Italienische Brüse in der Sonne - Buchhandlung Walther König

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Walther König 

Herbst / Fall 2010

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Cover: © Succession Marcel Duchamp / VG Bild-Kunst, Bonn 

2010 für / for Marcel Duchamp, Coeurs Volants (1936)

15 x 21 cm, 180 pages. 

Softcover 

English 

978-3-86560-880-2 

@ 28,– 

Artist Book / Künstlerbuch 

Gilbert & George. 

Gilbert Proesch, born 1943 in 

San Martin de Tor, Italy. 

George Passmore, born 1942 in 

Plymouth, United Kingdom. 

still available / weiterhin lieferbar : 

The Conversation Series, # 9. 

Gilbert & George. Hans Ulrich 

Obrist. 2007 

978-3-86560-217-6 

€ 16,80 

Somerset House 1971. 2002 

978-3-88375-585-4 

€ 24,– 

herbst / fall 2010 


Art Titles 1969 – 2010 in Alphabetical Order. 

Art Titles 1969 – 2010 in Chronological Order 

Concept and layout by Gilbert & George. 

Edited and with forewords by Hans Ulrich Obrist and Inigo Philbrick 

Gilbert & George Art Titles presents a complete catalogue of their evocative titles in 

the format of a poetic index. 

Spanning more than 40 years of exhibitions, pictures, sculptures, books, and other 

formats the text composes an accidental epic verse, simultaneously automatic and 

representative of their focus on worldly and spiritual matters. 

Printed both alphabetically and chronologically the book is designed by 


verlag der buchhandlung walther könig, köln 1

Eine beliebige Platte, die mindestens doppelt 

so groß ist wie die geplanten Hinterglasbilder, 

bedecke ich mit Kunstharzlack, d.h. mit 

verschiedenen Buntfarben (geschätze Menge 

ca. 1 – 4 Esslöffel). 

Diese Farben stehen dann teils hart nebeneinander, 

teils verfließen sie ineinander und 

ergeben einen Anblick, in den ich mit Pinsel 

oder Spachtel eingreife, störe, vermische, 

durcheinanderbringe. Dann beobachte ich 

die nun von selbst entstehenden Strukturen 

und Vermengungen, bis ich mich für einen 

Zustand entscheide und diesen abnehme. 

Das geschieht, indem ich eine Glasplatte 

vorsichtig auf das darunterliegende Lackbild 

lege und mit leichtem Druck die vollständige 

Übertragung des Anblicks erzeuge. Danach 

kann das Glasbild 1 –2 Tage trocknen. 

Bis auf seltene, durch Bewegung entstehende 

Unschärfen zeigt die so abgenommene 

Oberfläche exakt bis in jedes Detail das gleiche 

Bild – genau genommen dasselbe Bild. 

Gerhard Richter 

2 herbst / fall 2010 

richter_sindbad_o.serif.qxd:richter_sindbad 26.07.10 14:50 Seite 4 

richter_sindbad_o.serif.qxd:richter_sindbad 26.07.10 14:50 Seite 5 

Sindbads erste Reise 

wachsen sind und er einer Insel gleicht. Als ihr das Feuer anvortauchte und mir nachfolgte, indem er mich anschrie und rief: schen Raumes heraus, indem er mit dem Schwert an den außer ordentlich verwunderte. Außerdem sah ich im Reiche des ihn mit eigenen Augen nebst vielen anderen Passagieren er - 

Wisset, ihr edeln Herren, mein Vater war ein Kaufmann, einer zündetet, spürte der Fisch die Hitze und rührte sich; und so- ›Wer bist du, woher kommst du, und weshalb hast du diesen Schild schlug und seine Gefährten rief und schrie: ›Vorwärts! Königs Mihrdschân unter den andern Inseln auch eine namens trinken, von denen sich kein einzi ger rettete; wie also willst du 

der Großen unter dem Volk und in seiner Zunft, und reich an gleich wird er mit euch ins Meer tauchen und ihr werdet allzumal Ort aufge sucht?‹ Ich antwortete ihm: ›Mein Herr, wisse, ich bin Über den Hengst her!‹ Da kam ein ganzer Trupp, schreiend und Kâbil, auf welcher man während der gan zen Nacht Trommeln behaupten, daß du der Eigentümer der Waren bist?‹ Ich ver- 

Geld und Gut; er starb, als ich noch ein kleiner Bursche war, ertrinken. Rettet euch daher, bevor es zu spät ist!‹ 

ein Fremdling, der zu Schiff reiste und mit mehreren an deren die Lanzen schwin gend, hervor, worauf der Hengst erschreckt und Tamburins hörte, doch er zählten uns die Bewohner der Insetzte nun: ›O Ka pitän, höre meine Geschichte und merke auf 

und hinterließ mir Geld, Grund stücke und Landgüter. Wie ich Als die Passagiere die Worte des Kapitäns vernahmen, eilten der Schiffspassagiere ins Wasser fiel; doch be scherte mir Gott davonlief und sich wie ein Büffel ins Meer stürzte, worauf er seln und die Reisenden, daß das Volk auf derselben fleißig und meine Worte, welche dir die Wahrheit beweisen werden; und 

nun groß geworden war, legte ich meine Hand an all mein Gut, sie um die Wette aufs Schiff und ließen ihre Wa ren, ihre Sa- einen Zuber, und ich setzte mich ritt lings auf ihn und wurde von unter dem Wasser verschwand. Alsdann setzte sich der Stall - verständig wäre. In jenem Meere sah ich auch einen Fisch von die Lüge ist der Heuchler Merkzeichen.‹ Hierauf er zählte ich 

schmauste leckere Gerichte, zechte edle Weine, kleidete mich chen, ihre Wäsche und ihre Feuertöpfe ste hen und liegen; doch ihm getragen, bis mich die Wellen an diese Insel warfen.‹ Als knecht ein wenig, bis seine Gefährten herangekommen waren, zweihun dert Ellen Länge und einen andern, der einen Eulenkopf dem Kapitän alles, was ich getan hatte, seit dem ich mit ihm von 

in die fein sten Sachen und spazierte mit meinen Freunden und hatte erst ein Teil derselben das Schiff erreicht, als plötzlich die er meine Worte ver nommen hatte, faßte er mich bei der Hand von denen ein jeder eine Stute führte. Als sie mich bei ihm ge- hatte, nebst vielen anderen Wunderdingen und Merk wür dig - der Stadt Bagdad fortgezogen war bis zu unserer Ankunft bei 

Gefährten, im guten Glauben, es müsse immer so blei ben und Insel wankte und mit allem, was sich darauf befand, in die Tiefe und sagte zu mir: ›Komm mit mir.‹ Da folgte ich ihm, worauf er wahrten, fragten sie mich, wer ich wäre und was ich hier wollte, keiten, deren Erzählung zu lange Zeit in An spruch nehmen jener vermeintlichen Insel, mit der wir versanken, und erwähnte 

mir zum besten dienen. In dieser Weise hatte ich bereits ge- des Meeres versank, worauf die Wogen brandend und brau- mit mir zu einem unterirdischen Raum hinunterstieg und mich und ich erzählte ihnen noch einmal meine Geschichte. Da würde. So hörte ich nicht auf, jene Inseln mit allem, was auf ihnen auch einige Sa chen, die zwischen uns beiden vorgefallen 

raume Zeit gelebt, als ich wieder zur Besin nung kam und, aus send über ihr zusammenschlugen. Ich hatte ebenfalls zu den in einen großen Saal führte, wo er mir den Ehren platz anwies. kamen sie nahe an mich heran und breiteten das Tischtuch aus, lebte und webte, zu be sichtigen, bis ich eines Tages wieder wie waren, so daß der Kapitän und die Kaufleute nunmehr von der 

meiner Sorglosigkeit zu mir kom mend, fand, daß Geld und auf der Insel Zurückgebliebenen gehört und war mit ihnen ver- Dann brachte er mir etwas zu essen, und, da ich hungrig war, worauf sie aßen und mich zum Mahl einluden. Als ich nun mit gewöhnlich mit einem Stabe am Meeresstrande stand, als mit Wahr heit meiner Worte überzeugt waren und, mich erken nend 

Glanz zerstoben und ver blichen waren und daß all mein Gut in sunken, doch rettete mich Gott, der Erhabene, vor dem Er - aß ich so lange, bis ich mich gesättigt und gestärkt hatte. Als- ihnen ge gessen hatte, erhoben sie sich, stiegen auf ihre Pferde einem Male ein großes Schiff mit einer Menge Kaufleute ange - und mir zu meiner Rettung Glück wünschend, insgesamt spra- 

die weite Welt gewandert war. Erschrocken und bestürzt kam trinken, indem er mir einen der großen Zu ber, in denen sie dann erkundigte er sich nach mir und meinen Erlebnissen, und und nahmen mich mit sich, indem sie mich gleichfalls auf einer segelt kam. Nachdem es in den Stadthafen eingelaufen und am chen: ›Bei Gott, wir hätten nicht an deine Rettung geglaubt, 

ich wie der zur Besinnung und gedachte hierbei eines Ausspru - gewaschen hatten, in den Weg warf. Um der Süßigkeit des Le- ich erzählte ihm alles, was mich anging, von Anfang bis zu Ende. der Stuten reiten ließen. So zogen wir fort und ritten ohne Auf- Ankerplatz angelangt war, rollte der Kapitän die Segel zusam- doch hat dir Gott ein neues Leben ge schenkt.‹ Hierauf überga- 

ches unseres Herrn Salomo, des Sohnes Davids – Frie den auf bens willen packte ich ihn mit der Hand und setzte mich rittlings Er verwunderte sich über meine Erzählung, ich aber sagte zu enthalt, bis wir zur Stadt des Königs Mihrdschân gelangten, men, befestigte es am Strand und warf die Landungsplanke aus, ben sie mir die Ballen, die noch vollzählig vorhanden waren und 

beide! –, den ich zuvor einmal vernommen hatte, und der da auf ihn, worauf ich mit meinen Füßen wie mit Rudern im Wasser ihm, als ich meinen Bericht geendet hatte: ›Um Gott, mein Herr, dem die Stallknechte meine Ge schichte erzählten. Der König worauf die Matrosen alle Güter, die sich auf dem Schiff befan- meinen Namen trugen. Ich öffnete sie, nahm einige kostbare 

lautet: Drei Dinge sind besser als drei andere Dinge: Der To- arbeitete, während die Wogen mit mir ihr Spiel trieben und mich nichts für ungut! Nachdem ich dir der Wahrheit gemäß alles, verlangte nach mir, und als sie mich zu ihm geführt und vor ihn den, ans Land schafften, während ich dabei stand und sie regi- und teure Gegen stände heraus und ließ sie von den Matrosen 

destag ist besser als der Geburts tag, ein lebendiger Hund ist nach rechts und links schleuderten. Inzwischen aber hatte der was mich angeht und was mir widerfuhr, erzählt habe, möchte gestellt hatten, begrüßte ich ihn, worauf er mir den Salâm erwistrierte. Da sie aber lange Zeit hierzu brauchten, fragte ich den dem König als Geschenk vorlegen, wobei ich ihm mitteilte, daß 

besser als ein toter Löwe, und das Grab ist besser als der Pa- Kapitän die Segel ausgespannt und zog mit de nen, die sich aufs ich gern auch von dir hören, wer du bist, warum du hier in diederte und mir mit dem Wunsche für ein langes Leben einen Schiffsherrn: ›Ist noch etwas in deinem Schiff?‹ Er antwortete: dies das Schiff wäre, auf dem ich mich befunden hätte, daß alle 

last. Alsdann erhob ich mich, packte all meinen Hausrat und Schiff gerettet hatten, weiter, ohne sich um die Versunkenen zu sem Saal unter der Erde sitzest und weshalb du jene Stute am herzlichen Willkomm bot. Dann fragte er mich nach meiner Ge- ›Ja, mein Herr; im Schiffsraum befinden sich noch Waren, deren meine Waren vollzählig und unversehrt eingetroffen wären und 

meine Sachen zusammen und verkaufte sie; hierauf verkaufte bekümmern. Ich verfolgte das Schiff mit meinen Blicken so Meeresstrand angebunden hast.‹ Er versetzte: ›Wisse, ich geschichte und, als ich ihm alles, was mir wider fahren war und Besitzer uns unterwegs bei einer der Inseln er trank, so daß seine daß ich ihm diese Sachen als Geschenk aus den Waren auser- 

ich meine Grundstücke und alles, was meine Hand besaß, und lange, bis es meinem Auge entschwand und ich meines Unterhöre zu einem ganzen Trupp, der über die Insel verteilt ist; wir was ich geschaut hatte, von Anfang bis zu Ende erzählt hatte, Waren bei uns als Depositum ver blieben; wir wollen sie nun verlesen hätte. Der König verwunderte sich hierüber aufs äußerste 

brachte dreitausend Dirham zusammen, mit denen ich ins Land gangs gewiß war. In solcher Lage brach die Nacht über mich sind die Stall knechte des Königs Mihrdschân, und unter unserer verwunderte er sich über meine Abenteuer und Erlebnisse und kaufen und ihren Preis aufzeichnen, um den Erlös seinen Ange- und ersah, daß ich ihm in al lem die Wahrheit berichtet hatte; 

der Menschen zu reisen beschloß, indem ich mich des Dichter- herein, und noch einen Tag und eine Nacht trieb ich auf dem Hand stehen alle seine Pferde. Jeden Monat aber zur Zeit des sagte zu mir: ›O mein Sohn, bei Gott, du bist wunderbarlich erhörigen nach der Stadt Bagdad, der Stätte des Friedens, zu seine Liebe zu mir wuchs noch mehr, und er ehrte mich über 

wortes erinnerte, das da lautet: 

Meer umher, bis mich Wind und Wellen gnädiglich an den Neumonds bringen wir unsere besten Stuten hierher, die noch rettet; und wäre deine Lebenszeit nicht lange bemessen, du wä- bringen.‹ Nun fragte ich den Kapitän: ›Wie ist der Name des Ei- die Maßen und machte mir ein reiches Gegengeschenk. Hierauf 

Wer Hohes erstrebt, muß sich mühen auf Erden; 

Strand einer hohen Insel warfen, deren Bäume ihr Geäst übers nicht gedeckt sind, und binden sie am Strand dieser Insel fest, rest aus diesen Drangsalen nicht entronnen; jedoch, gelobt sei gentü mers der Waren?‹ Und er antwortete: ›Er heißt Sindbad ver kaufte ich alle meine Lasten und sonstigen Waren mit gro- 

Wer nach Ruhm verlangt, verbringt die Nächte ohne Schlaf; Meer streckten. Da packte ich den Zweig eines ho hen Baumes worauf wir uns in diesen unter irdischen Raum hier verstecken, Gott für deine Rettung!‹ Hierauf nahm er mich freund lich und der Seemann und ertrank vor unsern Augen im Meer.‹ Als ich ßem Profit und kaufte mir neue Güter, Waren und Handelsarti- 

Wer Perlen sucht, muß tauchen ins Meer, 

und zog mich an ihm ans Land, nachdem ich bereits den Unter- damit uns niemand zu Gesicht bekommt. Die Seehengste wit- ehrenvoll auf und zog mich mit huldreichen und gütigen Worten seine Worte vernahm, blickte ich ihn scharf an und, ihn erkenkel aus jener Stadt, und, als die Kaufleute mit dem Schiff wieder 

Und Herrschaft und Gewinn belohnt seine Müh’. 

gang vor Augen gehabt hatte. Als ich nun aber den festen tern dann die Stu ten und steigen ans Land, und wenn sie nie- in seine Nähe; außerdem aber machte er mich zum Hafenmeinend, stieß ich einen lauten Schrei aus und rief: ›O Kapitän, absegeln wollten, verschiffte ich all mein Gut und suchte den 

Wer aber Ruhm begehrt und die Mühe scheut, 

Boden der Insel unter mir hatte, fand ich, daß meine Füße ermand erspä hen, bespringen sie die Stuten und stillen ihr ster und Registrator aller einlaufenden Schiffe. Ich wartete ihm wisse, ich bin der Eigentümer der von dir erwähnten Waren; ich König auf, um ihn, nach dem ich mich bei ihm für seine Huld und 

Der vertut sein Leben mit unerfüllbaren Wünschen. 

starrt und an den Sohlen von den Fischen benagt waren, ohne Begehr an ihnen. Wenn sie dann wieder heruntersteigen, ver- von nun an regel mäßig auf zur Erledigung seiner Anliegen, und bin Sindbad der Seemann, der mit einer Anzahl anderer Kauf- Güte bedankt hatte, um Erlaubnis für die Fahrt nach meiner Hei- 

So erhob ich mich denn mit festem Entschluß, kaufte mir Waren, daß ich es in dem Über maß meiner Kümmernis und Ermattung suchen sie, die Stuten mit sich zu nehmen; da die Stuten aber er be zeugte mir seine Huld und tat mir Gutes nach jeder Seite leute vom Schiff auf die Insel gestiegen war. Als sich der Fisch mat und zu meinen Angehörigen zu bitten. Der König ver - 

Güter und Handelsartikel und mancherlei für die Reise notwen- gemerkt hatte. Wie ein Toter warf ich mich auf die Insel nieder wegen der Stricke nicht mit ihnen fortlaufen können, stoßen sie hin und kleidete mich auch in einen hübschen und kostbaren rührte, auf dem wir uns befanden, und als du uns riefst, da rettete abschiedete sich von mir und schenkte mir bei der Ab reise 

dige Dinge und schiffte mich, da ich nach einer Seereise Ver- und ver lor, in Betäubung versinkend, das Bewußtsein; erst als dieselben mit ihrem Kopf und schlagen sie mit den Füßen und Anzug. So kam es, daß ich ihm die Anliegen des Volkes über- sich, wer konnte, während die anderen, zu denen auch ich ge- vielerlei von den Erzeugnissen seiner Stadt; dann nahm ich von 

langen trug, mit einer Gesell schaft Kaufleute nach der Stadt die Sonne am andern Tage aufging, erwachte ich wieder und schreien und wiehern laut. Sobald wir nun ihr Geschrei hören, mittelte und für ihre Bittgesuche Für sprache einlegte. Lange hörte, versanken. Gott, der Erhabene, bewahrte mich jedoch und ihm Abschied und stieg aufs Schiff, wor auf wir mit der Erlaub- 

Basra ein. Von dort se gelten wir Tage und Nächte lang übers sah nun, daß meine Füße geschwollen waren und daß ich mich wissen wir, daß sie von den Stuten heruntergestiegen sind, und Zeit lebte ich in dieser Weise bei ihm, sooft ich aber zum Hafen errettete mich von dem Ertrinken, in dem er mir einen der großen nis Gottes, des Erhabenen, abrei sten; Glück und Geschick 

Meer und zogen von einer Insel zur andern, von Meer zu Meer selber in solcher elenden Lage befand. Da sich aber auf der eilen schreiend auf sie aus unserm unterirdischen Aufenthalt ging, erkundigte ich mich bei den reisenden Kaufleuten und den Zuber, in denen die Passa giere gewaschen hatten, in den Weg waren uns günstig und dien ten uns, und so segelten wir unun- 

und von Land zu Land, überall, wo wir beilegten, kaufend, ver - Insel viele Früchte und süße Quellen befanden, bewegte ich hervor, so daß sie sich erschreckt ins Meer stürzen; die Stuten Schiffsleu ten nach der Stadt Bagdad, ob mir vielleicht jemand trieb; ich setzte mich auf ihn und ruderte mit meinen Füßen, und terbrochen Tag und Nacht, bis wir wohlbehalten nach der Stadt 

kaufend und Tauschhandel treibend, bis wir auf unserer Fahrt mich zu denselben, bald krie chend, bald auf den Knien rut- aber wer den von ihnen schwanger und bringen Füllen, Hengste von ihr Auskunft geben und ich mit ihm heimziehen könnte; Wind und Wellen halfen mir, bis ich an diese Insel gelangte und Basra ge langten, wo wir ans Land gingen und uns kurze Zeit 

zu einer Insel gelangten, die einem der Gärten des Paradieses schend, und lebte in die ser Weise eine geraume Zeit von Tagen und Stuten zur Welt, die eine Chasne Geld wert sind und de- doch wußte niemand etwas von ihr, und keiner konnte mir auch an ihren Strand stieg, wo ich mit Gottes, des Erhabenen, Bei- verweilten, ich selber erfreut über meine Rettung und Heim- 

glich. Der Kapitän ging hier mit uns vor An ker und warf, nach- und Nächten von den Früchten, bis sich meine Seele wieder rengleichen man auf dem ganzen Angesicht der Erde nicht wie- einen nennen, der dorthin zöge. Dies hatte schon so lange gestand mit den Stallknechten des Königs Mihrdschân zusammenkehr. Alsdann machte ich mich mit einer großen Menge von Ladem 

er das Schiff verankert hatte, die Landungsplanke aus, erhob, meine Lebensgeister wiederkehrten und ich mich wieder der findet. Jetzt aber ist gerade der Zeit punkt da, zu welchem dauert, daß ich ganz niedergeschlagen und meiner Fremdling - traf, die mich dann mitnahmen und mich nach dieser Stadt sten, Gütern und Waren von hohem Wert nach Bagdad, der 

worauf alle Leute, die sich auf dem Schiff befanden, ans Land besser zu bewegen vermochte. Ich begann nun zu überlegen die Hengste aus der See steigen, und so Gott will, der Erha- schaft überdrüssig geworden war, als ich mich eines Tages brachten. Von ihnen vor den König Mihrdschân geführt, erzählte Stätte des Friedens, auf und betrat, in meinem Viertel ange- 

gingen und sich Feuerherde machten, in denen sie Feuer an- und durchwanderte die Insel, indem ich mich unter den Bäumen bene, nehme ich dich mit mir mit zum König Mihrdschân und wieder zum König Mihrdschân begab und beim Eintreten eine ich ihm meine Geschichte, und der König war huldreich gegen langt, mein Haus, wo alle meine Angehörigen und meine 

zündeten. Während sich nun alle in ihrer Weise zu schaffen an allem, was Gott, der Erhabene, dort geschaf fen hatte, er- zeige dir unser Land. Und wisse, wärest du nicht mit uns zu- Anzahl Indier bei ihm fand. Nachdem wir den Salâm miteinander mich und machte mich hier in dieser Stadt zum Hafenmeister, Freunde zur Begrüßung er schienen. Hierauf kaufte ich mir Eu- 

machten, indem die einen kochten, die andern wuschen und götzte, wobei ich mich auf einen Stab, den ich mir von jenen sammengetroffen, so hättest du hier niemand gesehen und wä- getauscht hatten, hießen sie mich willkommen und fragten mich und ich fand ein gutes Fortkommen in seinem Dienst und fand nuchen, Diener, Mamluken, Beischläferinnen und schwarze 

wieder andere, zu denen auch ich gehörte, sich auf der Insel er- Bäumen abgeschnitten hatte, stützte. In dieser Weise verrest elendig lich umgekommen, ohne daß jemand etwas von dir nach meiner Heimat. 

Gnade vor ihm. Die Waren, die du bei dir hast, sind da her meine Sklaven, bis ich ein großes Wesen hatte; dann kaufte ich mir 

gingen und die Passagiere bereits beisammen saßen und aßen, brachte ich die Zeit, bis ich eines Ta ges den Strand der Insel ge wußt hätte; ich will jedoch die Ursache deiner Rettung und 

Ich gab ihnen Auskunft und fragte sie dann nach ihrem Lande, Waren und mein Eigentum.‹ 

mehr Häuser, Grundstücke und Ländereien, als ich zuvor be - 

tranken und allerlei Kurzweil trieben, da rief mit einem Male der entlang ging und in der Ferne einen Gegenstand erblickte; im Heimkehr sein.‹ Ich erflehte ihm Segen und dankte ihm für seine worauf sie mir antworteten, daß sie zu verschiedenen Kasten ge- Als der Kapitän dies von mir vernahm, rief er: ›Es gibt keine saß, pflegte wieder mit meinen Freunden und Gefährten noch 

Kapitän hoch vom Schiffsbord aus, so laut er konnte: ›Ihr Pas- Glauben, es wäre ein wildes Tier oder eines der Meerunge- Güte und Freundlichkeit; während wir aber noch miteinander hörten und daß die einen von ihnen Schakirîya hießen, welche Macht und keine Kraft außer bei Gott, dem Hohen und Erhabe- lustigeren Umgang und Verkehr als zuvor und ver gaß all der 

sagiere, rettet euer Leben, kommt, so schnell ihr könnt, aufs heuer, schritt ich, den Gegenstand stets im Auge behaltend, redeten, stieg ein Seehengst aus der Flut empor und sprang die edelsten ihrer Kasten wären, die keinem, sei es durch Unnen! Unter den Menschen ist weder Treu noch Glauben vorhan- Mühsal, Fremdlingschaft, Drangsal und der Schrecken der 

Schiff, laßt all eure Sachen stehen und liegen und rettet euch auf ihn zu, und siehe, da war es ein prachtvolles Pferd, eine mit einem gewaltigen Schrei auf die Stute. Als er sein Begehr terdrückung oder Gewalt, etwas zuleide tun; andere wiederum den.‹ Da sagte ich zu ihm: ›Kapitän, was sollen diese Worte, wo Fahrt, indem ich herrlich und in Freuden und bei leckeren Spei- 

in eiliger Flucht vor dem Ver derben! Diese Insel hier, auf der ihr Stute, welche am Strand der Insel dicht am Meeresgestade an - an ihr gestillt hatte, stieg er von ihr herunter und wollte sie mit- hie ßen Brahmanen und wären Leute, die niemals Wein tränken du meine Ge schichte von mir vernommen hast?‹ Der Kapitän sen und köstlichen Weinen tagaus, tagein meine Zeit ver- 

euch befindet, ist keine wirkliche Insel, sondern ein großer, mit- gebunden war. Wie ich nun aber an sie herantrat, stieß sie einen nehmen, ver mochte es jedoch nicht; und die Stute schlug nach und ganz in Freuden, Heiterkeit und Kurzweil lebten und Kamele, erwi derte: ›Du hörtest mich sagen, daß bei mir Waren sind, brachte. So viel, was meine erste Reise anlangt; morgen aber, 

ten im Meere feststehender Fisch, auf welchem sich der Sand so gewaltigen Schrei gegen mich aus, daß ich erschrocken um- ihm aus und schrie. Da nahm der Stallknecht ein Schwert und Pferde und Vieh besäßen. Ferner teilten sie mir mit, daß das Volk deren Eigentümer ertrunken ist, und nun willst du sie dir wider- so Gott will, der Erhabene, erzähle ich euch die Geschichte 

abgelagert hat, so daß seit langer Zeit Bäume auf ihm ge - kehren wollte, als mit einem Male ein Mann aus der Erde her- einen Schild in die Hand und eilte aus der Tür des unterirdi- der Indier in zwei undsiebzig Kasten zerfiele, worüber ich mich rechtlich aneignen; doch ist dir dies verwehrt, denn wir sahen der zweiten von meinen sieben Reisen.« 

Since publishing War Cut in 2004, Gerhard Richter’s special interest has been a new 

group of works—autonomous artists’ books. Sinbad is the title of a series of 98 lacquer 

pictures, painted on the back of panes of glass in 30 x 24 cm format, from 2008. 

In their first exhibition, Richter paired them as diptychs, like 49 double pages. As such 

the conception of this book was already clear at the time of their painting. 

Richter decided to reproduce all of the pictures in original format, cut over three pages, 

leaving a bar of two centimetres blank at the binding. This gives the book its form. The 

seven texts about Sinbad the Sailor, each set in three columns over double pages, give 

structure to the extensive, “fairytale” series. The banderole around the book contains an 

introduction to the journey. 

Every detail—paper, typography, layout and flow of the book—was decided by the artist. 

The publisher only provided technical help. 

Sinbad is without doubt a further highlight in Gerhard Richter’s series of artists’ books. 

verlag der buchhandlung walther könig, köln

26 x 32 cm, 116 Seiten, 98 farbige 

Tafeln mit hochpigmentiertem Druck 

und im Siebdruckverfahren lackiert. 

Leinen, Rücken mit Titelprägung 

und aufgesetzter Decke. 

Schutzumschlag, Banderole 

Deutsch 

978-3-86560-819-2 

@ 128,– 

Künstlerbuch / Artist Book 

Gerhard Richter, geb. 1932 in Dresden. 

Lebt und arbeitet in Köln. 

Das Buch erscheint in einer 

Auflage von 800 Exemplaren. 

Es erscheint eine Vorzugsausgabe. / 

A special edition is being published. 


Gerhard Richter. 

Sindbad 

Text aus Sindbad der Seefahrer. Eine Geschichte aus Tausendundeiner Nacht 

Seit dem Erscheinen von Warcut 2004 gilt das besondere Interesse Gerhard Richters 

einer neuen Werkgruppe – dem autonomen Künstlerbuch. Sindbad ist der Titel einer 

Serie von 98 farbigen Lackbildern hinter Glas im Format 30 x 24 cm von 2008. In 

seiner ersten Installation stellte Richter sie als Diptychen – wie 49 Doppelseiten – 

zusammen. So wurde schon zur Entstehungszeit die Konzeption des nun vorliegenden 

Buches deutlich. 

Richter zeigt alle Bilder im Originalformat dreiseitig angeschnitten und lässt im 

Bund einen Steg von je zwei Zentimetern frei. Daraus ergibt sich das Format des 

Buches. Jeweils auf einer Doppelseite dreispaltig gesetzt, gliedern die sieben Reisen 

von Sindbad dem Seefahrer die umfangreiche, „märchenhafte“ Serie. Die umgelegte 

Banderole enthält die Einleitung zu den Erzählungen. 

Jedes Detail – Papier, Typografie, Layout und Lauf des Buches – ist eine Entscheidung 

des Künstlers, sodass der Verlag lediglich technische Hilfe geleistet hat. 

Sindbad ist ein weiterer Höhepunkt in der Gruppe der Künstlerbücher Gerhard Richters. 

weiterhin lieferbar / still available: 

September. 2010 

978-3-86560-792-8 

€ 19,90 

Gerhard Richter / 

Hans Ulrich Obrist 

Obrist – O’Brist. 2009 

978-3-86560-692-1 

€ 38,– 

Cage. 6 Bilder von 

Gerhard Richter. 2006 

978-3-86560-591-7 

€ 38,– 

Elbe. (Schriften Richter 

Archiv Bd. 4). 2009 

978-3-86560-588-7 

€ 19,80 

Text 1961 – 2007. 

2008 

978-3-86560-185-8 

€ 48,– 

Wald. 2008 

978-3-86560-503-0 

€ 58,– 


14 x 18 cm, ca. 140 Seiten, 

ca. 100 farbige Abbildungen. 

Broschur 

Deutsch / English 

978-3-86560-882-6 

@ 18,– 

Kunst / Art 

November 2010 

Thomas Demand, geb. 1964 

in München. Lebt und arbeitet 

in Berlin und London. 

Museum für Moderne Kunst 

Stiftung Ludwig Wien 


Thomas Demand. 

Von Poll zu Presidency 

Vorwort von Edelbert Köb. Texte von Thomas Demand und Karl Schlögel. 

Mit einem Gespräch zwischen Bart Lootsma und Thomas Demand 

Als Ergänzung der umfangreichen Literatur zum Werk von Thomas Demand wird 

anhand von zwei markanten, komplexen Arbeiten – Presidency, 2008 und Embassy, 

2007 – seine Arbeitsweise erläutert. Erstmals wird der Entstehungsprozess dieser 

Werke Schritt für Schritt in Abbildungen dokumentiert. 

Scheint es sich bei den Aufnahmen zunächst um real existierende Orte zu handeln, 

erweisen sie sich auf den zweiten Blick als geschickte Rekonstruktionen der Wirklichkeit. 

Ausgehend von fotografischen Vorlagen aus der Welt der Medien baut der Künstler 

detailgenaue, lebensgroße Modelle, die er abfotografiert und anschließend wieder 

zerstört. Hinter seinen Werken – die ursprünglich auf einem bildhauerischen Konzept 

beruhen – steht ein extrem personalintensiver und zeitraubender Arbeitsprozess. 

As a compliment to the extensive range literature on the work of Thomas Demand, 

this book explains the artist’s working method using two striking and complex pieces: 

Presidency, 2008 and Embassy, 2007. For the first time, the production process of these 

works is documented, page for page, in illustrations. 

At first the photographs appear to be of real, existing places. At second glance, however, 

they prove to be clever reconstructions of reality. Using photographic templates from 

the media, the artist builds life-size models, accurate to the smallest detail, which he 

then photographs, and finally destroys. Behind his work—which is originally based on 

a sculptural concept—is an extremely labour-intensive and time-consuming process. 


Thomas Demand und 

die Nationalgalerie. 

2009 

978-3-86560-673-0 

€ 19,80 

The Conversation Series, 

# 10. Demand. Hans 

Ulrich Obrist. 2007 

978-3-86560-204-6 

€ 16,80 

verlag der buchhandlung walther könig, köln 

L’Esprit d’Escalier. 2007 

978-3-86560-210-7 

€ 48,–

22,5 x 29 cm, 228 Seiten, 


Klappenbroschur 


978-3-86560-891-8 

@ 29,80 

Kunst / Art 

November 2010 

Marcel Broodthaers, 

geb. 1924 in Brüssel, 

gest. 1976 in Köln. 

Kunsthalle Düsseldorf und Kunstverein 

für die Rheinlande und Westfalen, 

11.09.2010 – 16.01.2011 

Künstler / Artists: 

Tacita Dean, Olivier Foulon, 

Andreas Hofer, Henrik Olesen, 

Kirsten Pieroth, Stephen Prina, 

Rirkrit Tiravanija, Joëlle Tuerlinckx, 

Susanne M. Winterling, 

Cerith Wyn Evans 


KWB 13. Vorträge zum filmischen 

Werk von Marcel Broodthaers. 2001 

978-3-88375-360-7 

€ 19,80 


Von realer Gegenwart. 

Marcel Broodthaers heute 

Vorwort von Gregor Jansen und Vanessa Joan Müller. 

Texte von Elodie Evers, Gregor Jansen, Vanessa Joan Müller sowie Interviews 

mit den beteiligten Künstlern 

Kaum ein Künstler hat für sein Werk so viel Aufmerksamkeit von der nachfolgenden 

Künstlergeneration erhalten wie Marcel Broodthaers (1924 – 1976). Nicht die lose 

Anknüpfung an bestimmte Motive Broodthaers’ steht im Vordergrund, sondern die 

oft als Hommage zu verstehende Fortschreibung jener Ideen und Fragestellungen, 

die Broodthaers’ Werk noch heute lebendig erscheinen lassen. So war es für die Kuratoren 

leicht, aus der großen Anzahl der Künstler auszuwählen. Das Buch zeigt aktuelle 

Arbeiten international renommierter Künstlerinnen und Künstler. 

Besonders lesenswert sind die Interviews, in dem diese Künstler über den Einfluss des 

älteren Kollegen auf ihr Werk sprechen. 

Marcel Broodthaers has been one of the greatest inspirations to the following generation 

of artists. This book shows current work by internationally renowned artists, in 

which loose connections to particular Broodthaers motifs are not in the foreground, but 

rather the forward projection of those ideas and questions, often understood as homage, 

which make Broodthaers’ work still appear alive and topical today. 



In more than four decades of artistic practise, VALIE ExPORT, one of the most important 

avant-garde video artists, has realised a large and rigorous œuvre including performance, 

photography, film, and media installations. 

Now, after numerous catalogues and academic examinations, comes this classic monograph, 

which is sure to be the standard work for several years to come. 

The focus of the publication is ExPORT’S newer and newest works, complemented by 

a concentrated selection of earlier work to enable a comprehensive analysis of the 

artist’s œuvre. 

Through her work, ExPORT searches for identity, for the relationship between body 

and psyche, the threat to humankind and its character and not least for the process 

of seeing itself. Rigorous and engaged, the artist tackles existential questions on social 

and political themes. ExPORT is both celebrated and vehemently criticised, particularly 

for her feminist orientation and her tireless struggle for equal rights and the genderneutral 

evaluation of media themes. 


24 x 32 cm, 304 Seiten, 

278 großteils farbige Abbildungen. 

Hardcover mit Schutzumschlag 


978-3-86560-874-1 

@ 39,80 

Kunst / Art 

VALIE EXPORT, geb. 1940 in Linz. 

Lebt und arbeitet in Wien. 

Österreichische Galerie Belvedere, 

Wien. Lentos Kunstmuseum Linz, 

17.10.2010 – 30.01.2011 


VALIE EXPORT. 

Zeit und Gegenzeit. Time and Countertime 

Vorwort von Agnes Husslein-Arco und Stella Rollig. Einführung von Angelika Nollert. 

Texte von Sabeth Buchmann, Yilmaz Dziewior, Elke Krasny, Hanne Loreck, 

Maren Lübbke-Tidow, Letizia Ragaglia, Brigitte Reutner, Johanna Schwanberg 

und Berta Sichel 

VALIE EXPORT hat in ihrem mehr als vier Jahrzehnte umfassenden künstlerischen 

Schaffen mit Performances, Fotografie, Film und Medieninstallationen ein großes 

und konsequentes Œuvre realisiert. Nach zahlreichen Katalogen und akademischen 

Untersuchungen erscheint jetzt die klassische Monografie, die sicher für viele Jahre 

das Standardwerk sein wird. 

Im Mittelpunkt der Publikation stehen neuere und neueste Arbeiten, ergänzt durch 

eine konzentrierte Auswahl an frühen Werken, die eine umfassende Auseinandersetzung 

mit dem Gesamtwerk der Künstlerin ermöglichen. 

In ihrer Arbeit sucht EXPORT nach Identität, nach der Beziehung zwischen Körper 

und Psyche, der Bedrohung des Menschen und seiner Persönlichkeit sowie nicht 

zuletzt nach dem Vorgang des Sehens selbst. Konsequent und engagiert setzt sich die 

Künstlerin mit existenziellen Fragestellungen, sozialgesellschaftlichen und politischen 

Themen auseinander. Besonders für ihre feministische Orientierung und ihren 

unermüdlichen Kampf für eine gleichberechtigte und geschlechtsneutrale Beurteilung 

medialer Themen wurde EXPORT gefeiert, aber auch vehement kritisiert. 


21,5 x 27 cm, 208 Seiten, 

42 ganzseitige farbige und 

22 s/w Abbildungen. 



978-3-86560-844-4 

@ 24,– 

Kunst / Art 

Christopher Williams, geb. 1956 

in Los Angeles. Professor an der 

Kunstakademie Düsseldorf. 

Staatliche Kunsthalle 

Baden-Baden, 2010 


Christopher Williams. 

Program. For Example: Dix-Huit Leçons Sur La 

Société Industrielle (Revision 11) 

Vorwort von Karola Kraus. Text von Mark Godfrey 

Ausstellung und Publikation sind die Fortsetzung des 2005 von Christopher Williams 

begonnenen Projekts For Example: Dix-Huit Leçons Sur La Société Industrielle. Die 

Gestaltung orientiert sich an der 2005 erschienen Vorgängerpublikation. Wiederum 

bezieht sich Williams auf Raymond Arons gleichnamiges Buch von 1962, in der Aron 

Strukturen der Industriegesellschaft im Kapitalismus und in der Planwirtschaft 

behandelt. 

Vor diesem Hintergrund untersucht Williams in seinem Werk die Bedeutung des 

Bildes und die ästhetischen Konventionen der Bildrezeption in einer von Medien 

geprägten Gesellschaft. Er nutzt Ideen und Techniken der professionellen Werbefotografie 

und greift zurück auf Motive aus Kultur, Werbung und Film. In der vorliegenden 

Publikation zeigt er ältere und neuere Arbeiten – sachlich distanziert und vor 

neutralem Hintergrund Bilder von Menschen, Industrieprodukte und modernistische 

Architekturen. Die vertrauten Motive kommentieren subtil den Wandel gesellschaftlicher 

Konventionen und politischer Ideologien. In den Bildteil eingefügt ist, auf 

farbigem Papier abgesetzt, der Essay von Mark Godfrey. 

Since the end of the 1980s, Christopher Williams has referred back to pre-existing 

images or motifs and borrowed from culture, advertising or film. Objectively distanced 

and isolated on neutral backgrounds, these prints of people, industrial products and 

modernist architecture are realised with great meticulousness. Although Williams 

places great value in the technical precision of their staging and realization, in contrast 

to the technical and aesthetic perfectionism of commercial photography, his images are 

often blemished with flaws and imperfections. 


Band 1: Lehnstuhlzeichnungen. 

21 x 29,5 cm, 56 Seiten mit 28 teils 

doppelseitigen, teils 2-farbigen 

Bleistiftzeichnungen. Broschur 

Band 2: Physiognomien. 

21 x 25 cm, 56 Seiten mit 

28 Bleistiftzeichnungen. 

Broschur 

Beide Bände in leinenbezogener 

Mappe mit Titelschild 

Subskriptionspreis 

€ 240,– ab 1.1.2011 € 280,– 

Auflage: 100 + 20 h.c. 

nummerierte Exemplare 

Deutsch 

978-3-86560-923-6 


November 2010 

Maria Lassnig, geb. 1919 in Wien. 

1941 – 1944 Studium in Wien, 

1950 / 52 Aufenthalt in Paris, 

1968 Übersiedlung nach New York. 

1980 Professur in Wien. Lebt und 

arbeitet in Wien und Kärnten. Zahlreiche 

internationale Ausstellungen. 


Maria Lassnig. 

Lehnstuhlzeichnungen. 

Physiognomien 

Mit einem Kommentar von Hans Ulrich Obrist zu den Zeichnungsbüchern 

von Maria Lassnig 

Die Entstehungsgeschichte dieser beiden Bände beginnt im Juli 2008. Während der 

Vorbereitung des Kataloges zur Ausstellung in der Londoner Serpentine Gallery hatte 

der Verlag Maria Lassnig Blindbände zukommen lassen, die sie einige Monate später 

als ausgearbeitete Skizzenbücher zurückgeschickt hat. Es sind, wie sie sagt, „Zeichnungen 

über das Zeichnen“. 

Zu den Zeichnungen notiert sie Anmerkungen wie: 

Die Zeichnung ist die Mutter der bildenden Kuh. 

Die Striche liegen jeden Tag anders. 

Meine Zeichnungen sind vielmehr Radierungen, Ausradierungen. 

Mein Teddy fürchtet sich und er hat recht. 

Wir warten und gehen trotzdem. 

Eine Zeichnung darf man nicht überzeichnen. 


22,5 x 29 cm, 300 Seiten, 86 s/w 

und 130 farbige Abbildungen. 

Hardcover mit ausfaltbarem 

Schutzumschlag 

Deutsche Ausgabe 

978-3-86560-897-0 

@ 34,– 

English Edition 

978-3-86560-926-7 

@ 34,– 

Kunst / Art 

Museo Nacional Centro de Arte Reina 

Sofia, 2010, Haus der Kulturen der 

Welt, Berlin, 07.10.2010 – 02.01.2011 

Museo Nacional de Arte + Museo 

Nacional de Etnografía y Folklore, 

La Paz, April 2011 




Das Potosí-Prinzip. / The Potosí Principle. 

Wie können wir das Lied des Herrn im fremden Land singen? 

Koloniale Bildproduktion in der globalen Ökonomie. / 

How Can We Sing the Song of the Lord in an Alien Land? 

Herausgegeben von Alice Creischer und Andreas Siekmann. 

Texte von John Barker, Matthijs de Brujine, Thomas Campbell, Alice Creischer, 

Anthony Davis, Maria Galindo, Max Jorge Hinderer, David Riff, Andreas Siekmann, 

Dmitry Vorobyev et al. 

Das Potosí-Prinzip erzählt die Entstehungsgeschichte unserer modernen Gesellschaft 

neu – zurück zu den Wurzeln der Globalisierung und der europäischen Moderne. 

So tritt eine heute unbedeutende Stadt in Bolivien ins Blickfeld: Potosí. Von hier aus 

gelangten während der spanischen Kolonialherrschaft im 16. Jahrhundert gewaltige 

Mengen an mit Zwangsarbeit gefördertem Silber nach Europa und gaben dem noch 

jungen Kapitalismus eine enorme Schubkraft, die auch eine ungeheure Bildproduktion 

nach sich zog. 

Das Buch zeigt erstmals Gemälde und Aquarelle des „andinen Barock“ im Dialog mit 

zeitgenössischen Arbeiten von zwölf Künstlern, die eingeladen wurden, das Potosí- 

Prinzip auf heutige Erfahrungen zu übertragen. Sie zeichnen den Kreislauf aus Geld 

und Kunst nach und entwerfen das Bild einer globalisierten Gesellschaft, in der das 

Prinzip Ausbeutung genauso vorherrscht wie am Beginn der Moderne. 

Potosí is a Bolivian mining town, whose splendor even eclipsed that of London or Paris 

in the 16th-century. The silver extracted there by forced labourers was instrumental in 

fuelling the development of early European capitalism. The dynamics of this economic 

colonialism spawned the production of images on a mass scale, not only in Spain, but 

also in the vice-royalty itself. The works of the “Andean Baroque” unveiled in The Potosí 

Principle attest to the fact that cultural hegemony is not a symbolic concept, but is, in 

fact, rooted in violence. 

Contemporary artists have responded to these Baroque paintings by fashioning works 

of their own. The objective of this dialogue is to demonstrate the correlation between 

the function served by colonial painting and the function now assumed by the modern 

system of art in conferring legitimacy upon globalization’s new elites. 


21,5 x 28 cm, 304 Seiten, 


Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-898-7 

@ 38,– 

Kunst / Art 

November 2010 

Autoren (Auswahl) / Authors (selection): 

David Adjaye, Filip De Boeck, Denis Ekpo, 

Larissa Förster, Regina Göckede, Charles 

Didier Gondola, Marie-Hélène Gutberlet, 

Christian Hanussek, Manuel Herz, 

Salifou Lindou, Dominique Malaquais, 

Sarah Nuttall, Noor Nieftagodien,Tom 

Odhiambo, Kerstin Pinther, Edgar Pieterse, 

AbdouMaliq Simone, Bisi Silva, Magdy El 

Shafee, Viola Shafik, Akram Zaatari 

Rautenstrauch-Joest-Museum Köln 

(erste Ausstellung im neu eröffneten 

Museumsbau), 04.11.2010 – 13.03.2011 

Iwalewa-Haus, Universität Bayreuth, 

April – September 2011 

Künstler (Auswahl) / Artists (selection): 

Lara Baladi, Pume Bylex, Ismail 

Farouk, Sam Hopkins, Laura Horelli, 

Sabelo Mlangeni, Masai Mbili, Méga 

Mingiedi, Mowoso, Rana El Nemr, Sam 

Nhlengethwa, Emeka Ogboh, Uche Okpa- 

Iroha, Kainebi Osahenye, SADI, Karola 

Schlegelmilch, Slum-TV, Elke Uitentuis & 

Wouter Osterholt, Minnette Vári, Van Leo 


Who knows tomorrow. 2010 

978-3-86560-789-8 

€ 48,– 


Afropolis. Stadt, Medien, Kunst. 

Kairo, Lagos, Nairobi, Kinshasa, Johannesburg 

Herausgegeben von Kerstin Pinther, Larissa Förster und Christian Hanussek 

Der umfangreiche und reich illustrierte Band untersucht am Beispiel von Lagos, 

Kinshasa, Johannesburg, Nairobi und Kairo Strukturen und Entwicklungsmuster. 

Neue Arbeiten von aus Europa und Afrika stammenden Künstlerinnen und Künstlern 

unterschiedlicher Genres setzen sich mit aktuellen Herausforderungen an Urbanität 

auseinander – in Fotografien und Grafiken ebenso wie in Skulpturen, Videoarbeiten 

und interaktiven Netzkunstprojekten. Zudem fällt der Blick auf Kulturproduktion und 

Kulturszenen in den fünf Städten. Texte zu den Themen „Stadt und Film“, der kolonialen 

Planungspraxis von Ernst May in Ostafrika, ein Interview mit dem in London 

tätigen Architekten David Adjaye sowie ein Bildessay zu den informellen Architekturen 

weisen über die fünf ausgewählten Städte hinaus. 

Gerade der Blick von Künstlern gibt dem Leser die Chance, das Leben der Menschen in 

den Megastädten und die kulturelle Entwicklung zu verstehen. 

While the cities of Europe are shrinking, the countries of the Southern hemisphere see 

themselves confronted by rapid urbanisation. The majority of mega-cities are already to 

be found in Africa, Asia and Latin America, but we know very little about African cities, 

which have evolved beyond the influence of historical, Euro-American role models of 

urban development. 

This comprehensive and richly illustrated volume examines structures and development 

patterns using examples from Lagos, Kinshasa, Johannesburg, Nairobi and Cairo. New 

works by artists from Europe and Africa tackle the current challenges of urbanity—in 

photography and graphical art as well as in sculptures, video pieces and interactive 

network art projects. 



Der vorliegende Fotoband zeigt die Architektur zeitgenössischer Sukkot in Europa, 

Israel und den USA. Die Tradition des Sukkot-Feiertags ist biblischen Ursprungs und 

wird bis heute im jüdischen Leben praktiziert. Die simple Architektur der für nur eine 

Woche im Herbst errichteten und bewohnten Laubhütten wirft auf paradoxe Art 

und Weise aktuelle Fragen zu Themen wie Diaspora und Heimat auf. Die Baubestimmungen 

der Laubhütte sind mehr als 1500 Jahre alt: eine Sukka muss mindestens 

zweieinhalb Wände haben und ein Laubdach, durch das die Sterne sichtbar sind. 

Die innerhalb der letzten zehn Jahre entstandenen Fotos von Mimi Levy Lipis zeigen 

die Sukkot alltäglich und ungewöhnlich: eine Sukka auf einem LKW vor einem Restaurant 

in Manhattan, auf Balkonen von 20-geschossigen Wohnblocks oder auf verlassenen 

Parkplätzen in London, kreuz und quer gestapelte Balkone mit Laubhütten in 

Jerusalem, eine für die Ewigkeit gebaute Sukka in Berlin, und die gleichen massenhaft 

fabrizierten Stoff-Sukkot in London und Tel Aviv. Und so sind es oft skurrile und witzige 

Beispiele dieser temporären Bauten. 


16 x 22 cm, 160 pages, 

100 colour illustrations. 

Hardcover 

English 

978-3-86560-914-4 

ca. @ 28,– 

Photography / Fotografie 

November 2010 

Mimi Levy Lipis is an architect, 

cultural studies researcher, and curator. 

She studied in London and Boston, 

completed her doctorate in Berlin, and 

teaches at various universities 

worldwide. In her creative and 

academic work she explores hybrid 

spaces between architecture, 

Judaism, and gender studies. 

Jüdisches Museum Berlin, 

04.11.2010 – 23.01.2011 


Home is Anywhere. 

Jewish Culture and the Architecture of the Sukkah 

Edited and text by Mimi Levy Lipis 

The construction guidelines are more than 1500 years old: A Sukkah must have at 

least two and a half walls and a thatched roof through which the stars are visible. This 

photography book shows contemporary Sukkah architecture from Europe, Israel, and 

the USA. Biblical in origin, the Sukkah is a Jewish ritual to build and live in. Erected for 

only one week in the fall, its architecture is paradoxical addressing issues of diaspora 

and belonging. The photos by Mimi Levy Lipis display Sukkot plain and bizarre: A Sukkah 

on a truck parked in front of a restaurant in Manhattan, Sukkot on lonely parking lots 

in London, a Sukkah built for eternity in Berlin, criss-cross stacked booths in Jerusalem, 

Sukkot made of the same fabric in London and Tel Aviv. 


12 x 16 cm, 226 Seiten. 

Broschur 


978-3-86560-810-9 

@ 18,– 


Emmett Williams, geb. 1925 

in Greenville / South Carolina, USA. 

Starb 2007 in Berlin. 

Permutation der 11 Buchstaben von 

Sweethearts. Das Buch ist von hinten 

nach vorne zu lesen. Schnelles Blättern 

erzeugt einen kinematischen Effekt. 


Edition Hansjörg Mayer 

A Valentine for Nöel 

€ 15,– 

My Life in Flux 

€ 25,– 

Schemes & Variations 

€ 20,– 

The Boy and The Bird 

€ 25,– 


Emmett Williams. 

Sweethearts 

„Emmett Williams’ Sweethearts ist ein Durchbruch. Es ist für die konkrete Poesie, 

was Sturmhöhe für den englischen Roman, was Guernica für die moderne Kunst ist. 

Sweethearts ist das erste groß angelegte lyrische Meisterwerk unter den konkreten 

Texten, bezwingend in seiner emotionalen Spannweite, lesenswert, eine herzinnige, 

witzige, weinende, lachende, zärtliche Liebeserklärung. Es berührt. Auf wundersame 

Weise gaben die formalen Beschränkungen von Sweethearts Emmett die Gelegenheit, 

zu beweisen, dass ein wahrer Künstler mit auf den Rücken gebundenen Händen, 

geknebelt, nur indem er mit seiner Nase Buchstaben aus einem regelmäßigen Raster 

stupst (ohne Spiegeltricks!), das Buch des Lebens ganz neu schreiben kann.“ 

Richard Hamilton 

“Emmett William’s Sweethearts is a breakthrough. It is to concrete poetry as Wuthering 

Heights is to English novel; as Guernica is to modern art. Sweethearts is the first large 

scale lyric masterpiece among the concrete texts, compelling in its emotional scope, 

readable, a sweetly heartfelt, jokey, crying, laughing, tender expression of love. It moves. 

Miraculously, the formal limitations of Sweethearts enabled Emmett to prove that, 

with both hands tied behind his back, gagged, just nudging letters out of a regular grid 

with his nose (look, no mirrors), a real artist can write the Book of Life all over again.” 

Richard Hamilton 


17 x 24 cm, 144 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-905-2 

ca. @ 29,80 


Susanne Pfeffer, geb. 1973 in Hagen. 

2004 – 2006 Leiterin Künstlerhaus 

Bremen. Seit 2007 Kuratorin KW 

Institute for Contemporary Art, Berlin. 

Jahresring 57 

Jahrbuch für moderne Kunst 

Herausgegeben von Brigitte Oetker 

im Auftrag des Kulturkreises der 

deutschen Wirtschaft im BDI e.V. 

Originalbeiträge von / Contributions by: 

John Baldessari, Robert Barry, Yael 

Bartana, Monica Bonvicini, Ulla 

von Brandenburg, Joe Coleman, 

Keren Cytter, Thomas Demand, Thea 

Djordjadze, Hans-Peter Feldmann, Peter 

Fischli und David Weiss, Ceal Floyer, 

Cyprien Gaillard, Isa Genzken, Douglas 

Gordon, Petrit Halilaj, Rachel Harrison, 

Alfredo Jaar, Christian Jankowski, 

Sergej Jensen, Annette Kelm, Alicja 

Kwade, Renata Lucas, Olaf Nicolai, 

Marcel Odenbach, Roman Ondák, 

Sarah Ortmeyer, Ulrike Ottinger, Dan 

Perjovschi, Willem de Rooj, Gregor 

Schneider, Norbert Schwontkowski, 

Santiago Sierra, Andreas Slominski, 

Elaine Sturtevant, Wolfgang Tillmans, 

Rosemarie Trockel, Luc Tuymans, 

Andro Wekua, Thomas Zipp 


My Work and Me 

Herausgegeben von Susanne Pfeffer 

Wandelt man durch ein Museum Alter Meister, bleibt man immer wieder stehen und 

bemerkt: hier ein Rembrandt, ein Rubens dort, ein Vermeer vielleicht. Stets wird das 

Werk beim Namen des Künstlers genannt, wird mit dem Künstler in direkte Verbindung 

gebracht und scheint als Teil seiner selbst wahrgenommen zu werden. Genau 

diese Beziehung zwischen einem Künstler und seinem Werk ist möglicherweise eines 

der schwierigsten, existenziellsten, aber auch großartigsten Themen, mit dem sich ein 

Künstler tagtäglich auseinandersetzen muss: My Work and Me (Mein Werk und Ich). 

Mehr als 30 Künstlerinnen und Künstler wurden aufgefordert, auf diese Frage eine 

Antwort zu finden. Geantwortet haben die Künstler mit Beiträgen aus allen Genres 

der Kunst. Ihre Unterschiedlichkeit spiegelt die vielfältigen aktuellen Positionen 

wider, sodass ein spannendes, höchst ungewöhnliches Buch entstanden ist – ein 

Querschnitt junger Kunst. 

While wandering through a museum of old masters, one stops time and again and 

observes: “This is Rembrandt, that’s a Rubens, a Vermeer perhaps?” The work is always 

identified by the name of the artist, is put in direct connection with them and seems 

to be perceived as a part of the artist themselves. This relationship between an artist 

and their work is possibly one of the most difficult, existential, but also fantastic issues 

which an artist must tackle every day: my work and me. 

More than 30 artists have been invited to address this question and their answers have 

included contributions from all genres of art. The diversity of this work reflects various 

current positions, giving rise to an exciting and highly unusual book—a cross-section of 

young art. 


Jahresring 56. Wessen Geschichte? 

2009 

978-3-86560-710-2 

€ 29,80 

Jahresring 55. Psychonauten – 

Kunst in Ekstase. 2008 

978-3-86560-524-5 

€ 29,80 

sowie weitere Bände der Reihe 



The British painter, film-maker, set designer and author Derek Jarman is well-known to 

a wide audience, particularly as the director of distinctive films and music videos. Less 

widely known, yet a decisive part of his œuvre, are the Super 8 films that Jarman made 

in the 1970s and 80s. 

Recorded from the subjective-personal perspective of his handheld camera, the staged 

compositions convey Jarman’s artistic position, in which life and art constantly, and 

naturally, connect with one another. The stills from Derek Jarman’s Super 8 films are 

published here as a series for the first time. 

I believe that we need a cinema that includes more of what is called “self-indulgent” 

and less of theory. We would have a much more vibrant cinema if people actually 

explored who they were. 

Derek Jarman 


16,4 x 21 cm, 124 Seiten, 

65 farbige Abbildungen. 

Hardcover mit Titelschild 


978-3-86560-875-8 

@ 29,80 

Film 

Derek Jarman, geb. 1942 

in Northwood, England, 

gest. 1994 in London. 

Julia Stoschek Foundation e. V., 

Düsseldorf, 11.09.2010 – 26.02.2011 

im Rahmen der Quadriennale 

Düsseldorf 2010 

weiterhin lieferbar / 

still available: 

Brutal Beauty. 2008 

978-3-86560-478-1 (Dt. Ausgabe) 

978-3-86560-397-5 (Engl. Edition) 

€ 29,80 


Derek Jarman. 

Super8 

Herausgegeben von Julia Stoschek Foundation e. V. 

Vorwort von Julia Stoschek und Philipp Fürnkäs. Text von Jon Savage. 

Interview von Simon Field / Michael O’Pray mit Derek Jarman 

Der britische Maler, Filmemacher, Bühnenbildner und Schriftsteller Derek Jarman ist 

einem breiten Publikum vor allem als Regisseur stilprägender Spielfilme und Musikvideos 

bekannt. Weniger verbreitet, aber maßgeblich für sein Gesamtwerk sind seine 

Super-8-Filme, die Jarman in den 1970er- und 1980er-Jahren drehte. 

Aufgenommen aus dem subjektiv-persönlichen Blickwinkel seiner Handkamera 

vermitteln die szenischen Arrangements Jarmans künstlerische Haltung, in der sich 

Leben und Kunst stets wie selbstverständlich miteinander verbinden. Spontaneität 

und Leichtigkeit einerseits, Symbolhaftigkeit und Mythologie anderseits, bestimmen 

die stark autobiografischen Filmdokumente, die er selbst als „Kino der kleinen Gesten“ 

bezeichnete. Hier werden die Stills der Super-8-Filme von Derek Jarman erstmals als 

Serien publiziert. 


17,8 x 23 cm, 328 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-876-5 

@ 29,80 

Film 

Kunstwerke Berlin 


Vorspannkino. 

47 Titel einer Ausstellung / 47 Titles of an Exhibition 

Herausgegeben von Susanne Pfeffer. 

Texte von Susanne Pfeffer, Daniel Kothenschulte und Alexander Zons. 

Interview mit Saul Bass von Gerhard Midding und Lars-Olav Beier 

Vertigo, Der rosarote Panther, James Bond – nur drei Beispiele von zahlreichen Filmen, 

deren Vorspanne sich in das kollektive Gedächtnis eingeprägt haben. Die außergewöhnliche 

Herausforderung, Schrift, Bild und Ton zu verbinden und gleichzeitig in ein 

Thema einzuführen, ohne es bereits vorwegzunehmen, hat zur Entwicklung eines stilprägenden 

Genres geführt. Bis heute reicht die Bandbreite der Eröffnungssequenzen 

von rein typografischen Lösungen bis hin zu selbstständigen Filmen mit in sich 

abgeschlossener Erzählung. Der Einstieg in den Film bestimmt dessen Wahrnehmung 

maßgeblich mit. Doch nur wenige der Titeldesigner, wie Saul Bass, sind namentlich 

bekannt. Erstmals werden die innovativsten und ungewöhnlichsten dieses Genres 

vorgestellt – alles in allem ein seit Langem überfälliges Buch. 

Vertigo, The Pink Panther, James Bond—only three examples of a great number of 

movies with outstanding title sequences that form part of our collective memory. The 

challenge of combining words, image, and sound to introduce a theme without giving 

too much away has majorly defined the style of a whole genre. Until today, the range of 

opening sequences extends from purely graphics-based solutions to independent film 

sequences with self-contained plots. The introduction into the film has a large impact 

on how it is perceived by the viewer. Still, only few title designers, among them Saul 

Bass, are known to the public. 


21 x 31 cm, 168 Seiten, 


Klappenbroschur. 

Mit einem 32-seitigem Beiheft 


978-3-86560-873-4 

@ 34,– 

Kunst / Art 

Monica Bonvicini, geb. 1965 in Venedig. 

Lebt und arbeitet in Berlin. 

Kunsthalle Fridericianum, Kassel, 

28.08. – 14.11.2010 


Monica Bonvicini. 

Both Ends 

I decided to try art because it was 

the only way to be a worker and 

an intellectual at the same time. 

Monica Bonvicini 

Vorwort von Rein Wolfs. Texte von Ursula Maria Probst und Vanessa Joan Müller 

Sowohl konzeptuelle Arbeiten als auch skulpturale Werke und raumgreifende Installationen 

werden in dieser Monografie präsentiert. In der Zusammenschau verdeutlicht 

wird die formale Vielfalt und inhaltliche Kontinuität von Monica Bonvicini. In ihrem 

Œuvre spiegelt sich eine dezidiert politische Haltung, die jedoch niemals in der bloßen 

Mitteilung ihrer Position durch künstlerische Mittel verharrt. Stattdessen sucht 

Bonvicini immer wieder die Konfrontation auf künstlerischer Ebene, durch Brüche 

mit Darstellungsroutinen und traditionellen Sehgewohnheiten. Both Ends richtet den 

Fokus auf Arbeiten, die zum großen Teil noch nie in Deutschland zu sehen waren. 

Conceptual pieces as well as sculptural works and spatial installations are presented 

in this monograph. Monica Bonvicini’s diversity of form and continuity of content 

becomes clear through this overview. Her œuvre reflects a firm political stance, which, 

however, never stops at the mere communication of her position by artistic means. 

Instead, Bonvicini continuously seeks confrontation at an artistic level: through breaks 

with the routine of representation and traditional viewing habits. Both Ends focuses on 

works that, for the most part, have never been seen in Germany before. 


Erst wenn man das Elend 

im Bild sieht, beginnt man 

es auch auf der Straße 

wahrzunehmen. 

Boris Mikhailov 

Only when one sees misery in 

a picture, does one begin to 

notice it in the street. 

Boris Mikhailov 


For Boris Mikhailov, societal changes are most clearly visible in small, everyday events. 

While the waiter in Ukraine would still be asking “tea or coffee?” during the Soviet 

era, the question today is “tea, coffee, cappuccino?” In his newest works (2000 – 2010), 

Mikhailov tackles precisely these changes and captures—as he has already in By 

the Ground / At Dusk (Oktagon, 1996)—daily life in his hometown Charkow. In this 

collection of more than 200 colour photographs, the West is perceptible everywhere 

in the form of huge, colourful advertising banners, but the promises of the Orange 

Revolution, that everything would get better, have only been fulfilled for few. Through 

palliating nothing, transfiguring nothing, Mikhailov attempts to sensitise the view of 

the observer. The individual pictures and scenes create a large tableau of society that 

tells us more about the Ukraine and its inhabitants than any specialised book. 


28,6 x 20 cm, 240 Seiten, 


Hardcover 


978-3-86560-877-2 

@ 48– 

Fotografie / Photography 

November 2010 

Boris Mikhailov wurde 1938 in Charkow 

(UdSSR, heute Ukraine) geboren. 

Berühmt wurden die Fotografien 

des studierten Ingenieurs als 

herausragendes Statement zu den 

Schattenseiten der Sowjetunion. Er 

erhielt zahlreiche Auszeichnungen, 

u. a. den Hasselblad Award, den 

Citibank Fotografie-Preis und den 

Kraszna-Krausz Book Award. 

Er veröffentlichte zahlreiche Bücher, 

u. a. Am Boden / Die Dämmerung 

(1996), Dance (2000), Salt Lake (2002), 

Look at Me I Look at Watet (2004) und 

Yesterday’s Sandwich (2006). 

Boris Mikhailov lebt in 

Charkow und Berlin. 


Boris Mikhailov. 

Tea Coffee Cappuccino 

Mit einem Text des Künstlers / with a text by the artist 

Gesellschaftliche Veränderungen zeigen sich für Boris Mikhailov am deutlichsten in 

kleinen alltäglichen Begebenheiten. Wenn zu Sowjetzeiten die Kellner in der Ukraine 

noch fragten: „Tee oder Kaffee?“, lautet die Frage heute: „Tee, Kaffee, Cappuccino?“ 

In seinen neuesten Arbeiten (2000 – 20 10) setzt sich Mikhailov mit genau diesen 

Veränderungen auseinander und hält – wie schon in Am Boden / Die Dämmerung 

(Oktagon, 1996) – den Alltag in seiner Heimatstadt Charkow fest. In den mehr als 200 

Farbfotografien ist der Westen in Form von großen bunten Werbebannern überall 

spürbar, aber das Versprechen der Orangenen Revolution, dass alles besser werde, hat 

sich nur für die wenigsten erfüllt. Indem Mikhailov nichts beschönigt, nichts verklärt, 

will er den Blick des Betrachters sensibilisieren. Die einzelne Bilder und Szenen 

ergeben ein großes gesellschaftliches Tableau, das uns mehr von der Ukraine und 

ihren Bewohner erzählt als jede wissenschaftliche Arbeit. 


22 x 25,5 cm, 160 pages, 

c. 90 colour Illustrations. 

Hardcover 

English 

978-3-86560-916-8 

ca. @ 34,– 

Art / Kunst 

November 2010 

Anish Kapoor, born 1965 

in Mumbai, India. 

Lives and works in London. 

Kensington Gardens, London, 

28.09.2010 – 13.03.2011 

(Serpentine Gallery / 

The Royal Parks, London) 


Anish Kapoor. 

Turning the World Upside Down in Kensington Gardens 

Foreword by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist. Texts by Marcus du Sautoy and 

Darian Leader. Interview with the artist by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist 

In the beautiful settings of Kensington Gardens, the major outdoor sculptures by 

acclaimed London-based artist Anish Kapoor are taken in scene. The sculptures are 

sited to contrast and reflect the changing colours, foliage and weather in Kensington 

Gardens. Despite their monumental scale, the works appear as pure reflection of their 

surroundings: the sky, trees, water, wildlife and changing seasons. The distortions in the 

works’ mirror-like surfaces call into question the viewers’ relationship to both the work 

itself and the surrounding environment. 

The catalogue will be illustrated with stunning photographs of the works in situ. 

Furthermore, it will be the first monograph to feature a comprehensive overview of all 

stainless steel sculptures within the artist’s œuvre. 

Die Skulpturen Anish Kapoors, die Kensington Gardens in London für ein halbes Jahr 

in einen Skulpturenpark verwandeln, stehen im Mittelpunkt dieses Katalogs. Anhand 

dieser lässt sich das Farbenspiel des Laubs und die Wechselhaftigkeit des Wetters 

genauestens ablesen. Diese Publikation stellt Kapoors Stahlskulpturen erstmals in 

den Kontext seines Gesamtwerks. 

koenig books, london

22 x 25,5 cm, c. 44 pages 

of text bound into the cover 

+ 8 large fold-out posters 

with colour illustrations. 

Softcover 

English 

978-3-86560-860-4 

@ 28,– 

Architecture / Architektur 

Serpentine Gallery, London, 

10.07. – 17.10.2010 


Jean Nouvel. 

Red Summer in Kensington Gardens 

Edited by Kathryn Rattee. Texts by Paul Virilio, Samantha Hardingham and 

Jean Nouvel. Interview by Julia Peyton-Jones and Hans Ulrich Obrist 

This unique publication accompanies the Serpentine Gallery Pavilion 2010 designed by 

renowned French architect Jean Nouvel. The publication is conceived and designed by 

Nouvel, and provides a unique insight into his working process. Featuring essays by Paul 

Virilio and Samantha Hardingham, as well as an interview with Nouvel by Serpentine 

Gallery Director Julia Peyton-Jones and Co-Director Hans Ulrich Obrist, this catalogue is 

sumptuously produced and lavishly illustrated. Nouvel has also contributed two texts to 

this publication, which illuminate his overall practice as well as the inspiration behind 

his design for this year’s Serpentine Gallery Pavilion. 

Jean Nouvel hat den diesjährigen Sommerpavillon für die Serpentine Gallery entworfen. 

Der von ihm selbst gestaltete Katalog gewährt tiefe Einblicke in die Denk- und 

Arbeitsweise von Frankreichs Ausnahmearchitekt und verdeutlicht auf eindrucksvolle 

Weise, wie die Idee entstand, den Pavillon in eine „Sonnenmaschine“ zu verwandeln. 

koenig books, london 23

22 x 25,5 cm, c. 106 pages, 


Softcover 

English / Swedish 

978-3-86560-915-1 

c. @ 24,80 

Art / Kunst 

November 2010 

17 x 23 cm, 320 Seiten, 



Deutsch / Polish 

978-3-86560-904-5 

@ 24,80 

Kunst / Art 

Dezember / December 2010 


Klara Lidén 

Edited by Sophie O’Brien, Teresa Hahr and Melissa Larner. 

Texts by John Kelsey, Karl Holmqvist, Sophie O’Brien and John Peter Nilsson. 

Co-produced by Serpentine Gallery, London and Moderna Museet, Stockholm 

Klara Lidén’s subversive responses to our social spaces and conventions raise the question 

of how we might re-appropriate privatized, urban space, and recall a long history 

of performative and conceptual work. Through a simultaneous process of building and 

un-building, re-cycling and improvising, Lidén’s psychologically laden films, actions and 

structures reveal the hidden aggression and potential rebellion that rests under the surface 

of our cities. 

Klara Lidéns Hauptinteresse gilt dem öffentlichen Raum und der Rolle, die der Mensch 

darin einnimmt. In ihren Videoarbeiten, Aktionen und Bauten zeigt sie das enorme 

Aggressionspotenzial von Städten und ihren systemimmanenten Kräften auf, die 

unter den Oberflächen verborgen liegen. 

• Klara Lidén, born 1979 in Stockholm. Lives and works in Stockholm. 

• Serpentine Gallery, London, 07.10. – 07.11.2010 

Moderna Museet, Stockholm, 14.05. – 09.10.2011 

koenig books, london 

Robert Morris. 

Hearing 

Herausgegeben von Susanne Titz und Katarzyna Sloboda. 

Editiert und kommentiert von Gregor Stemmrich 

In der Medieninstallation Hearing von 1972 beschäftigt sich Robert Morris im Stil 

eines Kreuzverhörs mit den gewandelten Rollen von Kunst und ihren Auswirkungen 

auf den Kunstbetrieb. 

Erstmals publiziert wird hier die deutsch- und polnischsprachige Übersetzung. Dazu 

erscheint der erste umfassende Essay zu dieser Arbeit, Kunst als Verhör von Gregor 

Stemmrich, der auch die kommentierende Edition des rund dreistündigen Hörstücks 

erarbeitet hat. 

Robert Morris’ sculptural installation Hearing includes an audio recording of a fictitious 

hearing that is focussed on the aesthetic, political, historical and moral views of a “witness.” 

The work is taken as a point of departure. Investigations relating to the various 

issues involved will take works of other artists into consideration. 

• Robert Morris, geb. 1931 Kansas City / Missouri. Lebt in New York. 

• Museum Abteiberg, Mönchengladbach, 2010 

Muzeum Sztuki, Lódz´ Robert Morris. Notes On Sculpture, 24.06. – 24.10.2010 


Robert Morris. Prints and Multiples 1952 – 1997. 

Catalogue Raisonné. 1999 

978-2-8306-0172-5 

€ 78,– 


21,5 x 28 cm, c. 180 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-870-3 

c. @ 28,– 


Bernadette Corporation was formed 

in a Manhattan nightclub in 1994, and 

began organizing DIY social events that 

evolved into unauthorized art carnivals 

in SoHo parking lots. From 1995 to 1997, 

the group worked under the guise of 

an underground fashion label. In 1999 

it self-published a magazine, Made in 

USA, and began producing videos. 

In 2005 Bernadette Corporation authored 

the collective novel Reena Spaulings. 

Bernadette Corporation has exhibited 

works at international venues 

including Gavin Brown’s Enterprise, 

New York; Yvon Lambert, Paris; 

Whitechapel Gallery, London; Hammer 

Museum, Los Angeles; Stedelijk 

Museum, Amsterdam; Kunstverein 

Hamburg, and Perros Negros, 

Mexico City, among others. 


Bernadette Corporation. 

The Complete Poem 

Edited and texts by Bernadette Corporation 

The idea of the book is to present these two elements—poem and fashion shoot—in a 

single package, as one complex object. This combination of original literature and commissioned 

fashion photography undermines the traditional autonomy of literary and 

visual genres. The book itself is a conceptual gesture: the display of a mediation, or the 

presentation of a redistribution. 

Das New Yorker Künstlerkollektiv Bernadette Corporation hat sein Gedicht A Billion 

and Change mit Modefotografien einer gestellten Jeans-Kampagne kombiniert und 

so ein komplexes künstlerisches Objekt im Zwischenraum von Gedicht und Fotografie 

geschaffen. Es ist mit den eigenen Worten der Künstler gesprochen, ein „geistreiches, 

gutaussehendes und episches Gedicht für New York“. 


still available / weiterhin lieferbar: 

Home is the place 

you left. 2008 

978-3-86560-473-6 

€ 24,80 


Celebrity steht im Mittelpunkt der Monografie zu Elmgreen & Dragset. Sie erzählen 

vom VIP-Leben und medialer Öffentlichkeit, in der Selbstbetrug, Verzerrungen, 

Gerüchte und Halbwahrheiten eine große Rolle spielen. In diesem Zusammenhang 

thematisiert die Publikation die Mechanismen der Medien und deren Mythenbildung. 

Auf zahlreichen Farbtafeln werden die beiden Celebrity-Installationen im ZKM 

dokumentiert: In den beiden Lichthöfen des Museums wird einerseits ein realistischer 

Plattenbau, andererseits ein prunkvoller Ballsaal installiert. Es geht um das Verhältnis 

zwischen „the one and the many“, also dem einen, einer prominenten Persönlichkeit 

im prunkvollen Saal, und der Masse von „normalen“ Leuten im Plattenbau. Gezielt 

wird der Lifestyle der „rich and famous“ inszeniert, kontrastiert durch die Realität des 

Wohnsilos. 

Die umfangreichen Texte zu Celebrity verstehen sich auch als Kommentare zu den 

aktuellen Phänomenen der Celebrity-Kultur, in der nicht mehr der „traditionelle“ 

Star, der durch Leistung und Charisma seinen Status erreicht hat, im Zentrum der 

medialen Aufmerksamkeit steht, sondern junge Menschen, die bereit sind, für einen 

Augenblick der Aufmerksamkeit in Fernsehen, Internet oder Blogs ihre Würde aufs 

Spiel zu setzen. 

In weiteren Kapiteln werden die Projekte The Welfare Show, Serpentine Gallery, 

London 2006 und das Biennale Venedig 2009 Projekt The Collectors veranschaulicht. 

Das Biennaleprojekt im dänischen Pavillon erzielte nicht nur einen enormen Erfolg 

beim Publikum, sondern wurde auch von der Kunstkritik gefeiert. Bislang war dieses 

Projekt unpubliziert. 


19 x 24 cm, 320 pages, 

c. 100 colour illustrations. 

Softcover 

English 

978-3-86560-908-3 

@ 38,– 

Art / Kunst 

February / Februar 2011 

Michael Elmgreen, born 1961 

in Copenhagen. 

Ingar Dragset, born 1968 

in Trondheim, Norway. 

Both live and work 

in Berlin and London. 

ZKM Karlsruhe, 

07.11.2010 – 27.03.2011 

ARoS Kunstmuseum, 

Aarhus, Denmark, 

September 2011 – January 2012 


Elmgreen & Dragset. 

Celebrity – The One and the Many 

Edited by Andreas F. Beitin and Peter Weibel. 

Texts by Tony Benn, Hubert Burda, Tom Mole, Mehdi Belhaj Kacem, Nicolaus 

Schafhausen, Wolfgang Ullrich et al. With an interview of Hans Ulrich Obrist with 

Elmgreen & Dragset and an interview of Sacha Goldmann with Paul Virilio 

The focus of this extensive Elmgreen & Dragset monograph is celebrity. Their newest 

work deals with VIP life, self-deception and public life in the media. Distortion, rumours 

and half-truths play a huge role in the world of glamour, in creating either dream 

worlds or scandals. In this context, Celebrity looks at the mechanisms of the media and 

its formation of myths. The two Celebrity installations in ZKM are documented over 

numerous colour plates: in one atrium of the museum is a realistic high-rise, in the 

other a neo-classical ballroom. This is about the relationship between “the one and the 

many”: the one celebrity in the ornate ballroom, and the masses of “normal” people in 

the high-rise. The lifestyle of the “rich and famous” is specifically staged and contrasted 

with the reality of the tower block. 

Further chapters document The Welfare Show, Serpentine Gallery, London 2006 and 

the Venice Biennale 2009 project The Collectors. The Biennale project in the Danish 

Pavilion was not only a huge public success, it was also celebrated by the art critics. 

This project has never been published before. 


28,6 x 30,5 cm, 164 pages, 

112 full colour illustrations. 

Hardcover (cloth) 

English 

978-3-86560-910-6 

@ 49,80 

Art / Kunst 

November 2010 

Eva Rothschild, born 1972 in Dublin. 


Modern Art, London, 2009 


Eva Rothschild 

Edited by Stuart Shave / Modern Art. 

Essay by Michael Archer. Conversation between Eva Rothschild and Laura Hoptman 

Over the past decade Eva Rothschild has earned a reputation as one of Britain’s leading 

sculptors. Her compelling sculptures invoke a complex relationship between abstract 

form, and the conceit that an object can bear a dimension beyond its mere empirical 

properties. Her work references and rephrases the vocabularies of progressive art movements 

of the 1960s and 1970s, such as Minimalism, while also suggesting aspects of 

both conventional and alternative spirituality and faith. 

There is a sense that her recurrent materials, metal, wood, ceramic, leather and Perspex, 

become imbued in her sculptures with an apparent ability to transcend their innate 

physical limitations. Rothschild’s work examines how we perceive objects, and the layers 

of meaning that we invest into them. 

Eva Rothschilds Arbeiten aus Metall, Holz, Keramik, Leder und Plexiglas zeigen formale 

Bezüge zum Minimalismus und anderen ästhetischen Strömungen der 1960er- und 

1970er-Jahre, weisen aber auch über diese hinaus. Ihre Objekte thematisieren unter 

anderem Fragen der Wahrnehmung und der Konstruktion 

von Bedeutung durch den Betrachter sowie Fragen zu Transzendenz und Glauben 

jenseits der Objekte. 


30,3 x 30,6 cm, 112 pages, 

50 full colour illustrations. 

Hardcover 

English 

978-3-86560-911-3 

@ 44,– 

Art / Kunst 

November 2010 

Nigel Cooke, born 1973 in Manchester. 


Modern Art, London, 2010 


Nigel Cooke 

Edited by Stuart Shave / Modern Art. 

Text by Michael Bracewell. Conversation between Nigel Cooke and Martin Herbert 

Nigel Cooke’s paintings construct a dark and melancholic world; a deeply psychologised 

landscape filled with an atmosphere that articulates the trauma of creative dereliction. 

At its core, Cooke’s work is an allegorical conception of creativity and production, 

played out in a world populated by artists and philosophers. This is a place haunted by 

vagrant and degenerate martyrs who have caved in to a parody of existentialism and 

committed themselves to experience over abstractions of thought. These characters 

abandon reason, wilfully and foolishly throwing themselves headlong into the unseen 

and unknown. 

Die Bilder von Nigel Cooke sind mentale Landschaften, die düstere, melancholische 

Szenen zeigen. Es sind surreale Welten, bevölkert von umherirrenden Künstler- und 

Philosophen-Gestalten. Wie in Parodien auf existenzialistische Szenerien finden sich 

die Protagonisten in absurden Räumen und Situationen wieder, jenseits von Logik 

und Vernunft. 


24 x 37,5 cm, 312 Seiten, 

110 farbige und 140 s/w 

Abbildungen. 

Hardcover 


978-3-86560-802-4 

@ 38,– 

Kunst / Art 

Dierk Schmidt, geb. 1965 in Unna. 


Ausstellungen u. a. documenta XII, 

Kassel, 2007. 

documenta XII, Kassel 

Salzburger Kunstverein 

Kunstraum der Leuphana 

Universität Lüneburg, 

2005 – 2009 


Dierk Schmidt. 

The Division of the Earth. Tableaux on the legal Synopsis 

of the Berlin Africa Conference. / 

Die Teilung der Erde. Tableaux zu rechtlichen Synopsen 

der Berliner Afrika-Konferenz 

Herausgegeben und Texte von Lotte Arndt, Clemens Krümmel, Dierk Schmidt, 

Hemma Schmutz, Diethelm Stoller, Ulf Wuggenig 

Ausgehend von der auf der documenta XII in Kassel gezeigten Bildserie von Dierk 

Schmidt dokumentiert dieser Band ein Projekt, das auf jahrelangen Recherchen 

basiert und es nicht bei der dokumentarischen „Verbildlichung“ der Thematik bewenden 

lässt: Auf der Berliner Afrika-Konferenz von 1884 / 85 trafen sich die europäischen 

Mächte und die USA, um in Form eines damals „international“ genannten Rechtsakts 

die Aufteilung eines ganzen Kontinents vorzubereiten. 

Schmidt stellt die Frage: Kann man auf die Brutalität, mit der koloniale Grenzziehungen 

bestehenden Gesellschaften aufgezwungen wurden, mit einer Darstellung 

reagieren, durch die solche juristische Abstraktionen als historisches Produkt der 

politischen wie auch ästhetischen Moderne in Europa begreifbar wird? 

Die Teilung der Erde ist ein bildlich wie textlich argumentierendes Buch, dessen Dokumentation 

ein von Seminaren und Tagungen begleitetes Rechercheprojekt sowie eine 

Quellensammlung enthält. Unter dem Gesichtspunkt heutiger Handlungsmöglichkeiten 

greift es ästhetisch-politische, kunsthistorische und aktuelle rechtliche Facetten auf, wie 

die der Reparation der anwachsenden internationalen, postkolonialen Diskussion. 

In 1884 / 85, the European powers and the USA met in Berlin to prepare the division of 

the entire African continent through an “international” act of law. The series of pictures 

by Dierk Schmidt that was shown at documenta xII serves as a starting point in exploring 

the urgent question: Is it possible to respond to the brutality, with which colonial borders 

were forced upon existing societies, with a representation that makes legal abstractions 

tangible as a historic product of political and aesthetic modernism in Europe? 

The Division of the Earth is based on years of research and tackles, both visually and 

textually, the aesthetic-political, art historical and current legal facets of the growing 

international, post-colonial discussion. 


35 x 44,5 cm, 48 Seiten, 

20 großformatige 

farbige Abbildungen. 

Hardcover 


978-3-86560-878-9 

@ 28,– 

Kunst / Art 

Rudolf Stingel, geb. 1956 

in Meran, Südtirol. 

Lebt und arbeitet in New York. 

Neue Nationalgalerie, Berlin, 

2010 


Rudolf Stingel. 

Neue Nationalgalerie Berlin 

Herausgegeben von Udo Kittelmann und Joachim Jäger. 

Text von Joachim Jäger 

Mit einem kühnen Eingriff hat der Künstler Rudolf Stingel den einzigartigen Bau 

der Neuen Nationalgalerie transformiert. Die gesamte Bodenfläche der großen 

Museumshalle ließ er mit einem Teppich überziehen, dessen Ornament auf einen 

indischen „Agra“-Teppich zurückging. Sinnliche Opulenz und orientalische Muster 

überformten damit die von Mies van der Rohe so streng angelegte Architektur. Das 

Buch dokumentiert diese Intervention und ist, wie die Installation selbst, als ausgreifendes 

Überformat angelegt. Ein Künstlerbuch, das auch vier neue Gemälde des 

Künstlers vorstellt, die ebenfalls als stark raumbezogene Arbeiten zu begreifen sind. 

Rudolf Stingel has transformed the unique building of the Neue Nationalgalerie with 

a bold intervention; covering the entire floor of the large museum hall with a carpet, 

the pattern of which stems from an original 19th-century Indian Agra rug. Sensual 

opulence and oriental patterns reshape Mies van der Rohe’s strictly structured architecture. 

The book documents this intervention and is, like the installation itself, set out in 

an oversized format: an artists’ book that introduces four new paintings that are to be 

understood as spatially oriented works. 


21,5 x 29 cm, 228 Seiten, 


Hardcover 

Deutsche Ausgabe 

978-3-86560-871-0 

@ 49,80 


978-3-86560-858-1 

@ 49,80 

Kunst / Art 

Tatiana Trouvé, geb. 1968 

in Cosenza, Italien. 

Lebt und arbeitet in Paris. 

migros museum für gegenwartskunst, 

2009 / 2010 


Il Grande Ritratto. 2010 

978-3-86560-753-9 

€ 29,80 

Tatiana Trouvé. 2008 

978-3-86560-352-4 (Engl. Edition) 

978-3-86560-443-9 (French Edition) 

€ 49,80 


Tatiana Trouvé 

Herausgegeben und Texte von Heike Munder 

Die Künstlerin Tatiana Trouvé arbeitet mit Rauminszenierungen und schlangenähnlichen 

skulpturalen Objekten aus Metall, die in Bewegung und dabei seltsam erstarrt 

erscheinen – einer eingefrorenen Situation vergleichbar. Ihre Rauminszenierungen 

benutzen oftmals die Parameter „innen“ und „außen“ und arbeiten mit dem Prinzip 

der Umkehrung. Psychische Räume werden nach außen gestülpt, werden zu konkretisierten, 

unheimlichen „Innen“-Räumen. Trouvés Arbeiten werden zu Visualisierungen 

„unbewusster“, von ständiger Unsicherheit betroffener Zustände – während ihre 

„mentalen Landschaften“ modulhaft um Themen wie Lebensraum, Erinnerung, 

Architektur, Konstruktion von Wirklichkeit kreisen. 

In diesem Zusammenhang kann auch ihr zeichnerisches Werk gesehen werden, dem 

sich die Publikation erstmals ausschließlich widmet: Auf den ersten Blick erscheinen 

die Zeichnungen als klassisch-perspektivische Architekturskizzen, die jedoch bei 

genauerer Betrachtung in der Fluchtlinienbestimmung immer wieder scheitern und 

deren Innenarchitekturen oftmals uneindeutig bleiben. 

The artist Tatiana Trouvé works with staged rooms, architectonic interventions and 

snake-like metal sculptural objects, which seem to be in motion but at the same time 

strangely frozen. Her staged rooms often use the parameters of interior and exterior, 

working with the principle of inversion. Psychic spaces are externalised, becoming 

concrete, sinister “interior” rooms. Trouvé’s pieces become visualisations of “unconscious” 

conditions that are continuously affected by uncertainty—while her module-like “mental 

landscapes” circle around issues such as living space, memory, architecture and the 

construction of reality. 

This publication is the first devoted exclusively to Trouvé’s drawn work, which can also 

been seen in this context: at first they look like classical architectural sketches, yet, on 

closer inspection, they breakdown time and again in the definition of vanishing lines 

and their interior architecture often remains ambiguous. 


21,2 x 26 cm, 256 pages, 

650 colour and b/w illustrations. 

Hardcover 


978-3-86560-913-7 

@ 39,80 

Spanish Edition 

978-3-86560-922-9 

@ 39,80 

Art / Kunst 

Anna Maria Maiolino, born 1942 in 

Calabria, Italy. Lives and works in Brazil. 

Fundació Antoni Tàpies, 2010, Centro 

Galego de Arte Contemporánea, 2010 

Malmö Konsthall, 2010, 

MoMA, New York, 2011 


Anna Maria Maiolino 

Edited by Helena Tatay. Texts by Ivone Margulies, Marcio Doctors and Griselda Pollock 

Anna Maria Maiolino plaids in her work her humanistic upbringing with the lessons 

of the Brazilian neo-concrete movement that understood the work of art “not as 

a machine or an object, but as a quasi-body, an organic being.” Through a variety 

of media—drawing, sculpture, performance, installation, film and photography— 

Maiolino’s free and creative relationship to materials seeks out new modes of 

expression re-discovering tenuous links to ancestral practices. 

Beeinflusst von der neo-konkreten Kunst Brasiliens sieht Maiolino Kunst nicht 

als etwas Festes, Unveränderbares an, sondern als etwas Lebendiges, das einem 

ständigen Wandel unterzogen ist. In ihrer ersten Monografie dominiert das Spiel 

mit Gegensätzen. Umwandlungen und Transformationen durchziehen ihr Werk. Im 

Zusammenspiel von Zeichnungen, Skulpturen, Performances, Installationen, Filme 

und Fotografien werden so Wandlungsprozesse offengelegt. 



With hundreds of mostly colour illustrations, the editors offer a subjective, often 

surprising, view of the development and variety of alphabetic fonts used in Europe and 

the USA since 1890. The examples come from book and newspaper typography, but also 

from operating manuals, packaging, shop window lettering, illuminated advertising, all 

sorts of signage and posters, from official forms and propaganda to vinyl record sleeves, 

animated text and text in films. 

Zweck jeder Typographie ist Mitteilung (deren Mittel sie darstellt). Die Mitteilung muss 

in kürzester, einfachster, eindringlichster Form erscheinen. 

Jan (Iwan) Tschichold, 1925 

Das bewegte Bild, obgleich keineswegs mehr ein Novum, wird zunehmend an Bedeutung 

gewinnen. Aber was ist mit den Buchstaben? Ja, auch sie werden zunehmend animiert 

werden. Oft wird dies bloß um einer Effekt- und Aufmerksamkeitshascherei willen 

geschehen, aber Tür und Tor stehen auch weit offen für die Animation von Buchstaben, 

um so Inhalte zu unterstützen, oder als Hilfestellung, um Texte besser und leichter “verdaulich” 

zu machen. Somit kann und wird die Typografie auch in einer solchen Art und 

Weise animiert werden, die wirklich sinnvoll ist. 

Fred Smejers, 2010 


21 x 28 cm, 272 Seiten, 

300 Abbildungen. Mit Künstlerund 

Typografen-Register mit 

mehr als 200 Einträgen. 

Hardcover 

Deutsch 

978-3-86560-888-8 

@ 29,80 

Kunst / Art 

Kunstbibliothek – Staatliche Museen 

zu Berlin, 16.09.2010 – 09.01.2011 


Welt aus Schrift. 

Das 20. Jahrhundert in Europa und den USA 

Herausgegeben von Anita Kühnel in Zusammenarbeit mit Michael Lailach 

und Jan May. Vorwort von Moritz Wullen. Texte von Anita Kühnel, Bernard Stein, 

Sylke Wunderlich, Günter Karl Bose, Kurt Weidemann, Michael Lailach, Viola 

Hildebrand-Schat, Jan May, Adelheid Rasche, Florian Adler, Hans-Peter Schmidt, 

Matthias Gubig, Fred Smeijers und An Paenhuysen 

Mit mehreren hundert, meist farbigen Abbildungen geben die Herausgeber einen 

subjektiven, oft überraschenden Blick auf die Entwicklung und Vielfalt der in Europa 

und den USA seit 1890 verwendeten Alphabetschriften. Die Beispiele stammen 

aus der Buch- und Zeitschriften-Typografie, aber auch aus Bedienungsanleitungen, 

von Verpackungen, Schaufensterbeschriftungen, Leuchtwerbung, jeglicher Art von 

Beschilderungen und Plakaten, von amtlichen Formularen und aus der Propaganda 

und reichen bis zu Schallplatten, animierter Schrift und Schrift im Film. 

Der von Heimann + Schwantes gestaltete Band wird durch gut lesbare, informative 

Aufsätze gegliedert: 

- A. Kühnel, Schrift als Programm 

- S. Wunderlich, Ornament und Schrift 

- G.K. Bode, Normalschrift. Zur Geschichte des Streits um Fraktur und Antiqua 

- K. Weidemann, Marken und Zeichen 

- M. Lailach, Typografie der Avantgarde 

- A. Rasche, Texte für Textiles u. a. 


29 x 21 cm, 144 Seiten, 


Hardcover 


978-3-86560-872-7 

@ 29,80 

Kunst / Art 

John Bock, geb. 1965 in Grobbohm. 


Temporäre Kunsthalle Berlin, 

2010 


John Bock. 

FischGrätenMelkStand 

Herausgegeben von Angela Rosenberg und John Bock. 

Vorwort von Angela Rosenberg. Texte von Andreas Schlaegel 

Für viele ist die von John Bock kuratierte und installierte Ausstellung das radikalste 

und interessanteste Kunstereignis Berlins in diesem Jahr. Der Katalog vermittelt 

mit zahlreichen Installations- und Detailfotos einen Eindruck der elf Meter hohen, 

begehbaren, labyrinthischen Stahlkonstruktion, die auf vier Ebenen Raumsituationen 

schafft, um die Arbeiten von 60 Künstlern zu zeigen. 

Innerhalb der gleichermaßen funktionalen wie grotesken Struktur fusionieren die 

Kunstwerke mit dem Raum, der sie umgibt. 

For many, this exhibition, curated and installed by John Bock, is the most radical 

and interesting art event in Berlin this year. With numerous installation and detail 

photographs, this catalogue gives the reader a very visual impression of the elevenmetre-high, 

walk-through, labyrinthian steel construction. Within the four floors of the 

structure, both functional and grotesque, the artwork of 60 different artists fuses with 

the space around it. 


20 x 30 cm, 200 Seiten, 

100 s/w Abbildungen. 

Hardcover mit DVD 

Deutsch 

978-3-86560-861-1 

@ 34,– 


Jonathan Meese, geb. 1970 

in Tokio. Lebt und arbeitet 

in Berlin und Hamburg. 


Jonathan Meese. 

Totalstgedichte aus dem Erzland 

Texte von Jonathan Meese 

Seit 2006 propagiert Jonathan Meese offen die „Diktatur der Kunst“. In seinem neuesten 

Künstlerbuch zeigt Jonathan Meese faksimilierte, hand geschriebene Gedichte, 

Notizen, Zeichnungen und Collagen aus dem „Erzland“ und dem „Weltenland“. Dem 

Buch liegt eine DVD mit Lesungen von Jonathan Meese bei. 

VERSACHLICHT die FÜHRUNG (Diktatur der Kunst) Die „Herrschaft der Kunst“ 

(KUNST IST TOTALSTE ERZHERRSCHAFT) Die Diktatur der Kunst ist das radikalste, 

unabdingbarste, hermetischste und neutralste Entdemokratisierungsspiel aller Zeiten, 

jeder Mensch möge sich im Namen der Totalkunst ständig ultraelementarstvisionärst 

tagtäglich entdemokratisieren, nur das „Antidemokratische“ ist zukunftsfähig, also: 

Sehet von Euch ab: KUNST AN DIE MACHT 

Jonathan Meese, 2010 


16,5 x 24,5 cm, 104 Seiten, 


Hardcover 


978-3-86560-895-6 

@ 24,80 


Thomas Scheibitz, 

geb. 1968 in Radeberg. 


Drawing Room London, 2010 


Thomas Scheibitz. 

A Moving Plan B – Chapter One 

Herausgegeben von Thomas Scheibitz. 

Texte von Anna Catharina Gebbers und Marcus Steinweg 

Thomas Scheibitz hat nicht nur Künstler seiner eigenen Generation ausgewählt 

(Dirk Bell, Thomas Demand, Manfred Pernice, Andreas Slominski und Peter Strauß), 

sondern auch eine Reihe älterer, in Ostdeutschland geborener Künstler, in die Ausstellung 

einbezogen: Carl Friedrich Claus, Hermann Glöckner, Manfred Kuttner, A. R. Penck 

und Eugen Schönebeck. Entwürfe und Zeichnungen des jugoslawischen Architekten 

Bogdan Bogdanovich und des Schriftstellers Arno Schmidt, deren Arbeiten über 

den Bereich der bildenden Kunst hinausgehen, vermitteln einen Eindruck von den 

vielfältigen Interessen des Künstlers. Hinzu kommen die international anerkannten 

Künstler Tacita Dean, Mathew Hale und Öyvind Fahlström sowie der strukturalistische 

Filmemacher Paul Sharits u. a. 

The group exhibition selected by Thomas Scheibitz, one of Germany’s most important 

contemporary artists, exposes rare and unseen works by a wide range of international 

creators while providing also insight into the working processes of the artist himself. 

The publication reveals the motivation and inspiration behind Thomas Scheibitz’s paintings, 

sculptures and works on paper and introduces various approaches to drawing as 

used by artists, architects, film-makers and writers over the past 50 years. The exhibition 

will include sketches, drawings, notes and working journals not usually available for 

the public. 


20 x 27,5 cm, 128 Seiten, 

mit 20-seitigem Einleger. 

43 farbige und 36 s/w Abbildungen. 

Hardcover mit Prägung 

und Schutzumschlag 


978-3-86560-896-3 

@ 29,80 

Kunst / Art 

Thomas Scheibitz, 

geb. 1968 in Radeberg. 


Galerie im Taxispalais, 

Innsbruck, 2009 


Thomas Scheibitz. 

Der ungefegte Raum. A Disordered Space 

Mit einem Text von Beate Ermacora 

Thomas Scheibitz ist nicht nur Maler und Bildhauer, sondern auch leidenschaftlicher 

Büchermacher. Die Ausstellung in Innsbruck ist für ihn Anlass, seine neuen, meist 

unpublizierten Arbeiten in diesem Buch zu präsentieren. 

Mit dem Titel Der ungefegte Raum verweist Scheibitz auf die Tradition antiker 

Trompe-l’œil-Malerei und den griechischen Mosaikgestalter Sosos von Pergamon aus 

dem 2. Jh. v. Chr. Dessen Erfindung, Mosaikböden mit Essensresten zu ornamentieren, 

als wären sie von einem üppigen Mahl übrig geblieben, bildet den leitmotivischen 

Ansatz für dieses Künstlerbuch. 

Darin beleuchtet Scheibitz metaphorisch sein Fragenspektrum. Zwischen Illusionismus, 

Mimesis und interpretativer Öffnung spitzt er unter Verwendung von sprachlichen 

oder bildhaften Versatzstücken und weitgreifenden Assoziationsrahmen 

seinen formal strengen Bilderkosmos zu, der künstlerische Regeln präzise hinterfragt. 

Thomas Scheibitz is not only a painter and sculptor, but also a passionate bookmaker. 

In this artist’s book, he presents new, mostly unpublished works. With the title Der 

ungefegte Raum (The Unswept Room) Scheibitz refers to the antique tradition of 

trompe l’œil painting and the Greek mosaic designer Sosos of Pergamon (2nd-century 

BC), whose invention of ornamenting mosaic floors with food, as if it were left-overs 

from a lavish meal, forms the leitmotif base of this artist’s book. 


Thomas Scheibitz 

Skulpturen. ABC - I II III. 

2004 

978-3-88375-807-7 

€ 29,80 


Stern. 2008 

Künstlerbuch 

978-3-86560-514-6 

€ 16,80 


The Goldilocks Zone. 

2009 

978-3-86560-529-0 

€ 22,– 



Franz West has been writing texts, notes, remarks and aphorisms non-stop since 1977. 

He attaches these texts to his sculptures, continuing the sculptural expression linguistically 

without illustrating or explaining. In places the titles, epithets and texts can raise 

awareness of the sculpture’s form, in others they can drive the viewer mad or fascinate 

like the cryptograms of a lingual alchemist. Texts accompany Franz West’s complete 

œuvre. Thus far more than 200 have been created and they are published here in their 

entirety for the first time in a newly edited form, as facsimiles and in transcriptions. 


Aluskulptur. 2000 

978-3-88375-439-0 

€ 34,– 

Wests und Zobernigs 

Zweifel. CD. 2003 

978-3-88375-669-1 

€ 12,– 


Gesammelte Gespräche 

und Interviews. 2005 

978-3-88375-607-3 

€ 34,–

19 x 28 cm, 288 Seiten, 

ca. 200 Abbildungen. 


Deutsch 

978-3-86560-906-9 

@ 38,– 

Kunst / Art 

November 2010 

Franz West, geb. 1947 in Wien. 

Lebt und arbeitet in Wien. 




Franz West schrieb. 

Texte von 1977 bis 2010 

Herausgegeben von Hans Ulrich Obrist und Ines Turian 

Nachdem 2005 die Gesammelten Gespräche und Interviews von Franz West erschienen, 

werden nun erstmals die von West sogenannten „Schriebe“ zugänglich. 

Seit 1977 schreibt Franz West Texte, Notizen, Anmerkungen und Aphorismen. Schreiben 

wird von ihm wie ein Arbeitsinstrument benutzt, das aus seinem Werk nicht 

wegzudenken ist. Immer wieder fügt er seinen Skulpturen eigene Texte bei, die den 

skulpturalen Ausdruck sprachlich fortsetzen, ohne zu illustrieren oder zu erklären. 

Wests eigene Beischriften faszinieren wie die Kryptogramme eines Sprachalchimisten. 

Dabei können die Titel, Beiworte und Texte für die Form der Skulptur sensibilisieren, 

den Betrachter aber auch in die Irre führen. Texte begleiten Franz Wests 

gesamtes Œuvre. Entstanden sind bis heute mehr als 200, die hier als Faksimile und 

in Transkriptionen in ihrer Gesamtheit erstmals publiziert werden und die Beziehung 

zwischen Text und Skulptur im Werk von Franz West illustrieren. 


29,5 x 24,5 cm, c. 80 pages, 


Softcover 

Italian / English 

978-3-86560-394-4 

@ 36,– 


November 2010 

Stephen Shore, born 1947 in New York. 

Lives and works in New York. Since 1982 

he is the director of the photography 

department at Bard College. 

Linea di Confine per la Fotografia 

Contemporanea, Rubiera (Italy) 


Stephen Shore. 

Mose. A Preliminary Report 

Edited by Antonello Frongia and William Guerrieri. 

Texts by Antonello Frongia 

This volume collects the photographs taken by Stephen Shore in Venice in the summer 

of 2008. Stephen Shore’s Preliminary report on Venice’s Mose first appears like a 

collation of materials documenting the phenomenon of acqua alta (flooding) and the 

construction of the mobile gates intended to protect the Venetian lagoon. Archive photographs, 

newspaper articles, historical maps, technical reports, engineering plans, and 

landscapes follow one after the other like dissimilar elements in an open investigation. 

Every page in this seemingly linear expositive structure continues to subtly yet insistently 

question us about the fragmentary nature of what we see and think. Shore’s photographs 

achieve a frankness that can be disarming, zero-downed observations purified 

as far as possible of any sort of cultural reference and pre-conception. 

In diesem „Vorbericht“ präsentiert Stephen Shore gewohnt nüchtern und direkt 

seine Sicht auf das noch nicht fertiggestellte Projekt Mose (modulo sperimentale 

elettromeccanico), eine Konstruktion aus 79 Unterwasserschleusentoren, die Venedig 

vor der Überflutung schützen soll. 


29,5 x 24,5 cm, c. 80 pages, 

66 colour illstrations. 

Softcover 

Italian / English 

978-3-86560-395-1 

@ 36,– 


November 2010 

Walter Niedermayr, born 1952 in Bozen, 

(South Tyrol). Lives and works in Bozen. 

Linea di Confine per la Fotografia 

Contemporanea, Rubiera (Italy) 


Walter Niedermayr. 

Mose 

Edited by William Guerrieri and Tiziana Serena. 

Texts by Tiziana Serena 

This volume collects the photographs taken by Walter Niedermayr in Venice 2008 at 

the Mose work sites in the lagoon inlets and some of the islands affected by the system 

intended to safeguard the Venetian lagoon. Niedermayr’s images are characterized by 

the use of a dazzling light that renders the space evanescent. They seem to suggest the 

probability of breaking free in space and dissolving the presupposition of perspectival 

construction or, rather, the possibility of describing the objects, collocated in space, 

through a geometrical-mathematical model. 

Walter Niedermayr taucht seine Fotografien von Mose in ein blendend weißes Licht, 

das Schatten und Konturen weitgehend verschwinden lässt. Dadurch verlieren die 

Aufnahmen der 79 Schleusentore in der venezianischen Lagune, die Venedig vor 

der Überflutung schützen sollen, ihre Dreidimensionalität und wirken wie flüchtige 

geometrische Studien. 


24 x 29,6 cm, 72 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-864-2 

@ 16,80 

Kunst / Art 

DVD, 33 Min., mit einem 

erläuternden Beiheft 


978-3-86560-886-4 

@ 25,– 

Kunst / Art 


Frank Nitsche. 

Cocktailhybridconcept 

Herausgegeben von Katja Blomberg. 

Texte von Katja Blomberg und Filip Luyckx 

Frank Nitsches abstrakte Gemälde sind hybride Stillleben voller komplexer Verweise 

auf noch unbekannte Zusammenhänge und Ordnungssysteme. Cocktailhybridconcept 

ist die erste institutionelle Ausstellung des Künstlers in Berlin. Sie zeigt seine Gemälde 

im Kontext der letzten zehn Schaffensjahre im Dialog mit dem Videokünstler Yves 

Netzhammer. 

Frank Nitsche’s abstract paintings are hybrid still lifes, full of complex references to as 

yet unknown connections and classification systems. Cocktailhybridconcept presents 

Nitsche’s paintings in dialogue with the video artist Yves Netzhammer. 

• Frank Nitsche, geb. 1964 in Görlitz, Studium an der Akademie Dresden. 


• Haus am Waldsee, Berlin, 10.09. – 14.11.2010 


Frank Nitsche. 2007. 

978-3-86560-203-9 

€ 38,– 

Lorenz Estermann. 

Pulp Planet 

Film von Lorenz Estermann. Text von Nana Kirsch 

Medienübergreifende Denkansätze an den Schnittstellen von Skulptur und Fotografie, 

Architektur und Typografie bestimmen das Œuvre des österreichischen Künstlers 

Lorenz Estermann. 

In Pulp Planet, was hier so viel heißt wie Planet aus Faserstoff oder Pappmaschee- 

Planet, erfahren wir die Welt aus der Froschperspektive eines kleinen ferngesteuerten 

Spielzeug-Explorers, der den fiktiven „Pulp-Planeten“ in ungeschnittener und eigenwilliger 

Weise erkundet. 33 Minuten „Pulp-Suspense“ sind garantiert. 

Booklet accompanying DVD with text by Nana Kirsch. 

Cross-media approaches at the interfaces of sculpture and photography, architecture 

and typography define the œuvre of the Austrian artist Lorenz Estermann. In Pulp 

Planet we experience the world from the worm’s-eye view of a small, radio-controlled 

toy, which explores the fictive Pulp Planet in its own, uncut way. 33 minutes of “Pulp” 

suspense are guaranteed. 

• Lorenz Estermann, geb. 1968 in Linz, Oberösterreich. Studium an der Universität für 

Angewandte Kunst Wien. Lebt und arbeitet in Wien und Linz. 

• Galerie Stefan Röpke, Köln, 2010 


22,5 x 30 cm, 176 Seiten, 


Leinen mit Schutzumschlag 


978-3-86560-890-1 

@ 48,– 

Kunst / Art 

Januar / January 2011 

Antony Gormley, geb. 1950 in London. 

Lebt und arbeitet in London. 

Presented by 

Kunsthaus Bregenz, 

August 2010 – April 2012 


Antony Gormley. 

Horizon Field. Eine Landschaftsinstallation im alpinen 

Hochgebirge Vorarlbergs 

Herausgegeben von Yilmaz Dziewior. 

Essays von Eckhard Schneider, Martin Seel und Beat Wyss 

Horizon Field besteht aus 100 lebensgroßen, eisernen Abgüssen eines menschlichen 

Körpers verteilt über ein Gebiet von 150 Quadratkilometern. Die Figuren repräsentieren 

einen Ort, wo ein Mensch irgendwann gewesen ist oder sein könnte. Das 

Werk wird den Naturgewalten, dem Wechsel der Jahreszeiten und Lichtverhältnisse 

unterworfen sein und somit immer wieder neue Wahrnehmungen und Eindrücke 

ermöglichen. 

Großzügige Aufnahmen der Installation und eine Dokumentation der Planung 

begleiten die Essays. 

Horizon Field is made up of 100 life-size, cast-iron human bodies, spread over an area of 

150 square kilometres in Austria. The figures represent a place where a person once was 

or could be. The work will be subject to the forces of nature, various lighting conditions 

and the changing seasons, continuously enabling new perceptions and impressions. 

Lavishly presented photography of the landscape installation and a documentation of 

its planning is accompanied by essays on the piece. 


17 x 23 cm, 120 Seiten, 21 s/w, teils 

doppelseitige Abbildungen. 

Leineneinband mit Prägung 


978-3-86560-862-8 

@ 19,– 

Kunst / Art 

21 x 27,5 cm, 108 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-917-5 

ca. @ 30,– 

Kunst / Art 


Florian Hecker. 

Event, Stream, Object 

Texte von TJ Demos, Susanne Gaensheimer und Robin Mackay 

Als Live-Performer gilt Florian Hecker als einer der großen Avantgardisten der 

Technoszene. Im Mittelpunkt der Publikation steht die eigens für das MMK 

geschaffene neue akustische Installation Event, Stream, Object. 

Hier generiert Florian Hecker durch elektroakustische Signalverarbeitung Töne 

und Klänge zu komplexen Kompositionen und verdichtet sie zu mehrkanaligen 

Rauminstallationen. Es entstehen umfassende Erfahrungsräume, die den Betrachter 

derart involvieren, dass dieser seine Raum- und Selbstwahrnehmung hinterfragen 

und erweitern kann. 

Florian Hecker is deemed one of the major avant-garde artists of the techno scene. The 

focus of this publication is the new acoustic installation, Event, Stream, Object, which 

was created for the MMK. Here he generates sounds through electro-acoustic signal 

processing and compresses them into a multi-channel room installation. 

• Florian Hecker, geb. 1975 in Augsburg. 

Studium an der Akademie der bildenden Künste Wien. Lebt und arbeitet in Wien. 

2003 „Prix Ars Electronica“ im Bereich „Digital Music“. 

• MMK Museum für Moderne Kunst, Frankfurt a. M., 2010 

Suchan Kinoshita. 

In 10 Minuten / In 10 Minutes 

Texte von Kasper König, Verena Auffermann, Frédérique Bergholtz, 

Emily Joyce Evans und Suchan Kinoshita. Mit einem Künstler-Insert von Eran Schaerf 

Kinoshita schafft in ihren Installationen ein subtiles Zusammenspiel von Objekten, 

Klängen und räumlicher Wahrnehmung. Dieses lädt den Besucher ein, sich durch ihre 

Installationen zu bewegen und die verschiedenen Elemente einzeln und in ihrem 

Wechselverhältnis zu betrachten. 

Die Arbeiten Kinoshitas befinden sich häufig an der Schnittstelle von Theater, Musik 

und visueller Kunst. Gegensätze spielen eine zentrale Rolle: Klang und Stille, Ferne 

und Nähe, Dauer und Flüchtigkeit. 

Kinoshita creates a subtle interplay of objects, sounds and spatial perception. This 

invites the visitor to move through the installation and regard things alone or in their 

varying interrelationships. 

Kinoshita’s work is often located at the crossroads of theatre, music and visual art. 

Contrasts play a central role in her work: sound and silence, distance and nearness, 

permanence and fleetingness. 

• Suchan Kinoshita, geb. 1962 in Tokio. Lebt in Maastricht und Münster. 

Lehrt seit 2006 an der Kunstakademie Münster. 

• Museum Ludwig, Köln, 08.10.2010 – 30.01.2011 


21 x 27 cm, 128 Seiten, 

130 großteils farbige Abbildungen. 



978-3-86560-919-9 

@ 25,– 

Kunst / Art 

19 x 28 cm, 112 Seiten, 


Hardcover 


978-3-86560-894-9 

@ 24,80 

Kunst / Art 


Matti Braun. 

Salo 

Vorwort von Hilke Wagner. Texte von Sarah Frost, Mika Hannula, Marianne Lanavère, 

Paola Jacoub, Abdellah Karroum, Janne Marniemi, Rudolf G. Smend, Jakob Vogel 

und Hilke Wagner 

Schon der Titel ist bezeichnend für Matti Brauns künstlerische Strategie, kulturelle 

Zusammenhänge zu erkunden und historische und persönliche Wahrheiten neu zu 

verflechten: In Frankreich hat „Salo“ eine beleidigende Konnotation, in Finnland – das 

einen Teil von Brauns biografischem Hintergrund ausmacht – wird es mit „Einöde“ 

übersetzt und ist ebenfalls der Name einer Stadt. Gleichzeitig ist es der Titel von Pasolinis 

letztem Film Salo oder die 120 Tage von Sodom (1975). Der Katalog führt den Leser 

durch neue Rauminstallationen – Objekte, Fotografien, Batiken, ausgesonderte Möbel 

und eine Videoarbeit. Das Buch schreibt die beiden zuletzt erschienen Kataloge fort. 

The catalogue leads the reader through new spatial installations—objects, photographs, 

batiks, selected furniture and a video piece. This book is a continuation of the 

two recently published catalogues. 

• Matti Braun, geb. 1968 in Berlin. Lebt und arbeitet in Köln. 

• Kunstverein Braunschweig und La Galerie, Centre d’Art Contemporain Noisy-le-Sec, 

04.09 – 14.11.2010 


Özurfa. 2008 

978-3-86560-428-6 

€ 28,– 

Rainer Fetting. 

Manscapes 

Kola. 2009 

978-3-86560-596-2 

€ 28,– 

Herausgegeben von Daniel J. Schreiber. 

Texte von Thomas Wagner, Travis Jeppesen und Daniel J. Schreiber 

Rainer Fettings Männerbilder bezeugen sinnliches Begehren und ein hohes Maß an 

kompositorischer Reflektiertheit. Verschiedene Facetten männlicher Erotik und Identität 

finden sich auf den zwischen 1974 und 2010 entstandenen Werken wieder: der 

klassische Akt, der badende Boy oder der Mann im Fummel. Mit den Aufsätzen von 

Travis Jeppesen und Thomas Wagner sowie seinen 65 farbigen Abbildungen würdigt 

dieser Band nicht nur das Thema der Männerbilder, sondern auch das Werk eines 

großen deutschen Malers der Gegenwart. 

In addition to sensual appetency, Rainer Fetting’s paintings of men testify to a high 

degree of compositional reflection. The works, produced between 1974 and 2010, 

encompass different facets of male eroticism and identity: the classic nude, the bathing 

boy, or the man in drag. With essays by Travis Jeppesen and Thomas Wagner as well as 

65 colour illustrations, this volume pays tribute not only to the subject of male images, 

but to Fetting’s extremely extensive œuvre. 

• Rainer Fetting, geb. 1949 in Wilhelmshaven. Lebt und arbeitet in Berlin und New York. 

• Kunsthalle Tübingen, 02.10. – 05.12.2010 



The art of Andreas Schulze was and is, in the most positive sense of the word, outmoded. 

He has never cared about the trends in the operating system of art. Schulze 

paints things; idiosyncratic, large-format, colour-intense motifs with ornaments, 

spheres, square and rectangular forms, mostly in a perspective style. He designs living 

rooms with furniture, lamps, carpets and crockery: insights into an old-fashioned, naïve 

world of German cosiness, a design far away from modernist ideas. 

This extensive monograph is the endeavour to investigate the phenomenon that is Andreas 

Schulze and to comprehend his work in the context of post-modern artistic practise. 


28 x 24,2 cm, 200 Seiten, 

240 farbige und 80 s/w Abbildungen. 

Hardcover 

Deutsch 

978-3-86560-879-6 

@ 38,– 

Kunst / Art 

Andreas Schulze, geb. 1955 

in Hannover. Lebt und arbeitet 

in Köln. Professor an der 

Kunstakademie Düsseldorf. 

Sammlung Falckenberg 

Hamburg, 2010 

Leopold-Hoesch-Museum & 

Papiermuseum Düren, 

05.09. – 21.11.2010 

Statements: 

George Condo, Lynn Cooke, Zdenek 

Felix, Peter Fischli und 

David Weiss, Robert Fleck, 

Thomas Grünfeld, Axel Heil, 

Gary Hume, Kasper König, 

Ralph Rugoff, Gert & Uwe Tobias 


Andreas Schulze. 

Interieur 

Herausgegeben von Harald Falckenberg und Renate Goldmann. 

Texte von Margrit Brehm, Harald Falckenberg, Renate Goldmann und Stephan 

Schmidt-Wulffen. Interview von Susanne Rennert und Michael Trier 

Die Kunst Andreas Schulzes war und ist im besten Sinne des Wortes unzeitgemäß. 

Nie hat er sich um die Trends im Betriebssystem Kunst gekümmert. Schulze malt 

Dinge, eigentümlich großformatige, farbintensive Motive mit Ornamenten, Kugeln, 

quadratischen und rechteckigen Formen, meist perspektivisch angelegt. Er gestaltet 

Räume, Wohnzimmer mit Mobiliar, Lampen, Teppiche und Geschirr. Es sind Einblicke 

in eine altmodisch-naive Welt deutscher Gemütlichkeit, ein Design fernab modernistischer 

Vorstellungen. 

Die vorgelegte umfangreiche Monografie ist der Versuch, dem Phänomen Andreas 

Schulze und seinem seit 30 Jahren konstanten Werk auf die Spur zu kommen und 

seine Arbeit im Kontext postmoderner Kunstpraxis zu begreifen. 


21,8 x 30,5 cm, 232 Seiten, 


Broschur 


978-3-86560-818-5 

@ 42,– 

Kunst / Art 


Harun Farocki, geb. 1944 in Novy Jicin 

(Neutitschein), Tschechien. 

Lebt und arbeitet in Wien und Berlin. 

Kunsthaus Bregenz, 

23.10.2010 – 09.01.2011 


Against what? Against whom? 2009 

978-3-86560-587-0 

@ 29,80 


Harun Farocki 

Herausgegeben von Yilmaz Dziewior. Mit Beiträgen von Jan Verwoert, Christa 

Blümlinger, Stuart Comer, Seamus Kealy, Thomas Keenan, Matthias Rajmann und 

einem Gespräch zwischen Harun Farocki und Yilmaz Dziewior 

Die Publikation versammelt Essays international renommierter Autoren, die sich 

mit Farockis Werken kenntnisreich auseinandersetzen. Während Jan Verwoert eine 

grundlegende Einführung in das zwischen Kunst, Dokumentation, Spielfilm und 

Medienkritik changierende Schaffen Farockis leistet, wird im Gespräch zwischen 

Yilmaz Dziewior und Harun Farocki die aktuelle Installation im Kunsthaus Bregenz 

thematisiert. Zahlreiche Abbildungen begleiten die werkerläuternden Essays. Zum 

Teil bisher unveröffentlichte Tagebuchtexte Farockis vervollständigen die Publikation. 

This publication brings together knowledgeable essays on the work of Harun Farocki by 

internationally renowned authors. While Jan Verwoert affords a fundamental introduction 

to Farocki’s work, the discussion between Yilmaz Dziewior and Harun Farocki 

focuses on the current installation in Kunsthaus Bregenz. Extracts from Farocki’s diary, 

many of which are thus far unpublished, round off the publication. 


14,5 x 20,5 cm, 208 pages. 

Softcover with dustjacket 

English 

978-3-86560-857-4 

@ 24,– 

Artist Book / Künstlerbuch 

12 x 18,4 cm, 112 pages, 

c. 20 b/w illustrations. 

Softcover 

English 

978-3-86560-918-2 

c. @ 16,80 

Art Theory / Kunsttheorie 

November 2010 


Zvi Goldstein. 

Room 205 

In poetry and prose, Zvi Goldstein relates his state of consciousness shortly after waking 

up, based on a minute-long flashback he once had in a Tel Aviv hotel room with the 

number 205. The text contrives a kaleidoscopic panorama of daydreams, fantasy and 

hallucination, artistic, cultural and philosophical musings as well as reflections on the 

author’s own existence as an artist. 

In Gedichten und Prosaabschnitten erzählt Zvi Goldstein von seinem Bewusstseinszustand 

kurz nach dem Aufwachen, basierend auf einem zurückliegend erlebten 

1-minütigen Flashback in einem Tel Aviver Hotelzimmer mit der Nummer 205. 

Der Text entwirft ein kaldeidoskopartiges Panorama aus Tagtraum, Fantasie und 

Halluzination, künstlerischen, kulturellen und philosophischen Überlegungen sowie 

der Reflexion über sein eigenes Dasein als Künstler. 

Mit Room 205 erscheint nach dem Band On Paper das zweite Buch des israelischen 

Konzeptkünstlers. 

• Zvi Goldstein, born 1947 in Cluj, Transylvania. Lives and works in Jerusalem. 

• The Israel Museum, Jerusalem 2010, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen K20, 

Düsseldorf, November 2011 – 26.02.2012 


KWB 29. On Paper. 2004 

978-3-88375-865-7 

€ 24,80 


Raising Frankenstein. 

Curatorial Education and Its Discontents 

Edited and Introduction by Kitty Scott. Texts by Barbara Fischer, Teresa Gleadowe, 

Francesco Manacorda, Cuauhtémoc Medina and Lourdes Morales 

Raising Frankenstein presents compelling new writing that explores the education and 

formation of curators. This book offers an overview of recent thinking on curatorial pedagogy, 

designed to elucidate, define and build on current debates surrounding this subject. 

The questions posed here are timely and provocative. The five essays provide a set of 

cogent inquiries and analyses for all those who concern themselves today with the 

presentation and theorization of contemporary art. At its heart lies the single question, 

“Where does the curatorial profession reside?” 

Was macht den Beruf des Kurators aus? Auf diese Frage gibt die Publikation Antworten 

und setzt sich mit der Arbeit, der Ausbildung sowie der Zukunft eines Berufes 

auseinander, der ständig neuen An- und Herausforderungen unterworfen ist. 

• Raising Frankenstein is developed from the conference Trade Secrets: Education / 

Collection / History, organized by the Banff International Curatorial Institute in 

collaboration with Teresa Gleadowe, and held at The Banff Centre, 

November 12 – 14, 2008. 


16 x 22 cm, 208 pages, 

70 b/w illustrations. 

Hardcover 

English 

978-2-916275-74-1 

@ 24,– 

Art / Kunst 

November 2010 

Denys Riout is an Emeritus 

professor of the history of modern 

and contemporary art 

at the Sorbonne in Paris. 

Yves Klein, born 1928 in Nizza, 

died 1962 in Paris. 


Yves Klein. USA. 

Éditions Dilecta 2010 

978-2-916275-64-2 

€ 28,– 

Klaus Ottmann. 

Yves Klein by himself. 

Éditions Dilecta 2010 

978-2-916275-73-4 

€ 24,– 


Denys Riout. 

Yves Klein: Expressing the Immaterial 

In April 1958, Yves Klein presented an exhibition in which no painting, no sculpture, 

no object was visible. Thanks to this “immaterialization of the painting,” he hoped 

to “create an ambience, a pictorial climate that is invisible but present,” capable of 

expressing the essence of painting: the “immaterial pictorial sensibility.” 

Klein also thought of using the bodies of young women as “living paintbrushes.” 

Leaving the impression of their bodies on supports provided for that purpose, they 

produced visible paintings, the “Anthropometries.” These two modes of existence of 

his œuvre are based on the heart of religion, the Incarnation. That is the intuition 

developed in this publication, which locates, beyond the disparity of the creations, 

the profound unity of the artist’s preoccupations. 

In einer Ausstellung 1958 zeigte Yves Klein kein einziges Objekt. Sein Verständnis 

von Malerei beschrieb er als „immaterielle, bildnerische Sensibilität“. 

Die Publikation behandelt die Frage, wie Klein sein Werk begriff – jenseits von 

„Verkörperlichung“ oder immaterieller Annäherung. 

distribution for éditions dilecta, paris 


22 x 16 cm, 72 pages, 

100 colour illustrations, 

with a DVD 

(3 films by the artist). 

Hardcover 

English 

978-2-916275-85-7 

@ 20,– 

Art / Kunst 

November 2010 

William Kentridge, born 1955 

in Johannesburg, South Africa. 

Lives and works in Johannesburg. 

Louvre, Paris 2010 


KWB 28 

William Kentridge. 

Thinking Aloud. 2005 

978-3-86560-863-3 

€ 28,– 


William Kentridge. 

Carnets d’Égypte 

William Kentridge has long been interested in the theme of ancient Egypt. Carnets 

d’Égypte comprises a sometimes ironic, sometimes romantic new take on some key 

figures of ancient Egypt, whose features Kentridge assumes: the scribe, the architect, 

and especially the sphinx, symbol of the enigma of human life. This series presents the 

opportunity to bring together the artist’s work and his sources of inspiration. 

Inspired by the drawings of the artists and travellers of the past—including Carracci, 

Delacroix, Le Brun, Poussin, and Degas—this book features a collection of his works in 

various media (charcoal drawings, pen and ink drawings, collages, animated films, and 

performance pieces). 

Wiliam Kentridges Faszination für das Alte Ägypten lässt sich in seinem Werk 

wiederfinden. Die Publikation zeigt seine manchmal ironische, manchmal auch 

romantische Sicht auf Schlüsselmotive des Alten Ägypten, die er in seinen 

Zeichnungen festgehalten hat. 

distribution for éditions dilecta, paris 


An awareness of yourself comes 

from a certain amount of activity 

and you can’t get it from just thinking 

about yourself. 

Bruce Nauman 


By means of a prominent selection of works, this volume shows that the self-portrait 

lost none of its topicality in the second half of the 20th-century. The steadily growing 

importance of photography and film has not threatened the existence of this genre, 

rather it has widened the range of medias in which artistic self-reflection is now carried 

out. Beginning with the work of Andy Warhol, Bruce Nauman and Joseph Beuys, 

conceptual and abstract ideas, but also forms of self-portrait that consciously adhere to 

the traditional medium of painting, are introduced and positioned within a larger art 

historical context in four essays. 

The selected positions demonstrate to what extent critical questions of authorship, the 

individual, gender and genius are discussed and simultaneously how the self-consciousness, 

pride, weakness, vulnerability and failure of the artist is handled in ever-new forms. 

The title of the publication refers back to the name of a picture by Martin Kippenberger, 

which simply reversed the famous Joseph Beuys adage that every human being is an 

artist. Every artist is a human being! reminds us succinctly and fittingly that artists are 

also people like you and I. 


21,5 x 27 cm, 256 Seiten, 


Hardcover mit Lesebändchen 


978-3-86560-884-0 

@ 38,– 

Kunst / Art 

Kunsthalle Baden-Baden, 

11.09. – 28.11.2010 

Mit Werken von 

Bas Jan Ader, John Baldessari, 

Joseph Beuys, Werner Büttner, 

VALIE EXPORT, Günther Förg, 

Andrea Fraser, General Idea, 

Isa Genzken, Gilbert & George, 

Félix González-Torres, 

Martin Kippenberger, Imi Knoebel, 

Jeff Koons, Maria Lassnig, 

Bruce Nauman, Albert Oehlen, 

Palermo, Cindy Sherman, 

Katharina Sieverding, 

Andy Warhol und Franz West 


Jeder Künstler ist ein Mensch! 

Positionen des Selbstportraits 

Herausgegeben und mit einem Vorwort von Karola Kraus. 

Texte von Daniele Gregori, Doris Krystof, Veit Loers und David Riedel 

Anhand einer prominenten Werkauswahl zeigt dieser Band, dass das Selbstportrait 

auch in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts nichts von seiner Aktualität verloren 

hat. Die stetig wachsende Bedeutung von Fotografie und Film haben dem Genre 

nichts anhaben können, sondern vielmehr die Bandbreite der Medien erweitert, in 

denen sich die künstlerische Selbstbefragung nunmehr vollzieht. Ausgehend von 

Andy Warhol, Bruce Nauman und Joseph Beuys werden konzeptuelle und abstrakte 

Ideen, aber auch bewusst am traditionellen Medium der Malerei festhaltende Formen 

des Selbstbildnisses vorgestellt und in den vier Essays in einen größeren kunsthistorischen 

Zusammenhang gestellt. Die ausgewählten Positionen demonstrieren 

beispielhaft, inwiefern dabei kritische Fragen zu Autorschaft, Individuum, Geschlecht 

und Genie diskutiert und gleichzeitig Selbstbewusstsein, Stolz, Schwäche, Verletzlichkeit 

und Scheitern der Künstler in immer neuen Formen behandelt werden. 

Der Titel der Publikation geht auf einen Bildtitel von Martin Kippenberger zurück, der 

das berühmte Diktum von Joseph Beuys, nach dem jeder Mensch ein Künstler sei, 

einfach umgekehrt hat. „Jeder Künstler ist ein Mensch!“ erinnert ebenso lapidar wie 

treffend, dass auch Künstler Menschen wie du und ich sind. 


21 x 26 cm, 124 Seiten, mit 88 ganz- 

seitigen, farbigen Abbildungen. 

Broschur mit transparentem Einband. 

Mit einem 40-seitigen Textheft, 

mit Gummiband befestigt 

Deutsch / English / Italian 

978-88-96501-19-1 

@ 34,– 

Kunst / Art 

21 x 27 cm, 64 Seiten, 10 s/w 

und 40 farbige Abbildungen. 

Schweizer Broschur 


978-3-86560-760-7 

@ 16,80 

Kunst / Art 


Isa Genzken 

Herausgegeben und mit einem Text von Letizia Ragaglia 

Die Publikation ist eine übergreifende Darstellung der wichtigsten Werke Isa Genzkens 

der letzten drei Jahrzehnte. Die Arbeiten erscheinen nicht in chronologischer Reihenfolge, 

sondern gehen den unterschiedlichen Formuntersuchungen der Künstlerin nach, 

mit denen sie sich ausdrückt und mit ihrer Zeit auseinandersetzt. 

Lose in den Bilderfluss eingefügt sind zehn Hommagen von Künstlerkollegen an 

Isa Genzken: Monica Bonvicini, Simon Denny, Liam Gillick, Jutta Koether, Mark 

Leckey, Nick Mauss, Elizabeth Peyton, Lawrence Weiner und Cerith Wyn Evans haben 

eigenständige Arbeiten mit Texten oder Bildern zu Werk und Person der Künstlerin 

beigesteuert. 

• Isa Genzken, geb. 1948 in Bad Oldesloe. Lebt und arbeitet in Berlin. 

• MUSEION / Museum für moderne und zeitgenössische Kunst, Bozen / Bolzano, 

10.09.2010 – 16.01.2011 

• Distribution for Mousse Publishing 


Sesam öffne Dich! 

Retrospektive. 2009 

978-3-86560-583-2 

€ 48,– 

Mike Bouchet. 

Neues Wohnen / New Living 

Herausgegeben von Matthias Ulrich und Max Hollein. 

Vorwort von Max Hollein. Einleitung von Matthias Ulrich 

Auf der Biennale in Venedig 2009 zeigte Mike Bouchet Watershed, ein im Hafenbecken 

des Arsenale schwimmendes Einfamilienhaus. Das für amerikanische Vorstädte 

typische Eigenheim symbolisiert für Bouchet den Traum von Eigenständigkeit und 

Individualität. Für die Ausstellung in der Schirn wurde es zerlegt und in die neue 

Skulpturengruppe Sir Walter Scott umgewandelt, die erneut gedankliche Konzepte für 

visionäre Wohnsituationen vorstellt. 

At the 2009 Venice Biennale, Mike Bouchet showed Watershed, a 250 square metre 

single-family house, which he floated in a Venice canal in an attempt to promote the 

suburbanization of water. For Bouchet, a suburban home is a commercialized architectural 

fantasy: dream houses sold in kits for the mass consumer. 

• Mike Bouchet, geb. 1970 in Castro Valley, Kalifornien. Studium an der University of 

California, Los Angeles (UCLA). Lebt und arbeitet in Frankfurt. 

• Schirn Kunsthalle Frankfurt, 2010 

Der SPIEGEL 1989– 91. 

2003 

978-3-88375-645-5 

€ 38,– 


AC. Tillmans / Genzken. 

2001 

978-3-88375-539-7 

€ 14,80

17 x 24 cm, 320 Seiten, 


Hardcover 


978-3-86560-885-7 

@ 29,90 

Kunst / Art 

17 x 24 cm, 380 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-883-3 

@ 24,80 



Konzept Aktion Sprache. 

Pop-Art, Fluxus, Nouveau Réalisme, Arte Povera 

aus den Sammlungen Hahn und Ludwig 

Herausgegeben von Achim Hochdörfer, Wilfried Kuehn, Susanne Neuburger. 

Vorwort von Edelbert Köb. Texte von Liz Kotz und Michelle Kuo 

1979 wurden die beiden rheinischen Sammlungen Hahn und Ludwig anlässlich 

deren erster Präsentation im Wiener Palais Liechtenstein publiziert. Die beiden 

Sammlungen bilden bis heute mit exzellenten Exponaten der 1960- / 70er-Jahre 

einen bedeutenden Komplex der Sammlung des Museums und werden hier erstmals 

einer wissenschaftlichen Analyse unterzogen. Das Interesse der Kuratoren bei 

Ausstellung und Publikation gilt der Verschränkung von sprachlichen, visuellen und 

performativen Darstellungsformen. 

Die österreichischen Kunstrichtungen der 1960er-Jahre korrespondieren mit den 

internationalen Verschränkungen zwischen Pop-Art, Fluxus und Konzeptkunst, im 

Bestreben den Illusionismus des Tafelbildes zu überwinden. 

The latest presentation of the MUMOK collection is devoted to important art 

developments of the late 1950s, right up to the 1970s. The main interest is in the 

interconnection of linguistic, visual and performative forms of representation. 

• Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien 

Gender Check: A Reader. 

Art and Gender in Eastern Europe since the 1960s 

Edited by Bojana Pejic 

After 1989, a serious body of knowledge has been produced in the former socialist states 

as well as in the West that theorizes the notion of gender and gender relations established 

in state-socialism and in the post-communist era. However, the existing volumes rarely 

(if ever) pay attention to the construction of femininity and masculinity in visual arts. 

The Gender Check Reader presents, for the first time, an extensive collection of texts 

that explicitly analyse visual arts created before and after 1989 in the “other” Europe in 

terms of gender and feminist theories. 

Der Gender Check Reader bietet die erste repräsentative Textsammlung von meist 

ost europäischen Autoren zum Gegenstand der Geschlechterrollen in der modernen 

Kunst. 

• Museum für Moderne Kunst Wien, 2010 

Zacheta National Gallery of Art Warsaw, 2010 


Gender Check. 

Feminity and Masculinity in the 

Art of Eastern Europe. 2010 

978-3-86560-783-6 

€ 32,– 


Und hier wohnt Josty! – 

Ihr Götter des Olymp, wie würde ich 

euch euer Ambrosia verleiden, wenn 

ich die Süßigkeiten beschriebe, die dort 

aufgeschichtet stehen. Oh, kenntet ihr 

den Inhalt dieser Baisers! Oh, Aphrodite, 

wärest du solchem Schaum entstiegen, 

du wärest noch viel süßer! 

Heinrich Heine 

Die innere Reise / A Journey 

within. 2008 

978-3-86560-549-8 (Dt. Ausgabe) 

978-3-86560-624-2 (Engl. Edition) 

€ 28,– 

Pasteten. Pasteten. Pasteten. 

2009 

978-3-86560-714-0 

€ 28,– 


The products of a patisserie are among the most pleasing creations of the human 

genius. As the legendary cook Marie-Antoine Carême said, there are five fine arts: 

painting, sculpture, poetry, music and architecture, whose principle branch is pastry 

making. This book is a homage to sugar and the great deeds of the cooks, confectioners 

and bakers, who refine it into edible and drinkable art, even if most of their achievements 

are fleeting: prepared with great effort—eaten instantly. 

Charlotte Birnbaum’s text, illustrated by Christa Näher, reminds us of these minor 

miracles and brings sweetness—in the form of numerous recipes for lemonade, jams, 

jellies, omelettes, creams, tarts, soufflés, meringues, petit fours, marzipan creations 

and other treats—into our kitchens. 

DAS SCHAUESSEN 

Italienische Brüse 

in derSonne 

Rezept derFuturistischen Luftmalerin MarisaMori. 

FilippoTommasoMarinetti gründete am 8. März 1931 eine 

Experimentalküche in Turin unterdem Namen«Santopalato»– 

dieTaverne zum«Heiligen Gaumen». Hier organisierte er 

mitseinenFreundenfuturistische Bankette, 

um Leckereien wiediese zu genießen: 

Man forme zwei Halbkugeln von Mandelteig. ImZentrum 

einer jeden erhebt sich eine frische Erdbeere. Darauf gieße 

manEierpunschund Zonenaus Schlagsahne. Mankann 

das Ganze mit starkem Pfeffer bestreuen und mit kleinen 

rotenPfefferschotengarnieren. 


12,5 x 21 cm, 164 Seiten, 

20 Bildtafeln mit 

80 farbigen Abbildungen. 


Deutsch 

978-3-86560-909-0 

@ 24,80 

Kunst / Art 

Charlotte Birnbaum, geb. in Stockholm, 

Kunsthistorikerin. Lebt und arbeitet 

in Stockholm und Frankfurt a. M. 

Christa Näher, geb. in Lindau 

(Bodensee). Lebt und arbeitet in 

Frankfurt a. M. und Wolfegg. 

Professur an der Städelschule 

Frankfurt a. M., Ausstellungen u. a. 

documenta IX 1992. 


Charlotte Birnbaum. 

Bon! Bon! Vom Zauber süßer Speisen 

Text von Charlotte Birnbaum. Illustrationen von Christa Näher 

Zu den beglückendsten Schöpfungen des menschlichen Genies gehören die 

Erzeugnisse der Patisserie. Dabei war Zucker in früheren Zeiten sehr teuer, und nur 

Fürstenhöfe konnten sich den Reichtum von Süßigkeiten leisten. Der legendäre Koch 

Marie-Antoine Carême meinte zu Recht, es gebe fünf schöne Künste: die Malerei, 

die Bildhauerei, die Dichtkunst, die Musik und die Architektur, deren Hauptzweig die 

Zuckerbäckerei sei. 

Dieses Buch ist eine Würdigung des Zuckers und der Großtaten der Köche, Konditoren 

und Zuckerbäcker, die ihn zu ess- und trinkbarer Kunst zu verfeinern wussten und wissen. 

Doch die meisten ihrer Leistungen sind flüchtig: aufwendig zubereitet – sogleich 

verspeist. Mit Illustrationen von Christa Näher erinnert Charlotte Birnbaum an diese 

vollbrachten Wunder und bringt das Süße in Gestalt zahlreicher Rezepte von Limonaden, 

Marmeladen, Gelees, Omeletts, Cremes, Tartes, Soufflés, Baisers, Petits Fours, 

Marzipankreationen und anderen Köstlichkeiten ganz nah – bis in die eigene Küche. 

Laut Nostradamus kommt der Weltuntergang im Jahr 2012, also lasst uns das Leben 

jetzt genießen! Lasst uns verhindern, dass die Choleriker Lärm machen, lasst uns unsere 

Bärte färben und die Herrlichkeit des Zuckers genießen! 

Alle Liebenswürdigkeiten, die man macht, verwandeln sich im Winter in 

kandierte Früchte. 

Stéphane Mallarmé 



Band 1: 15. und 16. Jahrhundert. Vom Astrolab zum mathematischen Besteck. 

Als es im späten Mittelalter zum Aufblühen der astronomischen Studien kam, 

waren die Instrumente noch einfach und ohne Zierde. Nachdem die Herrscher im 

16. Jahrhundert ihre Neigung zu den Wissenschaften entdeckten, enstanden im 

Umfeld der Höfe die berühmten Kunst- und Wunderkammern. Die wissenschaftlichen 

Instrumente dienten jetzt nicht mehr ausschließlich dem Zweck, sie mussten 

gleichzeitig Kunstgut sein. 

Aus dieser Zeit werden 99 Instrumete auf 120 farbigen Tafeln und 101 s/w Abbildungen 

präsentiert und beschrieben. Zu ihnen gehören etwa zehn europäische 

Astrolabien, zwanzig Instrumente aus den Werkstätten von Schissler und Habermel, 

Klappsonnenuhren aus Nürnberg, Sonnenuhren, Sternuhren, Wegmesser, Vermessungsinstrumente 

sowie bedeutende Tisch- und Taschenuhren. 

Band 2: 17. Jahrhundert. Vom Compendium zum Einzelinstrument. 

Unter den im 17. Jahrhundert eingetretenen Veränderungen der Naturwissenschaften 

verloren vor allem die Astrolabien und Compendien an Bedeutung. An ihre Stelle 

traten eine ganze Reihe von Instrumenten mit einzelnen Funktionen. Im weiteren 

Verlauf des Jahrhunderts wurde die Mathematik an den meisten Instrumenten zur 

Grundlage der Funktion. Der Band zeigt 151 Instrumente in 120 Farbtafeln und 148 s/w 

Abbildungen, darunter zwanzig Klappsonnenuhren aus Nürnberg, mehrere Geschützaufsätze 

von Trechsler, Volckmer, Reinmann und anderen Kunsthandwerkern, Proportional-, 

Reduktions- und Stechzirkel, französische Horizontalsonnenuhren, englische 

Quadranten, viele Stücke aus der berühmten Werkstatt von Martin und Willebrand, 

Globen, Armillarsphären und präzise Instrumente für den Vermesser und Mark scheider. 

Schließlich ergänzen Sonnenuhren, immerwährende Kalender, Tisch- und Taschenuhren 

aus herrschaftlichem Besitz das gezeigte Instrumentarium. 

Band 3: 18. Jahrhundert. Streben nach Genauigkeit in Zeit und Raum. 

Im 18. Jahrhundert gab die Entwicklung in der Optik dem Streben des Menschen nach 

Genauigkeit eine neue Facette. In Verbindung mit dem Wunsch, Entferntes näher an 

sich heranzubringen, entstanden optische Systeme, mit denen die Wunder der Natur 

im Kleinen sichtbar wurden. Das Aufkommen der praktischen Wissenschaften und 

der damit einhergehende Bedarf an Instrumenten bewirkten ein Ringen von Prunk 

und Sachlichkeit im Instrumentenbau. Gezeigt werden 178 Beispiele in 160 Farbtafeln 

und 121 s/w Abbildungen. Zu ihnen gehören prunkvolle Sonnenuhren, englische 

Theodolite von Sisson, Heath und Ramsden, Mikroskope von Marshall, Culpeper, 

Scarlett, Cuff, Martin und Adams, Prunkmikroskope aus dem französischen Raum, 

einfache Mikroskope aus den Niederlanden, mehr als fünfzehn Instrumente von 

Brander und weitere aus anderen deutschen Werkstätten. 

Band 4: 19. Jahrhundert. Perfektion von Optik und Mechanik. 

Im Verlauf des 19. Jahrhunderts kam es immer öfter zu Begebenheiten, in denen 

der Fortschritt im Instrumentenbau die Möglichkeiten der Wissenschaften selbst 

erweiterte. Am Ende hatten sich die Naturwissenschaften zu einem Zulieferer von 

theoretischen Grundlagen für die angewandte Technik gewandelt, und Letztere 

übernahm die Führerschaft in der Weiterentwicklung der Instrumente. Was ihr 

Erscheinungsbild anging, war es frei von Tradition und beruhte nur noch auf einer 

soliden Konstruktion. Abgebildet sind 179 mechanische und optische Instrumente 

auf 152 Farbtafeln und 156 s/w Abbildungen, die meist aus dem deutschsprachigen 

Raum stammen. Für den einfachen Gebrauch gedachte Gerätschaften wechseln sich 

mit anspruchsvollen ab. Es gibt sechs Instrumente aus dem Institut von Reichenbach 

und Fraunhofer, weitere von deren Nachfolgern in München und Wien, mehr als 

zwanzig Instrumente von Breithaupt, Mikroskope und Theodolite aus den Berliner 

Werkstätten, vollständige Baureihen aus der frühen Zeit der optischen Industrie in 

Wetzlar und jeweils fünf herausragende Arbeiten von Schieck und Plössl. 


19 x 27 cm. 4 Einzelbände, 

Leinen mit Titelschild, Prägung 

und Schutzumschlag 

Deutsch 

Band 1 

572 S, 120 farb. Tafeln, 101 s/w Abb. 

978-3-86560-865-9 

Subskriptionspreis € 680,– 

danach € 750,– 

Band 2 

584 S., 120 farb. Tafeln, 145 s/w Abb. 

978-3-86560-866-6 



Band 3 


978-3-86560-867-3 



Band 4 


978-3-86560-868-0 



Alle Bände zusammen 

978-3-86560-772-0 

Subskriptionspreis bis 31.12.10 € 2.000,– 

danach € 2.400,– 

Kunst / Art 


Ralf Kern. 

Wissenschaftliche Instrumente in ihrer Zeit. 

Vom 15. bis 19. Jahrhundert. 4 Bände 

Jeder Band enthält eine ausführliche, illustrierte Bibliografie und ein wissenschaftliches 

Instrumentenverzeichnis mit Angaben von: 

Bezeichnung des Instrumentes, Entwurf, Werkstatt, Ort, Maße, Material, Signatur, 

Datierung, Provenienz, Literaturangaben sowie Kommentaren mit zahlreichen 

s/w Abbildungen von Entwürfen, Details, Signaturen und Zustand. 

Die vierbändige Ausgabe widmet sich wissenschaftlichen Instrumenten vom 

Mittelalter bis in die Neuzeit. Die meisten der ganzseitig auf Tafeln abgebildeten 

Instrumente stammen aus einer über Generationen zusammengestellten, bisher 

unbekannten Privatsammlung von hoher Qualität und werden hier bis auf wenige 

Ausnahmen erstmals publiziert und wissenschaftlich erfasst. 

Die Ausführungen zur Geschichte der wissenschaftlichen Instrumente lassen den 

Leser in einer Art Zeitreise durch fünf Jahrhunderte viele Veränderungen in der 

Philosophie, den Wissenschaften und den mechanischen Künsten erfahren. Dabei 

sind sowohl die Konstruktion und Anfertigung der mathematischen und optischen 

Instrumente als auch der praktische Umgang mit ihnen Hauptgegenstand der 

Betrachtung. Das vierbändige Werk mit vielen erzählerischen Passagen bietet 

fundierte historische und technisch-wissenschaftliche Fakten. 

Ein umfassendes Standardwerk für Sammler, Wissenschaftler und interessierte Laien. 

Each volume contains a detailed, illustrated bibliography and a scientific catalogue 

of the instruments with information on the description, design, workshop, location, 

weight, material, signature, dating and origin of the instruments, references to related 

literature, as well as comments with numerous b/w illustrations of designs, details, 

signatures and condition. 

This four-volume edition is devoted to scientific instruments, from the medieval period 

to the modern age. Most of the instruments, illustrated on full-page plates, come from 

a private collection of high quality, thus far unknown, which has been put together over 

generations, and, with a few exceptions, are published and scientifically recorded here 

for the first time. 

A comprehensive standard work for collectors, scientists and interested laymen. 


15,5 x 23 cm, 408 pages, 


Softcover 

English 

978-3-86560-721-8 

@ 49,80 


Published now / Soeben erschienen 

Kunstwissenschaftliche Bibliothek, Vol. 42 

Series Editor Christian Posthofen 

Martin Schmidl, born 1962 in Gräfelfing, 

Munich. Lives and works in Aachen. 

still available / 

weiterhin lieferbar: 

Martin Schmidl. Uni-Ball 

Eye Mitsubishi 1. 2004 

978-3-88375-836-7 

€ 48,– 

Martin Schmidl. Zeichnungen. 

Uni-Ball Eye Mitsubishi 2. 2006 

978-3-86560-164-3 

€ 48,– 


bereits angekündigt / previously announced 

Martin Schmidl. 

Postwar Exhibition Design. Displaying Dachau 

Martin Schmidl writes of the history of exhibition design from 1945 to today. His specific 

object of investigation, the exhibition of Nazi atrocities in a concentration camp in 

Dachau, near Munich, mirrors the international development of exhibition design in the 

last 60 years. From this first exhibition in Dachau, which was organised in a makeshift 

manner by US soldiers and former concentration camp prisoners directly after its liberation, 

up to today’s history museums, Schmidl also presents the fundamental problem 

with memorials—the growing distance between a narrative history and professional 

visualisation. 

Martin Schmidl schreibt die Geschichte eines bisher kaum bekannten Ausstellungs- 

designs von 1945 bis heute. Sein besonderer Untersuchungsgegenstand, die Aus stellung 

über die Nazi-Verbrechen in dem durch die US-Armee befreiten Konzentrationslager 

in Dachau bei München, spiegelt die internationale Entwicklung der Ausstellungsgestaltung 

der letzten 60 Jahre. Von der ersten Ausstellung in Dachau, unmittelbar 

nach der Befreiung provisorisch von US-Armee und KZ-Häftlingen ein gerichtet, bis 

zum heutigen Geschichtsmuseum zeigt Schmidl auch das grundsätzliche Problem 

von Gedenkstätten, das Auseinandertreten von erzählter Geschichte und professioneller 

Visualisierung. 

Those fucking Germans really pulled it off (…) a nice mixture of decorum and hygiene, 

a perfect sense of the tragic but without the horror, just as it should be, and yet (…) 

that damn museum is quite something, really nicely done, I mean well presented, 

well organized, coherent, educational (…). 

Jack Miller 


15,5 x 23 cm, 416 Seiten, 

mit 201 Abbildungen. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-907-6 

@ 48,– 

Kunsttheorie / Art Theory 

November 2010 

Philippe Parreno, geb. 1964 in Oran, 

Algerien. Lebt und arbeitet in Paris. 

Jörn Schafaff, geb. 1970, wissenschaftlicher 

Mitarbeiter an der Hochschule 

für Grafik und Buchkunst Leipzig. 

Lebt in Berlin. 


Conversation Series # 14. 

Parreno. Hans Ulrich Obrist. 2008 

978-3-86560-340-1 

€ 14,80 

sowie zahlreiche Bände der 

Kunstwissenschaftlichen 

Bibliothek KWB 


Philippe Parreno. 

How We Gonna Behave? Angewandtes Kino 

Text von Jörn Schafaff. 

Kunstwissenschaftliche Bibliothek 48. Herausgegeben von Christian Posthofen 

An Philipp Parrenos Kunst lassen sich exemplarisch wichtige Tendenzen der Kunst 

der letzten zwanzig Jahre nachvollziehen; die kritische Beschäftigung mit den 

Bedingungen des Ausstellens, die damit verbundene Auffassung des Ausstellens als 

Kunstwerk, die Orientierung künstlerischer Verfahren an Film und anderen kulturell 

dominanten Informationsformaten und die Etablierung einer Kultur des Gebrauchs, 

verstanden als an die eigenen Bedürfnisse angepasste Anwendung von Dingen, 

Diskursen und sozialen Formen. 

Schafaffs Buch geht diesen Bezügen nach und ordnet sie systematisch und nachvollziehbar 

in den geistesgeschichtlichen Kontext. So leistet diese erste umfassende 

Monografie zu Philipp Parreno nicht nur verständliche Einsichten in das oft drehbuchartige 

Werk des Künstlers, sondern auch eine im zeitgenössischen Diskurs 

begründete ästhetische Theorie als Interpretation der Gegenwart. 


11 x 19 cm, 62 Seiten. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-863-5 

@ 7,80 


24 x 27 cm, 44 Seiten, 

58 Abbildungen. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-86560-889-5 

@ 16,80 

Architektur / Architecture 


Siegfried Zielinski. 

Entwerfen und Entbergen. 

Flusser Lectures 

Projektion bezeichnet ein vieldeutiges Feld von Konzepten, Artefakten und Techniken, 

Psycho-Taktiken und vor allem visueller Praxen. Im Zentrum geht es um die Frage, wie 

Ausschnitte aus der erfahrbaren oder imaginierten Welt auf eine zweidimensionale 

Fläche zu bringen sind. Daraus ist im 20. Jahrhundert eine allgemeine, weit verbreitete 

Kulturtechnik geworden. In einer medienarchäologischen Suchbewegung führt 

der Text wichtige Herkünfte für die Theorie und Praxis der Projektion vor. Er führt die 

Unterscheidung von Bild- und Sehmaschinen ein. In philosophischer Hinsicht wird 

das Konzept des Entwerfens von Vilém Flusser mit der Heidegger’schen Idee des 

Entbergens zusammengedacht. 

• Siegfried Zielinski, Lehrstuhlinhaber für Medientheorie mit dem Schwerpunkt 

Archäologie & Variantologie der Medien und Leiter des Vilém-Flusser-Archivs an 

der Universität der Künste Berlin. 


Alexander Galloway. 

Außer Betrieb. Das 

müßige Interface. 

978-3-86560-787-4 

€ 5,80 

Rainer Guldin. 

Wolkenformationen. 

978-3-86560-420-0 

€ 5,80 

Mathieu Wellner. 

Die Theresienwiese. Analyse und Betrachtung 


Miklós Peternak. 

We shall survive in the 

memory of others. DVD 

978-3-86560-806-2 

€ 20,– 

Vorwort von Elisabeth Merk. Texte von Akos Moravansky, Joost Meuwissen, 

Werner Sewing, Robert Kaltenbrunner u. a. 

Die Studie untersucht die Einmaligkeit dieser innerstädtischen Freifläche 

(42 Hektar). Seit der Hochzeit des bayerischen Kronprinzen Ludwig im Jahr 1810 

findet dort jährlich das Oktoberfest statt. Doch vor und nach dem Volksfest ist 

die Theresienwiese eine imposante urbane Brache. 

Das Buch zeigt Veränderungen und Planungen der „Wiesn“, beschreibt und vergleicht 

empirisch ihre stadträumliche Struktur, lässt Experten und Laien ihre Eindrücke 

schildern und vertieft die Themen „Aneignung im öffentlichen Raum“, „Freizeit und 

Tourismus in der Stadt“, „Freiräume“ und den „Luxus der Leere“, den sich die Stadt 

München mit diesem Ort leistet.

15,6 x 21,5 cm, 280 pages, 

15 colour and 106 b/w illustrations. 

Softcover 

English 

978-3-86560-859-8 

@ 16,80 


Exhibition Histories vol. 1 

This book inaugurates the Exhibition 

Histories series, which investigates 

shows that have shaped the way contemporary 

art is experienced, 

made and discussed. 

Exhibition Histories ist eine 10-bändige 

Reihe, die der Geschichte der zeitgenössischen 

Ausstellungspraxis gewidmet 

ist. Jeder Einzelband bietet detaillierte 

Analysen historisch bedeutsamer 

Einzel- bzw. Gruppenausstellungen. 


Exhibiting the New Art. 

‘Op Losse Schroeven’ (Amsterdam Stedelijk Museum) and 

‘When Attitudes Become Form’ (Kunsthalle Bern) 1969 

Edited by Afterall Books in association with the Academy of Fine Arts Vienna 

and Van Abbemuseum, Eindhoven. 

Essay by Christian Rattemeyer. Texts from 1969 by Wim Beeren, Charles Harrison, 

Harald Szeemann and Tommaso Trini. New texts by Claudia Di Lecce and Steven ten 

Thije, introduction by Teresa Gleadowe. Interviews with Marinus Boezem, Jan Dibbets, 

Ger van Elk, Piero Gilardi and Richard Serra 

The “new art” of the late 1960s was shown in two landmark exhibitions in 1969: 

Op Losse Schroeven and When Attitudes Become Form. This book reveals how each 

brought together Arte Povera, Anti-Form, Conceptual and Land art, whilst challenging 

such categories and introducing innovative curatorial approaches. Christian Rattemeyer 

offers a rich comparative analysis of the two exhibitions, exploring the related but 

differing approaches of the two curators—Wim Beeren and Harald Szeemann—in two 

distinct institutional settings—the Stedelijk Museum in Amsterdam and the Kunsthalle 

Bern. Numerous installation photographs enable a virtual “walk through” of each 

exhibition, while meticulous chronologies detail the negotiations that shaped them. 

Crucial texts from the time are complemented by new research and fascinating recent 

interviews with participating artists. 


16 x 23 cm, 296 Seiten. 


Deutsch 

978-3-86560-642-6 

@ 19,80 

Kunst / Art 

Frühjahr / Spring 2011 

16 x 23 cm, 144 Seiten, 

mit 16 farbigen Abbildungen, 

Klappenbroschur. 

Booklet mit 7 CDs im Schuber 


978-3-86560-826-0 

@ 19,80 

Kunst / Art 


Die Kunst der Vermittlung. 

n.b.k. Diskurs: Band 5 

Herausgegeben von Sophie Goltz. 

Texte von Irene Below, Ljubomir Bratic, Helmut Draxler, Sophie Goltz, Maria Lind, 

Nora Sternfeld, u. a. 

Kunstvermittlung ist heute institutioneller Imperativ. Ohne sie kommt keine 

Institution mehr aus. Will die Kunstvermittlung heraus aus dem Bildungsimperativ, 

verbindet sie sich mit einem politischen Anspruch an die Kunst, der sich 

bildungstheoretisch verortet. Wie eine solche kritische Kunstvermittlung denkbar 

ist, wird in diesem Sammelband aus verschiedenen theoretischen Perspektiven 

beschrieben und von Kunstvermittlern und Künstlern diskutiert. 

Art education is today an institutional imperative: institutions can no longer manage 

without it. Should art education wish to break away from its educational imperative, 

it would associate itself with a political claim on art that is located within educational 

theory. This anthology of various theoretical perspectives describes how such a form 

of critical art education is conceivable, through discussion between art educators and 

artists. 

• Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.), 2009 

Sounds. Radio – Kunst – Neue Musik. 

n.b.k. Ausstellungen: Band 7 

Herausgegeben und Vorwort von Marius Babias und Katrin Klingan. 

Einführung von Gaby Hartl und Frank Kaspar. Texte von Everett Frost, 

Michael Glasmeier, Petra Maria Meyer u. a., einem historischem Archiv und Hör-CDs 

Die Publikation Sounds. Radio – Kunst – Neue Musik macht Radio als künstlerisches 

Medium erfahrbar. Fünf Radioarbeiten, die im Rahmen des deutsch-tschechischen 

Radiokunstprojekts rádio d-cz 2009 entstanden, liegen der Publikation in fünf Hör- 

CDs bei. In ihnen setzten sich Autoren, Künstler, Hörspieldramaturgen, Geräuschesammler 

und Musiker mit deutsch-tschechischen Lebenswelten auseinander. Im 

Archivteil des Buches werden diese fünf Stücke ihren jeweiligen historischen und 

zeitgenössischen Referenzstücken gegenübergestellt. Ausgewählte Fachautoren 

ergänzen das Hörbare mit Erörterungen zur Geschichte und Gegenwart des Mediums 

Radio im Verhältnis zur bildenden Kunst und zur Neuen Musik. 

Five radio pieces, which were created in 2009 as part of the German-Czech radio art 

project rádio d-cz, are included in this publication on five CDs. Authors, artists, radio 

play dramatists, sound collectors and musicians tackle the differences and interactions 

of life between Germany and the Czech Republic. 


ZKM Karlsruhe, 11.11.2010 – 27.03.2011 


16 x 23 cm, 192 Seiten, 




978-3-86560-749-2 

@ 19,80 

Kunst / Art 

Oktober / October 2010 

16 x 23 cm, 176 Seiten, 



Deutsch 

978-3-86560-815-4 

@ 19,80 

Kunst / Art 



Ciprian Mures¸an. 


Herausgegeben von Marius Babias. 

Texte von Marius Babias, Hedwig Saxenhuber und einem Interview von Raluca Voinea 

Das junge Werk Ciprian Mures¸ans reicht von Zeichnungen und Animationsfilmen 

über Fotografie bis zu Skulptur und Video. Ausgehend von den Veränderungen in den 

postkommunistischen Staaten nach 1989, thematisiert er in seinen Arbeiten Fragen 

kultureller Identität und Prozesse der Vergemeinschaftung. Dabei greift er auf die 

Kunstgeschichte zurück und gelangt so zu eigenwilligen Interpretationen der Gegenwart. 

Seine Arbeiten werden in diesem ersten Werkkatalog systematisch erfasst und 

mit Rekursen auf postkommunistische Gesellschaftsforschung, Globalisierungstheorie 

und deren Überschneidungen mit ästhetischen Diskursen in Beziehung gesetzt. 

Ciprian Mures¸an’s work ranges from drawings and animated films to photography, sculp- 

ture and video. Taking the changes in the post-communist states after 1989 as a starting 

point, his work deals with questions of cultural identity and processes of integration. 

• Ciprian Mures¸an, geb. 1977 in Dej / Rumänien. Lebt und arbeitet in 

Cluj-Napoca / Rumänien. 


Hartmut Bitomsky. 


Herausgegeben von Marius Babias. 

Texte von Hartmut Bitomsky 

Der Filmemacher Hartmut Bitomsky begann im Jahr 1966 sein Studium an der 

Deutschen Filmakademie als Angehöriger des ersten Jahrgangs, dem u. a. Wolf 

Gremm und Wolfgang Petersen angehören. Zu den bekanntesten seiner bisher über 

40 Filme zählt die Deutschland-Trilogie Deutschlandbilder (1983), Reichsautobahn 

(1985, Grimme-Preis in Gold) und Der VW Komplex (1988). Das Buch dokumentiert das 

Schaffen eines der einflussreichsten Dokumentarfilmemacher seiner Generation. 

• Hartmut Bitomsky, geb. 1942 in Bremen. Lebt und arbeitet in Berlin. 

Filmemacher, Produzent, Essayist und Hochschullehrer. 

• Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.), 25.09. – 07.11.2010 


Verantwortlich für das Programm 

sind Matthias Haase, Alexandra 

Heimes, David Horst, Maria Muhle 

und Dirk Setton. 

www.augustbuch.de 

11 x 18 cm, 144 Seiten. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-941360-06-8 

@ 18,– 


November 2010 


August Verlag Berlin 

Imprint im Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln 

Der August Verlag Berlin ist ein Forum für Theorie im Schnittpunkt von Philosophie, 

Politik und Kunst. Die KLEINE EDITION steht in der Tradition des Essays, jenes Genres 

der Intervention, die zu lang für eine Zeitschrift und zu kurz für ein herkömmliches 

Buch ist. Im großen Format werden zeitgenössische Theorie und moderne Klassiker 

veröffentlicht. 

Alain Badiou. 

Kleines tragbares Pantheon 

Althusser, Borreil, Canguilhem, Cavaillès, G. Châtelet, Deleuze, Derrida, Foucault, 

Hyppolite, Lacan, Lacoue-Labarthe, Lyotard, F. Proust, Sartre. Aus dem Französischen 

von Elfriede Müller und David Horst 

Badious textuelles „Pantheon“ ist ein etwas anderes Manifest für die Philosophie. 

Es versammelt Hommagen an vierzehn verstorbene französische Philosophen und 

Philoso phinnen des 20. Jahrhunderts, die zu den unterschiedlichsten Anlässen in den 

letzten 30 Jahren entstanden sind. Badiou beschreibt in diesen Portraits nicht nur das 

intellektuelle Verhältnis, das ihn an deren Erbe bindet; ihm geht es zudem um eine 

Erinnerung an die Höhe, die der Name der „Philosophie“ in ihrem Denken erreicht hat, 

und damit auch um eine polemische Spitze gegen die zeitgenössische philosophische 

Szene in Frankreich. „Aber ich bin glücklich hier zu sagen“, schreibt Badiou, „dass ich 

angesichts der Arzneien, die man uns heute zu schlucken gibt, diese vierzehn toten 

Philosophen, nun, allesamt liebe. Ja, ich liebe sie.“ 

• Alain Badiou ist emeritierter Professor für Philosophie in Paris. Auf Deutsch liegen 

u. a. vor: Das Jahrhundert (2006), Dritter Entwurf eines Manifests für den Affirmatio- 

nismus (2007), Wofür steht der Name Sarkozy? (2008). 


Anselm Haverkamp. 

Begreifen im Bild (Kleine Edition 1). 2009 

978-3-941360-02-0 

€ 9,80 

Barbara Vinken. 

Eine Legende der Moderne. Flauberts 

Einfaches Herz (Kleine Edition 2). 2009 

978-3-941360-03-7 

€ 9,80 

august verlag berlin 

Georges Canguilhem. 

Die Erkenntnis des Lebens. 2009 

978-3-941360-00-6 

€ 29,80 

Volker Pantenburg. 

Ränder des Kinos (Kleine Edition 3). 2010 

978-3-941360-08-2 

€ 9,80

11 x 18 cm, 128 Seiten. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-941360-01-3 

@ 18,– 


November 2010 

11 x 18 cm, 236 Seiten, 

ca. 15 s/w Abbildungen. 

Broschur 

Deutsch 

978-3-941360-05-1 

@ 24,80 


November 2010 


Jacques Rancière. 

Der Hass der Demokratie 

Aus dem Französischen von Maria Muhle 

Als „Hass der Demokratie“ bezeichnet Jacques Rancière den Zusammenhang zweier 

beunruhigender Tendenzen unserer politischen Gegenwart: Während noch vor 

Kurzem ein gemäßigtes Lob der „demokratischen Tugenden“ die offiziellen Diskurse 

bestimmte, scheint nun der wachsende Zweifel an Individualismus und radikalem 

Egalitarismus an seine Stelle zu treten. Dieser „Hass auf die Demokratie“ wird 

begleitet von einem anderen Hass, der von der Demokratie selbst ausgeht – dem 

„Hass der Demokratie“, der in den bewaffneten Versuchen, Demokratie in andere 

Länder zu exportieren, wohl seinen prägnantesten Ausdruck findet. Rancière erkennt 

in beiden Tendenzen aktuelle Formen der Entpolitisierung, die die subversive Kraft 

der demokratischen Idee aushöhlen. In diesem Buch werden sie zum Anlass, weitere 

Facetten seiner politischen Theorie zu entfalten, wie er sie in Das Unvernehmen 

vorgestellt hat. 

• Jacques Rancière ist emeritierter Professor für Philosophie und Ästhetik in Paris. 

Auf Deutsch liegen u. a. vor: Das Unvernehmen (2002), Die Aufteilung des Sinnlichen 

(2006), Das Unbehagen in der Ästhetik (2007). 

Maria Muhle und Kathrin Thiele (Hg.) 

Biopolitische Konstellationen 

Texte von Friedrich Balke, Alain Brossat, Helmut Draxler, Petra Gehring, 

Birgit M. Kaiser, Marcus Krause, Francesca Raimondi, Ute Tellmann. 

Interview mit Jacques Rancière 

Foucaults biopolitische These, dass der moderne Mensch ein Tier ist, in dessen Politik 

sein Leben als Lebewesen auf dem Spiel steht, wurde zum zentralen Bestandteil 

der Diskussion um unsere politische Gegenwart. Dieser Aufsatzband verfolgt nicht 

die Absicht, erneut eine allgemeine Bestimmung der Verfasstheit von Biopolitik zu 

liefern; vielmehr geht es darum, die Wirksamkeiten zu untersuchen, die sich aufgrund 

des engen Bezugs der Macht auf das Leben in allen gesellschaftlichen Bereichen 

entfalten. Anhand von konkreten philosophischen, wissenschaftsgeschichtlichen, 

film- und literaturwissenschaftlichen Analysen hinterfragen die einzelnen Beiträge 

die produktive Funktionsweise der Biopolitik und versuchen zugleich die Gestalt 

möglicher Gegenbewegungen zu denken. 

• Texte: Alain Brossat: Menschliches Pastorat oder „la vie bête“, Friedrich Balke: Henkel 

und Vase. Die Teratologie der Dinge, Petra Gehring: Biopolitik – eine Regierungskunst?, 

Helmut Draxler: In Sorge um das Soziale. Linke Lebensbegriffe und die biopolitische 

Herausforderung und ein Interview mit Jacques Rancière: Biopolitik oder Politik? 

• Maria Muhle ist wissenschaftliche Mitarbeiterin an der Professur Geschichte und 

Theorie Künstlicher Welten, Fakultät Medien, Bauhaus-Universität Weimar. Zuletzt 

ist von ihr erschienen: Eine Genealogie der Biopolitik. Zum Begriff des Leben bei 

Foucault und Canguilhem (2008). 

• Kathrin Thiele ist Assistant Professor in Gender Studies, Utrecht University. Zuletzt 

ist von ihr erschienen: The Thought of Becoming. Gilles Deleuze’s Poetics of Life (2008). 

august verlag berlin 69

Auflage: 10 Exemplare 

Buch und gerahmtes Bild im 

Stülpdeckelkarton, signiert 

und nummeriert. 

Rahmengröße: 30,5 x 43 cm 

@ 1400,– 

Kunst / Art 

Anna Blume, geb. 1937 in Bork. 

Bernhard Blume, geb. 1937 in 

Dortmund. Beide leben und 

arbeiten in Köln und Hamburg. 

Anna & Bernhard Blume. 

SX-70. Polaroids / Polaroids 

et Collages de Polaroids 

33 x 22 cm, 160 Seiten, 



Deutsch / English / French 

978-3-86560-821-5 

@ 38,– 


editionen / vorzugsausgaben 

Anna & Bernhard Blume. 

SX-70. Polaroids 1975–2000. Vorzugsausgabe 

Die weitgehend unbekannten Polaroid-Arbeiten der Blumes verfügen über nicht 

weniger bildnerische Kraft als die monumentalen Werke des Künstlerpaars. Mit 

einem trivialen Unterschied: Es handelt sich einzig und allein um kleinformatige 

Farbfotos. Zugleich banal und kostbar, intim und bizarr, sind diese Polaroids bis 

ins kleinste Detail geplante Miniaturen. 

Diese Vorzugsausgabe enthält sowohl das signierte Buch als auch ein Polaroid-Foto 

mit Passepartout und Glasrahmen. Jedes der zehn Exemplare ist ein Unikat und 

erscheint in einem Stülpdeckelkarton. 


21 x 29,7 cm, 336 Seiten, 

zahlreiche s/w Abbildungen, 

mit eingelegter DVD. 

Hardcover 

Deutsch 

978-3-86560-632-7 

@ 48,– 


Oktober / October 2010 

Jonathan Meese, geb. 1970 

in Tokio. Lebt und arbeitet 

in Berlin und Hamburg. 


Mama Johnny. Hamburg, 

Deichtorhallen. Engl / Franz. 2008 

978-3-86560-212-1 

€ 49,80 

Totale Neutralität. 2008 

978-3-86560-506-1 

€ 39,80 

Vorzugsausgabe Totale Neutralität. 

Titelei bemalt. 2008 

€ 150,– 

23. Januar 1970. XXL Edition. 2008 

978-3-931355-45-6 

€ 150,– 

Das Theater ist ein Tank … 2007 

978-3-931355-40-1 

€ 24,80 

General Tanz. 2006 

978-3-931355-31-9 

€ 20,– 


bereits angekündigt / previously announced 

Jonathan Meese. 

Diktatur der Kunst. Das radikalste Buch 

Texte von Jonathan Meese und Jan Bauer. Mit eingelegter DVD 

mit Performance-Videos 

„Die Diktatur der Kunst ist das Radikalste, das jemals seit Menschengedenken 

formuliert wurde.“ Was Jonathan Meese zur Veröffentlichung dieser Behauptung 

veranlasst, ist aus seinem wohl bisher frechsten und radikalsten Künstlerbuch zu 

erfahren. Schonungslos wettert er gegen alle historischen und gegenwärtigen 

Gesellschaftsordnungen und erklärt sie für gescheitert und auch für die Zukunft 

völlig unbrauchbar. 

Meese wäre jedoch nicht Meese, würde er es nur wie viele seiner Zeitgenossen 

beim Anprangern bzw. „schöngeistigen Reflektieren“ der bestehenden Verhältnisse 

belassen. Seinem metabolischen Denken und Handeln verdankt er schließlich die 

Erkenntnis von der Herrschaft einer Sache. Dieses Prinzip legt Meese auf alle unsere 

politischen Herrschaftsformen um und proklamiert, dass weltweit alle Menschenmachtsfanatistenpolitiker 

abdanken und ihre Macht einer Sache übertragen sollen. 

Und diese alles überragende, von Menschenmacht vollkommen unabhängige Sache 

sieht Jonathan Meese in nichts anderem als in der Kunst. Der Sache Kunst jegliche 

politische Menschenmacht zu schenken und von da an über alle und alles diktatorisch 

regieren zu lassen, sagt Jonathan Meese, sei die ultravisionärste Totalutopie aller Zeiten. 

Mit der Herausgabe dieser Kampfschrift, sagt er, könne niemand mehr behaupten, 

dass er von nichts „was gewusst“ haben will. 

“The Dictatorship of Art is the most radical ever formulated since the beginning of 

human thought.” What provokes Jonathan Meese to make this assertion can be 

discovered in this, his most insolent and radical artist’s book to date. He relentlessly 

rages against all historical and contemporary social orders and declares them failed 

and henceforth completely redundant. 


Hans Belting. Der Blick hinter 

Duchamps Tür 

15 x 23 cm, 192 S., 65 Abb., 

gebunden 

978-3-86560-488-0 (D) 

978-3-86560-605-1 (GB) 

@ 29,80 

Be Nice Share Everything 

Have Fun 

22,5 x 30 cm, 314 S., zahlreiche 

farb. Abb., broschiert 

978-3-86560-771-3 

@ 39,80 

Hans-Peter Feldmann. 

Another Book 

23 x 29,5 cm, 268 S., durchgehend 

illustriert, gebunden 

978-3-86560-738-6 

@ 39,80 

Roni Horn. Well and Truly 

26 x 23,5 cm, 168 S., zahlreiche 

Abb., broschiert 

978-3-86560-816-1 

@ 44,– 

72 


aus unserer backlist / from our backlist 

Richard Deacon. 

The Missing Part 

25 x 28 cm, 278 S., 307 meist 

farb. Abb., gebunden 

978-3-86560-757-7 (D) 

978-3-86560-793-5 (GB) 

@ 39,80 

A Bit of Matter and 

a Little Bit More 

Daled Colletion. 

20,5 x 27 cm, 456 S., 

192 farb. Abb., broschiert 

978-3-86560-763-8 

@ 68,– 

Robert Storr. September – 

Gerhard Richter 

18 x 23 cm, 96 S., 50 farb. 


978-3-86560-792-8 

@ 19,90 

Olafur Eliasson. 

Innen Stadt Außen 

24 x 30 cm, 424 S., 212 farb. 


978-3-86560-765-2 

@ 48,– 

Variantology 4. 

On Deep Time Relations 

KWB 45. Zielinski / Fürlus 

15,5 x 23 cm, 518 S., 136 farb. Abb., 

broschiert 

978-3-86560-732-4 

@ 48,– 

Sixties Fashion 

24 x 19 cm, 128 S., 152 Abb., 

broschiert 

978-3-86560-798-0 

@ 24,80 

Ruhrblicke. Ruhr Views 

22 x 28,5 cm, 224 S., 192 farb. 

Abb., gebunden 

978-3-86560-741-6 

@ 39,80 

Chipperfield / Höfer. 

Neues Museum Berlin 

17 x 24 cm, 288 S., 176 Abb., 

broschiert 

978-3-86560-704-1 (Engl.) 

@ 38,– 


Galerie Neue Meister Dresden. 

Bestandskatalog 2 Bde. 

14 x 22 cm, insg. 1.524 S., 

3550 Abb., broschiert. 

Bd.1 978-3-86560-736-2 

Bd.2 978-3-86560-737-9 

zusammen: @ 58,– 

Sonic Youth. Sensational Fix 

18 x 18 cm, 784 S., 700 farb. 

Abb., gebunden 

978-3-86560-539-9 

@ 58,– 

Gregor Schneider. END 

27,5 x 37,5 cm, 208 S., 

350 Abb., gebunden 

978-3-86560-422-4 

@ 38,– 

Wolfgang Tillmans. 

Serpentine Gallery 

22 x 25,5 cm, 128 S., 90 Abb., 

broschiert 

978-3-86560-853-6 

@ 19,80

Index 

A 

Afropolis . . . 11 

August Verlag Berlin . . . 68f. 

B 

Badiou, Alain . . . 68 

Bernadette Corporation . . . 25 

Biopolitische Konstellationen . . . 69 

Birnbaum, Charlotte . . . 58f. 

Bitomsky, Hartmut . . . 67 

Blume, Anna & Bernhard . . . 70 

Bock, John . . . 36 

Bon! Bon! . . . 58f. 

Bonvicini, Monika . . . 19 

Bouchet, Mike . . . 56 

Braun, Matti . . . 47 

Broodthaers, Marcel . . . 5 

C 

Cooke, Nigel . . . 29 

D 

Demand, Thomas . . . 4 

E 

Elmgreen & Dragset . . . 26f. 

Estermann, Lorenz . . . 44 

Exhibiting the New Art . . . 65 

ExPORT, VALIE . . . 6f. 

F 

Farocki, Harun . . . 50 

Fetting, Rainer . . . 47 

Flusser Lectures . . . 64 

G 

Gender Check . . . 57 

Genzken, Isa . . . 56 

Gilbert & George . . . 1 

Goldstein, Zvi . . . 51 

Gormley, Antony . . . 45 

H 

Hecker, Florian . . . 46 

Home is Anywhere . . . 12f. 

J 

Jahresring . . . 15 

Jarman, Derek . . . 16f. 

Jeder Künstler ist ein Mensch . . . 54f. 

K 

Kapoor, Anish . . . 22 

Kentridge, William . . . 53 

Kern, Ralf . . . 60f. 

Kinoshita, Suchan . . . 46 

Klein, Yves . . . 52 

Konzept Aktion Sprache . . . 57 

Kunst der Vermittlung . . . 66 

Kunstwissenschaftliche Bibliothek 

(KWB) . . . 62f. 

L 

Lassnig, Maria . . . 9 

Lidén, Klara . . . 24 

M 

Maiolino, Anna Maria . . . 33 

Meese, Jonathan . . . 37, 71 

Mikhailov, Boris . . . 20f. 

Morris, Robert . . . 24 

Mures¸an, Ciprian . . . 67 

My Work and Me . . . 15 

N 

Näher, Christa . . . 58f. 

Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.) . . . 66f. 

Niedermayr, Walter . . . 43 

Nitsche, Frank . . . 44 

Nouvel, Jean . . . 23 

P 

Parreno, Phillippe . . . 63 

Potosí-Prinzip . . . 10 

R 

Raising Frankenstein . . . 51 

Rancière, Jacques . . . 69 

Richter, Gerhard . . . 2f. 

Riout, Denys . . . 52 

Rothschild, Eva . . . 28 

S 

Schafaff, Jörg . . . 63 

Scheibitz, Thomas . . . 38f. 

Schmidl, Martin . . . 62 

Schmidt, Dierk . . . 30 

Schulze, Andreas . . . 48f. 

Shore, Stephen . . . 42 

Sounds . . . 66 

Stingel, Rudolf . . . 31 

Sukka / Sukkah . . . 12f. 

T 

Theresienwiese . . . 64 

Trouvé, Tatiana . . . 32 

V 

Vorspannkino . . . 18 

W 

Wellner, Mathieu . . . 64 

Welt aus Schrift . . . 34f. 

West, Franz . . . 40f. 

Williams, Christopher . . . 8 

Williams, Emmett . . . 14 

Wissenschaftliche Instrumente . . . 60f. 

Z 

Zielinski, Siegfried . . . 64

Peter Fischli / David Weiss. 

Findet mich das Glück? 

10,5 x 14,5 cm, 168 S., 168 Abb., 

broschiert 

978-3-88375-630-1 

@ 9,95 

verlag der buchhandlung 

walther könig, köln 

Ehrenstraße 4, d-50672 Köln 

tel. +49 (0)221 205 96 53 

fax +49 (0)221 205 96 60 

verlag@buchhandlung-walther-koenig.de 


Will happiness find me? 

10,5 x 14,5 cm, 168 S., 168 Abb., 

broschiert 

978-3-88375-723-0 

@ 12,95 


Mi trova la fortuna? 

10,5 x 14,5 cm, 168 S., 168 Abb., 

broschiert 

978-3-88375-730-8 

@ 12,95

Italienische Brüse in der Sonne - Buchhandlung Walther König

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