Programmheft - Heimat.de

sinfoniekonzert
benefiz
konzert
zugunsten der sanierung
der staatsoper unter den Linden
daniel barenboim
anne-sophie mutter
staatskapelle berlin
4. juli 2012

susser
wohLLaut ..
schLaft
in der
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¨
Friedrich Schiller
Der Graf von Habsburg
sinfoniekonzert
BeNefIzkoNzerT
benefiz
zuguNSTeN Der SANIeruNg
Der STAATSoPer uNTer DeN LINDeN
konzert
daniel barenboim Dirigent
zugunsten anne-soPhie der mutter sanierung Violine
der staatsoper staatskaPelle unter berlin den Linden
daniel barenboim
anne-sophie mutter
staatskapelle berlin
johannes brahms
1833–1897
Violinkonzert D-Dur op. 77
4. juli 2012
I. Allegro non troppo
II. Adagio
III. Allegro giocoso, ma non troppo vivace
Pause
johannes brahms
Sinfonie Nr. 4 e-Moll op. 98
I. Allegro non troppo
II. Andante moderato
III. Allegro giocoso – Poco meno presto – Tempo I
IV. Allegro energico e passionato – Più allegro
4. juli 2012 | 20 uhr | Philharmonie | Konzerteinführung 19.15 uhr

Sehr geehrTe DAMeN uND herreN,
LIeBeS PuBLIkuM,
die Sanierung unseres schönen opernhauses unter
den Linden ist in vollem gang. Bis 2015, ein Jahr
länger als vorgesehen, sollen die Arbeiten nun
dauern. Dann werden wir Ihnen dort wieder Musiktheateraufführungen
und konzerte präsentieren
können, im frisch renovierten Saal und mit modernsten
technischen Möglichkeiten.
eine Sanierung von einem solch großen Ausmaß
erfordert viele kräfte: Die Stadt Berlin als Bauherr
und die beteiligten Baufirmen sind dabei natürlich
im Besonderen gefragt, aber auch die künstler und
Mitarbeiter wollen und werden ihren Beitrag leisten.
Seit 2008 finden deshalb ein- bis zweimal pro Saison
Benefizkonzerte statt, die diesem Vorhaben gewidmet
sind. Weltstars wie Anna Netrebko, Plácido
Domingo, rolando Villazón und Sir Simon rattle
haben sich schon in den Dienst der Sache gestellt,
unterstützt von den Musikerinnen und Musikern
der Staatskapelle Berlin und natürlich von unserem
generalmusikdirektor Daniel Barenboim, der diese
konzertreihe ins Leben gerufen hat und durch
seinen nimmermüden einsatz prägt.
5
Ich möchte den hier und heute aktiven künstlern,
vor allem der großartigen Solistin Anne-Sophie
Mutter, herzlich für ihr engagement danken. ebenso
geht mein Dank auch an Sie, verehrtes Publikum, die
Sie uns dabei unterstützen, dass unsere Staatsoper in
wenigen Jahren wieder an ihrem angestammten
Platz unter den Linden beheimatet sein wird. gemeinsam
mit Ihnen freue ich mich auf ein wunderbares
konzert, das mit phantas tischen Interpreten
und der eindrucksvollen Musik von Johannes
Brahms Ihnen gewiss ein bleibendes erlebnis verschaffen
wird.
Ihr
Jürgen flimm

eINführuNg VIoLINkoNzerT
johannes brahms
Fotographie Fotographie aus den 1880er jahren
6
freuNDSchAfTSDIeNST
uND freuNDSchAfTSgABe
DAS VIoLINkoNzerT VoN JohANNeS BrAhMS
zuallererst war Johannes Brahms auf dem klavier
zu hause. Seine ersten Meriten sammelte er als
Pianist – und auch das komponieren erprobte er
zunächst auf den weißen und schwarzen Tasten.
Als klavierspieler, obschon nicht zu den »Virtuo-
sen« im eigentlichen Sinne zählend, wusste er
durchaus zu beeindrucken – das ehepaar Schu-
mann etwa, während jenes denkwürdigen Be-
suchs in Düsseldorf im herbst 1853, der robert
Schumann dazu veranlasste, den gerade einmal
20-jährigen Brahms als den großen hoffnungsträ-
ger der deutschen Musik auf den Schild zu heben.
Bekanntlich hat der junge Musiker, der dabei war,
seinen Weg zu finden und sich Schritt für Schritt
das erbe seiner Vorgänger anzueignen, diese wahr-
haft erstaunliche »Messias«-Proklamation als Be-
lastung empfunden – der wohlgemeinte rücken-
wind, den ihm Schumann geben wollte, erwies
sich in der folgezeit nur allzu oft als hemmend.
In das Jahr 1853 fiel auch eine andere, für
Brahms ungemein wichtige Begegnung. In hanno-
ver traf er auf den etwas älteren Joseph Joachim
(1831–1907), seines zeichens königlich-hannover-
scher konzertmeister. In die norddeutsche resi-
denzstadt gekommen war Brahms im zuge einer
reise, die er gemeinsam mit dem geiger eduard
reményi vom heimatlichen hamburg aus unter-
nommen hatte. reményi und Joachim spielten
nicht nur beide auf professionellem Niveau Vio-
line, sie waren als gebürtige ungarn auch Lands-
leute und beeinflussten mit ihrer Begeisterung für
die Musikkultur ihres herkunftslandes Brahms’
Ästhetik in nicht geringem Maße.
Detlef Giese
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zwischen Brahms und Joachim entwickelte
sich eine tiefe freundschaft, die lange andauern
sollte, wenngleich sie auch nicht ungetrübt blieb.
eine Art »Wahlverwandtschaft« verband sie mit-
einander, ein Schwimmen auf der gleichen musi-
kalischen Welle. Schon die ersten klavierwerke
und Lieder, die Brahms auf Bitten Joachims diesem
vorspielte, fanden dessen gefallen und brachten
dem jungen, noch etwas verschlossen, gar scheu
wirkenden hamburger viele Sympathien ein. Jo-
achim erinnerte sich mit euphorischen Worten
an diese erste kostprobe von Brahms’ können:
»es waren dessen ausnahmsweises kompositionstalent
und eine Natur, wie sie nur in der verborgensten
zurückgezogenheit sich in vollster reine
entwickeln konnte; rein wie Demant, weich wie
Schnee. […] In seinem Spiel ist das ganz intensive
feuer, jene, ich möchte sagen, fatalistische energie
und Präzision des rhythmus, welche den künstler
prophezeien.«
Da beide, Brahms wie Joachim, kompositorische
Ambitionen verfolgten, verabredeten sie, sich
gegenseitig ihre übungen und Werke zur Begutachtung
und kritik zuzusenden. Brahms schien
hierin der deutlich eifrigere gewesen zu sein, während
es Joachim vor allem darum ging, seine karriere
als Violinvirtuose voranzubringen. und in
der Tat ist er vornehmlich als Interpret in die geschichte
eingegangen, während Brahms sich mit
bemerkenswerter zielstrebigkeit als komponist zu
profilieren suchte.
Der weit weltmännischer veranlagte Joachim
vermittelte seinem freund und Musikerkollegen

wertvolle kontakte – so etwa zu franz Liszt und
zu robert Schumann. zu dem großmeister des kla-
vierspiels, dem in der Weimarer Altenburg residie-
renden Liszt, fand er keinen rechten zugang: ob-
wohl Brahms um dessen einfluss und Bedeutung
wusste – Liszt war in den 1850er Jahren eine eu-
ropäische Berühmtheit und hatte sowohl für die
klavier- als auch für die orchestermusik entschei-
dendes geleistet –, spürte er instinktiv die Distanz,
die menschlich wie künstlerisch zwischen ihnen
lag. zu den Schumanns dagegen fühlte er sich vom
ersten Moment an hingezogen: Dass sie die rolle
eINführuNg VIoLINkoNzerT
von Wegbereitern einnahmen, war sicherlich ein
glücksfall der Musikgeschichte.
Schumann war es auch, der den in erster Linie
auf das klavier fixierten Brahms auf die orchestermusik
hinlenkte – bei aller Wertschätzung für
die »kleinen formen« könne er seine Talente erst
dann ganz ausspielen, wenn er beizeiten mit größeren
Besetzungen operiere, etwa in den gattungen
Solokonzert oder Sinfonie. Das 1. klavierkonzert
verdankt seine entstehung diesem Impuls,
auch wenn bis zu dessen Vollendung so einige
Jahre und manche umorientierungen vergingen:
brahms’ autograph der solostimme des Violinkonzerts mit anmerkungen von joseph joachim
So hatte Brahms zunächst vor, eine Sonate für zwei
klaviere zu schreiben, dann sollte aus dem Material
eine Sinfonie geformt werden, schließlich erwuchs
daraus ein klavierkonzert, das 1859 zur uraufführung
gebracht wurde.
Die erste Anregung dazu muss wohl auf das
so wichtige Jahr 1853 datiert werden. zu diesem
zeitpunkt dürfte auch der gedanke an ein Violinkonzert
aufgetaucht sein. Joseph Joachim hatte
Brahms mit einem Werk des italienischen komponisten
und Beethoven-zeitgenossen giovanni Battista
Viotti bekannt gemacht, das diesen spürbar
begeisterte. gemeinsam spielten sie Viottis konzert
in a-Moll in einer kammermusikalischen Version
für Violine und klavier – die phantasievolle
Verflechtung von Solo- und orchesterpart hat
Brahms offenbar als vorbildhaft empfunden.
ein eigenes Violinkonzert nahm er dennoch
vorerst nicht in Angriff. erst ein Vierteljahrhundert
später sollte er ein solches Werk komponieren
– angekündigt hatte es sich nicht unbedingt.
Wie so häufig hatte Brahms selbst seine engsten
freunde nicht in seine Pläne eingeweiht; erst als
die Ausarbeitung der Partitur schon sehr weit fort-
joseph joachim, joachim, uraufführungsinterpret und Widmungsträger
9
geschritten war und er sich den einen oder anderen
rat holen wollte, geschah dies. erst dann öffnete
er sich ein wenig, um sein neues Werk zur
Diskussion zu stellen, äußere eingriffe in den eigentlichen
kompositionsprozess, der eine konzentrierte
schöpferische Aktivität darstellte, versuchte
er so weit wie möglich auszuschalten.
Das Violinkonzert hat während der Sommermonate
1878 gestalt angenommen, zwei Jahre
nach Vollendung der 1. Sinfonie, einem von Brahms’
offenkundigen »Schmerzenswerken«, mit dem er
sich über einen ungewöhnlich langen zeitraum
beschäftigt hatte, bis er es für würdig befand, aufgeführt
und veröffentlicht zu werden. und auch
die erfahrungen mit der 1877 fertiggestellten
2. Sinfonie schwingen noch mit, als Brahms sich
im Jahr darauf erneut einem Werk unter einbezug
des orchesters zuwandte.
Den besagten Sommer verbrachte er in Pörtschach
am Wörthersee, wo er zeit und Muße zum
ungestörten Arbeiten fand. hier, inmitten der
Natur, hinreichend weit von der lärmenden geschäftigkeit
Wiens entfernt, konnte sich seine
kreativität voll entfalten. Während ausgedehnter

Wanderungen sammelte er eindrücke von Land
und Leuten, die zumindest atmosphärisch in seine
kompositionen einflossen.
Der Sommer 1878 gehörte zu den produktivs-
ten zeiten in Brahms’ Leben. Vor allem ein Instru-
ment rückte diesmal in den Mittelpunkt: die Vio-
line. Mit der Violinsonate g-Dur op. 78 entstand
eines seiner bedeutendsten kammermusikwerke –
und mit dem Violinkonzert sollte er etwas kompo-
nieren, das die Nachwelt einmal als einen buch-
stäblich »großen Wurf« anerkennen wird.
Bei der Abfassung seines 1. klavierkonzerts
hatte Brahms noch auf seine eigenen kenntnisse
bauen können, was die spieltechnischen Mög-
lichkeiten des Soloparts betraf. Im falle des Vio-
linkonzerts war er jedoch darauf verwiesen, von
kompetenter Stelle sich die Ausführbarkeit der
geigenstimme bestätigen zu lassen und gegebenenfalls
Änderungen vorzunehmen. Wer könnte
dies besser als Joseph Joachim? So verwundert es
nicht, dass Brahms ihn nach Pörtschach einlud,
um alles Nötige zu besprechen. Nicht allein technische
fragen waren zu klären, sondern auch die
generelle Anlage der komposition. Brahms hatte
ursprünglich vor, das konzert nach dem Vorbild
einer Sinfonie in vier Sätze zu gliedern, nahm jedoch
von diesem Vorhaben wieder Abstand. Die
endfassung, an der er bis zur Drucklegung immer
wieder feilte, besitzt jedenfalls die übliche dreisätzige
Struktur, ist aber zweifellos von sinfonischem
geist geprägt und durchzogen, da Soloinstrument
und orchester nicht als voneinander getrennte
Parts begriffen werden, sondern vielfach aufeinander
bezogen und miteinander verflochten sind.
Die ratschläge, die ihm Joachim hierbei mündlich
wie schriftlich gab, dürften für Brahms essentiell
gewesen sein, da er sich von so manchen unsicherheiten
geplagt fühlte, wie er denn die Partitur nun
konkret ausformen sollte.
Wie zumeist in den Solokonzerten der romantischen
zeit nimmt der eingangssatz den größten
raum ein. er lebt vor allem von seinem weit
ausschwingenden, häufig auf gebrochenen Dreiklängen
basierenden Melos und seinem Wechsel
von lyrischen und dramatischen, rhythmisch ge-
eINführuNg VIoLINkoNzerT
schärften Passagen. eine umfangreiche orchesterintroduktion
bereitet den Boden für den einsatz
der Solo-Violine, die von figurationen ausgehend
erst nach und nach mit fester umrissenen Motiven
zu arbeiten beginnt. Violine und orchester werfen
sich gegenseitig die Melodielinien zu, spinnen sie
weiter und führen sie andere Ausdrucksbereiche
hinein. Dabei ist ein kantabler gestus dominierend,
der durch zwischenzeitliche kontraste eher
verfestigt als relativiert wird. und dass das musikalische
geschehen des Öfteren wie selbstverständlich
ins Tänzerische hineingleitet, ist sicher als
eine besondere Qualität dieses Satzes zu begreifen.
Der folgende langsame Satz entführt den hörer
in eine geradezu idyllisch wirkende klanglandschaft.
eine ebenso einfache wie expressive Melodie,
von der oboe vorgetragen, wird zum Ausgangspunkt
für vielfältige Beleuchtungen. Die
Solo-Violine umspielt zunächst diese kantilene,
um sie daraufhin mit eigenem Material anzureichern
und in ihre eigene Sphäre zu ziehen. Dass
hierbei ein gewisses ungarisches kolorit mit einbezogen
wird, kann nur allzu leicht als eine reminiszenz
an die herkunft des Widmungsträgers Joseph
Joachim gedeutet werden.
Was im zweiten Satz nur gelegentlich anklingt,
tritt im finale dann mit Vehemenz zutage. Dieses
rondo trägt mit seinen vorwärtsdrängenden,
prägnanten rhythmen einen unverkennbaren
»All’ongarese«-charakter. eine äußerst temperamentvolle
Musik begegnet dem hörer, ein gegenpol
zu der friedlichen ruhe des Mittelsatzes. eindimensional
ist sie freilich nicht, da wiederholt auch
dynamisch weniger forcierte, spürbar zurückgenommene
episoden zu ihrem recht kommen. Am
Schluss jedoch – wer möchte dies Brahms verdenken
– überwiegen Schwung und kraft.
gewiss ist Brahms’ Violinkonzert kein nach
außen gekehrtes und auf Beeindruckung zielendes
brillantes Virtuosenwerk. gleichwohl sind die
technischen herausforderungen – und damit sind
nicht allein die komplizierten Doppel- und Tripelgriffe
gemeint – enorm. Noch kurz vor der uraufführung
artikulierte selbst Joachim, der doch eng
in den formungsprozess mit einbezogen worden
Pörtschach am Wörthersee, wo brahms 1878 sein Violinkonzert komponierte
ist, seine Bedenken, ob er in der Lage sein werde,
die »ungewohnten Schwierigkeiten« zu meistern –
und Joachim zählte immerhin zu den fähigsten
geigern seiner zeit. Mitte Dezember 1878 wurde
eine Verständigungsprobe mit klavier in Berlin
angesetzt, für den Neujahrstag 1879 stand die
Premiere im Leipziger gewandhaus an. obschon
Joachim aus dem Manuskript und nicht auswendig
spielte und Brahms als Dirigent das orchester
nicht in jedem Moment wirklich im griff hatte, errang
das konzert einen unstrittigen erfolg. übereinstimmend
war man der Ansicht, dass Brahms’
kühnes neues Werk den Violinkonzerten von Beethoven
und Mendelssohn ebenbürtig an die Seite
zu stellen ist.
Die positive resonanz auf sein op. 77 – die sich
nicht zuletzt in einer beachtlichen zahl von Aufführungen
widerspiegelte – war womöglich auch
ein Auslöser für Brahms’ weiteres konzertschaffen.
Noch im selben Jahr 1878, als er in Pörtschach
das Violinkonzert komponiert hatte, begann er mit
der Arbeit an einem zweiten klavierkonzert – dem
umfangreichsten und technisch sicher anspruchsvollsten
gattungsbeitrag. Mit ihm hat Joachim naturgemäß
allenfalls am rande zu tun, umso mehr
indes mit dem letzten konzert, das Brahms schreiben
sollte, dem Doppelkonzert für Violine und
10 11
Violoncello a-Moll op. 102 von 1887. es war als eine
Art »Versöhnungsangebot« an Joachim entworfen
worden, da sich die beiden freunde zuvor entzweit
hatten und das einstmals so harmonische Miteinander
einem klima von unverständnis und Misstrauen
gewichen war. Indem Brahms Joachim den
Violinpart antrug, ihn aber mit einer solistischen
Violoncellostimme koppelte, die als Vermittler
fungierte, erreichte er sein ziel: Die freundschaft
lebte wieder auf.
Während das Doppelkonzert von einem eher
dunklen, herbstlichen Ton geprägt ist, wirkt das
Violinkonzert spürbar freundlicher im gestus,
opti mistischer, heller, strahlender. Nicht umsonst
ist es zu einem favoritstück der Violinspieler ge-
worden, da sowohl lyrische Qualitäten als auch
höchste spieltechnische Souveränität gefragt sind.
gemeinsam mit den Werken von Beethoven, Men-
delssohn und Bruch gehört Brahms’ op. 77 zu
den großen Violinkonzerten des 19. Jahrhunderts.
1878 scheint darüber hinaus ein fruchtbares Jahr
für Violinkonzerte gewesen zu sein, da zeitgleich
ein weiteres bedeutendes Werk des repertoires
entstand: Peter Tschaikowskys Violinkonzert, in
faktur und Ausdrucksweise so gänzlich anders ge-
artet. Die Welt von Brahms ist eine eigene – sich
in sie hineinzubegeben, ist in jedem fall anregend.

eINführuNg VIoLINkoNzerT
titelblatt der erstausgabe
rückgrIffe uND
VorgrIffe
BrAhMS’ 4. SINfoNIe
Das viel beschworene »zweite zeitalter der Sinfo-
nie«, das um die Mitte der 1870er Jahre einsetzt, ist
untrennbar mit dem Namen Johannes Brahms verbunden.
Nach der äußerst fruchtbaren Phase der
Sinfonieproduktion in der ersten hälfte des 19. Jahrhunderts,
die von erstklassigen komponisten wie
Beethoven, Schubert, Mendelssohn und Schumann
repräsentiert wurde, war – glaubt man dem urteil
vieler Musikhistoriker – für mehr als zwei Jahrzehnte
kein Werk von einer vergleichbar überragenden
künstlerischen Bedeutung in diesem genre
mehr geschrieben worden.
für diesen umstand sind zwei hauptsächliche
gründe verantwortlich zu machen. zum einen
hatte die orchestermusik generell neue Wege genommen:
Mit den – zumeist einsätzigen – Sinfonischen
Dichtungen franz Liszts hatte sich ein
Modell etabliert, das quer zu den Normen der klassisch-romantischen
Sinfonik stand. Nicht ganz unverschuldet
geriet Brahms selbst in den von der
zeitgenössischen Musikästhetik und -publizistik
geschürten Parteienstreit zwischen den als hyperfortschrittlich
geltenden »Neudeutschen« Liszt
und Wagner sowie den Traditionalisten der Mendelssohn-
und Schumann-Nachfolge. zum anderen
stellte sich aber auch ein rein komposito risches
Problem: Wie sollten der traditionsreichen gat-
tung Sinfonie neue Seiten abgewonnen werden?
Die Wirkung der klassischen Vorbilder – in erster
Linie die stilbildenden neun Werke Beethovens –
war dermaßen mächtig, dass sie zu einer solch beängstigenden
größe aufwuchs, die sich nicht sel-
Detlef Giese
12 13
ten als hemmend erwies. Im falle von Brahms trifft
dies zweifellos zu: fast anderthalb Jahrzehnte der
Arbeit von den ersten entwürfen an sollte es dauern,
bis er den Mut fand, seine 1. Sinfonie im Druck
zu veröffentlichen und eine Aufführung des Werkes
anzustrengen.
Der zeitraum wiederum, in dem sich Brahms
als Sinfoniekomponist im engeren Sinne betätigte,
ist hingegen vergleichsweise schmal bemessen.
Die Spanne, die von der uraufführung seines
erstlings 1876 bis zur Vollendung seiner 4. Sinfonie
1885 reichte, deutet auf eine lediglich kurze,
dafür aber intensive Beschäftigung mit dieser gattung
hin. und in der Tat: Im gegensatz zur klavierund
kammermusik sowie verschiedenen vokalen
genres (von denen das klavierbegleitete kunstlied
im Mittelpunkt stand) hat sich Brahms in einem
zeitlich beschränkten rahmen auf die Sinfonie
beschränkt. Dabei waren es gerade diese großen
orchesterwerke, die ihm öffentliche Anerkennung
– und zudem auch materiellen Wohlstand –
in hohem Maße sicherten. Dass sich Brahms um die
Mitte der 1880er Jahre im zenit seines ruhms befand,
verdankte er immerhin vor allem dem erfolg
seiner Sinfonien. In dem ihm noch verbleibenden
Dutzend an Lebensjahren hat er trotz mehr facher
Anstöße von außen jedoch kein sinfonisches Werk
mehr komponiert.
Die entstehung seiner letzten, der 4. Sinfonie
fällt in die Sommermonate der Jahre 1884 und
1885. Brahms, mittlerweile etwas über 50 Jahre
alt, arbeitet in seinem ferienort Mürzzuschlag in

der Steiermark an einem neuen orchesterwerk.
zunächst lässt er selbst seine engsten Vertrauten –
unter ihnen clara Schumann, Joseph Joachim und
das zum freundeskreis gehörende ehepaar hein-
rich und elisabeth von herzogenberg – darüber
im ungewissen: erst als die komposition so gut als
beendet ist, gibt er im herbst 1885 zu erkennen,
dass die Mühen der letzten zeit wesentlich der
Sinfonie Nr. 4 gegolten haben.
Wie beinahe immer war sich Brahms äußerst
unsicher ob des gelingens seines neuen Werkes.
Bevor er die Sinfonie für eine öffentliche Auffüh-
rung und zum Druck freigab, wollte er das ur-
teil einiger wohlmeinender freunde und kritiker
hören. Im oktober 1885 spielte er zusammen mit
dem komponisten Ignaz Brüll die gesamte Sinfo-
nie auf zwei klavieren. In Anwesenheit des Wiener
»kritikerpapstes« eduard hanslick sowie des Diri-
genten hans richter, der sich in gleichem Maße für
Brahms wie für Wagner einsetzte, fand das Werk
eine eher zurückhaltende Aufnahme. es schien
sich beim ersten hören nicht recht zu erschließen,
zu dicht und komplex stellte sich das kompositorische
gewebe dar, zu wenig fasslich erschienen die
verwendeten Motive, Themen und Strukturen.
Brahms ist für jede reaktion dankbar. Nach
einigen Änderungen, die jedoch lediglich Details,
nicht aber die substantiellen grundlagen des ganzen
betreffen, entschließt er sich, das Werk zur
Aufführung zu bringen. hans von Bülow, der führende
Dirigent seiner zeit und nach seiner Abkehr
von Wagner ein rückhaltloser förderer Brahms’,
wird mit seinem bestens geschulten Meininger
hoforchester mit der einstudierung betraut. Die
uraufführung ende oktober 1885 leitet jedoch
Brahms persönlich, der auch in der anschließenden
konzerttournee des orchesters sein Werk
einem größeren Publikum bekannt macht.
Die Darbietungen in Meiningen sowie in verschiedenen
westdeutschen und niederländischen
Städten sind ausgesprochen erfolgreich. unter den
enthusiastischen Stimmen ist auch diejenige des
jungen richard Strauss, der zu dieser zeit als Assistent
Bülows noch ganz unter dessen einfluss steht:
»Seine [Brahms’] neue Sinfonie ist nun allerdings
eINführuNg 4. SINfoNIe
14
ein riesenwerk, von einer größe der konzeption
und erfindung, genialität in der formbehandlung,
Periodenbau, von eminentem Schwung und
kraft, neu und originell und doch von A bis z echter
Brahms, mit einem Worte eine Bereicherung
unserer Tonkunst, es ist schwer, alles das herrliche,
was dieses Werk enthält, mit Worten zu definieren,
man kann nur immer wieder andächtig
zuhören und bewundern.«
In Brahms’ Wahlheimat Wien jedoch fand das
Werk zunächst keine rechte resonanz. Vor allem
war es die ungewöhnliche, den erwartungen nur
bedingt entsprechende Ausformung und klanggestalt,
die offenbar das Verstehen der komposition
erschwerte, auch schien das ausführende orchester,
die Wiener Philharmoniker unter hans
richter, nicht ganz auf der höhe seiner Leistungsfähigkeit
zu sein. erst elf Jahre später, in Brahms’
Todesjahr 1897, erklang die 4. Sinfonie wieder in
Wien – diesmal jedoch mit nachhaltigem erfolg.
gleichwohl spiegelt sich bereits in den ersten,
nicht immer uneingeschränkt zustimmenden urteilen
eine haltung, die für die rezeption dieser
Sinfonie insgesamt kennzeichnend wurde. Auch
aus heutiger Perspektive erscheint es durchaus
verständlich, dass so manche zeitgenössische Beobachter
dem Werk ein übermaß an konstruktiver
Dichte, die zu den besagten Auffassungsschwierigkeiten
führte, attestiert haben. Der eigentümliche
klangcharakter, der in erster Linie durch dunkle,
verschattete Töne hervorgerufen und nicht selten
mit einem Begriff von »Melancholie« in Verbindung
gebracht wurde, trug ebenso dazu bei,
Brahms’ neue Sinfonie im Vergleich zu seinen Vorgängerwerken
als weniger gefällig und zugänglich
anzusehen.
und noch ein Drittes ist es, das die besondere
gestalt der 4. Sinfonie ausmacht: der bewusste
rückgriff auf alte Techniken des komponierens,
auf gleichsam archaische Muster, die jedoch so gehandhabt
werden, das sie kaum spürbar werden.
zugleich gelingt es Brahms, aus einem Material,
das nur aus wenigen grundbausteinen besteht,
ein ungemein verästeltes gefüge musikalischer
gedanken herzustellen, die im Verlauf der Sätze
vielfältige Variationen erfahren und auf je andere
Art und Weise artikuliert werden. und dass darüber
hinaus Brahms’ Musik trotz ihrer ausgefeilten
konstruktion keineswegs einer elementaren
Ausdruckskraft ermangelt, erschließt sich bereits
beim ersten hören.
Die ungewöhnlichen kompositionstechnischen
Verfahren, die Brahms in auffälliger häufung
in seiner 4. Sinfonie zur Anwendung bringt,
werden indes zu großen Teilen mit traditionellen
formmodellen verbunden. So folgt der eingangssatz
mit seiner Sonatenform einer Struktur, die
spürbar an klassischen Vorbildern orientiert ist –
insbesondere Beethoven stand hierbei Pate. Der
langsame zweite Satz ist als Liedform mit zwei
charakteristischen Themen zu deuten, während
an dritter Stelle ein scherzoartiger Satz in rascher
Bewegung und gesteigerter Dynamik steht. Lediglich
das finale ist einem konstruktiven Prinzip
verpflichtet, das über den klassischen Stil hinaus
in die Barockzeit zurückweist.
Wohl nirgends sonst zeigt sich Brahms’ ganz
eigene kunst des komponierens so anschaulich
wie im kopfsatz seiner 4. Sinfonie. Was er zu Be-
hans von bülow und johannes brahms, berlin 1889
15
ginn vorstellt, ist im grunde kein profiliert umrissenes
Thema, sondern eher eine folge einzelner
Intervalle, die sich erst nach und nach zu strengeren
Motivbildungen verdichten. Brahms verzichtet
hier gleichsam auf eine prägnante musikalische
gestalt, auf einen effektsicheren melodischen
bzw. rhythmischen »einfall«, zugunsten der Arbeit
mit einem zunächst noch wenig konturierten Material.
Die auf den ersten Blick so einfachen Tonfolgen
des Anfangs, die auf einer ebenso einfachen
harmonischen grundlage fußen, gewinnen erst
im Prozess ihrer Verarbeitung, ihrer Ab- und umwandlung
Sinn und Bedeutung. Somit zeigt sich
erst in der sukzessiven entfaltung des Satzes das
gestalterische Potential der von Brahms verwendeten
figuren. ungemein konzentriert und von einer
geradezu zwingenden Strenge des sinfonischen
Denkens getragen, entwickelt sich so ein musikalisches
geschehen, das in seiner dichten ereignisfolge
bereits die zeitgenossen zum erstaunen
brachte.
Das darauf folgende Andante moderato ist hingegen
viel stärker von elementen des Melodischen
bestimmt. Der Satz beginnt mit einer einstimmi

gen Linie, die zunächst von den Bläsern vorgetra-
gen wird, bevor auch die Streicher (die pizzicato
zu spielen haben) beteiligt werden. Die Melodie
selbst gewinnt ihren eigentümlichen charakter
dadurch, dass sie auf einer alten kirchentonart,
dem Phrygischen, basiert – somit weder in Dur
oder Moll steht. eine zweite, weit ausschwingende
kantilene, die von den Violoncelli in hoher Lage
eingeführt wird, ordnet sich in den expressiven
gestus des Satzes zwanglos ein. Der lyrische, eher
verhaltene Ton wird zwar zwischenzeitlich von
kräftigeren farben abgelöst, bleibt aber insgesamt
vorherrschend.
Der dritte Satz zeigt hingegen einen gänzlich
anderen charakter. über weite Strecken wird das
gesamte orchester (einschließlich des Triangels)
beschäftigt, in ihrem energischen Vorwärtsdrängen
erhält die Musik ein betont extrovertiertes gepräge
– als ob Brahms schon an dieser Stelle die
Stimmung eines traditionellen kehraus-finales
anschlagen wollte.
brahms’ autograph der sinfonie nr. 4, beginn des vierten satzes
16
für den Schlusssatz findet er indes ein gestaltungsprinzip,
das so gar nichts mit den finallösungen
der Wiener klassiker und der romantiker bis
Mendelssohn und Schumann zu tun hat. Brahms
basiert diesen Satz, mit dem das e-Moll des Sinfoniebeginns
wieder aufgenommen wird, auf einer
feststehenden Basslinie. hierbei bedient er sich
dem Verfahren der reihung: Das lediglich achttaktige
Schema, das geradezu zwangsläufig den
harmonischen fortgang des Tonsatzes bestimmt,
taucht insgesamt 31 Mal auf – wobei es Brahms
allerdings gelingt, die einzelnen Variationen so
ineinander zu blenden, dass der eindruck eines
organisch ganzen, eines beständigen fließens von
immer neuen musikalischen gestalten entsteht.
Durch einen zwischenzeitlichen Taktwechsel, der
eine Verlangsamung des grundtempos suggeriert,
schafft Brahms sogar eine wirkungsvolle Binnengliederung:
zwei kräftige, bewegte Abschnitte
werden durch einen auch dynamisch spürbar zurückgenommen
Mittelteil interpoliert. Statt dem
massiven klang des großen orchesters treten nunmehr
subtile Bläserfarben zutage: zum einen die
Solo-flöte, zum anderen choralartige Posaunenund
hornklänge.
Bei der gestaltung des finales ließ sich Brahms
von einer Musik anregen, die er wahrscheinlich
erst unmittelbar vor der komposition dieses Satzes
kennengelernt haben dürfte. Im herbst 1884 –
nachdem die beiden ersten Sinfoniesätze bereits
geschrieben waren – erschien im rahmen der
Ausgabe der Bach-gesellschaft, deren Subskribent
Brahms war, ein neuer Band mit kirchenkantaten.
unter ihnen befand sich die kantate Nr. 150 Nach
dir, Herr, verlanget mich, ein frühwerk Bachs, in dessen
Schlusschor er mit einem reihungsverfahren
arbeitet. Das Stück gründet auf einem gleich bleibenden
Bassfundament und folgt damit der form
einer chaconne bzw. Passacaglia. Bereits zu Bachs
zeiten war diese Technik nicht neu – schon in kompositionen
des 17. Jahrhunderts ist sie vielfach anzutreffen.
umso mehr musste es erstaunen, dass Brahms
gegen ende des 19. Jahrhunderts auf derartige formen
zurückgriff, brachte er doch damit eine Neuerung
in den Bereich des Sinfonischen hinein. Die
Suche nach neuen gestaltungsmöglichkeiten,
die gleichwohl die Traditionen der gattung nicht
sprengen, schien Brahms ein Bedürfnis zu sein.
eINführuNg 4. SINfoNIe
meininger hofkapelle
Mit diesem ins Monumentale strebenden Passacaglia-Satz
konnte er jedenfalls seine außerordentlichen
fähigkeiten in der Beherrschung seiner
kompositorischen kunst beweisen. Das eindrucksvolle
finale seiner 4. Sinfonie bildet so gleichsam
den höhepunkt seiner langen Auseinandersetzung
mit form und Technik der Variation.
Angesichts der vielen rückgriffe auf ältere
Verfahrens- und gestaltungsweisen könnte man
geneigt sein, in Brahms’ 4. Sinfonie ein ausgesprochen
konservatives Werk zu sehen. Das trifft
sicher nur bedingt zu. obgleich Brahms die gültigkeit
des klassischen Sinfoniemodells nie in frage
gestellt hat, reicherte er sie doch mit originellen
zusätzen an – im Bewusstsein der Tradition werden
räume zur weiteren entwicklung geöffnet.
und kein geringerer als Arnold Schönberg hat in
seinem vielbeachteten Artikel »Brahms the Progressive«
die fortschrittlichen Momente hervorgehoben,
die in Brahms’ Schaffen aufzufinden
sind. Dabei sind es gerade die in der 4. Sinfonie
so prägnant zutage tretenden Techniken der »entwickelnden
Variation«, denen Schönberg einen
wesentlichen einfluss auf sein eigenes komponieren
zugesteht. In dieser hinsicht ist Brahms durchaus
ein Mittler zwischen Tradition und Moderne,
zwischen der Wiener klassik und der Neuen Wiener
Schule.

Sehr VerehrTeS PuBLIkuM,
WIr BeDANkeN uNS herzLIch
für Ihr eNgAgeMeNT,
DIe SANIeruNg
Der STAATSoPer uNTer DeN LINDeN
zu uNTerSTüTzeN.
INSBeSoNDere gILT uNSer DANk
DeM VereIN Der freuNDe uND
fÖrDerer Der STAATSoPer
uNTer DeN LINDeN.

eINführuNg VIoLINkoNzerT
20
Daniel Barenboim wurde 1942 in Buenos Aires geboren.
Im Alter von fünf Jahren bekam er seinen
ersten klavierunterricht, zunächst von seiner Mutter.
Später studierte er bei seinem Vater, der sein
einziger klavierlehrer blieb. Sein erstes öffentliches
konzert gab er mit sieben Jahren in Buenos
Aires. 1952 zog er mit seinen eltern nach Israel.
Mit elf Jahren nahm Daniel Barenboim in Salzburg
an Dirigierklassen von Igor Markevitch teil.
Im Sommer 1954 lernte er Wilhelm furtwängler
kennen und spielte ihm vor. furtwängler schrieb
daraufhin: »Der elfjährige Daniel Barenboim ist
ein Phänomen.« In den beiden folgenden Jahren
studierte Daniel Barenboim harmonielehre und
komposition bei Nadia Boulanger in Paris.
Im Alter von zehn Jahren gab Daniel Barenboim
sein internationales Solistendebüt als Pianist
in Wien und rom, anschließend in Paris (1955), in
London (1956) und in New York (1957), wo er mit
Leopold Stokowski spielte. Seitdem unternahm
er regelmäßig Tourneen in europa und den uSA
sowie in Südamerika, Australien und fernost.
1954 begann Daniel Barenboim, Schallplattenaufnahmen
als Pianist zu machen. In den 1960er
Jahren spielte er mit otto klemperer die klavierkonzerte
von Beethoven ein, mit Sir John Barbirolli
die klavierkonzerte von Brahms sowie alle klavierkonzerte
von Mozart mit dem english chamber
orchestra in der Doppelfunktion als Pianist und
Dirigent. Seit seinem Dirigierdebüt 1967 in London
mit dem Philharmonia orchestra ist Daniel Barenboim
bei allen führenden orchestern der Welt gefragt,
in europa gleichermaßen wie in den uSA.
zwischen 1975 und 1989 war er chefdirigent des
orchestre de Paris. häufig brachte er zeitgenössische
Werke zur Aufführung, darunter kompositionen
von Lutosławski, Berio, Boulez, henze, Dutilleux
und Takemitsu.
Sein Debüt als operndirigent gab Daniel
Baren boim beim edinburgh festival 1973, wo er
Mozarts Don Giovanni leitete. 1981 dirigierte er zum
DANIeL BAreNBoIM
21
ersten Mal in Bayreuth, bis 1999 war er dort jeden
Sommer tätig. Während dieser 18 Jahre dirigierte
er Tristan und Isolde, den Ring des Nibelungen, Parsifal
und Die Meistersinger von Nürnberg.
Von 1991 bis Juni 2006 wirkte Daniel Baren-
boim als chefdirigent des chicago Symphony or-
chestra. 2006 wählten ihn die Musiker des orches-
ters zum ehrendirigenten auf Lebenszeit. Seit 1992
ist Daniel Barenboim generalmusikdirektor der
Staatsoper unter den Linden in Berlin, von 1992
bis August 2002 war er außerdem deren künstleri-
scher Leiter. Im herbst 2000 wählte ihn die Staats-
kapelle Berlin zum chefdirigenten auf Lebenszeit.
Sowohl im opern- wie auch im konzertre-
pertoire haben Daniel Barenboim und die Staats-
kapelle große zyklen gemeinsam erarbeitet. Welt-
weite Beachtung fand die zyklische Aufführung
aller opern richard Wagners an der Staatsoper
sowie die Darbietung aller Sinfonien Ludwig van
Beethovens und robert Schumanns, die auch auf
cD vorliegen. Anlässlich der feSTTAge der Staats-
oper unter den Linden 2007 wurde unter der Lei-
tung von Daniel Barenboim und Pierre Boulez
in der Berliner Philharmonie ein zehnteiliger
Mahler-zyklus präsentiert. Neben dem großen
klassisch-romantischen repertoire widmen sich
Daniel Barenboim und die Staatskapelle Berlin ver-
stärkt der zeitgenössischen Musik. So fand die ur-
aufführung von elliott carters einziger oper What
next? an der Lindenoper statt. In den Sinfoniekon-
zerten erklingen regelmäßig kompositionen von
Boulez, rihm, Mundry, carter und höller. Musiker
der Staatskapelle sind aktive Partner in der Arbeit
des Musikkindergartens, den Daniel Barenboim
im September 2005 in Berlin gründete.
gemeinsam mit der Staatskapelle und dem
Staatsopernchor wurde Daniel Barenboim 2003
für die einspielung von Wagners Tannhäuser ein
grammy verliehen. Im selben Jahr wurden er und
die Staatskapelle mit dem Wilhelm-furtwängler-
Preis ausgezeichnet.

kuNST
BrAuchT freuNDe …
… unter diesem Motto haben sich gut 1500 Opernfreunde aus
Berlin und vielen Teilen der Welt in unserem Verein zusammengefunden,
um die Staatsoper Unter den Linden und im
Schiller Theater zu unterstützen. Wir freuen uns auch über Ihr
Engagement!
ALS MITGLIED GENIESST MAN:
— eine ganz besondere Nähe zur Staatsoper
— einen exklusiven Kartenservice und Vorbuchungsrechte
— Einladungen zu Künstlergesprächen, Sonderkonzerten und
Probenbesuchen.
Förderer laden wir zum Besuch von ausgewählten Generalproben
und Premierenempfängen und Paten zu Künstlerdinners
und weiteren exklusiven Veranstaltungen ein.
Engagieren Sie sich im Förderverein mit einem jährlichen
Beitrag von:
— 40 Euro als Apollo (bis 34 Jahre)
— 100 Euro als Freund
— 400 Euro als Förderer
— 1.000 Euro als Baumeister
— 2.500 Euro als Pate
— 5.000 Euro als Firmenmitglied
— 10.000 Euro als Mäzen
Informationen unter www.staatsoper-berlin.de/freunde oder
auf Wunsch gern auch per Post.
WIR UNTERSTÜTZEN:
Opern- und Konzertaufführungen, die Junge Staatsoper,
Sonderprojekte und Festivals der Staatsoper und natürlich die
Sanierung des Opernhauses Unter den Linden. Wir bitten Sie
herzlich, sich für die Staatsoper einzusetzen und freuen uns
schon jetzt auf Sie!
Ihre Freunde und Förderer der Staatsoper Unter den Linden e.V.
20 jahre Freunde und Förderer
der staatsoPer
20 JAHRE FREUNDE UND FÖRDERER
DER STAATSOPER
Am 7. Dezember 2012 wird der Förderverein der Staatsoper
20 Jahre alt! Es erwarten Sie eine Festaufführung von Puccinis
La bohème, in Anwesenheit vieler prominenter Freunde und
Förderer der ersten Stunde, eine Publikumsfeier und viele
schöne Aktionen rund um unser Jubiläum.
Feiern Sie mit uns!
Informationen unter: www.staatsoper-berlin.de/freunde
Freunde und Förderer der Staatsoper Unter den Linden e.V.
Friedrichstr. 90 | 10117 Berlin
Telefon 030 / 20 25 16 08
Telefax 030 / 20 25 16 10
E-Mail: freunde@staatsoper-berlin.de
www.staatsoper-berlin.de/freunde
Die Pausenempfänge der Premieren werden unterstützt von:
FOTO: THOMAS BARTillA
1999 rief Daniel Barenboim gemeinsam mit
dem palästinensischen Literaturwissenschaftler
edward Said das West-eastern Divan orchestra
ins Leben, das junge Musiker aus Israel, Palästina
und den arabischen Ländern jeden Sommer zu-
sammenführt. Das orchester möchte den Dialog
zwischen den verschiedenen kulturen des Nahen
ostens durch die erfahrungen gemeinsamen Mu-
sizierens ermöglichen. Musiker der Staatskapelle
Berlin wirken seit seiner gründung als Lehrer an
diesem Projekt mit. Im Sommer 2005 gab das West-
eastern Divan orchestra in der palästinensischen
Stadt ramallah ein konzert von historischer Be-
deutung, das vom fernsehen übertragen und auf
DVD aufgenommen wurde. Vor einiger zeit initi-
ierte Daniel Barenboim ein Projekt für Musikerzie-
hung in den palästinensischen gebieten, welches
die gründung eines Musikkindergartens sowie
den Aufbau eines palästinensischen Jugendorchesters
umfasst.
2002 wurden Daniel Barenboim und edward
Said im spanischen oviedo für ihre friedensbemühungen
im Nahen osten mit dem Preis »Príncipe
de Asturias« in der Sparte Völkerverständigung
geehrt. Daniel Barenboim ist Träger zahlreicher
hoher Preise und Auszeichnungen: So erhielt er
u. a. den »Toleranzpreis« der evangelischen Akademie
Tutzing sowie das »große Verdienstkreuz mit
Stern« der Bundesrepublik Deutschland, die Buberrosenzweig-Medaille,
den Preis der Wolf foundation
für die künste in der knesset in Jerusalem, den
friedenspreis der geschwister korn und gerstenmann-Stiftung
in frankfurt und den hessischen
friedenspreis. Darüber hinaus wurde Daniel Barenboim
mit dem »kulturgroschen«, der höchsten
Auszeichnung des Deutschen kulturrats, mit dem
Internationalen ernst von Siemens Musikpreis
sowie mit der goethe-Medaille geehrt. Im frühjahr
2006 hielt Daniel Barenboim die renommierte Vorlesungsreihe
der BBc, die reith Lectures; im herbst
desselben Jahres gab er als charles eliot Norton
Professor Vorlesungen an der harvard university.
2007 erhielt er die ehrendoktorwürde der universität
oxford, 2007 die Insignien eines kommandeurs
der französischen ehrenlegion. Im oktober dessel-
DANIeL BAreNBoIM
23
ben Jahres ehrte ihn das japanische kaiserhaus mit
dem kunst- und kulturpreis »Praemium Imperiale«.
Im September 2007 wurde er von uN-generalsekretär
Ban ki-Moon zum friedensbotschafter der
Vereinten Nationen ernannt. Im Mai 2008 erhielt
er in Buenos Aires die Auszeichnung »ciudadano
Ilustre«. Im februar 2009 wurde er für seinen einsatz
für Völkerverständigung mit der Moses Mendelssohn
Medaille ausgezeichnet. 2010 erhielt er
einen »honorary Degree in Music« von der royal
Academy of Music in London. Im februar diesen
Jahres wurde er für sein musikalisches Lebenswerk
mit dem Deutschen kulturpreis ausgezeichnet.
Im oktober erhielt er in Münster den Westfälischen
friedenspreis. zu den Auszeichnungen
der jüngsten zeit zählen außerdem der herbertvon-karajan-Musikpreis
und die otto-hahn-friedensmedaille.
Im februar 2011 wurde er vom französischen
Staatspräsidenten mit dem Titel eines
»grand officier dans l’ordre national de la Légion
d’honneur« geehrt. Im Juli erhielt er in der Londoner
Wigmore hall die Auszeichnung »outstanding
Musician Award of the critics’ circle«. Im selben
Monat wurde er von Queen eliza beth II. zum
»knight commander of the Most excellent order
of the British empire« (kBe) ernannt. Im oktober
wurde er mit dem Willy-Brandt-Preis geehrt.
Mit Beginn der Spielzeit 2007/08 ist Daniel Barenboim
als »Maestro Scaligero« eine enge zusammenarbeit
mit dem Teatro alla Scala in Mailand
eingegangen. er dirigiert dort regelmäßig opern
und konzerte und wirkt in kammerkonzerten mit.
Im herbst 2011 wurde er zum Musikdirektor dieses
renommierten hauses berufen.
Daniel Barenboim hat mehrere Bücher veröffentlicht:
die Autobiographie Die Musik – Mein Leben
und Parallelen und Paradoxien, das er gemeinsam mit
edward Said verfasste. Im herbst 2007 kam sein
Buch La musica sveglia il tempo in Italien heraus, das
seit Mitte August 2008 auch auf Deutsch unter dem
Titel Klang ist Leben – Die Macht der Musik erhältlich
ist. zusammen mit Patrice chéreau veröffentlichte
er im Dezember 2008 Dialoghi su musica e teatro.
Tristano e Isotta.
www.danielbarenboim.com

eINführuNg VIoLINkoNzerT
Anne-Sophie Mutter gehört seit über 35 Jahren zu
den großen geigen-Virtuosen unserer zeit. Die im
badischen rheinfelden geborene Violinistin be-
gann ihre internationale karriere 1976 bei den
festspielen in Luzern. ein Jahr danach trat sie
als Solistin bei den Salzburger Pfingstkonzerten
unter der Leitung von herbert von karajan auf.
Seitdem konzertiert Anne-Sophie Mutter weltweit
in allen bedeutenden Musikzentren. Neben der
Aufführung großer traditioneller Werke stellt sie
ihrem Publi kum immer wieder repertoire-Neu-
land vor: Sebas tian currier, henri Dutilleux, Sofia
gubaidulina, Witold Lutosławski, Norbert Moret,
krzysztof Penderecki, Sir André Previn und Wolf-
gang rihm haben ihr Werke gewidmet. Darüber
hinaus widmet sie sich zahlreichen Benefizprojek-
ten und der förderung des musikalischen Spitzen-
nachwuchses.
Auch das Jahr 2012 mit konzerten in Asien,
europa und Nordamerika – sowie erstmals auch in
Australien – steht für die musikalische Vielseitig-
keit der Violinistin und ihren beispiellosen rang
in der Welt der klassischen Musik.
zum Jahresbeginn spielte Anne-Sophie Mutter
das Violinkonzert von Max Bruch sowie curriers
Time Machines in Deutschland und der Schweiz
mit dem SWr radio-Sinfonieorchester Stuttgart
unter Michael francis. Time Machines, im Juli 2011
von der künstlerin in New York uraufgeführt, war
dabei erstmals in europa live zu hören.
Mit ihrem langjährigen recital-Partner Lam-
bert orkis führt die geigerin in diesem Jahr auf
einer europa-Tournee Werke von Lutowsławski,
Mozart, Saint-Saëns und Schubert auf.
Im Trio mit Lambert orkis und Daniel Müller-
Schott spielte sie kompositionen von Beethoven
und Tschaikowsky; in einem weiteren Trio-ensem-
ble mit André Previn am klavier und Daniel Mül-
ler-Schott am Violoncello wurden Mendelssohn,
Mozart und Previn aufgeführt.
ANNe-SoPhIe MuTTer
24 25
Im März trat Anne-Sophie Mutter erstmals
in Australien auf: Bei zwei konzerten in Sydney
spielte sie das Beethoven Violinkonzert mit dem
Sydney Symphony orchestra unter der Leitung von
Vladimir Ashkenazy.
einen weiteren programmatischen Schwerpunkt
stellt ihre europa-Tournee mit dem kammerorchester
Wien-Berlin dar: Auf dem Programm
stehen Mozarts Violinkonzerte Nr. 3 und Nr. 5, bei
denen die geigerin auch die musikalische Leitung
inne hat sowie Lichtes Spiel von Wolfgang rihm,
dirigiert von Michael francis. Lichtes Spiel führt
Anne-Sophie Mutter im rahmen dieser Tournee in
einer reihe europäischer Länder erstmals auf.
In chicago eröffnet die geigerin die konzertsaison
2012/13 mit einem gala-konzert ebenso wie
in Washington – jeweils mit den dortigen Symphony
orchestras unter der Leitung von riccardo
Muti bzw. christoph eschenbach.
Auch 2012 bringt Anne-Sophie Mutter neues
repertoire in die konzertsäle: Im Juli führt sie
in essen gemeinsam mit André Previn erstmals
dessen zweite Sonate für Violine und Piano auf.
Die uS-Premiere folgt kurz danach beim Tanglewood
Sommerfestival, bei dem die geigerin drei
verschiedene Programme spielt – nach dem recital
mit André Previn folgt ein Abend mit Mozart
Violinkonzerten und beim dritten konzert spielt
Anne-Sophie Mutter Sarasates Carmen-Fantasie.
Die uraufführung von Previns Violinkonzert
Nr. 2 für Violine und Streichorchester mit zwei
cembalo Interludes folgt im September in Trondheim
gemeinsam mit den Trondheimer Solisten.
In dieser formation wird das neue Werk – neben
Vivaldis Vier Jahreszeiten – auf einer anschließenden
Tournee dem europäischen konzertpublikum vorgestellt.
Die anschließende Asien-Tournee führt Anne-
Sophie Mutter im November nach china und Taiwan,
wo sie neben den Violinkonzerten von Beet-

Anja Frers / DG
Anne-Sophie Mutter
& Brahms
Brahms Violinkonzert u.a.
Anne-Sophie Mutter
New York Philharmonic
Kurt Masur
DG CD 457 0752
Brahms Violinsonaten
Anne-Sophie Mutter
Lambert Orkis
DG CD 477 8767
www.anne-sophie-mutter.net
hoven, Brahms und Dvořák auch erstmals curriers
Time Machines sowie rihms Lichtes Spiel aufführen
wird.
für ihre zahlreichen einspielungen erhielt
Anne-Sophie Mutter unter anderem den Deutschen
Schallplattenpreis, den record Academy Prize, den
grand Prix du Disque, den Internationalen Schallplattenpreis
sowie mehrere grammys. Anlässlich
Wolfgang Amadeus Mozarts 250. geburtstag legte
Anne-Sophie Mutter neue Aufnahmen mit Werken
sämtlicher wichtiger kompositionen Mozarts für
Violine vor. Im September 2008 erschien ihre einspielung
von Sofia gubaidulinas Violinkonzert In
tempus praesens mit dem London Symphony orchestra
unter der Leitung von Valery gergiev sowie der
Bach Violinkonzerte in a-Moll und e-Dur mit den
Trondheimer Solisten unter der Leitung der geigerin.
zum Mendelssohn-gedenkjahr 2009 würdigte
Anne-Sophie Mutter den komponisten mit
einer sehr persönlichen hommage, bei der sich
Solo-konzertrepertoire und kammermusik auf cD
und DVD vereinen: Die Violinsonate in f-Dur von
1838, das ein Jahr später vollendete klaviertrio in
d-Moll und das Violinkonzert e-Moll von 1845. Im
März 2010 erschien Anne-Sophie Mutters einspielung
der Violinsonaten von Johannes Brahms mit
Lambert orkis.
zum 35-jährigen Bühnenjubiläum der geigerin
im Jahr 2011 legte die Deutsche grammophon
eine umfassende Box mit sämtlichen Dg-einspielungen
der künstlerin, umfangreichen Dokumentationen
und bisher unveröffentlichten raritäten
auf. zur gleichen zeit erschien ein Album mit den
Weltersteinspielungen von Werken, die Wolfgang
rihm (Lichtes Spiel und Dyade), Sebastian currier
ANNe-SoPhIe MuTTer
27
(Time Machines) und krzysztof Penderecki (Duo concertante)
der geigerin Anne-Sophie Mutter gewidmet
haben – ein weiteres zeugnis ihres großen engagements
für zeitgenössische Musik.
2008 errichtete die künstlerin die »Anne-
Sophie Mutter Stiftung«: ziel der Stiftungsarbeit
ist eine weitere Stärkung der weltweiten förderung
musikalischen Spitzennachwuchses, die sich
die geigerin seit 1997 mit der gründung des
»freundeskreis der Anne-Sophie Mutter Stiftung
e. V.« zur Aufgabe gemacht hat. Wichtig ist für
Anne-Sophie Mutter auch die Arbeit an medizinischen
und so zialen Problemen unserer zeit. Sie
unterstützt diese Anliegen durch regelmäßige
Benefizkonzerte. So spielt sie im Jahr 2012 bei-
spielsweise für die »Stiftung Lichtblick hasen-
bergl«, zugunsten der Sanierung der Staatsoper
unter den Linden sowie für die »Anne-Sophie
Mutter Stiftung«.
2011 erhielt Anne-Sophie Mutter den Brahms-
Preis sowie für ihr soziales engagement den
erich-fromm-Preis und den gustav-Adolf-Preis.
2010 verlieh ihr die Technisch-Naturwissenschaft-
liche universität Norwegens in Trondheim die
ehrendoktorwürde; 2009 wurde sie mit dem euro-
päischen St. ullrichs Preis sowie dem cristobal
gabarron Award ausgezeichnet. 2008 erhielt Anne-
Sophie Mutter den Internationalen ernst von Sie-
mens Musikpreis sowie den Leipziger Mendelssohn
Preis. Die geigerin ist Trägerin des großen Bun-
desverdienstkreuzes, des französischen ordens
der ehrenlegion, des Bayerischen Verdienstordens,
des großen Österreichischen ehrenzeichens sowie
zahlreicher weiterer Auszeichnungen.

Die Staatskapelle Berlin gehört mit ihrer seit dem
16. Jahrhundert beste henden Tradition zu den äl-
testen orchestern der Welt. Von kurfürst Joa-
chim II. von Brandenburg als hofkapelle gegrün-
det, wird sie in einer kapell ordnung von 1570
erstmals urkundlich erwähnt. zunächst als kur-
brandenburgische hofkapelle ausschließlich dem
musikalischen Dienst bei hof verpflichtet, erhielt
das ensemble mit der gründung der königlichen
hofoper 1742 durch friedrich den großen einen
erweiterten Wirkungskreis. Seit dieser zeit ist sie
dem opernhaus unter den Linden fest verbunden.
STAATSkAPeLLe BerLIN
29
Bedeutende Musikerpersönlichkeiten leiteten
den opernbetrieb sowie die seit 1842 regulär statt-
findenden konzertreihen des orchesters: Mit gas-
pare Spontini, felix Mendelssohn Bartholdy, gia-
como Meyerbeer, felix von Weingartner, richard
Strauss, erich kleiber, Wilhelm furtwängler, her-
bert von karajan, franz konwitschny und otmar
Suitner sind nur einige Dirigenten genannt, wel-
che die instrumentale und interpretatorische kul-
tur der Staats kapelle Berlin entscheidend prägten.
Die Werke richard Wagners, der die »königlich
Preußische hofkapelle« 1844 bei der erstauffüh-

ung seines Fliegenden Holländers und 1876 bei der
Vorbereitung der Berliner Premiere von Tristan und
Isolde selbst leitete, bilden seit dieser zeit eine der
Säulen des repertoires der Lindenoper und ihrem
orchester.
Seit 1992 steht Daniel Barenboim als general-
musikdirektor an der Spitze des klangkörpers. Im
Jahre 2000 wurde er vom orchester zum Dirigen-
ten auf Lebenszeit gewählt. In jährlich acht Abon-
nementkonzerten in der Philharmonie und im
konzerthaus sowie mit einer reihe von weiteren
Sinfoniekonzerten nimmt die Staatskapelle einen
zentralen Platz im Berliner Musikleben ein.
Bei zahlreichen gastspielen, welche die Staats-
kapelle in die großen europäischen Musikzentren,
nach Israel, Japan und china sowie nach Nord- und
Süd amerika führten, hat sich die internationale
Spitzenstellung des ensembles wiederholt bewie-
sen. Die Darbietung sämtlicher Sinfonien und kla-
vierkonzerte von Beethoven u. a. in Wien, Paris,
London, New York und Tokio sowie die zyklen der
Sinfonien von Schumann und Brahms, der zehn-
teilige zyklus mit allen großen Bühnenwerken ri-
chard Wagners anlässlich der Staatsopern-feST-
TAge 2002 und die dreimalige Aufführung von
Wagners Ring des Nibelungen in Japan 2002 gehör-
ten hierbei zu den herausragenden ereignissen.
Im rahmen der feSTTAge 2007 erklangen in der
Berliner Philharmonie Sinfonien und orchester-
lieder gustav Mahlers unter der Stabführung von
Daniel Barenboim und Pierre Boulez. Dieser zehn-
teilige zyklus gelangte in der Spielzeit 2008/09
auch im Musikverein Wien sowie in der New Yor-
ker carnegie hall zur Aufführung. Im Jahr 2010
konzertierten die Staatskapelle Berlin und Daniel
Barenboim vor ausverkauften häusern in London,
Birmingham, Paris, essen, Düsseldorf, Madrid
und granada. zu Beginn des Jahres 2011 gastierte
die Staatskapelle in Abu Dhabi und gab als
erstes ausländisches orchester ein konzert im neu
eröffneten opera house in Doha (Dirigent und So-
STAATSkAPeLLe BerLIN MITgLIeDer Der STAATSkAPeLLe BerLIN
list: Daniel Barenboim), gefolgt von konzerten in
Wien und Paris. eine Vielzahl weiterer konzerte
führten die Staatskapelle und Daniel Barenboim
2011/12 nach essen, Baden-Baden, London, Bukarest,
Luzern, München, hamburg, köln, Paris, Madrid,
Barcelona und genf. Den Abschluss bildete
ein neunteiliger Bruckner-zyklus im Wiener Musikverein
im Juni 2012.
Die Staatskapelle Berlin wurde 2000, 2004,
2005, 2006 und 2008 von der zeitschrift Opernwelt
zum »orchester des Jahres« gewählt, 2003 erhielt
sie den furtwängler-Preis. eine ständig wachsende
zahl von Schallplatten- und cD-Aufnahmen, sowohl
im opern- als auch im sinfonischen repertoire,
dokumentiert die Arbeit des orchesters.
Dabei wurde die einspielung sämtlicher Beethoven-Sinfonien
2002 mit dem grand Prix du Disque
ausgezeichnet, während die Produktion von Wagners
Tannhäuser 2003 mit einem grammy und
die Live-Aufnahme von Mahlers 9. Sinfonie 2007
mit einem echo-Preis bedacht wurden. zuzdem
erschienen eine DVD-Produktion der fünf klavierkonzerte
Ludwig van Beethovens mit Daniel
Barenboim als Solist und Dirigent sowie einspielungen
von Bruckner, chopin und Liszt.
In der 1997 gegründeten orchesterakademie
erhalten junge Instrumentalisten gelegenheit,
Berufs erfahrungen in oper und konzert zu sam-
meln; Mitglieder der Staatskapelle sind hierbei als
Mentoren aktiv. Darüber hinaus engagieren sich
viele Musiker ehrenamtlich im 2005 auf Initiative
Daniel Barenboims gegründeten Musikkindergar-
ten Berlin. Neben ihrer Mitwirkung bei opernauf-
führungen und in den großen Sinfoniekonzerten
widmen sich zahlreiche Instrumentalisten auch
der Arbeit in kammer musikformationen sowie im
ensemble »Preußens hofmusik«, das sich in seinen
Projekten vor allem der Berliner Musiktradition
des 18. Jahrhunderts zuwendet. In mehreren kon-
zertreihen ist diese facettenreiche musikalische
Tätigkeit an verschiedenen Spielstätten zu erleben.
i. Violine Wolf-Dieter Batzdorf | Lothar Strauß
Wolfram Brandl | Thorsten Rosenbusch
Axel Wilczok | Juliane Winkler | Christian Trompler
Lothar Weltzien | Susanne Schergaut
Ulrike Eschenburg | Susanne Dabels | Michael Engel
Henny-Maria Rathmann | Titus Gottwald
André Witzmann | Eva Römisch | David Delgado
Andreas Jentzsch | Petra Schwieger | Tobias Sturm
Serge Verheylewegen | Rüdiger Thal
ii. Violine Knut Zimmermann | Mathis Fischer
Johannes Naumann | Sascha Riedel | Detlef Krüger
André Freudenberger | Beate Schubert
Franziska Uibel | Sarah Michler | Milan Ritsch
Barbara Weigle | Laura Volkwein | Ulrike Bassenge
bratsche Felix Schwartz | Yulia Deyneka
Volker Sprenger | Holger Espig | Boris Bardenhagen
Matthias Wilke | Katrin Schneider | Clemens Richter
Friedemann Mittenentzwei | Wolfgang Hinzpeter
Helene Wilke | Stanislava Stoykova
Violoncello Andreas Greger | Sennu Laine
Claudius Popp | Michael Nellessen
Nikolaus Hanjohr-Popa | Isa von Wedemeyer
Claire So Jung Henkel | Egbert Schimmelpfennig
Ute Fiebig | Tonio Henkel | Dorothee Gurski
Johanna Helm
kontrabass Mathias Winkler | Joachim Klier
Axel Scherka | Robert Seltrecht | Alf Moser
Harald Winkler | Martin Ulrich | Kaspar Loyal
harFe Alexandra Clemenz | Stephen Fitzpatrick
Flöte Thomas Beyer | Claudia Stein | Claudia Reuter
Christiane Hupka | Christiane Weise
Simone van der Velde
oboe Volkmar Besser | Gregor Witt | Fabian Schäfer
Gerd-Albrecht Kleinfeld | Tatjana Winkler
Cristina Gómez
klarinette Matthias Glander | Tibor Reman
Tillmann Straube | Unolf Wäntig | Hartmut Schuldt
Sylvia Schmückle-Wagner
30 31
Fagott Holger Straube | Mathias Baier | Ingo Reuter
Sabine Müller | Frank Heintze | Robert Dräger
horn Ignacio García | Hans-Jürgen Krumstroh
Markus Bruggaier | Thomas Jordans | Sebastian Posch
Axel Grüner | Christian Wagner | Frank Mende
Frank Demmler
tromPete Christian Batzdorf | Peter Schubert
Rainer Auerbach | Dietrich Schmuhl | Felix Wilde
Posaune Curt Lommatzsch | Joachim Elser
Peter Schmidt | Ralf Zank | Martin Reinhardt
Csaba Wagner
tuba Gerald Kulinna | Thomas Keller
Pauken Torsten Schönfeld | Ernst-Wilhelm Hilgers
schlagzeug Andreas Haase | Matthias Petsch
Matthias Marckardt | Dominic Oelze
orchesterakademie bei der staatskaPelle berlin
i. Violine Katharina Overbeck | Elsa Claveria
Agata Policinska | Alexandra Maria Schuck
Kinneret Sieradzki
ii. Violine Ansgard Srugies | Krzysztof Specjal
Nora Hapca
bratsche Josephine Range | Pavel Verba
Evgenia Vynogradska
Violoncello Stella-Lucia Dahlhoff | Beatriz Linares
Aleisha Verner
kontrabass Michael Naebert | Ulrich Zeller
Flöte Stephanie Wilbert
oboe Katharina Wichate
klarinette Franziska Hofmann
Fagott Florencia Fogliati
horn Irene López | Jorge Monte de Fez
tromPete Johannes Bartmann
Posaune Dominik Hauer
schlagzeug Sebastian Hahn
harFe Rosa Diaz Cótan

imPressum
herausgeber
Staatsoper unter den Linden
Bismarckstraße 110 | 10625 Berlin
intendant
Jürgen flimm
generalmusikdirektor
Daniel Barenboim
geschäFtsFührender direktor
ronny unganz
redaktion
Dr. Detlef giese | Mitarbeit: Sarah Grahneis,
Simone Priori
Der Text zu Brahms’ Violinkonzert ist ein Originalbeitrag
für dieses Programmheft, der Text zur
4. Sinfonie ist dem Programmheft zum 6. Abonnementkonzert
der Staatskapelle Berlin der Spielzeit 2011/12
entnommen. Die Darstellung der Baugeschichte der
Staatsoper Unter den Linden basiert auf einer Ausstellung
von Dr. Frank Schmitz im Apollo-Saal anlässlich
des 50. Jahrestages der Wiedereröffnung 2005.
layout
Dieter Thomas
herstellung
Druckerei
Die Blumensträuße spendet
DER BLUMENKORB.
An dieser Stelle bedanken wir uns herzlich dafür.
IMPreSSuM
abbildungen
Christine Jacobsen: Johannes Brahms, Wiesbaden 1977;
Karla Höcker: Johannes Brahms. Begegnung mit dem
Menschen, München 1986.
Fotos
Max Lautenschläger (Blick in den zuschauerraum
der Staatsoper und in den Apollo-Saal), harald
hoffmann / Dg (Anne-Sophie Mutter), Monika
rittershaus (Daniel Barenboim), Thomas Bartilla
(Staatskapelle Berlin).
Gedruckt auf Luxo Art Samtoffset, FSC-zertifiziertes Papier
(FSC = Forest Stewardship Council), welches die Richtlinien
des FSC nach weltweit gültigen Chain-of-Custody-Standard
(CoC/Produktkette) für eine verantwortungsvolle und
nachhaltige Waldbewirtschaftung nach ökologischen,
sozialen und ökonomischen Standards erfüllt.
DER BLUMENKORB
Villeroy und Boch – Blumen und Tischkultur
Charlottenstraße 35/36 – 10117 Berlin-Mitte
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