Pressetext - Albertina

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Herbert Herbert Brandl Brandl im im Interview
Interview
Biogra Biografie Biogra ie ie des Künstlers
Kunstvermittlungsprogramm
Kunstvermittlungsprogramm
Programm Programm Freunde Freunde der der Albertina
Albertina

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Ausstellungsdaten
Ausstellungsdaten
Pressekonferenz 21. Oktober 2010, 10 Uhr
Eröffnung 21. Oktober 2010, 18.30 Uhr
Dauer 22. Oktober 2010 – 9. Jänner 2011
Ausstellungsort Pfeilerhalle
Kuratoren Dr. Antonia Hoerschelmann
Katalog Herbert Brandl. Berge und Landschaften. Monotypien 2009-2010
Herausgegeben von Antonia Hoerschelmann
Texte von Christoph Ransmayr, Florian Steininger, Interview mit Herbert Brandl
sowie mit der Steindruckerei Chavanne Pechmann von Antonia Hoerschelmann
Kontakt Albertinaplatz 1, 1010 Wien
T +43 (01) 534 83 – 0
info@albertina.at
www.albertina.at
Öffnungszeiten Täglich 10-18 Uhr, Mittwoch 10-21 Uhr
Führungen Samstag, Sonntag und Feiertag um 15.30 Uhr, Mittwoch 18.30,
Dauer 60 Minuten, T+43 (01) 534 83 – 540, besucher@albertina.at
Presse Mag. Verena Dahlitz (Leitung)
T +43 (01) 534 83 - 510 , M +43 (0)699.121 78 720, v.dahlitz@albertina.at
Mag. Barbara Prikoszovits
T +43 (01) 534 83 - 511 , M +43 (0)699.109 81743, b.prikoszovits@albertina.at
Sarah Wulbrandt
T +43 (01) 534 83 - 511 , M +43 (0)699.1217 8731, s.wulbrandt@albertina.at
Partner der Albertina Sponsoren der Ausstellung Medienpartner

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Herbert Herbert Brandl
Brandl
Berge Berge Berge und und und Landschaften
Landschaften
Monotypien Monotypien 2009 2009–2010
2009 2010
22. Oktober 2010-9. Jänner 2011
„Ich bin ein Bergseher und kein Bergsteiger.“ Herbert Brandl
Die Albertina präsentiert in der Ausstellung Berge und Landschaften. Monotypien 2009-2010 einen
geschlossenen Zyklus Herbert Brandls unmittelbar nach Ende der Schaffensphase des Künstlers.
Rund 300 in den vergangenen zwei Jahren in der Steindruckwerkstatt Chavanne · Pechmann
entstandene Arbeiten wurden von Brandl selbst für diese Ausstellung zu Serien gruppiert. Erstmals
hat sich der 1959 in Graz geborene Künstler ab 2009 intensiv mit der Technik der Monotypie
beschäftigt und sie zur Gestaltung einer umfassenden Folge von Werken zum Thema Berge und
Landschaften eingesetzt. Eine Auswahl von faszinierenden Werkblöcken und Einzelblättern wird nun
erstmals stringent präsentiert und zeigt die Bedingungslosigkeit von Brandls gleichermaßen
intuitiver wie prozesshaft-analytischer Arbeitsweise.
Für Herbert Brandl erweist sich die Monotypie als ideale Technik zur Umsetzung seiner
künstlerischen Intention. Er kann aus Unikaten eine Serie entwickeln anstatt eine druckgrafische
Auflage zu produzieren und dabei dennoch einen drucktechnischen Vorgang in den Arbeitsprozess
einbinden. Brandls Monotypien entstehen aus impulsiven Strichen und Bündeln. Einmal wird die
Farbe aufgetragen, dann wieder wird sie weggewischt. Die filigranen Konstrukte materialisieren sich
in dem kurzen Augenblick zwischen ihrem Auftauchen und Verschwinden auf dem Blatt. Die
Monotypien vermitteln eine differenzierte Energie und pulsieren in der ihnen stets innewohnenden
Verwandlung. Das serielle Denken treibt Brandl von einem Bild zum anderen, die Gestaltung erfolgt
dicht und dynamisch: In den jüngeren Serien beschleunigt Herbert Brandl den Schaffensprozess,
indem er für das nächste Blatt gleich am Phantomdruck, der vom vorangegangenen Druckvorgang
auf der Platte zurückgeblieben ist, weiterarbeitet. Diese Vernetzung bewirkt serielle Abfolgen, die
sich Filmsequenzen ähnlich entwickeln.
Besonders seit dem Jahr 2000 findet parallel zu den Landschaften suggerierenden Motiven seine
Liebe zu und sein Respekt vor den Bergen wiederholt ihren Ausdruck im Werk. Die Annäherung an
das monumentale Motiv erfolgt in unterschiedlichen Techniken und Formaten und befasst sich stets
mit der Verwandlung des Darstellungsgegenstandes in Farbräume und Formgebilde. Brandl
beschäftigt das Oszillieren seiner Kunstwerke zwischen den Gegensätzen von Form und Inhalt.
Seit vielen Jahren ist die Albertina Herbert Brandl und seinem Werk sehr verbunden und präsentiert
in der permanenten Schausammlung sowie in Sonderausstellungen, zuletzt in Nach 1970 (2008/09),
regelmäßig Arbeiten des Künstlers aus eigenen Beständen.

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Über Über das das Finden
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Herbert Herbert Herbert Brandl Brandl im im Gespräch Gespräch Gespräch mit mit Antonia Antonia Hoersc Hoerschelmann
Hoersc helmann
8. Juli 2010
Antonia Hoerschelmann: In den Jahren 2009 und 2010 ist erstmals eine umfangreiche Werkgruppe
von Monotypien entstanden. Wie kam es dazu?
Herbert Brandl: Ich hatte immer ein Problem mit hohen Druckgrafikauflagen. Da beginnt man
automatisch an die Monotypie zu denken, die ein einmaliger Umdruck von der Platte auf Papier ist.
So fing ich an, bei Chavanne · Pechmann Monotypien zu probieren, aber das Ergebnis gefiel mir
nicht. Nach längeren Pausen habe ich die Blätter wieder herausgenommen, habe sie überdruckt, bin
aber mit dem Resultat wieder nicht zufrieden gewesen.
Was mich an der Technik der Monotypie interessierte, war, statt einer Auflage eine Serie zu
produzieren. Parallel dazu war in meiner Malerei eine Änderung eingetreten, denn ich hatte
begonnen, die Farbe mit Tüchern von der Leinwand abzuwischen. Diesen Arbeitsprozess wollte ich
dann auch in Monotypien auf Plexiglas ausprobieren.
Der entscheidende Impuls, mich darauf einzulassen, ging aber dann letztlich von der Akademie in
Düsseldorf und da ganz besonders von Markus Lüpertz aus. Ich bekam eine Anfrage, ob ich für eine
Mappe der Akademie ein Blatt zur Verfügung stellen möchte. Statt einer Druckgrafik ist in nur drei
Tagen eine Gruppe von 60 Monotypien mit Bergen entstanden.
Das gab mir das Animo, in den darauffolgenden Wochen verschiedene weitere Blöcke zu gestalten.
AH: Wie kann man sich die Arbeit und den Arbeitsprozess konkret vorstellen?
HB: Bei der Gruppe für Düsseldorf arbeitete ich auf einer Acrylplatte, dann wurde gedruckt, die
Platte wurde gesäubert, und ich habe die nächste Monotypie vorbereitet. Mittlerweile hat sich der
Vorgang etwas verändert: Ich arbeite mit zwei Platten, die nach dem Druck nicht mehr abgewischt
werden. Der Phantomdruck, der Schatten des Vordrucks, bleibt bestehen, wie er ist, und wird zur
Basis für die nächste Arbeit. So gesehen kann man die aufeinandergestalteten und -gedruckten
Blätter der einzelnen Werkblöcke auch als Zeichentrickfilm lesen, da sich jedes Blatt auf das
vorangegangene Blatt bezieht und Schritt für Schritt die verändernde Bewegung hervorruft und
mitgestaltet. Es ist ein pulsierender Prozess zwischen dem Auftragen und dem Wegwischen von
Farbe. Dabei entstehen Licht und Raum, Horizonte, Berge und Messer, landschaftliche Strukturen.
Der prozessartige Farbauftrag in einem Flow basiert auf den Erfahrungen in der Malerei.
Manchmal will ich den nächsten Werkblock mit einem figurativen Motiv beginnen. Nur wird mir
meist währenddessen schon dabei langweilig, und ich wechsle zur intuitiven Arbeit. Ich habe kein
Konzept, das ich verwirklichen will. Es ist jedes Mal aufs Neue eine Entdeckungsreise zu einem
neuen Werk hin.
AH: Was zeichnet die Monotypie gegenüber anderen druckgrafischen Techniken aus?
HB: Die Monotypie ist für die Umsetzung meiner malerischen Intentionen ideal. Hier kann die Farbe
von ihrer Qualität her flüssig bleiben, auch wenn sie sich natürlich im Blatt verfestigt – allerdings
erst, wenn das einzelne Blatt getrocknet und vor allem auch gepresst ist, kann ich es richtig sehen.

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Mittlerweile sind viele Blöcke entstanden. Jeder hat seinen eigenen bestimm-ten Sound. Die von mir
gewählten Farben, ein bestimmtes Grün, Rot, Blau, Schwarz und Gelb, stehen mir zur Verfügung.
Ich beobachte, dass am Beginn eines neuen Werkblocks drei bis zehn Arbeiten meist knallbunt sind,
bevor sie dann Schritt für Schritt immer dunkler und schwärzer werden. Im weiteren Arbeitsprozess
taste ich mich in jedem Werkblock kontinuierlich an die Farbe Schwarz heran.
Das richtige Papier und die entsprechenden Farben und Farbqualitäten zu finden ist eine
wesentliche Voraussetzung. In diesem Fall haben die beiden Drucker das für mich perfekte Papier
gefunden. Es ist sehr empfindlich, stark saugend und lässt keine Korrekturen zu. Genauso wichtig ist
mir, dass die Linien durch den Pinselstrich darauf sehr präzise, brillant und glasklar sind. Ich arbeite
mit einer speziell veränderten Ölfarbe auf der Acrylplatte. Die ersten Werkblöcke hatten noch einen
weißen Rand von ca. 5 cm. Anschließend habe ich eine größere Platte verwendet, sodass nur noch
ca. 2 cm Rand geblieben sind. Später habe ich das gesamte Blatt abfallend bearbeitet, wodurch sich
das Sujet immer mehr vergrößert hat.
AH: Die Größe der Leinwände spielt in deiner Malerei eine wichtige Rolle. Wie kommst du mit der
Beschränkung der Größe durch die vorgegebenen Maße der Platte zurecht?
HB: Ja, es ist mir wichtig, dass ein Betrachter, der vor einem meiner Werke steht, durch die Größe
des Bildes direkt im Farb-raum stehen kann. Ich liebe große Formate. Was die Monotypien betrifft,
verdanke ich Chavanne · Pechmann die Möglichkeit, auch größere Formate zu bewältigen. Dazu galt
es vor allem eine technisch machbare Lösung zu finden. Denn mir ist wichtig, dass der
Druckvorgang mittels Maschine stattfindet und der Abdruck nicht mit der Hand abgenommen
werden muss.
AH: Hat die größere Druckplatte deine Arbeit nochmals verändert?
HB: Die großen Monotypien sind tatsächlich ganz anders ge-worden. Die Images sind den
vorangegangenen Werkblöcken ähnlich, und es kommen vor allem Berge und Ebenen vor.
In diesem Fall entwickelt sich der Verlauf eher von einer Ebene – einer burgenländischen? – zu
einem Berg – dem Schneeberg? – hin.
AH: Was siehst du als Quintessenz deiner Kunst?
HB: Die Quintessenz wird sich am Ende meines Lebens zeigen. Ich befinde mich auf einer
Wanderung, bleibe mal stehen, sehe Details oder Geschichten, Licht, Farbe und Formen. Meine
Themen sind Tod, Unfall, problematische Situationen des Lebens. Das sieht nicht jeder in meinen
Bildern. Natürlich zeigen sie auch Natur, Blumen, Landschaften und Berge, aber sie sind gleich-zeitig
auch eine Auseinandersetzung mit belastenden und negativen Ereignissen.
AH: Wie sehr wirkt sich dein lebensbedrohlicher Unfall im letzten Jahr auf deine aktuelle
künstlerische Arbeit aus?
HB: Die Operation und das Aufwachen in der Intensivstation waren traumatisch. Während dieser
Zeit hatte ich innere Bilder, von denen ich sicher war, dass ich sie malen würde, wenn ich je wieder
stehen könnte. Ich sah eine völlig verbrannte, verwüstete Welt, wollte auch unbedingt Schriftbilder
mit dem Logo des AKH und Bilder von außerirdisch wirkenden Kranken-schwestern malen. Bis jetzt

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ist das nicht geschehen. Offensichtlich über-wiegt bei mir ein gewisser Automatismus in der
Malerei: nicht was ich malen will, sondern was ich malen muss, erscheint.
Gleichzeitig zeigen sich rückblickend Werke unter ganz anderen Vorzeichen. Ein Bild, das vorher als
„Wiese mit roten Mohnblumen“ oder als „Dschungel mit roten Blüten“ interpretiert werden konnte,
wird jetzt zu einem Bild von spritzendem Blut, einer Art „Gemetzel“. Meine Werke sind ja alle „Ohne
Titel“, und hier zeigt sich, dass sich die Wahrnehmung jederzeit ändern kann.
AH: Berge und Landschaften scheinen in deinen Werken häufig auf und verschwinden im gleichen
Moment wieder. Das Oszillieren zwischen Form und Abstraktion, Farbe und Raum steht weiterhin
im Zentrum deiner Arbeit?
HB: Ja, es geht immer wieder um das Entdecken und Hinter-fragen, Erkennen und Wiederloslassen.
In letzter Zeit beschäftige ich mich intensiv mit dem „Messer“. Diese Form mit ihrer hohen Ästhetik
hat mich schon immer fasziniert. Die Messer-Serie Andy Warhols war für meine Entdeckung der
Form dieses uralten, für die Menschheit zentralen Geräts, das von jedem eingesetzt wird, von
großer Bedeutung. Mittlerweile sammle ich Messer und stehe international mit Messermachern und
-sammlern in Verbindung. Der Gegenstand wird im Alltag gebraucht und gleichzeitig als häufigstes
Mordinstrument missbraucht.
In meiner Kindheit habe ich auf meinen Wanderungen von Soldaten weggeworfene Bajonette und
verrostete Kriegswaffen gefunden und gesammelt. Meine Mutter hat sie dann gleich wieder
entsorgt.
Am Messer interessiert mich seine Schärfe. Ich sammle Messer, mit denen ich Papier zerschnipseln
kann. Interessanterweise gibt es nicht viele, mit denen das geht. Ich verwende Messer, um Papieren
eine Form zu geben. Momentan schnitze ich gerne Flügel, Federn oder Blätter aus Papier und staple
sie zu kleinen Bergen, die im gleichen Moment wieder auseinanderfallen. Ich reiße sie nicht, ich
schneide sie nicht mit der Schere, ich schnitze sie mit einem Messer aus Papier, das macht mir
großen Spaß!
AH: Wann weißt du, dass bei den aktuellen Monotypie-Serien Schluss ist beziehungsweise eine
Pause notwendig wird?
HB: Wenn mir langweilig wird, dann weiß ich, dass ich die Farbe, das Papierformat ändern muss,
vom Hoch- zum Querformat oder überhaupt das Medium wechseln muss, um einen Schritt weiter
zu machen.
AH: Spielen Herkunft und künstlerische Tradition des Betrachters eine Rolle, was die Sicht auf deine
Arbeiten angeht?
HB: Ja, schon. Amerikaner, Afrikaner, Eskimos sehen meine Bilder viel unbefangener. Natur, Berge,
Landschaften sind für sie selbstverständliche Themen. Gerade Landschaften sprechen sie an.
Österreicher und Schweizer sind der Natur gegenüber eher mit Komplexen beladen und haben
Angst, dass die Aus-einandersetzung mit der Natur provinziell wirkt. In Deutschland wiederum
nimmt man dem Thema Natur gegenüber eine offene, selbstverständliche Haltung ein.
AH: Und wie geht es dir mit deinen Studenten an der Kunst-akademie Düsseldorf, wo du seit 2004
unterrichtest?

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HB: Die Studenten wählen dort den Professor, dem sie – künstlerisch – nahe sind. Man „darf“ dem
Lehrer nahe sein. Wenn es zu nahe wird, schlage ich vor: Geh woanders hin! Hauptsache, du findest
zu dir.
Biografie Biografie des des Künstlers
Herbert Brandl wird 1959 in Graz geboren. Er studiert ab 1978 an der Hochschule für angewandte
Kunst bei Herbert Tasquil und Peter Weibel. Von 1985 bis 1991 ist Brandl an der Wiener Hochschule
für angewandte Kunst als Gastprofessor tätig. 2004 wird er als Professor an die Kunstakademie
Düsseldorf berufen. Am Beginn seiner künstlerischen Laufbahn zählt Brandl in den Achtzigerjahren
durch seine farbexplosive gestische Malerei zur Generation der „Neuen Wilden“. Neben vielen
Einzelschauen nimmt er an international bedeutenden Ausstellungen teil, darunter im Jahr 1992 an
der „documenta IX“ in Kassel. Im Jahr 2007 ist er bei der Biennale di Venezia im Österreichischen
Pavillon mit einer Einzelpräsentation zu sehen. Herbert Brandl lebt und arbeitet in Wien.

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Kunstvermittlungsprogramm zur Ausstellung
Für Kindergärten und Schulgruppen
Ab 5 Jahren
Land Land der der der Berge Berge
Berge
Die Monotypien des österreichischen Malers Herbert Brandl entführen uns in freie, unberührte
Landschaften. Bei unserer spannenden Wanderung durch die Ausstellung erforschen wir die
einzelnen Landstriche – je nach Laune verschlägt es uns einmal in die Berge, einmal ans Meer. Wir
analysieren gemeinsam die Bilder Brandls vor dem Hintergrund der Geschichte der
Landschaftsmalerei und klären Begriffe wie „abstrakt“ oder „expressiv“.
Im Atelier erstellt jedes Kind eine eigene Monotypie – alle Werke aneinandergefügt ergeben ein
riesiges Landschaftspanorama.
Ab 10 Jahren
Bergseher
Bergseher
Zählte Brandl in den 1980ern aufgrund seiner farbexplosiven Bilder noch zu den „Neuen Wilden“, so
widmet sich diese Ausstellung den eher monochromen, ruhigen Monotypien zum Thema
Landschaft. Herbert Brandls Arbeiten sind inspiriert von Fotovorlagen, die der Künstler in Katalogen
fand oder auf Wanderungen selbst fotografierte. Im dialogischen Ausstellungsrundgang erfahren
die SchülerInnen zum einen das Werk Brandls im Kontext der österreichischen Kunstgeschichte des
20. Jahrhunderts, zum anderen wird auch die internationale Geschichte des Genres
Landschaftsmalerei Thema sein.
Im Atelier lassen sich die SchülerInnen – wie Brandl – von Fotovorlagen zu einer Monotypie
inspirieren.
Ab 15 Jahren
Meditative Meditative Landschaften
Landschaften
Brandls Monotypien sind mit flüchtigem Pinselstrich ausgeführte filigrane Konstrukte,
schemenhafte Erinnerungen an persönliche Natureindrücke.
Im Kunstgespräch rekonstruieren die SchülerInnen Brandls Herangehensweise an das Thema
Landschaft. Weitere Schwerpunkte der Führung sind außerdem das Werk des vormals „Jungen
Wilden“ im Kontext der österreichischen Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts sowie die
Geschichte der internationalen Landschaftsmalerei von ihren Anfängen bis heute.
Die praktische Arbeit im Atelier ist eine Landschaftsmonotypie.
Ferienspiel: Heiße Kunst an Coolen Tagen
Schifahren, Eislaufen, Rodeln – was möchtest du in Herbert Brandls (Winter?)Landschaften am
liebsten tun? Im Anschluss an die Mitmachführung erstellst Du bei unseren Workshops eigene
Winter-Monotypien in unterschiedlichen technischen Verfahren.
Mittwoch und Freitag in den Weihnachtsferien: 29., 31., Dezember 2010 sowie 5. und 7. Jänner 2011,
jeweils 10-13 Uhr. Atelierbeitrag EUR 3,- , Anmeldung erbeten.
Anmeldung und Information:
Albertina Kunstvermittlung - T 01 534 83-540 oder besucher@albertina.at

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Freunde Freunde sehen mehr – ab ab ab EUR EUR 50, 50,- 50,
Freunde der Albertina genießen zahlreiche Vorteile 365 Tage ab Kauf einer Mitgliedschaft und
unterstützen das Museum darin, weiterhin einzigartige Ausstellungen zu konzipieren und die
Sammlung zu erweitern.
Überblick der Vorteile der Freunde der Albertina:
- Unbeschränkt freier Eintritt, 365 Tage ab Kauf
- Exklusive Vorbesichtigungstage bereits vor Eröffnung
- Kein Anstellen an der Kassa, direkter Zutritt zu den Ausstellungen
- Morgenöffnungen der Ausstellungen vor den regulären Öffnungszeiten des Museums
- Führungen, Veranstaltungen
- Ermäßigungen im Albertina Shop*, ermäßigte Audioguides
- Vorkaufsrecht der jährlich aufgelegten, exklusiven ALBERTINA EDITION
Studenten** sind bereits ab EUR 15,- (Semesterkarte) dabei!
SCHNUPPERAKTION „Freunde der Albertina“ - von 22.9.2010 bis 16.01.2011
6 Monate direkter Zutritt zu den Ausstellungen für nur € 25.- (Senioren € 20.-)
Informationen Informationen und und Verkauf Verkauf
Verkauf
am Infostand der Albertina, während der Öffnungszeiten des Museums
T +43 (0)1 534 83-555
Kontakt
Kontakt
Mag. Alice Trenkwalder
T +43 (0)1 534 83-561
membership@albertina.at
www.albertina.at/freunde
* gilt nicht für preisgebundene Bücher
** für Studenten bis 27 Jahre, mit gültigem Studentenausweis