Folks & Tales - Raumklang

Folks & Tales

Produced by apollon classics
Executive Producer: Holger Krause
Recording Producer & Digital Editing: GENUIN recording group, Michael Silberhorn, Leipzig, Germany
Sound Engineer & Additional Editing: GENUIN recording group, Christopher Tarnow und Sebastian Braun
Mixed by Anders Edenroth at The Real Group Studio Stockholm, Sweden
Mastered by Anders Edenroth and Christoffer Stannow at Cosmos Mastering Stockholm, Sweden
Executive Consultant: Matthias E. Becker
amarcord Management: ROSENTHAL Musikmanagement, Leipzig, Germany
Photography: amarcord, privat
Art Direction & Design: Ralph Schüller, Leipzig, Germany
Editorial Office: Holger Krause, Daniel Knauft, Wolfram Lattke
Translations: Matthew Harris, Fritz Krämer, Annette Becker, Ljuba Glöckner
Recorded at FWL Studios Leipzig, Germany, May 2011
and at Musikhebewerk Tonstudio Halle/Saale, Germany, May 2012
© 2013 by apollon classics
amarcord
Folksongs
from around the
world
Wolfram Lattke, Tenor
Martin Lattke, Tenor
Frank Ozimek, Bariton
Daniel Knauft, Bass
Holger Krause, Bass

1. Es klappert die Mühle am rauschenden Bach 02:08
Deutschland, Musik: Carl Reinecke (1824-1910)
Arr.: Bernd Englbrecht (*1968)
2. Nine Hundred Miles Away from Home 03:34
USA, Arr.: Jetse Bremer (*1959)
3. No potho reposare 03:13
Sardinien/Italien, Musik: Giuseppe Rachel (1858-1937), 1921
Arr.: Andrea Figallo (*1972)
4. Smedsvisa 02:26
Uppland/Schweden, Arr.: Joel Nilson (*1982)
5. The Last Rose of Summer 03:45
Irland, Musik: Sir John Stevenson (1761-1833), 1807
Arr.: Alexander L’Estrange (*1974)
6. Waltzing Matilda 02:36
Australien, Musik: Christina Macpherson (1864-1936)/James Barr (1779-1860)
Arr.: Naomi Crellin (*1979)
7. Arirang 02:55
Korea, Arr.: Juan Miguel Verdugo Garcia (*1977)
8. Pen-pen de Sarapen 01:15
Philippinen, Arr.: Sidney Marquez Boquiren (*1970)
9. Da N’ase 04:24
Ghana, Arr.: Alexander L’Estrange
10. Cockles and Mussels 02:40
Irland, Musik: James Yorkston of Edinburgh, 1883
Arr.: Dale Grotenhuis (1931-2012)
11. Habanera Tú 03:07
Kuba, Musik: Eduardo Sánchez de Fuentes (1874-1944), 1892
Arr.: amarcord
12. Sakura, sakura 03:03
Japan, Arr.: Nahoko Kakiage (*1966)
13. Lom Nao 02:44
Thailand, Musik: Seine Hoheit König Bhumibol Adulyadej (*1927)
Arr.: Sidney Marquez Boquiren
14. Wa Kusnitze 04:21
Russland, Arr.: Michail Serkow (*1973)
15. Červená Růžičko 02:55
Böhmen/Tschechien, Arr.: Matthias E. Becker (*1956)
16. Hava Nagila (feat. The Vocal Octet) 03:36
Israel, Arr.: Erez Tal (*1980)
17. Pūt, Vējiņi 04:31
Lettland, Arr.: Laura Jēkabsone (*1985)
Gesamtspielzeit: 53:25
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Es klappert die Mühle am rauschenden Bach (Deutschland)
Es klappert die Mühle am rauschenden Bach, klipp-klapp.
Bei Tag und bei Nacht ist der Müller stets wach, klipp-klapp.
Er mahlet das Korn zu dem kräftigen Brot,
Und haben wir solches, so hat’s keine Not.
Klipp-klapp - klipp-klapp - klipp-klapp.
Flink laufen die Räder und drehen den Stein, klipp-klapp.
Und mahlen den Weizen zu Mehl uns so fein, klipp-klapp.
Der Bäcker dann Brote und Kuchen draus bäckt,
Der stets allen Kindern besonders gut schmeckt.
Klipp-klapp - klipp-klapp - klipp-klapp.
Wenn reichliche Körner das Ackerfeld trägt,
Die Mühle dann flink ihre Räder bewegt,
Und schenkt uns der Himmel nur immer das Brot,
So sind wir geborgen und leiden nicht Not.
Klipp-klapp - klipp-klapp - klipp-klapp.
Ernst Gebhard Salomon Anschütz (1780-1861)
The mill-wheel it clatters beside the fast brook, click-clack.
By day and by night ne'er the miller does pause, click-clack.
He grinds for us meal for our nourishing bread,
And once we have that, we lack nothing instead.
Click-clack - click-clack - click-clack.
Swift fly the wheels and drive the stone, click-clack.
And grind the wheat into flour so fine, click-clack.
The baker makes bread and cakes from it too,
Which children delight in and love through and through.
Click-clack - click-clack - click-clack.
When full hangs the grain golden ripe in the field.
And swift fly the wheels around and around
And Heaven unendingly pours down its bread,
So that we are cared for and suffer no want.
Click-clack - click-clack - click-clack.
Volksliedersingen gerät ja oft in den Ruch des Biederen, Spiessigen,
nicht Zeitgemäßen. In meinen Bearbeitungen versuche
ich stets, Tradiertes „gegen den Strich zu bürsten“ und damit
gewissermaßen „aufzufrischen“, z.B. durch überraschende har-
monische Wendungen, Charakterüberzeichnungen oder auch
Ungewöhnliches in Tempo oder Rhythmus. Letzteres war die
Ausgangsidee bei Es klappert die Mühle am rauschenden
Bach: die hemiolische Übertragung eines ursprünglich im
Dreiertakt stehenden Liedes in einen übergeordneten Vierertakt.
Das Ziel war, dem Lied damit einen besonderen, neuen
rhythmischen „Drive“ zu verleihen.
Bernd Englbrecht
Singing folksongs is often considered a little stuffy, staid and
outdated. In my arrangements I constantly try to “rub the traditional
against the grain”, and by doing so “freshen it up”,
for example by using unexpected harmonic inflections, exaggerating
certain traits or choosing unusual tempos or rhythms.
The latter was the original idea in the case of Es klappert
die Mühle am rauschenden Bach by taking a song originally
in triple time and transferring it through hemiolas to an overarching
four-four time. The intention was to give the song a
new and unique rhythmic drive.
Nine Hundred Miles Away from Home (USA)
I’m walkin’ down the track,
I got tears in my eyes,
Tryin’ to read a letter from my home.
If that train runs right
I’ll be home tomorrow night.
Cause I’m nine hundred miles from my home.
An’ I hate to hear that lonesome whistle blow.
I will pawn you my watch
And I'll pawn you my chain;
I’ll pawn you my gold diamond ring.
If that train runs right
I’ll be home tomorrow night.
Cause I’m nine hundred miles from my home.
An’ I hate to hear that lonesome whistle blow.
The rain I ride on
Is a hundred coaches long.
You can hear the whistle blow a hundred miles.
If that train runs right
I’ll be home tomorrow night.
Cause I’m nine hundred miles from my home.
An’ I hate to hear that lonesome whistle blow.
Ich gehe meinen Weg,
mit Tränen in den Augen,
versuche, einen Brief zu lesen von daheim.
Wenn dieser Zug zu meinem Ziel mich bringt,
werd’ ich zuhaus’ sein morgen Nacht.
Neunhundert Meilen bin ich von daheim.
Und hör’ nur das verhasste Pfeifen in der Einsamkeit.
Ich verpfänd’ Dir meine Uhr,
ich verpfänd’ Dir meine Kette,
meinen gold’nen Diamantring auch.
Wenn dieser Zug zu meinem Ziel mich bringt,
werd’ ich zuhaus’ sein morgen Nacht.
Neunhundert Meilen bin ich von daheim.
Und hör’ nur das verhasste Pfeifen in der Einsamkeit.
Dieser Zug, auf dem ich fahre,
hundert Wagen ist er lang,
und sein Pfeifen kann man hören hundert Meilen weit.
Wenn dieser Zug zu meinem Ziel mich bringt,
werd’ ich zuhaus’ sein morgen Nacht.
Neunhundert Meilen bin ich von daheim.
Und hör’ nur das verhasste Pfeifen in der Einsamkeit.
Nine Hundred Miles Away from Home, ein typischer Eisenbahnsong,
wurde durch den US-amerikanischen Singer-Songwriter
Woody Guthrie sehr bekannt. Er war beeindruckt, ihn
von Weißen, Schwarzen und Indianern gleichermaßen gesungen
zu hören - wahrlich eine Hymne für alle Amerikaner, die
in diesem großen Land eine tiefe Sehnsucht nach daheim eint.
Schon die Intro unseres Arrangements des Holländers Jetse
Bremer erzeugt durch die liegenden Akkorde einen Klangteppich,
der die Weite und Ferne stimmungsvoll wiedergibt, bevor
die Unterstimmen später den Zug in Bewegung setzen und seinen
typischen Rhythmus auf den Gleisen illustrieren. Am Ende
beruhigt sich die Fahrt wieder. Der Zug verschwindet in der
Ferne und hinterlässt den reflektierenden Betrachter in tiefer
Einsamkeit. Auch für uns Vielreisende und regelmäßige US-
Besucher hat das Lied das Jahr über eine große Relevanz, denn
trotz der vielen Begegnungen und Eindrücke überkommt uns
unterwegs doch manchmal starkes Heimweh.
Holger Krause
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Nine Hundred Miles Away from Home, a typical railroad
song, was made popular by the American singer and songwrit-
er Woody Guthrie. He was impressed to hear whites, blacks
as well as Native American Indians singing it – truly a hymn
for all Americans across this vast country who are united by a
shared longing for home.
The intro of our arrangement by the Dutchman Jetse Bremer
already creates an atmospheric tapestry of sound with sustained
chords evoking the expanse and distance before the
lower voices set the train into motion, illustrating its typical
rhythm on the tracks. At the end, the journey finally winds
down again. The train fades away in the distance, leaving the
reflective listener in profound loneliness.
As frequent travelers and regular visitors to the US ourselves,
this song means quite a lot to us throughout the year, for despite
the many encounters and impressions a deep sense of homesickness
still sometimes overcomes us while on tour.
No potho reposare (Sardinien)
No potho reposare amore e coro,
Pensende a tie soe donzi momentu.
No istes in tristura prenda e oro,
Né in dispiacere o pessamentu.
T’assicuro ch’a tie solu bramo,
Ca t’amo forte, t’amo, t’amo, t’amo.
Amore meu prenda de istimare,
S’affettu meu a tie solu est dau;
S’are iuttu sas alas a bolare,
Milli bortas a s’ora ippo bolau;
Pro benner nessi pro ti saludare,
S’attera cosa non a t’abbissare.
Si m’esseret possibile d’anghelu
D’ispiritu invisibile piccabo.
Sas formas, che furabo dae chelu
Su sole e sos isteddos e formabo
Unu mundu bellissimu pro tene,
Pro poder dispensare cada bene.
No potho reposare ...
Salvatore Sini (1873–1954)
Die Liebe meines Herzens kann nicht ruhen,
an Dich zu denken in jedem Augenblick.
Sei nicht traurig, mein goldenes Juwel,
sei nicht bekümmert oder besorgt.
Ich versichere Dir, ich begehre nur Dich,
ich liebe Dich so sehr, ich liebe Dich, ich liebe Dich.
Meine Liebe, anbetungswürdiger Juwel,
meine Liebe gebe ich nur Dir;
Wenn ich Flügel zu fliegen hätte,
würde ich tausendmal in der Stunde zu Dir fliegen,
um Dich zumindest zu grüßen
oder Dich einfach nur zu sehen.
Wenn ich könnte, nähme ich die Gestalt
eines unsichtbaren Engels an.
Vom Himmel würde ich die Sonne
und die Sterne stehlen,
und würde für Dich eine wundervolle Welt erschaffen,
um Dir all die schönen Dinge zu schenken.
Die Liebe meines Herzens kann nicht ruhen ...
The love of my heart can’t rest,
thinking of you every moment.
Don’t be sad, my gold jewel,
don’t be sorry or worried.
I assure you, that I desire only you,
I love you strongly, I love you, I love you.
My love, jewel to adore,
my love I give only to you;
If I had wings to fly,
I would fly a thousand times each hour
to at least come and greet you
or just to come to see you.
If only I could, I would take the spirit
of an invisible angel.
The shapes I would steal from the sky,
the sun and the stars,
and I would create a wonderful world for you,
in order to give you all the good things.
The love of my heart can’t rest ...
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Das erste Mal habe ich das Liebeslied No potho reposare
2001 auf Sardinien gehört, wo es a cappella von einem
großartigen Frauentrio aufgeführt wurde. Ich erinnere
mich noch an die Festivalbühne und an die Atmosphäre
an diesem Abend. Die Melodie hat sich mir unmittelbar
ins Gedächtnis geprägt, wie ein unsterblicher, ewiger Ohr-
wurm. Später fand ich heraus, dass die Komposition nur
wenige Jahrzehnte alt und damit vergleichsweise neu
war, aber schon nach kurzer Zeit das Ansehen eines tra-
ditionellen sardinischen Volkliedes genoss. Wiederholt
habe ich mir vorgestellt, es für ein männliches A-cappella-
Ensemble zu Papier zu bringen, und ich fühle mich sehr
geehrt, dass ich dies schließlich für amarcord tun durfte.
Andrea Figallo
I first heard the love song No potho reposare in
Sardinia in 2001, performed a cappella by a beautiful
female trio. I can still remember the festival stage and
the atmosphere that night. The melody immediately
stuck in my memory like an eternal, immortal earworm.
I later found out that the composition was just a few
decades old, making the song a relatively recent one,
though it quickly earned a reputation on par with a tradi-
tional Sardinian folksong. More than once I imagi-
ned putting it on paper to be performed by a male a cap-
pella group, and I feel very honoured to have eventu-
ally had the opportunity to do it for amarcord.
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En gång i min ungdom älskade jag
En flicka med ljuva och rena behag.
Hon lova mig tro i lust och i nöd
Allt in till den blekaste död.
Hej hopp ...
Hon lova mig tro i lust å i nöd
Allt in till den blekaste död.
Hon var som en lilja vit uti hyn,
Den fagraste flicka som skådats i byn.
Ett sprittande skratt en lustiger sång,
Vi älskade sommaren lång.
Hej hopp ...
Ett smittande skratt en lustiger sång,
Vi älskade sommaren lång
Men kärleken vissna, kärleken dog.
Vid mikaelsmäss hade flickan fått nog.
Hon fann sig en riker högfärdig man.
Sa „Tack å adjö“ och försvann.
Hej hopp ...
Hon fann sig en riker högfärdig man,
Sa „Tack å adjö“ och försvann.
Nu står jag vid städet sliten och grå,
Å hammaren bultar och hjärtat också.
Men aldrig den flickan kommer igen,
Hon är hos sin nyvunne vän.
Hej hopp ...
Nej aldrig den flickan kommer igen,
Men låten den trallar jag en.
Smedsvisa (Schweden)
Einst in meiner Jugend liebte ich
ein Mädchen mit süßem, reinem Vergnügen.
Sie versprach mir treu zu sein
bis gar zum Tod.
Hej hopp …
Sie versprach mir treu zu sein
bis gar zum Tod.
Ihre Haut war weiß wie Lilien,
das schönste Mädchen im ganzen Dorf.
Ein perlendes Lachen, ein fröhliches Lied,
wir liebten einander den ganzen Sommer lang.
Hej hopp …
Ein perlendes Lachen, ein fröhliches Lied,
wir liebten einander den ganzen Sommer lang.
Doch die Liebe verging und die Liebe erstarb.
Zu Mikaelsmäss* hatte das Mädchen genug.
Sie fand für sich einen reichen und stolzen Mann,
sagte „Danke und auf Wiedersehen“ und verschwand.
Hej hopp …
Sie fand für sich einen reichen und stolzen Mann,
sagte „Danke und auf Wiedersehen“ und verschwand.
Nun stehe ich an meinem Amboss, abgenutzt und grau.
Der Hammer schlägt und mein Herz ebenso.
Doch niemals wird das Mädchen zurückkehren,
sie ist davon mit ihrem neuen Freund.
Hej hopp …
Nein, niemals wird das Mädchen wiederkehren,
doch noch immer sing' ich dieses Lied.
* Mikaelsmäss ist das Fest des Erzengels Sankt Michael
am 29. September. Auf der Nordhalbkugel wird es mit dem
Herbstanfang und den kürzer werdenden Tagen verbunden.
Once in my youth I loved a girl,
with sweet and pure looks.
She promised me faith for better and worse,
until the palest death.
Hej hopp ...
She promised me faith for better and worse,
until the palest death.
She was like a lily, with the whitest complexion,
the fairest girl ever seen in the village.
A catchy laughter, an amusing song,
we were in love all summer long.
Hej hopp ...
A catchy laughter, an amusing song,
we were in love all summer long.
But love faded, love died.
By Mikaelsmäss* the girl had had enough.
She found herself a rich, arrogant man,
said “Thanks and good bye” and was gone.
Hej hopp ...
She found herself a rich, arrogant man,
said “Thanks and good bye” and was gone.
Now, I stand by the anvil, ragged and grey.
The hammer beats and so does my heart.
But never will that girl return,
she is with her new-found friend.
Hej hopp ...
No, never will that girl return,
but I still sing that song.
* Mikaelsmäss is the Feast of the Archangel Saint Michael observed
on 29 September. In the northern hemisphere it traditionally marks
the beginning of autumn and the shorter days of approaching winter.
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Smedsvisa, das Lied vom Hufschmied, ist in schwedischen
Chören sowie in schulischen Verbänden sehr verbreitet. Für
schwedische Volksmusik ist es ungewöhnlich heiter. Es erzählt
die Geschichte – das Aufblühen und Untergehen – einer Liebes-
beziehung in ferner Vergangenheit; und in meinem Arran-
gement habe ich versucht, diese Entwicklung deutlich zu
machen. Mit diesem Hinweis und mit dem herrlichen Ausdruck
von amarcord werden Sie, dessen bin ich mir sicher, der
Geschichte gut folgen können!
Joel Nilson
Smedsvisa, The Blacksmith’s Song, is a popular song in Swedish
choirs and Academic associations especially and is, unlike
most Swedish folk music, actually quite cheerful. It tells the
story - the Rise and Fall - of a love affair, a long time ago,
and in the arrangement I have tried to interpret the develop-
ment quite clearly. With this information together with
amarcord’s wonderful expression, I am sure that you will be
able to follow the story!
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The Last Rose of Summer (Irland)
’Tis the last rose of summer,
Left blooming alone,
All her lovely companions
Are faded and gone.
No flower of her kindred,
No rosebud is nigh,
To reflect back her blushes,
Or give sigh for sigh.
I’ll not leave thee, thou lone one,
To pine on the stem;
Since the lovely are sleeping,
Go sleep thou with them;
Thus kindly I scatter
Thy leaves o’er the bed,
Where thy mates of the garden
Lie scentless and dead.
So soon may I follow,
When friendships decay,
And from love’s shining circle
The gems drop away!
When true hearts lie withered
And fond ones are flown,
Oh! who would inhabit
This bleak world alone?
Thomas Moore (1779-1852), 1805
Die letzte der Rosen,
steht blühend allein,
All ihre Gefährten,
sie schliefen schon ein.
Nicht Blume noch Knospe,
ihr freundlich verwandt,
hat Seufzer noch Blicke
zurück ihr gesandt.
Ich will Dich nicht lassen
verwelken am Strauch,
Weil alle schon schlafen,
geh, schlafe Du auch.
Doch sanft streu ich nieder
die Blätter so rot,
Wo ruhen Deine Lieben
gefühllos und tot.
So schnell möchte ich folgen,
wenn Freundschaft verblüht,
Im Lichtkranz der Liebe
der Schimmer verglüht.
Wenn die Zeit die treuen Herzen
der Freunde zerschellt,
Ach! Wer möcht’ dann weilen
allein in der Welt?
the Last rose of Summer
The Last Rose of Summer ist ein wunderschönes irisches
Lied aus dem 19. Jahrhundert, das selbst von Ludwig van
Beethoven und Felix Mendelssohn Bartholdy zitiert und von
James Joyce in seinem Epos „Ulysses“ erwähnt wurde. Ich
habe immer schon die weiten Sprünge der Melodie und die
schmerzliche Einsamkeit des Textes (der mit den Worten
„Ach! Wer möcht’ dann weilen allein in der Welt?“ endet)
gemocht und deshalb in meinem 2005 von amarcord in Auftrag
gegebenen Arrangement versucht, diese Eigenschaften zu
betonen und mir zunutze zu machen.
Alex L’Estrange
The Last Rose of Summer is a beautiful Irish melody and poem
from the 19th century that has been quoted by no less than
Ludwig van Beethoven and Felix Mendelssohn, and mentioned
in James Joyce’s epic “Ulysses”. I’ve always loved the tune’s
sweeping intervals and the sad, solitary mood of the lyrics
(ending, “Oh! who would inhabit this bleak world alone?”)
and I have tried to emphasise and play on these features in the
musical arrangement, which was commissioned by amarcord
in 2005.
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Waltzing Matilda (Australien)
Once a jolly swagman camped by a billabong
Under the shade of a coolibah tree.
And he sang as he watched and waited till his billy boiled:
“Who’ll come a-Waltzing Matilda with me?”
Down came a jumbuck to drink at that billabong;
Up jumped the swagman and grabbed him with glee.
And he sang as he stowed that jumbuck in his tucker-bag:
“You’ll come a-Waltzing Matilda with me!”
Down came a squatter mounted on his thoroughbred;
Up came the troopers One Two Three:
“Who’s that jolly jumbuck you’ve got in your tucker-bag?
You’ll come a-Waltzing Matilda with me!”
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Up jumped the swagman and sprang into the billabong:
“You’ll never catch me alive”, said he.
And his ghost may be heard as you pass by that billabong:
“You’ll come a-Waltzing Matilda with me!”
Waltzing Matilda, Waltzing Matilda,
You’ll come a-Waltzing Matilda with me.
And his ghost may be heard as you pass by that billabong:
“You’ll come a-Waltzing Matilda with me!”
Banjo Paterson (1864-1941), 1895
Glossary
The lyrics contain many distinctively Australian English
words, some now rarely used outside this song.
These include:
Waltzing Matilda: to travel with a swag
Matilda: the swagman’s bundle
Swagman: a man who travelled the country looking for work
Billabong: an oxbow lake found alongside a meandering river
Coolibah tree: a kind of eucalyptus tree
Billy: a can for boiling water in
Jumbuck: a sheep
Tucker bag: a bag for carrying food
Squatter: a farmer
Troopers: policemen
Einst lagerte ein fröhlicher Buschläufer an einem Billabong
im Schatten eines Coolibah-Baums.
Er sang, während er darauf wartete, dass sein Teekessel
kochte: „Wer geht mit mir auf die Walz?“
Da kam ein Schaf zum Billabong herunter,
um zu trinken. Der Buschläufer sprang auf und schnappte
es sich erfreut. Und als er das Schaf in seinen Vorratsbeutel
stopfte, sang er: „Du gehst mit mir auf die Walz!“
Da ritt der Farmer auf seinem Vollblut herbei;
Dann ritten auch ein, zwei, drei Polizisten vorbei:
„Wer ist das hübsche Schaf, das du in deinem
Vorratsbeutel hast? Du gehst mit mir auf die Walz!“
Da sprang der Buschläufer auf und stürzte sich in den
Billabong. „Ihr bekommt mich nicht lebend!“ rief er.
Und wenn man bei diesem Billabong vorbei kommt, kann
man seinen Geist hören: „Du gehst mit mir auf die Walz!“
Glossar
Der Text beinhaltet viele spezielle Worte des australischen
Englisch, einige werden, außer in diesem Lied, selten benutzt.
Das sind vor allem:
Waltzing Matilda: auf der Walz, auf Wanderschaft sein
Matilda: der Name für das Bündel des Wanderarbeiters
Swagman: ein Wanderarbeiter
Billabong: ein Wasserloch, toter Flussarm
Coolibah tree: ein Eukalyptusbaum
Billy: ein Wasserkocher, Teekessel
Jumbuck: ein Schaf
Tucker bag: ein Proviantbeutel
Squatter: ein Viehzüchter
Troopers: Polizisten
Waltzing Matilda ist von den vielen traditionellen Volksliedern,
die wir als Schulkinder in Australien gelernt haben,
eines der am häufigsten gesungenen. Es ist dort so verbreitet,
dass viele Australier gar dafür gestimmt haben, es zu unserer
Nationalhymne zu machen. Einer der Gründe dafür, dass sie
keinen Erfolg hatten (und wohl auch niemals haben werden),
besteht darin, dass der Held des Liedes ein Dieb ist, der lieber
Selbstmord verübt, als ins Gefängnis zu gehen – nicht gerade
eine stolze Tradition, für die Australien stehen möchte! Nachdem
man mich so oft dazu gezwungen hatte, dieses Lied zu
singen, war es mir eine große Freude, als ich gebeten wurde,
eine Version zu schreiben, die ich selbst gerne singen würde.
Das wiederkehrende Thema, das sich durch das ganze Arrangement
zieht, hat seine Wurzeln bei den irischen Einwanderern
Australiens.
Naomi Crellin
Growing up in Australia we learnt many traditional folksongs,
Waltzing Matilda being one of the most often
sung in schools. It’s such a popular Australian folksong that
many Australians have voted to make it our national
anthem. One of the reasons it hasn’t yet become the national
anthem (and probably never will) is that its hero is a thief
who commits suicide rather than go to jail - not exactly a
proud tradition Australia would like to be known for!
Having been forced to sing it so many times, I was so pleased
to be asked to write a version I would actually like to sing.
The recurring theme throughout the arrangement is drawn
from Australia’s Irish immigrant roots.
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Arirang (Korea)
아리랑, 아리랑, 아라리요...
아리랑 고개로 넘어간다.
나를 버리고 가시는 님은
십리도 못가서 발병난다.
Arirang, Arirang, Arariyo …
Arirang gogaero neomeoganda.
Nareul beorigo gasineun nimeun
Simnido motgaseo balbyeongnanda.
Das alte koreanische Volkslied Arirang könnte so etwas wie
eine heimliche, gemeinsame Nationalhymne Nord- und Südkoreas
sein. Kein anderes Lied verbindet die tragisch getrennten
Völker so sehr wie dieses. Tränen der Rührung fließen
beidseitig jener Grenze, die so viele Familien trennt, wenn man
Arirang mit der nötigen Schwere und Sehnsucht singt.
Mit allergrößtem Respekt für die Geschichte und Tradition der
stolzen Koreaner wird Arirang intoniert, und doch befinden
sich hier und da Anleihen aus der abendländischen Kultur im
Arrangement. Sie stellen einen Brückenschlag zwischen westlicher
und asiatischer Harmonieauffassung dar. Das ist eine
Ergänzung, die dieses Lied gar nicht braucht, aber es ist eine
Ehrerweisung, die über das bloße Singen des kostbaren Liedes
hinaus geht. In der Kunst kann man leicht über Grenzen
gehen und Getrenntes brüderlich verbinden - es wäre mir ein
Herzenswunsch, ginge das in der Realität ähnlich friedlich und
ohne Hintergedanken ...
Juan M.V. Garcia
The old Korean folksong Arirang is something like a shared
secret national anthem for North and South Korea. No other
song links the tragically separated peoples as strongly as this
one. When Arirang is sung with appropriate gravity and yearning,
tears of emotion flow on both sides of the border separating
so many families. Arirang is intoned with the utmost
respect for the history and traditions of the proud Koreans,
and yet here and there borrowings from Western culture are
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Arirang, Arirang, Arariyo …
Ich überquere den Arirang-Pass.
Wer mich verlassen hat, wird keine zehn
Li gehen, bevor seine Füße schmerzen.
Arirang, Arirang, Arariyo …
I cross the Arirang Pass.
The one who has left me will not go
ten Li, before his feet begin to hurt.
found in the setting. These elements represent a bridge linking
Western and Asian concepts of harmony. This is an addition
this song does not need at all, but it is a gesture of honour that
goes beyond simply singing the precious song. It is easy to transcend
borders through art, and bring together in brotherhood
that which has been separated – my heartfelt wish is that, in
everyday life, this could be done in the same peaceful way and
without ulterior motives ...
Pen-pen de Sarapen (Philippinen)
Pen-pen de Sarapen de kutsilyo de almasen!
Haw, haw de karabaw batuten!
Sipit namimilipit,
Gintong bulak namumulaklak,
Sa tabi ng dagat!
Schab’, schab’ macht das Rasiermesser
aus dem Kaufmannsladen!
Muh, muh, klagt der Wasserbüffel. Und stinkt!
Eine kneifende Pinzette,
silbrig-golden blüht die Blume
an der Meeresküste!
Scrape, scrape goes the shaving knife
from the general store!
Low, low goes the carabao! The smell!
Pinching tweezers,
gold and silver flourishing
along the seashore!
Pen-pen de Sarapen dürfte eines der ersten Lieder sein, die
ich als Kind lernte. Außer einigen Wendungen hier und dort
ergeben die Worte selbst im Allgemeinen keinen wirklichen
Sinn – ihr Wert liegt weniger in ihrer Bedeutung als in ihrem
Klang und Rhythmus. Dennoch verrät die Verbindung der
Nonsens-Wörter mit einigen wenigen verständlichen Phrasen
ein großes Gespür für unschuldige Freude, was ich mit einer
stark rhythmischen Adaption zu erfassen versucht habe, in
der Wörter, Sätze und onomatopoetische Beziehungen neu geschaffen
werden.
Sidney M. Boquiren
Pen-pen de Sarapen is probably one of the first songs I learned
as a child. Except for a phrase here and there, the “words”
themselves generally don’t actually make any sense – their
value seems to lie not in their meaning but in their sound
and rhythm. Still, the combination of these nonsensical words
with a few recognizable phrases conveys a great sense of
innocent joy, which I have tried to capture in this highly
rhythmic setting which creates new words, phrases, and
onomatopoetic references.
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Da N’ase (Ghana)
Da n’ase, da n’ase!
Da onyame ase.
Efrisay, Oyay!
Nana doyay doh sohohoh.
Dank Dir, Gott, oh, dank Dir, Gott!
Du bist ein wunderbarer Gott.
Denn Du bist gut,
Deine Liebe währt ewig.
Thank You God, O Thank You God!
You are a wonderful God.
Because You’re good,
Your love is forever!
Da N’ase, ein Lied zum Erntedankfest, wurde mir von den
’Cords für ihre Afrikatour 2011 vorgeschlagen, und ich verliebte
mich sogleich in seine melodische Schlichtheit und
Kraft. Für den Hauptteil wählte ich einen „shuffligen“ Laidback-Stil,
mit kontrastierenden Colla-voce-Abschnitten am
Anfang und am Ende. Good times!
Alex L’Estrange
Da N’ase, a song celebrating Thanksgiving, was suggested to
me by the ’Cords for their African tour in 2011, and I fell
immediately for its melodic simplicity and strength. I chose
to give it a laid-back “shuffle” feel for the main part, with
some colla voce sections for contrast at the start and end.
Good times!
Cockles and Mussels (Irland)
In Dublin’s fair city, where the girls are so pretty
I first set my eyes on sweet Molly Malone.
She wheeled her wheel-barrow
Through streets broad and narrow,
Crying: “Cockles and mussels, alive, alive-O!”
She was a fish-monger, but that was no wonder
For so were her father and mother before.
They each wheeled their barrow
Through streets broad and narrow,
Crying: “Cockles and mussels, alive, alive-O!”
She died of a fever, and no one could save her
And that was the end of sweet Molly Malone.
But her ghost wheels her barrow
Through streets broad and narrow,
Crying: “Cockles and mussels, alive, alive-O!”
In der schönen Stadt Dublin, wo die Mädchen so hübsch sind,
Habe ich zuerst ein Auge auf die süße Molly Malone geworfen.
Sie rollte ihren Karren durch die breiten und engen Straßen
Und rief: „Herz- und Miesmuscheln, lebende, lebende - oh!“
Sie war Fischhändlerin, und dies war sicher kein Wunder,
Denn ihr Vater und ihre Mutter waren es zuvor auch.
Sie beide rollten ihre Karren durch die breiten und engen Straßen
Und riefen: „Herz- und Miesmuscheln, lebende, lebende - oh!“
Sie starb an einem Fieber, und niemand konnte sie retten,
Und das war das Ende von der süßen Molly Malone.
Doch ihr Geist rollt ihren Karren durch die breiten und engen Straßen
Und ruft: „Herz- und Miesmuscheln, lebende, lebende - oh!“
Das 1883 von James Yorkston geschriebene Lied
Cockles and Mussels ist heute weltbekannt und gehört
zu den populärsten und schönsten irischen Volksweisen.
Die inoffizielle Hymne Dublins erzählt von
der hübschen Fischverkäuferin Molly Malone, deren
Leben aufgrund eines Fiebers früh endet. In Irlands
Hauptstadt ist sie verewigt in Form eines Denkmals,
das die Dubliner gern spöttelnd, aber auch liebevoll
„dish with the fish“ („scharfe Braut mit dem Fisch“)
oder auch „dolly with the trolley“ („die Puppe mit der
Karre“) nennen.
Unser Arrangement des Amerikaners Dale Grotenhuis
ist betont schlicht und unterstreicht durch den zumeist
homophonen Satz den sehr irischen Charakter der
wunderschönen und eingängigen Melodie, die zum
Mitsingen wie geschaffen ist.
Holger Krause
Composed in 1883 by James Yorkston, the song Cockles
and Mussels is known all over the world and is one
of Ireland’s most popular and beautiful folk tunes.
Dublin’s unofficial anthem tells of the pretty Molly
Malone, a fishmonger who died of fever at a young
age. She is immortalized in a statue in Ireland’s capital
which Dubliners, in a combination of derision and affection,
refer to as the “dish with the fish” or the “dolly
with the trolley”.
Our arrangement by the American Dale Grotenhuis
is kept deliberately simple. Thanks to its homophonic
texture, it emphasizes the very Irish character of this
lovely, catchy melody which seems to have been written
just for others to join in.
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Habanera Tú (Kuba)
En Cuba la isla hermosa
del ardiente sol
bajo su cielo azul
adorable trigueña,
de todas las flores
la reina eres tú.
La palma, que en el bosque
se mece gentil
tu sueño arrulló
y un beso de la brisa
al morir de la tarde
te despertó.
Fuego sagrado guarda tu corazón
el claro cielo su alegría te dió.
Y en tus miradas ha confundido Dios
de tus ojos la noche y la luz
de los rayos del sol.
Dulce es la caña, pero más lo es tu voz
que la amargura quita del corazón
y al contemplarte suspira mi laúd
bendiciéndote hermosa sin par
porque Cuba eres tú!
Fernando Sánchez de Fuentes (1871-1935), 1894
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Auf Kuba, der wunderschönen Insel
der glühenden Sonne,
unter ihrem blauen Himmel,
bezaubernde Goldbraune,
von allen Blumen
bist Du die Königin.
Die Palme, die sich im Wald
anmutig wiegt,
der Schlaf lullt Dich ein
und ein Kuss des Windes
am sterbenden Abend
weckte Dich auf.
Heiliges Feuer bewacht Dein Herz,
der klare Himmel schenkte Dir seine Freude.
Und als Gott in Deine Augen blickte, verwechselte er
deren Nacht mit dem Licht
der Sonnenstrahlen.
Süß ist das Zuckerrohr, aber noch süßer
ist Deine Stimme, die das Herz von Bitterkeit befreit,
und während ich Dich betrachte, seufzt meine Laute,
Dich, unvergleichlich Schöne, segnend,
denn Kuba bist Du!
On Cuba, adorable island
Warmed by the sun,
Beneath its azure sky,
Enchanting, golden brown,
Of all the flowers
You crown them all.
The palm which in the grove
So gracefully bends,
You, adrift in your dreams
Until a kiss of the breeze
Awakens you
As dusk gathers round.
A holy flame protects your heart,
The pristine sky envelops you in joy.
And on beholding your eyes God mistook
Their night with the rays
Of light from the sun.
The sugar cane is sweet, yet sweeter still your voice,
Which frees the heart of bitterness,
And as I peer down at you, my lute it sighs,
You, o benediction, lovely without compare,
For you, yes you, are Cuba!
Die Habanera entstand Ende des 19. Jahrhunderts auf Kuba
und hat sehr verworrene kulturelle Beeinflussung erfahren.
Sie ist ein Loblied auf die Frauen der kubanischen Hauptstadt
Havanna und ist zugleich die musikalische Gattung der
Neuen Welt, die der klassischen Musik am nächsten kommt.
Ihr sanfter Charakter, ihr schlichter Rhythmus und ihre Themen
– die Liebe, das Meer, die Landschaften, die Abenteuer
während der Überseefahrten etc. – ließen sie Anerkennung bei
der breiten Masse finden und führten dazu, dass sie von anderen
musikalischen Gattungen, wie beispielsweise dem Bolero,
dem langsamen Son, der Criolla bis hin zum Tango, aufgegriffen
und widergespiegelt wurde.
Der kubanische Musikwissenschaftler, Komponist und Pianist
Emilio Grenet (1901-1941) schrieb: „Eine Habanera, die
ihre Flügel ausbreitete, um die Ferne zu erobern und die die
Authentizität unseres Ausdrucks treffender zu verkünden vermag
als die Habanera Tú unseres höchst kubanischen Komponisten
Eduardo Sánchez de Fuentes (1874-1944), ist noch nie
geschrieben worden. Dieser Komponist, selbst Schüler anderer
Größen der kubanischen Musik wie Jorge Anckerman und
Ignacio Cervantes, schrieb im Jahre 1892 im Alter von nur
18 Jahren sein erstes und populärstes Stück, welches mit der
Zeit auf der ganzen Welt sehr große Berühmtheit erlangte!“
Der junge Musiker stellte seine Komposition an einem festlichen
Abend des Großbürgertums vor, bei der auch Renée
Molina – von außergewöhnlicher Schönheit und Ehefrau
des Herrn Kholy – zugegen war. Letzterer gab dem Stück
den Namen Habanera. Señora Molina hingegen bestand da-
rauf, es Habanera Tú (Du) zu nennen.
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Im Jahre 1894 unterlegte der Bruder des jungen Komponisten,
Fernando Sánchez de Fuentes (1871-1935), das Stück mit Text
und überließ die Herausgabe des Werkes einem Apotheker aus
Havanna, der Hunderte von Notenexemplaren zusammen mit
einer Reklame seiner Apotheke verbreitete, so wie es zu jener
Zeit üblich war. Eine weitere Habanera, die von einem Komponisten
jener Epoche schriftlich überliefert wurde, war „La
Paloma“ (Die Taube) von Sebastián Iradier. Auch sie erlangte
Weltruhm.
Prof. Electo Silva, Santiago de Cuba
The habanera emerged in Cuba at the end of the 19 th century
and was subjected to very complex cultural influences. It sings
the praises of the women of Cuba’s capital, Havana and is at
the same time the musical genre of the New World which most
closely approximates classical music. Its mellow character,
simple rhythm and its themes – love, the sea, scenic landscapes,
adventures during ocean crossings, etc. – made it popular with
the broad masses and led to its being adopted and reflected in
other musical genres such as for example the bolero, the slow
son, the criolla, and the tango.
The Cuban musicologist, composer and pianist Emilio Grenet
(1901-1941) says about it: “Never has a habanera been composed
which has spread its wings to conquer faraway places
and captured the authenticity of our expression more aptly
than the Habanera Tú by our wholeheartedly Cuban composer
Eduardo Sánchez de Fuentes (1874-1944). In 1892, at
the age of only 18, this composer, himself a student of other
great figures in Cuban music such as Jorge Anckerman and
Ignacio Cervantes, wrote his first and most popular piece
which, with the passage of time, achieved a high degree of fame
throughout the whole world!”
The young musician presented his composition at a festive occasion
of the upper classes at which Renée Molina – of exceptional
beauty and wife of Mr. Kohli – also attended. The latter
gave the piece the title Habanera and when Renée Molina insisted,
named it Habanera Tú (You).
In 1894 the young composer’s brother, Fernando Sánchez de
Fuentes (1871-1935), wrote a text for the piece and entrusted
the publication of the work to a pharmacist from Havana, who
distributed hundreds of copies of the sheet music with advertising
for his chemist’s shop, as was customary at that time. A
further habanera from the same era, “La Paloma” (The Dove)
by Sebastián Iradier, has also survived in written form and
achieved worldwide fame as well.
Sakura, sakura (Japan)
さくら さくら
やよいのそらは
みわたすかぎり
かすみかくもか
においぞいづる
いざや いざや
みにゆかん
sakura sakura
yayoi no sora wa
miwatasu kagiri
kasumi ka kumo ka
nioi zo izuru
izaya izaya
mini yukan
Kirschblüten, o Kirschblüten
Im Frühlingshimmel
So weit das Auge reicht
Ist es Nebel oder ist es eine Wolke?
Der Duft!
Jetzt
In diesem Augenblick
Lasst uns gehen und sehen.
Cherry blossoms, oh cherry blossoms
In the spring sky
As far as eyes can see
Is it fog or is it a cloud?
The scent!
Now
Right now
Let’s go and see.
Eigentlich gibt es neben Sakura, sakura keine
anderen berühmten Lieder in Japan. Und es
gibt keine andere Blüte, die von den Japanern
so geliebt wird wie die Sakura, die Kirschblüte.
Sakura, sakura ist für Japaner etwas ganz Besonderes;
deshalb wünsche ich mir, dass viele
Menschen auf der ganzen Welt dieses Lied singen.
Die Sakura ist eine Blüte, die uns die Flüchtigkeit
des Lebens fühlen lässt, wenn wir die stolzen
Kirschblüten fallen sehen. Und obgleich das
Lied gemeinhin als ein weibliches Lied betrachtet
wird, vermittelt die Interpretation durch eine
männliche A-cappella-Gruppe einen erfrischend
neuen Zugang – wie japanisches Kabuki-Theater.
Nahoko Kakiage
Actually there are no songs more famous than
Sakura, sakura in Japan. And there are also
no flowers more cherished by the Japanese than
Sakura, the cherry blossom. Sakura, sakura is
really special for the Japanese, therefore I want
many people all over the world to sing this
song. Sakura is a flower, which makes us feel a
fleetingness of life when we watch the proud cherry
blossoms falling. Though it is widely known as
a song from a woman's perspective, its performance
by a male a cappella group lends the song
a refreshing feel, like Kabuki theatre.
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Lom Nao
Lom Nao (Thailand)
Yaam lom nao phat book booi chooi cheun
Lao sakun raung reunrom
Muu dawkmaai chuan pamaun raun chom
Chang suksom ploen taa naa duu chuujai
Oo rak jao eeoi
Yaam rak somdang reuthai
Phitsuu sing dai
Gaw laewi lai jaem sai khran
An khwam rak mak jak phaa jai fan
Meua rak nan suksom jit baung
Yaam lom fon phat book boi kranam
Yot yaat nam naam lang naung
Pheung phuuthang wihok ngao sao maung
Kleuan glaat phaung maalii raung rooi long din
Meuan rak phit wang
Priap dang hua jai phang phin
Namtaa lang rin
Lae laam lai piang yaat fon praai
An khwaam rak maen mai pen dang maai
Traab wan taai chiip khom kheun eeoi
Thanpuying Somrotjana Sawasdikun Na Ayuthaya
Kalte Jahreszeit, Liebende sind beieinander,
wie Vögel und Blumen.
Kalter Wind, ein gutes Gefühl.
Vögel werden singen.
Blumen werden blühen.
Alles ist schön und einladend.
O, es ist wie die Liebe,
Liebe ist erfolgreich, was immer du siehst,
Liebe ist schön, frisch, erfolgreich.
Es ist wie ein Traum, wenn Liebe glücklich ist.
Regenzeit, Vögel fliegen davon
und Blumen welken,
Liebe wird unglücklich.
In der Regenzeit ist starkes Wasser überall.
Bienen, Vögel, alles ist traurig.
Blumen fallen zur Erde wie gescheiterte Liebe,
wie ein gebrochenes Herz.
Tränen fallen, Tränen fallen wie Regen.
Wenn die Liebe unglücklich ist,
wird der Kummer andauern bis zum Tod.
Cold season, lovers are together,
like birds and flowers.
Cool wind gives a good feeling.
Birds will sing.
Flowers will blossom.
Everything is beautiful and welcoming.
Oh, it’s like love,
love is successful, whatever you see,
love is beautiful, fresh, successful.
It is like a dream, when love is happy.
Rainy season, birds fly away
and flowers wither,
love becomes unhappy.
In the rainy season strong water is everywhere.
Bees, birds, everything is sad.
Flowers fall to earth like failed love,
like a broken heart.
Tears fall, tears fall like rain.
When love is unhappy,
sorrow will last until death.
Lom Nao ist technisch gesehen kein Volkslied, da die Musik
von Seiner Majestät, König Bhumibol Adulyadej, dem hochverehrten
gegenwärtigen Monarchen von Thailand komponiert
wurde, auf einen Text von Thanpuying Somrotjana
Sawasdikun Na Ayuthaya. Allerdings ist seine Popularität so
groß, dass es im Grunde den Status eines Volkslieds hat. Mein
Arrangement ist recht einfach gehalten, mit einer Begleitung
von leeren Quinten im Bass, die sich allmählich entwickelt,
und einer Gegenmelodie im zweiten Tenor. Der Bariton setzt
auf einem Summton ein, der sich in eine trällernde Geste
verwandelt, die sich gegen Ende, wenn die Melodie selbst verklingt,
über alles erhebt.
Sidney M. Boquiren
Lom Nao is technically not a folksong, since its music was
composed by His Majesty King Bhumibol Adulyadej, the
much-revered current monarch of Thailand, to words by
Thanpuying Somrotjana Sawasdikun Na Ayuthaya. Its popu-
larity is such though that it has basically achieved the status
of a folksong. The setting is quite simple, with an accom-
paniment of open fifths in the basses that gradually evolves
and a countermelody in the second tenor. The baritone enters
on a drone that eventually transforms into a lilting gesture
that comes to the fore toward the end as the tune itself subsides.
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Wa Kusnitze (Russland)
Во ку… во кузнице,
Во ку… во кузнице,
Во кузнице молодые кузнецы,
Во кузнице молодые кузнецы.
Они, они куют,
Они, они куют,
Они куют принаваривают,
Молотками приколачивают.
К себе, к себе Дуню,
К себе, к себе Дуню,
К себе Дуню приговаривают,
К себе Дуню приговаривают.
Пойдем, пойдем, Дуня,
Пойдем, пойдем, Дуня,
Пойдем, Дуня во лесок, во лесок,
Пойдем, Дуня во лесок, во лесок.
Сорвем, сорвем Дуне,
Сорвем, сорвем Дуне,
Сорвем Дуне лопушок, лопушок,
Сорвем Дуне лопушок, лопушок.
Сошьем, сошьем Дуне,
Сошьем, сошьем Дуне,
Сошьем Дуне сарафан, сарафан,
Сошьем Дуне сарафан, сарафан.
Носи, носи, Дуня,
Носи, носи, Дуня,
Носи, Дуня, не марай, не марай,
Носи, Дуня, не марай, не марай.
По пра… по праздничкам,
По пра… по праздничкам,
По праздничкам надевай, надевай,
По праздничкам надевай, надевай.
В коро… в коробочку,
В коро… в коробочку,
В коробочку покладай, покладай,
В коробочку покладай, покладай.
В коро… в коробочке,
В коро… в коробочке.
В коробочке появился таракан,
В коробочке появился таракан.
Проел, проел Дуне,
Проел, проел Дуне,
Проел Дуне сарафан, сарафан,
Проел Дуне сарафан, сарафан.
In der Schmie…, in der Schmiede,
In der Schmie…, in der Schmiede,
In der Schmiede sind junge Schmiede,
In der Schmiede sind junge Schmiede.
Sie, sie schmieden,
Sie, sie schmieden,
Sie schmieden und schweißen
Und hauen mit Hämmern.
Zu sich, zu sich Dunja,
Zu sich, zu sich Dunja,
Zu sich rufen sie Dunja herbei,
Zu sich rufen sie Dunja herbei.
Los, komm, Dunja,
Los, komm, Dunja,
Los, komm, Dunja, in das Wäldchen, in das Wäldchen,
Los, komm, Dunja, in das Wäldchen, in das Wäldchen.
Pflücken wir, pflücken wir für Dunja,
Pflücken wir, pflücken wir für Dunja,
Pflücken wir für Dunja ein Klettenblatt,
Pflücken wir für Dunja ein Klettenblatt.
Wir nähen, nähen Dunja,
Wir nähen, nähen Dunja,
Wir nähen Dunja ein schönes Kleid, schönes Kleid,
Wir nähen Dunja ein schönes Kleid, schönes Kleid.
Trag es, trag es, Dunja,
Trag es, trag es, Dunja,
Trag es Dunja, beschmutz es nicht, beschmutz es nicht,
Trag es Dunja, beschmutz es nicht, beschmutz es nicht.
An Fei…, an Feiertagen,
An Fei…, an Feiertagen,
An Feiertagen zieh es an,
An Feiertagen zieh es an.
In die Schach…, in die Schachtel,
In die Schach…, in die Schachtel,
In die Schachtel tu es rein,
In die Schachtel tu es rein.
In der Schach…, in der Schachtel,
In der Schach…, in der Schachtel,
In der Schachtel sitzt eine Kakerlake,
In der Schachtel sitzt eine Kakerlake.
Durchfraß, durchfraß sie Dunjas,
Durchfraß, durchfraß sie Dunjas,
Durchfraß sie Dunjas schönes Kleid,
Durchfraß sie Dunjas schönes Kleid.
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In the smi..., in the smithy,
In the smi..., in the smithy,
In the smithy are young smiths,
In the smithy are young smiths.
They forge,
They forge,
They forge and weld
And swing their hammers.
To them, to them Dunja,
To them, to them Dunja,
To them, they beckon Dunja,
To them, they beckon Dunja.
Come now Dunja,
Come now Dunja,
Come now Dunja into the forest grove, the forest grove,
Come now Dunja into the forest grove, the forest grove.
We pick, we pick flowers for Dunja,
We pick, we pick flowers for Dunja,
For Dunja we pick a burdock leaf,
For Dunja we pick a burdock leaf.
We sew, we sew for Dunja,
We sew, we sew for Dunja,
For Dunja we sew a lovely dress, a lovely dress,
For Dunja we sew a lovely dress, a lovely dress.
Wear it, wear it Dunja,
Wear it, wear it Dunja,
Wear it Dunja, and soil it not, and soil it not,
Wear it Dunja, and soil it not, and soil it not.
On fes..., on festive days,
On fes..., on festive days,
On festive days put on the dress,
On festive days put on the dress.
In the dre..., in the dress box,
In the dre..., in the dress box,
In the dress box put it in,
In the dress box put it in.
In the dre..., in the dress box,
In the dre..., in the dress box,
In the dress box sits a cockroach,
In the dress box sits a cockroach.
It ate holes in, ate holes in Dunja’s,
It ate holes in, ate holes in Dunja’s,
It ate holes in Dunja’s lovely dress,
It ate holes in Dunja’s lovely dress.
Das Lied Wa Kusnitze ist in Russland sehr populär.
Bearbeitet in verschiedenen Varianten, kann man es
sowohl in Konzertprogrammen von Folkloregruppen
als auch von Starsängern hören. Es gibt auch einige
Arrangements für A-cappella-Chöre.
Seit meiner Kindheit kenne und liebe ich das Lied und
hatte das Bedürfnis, auch mein eigenes Arrangement
zu verfassen. Dabei wollte ich die Rhythmusfunktion
sowohl im Thema selbst als auch in der Begleitung
verschärfen, dieser bekannten Melodie stellenweise eine
unerwartete Harmonie zufügen und fast alle Strophen
einbeziehen, denn normalerweise werden nur die ersten
vier oder fünf gesungen.
Weil es viele Strophen gibt, wurde daraus ein ziemlich
langes Arrangement, und seine Form bekam eine dreifache
Teilung mit der Reprise über die Kakerlake. Für
die Bearbeitung von Volksliedern ist dies eigentlich
nicht sehr charakteristisch. Was daraus geworden ist,
möge der Zuhörer selbst beurteilen.
Michail Serkov
The song Wa Kusnitze is very popular in Russia. It can be heard
in different arrangements not only in concert programming
but also performed by star vocalists. There are also several
arrangements for a cappella choirs.
I have known and loved the song since my childhood and felt
the need to write my own arrangement. In doing this I wanted
to heighten the rhythmic function both in the theme itself and
also in the accompaniment, add the occasional unexpected
harmony to this well-known melody, and incorporate all the
verses, as normally only the first four or five are sung.
As there are many verses a rather long arrangement resulted,
and it was given a three-part form with the reprise about
the cockroach. Actually, this is not very typical for folksong
arrangements. Listeners are welcome to judge the outcome for
themselves.
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Červená Růžičko (Tschechien)
Červená růžičko, rozvijej se,
Studená vodičko, rozlévej se,
Rozlévej se po kamení,
Nastalo nám smutné rozlúčení.
Který ptáček na dvou stromech sedá,
Ten v tom světě žádnou radost nemá,
Tak jako ten mládeneček,
Který sedá u dvou děvčáteček.
Nun entfalte Dich, mein rotes Röslein,
Fließe über, Du mein kühles Bächlein,
Fließe über gleich den Flüssen,
Ach, wie traurig, dass wir scheiden müssen.
Vöglein, welche in zwei Bäumen nisten,
müssen freudenlos ihr Leben fristen,
wie ein Bursch, der unverfroren
zwei Geliebten Treue hat geschworen.
Now open your petals, my little red rose,
Overflow your banks, my cool little stream,
Overflow, just like the rivers do;
Oh, how sad that we must part.
Birds that nest in two trees
Must live out a joyless life,
Like a lad who has brazenly
Sworn devotion to two lovers.
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Das tschechische Volkslied Červená Růžičko erzählt von
Heimat, Liebe, Abschied und – natürlich – von Hoffnung.
Die Melodie verläuft im typischen Volksliedton mit Akkordzerlegung
oder schrittweiser Fortschreitung.
Bei solch schlichten und doch bezaubernden Volksliedern steht
man als Arrangeur stets vor der Frage, ob man mit diversen
Kunstgriffen der Vorlage einen ganz neuen und eigenen Stempel
aufdrückt, oder, so wie hier geschehen, dem originalen
Duktus mit einem meist homophonen Satz bewusst treu bleibt.
Lediglich kleine, den Text ausdeutende Ideen und die Modulation
zur deutschsprachigen letzten Strophe verlassen nur
unwesentlich den volksliedhaften Ton.
Matthias E. Becker
The Czech folksong Červená Růžičko speaks of the homeland,
love, separation and – of course – hope.
The melody has a folksong quality to it with arpeggios or stepwise
melodic motion.
For such simple and yet captivating folksongs, the arranger is
constantly faced with the question of whether to place his or
her own completely new stamp on the original work through
various artistic devices or, as has happened here, to deliberately
remain true to the original style with a mostly homophonic
setting. Only minor ideas which interpret the text and the
modulation to the final verse in German depart though only
slightly from the folksong style.
Hava Nagila (Israel)
הליגנ הבה – Hava nagila
הליגנ הבה – Hava nagila
החמשנו הליגנ הבה – Hava nagila venismecha
הננרנ הבה – Hava neranenah
הננרנ הבה – Hava neranenah
החמשנו הננרנ הבה – Hava neranenah venismecha
םיחא ורוע ,ורוע – Uru, uru achim
חמש בלב םיחא ורוע – Uru achim belev sameach
םיחא ורוע ,םיחא ורוע – Uru achim, uru achim
חמש בלב – Belev sameach
Abraham Zvi Idelsohn (1882-1938)
Lasst uns glücklich sein,
Lasst uns glücklich sein,
Lasst uns glücklich und fröhlich sein!
Lasst uns singen,
Lasst uns singen,
Lasst uns singen und fröhlich sein!
Erwachet, erwachet Brüder!
Erwachet Brüder, mit einem
glücklichen Herzen!
Erwachet Brüder, erwachet Brüder!
Mit einem glücklichen Herzen!
Let’s rejoice,
Let’s rejoice,
Let’s rejoice and be happy!
Let’s sing,
Let’s sing,
Let’s sing and be happy!
Awake, awake brothers!
Awake brothers with a happy heart!
Awake brothers, awake brothers!
With a happy heart!
Hava Nagila ist ein weltberühmtes jüdisches Volks-
lied. Es ist rhythmisch, aber schlicht, und bietet
vielfältige Möglichkeiten für interessante Arrangements.
Besonders habe ich es genossen, in der Be-
gleitung mit verschiedenen Rhythmen zu spielen.
Zur Klezmer-Tradition gehört, dass sich Freude
und Traurigkeit vermischen; und so wandelt sich
das Lied von einer melancholischen, weinenden
Melodie in einen heiter-energischen Tanz.
Erez Tal
Hava Nagila is a world famous Jewish folksong.
It is rhythmic, yet simple, and gives a lot of opportunities
for arranging it in interesting ways. I especially
enjoyed playing with different rhythms for
the accompaniment. It is part of the “Klezmer” tradition
in which joy and sadness are mixed together,
and so from a slightly melancholic, weeping tune,
the song turns into a cheerful, energetic dance.
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Pūt, Vējiņi (Lettland)
Pūt, vējiņi, dzen laiviņu,
Aizdzen mani Kurzemē.
Kurzemniece man solīja
Sav’ meitiņu malējiņ’.
Solīt sola, bet nedeva,
Teic man lielu dzērājiņ’.
Teic man lielu dzērājiņu,
Kumeliņa skrējējiņ’.
32
Kuru krogu es izdzēru,
Kam noskrēju kumeliņ’?
Pats par savu naudu dzēru,
Pats skrēj’ savu kumeliņ’.
Pūt, vējiņi, dzen laiviņu,
Aizdzen mani Kurzemē.
Wehet, Winde, treibt mein Boot,
fahrt mich nach Kurzeme.
Eine Dame aus Kurzeme hat mir ihre Tochter
zur Braut versprochen.
Hat’s versprochen, doch sie hielt nicht das Versprechen,
nannte mich einen Trunkenbold.
Nannte mich einen Trunkenbold
und einen Reiter.
Wo ist die Schenke, in der ich zu viel trank,
wessen Pferd ritt ich zugrunde?
Ich trinke für mein eignes Geld
und reite mein eignes Pferd.
Wehet, Winde, treibt mein Boot,
fahrt mich nach Kurzeme.
Blow wind, drive my boat,
Drive me to Kurzeme.
A woman from Kurzeme promised me
Her daughter as a bride.
She promised, but didn’t fulfil the promise,
Calling me a drunkard.
She called me a drunkard
And a horse racer.
Where is the tavern in which I drank too much,
Whose horse did I run down?
I drink for my own money
And ride my own horse.
Blow wind, drive my boat,
Drive me to Kurzeme.
Das Volkslied Pūt, Vējiņi ist fast so etwas wie eine zweite
Nationalhymne der Letten. Alle fünf Jahre findet das
lettische Lied- und Tanzfestival statt, und das Finale ist
nicht vorstellbar ohne einen Chor von 30.000 Menschen, die
Schulter an Schulter stehen und Pūt, Vējiņi singen. In diesem
wahrlich emotionalen Moment fühlen alle Sänger eine ganz
besondere Verbundenheit.
Das Lied spricht in Symbolen und Rätseln von der Recht-
schaffenheit und Ehrlichkeit des Letten. Es erzählt von einer
Liebe, die keine Hindernisse oder Herausforderungen scheut,
und offenbart die Stärke und Ausdauer der kleinen lettischen
Nation.
Es war für mich eine große Verantwortung, nicht nur persönlich,
sondern auch gegenüber dem ganzen lettischen Volk,
dieses Lied zu arrangieren, und das Resultat, aufgeführt von
amarcord, ist ein wahrhaft ergreifendes Erlebnis.
Laura Jēkabsone
The folksong Pūt, Vējiņi is almost the second national anthem
for Latvian people. Once every five years a Latvian Song
and Dance Festival is organized and its final part cannot be
imagined without Pūt, Vējiņi being sung by a choir of 30,000
people standing shoulder to shoulder. This moment produces a
truly emotional feeling of being united for every singer.
The folksong talks in riddles and through signs telling about
a Latvian as an honest and truthful person. It tells about love
that does not fear any obstacles and challenges and also reveals
the strength and persistence of the small Latvian nation.
I took on a great responsibility not only personally but also
in front of the whole Latvian nation by arranging this song and
the result, which you can hear performed by amarcord, is a
truly touching and emotional experience.
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amarcord
Im Jahr 1992 von ehemaligen Mitgliedern des Thomanerchores Das 1997 von amarcord ins Leben gerufene Internationale
Founded in 1992 by erstwhile members of St Thomas’s Boys Australia, Southeast Asia, the Near East, Russia, and Central
Leipzig gegründet, zählt das Ensemble heute zu den führenden Festival für Vokalmusik „a cappella“ (www.a-cappella-festival.
Choir in Leipzig, amarcord has since become one of the America.
Vokalensembles weltweit. Unverwechselbarer Klang, atem- de) hat sich unter der künstlerischen Leitung der Gruppe zu
world’s leading vocal ensembles. amarcord’s hallmarks include Founded by amarcord in 1997 under the artistic direction of
beraubende Homogenität, musikalische Stilsicherheit und einem der wichtigsten Festivals seiner Art entwickelt. Regel-
a unique tone, breathtaking homogeneity, musical authentici- the group, the International Festival of Vocal Music “a cap-
eine gehörige Portion Charme und Witz sind die besonderen mäßig sind die Stars der Szene wie The Real Group, The King’s
ty, and a good dose of charm and humour. amarcord performs pella” (www.a-cappella-festival.de) has established itself as one
Markenzeichen von amarcord. Das äußerst facettenreiche und Singers, Take 6 oder das Hilliard Ensemble im Frühjahr in
a vast and highly diverse repertoire of music, from medieval of the most important festivals of its kind. Held in Leipzig in
breitgefächerte Repertoire umfasst Gesänge des Mittelalters, Leipzig zu erleben.
plainsong to madrigals and Renaissance masses, to composi- spring each year, premier vocal formations such as The Real
Madrigale und Messen der Renaissance, Kompositionen und Zahlreiche CDs dokumentieren eindrucksvoll die Facetten des
tions and cycles of works of the European Romantic period Group, The King’s Singers, Take 6 and the Hilliard Ensemble
Werkzyklen der europäischen Romantik und des 20. Jahrhun- Repertoires und werden vielfach mit Preisen ausgezeichnet.
and the 20th century, arrangements of a cappella folksongs can be heard at the festival.
derts sowie A-cappella-Arrangements weltweit gesammelter Die CD „Zu S. Thomas“ mit zwei gregorianischen Messen aus
collected from all over the world, all the way to soul and jazz Numerous CD recordings document impressively the many
Volkslieder und bekannter Songs aus Soul und Jazz.
dem Thomasgraduale der Leipziger Thomaskirche wurde 2013
charts. Even though their concert programming is strongly facets of amarcord’s repertoire. The CD “Zu S. Thomas” with
Wenngleich reine A-cappella-Programme im Mittelpunkt mit dem International Classical Music Award (ICMA), dem
focused on a cappella works, amarcord also regularly performs two Gregorian Masses from the Thomas Gradual of St
der Konzerttätigkeit stehen, gibt es regelmäßig Projekte mit wichtigsten Preis der europäischen Schallplattenkritik, aus-
in concert with ensembles and artists such as the Gewand- Thomas’s Church Leipzig won the International Classical
namhaften Ensembles und Künstlern wie dem Gewand- gezeichnet. 2012 erhielten die Sänger für „Das Lieben bringt
hausorchester Leipzig, the Leipzig String Quartet, concert pia- Music Award (ICMA) in 2013, the most important prize
hausorchester Leipzig, dem Leiziger Streichquartett, der groß’ Freud!“ (MDG) den ECHO Klassik in der Kategorie
nist Ragna Schirmer, the bandoneon virtuoso Per Arne Glor- on the European CD market. In 2012 they were awarded
Pianistin Ragna Schirmer, dem Bandoneonvirtuosen Per Arne „Ensemble des Jahres/vokal“. „Rastlose Liebe – ein Spaziervigen
and the violinist Daniel Hope.
their second ECHO Klassik (“Ensemble of the year/vocal”).
Glorvigen und dem Geiger Daniel Hope.
gang durch das romantische Leipzig“, veröffentlicht 2009,
amarcord has won prizes at many international competitions. Released in 2009, the CD “Rastlose Liebe“ received the ECHO
Das Vokalensemble ist Preisträger zahlreicher internatio- erhielt den ECHO Klassik, den luxemburgischen Supersonic
In 2002, the ensemble won the German Music Competition, Klassik Award, the Luxembourgian Supersonic Award and
naler Wettbewerbe. Im Jahr 2002 gewann das Ensemble den Award und wurde für den MIDEM Classical Award nomi-
having joined the ranks of the BA KJK (the cream of young was nominated for the MIDEM Classical Award. In addition,
Deutschen Musikwettbewerb, nachdem es bereits zwei Jahre niert. Außerdem wurde diese CD – wie schon „Nun komm
musicians singled out by the German Music Council for spe- this CD – as previously also “Nun komm der Heiden Hei-
zuvor mit dem Stipendium und der Aufnahme in die Bundes- der Heiden Heiland“, „Incessament“ und „Hear the voice“ -
cial support) two years before. In 2004, amarcord became the land”, “Incessament” and “Hear the voice” – won the Conauswahl
Konzerte junger Künstler des Deutschen Musikrates mit dem renommierten Contemporary A Cappella Recording
first group of singers to be awarded the Ensemble Prize at the temporary A Cappella Recording Award, the “a cappella
ausgezeichnet worden war. 2004 wurden die Sänger als erstes Award, dem „A-cappella-Oscar“, ausgezeichnet. Im Februar
Mecklenburg-West Pomerania Festival. Attending master Oscar”. In February 2010 amarcord released its first CD pro-
Vokalensemble mit dem Preis der Festspiele Mecklenburg-Vor- 2010 legte amarcord seine erste CD-Produktion gemeinsam
classes given by the King’s Singers and the Hilliard Ensemble duction with an orchestral work: the reconstructed version
pommern ausgezeichnet. Neben dem Gewandhausorchester mit Orchester vor: eine rekonstruierte Fassung von Johann
has provided amarcord valuable stimulus over the years. of Johann Sebastian Bach’s St. Mark Passion, performed to-
und dem Thomanerchor zählt amarcord zu den wichtigsten Sebastian Bachs Markus-Passion unter Mitwirkung von Do-
Alongside the Gewandhaus Orchestra and St Thomas’s Boys gether with Dominique Horwitz and the Kölner Akademie.
Repräsentanten der Musikstadt Leipzig im In- und Ausland. minique Horwitz und der Kölner Akademie. Gemeinsam mit
Choir, amarcord is now one of the leading representatives of Together with Cappella Sagittariana Dresden two CDs have
Regelmäßig gastiert die Gruppe bei den bedeutenden Mu- der Cappella Sagittariana Dresden erschienen bisher zwei CDs
Leipzig’s music scene in Germany and abroad. amarcord reg- been released featuring the works of Heinrich Schütz and his
sikfestivals. Zahlreiche Konzerttourneen führten die Sän- zu Heinrich Schütz und seinem musikalischen Umfeld. Die
ularly appears at important music festivals. Numerous concert contemporaries. Their CD of the J.S. Bach motets with the
ger in über 50 Länder und auf nahezu alle Kontinente der Einspielung der Motetten von Johann Sebastian Bach wurde
tours have taken the singers to more than 50 countries and Lautten Compagney Berlin was released on the SONY/dhm
Erde. In Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut gastierten 2012 bei SONY/dhm veröffentlicht.
nearly every corner of the globe. In cooperation with the label in 2012.
sie in Australien, Südostasien, dem Nahen Osten, Russland,
Goethe Institute, the ensemble has made guest appearances in
Afrika und in Mittelamerika.
www.amarcord.de
www.amarcord.de
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amarcord

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amarcord dankt:
... im Besonderen allen Arrangeuren für ihre phantasievollen
Scores und Begleittexte, Matthias für’s Coachen, Juan für's
„guiding“, Michael und Christopher für zahllose Stunden im
Studio und für den richtigen Schnitt und Anders für die kreativen
Mixes
... und ausgiebigst allen Familien und Freunden, Tobias, Schülli,
dem unnachahmlichen „Coach“ Beyer, der GENUIN-Mannschaft
für vieles und noch mehr, den Jungs von FWL, Tila und
Uwe Nickolaus für Genüsse abseits und innerhalb des Studios,
dem Team der Löwentanke um Frau Rieger, Ben und dem
Goethe-Institut in Dakar im Senegal, Ljuba, Janka, Anne, Ne
und Hong für die richtigen Laute, dem Vocal Octet unter Erez
Tal in Tel Aviv/Israel für ihre Stimmen bei „Hava Nagila“
... und last but not least Jeanny, Kristin, Nastja, Odette und Steffi.
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Nahaufnahme | 20 Jahre amarcord
Mit zahlreichen Fotos und Abbildungen lassen die
fünf Sänger die vergangenen Jahre Revue passieren.
112 Seiten und 2 CDs mit Ausschnitten aus dem
Repertoire und bisher unveröffentlichtem Material.
Passage-Verlag ISBN 978-3-95415-006-9
amarcord – CDs (Auswahl)
Zu S. Thomas
RK ap 10112
Zwei Gregorianische Messen aus
dem Thomas-Graduale
der Thomaskirche Leipzig, um 1300
Coming Home for Christmas
RK ap 10111
Weihnachtslieder aus aller Welt
Jauchzet dem Herren alle Welt
RK ap 10110
Schütz und Italien · amarcord
und Cappella Sagittariana Dresden
Von den letzten Dingen
RK ap 30107
Barocke Trauermusiken · amarcord
und Cappella Sagittariana Dresden
Rastlose Liebe
RK ap 10108
Ein Spaziergang
durch das romantische Leipzig
album français
RK ap 10107
Vokalmusik aus Frankreich
The Book of Madrigals
RK ap 10106
Weltliche Vokalmusik
der Europäischen Renaissance
Incessament
RK ap 10105
Werke von Pierre de la Rue
und Gregorianik
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RK ap 10213