DARF ICH BITTEN? KURZINHALT John Clark (Richard Gere) hat ...

DARF ICH BITTEN?
KURZINHALT
John Clark (Richard Gere) hat einen guten Job, eine wunderbare Ehefrau (Susan
Sarandon) und zwei reizende Kinder. Doch trotz allem wird er das Gefühl nicht los,
dass irgendetwas in seinem Leben fehlt. Jeden Tag fährt er nach der Arbeit mit der
U-Bahn nach Hause – und jeden Tag auf’s neue fällt ihm eine junge Frau (Jennifer
Lopez) auf, die mit leerem Blick am Fenster einer Tanzschule steht. Eines Abends
springt John impulsiv aus dem Zug - und ehe er sich’s versieht, meldet er sich für
Tanzstunden an. Zuerst sieht alles nach einem Fehler aus: seine Tanzlehrerin ist
nicht die hübsche Paulina, die er am Fenster gesehen hatte, sondern die ältere Miss
Mitzi (Anita Gillette), beim Tanzen stellt sich John ziemlich ungeschickt an, und als er
endlich Paulina vorgestellt wird, fährt diese ihn kaltschnäuzig an, er sei hoffentlich
nicht auf der Suche nach einem Date.
Doch je mehr Stunden John absolviert, desto mehr verliebt er sich ins Tanzen,
das eine neue Lebensfreude in ihm weckt. Während er fieberhaft versucht, seine
neu gewonnene Leidenschaft vor seiner Familie und seinen Kollegen geheim zu
halten, trainiert er gleichzeitig mit seinen neuen Freunden aus der Tanzschule für
Chicagos größten Tanzwettbewerb. Auch Paulina, die vor einem Jahr eine herbe
Enttäuschung erlebt hat, lässt sich von seinem Enthusiasmus anstecken und findet
wieder Spaß am Tanzen.
Indessen wird Johns Frau Beverly langsam misstrauisch. Ihr Mann scheint wie
ausgewechselt und verbringt immer weniger Zeit zu Hause. Als sie sich nicht mehr
zu helfen weiß, heuert sie einen Privatdetektiv an...
PRESSENOTIZ
Im Remake des erfolgreichen japanischen Films von 1996 dreht sich die
Traumbesetzung Jennifer Lopez/Richard Gere im Dreivierteltakt. Verlegt von Tokio
nach Chicago, ist Peter Chelsoms einfühlsame Komödie ebenso wie das Original
„Shall We Dance“ ein herzerwärmendes Plädoyer für ein mutiges, entspannteres
Leben jenseits gesellschaftlicher Konventionen, aber auch für Partnerschaft und
Vertrauen.

Es gibt keine bessere Besetzung als Richard Gere in der Rolle des sympathischen
Durchschnittsmannes, dessen Leben aus dem Takt gerät, als er der hinreißend
schönen, aber unendlich melancholischen Paulina (Jennifer Lopez) begegnet. Von
den ersten tapsigen Versuchen auf dem Parkett bis zur vollendeten
Wettbewerbsdarbietung macht er dabei einen emotionalen Reifungsprozess durch,
den DARF ICH BITTEN? mit viel Charme, warmherzigem Humor und tiefer Liebe zu
seinen Figuren begleitet.
In dem Film über die kleinen Wunder des Lebens, wie sie jedem von uns täglich
begegnen können, gibt Susan Sarandon eine der schönsten Definitionen von Ehe:
„Wenn du verheiratet bist, hast du einen Zeugen für dein Leben, für alle Höhen und
Tiefen. Jemanden, der dir bestätigt, dass du es gelebt hast.“
INHALT
Eigentlich verläuft sein Leben in perfekten Bahnen: John Clark (RICHARD GERE)
hat alles erreicht, was ein Mann sich wünschen kann, ist erfolgreich im Beruf, führt
eine harmonische Ehe mit der selbstbewussten, attraktiven Beverly (SUSAN
SARANDON), seine wohlgeratenen Kinder sind fast erwachsen. Doch der Trott des
Alltags fordert seinen Tribut, irgendwie ist seinem Leben die Musik abhanden
gekommen, ohne dass ihm das selbst so recht bewusst ist.
Auf dem Nachhauseweg in der U-Bahn fällt sein Blick jeden Abend auf die Werbung
einer Tanzschule. Er schaut an der Fassade des Hauses hinauf und sieht im Fenster
eine wunderschöne, melancholische Frau. Am folgenden Abend steht sie wieder da,
und plötzlich ertappt er sich dabei, wie er an der nächsten Station aussteigt, die
engen Treppen zur Tanzschule erklimmt und einigermaßen verblüfft eben jener
Schönheit gegenübersteht. Geschäftsmäßig nimmt Paulina (JENNIFER LOPEZ)
seine Anmeldung zu einem Anfängerkurs entgegen, leicht amüsiert über den
attraktiven Mann in den besten Jahren, der stammelt wie ein kleiner Junge. Als John
gehen will, hält sie ihn mit dem Hinweis zurück, dass in wenigen Minuten bereits
seine erste Tanzstunde beginnt. Seine Mitstreiter erscheinen auch schon: Vern
(OMAR BENSON MILLER), ein tapsiger, übergewichtiger Bär, der Tanzstunden

nehmen will, um abzunehmen und seiner schönen Freundin zu imponieren, und der
selbstverliebte Macho Chic (BOBBY CANNAVALE), der mit dem Kurs seine Chancen
beim anderen Geschlecht verbessern will. Allen dreien steht die Enttäuschung ins
Gesicht geschrieben, als sich statt der hinreißend schönen Paulina Miss Mitzi (ANITA
GILLETTE), die charmante, aber schon etwas betagte Chefin der Tanzschule, als
ihre Lehrerin präsentiert.
Dennoch nimmt das neue Hobby John schnell gefangen und entwickelt sich zur
Leidenschaft, die er vor seiner Familie und den Kollegen zu verbergen sucht. Seine
Tochter bemerkt zuerst die Veränderung, die mit ihrem Vater vor sich geht, und
meint: „Daddy hat in letzter Zeit viel bessere Laune“. Seine Frau Beverly (SUSAN
SARANDON) befürchtet etwas anderes hinter dem Stimmungswandel. Sie glaubt, ihr
Gatte habe eine Affäre, und setzt einen Privatdetektiv auf ihn an.
Geheim halten lässt sich sein neuer Lebensinhalt ohnehin nicht, denn ein Zufall sorgt
für eine unglaubliche Enthüllung: Ein heißblütiger Latino-Tänzer tobt sich gekonnt auf
dem Parkett der Tanzschule aus, bis seine schwarzhaarige Langhaarperücke
verrutscht. Darunter offenbart sich nicht nur eine Glatze, sondern auch Johns Kollege
Link Peterson (STANLEY TUCCI), der sein Tanz-Faible heimlich auslebt und immer
mehr unter dem sozialen Druck dieses Doppellebens leidet. Ihr Geheimnis festigt die
Freundschaft der beiden Männer. Link spornt John an weiterzutanzen und bestätigt
ihm, dass sich sein ganzes Auftreten und seine Körperhaltung bereits zum positiven
verändert haben.
Beim Tanzen geht John aus sich heraus, findet einen Ausdruck für lange
unterdrückte Gefühle. Behutsam versucht er, sich Paulina zu nähern – doch die lässt
ihn mit den Worten abblitzen, dass sie keinen sozialen Kontakt mit ihren Schülern
pflege. Der Tanz bedeutet ihr Leben, und die einstige Profi-Tänzerin hat eine tiefe
Verletzung erfahren, die sie erst noch verarbeiten muss. Doch sie beobachtet den
sympathischen Geschäftsmann, dessen Leidenschaft für den Tanz schließlich auch
ihre eigene wieder erweckt und sie aus ihrer Lethargie reißt. Sie erkennt Johns
Talent und beschließt, ihn zu fördern. Bei Chicagos größtem Tanzwettbewerb soll er
als Partner der schrillen Bobbie (LISA ANN WALTER) auftreten, einer begnadeten
Tänzerin, die mit ihrer schroffen Art aber alle vor den Kopf stößt. John ist für die
klassischen Tänze vorgesehen, Link soll den Latino-Part übernehmen. John zögert

zunächst, doch Paulina verspricht, ihn zu trainieren – ein Angebot, dem wohl kein
Mann widerstehen könnte!
Am Abend der Meisterschaft ist John übernervös. Dennoch läuft alles bestens, bis er
seine Familie im Publikum entdeckt. Vom Detektiv über das Tun ihres Mannes
unterrichtet, sitzt Beverly mit ihrer Tochter im Publikum. Vor Schreck stolpert John
und reißt dabei seiner Partnerin das Kleid vom Leib. Schreiend, nur noch in Dessous,
stürzt Bobbie von der Tanzfläche, John aus dem Saal. Es ist das Aus für die Tänzer,
die eigentlich gute Chancen auf einen Sieg hatten. Aber auch das Ende für Johns
Tanzerei: Seine Frau fühlt sich hintergangen und wirft ihm seine Heimlichtuerei vor.
Und John, der gemerkt hat, was sie ihm bedeutet, setzt alles daran, ihr zu beweisen,
dass sie der wichtigste Mensch in seinem Leben ist – für den er auch aufs Tanzen
verzichten würde. Seine Entscheidung steht fest, auch als Paulina ihn zu ihrem
Abschlussfest einlädt: Sie hat beschlossen, ihre Karriere fortzusetzen und wieder
Meisterschaften zu absolvieren. Sie wünscht sich einen letzten Tango mit John. Wird
er kommen?
ÜBER DIE PRODUKTION
„DARF ICH BITTEN handelt nicht nur von einem ruhelosen Mann, der die Welt des
Tanzes für sich entdeckt“, sagt Regisseur Peter Chelsom. „Es geht vielmehr um eine
Gruppe von Menschen, die die Chance erhalten, herauszufinden, wer sie schon
immer sein wollten. Diese Geschichte von der Suche nach dem wahren Glück könnte
überall spielen – aber das Tolle am Tanzen ist, dass du damit manchmal mehr
ausdrücken kannst als mit tausend Worten.“
1996 eroberte das Original SHALL WE DANCE („Dansu Wo Shimasho Ka“) von
Regisseur Masayuki Suo, der auch das Drehbuch geschrieben hatte, die Herzen der
japanischen Zuschauer mit seiner Geschichte über einen einfachen, hart arbeitenden
japanischen Angestellten, der von dem Gefühl überwältigt wird, dass in seinem
Leben und seiner Ehe etwas fehlt, und heimlich einen Kurs in Gesellschaftstanz
belegt. Bald geht eine Veränderung mit ihm vor, er wird vom hölzernen,
melancholischen Einsiedler zu jemandem, der sein Leben plötzlich voller Magie und

neuer Chancen sieht. Mit seinen komischen Charakteren und mitreißenden
Tanzszenen berührte der Film einen Nerv in jedem, der sich schon einmal nach ein
bisschen mehr gesehnt hat. Ausgezeichnet mit 13 japanischen Oscars, trat SHALL
WE DANCE seinen Siegeszug um die Welt an, wurde als originalsprachiger Film ein
Erfolg auch in den USA und Europa.
Auch Drehbuchautorin Audrey Wells war vom Original zutiefst berührt. Sie fand, die
ergreifende Geschichte hätte ein größeres Publikum verdient. Wells hat sich schon
länger mit der Frage beschäftigt, wie Menschen ihre Leidenschaften entdecken – sei
es im romantischen oder kreativen Bereich – in der Hektik unseres geschäftigen und
zerstreuten modernen Lebens. Diesem Thema ist sie in einigen ihrer Drehbücher und
Filme nachgegangen, darunter „Unter der Sonne der Toskana“ und die preisgekrönte
„Guinevere“. Aber diese Geschichte hatte für sie noch etwas anderes, denn es geht
nicht so sehr um das Finden von Liebe im herkömmlichen Sinn, sondern eher darum,
die Freude daran wieder zu entdecken, seine ureigenen Träume zu verfolgen und
den Funken und die Leidenschaft einer langjährigen Ehe wieder zu beleben.
Wells begann damit, SHALL WE DANCE in einen englischsprachigen Film
umzuarbeiten – und entdeckte dabei schnell, dass sich mehr als die Sprache ändern
musste. Das ganze kulturelle Umfeld sollte neu geschaffen werden. Der Schauplatz
wurde nach Amerika verlegt, mit seiner offeneren Gesellschaftsstruktur. Wells
brachte auch den Humor auf amerikanisches Niveau, verlieh dem komisch
angehauchten Tanzschul-Personal einen gewissen Chicago-Touch und definierte vor
allem den Kampf der Hauptfigur neu. Denn John Clark ist nicht, wie sein Vorbild im
Original, gefangen in den rigiden Strukturen der japanischen Gesellschaft, sondern in
seiner eigenen Vorstellung von sich als Vater und Anwalt. Wells schuf Clark als
typischen berufstätigen Großstadt-Amerikaner, „einen, der alles bestens kann, aber
nicht mehr weiß, wie man träumt – bis er dieses Tanzstudio betritt“.
Dieses Wiederentdecken der Fähigkeit zum Träumen zieht sich durch den ganzen
Film, von Jennifer Lopez’ desillusionierter Profi-Tänzerin, die erkennt, dass sie
wieder an Wettbewerben teilnehmen will, bis zu Stanley Tuccis haarsträubendem
Ballsaal-Möchtegern, der endlich lernt, er selbst zu sein.
Das Einzige, was Wells unverändert übernahm, ist die Konzentration des Drehbuchs
auf die pure Freude am Herumwirbeln auf der Tanzfläche, beim Gesellschaftstanz, in
den Armen eines Partners, der jeden deiner Schritte kennt. Auch wenn die
Geschichte ein anderes Ambiente hat, bleibt der Tanz im Mittelpunkt. Die Gesten und

Bewegungen von John Clark und seinen neuen Freunden erzählen Teile der
Geschichte und enthüllen die unbeschreiblichen Gefühle, die sich der Sprache
entziehen.
Die Kombination von heiteren Tanzszenen, geistreicher Komödie und einer
bewegenden Geschichte aus dem Alltag weckte bei Produzent Simon Fields und
Regisseur Peter Chelsom den sofortigen Wunsch, den Film zu realisieren, sobald sie
das Skript auf dem Schreibtisch hatten. Sie fanden, dass die neue Version von
SHALL WE DANCE nicht nur ein großes Komikpotenzial birgt, sondern auch Themen
behandelt, die nicht oft im Kino zu sehen sind.
„Mit dieser Geschichte können sich die Menschen identifizieren“, erklärt Fields. „Es
geht nicht um einen verzweifelten Mann, der sein Leben in unrealistischer Art völlig
umkrempelt. Es geht vielmehr um jemanden, dem es, wie den meisten von uns, im
Prinzip gut geht. Er hat einen guten Job, eine liebende Familie und eine
funktionierende Ehe. Aber dann sieht er eines Tages dieses faszinierende Gesicht im
Fenster und fragt sich, ob er nicht weiter gehen kann. Ich hatte noch nie etwas
Ähnliches gelesen, über die Frage, was sonst noch möglich ist in einem an sich
schon guten, ausgefüllten Leben. Das war aufregend. Mir gefiel auch, wie die
Eleganz und Leichtigkeit des Gesellschaftstanzes sich von der Routine des
städtischen Lebens in Chicago abhebt.“
Chelsom fügt hinzu: „Was ich an Audrey Wells’ Ansatz bei DARF ICH BITTEN?
schätze, ist, dass eine Gruppe von Menschen sich bei Miss Mitzi zusammenfindet,
um tanzen zu lernen, und dass alle am Ende viel mehr mitnehmen. Alle Figuren sind
irgendwie an einem Punkt angelangt, wo sie nicht mehr weiterkönnen, sie tragen
Geheimnisse mit sich herum, und mit jedem von ihnen passiert etwas Besonders,
und alles nur, weil eines Tages ein Mann aus einem Zug springt, weil er vielleicht
einmal mit einer Frau tanzen will, die er in einem Fenster gesehen hat. Von diesem
einzigen Moment werden eine Menge Leben berührt, und das ist für mich eine sehr
faszinierende Vorgabe.“
Fields und Chelsom kannten das japanische Original und waren beeindruckt, wie
sorgfältig Wells den Schauplatz über den Atlantik transportiert hatte und eine eher
amerikanische Sicht auf die Art einbrachte, in seinem Leben Befriedigung zu suchen,
jenseits von Arbeit und Familie.

Chelsom merkt an: „Viele der Konflikte im Original rühren vom japanischen Tabu in
Hinsicht auf die öffentliche Intimität des Tanzens her. Das lässt sich nicht auf
amerikanische Verhältnisse übertragen. Das amerikanische Tabu, das Wells zu
einem zentralen Thema macht, ist: Wenn du den amerikanischen Traum lebst, darfst
du nicht die Hand heben und sagen: Hey, ich bin unglücklich. Was mir an der
Geschichte gefällt, was mich so angezogen hat, ist, dass sie von einer Ruhelosigkeit
handelt, die überall um uns ist, über die aber nicht viel geredet wird. Obwohl John
Clark so viel hat, fehlt ihm etwas. Er merkt, dass, auch wenn seine Frau und er
immer in Bewegung sind, etwas in ihnen zum Stillstand gekommen ist. Er ist
getrieben von dem Wunsch nach Leidenschaft. Das ist die wundervolle Subtilität
dieses Films für mich.“
Auch die Aussicht, die Magie des Tanzes in Kinobildern einzufangen, reizte den
Regisseur. Wie sich herausstellte, stammt Chelsom aus Blackpool, dem erklärten
Mekka des Gesellschaftstanzes und dem alljährlichen Austragungsort der
Weltmeisterschaft. Auch wenn Chelsom selbst nie professionell tanzte – Blackpool
entkommt keiner, ohne eine unsterbliche Wertschätzung für die ansteckenden
Freuden von Rumba, Walzer und Foxtrott in sich zu tragen. Chelsom erklärt: „So
ziemlich jeder in Blackpool wird mit neun in die Tanzstunde geschickt.“
Fields, ebenfalls Engländer, verfiel bereits als Kind dem Tanzzauber: „In England ist
der Gesellschaftstanz Teil unserer Kultur und wird als Sport betrachtet. Als Peter
Chelsom und ich aufwuchsen, wurden jeden Samstag zwei Stunden lang Tänze im
Fernsehen gesendet. Einen Film zu drehen über den Reiz des Gesellschaftstanzes
lag also quasi in unserer Natur.“
In den USA gewinnt der Gesellschaftstanz an Popularität als Tanzstil, der einen
Mann und eine Frau übers Parkett gleiten lässt, die nur auf die Musik und
aufeinander reagieren. Jeder einzelne Tanz hat seine eigene kreative Persönlichkeit,
seine eigenen Emotionen und folgt seinem eigenen Geist, von der puren Erotik der
Rumba zum intimen Charme eines Walzers. Mit seinem Fließen und seiner Romantik
ist Gesellschaftstanz auch eine hochgradig cinematographische Kunstform, wie
Chelsom feststellte, als er die angespannte Atmosphäre des Wettbewerbs einfing.
„In der Art, wie sich Gesellschaftstänzer bewegen, liegt etwas unglaublich
Athletisches, fast Magisches – mit so viel Präzision und so viel Gefühl zur gleichen
Zeit“, schwärmt er. „Ich wollte die Tanzsequenzen filmen, von den Anfängen, wenn
John über seine Füße stolpert, bis zu den Profis, die in Blackpool herumwirbeln, in

einer Art, die dem Publikum zeigt, wie sich John Clarks Augen dabei geöffnet haben
und er erkennt, was alles möglich ist in seinem Leben.“
Für John Clark, den hart arbeitenden Anwalt, der eines Abends aus dem Zug springt
und sich in das sein Leben verändernde Abenteuer des Tanzens stürzt, brauchten
die Filmemacher jemand ganz Besonderen. Sie suchten einen Schauspieler, der so
viel Sicherheit und Charisma ausstrahlt, dass die Zuschauer automatisch annehmen,
dass er glücklich ist. Dies ist eine signifikante Änderung gegenüber der Figur des
kleinen Angestellten im japanischen Original. Eigentlich ist der elegante, eloquente
John Clark der Allerletzte, der freiwillig Tanzstunden nehmen würde in einem etwas
heruntergekommenen Studio in dieser ungeschönten Gegend Chicagos.
„Unser John sollte kein Willy-Loman-Charakter oder der übliche Mittelklassemann
sein“, erklärt Field, „sondern jemand, der erfüllt ist, der schon alles erreicht hat. Wenn
der dann diese Kehrtwendung macht, die seinen Enthusiasmus wieder entzündet
und seine Ehe wieder in Gang setzt, verwundert ihn das ebenso wie das Publikum.“
Diese Überlegungen führten zu Richard Gere, der einen Golden Globe gewonnen
hat für seine Rolle des cleveren Anwalts in „Chicago“. „Wir brauchten eine sehr, sehr
subtile Darstellung von jemandem, der auch lernen konnte, vor den Augen des
Publikums ein guter Tänzer zu werden“, merkt Chelsom an. „Das Interessante an
John, Richards Rolle, ist, dass er als Person nie wirklich im Mittelpunkt stand. Er hat
immer die Dinge am Laufen gehalten, als Vater, Chef, als Typ, der Witze erzählt im
Aufzug. Und nun hat er all diesen Raum, nur um er selbst zu sein, das ist ihm
zunächst sehr bewusst, bis er lernt, sich zu öffnen – was Richard wirklich
hervorragend darstellt.“
Gere gefiel die Rolle – wie sein Charakter fand er die Vorstellung faszinierend, von
der Frau im Fenster angezogen zu sein, mit all den Möglichkeiten, die ein solches
Bild birgt. „Ich hatte das Gefühl, so eine Erfahrung hat jeder in irgendeiner Weise
schon mal gemacht – im Auto, im Zug oder Flugzeug sieht man plötzlich diese
Person, und du hast eine Ahnung von dieser anderen Welt da draußen, an der du
teilhaben könntest“, sagt Gere. „Interessant daran ist, dass sich die meisten von uns
abwenden, während John entscheidet, herauszufinden, was sich dahinter verbirgt.
Und das führt zu etwas sehr Positivem für ihn.“
Gere fährt fort: „Ich glaube, am Anfang kann John nicht mal genau sagen, was in
seinem Leben oder seiner Ehe schief läuft. Er spürt eher eine allgemeine

Unzufriedenheit. Meine Aufgabe als Schauspieler war, das zu zeigen. Melancholie
kann man nicht genau darstellen – du kannst keinen melancholischen Ausdruck auf
ein Gesicht malen. So habe ich mich auf das Gefühl in Johns Innerem konzentriert,
als innere Bewegung, die er zuerst nicht wirklich versteht, die ihn zu etwas treibt, was
ziemlich verrückt wirkt in seiner Welt, was aber sein ganzes Leben in eine neue
Richtung lenkt.“
Gere war auch von der Thematik von DARF ICH BITTEN? angetan, die er beschreibt
als „lernen, die Person zu werden, die du gern sein möchtest“, Besonders gefiel ihm
die Vorstellung, mit einem Ensemble von Schauspielern zu arbeiten, von denen jeder
neue Seiten an sich selbst entdeckt, ernste und komische, durch den Willen, alles
loszulassen beim Tanzen. „Jeder dort im Studio hat seine eigenen Macken und
Unzulänglichkeiten, Miss Mitzi’s ist eine kleine, wundervolle Welt von Außenseitern“,
kommentiert Gere. „Aber es gibt dort eine ehrliche Kameradschaft und eine
Akzeptanz den anderen gegenüber. John stellt fest, dass alle im Studio, von Paulina
bis Vern, einmal ihre Träume im Leben hatten, aber irgendwann an den Punkt
kamen, wo sie nicht mehr an sie glaubten, oder es kam einfach etwas dazwischen.
Im Verlauf des Films werden sie wieder mit ihren Träumen konfrontiert. Wir alle
werden das, glaube ich.“
Auch wenn Gere kein ausgebildeter Tänzer ist, so hat er doch, spätestens seit
seinem Tap-Dance-Auftritt in „Chicago“, seine eigene Liebe zum Tanzen entdeckt,
zur Freiheit und zur Freude, die er als Schlüssel für John Clarks Veränderung sieht.
„Die emotionalen und psychologischen Anforderungen, sich wirklich einem
Tanzpartner zu öffnen, sich für jede seiner Bewegungen zu sensibilisieren, tiefere
Emotionen zuzulassen, um sich selbst auszudrücken, das verändert dich“, erklärt er.
„Deshalb lieben wir immer noch Fred Astaire, weil seine Anmut und sein offenes
Herz uns heute noch bewegen. Der Tanz hat die Kraft, das auszudrücken.“
Ein weiterer Aspekt, der Gere zusagte, ist die realistische Art, wie der Film Johns
Ehe behandelt – nicht als zerrüttet, sondern einfach etwas abgenutzt nach so vielen
Jahren des Zusammenseins. „Es ist nicht die übliche kaputte Beziehung“, merkt Gere
an. „Die Clarks sind meiner Meinung nach typisch für viele amerikanische Haushalte,
in denen es nicht wirklich schlecht läuft, aber auch nicht so gut, wie es eigentlich
könnte. Susan Sarandon ist fantastisch als Johns Frau Beverly, weil sie so
bodenständig und verwurzelt ist und irgendwie abwartet, wohin die existenzielle Krise
ihres Mannes führen wird.“

Die Filmemacher wählten Susan Sarandon für die Rolle der Beverly wegen ihrer
facettenreichen Darstellung weiblicher Intelligenz. Chelsom dazu: „Susan balanciert
auf der feinen Linie zwischen der Tiefe der Thematik des Films und dessen
komischer Seite. Sie lässt sich auf die Sorge ein, als Frau vom Leben ihres Mannes
ausgeklammert zu sein, und zugleich stellt sie die komisch-neurotische Seite dar, die
aus dem Misstrauen erwächst. Die Güte ihres Charakters bricht einem wirklich das
Herz. Sie hat nichts falsch gemacht, aber sie weiß nicht, wie sie der Ruhelosigkeit
ihres Mannes begegnen soll.“
Für die Rolle der Paulina, die ihre Inspiration verloren hat, bis John Clark auftaucht,
suchten die Filmemacher eine anziehende Darstellerin mit professioneller
Tanzerfahrung – Jennifer Lopez. Für Chelsom ist ihre lebenslange Affinität zum Tanz
ein unschätzbarer Gewinn für den Film. „Wir fanden es wichtig, eine Schauspielerin
zu haben, die mit ihrem Körper und ihrer Seele versteht, was Tanzen heißt, und
dieses unvorhersehbare, emotionale Leben lebt“, sagt er. „Jennifer verkörpert das,
und sie ist eine so begnadete Tänzerin, dass man wirklich glaubt, sie könnte es darin
zur Meisterschaft bringen.“
Die entsprechende Rolle im japanischen Original war zerbrechlicher – Jennifer Lopez
sollte die Verletzbarkeit der Figur zeigen, aber auch ihre eigene starke Persönlichkeit
und offene Sinnlichkeit einbringen. „Jennifer hat die gleiche Sehnsucht wie die Figur
im Original, aber sie verleiht ihr etwas ausgesprochen Amerikanisches, Glühendes“,
sagt Fields.
Nicht nur wegen der Tanzsequenzen war Lopez vom Drehbuch begeistert. Sie war
auch angetan von der Idee, dass einfache Menschen außergewöhnliche Inspiration
in ihr Leben bringen. „Mir gefallen die Porträts dieser unterschiedlichen Typen, die
zusammenkommen, um sich ihre vergessenen Träume zu erfüllen“, sagt sie. „Im
Tanzstudio können sie herausfinden, wer sie sind, was sie wollen und was ihrem
Leben fehlt. Und vor allem: Der Tanz gibt ihnen einen wundervollen Ort, wo sie alles
vergessen und über allem schweben können.“
Einen großen Einfluss auf John Clark hat auch Stanley Tucci in der Rolle des Link
Peterson, eines Kollegen aus dem Büro mit einem ausgefallenen Alter Ego, das er
auslebt, wenn er nachts seine geliebten lateinamerikanischen Tänze zelebriert. Tucci
war versessen auf diese komische Rolle, die anders ist als alles, was er bisher

gespielt hat. „Ich liebe die Vielschichtigkeit von Links Charakter – für mich ist jemand
nie nur eine Person, nur der Mensch, der sich der Öffentlichkeit oder der Familie
zeigt. Jeder hat geheime Ecken in sich, die er gern einmal ausdrücken möchte. Es
war aufregend, jemanden zu spielen, der zwei Persönlichkeiten hat und am Ende in
einer aufgeht. Und es ist eine unglaublich komische Rolle.“
Gere hatte seinen Spaß daran, zu sehen, wie Tucci seine Figur mit Leben füllte.
„Stanley hat so viel Einfallsreichtum, Kreativität und Mut in die Rolle gebracht,
wirklich sehr ungewöhnlich. Er erinnerte mich an Peter Sellers in seinen großen
Parts“, sagt er. „Es ist nicht einfach, gleichzeitig ausgeflippt und kontrolliert zu sein.
Sein komödiantisches Talent findet da einen Zugang, aber ich weiß, welches Können
in seinen Link eingegangen ist.“
Zu Johns weiteren komischen Mitstreitern im Tanzstudio zählt auch Chic, der mit der
erklärten Absicht, Frauen aufzureißen, Stunden nimmt. Bobby Cannavale, der
unlängst in „The Station Agent“ auf sich aufmerksam machte, spielt die Figur, die er
als „wandelndes Hormon“ bezeichnet. „Chic glaubt, dass, wenn er ein großer Tänzer
wird, die ‚Chicks‘ bei ihm Schlange stehen. Aber das Schöne an dem Film ist, dass
die Menschen, die da ihre Tanzstunden absolvieren, in Wahrheit wegen etwas
anderem da sind und das durchs Tanzen auszudrücken lernen. Auch für Chic geht
das letztendlich tiefer, als Mädchen aufzureißen. Er macht eine Entwicklung durch
und lernt, sich ganz anders auszudrücken, als seine Oberfläche zunächst vermittelt.“
In der Rolle des Vern, der vorgibt, für seine vermeintliche Verlobte tanzen lernen zu
wollen, besetzten Chelsom und Fields einen Newcomer: Omar Miller, der sein
Filmdebüt in „8 Mile“ gab, schickte den beiden ein Band mit Probeaufnahmen, von
denen sie begeistert waren. Fields: „Omar bringt eine Direktheit ein und einen
Enthusiasmus, die das Ensemble total bereichert haben.“
Für die Komikerin Lisa Ann Walter ist die Rolle der Bobbie, die später Johns
Wettbewerbspartnerin wird, ein Rückfall in ihre Teenie-Jahre, als sie an der Arthur-
Murray-Tanzschule unterrichtete. Sie erinnert sich: „Ich habe Foxtrott, Rumba,
Walzer, Lindy, Quickstepp, Swing und Double-Time-Swing unterrichtet – bis meine
Mutter herausfand, dass wir auf Tournee geschickt werden sollten nach Südamerika
mit den Profis, und sie sagte: nicht meine Tochter.“ Walter fand sofort Zugang zur

inneren Reise ihrer Figur. „Bobbie ist eine Frau, die so oft von Männern enttäuscht
worden ist in ihrem Leben, dass sie nur noch verbittert ist. Durch den Tanz lernt sie,
dass du vertrauen musst, wenn du Erfolg haben willst. Du musst vertrauen, dass dein
Partner deinen Kopf nicht an eine Säule haut mitten im Raum oder dich fallen lässt
oder irgendwie lächerlich macht. Er unterstützt dich und kümmert sich um dich. Das
muss Bobbie lernen, und diese Entwicklung macht ihre Figur durch.“
Produzent Simon Fields über Walter: „Wir brauchten eine Frau, die keine Kontrolle
hat über die Verbindung zwischen ihrem Hirn und ihrem Mund, aber auch verletzlich
ist, eine Mutter, und auf dem Höhepunkt ihrer Tanzkarriere. Der Zuschauer muss
total hinter ihr und Richard stehen als Paar, wenn sie sich hinauswagen aufs
Parkett – dafür war Lisa einfach die Richtige.“
Das Ensemble komplettieren Schauspielveteran Richard Jenkins als Privatdetektiv,
der John Clark beschatten soll, die Teenie-Sensation Nick Cannon als sein
geistreicher Assistent und die versierte Bühnendarstellerin Anita Gillette als die
namengebende Eigentümerin von Miss Mitzis Tanzstudio, das auch schon mal
bessere Zeiten gesehen hat. Auch sie macht eine Veränderung durch, während sie
die unbeholfenen Schüler für den Wettbewerb trainiert und John Clark hilft, seine
Leidenschaft für den Tanz zu zeigen.
Für Gillette besteht die Magie des Films darin, was die unterschiedlichen Figuren
erleben, wenn sie sich aufs Parkett begeben: „An Miss Mitzi gefällt mir am besten,
dass sie es schafft, den Leuten Spaß am Tanzen zu geben. Sobald sie anfangen
sich zu bewegen, öffnen sie sich – und alles wird möglich.“
Nachdem die Besetzung festgestanden hatte, begann der schwierigste Teil des
Projekts. Die Aufgabe war, eine Gruppe von hoch angesehenen Schauspielern zu
veritablen Tänzern zu machen, denen es gelingt, den Witz, die Anmut und vor allem
die breite Palette der Möglichkeiten aufzuzeigen, die Gesellschaftstanz bietet. Die
Aufgabe war anders als bei einem Musical, wo das Team die Choreographie lernen
muss. Stattdessen hatte jeder Schauspieler einen Schnellkursus in den zehn
verschiedenen Gesellschaftstanzstilen zu absolvieren.
Für die komplizierte Aufgabe hatte Peter Chelsom den berühmten australischen
Choreographen John O’Connell engagiert. O’Connell ist einer der bekanntesten Film-
Choreographen, der sich schon mit Baz Luhrmanns Hits „Strictly Ballroom“ und

„Moulin Rouge“ einen Namen machte. Aber diese Arbeit unterschied sich von allem,
was er bisher gemacht hatte. Monate vor Drehbeginn starteten Chelsom und
O’Connell eine Art Tanz-Trainingscamp mit den Schauspielern.
„Wir haben angefangen mit Recherche bei Tanzwettbewerben und Interviews mit den
Besten ihrer Zunft“, erinnert sich Fields. „Beeindruckend war, mit welch enormer
Hingabe diese Leute ihrer Profession nachgehen. Das hat uns gezeigt, welch riesige
Aufgabe vor uns stand: Schauspieler so weit zu bringen, dass sie dieses erregende
Gefühl auf die Leinwand übertragen.“
Aber die Schauspieler gingen die Aufgabe mit erstaunlicher Hingabe an, arbeiteten
monatelang viele Stunden täglich im Training. Richard Gere begann gleich nach der
Vertragsunterzeichnung mit den Proben in New York. Außer seiner Hingabe zum
Step, die er in „Chicago“ unter Beweis stellt, hatte er vorher wenig Tanztraining
absolviert. Aber Gere ist quasi von Natur aus athletisch – am College gewann er ein
Sportstipendium und er praktiziert Tai-Chi. Connell merkt an, dass Geres enorme
Arbeitsmoral ihn zu einem Musterschüler machte.
Jennifer Lopez erinnert sich an frühe Gerüchte über Geres anstrengende Proben.
„Ich arbeitete an einem anderen Film und hörte von seinen Tanzstunden in New
York“, sagt sie. „Es wurde erzählt, er trainiere täglich acht Stunden! Ich dachte: O
mein Gott, wie soll ich das aufholen, wenn ich dazu komme.“
Während der Produktion war es nicht unüblich für Gere, nach Drehschluss
weiterzuüben, manchmal bis drei oder vier Uhr morgens. Gere gesteht, dass beim
Tanzen vor der Kamera „Angst meine größte Motivation ist“. Und je mehr er über die
Schwierigkeiten des Gesellschaftstanzes auf Wettbewerbsniveau erfuhr, desto klarer
sah er, wie hart er trainieren musste. „Ich glaube, den meisten Menschen ist nicht
klar, wie athletisch man dafür sein muss“, erzählt er. „Ich meine, es ist als olympische
Disziplin anerkannt, und so linkisch es auch bei Amateuren aussehen mag, das ist
ernsthafter Sport.“
Am schwierigsten zu lernen war für Gere der Walzer, der ausgerechnet John Clarks
Stärke sein sollte. „So langsam und anmutig“, kommentiert er, „du brauchst die totale
Körperkontrolle, um das gut zu machen. Es ist wie beim Tai-Chi, alles muss ganz
leicht aussehen, aber dabei bringst du so ziemlich alles zum Einsatz, was du hast.
Ich war oft schweißgebadet nach einem Walzer, dabei soll es so aussehen, als
würdest du schweben.“

Und dann der Mitternachtstango mit Jennifer Lopez, als John klar wird, dass er sich
wirklich durch den Tanz ausdrücken kann, dass dieser Teil seines Traums sich
bereits erfüllt hat. Gere lobt Lopez für diese Szene: „Diesen sehr intensiven Tango
mit einem Amateur wie mir zu tanzen erfordert wirklich viel Großzügigkeit, Geduld
und Anmut – all das gab mir Jennifer. Sie hat es für mich zu einer wunderbaren
Erfahrung gemacht. Ich habe auch gelernt, dass nicht die Schritte einen Tanz
ausmachen, sondern die Geschichte, die er zu erzählen hat, ihn zum Leben
erweckt.“
Seine früheren Erfahrungen während der Dreharbeiten zu „Chicago“ hatten Gere
bereits gezeigt, dass harte Arbeit die Schauspieler am Set näher zusammenbringen
kann. Das war auch bei DARF ICH BITTEN? der Fall. „Ich mag harte Arbeit“, so sein
Kommentar, „und ich mag das Gefühl, gemeinsam mit anderen etwas durch harte
Arbeit zu schaffen. Du fühlst dich wohl mit Menschen, mit denen du gemeinsam
geschwitzt hast, du lernst sie besser kennen. Es trägt bei zum Gefühl einer
gemeinsamen Leistung, was so bedeutend war für die Aussage des Films über diese
Gruppe von Menschen, die da zusammenkommt.“
Das gesamte Team fühlte den Zusammenhalt – und den Druck. Choreograph John
O’Connell erklärt: „Gesellschaftstanz unterscheidet sich fundamental von anderen
Tanzarten, weil so viel Präzision erforderlich ist. Wir haben mit vielen Trainern die
Schauspieler bei jedem Schritt unterstützt. Oft ging es nur darum, eine Kopf- oder
Handhaltung zu korrigieren. Du bist sehr auf deinen Partner angewiesen, es ist also
ganz anders, als allein zu tanzen. Du musst lernen, dich auf deinen Partner
einzustellen, miteinander zu arbeiten, und das ist der schwierigste Part.“
Selbst für Lopez, die ihr Leben lang getanzt hat, war es eine Herausforderung, die
strikte Disziplin des Gesellschaftstanzes zu lernen. „Es ist etwas ganz anderes“, sagt
sie. „Du kannst viele verschiedene Tanzstile kennen und fühlst dich trotzdem wie ein
blutiger Anfänger. Was mich aber unter anderem daran begeistert hat, ist, wie viel
Spaß es macht, und ich hoffe, das können wir auf der Leinwand rüberbringen. Wenn
du erst mal angefangen hast, ist es wie fliegen!“
Lopez’ Lieblingstanz wurde der Tango, der eine ganz entscheidende Rolle spielt in
der Freundschaft zwischen ihrer Figur und der von Richard Gere. „Im Tango steckt
eine Menge Mumm, viel Leidenschaft, und es macht sehr viel Spaß, ihn zu tanzen –
das versucht Paulina John beizubringen.“

Für den Rest des Teams war der Lernprozess viel ergiebiger, aber auch viel
anstrengender, als sie sich das vorgestellt hatten. Stanley Tucci drückt es so aus:
„Mir war klar, dass es anstrengend wird, aber nicht, dass es so anstrengend wird.“
Die Schwierigkeit für Tucci lag nicht nur darin, dass er komplizierte Routineschritte
ausführen musste – er musste außerdem noch die haarsträubende Komik seiner
Figur einfangen. O’Connell gibt zu, dass Tucci ein Lieblingsschüler war: „Ich war sehr
froh, Stanley zu haben. Denn ein Schauspieler, der beim Tanzen komisch sein muss,
kann leicht zur tragischen Figur werden, wenn er nicht von Natur aus über komisches
Talent verfügt, was bei Stanley der Fall ist. Ich machte ihm Vorschläge für Schritte,
aber Stanley hat seine Bewegungen selbst gefunden.“
Bobby Cannavale hatte keinerlei Tanzerfahrung, als er sein Training begann, erwies
sich aber als natürliches Talent. Zwar funktionierten seine Füße beim Stepptanzen
tadellos, doch er fand es schwierig, Körper und Geist in Einklang zu bringen. Er sagt:
„Für mich war am schwierigsten nicht das Tanzen, sondern meine Rolle zu spielen,
während ich tanzte. Während der ersten Monate war mein Kopf nämlich ständig mit
Zählen beschäftigt, und mein Gesichtsausdruck war reine Perplexität, statt
irgendetwas von Chic zu zeigen.“
Doch als er dieses Stadium erst einmal überwunden und sich die Bewegungen zu
Eigen gemacht hatte, stellte Cannavale fest, dass Tanzen ein fantastisches
Schauspielwerkzeug ist. „Du kannst nicht nur dein Gesicht einsetzen, wenn du tanzt“,
bemerkt er. „Es ist faszinierend zu sehen, was der Körper dem hinzufügen kann, was
die Figur die ganze Zeit ausdrücken will.“
Weil Omar Miller in einem späten Stadium zum Team stieß, hatte er einiges beim
Tanztraining aufzuholen. Zum Glück entdeckte er schnell den Zugang dazu.
Miller erinnert sich: „Als ich den Vertrag unterschrieb, dachte ich mir, die Tanzszenen
werden irgendwie mit einem Kameratrick gefilmt werden. Aber nein, es gab keine
Fakes! Siehst du, wie sich meine Füße bewegen? Das bin ich! Am Anfang gab es
Tage, da versuchte ich vier Stunden lang, eine einzige Bewegung hinzukriegen. Aber
ich habe nicht aufgegeben, und eines Tages ging es wie von selbst. Ich habe
gemerkt, dass Tanzen süchtig machen kann.“
Lisa Ann Walter dachte, sie hätte einen Vorteil wegen ihrer Vergangenheit an der
Arthur Murray Dance School, aber sie fand es, trotz ihrer Fähigkeiten, schwer, sich

die straffe Form und gelassene Reglosigkeit der Profis anzueignen. „Die
Körperhaltungen, die man im Gesellschaftstanz sieht, sind unglaublich“, sagt sie. „Du
musst in diesen unnatürlichen Posen verharren, manchmal stundenlang. Das ist
extrem schwierig. Aber aufregend, weil man immerzu improvisiert. Wann immer ich
etwas Neues lernte, hatte ich das Gefühl, dass ich am nächsten Tag um vieles
besser sein konnte.“
Weil sich die Schauspieler während der Dreharbeiten zu immer besseren Tänzern
entwickelten, versuchte man, so viele Tanzszenen wie möglich in der richtigen
Reihenfolge zu drehen und damit ihrer Entwicklung von tollpatschigen Neulingen zu
wettbewerbsfähigen Darstellern gerecht zu werden. Immer allerdings war das nicht
möglich.
„Wir konnten nicht immer in chronologischer Reihenfolge drehen, deshalb waren die
Anforderungen für das Team noch höher: Es musste den Wechsel zwischen
professionellen und haarsträubend schlechten Tänzern bewältigen“, erläutert Simon
Fields. „An manchen Tagen hatten sie wettbewerbsreif zu sein, um am nächsten
wieder über ihre Füße zu stolpern. Jedes Mal, wenn wir eine Szene begannen, hat
der Choreograph sie zunächst auf den entsprechenden Level gebracht. Das war
manchmal schwindelerregend.“
Richard Gere fügt hinzu: „Zunächst wussten wir nicht, was wir taten. Aber als wir erst
mal die Schritte draufhatten, war es viel schwieriger, alles wieder zu vergessen und
absichtlich ganz unbeholfen zu erscheinen. Es scheint leichter zu sein, gut tanzen zu
lernen, als schlecht.“
Während der Dreharbeiten fanden die Stars, ebenso wie ihre Filmfiguren, Inspiration
durch die reine Freude und die Befreiung, die Tanzen mit sich bringen kann. Bobby
Cannavale fasst zusammen: „Wenn du tanzt, merkst du, dass es nicht nur um Musik
und Schritte geht, sondern darum, eine Geschichte zu erzählen und diese
Verbindung mit Leidenschaft herzustellen, ebenso mit der Person, mit der du tanzt.
Das haben wir bei den Profis beobachtet, mit denen wir gearbeitet haben, aber auch
an uns selbst, und das macht den Film so lebendig.“
Aber nicht nur die Schauspieler mussten Gesellschaftstanz lernen. Auch Regisseur
Peter Chelsom stürzte sich in die Stunden: „Die einzige Art, den Film zu realisieren,
war für mich, selbst genau jede Bewegung jedes Tanzes zu verstehen. Die
Filmfiguren fangen an zu glauben, dass sie gute Tänzer werden können, das macht

den Film so bewegend. Und das musst du in seiner Komplexität einfangen, von den
Fehlern bis zur perfekten Bewegung.“
In DARF ICH BITTEN? treffen zwei unterschiedliche Welten aufeinander: John
Clarks Routinerealität mit Arbeit und Familie und die Welt des Tanzstudios, wo sich
der Alltag einfach verflüchtigt. Die Verbindung dieser beiden Ebenen ist Chicagos
berühmte ‚EI‘-Bahn.
Ein Großteil der Dreharbeiten fand in Winnipeg, Kanada, statt, was viel Kreativität
von Produktionsdesignerin Caroline Hanania erforderte. „Zum Glück gibt es in
Winnipeg viel Jahrhundertwendearchitektur, die etwas vom Ambiente Chicagos
ausstrahlt“, sagt Hanania. „Das war hilfreich, aber trotzdem mussten wir die ganze
Untergrundstruktur eines ‚El‘-Zugs nachbauen sowie die Fassaden mehrerer Häuser,
um ein urbaneres Chicago-Gefühl zu schaffen.“
Das wichtigste Set war jedoch das Innere von Miss Mitzis Tanzstudio. Hanania, die
bei allen Peter-Chelsom-Filmen mitwirkte, kreierte eine Welt aus Glas, Holz und
Schweiß auf einer Studiobühne in Winnipeg. „Das Studio sollte ein sehr realistischer
Ort sein, aber einer, von dem John Clark sich nie vorstellen könnte, dort ein und aus
zu gehen“, erklärt sie. „Es ist ein Ort jenseits seiner normalen Erlebniswelt, und alles
dort, von den Farben bis zur Einrichtung, steht im Gegensatz zu seiner Umgebung im
Büro und zu Hause.“
Eine weitere Herausforderung war es, einen Raum mit einem Spiegel zu schaffen,
der den Anforderungen von Kameramann John De Borman („Elle Enchanted“) für
seine Arbeit genügt, speziell für das Ausleuchten der Tanzszenen. „Wir haben die
Spiegel so gebaut, dass sie beweglich waren und zur Seite geschoben werden
konnten, und wir konnten sie mit Vorhängen abdecken“, erklärt Hanania. „So konnten
wir je nach Bedarf über den Einsatz der Spiegel entscheiden.“
Vom Produktionsdesign bis zum Kameraeinsatz war die Arbeit an DARF ICH
BITTEN? viel aufwändiger, als sich Peter Chelsom das jemals vorgestellt hatte.
Selbst die Fußböden bedurften einer Spezialbehandlung, um einerseits
tänzerfreundlich, andererseits tauglich dafür zu sein, sich per Kamerafahrt an die
Fersen der Tanzenden zu heften. Dazu Chelsom: „Ich wollte nicht zu viele
Kameratricks. Die Szenen, die mir am besten gefallen, sind die, in denen die Kamera
die Tänzer beobachtet. Ich wollte immer die Option haben, direkt mit der Kamera
dabei zu sein, ganz nah dran an den Tänzern, um ihre Erregung einzufangen. Das ist

eine der altmodischen Freuden, die man heute nicht mehr so oft erlebt, wenn die
Welt stillsteht und du gebannt bist von dem, was du siehst.“
DIE BESETZUNG
RICHARD GERE (John Clark)
Der Golden-Globe-Gewinner, der sich seit Jahren unermüdlich für Menschenrechte
einsetzt, ist einer der bekanntesten und anerkanntesten Schauspieler seiner
Generation. Berühmt für Rollen in Filmen wie AN OFFICER AND A GENTLEMAN
(„Ein Offizier und Gentleman“, 1980), DAYS OF HEAVEN („In der Glut des Südens“,
1978), AMERICAN GIGOLO („American Gigolo“, 1980), PRETTY WOMAN („Pretty
Woman“, 1990), FIRST KNIGHT („Der erste Ritter“, 1995) und dem Gerichtssaal-
Drama PRIMAL FEAR („Zwielicht“, 1996). Vor zwei Jahren sang und tanzte sich
Gere seinen Weg auf die große Leinwand in der viel beachteten Filmadaption
CHICAGO („Chicago“, 2002) in der Rolle des berüchtigten Anwalts Billy Flynn. Dafür
gewann er im Januar 2003 seinen ersten Golden Globe als Bester Schauspieler in
einem Musical oder einer Komödie. Im gleichen Jahr war Gere in dem von der Kritik
hochgelobten Thriller UNFAITHFUL („Untreu“, 2002) von Adrian Lyne und, an der
Seite von Debra Messing, in THE MOTHMAN PROPHECIES („The Mothman
Prophecies – Tödliche Visionen“, 2002) zu sehen.
Geboren in Philadelphia, offenbarte Gere schon in jungen Jahren künstlerische
Fähigkeiten. Er spielte mehrere Instrumente und komponierte Musik für Highschool-
Produktionen. Gere gewann ein Sportstipendium an der University of Massachusetts
in Amherst, wo er im Hauptfach Philosophie studierte. Er verließ das College für die
Schauspielerei und bekam 1973 die Hauptrolle des ‚Danny Zuko‘ in der Londoner
Inszenierung des Rock-Musicals „Grease“. Danach spielte er am Provincetown
Playhouse und am Seattle Repertory Theatre ebenso wie in einer Reihe von
Theateraufführungen in New York, darunter die Hauptrolle in Richard Farinas „Long
Time Coming and Long Time Gone“ sowie in den Sam-Shepard-Stücken „Back Bog
Beast Bait“ und „Killers Head“.
Seine Karriere wurde weiter ausgebaut mit Auftritten in der Broadway-Rockoper
„Soon“ und der New Yorker Produktion der britischen Farce „Habeas Corpus“. Auf

der Bühne stand er außerdem am Lincoln Center in „A Midsummer Night’s Dream“
und der London-Young-Vic-Theatre-Produktion „The Taming of the Shrew“. An den
Broadway kehrte er 1980 zurück mit „Bent“. Das Porträt des homosexuellen
Gefangenen eines Konzentrationslagers brachte ihm den Theatre World Award ein.
1978 gab Gere sein Spielfilmdebüt im Oscar-Gewinner DAYS OF HEAVEN („In der
Glut des Südens“, 1978), für den er das italienische Oscar-Äquivalent gewann.
Danach spielte er u. a. in LOOKING FOR MR. GOODBAR („Looking for Mr.
Goodbar“, 1977) mit Diane Keaton, BLOOD BROTHERS („Heißes Blut“, 1978), John
Schlesingers YANKS („Yanks – Gestern waren wir noch Fremde“, 1979) und
AMERICAN GIGOLO („Ein Mann für gewisse Stunden“, 1980). Sein nächster Film
war der Blockbuster von 1982, AN OFFICER AND A GENTLEMAN („Ein Offizier und
Gentleman“, 1982), gefolgt von BREATHLESS („Atemlos“, 1983), BEYOND THE
LIMIT („Der Honorarkonsul“, 1983), THE COTTON CLUB („Cotton Club“, 1984),
POWER („Power – Der Weg zum Ruhm“, 1986), NO MERCY („Gnadenlos“, 1986)
und MILES FROM HOME („Der letzte Outlaw“, 1988).
1990 errang er mit seinem Porträt eines korrupten Cops einen Boxoffice-Erfolg in
INTERNAL AFFAIRS („Internal Affairs – Trau ihm…er ist ein Cop“, 1990) und lieferte
mit Julia Roberts den größten Hit des Jahres, PRETTY WOMAN („Pretty Woman“,
1990), der den Publikumspreis als Bester Film gewann. Im Jahr darauf hatte Gere
einen Gastauftritt in RHAPSODY IN AUGUST („Rhapsodie im August“, 1991) des
japanischen Regisseurs Akira Kurosawa. Zu seinen weiteren Filmen zählen der
politische Thriller RED CORNER („Red Corner“, 1997) von Jon Avnet und Michael
Caton-Jones Remake von THE JACKAL („Der Schakal“, 1997).
Als erster Schauspieler sagte Gere seine Mitwirkung zu an der HBO-Adaption von
Randy Shilts Buch über die ersten fünf Jahre AIDS in Amerika, AND THE BAND
PLAYED ON („... Und das Leben geht weiter“, 1993). Gere spielte darin die Rolle
eines fiktionalen Choreographen. 2000 hatte Gere wiederum einen großen Erfolg an
der Seite von Julia Roberts mit RUNAWAY BRIDE („Die Braut, die sich nicht traut“,
1999). Kurz darauf war er als Gynäkologe, der von ihn bewundernden Frauen
umgeben ist, in Robert Altmans DR. T AND THE WOMEN („Dr. T and the Women“,
2000) zu sehen.
Neben seiner schauspielerischen Arbeit hat sich Gere auch als hervorragender
Pianist und Komponist einen Namen gemacht. Aktiv betreibt er die Entwicklung von
Filmprojekten und hat als ausführender Produzent FINAL ANALYSIS („Eiskalte

Leidenschaft“, 1992), MR. JONES („Mr. Jones“, 1993) und SOMMERSBY
(„Sommersby“, 1993) betreut. Nach DARF ICH BITTEN? stand Gere in BEE
SEASON (2005) vor der Kamera und er wird demnächst die Dreharbeiten zu
EMPEROR ZEHNDER beginnen.
Seit über 20 Jahren ist Gere Schüler und Freund des Dalai-Lama und er unternahm
zahlreiche Reisen nach Indien, Nepal, Tibet, in die Mongolei und nach China. Er ist
ein anerkannter Fotograf und hat in diesen Gegenden viel gearbeitet. Sein erstes
Buch „Pilgrim“, erschienen 1997 bei Little, Brown and Company, ist eine Sammlung
von Fotografien aus seiner 25-jährigen Buddhismus-Erfahrung. Mit einem Vorwort
des Dalai-Lama ist das Buch Geres persönliche Vision dieser alten, spirituellen Welt.
Als erklärter Vertreter der Menschenrechte gründete er die Gere Foundation, die
zahlreiche Gesundheitserziehungs- und Menschenrechtsprojekte unterstützt und sich
vor allem darum bemüht, die Aufmerksamkeit der Welt auf Tibet und dessen
gefährdete Kultur zu richten. Die Stiftung unterstützt direkt den Dalai-Lama sowie die
tibetische Exilgemeinschaft und fördert den kulturellen Erhalt des tibetischen Volkes.
1987 war Gere Gründungsvorsitzender des Tibet House in New York. 1991 verließ er
diese Institution und wurde aktives Mitglied und 1996 Vorsitzender des Vorstands der
International Campaign for Tibet mit Sitz in Washington, D. C. Gere trat zugunsten
Tibets vor dem Komitee für Auswärtige Angelegenheiten im US-Senat auf, im
Congressional Human Rights Caucus, im Europäischen Parlament sowie im House
International Operations und im Human Rights Subcommittee.
JENNIFER LOPEZ (Paulina)
Jennifer Lopez erntete weitreichende Anerkennung für die Titelrolle der SELENA („Selena –
Ein amerikanischer Traum“, 1997), die ihr eine Golden-Globe-Nominierung einbrachte. Ihr
Erfolg setzte sich fort mit ihrem Part an der Seite von George Clooney in Steven
Soderberghs OUT OF SIGHT („Out of Sight“, 1998). 2000 war Lopez in dem Boxoffice-Hit
THE CELL („The Cell“, 2000) zu sehen und ein Jahr später schrieb sie Entertainment-
Geschichte als erste Frau, die in einer Woche den Nummer-1-Film und das Nummer-1-
Album herausbrachte. Die romantische Komödie THE WEDDING PLANNER („Wedding
Planner – Verliebt, verlobt, verplant“, 2001) mit Matthew McConaughey sorgte für das Top-
Einspielergebnis an den US-Kinokassen, und ihr zweites Album „J.Lo“ setzte sich an die
Spitze der Billboard Top 200 Charts. Unlängst glänzte Lopez in der Romantikkomödie MAID

IN MANHATTAN („Manhattan Love Story“, 2002) neben Ralph Fiennes, Stanley Tucci, Bob
Hoskins und Natasha Richardson.
2002 wurde Lopez zum „ShoWest Female Star of the Year“ gewählt, und die größte Latino-
Organisation der USA, the National Council of La Raza, ernannte sie zum „Entertainer of
the Year“ beim American Latino Media Arts Award für Fernsehen und Film.
Ihr Filmdebüt gab Lopez in dem hochgelobten MI FAMILIA („Meine Familie“, 1995). Die
Rolle der jungen Mutter Maria Sanchez brachte ihr eine Independent-Spirit-Award-
Nominierung ein. Zu ihren weiteren Filmcredits zählen Oliver Stones U-TURN („U-Turn –
Kein Weg zurück“, 1997), MONEY TRAIN („Money Train“, 1995) mit Woody Harrelson und
Wesley Snipes, Francis Ford Coppolas JACK („Jack“, 1996) mit Robin Williams, BLOOD
AND WINE („Blood & Wine – Ein tödlicher Cocktail“, 1996) an der Seite von Jack Nicholson,
Luis Mandokis ANGEL EYES („Angel Eyes“, 2001), Michael Apteds Thriller ENOUGH
(„Genug!“, 2002) sowie ANACONDA („Anaconda“, 1997) mit Jon Voight, Eric Stoltz und Ice
Cube. Ihre Stimme lieh sie, wie auch Woody Allen und Sylvester Stallone, dem
Animationsfilm ANTZ („Antz“, 1998).
In Kürze wird Lopez neben Robert Redford und Morgan Freeman in Lasse Hallströms AN
UNFINISHED LIFE (2004) zu sehen sein und in einer Nebenrolle in Kevin Smiths neuestem
Film JERSEY GIRL (2004). Mit Jane Fonda spielt sie demnächst in Robert Luketics
romantischer Komödie MONSTER-IN-LAW.
SUSAN SARANDON (Beverly Clark)
Susan Sarandon bringt ihre Markenzeichen, ihren Sexappeal und ihre Intelligenz in jede
ihrer Darstellungen ein, von dem furchtlosen Porträt in BULL DURHAM („Annies Männer“,
1988) zu ihren Oscar-nominierten Parts in THELMA AND LOUISE („Thelma & Louise“,
1991), LORENZO’S OIL („Lorenzos Öl“, 1992), THE CLIENT („Der Klient“, 1994) und
ATLANTIC CITY („Atlantic City“, 1980) bis zu ihrer Oscar-prämierten und mit dem SAG
Award ausgezeichneten Rolle der Schwester Helen, einer Nonne, die einen zum Tode
Verurteilten unterstützt, in DEAD MAN WALKING („Dead Man Walking – Sein letzter Gang“,
1995).
Ihr Schauspieldebüt gab Sarandon in JOE („Joe – Rache für Amerika“, 1970). Zu ihren
frühen Rollen zählen THE GREAT WALDO PEPPER („Tollkühne Flieger“, 1975), LOVIN’
MOLLY („Aus Liebe zu Molly“, 1974), THE FRONT PAGE („Extrablatt“, 1974) und der Kult-
Klassiker von 1975, THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW („Rocky Horror Picture
Show“, 1975). 1978 war sie Brooke Shields’ Mutter in Louis Malles kontroversem Film

PRETTY BABY („Pretty Baby“, 1978). Ihre erste Oscar-Nominierung erhielt sie ebenfalls in
einem Malle-Film, ATLANTIC CITY („Atlantic City“, 1980).
Auf der großen Leinwand zu sehen war Sarandon u. a. in KING OF THE GYPSIES („König
der Zigeuner“, 1978), THE HUNGER („Begierde“, 1983), SWEET HEARTS DANCE
(„Sweethearts Dance – Liebe ist mehr als nur ein Wort“, 1988), COMPROMISING
POSITIONS („Tödliche Beziehung“, 1985), THE JANUARY MAN („Im Zeichen der
Jungfrau“, 1989), WHITE PALACE („Frühstück bei ihr“, 1990), THE BUDDY SYSTEM
(„Biete Mutter, suche Vater“, 1984), A DRY WHITE SEASON („Weiße Zeit der Dürre“,
1989), THE WITCHES OF EASTWICK („Die Hexen von Eastwick“, 1987), BOB ROBERTS
(„Bob Roberts“, 1992), LIGHT SLEEPER („Light Sleeper“, 1992), LITTLE WOMEN („Betty
und ihre Schwestern“, 1994) und SAFE PASSAGE („Safe Passage“, 1994).
Sarandon spielte mit Paul Newman und Gene Hackman in TWILIGHT („Im Zwielicht“,
1998), mit Julia Roberts in STEPMOM („Seite an Seite“, 1998). Vor der Filmkamera stand
sie in John Turturros erotischer Farce ILLUMINATA („Illuminata“, 1998), Tim Robbins’
Drama CRADLE WILL ROCK („Das schwankende Schiff“, 1999), Wayne Wangs
ANYWHERE BUT HERE („Überall, nur nicht hier“, 1999) und Stanley Tuccis JOE GOULD’S
SECRET („Joe Goulds Geheimnis“, 2000). Dem Animationshit RUGRATS IN PARIS
(„Rugrats in Paris – Der Film“, 2000) lieh sie ihre Stimme und war die Erzählerin der
Dokumentation über weibliche Gefangene in Laleh Khadivis 900 WOMEN. Fürs Fernsehen
drehte sie die HBO-Produktion „Earthly Possessions“ nach dem Roman von Anne Tyler. Mit
„An Evening with Richard Nixon“ trat sie am Broadway auf, und ihre Off-Broadway-
Darstellungen in „A Coupla White Chicks Sitting Around Talkin’“, „Extremities“ und „The
Guys“ erhielten viel Kritikerlob.
Unlängst war Sarandon in Brad Silberlings MOONLIGHT MILE („Moonlight Mile“, 2002) mit
Dustin Hoffman zu sehen, in der Komödie IGBY GOES DOWN („Igby“, 2002) mit Jeff
Goldblum und in THE BANGER SISTERS („Groupies Forever“, 2002) mit Goldie Hawn und
Geoffrey Rush. Für den Sci-Fi-Kanal spielte sie in „Children of Dune“ und für CBS „Ice
Bound“. In Arbeit bzw. geplant sind Rollen in ALFIE mit Jude Law, NOEL unter der Regie
von Chazz Palminteri, John Turturros ROMANCE AND CIGARETTES, ferner
ELIZABETHTOWN und A WHALE IN MONTANA.

STANLEY TUCCI (Link Peterson)
Der energiegeladene Schauspieler mit der beeindruckenden Bandbreite ist gerade in
Steven Spielbergs THE TERMINAL („Terminal“, 2004) neben Tom Hanks und Catherine
Zeta-Jones zu sehen. Vor kurzem erhielt er seine erste Tony-Nominierung für seine
bahnbrechende Leistung in dem Broadway-Hit „Frankie & Johnny in The Claire De Lune“.
Zu seinen Filmerfolgen der letzten Zeit gehören der Sci-Fi-Thriller THE CORE („The Core –
Der innere Kern“, 2003), Sam Mendes’ ROAD TO PERDITION („Road to Perdition“, 2002)
mit Tom Hanks, Jude Law und Paul Newman, die Disney-Komödie BIG TROUBLE („Jede
Menge Ärger“, 2002), Edward Burns SIDEWALKS OF NEW YORK („Seitensprünge in New
York“, 2001) und AMERICA’S SWEETHEARTS („America’s Sweethearts“, 2001) mit Julia
Roberts. Für den TV-Film „Conspiracy“ mit Kenneth Branagh und Colin Firth wurde Tucci
sowohl mit einer Golden-Globe- als auch mit einer Emmy-Nominierung als Bester
Nebendarsteller bedacht. In der HBO-Produktion „Life and Death of Peter Sellers“ spielte er
den Regisseur Stanley Kubrick.
Neben seiner Karriere als Schauspieler hat sich Tucci als talentierter Autor, Regisseur und
Produzent hervorgetan. BIG NIGHT („Big Night – Nacht der Genüsse“, 1996), sein erster
Versuch als Co-Regisseur, Co-Autor und Schauspieler, brachte ihm zahlreiche Preise ein,
darunter den Waldo Salt Screenwriting Award 1996 beim Sundance Film Festival. Sein
zweites Projekt, THE IMPOSTORS („The Impostors“, 1998), den er geschrieben, inszeniert,
co-produziert und in dem er gespielt hat, lief 1998 im Wettbewerb in Cannes. Unter seiner
Regie entstand zuletzt JOE GOULD’S SECRET („Joe Goulds Geheimnis“, 2000) mit Ian
Holm als Bohème-Schriftsteller und Tucci als berühmtem New Yorker Autor Joseph
Mitchell.
Zu Tuccis weiteren Filmcredits zählen Woody Allens DECONSTRUCTING HARRY („Harry
außer sich“, 1997), William Shakespeares A MIDSUMMER NIGHT’S DREAM („Ein
Sommernachtstraum“, 1999), THE ALARMIST („Alarm-Profis“, 1997), A LIFE LESS
ORDINARY („Lebe lieber ungewöhnlich“, 1997), THE DAYTRIPPERS („Seitensprung in
Manhattan“, 1996), KISS OF DEATH („Kiss of Death“, 1995), MRS. PARKER AND THE
VICIOUS CIRCLE („Mrs. Parker und ihr lasterhafter Kreis“, 1994), IT COULD HAPPEN TO
YOU („2 Mio. $ Trinkgeld – It could happen to you“, 1994), THE PELICAN BRIEF („Die
Akte“, 1993), PRELUDE TO A KISS („Bodyswitch – Verhexte Küsse“, 1992), BILLY
BATHGATE („Billy Bathgate“, 1991), IN THE SOUP („In the Soup – Alles Kino“, 1992) und
SLAVES OF NEW YORK („Großstadtsklaven“, 1989).

Sein Porträt des Walter Winchell in dem TV-Movie „Winchell“ brachte ihm einen Golden
Globe und eine Emmy-Nominierung ein. Einen Gastauftritt hat er in „Bull“ als Wall-Street-
Hai Hunter Lasky. Ferner war Tucci in den Fernsehproduktionen „Equal Justice“, „Wiseguy“,
„The Equalizer“, „Thirtysomething“ und „The Street“ zu sehen. Eine weitere Emmy-
Nominierung erhielt er für seinen Part in „Murder One“.
Tucci stand in zahlreichen Inszenierungen auf den Bühnen des Broadway, darunter
„Frankie and Johnny in the Claire de Lune“, „Execution of Hope“, „The Iceman Cometh“,
„Brighton Beach Memoirs“ und „The Misanthrope“. Off-Broadway spielte er u. a. am Yale
Repertory Theater und am SUNY Purchase, wo er sein Schauspielstudium begonnen hatte.
BOBBY CANNAVALE (Chic)
Bobby Cannavale machte unlängst auf sich aufmerksam als Hotdog-Verkäufer, der sich mit
einem Außenseiter anfreundet, in Tom McCarthys Indie-Hit THE STATION AGENT („Station
Agent“, 2003) mit Peter Dinklage und Patricia Clarkson. Den Fernsehzuschauern ist er
durch Hauptrollen in Serien wie „Third Watch“, „A&E’s 100 Centre Street“ und „Kingpin“
bekannt. Cannavales Karriere begann am Theater, wo er u. a. für Lee Strasberg, Naked
Angels, Circle Rep, The Public, Williamstown und The Roundabout arbeitete.
Sein Fernsehdebüt gab er in der NBC-Serie „Trinity“. Danach bot ihm John Wells einen Part
in „Third Watch“ an. Seitdem kamen Auftritte in „Sex and the City“, der letzten Staffel von
„Ally McBeal“ und der HBO-Produktion „Oz“ hinzu.
Auf der großen Leinwand war Bobby Cannavale in Spike Lees 3 A.M. (2001) zu sehen,
ferner in Kevin Costners THE POSTMAN („Postman“, 1997), NIGHT FALLS ON
MANHATTAN („Nacht über Manhattan“, 1997) und Sidney Lumets GLORIA („Gloria“, 1999).
Mit Angelina Jolie stand er in THE BONE COLLECTOR („Der Knochenjäger“, 1999) vor der
Kamera, für Alec Baldwin drehte er THE DEVIL AND DANIEL WEBSTER (2001). Zu seinen
jüngsten Arbeiten zählen THE GURU („Der Super-Guru“, 2002) mit Heather Graham und
Marisa Tomei sowie WASHINGTON HEIGHTS (2002). In Kürze wird er in HAVEN mit Bill
Paxton und Orlando Blum, der Komödie HAPPY ENDINGS und John Turturros ROMANCE
AND CIGARETTES zu sehen sein.

LISA ANN WALTER (Bobbie)
Die klassisch ausgebildete Schauspielerin hat sich auch als Sängerin und Komikerin einen
Namen gemacht. Lisa Ann Walter machte zunächst mit einem populären Auftritt beim
Comedy Circuit auf sich aufmerksam, danach war sie Star und Autorin der ABC-Serie „Life’s
Work“, die einen komischen Blick auf eine überbeschäftigte Anwältin wirft, die Arbeit und
Familienleben unter einen Hut zu bringen versucht. Ihr Auftritt in der Fox-Network-Komödie
„My Wildest Dreams“ fand weite Beachtung. Kürzlich spielte sie mit Emeril Lagasse in
„Emeril“ und in dem Kritikerliebling „Breaking News“ für Bravo. Vor der Filmkamera stand
sie mit Jim Carrey und Morgan Freeman in BRUCE ALMIGTHY („Bruce Allmächtig“, 2003)
und als Kindermädchen von Dennis Quaids Tochter in THE PARENT TRAP („Ein Zwilling
kommt selten allein“, 1998). Ihr Kinodebüt gab Walter als Whoopi Goldbergs Sidekick in der
Komödie EDDIE (1996).
OMAR BENSON MILLER (Vern)
Sein Filmdebüt gab Omar Benson Miller in Curtis Hansons Hit 8 MILE („8 Mile“, 2002) mit
Hip-Hop-Künstler Eminem. Demnächst wird er die Dreharbeiten zu Jeffrey Levys RABBI
beginnen, gemeinsam mit Peter Weller. Miller begann seine Schauspielkarriere am Theater.
Er war bereits in SORORITY BOYS (2002) zu sehen und im Fernsehen in „Undefeated“
unter der Regie von John Leguizamo.
ANITA GILLETTE (Miss Mitzi)
Anita Gillette absolvierte ihre Ausbildung am Peabody Conservatory und stand bereits als
Teenager zum ersten Mal in „Gypsy“ auf einer Broadway-Bühne. Ein Auftritt in „Chapter
Two“ folgte, der ihr eine Tony-Nominierung sowie den L.A. Drama Critics Award einbrachte.
Danach kamen Auftritte in „Brighton Beach Memoirs“, „They're Playing Our Song“, „Jimmy“,
„Cabaret“, „Don’t Drink The Water“, „Kelly“, „Mr. President“, „All American“, „The Gay Life“,
„Carnival“, „Gypsy“, „Pocahontas“ an London’s West End und „Sweet Bird Of Youth“ am
Royal Alex in Toronto mit Joanne Woodward. Sie spielte in Hunderten von Musicals und in
unzähligen Tschechow- und Shakespeare-Inszenierungen sowohl off-Broadway als auch an
Regionaltheatern.
Dem Kinopublikum ist sie als Mona in MOONSTRUCK („Mondsüchtig“, 1987) in Erinnerung.
Außerdem hat sie mehreren Mutterrollen Leben eingehaucht: Sie war Jennifer Anistons
Mutter in SHE’S THE ONE (1996), Mary Louise Parkers Mutter in BOYS ON THE SIDE

(„Kaffee, Milch und Zucker“, 1995), Bill Murrays Mutter in LARGER THAN LIFE („Die dicke
Vera“, 1996), Jack Blacks Mutter in BOB ROBERTS („Bob Roberts“, 1992) und die Mutter
von Bobby Cannavales Flirt in THE GURU („Der Super-Guru“, 2002). Im Fernsehen spielte
sie Quincys Braut, John Goodmans Mutter in „Normal Ohio“ und die von David Chase in
„Almost Grown“. Auch in den Hallmark-Hall-of-Fame-Filmen „The Summer Of Ben Tyler“ mit
James Woods und „A Christmas Memory“ war sie mit von der Partie. Anita Gillette trat in
zahlreichen Game Shows und in Musical Specials auf und war regelmäßig Gast in Johnny
Carsons „The Tonight Show“.
RICHARD JENKINS (Detektiv)
Als Bestatter Nathaniel Fisher in der von der Kritik gefeierten Serie „Six Feet Under“ ist
Richard Jenkins dem Fernsehpublikum bekannt. Zu seinen jüngeren Arbeiten im Kino
zählen CHEAPER BY THE DOZEN („Im Dutzend billiger“, 2003) mit Steve Martin sowie
Joel und Ethan Coens INTOLERABLE CRUELTY („Ein (un)möglicher Härtefall“, 2003).
Außerdem hatte er Rollen in THE MUDGE BOY (2003), THE CORE („The Core – Der
innere Kern“, 2003), THE MAN WHO WASN'T THERE („The Man Who Wasn’t There“,
2001) CHANGING LANES („Spurwechsel“, 2002), ME, MYSELF AND IRENE („Ich, beide &
sie“, 2000), RANDOM HEARTS („Begegnung des Schicksals, 1999), SNOW FALLING ON
CEDARS („Schnee, der auf Zedern fällt“, 1999), THERE'S SOMETHING ABOUT MARY
(„Verrückt nach Mary“, 1998), ABSOLUTE POWER („Absolute Power“, 1997), FLIRTING
WITH DISASTER („Flirting With Disaster – Ein Unheil kommt selten allein“, 1996) – für
diesen Part erhielt er eine Independent-Spirit-Award-Nominierung als Bester
Nebendarsteller –, THE INDIAN IN THE CUPBOARD („Der Indianer im Küchenschrank“,
1995), LITTLE NIKITA („Little Nikita“, 1988), THE WITCHES OF EASTWICK („Die Hexen
von Eastwick“, 1987) und WOLF („Wolf – Das Tier im Manne“, 1994).
Im Fernsehen war er u. a. in „Sins Of The Father“, „The Boys Next Door“ und „And The
Band Played On“ zu sehen. Vier Jahre lang war Jenkins künstlerischer Leiter der Trinity
Repertory Company in Providence, Rhode Island.

NICK CANNON (Scotty)
Das junge Multitalent Nick Cannon machte bereits als Schauspieler, Komiker und Musiker
auf sich aufmerksam. Im Kino war er in dem Indie-Erfolg DRUMLINE (2002) zu sehen sowie
unlängst in der romantischen Komödie LOVE DON’T COST A THING (2003). Er war die
Stimme der Stadtmaus „Louis“ in GARFIELD („Garfield – der Film“, 2004), an dem auch Bill
Murray und Alan Cumming mitwirkten. Demnächst wird er in der Komödie THE
UNDERCLASSMAN zu sehen sein.
Nicks erstes Rap-Album wurde im Winter 2003 bei Jive Records veröffentlicht. Die erste
Single seines Albums war der Titelsong auf dem DRUMLINE-Soundtrack. Als zweite Single
kam „Feelin Freaky“ heraus, eine Zusammenarbeit mit B2K, die eine breite
Radioausstrahlung erfuhr. Mit der Musiksensation B2K ging er auch auf Tournee mit ihrer
„Scream III“-Tour.
Im Fernsehen machte sich Nick als Co-Autor, ausführender Produzent und Star seiner
eigenen Sketch-Comedy-Show auf Nickelodeon einen Namen, „The Nick Cannon Show“.
2002 gewann er den Nickelodeon Kids Choice Award als Beliebtester männlicher TV-
Darsteller. Cannon begann bereits mit acht Jahren zu schauspielern und stand im Alter von
zwölf Jahren auf der Bühne mit seiner Musik und seinen Komikeinlagen. Kurze Zeit später
gründete er das Rap-Duo Da Bom Squad in San Diego, dessen Hip-Hop-Rhythmus das
Billboard Live in Schwingungen versetzte, wo er die Bühne u. a. mit Will Smith, Montell
Jordan und LFO teilte.
Mit 16 versuchte Nick in Hollywood sein Glück mit seinen Stand-up-Auftritten auf
weltberühmten Comedy-Bühnen wie The Improv, The Laugh Factory und Comedy Store.
Dort wurde sein Manager auf ihn aufmerksam und verschaffte ihm den ersten großen
Vertrag mit Nickelodeon, eine Geschäftsverbindung, die seitdem ausgebaut wurde und aus
der die „Nick Cannon Show“ hervorging.
DAS TEAM
PETER CHELSOM (Regie)
Peter Chelsom wurde in Blackpool im Norden Englands geboren. Er absolvierte eine
Ausbildung als Fotograf, erhielt dann aber einen Platz an Londons Central School of
Drama. Für die nächsten zehn Jahre arbeitete er als Schauspieler beim Film, spielte

Hauptrollen in Fernsehserien und stand auf der Bühne des Royal Court Theatre. Als seine
Schauspielkarriere sich immer besser entwickelte, beschloss er umzusatteln und begann zu
schreiben und Regie zu führen. Zwischen 1985 und 1989 war Chelsom Leiter der Film- und
Fernsehabteilung an der Central School of Drama. Er unterrichtete auch am Actor’s Institute
und hielt einen Kurs für New Yorker Schauspieler an der Cornell University für das Royal
Court Theatre ab. Zurzeit ist er Mitglied der Northern Media School und Gastprofessor an
der London Film School.
1987 wurde Chelsom als einer von fünf Regisseuren des Projekts Channel Four/British
Screen für Kinoregisseure ausgewählt. In diesem Rahmen entstand TREACLE (1987),
angesiedelt in seiner Heimatstadt Blackpool. Der von der Kritik hochgelobte Film erhielt eine
BAFTA-Nominierung und wurde weltweit auf zahlreichen Festivals gezeigt, darunter in New
York. Sein erster abendfüllender Spielfilm war die erfolgreiche romantische Komödie HEAR
MY SONG („Hear My Song – Ein Traum wird wahr“, 1991), inspiriert vom Leben eines
charismatischen irischen Tenors, gespielt von Ned Beatty. Prinzessin Diana besuchte die
Premiere, und der Film wurde, neben anderen Auszeichnungen, mit dem Preis für den
Besten Erstlingsfilm des Evening Standard British Film Award geehrt.
Chelsoms zweiter Film FUNNY BONES („Funny Bones – Tödliche Scherze“, 1995), mit
Oliver Platt, Jerry Lewis, Leslie Caron und Newcomer Lee Evans, gewann den Preis als
Bester Film auf fünf europäischen Festivals und wurde von der Kritik gefeiert. Danach
folgten THE MIGHTY („The Mighty – Gemeinsam sind sie stark“, 1998), eine Verfilmung des
Bestsellers „Freak the Mighty“, mit Sharon Stone, Gillian Anderson, Gena Rowlands, Harry
Dean Stanton und Kieran Culkin, sowie TOWN & COUNTRY („Stadt, Land, Kuss“, 2001) mit
Warren Beatty, Diane Keaton, Goldie Hawn, Garry Shandling, Andie MacDowell, Jenna
Elfman, Nastassia Kinski und Charlton Heston. Zuletzt führte Chelsom Regie bei der
erfolgreichen romantischen Komödie SERENDIPITY („Weil es Dich gibt“, 2001), die John
Cusack und Kate Beckinsale als zwei Menschen zeigt, die ihre Liebe auf den ersten Blick
testen, indem sie das Schicksal entscheiden lassen, ob sie zusammen sein sollen.
AUDREY WELLS (Drehbuch)
Geboren und aufgewachsen in San Francisco, studierte Audrey Wells an der UC Berkeley
und der UCLA. Der Romantikerfolg UNDER THE TUSCAN SUN („Unter der Sonne der
Toskana“, 2003) mit Diane Lane war ihre zweite Arbeit als Drehbuchautorin und
Regisseurin in Personalunion. 1999 führte Wells Regie bei ihrem Erstling GUINEVERE,
einer Independent-Produktion ihres eigenen Originaldrehbuchs. Der Film mit Stephen Rea

und Sarah Polley wurde in Sundance mit dem Drehbuchpreis ausgezeichnet, in Deauville
mit dem Jurypreis und war für zwei Independent Spirit Awards nominiert, ehe ihn Miramax
ins Kino brachte. Wells hat mehrere Originaldrehbücher verfasst, darunter THE TRUTH
ABOUT CATS AND DOGS („Lügen haben lange Beine“, 1996) und THE KID („The Kid –
Image ist alles“, 2000). An der Familienkomödie GEORGE OF THE JUNGLE („George –
Der aus dem Dschungel kam“, 1997) war sie als Co-Autorin beteiligt. Wells lebt mit ihrem
Mann und ihrer dreijährigen Tochter in Los Angeles.
SIMON FIELDS (Produzent)
Simon Fields und Regisseur Peter Chelsom arbeiten bereits seit 1991 zusammen im
Bereich Entwicklung und Produktion von Spielfilmen. Zu ihren gemeinsamen Projekten
zählen HEAR MY SONG („Hear My Song – Ein Traum wird wahr“, 1991), FUNNY BONES
(„Funny Bones – Tödliche Scherze“, 1995), THE MIGHTY („The Mighty – Gemeinsam sind
sie stark“, 1998) und TOWN & COUNTRY („Stadt, Land, Kuss“, 2001), den New Line
Cinema herausbrachte. 2000 produzierte Fields Peter Chelsoms SERENDIPITY („Weil es
Dich gibt“, 2001) mit John Cusack und Kate Beckinsale.
Geboren 1955 in London, absolvierte Fields seine Ausbildung an der Stowe School. 1974
verließ er die Schule und arbeitete sechs Jahre lang in London zunächst in der Produktion
von TV-Werbung, später als Production Manager der Moving Picture Company. 1978 ging
er als Produzent zu Jon Roseman Productions und wechselte kurz darauf in deren
amerikanische Niederlassung nach Los Angeles.
1981 gründete er, zusammen mit Steven Barron, Limelight. Als Präsident und
Geschäftsführer von Limelight betreute er Projekte mit einem Budget von 500.000 bis
50.000.000 $ in Los Angeles und London. Die Firma war aktiv in den Bereichen Musikvideo,
TV-Spots und Spielfilm. Während seiner zwölfjährigen Tätigkeit bei Limelight tat sich Fields
als Pionier der Musikvideoindustrie hervor, gewann zahlreiche Preise und verhalf
Musikgrößen wie u. a. Michael Jackson, Madonna, Prince und Peter Gabriel zu ihrem
Medienimage. Auch der preisgekrönte TV-Werbearm der Firma arbeitete äußerst erfolgreich
für Kunden wie Calvin Klein, Nike und Budweiser. Während dieser Zeit entstanden unter
Fields’ Ägide auch die Spielfilme TEENAGE MUTANT NINJA TURTLES („Turtles“, 1990)
und HEAR MY SONG.
MARI JO WINKLER (Co-Produzent)

Mari Jo Winkler wirkte als Produktionsleiterin an zahlreichen Filmen mit, darunter THE
DUPLEX („Der Appartementschreck“, 2003), THE SHIPPING NEWS, („Schiffsmeldungen“,
2001), SERENDIPITY („Weil es Dich gibt“, 2001), THE ASTRONAUT'S WIFE (1999), THE
OBJECT OF MY AFFECTION („Liebe in jeder Beziehung“, 1998) und THE PALLBEARER
(„Der Zufallslover“, 1996).
JOHN DE BORMAN, B.S.C. (Kamera)
John De Borman arbeitete bereits mit Peter Chelsom an SERENDIPITY („Weil es Dich gibt“,
2001). Er führte außerdem die Kamera bei THE FULL MONTY („Ganz oder gar nicht“,
1997), PURE (2002), NEW YEAR’S DAY (2001), THERE’S ONLY ONE JIMMY GRIMBLE
(„Nur Mut, Jimmy Grimble“, 2000), HAMLET („Hamlet“, 2000), SAVING GRACE
(„Grasgeflüster“, 2000), TROJAN EDDIE (1996), MEDIUM RARE, SMALL FACES (1996),
GREGORY’S TWO GIRLS (1999), HIDEOUS KINKY, („Marrakesch“, 1998), THE MIGHTY
(„The Mighty – Gemeinsam sind sie stark“, 1998), PHOTOGRAPHING FAIRIES („Der
Elfengarten“, 1997), DEATH MACHINE („Death Machine – Monster aus Stahl“, 1995), THE
PASSION OF DARKLY NOON („Die Passion des Darkly Noon“, 1995), MURDER BLUES
(„Deine Zeit läuft ab“, 1990), UNMASKED PART 25 (1988) und MURDER ON LINE ONE
(„Notting-Hill-Killer“, 1990), bei dem er auch als ausführender Produzent fungierte. Zuletzt
waren von De Borman THE GURU („Der Super-Guru“, 2002) und ELLE ENCHANTED
(2004) zu sehen.
De Bormans Kameraarbeit für HAMLET wurde für den Independent Spirit Award nominiert,
für HIDEOUS KINKY gewann er den Evening Standard British Film Award for Best
Technical/Artistic Achievement und für TROJAN EDDIE den Concho D’Oro beim
Filmfestival in San Sebastian. De Borman schrieb das Drehbuch, führte Regie und
fotografierte den Kurzfilm OUTING, der beim New York Film Festival den Gold Award
gewann.
CHARLIE IRELAND (Schnitt)
Zu Charlie Irelands Credits als Editor zählen A VIEW FROM THE TOP („Flight Girls“, 2003),
EARLY BIRD SPECIAL (2001), LAST CALL, AFTER THE STORM (2001), 3 STRIKES
(„Dreimal ist einmal zu viel“, 2000), INCONCEIVABLE (1998) und WITHOUT LIMITS
(„Grenzenlos“, 1998). Als Schnittassistent war er u. a. an SERENDIPITY („Weil es Dich
gibt“, 2001), TOWN & COUNTRY („Stadt, Land, Kuss“, 2001), LOLITA („Lolita“, 1997), 101

DALMATIONS („101 Dalmatiner“, 1996), WATERWORLD („Waterworld“, 1995) und
MAVERICK („Maverick – Den Colt am Gürtel, ein As im Ärmel“, 1994) beteiligt.
CAROLINE HANANIA (Production Design)
Eine fruchtbare Zusammenarbeit verbindet Caroline Hanania mit Peter Chelsom: Sie hat all
seine Filme ausgestattet, HEAR MY SONG („Hear My Song – Ein Traum wird wahr“, 1991),
FUNNY BONES („Funny Bones – Tödliche Scherze“, 1995), THE MIGHTY („The Mighty –
Gemeinsam sind sie stark“, 1998), TOWN & COUNTRY („Stadt, Land, Kuss“, 2001) und
SERENDIPITY („Weil es Dich gibt“, 2001). Hanania wurde im Libanon geboren, ihr Vater
war Dekan der American University in Beirut. Nach ihrer Schulzeit in England studierte sie
Kunst an der Accademia di Belle Arti in Rom. Dort arbeitete sie ein Jahr lang als Assistentin
des surrealistischen Künstlers Mayo, dessen Kostümentwürfe in Marcel Carnes Klassiker
LES ENFANTS DU PARADIS eingingen. Nach Abschluss ihrer Studien an der Camberwell
School of Art in London begann Hanania ihre Designkarriere am Londoner Theater, davon
drei Jahre fest im Team der Common Stock Theatre Company. Als Art Director für
Production Designer Andrew McAlpine gab sie ihren Einstand beim Film. Sie wirkte mit an
Produktionen wie Mike Figgis’ TV-Movie „The House“, Clare Peploes HIGH SEASON
(„Künstler, Killer und Tomaten“, 1987) und Alex Cox’ SID AND NANCY („Sid & Nancy“,
1986).
Seit über 15 Jahren ist Hanania im Bereich Production Design sowohl in Europa als auch in
den USA tätig. Ihr Design prägt Filme wie PAPER MASK („Vorsicht Arzt“, 1990), WILD
WEST (1992), MOLL FLANDERS („Moll Flanders – Hure wider Willen“, 1996), L.A.
WITHOUT A MAP („L.A. Without a Map“, 1998) und AUGGIE ROSE („Unter falschem
Namen“, 2000) und zuletzt SURVIVING CHRISTMAS mit Ben Affleck, der noch 2004 in die
Kinos kommt.
SOPHIE DE RAKOFF CARBONELL (Kostüme)
Sophie De Rakoff Carbonell machte unlängst durch ihre Entwürfe für LEGALLY BLONDE
(„Natürlich blond!“, 2001) und LEGALLY BLONDE 2: RED, WHITE AND BLONDE
(„Natürlich blond 2“, 2003) auf sich aufmerksam. Im Sommer 2003 setzte Entertainment
Weekly sie auf die „It List“ der 100 kreativsten Köpfe im Entertainment-Business. Carbonell
schuf u. a. die Kostüme für SWEET HOME ALABAMA („Sweet Home Alabama – Liebe auf
Umwegen“, 2002), ALL ABOUT THE BENJAMINS („All about the Money“, 2002) mit Ice

Cube, Wayne Wangs THE CENTER OF THE WORLD („The Center of the World“, 2001),
CRIME + PUNISHMENT IN SUBURBIA („Mörderische Verführung“, 2000), SATURN (1999)
und FOUR DOGS PLAYING POKER (2000). Zurzeit arbeitet sie an Curtis Hansons neuem
Film IN HER SHOES.
Carbonell kleidete auch Stars wie Alanis Morissette, Candle Box, REM, Rod Stewart,
Robyn, Ben Folds Five, Whitney Houston, Wyclef Jean, Meshell Ndegeocello und Enrique
Iglesias für Musikvideos ein. Vor ihrer Tätigkeit als Kostümbildnerin war Carbonell die
Westküsten-Herausgeberin der Zeitschrift Paper.
JOHN O’CONNELL (Choreographie)
John O’Connell ist ein international anerkannter Choreograph, auf dessen Konto Filme
gehen wie die Erfolge seines Landsmanns Baz Luhrmann, MOULIN ROUGE („Moulin
Rouge“, 2001), STRICTLY BALLROOM („Strictly Ballroom – Die gegen die Regeln tanzen“,
1992) und ROMEO & JULIET („William Shakespeares Romeo + Julia“, 1996). Außerdem
choreographierte der Australier MURIEL’S WEDDING („Muriels Hochzeit“, 1994) und
SCOOBY-DOO („Scooby-Doo“, 2002).
O’Connells umfangreicher Background umfasst die Medien Fernsehen, Kabarett und Bühne
und zeigt die Vielseitigkeit seiner Arbeit. Er choreographierte die international gefeierte
Inszenierung des Musicals „South Pacific“ ebenso wie „A Midsummer Night’s Dream“ für die
Australische Oper – eine Produktion, die beim Festival in Edinburgh mit dem Kritikerpreis
ausgezeichnet wurde. O’Connell produzierte, schrieb, choreographierte und trat selbst auf
in seiner eigenen Tanz-Show „Mr. Cha Cha Says Dance“.