Verlag Walthe Herb - Buchhandlung Walther König
Verlag Walthe Herb - Buchhandlung Walther König
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<strong>Verlag</strong> der <strong>Buchhandlung</strong><br />
<strong>Walthe</strong>r <strong>König</strong><br />
<strong>Herb</strong>st / Fall 2009
Auslieferungen + Vertreter /<br />
Agents + Representatives<br />
Berlin und Neue Bundesländer,<br />
Niedersachsen, Hamburg,<br />
Schleswig-Holstein, Rheinland-Pfalz,<br />
Saarland<br />
Salchli <strong>Verlag</strong>svertretungen<br />
Immanuelkirchstr. 12, 10405 Berlin<br />
tel. +49 (0)30 41 71 75 30<br />
fax +49 (0)30 41 71 75 31<br />
salchli@t-online.de<br />
Nordrhein-Westfalen, Nord-Hessen<br />
Henner Voss<br />
Zievericher Mühle 1, 50126 Bergheim<br />
tel. +49 (0)2271 442 09<br />
fax +49 (0)2271 446 17<br />
Hessen, Baden-Württemberg,<br />
Bayern und Österreich<br />
Michael Klein<br />
c/o Vertriebsberatung Hagedorn<br />
Friedhofsweg 29, 22337 Hamburg<br />
tel. +49 (0)40 5132 2220<br />
fax +49 (0)40 5132 2252<br />
mklein@vertriebsberatung-hagedorn.de<br />
Schweiz<br />
Buch 2000<br />
c/o AVA <strong>Verlag</strong>sauslieferungen AG<br />
Centralweg 16<br />
CH-8910 Affoltern a.A.<br />
tel. + 41 (0) 44 762 42 60<br />
fax + 41 (0) 44 762 42 10<br />
a.koll@ava.ch<br />
Markus Wieser<br />
Kasinostrasse 18, 8032 Zürich<br />
tel. +41 (0) 44 260 36 05<br />
fax +41 (0) 44 260 36 06<br />
wieser@bluewin.ch<br />
UK & Eire<br />
Cornerhouse Publications<br />
70 Oxford Street<br />
GB-Manchester M1 5NH<br />
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Benelux<br />
Berend Bosch<br />
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2201 HA Noordwijk<br />
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Frankreich / France<br />
Anselm Robinson<br />
European Marketing Service<br />
55 Overhill Road, Dulwich<br />
GB-London SE 22 OPQ<br />
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anselm.robinson@ntlworld.com<br />
Südeuropa / Southern Europe<br />
Bookport Associates, Joe Portelli<br />
via Luigi Salma, 7, I-20094 Corsico (MI)<br />
fon +39 02 4510 3601<br />
fax +39 02 4510 6426<br />
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Outside Europe<br />
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Elisa Leshowitz, 155 Sixth Avenue/<br />
2nd Floor, New York, NY 10013–1507, U.S.A.<br />
fon +1 (0)212 627 1999 205<br />
fax +1 (0)212 627 9484<br />
eleshowitz@dapinc.com<br />
verlag der buchhandlung<br />
walther könig, köln<br />
Eva Möller, Leitung Vertrieb und PR /<br />
Head of Distribution and PR<br />
Ehrenstraße 4, d-50672 Köln<br />
tel. +49 (0)221 205 96 53<br />
fax +49 (0)221 205 96 60<br />
verlag@buchhandlung-walther-koenig.de<br />
Alle Preise inkl. MwSt. freibleibend.<br />
Cover: Candida Höfer, Nordkuppelsaal, Neues Museum Berlin<br />
© VG Bild-Kunst, Bonn 2009, für Candida Höfer
18 x 24,5 cm, 80 pages,<br />
58 col. illustrations.<br />
Hardcover with dust jacket<br />
English<br />
978-3-86560-584-9<br />
€ 24,80 / chf 44,–<br />
Artist Book / Künstlerbuch<br />
Ellsworth Kelly, born 1923 in<br />
Newburgh, New York, lives and<br />
works in Spencertown, New York.<br />
Hans Ulrich Obrist,<br />
born 1968 in Zurich, lives and<br />
works in London.<br />
herbst / fall 2009<br />
Ellsworth Kelly.<br />
Thumbing through the Folder.<br />
A Dialogue on Art and Architecture with Hans Ulrich Obrist<br />
Ellsworth Kelly, now more than 85 years old, reminisces with great enthusiasm and not<br />
a hint of nostalgia, on his life, his work and encounters and experiences with teachers<br />
and colleagues. These include Max Beckmann, Brancusi, Léger and Vantongerloo, whom<br />
he visited weekly while in Paris, in order to watch him paint. Central to the book is a<br />
series of painted over and collaged postcards dating from 1949 – 1984, which Kelly has<br />
released for publication for the fi rst time. By means of these ‘recollections’ he discusses<br />
his artistic credo and development of an ‘artistic manifesto’. He talks about his interest<br />
in architecture, about the painters who infl uenced him and his proposal for the Ground<br />
Zero site.<br />
It is the positive spirit of this great maverick of art that makes this small book a huge<br />
literary journey.<br />
Ohne nostalgischen Ton und mit großer Begeisterung erinnert sich der heute weit<br />
über 85-jährige Künstler an sein Leben, seine Arbeit und Begegnungen mit Lehrern<br />
und Künstlerkollegen, so an Max Beckmann, Brancusi, Léger und Vantongerloo, den er<br />
zeitweise wöchentlich in Paris besuchte, um ihm beim Malen zuzusehen. Mittelpunkt<br />
des Buches ist eine Reihe von übermalten und collagierten Postkarten aus den Jahren<br />
1949–1984, die er erstmals aus seinem Archiv zur Veröffentlichung freigibt. Anhand<br />
dieser „Erinnerungen“ erörtert er sein künstlerisches Credo und seine Entwicklung als<br />
„künstlerisches Manifest“. Er spricht über sein Interesse an Architektur, über Maler,<br />
die ihn beeinfl usst haben, bis hin zu seinem Entwurf für das World Trade Center.<br />
Es ist die positive Haltung des großen Einzelgängers in der Kunst der letzten 70 Jahre,<br />
die das bescheidene Buch zu einer großen Lesereise macht.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 1
Gerhard Richter – weiterhin lieferbare<br />
Titel / still available titles:<br />
Zur Entstehung der abstrakten<br />
Bilder. 2009<br />
978-3-86560-651-8<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
18. Oktober 1977. 3. Aufl age. 2005<br />
978-3-88375-105-4<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
66 Zeichnungen. Halifax 1978. 1997<br />
978-3-88375-263-1<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Arbeiten auf Papier /<br />
Works on paper. 2005<br />
978-3-00-017217-5<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Atlas. Deutsche Ausgabe. 2006<br />
978-3-88375-801-5<br />
€ 49,80 / chf 84,–<br />
2 herbst / fall 2009<br />
Atlas. English edition. 2006<br />
978-3-86560-152-0<br />
€ 49,80 / chf 84,–<br />
Robert Storr. Cage.<br />
6 Bilder von Gerhard Richter. 2009<br />
978-3-86560-591-7<br />
€ 38,– / chf 64,–<br />
Das Kölner Domfenster. DVD. 2008<br />
978-3-86560-547-4<br />
€ 24,– / chf 43,–<br />
Elbe. 2009<br />
978-3-86560-588-7<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Sechs Vorträge über<br />
Gerhard Richter<br />
978-3-86560-299-2<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln<br />
Survey. English edition. 2000<br />
978-3-88375-479-6<br />
€ 24,80 / chf 44,–<br />
Text 1961 – 2007. 2008<br />
978-3-86560-185-8<br />
€ 48,– / chf 81,–<br />
Übersicht. 2000<br />
978-3-88375-446-8<br />
€ 24,80 / chf 44,–<br />
Wald. 2008<br />
978-3-86560-503-0<br />
€ 58,– / chf 98,–<br />
Zufall – das Kölner Domfenster<br />
und 4900 Farben. 2007<br />
978-3-86560-298-5<br />
€ 34,– / chf 58,–
17 x 25 cm, 184 pages,<br />
102 col. illustrations,<br />
the book can be used vice versa.<br />
Softcover with relief embossing<br />
English<br />
978-3-86560-692-1<br />
€ 38,– / chf 64,–<br />
Artist Book / Künstlerbuch<br />
Gerhard Richter,<br />
born 1932 in Dresden,<br />
lives and works in Cologne.<br />
herbst / fall 2009<br />
Gerhard Richter.<br />
Obrist – O’Brist<br />
Gerhard Richter and Hans Ulrich Obrist have known each other since 1985. Their collaboration<br />
began seven years later when the 24-year-old Obrist curated his fi rst Richter<br />
exhibition. The following year he published a collection of his writings. Now Gerhard<br />
Richter has dedicated an artist’s book to this long-standing relationship.<br />
The texts in the book have been created by rearranging interviews by Hans Ulrich Obrist<br />
using a random generator. These are set in blocks without defi ned passages or paragraphs.<br />
The colour plates are made up of photographs, both portraits and mementos,<br />
of Hans Ulrich Obrist from the past 15 years and close-ups of Richter’s paintings, which<br />
Richter has then painted over using brushes and scrapers.<br />
Richter has arranged the image, text and interleaf pages into a composition that gives<br />
the book a thrilling dramaturgy. Upside down pages appear time and again meaning<br />
that the book, which has two different sleeves, can be viewed from both sides. Both of<br />
the original sleeve designs, Obrist and O’Brist, are embossed, the motif standing out<br />
from the background.<br />
Dem Buch als autonomes Kunstwerk schenkt Gerhard Richter seit einigen Jahren<br />
größere Aufmerksamkeit. Nach War Cut und Wald ist seine Beziehung zum Kurator<br />
und Autor Hans Ulrich Obrist, mit dem er seit 1985 immer wieder zusammengearbeitet<br />
hat, Thema dieses Künstlerbuches. Es ist eine persönliche Auseinandersetzung<br />
zwischen Distanz und Nähe mit manchmal liebevoller Ironie.<br />
Der Text wurde mithilfe eines Zufallsgenerators aus englischsprachigen, von Hans<br />
Ulrich Obrist geführten Interviews generiert und ohne Einzüge und Absätze fl ächig<br />
gesetzt. Die „Familienfotos“ hat Richter mit Ölfarbe mit dem Pinsel oder Rakel übermalt<br />
und durch freie Arbeiten ergänzt.<br />
Bild-, Text- und Vakatseiten wurden von Richter zu einer Komposition zusammengestellt,<br />
die dem Buch eine spannende Dramaturgie verleiht. Immer wieder stehen<br />
Seiten auf dem Kopf, sodass das mit zwei vice versa angeordneten Umschlägen<br />
versehene Buch von beiden Seiten gelesen werden kann.<br />
Obrist – O’Brist ist ein facettenreiches Porträt, in dem emotionale Phasen durch<br />
strenge relativiert werden.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 3
15,2 x 21,2 cm, 164 pages,<br />
162 col. illustrations.<br />
Hardcover with embossing<br />
English<br />
978-3-86560-669-3<br />
€ 34,– / chf 58,–<br />
Artist Book / Künstlerbuch<br />
Jennifer Allora (*1974, Philadelphia, USA)<br />
and Guillermo Calzadilla (*1971, Cuba)<br />
are based in San Juan, Puerto Rico,<br />
and have been working<br />
collaboratively since 1995.<br />
Temporäre Kunsthalle Berlin, 2009<br />
Allora & Calzadilla – still available<br />
titles / weiterhin lieferbare Titel:<br />
Stop, Repair, Prepare. 2008<br />
978-3-86560-474-3<br />
€ 32,– / chf 55,–<br />
Ω Vorzugsausgabe<br />
Allora & Calzadilla. Stop, Repair, Prepare<br />
(m. beiliegender Fotografi e) Aufl . 20 + 5 A.P.<br />
€ 298,– / chf 500,–<br />
4 herbst / fall 2009<br />
Allora & Calzadilla.<br />
& Etcetera<br />
This artist book presents a selection of images that Allora & Calzadilla have collected<br />
over the course of a decade. None of these images are documentation or research<br />
for any particular work. Rather, these images present a parallel component to their<br />
practice. They are presented in this book as a succession of pairings, organized in a<br />
non-illustrative and ultimately intuitive arrangement. This series of pictures can be<br />
understood as an independent, intuitive composition, which offers insight into the<br />
artist’s thinking and methodology. Arranged in pairs of pictures, this is a sequence<br />
of paintings, illustrations and photographs, which don’t follow any illustrative or<br />
conclusive order, but rather reveal a contradictory system of interests and motivations.<br />
Die Künstler haben vor zehn Jahren begonnen ein Bildarchiv anzulegen. Keines dieser<br />
Bilder wurde bisher als Anregung oder Vorlage für Arbeiten gebraucht.<br />
Die Bilderfolge ist ein eigenständiges, intuitiv zusammengestelltes Werk, das einen<br />
Einblick in das Denken und die Arbeitsweise der Künstler liefert. Jeweils als Bildpaar<br />
angeordnet handelt es sich dabei um eine Abfolge von Gemälden, Illustrationen und<br />
Fotografi en, die keiner illustrativen oder abgeschlossenen Ordnung gehorcht, sondern<br />
vielmehr ein widersprüchliches System von Interessen und Motivationen offenlegt.<br />
koenig books, london
19 x 28,5 cm, 124 Seiten,<br />
186 farbige Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-689-1<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Kunst / Art<br />
Lucy McKenzie, geb. 1977 in Glasgow,<br />
lebt und arbeitet in Glasgow und<br />
Brüssel. Sie studierte am Duncan of<br />
Jordanstone College of Art und<br />
Design, Dundee und an der<br />
Kunstakademie Karlsruhe.<br />
herbst / fall 2009<br />
Lucy McKenzie.<br />
Chêne de Weekend<br />
Essays von Lucy McKenzie. Mit einem Beitrag von Barbara Engelbach und einem<br />
Nachwort von Kasper <strong>König</strong><br />
Die Gemälde der schottischen Künstlerin Lucy McKenzie machen deutlich, wie<br />
heutige Malerei, die über die rein ästhetische Erfahrung hinausgeht, begriffen<br />
werden kann. In dem von ihr selbst konzipierten und gestalteten Buch stellt sie in<br />
Text und Bild ihre Arbeiten der letzten drei Jahre vor. Die großformatigen Gemälde<br />
zeigen Interieurs, die sich auf Entwürfe von Inneneinrichtungen des 19. Jahrhunderts<br />
beziehen. Bei diesen bis zu acht Meter hohen Gemälden nutzt sie die historische<br />
Technik der Trompe-l’œil-Malerei und stellt sie wie eine Theaterkulisse in Museen in<br />
Edinburgh, San Francisco, New York und Köln auf.<br />
Die handwerkliche Qualifi kation der angewandten Künste sieht sie als ein Vorbild,<br />
das sie auch durch Aufträge und Kollaborationen im Bereich von Mode und Musik<br />
sowie durch ihre Teilnahme an „Atelier“ – einer Gruppe für Inneneinrichtungsprojekte<br />
– einzubringen versteht.<br />
In dem Buch legt die Künstlerin ihre Motivation für ihre komplexe Herangehensweise<br />
in einem eigenen Text dar, ergänzt durch zwei weitere Texte der Künstlerin: zum einen<br />
ein fi ktionalisierter Bericht ihrer Ausbildungszeit an der Ecole van der Kelen (einer<br />
traditionellen Malschule in Brüssel) zur Trompe-l’œil-Malerin, sowie zum anderen<br />
eine Hommage an die Modedesignerin Beca Lipscombe, mit der sie u.a. in „Atelier“<br />
zusammenarbeitet.<br />
This book, which was conceived and designed by the artist herself, presents her work of<br />
the last three years in text and image. Her huge paintings illustrate interiors and reference<br />
interior design drafts from the 19th century. In these paintings, which are up to<br />
eight metres tall, she uses the historical technique of Trompe-l’œil painting and exhibits<br />
them like pieces of theatre scenery in museums in Edinburgh, San Fransisco, New York<br />
and Cologne.<br />
In this book she explains the motivation behind her complex approach. This is complimented<br />
by two more written pieces: a fi ctional account of her time studying Trompel’œil<br />
painting at the Ecole van der Kelen (a traditional painting school in Brussels) and a<br />
homage to the fashion designer Beca Lipscombe, one of her collaborators in ‘Atelier’.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 5
6 herbst / fall 2009<br />
In this new book by Hans Belting, three monographic essays are united by one common<br />
problematic—the need for perspective after the end of perspective in modern art. Hans<br />
Belting not only opens up new ways of looking at the works of Marcel Duchamp, Hiroshi<br />
Sugimoto and Jeff Wall, but also deals with the concept of perspective in their work.<br />
The door that Marcel Duchamp installed in Philadelphia is a metaphor for a brilliant<br />
strategy that redirects the worn-out view of perspective back to one’s self.<br />
Hiroshi Sugimoto and Jeff Wall, two protagonists of photography in contemporary<br />
art, both looked through this door as they became artists and have both referenced<br />
Duchamp time and again. Belting’s analysis and surprising discoveries also open up a<br />
new way of looking at Duchamp—a lifelong experiment, in which art, in the name of<br />
perspective, is freely negotiated with the viewer. It was a bout of seasickness on a trip<br />
to Buenos Aires that gave Duchamp the impulse for his highly original refl ection on<br />
horizon, perspective and gravity.<br />
Hans Belting’s very knowledgeable and coherent reasoning makes for a highly<br />
captivating book, embellished with 79 illustrations to help lead the reader through<br />
the pictorial art of perspective.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
15 x 23 cm, 192 Seiten,<br />
30 farbige und 35 s/w Abbildungen.<br />
Pappband mit Schutzumschlag<br />
Deutsche Ausgabe:<br />
978-3-86560-488-0<br />
€ ca. 29,80 / chf 49,90<br />
English edition:<br />
978-3-86560-605-1<br />
€ c. 29,80 / chf 49,90<br />
Kunsttheorie / Art Theory<br />
Oktober / October 2009<br />
Hans Belting, Kunsthistoriker und<br />
Bildtheoretiker, war Mitbegründer der<br />
Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe<br />
und berät derzeit das Projekt Global Art<br />
and the Museum am Zentrum für Kunst<br />
und Medientechnologie in Karlsruhe.<br />
Er ist bekannt geworden als Autor von<br />
Büchern wie Bild und Kult,<br />
Die Erfi ndung des Gemäldes oder<br />
zuletzt, Florenz und Bagdad. Eine<br />
westöstliche Geschichte des Blicks.<br />
herbst / fall 2009<br />
Hans Belting.<br />
Der Blick hinter Duchamps Tür.<br />
Kunst und Perspektive bei Duchamp. Sugimoto. Jeff Wall /<br />
Looking through Duchamp’s Door.<br />
Art and Perspective in the Work of Duchamp. Sugimoto.<br />
Jeff Wall<br />
Hans Belting vereint in seinem neuen Buch drei monografi sche Essays unter einer<br />
gemeinsamen Fragestellung: der Frage nach einer Perspektive nach dem Ende der<br />
Perspektive in der modernen Kunst. Hans Belting eröffnet nicht nur neue Einblicke<br />
in die Werke von Marcel Duchamp, Hiroshi Sugimoto und Jeff Wall, das Buch handelt<br />
vom Umgang mit der Perspektive in den Arbeiten der drei Künstler.<br />
Die Tür, die Marcel Duchamp in Philadelphia einbaute, ist eine Metapher für eine<br />
brillante Strategie, den abgenutzten Blick in der Perspektive auf sich selbst zurückzuführen.<br />
Der Japaner Hiroshi Sugimoto und der Kanadier Jeff Wall, zwei Protagonisten der<br />
Fotografi e in der zeitgenössischen Kunst, haben beide durch diese Tür geschaut, als<br />
sie ihr Werk begannen, und sich immer wieder auf Duchamp bezogen. Aber auch bei<br />
Duchamp, dem Großmeister der modernen Konzeptkunst, eröffnen Beltings Analysen<br />
und seine überraschenden Funde einen neuen Blick auf ein lebenslanges Experiment,<br />
bei dem die Kunst, im Namen der Perspektive, frei mit dem Betrachter ausgehandelt<br />
wird. Auf der Reise nach Buenos Aires gibt die Seekrankheit Duchamps den Impuls für<br />
eine höchst originelle Refl exion über Horizont, Perspektive und Schwerkraft.<br />
Das Buch besticht durch Hans Beltings höchst kenntnisreiche und verständliche<br />
Argumentationslinie. Die 65 Abbildungen führen den Leser durch die Bildkunst der<br />
Perspektive.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 7
Joseph Rykwert, geb. 1926 in<br />
Warschau, 1939 nach England<br />
emigriert. Architekturhistoriker, lehrte<br />
an den Universitäten von Essex und<br />
Cambridge. Emeritus der Paul-Philippe-<br />
Cret-Professur für Architektur und<br />
Professor für Kunstgeschichte an der<br />
University of Pennsylvania.<br />
Thomas Weski, geb. 1953 in Hannover,<br />
Kurator beim Siemens Arts Program,<br />
München, Fotogalerie Spectrum im<br />
Sprengel Museum Hannover.<br />
1992–2000 Kurator am Sprengel<br />
Museum, Hannover.<br />
Peter-Klaus Schuster, geb. 1943 in Calw,<br />
1978–1981 Konservator am Germanischen<br />
National museum, Nürnberg.<br />
1988 Hauptkonservator der Berliner<br />
National galerie, 1999–2008 Generaldirektor<br />
der Staatlichen Museen zu<br />
Berlin und Direktor der Nationalgalerie.<br />
„Bauherr “ des Neuen Museum.<br />
8 herbst / fall 2009<br />
This book, edited by David Chipperfi eld, documents his most important project to date:<br />
the Neues Museum, the centrepiece of the Berlin Museumsinsel. Here he connects<br />
the old and the new in a completely novel way. As he says himself, he ‘proceeded like<br />
a painter, who painstakingly considers every dab of paint’. Photographs by Candida<br />
Höfer show the rooms after their completion and before they were furnished. As Höfer<br />
avoided using artifi cial light, the rooms are bathed in a soft natural light. These critical<br />
moments are perfectly reproduced in the book as matt colour plates. The photographer<br />
is inspired by the empty rooms and grandiose corridors of space to then dedicate her<br />
attention to the architect’s interventions.<br />
This artistic-photographic documentation is complimented by texts from wellknown<br />
architects, architectural historians, art historians and conservation architects.<br />
They highlight the fundamental principles of the project of conservation and<br />
complementation.<br />
Kenneth Frampton discusses the almost historical endeavour to restore such a building<br />
and responds to Chipperfi eld’s architectural interventions, purely abstract forms<br />
that avoid any trace of kitsch. Joseph Rykwert describes the fragmented history ‘of<br />
which this building is evidence, thanks to its manifold layers’. An interview with David<br />
Chipperfi eld by Wolfgang Wolters imparts insights into the problems and questions<br />
that the restoration posed and in his contribution, Thomas Weski takes a closer look<br />
at Candida Höfer’s photography. In addition, a chronology offers an overview of<br />
the history of the building, the request for proposals for its reconstruction and the<br />
restoration itself.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
17 x 24 cm, 288 Seiten,<br />
104 s/w und 72 farbige Abbildungen.<br />
Klappenbroschur mit Otabind-Bindung<br />
Deutsche Ausgabe:<br />
978-3-86560-353-1<br />
€ 38– / chf 58,–<br />
English edition:<br />
978-3-86560-704-1<br />
€ 38,– / chf 58,–<br />
Architektur / Architecture<br />
Neues Museum Berlin, 2009<br />
David Chipperfi eld, geb. 1953 in London,<br />
eröffnete 1984 sein Büro. Heute arbeiten<br />
rund 180 Mitarbeiter für David Chipperfi<br />
eld Architects in London, Berlin, Mailand<br />
und Shanghai. Das Büro hat mehr als<br />
40 nationale und internationale Wettbewerbe<br />
und zahlreiche internationale Preise<br />
und Auszeichnungen gewonnen.<br />
Kenneth Frampton, geb. 1930 in Woking,<br />
Großbritannien. Architekt, Kritiker und<br />
Historiker, Ware-Professur für Architektur<br />
an der Graduate School of Architecture,<br />
Planning, and Preservation der<br />
Columbia University, New York.<br />
Jonathan Keates, geb. 1946 in Paris,<br />
studierte am Magdalen College,<br />
Oxford. Unterrichtet er an der<br />
City of London School.<br />
Distribution in the UK by<br />
Thames & Hudson, London<br />
herbst / fall 2009<br />
Neues Museum Berlin<br />
David Chipperfield Architects<br />
in Zusammenarbeit mit Julian Harrap<br />
Fotografien von Candida Höfer<br />
Texte von Kenneth Frampton, Julian Harrap, Jonathan Keates,<br />
Rik Nys, Joseph Rykwert, Karsten Schubert, Peter-Klaus Schuster,<br />
Álvaro Siza, Thomas Weski, Wolfgang Wolters im Gespräch<br />
mit David Chipperfield<br />
Ω „Weder wollten wir der Zerstörung<br />
ein Denkmal setzen, noch<br />
eine historische Nachbildung<br />
bauen. Unsere Vision war es, diese<br />
einzigartige Ruine, die nicht nur die<br />
Kriegszerstörungen, sondern auch<br />
den Erosionsprozess der letzten 60<br />
Jahre überlebt hat, zu bewahren<br />
und sinnvoll nutzbar zu machen.“<br />
(David Chipperfi eld)<br />
Neues Museum Berlin.<br />
David Chipperfi eld Architects in Zusammenarbeit mit<br />
Julian Harrap. Fotografi en von Candida Höfer. /<br />
David Chipperfi eld Architects in Collaboration with<br />
Julian Harrap. Photography by Candida Höfer<br />
Vorwort von Álvaro Siza. Einleitung von David Chipperfi eld. Texte von Kenneth<br />
Frampton, Julian Harrap, Jonathan Keates, Rik Nys, Joseph Rykwert, Karsten Schubert,<br />
Peter-Klaus Schuster und Thomas Weski, Wolfgang Wolters im Gespräch mit<br />
David Chipperfi eld<br />
Das von David Chipperfi eld herausgegebene Buch dokumentiert sein bisher<br />
wichtigstes Projekt: Das Neue Museum, Herzstück der Berliner Museumsinsel.<br />
Hier verbindet er Alt und Neu auf ganz neue Art und Weise. Er sei „wie ein Maler<br />
vorgegangen, der jeden Farbtupfer sorgfältig bedenkt“, sagt er von sich. Die<br />
Fotografi en von Candida Höfer zeigen die Räume nach ihrer Fertigstellung und vor<br />
deren Einrichtung. Da Höfer auf künstliches Licht verzichtet hat, sind die Räume<br />
in ein sanftes Tageslicht getaucht. Im Buch werden diese kritischen Momente als<br />
matt gedruckte Farbtafeln perfekt wiedergegeben. Die Fotografi n begeistert sich<br />
an den leeren Räumen und grandiosen Raumfl uchten, um dann den Eingriffen des<br />
Architekten ihre Aufmerksamkeit zu widmen.<br />
Diese künstlerisch-fotografi sche Dokumentation wird durch Texte namhafter<br />
Architekten, Architekturhistoriker, Kunsthistoriker und Denkmalpfl eger ergänzt. Sie<br />
beleuchten das dem Projekt zugrunde liegende Prinzip von Erhaltung und Ergänzung.<br />
Kenneth Frampton erörtert die fast historisch zu nennende Anstrengung, den<br />
Bau solcherart wiederherzustellen, und geht auf Chipperfi elds architektonische<br />
Interventionen ein, seine rein abstrakten Formen, die jeglichen Anfl ug von Kitsch<br />
vermeiden. Joseph Rykwert beschreibt die fragmentarische Geschichte, „von<br />
der dieses Gebäude dank seiner vielfältigen Schichten zeugt“. Ein Interview von<br />
Wolfgang Wolters mit David Chipperfi eld gewährt Einblicke in die Probleme<br />
und Fragestellungen, die die Restaurierung aufwarf. Thomas Weski schließlich<br />
geht in seinem Beitrag näher auf die Fotografi en von Candida Höfer ein. Eine<br />
Chronologie bietet zusätzlich einen Überblick über die Geschichte des Gebäudes, die<br />
Ausschreibung zum Wiederaufbau und die Restaurierung.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 9
20 x 27 cm, 160 pages,<br />
c. 126 col. illustrations.<br />
Softcover with dust jacket<br />
English<br />
978-3-86560-688-4<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Architecture / Architektur<br />
David Chipperfi eld, born 1953 in<br />
London. His bureau David Chipperfi eld<br />
Architects was established in 1984 and<br />
the practice currently has over 180 staff<br />
at its main offi ces in London, Berlin<br />
and Milan and representative offi ce in<br />
Shanghai. The practice has won over<br />
40 competitions and many international<br />
awards and citations for design<br />
excellence, including RIBA, RFAC & AIA<br />
awards and the Stirling Prize 2007.<br />
Design Museum, London,<br />
21.10.2009 – 31.01.2010<br />
10 herbst / fall 2009<br />
David Chipperfi eld.<br />
Form Matters<br />
Introduction by Deyan Sudjic. Essays by David Chipperfi eld<br />
This publication was initiated by David Chipperfi eld who also is responsible for concept<br />
and design. In four chapters he refers to topics he also writes on: ‘On Form’, ‘Language’,<br />
‘Composition’, and ‘Materiality’. He did also choose for the images and architectural<br />
sketches and drawings.<br />
Ω ‘As architects we must both be part of and stand apart from the culture within<br />
which we operate. To be effective we must embrace power but also distance ourselves,<br />
we must engage in dialogue and we must refuse to listen, we must explore<br />
the familiar and the unfamiliar, we must embrace history and reject it. Finally we<br />
must resolve our ideas in matter and form.’ (David Chipperfi eld)<br />
David Chipperfi eld presents a very personal ‘notebook’ that follows no fi xed system,<br />
but rather documents the realisation of formal ideas from his own viewpoint, using<br />
sketches, plans and illustrations of built and unbuilt projects—a personal statement on<br />
his work to date. He explores the relationship between form and matter, both conceptually<br />
and in its concrete realisation in architecture.<br />
David Chipperfi eld legt ein ganz persönliches „Notizbuch“ vor, das keiner festgelegten<br />
Systematik folgt, sondern aus seiner eigenen Sicht die Umsetzung von formalen<br />
Ideen mit Skizzen, Plänen und Abbildungen von gebauten sowie ungebauten Projekten<br />
dokumentiert.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
22 x 25,5 cm, 96 pages,<br />
86 col. illustrations.<br />
Softcover with dust jacket<br />
English<br />
978-3-86560-680-8<br />
€ 24,80 / chf 44,–<br />
Art / Kunst<br />
SANAA (Sejima and Nishizawa<br />
and Associates) was founded in 1995<br />
by the architects Kazuyo Sejima, born<br />
1956, and Ryue Nishizawa, born 1966.<br />
They live and work in Tokyo.<br />
Serpentine Gallery, London, 2009<br />
herbst / fall 2009<br />
SANAA.<br />
Serpentine Gallery Pavilion 2009<br />
Foreword by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist. Texts by Mark Wigley and<br />
Beatrice Galilee. Interview by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist with Kazuyo<br />
Sejima and Ryue Nishizawa<br />
The Serpentine Gallery Pavilion 2009 has been designed by Kazuyo Sejima and Ryue<br />
Nishizawa of leading Japanese architecture practice SANAA. The architects have created<br />
a stunning Pavilion that resembles a refl ective cloud or a fl oating pool of water, sitting<br />
atop a series of delicate columns. The metal roof structure varies in height, wrapping<br />
itself around the trees in the park, reaching up towards the sky and sweeping down<br />
almost to the ground in various places. Open and ephemeral in structure, its refl ective<br />
materials make it sit seamlessly within the natural environment, refl ecting both the<br />
park and sky around it.<br />
Die beiden Architekten, Kazuyo Sejima und Ryue Nishizawa, haben einen atemberaubenden<br />
Pavillon kreiert, der einer besinnlichen Wolke oder einer fl ießenden Wasserlache,<br />
die von mehreren zerbrechlichen Säulen gestützt wird, ähnelt. Das metallene<br />
Dachgerüst, das sich um die Bäume zu schlängeln scheint, hat keine einheitliche<br />
Höhe: Mal scheint es sich gen Himmel zu strecken, dann berührt es wieder fast den<br />
Boden. Durch die offene, vergängliche Struktur und das refl ektierende Material,<br />
das den Park und den Himmel spiegelt, passt der Pavillon nahtlos in die natürliche<br />
Umgebung. Das Buch gibt den gewachsenen, poetischen Charakter des scheinbar<br />
schwebenden Baldachins am polierten Aluminium mit pastös perfekt gemessenen<br />
Farbtafeln auf festem chamoisfarbigen Papier kongenial wieder.<br />
koenig books, london 11
22 x 27,2 cm, 138 Seiten,<br />
45 farbige Abbildungen.<br />
Pappband mit Schutzumschlag<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-676-1<br />
€ 34,– / chf 58,–<br />
Kunst / Art<br />
Dirk Stewen, geb. 1972 in Dortmund,<br />
lebt und arbeitet in Hamburg.<br />
1995–2001 Hochschule für bildende<br />
Künste Hamburg.<br />
Overbeck – Gesellschaft, Lübeck, 2009<br />
12 herbst / fall 2009<br />
Dirk Stewen.<br />
While you were out<br />
Herausgegeben von Yilmaz Dziewior<br />
Mit Texten von Elke aus dem Moore und Yilmaz Dziewior. Mit einem Gespräch<br />
zwischen John Stezaker und Dirk Stewen<br />
Dirk Stewen bewegt sich in seinen Aquarellen, Collagen und Fotografi en in privat<br />
anmutenden Szenen, denen er keinen eindeutigen erzählerischen Rahmen zuordnet.<br />
Seine Arbeiten spielen mit Momenten intensiver Gefühle und experimentieren mit<br />
erotischen Anspielungen. Auf fast obsessiv zu nennende Art erzählen sie von Ängsten,<br />
Verletzlichkeit oder Erschöpfung.<br />
Diese erste umfassende Monografi e – von Dirk Stewen selbst gestaltet – vereint<br />
Arbeiten aus allen seinen Werkgruppen. Hierzu zählen seine bekannten, großen dunklen<br />
Bilder, bei denen er unbenutzte Fotopapiere mit Tinte einschwärzt, um sie dann<br />
mit der Nähmaschine und buntem Konfetti in abstrakte Kompositionen zu verwandeln.<br />
Ebenso stellt das Buch exemplarisch seine nicht weniger wichtigen Aquarelle<br />
vor, die von historisch anmutenden Personen bevölkert werden oder nicht fi gurative<br />
Formen wie Kreise bzw. andere amorphe Ensembles aufweisen.<br />
Essays von Yilmaz Dziewior und Elke aus dem Moore sowie ein Interview zwischen<br />
Dirk Stewen und dem Künstler John Stezaker refl ektieren die theoretischen Hintergründe<br />
seiner Vorgehensweise und deren emotionale wie analytischen Prämissen.<br />
Hierbei kommt seine Auseinandersetzung mit dem Medium der Fotografi e ebenso<br />
zur Sprache wie seine Beschäftigung mit dem Kunstsystem, die Stellung des Autors<br />
und sein Verhältnis zu Künstlern wie Robert Mapplethorpe oder Odilon Redon.<br />
This fi rst comprehensive monograph, which is designed by Dirk Stewen himself, brings<br />
together pieces from all of his groups of work. These include his well-known dark<br />
pictures in which unused photo paper is blacked-out with ink before being transformed<br />
into abstract compositions using a sewing machine and colourful confetti. The book<br />
also presents his no less important watercolours, which are inhabited by historical people<br />
or feature non-fi gurative shapes such as circles or other amorphous ensembles.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
30 x 24 cm, 192 pages,<br />
150 col. and 30 b/w illustrations.<br />
Hardcover with slip case<br />
English<br />
978-3-86560-703-4<br />
€ 39,80 / chf 67,–<br />
Art / Kunst<br />
Edward Ruscha, born 1937<br />
in Omaha, Nebraska, lives and<br />
works in Los Angeles.<br />
Hayward Gallery, London,<br />
14.10.2009 – 10.01.2010;<br />
Haus der Kunst, München;<br />
Moderna Museet, Stockholm<br />
herbst / fall 2009<br />
Ed Ruscha.<br />
Fifty Years of Painting<br />
Foreword by Ralph Rugoff. Texts by James Ellroy, Ralph Rugoff, Alexandra Schwartz,<br />
Bruce Wagner and Ulrich Wilmes. Interview by Kristine McKenna<br />
Ed Ruscha is one of the most infl uential and pioneering American artists of the past<br />
half-century. He has forged a richly experimental approach to painting by drawing on<br />
his interests in printed matter, graphic design, cinema, photography and the fl attened<br />
cultural landscape of the American West. While his painting has been consistently<br />
distinguished by its acute wit and visual elegance, Ruscha has repeatedly reinvented<br />
his artistic vocabulary throughout his career, creating substantial new bodies of work<br />
in each decade. Indeed, at one time or another during the past fi fty years, he has been<br />
alternately celebrated as one of the fi rst Pop artists; a forerunner of Conceptualism; a<br />
latter-day Surrealist; a conceptual landscape painter; and a pioneer of Postmodernism<br />
whose use of language as subject matter has been enormously infl uential. This lavishly<br />
illustrated book includes new texts by James Ellroy, Ralph Rugoff, Alexandra Schwartz,<br />
Bruce Wagner and Ulrich Wilmes, together with an interview with the artist by Kristine<br />
McKenna, an illustrated chronology and an exhibition history.<br />
Ed Ruscha ist einer der einfl ussreichsten Künstler der Gegenwart und hat einige der<br />
bekanntesten Bilder unserer Zeit gemalt und sich dennoch ein gewisses Misstrauen<br />
gegenüber der klassischen Malerei bewahrt. Er wusste ständig die Mittel und Wege<br />
des klassischen Malprozesses zu umgehen. Es gab Zeiten, in denen er kaum oder gar<br />
nicht gemalt hat, wie in den Jahren 1969–1981. Jede Art von Etikettierung der Pop-Art<br />
oder Konzeptkunst lehnte er ab, obwohl er beiden Stilrichtungen wichtige Impulse<br />
gegeben hat.<br />
Der Katalog zeigt bedeutende Beispiele aus allen Schaffensperioden: Die großen,<br />
querformatigen Bilder der Standard Oil Tankstellen, die Schatten, Silhouetten und<br />
Segelschiffe, die des historischen Zugs, der Pioniere nach Westen des amerikansichen<br />
Kontinents, Präriewagen, Pferde, Kakteen und Koyoten. Viele jüngere Künstler schreiben<br />
seinen Fotobüchern der 1960er Jahre sowie seinen Zeichnungen und Gemälden<br />
bedeutenden Einfl uss auf ihr Werk zu.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 13
23,2 x 26 cm, 168 Seiten,<br />
80 farbige Abbildungen.<br />
Broschur mit DVD<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-719-5<br />
€ 44,– / chf 75,–<br />
Kunst / Art<br />
November 2009<br />
Tony Oursler, geb. 1957 in<br />
New York, lebt und arbeitet<br />
in New York.<br />
Kunsthaus Bregenz,<br />
24.10.2009 – 17.01.2010<br />
14 herbst / fall 2009<br />
Tony Oursler.<br />
Lock 2, 4, 6<br />
Texte von Gunter Gebauer, Friedemann Malsch. Interview von John Welchman<br />
mit Tony Oursler<br />
Fast zehn Jahre hat sich Tony Oursler, von kleineren Ausstellungen abgesehen, aus<br />
der Kunstwelt zurückgezogen. Der jetzt erscheinende Katalog zeigt in groß formatigen<br />
Abbildungen neue, für das Kunsthaus Bregenz entstandene Werke. In seinem<br />
kenntnisreichen Essay verbindet Friedemann Malsch das gesamte bisherige Schaffen<br />
Ourslers mit den neuen Arbeiten, die Konsum und Werbung thematisieren. Tony<br />
Oursler und John Welchman vertiefen in ihrem in New York geführten Gespräch<br />
Ourslers neue Impulse, die über die Einbeziehung der Malerei zum Ausdruck kommen.<br />
Gunter Gebauer untersucht indes Ourslers werkbestimmende Ambivalenz zwischen<br />
Faszination und Kritik an der Bildschirm- und Medienwelt.<br />
Eine DVD ergänzt die zahlreichen Abbildungen.<br />
For almost ten years Tony Oursler has withdrawn himself from the art world. This catalogue<br />
presents large format pictures of new works created for the Kunsthaus Bregenz. In<br />
a well-informed essay, Friedemann Malsch of the Kunstmuseum Liechtenstein connects<br />
Oursler’s complete œuvre to his current works, whose central themes are consumption<br />
and advertising. Tony Oursler discusses his new motivations, which are expressed through<br />
the incorporation of painting, with John Welchman, and Gunter Gebauer examines his<br />
ambivalent approach to the media world, fl uctuating between fascination and criticism.<br />
A DVD compliments the numerous illustrations.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
22 x 28 cm, 204 Seiten,<br />
67 farb. und 63 s/w Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsche Ausgabe:<br />
978-3-86560-684-6<br />
€ 29,90 / chf 49,90<br />
English edition:<br />
978-3-86560-693-8<br />
€ 29,90 / chf 49,90<br />
Kunst / Art<br />
Oktober / October 2009<br />
Kunsthaus Graz,<br />
26.09.2009 – 10.01.2010<br />
Weiterhin lieferbare Titel /<br />
still available titles:<br />
Shadows and other<br />
signs of life. 2008<br />
978-3-86560-384-5<br />
€ 39,80 / chf 67,–<br />
J. Smith / C. Wool:<br />
Can Your Donkey do<br />
the Dog. 2007<br />
978-2-930439-04-4<br />
€ 38,– / chf 64,–<br />
Ladies & Gentlemen.<br />
Sex Parts. 2003<br />
978-3-931354-28-2<br />
€ 59,– / chf 100,–<br />
Andy Warhol:<br />
Head Shots. 2000<br />
978-3-931354-14-5<br />
€ 39,80 / chf 67,–<br />
Polaroids. 1999<br />
978-83-913075-2-6<br />
€ 39,80 / chf 67,–<br />
herbst / fall 2009<br />
Warhol Wool Newman:<br />
Painting Real / Screening Real: Conner Lockhart Warhol<br />
Herausgegeben von Peter Pakesch<br />
Texte von Giuliana Bruno, Achim Hochdörfer, Christian Höller, Hans Dieter Huber,<br />
Peter Pakesch, Wolfram Pichler, Ferdinand Schmatz, Gabriel Ramin Schor, Marc Siegel<br />
und Ian White<br />
Das Buch bringt die beiden Künstlerlegenden Warhol und Newman mit Christopher<br />
Wool zusammen. Dieser wirft – als einer der eigenwilligsten zeitgenössischen Maler<br />
– mit seinen Gemälden einen kritischen „Blick“ auf die beiden Titanen der Moderne.<br />
Zu Lebzeiten war Andy Warhol bereits ein Mythos. Dieser Umstand gehörte zu seiner<br />
Strategie. Wie eine Sphinx, als die er oft bezeichnet wurde, verstand er es, seine wahre<br />
künstlerische Bedeutung hinter medial inszenierten Camoufl agen zu verstecken.<br />
In der amerikanischen Malerei geschah in den 1950er Jahren mit dem Werk von<br />
Barnett Newman ein Sprung in eine neue Welt. Newman entwickelte eine fundamentale,<br />
abstrakte Formensprache, die den physischen, mentalen und spirituellen Raum<br />
neu defi nierte.<br />
Die Publikation zeigt die prominentesten Bilder sowohl von Warhol als auch von<br />
Newman aus diesen Jahren und kontrastiert diese mit den Word Paintings von<br />
Christopher Wool, die einen weiteren Schritt in der Mediatisierung des Bildes<br />
darstellen und in einer mit Warhol vergleichbaren Radikalität Unmittelbarkeit,<br />
Indifferenz und Engagement miteinander verbinden.<br />
In the 1950s, American painting took a leap into a new world through the work of<br />
Barnett Newman. Newman developed a fundamental, abstract formal language, which<br />
redefi ned the physical, mental and spiritual space.<br />
This publication presents the most prominent pictures of this period from both Warhol<br />
and Newman and contrasts them with Christopher Wool’s Word Paintings, which represent<br />
a further step in the mediatisation of the image and connects, with a radicalness<br />
comparable with Warhol, immediacy, indifference and engagement.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 15
21 x 26 cm, 160 Seiten,<br />
ca. 240 s/w Abbildungen.<br />
Broschur<br />
978-3-86560-718-8<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
Künstlerbuch / Artist Book<br />
Oktober / October 2009<br />
Monica Bonvicini, geb. 1965 in<br />
Venedig, lebt und arbeitet in Berlin.<br />
MUSEION Bozen/Bolzano,<br />
02.10.2009 – 10.01.2010<br />
16 herbst / fall 2009<br />
Monica Bonvicini.<br />
This Hammer Means Business<br />
Das neue Künstlerbuch von Monica Bonvicini ist eine Abfolge von Abbildungen aus<br />
ihrer Arbeit der letzten zehn Jahre, gleichgesetzt mit der Dokumentation von Produktions-<br />
und Ausstellungsorten. Ein visuelles Essay, das durch eine stringente Schwarz-<br />
Weiß-Grafi k Einblick in das „Machen“ und „Bauen“ von Kunst ermöglicht.<br />
The new artist’s book by Monica Bonvicini is a series of illustrations of her work over the<br />
past ten years, counterbalanced by documentation of the places she has worked and<br />
exhibited in. A visual essay that enables insight into the ‘making’ and ‘building’ of art<br />
through a stringent black and white design.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
22 x 26 cm, 200 Seiten,<br />
150 farbige und 20 s/w Abbildungen.<br />
Leinen mit Schutzumschlag<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-696-9<br />
€ 38,– / chf 58,–<br />
Kunst / Art<br />
Oktober / October 2009<br />
Jack Goldstein, geb. 1945 in Montreal,<br />
Kanada, 2003 gest. in Los Angeles.<br />
Studium im California Institute of the<br />
Arts, in der ersten Klasse von John<br />
Baldessari. Ausstellungen auf der<br />
documenta 7, 1982; Städtische Galerie<br />
Erlangen, 1985; Centre National d’Art<br />
Contemporain, Grenoble 2002;<br />
Whitney Biennal, 2004.<br />
MMK, Frankfurt a.M.,<br />
26.09.2009 – 03.01.2010<br />
Jack Goldstein – weiterhin lieferbare<br />
Titel / still available titles:<br />
Filme, Schallplatten,<br />
Performances. 2002<br />
978-3-88375-638-7<br />
€ 24,– / chf 43,–<br />
herbst / fall 2009<br />
Jack Goldstein<br />
Ω „Ich interessiere mich<br />
für die Lücke zwischen<br />
Minimalismus und Pop-<br />
Art: für die Objekthaftigkeit<br />
und Autonomie im<br />
Minimalismus sowie für<br />
den Stoff unserer Kultur,<br />
der sich in der Pop-Art<br />
fi ndet.“ (Jack Goldstein)<br />
Vorwort von Susanne Gaensheimer. Texte von Klaus Görner, Chrissie Iles und<br />
Shepherd Steiner. Interview von Chris Dercon mit Jack Goldstein<br />
Von Kollegen und dem Fachpublikum international geschätzt, blieb das Werk von<br />
Jack Goldstein einem breiteren Publikum lange Zeit verschlossen. In den 1980er<br />
Jahren galt er neben Richard Prince, Sherrie Levine, Robert Longo und David Salle als<br />
einer der wichtigsten Vertreter der sogenannten Picture Generation. Sein außergewöhnliches<br />
Œuvre zeichnet sich durch Vielfalt und Eigenständigkeit aus: Es umfasst<br />
Performances, Filme, Schallplatten, Gemälde, grafi sch gestaltete Aphorismen und<br />
Texte. Die Ausstellung im MMK ist die erste umfassende Museumsausstellung des<br />
Künstlers in Deutschland seit 1985. Der umfangreiche Katalog enthält Abbildungen<br />
aller ausgestellten Werke, ein Interview von Christ Dercon mit Jack Goldstein von 1985<br />
sowie Texte von Klaus Görner, Chrissie Iles und Shepherd Steiner.<br />
Jack Goldstein (1945–2003) is one of the most important artist’s-artists of the past<br />
30 years. Priced by colleagues and a specialist audience around the world, his work<br />
remained inaccessible to the wider public for a long time. In the 1980s, Goldstein was<br />
considered one of the most important exponents of the so-called Picture Generation,<br />
alongside Richard Prince, Sherrie Levine, Robert Longo and David Salle. His extraordinary<br />
œuvre is characterised by its diversity and independence: it encompasses performances,<br />
fi lms, LPs, paintings, graphically designed aphorisms and texts. The exhibition in MMK<br />
is the fi rst comprehensive Goldstein museum exhibition in Germany since 1985. This<br />
extensive catalogue contains illustrations of all the exhibited works, an interview with<br />
Jack Goldstein from 1985 by Christ Dercon as well as written pieces by Klaus Görner,<br />
Chrissie Iles and Shepherd Steiner.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 17
24,3 x 32 cm, 116 pages,<br />
49 col. illustrations.<br />
Hardcover<br />
English, French, Polish<br />
978-3-86560-649-5<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Art / Kunst<br />
21,6 x 27,9 cm, 400 pages,<br />
various col. and s/w illustrations.<br />
Softcover<br />
English<br />
978-3-86560-691-4<br />
€ 34,– / chf 58,–<br />
Art / Kunst<br />
18 herbst / fall 2009<br />
Isaac Julien.<br />
Western Union: Small Boats<br />
Edited by Milada Slizinska<br />
London based artist Isaac Julien’s multiscreen fi lm installation Western Union: Small<br />
Boats is about migration and the risks some people take to get a better life. Julien<br />
describes the work as concerning journeys made across the seas of the Mediterranean.<br />
The migrants, often escaping wars and famines can be seen as economic migrant<br />
workers, who bear witness to modernity’s failed hopes and dreams, and who now travel<br />
across oceanic spaces some never to arrive or return.<br />
Die Multiscreen-Filminstallation Western Union: Small Boats des in London lebenden<br />
Künstlers Isaac Julien handelt von Migration und den Risiken, die Menschen eingehen<br />
in der Hoffnung auf ein besseres Leben. Julien beschreibt seine Arbeit als eine<br />
berührende Reise über das Wasser des Mittelmeerraums. Die Migranten, die oftmals<br />
vor Kriegen, Hungersnot oder Arbeitslosigkeit fl iehen, haben vielfach den Verlust<br />
ihrer Hoffnungen und Träume erfahren müssen. Sie reisen über die Ozeane, viele von<br />
ihnen, um nie anzukommen oder jemals zurückzukehren.<br />
• Isaac Julien, born 1960 in London, where he currently lives and works.<br />
• Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw, 2009<br />
Michael Riedel.<br />
Meckert<br />
Foreword by Ingo Niermann. Introduction by Marcel Bugiel. Texts by Michael Riedel<br />
Using numerous pictures and sound recordings, the latter in the form of transcribed<br />
texts, Meckert Riedel’s continues his series of publications (Scheißen und Brunzen,<br />
2000; Oskar, 2003; Johnson–Robert, 2004; Tirala, 2006; Gedruckte und nicht gedruckte<br />
Poster, 2008; amongst others), which are published as independent works parallel to his<br />
exhibitions.<br />
Catherine, Tuesday, Fiontan and Mieke are four new texts that were recorded during his<br />
exhibitions in Cork, New York, London and Basel. The dialogues come from phone calls,<br />
in which the current situation at each respective exhibition is described.<br />
Mit zahlreichen Bild- und Tonaufnahmen, letztere in Form von transkribierten Texten,<br />
setzt Meckert Riedels Publikationsreihe fort (Scheißen und Brunzen, 2000; Oskar, 2003;<br />
Johnson–Robert, 2004; Tirala, 2006; Gedruckte und nicht gedruckte Poster, 2008; u. a.),<br />
die er parallel zu seinen Ausstellungen als eigenständige Arbeiten veröffentlicht.<br />
Catherine, Tuesday, Fiontan und Mieke sind vier neue Texte, die während seiner<br />
Ausstellungen in Cork, New York, London und Basel aufgenommen wurden. Bei den<br />
Gesprächen handelt es sich um Telefonate, in denen immer wieder die gegenwärtige<br />
Situation am Ausstellungsort beschrieben wird.<br />
• Michael Riedel, born 1972, lives and works in Frankfurt a.M.<br />
koenig books, london
24, 5 x 30,5 cm, 351 Seiten,<br />
375 farbige Abbildungen.<br />
Pappband mit Schutzumschlag<br />
Deutsche Ausgabe:<br />
978-87-91132-21-6<br />
€ 68,– / chf 115,–<br />
English edition:<br />
978-87-91132-20-9<br />
€ 68,– / chf 115,–<br />
Kunst / Art<br />
22 x 32 cm, 202 Seiten,<br />
108 farbige und 20 s/w-Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-661-7<br />
€ 32,– / chf 55,–<br />
Kunst / Art<br />
herbst / fall 2009<br />
Poul Erik Tøjner.<br />
Per Kirkeby. Malerei<br />
2. bearbeitete und ergänzte Aufl age<br />
Die 2003 erstmals erschienene Monografi e gilt unbestritten als das Standardwerk<br />
über Werk und Leben des heute 70-jährigen dänischen Künstlers. Der Autor hat<br />
dieses Buch mit einem weiteren Kapitel fortgeschrieben und um ca. 50 Farbtafeln mit<br />
Bildern der letzten Jahre ergänzt.<br />
This monograph, fi rst published in 2003, is widely considered the defi nitive book on the<br />
work and life of the Danish artist. The author has updated the book with an extra chapter<br />
and enhanced it with around 50 colour plates of pictures from the past few years.<br />
• Per Kirkeby, geb. 1938 in Kopenhagen, lebt und arbeitet in Kopenhagen. 1957–64<br />
Studium der Geologie (Promotion). Arbeitet seit Anfang der 1960er Jahre künstlerisch,<br />
zunächst vorwiegend mit grafi schen Arbeiten und als Performancekünstler.<br />
1973 entstand die erste Backsteinskulptur, 1974 die ersten Ölgemälde. Professuren in<br />
Karlsruhe und an der Frankfurter Städelschule. Zahlreiche Einzelausstellungen weltweit.<br />
Mehrfache Teilnahme an der Biennale von Venedig sowie an der documenta 7<br />
und 9.<br />
• Poul Erik Tøjner, geb. 1959, seit 2000 Direktor des Louisiana Museum of Modern Art<br />
in Humlebæk, Dänemark.<br />
• Distribution für Forlaget Bjerggaard, Kopenhagen<br />
Olav Christopher Jenssen.<br />
Panorama<br />
Texte von Erlend Høyersten, Arja Miller und Anna Krogh<br />
Dieser als japanische Broschur vom Künstler selbst gestaltete Katalog zeigt zahlreiche<br />
unpublizierte Arbeiten der letzten Jahre auf meist ganzseitigen Farbtafeln: großformatige<br />
Gemälde, kleine, weiß glasierte Keramiken und meterhohe Stelen.<br />
Es sind alles Arbeiten, die deutlich erkennen lassen, wie stark Jenssen seine künstlerische<br />
Sprache vereinfacht hat.<br />
This catalogue presents the latest works of the Norwegian artist Olav Christopher<br />
Jenssen. The exhibition shows approximately 40 works including paintings, drawings<br />
and sculptures. Olav Christopher Jenssen has made his name with an original<br />
rethinking of abstract painting. Stylisticly he has moved from a renewed vigilance on<br />
abstract expressionism in the 1980s to a more distinct expression in today’s paintings.<br />
• Olav Christopher Jenssen, geb. 1954 in Sortland, Norwegen, lebt und arbeitet seit 1983<br />
in Berlin. Teilnehmer an der documenta 9 1992.<br />
• Kunsthallen Brandts, Odense, DK, 2009; Sørlandets Kunstmuseum, Kristiansand, NO,<br />
20.09. – 15.11.2009; KIASMA, Helsinki, FI, 22.01. – 28.03.2010<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 19
22,5 x 30 cm, ca. 176 Seiten,<br />
ca. 70 Farbabbildungen.<br />
Pappband<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-616-7<br />
€ 52,– / chf 88,–<br />
Kunst / Art<br />
19 x 25,5 cm, 100 pages,<br />
25 col. illustrations.<br />
Cloth<br />
English / French<br />
978-3-86560-695-2<br />
€ 24,– / chf 43,–<br />
Kunst / Art<br />
20 herbst / fall 2009<br />
Antony Gormley<br />
Mit Texten von Antonio Damasio, Yilmaz Dziewior und Marcus Steinweg<br />
Im Mittelpunkt des Schaffens Antony Gormleys steht der menschliche Körper, mit<br />
dem der Künstler in immer neuen skulpturalen Konstellationen großer Ensembles<br />
oder in Form von Einzelfi guren Raum und Wahrnehmung hinterfragt. Unablässig<br />
ergründen die Arbeiten, die sich einer Fetischisierung des Objekts widersetzen, die<br />
Grenzen und die Syntax des Mediums Skulptur und seiner Ausdrucksmittel und<br />
beanspruchen in zunehmender Weise die Aufmerksamkeit des Betrachters. Der<br />
Katalog führt vier zentrale Serien aus Gormleys Gesamtwerk zusammen, die in den<br />
letzten 15 Jahren entstanden sind. Seit den frühen 1980er Jahren entwickelt der<br />
Künstler Werke, in denen er die Phänomenologie des Raumerlebens und die Grenzen<br />
des Erfahrungshorizonts über die physischen Grenzen des Körpers hinaus erforscht.<br />
The human body is central to Anthony Gormley’s work. Whether through sculptural<br />
constellations of large ensembles or in the form of individual fi gures, the artist uses<br />
the body to scrutinise space and perception. The work, which resists a fetishization of<br />
the object, unceasingly probes the boundaries and syntax of sculpture as a medium.<br />
The catalogue brings together four key series of Gormley’s œuvre from the past 15<br />
years. Since the early 1980s, the artist has been developing pieces that explore the<br />
phenomenology of experiencing space and the bounds of possible experience beyond<br />
the physical constraints of the body.<br />
• Anthony Gormley, geb. 1950 in London, lebt und arbeitet in London.<br />
• Kunsthaus Bregenz, 2009<br />
Pia Fries.<br />
Merian’s Surinam<br />
Text by Christine Buci-Glucksmann und Camille Morineau<br />
Merian’s Surinam focuses on a new series of 14 diptychs by Pia Fries. In this body of artworks<br />
the artist uses reproductions by the painter and botanist illustrator Maria Sybilla<br />
Merian (1647–1717). By means of facsimiles, she includes in her paintings plates of plants,<br />
fl owers, animals and insects. Then she works with oil paint, from thin to thick impasto,<br />
to cover them partially or to elaborate signs and gesture, which are echoing the naturalist<br />
shapes. The paintings appear to be an open and playful dialogue between the two<br />
women.<br />
Der Titel weist auf die enge Verbindung zu den botanischen Zeichnungen von Marie<br />
Sybille Merian (1647–1717) hin. Deren Illustrationen greift Pia Fries in ihren Bildern<br />
auf, collagiert und übermalt diese mit Ölfarbe. Die ursprünglichen Motive werden so<br />
teilweise verdeckt und zu neuen Zeichen und Gesten verbunden, die jeweils auf ihre<br />
natürliche Formgebung verweisen. Es erscheint ein offener und spielerischer Dialog<br />
zweier Frauen über die Repräsentation von Natur.<br />
• Pia Fries, born 1955, the Swiss artist Pia Fries was a student of Gerhard Richter at<br />
the Kunstakademie of Düsseldorf in the 80s. She was the winner of the Fred Thieler<br />
price this year and the Berlinische Galerie devoted her an exhibition on this occasion.<br />
• MERIAN’S SURINAM at Galerie Nelson-Freeman, Paris, 19.09. – 07.11.2009<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
21 x 29,7 cm, 96 Seiten,<br />
ca. 160 farbige Abbildungen.<br />
Pappband<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-725-6<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
Kunst / Art<br />
Oktober / October 2009<br />
Pawel Althamer,<br />
geb. 1967 in Warschau,<br />
lebt und arbeitet in Warschau.<br />
Ausstellungen u.a. documenta 10,<br />
Kassel, 1997, Skulptur Projekte<br />
Münster, 2007, Secession Wien, 2009.<br />
Kunsthalle Fridericianum,<br />
Kassel, 2009<br />
herbst / fall 2009<br />
Pawel Althamer & Kids.<br />
Frühling<br />
Herausgegeben von Rein Wolfs<br />
Interview von Rein Wolfs mit Pawel Althamer. Texte aus der Ausstellung<br />
Es war einmal ein Künstler, der in seinem Leben schon viele verschiedene Projekte<br />
gemacht hatte. Eines Tages überlegte er sich, dass er etwas ganz Neues machen<br />
möchte. Er überlegte und überlegte, doch ihm fi el nichts ein. Da fragte er seine<br />
Tochter, und die sagte: „Mach doch mal etwas mit Kindern! Wir haben immer<br />
genug Fantasie!“ „Hhm, gute Idee! … Aber wie und wo?“ Da erinnerte er sich, dass<br />
er schon einmal in Kassel gewesen war und es ihm dort in der Stadt sehr gut<br />
gefallen hatte. Und vor allem gab es dort ja auch ein wunderschönes altes Museum,<br />
das Fridericianum. Der Künstler dachte sich, warum sollen denn dort immer nur<br />
berühmte Künstlerinnen und Künstler ausstellen? Warum nicht auch einmal Kinder?<br />
So entstand das Projekt Frühling im Fridericianum Kassel. Pawel Althamer lud<br />
mehrere hundert Kinder ein, über tausend Quadratmeter dieses weltbekannten<br />
Ausstellungsortes mit seiner Vergangenheit als Bibliothek und Parlamentsgebäude<br />
zu besetzen und mit junger und kühner, vor allem aber mit ihrer noch „freien Kreativität“<br />
zu beleben und zu verwandeln. Die Kinder waren die Hauptakteure, und Pawel<br />
Althamer nahm die Rolle ihres „Assistenten“ ein. Bis zum Ende des Projekts konnte<br />
sich ein ungewöhnliches Prozesskunstwerk entwickeln, das hier dokumentiert wird.<br />
Pawel Althamer invited hundreds of children to this world famous and historically<br />
charged exhibition site. They occupied a huge area of the exhibition space, which they<br />
then revitalised and transformed with their youthful, bold and, above all, free creativity.<br />
The children were the key actors while Pawel Althamer himself took on the role of their<br />
‘assistant’. This book documents this unusual work of action art, which developed and<br />
changed right up until the end of the project.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 21
23 x 28 cm, 192 Seiten,<br />
228 farbige Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-682-2<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Kunst / Art<br />
Kunsthalle Baden-Baden, 2009<br />
Künstler / Artists:<br />
Dirk Bell, Michael Beutler, Henning<br />
Bohl, Friedrich Kunath, Kalin Lindena,<br />
Alex Müller / Shannon Bool,<br />
Silberkuppe<br />
22 herbst / fall 2009<br />
7 x 14<br />
Vorwort von Karola Kraus. Texte von Eric Aichinger, Will Benedict, Cora von Pape,<br />
Josef Strau und Julia Wirxel<br />
Ausstellung und Katalog sind eine Hommage an die legendäre Ausstellungsreihe<br />
14x 14, in der Klaus Gallwitz zwischen 1968 und 1973 in einer Zeit des politischen und<br />
gesellschaftlichen Umbruchs jungen Künstlern die Möglichkeit bot, ihre Arbeiten zu<br />
zeigen.<br />
Als Vorspann zeigt der Katalog die rekonstruierten Räume bzw. Arbeiten der historischen<br />
Installationen von Georg Baselitz, Almut Heise, Imi Knoebel, KRIWET, Markus<br />
Lüpertz, Palermo, Gerhard Richter, Ulrich Rückriem und Reiner Ruthenbeck.<br />
Der Idee folgend hat Karola Kraus, die heutige Direktorin, junge Künstler eingeladen,<br />
die Räume der Kunsthalle für jeweils 14 Tage zu nutzen. Ähnlich wie bei 14x 14 sind es<br />
Künstler, die am Anfang ihrer Karriere stehen, deren kontextbezogene Rauminstallationen<br />
wiederum in Anwesenheit des Publikums entstanden. Der Katalog dokumentiert<br />
ausführlich in Text und Bild diese überaus lebendige Form der Auseinandersetzung<br />
mit dem aktuellen Kunstgeschehen.<br />
7 x 14 presents the reconstruction of historical rooms and selected works by artists who<br />
participated in the legendary exhibition series 14 by 14, held between 1968 and 1972<br />
at Kunsthalle Baden-Baden. At the time, Klaus Gallwitz offered Georg Baselitz, Almut<br />
Heise, Imi Knoebel, KRIWET, Markus Lüpertz, Palermo, Gerhard Richter, Ulrich Rückriem,<br />
Reiner Ruthenbeck and others the opportunity to use the exhibition rooms at the<br />
Staatliche Kunsthalle Baden-Baden for 14 days to stage a sort of ‘work in progress’.<br />
Processual aspects in art and its relation to space are also central concerns for the<br />
seven young artists (Michael Beutler, Kalin Lindena, the art space Silberkuppe, Friedrich<br />
Kunath, Dirk Bell, Alex Müller / Shannon Bool, Henning Bohl) who, following the historical<br />
part of the exhibition, realized spatial installations, sculptures, paintings, wall installations,<br />
videos and performances in the presence of the audience.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
21,5 x 27 cm, 111 Seiten,<br />
70 farbige und 6 s/w Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch / Englisch<br />
978-3-86560-681-5<br />
€ 22,– / chf 39,–<br />
Kunst / Art<br />
Kunsthalle Baden-Baden, 2009<br />
Künstler / Artists:<br />
Richard Artschwager,<br />
Nairy Baghramian, Cosima von Bonin,<br />
Marc Camille Chaimowicz,<br />
Fischli & Weiss, Martin Kippenberger,<br />
Janette Laverrière, Meuser,<br />
Carlo Mollino, Claes Oldenburg,<br />
Tobias Rehberger, Franz West<br />
herbst / fall 2009<br />
Entre Deux Actes.<br />
Loge de Comédienne<br />
Vorwort von Karola Kraus. Texte von Yves Badetz, Nairy Baghramian, Vivian Rehberg<br />
und David Riedel<br />
Janette Laverrière gestaltet seit mehr als sieben Jahrzehnten Möbel und Spiegelobjekte,<br />
die in Frankreich zu musealen Ehren gelangt sind. Ausgangspunkt ist die 1947<br />
entworfene Garderobe einer Schauspielerin. Es ist ein frühes Beispiel ihrer Auseinandersetzung<br />
mit der Spannung zwischen Gebrauchsgegenstand und eigenständigem<br />
Kunstwerk.<br />
In Werk- und Installationsfotos dokumentiert der Katalog in exemplarischen Rauminstallationen<br />
Arbeiten der 12 Künstler, die sich in den letzten Jahrzehnten intensiv am<br />
grundlegenden Diskurs zu den Begriffen Kunst und Design, Angewandte Kunst und<br />
Gebrauch beteiligt haben.<br />
Neben historischen, radikalen Installationen beteiligt sich u.a. auch Tobias Rehberger<br />
mit der Op-Art-Camoufl age Was du liebst, bringt dich auch zum Weinen, einer Skulptur,<br />
die Rehberger als Kaffeehaus gestaltet hat.<br />
For more than 70 years Janette Laverrière has designed furniture and mirrored objects,<br />
which have managed to attain museal status in France. The starting point for this book<br />
is the wardrobe she designed for an actress in 1947, an early example of her exploration<br />
of the possibilities of and tension between the functional object and the independent<br />
artwork. Using photographs of the work and installations, the catalogue documents<br />
room installations of the artist’s work, which has been intensely involved in the fundamental<br />
discourse on the terms art and design, applied art and functionality over the<br />
last few decades.<br />
Alongside these historical and radical installations are contributions from, among<br />
others, Tobias Rehberger with the Op-Art-Camoufl age Was du liebst, bringt dich auch<br />
zum Weinen (What you love also makes you cry), a sculpture designed in the form of<br />
a café.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 23
22 x 27 cm, 120 pages,<br />
51 col. illustrations.<br />
Softcover with dust jacket<br />
English<br />
978-3-86560-665-5<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Art / Kunst<br />
Silke Otto-Knapp,<br />
born 1970 in Osnabrück, Germany,<br />
lives and works in London.<br />
Modern Art Oxford, 2009<br />
24 herbst / fall 2009<br />
Silke Otto-Knapp.<br />
Present time exercise<br />
Essays by Suzanne Cotter, Catherine Wood, Jan Verwoert<br />
Silke Otto-Knapp works with watercolour and gouache paints on canvas, building up<br />
and breaking down the painted surface to create works of subtle effect. Her paintings<br />
and drawings explore the interplay of rural and urban aesthetics while illuminating her<br />
characters‘ quotidian experience. Inspired by theatre sets and botanical gardens, these<br />
dreamlike compositions are populated by ghostly fi gures, shadows and open-aired<br />
amphitheatres.<br />
The catalogue surveys Otto-Knapp’s paintings from the past fi ve years, in which staged<br />
fi gures and landscapes are at the centre of her explorations into the construction of<br />
pictorial space.<br />
Silke Otto-Knapp arbeitet mit Aquarellfarben und Gouache auf Leinwand. Durch<br />
ihre Maltechnik, die Gesichter nur andeutet, entsteht eine Arbeit mit raffi niertem<br />
Effekt. Ihre Bilder und Zeichnungen erforschen das Zusammenspiel von ländlicher<br />
und städtischer Ästhetik, indem sie alltägliche Erlebnisse beleuchten. Inspiriert von<br />
Theaterbühnen und botanischen Gärten, werden die traumhaften Kompositionen<br />
mit geisterhaften Figuren, Schatten und Freiluftamphitheatern bevölkert.<br />
Der Katalog bildet auf ganzseitigen Farbtafeln Bilder der letzten zwei Jahre ab.<br />
koenig books, london
20 x 28 cm, 72 Seiten,<br />
96 farbige Abbildungen.<br />
Pappband<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-699-0<br />
€ 24,80 / chf 44,–<br />
Kunst / Art<br />
Johannes Wohnseifer, geb. 1967<br />
in Köln, lebt und arbeitet in Köln und<br />
Erftstadt. Ausstellungen in der<br />
Galerie Johann <strong>König</strong>, Berlin und<br />
Gisela Capitain, Köln/Berlin.<br />
Galleri K, Oslo, Norway, 2009<br />
Johannes Wohnseifer – weiterhin<br />
lieferbare Titel / still available titles:<br />
Kleenex Mathematics.<br />
Lynn Valley 2. 2007<br />
978-0-920293-73-7<br />
€ 22,– / chf 39,–<br />
Ω Vorzugsausgabe<br />
(siehe Seite 73)<br />
White Men. 2009<br />
€ 480,– / chf 810,–<br />
Ω Es erscheint eine Vorzugsausgabe<br />
(10 Years of Painting)<br />
herbst / fall 2009<br />
Johannes Wohnseifer.<br />
10 Years of Painting<br />
Text von Daniel Baumann<br />
Nach mehreren kleinen Katalogen liegt jetzt die erste Übersicht der Bilder von<br />
Johannes Wohnseifer vor. In chronologischer Folge beginnt sie mit den 1999 auf der<br />
German Open gezeigten Primer Paintings, die bewusst halbfertig mit Grundierung<br />
gemalt wurden, den Lightweight-Paintings, den Spam-Arbeiten von 2005, die auf<br />
Spam-Nachrichten basieren, den Beyoncé-Portraits, den Painter Pants sowie den<br />
Recent Reconstructions, eine Folge von 10 fi ktiven Plattencovern der Band The Smiths.<br />
Das Buch schließt mit der Private Collection von 2009, eine Gruppe von Bildern, die<br />
auf nicht aus geführten Bildideen beruht.<br />
After a series of smaller catalogues, this monograph gives an overview of Johannes<br />
Wohnseifer’s paintings from over the past ten years. Beginning with the pictures that<br />
were produced for the 1999 exhibition German Open in the Kunstmuseum Wolfsburg,<br />
then to the Primer Pictures, which deliberately look half-fi nished and are only painted<br />
with primer, up to the Lightweight Paintings—perforated, monochrome aluminium<br />
pictures, that are related to a mural in the same colour. Finally, the newest series of pictures<br />
Private Collection, produced for the exhibition in Oslo in 2009, is presented. This<br />
group of works is made up of un-painted or undeveloped ideas from the last ten years.<br />
koenig books, london 25
21,3 x 27,5 cm, 120 Seiten,<br />
90 farbige Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-667-9<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
Kunst / Art<br />
Luis Jacob, geb. 1971 in Lima, Peru,<br />
lebt und arbeitet in Toronto, Kanada.<br />
Städtisches Museum Abteiberg,<br />
Mönchengladbach, 2009<br />
26 herbst / fall 2009<br />
Luis Jacob.<br />
7 Pictures of Nothing Repeated Four Times,<br />
In Gratitude<br />
Herausgegeben von Susanne Titz<br />
Text von Luis Jacob. Nachwort von Susanne Titz<br />
7 Pictures of Nothing Repeated Four Times, In Gratitude ist wörtlich zu nehmen: Jacob<br />
hat Bilder von Mark Rothko nachgebildet, die der Sammler Panza dem Museum als<br />
Leihgabe versprochen hatte und für die der Architekt Max Hollein einen Raum baute,<br />
die dann aber nach Los Angeles gingen.<br />
Das Buch handelt von Nachbildungen und Anleitungen, von Bildern, die von der<br />
Wahrnehmung von Bildern handeln und diese wiederum zur Wahrnehmung bringen.<br />
As a companion piece to Jacob’s exhibition at Museum Abteiberg, Mönchengladbach,<br />
this volume features two related projects. An exhibition of re-made works by Mark<br />
Rothko from the Panza Collection, uncannily repeated and reconfi gured four times,<br />
makes up the fi rst part of the project. A special re-hanging of works from the Museum’s<br />
permanent collection is arranged by the artist in the manner of works from his Album<br />
series, featured in documenta 12, and makes up the second part of this multi-faceted<br />
project. The publication acts as a catalogue documenting the exhibition, and functions<br />
as an artistbook with aesthetic value in its own right.<br />
Luis Jacob – weiterhin lieferbare<br />
Titel / still available titles:<br />
Album III. 2007<br />
978-3-86560-245-9<br />
€ 32,– / chf 55,–<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln<br />
Towards a Theory of Impressionist<br />
and Expressionist Spectatorship. 2009<br />
978-3-86560-579-5<br />
€ 34,– / chf 58,–
21,5 x 28 cm, 152 Seiten,<br />
115 farbige Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-679-2<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
Kunst / Art<br />
Danica Dakić, geb. 1962 in Sarajevo,<br />
lebt und arbeitet in Düsseldorf.<br />
1981 – 1985 Studium der Malerei an der<br />
Akademie der Künste Sarajevo, dann<br />
bis 1988 an der Akademie der Künste<br />
Belgrad. Studierte 1988– 1990 an der<br />
Kunstakademie Düsseldorf als Meisterschülerin<br />
von Nam June Paik. Ausstellungen<br />
u.a. documenta 12, Kassel.<br />
Kunsthalle Düsseldorf,<br />
29.08. – 08.11.2009<br />
herbst / fall 2009<br />
Danica Dakić<br />
Texte von Horst Bredekamp, Sabine Folie und Tom Holert. Mit einem Gespräch<br />
zwischen Ulrike Groos, Tihomir Milovac und Danica Dakić<br />
An den Schnittstellen von künstlerischer Arbeit zu persönlicher und kultureller, geografi<br />
scher und spiritueller Identität entwickelt Danica Dakić ihre Video-Installationen.<br />
Ihre Aufmerksamkeit gilt Menschen sowie den Sprachen, Zeichen und Symbolen<br />
ihrer Kommunikation, ihrer Bewegungsfolgen und Interaktionen. Der öffentliche<br />
Raum „zwischen dem Zuhause und Anderswo“ ist dabei Ort erhöhter Wahrnehmung,<br />
Werkstatt und bevorzugtes Präsentationsareal.<br />
Der Katalog ist zugleich die erste Monografi e ihrer Arbeiten von 1997 –2009.<br />
In her fi lms, photography, video and sound installations, Danica Dakić addresses the<br />
cultural, political and geographical parameters of language and identity. Drawing on<br />
her experience as an immigrant, she examines the construction of identity and home<br />
through war, social change and globalisation processes.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 27
19,7 x 25,9 cm, 112 Seiten,<br />
59 s/w Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-685-3<br />
€ 24,80 / chf 44,–<br />
Kunst / Art<br />
Per Kirkeby,<br />
geb. 1938 in Kopenhagen, lebt und<br />
arbeitet in Kopenhagen. 1957–1964<br />
Studium der Geologie an der<br />
Universität Kopenhagen, Abschluss<br />
mit Promotion. Arbeitet seit Anfang<br />
der 1960er Jahre künstlerisch, zunächst<br />
vorwiegend mit grafi schen Arbeiten<br />
und als Performancekünstler. 1973<br />
entstand die erste Backsteinskulptur,<br />
1974 die ersten Ölgemälde. Professuren<br />
in Karlsruhe und an der Frankfurter<br />
Städelschule folgten. Zahlreiche<br />
Einzelausstellungen weltweit.<br />
Mehrfache Teilnahme an der<br />
Biennale von Venedig sowie an<br />
der documenta 7 und 9.<br />
28 herbst / fall 2009<br />
Per Kirkeby.<br />
Bilderklärungen<br />
Der Maler, Zeichner, Bildhauer, Architekt und Schriftsteller Kirkeby liebt Bücher.<br />
Textbände und Künstlerbücher sind ein autonomer Teil seines Gesamtwerkes. Das<br />
1968 unter dem Titel Billedforklaringer auf Dänisch erschienene Buch ist das am<br />
wenigsten bekannte und als „Manifest“ von besonderer Bedeutung. Hier erläutert<br />
Kirkeby in kurzen Erzählungen, Refl ektionen, Parabeln und Zeichnungen seine<br />
Bildfi ndung, Komposition und Arbeitsweise.<br />
Die deutsche Ausgabe folgt im Layout dem Original und wurde vom Künstler<br />
persönlich betreut.<br />
The painter, drawer, sculptor and author Kirkeby loves books. Text and artist’s books are<br />
an autonomous part of his œuvre. This book, which was published in Danish under the<br />
title Billedforklaringer in 1968, is his least well known and of particular signifi cance as a<br />
‘manifesto’. Kirkeby elucidates his accompanying illustrations, as well as the symbolism<br />
of his method, in short stories, refl ections and parables. The German edition mirrors the<br />
original in its layout and has been personally overseen by the artist.<br />
Per Kirkeby – weiterhin lieferbare Titel /<br />
still available titles:<br />
DC. Kirkeby, Per. 122 x 122. 2002<br />
978-3-88375-640-0<br />
€ 14, 80 / chf 27,50<br />
Backsteinskulptur und Architektur. 1998<br />
978-3-88375-301-0<br />
€ 29,90 / chf 49,90<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln<br />
Ω „Ich sammle mein Wissen<br />
in Modellen. Sie ändern sich<br />
unentwegt, weil immer neues<br />
Wissen hinzukommt.“<br />
(Per Kirkeby)<br />
Das Steinhaus. Ein Bauwerk von Per<br />
Kirkeby. Von Lars Morell. 2006<br />
978-3-86560-125-4<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
1957–1977. Ane Hejlskov Larsen. 2004<br />
978-3-88375-674-5<br />
€ 198,– / chf 330,–
21 x 29,7 cm, ca. 200 Seiten,<br />
zahlreiche s/w Abbildungen,<br />
mit eingelegter DVD.<br />
Pappband<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-632-7<br />
€ 48,– / chf 81,–<br />
Künstlerbuch / Artist Book<br />
Jonathan Meese,<br />
geb. 1970 in Tokio, lebt und arbeitet<br />
in Berlin und Hamburg.<br />
Jonathan Meese – weiterhin lieferbare<br />
Titel / still available titles:<br />
Mama Johnny. Hamburg,<br />
Deichtorhallen. Engl/ Franz. 2008<br />
978-3-86560-212-1<br />
€ 49,80 / chf 84,–<br />
Totale Neutralität. 2008<br />
978-3-86560-506-1<br />
€ 39,80 / chf 67,–<br />
Vorzugsausgabe Totale Neutralität.<br />
Titelei bemalt. 2008<br />
€ 150,– / chf 279,–<br />
23. Januar 1970. XXL Edition. 2008<br />
978-3-931355-45-6<br />
€ 150,– / chf 279,–<br />
Das Theater ist ein Tank… 2007<br />
978-3-931355-40-1<br />
€ 24,80 / chf 44,–<br />
General Tanz. 2006<br />
978-3-931355-31-9<br />
€ 20,– / chf 35,90<br />
herbst / fall 2009<br />
Jonathan Meese.<br />
Die Diktatur der Kunst. Das radikalste Buch<br />
Texte von Jonathan Meese und Jan Bauer. Mit eingelegter DVD<br />
mit Performance-Videos<br />
„Die Diktatur der Kunst ist das Radikalste, das jemals seit Menschengedenken<br />
formuliert wurde.“ Was Jonathan Meese zur Veröffentlichung dieser Behauptung<br />
veranlasst, ist aus seinem wohl bisher frechsten und radikalsten Künstlerbuch zu<br />
erfahren. Schonungslos wettert er gegen alle historischen und gegenwärtigen<br />
Gesellschaftsordnungen und erklärt sie für gescheitert und auch für die Zukunft<br />
völlig unbrauchbar.<br />
Meese wäre jedoch nicht Meese, würde er es nur wie viele seiner Zeitgenossen<br />
beim Anprangern bzw. „schöngeistigen Refl ektieren“ der bestehenden Verhältnisse<br />
belassen. Seinem metabolischen Denken und Handeln verdankt er schließlich die<br />
Erkenntnis von der Herrschaft einer Sache. Dieses Prinzip legt Meese auf alle unsere<br />
politischen Herrschaftsformen um und proklamiert, dass weltweit alle Menschenmachtsfanatistenpolitiker<br />
abdanken und ihre Macht einer Sache übertragen sollen.<br />
Und diese alles überragende, von Menschenmacht vollkommen unabhängige Sache<br />
sieht Jonathan Meese in nichts anderem als in der Kunst. Der Sache Kunst jegliche<br />
politische Menschenmacht zu schenken und von da an über alle und alles diktatorisch<br />
regieren zu lassen, sagt Jonathan Meese, sei die ultravisionärste Totalutopie aller Zeiten.<br />
Mit der Herausgabe dieser Kampfschrift, sagt er, könne niemand mehr behaupten,<br />
dass er von nichts „was gewusst“ haben will.<br />
‘The Dictatorship of Art is the most radical ever formulated since the beginning of<br />
human thought.’ What provokes Jonathan Meese to make this assertion can be<br />
discovered in this, his most insolent and radical artist’s book to date. He relentlessly<br />
rages against all historical and contemporary social orders and declares them failed and<br />
henceforth completely redundant.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 29
11 x 16,5 cm, 265 Seiten,<br />
mehr als 800 s/w Abbildungen.<br />
Broschur<br />
978-3-86560-658-7<br />
€ 9,95 / chf 18,90<br />
Kunst / Art<br />
Hans-Peter Feldmann – weiterhin<br />
lieferbare Titel / still available titles:<br />
Album. 2008<br />
978-3-86560-260-2<br />
€ 68,– / chf 115,–<br />
Smoke. 2007<br />
978-3-86560-266-4<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Book #9. Sprengel Museum. 2007<br />
978-3-86560-232-9<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
Langhans Galerie Prag. 2007<br />
978-80-902816-3-9<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
Zeitungsfotos. 2006<br />
978-3-86560-177-3<br />
€ 14,50 / chf 27,–<br />
30 herbst / fall 2009<br />
Hans-Peter Feldmann.<br />
Voyeur<br />
4. veränderte Aufl age<br />
Der Feldmann-Klassiker in der 4. veränderten Aufl age!<br />
Was wird wohl der Herzog von York, vornehm leicht das Haupt geneigt, auf dem<br />
Rücken die Hände verschränkt, zu den wie Orgelpfeifen aufgereihten Ballmädchen<br />
und -jungen sagen, denen er „traditionsgemäß“ zunächst seine volle Aufmerksamkeit<br />
schenkt, um sodann, gemächlich die Reihe abgeschritten, auf die Gewinner von<br />
Wimbledon zuzuhalten und ihnen die Pokale zu überreichen? Mit Bildern diesen und<br />
ähnlichen Kalibers ist der Band Voyeur von Hans-Peter Feldmann Seite um Seite reichlich<br />
gefüllt, auch sind ganz unvermutet die Fotos nackter Frauen neben die Schnappschüsse<br />
abstürzender Flugzeuge montiert. Was sagt uns das? Sind wir Voyeure, wie<br />
der Künstler selbst, oder hat er uns ertappt?<br />
The Feldmann classic is in its 4th edition!<br />
What does the Duke of York, head slightly bowed and hands folded behind his back in<br />
a stately manner, say to the ball girls and boys, arranged in a row like the pipes of a<br />
church organ, on his unhurried procession towards presenting the Wimbledon champion<br />
with the cup? Each and every page of Voyeur by Hans-Peter Feldmann is packed<br />
full of pictures of this calibre. Completely unexpectedly, photos of naked women are<br />
arranged next to snapshots of airplane crashes. What can this tell us? Are we voyeurs<br />
like the artist himself, or has he caught us out?<br />
Die beunruhigenden Musen.<br />
KH Kiel. 2006<br />
978-3-86560-080-6<br />
€ 9,95 / chf 18,90<br />
Birgit schminkt sich. 2006<br />
978-3-86560-067-7<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Blau. 2006<br />
978-3-86560-106-3<br />
€ 4,80 / chf 9,–<br />
Frauen im Gefängnis. 2005<br />
978-3-88375-962-3<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
Liebe / Love. 2005<br />
978-3-86560-002-8<br />
€ 25,– / chf 44,–<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln<br />
Das kleine Mövenbuch. 2004<br />
978-3-88375-790-2<br />
€ 24,50 / chf 43,90<br />
Bilder / Pictures. 2002<br />
978-3-88375-561-8<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Views out of hotel. 2002<br />
978-3-933485-07-6<br />
€ 29,80 / chf 49,90
17 x 22 cm, 130 Seiten,<br />
59 farbige und 73 s/w Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-660-0<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Kunst / Art<br />
Hans-Peter Feldmann,<br />
geb. 1941 in Düsseldorf, lebt und<br />
arbeitet in Düsseldorf. Seit der<br />
legendären documenta 5 zahlreiche<br />
Ausstellungen. Einzelausstellung seiner<br />
Bücher auf der diesjährigen Biennale in<br />
Venedig / Stirling Pavillion.<br />
herbst / fall 2009<br />
Hans Ulrich Obrist. Hans-Peter Feldmann.<br />
Interview<br />
Hans-Peter Feldmann und Hans Ulrich Obrist, die sich seit 20 Jahren kennen, haben<br />
lange Zeit über die Möglichkeit eines Interviews gesprochen. Schließlich habe man<br />
sich dafür entschieden, dass Obrist seine Fragen schriftlich stellt und Feldmann sie<br />
jeweils mit einem Bild beantwortet.<br />
Hans Ulrich Obrist and Hans-Peter Feldmann, who have known each other for around<br />
20 years, talked about the possibility of an interview for quite some time. They fi nally<br />
decided that Obrist pose the questions in writing and Feldmann answer each of them<br />
with a picture.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 31
Ω „Ich verfalle im Moment zurück in die<br />
,Kindheit des Gestaltens‘ – in eine Art<br />
Dilettantismus des Herumprobierens …<br />
Bei dem Buchprojekt geht’s mehrspurig<br />
zu … die Konstruktion / der Zusammenbau<br />
der Architektur ist das Zentrale an<br />
diesem Monstrum. Es repräsentiert die<br />
Schönheit / Offenheit aller Baustellen,<br />
bevor sie – zu 90% – durch Fertigstellung<br />
langweilig werden … Die vielleicht 10%<br />
über dieses Zusammenbauen hinaus<br />
machen allerdings die Stimmung in<br />
diesem Parkhaus aus … Alla … Polizei! ...<br />
was machen Sie denn hier? … Zeigen Sie<br />
mal ihre Ausweise! Eine Spur – hinein in<br />
diese Architektur – ist der Siebdruck, sind<br />
die Bilder, die wie eingefärbter Beton …<br />
in dieser ,Masse Stadt Köln‘ liegen … eine<br />
andere, sehr wichtige, sind die kleinen<br />
Doku-Heftchen von Harald Pridgar, 4I<br />
dokumentieren … dazu kommen<br />
Autochen, ausgeschnittene Werbeschnipsel<br />
– and whatever.“<br />
(Thomas Bayrle)<br />
32 herbst / fall 2009<br />
Parkhaus Köln is a truly three-dimensional book, fi nished with beech inlay, silvery grey<br />
card and birch plywood. It is made up of eight pages: two covers and two 7 cm thick<br />
‘leaves’. The doubled-sided pages, attached to the 25 cm wide spine with an aluminium<br />
hinge, are made up of ‘loopings’—curving, bending roads, with a faded out broken<br />
white line. All the pages have Cologne motifs silk-screened on them. More than 430<br />
slots in the streets and a further cut-out pattern, which guarantee stability with the<br />
help of wooden brackets, give the book a mysterious, Piranesi-esque shape, similar to<br />
that of a multi-storey car-park. There are coloured cars on the roads or parked up. In<br />
four of the parking bays there are books, mostly leporellos, that are attached to the<br />
book, but which can be ‘backed-out’ by the reader. The books present the entire process<br />
of the installation of the exhibition 40 Jahre Looping in Museum Ludwig, Cologne in<br />
2008, the numerous drafts and models for the production of the book, written pieces by<br />
the artists, Cologne souvenirs, etc.<br />
Each copy is unique—every page has been worked with in a different way by Thomas<br />
Bayrle, using watercolours and collages. The book is protected by a wooden slipcase<br />
with recessed grips.<br />
Bayrle’s long lasting interest in and experimentation with patterns and modules,<br />
building blocks, which he constantly repeats, reaches new heights in the threedimensionality<br />
of Parkhaus Köln. The streets form a hybrid between architecture and<br />
machine, a ‘monster’, as Thomas Bayrle himself calls it.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
43 cm Höhe, 37 cm Breite,<br />
23 cm Rückenstärke. Buchenfurnier,<br />
silbergraue Pappe, Birkenholz.<br />
Vier Hefte, je 20–80 Seiten. Farbig<br />
bedruckter Holzschuber.<br />
Ausgabe A: Birkenholz, Aquarell,<br />
Collage, A 1/18 – 18/18 + 3 A.P.<br />
Ausgabe B: Pappe, Siebdruck, Aquarell,<br />
Collage, B 1/35 – 35/35 + 5 A.P.<br />
Alle Exemplare nummeriert und signiert.<br />
Subskriptionspreis Ausgabe A:<br />
€ 8.000,– / chf 13.500,–<br />
Ab 01.01.2010 € 9.000,– / chf 15.200,–<br />
Subskriptionspreis Ausgabe B:<br />
€ 7.000,– / chf 11.800,–<br />
Ab 01.01.2010 € 8.000,– / chf 13.500,–<br />
Künstlerbuch / Artist Book<br />
Oktober / October 2009<br />
Grafi k in Zusammenarbeit<br />
mit Harald Pridgar<br />
Thomas Bayrle, geb. 1937 in Berlin, lebt<br />
und arbeitet in Frankfurt a.M.<br />
Ausstellungen u.a. documenta 3, 1964,<br />
documenta 6, 1977, zuletzt Museum<br />
Ludwig, Köln, 2008/2009, Museu d’Art<br />
Contemporani de Barcelona (MACBA).<br />
1975 –2002 Professur an der<br />
Städelschule, Frankfurt a.M.<br />
Thomas Bayrle – weiterhin lieferbare<br />
Titel / still available titles:<br />
40 Years Chinese Rock ’n’ Roll. 2006<br />
978-3-86560-100-1<br />
€ 49,80 / chf 84,–<br />
Grafi k von 1969 – 72. 1995<br />
978-3-88375-220-4-72<br />
€ 18,– / chf 32,90–<br />
herbst / fall 2009<br />
Thomas Bayrle.<br />
Parkhaus Köln<br />
Parkhaus Köln ist ein vollplastisches Buch, gefertigt aus Buchenfurnier, silbergrauer<br />
Pappe und Birkensperrholz. Es besteht aus acht Seiten: zwei Deckeln und zwei „Blättern“<br />
von je 7 cm Stärke. Die mit einem Aluminiumscharnier an dem 25 cm breiten<br />
Rücken befestigten Doppelseiten werden von „Loopings“ gebildet – sich windenden<br />
Autostraßen, deren unterbrochener Mittelstreifen ausgefräst ist. Sämtliche Seiten<br />
sind mit Köln-Motiven im Siebdruck versehen. Die mehr als 430 Schlitze auf den<br />
Straßen und eine weitere Rasterstanzung, die mithilfe von Holzstützen die Statik<br />
garantieren, geben dem Buch eine geheimnisvolle, piranesihafte Gestalt, ähnlich<br />
einem mehrgeschossigen Parkhaus. Farbige Miniaturautos sind auf den Straßen<br />
unterwegs bzw. haben ihren Parkplatz gefunden. In vier Parkbuchten befi nden sich<br />
zwei Bücher sowie zwei Leporellos, die fest mit dem Buch verbunden sind, aber vom<br />
Leser herausgefahren werden können. Die Bücher zeigen die komplette Abwicklung<br />
der Installation der Ausstellung 40 Jahre Looping im Museum Ludwig Köln 2008, die<br />
zahlreichen Entwürfe und Modelle zur Herstellung des Buches, Texte des Künstlers,<br />
Köln-Souvenirs etc.<br />
Jedes Exemplar ist ein Unikat, da es Seite für Seite mit Aquarellfarbe und Collagen<br />
unterschiedlich von Thomas Bayrle bearbeitet wurde. Ein Holzschuber mit<br />
Griffmulden schützt das Buch.<br />
Bayrles jahrelanges Interesse an und Experimentieren mit Rastern und Modulen,<br />
Bausteinen, die er ständig wiederholt, fi nden in der Dreidimensionalität beim<br />
Parkhaus Köln einen neuen Höhepunkt. Die Straßen bilden einen Zwitter zwischen<br />
Architektur und Maschine, ein „Ungetüm“, wie Thomas Bayrle es selber nennt.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 33
24,7 x 32,5 cm, 32 Seiten,<br />
Aufl age 500, nummeriert<br />
978-3-86560-722-5<br />
€ 48,– / chf 81,–<br />
Künstlerbuch / Artist Book<br />
Oktober / October 2009<br />
Cerith Wyn Evans, geb. 1958 in Wales,<br />
lebt und arbeitet in London.<br />
deSingel, Antwerpen,<br />
15.10.2009 – 10.01.2010<br />
Cerith Wyn Evans – weiterhin lieferbare<br />
Titel / still available titles:<br />
Cerith Wyn Evans.<br />
Bubble Peddler. 2007<br />
978-3-86560-208-4<br />
€ 29,– / chf 49,–<br />
34 herbst / fall 2009<br />
Cerith Wyn Evans.<br />
“ ...” – Delay<br />
Hier bezieht sich Cerith Wyn Evans in Aufmachung und Umfang auf zwei wegweisende<br />
Publikationen des 20. Jahrhunderts: Zum einen auf die 1914 erschienene Ausgabe<br />
Un coup de dés jamais n’abolira le hasard-poême (Ein Würfelwurf wird niemals<br />
den Zufall auslöschen) von Stéphane Mallarmé, die als erster Hypertext der Sprachgeschichte<br />
gilt. Zum anderen auf die 1969 in der Galerie Wide White Space erschienene<br />
gleichnamige Replika von Marcel Broodthaers, der darin mit einer dandyartigen Geste<br />
sämtliche Textzeilen geschwärzt und die Ausgabe mit dem Untertitel image (Bild)<br />
versehen hatte. Die aufwendig gestaltete Hommage enthält nur einen, über 32 Seiten<br />
verteilten Text, dessen Buchstaben er laserperforiert: „Permit yourself to drift from<br />
what you are reading at this very moment into another situation ... Imagine a situation<br />
that, in all likelihood, you’ve never been in.“ (Erlaube es dir, wenn du diesen Text<br />
liest, dich in einer anderen Situation vorzustellen . . . Führe dir einen Ort vor Augen,<br />
den du vermutlich zuvor nie gesehen hast).<br />
Cerith Wyn Evans ist ein Meister des kodierten Umgangs mit Bild, Sprache und Zitat.<br />
Dabei bezieht er sich nicht nur auf Mallarmé und Broodthaers, sondern indirekt auch<br />
auf Josef Albers, Guy Debord, Marcel Duchamp und sein eigenes Œuvre.<br />
In his new artist’s book, Cerith Wyn Evans references two publications from the 20th<br />
century in both design and scope. Firstly, the 1914 edition of Un coup de dés jamais<br />
n’abolira le hasard-poême (A throw of the dice will never abolish chance) by Stéphane<br />
Mallarmé, which is considered to be the fi rst hypertext in the history of language,<br />
and secondly the 1969 replica of the same name by Marcel Broodthaers, in which he<br />
blacked-out all the lines of text in a dandyish gesture and subtitled it ‘image’.<br />
This laboriously designed homage by Cerith Wyn Evans contains just one text, spread<br />
over 32 pages, whose letters are laser perforated: “Permit yourself to drift from what you<br />
are reading at this very moment into another situation … Imagine a situation that, in<br />
all likelihood, you’ve never been in.” Cerith Wyn Evans is a master of the coded handling<br />
of image, language and quotation. In doing so he references not only Mallarmé and<br />
Broodthaers, but indirectly Josef Albers, Guy Debord and his very own œuvre.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
19,2 x 25,4 cm, 144 pages,<br />
100 col. illustrations.<br />
Thread stitching without cover<br />
English<br />
978-3-86560-700-3<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Artist Book / Künstlerbuch<br />
Olafur Eliasson born 1967, studied at the<br />
Royal Danish Academy of Fine Arts. Represented<br />
Denmark at the 50th Venice Biennale<br />
in 2003 and installed The weather<br />
project in the Turbine Hall of Tate Modern,<br />
London. As professor at Universität der<br />
Künste Berlin, he has founded the Institut<br />
für Raumexperimente in 2009.<br />
Mediare l’esperienza: i libri di Olafur<br />
Eliasson (Mediatin experience: books by<br />
Olafur Eliasson), Biblioteca Universitaria<br />
di Bologna, Italy, 2009 as part of the<br />
Artelibro Festival del Libro d’Arte.<br />
Olafur Eliasson – still available titles /<br />
weiterhin lieferbare Titel:<br />
Conversation Series, Vol.13 / Obrist.<br />
Eliasson, Olafur. 2008<br />
978-3-86560-335-7<br />
€ 16,80 / chf 31,–<br />
Eliasson, Olafur / Adjaye, David.<br />
Your Black Horizon. 2007<br />
978-3-86560-304-3<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
Eliasson, Olafur. My now is your<br />
surroundings. 2001<br />
978-3-88375-464-2<br />
€ 24,80 / chf 44,–<br />
herbst / fall 2009<br />
Olafur Eliasson.<br />
Printed Matter – Catalogue Raisonné of the Books<br />
= Take Your Time. Vol. 2<br />
Foreword by Luca Cerizza. Text by Olafur Eliasson. With a conversation between<br />
Olafur Eliasson and Luca Cerizza<br />
Olafur Eliasson invites the reader into his library to show us 25 of his many autonomous<br />
artist’s books. He talks about motivation, ideas, about form and design, about collaborations<br />
with producers and browses through his books in long series of images. Despite<br />
the manifold forms of appearance, his authorship is always clearly recognisable. The<br />
layout of this book and the various glimpses of his other books give us an idea of what<br />
his preferences are. He devotes great attention to small, inconspicuous books and often<br />
changes the perspective in the process. It is captivating to see how important and existential<br />
these seemingly marginal pieces are to the artist’s large œuvre.<br />
The conclusion of the book is made up of a scientifi c catalogue raisonné of all published<br />
books by, with or about him. It begins with No. 1, 1997 and ends with this publication<br />
itself, No. 57.<br />
Olafur Eliasson lädt den Leser in seine Bibliothek ein, um 25 seiner zahlreichen<br />
autonomen Künstlerbücher zu zeigen. Er spricht über den Anlass, die Idee, über Form<br />
und Gestaltung, über die Zusammenarbeit mit Produzenten und blättert in langen<br />
Abbildungsfolgen in seinen Büchern. Trotz vielfältiger Erscheinungsformen ist die<br />
Autorenschaft immer deutlich zu erkennen. Sein Layout und der unterschiedliche<br />
Blick in die Bücher lassen seine Vorlieben erkennen. So widmet er kleinen, unscheinbaren<br />
Büchern große Aufmerksamkeit und wechselt dabei häufi g die Perspektive. Es<br />
ist hinreißend zu erleben, wie wichtig und existenziell dem Künstler diese scheinbar<br />
marginale Arbeit seines großen Œuvre ist.<br />
Den Schluss des Buches bildet ein wissenschaftliches Werkverzeichnis aller von ihm,<br />
mit oder über ihn erschienen Bücher. Es beginnt bei No. 1, 1997 und endet mit der<br />
vorliegenden Publikation, die No. 57 trägt.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 35
22 x 25,5 cm, 96 pages,<br />
40 col. illustrations.<br />
Softcover with dust jacket<br />
English<br />
978-3-86560-690-7<br />
€ 24,80 / chf 44,–<br />
Art / Kunst<br />
Gustav Metzger, born 1926 in Nuremberg,<br />
Germany to Polish-Jewish parents.<br />
He was evacuated to England with his<br />
brother Max/Mendel as part of the Kindertransport<br />
in 1939. During the 1940s<br />
Metzger studied at various art schools<br />
in Cambridge, London, including David<br />
Bomberg’s class at the Borough Polytechnic,<br />
Antwerp and Oxford.<br />
Serpentine Gallery, London,<br />
29.09. – 08.11.2009<br />
36 herbst / fall 2009<br />
Gustav Metzger.<br />
Decades: 1959–2009<br />
Foreword by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist. Texts by Norman Rosenthal<br />
and Sophie O’Brien. Interview with the artist by Clive Phillpot<br />
Metzger’s practice represents a life-long involvement in left-wing politics, ecology<br />
and the creative and destructive powers of twentieth century industrialised societies.<br />
The publication draws together the threads of Metzger’s practice from 1945– 2009.<br />
Exploring archives, the exhibition will bring the themes and methodologies that have<br />
informed the artist’s practice for over sixty years to a new generation, who themselves<br />
have witnessed the effects of industrialisation, capitalism and globalisation in recent<br />
world events.<br />
A broad cross-section of Metzger’s work is presented, including the auto-destructive and<br />
auto-creative works of the 1960s such as the pioneering use of liquid crystals projections;<br />
the Historic Photographs series of the 1990s, which respond to major events<br />
and catastrophes of the twentieth century, and later works exploring ecological issues,<br />
globalisation and commercialisation. Film footage of seminal performances and actions<br />
is also presented.<br />
Die Publikation fasst das künstlerische Schaffen von Gustav Metzger der letzten 50<br />
Jahre zusammen. Metzgers Kunst ist geprägt durch sein lebenslanges Engagement<br />
in linker Politik, Ökologie und durch eine intensive Auseinandersetzung mit den kreativen<br />
wie auch zerstörerischen Kräften der Industriegesellschaften. In der Monografi e<br />
werden erstmals die wichtigsten Werkkomplexe gezeigt: die „selbstdestruktiven“ und<br />
„autokreativen“ Arbeiten aus den 1960er Jahren, in denen Metzger beispielsweise<br />
fl üssige Kristalle als Projektionsfl äche verwendet, wie auch Auszüge aus seiner<br />
Historic Photographs-Series aus den 1990er Jahren, in denen er die wesentlichen<br />
historischen Ereignisse und Katastrophen des 20. Jahrhunderts verarbeitet. Aber auch<br />
die späteren Arbeiten, in denen von Metzger verstärkt ökologische Fragestellungen,<br />
die Globalisierung und fortschreitende Kommerzialisierung thematisiert werden,<br />
sind enthalten.<br />
koenig books, london
22 x 25,5 cm, 88 pages,<br />
37 col. illustrations.<br />
Softcover with dust jacket<br />
English<br />
978-3-86560-666-2<br />
€ 24,80 / chf 44,–<br />
Art / Kunst<br />
Jeff Koons, born 1955 in York,<br />
Pennsylvania, lives and works in New<br />
York and York, Pennsylvania.<br />
Serpentine Gallery, London, 2009<br />
herbst / fall 2009<br />
Jeff Koons.<br />
Popeye Series<br />
Foreword by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist. Texts by Frederic Tuten,<br />
Arthur C. Danto, Dorothea von Hantelmann, and Jeff Koons in Conversation with<br />
Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist<br />
In this publication Jeff Koons presents paintings and sculptures from his Popeye series,<br />
which he began in 2002. The works incorporate some of Koons’s signature ideas and<br />
motifs, including surreal combinations of everyday objects, cartoon imagery, art-historical<br />
references and children’s toys. Those typically used by children in a swimming<br />
pool are cast in aluminium, their surfaces painted to bear an uncanny resemblance to<br />
the original objects. He juxtaposes these replica readymades with unaltered everyday<br />
objects, such as chairs or rubbish bins. The paintings are complex and layered compositions<br />
that combine disparate images both found and created by Koons, including<br />
images of the sculptures in the series. The immediately recognisable fi gures of Popeye<br />
and Olive Oyl are central in this series and appear in several prominent works within<br />
the publication.<br />
Die Konzentration auf die Popeye-Arbeiten – Bilder und Skulpturen –, bei denen auch<br />
Olive Oyl präsent ist, verleiht dem Buch eine heitere Note. Aufblasbare Gummitiere<br />
dienen als Vorlage für die farbigen Aluminiumskulpturen: Sie hängen von der Decke<br />
oder machen einen Handstand auf Stuhl und Papierkorb. Die Gemälde sind wiederum<br />
aufwendige und vielschichtige Bildkompositionen, in denen verschiedene Bildebenen<br />
miteinander kombiniert werden, nachdem sie zuvor von Koons ausgewählt und<br />
bearbeitet wurden. Immer wieder tritt uns der Comic-Matrose entgegen, der sich<br />
vor genau 80 Jahren mit übermenschlicher Kraft der Weltwirtschaftskrise entgegenstemmte.<br />
In seinem Essay A New World for Popeye geht der Philosoph und Kunstkritiker Arthur<br />
C. Danto auf die kunsthistorischen Verweise von Koons Werken ein: den Surrealismus<br />
und auf das Stillleben des 17. Jahrhunderts, Marcel Duchamp und René Magritte.<br />
koenig books, london 37
21 x 29,7 cm, 304 pages,<br />
141 b/w illustrations.<br />
Swiss binding with 4 staples<br />
English<br />
978-3-86560-694-5<br />
€ 34,– / chf 58,–<br />
Art / Kunst<br />
October / Oktober 2009<br />
Serpentine Gallery, London, 2008<br />
Künstler / Artists:<br />
Marina Abramovic, Rasheed Araeen,<br />
Athanasios Argianas, Pier Vittorio<br />
Aureli, Christian Boltanski, Nicolas<br />
Bourriaud, Andrea Branzi, Paul Chan,<br />
Peter Cook, Ekaterina Degot, Jimmie<br />
Durham, Brian Eno, Henry Flynt,<br />
Yona Friedman, Gilbert & George,<br />
John Giorno, Fritz Haeg, K8 Hardy,<br />
Susan Hefuna, Eric Hobsbawm, David<br />
Hockney, Karl Holmqvist, Stewart<br />
Home, Terence Koh, Silvia Kolbowski,<br />
Hilary Koob-Sassen, Rem Koolhaas,<br />
Zak Kyes, Nick Laessing, John Latham,<br />
Jean-Jacques Lebel, Manifesto Club,<br />
Tom McCarthy, Jonas Mekas, Nathaniel<br />
Mellors, Gustav Metzger, Ingo<br />
Niermann, Yoko Ono, Yvonne Rainer,<br />
Tino Sehgal, Taryn Simon, SpRoUt,<br />
Barbara Steveni, Elaine Sturtevant,<br />
Mark Titchner, Richard Wentworth,<br />
Vivienne Westwood, Stephen Willats.<br />
38 herbst / fall 2009<br />
Manifesto Marathon.<br />
Serpentine Gallery<br />
Manifesto Marathon, the third in the Serpentine Gallery’s acclaimed series of Marathon<br />
events, took place in the closing weekend of the Serpentine Gallery Pavilion 2008,<br />
designed by Frank Gehry. The Manifesto Marathon came at a time when artists had<br />
begun to work less in formal groups and defi ned artistic movements. The publication<br />
showcased a new generation of artists alongside practitioners from the worlds of<br />
literature, design, science, philosophy, music and fi lm who were returning to the historical<br />
notion of the manifesto. The Manifesto Marathon drew on the Serpentine Gallery’s<br />
close proximity to Speakers’ Corner in Hyde Park, which has been used as a platform by<br />
Karl Marx, Vladimir Lenin, George Orwell and William Morris, among many others.<br />
Das Buch dokumentiert die dritte Marathonveranstaltung der Serpentine Gallery, die<br />
in dem von Frank Gehry gestalteten Pavillion 2008 stattfand. Vorausgegangen war<br />
die grundsätzliche Beobachtung, dass sich viele Künstler nicht mehr auf genau vordefi<br />
nierte Kunstrichtungen festlegen wollen. Die Publikation stellt eine neue Generation<br />
von Künstlern vor, die in der Welt der Literatur, des Designs, der Wissenschaft, der<br />
Philosophie, der Musik oder des Films tätig sind und zu der historischen Bedeutung<br />
des Manifests zurückkehren möchten. Insbesondere die Nähe der Serpentine Gallery<br />
zur Speakers’ Corner im Hyde Park, die neben vielen anderen von Karl Marx, Vladimir<br />
Lenin, George Orwell und William Morris als Podest genutzt wurde, unterstreicht den<br />
Bezug zur Geschichte des Manifests.<br />
koenig books, london
19,4 x 25,4 cm, 256 pages,<br />
300 col. and 270 b/w illustrations.<br />
Softcover<br />
English<br />
978-3-86560-587-0<br />
€ ca. 29,80 / chf 49,90<br />
Film<br />
November 2009<br />
Harun Farocki, born 1944 in Novy Jicin<br />
(Neutitschein), Czech Republic,<br />
lives and works in Vienna and Berlin.<br />
Raven Row, London,<br />
19.11.2009– 07.02.2010<br />
Harun Farocki – still available titles /<br />
weiterhin lieferbare Titel:<br />
Nebeneinander. 2007<br />
978-3-86560-286-2<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
herbst / fall 2009<br />
Harun Farocki.<br />
Against What? Against Whom?<br />
Edited by Antje Ehmann and Kodwo Eshun<br />
Foreword by Alex Sainsbury. Texts by Harun Farocki, Michael Baute, James Benning,<br />
Christa Blümlinger, Nicole Brenez, Sabeth Buchmann, Elisabeth Büttner, Alice Creischer,<br />
Diederich Diederichsen, George Didi-Hubermann, Antje Ehmann, Thomas Elsässer,<br />
Tom Holert, Ute Holl, Ruchir Joshi, Thomas Keenan, Klaus Kreimeier, Christian Petzold,<br />
Volker Pantenburg, Bert Rebhandl, Wolfgang Schmitt, Suddhabrata Senggupta, Andreas<br />
Siekmann and Florian Zeyfang<br />
Against What? Against Whom? is a monograph about the author, fi lm maker and<br />
video artist Harun Farocki. It’s the fi rst book about Farocki that is neither a purely<br />
academic publication nor an exhibition catalogue. It brings together the most diverse<br />
of themes, tonalities and approaches: alongside a complete fi lmography and list of<br />
installations, there are 21 contributions that take a discursive (or use drawings to)<br />
look at Farocki’s complex œuvre. Additionally there are two key Farocki texts, previous<br />
refl ections on his fi lm and video work, and a new text he has written especially for this<br />
book, which begins quite biographically and underhandedly becomes a short history of<br />
the making of fi lms and art in (West) Germany over the past 40 years.<br />
The themes discussed are as varied as the authors involved, with much focus on<br />
individual Farocki fi lms, beginning with the early political, Marxist, educational<br />
fi lms, via his cinema direct fi lms and his essay fi lms, that have become classics in the<br />
meantime, up to the fi lms and installations, which for the most make use of found<br />
footage of the most varied types of image, such as amateur recordings, archive pictures,<br />
surveillance images, technical images and computer animations.<br />
Against What? Against Whom? ist eine Monografi e über den Autor, Filmemacher<br />
und Videokünstler Harun Farocki. Es ist das erste Buch über Farocki, das weder eine<br />
rein akademische Publikation noch ein Ausstellungskatalog ist. Es versammelt die<br />
verschiedensten Themen, Tonarten und Herangehensweisen: Neben der kompletten<br />
Filmografi e und Liste der Installationen gibt es 21 Beiträge, die sich diskursiv (oder mit<br />
Zeichnungen) dem komplexen Œuvre Farockis nähern.<br />
koenig books, london 39
17 x 24 cm, c. 436 pages,<br />
various col. illustrations.<br />
Softcover<br />
English<br />
978-3-86560-686-0<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
Art / Kunst<br />
Oktober / October 2009<br />
Audiovisuology 2.<br />
Histories and Theories of<br />
Audiovisual Media and Art<br />
Edited by Dieter Daniels<br />
and Sandra Naumann<br />
This compendium brings toghether<br />
new essays of theorists on sound and<br />
image, such as Michel Chion, Diedrich<br />
Diederichsen, Christopher Salter et.al.<br />
288 pages, various illustrations<br />
978-3-86560-687-7<br />
€ ca. 24,80 / chf 44,–<br />
Available in March 2010<br />
40 herbst / fall 2009<br />
Audiovisuology 1.<br />
See this sound. An Interdisciplinary Compendium<br />
of Audiovisual Culture<br />
Edited by Dieter Daniels and Sandra Naumann<br />
Texts by Claudia Albert, Amy Alexander, Rainer Bellenbaum, Hans Beller, Sabeth<br />
Buchmann, Gerhard Daurer, Hinderk M. Emrich, Barbara Flückiger, Golo Fällmer,<br />
Tina Frank, Maureen Furniss, Marc Glöde, Andrea Gottdang, Florian Grond,<br />
Boris von Haken, Justin Hoffmann et al.<br />
This all-embracing compendium brings together texts on various art forms in which the<br />
relationship between sound and image plays a signifi cant role and the techniques used<br />
in linking the two. The entire spectrum of audiovisual art and phenomena is presented<br />
in 35 dictionary entries. Overarching issues are explored deeply in thorough essays and<br />
individual works are represented in audiovisual documentation and scientifi c comment.<br />
The list of defi nitions and terms, elucidated by various prominent authors, ranges from<br />
Gesamtkunstwerk, literature, painting, music theatre, animation fi lm, light shows,<br />
music videos, sound art and expanded cinema right up to text-image analogies,<br />
synchronisation, electronic transformation and software.<br />
Dieses umfangreiche Kompendium versammelt Texte zu verschiedenen Kunstformen,<br />
in denen Ton-Bild-Relationen eine signifi kante Rolle spielen, oder zu Verfahren zur<br />
Verknüpfung von akustischen und visuellen Phänomenen. Das gesamte Spektrum<br />
der audiovisuellen Künste und Phänomene wird durch historische Längsschnitte<br />
und systematische Querschnitte in 35 Lexikoneinträgen dargestellt. Übergreifende<br />
Themen werden anhand von längeren Essays vertieft. Auf der Werkebene werden<br />
exemplarische Beispiele audiovisuell dokumentiert sowie wissenschaftlich<br />
kommentiert.<br />
Die Liste der Begriffe und Themenfelder, zu denen herausragende Autoren schreiben,<br />
reicht von Gesamtkunstwerk, Malerei, Musiktheater, Aminationsfi lm, Light Shows,<br />
Filmmusik, Expanded Cinema, Musikvideo, Klangkunst oder interaktive Kunst bis hin<br />
zu Farbe-Ton-Analogien, Synchronisation, elektronische Transformation oder Software.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
23 x 29,5 cm, 320 Seiten,<br />
179 farbige und 147 s/w Abbildungen.<br />
Klappenbroschur mit Lesebändchen<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-683-9<br />
€ 32,– / chf 55,–<br />
Kunst / Art<br />
Lentos Kunstmuseum Linz,<br />
28.08.2009 – 10.01.2010<br />
Künstler / Artists:<br />
Laurie Anderson, Martin Arnold,<br />
Michael Asher, Atelier Hopfmann<br />
(Judith Hopf & Deborah Schamoni),<br />
John Baldessari, Gottfried Bechtold,<br />
Jordan Belson, Manon de Boer, George<br />
Brecht, Mary Ellen Bute, John Cage,<br />
Lucinda Childs, Ira Cohen, Tony Conrad,<br />
Kevin Cummins, Josef Dabernig,<br />
Jeremy Deller, E.A.T. – Experiments<br />
in Art and Technology, Einstürzende<br />
Neubauten, Viking Eggeling, VALIE<br />
EXPORT, Oskar Fischinger, Morgan<br />
Fisher, Andrea Fraser, William Furlong,<br />
Kerstin von Gabain, Jack Goldstein,<br />
Douglas Gordon, Dan Graham, Rodney<br />
Graham, Granular Synthesis, Andrew<br />
Gowans, Brion Gysin, Carl Michael<br />
von Hausswolff, Gary Hill, Ludwig<br />
Hirschfeld-Mack, Heidrun Holzfeind,<br />
Derek Jarman, Jutta Koether, DIE KRUPPS,<br />
Peter Kubelka, Louise Lawler, Bernhard<br />
Leitner, LIA, Alvin Lucier, Len Lye u.a.<br />
herbst / fall 2009<br />
See this Sound.<br />
Versprechungen von Bild und Ton /<br />
Promises of Sound and Vision<br />
Herausgegeben von Cosima Rainer, Stella Rollig, Dieter Daniels und Manuela Ammer<br />
Texte von Manuela Ammer, Dieter Daniels, Diedrich Diederichsen, Helmut Draxler,<br />
Matthias Dusini, Thomas Edlinger, Heidi Grundmann, Christian Höller, Gabriele Jutz,<br />
Liz Kotz, Cosima Rainer und Stella Rollig<br />
Die stillen Hallen der Museen sind Vergangenheit. Stattdessen tönt und lärmt es,<br />
denn Künstler agieren heute ganz selbstverständlich mit dem Klang der Welt. Die<br />
einstige Hegemonie des Visuellen ist mittlerweile durch ein Wechselspiel von Bild<br />
und Ton ersetzt. Vor dem kulturhistorischen Hintergrund der visuellen Musik im<br />
abstrakten Film der 1920er Jahre und den Intermedia-Entwicklungen seit den späten<br />
1950er Jahren zeigt die Publikation das veränderte tönende Bild einer zeitgenössischen<br />
Kunst, die die unterschiedlichsten Spielarten und Fragestellungen von Sound<br />
& Vision zu ihrem Thema und Instrumentarium gemacht hat. See this Sound präsentiert<br />
und diskutiert unterschiedliche Positionen, Ansätze und Umsetzungen zeitgenössischer<br />
Kunst und Kunstwissenschaft. Die aufgezeigten Bezugsfelder reichen von<br />
der Popkultur bis zur Wahrnehmungstheorie und Medientechnologie.<br />
The quiet halls of the museum are a thing of the past. Instead, music and sounds are<br />
heard everywhere, as visual artists today take for granted the integration of the world<br />
of sounds in their works. The former hegemony of the visual has meanwhile given way<br />
to a diverse interplay of image and sound. The fi rst pioneers in this expanded fi eld of<br />
artistic work already emerged during the 1920s. The alleged hierarchy of the senses,<br />
refl ection on perceptions, and the search for synergies were the greatest challenges.<br />
‘Media Art’ later became a means of socio-political engagement and a topos of the<br />
avant-garde. Major technical changes in media, audio-visual experiments and the<br />
charged relationship between narration and abstraction led again and again to new<br />
ways of working. The project See this Sound aims to make several important aspects<br />
of this manifold and diverse relationship between image and sound accessible in an<br />
interdisciplinary way.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 41
18 x 22,5 cm, 96 pages,<br />
60 b/w illustrations.<br />
Softcover<br />
English<br />
978-3-86560-706-5<br />
€ 22,– / chf 39,–<br />
Art / Kunst<br />
November 2009<br />
Andrei Smirnov, born and lives in<br />
Syktyvkar (Russia). Interdisciplinary<br />
artist, author, curator, instrument<br />
builder and educator.<br />
Matt Price is an editor, writer and<br />
curator based in Birmingham and<br />
London. He started his career as an<br />
editor for Hans Ulrich Obrist before<br />
being appointed Managing Editor of<br />
Flash Art International, Milan.<br />
Jeremy Deller, born 1966 in London,<br />
studied History of Art at the Courtauld<br />
Institute of Art. Deller won<br />
the Turner Prize in 2004 for Memory<br />
Bucket—a documentary about<br />
Crawford, Texas and the siege in Waco.<br />
Sound in Z is developed from an<br />
exhibition of the same name at the<br />
Palais de Tokyo, Paris, in 2008.<br />
42 herbst / fall 2009<br />
Andrei Smirnov.<br />
Sound in Z. Experiments in sound and electronic music<br />
in early 20th-century Russia<br />
Edited by Matt Price and David Rogerson<br />
Foreword by Jeremy Deller. Text by Andrei Smirnov<br />
Russia, 1917—inspired by revolutionary ideas, artists and enthusiasts developed innumerable<br />
musical inventions, instruments and ideas often long ahead of their time—a<br />
culture that was to be cut off in its prime as it collided with the totalitarian state of<br />
the 1930s. Smirnov’s account of the period offers an engaging introduction to some of<br />
the key fi gures and their work, including Arseny Avraamov’s open-air performance of<br />
1922 featuring the Caspian fl otilla, artillery guns, hydroplanes and all the town’s factory<br />
sirens, and Alexei Gastev, the polymath who coined the term ‘bio-mechanics’. Shedding<br />
new light on better-known fi gures such as Leon Theremin (inventor of the world’s fi rst<br />
electronic musical instrument, the Theremin), the publication also investigates the work<br />
of a number of pioneers of electronic sound tracks using ‘graphical sound’ techniques.<br />
Sound in Z documents an extraordinary and largely forgotten chapter in the history of<br />
music and audio technology.<br />
Sound in Z dokumentiert ein außergewöhnlich innovatives, nahezu vergessenenes<br />
Kapitel der Geschichte der Musik und Soundtechnik. Schauplatz ist Russland, 1917:<br />
Von revolutionären Ideen getragen kam es zu zahlreichen musikalischen Erfi ndungen,<br />
neuen Instrumenten und visionären Ansätzen, die ihrer Zeit weit voraus waren. Der<br />
Autor – zugleich Künstler, Forscher und Entwickler von elektronischen Musikinstrumenten<br />
– Andrei Smirnov führt in die Schlüsselfi guren dieser Zeit und ihre wegweisenden<br />
Arbeiten ein. Sei es in Arseny Avraamovs Freiluft-Performance von 1922,<br />
bei der Schiffssirenen, Artilleriekanonen, Bus- und Autohupen und die Fabriksirenen<br />
einer Stadt am Kaspischen Meer zu einem gewaltigen Orchester formiert wurden<br />
oder etwa in Alexei Gastevs „Biomechanik“. Zudem eröffnet Smirnov einen neuen<br />
Blick auf den bekannten Erfi nder elektronischer Instrumente, Leon Theremin, aber<br />
auch auf jene Pioniere, die mit ihrer „grafi schen Soundtechnik“ außergewöhnliche<br />
elektronische Soundtracks geschaffen haben.<br />
koenig books, london
13,4 x 21 cm, 116 Seiten,<br />
11 farbige und 30 s/w Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-673-0<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Kunst / Art<br />
Thomas Demand, geb.1964 in<br />
München, lebt und arbeitet in Berlin.<br />
Neue Nationalgalerie Berlin,<br />
18.09.2009 – 17.01.2010<br />
herbst / fall 2009<br />
Thomas Demand und die Nationalgalerie.<br />
Gespräch über die Ausstellung mit / A Conversation About<br />
the Exhibition with Hans Ulrich Obrist, Berlin 2009<br />
Das Buch gibt Auskunft über die Arbeitsweise, Strategie und Verantwortung des politisch<br />
denkenden Künstlers. Es war der ausdrückliche Wunsch von Thomas Demand,<br />
mit Hans Ulrich Obrist über die Konzeption, Vorbereitung und Dramaturgie seiner<br />
Ausstellung in der Nationalgalerie Berlin im <strong>Herb</strong>st 2009 zu sprechen.<br />
Ω „Im Grunde ist diese Ausstellung eine Gruppenausstellung für mich, Botho Strauß,<br />
hoffentlich Alexander Kluge, der englische Architekt Caruso St John und all die Gäste,<br />
welche wir für das Rahmenprogramm der Ausstellung zu gewinnen versuchen, nicht zu<br />
vergessen mein Sparringpartner Udo Kittelmann.“<br />
Ω „Man erwartet eben Bilder, die zeigen, was das sein soll, eine Nationalgalerie.“<br />
Ω „Es ist interessant zu sehen, dass genug Material vorhanden ist, aber es ist nicht ganz<br />
klar, ob sich daraus ein schlüssiger Gedanke ableiten lässt.“<br />
Ω „Die Nationalgalerie ist ein Lackmustest. Man sieht sofort, ob sie hält oder nicht.“<br />
(Gerhard Merz, Lehrer von Thomas Demand)<br />
The book provides information about the method, strategy and accountability of this<br />
political artist. It was Thomas Demand’s express wish to talk with Hans Ulrich Obrist<br />
about his exhibition in the Nationalgalerie Berlin in Autumn 2009.<br />
Thomas Demand – weiterhin lieferbare<br />
Titel / still available titles:<br />
Conversation Series, Vol.10 /<br />
Obrist. 2007<br />
978-3-86560-204-6<br />
€ 16,80 / chf 31,–<br />
L’esprit de l’escalier. 2007<br />
978-3-86560-210-7<br />
€ 48,– / chf 81,–<br />
B & K. Biennale Sao Paulo 2004. 2004<br />
978-3-88375-876-3<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 43
Kunstwissenschaftliche Bibliothek – Weiterhin lieferbar / Still available:<br />
KWB 32. Wyss, Beat.<br />
Vom Bild zum Kunstsystem.<br />
2006<br />
978-3-86560-030-1<br />
� 48,– / chf 81,–<br />
KWB 38. Kinomuseum. KWB 39. Beatrice von<br />
KWB 41. Crosskick. European KWB 43. Wilfried Dörstel.<br />
Towards an Artists’ Cinema.<br />
2008<br />
Kunstwissenschaftliche Bibliothek,<br />
978-3-86560-325-8<br />
� 19,80 / chf 35,90<br />
Bd. 40 / Essay<br />
Herausgegeben von Christian Posthofen<br />
12,5 x 17 cm, 160 Seiten. Broschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-702-7<br />
� 14,– / chf 21,–<br />
Kunsttheorie / Art Theory<br />
44 herbst / fall 2009<br />
KWB 33. Cepl, Jasper.<br />
Oswald Mathias Ungers. Eine<br />
intellektuelle Biografi e. 2007<br />
978-3-86560-158-2<br />
� 48,– / chf 81,–<br />
Bismarck. Auftritt als Künstler.<br />
Erscheint Oktober 2009<br />
978-3-86560-517-7<br />
� 58,– / chf 98,–<br />
Die Kunst, das Geld und die Krise<br />
Herausgegeben von Holger Liebs<br />
Texte von Andreas Beyer, Daniel Birnbaum, Chris Dercon, Thomas Girst, Holger Liebs<br />
und Beat Wyss<br />
Geht die Kunst nach dem Geld, giert sie sogar danach? Kommt erst das Geld und<br />
dann die Kunst? Was bleibt von der Kunst, wenn das Geld verschwindet? Die Kunst-<br />
welt erlebt einen gewaltigen Umbruch – aber er ist beileibe nicht der erste seiner Art.<br />
Es ist also an der Zeit, grundsätzlich zu werden – und den Horizont über die „Blasen“<br />
und „Krisen“ des Kunstmarkts hinaus zu erweitern.<br />
Sechs Essays erklären fallweise, wie der Handel mit Kunst entstand – und wie er zur<br />
Grundlage nicht nur der Produktion, sondern auch der Rezeption von Kunst wurde,<br />
auch und gerade in den Museen. Was das für Künstler, Sammler und Sponsoren<br />
bedeutet. Und warum unsere öffentlichen Kunsthäuser schon jetzt zu den bedrohten<br />
Arten zählen.<br />
Six essays explain how the trade in art began—and how this became the basis not only<br />
of the production, but also the reception of art, particularly in museums. The question<br />
of what this means for artists, collectors and sponsors and why our public art galleries<br />
and museums are already under threat is broached.<br />
• Holger Liebs, geb. 1966, Leiter des Kunstressorts der Süddeutschen Zeitung,<br />
lebt und arbeitet in München.<br />
KWB 36. Funcke, Bettina.<br />
Pop oder Populus. Kunst<br />
zwischen High und Low. 2007<br />
978-3-86560-288-6<br />
� 29,80 / chf 49,90<br />
Art Academies as guests in<br />
German Kunstvereine. 2008<br />
978-3-86560-518-4<br />
� 19,80 / chf 35,90<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln<br />
KWB 37. Zielinski, Siegfried.<br />
Variantology 3. On Deep Time<br />
Relations of Arts, Sciences<br />
and Technologies in China<br />
and Elsewhere. 2008<br />
978-3-86560-366-1<br />
� 48,– / chf 81,–<br />
Ein Labyr ist kein Labyr.<br />
2009<br />
978-3-86560-636-5<br />
� 48,– / chf 81,–
15,5 x 23 cm, 408 pages,<br />
349 b/w illustrations.<br />
Softcover<br />
English<br />
978-3-86560-721-8<br />
€ ca. 49,80 / chf 84,–<br />
Art Theory / Kunsttheorie<br />
Kunstwissenschaftliche Bibliothek, Vol. 42<br />
Series Editor Christian Posthofen<br />
Martin Schmidl, born 1962 in Gräfelfi ng,<br />
Munich, lives and works in Aachen.<br />
Martin Schmidl – still available Titles /<br />
weiterhin lieferbare Titel:<br />
Martin Schmidl.<br />
Uni-Ball Eye Mitsubishi 1. 2004<br />
978-3-88375-836-7<br />
€ 48,– / chf 81,–<br />
Martin Schmidl.<br />
Zeichnungen.<br />
Uni-Ball Eye Mitsubishi 2. 2006<br />
978-3-86560-164-3<br />
€ 48,– / chf 81,–<br />
herbst / fall 2009<br />
Martin Schmidl.<br />
Postwar Exhibition Design. Displaying Dachau<br />
Martin Schmidl writes of the history of exhibition design from 1945 to today. His specifi c<br />
object of investigation, the exhibition of Nazi atrocities in a concentration camp in<br />
Dachau, near Munich, mirrors the international development of exhibition design in the<br />
last 60 years. From this fi rst exhibition in Dachau, which was organised in a makeshift<br />
manner by US soldiers and former concentration camp prisoners directly after its liberation,<br />
up to today’s history museums, Schmidl also presents the fundamental problem<br />
with memorials—the growing distance between a narrative history and professional<br />
visualisation.<br />
Martin Schmidl schreibt die Geschichte eines bisher kaum bekannten Ausstellungsdesigns<br />
von 1945 bis heute. Sein besonderer Untersuchungsgegenstand, die<br />
Ausstellung über die Nazi-Verbrechen in dem durch die US-Armee befreiten Konzentrationslager<br />
in Dachau bei München, spiegelt die internationale Entwicklung der<br />
Ausstellungsgestaltung der letzten 60 Jahre. Von der ersten Ausstellung in Dachau,<br />
unmittelbar nach der Befreiung provisorisch von US-Armee und KZ-Häftlingen eingerichtet,<br />
bis zum heutigen Geschichtsmuseum zeigt Schmidl auch das grundsätzliche<br />
Problem von Gedenkstätten, das Auseinandertreten von erzählter Geschichte und<br />
professioneller Visualisierung.<br />
Ω ‘Those fucking Germans really pulled it off (…) a nice mixture of decorum and<br />
hygiene, a perfect sense of the tragic but without the horror, just as it should be,<br />
and yet (…) that damn museum is quite something, really nicely done, I mean well<br />
presented, well organized, coherent, educational(…).’<br />
(Jack Miller)<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 45
24 x 33,6 cm, Loselagensammlung, Banderole.<br />
32 Seiten mit 36 farbigen Abbildungen<br />
auf 8 Falzlagen Bilderdruck,<br />
24 Seiten auf 6 Falzlagen Werkdruck.<br />
Grafi k im Format 70 x 100 cm<br />
als Umschlag umgelegt<br />
Deutsch / English / Français<br />
978-3-86560-727-0<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Kunst / Art<br />
Albert Oehlen, geb. 1954 in Krefeld,<br />
lebt und arbeitet in der Schweiz und<br />
Spanien. 2000–2009 Professur an der<br />
Kunstakademie Düsseldorf.<br />
Musée d’Art moderne de la<br />
Ville de Paris / ARC,<br />
01.10.2009 – 03.01.2010<br />
Ω Vorzugsausgabe mit einer<br />
nummerierten und signierten,<br />
farbigen Lithografi e in einer<br />
Aufl age von 1/40 – 40/40 + 7 A.P.<br />
46 herbst / fall 2009<br />
Albert Oehlen.<br />
Abstract Reality<br />
Mit einem Gespräch von Anne Montfort mit Albert Oehlen<br />
Als lose Sammlung von gefalteten Bögen präsentiert sich diese vom Künstler gestaltete<br />
Publikation. Eine neue Serie von großformatigen Gemälden und Zeichnungen<br />
von 2008/2009 mit leuchtenden Farben und ausgeprägter malerischer Gestik – hier<br />
erstmals publiziert – stellt Oehlen einer Folge von Arbeiten der Jahre 1990–2000<br />
gegenüber. Er zeigt die Geschichte der Arbeiten aus seiner eigenen Sicht – immer<br />
wieder arbeitet er mit Zitaten aus seinen Werken. Die losen Bögen können vom Leser<br />
auch in eine andere Reihenfolge gebracht werden, worin sich sein Begriff von Chronologie<br />
und Werkentwicklung widerspiegelt.<br />
Im Gespräch mit der Kuratorin Anne Montfort spricht Oehlen über Action Painting,<br />
über seinen Begriff von abstrakter und fi gurativer Malerei, seine Arbeitsweise und<br />
darüber, was denn ein „Albert Oehlen Gemälde“ eigentlich ausmacht. „Ich weiß<br />
wirklich nicht, was ich will, außer Gemälde zu schaffen, die ich selbst sehen will“,<br />
sagt er von sich.<br />
This publication, designed by the artist, is presented as a collection of folded looseleaves.<br />
Oehlen contrasts a new series of large format paintings and drawings from<br />
2008/2009, marked by their bright colours and pronounced painterly gestures and<br />
published here for the fi rst time, with a cycle of works from the period 1990–2000.<br />
He shows the history of the pieces from his own point of view—he constantly works<br />
with references from previous pieces.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
17 x 24 cm, 304 Seiten,<br />
ca. 100 farbige und ca. 40 s/w<br />
Abbildungen.<br />
Broschur<br />
978-3-86560-710-2<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
Kunst / Art<br />
Jahresring 56<br />
Jahrbuch für moderne Kunst<br />
Herausgegeben von Brigitte Oetker<br />
im Auftrag des Kulturkreises der<br />
deutschen Wirtschaft im BDI e.V.<br />
Yilmaz Dziewior, Autor und Kurator, lebt<br />
in Bonn. Von 2001–2008 Direktor des<br />
Kunstvereins in Hamburg. Von Oktober<br />
2003 – März 2009 unterrichtete er<br />
Kunsttheorie an der Hochschule für bildende<br />
Künste in Hamburg. Ab Oktober<br />
2009 Direktor des Kunsthaus Bregenz.<br />
Weiterhin lieferbar / still available:<br />
Jahresring 55. Psychonauten.<br />
Kunst in Ekstase. 2008<br />
978-3-86560-524-5<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
Jahresring 54. Mögliche Museen. 2007<br />
978-3-86560-290-9<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Weitere Jahrgänge lieferbar.<br />
herbst / fall 2009<br />
Wessen Geschichte.<br />
Vergangenheit in der Kunst der Gegenwart<br />
Herausgegeben von Yilmaz Dziewior<br />
Vorwort von Brigitte Oetker. Texte von Sheriff El Azama, Jean-Luc Nancy, Dieter Roelstraete,<br />
Niels Werber, Krystian Woznicki. Interviews mit Sheriff El Azama, Yto Barrada,<br />
Willie Doherty, Diango Hernández, Andree Korpys/Markus Löffl er, Gabriel Kuri, Little<br />
Warsaw, David Maljković, Victor Man, Silke Schatz, Johannes Wohnseifer, Danh Vo und<br />
Haegue Yang<br />
Globalisierung und Identität sind miteinander im Konfl ikt. Der diesjährige Jahresring 56<br />
beschäftigt sich mit der künstlerischen Auseinandersetzung kollektiver Identitäten<br />
in Zeiten der Globalisierung. Anhand welcher Geschichte(n) formieren sich Gemeinschaften<br />
im 21. Jahrhundert, und wer hat daran Anteil? Wer ist Urheber dieser<br />
Geschichte(n)?<br />
Es werden Künstler vorgestellt, die sich in ihrem Werk mit der Vergangenheit in ihren<br />
Heimatländern auseinandersetzen und in ihren Arbeiten die eigenen, subjektiven<br />
Erfahrungen refl ektieren, um bestimmte historische Situationen oder Entwicklungen<br />
anschaulich zu machen. Neben visuellen Essays und Abbildungen der Werke enthält<br />
der Band Interviews mit den Künstlern. Darüber hinaus erschließen fünf längere<br />
Essays weitere Aspekte des Themas. Die Essays und Interviews sind jeweils in Originalsprache<br />
Deutsch und Englisch belassen.<br />
This book introduces artists whose work grapples with the past in their home countries<br />
and refl ects their own, subjective experiences of particular historical events or developments.<br />
Alongside visual essays and illustrations of the works, the book also contains<br />
interviews with the artists as well as fi ve in-depth essays that develop further aspects of<br />
the topic.<br />
Künstler / Artists:<br />
Yto Barrada, Yael Bartana/Artur Z · mijewski, Willie Doherty, Diango Hernández, Andree<br />
Korpys/Markus Löffl er, Gabriel Kuri, David Maljković, Victor Man, Silke Schatz, Danh Vo,<br />
Little Warsaw, Johannes Wohnseifer, Haegue Yang.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 47
16,3 x 22,5 cm, 220 pages,<br />
56 col. illustrations.<br />
Softcover<br />
English<br />
978-3-86560-672-3<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Art / Kunst<br />
17 x 24 cm, 107 pages,<br />
45 col. illustrations.<br />
Softcover<br />
English / Arabic<br />
978-3-86560-663-1<br />
€ 16,80 / chf 31,–<br />
Art / Kunst<br />
48 herbst / fall 2009<br />
Transitory Objects<br />
Edited by Johannes Porsch and Daniela Zyman<br />
Texts by Sabeth Buchmann, Manuel De Landa, Helmut Draxler, Sebastian Egenhofer,<br />
Denis Hollier, Rosalind Krauss, Johannes Porsch and Mark Wigley<br />
This catalogue documents and interprets the question: what happens when architectural<br />
objects, usually in the form of architectural models, are presented in an exhibition<br />
alongside works of art? Does art become a fi xture, a piece of furnishing? Do architec ture<br />
and design objects become works of art?<br />
Various authors discuss this theme, illustrated by the coming together of architecture<br />
models and minimalist room installations by Fred Sandback and design objects with<br />
works by Dan Flavin.<br />
Der Katalog dokumentiert und interpretiert aus der Sicht verschiedener Autoren das<br />
Thema: Was passiert, wenn architektonische Objekte – meist Architekturmodelle –<br />
wie Kunstwerke gemeinsam mit künstlerischen Arbeiten in einer Ausstellung präsentiert<br />
werden? Wird Kunst zum Einrichtungsgegenstand? Werden Architektur und<br />
Designobjekte zu Kunstwerken? So werden Architekturmodelle mit minimalistischen<br />
Rauminstallationen von Fred Sandback konfrontiert oder Designobjekte mit Arbeiten<br />
von Dan Flavin.<br />
• Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Wien, 03.07. – 31.10.2009<br />
• Künstler / Artists: Bojan Arevi, Herman Diaz Alonsos, Dan Flavin, Florain Hecker,<br />
Nicolaus Hirsch & Michel Müller, Laszlo Moholy-Nagy, Neri Oxman, Matthew Ritchie,<br />
Francois Roche & Stéphanie Lavaux, Fred Sanback, Francesca Woodman, Cerith Wyn Evans.<br />
Synchronicity.<br />
Roberta Lima. Dorit Margreiter.<br />
11th Cairo Biennial / Austrian Contribution 2008<br />
Edited by Felicitas Thun-Hohenstein<br />
Texts by Norman Klein, Roberta Lima, Dorit Margreiter and Felicitas Thun-Hohenstein<br />
Artists Roberta Lima and Dorit Margreiter take up this theme in the Austrian contribution<br />
to the Cairo Biennale in their work that will focus on the ‘Western’ perspective on<br />
strategies of appropriation applied to Cairo as a site for experiencing cultural alterity.<br />
Using their examination of the city and cultural contexts of Cairo as a basis, the artists<br />
seek to create illustrative models as (re)constructions of the urban space as a mode of<br />
investigating its power to effect and create realities.<br />
Synchronicity dokumentiert und refl ektiert die Zusammenarbeit der österreichischen<br />
Künstlerin Dorit Margreiter und der brasilianischen Künstlerin Roberta Lima für die<br />
Cairo Biennale 11, 2009.<br />
• Roberta Lima, born 1974 in Manaus, Brazil, lives and works in Vienna and Dublin.<br />
• Dorit Margreiter, born 1974 in Vienna. Vienna-based she produces installations,<br />
photographs and videos dealing with aspects of representation in gender, architecture<br />
and fi lm.<br />
• 11th Cairo Biennial, 2008<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
17 x 24 cm, 320 Seiten,<br />
75 s/w Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-599-3<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Kunst / Art<br />
Klaus Werner,<br />
geb. 1940 in Holzhau (Erzgebirge).<br />
Studium der Kunstgeschichte an der<br />
Humboldt-Universität zu Berlin.<br />
1974–1980 Leiter der Galerie Arkade<br />
in Ost-Berlin, die 1981 geschlossen<br />
wurde. 1998–2000 Mitbegründer und<br />
Leiter der Galerie für Zeitgenössische<br />
Kunst Leipzig. 2000–2003 Rektor der<br />
Hochschule für Grafi k und<br />
Buchkunst Leipzig.<br />
herbst / fall 2009<br />
Klaus Werner.<br />
Für die Kunst<br />
Herausgegeben von Gabriele Muschter<br />
Vorworte von Arend Oetker, Eugen Blume, Gabriele Muschter und Klaus Staeck.<br />
Texte von Barbara Barsch, Julia Blume, Carlfriedrich Claus, Karl Max Kober, Judy Lybke,<br />
Michael Morgner, Roland Paris, <strong>Herb</strong>ert Schirmer, Heidi Stecker, Barbara Steiner und<br />
Klaus Werner<br />
Bisher ist wenig über den 1940 geborenen Galeristen, Ausstellungsmacher und<br />
Hochschullehrer geschrieben worden. Mit der Galerie Arkade platzierte Klaus Werner<br />
eine unkonventionelle Einrichtung im DDR-Ausstellungsbetrieb, in der auch avantgardistische,<br />
abstrakte und minimalistische Positionen gezeigt wurden; auch das erste<br />
offi zielle Happening der DDR fand dort statt. Klaus Werners staatsfernes Programm<br />
führte 1981 zur Schließung. Als Visionär und Gründer der Galerie für Zeitgenössische<br />
Kunst in Leipzig sowie als Rektor der Hochschule für Grafi k und Buchkunst war er<br />
auch nach der Wende ein wichtiger Impulsgeber.<br />
Die Monografi e versammelt unter anderem bisher unveröffentlichtes Material<br />
– meist Originaldokumente, unter anderem Auszüge aus Stasi-Akten, Schriften und<br />
Gesprächen aus einem Zeitraum von über 30 Jahren. Die persönlichen Statements<br />
und Texte der Freunde und Wegbegleiter machen die Bildchronologie zu einem<br />
wunderbaren Lesebuch, das das Engagement für und die Liebe zur Kunst von Klaus<br />
Werner zeigt.<br />
Thus far there has been little published about Klaus Werner, one of the most interesting<br />
East German art mediators, gallery owners, exhibition organisers, discoverers and<br />
visionaries.<br />
With original documents, including extracts from Stasi fi les, writings and discussions<br />
by and about Klaus Werner, essays written specifi cally for each chapter as well as<br />
statements by friends and colleagues, this book is a unique collection of material<br />
that unlocks rare insight into historical interrelationships and illuminates Werner’s<br />
engagement in the world of art and culture.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 49
21,5 x 26,5 cm, 128 Seiten,<br />
124 farbige Abbildungen.<br />
Pappband<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-698-3<br />
€ 25,– / chf 44,–<br />
Kunst / Art<br />
Galerie für zeitgenössische Kunst<br />
Leipzig, 2009<br />
Künstler / Artists:<br />
Joseph Beuys, Markus Draper, Eckhard<br />
Fuchs, Kerstin Gommlich, Beate<br />
Gütschow, Eberhard Havekost, Olaf<br />
Holzapfel, Karl Horst Hödicke, Benjamin<br />
Katz, Astrid Klein, Bernd Koberling,<br />
Werner Lieberknecht, Maurizio<br />
Nannuccio, Blinky Palermo, Nina<br />
Pohl, Thomas Ruff, Thomas Scheibitz,<br />
Thomas Schütte, Cindy Sherman,<br />
Rosemarie Trockel<br />
50 herbst / fall 2009<br />
Listen to your Eyes.<br />
Werke aus der Sammlung Schmidt-Drenhaus, Dresden/Köln,<br />
in der Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig<br />
Herausgegeben von Johannes Schmidt<br />
Vorwort von Barbara Steiner. Texte von Peter <strong>Herb</strong>streuth, Johannes Schmidt und<br />
Barbara Steiner<br />
Die Sammlung Schmidt-Drenhaus umfasst Werke der Moderne, vor allem des<br />
Expressionismus, der deutschen Nachkriegskunst und der Berliner Wilden Malerei<br />
sowie amerikanische Positionen der Konzeptkunst / Fotografi e und junge Kunst aus<br />
Dresden. Von den in der Sammlung vertretenen Künstlern werden stets mehrere<br />
Werke angekauft und künstlerische Entwicklungen über einen langen Zeitraum<br />
begleitet. Nach eigener Aussage sammeln Doris und Klaus F.K. Schmidt in erster Linie<br />
„um zu kuratieren“. Der Titel des Katalogs Listen to Your Eyes (Höre auf deine Augen)<br />
bezieht sich auf die gleichnamige Arbeit von Maurizio Nannucci von 2001 und ist eine<br />
Anspielung auf den im Kunsthandel gängigen Spruch „Listen to your Eyes“.<br />
The Schmidt-Drenhaus collection compromises works of modern art, primarily expressionism,<br />
German post-war art and New Expressionism from Berlin along with American<br />
conceptual art / photography and young art from Dresden. Ever more works are<br />
purchased, and the artistic development is accompanied over a long period of time. In<br />
their own words, Doris and Klaus F.K. Schmidt ‘collect in order to curate’. The title of the<br />
exhibition Listen to Your Eyes refers explicitly to the work of the same title by Maurizio<br />
Nannucci from 2001 and is an allusion to the saying ‘listen to your eyes’, which is commonly<br />
used in the art trade.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
17 x 24 cm, 224 Seiten,<br />
216 farbige Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-653-2<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
Kunst / Art<br />
Kunsthalle im Lipsiusbau,<br />
Staatliche Kunstsammlungen<br />
Dresden, 2009<br />
herbst / fall 2009<br />
Sammlung Hoffmann.<br />
Mit dem Fahrrad zur Milchstraße / With the Bicycle to<br />
the Milky Way<br />
Texte von Jennifer Allen, Ulrich Bischoff, Heike Fuhlbrügge, Antje von Graevenitz,<br />
Pamela Kort, Jean-Luc Nivaggioni, Matthew Ritchie und Martin Roth<br />
Mit dem Fahrrad den Kosmos erkunden? Noch dazu freihändig, ohne sicheren<br />
Halt? Die Sammler Erika und Rolf Hoffmann interessierten sich von Anfang an<br />
für künstlerische Regelverletzungen und Grenzüberschreitungen. Ab dem Ende<br />
der 1960er Jahre begannen sie, ihre Kunstsammlung aufzubauen. Zunächst in<br />
Mönchengladbach, später in Köln beheimatet, ist in rund 40 Jahren eine Sammlung<br />
gewachsen, deren Spektrum von El Lissitzky über Jean Tinguely und Frank Stella bis<br />
Frank Nitsche, von Nina Kogan über Isa Genzken bis Vanessa Beecroft und Monica<br />
Bonvicini reicht.<br />
Seit 1997 ist die Sammlung in Berlin ansässig. Erstmals wird sie nun in einer<br />
Monografi e publiziert.<br />
Exploring the cosmos on your bicycle, using no hands and having no safe footing?<br />
From the very beginning the collectors Erika and Rolf Hoffmann have been interested<br />
in the artistic breaking of rules and the crossing of boundaries. They began building<br />
up their art collection at the end of the 1960s. Over the past 40 years a collection has<br />
grown whose spectrum ranges from El Lissitzky via Jean Tinguely and Frank Stella to<br />
Frank Nitsche and from Nina Kogan via Isa Genzken to Vanessa Beecroft and Monica<br />
Bonvicini. Since 1997 the collection has been housed in Berlin and for the fi rst time ever<br />
it is now published in a monograph.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 51
Hans Ulrich Obrist. The Conversation Series<br />
Still available / Weiterhin lieferbar:<br />
No. 1. Robert Crumb<br />
978-3-88375-948-7<br />
€ 9,80 / chf 18,50<br />
No. 2. John Chamberlain<br />
978-3-88375-922-7<br />
€ 12,80 / chf 24,–<br />
No. 3. Konrad Klapheck.<br />
Hans-Peter Feldmann<br />
978-3-86560-035-6<br />
€ 12,80 / chf 24,–<br />
No. 4. Rem Koolhaas<br />
978-3-86560-077-6<br />
€ 9,80 / chf 18,50<br />
13,4 x 21 cm, 158 pages,<br />
28 b/w illustrations.<br />
Softcover<br />
English<br />
978-3-86560-635-8<br />
€ 16,80 / chf 31,–<br />
Art / Kunst<br />
October / Oktober 2009<br />
No. 6. Wolfgang<br />
Tillmans<br />
978-3-86560-133-9<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
No. 7. Yona Friedman<br />
978-3-86560-171-1<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
No. 8. Zaha Hadid<br />
978-3-86560-078-3<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
No. 9. Gilbert & George<br />
978-3-86560-217-6<br />
€ 16,80 / chf 31,–<br />
52 herbst / fall 2009<br />
Jeff Koons. Hans Ulrich Obrist.<br />
The Conversation Series 22<br />
Hans Ulrich Obrist and Jeff Koons are discussing the artist’s most important works of<br />
the last 20 years as well as his current projects. Koons affords insight into his American<br />
childhood and his unusual career. He talks about the huge infl uences of Marcel<br />
Duchamp and Andy Warhol, his personal experience of Pop Art and his own path, which<br />
he’s been following since the 1970s. The architect Rem Koolhaas also takes part in two<br />
of the discussions, which took place between 2004 and 2007. In this way an image, rich<br />
in facets and perspectives, is generated of one of the most enigmatic personalities of<br />
the international art scene.<br />
Hans Ulrich Obrist hat den Künstler im Studio, in New York und immer wieder<br />
unterwegs befragt. Dabei werden wichtige Arbeiten der letzten 20 Jahre sowie<br />
aktuelle Projekte besprochen. Daneben gewährt Koons Einblicke in seine<br />
amerikanische Kindheit und den ungewöhnlichen Werdegang. Er spricht über den<br />
großen Einfl uss von Marcel Duchamp und Andy Warhol, über sein Erlebnis der<br />
Pop-Art und den eigenen Weg, den er seit den 1970er Jahren gegangen ist. An zwei<br />
der zwischen 2004 und 2007 stattgefundenen Gespräche nimmt der Architekt<br />
Rem Koolhaas teil. So entsteht ein aspekt- und perspektivenreiches Bild eines der<br />
schillerndsten Persönlichkeiten der internationalen Kunstszene.<br />
• Jeff Koons, born 1955 in York, Pennsylvania, lives and works in New York<br />
and York, Pennsylvania.<br />
No. 10. Thomas Demand<br />
978-3-86560-204-6<br />
€ 16,80 / chf 31,–<br />
No. 11. Nancy Spero<br />
978-3-86560-322-7<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
No. 12. Dominique<br />
Gonzalez-Foerster<br />
978-3-86560-334-0<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
No. 13. Olafur Eliasson<br />
978-3-86560-335-7<br />
€ 16,80 / chf 31,–<br />
No. 14. Philippe Parreno<br />
978-3-86560-340-1<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
No. 15. Enzo Mari<br />
978-3-86560-401-9<br />
€ 12,80 / chf 24,–<br />
No. 16. Gustav Metzger<br />
978-3-86560-498-9<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
No. 18. John Baldessari<br />
978-3-86560-500-9<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln<br />
No. 19. Christian<br />
Boltanski<br />
978-3-86560-513-9<br />
€ 19,80 / chf 35,90
13,4 x 21 cm, 96 pages,<br />
17 b/w illustrations.<br />
Softcover<br />
English<br />
978-3-86560-652-5<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
Art / Kunst<br />
October / Oktober 2009<br />
13,4 x 21 cm, 172 pages,<br />
26 b/w illustrations.<br />
Softcover<br />
English<br />
978-3-86560-093-6<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Art / Kunst<br />
October / Oktober 2009<br />
herbst / fall 2009<br />
Yoko Ono. Hans Ulrich Obrist.<br />
The Conversation Series 17<br />
Yoko Ono talks to Hans Ulrich Obrist about her artistic beginnings in visual art and<br />
music, her musical development in New York, her contact with John Cage and her own<br />
musical works such as Unfi nished Music No. 1 (1968). Essential themes such as her<br />
Fluxus pieces and her well-known engagement for world peace and human rights,<br />
which is refl ected in much of her work, are brought up over fi ve interviews. She gives<br />
an account of how she founded a new state of ‘Nutopia’ with John Lennon and of<br />
her numerous installations and performances that are still shown time and again.<br />
In the discussions, in which architects and artists such as Rem Koolhaas and Gustav<br />
Metzger take part, the ‘icon of pop history’ shows herself to be a multifaceted and<br />
interdisciplinary artist.<br />
Yoko Ono spricht mit Hans Ulrich Obrist über ihre künstlerischen Anfänge in<br />
bildender Kunst und Musik, über ihre musikalische Ausbildung in New York, ihren<br />
Kontakt zu John Cage und ihre eigenen musikalischen Werke wie Unfi nished Music<br />
No. 1 (1968). In fünf Interviews kommen die wesentlichen Themen zur Sprache,<br />
wie ihre Fluxusarbeiten und ihr allseits bekanntes Engagement für Weltfrieden<br />
und Menschenrechte, das sich in vielen ihrer Arbeiten niederschlägt. So hat<br />
sie gemeinsam mit John Lennon einen Staat namens „Nutopia“ gegründet.<br />
Davon berichtet sie ebenso wie von ihren zahlreichen, immer wieder gezeigten<br />
Installationen und Performances. In den Gesprächen, an denen auch Architekten und<br />
Künstler wie Rem Koolhaas und Gustav Metzger teilnehmen, erweist sich die „Ikone<br />
der Popgeschichte“ als vielschichtige und interdisziplinär denkende Künstlerin.<br />
• Yoko Ono, born 1933 in Tokyo, lives and works in New York.<br />
Cedric Price. Hans Ulrich Obrist.<br />
The Conversation Series 21<br />
Hans Ulrich Obrist met the great visionary and architectural theorist Cedric Price several<br />
times between 1999 and shortly before his death in 2003 and spoke with him about his<br />
architectural concepts and most important projects. The result is a spirited and vivid<br />
description of Cedric Price’s life’s work.<br />
Hans Ulrich Obrist hat den großen Visionär und Architekturtheoretiker Cedric Price<br />
von 1999 bis kurz vor seinem Tod 2003 mehrfach getroffen und mit ihm über seine<br />
Architekturkonzepte und wichtigsten Projekte gesprochen. Dabei ist eine lebendige<br />
und anschauliche Beschreibung von Cedric Prices Lebenswerk entstanden.<br />
• Cedric Price, born 1934 in Stone, Staffordshire (GB). Lived and worked in London,<br />
where he died in 2003.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 53
14 x 22 cm, 120 Seiten,<br />
12 s/w Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-723-2<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
Kunst / Art<br />
Oktober / October 2009<br />
14 x 22 cm, 112 Seiten,<br />
23 s/w Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-724-9<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
Kunst / Art<br />
Oktober / October 2009<br />
54 herbst / fall 2009<br />
Klaus Honnef.<br />
Wilhelm Schürmann<br />
Herausgegeben von Regina Wyrwoll für die Kunststiftung NRW<br />
Energien | Synergien 9<br />
Zwei Männer im Gespräch, die unterschiedlicher kaum sein können, die jedoch beide<br />
die Anerkennung der Fotografi e als Kunst in Deutschland entscheidend befördert<br />
haben: der Ausstellungsmacher und Autor Klaus Honnef und der Sammler und<br />
Fotograf Wilhelm Schürmann. Aachen ist der Ausgangspunkt ihrer einzigartigen<br />
Erfolgsgeschichten: Klaus Honnef gründete dort 1968, noch Journalist der Aachener<br />
Nachrichten, den Gegenverkehr, einen Kunstverein interessierter Künstler und Bürger,<br />
der schnell überregionale Bedeutung gewann und der Ausgangspunkt für eine große<br />
Ausstellungsmacherkarriere wurde. In eben jener Grenzstadt und unmittelbar nach<br />
seinem Chemiestudium an der ortsansässigen RTHW betrat Wilhelm Schürmann 1973<br />
die öffentliche Bühne: Mit seinem Freund Rudolf Kicken eröffnete er Deutschlands<br />
erste auf Foto spezialisierte Galerie, Schürmann & Kicken. Das Gespräch zwischen<br />
Honnef und Schürmann entfaltet das spannende Drama der Dokumentarfotografi e<br />
als Kunstform zwischen Illustrierten- und Kunstwelt.<br />
• Klaus Honnef, geb. 1939 in Tilsit, lebt in Bonn. Professor em. an der Kunsthochschule<br />
Kassel. Vizepräsident der deutschen Sektion des Internationalen Kunstkritikerverbandes<br />
(AICA). Mitglied von ICOM Deutschland – International Council of Museums<br />
(Internationaler Museumsrat). Mitbegründer und Vorsitzender der Gesellschaft Photo<br />
Archiv in Bonn. Zahlreiche Fotobuch-Preise. 1988 Verleihung des „Chevalier de l’ordre<br />
des arts et des lettre“ der Republic de France.<br />
Karl Ruhrberg.<br />
Uwe M. Schneede<br />
Herausgegeben von Regina Wyrwoll für die Kunststiftung NRW<br />
Energien | Synergien 10<br />
In einer Hand hält er ein Notenblatt, mit der anderen schreibt er, die dritte steckt<br />
in einem dicken Boxhandschuh, in der vierten klemmt die brennende Zigarette. Die<br />
Krawatte weht im beschleunigten Tempo locker um seinen Hals, und als ob es der<br />
Tätigkeiten nicht genügend wären, kickt das linke Bein einen Ball fort – so sieht und<br />
charakterisiert Konrad Klapheck den umtriebigen Gründungsdirektor der Düsseldorfer<br />
Kunsthalle (1965) und des Kölner Museum Ludwig (1978) , den Ausstellungsmacher<br />
und Autor Karl Ruhrberg, in einer Zeichnung. Uwe M. Schneede, einst<br />
Ruhrbergs Assistent an der Kunsthalle Düsseldorf und später langjähriger Leiter der<br />
Hamburger Kunsthalle, traf Ruhrberg kurz vor seinem unerwarteten Tod, um mit ihm<br />
über ein spannendes und abwechslungsreiches Leben zwischen Kunst, Sport und<br />
Oper zu sprechen.<br />
• Karl Ruhrberg, geb. 1924 in Wuppertal, gest. 2006 in Köln. Er hat in den 60er Jahren<br />
entscheidenden Anteil daran gehabt, dass vom Rhein aus Impulse in die nationale<br />
und internationale Kunstszene gingen. Sieben Jahre lang gab er im sogenannten<br />
„Kunstbunker“, der Düsseldorfer Kunsthalle, als Direktor den Ton an, präsentierte<br />
Ausstellungen in vielen Varianten, beschritt neue Wege, war sechs Jahre beim<br />
Akademischen Austauschdienst in Dienst, bei dem er internationale Künstler för -<br />
derte und bekannt machte, und schließlich dann weitere sechs Jahre Direktor des<br />
Ludwig-Museums in Köln.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
16 x 24,4 cm, 184 Seiten,<br />
zahlreiche farbige Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-668-6<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Kunst / Art<br />
Uta Brandes, geb. 1949, Professorin<br />
für Gender und Design an der Köln<br />
International School of Design,<br />
lebt und arbeitet in Köln.<br />
Uta Brandes – weiterhin lieferbare<br />
Titel / still available titles:<br />
She, and she as a<br />
collective novel. 2008<br />
978-86560-581-8<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
herbst / fall 2009<br />
Fandalismus.<br />
Von Vandalismus zu Fandalismus<br />
Herausgegeben von Uta Brandes<br />
Texte von Jan Anfang, Uta Brandes, Svenja Brüggemann, Pina Dietsche, Judith Dörrenbächer,<br />
Jakob Florczyk, Fionn Krämer, Josef Kril, Michael Marx und Marco Siegl<br />
Voreilig wird vieles, was im öffentlichen Raum von Unbekannten „verändert“ wird,<br />
als Vandalismus bezeichnet. Die Autorinnen und Autoren haben umherschweifende<br />
Feldforschung im städtischen Raum betrieben und das Phänomen „Vandalismus“<br />
einer kritischen Revision unterzogen. Nicht Vandalismus, „Fandalismus“ heißt<br />
die kritische Rückaneignung des öffentlichen Raumes. So wird zum Beispiel aus<br />
kostenpfl ichtigem Leasing kostenloses, befreites Sitzen; aus gesellschaftlich<br />
als unschuldig und niedlich defi nierten Kindern werden Terroristen; gegen<br />
die Befürworter der städtischen Kübelpfl anzen-„Kultur“ werden revolutionäre<br />
Saatbomben-Werfer eingesetzt; Graffi ti gerät zu neuer Zeichenhaftigkeit mit zum Teil<br />
wunderbaren neuen Technologien; und auch die immer so positiv umarmte Flora und<br />
Fauna werden überzeugend als übel vandalistisch entlarvt.<br />
Das Buch provoziert den Leser, über Vandalismus, Political Correctness und<br />
Mainstream neu nachzudenken; und so manches, was, in Schubladen eingeordnet,<br />
sicher und gewiss erschien, dürfte dabei ebenso vergnüglich wie nachdenklich<br />
durcheinandergewirbelt werden.<br />
If anything in public spaces gets ‘changed’, this is often prematurely labelled as<br />
vandalism. The authors of this book have done extensive fi eld research, subjecting<br />
the phenomenon of ‘vandalism’ to critical revision. And things have turned out to be<br />
quite different than previously assumed, with good and bad being distributed in a<br />
surprisingly different way. The critical repossession of public space is not necessarily<br />
vandalism but rather ‘fandalism’.<br />
This book provokes a re-thinking of issues such as vandalism, political correctness and<br />
the mainstream, and in so doing, stirs up in a thoughtful and equally entertaining<br />
manner many issues that had seemed to be safely fi led away in their respective<br />
drawers.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 55
16 x 23 cm, 200 Seiten,<br />
zahlreiche farbige Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-644-0<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Kunst / Art<br />
16 x 23 cm, 126 Seiten,<br />
zahlreiche farbige Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-645-7<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Kunst / Art<br />
November 2009<br />
56 herbst / fall 2009<br />
Hito Steyerl.<br />
n.b.k. Ausstellungen<br />
Mit einem Vorwort von Marius Babias. Texte von T. J. Demos und Bert Rebhandl<br />
Die Künstlerin Hito Steyerl hat in den letzten Jahren große internationale<br />
Anerkennung erfahren. Sie agiert an der Schnittstelle zwischen Film und bildender<br />
Kunst. Ihre Filme vereinen Elemente des Experimentalfi lms, des Autorenkinos,<br />
des Dokumentarfi lms und der Videokunst. Mit dieser Monografi e wird erstmalig<br />
das bisherige Œuvre Steyerls breit aufgefächert und durch die Autoren<br />
fi lmwissenschaftlich, kunsthistorisch und kulturgeschichtlich beleuchtet. Zahlreiches<br />
Bildmaterial zeigt die stilistisch geschliffene und diskursanalytisch geschulte (Bild-)<br />
Sprache in Steyerls Werk. Mit den Mitteln der Montage fügt sie Elemente aus Pop<br />
und Politik, Hollywood und Independent-Kino, Interviews und Off-Kommentaren zu<br />
provokanten fi lmischen Analysen der Gegenwart zusammen.<br />
With this monograph, Hito Steyerl’s complete œuvre to date is spread out and examined<br />
in terms of fi lm theory, art history and cultural history for the very fi rst time. The<br />
stylistically polished and analytically skilled (visual) language in Steyerl’s work is represented<br />
in numerous images.<br />
• Hito Steyerl, geb. 1966 in München, lebt und arbeitet als Filmemacherin, freie Journalis -<br />
tin und Autorin in Berlin.<br />
• n.b.k., Neuer Berliner Kunstverein, 2009<br />
Solvej Helweg Ovesen. Die Welt als Bühne.<br />
n.b.k. Diskurs<br />
Dieser Essay untersucht die Beziehung zwischen Performance Art und der Performitivität<br />
des Alltagslebens, dem tagtäglichen Zwang zum Handeln. Ausgehend<br />
von zeitgenössischen KünstlerInnen wie Tamy Ben-Tor, Carey Young, Jan Mančusˇka,<br />
Jan Northoff und Claus Carstensen & Peter Bonde werden performative Schismen<br />
zwischen künstlerischer Performance und der Alltagsperformance in Beziehungen, im<br />
Job, auf der Straße und im virtuellen Alltag erörtert. Wie inspirierend ist Performance<br />
Art für die Alltagsperformance?<br />
This essay examines the relationship between performance art and performance in<br />
everyday life, the daily necessity of action. Looking at the work of contemporary artists<br />
such as Tamy Ben-Tor, Carey Young, Jan Mančusˇka, Jan Northoff and Claus Carstensen &<br />
Peter Bonde, schisms between artistic performance and everyday performance in relationships,<br />
at work, on the street and in virtual spaces are reconsidered. To what extent<br />
does performance art inspire our everyday performance?<br />
• Solvej Ovesen, geb. 1974 in Kopenhagen, ist derzeit Kuratorin in der Kunsthalle Fridericianum<br />
in Kassel. Sie war dort u.a. wissenschaftliche Assistentin und Koordinatorin der<br />
Ausstellung Collective Creativity mit Künstlergruppen aus Europa, Asien und Amerika.<br />
Zuvor arbeitete sie für die Ausstellung Who if not we… bei Bak, basis vor aktuele konst,<br />
Utrecht.<br />
• n.b.k., Neuer Berliner Kunstverein, 2009<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
16 x 23 cm, 142 Seiten,<br />
zahlreiche farbige Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-712-6<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Kunst / Art<br />
Februar / February 2010<br />
16 x 23 cm, 178 Seiten,<br />
zahlreiche farbige Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-643-3<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Kunst / Art<br />
herbst / fall 2009<br />
Barbara Kalender, Jörg Schröder.<br />
Immer radikal, niemals konsequent.<br />
Der MÄRZ <strong>Verlag</strong> 1968 bis heute<br />
n.b.k. Diskurs<br />
Herausgegeben von Marius Babias<br />
1969 wurde der legendäre MÄRZ <strong>Verlag</strong> von Jörg Schröder gegründet, der 1989<br />
insolvent ging. Die Mischung aus linker Politik, Avantgarde-Literatur, Popkultur und<br />
Business Art machte den <strong>Verlag</strong> zu einer einfl ussreichen Referenz der Post-68er. Autoren<br />
wie Rolf Dieter Brinkmann, Leslie Fiedler, Valerie Solanas oder Bernward Vesper,<br />
aber auch Künstler wie Thomas Bayrle, Robert Crumb und Hermann Nitsch veröffentlichten<br />
bei MÄRZ. Das Buch ist als Zeitreise in die bundesrepublikanische Subkultur<br />
angelegt. Neben vielen persönlichen Geschichten über Freunde, Sympathisanten und<br />
Gegner werden in chronologischen Kapiteln die Gründung, die Porno-Skandale der<br />
1970er, die Insolvenzprozesse und weitere legendäre Stationen des <strong>Verlag</strong>s erzählt.<br />
In 1969 Jörg Schröder founded the legendary MÄRZ <strong>Verlag</strong>—in 1989 it went bankrupt.<br />
The mixture of left-wing politics, avant-garde literature, pop culture and business art<br />
made the publishing house an infl uential reference point for the post-6os generation.<br />
Alongside many personal stories about friends, sympathisers and opponents, the history<br />
of the publishing house MÄRZ <strong>Verlag</strong> is laid out chronologically, with chapters on its<br />
formation, the porno-scandals of the 1970s, the bankruptcy and other important events.<br />
Thomas Kilpper. State of Control.<br />
n.b.k Ausstellungen<br />
Herausgegeben von Marius Babias<br />
Mit Texten von Marius Babias, Eugen Blume und einem Interview von Clemens Krümmel<br />
Ausgehend von der Historizität des jeweiligen Ortes, entwickelt der Künstler Thomas<br />
Kilpper seine interventionistischen Arbeiten meist in zum Abriss oder Verkauf stehenden<br />
Gebäuden. Sie bilden sein „künstlerisches Material“, in das er sich einschreibt.<br />
In seinen Floor Cuttings bearbeitet Kilpper in monatelanger Arbeit den Boden der<br />
Gebäude. Es sind vor allem Akteure der Geschichte, die in den Boden geschnitten<br />
werden. Von den Bodenschnitten werden Drucke genommen, die in der Tradition des<br />
Holzschnitts stehen und ein eigenständiges künstlerisches Werk bilden. Das Buch<br />
dokumentiert Kilppers Intervention State of Control (2009) im ehemaligen Ministerium<br />
für Staatssicherheit der DDR und zeigt Werke der Einzelausstellung im Neuen<br />
Berliner Kunstverein (2009).<br />
In his fl oor cuttings, Thomas Kilpper engages with German history. His large-scale<br />
intervention on 1,600 square meters offers a historical retrospective on various state<br />
concepts of surveillance and repression, from the Nazi period to the digital present.<br />
• Thomas Kilpper, geb. in Stuttgart, lebt und arbeitet in Berlin.<br />
• n.b.k. , Neuer Berliner Kunstverein, 2009<br />
Ehemaliges Ministerium für Staatssicherheit der DDR (MfS), Normannenstr. 19,<br />
Berlin-Lichtenberg<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 57
15 x 21 cm, 96 Seiten,<br />
70 farbige Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-709-6<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
Kunst / Art<br />
Oktober / October 2009<br />
24 x 30 cm, 80 Seiten,<br />
25 farbige Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-708-9<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
Kunst / Art<br />
Dezember / December 2009<br />
58 herbst / fall 2009<br />
Anton Henning.<br />
Gegengift / Antidote<br />
Text von Katja Blomberg<br />
Anton Henning inszeniert im Haus am Waldsee eine Altmeistergalerie, die auch<br />
Salon, Archiv oder modernes Museum sein könnte. Mit subversiver Leichtigkeit<br />
bedient er sich aus dem Fundus der Kunstgeschichte. Selbstbewusst greift Henning<br />
nach dem Geist von Frans Hals, Goya, Picasso, Picabia, Polke, Arp, Moore oder Matisse.<br />
Plastiken, Gemäldemöbel, Bänke, Sofas und Tische komponiert er zu einer frei<br />
fl ießenden Gesamtinstallation, die alle Gattungsgrenzen und Berühungsängste mit<br />
historischen Meistern durch leidenschaftlich ironisiertes Sich-Aneignen ersetzt.<br />
Anton Henning stages a gallery of Old Masters at Haus am Waldsee which could be<br />
described equally as a Salon, an archive or a modern museum. With subversive lightness<br />
he avails himself of the rich fund of art history. Supremely self-confi dent, Henning<br />
reaches for the spirits of Frans Hals, Goya, Picasso, Picabia, Polke, Arp, Moore or Matisse.<br />
He composes sculptures, furniture from paintings, benches, couches and tables into a<br />
free-fl owing installation which supersedes all genres and reserve towards historical<br />
painting by passionately ironic appropriation.<br />
• Anton Henning, geb. 1964 in Berlin, lebt und arbeitet in Berlin und Manker.<br />
• Haus am Waldsee, 20.09. – 29.11.2009<br />
Corinne Wasmuht.<br />
Supracity<br />
Vorwort von Katja Blomberg. Text von Stephan Berg<br />
Die in Argentinien aufgewachsene Malerin Corinne Wasmuht (1964) sammelt Abbildungen<br />
aus Massenmedien, Zeitschriften, Zeitungen, Internet und Fachbüchern und<br />
überträgt sie zusammen mit eigenen Fotos in collagierte Gemälde. Katastrophen,<br />
Werbung und Nachrichten verdichten sich zu simultan erfassten Lebensräumen. Die<br />
leuchtende Farbigkeit ihrer altmeisterlich auf Holz gemalten Tafeln folgt einer speziellen<br />
Lasurtechnik, die die großformatigen Bilder mit elektronischen Bildaufbauten<br />
vergleichbar macht. Sie scheinen vexierend zu vibrieren und aus dem Jetzt einen Blick<br />
in die Zukunft zu riskieren.<br />
The painter Corinne Wasmuht, born 1964 in Germany and raised in Argentina, collects<br />
reproductions from television, magazines, newspapers, the internet and reference books<br />
and transfers them into collage paintings. Disasters, advertisements and news condense<br />
into simultaneously perceived habitats. The bright coloration of her panels, painted on<br />
wood in the methods of the Old Masters, follows a specifi c glazing technique which<br />
makes the large-scale paintings comparable to electronic images. They appear to<br />
vibrate vexingly and risk a glance into the future.<br />
• Corinne Wasmuht, geb. 1964 in Dortmund, studierte von 1983 – 1990 an der Kunstakademie<br />
Düsseldorf, unter anderem als Meisterschülerin bei Professor Alfonso Hüppi.<br />
Sie lebt und arbeitet in Düsseldorf.<br />
• Haus am Waldsee, 11.12.2009 – 14.02.2010<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
18,5 x 27 cm, 40 pages,<br />
22 col. illustrations.<br />
Softcover<br />
English<br />
978-3-86560-701-0<br />
€ 18,– / chf 32,90<br />
Art / Kunst<br />
17 x 24,5 cm, 152 pages,<br />
128 col. and 24 b/w illustrations.<br />
Hardcover<br />
English<br />
978-3-86560-678-5<br />
€ 34,– / chf 58,–<br />
Art / Kunst<br />
herbst / fall 2009<br />
Klaus Weber.<br />
Bee Works<br />
Essay by Tom Holert<br />
Bringing together new work by Klaus Weber this publication records the production<br />
of a series of paintings (stretched canvases that have been defecated on by ‘cleansing’<br />
bees) and the subsequent proposal for an action to cause a bee swarm on the statue of<br />
Adam Smith in Edinburgh. Serving as a rhetorical ‘collective hallucination’ with regard<br />
to Smith’s intellectual legacy, Klaus Weber continues to develop fresh and exciting challenges<br />
to normative social relations through the historical symbolism of the hive as<br />
social metaphor and art as a social strategy.<br />
Der Künstler Klaus Weber hat für seinen neuen, in diesem Katalog präsentierten<br />
Werkkomplex Bienen zu einem bioästhetischen Experiment animiert. Beim Reinigungsfl<br />
ug entsorgen Bienen im Frühjahr jene Exkremente, die sich während der Winterruhe<br />
angesammelt haben. Sie fühlen sich von weißen Flächen angezogen – sei es von zum<br />
Trocknen aufgehangener Wäsche oder mit weißem Acryllack grundierten Leinwänden.<br />
Indem sich die Bienen freudig von ihrer Last befreien, hinterlassen sie gelblichbraune<br />
Flecken auf den Leinwänden und helfen so die abstrakt-expressiv wirkenden<br />
Gemälde Webers zu produzieren.<br />
• Klaus Weber, born 1967, lives and works in Berlin.<br />
• Transmission Gallery, Glasgow<br />
Keith Tyson.<br />
Cloud Choreography and Other Emergent Systems<br />
Essays by Ziba de Weck Ardalan, Pedro Ferreira and Tadeusz Skorupski<br />
Keith Tyson’s work can be seen as an ongoing investigation into the question of how<br />
things come into being. Many of them investigate the physical forms and systems<br />
found within the natural world; others examine the effects of mankind on the<br />
environment, and the ensuing man-made forms and systems. In other works, Tyson<br />
questions the creation of the artwork itself, positing it as something which can be<br />
randomly generated by systems, but simultaneously making us aware that these<br />
systems are generated by the artist.<br />
For the fi rst time in a publication, Tyson’s work is examined simultaneously from both<br />
an artistic, mathematical and spiritual position, providing a new insight into the artist’s<br />
approach.<br />
Ausgehend von der Astrophysik, der Mathematik und Refl ektionen über die Natur<br />
und ihr Verhältnis zum Menschen, verknüpft Keith Tyson, Turner-Prize-Gewinner 2002,<br />
in seinen Arbeiten wissenschaftliche Erkenntnisse mit einem poetischen Geschick,<br />
das uns immer auch hinter die Schönheit der Oberfl äche blicken lässt.<br />
• Keith Tyson, born 1969 in Ulverston (UK), lives and works in Brighton and London.<br />
He received the Turner Prize 2002.<br />
• Parasol Unit, London, 16.09. – 11.11.2009<br />
koenig books, london 59
6,5 x 10 cm, 30 farbige Spielkarten<br />
in transparenter Kartenbox<br />
aus Plastik und Titelschild<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-018-2<br />
€ 48,– / chf 81,–<br />
Kunst / Art<br />
15 x 20,5 cm, 164 Seiten,<br />
144 s/w Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-697-6<br />
€ 24,– / chf 43,–<br />
Künstlerbuch / Artist Book<br />
60 herbst / fall 2009<br />
George Brecht.<br />
Solitaire<br />
27 (Spiel)-Karten mit collagierten Fragmenten (Samen, bunten Papieren etc.), die auf<br />
Zahlen verweisen (1–5). Erstausgabe einer als Entwurf 1959 von Brecht präsentierten<br />
Arbeit in der Ausstellung toward events: an arrangement in der Reuben Gallery<br />
New York.<br />
Solitaire, 27 playing cards, is an event object which refers with collaged fragments to<br />
the numbers 1 to 3: a score, inventory list, a conceptual instruction which invites the<br />
audience to participate. At the same time, they are score cards which correspond to an<br />
event: this is an event that is conceptualized and can potentially be performed even<br />
before the score itself has been written. Edition of 500 copies.<br />
• George Brecht, geb. 1926 in New York, gest. 2008 in Köln. Er arbeitete in den<br />
50er und 60er Jahren als Chemiker in New York. Daneben begann er seine künst -<br />
lerische Arbeit, in der er Zufallsprozesse erforschte. 1957 schrieb er Chance Imagery,<br />
eine Abhandlung über die Bedeutung des Zufalls in der Kunst und in den Wissenschaften.<br />
1958–59 besuchte Brecht den Kurs „Experimental Composition“ von<br />
John Cage an der New York School for Social Research. In den folgenden Jahren<br />
entwickelte Brecht die Konzeption des „Events“. Für George Maciunas, den Fluxus-<br />
Chef-Organisator, bildeten die Events von George Brecht ein Kernstück der<br />
Absichten von Fluxus. 1970 zog Brecht nach Düsseldorf, 1972 nach Köln. 2006 erhielt<br />
George Brecht den Berliner Kunstpreis.<br />
Tomas Schmit. katalog 1.<br />
Kommentiertes Werkverzeichnis der Arbeiten 1962–1978<br />
2. unveränderte Aufl age der Ausgabe Köln 1978<br />
Vorwort von Wulf Herzogenrath. Texte, Abbildungen, Layout, Satz, Indices, Ausstellungsverzeichnis<br />
und Bibliografi e von Tomas Schmit<br />
Ω „die folgenden texte sind, das ist so meine art, ungefähr so geschrieben wie man<br />
heutzutage fußballspielen sollte: mit viel tempowechsel. ich meine, es soll sich niemand<br />
wundern, wenn ich bei halbwegs unwichtigen dingen zwei seiten vollerzähle und dann<br />
’ne wichtige dicke sache in zwei, drei knallharten sätzen abfertige!”<br />
So wohltuend Klartextiges fi ndet man in Tomas Schmits Einführung zu seinem<br />
katalog 1, den er 1978 im Kölnischen Kunstverein herausbrachte. Er entwickelte mit<br />
diesem Buch, das die Jahre 1962 – 1978 umfasst, den ersten seiner vier Werkkataloge.<br />
Der seit Jahrzehnten vergriffene katalog 1 liegt mit dieser Neuaufl age nun endlich<br />
wieder vor. Der Faksimiledruck ist die erste Publikation des neu gegründeten tomas<br />
schmit archiv in Berlin.<br />
With this book, covering the period 1962–1978, Tomas Schmit produced the fi rst of four<br />
œuvre catalogues. These contain his texts about and images of the works and were<br />
published at ten-year intervals for his retrospectives. katalog 1 is an indispensable artist’s<br />
book of the 70s. Out of print for decades, it fi nally is available again. This facsimile<br />
edition is the fi rst publication of the newly founded tomas schmit archive in Berlin.<br />
• Tomas Schmit, geb. 1943 in Thier. Gymnasien, keine sonstige Ausbildung, doch Leute<br />
wie Paik, Maciunas, Køpcke oder Gosewitz pfl egte Schmit seine Lehrer zu nennen.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
16,5 x 20,5 cm, 124 Seiten,<br />
79 s/w Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-542-9<br />
€ 24,– / chf 43,–<br />
Kunst / Art<br />
16,8 x 23,2 cm, 144 Seiten,<br />
90 farbige Abbildungen.<br />
Pappband<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-664-8<br />
€ 24,– / chf 41,–<br />
Kunst / Art<br />
herbst / fall 2009<br />
Jean Dubuffet. Künstlerbücher.<br />
Mit einem illustrierten und kommentierten Werkverzeichnis<br />
von Sophie Webel<br />
Herausgegeben von Andreas Franzke<br />
Texte von Andreas Franzke, Melanie Horst, Michael Krajewski und Sophie Webel<br />
Jean Dubuffet (1901–1985) war Maler, Bildhauer, Illustrator, aber auch Dichter, Musiker,<br />
Weinhändler und Freund vieler Schriftsteller und Intellektueller. Er ist einer der<br />
wenigen bedeutenden Künstler der zweiten Hälfte des 20. Jhdts., dessen autonome<br />
Künstlerbücher als eigenständige Werkgruppe von gleichem Rang sind wie seine<br />
Bilder, Zeichnungen und Skulpturen. Neben Picasso und Miro gehört Dubuffet zu den<br />
großen und radikalsten Erneuerern der Künstler- bzw. Malerbücher.<br />
Jean Dubuffet (1901–1985) was a painter, sculptor and illustrator but also a poet,<br />
musician, wine dealer and friend of many other authors and intellects. He is one of the<br />
few signifi cant artists of the second half of the 20th century whose autonomous artist’s<br />
books, as independent groups of work, attained the same standing as his pictures,<br />
drawings and sculptures. Alongside Picasso and Miro, Dubuffet is one of the biggest and<br />
most radical innovators of artists’ and painters’ books.<br />
• Jean Dubuffet, geb. am 31. Juli 1901 in Le Havre, gest. 12. Mai 1985 in Paris, Frankreich.<br />
• Andreas Franzke war viele Jahre Direktor der Kunstakademie Karlsruhe, als ausgewiesener<br />
Spezialist hat er zahlreiche Bücher und Aufsätze zum Werk Jean Dubuffets<br />
veröffentlicht.<br />
• Sophie Webel ist Direktorin der Fondation Dubuffet, Paris.<br />
Ludwigs Grafi k 1. Von Warhol bis Pettibon<br />
Vorwort von Brigitte Franzen. Texte von Annette Lagler, Barbara Thiemann und<br />
Myriam Kroll<br />
Im Ludwig Museum Aachen schlummert eine exzeptionelle Sammlung moderner<br />
und zeitgenössischer Druckgrafi ken von mehr als 2000 Bildern höchster Qualität.<br />
Die neue Direktorin Brigitte Franzen legt jetzt den ersten Bestandskatalog vor mit<br />
Grafi ken der nordamerikanischen Kunst der 60er bis zu den frühen 90er Jahren:<br />
Pop-Art, Hyperrealismus, Pattern & Decoration und Concept Art sowie umfangreiche<br />
Blattserien von Einzelpositionen wie etwa Nancy Graves und Raymond Pettibon.<br />
An exceptional collection of modern and contemporary graphical prints, comprising of<br />
more than 2000 pictures of the highest quality, lies dormant in the Ludwig Museum in<br />
Aachen. The museum’s new director Brigitte Franzen now presents their fi rst inventory<br />
catalogue of North American graphical art ranging from the 60s to the early 90s: Pop<br />
Art, Hyperrealism, Pattern & Decoration and Concept Art as well as extensive series of<br />
works from individual artists such as Nancy Graves and Raymond Pettibon.<br />
• Ludwig Forum Aachen, 2009<br />
Ludwig Museum – weiterhin lieferbare Titel / still available titles:<br />
Stichwort Gegenwart. Die aktuelle Bestandsaufnahme. 2008<br />
978-3-86560-224-4<br />
€ 29,90 / chf 49,90<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 61
21 x 21 cm, 195 Seiten,<br />
183 s/w Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch<br />
978-3-88364-062-4<br />
€ 22,– / chf 39,–<br />
Architektur / Architecture<br />
25,5 x 19 cm, 112 Seiten,<br />
105 farbige Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-656-3<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
Architektur / Architecture<br />
62 herbst / fall 2009<br />
Stadtbaukunst: Der Hauseingang.<br />
Dortmunder Architekturheft No. 21<br />
Herausgegeben von Christoph Mäckler<br />
Beiträge von Jean-Christophe Ammann, Georg Ebbing, Paul Kahlfeldt, Rob Krier,<br />
Arno Lederer, Christoph Mäckler, Fritz Neumeyer, Jan Pieper, Laurent Stalder und<br />
Hans Stimmann<br />
Das Buch widmet sich dem Thema des „Hauseingangs“ und ist eine der ersten<br />
Monografi en, die sich mit Vorlesungen von Kunsthistorikern, Städtebauern und<br />
Kritikern zu diesem zentralen, aber vernachlässigten Thema beschäftigt.<br />
Informativ und amüsierend ist auch der 70-seitige Schlussteil des Buches, in dem<br />
25 international renommierte Architekten ihre „Lieblingseingänge“ präsentieren,<br />
denen ihre eigenen Hauseingänge gegenübergestellt werden.<br />
This book is dedicated to entranceways and is one of the fi rst monographs to deal with<br />
this central, yet neglected theme, with written pieces by art historians, urban planners<br />
and critics.<br />
• Die Dortmunder Architekturhefte wurden 1975 von Josef Paul Kleihues gegründet<br />
und von Christoph Mäckler herausgegeben.<br />
Erich Rossmann.<br />
Monumente in Rom – Zeichnungen<br />
Auf seinen Streifzügen während der letzten 25 Jahre durch Rom hat sich der Architekt<br />
Erich Rossmann auf Pfade abseits der Touristenströme begeben und seine Eindrücke<br />
von der baulichen Geschichte und Gegenwart der Stadt auf Zeichnungen und in<br />
Texten festgehalten. Dabei macht Erich Rossmann Entdeckungen, die selbst Kenner<br />
Roms noch in Erstaunen versetzen.<br />
So angenehm wie die Zeichnungen zu betrachten sind, so vergnüglich sind die Texte<br />
Rossmanns. Sie paaren das Informative mit dem Ankedotischen, woraus eine heitere,<br />
aber auch äußerst lehrreiche Lektüre resultiert.<br />
During the past 25 years, the architect Erich Rossmann has been exploring Rome,<br />
avoiding the throngs of tourists and taking routes well off the beaten path. He has<br />
recorded his impressions of the structural history and present-day of the city in<br />
drawings and text. In doing so Erich Rossmann has made discoveries that will astonish<br />
even those who know Rome well.<br />
• Erich Rossmann, geb. 1925. Studium bei Egon Eiermann an der TH Karlsruhe,<br />
1952 Gründung eines eigenen Büros (Rossmann+Partner), aus dem er 1998<br />
ausscheidet, Honorarprofessor an der Universität Karlsruhe.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
21 x 25 cm, 164 Seiten,<br />
28 farbige und 178 s/w Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-711-9<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Kunst / Art<br />
12,5 x 19 cm, 48 Seiten,<br />
12 farbige Abbildungen.<br />
Pappband<br />
English<br />
978-3-88560-648-8<br />
€ 24,80 / chf 44,–<br />
Art / Kunst<br />
herbst / fall 2009<br />
Markéta Othová<br />
Texte von Karel Císarˇ und Christina Végh<br />
Markéta Othovás Werk scheint eine instinktive Rückwärtsbewegung durch die<br />
Geschichte der Fotografi e zu vollziehen, wobei ihr Ausgangspunkt der „archival turn“<br />
der 1990er Jahre ist: 1994 begann die Künstlerin ihr umfassendes Archiv eigener<br />
Schnappschüsse zu durchforsten und zu Fotoinstallationen zusammenzustellen. Später<br />
wandte sich Othová der Technik sequenziell aufgenommener zeitlicher Serien zu<br />
– einer Technik, die Verwendungsweisen der Fotografi e nahesteht, wie wir sie aus der<br />
Konzeptkunst der 1970er Jahre kennen. In ihren neuesten Arbeiten konzentriert sie<br />
sich auf die Komposition von Einzelbildern, die ausschließlich in der Laborumgebung<br />
des Fotostudios entstehen, sodass sie nun bei den Experimenten der Foto-Avantgarde<br />
der 1920er und 1930er angelangt ist.<br />
Markéta Othová’s point of departure has turned out to be the 1990s ‘archival turn’:<br />
beginning in 1994, the artist started to mine an extensive archive of her own snapshots.<br />
Starting at the turn of the decade, Othová shifted to the technique of temporal series,<br />
recorded sequentially—which put her close to the use of photography as we know it<br />
from the 1970s conceptual art. This publication presents her latest works, where she is<br />
more than ever focused on the composition of particular images, now shot exclusively<br />
in the lab environment of a photographer’s studio—so that she has now come next to<br />
the experiments of the photographic avantgarde of the 1920s and 1930s.<br />
• Markéta Othová, geb. 1968 in Brno, ehemalige Tschechoslowakei, lebt und arbeitet<br />
in Prag. Ausstellungen u. a. Kunsthalle Basel, Neues Museum Nürnberg, The<br />
Photographer’s Gallery in London und Kunsthalle Mucsarnok in Budapest.<br />
• Jiri Svestka Gallery, Prag<br />
Andro Wekua.<br />
Workshop Report<br />
The artist’s book Workshop Report brings together all of Andro Wekua’s most recent<br />
computer generated collages, which incorporate photographs of his working method<br />
during the making of the fi lm By the Window. The reproduction of this series of collages is<br />
prefaced by a passage from Dream Replicants of the Cinema by fi lm critic Georg Seeßlen.<br />
Hier vereint Andro Wekua seine neuesten, am Computer entstandenen Collagen,<br />
in die er Fotografi en des eigenen Arbeitsprozesses zu seinem Film By the Window<br />
integrierte. Den Abbildungen der Serie ist ein Textauszug aus Dream Replicants of the<br />
Cinema des Filmkritikers Georg Seeßlen vorangestellt.<br />
• Andro Wekua, born 1977 in Sochumi, Georgia, lives and works in Berlin, Germany and<br />
Zürich, Switzerland.<br />
• MUSEION – Bozen/Bolzano, 24.05.2009 – 03.01.2010; Centre d’art Contemporain<br />
Wiels, Brüssel<br />
Andro Wekua – still available titles /<br />
weiterhin lieferbare Titel:<br />
Without Mirror. 2006<br />
978-3-86560-064-6<br />
€ 14,80 / chf 27,50<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 63
20,5 x 28,7 cm, 175 Seiten,<br />
zahlreiche farbige Abbildungen.<br />
Leinen<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-707-2<br />
€ 39,80 / chf 67,–<br />
Kunst / Art<br />
Oktober / October 2009<br />
11 x 18 cm, 168 Seiten,<br />
36 s/w Zeichnungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-720-1<br />
€ 12,80 / chf 24,–<br />
Kunst / Art<br />
64 herbst / fall 2009<br />
Peter Stauder.<br />
Landschaft als Modell. Zeichnungen<br />
Mit Texten von Vanessa Joan Müller und Peter Stauder<br />
Der Künstler und ausgebildete Philosoph folgt in den verschiedenen Facetten seines<br />
Werks einer gesellschaftskritischen Aussage, die er in einer Abfolge themenbezogener<br />
Projekte (Raum Zeichen Weltstellung, Mythos und Entstellung, Landschaft als<br />
Modell, Ding und Gegenstand, Totes und Unlebendiges) ästhetisch zu präzisieren sucht.<br />
Das vorliegende Buch ist eine theoretische wie künstlerische Auseinandersetzung mit<br />
dem Modellcharakter von Landschaft als einer fehlleistungshaften sozialen Konstruktion.<br />
Die im Buch abgebildeten Zeichnungen entstanden als Entwürfe für großformatige<br />
Werke. Sie wurden aus dem umfangreichen Konvolut von Arbeiten ausgewählt,<br />
die aus den Überlegungen zum Thema „Landschaft als Modell“ hervorgingen.<br />
This book is both a theoretical and artistic examination of the model qualities of landscape<br />
as a failing social construct.<br />
The drawings presented in the book began as sketches for large format pieces of work.<br />
They have been chosen from the extensive omnibus of works that arose from considerations<br />
on the topic ‘landscape as a model’.<br />
• Peter Stauder, geb. 1951. Studium der Philosophie. Arbeitet in Bonn und Rolandseck.<br />
Peter Stauder – weiterhin lieferbare<br />
Titel / still available titles:<br />
Mythos und Entstellung. 2007<br />
978-3-86560-255-8<br />
€ 40,– / chf 68,–<br />
Robert Pütz. Fröhlich alt.<br />
Mit Zeichnungen von Tomi Ungerer<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln<br />
Ω Vorzugsausgabe<br />
Der signierten Vorzugsausgabe<br />
1/30 – 30/30 in einer Kassette liegt eine<br />
kolorierte Zeichnung bei.<br />
Bücher über das Alter und das Älterwerden haben derzeit Konjunktur. Klassiker werden<br />
ausgegraben, wie etwa Senecas Die Kürze des Lebens, Arthur Schopenhauers Die<br />
Kunst, alt zu werden oder Jean Amerys Über das Alter. Gedruckte Ratgeber erscheinen,<br />
wie man der Altersmelancholie am besten entrinnt und glücklich altert. Einen<br />
Gedichtband nur über das Alter und das Altwerden hat es bisher noch nicht gegeben.<br />
Der Autor Robert Pütz hat mit 70 Jahren seine eigene Befi ndlichkeit zu diesem Thema<br />
mit leisem Spott und feiner Ironie zum Ausdruck gebracht. Tomi Ungerer, 78, hat dazu<br />
seine genialen Illustrationen beigetragen.<br />
• Robert Pütz, geb. 1939 in Köln, ist Fotograf, Layouter und Werbegrafi ker.<br />
• Tomi Ungerer, geb. 1931 in Strasbourg, ist Cartoonist, Illustrator, Zeichner.
14 x 18,5 cm, 6 s/w Abbildungen.<br />
DVD<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-650-1<br />
€ 24,– / chf 43,–<br />
Film<br />
15 x 21 cm, 44 Seiten,<br />
19 farbige Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-647-1<br />
€ 9,80 / chf 18,50<br />
Kunst / Art<br />
herbst / fall 2009<br />
Peter Roehr.<br />
Film-Montagen I – III (1965)<br />
Als der Künstler Peter Roehr 1968, kaum 24 Jahre alt, in Frankfurt a. M. starb, hinterließ<br />
er mehr als 600 Arbeiten: Bilder, Texte, Filme und Tonaufnahmen, alle um die Mitte<br />
der 1960er Jahre nach demselben seriellen Prinzip lückenloser Wiederholung entstanden.<br />
Roehrs axiomatisches bzw. minimalistisches Werk ist von einem konzeptuell<br />
orientierten Kunstverständnis geprägt. Daher überrascht es nicht, dass die aktuelle<br />
Kunstwelt das Werk Peter Roehrs, und hier besonders die 22 Film-Montagen von 1965,<br />
als extrem aktuell empfi ndet. Zum ersten Mal liegen nun sämtliche Filme sorgfältig<br />
restauriert im Video-Format PAL vor.<br />
When the artist Peter Roehr died in Frankfurt in 1968, scarcely 24 years old, he left<br />
behind over 600 works: pictures, texts, fi lms and tapes, all created around the mid-60s<br />
and following the same serial principle of uninterrupted repetition. Roehrs axiomatic<br />
and minimalist œuvre strongly refl ects his conceptual notion of art. It is therefore not<br />
surprising that the current artworld experiences the work of Peter Roehr, and especially<br />
his 22 Film Montages from 1965, as extremely contemporary.<br />
• Peter Roehr, geb. 1944 in Lauenburg, Pommern; gest. 1968 in Frankfurt a.M.<br />
Er war ein deutscher Maler und Objektkünstler. Ausstellungen u.a. documenta 5<br />
(1972), Van Abbemuseum Eindhoven (1977), Kunstmuseum Luzern (1978), Haus der<br />
Kunst München (1986), Guggenheim Museum New York (1992).<br />
• Museum für Moderne Kunst, Frankfurt a.M., 28.11.2009 – 06.03.2010<br />
Eine Kooperation von Städel Museum und MMK, Frankfurt a.M.<br />
Siegfried Zielinski.<br />
Kaos Pilot Kairos Poet.<br />
Peter Weibel zum Fünfundsechzigsten<br />
Fotografi en von MONO KROM<br />
„Ich würde ja gerne aufräumen. Darf aber nicht. Das Büro wurde zum Weltkulturerbe<br />
erklärt.“ (Peter Weibel)<br />
‘I would like to tidy up, but I’m not allowed. The offi ce has been declared a World<br />
Heritage Site.’ (Peter Weibel)<br />
• Peter Weibel, geb. 1951 in Butzbach, Hessen, lebt und arbeitet in Berlin. Mitglied der<br />
Akademie der Künste, Berlin, Sektion Film- und Medienkunst. Seit 1999 Vorstand des<br />
ZKM Karlsruhe.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 65
Verantwortlich für das Programm<br />
sind Matthias Haase, David Horst,<br />
Maria Muhle, Francesca<br />
Raimondi und Dirk Setton.<br />
10 x 16 cm, 60 Seiten,<br />
11 s/w Abbildungen. Broschur<br />
Deutsch<br />
978-3-941360-02-0<br />
€ 9,80 / chf 18,50<br />
Kunsttheorie / Art Theory<br />
10 x 16 cm, 92 Seiten,<br />
10 s/w Abbildungen. Broschur<br />
Deutsch<br />
978-3-941360-03-7<br />
€ 9,80 / chf 18,50<br />
Kunsttheorie / Art Theory<br />
66 herbst / fall 2009<br />
August <strong>Verlag</strong> Berlin<br />
Imprint im <strong>Verlag</strong> der <strong>Buchhandlung</strong> <strong>Walthe</strong>r <strong>König</strong>, Köln<br />
Der August <strong>Verlag</strong> Berlin ist ein Forum für Theorie im Schnittpunkt von Philosophie,<br />
Politik und Kunst. Die Reihe Kleine Edition steht in der Tradition des Essays, jenes<br />
Genres der Intervention, die zu lang für eine Zeitschrift und zu kurz für ein herkömmliches<br />
Buch ist. Im großen Format wird zeitgenössische Theorie veröffentlicht.<br />
Anselm Haverkamp.<br />
Begreifen in Bildern: Methodische Annäherungen<br />
an die Aktualität der Kunst<br />
Die Aktualität der Kunst ist eine des Begreifens – dies ist die Bestimmung, um die<br />
Anselm Haverkamp in seinem Essay zur Methodologie der Kunst kreist. Im Ausgang<br />
von der augenfälligen Ähnlichkeit zweier historisch entfernter Bilder – Antonello<br />
da Messinas Maria der Verkündigung und August Sanders Blindgeborene Kinder<br />
– argumentiert Haverkamp, dass die aktuelle Relevanz der Kunst weder in ihrer<br />
Nähe zu politischen Zuständen, noch in ihrer Durch arbeitung von philosophischen<br />
Vorgaben oder lebensweltlichen Interessen zu suchen ist. Kunst wird so als Begreifensgeschichte<br />
lesbar, in der es nicht um die Bewältigung geschichtlich überkommener<br />
Schuld geht, sondern um eine bildliche Epistemologie: um die Möglichkeiten des<br />
Erkennens zugleich verborgener und historisch mächtiger Hypotheken.<br />
• Anselm Haverkamp ist Professor für Literaturwissenschaften in Frankfurt/Oder und<br />
New York. Zuletzt ist von ihm erschienen: Diesseits der Oder. Frankfurter Vorlesungen<br />
(2008).<br />
Barbara Vinken.<br />
Eine Legende der Moderne. Flauberts Einfaches Herz<br />
Félicité, Flauberts normannisches Dienstmädchen von bestürzender Einfalt, hält die<br />
Leser seit Generationen in Atem: Moderne Heilige oder Frustrierte im Papageienfi eber?<br />
– In ihrer Lektüre vom Einfachen Herzen verschränkt Barbara Vinken Flauberts<br />
Aneignung des Maria-Topos der Dienstmädchenliteratur mit der Analyse des Vogelreigens<br />
in der Malerei des 19. Jahrhunderts. Mit der Ersetzung der Taube, dem Symbol<br />
des geistigen Gottesboten, durch den Papageien, dem erotischen Liebesvogel par<br />
excellence, wird aus dem Versprechen der göttlichen Botschaft die geistlose mechanische<br />
Nachahmung menschlicher Rede. Das Einfache Herz wird so als verkehrter<br />
Bildungsroman lesbar, in dem Félicité als Nullpunkt moderner Subjektivität zugleich<br />
zum Paradigma des Zustands der Sprache in der Moderne wird – eines Zustands, in<br />
dem das Wort, aller zeugenden Kraft beraubt, nur noch toter Buchstabe ist.<br />
• Barbara Vinken ist Professorin für Allgemeine und Französische Literaturwissenschaft<br />
in München.<br />
• Das Buch erscheint im Rahmen der von Barbara Vinken herausgegebenen Flaubertvorlesungen<br />
des Centre Flaubert München/Paris. In der Vorlesungsreihe entwerfen<br />
Philosophen, Literatur- und Kunstwissenschaftler neue Perspektiven auf das Werk<br />
von Gustave Flaubert. Als Nächstes erscheinen in dieser Reihe Texte von Jonathan<br />
Culler, Hans Ulrich Gumbrecht, Michael Fried, Jacques Rancière u.a.<br />
august verlag berlin
11 x 18 cm, 292 pages,<br />
16 col. and 14 b/w illustrations.<br />
Softcover<br />
English<br />
978-3-941360-04-4<br />
� 29,80 / chf 49,90<br />
Art Theory / Kunsttheorie<br />
October / Oktober 2009<br />
11 x 18 cm, 360 Seiten.<br />
Broschur<br />
Deutsch<br />
978-3-941360-00-6<br />
� 29,80 / chf 49,90<br />
Kunsttheorie / Art Theory<br />
herbst / fall 2009<br />
Sun Tropes.<br />
Sun City and (Post-)Apartheid Culture in South Africa<br />
Edited by Aljoscha Weskott and Marietta Kesting<br />
Texts, interviews and photographs by Leslie Witz, Jeanne van Eeden, Ivan Vladislavić,<br />
David Goldblatt, Kgebetli Moele, Shaheed Saleem, Gwen Gill and others<br />
Sun Tropes follows traces of Sun City through South Africa’s history from the late 70s<br />
until today. The book focuses specifi cally on the practices of entertainment and popular<br />
culture that have become standard by now. As the African imitation of Las Vegas, Sun<br />
City’s glittering hotel palaces refl ect the desire of lavishness, escapism and the longing<br />
for a completely artifi cial time-space. The book (re-)constructs the ‘mythical’ location of<br />
Sun City on different levels: as a historical and visual case study; through the incorpora-<br />
tion of oral history perspectives as a fragmented space of post-Apartheid memory.<br />
Sun Tropes zeichnet die Spuren eines an sich geschichtslosen Ortes in Südafrika von<br />
Ende der 1970er Jahre bis heute nach und wirft dabei sein Augenmerk auf Entertain-<br />
mentpraktiken, die längst globale Standards geworden sind. Auf eine bestimmte Art<br />
führte Sun City – als afrikanische Las-Vegas-Imitation – etwas vor, was sich heute in<br />
Dubais glitzernden Hotelpalästen manifestiert: Verschwendung, Eskapismus und ein<br />
seltsames Begehren nach einem künstlichen Zeit-Raum.<br />
• Marietta Kesting ist Assistentin am Lehrstuhl für Visuelle Zeit- und Kulturgeschichte<br />
an der Universität Wien. Ihre Filme Photo Roman (2002) und Howzit!? Life in Johannes-<br />
burg mit A. Weskott (2008) waren auf internationalen Festivals zu sehen.<br />
• Aljoscha Weskott ist Politikwissenschaftler, Filmemacher und Autor. Er ist Mitheraus-<br />
geber von Gespräche über Erinnerung in der Berliner Republik (2008) und Regisseur<br />
der Filme Disco Ceremonies (2004) und Sunny Land (2009).<br />
Georg Canguilhem.<br />
Die Erkenntnis des Lebens<br />
Der 1965 erschienene Band La connaissance de la vie, der nun in deutscher Überset-<br />
zung vorliegt, versammelt Canguilhems Aufsätze, die aus biologischer, medizinischer<br />
und neo-vitalistischer Perspektive die Beziehung zwischen Denken und Leben unter-<br />
suchen. Canguilhem entwickelt hier seine berühmte These, dass Leben nicht primär<br />
als Zyklus der Selbsterhaltung, sondern als vitale Dynamik der Selbstüberschreitung<br />
zu verstehen ist. Diese radikale Neubestimmung des Lebensbegriffs ist zu einem der<br />
maßgeblichen Bezugspunkte der zeitgenössischen lebenswissenschaftlichen, philo-<br />
sophischen und ästhetischen Diskussionen geworden. Canguilhems neo-vitalistische<br />
Refl ektionen werfen so ein neues Licht auf die gegenwärtig virulenten Debatten um<br />
Biopolitik und Biowissenschaft, die durch Canguilhems berühmten Schüler Michel<br />
Foucault angeregt wurden.<br />
• Georges Canguilhem (1904–1995) war einer der führenden Philosophen und Wissen-<br />
schaftshistoriker Frankreichs. Zu seinen Schülern zählen Michel Foucault, Pierre Bour-<br />
dieu und Alain Badiou. Auf Deutsch liegen u.a. vor: Das Normale und das Pathologische<br />
(1974, 1977), Wissenschaft, Technik, Leben (2007), Die Herausbildung des Refl exbegriffs im<br />
17. und 18. Jahrhundert (2007).<br />
august verlag berlin 67
12,5 x 21 cm, 100 Seiten,<br />
24 ganzseitige farbige Abbildungen.<br />
Pappband mit Schutzumschlag<br />
Deutsche Ausgabe:<br />
978-3-86560-549-8<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
English edition:<br />
978-3-86560-624-2<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Kunst / Art<br />
Charlotte Birnbaum, geb. in Stockholm,<br />
Kunsthistorikerin, lebt und arbeitet in<br />
Stockholm und Frankfurt a.M.<br />
Christa Näher, geb. in Lindau am Bodensee,<br />
lebt und arbeitet in Frankfurt a.M.<br />
und Wolfegg. Professur an der<br />
Städelschule in Frankfurt a.M. Ausstellungen<br />
u.a. documenta 9, 1992.<br />
Ω Die innere Reise von Charlotte<br />
Birnbaum weckt auf das Köstlichste<br />
meine Erinnerungen, nährt auf das<br />
Feinste meine Sehnsucht, füttert<br />
liebevoll meine Kräfte aus jener Zeit,<br />
als, wie Charlotte schreibt, „… das Tier<br />
nicht nur ein anständiges Leben hatte,<br />
es wurde auch nach dem Schlachten<br />
respektiert, indem der Tierhalter<br />
jeden Teil des Körpers achtete und zu<br />
verarbeiten wusste.“<br />
(Christa Näher)<br />
Ω Es erscheint eine Vorzugsausgabe<br />
(siehe Seite 73).<br />
68 herbst / fall 2009<br />
Die innere Reise. / A Journey Within.<br />
Ein Buch über das Kochen mit Innereien. / Cooking with Offal<br />
Text von Charlotte Birnbaum. Bilder von Christa Näher<br />
Charlotte Birnbaum holt Rezepte mit Leber, Hirn, Herz, Zunge und Kutteln zurück auf<br />
ihre Speisekarte. Aus eigener Erfahrung notiert sie in fünf Kapiteln Gerichte aus einer<br />
vergessen geglaubten Küche. Schon in der Einleitung macht sie dem Leser Appetit<br />
auf die zu Unrecht in Verruf geratene Kunst des Innereienkochens. Die 35 Rezepte sind<br />
praktikabel und leicht nachzukochen. Jedes der fünf Kapitel wird von einem kulturgeschichtlichen<br />
Abriss eingeführt.<br />
Illustriert wird dieses bibliophile Koch-Brevier von Zeichnungen von Christa Näher.<br />
Das Kochen mit Innereien ist eine fast in Vergessenheit geratene Kunst. Köstlicheres<br />
Essen gibt es nicht, und wer bereit ist, diesen heute nahezu unbekannten Kontinent<br />
zu erforschen, hat ein großes Abenteuer vor sich. (Textauszug)<br />
Charlotte Birnbaum brings recipes with liver, brain, heart, tongue and tripe back onto<br />
the menu. Refl ecting on her own personal experience, the author describes 35 delectable<br />
dishes from this almost-forgotten cuisine. The introduction itself is enough to whet the<br />
reader’s appetite for the art of cooking innards, which has unjustly fallen into disrepute.<br />
The recipes are feasible and easy to cook and each of the fi ve chapters is introduced<br />
with an abridged cultural history of its respective offal. This culinary breviary is illustrated<br />
with drawings by Christa Näher and is a must for any cooking bibliophile.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
12,5 x 21 cm, 124 Seiten,<br />
20 Farbtafeln und 4 s/w Abbildungen.<br />
Pappband mit Schutzumschlag<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-714-0<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Kunst / Art<br />
Charlotte Birnbaum, geb. in Stockholm,<br />
Kunsthistorikerin, lebt und arbeitet in<br />
Stockholm und Frankfurt a.M.<br />
Christa Näher, geb. in Lindau am Bodensee,<br />
lebt und arbeitet in Frankfurt a.M.<br />
und Wolfegg. Professur an der<br />
Städelschule in Frankfurt a.M. Ausstellungen<br />
u.a. documenta 9, 1992.<br />
Ω „Casanova war nicht nur ein Liebhaber<br />
von ungewöhnlicher Ausdauer,<br />
sondern auch ein potenter Koch.“<br />
„Casanovas Lieblingsgericht war eine<br />
schlichte Makkaroni-Pastete, eine<br />
,pasticcio di maccherone‘. Seine Vorliebe<br />
für diese Teigwaren war so groß, dass er<br />
schon als neunjähriger Knabe ein Sonett<br />
zu ihrem Lob dichtete und danach als<br />
,Makkaroni-Prinz‘ bezeichnet wurde.“<br />
(Charlotte Birnbaum)<br />
herbst / fall 2009<br />
Pasteten, Pasteten, Pasteten.<br />
Neue und alte Geheimnisse der Kochkunst<br />
Text von Charlotte Birnbaum. Bilder von Christa Näher<br />
Die Pastete ist die <strong>König</strong>in der Speisen. Ihr Innenleben immer ein Geheimnis, ihr<br />
Äußeres eine Skulptur. Kein anderes Gericht ist so geeignet für Überraschungen und<br />
kulinarische Amüsements. Wenn sie groß genug ist, können Tauben oder singende<br />
Kinder plötzlich aus Pasteten in Erscheinung treten!<br />
Was ist lustiger und köstlicher als dieses geheimnisvolle kleine Kunstprodukt? Die<br />
Autorin hat immer wieder festgestellt: Pasteten sind nicht nur beliebt, weil sie lecker<br />
sind, sondern sie machen überhaupt gute Laune. Eine Pastete, egal wie anspruchsvoll,<br />
ist immer etwas Feierliches. Sie ist, auch wenn nicht ganz gelungen, ein Kunstwerk.<br />
Jede Pastete ist einmalig. Auch wenn die Pastetenkunst faszinierende Höhepunkte<br />
kennt, handelt dieses Buch vor allem von unkomplizierten Rezepten, die – wie die<br />
Autorin hofft – jeder als Inspiration für eigene Kreationen nehmen kann. Grenzen<br />
kennt der Pastetenbäcker keine.<br />
Illustriert wird dieses neue bibliophile Koch-Brevier wieder von Zeichnungen von<br />
Christa Näher.<br />
Pâté is the queen of all foods. Its inner life is always a secret, its exterior a sculpture. No<br />
other dish is as suitable for surprises and culinary amusement. When big enough, a pâté<br />
may supply the hiding place from which a fl ock of doves or a group of singing children<br />
can suddenly appear!<br />
What could be funnier and more delectable than this mysterious little processed consumable?<br />
The author has reached the conclusion again and again: pâtés are not only<br />
loved because they are delicious, but also because they create a good mood. A pâté, no<br />
matter how sophisticated, is always something festive. It is, even if it’s not completely<br />
successful, a work of art. Every pâté is unique. Although there are some fascinating<br />
highlights in the art of pâté baking, this book is mainly concerned with uncomplicated<br />
recipes, which—as the author hopes—anyone can take as inspiration for their own<br />
creations. The pâté baker knows no bounds.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 69
19 x 21 cm, 132 Seiten mit<br />
11 transparenten Zwischenblättern.<br />
Leinen mit amerikanischem<br />
Schutzumschlag<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-655-6<br />
€ 48,– / chf 81,–<br />
Kunst / Art<br />
Oktober / October 2009<br />
26,5 x 39 cm, 108 Seiten,<br />
42 farbige Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-713-3<br />
€ 38,– / chf 64,–<br />
Kunst / Art<br />
70 herbst / fall 2009<br />
Falco Marx. Schmuck / Jewellery. 1966/2009<br />
Vorwort von Gerhard Dietrich. Text von Jean-Christophe Ammann<br />
Dieser bibliophil gestaltete Band ist die erste monografi sche Publikation des<br />
Schmuckkünstlers Falko Marx. Er präsentiert einen von ihm selbst ausgewählten<br />
repräsentativen Querschnitt durch sein Lebenswerk mit rund 60 Arbeiten.<br />
Als Schmuckkünstler entwickelte Falko Marx ein höchst innovatives, in seiner<br />
Radikalität einzigartiges Œuvre. Ohne das perfekt beherrschte Handwerk zu verlassen,<br />
hinterfragt er mit den Mitteln großer Goldschmiedekunst althergebrachte<br />
Vorstellungen von Schmuck. Antike Glyptik und archäologische Fundstücke, aber<br />
auch Alltagsgegenstände wie Konservendosendeckel oder Puzzleteile integriert und<br />
verfremdet er auf überraschende Art und Weise. In seinen oft erzählerischen und<br />
bildhaften Arbeiten schafft er fetischhafte Kultobjekte, die dennoch herausragende<br />
Qualitäten als Schmuck besitzen. Eine der bemerkenswertesten Kreationen sind seine<br />
Wasser-Ringe, in deren Schalen sich Goldkügelchen, Edelmetallnadeln und Edelsteine<br />
frei bewegen.<br />
This fi rst monograph on the jewellery artist Falko Marx presents a broad selection of<br />
his highly innovative and radical work. Drawing on a wide range of infl uences, from<br />
ancient glyptics and archaeological artefacts to everyday objects such as jam-jar lids or<br />
jigsaw pieces, he creates fetish-like jewellery with cult status.<br />
• Falko Marx, geb. 1941 in Köln, lebt und arbeitet in Köln. 1961–1965 Studium an den<br />
Kölner Werkschulen, Goldschmiedeklasse bei Elisabeth Treskow.<br />
• Museum für Angewandte Kunst Köln, 29.10.2009 – 10.01.2010<br />
Georg Hornemann.<br />
Objekte / Objects<br />
Mit Texten von Thomas Olbricht und Valeria Liebermann<br />
Georg Hornemann, 1940 in Dessau geboren, gehört zu den weltweit gefragtesten<br />
Juwelieren. Seine enorme künstlerische Begabung und sein perfekter Umgang mit<br />
dem Material haben ihm als Goldschmied und Schmuckdesigner fast alle international<br />
renommierten Preise eingebracht. Das großformatige, exzellent ausgestattete Buch<br />
stellt in Totalen und Detailansichten 17 Arbeiten der letzten Jahre vor.<br />
Georg Hornemann, born 1940 in Dessau, is one of the most in-demand jewellers in the<br />
world. His huge artistic talent and perfect handling of the materials have seen him pick<br />
up almost every international goldsmith and jewellery designer prize. This large format<br />
book presents 17 pieces from the last few years with excellent details and complete<br />
views.<br />
• Georg Hornemann, geb. 1940 in Dessau, lebt und arbeitet in Düsseldorf.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
17 x 29,7 cm, ca. 80 Seiten,<br />
35 Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch / English<br />
978-3-86560-726-3<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Kunst / Art<br />
Oktober / October 2009<br />
Temporäre Kunsthalle Berlin,<br />
25.09. – 15.11.2009<br />
Künstler / Artists:<br />
Monica Bonvicini, Enrico David, Jason<br />
Dodge, Elmgreen & Dragset,<br />
Isa Genzken, Julian Göthe, Karl<br />
Holmqvist, Alexandra Hopf, Judith<br />
Hopf, Laura Horelli, Anna-Kavata<br />
Mbiti, Shahryar Nashat, Henrik Olesen,<br />
Kirsten Pieroth, Lotte Reiniger, Dean<br />
Sameshima, Dash Snow, Josef Strau,<br />
Suzanne Treister, Susanne Winterling,<br />
Amelie von Wulffen u.a.<br />
herbst / fall 2009<br />
Scorpio’s Garden<br />
Texte von Patricia Ellis und Angela Rosenberg<br />
Scorpio’s Garden stellt Werke und Performances von über 35 internationalen<br />
Künstlern zu einer subjektiven Momentaufnahme der aktuellen Berliner Kunstszene<br />
zusammen. Die Stadt Berlin wird metaphorisch als Garten gedeutet, in der Bilder,<br />
Ideen und Konzepte wachsen, konkurrieren und sich gegenseitig überwuchern.<br />
Weder Rückblick noch Ausblick, demonstriert Scorpio’s Garden die ungebrochene<br />
Anziehungskraft Berlins auf Künstler aus aller Welt.<br />
Scorpio’s Garden brings together works and performances of over 35 international<br />
artists in a subjective snapshot of the current art scene in Berlin. The city is metaphorically<br />
represented as a garden, in which images, ideas and concepts grow, compete and cover<br />
over one another. Neither retrospective nor prospective, Scorpio’s Garden demonstrates<br />
Berlin’s unceasing attraction to artists from all over the world.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 71
24,5 x 20,5 cm, 104 pages,<br />
39 col. and 41 b/w illustrations.<br />
Softcover<br />
English<br />
978-3-86560-655-6<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Art / Kunst<br />
17 x 23,5 cm, 104 Seiten,<br />
86 s/w Abbildungen.<br />
Klappenbroschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-659-4<br />
€ 18,– / chf 32,90<br />
Kunst / Art<br />
72 herbst / fall 2009<br />
Jorge Otero-Pailos.<br />
The Ethics of Dust<br />
Texts by Thordis Arrhenius, Daniel A. Barber, Daniel Birnbaum, Valeria Burgio, Lorenzo<br />
Fusi, Francesca von Habsburg et al. Conversation between Francesca von Habsburg,<br />
Jorge Otero-Pailos, Dinko Peračić, François Roche, Andreas Ruby and Mark Wigley<br />
The author has developed a process by which he removes and isolates pollution from<br />
historically signifi cant buildings using latex. The installations in Doge’s Palace for the<br />
Venice Biennale are documented in this catalogue with numerous colour illustrations.<br />
Jorge Otero-Pailos konserviert in einem speziellen Verfahren Verschmutzung in Latexabdrücken.<br />
Otero-Pailos, Professor für historische Denkmalpfl ege an der New Yorker<br />
Columbia Universität, rückt so mit seinen Installationen das vielleicht signifi kanteste<br />
kulturelle Erzeugnis der Industrialisierung in den Blickpunkt, das traditionellerweise<br />
als Abfall- und Nebenprodukt und nicht als Teil unseres kulturellen Erbes betrachtet<br />
wird. The Ethics of Dust wurde erstmals im Rahmen der Manifesta7 präsentiert und<br />
in einer venezianischen Version als Teil von Daniel Birnbaums Biennale-Ausstellung<br />
„Fare Mondi // Making Worlds“ im Arsenale.<br />
Der Autor hat ein Verfahren entwickelt, bei dem er Verschmutzungen an historisch<br />
signifi kanten Gebäuden mit Latex abnimmt und isoliert. Die Installationen im<br />
Dogenpalast der Biennale werden im Katalog mit zahlreichen Farbabbildungen<br />
dokumentiert.<br />
• Jorge Otero-Pailos, born 1971 in Madrid, is an architect and theorist specialized in<br />
the fi eld of experimental forms of preservation.<br />
• Fare Mondi // Making Worlds, Doge’s Palace, Venice, 2009 at the 53rd International<br />
Art Exibition, La Biennale di Venezia. 07.06. – 22.11.2009<br />
Günter Brus – Offenlegungen.<br />
Ein Symposion zum 70.<br />
Herausgegeben von Peter Weibel<br />
Texte von Éric Alliez, Franz Josef Czernin, Harald Falckenberg, Cathérine Grenier, Oliver<br />
Jahraus, Karin von Maur, Régis Michel, Olga Neuwirth,Burkhard Stangl, Peter Weibel<br />
und Oswald Wiener<br />
Anlässlich des 70. Geburtstages von Günter Brus veranstaltete das BRUSEUM der<br />
Neuen Galerie Graz am Landesmuseum Joanneum 2008 „Ein Fest für Günter Brus“,<br />
das aus einem Symposium mit internationalen Referenten und Referentinnen, einer<br />
Ausstellung und einem Festakt mit einer Laudatio von Oswald Wiener, der Aufführung<br />
einer Komposition von Olga Neuwirth und Burkhard Stangl sowie einer Lesung<br />
mit Brus’ literarischen Werken mit Bernd Jeschek bestand.<br />
Die Ergebnisse des Symposiums liegen nun in dieser Publikation mit einer beigefügten<br />
CD vor.<br />
• Günter Brus, geb. 1938 in Ardning, lebt und arbeitet in Graz.<br />
• Neue Galerie Graz am Landesmuseum Joanneum, 2008<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
Editionen Vorzugsausgaben<br />
Bereits angekündigt / Previously announced:<br />
Werner Büttner.<br />
Lohn des Schweigens.<br />
Erotica, Dionysiaca, Vanitatia<br />
Köln 2009. 17,5 x 23,5 cm, 144 Seiten,<br />
63 farbige Abbildungen. Leinen .<br />
Werner Büttner hat für jede der sieben<br />
Vorzugsausgaben eine Original-Collage<br />
in der Größe 21,5 x 29 cm geschaffen,<br />
jedes Exemplar ist anders.<br />
Aufl age: 30, davon die Exemplare 1 –7<br />
+ 2 A.P. Exemplare mit Collage, signiert<br />
und nummeriert im Stülpdeckelkarton<br />
25,5 x 33,5 cm.<br />
Preis: € 1.800,– mit Collage<br />
€ 39,80 ohne Collage<br />
Neu / New 2009:<br />
Charlotte Birnbaum. Christa Näher.<br />
Die innere Reise<br />
Köln 2009. 21 x 12,5 cm, 100 Seiten,<br />
24 farbige Abbildungen. Pappband mit<br />
Schutzumschlag im Karton.<br />
Der Vorzugsausgabe liegen illustrierte<br />
Lithografi en von Christa Näher in der<br />
Größe 30 x 40 cm bei, handvergoldet,<br />
signiert und nummeriert.<br />
Aufl age: 45 + 5 A.P.<br />
Preis: € 680,–<br />
herbst / fall 2009<br />
Johannes Wohnseifer.<br />
White Men<br />
Köln 2009. 20 x 23 cm, 64 Seiten<br />
mit 32 montierten Tafeln, broschiert.<br />
Das Buch erscheint nur als Vorzugsausgabe.<br />
Für das Buch wurde eine Auswahl von<br />
32 Motiven zum Thema „Siemens“ gescannt<br />
und im Offsetverfahren auf Zeitungspapier<br />
gedruckt. Alle Abbildungen<br />
wurden dann von Hand ausgeschnitten<br />
und in ein Blankobuch eingeklebt.<br />
Aufl age: 15 + 5 A.P. Exemplare,<br />
signiert und nummeriert.<br />
Preis: € 480,–<br />
Walter Dahn.<br />
About today<br />
Köln 2009. 17 x 23,5 cm, 96 Seiten,<br />
80 farbige Abbildungen. Klappenbroschur<br />
im Schuber.<br />
Der Vorzugsausgabe liegt eine Fotografi<br />
e (Pilzschnecke) in der Größe<br />
16,5 x 23 cm bei, signiert und nummeriert.<br />
Aufl age: 18 + 3 A.P. signiert und<br />
nummeriert.<br />
Preis: € 180,–<br />
Enrico David.<br />
Untitled, 2009<br />
Köln 2009. 18,8 x 26 cm, 52 Seiten mit<br />
44-seitigem Text-Insert, 22 farbige<br />
Abbildungen. Pappband.<br />
Der Vorzugsausgabe liegt ein Siebdruck<br />
der Größe 100 x 70 cm bei. Buch und<br />
Druck sind eingelegt in einem dreiseitig<br />
aufklappbaren schwarzen Pappkarton,<br />
bei einer Klappengröße von 70 x 65 cm<br />
und Befestigungslaschen.<br />
Aufl age: 20 + 5 A.P. Exemplare, signiert<br />
und nummeriert.<br />
Preis ca.: € 750,–<br />
Simon Starling.<br />
Under Lime<br />
Köln 2009. 17 x 22,5 cm, 128 Seiten,<br />
32 farbige und 28 s/w Abbildungen.<br />
Klappenbroschur im Karton.<br />
Der Vorzugsausgabe liegen sieben<br />
getrocknete Pfl anzen bei.<br />
Aufl age: 40 Exemplare, signiert und<br />
nummeriert.<br />
Preis: € 380,–<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 73
22,5 x 30 cm, 288 pages,<br />
184 col. illustrations.<br />
Embossed hardcover<br />
and dust jacket<br />
English<br />
978-86560-646-4<br />
€ 38,– / chf 64,–<br />
Art / Kunst<br />
2009<br />
Sarah Morris,<br />
born 1967 in London, lives and<br />
works in New York and London.<br />
Received the Joan Mitchell Foundation<br />
prize for painting in 2001.<br />
MMK Frankfurt, 2009<br />
Museo d’Arte Moderna Bologna, 2009<br />
Witte de With Rotterdam,<br />
Fall 2009 – Summer 2010<br />
74 herbst / fall 2009<br />
aus unserer backlist / from our backlist<br />
Sarah Morris.<br />
Beijing<br />
Texts by Colin Chinnery, Anthony Lane and Andrea Phillips<br />
Sarah Morris spent several months observing the preparation and execution of the<br />
2008 Olympic Games in Beijing. Continually accompanied by disputes with Chinese<br />
bureaucracy, she struggled to gain access and permission to fi lm at the games. The<br />
result is a pulsating 86 minute fi lm, which not only paints a picture of the Olympic<br />
Games but also of the booming urban growth in China and the construction of buildings<br />
by ‘star’ architects such as Norman Foster’s T3 at Beijing airport, Herzog &<br />
De Meuron’s ‘bird’s nest’ or Rem Koolhaas’ CCTV Tower. The relationships and apparatus<br />
of power that have shaped the situation in Beijing are subtly unraveled<br />
in Morris’ fi lm.<br />
In her work, which includes fi lm and paintings, the artist presents fast images, architectural<br />
details, people, movements and close-ups, all with her very distinctive aesthetic<br />
vision. The fi lms are scored with soundtracks that reinforce the rhythm of the images<br />
and build up immense tension.<br />
Sarah Morris hat sich über Monate hinweg mit der Vorbereitungs- und Laufzeit<br />
der Olympischen Spiele in Peking 2008 beschäftigt. Vor dem Hintergrund der<br />
Auseinandersetzungen mit der chinesischen Bürokratie erkämpft sie sich den<br />
Einlass zu den Spielen und eine Drehgenehmigung. Das Resultat ist ein pulsierender<br />
86-minütiger Film, der nicht nur die Olympiade zeigt, sondern auch den in China<br />
boomenden Städtebau und die Bauten der Star-Architekten, wie Norman Fosters T3<br />
des Beijing Airports, Herzog & De Meurons „Vogelnest“ oder Rem Koolhaas’ CCTV<br />
Tower. Die Machtverhältnisse und -apparate, die die Situation in Peking bestimmt<br />
haben, werden in Morris’ Film subtil gezeigt und in der Publikation anschaulich<br />
dokumentiert.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln
14 x 22,5 cm, 272 Seiten,<br />
27 s/w Abbildungen.<br />
Broschur<br />
Deutsch<br />
978-3-86560-607-5<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
Kunst / Art<br />
2009<br />
Christian Boltanksi,<br />
geb. 1944 in Paris,<br />
lebt und arbeitet in<br />
Malakoff bei Paris.<br />
herbst / fall 2009<br />
aus unserer backlist / from our backlist<br />
Christian Boltanski. Catherine Grenier.<br />
Das mögliche Leben des Christian Boltanski<br />
Herausgegeben und übersetzt von Barbara Catoir<br />
Christian Boltanski liebt es, Geschichten zu erzählen und mit Anekdoten seine<br />
Vergangenheit lebendig werden zu lassen. Catherine Grenier ist in dieser fesselnden<br />
Erzählung die Zuhörerin und gibt mit ihren Fragen die Stichworte, um den Redefl uss<br />
des Künstlers zu lenken. „Da muss ich die Geschichte mit der Katze erzählen“, und<br />
schon wird ein Stück Vergangenheit so lebendig, wie es keine Geschichtsschreibung<br />
vermag: Paris unter der deutschen Besatzung, die Gesetze der Vichy-Regierung, das<br />
Verbot für Juden, ein Haustier zu halten. Mit seinen Erzählungen von seinen vielen<br />
Begegnungen mit anderen Künstlern, mit Museumsleuten, Kunstkritikern, Galeristen<br />
wandert er durch die Kunstszene der vergangenen Jahrzehnte.<br />
Der Titel bezieht sich wortspielerisch auf Boltanskis ersten Kurzfi lm von 1968: „La<br />
vie impossible de Christian Boltanski“. Aus diesem „unmöglichen Leben“ wurde im<br />
Rückblick „das mögliche Leben des Christian Boltanski.“<br />
Christian Boltanski loves telling stories, bringing his past to life with autobiographical<br />
sketches and anecdotes. Catherine Grenier is the listener, prompting this captivating<br />
narrative with well-informed questions in order to steer the artist’s monological<br />
fl ow of speech. ‘I’ll have to tell you the story about the cat’. With that a piece of the<br />
past becomes more alive than any written history may hope to render it: Paris under<br />
German occupation, the laws of Vichy France, the ban on Jews owning pets. Various<br />
stories and anecdotes about the numerous encounters he has had with other artists,<br />
museum people, art critics, gallery owners, open our eyes to the art scene of the past<br />
few decades.<br />
The title refers to Boltanski’s fi rst short fi lm from 1968 ‘La vie impossible de Christian<br />
Boltanski’. This ‘impossible life’ becomes, in retrospect, what he calls ‘une vie exemplaire’:<br />
an exemplary life.<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln 75
Candida Höfer. On Kawara.<br />
Date Paintings<br />
25 x 27 cm, 256 S., 138 farb. Abb.,<br />
Leinen mit Schutzumschlag<br />
978-3-86560-501-6<br />
€ 68,– / chf 115,–<br />
Radical Nature.<br />
Art and architecture for a<br />
changing planet, 1969–2009<br />
23 x 27 cm, 256 S., 180 farb. Abb.,<br />
broschiert<br />
978-3-86560-608-2<br />
€ 39,80 / chf 67,–<br />
Angelika Hoerle.<br />
The Comet of the Avant-Garde<br />
1912–23<br />
20 x 24,5 cm, 144 S., 80 farb. und<br />
45 s/w Abb., broschiert<br />
978-3-86560-631-0<br />
€ 24,– / chf 43,–<br />
Gerhard Richter.<br />
Elbe. 31 Monotypien 1957<br />
24,6 x 34,4 cm, 74 S.<br />
31 farb. Abb., broschiert<br />
978-3-86560-588-7<br />
€ 19,80 / chf 35,90<br />
76 herbst / fall 2009<br />
aus unserer backlist / from our backlist<br />
Candida Höfer.<br />
Projects: Done<br />
21,6 x 28 cm, 240 S., 373 farb. Abb.,<br />
broschiert mit Schutzumschlag<br />
978-3-86560-634-1<br />
€ 38,– / chf 64,–<br />
Robert Mangold.<br />
X, Plus and Frame Paintings.<br />
Works from 1980s<br />
21 x 29,5 cm, 92 S., 52 farb. Abb.,<br />
gebunden<br />
978-3-86560-625-9<br />
€ 29,80 / chf 49,90<br />
Isa Genzken.<br />
Sesam, öffne dich!<br />
23 x 28,5 cm, 248 S., 199 farb. Abb.,<br />
gebunden, Dt.<br />
978-3-86560-583-2<br />
€ 48,– / chf 81,–<br />
Medium Religion.<br />
Faith. Geopolitics. Art<br />
21,5 x 25,5 cm, 340 S., 250 farb.<br />
und 30 s/w Abb., broschiert<br />
978-3-86560-604-4<br />
€ 29,90 / chf 49,90<br />
Bernhard Fuchs.<br />
Straßen und Wege, Fotografi en<br />
25 x 28 cm, 120 S., 53 farb. Abb.,<br />
Leinen<br />
978-3-86560-623-5<br />
€ 48,– / chf 81,–<br />
<strong>Herb</strong>ert Molderings.<br />
Atelier Man Ray<br />
14,5 x 21 cm, 96 S.,<br />
38 s/w Abb., gebunden<br />
978-3-86560-613-6<br />
€ 28,– / chf 49,–<br />
Gelatin’s acb<br />
25 x 32 cm, 326 S., mit 48-seitigem<br />
Addendum, DVD im<br />
vorderen Buchdeckel. Leinen mit<br />
Siebdruck, Schutzumschlag<br />
978-3-86560-408-8<br />
€ 64,– / chf 108,–<br />
Focus Orient.<br />
Orientalistische Fotografi e<br />
23,5 x 32,2 cm, 150 S., 126 Duoton-<br />
Abb., gebunden m. Schutzumschlag<br />
978-9948-04-596-0<br />
€ 68,– / chf 115,–<br />
verlag der buchhandlung walther könig, köln<br />
Robert Storr. Cage.<br />
Sechs Bilder von Gerhard Richter<br />
25,5 x 25,5 cm, 200 S., 82 s/w u.<br />
168 farb. Abb., gebunden mit<br />
Schutzumschlag<br />
978-3-86560-591-7<br />
€ 38,– / chf 64,–<br />
Nam June Paik.<br />
Exposition of Music. Electronic<br />
Television. Revisited<br />
17 x 24 cm, 244 S., 168 s/w u.<br />
82 farb. Abb., broschiert<br />
978-3-86560-619-8<br />
€ 24,80 / chf 44,–<br />
Jonathan Meese.<br />
Totaler Metabolismus –<br />
ein Manifest<br />
21,5 x 30,3 cm, 384 S., 370 farb. Abb.,<br />
mit DVD, gebunden<br />
978-3-86560-630-3<br />
€ 48,– / chf 81,–<br />
Schere – Stein – Papier. /<br />
Rock – Paper – Scissors<br />
22 x 28 cm, 140 S., ca. 45 farb. und<br />
25 s/w Abb., broschiert<br />
978-3-86560-657-0<br />
€ 29,90 / chf 49,90
Index<br />
7 x 14 . . . 22<br />
A<br />
Allora & Calzadilla . . . 4<br />
Althamer, Pawel . . . 21<br />
Audiovisuology . . . 40<br />
B<br />
Bayrle, Thomas . . . 32f<br />
Belting, Hans . . . 6f.<br />
Birnbaum, Charlotte . . . 68f., 73<br />
Boltanski, Christian . . . 75<br />
Bonvicini, Monica . . . 16<br />
Brandes, Uta . . . 55<br />
Brecht, George . . . 60<br />
Brus, Günter . . . 72<br />
Büttner, Werner . . . 73<br />
C<br />
Canguilhelm, Georg . . . 67<br />
Chipperfi eld, David . . . 8ff.<br />
D<br />
Dahn, Walter . . . 73<br />
Dakic, ´<br />
Danica . . . 27<br />
David, Enrico . . . 73<br />
Demand, Thomas . . . 43<br />
Die Kunst, das Geld . . . 44<br />
Dortmunder Architekturheft . . . 62<br />
Dubuffet, Jean . . . 61<br />
Duchamp, Marcel . . . 6f.<br />
E<br />
Eliasson, Olafur . . . 35<br />
Entre Deux Actes . . . 23<br />
F<br />
Fandalismus . . . 55<br />
Farocki, Harun . . . 39<br />
Feldmann, Hans-Peter . . . 30f.<br />
Fries, Pia . . . 20<br />
G<br />
Goldstein, Jack . . . 17<br />
Gormley, Antony . . . 20<br />
H<br />
Haverkamp, Anselm . . . 66<br />
Henning, Anton . . . 58<br />
Honnef, Klaus . . . 54<br />
Hornemann, Georg . . . 70<br />
J<br />
Jacob, Luis . . . 26<br />
Jahresring . . . 47<br />
Jenssen, Olav Christopher . . . 19<br />
Julien, Isaac . . . 18<br />
K<br />
Kelly, Ellsworth . . . 1<br />
Kilpper, Thomas . . . 57<br />
Kirkeby, Per . . . 19, 28<br />
Koons, Jeff . . . 37, 52<br />
L<br />
Listen to your Eyes . . . 50<br />
Ludwigs Grafi k . . . 61<br />
M<br />
Manifesto Marathon . . . 38<br />
Marx, Falko . . . 70<br />
MÄRZ-<strong>Verlag</strong> . . . 57<br />
McKenzie, Lucy . . . 5<br />
Meese, Jonathan . . . 29<br />
Metzger, Gustav . . . 36<br />
Morris, Sarah . . . 74<br />
N<br />
Näher, Christa . . . 68f., 73<br />
Newman, Barnett . . . 15<br />
O<br />
Obrist, Hans Ulrich . . . 2f, 31, 43, 52f.<br />
Oehlen, Albert . . . 46<br />
Ono, Yoko . . . 53<br />
Otero-Paillos, Jorge . . . 72<br />
Othová, Markéta . . . 63<br />
Otto-Knapp, Silke . . . 24<br />
Oursler, Tony . . . 14<br />
Ovesen, Solvej Helweg . . . 56<br />
P<br />
Post-War Exhibition Design . . . 45<br />
Price, Cedric . . . 53<br />
Pütz, Robert . . . 64<br />
R<br />
Richter, Gerhard . . . 2f.<br />
Riedel, Michael . . . 18<br />
Roehr, Peter . . . 65<br />
Rossmann, Erich . . . 62<br />
Ruhrberg, Karl . . . 54<br />
Ruscha, Ed . . . 13<br />
S<br />
Sammlung Hoffmann . . . 51<br />
SANAA . . . 11<br />
Schmidl, Martin . . . 45<br />
Schmit, Tomas . . . 60<br />
Schneede, Uwe M. . . . 54<br />
Schürmann, Wilhelm . . . 54<br />
Scorpio´s Garden . . . 71<br />
See this Sound . . . 41<br />
Smirnov, Andrei . . . 42<br />
Starling, Simon . . . 73<br />
Stauder, Peter . . . 64<br />
Stewen, Dirk . . . 12<br />
Steyerl, Hito . . . 56<br />
Sun Tropes . . . 67<br />
Synchronicity . . . 48<br />
T<br />
Transitory Objects . . . 48<br />
Tyson, Keith . . . 59<br />
V<br />
Vinken, Barbara . . . 66<br />
W<br />
Warhol, Andy . . . 15<br />
Wasmuht, Corinne . . . 58<br />
Weber, Klaus . . . 59<br />
Weibel, Peter . . . 65<br />
Wekua, Andro . . . 63<br />
Werner, Klaus . . . 49<br />
Wessen Geschichte . . . 47<br />
Wohnseifer, Johannes . . . 25, 73<br />
Wool, Christopher . . . 15<br />
Wyn Evans, Cerith . . . 34<br />
Z<br />
Zielinski, Siegfried . . . 65
verlag der buchhandlung<br />
walther könig, köln<br />
Ehrenstraße 4, d-50672 Köln<br />
tel. +49 (0)221 205 96 53<br />
fax +49 (0)221 205 96 60<br />
verlag@buchhandlung-walther-koenig.de