Più lento sur les fonds 16’, 8’, 4’ de l’orgue. Le Scherzando
ramène en un crescendo impressionnant le thème, et le mouvement
s’achève par une coda brillante en fa majeur.
Lionel Rogg: Partita sopra «Nun freut euch, lieben
Christen g’mein»
Concertiste et pédagogue, Lionel Rogg (né en 1936) a également
abordé le champ de la composition pour l’orgue (Variations sur le
Psaume 91, Deux études pour le clavier, Contrepointes, Toccata ritmica…).
Le genre de la partita de choral se présente comme une succession
de variations mettant en œuvre les techniques d’écriture les plus
variées et valorisant les timbres de l’orgue. Cette Partita, écrite en
1975, renoue avec la longue tradition de la suite de variations sur
une même mélodie de choral; cette tradition née dès le XVI e siècle
renaît au XX e siècle après avoir été délaissée à l’époque romantique.
La mélodie traitée ici apparaît dès 1523 et fait donc partie
des huit mélodies les plus anciennes du mouvement luthérien.
Carl Nielsen: Commotio op. 58
Si la musique symphonique est l’aspect le plus connu du compositeur
danois, d’autres aspects de son œuvre sont également dignes
5

photo: H. Hering (1860)
Franz Liszt
d’intérêt: la musique de chambre, la musique vocale et dans la
dernière période de création, quelques œuvres pour orgue. C’est
sans doute grâce aux encouragements de son ami l’organiste
Emilius Bangert que Nielsen (1865–1931) composa pour l’instrument;
seuls 29 Petits Préludes op. 51 (1929) précèdent l’œuvre entendue
ce soir.
Composée en 1931, Commotio est la principale pièce pour orgue
mais également la dernière grande œuvre du compositeur. Commotio
signifie «mouvement», «mouvement, également sur le plan spirituel
[…]»; ce mouvement traverse les différentes sections de
l’œuvre. «Dans une œuvre de cette ampleur destinée au puissant
instrument que l’on appelle l’orgue, dont les sonorités découlent
de l’élément naturel appelé air, le compositeur doit essayer de
réprimer tout sentiment personnel ou lyrique. La tâche en devient
immense et éprouvante, et exige une sorte de sécheresse à la place
du sentiment, de sorte qu’elle devra être jugée davantage par
6

l’oreille que ressentie par le cœur. L’œuvre repose sur deux fugues…»
(Extrait d’une lettre de Nielsen à Bangert pour un commentaire
de programme). Nielsen était convaincu d’avoir laissé derrière lui
l’orgue romantique et la primauté de l’émotion. Cette fresque
aux très vastes proportions se présente comme un polyptyque où
s’enchaînent plusieurs sections contrastées, certaines d’écriture
fuguée; le recours à la virtuosité, l’organisation tonale très libre,
la construction à la fois unitaire et morcelée pourraient rapprocher
l’œuvre des pièces fantasques de Buxtehude, compositeur
également d’origine danoise. Commotio fut du reste créée à la
Marienkirche de Lübeck où Buxtehude fut organiste pendant de
longues années.
Franz Liszt: Funérailles (transcription: N. Kynaston)
Septième pièce du cycle des Harmonies poétiques et religieuses, cette
œuvre de Franz Liszt (1811–1886) était à l’origine destinée au
piano, instrument de prédilection absolue du compositeur; le caractère
extrêmement sombre et héroïque de la pièce et la véhémence
brutale de l’expression ont souvent fasciné les musiciens
et les auditeurs; la transcription à l’orgue permet d’en souligner
la dimension quasi symphonique. Datée d’octobre 1849, ces Funérailles
peuvent être considérées comme un double hommage:
hommage tout d’abord aux patriotes, victimes de la révolution,
exécutés en octobre 1849 (16 grands officiers hongrois et le
Président du conseil, le Prince Lajos Batthyány). Le titre de la
première esquisse de l’œuvre – «Magyar» – témoigne de son ancrage
dans l’art national et de sa destination patriotique. Mais
Liszt rend peut-être également hommage à son ami Chopin, récemment
disparu (le 17 octobre de la même année) en citant et
en exploitant dans l’épisode central l’ostinato obsédant de la Grande
Polonaise en la bémol majeur op. 53 du compositeur polonais. Comme
toujours chez Liszt, la citation est prétexte à recréation, elle est à
la source du processus de composition. Au cours d’une leçon publique
donnée à Weimar le 16 juin 1885, son élève Ansorge interpréta
Funérailles. Quand il arriva à l’ostinato en triolets de la partie
centrale, Liszt déclara: «Au fond, c’est une imitation de la célèbre
Polonaise de Chopin; mais je l’ai fait ici un peu différemment».
Martèlements obstinés, sonneries tantôt sourdes, tantôt héroïques,
7

Jean-Sébastien Bach
marche funèbre, lamentations plaintives font de cette pièce une
fresque âpre, sorte de thrène sombre aux accents déchirants.
Jean-Sébastien Bach: Choral «Allein Gott in der Höh’ sei Ehr’»
BWV 662 (Gloire à Dieu au plus haut des cieux)
Cette pièce est extraite du cycle des 18 chorals de styles divers (dits
«chorals de Leipzig») rassemblés par Bach (1685–1750) pour l’édition
mais non publiés de son vivant. Ce recueil propose des chorals
pour orgue de périodes et de factures très diverses; les proportions
assez vastes et le soin de la polyphonie peuvent cependant
apparaître comme des caractéristiques communes reliant les différentes
pièces du recueil. Cette très ancienne mélodie de choral
luthérien (timbre de Nikolaus Decius – 1530) est traitée sous
trois formes dans ce recueil; la version jouée ce soir fait entendre
la mélodie très abondamment ornée au soprano scandant une
polyphonie où chaque voix paraphrase en imitation libre les périodes
successives du choral. Cette version mêle donc de façon
très heureuse science de l’écriture et lyrisme de l’épanchement
mélodique.
8

«…mit dem Licht ebenso kostbarer
wie zarter Harmonien»
Zum Orgelrecital von David Titterington
Wolfgang Valerius
Widor – Vater der Orgelsymphonie
Charles-Marie Widor, 1844 in Lyon als Sohn eines Organisten
und Enkel eines Orgelbauers geboren, war ein überaus vielseitig
begabter Musiker, dazu ein umfassend gebildeter Mann mit Geschmack,
empfänglich für die Schönheit in all ihren Formen. Der
gern gesehene Gast in den Pariser Salons jener Tage komponierte
viele Kammermusik- und Klavierwerke, eine Vielzahl von Liedern,
aber auch Symphonien, Ballettwerke und eine Reihe von Opern.
Als er 1870 zum Organisten der großen Orgel von St. Sulpice in
Paris ernannt wurde, galten seine Ambitionen hier für die nächsten
64 Jahre ausschließlich der Etablierung und Pflege einer würdevollen
Kirchenmusik. Wenn auch Vierne den Stil Widors «weitaus
schmückender als emotional» beschrieb, so attestierte er ihm
dennoch einen untrügerischen «Sinn für Erhabenheit und Größe»
sowie eine selbst im hohen Alter noch unübertroffene «autoritäre
und zwingende Meisterschaft».
Von großer Bedeutung für den musikalischen Werdegang des
jungen Widor war die Freundschaft seines Vaters zu Aristide Cavaillé-Coll,
der mit seinen spektakulären Neuerungen im Orgelbau
nicht zuletzt auch die Musik für dieses Instrument maßgeblich
revolutionierte. Auf dessen Anraten ging Charles-Marie, wie kurz
zuvor schon Alexandre Guilmant, nach Brüssel, um bei Jacques-
Nicolas Lemmens (Orgel) und François-Joseph Fétis (Komposition)
zu studieren. Nach Paris zurückgekehrt, verbreitete sich
rasch die Kunde seiner Virtuosität. (Laut Albert Schweitzer soll
Widor aber gesagt haben: «Man hat mich beleidigt. Man hat
mich einen Orgelvirtuosen genannt. Ich bin ein ehrlicher Organist.»)
11

1890 übernahm Widor die Orgelklasse von César Franck am Conservatoire,
sechs Jahre später als Nachfolger von Théodore Dubois
den Lehrstuhl für Komposition. Im vorgerückten Alter von 76
Jahren (!) heiratete er 1920 die vierzig Jahre jüngere Mathilde de
Montesquiou-Fezensac, 15 Jahre nachdem er ihren ersten Heiratsantrag
auf der Orgelempore von St. Sulpice mit den Worten «Wir
sprechen wieder darüber, wenn Sie das Alter der Vernunft erreicht
haben» abgelehnt hatte. Als er am Abend des 12. März 1937 verstarb,
gedachte man soeben mit einem Konzert in der Église de
la Sainte-Trinité des 100. Geburtstages seines ehemaligen Weggefährten
Alexandre Guilmant.
Über Widors Orgelsymphonien schreibt Ben van Oosten in seinem
Buch Charles-Maire Widor – Vater der Orgelsymphonie: «Bezüglich
der Form zeigen Widors Orgelsymphonien wenig Übereinstimmung
mit dem traditionellen Aufbau Allegro – Andante – Scherzo –
Finale der klassischen Orchestersymphonie. […] Die einzelnen
Sätze zeigen gegenseitig zwar tonale Verwandtschaft, doch im
übrigen kontrastieren sie miteinander und enthalten eine große
Vielzahl an Stimmungen und Stilen. […] Es ist auffällig, dass
Widor im Gegensatz zu Guilmant und Vierne in keiner seiner
Symphonien die Sonatenform anwendet.»
Die Fünfte Symphonie in f-moll op. 42/1 war schon zu Lebzeiten
mit Abstand Widors populärstes Orgelwerk. Nicht zuletzt avancierte
der Finalsatz zum Inbegriff und formal zum Prototyp der
französischen Toccata schlechthin. Vermutlich zwischen August
1878 und Juni 1879 komponiert, zeitlich also nach der Sechsten,
erklang dieses Werk erstmals, gespielt vom Komponisten, zu den
Einweihungsfeierlichkeiten der monumentalen Konzertsaalorgel
aus der Werkstatt Cavaillé-Colls im Pariser «Palais du Trocadéro».
Stellen die Symphonien N° 1 bis N° 4 noch eher suitenähnliche
Sammlungen symphonischer Charakterstücke dar, begegnet uns,
wenngleich noch nicht vollgültig ausgereift, in der Fünften erstmals
die vom orchestralen Idiom abgeleitete Gattung der Orgelsymphonie.
12

Lionel Rogg
Der erste Satz «Allegro vivace» ist ein ausladender Variationssatz.
Das energische Thema mit seinem marschartigen Rhythmus gliedert
sich in fünf Abschnitte à acht Takte. In der 1. Variation ist
das nahezu unveränderte Thema in eine fließende Achtelbewegung
der Begleitstimmen eingebettet. Die 2. Variation bringt es
dann über einer Pedallinie in repetierenden Achtel-Akkorden mit
starker Akzentuierung der Taktschwerpunkte, während der Mittelteil
mit ‹fugierter› Achtelbewegung einen ruhigen Gegenpol bildet.
Über einem fortlaufenden Pizzicato-Bass folgt sodann ein quasi
tremolierendes Sechzehntel-Perpetuum-mobile (in der Mittelstimme),
das Thema synkopiert als Akkorde in der Oberstimme.
Ein an den Schluss des Themas erinnerndes freies Intermezzo
(in F-Dur) leitet über zur 4. Variation, ein Scherzando, welches
das Thema nun in halben Notenwerten bringt. Nach einer toccatenartigen
(und zugleich modulierenden) Durchführung des Hauptmotivs
(Auflösung der Themenstruktur) erklingt das Thema abschließend
im vollgriffigen Satz der vollen Orgel.
Obgleich der formale Aufbau bei Widor nicht dem der klassischen
Symphonie folgt, so findet sich in diesem Kopfsatz dennoch beispielhaft
die seit Beethoven postulierte, schließlich zur Gattungsnorm
erhobene Per-aspera-ad-astra-Ästhetik nicht weniger als in
der satzübergreifenden Konzeption der Gesamtanlage, an deren
Ende der wahrhaft hymnische Triumphgesang der legendären
Toccata steht.
15

Carl Nielsen
Lionel Rogg (*1936)
Lionel Roggs Karriere als Konzertorganist begann mit der Aufführung
des gesamten Orgelwerks von Johann Sebastian Bach in
der Victoria Hall in Genf. Als bis heute weltweit gefragter Interpret
kann er auf unzählige Schallplatten- und CD-Einspielungen
verweisen, etliche davon mit renommierten Preisen ausgezeichnet.
Seit 1983 tritt er verstärkt als Komponist für Orgel beziehungsweise
Orgel in Kombination mit Orchester oder Instrument(en)
in Erscheinung. Die 1976 entstandene Partita über «Nun freut euch,
lieben Christen g’mein» ist sein erstes Orgelwerk.
Carl Nielsen (1865–1931)
Bedingt durch seine späte Zuwendung zur Orgel, fällt diesem
Instrument – rein quantitativ gesehen – eine nur sehr geringe Bedeutung
im Schaffen von Carl Nielsen zu. Sein (spätes) Interesse
war nicht religiöser Natur, sondern gründet zunächst in der Faszination
für die Polyphonie der Renaissance und des Barock.
Jedoch erst auf Anregung seines Freundes Johannes Hansen komponierte
er 1929 eine Sammlung mit insgesamt 29 kleinen Präludien
für Orgel oder Harmonium (1930 als op. 51 veröffentlicht),
denen im Jahr darauf zwei weitere Präludien folgten.
16

Anfang 1931 – am 1. Januar war er soeben zum Direktor der
Königlich Dänischen Musikakademie ernannt worden – vollendete
er sein einziges großes Orgelwerk mit dem Titel Commotio
(lateinisch für Erschütterung). Am 2. März schrieb er an seine
Frau: «Mein neues großes Orgelwerk ist nun fertig, und ich bin
sehr zufrieden mit dem Ergebnis, zumal es mit größerer Sorgfalt
als alle meine bisherigen Werke gearbeitet ist. Unsicher bin ich
mir aber über die Wirkung des Stückes, gerade weil es sehr komplex
ist und etwa 22 Minuten dauert. Ich glaube, Bachs längstes
Orgelwerk (Präludium und Fuge e-moll) hat 368 Takte, meines
hingegen 511 – sofern die Länge überhaupt entscheidend ist…
Aber Bach bleibt unerreichbar!»
Franz Liszt – Schöpfer der Symphonischen Dichtung
Die phänomenal-dämonische Begabung von Franz Liszt (1811–
1886) als Klaviervirtuose ist in unzähligen zeitgenössischen Quellen
belegt. Laut Robert Schumann war «diese Kraft, ein Publikum
sich zu unterjochen, es zu heben, tragen und fallen zu lassen,
wohl bei keinem Künstler, ausgenommen Paganini, in so hohem
Grad anzutreffen.» Und Felix Mendelssohn, der wahrlich nicht
leicht durch die Zurschaustellung vordergründig-virtuoser Technik
zu blenden war, schrieb über ihn: «Ich sah bislang keinen
Musiker, bei dem musikalisches Gefühl wie bei Liszt bis in die
Fingerspitzen floss und von dort aus sofort hinausströmte.» Besondere
Erwähnung fand darüber hinaus stets seine außergewöhnliche
Fähigkeit, ganze Orchesterpartituren «wortwörtlich,
ohne auch nur eine Note auszulassen», auf das Klavier zu übertragen.
Da ihm das Klavier hierbei aber naturgemäß gewisse Einschränkungen
auferlegte, trachtete er danach, «dass die ausdrucksvollere
Orgeltastatur den natürlichen Weg zur Entwicklung des
Klaviers mit zwei oder drei Tastaturen ebnen würde.» Da dies
jedoch nie Realität wurde, sah Liszt denn folglich in der Orgel
ein für ihn durchaus adäquates Instrument, sein Verlangen nach
Klangfarben und größtmöglichem Ausdruck zu kanalisieren. Zwar
ließ er sich nur selten öffentlich an der Orgel hören, doch erstaunte
er Freunde und Bekannte immer wieder mit seinen leidenschaftlichen
Improvisationen an diesem Instrument. So berichten der
Philosoph und Orientalist Adolphe Pictet und die französische
19

Schriftstellerin George Sand gleichermaßen von einer Begebenheit
im schweizerischen Fribourg, wo Liszt an der Orgel der
Nikolaus-Kirche über «Dies irae» seiner Fantasie freien Lauf ließ.
Zunächst sprachlos über das gerade Dargebotene, bemerkte George
Sand später zu dieser Begebenheit: «Nie schien der Umriss seines
florentinischen Profils reiner und blasser als in dieser finsteren
Atmosphäre aus mystischer Angst und religiösem Kummer.»
Als Komponist fand Liszt den Weg zur Orgel aber erst, als er nach
Weimar zog. Johann Gottlob Töpfer, seit 1830 Stadtorganist,
machte ihn mit seinem begabtesten Schüler, Alexander Wilhelm
Gottschalg, bekannt. Inspiriert durch die neuartigen Klangmöglichkeiten
der von Friedrich Ladegast 1855 umgebauten und erweiterten
Orgel des Merseburger Domes, war dieser es denn auch,
der Liszt zu seinen großartigen Schöpfungen für die Königin der
Instrumente anregte.
Die von Nicolas Kynaston für Orgel bearbeiteten, im Original
für Klavier komponierte Funérailles sind Teil der Sammlung Harmonies
poétiques et religieuses und entstanden im Oktober 1849. Da
Frédéric Chopin im selben Jahr und Monat verstarb, zudem die
ostinaten Figuren und Oktaven der linken Hand im heroischen
Mittelteil eine auffällige Verwandtschaft zu dessen As-Dur-Polonaise
ausweisen, hat dies vielfach zu einer Fehldeutung des Werkes als
Hommage an den Pianisten-Kollegen geführt, die hartnäckig bis
heute kolportiert wird. Tatsächlich schrieb Liszt nach eigenem
Bekunden sein Werk im Gedenken an die Toten der von den Habsburgern
blutig niedergeschlagenen Revolution von 1848/1849 in
Ungarn. Unter den Opfern befand sich auch der ihm in enger
Freundschaft verbundene Fürst Felix Lichnovsky.
Zu Beginn glaubt man dumpfe, eigenartig befremdende Glockenklänge
über der gespenstisch-düsteren Szenerie eines Schlachtfeldes
zu vernehmen. Spätestens das Trompetensignal, das jäh die
Stille durchbricht, weist dem Ganzen eindeutig militärischen
Charakter zu. Nach einer langen Fermate setzt sotto voce eine Art
Trauermarsch in f-moll ein, der nach mehreren Wandlungen
schließlich im lagrimoso e dolce einer elegisch-zarten As-Dur-Melodie
20

weicht. Unter mächtiger deklamatorischer Steigerung hebt erneut
ein Marsch an, diesmal jedoch weitaus kraftvoller und entschlossener,
gefolgt von triumphalen Trompetenklängen, die im Bass
von ostinaten Triolenfiguren grundiert werden. Nach einer viertaktigen
Oktavenpassage, die unvermittelt abreißt, bahnt sich der
Trauermarsch mit gewaltiger Wucht im Pedal-Fortissimo erneut
seinen Weg. Für kurze Zeit erklingt zunächst nochmals das klagende
As-Dur-Thema, sodann die sich zu emphatischer Intensität
steigernden grollenden Bässe und das Trompetenmotiv des Mittelteils.
Doch im drittletzten Takt bricht das packende Tongemälde
abrupt in sich zusammen und ‹verpufft› in kurz angeschlagenen,
harmonisch ‹offenen› Akkorden.
Johann Sebastian Bach (1685–1750)
Über «Allein Gott in der Höh die Ehr» hat Johann Sebastian Bach
in seiner Sammlung der 18 Leipziger Choräle drei große Choralbearbeitungen
hinterlassen. BWV 662, entstanden nach 1739, ist
sicherlich eine der introvertiertesten Orgelschöpfungen des
Thomaskantors und scheint zunächst in einem gewissen Widerspruch
zum freudig-festlichen Lob des Choraltextes zu stehen.
Ungewöhnlich auch der auf der Orgel nur schwerlich darzustellende
lombardische Rhythmus (Bindung einer kurzen betonten
an eine längere unbetonte Note). Hermann Keller (1885–1967),
eine der wichtigsten Personen der Bach-Renaissance zu Beginn
des 20. Jahrhunderts, schreibt in seinem 1948 erschienen Buch
Die Orgelwerke Bachs, das noch weitgehend den Tonfall post-wagnerianischer
Schwärmerei zelebriert, zu dieser Choralbearbeitung:
«Man denkt bei A-Dur als Gralstonart an den überirdischen Glanz,
den dieses Stück ausstrahlt; der Spieler, der sich ihm naht, muss
sich in vollkommene Stille, in Gebetshaltung versetzen können.
Bedeutungsvoll unterbricht die Vorimitation den Aufstieg der
Melodie durch eine absteigende Septime: nur vier Töne, aber sie
bringen den Himmel die Erde herab».
Healey Willan (1880–1968)
«Engländer von Geburt, Kanadier durch Adoption, der Abstammung
nach Ire, genügsam wie ein Schotte.» Diese sophistische
Charakterisierung seiner selbst gab Healey (James) Willan stets
23

Healey Willan
zum Besten, wenn es um die eigene Person ging. Geboren am
12. Oktober 1880 im englischen Balham (heute ein Stadtteil von
London), zeigte sich schon früh sein musikalisches Talent als
Pianist, Chorsänger wie auch Chorleiter. Er selbst behauptete von
sich, mit der Fähigkeit des Vom-Blatt-Spielens auf die Welt gekommen
zu sein, und dass, obwohl es unter seinen Vorfahren
keine Musiker geben habe. Sein Orgeldiplom, das so genannte
FRCO (Fellow of the Royal College of Organists), erlangte er im
Alter von 19 Jahren. Von 1903 bis 1913 wirkte er als Organist
und Chorleiter an der im Londoner Stadtteil Kensington gelegenen
Kirche St. John the Baptist. 1910 wurde er Mitglied der London
Gregorian Association und erlangte schnell eine Reputation
als Verfechter des landessprachlichen Choralgesangs. 1913 emigrierte
Willan dann nach Kanada, wo er die Leitung des Fachbereichs
Musiktheorie am Canadian Conservatory of Music (seit
1947 Royal Conservatory of Music) in Toronto übernahm, als
Universitätsorganist wirkte und 1937 zum Professor ernannt wurde.
Hinzu kam eine Anstellung als Organist und Chorleiter zunächst
an der St. Paul’s Anglican Church, ab 1921 an St. Mary Magdalene.
Obwohl nicht mehr britischer Staatsbürger, wurde ihm 1953 die
außerwöhnliche Ehre zuteil, für die Krönungszeremonie von
Elisabeth II. eine Auftragskomposition beizusteuern. Als einer
der herausragendsten Musikerpersönlichkeiten Kanadas, ausgezeichnet
mit unzähligen Ehrungen, verstarb Healey Willan am
16. Februar 1968 in Toronto.
Sein kompositorisches Œuvre umfasst die stattliche Zahl von
800 Werken, darunter Chorwerke, Lieder, Kammermusik, zwei
24

Symphonien, ein Klavierkonzert sowie Bühnenmusiken und eine
Oper mit dem Titel «Deirdre». Mehr als die Hälfte aller Werke
aber, darunter auch etwa 100 Orgelkompositionen, sind primär
für den liturgischen Gebrauch bestimmt. Nicht zuletzt begründet
sich hier sein zuweilen recht konservativer, mitunter gar retrospektiver
Kompositionsstil, der in den frühen Werken neben erkennbaren
Einflüssen der deutschen Romantik (namentlich sind hier
Brahms und Wagner zu nennen) ganz in der Tradition von Hubert
Parry und Charles Villiers Stanford steht.
Healey Willans herausragendstes Orgelwerk, Introduction, Passacaglia
et Fugue op. 149, entstand 1916, im Todesjahr von Max Reger. Angeblich
soll dessen Introduktion und Passacaglia d-Moll (1899), die
Willan kurz zuvor in einem Konzert gehört hatte, die Initialzündung
zu seiner Komposition gegeben haben. Sicherlich auch nicht
zufällig dürfte die dreiteilige Konzeption der Anlage sein, verweist
sie doch geradewegs auf Regers drei Jahre zuvor entstandenes
Monumentalwerk mit der Opuszahl 127: Introduktion, Passacaglia
und Fuge e-moll. Aber auch die zum Teil extensive Chromatik,
etwa die absteigende Pedallinie zu Beginn der Introduction (die
eine verblüffende Ähnlichkeit mit Liszts Marschmotiv hat), gemahnt
an Reger. Laut David Sanger, der dieses Werk 1990 in einer
Neuedition herausgegeben hat, soll bei der Wahl der Tonart ein
weiterer in Deutschland beheimateter Komponist Pate gestanden
haben: Weil Healey Willan zu jener Zeit gerade Josef Rheinbergers
Sonate N° 6 einstudierte, vermutet Sanger hier die Quelle der
eher ungewöhnlichen Tonart es-moll. Widmungsträger der Komposition
ist Sir Walter Alcock, von 1916 bis 1947 Organist der
Kathedrale von Salisbury.
Im Oxford University Press Music Bulletin des Jahres 1841 bezeichnete
der französische Orgelvirtuose Joseph Bonnet die Passacaglia von
Willan als die bedeutendste Schöpfung dieses Genres seit Bach
und nannte sie eine «seltene und bewundernswerte Komposition,
erdacht in reinem und erhabenem Geist, erbaut auf soliden architektonischen
Linien, erleuchtet mit dem Licht ebenso kostbarer
wie zarter Harmonien; dieses Werk gereicht der Orgelliteratur
unserer Zeit zu größter Ehre.»
27

Interprète
Biographie
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
David Titterington orgue
David Titterington a récemment été nommé directeur musical
de l’International Organ Festival de St Albans, ce qui confirme sa
réputation d’être l’un des plus célèbres organistes au monde.
Depuis ses débuts au Royal Festival Hall en 1986 ayant lancé sa
carrière, il s’est produit depuis lors dans la plupart des plus grands
festivals et salles de concerts du monde entier dont à la Herkulessaal
de Munich, au Schauspielhaus de Berlin, au Roy Thomson
Hall de Toronto, à l’Auditorio Nacional de Música à Madrid, au
Megaron d’Athènes ou au Musashino Concert Hall à Tokyo. Il a
été l’un des artistes majeurs à se produire dans le cadre du cinquantième
anniversaire de l’European Festivals Association en
2002, interprétant des œuvres de Kurtág et de Messiaen au Festival
des Festivals à Genève. Très investi en musique contemporaine,
il a crée de nombreuses œuvres majeures, dont Arched
Forms with Bells de Diana Burrell, commandée par les BBC
Proms en 1990; Terce pour orgue et accordéon au Spitalfields
Festival; la Symphonie N° 9 de Hans Werner Henze aux BBC
Proms en 2000 avec le BBC Symphony Orchestra sous la direction
de Ingo Metzmacher; Toccare Incandescent de Stephen
Montague commandée par la South Bank et créée au Royal Festival
Hall pour marquer le cinquantième anniversaire de la construction
de l’orgue de la salle; et Fourteen Stations of the Cross
de Giles Swayne commandée pour le 25 e anniversaire du Cambridge
Festival, jouée à la Chapelle du King’s College. David
Titterington a également créé au concert The Blackness of Darkness
de Lyell Cresswell (commande du New Zealand Interna-
29

David Titterington
tional Arts Festival), Job de Petr Eben (commande de l’Harrogate
International Festival) et Opening Day de Peter Tiefenbach
(commande du Guelph Festival). En 2001, il a collaboré avec
Mauricio Kagel lors de la représentation londonienne de Rrrrrr, et
avec Jonathan Dove lors de la création de Niagara. Il a donné la
première Néo-Zélandaise du Livre du Saint Sacrement de
Messiaen et la première finlandaise du Concerto pour orgue N° 1
de Petr Eben avec le Lahti Symphony Orchestra. Outre ses CDs
d’œuvres d’Olivier Messiaen, Petr Eben et Johann Ernst Eberlin,
David Titterington a enregistré plus de trente programmes pour
la BBC et d’innombrables enregistrements pour la radio et la
télévision du monde entier, y compris l’intégrale des œuvres de
César Franck à l’Abbaye Saint-Etienne de Caen. David Titterington
a étudié l’orgue au Pembroke College d’Oxford et a ensuite
poursuivi ses études à Paris avec Marie-Claire Alain et Susan
Landale au Conservatoire de Rueil-Malmaison où il a remporté
un premier prix à l’unanimité. En 1996, il a été nommé directeur
des études d’orgue à la Royal Academy of Music, à Londres. Il
donne depuis 1993 des master-classes annuelles à la Dartington
International Summer School et est professeur d’orgue invité à
l’Académie de musique Franz Liszt à Budapest depuis 1997. Il a
participé à de nombreux jurys internationaux dont le Grand Prix
de Chartres, le Prix André Marchal, le BBC’s Young Musician of
30

the Year, le Grand Prix Bach de Lausanne, le concours international
d’orgue de Graz, et le premier concours international d’orgue
de Basso Friuli, en Italie. En 1992, il était directeur artistique
et président du jury de l’European Organ Festival, et en octobre
2002, directeur artistique du festival Splendor of the Spanish
Baroque. Parmi ses nombreux prix et récompenses, il a reçu
l’Honorary Fellowship du Royal College of Organists en 1999 et
le doctorat honoris causa de l’Université de Budapest en 2000.
En 2007/08, il a joué le Concerto pour orgue de Poulenc sous
la direction de Jan Latham-Koenig à l’Opéra de Turin et créé la
nouvelle œuvre de Pavel Novák pour orgue, soprano et trompette
à la Dartington International Summer School. Il a fait ses
débuts en récital à l’International Performing Arts Centre de
Moscou et a joué Des Canyons aux étoiles au festival Messiaen
de la South Bank. Cette saison, il jouera des œuvres de Peter
Maxwell Davies et de Mendelssohn à Dartington, le Livre du
Saint Sacrement de Messiaen à l’Oratoire de Brompton et se
produira en récitals à la Philharmonie Luxembourg et sur l’orgue
historique Walcher à Waldkirch, en Allemagne. En 2008, David
Titterington a été fait Membre d’honneur à la Royal Academy of
Music.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
David Titterington organ
David Titterington was recently appointed Artistic Director of the
International Organ Festival at St Albans confirming his position
as one of the world’s most distinguished organists. He made his
debut at the Royal Festival Hall in 1986 launching a career that
has since taken him to many of the great international festivals
and concert halls including Herkulessaal in Munich, Schauspielhaus
in Berlin, Roy Thomson Hall in Toronto, Auditorio Nacional
de Música in Madrid, Megaron in Athens, and the Musachino
Concert Hall in Tokyo. He was a featured artist of the European
Festivals Association’s 50 th anniversary celebrations in 2002 performing
works by Kurtag and Messiaen at the Festival of Festivals
in Geneva. Committed to contemporary music he has premiered
a number of significant works, in particular Diana Burrell’s
1990 BBC Proms Commission Arched Forms with Bells, and
31

Terce for organ & accordion at the Spitalfields Festival, Hans
Werner Henze’s Symphony N° 9 at the 2000 BBC Proms with
the BBC Symphony Orchestra under Ingo Metzmacher, Toccare
Incandescent by Stephen Montague, commissioned by the South
Bank and premiered at the Royal Festival Hall to mark the 50 th
anniversary of the building of the Hall’s organ, and Giles Swayne’s
Fourteen Stations of the Cross commissioned for the 25th anniversary
of the Cambridge Festival in King’s College Chapel. Other
first performances include Lyell Cresswell’s The Blackness of
Darkness (New Zealand International Arts Festival commission),
Petr Eben’s Job (Harrogate International Festival commission),
and Peter Tiefenbach’s Opening Day (Guelph Festival commission).
In 2001 he collaborated with Mauricio Kagel in the London
performance of Rrrrrr, and with Jonathan Dove in a premiere
performance of Niagara. He gave the New Zealand premiere of
Olivier Messiaen’s Livre du Saint Sacrement and the Finnish premiere
of Petr Eben’s Organ Concerto N° 1 with the Lahti Symphony
Orchestra. In addition to CD’s of works by Olivier Messiaen,
Petr Eben and Johann Ernst Eberlin, David Titterington has recorded
more than thirty programmes for the BBC and innumerable
for radio and television networks world-wide, including the
complete works of César Franck from the Abbey of St Etienne,
Caen. David Titterington was Organ Scholar at Pembroke College,
Oxford and continued his studies in Paris with Marie-Claire Alain
and Susan Landale at the Conservatoire at Rueil-Malmaison,
where he won a unanimous Premier Prix. In 1996 he was appointed
Head of Organ Studies at the Royal Academy of Music,
London. Since 1993 he has given annual master classes at the
Dartington International Summer School and since 1997 he has
been Visiting Professor of Organ at the Liszt Academy, Budapest.
He has served on many international juries including the
Grand Prix de Chartres, Prix André Marchal, BBC’s Young Musician
of the Year, the Grand Prix Bach de Lausanne Competition,
Graz International Organ Competition, and 1st International
Organ Competition Basso Friuli, Italy. In 1992, he was Artistic
Director and Chairman of the Jury of the European Organ Festival,
and in October 2002 was Artistic Director of the festival
Splendor of the Spanish Baroque. He has received several awards
33

and honors, including Honorary Fellowship of the Royal College
of Organists in 1999, and an Honorary Doctorate from the Liszt
Ferenc State University, Budapest in 2000. Engagements in
2007/08 include Poulenc’s Organ Concerto conducted by Jan
Latham-Koenig at the Turin Opera House, and the premiere of a
new work by Pavel Novák for organ, soprano and trumpet at
the Dartington International Summer School, a debut recital at
Moscow’s International Performing Arts Centre, and recitals as
part of the South Bank’s Messiaen Festival Des Canyons aux
étoiles. Next season includes recitals of Peter Maxwell Davies
and Mendelssohn at Dartington, Messiaen’s Livre du Saint
Sacrement at the Brompton Oratory, and recitals at the Philharmonie,
Luxembourg and in Waldkirch, Germany on the historic
Walcher organ. In 2008 David Titterington was awarded Honorary
Membership of the Royal Academy of Music.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII RÉCITAL D‘ORGUE
Prochain concert dans le cycle «Récital d’orgue»
Nächstes Konzert im Zyklus «Récital d’orgue»
Next concert in the cycle «Récital d’orgue»
Mercredi / Mittwoch / Wednesday 28.01.2009 20:00
Grand Auditorium
Ludger Lohmann orgue
Johann Sebastian Bach: Präludium und Fuge C-Dur (ut majeur)
BWV 547
Dietrich Buxtehude: «Wie schön leuchtet der Morgenstern»
BuxWV 223
Max Reger: Phantasie über den Choral «Wie schön leucht’t uns
der Morgenstern» op. 40/1
Nicolas de Grigny: A solis ortus cardine
Johann Sebastian Bach: Einige Kanonische Veränderungen über
das Weihnachtslied «Vom Himmel hoch, da komm’ ich her»
BWV 769a
Marcel Dupré: Variations sur un Noël op. 20
35

La plupart des programmes du soir de la Philharmonie sont disponibles
en ligne, version PDF, sur le site www.philharmonie.lu
avant chaque concert.
Une version grand-format pour malvoyants des programmes du
soir est à votre disposition à l’accueil / à la caisse du soir avant
chaque concert.
Die meisten Abendprogramme der Philharmonie finden Sie
als Web-PDF auch online unter www.philharmonie.lu beim
jeweiligen Konzert.
Eine Ausgabe in Großdruck liegt eine Stunde vor dem
jeweiligen Konzert am Accueil / an der Abendkasse bereit.
Impressum
© Philharmonie Luxembourg 2008
Damien Wigny, Président
Matthias Naske, Directeur Général
Responsable du contenu: Matthias Naske
Photo Philharmonie: Jörg Hejkal
Design: Pentagram Design Limited
Imprimé à Luxembourg par l’Imprimerie Centrale s.a.
Tous droits réservés.