Abendprogramm (PDF) - Philharmonie Luxembourg
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Mercredi / Mittwoch / Wednesday<br />
03.12.2008 20:00<br />
Grand Auditorium<br />
David Titterington orgue<br />
Charles-Marie Widor: Symphonie N° 5 en fa mineur (f-moll)<br />
op. 42/1. I: Allegro vivace (1878)<br />
10’<br />
Lionel Rogg: Partita sopra «Nun freut euch, lieben<br />
Christen g’mein» (1976)<br />
Bicinium<br />
Canon<br />
Choral<br />
Presto<br />
Récit<br />
Passacaglia<br />
Toccata<br />
13’<br />
Carl Nielsen: Commotio op. 58 (1930/1931)<br />
22’<br />
—
Franz Liszt: Harmonies poétiques et religieuses. N° 7:<br />
Funérailles (Totenfeiern) en fa mineur (f-moll) (1849)<br />
(transcription: N. Kynaston)<br />
Introduction<br />
Adagio<br />
12’<br />
Johann Sebastian Bach: Orgelchoral «Allein Gott in der<br />
Höh sei Ehr» (Dieu seul soit loué dans les cieux)<br />
BWV 662 (1739–1742)<br />
7’<br />
Healey Willan: Introduction, Passacaglia et Fugue<br />
op. 149 (1916)<br />
19’<br />
Backstage:<br />
19:30 Grand Auditorium<br />
Rencontre avec David Titterington (en français)
Pièces pour orgue<br />
Charles-Marie Widor, Lionel Rogg, Carl Nielsen, Franz<br />
Liszt, Jean-Sébastien Bach<br />
Yves Rassendren<br />
Charles-Marie Widor: 1 er mouvement de la Symphonie N° 5<br />
pour orgue op. 42 – Allegro vivace<br />
Si Widor (1844–1937) fut un extraordinaire pédagogue (il forma<br />
plusieurs générations d’organistes – parmi lesquels Vierne, Tournemire,<br />
Dupré, Bonnet), il se révéla aussi un interprète exceptionnel.<br />
Louis Vierne, son disciple, également compositeur, écrit de<br />
son maître: «C’est bien là le plus grand organiste que j’aie jamais<br />
entendu… Et quels accents! Quelle largeur dans le phrasé! Quel<br />
magnifique legato! Quel goût suprême dans la distribution des<br />
lumières et des ombres… On sentait là une volonté toujours<br />
présente, inébranlable… Il jouait vivant et ne pressait pas; …<br />
aucune distorsion disgracieuse, aucune gesticulation stérile ne<br />
venaient troubler l’harmonie visuelle constamment en concordance<br />
avec l’harmonie sonore qui naissait de son contact avec<br />
son orgue. Griffe de lion!» Le nom de Widor est indéfectiblement<br />
lié à celui du génial facteur d’orgue Cavaillé-Coll. L’œuvre pour<br />
orgue de Widor est pensée pour ces instruments puisqu’il succéda<br />
à Lefébure-Wély à la tribune de Saint-Sulpice à Paris où le facteur<br />
venait d’installer un instrument de 103 jeux. Widor créa pour<br />
l’orgue un nouveau type d’écriture exploitant merveilleusement<br />
les timbres et les combinaisons sonores rendues possibles par<br />
Cavaillé-Coll mais conservant un goût pour les structures solides<br />
et équilibrées. Cette Symphonie N° 5 fut du reste jouée par le compositeur<br />
en 1880 lors de l’inauguration de l’orgue Cavaillé-Coll<br />
de Saint-François de Sales à Lyon. Cette symphonie publiée en<br />
1879, est assurément la pus célèbre des dix symphonies que le<br />
compositeur dédia à l’instrument roi. L’œuvre est composée de<br />
cinq mouvements dont les premier et dernier (Toccata) ont large-<br />
3
Charles-Marie Widor<br />
ment participé à sa célébrité. Le premier mouvement de la Symphonie<br />
N° 5 – Allegro vivace en fa mineur – suit la forme thème et<br />
variations; le thème est charpenté de façon très classique mais les<br />
variations sont organisées de façon particulièrement efficace. Les<br />
registrations indiquées par le compositeur soulignent son intérêt<br />
pour les timbres de l’orgue symphonique: la 3 e variation est une<br />
fileuse aux sonorités délicates faisant entendre 3 plans sonores<br />
(unda maris à la main gauche, bourdon 16 et flûte 4’ à la main<br />
droite, ponctuées par la flûte de 8’ du pédalier). Vient ensuite un<br />
épisode Più lento sur les fonds 16’, 8’, 4’ de l’orgue. Le Scherzando<br />
ramène en un crescendo impressionnant le thème, et le mouvement<br />
s’achève par une coda brillante en fa majeur.<br />
Lionel Rogg: Partita sopra «Nun freut euch, lieben<br />
Christen g’mein»<br />
Concertiste et pédagogue, Lionel Rogg (né en 1936) a également<br />
abordé le champ de la composition pour l’orgue (Variations sur le<br />
Psaume 91, Deux études pour le clavier, Contrepointes, Toccata ritmica…).<br />
Le genre de la partita de choral se présente comme une succession<br />
de variations mettant en œuvre les techniques d’écriture les plus<br />
variées et valorisant les timbres de l’orgue. Cette Partita, écrite en<br />
1975, renoue avec la longue tradition de la suite de variations sur<br />
une même mélodie de choral; cette tradition née dès le XVI e siècle<br />
renaît au XX e siècle après avoir été délaissée à l’époque romantique.<br />
La mélodie traitée ici apparaît dès 1523 et fait donc partie<br />
des huit mélodies les plus anciennes du mouvement luthérien.<br />
Carl Nielsen: Commotio op. 58<br />
Si la musique symphonique est l’aspect le plus connu du compositeur<br />
danois, d’autres aspects de son œuvre sont également dignes<br />
5
photo: H. Hering (1860)<br />
Franz Liszt<br />
d’intérêt: la musique de chambre, la musique vocale et dans la<br />
dernière période de création, quelques œuvres pour orgue. C’est<br />
sans doute grâce aux encouragements de son ami l’organiste<br />
Emilius Bangert que Nielsen (1865–1931) composa pour l’instrument;<br />
seuls 29 Petits Préludes op. 51 (1929) précèdent l’œuvre entendue<br />
ce soir.<br />
Composée en 1931, Commotio est la principale pièce pour orgue<br />
mais également la dernière grande œuvre du compositeur. Commotio<br />
signifie «mouvement», «mouvement, également sur le plan spirituel<br />
[…]»; ce mouvement traverse les différentes sections de<br />
l’œuvre. «Dans une œuvre de cette ampleur destinée au puissant<br />
instrument que l’on appelle l’orgue, dont les sonorités découlent<br />
de l’élément naturel appelé air, le compositeur doit essayer de<br />
réprimer tout sentiment personnel ou lyrique. La tâche en devient<br />
immense et éprouvante, et exige une sorte de sécheresse à la place<br />
du sentiment, de sorte qu’elle devra être jugée davantage par<br />
6
l’oreille que ressentie par le cœur. L’œuvre repose sur deux fugues…»<br />
(Extrait d’une lettre de Nielsen à Bangert pour un commentaire<br />
de programme). Nielsen était convaincu d’avoir laissé derrière lui<br />
l’orgue romantique et la primauté de l’émotion. Cette fresque<br />
aux très vastes proportions se présente comme un polyptyque où<br />
s’enchaînent plusieurs sections contrastées, certaines d’écriture<br />
fuguée; le recours à la virtuosité, l’organisation tonale très libre,<br />
la construction à la fois unitaire et morcelée pourraient rapprocher<br />
l’œuvre des pièces fantasques de Buxtehude, compositeur<br />
également d’origine danoise. Commotio fut du reste créée à la<br />
Marienkirche de Lübeck où Buxtehude fut organiste pendant de<br />
longues années.<br />
Franz Liszt: Funérailles (transcription: N. Kynaston)<br />
Septième pièce du cycle des Harmonies poétiques et religieuses, cette<br />
œuvre de Franz Liszt (1811–1886) était à l’origine destinée au<br />
piano, instrument de prédilection absolue du compositeur; le caractère<br />
extrêmement sombre et héroïque de la pièce et la véhémence<br />
brutale de l’expression ont souvent fasciné les musiciens<br />
et les auditeurs; la transcription à l’orgue permet d’en souligner<br />
la dimension quasi symphonique. Datée d’octobre 1849, ces Funérailles<br />
peuvent être considérées comme un double hommage:<br />
hommage tout d’abord aux patriotes, victimes de la révolution,<br />
exécutés en octobre 1849 (16 grands officiers hongrois et le<br />
Président du conseil, le Prince Lajos Batthyány). Le titre de la<br />
première esquisse de l’œuvre – «Magyar» – témoigne de son ancrage<br />
dans l’art national et de sa destination patriotique. Mais<br />
Liszt rend peut-être également hommage à son ami Chopin, récemment<br />
disparu (le 17 octobre de la même année) en citant et<br />
en exploitant dans l’épisode central l’ostinato obsédant de la Grande<br />
Polonaise en la bémol majeur op. 53 du compositeur polonais. Comme<br />
toujours chez Liszt, la citation est prétexte à recréation, elle est à<br />
la source du processus de composition. Au cours d’une leçon publique<br />
donnée à Weimar le 16 juin 1885, son élève Ansorge interpréta<br />
Funérailles. Quand il arriva à l’ostinato en triolets de la partie<br />
centrale, Liszt déclara: «Au fond, c’est une imitation de la célèbre<br />
Polonaise de Chopin; mais je l’ai fait ici un peu différemment».<br />
Martèlements obstinés, sonneries tantôt sourdes, tantôt héroïques,<br />
7
Jean-Sébastien Bach<br />
marche funèbre, lamentations plaintives font de cette pièce une<br />
fresque âpre, sorte de thrène sombre aux accents déchirants.<br />
Jean-Sébastien Bach: Choral «Allein Gott in der Höh’ sei Ehr’»<br />
BWV 662 (Gloire à Dieu au plus haut des cieux)<br />
Cette pièce est extraite du cycle des 18 chorals de styles divers (dits<br />
«chorals de Leipzig») rassemblés par Bach (1685–1750) pour l’édition<br />
mais non publiés de son vivant. Ce recueil propose des chorals<br />
pour orgue de périodes et de factures très diverses; les proportions<br />
assez vastes et le soin de la polyphonie peuvent cependant<br />
apparaître comme des caractéristiques communes reliant les différentes<br />
pièces du recueil. Cette très ancienne mélodie de choral<br />
luthérien (timbre de Nikolaus Decius – 1530) est traitée sous<br />
trois formes dans ce recueil; la version jouée ce soir fait entendre<br />
la mélodie très abondamment ornée au soprano scandant une<br />
polyphonie où chaque voix paraphrase en imitation libre les périodes<br />
successives du choral. Cette version mêle donc de façon<br />
très heureuse science de l’écriture et lyrisme de l’épanchement<br />
mélodique.<br />
8
«…mit dem Licht ebenso kostbarer<br />
wie zarter Harmonien»<br />
Zum Orgelrecital von David Titterington<br />
Wolfgang Valerius<br />
Widor – Vater der Orgelsymphonie<br />
Charles-Marie Widor, 1844 in Lyon als Sohn eines Organisten<br />
und Enkel eines Orgelbauers geboren, war ein überaus vielseitig<br />
begabter Musiker, dazu ein umfassend gebildeter Mann mit Geschmack,<br />
empfänglich für die Schönheit in all ihren Formen. Der<br />
gern gesehene Gast in den Pariser Salons jener Tage komponierte<br />
viele Kammermusik- und Klavierwerke, eine Vielzahl von Liedern,<br />
aber auch Symphonien, Ballettwerke und eine Reihe von Opern.<br />
Als er 1870 zum Organisten der großen Orgel von St. Sulpice in<br />
Paris ernannt wurde, galten seine Ambitionen hier für die nächsten<br />
64 Jahre ausschließlich der Etablierung und Pflege einer würdevollen<br />
Kirchenmusik. Wenn auch Vierne den Stil Widors «weitaus<br />
schmückender als emotional» beschrieb, so attestierte er ihm<br />
dennoch einen untrügerischen «Sinn für Erhabenheit und Größe»<br />
sowie eine selbst im hohen Alter noch unübertroffene «autoritäre<br />
und zwingende Meisterschaft».<br />
Von großer Bedeutung für den musikalischen Werdegang des<br />
jungen Widor war die Freundschaft seines Vaters zu Aristide Cavaillé-Coll,<br />
der mit seinen spektakulären Neuerungen im Orgelbau<br />
nicht zuletzt auch die Musik für dieses Instrument maßgeblich<br />
revolutionierte. Auf dessen Anraten ging Charles-Marie, wie kurz<br />
zuvor schon Alexandre Guilmant, nach Brüssel, um bei Jacques-<br />
Nicolas Lemmens (Orgel) und François-Joseph Fétis (Komposition)<br />
zu studieren. Nach Paris zurückgekehrt, verbreitete sich<br />
rasch die Kunde seiner Virtuosität. (Laut Albert Schweitzer soll<br />
Widor aber gesagt haben: «Man hat mich beleidigt. Man hat<br />
mich einen Orgelvirtuosen genannt. Ich bin ein ehrlicher Organist.»)<br />
11
1890 übernahm Widor die Orgelklasse von César Franck am Conservatoire,<br />
sechs Jahre später als Nachfolger von Théodore Dubois<br />
den Lehrstuhl für Komposition. Im vorgerückten Alter von 76<br />
Jahren (!) heiratete er 1920 die vierzig Jahre jüngere Mathilde de<br />
Montesquiou-Fezensac, 15 Jahre nachdem er ihren ersten Heiratsantrag<br />
auf der Orgelempore von St. Sulpice mit den Worten «Wir<br />
sprechen wieder darüber, wenn Sie das Alter der Vernunft erreicht<br />
haben» abgelehnt hatte. Als er am Abend des 12. März 1937 verstarb,<br />
gedachte man soeben mit einem Konzert in der Église de<br />
la Sainte-Trinité des 100. Geburtstages seines ehemaligen Weggefährten<br />
Alexandre Guilmant.<br />
Über Widors Orgelsymphonien schreibt Ben van Oosten in seinem<br />
Buch Charles-Maire Widor – Vater der Orgelsymphonie: «Bezüglich<br />
der Form zeigen Widors Orgelsymphonien wenig Übereinstimmung<br />
mit dem traditionellen Aufbau Allegro – Andante – Scherzo –<br />
Finale der klassischen Orchestersymphonie. […] Die einzelnen<br />
Sätze zeigen gegenseitig zwar tonale Verwandtschaft, doch im<br />
übrigen kontrastieren sie miteinander und enthalten eine große<br />
Vielzahl an Stimmungen und Stilen. […] Es ist auffällig, dass<br />
Widor im Gegensatz zu Guilmant und Vierne in keiner seiner<br />
Symphonien die Sonatenform anwendet.»<br />
Die Fünfte Symphonie in f-moll op. 42/1 war schon zu Lebzeiten<br />
mit Abstand Widors populärstes Orgelwerk. Nicht zuletzt avancierte<br />
der Finalsatz zum Inbegriff und formal zum Prototyp der<br />
französischen Toccata schlechthin. Vermutlich zwischen August<br />
1878 und Juni 1879 komponiert, zeitlich also nach der Sechsten,<br />
erklang dieses Werk erstmals, gespielt vom Komponisten, zu den<br />
Einweihungsfeierlichkeiten der monumentalen Konzertsaalorgel<br />
aus der Werkstatt Cavaillé-Colls im Pariser «Palais du Trocadéro».<br />
Stellen die Symphonien N° 1 bis N° 4 noch eher suitenähnliche<br />
Sammlungen symphonischer Charakterstücke dar, begegnet uns,<br />
wenngleich noch nicht vollgültig ausgereift, in der Fünften erstmals<br />
die vom orchestralen Idiom abgeleitete Gattung der Orgelsymphonie.<br />
12
Lionel Rogg<br />
Der erste Satz «Allegro vivace» ist ein ausladender Variationssatz.<br />
Das energische Thema mit seinem marschartigen Rhythmus gliedert<br />
sich in fünf Abschnitte à acht Takte. In der 1. Variation ist<br />
das nahezu unveränderte Thema in eine fließende Achtelbewegung<br />
der Begleitstimmen eingebettet. Die 2. Variation bringt es<br />
dann über einer Pedallinie in repetierenden Achtel-Akkorden mit<br />
starker Akzentuierung der Taktschwerpunkte, während der Mittelteil<br />
mit ‹fugierter› Achtelbewegung einen ruhigen Gegenpol bildet.<br />
Über einem fortlaufenden Pizzicato-Bass folgt sodann ein quasi<br />
tremolierendes Sechzehntel-Perpetuum-mobile (in der Mittelstimme),<br />
das Thema synkopiert als Akkorde in der Oberstimme.<br />
Ein an den Schluss des Themas erinnerndes freies Intermezzo<br />
(in F-Dur) leitet über zur 4. Variation, ein Scherzando, welches<br />
das Thema nun in halben Notenwerten bringt. Nach einer toccatenartigen<br />
(und zugleich modulierenden) Durchführung des Hauptmotivs<br />
(Auflösung der Themenstruktur) erklingt das Thema abschließend<br />
im vollgriffigen Satz der vollen Orgel.<br />
Obgleich der formale Aufbau bei Widor nicht dem der klassischen<br />
Symphonie folgt, so findet sich in diesem Kopfsatz dennoch beispielhaft<br />
die seit Beethoven postulierte, schließlich zur Gattungsnorm<br />
erhobene Per-aspera-ad-astra-Ästhetik nicht weniger als in<br />
der satzübergreifenden Konzeption der Gesamtanlage, an deren<br />
Ende der wahrhaft hymnische Triumphgesang der legendären<br />
Toccata steht.<br />
15
Carl Nielsen<br />
Lionel Rogg (*1936)<br />
Lionel Roggs Karriere als Konzertorganist begann mit der Aufführung<br />
des gesamten Orgelwerks von Johann Sebastian Bach in<br />
der Victoria Hall in Genf. Als bis heute weltweit gefragter Interpret<br />
kann er auf unzählige Schallplatten- und CD-Einspielungen<br />
verweisen, etliche davon mit renommierten Preisen ausgezeichnet.<br />
Seit 1983 tritt er verstärkt als Komponist für Orgel beziehungsweise<br />
Orgel in Kombination mit Orchester oder Instrument(en)<br />
in Erscheinung. Die 1976 entstandene Partita über «Nun freut euch,<br />
lieben Christen g’mein» ist sein erstes Orgelwerk.<br />
Carl Nielsen (1865–1931)<br />
Bedingt durch seine späte Zuwendung zur Orgel, fällt diesem<br />
Instrument – rein quantitativ gesehen – eine nur sehr geringe Bedeutung<br />
im Schaffen von Carl Nielsen zu. Sein (spätes) Interesse<br />
war nicht religiöser Natur, sondern gründet zunächst in der Faszination<br />
für die Polyphonie der Renaissance und des Barock.<br />
Jedoch erst auf Anregung seines Freundes Johannes Hansen komponierte<br />
er 1929 eine Sammlung mit insgesamt 29 kleinen Präludien<br />
für Orgel oder Harmonium (1930 als op. 51 veröffentlicht),<br />
denen im Jahr darauf zwei weitere Präludien folgten.<br />
16
Anfang 1931 – am 1. Januar war er soeben zum Direktor der<br />
Königlich Dänischen Musikakademie ernannt worden – vollendete<br />
er sein einziges großes Orgelwerk mit dem Titel Commotio<br />
(lateinisch für Erschütterung). Am 2. März schrieb er an seine<br />
Frau: «Mein neues großes Orgelwerk ist nun fertig, und ich bin<br />
sehr zufrieden mit dem Ergebnis, zumal es mit größerer Sorgfalt<br />
als alle meine bisherigen Werke gearbeitet ist. Unsicher bin ich<br />
mir aber über die Wirkung des Stückes, gerade weil es sehr komplex<br />
ist und etwa 22 Minuten dauert. Ich glaube, Bachs längstes<br />
Orgelwerk (Präludium und Fuge e-moll) hat 368 Takte, meines<br />
hingegen 511 – sofern die Länge überhaupt entscheidend ist…<br />
Aber Bach bleibt unerreichbar!»<br />
Franz Liszt – Schöpfer der Symphonischen Dichtung<br />
Die phänomenal-dämonische Begabung von Franz Liszt (1811–<br />
1886) als Klaviervirtuose ist in unzähligen zeitgenössischen Quellen<br />
belegt. Laut Robert Schumann war «diese Kraft, ein Publikum<br />
sich zu unterjochen, es zu heben, tragen und fallen zu lassen,<br />
wohl bei keinem Künstler, ausgenommen Paganini, in so hohem<br />
Grad anzutreffen.» Und Felix Mendelssohn, der wahrlich nicht<br />
leicht durch die Zurschaustellung vordergründig-virtuoser Technik<br />
zu blenden war, schrieb über ihn: «Ich sah bislang keinen<br />
Musiker, bei dem musikalisches Gefühl wie bei Liszt bis in die<br />
Fingerspitzen floss und von dort aus sofort hinausströmte.» Besondere<br />
Erwähnung fand darüber hinaus stets seine außergewöhnliche<br />
Fähigkeit, ganze Orchesterpartituren «wortwörtlich,<br />
ohne auch nur eine Note auszulassen», auf das Klavier zu übertragen.<br />
Da ihm das Klavier hierbei aber naturgemäß gewisse Einschränkungen<br />
auferlegte, trachtete er danach, «dass die ausdrucksvollere<br />
Orgeltastatur den natürlichen Weg zur Entwicklung des<br />
Klaviers mit zwei oder drei Tastaturen ebnen würde.» Da dies<br />
jedoch nie Realität wurde, sah Liszt denn folglich in der Orgel<br />
ein für ihn durchaus adäquates Instrument, sein Verlangen nach<br />
Klangfarben und größtmöglichem Ausdruck zu kanalisieren. Zwar<br />
ließ er sich nur selten öffentlich an der Orgel hören, doch erstaunte<br />
er Freunde und Bekannte immer wieder mit seinen leidenschaftlichen<br />
Improvisationen an diesem Instrument. So berichten der<br />
Philosoph und Orientalist Adolphe Pictet und die französische<br />
19
Schriftstellerin George Sand gleichermaßen von einer Begebenheit<br />
im schweizerischen Fribourg, wo Liszt an der Orgel der<br />
Nikolaus-Kirche über «Dies irae» seiner Fantasie freien Lauf ließ.<br />
Zunächst sprachlos über das gerade Dargebotene, bemerkte George<br />
Sand später zu dieser Begebenheit: «Nie schien der Umriss seines<br />
florentinischen Profils reiner und blasser als in dieser finsteren<br />
Atmosphäre aus mystischer Angst und religiösem Kummer.»<br />
Als Komponist fand Liszt den Weg zur Orgel aber erst, als er nach<br />
Weimar zog. Johann Gottlob Töpfer, seit 1830 Stadtorganist,<br />
machte ihn mit seinem begabtesten Schüler, Alexander Wilhelm<br />
Gottschalg, bekannt. Inspiriert durch die neuartigen Klangmöglichkeiten<br />
der von Friedrich Ladegast 1855 umgebauten und erweiterten<br />
Orgel des Merseburger Domes, war dieser es denn auch,<br />
der Liszt zu seinen großartigen Schöpfungen für die Königin der<br />
Instrumente anregte.<br />
Die von Nicolas Kynaston für Orgel bearbeiteten, im Original<br />
für Klavier komponierte Funérailles sind Teil der Sammlung Harmonies<br />
poétiques et religieuses und entstanden im Oktober 1849. Da<br />
Frédéric Chopin im selben Jahr und Monat verstarb, zudem die<br />
ostinaten Figuren und Oktaven der linken Hand im heroischen<br />
Mittelteil eine auffällige Verwandtschaft zu dessen As-Dur-Polonaise<br />
ausweisen, hat dies vielfach zu einer Fehldeutung des Werkes als<br />
Hommage an den Pianisten-Kollegen geführt, die hartnäckig bis<br />
heute kolportiert wird. Tatsächlich schrieb Liszt nach eigenem<br />
Bekunden sein Werk im Gedenken an die Toten der von den Habsburgern<br />
blutig niedergeschlagenen Revolution von 1848/1849 in<br />
Ungarn. Unter den Opfern befand sich auch der ihm in enger<br />
Freundschaft verbundene Fürst Felix Lichnovsky.<br />
Zu Beginn glaubt man dumpfe, eigenartig befremdende Glockenklänge<br />
über der gespenstisch-düsteren Szenerie eines Schlachtfeldes<br />
zu vernehmen. Spätestens das Trompetensignal, das jäh die<br />
Stille durchbricht, weist dem Ganzen eindeutig militärischen<br />
Charakter zu. Nach einer langen Fermate setzt sotto voce eine Art<br />
Trauermarsch in f-moll ein, der nach mehreren Wandlungen<br />
schließlich im lagrimoso e dolce einer elegisch-zarten As-Dur-Melodie<br />
20
weicht. Unter mächtiger deklamatorischer Steigerung hebt erneut<br />
ein Marsch an, diesmal jedoch weitaus kraftvoller und entschlossener,<br />
gefolgt von triumphalen Trompetenklängen, die im Bass<br />
von ostinaten Triolenfiguren grundiert werden. Nach einer viertaktigen<br />
Oktavenpassage, die unvermittelt abreißt, bahnt sich der<br />
Trauermarsch mit gewaltiger Wucht im Pedal-Fortissimo erneut<br />
seinen Weg. Für kurze Zeit erklingt zunächst nochmals das klagende<br />
As-Dur-Thema, sodann die sich zu emphatischer Intensität<br />
steigernden grollenden Bässe und das Trompetenmotiv des Mittelteils.<br />
Doch im drittletzten Takt bricht das packende Tongemälde<br />
abrupt in sich zusammen und ‹verpufft› in kurz angeschlagenen,<br />
harmonisch ‹offenen› Akkorden.<br />
Johann Sebastian Bach (1685–1750)<br />
Über «Allein Gott in der Höh die Ehr» hat Johann Sebastian Bach<br />
in seiner Sammlung der 18 Leipziger Choräle drei große Choralbearbeitungen<br />
hinterlassen. BWV 662, entstanden nach 1739, ist<br />
sicherlich eine der introvertiertesten Orgelschöpfungen des<br />
Thomaskantors und scheint zunächst in einem gewissen Widerspruch<br />
zum freudig-festlichen Lob des Choraltextes zu stehen.<br />
Ungewöhnlich auch der auf der Orgel nur schwerlich darzustellende<br />
lombardische Rhythmus (Bindung einer kurzen betonten<br />
an eine längere unbetonte Note). Hermann Keller (1885–1967),<br />
eine der wichtigsten Personen der Bach-Renaissance zu Beginn<br />
des 20. Jahrhunderts, schreibt in seinem 1948 erschienen Buch<br />
Die Orgelwerke Bachs, das noch weitgehend den Tonfall post-wagnerianischer<br />
Schwärmerei zelebriert, zu dieser Choralbearbeitung:<br />
«Man denkt bei A-Dur als Gralstonart an den überirdischen Glanz,<br />
den dieses Stück ausstrahlt; der Spieler, der sich ihm naht, muss<br />
sich in vollkommene Stille, in Gebetshaltung versetzen können.<br />
Bedeutungsvoll unterbricht die Vorimitation den Aufstieg der<br />
Melodie durch eine absteigende Septime: nur vier Töne, aber sie<br />
bringen den Himmel die Erde herab».<br />
Healey Willan (1880–1968)<br />
«Engländer von Geburt, Kanadier durch Adoption, der Abstammung<br />
nach Ire, genügsam wie ein Schotte.» Diese sophistische<br />
Charakterisierung seiner selbst gab Healey (James) Willan stets<br />
23
Healey Willan<br />
zum Besten, wenn es um die eigene Person ging. Geboren am<br />
12. Oktober 1880 im englischen Balham (heute ein Stadtteil von<br />
London), zeigte sich schon früh sein musikalisches Talent als<br />
Pianist, Chorsänger wie auch Chorleiter. Er selbst behauptete von<br />
sich, mit der Fähigkeit des Vom-Blatt-Spielens auf die Welt gekommen<br />
zu sein, und dass, obwohl es unter seinen Vorfahren<br />
keine Musiker geben habe. Sein Orgeldiplom, das so genannte<br />
FRCO (Fellow of the Royal College of Organists), erlangte er im<br />
Alter von 19 Jahren. Von 1903 bis 1913 wirkte er als Organist<br />
und Chorleiter an der im Londoner Stadtteil Kensington gelegenen<br />
Kirche St. John the Baptist. 1910 wurde er Mitglied der London<br />
Gregorian Association und erlangte schnell eine Reputation<br />
als Verfechter des landessprachlichen Choralgesangs. 1913 emigrierte<br />
Willan dann nach Kanada, wo er die Leitung des Fachbereichs<br />
Musiktheorie am Canadian Conservatory of Music (seit<br />
1947 Royal Conservatory of Music) in Toronto übernahm, als<br />
Universitätsorganist wirkte und 1937 zum Professor ernannt wurde.<br />
Hinzu kam eine Anstellung als Organist und Chorleiter zunächst<br />
an der St. Paul’s Anglican Church, ab 1921 an St. Mary Magdalene.<br />
Obwohl nicht mehr britischer Staatsbürger, wurde ihm 1953 die<br />
außerwöhnliche Ehre zuteil, für die Krönungszeremonie von<br />
Elisabeth II. eine Auftragskomposition beizusteuern. Als einer<br />
der herausragendsten Musikerpersönlichkeiten Kanadas, ausgezeichnet<br />
mit unzähligen Ehrungen, verstarb Healey Willan am<br />
16. Februar 1968 in Toronto.<br />
Sein kompositorisches Œuvre umfasst die stattliche Zahl von<br />
800 Werken, darunter Chorwerke, Lieder, Kammermusik, zwei<br />
24
Symphonien, ein Klavierkonzert sowie Bühnenmusiken und eine<br />
Oper mit dem Titel «Deirdre». Mehr als die Hälfte aller Werke<br />
aber, darunter auch etwa 100 Orgelkompositionen, sind primär<br />
für den liturgischen Gebrauch bestimmt. Nicht zuletzt begründet<br />
sich hier sein zuweilen recht konservativer, mitunter gar retrospektiver<br />
Kompositionsstil, der in den frühen Werken neben erkennbaren<br />
Einflüssen der deutschen Romantik (namentlich sind hier<br />
Brahms und Wagner zu nennen) ganz in der Tradition von Hubert<br />
Parry und Charles Villiers Stanford steht.<br />
Healey Willans herausragendstes Orgelwerk, Introduction, Passacaglia<br />
et Fugue op. 149, entstand 1916, im Todesjahr von Max Reger. Angeblich<br />
soll dessen Introduktion und Passacaglia d-Moll (1899), die<br />
Willan kurz zuvor in einem Konzert gehört hatte, die Initialzündung<br />
zu seiner Komposition gegeben haben. Sicherlich auch nicht<br />
zufällig dürfte die dreiteilige Konzeption der Anlage sein, verweist<br />
sie doch geradewegs auf Regers drei Jahre zuvor entstandenes<br />
Monumentalwerk mit der Opuszahl 127: Introduktion, Passacaglia<br />
und Fuge e-moll. Aber auch die zum Teil extensive Chromatik,<br />
etwa die absteigende Pedallinie zu Beginn der Introduction (die<br />
eine verblüffende Ähnlichkeit mit Liszts Marschmotiv hat), gemahnt<br />
an Reger. Laut David Sanger, der dieses Werk 1990 in einer<br />
Neuedition herausgegeben hat, soll bei der Wahl der Tonart ein<br />
weiterer in Deutschland beheimateter Komponist Pate gestanden<br />
haben: Weil Healey Willan zu jener Zeit gerade Josef Rheinbergers<br />
Sonate N° 6 einstudierte, vermutet Sanger hier die Quelle der<br />
eher ungewöhnlichen Tonart es-moll. Widmungsträger der Komposition<br />
ist Sir Walter Alcock, von 1916 bis 1947 Organist der<br />
Kathedrale von Salisbury.<br />
Im Oxford University Press Music Bulletin des Jahres 1841 bezeichnete<br />
der französische Orgelvirtuose Joseph Bonnet die Passacaglia von<br />
Willan als die bedeutendste Schöpfung dieses Genres seit Bach<br />
und nannte sie eine «seltene und bewundernswerte Komposition,<br />
erdacht in reinem und erhabenem Geist, erbaut auf soliden architektonischen<br />
Linien, erleuchtet mit dem Licht ebenso kostbarer<br />
wie zarter Harmonien; dieses Werk gereicht der Orgelliteratur<br />
unserer Zeit zu größter Ehre.»<br />
27
Interprète<br />
Biographie<br />
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII<br />
David Titterington orgue<br />
David Titterington a récemment été nommé directeur musical<br />
de l’International Organ Festival de St Albans, ce qui confirme sa<br />
réputation d’être l’un des plus célèbres organistes au monde.<br />
Depuis ses débuts au Royal Festival Hall en 1986 ayant lancé sa<br />
carrière, il s’est produit depuis lors dans la plupart des plus grands<br />
festivals et salles de concerts du monde entier dont à la Herkulessaal<br />
de Munich, au Schauspielhaus de Berlin, au Roy Thomson<br />
Hall de Toronto, à l’Auditorio Nacional de Música à Madrid, au<br />
Megaron d’Athènes ou au Musashino Concert Hall à Tokyo. Il a<br />
été l’un des artistes majeurs à se produire dans le cadre du cinquantième<br />
anniversaire de l’European Festivals Association en<br />
2002, interprétant des œuvres de Kurtág et de Messiaen au Festival<br />
des Festivals à Genève. Très investi en musique contemporaine,<br />
il a crée de nombreuses œuvres majeures, dont Arched<br />
Forms with Bells de Diana Burrell, commandée par les BBC<br />
Proms en 1990; Terce pour orgue et accordéon au Spitalfields<br />
Festival; la Symphonie N° 9 de Hans Werner Henze aux BBC<br />
Proms en 2000 avec le BBC Symphony Orchestra sous la direction<br />
de Ingo Metzmacher; Toccare Incandescent de Stephen<br />
Montague commandée par la South Bank et créée au Royal Festival<br />
Hall pour marquer le cinquantième anniversaire de la construction<br />
de l’orgue de la salle; et Fourteen Stations of the Cross<br />
de Giles Swayne commandée pour le 25 e anniversaire du Cambridge<br />
Festival, jouée à la Chapelle du King’s College. David<br />
Titterington a également créé au concert The Blackness of Darkness<br />
de Lyell Cresswell (commande du New Zealand Interna-<br />
29
David Titterington<br />
tional Arts Festival), Job de Petr Eben (commande de l’Harrogate<br />
International Festival) et Opening Day de Peter Tiefenbach<br />
(commande du Guelph Festival). En 2001, il a collaboré avec<br />
Mauricio Kagel lors de la représentation londonienne de Rrrrrr, et<br />
avec Jonathan Dove lors de la création de Niagara. Il a donné la<br />
première Néo-Zélandaise du Livre du Saint Sacrement de<br />
Messiaen et la première finlandaise du Concerto pour orgue N° 1<br />
de Petr Eben avec le Lahti Symphony Orchestra. Outre ses CDs<br />
d’œuvres d’Olivier Messiaen, Petr Eben et Johann Ernst Eberlin,<br />
David Titterington a enregistré plus de trente programmes pour<br />
la BBC et d’innombrables enregistrements pour la radio et la<br />
télévision du monde entier, y compris l’intégrale des œuvres de<br />
César Franck à l’Abbaye Saint-Etienne de Caen. David Titterington<br />
a étudié l’orgue au Pembroke College d’Oxford et a ensuite<br />
poursuivi ses études à Paris avec Marie-Claire Alain et Susan<br />
Landale au Conservatoire de Rueil-Malmaison où il a remporté<br />
un premier prix à l’unanimité. En 1996, il a été nommé directeur<br />
des études d’orgue à la Royal Academy of Music, à Londres. Il<br />
donne depuis 1993 des master-classes annuelles à la Dartington<br />
International Summer School et est professeur d’orgue invité à<br />
l’Académie de musique Franz Liszt à Budapest depuis 1997. Il a<br />
participé à de nombreux jurys internationaux dont le Grand Prix<br />
de Chartres, le Prix André Marchal, le BBC’s Young Musician of<br />
30
the Year, le Grand Prix Bach de Lausanne, le concours international<br />
d’orgue de Graz, et le premier concours international d’orgue<br />
de Basso Friuli, en Italie. En 1992, il était directeur artistique<br />
et président du jury de l’European Organ Festival, et en octobre<br />
2002, directeur artistique du festival Splendor of the Spanish<br />
Baroque. Parmi ses nombreux prix et récompenses, il a reçu<br />
l’Honorary Fellowship du Royal College of Organists en 1999 et<br />
le doctorat honoris causa de l’Université de Budapest en 2000.<br />
En 2007/08, il a joué le Concerto pour orgue de Poulenc sous<br />
la direction de Jan Latham-Koenig à l’Opéra de Turin et créé la<br />
nouvelle œuvre de Pavel Novák pour orgue, soprano et trompette<br />
à la Dartington International Summer School. Il a fait ses<br />
débuts en récital à l’International Performing Arts Centre de<br />
Moscou et a joué Des Canyons aux étoiles au festival Messiaen<br />
de la South Bank. Cette saison, il jouera des œuvres de Peter<br />
Maxwell Davies et de Mendelssohn à Dartington, le Livre du<br />
Saint Sacrement de Messiaen à l’Oratoire de Brompton et se<br />
produira en récitals à la <strong>Philharmonie</strong> <strong>Luxembourg</strong> et sur l’orgue<br />
historique Walcher à Waldkirch, en Allemagne. En 2008, David<br />
Titterington a été fait Membre d’honneur à la Royal Academy of<br />
Music.<br />
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII<br />
David Titterington organ<br />
David Titterington was recently appointed Artistic Director of the<br />
International Organ Festival at St Albans confirming his position<br />
as one of the world’s most distinguished organists. He made his<br />
debut at the Royal Festival Hall in 1986 launching a career that<br />
has since taken him to many of the great international festivals<br />
and concert halls including Herkulessaal in Munich, Schauspielhaus<br />
in Berlin, Roy Thomson Hall in Toronto, Auditorio Nacional<br />
de Música in Madrid, Megaron in Athens, and the Musachino<br />
Concert Hall in Tokyo. He was a featured artist of the European<br />
Festivals Association’s 50 th anniversary celebrations in 2002 performing<br />
works by Kurtag and Messiaen at the Festival of Festivals<br />
in Geneva. Committed to contemporary music he has premiered<br />
a number of significant works, in particular Diana Burrell’s<br />
1990 BBC Proms Commission Arched Forms with Bells, and<br />
31
Terce for organ & accordion at the Spitalfields Festival, Hans<br />
Werner Henze’s Symphony N° 9 at the 2000 BBC Proms with<br />
the BBC Symphony Orchestra under Ingo Metzmacher, Toccare<br />
Incandescent by Stephen Montague, commissioned by the South<br />
Bank and premiered at the Royal Festival Hall to mark the 50 th<br />
anniversary of the building of the Hall’s organ, and Giles Swayne’s<br />
Fourteen Stations of the Cross commissioned for the 25th anniversary<br />
of the Cambridge Festival in King’s College Chapel. Other<br />
first performances include Lyell Cresswell’s The Blackness of<br />
Darkness (New Zealand International Arts Festival commission),<br />
Petr Eben’s Job (Harrogate International Festival commission),<br />
and Peter Tiefenbach’s Opening Day (Guelph Festival commission).<br />
In 2001 he collaborated with Mauricio Kagel in the London<br />
performance of Rrrrrr, and with Jonathan Dove in a premiere<br />
performance of Niagara. He gave the New Zealand premiere of<br />
Olivier Messiaen’s Livre du Saint Sacrement and the Finnish premiere<br />
of Petr Eben’s Organ Concerto N° 1 with the Lahti Symphony<br />
Orchestra. In addition to CD’s of works by Olivier Messiaen,<br />
Petr Eben and Johann Ernst Eberlin, David Titterington has recorded<br />
more than thirty programmes for the BBC and innumerable<br />
for radio and television networks world-wide, including the<br />
complete works of César Franck from the Abbey of St Etienne,<br />
Caen. David Titterington was Organ Scholar at Pembroke College,<br />
Oxford and continued his studies in Paris with Marie-Claire Alain<br />
and Susan Landale at the Conservatoire at Rueil-Malmaison,<br />
where he won a unanimous Premier Prix. In 1996 he was appointed<br />
Head of Organ Studies at the Royal Academy of Music,<br />
London. Since 1993 he has given annual master classes at the<br />
Dartington International Summer School and since 1997 he has<br />
been Visiting Professor of Organ at the Liszt Academy, Budapest.<br />
He has served on many international juries including the<br />
Grand Prix de Chartres, Prix André Marchal, BBC’s Young Musician<br />
of the Year, the Grand Prix Bach de Lausanne Competition,<br />
Graz International Organ Competition, and 1st International<br />
Organ Competition Basso Friuli, Italy. In 1992, he was Artistic<br />
Director and Chairman of the Jury of the European Organ Festival,<br />
and in October 2002 was Artistic Director of the festival<br />
Splendor of the Spanish Baroque. He has received several awards<br />
33
and honors, including Honorary Fellowship of the Royal College<br />
of Organists in 1999, and an Honorary Doctorate from the Liszt<br />
Ferenc State University, Budapest in 2000. Engagements in<br />
2007/08 include Poulenc’s Organ Concerto conducted by Jan<br />
Latham-Koenig at the Turin Opera House, and the premiere of a<br />
new work by Pavel Novák for organ, soprano and trumpet at<br />
the Dartington International Summer School, a debut recital at<br />
Moscow’s International Performing Arts Centre, and recitals as<br />
part of the South Bank’s Messiaen Festival Des Canyons aux<br />
étoiles. Next season includes recitals of Peter Maxwell Davies<br />
and Mendelssohn at Dartington, Messiaen’s Livre du Saint<br />
Sacrement at the Brompton Oratory, and recitals at the <strong>Philharmonie</strong>,<br />
<strong>Luxembourg</strong> and in Waldkirch, Germany on the historic<br />
Walcher organ. In 2008 David Titterington was awarded Honorary<br />
Membership of the Royal Academy of Music.<br />
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII RÉCITAL D‘ORGUE<br />
Prochain concert dans le cycle «Récital d’orgue»<br />
Nächstes Konzert im Zyklus «Récital d’orgue»<br />
Next concert in the cycle «Récital d’orgue»<br />
Mercredi / Mittwoch / Wednesday 28.01.2009 20:00<br />
Grand Auditorium<br />
Ludger Lohmann orgue<br />
Johann Sebastian Bach: Präludium und Fuge C-Dur (ut majeur)<br />
BWV 547<br />
Dietrich Buxtehude: «Wie schön leuchtet der Morgenstern»<br />
BuxWV 223<br />
Max Reger: Phantasie über den Choral «Wie schön leucht’t uns<br />
der Morgenstern» op. 40/1<br />
Nicolas de Grigny: A solis ortus cardine<br />
Johann Sebastian Bach: Einige Kanonische Veränderungen über<br />
das Weihnachtslied «Vom Himmel hoch, da komm’ ich her»<br />
BWV 769a<br />
Marcel Dupré: Variations sur un Noël op. 20<br />
35
La plupart des programmes du soir de la <strong>Philharmonie</strong> sont disponibles<br />
en ligne, version <strong>PDF</strong>, sur le site www.philharmonie.lu<br />
avant chaque concert.<br />
Une version grand-format pour malvoyants des programmes du<br />
soir est à votre disposition à l’accueil / à la caisse du soir avant<br />
chaque concert.<br />
Die meisten <strong>Abendprogramm</strong>e der <strong>Philharmonie</strong> finden Sie<br />
als Web-<strong>PDF</strong> auch online unter www.philharmonie.lu beim<br />
jeweiligen Konzert.<br />
Eine Ausgabe in Großdruck liegt eine Stunde vor dem<br />
jeweiligen Konzert am Accueil / an der Abendkasse bereit.<br />
Impressum<br />
© <strong>Philharmonie</strong> <strong>Luxembourg</strong> 2008<br />
Damien Wigny, Président<br />
Matthias Naske, Directeur Général<br />
Responsable du contenu: Matthias Naske<br />
Photo <strong>Philharmonie</strong>: Jörg Hejkal<br />
Design: Pentagram Design Limited<br />
Imprimé à <strong>Luxembourg</strong> par l’Imprimerie Centrale s.a.<br />
Tous droits réservés.