Kommentiertes Vorlesungsverzeichnis für das Wintersemester 2012 ...

Institut für 

Kunstwissenschaft 

und Ästhetik 

Kommentiertes 

Vorlesungsverzeichnis 

Wintersemester 

2012/13 

Universität der Künste Berlin 

Fakultät Bildende Kunst 

1

Geschäftsführender Direktor 

Prof. Dr. Karlheinz Lüdeking 

Institut für Kunstwissenschaft und Ästhetik 

Universität der Künste Berlin 

Fakultät für Bildende Kunst 

Hardenbergstr. 33, D-10623 Berlin 

Verwaltung 

Frau Gisela Rudolph-Brehme 

Hardenbergstr. 33, Raum 122b, Tel.: 3158-2698 

Fax 3185-2681 

Öffnungszeiten: 

Mo, Di, Fr 10-12.30 Uhr 

Mo, Di, Do 14-15.30 Uhr 

Mittwoch und Freitag nachmittags geschlossen 

Bibliothek 

Universitätsbibliothek der UdK Berlin im Volkswagen-Haus 

Fasanenstr. 88 

10623 Berlin-Charlottenburg 

Tel. (030) 314-76473 

Fax (030) 314-76463 

E-Mail ub-info@udk-berlin.de 

Standorte und Abkürzungen: 

Hardenbergstraße 33, 10623 Berlin = Ha 

Lietzenburger Str. 45, 10789 Berlin = Lie 

Lehrende am Institut 

ProfessorInnen 

Prof. Dr. Martina Dobbe 

- Kunstgeschichte - 

Sprechstunde: Dienstag 11-12 Uhr sowie nach Vereinbarung 

Terminvereinbarung bitte per E-Mail dobbe@udk-berlin.de 



k-luedeking@udk-berlin.de 

Sprechstunde: Dienstag 13-14 Uhr 

Prof. Dr. Tanja Michalsky 


tami@udk-berlin.de 

Sprechstunde: Dienstag 14-16 Uhr 

Bitte tragen Sie sich auf der Liste an der Zimmertür (Ha 153) ein. 

2

Wissenschaftliche MitarbeiterInnen 

Dr. Julian Blunk 

blunk@udk-berlin.de 

Sprechstunde: Ha 107, Mittwoch 15-17 Uhr 

Grit Heidemann M.A. 

heidemag@udk-berlin.de 

Dr. Kassandra Nakas 

nakas@udk-berlin.de 

Sprechstunde: Ha 104a, Dienstag 14-15 Uhr nur nach Voranmeldung 

Dr. Ursula Ströbele 

Sprechstunde: Ha 004, Mittwoch, 13-14 Uhr 

Lehrkraft für besondere Aufgaben 

Dr. Ljudmila Bruchholz 

mila_b@gmx.net 

Sprechstunde: Ha 104c, Dienstag 14-15 Uhr 

Individuelle Prüfungsberatung: Dienstag 12-14 Uhr; Donnerstag 12-14 Uhr 

Lehrbeauftragte WS 2011/12 

Dr. Anna Ahrens 

Adrian Bremenkamp 

Henrike Eibelshäuser 

Dr. Ulrike Kregel 

Mathilda Isiuwa Legemah 

Ulrich Riedel 

Wilhelm Roskamm 

Denise Touissant 

Elena Zanichelli 

3

Allgemeine Informationen für die Studierenden der Freien Kunst 

Das Studium der Freien Kunst wird geregelt durch die Studienordnung für den Studiengang 

Bildende Kunst (einschließlich des Zusatzstudiengangs für Meisterschüler) vom April 1987 sowie 

die Änderungsbestimmungen vom Januar 2005. Der wissenschaftliche Teil des Studiums umfaßt 

die „Fachwissenschaft: Pflicht – Kunstgeschichte / Kunstwissenschaft / Ästhetik / 

Philosophie“. Die Lehrveranstaltungen der Fachwissenschaft werden als K-Veranstaltungen 

(Schwerpunkt Kunstgeschichte) oder als T-Veranstaltungen (Schwerpunkt Kunsttheorie) 

ausgewiesen. Die Studierenden müssen im gesamten Studium fünf Leistungsnachweise aus dem 

Bereich der Fachwissenschaft erwerben: einen Leistungsnachweis während der Grundlehre (1. 

und 2. Semester), zwei weitere Leistungsnachweise im Grundstudium (3. und 4. Semester) sowie 

zwei Leistungsnachweise im Hauptstudium (5. – 8. Semester). Im Grundstudium und im 

Hauptstudium muss jeweils mindestens einer der Leistungsnachweise als K-Schein 

gekennzeichnet sein. Die Leistungsnachweise können in den Lehrveranstaltungen des Instituts 

für Kunstwissenschaft und Ästhetik der Universität der Künste erworben werden oder – nach 

Vorlage der entsprechenden Arbeiten – aus Seminaren an anderen Hochschulen anerkannt 

werden. 

Allgemeine Informationen für die Studierenden der Lehrämter 

Seit dem WS 2004/2005 werden Studierende des Lehramts in Berlin nur noch in aufeinander 

aufbauenden Bachelor- und Masterstudiengängen ausgebildet. Einem 6-semestrigen 

lehramtsbezogenen Bachelorstudiengang schließt sich ein 4-semestriger Masterstudiengang für 

die Sekundarstufe 1 und die Sekundarstufe 2 (= MA-Studiengang 1) bzw. ein 2-semestriger 

Masterstudiengang für die Primarstufe und die Sekundarstufe 1 (= MA-Studiengang 2) an. Die 

bestandene Masterprüfung (Hochschulprüfung) wird dann von staatlicher Seite einem 

Staatsexamen gleichgesetzt. Die Studiengänge sind modularisiert und die zu erbringende 

Arbeitsleistung wird mit Leistungspunkten (credit points) bewertet. Bis auf die Abschlussarbeiten 

(Bachelorarbeit, Masterthesis) werden alle Prüfungsleistungen studienbegleitend erbracht. Es gibt 

nur noch Modulprüfungen und keine Zwischenprüfung mehr. Das Bachelor-Studium besteht aus 

den drei Bereichen Kernfach (Bildende Kunst), Zweitfach und Berufswissenschaften 

einschließlich Praktika, die sich im Verhältnis der Leistungspunkte von 90:60:30 aufteilen. 

Die 90 Leistungspunkte im Kernfach Bildende Kunst verteilen sich folgendermaßen: 

Modul 1: Grundlehre Künstlerische Praxis: 28 LP 

Modul 2: Künstlerische Praxis in Fachklasse u. Werkstätten: 25 LP 

Modul 3: Kunstwissenschaft Pflicht: Einführung 9 LP 

Modul 4: Kunstwissenschaft: Vertiefung 9 LP 

Modul 5: Wahlpflichtfach: 9 LP 

Bachelor-Abschlussarbeit (Kunstwissenschaft oder Wahlpflichtfach): 10 LP 

Im Anteil Berufswissenschaften: 

Modul 6: Ästhetische Erziehung/Fachdidaktik Bildende Kunst 8 LP 

In den folgenden Beschreibungen der kunstwissenschaftlichen Module 3 und 4 wird versucht, die 

Vorgaben der Studienordnung so zu erläutern, dass sich ein realistischer Studienablauf ergibt. 

4

Modul 3: Kunstwissenschaft Pflicht: Einführung 

1. Inhalte und Qualifikationsziele: 

Dieses Modul führt in die Arbeitsweisen des Fachs Kunstwissenschaft ein. Die Studierenden 

beschäftigen sich mit kunsthistorischen und kunstwissenschaftlichen Fragestellungen sowie mit 

Fragen der philosophischen Ästhetik und werden in Methoden und Techniken wissenschaftlicher 

Arbeit eingeführt. Sie üben die Fähigkeit zu eigenständiger kritischer Nutzung wissenschaftlicher 

Informationen und zu textlicher Darstellung eigener fachlicher Aussagen. Sie orientieren sich 

durch einen ersten Überblick über die Geschichte der europäischen Kunst einschließlich ihrer 

globalen Zusammenhänge. In Übungen vor Originalen, bei der Anfertigung von 

Bildmonographien und durch die Interpretation von Schlüsseltexten eignen sie sich Kenntnisse 

vielfältiger künstlerischer Phänomene der Vergangenheit und Gegenwart an und lernen 

ausgewählte Analyse- und Interpretationsmethoden der Kunstgeschichte und Kunstwissenschaft 

kennen und anwenden. Sie erarbeiten kritische Einsichten in Funktionszusammenhänge von 

Kunst und Kunstgeschichte. 

2. Lehrformen: 

Die Lehrveranstaltung „Einführung in die Kunstgeschichte“ (3.1) ist ein Propädeutikum und 

sollte im ersten Semester belegt werden. Die beiden anderen Lehrveranstaltungen (3.2. und 3.3) 

sind in der Regel Seminare, Übungen vor Originalen (auch auf Exkursionen) oder Vorlesungen. 

3. Voraussetzungen für die Teilnahme: 

Aufnahmeprüfung (für den gewählten Studiengang, hier: besondere künstlerische Begabung) 

4. Verwendbarkeit des Moduls: 

Verwendbar und obligatorisch für die BA-Studiengänge 1 und 2 mit dem Kernfach Bildende 

Kunst 

5. Voraussetzungen für die Vergabe von Leistungspunkten (LP): 

Regelmäßige aktive Teilnahme an den drei Lehrveranstaltungen des Moduls; ein benoteter 

Leistungsnachweis durch Referat mit schriftlicher Ausarbeitung oder durch eine schriftliche 

Hausarbeit; wahlweise in der Lehrveranstaltung 3.2. oder 3.3.. 

6. Leistungspunkte und Noten: 

Das Modul ist mit einer benoteten Klausur oder einer ca. 15 minütigen benoteten mündlichen 

Prüfung abzuschließen. Die Modulabschlussprüfung bezieht sich auf diejenige Lehrveranstaltung 

(3.2. oder 3.3), in der kein Leistungsnachweis erworben wurde. Es sind insgesamt 9 

Leistungspunkte zu erwerben. 

7. Umfang und Dauer des Moduls: 

Das Modul umfasst 6 SWS und kann in zwei oder drei aufeinander folgenden 

Semestern studiert werden. 

8. Häufigkeit des Moduls: 

Das Modul wird in jedem Semester angeboten. 

9. Arbeitsaufwand in Stunden: 

ca. 270 Arbeitsstunden 

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10. Wiederholung des Moduls: 

Die Modulabschlussprüfung kann einmal wiederholt werden. 

Modul 4: Kunstwissenschaft Pflicht: Vertiefung 

1. Inhalte und Qualifikationsziele: 

Dieses Modul erweitert und vertieft die in Modul 3 erworbenen kunsthistorischen, 

kunstwissenschaftlichen und philosophisch-ästhetischen Einsichten, Kenntnisse und Fähigkeiten, 

auch in transdisziplinärer Perspektive. Die Studierenden üben sich im selbständigen 

wissenschaftlichen Arbeiten und werden mit historischen und zeitgenössischen Konzeptionen 

des Fachs und mit Kunsttheorien vertraut. 

2. Lehrformen: 

Vorlesung, Seminare, Übungen vor Originalen, auch auf Exkursionen 

3. Voraussetzungen für die Teilnahme: 

Das Modul kann frühestens im dritten Fachsemester studiert werden. 

4. Verwendbarkeit des Moduls: 

Verwendbar und obligatorisch für die BA-Studiengänge 1 und 2 mit dem Kernfach Bildende 

Kunst 

5. Voraussetzungen für die Vergabe von Leistungspunkten (LP): 

Regelmäßige aktive Teilnahme an den Lehrveranstaltungen des Moduls; ein benoteter 

Leistungsnachweis durch Referat mit schriftlicher Ausarbeitung oder durch eine schriftliche 

Hausarbeit, wahlweise in den Lehrveranstaltungen 4.1., 4.2. oder 4.3. 

6. Leistungspunkte und Noten: 

Das Modul ist mit einer benoteten Klausur oder einer ca. 30minütigen benoteten mündlichen 

Prüfung abzuschließen. Die Modulabschlussprüfung bezieht sich auf zwei Themengebiete, die in 

der Regel aus den besuchten Lehrveranstaltung hervorgehen. In der mündlichen Prüfung werden 

beide Themengebiete berücksichtigt, in der Klausur wählt der Studierende ein Themengebiet aus. 

Es sind insgesamt 9 Leistungspunkte zu erwerben. 

7. Umfang und Dauer des Moduls: 

Das Modul umfasst 6 SWS und kann in zwei bis drei aufeinander folgenden Semestern studiert 

werden. 

8. Häufigkeit des Moduls: 

Das Modul wird in jedem Semester angeboten. 

9. Arbeitsaufwand in Stunden: 

ca. 270 Arbeitsstunden 

10. Wiederholung des Moduls: 


6

Zum Studium der Kunstwissenschaft / Kunstgeschichte in der Fakultät Bildende Kunst 

Am Institut für Kunstwissenschaft und Ästhetik können sowohl im Lehramts- wie auch im 

Studium der Freien Kunst innerhalb unterschiedlicher Vermittlungsformate (Propädeutika, 

Seminare, Vorlesungen, Kolloquien, Exkursionen und Praktische Übungen) grundlegende 

Einblicke in die europäische und (nord-)amerikanische Kunst- und Architekturgeschichte sowie 

in die philosophische Ästhetik gewonnen werden. Zudem werden Methoden und Techniken 

wissenschaftlicher Recherche, wissenschaftlichen Schreibens und ausgewählte Analyse- und 

Interpretationsmethoden der Kunstgeschichte und Kunstwissenschaft erlernt. Der inhaltliche 

Schwerpunkt liegt dabei auf der vormodernen, der modernen und der zeitgenössischen Kunst 

und Ästhetik, unter Berücksichtigung aller klassischen künstlerischen Medien und Gattungen 

sowie von Theorie und Geschichte der Fotografie, des Films und anderer Neuer Medien. Die 

kreative Atmosphäre der Universität der Künste Berlin gewährleistet die produktive, räumliche 

wie intellektuelle Nähe zur künstlerischen Praxis. Die reiche Kunst-, Architektur-, Ausstellungsund 

Museumslandschaft Berlins bietet darüber hinaus immer wieder Anlass und Gelegenheit, 

Werke der Bildenden Kunst auch vor Ort im Original zu studieren. 

7

Veranstaltungen im Wintersemester 2012/13 

Anna Ahrens 

Proseminar: Rückblick auf einen Aufbruch: Kunsthandel und Ausstellungswesen im 19. 

und frühen 20. Jahrhundert 

Veranstaltungsnummer: 1100293 

Do, 12-14 Uhr, wöchentlich, 18.10.2012-14.02.2013, Ha33 – 151 

SWS 2 

Beginn: 18.10.2012 

„Je mehr Du ganz zum Kunsthändler wirst, um so mehr wirst Du zum Künstler [...]“, schrieb 

Vincent van Gogh an seinen Bruder Theo im Jahre 1888. Van Goghs Wunschvorstellung war 

eine Art Lebens- und Arbeitsgemeinschaft des Künstlers mit seinem Händler. Der eine sollte sich 

ausschließlich um die Kunstproduktion kümmern, dafür der andere die gesamte wirtschaftliche 

Seite übernehmen. Ein gemeinsames Interesse würde so auf geradezu ideale Weise verfolgt 

werden können. 

Van Goghs Überlegungen zu „späteren Versuchen, den Kunsthandel zu erneuern“, spielten auf 

einen sensiblen Punkt an: die Finanzierung bzw. das Verkaufen von Kunst. Das Kunstwerk als 

Wert- und Handelsobjekt konnte bereits auf eine lange Tradition zurückblicken. Die 

Bedingungen für die Kunstproduktion jedoch hatten sich im Zuge eines tiefgreifenden 

gesellschaftlichen Wandels und fortschreitender Industrialisierung grundlegend verändert. 

Kunstwerke entstanden seit dem auslaufenden 18. Jahrhundert immer seltener in Auftrag, 

sondern wurden für einen freien Markt geschaffen. Die Schwierigkeiten für den Künstler, der 

sein Werk verkaufen wollte, lagen nicht nur im Abwägen zwischen dem Kunstgeschmack einer 

breiteren Masse – oder zumindest einer potentiellen Käufergruppe – und dem eigenen Anspruch 

an Kunst. Es fehlte an vermittelnden Instanzen zwischen den sich zunehmend diversifizierenden 

aktuellen Kunstschöpfungen und einem kunst- und kaufinteressierten Publikum. 

Das Seminar wird anhand ausgesuchter Beispiele einen Blick auf die Institutionengeschichte des 

im heutigen Sinn „modern“ verstandenen Kunstmarkts, speziell den Kunsthandel und das 

Galerien- und Ausstellungswesen, werfen. Schlaglichter beleuchten einige wichtige Schauplätze 

dieses Geschehens. Es wird dabei vorwiegend um die Grundlagen gehen, die im 19. und frühen 

20. Jahrhundert geschaffen wurden. Pro Sitzung werden zwei 20-minütige Referate gehalten, die 

jeweils einen „Schauplatz“ vorstellen und die sich inhaltlich aufeinander beziehen. Anschließend 

werden Parallelen und Unterschiede zum heutigen Kunstgeschehen diskutiert. 

Einführende Literatur (Auswahl): 

- Bätschmann, Oskar: Ausstellungskünstler. Kult und Karriere im modernen Kunstsystem, 

Köln 1997. 

- Bann, Stephen: Parallel Lines. Printmakers, Painter and Photographers in Nineteenth 

Century France, New Haven 2001. 

- Collections et marché de l´art en France (1789-1848), hg. von Monica Preti-Hamard und 

Philippe Sénéchal, Paris 2006. 

- Grossmann, Joachim: Künstler, Hof und Bürgertum. Leben und Arbeit von Malern in 

Preußen (1786-1850), Berlin 1994. 

- Nipperdey, Thomas: Wie das Bürgertum die Moderne fand, Berlin 1988. 

- Miquel, Pierre: Art et Argent 1800-1900. L´école de la nature, Maurs-la-Jolie 1987. 

- Warnke, Martin: Hofkünstler. Zur Vorgeschichte des modernen Künstlers, Köln 1996. 

- Thurn, Hans Peter: Der Kunsthändler. Wandlungen eines Berufs, München 1994. 

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- White, Cyntia und White, Harrison: Canvases and Carrers. Institutional Change in the 

French Painting World, New York / London / Sidney 1965. 

- Wyss, Beat: Vom Bild zum Kunstsystem, 2 Bde., Köln 2006. 

Bemerkungen: fkü. 

Für Gast- und NebenhörerInnen geeignet. 

Information für ERASMUS- und Austauschstudierende: maximal 3 ECTS. 

Information for ERASMUS and other exchange students: maximum 3 ECTS credits. 


Proseminar: Künstlerviten im Spielfilm 


Di, 13-16 Uhr, wöchentlich, 16.10.2012-12.02.2013, Ha33 – 004 

SWS 2 


Herkunft und Verbreitung der Klischees des visionären Künstlers und seines Zerbrechens an 

einer unempfänglichen Gesellschaft sind älter als der Film. Und doch eignet sich das Medium wie 

kein zweites, das Bild vom verkannten Genie bis heute populär zu halten. Denn schenkt man den 

zahlreichen Spielfilmen Glauben, die sich den Viten mehr oder minder namhafter 

Künstlerpersönlichkeiten verschrieben haben, dann unterscheidet sich ein Künstlerleben ganz 

erheblich von dem Normalsterblicher: Außerhalb der Gesellschaft visionieren Künstler, bis zur 

Selbstzerstörung von ihrem eigenen Tun besessen, erhabene Werte und Schönheiten, werden von 

ihren Zeitgenossen missverstanden, verhöhnt oder sogar verfolgt, um schließlich an ihren 

Idealen, ihren Leidenschaften, an Alkohol oder Drogen zugrunde zu gehen. Künstlerische Potenz 

und geistige Existenz des kreativen Menschen stehen somit scheinbar in einer unauflöslichen, 

schicksalhaften gegenseitigen Abhängigkeit, während die Ignoranz seines Publikums mitunter 

geradewegs als Qualitätsmerkmal großer Kunst zu taugen scheint. 

Tatsächlich liegt in solchen stereotypen Polarisierungen – hier die in ihrer Rationalität gefangenen 

Herdenmenschen, dort der emotionale Visionär und moralische Mahner – nicht nur Stoff für die 

Inszenierung alternativer oder gar subversiver Lebens- oder Gesellschaftskonzepte, sondern im 

Gegenteil auch erhebliches Potential für ideologische Propaganda, für das Bewerben 

gesellschaftlicher Normen und Ziele. 

Das Seminar will versuchen, einen Überblick über die mannigfaltigen, formal und qualitativ 

mitunter höchst unterschiedlichen filmischen Positionen zum Thema „Künstlerleben“ zu 

vermitteln und zudem für die Tücken des Transfers von Werken der Bildenden Kunst ins 

Filmmedium sensibilisieren. 


Custen, George Frederick: Bio/Pics. HowHollywoodconstructed public history, New 

Brunswick1992. 

Felix, Jürgen: Genie und Leidenschaft. Künstlerleben im Film, St. Augustin 2000. 

Hensel, Thomas; Krüger, Klaus; Michalsky, Tanja (Hrsg.): Das bewegte Bild: Film 

und Kunst, München 2006. 

Korte, Helmut; Zahlten, Johannes (Hg.), Kunst und Künstler im Film, Hameln 1990. 

Kris, Ernst; Kurz, Otto: Die Legende vom Künstler – ein geschichtlicher Versuch, 1934 

(Neuausgabe: Frankfurt a.M. 1995). 

Neumann, Eckhardt: Künstlermythen. Eine psycho-historische Studie über Kreativität, Frankfurt 

a.M./New York 1986. 

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Sontag, Susan: Der Künstler als exemplarisch Leidender. In: Sontag, Susan: Kunst und Antikunst. 

24 literarische Analysen, Frankfurt a.M. 1989, S. 91-101. 


Auch für Gast- und NebenhörerInnen geeignet. 




Hauptseminar: Die Jesuiten 


Mi, 12-14 Uhr, wöchentlich, 17.10.2012-13.02.2013, Ha33 – 150 

SWS 2 


1540 gegründet, verschrieben sich die Jesuiten dem Kampf gegen den Protestantismus, der 

internationalen Mission und dem bedingungslosen Papstgehorsam. Sogleich entfaltete der wohl 

mit Abstand erfolgreichste Orden der Gegenreformation eine rege Bau- und Publikationstätigkeit 

und gewann nicht nur in Europa schnell erheblichen Einfluss auch auf Politik und 

Bildungswesen. Dabei machten sie sich in hohem Maße um Wissenschaft, Kunst und 

Kunsttheorie verdient, unterstellten diese aber stets ihren jeweiligen religionspolitischen Zielen. 

Der rasende Machtzuwachs sowie das Spannungsfeld von Innovationsfreude auf dem Gebiet von 

Kunst und Wissenschaft auf der einen und dem katholischem Dogma auf der anderen Seite rief 

von Beginn an heftigste Kontroversen um den Orden hervor. Die einen feierten die Jesuiten als 

Bollwerk gegen den Protestantismus, Protestanten und andere Kritiker sahen sich massiv bedroht 

oder gar politisch unterwandert. 

Mit ähnlich scharfen Fronten diskutiert die Kunstgeschichte seit einem Jahrhundert den Einfluss 

der Jesuiten auf die Bildenden Künste, die Architektur und das Theater: Welchen Anteil hatte der 

Orden insbesondere an der Entwicklung des Barockstils? Lässt sich anhand der regen 

Kunstproduktion des Ordens ein Jesuitenstil oder wenigstens ein genuin jesuitischer Umgang mit 

den Künsten diagnostizieren oder kann von beidem nicht die Rede sein? 

Das Seminar möchte das komplexe Spannungsfeld von Kunst und religiöser „Propaganda“ 

(Levy) anhand der Hauptwerke des Jesuitismus in Theorie und Praxis beleuchten sowie die 

kunstwissenschaftliche Debatte um Existenz und Wesen des Jesuitenstils nachvollziehen. 

Vorkenntnisse in Bezug auf die Kunst des Barock sind erwünscht. 


Bailey, Gauvin Alexander, John O’Malley u.a. (Hrsg.): The Jesuits. Culture, Sciences and the Arts, 

1540-1773, Toronto 1999. 

Bailey, Gauvin Alexander, John O’Malley u.a. (Hrsg.): The Jesuits and the Arts, 1540-1773, 

Philadelphia 2005. 

Levy, Evonne: Propaganda and the Jesuit Baroque, Berkeley 2004. 

Weibel, Walther: Jesuitismus und Barockskulptur in Rom, Straßburg 1909. 

Weisbach, Werner: Barock als Kunst der Gegenreformation, Berlin 1921. 

Wittkower, Rudolf; Jaffe, Irma B. (Hrsg.): Baroque Art. The Jesuit Contribution, New York 1972. 

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Adrian Bremenkamp 

Proseminar: Einführung in die altniederländische Malerei 


Mi, 10-12 Uhr, wöchentlich, 17.10.2012-13.02.2013, Ha33 – 151 

SWS 2 


Max. Teilnehmer: 20 

Die altniederländische Malerei des 15. Jahrhunderts wird legendärer Weise mit der „Geburt der 

Ölmalerei“ verbunden. So jedenfalls kolportierte es Giorgio Vasari, der in seinen Künstlerviten 

(1568) den Sizilianer Antonello da Messina zu einem „Industriespion“ stilisierte, der Jan van Eyck 

das wohlbehütetes Geheimnis der Technik der Ölmalerei entrissen und für Italien erobert habe. 

Auch wenn es sich hierbei um eine kunstliterarische Legende handelt, ist klar, dass die 

altniederländische Malerei stets mit einer besonderen Wertschätzung ihrer technischen 

Ausführung und der damit erzielten, malerischen Effekte verbunden wurde. Schon die 

Zeitgenossen bewunderten die täuschend echte Darstellung von Oberflächen und 

atmosphärischen Phänomenen und auch die Kunstgeschichte hat den Wirklichkeitszugriff oder 

den „Realismus“ der Altniederländer stets thematisiert aber auch als problematisch empfunden. 

So hat der Kunsthistoriker Erwin Panofsky hinter der Oberfläche einen „verkleideten oder 

versteckten Symbolismus“ (disguised symbolism) gewittert, dessen Bedeutung es erst zu 

entschlüsseln gelte. 

In diesem Seminar sollen Fragen nach Technik und Stil, aber auch nach den Deutungsmodellen 

(„Realismus“ oder „Symbolismus“ und was soll das in diesem Zusammenhang eigentlich 

bedeuten?) nachgegangen werden. Ein Großteil des Seminars soll vor den Bildern selbst 

stattfinden, nämlich in der Berliner Gemäldegalerie, die eine der weltweit hochkarätigsten 

Sammlungen altniederländischer Gemälde vorzuweisen hat. Gerade jetzt ist es besonders 

geboten, sich die Bilder genau anzugucken, denn die Bestände der Gemäldegalerie sind aktuell in 

Gefahr, zu großen Teilen für unbestimmte Zeit ins Depot verbannt zu werden. Geplant ist 

zudem ein Besuch in der Restaurierungswerkstatt der staatlichen Museen. 

Zur einführenden Lektüre sei der sehr knappe Text in den Kunsthistorischen Arbeitsblättern, 

sowie die publizierten Vorlesungsskripte Otto Pächts empfohlen: 

- Barbara Welzel, Altniederländische Malerei, in: Kunsthistorische Arbeitsblätter 4/2005, S. 13- 

32. 

- Otto Pächt, Van Eyck. Die Begründer der altniederländischen Malerei, München 1989. 

- Otto Pächt, Altniederländische Malerei von Rogier van der Weyden bis Gerard David, 

München 1994. 

(alle in der UdK-Bibliothek vorhanden) 

weitere Literatur: 

- Kat. Ausst. Frankfurt am Main/Berlin 2008, Der Meister von Flémalle und Rogier van der 

Weyden, hg. v. Stephan Kemperdick & Jochen Sander. 

- Kat. Ausst. Brügge 2002, The Age of Van Eyck. The Mediterranean World and Early 

Netherlandish Painting, 1430-1530, hg. v. Till-Holger Borchert (dt. Übersetzung: Jan van Eyck 

und seine Zeit. Flämische Meister und der Süden, 1430-1530). 

11

- Lorne Campbell, The Fifteenth Century Netherlandish Schools (National Gallery 

Catalogues),London1999. 

- Birgit Franke & Barbara Welzel (Hg.), Die Kunst der burgundischen Niederlande – Eine 

Einführung, Berlin 1997. 

- Hans Belting & Christiane Kruse, Die Erfindung des Gemäldes. Das erste Jahrhundert der 

niederländischen Malerei, München 1994 (der Text Hans Beltings ist neu herausgegeben in: 

Spiegel der Welt. Die Erfindung des Gemäldes in den Niederlanden, München 2010). 

- Erwin Panofsky, Early Netherlandish Painting. Its Origin and Character, 2 Bde.,Cambridge1958 

(dt. Übersetzung: Die altniederländische Malerei. Ihr Ursprung und Wesen, 2 Bde., Köln 2001). 






Seminar: Zur Geschichte der Portraitfotografie 


Mo, 12-14 Uhr, wöchentlich, 15.10.2012-11.02.2013, Ha33 – 151 

SWS 2 


Das menschliche Antlitz gehört zu den ersten Motiven der Fotografie. Talbots Portrait seiner 

Frau Constanze von 1840 sowie sein eigenes Bildnis von 1844 von Antoine Claudet im 

Daguerreotypieverfahren ausgeführt, sind Beispiele dafür. Bereits um 1840 war die Portraitfotografie 

ein lukratives Geschäft. Daneben gab es jedoch immer ambitionierte Fotografen, die 

das Erstellen eines Bildnisses als kreative Herausforderung verstanden. J.M. Camerons (1815- 

1879) Bildnisse berühmter Männer ihrer Zeit sowie ihre besten Frauenportraits repräsentieren 

religiöse sowie moralische Tugendhaftigkeit. Der Kunstfotografie um 1900 (Piktorialismus) 

verdanken wir oft schon obsessesive Selbstportraits. 1928 argumentierte Alexander 

Rodtschenko „Gegen das synthetische Porträt“, plädierte „ für den Schnappschuss“. August 

Sanders Mappenwerk „Menschen des 20. Jahrhunderts“ (Antlitz der Zeit) war von soziologischen 

Erwägungen inspiriert. George Hurrels Hollywood Glamourportraits verkörperten vor allem das 

Images eines bestimmten Filmstars. Gisèle Freund nennt das Portrait ein Gespräch ohne Worte. - 

Portraits halten Augenblicke der Vergänglichkeit fest. Auch darin, dass sie Menschen 

„unsterblich“ machen, liegt das Faszinosum bis in die Gegenwart. 

Belegpflicht: 45 minütiger Vortrag 

Literatur: 

- Bhatty, Michael, Geschichte und Vermarktung der Hollywood-Glamour-Photographie, 

Europäische Hochschulschriften: Reihe 28, Kunstgeschichte. Bd. 297, Frankfurt/M, Berlin, Bern, 

New York, Paris, Wien 1997 (199 S. mit zahlr. Abb.). 

- Billeter, Erika (Hrsg.), Das Selbstporträt im Zeitalter der Photographie. Maler und 

Photographen im Dialog mit sich selbst (Aust.Kat.), Benteli Verlag, Lausanne 1985. 

- Gosling, Nigel, Nadar - Photograph berühmter Zeitgenossen, Verlag Schirmer und Mosel, 


- Honnef, Klaus (Hrsg.), Lichtbildnisse. Das Porträt in der Fotografie (Aust.Kat. Rheinisches 

Landesmuseum Bonn), Köln 1982 (744 S. mit zahlr. Abb. und Tafeln). 

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- Hurrel, George, Hollywood Glamour Portrais. Fotografien aus der Kobal Collection, Verlag 

Schirmer/Mosel, München 1993. 

- Nadar, Als ich Fotograf war, Verlag Huber&Co. Ag 1992. 






Hauptseminar: Stationen experimenteller Fotografie 


Di, 10-12 Uhr, wöchentlich, 16.10.2012 bis 12.02.2013, Ha33 – 151 

SWS 2 


Die Zeit um 1900 war gekennzeichnet durch eine Vielzahl medienspezifischer Übergänge. So 

führte die Sezessionsbewegung zur Gründung von elitären Vereinen, die sich der Anerkennung 

der Fotografie als Kunst verschrieben hatten. Das Ringen um die Bildmäßigkeit der Fotografie, 

die Erkundung der ihr innewohnenden Potentiale sowie die Entwicklung einer eigenen 

„Handschrift“ durch das „Biegsammachen der Technik“ (Alfred Stieglitz) waren 

Programmpunkte der Piktorialisten. Insofern schufen die Kunstfotografen um 1900 wichtige 

Vorraussetzungen für neue Entwicklungen. Das Seminar konzentriert sich auf die radikalen 

Experimente v.a. der Zeit zwischen den beiden Weltkriegen: die futuristischen Experimente der 

Gebrüder Bragaglia mit Bewegungsunschärfen, die kameralosen Bilder von Lászlo Moholy-Nagy 

und Man Ray sowie Beispiele des Neuen Sehens. 

Belegpflicht: 45 minütiger Vortrag sowie Abgabe einer schriftlichen Arbeit zum Thema des 

Vortrages. 

Literatur: 

- Jäger, Gottfried, Bildgebende Fotografie: Fotografik-Lichtgrafik-Lichtmalerei. Ursprünge, 

Konzepte und Spezifika einer Kunstform, DuMont Buchverlag, Köln 1990. 

- Neusüss, Floris M., Das Fotogramm in der Kunst des 20. Jahrhunderts: die andere Seite der 

Bilder - Fotografie ohne Kamera, DuMont Buchverlag Köln 1990. 

- Kaufhold, Enno, Bilder des Übergangs. Zur Mediengeschichte der Fotografie und Malerei in 

Deutschland um 1900, Marburg 1986. 

- Kellein, Thomas und Lampe, Angelika (Hrsg.), Abstrakte Fotografie, Hatje Cantz Verlag, 

Ostfildern 2000. 

- Krauss, Rosalind, Das Photographische: Eine Theorie der Abstände, 2. Aufl., Wilhelm Fink 

Verlag, München 2009 (228 S.). 

- Schneede, Uwe M. (Hrsg.), Begierde im Blick. Surrealistische Photographie /Aust. Kat. 

Hamburger Kunsthalle), Hatje Cantz Verlag, Ostfildern 2005. 

- Sprung in die Zeit. Bewegung und Zeit als Gestaltungsprinzipien in der Photographie von den 

Anfängen bis zur Gegenwart, Ars Nicolai, Berlin 1992. 





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Seminar: Die Großstadt im fotografischen Blick 


Do, 10-12 Uhr, wöchentlich, 18.10.2012 bis 14.02.2013, Ha33 – 151 

SWS 2 


Die Themen der Stadt standen schon immer im Zentrum des fotografischen Interesses: die 

ersten Fotografien zeigen Boulevards bzw. die Dächer von Paris, aufgenommen aus den oberen 

Etagen eines Gebäudes. Neu an dieser Sicht der Stadt ist das Bruchstückhafte: in Fernsicht 

erscheinen einzelne Gebäude als Elemente der urbanen Ausdehnung. 80 Jahre später zeigt 

Alfred Stieglitz´ Fotografie „Blick auf dem Fenster“ eine kubistisch anmutende Ansicht der 

Hochhäuser New Yorks. Sowohl der urbane Raum als auch die fotografische Gestaltung haben 

sich entschieden verändert. Lebte um 1800 etwa jeder Fünfzigste in Städten, so lebt im Jahr 2000 

fast jeder Zweite in einer Stadt. Mehr als 1 Milliarde Menschen lebten 2008 in Slums. 1950 hatte 

nur New York mehr als 10 Millionen Einwohner, im Jahr 2000 waren es schon zwanzig. Im 

Seminar geht es um die Vielfalt der fotografischen Praxis und den intentionalen Gebrauch von 

„Stadtfotografie“. Historische Beispiele wie Atgets Fotodokumentation des alten Paris, Berenice 

Abbots langjähriges Projekt „Changing New York“ aus den 30iger Jahren des 20. Jahrhunderts 

oder zeitgenössische Arbeiten wie Peter Bialobrzeskis überwältigende Bildfindungen von 

Megacities Asiens oder Jonas Bendiksen`s Fotoinstallationen von Menschen am Rande von 

Megacities werden vorgestellt und befragt. 

Belegpflicht: 45-minütiger Vortrag. 

Literatur: 

- Benevolo, Leonardo, Die Geschichte der Stadt, Campus Verlag, 8. Aufl., Frankfurt/New York 

2000 (bes. 13. Die „post-liberale“ Stadt, vgl. S. 813 ff. und 14. Die moderne Stadt, vgl. S. 889 ff.). 

- Bendiksen, Jonas, So leben wir - Menschen am Rande der Mega-Citys, Knesebeck Verlag 2008. 

- Paris. Eugène Atget 1857-1927, hrsg. v. Adam, Hans Christian, Text von Krase, Andreas, 

Taschen Verlag, Köln 2000. 

- Über die großen Städte, Ausstellungskatalog (Hrsg. v. der NGBK), Berlin 1993 (darin u.a. Starl, 

Timm, Kapitale Ansichten. Beispiele fotografischer Betrachtungsweisen). 

- Weege´s New York. Reportagen eines legendären Photographen 1935-1960, Mit einem 

autobiographischen Text, Neuaufl., Schirmer/Mosel, München 2000. 

- Yochelsen, Bonnie, Berenice Abbot-Changing New York. Fotografien aus den 30er Jahren, das 

vollständige Werk, hrsg.vom Museum of the City of New York, Verlag Schirmer/Mosel, 

München 1993 






Kolloquium: Studierendenkolloquium 


Mo, 18-20 Uhr, 14tägl., 29.10.2012 bis 11.02.2013, Ha33 – 150 


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Das Kolloquium dient der Begleitung der Studierenden bei der Anfertigung von 

wissenschaftlichen Hausarbeiten (Seminar-, BA- und MA-Arbeiten) und bei der Vorbereitung 

von Prüfungen (im BA: Modul 4 / im MA: Modul Kunstwiss./Kunstdidaktik). Die Veranstaltung 

bietet Raum dafür, daß individuelle Arbeitsgebiete vorgestellt und intensiv erörtert werden. Auch 

können Kandidat/innen, die noch auf der Suche nach einem geeigneten Thema für ihre 

Abschlussarbeit sind, hier ihre Überlegungen in einer ersten Ideenskizze referieren. Der Vorteil 

der gemeinsamen Arbeit im Kolloquium (gegenüber der individuellen Beratung in der 

Sprechstunde) ist, dass unterschiedliche kunstwissenschaftlichen Methoden sowie Techniken des 

wissenschaftlichen Arbeitens hier in der Gruppe erprobt und miteinander verglichen werden 

können. 

Anmeldung erbeten – vorab unter: dobbe@udk-berlin.de oder – verbindlich – in der ersten 

Sitzung am 29.10.2012. Das Kolloquium findet ca. 14tägig statt. Bei unserem ersten Treffen am 

29.10.2012 wird ein genauer Semesterplan aufgestellt. 

Bemerkungen: 




Vorlesung: Bildnis und Bild. Perspektiven des Porträts in der Kunst- und Bildgeschichte 



SWS 2 


In der traditionellen akademischen Rangfolge steht das Porträt – nach dem Historienbild – zwar 

erst an zweiter Stelle, gleichwohl gilt es bis in die jüngste Kunst(geschichte) hinein als eine der 

faszinierendsten Bildgattungen. Unterschiedliche Gründe dürfen dafür vermutet werden. Ein 

Grund wird die „Präsenzbehauptung“ des Porträts sein, besser: die Dialektik von Präsenz und 

Absenz eines bildlichen Gegenübers, das sich dem Betrachter durch den oft direkt auf ihn 

gerichteten Blick zeigt – und zugleich entzieht. 

Nicht jedes Bild eines Menschen ist ein Porträt. Gleichzeitig kennen wir aus den europäischen 

Museen eine nicht unerhebliche Anzahl von Bildern mit dem Titel „Porträt einer/s 

Unbekannten“. Woher wissen wir, daß hier ein (Individual-)Porträt gegeben ist, selbst wenn wir 

den Porträtierten / die Porträtierte, ihren oder seinen Namen nicht kennen, kein zweites 

Dokument ihrer oder seiner äußeren Erscheinung überliefert ist? Welche Merkmale signalisieren, 

daß dieses oder jenes Bild eines Menschen tatsächlich ein Porträt und damit ein Zeugnis ihrer 

oder seiner Existenz darstellen kann? 

Die Vorlesung wird sich mit solchen Fragen befassen und 1) die Geschichte der Idee des Porträts 

– vom Spätmittelalter bis zum 17./18. Jahrhundert – rekonstruieren. Darüber hinaus wird 2) die 

Infragestellung des Individuums und die Frage der Subjektivität des Menschen in der Moderne / 

in der zeitgenössischen Kunst einen Schwerpunkt der Auseinandersetzung darstellen. 3) werden 

die verschiedenen Formen des Porträts – das Einzel-, das Gruppen-, das Familien- und das 

(Künstler- und Fotografen-)Selbst-Porträt zu befragen sein. 

Literatur: 

Beyer, Andreas: Das Porträt in der Malerei, München 2002. 

Billeter, Erika (Hrsg.): Das Selbstportrait im Zeitalter der Photographie. Maler und Photographen 

im Dialog mit sich selbst. Benteli Verlag, Bern 1985. 

15

Bonafoux, Pascal: Der Maler im Selbstbildnis, Genf 1985. 

Boehm, Gottfried: Bildnis und Individuum. Über den Ursprung der Porträtmalerei in der 

italienischen Renaissance, München 1985. 

Derrida, Jacques: Aufzeichnungen eines Blinden. Das Selbstporträt und andere Ruinen, München 

1997. 

Fleckner, Uwe: Abbild und Abstraktion. Die Kunst des Porträts im Werk von Jean-Auguste- 

Dominique Ingres, Mainz 1995. 

Greub, Thierry (Hrsg.): Las Meninas im Spiegel der Deutungen, Berlin 2001. 

Honnef, Klaus (Hrsg.): Lichtbildnisse. Das Porträt in der Fotografie (Aust.Kat. Rheinisches 

Landesmuseum Bonn), Köln 1982. 

Köstler, Andreas / Seidl, Ernst (Hrsg.): Bildnis und Image. Das Porträt zwischen Intention und 

Rezeption, Köln 1998. 

Koos, Marianne: Bildnisse des Begehrens. Das lyrische Männerporträt in der venezianischen 

Malerei des frühen 16. Jahrhunderts – Giorgione, Tizian und ihr Umkreis, Emsdetten / Berlin 

2006. 

Nancy, Jean-Luc: Porträt und Blick, Stuttgart 2007. 

Pope-Hennessy, John: The Portrait in the Renaissance, London/New York 1964. 

Preimesberger, Rudolf / Baader, Hannah / Suthor, Nicola (Hg.): Porträtmalerei, Berlin 1999. 

Riegl, Alois: Das holländische Gruppenporträt, Wien 1931. 

Schneider, Norbert: Porträtmalerei. Hauptwerke europäischer Bildniskunst 1420-1670, Köln 

1994. 

Winner, Matthias (Hrsg.): Der Künstler über sich selbst in seinem Werk, Berlin 1992. 

Winter, Gundolf: Zwischen Individualität und Idealität. Die Bildnisbüste, Stuttgart 1985. 

Woodall, Joanna: Portraiture. Facing the Subject, Manchester/New York1997. 

Bemerkungen: 





Kolloquium: Doktorand/innenkolloquium 


Mi, 14-16 Uhr, wöchentlich, 17.10.2012 bis 13.02.2013, Ha33 – 150 

SWS 2 


Im Kolloquium für Doktorand/innen steht die gemeinsame Diskussion ausgewählter 

Fragestellungen aus den individuellen Forschungsprojekten im Mittelpunkt. Darüber hinaus 

besteht die Möglichkeit, grundsätzliche methodische Fragestellungen und aktuelle 

kunstwissenschaftliche Veröffentlichungen zu diskutieren. Anregungen für gemeinsame 

Textlektüren und Ausstellungsbesuche sind erwünscht. 

Anmeldung erbeten – vorab unter: dobbe@udk-berlin.de oder – verbindlich – in der ersten 

Sitzung am 17.10.2012. 

Bemerkungen:. 



16


Proseminar: Kunstwissenschaft in der Grundlehre: Einführung in die Kunstwissenschaft 

(für Studierende der Bildenden Kunst Lehrämter), Gruppe 1 


Mi, 16-18 Uhr, Einzel, am 17.10.2012, Ha33 – 158 


SWS 2 


Die Einführungsveranstaltung möchte – im Sinne eines Propädeutikums – mit den wesentlichen 

Fragestellungen, methodischen Vorgehensweisen und Arbeitsformen des Studiums der 

Kunstwissenschaft im Rahmen der Bildenden Kunst vertraut machen. Anhand intensiver 

Werkbetrachtungen einzelner, ausgewählter Werke aus den Bereichen Malerei und Plastik soll das 

methodische Vorgehen der kunsthistorischen Interpretation geübt und zugleich eine Übersicht 

über die Geschichte der europäischen Kunst erarbeitet werden. Es wird also darauf ankommen, 

die großen, historischen und systematischen Zusammenhänge bei ikonischen Tiefenbohrungen 

im Detail heraus zu präparieren, um auf diese Weise jenes werkmonographische Argumentieren 

in der Kunstgeschichte zu erlernen, welches die Grundlage Ihres weiteren, eigenständigen 

Arbeitens in kunstwissenschaftlichen Lehrveranstaltungen sein wird. 

Literatur: 

Belting, Hans u.a. (Hrsg.): Kunstgeschichte. Eine Einführung, Berlin 1986. 

Brassat, Wolfgang / Kohle, Hubertus: Methoden-Reader Kunstgeschichte. Text zur Methodik 

und Geschichte der Kunstwissenschaft, Köln 2003. 

Frank, Gustav / Barbara Lange: Einführung in die Bildwissenschaft: Bilder einer visuellen 

Kultur, Darmstadt 2010. 

Gombrich, Ernst H.: die Geschichte der Kunst, Zürich 1977. 

Hensel, Thomas / Andreas Köstler (Hrsg.): Einführung in die Kunstwissenschaft, Berlin 2005. 

Imdahl, Max: Giotto. Arenafresken. Ikonographie, Ikonologie, Ikonik, München 2. Aufl. 1980, S. 

84-98. 

Panofsky, Erwin: Sinn und Deutung in der bildenden Kunst, Köln 1975. 

Pfisterer, Ulrich (Hrsg.): Metzler Lexikon Kunstwissenschaft. Ideen, Methoden, Begriffe, 

Stuttgart / Weimar 2003. 

Bemerkungen: 

Vorbesprechung (zus. mit den Studierenden der Gruppe 2): 

Mittwoch 17.10.2012, 16 Uhr, Raum Ha33-158. 

Pflichtveranstaltung für Erstsemester BA 1 und BA 2: Modul 3.1 

Als Veranstaltung 3.1 im Modul 3. 





(für Studierende der Bildenden Kunst Lehrämter), Gruppe 2 


Mi, 16-18 Uhr, Einzel, am 17.10.2012, Ha33 – 158 


SWS 2 

17


Die Einführungsveranstaltung möchte – im Sinne eines Propädeutikums – mit den wesentlichen 

Fragestellungen, methodischen Vorgehensweisen und Arbeitsformen des Studiums der 

Kunstwissenschaft im Rahmen der Bildenden Kunst vertraut machen. Anhand intensiver 

Werkbetrachtungen einzelner, ausgewählter Werke aus den Bereichen Malerei und Plastik soll das 

methodische Vorgehen der kunsthistorischen Interpretation geübt und zugleich eine Übersicht 

über die Geschichte der europäischen Kunst erarbeitet werden. Es wird also darauf ankommen, 

die großen, historischen und systematischen Zusammenhänge bei ikonischen Tiefenbohrungen 

im Detail heraus zu präparieren, um auf diese Weise jenes werkmonographische Argumentieren 

in der Kunstgeschichte zu erlernen, welches die Grundlage Ihres weiteren, eigenständigen 

Arbeitens in kunstwissenschaftlichen Lehrveranstaltungen sein wird. 

Literatur: 

Belting, Hans u.a. (Hrsg.): Kunstgeschichte. Eine Einführung, Berlin 1986. 

Brassat, Wolfgang / Kohle, Hubertus: Methoden-Reader Kunstgeschichte. Text zur Methodik 

und Geschichte der Kunstwissenschaft, Köln 2003. 

Frank, Gustav / Barbara Lange: Einführung in die Bildwissenschaft: Bilder einer visuellen 

Kultur, Darmstadt 2010. 

Gombrich, Ernst H.: die Geschichte der Kunst, Zürich 1977. 

Hensel, Thomas / Andreas Köstler (Hrsg.): Einführung in die Kunstwissenschaft, Berlin 2005. 

Imdahl, Max: Giotto. Arenafresken. Ikonographie, Ikonologie, Ikonik, München 2. Aufl. 1980, S. 

84-98. 

Panofsky, Erwin: Sinn und Deutung in der bildenden Kunst, Köln 1975. 

Pfisterer, Ulrich (Hrsg.): Metzler Lexikon Kunstwissenschaft. Ideen, Methoden, Begriffe, 

Stuttgart / Weimar 2003. 

Bemerkungen: 

Vorbesprechung (zus. mit den Studierenden der Gruppe 1): 

Mittwoch 17.10.2012, 16 Uhr, Raum Ha33-158. 

Pflichtveranstaltung für Erstsemester BA 1 und BA 2: Modul 3.1 

Als Veranstaltung 3.1 im Modul 3. 



Henrike Eibelshäuser 

Proseminar: Caravaggio und die Malerei in Rom um 1600 



SWS 2 


Der Malereidiskurs in Rom um 1600 steht unter dem Signum des Umbruchs und radikalen 

Neuanfangs. Hier wird einerseits Caravaggio als Maler gefeiert, der sich in spektakulärer 

Selbstinszenierung als ‚Bohemien’ avant la lettre präsentiert, und mit der vorherrschenden 

Kunstpraxis bedingungslos zu brechen scheint. Zum anderen erhält mit den Carracci eine 

Malschule bedeutende Aufträge, die sich mit ihrer Malereireform von einer als erstarrt 

empfundenen Theoriebildung florentinischer Prägung abgrenzt und die Naturnachahmung 

wieder stärker in Fokus rückt. Dennoch finden sich bei Caravaggio ebenso wie bei den Carracci 

18

immer wieder bewusste Rückbezüge an die kanonischen Meister der Renaissance wie Raffael und 

Michelangelo. Vor dem Hintergrund eines sich langsam herausbildenden frühkapitalistischen 

Kunstmarktes soll die Entstehung des autonomen Galeriebildes ebenso beleuchtet werden wie 

Strategien künstlerischer Selbstvermarktung und Mythenbildung als auch Mechanismen der 

Bildproduktion zwischen Kontinuität und propagiertem Neubeginn. Aufgrund der anhaltenden 

Aktualität des Themas in der Forschung versteht sich das Seminar auch als Einführung in die 

Methoden der Bildwissenschaft. 

Literatur: 

Pfisterer, Ulrich; Wimböck, Gabriele (Hg.): Novità. Neuheitskonzepte in den Bildkünsten um 

1600, Zürich 2011. 

Von Rosen, Valeska: Caravaggio und die Grenzen des Darstellbaren. Ambiguität, Ironie und 

Performativität in der Malerei um 1600, Berlin 2009. 

Ebert-Schifferer, Sybille: Caravaggio. Sehen, staunen, glauben: Der Maler und sein Werk, 


Sickel, Lothar: Caravaggios Rom. Annäherungen an ein dissonantes Milieu, Berlin 2003. 

Krüger, Klaus: Das Bild als Schleier des Unsichtbaren. Ästhetische Illusion in der Kunst der 

frühen Neuzeit in Italien, München 2001. 

Marin, Louis: Die Malerei zerstören, Berlin 2003. 

Prater, Andreas: Licht und Farbe bei Caravaggio. Studien zur Ästhetik und Ikonologie des 

Helldunkels, Stuttgart 1992. 

Bemerkung: fkü. 




Dr. Ulrike Kregel 

Proseminar: Bild und Gewalt – die Grenzen des Zeigens 


Mo, 14-16 Uhr, wöchentlich, 15.10.2012 bis 11.02.2013, - Ha33 - 151 

SWS: 2 

Maximale Teilnehmer: 30 


Die Darstellung von Gewalt im Bild ist so alt wie das Bild selbst. Mit ihr ist eines der Urthemen 

des bildlichen Zeigens überhaupt bezeichnet. Angefangen von den Höhlenzeichnungen des 

Neolithikums, die uns blutige Kampf-, Jagd- und Opferszenen zur Ansicht bringen, bis hin zu 

den gegenwärtig in den Massenmedien allzeit konsumierbaren Bildern des Krieges, der 

Katastrophen, der Folter und menschlicher Demütigungen – das Zeigen von Gewalt im Bild ist 

ein Dauerthema innerhalb der abendländischen Kultur. Das Seminar macht es sich zur Aufgabe, 

diesem kulturellen Topos nachzuspüren. Es fokussiert das Verhältnis von Bild und Gewalt und 

damit einen der fundamentalsten Diskurse der europäischen Philosophie und Ästhetik. Der 

komplexe und sich bedingende Zusammenhang soll aus verschiedenen Perspektiven betrachtet 

werden und gleichsam die Darstellung von Gewalt, die Gewalt der Darstellung und die Gewalt 

am Bild thematisieren. Im Mittelpunkt der Diskussion werden neben kulturanthropologischen, 

ethische und ästhetische Fragestellungen stehen, mit denen sich das Seminar in drei 

Themenblöcke gliedert. Einleitend werden grundlegende Aspekte des Gewaltdiskurses 

19

thematisiert. Ein zweiter Themenkomplex wendet sich dem Verhältnis von Gewalt und Bild 

unter ethischen Gesichtspunkten zu und schließlich zielt die Lehrveranstaltung in einem dritten 

Block darauf ab, den zu untersuchenden Zusammenhang unter ästhetischen Aspekten zu 

betrachten. 

Vorausgesetzt werden eine regelmäßige und aktive Teilnahme an der Lehrveranstaltung sowie die 

Lektüre und Rezeption der in den einzelnen Seminaren angegebenen Texte, Bilder und Filme. 

Literatur: 

Aristoteles, Poetik, Werke in deutscher Übersetzung, Bd. 5, Berlin 2008. 

Barthes, Roland, Die helle Kammer, Frankfurt a. Main 1985. 

Benjamin, Walter, Zur Kritik der Gewalt und andere Aufsätze, Frankfurt a. Main 1999. 

Burke, Edmund, Philosophische Untersuchung über den Ursprung unserer Ideen vom Erhabenen u. 

Schönen, Hamburg 1989. 

Butler, Judith Gefährdetes Leben, Frankfurt a. Main 2005. 

Butler, Judith Kritik der ethischen Gewalt , Frankfurt a. Main 2007. 

Byung-Chul Han, Topologie der Gewalt, Berlin 2011. 

Engelmann, Peter (Hg.), Emmanuel Levinas. Ethik und Unendliches. Ein Gespräch mit Philipp Nemo, 

Wien 1996. 

Dorgerloh, Annette, Ikonographie der Gewalt, Marburg 2005. 

Dornhaus, Ellen A., Gewalt in der Kunst, Köln 1994. 

Foucault, Michel, Überwachen und Strafen; die Geburt des Gefängnisses, Frankfurt a. Main 

2001. 

Horaz, Ars Poetica:. Lateinisch/Deutsch, Stuttgart 2008. 

Kunczik, Michael, Gewalt und Medien, Köln 1994. 

Levinas, Emmanuel, Die Zeit und der Andere, Hamburg 1989. 

Liebenwein, Renate, Genie und Gewalt: Caravaggio, Frankfurt a. Main, 1994. 

Lyotard, Jean-Francois: Der Widerstreit, München 1987. 

Lyotard, Jean-Francois: Essays zu einer affirmativen Ästhetik, Berlin 1982. 

Metelmann, Jörg, Zur Kritik der Kino-Gewalt: die Filme von Michael Haneke, München 2003. 

Pries, Christine (Hg.), Das Erhabene: zwischen Grenzerfahrung und Größenwahn, Weinheim 1989. 

Rost, Andreas (Hg.), Bilder der Gewalt, Frankfurt a. Main 1994. 

Schmied, Wieland, Francis Bacon: das Bewusstsein der Gewalt, München 1996. 

Sofsky, Wolfgang, Traktat über die Gewalt, Frankfurt a, Main 2005. 

Sontag, Susan, Das Leiden anderer betrachten, München Wien 2003. 

Sontag, Susan, Über Fotografie, Frankfurt a. Main 1977. 

Tyradellis, Daniel (Hg.), Die Szene der Gewalt: Bilder, Codes und Materialitäten, Frankfurt a. Main 

2007. 

Welsch, Wolfgang, Grenzgänge der Ästhetik, Stuttgart 1996. 

Wertheimer, Jürgen, Ästhetik der Gewalt; ihre Darstellung in Literatur und Kunst, Frankfurt a. Main 

1986. 





20

Mathilde Isiuwa Legemah 


(für Studierende der Bildenden Kunst) 


Di, 16-20 Uhr, wöchentlich, 16.10.2012 bis 12.02.2013 - Ha33 - 004 


Der Kurs „Einführung in die Kunstwissenschaft“ bietet eine Einführung in kunsthistorische und 

kunstwissenschaftliche Arbeitsweisen. Er wendet sich insbesondere an Bildende Künstler/innen 

im Rahmen der Grundlehre. Im Mittelpunkt stehen bildwissenschaftliche und kunsttheoretische 

Fragestellungen. Die Epochenteilung folgt weniger einer chronologischen als einer thematischen 

Darstellung des Stoffes. Sie versteht sich ausdrücklich als pragmatisches und offenes Konzept. 

Neben einer Einführung in die Methoden und Techniken wissenschaftlicher Arbeit wird die 

eigenständige kritische Nutzung wissenschaftlicher Information erarbeitet. Ein erster Überblick 

über die Geschichte der europäischen Kunst einschließlich ihrer globalen Zusammenhänge lässt 

zugleich Raum für systematische Überlegungen. In Übungen vor Originalen, bei der Anfertigung 

von Referaten und durch die Interpretation von Schlüsseltexten werden Kenntnisse vielfältiger 

künstlerischer Phänomene der Vergangenheit und Gegenwart kennengelernt und angewendet. 

Einführende Literatur: 

Gombrich, Ernst H.: Die Geschichte der Kunst, Frankfurt am Main 1996. 

O’Doherty, Brian: In der weißen Zelle. Inside the White Cube, Berlin 1996. 

Belting, Hans: Bild-Anthropologie. Entwürfe für eine Bildwissenschaft, München 2001. 


Hauptseminar: Andy Warhol 


Mo., 10-12 Uhr, wöchentlich, 15.10.2012 bis 11.02.2013 - Ha33 - 150 

SWS 2 


In der zweiten Hälfte des Zwanzigsten Jahrhunderts hat das Werk von Andy Warhol stärker als 

jedes andere zu tiefgreifenden Veränderungen in unseren Vorstellungen vom Sinn und Zweck 

der bildenden Kunst geführt. Warhol verkörperte einen neuen Typus des Künstlers, er 

revolutionierte die Produktionsbedingungen seiner Arbeit und die Distributionsweise seiner 

Erzeugnisse. Seine Kunst wollte sich nicht länger von der Welt der Massenkultur absetzen, 

sondern daran teilhaben. Dennoch gelang es Warhol immer wieder, sein Publikum auch zur 

Reflexion über grundlegende Frage von Kunst und Leben zu nötigen. Das Seminar soll klären, 

welche fundamentalen Umbrüche in Warhols Werk deutlich werden und wie diese bis heute 

fortwirken. Wer ein Referat übernehmen möchte, sollte sich in die Liste eintragen, die ab Mitte 

Juli auf dem Gang in der Nähe der Seminarräume 150 und 151 aushängt. Für die einzelnen 

Sitzungen sind folgende Themen geplant: 

15. Okt. Einführung (kein Referat) 

22. Okt. Warhols Frühwerk und sein künstlerisches Umfeld um 1960 

29. Okt. High and Low, Kunst und Kulturindustrie 

5. Nov. Serialität und Singularität 

12. Nov. Die Brillo-Schachteln: Design, Bedeutung, Verhältnis zum Minimalismus 

19. Nov. Abstraktion, Camouflage, Monochromie 

21

26. Nov. Kunst über Kunst 

3. Dez. Warhols „Philosophie“ (From A to B and Back Again) 

10. Dez. Warhols Filme 

17. Dez. Der Künstler als Unternehmer, Fabrikbesitzer, Ausbeuter 

(Weihnachtspause) 

7. Jan. Strategien des Zeigens: Warhols Ausstellungsdesign 

14. Jan. Selbstdarstellung und Selbststilisierung, Glamour, Celebrity-Kultur 

21. Jan. Warhol und der „Kapitalistische Realismus“ 

28. Jan. Warhol und Beuys 

4. Feb. Warhols Vermächtnis 

11. Feb. Abschlussdiskussion (kein Referat) 

Bemerkung: 


Für Fortgeschrittene. 




Hauptseminar: Experimentalfilm und Videokunst 


Mo., 14-16 Uhr, wöchentlich, 15.10.2012 bis 11.02.2013 - Ha33 - 150 

SWS 2 


In den letzten Jahren ist es wesentlich einfacher geworden, zentrale Werke des Experimentalfilms 

und der frühen Videokunst in einer Lehrveranstaltung zu behandeln, denn mittlerweile können 

diese entweder in unserer Bibliothek ausgeliehen werden oder sind im Internet verfügbar. 

Deshalb sollen in diesem Seminar einige dieser Arbeiten genauer analysiert werden. Die Auswahl 

beschränkt sich auf zum Teil sehr bekannte Werke, die von 1943 bis zur Mitte der Siebziger Jahre 

in Nordamerika entstanden, doch weitere können natürlich zum Vergleich herangezogen werden. 

Dabei sollen vor allem die unterschiedlichen Konzeptionen deutlich werden, die in den jeweiligen 

Arbeiten zum Ausdruck kommen. Zur Vorbereitung empfiehlt sich der Besuch des Kongresses 

Think, Film!, der vom 10. bis 14. Oktober in den Räumen der Akademie der Künste stattfinden wird. 

Wer ein Referat übernehmen möchte, sollte sich in die Liste eintragen, die ab Mitte Juli auf dem 

Gang in der Nähe der Seminarräume 150 und 151 aushängt. Für die einzelnen Sitzungen sind 

folgende Themen geplant: 


22. Okt. Maya Deren: Meshes of the Afternoon, 1943 

29. Okt. Kenneth Anger: Fireworks, 1947 

5. Nov. Sidney Peterson: The Cage, 1947 

12. Nov. Stan Brakhage: Mothlight, 1963 

19. Nov. Marie Menken: Go! Go! Go!, 1964 

26. Nov. Tony Conrad: The Flicker, 1966 

3. Dez. Carolee Schneemann: Fuses, 1967 

10. Dez. Michael Snow: Wavelength, 1967 

17. Dez. George Landow: Remedial Reading Comprehension, 1970 


22

7. Jan. Hollis Frampton: (nostalghia), 1971 

14. Jan. Joan Jonas: Vertical Roll, 1972 

21. Jan. Peter Campus: Three Transitions, 1973 

28. Jan. Lynda Benglis: Female Sensibility, 1973 

4. Feb. Martha Rosler: Semiotics of the Kitchen, 1975 


Bemerkungen: 

Für Gast- und Nebenhörerinnen und Gast- und Nebenhörer geeignet. 





Hauptseminar: Malerei der Gegenwart 


Di., 10-12 Uhr, wöchentlich, 16.10.2012 bis 12.02.2013 - Ha33 - 150 

SWS 2 


In diesem Seminar, das sich besonders an die Studierenden der bildenden Kunst richtet, geht es 

um unterschiedliche Positionen gegenwärtiger Malerei. Es sollen Arbeiten von sieben Malerinnen 

und sieben Malern aus dem deutschsprachigen Raum besprochen werden, die insgesamt zwar 

keinen repräsentativen Überblick über alle wichtigen Tendenzen der heutigen Malerei bieten, aber 

doch in exemplarischer Weise verdeutlichen können, wie gegensätzlich die Auffassungen von 

Malerei in der Gegenwart sein können. Wer ein Referat übernehmen möchte, sollte sich in die 

Liste eintragen, die ab Mitte Juli auf dem Gang in der Nähe der Seminarräume 150 und 151 

aushängt. Für die einzelnen Sitzungen sind folgende Themen geplant: 


23. Okt. Karin Kneffel (* 1957) 

30. Okt. Jutta Koether (* 1958) 

6. Nov. Adrian Schiess (* 1959) 

13. Nov. Neo Rauch (* 1960) 

20. Nov. Katharina Grosse (* 1961) 

27. Nov. Daniel Richter (* 1962) 

4. Dez. Corinne Wasmuth (* 1964) 

11. Dez. Kai Althoff (* 1966) 

18. Dez. Tomma Abts (*1967) 


8. Jan. Antje Majewski (* 1968) 

15. Jan. Anselm Reyle (* 1970) 

22. Jan. Silke Otto-Knapp (* 1970) 

29. Jan. Andre Butzer (* 1973) 

5. Feb. Sergej Jensen (* 1973) 


Bemerkungen: 


23





Hauptseminar: Das Auge und der Blick, Teil II 


Di., 14-16 Uhr, wöchentlich, 16.10.2012 bis 12.02.2013 - Ha33 - 150 

SWS 2 


Im Sommersemester 2012 wurde in dem Seminar, das diesem vorausging, zunächst einmal die 

Analyse des Blicks diskutiert, die Jean-Paul Sartre 1943 in seinem Buch Das Sein und das Nichts 

vorgelegt hat. Die Strukturen, die Sartre dabei beschreibt, finden sich in erstaunlicher Parallelität 

in Steven Spielbergs erstem Kinofilm Duel von 1971 wieder. Doch dieser Film kann zugleich 

auch die Überlegungen veranschaulichen, die Jacques Lacan in direktem Anschluss an Sartre zum 

Thema des Blicks angestellt. Da diese Überlegungen aber ebenso auch von der Phänomenologie 

der Wahrnehmung inspiriert sind, die Maurice Merleau-Ponty ausgearbeitet hat, konzentrierte 

sich die Diskussion zunächst einmal auf diese. Für das Wintersemester ist nun geplant, 

gemeinsam das Kapitel „Vom Blick als Objekt klein a“ aus Lacans Seminar XI mit dem Titel Die 

vier Grundbegriffe der Psychoanalyse zu lesen, um uns dessen – nicht gerade einfache – Argumentation 

(auch mit Hilfe von ausgewählter Sekundärliteratur) verständlich zu machen. Da dieses Seminar 

dem gemeinsamen Lesen und Nachdenken gewidmet ist und deshalb keine Referate gehalten 

werden, gibt es keine Möglichkeit, einen Leistungsnachweis zu erwerben. 

Bemerkungen: 






Kolloquium: Besprechung kunstwissenschaftlicher Arbeitsvorhaben 


Di. 13-14 Uhr, wöchentlich, 16.10.2012 bis 12.02.2013 - Ha33 - 149 

SWS 1 


Bemerkung: 

Auch für Gast- und NebenhörerInnen geeignet. 




Hauptseminar: Die Kunst des Barock in Rom 


Mi. 16-18 Uhr, wöchentlich, 24.10.2012 bis 13.02.2013 – Ha33 - 151 

24

SWS 2 



Rom kann als die Hauptstadt des italienischen Barock bezeichnet werden, da hier durch den Sitz 

des Papstes und eines großen Kreises von wohlhabenden Auftraggebern zahlreiche Bildende 

Künstler (Gianlorenzo Bernini, Francesco Borromini, Pietro da Cortona, Caravaggio, Peter Paul 

Rubens etc.) angezogen wurden, die neben Werken der Malerei wegweisende Bauten und 

Denkmäler ausgeführt haben. 

Ziel des Seminars ist es, Hauptwerke des römischen Barock aus Malerei, Skulptur und 

Architektur vorzustellen und dabei die sozialen und politischen Rahmenbedingungen zu 

beleuchten, die zu dieser Kunstproduktion geführt haben. 

Es ist geplant, mit den TeilnehmerInnen des Seminars im Sommersemester 2013 eine 

mehrtägige Exkursion nach Rom zu unternehmen, daher ist die Teilnehmerzahl auf 20 

beschränkt (Voraussetzung sind die regelmäige Teilnahme und die Übernahme eines Referats). 

Literatur zur Einführung: 

Dietrich Erben: Die Kunst des Barock, München 2011. 

Barock im Vatikan. 1572 - 1676; eine Ausstellung der Kunst- und Ausstellungshalle der 

Bundesrepublik Deutschland, Bonn, in Kooperation mit den Musei Vaticani ... 25. November 

2005 bis 19. März 2006, Kunst- und Ausstellungshalle der BRD, Bonn ; 12. April bis 10. Juli 

2006, Martin-Gropius-Bau, Berlin. 

Arne Karsten: Künstler und Kardinäle: vom Mäzenatentum römischer Kardinalnepoten im 

17.Jahrhundert, Köln u.a. 2003. 

Bemerkung: 

fkü. 





Kolloquium: Kolloquium 


Di. 16-18 Uhr, wöchentlich, 23.10.2012 bis 12.02.2013 – Ha33 - 151 

SWS 2 


Das Kolloquium richtet sich an alle Studierenden, die sich auf den Abschluss des BA oder MA- 

Studiums vorbereiten. 

Hauptsächliches Ziel des Kolloquiums ist es, zur Vorbereitung auf die Abschlussarbeiten das 

eigenständige wissenschaftliche Arbeiten konkret zu üben, die individuellen Arbeiten (BA oder 

MA) durch Vorstellung und Diskussion der Themen zu begleiten und grundsätzliche 

methodische Fragen der Kunstgeschichte zu erörtern. Darüber hinaus sind einzelne Sitzungen 

auch Überblicksthemen gewidmet, wie sie in den Prüfungen behandelt werden. Der Besuch 

ausgewählter Berliner Museen soll das Spektrum der für die Prüfung relevanten Werke erweitern. 

Die spezifischen Themen des Semesters werden sich dabei aus den Interessen und 

Arbeitsbereichen der TeilnehmerInnen ergeben und in der ersten Sitzung festgelegt. 

25

Das Kolloquium steht neben den PrüfungskandidatInnen (denen die Veranstaltung dringend 

angeraten wird) allen Studierenden offen, die ihre wissenschaftlichen Fragestellungen oder 

Projekte und ihre schriftlichen Arbeiten diskutieren wollen. Der konkrete Semesterplan (samt 

externer Termine) wird in der ersten Sitzung gemeinsam entwickelt. 

Dr. Kassandra Nakas 

Hauptseminar: Ohne Form. Das Formlose als ästhetischer Gegenentwurf zur Form im 

20. Jahrhundert 


Di. 12-14 Uhr, wöchentlich, 16.10.2012 bis 12.02.2013 - Ha33 - 150 

SWS 2 


Während „Form“ als ästhetische Kategorie eine lange, in die Antike zurückreichende Tradition 

hat, wird das „Formlose“, oder die Formlosigkeit, erst mit Beginn der Moderne explizit 

theoretisiert. Mithilfe von Begriffen wie „amorph“, „informe“ oder dem Informellen werden 

dabei vor allem seit dem frühen 20. Jahrhundert verschiedene Aspekte eines konzeptuellen 

Gegenentwurfs zur Form als klar erkenn- bzw. lesbare Gestalt aufgerufen, als deren kleinster 

gemeinsamer Nenner wohl die Betonung materieller bzw. stofflicher Eigenschaften gelten kann. 

Im Seminar sollen verschiedene Aspekte des Formlosen in bildender Kunst und ästhetischen 

Debatten seit Beginn des 20. Jahrhunderts thematisiert werden. Einen Schwerpunkt wird dabei 

der Begriff des „Formlosen“ (informe) bei Georges Bataille (1929) sowie dessen Rezeption in der 

antiformalistischen Kunstkritik von Rosalind Krauss und Yve-Alain Bois (Formless: A User‘s 

Guide, 1997) bilden. Aber auch andere, stärker an der künstlerischen Praxis orientierte 

Problematisierungen von Form wie etwa im Begriff des „Amorphen“, der in den 1910er Jahren 

Konjunktur hatte, oder in prozessualen Werkkonzeptionen der Kunst nach 1945 sollen zur 

Sprache kommen. 

Voraussetzung für einen Leistungsnachweis ist die regelmäßige Teilnahme sowie die Übernahme 

eines ca. 45-minütigen Referats mit schriftlicher Ausarbeitung. Voraussetzung für eine 

Teilnahmebescheinigung ist die regelmäßige Teilnahme sowie die Übernahme eines ca. 20-minütigen 

Kurzreferats (ohne schriftliche Ausarbeitung). 

Ausreichende Englischkenntnisse zur Lektüre relevanter Texte werden ebenfalls vorausgesetzt. 


Georges Bataille, „Formlos“, in: Kritisches Wörterbuch. Beiträge von Georges Bataille u.a., hg. u. 

übers. von Rainer Maria Kiesow und Henning Schmidgen, Berlin: Merve, 2005, S. 44-45. 

Bois, Yve-Alain, Krauss, Rosalind: Formless: A User’s Guide,New York: Zone Books, 1997. 

Rübel, Dietmar: Plastizität: Eine Kunstgeschichte des Veränderlichen, München: Schreiber, 2012. 


Für Gast- und Nebenhörerinnen und Gast- und Nebenhörer geeignet. 



26

Ulrich Riedel 


(für Studierende der Bildenden Kunst) 


Mi. 16-20 Uhr, wöchentlich, 17.10.2012 bis 13.02.2013- Ha33 - 004 

SWS 4 



Die Lehrveranstaltung „Einführung in die Kunstwissenschaft“ soll den Studierenden das 

umfängliche Feld kunstwissenschaftlicher Betrachtung- und Arbeitsweisen für das Studium näher 

bringen, um so die Kritikfähigkeit durch „Auge und Geist“ zu schärfen. 

Neben der Vermittlung des methodischen und technischen Rüstzeugs für das selbstständige 

wissenschaftliche Arbeiten, soll auch über Grenzen und Sinn kunstwissenschaftlicher 

Vertiefungen aus Sicht der Kunstproduzenten, also den Künstlern, reflektiert werden. 

Leitstrahl der Veranstaltung ist weniger ein chronologischer Überblick über die Geschichte der 

Kunst, als vielmehr das epochenübergreifende Konzept einer thematischen Verknüpfung 

historischer, jüngerer und aktueller künstlerischer Positionen, um so Kontinuitäten und Brüche 

freizulegen. Neben der Lektüre kunsttheoretischer Texte, sollen Übungen in situ, d.h. vor 

Originalen in Ausstellungen, aber auch eigene Referate und Textprodukte die Kenntnisse über 

vergangene und gegenwärtige Kunst vertiefen und die Diskussionen befeuern. 

Fr. Legemahs gleichnamiges Einführungsseminar im Dienstag unterscheidet sich nicht in der 

Zielsetzung von dieser Lehrveranstaltung. Der Besuch einer der beiden Kurse ist verpflichtend. 

Leider nicht offen für Gast- und Nebenhörer – nur für Studierende der Bildende Kunst in der 

Grundlehre. 


- Gombrich, Ernst H.: Die Geschichte der Kunst, Frankfurt am Main 1996. 

(Gut verständliches und ziemlich umfassendes kunsthistorisches Überblickswerk. Ein 

Klassiker.) 

- Heiser, Jörg: Plötzlich diese Übersicht – Was gute zeitgenössische Kunst ausmacht, Berlin 2007 

(Eher unkonventioneller Versuch einer Kategorisierung jüngerer und aktueller Kunst 

unter einem thematischen Aspekt, bspw. das lohnende Kapitel „Kunst mit Slapstick“.) 

- Boehm, Gottfried; Bredekamp, Horst: Ikonologie der Gegenwart, München 2009 

(Sammlung von Vorlesungen unterschiedlichster Autoren zum Thema Bildtheorie) 

Bemerkung: Leider nicht offen für Gast- und Nebenhörer – nur für Studierende der Bildende 

Kunst in der Grundlehre. 

Wilhelm Rosskamm 

Proseminar: Kunst und Philosophie im Denken von Gilles Deleuze 


Do. 18-20 Uhr, wöchentlich, 18.10.2012 bis 14.02.2013 - Ha33 - 151 

SWS 2 


27

Gilles Deleuze (1925-1995) hat sich in seinem Spätwerk nicht nur dem Film zugewandt, sondern 

auch zahlreiche Überlegungen zur Bildenden Kunst angestellt. Das Seminar will sich mit dem 

Verhältnis zur Bildenden Kunst in der Philosophie von Deleuze beschäftigen. Geprägt ist dieses 

Verhältnis durch zwei Pole: einen kunstwissenschaftlichen und einen kunstphilosophischen, die 

beide relativ unabhängig voneinander im Werk von Deleuze bestehen. 

Bei seinem Buch über Francis Bacon handelt es sich nicht nur um eine Monographie, sondern 

Deleuze schlägt hier im Anschluss an die kunstwissenschaftliche Tradition von Riegl, Wölfflin 

und Worringer auch eine eigenständige Geschichtsschreibung der abendländischen Malerei vor. 

Dabei entfaltet er ausgehend und in Differenz zur Epoche der klassischen Repräsentation eine 

Archäologie der modernen Kunst und entwickelt wichtige Konzeptionen zu Farbe, Linie, Raum 

und Licht. 

Im Gegensatz zu den konkreten Analysen zur Kunstgeschichte geht es andererseits um 

allgemeine kunstphilosophischen Fragen, wie z.B.: Was ist Kunst? Wie und wodurch 

unterscheidet sie sich von Philosophie und Wissenschaft? Was heißt Denken in Bezug auf die 

Kunst? usw. Dabei spielt die vor allem für die moderne Kunst zentrale Frage nach der 

Materialität und Medialität der Künste eine entscheidende Rolle. 

Diese beiden kunsttheoretischen Seiten sollen im Seminar anhand ausgewählter Beispiele aus der 

Kunstgeschichte vorgestellt und diskutiert werden. Im Mittelpunkt stehen Lektüren aus 

folgenden Büchern von Deleuze: Francis Bacon. Logik der Sensation (München 1995) und den 

gemeinsam mit Félix Guattari verfassten Werken Was ist Philosophie? (Frankfurt am Main 1996) 

und Tausend Plateaus (Berlin 1992). Als notwendige Ergänzung bedarf es dabei immer wieder auch 

den Rückgriff auf andere Schriften von Deleuze, um einzelne Begriffe seiner eigentlichen 

Philosophie zu präzisieren und in die Diskussion einzuführen. 

Mein Interesse an dem Seminar und an Deleuze besteht in der Frage, was dazwischen passiert: 

Worin besteht der Zusammenhang zwischen Wahrnehmung und Kunst? Was geschieht bei der 

Transformation von einem künstlerischen Medium in ein anderes? Und welche 

Korrespondenzen gibt es zwischen Kunst und Philosophie bzw. den Wissenschaften? Deshalb 

soll zum Abschluss des Seminars mit Deleuze, aber auch über ihn hinaus die Frage behandelt 

werden, wie eine Begegnung zwischen Kunst und Philosophie – theoretisch, wie auch praktisch – 

möglich sein kann. 

Literatur: 

Als vorbereitende Lektüre wird das Kapitel über Kunst (Kap. VII: Perzept, Affekt und Begriff) in 

Was ist Philosophie? und das Interview Die Malerei entflammt das Schreiben (in: Schizophrenie und 

Gesellschaft. Texte und Gespräche 1975-1995, Frankfurt am Main 2005, S. 173-178) empfohlen. 





Dr. Ursula Ströbele 

Seminar: Ateliers der Gegenwart – technische Produktionsstätten und/oder 

geheimnisvolle Kulträume? 


Do., 16-18 Uhr, wöchentlich, 18.10.2012 bis 14.02.2013 - Ha33 - 110 

SWS 2 


28

In Berlin haben sich in den letzten 15 Jahren zahlreiche internationale Künstler ihre Ateliers 

eingerichtet. Sie besitzen – entsprechend der Vielfalt der gegenwärtigen Kunstproduktion – 

einen ganz unterschiedlichen Charakter. Dieser reicht vom klassischen Maleratelier über 

fabrikartige Produktionsstrukturen bis hin zum Atelier als „Labor“ (Olafur Eliasson) mit 

Mitarbeitern verschiedener wissenschaftlicher Disziplinen. Das Atelier ist dabei in mehrererlei 

Hinsicht kunsthistorisch interessant: zum einen zeigt es das große Spektrum künstlerischer 

Arbeitsweisen und -materialien. Zum anderen dient es mehr und mehr nicht nur als Arbeitsort, 

sondern wird von den Künstlern auch reflexiv gesehen und ist durchaus Teil einer 

Selbstinszenierung. 

In den kunsttheoretischen Diskussionen der letzten Jahre rückte der Künstler selbst neben 

seinem Werk mit seiner individuellen Persönlichkeit und deren Inszenierungsstrategien 

zunehmend ins Zentrum der Aufmerksamkeit. Viele Künstler treten in die Öffentlichkeit, geben 

Interviews, erlauben Einblicke in ihre Ateliers und kuratieren eigene Ausstellungen. Nur wenige 

ziehen sich ganz zurück und erinnern an den romantischen Mythos, vergleichbar Balzacs 

Frenhofer. 

Die jüngsten Entwicklungen betreffen dabei nicht nur eine Trennung der technischen 

Aufgabenbereiche in einzelne, teils ausgelagerte und damit extern professionalisierte 

Produktionsschritte à la Andy Warhols „Factory“, sondern auch eine wachsende Auffächerung 

künstlerischer Sparten auf rezeptionsästhetischer Seite. Das Atelier in seinen vielschichtigen 

Funktionen als Repräsentationsort, Raum für Selbstdarstellung, handwerklicher 

Produktionsstätte, kreatives Gedankenlabor, geheimnisvoll umwobener Rückzugsort und 

zugleich entscheidende Schnittstelle zur Außenwelt ist eng mit divergierenden, gesellschaftlich 

etablierten Künstler-Bildern verflochten. Es verkörpert dessen Person und spiegelt die 

unterschiedlichen Weisen von Kunstentstehung wieder. Sein Besucher schwankt zwischen 

Sensationslust und Neugierde, fühlt sich als Entdecker mit dem Wunsch eines „heimlichen“ 

Schulterblicks und der Nähe zum künstlerischen „Genie“. 

Das Seminar thematisiert diese verschiedenen Aspekte zeitgenössischer Strukturen und 

berücksichtigt auch in einem kunsthistorischen Rückblick entscheidende Vorläufer, darunter 

barocke Maler- und Bildhauereiwerkstätten und den Topos des romantischen Künstlerateliers. 

Einzelne Atelierbesuche sind geplant. Die Besprechung des Seminarprogramms und die Vergabe 

von Referaten erfolgen in der Einführungsveranstaltung. 


Brian O´Doherty, Atelier und Galerie, Berlin 2012. 

Paolo Bianchi (Hg.), Das Atelier als Manifest, in: Kunstforum International, Band 208, 2011. 

Michael Diers / Monika Wagner (Hg.), Topos Atelier. Werkstatt und Wissensform, Berlin 2010. 

Mary JaneJacob / Michelle Grabner (Hg.),The studio reader. On the space of artists, Chicago 

2010. 

Wouter Davidts, The fall of the studio. Artists at work, Amsterdam 2009. 

Giles Waterfield, The artist´s studio, Compton Verney 2009. 

David Seidner, Artists at Work. Inside the Studios of Today’s Most Celebrated Artists, New 

York 1999. 

Pascal Griener / Peter Schneemann (Hg.), Künstlerbilder, Frankfurt/Main 1998. 

Oskar Bätschmann, Ausstellungskünstler. Kult und Karriere im modernen Kunstsystem, Köln 

1997 

Bemerkung: 




29

Denise Toussaint M.A. 

Proseminar: „Primitivismus” und Exotismus im 20. und 21. Jahrhundert – Die Kunst 

Afrikas im europäischen Kontext 


Do., 10-12 Uhr, wöchentlich, 18.10.2012 bis 14.02.2013- Ha33 - 110 

SWS 2 


Die Kunst Afrikas gilt als entscheidender Motor der europäischen Moderne. Im frühen 20. 

Jahrhundert geben Künstler wie Picasso, Gauguin oder die Maler der Brücke mit ihrem 

sogenannten „Primitivismus“ den Umgang mit Kunst aus Afrika vor und beeinflussen deren 

Rezeption in Europa nachhaltig. Heute, vor dem Kontext postkolonialer Theorien und globaler 

Zusammenhänge, steht diese Rezeption afrikanischer Kunst vor einem notwendigen Wandel. 

Nicht zuletzt die Errichtung des Humboldt Forums als einem Ort kultureller Begegnung zeugt 

von der Bedeutung, die außereuropäischer Kunst in der zeitgenössischen Museumslandschaft 

jüngst zugemessen wird. 

In dieser Veranstaltung soll ein Blick auf die Geschichte der Kunst Afrikas im europäischen 

Kunstkontext geworfen werden. Von den Anfängen der Afrika-Rezeption in den Ethnologischen 

Museen über den sogenannten „Primitivismus“-Diskurs bis hin zu den großen zeitgenössischen 

Afrika-Ausstellungen der letzten Jahre soll das Afrika-Bild in der westlichen Kunstlandschaft 

reflektiert werden. Die verschiedenen Fragestellungen, die sich aus der Beschäftigung mit Kunst 

aus Afrika ergeben, sollen dabei ebenso zur Diskussion gestellt werden, wie auch die Probleme 

eines eurozentristischen Kunstbegriffs. 


Enwezor, Okwui: Großausstellungen und die Antinomien einer transnationalen globalen Form. 


Enwezor, Okwui; Okeke-Agulu, Chika: Contemporary African art since 1980. Bologna 2009. 

Flam, Jack; Deutch, Miriam (Hg.): Primitivism and twentieth-century art. A documentary history. 

Berkely 2003. 

Goldwater, Robert: Primitivism in modern art. Cambridge, London 1986. 

Kazeem, Belinda; Martinez-Turek, Charlotte; Sternfeld, Nora: Das Unbehagen im Museum. 

Postkoloniale Museologien. Wien 2009. 

Kittelmann, Udo; Okeke-Agulu, Chika; Schmitz, Britta: Who knows tomorrow. Köln 2010. 

Rubin, William (Hg.): Primitivismus in der Kunst des 20. Jahrhunderts. München 1984. 

Segalen, Victor: Die Ästhetik der Differenz. Versuch über den Exotismus. Frankfurt am Main 

1994. 

Vogel, Susan; Frankel, David: Africa Explores. African Art in the 20th Century. New and 

Renewed Forms in Twentieth Century African Art. München 1991. 

Bemerkung: 



30

Elena Zanichelli 

Seminar: Straßenfotografie: vom Stadt- zum Ausstellungsraum 


Mi, 14-18 Uhr, Einzel, am 17.10.2012 

Mi, 14-18 Uhr, BlockSa, 18.01.2013 bis 19.01.2013 

Mi, 14-18 Uhr, BlockSa, 25.01.2013 bis 26.01.2013- Ha33 - 110 

SWS 2 


Fotos von Passanten werden oft in der Tradition der Straßenfotografie gelesen, im Sinne der 

Aufzeichnung einer momenthaften und spontan wirkenden Isolierung von Motiven aus der 

anonymen Menge (Henri Cartier-Bresson) bzw. im Sinne eines dokumentarischen Realismus 

(Walker Evans). Spätestens Mitte der 1960er Jahre wurde die Straßenfotografie in künstlerischen 

Arbeiten eingesetzt und hinterfragt: durch konzeptuell angelegte Fotoserien, die das eigene 

Herstellen von Bedeutung reflektieren (Douglas Huebler) oder etwa durch eine Repolitisierung 

des Stadtraums mittels der fotografischen Dokumentation (Allan Sekula). Formale Typologien 

der Straßenfotografie wurden wiederum ab den 1980er Jahren von KünstlerInnen wie Jeff Wall 

inszenierend aufgegriffen. 

Das Seminar wird die Wechselwirkung zwischen dem jeweils abgebildeten sozialen Moment, den 

Repräsentationsformen von Männern/Frauen in der Menge sowie deren Präsentationsmodi im 

Ausstellungsraum betrachten. Wir werden u.a. Arbeiten der Zeitgenossen Beat Streuli, Gillian 

Wearing und Philip-Lorca diCorcia analysieren und die Frage stellen, wie Spontaneität, 

Authentizität und Zufall repräsentiert werden. 


Open city: Street Photographs since 1950, Kat.Museum ofModern Art,Oxford et al., Ostfildern-Ruit 

2001. 

Street and Studio. Eine urbane Geschichte der Fotografie, Kat. Folkwang Museum et al. 2008. 

The last Picture Show: Artists using Photography 1960 – 1982, Kat.WalkerArtCenterMinneapolis, 

Minnes., et al. 2004. 

Sophie Howarth, Stephen McLaren, Street photography now,London, 2011. 

Colin Westerbeck / Joel Meyerowitz, Bystander: A history of Street Photography,Boston 1994 

Bemerkungen: 



Bemerkungen: 



31

ERLÄUTERUNGEN ZUM STUDIUM AM INSTITUT FÜR 

KUNSTWISSENSCHAFT UND ÄSTHETIK 

DER UDK BERLIN 

Wer braucht welche Scheine? 

Studierende der Freien Kunst 

Der wissenschaftliche Teil des Studiums umfasst das Lehrangebot des Instituts für 

Kunstwissenschaft und Ästhetik. 

Benötigt werden 5 Scheine im gesamten Studium: 

[1 Schein während Grundlehre (1. und 2. Semester) – diese Veranstaltung wird i.d.R. von 

einem/r Dozenten/in der Grundlehre geleitet.] 

2 unbenotete Scheine (Proseminar-Scheine) im Grundstudium, 2 unbenotete Scheine 

(Hauptseminar-Scheine) im Hauptstudium. 

Studierende der Freien Kunst müssen für einen (unbenoteten) Schein i.d.R. ein Referat mit 

schriftlicher Ausarbeitung erbringen (ca. 10 Seiten im Proseminar, ca. 15 Seiten im 

Hauptseminar). 

Die Scheine sollten in den Lehrveranstaltungen des Instituts für Kunstwissenschaft und Ästhetik 

erworben werden. Bei Vorlage der entsprechenden Arbeiten und in Rücksprache mit den 

ProfessorInnen des Instituts können auch Scheine aus Seminaren an anderen Hochschulen 

anerkannt werden. 

Studierende Bachelor / Master 

Analog für BA1 und BA2: Während des Studiums müssen 6 Seminare belegt werden, davon 

jeweils 3 im Modul 3 bzw. im Modul 4. 

Studium im Modul 3: Kunstwissenschaft Pflicht: Einführung 

- Eines der Seminare in Modul 3 muss die im Wintersemester angebotene LV „Einführung in die 

Kunstgeschichte“ (Modul 3.1) sein, sie sollte im ersten Studiensemester belegt werden. 

- In einem der beiden anderen Seminare in Modul 3 muss ein benoteter Schein (Referat mit ca. 

10-seitiger schriftlicher Ausarbeitung) erbracht werden. 

32

Studium im Modul 4: Kunstwissenschaft Pflicht: Vertiefung 

- Das Modul kann frühestens im 3. Fachsemester studiert werden. 

- In einem der 3 Seminare in Modul 4 muss ein benoteter Schein (Referat mit ca. 15-seitiger 

schriftlicher Ausarbeitung) erbracht werden. 

Modulabschlussprüfungen: 

Modul 3: 

Die Modulabschlussprüfung wird in der Regel am Ende des dritten Semesters abgelegt. Sie 

besteht aus einer 15minütigen mündlichen Prüfung und wird benotet. Die Prüfungsinhalte 

entstammen der Lehrveranstaltung, (3.2 oder 3.3), in der der/die Studierende keinen benoteten 

Schein erbracht hat. 

Voraussetzung zur Prüfungsanmeldung ist die erfolgreiche Teilnahme an den drei Seminaren des 

Moduls 3; nur in Ausnahmefällen kann der benotete Schein nachgereicht werden. 

Zur Prüfungsanmeldung legen Sie dem/r PrüferIn das Modulblatt vor und klären mit ihm/r den 

konkreten Prüfungstermin ab. In der Regel finden die Modulabschlussprüfungen von Modul 3 in 

der letzten Vorlesungswoche statt, und zwar in dem ‚Zeitfenster’, das für die jeweilige 

Veranstaltung, zu der die Prüfung abgelegt wird, vorgesehen ist. Wer jeweils als BeisitzerIn 

fungiert, wird unter den DozentInnen des Instituts abgestimmt. Wird die Prüfung bei einem/r 

Lehrbeauftragten abgelegt, sollte der/die BeisitzerIn ein/e ProfessorIn des Instituts sein. 


Nach Abschluß der Prüfung leitet der/die PrüferIn die Prüfungsunterlagen (Modulblatt und 

Protokoll) über die Fakultätsverwaltung (Frau Kotala) an den Prüfungsausschuss weiter, von 

dort gehen die Unterlagen an das Prüfungsamt (IPA). Dort wird die Bescheinigung über die 

abgelegte Modulabschlußprüfung erstellt und an Sie versendet. 

Modul 4: 

Das Modul wird mit einer benoteten mündlichen Prüfung oder einer benoteten Klausur 

abgeschlossen. Die Prüfungsinhalte sollen ein breites kunstwissenschaftliches Spektrum abdecken 

und werden nach Absprache mit den PrüferInnen festgelegt. Für die Prüfung werden 2 

Themengebiete vereinbart. In der mündlichen Prüfung werden beide Themengebiete 

berücksichtigt (je 15 Minuten pro Teilgebiet), in der Klausur erhält der/die Studierende aus jedem 

33

Teilgebiet eine konkrete Aufgabe zur Wahl gestellt und bearbeitet dann eine der beiden Aufgaben 

innerhalb von 4 Stunden. 

Die mündliche Prüfung wird in der Regel durch 2 PrüferInnen abgenommen, die Klausur 

dementsprechend in der Regel von 2 PrüferInnen beurteilt. In beiden Fällen muss eine/r der 

PrüferInnen eine/r der kunstwissenschaftlichen ProfessorInnen sein. 

Voraussetzung zur Prüfungsanmeldung ist die erfolgreiche Teilnahme an den drei Seminaren des 

Moduls 4; der benotete Schein muss zur Anmeldung vorliegen. 

Zur Prüfungsanmeldung legen Sie zuerst Ihren PrüferInnen die Modulblätter vor, stimmen mit 

den PrüferInnen die beiden Themengebiete ab und vereinbaren den Prüfungstermin. 

Grundsätzlich ist es innerhalb der Vorlesungszeit jederzeit möglich, die Abschlußprüfung von 

Modul 4 abzulegen. Die Notwendigkeit der Terminkoordination verlangt jedoch einen Vorlauf 

von mindestens 14 Tagen vor dem gewünschten Prüfungstermin. Eine Anmeldung ist folglich 

letztmalig jeweils 14 Tage vor Ende der Vorlesungszeit möglich. 


Nach Abschluß der Prüfung leiten die PrüferInnen die Prüfungsunterlagen (Modulblatt und 

Protokoll) über die Fakultätsverwaltung (Frau Kotala) an den Prüfungsausschuss weiter, von 

dort gehen die Unterlagen an das Prüfungsamt (IPA). Dort wird die Bescheinigung über die 

abgelegte Modulabschlußprüfung erstellt und an Sie versendet. 

Bachelorarbeit 

Die Bachelorarbeit schließt das Bachelor-Studium ab. Eine kunstwissenschaftliche Bachelor- 

Arbeit soll zeigen, dass der/die Studierende in der Lage ist, ein Thema aus dem Bereich 

Kunstwissenschaft und Ästhetik nach wissenschaftlichen Methoden zu bearbeiten. Die 

Bachelorarbeit wird betreut vom/von der ErstgutachterIn; in Absprache mit diesem/dieser 

erfolgt die Themenstellung. Der/Die Studierende ist berechtigt, eine/n ZweitgutacherIn 

vorzuschlagen. Eine/r der beiden GutachterInnen der Bachelorarbeit muss ein/e 

kunstwissenschaftliche/r ProfessorIn des Instituts sein. 

Master-Studium 

Der Masterstudiengang baut auf dem Bachelor-Studium auf. Für die Sekundarstufe 1 und 2 (= 

MA-Studiengang 1) umfasst er 4 Semester, für die Primarstufe und Sekundarstufe 1 (= MA- 

Studiengang 2) umfasst er zur Zeit 2 Semester. 

Die Master-Thesis schließt das Master-Studium ab. 

Weitere Informationen zu Studium und Prüfungen finden Sie in der Studien- und 

Prüfungsordnung. 

34

Studierende Staatsexamen 

Die LPO (Lehrerprüfungsordnung) legt den Umfang der Studien im Pflichtbereich 

Kunstwissenschaft (und im Wahlpflichtbereich) nicht genau fest, sondern überlässt den 

Fakultäten gewisse Gestaltungsspielräume. Nachfolgend ist aufgeführt, wie der Pflichtbereich 

Kunstwissenschaft in den verschiedenen Lehramtsstudiengängen in der Fakultät 1 studiert 

werden sollte. 

Im Grundstudium nachzuweisen sind 6 SWS im Pflichtbereich Kunstgeschichte/ 

Kunstwissenschaft. Eine Lehrveranstaltung muss ein Proseminar sein, nachgewiesen durch einen 

Proseminar-Schein. 

Im Hauptstudium nachzuweisen sind 

- L1-L3: 12 SWS im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft sowie ein Hauptseminar- 

Schein im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft, 

- Studienrat/-rätin Kunst: insgesamt 30 SWS im Pflichtbereich Kunstgeschichte/ 

Kunstwissenschaft und in den Wahlpflichtbereichen der Fachwissenschaft, sowie ein 

Hauptseminar-Schein im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft, 

- Großfach Kunst: 26 SWS im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft sowie zwei 

Hauptseminar-Scheine im Pflichtbereich Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft. 

Die Prüfung zum Staatsexamen für Studierende der Lehrämter L1-L3 besteht aus einer 

mündlichen Prüfung (30 min., 2 Themen) und einer Aufsichtsarbeit (4-5 Stunden), die optional 

auch im Wahlpflichtbereich abgelegt werden kann. 

Die Staatsexamens-Prüfung für Studierende Studienrat/-rätin Kunst besteht aus einer 

mündlichen Prüfung (60 min., 2 Themen) sowie einer wissenschaftlichen Hausarbeit oder einer 

Aufsichtsarbeit (4-5 Stunden), in Abhängigkeit von der Prüfungsleistung im Wahlpflichtbereich. 

Die Staatsexamens-Prüfung für Studierende des Großfachs Kunst besteht aus einer mündlichen 

Prüfung (60 min., 2 Themen) einer Aufsichtsarbeit (4-5 Stunden) sowie einer wissenschaftlichen 

Hausarbeit, die optional auch im Wahlpflichtbereich abgelegt werden kann. 

Weitere Informationen zu den Prüfungen zum Ersten Staatsexamen (Formulare, Termine u.a.) 

finden Sie unter www.senbjs.berlin.de. 

35

Weitere Informationen 

Einführungsveranstaltung für alle Studierenden: 

In jedem Wintersemester findet in der ersten Vorlesungswoche eine einmalige 

Informationsveranstaltung zum Studium der Kunstgeschichte/Kunstwissenschaft in der Fakultät 

1 statt. Der Termin wird über das Vorlesungsverzeichnis angekündigt. 

Einführungsveranstaltung für BA-Studierende: 

Wie oben erwähnt, findet in jedem Wintersemester die LV „Einführung in die Kunstgeschichte“ 

(Modul 3.1.) statt. Sie sollte im ersten Studiensemester belegt werden. Dort erhalten Sie auch eine 

„Leseliste“, die studienrelevante kunstwissenschaftliche Literatur enthält. Die entsprechenden 

Titel finden Sie in der Universitätsbibliothek (UB) in einem Handapparat. 

Sprechstunden: 

Bei Fragen zu Seminaren, Referaten, Prüfungsinhalten u.ä. besuchen Sie bitte die Sprechstunden 

der DozentInnen des Instituts; bitte melden Sie sich hierfür rechtzeitig an (per Email oder 

Eintrag in die Anmeldeliste an der Tür des/der jeweiligen DozentIn). 

Kolloquien: 

Bitte beachten Sie die Möglichkeit zur Prüfungsvorbereitung in den von den ProfessorInnen des 

Instituts angebotenen Kolloquien für PrüfungskandidatInnen. 

Die Diathek 

Für Lehre und Forschung gehören Abbildungen – sowohl in digitaler als auch in analoger Form 

– zu den wichtigsten Hilfsmitteln und Studienobjekten. Am Institut für Kunstwissenschaft und 

Ästhetik kommen sowohl der Diaprojektor als auch der Beamer zur Präsentation eines Referats 

oder während einer Vorlesung zum Einsatz. Es ist ratsam, den Einsatz rechtzeitig vorher mit 

dem Dozenten abzusprechen, da die Ausstattung in den unterschiedlichen Räumen variieren 

kann. 

Hier soll kurz über die Benutzung und Ausstattung der Diathek informiert werden. Wenn eine 

Ihrer Fragen in dieser Beschreibung unbeantwortet geblieben ist, besuchen Sie bitte die Website 

des Instituts – dort sind ausführlichere und aktuelle Informationen zu finden, wie zum Beispiel 

die Öffnungszeiten. Sie können sich auch persönlich, telefonisch oder per E-Mail an die 

Mitarbeiter der Diathek wenden. 

Die Kontaktdaten sind: 

Diathek Udk, Fakultät Bildende Kunst 

Hardenbergstr. 33 ▪ Raum 155 

10595 Berlin-Charlottenburg 

E-Mail diathek@udk-berlin.de ▪ Telefon 030 3185 2244 

36

Die Diathek des Instituts für Kunstwissenschaft und Ästhetik steht allen Lehrenden und 

Studierenden der Universität der Künste Berlin für Unterricht und Forschung zu Verfügung. Zu 

den Leistungen und Aufgaben der Diathek gehören: 

 

 

 

Anfertigung und Archivierung von digitalen und analogen Reproduktionen 

Ausleihe von Kleinbilddias: 

Für Referate oder Vorträge können maximal 30 Dias ausgeliehen werden. Die 

Ausleihdauer beträgt maximal 4 Wochen. 

Annahme von Aufträgen für neue Reproduktionen: 

Pro Auftrag können bis zu 15 Scans oder Dias bestellt werden. Die Anfertigungsdauer 

liegt bei ca. 14 Tagen. Vergessen Sie nicht, einen USB-Stick zur Abholung der Scans 

mitzubringen! 

prometheus – www.prometheus-bildarchiv.de 

Die Verbunddatenbank prometheus ermöglicht es, über eine gemeinsame Suchmaske die 

digitalen Bestände zahlreicher kunsthistorischer Institute, Museen und Archive zu recherchieren. 

Insgesamt sind dort ca. 550.000 Abbildungen vertreten. 

Die Universitätsbibliothek der UdK hat eine prometheus-Campuslizenz, über die Sie sich ohne 

persönliche Registrierung einloggen können, wenn Sie im Netz der UdK online sind (z. B. im 

PC-Pool, über das WLAN oder in der Bibliothek). 

Daneben gibt es auch die Möglichkeit einen personalisierten Zugang zu prometheus zu erhalten, 

der Ihnen eine Recherche von jedem internetfähigen Rechner erlaubt. Für die erstmalige 

Registrierung klicken Sie auf der Startseite auf „Neu anmelden“ und geben Ihre Daten ein. Zur 

Verifizierung Ihres Accounts legen Sie bitte eine gültige Studienbescheinigung in der Diathek vor. 

Alternativ können Sie auch persönlich in die Diathek kommen und einen schriftlichen Antrag 

ausfüllen. 

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Kommentiertes Vorlesungsverzeichnis für das Wintersemester 2012 ...

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