Programmheft - 1. Schlosskonzert - Theater Nordhausen

1. Schlosskonzert

1. Schlosskonzert
20. November 2011, 11.00 Uhr, Schloss Sondershausen, Blauer Saal

PROGRAMM
Alexander Stessin wurde in Moskau geboren und studierte dort zunächst Klavier
Johan Halvorsen (1864–1935)
2 und Musikwissenschaft. 1990 zog er nach Israel um. Er begann an der Musik-
Suite Ancienne op.31 (à la mémoire de Ludvig Holberg)
I. Intrata
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II. Air con variazioni
III. Gigue
IV. Sarabande
V. Bourrée
Gedruckt 1916.
akademie in Jerusalem ein Dirigierstudium bei Mendi Rodan und studierte danach
bei Michael Gielen und Dennis R. Davies am Salzburger Mozarteum weiter,
wo er auch seine ersten Mozart-Opern dirigierte. Nach seiner ersten Operneinstudierung
– 1998 eine Uraufführung am Linzer Brucknerhaus – ging er als
Repetitor und Kapellmeister an die Oper Kiel, ans Theater Hagen und schließlich
drei Jahre ans Staatstheater Darmstadt. Während seines Kieler Engagements begann
er 2002 eine dreijährige Tätigkeit als Gastdirigent bei den Eutiner Festspielen.
Während er in Hagen engagiert war, begann er parallel ein Aufbaustudium
Dirigieren bei Toshiyuki Kamioka an der Musikhochschule Saarbrücken. 2004
besuchte er Meisterkurse bei Jorma Panula und bei Leif Segerstam. Im selben
Jahr gab er mit der Philharmonie Maikop mit der 3. Sinfonie Schumanns sein
Russland-Debüt. Darüber hinaus arbeitete Alexander Stessin mit dem Mozartchor
Salzburg, den Nürnberger Symphonikern und den Wuppertaler Sinfonikern,
außerdem mit Solisten wie Lev Vinocour (Klavier) und Sebastian Manz (Klarinette).
Seit 2009 ist er 1. Kapellmeister und stellvertretender GMD der Theater
Nordhausen/Loh-Orchester Sondershausen GmbH.
Lars-Erik Larsson (1908–1986)
En vintersaga op. 18. Vier Vignetten nach Shakespeares „Wintermärchen“
I. Siciliana
II. Intermezzo
III. Pastoral
IV. Epilog
Komponiert 1937–38.
Peter Tschaikowsky (1840–1893)
Serenade für Streichorchester C-Dur op. 48
I. Pezzo in forma di Sonatina
II. Walzer
III. Élégie
IV. Finale (Tema russo)
Komponiert im Herbst 1880, uraufgeführt am 30. Oktober 1881 in St. Petersburg.
Alexander Stessin
Loh-Orchester Sondershausen
Musikalische Leitung: Alexander Stessin

Norwegische Suite im alten Stil dert und noch ältere Zeiten kam zur Zeit
Ein schwedisch-britisches
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Johan Halvorsens „Suite Ancienne“ ist
dem Gedenken an Ludvig Holberg gewidmet
– ganz ähnlich wie die Streichersuite
„Aus Holbergs Zeit“ von Edvard
Grieg. Holbergs Zeit war die erste
Hälfte des 18. Jahrhunderts, und der
Mann selbst war ein Universitätsprofessor
in Kopenhagen, der nicht nur
John Opie, A Winter’s Tale
wissenschaftlich, sondern auch literarisch
schrieb und mit seinen Komödien
(nach William Shakespeare, 1793)
das moderne dänische Theater begründete.
„Der politische Kannengießer“
oder „Jeppe vom Berge oder Der verwandelte
Bauer“ sind zwei ihrer Titel.
Sie verraten bereits, dass die Satire zu
Holbergs Talenten zählte. Anlässlich
der Aufführung eines solchen Theaterstücks
im Nationaltheater von Kristiania
(heute Oslo) entstand Halvorsens
Suite um das Jahr 1916. Da Holberg in
Dänemark wirkte, aber aus Norwegen
stammte, reklamieren ihn heute sowohl
Dänen als auch Norweger für sich.
Die Rückbesinnung auf das 18. Jahrhunvon
Dorothea Krimm
des ersten Weltkriegs und danach in
Wintermärchen
von Dorothea Krimm
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Ludvig Holberg (von Johan Roselius, ca. 1752)
Europa in Mode. „Neoklassizismus“
hieß das Schlagwort schließlich –
offenbar erreichte die Idee auch Skandinavien
frühzeitig. Johan Halvorsen
zählte zunächst zu den bedeutendsten
Violinvirtuosen Norwegens und hatte
eine Professur an der Musikhochschule
von Helsinki, bevor er sich um 1890
dem Dirigieren zuwandte. Nach einer
ersten Stelle als Leiter eines halbprofessionellen
Sinfonieorchesters in
Bergen avancierte er bald zum angesehensten
Dirigenten seines Landes
und wurde Chefdirigent am Nationaltheater
der Hauptstadt. Als seine musikalischen
Vorbilder nannte Halvorsen
stets Edvard Grieg, dessen Nichte er
geheiratet hatte, und den ebenfalls
norwegischen Komponisten Johan
Svendsen. Dabei war er hauptsächlich
Autodidakt als Komponist, hatte allerdings
1893 in Berlin einige Kontrapunkt-Stunden
bei Albert Becker genommen.
Ein auffälliges Stilmerkmal in
der Musik Halvorsens ist seine brillante
Orchestrierung, die einiges der französischen
Romantik verdankt.
Die „Suite Ancienne“ ist, wie der französischsprachige
Titel verrät, eine
Hommage an die französische Tradition.
Zu der „Folge von Tanzsätzen“,
wie man sie vor 1750 gerne bei Hofe zu
hören pflegte, gehörten meistens die
Allemande, die Courante, die Sarabande
und die Gigue, aber auch Menuett,
Gavotte, Bourrée und Passepied. Nach
einem einleitenden Anfangssatz und
einem Variationensatz hält sich Halvorsen
ganz eng an die alten Vorgaben
und zaubert mit den schnellen Tänzen
Gigue und Bourrée und der langsameren,
gefühlvollen Sarabande ein schwingendes
Abbild der alten Zeit.
„Vier Vignetten nach Shakespeares Wintermärchen“
nannte der schwedische
Komponist Lars-Erik Larsson seine
Komposition „En Vintersaga“ op. 18,
die in den Jahren 1937–1938 entstand.
Er stellte sich also eine Art ornamentaler
Zierstücke vor, die musikalisch
auf die Stimmungen der Shakespeare-
Romanze aus dem Jahr 1623 eingingen.
Diese ist teilweise ziemlich düster,
auch wenn sie zunächst „Komödie“
genannt wurde und ein Happy-End hat.
Eine schwangere Frau wird der Untreue
verdächtigt, man schmiedet Pläne zur
Vergiftung des vermeintlich Schuldigen,
und das Kind kommt im Kerker zur
Welt, um sofort in der Wildnis ausgesetzt
zu werden. Knapp dem Todesurteil
entgangen, bricht die junge Mutter
schließlich bei einer weiteren Schreckensnachricht
zusammen und wird für
tot erklärt. Sie kann jedoch am Schluss,
nach der Erfüllung eines entsetzlichen
Orakels, gesund vom Sockel ihrer Statue
heruntersteigen.
Von dergleichen düsteren Färbungen ist
allerdings in Larssons Musik nichts zu
bemerken. Heiter und atmosphärisch
kommt das schwingende Eingangs-
Siciliano im pastoralen Sechsachteltakt
daher, und das Intermezzo, ein „Allegro
leggiero“ nur für Streicher, in einem
geheimnisvoll ländlichen Fünfvierteltakt
gehalten, setzt die positive
Stimmung fort. Scheinbar hat sich
Larsson auf eine ganz zentrale Idee in
Shakespeares Stück konzentriert und
die düsteren Handlungselemente außer
acht gelassen: Der idyllische und völlig
irreale Handlungsort der „böhmischen
Küste“, wo das ausgesetzte Kind
innerhalb von sechzehn Jahren zu einer
jungen Schönheit heranwächst, hat sich
nämlich seit Shakespeares „Wintermärchen“
zu einem regelrechten Topos in
der Literatur entwickelt. Während das
reale Böhmen von allen Meeren weit
entfernt ist, gilt das Land „Böhmen am
Meer“ als Utopie eines idealen Ortes,
wie etwa auch in Ingeborg Bachmanns
Gedicht „Böhmen liegt am Meer“(1964).
Auch die dritte Vignette mit dem Titel
„Pastoral“ verbreitet mit dem Motiv
einer ständig auf- und abwärts „läutenden“
Terz eine friedliche Stimmung,
während der „Epilog“ mit ziemlich
melancholischen Molltönen verklingt –
vielleicht Trauer über die Irrealität der
Utopie.
Doch warum nannte Shakespeare sein
Theaterstück „A Winter’s Tale“? Offenbar,
weil es sich bei der Geschichte um
eine typische Begebenheit handelt, wie
man sie winters am warmen Ofen zu
erzählen pflegt – um gute, spannende
Unterhaltung also. In Schweden, wo die
Winter ja viel länger sind als in Mitteleuropa,
dürfte man diese Art Literatur sehr
gut kennen. Larssons Vignetten sind allerdings
wenig „erzählerisch“, sondern
vermitteln kurze Momenteindrücke und
Stimmungsbilder, denen sich der Hörer
träumerisch überlassen kann.

Russische Seele
ausgeprägte Spielfreude der Streicher,
Belle Époque versetzt, in dem sich schöne
6 und elegante Paare im Tanz wiegen
von Dorothea Krimm
die sich die Motive bisweilen in atemberaubender
Schnelle zuwerfen. Nach
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dem quasi sinfonischen, feierlichen
Anfang stehen die leidenschaftlichen
Ausrufe des ersten Themas einem
heiter plätschernden zweiten Thema
gegenüber, das sich in schnell wiederholten
Sechzehnteln bewegt. Über
den anschließenden Walzer schrieb
die Musikwissenschaftlerin Elfi Haller:
„Man glaubt sich in einen Ballsaal der
„Ich schrieb sie aus innerem Antrieb“,
versicherte Peter Tschaikowsky in
einem Brief an seine Gönnerin Frau
von Meck – er meinte seine Streicherserenade
in C-Dur aus dem Jahr 1880.
„Das ist ein Stück vom Herzen und
lässt deshalb, so wage ich zu sagen,
künstlerischen Wert nicht vermissen.“
In der Tat scheint Tschaikowskys
Musik in dieser Serenade direkt dem
fühlenden Herzen zu entströmen. Das
weiche Timbre der Streicher schwingt
sich gleich zu Beginn zur großen Geste
auf, sprüht im Walzer nur so vor Witz
und guter Laune, wird dann in der
Elegie ganz behutsam und zart-traurig
bis sehnsuchtsvoll, um mit dem „russischen
Thema“ ein feuriges Finale
hinzulegen.Die Serenade entstand
gemeinsam mit einer „Ouverture
solennelle 1812“ im Herbst 1880,
während Tschaikowsky sich von den
Mühen des Großstadtlebens auf dem
ukrainischen Landgut seiner Schwester
Alexandra in Kamenka erholte.
Dort gelang es ihm immer wieder,
seine Unzufriedenheit und depressive
Verstimmung durch Arbeit zu überwinden.
Hinter ihm lag das entsetzliche
Erlebnis einer überstürzten Eheschließung,
die der homosexuelle Tschaikowsky
1877 mit Antonina Miljukowa
eingegangen war, um jedoch schon am
ersten Tag nach der Hochzeit festzustellen,
dass er lieber sterben würde,
als mit dieser Frau zusammenzuleben.
In Kamenka beschäftigte er sich 1880
ausgiebig mit der Musik Mozarts –
das hört man besonders im ersten
Satz der Serenade, einem „Stück in
Sonatinenform“. Eingängige Melodien
bestimmen diesen Satz und die
Was ist die „russische Seele“?
Mit dem gerne gebrauchten Bild
verbinden sich die verschiedensten
Vorstellungen, von einem „ewig
träumerischen“ bis zum „tiefmelancholischen“
Charakter. Frankreichs
erster Spezialist für russische Literatur,
Eugène-Melchior de Vogüé,
verglich die russische Seele im
Vorwort seines Buches zum russischen
Roman 1886 mit einer
Suppe: „In dieser Suppe sind die
verschiedensten Produkte vermischt:
Fisch, rohes Gemüse und Kräuter,
Bier, saure Sahne und Senf – alles
existiert in dieser Suppe, leckere
und abscheuliche Sachen, so dass
Sie niemals wissen, was Sie herauslöffeln
können. So ist auch die
russische Seele. Sie ist ein Kessel,
in dem die verschiedensten Zutaten
gemischt werden: Traurigkeit,
Wahnsinn, Heroismus, Schwäche,
Mystik, Vernunft ... Sie können alles
Mögliche herausfischen, sogar das,
was man am wenigsten erwartet hat
... Wenn Sie nur wüssten, wie tief
diese Seele fallen kann! Wenn Sie
nur wüssten, wie sehr sie emporsteigen
kann! Und wie sie von Seite zu
Seite geworfen wird!“
und beim sanften Ausklingen der Musik
wie ein Traum entschweben.“ In der Tat
wirbeln im Walzer ganz zauberhafte
Klänge – allerdings sind sie, wie schon
erwähnt, auch mit einer kräftigen Prise
Humor gewürzt, der sich beispielsweise
in widerborstigen Betonungen des
zweiten Taktschlags bemerkbar macht.
Immer wieder steht der Tanz auch plötzlich
mitten im Takt still, die Erwartung
des Publikums steigert sich – und dann
schwingt die Musik wieder weiter.
Ganz anders das „elegische“ Larghetto
des dritten Satzes: Hier wirkt das
gemeinsame Innehalten der Streicher
nach jeweils wenigen Takten wie ein
versonnenes Einatmen, Nachsinnen
oder Nachlauschen. Dann beginnt
ein Ständchen, eine laut Spielanweisung
„sehr kantable“ Linie der ersten
Geige über einer gezupften Begleitung,
einer Mandoline vergleichbar, die den
Gesang des Liebhabers unterm Balkon
umspielt. Doch dabei bleibt es nicht:
Die Linie verwandelt sich zu einer
Steigerungspartie, die sich zu einem
höchst leidenschaftlichen Fortissimo
aufschwingt. Das kantable Thema wird
noch einmal wiederholt und entfaltet
nun in beiden Violinen seine ganze
Sehnsucht. Am Schluss steht dann wieder
das gemeinsame Innehalten, bevor
die Streicher in den höchsten Lagen
verklingen. Wie der dritte Satz aufhört,
so fängt der vierte an: mit einem hohen
Liegeton, aus dem sich eine zunächst
ganz kindlich-naive Melodie entwickelt.
Nach dieser zögerlich-lieblichen Einleitung
beginnt das eigentliche Finale:
ein Allegro con spirito, bei dem die
Streicher ständig auf der vorderen
Stuhlkante sitzen müssen – so stürmt
das Thema voran. Trotz der Eile nimmt
Peter Tschaikowsky
sich Tschaikowsky Zeit für ein zweites,
gesangliches Thema, das „con anima“
– also „mit Seele“ – warmherzig über
den vorwärtstreibenden Achteln erklingt.
Nicht umsonst hat der Komponist den
Satz mit „Tema russo“ untertitelt: Wenn
es so etwas wie eine russische Seele
gibt, dann ist sie offenbar in Tschaikowskys
Augen stürmisch, feurig und
leidenschaftlich. Das hier zitierte
„russische“ Thema entstammt der
Volkstanzweise „Unterm grünen Apfelbaum“,
die auch in Tschaikowskys
Sammlung „50 russische Volkslieder
für Klavier zu vier Händen“ (1868/69)
zu finden ist. Die auf- und absteigenden
Tonleiterausschnitte erinnern an das
feierliche Anfangsthema der Serenade.
In der brillanten Coda des Finales lässt
Tschaikowsky beide Themen aufeinander
folgen und führt so seine Serenade
mit einem großen Bogen zu Ende.