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Ruperto Chapí y Lorente (1851-1909)
„Preludio de la Revoltosa“
arrangiert von Lorenzo Palomo
Luigi Boccherini (1743-1805)
„Fandango“ aus dem Quintett D-Dur G 448,4
bearbeitet für Gitarrenquartett
Pepe Romero (*1944)
„De Cadiz la Habana“
für Gitarrenquartett
Antonio Vivaldi (1678-1741)
Konzert für 2 Mandolinen,
Streichorchester und B.c. G-Dur RV 532
Version für 2 Gitarren
Allegro
Andante
Allegro
Concerto für 4 Violinen, Violoncello, Streicher
und B.c. h-Moll RV 580
Version für 4 Gitarren
Celin & Lito Romero
Allegro
Largo, Larghetto
Allegro
Pause
Peter Iljitsch Tschaikowsky (1840-1893)
Serenade für Streichorchester C-Dur op. 48
I. Pezzo in forma di sonatina. Andante non troppo, Allegro moderato
II. Walzer. Moderato, Tempo di Valse
III. Elégie. Larghetto elegiaco
IV. Finale. (Tema russo) Andante, Allegro spirito
Los Romeros – Gitarrenquartett
Württembergisches Kammerorchester Heilbronn
Ruben Gazarian – Dirigent
Gefördert durch:
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Konzertprogramm

Programmerläuterungen
Ruperto Chapí (1851-1909)
Woran erkennt man eigentlich spanische Musik? Die meisten
Konzertbesucher könnten diese Frage wohl kaum auf
kompositionstechnischer Ebene beantworten – aber trotzdem
wird ihnen die Herkunft eines Stücks aus Spanien oft
schon nach wenigen Takten klar sein. Denn ungeachtet
der Vielfalt spanischer Musiktraditionen scheint es typische,
verbindende Elemente zu geben, einen Nationalstil,
der ausgeprägter ist als in anderen europäischen Ländern.
Und ganz einfach wird die Aufgabe, spanische Musik zu
erkennen, wenn ihr Nationalcharakter durch eine besondere
instrumentale Farbe bestätigt wird. Der Klang der
Gitarre – er gehört zu unserem Spanienbild wie Flamenco
und Stierkampf, und das nicht erst seit dem Aufschwung
des Tourismus im 20. Jahrhundert. Bereits Gottfried Walther
nannte die Gitarre in seinem „Musicalischen Lexicon“
von 1732 ein „plattes Lauten-mäßiges Instrument, welches
sonderlich vom Spanischen Frauenzimmer gebraucht wird.“
Wiedergeburt des Spanischen
– Chapís Zarzuela „La Revoltosa“
Selbstverständlich ist die populäre Vorstellung, alle spanischen
Musiker spielten Gitarre, ein Klischee. Ruperto
Chapí y Lorente beispielsweise lernte Flöte, Klarinette und
Kornett und leitete ein Blasorchester, bevor er sich der
Komposition von Zarzuelas, volkstümlichen Singspielen,
zuwandte. Das Vorspiel zu seiner berühmtesten Zarzuela,
der 1897 uraufgeführten „Revoltosa“ (Die Aufsässige)
war ursprünglich auch keineswegs für Gitarrenquartett
bestimmt, sondern für ein ausgewachsenes
Sinfonieorchester. Dennoch wird dieses Preludio
selbst in originaler Instrumentierung den
meisten Hörern spanisch vorkommen. Warum
wohl? Einige an Flamenco erinnernde Rhythmen
der schnellen Teile mögen eine Rolle spielen,
vor allem aber melodisch-harmonische
Wendungen der langsamen Abschnitte, für
die Musiktheoretiker Begriffe wie „spanischphrygische
Tonleiter“ und „andalusische Kadenz“
geprägt haben.
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Überhaupt spielt die spanische Musik der
letzten 150 Jahre oft recht deutlich auf
volkstümliche Traditionen an. Gerade diese
einzigartigen, weil maurisch und lateinamerikanisch
beeinflussten Volksmusiken prägen
den besonderen Ton auch der spanischen

Kunstmusik. An ältere landestypische Musikstile und
-gattungen knüpften die Komponisten des Landes ganz
bewusst an. Die Zarzuela beispielsweise, eine Verbindung
aus gesprochenem Schauspiel, bekannten Volksliedern
oder Schlagern und neu komponierten Musikeinlagen, war
bereits Ende des 17. Jahrhunderts entstanden. Sie geriet
zeitweise völlig in Vergessenheit, weil sich das Publikum
nur noch für italienische Buffo-Opern (vorzugsweise von
Rossini) begeisterte. Erst in der zweiten Hälfte des 19.
Jahrhunderts, als in ganz Europa nationale Musikschulen
entstanden, wurde die Zarzuela als echt spanische Gattung
wiederbelebt.
Der verführerischste Tanz der Welt
– Boccherinis Fandango
Luigi Boccherini war Italiener, lebte aber von 1768 bis zu
seinem Tod 1805 in Spanien und integrierte – was damals
noch wenig üblich war – sogar spanische Volksmusik
in seine Werke. Beispiele dafür sind das Streichquintett
op. 30 Nr. 6 mit dem Titel „Musica notturna delle strade
di Madrid“, das „Minuetto a modo di sighidiglia spagnola“
aus dem Streichquintett op. 50 Nr. 5 oder auch der
berühmte Fandango, den Boccherini zunächst für Streichquintett
schrieb (op. 40 Nr. 2) und um 1798 für Gitarre
und Streichquartett bearbeitete. Die Ursprünge der Tanz-
und Liedform Fandango sind umstritten. Vielleicht liegen
sie in der maurischen Musik, womöglich wurde der Tanz im
Dreierrhythmus aber auch aus Lateinamerika eingeführt.
In jedem Fall zählte der Fandango zu den populärsten und
umstrittensten Tänzen des späten 18. Jahrhunderts; vielerorts
wurde er von der Obrigkeit verboten. Warum, das
erklärt vielleicht ein Bericht Giacomo Casanovas, der 1767
bei einem Ball in Madrid den Fandango erlebte: „Ich hatte
ihn zuvor schon auf der Bühne in Frankreich und Italien gesehen,
doch da vermieden die Schauspieler sorgsam jene
wollüstigen Gesten, die ihn zum verführerischsten Tanz der
Welt machen. Man kann ihn nicht beschreiben. Jedes Paar
tanzt nur drei Schritte, doch die Gesten und Haltungen
sind so lasziv wie man es sich nur vorstellen mag. Alles
wird gezeigt, vom ersten Seufzer des Verlangens bis zur
finalen Ekstase; es ist eine wirkliche Geschichte der Liebe.
Ich konnte mir keine Frau vorstellen, die ihrem Partner
nach diesem Tanz irgendetwas abschlagen würde, denn er
schien wie gemacht, um die Sinne zu erregen.“ Natürlich
ließ Casanova sich gleich am nächsten Tag einen Tanzlehrer
kommen ...
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Rückfahrkarte nach Kuba
– „De Cádiz a La Habana“ von und mit Pepe Romero
Anfang des 19. Jahrhunderts fand der Fandango Eingang
in den andalusischen Flamenco – wobei „Flamenco“ im
Grunde eine Sammelbezeichnung für zahlreiche Gesangs-,
Tanz- und Gitarrenstile ist. Diese Stile oder „Palos“ entstanden
unter dem Einfluss der verschiedensten Kulturen: etwa
dem der Juden, der Mauren und besonders der Gitanos,
einer Untergruppe der Roma. Wichtig waren auch Impulse
aus den ehemaligen spanischen Kolonien in Süd- und Mittelamerika.
Nicht umsonst nennt sich ein Genre der Flamencomusik
„cantos de ida y vuelta“ – Gesänge des Hin- und
Rückwegs. Über Jahrhunderte brachten spanische Siedler
ihre Musik nach Lateinamerika, wo sie sich mit anderen, einheimischen
Stilen mischte und in veränderter Form ins Mutterland
zurückgetragen wurde. Bedeutendste Auffangstation
der „cantos de ida y vuelta“ war Cádiz; hier etablierten
sich dann auch die entsprechenden Flamenco-Palos wie
etwa Colombiana, Guajira, Milonga oder Vidalita. Auf die
andalusische Hafenstadt bezieht sich der erste Teil von
Pepe Romeros Werktitel. Der zweite, „La Habana“, meint
die Hauptstadt Kubas, und zwischen diesen beiden Orten
und ihren typischen Rhythmen bewegt sich die Musik.
Mehr als Lumpenlieder
– Vivaldis Konzerte RV 532 und RV 580
Auch wenn die Gitarre das spanische Instrument schlechthin
ist – auf einen einzigen Nationalcharakter lässt sie sich
doch nicht festlegen. Bereits 1619 schrieb Michael Praetorius
in seinem „Syntagma musicum“ über das
Zupfinstrument: „Und brauchens in Italia die
Ziarlatini und Salt’ in banco (das sind bey uns
fast wie die Comoedianten und Possenreisser)
nur zum schrumpen; darein sie Villanellen
und andere närrische Lumpenlieder singen.“
In der Tat war die Gitarre auch in Italien sehr
beliebt. Man sollte daher meinen, ein Komponist
wie Antonio Vivaldi, der selbst so ungewöhnliche
Instrumente wie Piccoloflöte oder
Dudelsack zu solistischen Ehren kommen ließ,
müsste auch etwas für die Gitarre geschrieben
haben. Das ist aber nicht der Fall – die
beiden Werke des heutigen Programms erklingen
in Bearbeitungen. Das Konzert RV 532
sieht eigentlich zwei Mandolinen als Soloin-
Antonio Vivaldi (1678-1741)
strumente vor, und RV 580 (besser bekannt
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als op. 3 Nr. 10, als zehntes Stück der Sammlung „L’estro
armonico“) vier Violinen. Warum schrieb Vivaldi keine Gitarrenkonzerte?
Vielleicht weil er sich die Gitarre nur als
Begleitinstrument zum Gesang vorstellen konnte. Schon
Praetorius brachte sie ja mit „närrischen Lumpenliedern“
in Verbindung. Und obwohl er zugab, dass „nichts desto
weniger auch andere feine anmuthige Cantiunculae und
liebliche Lieder von eim guten Senger und Musico Vocali
darein musicirt werden“ könnten – mit der menschlichen
Stimme blieb die Gitarre offenbar verbunden. Das von
Praetorius erwähnte „schrumpen“, spanisch „rasgueado“,
italienisch „colpo“ genannt, meint übrigens das Schlagen
von Akkorden, eine Begleittechnik, die für Solokonzerte
kaum nutzbar war. Heute lässt sich Vivaldis Versäumnis
leicht korrigieren. Und mit einer Umwidmung seiner Kompositionen
begeht man auch kein Sakrileg, sondern befindet
sich sogar in bester Gesellschaft: Kein Geringerer als
Johann Sebastian Bach nahm sich Vivaldis Konzert op. 3
Nr. 10 vor und machte daraus sein Konzert für vier Cembali
und Orchester a-Moll BWV 1065.
Vom Gefühl erwärmt
– Peter Tschaikowskys Serenade op. 48
Viele russische Komponisten liebten den Süden. So
schrieb bereits Michail Glinka, der „Vater der russischen
Musik“, nach einer Spanienreise zwei Ouvertüren über
spanische Themen. Seinem Vorbild folgten Nikolai Rimski-
Korsakow („Capriccio espagnol“), Alexander Borodin („Serenata
alla spagnuola“) und Alexander Glasunow (etwa in
seiner Streichquartett-Novelette „alla spagnuola“). Peter
Tschaikowsky verdankte zwei seiner beliebtesten Werke
Anregungen, die er aus Italien mitbrachte: das Streichsextett
„Souvenir de Florence“ und das „Capriccio italien“ für
großes Orchester. Die Streicher-Serenade op. 48 schließlich
weckt schon durch ihre Gattungsbezeichnung Assoziationen
an laue Sommernächte in südlichen Ländern.
Schließlich ist das Wort „Serenade“ von dem italienischen
Adjektiv „sereno“ abgeleitet, das einen klaren, heiteren
Himmel (besonders bei Nacht) meint.
Serenaden sind unterhaltsame Ständchen, leicht fasslich
und am besten im Freien aufzuführen. Normalerweise verbindet
man sie eher mit der Zeit Haydns und Mozarts als
mit dem späten 19. Jahrhundert. Unterhaltung ganz im
Sinne der klassischen Vorbilder bietet denn auch Tschaikowskys
1880 entstandenes Werk. Der erste Satz folgt
im Hauptteil der Form einer frühklassischen zweiteiligen
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Sonatine; eine Andante-Einleitung und
-Coda bilden dazu den Rahmen. „Der
erste Satz“, so schrieb der Komponist an
seine Gönnerin Nadeschda von Meck,
„darf als ein Tribut meiner Mozartverehrung
angesehen werden; er ist eine absichtliche
Nachahmung seines Stils, und
ich würde mich glücklich schätzen, wenn
man fände, dass ich meinem Vorbild einigermaßen
nahegekommen bin.“ Ein eleganter
Walzer in französischem Stil steht
an zweiter Stelle. Dieser Satz ist vielleicht
Tschaikowskys berühmteste Komposition
im Walzer-Genre – er wird häufig auch
separat gespielt und von Choreographen
gelegentlich als Ballettmusik verwendet.
Es folgt eine ausdrucksvolle Elegie, die
sich – wie der Walzer – aus drei Teilen
zusammensetzt. Im belebteren Mittelteil
kommt besonders auffällig die Pizzicato-
Spieltechnik zum Einsatz, die vereinzelt
Peter Iljitsch Tschaikowsky auch in den übrigen Sätzen zu hören ist.
(1840-1893)
Gezupfte Klänge sind geradezu typisch
für Streicherserenaden – sie sollen an Instrumente wie
Gitarre, Mandoline oder Laute erinnern, an die Begleitung
eines gesungenen Ständchens vor dem Fenster der
Geliebten. Dem Finale seiner Serenade gab Tschaikowsky
den Untertitel „Tema russo“. Genau genommen liegen
dem Satz sogar zwei russische Themen zugrunde: ein Reigen
als langsame Einleitung und ein Tanz als turbulentes
Hauptthema. Beide Melodien entnahm der Komponist
seiner eigenen Sammlung „50 russische Volkslieder für
Klavier zu vier Händen“ (1868/69). Insgesamt ist die
Serenade eine eher leichtgewichtige Komposition, die
Tschaikowsky dennoch sehr am Herzen lag. Im Oktober
1880 berichtete er Frau von Meck, er habe sie „aus innerem
Antrieb“ geschrieben. „Sie ist vom Gefühl erwärmt
und – wie ich hoffe – von wirklichem Wert.“
Jürgen Ostmann
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Los Romeros, Gitarrenquartett
Der legendäre Celedonio Romero gründete gemeinsam
mit seinen Söhnen Celin, Pepe und Angel das international
renommierte Ensemble Los Romeros, das Millionen
als die „königliche Familie der Gitarrenmusik“ bekannt
ist. Mit den Debüts von Celino, dem Sohn von Celin, im
Jahr 1990 und Angels Sohn Lito 1996 als Mitglieder des
Ensembles, umfasst die Familie Romero mittlerweile drei
Generationen konzertierender Künstler. Dass es derartig
viele Virtuosen desselben Instruments innerhalb einer
Familie gibt, ist sowohl einmalig in der Musiklandschaft,
als auch beispiellos auf dem Gebiet der klassischen Gitarrenmusik.
Als wahrhafte Institution in der Welt der klassischen
Musik hat das Quartett Los Romeros zahllose Zuhörerschaften
fasziniert und weltweit die Stimmen der Kritik
für sich begeistert. Celedonio Romero verstarb am 8. Mai
1996 im kalifornischen San Diego. Seine Familie sagt, „er
macht die Seele des Quartetts aus, von nun an werden
alle unsere Konzerte eine Hommage an ihn sein“. Seine
Söhne und Enkelsöhne führen ihr Vermächtnis im Sinne
Celedonios fort.
Celedonio Romero war zunächst ein berühmter Solist in
Spanien. Als seine Söhne jeweils das Alter von zwei bis
drei Jahren erreichten, begann er sie im Gitarrenspiel zu
unterrichten. 1957 emigrierte die Familie in die Vereinigten
Staaten von Amerika, wo die Romeros ihre Weltkarriere
begannen, als die Söhne noch Teenager waren.
Seitdem haben sie Hunderte von Konzerten auf der gan-
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Biographie

zen Welt gegeben, beständig ihr Publikum fasziniert und
Kritiker weltweit zu Begeisterungsstürmen hingerissen.
Diese glorreiche Reputation der Romeros wurde dauerhaft
durch wiederholte Auftritte mit nahezu allen großen
Sinfonieorchestern der Vereinigten Staaten bestätigt. Los
Romeros sind besonders beliebt bei College-Publikum
und konzertieren regelmäßig als Teil einer landesweiten
musikalischen Veranstaltungsreihe für Universitäten sowie
der „Fine Arts“-Konzertreihe. Neben regelmäßigen
Auftritten in den USA und Südamerika, gastieren die Los
Romeros regelmäßig in Europa und in Fernost in stets
ausverkauften Konzertsälen. Ob sie als Quartett, Duett
oder Solisten in Recitals oder mit Sinfonieorchestern auftreten,
die Romeros beherrschen die Welt der klassischen
Gitarrenmusik.
Seit nunmehr 50 Jahren inspiriert das Schaffen dreier
Romero-Generationen Komponisten dazu, das Repertoire
für Gitarrenquartett und Orchester zu bereichern, darunter
herausragende Künstler wie Joaquín Rodrigo, Federico
Moreno Torroba, Morton Gould, Francisco de Madina,
Lorenzo Palomo und andere. Im Laufe der Jahrzehnte entstanden
zahlreiche Einspielungen auf Schallplatte und
CD. Der NDR produzierte und sendete „Los Romeros: Die
Gitarren-Dynastie“, einen Dokumentarfilm von Michael
Valentin und Martin Feil. Um es mit den Worten des spanischen
Komponisten Joaquín Rodrigo zu sagen: „Los Romeros
haben die Technik des Gitarrenspiels dahingehend
entwickelt, Schwieriges einfach aussehen zu lassen. Ohne
Zweifel sind sie die Großmeister an der Gitarre.“
Zu Beginn des Jahres 2007 wurden die Romeros im
Rahmen der Grammy-Verleihung in Los Angeles für ihre
künstlerischen Errungenschaften geehrt. Dabei wurde
Ihnen der renommierte Preis The Recording Academy
President’s Merit Award verliehen.
Anlässlich des 50. Quartett-Jubiläums erschien im Februar
2009 bei SONY Classical eine CD mit dem Titel „Celebration“.
Darüber hinaus unternahmen Los Romeros im
Jubiläumsjahr eine Tournee mit dem Königlichen Sinfonieorchester
Sevilla und Pedro Halffter mit ausverkauften
Konzerten in den Musikmetropolen Deutschlands, Österreichs
und der Schweiz, gefolgt von weiteren Konzerten
mit internationalen Orchestern und Dirigenten sowie
zahlreichen Recitals rund um die Welt.
Das Quartett Los Romeros spielt in folgender Besetzung:
Pepe, Celin, Celino und Lito Romero.
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Violine 1
Zohar Lerner
Dr. Nanna Koch
Marlise Riniker
Anna Elina Reimers
Aleksandar Maletic
Rebecca Boyer
Violine 2
Johannes Hehrmann
Stefan Schubert
Frank Willekens
Gretchen Wallbrunn
Erika Araki
Viola
Irene Lachner
Hans Georg Fischer
Stefan Maneth
Götz Engelhardt
Violoncello
Gabriel Faur
Georg Oyen
Patrick Burkhardt
Kontrabass
Renger Woelderink
Arthur Balogh
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Ausführende

Informationen
Das 2. Babykonzert am 22. März 2012 ist ausverkauft!
Die Babykonzerte richten sich an Mütter und Väter mit
Säuglingen und Babys von bis zu einem Jahr. Bereits das
erste Babykonzert des WKO unter der Leitung von Ruben
Gazarian hat sich großen Zuspruchs erfreut. Für das
zweite Konzert, bei dem die Musiker nicht auf, sondern
vor der Bühne Platz nehmen und der Publikumsraum mit
Krabbelmatten ausgelegt ist, sind nun bereits alle Karten
verkauft.
Für diejenigen, die Eintrittskarten haben: Das Babykonzert
findet um 15 Uhr im Forum redblue des Veranstaltungscenters
redblue statt. Einlass ist ab 14.30 Uhr, für
Kinderwagenparkplätze ist gesorgt.
Einführungsvortrag „Das Solokonzert bei Beethoven“
Vor dem 8. Heilbronner Konzert, in dem Ludwig van
Beethovens Konzert für Orchester Nr. 5 in Es-Dur und Felix
Mendelssohn Bartholdys Sinfonie Nr. 4 in A-Dur zur
Aufführung kommen werden, findet am Mittwoch, dem
18. April 2012 um 19.30 Uhr ein Einführungsvortrag von
Roland Bauer mit dem Titel „Das Solokonzert bei Beethoven“
in der VHS Heilbronn (VHS im Deutschhof, Kirchbrunnenstraße
12) statt. Vorherige Anmeldung unter
07131-99650 wird erbeten.
WKO-Newsletter
Seit Anfang des Jahres
bietet das WKO einen
Newsletterdienst
an. Der WKO-Newsletter
informiert Sie
regelmäßig über alle
wichtigen Konzerte
und Ereignisse vor
und hinter der Bühne
und rund um das Württembergische Kammerorchester
Heilbronn. Hier erfahren Sie in verschiedenen Rubriken
mehr zum Hintergrund der Konzerte, werden mit musikgeschichtlichen
oder personellen Details versorgt, können
Ihre Meinung äußern oder mit ein bißchen Glück eine
Konzertkarte gewinnen.
Über die Homepage www.wko-heilbronn.de können Sie
den Newsletter unter der Rubrik „Service“ abonnieren.
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Die Winterreise für Kinder
Familienvorstellung
Sa 24. März 2012, 15 Uhr
Harmonie Heilbronn
Wilhelm-Maybach-Saal
Matthias Horn – Gesang
Christoph Ullrich – Klavier
Ruben Gazarian – Dirigent
Württembergisches
Kammerorchester Heilbronn
Ein musikalisches
Projekt für Kinder nach
„Die Winterreise“
von Franz Schubert.
„Schubert um 4“ Nr. 4
So 1. April 2012, 16 Uhr
Schießhaus Heilbronn
Frankfurter Str. 65
Rebecca Boyer – Violine
Ann Joana Druyts – Klavier
Gabriel Fauer – Violoncello
Jonas Khalil – Gitarre
Franz Schubert:
Sonatine D-Dur D 384
Sonatine g-Moll D 408
Sonate für Arpeggione
(Violoncello) und Klavier (Gitarre) a-Moll D 821
Konzert im Rahmen des Festprogramms zur
Wiedereröffnung der Stadthalle Schwaigern
So 1. April 2012, 18 Uhr
Evangelische Stadtkirche Schwaigern
Werke von Max Reger, Benjamin Britten, Ottorino Respighi,
Dimitri Schostakowitsch, Jean Sibelius
Karten unter 07138-998200 (Volksbank Schwaigern)
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Konzertankündigung

Impressum
Herausgeber:
Württembergisches Kammerorchester Heilbronn
Moltkestr. 11
74072 Heilbronn
www.wko-heilbronn.de
Programmtexte: Jürgen Ostmann
Redaktion: Judith Heinrich
Programm- und Besetzungsänderungen vorbehalten.
© 2012 Württembergisches Kammerorchester Heilbronn
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Geräte vor dem Konzert auszuschalten, um einen
ungestörten Konzertbesuch zu ermöglichen! Fotografieren,
Ton- und Bildaufzeichnungen sind nicht gestattet.
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