Charlie Haden Lizz Wright

world’s 

bestsounding 

magazine 

Ausgabe 2 • 2010 

Jahrgang 13 

Lizz Wright 

Zurück zu den Wurzeln – oder: „Der Berg erscheint dem Bergsteiger aus der Ebene klarer.“ 

Trombone Shorty 

Er spielt Posaune, seit er vier Jahre alt war. Wynton Marsalis ist sein größter Fan. Müssen Sie noch mehr wissen? 

Charlie Haden 

Sein Quartet wird 25 und der einst so wilde Mann feiert das Jubiläum würdig, stilvoll und mit erstklassiger Unterstützung. 

B 

Außerdem: Norma Winstones erste drei Jazzplatten / Nikki Yanofskys erstaunliche Stimme / 

Ein Kessel Buntes von Till Brönner / Spirituelle Lehren von Charles Lloyd / Brian Culbertson 

wurde nicht ohne Seele geboren / Jerry Lee Lewis und ein paar alte Freunde / Ulrich Tukurs 

Ode an die Nacht und, und, und. 

News, Tourdaten und Neuerscheinungen jede Woche neu auf www.jazzecho.de

12. Internationales Festival 

für Jazz und Anderes 

Heidelberg Mannheim Ludwigshafen 

ECM 2165 CD 273 3485 

Kulturvision2015 

KEITH JARRETT / CHARLIE HADEN JASMINE 

ECM 

Festivalhighlights Sa 02.10. Manu Katché feat. Nelson Veras | So 03.10. Ein Abend mit Matthias Brandt | Mo 

04.10. Jan Garbarek und The Hilliard Ensemble | Do 07.10. Sophie Zelmani | Fr 08.10. Knut Rössler & Johannes 

Vogt | Fr 08.10. Henri Texier Transatlantik Quartet | Sa 09.10. Nik Bärtsch’s RONIN | Di 12.10. Tomasz Stanko 

Quintet | Do 14.10. Grace Kelly | Fr 15.10. Sarah Kaiser | Sa 16.10. Thomas Siffling, Daniel Prandl | Mo 18.10. Peter 

Evans Quintet | Mi 20.10. Morcheeba | Mi 20.10. Hazmat Modine | Fr 22.10. Esperanza Spalding | Sa 23.10. Rolf 

Kühn & TRI-O | So 24.10. Jan Bang, Arve Henriksen, Erik Honoré | Mo 25.10. Tineke Postma Quartet | Mi 27.10. 

Trombone Shorty | Fr 29.10. Oval | So 31.10. Bibi Tanga & The Selenites | So 31.10. Karl Berger All Star Quartet 

| Mo 01.11. McCoy Tyner Quartet feat. Gary Bartz | Di 02.11. Denis Colin & la Société des Arpenteurs | Di 02.11. 

Hindi Zahra | Mi 03.11. Acoustic Africa feat. Habib Koité, Oliver Mtukudzi, Afel Bocoum | Do 04.11. Youn Sun Nah, 

Ulf Wakenius | Fr 05.11. Charlie Haden Quartet West | Di 09.11. Roger Willemsen | Mi 10.11. Adrian Belew Power Trio 

| Fr 12.11. Chucho Valdés & The Afro-Cuban Messengers | Sa 13.11. Harold López-Nussa Trio | So 14.11. Fredrika 

Stahl | Di 16.11. Caribou | Di 16.11. Root 70 | Mi 17.11. Silje Nergaard | Do 18.11. Herbie Hancock | Fr 19.11. Brad 

Mehldau’s Highway Rider 

02. Oktober bis 19. November 2010 

Das komplette Programm unter www.enjoyjazz.de 

„These are great love 

songs played by players 

who are trying, mostly, to 

keep the message intact. 

I hope you can hear it 

the way we did.“ 

Keith Jarrett, from his liner notes 

For All We Know / Where 

Can I Go Without You / No 

Moon At All / One Day I‘ll 

Fly Away / Intro - I‘m 

Gonna Laugh You Right Out 

Of My Life / Body And 

Soul / Goodbye / Don‘t 

Ever Leave Me 

www.keithjarrett.de 

www.ecm-sounds.de 

www.ecmrecords.com

Editorial 

Text: Astrid Kieselbach | Foto: Ben Wolf 

Liebe JazzEcho-Leser, 

einen Korb voll farbenfrohen Gemüses 

aus dem eigenen Garten ließ sie ihrem 

Nachbarn da, als sie sich neulich auf den 

Weg nach Europa machte. Das musste ja 

gegessen werden. Rote und gelbe Tomaten, 

Kürbisse, Melonen, Zwiebeln, Paprika 

– Lizz Wright hat uns in Berlin auf ihrem 

Laptop Fotos von ihrer Ernte gezeigt. 

Sehr eindrucksvoll. Da sind die eigenen 

Resultate im innerstädtischen Berliner 

Schrebergarten wohlweislich nicht mehr 

zur Sprache gekommen. In den Bergen 

von South Carolina wächst alles viel üppiger, 

damit kann man sich beruhigen. 

Oder liegt es doch an der Gärtnerin? Lizz 

Wright ist umgezogen. Von Brooklyn in 

New York City hinaus aufs Land und in 

die Berge. Das Leben dort hat vollkommen 

andere Bezugspunkte. Daran muss 

es liegen, dass die Frau, die musikalisch 

ohnehin schon immer tief verwurzelt 

schien, nun endgültig bei sich selbst angekommen 

ist. Die Essenz von Lizz 

Wright, ihre ureigene musikalische Aussage: 

Das ist es, was man auf „Fellowship“ 

zu hören bekommt. Wer die Frau 

schon kennt, wird jetzt ahnen, worauf er 

sich freuen darf. Wer nicht, liest auf jeden 

Fall unsere Titelgeschichte ab Seite 6. 

Liebe Leser, im ereignisreichen Fußballsommer 

haben wir eine JazzEcho- 

Ausgabe ausgelassen. Wir wähnten Ihre 

Aufmerksamkeit in Südafrika. Wer 

wehmü tig an diese Wochen zurückdenkt, 

dem empfehlen wir ein temperamentvolles 

Souvenir: Die schönsten 

Tracks der südafrikanischen Trompetenlegende 

Hugh Masekela, geschmackvoll 

ausgesucht von Till Brönner. 

Mehr dazu unter www.jazzecho.de. 

Die Party muss nicht zu Ende sein! 

Ihre Astrid Kieselbach. 

Inhalt dieser Ausgabe 

Mix Prof. Jazz / Wirbel um ... Christian Scott / 5 Fragen an Charlie Haden / Norma Winstones erste Jazzplatte. 

Vielseitig verwurzelt Lizz Wright mit Gospelklassikern und neuen Spiritsongs. 

Get Shorty! Trombone Shorty spielt Posaune, seit er halb so groß war wie eine. 

Das Jazzhäkchen ist die ganz normal außergewöhnliche 16-jährige Sängerin Nikki Yanofsky. 

Wiedererkennbar bunt Was man im Englischen „eclectic“ nennt, heißt bei uns Till Brönner. 

From New York with Love James Gavin Liebeserklärung an den Pianisten Frank Chastenier. 

Spiegel ohne Raum und Zeit Und darin: Charles Lloyd. 

Voll auf die Zwölf Brian Culbertson bringt ein Dutzend Beweise, dass auch ein Weißer Soul haben kann. 

Fiesling mit Freunden Jerry Lee Lewis hat ein neues Album und viele alte Kumpel. 

Bärenmarke auf CD 35 Jahre Bear Family. 

Liebe, Drama, Wahnsinn diesmal vom Bassbariton Thomas Quasthoff. 

Mitternachtsspitze Ulrich Tukur besingt die ganze Nacht. 

Gut geflüstert, Löwe! Der einst so wilde Charlie Haden feiert 25-jähriges Bandjubiläum. 

Auf den Hund gekommen ist Paolo Conte auf dem Cover seines neuen Albums. 

Mitschwingen mit dem Anat Fort Trio. Und Minimale Module von Nik Bärtsch. 

Vollendet unvollendet ist Gustav Mahlers Zehnte Symphonie nach Matthew Herberts Interpretation. 

Shortcuts ausführlich und JazzEcho-Konzertführer diesmal ab 

Astrid Kieselbach 

Chefredakteurin 

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Der diensthabende 

Chefjazzer 

Professor Jazz 

beantwortet in jedem 

JazzEcho die 

interessantesten 

Leserfragen. 

Haben Sie auch eine? 

Dann schicken Sie 

diese bitte an: 

prof.jazz@jazzecho.de 

4 www.jazzecho.de 

Fragen Sie Prof. Jazz 

Neulich begegnete mir der „Gospel Blues“ von Blind Willie Johnson, was mich nicht 

nur musikalisch begeisterte, sondern auch überraschte, da ich bisher annahm, die beiden 

Musikstile wären diametral entgegengesetzt. Jetzt meine Frage: Gibt es auch 

„Gospel Jazz“? Mit freundlichem Gruß, Christian Mencke, Sottorf 

Ich glaube ja. Obwohl das Eis immer 

dann besonders dünn wird, wenn es um 

derartige Stilfragen geht, ist die Beweislast 

zum Thema „Gospel Jazz“ erdrückend. 

Nicht nur, weil viele 

der wichtigsten amerikanischen 

Jazzmusiker schon 

in der Wiege reichlich Gospel 

in ihrer musikalischen 

Nahrung hatten, kommen 

die „Guten Nachrichten“, (altenglisch 

„godspell“ als wörtliche 

Übersetzung des latinisierten griechischen 

Worts „evangelium“) und die 

geschlechterverkehrende „anstrengende 

Aktivität“ des kreolischen Wortes „Jass“ 

Text: Jörg Eipasch | Foto: Kiel Scott 

Mit „Wade In 

The Water“ schaffte 

es ein „Gospel 

Jazz“ sogar in die 

Charts. 

Der Hurrikan Katrina hat 2005 nicht nur halb New Orleans 

zerstört, sondern in Christian Scott auch ein Ventil für 

seine lange schwelende Wut geöffnet. War das wenige Monate 

vor Katrina aufgenommene Debütalbum „Rewind That“ noch 

weitgehend unpolitisch und durchaus mainstreamkompati- 

bel, so schlug der junge Trompeter auf dem 2007 erschienenen 

Nachfolgealbum „Anthem“, das er seiner verwüsteten 

Heimatstadt widmete, schon deutlich radikalere Töne an. So 

richtig in Fahrt gekommen ist er aber erst auf seinem jüngsten 

Album „Yesterday You Said Tomorrow“. Da bezeichnet er die 

Polizeibehörden von New Orleans als „Ku Klux Police Department“ 

und verspottet die Boykotteure von Obamas Reformpolitik 

als „The American’t“. Auch in Interviews gibt sich Scott, 

der – jung, schwarz, gutaussehend, originell und hochtalentiert 

– alles hat, um als Vorzeigemusiker der Jazzszene zu dienen, 

gerne rebellisch. Etwa, wenn er Jonathan Fischer im 

„Spiegel“ anvertraut, dass er George Bush vor fünf Jahren am 

liebsten die Kehle durchgeschnitten hätte oder dass er vieles 

von dem, was heute als Jazz firmiert, für „verweichlichte Musik“ 

und „blutleere Fingerübungen“ halte. Wenn ihn konserva- 

oft und gern zusammen. Beste Beispiele 

finden sich etwa in Duke Ellingtons Suite 

„Black, Brown And Beige“, für die er mit 

Mahalia Jackson den „23rd Psalm“ 

vertonte, oder auch im gesam- 

ten Œuvre des predigenden 

Saxophonisten Vernard 

Johnson. Mit Ramsey Lewis’ 

Version von „Wade In The 

Water“ (einem Kirchenlied, 

mit dem sich die Sklaven diskret 

warnten, bei der anstehenden 

Flucht durch einen nahen Fluss zu 

waten, damit die Spürhunde keine Fährte 

aufnehmen konnten) fand sich sogar 

ein „Gospel Jazz“-Hit in den Charts wie- 

der. Mein persönlicher Favorit ist momentan 

„Steal Away: Spirituals, Hymns 

And Folk Songs“, das der im Mai verstorbene 

Pianist Hank Jones 1995 im Duo 

mit dem Bassisten Charlie Haden aufgenommen 

hat. (2011 erscheint mit „Come 

Sunday“ ein zweites Album der beiden 

postum.) Und natürlich das Album „Fellowship“ 

von Lizz Wright. Wie auch immer 

man diese Musik nennen mag, ich 

sage dazu nur: Halleluja! 

Wirbel um ... Christian Scott 

Christian Scott 

tive Jazzfans deswegen für ein „Arschloch“ halten, dann hat er 

damit auch kein Problem. Musste mit diesem Vorwurf doch 

einst auch sein großes Idol Miles Davis leben. Und in dessen 

Spuren wandelt Christian Scott mit jedem Album souveräner. 

www.christianscott.de

5 Fragen an Charlie Haden 

Foto: Jim McGuire 

Was wären Sie geworden, wenn nicht 

Musiker? Humanistischer Psychologe. 

Der perfekte Song ... wartet auf einer 

Bergspitze auf seine Entdeckung. 

Das Leben könnte so schön sein, 

wenn … Politiker, Banker und CEOs nicht 

süchtig nach Geld wären. 

Meine erste Jazzplatte 

Norma Winstone über ihre dreifache Einführung in den Jazz. 

Foto: Glauco Comoretto 

eine erste Jazzplatte? Ich würde 

M lieber über meine ersten drei Jazzplatten 

schreiben. Ganz einfach deshalb, 

weil jede dieser Platten einen bestimmten 

Abschnitt in meiner Entwicklung 

markierte. Ohne sie würde ich heute 

nicht die Art von Jazz machen, die mir so 

wichtig ist. 

Meine Schallplattensammlung bestand 

anfangs überwiegend aus 78er 

Schellackscheiben von Sinatra. LPs kamen 

damals gerade erst auf den Markt. 

Ich ging noch zur Schule, arbeitete samstags 

als Ladenhilfe und sparte meinen 

Lohn, um mir einen dieser teuren Schätze 

leisten zu können. Anstatt Hausaufgaben 

zu machen, hörte ich Radio Luxembourg, 

dort spielten sie jeden Abend ein Stück 

von der LP „Ella And Louis“. Die Musik 

nahm mich vollkommen gefangen: nicht 

nur der Gesang, sondern auch die Pianobegleitung 

von Oscar Peterson, die sich 

darauf beschränkte, die Sänger zu unterstützen, 

und ihnen nie in den Weg kam. 

Die anderen Musiker waren Herb Ellis, 

Ray Brown und Buddy Rich, und es schien 

mir eine wunderbar subtile Aufnahme zu 

sein, die aber zugleich höllisch swingte. 

Von dieser Platte lernte ich viel darüber, 

wie man einen Jazzstandard singt. 

Es gibt nichts Schlimmeres als ... 

Es gibt immer etwas Schlimmeres, aber 

zum Glück gibt es auch immer etwas 

Besseres! 

Nicht ohne meinen ... Cappuccino! 

www.charliehaden.de 

Die nächste Platte war Dave Brubecks 

„Jazz Impressions of the U.S.A.“. Es galt 

fast schon als schick, mit der LP unterm 

Arm gesehen zu werden. Sie passte zum 

Haarschnitt der Collegeschüler und zu ihren 

italienischen Anzügen! Durch diese 

Platte wurde mir bewusst, dass Jazzmusiker 

eigene Kompositionen schrieben, die 

anders strukturiert waren als Standards. 

Ich las, dass diese Musiker improvisierten. 

Ich glaube, das hätte ich auch so gemerkt, 

allerdings waren Paul Desmonds Improvisationen 

so „mitsingbar“, dass sie auch 

ausnotiert hätten sein können. Ich hörte 

die Platte so oft, dass ich die Soli bald auswendig 

singen konnte. Zu diesem Zeit- 

Norma Winstone 


punkt hatte ich meine Gesangslaufbahn 

noch nicht begonnen, wusste aber schon, 

dass ich singen wollte. Nach dieser Platte 

war mir auch klar, dass ich nicht nur Standards 

singen wollte; sie eröffnete mir in 

meiner Fantasie neue Möglichkeiten. 

Die einflussreichste Platte aber war 

Miles Davis’ „Kind Of Blue“. Neben den 

tollen Soli von Coltrane und Adderley, 

die ich – leider vergeblich – zu singen 

versuchte, faszinierten mich die modalen 

Kompositionen, die so offen waren, dass 

ich es wagte, ganz eigene Soli auszuprobieren. 

Miles zu kopieren war nicht unmöglich, 

da er weniger Noten spielte. 

Bill Evans’ Akkorde klangen ein wenig 

nach Debussy. Solch eine Musik hatte ich 

noch nie zuvor gehört. Damals sang ich 

vor allem Standards, aber diese Platte 

ließ mich davon träumen, dass die Stimme 

auch einen Klang besaß, der hervorragend 

zu solcher Musik passen würde. 

Ich hatte keinen Schimmer, wo ich anfangen 

sollte, aber ich wusste, was nun 

mein Ziel sein würde: meine Stimme in 

jeder nur erdenklichen Musik als integralen 

Bestandteil einzubringen. 



Stories Yet To Tell 

ECM 

CD 273 7426 

www.jazzecho.de 5


Fellowship 

Verve 

CD 274 7090 

LP 275 1415 

erscheint am 08.10. 


Vielseitig verwurzelt 

Für ihr viertes Album „Fellowship“ besinnt sich Lizz Wright auf ihre Wurzeln. 

Mit Gospelklassikern und neuen Spiritsongs von und mit Meshell Ndegeocello, Angélique Kidjo oder 

Joan As Police Woman. 

Text: 

I 

Götz Bühler | Foto: Shervin Lainez 

ch bekomme oft zu hören, ich sei ‚stilistisch so vielseitig’, 

man fragt mich: Wer oder was bist du eigentlich?“, 

erzählt Lizz Wright mit einer so bedachten, melodiösen 

Stimme, dass man sie schon sprechend förmlich singen hört. 

„Solche Fragen irritieren mich, denn in meiner Wahrnehmung 

passt alles ganz klar zusammen. Sicher, ich forsche gerne und 

probiere Dinge aus. Aber nur weil ich immer wieder und überall 

Gemeinsamkeiten entdecke.“ In allem, was sie sich zu eigen 

gemacht hat, erklärt Lizz Wright, erkenne sie denselben Kern. 

Als ihr jemand zum Beispiel erklären wollte, was der Blues sei, 

sagte sie nach ein paar Takten: „Kenne ich aus der Kirche. Sie 

singen dort dieselben Changes, die gleichen Harmonien, mit 

einem sehr ähnlichen Gefühl.“ Soweit sie auch hinaus in die 

musikalische Welt gegangen sei und so breit ihr Weg auch gewesen 

ist, es gab immer ganz deutliche Anzeichen für den 

nächsten Schritt, schon bevor sie ihn machte. 

Auch der Weg zu ihrem neuen Album war für Lizz Wright 

klar: zurück zu den Wurzeln, zu ihren musikalischen Ursprüngen, 

ohne Umschweife in eine emotionale Kuschelecke. Die 

be findet sich für eine Künstlerin ihres Formats, die von der „New 

York Times“ bis zum „Jazz thing“ als große Jazz-Hoffnung gefeiert 

und trotzdem immer die Pfarrerstochter aus Hahira, 

Georgia, bleiben wird, vor allem im Gospel. „Manchmal muss 

man einfach die Lieder singen, die man mitbekommen hat“, 

sagt sie. „Ich habe tief in meinem Herzen gespürt, dass ich 

dieses Album auch für meine Familie machen muss – ohne dabei 

persönlich zu werden, das ist unnötig. Diese Lieder richten 

sich an sie, und ich singe sie für sie. Wenn man zeigen will, wie 

weit man gekommen ist, ohne sich selbst zu vergessen, macht 

man das am besten mit der Musik, die man von frühester 

Jugend an kennt. Diese Lieder brauche ich genauso sehr, wie 

ich meine Familie brauche.“ Lizz Wright sagt neben „family“ 

auch oft „my people“, was bei ihr eindeutig zweideutig ist: 

Die Lieder von „Fellowship“ richten sich ebenso sehr an ihre 

Eltern und die Geschwister wie an die gesamte Schar der ihr 

Gleichgesinnten und an alle Afroamerikaner. In „I Remember, 

I Believe“, einer Komposition von Dr. Bernice Reagon, einer 

Bürgerrechtlerin und der Gründerin des legendären Gospel- 

Ensembles Sweet Honey In The Rock, heißt es: „I don’t know 

how my mother walked her trouble down, I don’t know how 

my father stood his ground, I don’t know how my people served 

by slavery … I do remember, that’s why I believe“. Diese Zeilen 

singt Lizz Wright so ruhig und eindringlich, dass es einem 

Schauer über den Körper jagt, noch oder gerade heute, fünfzig 

Jahre nach den Greensboro Sit-ins, der schwarzen Bürger- 

rechtsbewegung, und kurz vor dem Jubiläum der legendären 

Freedom Rides, die in den Südstaaten erst 1965 zu einem einigermaßen 

gerechten Wahlrecht für Afroamerikaner führten. 

„Fellowship“, das Album, ist eben auch eine Art „emotionales 

Politikum“. Immer wieder ruft es zum Zusammenhalt auf, zur 

titelgebenden „Gemeinschaft“ oder „Gemeinde“, ohne marktschreierisch 

zu sein oder den Zeigefinger zu erheben. So intensiv 

und universell wirkt Lizz Wrights Mission, dass sie den 

Zuhörer auch jenseits von Konfessionen oder Glaubensfragen 

erreicht. Woran auch immer man glaubt, dem spannenden Auf 

und Ab des „Gospel Medley“, dem innigen „Amazing Grace“ 

oder dem hypnotischen Chanting von „God Specializes“ kann 

und will man sich nicht entziehen. Man muss nicht mal glauben, 

fühlen reicht. 

Lizz Wright findet ihren Gospel nicht nur in alten Gesangsbüchern. 

Im Gegenteil. Neben spirituellen Klassikern aus der 

Feder von Eric Clapton („Presence Of The Lord“) oder Jimi 

Hendrix („In From The Storm“), interpretiert diese Personifizierung 

des Wortbildes „down to earth“, diese Stimme der verzauberten 

Vernunft, auch Überraschendes aus dem aktuellen 

Pop-Kanon. Schon der Opener, ein Stück der Sängerin und 

Bassistin Meshell Ndegeocello, fasziniert mit einer sagenhaften 

Melodie und klaren Worten zu ewigen Fragen, irgendwo zwischen 

Folk-Funk und Bob Marley. Die Ballade „Feed The Light“, 

geschrieben von und gesungen mit Alt-Pop-Star Joan Wasser 

a.k.a. Joan As Police Woman, wirkt gleichermaßen harmonisch 

wie aufregend. Und beim kurzen „Oya“, einem Duett von und 

mit der Vokalistin Angélique Kidjo aus dem westafrikanischen 

Benin, braucht man nicht einmal Sprachkenntnisse, um den 

schönen Sinn zu begreifen. Aber wie passen diese neuen Lieder 

zu den alten Wurzeln? „Man könnte es meine neuen Wurzeln 

nennen“, meint Lizz Wright mit einem ironisch schmunzelnden 

Unterton. „Nach den vielen Konzerten und Strapazen des 

letzten Albums, habe ich mir eine Auszeit gegönnt – und eine 

Ausbildung am Natural Gourmet Institute in Manhattan gemacht. 

Das hat mich nicht nur erfrischend raus aus der Welt 

des Musikgeschäfts gebracht, es hat in mir auch das Bedürfnis 

nach neuer Musik geweckt.“ Stundenlang fuhr sie mit der Bahn 

zu ihren Koch- und Confiseriekursen in die Stadt und hörte dabei 

Musik, die ihr ihre langjährige Kollegin Toshi Reagon empfohlen 

hatte, dieselbe Singer/Songwriterin (und Tochter von 

Dr. Bernice Reagon), die jetzt dieses berührende, belebende 

und begeisternde „Fellowship“ gemeinsam mit dem Norah- 

Jones- und Cassandra-Wilson-Produzenten Brian Bacchus produziert 

hat.

„Der Berg erscheint dem Bergsteiger aus der Ebene klarer“, 

zitiert Lizz Wright den Dichter Khalil Gibran gegen Ende 

des Gesprächs. Was wohl auch sagen soll, dass sie ein paar Jahre 

fernab ihrer tiefen Gospel-Wurzeln verbracht hat, abgesehen 

von ihrer ewigen Zugabe „Amazing Grace“, und dadurch auch 

den Till Abstand Brönner gewinnen konnte, der sie diese Traditionen jetzt 

noch besser verstehen und natürlicher transportieren lässt. 


„Ich befinde mich momentan an einem sehr glücklichen, geerdeten 

Ort in meinem Leben“, sagt sie. „Ich verdanke meine 

neue Musik meinen Ahnen, und darüber bin ich sehr froh.” 

www.lizzwright.de 


1980 

Am 22. Januar erblickt 

die Pastorentochter in 

Hahira, Georgia, das 

Licht der Welt. 

1999 

Bisher für ihre 

christlichen Choräle 

preisgekrönt, begeistert 

Lizz Wright das Publikum 

einer Jam-Session beim 

Atlanta Jazz Festival – 

darunter auch einen 

Talentscout von Verve. 

2001 

Im Rahmen eines „Billie 

Holiday Tributes“ in L.A. 

und Chicago stiehlt sie 

Lou Rawls und Dianne 

Reeves die Schau. „Sie 

kam als Unbekannte auf 

die Bühne“, schrieb Don 

Heckman für die „L.A. 

Times“. „Fünfzehn 

Minuten später ging sie 

als Star.“ 

2003 

Ein Jahr nach ihrem 

Gastauftritt auf Joe 

Samples Album „The 

Pecan Tree“ 

veröffentlicht Verve ihr 

Debütalbum „Salt“, das 

im Folgejahr Platz 2 der 

Billboard Contemporary 

Jazz Charts erreicht. 

2010 

Ihr viertes Album heißt 

„Fellowship“ und schlägt 

eine sehr persönliche 

Brücke von Gospel zu 

Pop – mit Gästen wie 

Meshell Ndegeocello 

und Angelique Kidjo. 

www.jazzecho.de 7

Get Shorty! 

Seit seinem vierten Lebensjahr heißt Troy Andrews 

nur Trombone Shorty. 

Gefeiert von Wynton Marsalis und 

Lenny Kravitz, zündet der inzwischen 

24-Jährige aus New Orleans jetzt 

seine Supafunkrock-Bombe. 


Trombone Shorty

Text: Götz Bühler | Foto: Kirk Edwards 

s wäre eine Schande, wenn Troy Andrews etwas anderes 

E als Musiker geworden wäre. Geboren im Stadtteil Tremé 

in New Orleans, wo, wie er sagt, „Jazz erfunden wurde – mehr 

oder weniger“, imitierten Troy und seine Freunde schon im 

Kindergarten die Brass-Band-Umzüge der Großen. „Wir nahmen 

uns Pappkartons als Trommeln, pusteten in Gartenschläuche 

und Plastiktrichter“, erinnert er sich. „So zogen dann etwa 

fünfzig Kids um den Block, immer im sicheren Abstand zur 

echten ‚Second Line‘. Als wir dann richtige Instrumente bekamen, 

waren wir nicht mehr aufzuhalten.“ Sein großer Bruder 

James sieht den eben Vierjährigen mit einer Posaune, doppelt 

so lang wie Troy selbst, in einem Musikumzug und tauft ihn 

„Trombone Shorty“. Der Name blieb, das Talent wuchs. Dass 

dieser „Shorty“ nicht nur die eigene Familie beeindruckte, 

zeigt ein altes Foto mit Bo Diddley, auf dem sich der Rock’n’Roll- 

Meister mit anerkennendem Blick zu dem kleinen Posaunisten 

herunterbeugt. Zum Star geboren? Möglich. Musik im Blut? 

Wahrscheinlich. Einer der spannendsten neuen Musiker und 

Entertainer des Jahres? Sicherlich. 

„Wenn man aus New Orleans kommt, ist man immer von 

diesen Helden umgeben, die nicht nur großartige Musiker, 

sondern auch fantastische Entertainer sind, angefangen mit 

Louis Armstrong“, meint Troy Andrews. „Das ist mein Idol, 

dem eifere ich nach. Wenn ich nur auf der Bühne stehe und 

Musik mache, langweilt mich das. Also wollte ich ein echter 

Entertainer werden und singen, tanzen oder sonst was machen, 

um das Publikum anzuheizen und zum Mitmachen zu 

bewegen.“ Sein direktes Vorbild war dabei der „Satchmo of 

the Ghetto“, sein Trompete spielender Bruder James. Kurz 

nach den oben erwähnten Pappkartons und Plastiktrichtern 

bringt James seinem kleinen Bruder das Schlagzeugspielen bei 

und schenkt ihm auch „die kleinste Trompete der Welt“. Troy 

ist drei Jahre alt, als er außerdem Posaune lernt, um endlich in 

der Band seines Bruders mitspielen zu können. Mit elf zieht er 

an den Wochenenden mit seiner eigenen Band zum Jackson 

Square im French Quarter, um Straßenmusik zu machen. Wenn 

es gut läuft, rasselt Kleingeld in die Instrumentenkoffer, 

bis zu 400 Dollar pro Kopf. Troy ist noch nicht mal Teenager, 

da steigt er noch ein Level weiter auf und begeistert das Publikum 

bei eigenen Club-Gigs – darunter auch The Edge und 

Bono von U2, die er, wie sie sagen, regelrecht „hypnotisierte“, 

weshalb sie „nach ein paar Tequilas mit lauter Mädchen auf der 

Bar tanzten“. Auch die Lokalmatadoren loben den Knirps mit 

dem Langhorn, Wynton Marsalis nennt sich seinen „größten 

Fan“. Doch auf solchen Lorbeeren ruht sich Trombone Shorty 

nicht aus. Er lernt unermüdlich neue Songs, egal woher und 

worüber, von Marschmusik über AC/DCs „Back In Black“ bis zu 

Hip-Hop-Hits. „Jazzmusiker können so engstirnig sein”, sagt er. 

„Ich wollte auf keinen Fall einer von denen sein, die immer wieder 

dasselbe Zeug recyclen. Wie soll man dabei wachsen können? 

Außerdem wollte ich immer für Leute spielen, die so alt 

sind und ähnliche kulturelle Referenzen haben wie ich. Ich 

muss Till Brönner mich selbst und das Publikum bei Laune halten.“ Nebenbei 

schreiben Troy und seine Band Orleans Avenue auch immer 

mehr eigene Songs, nehmen mit 17 ihre erste CD auf und 

gründen gleich noch ein Label. Ein Jahr und drei Alben später 

(„Wie viele wir davon verkauft haben? Kommt drauf an, wer 

fragt: Tausende, wenn ich ehrlich bin. Nicht mal zwölf, wenn 

mich die Steuer fragt.“), kommt die große Chance: Lenny 

Kravitz holt den eben 18-Jährigen in seine Band. „Als mich ein 

gemeinsamer Freund vorschlug, war Lenny zuerst skeptisch. 

‚Ich will einen mit Soul – wie kann ein 18-jähriges Kind Soul 

haben?‘ Trotzdem flog er mich nach Miami ein. Nach dem Vorspielen 

meinte er: ‚Du bist in der Band. Aber du musst dir den 

Arsch aufreißen, um zu bleiben. Okay?‘ In den nächsten drei 

Wochen musste ich seine komplette Musik aus etwa 20 Jahren 

lernen. Aber ich habe es geschafft. Obwohl meine Schwester 

meinte, das sei so, als wäre der Basketballer Kobe Bryant direkt 

von der Highschool in die Oberliga gekommen.“ 

„Backatown“, Trombone Shortys Major-Debüt, war in den 

USA sofort ein Erfolg. Natürlich wegen der brachialen Grooves, 

der extrem tighten Produktion, dem Mitsing-Hit „Something 

Beautiful“ und all der anderen Hüftenschwinger und Kopf- 

nicker – aber auch wegen seiner Vorgeschichte und der ausgewählten 

Features, etwa von Lenny Kravitz oder Allen Toussaint. 

Die Fernseh- und Radiostationen sind begeistert von diesem 

smarten und eloquenten Hipster, laden Troy von der „Morning 

Show“ bis zu „Late Show with David Letterman“ ein, nutzen 

seine rockigen Funk-Lieder als Erkennungsmelodien. Der schlanke 

Muskelmann bekommt sogar eine Rolle in der HBO-Serie 

„Treme“. Damit auch der Rest der Welt ins vielstimmige „Go, 

Shorty!“ einfällt, trat Trombone Shorty knapp einen Monat 

nach der US-Veröffentlichung mit seiner Band im Verve Club in 

Berlin auf. Nach der vierten Zugabe, nach einem so intensiven 

wie unterhaltsamen Set, bei dem Troy und seine Band wirklich 

alles gegeben haben – einmal sogar die Instrumente durchgetauscht, 

so dass sich der Leader am Schlagzeug beweisen 

konnte – bebte der Laden noch immer. „Mann, so machen wir 

das eben in New Orleans“, lacht er im Backstage. „Wenn ich 

irgendwas in meiner Zeit mit Lenny Kravitz gelernt habe, dann, 

dass man sich sein Publikum erarbeiten muss – je mehr du 

ihnen gibst, umso mehr bekommst du zurück. Zuzusehen, wie 

er 16.000 Menschen unter Kontrolle hat, die mit ihm lachen, 

weinen und feiern, war eine tolle Lektion. Aber es fängt immer 

mit dir an, denn du …“ Er bricht mitten im Satz ab, hört auf 

die Musik aus dem Club. „Wer ist dieser DJ? Eben hat er schon 

was von Dr. John gespielt – und das ist jetzt Allen Toussaint, 

oder? Woher kennt der das Zeug?“ Als er hört, dass heute 

Abend der Chef persönlich die Platten auflegt, schüttelt er 

lachend den Kopf. „Mann, und ich dachte, ich wäre hip! Ein 

Glück, dass ich erst Anfang zwanzig bin – da darf man schließlich 

noch lernen.“ 

www.tromboneshorty.de 

„Je mehr 

du dem 

Publikum 

gibst, 

desto mehr 

bekommst 

du zurück.“ 



Backatown 

Verve 

CD 274 7947 

www.jazzecho.de 9

Nikki Yanofsky 

Nikki 

Decca 

CD 273 9063 


Das Jazzhäkchen 

Generationsprobleme waren gestern – heute singt eine 16-Jährige genauso gerne und gut die 

Klassiker von Ella Fitzgerald, Duke Ellington und den Beatles. Allerdings ist Nikki Yanofsky auch 

nicht irgendeine 16-Jährige. 

Text: Götz Bühler | Foto: Steven Haberland 

Mein erster öffentlicher Auftritt war beim 

Montreal Jazz Festival vor 125.000 Menschen”, 

erzählt Nikki Yanofsky in einer Hamburger Hotelsuite. 

„Als wir nach dem ersten Set in die Garderobe gingen, konnte 

ich zum ersten Mal das gesamte Publikum sehen. ‚Guck mal, 

wieviele Leute, Mami!‘ Meine Mutter nickte nur. Und ich: ‚Die 

kann ich doch nicht warten lassen. Sollten wir nicht lieber 

gleich das zweite Set spielen?‘ Ich wollte immer Aufmerksamkeit. 

Ich liebe es, die Leute zu unterhalten.“ Nur einmal, sagt 

die Kanadierin, sei sie etwas nervös gewesen: Bei ihrem Auftritt 

vor etwa zwei Milliarden Fernsehzuschauern, als sie in Vancouver 

die Eröffnungshymne der Olympischen Winterspiele 2010 

sang. „Aber das hatte eher mit meinen Highheels zu tun“, 

lacht die dunkeläugige Jeansträgerin. „Ich hatte Angst, vor der 

ganzen Welt diese riesige Treppe herunterzufallen. Das hätte 

mir ähnlich gesehen. Ich bin nicht die Geschickteste.“ 

Nikki Yanofsky betont gerne, dass ihr das Label „Jazzsängerin“ 

von außen aufgedrückt wurde und sie sich „nie selbst so 

be zeichnet hat“. Sie sagt: „Ich bin eine Sängerin. Punkt. Ich 

liebe gute Musik. Warum sollte ich mich da auf einen Stil beschränken?“ 

Trotzdem ist es bemerkenswert, dass sie eben 

nicht nur nahezu perfekt intoniert und phrasiert, sondern ihre 

Talente vor allem auf die Klassiker ihres Idols Ella Fitzgerald anwendet. 

Bis jetzt. Nach ihrem „Airmal Special“ auf dem Sampler 

„We All Love Ella“ von 2007 („Ich klinge wie auf Helium. Na 

ja, ich war auch erst 12.“), veröffentlichte sie 2008 ihr Kanada- 

Debüt „Ella … Of Thee I Swing“, eine Live-Aufnahme mit Bigband, 

die für zwei Juno Awards nominiert war. „Nikki“ heißt 

Nikki Yanofsky 

nun der „internationale“ Erstling. Das Album beginnt, erwartungsgemäß, 

mit einem Standard, und dann gleich Manfred Ellingtons Eicher 

New-York-Gassenhauer „Take The A Train“, den Yanofsky mit 

ein bisschen Textkosmetik für Anspielungen an die NY-Initialen-Gleichheit 

nutzt. Neben weiteren Evergreens fallen auf diesem 

von Starmacher Phil Ramone produzierten Album besonders 

die neuen Songs auf. An nur zwei Tagen gemeinsam mit 

Jesse Harris, von dem einige der besten Norah-Jones-Lieder 

stammen, und dem kanadischen Singer/Songwriter Ron 

Sex smith im Keller der Yanofskys in Montreal geschrieben, 

spürt man bei „Never Make It On Time“ oder „Cool My Heels“ 

vielleicht am deutlichsten das Potenzial der jungen Sängerin. 

Das klingt zwar viel weniger nach Ella und mehr nach Katie 

Melua oder Taylor Swift, aber immer frisch und frei und vielversprechend. 

Immerhin fängt Nikki Yanofsky eben erst an, so 

sehr sie auch jetzt schon von Quincy Jones oder Tony Bennett 

gelobt wird. „Die Leute sagen: Du bist doch erst 16. Willst du 

nicht erstmal herausfinden, was es sonst noch so gibt?“, erzählt 

sie. „Warum sollte ich das? Ich kann mir gar nicht vorstellen, 

etwas anderes zu machen.“ Ihre Mutter, die daneben sitzt, 

wirft ein: „Maniküre vielleicht? Das kannst du doch auch …“ 

Beide lachen. Und dann, wieder ganz ernst und vielleicht ein 

wenig auswendig gelernt, sagt die frühreife 16-Jährige: „Ich 

denke, wenn man etwas findet, das man wirklich liebt und am 

liebsten jede Stunde jedes Tages machen möchte, dann kann 

und sollte man das nicht einfach loslassen. Oder?“ 

www.nikkiyanofsky.de

Wiedererkennbar bunt 

Auf seinem neuen Album singt und spielt Till Brönner Musik von Bach bis zu The Killers. 

Inspiration für die Auswahl kam von Johnny Cash. 

Text: Ralf Niemczyk | Foto: Till Brönner 

Bevor Till Brönner auf sein neues 

Album „At The End Of The Day“ 

zu sprechen kommt, unternimmt 

er einen kleinen Exkurs. Er erzählt von 

einem Konzert auf dem Leipziger Mediencampus 

im April 2010, wo er sich zu 

einem Duett mit dem Percussionisten 

Günther Baby Sommer getroffen hatte. 

Ein pures Schlagzeug-Trompeten-Treffen 

im Geiste von Max Roach und Dizzy 

Gillespie. Ein Soundclash der Jazzspezialisten. 

Sozusagen der innere Kern seiner 

Musik, dem er sich weiterhin mit Freude 

widmet. Doch seine Perspektive reicht 

weiter. 

Und dazu gehört wie selbstverständlich 

auch Pop, Rock und das Gefühl für 

zeitlose Sounds. „Recognizable“ ist der 

Begriff dazu, den Brönner einmal bei 

Johnny Cash aufgeschnappt hat. Diese 

Wiedererkennbarkeit oder auch Lesbarkeit 

ist ihm durchaus wichtig. Nach diesem 

Kriterium hat er, der hochdekorierte 

Jazzer, die Bibliothek der populären Musik 

durchstöbert. 

Er stieß dabei auf Bach, Beatles, Bowie 

und The Killers. Eine vielseitige Übung, 

bei der drei Dutzend Songs gespielt, geprüft 

und bearbeitet worden sind: „Daraus 

ist eine Sammlung entstanden, die 

kunterbunter nicht hätte sein können. 

Faszinations-Fundstücke aus meinem Leben, 

die ich letztlich danach ausgewählt 

habe, welche Möglichkeiten sie mir für 

den eigenen Ausdruck bieten.“ Die zwölf 

besten davon hat er – als Trompeter und 

Sänger in Personalunion – in seinem 

Sinne interpretiert. 

Auf musikhistorische Zusammenhänge 

hat Brönner dabei ganz bewusst verzichtet. 

„Space Oddity“ von Bowie steht 

genauso als eigenständiges Statement, 

wie es keine inhaltliche Brücke zwischen 

„Human“ von The Killers und „Human“ 

der britischen New-Wave-Band Human 

Till Brönner 

League gibt. Seine Trompete führt „Air“ 

aus der Dritten Orchestersuite von Johann 

Sebastian Bach in andere Sphären. 

Er durchkreuzt freischwebend ein Pop- 

Universum, bei dem die Beatles der frühen 

60er auf das amerikanische 70er- 

Duo Seals & Crofts („Summer Breeze“) 

treffen. 

„Wir haben uns bewusst mit einer 

kompletten Liveband für zwei Wochen 

ins Planet-Roc-Studio zurückgezogen“, 

erzählt Brönner. „Dort, im alten DDR- 

Funkhaus, gibt es große, hohe Räume, in 

denen die alten, analogen Instrumente 

optimal zur Geltung kommen konnten. 

Diese organische Stimmung beim Aufnahmeprozess 

war mir sehr wichtig. Im 

Anschluss habe ich mit langjährigen musikalischen 

Freunden auf der ganzen Welt 

an den Titeln weiter gearbeitet. Für die 

Streicher-Recordings sind wir zum Beispiel 

in Los Angeles ins legendäre Capitol 

Studio gegangen. Die Holzbläser wurden 

in Stockholm aufgenommen.“ 

Hinter den Reglern saß erstmals der 

Produzent Andreas Herbig, der bislang 

ganz unterschiedliche Projekte mit Udo 

Lindenberg, A-Ha oder Ich + Ich betreut 

hat. Ein inspirierender Arbeitsprozess, bei 

dem es keineswegs darum gehen sollte, 

den Arrangements einen bestimmten 

(Pop-)Sound zu verordnen. Es war eher 

ein Austausch von Erfahrung und Stilgefühl, 

bei dem sich Brönner einem Herzensthema 

widmen konnte: der Zeitlosigkeit. 

www.tillbroenner.de 

Till Brönner 

At The End 

Of The Day 

Island 

CD 275 1368 

2 CDs Deluxe Edition 

275 1369 

LP 275 1365 


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From New York 

with Love 

James Gavin 

James Gavin ist einer der bekanntesten amerikanischen 

Jazz-Journalisten. Er schreibt für die „New York Times“, 

„Vanity Fair“ und viele andere. Seine Bücher über Chet Baker und Lena Horne gelten als Standardwerke. 

Gavin ist ein Fan des deutschen Pianisten Frank Chastenier, hier erklärt er warum. 

Text: James Gavin | Fotos: Till Brönner (Frank Chastenier) & Stephen Paley (James Gavin) 

E iner meiner engsten Freunde ist der Jazzsänger Mark meine Finger sie bewerkstelligen. Wenn ein Publikum von 

Murphy. Ich verdanke Mark sehr viel, nicht zuletzt tiefe meiner Musik berührt wird, ist das der größte musikalische 

Einsichten in das Denken und Fühlen eines Mannes, der seit ‚Thrill‘, den ich mir vorstellen kann“. 

über fünfzig Jahren ein intensives Jazzleben führt. Ohne Mark Viele Jahre hat es Frank nicht zu einer Solo-CD unter 

hätte ich auch nie einen Musiker kennengelernt, den ich für eigenem Namen gedrängt, er fühlte sich stets wohler außerhalb 

genauso einzigartig halte: Frank Chastenier aus Deutschland. des Rampenlichts. Bis zum Jahre 2004, als sein Debüt-Album 

Der Jazz hat sich über Jahrzehnte hinweg den Respekt „For You“ erschien, co-produziert von Till Brönner, einem 

erkämpft, der ihm zusteht. Aber irgendwo auf dem Weg hat er Freund seit der gemeinsamen Teenagerzeit. Die „Jazzthetik“ 

einiges an Seele verloren. Sogar in meiner Heimatstadt New nannte die CD „das vielleicht wichtigste deutsche Jazzalbum 

York, wo Bebop und Free Jazz geboren wurden, klingt diese der letzten zehn Jahre“. Die meditative, entrückte Stimmung 

Musik heutzutage mehr nach Konservatorium als nach einem des Vorgängers setzt sich jetzt fort auf „Songs I’ve Always 

Ausdruck dessen, was man mal „jazz life“ nannte. Die Straße, Loved“, Franks zweitem Album auf Emarcy. Erneut co- 

die Generationen von Jazzmusikern bereisten, war oft hart, aber produziert von Brönner, bringt es Frank wieder mit der Rhythm 

sie gab ihnen auch viel zu erzählen und auszudrücken mit. Section seiner WDR Big Band, Bassist John Goldsby und 

Wie kommt es nun, dass Frank Chastenier, der 1966 ge- Drummer Hans Dekker zusammen. Chasteniers ehemaliger 

borene Pianist, Jazz mit einer solchen Seele und Tiefe spielt, die Klavierschüler Wieland Reissmann und Nan Schwartz steuern 

ich fast überall sonst vermisse? Es ist ganz sicher nicht die Folge die Streicher-Arrangements bei. 

eines Lebens voller Leid und Aufruhr. Seit 1991 genießt Frank Die Songauswahl belegt Franks ungewöhnlich ausgefeilten 

die Vorzüge einer Festanstellung bei der WDR Big Band in Köln. und vielseitigen Musikgeschmack; sie beinhaltet Operetten- 

Er ist mit der „großartigsten Frau der Welt“ verheiratet; beide Themen, musikalische Markenzeichen von Jacques Brel und 

leben mit der gemeinsamen Tochter im Teenageralter in einer Edith Piaf, amerikanische Standards und Franks zarte eigene 

beschaulichen Kleinstadt in der Nähe von Köln, wo Frank auch Miniatur „Little Prelude“. Sogar seine Ausflüge in den Bereich 

aufwuchs. 

der kommerziellen Popmusik sind kleine Offenbarungen. Auf 

Eigentlich liegt nichts ferner, als dass solch ein offensichtlich „For You“ transformierte er Herbert Grönemeyers Monsterhit 

zufriedener Mensch sich zu Songs voller Sehnsucht und „Mensch“ in eine langsame, sinnliche Meditation. Etwas ganz 

Verzweiflung hingezogen fühlt und sie mit größtmöglicher ähnliches gelingt ihm auf der neuen CD mit „Mornin’“, Al 

Verletzlichkeit interpretiert. Frank erklärt es so: „Ich liebe Jarreaus R’n’B-Ohrwurm von 1983. „Eigentlich ist das ein fröh- 

Melodien, und ich bin eher der melancholische Typ.“ Genau so licher Love Song mit lebendigem Groove“, sagt Frank, „aber 

wie Miles Davis, Blossom Dearie und Shirley Horn ist auch er ich zeige seine sentimentale Seite“. 

ein Minimalist; die stillen Momente seiner Musik sind min- Das Gefühl von Traurigkeit mag Frank Chastenier anziehen, 

destens so mitteilsam wie die lauteren. „Bei Frank gilt ‚weniger seinen musikalischen Weg fand er jedoch ohne Schmerz und 

ist mehr‘, deshalb zählt jede Note“, meint Nan Schwartz, die Zweifel. In ganz jungen Jahren lernte er die Hammond-B3amerikanische 

Arrangeurin, deren Streicher für ihn den Orgel zu spielen und tauchte tief in die väterliche Schall- 

Hintergrund bei diversen Projekten gebildet haben. Und Frank plattensammlung ein. Mit 13 Jahren wurde er Mitglied im 

ergänzt: „Normalerweise singe ich bei den Linien und Melo- Landesjugendjazzorchester NRW, wo er Till Brönner traf. Später 

dien, die ich spiele, mit. Und wenn man singt, muss man wurde er Mitglied im Bundesjugendjazzorchester („Bujazzo“) 

atmen. Das ist einer der Gründe dafür, dass ich nur die Noten unter der Leitung von Peter Herbolzheimer. Dann begannen 

spiele, die ich fühle, und nicht irgendwelche Skalen, nur weil seine Jahre beim WDR.

Ein Ensemble wie die WDR Big Band gibt es in den ganzen 

USA nicht; die Musiker arbeiten fest von Montag bis Freitag an 

stets wechselnden Projekten. „Es kann durchaus passieren, 

dass ich innerhalb von zwei Monaten mit Gary Burton, Mike 

Stern, Maceo Parker, Patti Austin und Wolfgang Niedecken 

arbeite, allesamt völlig unterschiedliche Musiker mit ebenso 

unterschiedlichen Stilen und Musikverständnissen“, sagt Frank. 

Dieser Beruf ermöglicht es ihm auch, seine anderen musi kalischen 

Seiten zu zeigen, nicht zuletzt sein Talent, die Hammondorgel 

zum Glühen zu bringen. Ein eindrucksvoller Beweis ist 

„Hallelujah, I Love Her So“, einer der Tracks auf „Roots and 

Grooves“, einer Kollaboration zwischen James Browns ehemaligem 

Altsaxophonisten Maceo Parker und der WDR Big Band. 

Meist aber ist Frank der stabile Pol inmitten des energiegeladenen 

Orchesters. 

Frank bezeichnet „Songs I’ve Always Loved“ als „den 

Sound track meines Lebens“, wegen seiner vielfältigen emoti onalen 

Verbindungen zu den Songs. „Ich bin von Kopf bis Fuß 

auf Liebe eingestellt“ aus dem Film „Der blaue Engel“ – 

außerhalb Deutschlands als „Falling In Love Again“ bekannt – 

erinnert ihn an „die großen Komponisten, die wir mal in 

Deutsch land hatten, wie Friedrich Hollaender und Kurt Weill, 

und die großen Autoren wie Kurt Tucholsky, Thomas und 

Heinrich Mann und Erich Kästner, bevor die Nazis diese Kultur 

abgewürgt haben. Manchmal wünschte ich, ich könnte ein 

paar Tage im Berlin der 20er Jahre leben, nur um einmal das 

Gefühl und die Gerüche dieser Zeit zu spüren.“ Franks überraschende 

Harmonien bringen einen Hauch von Ruhelosigkeit 

in diesen sonst so selbstbewusst-sinnlichen Song. John Goldsby 

und Hans Dekker tragen ihren Teil zu der mysteriösen Grund- 

Frank Chastenier 

stimmung bei. „Mein Trio mit John und Hans gehört zu den 

besten Dingen, die mir in meinem Leben passiert sind“, sagt 

Frank, „weil wir zusammen atmen, wenn wir spielen“. 

Der gefühlstrunkene Evergreen „Dein ist mein ganzes Herz“ 

stammt aus Franz Lehars Operette „Das Land des Lächelns“, 

die Frank erstmals als Kind zu Gehör bekam, sonntagnachmittags 

im Fernsehen. Nan Schwartz’ silbrig-seidige Streicher sind so 

subtil, dass man sie mehr zu fühlen als zu hören meint. „Frank 

lässt einem eine Menge Raum“, erklärt Nan. „Das heißt nicht, 

dass du diesen Raum auch immer füllen musst, aber da ist eine 

Menge Platz für meine Farben.“ Die beiden lernten sich vor ein 

paar Jahren bei den Aufnahmen von Mark Murphys Verve-CDs 

„Once To Every Heart“ und „Love Is What Stays“ kennen, zwei 

Projekten, die Till Brönner anstieß und produzierte. „Die Aufnahmen 

mit Mark Murphy sind absolute Höhepunkte für mich 

gewesen“, sagt Frank. „Ich wünschte, ich würde so Piano 

spielen, wie er singt!“ 

Von einem anderen Meister der herzzerreißenden Ballade, 

Jacques Brel, stammt „Ne me quitte pas“, ein Song, der Frank 

tief berührt. Seine beinahe erschreckend emotionale Interpretation 

macht das für jeden aufmerksamen Hörer nachfühlbar. 

Gegen den lautstark vorgetragenen Schmerz der Originalversion 

stellt er eine ganz leise Intensität, das genaue Gegenteil von 

Melodrama. Ob Frank es darauf anlegt oder nicht, ich bin 

überzeugt, dass Aufnahmen wie diese unausweichlich dazu 

führen werden, dass Frank in den kommenden Jahren noch viel 

mehr Aufmerksamkeit genießen wird als bereits jetzt. Er hat es 

verdient, denn er bringt Gefühl und Wahrheit in eine Musik 

zurück, deren größtes Gut viel zu lange die Technik war. 

www.frank-chastenier.de 

Frank Chastenier 

Songs I’ve Always 

Loved 

Emarcy 

CD 274 4789 

www.jazzecho.de 13

Charles Lloyd Quartet 

Mirror 

ECM 

CD 274 0499 


Jason Moran, Eric Harland, Charles Lloyd und Reuben Rogers 

Spiegel ohne Raum 

und Zeit 

Man merkt, dass Charles Lloyd nicht nur Saxophonist, sondern auch spiritueller Lehrer ist. 

„Mirror“, eingespielt mit seiner fantastischen jungen Band, ruht in sich und bewegt gründlich. 

Text: FGötz Bühler | Foto: Dorothy Darr / ECM 

ür mich hatte Musik immer etwas Heilendes“, sagt 

Charles Lloyd. „Als ich damit anfing, wusste ich 

gleich, dass ich mein Lebensglück gefunden hatte.“ Der 72jährige 

Saxophonist aus Memphis, Tennessee, gehörte schon 

Mitte der 60er zu den wichtigsten und spannendsten Musikern 

einer neuen Szene, die sich mehr um Freiheit, Ausdruck und 

Selbstfindung kümmerte, als sich um Stil- oder Rassengrenzen 

zu scheren. Direkt von der University of Southern California 

war er zu Don Cherry, Eric Dolphy und Ornette Coleman ge stoßen, 

wurde über Erfahrungen in den Bands von Chico Hamilton 

oder Cannonball Adderley selbst zum Leader, unter anderem 

mit Keith Jarrett als Pianist. Am Höhepunkt seiner Popularität, 

nach sensationellen Verkaufs- und Tourerfolgen, zog er sich 

1969 aus dem Musikgeschäft zurück und lehrte in Kalifornien 

transzendentale Meditation. Erst in den 80ern überzeugte ihn 

der französische Pianist Michel Petrucciani wieder öffentlich 

aufzutreten – und aufzunehmen. Seit 21 Jahren bei ECM unter 

Vertrag, gilt Lloyd heute einerseits als „elder statesman“, 

andererseits als stetiger Innovator und Im pulsgeber. Die „New 

York Times“ lobt seine Musik als „seltsames und schönes 

Destillat der amerikanischen Erfahrung (…), teilweise verlassen 

und wild, teilweise ungeheuer kontrolliert und raffiniert“. Die 

Kollegen aus L.A. erkennen „eine Reise, die von einer Er leuchtung 

nach der anderen bestrahlt wird“. 

Neue Energien gewinnt Charles Lloyd seit einigen Jahren 

aus dem Zusammenspiel mit Pianist Jason Moran, Bassist 

Reuben Rogers und Drummer Eric Harland, allesamt Anfang 

bis Mitte 30. Auch „Mirror“ entstand mit dieser Band. „Viele 

Leute haben mich gefragt, wie das wohl funktionieren soll, 

schon wegen Jason“, erinnert sich der Leader. „Er ist so wild 

und ich bin so lyrisch. Nun, die Wildheit in mir kommt heraus 

und das Lyrische in ihm, an einem Ort, wo es weder Raum 

noch Zeit gibt. Gemeinsam begeben wir vier uns auf einen 

fliegenden Teppich, der von Frieden und Liebe und großem 

Kapitulieren angetrieben wird, denn wir haben viel Vertrauen 

in das, was wir machen. Wir erlangen unsere Musik durch das 

Vertrauen in unser inneres Mysterium und den inneren Spirit.“ 

Während der 73 Minuten von „Mirror“ begeistert nicht nur 

das energische, enge Zusammenspiel des Quartetts, vor allem 

bekommen die durchgeistigten Gedanken hinter der Musik 

eine sehr handfeste und erdige Gestalt. Standards und 

Traditionals wie „Go Down, Moses“ oder „The Water Is Wide“, 

eine Brian-Wilson- und zwei Monk-Kompositionen sowie vier 

ausgiebige Eigenwerke von Lloyd, geben den Ausführungen 

der amerikanischen Zeitungskritiker reichlich Zunder. Wer 

tatsächlich daran zweifeln sollte, dass der amerikanische Jazz 

auch heute noch eine wichtige, stilbildende Rolle spielt, den 

sollte eine Dosis dieser intensiven und reflektierten Musik vom 

Gegenteil überzeugen. 

www.charleslloyd.de

Voll auf die Zwölf 

Dass auch weiße Musiker die ganze Palette schwarzer Musik beherrschen können, 

zeigt Brian Culbertson auf seinem neuen Album „XII“. 

Text: Jörg Eipasch | Foto: Daniel Ray 

Brian Culbertson 

„Did you know that every seven minutes 

a black person is born in this country 

with no soul?“ Mit diesen provokativen 

Worten nahm der Bluesgitarrist B.B. King 

einst die Mär auf die Schippe, dass 

Schwarze das Feeling für gewisse Musikrichtungen 

schon mit der Muttermilch 

verabreicht bekämen. Denn ob jemand 

Zugang zu Funk, Rhythm’n’Blues und 

Soul findet, ist natürlich keine Frage der 

Hautfarbe, sondern vielmehr einer entsprechenden 

musikalischen Frühsozia- 

lisation. Brian Culbertson etwa wurde 

von seinem Trompete spielenden Vater 

von klein auf mit sogenannter schwarzer 

Musik hochgepäppelt. Das Cover seines 

2008 erschienenen Albums „Bringing 

Back The Funk“ zeigt Brian als Vierjährigen, 

wie er sich via Kopfhörer in die 

Musik von Earth, Wind & Fire vertiefte. 

Der Faszination schwarzer Klänge und 

Rhythmen konnte er sich seitdem nicht 

mehr entziehen. In den zwölf Songs seines 

zwölften Albums „XII“ präsentiert er 

nun verschiedene Schattierungen originär 

„schwarzer Musik“ – mal fetzig und 

funky, mal sinnlich und soulig. Arbeitete 

er auf „Bringing Back The Funk“ mit der 

Crème de la Crème der klassischen Funkszene 

zusammen, so reflektieren die Mitstreiter 

auf „XII“ seine eigene stilistische 

Vielfältigkeit. So jammt er mit der Washingtoner 

Go-Go-Funk-Legende Chuck 

Brown im ausgelassenen Opener „Feelin’ 

It“, während er mit den Croonern Brian 

McKnight, Avant und Kenny Lattimore 

smoothen Rhythm’n’Blues und relaxte 

Clubmusik macht. Mit von der Partie 

sind außerdem die einzigartige Hip-Hop- 

Diva Faith Evans, die Spoken-Word- 

Künstlerin Natalie Stewart vom Neo- 

Soul-Duo Floetry sowie die Gitarristen 

Ray Parker Jr. und Earl Klugh. 

www.brianculbertson.de 

Brian Culbertson 

XII 

Verve 

CD 274 2481 

www.jazzecho.de 15

Jerry Lee Lewis 

Mean Old Man 

Verve 

CD 274 7092 

Various Artists 

35 Years Bear Family 

Bear Family 

CD BCD 17035 


Fiesling mit Freunden 

Sein Spitzname ist „The Killer“. „Mean Old Man“ heißt das neue Album von Jerry Lee Lewis. 

Muss man sich vor dem 75-jährigen Erfinder des Rock’n’Roll fürchten? 

Text: David Khune | Foto: Olaf Heine 

Jerry Lee Lewis 

„If I look like a mean old man, that’s what 

I am“, singt Jerry Lee Lewis im Titelsong 

seines neuen Albums. Eins kann man der 

Legende, die mit Hits wie „Great Balls Of 

Fire“ und „Whole Lotta Shakin’ Goin’ 

On“ Musikgeschichte schrieb, bestimmt 

„Ich bin Sammler und verrückt“, gesteht 

Richard Weize, der 40.000 Vinylplatten 

schwere Mann hinter Bear Family Records. 

Jetzt feiert sein weltweit bewundertes 

(und vielfach ausgezeichnetes) 

Reissue-Label 35-jähriges Bestehen. Feierlich 

blicken die Bären von ihrem Bau- 

nicht vorwerfen: mangelnde Selbstironie. 

Mit mehr als einem Augenzwinkern spielt 

Lewis, der auch als einziger Rock’n’Roller 

gilt, der diese Musik wirklich mit allen 

Höhen und Tiefen lebte, auf sein an Krisen 

und Skandalen nicht gerade armes 

Leben an. Nachdem er Ende der 50er 

Jahre seine erst 13-jährige Cousine heiratete, 

schien seine Karriere erst einmal beendet. 

Später starben zwei seiner Söhne 

bei Unfällen, eine seiner Ehefrauen ertrank 

im Swimmingpool, eine andere 

starb an einer Überdosis Drogen. Auch 

Lewis wurde lange Zeit immer wieder mit 

Drogen in Verbindung gebracht. 

Künstlerisch hat sich Lewis aus allen 

persönlichen Dramen allerdings immer 

wieder Kraft seiner Musik an die Spitze 

der Musikszene heranarbeiten können. 

ernhof bei Bremen auf die vergangenen, 

geschäftigen Jahre zurück, in denen sie 

unzähligen Künstlern und Musikthemen 

grandios ausgestattete Boxsets und Editionen 

gewidmet haben. Highlights für 

Jazzfans waren zum Beispiel die 8-CD- 

Box vom „Deutschen Jazz Festival 

1954/58“, die Serie „Jazz in Deutschland“ 

oder die beiden je elf CDs umfassenden 

Boxen mit dem Schaffen Nat 

„King“ Coles, allesamt in Soundqualität, 

Begleitmaterial und Umfang unschlagbare 

Sammlerstücke. 

Auch wer sich für den gesellschaftlich-politischen 

Kontext von Musik interessiert, 

wird bei Bear Family fündig. Über 

Dass es dort ausnahmsweise mal nicht 

einsam zugeht, beweist er auf seinem 

Comeback-Album mit der vielleicht eindrucksvollsten 

Sidemen-Versammlung 

aller Zeiten. Mick Jagger, Keith Richards, 

Kid Rock, Solomon Burke, Eric Clapton, 

Sheryl Crow, John Fogerty, Merle Haggard, 

Kris Kristofferson, Nils Lofgren, Willie 

Nelson, Ringo Starr und zahlreiche andere 

Größen kamen zu Lewis ins Studio 

und unterstützten ihn bei der Aufnahme 

grandios abgehangener, lässig rockender 

Country-, Blues und Rock’n’Roll-Songs. 

Sowas kriegt vermutlich nur ein sehr liebenswerter 

Bösewicht hin. 

www.jerry-lee-lewis.de 

Bärenmarke auf CD 

Den Anfang machte die Country Music. Inzwischen steht das deutsche Label Bear Family auch für 

Wiederveröffentlichungen von Perlen aus Jazz und anderen Genres. Dieses Jahr feiert es Jubiläum. 

Text: Götz Bühler | Foto: Günter Zint 

Richard Weize 

reines Hörvergnügen hinaus gehen die 

epochalen Boxen zu Themen wie Vietnamkrieg 

(„Next Stop Is Vietnam“) oder 

Atombombe („Atomic Platters“). In das 

Lob auf Weizes Label stimmen jetzt auch 

68 Musiker und Songschreiber ein, die 

sich in der Box „35 Years Bear Family“ 

exklusiv – teils verspielt, teils ernsthaft – 

mit dem Thema „Bären“ beschäftigen. 

Von Bela B. (Die Ärzte) bis zu diversen 

Country-Legenden geht der Reigen. Am 

sympathischsten ist allerdings Richard 

Weizes Label-Resümee: „We’re not in it 

for the money“. Bitte weiter so, mindestens 

noch mal 35 Jahre! 

www.bear-family.de

auf sein sensationsdebüt "historicity" 

(echo jazz / downbeat album of the year) 

folgt das solowerk des piano shooting stars: 

„vijay iyer könnte den jazz retten” (welt) 

vijay iyer 

solo 

ACT 9497-2 

céline bonacina / bariton sax 

nicolas garnier / bass 

hary ratsimbazafy / drums 

nguyên lê / e-gitarre 

céline bonacina trio 

way of life 

ACT 9498-2 

„die krachend vitale, interaktive musik 

dieser gruppe ist in der weltspitze 

angekommen" 

u. olshausen (frankfurter allgemeine) 

wollny / kruse / schaefer 

[em] live at jazz baltica 

ACT 9668-2 

18 magisch-coole momente zum aktionspreis: 

„jazz, der so quirlig groovt, dass ihn 

popfans gut finden können“ (kulturnews) 

mit n. landgren, v. iyer, w. haffner uvm. 

magic moments 4 

jazz is cool 

ACT 9550-2 

vertrieb: edel:kultur (D / AT), musikvertrieb (CH) e-mail: info@actmusic.com 

label des jahres 

ECHO JAZZ 2010 

das herbstprogramm: 

in den fußstapfen von esbjörn svensson: 

„yaron herman ist einer, mit dem man in 

den nächsten jahren rechnen muss“ 

(süddeutsche zeitung) 

yaron herman trio 

follow the white rabbit 

ACT 9499-2 (vö: 22.10.) 

youn sun nah / vocals 

ulf wakenius / gitarre 

lars danielsson / bass, cello 

xavier desandre-navarre / percussion 

youn sun nah 

same girl 

ACT 9024-2 

ACT artists in concert: céline bonacina trio: 4. & 5.11. jazzfest berlin vijay iyer trio: 17.10. köln, 19.10. berlin, 20.10. saarbrücken 

21.10. freiburg [em] wollny | kruse | schaefer 12.10. - 5.11. youn sun nah 28.10. - 7.11. alle termine: www.actmusic.com/live.php 

alle cd’s erhältlich im fachhandel und auf allen gängigen downloadportalen. weitere infos unter www.actmusic.com

Thomas Quasthoff 

Tell It Like It Is 

Deutsche Grammophon 

CD 477 8614 


Liebe, Drama, Wahnsinn 

Statement statt Fortsetzung: Nach dem Erfolg von „The Jazz Album“ widmet sich der Bassbariton 

Thomas Quasthoff auf „Tell It Like It Is“ jetzt seinen Lieblingsliedern aus Soul, Pop und Country- 

Swing – beschwingt und beseelt. 

Text: Carola Kramer | Foto: Harald Hoffmann 

s sind Stücke, die ich liebe und die 

E mir Spaß machen“, klärt Thomas 

Quasthoff die Stilfrage gleich zu Beginn, 

ob dies also nach dem „Jazz Album“ jetzt 

das „Soul Album“ sei. „Ich tue mich 

schwer damit, Musik in Schubladen zu 

packen: Das ist Soul, das ist Jazz. Wir wollen 

mal ganz ehrlich sein, ‚The Jazz Album‘ 

war auch nicht nur das. Dies ist sicher 

ein Programm, das man auch ‚My 

Favorite Things‘ nennen könnte, weil wir 

weniger nach dem Stil geguckt haben als 

danach, was ich einfach gerne mag.“ Das 

erste Wagnis eines Albums mit „nicht 

klassischem Repertoire“, einer Aufgabe, 

an der schon so viele seiner klassischen 

Kollegen grandios gescheitert sind, hat 

der Bassbariton gewinnend hinter sich 

gebracht. „Watch What Happens“, so 

der Untertitel der Till-Brönner-Produktion 

von 2007, bescherte Thomas Quasthoff 

nicht nur einhelliges Kritikerlob und die 

eindrucksvollsten Verkaufszahlen seiner 

bisherigen Karriere, sondern auch eine 

Grammy-Nominierung und einen Echo. 

Diese Erfolge waren sicherlich eine 

willkommene Bestätigung, nicht aber 

der Antrieb zu „Tell It Like It Is“. Dem 

„Mann mit der schönsten Stimme der 

Welt“, wie ihn der „Stern“ einmal nannte, 

geht es, wie gesagt, vor allem um die 

Freude an dieser Musik – und um frischen 

Wind in seinem Repertoire. Seine 

enorme Popularität in den internationalen 

Konzertsälen hat Thomas Quasthoff 

bei „Tell It Like It Is“ zu einer ungewöhnlichen 

Idealsituation verholfen. Mit einem 

abendfüllenden Lieblingsprogramm und 

seinen erklärten Freunden und Musikerfavoriten 

– dem Organisten Frank Chastenier, 

dem Drummer Wolfgang Haffner, 

dem Bassisten Dieter Ilg und dem Gitarristen 

Bruno Müller – ging Quasthoff im 

Februar auf Tour. Begeistert empfing 

man den Sänger, seine Band – und das 

neue Repertoire. Das Publikum ging mit, 

wenn er Bill Withers „Kissing My Love“, 

Stevie Wonders „Have A Talk With God“ 

oder Ann Peebles’ „I Can’t Stand The 

Rain“ sang, es schluckte wie im Chor bei 

Balladen von „Rainy Night In Georgia“ 

von Tony Joe White bis zu Aaron Nevilles 

dramatischem Titelsong, um dann wieder 

laut zu lachen und zu applaudieren, 

Thomas Quasthoff 

wenn der gnadenlos begabte Sänger bei 

„Seventh Son“, „Short People“ oder 

„The Whistleman“ alle Register seiner 

Unterhaltungskunst zog. Auch bei seinen 

Ansagen und den Vocalese-Spontaneitäten, 

die manchen im Publikum an seinen 

gelegentlichen Live-Kollegen Bobby 

McFerrin erinnerten, spürte man, dass 

Thomas Quasthoff dieses „Tell It Like It 

Is“ eine Herzenssache ist. Und wie sehr es 

ihm wieder einmal um anspruchsvolle 

Un terhaltung geht. „Es gibt wirklich nur 

gute und schlechte Musik, das ist für 

mich das Kriterium“, sagt der Gesangsprofessor 

an der Hochschule für Musik 

Hanns Eisler in Berlin. „Es geht auch gar 

nicht immer nur um den ‚Transport von 

wertvollen Texten‘. Im Soul geht es 

schließlich um Liebe, Drama, Wahnsinn. 

Wie in der klassischen Musik auch.“ 

www.thomas-quasthoff.de

Mitternachtsspitze 

Musiker wäre Ulrich Tukur viel lieber geworden als Schauspieler. Nun ist er zum Glück beides. 

Text: Siegfried Schumacher | Foto: Katharina John 

lrich Tukur liebt die Bühne, das Drama, die lebendigen 

UGeschichten. Auf „Mezzanotte“, seinem Debüt bei Deutsche 

Grammophon, singt der Schauspielstar einige der schönsten 

davon – auf Englisch, Italienisch, Französisch und Deutsch. 

Früher, ja, damals, also in den guten, alten Zeiten, um die 

es hier hauptsächlich geht, gehörte es zum Handwerk eines 

Schauspielers, zum guten Ton sozusagen, dass er singt. Hans 

Albers und Heinz Rühmann taten es, Hildegard und Marlene, 

und natürlich Marilyn, Sophia und Liza, nicht zuletzt Peter Sellers 

und Anthony Perkins. Auch Ulrich Tukur gehört in diese 

universell unterhaltsame Riege. Der Charakterdarsteller aus 

Viernheim mit Wohnsitz in Venedig ist vor allem aus dem Kino 

und Fernsehen bekannt, etwa als Stasi-Leutnant aus „Das Leben 

der Anderen“ oder als hessischer Tatort-Kommissar. Seine 

erste Liebe jedoch galt der Musik, sie war sogar das, was ihn 

schließlich ins Theater und Filmstudio brachte. „Schauspielerei 

hat mich nie interessiert“, sagt der 54-Jährige. „Ich war ja nie 

im Theater. Außer einmal im ‚Freischütz‘ im Stadttheater Freiburg 

– was mich als Kind sehr beindruckt hat. Über den Klavierunterricht 

habe ich später Boogie Woogie entdeckt und durch 

die alten 78er meiner Tante die Schlager der 30er und 40er, 

wie die ‚Mondnacht auf Kuba‘ zum Beispiel.“ Für derartigen 

„Schleim und Schlagerjazz“ reichte Tukur zu Universitätszeiten 

in Tübingen mit einem Kommilitonen aus dem Germanistik seminar 

in der Fußgängerzone den Hut herum. Und auch wenn 

ihn sein weiterer Weg nahezu direkt in eine Theateraufführung 

mit Dominique Horwitz, zum Schauspielstudium nach Stuttgart 

und auf die großen Bühnen führte, die Liebe zu den alten 

Schellackliedern blieb. 

Nach etlichen Alben und Touren mit seinen Rhythmus Boys 

gibt Ulrich Tukur nun seinen Einstand bei Deutsche Grammophon. 

Dafür stieg er nicht nur tief hinab in sein 2000 Titel starkes 

Schallarchiv, um eher abwegige Schlager-Schätze von 

Chan son über Canzone bis zu Liedern und Songs zu heben, er 

engagierte auch den Pianisten und Arrangeur Lutz Krajenski, 

der den alten Liedern neue musikalische Wendungen schreiben 

durfte. Gemeinsam mit diesem Ausnahmemusiker, der 

sonst auch die Bigband von Roger Cicero leitet, und seinem 

hochkarätig besetzten Orchester, brachte Ulrich Tukur das Programm 

um den letzten Jahreswechsel herum auf die Bühne 

und ins Aufnahmestudio. Auf „Mezzanotte“ finden sich neben 

den vielen schönen und auch schaurigen Nachtgeschichten 

von Coco Schumann, Domenico Modugno oder Friedrich Hollaender, 

allerdings auch Eigenkompositionen im eleganten Stil 

der Vorkriegszeit. „Die Großstadt träumt“, ein besinnliches 

„Stück post-expressionistischer Großstadtlyrik im Stile von 

Mascha Kaléko“, ist ein Gemeinschaftswerk von Tukur und Kra- 

Ulrich Tukur 

jenski, die englisch gesungene Moritat des blutrünstigen 

Schlach ters „Willy Williams“ stammt von Tukur allein. „Ich hab 

eine Stimme, die trägt sehr gut“, sagt er. „Das muss dir zur Natur 

werden, dass du auf der Bühne immer ein bisschen mehr 

Druck gibst. Vor der Kamera muss man dann alles wieder zurücknehmen. 

Und beim Gesang im Aufnahmestudio? Meine 

Stimme ist sicher nicht unbegrenzt. Ich kann zum Beispiel nicht 

mit einer Bigband singen. Leider nicht. Aber diese frechen, 

vielschichtigen und Geschichten erzählenden Chanson¿s und 

Kabinettstückchen aus der Zeit vor und während der Weimarer 

Republik, die stehen ihr ganz gut.“ 

www.ulrichtukur.de 

Ulrich Tukur 

Mezzanotte 


CD 477 8796 

www.jazzecho.de 19

Charlie Haden & 

Quartet West 

Sophisticated Ladies 

Emarcy 

CD 275 0816 



Gut geflüstert, 

Löwe! 

Mit einem neuen Album und einem singenden All-Star-Team feiert das Charlie Haden Quartet West 

sein 25-jähriges Jubiläum. 

Text: Jörg Eipasch | Foto: Steven Perilloux 

Vom Albumcover blickt eine geheimnisvolle Schönheit, die 

auch einem Film noir der 40er Jahre entstiegen sein 

könnte. Sie steht stellvertretend für sechs Sängerinnen, die 

Charlie Haden zur Jubiläumsfeier seines Quartet West einlud, 

einer grandiosen Melange aus Vocals und Instrumentals, mal 

melancholisch, mal swingend, immer so klassisch-stilvoll wie 

die Coverdame. 

Der Albumeinstieg geht an Melody Gardot, die sich erst 

vor kurzem mit ihrem zweiten Album an die Spitze der neuen 

Jazz-Pop-Diven katapultiert hat. Sie haucht die alte Ballade 

„If I’m Lucky“ mit großer Verletzlichkeit und gestalterischer 

Schönheit. Genauso perfekt wie die Gardot schmiegen sich 

auch drei schon länger zu den Großen des Business zählende 

Sängerinnen, Diana Krall, Norah Jones und Cassandra Wilson, 

in die verzauberte Klangwelt des Quartet West. So verinnerlicht 

und minimalistisch hat man diese Damen selten gehört. Überraschen 

mag im Album-Lineup die klassische Sopran-Diva 

Renée Fleming, die aus ihrer Jazzaffinität allerdings nie einen 

Hehl gemacht hat. Vor fünf Jahren nahm sie mit Pianist Brad 

Mehldau das Duo-Album „Love Sublime“ auf. Und sublim ist 

hier auch ihre Interpretation von Victor Youngs und Ned 

Washingtons „A Love Like This“. Hadens Ehefau Ruth Cameron 

komplettiert die singenden Sechs des Albums, die, jede auf 

ihre Art, Finesse und Flair einbringen. 

„Charlie Hadens Tanz der Freiheit klingt heute wie ein Flüstern 

und nicht wie ein Schrei“, spielte einmal ein amerikanischer 

Jazzkritiker auf Hadens Free-Jazz-Vergangenheit an. Besser 

könnte man den im Laufe von Jahrzehnten vollzogenen Paradigmenwandel 

des Bassisten wohl kaum beschreiben. Die atonale 

Attitüde der rebellischen 1960er Jahre ist einer subtilen 

Widerborstigkeit gewichen, die mit melancholischer Melodienseligkeit 

eingefärbt ist. Doch bei aller Klangschönheit, mit der 

das Quartet West seit 1986 fasziniert, wahrte sich Haden stets 

auch seine Innovationslust. Mal mischte er die Musik mit Tonspuren 

historischer Jazzaufnahmen oder Filmzitaten, mal versetzte 

er bekannteres Repertoire mit überraschenden Entdeckungen 

oder gar vergleichsweise sperrigen Kompositionen seines alten 

Free-Jazz-Gefährten Ornette Coleman. 

Das Material der „Sophisticated Ladies“ besteht größtenteils 

aus Jazzballaden, von denen die bekannteste natürlich 

die Titelkomposition von Duke Ellington ist. Verwoben werden 

die Gesangsnummern mit ausgesuchten Instrumentalstücken 

wie dem stimmungsvollen Thema der nahezu vergessenen TV- 

Krimi serie „Markham“ von 1959. „Angel Face“, aus der Feder 

von Hank Jones, ist eine Hommage an den am 16. Mai verstorbenen 

Pianisten, mit dem Haden 1996 das Duo-Album „Steal 

Away“ aufgenommen hatte. Expressivere Klangfarben brin- 

gen zwei Up-Tempo-Bebop-Nummern ins Spiel: „Today I Am 

A Man“ von Pianist Steve Kuhn und „Wahoo“ von Trompeter 

Benny Harris. 

Elf Jahre lang hat das Quartet West seine Fans auf dieses 

sechste Album warten lassen, live war es jedoch die ganze Zeit 

präsent. Zur Besetzung zählen neben Haden nach wie vor die 

Gründungsmitglieder Alan Broadbent – der Pianist schrieb 

auch wieder die Streicherarrangements – und Tenorsaxophonist 

Ernie Watts. Nach Billy Higgins und Larance Marable 

schwingt seit 2006 der junge Rodney Green den Jazzbesen und 

die Trommelstöcke. Und Charlie Haden führt sein Quartet West 

immer noch mit dem legendär vollen, warmen Ton und den 

klaren, singenden Sololinien seines Kontrabasses. 

www.charliehaden.de 

Charlie Haden

K a r s t e n j a h n K e K o n z e r t d i r e K t i o n g m b h 

lizz Wright 

16.10.10 Berlin // Passionskirche 

25.10.10 Frankfurt // Mousonturm 

26.10.10 Köln // Gloria 

30.10.10 Hamburg // Überjazz Festival 

Neues Album: 

Fellowship 

Verve / Universal Music 

VÖ: 08. Oktober 2010 

Aktuelle Alben · Nils Landgren „Christmas With My Friends I & II“ (Act/edel) 

Nils laNdgreN 

Christmas With My Friends 

John Scofield Trio Lizz Wright Tango Crash 

Matthew Herbert Big Band Jason Moran & The Bandwagon 

"NDR Bigband & Colin Towns play John Lennon" Capri di Rote 

Chilly Gonzales Mulatu Astatke & The Heliocentrics Bibi Tanga 

Shining Das Hammerklavier Trio Soil & "Pimp" Sessions 

Youn Sun Nah & Ulf Wakenius Olafur Arnalds Peter Bolte & Jim Campbell 

Healthy Poison Burgstaller Martignon 4 (BM4) Frank Delle Trio u.v.m. 

Nils Landgren (tb, voc), Jeanette Köhn (voc), Sharon Dyall (voc), 

Ida Sand (p, voc), Johan Norberg (g), Jessica Pilnäs (voc), 

Jonas Knutsson (sax), Eva Kruse (b) 

29. + 30.10.2010 

KAMPNAGEL AB 19.00 UHR 

KOOPERATION VON 

JAZZBÜRO HAMBURG e.V., 

KAMPNAGEL, 

KARSTEN JAHNKE KONZERTDIREKTION 

UND NDR JAZZREDAKTION. 

www.ueberjazz.com 

(Änderungen vorbehalten) 

07.12.10 Lüneburg // Kulturforum 

08.12.10 Hamburg // Laeiszhalle 

10.12.10 Oldenburg // Kulturetage 

11.12.10 Kiel // Petruskirche 

12.12.10 Dresden // Himmelfahrtskirche 

13.12.10 Berlin // Passionskirche 

14.12.10 Nürnberg // Gustav-Adolf-Gedächtniskirche 

15.12.10 München // Carl-Orff-Saal 

16.12.10 Stuttgart // Johanneskirche 

17.12.10 Darmstadt // Staatstheater 

18.12.10 Bochum // Christuskirche 

19.12.10 Köln // Kulturkirche 

21.12.10 Elmau // Schloss Elmau 

23.12.10 Elmau // Schloss Elmau* 

* mit kleiner Besetzung 

aNNe sofie voN otter 

aNd Brad Mehldau 

28.03.11 Berlin // Kammermusiksaal 

TIcKETS: 01805 - 62 62 80* und 040 - 413 22 60** • www.karsten-jahnke.de und an allen bekannten Vorverkaufsstellen. *(e 0,14/Min. aus dem deutschen Festnetz, Mobilfunk max. e 0,42/Min.) **(Mo – Fr, 10 – 18 Uhr)

Paolo Conte 

Nelson 

Emarcy 

CD 274 7941 



Auf den Hund 

gekommen 

Dass Paolo Conte eine Menge erlebt hat, 

verrät ein einziger Blick in sein gegerbtes Gesicht. 

Auf dem Album „Nelson“ erzählt das 73-jährige 

Multitalent 15 neue Episoden aus seinem Leben. 

Text: Jörg Eipasch | Foto: Cesare Cicardini 

Schnauzbärtig, bärbeißig dreinschauend, die linke Augenbraue 

skeptisch hochgezogen, die Stirn von tiefen Falten 

zerfurcht – so kennt man Paolo Conte schon seit Urzeiten 

von Fotos. Hinter der fast schon furchteinflößenden Maske – 

wie die rauchig-raue Stimme eines seiner Markenzeichen – verbirgt 

sich allerdings ein außergewöhnlich sensibler und warmherziger 

Poet mit Hang zu melancholischen Betrachtungen, 

die gelegentlich mit einer Prise Ironie oder Sarkasmus gewürzt 

sind. 73 Jahre alt ist Paolo Conte im Januar geworden, und gut 

die Hälfte dieser Zeit ist er nun schon ein Cantautore, wie man 

die singenden Songwriter in seiner Heimat Italien nennt. Seit 

1974 erfreut er mit seinen Geschichten ein ständig wachsendes 

Publikum. Nun hat er für sein Album „Nelson“ 15 neue Episoden 

vertont, zu denen ihn wahre Begebenheiten, aber auch Kunstwerke, 

literarische und filmische Vorlagen inspiriert haben. 

„Die barsche Raucherstimme, ein Klavierstil, der in einer 

Honky-Tonk-Bar genauso zu Hause zu sein scheint wie in einem 

Tango-Palast oder einem Broadway-Cabaret, und die Weltanschauung 

eines wettergegerbten Romantikers haben Paolo 

Conte in Italien zu einem bestens bekannten Songwriter gemacht.“ 

Mit diesen Worten stellte die „New York Times“ ihren 

Lesern Paolo Conte vor, als dieser 1998 seine erste größere 

Tournee durch die Vereinigten Staaten startete. Dass Conte 

dort bis zu diesem Zeitpunkt nur wenig bekannt war, mutet 

absurd an: Schließlich hatte er seine Künstlerkarriere in den 

60er Jahren als Jazzvibraphonist begonnen und die frühen Traditionen 

des amerikanischen Jazz in seiner Musik auch danach 

immer besonders liebevoll gehegt und gepflegt. 

Auch auf „Nelson“ gibt es wieder zahlreiche Songs, die er 

mit der Patina des swingenden Jazz der 20er und 30er Jahre 

überzogen hat. Unter diese jazzigen Titel mischt er aber auch 

munter einen frankophonen Chanson („Enfant prodige“) und 

Lieder mit südamerikanischem Flair (wie die Bossa „Nina“, das 

sich im Titel selbst erklärende „Los amantes del mambo“ oder 

den Tango „L’orchestrina“). Halb Blues, halb Cabaret-Musik ist 

dagegen das sehr verspielte „Sotto la luna, Bruna“, in dem der 

launige Künstler wie ein Hund den von ihm besungenen Mond 

anheult. Doch Conte schwelgt nicht nur in nostalgischen Klän- 

Paolo Conte 

gen. Im poppigen „C’est beau“ (wo er Gaststar Laura Conti 

und seinem Bassisten Jino Touche den Leadgesang überließ) 

und vor allem in „Sarah“ experimentiert er behutsam auch mit 

modernen Stilformen und Grooves. 

„Man kommt alleine auf die Welt, man geht alleine von ihr, 

und dazwischen herrscht ein ständiges Kommen und Gehen,“ 

sinnierte Paolo Conte einmal in einem seiner melancholischen 

Anflüge. Was er damit meinte, erfährt man jetzt in den 15 

Songs von „Nelson“. Das Album benannte er übrigens nach 

seinem Hund, den er auf dem Gemälde für das Cover porträtierte. 

www.paolo-conte.de

Mitschwingen 

Text: Götz Bühler | Foto: Robbin Valentine 

„Die Musik war immer stärker als 

alles andere, vor allem als alle Zweifel“, 

sagt Anat Fort. „Ich befürchtete, 

dass ich einfach keine normale, typische 

Jazzmusikerin sein könnte. Aber die Musik 

drängte mich, das zu tun, was sie 

brauchte. Sobald ich akzeptierte, dass 

ich die Musik so und nicht anders hörte, 

wurde es besser und entspannter. Und 

ich sagte mir: Okay, so bin ich. Es ist weder 

gut noch schlecht. Es ist, wie es ist.“ 

Seit 15 Jahren lebt und arbeitet die israelische 

Pianistin vorwiegend in New York, 

seit zehn Jahren leitet die Schülerin von 

Harold Mabern und Rufus Reid dort ihr 

eigenes Trio mit dem Bassisten Gary 

Wang und dem Schlagzeuger Roland 

Schneider. Auf ihrem zweiten, von Manfred 

Eicher im Osloer Rainbow Studio 

produzierten ECM-Album „And If“, dessen 

Coverfoto vom Roten Meer scheinbar 

schon die Stimmung des Albums antizipiert, 

präsentiert sie neun sensible Eigenkompositionen, 

mit eben diesem 

traumwandlerisch eingespielten Trio. Mit 

Nik Bärtsch 

„Ekstase durch Askese“ lautet ein 

Motto von Nik Bärtsch. Der 39-jährige 

Pianist, Komponist und Bandleader aus 

Zürich schafft in und mit seiner „Ritual 

Groove Music“, besonders dem „Zen- 

Funk“ seiner Samurai-Band Ronin, eine 

Klarheit und Direktheit, deren meditativer 

Minimalismus den hörbaren Raum 

und sogar die Zeit auszudehnen scheint. 

einem „lebhaft meditativen Solo-Stil“, 

wie es Gary Giddins in der „Village Voice“ 

formulierte, lautmalt sie etwa „Clouds 

Moving” oder „Something ’Bout Camels“, 

aber auch „Paul Motian“. Die Huldigung 

an den legendären Drummer, 

der auf dem Vorgängeralbum „A Long 

Story“ zu hören war, bildet sogar Eröffnung 

und Abschluss. „Alles, was man in 

Minimale Module 

Text: Götz Bühler | Foto: Martin Möll 

Im hypnotisch groovenden Fluss der 

„Module“, wie der Leader seine durchnummerierten 

Stücke nennt, klingt alles 

weiter, auch intensiver, durch eine Dramaturgie, 

die gekonnt Komposition und 

Improvisation vereint. Auf „Llyrìa“, dem 

dritten ECM-Album von Nik Bärtsch’s 

Ronin, produziert von Manfred Eicher an 

nur vier Tagen im März dieses Jahres im 

Studio La Buissonne in Pernes-les-Fontaines, 

entfalten sich die Module noch 

gründlicher und gelassener als bisher. 

Die Sehnsucht in „Modul 48“ entwickelt 

dabei eine ebensolche Kraft wie der 

Sturm und Drang in „Modul 51“. Man 

merkt, dass diese seit fast zehn Jahren 

Gary Wang, Anat Fort, Roland Schneider 

seinem Leben erfährt und erfahren hat, 

kommt an einem bestimmten Punkt heraus“, 

sagt Anat Fort. „Ich versuche nichts 

zu forcieren. Etwa ein Stück zu spielen, 

das sich israelisch anhört. Oft fließen die 

Sachen auf natürliche Weise ein. Daran 

ist nichts Falsches, also schwinge ich 

mit.“ 


funktionierende „working band“ mit 

Bärtsch am Piano, Sha an Bassklarinette 

und Altsaxophon, Bassist Björn Meyer, 

Percussionist Andi Pupato und Bärtschs 

Schulfreund Kaspar Rast am Schlagzeug, 

nicht nur regelmäßig durch die Welt 

tourt, sondern auch so oft es geht ihr 

Montagskonzert im Club Exil in Zürich 

gibt – inzwischen schon über dreihundert 

mal. All das kann man wissen, vielleicht 

steigert es das Verständnis sogar. 

Doch die Musik von Nik Bärtsch’s Ronin 

begeistert auch ohne jegliche Vorliebe – 

je bedachter man sich ihr stellt, umso begeisternder 

wirkt sie. 

www.nikbaertsch.de 

Anat Fort Trio 

And If 

ECM 

CD 273 3216 

Nik Bärtsch’s Ronin 

Llyrìa 

ECM 

CD 274 2820 

www.jazzecho.de 23

Giuseppe Sinopoli/ 

Philharmonia 

Orchestra 

Recomposed By 

Matthew Herbert 

– Mahler 

Symphony X 


CD 273 4438 

LP 273 4451 


Vollendet unvollendet 

Für seinen Beitrag zur Serie „Recomposed“ hat Matthew Herbert Gustav Mahlers unvollendete 

Zehnte Symphonie bearbeitet. Die Komposition ist erhalten geblieben und doch ist diese Rekomposition 

die vielleicht radikalste der Serie. 

Text: Felix Fast | Foto: Dino Wand 

Matthew Herbert 

enie und Wahnsinn lagen dicht beieinander, als Gustav 

GMahler 1910 seine unvollendete Zehnte Symphonie komponierte. 

Rasende Eifersucht plagte den 50-Jährigen, denn seine 

deutlich jüngere Frau Alma betrog ihn mit dem 27-jährigen 

Architekten Walter Gropius. Mahler suchte Rat und Hilfe auf 

der Couch von Sigmund Freud – nachempfunden haben diese 

Begegnung Percy und Felix Adlon in ihrem aktuellen Spielfilm 

„Mahler auf der Couch“. Danach zog Mahler sich nach Südtirol 

zurück, in sein Kompositionshäuschen in Toblach, wo er das 

Adagio und vier weitere Sätze der Zehnten Symphonie zu Papier 

brachte. Bevor er sie beenden konnte, starb der österreichische 

Spätromantiker am 18. Mai 1911 in Wien. Posthum kur sier ten 

zunächst nur Gerüchte über die Zehnte Symphonie. Etliche 

puzzelten dann mit den Fragmenten herum. Auskomponiert 

hat Mahler allerdings nur eine halbe Stunde Musik. Genau die 

spielte 1987 der Dirigent, Komponist, Psychiater und Archäologe 

Guiseppe Sinopoli historisch korrekt ein. 2001 brachte 

ein früher Tod Sinopoli (wie Mahler) um die Vollendung, was 

Musikwissenschaftler als interessante Parallele bewerten. Die 

„Unvollendung“ von Mahlers Zehnter ist für den englischen 

Produzenten Matthew Herbert nun ein entscheidender Punkt 

gewesen, sie für seinen neuen Beitrag der von der Deutschen 

Grammophon lancierten „Recomposed“-Serie auszuwählen: 

„Damit sinkt das Ausmaß an Gewalt, das ich dem Werk antue“, 

kommentierte der Avantgarde-Elektroniker im Interview. Als radikaler 

Tüftler begeisterte Herbert in den 1990ern das Techno- 

Publikum mit gesampleten Chips-Tüten, wurde dann zum Bigbandleader, 

fand Beachtung als Echtzeit-Sampler vor Publikum 

und brachte mit seiner aktuellen Platte „One Pig“ die Tierschützer 

auf den Plan. Die Herangehensweise des kontroversen minimalistischen 

Geräuschespezialisten bei „Recomposed“ Manfred Eicher hebt 

sich natürlich ab von der seiner Vorgänger in der Reihe: Für die 

letzte Ausgabe von „Recomposed“ remixten die Techno-Koryphäen 

Moritz von Oswald und Carl Craig Fragmente aus Ravels 

„Bolero“ in eine traumwandlerische Trance. Herbert lässt dagegen 

Sinopolis Einspielung des Adagios von Mahlers Zehnter intakt, 

macht aus ihr ein biografisches Symphonie-Hörspiel, in 

dem Türen klappern und Knochen knirschen. Fast schon wie in 

einem Totenritual spielte er dafür unterschiedliche Teile des 

Werks an verschiedenen Orten ab: in einem Sarg, in einem Krematorium, 

aus einem Leichenwagen; die eröffnende Bratschen- 

Passage ließ er am Grab Mahlers aufführen. Ohne Mahler zu 

zer mahlern, verstärkte er so die dynamischen Kontraste der 

Originalaufnahme. Nicht Melodie, Harmonie und Struktur des 

Stücks wollte er re-komponieren, sondern dessen Performance 

und Klangraum. Indem Herbert statt an der Komposition an ihrer 

Einspielung werkelt, erzeugt er einen Bruch im Paradigma 

der Klassikaufnahme, die vor allem eins sein möchte: neutral. 

Rechtzeitig zum 150. Geburtstag Mahlers solle Herberts gewagte 

Neufassung „kein düsteres Mausoleum darstellen“, teilt 

der Brite im Booklet mit, „sondern eine Verstärkung des beunruhigenden 

Gleichgewichts zwischen Licht und Dunkelheit“, 

das er in der Originalarbeit hört. Entstanden ist ein Album für 

Kopfhörer (im doppelten Wortsinn). 

www.recomposed.de

Neuerscheinungen 

CDs • www.jazz-neuerscheinungen.de 

Weltmusik 

Seit 30 Jahren steht sein Name für romantische 

Mu sik mit jazzigem Einschlag. Auch im moderne ren 

Sound bleibt er seinen Wurzeln treu. Kenny G / 

Heart And Soul / Concord CD 723 2048 

An der Seite des Gitarristen Pepe Habichuela: Hol- 

lands erster Ausflug in die Welt des reinen, echten 

Flamenco. Dave Holland & Pepe Habichuela / 

Hands / Emarcy CD 273 8853 

Klassisches und doch erfrischend modern klin gen- 

des Jazzalbum des Neo-Soul-Sängers im Duett mit 

dem Pianisten Jef Neve. José James & Jef Neve / 

For All We Know / Impulse CD 273 2149 

Popklassiker von den Beatles, Paul Simon, Stevie 

Won der, Jackson Browne, Brian Wilson, Billy Joel 

u.a. Monica Mancini / I’ve Loved These Days / 

Concord CD 723 0745 

Brückenschlag zwischen Jazz und Blues sowie der 

Musik des Baskenlands und dem Flamenco. Jazz 

at Lincoln Center feat. Wynton Marsalis & Paco 

de Lucía / Vitoria Suite / Emarcy 2 CDs 273 7863 

Nur selten kommt der gesamte musikalische Marsalis-Clan 

auf einer Bühne zusammen. Gäste: Harry 

Connick jr. u.v.a. The Marsalis Family & Friends / 

Music Redeems / Marsalis Music CD 460 0130 

Gitarristisches Gipfeltreffen mit John Scofield, B.B. 

King, George Benson, Taj Mahal, Robert Cray, Keb’ 

Mo’, Jonny Lang, Slash u.a. Various Artists / Lee 

Ritenour’s 6-String Theory / Concord CD 723 1911 

Scofields und Mendozas Wiedertreffen nach 20 Jah- 

ren, unterstützt vom klanggewaltigen Me tro pole 

Orchestra. John Scofield, Metropole Orchestra, 

Vince Mendoza / 54 / Emarcy CD 271 4450 

Für den Pianisten Terrasson ein wichtiger Wende- 

punkt seiner Karriere, ausgezeichnet mit dem Vier- 

teljahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik. 

Jacky Terrasson / Push / Concord CD 723 1640 

Gils Zeitreise in seine Kindheit ist eine musikalische 

Erinnerung an die ausgelassenen ländlichen 

Tanzfeste Brasiliens. Gilberto Gil / Fé Na Festa / 

Emarcy CD 274 1055 

Unwiderstehlicher Klangcocktail aus Bossa- und 

Sambaklassikern sowie Originalen, brasilianischen 

Rhythmen und Dancefloor-Grooves. Sergio 

Mendes / Bom Tempo / Concord CD 723 1575 

Hommage an Bob Marley mit alten Hits und neuen 

Songs im Reggae-Gewand. Mit Earl „Chinna“ 

Smith, Patrice & Ayo. Youssou N’Dour / Dakar – 

Kingston / Emarcy CD 532 5472 

Pop / Rock / Singer/Songwriter 

Reflektionen über das eigene Leben und Wunder 

auf einem berückend schönen Album. 

Mary Chapin Carpenter / The Age Of Miracles / 

Rounder CD 431 1332 

Wie immer ein typisch explosives Gemisch aus 

Rhythm’n’Blues, Funk, Rock, viel Kreativität und 

positiver Energie. 

Macy Gray / The Sellout / Concord CD 723 2009 

Deutlich rockigere Seite der kanadischen Songschreiberin, 

die politisch engagierte Texte mit 

Indie-Pop, Folk und Country kombiniert. Sarah 

Harmer / Oh Little Fire / Rounder CD 431 1272 

Langs erstes Livealbum mit einem atemberaubend 

elektrisierenden Konzert in Nashville. 

Jonny Lang / Live At The Ryman / 

Concord CD 723 2007 

Hier geht Tift Merritt mehr denn je aus sich heraus 

und präsentiert ihren Folk- und Country-Rock 

direkt und schnörkellos. Tift Merritt / See You On 

The Moon / Emarcy CD 723 1965 

Ungewöhnlicher Spagat zwischen diversen musikalischen 

Stilen und Epochen mit viel Charme, Originalität 

und Witz. Térez Montcalm / Connection / 

Emarcy CD 532 1171 

Zupackendes Retroalbum mit 13 neuen Songs, 

aufgenommen mit historischem Equipment an 

musikalischen Kultorten. John Mellencamp / 

No Better Than This / Rounder CD 613 2842 

Nostalgische Reunion der legendären Band The 

Section nach 36 Jahren mit allen damaligen Hits. 

James Taylor & Carole King / Troubadour 

Reunion Live / Concord CD+DVD 723 2053 

Das erste Soloalbum seit acht Jahren bewegt sich 

gewitzt im Grenzgebiet von Rock, Rhythm’n’Blues, 

Blues, Folk, Country und Funk. Peter Wolf / 

Midnight Souvenirs / Verve CD 273 9623 

Beate Lechs unnachahmliche Vocals treffen auf 

Tex-Mex, kubanische Perkussion und großartiges 

Songwriting zwischen Pop und Jazz. Beady Belle / 

At Welding Bridge / Jazzland CD 274 7580 

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Vier Konzertmitschnitte aus den 1940er Jahren, u.a. 

mit der einzigen kompletten Live-Aufführung von 

„Black, Beige And Brown“. Duke Ellington / The 

Carnegie Hall Concerts / Concord 8 CDs 532 3249 

Bei Prestige Records begann Sonny Rollins 1954 

seine Solokarriere. Inkl. „Tenor Madness“ und 

„Saxophone Colossus“ Sonny Rollins / The 

Prestige Albums / Concord 8 CDs 532 3260 

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16 Alben enthält die preisgünstige Box mit Monks 

Riverside-Aufnahmen aus den 50er und 60er Jahren. 

Thelonius Monk / The Riverside Albums / 

Concord 16 CDs 532 7066 

Einzigartiges Porträt des amerikanisch-kanadischen 

Songwriters mit der Entstehungsgeschichte seiner 

ersten Oper. Rufus Wainwright / Prima Donna – 

The Story Of An Opera / Decca DVD 074 3397 

Eines der aktuell besten Jazzensembles der Welt in 

einem mitreißenden Livemitschnitt. 

Roy Hargrove / Live At The New Morning / 

Emarcy DVD 274 3629 

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l Mainstream Jazz (z.B. Oscar Peterson, Herbie Hancock, Till Brönner) 

l Modern Jazz (z.B. John Coltrane, Roy Hargrove, John Scofield) 

l Vocal Jazz (z.B. Ella Fitzgerald, Diana Krall, Madeleine Peyroux) 

l Pop-Jazz (z.B. Norah Jones, Lizz Wright, Beady Belle) 

l Singer/Songwriter & Folk (z.B. Joni Mitchell, Vienna Teng) 

l Dixie/Swing/Big-Band-Jazz (z.B. Louis Armstrong, Quincy Jones) 

l Club/Dance-Jazz (z.B. Mojo Club, Tok Tok Tok, Jazzanova) 

l ECM-Label (z.B. Jan Garbarek, Keith Jarrett, Wasilewski Trio) 

l Andere Jazzmusik, z.B. _____________________________ 

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l Weltmusik (Afrika, Asien, Lateinamerika) 

l Hörbücher (Belletristik, Krimis, Gedichte, Sachbücher) 

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ECM CDs • www.ecm-sounds.de 

Das Debüt einer der eigenständigsten Stimmen im 

modernen Jazz. New Yorks Progressive-Szene liegt 

der Pianistin und Sängerin schon zu Füßen. 

Judith Berkson / Oylam / ECM CD 271 8954 

Die orchestrale Seite des Bandeonmeisters und 

Tango-Nuevo-Revolutionärs. Dino Saluzzi with 

Metropole Orkest feat. & Anja Lechner & Felix 

Saluzzi / El Encuentro / ECM CD 476 3834 

Atmosphärische Klangreise zwischen Ambient 

und Groove mit Nils Petter Molvær und Christian 

Fennesz als Gästen. 

Food / Quiet Inlet / ECM CD 273 4919 

Unkonventionelles und primär akustische Album 

des Gitarristen, Fusion-Heroen und Soundlayer- 

Spezialisten. Steve Tibbetts / Natural Causes / 

ECM CD 270 2164 

Im Duo improvisierte Instrumentaldialoge, die spielerisch 

die Grenzen des Jazz überschreiten. Marilyn 

Crispell & David Rothenberg / One Dark Night 

I Left My Silent House / ECM CD 179 9220 

ECM-Debüt des Königsbassisten der New Yorker 

Avantgarde-Szene, umwerfend energetisch und 

immer aufregend. Michael Formanek / The Rub 

And Spare Change / ECM CD 273 9514 

Ausgabe 2 • 2010 

Jahrgang 13 

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Die besten Aufnahmen des legendären südafrikanischen 

Trompeters, zusammengestellt von 

Till Brönner, mit Remixen von Jazzanova u.a. Hugh 

Masekela / Hugh! The Best / Verve CD 532 8250 

Preiswerte Compilation mit aktuellen Tracks zum 

Kennenlernen von Dee Dee Bridgewater, Bobby 

McFerrin, Rebekka Bakken u.a. Various Artists / 

Verve Today 2010 / Verve CD 532 8106 

JazzEcho-Konzertführer 

Aktuelle Tournews jede Woche neu auf www.jazzecho.de 

Eivind Aarset 

07.10. Ludwigsburg, Werner Cee 

02.12. Köln, Stadtgarten 

03.12. Berlin, Stilwerk 

The Bad Plus 

02.10. Berlin, Quasimodo 

03.10. Hannover, Jazz Club 

Nik Bärtsch’s Ronin 

06.10. München, Ampere 

07.10. Ulm, Roxy 

09.10. Mannheim, Enjoy Jazz/ 

Alte Feuerwache 

10.10. Chemnitz, Weltecho 

16.12. Rüsselsheim, Jazzfabrik 

Rebekka Bakken 

07.10. Lörrach, Burghof 

08.10. Pforzheim, Kulturhaus Osterfeld 

09.10. Tübingen, Sudhaus 

10.10. Memmingen, Kaminwerk 

Beady Belle 


04.11. Stuttgart, BIX 

06.11. Essen, Zeche Carl 

Ketil Bjørnstad 

29.10. Neuwied, Festival 

Carla Bley 

26.11. Neuburg, Birdland 

Mari Boine 

31.10. Kaiserslautern, Kammgarn 

01.11. Freiburg, Jazzhaus 

03.11. Marburg, KFZ 

04.11. Bochum, Bahnhof Langendreer 

06.11. Hamburg, Fabrik 

08.11. Bremen, Schlachthof 

09.11. Berlin, Passionskirche 

10.11. Plauen, Malzhaus 

11.11. Erlangen, E-Werk 

Frank Chastenier Trio 

20.10. Essen, Zeche Zollverein 

11.11. Berlin, A-Trane 

Paolo Conte 

28.10. Baden Baden, Festspielhaus 

30.10. Ingolstadt, Jazztage 

Paco de Lucía 

06.11. Leverkusen, Jazzfestival 

07.11. Ingolstadt, Jazztage 

Food feat. Nils Petter Molvær & 

Christian Fennesz 

11.11. Mannheim, Enjoy Jazz 

Jan Garbarek 

27.11. Singen, Stadthalle 

Jan Garbarek & Hilliard Ensemble 

30.09. Berlin, Dom 

04.10. Heidelberg, Heiliggeistkirche 

05.10. Eberbach, Kloster 

06.10. Köln, Kirche St. Agnes 

08.10. München, Lukaskirche 


05.11. Mannheim, Enjoy Jazz 

Hamel 

08.11. Köln, Studio 672 

09.11. Mainz, Frankfurter Hof 

14.11. Hamburg, Knust 

Roy Hargrove 

29.10. Stuttgart, Mercedes-Benz-Museum 

07.11. Friedrichshafen, Kulturbüro 

Dave Holland Quintet 

26.10. München, Bayerischer Hof 

30.10. Neuwied, Jazzfestival 

31.10. Köln, WDR/ 

Klaus-von-Bismarck-Saal 

Manu Katché 

02.10. Heidelberg, Enjoy Jazz/Schloss 

29.10. Neuwied, JazzFestival 

30.10. Backnang, Musikwinter 

09.11. Fürth, Stadttheater 

10.11. Ravensburg, Jazz Festival 

11.11. Leverkusen, Jazztage 

Salif Keita 

30.10. Berlin, Haus der Kulturen der Welt 

11.11. Dortmund, Konzerthaus 

12.11. Leverkusen, Leverkusener Jazztage 

Medeski, Martin & Wood 

01.10. Leipzig, Opernhaus 

Stephan Micus 

28.10. Landsberg, Stadttheater 

Youssou N’Dour 

24.11. Hamburg, Fabrik 

25.11. Berlin, Kesselhaus 

Louis Sclavis 

06.10. Köln, vive le jazz 

11.12. Schwäbisch-Gmünd, Jazz Mission 

John Scofield 

28.10. Hamburg, NDR/ 

Rolf-Liebermann-Studio 

29.10. Hamburg, Kampnagel/K 6 

09.11. Leverkusen, Jazzfestival 

11.11. Ravensburg, Konzerthaus 

12.11. Neuburg, Birdland 

Jazzgeschichte zum Mittanzen, zusammengestellt 

von den Machern des Berliner Verve Club. 

Various Artists / Verve Club – Legendary Jazz 

Grooves / Verve CD 532 5388 

Jazziger Soundtrack mit Hits aus den 20er und 30er 

Jahren und moderneren Popklassikern, aufbereitet 

im Stil der Zeit. Various Artists / Easy Virtue 

(Original Soundtrack) / Decca CD 478 1417 

Christian Scott 

16.10. Dortmund, Domicil 

30.10. Minden, Jazzclub 

31.10. Chemnitz, Weltecho 

06.11. Aalen, Jazzfest 

Andy Sheppard 

09.10. Göppingen, Odeon 

Solveig Slettahjell 

07.10. Düsseldorf, Stadtsparkasse 

Tomasz Stanko 

12.10. Mannheim, Enjoy Jazz/ 

Alte Feuerwache 

13.10. Köln, Altes Pfandhaus 

16.10. Tübingen, Sudhaus 

17.10. Hamburg, Laeiszhalle 

18.10. Ulm, Stadthaus 

19.10. Schwäbisch-Hall, Hospitalkirche 

Bobo Stenson 

04.12. Memmingen, Kaminwerk 

Ralph Towner 

11.11. Oberhausen 



25.10. Hamburg, Knust 

26.10. Berlin, Festsaal Kreuzberg 

27.10. Heidelberg, Enjoy Jazz Festival 

28.10. München, Ampere 

Gianluigi Trovesi & Gianni Coscia 

24.10. Stuttgart, Theaterhaus 

26.10. München, Unterfahrt 

27.10. Darmstadt, Centralstation 

28.10. Köln, Altes Pfandhaus 

31.10. Saarbrücken, Domicil 

02.11. Koblenz, Café Hahn 

Bugge Wesseltoft 

04.11. Aalen, Jazzfest 

05.11. Ingolstadt, Jazztage, Ramada 

27.11. Neuhardenberg, Schloss 

30.11. Bochum, Christuskirche 

02.12. Heidelberg, Peterskirche 


14.11. Ravensburg, St. Jodok Kirche, 

Trans-4-Jazz Festival 


16.10. Berlin, Passionskirche 

25.10. Frankfurt, Mousonturm 

26.10. Köln, Gloria 

30.10. Hamburg, Kampnagel 

Impressum 

Herausgeber: 

Universal Music 

Classics & Jazz 

Stralauer Allee 1 

10245 Berlin 

www.jazzecho.de 

Konzept und Gestaltung: 

G9 Design GmbH 

Hamburg 

www.G9.com 

Litho: 

TRIDIX, Berlin 

Druck: 

Mohn media, 

Gütersloh 

Alle Rechte vorbehalten. 

Nach druck, auch auszugsweise, 

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des Herausgebers: 

Fax: (030) 52007–2597 

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i m m e r w i e d e r z u ü b e r r a s c h e n d e n , h ö c h s t i n n o v a t i v e n W e n d u n g e n g e f ü h r t . D a s b a h n b r e c h e n d e A l b u m „ O f f i c i u m ∑ , m i t 

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d e r m u s i k a l i s c h e n V i e l s e i t i g k e i t u n d e m o t i o n a l e n K r a f t d i e s e r Ve r b i n d u n g . N a c h 1 6 J a h r e n g e m e i n s a m e r E r f a h r u n g e n 

s t e h t „ O f f i c i u m N o v u m ∑ f ü r m u s i k a l i s c h e K o n t i n u i t ä t , a b e r a u c h f ü r A u f b r u c h i n n e u e G e f i l d e . 

1 4 . 9 . H a m b u r g – S t . M i c h a e l i s ( w o r l d p r e m i e r e ) / 1 5 . 9 . S a l z b u r g – D o m / 3 0 . 9 . B e r l i n – D o m z u B e r l i n / 4 . 1 0 . H e i d e l b e r g 

H e i l i g g e i s t k i r c h e / 5 . 1 0 . K l o s t e r E b e r b a c h / 6 . 1 0 . K ö l n – S a n k t A g n e s k i r c h e / 8 . 1 0 . M ü n c h e n L u k a s k i r c h e / 9 . 1 0 . Z ü r i c h 

G r o ß m ü n s t e r / 11. 1 0 . W i e n – Vo t i v k i r c h e 

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Charlie Haden Lizz Wright

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