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DIE BESTE ZEIT 

Das Magazin für Lebensart 

Wuppertal und Bergisches Land Ausgabe 19, 2012 - 3,50 Euro 

Von Dürer bis Goya 

Sammlung Von der Heydt-Mueum 

Er ist verrückt, das ist alles 

Komödie „Mein Freund Harvey“ 

Landschaften der Stille 

Modersohn im Osthaus Museum 

Kein erstarrtes Auge 

Fotografi e als Medium der Kunst 

Nur für Eingeweihte 

Ein Stück über das Jahr 1968 

Die Engel von Paul Klee 

Ausstellung im Museum Folkwang 

Bluthochzeit 

Tragödie im Wuppertaler Opernhaus 

Skulptur als Denkmal 

Ateliergespräch mit Tony Cragg 

Auf dem Vulkan 

Essay von Michael Zeller 

Magie des Lichtes 

Pionier Nico Ueberholz 

Rock ’n’ Roll 

Dietrich Rauschtenberger 

Karl Otto Mühl 90 ! 

Glückwunsch und Würdigung 

ISSN 18695205 

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www.barrenstein.de 

2 

Erfahrung, Einfühlungsvermögen, Verständnis 

und Kompetenz. Wir beraten. Wir organisieren. 

Wir helfen Ihnen in schweren Zeiten. Und das 

in der 8. Generation – seit 200 Jahren. 

„Wir können Ihren Schmerz nicht lindern. 

Wir können Ihnen in schweren Zeiten helfen.“ 

Berliner Straße 49 + 52-54, 42275 Wuppertal, 0202.663674, www.neusel-bestattungen.de

Editorial 

Liebe Leserinnen, liebe Leser, 

Die großen Dramen im Leben kleiner Leute 

Wuppertal mit den Augen unserer Autoren 

Es heißt, Wuppertal und seine Bewohner seien für Zugezogene eine sperrige Angelegenheit. 

Für mich, seit 1960 hier ansässig, offenbarte die Stadt ihren leuchtend-herben Charme 

in dem Maße, wie mir ihre Geschichte, und vor allem ihre Literaten nahe rückten. Zur 

prägenden Figur wurde ganz früh der Schriftsteller Robert Wolfgang Schnell, den ich über 

die Autorin Ruth Dirx und ihren Mann Willi kennenlernte. Wenn er bei Bier oder gutem 

Essen, möglichst in verräucherten Kneipen, zu erzählen begann, brannte ein geist- und 

anekdotenreiches Feuerwerk ab. Irgendwann gab ich auf, zu spekulieren, wo die Wahrheit 

sich mit Übertreibungen oder purer Phantasie (Lüge wäre hier unangebracht!) mischte, 

denn er war ein Meister der Pointen, ein Liebhaber des sarkastischen, deftigen Humors, 

und nie kamen die Wuppertaler und seine eigene sehr bürgerliche Familie, die im vornehmen 

Zooviertel zu Hause war, ungeschoren davon. Denn er liebte diese Stadt und ihre 

menschlich-schräge Schrulligkeit. Seine eigene bemerkenswerte Schlitzohrigkeit und sein 

Humor hatten hier ihre Wurzeln. 

Er brannte als Neunzehnjähriger mit einer wesentlich älteren Schauspielerin durch – und 

begann sein Leben als Autor, Schauspieler, Theaterregisseur, Galeriegründer, Maler und 

Musiker in Berlin und in aller Welt. Er war klug genug zu wissen, dass er besser daran 

getan hätte, sich (wie Goethe) für eine seiner Begabungen zu entscheiden, aber das verschob 

er aus reiner Lebenslust immer wieder, bis zu seinem Lebensende (1986). In seinen 

Anekdoten aus dieser Stadt zeigte sich das große Herz des Erzählers Schnell. Für mich 

spiegelten sie außerdem alle lebendigen Facetten, ihre bewundernswerten Traditionen von 

Else Lasker-Schüler über Emil Rittershaus bis zu Mina Knallenfalls und Husch-Husch, der 

bald auch sein Denkmal in Barmen bekommen soll. Der pathetisch-gütige Blick für die 

großen Dramen kleiner Leute war und ist hier zu Hause! 

Schnell starb schon mit 70 Jahren; vermutlich die Quittung für ein ruheloses und trinkfreudiges 

Leben. In seinem Kinderbuch „Pulle und Pummi“ hatte er, vermutlich aus 

Freundschaft zu mir, einem Apfel den Namen Hermann gegeben. 

Kein Apfel, sondern ein Wuppertaler Drama stand am Anfang meiner Freundschaft mit 

Karl Otto Mühl, der im Februar 2013 bei bester Gesundheit seinen 90. Geburtstag feiert 

– und mit ihm Bürger dieser Stadt aus allen Schichten der Bevölkerung. Ich hatte in einem 

alten Missionsblatt von 1824 die tragische Geschichte eines schwarzen Sklaven entdeckt, 

der in Holland von einem Barmer Kaufmann erworben worden war. Er nahm ihn mit 

und zeigte ihn gegen Geld auf den Jahrmärkten. Diesen eher grausigen Fund mit herzzerreißend-frommem 

Ausgang schickte ich an die Wuppertaler Bühnen. Holk Freytag und 

Gerold Theobalt gaben ihn an den schon landesweit berühmten Autor Karl Otto Mühl; er 

möge überlegen, daraus ein „Heimatstück“ zu machen. „Ein Neger zum Tee“ wurde 1996 

aufgeführt; da gab mir Mühl schon gute Ratschläge für meinen ersten Roman. Wir sprachen 

über seine Kindergeschichten, und auf langen Spaziergängen über alle Gefährdungen, 

die das Leben lebenswert machen. Es folgten gute Jahre, als wir uns mit dem Freund Wolf 

Christian von Wedel Parlow im Schriftstellerverband (VS) dieser Stadt engagierten. 

Robert Wolfgang Schnell und Karl Otto Mühl, beide großartige Erzähler, weisen, außer 

dass Wuppertal sie geprägt hat, kaum biografi sche Ähnlichkeiten auf, wohl aber in ihrer 

Art und Weise, die Menschen zu sehen, ohne sie zu beurteilen, ohne zu verurteilen: Es ist 

der liebe- und humorvolle und kluge Blick auf das Leben der sogenannten Kleinen Leute. 

Weil bei ihnen alle Größe, und alles sonst zu fi nden ist, was die Welt wirklich bewegt. 

Man kann neugierig sein, wie die jüngere Generation von Autoren mit dem Erbe dieser 

Stadt umgehen wird. 

Viel Vergnügen beim Lesen. 

Hermann Schulz 

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Impressum 

Die Beste Zeit erscheint in Wuppertal und im Bergischen Land 

Erscheinungsweise: alle zwei Monate 

Verlag HP Nacke KG - Die beste Zeit 

Friedrich-Engels-Allee 122, 42285 Wuppertal 

Telefon 02 02 - 28 10 40 

E-Mail: verlag@hpnackekg.de 

V. i. S. d. P.: HansPeter Nacke 

Erfüllungsort und Gerichtsstand Wuppertal 

Gastbeiträge durch Autoren spiegeln nicht immer die Meinung des 

Verlages und der Herausgeber wider. Für den Inhalt dieser Beiträge 

zeichnen die jeweiligen Autoren verantwortlich. 

Winter 

Als ich die Augen öffne, sehe ich das 

Schneetreiben vor dem Fenster. Lässig 

segeln wässerige Flocken durcheinander, 

fallen und schmelzen. Das ist 

schön, denn es erweckt das Gefühl von 

Dauerhaftigkeit und Ruhe. 

Langsam steige ich aus dem Bett. Ich 

wäre schon früher aufgestanden, aber 

ich lag da in der Überzeugung, ich 

sei längst auf. Es war also nicht meine 

Schuld. 

Im Wohnzimmer sitzt die Tochter und 

sagt, sie sei immer noch erkältet. Sie 

zögert aber, zum Arzt zu gehen, denn 

sie weiß nicht, ob sie dann überzeugend 

husten kann, und wie steht sie dann da? 

Auf dem Parkplatz wischt der 

Nachbar seine Autoscheiben frei. Er 

berichtet, dass es zurzeit in Hattingen 

und am Baldeney-See viel 

stürmischer zugehe als hier bei uns. 

Das liege daran, dass die Landschaft 

dort einen Kessel bilde. Ich werde 

das nicht überprüfen, denn vielleicht 

stürmt es schon nicht mehr, wenn ich 

in Hattingen ankomme. 

Beim Gedanken an Husten fällt mir wi- 

Kürzungen bzw. Textänderungen, sofern nicht sinnentstellend, liegen 

im Ermessen der Redaktion. Für unverlangt eingesandte Beiträge kann 

keine Gewähr übernommen werden. 

Nachdruck - auch auszugsweise - von Beiträgen innerhalb der gesetzlichen 

Schutzfrist nur mit der ausdrücklichen Genehmigung des Verlages. 

Trotz journalistischer Sorgfalt wird für Verzögerung, Irrtümer oder 

Unterlassungen keine Haftung übernommen. 

Bildnachweise/Textquellen sind unter den Beiträgen vermerkt. 

Abbildung Cover: 

Otto Modersohn (1865-1943), Kirchgang (Neujahr - Dingstiege 

in Münster), 1888, Öl auf Papier auf Karton, 21 x 21 cm, © Otto 

Modersohn Museum, Fischerhude 

der alle Absicht schon wieder Hamlets 

Monolog ein: 

Zu wissen, dass ein Schlaf 

das Herzweh und die tausend Stöße 

endet, 

die unseres Fleisches Erbteil. 

Ich werde dem allen die Stirn bieten 

und in der Bäckerei einen Kaffee 

trinken. Mein Auto nimmt klaglos die 

steile Auffahrt. Die freie Straße und das 

Schneetreiben liegen vor mir. 

Karl Otto Mühl

Inhalt 

Ausgabe 19, 5. Jahrgang, Februar 2013 


„Alte Meister“ in der Sammlung des 

Von der Heydt-Museums 

Sammlung Gigoux 

von Cranach bis Géricault 

Vorschau Von der Heydt-Museum 


Seite 6 

Seite 10 

Glückwunsch und Würdigung zum 90. 

Geburtstag von Frank Becker Seite 12 


Mein Freund Harvey von Mary Chase 

von Frank Becker Seite 14 


Ausstellung Otto Modersohn 

im Osthaus-Museum Hagen Seite 16 

Bluthochzeit 

Lyrische Tragödie in 2 Akten im Wuppertaler 

Opernhaus von Fritz Gerwinn Seite 22 

Helmfried von Lüttichau 

Vom „Drachen“ in Wuppertal zum 

Fernseh-Serienstar, von K. Göntzsche Seite 25 

Fotografi e ist kein erstarrtes Auge 

Die Fotografi e als Medium der Kunst 

von Ute C. Latzke Seite 28 


Beatles. Das weiße Album. Ein Stück 

über das Jahr 1968, von Frank Becker Seite 32 



noch bis zum 14. 4. 2013 Seite 34 

Beweglicher als hier kann man nicht tanzen 

Die Tanzschule Bellinghausen im Mirker 

Bahnhof, von Marlene Baum Seite 38 


Ateliergespräch mit Tony Cragg 

über Skulptur als Denkmal, von J. Vesper Seite 43 

Paragraphenreiter 

Interessantes zu den Themen Steuern und 

Recht, von Susanne Schäfer Seite 48 

Safeta Obhodjas 

Mert, ein Deutschtürke 

im Abseits 


Vom Verrechnen der Zukunft 

Essay von Michael Zeller Seite 49 

Die Magie des Lichts 

Nico Ueberholz leistet Pionierarbeit bei der 

Revolution der Leuchttechnik Seite 51 

Komödie, Krimi, Klassik 

Das Wuppertaler TiC-Theater stellt seinen 

Spielplan 2013 vor, von Frank Becker Seite 54 

Franz Kafka und die Griots von Prag 

Der Dichter als Vorleser in den Kaffeehäusern 

von Prag, von Heiner Bontrup Seite 55 

Rock ’n’ Roll 

Auszug aus dem Roman „Freejazz“ 

von Dietrich Rauschtenberger Seite 61 

Das Verhängnis begann in Wuppertal 

Ein unglaubliches Buch des österreichischen 

Juristen Alfons Dür , von Matthias Dohmen Seite 64 

Geschichtsbücher, Buchgeschichten 

porträtiert von Matthias Dohmen 

Seite 66 

Neue Kunstbücher 

Zur Sprache der Architektur 

vorgestellt von Thomas Hirsch Seite 67 

Terra incognita – Bosnien 

Mert – Ein Deutschtürke im Abseits 

von Friederike Raderer Seite 69 

Kulturnotizen 

Kulturveranstaltungen in der Region Seite 70 

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6 

„Alte Meister“ in der Sammlung 

des Von der Heydt-Museums. 

Albrecht Dürer, Das Meerwunder, um 

1498, Kupferstich, 25,6 x 18,4 cm 


Die Sammlung des Von der Heydt- 

Museums geht zurück auf engagierte 

Bürger, die sich im 19. Jahrhundert im 

„Barmer Kunstverein“ und „Elberfelder 

Museumsverein“ zusammen schlossen 

und zunächst, wie damals üblich, „konservativ“ 

sammelten: bis etwa 1900 

sammelte man Werke des frühen und 

mittleren 19. Jahrhunderts und stellte 

diesen Gemälde des (protestantischen) 

holländischen 17. Jahrhunderts gegenüber. 

Werke der (katholischen) fl ämischen, 

italienischen, französischen oder 

spanischen Barockmalerei und des wohl 

als allzu „frivol“ eingeschätzten 18. 

Jahrhunderts fanden dagegen zunächst 

keinen Eingang in die Sammlungen der 

protestantischen Untertanen Preußens. 

Etwa 80 Gemälde umfasst die heutige 

Sammlung „Alter Meister“ sowie eine 

große Anzahl bisher wenig bekannter 

graphischer Blätter. Die aktuelle Präsentation 

im 1. Obergeschoss konzentriert 

sich nun auf den Bestand an niederländischer 

Malerei und Graphik und 

setzt diesen in den kunsthistorischen 

Zusammenhang. Mit einer Auswahl von

Blättern deutscher, spanischer, französischer 

und italienischer Künstler gewährt 

sie zugleich einen Einblick in die außerordentlich 

reiche graphische Sammlung. 

Abgesehen von großen Schenkungsblöcken 

kamen im Lauf von mehr als 

100 Jahren immer wieder auch einzelne 

Blätter, kleinere Konvolute und Mappenwerke 

an das Haus, konnten aber 

auch exzellente Blätter gekauft werden. 

So spiegelt sich heute gerade in dem 

Bereich der „Alten Meister“ die bürgerliche 

Sammeltätigkeit Wuppertaler Per- 

sönlichkeiten. Diese erwarben vornehmlich 

intim wirkende Kunstwerke für die 

eigenen Privaträume, und gerade das 

macht heute den besonderen Charakter 

der Sammlung „Alte Meister“ im Von 

der Heydt-Museum aus. 

Die Ausstellung „Alte Meister“ wird 

bis zum 1. September zu sehen sein. Parallel 

zeigt das Museum im Zwischengeschoss 

Highlights aus seiner Sammlung 

des 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Ab 

dem 14. April wird zudem im 2. Stock 

eine umfangreiche Werkauswahl unter 

dem Titel „Himmel auf Erden“ - Kunst 

des 20. und 21. Jahrhunderts präsentiert. 

Dabei wird ein besonderes Augenmerk 

auf die zahlreichen Neuerwerbungen der 

vergangenen Jahre und ihre Einbindung 

in den älteren Sammlungsbestand gelegt. 

Ausstellung bis zum 1. September 2013 

Jan Olis, Der Raucher, Eiche, 34 x 28 cm 

7

linke Seite oben. 

Pieter De Bloot, Schweineschlachten, 

1638, Eiche, 59 x 84 cm 

rechts oben: 

Klaas Molenaer, Eisvergnügen, Leinwand, 

67 x 79 cm 

linke Seite unten: 

Jan van Bylert, Singende Hirten, Leinwand, 

75 x 103 cm 

rechts unten: 

Jan Miense Molenaer , Lautenspieler, 

Eiche, 26, 5 x 24, 5 cm 

Von der Heydt-Museum 

Turmhof 8, 42103 Wuppertal 

Telefon 0202/563-6231 

www.von-der-heydt-museum.de 

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Vorankündigung 

15. 10. 2013 –23. 2. 2014 

Sammlung Gigoux 

Meisterwerke aus dem Musée des 

Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon 

Von Cranach bis Géricault 

Lucas Cranach, 

Selbstmord der Lucretia 

Die Sammlung Gigoux 

Cranach, Dürer, Tizian, Bellini, Rubens, 

Rembrandt, Goya – gemeinsam ist diesen 

weltbedeutenden Künstlern eines: sie alle 

sind in der Sammlung Jean Gigoux mit 

wunderbaren Gemälden und Zeichnungen 

vertreten. 

Trotzdem ist diese großartige Sammlung 

in Deutschland bislang nie gezeigt worden 

und noch völlig unbekannt. Jean Gigoux 

(1806-1894) war im Frankreich des 

19. Jahrhunderts als Maler bekannt, vor 

allem aber als Zeichner und als äußerst

geschätzter Illustrator. Mit seiner Arbeit 

gelang es ihm, ein Vermögen zu erwerben 

und damit eine Kunstsammlung von 

enormer Strahlkraft aufzubauen. Das Von 

der Heydt-Museum zeigt die außergewöhnlichen 

Meisterwerke dieser umfangreichen 

Sammlung nun zum ersten Mal 

in Deutschland. Das Besondere an dieser 

Ausstellung ist, dass die Kunstwerke von 

einem Künstler zusammengetragen wurden. 

Mit seinen fundierten Kenntnissen 

der Malerei und seiner geübten Seherfahrung, 

mit seinem malerischen Können 

und Wissen hat Jean Gigoux aus dem 

Besten, was die Kunst von der Renaissance 

bis zum 19. Jahrhundert zu bieten 

hatte, treffsicher die interessantesten, oft 

auch ungewöhnlichsten Werke für seinen 

Privatgebrauch ausgewählt. So ist der 

Parcours durch unsere Ausstellung eine 

Reise durch die Geschichte der Kunst, 

gesehen durch das Auge eines scharfsinnigen 

Malers. Gigoux gelang es, sich 

von den allgemeinen Kunstvorstellungen 

seiner Zeit zu lösen und – vor allem im 

Bereich der Zeichnungen, in dem seine 

Sammlung Werke von Mantegna, Cellini, 

Breughel, van Dyck, Jordaens, Fragonard 

bis hin zu seinen Zeitgenossen David, 

Delacroix und Géricault enthält – die 

Kunstgeschichte „Gegen den Strich zu 

bürsten“ und ebenso überraschende wie 

beglückende Kostbarkeiten zu vereinen. 

Die Ausstellung entsteht in enger Zusammenarbeit 

mit dem Musée des Beaux-Arts 

et d’Archéologie in Besançon und umfasst 

ca. 100 ausgewählte Gemälde und 30 

erlesene Zeichnungen. Sie verspricht, ein 

großer Augenschmaus und ein besonderes 

intellektuelles Vergnügen zu werden. 

oben: 

Paul de Vos, Zwei junge Seehunde am 

Strand, um 1650 

rechts: 

Jan Lievens, Kind mit Seifenblasen, um 

1645 

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Ein Glückwunsch 

Die „Musenblätter“ haben soeben ihren 

sechsten Geburtstag feiern können, das Kultur-Magazin 

„Die Beste Zeit“ seinen dritten. 

Daß beide so ordentlich aus den Startblöcken 

gekommen sind und ihre Akzeptanz auch in 

Literaturkreisen gefunden haben, verdanken 

sie nicht unerheblich der Förderung durch 

den Schriftsteller und Freund Karl Otto 

Mühl, der in diesen Tagen seinen 90. feiert. 

Als Mitarbeiter der ersten Stunde stellt 

Karl Otto Mühl beiden Magazinen seither 

seine Texte zur Verfügung, vermittelt 

vorzügliche Autoren und rührt fl eißig und 

uneigennützig die Werbetrommel. Dafür 

unseren ganz besonders herzlichen Dank! 

Unser Glückwunsch geht zugleich an den 

Schriftsteller, der nicht nur auf 90 erfüllte 

Lebensjahre, sondern auch auf ein umfangreiches 

Lebenswerk zurückblicken kann - womit 

nicht gesagt sein soll, daß da nicht noch 

einiges der Veröffentlichung harre! Gratulieren 

wir ihm also von ganzem Herzen. 

Die Unermüdlichkeit des Geistes 

Die Unermüdlichkeit des Geistes ist vermut- 

lich der Weg zu ungebrochener Schaffenskraft 

von der Frische der Jugend bis in die 

Reife des Alters. Der Dramatiker, Romancier 

und Lyriker Karl Otto Mühl ist diesen Weg 

gegangen und geht ihn noch. Am 16. Februar 

feiert er seinen 90. Geburtstag. 

An den Wänden seines Arbeitszimmers 

sind Fotos angeheftet: Max Schmeling ist zu 

sehen und Hermann Schulz. Franz Kafka 

und Siegmund Freud teilen sich den Platz 

mit Werner Zimmermann, Karl-Heinz 

Schniewindt und einigen anderen. Diese 

Männer bedeuten ihm etwas, deshalb möchte 

Karl Otto Mühl ihre Fotos da um sich haben, 

wo er schreibt. 

Angefangen hat es vor gut 80 Jahren, 

wenige Jahre nachdem der 1923 in Nürnberg 

geborene Sohn eines Werkmeisters durch die 

Versetzung des Vaters 1929 in die gerade erst 

zusammengefügte Stadt Wuppertal gekommen 

war. Der Anstoß zum Schreiben kam 

von einem alten Herrn aus der Nachbarschaft, 

einem ehemaligen Straßenbahnschaffner. 

Der kluge Mann, der – Mühl erinnert 

sich genau – ein altväterliches Hörrohr 

aus Messing benutzte, sprach oft mit dem 

Knaben und ermunterte ihn, aufzuschreiben, 

was da in seinem Kopf vorging. Der Junge 

schrieb, wandte sich an die Lokalzeitung 

»General-Anzeiger« – und konnte 1932 in 

der Jugendbeilage erste Kindergeschichten 

veröffentlichen. Später schrieb er neben dem 

Besuch der Realschule und der Lehre als 

Industriekaufmann weiter. Gedichte, Theaterstücke 

und „Epigonales“, angeregt von 

großen Vorbildern. 

1941 wurde Karl Otto Mühl zur Fahne 

gerufen, mußte in den Krieg ziehen. Bis 

1942 hatte er die literarische Produktion vom 

Zufall des Einfalls abhängig gemacht. Sein 

Krieg währte ein Jahr, er überlebte, geriet 

in der libyschen Wüste bei El Alamein in 

englische Gefangenschaft. Nun schrieb er 

mit Plan – Dichtung zum Überleben. Fünf 

Jahre verbrachte der junge Mann, der kein 

Soldat hatte sein wollen, in Gefangenenlagern 

in Afrika, Europa und den USA. Und 

er schrieb: Gedichte, Aphorismen, Erinnerungen, 

Gedankenfetzen, Ideen – in schmale 

Oktavhefte, Kladden, die er bewahren konnte 

und 1947 mit zurück nach Hause brachte. 

Für das zwischenzeitlich eingestellte Magazin

»Bergische Zeit« öffnete Mühl 2003 sein 

Archiv und erlaubte die Erstveröffentlichung 

bisher ungedruckter Texte: 

Da wir es fühlten 

Die bange Lust von Sommernachmittagen, 

und gelbe Felder, die den Himmel tragen, 

ein Dornbusch, starrend, wild verzweigt, 

der sich in seinen Schatten neigt – 

die Nächte nahen barfuß, nicht zu hören, 

und gehen früh und wissen, daß sie stören. 

Wir ließen stumm erschreckt die Arme nieder. 

Es blinzelte durch träge Augenlider 

ringsum mit schmalem Blick die Welt; 

die Krüge wurden hingestellt, 

und standen durstig an verdorrten Flüssen – 

da wir es fühlten, daß wir sterben müssen. 

(auf 1944/45 zu datieren) 

1944 hatte Mühl in Naples/New York als 

POW (Prisoner Of War) zum Traubenpressen 

dienstverpfl ichtet, den Dramatiker Tankred 

Dorst kennen gelernt und Impulse von 

ihm bekommen Die Wege der beiden sollten 

sich später erneut kreuzen. Ins Ruinenfeld 

des zerstörten Wuppertal zurückgekehrt, 

Karl Otto Mühl mit Hermann Schulz 

links: 

Karl Otto Mühl mit seiner Ehefrau Dagmar 

folgte er dem Ruf Paul Pörtners, sich der 

Künstlergruppe „Der Turm“ anzuschließen. 

Robert Wolfgang Schnell und später Tankred 

Dorst gehörten wie der Maler Wolfgang vom 

Schemm dazu. Man sprach über Literatur 

und Kunst, Mühl schrieb Kurzgeschichten. 

1948 legte er am Carl-Duisberg-Gymnasium 

sein nachgeholtes Abitur ab. Der Neuanfang 

war gemacht. Jetzt aber galten erst einmal 

Beruf und Brot. Diese Zeit beschrieb er in 

seinem erfolgreichen Romanerstling „Siebenschläfer“, 

den er als mittlerweile leitender 

Angestellter zwischen 1964 und 1969 

geschrieben hatte, aber erst 1975, im Jahr 

nach seinem Durchbruch als Dramatiker mit 

„Rheinpromenade“ veröffentlichte. Auch das 

mit durchschlagendem Erfolg (ca. 70 Inszenierungen) 

die deutschen Bühnen stürmende 

Stück hatte Mühl „nebenbei“ geschrieben: 

„Täglich 20 Minuten hatte ich, während ich 

im Ratskeller Neuss auf meine Frau wartete“, 

erinnert er sich. Am 5. April wird „Rheinpromenade“ 

im Schauspielhaus Köln zu Ehren 

Karl Otto Mühls eine Renaissance erleben. 

1970 hatte Mühl geheiratet. Drei Töchter 

hat er mit seiner Frau Dagmar Friebel. 

Weitere Theaterstücke folgen: „Rosenmontag“, 

„Kur in Bad Wiessee“, „Die Reise 

der alten Männer“. Dreizehn sind es seither 

geworden, dazu Drehbücher zu Fernsehfi 

lmen, Hörspiele, Romane und Gedichte. 

Der 1975 verliehene Von der Heydt-Preis 

befl ügelte. Schon 1972 hatte sich Mühl 

durch Vermittlung Horst Laubes und 

Tankred Dorsts dem Verlag der Autoren 

angeschlossen, aber auch beim Hermann 

Luchterhand Verlag und beim Rotbuch 

Verlag veröffentlicht. Seit 2002 hat er für 

Prosa und Lyrik eine neue Verlagsheimat 

beim Wuppertaler NordPark Verlag 

gefunden, der seinen jüngsten Gedichtband 

„Inmitten der Rätsel“ und eine Neuaufl age 

von „Siebenschläfer“ vorlegte. Die Arbeit 

ging weiter. Karl Otto Mühl veröffentlichte 

2005 die Romane „Nackte Hunde“ und 

„Hungrige Könige“ in autobiographischer 

Anlehnung an die 30er und 40er Jahre in 

Wuppertal. In Arbeit ist der ebenfalls autobiographische 

Roman „Der gute Amerikaner“, 

der die Kriegsgefangenschaft aufarbeitet. 

„Geklopfte Sprüche“ Mühl denkt nicht 

daran, aufzuhören. „Ein bißchen weniger 

vielleicht“, sagt er und: „Das Leben ist ein 

ständiges Weiterkriechen.“ Seit einer 1982 

glücklich überstandenen Krebsoperation 

hat er einen etwas anderen Blick gewonnen. 

„Wir sind ein Prozeß, aber die Leute wollen 

immer gerne, daß wir ein Denkmal sind.“ 

Kurzer bio-bibliographischer Abriß: 

Karl Otto Mühl – Dramatiker, Lyriker, 

Romanschriftsteller, Hörspielautor, 

geboren 16. Februar 1923 in Nürnberg/ 

Bayern, lebt und arbeitet in Wuppertal/ 

Nordrhein-Westfalen 

1947 Künstlergruppe „Der Turm“, 1976 

Von-der-Heydt-Preis, Verlag der Autoren, 

Verband Deutscher Schriftsteller, P.E.N. 

Deutschland, seit 2006 „Musenblätter“- 

Autor 

Werke (Auswahl): 

Romane/Bücher: 

Die Erfi ndung des Augenblicks, 

Neue Geschichten, NordPark Verlag 2012 

Stehcafé, Geschichten, NordPark Verlag 2010 

Die alten Soldaten, Roman, NordPark Verlag 

2009 

Laß uns nie erwachen, Gedichte, NordPark 

Verlag 2008 

Sandsturm, Roman, NordPark Verlag 2008 

Hungrige Könige, Roman, NordPark Verlag 

2005 

Nackte Hunde, Roman, NordPark Verlag 

2005 

Inmitten der Rätsel, Gedichte, NordPark 

Verlag 2002 

Jakobs seltsame Uhren, Bilderbuch, 

Wuppertal, Hammer Verlag, 1999 

Fernlicht, Roman, Wuppertal, Hammer 

Verlag, 1997 

Trumpeners Irrtum, Roman, Darmstadt, 

Luchterhand 1981 

Siebenschläfer, Roman, Darmstadt, 

Neuwied, Luchterhand 1975/NordPark 

2003 

Theater: 

Das Privileg, 2001 

Ein Neger zum Tee, 1995 

Verbindlichen Dank, 1994 

Die Weber, von Gerhart Hauptmann, Bearbeitung 

1989 

Am Abend kommt Crispin, 1988 

Kellermanns Prozeß, 1982 

Die Reise der alten Männer, 1980 

Hoffmanns Geschenke, 1978 

Wanderlust, 1977 

Kur in Bad Wiessee, 1976 

Rheinpromenade, 1973 

Rosenmontag, 1975 

Frank Becker 

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„Mein Freund Harvey“ 

von Mary Chase – Eine Komödie 

über die Psychoanalyse 

Das Falsche ist oft die Wahrheit, die auf 

dem Kopf steht. (Sigmund Freud) 

Inszenierung: Gert Becker 

Ausstattung: Elke König 

Dramaturgie: Christian Scholze 

Besetzung: 

Elwood P. Dowd: Berthold Schirm 

Ruth Kelly, Oberschwester in Dr. Chumleys 

Sanatorium: Julia Gutjahr 

Veta Louise Simmons, seine verwitwete 

Schwester: Vesna Buljevic 

Myrtle Mae, deren Tochter: 

Sophie Schmidt 

Omar Gaffney, Anwalt der Familie Dowd: 

Francesco Russo 

Dr. William R. Chumley, Psychiater: 

Guido Thurk 

Betty Chumley, seine Frau / Mrs. Ethel 

Chauvenet / E. J. Lofgreen, Taxi-Chauffeur: 

Gabriele Brüning 

Dr. Lyman Sanderson, Psychiater: 

Roni Merza 

Marvin Wilson, Angestellter des Sanatoriums: 

Bülent Özdil 


„Er ist verrückt, das ist alles.“ Wenn es 

so einfach wäre, wie es Elwood P. Dowds 

Nichte Myrtle Mae es auf den Punkt zu 

bringen versucht, wäre „Mein Freund Harvey“ 

von Mary Chase ein kurzes, tragisches 

Stück. Ein Mann wird seit Jahren von 

einem unsichtbaren, großen weißen Hasen 

(2 Meter plus Ohren) begleitet und teilt 

den Alltag mit ihm - Diagnose: Wahnvorstellungen, 

Maßnahmen: Klapsmühle, 

Zwangsjacke, Eisbäder. Schrecklich. 

Doch Mary Chase hat mit ihrer ab 1943 

am Broadway 1775mal en suite aufgeführten 

und 1950 mit James Stewart Maßstäbe 

setzend verfi lmten Gesellschaftskomödie 

über die Psychoanalyse eine wunderbare 

Parabel zu der Frage geschaffen, wer denn 

nun verrückt sei: Elwood P. Dowd (Berthold 

Schirm), das medizinische Personal 

der Irrenanstalt, pardon, des Sanatoriums 

oder gar wir, die Zuschauer? Gert Becker 

hat mit dem Ensemble des Westfälischen 

Landestheaters Castrop-Rauxel auf der 

wunderbaren wolkig-violetten Bühne von 

Elke König (die auch für die kongenialen 

Garderoben zeichnet) eine äußerst kurzweilige 

Inszenierung auf die Beine gestellt, 

welche der Intention der Autorin folgend 

das Spiel zwischen Wahn und Wirklichkeit 

mit weiser Komik betreibt. 

„Das Maß von unbefriedigter Libido, das die 

Menschen im Durchschnitt auf sich nehmen 

können, ist begrenzt.“ (Sigmund Freud) 

Man spürt stets – gelegentlich sieht man 

ihn auch im Hintergrund – Sigmund 

Freud im Raum, und sein Satz: „Das 

Falsche ist oft die Wahrheit, die auf dem 

Kopf steht“, wird spürbar. Vor seinem Bild 

entwickelt sich in den absurden Dialogen, 

die Mary Chase ihren Figuren auf Maß 

geschneidert hat und die von Gert Becker 

glänzend inszeniert wurden, ein köstliches 

Spiel mit Klischees, die mit Genuß ausgeschlachtet 

werden. Da ist das verklemmte, 

nach Sex lechzende Vorstadt-Girl Myrtle 

Mae (Sophie Schmidt), agieren die psychiatrieverdächtigen 

Psychiater Dr. Sanderson

(Roni Merza) und Dr. Chumley (Guido 

Thurk) als Götter in Weiß, baggert der 

notgeile Sanatoriumshelfer Wilson (Bülent 

Özdil), und verzweifelt die societysüchtige 

Mrs. Simmons (Vesna Buljevic). Gabriele 

Brüning agiert gleich in vier Rollen, bei 

denen sie besonders als Betty Chumley Akzente 

setzt. Sie führen uns eine Gesellschaft 

vor, die natürlich in jeder scheinbaren 

Abweichung von der Norm eine Gefahr 

sehen muß. Daß Mary Chase auch ganz 

nebenbei im Plauderton Albert Einsteins 

Relativitätstheorie bemüht, sei ebenso ganz 

am Rande vermerkt. 

An der Frauenbrust treffen sich Liebe und 

Hunger. (Sigmund Freud) 

Julia Gutjahr in einer Paraderolle 

Die zauberhafte Julia Gutjahr nimmt 

als auf High-Heels stöckelnd hüftenschwingende 

Betty, der stets im rechten 

Augenblick der obere Knopf des spacken 

Kittelchens aufspringt, dank ihrer pikan- 

ten Karikatur auf die Karikatur einer sexy 

Krankenschwester eine besondere Position 

ein, die nahezu dem wunderbaren Berthold 

Schirm den Rang abläuft. Sympathisch süß 

gestrickt entzieht sie sich, den Blick auf die 

Liebe(n)swürdigkeit ihrer Mitmenschen 

gerichtet, der allgemeinen Hysterie. Auch 

hier wird Freud treffl ich umgesetzt: „An 

der Frauenbrust treffen sich Liebe und 

Hunger.“ Hinreißend. Und die Herren im 

Publikum beneiden Dr. Sanders. 

Das Falsche ist oft die Wahrheit, die auf dem 

Kopf steht. (Sigmund Freud) 

Berthold Schirm als „sanfter Irrer“ 

Berthold Schirm weiß als spleeniger 

„sanfter Irrer“ Elwood im weichen Tweed- 

Anzug, ein Mann ohne Arg, der en passant 

Ovid zitiert, davon zu überzeugen, daß es 

eine Wirklichkeit hinter der Wirklichkeit 

gibt, was Star-Psychiater Chumley schließlich 

zu der umkehrenden Einsicht bringt: 

„Fliegendreck, ich verbringe mein Leben 

mit Fliegendreck!“. Denn: „Auch der 

psychiatrische Wahn enthält ein Stückchen 

Wahrheit, und die Überzeugung des Kranken 

greift von dieser Wahrheit aus auf die 

wahnhafte Umhüllung über.“ (Sigmund 

Freud) Ein großartiges Stück, ein großartiger 

Abend. 

Das Stück ist derzeit in NRW auf Tournee. 

Weitere Informationen: 

westfaelisches-landestheater.de 

Frank Becker 

Fotos: Volker Beushausen 

linke Seite: 

Vesna Buljevic (Veta Louise Simmons) 

rechte Seite: 

v. l.: BertholdSchirm(Elwood P. Dowd), 

Guido Thurk(Dr. William R. Chumley) 

15

16 

Otto Modersohn 


Paula Modersohn-Becker – 

Eine expressive Malerin 

Werke aus Privatbesitz 

Osthaus Museum Hagen 

noch bis zum 21. April 2013 

Otto Modersohn (1865-1943) 

Die Wolke, 1890 

© Otto Modersohn Museum, Fischerhude 

© VG Bild-Kunst, Bonn, 2013 

Landschaften der Stille

18 

Otto Modersohn, Dorfstraße in Worpswede, 1897, © Otto Modersohn Museum, Fischerhude, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2013

20 

Das Osthaus Museum Hagen richtet bis 

21. April 2013 in Zusammenarbeit mit 

der Otto Modersohn Stiftung in Worpswede 

eine retrospektiv angelegte Ausstellung 

zum Werk des Landschaftsmalers Otto 

Modersohn (1865–1943) aus. Mit über 

100 Gemälden und rund 80 Zeichnungen 

ist dies die erste umfassende Museumspräsentation 

außerhalb des Otto Modersohn 

Museums in Fischerhude seit 35 Jahren in 

Deutschland. Ziel der Ausstellung ist es, 

die Eigenständigkeit des außerordentlich 

umfangreichen malerischen wie auch des 

zeichnerischen Œuvres einem breiten Publikum 

zugänglich zu machen. Sie umfasst 

alle Abschnitte seiner Werkgenese. 

Parallel zu dieser Präsentation, zeigt das 

Osthaus Museum eine exklusive Auswahl 

von Werken Paula Modersohn-Beckers 

aus Privatbesitz. Damit begegnen sich zwei 

grundlegend unterschiedliche künstlerische 

Sehweisen, die sich an einigen Punkten 

berühren und sich für kurze Zeit gegenseitig 

befruchten, dann jedoch wieder völlig andere, 

eigenständige Entwicklungen nehmen. 

Der in Soest geborene Künstler 

verbrachte vor seinem Studium an der 

Kunstakademie Düsseldorf seine Kinder- 

und Jugendzeit in Münster. Neben dieser 

familiären Verwurzelung in Westfalen 

besitzt auch die Sammlungsgeschichte des 

Osthaus Museums Hagen eine Beziehung 

zu Otto Modersohn und seinem Werk. 

Das Künstlerehepaar Otto Modersohn 

und Paula Modersohn-Becker hatte den 

Hagener Mäzen und Kunstsammler sowie 

Peter Behrens gemeinsam mit Heinrich 

Vogeler auf einer 3-tägigen Reise nach 

Westfalen im Jahr 1905 in Hagen kennen 

und schätzen gelernt. 

Im Juli 1899 erklärte Modersohn 

seinen Austritt aus der Künstlervereinigung 

‚Worpswede‘; nach dem Tod seiner 

ersten Frau Helene im darauffolgenden 

Jahr wurde Paula Becker, die zunächst als 

Malschülerin von Mackensen nach Worpswede 

gekommen war, seine intensivste 

Gesprächspartnerin; die beiden heirateten 

1901. Otto Modersohn und Paula 

Modersohn-Becker arbeiteten zum Thema 

der Gegenständlichkeitsauffassung in den 

folgenden Jahren intensiv an der Umsetzung 

der von ihnen deklarierten Maxime 

„Das Ding an sich in Stimmung“. Es entstanden 

Werke, die die naturalistische Darstellung 

zunehmend vernachlässigten und 

mehr einer inneren Welt entsprangen. Der 

plötzliche Tod Paula Modersohn-Beckers 

im Jahr 1907 veranlasste Otto Modersohn 

Worpswede zu verlassen. Die gemeinsame 

Arbeit wurde leider frühzeitig beendet. 

Auf Initiative von Otto Modersohn und 

Heinrich Vogeler fand 1913 posthum eine 

umfassende Ausstellung mit 77 Gemälden 

und Skizzen, 45 Zeichnungen sowie 9 Radierungen 

von Paula Modersohn-Becker 

in den Räumen des Museum Folkwang in 

Hagen statt. Otto Modersohn besuchte die 

Ausstellung zusammen mit seiner Tochter 

Mathilde. Er beschrieb seinen Eindruck 

der Ausstellung mit nur einem Wort: 

„überwältigend“. Die Ausstellung wurde 

von einem im Worpsweder Horenverlag 

herausgegebenen Katalog begleitet, an dessen 

Zustandekommen Otto Modersohn

wesentlich beteiligt war. Im Anschluss an 

die Ausstellung kaufte Karl Ernst Osthaus 

das Gemälde „Selbstbildnis mit Kamelienzweig“, 

entstanden 1907 in Paris, das letzte 

Selbstporträt Paula Modersohn-Beckers, 

die am 20. November 1907 an den Folgen 

der Entbindung ihrer Tochter Mathilde 

in Worpswede früh verstarb. Es befi ndet 

sich heute im Bestand der Sammlung des 

Essener Folkwang Museums. 

Heute besitzt das Osthaus Museum Hagen 

zwei Ölgemälde von Otto Modersohn. 

„Abend im Moor“ kaufte die Städtische 

Sammlung aus dem Atelier im Oktober 

1941 und aus der Ausstellung in Hagen, 

im Mai 1942, erwarb das Museum das 

Bild „Flusslandschaft im Rauhreif“. In 

Hagener Privatbesitz konnten aus dieser 

Ausstellung vier weitere Bilder vermittelt 

werden. 

Nach 1945 wurden auch wieder Werke 

von Paula Modersohn-Becker in die 

Sammlung des Osthaus Museums integriert, 

darunter neben drei grafi schen Blät- 

Kultur, Information und Unterhaltung im Internet 

Täglich neu – mit großem Archiv 

Literatur – Musik – Bühne – Film – Feuilleton – Museen – Comic – Fotografi e – Reise 

Unabhängig, werbefrei und ohne Maulkorb 

www.musenblaetter.de 

linke Seite: 


Bauerngarten mit Insel, 1911 

© Otto Modersohn Museum, Fischerhude, 


rechte Seite: 


Kirchgang (Neujahr - Dingstiege 

in Münster), 1888 

Öl auf Papier auf Karton, 21 x 21 cm, 

© Otto Modersohn Museum, Fischerhude, 


Zur Ausstellung erscheint ein Katalog 

mit Beiträgen von Erich Franz zu den 

Bildern und Andrea Fink-Belgin zu den 

Zeichnungen. 

Der 216 Seiten umfassende Katalog mit 

115 Abbildungen umreißt mit ausgewählten 

Beispielen das Schaffen Otto 

Modersohns. Der Katalog kostet in der 

Ausstellung 28,– Euro. 

Supplementband: Paula Modersohn- 

Becker – Eine expressive Malerin, mit 

einem Einleitungstext von Tayfun Belgin 

tern das Bildnis „Mädchen mit Lamm“, 

datiert auf das Jahr 1904. 

Die Ausstellung erfolgt in Zusammenarbeit 

mit dem Otto Modersohn Museum 

in Fischerhude, und mit der freundlichen 

Unterstützung der Galerie Neher, Essen. 

www.osthausmuseum.de 

21

Lyrische Tragödie in zwei Akten 

von Federico García Lorca 

Musik von Wolfgang Fortner 

links: Dalia Schaechter, Verena Hierholzer 

unten v.l.n.r.: Ingeborg Wolff, Stephan 

Ullrich, Dalia Schaechter, Banu Böke, 

Gregor Henze, Tanja Ball, Angelika März, 

Marco Agostini 

Bluthochzeit 

Eine junge Frau im Brautkleid sitzt schon 

auf der Bühne, wenn die Zuschauer ihre 

Plätze einnehmen. Dann springt diese Braut 

der Mutter auf den Rücken und will sie 

nicht mehr loslassen. Sie ist der Dämon, der 

kommt, wenn der Tod in der Nähe ist. Er 

wechselt im Lauf des Stückes seine Kleider, 

erst trägt er weiße, die werden aber immer 

mehr durch schwarze ersetzt. Einmal wirft er 

der Mutter einen schwarzen Schleier zu, den 

die aber nicht haben will. Er malt sich auch 

blutrot an und putzt sich ganz am Schluss 

die weiße Schminke aus dem Gesicht. 

Noch eine andere Frau ist fast immer anwesend: 

die Bettlerin, der Tod. Mit ihren beiden 

Plastiktüten, in einen alten Mantel und 

in eine Trainingshose gehüllt, wartet sie sanft 

lächelnd darauf, dass jemand stirbt, weist 

den Mond an, dass es passiert und öffnet den 

beiden Duellanten den Weg in ihr Reich. 

Beide Frauen lenken sozusagen das Stück. 

Die Bettlerin kommt im Libretto nur in einer 

Szene vor, der Dämon überhaupt nicht. 

Dass dem Regisseur, Christian von Goetz, 

das in dieser Weise darstellt, zeigt seine 

intensive, genaue und kreative Auseinandersetzung 

mit dem Stück. 

Das Wuppertaler Theater setzt seine 

hervorragende Arbeit fort, durch die Inszenierung 

von Wolfgang Fortners „Blut- 

hochzeit“, die im Jahre 1957 entstand und 

seit einigen Jahrzehnten in der Versenkung 

verschwunden ist. Die Wiederentdeckung 

hat sich gelohnt, weil in jeder Hinsicht beste 

Qualität geboten wird. 

Fortner hat den Text von Federico García 

Lorca vertont, ein spanischer Dichter, der 

1936 von den Franco-Faschisten ermordet 

wurde. Erzählt wird eine Geschichte, die 

aufgrund archaischer Gesetze und Bräuche 

blutig endet, vor allem die Geschichte einer 

traumatisierten Mutter, die schon Mann 

und ältesten Sohn durch eine Familienfehde 

verloren hat. Am Ende verliert sie auch noch 

den jüngeren, der aber seinen Widersacher 

aus der feindlichen Familie im Kampf um 

die Braut mit in den Tod nimmt. 

Besonders gut verstand es der Regisseur 

darzustellen, wie positive Gefühle anderen 

gegenüber keine Chance haben, weil scheinbar 

ewige Gesetze und überlieferte Religion 

dies verhindern. So bleibt die Hauptperson, 

die Mutter, absolut starr in ihrer Haltung, 

egal was passiert. Sie ist besessen vom Tod 

ihrer Familienmitglieder, wird ständig von 

Dämonen besucht, die sie immer wieder 

beschwört und von denen sie nicht lassen 

kann. Auch bei der Brautwerbung (3. Bild) 

wird nichts geklärt, alles bleibt formal, oberfl 

ächlich, von gegenseitigem Entgegenkom- 

23

24 

Martin Koch, Ingeborg Wolff 

men der Parteien oder gar von Liebe keine 

Spur, alle Intimität wird auf die Zeit nach der 

Hochzeit verschoben. 

Der Machismo spielt eine große Rolle. 

Leonardo, der Gegner des Bräutigams, spielt 

dies voll aus. Er, Mitglied der „Mörder-Familie“, 

der mit der Braut schon einmal verlobt 

war, jetzt aber mit deren Cousine verheiratet 

ist, benimmt sich ihr und seiner Mutter 

gegenüber ungeheuer brutal. Auch nicht den 

Hauch eines Zweifels an seiner Rolle hat er, 

hält sich sogar für schuldlos. Kurz vor dem 

Duell sagt er der von ihm entführten Braut: 

„Nicht mein ist die Schuld, sie ist die Schuld 

andalusischer Erde, des Geruchs deiner Brüste 

und Zöpfe“. 

In diese Meinung unterstützt wird er 

ausgerechnet von der Mutter seines Widersachers, 

die bedauert, dass ihr Mann sie 

nur zweimal mit einem Kind beglückt hat, 

während ihr Vater „an jeder Straßenecke ein 

Kind hinterlassen hat“, und preist ihren Sohn, 

weil er „guten Samen hat“. 

Wie sich unterdrückte Bedürfnisse ihren 

Weg bahnen, wird in sehr gelungener Weise 

dargestellt. Unterdrückte Sexualität zeigt sich 

so z.B. in masturbatorischen Bewegungen 

mit dem Kreuz, nach dem Entfernen des 

Lendenschurzes des Gekreuzigten. Während 

der Hochzeitsfeier tanzt ein lesbisches Pärchen 

auf dem Tisch, ein Mann, als Frau verkleidet, 

und ein Frau, als Mann verkleidet, deuten 

einen Koitus an, und sogar die Marienfi gur 

entpuppt sich als Schnapsfl asche, deren Kopf 

nur abgedreht werden muss, um an den 

Inhalt zu kommen. 

v.l.n.r. Stephan Ullrich, Banu Böke, Verena Hierholzer, Dalia Schaechter 

Der gesamte Plot ist schlüssig dargestellt, auch 

die surrealen Elemente der Geschichte werden 

sehr schön deutlich. So will der Mond, als 

Zwerg mit Scheinwerfer, beim Zweikampf der 

Rivalen besonders hell sein: „Denn das köstliche 

Zischen des Blutes will zwischen den Fingern 

ich hören.“ Auch der Kampf der beiden Männer 

wird nicht naturalistisch dargestellt, sondern der 

Tod (die Bettlerin) öffnet eine Tür, sie hören auf 

zu kämpfen und treten in ihr Reich ein. 

Dass Fortner zwölftönig komponiert hat, 

mag auf den ersten Blick abschrecken. 

Der Komponist hat es aber geschafft, die Musik 

sehr emotional zu gestalten, Gefühle und 

Seelenzustände werden deutlich und sind gut 

nachzuvollziehen. 

Erleichternd wirkt auch, dass nicht nur 

gesungen, sondern oft auch gesprochen wird. 

Auch hat Fortner lokales Kolorit verwendet, 

spanische und andalusische Lieder werden 

eingebunden, oft so, dass sie interpretierend 

wirken. So erscheinen Flamencoelemente nicht 

als Ausdruck freier Lebenslust, sondern der 

Unterdrückung, des nicht Herauskommens aus 

der traditionellen Lebenswelt; das Wiegenlied 

(2. Bild) wirkt nicht tröstend, sondern lastend 

und lebensschwer, das Hochzeitslied „Die 

Braut erwache am Morgen der Hochzeit mit 

smaragdenem Zweig, mit fl ießendem Haar, 

jasminener Stirn, mit schneeweißem Hemd 

und Lackschuh´n aus Silber“ ist angesichts der 

lieblosen Zeremonie eher eine Parodie, und das 

choralartige „Süße Nägel, süßes Kreuz, süßer 

Name Jesu“ kurz vor Schluss, wenn alle tot 

oder in anderer Weise am Ende sind, beleuchtet 

noch einmal die Rolle der Religion. 

Diese Musik wird vom Wuppertaler 

Sinfonieorchester unter Hilary Griffi th in ganz 

hervorragender Weise interpretiert. Interessanterweise 

spielt das Orchester nicht im Graben, 

sondern auf der Hinterbühne und ist teilweise 

sogar sichtbar. Deshalb rückt das Geschehen 

auf der Bühne ganz nah an die Zuschauer 

heran. 

Auch an den Leistungen der Sänger gibt 

es nichts zu kritisieren. Auch in schauspielerischer 

Hinsicht sind sie ohne Fehl und 

Tadel. Hervorzuheben ist die Darstellerin der 

Mutter, Dalia Schächter, in jeder Hinsicht die 

Zentrale des Stücks. Banu Böke stellt die Hin- 

und Hergerissenheit der Braut wunderbar dar, 

Thomas Laske seinen machismogeprägten 

Leonardo. Ebenso hoch ist das Niveau des 

Chors, aus dem einige Mitglieder solistisch 

hervortreten, und der übrigen Sänger. Besonders 

gut gefallen hat mir Annika Boos in einer 

kleinen Rolle als Kind, die Seilchen springend 

locker ihre Koloraturen, darunter sogar das 

hohe cis, bewältigt. 

Also: eine hervorragende Oper ist wiederentdeckt 

worden und wird in Wuppertal hervorragend 

gesungen und gespielt. Unbedingt 

hingehen! 

Weitere Aufführungen: 

8. und 17 Februar, 17. März 

Fritz Gerwinn 

Fotos: Uwe Stratmann

Vom „Drachen“ in Wuppertal zum 

Fernseh-Serienstar 

Auch das kann er: Helmfried von Lüttichau 

bei SAT 1 als Pornofi lm-Regisseur 

in der Komödie „Ausgerechnet Sex“… 

Helmfried von Lüttichau 

Er ist der Mann mit dem Klassenkasper- 

Gesicht. Etwas weniger ironisch und 

harmoniebetont formuliert, könnte man 

auch sagen: mit einem Gesicht, dem man 

nie böse sein kann. Es geht um Helmfried 

von Lüttichau. Schon der ungewöhnliche 

Name macht neugierig. Dabei ist es 

ziemlich einfach, ihn zu sehen. Derzeit 

jeden Montagabend um 20.15 Uhr in der 

4. Staffel der Serie „Der letzte Bulle“ in 

der Rolle des chaotischen Chefs Martin 

Ferchert. Ein Millionenpublikum eroberte 

sich auch die ARD-Vorabendserie „Hubert 

und Staller“, deren zweite Staffel im Februar 

auslief und deren Fortsetzung fest geplant 

ist. Bei den Titelhelden Hubert und 

Staller handelt es sich um zwei „mittelhelle“ 

Dorfpolizisten in einem bayerischen 

Kleinstadtrevier (gedreht in Wolfratshausen 

und Münsing am Starnberger See), die mit 

höchst ungewöhnlichen Methoden ihre 

Fälle lösen. In den Hauptrollen der beiden 

unterschiedlichen Ermittler in Uniform 

sind Christian Tramitz und Helmfried von 

Lüttichau zu sehen. Der sagt über diese 

Rolle: „Gerade in sie fl ießt einiges von 

mir und meinem Charakter ein. Ich muss 

also nicht etwas Fremdes erfüllen, sondern 

kann es selbst erfi nden. Ich werde immer 

wieder von lachenden Menschen auf der 

Straße angesprochen, denen die Serie 

offenbar gut gefällt.“ 

Serienrollen im Fernsehen und nun 

auch Autor eines Gedichtbandes mit dem 

Titel „Was mach ich wenn ich glücklich 

bin“. Helmfried von Lüttichau ist auf der 

Leiter der Karriere ziemlich weit oben 

angekommen. Die erste Stufe dieser Leiter 

aber war Wuppertal. Der 1956 in Hannover 

geborene und in München lebende 

Schauspieler mit dem Namen eines 1355 

erstmals erwähnten deutschen Adelsgeschlechts 

mit dem Stammsitz im Landkreis 

Oberspreewald-Lausitz hat, seine Karriere 

in der Spielzeit 1980/81 im Wuppertaler 

Schauspielhaus begonnen. Intendant war 

25

26 

Mit Christian Tramitz (rechts) als „Hubert und Staller“ in der ARD. (Bild: ARD/TMG/ 

Chris Hirschhäuser) 

Die Protagonisten aus „Der letzte Bulle“. (v. l. n. r.) Meisner (Robert Lohr), Ferchert (Helmfried 

von Lüttichau), Andreas (Maximilian Grill) und Mick (Henning Baum), Steffi Averdunk 

(Franziska Weisz). © SAT. 1 Fotograf: Martin Rottenkolber 

Professor Hellmuth Matiasek, der mittlerweile 

81-jährige Ehemann von Cornelia 

Froboess. Lüttichau: „Er hat mich aus 

München von der Otto Falckenberg-Schule 

als Anfänger für zwei Jahre engagiert. Es 

war wunderbar, denn ich durfte sehr viel 

spielen. Meine erste Rolle war die Figur des 

Heinrich in ,Der Drache‘ .“ Der Schauspieler, 

der seinen seltenen Vornamen der Zusammensetzung 

des väterlichen Vornamens 

Friedrich-Wilhelm und des Großvaters 

Helmut verdankt, stand auch auf dem Besetzungszettel 

der vom Intendanten selbst 

inszenierten Lokalposse von JohannNestroy 

„Zu ebener Erde und erster Stock oder: 

Die Launen des Glückes.“ Franz Trager 

spielte die Hauptrolle, der Wuppertaler 

Theaterhistoriker und Siegfried Becker 

schrieb in seinem Standardwerk „50 Jahre 

Theater in Wuppertal“ über die Premiere 

am 1. März 1981: „Dem Nestroy Landsmann 

Matiasek gelang eine Aufführung, 

die das Publikum begeisterte.“ Doch auch 

damals herrschte keineswegs nur Begeisterung 

über das im Schauspielhaus Gebotene. 

Am 4. Juli 1981 kam „Strawberry 

Fields“ in der Inszenierung von Christoph 

Held zur deutschen Uraufführung und das 

lockte die überregionale Presse ins Tal. Der 

im Jahre 2007 verstorbene Kritiker Lothar 

Schmidt-Mühlisch verfasste in der WELT 

einen Totalverriss, in dem unter anderem 

zu lesen war: „Überhaupt machte man sich 

in Wuppertal viel Mühe, verschwendete 

großes Talent an belanglosen Schmäh.“ 

Mit den Darstellern allerdings ging er 

gnädig um und bilanzierte: „Aber das 

verhinderte nur den totalen Durchfall des 

Stückes.“ Ein damals 25-jähriger Anfänger 

bekam die Bestnote: „Lediglich in 

der Figur des fast blinden Kevin ist dem 

Autor eine gewisse Authentizität gelungen. 

Offenbar ein Blumenkind von einst, 

gealtert, enttäuscht, zivilisationsmüde, mit 

intellektueller Attitüde mit der resignierend 

tödlichen Geste des letzten zerstörten 

Kraftaktes. Freilich: Auch das gewann erst 

Kontur durch die faszinierende Rollengestaltung 

Helmfried von Lüttichaus. Fast 

ein apokalyptischer Todesengel, dessen 

Traumvisionen von einem fernen Glück 

Helmfried von Lüttichau als fast blinder 

Kevin (2.v.rechts) im Jahre 1981 im Wuppertaler 

Schauspielhaus in der Komödie 

„Strawberry Fields“ mit Barbara Grupe, 

René Peier und Monika Hess. Foto: Kaspar 

Seiffert/Stadtarchiv Wuppertal 

die ästhetische Begründung der Zerstörung 

schaffen. Man möchte diesen Schauspieler 

in besseren Rollen sehen.“ Eine Spielzeit 

später mit der Premiere am 8.Mai 1982 

gab er in „Früchte des Nichts“ von Ferdinand 

Brückner die Rolle des „Foss“ und 

wurde von der renommierten Fachzeitung 

„Theater heute“ zum „Jungen Schauspieler 

der Saison“ gewählt. Nach zwei Spielzeiten 

hat er Wuppertal und seine Wohnung an 

der Briller Straße verlassen. Erinnerungen 

sind geblieben:„Besonders an Franz Trager, 

Ursula von Reibnitz, Rena Liebenow, 

Ingeborg Wolff, Erich Leukert und dessen 

Frau, die meine Maskenbildnerin war. Mit 

Hans Richter habe ich mich besonders gut 

verstanden. Noch besser aber mit Bernd 

Schäfer. Wir hatten eine Szene auf der 

Bühne, bei wir beide derart lachen musste, 

dass wir uns vom Publikum wegdrehen 

mussten.“

Helmfried von Lüttichau zog nach 

zwei Jahren weiter nach Frankfurt, an die 

Volksbühne Berlin, das Nationaltheater in 

Mannheim, nach Oberhausen, an das Düsseldorfer 

Schauspielhaus und als letztes festes 

Engagement 1997 an die später in fi nanzielle 

Turbulenzen geratenen Düsseldorfer 

Kammerspiele. Lüttichau: „Die letzte Gage 

bekamen wir aus der Konkursmasse.“ Schon 

zu diesem Zeitpunkt war er bei Film und 

Fernsehen gut gebucht: „Ich habe seitdem 

kein Theater mehr gespielt und mich nur 

auf Film und Fernsehen konzentriert.“ Der 

Bühnenanfänger aus Wuppertal der frühen 

80-er Jahre hat seitdem in unzähligen 

Filmen und Fernsehstücken- und Serien gespielt. 

Oft in kleineren Rollen, aber immer 

im Geschäft und das auch bei populären 

TV-Serien wie Balko, Der Fahnder, Alarm 

für Cobra 11, Tatort, Ein starkes Team, SK- 

Kölsch, Die Kommissarin, Um Himmels 

willen und Die Rosenheimcops. Lüttichau 

hat in beiden Wickie-Filmen von Bully 

Herbig mitgespielt und bei „Pünktchen 

und Anton“ drehte er gemeinsam mit der 

in Wülfrath lebenden und aus Wuppertal 

stammenden Kollegin Dorothea Walda. Die 

Rolle in der ARD-Serie hat ebenfalls einen 

H. von Lüttichau Was mach ich wenn ich 

glücklich bin. Verlag Fixpoetry 2012, Gedichte, 

144 S., ISBN 978-3-942890-15-1 

Preis: 14,90 Euro 

Wuppertal-Bezug. Lüttichau: „Redakteur 

der Serie ist Elmar Jaeger vom Bayerischen 

Rundfunk. Er hat mir erzählt, dass er mich 

damals in Wuppertal auf der Bühne des 

„Wunderbar, dass unsere Sparkasse 

einer der größten Kulturförderer 

Wuppertals ist.“ 

Freundschaft 

mein Feind 

der mir 

am Stuhlbein sägt 

Gott sei Dank hab ich noch drei 

aber wackeln tut`s 

gewaltig 

mein Freund 

sägt wenigstens alle vier ab 

dann muss ich wieder stehen 

oder er lässt mich sitzen 

Das Lieblingsgedicht des Autors 

Schauspielhauses gesehen hat. Wuppertal 

war für mich also wirklich ein Sprungbrett.“ 

Klaus Göntzsche 

Sparkassen-Finanzgruppe 

 

Die Stadtsparkasse Wuppertal unterstützt Soziales, Kultur und Sport in Wuppertal mit rund 5 Mio. € pro Jahr. Wir sind uns als Marktführer unserer 

Verantwortung für die Menschen und Unternehmen in unserer Stadt bewusst und stellen uns dieser Herausforderung. Mit unserem Engagement unterstreichen 

wir, dass es mehr ist als eine Werbeaussage, wenn wir sagen: Wenn’s um Geld geht – Sparkasse 

27

28 

Mario van Middendorf, Nibelungenwald, 

Cologne 2011, 100 cm x 80 cm, 

Fotografi e, C-Print 

Fotografi e ist kein erstarrtes Auge 

In ihren Anfängen, noch lange danach und 

zum Teil sogar heute war und ist Fotografi e 

als Kunstform umstritten, Motto: Kann ein 

leicht reproduzierbares Massenmedium, bei 

dem nur auf den Auslöser gedrückt wird, 

überhaupt Kunst sein? Schließlich bildet 

der Fotograf die Welt lediglich ab, während 

ein Maler oder Bildhauer mit seinen teils 

aufwändigen Arbeiten die Wirklichkeit interpretiert 

oder eine ganz neue Welt erschafft... 

Für den britischen Maler David Hockney 

ist „Fotografi e einfach ein Medium. 

Die Frage, ob sie Kunst ist oder nicht, 

ist für mich irrelevant. Man könnte sich 

genauso fragen, ob die Wasserfarbenmalerei 

Kunst ist. In gewisser Weise ist die 

Fotografi e auch ein sehr beschränktes 

Medium, denn sie verlangt von uns im 

Grunde, die Welt mit einem erstarrten 

Auge zu betrachten.“ Und überhaupt:

Wie soll man denn in der Fotografi e 

ein Original defi nieren? Zweifelsohne 

ein Einwand, trotzdem tut das dem 

Ideenreichtum, der Kreativität und Qualität 

vieler Protagonisten der Fotografi e 

keinen Abbruch. Denn zwischenzeitlich 

hat sich viel getan: Der Sprung von der 

analogen zur digitalen Fotografi e und 

Hilfsmittel wie Photoshop eröffnen den 

Kreativen vielseitige Möglichkeiten – 

auch wenn Fotobearbeitungsprogramme 

ein Reizthema sind: Von den einen 

werden sie als Kreativmedium geliebt, 

von anderen als schnödes Verschönerungswerkzeug 

mieser Fotos herabqualifi 

ziert. Aber grundsätzlich spricht doch 

nichts dagegen, unterschiedliche Mittel 

einzusetzen, insbesondere wenn es der 

Sache (= Kreativität) dient. 

Folgt man der Argumentation von 

Swantje Karich, Feuilletonredakteurin 

der FAZ und Leiterin des Kunstressorts, 

in ihrem Artikel „Wohin steuert die 

zeitgenössische Kunst?“ (FAZ.net vom 

11. 11. 2011), dann sind Malerei und 

Fotografi e ohnehin abgegessen und werden 

abgelöst vom bewegten Bild. Karich 

schreibt dazu: „Die Fotografi e hat einst 

den Wettstreit aufgenommen mit der 

Malerei. Die Malerei des 20. Jahrhunderts 

steht gleichzeitig unter dem 

Paradigma der Fotografi e. Nach dieser 

kamen das Video und nun auch das 

Netz. Das bewegte Bild wird zum Zentralfetisch 

der Informationswelt. Nicht 

im Fernsehen, sondern auf Youtube und 

Facebook werden die gesellschafts-künstlerischen 

Inhalte verbreitet.“ 

Mag sein, dennoch gibt es schlichtweg 

erstklassige Fotografen mit Konzepten – 

ob digital oder analog –, die so kreativ, 

spannend, bewegend und schön sind, 

dass es vermessen wäre, deren Werk 

herabzuqualifi zieren mit Äußerungen 

wie: ‚nur auf den Auslöser gedrückt’ oder 

gar ‚ist das überhaupt Kunst?’. Solche 

Aussagen frei nach Karl Pawek und der 

in seinem Buch „Das optische Zeitalter“ 

gedruckten Sentenz: „Der Künstler 

erschafft die Wirklichkeit, der Fotograf 

sieht sie“ sind schlichtweg borniert. 

Denn bei einigen Kreativen der Fotoszene 

kommen die vor dem eigentlichen 

Akt des Fotografi erens betriebenen 

Anstrengungen einer Regiearbeit gleich. 

Die aufwendigen Inszenierungen der im 

Sommer 2011 im C/O BERLIN gezeigten 

Serie „In a lonely Place“ von Gregory 

Crewdson beschreibt die Süddeutsche 

Zeitung als „Hollywood fürs Foto“. Die 

bekannteste Serie des amerikanischen 

Fotografen ist wohl „beneath the roses“. 

Die Süddeutsche Zeitung notierte dazu: 

„Jenseits, unter der schönen Oberfl äche 

der Häuslichkeit, so empfi ndet Crewdson 

es, schlummern Geheimnisse. Etwas 

Verbotenes, Abgründiges“. Damit haben 

er und der Kult-Regisseur David Lynch 

eines gemein: die verborgene Abgründigkeit 

und Verderbtheit hinter der 

idyllischen Fassade des Lebens. 

Ein ebenso aufwändiges doch weniger 

düsteres und zudem internettaugliches 

29

30 

links: Ian Ruhter 

Kim Grant/Los Angeles Ca., 2010 

Kollodium-Nassplatte 

rechts: Ian Ruhter 

Scotty/Los Angeles Ca., 2010 

Kollodium-Nassplatte 

Gregory Crewdson 

Untitled (Kent Street), ‘Beneath the Roses, 

2007, Digitaler Pigmentdruck 

144,8 x 223,5 cm, Courtesy Gagosian 

Gallery, New York 

Konzept verfolgt Crewdsons Landsmann 

Ian Ruhter mit „Silver & Light“: 

In einem umfunktionierten Bus fahren 

der Fotograf und sein Team durch die 

USA und machen Fotos, die gleich an 

Ort und Stelle entwickelt werden. Der 

Clou: Ruhter arbeitet analog und völlig 

traditionell, und zwar mit einer Kollodium-Nassplatte. 

Erstmalig wurde diese 

Technik 1850/51 von den Fotopionieren 

Frederic Scott Archer und Gustave 

Le Gray eingesetzt (Quelle: Wikipedia). 

In einem Video kann man sich anschauen, 

wie das Verfahren funktioniert und 

was dabei entsteht, wirklich sehenswert! 

(Internet: www.vimeo.com/39578584) 

Für sein Projekt setzt Ian Ruhter auf 

Social Media und ruft die Menschen 

über Facebook dazu auf, sich bei ihm zu 

melden, wenn sie von ihm fotografi ert 

werden wollen.

Die ausdrucksstarken Arbeiten von Mario 

van Middendorf schweben über dem 

schmalen Grat zwischen Fotografi e und 

Malerei. Irgendwie tröstlich, denn seine 

Bilder schaffen es, die beiden Disziplinen 

respektive deren jeweiligen Anhänger 

und Opponenten miteinander zu 

versöhnen. Der Kölner Fotograf kreiert 

magische Traumwelten, in denen selbst 

die ödeste Gegend leuchtet und scheinbar 

doch nicht so trist ist oder sogar ein 

Geheimnis birgt. Mit seinem Statement 

zur Serie „aquaCity als Zeitzeugen am 

Wasser von Köln und Düsseldorf“ bestätigt 

van Middendorf übrigens genau 

meinen Eindruck: „Sehr früher Morgen. 

Fotografi e und Malerei kommen sich 

bedenklich nah. Ganz gezielt, denn das 

besondere Morgenlicht trennt ohnehin 

Licht und Schatten kaum.“ Grandios 

ist übrigens auch die limitierte Serie 

zum deutschen Wald („German 

Woods“) – ohnehin hierzulande ein 

großes, mythenreiches und ergiebiges 

Thema – allen voran die fantastischen 

Foto(Gemälde): „Der Nibelungenwald“ 

sowie „Lueneburg Heath“. van Middendorf 

arbeit zu unterschiedlichen 

Themen in Serie: „Thematische und 

farbliche Zusammenhänge stehen für 

eindeutigen Seriencharakter. Schwülstig, 

üppig oder cool und völlig reduziert. 

Hell oder dunkel, mich faszinieren 

Widersprüche und Experiment. Ich 

lasse mich ungern festlegen.“ 

Rankin ist einer der einfl ussreichsten 

Beauty- und Celebrity-Fotografen und 

mit seinen teils provokanten Arbeiten 

gleichzeitig auch ein Grenzgänger 

zwischen Werbung/Kommerz und 

Kunst. Neben seiner Fotokarriere dreht 

der Brite Spielfi lme, Werbefi lme und 

Musikvideos. Erste Bekanntheit erlangte 

der auch mit Künstlern wie Damian 

Hirst kooperierende Fotograf mit 

seinem Kommilitonen Jefferson Hack: 

Gemeinsam gründeten sie das Magazin 

Dazed & Confused, „das sich zu einem 

der führenden Magazine der 90er 

entwickelte und bis heute die Stil-Bibel 

aller Kreativen ist. Stylings und Fotos 

in Dazed & Confused sind nach wie 

vor die Messlatte für die Mode-Elite“, 

schrieb das NRW-Forum Düsseldorf 

im Ankündigungstext der Ausstellung 

„Rankin: Show-off“, die bis zum 13. 

Januar zu sehen war. 

Wer die Ausstellung verpasst hat: 

Im NRW-Forum sind mehrere Kataloge 

von Rankin erhältlich. 

Ute C. Latzke 

www.nrw-forum.de. 

Gregory Crewdson 

Untitled (Railway Children), 'Beneath 

the Roses', 200, Digitaler Pigmentdruck, 

144,8 x 223,5 cm 

Courtesy Gagosian Gallery, New York 

31

32 

Beatles. Das weiße Album. 

Ein Stück über das Jahr 1968 

und den Massenmörder 

Charles Manson 

Buch und Regie: Reinhardt Friese 

Musikalische Leitung: 

Tankred Schleinschock – 

Ausstattung: Annette Mahlendorf 


Besetzung: Beatrice Reece (Prudence) 

Sophie Schmidt (Julia) 

Cornelia Löhr (Martha) 

Andrea Köhler (Sadie) 

Roni Merza (Anchorman) 

Roni Merza (Charlie) 


www.beushausenbild.de 


Beatles-Revival-Show? Fehlanzeige! 

Nein, ein fröhliches Beatles-Revival zum 

mitswingen ist es nicht, das muß sich 

rumgesprochen haben, denn gerade mal 

ca. 100 Gäste zwischen 20 und 70 - die 

Mehrheit war Ü 60 - hatten sich im Remscheider 

Teo Otto Theater eingefunden, 

um Reinhardt Frieses Stück „Beatles. Das 

weiße Album“ in einer Aufführung des 

Westfälischen Landestheaters zu sehen. 

Der Prolog mit Zitaten von u.a. Josef 

Stalin, Mao Zedong, Che Guevara und 

John F. Kennedy sprach es deutlich aus: 

„Ein Stück über das Jahr 1968 und über 

Menschen, die die Kunst für die Wirklichkeit 

hielten“. Revolution! Es war ein 

erschütterndes Jahr, dieses 1968, in das 

zugleich mit dem Höhepunkt der Flower 

Power-Bewegung Ereignisse wie die 

Niederschlagung des „Prager Frühlings“, 

das Massaker von My Lai in Vietnam, das 

Attentat auf Rudi Dutschke, die Ermordung 

von Martin Luther King und Bobby 

Kennedy sowie die Frankfurter Kaufhaus- 

Brandstiftungen durch die RAF. 

Mystifi kationen 

In kein weiteres Album der Beatles außer 

Abbey Road wurde und wird mehr 

hineingeheimnist als in das „White Album“, 

das im November 1968 erschien, 

den Zerfall der besten Band aller Zeiten 

einläutete und legendär wurde. Daß 

es zugleich von Charles Manson zum 

Fanal für eine grauenhafte, blutrünstige 

Mordserie seiner „Family“ ausgerufen 

wurde, einer Hippie-Kommune, die sich 

um den Kriminellen gesammelt hatte, 

ist eine mehr als bittere Ironie, die sicher 

nicht in der Intention der genialen Musik 

von John Lennon und Paul McCartney 

gelegen hatte. Susan Atkins, Patricia 

Krenwinkel, Linda Kasabian, Tex Watson, 

Leslie Van Houten und Charles Watson 

hatten Anfang August 1969 auf Anweisung 

Mansons sieben Menschen brutal 

abgeschlachtet, darunter die hochschwangere 

Schauspielerin Sharon Tate. 

Reinhardt Friese, der auch Regie führte, 

setzt bei seinen Zuschauern die Kenntnis 

dieser fatalen Folgen von „Revolution No.

9“, „Happiness is a Warm Gun“, „Piggies“ 

und des dramaturgisch als Schlachtruf 

(bitte wörtlich nehmen) eingesetzten 

„Helter Skelter“ voraus. Weiß man darum, 

ist es ein eingängiges, wenn auch zu 

verklärendes Stück, das Manson zwar als 

den durchgeknallten Guru darstellt, der er 

war, seiner durch und durch kriminellen 

Struktur (Drogenhandel, Diebstahl, Köperverletzung, 

Vergewaltigung, Zuhälterei 

etc.) aber nicht den notwendigen Raum 

gibt. Zu sehr hebt Friese auf das Sendungsbewußtsein 

Mansons ab, der mit 

dem White Album in der einen und der 

Offenbarung des Johannes in der anderen 

Hand die Welt in das Chaos eines Rassenkonfl 

iktes zu stürzen beabsichtigte, aus 

dem nur er und seine „Family“ unbeschadet 

hervorgehen würden. 

Helter Skelter 

Weiß man nicht darum, ist es unter 

dem Strich dann doch eine gut gemachte 

Revue über das „White Album“ der 

Beatles, dessen o.a. Songs und viele andere 

wie „Sexie Sadie“, „Honey Pie“, „I´m so 

tired“, „Birthday“ „Julia“, „Martha My 

Dear“, „Dear Prudence“, „Cry Baby Cry“, 

und „Back in the USSR“ vom Ensemble 

(Beatrice Reece, Sophie Schmidt, Cornelia 

Löhr, Andrea Köhler, Roni Merza – alle 

ganz in unschuldigem Weiß) ausgezeichnet 

interpretiert wurden. Dann wiederum 

versteht der Uneingeweihte aber auch 

nicht, daß die mit roter Farbe auf die 

Kulisse gemalten Graffi ti „Pig“, „Helter 

Skelter“, „Rise“ und „Death to Piggies“ 

den an den Tatorten mit dem Blut der 

Opfer geschriebenen Worte entsprechen. 

Die begleitende Band mit Tankred 

Schleinschock (p), Jürgen Knautz (b, 

g), Rudi Marhold (dr), Claus Michael 

Siodmok (g, uk) und Matthias Feige (g, 

tb) fand brillant Sound und Gefühl der 

Beatles, „While my guitar gently weeps“ 

wurde zum musikalischen Sahnestück des 

Abends. Und zum Trost für alle Enttäuschten 

gab´s als Zugabe zum versöhnlichen 

Schluß „All you need is Love“ aus 

dem Album „Magical Mystery Tour“. 

The Family 

Zur begleitenden bzw. nachbereitenden 

Lektüre empfi ehlt sich „The Family. Die 

Geschichte von Charles Manson und 

seiner Strand-Buggy Streitmacht“ von Ed 

Sanders und Volker Rebell: „Die Beatles 

1968. Das weiße Album“. Dann wird 

auch das Stück zugänglich. 

Das Stück ist derzeit in NRW auf Tournee. 

Weitere Informationen: 

westfaelisches-landestheater.de 

Frank Becker 

v. l. n. r.: 

Cornelia Löhr (Martha), Roni Merza 

(Charlie), Beatrice Reece (Prudence), Sophie 

Schmidt (Julia), Andrea Köhler (Sadie). 

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34 


noch bis zum 14. 4. 2013 

In Zusammenarbeit mit dem 

Zentrum Paul Klee, Bern 

Ermöglicht mit Unterstützung der 

Sparkasse Essen 

Paul Klee 

Engel, noch weiblich, 1939, 1016 

Kreide auf Grundierung auf Papier 

auf Karton, 41,7 × 29,4 cm 

Zentrum Paul Klee, Bern 

© Foto: Zentrum Paul Klee, Bern 


Paul Klees Engel gehören zu den beliebtesten 

Werken des Künstlers. Sie sprechen 

nicht nur Kunstliebhaber an, sondern 

haben auch als poetische Lebenshelfer 

eine hohe Popularität gewonnen. Als 

gefl ügelte Mischwesen, halb Mensch halb 

Himmelsbote, repräsentieren sie eine 

Übergangsform zwischen irdischer und 

überirdischer Existenz, die dem Bedürfnis 

nach Spiritualität entgegen kommt. Zugleich 

refl ektieren die Engel aber auch die 

moderne Skepsis gegenüber Religion und 

Glaubensfragen. Darüber hinaus bieten 

sie nicht nur Kunsthistorikern, sondern 

auch Schriftstellern, Philosophen, 

Theologen und Psychologen gedankliche 

Ansatzpunkte.

links: 

Paul Klee 

Schellen-Engel, 

1939, 966 

Bleistift auf Papier 

auf Karton 

29,5 × 21 cm 

Zentrum Paul Klee, 

Bern 

© Foto: Zentrum 

Paul Klee, Bern 

rechts: 

Paul Klee 

vergesslicher Engel, 

1939, 880 

Bleistift auf Papier 

auf Karton 

29,5 × 21 cm 


Bern 



Paul Klee 

mehr Vogel, 

1939, 939 

Beistift auf Papier 

und Karton 

21 × 829,5 cm 


Bern, 



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Die meisten Engel entstanden in den 

letzten Lebensjahren des Künstlers zwischen 

1938 und 1940. Die Zeichnungen, 

Aquarelle und Gemälde sind damit auch 

Ausdruck seiner damaligen Lebenssituation, 

die von schwerer Krankheit und 

offenen Anfeindungen seitens der Nationalsozialisten 

geprägt war. Sie lassen 

erkennen, wie Klee sich am Übergang 

vom Leben zum Tod empfand, sie zeigen 

Angst und Bedrohung, aber auch intellektuelle 

Distanz, Witz und Heiterkeit. Klees 

Engel – und dies ist der tiefere Grund ihrer 

Popularität – sind noch weitgehend im 

menschlichen Dasein verhaftet. Sie haben 

kleine Schwächen und Schönheitsfehler, 

sind vergesslich oder hässlich, sorgenvoll 

oder verspielt, so dass jeder sich in ihnen 

wiederfi nden kann. Stilistisch handelt es 

sich um charakteristische Beispiele für den 

minimalistischen Zeichenstil des Spätwerks 

von Paul Klee. 

Die Ausstellung rückt erstmals diese außergewöhnliche 

Gruppe des mannigfaltigen 

Werks von Paul Klee in den Fokus und 

präsentiert mit rund achtzig Zeichnungen, 

Aquarellen, Gouachen und Gemälden 

den weitaus größten Teil seiner erhaltenen 

Werke zu dieser Thematik. 

Paul Klee 

Engel, noch tastend, 1939, 1193 

Kreide, Kleisterfarbe und Aquarell 

auf Papier auf Karton 

29,4 × 20,8 cm 

Privatbesitz Schweiz, Depositum 

im Zentrum Paul Klee, Bern 

© Foto: Zentrum Paul Klee, Bern 

linke Seite: 

Paul Klee 

Ohne Titel (Letztes Stilleben), 1940 

Ölfarbe auf Leinwand, 100 x 80,5 cm 

Zentrum Paul Klee, Bern, Schenkung Livia 

Klee, Foto: Zentrum Paul Klee, Bern 

Museum Folkwang 

Museumsplatz 1, 45128 Essen 

Telefon 0201 8845 444 

Öffnungszeiten: 

Di bis So 10 - 18 Uhr, Fr 10 - 22.30 Uhr 

Mo geschlossen 

www.museum-folkwang.de 

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38 

Beweglicher als hier kann man nicht tanzen 

Die Tanzschule Bellinghausen im 

Mirker Bahnhof 

Der stillgelegte Mirker Bahnhof. Im ersten 

Stock liegt der Tanzsaal 

Edgar Bellinghausen 

Für Edgar Bellinghausen ist Tanzen 

Profession und Leidenschaft zugleich: 

„Seit meinem sechzehnten Lebensjahr 

war Tanzen mein Hobby. Nach dem 

Abitur und einer Lehre war von einer 

kaufmännsichen Ausbildung keine Rede 

mehr.“ 

In der Tanzschule Koch, wo er bereits als 

Schüler Tanzen gelernt hat und an Wochenenden 

beim Unterrichten aushalf 

(„wobei das Wochenende immer länger 

wurde“), kam schließlich die Frage: 

„Wäre das denn nichts für Dich?“ Da 

war für ihn alles klar: drei Jahre Ausbildung 

zum Tanzlehrer und zwei Jahre für 

den Tanzsportlehrer, 1980 die Übernahme 

der Tanzschule Koch als Tanzschule 

Koch-Bellinghausen in der Laurentiusstraße 

mit seiner damaligen Frau, 

1995 der Umzug der Tanzschule in das 

damalige Edekagebäude in der Varresbeck, 

die Trennung, und dann, als hätte 

es so sein müssen, die Bekanntschaft mit 

dem Mirker Bahnhof im Jahre 2000 ! 

Mit diesem Bahnhof ist Edgar Bellinghausen 

seitdem verheiratet. Es war Liebe 

auf den ersten Blick, als er das denkmalgeschützte, 

aber verkommene, städtebaulich 

hochinteressante Bauwerk aus 

dem Jahr 1882 durch einen ehemaligen 

Schüler, den Mathematiklehrer Becker, 

kennenlernte. „Der war wie besessen 

von dem Bahnhof, und der Wahnsinn 

ist sofort übergeschwappt.“ Edgar Bellinghausen 

war sofort klar, dass dies der

ideale Ort für eine Tanzschule sei. Der 

eigentliche Auslöser war die Holzdecke 

des Saales im ersten Stock. Dazu muss 

man wissen, dass der heute als Tanzsaal 

genutzte Raum insofern existierte, als 

man den ehemaligen „Wartesaal Zweiter 

Klasse“ bereits horizontal geteilt hatte, 

weshalb der Zugang im ersten Stock 

liegt. Entstanden ist ein Raum mit 

angenehmen Proportionen und einer 

prächtigen hölzernen Balkendecke, der 

Edgar Bellinghausen nicht widerstehen 

konnte. Er hat sie liebevoll restauriert. 

Gemeinsam machte man sich daran, 

Schutt und Unrat zu entfernen, das 

Gebäude zu entdecken und so weit wie 

möglich herzurichten. „Der Visionär 

Becker hatte den Bahnhof bis zur letzten 

Schraube im Kopf“, aber es gelang 

nicht, eine solide fi nanzielle Basis für 

das historische Gebäude zu entwickeln. 

Seit der Stilllegung der Strecke 1991 

scheiterten alle Konzepte für eine neue 

Nutzung. Über Einbrüche, Vandalismus, 

Brandstiftung, Besitzerwechsel, 

Mieterwechsel, drohende Zwangsversteigerungen 

und Verkäufe, konnte sich 

Edgar Bellinghausen bis heute mit seiner 

Tanzschule behaupten – mit ihr ist ein 

einmaliges stimmungsvolles Ambiente 

entstanden, das vom Sachverstand, der 

Liebe und der Sorgfalt, aber auch vom 

Idealismus seines Retters Zeugnis gibt. 

So offen und unkonventionell Edgar 

Bellinghausen mit dem Standort 

seiner Tanzschule umgeht, ist auch 

sein Konzept: Ihm ist es wichtig, dass 

seine Schüler „tanzend lernen, statt nur 

Tanzen zu lernen.“ Die Kurse sind klein, 

die übliche Klassifi zierung in Anfänger 

und Fortgeschrittene gibt es nicht, jeder 

kann dann kommen, wann es die Zeit 

erlaubt, weil er individuell betreut wird. 

Der Tanzlehrer hat im Kopf, wie weit 

seine Schüler sind. Selten steht er in 

der Mitte, sondern er hilft den Paaren 

spontan da, wo sie Hilfe benötigen. Das 

hat er den sogenannten „Pratica“ im 

„Tango Argentino“ abgelauscht: „Sonst 

wäre der Sprachanteil des Unterrichtes 

viel größer als das Tanzen selbst. 

Tanzlehrer sein heißt nicht, in der Mitte 

zu stehen und schön zu sein. In anderen 

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Tanzschulen läuft der Unterricht nach 

festem Programm, so dass schon mal 

jemand einspringen könnte.“ Für Edgar 

Bellinghausen wäre das undenkbar, weil 

ihm die persönliche Betreuung und die 

Atmosphäre der Tanzabende besonders 

am Herzen liegen. 

Diese Atmosphäre dankt sich nicht 

nur einem höchst engagierten Lehrer, 

sondern dem besonderen Raum mit der 

Architektur der kunstvollen Holzdecke, 

die durch seitliche Fensterreihen und 

das helle Parkett zur Geltung kommt 

und zugleich eine besonders angenehme 

Akustik erlaubt. Hier gibt es keine 

Lichteffekte, keine Discokugel, aber 

dafür wechselnde Ausstellungen von 

Kunstwerken, die ihren Teil zur Stimmung 

beitragen. Angelpunkt ist die 

Theke gleich hinter der Eingangstüre, 

hier empfängt Edgar Bellinghausen die 

Tänzer, hier gibt es Getränke, und hier 

steht die Musikanlage, die nie so laut ist, 

dass man sich nicht unterhalten könnte. 

Wahrscheinlich wäre Bellinghausen 

ebenso gut Psychologe geworden, denn 

sein ganzes Interesse gilt den Menschen, 

Blick in den Saal der Tanzschule 

Bellinghausen 

mit denen er arbeitet. Etwaigen Hemmungen 

seiner Schüler begegnet er mit 

hintergründigem Humor, der ebenso 

entwaffnend wie entspannend ist. „Viele 

haben Angst vor dem Scheitern an ‚Vor- 

Seit-Ran’, der eine trägt es mit Humor, 

dem anderen ist es peinlich, alle Paare 

sind unterschiedlich. Tanzen bleibt nun 

einmal weiblich, ob wir das wahrhaben 

wollen oder nicht. SIE möchte helfen, 

damit es funktioniert, ER aber hat nun 

einmal zu führen. Das ist zunächst ein 

rein physikalisches Problem: Es gibt kein 

Paar unter zwei Zentnern, und wenn einer 

davon nach rechts will, und der andere 

nach links, wird es schwierig. Erst 

wenn der Mann seine Füße beherrscht, 

kann er planen, was er tanzen möchte, 

das ist wie beim Autofahren, da lernt 

man auch nur durch Üben, Blinker, 

Handbremse, Gaspedal und Kupplung 

zu koordinieren. Tanzen lernt man eben 

nur durch Tanzen.“ 

Bei so viel Humor und Sachlichkeit 

brauchen nur wenige Paare zu verzweifeln, 

manche kommen schon seit dreißig 

Jahren, manche hören auf, um doch zurückzukehren. 

Sie erkennen schnell: Die 

Leidenschaft ihres Lehrers liegt darin, 

sie so zu fördern, dass sie Freude haben: 

„Die Tanzenden sollen sich zur Musik 

bewegen und fast keinen Gedanken 

daran verschwenden, in einer Tanzschule 

zu sein. Sie sollen - ohne Druck - genießend 

weiterkommen.“ 

Dieses Konzept scheint aufzugehen. 

Eher reserviert wehrt einer der Tänzer meine 

Fragen ab: „Jetzt bitte nicht, wir wollen 

doch tanzen.“ Aber seine Frau erzählt dann 

doch, ihnen gefalle gerade die lockere 

Atmosphäre, das Unverschulte, denn man 

übe nicht stur bestimmte Schrittfolgen, 

sondern die Freude am Tanzen stehe an 

erster Stelle, auf welchem Niveau auch 

immer, ohne Bierernst, sondern mit viel 

Geduld und Sinn für Humor seitens des 

Tanzlehrers. Dazu trägt die familiäre Stimmung 

bei und die Möglichkeit, andere 

Menschen kennenzulernen. „Trotz unterschiedlicher 

Leistungen führt er uns doch 

am Ende alle zusammen, bis wir bestimmte 

Schrittfolgen gemeinsam beherrschen. 

Ohne Druck, mit dem Gefühl, Zeit zu 

haben.“ So spielt auch das Alter keine 

Rolle. Viele Brautpaare kommen eigentlich 

nur, um den Brauttanz einzuüben und 

begeistern sich dabei fürs Tanzen. 

Ein anderes Paar meint, Edgar Bellinghausens 

Schüler seien „besondere 

Köpfe, Leute mit Weitwinkelobjektiv, 

Individualisten, auf deren unterschiedliche 

Ansprüche der Lehrer einzugehen weiß.

Man freut sich auf die nächste Stunde, 

und plötzlich ist nichts mehr wichtiger als 

Tanzen.“ 

Entsprechend kritisch sieht Edgar 

Bellinghausen den sogenannten Tanzsport: 

„Tanzen ist kein Vergleichssport. 

Tänze bis ins Letzte durch zu choreographieren, 

ist fragwürdig. Ab einem 

gewissen Stadium erübrigt sich eine 

Bewertung, denn Tanzen ist schön, aber 

eben unterschiedlich schön.“ Konsequenterweise 

meidet er Tanzturniere, denn die 

„Tanzakrobaten“ schaden letztlich auch 

den Tanzschulen, weil sie zu unerreichbaren 

Vorbildern werden. Ihm geht es 

um Gesellschaftstanz im besten Sinne. 

Für ihn hat „Tanzen den Vorteil, dass es 

menschlich ist. Das Gehirn ist beschäftigt, 

es hört und interpretiert die Musik, 

die Schrittfolge im Raum muss geplant 

werden (denn dieser ist endlich), und 

es gilt, den eigenen Körper mit dem des 

Partners im Gleichgewicht zu halten. 

Damit ist jeder Gedanke an den Alltag 

ausgeschaltet, Körper und Seele können 

sich entspannen. Mein Ziel ist es, dass 

man nicht mehr über Schritte nachdenken 

muss, sondern die Bewegung im 

Einklang mit dem Partner zur Musik 

genießen kann.“ 

So war es für Edgar Bellinghausen 

eigentlich keine Herausforderung, als 

ein ehemaliger Schüler, Lehrer an der 

Christian Morgenstern Schule, vorschlug, 

mit behinderten Menschen zu 

tanzen. Begonnen hat es mit etwa zehn 

Teilnehmern, heute sind es über dreißig. 

Der Lehrer braucht nicht seine Grundeinstellung 

zu ändern, Freude am Tanzen 

zu vermitteln und soziale Kontakte 

zu ermöglichen, wohl aber muss er seine 

Ansprüche reduzieren und zugeben, dass 

„nichts falsch ist, sondern nur anders.“ 

Die geplanten Auftritte, und diese werden 

immer häufi ger, sind motivierend 

und helfen, sich nicht durch Wiederholungen 

entmutigen zu lassen. Besonders 

eine Schülerin freut den Lehrer, die 

anfänglich jeden Kontakt zu vermeiden 

suchte, „aber dann innerhalb von vier 

Jahren so gut tanzen lernte, dass sie 

mich ersetzen könnte. Für sie ist das 

Tanzen zum Lebensinhalt geworden.“ 

Seit etwa eineinhalb Jahren tanzt 

Edgar Bellinghausen auch mit Demenzkranken. 

Dazu wurde er durch die Diakonisse 

Ursula Herre angeregt, die weiß, 

wie wichtig Bewegung ist. Während 

keiner der Kollegen auf 

entsprechende Anfragen reagierte, 

sieht Bellinghausen darin eine Aufgabe. 

Bereits die ungewohnte Umgebung des 

Mirker Bahnhofs stellt für die Kranken 

einen wichtigen Anreiz dar, den Alltag 

zu vergessen - auch für die Angehörigen 

und die Betreuer bedeuten diese Stunden 

in der Tanzschule Entspannung. 

Erstaunlicherweise erkennen ehemalige 

Schüler zwar den Lehrer nicht unbedingt 

wieder, beherrschen aber immer 

noch die Tanzschritte, denn oft stellt 

sich das Erinnern auch über die Musik 

ein. Ganz selbstverständlich wirkt die 

leitende Diakonisse als Tanzlehrerin mit 

– in Tracht und Haube! 

Seit einigen Monaten ist Edgar 

Bellinghausen mit seiner Tanzschule 

nicht mehr allein im Bahnhof: „Utopiastadt“ 

hat das Gebäude für zweieinhalb 

Jahre von der Stadtsparkasse gepachtet, 

Bellinghausen ist einer der neuen Untermieter. 

„Utopiastadt“ ist eine Initiative 

von jungen Menschen, zu denen auch 

Christian Hampe gehört. Man ist dabei, 

unkonventionelle Konzepte zu entwickeln. 

So gibt es bereits ein Reparaturcafé, 

einen offenen sonntäglichen 

Treffpunkt für die Bewohner des Stadtquartiers, 

eine eigene Biersorte, die Bärtig 

Bräu, einen Improvisationschor, der 

Blick zur anderen Seite auf die Bar des 

Tanzsaals 

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dort Probenräume anmieten konnte und 

den Utopiagarten. Auch der Künstler 

Gregor Eisenmann, dessen Arbeiten derzeit 

in der Tanzschule Bellinghausen zu 

sehen sind, hat dort sein Atelier. Christian 

Hampe ist der Ansicht, der Mirker 

Bahnhof sei als zentrales Gebäude der 

Nordstadt geradezu prädestiniert, zum 

Dreh- und Angelpunkt, zur Schnittstelle 

für infrastrukturelle Projekte wie Kultur, 

Wirtschaft und Kreativität zu werden, 

zumal die Nordbahntrasse erstmalig 

Stadtviertel miteinander verbindet, die 

bisher durch ihre besondere Topografi e 

getrennt waren. „Doch eins steht fest,“ 

sagt Christian Hampe, „ohne Edgar 

Bellinghausen gäbe es den Mirker Bahnhof 

nicht mehr.“ Auch die Gründer 

von Utopiastadt sind dem Reiz dieses 

Gebäudes verfallen und entdecken nach 

und nach ungeahnte Möglichkeiten. 

Auch sie improvisieren mit viel Idealismus, 

auch sie wollen beweglich bleiben 

und um die Ecke denken dürfen. 

Ebenso wie Edgar Bellinghausen lassen 

sie sich in kein vorgefertigtes Konzept 

pressen. Ihn interessieren Menschen, denen 

er „auf Augenhöhe“ begegnen kann, 

und die er für das Tanzen zu begeistern 

vermag: „Ich arbeite nicht, ich gehe 

sieben Tage in der Woche Tanzen, dabei 

vergesse ich die Zeit. Niemals würde ich 

tauschen.“ 

Marlene Baum 

www.tanzschule-bellinghausen.de 

Die Tanzschule Bellinghausen mit einer Gruppe bei einem Auftritt in der Historischen 

Stadthalle anlässlich eines Benefi tzkonzertes für die Schule am Nordpark 2012. (Diese 

beiden Fotos sind von Uwe Schinkel, die übrigen von Edgar Bellinghausen) 

16. und 17. März 2013 

Stilblüte 

Schloss Lüntenbeck Knospe, Spaten und Feines 

Öffnungszeiten: 11 bis 18 Uhr | Tageskarte: 4 € | Schloss Lüntenbeck | 42327 Wuppertal | www.schloss-luentenbeck.de 

Foto: iStockphoto, LiliGraphi

Ateliergespräch 

mit Tony Cragg über Skulptur als 

Denkmal und über sein Denkmal 

zur Erfi ndung der Antibiotika 

durch Gerhard Domagk am 

19. September 2012 in Wuppertal 

Tony Cragg und Dr. J. Vesper im Gespräch. 

Foto: Marlies Meier 


Zwischen London, Hannover und 

Shanghai, augenblicklich zu Hause in 

Wuppertal, befasst mit Journalisten und 

Videoaufzeichnungen, fi ndet Tony Cragg 

dann doch, wie verabredet, Zeit für unser 

Gespräch. Noch ist er beschäftigt, aber 

in seinem Atelier fällt das Warten leicht. 

Schnell ergibt sich ein Gespräch mit einem 

der Mitarbeiter. Tony Cragg arbeitet 

nicht alleine. Er verfügt über eine Schar 

von Helfern, die nach seinen Vorstellungen 

und Ideen Skulpturen tatsächlich 

„erarbeiten“ und in die Welt reisen, um 

die in Wuppertal entstehenden Skulpturen 

auf den Ausstellungen aufzubauen, zu 

positionieren und zu präsentieren. Allein 

in Shanghai werden derzeit 50 Skulpturen 

und 127 Zeichnungen ausgestellt, 

Beim Betreten des Raumes fällt der Blick 

auf das Regal mit Flaschen und Gefäßen, 

also den Urformen Craggscher Skulptur. 

An der großen, weißen, unübersichtlich 

sich windenden Skulptur aus pfl anzlich 

anmutenden Lianen und Keulen kann 

man kaum vorbei gehen, ohne diese zu 

berühren und zu beklopfen. Die weißen 

Schlangen sind hohl. Weiter hinten 

dann gedrehte rationale Wesen („rational 

beeings“), frühe Formen („early forms“), 

drei elegante Schichtholzskulpturen, 

eine davon in leuchtendem Rot, mit edel 

geschliffener Oberfl äche und Stapel von 

Ausstellungskatalogen. Ein Weichholzschrank, 

in den zahllose Rundhaken gebohrt 

wurden, ist als Schrank nicht mehr 

zu gebrauchen, hat seine ursprüngliche 

Bestimmung als Möbelstück aufgegeben 

und die Metamorphose zur Skulptur 

hinter sich. 

Beim Gang durch das helle Atelier fällt 

immer wieder der Blick durch die Fenster 

in das weite bergische Land. Das Atelier 

befi ndet sich in einer von Cragg für seine 

Zwecke umgebauten Panzergarage mit 

riesiger Glaswand nach Norden, Fenstern 

nach Süden und holzverkleideter Fassade. 

43

44 

Hier könnte auch ein mittelständisches 

Unternehmen zu Hause sein. Was 

draußen auf dem umgebenden Gelände 

an skulpturalen Objekten herumliegt, 

dort einer Verwendung harrt bzw. bereits 

verwendet und abgelegt wurde, das ist 

eine eigene Betrachtung wert. 

Schließlich öffnet sich die Tür, Tony 

Cragg kommt herausgelaufen, nimmt 

sogleich das Gespräch auf und bittet in 

seinen nicht kleinen Arbeitsraum, der die 

zahllosen Objekte und Kleinplastiken, 

die Tische voller Bücher aber kaum fasst. 

Sofort beginnt das Gespräch. 

Welche Beziehung hat Tony Cragg zur 

Medizin? 

Natürlich haben seine Skulpturen Bezüge, 

kulturelle Bezüge, persönliche Bezüge, 

seltener Bezüge zur Medizin. Persönliche 

Bezüge zur Medizin bestehen aber 

durchaus. „I am alive“, jene bewegte, 

glänzende Skulptur vor dem Opernhaus 

in Barmen entstand zu einer Zeit, in der 

nach einer längeren Leidensgeschichte 

endlich die Diagnose einer Zöliakie 

(Sprue) gestellt wurde und ihm durch 

Umstellung der Kost auf gliadinfreie 

Nahrung gut geholfen werden konnte. 

Damals rief er Freunde und Bekannte 

an und stellte fest, dass er immer wieder 

sagte: „I am alive. I am alive“. So wurde 

die Skulptur Sinnbild der Genesung. In 

seinem Arbeitsraum sah ich eine Holzkugel 

von ca. 30 cm Durchmesser mit zahlreichen, 

senkrecht eingeschraubten Ring- 

und Rundhaken und assoziierte sofort 

bestimmte Viren mit ihren Kapsiden. 

Vergleichbar stachelig in der Oberfl äche 

ist die Holzkomposition „Angel and 

other Antibodies“ (1992). Weitere Werke 

wie „Clear Microbe“ von 1992, „stomach“ 

von 1986, „Milz“ und „wooden 

muscle“ von 1985, „Wirbelsäule“ (1996) 

haben von ihrem Titel her medizinischen 

Bezug. Jetzt schafft Tony Cragg eine 

weitere Skulptur mit Bezug zur Medizin. 

Die Medizinisch-Naturwissenschaftliche 

Gesellschaft Wuppertal hatte vorgeschlagen, 

an die Entdeckung von Prontosil, an 

die Entwicklung der Antibiotika für die 

Welt, die von Wuppertal ausgegangen ist, 

mit einem Denkmal zu erinnern. 

Hat Tony Cragg jemals ein Denkmal 

geschaffen? 

Das Denkmal sei vor Zeiten Symbol 

der Herrschaft, der Mächtigen gewesen 

oder Erinnerung an Menschen, die etwas 

Großes geschaffen haben: Friedrich 

der Große Unter den Linden, all die 

Bismarck-Skulpturen in Deutschland 

aber eben auch Skulpturen von großen 

Ärzten und Wissenschaftlern wie z. B. 

Robert Koch und Rudolf Virchow in 

der Charité. Nein, so ein Denkmal hat 

er bisher nicht geschaffen. Seine Skulpturen 

sind Denkmäler vor allem seiner 

eigenen Originalität, seines Eigensinns, 

Atelieransicht außen und innen 

Fotos: J.Vesper

seiner Gedanken, sind keine Kopie der 

Natur. Seine Skulpturen wollen etwas 

Unsichtbares zeigen, etwas, was hinter 

der Oberfl äche diese formt und prägt. Bei 

einer Reihe von Skulpturen ermöglicht 

er dem Betrachter sogar den Blick hinter 

die Oberfl äche in das Innere der Skulptur 

und löchert diese (27.000 mal bei „Zufuhr“ 

in Wuppertal). Seine Skulpturen 

sind Ausdruck von bronzenen, hölzernen 

steinernen Gedanken, sind skulpturale 

Gedankenübertragungen, sind nichtsprachliche 

Metaphern in hartem Material. 

Tony Cragg denkt mit Material. Aber: 

„Ich verwende keine Symbole“ sagt er. 

Einerseits Symmetrie und andererseits 

die Sicht aus verschiedenen Blickrichtungen 

sind wesentliche Elemente für den 

formalen Aufbau seiner teilweise sehr 

komplexen Skulpturen. Kein Zufall, dass 

schon vor Jahren eine Skulptur den Titel 

„points of view“ trug. 

Dabei hat er vor Jahrzehnten mit dem 

Stapeln von Holz oder Backsteinen be- 

gonnen. Dann wird der Bildhauer in ihm 

lebendig und er zerschlägt Backsteine, 

deren Staub und Fragmente er auf dem 

Boden aufhäuft und verstreut. So entsteht 

aus den Backsteinen eine erdfarbige 

Bodenplastik (crushed rubble 1977), ein 

Schlüsselwerk der frühen Jahre. Und auf 

die blaue Flasche, von deren skulpturalen 

Qualitäten Tony Cragg fasziniert ist, lenkt 

er den Blick, indem er mit Fragmenten 

unterschiedlichster Art aber gleicher blauer 

Farbe die Form der Flasche erheblich 

vergrößert nachbildet („Blaue Flasche“ 

(1982) im Von der Heydt-Museum 

Wuppertal). Die blaue Originalfl asche ist 

daneben sichtbar (derzeit aber geklaut) 

und macht mit Humor die andere Sichtweise 

der Dinge deutlich. 

Das Stapeln wurde weiter entwickelt: 

Porzellan wird gestapelt (Crockery stacks 

1996), Flaschen und Gläser, sandgestrahlt 

oder klar (Larder 1999, Pacifi c 1998), 

Holzplatten werden zu Schichtholzskulpturen 

gestapelt (wooden crystal 2000) 

und den early beeings sieht man nicht 

mehr an, was unter der metallenen Oberfl 

äche im Inneren der Skulptur die Form 

gibt. Dies nur als Hinweis auf das riesige 

Werk Tony Craggs. 

Und welch eine Fülle, welch ein Gebirge 

von Gedanken und Ideen wird im 

Gespräch aufgetürmt. Viele Aspekte der 

Naturwissenschaft und der Kunst werden 

ausgebreitet. Die Naturwissenschaft sei 

das größte Beobachtungssystem, über 

das wir verfügen. Der Künstler arbeite 

ohne Worte, ohne Mikroskop, aber mit 

seinem Material am Verständnis der Welt. 

Der Bildhauer sei mit seinem Material 

im Dialog, verändere es und werde auch 

selbst verändert. Cragg mag die Welt nicht 

so wie sie ist. Sie muss verändert werden. 

Dieser Bildhauer ist Philosoph. 

Absichtslosigkeit, refl ektierendes Denken 

und Intuition charakterisieren den 

Menschen, meint Cragg, und sie unterscheiden 

ihn von den seit vielen Millionen 

Jahren in der Evolution überaus erfolgrei- 

45

46 

Foto: M. Richter

chen Ameisen. Materieller Konsum und 

über alles herrschende Ökonomie seien 

unwürdige Antworten auf die menschliche 

Existenz. Wachstum und Gewinnoptimierung 

als Prinzipien führen nicht weiter, 

sondern zu ökologischen und ökonomischen 

Katastrophen. Und: 

„Das Zentrum der künstlerischen Arbeit 

ist die Neugestaltung von Rohstoffen zu 

Formen und Bildern, die als komplexe Zeichen 

neue Erfahrung, neue Einsicht und 

neue Freiräume erschließen“ (Tony Cragg 

2002, Signs of Life S. 163). Bildhauer 

und naturwissenschaftlicher Arzt haben 

Parallelitäten; denn mit seinen Gedanken 

Atelierfotos: J. Vesper 

Modell (links) und Entwurf (oben) der Skulptur 

und seiner Bildersprache ist der Bildhauer 

Cragg dem Naturwissenschaftler vergleichbar, 

der als freier Wissenschaftler im 

Labor mit Intuition und „Eigensinn“, mit 

Originalität im refl ektierendem Denken 

seine Hypothesen aufstellt, ihrer Realität 

experimentell nachspürt und zu neuem 

Verständnis, zu neuer Erfahrung der Natur 

kommt. Das passierte bei BAYER in 

Wuppertal vor 80 Jahren, als in den 30er 

Jahren des 20. Jahrhunderts der Pathologe 

Gerhard Domagk, gefördert vom Chemiker 

und Werksleiter Höhrlein, erstmalig 

die Wirkung von Prontosil erkannte und 

damit die Entwicklung der Antibiotika 

für die Welt anstieß. Das geschah in 

Elberfeld. Prontosil war damals das erste 

Medikament, mit dem die lebensbedrohlichen 

Streptokokken wirksam bekämpft 

werden konnten. Gerhard Domagk erhielt 

dafür den Nobelpreis. Man darf auf das 

Denkmal Tony Craggs gespannt sein. 

Bildhauerische Poesie für eine naturwissenschaftliche 

Großtat ? 

Einen Entwurf gibt es schon und inzwischen 

auch ein Modell. (siehe Foto). Die 

Skulptur zeigt kompliziert ineinander 

verschränkte Teilskulpturen in einer 

Komplexität wie sie sich im Verhältnis 

zwischen Forscher, Chemie und Krankheit, 

oder Wirkung und Molekülstruktur, 

oder Krankheit, Patient und Forscher usw. 

usw. fi ndet. 

Johannes Vesper 

Der Text beruht auf einem Gespräch mit 

Tony Cragg am 19. 9. 2012 in seinem 

Atelier und auf Texten von ihm, publiziert 

in „Signs of Life“ (Katalog zur gleichnamigen 

Ausstellung in der Bundeskunsthalle 

Bonn vom 23. 5. – 5. 10. 2003, 

Richter Verlag) und Tony Cragg „Matrix“ 

Kestnergesellschaft Verlag für Moderne 

Kunst (zur Ausstellung in Hannover vom 

14. 9. – 4. 11. 2012) 

Zum Thema „Tony Cragg und sein 

Humor“ habe ich an diesem Nachmittag 

viel mitbekommen. Der ist eine eigene 

Darstellung wert. 

Siehe auch www.musenblaetter.de 

am 10. 7. 2012 und Startseite der 

Medizinisch-Naturwissenschaftlichen 

Gesellschaft „Domagk-Cragg-Projekt“ 

www.mng-wuppertal.de/ 

47

48 

Kann ich 

mit Literatur Steuern sparen? 

Susanne Schäfer, Steuerberaterin 

Geschäftsführerin der Rinke Treuhand GmbH 

Wirtschaftsprüfungsgesellschaft/ 

Steuerberatungsgesellschaft 

„Am liebsten auf der Bühne, 

und wer weiß wo sonst noch, 

sind mir Sätze, 

die man auch tanzen 

könnte.“ 

Paragraphenreiter 

Na klar ! Sogar auf höchst kreative Art, 

wenn ich 

1. mit der Veröffentlichung des ein oder 

anderen literarischen Werks ordentlich 

Geld verdiene, 

2. früher Finanzminister war und 

3. nicht alle Honorare aus vorgenannter 

Veröffentlichung den Finanz- 

(oder anderen) Behörden gegenüber 

deklariere. 

Gibt’s nicht? – Gab’s immer schon! 

Zum Beispiel vor rund 200 Jahren. 

In den Jahren 1776 bis 1786 war 

Johann Wolfgang Goethe als Finanzminister 

in Weimar tätig. Im Jahr 1820 

deklarierte er gegenüber den Weimarer 

Steuerbehörden ein Gesamteinkommen 

von 28.768 Talern. Blöd war nur, dass 

er seine Autorenhonorare „vergaß“. Vollständig. 

Im Jahr 1821 deklarierte er zumindest 

Honorare von 4.855 Talern. Wenn man 

berücksichtigt, dass er in diesem Jahr 

allein von seinem Hauptverleger Cotta 

ein Honorar in Höhe von 4.900 Talern 

bekommen hatte, ist hier doch schon 

deutlich mehr Steuerehrlichkeit festzustellen. 

Obwohl … so ganz zutreffend waren 

seine Angaben immer noch nicht. 

Ein guter Steuerberater hätte ihm 

sagen können, dass 

1. Lügen den Charakter verdirbt, 

2. alles irgendwann rauskommt (und sei 

es 193 Jahre später) und 

3. der erzielte Steuervorteil bei Ausschöpfung 

aller rechtlichen Möglichkeiten 

auch auf moralisch einwandfreiem 

Weg hätte erreicht werden 

können. 

KARL OTTO MÜHL 

Zugelaufene Sprüche 

Neu 

Karl Otto Mühl 

Zugelaufene Sprüche 

2013 

Verlag HP Nacke Wuppertal 

80 Seiten, 9.00 Euro 

ISBN: 978-3-942043-90-8 

Hat er zum Beispiel alle ihm entstandenen 

Kosten für Dienstreisen geltend 

gemacht? Bei gut 40.000 zurückgelegten 

Kilometern in 60 Jahren hätte er sowohl 

bei Ansatz einer Kilometerpauschale als 

auch bei Ansatz der tatsächlichen Kosten 

für Rosse, Kalesche und Kutscher erhebliche 

Beträge erreichen können. 

Hat er daran gedacht, fl eißig über 

Bewirtungskosten Buch zu führen? Vor 

dem Hintergrund, dass seine Weinrechnungen 

durchschnittlich 15 Prozent seiner 

Gesamtausgaben ausmachten, wären 

auch hier beträchtliche Betriebsausgaben 

zusammengekommen. 

Und was ist mit den sogenannten 

„außergewöhnlichen Belastungen“ wie 

Krankheitskosten? Hat er im Jahr 1831 

seine zahnmedizinische Behandlung für 

45 Silbergroschen und 15 Pfennig steuermindernd 

angesetzt? 

Nun könnte man natürlich einwenden, 

dass die Rechtslage damals eine 

andere war. Zieht aber nicht: schließlich 

war der Mann 

1. Jurist, 

2. Finanzminister und 

3. ein Genie. 

Er hätte während seiner Amtszeit auch 

Steuergesetze verfassen können, die so gut 

sind wie unsere heutigen. 

www.rinke.eu 

„Das Leben ist sportlich: 

Der, den du überholst, sitzt dir danach 

im Nacken.“ 

„Mit guten Absichten überschminkt die 

Seele ihre Pickel“ 

„Das wäre ein wunderbares Leben 

gewesen, sagte der Neunzigjährige, wenn 

man vorher gewusst hätte, dass alles gut 

geht.“

Michael Zeller, 1944 in Breslau geboren, 

dem heutigen Wroclaw in Polen. Er studierte 

Literatur und Kunstgeschichte an den Universitäten 

Marburg und Bonn. Dort wurde 

er 1974 mit einer Arbeit über Thomas 

Mann promoviert. Mit seiner Erlangener 

Habilitation schloss er 1982 seine Hochschulkarriere 

ab und entschied sich für den 

Beruf des Freien Schriftstellers, der ihm seit 

der Kindheit vorgeschwebt hat. 

In den drei Jahrzehnten ist ein umfangreiches 

und vielgestaltiges literarisches Werk entstanden. 

In seinem Zentrum stehen die bisher 

acht Romane: so der politische Universitätsroman 

FOLLENS ERBE, von 1986; ein 

Jahr später DIE SONNE! FRÜCHTE. EIN 

TOD, in dem Leben und Werk der Malerin 

Paula Becker-Modersohn eine tragende 

Rolle spielen. Nach seinen „polnischen“ 

Romanen (CAFÉ EUROPA, 1994, und 

DIE REISE NACH SAMOSCH, 2003, 

in mehreren Aufl agen und übersetzt) kam 

zuletzt FALSCHSPIELER heraus (2009): 

dem Roman liegt der authentische Fall einer 

literarischen Fälschung im Deutschland der 

Nachkriegszeit zugrunde. 

Daneben arbeitet Michael Zeller seit 2007 

regelmäßig an Schulen, überwiegend in 

Wuppertal, wo er ab 1998 lebt. Dabei entstehen 

mit den Schülern gemeinsam erzählte 

Geschichten, die „Schulhausromane“, Bis 

heute sind fünf davon erschienen, zuletzt, 

2012, DER SCHATZ AUF DEM DACH, 

zusammen mit Schülern der Realschule Am 

Hohenstein. 

2009 verfasste Michael Zeller im Auftrag der 

Stadt Soest das Schauspiel DIE SOESTER 

FEHDE. In zweijährigem Turnus wird es 

seither unter freiem Himmel im mittelalterlichen 

Kern der Stadt aufgeführt. 

Seit Juni 2012 erscheint im Internet Zellers 

SEH-REISE (unter www.culturmag.de): 

Jede Woche eine neue Folge seines „Tagebuchs 

in Bildern“. Die Serie geht, bis in den Sommer 

2013 hinein. 

Neben anderen Auszeichnungen erhielt der 

Autor 2008 den Von der Heydt-Kulturpreis 

der Stadt Wuppertal. 2011 verlieh ihm 

die „KünstlerGilde Esslingen“ den Andreas 

Gryphius-Preis. 

Im Frühjahr 2013 kommt ein neuer Gedichtband 

heraus: WIE ES ANFÄNGT : 

WIE ES ENDET. 

www.michael-zeller.de 

Foto: Rita Dubas, 2006 


Vom Verrechnen der Zukunft gefordert. Eine Hügellandschaft, mäßig 

Vor kurzem hat ein Freund mir sein 

Haus für eine Weile überlassen, und dieses 

Haus steht auf Lanzarote, eine Insel 

ganz aus Lava. Das wusste ich, aber ich 

musste es erst sehen: das Anthrazitgrau 

des Bodens, und vor allem: seine Allgegenwart. 

Tatsächlich gibt es nichts dort 

als das dunkle Grau der Lava. So gut wie 

kein Braun von Erde dazwischen, gelber 

Sand, gar das Grün einer Flora. Das 

Auge war befremdet, der Kopf heraus- 

hoch, wohlgeformte Tafelberge, unbewachsen, 

ohne Schroffen – einladend 

zum Wandern. 

Beim Gehen über die Höhen (die 

beste Annäherung, die ich mir hier 

schaffen konnte), hatte ich es unter 

meinem Schuh, und ich schaute, so 

weit das Auge reichte, über ausgekotztes 

Erdinneres, stumpfes Schwarz. Aber 

ich ging auf einem Boden, auf dem 

die Erdgeschichte, die in Jahrmillionen 

49

50 

rechnet, historisch geworden war, gleichsam 

zeitgenössisch, auf der Schnittstelle 

zweier Zeitrechnungen: Die Vulkane, die 

ich mir erwanderte, hatten vor knapp 

dreihundert Jahren zum letzten Mal 

gespuckt, zwischen 1730 und 1736. 

Zwanzig Jahre vor dem Erdbeben von 

Lissabon, an einem Allerheiligen, das die 

Christenheit in Europa aufgeschreckt 

hatte und ihr die Gottesfrage aufzwang, 

mit beängstigender Wucht. 

Die Kruste, über die ich ging, war 

also neu. Keine Formation hat es auf 

Lanzarote vor dreihundert Jahren so 

gegeben. Ohne Antike, ohne Mittelalter: 

Neuland. Nichts, was die Natur sich seither 

zurückgeholt hat, Pfl anze, Tier und 

Mensch, langt über das Jahr 1736 hinaus. 

(Da war gerade Joseph Haydn geboren, 

und Johann Sebastian Bach hatte 

das Weihnachtsoratorium beendet). Und 

je länger ich ging, umso vielgestaltiger 

und bunter wurde der Lavaboden. Auf 

der erstarrten Glut hatten sich Flechten 

angesetzt, in Gelb und Grün, Moose, 

kleine Muscheln und Schnecken, die in 

einer überschaubaren historischen Frist 

den Boden bereitet hatten, mit Hilfe 

von Regen und Wind, dass der Mensch 

daraus wieder seine Nahrung ziehen 

konnte: Getreide, Gemüse, Wein, wenn 

auch auf einem äußerst kargen Niveau. 

Gewaltiges ist so in dieser Zeit entstanden, 

im Kleinen. Und wie mag das Land 

aussehen in noch einmal dreihundert 

Jahren, nach weiteren zehn menschlichen 

Generationen? Der homo sapiens 

wird rasch keck und spielt mit den 

Dimensionen der Zukunft, weit über 

die eigenen Lebenserwartungen hinaus. 

Werden im Jahr 2300 auf Lanzarote 

Weizenfelder wehen und Obstbäume 

verschwenderisch Frucht tragen? 

Doch ein Blick auf die nackten 

Vulkankegel, die mich umstanden, lehrte 

meine faustischen Visionen gleichzeitig 

die Vorsicht. So sicher der Fuß 

eines Wanderers von ihnen heute auch 

gehalten wird: Das Magma des Erdkerns 

brodelt weiter unter ihnen, in unergründlichen 

Tiefen. Und eines Tages, 

in erdgeschichtlicher Zeitrechnung ein 

Wimpernschlag, wird es den Kräften 

in sich wieder Raum geben müssen 

nach außen und Feuer speien und mit 

glühenden Massen über die blühende 

Insel kommen und das in menschlicher 

Zeit Nachgewachsene tief unter sich begraben. 

Wenn dann die Lava abgekühlt 

ist, nach einigen Jahrzehnten, wird die 

Natur sich wieder regen – mit Flechten, 

Moosen, Muscheln und Schnecken, 

und Nahrung schaffen für die nächsten 

Insekten und Würmer, und erste 

Vögel werden angelockt und nisten und 

brüten, und nach drei Jahrhunderten 

wird abermals Wein hier wachsen und 

Getreide. 

Doch das ist Zeitrechnung im Großen, 

sie geht über das einzelne Menschenleben 

hinweg. Und beim Wandern 

in dieser Urlandschaft (bei dem ich 

kaum einem Zeitgenossen begegnete), 

verfi elen meine schweifenden Gedanken 

auf ein anderes Zahlenspiel, in den 

Grenzen der eigenen Familiengeschichte. 

Es war in der Obertertia eines „neusprachlichen 

Gymnasiums“ gewesen, 

wie es damals hieß, zu Anfang der 

1960er Jahre, als wir im Geschichtsunterricht 

den Versailler Vertrag nach 1918 

durchnahmen, als Abschluss des Ersten 

Weltkriegs. Die Reparationen, die die 

Siegermächte dem Deutschen Reich seinerzeit 

abforderten, wären, so wurde uns 

gesagt, 1986 abgegolten gewesen. Wir 

Schüler haben uns darüber natürlich kaputt 

gelacht und unsere Witze gemacht. 

1986 – da wären wir selbst ja vierzig 

Jahre alt – ein für Fünfzehnjährige ganz 

und gar unvorstellbar hohes Alter. 1918 : 

1986 – diese irrwitzige Zahlenklammer, 

die in die Epoche unserer Großväter 

hineinfasste wie in eine unendlich ferne 

Zukunft hinauf, ist mir nicht mehr aus 

dem Kopf gegangen. Begriffen habe ich 

es aber erst viel später. 

1960: Da war mein eigener Vater bereits 

fünfzehn Jahre tot. Wie seine beiden 

Brüder (die gesamte Familiengeneration) 

hatte ihn der nächste Weltkrieg (Numero 

Zwo) verschlungen. Unsere Wohn- 

und Lebensverhältnisse als Flüchtlinge 

waren auch 1960 immer noch karg. Dass 

meine Brüder und ich die Oberschule 

besuchen durften, war der einzige Luxus, 

den die Mutter uns gönnen konnte (das 

hörten wir oft genug). Und ich sollte 

dann noch, erwachsen geworden, als 

Mann mit Vierzig, die Schulden abzahlen, 

die die Generation gar der Großväter 

hinterlassen hatte? Dazwischen – ja, 

da lag die Eruption des Zweiten Weltkriegs 

– nicht in den Eingeweiden der 

Erde zusammengebraut, sondern denen 

der menschlichen Gesellschaft, in ihren 

Ergebnissen kaum weniger verheerend. 

In welche Zukunft hinein kann der 

Mensch planen? Die elementaren Spiele 

der Natur haben wir als Lebewesen 

dieser Erde hinzunehmen. Sie werfen 

uns, wenn wir Pech haben, wieder auf 

die ersten Tage des Planeten zurück. Bei 

freundlichen Winden gedeiht das Leben 

danach erneut: Die Fortschritte, die 

Lanzarote in dreihundert Jahren hinter 

sich gebracht hat, die Natur und der 

Mensch in ihr, haben mich, wandernd 

im Angesicht von sanften Vulkankegeln, 

gerührt. Diese unbesiegbare Zähigkeit 

des Lebenstriebs! Doch die Erträge sind 

kümmerlich. Bis heute reichen sie nicht, 

die kleine Bevölkerung der Insel zu ernähren. 

Wie viele Jahrhunderte bräuchte 

es noch dazu? 

Allerdings nur, wenn die Natur Zeit 

dazu lässt. Oder wir. 

Michael Zeller 

www.michael-zeller.de

Temporärer Architekt 

und jetzt auch LED-Wegbereiter: 

Der Wuppertaler Nico Ueberholz 

leistet Pionierarbeit bei der 

Revolution der Leuchttechnik 

Die Leidenschaft für Licht – 

sie stand schon immer im Mittelpunkt der 

Arbeit von Nico Ueberholz, der international 

als einer der Vordenker auf dem Gebiet 

der temporären Architektur gilt. „Wir 

bauen Atmosphäre“ steht als Leitidee über 

seinen Projekten, die im Wuppertaler Büro 

entworfen werden und weltweit Beachtung 

fi nden. Und das eben nicht zuletzt, 

weil kaum ein anderer so kreativ Licht als 

Gestaltungselement bei der Entwicklung 

von Messeständen, Ladenbauten und 

Ausstellungskonzepten einsetzt wie der 

Nico Ueberholz. „Licht spielt eine große, 

ganz wichtige Rolle in der Umsetzung der 

Ideen, es inszeniert Design und Raum“, so 

sein Credo, das jetzt in ein ungewöhnliches 

unternehmerisches Engagement mündete: 

Mit dem von ihm an den Start gebrachten 

Start-Up „OFFON New Lighting“ ist 

Nico Ueberholz vom Lichtanwender zum 

Entwickler und Produzenten geworden. Er 

kämpft dabei an vorderster Front für den 

Umstieg von umweltschädlichen Leuchtstoffröhren 

auf ökologische und wirtschaftliche 

LED-Technik. Und wirft fast 25 

Jahre Erfahrung mit gestalterischen und 

technischen Ideen für Licht-Inszenierungen 

in die Waagschale, um die neuen LED- 

Leuchtmittel wirkungsvoll einsetzen zu 

können. Mit Erfolg: Seit dem fulminanten 

„OFFON“-Debüt bei der Leitmesse Light 

& Building vor knapp einem Jahr staunen 

sogar die Branchenriesen über die Ideen der 

Innovationsschmiede. 

Kreativ und vielseitig: Nach 25 Jahren 

als temporärer Architekt engagiert sich 

Nico Ueberholz jetzt auch als Unternehmer 

für die Entwicklung umweltfreundlicher 

LED-Lichttechnik. 

Die Magie des Lichts 

Dabei hatten die Köpfe hinter „OFFON“ 

eigentlich alles andere zu tun, als ausgerechnet 

in die Entwicklung und Produktion 

von LED-Tubes einzusteigen. Ueberholz 

machte dafür mit Werbeprofi Sven Hillie 

aus Hamburg und Axel Kietz, Geschäftsführer 

einer Apparatebau-Firma in Radevormwald, 

gemeinsame Sache. Das Trio, 

das sich zuvor bei gemeinsamen Projekten 

für verschiedenste Kunden aus der Markenwelt 

kennen und schätzen gelernt hatte, 

war mit den jeweiligen Jobs eigentlich 

mehr als ausgelastet. Aber: Ob es um einen 

Messeauftritt, Corporate Design oder feste 

Bauten ging - die Inszenierung von Licht 

spielte dabei immer eine bedeutende Rolle. 

Erst recht, seit die hoch entwickelte LED- 

Technologie den Spielraum dafür entscheidend 

erweitert hat und das Trio mit einer 

Idee infi zierte: LED-Lichtsysteme mit 

einem hohen Designanspruch, perfekter 

Funktionalität und maximaler Wirtschaftlichkeit 

zu kreieren und herzustellen. 

In diese Röhre schaut man gerne 

Mit der „T8 Extended Quality LED Tube“ 

hat „OFFON“ auf den Weg dorthin einen 

ersten Schritt gemacht, der echte Breitenwir- 

kung entfaltet: Sie bietet auch bei kritischem 

Hinsehen eine taugliche Alternative für die 

allein in Deutschland jährlich verbauten rund 

60 Millionen Leuchtstoffröhren mit all ihren 

ökologischen und wirtschaftlichen Nachteilen. 

70 Prozent weniger Energieverbrauch, maximale 

Sicherheit, minimierte CO 2 -Emissionen, 

30.000 Stunden garantierte Lebensdauer und 

- natürlich für seine Erschaffer ein besonderes 

Kriterium - die besonders gute Lichtqualität 

sprechen für die Neuentwicklung. Von der 

wurden die Branchenriesen ebenso überrascht 

wie von der passenden Deckenschiene „Lucy 

(in the sky)“. Sie liefert die Antwort auf die 

Frage, wie Lampen aussehen können, wenn 

dank moderner LED-Technologie keine Platz 

raubenden und energiefressenden Starter 

mehr nötig sind. Das patentierte System 

kombiniert ein puristisches Erscheinungsbild 

mit handfesten Vorteilen bei Neuinstallation 

und Betrieb. „Lucy“ kommt mit deutlicher 

weniger Abhängungen aus als konventionelle 

Schienen und Sockel für Leuchtstoffröhren, 

ist fl exibel bestückbar und kann mit einer 

einzigen Einspeisung theoretisch bis zu einer 

Kilometer Leuchtstrecke versorgen. Das bietet 

ungeahnte Möglichkeiten und Flexibilität bei 

der Gestaltung von Räumen und Hallen. 

51

52 

Hoch hinaus: Im Frühjahr 2012 ging 

„OFFON New Lighting“ bei der „Light 

& Building“ in Frankfurt mit einem zehn 

Meter hohen „Leuchtturm“ und Produkten 

an den Start, die auch Branchenriesen 

staunen ließ. Für das Design des Messeauftritts 

erhielt Ueberholz übrigens einen 

ADAM-Award. 

Design trifft Technik: Die Leuchte „Mary 

(go round)“ samt T8-Tube von OFFON 

gewann bereits den DDC-Award. Ihre 

Form bekam sie auf dem Zeichenblock von 

Nico Ueberholz.

High-Tech aus dem Zeichenblock 

Entstanden ist das Design übrigens dort, wo 

die meisten Ideen von Nico Ueberholz Form 

annehmen: auf dem Zeichenblock! Für ihn 

immer wieder ein besonderer Moment: 

„Mein Beruf ist eigentlich meine Leidenschaft: 

entwerfen, zeichnen, träumen, Visionen 

zu Papier bringen Pferdefl iegen lassen! 

Sobald ich etwas Zeit habe, greife ich zum 

Bleistift. Es ist einfach immer wieder ein Erlebnis 

und eine Herausforderung, mit einem 

weißen Blatt anzufangen.“ Auf so ein Blatt 

hat er auch die ersten Konturen von „Mary 

(go round)“ skizziert – eine Deckenleuchte, 

dessen LED-Körper sich dank eines Kugelgelenks 

in jede vorstellbare Position und 

Richtung drehen lässt. Die LED-Tube in der 

mit entsprechendem Bodensockel auch als 

Schreibtischleuchte einsetzbaren Lampe ist 

dabei ebenfalls drehbar, so dass ganz einfach 

zwischen direkter und indirekter Beleuchtung 

gewechselt werden kann. Das Berühren 

der Tubes ist übrigens kein Problem - LEDs 

entwickeln bekanntlich im Gegensatz zu 

herkömmlichen Leuchtnmitteln kaum 

Wärme. Für die Eigenentwicklung ist 

Ueberholz im Dezember mit dem Award für 

Gute Gestaltung des Deutschen Designer 

Clubs ausgezeichnet worden. Ebenfalls in der 

Pipeline ist mit „Jack (of all trades)“ zudem 

eine Straßenleuchte mit LED-Tubes, die 

individuelle Lichtfelder für Fußgänger, Rad- 

und Autofahrer bescheinen kann. 

Hommage an die Magie des Lichts: 

Der Produktkatalog von „OFFON“ ist ein 

lesenswertes Themen-Magazin. 

„Die Ideen sprudeln nur so heraus“ 

„Da wir alle Visionäre sind, sprudeln die Ideen 

nur so aus uns heraus. Wenn Menschen 

zusammenkommen, die einen Gedanken, 

ein gemeinsames Ziel haben und ohne viele 

Worte in die Hände spucken, kommt sehr 

viel gute Kreativität dabei heraus“, erklärt 

Nico Ueberholz, wie das erst Anfang 2012 

gegründete Unternehmen innerhalb weniger 

Monate eine kleine Produktfamilie entwickeln 

konnte, die bereits im März bei der 

„Light & Building“ in einem zehn Meter 

hohen Freiluftstand als zukunftsweisend für 

eine ganze Branche präsentiert wurde. Vorgestellt 

werden diese Produkte übrigens nicht 

in einem herkömmlichen Produktkatalog, 

sondern in einem Magazin, das ebenso aus 

dem Rahmen fällt wie die „OFFON“-Entstehungsgeschichte: 

Auf fast 200 Seiten erklärt 

es mal wissenschaftlich, mal philosophisch, 

mal historisch und immer voller überraschender 

Gestaltungs-Details die „Magie des 

Lichts“, aus der „OFFON“ erwachsen ist. 

Bei Branson im „Carbon War Room“ 

Geadelt wurden Nico Ueberholz und die 

„OFFON“-Idee zuletzt, als sie in den Fokus 

von Richard Branson und seinem Non-Profi 

t-Unternehmen „Carbon War Room“ rückten, 

mit dem der britische Milliardär weltweit 

nach ökonomkisch attraktiven Wegen zur 

Reduzierung des Ausstoßes schädlicher Treibhausgase 

sucht. Ein Ziel, das ihn mit „OF- 

FON“ verbindet und den LED-Pionieren 

eine Einladung zur ersten Deutschland-Konferenz 

des „Carbon War Room“ bescherte. In 

der Berliner Siemens-Villa informierten sich 

im September 2012 rund 200 Führungskräfte 

aus Politik, Wirtschaft und Verwaltung 

unter dem Tagungs-Motto „Creating Climate 

Wealth“ über die OFFON-Philosophie und 

die aktuelle Produktpalette für den Umstieg 

von Leuchtstoffröhren auf umweltfreundliche 

LED-Tubes. „Hören wir auf zu reden, 

gehen wir es an!“ lautete der Klima-Appell 

des „Carbon War Room“. Nico Ueberholz 

hat das bereits getan... 

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54 

Das Wuppertaler TiC-Theater stellt 

seinen Spielplan 2013 vor 

oben Stefan Hüfner, unten Ralf Budde, 

Fotos: Frank Becker 

Komödie, Krimi, Klassik 

Komödie und Krimi, Klassik, Drama und 

Musical – das kleine, aber sehr feine TiC- 

Theater in Wuppertal-Cronenberg hat 

auch im Jahr 2013 für jeden Geschmack 

etwas im Programm. Acht Premieren 

und zwei Wiederaufnahmen sorgen in 

den drei Spielstätten Borner Straße und 

im Atelier Unterkirchen für einen abwechslungsreichen 

Kalender. Am Freitag 

stellten die Geschäftsführer Ralf Budde 

und Stefan Hüfner den Spielplan 2013 

vor. Traditionell beginnt das Jahr mit einem 

Krimi, diesmal sorgt Ralf Budde am 

22. Februar mit seiner Inszenierung von 

Edgar Wallace´ „Das indische Tuch“ für 

Spannung und, wie er augenzwinkernd 

versichert, auch für Spaß. Wer erinnert 

sich nicht gerne an die Verfi lmung (1963) 

mit Heinz Drache, Hans Nielsen, Eddi 

Arent, Ady Berber, Hans Clarin, Corny 

Collins, Elisabeth Flickenschildt, Siegfried 

Schürenberg und Klaus Kinski. 

„Welcome to the Sixties“ heißt es ab 

21. April mit einem Song des Musicals 

„Hairspray“, für das Patrick Stanke 

gewonnen werden konnte, der 2012 mit 

seiner „Hair“-Inszenierung im TiC einen 

fulminanten Erfolg hatte. Da gibt es 

dann Wiederbegegnungen mit Twist und 

Mashed Potato, mit den Turnbalds und 

den von Tussles, Gene Pitney und Little 

Peggy March. Mit der turbulenten Farce 

„Der nackte Wahnsinn“ von Michael 

Frayn wird ab 3. Mai unter Thomas 

Gimbels Regie das totale (geordnete) 

Chaos ins TiC einziehen. Sardinen eingeschlossen. 

Es gibt kaum ein komischeres 

Stück über Theater auf dem Theater. 

Zuletzt in Wuppertal 2007 an den Städtischen 

Bühnen aufgeführt. 

Der lebenslange Briefwechsel zweier 

Menschen, die dann doch kein Paar 

werden, ist Thema des berührenden 

Kammerspiels „Love Letters“ von A.R. 

Guerney. Die Besetzung steht bereits fest, 

wird aber noch geheimgehalten, ebenso 

wie der Name des Regisseurs der bewegenden 

Geschichte eines krebskranken 

Kindes „Oskar und die Dame in Rosa“ 

von Eric-Emmanuel Schmitt, die ab 

Oktober gezeigt werden soll. 

Zuvor aber gibt es im Juli Neil Simons 

Seitensprung-Komödie „Der letzte der 

feurigen Liebhaber“ als Sommerstück 

unter der Regie von Julia Penner - und 

im September das Musical „Me and my 

Girl“, von Noel Gay, L. Arthur Rose 

und Douglas Furber. 1937 in London 

uraufgeführt war es mit 1646 Vorstellungen 

einer der größten Erfolge der 30er 

Jahre. Für die Musik im TiC zeichnet wie 

bei „Hairspray“ und der Wiederaufnahme 

von „My Fair Lady“ im Mai dessen 

musikalischer Leiter Stefan Hüfner. 

Weil sich das Angebot eines Klassikers 

pro Spieljahr bewährt hat, setzt das Tic 

nach „Der Parasit“, „Romeo und Julia“ 

und „Der zerbrochne Krug“ im November 

2013 Friedrich Schillers „Kabale und 

Liebe“ auf den Spielplan. Die Regie hat 

Ingeborg Wolff übernommen, die dort 

schon etliche Male eine sehr glückliche 

Hand gezeigt hat. Zum Jahresschluss 

wird zum fünften Mal der Dauerbrenner 

„Die Feuerzangenbowle“ nach Heinrich 

Spoerl (bisher fast 200 Vorstellungen) 

zubereitet. Unvergessen auch hier die 

Verfi lmung (1944) mit Heinz Rühmann, 

Erich Ponto, Paul Henckels, Karin Himboldt, 

Hans Leibelt und Hans Richter. 

Ab November zu verkosten. Wie ein 

solches Angebot umgesetzt werden kann 

erklärt Ralf Budde: das ist nur möglich 

durch den selbstlosen Einsatz der ca. 60 

Ensemble-Mitglieder, allesamt (hochbegabte) 

Laien, die ihre gesamte Freizeit 

dafür einsetzen. Eine solide Basis für die 

anspruchsvolle Arbeit. 

Weitere Informationen: www.tic-theater.de 

Frank Becker

Franz Kafka und die Griots von Prag 

„... wie wenn ich mir einen Bindfaden 

über die Zunge führen würde – 

Liebste, ich lese nämlich höllisch gerne vor“ 

Wenn in Afrika ein Griot stirbt, 

verbrennt eine Bibliothek, lautet ein 

bekanntes Sprichwort des schwarzen 

Kontinents. Griots, das sind die weisen 

Männer Westafrikas, die in ihren – 

häufi g auf der Cora, der afrikanischen 

Harfe, begleiteten – Sprechgesängen 

die Geschichten ihres Volkes erzählen. 

Sie sind lebende Enzyklopädien, die die 

Legenden und Mythen ihrer Heimat in 

ihrem Gedächtnis bewahren. Die Griots 

unserer Kultur sind die Literaten, die 

Dichter und Schriftsteller. Sie singen 

ihre Geschichten nicht, sie schreiben sie 

auf. Doch wenn ihre Bücher verbrennen, 

so geht mit ihnen eine ganze Welt 

unter, nämlich jene Welt, die sie in 

ihren Büchern entstehen ließen und mit 

diesen eine Zeit, die die Bedingung der 

Möglichkeit ihrer Entstehung war. 

Als die Nationalsozialisten 1939 Prag 

besetzten, ahnten die kritischen tschechischen 

und die aus Deutschland emigrierten 

Intellektuellen, was sie erwartete. 

Ihre Schriften würden verbrannt, 

sie selbst verfolgt, deportiert, ermordet. 

Mit der Besetzung Prags sollte eine Welt 

untergehen, eine Welt des Geistes – und 

mit ihr wesentliche Erinnerungen an die 

deutschsprachige Literatur der goldenen 

Stadt. Ist es folgerichtig, dass mit Franz 

Kafka vor allem ein Schriftsteller jener 

deutschsprachigen Prager Schriftsteller 

im kollektiven literarischen Gedächtnis 

überleben sollte, der die Okkupation – 

Gott sei Dank, ist man geneigt zu sagen 

– nicht mehr erlebt hat? Die Freunde 

und literarischen Wegbegleiter Kafkas, 

die Protagonisten der Prager Deutschen 

Literatur sind weitgehend in Vergessenheit 

geraten – einzig Franz Werfel wird 

noch von einer breiteren literarischen 

Öffentlichkeit wahrgenommen. Selbst 

die Romane Max Brods werden kaum 

noch gelesen; er bleibt vor allem als 

Freund und Herausgeber der Werke 

Franz Kafkas in Erinnerung. 

Die Griots von Prag werden nach dem 

Einmarsch der sogenannten Wehrmacht 

in die tschechische Republik Opfer der 

nationalsozialistischen Gewalt. Der 

Terror der Gestapo zwingt den Lyriker, 

Essayisten und Erzähler Johannes Urzidil, 

auch er ein Freund Kafkas, 1939 

zu Emigration nach London. Aus dem 

Exil wird er nicht mehr zurückkehren; 

er stirbt 1970 in Rom. Ein weiterer 

Wegbegleiter Kafkas, der Philosoph 

Felix Weltsch, beschäftigte sich schon 

frühzeitig mit dem Zionismus und dem 

Talmud, ihm gelingt 1939 die Flucht 

nach Palästina, die beiden Geschwister 

Weltschs aber werden in Auschwitz ermordet. 

Als wolle er das Elend mit dem 

inneren Auge nicht mehr sehen, stirbt 

der früh erblindete Freund Kafkas, der 

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56 

Schriftsteller Oskar Baum, an den Folgen 

einer Operation, kurz bevor seine 

Frau durch die Nationalsozialisten in 

das Konzentrationslager Theresienstadt 

verschleppt und dort ermordet wird. 

Die Lebensgefährtin Kafkas, die Journalistin 

Milena Jesenská, die die Werke des 

Schriftstellers in den 20er Jahren dieses 

verrückten Jahrhunderts ins Tschechische 

übersetzen und herausgeben will, 

wird zwanzig Jahre später unter Einsatz 

ihres Lebens im besetzten Prag bedrohte 

Menschen retten. Sie verhilft Juden und 

Tschechen zur Flucht ins Ausland und 

gibt eine illegale Zeitschrift heraus. Die 

Nazis verdächtigen sie des Kommunismus 

und bringen die schon von Krankheit 

gezeichnete Freiheitskämpferin ins 

Konzentrationslager Ravensbrück. Eine 

verspätet durchgeführte Nierenoperation 

führt im Mai 1944 zu ihrem Tod. 

Dieses Prag des Franz Kafka, Max Brod, 

Felix Weltsch, Johannes Urzidil, Oskar 

Baum und der tapferen und lebensfrohen 

Milena Jesenská gibt es nicht mehr. 

Es war das Prag des Café Arco, wo sich 

die Schriftsteller und Intellektuellen 

treffen, ein Umschlagplatz für Ideen, 

in dem die noch druckfrischen Bücher, 

aber auch die Klassiker diskutiert wurden. 

Eine Welt, in der die Kultur des 

Lesens noch Raum hatte und nicht auf 

ein fernsehgerechtes Format von dreißig 

Minuten reduziert wurde. Eine Welt, in 

der zwar auch über Bücher gesprochen 

Franz Kafka mit seiner Schwester Ottla Max Brod 

wurde, in der vor allem aber die Bücher 

selbst noch gelesen wurden, über die 

man sprach. So war das Vorlesen ein 

wichtiger Teil dieser Lese-Kultur. Man 

las aus eigenen Werken vor – und aus 

denen, die einen begeisterten. Wenn wir 

im Folgenden an Kafka, den leidenschaftlichen 

Vorleser erinnern, so hoffen 

wir damit auch ein Mosaiksteinchen 

hinzu fügen zu können zur Rekonstruktion 

jener durch Tod und Vertreibung 

der Griots von Prag untergegangenen 

Welt. Zugleich könnte dies auch ein 

Beitrag sein, das oft dunkel gezeichnete 

Portrait jener tragisch umschatteten 

Lichtgestalt der Prager Deutschen 

Literatur ein wenig aufzuhellen. Denn 

gerade im Vorlesen zeigte Kafka häufi g 

seine heitere, lebensfrohe Seite. 

Kafka las oft und gern vor. Tatsächlich 

war dies neben dem Schreiben eine 

seiner großen Leidenschaften. So, wie er 

von der Literatur erwartete, dass sie ihn 

aus der Erstarrung des Alltags erlösen 

möge – in einem Brief an seinen Freund 

Oskar Pollak schreibt Kafka: „Wir 

brauchen aber die Bücher, die auf uns 

wirken wie ein Unglück, das uns sehr 

schmerzt,... ein Buch muss die Axt 

sein für das gefrorene Meer in uns“ - so 

stellte er auch an die Rezitation, den 

gelungenen Vortrag die Anforderung, 

dass sie die Zuhörer unmittelbar treffen 

und sie aus deren gewohnter Lethargie 

herausreißen sollte. Daher erschien ihm 

als Vortragsform das Anbrüllen – und 

dies nicht nur im metaphorischen Sinn 

– durchaus angemessen. So schreibt er 

in einem Brief an seine spätere Verlobte 

Felice Bauer: „Liebste, ich lese nämlich 

höllisch gerne vor, in vorbereitete 

und aufmerksame Ohren der Zuhörer 

zu brüllen, tut dem armen Herzen so 

wohl.“ 

Obwohl das Vorlesen eine der herausragenden 

Leidenschaften Kafkas war, 

kam es doch nur zu zwei öffentlichen 

Lesungen. Am 11. Dezember 1913 

liest Kafka in der Prager Toynbeehalle 

Kleists „Michael Kohlhaas“ vor, den er 

besonders liebte und - wir werden noch 

darauf zu sprechen kommen - den er 

auch im Freundes- und Bekanntenkreis 

öfters vorlas. Mit der Wirkung seiner 

Lesung auf die zu junge und literarisch 

vielleicht nicht genügend sensibilisierte 

Zuhörerschaft ist Kafka nicht zufrieden. 

Er besitzt jedoch noch während des 

Vorlesens genügend Geistesgegenwart, 

um die Reaktionen des Publikums zu 

beobachten. Am Abend nach der Vorlesung 

erinnert sich Kafka und notiert in 

sein Tagebuch: 

In der Toynbeehalle den Anfang von 

„Michael Kohlhaas“ gelesen. Ganz und 

gar mißlungen. Schlecht ausgewählt, 

schlecht vorgetragen, schließlich sinnlos 

im Text herumgeschwommen. Musterhafte 

Zuhörerschaft. Ganz kleine Jungen 

Milena Jesenka

in der ersten Reihe. Einer sucht seiner 

unschuldigen Langeweile dadurch beizukommen, 

dass er die Mütze vorsichtig zu 

Boden wirft und dann vorsichtig aufhebt 

und so öfters. Da er zu klein ist, um das 

vom Sitz auszuführen, muss er immer 

ein wenig vom Sessel sich abgleiten 

lassen. 

Kafkas Lust am Vorlesen ist jedoch so 

unbändig, dass es ihn trotz des Misserfolgs 

drängt, weiter vorzulesen. In 

derselben Tagebuchnotiz heißt es nur 

ein paar Zeilen weiter: „Und am Nachmittag 

zitterte ich schon vor Begierde, 

zu lesen, konnte kaum den Mund 

geschlossen halten.“ 

Kafkas zweite öffentliche Lesung fand 

am 10. November 1916 in der Galerie 

Goltz in München statt. Hier liest er 

neben seiner eigenen Erzählung „In 

der Strafkolonie“ auch Gedichte seines 

engen Freundes und späteren Herausgebers 

und Biographen Max Brod vor. 

Kafka, der sich für einen schlechten 

Gedichtvorleser hielt, hatte sich dazu 

bereit erklärt, weil Brod aus berufl ichen 

Gründen verhindert war. Während der 

Vorlesung der Erzählung „In der Strafkolonie“ 

soll es im Auditorium zu drei 

Ohnmachtsanfällen gekommen sein. 

Wenn dies stimmt, so ist der Grund 

hierfür wohl am ehesten im Inhalt von 

Kafkas Erzählung zu fi nden, in der die 

Folterung eines Delinquenten mittels 

einer „Höllenmaschine“ beschrieben 

wird, welche die vermeintliche Schuld 

des Angeklagten immer wieder in dessen 

Körper schreibt. 

Die Rezensionen dieses Vortragsabends 

fallen wenig „günstig“ aus. Auch streifen 

sie nur kurz Kafkas Vortragstechnik; die 

literarische Qualität der vorgelesenen 

Texte steht im Mittelpunkt des Kritikerinteresses. 

In den „Münchner Neueste 

Nachrichten“ vom 11. November 1916 

heißt es lapidar: „Zunächst war Franz 

Kafka als Vorlesender ein recht ungenügender 

Übermittler.“ Auch die Kritik in 

der „München-Augsburger Abendzeitung“ 

fällt nicht gerade schmeichelhaft 

aus: „Freilich vermochten die freundschaftlichen 

Gefühle, die die beiden 

jungen Männer verbinden [Kafka 

und Max Brod], die Mängel nicht zu 

ersetzen, die den Rezitationen Dr. Franz 

Kafkas anhafteten.“ 

Kafka selbst kommt gut zwei Monate 

später in einem Brief an den Lyriker 

Gottfried Kölwel, den er anlässlich der 

Münchner Vorlesung kennengelernt 

hat, auf dieses Ereignis zu sprechen: 

Ich las die Gedichte dort unter ungewöhnlichen 

Umständen. Ich war hingekommen 

mit meiner Geschichte als Reisevehikel, 

in eine Stadt, die mich außer als Zusammenkunftsort 

und als trostlose Jugenderinnerung 

gar nichts anging, las dort meine 

schmutzige Geschichte in vollständiger 

Dora Dymant Max Brod und Franz Kafka 

Gleichgültigkeit, kein leeres Ofenrohr 

kann kälter sein... 

Kafkas öffentlichen Lesungen war kein 

besonderer Erfolg beschieden. Dennoch 

täuscht der Eindruck, Kafka sei ein vielleicht 

begabter, im Grunde aber doch 

durchschnittlicher Vorleser gewesen. 

Auf fast alle, die das Glück hatten, im 

Freundes- und Bekanntenkreis Kafkas 

Vorlesungen zuhören zu können, haben 

dessen Rezitationen einen tiefen Eindruck 

hinterlassen. Zu diesem Kreise 

zählten neben Max Brod auch der früh 

erblindete Dichter und enge Freund 

Oskar Baum, ferner Kafkas Schwestern 

und dessen Verlobte Felice Bauer sowie 

deren Schwestern. Auch seiner letzten 

Lebensgefährtin Dora Dymant hat 

Kafka vorgelesen. 

Es gibt verhältnismäßig wenige Lebenserinnerungen 

an Kafka. Ein 

Grund dafür wird sicherlich in dem 

erschütternden Schicksal zu fi nden 

sein, welches sowohl Freunde als auch 

Verwandte Kafkas während der Zeit 

des Nationalsozialismus ereilte. Bei den 

Lebenserinnerungen, die uns heute 

vorliegen, handelt es sich zumeist um 

recht kurze Zeitschriftenartikel. Umso 

erstaunlicher ist es, dass die, die noch 

Gelegenheit hatten, sich an Kafka zu 

erinnern, häufi g auf dessen Rezitationen 

zu sprechen kommen. So erinnert sich 

Oskar Baum an Kafkas Vorlesungen 

57

58 

und stellt zugleich dessen Vorlesetechnik 

in Zusammenhang mit seinem 

literarischem Stil: 

Wenn er [Kafka] vorlas - das war seine 

besondere Leidenschaft - dann unterordnete 

sich der Ausdruck des einzelnen Worts 

bei voller Klarheit jedes Lauts, in zuweilen 

schwindelerregendem Zungentempo, 

ganz einer musikalischen Breite der Phrasierung 

von endlos, endlos langem Atem 

und gewaltig sich steigernden Crescendi 

der dynamischen Terassen - wie ihn ja 

auch seine Prosa hat, deren abgeschlossene 

Stücke zuweilen wie die „Die Zirkusreiterin“ 

im Wunderbau eines einzigen Satzes 

gewachsen sind. 

Auch Max Brod kommt in seinen Lebenserinnerungen 

wiederholt auf Kafka, 

den Vorleser zu sprechen. Er fi ndet, 

um den mitreißenden und fesselnden 

Eindruck zu beschreiben, den Kafkas 

Rezitationen hinterließen, ganz ähnliche 

Formeln wie Oskar Baum. In seiner 

Autobiographie „Streitbares Leben“ 

schreibt Brod: „Kafkas Vorlesungen 

waren immer feurig, in großartigem 

Aufbau der Perioden, im langen Atem 

hinreißend.“ 

Es ist schwer aus den vorliegenden 

Zeitdokumenten, Mimik und Gestik, 

Stimme und Tonfall Kafkas zu rekonstruieren. 

Sicher aber ist, dass Kafka kein 

„steifer“ Vorleser war. Im Gegenteil: Es 

konnte ihm durchaus geschehen, dass 

er sich selbst im Vorlesen unterbrechen 

musste, etwa dann, wenn der Text, den 

er las, ihn zu Lachen oder Tränen rührte. 

Kafkas Stimme hatte einen harten, 

für das Tschechische typischen Akzent; 

jedoch gelang es ihm, die Satzteile melodiös 

miteinander zu verbinden und so 

die Sinnphrasen innerhalb eines Satzes 

herauszukristallisieren. 

Kafka las vor allem die Literatur vor, 

die er liebte, zu der er eine Wahlverwandtschaft 

empfand. Er fühlte sich 

vor allem zu Kleist sehr hingezogen, 

dessen „Michael Kohlhaas“ er besonders 

liebte - und den er ja auch einmal 

öffentlich gelesen hat. Über diese von 

ihm sehr geschätzte Novelle schreibt 

Kafka in einem Brief an seine Verlobte 

Felice: „Gestern abend habe ich Dir 

nicht geschrieben, weil es über Michael 

Kohlhaas zu spät geworden ist (kennst 

Du ihn? Wenn nicht, dann lies ihn 

nicht! Ich werde Dir ihn vorlesen), den 

(...) ich in einem Zug gelesen habe. 

Wohl schon zum zehnten Male.“ Auch 

Max Brod erinnert sich in „Streitbares 

Leben“ daran, wie gern Kafka diese 

Novelle vorgelesen hat: 

Dagegen hat er [Kafka] im privaten 

Kreis der Freunde oft und wundervoll aus 

seinen eigenen Werken, besonders gern 

auch Kleistens „Michael Kohlhaas“ und 

die „Anekdote aus dem letzten preußischen 

Kriege“ vorgetragen (...) Auch zu den 

Eltern von Felix Weltsch ging er öfters, 

um dem alten kunstsinnigen Ehepaar 

Abschnitt für Abschnitt sein Lieblingswerk 

„Michael Kohlhaas“ zu Gehör zu bringen, 

und freute sich sehr an seiner Rezitation 

und deren Wirkung. 

Zu den Lieblingswerken Kafkas gehörte 

neben der Kleistschen Novelle sicherlich 

auch Grillparzers „Armer Spielmann“. 

Auf dieses Werk kommt Kafka in seinen 

Tagebüchern und Briefen wiederholt 

zu sprechen. In einem Brief an die 

Freundin Grete Bloch vom 15.9. 1914 

schreibt Kafka über diese Novelle: 

Der „arme Spielmann“ ist schön, nicht 

wahr? Ich erinnere mich, ihn einmal 

meiner jüngsten Schwester [Kafkas Lieblingsschwester 

Ottla] vorgelesen zu haben, 

wie ich ihn niemals vorgelesen habe. 

Ich war davon so ausgefüllt, dass für 

keinen Irrtum der Betonung ,des Atems, 

des Klangs des Mitgefühls, des Verständnisses 

in mir Platz gewesen wäre, es 

brach wirklich mit einer unmenschlichen 

Selbstverständlichkeit aus mir hervor, ich 

war über jedes Wort glücklich, das ich 

aussprach. 

Neben Kleist, Grillparzer und Dostojewski 

fand Kafka noch zu Flaubert 

ein ähnlich enges Verhältnis. In einem 

Brief an Felice Bauer bezeichnet Kafka 

Flaubert als seinen Blutsverwandten - 

und in einem anderen Brief an seine 

Verlobte nennt Kafka sich „ein geistiges 

Kind dieses Schriftstellers“, dessen 

„Education sentimentale“ ihm „durch 

viele Jahre nahegestanden ist, wie kaum 

zwei oder drei Menschen.“ Wie sehr 

Kafka dieses Buch geliebt haben muss, 

geht noch aus einer anderen Briefstelle 

hervor: 

Als Kind – vor ein paar Jahren war es 

noch – träumte ich gern davon, in einem 

großen mit Menschen angefüllten Saal 

– allerdings ausgestattet mit einer etwas 

größeren Herz-, Stimm- und Geisteskraft 

als ich sie augenblicklich hatte – die ganze 

„Education sentimentale“ ohne Unterbrechung 

so viele Tage und Nächte lang, 

als sich dafür notwendig ergeben würde, 

natürlich französisch (o du meine liebe 

Aussprache!) vorzulesen und die Wände 

sollten widerhallen. 

Kafka fühlte sich mit Flaubert zudem 

noch durch deren gemeinsame Liebe zu 

schönen Sätzen verbunden. In Kafkas 

Handbibliothek befand sich ein Bändchen 

von François Coppée, „Souvenirs 

d‘un Parisien“, welches er wohl vor 

allem wegen der Erinnerungen Coppées 

an Flaubert schätzte. Das letzte Kapitel 

dieses Bändchens führt den Titel „Les 

belles phrases de Gustave Flaubert“. 

In diesem Kapitel erzählt Copée, dass 

Flaubert, der viele schöne Prosasätze 

von Klassikern, aber auch von weniger 

bekannten Autoren auswendig wusste, 

diese seiner „Brüll-Methode“ unterwarf, 

um so die tatsächliche Qualität dieser 

Sätze zu überprüfen. Flauberts Theorie 

war nämlich, dass ein wirklich guter 

Satz diese Probe unbeschadet überstehen 

müsste. Kafka, der sich an dieser 

Episode ergötzen konnte, versuchte es 

Flaubert nachzutun. Später schenkte 

er seinem Freund Max Brod dieses 

Bändchen – eine Eigenart Kafkas, der 

es liebte, von ihm geliebte Bücher zu 

verschenken und aus ihnen vorzulesen. 

Max Brod erinnert sich in seiner Biographie 

„Über Franz Kafka“: „Ich habe 

es noch heute im Ohr, wie Kafka mir 

den letzen Teil dieser Episode vorlas. Es 

war, als wäre Flaubert selbst lebendig 

geworden. (...) Kafka lächelte und hatte 

Tränen in den Augen, als er mir das 

vorlas.“ 

Außer aus den hier bereits erwähnten 

Werken hat Kafka nachweislich aus

Werken von Tolstoi, Nietzsche, Plato 

und Mörike vorgelesen. 

Jedoch waren es nicht nur die Werke 

der schöngeistigen Literatur, die es 

Kafka reizte vorzutragen. Er lehnte 

eine von der Literaturgeschichte und 

-kritik vorgegebene Scheidung in eine 

sogenannte gute und in eine lediglich 

unterhaltende ab und wollte zu einem 

selbständigen Urteil gelangen. So konnte 

ihn eine hübsche feuilletonistische 

Wendung entzücken. Und er scheute 

sich keineswegs, eine Stelle aus dem 

Roman eines Autors vorzulesen, den 

man zu seiner Zeit als Kitschautor zu 

verwerfen pfl egte. Sein einziges Kriterium 

war der Enthusiasmus, den ein Satz 

in ihm auslösen konnte. 

Kafka, dem es wenig lag, abstrakte 

Gespräche über Literatur zu führen, 

konnte seiner Begeisterung für ein 

Buch am besten Ausdruck verleihen, 

indem er längere Passagen daraus seinen 

Freunden vorlas. So erinnert sich Max 

Brod in seinem Roman „Zauberreich 

der Liebe“, welcher in der Gestalt des 

Richard Garta ein Portrait Franz Kafkas 

enthält: 

Garta [Franz Kafka] überredet nicht, 

das ist nicht seine Art, auch entwickelt 

er kein System, das Systematische liegt 

ihm überhaupt nur wenig. Er liest nur 

immer wieder diese und jene Stelle seines 

Lieblingsautors vor... Kurz er wirbt nicht 

für seinen Erwählten, er sieht immer klar, 

Klarheit ist auch in seiner schrankenlosen 

Bewunderung, niemals versucht er 

Christof [Max Brod] zu überrennen; indes 

ist es bald soweit, dass Christof für die 

Schriften brennt. 

So hat Kafka seinen Freund Max Brod 

mit Stefan George und chinesischer 

Lyrik bekannt gemacht. Und mit 

Robert Walser, dessen kleine Erzählung 

„Gebirgshallen“ Kafka Max Brod unter 

teils unterdrücktem, teils laut herausbrechendem 

Lachen vorgelesen hat. 

Für Kafka war das Vorlesen vor allem 

deshalb so wichtig, weil er darin eine 

Möglichkeit suchte und fand, eine 

intensive Nähe zur Literatur zu ge- 

Christiaan Tonnis, Franz Kafka, 1985 

winnen. Kafka, für den die Literatur 

lebensnotwendig war wie Atmen, fand 

oft häufi g archaisierende, fast mythisch 

anmutende Metaphern, um diese Nähe 

zur Literatur auszudrücken wie etwa: 

„Strindberg, der mich nährt“. Dementsprechend 

versuchte er im Vorlesen, sich 

den anderen Autor gleichsam einzuverleiben, 

mit ihm zu verschmelzen, eins 

zu werden. So schreibt Kafka in einer 

Tagebuchnotiz: 

Nicht dass ich überzeugt wäre, dass ich 

im Vorlesen etwas Bedeutendes erreichen 

würde, vielmehr beherrscht mich die 

Sucht, mich an die guten Arbeiten, die ich 

lese, so sehr heranzudrängen, dass ich mit 

ihnen in eins verfl ieße. 

Es spricht für Kafkas selbstkritisches 

Wesen, dass er dieses „falsche Gefühl 

der Einheit mit dem Vorgelesenen“, wie 

er in seinem Tagebuch notiert, als eine 

Form der Eitelkeit entlarvt. 

Psychologisch interessant ist, dass Kafka 

eine Art „Medium“ braucht, um im 

Vorlesen in jene ersehnte Nähe zum 

vorgetragenen Text zu gelangen. Als ein 

für ihn geeignetes Medium erweisen 

sich seine Schwestern: „Nicht durch 

mein[en] Verdienst“, so notiert er in 

seinem Tagebuch, „sondern nur in 

der durch das Vorgelesene aufgeregten 

und für das Unwesentliche getrübten 

Aufmerksamkeit meiner Schwestern“ 

gelingt ihm jene ersehnte Einheit. 

Und in diesem Zustand liest er nach 

eigenem Urteil denn auch „tatsächlich 

bewundernswert“ und „erfüll[t] manche 

Betonung mit einer meinem Gefühl 

nach äußersten Genauigkeit“. 

Liest er aber seinen Freunden vor, etwa 

Oskar Baum oder Max Brod, die wahrscheinlich 

kritischere Zuhörer waren 

als seine Schwestern, so gelingt es ihm 

nicht, in jene gleichsam mythische 

Nähe zum Vorgetragenen zu gelangen. 

Er braucht das Gefühl, dass die Zuhörer 

ihm abnehmen, dass er mit dem Text 

verschmilzt. Muss er erkennen, dass 

„der Zuhörer die Sonderung zwischen 

mir und dem Vorgelesenem aufrecht 

erhält“, wie er es einmal in seinem Tagebuch 

beschreibt, so wird sein Vortrag 

59

60 

Peter Krämer, Dr. Jörg Steckhan 

RINKE TREUHAND GmbH – www.rinke.eu 

DIE KENNTNISSE UND 

FÄHIGKEITEN DER 

NÄCHSTEN GENERATION 

ENTSCHEIDEN ÜBER 

DEN ERFOLG 

IN DER ZUKUNFT. 

NACHHALTIG GUT BERATEN. 

lustlos und er versucht nicht wirklich in 

den Text einzudringen. Dann wird das 

Vorlesen zu einem schalen Erlebnis: 

„... ohne Eitelkeit ruhig und entfernt 

zu lesen und leidenschaftlich nur zu 

werden, wenn meine Leidenschaft es 

verlangt, das kann ich nicht leisten.“ 

Dass für Kafka das Vorlesen ein ungewöhnlich 

intensives Erlebnis war, dass 

das Vorlesen ihm gleichsam zum Paradigma 

eines Lebens in der Literatur 

geriet, das kann den nicht wundern, 

der weiß, wie stark, mit welch körperlicher 

Intensität Kafka Sprache empfunden 

hat. Um das Gefühl wiederzugeben, 

das ein schlecht formulierter, ein 

mangelhaft vorgetragener Satz in ihm 

erzeugen konnte, benutzte er einmal 

folgenden Vergleich: „Ein Satz reibt 

sich an dem anderen, wie die Zunge an 

einem schlechten oder falschen Zahn.“ 

Auch sein eigenes Vorlesen erlebt er 

mit solcher Sensitivität. In einer Tagebuchnotiz 

vom 31. Oktober 1911 etwa 

heißt es: „Die Novellen von Wilhelm 

Schäfer lese ich besonders beim lauten 

Vorlesen mit ebenso aufmerksamen 

Genuss, wie wenn ich mir einen Bindfaden 

über die Zunge führen würde.“ 

Wilhelm Schäfer (1868-1952) ist ein 

heute fast vergessener Schriftsteller. Mit 

Kafka teilte er die Liebe zu J.P. Hebel 

und Kleist. 

Das Vorlesen dürfte für Kafka auch eine 

wichtige soziale Rolle gespielt haben. 

Dies galt natürlich in besonderer Weise 

für den Freundes- und Bekanntenkreis 

Kafkas, dem neben den bereits Erwähnten 

auch Otto Pick und Ernst Weiß 

angehörten. Sie alle hatten auf die eine 

oder andere Weise mit Literatur zu tun. 

Prag hatte zu Kafkas Zeiten etwa drei 

Millionen Einwohner, von denen nur 

knapp dreißigtausend deutschsprachig 

waren. Die gemeinsame deutsche Sprache 

ließ diese Prager näher aneinanderrücken 

und wurde – vielleicht mehr als 

sonst – zum Träger kultureller Identifi 

kation. Für Kafka, den „heimatlosen 

Westjuden“, der neben dem Tschechischen 

auch Hebräisch lernte, um 

seine von ihm empfundene Isolation zu 

überwinden, war das Identifi kationsproblem 

besonders groß - und es erscheint 

durchaus sinnvoll anzunehmen, dass für 

Kafka die Literatur und die zu ihr im 

Vorlesen gesuchte Nähe eine Möglichkeit 

darstellte, diese Identifi kationsprobleme 

zu mildern. 

Kafka hat im Vorlesen nicht nur die 

Nähe zur Literatur gesucht, sondern 

auch zu den Menschen, denen er vorlas. 

Es ist nicht uninteressant, sich vor 

Augen zu führen, dass Kafka ja nicht 

nur im Freundes- und Literatenkreis 

vorgelesen hat, sondern auch und vor 

allem den ihm nahestehenden Frauen. 

Der bekannte Kafka-Forscher Hartmut 

Binder hat darauf hingewiesen, dass 

das Vorlesen eine der Grundlagen der 

besonders engen Beziehung zwischen 

Kafka und seiner Lieblingsschwester 

Ottla war. Und so wie Kafka seiner 

letzten Lebensgefährtin Dora Dymant 

vorgelesen hat, so hat auch schon der 

siebzehnjährige Gymnasiast Franz seiner 

ersten Jugendfreundin Selma Kohn 

vorgelesen. An dieses Erlebnis erinnert 

sich Selma Kohn in einem Brief an Max 

Brod. Und mit dieser schönen Erinnerung 

an Kafka den Vorleser wollen 

wir diese Reise in eine Zeit und einen 

Ort ausklingen lassen, der „nur“ ein 

Jahrhundert zurück liegt und doch nach 

dem Tod der Griots von Prag Lichtjahre 

entfernt scheint: 

Wer bin ich? Die Tochter des Oberpostmeisters 

Kohn aus Roztok bei Prag. 

Kennen Sie Roztok, den Wald? Erinnern 

Sie sich an den steilen Weg dahin und 

wie man plötzlich auf der herrlichsten 

Waldlichtung steht, das hohe Grab voll 

Himmelschüssel, Marientränen, Glockenblumen 

und mitten darin eine sehr alte 

Eiche! Unter dieser Eiche sind wir Kinder, 

Franz und ich, oft gesessen und er hat 

mir Nietzsche vorgelesen, was und ob ich 

verstand, Dr. Brod, es liegen 55 Jahre dazwischen, 

wir haben uns angeschwärmt, 

wie man damals war... 

Heiner Bontrup


geb. 1939 in Schwelm 

Trommelt seit den fünfziger Jahren, 

zuerst Tanzmusik und traditionellen Jazz, 

später Modern Jazz und Bebop. 

Anfang der sechziger Jahre Free Jazz mit 

Peter Kowald und Peter Brötzmann. 

Seitdem Auftritte im In- und Ausland. 

Seit einigen Jahren spielt er auch Saxofon. 

Er veröffentlichte Musik und Prosa, 

präsentierte eigene Texte mit Musik und 

war Darsteller bei Theaterstücken. 

In seinem Theater-Solo Die Kunst 

ein Schlagzeug aufzubauen erzählt er 

aus seinem Leben als Musiker. 

2006 veröffentlichte er das Hörspiel 

Wie wir den Freejazz erfunden haben. 

Er ist einer der Autoren des Wuppertaler 

Jazzbuchs Sounds like Whoopataal. 

2009 veröffentlichte er im Verlag 

„Das Fünfte Tier“ den Erzählband Jazz 

und Ikebana. 

Foto: Dieter E. Fränzel 

ROCK’N’ROLL 

Als der Rock’n’Roll über ihn hereinbrach, 

hatte Paul Trombeck gerade den Möhreneintopf 

zum Aufwärmen auf den Herd 

gestellt. Am Küchentisch saß Dölfi Kampschulte, 

der gekommen war, um mit Paul 

über neue Engagements für ihre Kapelle zu 

sprechen, die Cocktail Combo, mit der sie 

in Wuppertal und Umgebung zum Tanz 

aufspielten. Jeden Freitag und Samstag, fünf 

Stunden am Abend, pro Stunde zehn Mark. 

Wenn man Geld verdienen wollte, musste 

man vom Heideröslein singen, davon waren 

sie überzeugt, aber tief im Herzen waren 

sie echte Jazzer. Dölfi hätte am liebsten nur 

Bebop gespielt. Bebop, so hieß der neue 

Jazzstil aus New York. Nun schwadronierte 

er über die Band, der er aufmachen 

wollte. Das Repertoire sollte überwiegend 

aus Stücken von Charlie Parker bestehen, 

dem besten Saxofonisten des Bebop. Dass 

Bird, wie Parker von seinen Fans genannt 

wurde, 1955 am Rauschgift gestorben war, 

interessierte Dölfi nicht weiter. Parker war 

sein Gott. Er spielte Altsaxofon wie Parker, 

er hatte alle Platten, die man 1961 in 

Deutschland von ihm bekam und er konnte 

viele seiner Improvisationen auswendig 

nachspielen. Wenn es sein musste, kopierte 

er sogar die Kratzer auf den Platten. Die 

Idee mit der Bebop-Combo war nicht neu, 

aber Dölfi war wieder mal durchdrungen 

von ihr und brauchte jemanden, der ihm 

zuhörte, und wer war da besser geeignet 

als sein Freund, der „Tricktrommler“ Paul 

Trombeck. 

Auf dem Küchenschrank plärrte das 

Radio vor sich hin, mit dem Paul vor ein 

paar Jahren in der Wohnküche seiner Eltern 

Voice of America gehört und sich dabei 

mit dem Jazz-Virus infi ziert hatte. Dölfi 

schimpfte jetzt auf den Posaunisten Hans 

Notenbast, den er hasste, weil er mit allen 

Regeln des Jazz gebrochen hatte: „Der soll 

erst mal lernen, Blues zu spiel …“ Ihm blieb 

mitten im Wort die Spucke weg. Paul fi el 

die Maggifl asche in die Möhren. „Mach 

mal lauter!“ Das Radio spielte einen Song, 

der anders klang, als alles, was sie bis dahin 

gehört hatten. Sie lauschten mit offenen 

Ohren und Nasen, bis das Radio sagte: 

„Das waren die Beatles mit A Hard Day’s 

Night.“ Inzwischen war der Möhreneintopf 

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angebrannt. So lernte Paul, dass Möhreneintopf 

angebrannt noch besser schmeckt. 

Das sollte nicht die einzige Wirkung der 

Beatles bleiben, denn der Rock’n’Roll-Virus 

war hochgradig ansteckend. Auch Dölfi 

war nicht immun – trotz Charlie Parker. 

Kein Musiker war immun – keiner außer 

Notenbast. Aber dem Posaunisten gefi el 

sowieso nur das freie Zeug, das er selbst 

spielte. Pauls Dilemma war, ob er mit 

seinem alten Kumpel Dölfi Kampschulte 

Bebop spielen sollte, was er nicht wirklich 

konnte, oder mit Notenbast Freejazz, den 

nur ein paar verrückte Kunststudenten für 

Musik hielten. 

Paul haute je eine Kelle Eintopf auf die 

Teller, klatschte eine Portion Senf auf den 

Rand und schnitt das Würstchen in zwei 

Hälften, aber Dölfi kriegte vor Aufregung 

nichts runter. Vor zehn Minuten hatte er 

noch von Charlie Parker geschwärmt, jetzt 

wollte er wissen, woher er die Noten von 

A Hard Day’s Night kriegen könnte. „Den 

Song müssen wir unbedingt mit der Cocktail 

Combo spielen.“ Dass soeben das Ende 

ihrer Tanzkapelle eingeläutet worden war, 

konnte er nicht wissen und auch nicht, dass 

kein Stein auf dem anderen bleiben würde, 

weder kulturell noch politisch. 

Der Rock’n’Roll hatte einen neuen, aufregenden 

Rhythmus, durch den Paul zuerst 

nicht durchblickte. Die Art und Weise, 

wie man Schlagzeug spielte, änderte sich. 

Bis dahin war es wichtig gewesen, dass ein 

Schlagzeuger den eleganten Jazz-Rhythmus 

spielen konnte, der auf dem Becken weich 

und organisch dahineilte: tschicke-dingtschicke-ding-tschicke-ding-tschicke-ding. 

Paul konnte das ziemlich gut. Leider war 

das nicht mehr gefragt. Über Nacht waren 

maschinenartig ratternde Rhythmen angesagt. 

Das Publikum wollte Let’s Twist again 

like we did last summer. Paul schaffte es 

sich drauf, schnelle Sechzehntel zu klopfen: 

tá-ta-ta-ta tá-ta-ta-ta tá-ta-ta-ta tá-ta-ta-ta 

und so weiter, bis ihm der Arm abfi el. Er 

spielte den Twist auf der Beckenmaschine, 

die überraschend ihren Namen geändert 

hatte. Früher hieß sie Charleston-Maschine 

nach einem längst ausgestorbenen Tanz, 

jetzt nannte man sie Hihat und keiner 

wusste, wie das geschrieben wurde. Bis 

dahin hatte er sie vornehmlich mit dem Fuß 

gespielt, um den Off-Beat auf zwei und vier 

zu markieren oder das Thema zu begleiten 

- plötzlich wurde sie zum wichtigsten 

Instrument neben großer und kleiner 

Trommel, die neuerdings Bass Drum und 

Snare Drum hießen. Pauls ganzer Stolz, ein 

Becken von der Firma Paiste, hieß jetzt Ride 

Cymbal und hatte statt fünfzig Zentimetern 

Durchmesser auf einmal achtzehn englische 

Zoll, was dasselbe war und nichts an dem 

unbefriedigend dünnen Klang änderte. Paul 

kniff ein Stück von der Kette der häuslichen 

Klospülung ab und hängte es über das 

Becken, um seinen Sound mit dem stetigen 

Zischeln von Metall auf Metall zu füllen. 

Sein Vater wunderte sich, wieso er den 

Porzellangriff nicht mehr erreichte, wenn 

er auf dem Topf saß. „Vielleicht bist du 

geschrumpft“, sagte Paul, worauf der Alte 

ihm Ohrfeigen androhte. 

Leo Fender hatte gerade die elektrische 

Gitarre erfunden und Les Paul machte sie 

populär - allerdings auf einer Gibson. Mit 

seiner Partnerin Mary Ford hatte er zwei 

Hits: How High the Moon und The World Is 

Waiting for the Sunrise. Damit Egon Staal, 

der Gitarrist der Cocktail Combo, diese 

Stücke spielen konnte, schraubte Hotdog 

Haller, Klavierspieler und Elektro-Bastler, 

einen Tonabnehmer an Egons Gitarre. 

Als Verstärker benutzten sie das Radio 

von Egons Eltern (Marke Saba, Modell 

Schwarzwald), das Hotdog umgelötet hatte. 

Das klang wie Mülltonne ganz unten. 

Hotdog elektrifi zierte auch sein asthmatisches 

Akkordeon. Ein dicker Kabelstrang 

quoll daraus hervor, der zu einem schwarz 

lackierten Holzkoffer führte. Darin befand 

sich ein Elektronik-Bausatz, der aus der 

Quetschkommode eine Orgel machte. 

Früher hatte Pauls Mutter alle paar 

Wochen gesagt: „Du siehst ja verboten aus“, 

hatte ihm fünfundsechzig Pfennig in die 

Hand gezählt und ihn zu Meister Eberhard 

geschickt, dessen vernickeltes Seifenbecken 

über der Ladentür quietschend im Wind 

schaukelte. Neuerdings war es eine ernst zu 

nehmende Beschäftigung, sich die Haare 

wachsen zu lassen, wo doch ein Jazzer, der 

was auf sich hielt, die Haare kurz geschoren 

trug wie ein amerikanischer Soldat. Es 

schien eine englische Haarkrankheit zu sein, 

die epidemisch um sich griff. Nicht nur die 

Frisuren änderten sich. Bob Dylan sang: 

The times they are a-changin’. Manches wurde 

besser, vieles lustiger, das meiste nur bunter. 

Die musikalische Gleichschaltung hatte 

begonnen. Was war die Nazi-Propaganda 

schon gegen das, was jetzt abging – und 

zwar weltweit. In den Tonstudios wurde 

der Herzschlag der Generation mit einem 

elektronischen Schrittmacher versehen. Es 

dauerte nicht lange, bis die Musikindustrie 

nicht nur Instrumente produzierte, sondern 

auch die Musiker, die sie spielten. 

Die Cocktail Combo war eine beliebte 

Showband, die sich um Engagements keine 

Sorgen zu machen brauchte. Bis dahin hatte 

es keinen Grund gegeben, am Konzept 

der Cocktail Combo etwas zu ändern, 

sie machten da weiter, wo Tanz- und 

Unterhaltungskapellen vor dem zweiten 

Weltkrieg angefangen hatten. Eben hatten 

sie noch den Saal der Concordia mit Ice 

Cream zum Toben gebracht – plötzlich 

fragten die Leute nach Stücken wie Roll 

over Beethoven und Satisfaction. Es war noch 

gar nicht so lange her, da hatte Paul in der 

Lichtburg, dem ehrwürdigen Kino, Gary 

Cooper in Zwölf Uhr mittags gesehen, jetzt 

standen dort junge Männer auf der Bühne 

und schwangen elektrische Gitarren wie 

Penis-Attrappen. Hinter ihnen türmten 

sich drohend schwarze Lautsprecherboxen, 

die mit unbarmherziger Grausamkeit die 

Botschaft des elektronischen Zeitalters 

verkündeten: All you need is love. Dagegen 

war Egon mit seiner umgefi ckten Klampfe 

und dem erbärmlichen Radio als Verstärker 

eine Lachnummer. 

In der westlichen Welt probten Studenten 

die Weltrevolution, passend dazu war die aufblasbare 

Musik erfunden worden und Pauls 

Haare wucherten endgültig über die Ohren. 

Boxer Nelken, der Bassist der Cocktail Combo, 

lieh sich den Opel Rekord von seinem 

Vater und Dölfi , Egon, Hotdog und Paul 

quetschten sich hinein. Paul nahm Boxers 

Schwester Astrid auf den Schoß, die scharf 

auf ihn war und eine Karriere als Sängerin 

anstrebte. So fuhren sie auf Rockkonzerte, 

wo Paul fasziniert zuschaute, wie schwitzende 

Trommelknaben mit nackten Oberkörpern 

und langen Haaren unter bunten Scheinwerfern 

einen auf wild machten und mit fl inken 

Füßen auf zwei Basstrommeln vertrackte 

Akzente spielten. Bei der Anzahl der Trommeln 

und Becken schien es nach oben keine 

Grenze zu geben. Zu Hause betrachtete Paul 

missmutig sein Schlagzeug der Marke Tromsa 

mit drei Trommeln, dessen einziger Vorteil 

war, dass er es mit seinem Moped transportieren 

konnte. 

Dölfi zerbrach sich den Kopf, ob Saxofon 

noch das richtige Instrument wäre, um das

neue Lebensgefühl auszudrücken, das die 

Jugend der sechziger Jahre durchdrang bis in 

die Socken. Und ob sie die Cocktail Combo 

in The Cocks umbenennen sollten. An die 

Charlie-Parker-Gedächtnis-Combo dachte er 

nicht mehr. So war Pauls einzige musikalische 

Alternative zur Tanzmusik ein Trio mit dem 

Posaunisten Hans Notenbast und Boxer 

Nelken am Bass. Sie spielten Freejazz in zugigen 

Fabrikhallen bei Ausstellungseröffnungen 

von Fluxus-Künstlern, die gebrauchte 

Kondome und rostige Gabeln in ihre Werke 

einarbeiteten. Erstaunlicherweise gab es ein 

Publikum von Gegeninteressierten, das auf 

Freejazz stand. Leider verdienten sie damit 

nicht das Ketchup auf den Nudeln. Und die 

altmodische Tanzmusik der Cocktail Combo 

war auch nicht mehr angesagt. Operetten, 

deutsche Schlager, Tango, Dixieland und die 

Keuschheit vor der Ehe waren verkeimt wie 

Kartoffeln aus dem Vorjahr. Innerhalb von 

ein oder zwei Jahren war es mit den Tanzlokalen 

vorbei. Die Landgaststätten, wo sie 

gut verdient hatten, schlossen eine nach der 

anderen. Getanzt wurde nun in Diskotheken, 

die Pferdestall, Route 66 oder Starclub hießen, 

und die Musik kam von Schallplatten. 

Tanzen war zu einer Übung mutiert, bei der 

Frauen und Männer einander gegenüberstanden 

und gymnastische Bewegungen machten, 

die aussahen wie eine Nummer im Stehen. 

Als Paul im Frühjahr fünfundsechzig fi nanziell 

das Wasser bis zum Hals stand, arbeitete 

er als Fahrer für eine Großküche. Das war der 

untere Totpunkt. Er war zweiundzwanzig, 

musikalisch völlig daneben, aber von Noten 

wollte er immer noch nichts wissen. 

Eines späten Abends saßen Paul, Dölfi 

und Notenbast in der Küche und tranken 

Rotwein. Dölfi verkündete gerade seinen 

neuesten Plan, Rock’n’Roll und Jazz in einer 

Band zu vereinigen, als es klopfte. Herein kamen 

Boxer und seine Schwester Astrid. Boxer 

tat sehr geheimnisvoll. Paul musste die Tür 

abschließen und Kerzen anzünden. Volunteered 

Slavery von Roland Kirk wurde aufgelegt, 

dann holte Boxer aus seiner Teppichtasche 

ein Päckchen Tabak, Blättchen und einen 

braunen Klumpen, der aussah wie ein Maggi- 

Würfel. „Ist das Rauschgift?“, fragte Paul 

ehrfürchtig. Boxer nickte knapp, klebte drei 

Blättchen zusammen, schichtete Tabak darauf 

und bröselte etwas von dem braunen Zeug 

darüber. Dann formte er eine tütenförmige 

Zigarette mit einem Mundstück aus einem 

Pappröllchen. „Das ist ein Joint“, sagte er 

und zeigte ihnen, wie man ihn rauchte. In 

den nächsten Wochen probierten es alle mal 

aus. Paul fand, es regte seine Fantasie an. Notenbast 

machte sich nichts draus, er blieb bei 

Alkohol. Dölfi merkte erst nichts und als er 

dann doch was merkte, bekam er schreckliche 

Angst und versuchte es nie wieder. Astrid zog 

gelegentlich an einem Joint, ihr bedeutete es 

nicht viel. Boxer war derjenige, dessen Entwicklung 

vom Haschisch am nachhaltigsten 

beeinfl usst wurde. Ob er sein Jurastudium 

beendet und die Anwaltskanzlei seines Vaters 

fortgeführt hätte, wenn er nicht von dem 

Zeug abhängig geworden wäre – wer weiß 

das schon? Er hatte Phasen, da wollte er clean 

werden und versuchte es mit Meditation. 

Als das nicht funktionierte, ging er auf den 

Jesus-Trip, mit meditativem Gebet und so 

weiter. Eine Woche hielt er durch, dann fi ng 

er wieder an zu kiffen. Das war der erweiterte 

Jesus-Trip. „Besser ’n bekiffter Bassist als ’n 

besoffener Verteidiger“, sagte er. Wem das 

nicht passte, dem erklärte er: „Ohne Drogen 

gäbe es keinen Jazz und Rock’n’Roll schon 

gar nicht, ich denk mal, es gäbe überhaupt 

keine Musik.“ 

Es konnte nicht ausbleiben, dass sich Widerstand 

gegen den Rock’n’Roll regte. Vertreter 

verschiedener Glaubensrichtungen nannten 

ihn eine Musik des Teufels. Bekanntlich 

hat der Teufel eine Vorliebe für heiße Musik, 

insofern lagen die Moralapostel nicht völlig 

daneben. Ob es nun mit dem Teufel zuging 

oder nicht - die Cocktail Combo hatte keine 

Jobs mehr. Von heute auf morgen waren die 

Musiker der Cocktail Combo arbeitslos. „Wir 

müssen aufpassen, dass es uns nicht so geht 

wie den Sauriern und wir aussterben“, sagte 

Dölfi . Aber da war es schon zu spät. 


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64 

Ein unglaubliches Buch, 

das der österreichische Jurist Alfons Dür 

geschrieben hat. 

Vor allen Dingen eine Geschichte, 

die ohne sein beharrliches und sich über 

Jahre erstreckendes Wühlen in Archiven 

sowie ohne hartnäckiges Korrespondieren 

mit Behörden, Überlebenden des Naziterrors 

und anderen Historikern nie 

zustande gekommen wäre. 

Das Verhängnis begann in Wuppertal 

Das Verhängnis begann an der damaligen 

Adolf-Hitler-Allee: Vor der Wuppertaler 

Gestapo gab die mit einem „Arier“ verheiratete 

Jüdin Helene Krebs bei Verhören 

am 7. und 15. September 1942 zu, ihrer 

Cousine Edith Meyer für einige Tage 

Unterschlupf gewährt zu haben. Helene 

und Paul Krebs waren von einer Nachbarin 

denunziert worden, die wohl auf diese 

Weise hoffte, günstig an die Aussteuer 

Edith Meyers zu gelangen. 

Als sich Ende September 1942 herausstellt, 

dass die Solingerin Helene Krebs 

im dritten oder vierten Monat schwanger 

ist, gibt die Außenstelle Wuppertal der 

Geheimen Staatspolizei zu bedenken, 

dass die „vorgesehene Inschutznahme 

und Überweisung in ein Konzentrationslager“ 

aus diesem Grund „nicht erfolgen“ 

könne. Vergeblich: Die vorgesetzte 

Leitstelle in Düsseldorf wendet sich 

schriftlich an das „Judenreferat“ im 

Berliner Reichssicherheitshauptamt, das 

entscheidet, dass Helene Krebs in das 

„KL Auschwitz, Frauenabteilung“ zu 

überführen sei. Dort fi ndet sie Anfang 

Januar 1943 den Tod. 

Die Geschichte um das Ehepaar Krebs 

und um die Hauptpersonen Edith Meyer 

und Heinrich Heinen hat der Vorarlberger 

Ex-Landesgerichtspräsident Alfons 

Dür in seiner Dienstzeit und, mehr noch, 

nach seiner Pensionierung ans Tageslicht 

gebracht. Vor einigen Tagen hat er

sein Buch in der Begegnungsstätte Alte 

Synagoge vorgestellt. Es trägt den Titel 

„Unerhörter Mut – Eine Liebe in der Zeit 

des Rassenwahns“. 

Eine unglaubliche Story: Der 20-jährige 

Kölner Heinrich Heinen lernt 1940 die 

gleichaltrige Edith Meyer kennen und lieben. 

Er schafft zu Ostern 1942 das schier 

Unmögliche und befreit seine mittlerweile 

deportierte Freundin unter wohl für ewig 

ungeklärten Umständen aus dem Ghetto 

von Riga. Anschließend reisen die beiden 

rund 3.000 Kilometer unentdeckt – illegal 

– durch Deutschland bis nach Feldkirch, 

um von diesem bis zum „Anschluss“ 1938 

österreichischen Ort in die Schweiz zu 

fl iehen. Die Flucht scheitert. Aus dem 

Gefängnis von Feldkirch bricht Heinen 

mit Mithäftlingen aus und versucht noch, 

dabei seine große Liebe zu befreien, die 

jedoch kurz zuvor den Gang ins Konzentrationslager 

Auschwitz angetreten hat, wo 

sie auch umkommt. Auch Heinen wird 

gefasst und „auf der Flucht erschossen“. 

Das Buch ist im Haymon-Verlag (Innsbruck/Wien) 

erschienen und im hiesigen 

Buchhandel für 19,90 Euro zu erwerben. 

Von einer „außergewöhnlichen Veröffentlichung“ 

sprach bei der Lesung in 

der Begegnungsstätte deren Leiterin, Dr. 

Ulrike Schrader: „Die Geschichte über 

das Liebespaar Heinrich Heinen und 

The art of tool making 

Edith Meyer, aber auch über den Kampf 

von Paul Krebs um seine schwangere, im 

Wuppertaler Polizeipräsidium einsitzende 

Frau Helene ist unendlich traurig. 

Aber zugleich zeigt sie Menschen, die 

in dem aussichtlosen Kampf um ihre 

Liebe nicht aufgeben wollen und dafür 

bis zum Letzten gehen.“ Das sei „ein 

packender, tragischer Filmstoff, und dazu 

das Drehbuch zu schreiben, vielleicht mit 

einer Wuppertaler Schulklasse, wäre eine 

sinnvolle Herausforderung“. 

Herausgefordert fühlte sich auch Dür, als 

ihn 1997 eine erste Anfrage des Landenfelder 

Historikers Günter Schmitz erreichte, 

ob es am Landesgericht Feldkirch 

Unterlagen über die versuchte Flucht von 

Edith Meyer und Heinrich Heinen gebe. 

Wenig später meldete sich ein weiterer 

Geschichtsforscher, Holger Berschel, 

mit einem ähnlichen Anliegen. Im Jahre 

2005 stieß Dür dann bei Recherchen für 

eine Jubiläumsschrift des Landesgerichts 

auf erste Unterlagen, drei Jahre später 

auf weitere Dokumente. Mit dem Buch 

versucht er nach eigenem Bekunden 

aufzuzeigen, „welch großes Leid die 

nationalsozialistische Rassenpolitik über 

Tausende von Menschen brachte, und 

wie schwierig es in jener verhängnisvollen 

Zeit war, dem Herrschaftsapparat des 

Nationalsozialismus zu entfl iehen“. 

Das „vorrangigste Ziel“ der Veröffentlichung 

bestehe darin, „die bedrückende 

und berührende Geschichte von Heinrich 

Hansen und Edith Meyer in das Gedächtnis 

der Gegenwart zurückzuholen und 

das Schicksal dieses Liebespaares vor dem 

Vergessen zu bewahren“. 

Zahlreiche Fotos und Dokumente hat 

Dür in sein Buch hineingenommen. An 

geeigneter Stelle nimmt er Bezug auf die 

weitverzweigte NS-Forschung und auf 

Zeitzeugenberichte wie diejenigen von 

Victor Klemperer. 

Und: Der Autor schreibt auf eine sehr 

anschauliche Art. Dem Buch ist die größtmögliche 

Verbreitung nicht zuletzt im 

Bergischen Land zu wünschen. 

Matthias Dohmen 

Foto: Dohmen 

www.zeit.de/2012/10/Oe-Duer 

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Geschichtsbücher, Buchgeschichten 

Vorgestellt von Matthias Dohmen 

Bilder der Beatles, der Rolling Stones und 

von Twiggy leiten das Buch „Swinging London“ 

von Rainer Metzger ein. Sowohl der 

Frau ohne Busen als auch den Rollenden 

Steinen und den Pilzköpfen begegnen wir 

in dem mit 342 Abbildungen versehenen 

Werk noch öfter, aber auch dem Musical 

„Hair“, den Bond-Filmen, dem Streifen 

„Blow-Up“, Jimy Hendrix, dem Minirock, 

für den demonstriert wurde, dem EM- 

Fußballfi nale 1966 und Christine Keeler, 

die zu kennen einen britischen Verteidigungsminister 

sein Amt kostete. Auch die 

großen Aktionen der Friedensbewegung fi 

nden in Text und Bild ihren Niederschlag. 

Ein grandioses Werk, das Personen und 

Vorgänge wieder lebendig werden lässt, die 

einem gut, weniger gut oder auch schon gar 

nicht mehr in Erinnerung waren. Verdienstvoll: 

ein Personenregister und auf zehn 

Seiten rund 160 Kurzbiographien etwa von 

Ursula Andress und Michelangelo Antonioni, 

Samuel Beckett und Petula Clark, 

Sean Connery und Aldous Huxley, Stanley 

Kubrick und Doris Lessing, Yoko Ono und 

John Osborne, Vanessa Redgrave und Peter 

Sellars oder der Musikgruppen The Kinks, 

Pink Floyd, The Shadows und The Who 

sowie der Comedy-Truppe Monty Python. 

Christian Brandstätter, Swinging London. 

Kunst & Kultur in der Weltstadt der 60er 

Jahre, München: Deutscher Taschenbuchverlag 

2011 (= dtv, Bd. 34714). 368 S., 29,90 Euro 

Im Osten „westlich sozialisiert zu werden“, 

„jedoch ohne die sich im Westen 

etablierende Vorstellungen von der Integration 

in die noch zu schaffende Demokratie 

kritiklos zu akzeptieren, so etwas 

ging damals wohl nur in und um Berlin“. 

Das schreibt die prominente Historikerin 

Helga Grebing in ihren sehr persönlich 

gehaltenen Erinnerungen, die unter dem 

Titel „Freiheit, die ich meinte“ erschienen 

sind, über die unmittelbare Nachkriegszeit. 

Das Arbeiterkind kokettiert mit 

der CDU, verehrt zeitweise den streng 

marxistischen Geschichtswissenschaftler 

Alfred Meusel, überwirft sich aber mit 

der SED und geht mit einem sozialdemokratischen 

Parteibuch von der östlichen 

Humboldt- an die westliche Freie Universität.Sie 

hat in allen Phasen ihres Lebens 

ihren eigenen Kopf bewahrt. Grebing 

hat sie noch alle kennengelernt und bei 

ihnen gehört: Fritz Rörig, Fritz Hartung, 

Ernst Niekisch und Hans Rosenberg. 

Im Schmelztiegel der alten gedrittelten 

und später geviertelten Reichshauptstadt 

trifft sie auch auf Gerhard A. Ritter. Für 

weitere Aufl agen, die Prof. Dr. Grebing 

und dem Verlag unbedingt zu gönnen 

sind, wünscht sich der Rezensent ein 

Personenregister. 

Helga Grebing, Freiheit, die ich meinte. 

Erinnerungen an Berlin, Berlin: vbb 2012, 

176 S., 19,95 Euro 

Pars pro toto: Was im Regierungsbezirk 

Münster den Verfolgten des Naziregimes 

nach der Befreiung angetan wurde (ein 

2001 in zweiter Aufl age erschienenes Buch 

spricht im Untertitel vom „Kleinkrieg 

gegen die Opfer“), geschah sehr vielen Antifaschisten. 

„Bürokratische Bewältigung“ 

heißt denn auch zutreffend die Studie von 

Julia Volmer-Neumann. Sozialdemokraten, 

Kommunisten, CDU-Leute, Katholiken 

und Juden umfassten die ersten 

Zusammenschlüsse etwa im Rahmen 

des Landesvorstands der nordrheinwestfälischen 

VVN (S. 106 f.), bevor es im 

Kalten Krieg zu Konkurrenzgründungen 

und letztlich zu einer „Fragmentierung 

der Interessenvertretung der Verfolgten“ 

(S. 111) kam. Diagramme und zahlreiche 

Abbildungen führen zu großer Anschaulichkeit, 

etwa bei der Wiedergabe einer 

Karikatur unter der Überschrift „Mensch, 

ärgere dich nicht über die Wiedergutmachung“. 

Fazit der Autorin: Die NRW– wie 

die bundesdeutsche Entschädigung war 

„angesichts des quantitativen und qualitativen 

Ausmaßes der nationalsozialistischen 

Verfolgungstaten unzureichend und 

unangemessen“(S. 477). 

Julia Volmer-Naumann, Bürokratische 

Bewältigung. Entschädigung für nationalsozialistisch 

Verfolgte im Regierungsbezirk 

Münster, Essen: Klartext 2012 (= Villa ten 

Hompel, Bd. 10), 507 S., 42,00 Euro

Neue Kunstbücher 

Zur Sprache der Architektur 

vorgestellt von Thomas Hirsch 

Mit der Architektur ist es so eine Sache. 

Einerseits ist sie funktional bestimmt, 

andererseits folgt sie der ästhetischen 

Handschrift zwischen Pragmatismus und 

Vision: Die Disziplin Architektur nimmt 

einen leicht ungeklärten Status innerhalb 

der Künste ein, zu denen sie zweifelsohne 

gehört. Bereits Giorgio Vasari hat sie in 

seine Beschreibungen aufgenommen. Die 

Zuordnung zur Kunst bestätigen Doppelbegabungen 

wie Brunelleschi oder Richard 

Buckminster Fuller. Eine weitere Dimension 

der Wertschätzung ist in der jüngsten 

Zeit hinzugekommen, mit der Defi nition 

als Stararchitekt. Aber was ist das: Ein 

Architekt, der in Zeiten, in denen die 

Umrundung der Erde ein Katzensprung 

ist, global Zeichen setzt? Der mit seinen 

Entwürfen das innerstädtische Bild prägt 

und zu dessen Attraktivität beiträgt? Gut 

für den Tourismus sind Gebäude von Gaudí 

und Friedensreich Hundertwasser und 

Frank Gehry. Dabei partizipieren Baumeister 

an Kunststilen und prägen ihrerseits 

diese mit. Einzelne Architekten entwerfen 

aber auch Gebäude, die sich nicht (auf 

Dauer) realisieren lassen, also ein hohes 

Maß künstlerischer Konzeption tragen. 

Folglich ist die Kenntnis von Architektur 

Teil des Grundwissens zur aktuellen 

Kunst. Neben den kunsthistorischen 

Owen Hopkins, Architektur. Das Bildwörterbuch, 

175 S., durchgehend bebildert, Klappenbroschur, 

27 x 21 cm, DVA, 29,99 Euro 

Standardwerken erweist sich dabei ein 

neu erschienenes Buch im dtv-Verlag als 

hilfreich. Architektur. Das Bildwörterbuch 

des britischen Architekturhistorikers 

Owen Hopkins ist knapp, verständlich 

und anschaulich. Anhand von Risszeichnungen 

und beschrifteten Detailaufnahmen 

von Bauelementen werden die 

Begriffe der Verständigung geklärt und im 

Glossar ein wenig vertieft. Gut sind die 

Bildbeispiele, die von der Antike bis in unsere 

Gegenwart reichen, wobei es sich aber 

lediglich um westliche Sakral-, Repräsentations- 

und Profanbauten handelt. Und 

man darf nicht zu viel an Hintergrundinformationen 

erwarten – es geht ums 

Grundsätzliche, da leistet das Buch von 

Hopkins ganze Arbeit. 

Deutsches Architekturmuseum (Hg.), dt./engl. 

Das Architekturmodell – Werkzeug, Fetisch, 

Kleine Utopie, 360 S., durchgehend bebildert, 

Hardcover mit Schutzumschlag, 30,5 x 

23 cm, Scheidegger & Spiess, 65,- Euro 

Ein weiteres Überblicks-Buch auf dem 

Feld der Architektur ist mit seinem 

Erscheinen bereits ein Standardwerk. Das 

Architekturmodell, herausgegeben zu 

einer Ausstellung im Deutschen Architekturmuseum 

in Frankfurt/M., widmet sich 

dieser kleindimensionierten plastischen 

Darstellung zwischen beiläufi ger Skizze 

und differenzierter Ausformulierung, 

sei es als Klärung für das eigene Büro 

oder als attraktive Veranschaulichung 

im Wettbewerb und für den Bauherren. 

Zur Notwendigkeit dieses Buches muss 

man wissen, dass das Architekturmo- 

dell (ähnlich der Architekturfotografi e) 

lange nicht besonders beachtet wurde: Es 

besaß temporäre dienende Relevanz. Das 

Buch, das sich auf die letzten hundert 

Jahre konzentriert, trägt den verschiedenen 

Ausformulierungen Rechnung, 

es differenziert sehr fein, thematisiert 

das utopische Potenzial und spricht das 

Verhältnis von Entwurf und Umsetzung 

an, indem es Ansichten der fertigen Gebäude 

integriert. Wahrscheinlich wurde 

keines der wichtigen zeitgenössischen 

Architekturbüros vergessen. Das Verdienst 

dieses monumentalen Buches ist zugleich 

sein Fluch: Es ist eine Pioniertat, aber im 

strengen Aufl isten ist es des Guten zu viel. 

Und auch wenn Scheidegger & Spiess 

zu den besten Verlagen für Kunst gehört, 

hier bleibt der sinnliche Reiz auf der 

Strecke. Vielleicht aber ist das bei dieser 

Art Lexikon zu viel verlangt. 

Eine wieder andere Annäherung an 

Architektur demonstriert das Buch 

The Watermill Center, erschienen im 

ambitionierten DACO Verlag. Es widmet 

sich nur einem Gebäude und vor allem 

seinem Innenleben. Anlässlich des 70. 

Geburtstags von Robert Wilson und des 

20. Gründungstages des Watermill Centers 

– das der weltberühmte Bühnenregisseur, 

der über Jerome Robbins hierher 

kam, auf Long Island realisiert hat – ist 

diese Dokumentation mit einer Menge 

an Texten und Fotos zugleich als eine 

J. E. Macián u.a. , The Watermill Center – 

Robert Wilson‘s Legacy, engl., 360 S. mit ca. 

470 üwg. farb. Abb., Leinen mit Schutzumschlag, 

28,5 x 24,5 cm, DACO, 78,- Euro 

67

68 

Art Festschrift für Wilson erschienen. 

Dabei ist das Buch wie das Watermill 

Center wohl sein wird: Es ist monumental, 

von einer pulsierenden Unruhe, 

eine komplexe Sache mit verschiedenen 

Abteilungen. The Watermill Center ist 

nicht der verwunschene Rückzugsort für 

Künstler oder eingeschworene Compagnien, 

sondern mehr eine geradlinige 

Elite-Uni heutigen Zuschnitts. Und alle 

waren schon da, die Pop-Musiker, die 

Künstler, all das wird hier gezeigt, auch 

die Kunstsammlung, die in den cleanen 

Funktionshallen leicht deplatziert wirkt. 

Das also soll die Zukunft und das Erbe 

von Robert Wilson sein, diesem großen 

Bühnen-Magier und Grenzgänger zwischen 

Bildender Kunst und Oper? Am 

solide gemachten Buch liegt es nicht. 

Aber je öfter Wilson selbst abgebildet 

ist, desto unpräziser wird seine Kontur. 

Die Architektur wird dabei zur funktionstüchtigen 

Hülle. Eines erkennen wir 

am Ende: Die Kunst von Robert Wilson 

fi ndet woanders statt. 

Doch zurück zur Architektur als Architektur. 

Zu den aktuell wichtigen Baumeistern 

aus der weiten Welt gehört der 

Portugiese Eduardo Souto de Moura, 

der bei Álvaro Siza und Aldo Rossi 

gelernt und selbst 2011 den Pritzker-Preis 

erhalten hat, das ist eine Art Nobelpreis 

für Architekten. Souto de Moura lässt die 

Fassaden kippen und verwirklicht dies bei 

unterschiedlichen Funktionstypen, dies 

reicht von Fabrikanlagen bis zu Fußballstadien. 

Ein angenehm handliches Buch 

stellt nun Souto de Mouras Baukunst auf 

relativ indirekte Weise vor. Es zeigt sein 

Archiv- und Bildermaterial, das an die 

Wand gepinnt ist, seien es Postkarten, 

Zeitungsschnipsel mit Bewegungsstudien, 

Fotos von Kunstwerken oder die 

eigenen Skizzen: Das ist der Kosmos, aus 

dem heraus er seine Architektur gewinnt. 

Leider sind die profunden, das Buch 

noch strukturierenden Texte lediglich 

in Englisch, aber Lars Müller Publishers 

versteht sich als internationaler Verlag mit 

einem theoriebestimmten Schwerpunkt 

auf Architektur. Und wenn man sich in 

das Buch zu Souto de Moura eindenkt, 

kommt man sehr auf seine Kosten. 

Immer wieder sind seine Bauten selbst 

zu sehen. Zugleich entstehen aus den 

Floating Images – Eduardo Souto de 

Moura‘s Wall Atlas, engl., 160 S. mit 202 

üwg. farb. Abb., Hardcover, 21,5 x 15 cm, 

Lars Müller Publishers, 38,- Euro 

Gegenüberstellungen aus unterschiedlichen 

visuellen Bereichen Typologien, die 

Grundsätzliches zu Fragen des Bauens 

mitteilen. Was wir hier sehen, ist ein 

Kompendium möglicher Bauformen im 

Kontext eines Architekten: ein intellektuelles 

Vergnügen. 

Ähnlich komplex ist das Buch Imagining 

the House des chinesischen Architekten 

Wang Shu. Auch er ist ein hochdeko- 

Wang Shu – Imagining the House, engl. 

168 S. mit 83 s/w Abb., Softcover mit 

japanischer Bindung, 29,5 x 24 cm, Lars 

Müller Publishers, 50,- Euro 

rierter Baumeister, auch er wurde mit 

dem Pritzker-Preis ausgezeichnet. Seine 

Sache sind einfache Bauten mit teils 

wiederverwendeten Materialien. Die 

fadengebundene Publikation setzt aber 

davor an; sie zeigt, wie Denken in der 

Architektur abläuft. Die erste Feststellung 

beim Blättern: Weiße Seiten. Diese 

müssen geöffnet werden. Dann sieht man 

handschriftliche Zeichnungen in unterschiedlichen 

Baustadien und Perspektiven, 

eingeleitet jeweils durch eine knappe 

Werkbeschreibung und einige Fotografi - 

en. Vorgestellt werden sechs Bauprojekte 

(die noch nicht alle realisiert sind), und 

deutlich wird, wie Wang Shu vorgeht, 

wie wichtig ihm der Ort selbst ist und 

wie er von diesem und seiner Umgebung 

ausgehend zu seinen Bauten fi ndet. Und 

hat man sich in die Zeichnungen eingesehen, 

dann werden auch die Gebäude 

selbst vorstellbar. Das Verdienst dieses 

Buches ist die direkte Sinnlichkeit in der 

Enthaltsamkeit. Architektur hat immer 

auch mit Partizipation zu tun.

Terra incognita – Bosnien 

„Mert, ein Deutschtürke im Abseits“. 

Von Safeta Obhodjas. 

1992 verließ Safeta Obhodjas ihre Heimat 

Bosnien, weil sie dort als Autorin nicht 

erwünscht war. In Wuppertal, ihrem neuen 

Zuhause, hat sie in den letzten Jahren ein 

neues Thema gefunden: die Probleme der 

Jugendlichen mit Migrationshintergrund. 

Nach einer Reihe von Büchern, die sich mit 

den Erfahrungen islamischer Frauen auseinander 

setzten, mit dem Leben in Bosnien vor 

und nach dem Krieg, gibt es im Leben von 

Safeta Obhodjas einen neuen Schwerpunkt: 

die Arbeit mit Jugendlichen. Sie geht an die 

Schulen, um aus ihren Werken zu lesen, sie 

bietet Workshops an, in denen gezielt Themen 

diskutiert werden, die den Jugendlichen 

unterschiedlichster Herkunft an die Nieren 

gehen: Integration, Mobbing oder auch der 

Druck der Tradition, der auf Kindern aus 

Einwandererfamilien lastet. 

Voll Stolz erzählt sie: „Letzten Sommer 

entstand in einem Workshop aus einer 

meiner Geschichten das Theaterstück ,Die 

Wahrheit hat kurze Beine‘. Es handelt von 

zwei Familien, die nach Deutschland gekommen 

sind. Während aber die eine Familie gut 

integriert ist – die Frau hat eine Arbeit als 

Apothekerin, und ihr Mann hat auch einen 

guten Job – hat die andere Familie, die der 

Schwester der Apothekerin, diesen Schritt 

nicht getan und ist in ihrem traditionellen 

Ghetto hängen geblieben“ Das Stück wurde 

beim Jungen Theaterfestival Wuppertal 

gezeigt und ist sehr gut angekommen. 

Deutschtürken im Abseits 

Auch die Grundlagen zu ihrem jüngsten 

Roman „Mert, ein Deutschtürke im Abseits“ 

entstammen der Arbeit mit Jugendlichen, 

wobei Sport, Fairness im Sport und die Rolle 

des Sports in der Integration ein wichtiges 

Thema sind. „Einmal“, so erzählt sie im Interview, 

„hatte ich in Duisburg eine Lesung. 

Per Zufall fi elen mir zwei Tickets zu einem 

Fußballturnier in die Hand. Veranstalter war 

ein deutschtürkischer Verein. Ich konnte gar 

nicht glauben, was ich da lesen musste. Auf 

dem gelben Zettel stand Frauen, Behinderte, 

Kinder und ich glaube auch Jugendliche 

6 Euro, auf dem anderen Ticket stand 

nur ,Erwachsene‘. Ich habe mich furchtbar 

aufgeregt, aber keiner hat den Grund 

verstanden. Und dann hab ich überlegt, was 

passiert, wenn eine Frau gegen so ein Ticket 

protestiert und sagt, das geht nicht so. Das 

war der Grundanstoß, ,Mert‘ zu schreiben.“ 

Noch eine andere Überlegung war für sie 

ausschlaggebend: „Es gibt so viele Bücher 

zum Thema Betroffenheit der Frauen in 

Familie und Tradition. Aber niemand spricht 

von Jungs, was die erleben, wenn sie unter 

Druck gesetzt werden, wenn sie eine Frau 

heiraten sollen, die sie gar nicht kennen, oder 

wenn man sie zwingt, die Schule zu verlassen. 

Damit ist die Entscheidung gefallen: Ich 

schreibe ein Buch über die Probleme eines 

Jungen, aus der Sicht des Jungen.“ 

Erfolg bei Jugendlichen 

Der Junge heißt Mert Seyder. Er ist 16, sieht 

gut aus, hat etwas im Köpfchen und ist ein 

sehr guter Fußballspieler. Die Mädchen bewundern 

ihn, jede will mit ihm gehen. Nur 

sie nicht, Enisa, obwohl Mert seinen ganzen 

Charme spielen lässt. Und dann taucht auch 

noch Onkel Riza auf, der Bruder seines 

verstorbenen Vaters, der seine ganz eigenen 

Pläne für Mert hat: eine traditionelle Hochzeit, 

Hand in Hand mit einer hohen Position 

im Familienclan. 

Das Schreiben war kein Problem. „Die 

Sätze, die Probleme, die Reaktionen kannte 

ich doch aus meinen Kontakten mit den 

jungen Leuten. Das Buch kam bei ihnen 

auch sehr gut an. Aber einen Verlag zu 

fi nden, das war ein wirkliches Problem!“, 

erzählt Safeta Obhodjas. „Erst ein kleiner 

Münsteraner Verlag hat sich von meinen 

Argumenten überzeugen lassen, dass nicht 

nur ich etwas Gedrucktes in der Hand haben 

will, wenn ich in die Schulen gehe und 

lese, sondern dass auch die Lehrer froh und 

dankbar sind, wenn sie mit ihren Schülern 

einen Stoff beackern können, der aus dem 

Erlebnisbereich der jungen Leute stammt. 

Und die Erlebnisse bei solchen Schulauftritten 

geben mir durchaus recht: Die jungen 

Leute melden sich zu Wort, diskutieren 

mit mir, haben Ideen, wie die Geschichte 

anders weiter gehen könnte. Sie haben eine 

profunde Meinung zu den dargestellten 

Problemen.“ 

Sport integriert nicht 

Dass Sport nicht der einzige Weg zu einer 

erfolgreichen Integration sein kann, haben 

die Jugendlichen sehr schnell erkannt – 

einerseits, weil Mädchen als aktive Partner 

selten oder überhaupt nicht vorkommen, 

andrerseits, weil der Sport – „also im 

wesentlichen Fußball“ – die latente Gewalt 

nicht kanalisiert, sondern sie im Gegenteil 

eskalieren lässt. 

„Wie oft habe gehört, wie die eine Mannschaft 

den Gegnern zurief: ,Wir killen euch‘, 

oder ,Wir bringen euch um‘. Das zeigt doch, 

dass Sport alleine, ohne die Einbeziehung 

des Wortes bzw. des Denkens in die falsche 

Richtung weist. Wenn das Wort nicht beachtet 

wird, die Integration durch das Erlernen 

der Sprache, dann entstehen Ghettos, in 

denen die Menschen zwar für sich und ohne 

Störungen leben können, aber ihre Kinder 

haben, wenn sie erwachsen sind, in der deutschen 

Gesellschaft keine Chance!“ 

Safeta Obhodjas arbeitet ganz bewusst 

diesem Trend entgegen. „Ich muss mich als 

verantwortungsbewusste Autorin vor allem 

mit den Problemen der jungen Menschen 

mit Migrationshintergrund widmen und 

ihnen Material in die Hand geben, in dem 

sie ihre eigene Geschichte wieder fi nden 

können. In diesem Sinne habe ich auch eine 

Erzählung zum Thema Mobbing geschrieben.“ 

Erfreulich, dass der Verkauf ihres 

ersten Jugendbuches vor allem übers Internet 

funktioniert, was sie als Reaktion eines jungen 

interessierten Publikums deutet. 

Friederike Raderer 

www.safetaobhodjas.de 


Mert, ein Deutschtürke 

im Abseits 

Ate 


„Mert, ein Deutschtürke im Abseits“ 

AT-Verlag Münster 2012, 167 Seiten 

ISBN 3-89781-209-3 

69

70 

Kulturnotizen 

Von der Heydt-Kunsthalle Barmen 

Tatjana Valsang – Archipel 

3. März – 26. Mai 2013 

Abstrakte Malerei inszeniert auf meist 

großformatigen Leinwänden ein komplexes 

Zusammenspiel von Farbe, Form und 

Bildraum. In den neuen Arbeiten sind es 

häufi g von klar umrissenen Formen überlagerte 

Wellenformationen, die den Bildraum 

organisieren, ihm Tiefe, Bewegung und 

Dynamik verleihen. Die in Wuppertal 

lebende Künstlerin Tatjana Valsang (*1963) 

studierte an der Düsseldorfer Kunstakademie 

als Meisterschülerin bei Dieter Krieg. 

Wir zeigen ihre großformatigen Bilder aus 

den Jahren 2009-2012. 

Tatjana Valsang, Karte, 2012 

Von der Heydt-Kunsthalle 

Geschw.-Scholl-Platz, 42275 Wuppertal 

www.von-der-heydt-kunsthalle.de 


Wir zeigen „Highlights“ aus dem 

19. Jahrhundert bis zur Gegenwart sowie 

„Alte Meister - von Dürer bis Goya“ mit 

Werken ab dem 16. Jahrhundert. 

Die aktuelle Auswahl zeigt neue Zusammenhänge 

und Parallelen auf, lässt 

bekannte Gemälde in neuem Licht 

erscheinen und setzt Schwerpunkte: 

Unter den Highlights sind Spitzwegs 

biedermeierliche Idyllen, die im Vergleich 

zu den Stillleben- und Porträtstudien der 

Münchner Feinmaler Wilhelm Leibl und 

Otto Scholderer zu sehen sind. 


Turmhof 8, 42103 Wuppertal 


Museum Kunstpalast Düsseldorf 

Wolfgang Tillmans: 

Düsseldorf Raum 2001-2007 

(Sammlung Stadtsparkasse Düsseldorf) 

bis zum 5. Mai 2013 

Der 1968 in Remscheid geborene, 

international renommierte Künstler hat 

im Jahr 2008 eigens für das Museum 

Kunstpalast eine 12-teilige Installation 

mit dem Titel „Düsseldorf Raum 2001- 

2007“ entwickelt. Die Installation besteht 

aus unterschiedlich großen Fotos, die 

Tillmans in seinem direkten Lebens- und 

Arbeitsumfeld aufgenommen hat und 

die er in einer fragilen Rauminszenierung 

präsentiert. Die Bilder und ihre Beziehungen 

untereinander weisen auf eine 

mögliche Aufl ösung von Gegenständlichkeit 

hin. Sie zeigen Stillleben, alltägliche 

Szenen und Bilder im Bild, denen Abstraktion 

und eine überraschende Räumlichkeit 

innewohnen. 

Stiftung Museum Kunstpalast 

Ehrenhof 4-5, 40479 Düsseldorf 

www.smkp.de 

Eine weitere Tillmans-Ausstellung 

Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen 

Wolfgang Tillmans 

2. März - 7. Juli.2013 – K21 Ständehaus 

Die Kunstsammlung Nordrhein- 

Westfalen zeigt eine Überblicksausstellung 

des international gefeierten Fotografen 

Wolfgang Tillmans (geb. 1968). 

Zur Bandbreite seiner künstlerischen 

Arbeit gehören neben Porträts, Interieurs, 

Landschaften und Stillleben seine in der 

Dunkelkammer entstandenen abstrakten 

Bilder, Videoarbeiten, Tischinstallationen 

und die zuletzt auf Reisen aufgenommenen 

Neue Welt-Bilder. Dabei verbindet 

Wolfgang Tillmans mit seinen Arbeiten 

neben einem ästhetischen immer auch ein 

grundsätzliches Interesse an gesellschaftspolitischen 

Themen. 

Mit seinen Arbeiten hat Wolfgang 

Tillmans nicht nur eine neue Bildsprache 

der Fotografi e entwickelt, sondern auch 

eine eigene Präsentationsform geschaffen. 

Wolfgang Tillmans wird mit seiner 

Ausstellung in der Kunstsammlung 

Nordrhein-Westfalen einen Überblick 

über sein zwanzigjähriges Schaffen bieten 

und mit einer präzise entwickelten 

Gesamtkomposition auf den spezifi schen 

Ausstellungsort des ehemaligen Ständehauses 

genauso reagieren wie auf die 

herausragende Sammlung. 

Wolfgang Tillmans, after party, © 2002, 

courtesy Galerie Buchholz, Köln/Berlin 

Wolfgang Tillmans, 2009, © courtesy 

Galerie Buchholz, Köln/Berlin 

K21 STÄNDEHAUS 

Ständehausstraße 1, 40217 Düsseldorf 

www.kunstsammlung.de

Museum Kurhaus / Kleve 

Mein Rasierspiegel fehlt 

Sammlung – Von Holthuys bis Beuys 

noch bis zum 7. April 2013 

Seit dem 9. September 2012 öffnet 

das erweiterte Museum Kurhaus Kleve 

– Ewald Mataré-Sammlung wieder seine 

Türen für das Publikum. Erstmals zu 

erleben ist dann nicht nur ein neuer Museumsteil, 

das restaurierte sog. „Friedrich- 

Wilhelm-Bad“ mit dem Atelier von 

Joseph Beuys, sondern auch die Sammlung 

des Museum Kurhaus Kleve in allen 

ihren Facetten. Die Eröffnungsausstellung 

trägt den Titel „Mein Rasierspiegel“ und 

umfasst Meisterwerke vom Mittelalter bis 

zur Gegenwart. 

Ein großer Teil der Ausstellung ist 

Joseph Beuys gewidmet, der von 1957 bis 

1964 in dem leerstehenden Gebäude sein 

Atelier hatte. In dieser Zeit entstand auch 

das „Büdericher Ehrenmal“ (1958-59). 

www.museumkurhaus.de 

Joseph Beuys, Ohne Titel (Mein Kölner 

Dom), 1980, Foto: © VG Bild-Kunst, Bonn 

2012, für Joseph Beuys 

Man Ray: les mannequins, / ‘resurrection Des 

Mannequins', ‘Mannequins présentés á l'Exposition 

Surréaliste de 1938', Verlag Jean Petithory, 

Paris 1966, Ex. H.C., © Man Ray Trust, 

Paris / VG Bild-Kunst, Bonn 2012 

Museum Ludwig Köln 

Man Ray 

Fritz Gruber Archiv. Das besondere Archiv 

einer außergewöhnlichen Freundschaft 

Bis zum 5. Mai 2013 

Im September 2012 konnte das Museum 

Ludwig dank der Unterstützung der 

Kulturstiftung der Länder und der Kunststiftung 

NRW das Man Ray-Archiv von Renate 

und L. Fritz Gruber erwerben, die auf eine 

jahrzehntelange Freundschaft zwischen Man 

Ray und dem Ehepaar Gruber zurückgeht 

und aus einer Sammlung von Arbeiten, 

Archivalien, Korrespondenzen, Objekten 

und signierten Ausstellungspublikationen 

besteht. 

Eine Besonderheit bildet ein Konvolut von 

50 Repro-Kontaktabzügen mit Porträts von 

Lee Miller, Jean Cocteau, Max Ernst, Pablo 

Picasso, Dora Maar und vielen anderen der 

bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts; 

denn diese hat Man Ray eigenhändig 

mit „Evaluationszahlen“ seiner persönlichen 

Wertschätzung bedacht. Außerdem erhält 

die Sammlung eine Reihe von 37 Kontaktabzügen 

von Rayographien Man Rays, die 

für die Man Ray-Forschung von größter 

Bedeutung sind. 

Diese persönliche, außergewöhnliche 

Sammlung eines der größten Fotokünstler 

des 20. Jahrhunderts wird in Kombination 

mit Porträtfotografi en Man Rays aus der 

Sammlung des Museum Ludwig im Grafi - 

schen Kabinett präsentiert. 

www.museum-ludwig.de 

Leopold-Hoesch-Museum Düren 

„ZERO auf Papier“ 

bis zum 17. Februar 2013 

Die Ausstellung „ZERO auf Papier“ 

im Leopold-Hoesch-Museum & 

Papiermuseum Düren dokumentiert 

die Aktivitäten und den Werdegang der 

internationalen Kunstbewegung ZERO 

um die drei Künstler Otto Piene, Heinz 

Mack und Günther Uecker in den 1950er 

und 60er Jahren. Neben Kunstwerken der 

beteiligten Künstler illustrieren Ausstellungsplakate, 

Einladungskarten, Fotos, 

persönliche Briefe und ein Film die vielfältigen 

Aktionen der ZERO-Künstler, die 

eine konsequente Erneuerung der Kunst 

forderten. 

Die von Heinz Mack und Otto Piene 

im Jahr 1958 herausgegebenen ersten 

beiden Ausgaben der Zeitschrift ZERO 

wurden für die internationale Kunstbewegung 

zum Manifest einer künstlerischen 

Neuausrichtung der Neo-Avantgarde. 

Durch die zahlreichen positiven Rückmeldungen 

von Künstlern und Kunstkritikern 

entschieden sich Mack und Piene, eine 

umfassende dritte Ausgabe der Zeitschrift 

zu konzipieren, die in der Düsseldorfer 

Galerie Schmela im Jahr 1961 präsentiert 

wurde. Die drei seit Jahrzehnten vergriffenen 

Zeitschriften wurden von der 

ZERO foundation Düsseldorf jetzt neu 

herausgegeben und im Rahmen der Ausstellungseröffnung 

erstmalig präsentiert. 

Die limitierte Sonderedition der faksimilierten 

ZERO-Zeitschriften (1958-1961) 

erscheint mit signierten und nummerierten 

Editionen von Heinz Mack und Otto 

Piene und wird in einem von den Künstlern 

gestalteten Schuber offeriert. Der 

Nachdruck der Ausgaben wird von einem 

Buch begleitet, in dem die Ergebnisse eines 

wissenschaftlichen Forschungsprojekts 

zu den ZERO-Zeitschriften veröffentlicht 

werden. 

www.leopoldhoeschmuseum.de 

71

72 

Kulturnotizen 

Tokio: 

Chicago Tentett am Ende 

Vor wenigen Wochen gab Peter Brötzmann 

mit seinem Chicago Tentett in 

Berlin einen Tag nach Ende des 2012er 

Jazzfestes, noch ein gefeiertes Konzert. 

Doch als Pressemitteilung von Brötzmann 

aus Tokio kam nun die Nachricht, dass 

Schluss sein soll. 14 Jahre seien genug, 

schreibt der Free-Jazz-Saxofonist und 

-Klarinettist, die Band habe ihr kreatives 

Hoch erreicht und könne nun nur noch 

schlechter werden. Die Routine drohe, 

was vielleicht durch eine Neubesetzung 

aufgefangen werden könnte. 

Peter Brötzmann macht Schluss mit seinem 

Chicago Tentett (Foto: Ziga Koritnik) 

Viel schlimmer sei jedoch, dass weder 

die deutsche noch die amerikanische 

Regierung bereit seien, diese hochkarätige 

transatlantische Band zu unterstützen. 

Besonders die Vorjahreskonzerte in London 

und Wuppertal seien unerreicht, 

schreibt der Wuppertaler Saxofonist, der 

mit der ungewöhnlichen Maßnahme 

die Mittelmäßigkeit unbedingt vermeiden 

möchte. Er brauche nun Zeit, um 

über die notwendigen Veränderungen 

nachzudenken, die fi nanzielle Situation 

sei wichtig und manchmal sei die Musik 

sogar von ihr bestimmt: 

„Wer es sich heute noch leisten kann, 

etwa mit einem Quintett auf Tour zu 

sein, der weiß, was ich meine.“ Man 

brauche jetzt: „,A kick in the ass' – oder 

wie wir auf Deutsch sagen: Verunsicherung.“ 

Bernarda Albas Haus 

Theaterproduktion der Akademie Remscheid, 

Premiere: 3. 2. 2013, 19:30 Uhr 

Die Akademie Remscheid lädt die Bürgerinnen 

und Bürger des Bergischen Landes 

herzlich ein, Zeugen eines innovativen 

Theaterprojekts zu werden: Elf angehende 

Theaterpädagogen/-innen werden das 

Stück „Bernarda Albas Haus“ von Federico 

Garcia Lorca auf die Bühne der Akademie 

Remscheid bringen. 

Unter der Regie von Kordula Lobeck 

de Fabris, Wuppertal, bekannt durch ihr 

Frauentheaternetzwerk „Unter Wasser 

fl iegen“ und zahlreiche multiethnische Jugendtheaterprojekte, 

entsteht eine moderne 

Fassung der Vorlage von Garcia Lorca: Bei 

ihm gibt es keine Männerrollen, in der 

aktuellen Inszenierung aber spielen zwei 

Männer mit. 

Die Schauspieler/-innen stehen im 

Mittelpunkt dieser Theaterarbeit. Sie spielen 

– anders als im traditionellen Sprechtheater 

– alle Rollen, wechseln in rasanten Tempi die 

Kostüme, tanzen und singen. Und ziehen 

die Zuschauer in einen Bann aus Bewegung, 

Bildern, Gesang und Stille. 

Zum Inhalt des Stücks: 

Was machen fünf junge Frauen, deren 

Vater gestorben ist und die acht Jahre lang 

das Haus nicht verlassen, keinen Mann zu 

Gesicht bekommen dürfen? Eine stren- 

ge Mutter und die alles kontrollierende 

Dorfgemeinschaft wachen über Anstand 

und Moral. Federico Garcia Lorca, der 

von Faschisten ermordete spanische 

Autor, schrieb das Stück über eine Witwe 

und ihre fünf heiratsfähigen Töchter vor 

mehr als 80 Jahren. Es gibt eine Vielzahl 

von inszenatorischen Interpretationen. 

Der Autor selbst beschreibt das Stück als 

andalusisches poetisches Drama ohne 

Verse, als fotografi sche Dokumentation 

einer Familie, als den Versuch, in einem 

universellen Theaterstück den Konfl ikt 

des Individuums mit der Gesellschaft 

auszudrücken. 

Zum pädagogischen Hintergrund: 

In zweimal zehn Tagen entsteht in diesem 

Theaterprojekt ein neues Stück zur Vorlage, 

dessen Inszenierungsweg auch auf die 

Bedingungen theaterpädagogischer Praxis 

übertragbar ist. Die Schauspieler/-innen 

werden deshalb im April diese Arbeit 

in einer theaterpädagogischen Vor- und 

Nachbereitung für interessierte Schulklassen 

vorstellen. Sie gehen in die Schulen, die 

Klassen kommen zur Aufführung in die 

Akademie Remscheid und tauschen sich 

im Anschluss auch mit dem Regieteam aus. 

Großer Saal der Akademie Remscheid. 

Eintritt frei. 

www.akademieremscheid.de 

Kreativ50plus 

an der Akademie Remscheid 

Raum zur Beschäftigung mit Ihren 

Ideen und Interessen. 

Bis Ostern können Sie sich ein Seminar 

wünschen. 

Das Seminarprogramm kreativ50plus 

an der Akademie Remscheid bietet allen 

Interessierten die Möglichkeit, sich ein 

Seminarthema zu wünschen. Bei 

www.kreativ50plus.de unter „Aktuelles“ 

können Sie mitteilen, welches Seminar 

Sie gerne im Programm sehen würden. 

Einer der Wünsche wird im Zeitraum vom

14.-18. 10. 2013 umgesetzt. Der Ideengeber 

sowie zwei weitere Teilnehmer 

gewinnen Freiplätze für das Seminar. 

Vorher können Sie in den Räumen der 

Akademie Remscheid die antike Maltechnik 

Enkaustik kennen lernen. Am 

Samstag, den 23. 2. lernen Einsteiger, 

wie man mit fl üssigem, farbigem Bienenwachs 

arbeiten kann. Am darauffolgenden 

Sonntag bietet sich die Möglichkeit, die 

Kenntnisse zu erweitern. 

Am Dienstag, den 26. Februar können 

sich Teilnehmer einen Tag lang im „Erzählen 

mit dem roten Faden“ üben. Mithilfe 

von spielerischen Übungen entwickeln sie 

ihre eigene Erzählung. 

Im März sind noch Plätze frei für die 

Einführung in die abstrakte Acrylmalerei 

(Termin:11.-15.03.2013) und für das 

Tango Café. Dort sollten Sie sich zu zweit 

anmelden, um Grundlagen des Tango 

Argentino erproben zu können (Termin: 

2. 3. 2013.). 

Weitere Informationen unter: 

www.kreativ50plus.de oder telefonisch 

unter 02191-794 212. 

Kontakt: 

kreativ50plus, 

Akademie Remscheid für kulturelle 

Bildung e.V. 

Imke Nagel, Programmleitung 

Anke Rauch, Organisation 

Küppelstein 34, 42857 Remscheid 

Telefon: 02191 794 212 (Anke Rauch) 

02191 794 200 (Imke Nagel) 

kreativ50plus@akademieremscheid. 

Müllers Maronetten-Theater 

Peterchens Mondfahrt 

nach Gerdt von Bassewitz, von Günther 

Weißenborn 

Der Maikäfer Herr Sumsemann 

erobert gemeinsam mit den Kindern 

Anneliese und Peter den Mond. Inszeniert 

mit den bezaubernden Marionetten von 

Ursula Müller-Weißenborn. 

Aufführungstermine: 

3., 9., 16., 17. und 24. Februar 2013 jeweils 

um 16.00 Uhr und am 27. Februar um 11 

Uhr 

Kleine Ente Plumps 

von Günther Weißenborn 

Jacob lebt bei seinem Opa, der Tubist 

im Orchester ist. Eines Tages bringt Jakob 

ein Ei nach Hause und nicht einmal der 

Opa weiss, ob das ein Hühnerei ist. Also 

ruft Jakob den Zoodirektor an, der leiht 

ihnen einen Brutapparat und nach kurzer 

Zeit sind Jakob und sein Großvater Papa 

und Uropa einer kleinen Ente, die es sich 

sogleich in Opas Tuba gemütlich einrichtet. 

Auch ein Räuber interessiert sich für die 

Ente, allerdings ist er so dumm, dass er sie 

für einen asiatischen Königsfl amingo hält. 

Da gerät er bei Jacob an den Richtigen! 


2., 3., 9., 10., 16. und 17. März 2013 

jeweils um 16.00 Uhr und am 13. März 

um 11 Uhr 

Eine kleine Hexe 

Theatermärchen von Günther Weißenborn 

Eigentlich ist sie eine liebe kleine Hexe 

und genau das ist ihr Fehler! Böse soll sie 

sein, so böse, wie Hexen nun mal sind. Und 

das ist ganz schön schwer für die kleine 

Hexe Lilienkraut. Aber sie hat ja Hilfe, den 

kleinen Drachen Rüdiger, der schon richtig 

Feuer spucken kann und der sich auch einmal 

so richtig schlecht benehmen möchte. 


24. und 29. März und am 1., 6., 13. und 

14. April 2013 jeweils um 16.00 Uhr. 

GEDOK Wuppertal 

Veranstaltungen 

Sonntag, 24. Februar 2013, 17:00 Uhr 

CityKirche Elberfeld, Kirchplatz 

Englische Komponist/Innen des 20. 

Jahrhunderts 

Sigrun Lefringhausen, Blockfl öte und Nina 

Julia Hildebrand, Klavier machen uns mit 

Werken von Ethel Smyth, Elisabeth Lutyens 

Stefanie Champion, Rebecca King, Peggy, 

Glanville-Hicks, Lennox Berkeley u. a. 

bekannt. Eintritt 8,00 / erm. 5,00 Euro 

Foto: www.kuenstleragentur-kade.de 

Vorankündigung Juni 2013 

Miriam Sabba Sopran sang die Rolle der 

„DIANA“ Anfang Oktober 2012 als Gast 

beim Tanztheater Wuppertal in „Iphigenie 

auf Tauris“. 

Wir konnten Miriam Sabba für einen 

französischen Liederabend im Juni 2013 

in der CityKirche Elberfeld gewinnen und 

freuen uns sehr auf ein Wiedersehen und 

-hören. Am Flügel wird sie von Michael 

Hänschke begleitet. 

www.gedok-wuppertal.de 

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Kulturnotizen 

Sonntag, 24. Februar, 18 Uhr, Pavillon 

differing movements 

Mit Werken von Gabriel Prokofi ev, Joe Cutler, 

Tan Dun, Detlev Glanert, Arvo Pärt, 

John Adams 

Es kommt Bewegung in den Pavillon – 

zeitgenössische Musik und Tanz fi nden 

zueinander. Mozart und Haydn haben 

Menuette geschrieben. Im 21. Jahrhundert 

heißen die Werke bei den Komponisten 

Gabriel Prokofi ev und Tan Dun hingegen 

Bogle Move und Black Dance. Und Folk 

Music des britischen Komponisten Joe 

Cutler ist eine zeitgemäße Umsetzung 

dessen, was der Titel vorgibt – lassen Sie 

sich überraschen. In Detlev Glanerts 2. 

Streichquartett verbergen sich vier Themen: 

Gesang, Schrei, Tanz und Flucht - zwei 

Äußerungsformen und zwei Bewegungsformen. 

Pas de Quatre ist ein fesselndes und 

spannungsreiches Werk mit einer klaren 

Sprache. Man kann den vier Themen 

folgen und wird gleichzeitig mit Musik 

konfrontiert, die einen im Innersten trifft. 

John Adams nannte seine Tänze für 

Streichquartett „alleged“ – vermeintlich, 

weil er meinte, dass die passenden Schrit 

te dazu noch ersonnen werden müssten. 

Die Tänzerin Szu-Wei Wu und der Tänzer 

Eddie Martinez (Mitglied Tanztheater Wuppertal 

Pina Bausch) werden den Pavillon 

Eddie Martinez (links) undSzu-Wei Wu 

in eine Bühne verwandeln und Ihre eigenen 

„Schritte“ und „movements“ zur Musik 

von John Adams und Arvo Pärt zeigen. 

7 Filme zur Kunst 

Zum zweiten Mal veranstaltet der Skulpturenpark 

Waldfrieden im Frühjahr 2013 

eine Filmreihe, deren Titel allerdings 

gegenüber dem vergangenen Jahr leicht 

verändert wurde: Aus „7 Dokumentarfi lme 

zur Kunst“ wurde schlicht „7 Filme 

zur Kunst“. Mit dieser Namensänderung 

verbindet sich die Absicht, das formale 

Spektrum des Programms zu erweitern. 

Außer Titeln, die einen inhaltlichen 

Bezug zur Bildenden Kunst haben, sollen 

auch solche Werke der Filmkunst 

präsentiert werden, die nicht ohne 

weiteres in das Genre der Dokumentation 

einzuordnen sind. Wie gewohnt fi nden 

die Projektionen im Café Podest im 

Skulpturenpark statt. 

Foto aus: One Way Boogie Woogie - 27 years later 

Freitag » 1. Februar 2013 » 20 Uhr 

Die Mühle und das Kreuz 


Carvaggio 


One Way Boogie Woogie - 27 years later 


Jean Tinguely 

Freitag » 1. März 2013 » 20 Uhr 

Tom 


W + B Hein - Materialfi lme 


Marina Abramovic: The Artist is present 

Weitere Informationen unter: 

www.skulpturenpark-waldfrieden.de 

Ausstellung im Skulpturenpark 

Jan Fabre 

Chalcosoma – Small bronzes 2006-2012 

22. März bis 2. Juni 2013 

Jan Fabre ist ein Multitalent – als solches 

hat er sich in der Welt der bildenden 

Kunst, der Performance, des Theaters und 

der Literatur einen Namen gemacht. Mit 

der Erforschung des eigenen Körpers und 

seiner Umwelt hinterfragt sich der Künstler 

beständig selber, die intensive Suche nach 

Antworten führt ihn durch unterschiedlichste 

Disziplinen und Ausdrucksformen. 

In seinem Werk erschafft er ereine eigene 

mythische Welt, in der er sich zudem mit 

der visionären Ästhetik der fl ämischen 

Meister befasst. 

Der Skulpturenpark Waldfrieden zeigt 

die Werkreihe „Chalcosoma – small bronzes 

2006-20012“, die 22 Exponate umfasst 

und in ihrem Abwechslungsreichtum 

das Gesamtwerk Jan Fabres verkörpert. 

Ihre Ungleichheit zeigt die unterschiedlichen 

Themen, die für Jan Fabre 

durch ein Netz von komplizierten Form- 

Vereinigungen und Symbolen von Bedeutung 

sind und erstreckt sich insbesondere 

auf die Wahl des Materials Bronze, die 

Jan Fabre, Skull Compass, Bronze, 2011, 

14 x 18 x 20 cm 

er für diese Skulpturen verwendet. Sie verschafft 

ihnen Beständigkeit und Würde. Sie 

nehmen den Anspruch von Kunstgegenständen, 

Büsten oder Standbildern auf, die 

von fortdauerndem Wert zu sein scheinen. 

Seine Bronzeskulpturen sind Collagen, 

Verbindungen von tierischen und menschlichen 

Elementen, der Natur und der Kultur, 

von Vergangenheit und Gegenwart. 

Jan Fabre wurde 1958 in Antwerpen 

geboren, wo er auch heute lebt und arbeitet. 

Er studierte am Municipal Fine Arts Institute 

of Decoractive Arts und an der Academy 

of Fine Arts in Antwerpen. Fabre wurde mit 

zahlreichen Preisen ausgezeichnet, u.a. dem 

Preis der fl ämischen Gesellschaft der Bildenden 

Künste und überdies zum Großoffi 

zier des belgischen Kronenordens ernannt. 

Sein Werk ist in international führenden 

Mussen vertreten. 

Jazz-Konzerte im Alten Pfandhaus 

Freitag, 15. Februar 2013 | 19:00 

Zildjian Sound Lab Sessions February 

2013 with Dennis Chambers 

»Konzert«

Dienstag, 12. März 2013 | 20:00 

Gloria Cooper German Quintett 

»The Transatlantic Jazz Connection« 

Gloria Cooper - piano, vocal | Heiner 

Wiberny - sax | Klaus Osterloh -trp | Jochen 

Schaal - b | Marcel Wasserfuhr - Drums 

Donnerstag, 14. März 2013 | 20:00 

Richard Bargel & The Erwin Helfer Trio 

»Mississippi Beat - Part 5« 

Erwin Helfer - piano | Katherine Davis - vocals 

| John Brumbach - sax | Richard Bargel 

- slide guit. & Moderation 

Sonntag, 17. März 2013 | 19:00 

Jazz-BigBand Graz - JBBG 

»Urban Folktales« 

www.altes-pfandhaus.de/veranstaltungen 

Deutsches Klingenmuseum 

Ausstellung 50 Jahre Besteckdesign 

in Deutschland 1950 bis 2000 

20. Januar– 30. Juni 2013 

Der Weltkrieg hinterließ nach 1945 in 

vielfacher Hinsicht ein riesiges Vakuum, 

auch in Bezug auf die Ausstattung der 

Haushalte. So war auch der Bedarf an 

neuem Besteck groß, und zugleich bot sich 

die Chance, das Thema Besteck „neu zu 

denken“. 

Obwohl sich traditionelle Formen und 

Dekore zum Teil bis heute hartnäckig 

halten, so gab und gibt es doch eine starke 

Bewegung zum Besteck der „neuen Zeit“: 

Die Proportionen änderten sich deutlich 

(kurze Messerklinge und kurze Gabelzinken, 

runde Laffen, lange Griffe), das 

Material musste bezahlbar und tauglich für 

die Herstellung in großen Mengen sein 

Entwurf von Heinrich Maxen, Solingen, 

um 1965, Hersteller Picard & Wielpütz, 

Solingen. 

(Edelstahl), die aufwendige Differenzierung 

in Tafel- und Dessertbesteck wurde zugunsten 

einer mittleren Größe (das sog. Mittelbesteck) 

aufgegeben. 

Die dicht bestückte Studienausstellung im 

Klingenmuseum präsentiert eine exemplarische 

Auswahl von rund 320 Besteckmustern 

aus deutscher Produktion; die gesamte 

Produktion betrug in dieser Zeit rund 2.000 

Muster. Selbstverständlich steht der gute, 

wegweisende Entwurf im Vordergrund, aber 

auch eher traditionelle Stilmittel wie Dekore 

oder Besteckgriffe und -hefte aus unterschiedlichem 

Material werden als zeittypische 

Erscheinungen gezeigt. 

Die ausgestellten Bestecke stammen 

aus der Sammlung Heinrich Averwerser, 

Burgdorf. 

Sinfonieorchester Wuppertal 

Konzerte Februar/März 2013 

07.02.2013 | 10:00 | 12:00 Uhr 

Stadthalle, Mendelssohn Saal 

2. Schulkonzert 

Karneval der Tiere 

17.02.2013 | 11:00 Uhr 

18.02.2013 | 20:00 Uhr 

Stadthalle, Großer Saal 

6. Sinfoniekonzert 

Wünsch dir was! 

10.03.2013 | 11:00 Uhr 


3. Familienkonzert 

Happy Birthday Sinfonieorchester 

Wuppertal 

11.03.2013 | 20:00 Uhr 

Stadthalle, Mendelssohn Saal 

4. Kammerkonzert 

17.03.2013 | 11:00 Uhr 



18.03.2013 | 20:00 Uhr 



29.03.2013 | 18:00 Uhr 


3. Chorkonzert 

So 24. Februar 2013 //// Opernhaus 

18:00 Uhr //// PREMIERE 

Ein Maskenball 

Oper von Giuseppe Verdi in ital. Sprache 

mit dt. Übertiteln. Mit öffentlicher Premierenfeier. 

Gustavo ist ein guter Herrscher, und 

doch ist eine Verschwörung gegen ihn 

im Gange. Als sein Vertrauter Renato 

ihn darauf aufmerksam macht, winkt er 

ab: Amelia, in die er verliebt ist, ist sein 

einziger Gedanke. Doch sie ist verheiratet 

– mit Renato. Politik wird zum Werkzeug 

seiner Rache, als der verzweifelte Renato 

den Verschwörern sich als Verbündeter 

anbietet. 

Fr 8. März 2013 //// Schauspielhaus 


Wie es Euch gefällt 

nach William Shakespeare 

Eine Produktion des Jugendclub I der 

Wuppertaler Bühnen. Mit öffentlicher 

Premierenfeier. 

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76 

Kulturnotizen 

Der Ardenner Wald, ein lauschiges Plätzchen 

in dem sich eine Anzahl Menschen 

einfi ndet, die es aus unterschiedlichsten 

Gründen hierher verschlagen hat. Sie alle 

sind Suchende und alle fi nden auch etwas, 

sie fi nden nicht weniger als die Liebe: die 

ganz große Liebe, die Liebe, die man schon 

gefunden glaubt und jetzt nur noch erringen 

will, die Liebe, die einen wie ein Schlag 

trifft, die Liebe, die langsam wächst und 

auch die Liebe, die man nicht bekommen 

kann. Rosalinde (verkleidet als Mann), gibt 

sich Orlando nicht gleich zu erkennen. Der 

aber ritzt Liebesschwüre in jeden Baum auf 

der Suche nach ebendieser Frau. Die Schäferin 

Phoebe verliebt sich Hals über Kopf 

in Ganymed (der ist aber die verkleidete 

Rosalinde) und will von Silvius, der sich 

nach ihr verzehrt, nichts wissen. Käthchen 

und Probstein scheinen sich gesucht und 

gefunden und was ist mit Celia und Jaques? 

Im Wald, fernab von Zivilisation und 

Konventionen kann allerhand passieren. 

Vieles ist unwirklich, nicht real und es sind 

Kräfte am Werk, die nicht ganz von dieser 

Welt sind... 

Do 7. März 2013 //// Opernhaus 

19:30 Uhr 

Kontakthof 

Mit der Kompanie Tanztheater Wuppertal 

Pina Bausch. 

Weitere Aufführungen: 8., 9. und 10. März 

Fr 22. März 2013 //// Schauspielhaus 


Aus euren Blicken bau ich mir ein 

Haus 

Schauspiel von Thomas Melle. Mit öffentlicher 

Premierenfeier. 

Birger und Kevin sind dem Nerven 

aufreibenden Großstadtleben entfl ohen 

und haben sich in einem Neubaugebiet am 

urbanen Speckgürtel niedergelassen. Dort 

möchten sie ein beschauliches, zurückgezogenes 

Leben führen. Offensichtlich aber 

steckt die gleichgeschlechtliche Lebensgemeinschaft 

in der Krise; Hauptbeschäftigung 

ist das missmutige Beobachten neuer 

Zuzügler. Zu den Beargwöhnten gehört 

zunächst auch Dorte, eine psychische 

Grenzgängerin, die sich nebenan ein Haus 

bauen will. Doch schon bald kommen sich 

Kevin und Dorte näher; so nah, dass Dorte 

von dem gemeinsamen Kinderwunsch des 

Paares erfährt … 

Raum-Maschine Theater in Köln 

Szene und Architektur 

bis 10. März 2013 

Die Ausstellung legt ihren Focus auf die architektonischen 

Grundlagen für das Entstehen 

von Kunstwelten im Bereic des Theaters. 

Raum-Maschine Theater – „Szene und 

Architektur“ ist eine Ausstellung des Museums 

für Angewandte Kunst in Köln in 

Kooperation mit der Theaterwissenschaftlichen 

Sammlung der Universität zu Köln. 

An der Rechtschule, 50667 Köln, Tel. 

0221.221 267 35, geöffnet Di – So 11.00 

– 18.00 Uhr. www.museenkoeln.de. 

Museum Haus Lange, Krefeld 

Anne Chu – 

Animula Vagula Blandula 

Bilder und Skulpturen 

bis 7. April 2013 

In ihren Bildern und Skulpturen beschäftigt 

sich Anne Chu (*1959) vorwiegend mit 

historischen Themen, wobei sie westliche 

und asiatische Kulturkreise in Dialog 

setzt. Sie bedient sich der Geschichte wie 

eines Steinbruchs und aktualisiert diese im 

Hinblick auf eine zeitgenössische Rezeption. 

Ausgangspunkte ihrer Werke sind u. a. auch 

Architekturmodelle von Antonio Gaudí. 

Anne Chu, kleiner römischer Junge, 2012 

Stuckmarmor, Marmor, 30,5 x 24 x 23 cm, 

© Anne Chu, Foto: V. Döhne 

Museen Haus Lange und Haus Esters, 

Wilhelmshofallee 91-97, 47800 Krefeld, 

Telefon 02151 97 55 80. Öffnungszeiten: 

Di. Mi, Fr – So 11 – 17, Do 11 – 20 Uhr 

www.kunstmuseenkrefeld.de 

Museum Haus Esters, Krefeld 

Vibrierende Bilder, lärmende 

Skulpturen 1958 - 1963 

Eine Hommage an Paul Wember 

bis 7. April 2013 

Um 1960 entsteht an den Kunstmuseen 

Krefeld ein Sammlungsbereich, der in seiner 

Vielfalt und Qualität außergewöhnlich 

ist, die Sammlung kinetischer Kunst. Die 

Ausstellung Vibrierende Bilder Lärmende 

Skulpturen präsentiert eine breite Auswahl 

der ungewöhnlichen Objekte, die noch 

heute, 50 Jahre später, durch Einfallsreichtum 

und Experimentierfreude überraschen. 

Die Gattungsgrenzen der bildenden Kunst 

erscheinen endgültig aufgelöst. Bewegung, 

Licht und Klang werden nicht mehr nur 

malerisch-plastisch simuliert, sondern als 

reale physikalische Gestaltungselemente 

eingebracht. Zu sehen sind Vibrationsbilder, 

Lichtreliefs, rotierende Objekte, Klangskulpturen, 

interaktive Arbeiten und andere 

kinetische Objekte, geschaffen von jungen, 

damals noch unbekannten Künstlern in 

Paris, Düsseldorf oder Mailand: Unter ihnen 

Jean Tinguely, Jesus Raphael Soto, Victor Vasarely, 

Bruno Munari, Yaakov Agam, Heinz 

Mack, Günther Uecker und Dieter Roth. 

Ausstellungsansicht Museum Haus Esters, 

Krefeld 2012. Foto: V. Döhne 

Die Ausstellung ist Paul Wember gewidmet, 

der als engagierter Kämpfer für die aktuelle 

Kunst über die Grenzen Deutschlands 

hinaus bekannt wurde. Als Direktor der 

Kunstmuseen Krefeld (1947 – 1975) zeigte 

er bereits in den 1950er und frühen 1960er 

Jahren gegen erhebliche Widerstände avantgardistische 

Künstler. 

Die Präsentation wird ergänzt durch eine 

Fotodokumentation der spannenden 28jährigen 

Ausstellungsarbeit von Paul Wember 

in Krefeld. 

Museum Haus Esters, Wilhelmshofallee 

97, Tel. 02151 975 58-0, geöffnet Di – So 

11 – 17 Uhr. www.kunstmuseenkrefeld.de

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Tagesnotiz 

Gestern bin ich mit dem Zug zur Verlags- 

Vollversammlung nach Frankfurt – hin 

und zurück – gefahren. Im Zug saß mir 

gegenüber ein Mann, der aussah wie 

ein höherer Beamter, aber wir fuhren ja 

zweiter Klasse. Ich glaube, ich redete ihn 

ziemlich unbefangen an. Vielleicht war 

das der Grund, dass er mir in Köln zum 

Abschied die Hand reichte. 

Ich erinnere mich vom Ende her: Ich 

war abends zur Abfahrt zu früh dort, 

wollte es, um ein bisschen allein zu sein, 

saß in dem riesigen Frankfurter Bahnhof 

auf einer Bank auf Bahnsteig 6. Um mich 

eine wimmelnde Menschenmenge. 

Die Frankfurter, dachte ich, sind ein 

eigener Typus. Ich meine, sie sehen aus 

wie Einzelkämpfer, die sich durchsetzen. 

Dagegen sehen die Bonner aus wie Studienräte 

und Ministerialbeamte (die es dort 

ja auch gibt), und wir Wuppertaler wie 

Bandwirker. 

Dazwischen dachte ich an die Fahrt am 

Rhein entlang zurück, die steilen Ufer, 

alte Häuser, schön zum Niederknien, die 

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Burgen, die erinnerten Wanderungen 

mit Alfred, dort über die Höhen, der ein 

staubtrockener, unendlich treuer Freund 

war. Auch hier hatte mich soeben ein treuer 

Freund zum Bahnhof gebracht. 

Beim Hinweg zum Verlag heute Vormittag 

ging ich immer am Main entlang. Auf 

dem Rasen lagen Schläfer (verstreut wie im 

Afrikakrieg die Gefallenen in der Wüste); 

eine junge Frau schob einen modernen Bollerwagen 

(Gummireifen) an der Deichsel 

vor sich her, sie eilte im Geschwindschritt, 

mühelos, obwohl sauber aufgereiht sechs 

kleine Kinder in blauen Warnwesten darinsassen 

- ein putziger Anblick. 

Am erhöhten Ufer Häuser und Mietskasernen, 

viele mit Balkonen, die aussahen 

wie Drahtkörbe, hässlich. Ein Balkon, der 

nicht ins Mauerwerk integriert ist, wirkt 

fast immer wie eine Geschwulst. 

Zurück zum Bahnsteig. Ermüdet, ist es 

mir möglich, umzuschalten auf die Ebene, 

auf der uns keine kritische Betrachtung 

erreicht. 

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In diesem Augenblick weiß ich alles. 

Wenn ich irgendwo hinblicke, kann 

ich alles sehen, was ich will. Dieses 

Alles spricht in Bildern eine gewaltige, 

eindringliche Sprache, deren Bilder jedes 

Gemälde übertreffen: Eine Stelle am 

Waldrand, Abendlicht leuchtet zwischen 

den Bäumen; oder der Morgen, das 

Spatzenkonzernt, das eifrige Hin- und 

Herfl iegen der Vögel; das Morgenlicht berührt 

den Fenstersims am Weißen Haus, 

der Präsident erscheint, ein Mensch mit 

Armen und Beinen – man sieht hier, ich 

weiß alles. Die Buddhisten sagen: „Es gibt 

keine Lösungen, weil es keine Probleme 

gibt.“ 

Als ich zurückschalte, fallen mir viele 

Andere ein, den es schlecht ergeht, und 

mir fällt all das Abscheuliche ein, das 

geschehen ist und immer noch geschieht. 

Darauf weiß ich eigentlich nur die 

Antwort, dass es diese Welt besser nie 

gegeben hätte. 

Karl Otto Mühl 

77

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