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Inhalt 

Gastkommentar 

Die Kunst in den böhmischen Ländern, 

Böhmen, Mähren und Schlesien, 

wurde von Anfang an im Zusammenhang 

mit der europäischen, christlich 

geprägten Kultur und als ein Teil derselben 

gepflegt. Bereits im 14. Jahrhundert, 

unter der Herrschaft Karls 

IV., oder zwei Jahrhunderte später, 

unter Rudolf II., avancierte Prag zu 

einer europäischen Kulturstätte ersten 

Ranges und einem Mittelpunkt der 

europäischen Bildung, einem Ort, an 

dem angesehene Maler, Bildhauer, 

Baumeister, Musiker, aber auch Astrologen 

und Alchemisten aus ganz 

Europa zusammentrafen. Die tschechische 

bildende Kunst blieb auch an 

der Wende des 19. zum 20. Jahrhundert 

auf dem laufenden, wo die ersten 

Kapitel der europäischen Moderne 

geschrieben wurden. Weltruhm erwarb 

unter anderem der Jugendstilmaler 

Alfons Mucha oder einer der 

Begründer der modernen abstrakten 

Malerei, František Kupka. Keine geringe 

Rolle in der europäischen Kunstgeschichte 

spielten der tschechische 

Kubismus und der Surrealismus. Der 

Erfolg des Tschechischen Pavillons auf 

der Weltausstellung in Brüssel 1958 

lieferte einen klaren Beweis dafür, daß 

die Kunst auch in der Zeit der erzwungenen 

Abschottung, verursacht durch 

das totalitäre Regime, ihren Weg ins 

Land gefunden hatte. Auch dieses 

traurige Kapitel verbindet uns mit unseren 

europäischen Nachbarn. 

Der Förderung des freien Kunstschaffens 

und der künstlerischen Vielfalt 

seitens des Kulturministeriums gebührt 

Priorität, genauso wie der Pflege 

des Kulturerbes und dem nichtkommerziellen 

Künstleraustausch. Gleichzeitig 

ist man bestrebt, das kulturell-spirituelle 

Klima hierzulande als Vermächtnis 

religiöser Traditionen in höchstem 

Maße zur Entfaltung zu bringen: möglichst 

günstige Bedingungen für Weiterbestand 

und erfülltes Leben der 

Religionsgemeinschaften zu schaffen 

und zur Verbreitung positiver ethischer 

Werte beizutragen. Sind es übrigens 

nicht vielfach Kirchen, die der 

Gesellschaft von heute nicht nur das 

religiöse, sondern auch das kulturelle 

Erbe vermitteln? 

Kunstliebhaber sind in Tschechien 

herzlich willkommen! Der Reichtum 

von Kunstsammlungen steht allen 

offen. Findet man zu Genuß und Seelenfrieden, 

dann hat sich der Besuch 

gelohnt. 

Václav Jehlička 

Kulturminister 

Stolz, Tschechin zu sein, 

ist die Kunstsammlerin Meda 

Mládková. 

Seite 4 –7 

Barocker Graveur in englischen 

Diensten: Václav Hollar 

Die 400. Wiederkehr seines 

Geburtstages steht dieses Jahr 

ins Haus. 

Seite 8 –11 

Hollarka-Penne 

Fachschule für Kunst Václav Hollar 

Seite 12 –13 

Giovanni Giacomo Komarek Boemo 

Königgrätzer Buchdrucker in Diensten 

römischer Kardinäle 

Seite 14 –15 

Exotische Sprache der Graphik 

Preisgünstig und originell, so sieht 

das Ausland die graphische Kunst 

Tschechiens. 

Seite 16 –19 

František Skála 

Seite 20 –21 

Nicht am Alter leiden 

Porträt des Künstlers und Performers 

Petr Nikls 

Seite 22 – 25 

Herzlandschaft, Herzlandschaft 

Kamil Lhoták hat sich seine 

Kunstfertigkeiten selbst angeeignet. 

Seite 26 –29 

Künstler und Außenseiter 

Meisterwerke zwischen Licht und 

Schatten sind die Bilder des Meisters 

der Nostalgie Jakub Schikaneder. 

Seite 30 –33 

Puzzle Tschechien 

Seite 34 –35 

Biennale Brünn 

Graphisches Design stellt sich vor. 

Seite 36 –38 

Die Zeitschrift Im Herzen Europas erscheint sechsmal jährlich 

und vermittelt auf ihren Seiten ein Bild über das Leben in 

der Tschechischen Republik. Die Beiträge präsentieren die 

Ansichten ihrer Autoren und müssen nicht mit den offiziellen 

Standpunkten der tschechischen Regierung übereinstimmen. 

Der Nachdruck der publizierten Materialien ist nur mit 

Zustimmung des Herausgebers gestattet. Abonnementbestellungen 

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Herausgegeben vom Verlag Theo in Zusammenarbeit mit dem 

Außenministerium der Tschechischen Republik. 

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J. Poppera 18, 530 06 Pardubice, Česká republika 

Chefredakteur: Pavel Šmíd 

Graphische Redaktion: Karel Nedvěd 

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und Pressesprecher des Außenministers 

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Hulec, Robert Janás, Milan Knížák, Martin Krafl, Eva Ocisková, 

Tomáš Pojar, Jan Šilpoch, Petr Vágner, Petr Volf, Marek Skolil 

Deutsche Übersetzung: Institut für Germanistik 

Philosophische Fakultät der Masaryk-Universität Brno 

Druck: VČT Sezemice 

Der Nachdruck der in der Zeitschrift Willkommen im Herzen 

Europas abgedruckten Texte ist ohne Genehmigung des 

Verlages und der Verfasser möglich. Im Falle des Interesses 

an Bildmaterialien bitte um Anfrage bei der Redaktion oder 

den jeweils genannten Photographen. 

Die Gestaltung und Übersetzung von Werbematerialien auf 

dem Umschlag liegt in Eigenverantwortung der Auftraggeber. 

ISSN 1211–9296 

Theo Verlag – Internet: 

http://www.theo.cz 

E-Mail: pavelsmid@theo.cz 

3

Stolz, Tschechin zu sein 

Frau Meda Mládková steht im Ruf 

einer wohlgesinnten Kunstmäzenin 

hierzulande, mag auch das Wort Mäzenatum 

heutzutage noch so obsolet 

klingen. Geboren wurde sie in Zákupy 

(Reichstadt) im Reichenberger 

Land (Liberecko). Nach 

Kriegsende ging sie zum 

Studium in die Schweiz und 

beschloß, nach der kommunistischen 

Machtübernahme 

in der Tschechoslowakei 

(1948) dort zu bleiben. 

Sie war an der Herausgabe 

der Exilzeitschrift 

Současnost beteiligt und erlangte 

Doktorwürde in den 

Wirtschaftswissenschaften. 

Von der modernen Kunst angetan, 

übersiedelte sie nach 

Paris, wo sie an der Sorbonne moderne 

Kunstgeschichte studierte. Sie begründete 

den Exilverlag Edition Sokolová 

(nach ihrem Mädchennamen benannt). 

Damals lernte sie Jan Mládek, eine in 

der Finanz bekannte Persönlichkeit, 

kennen. (Dieser zeichnete unter anderen 

für den Marshallplan mit.) 

Sova-Mühlen bei Nacht 

Zu dem Zeitpunkt wird Mládková die 

Schicksalsbegegnung mit dem tschechischen 

Maler František Kupka zuteil, 

der am Rand von Paris einsam lebte und 

sich künstlerisch betätigte. Von der Mitte 

der 1960er Jahre an reiste 

Mládková nach Prag, wo sie 

Bilder aufkaufte und Angehörigen 

der damaligen Malergeneration 

Stipendien der 

Stiftung Ford vermittelte. 

Bevor die kommunistischen 

Behörden ihr 1985 die Einreise 

endgültig verbaten, 

brachten es Mládeks fertig, 

tschechische Künstler in 

den angesehensten Galerien 

der Welt einzuführen und 

eine umfangreiche Kollektion 

tschechischer moderner 

Kunst aufzubauen. 

Nach dem Tode ihres Mannes (1989) 

schenkte Meda Mládková diese Samm- 

4 

Werke des Bildhauers Otto Gutfreund und des Malers František Kupka, aus Meda Mladkovás Stiftung an die Stadt Prag

Interview 

„Solange die Kultur besteht, wird 

die Nation überleben.“ 

Jan Mládek 

(1912–1989) 

Ökonom, Kunstsammler 

und Mäzene 

lung im Wert von 30 Mio. US-Dollar der 

Hauptstadt Prag. Die Jan-und-Meda- 

Mládek-Stiftung verwaltet in den Sova- 

Mühlen auf der Prager Kampa-Insel eine 

der umfangreichsten Sammlungen des 

Pioniers der abstrakten Malerei František 

Kupka und des kubistischen Bildhauers 

Otto Gutfreund. Deren Expositionen 

werden durch bedeutende Werke 

Dutzender Künstler aus dem ehemaligen 

Ostblock vervollständigt. Frau Meda 

lebt heute abwechselnd in Washington 

und Prag, zur Zeit gibt sie in Zusammenarbeit 

mit dem Verlag Akropolis den 

bisher unveröffentlichten Briefwechsel 

zwischen Jiří Voskovec und Jan Werich, 

den legendären Begründern des Entfesselten 

Theaters (Osvobozené divadlo) 

heraus. 

Sie widmen in gewissem Sinne ihr 

ganzes Leben dem Kunstsammeln. 

Bilder haben nicht nur ihre Geschichte, 

sagt man auch, sie führten ihr eigenes 

Leben. Stoßen Sie auf ihre Aufmerksamkeit 

und Gegenliebe? 

Sie machten meine Heimat aus – was 

im Exil eigentlich viel wichtiger war. 

Nicht nur unser Haus, aber auch das 

Büro meines Mannes war mit Bildern 

tschechischer Künstler geschmückt. Die 

Bilder verschafften uns das Gefühl, zu 

Hause zu sein, wo wir doch nicht heimkehren 

durften. Jetzt gehören sie zur 

Sammlung des Kampa-Museums und 

erfreuen die tschechischen Menschen, 

die keine Möglichkeit hatten, sich mit 

solcher Kunst vertraut zu machen, denn 

sie durfte nicht ausgestellt werden. Ausländer 

staunen wiederum darüber, was 

hierzulande entstanden ist und wovon 

sie keine Ahnung hatten. Sie waren der 

Ansicht, wo keine Freiheit sei, dort käme 

nichts zustande, und ich habe ihnen 

demonstriert, daß das nicht stimmt. 

Sie reisten bis in die Mitte der 1980er 

Jahre in die Tschechoslowakei, neue 

Talente auszukundschaften und Kunstwerke 

einzukaufen. Mit welchem Auftrag 

sind Sie gekommen, und wie 

haben Sie sich in der heimischen 

Szene orientiert? 

Ich hatte die Vorstellung, wir sollten 

versuchen zu eruieren, was zu machen 

wäre. Einige Jahre mußte ich um meine 

Einreise in die sozialistische Tschechoslowakei 

kämpfen – es gab lange 

Kämpfe mit meinem Mann und vielen 

Freunden – Wissenschaftlern und Intellektuellen. 

Zu ihnen gehörten Ferdinand 

Peroutka, Jiří Voskovec, der Mediziner 

und enge Freund von Jan Masaryk, 

Karel Steinbach, Rafael Kubelík und 

andere – sie alle dachten, ich würde keinem 

helfen, alles nur noch schwieriger 

machen, die Leute würden mich fürchten. 

Schließlich mußten sie mir aber 

alle recht geben. 

Als ich nach neunzehn Jahren im Exil 

1967 in der Tschechoslowakei angekommen 

war, besuchte ich zuerst Jiří 

Kotalík, Direktor der Nationalgalerie 

Prag, dann Schulminister Kadlec und 

Kulturminister Galuška. Allen sagte ich 

dasselbe: „Ich und meine Mann, wir 

sind gegen Ihr Regime, das wissen oder 

erfahren Sie bestimmt, und es stimmt. 

Wir sind aber Patrioten und froh, wenn 

wir helfen können. Ich schlage Ihnen folgendes 

vor: Wenn Sie mir erlauben, die 

zu besuchen ich auswähle, sowohl unter 

den Künstlern, als auch unter den Wirt- 

Julian Opie, Susanne gehend (Suzanne při chůzi) und Bruce gehend (Bruce při chůzi), Lichtinstallation auf der Moldau, 

eine der letzten Ausstellungen des Kampa-Museums, Juni 2007 

5

René Roubíček, Commedia di vetro, 2007 

schaftsexperten, so verspreche ich, niemand 

zu fragen, ob er Parteimitglied ist 

oder nicht – es interessiert mich nur die 

Qualität seines Werkes. 

Alle haben mich herzlich und begeistert 

aufgenommen. Dr. Kadlec besuchte 

ich einige Male auf Křivoklát (Pürglitz), 

wo er mit seiner Frau, einer Augenärztin, 

lebte, und er erklärte mir, er wolle 

für das nächste Jahr einen großen, international 

besetzten Wirtschaftskongreß 

in Prag organisieren und fragte, ob mein 

Mann helfen könne. ‚Sicher, sicher‘, 

sagte ich. Dr. Kotalík wurde mein großer 

Freund. Ich erinnere mich, dass ich mit 

ihm ein Treffen um zehn vormittag hatte, 

und wir uns noch beim Mittagessen 

und beim Kaffee unterhielten und das 

Gespräch beim Abendessen fortsetzten, 

zu dem sie, seine Frau, und er eingeladen 

hatten. 

Einkaufen mußte ich die Kunstwerke 

über die staatliche Agentur Artcentrum, 

aber auch dort fand ich eine große Stütze 

in einem Angestellten, Herrn Černohorský. 

Gleich beim ersten Besuch sagte 

Meda Mladková auf der Vernissage der Ausstellung 

Yoko Onos, Dezember 2003 

ich zu ihm: ‚Sie haben die Möglichkeit 

der tschechoslowakischen Kunst zu 

helfen, ich habe das Gefühl, Sie sind 

ein guter Mensch. Möchten Sie mit mir 

zusammenarbeiten? Es gibt hier etliche 

bildende Künstler, die nichts begangen 

haben, nur waren sie zum Zeitpunkt der 

sowjetischen Besetzung in einer Organisation, 

die in Ungnade stand – wie etwa 

Kolíbal.‘ ‚Ich will es in Erfahrung bringen 

und mal sehen, was sich machen 

läßt – können Sie morgen kommen? Ich 

habe eine Idee, wir schicken ihn in die 

DDR und dann nach Westdeutschland, 

und dann wird es gehen.‘ Dies ist geschehen, 

und ich konnte dann Kolíbal 

einige Ausstellungen in New York und in 

Washington veranstalten. 

Machten Sie einen Kompromiß mit 

dem Regime? 

Kompromiß hab ich keinen gemacht – 

nur kam ich um einige Werke, an denen 

mir besonders lag, zum Beispiel um 

das Bild Pokoj (Zimmer? Ruhe?) von 

Zdeněk Beran oder einige Werke von Jiří 

Sozanský (‚Sie müssen verstehen, Frau 

Mládková, wir konnten es nicht hergeben 

…‘), bei extravaganten Werken 

war es begreiflich genug. 

Ich wählte einfach nach der Qualität. 

Ich wußte nicht einmal, wer im Underground 

war. 

Was war der primäre Impuls für 

Schenkung Ihrer Sammlung an die 

tschechische Nation? 

6 

František Kupka, Kathedrale; Otto Gutfreund – Úzkost (Beklemmung) 

Magdalena Abakanowicz, Postavy (Gestalten)

Glauben Sie, die tschechische Kunst 

hat eine Reichweite, die den Weltrang 

einschließt? 

Kupka und Gutfreund nehmen heutzutage 

Weltrang ein, zählen zu den talentiertesten, 

sind immer noch nicht dort, wo 

sie hingehören, aber ihre Zukunft steht 

fest. Hierzulande gibt es eine Menge exzellenter 

Künstler aus ihrer Generation, 

Mein Mann mochte sein Land sehr, 

wiewohl er nur ein halber Tscheche 

war: seine Mutter war Polin. Er war ein 

ungemein stolzer Tschechoslowake. Er 

bekam eine solide Ausbildung, in Paris 

studierte er Philosophie bei Bergson und 

in London Ökonomie bei Keynes. Auf 

ständiges Drängen des Freundes Ferdinand 

Peroutka hin (‚Jan, Ihre Pflicht 

ist es, ihr Wissen der Nation zu schenken, 

die Sie so sehr lieben!‘) verließ er den 

Internationalen Währungsfonds, in dem 

er als Direktor tätig war, und beschäftigte 

sich mit der Abfassung einer wirtschafts-politischen 

Reform, wie man aus 

dem Kommunismus heraus wieder zur 

Demokratie fände. Wir reisten wiederholt 

nach China, Rußland, Jugoslawien, 

trafen uns mit den berühmtesten Ökonomen 

vor Ort. Seine Reform schrieb 

er leider nicht fertig, er starb an Krebs, 

zwei Monate vor der Sanften Revolution. 

So kehrte ich nach Prag allein zurück, 

und mir war absolut klar, daß die Kunst, 

die wir kauften und in Zentraleuropa 

geschaffen wurde, zurückkehren sollte. 

Kannten die meisten sie doch nicht! 

Bereuen Sie die Heimkehr nach 

Böhmen nicht? Die Medien hierzulande 

schenkten Streitigkeiten und 

Emotionen, die die architektonisch 

gewagte Rekonstruktion der Sova- 

Mühlen bei Behörden, in Medien, 

in der Gesellschaft auslöste viel Aufmerksamkeit 

… 

Lange Zeit war das Credo meines 

Lebens ‚Ich will, ich kann‘. Dies blieb 

in meinem Unterbewußtsein dermaßen 

haften, daß ich mich nicht dran zu erinnern 

brauche. Mir wurde bewußt, daß 

mein Auftrag darin bestehe, was das 

Schicksal meinem Mann nicht gönnte: 

etwas für unsere Nation zu tun. 

An der Moldau stehen heute herrliche 

Prachtgebäude, die Frucht Ihrer lebenslangen 

Arbeit und Ihres uneigennützigen 

Patriotismus. Haben Sie das 

Gefühl, alles sei fertig? 

Keineswegs! Ich hege noch viele 

Pläne, nur hoffe ich, mir sei Kraft und 

Gesundheit beschieden. 

Karel Malich, Landschaft mit dem Ewigen 

die ich gekauft habe, aber es wird noch 

etwas dauern, bevor sie die Anerkennung 

finden, die ihnen gebührt. Die neue Generation 

junger Kuratoren hat eher eine 

Beziehung zu ihrer Generation und ‚entdeckt‘ 

oft das als Kunst, was von heute 

vergessenen Künstlern vor langem getrieben 

wurde. Es wird eine noch längere Zeit 

erfordern, und ich tue, was in meinen 

Kräften steht, damit ich die Welt auf diese 

fabelhafte Generation aufmerksam mache. 

Waren Sie jemals im Leben wirklich 

stolz, Tschechin zu sein? 

Ich war es, ich bin es und werde es bis 

zu meinem Lebensende sein, dies steht fest. 

Was würden Sie aus der Sicht einer 

Kosmopolitin der tschechischen Nation 

raten? 

Daß sie mit der Korruption fertig wird. 

Daß sie die Kinder zur Liebe zu Kunst, 

Tieren und Natur heranführt. Mein 

Lebensende wird völlig dem Kampf um 

diese wichtigsten Voraussetzungen des 

zufriedenen und erfüllten Lebens gelten. 

Wir danken für das Gespräch. 

Redaktion 

Photos: Archiv Museum Kampa (www.museumkampa.cz), 

www.wartprojects.com 

7

Barocker Graveur 

in englischen Diensten: 

Václav Hollar 

Wenceslaus Hollar Bohemus bekannte 

sich lebenslang stolz zum Land seiner 

Herkunft auch in der Signatur seiner 

Werke. Dieses Jahr steht die 400. Wiederkehr 

seines Geburtstages ins Haus. 

Rembrandts Zeitgenosse erwarb 

sich europäischen Ruf mit der vollkommenen 

Treue der Wiedergabe und 

dem technischen Perfektionismus, 

mit denen er panoramatische Stadtveduten, 

Stimmungslandschaften und 

Kammerbilder hervorbrachte. Die 

andere Seite der Medaille war das 

unglückliche Schicksal des Kupferstechers. 

Einer der ersten Hollar-Biographen, 

John Aubrey, faßte Temperament 

und Los des namhaften Graphikers 

lapidar zusammen: Er war so 

gutmütig und leutselig, als es nur 

ging, aber ruhelos, und verstarb keineswegs 

reich.“ 

Václav Hollar, ein Künstler von außerordentlicher 

Beobachtungsgabe, war 

in seinem Leben gezwungen, leidvoll 

durch den kriegsgeschüttelten Kontinent 

zu ziehen. Seine zweite Heimat 

fand er zum Schluß in England. Sein 

graphisches und zeichnerisches Werk 

springt durch einen staunenerregenden 

Umfang (Verzeichnisse erfassen 

über 2700 einzelne Graphikblätter), 

aber auch durch die Vielfalt der Sujets 

ins Auge. Er bildete Menschen, 

Tiere, Naturalien, Landschaften, Alltagsszenen 

ab, gelegentlich arbeitete 

er an Gedenkblättern. Seine unbeirrbare 

Hand führte mit Präzision anspruchsvolle 

karto- und topographische 

Aufträge aus. 

Das „Schicksal der Unruhigen“ 

nimmt den Anfang 

Er wurde am 13. Juli 1607 in Prag- 

Neustadt in der Familie eines 1600 

von Kaiser Rudolf II. nobilitierten 

kaiserlichen Beamten geboren. Wie 

er sich selbst erinnerte, hegte er 

bereits von Jugend auf Vorliebe für 

Miniaturmalerei, obwohl sein Vater 

der künstlerischen Betätigung nicht 

wohlgesinnt war. Für die Prägung 

von Hollars Talent war die im 

Schwinden begriffene Atmosphäre 

des durch die bildende Kunst kultivierten 

rudolfinischen Prag ausschlag- 

8 

Václav Hollar, Selbstportrait, Radierung, 1635 

Londoner Tower, Radierung, 1647

Blick über Prag vom Petřín (Laurenziberg), Ausschnitt, 1636 

Jahrestag 

„Er war der unermüdlichste Mensch 

meiner Zeit, er hatte einen Sehfehler 

auf einem Auge, auf dem linken, und 

wenn er beim Schreiben war, hielt 

er sich eine Hand davor. Eine Brille 

trug er nie. Herr Hollar war ein 

ziemlich leidenschaftlicher Mensch, 

leicht zu rühren. Oft sagte er mir, 

er fühle sich nicht wohl in seiner 

Haut, wenn er nicht arbeitet. Er lebte 

sehr sparsam.“ 

Francis Place 

(1647–1728), englischer Graveur, 

genannt Virtuose aus York 

gebend. Von daher findet der hochsensibilisierte 

Sinn für die natürliche 

Ordnung der Dinge und eine warme 

Beziehung zur Natur Eingang in sein 

Schaffen. 

1627 geht Hollar, seines evangelischen 

Religionsbekenntnisses wegen, 

mit der ersten Exulantenwelle 

nach der Schlacht am Weißen Berg 

nach Deutschland. Die Lage in der 

Gesellschaft zwingt ihn dazu: nur der 

Katholizismus wird als Konfession 

anerkannt. Hollar läßt sich zuerst in 

Frankfurt am Main nieder, wo er in 

der Werkstatt des angesehenen Graveurs 

und Verlegers Matthias Merian 

d. Ä. tätig wird. Danach gelangt er 

durch das Rheinland bis nach Köln. 

Die deutsche Wanderung verwertet 

er in seinen ersten Veduten-Städteplänen 

von Mainz, Bonn und Köln. 

1634 unternimmt er eine neue Reise 

in den Norden, diesmal bis nach Holland, 

wo er Amsterdam, Delft und 

andere größere Städte besucht. Die 

Reise schlägt sich in zahlreichen 

Zeichnungen nieder, die in Seehäfen 

vor Anker liegende Handelsschiffe 

und Meeresszenen darstellen. Hollars 

Werk verrät bereits zu dem Zeitpunkt 

ein intensives Studium der realen 

Natur. Seine ausgesprochen landschaftsmalerische 

Neigung drängt 

nach Verwirklichung. 

In gräflichen Diensten 

Zum lebenwendenden Moment 

wurde für Hollar die Begegnung 

mit dem Gesandten des englischen 

Königs, Thomas Howard, Earl Arundel 

im April 1636 in Köln am Rhein. 

Der kunstliebende Adelige bietet 

Hollar an, ihn in Eigenschaft eines 

bildkünstlerischen Chronisten bei 

seiner diplomatischen Mission zum 

Kaiserhof nach Wien zu begleiten. 

Von der Fahrt der englischen Abordnung 

durch Mitteleuropas Landschaft, 

die einschließlich der Donaufahrt 

ganze sieben Wochen in 

Anspruch nahm, holte sich Hollar 

Anregungen für Dutzende anmutiger 

Zeichenskizzen. Diese dienten ihm 

später als Vorlage für die endgültige 

Ausführung von Graphikblättern. 

Während der Fahrt kam Arundels 

Gefolge im Juli 1636 auch nach Prag. 

Für den Kupferstecher war es die letzte 

Begegnung mit seiner Geburtsstadt. 

Daraus gingen nicht nur Genrebilder 

von Prager Ortsteilen (Prager Burg, Klein- 

Blick auf die St. Paul-Kathedrale in London, Radierung, 1656 

9

seite), sondern auch Skizzen für Hollars 

letzte bedeutende Vedute hervor, die 

auf dem Kontinent Europa entstand. 

Es handelte sich um das Panorama von 

Prag vom Laurenziberg (Petřín) aus gesehen. 

Auf eine Platte brachte Hollar 

es erst dreizehn Jahre später (1649). 

Mit dem Mißerfolg der politischen 

Verhandlungen der englischen 

Abordnung ist allerdings Hollars 

Dienst bei Earl Arundel noch nicht 

zu Ende. Der Graveur reist mit dem 

Adeligen nach London und arbeitet 

noch weitere sechs Jahre für ihn. 

Er dokumentiert zeichnerisch Werke 

aus Kunstsammlungen in Arundels 

Palais an der Themse und arbeitet 

parallel an einigen Graphikblättern, 

die er Mitgliedern der königlichen 

Familie schenkt. Er heiratet die Kammerzofe 

der Gräfin von Norfolk. 

1643 wird sein Sohn James geboren. 

Mit dem königlichen Hof kommt er 

in Berührung, nachdem er 1639 Hofmeister 

des Prinzen von Wales, des 

künftigen Königs Karl II., geworden 

war. Zu dem Zeitpunkt artikuliert 

sich sein volkskundliches Interesse 

für Frauentrachten in einem Album 

unter dem Titel Ornatus muliebris 

mit 26 Graphikblättern. Zwei Jahre 

später brachte Hollar den Zyklus Vier 

Jahreszeiten (1641) mit vier Frauen- 

bildnissen in allegorischer Darstellung 

heraus. Im selben Jahr portraitiert 

er den prominenten böhmischen 

Emigranten Jan Amos Komenský 

(Comenius), der auf Einladung des 

englischen Parlaments nach England 

reiste. Mit dem böhmischen Polyhistor 

verbindet Hollar das Interesse 

für wissenschaftliche Erkenntnis. 

Gute Katze, die nicht nascht, Radierung, 1646 

In Antwerpen 

Der Bürgerkrieg, der 1642 in England 

ausgebrochen war, wie wohl 

auch andere Umstände führten den 

mit dem König sympathisierenden 

Hollar ins niederländische Antwerpen. 

Die acht Jahre, die der Graveur 

in der regen Handels- und Kulturstadt 

verbrachte, gehörten zum produktivsten 

Abschnitt seiner Karriere. Hier 

gravierte er eine Serie von Blättern 

mit niederländischen Handels- und 

Kriegsschiffen, die er in dem Album 

Navium figurae variae zusammenfaßte. 

In anderen Graphik-Alben werden 

Sujets aus der lebenden wie toten 

Natur aufgegriffen: Muscheln, Käfer 

und Schmetterlinge. In den Augen der 

zeitgenössischen Kenner wird sein 

Atlas verschiedener Typen und Formen 

von Muffen, die Hände vor 

Kälte schützten, hoch geschätzt. Die 

kuriosen graphischen Abbildungen 

modischer Accessoires, die einen Teil 

der Alltagsgarderobe der Antwerpener 

Bürger ausmachten, stehen den 

besten Gemälden niederländischen 

Stilleben in nichts nach. Sie zeugen 

nicht nur von der souveränen Meisterschaft 

der graphischen Verfahren 

des Urhebers, sondern auch von seiner 

persönlichen Freude an der Schönheit 

der Materie und den Möglichkeiten 

ihrer bildkünstlerischen Darstellung. 

Bei seinem Antwerpener Aufenthalt 

arbeitete Hollar erfolgreich mit einer 

Reihe dortiger Verleger zusammen. 

Für sie radierte er meisterhafte Re- 

10 

Akt – Liegende Frau, Federzeichnung, Aquarell, 163

Portrait des Grafen Thomas Howard Arundel, Radierung nach Anthonis van Dyck, 1639 Frühling, aus dem Zyklus Londoner Jahreszeiten, Radierung, 1649 

produktionen namhafter Gemälde. 

Ein Opusculum dieser Art ist die 

einprägsame Genreradierung Dobrá 

kočka, která nemlsá (Gute Katze, 

die nicht nascht), für die wohl Hollars 

Hauskatze als Modell „stand“. Das 

kleine Graphikblatt gab auch der romanhaft 

angelegten Hollarbiographie 

(1970) von Miloš Václav Kratochvíl 

den Namen. 

Hollars Übertritt zum Katholizismus, 

der sich während seines Antwerpen-Aufenthaltes 

vollzog, brachte ihn 

nach der Rückkehr nach England in 

Schwierigkeiten. 1652 wurde Hollar 

der Teilnahme am geheimen katholischen 

Gottesdienst wegen verhaftet 

und eingekerkert. Freigelassen wurde 

er erst auf Fürsprache seines neuen 

Patrons, des Schriftstellers William 

Dugdal. Hollar wandte sich der Kartenkunde 

und den Buchillustrationen 

zu antiken Autoren (Vergilius, Homers 

Ilias, Äsops Fabeln) zu, die er 

im Auftrag von Londoner Antiquariern 

ausführte. Bei der Großen 

Pest in London (1665) wird er vom 

Schicksalsschlag ereilt: sein Sohn 

James stirbt. Ein Jahr danach wird die 

Stadt an der Themse von einem Großbrand 

zerstört. Hollar hatte bereits 

eine große Vedute von London (ein 

wertvolles historisches Dokument 

über das vormalige Aussehen der 

Portrait des englischen Königs Karl I., 

nach Anthonis van Dyck, 1649 

Stadt) ins Bild gesetzt, mit der Feuersbrunst 

wurde allerdings sein großzügiges, 

jahrelang erwogenes Projekt 

für einen ausführlichen London- 

Stadtplan zunichte. 

Die Flut unterbezahlter, zweitrangiger 

Arbeit kann die finanzielle Misere 

des Künstlers nicht aufbessern. 

Deshalb wendet er sich an seinen 

ehemaligen Schüler, den regierenden 

König, der ihm den Ehrentitel Scenographus 

regius verliehen hatte, mit der 

Bitte um eine finanzielle Beihilfe. In 

der Folgezeit nimmt er als königlicher 

Zeichner an einer Expedition in die 

neue englische Kolonie in Tanger (an 

Marokkos Küste) teil. Auf der Rückfahrt 

wird er Zeuge eines Gefechts 

seines Schiffes Marie Rose mit Piraten. 

Dem Wechselspiel von Armut, 

Krankheit, wachsenden Schulden und 

erschöpfender Arbeitsbelastung setzte 

erst der Tod ein Ende. Hollar wurde 

als „fremder Katholik“ in einem Gemeinschaftsgrab 

für Arme auf dem 

Friedhof an der Margaretenkapelle 

in der Westminster Abbey in London 

bestattet. Der Platz, wo er begraben 

liegt, ist heutzutage nicht mehr auszumachen. 

Mit bitteren Worten kommentiert 

James Granger Hollars Tod in 

seiner Biographical History of England 

(1769): „Er starb so arm, als hätte 

er in einem Lande der Barbaren gelebt.“ 

Obwohl nur Hollars Juvenilien mit 

Böhmen zusammenhängen, besitzt die 

Nationalgalerie Prag eine der umfangreichsten 

Sammlungen von Hollars 

Graphikblättern und Zeichnungen in 

der Welt, das Hollareum, das 1863 aus 

deutschem Privatbesitz erworben wurde. 

Zu den bestehenden Beständen kommen 

gelegentliche Neuerwerbungen. 

Pavel Panoch 

Photos: Archiv Redaktion 

11

Hollarka-Penne 

Fachschule für Kunst Václav Hollar 

Aus ihr gingen hervorragende Künstler 

hervor, wie zum Beispiel der Graphiker 

und Bahnbrecher von Computerdesign 

Ladislav Sutnar (Autor des weltweit gebrauchten 

Logos EXIT) oder der Photograph 

Jaromír Funke. Die Fachschule für 

Kunstgewerbe zog auch eine Reihe zeitgenössischer 

Künstler heran, wie den 

Maler Michael Rittstein, den Bildhauer 

Jaroslav Róna oder die Regisseurin Helena 

Třeštíková. Der gegenwärtige Lehrkörper 

widmet sich ganz selbstverständlich 

dem aktiven Kunstschaffen. 

Die Anfänge der Schule gehen mit der 

Gründung der Tschechischen Republik 

einher, 1920 wurde sie als Staatliche 

Schule für Graphik eingerichtet. Mit 

ihrem Namen verweist die Schule auf 

den Nestor der tschechischen Graphik, 

nach dem sie benannt ist, ebenso wie der 

bedeutendste Verband der graphischen 

Künstler Tschechiens. An der Schule 

werden Fächer unterrichtet, die mit dem 

Druckgewerbe in Zusammenhang stehen. 

Ihre zunehmende Anerkennung stellte sie 

mit der Ausstellung im Tschechoslowakischen 

Pavillon auf der Pariser Weltausstellung 

1937 unter Beweis. 1954 wurde 

die Schule in zwei Fachschulen geteilt. 

Heute kann man hier in vier Jahren Fachoberschulabschluß 

mit Abitur machen 

und ein dreijähriges Präsenzstudium an 

der Fachhochschule absolvieren. 

Die Fachoberschule 

Die Fachschule bietet zwei Studiengänge 

Werbebildgestaltung und Künstlerische 

Gestaltung von Keramik und Porzellan. 

Das Anliegen der Schule besteht 

in der Ausrichtung auf die Praxis – die 

Absolventen sollen befähigt werden, eine 

Arbeit zu einem vorgegebenen Thema 

vom Entwurf bis zur Vollendung auszuführen. 

In diesem Sinne ist auch der 

Stundenplan zusammengestellt. Das Fach 

Bildnerische Grundlagen entwickelt in 

Zeichen-, Farb- und Kompositionsübungen 

die Fähigkeit das Wahrgenommene 

festzuhalten, und seine wesentlichen 

Züge und das Symbolhafte auszudrükken. 

Das Figurale Zeichnen lehrt die 

Anatomie des menschlichen Körpers zu 

Schülerarbeiten: Jiří Bouma, Frauenakt, Zeichnung 

meistern. Die Darstellenden Fächer entwickeln 

die Vorstellungskraft, die Invention, 

aber ebenso auch die Modellierfähigkeiten. 

Die Gestaltung von Werbematerialien 

soll neben praktischer Anwen- 

dung auch Verständnis für das Material 

und die geometrische Struktur vermitteln. 

Mit der Technik der Lithographie – 

Stein und Platte – werden die Fachschüler 

im Rahmen des Unterrichts in graphischen 

Verfahren vertraut. Sie versuchen 

sich in der Gestaltung von Matrizen für 

den Tiefdruck und lernen die Eigenschaften 

des Siebdruckes kennen. Unterrichtet 

werden die Studenten in den Grundlagen 

der Photographie, und zwar sowohl in 

den klassischen Technologien, als auch in 

der digitalen Verarbeitung von Fotomaterial. 

Die Ausbildung in Computergraphik 

erlernt man von der Pike auf, angefangen 

bei der Gestaltung und Anordnung des 

Schriftbildes. Die Kenntnisse auf diesem 

Gebiet werden dann beim Entwurf und 

der Gestaltung von Drucksachen im 

Hauptfach des ersten Studienganges – 

Graphisches Design – angewendet. 

Das Unterrichtsfach Künstlerische Verarbeitung 

von Keramik und Porzellan 

hat eine weit längere Tradition, die Studierenden 

erhalten hier Anleitung im 

Entwerfen und Ausführen von Kunstund 

Gebrauchskeramik. 

Die Schule brilliert durch die Verbindung 

von Kunst und Technik, legt Wert 

auf Entfaltung des künstlerischen Talents 

und stellt hohe Anforderungen an die 

Fähigkeit der Computerbedienung. Studenten, 

die gern kreativ sind, kommen 

hier auf ihre Kosten … 

Fachhochschule 

Im Jahre 2004 wurde in Zusammenarbeit 

mit der 1. Medizinischen Fakultät 

der Karls-Universität Prag die Fachhochschule, 

Fachgebiet Interaktive Graphik 

gegründet. Das Studium dauert drei 

12 

Šárka Cetlová, Relief, Keramik 

Klára Ujevičová, Obrazové vyjádření obsahu daného slova 

(Bildhafter Ausdruck eines vorgegebenen Wortinhalts)

Helena Jiskrová, Bucheinband 

Barbora Fialová, Objekt, geformtes Material 

Jahre und verbindet freie Kunst mit 

Kommerz. Ziel ist es, zu erlernen, wie 

man programmiert, Programme für e- 

Learning und interaktive Firmenpräsentationen, 

Webseiten und Computerspiele 

entwickelt. Die Studenten beschäftigen 

sich nicht nur mit interaktiver Graphik, 

sie entfalten ihre Phantasie beim Skizzieren 

im Fach Freies Zeichnen oder 

machen im multimedialen Atelier ihre 

Erfahrungen mit den verschiedensten 

technischen Ausdrucksweisen. 

Alljährlich stellen die Studenten der 

ersten Studienjahre ihre Arbeiten im 

Prager Kino Aero der Öffentlichkeit vor. 

Den Erfordernissen der Mediziner der 

Medizinischen Fakultät der Karls-Universität 

Prag entsprechend fertigen die 

Studierenden der ersten vier Semester 

kurze Animationen an. Die Schule arbeitet 

mit verschiedenen Agenturen und 

Firmen zusammen. So erarbeiteten die 

Studenten beispielsweise die künstlerische 

Innenausstattung für das Kinderkrankenhaus 

im Prager Stadtviertel Královské 

Vinohrady (Königliche Weinberge) 

und führten ähnliche Aufträge für Kindergärten 

und Grund- und Hauptschulen 

durch. Auf den Schultischen entstanden 

Propagationsmaterialien für ein Projekt 

der Agentur Člověk v tísni (Mensch in Not) 

das dem Kampf gegen AIDS in Afrika 

gewidmet ist, Plakate und Werbematerialien 

für die Messe Schola Pragensis und 

anderes. Die Studenten übernehmen auch 

kommerzielle Aufträge, so gestalteten 

sie das Design für die Lotterielose der 

Gesellschaft Sazka. Seit dem Schuljahr 

2005-2006 läuft die Zusammenarbeit mit 

der norwegischen Oberschule Varstad 

videregaende skole in Lillehammer und 

der Staatlichen Fachoberschule und Berufsschule 

in Weiden (Oberpfalz) an. 

Geplant werden 10tägige Austauschprogramme 

mit einer Gemeinschaftsarbeit 

zu einem bildkünstlerischen Thema. 

Lucie Holá 

Photos: Fachschule für Kunst Václav Hollar 

Eva Kaněrová, Ptáci (Vögel), Graphik, Aquatinte 

Lenka Housková, Sebereflexe (Selbstbesinnung), 

Raumgestaltung 

Bohdan Dušek, Plakat 

13

Giovanni Giacomo Komarek Boemo 

Ein Königgrätzer Drucker in Rom 

Die Geschichte des halbvergessenen 

römischen Druckers und Notendruckers 

Jan Jakub Komarek (?1648 

– Hradec Králové /Königgrätz/, † vor 

9.4. 1706 Rom) gewährt einen Einblick 

in politische, religiöse und kulturelle 

Verhältnisse in Europa in der 2. Hälfte 

des 17. Jahrhunderts. 

Der Mann, der in der Familie des 

Seilers Mikuláš am Stadtrand von Prag 

im letzten Jahr des Dreißigjährigen 

Krieges das Licht der Welt erblickte, 

berührte als Drucker, Schriftgießer und 

Verleger die höchsten Etagen des italienischen 

Gesellschaftslebens. Er arbeitete 

im Auftrag römischer Gelehrter, der berühmten 

römischen Akademie Arcadia, 

angesehenster Kardinäle und des päpstlichen 

Hofes. Er druckte mit Stichen 

ausgestattete Bücher über römische 

Baukunst und Denkmäler. Berühmt 

wurde er als Notendrucker von Arcangelo 

Corellis Triosonaten und Libretti 

zu Alessandro Scarlattis Oratorien. 

Soll Jan Jakub Komáreks Beitrag zum 

Kultur- und Musikleben Roms, Italiens, 

Böhmens und ganz Europas angemessen 

gewürdigt werden, so sollte, die Tätigkeit 

des Druckers in den Jahren 1676 

bis 1706 gesondert von der Offizin, die 

mindestens bis 1770 seinen Namen trug, 

betrachtet werden. Ohne Belege bleibt sein 

Leben vor der Ankunft in Rom (1669- 

1672). Ausschlag für die Aufnahme unter 

die Korrektoren und Setzer der päpstlichen 

Druckerei der Congregatio de propaganda 

fide gab die Freundschaft mit 

Zaccaria Dominik Aksamitek, Boemo 

Pragensis, der dort seit 1661 den Betrieb 

der Missionsbücher in orientalischen 

Sprachen herausbringenden Druckerei 

leitete. Komarek lebte mit ihm seit 1678 

14 

Antonio Luigi Baldassini, Sonate à tre, op. 1, Titelblatt mit Dedikation 

an Kardinal Pamphili, Radierung, I. Blondau, 1691 

A. Corelli, Sonate à tre, op. 3, N. Dorigny, Radierung, 1694

La Giuditta, Oratorienlibretto von A. Scarlatti, Radierung von V. W. Arnoldo, 1693 A. Corelli, Sonate à tre, op. 3,1689 

sogar in gemeinsamer Haushaltung 

im Collegio Nazareno, nachdem er die 

Römerin Lavinia Natalini geheiratet 

hatte. Der erste selbständige Druck Komareks 

Epistola ad Eminentissimum 

principem Franciscum Barberinum 

S.R.E. cardinalem vicecancellarium 

stammt aus dem Jahr 1676. 

In den Jahren 1678-1695 wurden insgesamt 

neun Kinder in der Druckerfamilie 

Komarek geboren. Den sozialen 

und beruflichen Status des Druckers aus 

Königgrätz illustrieren einerseits die 

Taufpaten seiner Kinder (Zeichner und 

Graveur Pietro Aquila, der älteste der 

Kardinäle, Odoardo Cybo, der Historiker, 

Archäologe und Physiker Giovanni 

Giustino Ciampini, Maria Josefa von 

Martinitz, Frau des kaiserlichen Gesandten 

am Heiligen Stuhl u.a.) und 

andererseits die Aufträge, die er für die 

Kardinäle Pamphili und Ottoboni und 

ihre Musik-Protegés Corelli und Scarlatti 

ausführte. Die Jahre 1693 bis 1701 

waren nach der Menge und Relevanz 

der Druck- und Notendruckerzeugnisse 

wohl die Gipfelzeit, in der er bis zu 18 

Titeln jährlich herausbrachte. 

Heutzutage werden 148 seiner Bücher 

erfaßt. Aus den Jahren 1687 bis 1696 

stammen dreizehn gedruckte Libretti 

zu römischen Oratorien aus Komareks 

Offizin All Angelo Custode (Zum 

Schutzengel), die sich später direkt 

dem römischen Brunnen Alla Fontana 

di Trevi gegenüber befand. Der wohl 

auffälligste Posten seiner Produktion 

waren fünfzehn Drucke von Trio-Sonaten 

aus Corellis Umkreis aus den Jahren 

1689 bis 1706. 

Die Forschung bezeichnete Komareks 

Werk als einmalig in Anbetracht 

seiner universellen, d.h. Schriftgießer-, 

Drucker-, Verleger- und Buchhändlertätigkeit 

und beurteilte die Produktion 

der Druckerei einschließlich der Erben 

und Nachfolger bis in die Mitte des 18. 

Jahrhunderts hinein. Aufschlußreich 

für die Analyse des 30jährigen Betriebs 

von Komareks Druckerei, Notendruck, 

Schriftgießerei und Buchhandlung in 

Rom ist das umfangreiche Verzeichnis 

seines Nachlasses Adhibitio hereditatis, 

ein Dokument über die Ausstattung seiner 

Offizin mit verschiedenen Schriftarten 

oder über das Interesse des Druckers für 

Malerei, vom April 1706. 

Es ist bekannt, daß Komareks Nachfahren 

auch zur Verbreitung der Verehrung 

des böhmischen Heiligen Johann 

von Nepomuk im Ausland beitrugen. 

In der notariellen Beurkundung von 

1690 wird Komarek, Boemo, als commorante 

a Roma geführt, also als 

Böhme in Rom lebend. 

Der Einfluß des Druckers Komarek 

auf Europas politisches Geschehen wird 

in der Zeit nach 1696 sichtbar, als seine 

Drucke zum politischen Instrument 

werden, und er zwischen die Interessen 

des päpstlichen und des kaiserlichen 

Hofes gerät, bis er zum Schluß im Gefängnis 

(1703) landet. 

Die Bedeutung seiner Arbeit in Form 

alter Drucke und als Medium der Verbreitung 

von Wissenschaft, Musik und 

anderen Künsten ist in den 300 Jahren 

seit seinem Tod zusehends gewachsen. 

Stanislav Bohadlo 

Photos: Archiv Verfasser 

A. Corelli, Sonata da camera, (Ausschnitt), Notendruck von Komarek, 1701 

15

Exotische Sprache 

der Graphik 

Die Graphik, sei es die der traditionellen 

Formen, sei es die Digitalgraphik, 

wird neben der sog. großen Kunst 

ihre unerschütterliche Stellung immer 

behaupten – als Markenware, doch eine 

erschwingliche Ware. Oder, anders mit 

anderen Worten: als Nebenprodukt 

großer Meister. Nur wenige Künstler 

befassen sich nur mit Graphik, und 

blickt man in die Vergangenheit zurück, 

so wird man erfahren, dass es in der 

Geschichte genauso zuging. 

František Kupka, Holzschnitt, aus dem Zyklus 

Čtyři příběhy bílé a černé (Vier Geschichten 

in Weiß und Schwarz), 1926 

Die tschechische Graphik kann 

auf eine gute Tradition bauen: ein hochwertiges 

Handwerk, eine gute Kunst 

in praxi. Kunststiche von Briefmarken 

etwa punkteten bei Wettbewerben in 

aller Welt. Einen Teil seiner Begabung 

verwendete auch der Pionier der abstrakten 

Kunst, František Kupka, auf die 

Graphik, neben vielen Zeichnungen und 

Zeitschriftenillustrationen, die durch die 

Presse massenweise abgesetzt wurden. 

Er schuf einen exklusiven Zyklus von 

27 Holzschnitten čtyři příběhy bílé 

a černé (Vier Geschichten in Weiß und 

Schwarz). Dieses Graphikalbum aus 

dem Jahr 1926 befindet sich in Paris 

im Privatbesitz. 

Zu Böhmens Primaten gehört, nebenbei 

gesagt, die Erfindung der Lithographie 

durch Alois Senefelder bereits 

im Jahr 1799. Die reichen Traditionen 

der Graphikkunst bezeugt der bis heute 

aktive Verein Hollar oder Vereinigung 

der tschechischen Künstler und Graphiker 

Hollar (Sdružení českých umělců 

a grafiků Hollar), gegründet 1917, kurz 

vor der Entstehung der Tschechoslowakei. 

(Zu seinen Mitgliedern zählte auch 

16 

Die Graphiken von Alena Kučerová entstehen durch den Abdruck von Lochmatrizen aus Blech. Blatt Nr. 27 – Odpočinek (Ruhepause), 1973

Vladimír Boudník, Bez názvu (Ohne Namen), Monotyp, aktive Platte, 21,1 x 29,5 cm, 1965 

Graphik 

„Das Schönste, was wir erleben können, 

ist das Geheimnisvolle. Es ist das 

Grundgefühl, das an der Wiege von wahrer 

Kunst und Wissenschaft steht. Wer es 

nicht kennt und sich nicht mehr wundern, 

nicht mehr staunen kann, der ist sozusagen 

tot und sein Auge erloschen.“ 

Albert Einstein 

(1879-1955) 

Kupka). Bemühungen, die eigene kulturelle 

Eigenart aufrechtzuerhalten, 

wurden in den schlimmen Zeiten der 

totalitären Regime gerade in den Aktivitäten 

solcher Kunstvereine manifest. 

Die Kunst wurde als Überstieg, zeitlos 

verstanden, und bis heute dominiert in 

der Szene hierzulande der Wille zum 

„Tiefen“, gestützt durch die Ästhetik des 

Kunstwerks. Es ist ein Versuch, in der 

Wahrheit zu leben, eine versuchte Identitätsfindung, 

die in der Vergangenheit 

lange Zeit auch als Mittel des Widerstands 

gegen absolute Isolation diente. 

In den Augen des Westens sah die 

tschechische Kunst wie der jüngere und 

starrköpfige Bruder aus, der seinen Weg 

um jeden Preis verfolgt, und deshalb 

etwas lustig und rührend zugleich erscheinen 

mag. Dank seiner Ausdauer wird 

ihm schließlich Beachtung geschenkt. 

Die Graphikkunst bedeutete für dieses 

kleine Land, ohne einen althergebrachten 

Kunstmarkt (dieser entwickelt sich erst 

seit den letzten fünfzehn Jahren), viel und 

vieles. Als ein leichtes Wiedergabeverfahren 

diente sie mittellosen, vor allem 

noch nicht eingeführten Kunstjüngern 

František Tichý, Hlava klauna (Kopf eines Clowns), 

Trockene Nadel (Geritzte Manier), 7,5 x 5,5 cm, 1956 

zur Selbstverwirklichung. Eine größere 

Menge von Blättern ermöglichte eine mühelose 

Verbreitung, meist in Form von 

Geschenken innerhalb der Kunstszene. 

Von den 1950er Jahren an entstanden 

spontane strukturgraphische Blätter des 

Außenseiters Vladimír Boudník, die bis 

heute Höchstpreise auf dem tschechischen 

Markt erzielen und im Ausland 

gefragt sind. Auch andere Künstler, 

wenn man vorrangige Graphik-Künstler 

der Moderne (1. H. 20. Jh.), beiseite 

läßt, werden in der Gegenwart hochgeschätzt: 

etwa Alena Kučerová, deren 

Erfindung – das Lochblechdruckverfahren 

– eigentlich notbedingt war. Sie 

vermochte ihr Verfahren im Verlauf von 

beinahe 50 Jahren permanent zu erneuern 

und zählt zur europäischen Spitze auf 

diesem Gebiet. Zu den Grand Dames 

der Graphikkunst hierzulande wird auch 

Adriena Šimotová gerechnet, deren Handschrift 

in entscheidendem Maß zur Definition 

der Erscheinung beitrug, die 

im Westen als unverwechselbarer tschechischer 

Weg gilt. Solche intensive 

authentische Manifestationen wirkten 

viele Jahre als gewisse moralische Instanz 

und blieben zeitlos (wie es sich in 

der kurzen Etappe des postkommunistischen 

Kunstbetriebs herausstellte). 

Es ließen sich natürlich viele andere 

Namen nennen, ohne welche der Begriff 

tschechische Graphik nicht vollständig 

wäre, aber wende man sich lieber 

der Gegenwart zu, die ohne diese 

17

Jiří Anderle, Appassionata, Radierung, 63 x 93 cm, 1976 

Adolf Born, Z dědečkova Alba (Aus Großvater 

Album), Lithographie, 44 x 54 cm, 2004 

Adolf Born, Dürerova cesta přes Alpy do Benátek 

(Dürers Weg über die Alpen nach Venedig), 

Lithographie, 44 x 54 cm, 2005 

Retrospektive kaum das geworden 

wäre, was sie tatsächlich ist. 

Die Zeit der Isolation brachte der 

Entwicklung der tschechischen Kunst 

eine Menge diskriminierender Nachteile, 

aber doch überraschenderweise auch 

gewisse Vorteile: es kristallisierte eine 

autonome, eigenständige Sprache heraus. 

Diese Sprache war nach dem Fall 

des Eisernen Vorhangs ein Plus. Exotik 

ohne Trendnachjagerei wirkt eine Zeitlang 

attraktiv. Sie ist subkutan, und so 

arbeitet die postkommunistische Künstlergeneration 

bewußt oder unbewußt 

mit ihrem Anderssein. 

Zurück zur Graphik: Obwohl es 

heute auf den ersten Blick scheinen 

mag, daß die Graphik im Galeriebetrieb 

marginalisiert wird – abgesehen von der 

Brünner Graphik-Biennale unter internationaler 

Beteiligung –, führt sie ein 

zähes Leben. 

Ihre klassischen Formen werden an 

allen künstlerischen Schulen unterrichtet, 

wo sie dank vollkommeneren technischen 

Mitteln eine professionelle 

Ausbildung möglich ist und von denen 

sie massiv in Kunstliebhaberzirkel eindringt. 

Professionelle Kunstwerkstätten 

werden unablässig von Künstlern, die 

die Graphik weiterhin als Nebenjob 

betreiben, besucht. 

Die Graphik floriert ihrer Erschwinglichkeit 

(Vervielfältigung, Preis) wegen 

auf dem internationalen wie dem heimischen 

Markt. Seit den 1990er Jahren 

schossen in Tschechien Dutzende Gesellschaften 

mit Verkauf im Haus oder 

Internet-Verkauf von „Kleinkunst“ aus 

dem Boden. 

Der Markt ist im Moment mit Graphik 

überflutet, in der Können, Konsequenz 

und Solidität überwiegen. Ungeachtet 

der oft primitiven Narrativität 

und postsurrealistischen Reminiszenzen 

gibt es hierzulande viele gesuchte 

Autoren komplizierter Radierungen 

und Mezzotinti. Auf der Spitze des Eisbergs 

stehen Jiří Anderle, Oldřich Kulhánek, 

Karel Demel und der ansprechend 

infantile Adolf Born. Ihre Popularität 

ist auf Allgemeinverständlichkeit 

und niedrige Preise zurückzuführen. 

Man vergleiche Preise von Lithographien 

von James Rosenquist: rd. 80tsd. 

USD in der vorjährigen Graphik-Auktion 

Christie's in New York und die der 

Radierungen von Jiří Anderle in den 

namhaften Auktionshäusern Vltavín- 

Kodl: von 2 bis 15tsd. Kronen. Was die 

Preishöhe anbelangt, halten hierzulande 

Siebdrucke und Radierungen der lebenden 

Meister Zdeněk Sýkora und Karel 

Malich den Preisrekord, wobei sich 

Sýkora vor allem in der Malerei und 

Malich bei Pastellzeichnungen und 

Installationen profilieren. 

18 

Jan Zrzavý, Zeichnung (Seine Skizzen dienten ihm oft als Vorlagen zu Ölgemälden, 

die heute schon zur tschechischen Klassik gehören.)

Graphiker wie Markéta Vaňková, Šárka 

Trčková und vieler anderer. 

Von der regen Graphik-Liebhaberei 

kann man sich bei verschiedenen Wettbewerben 

überzeugen, die von vielen 

beschickt werden, die im Ausstellungsbetrieb 

fast oder völlig unbekannt sind. 

Alljährlich werden die Wettbewerbe 

Grafika roku (Graphikblatt des Jahres) 

und Cena Vladimíra Boudníka (Vladimír-Boudník-Preis) 

ausgeschrieben. 

Für das vergangene Jahr bekam der 

exzellente Experimentator Lubomír 

Přibyl, Schöpfer minimalistischer geometrisierender 

Kompositionen, diesen 

Preis verliehen. 

Abschließend sei noch ein pikantes 

graphisches Verfahren gestreift: das 

Tattoo. Warum soll man konventionelle 

Massenmuster auf der Haut tragen? 

Warum sollte man sich das originelle 

Bild, mit dem man sein Lebtag lang 

leben wird, nicht von einem prominenten 

Künstler entwerfen lassen? In Prag 

kursiert bereits eine Anekdote, daß ein 

Fräulein sich nach der Besichtigung 

einer Ausstellung von Zdeněk Sýkora 

seinen Rücken mit dessen Linien komplett 

zieren lassen wollte. Ein solches 

Projekt wurde bereits 1999 im Tschechisch-Slowakischen 

Pavillon auf der 

Graphikblätter tun sich hierzulande 

als die demokratischste, für jeden erschwingliche 

Kunst hervor. Sogar Blätter 

respektabler seliger Meister wie 

Toyen, František Tichý, Jan Zrzavý, 

František Gross und Jan Kotík sind 

immer noch spottbillig. 

Auch die jüngste Künstlergeneration 

interessiert sich für Graphikverfahren. 

Sie erlernt klassische handgemachte, 

aber auch digitale Techniken. 

Die Einteilung in formale Gattungen 

hört in der Gegenwart auf, 

wichtig zu sein. Die Drucke werden 

als Nebenprodukt der freiberuflichen 

Aktivitäten, als Auftragsarbeiten angefertigt. 

In Tschechien ist es nicht üblich, 

daß große Galerien und Museen eigene 

Graphikreihen herausbringen, es mangelt 

an privaten Galeristen, die solche 

Konzepte für ihre Protegés fördern 

würden. Ob spontan oder aus Überschwang 

oder als Therapie (auch zu 

solchen Zwecken kann die Handarbeit 

dienen), viele namhafte Künstler verzichten 

nicht auf die Graphik. Aufmerksamkeit 

verdienen – neben den bereits 

erwähnten Künstlern – Petr Nikls Blätter, 

Mezzotinti mit privater Mythologie, 

Jan Mertas feinfühlige, farbflächige 

Siebdrucke, Vladimír Kokolias magische, 

arbeitsaufwendige Linolschnitte, 

Jan Híseks Märchenwelten, Michal 

Cihlářs beliebte Pop-Linolschnitte oder 

aber unauffällige Opuscula jüngerer 

Biennale in Venedig ausgeführt. Nach 

Entwürfen junger slowakischer Kunstschaffender 

konnten sich der Besucher 

das ausgewählte Kunstwerk direkt im 

Pavillon fachlich tätowieren lassen. 

Lenka Lindaurová 

unabhängige Kunstkritikerin 


Oldřich Kulhánek, Job II, Lithographie, 64 x 92 cm, 2002 

19

3 

1 

2 4 

20

Galerie 

5 

6 

František Skála, Energetické 

objekty (Energieressourcen) 

Mitte: Dobíječka (Ladegerät), kombinierte 

Technik, 65 x 20 x 14 cm, 1992 

1. Žhavé doteky (Glühende Berührungen), 

Holz, Licht, 40 x 40 x 25 cm, 2001 

2. Der slawische Waldgeist (Waldschrat 

bzw. Holzmann) Lesojan, Holz, Leder, 

Licht, 2001 

3. Božské substance (Göttliche Substanzen), 

Aluminium, Holz, Plast, 55 x 36 cm, 2001 

4. Kola Pop Musik, Papier, Polyester, 

Plastik, 87 x 300 x 500 cm, 

Installation, 2004 

5. Memento, Bakelit, Plastilin, 

31 x 16 x 20 cm, 1989 

6. Na vycházce (Ausgang), kombinierte 

Technik, 16 x 50 x 14 cm, 2000 

7. Kytara kladivo (Gitarre-Hammer), 

Holz, Plast, Gummi, Metall, 

100 x 17 x 10 cm, 2003 

Kytara Ostrorep (Gitarre- 

Pfeilschwanzkrebs), Holz, Plastik, 

Gummi, Metall, 100 x 40 x 10 cm, 2003 

Kytara Žihadlo (Gitarre-Stachel), 

Leder, Holz, Metall, Plexiglas, 

115 x 28 x 13 cm, 1998 


7 

21

Nicht am Alter leiden 

Sich am Portrait eines bildenden Künstlers 

zu versuchen, ist eine undankbare Aufgabe. 

Einerseits gibt es vollkommene Autoportraits, 

andererseits liegt das Werk vor, in dem sich 

jeder Schaffende nolens volens widerspiegelt. 

Und nicht zuletzt ist die Rede von einem Bildkünstler, 

der nicht besonders auf Portraits 

hält. Im Gegenteil: Petr Nikl mag Masken 

und Travestien. Er sagt damit: Ich bin jemand 

anders, nicht der, für den man mich hält. 

Die ersten Schritte 

Petr Nikl wurde am 8. November 

1960 in der Stadt Zlín geboren, 

die damals Gottwaldov hieß. 

Weder die Tatsache, daß man geboren 

wird, ist persönliche Wahl, 

noch die Familie oder die Zeit. 

Petr Nikl drückt dies in einem 

Interview besser aus: „Im Jahr 1960 

wurde ich in ein Milieu von Preßteilen 

für Plastikspielsachen geworfen, 

die meine Mutter entwarf, der 

enkaustischen Bilder meines Vaters und 

Großvaters Holzmodellierspielereien.“ 

Es läßt sich nur bemerken, daß der künftige 

Maler sich kaum ein besseres Umfeld 

Petr Nikl 

hätte wünschen können. Oder trifft wohl 

das Gegenteil davon zu? Das Klima einer 

Künstlerfamilie verpflichtet allzusehr und 

kann schöpferische Fähigkeiten sogar unterbinden. 

Petr Nikl wählte jedenfalls die Kunst 

und ging auf die Kunstgewerbeschule in 

Uherské Hradiště (Ungarisch-Hradisch), 

um seine künstlerische Ausbildung später 

an der Akademie für Bildende Künste in 

Prag zu vervollkommnen und abzuschließen. 

Einen besonderen Abschnitt in dieser 

Entwicklung stellte der Puppenspielverein 

Mehedaha dar, der 1985 ins Leben gerufen 

wurde. Nikl gründete ihn mit seinen Kameraden 

von der Oberschule, František Petrák 

und Tomáš Volkmer. „Es machte 

uns Spaß, sich durch Objekte im 

kleinen Fenster des Puppentheaters 

zu artikulieren. Es kam uns gelegen 

bei Versuchen in der Poetik 

des Absurden. Ich ließ mich 

obsessionieren von der Puppenund 

Spielfigurenschnitzerei, mit 

denen ich bis heute spiele. 

Von der Spielsache bis zur 

Spielpuppe 

Auch so ließe sich die erste Etappe 

des „Künstlers“ und seiner „Kunst“ etikettieren. 

Petr Nikl wehrt bei solchen Bezeichnungen 

ab, bekommt Angst, den Automa- 

22 

Bild Nr. 36, aus dem Buch Atlas Salta 

Bild Nr. 46, aus dem Buch Atlas Salta

P. Nikls interaktive Ausstellung Hnízda her (Nest der Spiele) stieß auf ungewöhnliches Interesse der Bevölkerung 

Performance, interaktive 

Ausstellungen 

„Das kreativ Spielerische ist die Grundlage 

der Kommunikation, für mich ist das 

eine todernste Sache (…) Infantilität begreife 

ich als das sich Freimachen von 

dünkelhaften Reaktionen, die der Kommunikation 

im Wege stehen. Beim Spiel löst 

sich mein Ego auf und das offene Feld der 

Möglichkeiten läßt sich wenigstens für einen 

Moment vom Nullpunkt aus betrachten.“ 

Petr Nikl 

(*1960), bildender Künstler 

tismus fürchtend, unter welchem die Kunst 

unter der Hand des Schaffenden entstehe, 

weil anderes „nicht entstehen kann“. Vielleicht 

akzentuiert er deshalb die Bedeutung 

von Emotionen „in reinem Zustand“. Diesen 

entspricht die Zeichnung, nicht das 

Bild, das einen durchdachten Akt darstellt. 

Zeichnungen sind für Nikl keine Vorbereitungsarbeit 

oder Skizzen von Einfällen, 

sondern der echteste bildkünstlerische Ausdruck. 

„Nie male ich ein Bild danach, ein 

Bild würde mir keinen Spaß machen. Ein 

Bild ist wie alles andere. Ein Tier, das ich 

fange oder eben nicht. Kein Entwurf für 

eine Falle.“ Ein im voraus durchdachtes 

und komponiertes Bild sei für Nikl also 

eine Falle. Im Bewußtsein eines ungeahnten 

Ausgangs impulsiv und emotiv zu 

malen, wurde zur Methode, zur Regel des 

Schaffens des Künstlers. So entstanden die 

Bilder, die Petr Nikl bei der ersten öffentlichen 

Ausstellung der Gruppierung Tvrdohlaví 

(Dickköpfige) präsentierte. 

Heutzutage mag dies alles banal erscheinen, 

aber in der tschechoslowakischen 

Kunstlandschaft von 1987 avancierte 

die Ausstellung zu einem Event. Es 

war mehr als nur eine Geste der Freiheit 

in einer immer noch von der kommunistischen 

Ideologie indoktrinierten und von 

Parteibonzen kommandierten Gesellschaft, 

in der die Parteimänner und -frauen alle 

von der Äußerungsfreiheit „bedrohten“ 

Domänen hauptberuflich überwachten. 

Es ist nicht sicher, ob der Gruppengeist 

dem introvertierten Petr Nikl konvenierte, 

aber er wußte sich gemeinschaftlichen Bedürfnissen 

zu fügen und dabei die Autonomie 

seiner eigenen Kunstwelt zu wahren. 

Die Zeit der Dickköpfigen war für die 

heimische Szene von Belang und dauerte 

von 1987 bis 1992 an, wo die Gruppe auseinanderging. 

In rein ästhetischer Hinsicht 

verfolgten die Dickköpfigen kein eigenes 

Programm und theoretisches für alle verbindliches 

Konzept. 

Kritiker, Theoretiker und auch Normalzuschauer 

sahen in Nikls Bildern heterogene 

und widersprüchliche Werte: Fragilität, 

Naivität, wortloses Geheimnis und Schrekken. 

Das Ganze allerdings war aber suggestiv 

und entsprach adäquat dem Postulat 

der Vieldeutigkeit, wie es der Künstler aufstellte. 

Nikl in seiner Eigenschaft als Maler 

hatte keine Wahl und mußte seine Sujets 

aus einer polysemen und vielgestaltigen 

23

P. Nikls Exposition Zahrada fantazie a hudby (Ein Garten der Phantasie und Musik), mit welcher Tschechien bei der Expo Aichi 

2005 vertreten war, konnten rd. 1,7 Mio. Besucher begrüßen, unter ihnen auch den japanischen Thronfolger, Prinz Naruhito. 

Welt herholen: „Eindeutigkeit ist für mich 

ein schlechtes Anzeichen“, sagt Nikl als Maler. 

Der Jindřich-Chalupecký-Preis, der 1995 an 

ihn ging, dekorierte nicht nur sein Malwerk, 

sondern auch seine anderen Leistungen. 

Spielsinn heißt das Klischee 

Es ist nicht nur journalistisches Palaver, 

sondern auch die Redeweise der Künstlerkollegen 

und respektablen Persönlichkeiten, 

wenn sie, um Nikl zu beschreiben 

und zu benennen, sein ganzes Wesen mit 

der Wertung „Spielsinn“ bedenken. Anders 

geht es wohl nicht, denn im gleichen Zug 

sprechen sie vom „ewigen Kind“. 

Als ein Journalist Petr Nikl fragte, ob 

er ein Kind sein möchte, bekam er Ausweichendes 

zur Antwort: „Ich weiß nicht. 

Ich bin bemüht, nicht am Alter zu leiden.“ 

Banales und Klischees wären daher zu 

meiden. Man kann sich an Fakten und enzyklopädischen 

Stichworten orientieren. 

Petr Nikl figuriert dort als Maler, Dichter, 

Texter, Musiker und Komponist, als Regisseur, 

Theatermacher und Schauspieler-Performer. 

Mein privater Eindruck ist, er gebe 

sich hauptsächlich als Schauspieler, der 

sein Werk gern vorführe und zwar aus dem 

Grund, weil er sich in diesem Prozeß Je- 

Neues einfallen lassen kann. Was im Entstehen 

begriffen ist, ist das Dynamische, 

bleibt als Werdendes unwiederholbar. Als 

Schriftsteller zeichnet er für vier Kinderbücher, 

das erste aus dem Jahr 1998, trägt den 

Titel Vyhnání z ráje (Vertreibung aus dem 

Paradies), das letzte hat einen klangvollen 

Namen: Záhádky (etwa: Rätselmärchen). 

Als Musiker erhielt Petr Nikl vor einigen 

Jahren eine Engelstatuette (Anděl) verliehen, 

allerdings in der Kategorie alternative 

Musik, was dem Preisträger unbegreiflich 

vorgekommen war, meint er doch von 

seiner Musik und seinen Texten, sie seien 

„gewöhnlich“. Eine Frage ohne Antwort 

drängt sich auf: Wozu sollten Nikls Werke 

eine Alternative darstellen? 

Mit dem Musikpreis Anděl wurde 

Nikls Album Nebojím se smrtihlava (Ich 

fürchte den Totenkopfschwärmer nicht) 

preisgekrönt, das er 2000 in Zusammenarbeit 

mit der Band Lakomá Barka aufnahm. 

Nikls jüngsterschienenes Lied mit 

dem Titel Klaun (Clown) zeichnet sich 

durch autobiographische Züge aus. Er ist 

der Clown, der die Leute amüsiert und darauf 

auch im Liedtext anspielt: „Ich fahre 

ins Spital, den Clown zu trösten, genau an 

24 

Anna a žába (Anna und der Frosch), Öl auf Leinwand, 160 x 140 cm, 2003

P. Nikl, Performation, Divadlo 29, Pardubice (Pardubitz) 

Und umgekehrt: der Zuschauerraum die 

Bühne. Als Schauspieler ist Petr Nikl froh, 

wenn die Rollen durcheinander geraten: 

Wenn die Zuschauer sich auf das Spiel als 

Schauspieler einlassen und der Schauspieler 

für eine Zeitlang zum faszinierten 

Zuschauer wird. Es gibt keinen Raum diesund 

jenseits des Vorhangs. Das wahre 

Mysterium und die Magie des Theaters 

liegt anderswo: „Immer wünschte ich 

gleichzeitig für die vor den Puppen sitzenden 

Zuschauer zu spielen, und für diejenigen, 

die hinter uns sitzen und das Chaos 

vor dem Prospekt beobachten“, sagt Nikl- 

Puppenspieler. Fängt er zu spielen an, 

unterscheidet er nicht zwischen Probe und 

Vorstellung. Er glaubt nämlich nicht an 

Wiederholbarkeit von Improvisationen und 

Emotionen, mit denen er sein Spiel belädt. 

Und als Spieler ist er perfekt. 

Auf die aufgeworfene Frage entgegnet 

er: „Ich bin schauspielernder Bildkünstler. 

Ich bin kein malender Schauspieler. (…) 

Ich denke, daß ich ebendeshalb spiele, weil 

ich nicht mich selbst darstelle.“ 

Im Theater, ähnlich wie in der Malerei, 

improvisiert Nikl ohne Unterlaß und künstlert 

aus dem Augenblick, aus der glücklichen 

Idee heraus. 

Nikl interaktiv 

Der schauspielernde Bildkünstler und 

schauspielernde Zuschauer verschmelzen 

zu einem Ganzen in einem Prozeß, der die 

nicht ganz geglückte Bezeichnung Interaktivität 

trägt. So wurden Nikls Expositionen 

für den Tschechien-Pavillon in Aichi 

(Japan, 2005) und für das 2006 von Tschechischen 

Kultur- und Informationszentren 

in Auftrag gegebene Projekt Orbis pictus 

betitelt. Beide Veranstaltungen erfreuten 

sich bei den Zuschauern ungemeiner Popularität, 

der „Garten der Phantasie und 

Musik“ auf der Weltausstellung brach 

unter den Pavillons der Nationen alle Rekorde, 

was die Besucherzahl anbetraf. 

Nikl-Dramaturg selber war erfreut, nicht so 

sehr über die quantitativen Indexe, sondern 

vielmehr als Beweis für verlaufende Kommunikation 

und Dialog, der der modernen 

Kunst immer irgendwie fehlte. Nikl beweist, 

daß künstlerische Bemühungen 

nicht im Kunstwerk und Artefakt, geeignet 

für Vitrinen von Museen, liegen, sondern 

im Finden und Wiederherstellen solcher 

verborgenen schöpferischen Fähigkeiten 

gipfeln, die eine Quelle der Freude und 

allen Menschen gemeinsam sind. 

Jiří Olič 

Photos: Redaktion, Archiv Petr Nikl 

den selben Ort, an dem er mich tröstete, ich 

bringe ein paar Masken, eine Trommel und 

eine Pfeife, damit er nicht merkt, wie ich 

mich dabei fühle.“ Petr Nikl erkennt in 

seinen Liedern einen „grotesk wehmütigen“ 

Ton und einen „tragisch lachenden“. So 

ließe sich auch sein Gesamtwerk betrachten 

und benennen, vor allem die Malereien 

und die Literatur. Masken und Verkleidungen 

sind für einen Teil des Zusammenhangs 

von „Leben und Werk“. „Ich trage 

nur ein Kostüm, das mich daran hindert, 

mir allzu würdevoll vorzukommen. Meine 

Identität unterdrücke ich gern“, kommentiert 

er seine Lieblingsrequisite. 

Die Bühne ist der Zuschauerraum 

Anna v negativu (Anna im Negativ), Öl auf Leinwand, 160 x 140 cm, 2003 

25

Herzlandschaft, Herzlandschaft 

Kamil Lhoták 

Als Pablo Picasso 1967 eine Ausstellung der 

tschechischen Kunst in Paris besuchte, fühlte 

er sich am intensivsten vom Bild „Tochter 

der Großstadt“ des tschechischen Künstler– 

Autodidakten, des Naivisten Kamil Lhoták 

angesprochen. Hierzulande assoziiert man 

den Namen dieses Malers und Kinderbuchillustrators 

ohne weiteres mit Sujets wie urigen 

Fahrrädern, Automobilen, Papierdrachen 

und Heißluftballons. Zu seinen Lieblingsthemen 

zählt auch die Vorstadtlandschaft. 

In dieses Milieu wurde Kamil Lhoták 

1912 hineingeboren und sein heimatliches 

Prager Viertel Holešovice blieb für ihn 

lebenslang die Quelle der Inspiration. In 

seinen Bildern hielt er es fest, wie es in den 

1940-50er Jahren aussah, aber er versetzte 

sich imaginativ auch in das Holešovice vom 

Ende des 19. Jahrhunderts zurück. 

Kamil Lhoták vor seinem größten Bild Zelené Irsko 

(Grünes Irland), Januar 1968 

Kamil Lhoták betätigte sich als Zeichner, 

Maler und Graphiker, allerdings ohne die 

dazugehörige nötige künstlerische Ausbildung. 

Er begann mit Karikaturen seiner 

Mitschüler, dem Skizzieren von der Szenerien 

vor dem Schulfenster, Zeichnungen 

von Automobilen oder etwa dem „Stilleben 

mit einem Autoreifen“. Im Zeichnen bekam 

er für gewöhnlich Vieren: „Ich zeichnete 

nämlich nur das, was mir Spaß macht“, 

erinnerte er sich später. Technisch blieb er 

aber nicht im Rückstand, er meisterte diverse 

bildkünstlerische Techniken: Aquarell, 

Federzeichnung, Kaltnadel sowie Radierung. 

Der Verfasser einer umfangreichen 

Lhoták-Monographie, Luboš Hlaváček, 

spricht von einem unauffälligen Wendepunkt 

im Schaffen des Malers, als dieser 

von den Initialen K.L. als Signatur zur Aus- 

Odol, Öl auf Holz, 14,5 x 31 cm, 1950 

26 

Vstříc osudu (Dem Schicksal entgegen), Öl auf Leinwand, 95 x 110 cm, 1948 

Nostalgie letního odpoledne (Nostagie eines Sommernachmittags), 

Öl auf Leinwand, 50 x 60 cm, 1940

Pohled na Stromovku z mého ateliéru (Blick auf den Baumgarten aus meinem Atelierfenster), 

Öl auf Leinwand, 70 x 130 cm, 1951 

Künstler – Autodidakt 

Als ließe sich auf der Welt 

Nichts Anderes, nichts Besseres 

malen 

Als ein einfarbiger Himmel 

Und ein einfarbiger Streifen Erde, 

Nicht als die zwei Reiche, 

Die auch ohne Menschen bestehen, 

nichts mehr, 

Vielleicht nur noch ein verlorener 

Kinderball, 

Ein sehr niedriges Zelt oder ein 

entferntes Dach, 

Die Anzeichen dafür, daß man lebt […] 

Kamil Bednář 

(1912–1972), Dichter 

schreibung des vollen Namens wechselte. 

Als dächte der Künstler, der einige seiner 

Werke ohne Erbarmen vernichtete, nun 

habe er seine Reife endlich erreicht. 

1939 führte Lhoták seine Leistungen im 

Verein Umělecká beseda vor und wurde 

unter Kunstschaffende wie Josef Čapek und 

Jan Zrzavý aufgenommen. Er bekannte sich 

zur Tradition des berühmten Landschaftsmalers 

Antonín Chittussi, aber auch zu den 

ornamentalen Märchenillustrationen von 

Artuš Scheiner. Von der modernen Kunst tangierten 

ihn er von Henri Rousseau, Giorgio 

Chirico, Max Ernst, Salvadore Dalí, von den 

einheimischen Künstlern von Josef Šíma. 

Er war auch Mitglied der Künstlervereinigung 

Skupina 42 (: Gruppe 42), deren 

ästhetische Prinzipien vom Kritiker Jiří 

Kotalík ausformuliert wurden: „Der von der 

städtischen Zivilisation okkupierte Mensch 

hört doch nicht auf, ein in der Totalität des 

Kosmos lebendes Wesen zu sein, darf die 

anderen Beziehungen nicht außerachtlassen.“ 

Trotz der Vollmitgliedschaft blieb 

er mit seinem unverwechselbaren Werk 

anders, ein Einzelgänger. 

Die Faszination durch die Heimatstadt 

Prag und seine eigene Auffassung von Zivilismus 

und Poetismus schilderte er folgendermaßen: 

„Die Prager Vorstädte, namentlich 

Holešovice, die Landschaft, in der 

verwitterte und beteerte Umzäunungen von 

Fabrikgebäuden Alleen ersetzen. Dürre 

Akazienbäume häufen sich um Telefonzellen. 

Blumen wachsen dort nur auf den 

Dächern moderner Mietshäuser, in Kleingärten 

30 m hoch über der Erde. Es ist 

ein prächtiges Schauspiel, das hie und da 

an die Zivilisation alter amerikanischer 

Grotesken erinnert. Asphaltstraßen, Stahlbeton, 

Ziegel, Kandelaber, Bretterzäune, 

Wind, Regen, Rauch, Nebel, Holešovice, 

Nusle, Michle, Žižkov. Eine riesengroße 

Parkanlage, unmittelbar an Fabrikanlagen 

in der Umgebung angrenzend: der Baumgarten 

(Stromovka).“ 

Lhotáks Bilder der Peripherie tun sich 

besonders durch ihr Kolorit, die ihnen eingehauchte 

Seele hervor. Wie der Kunsthistoriker 

Luboš Hlaváček schrieb: „Er war 

nicht an Veduten interessiert, nur an der 

Topographie des Herzens.“ Motive von Umzäunungen, 

Werbeflächen, vergessenen Fußbällen 

und den besagten Fahrrädern deuten 

eine wiederholte Rückkehr in die Kindheit 

an. Später entsann er sich, wie er einmal im 

Botič-Fluß ein Autowrack entdeckt hatte; 

„einen herrlichen Turcat-Méry, auf Felgen, 

halb im Boden, vom Gras verdeckt … Im 

Wrack war noch das Lenkrad zu finden. 

Man konnte sich reinsetzen und sich vorstellen, 

wie man den Wagen fährt.“ 

Eine romantische, nostalgische Botschaft 

vermitteln auch Lhotáks Bahnhofsszenen, 

Landschaften mit Umzäunungen sowie 

Industrielandschaften. Das erste, was ins 

Auge springt, ist das Arrangement der 

Objekte im Raum, der zumeist ungewöhnlich 

offenbleibt. Zeitgenössische Kritiken 

sprechen davon, daß Lhoták Spuren eines 

Menschen zeige, der gerade gegangen, doch 

immer noch präsent sei. 

Eine luftige Komposition, in der die zersplitterte 

Stadtperipherie nahtlos in den 

Horizont übergeht, bezeugt die Bahnhofsszene 

Vstříc osudu (Dem Schicksal entgegen, 

1948). Der Freund und Biograph 

des Malers, Adolf Branald, kommentiert 

das Bild im Buch Můj přítel Kamil (Mein 

Freund Kamil): „Der blaue Himmel ist verschattet 

durch leichte Wolken, die Gleise 

führen weiter, aber nicht einmal der Bahn- 

Žižkov, Öl auf Leinwand, 70 x 50 cm, 1982 

27

Krajina 20. Století (Landschaft des 20. Jahrhunderts), Öl auf Leinwand, 60 x 100 cm, 1942 

hofsvorstand weiß bis wohin. Nichts ist verloren, 

Überraschungen sind nicht ausgeschlossen. 

Unsicherheit ist nicht absolut, 

zum mindesten kann man hoffen.“ 

Diese Leere, das „Nichts“ strahlt am 

deutlichsten aus der Ölmalerei Nostalgie 

letního odpoledne (Nostalgie eines Sommernachmittags) 

heraus: auf dem Bild ist beinahe 

nichts übriggeblieben. Eine menschenleere 

Straße, ein Zaun, dahinter eine Hütte, 

drei Bäume, drei Leitungssstangen. So 

werden im Bilde die Worte von Josef Šíma 

wahr: „Je banaler, je geläufiger die Wirklichkeit 

ist, um so stärker wird sie von 

Kamil Lhoták poetisiert.“ 

Schon allein der Mechanismus der 

Malinspiration und der Prozeß der Entstehung 

von Bildern waren bei Lhoták von 

besonderer Art. „Ich male nie im Freien“, 

betonte er, „ich schaue so lange, bis der Eindruck 

in mir bleibt. Dann werf’ ich es zu 

Hause aufs Papier oder auf die Leinwand.“ 

Auf diese Art und Weise hielt er malerisch 

nicht nur Prag, sondern nach seinen Reisen 

auch Paris und Venedig fest. Er malte auch 

Orte, die er nie besucht hatte, zur Serie von 

vierhundert Zeichnungen zum Thema „Amerika“ 

bewog ihn Vojtěch Ženatýs Buch 

V zemi pruhů a hvězd (Im Lande der Streifen 

und Sterne, 1927). 

Von der Poesie der Stadt wandte sich 

der Maler immer mehr der Poesie der Landschaft 

zu. 1961-1962 malt er große Leinwände 

mit Sujets des Grünen Irlands im 

Geiste des Kolorismus. Der Schriftsteller 

Ludvík Souček bezeichnete diese Serie der 

sonst leeren, grünen horizontalen Landschaften 

als „eine Metapher der Ruhe 

unterm Himmel, durchlöchert im Weltall über 

der unendlichen Ebene.“ Adolf Branald fügt 

hinzu, daß Lhoták die Fähigkeit besessen 

habe, „in Metaphern jede Regung des Gefühls 

und des Verstandes auszudrücken“, und als 

er selber später Irland besucht habe, „habe 

er in Lhotáks irischen Weiden gestanden“. 

Das Wesen Irlands lag in dem faszinierenden 

Grün, eine präzise Farbenarbeit 

zeigte der Künstler bereits in früheren 

28 

Červený orel (Roter Adler), Öl auf Leinwand, 60 x 100 cm, 1966 

Stará mlatička (Alte Dreschmaschine), Öl auf Leinwand, 

70 x 80 cm, 1975

Kolo (Fahrrad), Öl auf Leinwand, 65 x 86 cm, 1974 

Schaffensphasen. Sein Blau wurde berühmt. 

Man sagt, er habe es an der kleinen Temperamalerei 

Modrá hora /Der blaue Berg/ 

definiert, in Versen wurde es vom Dichter 

František Hrubín besungen. 

In seiner Suche nach der „Mythologie des 

modernen Menschen“ entwickelte sich Lhoták 

weiter. 1942 artikulierte er die „Landschaft 

des 20. Jahrhunderts“ in dem gleichnamigen 

Bild. Vierzig Jahre später etwa läßt 

sich ein anderer Impuls auf dem Bild Ponorka 

a sopka (U-Boot und Vulkan) aufspüren. 

Während die Landschaft des 20. Jahrhunderts 

bis an die Grenze des Idyllischen beruhigt, 

wirkt das an dem aktiven Vulkan 

vorbeifahrende U-Boot auf dem Bild von 

1982 unbehaglich, ja alarmierend. Aber schon 

der Schlafende. Unterwirft er sich etwas, 

so unterwirft er sich aus der Reinheit des 

Herzens heraus, er gestaltet, so souverän er 

es kann und so selbstverständlich, wie man 

atmet. […] Er sagt: Farben erwachen in 

Bildern, wer kann dafür? Wenn es nottut, 

ein großes Herz zu besitzen, um sich über 

die Freude der anderen zu freuen, dann 

besitzt er das Herz eines Sterns.“ 

Kamil Lhoták ist 1990 in Prag gestorben. 

Die Familie erlosch aber nicht. Der Enkelsohn 

des Malers und Graphikers, Kamil 

Lhoták d.J. (vom Opa 1980 auf dem Bild 

Můj vnuk Kamílek Lhoták porträtiert), malte 

selber einige Zeit und gibt sich gegenwärtig 

mit der Photographie ab. Er liebt Prag, ist 

fasziniert von Kraftwerken und Masten in 

allen Gestalten und Größen. Er arbeitet als 

Arbeiter im Wärmekraftwerk Malešice, 

hatte zwölf Jahre lang verschiedene Heizerstellen 

inne. Zu den in der Zeitschrift 

Divoké víno veröffentlichten Photos der Industrielandschaft 

an der Peripherie kam ein 

Gedicht hinzu. Er schrieb es ins Dienstbuch 

bei der Dienstübergabe. Seinen Mitarbeitern 

gefiel es so gut, daß sie es abgeschrieben, 

eingerahmt und in der Arbeit ausgehängt 

haben. Er schrieb darin unter anderem: 

gelangt man von der Baukunst zu Traumkompositionen, 

in die Welt der roten Drachen, 

„Maschinen der Wüste“ in Form von 

Stundengläsern, Steinen und Mauern der 

Erinnerung. Daß Lhoták eine durchgeistigte 

und reiche Portraitmalerei aufzuweisen hat, 

soll hier nur am Rande erwähnt werden. 

Die Seelenlandschaft des Malers wurde 

von Lhotáks Gefährten, dem Dichter und 

bildenden Künstler Jiří Kolář folgendermaßen 

charakterisiert: „Der Gerechte als 

Die Schicht zu Ende 

Der Schein erlischt 

Die Nacht dahin 

Die Seele schmilzt 

Die Worte in ihrer Atmosphäre nicht 

unähnlich der Welt der Vorstadtszenerien 

seines Großvaters. 

Petr Konečný 

Nach Lhoták-Monographien von František 

Dvořák und Luboš Hlaváček 


Ponorka a sopka (U-Boot und Vulkan), Öl auf Leinwand, 65 x 86 cm, 1982 

29

Künstler und Außenseiter 

Jakub Schikaneder (1855 – 1924) 

Petr Parléř předkládá Karlovi IV. model Karlova mostu 

(Peter Parler legt Karl IV. das Modell der Karlsbrücke 

vor), Ausschnitt aus dem Fries für das Prager 

Nationaltheater, Tempera auf Leinwand, 1879-1882 

Kaum ein anderer Künstler war mit Leib 

und Seele so Maler wie er. Er führte das 

private wie das Künstlerleben gleichsam 

am Rande, sei es angesichts der 

Zuordnung seines Schaffens zu 

einem Kunststil, sei es in Anbetracht 

der symbolischen Sprache 

seiner Leinwände, die von der 

Kritik manchmal unverstanden 

blieb. Zu den Zuschauern sprechen 

seine Bilder bis heute eine 

verständliche Sprache. Ihr Ideengehalt 

und äußerstes handwerkliches 

Können wurden erst 

nach Ableben des Malers gebührend 

hochgeschätzt. 

Definiert man den Schwerpunkt 

als den Ort der allergrößten 

Schwere, stellen ihn elegische 

und düstere Motive der 

Letzten Dinge des Menschen in Schikaneders 

Oeuvre dar. Der Maler griff sie in 

ihrer symbolischen Beschreibung lebenslang 

immer wieder auf. Auf Pastellzeichnungen 

aus den 1890er Jahren ist der 

Mönch, am Meeresufer stehend, ein Zeuge 

der Ertrunkenen Mädchen (Utonulé dívky), 

in Schikaneders Spätwerk steht der Zuschauer 

am Lager eines Mädchens (Dívčino 

lože) und sieht wortlos ihrem Ableben 

(Mrtvá dívka) zu. Mit den schweren und 

schwermütigen Sujets hielt der Maler die 

Würde des tragischen Augenblicks fest. Die 

Bilder, wiewohl in ihrem Inhalt beunruhigend, 

strömen die Atmosphäre der Versöhnung 

aus. Schikaneder tritt in ihnen als 

Führer durch eine Doppelwelt, Meister des 

Schatten- und Lichtspiels, als 

Mensch von Abend und Dämmerung 

auf. Stilgeschichtlich 

bleibt er eine Persönlichkeit 

ohne eindeutige Zuordnung, er 

entwickelt sich von der klassischen 

Figuralmalerei über psychologisch 

gestimmte Malweise 

und Symbolismus bis hin zu 

Werken im Stil des Realismus 

und Naturalismus. Er repräsentiert 

zwar das 19. Jahrhundert, 

läßt es aber in manchen seiner 

Bilder weit zurück. 

Jakub Schikaneder ging aus 

einem anregungsvollen familiären 

Umfeld hervor: ein Vorfahr, 

der berühmte Wiener Komiker und 

Dramatiker vom Ende des 18. Jahrhunderts, 

Emanuel Schikaneder, wurde durch sein 

Libretto für Mozarts Zauberflöte berühmt. 

Jakub besaß theatralische wie musikalische 

Begabung, von allen Anlagen aber kam das 

bildkünstlerische Talent am stärksten zum 

Vorschein. Bereits während der Studien an 

der Prager Akademie machte er sich einen 

Namen. Er war ein naher Verwandter des 

Malers Mikoláš Aleš, den er 1871 bei 

gemeinschaftlichen Studienarbeiten präzise 

portraitierte. Sein erstausgestelltes Bild fand 

bei dem maßgebenden Schriftsteller, Jour- 

30 

Výměnkářka (Altenteilerin), Öl auf Leinwand, 129 x 105 cm, 1885 

Večer na pobřeží (Abend an der Küste) Öl auf Leinwand, 117 x 156 cm, 1920-1922

Vražda v domě (Mord im Haus), Öl auf Leinwand, 129 x 105 cm, 1885 Öl auf Leinwand, 203 x 321 cm, 1889-1890 

Malerei 

„Er war schlank und von angenehmer 

Gestalt, nett, freundlich und 

hinterließ überall Spuren seiner verträumten, 

vornehmen Seele. Er wollte 

nicht genial aufstrahlen, jeder lauten 

Reklame stand er meilenweit fern …“ 

Viktor Šuman 

Maler und Übersetzer 

(1882–1933) 

nalisten und Kritiker Jan Neruda Anerkennung, 

der ihm auch eine erfolgversprechende 

Zukunft voraussagte. Schikaneder versuchte 

nach Studienabschluß, sich von den 

Konventionen seiner Zeit zu befreien und 

sich manche Anregungen der zeitgenössischen 

Genremalerei, ja der studentischen 

Ulkerei (Bild Příšerná společnost – Schreckliche 

Gesellschaft) zunutze zu machen. Er 

brach zu einer Studienreise durch Europa 

auf. Nach einem kurzen Aufenthalt in Paris 

führte ihn sein Interesse für provozierende 

psychologische Motive ins Atelier von 

Gabriel Max an der Münchner Akademie. 

Nach seiner Rückkehr nach Prag nahm 

Schikaneder an der Ausschreibung für Interieurgestaltung 

im Nationaltheater Prag, 

dem prestigereichsten heimischen Künstlerwettbewerb 

des 19. Jahrhunderts, teil. Sein 

Entwurf für die Ausschmückung der königlichen 

Loge (zusammen mit Emanuel Krescenc 

Liška) wurde angenommen und bald 

darauf auch umgesetzt. Der Fries, die Epochen 

der Přemysliden, Luxemburger und 

Habsburger darstellend, wurde aber nach 

dem verheerenden Brand auf Wunsch des 

neuen Direktors durch eine andere Ausschmückung 

ersetzt. 

Symbolický výjev (Symbolische Szene), Öl auf Karton, 50 x 37 cm, 1895-1897 

Poslední útěcha (Letzter Zuspruch), Öl auf Leinwand, 116 x 187 cm, 1897 

31

Na ztracené vartě (Auf verlorenem Posten), Öl auf Leinwand, 98 x 150 cm, 1906 

In Schikaneders Schaffen aus dieser Zeit 

spiegelten sich Impulse der europäischen 

Malerei wider, die er von seiner Paris- und 

Münchenreise mitgebracht hatte. Ähnlich 

wie viele seiner Zeitgenossen war auch er 

von der „wiedererweckten“ niederländischen 

Barockmalerei und ihren Lichtschattierungen 

angetan. Die Identifizierung mit niederländischen 

Quellen inspirierte ihn zur 

lebenslangen Verwendung von niederländischen 

Sujets und Motiven der Nordsee. 

Neben den bereits erwähnten Ertrunkenen 

Mädchen liefert das Pohřeb dítěte (Begräbnis 

eines Kindes) am Meeresstrand ein klassisches 

Beispiel dafür. Dank dem Paris-Erlebnis 

tendierte Schikaneder immer wieder 

zur künstlerischen Darstellung von Frauenfiguren 

und –schicksalen. Er schuf zahlreiche 

Werke mit Frauenthematik, z.B. das Portrait 

eines Kräuterweibes (Bylinkářka), einige 

Interieurkompositionen, die Studie Sedící 

dáma (Sitzende Dame), auf Monets Impressionen 

verweisend, realistische bis naturalistische 

Portraits Výměnkářka (Die auf Ausgedinge 

Lebende) Žena loupající brambory 

(Frau Kartoffeln schälend). 

Als hervorragende Leistung springt das 

großformatige Bild Vražda v domě (Mord im 

Haus) in die Augen. Damit dekanonisierte 

Schikaneder inhaltliche wie formale Konzepte 

seiner Zeit, indem er ein Thema auf 

eine über 3 m breite Leinwand brachte, das 

damals höchstens als Genremotiv oder Zeitschriftenillustration 

zur Geltung fand. Während 

die Kritik verlegen war, war der Urheber 

seiner Darstellungsweise so sicher, daß 

er damit 1890 die internationale Ausstellung 

der Gegenwartskunst in Berlin beschickte. Die 

Ausstellungskommission verstand das Sujet 

als Krimi, bei dem der wichtigste „Trick“ 

darin bestand, den anwesenden Mörder zu 

enthüllen. Die Intention des Urhebers deutete 

aber eher das Mysterium von menschlicher 

Tragödie und Verbrechen an, und das Bild 

sollte ein realistisches Zeugnis von dem 

Ereignis ablegen. Zugleich warf das Werk 

in der tschechischen Kunstlandschaft die 

Frage auf, wie das Kunstverständnis der Wirklichkeit 

aussehen sollte und wie der Realismus 

im authentischen Zusammenhang 

hierzulande zu verkörpern wäre, und gab 

gewissermaßen eine Vorprobe davon ab. 

Anfang des 20. Jahrhunderts gruppierte 

sich eine neue progressive Künstlergeneration 

mit dem Schriftsteller und Literaturkritiker 

F.X. Šalda an der Spitze. Schikaneder 

verblieb angesichts seines Alters und seiner 

Stellung in der Rolle eines Außenseiters. In 

dieser Zeit ist ein Wandel seines Duktus 

unverkennbar. Der Künstler setzte einen 

Schlußpunkt hinter die Etappe, in der er sich 

oft der Wirkungen des expressiv gestrichenen 

32 

Nokturno ve staré Praze (Nokturno in Altprag), Öl auf Leinwand, 120 x 105 cm, 1911

Seurat bis hin zu Whistlers und Grimshaws 

Nachtstücken. 

Der Gipfelpunkt und Abschluß von Schikaneders 

Schaffen stand im Zeichen einer 

Rückkehr zu Interieurs. Zu den typischen 

Interieurs, die im 19. Jahrhundert zu Malstudien 

anregten, gehörten verdunkelte 

Zimmer von Wohnungen, Puffs, Studierstuben, 

Irrenanstalten und Gefängnisse … Die 

winzigkleinen Welten der Stille, des Rauschens 

von Vorhängen und unbeantworteter 

Fragen … Schikaneders Studien konzentrierten 

sich auf die Analyse der Lichttönungen. 

Der lichtvolle Reichtum in Nachtstükken 

von Alt-Prag wurde eingetauscht gegen 

die Motive Tod, Überraschung, Begegnung 

und Abschied in geschlossenen Räumen. 

Der Ausdruck beruhigte sich, Elemente des 

Tragischen und Empfindsamen lösten sich 

auf, die Bilder nahmen feste Formen und 

einen soliden Aufbau in der Bedeutung an. 

Auf Schikaneders späten Leinwänden dominiert 

die Schnittstelle zwischen Innen- und 

Außenraum, zwischen der Welt von hüben und 

der von drüben. So etwa im Bild U kolébky 

(An der Wiege) konturiert die Lichtgrenze fein 

die Gestalt einer über der Wiege gebeugten 

Frau und schafft auch eine Scheide zweier Lebenslagen: 

der emotionalen und der geistigen, 

der wehmutsvollen und der harmonisch ausgeglichenen. 

Gerade durch das Motiv des 

Grenzübertritts nähert sich das Oeuvre des 

Malers geistigen Tendenzen des anbrechenden 

20. Jahrhunderts. Auch in dieser Beziehung 

steht sein Gesamtwerk sticht von dem 

der meisten Wegbereiter der Avantgarde ab. 

Jakub Schikaneder kommt der modernen 

Zeit paradoxerweise erst dann näher, als er 

beinahe vergessen ist, abseits der universitären 

Lehre steht und sich nicht mehr und am 

sozialen und künstlerischen Leben beteiligt. 

Auf den Bildern aus den letzten Lebensjahren 

tauchen Ereignisse, Dinge und Vorstellungen 

leichter und klarer, aber doch 

mit poesivoller Wehmut über das auf, was 

nicht mehr wiederkommt. 

Er blieb eine ambitionierte Persönlichkeit, 

die in der Rolle des Außenseiters Bleibendes 

und intendiert Klassisches kreiert hat. 

Matyáš Pozler 

(Nach Tomáš Vlček: Jakub Schikaneder) 


oder aufgetragenen Farbstoffes bediente, zugunsten 

einer subtileren und festeren Maltechnik. 

So entstanden Malereien mit Landschaftsmotiven, 

etwa das Bild V podvečer 

(Am Vorabend), das sich den Gegensatz 

zwischen dem direkten Licht der untergehenden 

Sonne und dem diffusen, vom Himmel 

reflektierten Licht zum Thema setzt. 

Bei seiner Suche nach einem harmonischen 

Gleichgewicht der Gegensätze 

auf der Leinwand berührte Schikaneder 

ein Sujet, das sein reifes Werk auszeichnen 

sollte. Auf dem Bild Milenci (Liebespaar) 

malte er Gestalten im abgelegenen Winkel 

der Prager Altstadt. Mit Prag-Motiven 

gelangte er wortwörtlich zum Ziel, fand 

ein angemessenes Milieu für seine lyrischen 

Dramen, die Dialogführung seiner Gestalten 

mit dem historischen Hintergrund 

der Stadt verbindend. Prag wurde Schikaneders 

stärkstes künstlerisches Argument. 

Zu dem Zeitpunkt, als er sich der Metropole 

zuwandte, war seine Spannweite ziemlich 

breit. Sie reichte von sonnendurchfluteten 

impressionistischen Bildern eines 

Pissarro, eines Monets über Lichtanalysen 

des Postimpressionismus eines Signac und 

Pražská ulička v noci (Prager Gasse bei Nacht), Öl auf Leinwand, 70 x 50 cm, 1899-1902 

33

František Skála 

Einer der maßgeblichen bildenden 

Künstler Tschechiens, František Skála 

(*1956), erntet in der heimatlichen Szene 

unerwartete Erfolge. Seine Prager Ausstellung 

„Skála im Rudolfinum“ (Ende 

2004) zählte 40tsd. Besucher und ist 

damit die in den letzten Jahren hierzulande 

erfolgreichste. 

Neben seiner Tätigkeit als Kinderbuchillustrator 

setzte sich Skála Anfang der 

1980er Jahre als Bildhauer und Schöpfer 

eindrucksvoller Objekte und Installationen 

durch. Sein Werk ließ er nicht nur 

auf seinen eigenen Ausstellungen sehen, 

er stellte auch gemeinsam mit seinen 

Altersgenossen aus der avantgardistischen 

Gruppe Tvrdohlaví (Dickköpfe, 

1987-1991) aus, die seinerzeit die Kulturszene 

einschneidend mitgestaltete und 

deren Gründungsmitglied Skála war. 

Bekannt ist er vor allem durch seinen 

ehrlichen und positiven Zugang zum Kunstschaffen. 

Als er 1993 dazu ausersehen 

wurde, Tschechien auf der 45. Venediger 

Biennale zu repräsentieren, machte er sich 

zu Fuß nach Italien auf, wo er neben 

Zeichnungen auch zarte Kunstwerke, aus 

auf dem 850 km langen Weg gefundenen 

Gegenständen ausstellte. Auf höchst originelle 

Weise entwarf er 1992 das Interieur 

des Prager Theaters Archa. Er gastierte 

an Universitäten in Australien und in den 

USA. Augenblicklich wirkt er sich Schauspieler 

am Prager Theater Sklep (Keller) 

und ist Mitglied des Vokaltrios Tros Sketos. 

Ausgezeichnet wurde nicht nur er 

mit dem Jindřich-Chalupecký-Preis, er 

wurde auch in einer Umfrage, an der 

sich Historiker, Kunsttheoretiker und 

Publizisten beteiligten, zur „Persönlichkeit 

des Jahres“ gekürt. 

Descartes-Preis 

Das Observatorium im Süden Afrikas, in 

Namibia, ermöglicht den Wissenschaftlern 

die Erforschung der Gamma-Strahlen und 

die Bestimmung der Mitte unserer Galaxis. 

Auf die Erforschung dieser Strahlen konzentriert 

sich das internationale Projekt 

High Energy Stereoscopic System (H.E.S.S.), 

in das auch zwei Tschechen, Professor Ladislav 

Rob vom Institut für Teilchen- und Kernphysik 

an der Mathematisch-Physikalischen 

Fakultät der Karls-Universität Prag und der 

Doktorand Dalibor Nedbal, involviert sind. 

Für seine Ergebnisse konnte das Team 

den René-Descartes-Preis entgegennehmen, 

der von der EU an Forschende vergeben wird, 

die im Rahmen europäischer Verbundforschungsprojekte 

hervorragende Leistungen 

vollbringen. Es ist schon zum zweiten Mal, 

daß Tschechen in einem Team mitarbeiten, 

das diese Auszeichnung erhielt. Im Jahre 

2001 ging der Descartes-Preis an ein Team, 

in dem der tschechische Biochemiker Antonín 

Holý an einem Medikament mitarbeitete, 

daß den HIV-Virus stoppen sollte. 

Berühmte Autoren 

in Prag 

Schriftstellerfestival Prag 2006, gewidmet Arthur Miller 

Photo: Tschechische Presseagentur (ČTK) 

Vom 3. bis zum 6. Juni 2007 war Prag 

Schauplatz des 17. Festival spisovatelů 

Praha (Schriftstellerfestival Prag), welches 

ganz im Zeichen der revolutionierenden 

Bewegung dada stand. 

Die 17jährige Tradition und die Namen 

von 260 Autoren aus aller Welt, die sich 

bislang in Prag vorstellten, die regelmäßige 

Teilnahme internationaler Verlage 

und der Kritik, haben das Festival zu 

einem weltweit angesehen Ereignis werden 

lassen, das bemerkenswerte Literatur 

in Tschechiens Hauptstadt offeriert. 

Erwartet wurde auch einer der angesehensten 

Schriftsteller, Autor des Romans 

Ragtime, der Amerikaner Edgar Lawrence 

Doctorow. Mit ihm betraten auch andere 

Legenden der amerikanischen Literatur 

das Podium betreten: Gary Snyder, 

Träger des Pulitzer-Preises für Poesie, 

Walter Abish, aus den Niederlanden 

kommt Arnon Grunberg, erwartet werden 

außerdem der Schweizer Adrian Notz, 

der Schwede Tom Sadqvist … 

Auf die Frage, wie gerade E. L. Doctorow 

in das Festivalprogramm passe, antwortet 

Michael March, der Präsident desselben: 

„Einer der Grundgedanken des 

Dadaismus ist die absolute Infragestellung 

der Gewalt. Und Doctorow stellt in 

seinen Werken Aggression, Destruktion 

und Herrschsucht bloß.“ 

Archäologische 

Funde 

Der Brandbestattungsplatz mit Urnenfeldern 

in Příšovice (Přischowitz) bei 

Turnov (Turnau) wurde vom Kulturministerium 

der Tschechischen Republik 

unter die Kulturdenkmale eingereiht. 

Die Bestattungsstätte aus dem 9./10. 

Jahrhundert v. Chr. gilt als einer der wertvollsten 

archäologischen Fundorte im 

Landkreis Liberec (Reichenberg). Die 

Einzigartigkeit dieser Stätte beruht in 

der großen Anzahl kompletter, kaum 

beschädigter Gräber mit menschlichen 

Überresten aus der Bronzezeit. 

34

Mosaik 

Gedenkmedaille für 

Sportler und Sportlerinnen 

Štěpánka Hilgertová, Kateřina Neumannová, Martin 

Doktor, Photo: Tschechische Presseagentur (ČTK) 

Die erfolgreichsten tschechischen Sportler 

und Sportlerinnen der letzten Jahre haben 

ihre Gedenkmünzen. Sie haben eine charakteristische 

goldene Farbe – die Emission des 

Tschechischen Münzamtes trägt den Namen 

Olympische Sieger und Weltmeister. 

Anfang April wurden sie in Prag vorgestellt 

– die Kanutin Štěpánka Hilgertová, 

die Skiläuferin Kateřina Neumannová 

und der Kanute Martin Doktor. Auf Medaillen 

porträtiert findet man auch den Eishockeyspieler 

Jaromír Jágr und den Speerwerfer 

Jan Železný. 

Ein Auge über 

Prag 

Eine Rückschau auf die internationale 

Architekturausschreibung für das neue 

Gebäude der Tschechischen Nationalbibliothek 

brachte die Ausstellung Oko 

nad Prahou (Auge über Prag). Die 

Exposition in der Prager Galerie Klementinum 

präsentierte alle 355 Entwürfe. 

Der größte Raum blieb dem Siegerprojekt, 

erarbeitet von dem britischen 

Team des Büros Future Systems unter 

Leitung des aus Tschechien stammenden 

Architekten Jan Kaplický, vorbehalten. 

Das Projekt stellt eine revolutionäre 

architektonische Lösung vor, die das 

Panorama der Hauptstadt nachhaltig 

beeinflussen wird und weckt schon jetzt 

unterschiedliche Emotionen in Fachund 

Laienwelt. 

Die internationale Ausschreibung erfolgte 

im Mai 2006 und der einstimmig 

gewählte Sieger wurde am 2.März dieses 

Jahres bekanntgegeben. Der Jury saß die 

Architektin Eva Jiřičná vor, zu den Mitgliedern 

gehörte auch Zaha Hadid, die 

weltweit erste Dame auf diesem Gebiet. 

„Der Entwurf zu einer solchen Ausschreibung 

kann nicht das Werk einer 

einzelnen Primadonna sein“, betonte 

Kaplický und zählte seine engsten 

Mitarbeiter: Volkan Alkanoglu, María 

José Castrillo, Misha Kitlerova, Filippo 

Previtali a Georg Roetzel. 

FEBIOFEST 2007 

Das 14. Internationale Film-, Fernsehund 

Videofestival FEBIOFEST 2007 

lief in diesem Jahr in Prag und zehn weiteren 

Städten in Böhmen, Mähren und 

Schlesien ab. Die Film- und Fernsehgesellschaft 

FEBIO nahm 1992 ihre Tätigkeit 

auf. Gründer, Inhaber und Direktor 

diese privaten Studios ist der Film- und 

Fernsehregisseur Fero Fenič. FEBIO- 

FEST als internationales Festival wurde 

1993 begründet, hielt nach und nach in 

allen größeren Städten Tschechiens und 

der Slowakei Einzug und sucht heute in 

Europa seinesgleichen. 

Im vergangenen Jahr kamen 272 

Filme zur Aufführung, darunter Werke 

von Sofia Coppola, Sydney Pollack oder 

Robert de Niro. 

Am Abschlußabend von FEBIOFEST 

2007 wurden die Preise Kristian und 

Kristiana für die interessanten Schöpfungen 

im Bereich Dokumentations-, 

Trick- und Spielfilm übergeben. Der 

Preis Kristian für einen besonderen 

Beitrag zum tschechischen Filmschaffen 

ging an den polnischen Schauspieler 

Daniel Olbrychski. Der Preis Kristiana 

für eine Bereicherung der Weltfilmkunst 

wurde dem georgisch-französischen 

Regisseur Otar Ioseliani überreicht. 

Haring in Český 

Krumlov 

Zum erstenmal ist das Werk des populären 

amerikanischen Malers, Zeichners 

und Graphikers Keith Haring vom Ende 

des vergangenen Jahres in Tschechin zu 

sehen. Der weltverehrte Künstler, dessen 

Graffitis, oft mit politischem Hintergrund, 

im New York der 80er Jahre Millionen 

Menschen auf den Straßen und in 

den Metros ansprachen. 1990 starb 

Haring an AIDS, seine letzten Lebensjahre 

widmete er dem Kampf gegen 

diese Krankheit. 

Die Ausstellung im Egon Schiele Art 

Centrum in Český Krumlov (Krumau) 

kann bis zum 28. Oktober dieses Jahres 

besucht werden. 

Veranstaltet wird die Ausstellung 

unter dem Namen Keith Haring (1958- 

1990) und junge Künstler New Yorks, 

denn neben dem Werk Harings stellt die 

Galerie auch fünf junge Epigonen vor, 

die ihre Schöpfungen direkt im Krumauer 

Atelier installieren. 

35

Biennale Brünn 

Popiska k fotografii, pokračování 

1964 eröffnete der Brünner Maler 

und Graphiker Jan Rajlich d.Ä. die 

erste Ausstellung von Plakatkunst 

und Gebrauchsgraphik unter ausschließlicher 

Beteiligung tschechischer 

und slowakischer Graphiker. 

Dieses Unterfangen, das an 

der Wiege des originellsten 

Festival des Graphikdesigns 

hierzulande steht, wurde 

in Zusammenarbeit mit 

dem damaligen Direktor 

der Mährischen Galerie 

Brünn, Jiří Hlušička, in 

Angriff genommen. Zwei 

Jahre später, nachdem sie 

ihre Erfahrungen mit der 

heimischen Schau gemacht 

hatten, fand die Ausstellung 

unter ihrer Betreuung 

eine Fortsetzung in 

der internationalen Brünner 

Biennale. Diese avancierte 

im Laufe zweier Dezennien 

zu einer der angesehensten internationalen 

Veranstaltungen dieser Art. 

Anläßlich der zehnten Biennale 

Brünn 1982 wurde ein Dokumentarstreifen 

im Studio für Kurzfilme (studio 

Krátkého filmu) gedreht, und die 

japanische Zeitschrift Idea widmete 

der Exposition und Geschichte der 

tschechischen Plakatkunst eine Sondernummer. 

Eine Art Hommage auf 

das Lebenswerk von Jan Rajlich d.Ä., 

das dem Niveauanstieg des 

Graphikdesigns galt, statuierte 

die japanische Industrialand 

Design Promoting 

Organization, indem sie 

den Künstler zur Präsentation 

der Biennale Brünn nach 

Tokio und auch zu einem 

zweitägigen Symposion im 

März 1997 einlud. 

Nach 2000 begann 

sich auf der Biennale ein 

Wandel abzuzeichnen. Die 

Ausstellung, die in ihrem 

Wesen an einen Kunstsalon 

36

Design 

Die Biennale Brno – eine der wohl 

ältesten periodischen Präsentationen 

graphischen Designs. 

mit weiter Spannweite hinsichtlich 

der beteiligten Länder und Künstlerschaft 

erinnerte, wurde durch Änderungen 

im Organisationskomitee 

geprägt. Den Vorsitz führt nunmehr 

der progressive Prager Designer Aleš 

Najbrt (nach Jan Rajlich d. J.), aus der 

Biennale ist nach und nach ein Festival 

des Graphikdesigns mit einem 

durchdachten Programm von Begleitveranstaltungen 

geworden. Die Wettschau 

zeigt das Neueste aus den letzten 

vier Jahren – auf der Biennale 

wechseln zweierlei Kategorien: einerseits 

Buchdesign, Schrift und e-Medien, 

andererseits Kunstplakat und 

Werbegraphik. In der gedrängten Auswahl 

an besonderen Leistungen spiegelt 

die Biennale herrschende und 

zukunftweisende Trends wider. Dabei 

entsteht in der Mährischen Galerie 

Brünn eine weltweit einmalige Graphikdesignsammlung, 

denn sämtliche 

Ausstellungsstücke, von wo auch immer 

sie sein mögen, gehen nach Abschluß 

in Besitz der Galerie über. Die 

Schau steht aber nicht nur renommierten 

Künstlern, sondern auch den angehenden 

und Kunsthochschulstudierenden 

offen. 

„Alle geraden Jahre wieder begegnet 

man in der Internationalen 

Biennale des Graphik-Designs Brünn 

einer einmaligen Schau, auf der Innovatives 

im Bereich Visuelle Kommunikation 

gegenübergestellt wird“, 

sagt Marek Pokorný, Direktor der 

Mährischen Galerie und der Biennale 

Brünn: „Seine Bedeutung ist den 

Karlsbader Internationalen Filmfestspielen 

vergleichbar.“ 

Neue Perspektiven des Designs 

werden auch von dem internationalen 

Symposion auf der Brünner Biennale 

untersucht. „Die Möglichkeit, seine 

Position mit anderen zu vergleichen 

und die anstehenden Fragen mit Vortragenden 

aus vielen Ländern mit 

unterschiedlichem historischen und 

sozialen Hintergrund und unterschiedlichen 

Erfahrungen zu diskutieren, ist 

anregend für alle Teilnehmer des 

Symposions“, stellt der Veranstalter 

und Moderator des Symposions, Alan 

Záruba, fest. Das Symposion und die 

Begleitveranstaltungen bringen wichtige 

Impulse für junges Publikum und 

Studenten, dank der Biennale können 

sie persönliche Kontakte mit maßgebenden 

Persönlichkeiten des Graphikdesigns 

anknüpfen. 

37

Neben der Wettschau wird von der 

Mährischen Galerie auch eine Anzahl 

verschiedenster Ausstellungen unter 

der Obhut von Kuratoren vorbereitet, 

in denen das Beste an Design der Vergangenheit 

wie der Gegenwart reflektiert 

wird. Das Programm umfaßt 

nicht nur einen Zyklus von Ausstellungen 

profilierter tschechischer 

Graphikdesigner (unter dem Namen 

Work From …), sondern auch eine 

tiefschürfende Sonden in die Entwicklung 

von Design in einem Land, einer 

Region oder auf einem bestimmten 

Territorium. (Auf der letzten Biennale 

waren es außer der Ausstellung Work 

From China auch Autorenprojekte 

unter dem Namen Work From Mars). 

Neu an der Organisation ist die Einladung 

eines ausländischen Kurators, 

dem im Pražák-Palais in Brünn ein 

Ausstellungsraum zur Präsentation 

einer eigenen Vision zur Verfügung 

steht. Die Ausstellung wird zu einem 

ansprechenden Gegenpol des Hauptwettbewerbs. 

Marta Sylvestrová 

Kuratorin der Biennale Brünn 

Leiterin der Graphikdesign-Sammlung 

Mährische Galerie Brünn 

Photos: Archiv Bienále 

38

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