konzerte04-pressemappe.pdf - Berliner Festspiele

Live-Imitator innerhalb des Ensembles. Die Interaktion mit dem Alter Ego, charakteristisch für Van der
Aa, klingt immer überrumpelnd. Das Klangbild variiert fortwährend und dadurch auch die Richtung
seiner Dramen. Jede Komposition bietet sicher auch einen Hauch an Harmonie und Behaglichkeit;
jedoch macht die Zerrüttung eben dieser Harmonie die Musik so ergreifend.
In der kürzlich komponierten Here-Trilogy kommt Van der Aas Dramatik in voller Größe zum Ausdruck.
Die drei Teile - für unterschiedliche Besetzungen komponiert und somit auch getrennt aufführbar
- haben ‚die Sängerin‘ als verbindendes Thema. Ihre Beziehung zu ihrer musikalischen Umgebung
gestaltet sich in jedem Teil anders. In Here [enclosed] ist sie persönlich noch nicht anwesend;
Orchester und Dirigent haben auf der Bühne einen Vitrineschrank als Partner, worin ein Duplikat
der Solistin sichtbar wird. Dieses Objekt antwortet auf die Live-Musik mit gesampelten Fetzen des
Orchesters selbst und zwingt somit die Musiker zum Mimenspiel: sie spielen weiter, aber der Klang
wurde vom Alter Ego geraubt. In Here [in circles] für ein kleines Ensemble geschrieben, erscheint
die Sängerin in Fleisch und Blut. Aber auch diesmal durchbricht sie ihre Isoliertheit nicht: sie bleibt
in loops stecken, ebenso wie die anderen Musiker. Zur Verstärkung dieser aussichtslosen Situation
macht die Sängerin mit einem Minirekorder realtime-Aufnahmen des Geschehens, die sie auf das
Ensemble zurückwirft.
Synchronie zwischen Individuum und Umgebung wird erst in Here [to be found] erreicht. Aber noch
immer tasten sich beide Parteien gegenseitig ab, ergänzen sich, übertrumpfen und bestreiten sich
- um anschließend ihren eigenen Weg zu gehen.
Ebenso repräsentativ ist One eine Kammeroper, in der eine Singstimme es aufnimmt gegen ein Tonband
und Video-Projektionen. Die Videobilder sind fest verwachsen mit der Musik; wie auch die Tonaufnahmen,
die Van der Aa in anderen Stücken einspielt, sind sie eine Verlängerung des Klangbildes,
ein zusätzliches Musikinstrument. Kennzeichnend ist die Art und Weise, wie Van der Aa Schönheit
und Hässlichkeit unverblümt aufeinander treffen lässt: der fast neurotische, wirre Text (vom Komponisten
selbst) und die oft sehr ästhetischen Klänge bilden einen reizvollen Kontrapunkt. Gerade
indem er ‚Hässlichkeit‘ zulässt, gibt Van der Aa der Schönheit eine Richtung und einen Zweck.
Man könnte Van der Aa einen Experten auf dem Gebiet von Störung und Entgleisung nennen Double.
gleicht hinsichtlich der Bühnenaufstellung einem klassischen Duett für Violine und Klavier, aber die
Verfremdung schlägt unmittelbar zu. Das Klavier ist mit den Saiten eines Geigenstocks präpariert, um
den Klang der Violine zu imitieren; die Violine versucht, die Konkurrenz abzuschütteln. Darauf folgt
ein heftiges Hin und Her, voller Scheinbewegungen und frustrierter Kommunikation.
Eine Variante dieses Spiels ist das Schlagzeugduett Wake - wenn auch ‚Duett‘ hier vor allem ein
visueller Begriff ist. Denn ein Schlagzeuger bleibt unhörbar; er nimmt mimisch am Geschehen teil,
kopiert die Gesten seines Partners oder kündigt sie an und versetzt dadurch dessen Timing in einen
neuen Kontext. Auch hier zeigt Van der Aa seine Fähigkeit eine dramatische Linie fortzuführen: nach
und nach beeinfl usst der Mimiker den Musiker und lässt die Darstellung mehr und mehr nach seinem
Willen verlaufen. Was anfänglich ein Schatten war, wirft nun Licht auf den musikalischen Verlauf.
So interdisziplinär Van der Aa auch arbeitet, doch sind und bleiben Noten sein Ausgangsmaterial. Die
‚Preposition Trilogy Above, Between und Attach basiert auf nur zehn Akkorden. Beschränktes Material
also, für Van der Aa jedoch ausreichend für eine musikalische Odyssee. Ein Live-Ensemble und ein
Tonband mit Samples von demselben sind die Figuren, und ihre Konfrontationen sind wahre Cliffhanger:
je nachdem, wie die Machtverhältnisse sich ändern, verändert sich auch die
umgebende Klanglandschaft.