Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln

Verlag der Buchhandlung 

Walther König, Köln 

Frühjahr · Sommer / Spring · Summer 2008

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verlag der buchhandlung 

walther könig, köln 

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Alle Preise inkl. Mwst. freibleibend. 

Cover: Dirk Skreber, Ohne Titel / Untitled (Blutreifen), 

Courtesy of the artist and Staatliche Kunsthalle 

Baden-Baden

The theme of the shadow and other symbols of life is played through in all 

sorts of variations in the 96 works by Andy Warhol presented in this book, 

ranging from black-and-white composite photographs, polaroids, sewn and 

stitched photographs to the widely overlooked Stencil Paintings alluding to 

“Rorschach” paintings, and the Urochromes created by urinating onto canvas 

or paper. Included is also Shadows II, a set of 6 diamond-dust prints (ed. 6/10). 

The 19 Anniversary Notes by Benjamin H.D. Buchloh—entitled 

Urochromes, The Stencil Paintings, Anomic Drawings, Hammer and Dildo, 

Man Ray versus Matisse, Animation—place the illustrations into the art 

historical context of the 20th century and complement the book by an 

independent text level with informative and very poetical commentaries. 

Das Thema des Schattens liegt allen 96 ganzseitigen Abbildungen 

zugrunde, die in dieser aufwändig gestalteten Publikation zu sehen 

sind. Und doch sind sie sehr unterschiedlich und reichen von einfachen 

Schwarzweißfotos, Polaroids, genähten und gehefteten Fotos bis zu den 

bisher nur wenig beachteten, an Rorschach-Bilder gemahnenden Schablonenbildern 

und schließlich den Urochromes, die durch das Urinieren 

auf Leinwand oder Papier entstanden. Auch die Serie Shadows II, die aus 

6 Diamantenstaub-Drucken besteht, ist Teil des Buches. 

Die 19 Anniversary Notes von Benjamin H.D. Buchloh – überschrieben 

mit u.a. Urochromes, The Stencil Paintings, Anomic Drawings, Hammer 

and Dildo, Man Ray versus Matisse, Animation – stellen die Blätter in den 

kunsthistorischen Kontext des 20. Jahrhunderts. Sie ergänzen das Buch 

um eine eigenständige Textebene mit informativen und sehr poetisch 

gehaltenen Kommentaren. 

Weiterhin lieferbar / Still available: 

Andy Warhol. 

Head Shots. 2000 

isbn: 978-3-931354-14-5 

€ 39,80 / chf 67,– 

Andy Warhol. 

Ladies & Gentlemen. 

Sex Parts. Torsos. 2003 

isbn: 978-3-931354-28-2 

€ 59,– / chf 100,– 

Andy Warhol. 

Shadows and Other 

Signs of Life 

Text by Benjamin H.D. Buchloh 

29,5 x 29,5 cm, 120 pages, 30 col. and 

66 b/w illustrations. Hardcover 

English / French 

isbn: 978-3-86560-384-5 

€ 39,80 / chf 67,– 

2008 

Kunst / Art 

Andy Warhol. 

Polaroids. 2000 

isbn: 978-83-913075-2-6 

€ 39,80 / chf 67,– 

Benjamin H.D. Buchloh 

is Professor of Modern Art at Harvard 

University. 

Galerie Chantal Crousel, Paris, 2008 

Andy Warhol. 

Portrait Drawings. 

2002 

isbn: 978-3-931354-22-0 

€ 50,– / chf 85,– 

verlag der buchhandlung walther könig, köln I / 2008 | 1

Seit 2001 betreuen wir verlegerisch mit zahlreichen Publikationen Gelitin. 

Jetzt erscheint die erste umfassende Monografi e zur Künstlergruppe mit 

der Dokumentation aller ihrer bisherigen Projekte. Von A wie Abgasblase 

bis Z wie Zapf de Pipi bietet der Band einen Überblick über das bisherige 

Œuvre sowie einen Ausblick auf künftige Projekte. Die Fülle an Fotos, 

Skizzen, Modellen und Ideen, Künstlerstatements und Essays ermög licht 

ein beglückendes Abtauchen in das Gelitin’sche Universum. Die vier 

Österreicher schaffen ein Gesamtkunstwerk zwischen zwei Buchdeckeln. 

Für fantasievolle Arbeiten und Aktionen voller anarchischem Hintersinn 

und Humor ist Gelitin bekannt. Die Wahl ihrer Themen und Materialien 

ist schier unbegrenzt. Ob sie von den Brücken Venedigs springen, einen 

Raumfl ug zur Venus planen, einen Tunnel zum Singen bringen, einen 

der Türme des New Yorker World Trade Center mit einem Balkon versehen 

oder – mit dem Kakabet – eine neue Typografi e entwerfen: Immer 

überschreiten sie die Grenzen des Gewohnten und nehmen dabei ihr 

Publikum mit. 

2 | I / 2008 

verlag der buchhandlung walther könig, köln 

Gelatin’s acb 

Texte von Gelitin 

25 x 32 cm, 326 Seiten, mit 48-seitigem 

Addendum, sechs eingeklebten Blättern, 

Altarfalz und mit einer DVD im vorderen 

Buchdeckel, Leinen mit Siebdruck, 

Schutzumschlag 

Deutsch / English / French / Italian 

Englisch / deutsches Addendum 

English / German Addendum: 

isbn: 978-3-86560-408-8 

French Addendum: 

isbn: 978-3-86560-410-1 

Italian Addendum: 

isbn: 978-3-86560-430-9 

€ 64,– / chf 108,– 

2008 

Kunst / Art 

Gelitin (ehem. Gelatin) 

Die Künstlergruppe gründete sich 

Anfang der 1990er Jahre in Wien: 

Wolfgang Gantner, geb. 1970; Ali Janka, 

geb. 1971; Florian Reither, geb. 1968 und 

Tobias Urban, geb. 1966. Ausstellungen 

u.a. EXPO 2000 Hannover, Biennale 

Venedig, Kunsthaus Zürich, Albertina 

Wien, Kunsthaus Bregenz. 

ARC / Musée d’Art moderne de la Ville 

de Paris, 01.03.–20.04.2008

Since 2001, we have sponsored Gelitin as publishers with numerous publications. 

With Gelatin’s acb the artists’ group presents its own documentation 

of its projects. At the same time, it is the fi rst comprehensive book of and 

about Gelitin who called themselves Gelatin until 2005. From A like Abgasblase 

(exhaust fumes) to Z like Zapf de Pipi the book provides both an overview 

of the entire œuvre and a forecast on future projects. The abundance 

of photographs, sketches, models and ideas, artists’ statements and essays 

allows an uplifting plunge into the gelitinesque universe. Between the two 

book covers, the four Austrians have created a gesamtkunstwerk. Gelitin 

is well-known for imaginative work and actions imbued with anarchical 

deeper meaning and humor. The choice of its topics and materials is just 

about unlimited. Whether they jump off the bridges of Venice, plan a space 

trip to Venus, make a tunnel sing, put a balcony on one of the twin towers 

of the New York World Trade Center or—with the kakabet—design a new 

typography: They always cross the borderlines of the conventional, taking 

their audience along. 

Weiterhin lieferbar / 

Still available: 

Gelitin. Kakabet. 2007 

isbn: 978-3-86560-233-6 

€ 180,– / chf 299,– 

Gelitin. Chinese-Synthese- 

Leberkäse. 2006 

isbn: 978-3-86560-081-3 

€ 28,50 / chf 46,60 

Gelatin is getting it all 

wrong again. 2003 

isbn: 978-3-88375-653-0 

€ 38,– / chf 60,– 

Gelatin. Grand Marquis. 2002 

isbn: 978-3-88375-596-0 

€ 78,– / chf 123,– 


Dieser Kalender von Gelitin zeigt 22 

überraschende Interpretationen der 

Mona Lisa, die Gelitin für ihre Pariser 

Ausstellung in Plastilin verfertigt haben. 

Das Kalendarium ist in Italienisch, der 

Sprache Mona Lisas verfasst. Die Aufhängung 

des Kalenders ist ein gewöhnlicher 

Kleiderbügel aus Draht. 

This calendar comprises 22 surprising 

interpretations of the Mona Lisa that 

Gelitin had generated out of plasticine for 

their Paris exhibition. The calendar is in 

Italian, the language of Mona Lisa. For the 

hanging it is equipped with an ordinary 

clothes hanger made out of wire. 

In einer riesigen, aufgelassenen Industriehalle 

präsentiert Tatjana Doll ihre Ausstellung, 

die der Besucher ausschließlich 

mit dem Auto abfahren kann. Drive In 

nennt die Künstlerin auch ihr Buch, das 

zu dieser Ausstellung erscheint. 

Auf verschiedenen Papieren, thematisch 

den Kapiteln zugeordnet, zeigt 

Doll Montagen ihrer großformatigen 

Gemälde, Zeichnungen und Skizzen zu 

Drive In und Arbeiten ihrer Brick Gun 

Serie zur Lego-Waffenkollektion. Das 

Highlight des Buches ist das Cover mit 

vier unterschiedlichen gemalten Papierarbeiten, 

die einen Rettungswagen aus 

jeweils einer anderen Perspektive zeigt. 

Tatjana Doll poises with her lacquered 

pictures which are larger than life in 

the streets of New York, Istanbul, Berlin, 

showing a photo sequence of full-page 

montages. In contrast, her fi ligree pencil 

drawings represent the self-exploitation 

of femineity. Another chapter is dedicated 

to a collection of Lego weapons, a serial 

painting. The book’s highlight, however, 

is the artist’s original on the cover taking 

possession of the realism of production. 

4 | I / 2008 


Gelitin. 

Mona Lisa 

38 x 100 cm, 23 Seiten, 22 farbige 

Abbildungen, Spiralbindung auf 

Drahtkleiderbügel (Kalender) 

Italienisch 

isbn: 978-3-86560-409-5 

€ 27,– / chf 47,90 

2008 

Kunst / Art 

Gelitin (ehem. Gelatin) 

ist eine Künstlergruppe, gegründet 

Anfang der 1990er Jahre in Wien: 

Wolfgang Gantner, geb. 1970; 

Ali Janka, geb. 1971; Florian Reither, 

geb. 1968 und Tobias Urban, geb. 

1966. 

Tatjana Doll. 

Drive In 

21 x 27,5 cm, ca. 160 Seiten, ca. 100 

farbige Abbildungen, verschiedene 

Papiere. Broschur 

Deutsch / English 

isbn: 978-3-86560-411-8 

ca. € 34,– / chf 58,– 

Limitierte Aufl age, je 250 x 4 mit 

einem farbigen Original auf dem 

Umschlag 

Mai / May 2008 

Künstlerbuch / Artist Book 

Tatjana Doll 

Geb. 1970. Lebt und arbeitet 

in Berlin. 

Kunstverein Greven, 2008

Es gibt Künstler, die deswegen nicht vergessen werden, weil andere 

Künstler sie stets als Beispiel zitieren. Paul Thek gehört dazu. Er genießt 

Kultstatus. Die Lücke einer Überblickspublikation wird mit diesem Buch 

endlich geschlossen. 

Es ist ein Leitfaden in drei Teilen entstanden: Margit Brehm, Axel Heil 

und Roberto Ort erzählen in ihrem Essay unter dem märchenhaften Titel 

Tales the Tortoise Taught Us (Geschichten, die uns die Schildkröte erzählte) 

vom ambivalenten Verhältnis des Künstlers zu seiner amerikanischen Heimat, 

„Turtle Island“, von Theks ungewöhnlichem, aber zugleich typischem 

Künstlertum in der Beat- und Hippiegeneration. Thek widersetzt sich der 

seriellen Kunst der Pop Art als bloßer Konsumkunst und geht eigene Wege, 

wie in den „technologischen Reliquien“, Theks Antwort auf die Pop Art. 

Der zweite Teil ist ein chronologisch geordneter Werküberblick von 1963 

bis zu Paul Theks tragischen AIDS-Tod 1988. 

Die chronologische Biografi e im dritten Teil des Buches beschreibt 

detailreich die Stationen seines künstlerischen Lebens, ergänzt durch 

zahlreiche Original-Zitate. 

There are artists who are not forgotten because other artists frequently 

refer to them as examples. Paul Thek is among those. He enjoys cult status. 

This book fi nally fi lls the hiatus of a survey publication. 

It is a compendium in three parts: In their essay with the fairytale-like 

title Tales the Tortoise Taught Us Margit Brehm, Axel Heil and Roberto Ort 

speak about the artist’s ambivalent relation to his American homeland 

“Turtle Island” , they recount Thek’s unusual but at the same time typical 

artistry in the Beat- and Hippiegeneration. Thek defi es the serial art of Pop 

Art as mere consumer art, pursuing his own ways in “technological relics,” 

Thek’s reply to Pop Art. 

The second part is a chronologically arranged survey of works from 1963 

up to Paul Thek’s tragical AIDS death in 1988. 

The chronologically arranged biography in the third part describes in 

detail the stations of his artistic life with numerous original quotations. 

Paul Thek. 

Tales the Tortoise 

Taught Us 

Herausgegeben von Margrit Brehm, 

Axel Heil, Roberto Ohrt 

Essays von Margrit Brehm, Axel Heil, 

Roberto Ohrt 

17 x 24 cm, 156 Seiten, 80 farbige und 

56 s/w Abbildungen. Broschur 

Deutsche Ausgabe: 

isbn: 978-3-86560-389-0 

€ 24,– / chf 43,– 

English Edition: 

(to be published in May 2008) 

isbn: 978-3-86560-390-6 

€ 24,– / chf 43,– 

2008 

Kunst / Art 

Paul Thek 

Geb. 1933 in Brooklyn. Gest. 1988 in 

New York. 

Sammlung Falckenberg, Hamburg, 

17.05.–14.09.2008 

ZKM, Karlsruhe, 2007 

Ω Paul Thek war ein Künstler, der in seiner 

eigenen Zeit ziemlich gut aufgenommen, 

aus irgendeinem Grunde aber nicht 

als geeigneter Repräsentant jener Zeit 

betrachtet worden ist. Jetzt wird er von 

jener Geschichtsschreibung plötzlich 

wieder aufgenommen. Warum? Der 

offensichtliche Grund ist der, dass so viele 

der neueren Kunstwerke wie die von Paul 

Thek aussehen. (Mike Kelley) 


Mit einem Fokus auf das Schaffen der letzten acht Jahre gibt Blutgeschwindigkeit 

den bislang umfangreichsten Überblick über das Werk des 

einstigen Absolventen der Kunstakademie Düsseldorf mit einer Fülle an 

Gemälden und Installationen. 

Skreber nimmt sich der Katastrophen der Gegenwart an, darunter 

Hurrikane, Überschwemmungen oder andere Unglücksorte. Das häufi gste 

Thema ist aber der Autounfall. Seine fulminanten, großformatigen Gemälde 

sind menschenleer, und selbst Autocrashs oder Überschwemmungen 

gewinnen die ästhetische Qualität von Stillleben. Aus der Hubschrauber- 

Perspektive werden überfl utete Landschaften mit einsamen Häusern 

betrachtet. Die sogenannten Reifenbilder zählen zu Skrebers jüngster 

Werkgruppe. Im Gegensatz zu seinen Crash- oder Flutbildern schildern 

sie den Moment unmittelbar nach der Katastrophe, denn Autoräder und 

Radachsen wirbeln noch dynamisiert durch die Luft, wirken wie aggressive 

Monsterreifen, die sich zum Angriff formieren und den Betrachter das 

Gruseln lehren. Sie entwickeln eine ästhetische Anziehungskraft des unterschwellig 

Makabren, die sich aus unbehaglichen Erinnerungen, Überwältigungsphantasien 

oder einem Gefühl indirekter Bedrohung speist. 

The publication Blutgeschwindigkeit/Blood Speed presents an encompassing 

insight into the multifaceted œuvre of German artist Dirk Skreber. 

His fi rst large-scale exhibition in Germany features a multitude of pictures 

and installations. Even if he shows us natural disasters, accidents or buildings 

in gloomy surroundings, his formal language thwarts the superfi cial 

appearance by its high-gloss aesthetics. 

6 | I / 2008 


Dirk Skreber. 

Blutgeschwindigkeit / 

Blood Speed 

Herausgegeben von Karola Grässlin, 

Fritz Emslander und Anita Shah 

Texte von Fritz Emslander, Christian 

Scheidemann und Anita Shah 

21,5 cm x 27 cm, 168 Seiten, 135 farbige 

Abbildungen. Broschur 


isbn: 978-3-86560-396-8 

€ 28,– / chf 49,– 

2008 

Kunst / Art 

Dirk Skreber 

Geb. 1961 in Lübeck. Studium an der 

Kunstakademie Düsseldorf. Einzelausstellungen 

u.a. in Los Angeles, Omaha/ 

Nebraska, Aspen und New York, wohin er 

vor einigen Jahren seinen Arbeitsschwerpunkt 

verlagerte. Lebt und arbeitet in 

New York und Düsseldorf. 

Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, 

2008 

museum franz gertsch, Burgdorf / 

Schweiz, 04.07.–26.10.2008

Diese Monografi e ist das bislang vollständigste Buch von und über den 

Installationskünstler Guillaume Bijl. Es vereint in einem kompletten, 

kommentierten Werkverzeichnis die auf wändigen und hintergründigen 

Arbeiten des Künstlers. 

Häufi g baut Guillaume Bijl Orte authentisch nach, die es gar nicht gibt, 

oder die die Umgebung als reellen Ort aushebeln. Dies führt zu einer 

tragikomischen, aber auch verstörenden Wirkung auf den Betrachter. 

Eingehend wird z. B. Bijls Komponisten-Sterbezimmer besprochen, ebenso 

seine Installation Archäologische Stätte, die 2007 bei den skulptur projekten 

münster für Aufsehen sorgte. 

Das Buch gliedert sich gemäß Bijls eigenen, sprechenden Ordnungskriterien: 

Transformations-, Situations- und Sorry-Installationen, Kompositionen 

und Kulturtourismus. Sie alle schaffen Situationen, die dem 

Betrachter kommentarlos vorführen, wie er sich vor allem von einem 

täuschen lässt: von der Realität. 

Aufsätze von ausgewiesenen Bijl-Kennern wie Marc Holthof und Ludwig 

Seyfarth umreißen den Facettenreichtum der einzelnen Arbeiten und des 

dahinter stehenden Konzepts. In einem Interview mit Dirk Pültau und 

Koen Brams berichtet der Künstler ausführlich über die Entstehung eines 

in über 40 Jahren entstandenen Œuvres. 

The monograph offers fascinating insight into the Belgian artist’s œuvre. 

Following Bijl’s own order criteria the book contains the transformation-, 

situation- and sorry installations—compositions that establish aesthetical 

situations which seduce the viewer tacitly while s/he is being deluded by 

one thing in particular: reality. 

The catalogue raisonné summarizes Guillaume Bijl’s works which are 

elaborate and cryptical at the same time. Essays, an interview, also an excerpt 

from Georges Perec’s novel Die Dinge and a short theater piece by Bijl show 

the multi-faceted abundance of the individual works and the concepts 

behind them. Often Bijl authentically reconstructs sites which do not exist 

like this in reality. Described in his quizzical as well as disturbing way is Bijl’s 

Death Room for a Composer, arranged in 1991 for a fi ctitious contemporary 

composer named Johannes Vogl. Also included is the installation Archeological 

Site which caused a sensation at skulptur projekte münster 07 in 2007. 

Guillaume Bijl. 

Installations & 

Compositions 

Werkverzeichnis / 

Catalogue Raisonné 

Texte von Philippe van Cauteren, Marc 

Holthof, Georges Perec, Ludwig Seyfarth 

und Guillaume Bijl. Interview zwischen 

Guillaume Bijl, Dirk Pültau und Koen 

Brams und ein Theaterstück von 

Guillaume Bijl 

23 cm x 29,7 cm, 376 Seiten, 400 farbige 

Abbildungen. Leinen mit Prägung 


isbn: 978-3-86560-424-8 

€ 64,– / chf 108,– 

Dutch / English 

isbn: 978-3-86560-444-6 

€ 64,– / chf 108,– 

2008 

Kunst / Art 

Guillaume Bijl 

Geb. 1946. Lebt und arbeitet in 

Antwerpen. Teilnehmer u. a. an der 

documenta IX und skulptur projekte 

münster 07. 

S.M.A.K. Gent, 04.04.– 31.08.2008 


Wahrnehmung von Raum und Zeit ist für Angela Bulloch eine künstlerische 

Herausforderung, die sie in diesem Buch glanzvoll durchexerziert. 

Sie hat für diese Publikation irdische und außerirdische Blicke auf den 

Sternenhimmel geworfen und diese Beobachtungen in künstlerische 

Projektionen umgesetzt. 

Ihre Night Skies zeigen ausgewählte Bereiche der Himmelssphäre, die 

von einem Blickpunkt weit jenseits der Erde gesehen werden. Damit 

refl ektiert Bulloch die Unmöglichkeit, die Ordnung des Universums von 

einem einzigen Punkt aus zu überschauen. Daraus resultiert ihre Erforschung 

von Bild- und Klanginformationen, mit denen sie digital arbeitet. 

In ihrer Installation Z Point aus dem Jahr 2001/2004 schafft sie eine Lichtund 

Toninstallation aus 48 sogenannten Pixel-Boxen, die auf den 1970 von 

Michelangelo Antonioni realisierten Film Zabriskie Point Bezug nimmt. 

Angela Bulloch has produced installations and works with sound and many 

other media that have made her one of the internationally best known 

artists of her generation. As the exhibition title suggests, Bulloch combines 

models of the perception of space and of time. She has designed projections 

and light installations showing terrestrial and extra-terrestrial perspectives 

on the night sky and on the earth. Her Night Skies show selected elements 

of the heavens seen from a point of view far away from the earth. These 

works refl ect on the impossibility of ever surveying the order of the universe 

from just one vantage point, thus also drawing on the important subject 

of a critique of representation. A fundamental element of this critique is 

experimentation with and the synaesthetic transformation of digital sounds 

and images. A prototype for this kind of approach is seen in the installation 

Z Point (2001/ 2004), a light and sound installation consisting of 48 Pixel 

Boxes alluding to the Michelangelo Antonioni fi lm Zabriskie Point (1970). 


Angela Bulloch. 

Prime Numbers. 2006 

isbn: 978-3-86560-097-4 

€ 39,– / chf 66,– 

8 | I / 2008 


Angela Bulloch. 

The Space That Time 

Forgot 

Herausgegeben von Matthias Mühling 

Einleitung von Helmut Friedel und 

Matthias Mühling. Texte von Diedrich 

Diederichsen und Matthias Mühling 

21,5 x 27,5 cm, 104 Seiten, 44 farbige 

Abbildungen. Klappenbroschur 


isbn: 978-3-86560-426-2 

€ 22,– / chf 39,– 

2008 

Kunst / Art 

Angela Bulloch 

Geb. 1966. Lebt und arbeitet in Berlin 

und London. 

Städtische Galerie im Lenbachhaus und 

Kunstbau, München, 16.02.– 18.05.2008

Die Beschäftigung mit den Kölner Progressiven eröffnet ein neues Feld 

zum Verständnis der Kunst der Weimarer Republik. Die Künstlergruppe 

wandte sich gegen die Sozialkritik der Neuen Sachlichkeit und vertrat eine 

neue Defi nition der Verbindung von Kunst und gesellschaftlichen Verhältnissen 

zwischen den Kriegen. Dies machte die Kölner Progressiven über 

die Grenzen Deutschlands hinaus bekannt. 1933 musste sich die Gruppe 

aufl ösen. Ihre Werke wurden im Dritten Reich als „entartet“ diffamiert. 

Mit einem Schwerpunkt auf den drei zentralen Figuren Franz Wilhelm 

Seiwert, Heinrich Hoerle und Gerd Arntz zeigt die amerikanische Kunsthistorikerin 

Lynette Roth auf, wie intensiv die Kölner Progressiven ihre Überzeugungen 

zu einer neuen künstlerischen Formensprache entwickelt haben. 

Ohne die politische Absicht aus den Augen zu verlieren, wirft dieses Buch 

einen völlig neuen Blick auf die Kunst der Gruppe. 

Das Buch zeigt über fünfzig Gemälde und achtzig Papierarbeiten – 

einige davon zum ersten Mal publiziert – aus internationalen Museen 

und Privatsammlungen. Eine umfangreiche, reich bebilderte Chronologie 

ergänzt den anschaulichen Text. 

An examination of the Cologne Progressives broadens our understanding 

of art during the Weimar period in Germany. Critical of other contemporaneous 

movements such as the Neue Sachlichkeit, the group offered a new 

defi nition of the relationship between art and politics between the World 

Wars. Although well-known at the time far beyond Germany, the loosely 

organized collaboration ended in 1933. Their artwork was defamed during 

the Third Reich as “degenerate.” 

By focusing on three core members, Franz Wilhelm Seiwert, Heinrich Hoerle 

and Gerd Arntz, American art historian Lynette Roth reveals the intensity 

with which the Cologne Progressives developed a new and unique formal 

language shaped by their socially critical stance. With an eye to the leftist 

political aims of the group, this book examines the artistic practice of the 

Progressives in a new light. 

The book includes illustrations of over fi fty paintings and eighty works on 

paper from a wide array of international museums and private collections— 

some published for the very fi rst time. An extensive chronology supplements 

the clear, concise text. A new and defi nitive book on the Cologne Progressives. 

Köln Progressiv 1920–33. 

Seiwert – Hoerle – Arntz / 

Painting as a Weapon. 

Progressive Cologne 

1920–33. Seiwert – 

Hoerle – Arntz / 

von / by Lynette Roth 

Vorwort von Kasper König 

20 x 24,5 cm, 160 Seiten, 105 farbige und 

88 s/w Abbildungen. Klappenbroschur 


isbn: 978-3-86560-383-8 

€ 34,– / chf 58,– 


isbn: 978-3-86560-398-2 

€ 34,– / chf 58,– 

2008 

Kunst / Art 

Museum Ludwig, Köln 

15.03.– 15.06.2008 


Nach mehreren Einzelpublikationen zu Markus Oehlens Ausstellungen 

erscheint jetzt die erste umfassende Monografi e über das malerische und 

plastische Werk von 1981 bis 2008. 

Sein breit gefächertes Œuvre wird in diesem reich bebilderten Buch 

einer fundierten Refl exion unterzogen. So erinnert das vielfältige Formenrepertoire 

in der Überlagerung einzelner Motive an das Sampling in der 

Popmusik. Oehlen war früher auch Musiker und Schlagzeuger in einer der 

ersten deutschen Punkbands. Wichtige künstlerische Einfl üsse gingen 

in den 1980er Jahren aus der Bekanntschaft mit Martin Kippenberger, 

Werner Büttner und Georg Herold hervor. Aus unterschiedlichen Perspektiven 

beleuchten Wolfgang Ullrich, Harald Falckenberg und Martin Prinzhorn 

in ihren Essays die Kunst Markus Oehlens – von der abstrakten Linie 

zu den Skulpturen aus Styroporkörpern, zur konkret-gegenständlichen 

Linie und zur konkreten Malerei in den 1990er Jahren und seiner dichten, 

pastosen Malweise. 

Markus Oehlen (*1956) is one of Germany’s best known artists. A prodigious 

painter and sculptor, he has created a substantial and richly varied body 

of work in which the visual mix and overlap can be compared to musical 

sampling. Indeed, pop culture and punk music have been an important 

infl uence and source of inspiration, as have his friendships with Martin 

Kippenberger, Werner Büttner and Georg Herold in the 1980s. Works by 

Markus Oehlen can be found in the collections of many major museums 

and galleries. The catalogue, published in collaboration with the Bärbel 

Grässlin and Hans Mayer galleries, gives a broad survey of the artist’s 

output from 1981 to 2008. Essays by Wolfgang Ullrich, Harald Falckenberg 

and Martin Prinzhorn provide insights into Markus Oehlen’s work from 

different viewpoints. 

10 | I / 2008 


Markus Oehlen. 

1981–2008 

Texte von Harald Falckenberg, 

Martin Prinzhorn und Wolfgang Ullrich 

24,8 cm x 30,3 cm, 214 Seiten, 94 farbige 

Abbildungen. Leinen 


isbn: 978-3-86560-431-6 

€ 38,– / chf 64,– 

2008 

Kunst / Art 

Markus Oehlen 

Geboren 1956 in Krefeld. Lebt und 

arbeitet in München.

Der Schwerpunkt des Buches sind die „Pläne“ 1975–1983 – teils aquarellierte 

Zeichnungen, Diagramme und Collagen, auf denen Marcel 

Odenbach Partituren entwarf, mit oft konkreten Handlungshinweisen 

und Angaben, neben persönlichen tagebuchartigen Einträgen zu Konzepten 

für Performances, Installationen und Videoarbeiten. Sie werden hier 

erstmals komplett abgebildet und, soweit notwendig, transkribiert. Im 

Mittelpunkt steht eines der Hauptwerke von Odenbach Ach, wie gut, dass 

niemand weiß von 1999. 

In dieser großformatigen Vierfach-Projektion verbinden sich historische 

(„found footage“) Aufnahmen aus der deutschen Geschichte mit eigenen 

neuen Bildern und verweben sich mit eigenen und zitierten Filmbildern 

aus Afrikas Geschichte und Gegenwart. 

One of the most important internationally active stars of the German art 

world who have been successful for decades is the Cologne artist Marcel 

Odenbach, initially professor at the HfG of the ZKM in Karlsruhe, now at the 

Kunsthochschule für Medien in Cologne. 

The exhibition and the catalogue focus on the “plans” 1975–1983, exciting 

sheets of collages with texts and drawings for performances and video 

installations. These “plans” are published for the fi rst time, regardless of 

whether they were realized or remained concepts. 

One of Odenbach’s main works Ach, wie gut, dass niemand weiß (1999) 

is at the center. This large-format four-fold projection combines historical 

images (found footage) from German history with his new images, 

intertwining them with own and cited fi lm images from Africa’s history and 

presence. 

Marcel Odenbach. 

Das im Entwischen 

Erwischte. 

Pläne 1975– 1983, 

Video / Sized as it 

Stealed away. Plans 

1975–1983, Video 

Herausgegeben von Wulf Herzogenrath 

Texte von Angela Breidbach, 

Wulf Herzogenrath, Sabine und 

Maria Schmidt 




isbn: 978-3-86560-429-3 

€ 39,80 / chf 67,– 

April 2008 

Kunst / Art 

Marcel Odenbach 

Geb. 1953 in Köln. Professor an der Kunsthochschule 

für Medien, Köln. Lebt und 

arbeitet in Köln. 

Kunsthalle Bremen, 

06.04.– 08.06.2008 


Does it make sense to present longer 

video and fi lm works in exhibitions or 

should these rather be shown in cinemas? 

This was the theme of a symposium of 

experts during the Kurzfi lmtage 2007 in 

Oberhausen. The revised contributions are 

now published in book form. 

Ist es sinnvoll, längere Video- und Filmarbeiten 

in Ausstellungen zu präsentieren 

oder sollten sie im Kino gezeigt 

werden? 

Dies war das Thema eines hochkarätig 

besetzten Symposiums während der 

Kurzfi lmtage 2007 in Oberhausen. Die 

überarbeiteten Beiträge liegen jetzt als 

Buch vor. 

Kunstwissenschaftliche Bibliothek 


KWB 02. Baier, Franz Xaver. 

Der Raum. 1. Aufl . 1996, NA 2004 

isbn: 978-3-88375-250-1 

€ 19,80 / chf 35,90 

KWB 07. Schappert, Roland. 

Martin Kippenberger. 1998 

isbn: 978-3-88375-281-5 

€ 18,– / chf 32,90 

KWB 18. Möntmann, Nina. 

Kunst als sozialer Raum. 2002 

isbn: 978-3-88375-481-9 

€ 38,– / chf 64,– 

KWB 20. Reck, Hans Ulrich. 

Mythos Medienkunst. 2002 

isbn: 978-3-88375-558-8 

€ 19,80 / chf 35,90 

12 | I / 2008 

KWB 22. Dell, Christopher. 

Prinzip Improvisation. 2002 

isbn: 978-3-88375-605-9 

€ 24,– / chf 43,– 

KWB 25. Goldmann, Renate. 

Fischli & Weiss. Ausfl üge, Arbeiten, 

Ausstellungen. 2006 

isbn: 978-3-86560-019-6 

€ 49,80 / chf 84,– 

KWB 29. Goldstein, Zvi. 

On Paper. 2004 

isbn: 978-3-88375-865-7 

€ 24,80 / chf 44,– 

KWB 30. Reck, Hans Ulrich. 

Index Kreativität. 2007 

isbn: 978-3-86560-278-7 

€ 98,– / chf 165,– 

KWB 31, Zielinski, Siegfried. 

Variantology 1. 

On Deep Time Relations of Arts, 

Sciences and Technologies. 2005 

isbn: 978-3-88375-914-2 

€ 58,– / chf 98,– 


Kinomuseum. 

Towards an Artists’ Cinema 

Kunstwissenschaftliche Bibliothek, 

Bd. 38, herausgegeben von Christian 

Posthofen 

Texts by Ian White, Morgan Fisher, 

Dan Graham, Lucian Harris, Emily 

Pethick, Mary Kelly, Achim Borchardt- 

Hume, AA Bronson, Mark Leckey; 

discussion with Ian White, Chrissie 

Iles, Alexander Horwath, Vanessa 

Joan Müller, Marysia Lewandowska, 

Epilogue by Lars Henrik Gass 

14,3 x 21,2 cm, 176 pages, 19 b/w 

illustrations. Softcover 

English 

isbn: 978-3-86560-325-8 

€ 19,80 / chf 35,90 

2008 

Kunsttheorie / Art Theory 

Kurzfi lmtage Oberhausen, 2007 

KWB 32. Wyss, Beat. 

Vom Bild zum Kunstsystem. 2006 

isbn: 978-3-86560-030-1 

€ 48,– / chf 81,– 

KWB 33. Cepl, Jasper. 

Oswald Mathias Ungers. Eine 

intellektuelle Biographie. 2007 

isbn: 978-3-86560-158-2 

€ 48,– / chf 81,– 

KWB 35. Zielinski, Siegfried. 

Variantology 2. 

On Deep Time Relations of Arts, 

Sciences and Technologies. 2006 

isbn: 978-3-86560-050-9 

€ 48,– / chf 81,– 

KWB 36. Funcke, Bettina. 

Pop oder Populus. Kunst 

zwischen High und Low. 2007 

isbn: 978-3-86560-288-6 

€ 29,80 / chf 49,90

Die Sammlung Isabelle und Jean-Conrad Lemaître zählt zu den bedeutendsten 

Film- und Videokollektionen internationaler zeitgenössischer 

Künstler in Europa. Neben gefeierten Stars wie Tacita Dean, Anri Sala und 

Mark Wallinger sind in der Sammlung auch junge, bislang weniger bekannte 

Talente wie Keren Cytter, Emily Jacir und Sigalit Landau vertreten. 

Die Werke der Kollektion kreisen in eindringlicher Weise um soziopolitische 

Fragen, widmen sich aber auch dem alltäglichen Leben. 

Anhand von zahlreichen Videostills, Gesprächen mit den Künstlern und 

den Sammlern sowie einführenden Texten zu den Themen und Motiven 

der Filme ist ein Handbuch zur aktuellen Videoszene entstanden. 

The Collection Isabelle and Jean-Conrad Lemaître ranks among the most 

distinguished fi lm and video collections of international contemporary 

artists in Europe. Besides celebrated stars such as Tacita Dean, Anri Sala and 

Mark Wallinger the collection also contains young, presently little known 

talents such as Keren Cytter, Emily Jacir and Sigalit Landau. The works of 

the collection focus keenly on socio-political issues and those dealing with 

everyday life. 

The volume offers a comprehensive and exciting overview of works 

collected by Isabelle und Jean-Conrad Lemaître. Numerous video stills, 

conversations with the artists and collectors as well as introductory texts 

into the topics and motifs of the fi lms provide excellent insight into the 

abundance and diversity of the Lemaître Collection. 

Collection Videos & 

Films. Isabelle & Jean- 

Conrad Lemaître 

Herausgegeben von Dirk Luckow und 

Gunda Luyken 

Texte von Dirk Luckow, Gunda Luyken, 

Nina Jaenisch und Gregor Muir 

Dokumentiert werden Arbeiten von 

Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla, 

Yael Bartana, Sébastien Caillat, Keren 

Cytter, Tacita Dean, Jeremy Deller, 

Sebastian Diaz Moralez, Yang Fudong, 

Fabien Giraud, Dominique Gonzalez- 

Foerster, Emily Jacir, Arthur Kleinjan, 

Sigalit Landau, João Onofre, Jeroen de 

Rijke / Willem de Rooij, Anri Sala, 

Zineb Sedira, Mariana Vassileva, 

Mark Wallinger, Artur Zmijewski 


24 s/w Abbildungen. Broschur in Kassette 

mit Banderole 


isbn: 978-3-86560-392-0 

€ 32,– / chf 55,– 

2008 

Kunst / Art 

Kunsthalle zu Kiel, 2008 


Zwischen den Oberläufen von Euphrat und Tigris liegt die südostanatolische 

Stadt Urfa, bzw. ¸Sanlıurfa, die jahrhundertelang ein wichtiger 

Kreuzungspunkt von Handel, Kulturen und Religionen war. Urfa fand in 

der Namensgebung türkischer Gaststätten den Weg nach Deutschland, 

wo der Künstler Matti Braun darauf aufmerksam wurde. In dem Buch 

Özurfa entwickelt Braun ein erzählerisches Netz, das sich den kulturellen 

Mythen Urfas widmet. 

Den Titel kann man mit „echt, authentisch Urfa“ übersetzen. Für Matti 

Braun stellte sich hier die Frage nach der kulturellen Identität, die damit 

versprochen wird. Ihr wird durch die Beschäftigung mit archäologischen 

Ausgrabungsorten, religiösen Kultstätten und vielen mit Urfa im Zusammenhang 

stehenden Personen und Geschichten nachgegangen. 

Ein kreatives Autorenkollektiv von Kritikern, Literaten, Künstlern und 

Kuratoren versucht eine Annäherung. 

Between the head waters of Euphrates and Tigris lies the southeast 

Anatolian town of Urfa or ¸Sanlıurfa, an important crosspoint of commerce, 

cultures and religions. Urfa found its way to Germany in the names of 

Turkish restaurants where the artist Matti Braun noticed it. In his book 

Özurfa Braun develops a narrative devoted to Urfa’s cultural myths. 

The title can be translated as “genuine, authentic Urfa”. For Matti Braun, 

however, the question of cultural identity which is promised arises. He 

traces it by investigating archaeological excavations, religious places of 

worship and many people and stories connected to Urfa. 

14 | I / 2008 


Matti Braun. 

Özurfa 

Herausgegeben von Nina Gülicher und 

Kasper König 

Texte von Nina Gülicher, Mika Hannula, 

Donat Keusch, Cigdem Köksal-Schmidt, 

Klaus Schmidt, Sabri Senbayram, 

Ebru Okutan-Akalin, Gordian Weber, 

Armin Zweite 



Deutsch / English / Finnish / 

French / Turkish 

isbn: 978-3-86560-428-6 

€ 28,– / chf 49,– 

Ω Es erscheint eine signierte und 

nummerierte Vorzugsausgabe mit einer 

Original-Fotoarbeit in der Aufl age von 

1/20–20/20 + 5 a.p. Exemplaren. 

April 2008 


Matti Braun 

Geb. 1968 in Berlin. Ausstellungen u.a. 

Museum van Hedendaagse Kunst, 

Antwerpen, Kunstverein Freiburg, The 

Showroom, London, Kunsthalle St. 

Gallen. Lebt und arbeitet in Köln. 

Museum Ludwig, Köln, 

18.04.– 31.08.2008 

Museion Bozen, 

04.10.–07.12.2008

Kumi Machida beleuchtet eine neue Tendenz in der zeitgenössischen Kunst 

Japans, die sich auf die künstlerische Tradition besinnt und in der internationalen 

Wahrnehmung kurz vor dem Durchbruch steht. Indem sie eine 

klassische Ausbildung in der japanischen Malerei des Nihonga an der Tama 

Universität in Tokio mit zeitgenössischen Motiven verbindet, schafft Machida, 

anders als etwa ihr älterer Kollege Takashi Murakami, eine eindringliche 

und unheimliche Welt mit einer unwiderstehlichen Sogwirkung. Die zum 

Teil doppelseitigen Farbabbildungen zeigen die kompromisslos reduzierte 

Formensprache ihres Tuschepinsels. Der zentrale Bildteil wird begleitet von 

zwei exzellenten Texten von Eveline Bernasconi und Satoru Nagoya, die 

Machidas Arbeit seit Jahren verfolgen. 

This publication on Japanese artist Kumi Machida highlights the new 

tendency in the contemporary art of Japan to recollect its artistic 

tradition, which is internationally perceived as teetering on the brink of 

the international breakthrough. Combining a classical education in the 

Japanese tradition of Nihonga painting at the Tama University in Tokyo with 

contemporary motifs, Machida, unlike her older colleague Takashi Murakami, 

creates a haunting and eerie world with an irresistible pull. The partly doublespread 

color reproductions ideally show her paintbrush’s uncompromisingly 

reduced language of form. The illustrations are accompanied by two 

excellent texts by Swiss expert Eveline Bernasconi, and Japanese art critic 

Satoru Nagoya, who have followed Machida’s work for years. 

Kumi Machida 

Texte von Eveline Bernasconi, 

Veit Görner, Satoru Nagoya 



Deutsch / English / Japanese 

isbn: 978-3-86560-406-4 

€ 28,– / chf 49,– 

2008 

Kunst / Art 

Kumi Machida 

Geb. 1970 in Takasaki City. Lebt und 

arbeitet in Tokio. 

kestnergesellschaft Hannover, 

22.02.–12.05.2008 


Part I (Fire Under Snow) focuses on the artist’s work of the past two years: 

Tide (2008), the time-based wall sculpture with 600 digital wall clocks, 

Bearing (2007), and In The Between (2006), a three-screen projection which 

broaches the issue of the high-speed Qinghai-Tibet railtrack that was completed 

in 2006 and now connects China to Tibet. It was shot separately in China, 

Tibet and Indonesia and is published here for the fi rst time. 

Part II (Selected Works 1995–2007) is printed on different paper and provides 

a comprehensive retrospective of the artist’s selected works from 1995 to 2007. 

Julian Heynen provides an essay “A Journey Through Time But No Arrival” 

writing about Darren Almond’s representation of time and memory. 

In his œuvre Darren Almond examines recurring themes of time, memory, 

human labor and exploitation. His works are rooted in the experience of his 

travels to remote parts of the world. Almond’s work is often described in social 

or political contexts; however, it has also a very strong aesthetic component. 

Teil I: Dokumentation über Darren Almonds Arbeit 2006–2008: Tide 

(2008), die zeitbasierte Skulptur Bearing (2007) und das Projekt In The 

Between (2006), zwei jeweils in China, Tibet und Indonesien gedrehte 

Filme, die hier zum ersten Mal publiziert werden. 

Teil II: Überblicksdarstellung von Darren Almonds Arbeiten von 1995–2007. 

16 | I / 2008 

koenig books, london 


Darren Almond. 

Index 

Texts by Ziba de Weck Ardalan, 

Simon Ertz, Julian Heynen and 

Robert Thurman 

17,5 x 24,9 cm, 192 pages, 

63 col. illustrations. Hardcover 

English 

isbn: 978-3-86560-376-0 

€ 34,– / chf 58,– 

2008 

Kunst / Art 

Darren Almond 

Born in 1971. Lives and works in London. 

Parasol unit foundation for 

contemporary art, London, 2008

The publication as well as the exhibition at the Serpentine Gallery presents 

a selection of works by the leading British fi lm-maker of his generation. 

Curated by the celebrated artist and fi lm-maker Isaac Julien, it highlights 

Jarman’s work in fi lm and painting, including his pioneering presentation 

of the moving image within the gallery context. Jarman was arguably the 

single most crucial fi gure of British independent cinema in the 1970s, 80s 

and 90s. He struggled for Gay Liberation and with the impact of AIDS and 

lived as a participant observer, recording all that passed before him, from 

Punk to Thatcher, Hampstead Heath to fi lm premiere. 

The publication features texts by actor Tilda Swinton, writer and curator 

Chrissie Iles, Isaac Julien and Jarman himself, the exhibition catalogue 

includes full-colour images of Jarman’s Super-8mm fi lms and paintings as 

well as a series of new photographic works by Julien documenting Jarman’s 

cottage and garden in Dungeness. 

Als führender Filmemacher seiner Generation wurde Derek Jarman 

bezeichnet. In seinen Experimenten mit Licht, Farbe und Schichtungen 

von Bildern führte er das Moment des Magischen wie auch des Traumatischen 

in seine Bilderwelten ein – der Film, sagte er, ist ein Instrument, 

Träume lebendig werden zu lassen. In seiner Arbeit rückte er die Kamera 

in die Nähe der Malerei. 

Die präzise Auswahl von Arbeiten des Künstlers in diesem Buch stammt 

vom britischen Filmemacher Isaac Julien. Die einzigartige Mischung 

aus den „Lightboxes“ von Isaac Julien mit Motiven aus dem Leben und 

mit Arbeiten Derek Jarmans – etwa sein Film Blue, mit dem er 1993 

einer breiteren Öffentlichkeit bekannt wurde – geben dem Buch einen 

authentischen Charakter, der ergänzt wird von einem Interview, das Isaac 

Julien mit Jarman geführt hat und das hier erstmals publiziert wird, sowie 

einem glänzenden Essay von Chrissie Iles. 

Derek Jarman. 

Brutal Beauty. 

Curated by Isaac Julien 

Foreword by Hans Ulrich Obrist and 

Julia Peyton-Jones. Texts by Chrissie Iles, 

Isaac Julien and Tilda Swinton 

22 x 25,3 cm, 96 pages, 64 full color 

illustrations. Softcover with dust jacket 

English 

isbn: 978-3-86560-397-5 

€ 29,80 / chf 49,90 

2008 

Kunst / Art 

Derek Jarman 

Born 1942 in Northwood, England. 

Died 1994. 

Serpentine Gallery, London, 

23.02.– 13. 04.2008 



André Caderes Arbeitsweise ist für eine jüngere Generation konzeptuell 

arbeitender Künstler wieder wichtig geworden. Bereits im Jahr 1973, ein 

Jahr nachdem er mit der Fertigung seiner barres de bois rond (Rundholzstangen) 

begonnen hatte und die ihn bekannt gemacht haben, plante 

Cadere, ein Verzeichnis seiner bereits ausgeführten und sich in Umlauf 

befi ndlichen Werke zu erstellen. Der vorliegende Catalogue Raisonné 

erweitert dieses von André Cadere angelegte Archiv in Form eines Werkverzeichnisses 

der barres de bois rond, welches aktuelle Informationen zur 

Provenienz sowie zu Ausstellungen und Publikationen beinhaltet. 

André Cadere, who lived in Paris from 1971 on, belongs to the most important 

protagonists of French Minimal and Concept Art of the 1970s. His 

work combines a reduced formal sculptural language with a conceptual 

approach that questions the workings of the art system—a combination 

which has become of major importance to a younger generation of artists 

in recent years. 

In 1973, a good year after he started to make the barres de bois rond, 

round wooden staffs that made him famous, Cadere was thinking of drawing 

up a repertory of the works he had already produced. To prepare this 

catalogue raisonné Cadere’s repertory was used as a basis. This publication 

contains up-to-date information on the provenance of the works as well as 

on exhibitions and publications in which they were presented. 

Ergänzt den Katalog / 

Completes the catalogue: 

André Cadere. Band 1. Arbeiten 

aus den Jahren 1971–1978. 2007 

isbn: 978-3-86560-357-9 

€ 32,– / chf 55,– 

18 | I / 2008 


André Cadere. 


Herausgegeben von Karola Grässlin, 

Astrid Ihle, Fabrice Hergott 

Eingeleitet von Karola Grässlin, Fabrice 

Hergott, Alexander von Grevenstein. 

Text von Bernard Marcelis Mühlin 

21,5 x 27 cm, 208 Seiten, 113 farbige und 


Deutsch / English / French 

isbn: 978-3-86560-358-6 

€ 24,– / chf 43,– 

2008 

Kunst / Art 

André Cadere 

Geb. 1934 in Warschau, gest. 1978 in Paris. 

Lebte seit 1967 in Paris. Gehörte zu den 

wichtigsten Protagonisten der französischen 

Kunstszene der 1970er Jahre. 

Sein Werk verbindet eine reduzierte 

skulpturale Formensprache mit einem 

konzeptionellen Ansatz, der das System 

des Kunstbetriebs hinterfragt. 

Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, 2008 

Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 

14.02.–11.05.2008

Rolf Dieter Brinkmann und Rainer Rygulla, Kriwet und Creamcheese, Heinz 

Edelmann und Charles Wilp, Kraftwerk und Can, Punk und Junge Wilde, 

Kreidler und Mouse on Mars, Spex und Kompakt – das sind die Namen, 

die 40 Jahre Popgeschichte am Rhein geschrieben haben. In Wort und Bild 

erzählt der Band von diesen Szenegrößen aus Musik, Literatur und Kunst 

und zeigt, dass ihr Wirken und Werk nicht nur im Rheinland, sondern auch 

international wichtige Impulse gegeben haben. 

Das Buch besteht aus einer Fülle von Texten, Fotos, Postern und Flyers. 

Texte von Ralph Niemczyk und Thomas Groeth, Fotografi en von Thomas 

Ruff, Wolfgang Tillmans und Oliver Sieber sind nur einige Beispiele, die 

zeigen, dass sich hier geballtes Expertenwissen fi nden läßt. Der Leser 

kann neben den möglichen eigenen Erinnerungen durch dieses Buch auch 

an der Erinnerung der Pop am Rhein-Generation teilhaben. 

Rolf Dieter Brinkmann and Rainer Rygulla, Kriwet and Creamcheese, Heinz 

Edelmann and Charles Wilp, Kraftwerk and Can, Punk and Junge Wilde, 

Kreidler and Mouse on Mars, Spex and Kompakt—these are the names 

that have written 40 years of Pop history at the Rhine river. The Cologne 

exhibition catalogue published in early December 2007 covers these makers 

of music, literature and art with words and images, showing that their 

appearances and work gave important impulses not only in the Rhineland 

but also internationally. 

The book consists of an abundance of texts, photographs, posters and 

fl yers. Texts by Ralph Niemczyk and Thomas Groeth, photographs by 

Thomas Ruff, Wolfgang Tillmans and Oliver Sieber are only some examples 

indicating comprehensive expert knowledge. Besides his own memories the 

reader can genuinely share those of other generations through this book. 

Pop am Rhein 

Herausgegeben von Uwe Husslein 

17 x 24 cm, 288 Seiten, durchgehend 

farbig illustriert. Broschur 

Deutsch 

isbn: 978-3-86560-375-3 

€ 24,80 / chf 41,60 

2008 


Kölnisches Stadtmuseum, 

2008 


Erst jetzt – nicht zuletzt durch diese große Monografi e – wird die Arbeit 

des inzwischen über 80-jährigen Bildhauers in gebührendem Maße 

bekannt. Josephsohns Werk, das sich stets den Trends und Moden verweigert 

hat, handelt von der Figur als Volumen im Raum, von Figurengruppen 

und Reliefs. Sie bestechen durch ihre Einfachheit und die Klarheit ihrer 

Aussage. Ihr Zauber liegt in ihrer Schlichtheit und Archaik, in ihrer Intensität 

und Sinnlichkeit. 

Der Titel des Buches bezieht sich auf den Raum in unmittelbarer Nachbarschaft 

der Kunstgießerei Felix Lehner, die Josephsohns in Gips gearbeitete 

Skulpturen in Bronze gießt. Der Raum, das „Kesselhaus“, dient als 

Atelier und „Schaulager“ für den Künstler. Aus den dortigen Installationen 

stammen die meisten der mehr als 130 Farbtafeln. 

The book of photographs Kesselhaus Josephsohn is published in 

conjunction with the exhibition of Josephsohn curated by Udo Kittelmann 

in the MMK Museum für Moderne Kunst in Frankfurt/Main. The work of 

the sculptor Hans Josephsohn is recognized as a decisive contribution to 

contemporary art. Josephsohn’s works are determined solely through the 

artistic process and present a striking image of the human. The Kesselhaus 

Josephsohn in St. Gallen serves as an exhibition hall and storage space for 

these works. A regularly alternating selection of bronze castings and plaster 

originals can be seen there. Katalin Deér has studied these works with her 

camera in the Kesselhaus in the last six years. The images thus created are a 

photographic equivalent to Josephsohn’s consistent development of a direct 

sculptural language. 

20 | I / 2008 


Kesselhaus. 

Josephsohn 

Herausgegeben von Udo Kittelmann 

und Felix Lehner 

Vorwort von Udo Kittelmann. Einleitung 

von Ulrich Meinherz. Texte von Amine 

Haase und Ulrich Meinherz 

24,3 x 28 cm, 208 Seiten, 132 farbige und 

28 s/w Abbildungen. Hardcover 


isbn: 978-3-86560-400-2 

€ 48,– / chf 78,– 

2008 

Kunst / Art 

Hans Josephsohn 

Geb. 1920 in Königsberg. Lebt und 

arbeitet in Zürich. 

Museum für Moderne Kunst, 

Frankfurt am Main, 2008

Die rund fünfzig seit 2002 neu entstandenen Arbeiten in diesem Buch 

wurden in dieser Vollständigkeit noch nicht publiziert. Insbesondere sind 

es die beiden vielteiligen, digital fotografi erten Großbild-Serien Abstrakte 

Kunst (2002–2004) und de-konstruktiv (2005–2007). 

Anna und Bernhard Blume haben bereits 1997 ihre Arbeitsweise von 

„analog“ auf „digital“ umgestellt: für das Künstlerpaar eine künstlerisch 

unproblematische Konsequenz aus ihrer frühen Einsicht in die grundsätzliche 

Manipulierbarkeit der Fotografi e und damit ihrer subjektiven Anteile 

an unserem Wirklichkeitsbild überhaupt. Als Pioniere der inszenierten 

Fotografi e zählen die Künstler zu den international renommierten Vertretern 

eines Genres, an dessen ästhetischer Grenzerweiterung sie bis heute 

nachhaltig arbeiten. Einige unverwechselbare Konstanten kennzeichnen 

aber auch ihre neuesten Bildsequenzen: Durchgehend großformatige 

Schwarzweißfotografi en, die ihre Herkunft aus der abstrakten Malerei 

nicht verleugnen, sondern sogar ausdrücklich thematisieren. Und natürlich 

ihr ganz eigener selbstironischer Humor, der sie als Protagonisten 

ihrer verrückten Bildergeschichten unverwechselbar macht. 

Die kurz gefasste Dokumentation älterer Arbeiten dient dem Verweis 

auf eine sich darin ankündigende Intention, die in den neuen Arbeiten 

zum eigentlichen Thema wird. 

Dieses Buch schließt mit einer kompletten, bebilderten Bibliografi e. 

The almost fi fty new works in this book which originated since 2002, 

particularly the two digitally photographed large-format picture series 

Abstract Art (2002–04) and de-konstruktiv (2005–07) in several parts, have 

never been published in this completeness. 

Already in 1997, Anna and Bernhard Blume adapted their work methods 

from “analogue” to “digital” photography: for the artist couple an artistically 

unproblematic consequence which was based on their earlier insight 

in the basic principle of susceptibility of photography to manipulation and 

its subjective part in our picture of reality altogether. As pioneers of staged 

photography the artists are among the internationally most renowned 

representatives of a genre whose aesthetical expansion they are still effectively 

striving for. 

Anna & Bernhard 

Blume. 

Reine Vernunft 

Herausgegeben von Eugen Blume 

Texte von Eugen Blume, Bazon Brock 

und Dorothea Strauss 

22 x 27 cm, 100 Seiten, 90 Duotone- 

Abbildungen. Broschur mit Schutzumschlag 

Deutsch 

isbn: 978-3-86560-445-3 

€ 28,– / chf 49,– 

2008 

Kunst / Art 

Anna Blume 

Geb. 1937 in Bork (Westfalen). 

Bernhard Blume 

Geb. 1937 in Dortmund. Anna & Bernhard 

Blume leben und arbeiten in Köln. 

Hamburger Bahnhof, Museum für 

Gegenwart, Berlin, 04.04.– 10.10.2008 


Anna und Bernhard Johannes Blume. 

Prinzip Graumsamkeit. 

Eine Polaroidserie. 2002 

isbn: 978-3-88375-617-2 

€ 490,– / chf 820,– 


Fotoarbeiten (I): 1970–1984. 1989 

isbn: 978-3-88375-098-9 

€ 49,80 / chf 84,– 


Fotoarbeiten (II): 1985–1990. 1992 

isbn: 978-3-88375-163-4 

€ 49,80 / chf 84,– 


In diesem Bilderbuch ohne Text wird der 

Leser aufgefordert, sich aktiv zu betätigen: 

Damit sich der Inhalt erschließt, ist 

der Titel des Buches CUT wörtlich zu nehmen 

– die Bögen mit japanischer Bindung 

müssen aufgeschnitten werden. 

Nach dem interaktiven Procedere – „eine 

individuelle Zerstörung schafft eine 

komplizenhafte Beteiligung“ (Bonvicini) 

– wird eine Sammlung großformatiger 

Schwarz-Weiß-Zeichnungen sichtbar, 

die sich mit dem Thema der Revolte 

und des Aufstandes aus der Sicht dreier 

Schriftstellerinnen (Anne Sexton, Anais 

Niin, Julia Kristeva) beschäftigen. 

Mit dieser Publikation gelingt es Bonvicini, 

in subtiler wie signifi kanter Art und Weise 

ihren feministischen Standpunkt am 

Beginn des 21. Jahrhundert festzulegen. 

As often in Monica Bonvicini’s works, the 

reader is challenged to actively involve 

with the artist’s book: In order to access 

the content the book’s title CUT is to be 

taken literally—the sheets with Japanese 

binding have to be cut open. 

Taking the form of a lavish 18th century 

plate-book, Pablo Bronstein produces 83 

new designs for door frames in a variety 

of styles. The drawn designs, printed in 

sepia, cover many epochs and motifs, 

from the Gothic to the Postmodern, the 

Chinoise to the Turkish, but always from 

an 18th century perspective. The aim is 

to highlight the theatrical possibilities of 

decorative schemes. Many of the designs 

are impractical, some are outrageous, and 

some more tasteful. The foreword, written 

by Bronstein, includes a brief description 

of the door, in parallel English and 

German. 

An Bildtafeln aus dem 18. Jh. gemahnen 

die 83 neuen Entwürfe für einen 

Türrahmen, die Pablo Bronstein hier 

vorstellt. 

Pablo Bronstein verweist auf viele 

Epochen der Kunstgeschichte und zeigt 

zahlreiche Motive von der Gotik bis 

zur Postmoderne in neuem Kontext. In 

diesem Buch unterstreicht der Künstler 

die inszenatorische Wirkung von dekorativen 

Konzeptionen. 

22 | I / 2008 


Pablo Bronstein. 

A Guide to Post Modern 

Architecture in London. 2008 

isbn: 978-3-86560-173-5 

€ 15,– / chf 27,90 



Monica Bonvicini. 

Cut 

Herausgegeben von Stefan Bidner 

13,5 cm x 21 cm, 52 Seiten, 12 farbige 

Abbildungen. Hardcover 

isbn: 978-3-86560-378-4 

€ 19,80 / chf 35,90 

Ω Vorzugsausgabe 

Signiertes, nummeriertes Exemplar 

mit gravierter und nummerierter 

Papierklinge. Aufl age 100 

€ 100,– 

2008 


Monica Bonvicini 

Geb. 1965 in Venedig. Lebt und 

arbeitet in Berlin. 

Kunstraum Innsbruck, 2006 

Pablo Bronstein. 

Ornamental Designs 

for the Framing of Doors / 

Ornamentale Entwürfe 

für die Rahmung von Türen 

Foreword by Pablo Bronstein 

22 x 28 cm, 96 pages, 83 col. 



isbn: 978-3-86560-447-7 

€ 19,80 / chf 35,90 

April 2008 

Kunst / Art 

Pablo Bronstein 

Born 1977. Lives and works in 

London.

Lost Review is related to These Days and 

Lost Memories from These Days being 

related to the grounds of the Zagreb Fair 

which saw its heyday in the 1960s. 

Lost Review compares today’s situation 

with the glorious past and detects the gaps 

between memory and facts. By depicting 

the emptiness of the once lively pavilions 

Maljkovic does not forget to show the 

promises of a new beginning. Lost Review 

is fi xed in the present but at the same time 

oscillating between today and yesterday. 

Lost Review basiert auf den früheren 

Arbeiten These Days and Lost Memories 

from These Days, in deren Mittelpunkt 

die Pavillons auf dem Gelände der Messe 

in Zagreb zu Beginn der 1960er Jahre 

standen. 

Auch Lost Review widmet sich dem 

Thema des Umgangs mit einer glorifi - 

zierten Vergangenheit. Trotz seiner festen 

Verankerung in der Gegenwart changiert 

Maljkovic immer auf faszinierende Weise 

zwischen Heute und Gestern, zwischen 

trauriger Leere und hoffnungsvollem 

Beginnen. 

The Serpentine Pavilion 2006 was 

co-designed by Pritzker Prize-winning 

architect Rem Koolhaas and innovative 

structural designer Cecil Balmond. 

The centrepiece of the design was a 

spectacular ovoid infl atable canopy that 

fl oated above the Gallery’s lawn. Made 

from translucent material, the canopy 

was raised into the air or lowered to cover 

the amphitheatre below according to the 

weather. A frieze designed by Thomas 

Demand marked the fi rst collaboration 

between an artist and the designers of 

the Pavilion. 

Jedes Jahr im Sommer gibt die Serpentine 

Gallery in London einem Architekten den 

Auftrag zur Errichtung eines temporären 

Pavillons. 2006 wurde dieser gemeinsam 

vom Architekten Rem Koolhaas und dem 

innovativen Tragwerksplaner Cecil 

Balmond realisiert. Gemeinsam schufen 

sie ein faszinierendes Ensemble aus 

einem runden Pavillon, über dem ein mit 

Helium gefüllter Baldachin schwebt. 


David Maljkovic. 

Lost Review 

22 x 28 cm, 64 pages, 41 col. 



isbn: 978-3-86560-446-0 

€ 18,– / chf 32,90 

April 2008 

Kunst / Art 

David Maljkovic 


Zagreb and Berlin. 

5th Berlin Biennial, 

05.04.– 15.06. 2008 

Project of Lost Review 

Serpentine Gallery Pavilion 2006. 

Rem Koolhaas and Cecil Balmond 

with Arup 

Introduction by Julia Peyton-Jones 

and Hans Ulrich Obrist. With 

interviews by Julia Peyton-Jones 

and Hans Ulrich Obrist with Rem 

Koolhaas and Cecil Balmond 

13 x 14,5 cm, 72 pages, 50 col. and 

8 b/w illustrations. Softcover with 

transparent dust jacket 

English 

isbn: 978-3-86560-393-7 

€ 18,– / chf 32,90 

2008 

Architektur / Architecture 

Rem Koolhaas 

Born in 1944 in Rotterdam. Lives and 

works in London and Rotterdam. 

Cecil Balmond 

lives and works in London (Arup). 



Erfahrung und Geschichte werden in 

einer Mediengesellschaft durch Medien 

geprägt. Die Grundlage der Videoinstallation 

The Casting bilden Interviews, die 

Fast mit einem Sergeant der US Army vor 

dessen erneutem Einsatz im Irak führte: 

„Über mehrere Tage erzählte er mir zwei 

Geschichten, die ich miteinander verfl 

ochten habe.“ Diese beiden Geschichten 

wurden zu einem Drehbuch verarbeitet, 

das von Schauspielern als eine Reihe von 

Tableaux Silent interpretiert wurde. Der 

Katalog dokumentiert diese Tableaux mit 

zahlreichen Farbfotos. 

Omer Fast’s artistic work evolves around 

the state of experience and history of 

an entirely mediatized society. His video 

installation The Casting is based on 

interviews held with a US Army sergeant 

before his renewed deployment in Iraq: 

“During several days he told me two 

stories which I have interwoven.” These 

two stories were processed in a screenplay 

and interpreted by actors as a series of 

silent tableaux. The catalogue documents 

these tableaux with numerous color 

photographs. 

Im Nichtstun verbirgt sich oft eine stille 

Renitenz gegen die Zumutungen des 

gewöhnlichen Lebens, gegen die Vereinnahmung 

durch eine immer forderndere 

Wirtschaft. Die Wiederholung des 

Gewohnten führt zu Trägheit, Verdruss 

und Langeweile. Doch diese Melancholie 

des Alltags kann von einem anderen 

Nichtstun aufgebrochen werden, von der 

Muße der Erkenntnis. 

Die in diesem Buch versammelten 

Autoren und Künstler sind in die Faulheit 

gereist und haben sich Zeit für die Faulheit 

genommen. 

The authors and artists assembled in this 

book travelled into idleness, they took 

time for idleness. 

24 | I / 2008 


Omer Fast. 

The Casting 

Herausgegeben von Museum 

Moderner Kunst Stiftung Ludwig 

Wien, Matthias Michalka 

Texte von Omer Fast, Sven Lütticken, 

Matthias Michalka 

13 x 18,5 cm, 164 Seiten, 110 farbige 



isbn: 978-3-86560-403-3 

€ 19,80 / chf 35,90 

2008 

Kunst / Art 

Omer Fast 

Geb. 1972 in Israel. Lebt und arbeitet 

in Berlin und New York. 

Museum Moderner Kunst Stiftung 

Ludwig Wien, 2007/2008 

Faulheit 

Herausgegeben von Viola Vahrson 

und Hannes Böhringer 

Texte von Thomas Kapielski, Robert 

L. Stevenson, Hannes Böhringer, 

Viola Vahrson, Dorothée Willert, 

Jozsef Tillmann, Eberhard Straub, 

Tom Hodgkinson, Justin Hoffmann 

15 x 20,5 cm, 160 Seiten, mit 

40 meist farbigen Abbildungen. 

Hardcover mit Schutzumschlag 

Deutsch 

isbn: 978-3-86560-333-3 

€ 28,– / chf 49,– 

2008 

Kunsttheorie / Art Theory

Der zweite Band der Interviews enthält eine Auswahl von Gesprächen, 

die Gerald Matt, Direktor der Kunsthalle Wien, mit Künstlern in den letzten 

Jahren geführt hat. Die hier vorgestellten 42 namhaften Künstlerinnen und 

Künstler konnte Matt über Jahre hinweg begleiten und ihren Weg verfolgen, 

sei es durch wiederholte persönliche Begegnungen oder im Zuge von 

Ausstellungen, deren Kuratorenschaft Gerald Matt übernommen hatte. 

This title is the second volume of interviews with artists by Gerald Matt, 

Director of Kunsthalle Wien, in the course of his recent curatorial and art 

publishing activities. The interview within the “art system” presents a 

particularly suitable form of creating an equal platform of exchange between 

creators and distributors of art. The artists confi rm this point of view with 

their readiness to answer questions and to enter a dialogue—they even 

embrace the opportunity to criticize or correct some of the interpretations 

of their work. While integrating the narrative and personal, this way of selfpositioning 

counteracts the image of the “speechless” visual artist and mirrors 

the diversity of contemporary art production. The interviews were selected 

from a large number of conversations with artists by Gerald Matt. 

Interviews mit / Interviews with: 

Lida Abdul, Sergei Bugaev Afrika, Pawel Althamer, Lara Baladi, Matthew 

Barney, Louise Bourgeois, Wolfgang Capellari, Maurizio Cattelan, Nathalie 

Djurberg, A K Dolven, Marcel Dzama, Tim Eitel, Barnaby Fumas, Michael 

Haneke, Gülsün Karamustafa, Zilvinas Kempinas, Amal Kenawy, Zenita 

Komad, Katarzyna Kozyra, Paul Albert Leitner, Linder, Liu Ding, Urs Lüthi, 

Ryan McGinley, Olaf Metzel, Olga Neuwirth, Tim Noble & Sue Webster, 

Ulrike Ottiriger, Poka-Yio, Julius Popp, Nedko Solakov, Doron Solomons, Ricky 

Swallow, Pascale Marthine Tayou, Spencer Tunick, Paloma Varga Weisz, 

Wang Wie, Nari Ward, Erwin Wurm, Feridun Zaimoglu, RaIf Ziervogel, 

Artur Zmijewski 

Gerald Matt. 

Interviews 2 

Edited by Gerald Matt 

16,5 x 23,5 cm, 360 pages, 138 col. and 

12 b/w illustrations. Softcover 


isbn: 978-3-86560-364-7 

€ 24,80 / chf 44,– 


isbn: 978-3-86560-365-4 

€ 24,80 / chf 44,– 

2008 

Kunst / Art 

Gerald Matt 

Born 1958 in Hard, Austria. Curator, 

author and director of Kunsthalle Wien. 


Gerald Matt. Interviews 1. 

2007 (Dt. Ausgabe) 

isbn: 978-3-86560-186-5 

€ 24,80 / chf 44,– 


Noch immer ist die eigenständige Werkgruppe der Zeichnungen von 

Richard Serra wenig bekannt. Auch in den großen Retrospektive-Ausstellungen 

werden die Zeichnungen nur marginal gezeigt. 

140 meist großformatig reproduzierte Blätter werden hier auf Tafeln 

und Ausklappern gezeigt, viele davon zum ersten Mal. Eine eigens auf 

die Werkgruppen der Ausstellung bezogene Biografi e und Bibliografi e ist 

bebildert mit bisher unveröffentlichten Aufnahmen aus dem Atelier. 

The work group of Richard Serra’s drawing, marginally presented in his 

retrospective exhibitions, is still little known. 140 drawings are now shown, 

mostly in large format, many of them for the fi rst time. The biography and 

bibliography which focus on the work groups shown in the exhibition is 

illustrated with so far unpublished photographs from his studio. 

26 | I / 2008 

distribution für das kunsthaus bregenz 


Richard Serra. 

Drawings. Work comes 

out of work 

Herausgegeben von Eckhard Schneider 

Vorwort von Eckhard Schneider. Texte 

von James Lawrence und Richard Shiff 

24 cm x 30 cm, 296 Seiten, 140 farbige 



isbn: 978-3-86560-416-3 

ca. € 48,– / chf 81,– 

Juni / June 2008 

Kunst / Art 

Richard Serra 

Geb. 1939 in San Francisco. 

Kunsthaus Bregenz, 14.06.–14.09.2008

The catalogue presents the large fl oor sculpture Étroits sont les Vaisseaux 

(150 x 2500 x 280 cm) from 2002 and a selection of his works from 

the Hall Collection, created between 1980 and today, on exhibit in the 

Massachusetts Museum of Contemporary Art until June 2009. Illustrations 

of individual works and installation views, a refl ective foreword by the 

director of the Mass Moca, Joseph Thompson, and an essay by art historian 

Mark Rosenthal, round off the publication. 

Nur neun Bilder und eine – allerdings 25 Meter lange – Bodenskulptur 

Étroits sont les Vaisseaux von 2002, werden hier in klassischen Werkfotos 

gezeigt. Dennoch bietet der sorgfältig hergestellte Katalog durch die zahlreichen, 

meist ganzseitig angeschnittenen, gemeinsam mit dem Künstler 

ausgesuchten Details einen überraschend neuen Weg in der enorm 

umfangreichen Kiefer-Literatur. 

Anselm Kiefer. 

Sculpture and 

Paintings. From the 

Hall Collection 

Foreword by Joseph Thompson 

Text by Mark Rosenthal 

30 x 21,7 cm, 64 pages, 40 col. 

illustrations. Hardcover 

English 

isbn: 978-3-86560-432-3 

€ 28,– / chf 49,– 

2008 

Kunst / Art 

Anselm Kiefer 

Born in 1945. Lives and works in 

Barjac, France. 

MASS MoCA, Massachusetts, 

20.10.2007 –01.12.2008 

distribution for derneburg publications 


Die außerordentlich großformatige Publikation Georg Baselitz – 23. Januar 

1938 verweist auf einen besonderen Anlass: Georg Baselitz feierte mit der 

gleichnamigen Ausstellung bei Contemporary Fine Arts in Berlin seinen 

siebzigsten Geburtstag. 

Auf dicker Pappe, Marke abwaschbares Kinderbuch, gedruckt, werden 

vier Arbeiten Baselitz’ aus dem Jahr 1966 vier Remix-Arbeiten von 2007 

gegenübergestellt. Die so genannten Remix-Arbeiten schafft Baselitz seit 

2005 und setzt sich in ihnen mit wichtigen Werken seiner eigenen malerischen 

Vergangenheit auseinander. 

Den abgedruckten Werken ist das Manifest „Warum das Bild Die großen 

Freunde ein gutes Bild ist!“ von 1966 vorangestellt. Die programmatische 

Rede von Georg Baselitz anlässlich seiner Ausstellung in der Royal Academy 

of Arts in London (Oktober 2007) vervollständigt die Publikation. 

The extremely large-formated publication Georg Baselitz – 23. Januar 1938 

marks a special occasion: Georg Baselitz celebrated his 70th birthday with 

an exhibition at Contemporary Fine Arts in Berlin. 

On heavy cardboard, like a washable children’s book, four of Baselitz’ 

works from 1966 are opposed to four remix-works of 2007. Since 2005, 

Baselitz creates his so-called remix-works while refl ecting on important 

works from his own painterly past. 

The published works are preceeded by Baselitz’s 1966 manifesto “Why 

the painting The Great Friends is a good painting!”. His speech held on the 

occasion of his brilliant solo exhibition at the Royal Academy of Arts in 

London (October 2007) rounds off the publication. 


Georg Baselitz / Benjamin Katz. 

Die Richtung stimmt – 

The Direction is Right. 2007 

isbn: 978-3-86560-346-3 

€ 29,80 / chf 49,90 

28 | I / 2008 

Georg Baselitz. 

The Bridge Ghost’s Supper. 

2007 

isbn: 978-3-931355-37-1 

€ 19,80 / chf 35,90 

distribution für contemporary fine arts, berlin 



23. Januar 1938 

(XXL Publikation) 

Mit einer Rede von Georg Baselitz 



isbn: 978-3-931355-44-9 

€ 100,– / chf 168,– 

2008 


Georg Baselitz 

Geb. 1938. Lebt und arbeitet am Ammersee 

und in Imperia (Italien). 

Contemporary Fine Arts, Berlin, 2008 


Der kubistische Hund. 2001 

isbn: 978-3-88375-551-9 

€ 19,80 / chf 35,90

Neun große autobiografi sche Collagen (150 x 117 cm) und das Geburts- 

tagsmanifest vom 23.01.2008 bilden den Anlass dieser ungewöhnlichen 

Publikation, in der 14 neue Bilder und drei Skulpturen von 2008 gezeigt 

werden. Aufgrund des übergroßen Formats und der Hoch glanztafeln wird 

die Publikation in die Geschichte der Ausstellungskataloge eingehen. 

Following the dictate of the “game without rituals” Jonathan Meese moves 

with somnabulistic certainty between all media available to him: Initially 

emerging at the end of the 1990s with his outstanding collages, Meese now 

distinguishes himself mostly in the classical categories of drawing, painting 

and sculpture. 

The publication Jonathan Meese – 23. Januar 1970 accompanies the exhibition 

on the occasion of his birthday at Contemporary Fine Arts in Berlin. Recent 

sculptures and canvases of the German artist, who was born in Tokyo, are 

presented in extra large high-gloss fi nish. The birthday manifesto created 

exclusively and in typical Meese manner is printed alongside collages from 

1998. 


Jonathan Meese. 

Mama Johnny. 2007 

isbn: 978-3-86560-090-5 

(English / German) 

€ 49,80 / chf 84,– 

isbn: 978-3-86560-212-1 

(English / French) 

€ 49,80 / chf 84,– 


Gundling Meese Erzstaat. 2007 

isbn: 978-3-86560-337-1 

€ 24,80 / chf 44,– 


Das Theater ist ein Tank ... 2007 

isbn: 978-3-931355-40-1 

€ 24,80 / chf 44,– 


23. Januar 1970 

(XXL Publikation) 



isbn: 978-3-931355-45-6 

€ 150,– / chf 240,– 

2008 


Jonathan Meese 

Geb. 1970 in Tokio. Lebt und arbeitet in 

Ahrensburg und Berlin. 

Contemporary Fine Arts, Berlin, 2008 


Gesinnungsbuch. 1999 

isbn: 978-3-88375-399-7 

€ 24,80 / chf 44,– 


General Tanz. 2006 

isbn: 978-3-931355-31-9 

€ 20,– / chf 35,90 



Die Aktivitäten in den hier dokumentierten 18 Jahren wurden vor allem 

geprägt durch die Leiterin Sabine Breitwieser. Mit der wissenschaftlichen 

Auf arbeitung von KünstlerInnen der 1960er und 1970er Jahre und 

vieldiskutierten Ausstellungen zu aktuellen Themen hat sich die Generali 

Foundation als international hoch angesehene Institution für konzeptuelle, 

Medien übergreifende und kritische Kunst etabliert. 

KünstlerInnen wie VALIE EXPORT, Harun Farocki, Dan Graham, Sanja 

Iveković, Mary Kelly, Edward Krasiński, Gordon Matta-Clark, Gustav Metzger, 

Walter Pichler oder Allan Sekula wurden in der Generali Foundation – zum 

Teil erstmalig – in großem Umfang gezeigt. Auftragswerke von Künstler- 

Innen wie Maria Eichhorn, Andrea Fraser, Hans Haacke, Dorit Margreiter, 

Heimo Zobernig u.v.a. sind für die Generali Foundation entstanden. 

Zahlreiche Ausstellungs ansichten und Texte dokumentieren die gesamten 

Aktivitäten. In einem Gespräch refl ektieren Sabine Breitwieser und die 

Kunstkritikerin Sabeth Buchmann über den Kontext und die Genese des 

Programms. 

The publication documents the programs of the Vienna-based Generali 

Foundation during the last 20 years. It established itself as an internationally 

distinguished institution for conceptual and critical intermedia art with 

the scholarly treatment of artists active in the 1960s and 1970s and with 

frequently discussed exhibitions on current issues. 

Artists such as VALIE EXPORT, Harun Farocki, Dan Graham, Sanja Iveković, 

Mary Kelly, Edward Krasiński, Gordon Matta-Clark, Gustav Metzger, Walter 

Pichler or Allan Sekula were widely shown at the Generali Foundation— 

often for the fi rst time. Works by artists such as Maria Eichhorn, Andrea 

Fraser, Hans Haacke, Dorit Margreiter, Heimo Zobernig and others were 

commissioned work by the Generali Foundation. 

Numerous installation views and texts provide both a review and details 

of the foundation’s comprehensive program. Context and genesis are 

refl ected in the conversation between the foundation’s long-time director 

Sabine Breitwieser and art critic Sabeth Buchmann. 

30 | I / 2008 


Generali Foundation 

Ausstellungen 

Exhibitions 1989–2007 

Herausgegeben von Sabine Breitwieser 

Einleitung von Dietrich Karner und 

Sabine Breitwieser. Texte von Sabine 

Breitwieser und Sabeth Buchmann. 

Mit zahlreichen Interviews mit 

Künstlern, Kuratoren und Autoren 


und 5 s/w Abbildungen. Broschur 


isbn: 978-3-86560-413-2 

€ 29,– / chf 49,90 

2008 

Kunst / Art

Das Buch präsentiert als erste umfassende Monografi e Tatjana Trouvés 

Arbeiten von den B.A.I (Bureau d’Activités Implicites) über ihre Module bis 

hin zu den Poldern, mit denen sie u.a. auf der letztjährigen Biennale in 

Venedig und der Ausstellung Airs de Paris im Centre Pompidou vertreten 

war. Spätestens seit der Biennale gehört Tatjana Trouvé zu den in Frankreich 

vieldiskutierten Künstlerinnen. Ihre Arbeiten kreisen modulhaft um 

Themen wie Lebensraum, Erinnerung, Architektur, Konstruktion von Wirklichkeit 

und lassen auch eine Vielzahl unterschiedlicher Assoziationen zu. 

Es sind „mentale Architekturen“, wie sie selbst sagt. 

The book presents the entire œuvre of the artist Tatiana Trouvé who lives 

and works in Paris. Trouvé, who last year was honored with the Prix Marcel 

Duchamp, for the fi rst time presents an overview of her works: starting with 

the B.A.I (Bureau d’Activités Implicites) through Module to Poldern which 

was presented on last year’s Biennale in Venice and the exhibition Airs de 

Paris at the Centre Pompidou. Trouvé’s works combine archival dispositifs 

and autobiographical elements with a decidedly sculptural dimension. 

The monograph comprises also a series of drawings which constitute an 

essential part of Trouvé’s multifaceted artistic work. Texts by Catherine 

Millet and Robert Storr and an interview with the artist conducted by 

Richard Shusterman complete the book. 

Tatjana Trouvé 

Foreword by Tatjana Trouvé. Texts by 

Robert Storr and Catherine Millet. 

Interview with the artist by Richard 

Shusterman. 

24 x 28 cm, c. 250 pages, c. 200 col. 

illustrations. Embossed cloth 


isbn: 978-3-86560-352-4 

ca. € 48,– / chf 81,– 

French Edition: 

isbn: 978-3-86560-443-9 

ca. € 54,– / chf 91,– 


Kunst / Art 

Tatjana Trouvé 

Born 1968. Lives and works in Paris. 

Prix Marcel Duchamp, 2007 

Galerie Johann Koenig, Berlin, 

03.05.– 14.06.2008 

Centre Georges Pompidou, Paris, 

25.06.–29.09.2008 

Frac des Pays de la Loire, 

04.07. – 12.10.2008 

Gallery Emmanuel Perrotin, Miami, 2007 

Villa Arson, Nice, 2007 

Mac/Val, Paris, 2007 

Gallery Almine Rech, Basel, 2007 


Christian Chruxin gehört wie Wolfgang Schmidt und Helmut Schmidt- 

Rhen zu den systematisch orientierten Designern der „Kasseler Schule“. 

In seinen Arbeiten für Verlage, Galerien und Fernsehsender verbindet 

Chruxin Spiel mit Strenge, Poesie mit Konstruktion, Statik mit Bewegung, 

bezieht die Rückseite der Dinge und ihr Spiegelbild ein und entwirft mit 

Variationselementen Serien statt Einzelstücke. Er erfi ndet neue Begriffe: 

„Visuelle Poesie“, „Multispektiv“, „Wirkzeit“, und neue Formen: das interaktive 

Theaterplakat, die tragbare Galerie, die Fernsehschau mit Leuten, 

das wachsende Plakat. Die vorliegende Sammlung ist die erste eigenständige 

Publikation über sein innovatives Werk. Sie kombiniert einen 

Ausschnitt seiner Arbeiten und Texte mit Erinnerungen von Gefährten. 

Dabei begegnet man ihm als Galeristen, Grafi ker, Regisseur, Herausgeber, 

Stadtwanderer, Ausstellungsgestalter und Kunstvermittler. 

Christian Chruxin combines play with strictness, poetry with construction, 

statics with movement; he includes the reverse side of things and their 

mirror image; he designs series with variations of elements instead of single 

pieces. He invents new terms: “visual poetry,” “multispective,” “function 

time,” and new forms: the interactive theater poster, the portable gallery, 

the television show with people, the growing poster. The present collection 

is the fi rst independent publication on Christian Chruxin. 

32 | I / 2008 


Christian Chruxin 

Die Teile der Summe: 

Begegnungen mit 

Christian Chruxin, 

visueller Gestalter 

1937–2006 

Herausgegeben von Holger Jost und 

Peter Weibel 

Einleitung von Peter Weibel, mit 

Erinnerungen von Wolfgang Fietkau, 

H. A. Albitz, Wolfgang Ludwig, Friederike 

Mayröcker, Uli Becker, Andreas Roth, 

Joachim Krausse, Daniel Defoe, Jürgen 

Manthey, Sabine Appel, Anita Kühnel 

und Holger Jost 



Deutsch 

isbn: 978-3-86560-369-2 

€ 24,– / chf 43,– 


Kunst / Art 

Christian Chruxin 

Geb. 1937. Gestorben 2006.

Drawing Restraint Vol. 5 ist das vom Künstler selbst herausgegebene 

Katalogbuch zum gleichnamigen Werkkomplex, an dem er seit 1987 

parallel zum Cremaster Cycle gearbeitet hat. Das Buch stellt erstmalig 

die Werkreihe in ihrer Gesamtheit vor – autonome Skizzen, Zeichnungen, 

Filmstills und Fotografi en. Dieses Material benutzte Matthew Barney 

auch für seinen Film Drawing Restraint 9 (USA, 2005). 

Mit einer Vorliebe für fantastische Inszenierungen schafft Matthew 

Barney anspielungsreiche, ästhetische Bilder voller Metaphorik. Ob er 

dies mit Film, Skulptur, Fotografi e, Zeichnung oder mit Performance tut – 

Barney hat eine große Fähigkeit, Bilder zu schaffen, die sich in der Erinnerung 

einprägen. 

Anlässlich seiner neuen Ausstellung in der Serpentine Gallery, nun in 

der Kunsthalle Wien, setzt er die Folge seiner Künstlerbücher fort. 

Wiederum ist es ein Autorenbuch, das die Arbeit fortführt und diese in 

den Kontext eines persönlichen Rückblicks auf den gesamten Zyklus stellt. 

Die Kurzgeschichte von Sjón erscheint in deutscher Erstübersetzung. 


Matthew Barney. 

Drawing Restraint Vol. 5. 

1987–2007 (English Edition) 

isbn: 978-3-86560-318-0 

€ 39,80 / chf 67,– 



1987–2002 

isbn: 978-3-88375-843-5 

€ 42,– / chf 71,– 



1987 – 2007 

Einleitung von Gerald Matt. Mit einem 

Essay von Neville Wakefi eld, einer Kurzgeschichte 

von Sjón und einem Text von 

Matthew Barney 


10 s/w Abbildungen. Kunststoffeinband 

mit Stanzung und Siebdruck 

Deutsche Ausgabe 

isbn: 978-3-86560-434-7 

€ 39,80 / chf 67,– 

2008 

Kunst / Art 

Matthew Barney 

Geb. 1967 in San Francisco. Ausstellungen 

u.a. Solomon R. Guggenheim Museum, 

New York; Museum Ludwig, Köln; Musée 

d’Art Moderne de la Ville de Paris; 

21st Century Museum of Contemporary 

Art, Kanazawa, Japan; Serpentine Gallery, 

London. Lebt und arbeitet in New York. 

Sjón 

Geb. 1962 in Reykjavik. 2005 Literaturpreis 

des Nordischen Rates. Schrieb u.a. auch 

die Liedtexte der Sängerin Björk. Lebt und 

arbeitet in Reykjavik. 

Kunsthalle Wien, 07.03.–08.06.2008 

Serpentine Gallery, London, 2007 


Die Sammlung der Texte und Materialien – Skizzen, Abbildungen, Ephemera 

– spüren den Beziehungen der kulturellen, gesellschaftlichen und politischen 

Funktionen nach, die den privaten Raum defi nieren. Der Reader 

zeichnet eine offene und fragmentierte Geschichte des Intimen und wie 

diese mit vielschichtigen Verschiebungen in der zeitgenössischen künstlerischen 

Praxis verhandelt wird. 

Die Abbildungen, vornehmlich aus der Sammlung Thyssen-Bornemisza 

Art Contemporary, zeigen Räume, seien sie intimer Natur (Körper), privater 

(Wohnraum, Studio), zwischenmenschlicher (sozial) oder materieller/ 

institutioneller (ökonomisch, politisch, kulturell). Privatheit mag eine Abgrenzung 

von anderen, eine Nicht-Verbundenheit ausdrücken, und beruht 

dennoch auf dem Paradox, dass der persönlich belegte Raum erst durch 

andere möglich wird, wie Publikum und Betrachter, von denen er geteilt 

und bestätigt wird. 

The sensitively arranged texts and materials—sketches, illustrations, 

ephemera—trace back the interlinked relationships of the cultural, social 

and political functions that defi ne private space. The reader presents an 

open and fragmented history of the intimate and how it is treated with 

multi-layered deferrals in contemporary artistic practice. 

The illustrations—primarily from the collection Thyssen-Bornemisza 

Art Contemporary—show spaces of intimate nature (body), private 

(living space, studio), interpersonal (social) or material/institutional 

(economic, political, cultural). Privacy may express a distance to others, a 

non-connectedness, but depends on the paradox that the personal space 

becomes possible only through others, like the audience or the beholder 

with whom it is shared and confi rmed. 

34 | I / 2008 


Other than yourself. 

An Investigation 

between Inner and 

Outer Space 

Texts by Peio Aguirre, Aristide Antonas, 

Franz Xaver Baier, Eric de Bruyn, Adam 

Budak, Janet Cardiff, Beatriz Colomina, 

Gabrielle Cram, Emanuel Danesch, David 

Rych, Vít Havránek, Amar Kanwar, Irma 

Klein, Ralph Rugoff, Soraya Rodríguez, 

Mirjam Schaub, Nancy Spector, Andreas 

Spiegl, Gregory Volk and Daniela Zyman 

16,5 x 22,5 cm, 144 pages, 77 b/w and 

15 col. illustrations. Softcover 

English 

isbn: 978-3-86560-423-1 

€ 12,– / chf 22,– 

2008 

Kunst / Art 

Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, 

Wien, 08.02.–21.09.2008

The book is part of Maria Eichhorn’s project that started with her exhibition 

The Artist’s Reserved Rights Transfer and Sale Agreement by Bob Projansky 

and Seth Siegelaub 1998 at Kunstverein Salzburg. The initial point is a 

contract form which was designed and circulated by Seth Siegelaub (known 

as the organizer of the fi rst concept art exibitions in the 1960s) with 

attorney Robert Projansky. The main issues of this contract are exhibition 

rights, reproduction rights and the so-called resale right. The books presents 

interviews which Eichhorn conducted 1996–2005 with women artists and 

gallery owners as well as with the authors of the contract. They deal not 

only with the questions raised by the contract but also with the experiences 

of those interviewed regarding the sales of artworks, art as the object of 

speculation, the role of collectors and museums, artists’ rights etc. 

Ziel des Projektes von Maria Eichhorn ist dieses Buch, das mit ihrer 

Ausstellung The Artist’s Reserved Rights Transfer and Sale Agreement von 

Bob Projansky und Seth Siegelaub 1998 im Kunstverein Salzburg begann. 

Ausgangspunkt ist ein Vertragsformular, das 1971 von Seth Siegelaub 

(bekannt als Organisator der ersten Konzeptkunst-Ausstellungen Ende 

der 1960er Jahre) gemeinsam mit dem Rechtsanwalt Robert Projansky 

entworfen und in Umlauf gebracht wurde. Kernpunkte dieses Vertrags 

sind Ausstellungsrechte, Reproduktionsrechte und das sogenannte 

Folgerecht. Das Buch versammelt Interviews, die Eichhorn 1996–2005 mit 

KünstlerInnen und GaleristInnen sowie mit den Urhebern des Vertrages 

führte. In ihnen kommen nicht nur Fragen zu dem Vertrag und seinem 

historischen Kontext zur Sprache, sondern auch Erfahrungen der Interviewten 

mit dem Verkauf von Kunstwerken, Kunst als Spekulationsobjekt, 

die Rolle von Sammlern und Museen, Künstlerrechte, uvm. 

Maria Eichhorn. 

The Artist’s Contract 

Edited by Gerti Fietzek 

Introduction by Maria Eichhorn. 

Interviews with Carl Andre, Michael 

Asher, Daniel Buren, Paula Cooper, Hans 

Haacke, Jenny Holzer, Adrian Piper, 

Robert Projansky, Robert Ryman, Seth 

Siegelaub, John Weber, Lawrence Weiner, 

Jackie Winsor 

16,5 x 24 cm, c. 300 pages, 

c. 50 illustrations. Softcover 

English 

isbn: 978-3-86560-421-7 

€ 29,80 / chf 49,90 



Maria Eichhorn 

Born 1962 in Bamberg. Lives and 

works in Berlin. 



Aktiengesellschaft. 2007 

isbn: 978-3-86560-244-2 

€ 29,80 / chf 49,90 


Publishing the Fact that Something will 

remain unpublished / Veröffentlichen, 

daß etwas unveröffentlicht bleibt. 2006 

isbn: 978-3-86560-046-2 

€ 18,– / chf 32,90 


Restitutionspolitik. 2003 

isbn: 978-3-88375-848-0 

€ 29,80 / chf 49,90 


7 Works presents Sierra’s new major works that relate to challenging 

projects realised in India, Mexico and Venezuela between 2005 and 2007: 

21 Anthropometric Modules Made from Human Faeces by the People of 

Sulabh International, India; Economical Study of the Skin of Caracans; 

Concert for Diesel Electric Plant; Four Black Vehicles with the Engines 

Running Inside an Art Gallery; Submission (formerly World of Fire); 

Photographic Session of Tlatelolco; 1549 State Crimes. 

Included is one of Santiago Sierra’s most challenging sculptural projects 

to date: 21 Anthropometric Modules Made of Human Faeces by the People 

of Sulabh International, India, 2005–06. The 21 minimally shaped modules 

are made of human faeces mixed with Fevicol, an agglutinative plastic. The 

faecal matter was collected in New Delhi and Jaipur, and was left to dry for 

three years, during which time the material became inert and degraded 

back to an earth-like substance, rendering it harmless from a sanitary point 

of view. The modules are exhibited within the wooden cases in which they 

were moulded, dried and transported from New Delhi to London. The work 

seems to have just landed into the gallery, which functions as a frame. 

In 7 Works werden neue Arbeiten des Spaniers Santiago Sierra präsentiert, 

die von ihm in Indien, Mexiko und Venezuela zwischen 2005 und 2007 

realisiert wurden, darunter das Aufsehen erregende 21 Anthropometric 

Modules Made from Human Faeces by the People of Sulabh International, die 

Four Black Vehicles with the Engines Running Inside an Art Gallery und die 

Photographic Session of Tlatelolco. 

36 | I / 2008 


Santiago Sierra. 

7 Trabajos / 7 Works 

Introduction by Pilar Villela Mascaró. 

Paromita Vohra interviews Bindeshwar 

Pathak. Texts by Francisco Javier San 

Martín, Mariana David, Álvaro Vázques 

Mantecón and Taiyana Pimentel 

21 x 27,5 cm, 272 pages, 302 b/w 


Spanish / English 

isbn: 978-3-86560-363-0 

€ 32,– / chf 55,– 

2008 

Kunst / Art 

Santiago Sierra 

Born in 1966, Madrid, Spain. He lives 

and works in Mexico-City, Mexico. 

Lisson Gallery, London, 2008

Die Ära von Daniel Birnbaum und Nikola 

Dietrich im Frankfurter Portikus steht im 

Fokus dieses ungewöhnlichen Dokumentarbandes. 

Die Dokumentation wird eröffnet 

von der Comic-Zeichenserie Betrunkene 

Bäcker von Lee Healey zu einer Ausstellung 

von Mark Leckey 2005/2006. 

Künstlerinterviews, Statements von 

Birnbaum und Dietrich sowie Textbeiträge 

zu ausgesuchten Künstlern lassen 

die Jahre von 2004–2007 mit mehr als 

20 Ausstellungen auf ungewöhnliche 

Weise Revue passieren. 

The publication presents a survey of the 

exhibitions at the Portikus, Frankfurt am 

Main, of the last three years under the 

curator Nikola Dietrich. More than 20 exhibitions 

with international artists—among 

them Olafur Eliasson, John Baldessari and 

Maurizio Cattelan—were presented in 

those years and are entirely documented 

in the publication with several texts and 

numerous images. 

Die Ausstellung ist Anlass für den ersten 

monografi schen Überblick mit den 

wesentlichen Arbeiten Bettina Pousttchis 

der letzten 10 Jahre mit Fotografi en, 

Videos und Skulpturen. Mit den Skulpturen 

Blackout I–IV von 2007 zeigt die 

Künstlerin eine neue Werkserie, in der 

sie die zentralen fotografi schen Serien 

Parachutes (2006) und Take Off (2005) 

weiterentwickelt. Daneben bilden die 

Videoarbeiten Docu Clip: The Katharina 

Show und Docu Clip: To good neighbors 

einen weiteren Schwerpunkt des Buches. 

Survey on Bettina Pousttchi’s œuvre of 

the last ten years. 17 texts by renowned 

authors like Barry Schwabsky, Jörg Heiser, 

Holger Liebs, Vanessa Joan Müller, Uta 

Grosenick, Mark Gisbourne, Christian 

Rattemeyer present several works 

concisely. A conversation between the 

artist and Petra Löffl er complete the 

publication. 



Bettina Pousttchi. 

Departure. 2007 

isbn: 978-3-86560-285-5 

€ 24,80 / chf 44,– 

Portikus 2004–2007. 

Book of a Sleeping Village 

Herausgegeben von Nikola Dietrich 

Texte von Daniel Birnbaum, Nikola 

Dietrich, Christine Macel, Charles 

Merewether und Christine Wood 

15 x 20 cm, 160 Seiten, davon 

18 Seiten Comic, 41 farbige und 



isbn: 978-3-86560-404-0 

€ 17,– / chf 31,– 

2008 

Kunst / Art 

Bettina Pousttchi. 

Reality Reset 

Eingeleitet von Gerhard Finckh. 

Texte von Jörg Heiser, Petra Löffl er, 

Ilka Becker, Holger Liebs u.a. 

21,5 x 27,5 cm, 144 Seiten, 93 farbige 

Abbildungen. Leinen mit Schutzumschlag 


isbn: 978-3-86560-374-6 

€ 28,– / chf 49,– 

2008 

Kunst / Art 

Bettina Pousttchi 

Geb. 1971 in Mainz. Lebt und arbeitet 

in Berlin. 

Von der Heydt Museum Wuppertal / 

Kunsthalle Barmen, 2007/2008 


Im Laufe von mehr als drei Jahrzehnten bildet die Verwendung von 

Schrift im Bild eine konstante Variable im Werk von Astrid Klein. Von den 

ersten kleinformatigen und intimen schwarzen Schrifttafeln der 70er 

Jahre über die großformatigen, schwarzweißen Fototextcollagen der 80er 

Jahre führt die künstlerische Entwicklung in den 1990er Jahren zu den 

mit Text gravierten Neonskulpturen und den farbigen Schriftarbeiten auf 

Leinwand. Die kühle Ästhetik und puristische Schönheit aller Schriftbilder 

paaren sich bei Astrid Klein mit einem seismographischen Gespür für die 

kritischen Fragen unserer Zeit. Dabei zeugen ihre eigenen Texte, wie auch 

die spätere Verwendung fremder Textfragmente, von der Auseinandersetzung 

mit literarischen, ästhetischen, philosophischen und wissenschaftlichen 

Schriften. In fragmentarischer und verschlüsselter Weise fl ießen die 

vielfältigen Quellen in die strenge Formensprache der Schriftbilder ein und 

eröffnen dem Betrachter einen ästhetisch-intellektuellen Erfahrungsraum. 

In the course of over three decades, the use of script in pictures is a constant 

variable in Astrid Klein’s work. From the fi rst small-format and intimate 

black script tables of the 1970s to the large-format, black-and-white phototext 

collages of the 1980s, her artistic development in the 1990s leads to 

the text-engraved neon sculptures and the colorful script on canvas works. 

The script pictures’ cool aesthetics and puristic beauty are paired with Astrid 

Klein’s seismographic intuition for the critical questions of our time. Her 

own texts as well as text fragments of others, which she later uses, testify to 

her exploration of literary, aesthetical, philosophical and scientifi c writings. 

In a fragmentary and cryptographically secured manner multifarious 

sources fl ow into the austere form language of the script pictures and 

reveal to the viewer an aesthetical and intellectual space for experience. 

38 | I / 2008 


Astrid Klein. 

Schriftbilder 1977–2007 

Herausgegeben von Dorothea Zwirner 

24 x 30,3 cm, 64 Seiten, 35 farbige und 

27 s/w Abbildungen. Hardcover 


isbn: 978-3-86560-377-7 

€ 28,– / chf 49,– 

2008 

Kunst / Art 

Astrid Klein 

Geb. 1951 in Köln. Lebt und arbeitet in 

Köln und Leipzig.

Diese Publikation zur ersten Werkschau 

von Christoph Keller ist zugleich seine 

erste Monografi e. Er bewegt sich mit 

seiner Arbeit an der Schnittstelle von 

Kunst und Wissenschaft. Der Titel 

Observatorium bezeichnet nicht nur 

eine gleichnamige Werkserie, sondern 

sein künstlerisches Vorgehen an sich. Es 

geht um eine Umkehrung des Blicks: Das 

Beobachtende wird selbst zum Objekt 

der Betrachtung. 

Die Publikation bezieht retrospektiv 

eine Auswahl von älteren Werken ein und 

bietet einen Einblick in die verschiedenen 

Themenfelder Kellers künstlerischer 

Arbeit. 

Observatory does not only designate a 

series of works of the same name, but 

also Keller’s artistic approach per se. It 

deals with a reversal of the view: the 

observer himself becomes the object of 

observation. 

The catalogue provides insights into 

the various thematic fi elds of Keller’s 

artistic work. 

Olav Christopher Jenssen stellt in diesem 

Buch zum ersten Mal die gesamte 

Bandbreite seines aktuellen Schaffens 

vor. Es entwickelt sich aus der Malerei, 

über Aquarelle und Zeichnungen bis hin 

zu raumgreifenden Plastiken. Seit Anfang 

der 1980er Jahre arbeitet Jenssen an 

einem abstrakten Gedankennetzwerk, 

das die Malerei von jeglicher Erinnerungsverpfl 

ichtung freispricht. Jenssens Bilder 

bringen Vorbewusstes zum Vorschein. Auf 

die Frage, wie Bilder in unserem Gehirn 

entstehen, scheint er die sichere Antwort 

zu geben: Intuition ist wertvoller als 

Wissen. 

For the fi rst time Olav Christopher Jenssen 

presents in this publication the entire 

scope of his current work. It derives from 

painting, moving through watercolors 

and drawings all the way to substantial 

sculptures. Since the beginning of the 

1980s, Jenssen has worked on an abstract 

network of thought which frees painting 

from any mnemonic obligation. Instead 

of history, his art is saturated with sensual 

energy. 

Christoph Keller. 

Observatorium 

Vorwort von Hilke Wagner. 

Texte von Stefan Heidenreich, 

Sharon Ben-Joseph, Christoph Keller, 

Anselm Franke, Hans Ulrich Obrist 

16,5 x 23 cm, 152 Seiten, 134 farbige 

und 16 s/w Abbildungen. Klappenbroschur 


isbn: 978-3-86560-440-8 

€ 24,80 / chf 44,– 

2008 

Kunst / Art 

Christoph Keller 

Geb. 1967. Studium Mathematik, 

Physik und Hydrologie. Studium Freie 

Kunst bei Katharina Sieverding. Lebt 

und arbeitet in Berlin. 

Kunstverein Braunschweig, 

08.03.– 12.05.2008 

Olav Christopher Jenssen. 

Zeitweise / At times 

Text von Katja Blomberg 




isbn: 978-3-86560-441-5 

€ 14,80 / chf 27,50 

2008 

Kunst / Art 

Olav Christopher Jenssen 

Geb. 1954 in Vesterålen, Norwegen. 

1996–2003 Professor für Malerei an 

der Hochschule für Bildende Künste, 

Hamburg. Lebt und arbeitet seit 

1983 in Berlin. 

Haus am Waldsee, Berlin 

30.03.–08.06.2008 


In this book, which can be read both from 

the front and from the back, Katharina 

Grosse documents two exhibitions which 

follow each other immediately. The 

cyclical conception of the book allows 

insight in her way of working: the mesh 

of most diverse work methods and the 

cyclical entanglement of her painting, 

combining contradicting opposites and 

making the works experienceable. 

Jean-Charles Vergne contributes a text on 

violence and aggression in Grosse’s work. 

Katharina Grosse illustriert in diesem 

von vorne und von hinten gleichermaßen 

lesbaren Buch zunächst zwei unmittelbar 

aufeinander folgende Ausstellungen. 

Mit der zyklischen Konzeption der Buchgestaltung 

dokumentiert sie aber auch 

ihr Arbeitsprinzip: das Ineinandergreifen 

verschiedenster Arbeitsmethoden 

und die zyklische Verschränkung ihrer 

Malerei, die unvereinbare Gegensätze 

verbindet und erlebbar macht. 

Das Thema des Essays von Jean- 

Charles Vergne ist die Gewalt und 

Aggression in Grosses Werk. 

Der Katalog ist der erste Band der Reihe 

zum neuen Programmschwerpunkt der 

Schirn Kunsthalle zu aktuellen zeitgenössischen 

Positionen. Jährlich werden 

mehrere Bände erscheinen. 

Eva Grubinger macht sich für Spartacus 

die spezifi sche räumliche Situation der 

Schirn zunutze und positioniert ihre 

Arbeiten an drei Orten: in der Rotunde, 

auf dem Tisch (einem Betongebilde) im 

Außenraum sowie im Kabinett im Innenraum. 

With its exhibition Eva Grubinger: 

Spartacus the Schirn continues its programmatic 

focus on current contemporary 

positions. For Spartacus Eva Grubinger 

makes use of the Schirn’s specifi c spatial 

context, positioning her works in three 

places: in the rotunda, on the“table” (a 

concrete structure) outside and in the 

cabinet within. 

40 | I / 2008 


Katharina Grosse. 

The Flowershow / Skrow No 

Repap 

Edited by Jean-Charles Vergne. 

Text by Jean-Charles Vergne 

19,5 x 27,5 cm, 160 pages, 100 full 

page col. illustrations. Hardcover 

with dust jacket 

English / French 

isbn: 978-3-86560-435-4 

€ 28,– / chf 49,– 

2008 

Kunst / Art 

Katharina Grosse 

Born 1961 in Freiburg/Breisgau. 

Lives and works in Berlin. Professor 

at Kunsthochschule Berlin, 

Weissensee (KHB). 

FRAC Auvergne, Clermont-Ferrand, 

2007/2008 

Eva Grubinger. 

Spartacus 

Herausgegeben von Max Hollein 

und Matthias Ulrich 

Einleitung und Texte von 

Matthias Ulrich 


13 s/w Abbildungen. Broschur mit 

Schutzumschlag 


isbn: 978-3-86560-385-2 

€ 16,80 / chf 31,– 

2008 

Kunst / Art 

Eva Grubinger 

Geb. 1970 in Salzburg. Lebt und 

arbeitet seit 1989 in Berlin. 

Schirn Kunsthalle, Frankfurt a.M., 

2007/2008

Silke Hohmann (Monopol, Berlin) sieht 

die gestische Malerei der 1950er und 

1960er Jahre als Quelle der neuen 

Gemälde und Wandbilder Friederike 

Feldmanns, die hier auf Tafeln präsentiert 

werden. 

Daniel Spanke (Kunstmuseum 

Stuttgart) erkennt ausgehend von 

den frühen Arbeiten ein sich deutlich 

defi nierendes Gesamtkonzept dieser 

aktuellen Bilder. 

The book documents new developments 

in Friederike Feldmann’s painting. Represented 

are four wall- or spatial paintings 

and 17 panels. Texts by Silke Hohmann 

(Monopol, Berlin) and Daniel Spanke 

(Kunstmuseum Stuttgart) complement 

the comprehensive illustrations. 

Die hierzulande nahezu in Vergessenheit 

geratene Künstlerin, Autorin, Theoretikerin 

und Sound-Poetin Lily Greenham 

wird mit diesem Buch dem Publikum 

endlich wieder in Erinnerung gebracht 

– mit der gesamten Spannweite ihres 

Werkes: informelle Grafi ken und Collagen, 

kinetische Lichtkästen bzw. Op Art- 

Collagen sowie Lautgedichte, Arbeiten 

mit Tonbändern und Spurenüberlagerungen. 

Der Publikation ist eine CD 

mit Beispielen ihrer Lingual Music und 

Sound Poetry beigefügt, die noch von der 

Künstlerin zusammengestellt wurde. 

The artist, theoretician and sound poet 

Lily Greenham, almost forgotten in this 

country, is at last commemorated with 

this book which presents the entire range 

of her work: informal graphic works and 

collages, kinetic light boxes or Op Art 

collages and sound poems, works with 

tapes and superimposed tracks. 

Friederike Feldmann. 

21 Bilder 

Texte von Silke Hohmann, 

Daniel Spanke 


und 2 s/w Abbildungen. Hardcover 


isbn: 978-3-86560-387-6 

€ 29,80 / chf 49,90 

2008 

Kunst / Art 

Friederike Feldmann 

Geb. 1962 in Bielefeld. Studium 

Bühnenbild und visuelle Kommunikation, 

HdK Berlin. Lebt und 

arbeitet in Berlin. 

Galerie Barbara Weiss, Berlin 

01.03.– 31.03.2008 

Lily Greenham. 

An Art of Living 

Herausgegeben von Karin Buol- 

Wischenau und Peter Weibel. 

Texte von Karin Buol-Wischenau, 

Lily Greenham, Peter Greenham, 

Josef Hurban, Michael Parsons, 

Gerhard Rühm, Peter Weibel, 

Larry Wendt u.a. 

21,5 x 26,7 cm, ca. 200 Seiten, 

illustrierter Text- und Bildteil. 

Klappenbroschur 


isbn: 978-3-86560-448-4 

€ 32,50 / chf 55,80 


Kunst / Art 

Lily Greenham 

Geb. 1924 in Wien. Gest. 2001 in 

London. 

Neue Galerie Graz, 2007 


Dieses Künstlerbuch entstand nach John 

Bocks Film Skipholt von 2005. Angelegt 

wie das Abenteurerskizzenbuch eines 

Bergsteigers beinhaltet es zum einen 

Videostills, in denen der Künstler die 

Landschaft Islands durchwandert und 

erforscht (ein Abenteuer mit dramatischem 

Ausgang) sowie speziell dafür 

angefertigte Zeichnungen und Skizzen. 

Häufi g nutzte John Bock bereits dreidimensionale 

Objekte als Requisiten in 

seinen Performances und kreierte mit 

einer eklektischen Mischung aus Materialien, 

beschrieben in verschiedenen 

Sprachen, sein eigenes künstlerisches 

Universum. Jedes Mal begab er sich auf 

einen Balanceakt zwischen wissenschaftlichem 

Ernst, Verrücktheit und Slapstick. 

Often the German performance artist, 

sculptor and video artist John Bock 

employed three-dimensional objects as 

props in his performances and used an 

eclectic mix of materials, thus creating his 

own artistic universe in many languages. 

It is always a balancing act between 

scientifi c seriousness, craziness and 

slapstick. 

Werner Feiersingers neuer Werkkomplex 

ist durch besondere formale Präzision gekennzeichnet. 

Die Moderne ist zentrales 

Thema des Bildhauers und Fotografen, 

was in seinen neuen minimalistischen 

Objekten augenscheinlich wird. In großformatigen 

Farbabbildungen präsentiert 

die Publikation den neuen Werkkomplex 

Werner Feiersingers und dokumentiert 

die Ausstellung in der Secession. Der 

Textbeitrag der Kunsthistorikerin und 

Kuratorin Barbara Steiner geht speziell 

auf die neue Werkgruppe ein und schafft 

einen inhaltlichen Kontext zwischen 

Moderne und Minimalismus. 

Werner Feiersinger’s new works are 

particu larly characterized by their formal 

precision. Modernism is the sculptor and 

photographer’s central topic which becomes 

apparent in his minimalist objects. The publication 

presents Werner Feiersinger’s new 

work in large-format color illustrations and 

documents the exhibition in the Secession. 

Art historian and curator Barbara Steiner 

addresses particularly the new works 

creating a context between Modernism and 

Minimalism in regards to content. 

42 | I / 2008 



John Bock. 

Die malträtierte Fregatte. 2007 

isbn: 978-3-86560-252-7 

€ 30,– / chf 52,– 

John Bock. 

Filme. Films. 2007 

isbn: 978-3-86560-261-9 

€ 32,– / chf 55,– 


John Bock. 

Skipholt 


14 x 9 cm, ca. 224 Seiten, ca. 220 

farbige Abbildungen. Hardcover 

Deutsch / English / Dutch 

isbn: 978-3-86560-380-7 

€ 38,– / chf 64,– 



John Bock 

Geb. 1965 in Gribbohm. 

Lebt und arbeitet in Berlin. 


Werner Feiersinger 

Vorwort von András Pálffy. 

Texte von Barbara Steiner. 

20 x 26 cm, 64 Seiten, ca. 30 farbige 



isbn: 978-3-86560-450-7 

€ 16,80 / chf 31,– 

2008 

Kunst / Art 

Werner Feiersinger 

Geb. 1966 in Brixlegg, Tirol. 

Lebt und arbeitet in Wien. 

Secession, Wien, 

29.02.–03.04.2008

Stephen Willats’ gesammelte theoretische Überlegungen zur Architektur, 

Untersuchungen der Prozesse zwischen Bewohnern und architektonischen 

Zeichen und Texte zu architekturbezogenen Arbeiten des Künstlers 

von den frühen 1970er Jahren bis heute. 

In den 1960er Jahren stellte der Künstler die traditionelle objektorientierte 

Kunstauffassung grundsätzlich in Frage und damit auch den engen 

musealen Wirkungsrahmen von Kunst. Sein Feld ist der Bereich der Semiotik, 

er untersucht Zeichensysteme, die uns im Alltag umgeben, gebaute 

Architektur, Werbung und allgemeine Regelwerke. 

Der Band versammelt erstmals publizierte theoretische Schriften in deutscher 

Übersetzung und macht dem Leser bereits vergriffene Texte aus den 

1970er und 1980er Jahren neu zugänglich. 

A new theoretical platform for contemporary art and architecture which 

points out how the art since the 1960s like no other epoch has changed our 

attitude of seeing and our everyday life. A text- and theory production has 

established itself parallel to it. 

The second book in this series, Stephen Willats’ Texts on Architecture, 

assembles theoretical deliberations on architecture, investigations of the 

processes between inhabitants and architectural signs as well as texts on 

the artist’s architecture-related works from the early 1970s until today. 

In the 1960s, Stephen Willats axiomatically put into question the 

conventional object-oriented perception of art, i.e. the narrow frame of 

action for art in museums. His special fi eld is semiotics, he investigates 

sign systems which surround us in our everyday life, built architecture, 

advertising and general rules and regulations. 

The volume also provides published theoretical writings for the fi rst time 

in German translation and makes texts from the 1970s and 1980s, that 

were out of print, accessible again. 

Texte zur Architektur. 

Von Stephen Willats 

Herausgegeben von Brigitte Franzen 

Einleitung von Brigitte Franzen, 

Nachwort von Birgit Nienhaus 

12 x 18 cm, 148 Seiten, 31 s/w 


Deutsch 

isbn: 978-3-86560-402-6 

€ 15,– / chf 27,90 

2008 


Stephen Willats 

Geb. 1943. Lebt und arbeitet in London. 

Gilt als Konzeptkünstler der ersten 

Stunde. 

LWL-Landesmuseum für Kunst und 

Kulturgeschichte Münster, 

04.04.–08.06.2008 


Carrousel präsentiert die fünf in der Ausstellung gezeigten Werke, darunter 

eigens für das Kunsthaus Bregenz geschaffene Neuproduktionen, wie 

ein Spiegelkabinett und ein sich in sich selbst drehendes Hotelzimmer. 

Im Mittelpunkt steht die Kreisbewegung und die Irritation der Wahrnehmung, 

das Spiel von Geschwindigkeit und Erwartung und deren Destruktion. 

Carsten Höller selbst untersucht in seinem Essay hintergründig das 

„Carrousel“. 

Es ist das Konzept sich kreisförmig drehender und unendlich oft wiederholender 

Dinge. Die einzelnen Stockwerke und das Dach versammeln 

Arbeiten von Carsten Höller von sehr unterschiedlicher Bauart und 

Wirkung, aber das Drehende und das Wiederholende ist ihnen allen 

gemein. 

The publication on the exhibition Carrousel by Carsten Höller presents 

all the fi ve works shown in Bregenz, of which some are shown for the 

fi rst time. The central motif of these works is the circular motion and the 

irritation of perception, the play of expecting and destroying speed. Carsten 

Höller himself has written an essay on the theme “Carrousel”. 

Carrousel is an exhibition of rotations and endless repetitions. On each 

storey and also the roof works are assembled with the most differing 

types of construction and effects by artist Carsten Höller; all however have 

rotation and repetition in common. 



Carsten Höller. 

One Day One Day. 2006 

isbn: 978-3-86560-072-1 

€ 28,– / chf 49,– 

44 | I / 2008 

Carsten Höller / Rosemarie 

Trockel. Maisons / Häuser. 1999. 

isbn: 978-3-89611-071-8 

€ 24,80 / chf 44,– 

distribution für das kunsthaus bregenz 



Carrousel 

Herausgegeben von Eckhard Schneider 

Vorwort von Eckhard Schneider. Texte 

von Carsten Höller und Carl Roitmeister 


Abbildungen. Klappenbroschur 


isbn: 978-3-86560-417-0 

ca. € 32,– / chf 55,– 


Kunst / Art 

Carsten Höller 

Geb. 1961. Lebt und arbeitet in Köln 

und Stockholm. 

Kunsthaus Bregenz, 05.04.– 01.06.2008 


Carsten Höller’s Spielebuch. 1998 

isbn: 978-3-89611-057-2 

€ 20,– / chf 35,90

The short essays assembled in this book 

were written by Lee Ufan between 1967 

and 2007. The writings are Lee Ufan’s 

observations on the current practice 

of art and discuss a variety of concepts 

related to the making and perception of 

artworks. The subjects range from the 

notions of emptiness, infi nity, light and 

darkness to more practical issues such as 

the use of a brush, the subject of sculpture 

and art and the body. 

Die kurzen in dieser Publikation zusammengetragenen 

Essays von Lee Ufan 

stammen aus den Jahren 1967 bis 2007. 

In seinen Betrachtungen zur modernen 

Kunstpraxis geht es um eine große 

Bandbreite von Themen, die mit der 

Produktion wie Perzeption von Kunst in 

Zusammenhang stehen. So geht es nicht 

nur um Begriffe wie Leere, Unendlichkeit 

oder Licht und Dunkelheit, sondern 

auch um konkretere Fragen wie die nach 

der Verwendung von Pinseln oder die 

Beziehung zwischen Kunst und Körper in 

der Bildhauerei. 

Since March 2006 a large yellow lightbox 

with black letters decorates the front outer 

wall of the building housing the Openbaar 

Ministerie (Public Prosecution Service) in 

Arnhem. Besides illustrating other lightbox 

installations this book tells the story of 

how artworks were chosen. Ed van den 

Boogaard relates how the Arts Committee 

became acquainted with Durant’s work, 

how they commissioned him and then 

made every effort to have the work actually 

placed on the outer wall. 

Seit März 2006 schmückt eine große 

gelbe Lichtbox die Vorderfassade des 

Gebäudes, das das Openbaar Ministerie 

(Staatsanwaltschaft) von Arnhem beherbergt. 

Die vorliegende Publikation zeigt 

nicht nur verschiedene Lichtinstallationen 

Sam Durants, sondern dokumentiert 

auch minutiös, wie die Kunstwerke 

ausgewählt wurden. Zum Beispiel wird 

berichtet, wie die Kunstkommission mit 

dem Werk Durants bekannt wurde, wie 

der Auftrag an ihn erging und wie dann 

darum gekämpft werden musste, das 

Werk auch tatsächlich an der Außenfassade 

anbringen zu können. 

distribution for the 

lisson gallery, london 

Lee Ufan. 

The Art of Encounter 

Revised edition of the 2004 book 

edited by Jean Fisher with additional 

new texts 

Texts by Lee Ufan 

14 x 21 cm, 264 pages. Softcover 

English 

isbn: 978-3-86560-449-1 

€ 24,80 / chf 44,– 

2008 

Kunst / Art 

Lee Ufan 

Born 1936 in Kyongnam, Korea. 

Lives and works in Tokyo. 

Lisson Gallery, London, 

02.04.–10.05.2008 

Sam Durant. 

Tell it like it is! In het Paleis 

van Justitie in Arnhem / In the 

Arnhem Palace of Justice 

21 x 26,3 cm, 80 pages, 27 col. and 


English / Dutch 

isbn: 978-90-78702-02-6 

€ 24,80 / chf 44,– 

2008 

Kunst / Art 

Sam Durant 

Born 1961 in Seattle. Lives and works 

in Los Angeles. 

distribution für paleis van justitie, arnheim 


Konzepte der Liebe ist ein Buch, das die Liebe als eine Möglichkeit beschreibt, 

sich aus dem Teufelskreis des Individualismus hinauszubewegen. Denn 

Liebe kann erst dann wirken, wenn der Liebende die Differenz zum 

Anderen anerkennt oder es ihm gelingt, „über das Ich hinaus auch das 

Du zu denken“ (Monika Rinck). Wie gelingt es der Liebe, dass man die 

Position der Kritik der Verhältnisse verlässt, um wieder etwas Positives zu 

formulieren und produktiv zu werden? In diesem Sinne vereint das Buch 

Zitate unterschiedlichster Autoren wie Plato, Roland Barthes, Ingeborg 

Bachmann, Klaus Theweleit und Kathy Acker und Essays und poetische 

Texte von Judith Hopf, Frauke Gust, Francesca Lacatena und Monika Rinck. 

Beteiligte Künstler / Participating artists: 

Gerry Bibby, Bless, Keren Cytter, Ekkehard Ehlers, Stephan Geene, 

Judith Hopf, Francesca Lacatena, De Rijke / De Rooij, Jörg Rode, 

Deborah Schamoni, Florian Zeyfang. 

Concepts of Love is a book that describes love as a possibility to move out 

of the vicious circle of individualism. For love can only operate when the 

lover acknowledges the distance to the Other or if s/he succeeds “to reach 

beyond the ego and also have in mind the you” (Monika Rinck). How does 

love achieve to overcome the position of criticizing the circumstances in 

order to formulate something positive and become productive? In this 

sense, the book combines quotations of a wide range of authors like Plato, 

Roland Barthes, Ingeborg Bachmann, Klaus Theweleit and Kathy Acker as 

well as essays and poetical texts by Judith Hopf, Frauke Gust, Francesca 

Lacatena and Monika Rinck. 

46 | I / 2008 


Konzepte der Liebe 

Einleitung von Kathrin Jentjens und 

Anja Nathan-Dorn. Texte von Frauke 

Gust, Judith Hopf, Francesca Lacatena, 

Monika Rinck 

12,2 x 18,5 cm, 144 Seiten, ca. 32 farbige 



isbn: 978-3-86560-427-9 

€ 18,– / chf 32,90 


Kunst / Art 

Kölnischer Kunstverein, 

09.02.–31.03.2008

„Wohin muss man sich begeben, um schließlich irgendwann, jedoch nach 

aller Erfahrung selten bleibend, Zum Glück auf Erden zu gelangen?“ 

Dieses Buch ist ein „Gesamtkunstwerk“ an der Schnittstelle von Kunst, 

Philosophie und Naturwissenschaft. Der Schweizer Künstler Jso Maeder 

schafft ein Theater- und Wissenslabor, das mit sozial- und naturwissenschaftlichen 

Methoden der Frage nachgeht, wie die Welt (Subjekt und 

Objekt) denkbar gemacht wird und damit wirklich werden kann. 

Der Buchtitel Zum Glück auf Erden steht exemplarisch für ein abstraktbegriffl 

iches Motiv, aber auch für einen experimentellen Umstand, den 

das Buch selbst erarbeitet. Auf verschiedenen Ebenen sind die Autoren 

ihrerseits solchen Prozessen nachgegangen und haben ihnen ihre Sicht 

beigefügt. 

At the beginning of the exhibition and the book project About Happiness 

on Earth there was a meeting in Vienna, in which Jso Maeder introduced 

a fascinating conceptual design comprising philosophical, literary and 

scientifi c materials. Here, the different viewpoints in this book did basically 

appear. 

With Maeder producing meaning comes about on the one hand 

through his method and practice of tying together and combining material 

and semantic modules; and on the other hand through his archive-like 

arrangements, out of which arises a scenario of original workfragments and 

-ensembles of various media. 

In so far paradigmatically, About Happiness on Earth stands for an 

abstract motif as well as for a prevailing experimental condition within its 

extent a refl ection on such processes is possible—Happiness as a precarious 

perspective in differentiation.On different levels, also the authors Bazon 

Brock, Volker Demuth, Christoph Geiser, Simon Maurer and Robert Pfaller 

entered into such processes. 

Jso Maeder. 

Zum Glück auf Erden / 

About Happiness on 

Earth 1999–2007 

Herausgegeben in Zusammenarbeit mit 

H.-P. Wipplinger und P. Zimmermann 

Beiträge von Bazon Brock, Volker 

Demuth, Christoph Geiser, Jso Maeder, 

Simon Maurer, Robert Pfaller. Nachwort 

von Hans-Peter Wipplinger 


und 6 s/w Abbildungen. Hardcover mit 

Prägung 


isbn: 978-3-86560-373-9 

€ 34,– / chf 58,50 

2008 

Kunst / Art 

Jso Maeder 

Geb. 1957 in St. Gallen, Schweiz. 

1978/80 Akademie der Bildenden Künste, 

Wien. Lebt und arbeitet in Zürich. 


Der imposante Werkkatalog des portugiesischen 

Künstlers Pedro Cabrita Reis 

umfasst Architektur, Plastik und Malerei. 

Er setzt sich aus ganz alltäglichen 

Stoffen zusammen – banale Alltagsumgebungen, 

Baumaterialien und eine 

architektonische Semantik, die er sich 

aus der Alltagswirklichkeit angeeignet 

und auf wundersame Weise in Altäre 

einer beinahe spirituellen Erfahrung verwandelt 

hat. Der Katalog dokumentiert 

die Werkserie True Gardens und umfasst 

sowohl Abbildungen der bisherigen Stationen 

als auch Installationsansichten im 

Kunsthaus Graz. 

The catalogue of works by Portuguese 

artist Pedro Cabrita Reis consists of 

architectural, sculptural and painterly 

bodies of work, woven of a fabric of the 

everyday life, commonplace surroundings, 

and architectural semantic appropriated 

from an existing reality and miraculously 

transformed into altars of an almost 

spiritual experience. The catalogue 

documents the work series True Gardens 

and includes both images of previous sites 

and installation views at Kunsthaus Graz. 

Bekannt geworden ist Michael S. Riedel 

durch seine doppelbödigen Transformationen 

kultureller Prozesse. Parallel zu seinen 

Ausstellungen und Aktionen ediert 

er Texte, Poster und Bücher. In seinen 

Publikationen wiederum sammelt er Mitschnitte 

und Fotos von diversen Aktionen, 

Travestien, Appropriationen, Fakes von 

Texten, Ausstellungssituationen, Events. 

In diesem Band wird die Riedels 

Ausstellungen begleitende Poster-Serie 

vollständig wiedergegeben. Zusätzliche 

Abbildungen vervollständigen 

die Dokumentation und zeigen bisher 

unveröffentlichtes Material in Form von 

Schwarz-Weiß-Abbildungen und transkribierten 

Texten. 

Michael S. Riedel became known for his 

ambiguous transformations of cultural 

processes. Beside his exhibitions and 

actions he edited texts, posters and books. 

In his publications he collected recordings 

and photographs of various actions, 

travesties, appropriations, fakes of texts, 

exhibition situations and events. 

48 | I / 2008 


Pedro Cabrita Reis. 

True Gardens. Werkverzeichnis / 


Herausgegeben von Adam Budak 

und Peter Pakesch 

Texte von Adam Budak, José Miranda 

Justo, Felicity D. Scott, Philip Ursprung, 

Alessandro Ponte und Georges 

Teyssot, ein Gespräch zwischen Peter 

Pakesch und Pedro Cabrita Reis 


und 92 s/w Abbildungen. Broschur 


isbn: 978-3-86560-391-3 

€ 29,90 / chf 49,90 

2008 

Kunst / Art 

Pedro Cabrita Reis 

Geb. 1956 in Lissabon. Lebt und 

arbeitet in Lissabon. 

Kunsthaus Graz, 2008 

Michael S. Riedel. 

Gedruckte und nicht gedruckte 

Poster (2003–2008) / Printed 

and unprinted posters 

(2003–2008) 


Einleitung von Marcel Bugiel. Texte 

von Michael S. Riedel 




isbn: 978-3-86560-381-4 

€ 14,80 / chf 27,50 

2008 

Kunst / Art 

Michael S. Riedel 


Frankfurt am Main. 

Kunstraum Innsbruck, 2007

die ideenknappheit einer massenausstellung ist ein sprung von qualität 

zu quantität und konstruiert zwecklosigkeit, eine rekonstruktion dessen, 

was man zu beginn seiner laufbahn gerne gehabt hätte, nämlich einen 

aufmarsch, eine demonstration der idee des autonomen d.h. ungeführten, 

unkuratierten und unbehandelten. sondern das, was man zur neige der 

laufbahn hat, was sich zeigt. eine verkettung des privaten in die kunst, von 

dort aber ins öffentliche, in den raum, den sie betreten, wo sie sich fi nden 

werden, wenn sie gekommen sind. nämlich eine unkuratierte ausstellung 

mit „künstlerfreunden“ (künstlerfreunde sind nicht freunde ohne kunst, 

sondern künstler, mit denen man in einer koexistenz symbiotisiert (wenn 

man dieses nomen adverbiert)). lassen sie sich nicht beirren durch spiel 

mit grammatischen begriffen – sie haben keine bedeutung und sind 

sozusagen ingenerativ. (Franz West) 

Künstler: ferran adrià, richard artschwager, ruth baettig, bizhan bassiri, 

jack bauer, vanessa beecroft, elisabetta benassi, edith bergmann, reinhard 

bernsteiner, john bock, agata bogacka, songül boyraz, olaf breuning, 

jean-marc bustamante, herbert de colle, plamen dejanoff, ines doujak, 

urs fi scher, dan fl avin, herbert fl ois, herbert fuchs, rainer ganahl, olivier 

garbay, marcus geiger, gelitin, liam gillick, dan graham, heiri häfl iger, mary 

heilmann, sophie von hellermann, anton herzl, richard hoeck, siggi hofer, 

peter höll, carsten höller, benedetta jacovoni, christian jankowski, franz 

kapfer, luisa kasalicky, jeff koons, jannis kounellis, krüger & pardeller, sarah 

lucas, marcin maciejowski, gilo moroder, sarah morris, otto mühl, muntean/ 

rosenblum, walter obholzer, jorge pardo, raymond pettibon, michelangelo 

pistoletto, katrin plavcak, rudolf polanszky, philipp quehenberger, andreas 

reiter raabe, anselm reyle, jason rhoades, hans riedel, diter rot, julie ryan, 

isa schmidlehner, anne schneider, tamuna sirbiladze, wolfgang tillmans, 

kosta tonev, octavian trauttmansdorff, zlatan vukosavljevic, hans weigand, 

franz west, sue williams, gardner woods, ronald zechner, toby ziegler, 

heimo zobernig 

Souffl é, eine Massenausstellung. 

Nach einer Idee von 

Franz West 


Texte von Stefan Bidner, Veit Loers 

und Franz West 



Deutsch 

isbn: 978-3-86560-379-1 

€ 14,80 / chf 27,50 

2008 




Franz West. Gesammelte Gespräche 

und Interviews. 2005 

isbn: 978-3-88375-607-3 

€ 34,– / chf 58,– 

Franz West / Heimo Zobernig. 

Wests und Zobernigs Zweifel. 2003 

isbn: 978-3-88375-669-1 

€ 28,– / chf 49,– 

Franz West. 

Ich sammle mich. 2001 

isbn: 978-3-88375-533-5 

€ 14,80 / chf 27,50 

Franz West. 

Aluskulptur. 2000 

isbn: 978-3-88375-439-0 

€ 24,80 / chf 44,- 


The Conversation Series 

Neue Titel / New titles 

Erschienen im Herbst 2007 / Published in fall 2007 

Nancy Spero. 

Hans Ulrich Obrist. 

The Conversation Series 11. 

isbn: 978-3-86560-322-7 

€ 14,80 / chf 27,50 

Bereits erschienen / Already published 

John Chamberlain. 



isbn: 978-3-88375-922-7 

€ 12,80 / chf 24,– 

Yona Friedman. 



isbn: 978-3-86560-171-1 

€ 14,80 / chf 27,50 

50 | I / 2008 

Olafur Eliasson. 



isbn: 978-3-86560-335-7 

€ 16,80 / chf 31,– 

Konrad Klapheck. 


Hans-Peter Feldmann. 


isbn: 978-3-86560-035-6 

€ 12,80 / chf 24,– 

Zaha Hadid. 



isbn: 978-3-86560-078-3 

€ 14,80 / chf 27,50 

Rem Koolhaas. 



isbn: 978-3-86560-077-6 

€ 9,80 / chf 18,50 

Gilbert & George. 



isbn: 978-3-86560-217-6 

€ 16,80 / chf 31,– 


Bereits erschienen / 

Already published 

Robert Crumb. 



isbn: 978-3-88375-948-7 

€ 9,80 / chf 18,50 

Wolfgang Tillmans. 



isbn: 978-3-86560-133-9 

€ 14,80 / chf 27,50 

Thomas Demand. 



isbn: 978-3-86560-204-6 

€ 16,80 / chf 31,–

Hans Ulrich Obrist visited the media 

artist Dominique Gonzalez-Foerster 

several times, e.g. during a performance 

rehearsal. This generated intense 

conversations about her central topics 

amidst the artistic practice: spaces, 

memories, references and empty places. 

She speaks about her collaborations with 

architects, stage designers, dancers and 

performers. In a telephone conference 

with Nicolas Ghesquière she comments 

on the cooperation with the artist. She 

also reveals her idols—the secret “heroes”. 

And together with Hans Ulrich Obrist she 

interviews the legendary sculptor Marta 

Pan and the architect André Wogenscky, 

who died in 2004. The book captivates 

with fascinating conversations across 

generations, transcending classical 

interviews. 

Die Interviews entstanden inmitten der 

künstlerischen Praxis von Dominique 

Gonzalez-Foerster: Räume, Erinnerungen, 

Verweise und Leerstellen. 

At the core of Parreno’s work as well as 

in his conversations with Hans Ulrich 

Obrist are his cooperations with different 

partners such as Rirkrit Tiravanija, Carsten 

Höller and Pierre Huyghe. The book also 

thematizes more recent works such as 

Zidane: A 21st Century Portrait (2006) or 

Speaking to the Penguins (2007). Other 

partners are featured alongside Parreno 

such as the artist Douglas Gordon or the 

composer Pierre Boulez. Parreno is a multilayered 

taleteller, he manifests himself as 

an interviewer, art critic, fi lmmaker—an 

investigating artist who constantly 

questions the choice of his materials. 

Im Zentrum stehen Parrenos 

Kooperationen mit unterschiedlichen 

Partnern wie Rirkrit Tiravanija, Carsten 

Höller und Pierre Huyghe. Parreno ist 

ein vielschichtiger Erzähler, er äußert 

sich u.a. als Interviewer, Kunstkritiker, 

Filmemacher – ein forschender Künstler, 

der stets von neuem die Wahl seiner 

Materialien hinterfragt. 

Dominique Gonzalez-Foerster. 



13,3 x 21 cm, c. 160 pages, 

c. 25 b/w illustrations. Softcover 

The Conversation Series 12 

English 

isbn: 978-3-86560-334-0 

c. € 16,80 / chf 31,– 


Kunst / Art 

Dominique Gonzalez-Foerster 

Born 1965 in Strasbourg. Lives and 

works in Paris. 

Philippe Parreno. 



13,3 x 21 cm, 146 pages, 


The Conversation Series 14 

English 

isbn: 978-3-86560-340-1 

€ 16,80 / chf 31,– 


Kunst / Art 

Philippe Parreno 

Born 1964 in Oran, Algeria. Lives and 

works in Paris. 


n.b.k. Diskurs – Neuer Berliner Kunstverein 

Die hier angezeigten Titel erscheinen ab Juli 2008 in der Reihe 

n.b.k. Diskurs des Neuen Berliner Kunstvereins, ergänzt durch die 

Reihen n.b.k. Berlin und n.b.k. Künstlerbuch, herausgegeben von 

Marius Babias. 

Mit analytisch-provokativem Blick schaut 

Oliver Marchart auf die letzten drei documenta- 

Ausstellungen. Ausgehend von den 

Theorien Gramscis und Laclaus werden Museen 

und Biennalen als nationale und globale 

Hegemoniemaschinen dargestellt, die die 

bürgerliche Dominanzkultur reproduzieren, 

aber auch angreifbar machen. 

Oliver Marchart takes a provocative analytical 

look at the last three documenta exhibitions. 

Based on Gramsci’s and Laclau’s theories, 

museums and Biennales are depicted as national 

and global machines of hegemony that 

replicate the bourgeois culture of dominance, 

making it vulnerable at the same time. 

Die brutaler werdende kapitalistische Gesellschaft 

schmückt sich mit kritischen Kunstwerken 

und eignet sich die künstlerische Kreativität 

als ständigen Motor kapitalistischer 

Entwicklung an. Marius Babias untersucht, 

inwieweit die Kunst durch die Mobilisierung 

kritischer Inhalte die Vorstellung von Öffentlichkeit 

als Forum zum Aus tragen gesellschaftlicher 

Konfl ikte und politischer Teilhabe 

stärken kann. 

Marius Babias investigates to which extent art 

is able to contribute to the notion of the public 

as a forum for carrying out social confl icts. 

Silke Wagners Arbeiten gelten als stilbildend 

und sie selbst gilt als herausragende Vertreterin 

ihrer Generation. Ihre Interventionen 

bewegen sich außerhalb angestammter 

künstlerischer Medien und Aktions felder. Mit 

ihren Arbeiten mobilisiert sie Öffentlichkeit, 

schafft Angebote für Kommunikation und 

neue Handlungsräume. 

Silke Wagner’s works are considered to become 

seminal; she is one of the most distinguished 

representatives of her generation. Her 

interventions move outside conventional 

artistic media and fi elds of action. Her works 

mobilize the public, offering proposals for 

communication and new fi elds of action. 

52 | I / 2008 


The books announced in the series n.b.k. Diskurs of Neuer Berliner 

Kunstverein will be published beginning in July 2008; they are 

accompanied by the series n.b.k. Berlin and n.b.k. Artist’s Book, 

edited by Marius Babias. 

Hegemonie im Kunstfeld. 

Die documenta-Ausstellungen 

dX, D11, d12 

Text von Oliver Marchart 

16 x 23 cm, ca. 140 Seiten, mit zahlreichen 

farbigen Abbildungen. Klappenbroschur 


isbn: 978-3-86560-437-8 

€ 19,80 / chf 35,90 

Juli / July 2008 


Marius Babias. 

Kunst in der Arena der Politik. 

Subjektproduktion, Kunstpraxis, 

Trans kulturalität 




isbn: 978-3-86560-439-2 

€ 19,80 / chf 35,90 



Silke Wagner 

Einleitung von Marius Babias. Texte 

von Hagen Kopp, Florian Waldvogel, 

Silke Wagner u.a. 




isbn: 978-3-86560-438-5 

€ 19,80 / chf 35,90 


Kunst / Art

Public Art Bucharest, vom Goethe-Institut 

organisiert und von Marius Babias und 

Sabine Hentzsch kuratiert, ist der Versuch, 

Kunst und Diskurs im öffentlichen 

Raum in Bukarest zu lancieren – Pilotprojekt 

und Pionier arbeit zugleich. Auf Straßen 

und Plätzen Bukarests wurde eine 

Reihe künstlerischer Projekte gezeigt, 

öffentliche Spannungsfelder mitten in 

der Metropole einer jungen Demokratie 

eines neuen EU-Staates. Öffentliche 

Diskussionen, mediale Interventionen, die 

Auseinandersetzung mit sozialen Fragen 

und der Rolle der Kunst ließen ganz neue 

Muster erkennen, die im Westen noch 

unbekannt scheinen. 

KünstlerInnen: Mircea Cantor, Anetta 

Mona Chisa / Lucia Tkácová, Nicoleta 

Esinencu, H.arta, Daniel Knorr, Dan 

Perjovschi und Lia Perjovschi 

The present book documents the project 

Public Art Bucharest which took place in 

Bucharest. Public Art Bucharest was an 

interdisciplinary project that addressed 

art, the public, society, architecture, urban 

planning, education and youth. 


Marius Babias / Mircea Cantor. 

The Silence of the Lambs. 2007 

isbn: 978-3-86560-235-0 

€ 19,80 / chf 35,90 

Marius Babias / Dan Perjovschi. 

Postmodern Ex-Communist. 2007 

isbn: 978-3-86560-240-4 

€ 19,80 / chf 35,90 

Marius Babias / H.arta. 

2008. 2007 

isbn: 978-3-86560-238-1 

€ 19,80 / chf 35,90 

Marius Babias / Esinencu, Nicoleta. 

A(II)Rh+. 2007 

isbn: 978-3-86560-237-4 

€ 19,80 / chf 35,90 

Public Art Bucharest 

Herausgegeben von Marius Babias, 

Sabine Hentzsch 

Einleitung von Marius Babias, 

Sabine Hentzsch. Texte von Marius 

Babias, H.arta, Sabine Hentzsch, 

Raluca Voinea 




isbn: 978-3-86560-362-3 

€ 19,80 / chf 35,90 


Kunst / Art 

Marius Babias 

Geb. 1962. Lebt und arbeitet in Berlin. 

Sabine Hentzsch 


Bukarest. 

Neuer Berliner Kunstverein, 

November – Dezember 2008 

Marius Babias / Lia Perjovschi. 

Contemporary Art Archive / Denter 

for Analysis 1985–2007. 2007 

isbn: 978-386560-241-1 

€ 19,80 / chf 35,90 

Marius Babias / Daniel Knorr. 

Carte de Artist. 2007 

isbn: 978-3-86560-239-8 

€ 160,– / chf 270,– 


Als eine „Reise durch die deutsche Kunst“ präsentieren sich diese Meisterwerke 

der letzten 200 Jahre aus den staatlichen Kunstsammlungen 

in Dresden, München und Berlin. Der Bezug der Landschaft zur menschlichen 

Figur – die lebendige Landschaft – ist seit der deutschen Romantik 

ein wichtiges Anliegen der Künstler. Destinationen der Reise sind hochkarätige 

Vertreter der Romantik mit Caspar David Friedrich, Ludwig Richter 

und Carl Gustav Carus, des Expressionismus mit Ernst Ludwig Kirchner, 

Erich Heckel, Otto Mueller oder Emil Nolde sowie der Gegenwart mit K.H. 

Hödicke, Georg Baselitz, Martin Kippenberger oder Markus Lüpertz. 

Alle drei Strömungen sind in der Geschichte der drei Städte Dresden, 

Berlin und München als Bezugspunkte der Künste und der Künstler 

präsent – wie auch historisch gewachsene Sammlungsschwerpunkte der 

dortigen Kunstsammlungen. Das Verhältnis von Mensch und Natur, von 

Subjekt und Raum im Wandel vom 19. bis zum 21. Jahrhundert lässt sich 

in vielfältigen und mitunter überraschenden Facetten in diesem Buch 

nachvollziehen. 

Masterpieces of the past 200 years from the State collections of the cities 

of Dresden, Munich and Berlin present themselves as a “Journey through 

German Art”. The relationship between the landscape and the human 

fi gure—the “living landscape”—has been an important theme for artists 

since German Romanticism. Destinations of the journey are masterworks 

by top-class representatives of German Romanticism with Caspar David 

Friedrich, Ludwig Richter and Carl Gustav Carus, German Expressionism 

with Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Otto Mueller or Emil Nolde and 

contemporary art with K.H. Hödicke, Georg Baselitz, Martin Kippenberger or 

Markus Lüpertz. 

All three periods are present as reference points of the arts and artists in 

the history of the three cities—at the same time they are focal points of the 

collections which have evolved from their history. The relationship between 

man and nature, between subject and space amidst the changes from the 

19th to the 21st century can be retraced in manifold and often surprising 

facets throughout the book. 

54 | I / 2008 


Living Landscapes. 

A Journey through 

German Art 

Vorwort von Peter-Klaus Schuster, 

Martin Roth und Reinhold Baumstark 

Texte von Peter-Klaus Schuster, 

Ulrich Bischoff, Carla Schulz-Hoffmann, 

Bernhard Maaz, Anna Rühl 

21 x 27 cm, ca. 224 Seiten, ca. 118 farbige 

Abbildungen. Hardcover im Schuber 

Deutsch / Chinese 

isbn: 978-3-86560-442-2 

ca. € 34,– / chf 58,– 


Kunst / Art 

National Art Museum of China, Beijing, 

09.05.– 05.07.2008

Der Katalog ist dem legendären Berliner 

Kunsthändler und Galeristen Rudolf 

Springer gewidmet und erscheint 

anlässlich der gleichnamigen Hommage- 

Ausstellung bei Contemporary Fine Arts. 

Der Katalog zeichnet in zahlreichen 

Dokumenten, Fotos und Werken das 

künstlerische Programm Springers sowie 

die bemerkenswerte Ausstellungshistorie 

seiner Galerie in wesentlichen Etappen 

nach. Mit Joan Miró, Henry Miller, Georg 

Baselitz, Markus Lüpertz, Wols, Ernst 

Wilhelm Nay und Klaus Kinski sind nur 

einige derer genannt, die bei Rudolf 

Springer ein- und ausgingen. Der Publikation 

liegt ein fi lmisches Porträt Rudolf 

Springers in DVD-Form bei. 

The comprehensive catalogue is dedicated 

to the legendary Berlin art dealer and 

gallery owner, Rudolf Springer, and is 

published on the occasion of the homage 

exhibition at Contemporary Fine Arts of 

the same title. 

Eine verständlich geschriebene, 

überaus reich bebilderte Geschichte 

des modernen „Masterplans“ der Stadt 

Köln. Diese in Deutschland einmalige 

Bau-Geschichte spannt den Bogen vom 

frühen 19. Jahrhundert, als innnerhalb 

der noch von einer Mauer umgebenen, 

mittelalterlich geprägten Stadt eine bis 

dahin nicht gekannte rege Bautätigkeit 

einsetzte, bis hin zur Gegenwart. Da die 

Entwicklung der letzten 200 Jahre vor 

allem über die Biografi en und Leistungen 

der Stadtbaumeister deutlich gemacht 

wird, ist das Buch nicht nur Fachleuten, 

sondern allen, die an der Geschichte und 

Architektur Kölns interessiert sind, zu 

empfehlen. 

This richly illustrated book contains a 

treasure of unpublished photographs 

and is based on a series of lectures. It 

presents the building history of the city of 

Cologne from the 19th to the 21st century 

with the biographies and achievements 

of its architects. A jewel for architects 

and urban planners as well as for every 

one who is interested in the history and 

architecture of Cologne. 


Rudolf Springer. 

Marchand d’art, né 1909 

23,5 x 32 cm, 36 Seiten. Hardcover 

mit beiliegender DVD 


isbn: 978-3-931355-46-3 

€ 40,– / chf 68,– 

April 2008 


Rudolf Springer 

Geb. 1909. Lebt und arbeitet als 

Kunsthändler in Berlin. 

Contemporary Fine Arts, Berlin, 

2007 

Kölner Stadtbaumeister und 

die Entwicklung der städtischen 

Baubehörden seit 1821 

Herausgegeben von Werner Schäfke 

Vorwort Fritz Schramma. Einleitung 

von Walter von Lom. Texte von Karl 

Josef Bollenbeck, Wolfram Hagspiel, 

Hiltrud Kier, Johannes Ralf Beines, 

Henriette Meynen, Wolfgang Pehnt, 

Werner Heinen, Ludmila Siman, 

Werner Baecker, Utz Ingo Küpper, 

Christian Schaller, Klaus Otto 

Fruhner und Bernd Streitberger 


und 150 s/w Abbildungen. Hardcover 

Deutsch 

isbn: 978-3-940042-03-3 

€ 38,– / chf 64,– 

2008 


distribution für das kölnische stadtmuseum 


International Flusser Lectures, 

Schriftenreihe des Vilém Flusser Archivs, hg. von Silvia Wagnermaier, Marcel R. Marburger und Siegfried Zielinski 

Die Meeresabgründe und ihre Geheimnisse 

sind für Dichter und Denker von 

jeher eine Fundgrube für Mythen und 

Metaphern. Fabeln, in denen Riesenkalmare 

und Kraken als Untiere und Monster 

herhalten müssen, durchziehen die 

gesamte Literatur- und Kulturgeschichte. 

Auch Vilém Flusser und Louis Bec 

schlüpfen in die Haut eines Tintenfi sches, 

mit dem Ziel, an einen Punkt zu kommen, 

an dem der Naturwissenschaftler zu 

forschen aufhört. 

Vilém Flusser and Louis Bec slide into 

the skin of an octopus with the goal of 

reaching a point at which the natural 

scientist stops investigation. 


Norval Baitello. 

Flussers Völlerei. 2007 

isbn: 978-3-86560-052-3 

€ 4,80 / chf 9,– 

Sigrid Weigel. 

Die „innere Spannung im 

alphanumerischen Code“ 

(Flusser). 2006 

isbn: 978-3-88375-904-3 

€ 4,80 / chf 9,– 

Klaus Theweleit. 

Übertragung, Gegenübertragung, 

Dritter Körper. 2006 

isbn: 978-3-86560-140-7 

€ 4,80 / chf 9,– 

56 | I / 2008 

Klaus Bartels. 

Cyborgs, Servonen, 

Avatare. 2005 

isbn: 978-3-88375-902-9 

€ 4,80 / chf 9,– 

Hinderk M. Emrich. 

Was Avatare und Engel uns 

sagen können. 2005 

isbn: 978-3-88375-972-2 

€ 4,80 / chf 9,– 

Elisabeth von Samsonow. 

Was ist anorganischer Sex 

wirklich? 2005 

isbn: 978-3-88375-903-6 

€ 4,80 / chf 9,– 

Peter Weibel. 

Time Slot. 2005 

isbn: 978-3-88375-971-5 

€ 4,80 / chf 9,– 


Paola Bozzi. 

„Durch fabelhaftes Denken“: 

Evolution, Gedankenexperiment, 

Science & Fiction / 

Vilém Flusser, Louis Bec und 

der Vampyroteuthis Infernalis 



Deutsch 

isbn: 978-3-86560-419-4 

€ 4,80 / chf 9,– 

April 2008 


Paola Bozzi 

Geb. 1964, ist Literatur- und Kulturwissenschaftlerin 

und promovierte 

über die Lyrik Thomas Bernhards. 

Sie lebt und arbeitet in Mailand. 

Claudia Giannetti. 

Vilém Flusser und Brasilien. 2003 

isbn: 978-3-88375-550-2 

€ 4,– / chf 7,70 

Susanne Hauser. 

Spielsituationen. 2003 

isbn: 978-3-88375-662-2 

€ 4,80 / chf 9,– 

Timothy Druckrey. 

Medien, Gedächtnis, 

Moderne. 2001 

isbn: 978-3-88375-489-5 

€ 3,80 / chf 7,20 

Manfred Faßler. 

Tiefe Oberfl ächen. 2000 

isbn: 978-3-88375-549-6 

€ 4,– / chf 7,70

Michael Schuster entwickelt eine 

völlig eigenständige Position der 

konzeptuellen Fotografi e, Skulptur und 

räumlichen Intervention – sinnlich und 

dennoch minimalistisch. Konsequent 

verzichtet er in seinen Bildern auf subjektive 

Komponenten. Nicht Dokumentation 

ist dabei sein Anliegen, sondern 

die Unmöglichkeit einer objektiven 

Abbildung der Welt. So werden Fragen 

der Visualisierung von Wirklichkeit in 

höchst komplexer Weise realisiert. 

Das Künstlerbuch begleitet die erste 

Museumsausstellung von Michael 

Schuster in der Neuen Galerie Graz. 

Michael Schuster develops a completely 

independent position of conceptual 

photography, sculpture and spatial intervention—sensuous, 

yet minimalist. 

Aware of the impossibility of an objective 

reproduction of the world he solves problems 

of visualizing reality in an extremely 

complex manner. The book accompanies 

the Austrian artist’s fi rst museum exhibition 

at the Neue Galerie in Graz. 

Die einprägsamen Landschaften des 

Düsseldorfer Bildhauers entwickeln 

sich aus konstruktiv-architektonischen 

Räumen zu horizontal fl ießenden 

Strukturen. Installationen wie Eisfelder 

und provisorische Behausungen sowie 

skulpturale Werkgruppen mit Wasserfahrzeugen 

oder Wolken folgen deutlich 

einer inneren Argumentationskette. 

Eine der wenigen bildhauerischen 

Positionen, die zur aktuellen Diskussion 

um die neue Romantik einen entscheidenden, 

eigensinnigen Beitrag leistet. 

At a superfi cial glance, the everyday, often 

battered materials which Löffelhardt 

uses seem to have little in common with 

Flemish landscape painting, romantic 

image worlds, or baroque staging art. 

However, it is exactly these historical 

references which fi nd their hip expression 

in idiosynchratic romantic metaphors 

of subtle beauty in his sculptures and 

installations. 

Michael Schuster. 

For Your Information 

Herausgegben von Elisabeth Fiedler, 

Peter Weibel; mitherausgegeben von 

Monika Faber. Vorwort von Christa 

Steinle. Einleitung von Elisabeth 

Fiedler und Peter Weibel. Texte von 

Hubertus von Amelunxen, Helmut 

Draxler, Monika Faber, u.a. 

24 x 29 cm, ca. 300 Seiten, zahlreiche 

farbige und s/w Abbildungen. 

Broschur 


isbn: 978-3-86560-436-1 

ca. € 30,– / chf 52,– 



Michael Schuster 

Geb. 1956. Lebt und arbeitet in Graz. 

Neue Galerie, Graz, 15.03.–18.05.2008 

Stefan Löffelhardt 

Gespräch zwischen Heike van den 

Valentyn und Stefan Löffelhardt. 

Text von Peter Foos 


Abbildungen. Hardcover mit Schutzumschlag 


isbn: 978-3-86560-433-0 

€ 28,– / chf 49,– 

April 2008 

Kunst / Art 

Stefan Löffelhardt 

Geb. 1969 in Biberach. Lebt und 

arbeitet in Düsseldorf. 

distribution für die galerie aurel scheibler, berlin 


Charing Cross explores the historical 

concepts of homelessness, and how the 

economic and physical structures of the 

city impact upon people who inhabit its 

public space. Norman was invited by the 

Serpentine Gallery and The Connection at 

St Martin’s, one of the UK’s largest organisations 

for homeless people, to create 

a new work in response to the charity’s 

location in central London. Norman 

worked with artists at The Connection 

at St Martin’s to map their experiences, 

uncovering an invisible geography in and 

around the Charing Cross area. 

Mit Charing Cross erforscht der britische 

Künstler Nils Norman das historische 

Konzept der Obdachlosigkeit: Welchen 

Einfl uss haben die räumlichen 

und baulichen Strukturen einer Stadt 

auf Menschen, die ihren öffentlichen 

Raum bewohnen? Eingeladen von der 

Serpentine Gallery schuf Norman ein 

neues Werk für die Zentrale von The 

Connection at St. Martin’s, einer der 

größten britischen Hilfsorganisationen 

für Obdachlose in London. 

For many years, sculptor Des Hughes 

has created a “treasure of forms” such as 

oversize “sketches” from wood, cardboard, 

chewing gum, bronze and marble. His 

interest is mainly focused on objects of 

everyday life. 150 of these idiosyncratic, 

fantastic objects are presented for the fi rst 

time in full-page color plates in this book. 

Seit vielen Jahren legt Des Hughes 

einen „Formenschatz“ als Bildhauer 

an. Es sind rasch angefertigte, dreidimensionale 

„Skizzen“ aus Holz, Pappe, 

Kaugummi, aber auch aus Bronze und 

Marmor. Sein Interesse gilt vor allem 

den Alltagsgegenständen: Türstopper, 

Lebensmittel wie Sandwiches, Käse oder 

Würste, Schallplatten, Bücher oder Kleidungsstücke. 

150 dieser eigenwilligen, 

phantasievollen, zum eigenen Gebrauch 

bestimmten Objekte präsentiert zum 

ersten Mal dieses Buch in ganzseitigen 

farbigen Tafeln. 

58 | I / 2008 




Nils Norman. 

Charing Cross 

Foreword by Julia Peyton-Jones and 

Hans Ulrich Obrist 

21,4 x 30,3 cm, 64 pages, 40 col. 


English 

isbn: 978-3-86560-415-6 

€ 28,– / chf 49,– 

2008 

Kunst / Art 

Nils Norman 


Cologne, London and New York. 

Des Hughes. 

Thems 1994– 2007 

15 x 21 cm, 158 pages, 155 col. 


isbn: 978-3-86560-372-2 

€ 18,– / chf 32,90 

2008 


Des Hughes 

Born 1970 in Birmingham. 

Lives and works in London.

The 4th installment of the Lynn Valley 

artist book series features an untitled 

sequence of 24 photographs by Annette 

Kelm. Using a detailed studio-shot format, 

reminiscent of advertising photography, 

the book features six versions of the same 

hat (with yellow, purple, red, beige, blue 

and black seams respectively) that the 

artist bought in the Chinatown neighborhood 

of New York. Manufactured in China 

for the US market these hats are a strange 

cultural hybrid. Their design features an 

unusual combination of a common baseball 

cap and straw hat in an odd grafting 

of idioms that collide to create a global 

consumer item. 

Die vierte Ausgabe der Lynn Valley 

Künstlerbuch-Reihe präsentiert eine 

unbetitelte Folge von 24 Fotografi en von 

Annette Kelm. In einer hochaufl ösenden, 

an Werbeaufnahmen erinnernden 

Studio-Optik gehalten, zeigt das Buch 

sechs Versionen eines Hutes, der von der 

Künstlerin in einem Geschäft in Chinatown, 

Manhattan erstanden wurde. 

In the summer of 2007, Galerie Jablonka in 

Berlin showed three series, each consisting 

of 14 monochrome, large-format paintings 

on mahogany panels, titled Salubra. The 

artist was inspired by Le Corbusier’s colored 

Polychromie Architecturale from 1931. In 

this context, Sherrie Levine does not show 

reproductions of the sheets, she instead realizes 

her concept as an independent work, 

an artist book. 42 full-page panels are 

presented on thick paper with originally 

mixed colors. 

Angeregt von Le Corbusiers Farbklaviaturen 

„Polychromie architecturale“ 

aus dem Jahr 1931 schuf die Künstlerin 

Salubra: drei Serien von jeweils 14 monochromen 

Gemälden auf Mahagonitafeln. 

Das Künstlerbuch dieses konzeptuellen 

und zugleich sinnlichen Werks ist das 

ideale Medium, diese komplexe Arbeit zu 

präsentieren. 42 ganzseitige Tafeln wurden 

in Siebdruck auf schwerem Papier in 

der extra angemischten Sonderfarbe als 

Tafeln nach Anweisung der Künstlerin gedruckt. 

Im Anhang erläutert Kai Heymer 

das Projekt. 


Johannes Wohnseifer. 

Lynn Valley #2. 2007 

isbn: 978-0-920293-73-7 

€ 22,– / chf 39,– 

distribution for bywater’s bros. editions, toronto 

Annette Kelm. 

Lynn Valley #4 

Edited by Reid Sheir and 

Roger Bywater 

30 x 24 cm, 24 pages, 22 col. 

illustra tions. Softcover 

English 

isbn: 978-0-920293-75-1 

€ 12,80 / chf 24,– 

2008 

Kunst / Art 

Annette Kelm 

Born 1975 in Stuttgart. Lives and 

works in Berlin. 

Jonathan Monk. 

Lynn Valley #3. 2007 

isbn: 978-0-920293-74-4 

€ 22,– / chf 39,– 

bereits angekündigt, soeben erschienen / previously announced, out now 

Sherrie Levine. 

Salubra 

Introduction by Kai Heymer 

24 x 27 cm, 120 pages, 42 col. silk 

screen prints. Softcover 

Edition: 

The book is published in an 

edition of 300 numbered copies. 

Copies 1–150 by Verlag der 

Buchhandlung Walther König. 

Copies 151–250 by Galerie 

Jablonka, Berlin. 

Copies 251–300 a.p. 

English 

isbn: 978-3-86560-361-6 

€ 198,– / chf 313,– 

2008 


Sherrie Levine 

Born 1947 in Hazleton, USA. 

Lives and works in New York. 


This artist’s book, which can be read from the front or the back, is published 

in connection with Paola Pivi’s solo exhibition It just keeps getting better 

at Kunsthalle Basel. The young Italian artist became known with a series 

of enigmatic large-format surrealistic photographs, placing animals in 

unexpected places or situations. In her elaborate room installations, objects 

and performances she thematizes the absurd aspects of reality by placing 

familiar objects in unexpected contexts, divesting them of their functions. 

At the Venice Biennale she showed a Fiat G91 fi ghter jet turned upside down 

or a huge semi-trailor placed on its side. Pivi’s works break open cultural, 

social and societal conventions and evoke irritation. 

Dieses Künstlerbuch von Paola Pivi ist gleichzeitig ihre erste umfassende 

Monografi e. In ihrer Auswahl von Fotoarbeiten, Skulpturen und Installationen 

zeigt sie sich als höchst ungewöhnliche Regisseurin der Wirklichkeit: 

Leoparden schreiten über feines Geschirr, Hubschrauber liegen auf 

Rotorblättern und werden zum „wehrlosen Insekt“, Lamas weiden unter 

Schafen – die absurden Aspekte von Realität dokumentiert Pivi höchst 

poetisch und manchmal humoristisch. Auch dieses Buch gestaltet sie als 

von vorn und hinten gleichermaßen lesbar – egal von welcher Seite man 

anfängt, man hat nie zu Ende gelesen und geschaut. 

60 | I / 2008 



Paola Pivi. 

It just keeps getting 

better 

Foreword by Adam Szymczyk. Interview 

by Paola Pivi with Hans Gatt. Texts by 

Hugo Glendinning, John March Russell, 

Geoff Lowe 

19 x 26,5 cm, 156 pages, 95 col. 


English 

isbn: 978-3-86560-292-3 

€ 42,– / chf 71,– 

2008 


Paola Pivi 

Born 1971 in Milan. Lives and works 

in Alaska. 

Kunsthalle Basel, 2007

ereits angekündigt, soeben erschienen / previously announced, out now 

Jörg Immendorffs Arbeiten auf Papier sind Zeugnisse einer Werkgeschichte 

von mehr als 40 Jahren, in deren Verlauf er seine Position als Künstler 

immer wieder neu entworfen, analysiert und kontinuierlich umgearbeitet 

hat. Er war ein leidenschaftlicher Zeichner und hinterließ ein Œuvre von 

enormem Umfang. 

Das großformatige Buch zeigt in chronologischer Folge in farbigen 

Abbildungen auf leicht getöntem Papier Bleistift-, Tusche- und Filzstiftzeichnungen, 

Gouachen und Aquarelle, die sämtlich aus Immendorffs persönlichem 

Archiv stammen und die bislang bis auf wenige Ausnahmen 

nicht bekannt sind. In zeitlicher Abfolge eröffnen sie ein heimliches Lager 

von Bildvorräten, auf das Immendorff immer wieder zurückgegriffen hat. 

Auch wenn Immendorffs Arbeiten auf Papier inzwischen als wichtiger 

Bestandteil seines Werkes erkannt worden sind, so hat ihre tatsächliche 

Qualität noch immer nicht die angemessene Wertschätzung gefunden. 

Sie sind ein zentraler Teil seines Œuvres. 

Jörg Immendorff’s paper works give evidence of a creative history during 

the course of which the artist repeatedly reconceived, analyzed and altered 

his position. He was a passionate draftsman who created an enormous 

body of work. 

The book focuses on the works from Immendorff’s studio and archive of 

which only few are known. Even though Immendorff’s works on paper are 

now recognized as an important part of his œuvre, their real quality is yet 

to be appropriately esteemed. They form a central part of his work. 

Jörg Immendorff. 

Zeichne / Draw 

Arbeiten aus seinem 

Archiv / Works from 

his Archive 

Essay von Christoph Danelzik- 

Brueggemann 


Abbildungen. Leinen mit Schutzumschlag 


isbn: 978-3-86560-321-0 

€ 78,– / chf 132,– 

2008 

Kunst / Art 

Jörg Immendorff 

Geb. 1945 in Bleckede bei Lüneburg. 

Gest. 2007 in Düsseldorf. 


62 | I / 2008 


Die jetzt vorliegende „Gesamtausgabe“ der Texte von Gerhard Richter 

ergänzt den ersten Teil, die 1993 erschienene, seit langem vergriffene 

Edition der Jahre 1962–93 um 15 wesentliche Beiträge. Sie beginnt mit 

einem Abschiedsbrief Richters an Heinz Lohmar. 

Es folgen sämtliche Texte der letzten überaus produktiven und 

ereignisreichen 14 Jahre und Richters Interview vom Sommer 2007 zu 

seinem Biennalebeitrag in Venedig. Gerhard Richter stellte erstmals sein 

gesamtes persönliches Archiv zur Verfügung, aus dem auch zahlreiche 

der meist unveröffentlichten Fotos stammen. Ein wissenschaftlicher 

Anhang enthält erläuternde Kommentare, Quellen und einen Index. Die 

Themen der Richterschen „Texte“ sind vielfältig und reichen weit über 

kunstimmanente Fragen hinaus. Es sind Notizen, Tagebucheintragungen, 

zu bestimmten Anlässen entstandene kurze Essays, Briefe, Stellungnahmen, 

Statements, Manifeste und immer wieder Interviews, Gespräche 

und Dialoge – Richters bevorzugte Form der Mitteilung. Wie kein anderer 

zeitgenössischer Künstler refl ektiert Gerhard Richter in seinen Texten die 

Frage nach Möglichkeiten, Funktionen und Autonomie von Kunst heute. 

In 1993, the fi rst edition of Gerhard Richter’s writings (1962 – 1993) was 

published, edited by Hans Ulrich Obrist. This new complete edition of the 

writings begins with Richter’s farewell letter to his teacher Heinz Lohmar 

in 1961, and is enriched by fi fteen unpublished texts from 1962 to 1993. The 

volume thus comprises the complete texts of the past fourteen highly productive 

years, and closes with an interview on Richter’s contribution to the 

Venice Biennale 2007. For this publication, Richter for the fi rst time put his 

complete private archive at the editor’s disposal; most of the photographic 

material is from this archive and has not been published before. An appendix 

provides ample commentary and sources as well as an index. Unlike 

any other contemporary artist, Gerhard Richter refl ects in his texts on the 

possibilities, the function, and the autonomy of the fi ne arts today. 


Gerhard Richter. 

Text 1961 bis 2007. 

Schriften, Interviews, 

Briefe 

Herausgegeben und mit einem 

Vorwort von Dietmar Elger und 

Hans Ulrich Obrist 

Mit 80 von Gerhard Richter aus seinem 

Archiv zusammengestellten Tafeln von 

104 s/w Fotos 

17,7 x 23,2 cm, 600 Seiten. 

Leinen mit Prägung 

Deutsch 

isbn: 978-3-86560-185-8 

€ 48,– / chf 81,– 

2008 

Kunst / Art 

Gerhard Richter 

Geb. 1932 in Dresden. Lebt in Köln.

ereits angekündigt, soeben erschienen / previously announced, out now 

Die Wegweisung der Technik ist ein buchkünstlerisches Gesamtkunstwerk 

aus Text, Bild und Typographie. Der nun vorliegende, um ein ausführliches 

und kommentierendes Nachwort von Wolfgang Pehnt erweiterte, faksimilierte 

Nachdruck macht die bibliophile Rarität, die unsere Vorstellung vom 

Architekturbuch in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts mit geprägt hat, 

erstmals in seiner ganzen Anmutung wieder zugänglich. Schwarz plante, 

ähnlich den „Bauhausbüchern“, für die Aachener Werkschule eine Publikationsreihe, 

die „Aachener-Werkbücher“, die sich programmatisch mit den 

Herausforderungen der neuen Zeit auseinandersetzen sollte. 

Der erste Band der Reihe beinhaltet Schwarz’ architekturphilosophische 

Überlegungen zum Thema, die von der Fotostrecke von Albert Renger- 

Patzsch kongenial veranschaulicht werden. 

Rudolf Schwarz. 

Wegweisung der 

Technik. 

Mit Bildern nach 

Aufnahmen von 

Albert Renger-Patzsch 

Herausgegeben von Maria Schwarz 

und dem Albert Renger-Patzsch Archiv, 

Ann und Jürgen Wilde 

Nachwort von Wolfgang Pehnt 

22 x 29 cm, 106 Seiten, 14 s/w Abbildungen. 

Hardcover 

Deutsch 

isbn: 978-3-86560-205-3 

€ 68,– / chf 107,– 

2008 


Rudolf Schwarz 

Geb. 1897 in Straßburg. 

Gest. 1961 in Köln. 


Aus unserer Backlist / From our Backlist 

isbn: 978-3-86560-132-2 

€ 49,80 / chf 84,– 

isbn: 978-3-86560-263-3 

€ 32,– / chf 55,– 

isbn: 978-3-86560-290-9 

€ 28,– / chf 49,– 

isbn: 978-3-86560-342-5 

€ 28,– / chf 49,– 

64 | I / 2008 

isbn: 978-3-86560-289-3 

€ 38,– / chf 64,– 

isbn: 978-3-86560-355-5 

€ 14,80 / chf 27,50 

isbn: 978-3-86560-265-7 

€ 29,– / chf 49,90 

isbn: 978-3-86560-158-2 

€ 48,– / chf 81,– 

isbn: 978-3-86560-248-0 

€ 28,– / chf 49,– 

isbn: 978-3-86560-166-7 

€ 68,– / chf 115,– 

isbn: 978-3-86560-567-0 

€ 39,80,– / chf 67,– 

isbn: 978-3-86560-298-5 

€ 34,– / chf 58,– 


isbn: 978-3-86560-247-3 

€ 44,– / chf 75,– 

isbn: 978-3-86560-339-5 

€ 28,– / chf 49,– 

isbn: 978-3-86560-266-4 

€ 28,– / chf 49,– 

isbn: 978-3-86560-295-4 

€ 28,– / chf 49,–

Index 

A 

Almond, Darren . . . 16 

Architektur . . . 23, 43, 63 

Arntz, Gerd . . . 9 

B 

Babius, Marius . . . 52f. 

Barney, Matthew . . . 33 

Baselitz, Georg . . . 28 

Bijl, Guillaume . . . 7 

Blume, Anna u. Bernhard . . . 21 

Bock, John . . . 42 

Bonvicini, Monica . . . 22 

Bozzi, Paola . . . 56 

Braun, Matti . . . 14 

Bronstein, Pablo . . . 22 

Bulloch, Angela . . . 8 

C 

Cadere, André . . . 18 

Catalogue Raisonné . . . 7, 18 

Chamberlain, John . . . 50 

Chruxin, Christian . . . 32 

Conversation Series . . . 50f. 

Crumb, Robert . . . 50 

D 

Demand, Thomas . . . 50 

Documenta . . . 52 

Doll, Tatjana . . . 4 

Durant, Sam . . . 45 

E 

Eichhorn, Maria . . . 35 

Eliasson, Olafur . . . 50 

F 

Fast, Omer . . . 24 

Faulheit . . . 24 

Feiersinger, Werner . . . 42 

Feldmann, Friederike . . . 41 

Feldmann, Hans Peter . . . 50 

Film . . . 12f., 17, 23 

Flusser Lectures, International . . . 56 

Friedman, Yona . . . 50 

G 

Gelitin . . . 2–4 

Generali Foundation . . . 30 

Gilbert & George . . . 50 

Gonzalez-Foerster, Dominique . . . 51 

Greenham, Lily . . . 41 

Grosse, Katharina . . . 40 

Grubinger, Eva . . . 40 

H 

Hadid, Zaha . . . 50 

Hoerle, Heinrich . . . 9 

Höller, Carsten . . . 44 

Hughes, Des . . . 58 

I 

Immendorff, Jörg . . . 61 

International Flusser Lectures . . . 56 

Interviews . . . 25, 50f. 

J 

Jarman, Derek . . . 17 

Jenssen, Olav Christopher . . . 39 

Josephsohn, Hans . . . 20 

Julien, Isaac . . . 17 

K 

Keller, Christoph . . . 39 

Kelm, Annette . . . 59 

Kiefer, Anselm . . . 27 

Kinomuseum . . . 12 

Klapheck, Konrad . . . 50 

Klein, Astrid . . . 38 

Kölner Progressive . . . 9 

Kölner Stadtbaumeister . . . 55 

Konzepte der Liebe . . . 46 

Koolhaas, Rem . . . 23, 50 

Künstlerbücher . . . 2–4, 23, 28f., 42, 

58–60 

Künstlerschriften . . . 43, 45, 62, 63, 

KWB – Kunstwissenschaftliche 

Bibliothek . . . 12 

L 

Landschaft . . . 54 

Levine, Sherry . . . 59 

Löffelhardt, Stefan . . . 57 

Lynn Valley . . . 59 

M 

Machida, Kumi . . . 15 

Maeder, Iso . . . 47 

Maljkovic, David . . . 23 

Matt, Gerald . . . 25 

Meese, Jonathan . . . 29 

N 

NBK Diskurs . . . 52 

Norman, Nils . . . 58 

O 

Obrist, Hans Ulrich . . . 50f. 

Odenbach, Marcel . . . 11 

Oehlen, Markus . . . 10 

P 

Parreno, Philippe . . . 51 

Patzsch, Albert-Renger . . . 63 

Pivi, Paola . . . 60 

Pop am Rhein . . . 19 

Portikus . . . 37 

Pousttchi, Bettina . . . 37 

Progressive, Kölner . . . 9 

Public Art Bucarest . . . 53 

Q · R 

Reis, Pedro Cabrita . . . 48 

Richter, Gerhard . . . 62 

Riedel, Michael S. . . . 48 

S 

Sammlung Lemaître . . . 13 

Schuster, Michael . . . 57 

Schwarz, Rudolf . . . 63 

Seiwert, Franz Wilhelm . . . 9 

Serra, Richard . . . 26 

Sierra, Santiago . . . 36 

Skreber, Dirk . . . 6 

Spero, Nancy . . . 50 

Springer, Rudolf . . . 55 

T 

Thek, Paul . . . 5 

Theweleit, Klaus . . . 56 

Tillmans, Wolfgang . . . 50 

Trouvé, Tatjana . . . 31 

U · V 

Ufan, Lee . . . 45 

Video . . . 13 

W 

Wagner, Silke . . . 52 

Warhol, Andy . . . 1 

Werkverzeichnisse . . . 7, 18 

West, Franz . . . 49 

Willats, Stephen . . . 43 

X 

XXL-Publikationen . . . 28f.

verlag der buchhandlung 

walther könig, köln 

Ehrenstraße 4, d-50672 Köln 

tel. +49 (0)221 205 96 53 

fax +49 (0)221 205 96 60 

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Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln

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